INDICE
INTRODUCCIÓN
HISTORIA
CONCEPTOS
TIPOS, CLASIFICACIÓN, DIVISIÓN ,GRUPO
HERRAMIENTAS Y ELEMENTOS
EJEMPLOS
EJERCICIOS/ CONTEXTUALES
LABORAL
CONCLUSIÓN
DEFINICIÓN
Definición
Definimos el diseño como un proceso o labor destinado a proyectar, coordinar, seleccionar y organizar un conjunto de elementos para producir y crear objetos visuales destinados a comunicar mensajes específicos a grupos determinados. El conjunto de elementos que implican la creación de un diseño, se relacionan como:
Traza, delineación de un edificio o de una figura. Descripción de un objeto o cosa, hecho con las palabras. Disposición de manchas, colores o dibujos que caracterizan exteriormente a diversos animales y plantas. Proyecto y plan, diseño urbanístico. Concepción original de un objeto u obra destinados a la producción en serie, dentro del mundo de la moda, industrial. La Forma de cada uno de estos objetos.
HISTORIA
DEL DISEÑO GRÁFICO
La definición de la profesión del diseñador gráfico es más bien reciente, en lo que se refiere a su preparación, su actividad y sus objetivos. Aunque no existe consenso acerca de la fecha exacta en la que nació el diseño gráfico, algunos lo datan durante el período de entre guerras. Otros entienden que comienza a identificarse como tal para finales del siglo XIX. Puede argumentarse que comunicaciones gráficas con propósitos específicos tienen su origen en las pinturas rupestres del Paleolítico y en el nacimiento del lenguaje escrito en el tercer milenio a. C. Pero las diferencias de métodos de trabajo, ciencias auxiliares y formación requerida son tales que no es posible identificar con claridad al diseñador gráfico actual con el hombre de la prehistoria, con el xilógrafo del siglo XV o con el litógrafo de 1890.
Antecedentes
El libro de Kells —una Biblia manuscrita profusamente ilustrada, realizada por monjes irlandeses del siglo IX— es para algunos un muy hermoso y temprano ejemplo del concepto de diseño gráfico. Se trata de una manifestación gráfica, de gran valor artístico, de altísima calidad, y que incluso sirve de modelo para aprender a diseñar —pues supera en calidad a muchas de las producciones editoriales actuales—, y además desde un punto de vista funcional contemporáneo esta pieza gráfica responde al conjunto de necesidades planteadas al equipo de personas que lo realizó.
Siglo XIX
Durante el siglo XIX el diseño de mensajes visuales fue confiado alternativamente a dos profesionales: el dibujante o el impresor. El primero estaba formado como artista y el segundo como artesano, ambos frecuentemente en las mismas escuelas de artes y oficios. Para el impresor tenía como arte el uso de ornamentos y la selección de fuentes tipográficas en sus composiciones impresas. El dibujante veía a la tipografía como un elemento secundario y prestaba más atención a elementos ornamentales e ilustrativos.
Entre 1891 y 1896, la imprenta Kelmscott de William Morris publicó algunos de los productos gráficos más significativos del Movimiento de Artes y Oficios (Arts and Crafts), y fundó un lucrativo negocio basado en el diseño de libros de gran refinamiento estilístico, vendiéndolos a las clases pudientes como objetos de lujo. Morris demostró que existía un mercado para los trabajos de diseño gráfico, estableciendo la separación del diseño con respecto a la producción y las bellas artes. El trabajo de la imprenta Kelmscott está caracterizado por su recreación de estilos históricos, especialmente medievales.
TIPOS, CLASIFICACIÓN,
DIVISIÓN Y GRUPOS.
Los movimientos artísticos de la segunda década del siglo XX y la agitación política que los acompañaba, generaron dramáticos cambios en el diseño gráfico. El Dada, DeStijl, Suprematismo, Cubismo, Constructivismo, Futurismo, y el Bauhaus crearon una nueva visión que influyó en todas las ramas de las artes visuales y el diseño. Todos estos movimientos se oponían a las artes decorativas y populares, así como también el Art Nouveau, que bajo la influencia del nuevo interés por la geometría evolucionó hacia el art déco. Todos estos movimientos aparecieron con un espíritu revisionista y transgresor en todas las actividades artísticas de la época. En este período también proliferaron las publicaciones y manifiestos, mediante los cuales los artistas y educadores mostraron sus opiniones.
IMPRESIONISMO 1870-1880.
Fue el primer movimiento hacia un arte autรณnomo. Reacciรณn contra la pintura histรณrica y narrativa. Proponen un arte que se apoye exclusivamente en el valor de la imagen recogida al aire libre, el contacto con la naturaleza.
SIMBOLISMO
Es una corriente post-impresionista de importancia en las arte, marca sobre todo una separación aún más profunda con la naturaleza; apelaba a los símbolos para expresarse. Habría tenido carácter sintético y habría sido subjetiva en cuanto a la interpretación ideal de la realidad.
FAUVISMO (aprox. 1904-1908)
Movimiento cuyo objetivo era la síntesis forma-color. No pretendían la representación de los objetos con relación a la luz solar, sino la imagen más libre que resultaba de la superposición de colores equivalente a dicha luz. Los fauvistas rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas en favor de los colores violentos, introducidos por los postimpresionistas Paul Gauguin y Vincent van Gogh, para crear un mayor énfasis expresivo.
EXPRESIONISMO
Corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva. El artista expresionista trató de representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa sino de su naturaleza interna y de las emociones que despierta en el observador. Para lograrlo, los temas se exageran y se distorsionan con el fin de intensificar la comunicación artística.
Es sin duda un arte de oposición. Surge a partir de las contradicciones que aparecen en la sociedad europea que desembocaron en la matanza de la 1º Guerra Mundial.
Nace sobre una base de protestas y críticas, opuesto al positivismo.
CUBISMO
Se caracterizaba por la fragmentación de las formas, transformándolas en figuras Geométricas. Como rasgos descriptivos podemos señalar construcciones de imágenes mediante una estructura geométrica, y si bien este estilo se aleja de la naturaleza, estos pintores no abandonaron la apelación a la misma, aunque fuera débil y deformada. El cubismo no fue arte abstracto.
PURISMO
Nace en el mismo ambiente del cubismo, se plantean una pintura absolutamente objetiva y al mismo tiempo implicada en todos los aspectos posibles de la civilización moderna mecánica. Son composiciones de elementos simples que se entrelazan sin elementos sobresalientes, utiliza objetos naturales y artificiales, naturaleza muerta. Sirve de guía a la pintura pura, sostiene las formas. LE CORBUSIER ( pintor, escultor, arquitecto) Resalta el empuje que le dio la vanguardia a la arquitectura. El purismo sancionó por primera vez y definitivamente la alianza entre el arte y la producción industrial.
FUTURISMO
Contemporáneo (simultaneo) al cubismo, nace con el manifiesto de 1909 de Marinetti, publicado en Le Figaró de Paris. Primer movimiento de vanguardia propiamente dicho.
Hace una ruptura con el pasado, el maquinismo, el activismo, el belicismo. Totalmente revolucionario proclama una posición anticipadora del espíritu del tiempo futuro.
· DADAÍSMO
La primer guerra mundial se entrecruza con la evolución del futurismo, y marca una división entre los movimientos de vanguardia. Le dio un nuevo trasfondo político, social y económico y si bien no interrumpió su desarrollo, contribuyó a transformar sus objetivos. La vanguardia en época de guerra se desarrolló en los países neutrales como Holanda, Suiza, que congregaban a políticos exiliados, intelectuales disidentes, artistas de vanguardia.
Si bien no afectó a la arquitectura, el dadaísmo rechazó los valores establecidos. Representó la transición del cubismo al surrealismo, y representó el momento más negativo de la vanguardia rechazando toda posición constructiva de otros movimientos.
Le dio mayor libertad y falta de prejuicios a las formas de los cubistas y futuristas.
NEOPLASTICISMO 1917
Nace en Holanda, a partir del manifiesto de Stijl. Es un arte abstracto, donde la naturaleza desaparece, dando lugar a las formas geométricas, orgánicas o de pura fantasía. Proclama el intento de identificar el arte con la vida. La tesis del movimiento se basa en la lucha contra el individualismo, en una unidad estrecha entre pintura, escultura y arquitectura.
El suprematismo
equivale a la supremacía de la sensibilidad pura de las artes visuales sobre la representación naturalista o expresionista. En la arquitectura y diseño prescinde de todo objetivo práctico: volar, correr, sentarse, realizando construcciones carentes de un destino inmediato de uso.
constructivismo
es un movimiento artístico ruso de principios del siglo XX que ejerció una importante influencia en el arte europeo. Tiene un elevado interés por la técnica, la producción y el compromiso político, es decir: la técnica al arte, prefiere la construcción en si que a la arquitectura. Elige al ingeniero en vez del arquitecto.
El nombre hace referencia a la construcción de esculturas abstractas partiendo de una gran variedad de materiales industriales, como metal, alambre y trozos de plástico.
Defendió los ideales del utilitarismo sosteniendo que el arte debía ser fácil de comprender y tener una utilidad social.
Ejerció una gran influencia sobre la escultura, arquitectura y, especialmente, el diseño industrial del siglo XX. Defendía los materiales modernos y las líneas puras.
SURREALISMO 1924
André Breton, lo definió como ausencia de todo control, ejercido por la razón y de toda preocupación estética y moral. Expresiones surgidas del subconsciente, dictado del pensamiento.
El surrealismo se basa en el valor del sueño, en el juego desinteresado del pensamiento. Una obra solo puede ser considerada como surrealista en la medida que el artista se ha esforzado por alcanzar lo psicofísico. Freud demostró que en esa profundidad desaparecen todas las contradicciones.
Las escuelas de diseño
Es así como Tschichold, Herbert Bayer, László Moholy-Nagy, y El Lisitski se convirtieron en los padres del diseño gráfico como lo conocemos hoy día. Fueron pioneros en las técnicas de reproducción y en los estilos que se han ido usando posteriormente. Hoy, los ordenadores han alterado drásticamente los sistemas de reproducción, pero el enfoque experimental que aportaron al diseño es más relevante que nunca el dinamismo, la experimentación e incluso cosas muy específicas como la elección de tipografías (la Helvética es un revival; originalmente era un diseño basado en la tipografía industrial del siglo XIX) y las composiciones ortogonales.
En los años siguientes el estilo moderno ganó aceptación, al tiempo que se estancaba. Nombres notables en el diseño moderno de mediados de siglo son Adrián Frutiger, diseñador de las tipografías Univers y Frutiger; y Josef Müller-Brockmann, importante cartelista de los años cincuenta y sesenta.
La Hochschule für Gestaltung (HfG) de Ulm fue otra institución clave en el desarrollo de la profesión del diseñador gráfico. Desde su fundación, la HfG se distanció de una posible afiliación con la publicidad. Al comienzo, el departamento en cuestión se denominó Diseño Visual, pero rápidamente quedó claro que su objetivo actual era resolver problemas de diseño en el área de la comunicación de masas, en el año académico 1956/57 el nombre se cambió por el de Departamento de Comunicación Visual, según el modelo del Departamento de Comunicación Visual de la New Bauhaus en Chicago.2
Segundas vanguardias
Un hito importante fue la publicación del Manifiesto lo primero es lo primero (1964), que era una llamada a una forma más radical de diseño gráfico, criticando la idea del diseño en serie, carente de valor. Tuvo una influencia masiva en toda una nueva generación de diseñadores gráficos, contribuyendo a la aparición de publicaciones como la revista Emigre.Otro notable diseñador de finales del siglo XX es Milton Glaser, que diseñó la inconfundible campaña I Love NY (1973), y un famoso cartel de Bob Dylan (1968). Glaser tomó elementos de la cultura popular de los sesenta y setenta.
David Carson es la culminación del movimiento contra la sobriedad y la constricción del diseño moderno. Algunos de sus diseños para la revista Raygun son intencionadamente ilegibles, diseñados para ser más experiencias visuales que literarias.
El diseño en la actualidad
l siglo XXI es una época eminentemente visual en la que la mayoría de las cosas que nos rodean hacen uso del diseño gráfico.
El diseño gráfico es un arte y una práctica que consiste en planificar y proyectar ideas y experiencias con un contenido visual y textual.
Esta planificación y proyección de ideas se puede plasmar tanto física como virtualmente y puede incluir palabras, imágenes o formas gráficas. Por lo general, tiene un propósito que puede ser, bien comercial, educacional, cultural, político, etc.
Las tecnologías y métodos utilizados antiguamente para transmitir una comunicación visual se han ido modificando paulatinamente. El diseño gráfico es una de las disciplinas que se han adaptado a los tiempos y han cambiado sus métodos de creación y de transmisión
Abarca muchos aspectos, tantos que sus límites quedan difusos, hasta el punto de confundir el campo de actividades y competencias que debería serle propio, incluyendo, por supuesto, sus lejanas fuentes originales.
Una de las grandes bazas para la expansión del diseño gráfico ha sido que el desarrollo y evolución de los productos y servicios de las empresas y particulares ha crecido espectacularmente.
Esto las obliga a competir entre sí para ocupar un sitio en el mercado. Es en este instante cuando surge la publicidad y con ella la evolución del diseño gráfico como forma de comunicar, atraer y salir victoriosos en la batalla frente a los competidores.
Ámbitos de aplicación
El diseño se aplica, en todos los ámbitos y se encuentra por todas partes. Dentro del mundo digital, en toda la red, internet (la web). Diseños de todo el mundo publicitario, revistas, periódicos, libros, manuales (diseño y maquetación). Encontramos diseño en nuestro mobiliario, una silla, un mueble... (diseño industrial y ergonomia). Divisamos el diseño en el mundo multimedia, el cine, televisión, videos, musicales, trailers, y demás efectos especiales.
Las posibilidades del diseño gráfico son infinitas, ya que cada vez son más los campos en los que se emplean elementos creados a través del ordenador.
El diseño se podría dividir en tres grupos principales:
La edición, diseño de todo tipo de libros, periódicos, y revistas. La publicidad, diseño de carteles publicitarios, anuncios, folletos. La identidad, diseño de una imagen corporativa de una empresa.
Arte y diseño: Elementos de la comunicación
Diseñar se puede considerar un arte, pero no es del todo exacto. Un diseño puede reunir unas ciertas pautas estéticas como para considerarlas obras de arte.
En los museos de arte moderno, pueden verse carteles enre pinturas o dibujos artísticos, y otros objetos que se crearon para una función especial y específica
La belleza de un diseño puede superar en muchas ocaciones, cualquier obra de Arte, por muy preciada que ésta sea, siempre que siga los tres elementos básicos de comunicación:
Un método para diseñar, un objetivo que comunicar y un campo visual.
Aspectos básicos
Los elementos básicos que se deben dominar y tener en cuenta en cualquier diseño:
Lenguaje Visual: ď ľ
Saber comunicar el mensaje adecuado, con los recursos oportunos, dependiendo del grupo de personas o pĂşblico al que vaya dirigido el mensaje.
comunicación:
Conocer los procesos de comunicación, para poder captar los mensajes que el diseño ha de comunicar.
PercepciĂłn Visual: ď ľ
Estar informados, la manera en que las personas vemos y percibimos lo que vemos. Aspectos tan importantes, como nuestro campo visual, el recorrido de la vista, el contraste, la percepciĂłn de las figuras, fondos, trayectoria de la luz.
Estilos y tendencias en el diseño
En todo proceso de diseño, el diseñador utiliza toda la información posible, retenida en su memoria, para realizar su creación. Una serie de imágenes, signos y demás recursos comunicativos son asociados y entrelazados entre sí dando lugar al diseño.
El minimalismo: menos es mĂĄs
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Definimos el minimalismo como una tendencia surgida en Estados Unidos, en la dĂŠcada de los sesenta del siglo pasado. El minimalismo es la sencillez en su mĂĄximo esplendor.
Formas básicas de la composición :el signo
El signo es un objeto y acción que representa y sustituye a otro objeto, fenómeno o señal. Del uso del signo surge la semiótica, (del griego "semion"), como doctrina que estudia las reglas que gobiernan la producción, transmisión e interpretación de estos símbolos.
Clasificación de los signos: Indicativos
Los signos pueden ser, naturales y artificiales
La primera gran división corresponde a los signos naturales que se diferencian de los signos artificiales. El rasgo diferencial entre ellos es la no participación directa del hombre en la creación de estos signos (naturales) y la participación directa en la creación de dichos signos (artificiales).
Signos simbólicos
Los signos artificiales se dividen a su vez en lingüísticos y no lingüísticos, incluyendo entre los primeros los sistemas verbales (los que sustituyen a partir de ellos: escritura, morse, braille, etc.) de carácter natural o tradicional, (las lenguas o idiomas).
Los signos icónicos
Funcionan de acuerdo con el principio de semejanza y en él pueden incluirse toda clase de imágenes, dibujos, pinturas, fotografías o esculturas. Peirce los definía como signos que tienen cierta semejanza con el objeto a que se refieren. Así, el retrato de una persona o un diagrama son signos icónicos por reproducir la forma de las relaciones reales a que se refieren.
Clasificación de los signos
Para que pueda comprenderse un mensaje emitido a través de un signo deben incluirse tres aspectos: los sintácticos, semánticos y pragmáticos.
Sintácticos: Estudian el singo según la forma percibida. Semánticos: Estudian la forma en que el significado se encuentra conectado con el significador, la relación entre la forma y lo que significa la forma. Pragmáticos: Por su utilización e uso, el resultado de estos,
los efectos del mismo.
Elementos básicos: la línea
Se encuentra formada por una serie de puntos unidos entre sí, sucesivamente, asimilando la trayectoria de la misma, seguida por un punto en movimiento, por lo que tiene mucha energía y dinamismo.
El primer elemento del diseño es línea. Las líneas se pueden utilizar de muchas maneras y según su disposición:
Ayudan a organizar la información. Pueden dirigir el ojo de sus lectores en cuanto a la organización Pueden crear humor y el ritmo
Cebras por Victor Vasarely
La forma y el trazo
Por su trazo las líneas pueden:
- Transportar un humor o una emoción. - Organizar un diseño. -.- Crear una textura. - Crear el movimiento. - Definir una forma. -.
Las formas: definiciĂłn ď ľ
La forma de los objetos y cosas, comunican ideas por ellos mismos, llaman la atenciĂłn del receptor dependiendo de la forma elegida..
Disposición de las formas
Hay tres maneras de que la forma realce su disposición.
Primero, la forma ayuda a sostener interés del lector
En segundo lugar, la forma se utiliza para organizar y para separarse
La textura como elemento básico
El tercer elemento básico es la textura. Aporta al diseño una mirada, una sensación, o una superficie.
La textura, permite crear una adaptación personalizada de la realidad añadiendo dimensión y riqueza al diseño.
Textura táctil y textura visual
Por ejemplo la de una superficie rugosa, con relieve, o la de otra más fina, como la de un papel o la suavidad del terciopelo. Son todas aquellas perceptibles al tacto.
textura visual
Aquellas texturas impresas que se parecen a la realidad, como la arena, las piedras, rocas, etc. Entre esta clase de textura pueden surgir algunas que realmente existen y otras que son irreales.
Espacio y formato
El espacio se puede considerar como el cuarto elemento fundamental del diseño.
Definición de espacio:
Es la distancia o el área entre o alrededor de las cosas. l tipo de imágenes que colocaremos, la dimensión de éstas, el texto y lo que habrá alrededor de ellas, etc.
Efectos que produce el espacio
Efectos que nos produce el espacio, dentro de nuestro campo visual:
- Al utilizar espacio en blanco en una composición, el ojo descansa. - Utilizando una pequeña cantidad de espacio creamos lazos entre los elementos. - Lograremos una mayor profundidad en nuestro diseño si superponemos un elemento con otro.
El tamaño y el formato.
En diseño gráfico el tamaño se utiliza para expresar importancia, atraer la atención y crear contraste.
Cuando diseñamos el tamaño juega un papel muy importante a la hora de crear una distribución atractiva, funcional y organizada. Por esto, lo primero que debemos tener en cuenta a la hora de trabajar
Formatos
Dentro del tamaño, es importantísimo el término Formato. El formato es la forma y la dimensión física del trabajo realizado. Cuando hablamos de formato, al hacer referencia a un archivo en diseño gráfico, estamos hablan
La serie A es la más utilizada. En ella encontramos a su formato principal, el A4, que es el que relacionamos con el tamaño folio. Sus medidas son 297 x 210 mm. do del tamaño en el que será presentado e impreso.
Los formatos de serie B son los que tienen el tamaño intermedio entre un paso y otro de la serie A. Es decir, el tamaño B4 es justo el formato que está en medio del tamaño A3 y el A4.
Historia del color
El color ha existido desde el origen del universo, pero no siempre se ha pensado y opinado lo mismo sobre él, sobre su origen o sobre su composición.
El color ha sido estudiado, por científicos, físicos, filósofos y artistas. Cada uno en su campo llegó a diversas conclusiones que, en ocasiones, fueron buenos puntos de partida para posteriores estudios y para todo lo que hoy sabemos del color.
Primeras teorías
El filósofo Aristóteles (384 - 322 AC) sentenció que todos los colores se forman con la mezcla de cuatro colores. Estos colores, que denominó como básicos, eran los de tierra, el fuego, el agua y el cielo.
Siglos más tarde, Leonardo Da Vinci (1452-1519) definió al color como propio de la materia. Confeccionó la siguiente escala de colores básicos: primero el blanco como el principal ya que permite recibir a todos los demás colores, después el amarillo para la tierra, verde para el agua, azul para el cielo, rojo para el fuego.
Isaac Newton, la luz es color
Finalmente fue Isaac Newton (1642-1519) quien estableció un principio hasta hoy aceptado: la luz es color. En 1665 Newton descubrió que la luz del sol al pasar a través de un prisma, se dividía en varios colores. Esto no es, ni más ni menos, que la descomposición de la luz en los colores del espectro. Estos colores son el azul violáceo, el azul celeste, el verde, el amarillo, el rojo anaranjado y el rojo púrpura.
Johann Goethe, reacción humana a los colores
Johann Goethe (1749-1832) estudió y probó las modificaciones fisiológicas y psicológicas que el ser humano sufre ante la exposición a los diferentes colores y su manera de reaccionar ante ellos.
Su investigación fue la piedra angular de la actual psicológica del color. Desarrolló un triángulo con tres colores primarios rojo, amarillo y azul y relacionó a cada color con ciertas emociones.
Teoría del color. ¿Qué es el color?
No podemos entender totalmente los colores sin entender qué es y cómo funciona la luz.
El color es un atributo que percibimos de los objetos cuando hay luz. Todo el mundo que nos rodea es de colores siempre y cuando haya luz.
El arcoíris tiene todos los colores del espectro solar. Podemos verlos porque las gotas de agua actúan a modo de prisma y descomponen los rayos de luz en ondas permitiéndonos ver los colores. Esta teoría fue demostrada por Isaac Newton .
Propiedades del color
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Las propiedades del color son aquellos atributos que cambian y hacen Ăşnico a cada color. Estos atributos son tres: El tono, la saturaciĂłn y el brillo.
Como son percibidos los colores de los objetos
Somos capaces de ver colores gracias a dos de las propiedades de la luz. La absorción y la reflexión.
Todos los cuerpos están constituidos por sustancias que absorben y reflejan las ondas electromagnéticas, es decir, absorben y reflejan colores.
El rojo de un cuerpo
El tomate nos parece de color rojo, porque el ojo sólo recibe la luz roja reflejada por la hortaliza, absorbe el verde y el azul y refleja solamente el rojo.
Círculo cromático
Se estima que el ojo humano puede distinguir alrededor de 10 millones de colores.
La cifra anterior, aunque parezca increíble, es una estimación a la baja de los colores que podemos ver. La realidad es que el color es una percepción y depende directamente de sus tres dimensiones físicas para poder verlos. Estas dimensiones son la saturación, la brillantez y el tono.
Colores primarios y secundarios
El origen de todos esos millones de colores son los que conocemos como Colores Primarios.
Los colores primarios son aquellos grupos colores en los que ninguno de los colores que lo forman puede conseguirse a través de la suma de los colores restantes del grupo.
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Los Colores Secundarios son los derivados de la mezcla de dos colores primarios. Son el Violeta, el Verde y el Naranja.
Los colores terciarios
Los colores terciarios son aquellos que surgen de la combinación de un color primario con otro secundario. Esto da lugar a distintas variedades de tonos que van desde el rojo violáceo, el rojo anaranjado, al amarillo anaranjado, pasando por el amarillo verdoso, el azul verdoso y el azul violáceo.
El círculo cromático
El círculo cromático no es más que una representación gráfica de los colores. Puede ser un círculo que represente sólo los colores primarios, o pueden sumársele los secundarios y los terciarios.
DISEÑO EN PUBLICIDAD
El diseño publicitario se encuentra en un punto imposible de determinar, ya que se encuentra reproducido en muchos ámbitos, con sus variables y tendencias.
La labor de un diseñador gráfico, es la de transmitir ideas mediante el uso de cualquier elemento, ya sea un texto, una imagen. No obstante la utilización de un elemento u otro, se encuentra marcado por las tendencias.
Las tendencias son las preferencias sobre los gustos, compartidos por diferentes grupos de personas, las cuales, coinciden al representar un diseño marcado por un estilo, que influye sobre el resto.
La moda es otro de los elementos por el cual se encuentra marcado el diseño. Cada época tiene su moda. En gran medida son los grandes diseñadores quienes dictan o determinan las modas.
AutoCAD es un programa de dibujo por computadora CAD 2 y 3 dimensiones, puedes crear dibujos o planos genéricos, documentar proyectos de ingeniería , arquitectura, mapas o sistemas de información geográfica por mencionar algunas industrias y aplicaciones.
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Los archivos generados por AutoCAD tienen el formato DWG propietario de Autodesk, este es el programa pionero representante de la tecnologĂa CAD (Computer Aided Design).
AutoCAD incluye geometría básica para dibujar en dos dimensiones (líneas , arcos, curvas, prismas),
También tiene un manejador de librería de símbolos de diferentes temas como arquitectónico, mecánico e industrial ,donde puedes seleccionar la figura que necesitas e insertarla en tu dibujo, además, la administración del dibujo es por capas o layers.
El tiempo estimado de aprendizaje es de 3 días en entrenamiento ,3 semanas para manejarlo a buen nivel y 3 meses para dominarlo AutoCAD funciona en Windows, iOS y en la nube , tiene una interface programable que permite automatizar una gran cantidad de operaciones de dibujo a través de APIs
Lorem Ipsum Generator
Te brindará un texto aleatorio que te ayudará a corregir los parámetros y estilos de las letras, listas y demás aspectos visuales. Generar un texto estándar te facilita la tarea de llenar en ese espacio en blanco que te queda en tu prototipo para ver cómo vas con el diseño de un sitio web.
Shrink O’Matic
Shrink O’Matic es la que evitará que tengas que abrir pesados programas de edición de fotografías por el sólo hecho de cambiar el tamaño a una imagen.
What the font Te
permite saber cuál es la fuente que se esconde detrás de una determinada imagen.
Adobe Kuler
Esta es una aplicación muy utilizada por los diseñadores gráficos, ya que ésta te ofrece una paleta de colores muy buena para poder trabajar utilizando los más variados estilos y aspectos que puede llegar a tomar un color.
Adobe Kuler es una aplicación online que los chicos de Adobe System ponen a disposición de la humanidad gratuitamente. Esta aplicación sirve para crear Swatches, o Paletas de colores o Juegos de Colores.
Con esta herramienta podremos crear nuestros propios favicon, que son la imágenes miniatura que se ven a un lado de la dirección de nuestro sitio.
Esta aplicación nos permite crear nuestras propias imágenes a través de un pincel y una paleta de colores.
Skitch ď ľ
Skitch, que te permite hacer capturas de pantalla en cualquier lugar de tu ordenador, y a su vez editarlas con texto, flechas o sobresaltarlas con otro elemento, y compartirlas en las principales redes sociales.
Áreas del Diseño Gráfico o
Diseño Publicitario: Diseño de publicidad en cualquiera de sus formas gráficas, uso intensivo de la persuasión, la percepción visual, está apoyada por el Marketing y el objetivo principal es convencer, producir emociones y/o acciones específicas.
Diseño Editorial: Diseño de publicaciones de carácter informativo, de entretenimiento y llanamente contenidos escritos, muchas veces combinados con fotografía, ilustración y hasta animación según el soporte; de manera general se busca que el contenido sea consumido fácilmente por un público objetivo.
Diseño de Identidad Corporativa: “Sencillamente” es el diseño de marcas, es de las áreas del diseño que requieren de mucha más investigación y disciplina, aquí se busca crear un sistema de diseños homogéneos que tengan congruencia y cierta predictibilidad de un soporte a otro. Busca definir la personalidad de una empresa, la cara de la misma ante el público por lo que el mensaje específico debería ser claro, conciso y crear valor.
CONCLUSIÓN
De acuerdo al tema, conocemos todos aquellos aspectos básicos que conforman al diseño y aprendimos de la importancia y la necesidad que tiene para nosotros, todo esto para tener un mejor desarrollo y conocimiento en diseño en general.