Campo Teatral Espacio que promueve el teatro en su máximo esplendor
Reportaje Teatro de calle Espacios teatrales Teatro Teresa Carreño Entrevista Jorgita Rodríguez Crítica teatral El Rompimiento
Personajes emblemáticos
José Ignacio Cabrujas Edición I- Año I-Maracay 30-07-2014
Campo Teatral Directorio Edición 1 Julio 2014 Maracay-Venezuela Dirección Editorial Yaní González Editor: Yaní González Jefe de Redacción Yaní González Reportera Yaní González Diseño y Diagramación Yaní González
Espacio que promueve el teatro en su máximo esplendor
Editorial Si hay algo que da muestra de nuestro pasado, presente y futuro es el arte, su evolución, candidez y expresividad, una fiel representación de esto es el teatro. Es por ello, que a partir de este momento y de la mano de la era digital, Campo Teatral se une a esta corriente escénica que conjuga emotividad, esencia, histrionismo, talento y lujo. Con el propósito de dejar una huella impregnada de arte fortalecida en valores y afianzada en ese inminente deseo de informar y apostar a lo hecho en casa. Campo Teatral, acapara todos los estándares de diseño, contenido, formato y atractivo que brinda sus espacios a la más completa y nutrida gama informativa, donde este género artístico no sólo es el plato fuerte que usted podrá degustar gracias a una exquisita recopilación informativa plagada de historia pero adaptada a las tendencias Web de la época. Como medio especializado digital, lo más importante es que usted amante del teatro tenga al alcance de sus manos todo lo que representa el teatro a escala nacional, con el deseo de ser una ventana abierta al mundo de lo que fue, es y sigue siendo el teatro. Sean todos bienvenidos y que comience esta maravillosa experiencia hecha pensando en usted, póngase cómo y disfrute de esta interminable función que está por comenzar.
Sumario Opinión
El teatro involucra esfuerzo y dedicación
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Critica teatral
El Rompimiento
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Opinión
Medios de comunicación en la promoción del teatro
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Personajes emblemáticos
Elias Peréz Borjas
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Institutos teatrales
Teatrophia
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Talento emergente
Laura Bolívar: “Siempre supe que quería dedicarme al teatro” 12 Reportaje
Técnicas de actuación
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Reportaje
Teatro de calle
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Entrevista
Jorgita Rodríguez: “Cada día el teatro cobra más fuerza”
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Espacios teatrales
Teatro Teresa Carreño
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Reportaje
Géneros teatrales
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Personajes emblemáticos
José Ignacio Cabrujas
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Reportaje
“Rajatabla es referencia del teatro venezolano”
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Reportaje
Venezuela cuenta con calidad teatral
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Crítica teatral
Piso 5
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Curiosidades
La estética teatral
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El teatro involucra esfuerzo y dedicación
Opinión
Yaní González
H
acer teatro es una actividad que implica pasión y dedicación, puesto que para montar una pieza hace falta el trabajo de un equipo que realice sus funciones como es debido. Muchos pensarán que las obras de teatro salen a flote únicamente por la representación de los actores, pero la realidad es que el escritor, director, productor y muchos otros, son necesarios para presentar una puesta en escena. Como amante de las artes escénicas, sé que en una obra de teatro es imprescindible que cada uno muestre interés en su labor, así como también debe existir el buen trato dentro del grupo de trabajadores; se trata de respetarse unos a otros. El peso de una obra no recae en una sola persona, la realidad es que todos son responsables del éxito de las piezas teatrales, desde el que escribe, hasta los encargados del área de utilería y maquillaje, porque cada uno tiene un papel fundamental que debe ser valorado. He asistido al teatro en reiteradas ocaciones y quedo encanta con lo he visto y aunque parezca una actuación de minutos, se nota que es un trabajo de meses, en el que no dudo que muchos se esfuercen para que el resultado final quede de la mejor manera. Particularmente, soy de las personas que considera que en teatro vales lo que has puesto sobre un escenario, la idea es mostrar el ímpetu que cada uno tiene, para que la audiencia no haga críticas negativas sino constructivas y para ello debe haber coordinación, disciplina, compromiso y las ganas infinitas de querer hacer las cosas bien.
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Yaní González
Opinión
Medios de comunicación en la promoción del teatro
Promover las manifestaciones culturales debería ser el trabajo de los medios de comunicación, porque se daría a conocer las prácticas que envuelven las bellas artes, entre estas el teatro, un movimiento artístico de gran envergadura. Es sorprendente ver como los diarios, programas de televisión y espacios radiales prefieren difundir cualquier otra temática en lugar de enfocarse en el ámbito cultural. La idea es que hablen sobre la esencia de las artes dentro de estas pueden incluir al teatro, al destacar las obras que serán presentadas, los actores que están desarrollándose, los espacios que serán reconstruidos, las escuelas de formación, en fin tratar todo aquello que involucre al teatro. La necesidad comunicacional de informar acerca de este movimiento artístico, es fundamental que se rescate por parte de los medios de comunicación y también de periodistas, ya que el hecho de interesarse en este tema los puede llevar a crear espacios donde se dé a conocer este arte escénico, a través de la creación de micros informativos en radio y televisión, agenda de actividades en los periódicos y poco a poco lograr abarcar más contenido sobre este género literario. Aun cuando algunos programas les permiten a los actores y actrices invitar al público a las obras de teatro, la intención no debería ser sólo un soporte publicitario, la idea es abarcar espacios donde aparte de atraer a la audiencia, se hable de la pieza teatral, del trabajo que se realizó, quienes participaron, en qué salas se van a presentar y escuchar sus experiencias al respecto. Lo importante es que los medios de difusión, no pierdan el interés por la esencia cultural, que los periodistas se tomen el tiempo de investigar y por lo menos incluir en la sección de espectáculos de los noticieros un segmento donde mencionen las técnicas teatrales, las actividades que hacen las escuelas de teatro y entrevistar a talentos emergentes.
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Asimismo, los diarios y emisoras a escala nacional pueden incluir información teatral, sin descartar otros tópicos que también puedan generar interés social, sin embargo se hace hincapié en mostrar las expresiones culturales que son tan importante para la sociedad.
Crítica Teatral
El Rompimiento Ficha técnica: Intérpretes: Adalhiza Herrera Dixon Herrera Sabrina Herrera Alirio Aguilera Karina Saltarín Jhonny Romero Producción general: Paul Williams Producción ejecutiva: Luis Santiago Iluminación: Edison Mejías Musicalización: Edison Mejías Agrupación: Teatro del Gato Negro Estado: Miranda Dirección: Paul Williams Autor: Rafael Guinand
El Rompimiento, es una obra teatral enmarcada en el siglo XX cuya historia se centra en una familia caraqueña humilde pero con valores morales, quienes hacen todo lo posible para que Tomasita la pequeña de la casa, no caiga en los encantos del singular Narciso Esparragosa.
materiales decorativos y de utilería. Con respecto a la musicalización, el público aplaudía al escuchar los pasodobles, valses venezolanos y canciones propias de la Caracas de aquellos tiempos, que iban acorde con la puesta en escena. El vestuario es otro elemento importante que los actores supieron cuidar, ya que fue propio de la época. A su vez, la iluminación fue Entre diálogos, cantos y bailes transcurrió esta pieza escrita por pertinente en toda la obra. Rafael Guinand en 1916, donde la comedia y los aplausos se hicieron De esta manera, la pieza teatral sentir, al ver las ocurrencias de los r e p r e s e n t a t i v a d e l s a i n e t e personajes como la tía Ramona, el venezolano, dirigida por Paul tío Don Hilario, la vecina Catalina Williams y que fue expuesta en el Mijares y Braulio el sirviente de la Festival de Teatro de Caracas 2014 casa de Ramona, quienes tratan de por la agrupación “Teatro del Gato alertar a Tomasita de no creer en Negro”, entre humor y el buen Narciso, ya que éste enamora y manejo del discurso fascinó a los embarca a más de una mujer.El p r e s e n t e s , g r a c i a s a l trabajo actoral en conjunto fue d e s e n v o l v i m i e n t o d e l o s acoplado, individualmente cada personajes, quienes en conjunto personaje le añadió su particularidad con un equipo técnico lograron que y supieron manejar sus movimientos los espectadores se culturizaran corporales. Además, el escenario con la manera de vivir de las estaba acorde con la época antigua, familias de la Caracas del siglo con elementos como, una mesa, XX. sillas, cuadros , entre otros
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Personajes EmblemĂĄticos
Elias PerĂŠz Borjas
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Foto: Samuel Dembo
Talento y constancia son términos que definen a Elías Pérez Borjas, gerente, promotor cultural, teórico de la danza, productor de teatro y cinematográfico, quien nació en caracas en 1932 y cuyos padres fueron Enrique Antonio Pérez y Rosa Elena Borjas.
desempeña como gerente general del Teatro Teresa Carreño, juramentado por el Ministro de Estado para la Cultura y Presidente del Conac, Ignacio Iribarren. Entre las funciones que ejerció, fue motivar al sector público en materia cultural, al invitar a la comisión de cultura del Congreso Nacional, para que visitaran el teatro y Fue gracias a David Grey, Henry Danton, Igor Yuskievich y adelantaran la conclusión del edificio. Fernando Alonso, representantes de la danza clásica, quienes lo acercaron al mundo de las artes escénicas. A su Una vez reabierto el teatro, Pérez consiguió que el sector vez, Merce Cunnigham y Ana Sokolov lo impulsaron a la privado se interesara en el financiamiento de espectáculos danza moderna. Es así, como entre 1954 y 1957 fue el de danza, música y ópera. De esta forma, logró que el gerente general del "Ballet Nacional de Venezuela", Teresa Carreño se convirtiera en un espacio de expresión destacándose en la danza contemporánea. artística y de gran relevancia para el pueblo venezolano. A finales de 1957 instauró la compañía de teatro "El Nuevo Grupo", en conjunto con Isaac Chocrón, Román Chalbaud y José Ignacio Cabrujas. Estos notables personajes lograron participar con esta agrupación, en el Festival de Teatro de Nueva York bajo una producción de la coreógrafa norteamericana Anna Sokolow y del propio Pérez Borjas.
Asimismo, en 1988 este personaje inauguró una sala de exposiciones, que cuenta con dos modestas muestras de las pertenencias de dos insignes músicos venezolanos: una dedicada a la pianista Teresa Carreño y otra al compositor Reynaldo Hahn.
En 1973 fue un año significativo para este notable hombre, puesto que María Cristina Anzola, le plantea la creación de una compañía de ballet en Venezuela que tuviera trascendencia internacional, éste decide apoyarla y juntos inician la programación y realización de la Reseña Nacional de Danza de 1974. Ambos invitaron a la bailarina Zhandra Rodríguez a que participara en las funciones programadas, quien aceptó formar parte de esa propuesta. Ese mismo año, en los Estados Unidos, dos compañías de ballet entraron en crisis, Elías aprovechó esa oportunidad y se reunió con Vicente Nebrada para ofrecerle el puesto de coreógrafo residente. De esta manera, la constitución del Ballet Internacional de Caracas se desarrolló gracias al éxito de la presentación de Zhandra, junto con el empuje de María Cristina y Elías, la aceptación de Vicente, la crisis de las compañías estadounidenses y el apoyo económico del Estado venezolano. Finalmente en julio de 1975 iniciaron el trabajo en la nueva compañía con Vicente como director artístico, Zhandra como bailarina estrella, Elías como gerente general hasta 1980 cuando la compañía cierra por conflictos internos. Pero su gran apogeo fue en junio de 1984, año en que se
Este creyente de las artes escénicas, gracias a su gran dedicación realizó varios aportes, entre estos, promover el primer Congreso Latinoamericano de Danza, “redefinición de la danza del continente”, el primer Seminario Nacional de Directores de Cultura, el primer encuentro Latinoamericano y del Caribe de Administradores de Cultura de los Servicios Culturales y Animadores Socio-culturales; la tercera Conferencia Interamericana de Especialistas de Ballet, el tercer Concurso Internacional de Canto Luciano Pavarotti, el primer encuentro de Amigos de la Cultura, el primer Congreso Latinoamericano de Medicina del Arte, el octavo concurso Latinoamericano de Piano Teresa Carreño organizado por la Fundación Carlos y Alegría Beracasa, todos ejecutados en las instalaciones del Teatro.
Borjas se desempeñó como productor, director de escena, iluminador y asistente de dirección de teatro, participó en Para 1968 Borjas se convierte en el director fundador de la veinte obras de destacados dramaturgos venezolanos y Escuela Nacional de Danza del Instituto Nacional de colaboró en la dirección escénica de producciones de Cultura y Bellas Artes (INCIBA), hasta 1971. ópera y de cine.
En enero de 1993 fallece a consecuencia de un infarto al miocardio, mientras dirigía un ensayo de la Compañía Nacional de Teatro en una de las salas del Teatro Teresa Carreño.
“Su gestión frente al teatro Teresa Carreño ha sido considerada como el inicio en Venezuela de la gerencia teatral con criterio moderno. Su idea fue la de trascender la concepción de que el Teresa es un teatro” Jesús Eloy Gutiérrez 9
Institutos Teatrales
Teatrophia
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Obra:"Dijana Akua"
"Creando artistas integrales” Daniel Vasquez, director de teatrophia En varios estados del territorio nacional, existen grupos teatrales cuyo propósito es formar a niños, jóvenes y adultos en las artes escénicas y presentar piezas dentro y fuera de la región a la cual pertenecen. Tal es el caso, de la agrupación Teatrophia, la cual inició sus actividades en enero del 2004 de la mano del director y fundador Daniel Vásquez. Teatrophia se encentra ubicada en Maracay, estado Aragua y desde sus inicios han desarrollado varios eventos en el ámbito teatral. El 28 de marzo del 2004 con la obra “Extractos a la Roca”, la agrupación se da a conocer en la III Muestra Regional de Teatro, dicha pieza comprendía textos de dramaturgos venezolanos, basados en temas relacionados con la prostitución y las drogas; participaron tres actrices y cuatro actores, quienes eran los primeros integrantes del grupo.
arte de la actuación y con ello impactar positivamente en los espacios comunitarios de acción dentro de su área de influencia. En este sentido, Teatrophia con el fin de consolidarse, en el año 2008 arranca con los talleres de formación en varias áreas: danza árabe, salsa casino, locución y animación, flamenco, hip- hop, canto, producción artística y diseño de modas. El siguiente año, hacen alianzas con colegios y liceos de los barrios del sur de Maracay, estado Aragua para desarrollar programas que acercaran a los niños y jóvenes al mundo de las artes escénicas. Es así, como este grupo de teatro ha crecido con el pasar de los años y hoy más que nunca buscan fortalecerse como medio, donde las personas aprendan y desarrollen sus capacidades en el mundo de las artes. Teatrophofia tiene como premisa “Creando Artistas Integrales”, ya que su objetivo radica en enseñar a sus integrantes en materia de actuación, canto, baile, modelaje, música, entre otras. Dentro de los cursos que el grupo dicta, se encuentran los integrales e individuales, según la escogencia de cada persona. En el caso del curso integral, abarca clases de actuación, canto, bailes modernos y modelaje. A su vez, estas áreas pueden ser aplicadas de forma individual, de acuerdo al interés de cada alumno.
Posteriormente, desarrollaron obras de teatro con la misión de formar a niños, niñas, adolescentes y adultos en las técnicas y herramientas del arte teatral y promocionar su aprendizaje a través de la presentación pública de espectáculos. De acuerdo a la misión que ellos mismos establecieron, la agrupación en el año 2006 participa en la I Muestra de Talento Aragua, realizado en el teatro Ateneo de Maracay. En el 2007, se enfocan en espectáculos infantiles, basándose en personajes de la televisión, con contenidos educativos y que promovieran En definitiva, Teatrophia es una agrupación encabezada valores. De tal manera que, presentaron los siguientes por su director y profesores que brindan la oportunidad montajes “Barney en Felicilandia”, “Kids Mania”, a personas interesadas en las artes escénicas, de “Carnaval de Colores”, entre otros.El grupo establece formarse y presentar piezas de teatro, de modo que como visión, convertirse en un ámbito formativo de demuestren sus talentos en un escenario y ante un referencia para todos aquellos que deseen aprender del público.
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Talento Emergente
Laura Bolívar
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“Siempre supe que quería dedicarme al teatro”
Pasión y entrega son palabras que varias… (risas) definen a Laura Bolívar, joven guariqueña, comunicadora social, -De todas las obras en las que has actriz y de espíritu alegre, que día a intervenido, ¿de cuál guardas un día sorprende a sus familiares y especial recuerdo? amigos con su talento sobre las tablas. -Siempre recuerdo un monólogo que hice de “Marisela”, la hija de Doña Con 23 años de edad y con un futuro enriquecedor, esta singular chica Bárbara. Me parece que es un demuestra de qué está hecha al personaje muy bello, aún puedo participar en más de 8 piezas teatrales recordar como comenzaba: “De que le han dado la oportunidad de mañanita me levanto a bañarme, expresar su capacidad como actriz, al sabrosa esa agua friíta”; eso fue hace personificar varios personajes de la 7 años. Con ese personaje me divertí mano de grandes mentores del área mucho, porque era una chica mal teatral. Desde niña se interesó por las hablada, con pocos modales, muy artes escénicas y desde entonces ha ilusionada, enamorada de Santos participado en puestas en escenas que Luzardo y pude experimentar muchas han sido proyectadas no sólo en su cosas con ella, además fue mi primer ciudad natal Guárico sino en la capital monólogo.
cumplir su sueño y no consiguen las oportunidades, sólo quienes se esfuerzan realmente, hacen sacrificios, son disciplinados y saben utilizar su talento, llegan lejos. -¿Cuáles son tus próximos proyectos? -Más adelante me gustaría hacer televisión y cine. No me quiero encasillar, quiero hacer comedia, drama, acción. Es muy bonito cuando una actriz puede dedicarse a varias cosas y diferentes géneros, creo que eso es lo que define cuan talentosa es. -¿Qué consejos les darías a los lectores de esta revista, que luchan por materializar sus sueños?
caraqueña.
-Que sean constantes. Deben -¿Llega un actor a meterse a fondo en prepararse, esforzarse y tomar Actualmente ejerce el periodismo de el personaje? riesgos. Uno tiene que apostar y manera audaz, pero no descuida el -Depende qué tan a fondo. Es exponer lo que eres en ese momento campo teatral y sigue con sus n e c e s a r i o d e s c o n e c t a r s e d e l por aquello que quieres ser. No prácticas de actuación. personaje cuando bajas del escenario e s p e r e n q u e l e s l l e g u e u n a Laura Bolívar, una soñadora porque no puedes arrastrar problemas oportunidad, salgan a buscarlas incansable, opinó acerca de su amor del personaje a tu casa. Depende del ustedes mismos. por el teatro y su participación en trabajo de cada actor. obras que humildemente ha -¿Qué ha supuesto para ti actuar al representado. lado de otros actores de notable nivel -¿Cómo surge tu vocación por el dentro del panorama artístico? teatro?
-Un aprendizaje que trato de aprovechar al máximo. Es un honor trabajar con personas que crecí admirando como por ejemplo Javier Vidal, Francis Romero o José Luis Useche.
-Desde que tengo uso de razón. No tengo una anécdota que me haya hecho decidirme, siempre supe que quería dedicarme al teatro. Cuando estaba en el colegio si necesitaban a una niña para hablar en público o -Talento o esfuerzo. ¿Qué consideras decir una poesía, esa quería ser yo… que tiene más importancia? (risas)
-Sin duda que el esfuerzo y no es que le quite importancia al talento, por supuesto que no, es absolutamente -Creo que como en 10, no recuerdo bien. Si no recuerdo bien es bueno necesario, pero en la calle hay miles porque quiere decir que he hecho de personas talentosas que quieren -¿En cuántas obras has actuado?
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Reportaje
T茅cnicas de actuaci贸n
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Los actores de teatro a la hora de representar un personaje recurren a diversas técnicas, a pesar que cada uno posee un talento en particular, estas prácticas contribuyen al desarrollo de un buen texto o una escena en el teatro. Si bien es cierto que algunos actores prefieren ser natural en sus interpretaciones y tienen buen registro ante cámaras, es necesario que tengan conocimiento de las técnicas para actuar, además que es enriquecimiento profesional. Muchas de los métodos de actuación nacen a raíz de teorías pertenecientes al psicoanálisis y por grandes directores d e t e a t r o c o m o S t a n i s l a v s k y, Grotowsky y Artaud. A continuación se explicará cuales son dichas técnicas. El sistema Stanislavski Este método fue desarrollado por actor y director ruso Konstantín Stanislavski (1863-1938), quien destaca la búsqueda de la verdad, el actor debe revisar internamente sus emociones, representar, investigar, construir y sentir al personaje, que se interese por la obra como si fuera una situación real que interpreta con pasión y honestidad. Esta técnica posee unos principios propuesto por Stanislavski, entre estos, la concentración, sentido de la verdad, circunstancias dadas, relajación, trabajar con los sentidos, comunicación y contacto, unidades y objetivos, estado mental creativo, trabajar con el texto del libreto y lógica y credibilidad. En este sentido, el actor debe liberar sus emociones reales para desarrollar una convincente interpretación, a su vez debe trabajar con los sentidos, relajarse, revisar el libreto, hablar con naturalidad y convencer a su interlocutor en escena. El modelo de Antonin Artaud Antonin Artaud, poeta, dramaturgo y actor nacido en Francia en 1896, propone este método, el cual consiste en afectar al público a través de la obra,
por lo que lleva a utilizar formas de luz, sonido y ejecución extrañas y perturbadoras, todo esto lo relacionaba con el “Teatro de la Crueldad”. Este procedimiento nace de la ideología dadaísta que posteriormente se vio nutrida de manera recíproca con la corriente del surrealismo, estas visiones antiburguesas de la vida y el arte se impregna la totalidad de su propuesta. Los actores que trabajan con esta técnica tratan de buscar su propia liberación a través de rituales y tratan de interactuar con la tierra, el fuego y el aire, para que la audiencia se conecte con lo que percibe y se aleje de la realidad. El modelo de Jerzy Grotowski El director de teatro Jerzy Grotowski nació en Polonia en 1933, fue una destacada figura en el teatro y desarrolló un modelo de actuación el cual propone que el actor se muestre tal como es, se libere de todo objeto material y literalmente quede desnudo de mente y alma. Se trata de apartar elementos externos como el maquillaje, luces y ambientación sonora, ya que es el actor quien debe iluminar el escenario, construir de manera eficiente al personaje y tomar los riesgos que sean necesarios para alcanzar tal fin. La técnica formal de Diderot
desarrolló en conjunto con Ferdinando Taviani y Nicole Savarese la antropología teatral. Barba explicaba que las acciones físicas de los actores deben ser movimientos lógicos, de manera que lo que desean expresar sea captado por el público. Meyerhold y la biomecánica Vsévolod Meyerhold, nació en Rusia en 1874, actor y director de teatro quien diseño el modelo de la biomecánica, el cual se basa en el entrenamiento del actor, quien debe conocer su cuerpo y controlar sus movimientos de manera ordenada y consciente. Esta técnica posee tres elementos clave que son, la intención que implica la etapa creativa, la realización que implica el manejo de reflejos vocales, movimientos y desplazamientos en el escenario y la reacción que se basa en preparar al equipo de producción y actores a un nuevo ciclo de interpretación en la obra que se desarrolle. Peter Brook y el espacio vacío Peter Brook nació en Londres en 1925, director de teatro quien propuso el método del espacio vació, el cual se fundamenta en la capacidad que tiene un actor de escoger cualquier espacio vacío como, parque, calles o desde su hogar, donde puede explotar su talento y abarcar todo el espacio que tengan disponible para interpretar a su personaje e interactuar con el público que se encuentra presente en el lugar. Cabe destacar, que si lo desean pueden utilizar otros elementos exteriores que complemente lo que desean expresar.
El francés Denis Diderot nació en1713, fue un importante director de teatro quien propuso un modelo de actuación, cuyo objetivo es que los actores creen a sus personajes de manera que convenza al público, dado su aspecto físico, vocal y gestual, para luego vestirlo, maquillarlo y ubicarlo en un ambiente que se relacione con lo En definitiva, estas técnicas son de gran que se quiere expresar, siempre que se ayuda para las actrices y actores de t e n g a c o m o b a s e a l g u i ó n teatro a la hora de interpretar un preestablecido. personaje, incluso pueden incluir Eugenio Barba y las acciones físicas varias de ellas siempre y cuando se adecuen al guión establecido de una Eugenio nació en Italia en 1936, se determinada obra. desempeñó como director teatral y
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Reportaje
Teatro de calle 16
Foto: Carlos GarcĂa
“El teatro no se hace para contar las cosas, sino para cambiarlas”. Vittorio Gassman
Representar historias ante público no necesariamente se realiza en los espacios internos de un teatro, muchos actores y agrupaciones hacen uso de zonas al aire libre como, calles, parques, plazas, recintos universitarios, canchas, mercados, estaciones de metro, entre otros lugares, con el propósito de ofrecer un espectáculo lleno de magia, dramatización, baile y canto. El teatro callejero se remonta en el siglo VI a. C. cuando el poeta griego llamado Tespis, hace uso de un carro como escenario en la plaza del mercado de Atenas. Posteriormente, en la Edad Media se desarrollaron ceremonias religiosas, donde se intentaba poner en actos lecturas de las escrituras bíblicas. Mientras que, el teatro religioso evolucionaba, se hicieron notar nuevas manifestaciones profanas pero que se desarrollaron en otros lugares como, pórticos de las iglesias, plazas y calles de ciudades y pueblos, debido a lo inconveniente que podía resultar la representación de ciertos temas dentro de las iglesias. De esta manera, el teatro de calle ha crecido y actualmente es visto en países del mundo, entre esos Venezuela, donde los actores más que entretener a los espectadores, deben ofrecer una propuesta y una puesta en escena que no sólo se improvise, sino que sea trabajada para lograr una buena escenificación. En este sentido, se pueden realizar actos dramáticos, cómicos, tragicomedias o musicales que tengan un contenido, bien sea informativo, reflexivo, educativo o recreativo. El trabajo del actor es muy importante en cualquier puesta en escena, ya que éste debe
poseer conocimientos de actuación, expresión corporal, voz y dicción e incluso que tenga la capacidad de interactuar con el público cuando sea necesario, es decir, en las obras se debe seguir un diálogo, pero de vez en cuando se recurre a involucrar a los espectadores para hacer más entretenidas las piezas teatrales. Aun cuando muchas agrupaciones prefieren los recintos públicos en vez de los espacios internos de un teatro, se debe cuidar varios aspectos como por ejemplo tratar evitar una iluminación que no escandile a la audiencia, proyectar la voz de acuerdo al espacio destinado, saber manejar los movimientos corporales, ya que si bien es cierto tienen suficiente espacio deben saber adaptarlo de acuerdo a lo quieran lograr; escoger los elementos decorativos y el vestuario necesarios. Por otro lado, una de las ventajas que tiene el teatro callejero es que se tiene más cercanía con el público y pueden hacer uso de gestos y de la mímica. Igualmente se puede recurrir a la utilización de zancos y títeres. Lo importante es que sepan manejar los espacios que tengan disponibles y que logren captar la atención de los que se encuentran presente. Finalmente, el teatro de calle debe ser reconocido, puesto que varias agrupaciones y actores intentan mostrar una visión diferente de representar historias. Por tanto, los venezolanos en los bulevares y plazas de la capital y en varios estados pueden disfrutar de piezas teatrales que generen aprendizajes, reflexión y entretenimiento.
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Entrevista
“Cada día el teatro cobra más fuerza”
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Si de talento se trata, el campo teatral cuenta con representantes de gran envergadura, quienes han realizado sus aportes bien sea como directores, productores, actores, escenógrafos o vestuaristas. Tal es el caso de la emprendedora Jorgita Rodríguez, referencia de voluntad y dedicación.
banners en distintas páginas web y algunas páginas dedicadas al teatro que dedican mayor espacio y finalmente, el boca a boca. - ¿Considera que la creación de una revista digital sobre el teatro, abriría una ventana informativa y entretenida para el público?
Esta insigne mujer, madre y trabajadora del hogar, cada día nos sorprende como impulsadora de la cultura, desempeñándose además como productora de teatro, conductora del programa “Aquí entre dos” en la emisora cultural Caracas 97.7 fm, directora de “Talento Femenino Producciones” y creadora de la página web www.vayaalteatro.com.
-Abre una ventana informativa y le muestra al espectador común todo un universo que quizá desconoce. Estaría en manos de los editores de la revista colaborar con el movimiento teatral y capitalizar cada lector como un nuevo espectador para las salas de teatro. Las posibilidades de difundir información y contenidos por un medio altamente efectivo y que cada día cobra más auge. Debemos contribuir con nuestro arte y en pocos años vamos a tener un espacio donde todos podamos vivir del teatro.
Desde niña se interesó por organizar eventos y actualmente en eso se desempeña, además de respaldar a figuras como Luis Chataing, Henrique Lazo, Cayito Aponte y Tania Sarabia, sin embargo hay algo que siempre la ha acompañado y es el miedo escénico, y aunque eso no ha sido una limitante para salir adelante, ella siempre ha preferido estar tras bastidores, porque le permite dar a conocer obras de teatro y personajes artísticos. En este sentido, Rodríguez opinó sobre la promoción del teatro venezolano y la creación de una revista digital que difunda este arte.
Finalmente, Jorgita Rodríguez manifestó que la propuesta de crear una revista digital que promueva el teatro venezolano sería de gran ayuda para seguir la difusión de información y contenidos por un medio altamente efectivo y que cada día cobra más auge. Asimismo, indicó que esta dispuesta a colaborar con la revista, ya que es un proyecto que exalta la cultura del país.
- ¿Cree usted que en el país se promociona el teatro venezolano? -Sí se promociona. Cada día el teatro cobra más fuerza, pero necesitamos más. Convertir la promoción de un proyecto particular en la promoción de todo el movimiento teatral. - ¿Cómo califica usted el apoyo de los medios de comunicación social hacia el teatro venezolano? -Desde hace varios años los programas de tv han comenzado a abrir pequeños espacios para la promoción teatral. También la prensa escrita. Pero pienso que la promoción en esos medios debe hacerse más atractiva para lograr mayor asistencia a las salas. Que la apertura en esos medios sea total y permanente y no esporádica. - ¿Cuáles estrategias comunicacionales que promocionen el teatro venezolano conoce usted? -Entrevistas en emisoras de radio y canales de tv. Alguna que otra entrevista y(o mención en las páginas culturales de los periódicos. Promoción en publicidad exterior (muy costosa pero necesaria), volantes,
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Espacios Teatrales
Teatro Teresa Carreño El teatro Teresa Carreño es uno de los espacios de notoriedad en el país, por ser el punto de encuentro de obras de teatro, orquestas nacionales e internacionales, deslumbrantes estrellas del espectáculo, temporadas de óperas, piezas de ballet y ferias tradicionales. Su función es promover las artes escénicas mundiales y locales para el disfrute del público. Este complejo cultural debe su nombre a la pianista venezolana Teresa Carreño. Su historia se remonta en la década de los 70, cuando los arquitectos Tomás Lugo Marcano , Jesús Sandoval y Dietrich Kunckel, realizaron un diseño del complejo arquitectónico y artístico, el cual ganó en el concurso para la edificación del teatro en 1970. Originalmente el proyecto fue ideado como una sala de conciertos, según planes del presidente de la Orquesta Sinfónica Venezuela, Pedro Antonio Ríos Reyna, éste muere en 1971 y el presidente del Centro Simón Bolívar,
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Rodríguez Amengual modifica la propuesta por el de un teatro de usos múltiples, que permite presentar todos los géneros del espectáculo moderno. De esta manera, la construcción del Teresa Carreño se inició en 1973 e inaugurado el 19 de abril de 1983, por el entonces presidente de la república Luis Herrera Campins, con un costo total estimado en quinientos cuarenta millones de bolívares. El complejo arquitectónico, está construido sobre 80.000 m2 con una superficie de 22.586 m2, ubicado en Caracas, al final de la Avenida Paseo Colón en Los Caobos, cerca de las torres de parque Central. El teatro cuenta con dos salas principales la "José Félix Ribas" y la "Ríos Reyna", la primera inaugurada el 12 febrero de 1976, lleva su nombre en homenaje al prócer venezolano líder de la "Batalla de La Victoria". Dicha sala, fue pensada para conciertos sinfónicos, tiene una
forma de teatro semicircular, una superficie de 507,5 m², un escenario de 261 m² y capacidad para más de 400 personas. Cuenta también con cabinas y plantas de iluminación, camerinos y salas de ensayo; es posible ajustar la acústica mediante elementos (paneles) que permiten cambiar el nivel de absorción del espacio. Por su parte, la sala "Ríos Reyna" fue creada el 19 de abril de 1983, lleva su nombre en homenaje al músico venezolano y propulsor de la idea de la construcción de la sala y del más adelante complejo cultural. Con capacidad para más de 2.500 personas, tiene usos múltiples, con volumen, acústica y de espacio amplio para eventos como teatro, recitales música de cámara, conciertos, ópera, ballet clásico y folklórico y otros espectáculos.El escenario cuenta con 45 m de largo, 40 m de ancho y un área de uso de 900 m² de forma semihexagonal.
Además, posee un foso de orquesta, el cual funciona sobre una plataforma para instalar a los músicos en caso de ballet u ópera, también puede funcionar como extensión de escenario cuando la plataforma sube hasta el nivel de stage o como extensión de sala, ya que hay un sistema de 146 butacas guardadas debajo del nivel de patio que pueden subir con la misma plataforma del foso hasta el nivel de patio para colocar las butacas adicionales en las primeras cinco filas más cercanas al escenario. Asimismo, el teatro cuenta con salas de ensayo para ballet, grupos orquestales, coros y solistas; un área de oficinas y taquilla. Entre los espacios públicos se encuentran la plaza Vicente Emilio Sojo, la plazoleta Teresa Carreño, la terraza parque los Caobos, la terraza anexa al Platillo Protocolar y la corchea, donde se pueden presentar
conciertos al aire libre, teatro de calle, exposiciones y otros eventos artísticos. El complejo cultural también cuenta con talleres y depósitos para la utilería, carpintería, herrería, sastrería, peluquería y maquillaje, donde un equipo de trabajadores se dedican a diario a pintar, cortar madera, coser vestidos, diseñar pelucas y maquillar a los actores; trabajo digno de admirar y resaltar. En el teatro, las obras de arte del artista venezolano Jesús Soto, sobresalen y llaman la atención del público, como cubos vibrantes sobre progresión blanca y negra en el estacionamiento, cubos virtuales blancos sobre proyección amarilla situados en el techo del foyer de la Sala Ríos Reyna, pirámides vibrantes en el techo acústico de la sala José Félix Ribas, entre otras obras artísticas. Igualmente hay una muestra del artista Pedro Básalo y un
busto de Teresa Carreño y de Harry Abend, ubicados en el sótano To d o s e s t o s e s p a c i o s h a n presenciado diversos espectáculos de ópera, ballet, musicales, conciertos sinfónicos, teatro, eventos de belleza y muchos otros, en los que han participado estrellas nacionales e internacionales como Monserrat Caballé, Simón Díaz, Olga Tañon, Placido Domingo, Joaquín Cortez, Luciano Pavarotti, Soledad Bravo entre otros. También se ha desarrollado el Festival Internacional de Teatro, Festival de Jazz del Hatillo, Fiesta del Ballet Mundial y el Congreso Iberoamericano de Ballet. De esta forma, el teatro Teresa Carreño se impone como principal referencia de las artes escénicas, al difundir diversos espectáculos del país y promover la cultura.
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Reportaje
GĂŠneros
teatrales 22
El teatro es un medio artístico en el cual se representan historias ante un auditorio, dicho arte se clasifica en géneros de acuerdo a los temas que se aborden. En este sentido, existen obras mayores, menores y musicales, las cuales implican distintos géneros.
generar un final feliz. Por su parte, el drama es un género teatral que representa intensidad y estilo más cuerdo, donde sus personajes intentan resolver situaciones sin llegar al extremo, mediante diálogos serios y profundos. A su vez, la tragicomedia son aquellas obras que presentan aspectos de la tragedia y de la comedia fusionados, utiliza elementos de la comedia como por ejemplo el ridículo, de esta manera serviría para recrear situaciones que pueden ser problemáticas con respecto a una obra de tragedia.
En lo que respecta a las obras mayores, son aquellas de larga prolongación cuyas historias son más completas y de una intensidad profunda. A su vez, las menores son historias de extensión bastante inferior. Las musicales se basan en secciones cantadas y bailadas por personajes, quienes combinan música, El auto sacramental, se enfoca en diálogo y baile. temas religiosos, a través de conceptos bíblicos, proféticos o filosóficos. Tanto las obras mayores, menores y A n t e r i o r m e n t e e r a n o b r a s musicales integran una diversidad de personificadas en los templos o géneros. Las de larga extensión se iglesias. dividen en tragedia, comedia, drama, tragicomedia y auto sacramental. La En lo que respecta a las obras de tragedia se desarrolla en torno a la vida prolongación inferior, se encuentran de ciertas personas que se enfrentan el entremés, paso, monólogo y farsa. con fuerzas superiores a ellas, cuyo fin El entremés se caracteriza por la es un desenlace nefasto. presencia de personajes populares, con carácter cómico y se desarrolla en La comedia trata de reflejar un hecho un solo acto. humano de la vida cotidiana, a través de un tono amable, divertido, con El paso son obras de corta duración elementos humorísticos y situaciones que presenta acciones sencillas y de enredo, además suele encarnar cómicas en una serie de breves defectos humanos y mofarse de escenas realistas. Por su parte, el actitudes, siempre con el propósito de
monólogo interviene un solo personaje, en solitario o en presencia de otros personajes. La farsa es un género que utiliza la comedia pero de forma exagerada, no precisamente tiene que convencer o estar sujeta a la realidad. En cuanto a las obras musicales o teatro lirico, éste se fragmenta en ópera, zarzuela y sainete. La ópera es un género, en el cual los personajes cantan y bailan con el fin de representar acciones dramáticas sin olvidar la música, danza, palabra y decorado. La zarzuela es una obra literariomusical, en el cual se emplea diálogos hablados ajustados al canto. Tiene sus orígenes remotos en la musicalización de distintos misterios y dramas. A su vez, el sainete es un género que se desarrolla en un sólo acto, intervienen personajes que se expresan de forma graciosa con o sin canciones. De esta forma, los géneros detallados anteriormente son representados en el teatro frente a un determinado público y la importancia de conocerlos radica en que a la hora de ver una pieza sepan diferenciar cado uno de ellos.
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Personajes EmblemĂĄticos
JosĂŠ Ignacio Cabrujas
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Pintura: Elisa Abadi
Venezuela siempre ha contado con personajes que han dejado un sello dentro y fuera de la nación. Tal es el caso de José Ignacio Cabrujas, director, dramaturgo y actor de teatro, escritor de telenovelas, autor de guiones cinematográficos y moderador de programas de radio, sin duda un hombre polifacético y dedicado al mundo de las artes. Nació en caracas el 17 de julio de 1937, sus padres fueron José Ramón Cabruja Esteso y Matilde Lofiego de Cabruja. La parroquia Altagracia fue el sitio donde Cabrujas pasó sus primos años de vida, pero fue en la plaza Pérez Bonalde donde se reunía con sus amigos para hablar sobre arte y cine. En su adolescencia tras leer “Los Miserables” de Victor Hugo, decidió ser escritor, ya que el contenido de cada una de las páginas del libro lo llevó a redactar sus propias historias. En 1956 estudia Derecho en la Universidad Central de Venezuela, tiempo después decide incursionarse en el mundo del teatro, por lo cual abandona la carrera y entra al Teatro Universitario en esa misma institución. Con 19 años de edad, escribe su primera obra “Los Insurgentes”, en la cual expone la realidad del país. En cuanto a sus relaciones amorosas, este hombre se casó tres veces con distintas mujeres; en 1960 contrae nupcias con la actriz de teatro Democracia López y un año después nace su primer hijo Juan Francisco Cabruja, éste matrimonio duró cinco años; en 1976 se casa con su Vestuarista y Productora Eva Ivanyi, con quien compartió diez años; en 1985 se casa por última vez con la musicóloga y directora de corales venezolana Isabel Palacios, fruto de este matrimonio nace en 1987 Diego Cabruja. Este personaje escribió innumerables obras y libros como, “Profundo” (1917), “Acto Cultural” (1976),“Fiésole” (1977) publicado
en el libro “Tric-Trac, «Una noche oriental» (1983), «Gardel: el día que me quieras» (1984), «Caracas» (1990) libro con fotografías de Gorka Dorronsoro, «Sagrado y Obsceno» (1997) escrito por Cabrujas y Román Chalbaud, «El pez que fuma» (1991) escrito por Cabrujas y Román Chalbaud, guión cinematográfico adaptación de la obra de teatro. En la prensa también se desenvolvió, al escribir ensayos muchos de los cuales publicó en los periódicos El Nacional y El Diario de Caracas. Asimismo, en la televisión fue autor de los guiones de obras conocidas internacionalmente en este género, en conjunto con Salvador Garmendia, Pilar Romero, Ibsen Martínez, Julio César Mármol, entre otros, abre paso a lo que se da en llamar «telenovela cultural», tales como La señora de Cárdenas y el Juicio a Juan Vicente Gómez.
“(…) comenzaron a echarme esa vaina de llamarme “maestro”, toda una verdadera calamidad en mi vida, porque me hace sentir como si yo fuera el autor de Alma Llanera” En ámbito cinematográfico, escribe junto a Román Chalbaud el guión del largometraje “La Quema de Judas” (1973), redacta junto a Julio César Mármol, “La Invasión” (1977), escribe el guión de “Bodas de Papel” basada en su telenovela "La Señora de Càrdenas" (1978), escribe una serie documental titulada “Crónicas del asombro” (1994), entre muchas otras. En el campo teatral Cabrujas dejó una huella, al destacarse como dramaturgo, director y actor de muchas obras. Participó como actor en varias producciones, entre estas,
“Noches de Reyes” (1959) de William Shakespeare , “ El Sombrero de Paja de Italia” (1960) de Eugène Labiche, “Santa Juana de América” de Andrés Lizárraga (1961), “Rómulo el Grande” (1964) de Friedrich Dürrenmatt, “Días de Poder” (1966) escrita por el mismo Cabrujas y Román Chalbaud, “Casa de Muñecas” (1979) de Henry Ibsen y “Mesopotamia” (1980) de Isaac Chocrón. Asimismo, escribió “ El Extraño Viaje de Simón el Malo” (1959), “Sopa de Piedas” (1960), “Cantos y Poemas de la Libertad” (1961), “En Nombre del Rey” (1963), “La terrible situación” (1965), “Soberbia milagrosa del general Pío Fernández “(1974). Digirió obras como , “Sabor a Miel” (1968” de Shellagh Delaney, “Madre Coraje y sus Hijos” (1970) de Bertolt Brecht, “Profundo” (1971) escrita por Cabrujas,” El efecto de los rayos gamma sobre las flores de la luna” (1973) de Paul Zindel, “Ângeles Terribles “ (1979) de Román Chalbaud, “La Sonámbula” (1981) de Vicenzo Bellini, “Simòn” (1983) de Isaac Chocrón y la ópera “Orfeo y Eurídice” (1993) de C. W. Gluck. De igual modo, se desempeñó como gerente y miembro de organizaciones, fue miembro del Grupo Piccolo Teatro di Milano, en Italia (1961), director del departamento de cultura de la Universidad Central de Venezuela (1965), miembro de la Junta Directiva del «Nuevo Grupo» (1967) y dirigió la Escuela de Teatro del Instituto Nacional de Cultura y Bellas Artes (INCIBA) (1972). El 21 de octubre de 1995 muere en Porlamar, isla de Margarita de un ataque cardíaco, cuando tenía 58 años. Sin duda, José Ignacio Cabrujas fue un hombre de múltiples talentos quien dejó un legado en el teatro, cine y televisión y será recordado por su intelectualidad, dedicación, talento y elocuencia.
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Reportaje
“Rajatabla es referencia del teatro venezolano�
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La fundación Rajatabla es considerada una institución de renombre, que desde su creación se ha dedicado a formar actores de teatro y a exponer piezas teatrales que han dejado huella en Venezuela y en el mundo. El 28 de febrero de 1971, gracias al éxito de la obra "Tu País está Feliz" poemario de Antonio Miranda, nace Rajatabla por Carlos Giménez, Francisco “Paco” Alfaro, Xulio Formoso y Gustavo Gutiérrez. De esta manera, el grupo marcó una pauta en el ámbito teatral, ya que impuso un estilo diferente de hacer teatro, en el cual actores, directores y el público tenían una nueva visión del panorama teatral. Esta agrupación ha desarrollado diversos montajes entre los cuales se destacan, Señor Presidente (1977), El Coronel no Tiene Quien le Escriba (1989), Hamlet (1997), entre otros. A su vez, ha participado en festivales de teatro en el país y en otras naciones. Ademá, han recibido galardones como, el premio Casa del Artista, el Heraldo de México, Martín Fierro de la Asociación de Actores Argentina, entre muchos otros. Actualmente, William López es el presidente del grupo y junto a él se encuentran grandes mentores, quienes han formado actores y actrices de amplia trayectoria teatral. Vladimir Vera, director Artístico de Rajatabla, es uno de los pilares fundamentales de la fundación, por su capacidad creativa e intelectual. Ha dirigido varias obras entre esas, Escondite de Paul Auster (2005), Ajedrez de Fedora Freites (2007), Guantánamo de Victoria Brittain y Gillian Slovo (2011), La Ratonera de Agatha Christie (2012), Rock and roll de Tom Stopard (2013), Madame de Sade de Yukio Mishima (2014) y muchas otras.
-¿Quién fue Carlos Giménez? -Un gran director e impulsador del teatro en Venezuela. Nosotros le debemos a Carlos Giménez el crecimiento de la fundación, porque era un director que buscaba renovarse, se nutria del teatro contemporáneo mundial y lo que captaba quería implementarlo en la agrupación. -¿Cuál es tu trabajo en la agrupación? -Mi trabajo radica en renovar el concepto de estética para darle vida a las piezas de teatro y que el público perciba lo que se quiere lograr. Nosotros somos una escuela que siempre estamos actualizándonos sobre las estéticas teatrales. -¿Consideras que el teatro es promovido en Venezuela? -Pasa algo con el teatro, no existen suficientes medios que lo difundan. Si bien es cierto que existen algunas críticas en los periódicos, que son publicadas una vez a la semana, hace falta espacios que te hablen sobre festivales en el país y a escala internacional, sobre técnicas actorales y estéticas que se maneja el teatro nacional. Finalmente, Vera invitó a todos los jóvenes a que asistan a la fundación Rajatabla ubicada entre la Universidad Nacional Experimental de las Artes (Unearte) y la entrada para el estacionamiento subterráneo del Teatro Teresa Carreño, quienes periódicamente ponen en escena sus obras y las de otros artistas, tanto nacionales como extranjeros.
Vera, nos comentó cuál es su trabajo y la importancia de la agrupación en la cultura teatral. -¿Qué representa para ti la fundación rajatabla? -Rajatabla es referencia del teatro venezolano. Es uno de los grupos que ha estado en festivales internacionales. Nosotros mantenemos el rigor de una institución, ya que tratamos de generar un teatro que comunique. Aquí enseñamos expresión corporal, actuación, puesta en escena, historia del teatro y formamos a grandes talentos para que el día de mañana nos representen fuera de nuestras fronteras.
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Reportaje
Venezuela cuenta con calidad teatral 28
El teatro en Venezuela ha tenido un crecimiento en los últimos tiempos, a tal punto de convertirse en una alternativa para aquellas personas que buscan distracción y enriquecimiento cultural. En este sentido, este arte escénico capta la atención de espectadores, a través de un escenario donde se representan historias que van de la mano de directores, productores, actores y un equipo técnico, quienes trabajan en conjunto y con dedicación. Este movimiento artístico implica un desarrollo de un guión, dirección, decorado del escenario, técnicas de actuación, elementos que forman parte de la escenografía, iluminación, música, vestuario, maquillaje y coreografía; el público también es fundamental, ya que tienen la potestad de hacer críticas de lo buena o mala de una obra. Ahora bien, cuando se trata de nombrar a grandes personalidades del ámbito teatral, es preciso señalar a dramaturgos como, Carlos Giménez, José Ignacio Cabrujas, Román Chalbaud; directores de trayectoria como, Mónica Montañés, Mariela Romero, Javier Vidal, Armando Álvarez y productores de la talla de Sonia Villamizar, Eduardo Fermín, Jorgita Rodríguez, Oswaldo Estrada Rondón, Claudia Camacho y otros.
como Elba Escobar, Daniela Alvarado, Mimí lazo, Carlos Cruz, Antonio Cuevas y muchos otros, quienes han dado la talla y han crecido actoralmente. Además, no es tarea fácil estar frente a un auditorio, lograr entretener y captar la atención de los que allí se encuentran; es un trabajo digno de admirar. Otro punto importante, son los espacios donde se exhiben las obras teatrales. En el país se encuentran teatros y ateneos como, el Teresa Carreño, Teatro de la Ópera de Maracay, Teatro Baralt, Ateneo de Valera, Teatro Cajigal y muchos otros, donde las personas tienen la oportunidad de ver en escena a los actores a través de los géneros dramáticos que existen como, melodrama, comedia, tragedia, musicales, entre otros. En definitiva, el teatro es un género literario y medio de entretenimiento para niños, jóvenes y adultos. Por tanto, la difusión constante sobre este arte y presentación de obras es la función que deben hacer todos los involucrados a través de canales comunicacionales, porque eso le permite al público estar informado y a la hora de distraerse pueden asistir a las salas disponibles en el país y así recrearse y culturizarse.
Asimismo, existen una variedad de actores venezolanos
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Crítica Teatral
Piso 5 Ficha Técnica: Agrupación: LUZ – TELUZ Estado: Zulia Dirección: Lolimar Suárez Autor: Lolimar Suárez Intérpretes: Denny Fernández Roger Villalobos Erika Romero Asistente de Dirección: Yajaira Machado Escenografía: Lolimar Suárez Iluminación: Oscar Molina Vestuario: Dianora Hernández Musicalización: Yajaira Machado
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Piso 5 es una pieza teatral que entre comedia y angustia mantuvo cautivo al público en la sala Doris Wells de la Casa del Artista, presentada por el grupo "Teatro Estable de LUZ-TELUZ, durante el Festival de Teatro de Caracas 2014.
Esta puesta en escena se centra en un contexto muy particular, puesto que tres empleados bancarios quedan atrapados en un ascensor un viernes por la noche, luego de haber trabajado por varias horas. No obstante, estos tres personajes tienen la tarea de ajustarse al pequeño espacio, sin ningún tipo de comunicación y para colmo con personalidades diferentes. A pesar de que no utilizaron muchos elementos para la escenografía, captaron la atención de los presentes, en un ambiente ameno y enriquecedor. Además, la obra se desarrolló con poca iluminación, utilizaron luz cenital para simular un ascensor oscuro, pequeño y
tambaleante. Con respeto a los actores, supieron adecuarse al espacio que tenían disponible y encarnaron muy bien a sus personajes, ya que batallaron por varias horas dentro de un ascensor, donde sacaron sus trapitos al sol, es decir, se revelaron tal como son, con sus ambiciones, locuras y con un solo objetivo que es salir de una situación que le puede ocurrir a cualquier persona. El vestuario tipo ejecutivo, estuvo acorde a la tematica planteada, pero lo realmente transcendental de esta pieza es que se cuidaron los detalles físicos, la expresión corporal y el lenguaje. En definitiva, fue una obra que distrajo al público, mostró la realidad que puede vivir una persona dentro de un ascensor y cómo manejar la parte psicológica, el poco espacio y la sobrevivencia.
Curiosidades
La estética teatral Si bien es cierto que el teatro es arte, la estética forma parte importante en la realización de un montaje de este tipo, ya que los espectadores muchas veces lo que ven desde el punto de vista escenográfico, de vestuario y música es lo que los incita a quedarse anclados y disfrutan de la pieza que se desarrolla. Para muchos expertos, la estética teatral permite generar propuestas innovadoras o clásicas, donde se encuentra una rica discusión de marcos teóricos a partir de los cuales se puede discutir, en principio como espectadores y críticos de obras teatrales. Dentro de este tema, Peter Szondi en 1956 estudió la estética del espacio, del montaje y de la escritura y ha trazado a partir de ellos nuevos puntos de vista, más desde la estructura y los conceptos desarrollados a partir de estudios posteriores, así como nuevas formas de pensar la dramaturgia tanto escrita como la no escrita, pero llevada a la escena como estructura fundante del teatro. En este sentido, no es sólo una puesta en escena lo que resulta estético en el ramo teatral, también se necesita de una composición sonora, interpretación, concepto, propuesta y elementos visuales, cada uno de ellos en su justa medida. Debe
haber interpretación y creación para que la propuesta tenga nivel de “arte”, asimismo emergen los elementos musicales que le dan elegancia y sonoridad al montaje, aunado a la parte escenográfica que va de la mano con el vestuario e iluminación hasta llegar a la parte interpretativa que permite la creación del personaje y combinar en él emociones y sentimientos convincentes que logren persuadir al espectador. Por su parte, es necesario precisar que lo más importante en el manejo de la estética teatral está en la consistencia y relación que debe haber en los elementos anteriormente mencionados y que a su vez trabajan de forma mancomunada. Es innegable que exista un divorcio entre la iluminación, musicalización, escenografía, vestuario e interpretación. Muchas veces el éxito de un montaje no va por el contenido de su historia sino por la perfecta colocación de cada uno de esos aspectos sin necesidad de alterar o mermar la intervención de cada uno de ellos. Es así como el teatro, sus autores, escritores y creadores escénicos muestran hoy una gama basta y enriquecida de propuestas estéticas que reflejan y proponen nuevas formas de mirar y de concebir este arte, que más que ningún otro está engarzado con lo social y político de nuestro tiempo.
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"El alma cuando sueña, es teatro, actores y auditorio” Joseph Addison