Revista Cafe Final by Carlos Guzmán Lechuga

Dise帽o y Diagramaci贸n: Jose Contreras Melany Batz Imagen de portada:

Composici贸n de Vassily y Kandinsky

En esta edición de la revista Arte, Café y Diseño se presentan seis artículos sobre la importancia de las diferentes tendencias de artísticas dadas a través de los años. Es importante echar un vistazo a la historia del arte y del diseño para poder entender y enriquecer nuestros conocimientos y poder diseñar consecuentemente. Los artículos desarrollados por estudiantes del octavo semestre de la Licenciatura de Diseño Gráfico, los cuales tienen un enfoque filosófico y describen la importancia y las ideas principales de las diferentes corrientes de arte en su época y el Diseño Gráfico en sus inicios. El diseño y la diagramación de esta revista se fundamentan en la tendencia más importante para el Diseño Gráfico, “ la Bauhaus” , esta

escuela dio la primera pauta para constituir al Diseño Gráfico como profesión, al crear material académico y fundamentar con reglas, principios y diferentes técnicas de diseño y procesos creativos. La razón de crear una revista con un contenido extenso en texto y con análisis muy profundos y descriptivos es poder crear una comunidad de diseñadores con una cultura visual y conocimientos amplios y factibles en fundamentos y conceptualización. Como muchos dicen hoy en día “nada es nuevo, todo ya se inventó”, esta frase tiene en un gran sentido la razón, muchos artistas y pensadores a través de la historia pudieron conceptualizar una tendencia y convertirla en una corriente reconocida mundialmente; el objetivo era crear algo que rompieran

con lo tradicional, algo innovador y descubrir nuevas maneras de producir arte o bien, nuevas maneras de comunicar. Hoy en día nos enfrentamos a un mundo consumista en donde la demanda de ver cosas nuevas en diseño aumenta día con día, al igual que el número de personas que se suma a la comunidad de diseñadores. El mundo cambia día con día y debemos de estar actualizados en cuanto a tecnología, tendencias y nuevas formas de diseñar pero nuca debemos perder los conocimientos tanto académicos como aprovechar toda la información que la historia nos brinda, debemos incluirla en nuestra cultura pictográfica/visual y hacer esa información parte de nuestra cognición, ya que es muy importante investigar y buscar la mejor solución para los retos de diseño que se nos presenten.

ART NOUVEAU

EL INICIO DE UNA NUEVA ÉPOCA EN EL DISEÑO, SU HISTORIA, DESARROLLO Y TRASCENDENCIA.

través lde los años hemos visto como diferentes movimientos han influenciado en el desarrollo histórico de la humanidad, las tendencias o corrientes artísticas no son excepción a esto. En el presente ensayo se busca abordar el tema del Art Nouveau o Arte Nuevo y mostrar la influencia filosófica que ha tenido y la huella que ha dejado en la nueva época del diseño gráfico, ya que, más que ser un estilo artístico se le puede considerar como una nueva manera de ver las cosas. Pero ¿Cómo podemos demostrar la trascendencia que ha tenido el Art Nouveau en el campo filosófico y profesional del diseño gráfico? Desde los años 1800 hasta la primer Guerra mundial, los países europeos y Estados Unidos fueron

testigos del nacimiento de un nuevo movimiento artístico, el Art Nouveau, arte que tomó por inspiración las formas presentes en el mundo natural. A raíz de esto, y en un periodo de constante modernidad, el Art Nouveau según menciona Rosales, M. (2009): “Quiso conseguir una autenticidad en la estética, buscando la manera de hacer arte con lo cotidiano, respetando lo tradicional para hacerlo moderno. Esto influenció en la arquitectura, en la literatura y también en las artes aplicadas como la ilustración, el diseño, la escultura, el trabajo en metal, etc.” El término viene desde 1895 cuando Siegfried Bing abrió una galería llamada “ La Maison de L’Art Nouveau” que era una galería para el arte contemporáneo, esto generó una popularización tanto del nombre como del arte en sí (imagen 1). Alcanzó una audiencia mundial, debido a que favorece el consumismo, en especial con las vibrantes artes impresas como periódicos, ilustraciones de libros, carteles o posters (publicitarios e informativos), así mismo en las piezas de joyería. 6

Debido a su presencia en todos los países de Europa, el art nouveau tuvo diferente nombre en cada región, esto permitió que se mantuviera como característica principal la inspiración en formas naturales y orgánicas del mundo natural, pero cada país utiliza estilos propios de cada región para poder mezclar estos con el art nouveau y mejorar el arte en sí. Esto generó un movimiento artístico que buscó siempre la autenticidad, evitando las corrientes clásicas y luchando contra el historicismo de la época victoriana; sin embargo, el movimiento es una emulación de ideologías y postulados que se fueron desarrollando como antecesores, principalmente el Arts & Crafts, creando así un nuevo estilo que tenía como objetivo la innovación.

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Art Nouveau Una decoración naturalista

Aun así, el Art Nouveau no es el resultado únicamente de una historia exclusiva de Europa sino que también es la mezcla de algunos estilos orientales y clásicos que pretendían demostrar un quiebre con lo tradicional y lo viejo. Es por esto que el Art Nouveau se transforma en una corriente filosófica importante que influye no solo en el arte sino que también en cómo la arquitectura, el mobiliario y el diseño gráfico y de productos. El Ar Nouveau hace uso de muchas formas y movimientos que eran parte del siglo XIX, los artistas de esta época consideraban que todas las artes y trabajos manuales debían ser tomados como iguales, accesibles y todos debían disfrutar del

arte como tal: “se creía en hacer arte por el bien del arte” Pasando a discutir las características de movimiento podemos recordar lo dicho por Gaudí en 1880, todo sale del gran libro de la naturaleza; las obras de los hombres son ya un libro impreso. El Art Nouveau tuvo como objetivo modernizar el arte y diseño, tratando de escapar de los estilos históricos estáticos que previamente habían sido popular. Los artistas se inspiraron en ambas formas orgánicas y geométricas, diseños elegantes y evolucionados con fluidez, formas naturales con contornos más angulares. El movimiento se ha comprometido a abolir la jerarquía tradicional de las artes, tales como la pintura y la escultura, para darle importancia a las artes decorativas a base de artesanía. Según De La Cuesta, M. (2011) el Art Nouveau es: “Una decoración naturalista de abundantes motivos de flores y animales que no eran meros adornos en los objetos, sino el medio para dar la forma. La función y el uso se convierten así en un placer estético.” A pesar de ser una aplicación del arte, busca también ser comercial y de esa forma satisfacer y permanecer. Las piezas impresas que se crearon en esta época son consideradas como los primeros medios de publicidad y propaganda lanzadas, esto dio paso a un medio masivo de comunicación, al ser un tipo de arte nuevo; los artistas se tomaban su tiempo para experimentar esta nueva forma. Las tipografías que se utilizaban eran basadas también en formas florales y eran hechas a mano alzada así como también las imágenes que se realizaban.

El aporte del Art Nouveau en el diseño gráfico resalta un cambio al mundo, el término Art Nouveau ya indica de por sí un espíritu de reforma, rebelión y libertad. Nos transfiere esa corriente de pensamiento, no estar conforme con lo establecido y ser curiosos para encontrar nuevas soluciones. Si bien el diseño involucra más análisis que el arte, exige constantemente una capacidad creativa de innovar, crear lo aún no creado; a su vez, el principal objetivo es comunicar a través del arte, saber conseguir y aprovechar la inspiración, para luego crearnos un sello personal, características que fueron generadas por la base del Art Nouveau.

Uno de los pensamientos generados por el Art Nouveau es que el arte o diseño no debería ser analizado con parámetros tan rígidos como la ciencia o las matemáticas sino que nace del alma, pasando por la conciencia y transmitiendo su belleza en la vida. La firmeza en lo que creían los pioneros del Art Nouveau los hizo alcanzar la libertad de pensamiento, dejando atrás las expectativas de los demás y de ese modo restarle importancia a las críticas. Llegaron a alcanzar una firmeza en lo que creían, esto es uno de los grandes legados que nos dejó el Art Nouveau, ya que, logra la individualidad y de este modo también se busca evitar el plagio, debido a que al contar con un estilo de pensamiento y generar un estilo propio se hace evidente cuando alguien más intenta copiar dicho estilo. La otra encomienda para la contemporaneidad de parte del Art Nouveau es que mostró a la mujer al natural, con sus curvas y su figura lozana. Este aspecto que pide ser aplicado en la actualidad, para mitigar el exceso de retoque fotográfico. Al hojear una revista o catálogo, las modelos presentadas tienen las mismas características físicas, su morfología

es similar, pero es una utopía. El diseñador gráfico debe de ser responsable del mensaje que va a transmitir. Se trata siempre de buscar la originalidad, también se debe incluir eso en las fotografías, mostrando la diversidad morfológica que existe en el mundo. La tipografía utilizada también tenía relación con las curvas de la figura femenina. Predominaban las líneas orgánicas y onduladas, se utilizaban también motivos y la búsqueda de la asimetría en los caracteres, seguían de esta forma siendo fieles a su principal inspiración, la naturaleza. Se buscaba la combinación de la imagen y la tipografía para que fuera armónico visualmente, en la actualidad no solamente se busca que se armónico sino que también sea funcional. El art nouveau marca el inicio de una época porque dio lugar a la separación entre disciplina y profesión, ósea la especialización de una persona en un área específica del arte. Como por ejemplo; la creación de artículos de decoración se comenzó ya a conocer como diseño industrial. Se hace necesario que un diseña-

dor sea un “todólogo” ya que para ser parte de un proyecto nuevo es necesario que indague cada uno de los aspectos del tema que se va a manejar, pero aun así el diseñador sigue siendo específicamente un diseñador gráfico. El Art Nouveau ha tenido un revaloramiento en los últimos 20 años con el nacimiento del diseño postmodernista. Los artistas de todo el mundo están utilizando hoy elementos de este estilo como sus líneas sinuosas, elementos naturales y florales, así como sus colores característicos. Uno de los elementos característicos más inspiradores del Art Nouveau son los carteles de ninfas con elementos naturales, flores y ornamentos, estos son de los elementos del Art Nouveau que más influencia ha tenido en los diseñadores gráficos y sus trabajos. Algunos de los más bellos trabajos impresos representan ninfas con elementos florales, con los colores específicos del Art Nouveau como el verde olivo y el ocre y las sinuosas líneas de la tipografía Art Nouveau.

ART NOUVEAU El nombre de Art Nouveau es el que se le aplica a un estilo artístico surgido a fines del siglo XIX y comienzos del XX. Por: Alba Luisa Hernández Campos María Mercedes Casasola Dora Melissa Matzir Perez María Fernanda Leal Paniagua

Cartel: Zodiac, Corriente: Art Nouveau por Alphonse-mucha

El aporte filosófico de las corrientes y

movimientos del arte y la comunicación

desde la revolución industrial hasta el siglo XXI.

n principio se pensaba que el diseño era meramente ornamental que este no debía comunicar sino únicamente adornar los manuscritos, se podía pensar que eran aristas cuyo único objetivo era hacer más bello un elemento. Han existido muchos antecedentes históricos que le abrieron el paso a lo que hoy llamamos una carrera de comunicación visual, esto a partir de la Bauhaus, donde se abrieron paso a paso las artes gráficas como profesión, pero no podemos descartar el hecho que existen más antecedentes históricos previos a la Bauhaus. Dentro de esos antecedentes podemos encontrar las artes plásticas que se ven directamente como una de las influencias más fuertes en el diseño gráfico, asimismo podemos ver que existieron otras influencias para que el diseño gráfico evolucionara, dentro de estas entran la semiología, la tipografía, la evolución tecnológica entre otras. El conjunto de estas nuevas herramientas vinieron a facilitar y encontrar nuevos campos como lo fue en el posmodernismo en el cual se abrió una nueva iniciativa hacia los estudios audio visuales con los comerciales para tv o la aparición de software y hardware los cuales abrieron campo al diseño de páginas web, en esta época también encontramos la cartelmanía y los diseños de portadas para los discos.

al entrar a la revolución industrial empezaba a cambiar este punto de vista, ya que los acontecimientos que estaban rigiendo en dicho momento hacían que la percepción de las cosas cambiara, ya que esta época surgieron muchas empresas por la demanda de las personas ya que estas se basaban más en lo material dejando de un lado la artístico y funcional para poder llevar el consumismo a las personas, debido a esto surgieron fábricas, que eran grandes ejes de movimiento de los cuales hacían que las personas se cambiaran de ciudades a trabajar y empieza el aumento de tiendas y negocios, todo el sector económico empieza a crecer, y desde este punto se podría ver que nace la esencia más importante del diseño gráfico, que es la necesidad de comunicar, se podría decir que es uno de los factores que ayuda a que tenga su propia esencia y filosofía una forma de pensamiento más allá de que un cartel se viera bonito, estético, o ilustrado, se miraba la intención de comunicación, de venderle productos a las personas, esto ya era un punto a favor de que el

En el diseño gráfico existen una variedad inmensa de tendencias por medio de las cuales podemos reconocer diferentes épocas que han ido marcando la identidad del diseño gráfico, no necesariamente una mejor que la otra, cada una con sus características específicas que se desarrollaban conforme a su entorno sociocultural y que con el tiempo recorrieron el mundo y tuvieron un impacto diferente en cada continente y que han aportado rasgos que hoy en día aún se utilizan en el diseño gráfico. La esencia del diseño gráfico como tal no existía, desde un principio se creía que el diseño gráfico era una forma de arte simple, bello, atractivo a los demás y sin ningún sentido más que estos, luego

Portada de libro Bauhaus por Herbert-Bayer

imagen obtenida de: taringa.net “Como-Entender-la-Segunda-Guerra-Mundial.22 oct. 2015”

diseño gráfico empezara a crecer y a reconocerse como una carrera.También se puede tomar en cuenta que gracias a la industrialización de la revolución industrial se obtuvo un avance en el proceso de creación de comunicación gráfica como carteles en una serie de pasos especializados, como también su creación en serie. Después de la revolución industrial la sociedad como tal empieza a tener declives y conflictos entre las áreas más vulnerables todo esto pasa ya que surgen las dos guerras mundiales que hicieron que este mundo temblara y fuera visto de otra forma, y los nuevos pensamientos que iban surgiendo y como también se iba sintiendo más la clara identificación del diseño gráfico, pero aun así la carrera no tenía nombre, si no es por la fundación de la escuela de artes plásticas de Bauhaus creada en 1919,

Con el paso del tiempo el diseño gráfico tomo un gran impulso en la sociedad ya en la década de 1960 cuando la fotografía se estaba tomando un gran auge, los especialistas acudían a los diseñadores gráficos, ya que ellos podían crear la composición de páginas, que se encargaban del texto y el uso correcto de la tipografía; y estos diseñadores tenían un equipo de trabajo; unos pegaban texto, otros se encargaban de poner los elementos en su lugar, habían operadores de cámara y reveladores de fotografías, el diseño gráfico con el tiempo se empezó a ampliar en muchas dimensiones no solo como comunicación visual, sino también la editorial que desde un principio está considerada como una de las bases del diseño gráfico. Entre la década de 1940 a 1950 surgieron los pioneros de las escuelas en Nueva York, un grupo de inmigrantes europeos exiliados por la guerra llegaron a Estados Unidos importando una de las primeras oleadas del diseño modernista. Los movimientos modernistas tuvieron una fuerte influencia en el campo de la publicidad y el diseño gráfico aun cuando en principio no fueron bienvenidas las ideas de dicho movimiento, el pionero de la publicidad estadounidense Earnest Calkins afirmo que el modernismo daba la oportunidad de expresar lo inexpresable. Un área en la que el diseño fue innovador fue en la publicidad ya que introdujo los “equipos creativos” formados por redactores y directores de arte, también surge la técnica de sobre posición de di-

ferentes elementos. El surgimiento de los equipos creativos fue por la necesidad de realizar proyectos amplios con personas especializadas en distintas ramas, surge la idea del trabajo en equipo para proyectos y se establece como una metodología de trabajo a partir de ese momento. Durante este lapso de tiempo el diseño editorial fue escaso pero sobresaliente gracias a los nuevos conocimientos sobre tipografía, esto hizo que el diseño tuviera más auge, a partir de entonces el diseño no sería considerado como un aspecto decorativo más ya que llegó a romper con el modelo convencional, creando una apreciación de manera poética hacia el color, la forma y el modelo. Luego de la guerra, el sector empresarial requería un sistema de identidad y comunicación estratégica y esto dio paso al diseño de marca como una nueva rama del diseño gráfico, esto ayudó a que las marcas sobresalieran ante la competencia y dio un nuevo mundo de posibilidades. La misma publicidad fue haciendo una serie de cambios notorios en su estructura debido a que la idealización en los años 50 del diseño mostraba a la mujer como un ama de casa ahora en los 60, esto había cambiado y el objetivo ya no era atacar al consumo hogareño; la mujer seguía siendo punto de enfoque en muchos anuncios pero ahora llevaba un estilo más sofisticado, más elegante por lo mismo el consumismo fue un sube y baja tratando de no verse afectado incluso por la tan revolución femenina que exigía se dejase de usar a la mujer 14

Cartel tendencia Hippie, “Bad Finger” por Apple Records en 1822

como figurativo de deseo o de motivación al consumo. A pesar que muchas personas relacionan la llegada de los años 60 y 70 con el movimiento hippie este derivó más estilos no solo en vestuario si no que dentro de la industria publicitaria pues al lado de la revolución femenina la mujer fue mostrando más poder y pesadez no solo en los negocios y la moda, también en el arte y el diseño (gráfico y textil). (Cortés, 2011). El diseño editorial también se vio seriamente criticado en los años 60 y 70 debido a que la comercialización de historietas o comics y revistas fue incrementando viéndose así en la necesidad de buscar medidas para su expansión tanto nacional como internacional ya que la competencia comenzaba a marcarse; claro ejemplo sería mencionar a DC comics y a Marvel quienes a finales de los 60 se vieron envueltos en una competencia de mercado después que Marvel comenzase a llamar la atención del público joven, mismo que DC llevaba dominando desde sus inicios en 1938. (la de capitán américa) A partir de los años 70 en Latinoamérica se comienza a reconocer el diseño como carrera profesional y universidades a lo largo de este tiempo comienzan a abrir sus puertas a la posibilidad de lanzarla como carrera y no solo una parte de la visualización de la carrera de arte. Al inicio de la década de los años 80 se tiene establecida la existencia del diseño gráfico, se comprende su funcionamiento, las personas saben que es una herramienta fun15

cional de comunicación; pero aún no han descubierto la totalidad de su poder. A partir de los años 80 se empieza a conocer que la moda necesitaba del diseño gráfico para poder darse a conocer y transmitir sus ideales. La moda se desarrolló porque todas las personas apoyaban los ideales y ofrecimientos de una propuesta. Cada moda tiene ideales distintos; “Do it Yoursel” fue un ideal que estuvo de moda durante los años 80 y fue una tendencia mundial, el diseño gráfico como herramienta de comunicación a través de gráficas, texto y construcción de piezas logró comunicar de manera adecuada este mensaje que los productos deseaban transmitir. De los años 90 en adelante el diseño gráfico añade la característica “adaptativa” a sus cualidades, la tecnología evoluciona frecuentemente y el diseño gráfico se adapta para suplir las necesidades de los empresarios, que necesitan hacer elementos visualmente existentes, necesitan estructuras funcionales y componentes funcionales dentro de la tecnología para vender sus nuevas creaciones. El diseño a partir del año 2000 se ha enfocado en generar adaptaciones de las piezas gráficas, para que sean funcionales y efectivas, en la primera década de los 2000 se ha tomado mucha conciencia respecto a la situación del medio ambiente y el diseño gráfico ha tomado mucho enfoque social, el diseño gráfico no pierde su base principal de transmitir información pero durante esta década se ha enfocado en transmitir información y hacer conciencia.

Identidad del Diseño Gráfico

a través de los años

En la actualidad los seres humanos están conscientes que un mensaje de éxito es un mensaje bien diseñado, el diseño gráfico como profesión fomenta en los profesionales actitudes de servicio y calidad hacia la humanidad si perder el enfoque que le dio vida al diseño gráfico “Comunicar mensajes de manera eficaz”. Sin duda al diseño gráfico le queda mucho por delante ya que la humanidad gracias a la tecnología se encuentra en constante cambio y el diseño gráfico está capacitado para adaptarse a lo que venga con la finalidad de alcanzar siempre sus objetivos. 16

Cartel apoyando al movimiento hippie de los 80s

Cartel: Capitan AmĂŠrica, Marvel comics

Pensamiento y contexto de las corrientes filosóficas

a finales del siglo XIX y XX

lo largo de la historia han existido un sinfín de corrientes artísticas, sin embargo en muy pocas ocasiones se analiza el pensamiento que hay tras ellas y del cual surgen, mucho menos sus implicaciones y la forma en que estas afectan a las corrientes que las suceden, pero principalmente la forma en que han afectado al diseño gráfico actual ya que si bien la carrera no lleva mucho tiempo con el nombre de profesión como tal, ha existido desde siempre y desde siempre se ha visto afectada por el entorno que lo rodea incluyendo la forma de hacer arte en cada época de la historia. Después de la Revolución Industrial el arte tuvo un giro en el cual cambió su forma de expresión, creando consigo movimientos artísticos muy variados, a continuación se hará un análisis de algunos de estos. El romanticismo, que ha sido uno de los más importantes movimientos artísticos de los últimos siglos, no solo por la impactante gráfica y el estilo tan propios que llegó a desarrollar, sino por la fuerte ideología que existía tras de él, la forma de pensamiento romántica fue una de las más drásticas y extravagante de la última época, tanto así que el ideologista romántico comúnmente termina cometiendo suicidio, debido a que no soportaba la idea de vivir en un mundo que no era el ideal para él y debemos hacer énfasis en que su idea de un mundo “ideal” tenía una expectativa bastante alta, es de aquí donde proviene la frase común de decir que una idea es “romántica” cuando es hasta cierto punto irreal, pero ¿Qué tanto ha influenciado el romanticismo al diseño gráfico actual? Para responder esta pregunta debemos recordar uno de los ideales más característicos del movimiento, según el centro cervantes “Caracterizan la estética romántica una ferviente pasión por la libertad, que llevó a los escritores a rechazar reglas generales y universales” (2012) su gran patriotismo, el afán de exaltar el civismo y amor

por una nación combinada con su incesante búsqueda de la libertad, a tal punto que una gran cantidad de obras representativas del género traten sobre guerras en pos de una patria libre tal como “La libertad guiando al pueblo” de Delacroix en el que encontramos a una mujer llevando la bandera de Francia sobre un ejército enemigo opresor, seguida de un pueblo que se nota no está preparado de manera alguna para partir a la guerra, marcaría las tendencias a seguir para un diseño gráfico posterior en épocas y carteles tales como los vistos durante la segunda guerra civil emitidos por los gobernantes de los países líderes de dicha batalla, incluso atreviéndose a mencionar que el mismo Adolf Hitler dentro de su forma de pensar llegaría a manifestar algunos rasgos de romanticismo ya que fue impulsado por la necesidad de ver a un mundo ideal para sus preceptos. Otro de los principales aportes del romanticismo es que fue la primera cultura que incito a la rebeldía dentro de sus exponentes, esto más tarde influiría fuertemente en algunas de las manifestaciones culturales y gráficas más importantes, como serían la cultura punk, ya que si el ideal romántico de no conformarse ante las ataduras que le imponían la sociedad no hubiera salido a luz una tendencia tan fuerte y marcada como esta, al igual que la cultura hippie, ambos tiene sus orígenes y principios en esta corriente, en el documento de Romeo menciona “La actitud idealista que no se corresponde con la realidad y que lleva al romántico a la rebeldía. La sociedad pone trabas a su libertad, por ello adopta una actitud rebelde contra las normas y lo establecido.” (2015) es así que aunque la profesión de diseño gráfico no se viera instituida como tal hasta muchos años después con la creación de la Bauhaus, el movimiento romancista ha sido base e inspiración para muchos de los movimientos gráficamente más representativos de los últimos tiempos.

Época del Romanticismo, Obra: La Libertad Guiando al Pueblo Año: 1831, por E. Delacroi, técnica: Óleo sobre lienzo.

Época del Romanticismo, Obra: Muerte de Sardanápolo Año: 1827, por E. Delacroi, técnica: Óleo sobre lienzo.

Otro de los movimientos artísticos que se vieron afectados por el romanticismo fue el impresionismo, una generación de artistas que se oponían fuertemente a los mandatos plásticos impuestos por la academia y las grandes instituciones que representaban el arte en su época y que incluso fueron rechazados durante mucho tiempo por la sociedad en que se encontraban, Fcalzado menciona lo siguiente “Lo que estos artistas tenían en común era su desprecio por el arte tradicional oficial en favor de nuevas formas de expresión artística mucho más innovadoras.” (2012), es por esto que el impresionismo tiene mucha relación con lo mencionado anteriormente en el romanticismo. Nada de lo que pasó en el siglo XX hubiera sido posible sin este movimiento generado por un grupo de pintores franceses. Como podemos ver, la mayoría de grandes movimientos artísticos, se da cuando el intérprete se cansa de seguir lo ya

estipulado y empieza a buscar una forma de innovar, este mismo pensamiento se busca día a día en el diseño gráfico actual, la necesidad de innovar es algo que puede lograr la generación de momentos que marcan el desarrollo de las artes como tales, en el impresionismo pudimos notar un completo cambio de técnica, un uso de color diferente e incluso el aprovechamiento de la tecnología ya que se sabe que fue un movimiento fuertemente influenciado por la fotografía, misma que aún estaba en desarrollo para ese instante. Los movimientos vanguardistas empezaron a surgir en el primer cuarto del siglo XX, en el cual el arte es influenciado por lo político y lo social de ese tiempo (dos guerras mundiales) en donde la sociedad perdió la razón entrando en crisis creando movimientos artísticos de protesta. En este cuarto de siglo las obras empezaron a ser más innovadoras y experimentales.

Los movimientos vanguardistas empezaron a surgir en el primer cuarto del siglo XX, en el cual el arte es influenciado por lo político y lo social de ese tiempo (dos guerras mundiales) en donde la sociedad perdió la razón entrando en crisis creando movimientos artísticos de protesta. En este cuarto de siglo las obras empezaron a ser más innovadoras y experimentales. En estos movimientos los artistas comunican y reflejan la libertad que ellos y la sociedad requieren.

20 19

En el Romanticismo sus principales conflictos eran sobre la crisis religiosa y sobre todo, el conflicto existencial; esto nutre al Expresionismo, otro movimiento artístico el cual absorbe las semejanzas racionales del Romanticismo. El artista expresionista despertaba en sus obras, sus sentimientos y emociones más no se preocupaba de la realidad objetiva; pues buscaba transmitir el mundo interior del artista, sus pasiones y angustia existencial para despertar las emociones del espectador esto se lee de manera más clara en el artículo de arte españa que dice “El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva. Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento” (2010).

Obra: Colonia Guell Gaudi Santa Coloma de Cerevello por: Erenest Descals, técnica: Óleo sobre lienzo.

El modernismo surgió como oposición al realismo, aunque este influyó en gran parte de Europa y América, tiene mucho más importancia en los países de habla hispana. El modernismo defiende la única finalidad de que el arte es el arte en sí mismo entendiendo este como el amor por la estética y la belleza. Aunque el modernismo tuvo influencia en distintos artes, tuvo mayor influencia dentro del ámbito literario aunque muchas de sus características son comunes a otras artes, dentro de esto destaca principalmente en la poesía. Hay que aclarar que en un comienzo el Modernismo no es necesariamente un movimiento literario, ya que no sólo se vincula a lo artístico, sino a una serie de actividades, expresiones sociales y pensamientos que adquirían mayor proporción sobre finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX. La evolución del Modernismo se da por influencia de procesos e ideas que van tomando forma y generando conflictos sobre finales del siglo XIX, como por ejemplo: la industrialización, el positivismo filosófico, la politización creciente de la vida, la burguesía, utopías entre otros. Este también se caracterizó por ser la expresión americana de la literatura que buscó la ruptura con respecto a una tradición que provenía de la literatura y el arte europeo, el modernismo persiguió el ideal de una búsqueda de la expresión de lo americano, para lograr expresar ese sentimiento de “lo americano”, el modernismo buscó la originalidad en la expresión, rompiendo con las viejas formas de escritura que todavía se utilizaban (y que venían de un movimiento anterior europeo: “El Romanticismo”) percibiendo así que en el modernismo hay una búsqueda de lo exótico. El minimalismo urgió en la década de 1960 a partir de una economía de medios, el uso de la abstracción, el purismo funcional y estructural y la síntesis, cambiando así los esquemas tanto del arte y el diseño como del pensamiento. La intención del minimalismo, por lo tanto, es generar sentido a partir de lo mínimo, simplificar los elementos utilizados, apelando a un lenguaje sencillo, colores puros y líneas simples. Se fundamenta en los aspectos reduccionistas del modernismo, y muchas veces interpretado como una reacción contra el expresionismo abstracto y un puente a las prácticas del arte posmoderno. 21

El minimalismo se basa en la esencia de los elementos, tenemos que elegir nuestra esencia, en un mundo donde nunca ha habido tantos cambios en tan poco tiempo, tanta información, tanto conocimiento, tantas conexiones entre los seres humanos y tanta creatividad, tampoco nunca ha habido tanta complejidad: muchas más conexiones, muchas elecciones, mucha más dificultad para comprender el mundo, es en donde nuestra esencia debe sobresalir y donde nosotros debemos estar conscientes de esto. De igual forma se inició en la década de los 60’s el Hiperrealismo. El propósito del Hiperrealismo es acercarse a una supuesta objetividad visual en la representación de retratos, naturalezas muertas, interiores y paisajes, a través de un singular método de trabajo que compagina técnica y disciplina. Cuando apreciamos una buena obra hiperrealista, vemos con exactitud la representación, debido a la máxima eficacia de esta técnica como modo de producción y método de apropiación de la realidad visible.

Richard Estes, Illinois 1932

Así como la Bauhaus contribuyó y creó una gran influencia, esto mismo sucede con el expresionismo, ya que este contribuyó en el diseño gráfico a crear composiciones dinámicas con formas naturales, colores puros y delicados creando un ritmo y armonía. Así el diseñador se enfocaría más en la forma y los colores para ser un poco “informal” en sus composiciones pues el expresionismo es como una actitud estética.

El origen del minimalismo y el hiperrealismo no habría sido posible si no hubieran existido las bases de la Bauhaus, u originalmente conocida como “La Das Staatliches Bauhaus” (el nombre Bauhaus se crea a partir de la unión de las palabras alemanas “Bau”: construcción y “Haus”: casa) esta fue fundada por Walter Gropius en la ciudad alemana de Weimar bajo el lema de “La Escuela debe elevarse con el trabajo” esta fue una de las primeras escuelas de diseño, aunque también fue academia de arquitectura y arte contemporáneo en donde se aplicaba un nuevo modo de enseñanza y producción, está ejerció una importante influencia, no solo en la arquitectura moderna sino en todo tipo de diseños. Los docentes dentro de la Bauhaus basaban sus enseñanzas en la continua investigación de las formas en todos los campos, está fundamentada en el racionalismo, la armonía y la ausencia de ornamentación.

Otra de las vanguardias es el Cubismo el cual fue un movimiento más racional que por medio de formas geométricas y monocromía creaban sus obras. Ellos trataban de romper la visión clásica del arte y por medio de figuras geométricas crear una nueva figuración de los volúmenes en un plano. En contraparte con el expresionismo, ellos rechazaban las actitudes sentimentales. Al rechazar la perspectiva le dieron prioridad a la línea y la forma. Las ilusiones espaciales y de la perspectiva varían, observándose a la figura simultáneamente desde diferentes puntos de vista. Una de las principales aportaciones al diseño, fue el collage, con la cual se da libertad de composición, agre22

gándole textura que otorgan significados a los elementos. También al agregarle recortes de letras y palabras, se logra una asociación de formas visuales y significativas. Si no hubiera existido el cubismo no podríamos imaginar las obras surrealistas, el Pop Art y todo el arte abstracto. Sin embargo muchas personas no entendían el cubismo y a raíz de esto surge la corriente artística del Pop Art. Mediante mensajes de denuncia e ironía ante las modas y el consumismo, propone generar mensajes visuales con mayor impacto y enfocados a un grupo objetivo más amplio. Aunque su conceptualización no es tan congruente, hoy en día nos damos cuenta que su mayor aporte son las actitudes que conducen hacia el cambio u objetivo en relación a la problemática de un proyecto de comunicación podemos encontrar una explicación más detallada de esto en el artículo de Mainguez que dice “Surgió de algunos artistas como una reacción en contra del expresionismo abstracto, que consideraban que no era entendible para la persona común.

Obra Cubista de Pablo Piccaso Las senoritas de-avignon, 1907

Mediante las corrientes artísticas y su aporte, hemos podido evolucionar continuamente en un proceso de adición constante ya que cada nuevo estilo, es la base para el que le sigue, ya sea de una forma u otra, ya sea como modelo e inspiración o como conflicto y ente a superar, cualquiera que sea el caso, no cabe duda de que la gráfica no sería lo que hoy es si no se hubiera primero pasado por todo el proceso del cual se acaba de analizar una pequeña fracción, es por lo mismo que es tan importante voltear a dar una pequeña mirada al pasado y tratar de entender qué fue lo que movió, motivó e inspiró a cada uno de los representantes de los géneros y corrientes más importantes. Hoy en día los diseñadores tenemos tantas herramientas y estilos que facilitan la creación de mensajes pero no se debe perder el enfoque en el cual fueron creados.

Obra Pop Art de Andy Warhold Nobre endangered species zebra

eles t r a c os de XV p i t y ión glo c i s u l l o e v d es, e artir n p e g a í r n rolla sus o r a s e d que se

origen del cartel se remonta en el siglo XV, pero este adquiere gran impulso y relevancia con la evolución de las artes gráficas y el descubrimiento de técnicas de reproducción de la imagen a través de la litografía hasta en el siglo XIX. Se vuelve una técnica de difusión altamente funcional debido a sus posibilidades comunicativas además de no necesitar inversión de grandes recursos. La capacidad de combinar palabra e imagen en un formato atractivo y económico impulsó el cartelismo a ser innovador y así tener un impacto de mayor alcance. Este medio informativo era conocido como panfleto o bando de ordenanza que se colocaban en las paredes de las plazas públicas para ser vistos

p o r el pueblo y de esta manera ser advertidos de las nuevas obligaciones o impuestos o para anunciar algún espectáculo que podrían presenciar. Con el paso del tiempo se fue reconociendo como un atractivo visual de gran fuerza emotiva capaz de hacer que las personas respondieran a su mensaje. Por esta razón, ha pasado a ocupar en los medios de comunicación un importante lugar. Su objetivo principal siempre ha sido informativo. Este medio informativo era conocido porque se colocaban en las paredes de las plazas públicas para ser vistos por el pueblo y de esta manera ser advertidos de las nuevas obligaciones o impuestos o para anunciar algún espectáculo que podrían presenciar.

Cartel: Gismonda, 1894 medida: 216x74.2 cm Técnica litografía

Con el paso del tiempo se fue reconociendo como un atractivo visual de gran fuerza emotiva capaz de hacer que las personas respondieran a su mensaje. Por esta razón, ha pasado a ocupar en los medios de comunicación un importante lugar. Su objetivo principal siempre ha sido informativo de una forma directa, sencilla y muy llamativa, dando como consecuencia una forma de comunicación bastante efectiva además de ser de masas. La evolución de las artes gráficas va a permitir que el cartel consiga excelentes cotas artísticas, siendo objeto de interés de renombrados artistas hasta hoy en día. El cartelismo comercial y político adquiere gran desarrollo en España a partir del siglo XIX, debido al impulso y relevancia que se le da

con la evolución de las artes gráficas y el descubrimiento de técnicas de reproducción de la imagen. El cartel se vuelve una técnica de difusión altamente funcional debido a sus posibilidades comunicativas. Es por esto que se debe destacar el cartelismo publicitario francés del siglo XIX y la abundante producción que adquiere el cartel político en España durante la República y la Guerra civil debido que le dan un nuevo impulso y giro a la creación del cartel, adoptando así una forma muy semejante a lo que se conoce el cartel hoy en día. Es acá en donde se da el nacimiento del cartel moderno y se debe básicamente a la suma de dos factores: Jules Cheret y las mejoras técnicas en la impresión litográfica.

Detalle del Cartel Español titulado: Por Dios, por España. Viva el Ejército salvador, Gloria a los mártires y a los héroes. Autor desconocido, publicado en el siglo XX

Cartel Moulin Rouge Diseñado por Toulouse Lautrec en 189

Jules Cheret comienza a trazar la evolución del cartel a través de página impresa (litografía), manejando un estilo nuevo y sobrio en el cual se comienza a ver composiciones que constan solo de formas planas y simétricas en donde adquiere un carácter dinámico, hace uso de formas curvas, utilización del color negro para creación de contrastes, además de formas lisas y la ilusión de for-

mas en relieve. Cheret inunda las calles de carteles utilizando la figura de una mujer bella y estilizada la cual es utilizada como reclamo publicitario, siendo esto un claro indicador del nacimiento del cartel publicitario moderno.

A la vez, la evolución de las artes gráficas permite que el cartel consiga excelentes cotas artísticas, siendo objeto de interés de renombrados artistas que van desde Toulouse Lautrec Gaudí. En el ámbito comercial cabe destacar, por su calidad artística, la obra de Ramón Casas muy influido por Toulouse Lautrec. Durante la República y la Guerra Civil españolas el cartel político tuvo una gran difusión como medio de propaganda política de todas las tendencias. (Ramón Casas, “Real Club del automóvil de Cataluña”, 1914). Los ilustradores del cartelismo político poseían la capacidad de mover gente para la unión ya sea de un bando político o la participación en la guerra, en los movimientos donde se desarrollan y llegan a lo que hoy conocemos como propaganda es durante la primera guerra mundial y la revolución rusa, las piezas gráficas que surgieron en esa época eran explícitas, con poco texto, debido a que muchas personas eran analfabetas además de que la ilustración

debía comunicar el mensaje por sí solo. Buscando la movilización de las masas, desde las instancias políticas se pretende hacer ver cualquier conflicto armado como una gran lucha por las libertades, contra la injusticia social. La publicidad se llena de grises o de color según sea para desprestigiar al enemigo o para enlazar las virtudes de la guerra. Se intenta que en el cartel, lo gráfico e ilustrativo, no sea percibido como una apariencia a la realidad, sino como la realidad misma. En definitiva el cartel constituye un grito, un espacio físico de pensamiento, una de las armas más básicas y efectivas de la publicidad. Y es en eso precisamente que se convierte el cartel durante las guerras, en un arma de alcance masivo. 26

Cartel “IWant You for U.S.A. Army” (tío Sam)

Una de las tácticas era infundir odio, miedo y denigrar al enemigo a través de la sátira con el cartel de tinte racista, por supuesto se requería que tanto el combatiente y la nación entera repudiara al otro bando. Así es como nacen los carteles más fuertes y directos conocidos en publicidad. Un ejemplo es el cartel “This is the enemy” de la primera guerra mundial mostrando un combatiente asiático de manera desagradable raptando a una mujer estadounidense. El uso del cartel durante la primera guerra mundial es obligatorio, hasta

entonces constituía uno de las principales soportes de la publicidad, y son precisamente los publicistas los encargados de generar esos sentimientos de valor, odio, lealtad, esperanza, etc. los cuales constituyen el pan diario de los combatientes. Una muestra es el despliegue de propaganda por parte de EEUU, conformado por más de 2500 diseños trasladados a más de 20 millones de carteles durante la primera guerra mundial. Un ejemplo muy difundido es el clásico cartel “I Want You for U.S. Army“

El uso del cartel durante la primera guerra mundial es obligatorio, hasta entonces constituía uno de las principales soportes de la publicidad, y son precisamente los publicistas los encargados de generar esos sentimientos de valor, odio, lealtad, esperanza, etc. los cuales constituyen el pan diario de los combatientes. Una muestra es el despliegue de propaganda por parte de EEUU, conformado por más de 2500 diseños trasladados a más de 20 millones de carteles durante la primera guerra mundial. El cartel de guerra extiende su impacto a ambos bandos, desde el campo de batalla hasta los compatriotas en los países de origen, ya que no sólamente los combatientes necesitaban contagiarse de valor, odio y esperanza, sino también sus familiares, amigos, conocidos.

Lissitzky, 1929

Cartel de la primera guerra mundial “thisis the enemy”

Un año antes de que termine la primera guerra mundial, en 1917, inicia la revolución rusa, lugar del cartel contra-revolucionario con un fuerte estilo expresionista, asombrosas yuxtaposiciones donde estas “No buscaban la estabilidad, sino el cambio”. P.L Ruiz (1997) párrafo 20. La presencia de la Segunda Guerra Mundial se sintió con fuerza en el logotipo a partir de 1936. Ninguno de los símbolos que aparecen buscan representar la idea de que los Juegos son un evento deportivo que pretende la unión de naciones. La ausencia de colores, el águila y la campana da

Cartel años 30s, “we can do it” Rosie the Riveter

una sensación de un ambiente triste y muerto. También se intervino en la imagen creada para las olimpiadas de Helsinki 1952 y Melbourne 1956 continuó la tendencia de usar un diseño de un solo color. Los aros olímpicos se consolidan como símbolo y se presentan en la parte superior de los edificios, que es el icono de la ciudad en 1952. Hay menos detalle respecto al diseño utilizado en Londres cuatro años atrás. Los diseñadores empezaron a introducir el color en el logo de una manera conservadora.

Olimpiadas en Helsinki, 1952 implementación de un color

El cine fue oficialmente inaugurado como espectáculo en París, el 28 de diciembre de 1895. Desde entonces ha experimentado una serie de

Primer logotipo de los juegos olímpicos de 1,936 en Berlín

Juegos Olímpicos de Melburne diseñado por Richard Beck en 1956

cambios en varios sentidos. Por un lado, la tecnología del cine ha evolucionado mucho, desde el primitivo cinematógrafo mudo de los hermanos Lumiére, hasta el cine digital del siglo XXI. Luego de este movimiento en auge, nacen nuevas tendencias, tales como la de buscar la forma de poder promocionar las funciones cinematográficas de una manera efectiva y es ahí cuando aparece el uso del cartelismo para el cine. En el interior de las salas, los poster de los vestíbulos se cambiaron por grupos de 8 fotogramas que mostraban escenas de la película. Al principio eran en blanco y negro, después se sustituirán por fotogramas en color. A este tipo de imágenes se les llama Lobby cards.

En la década de 1920, las salas de cine se transforman en hermosos edificios. Las ilustraciones de antaño se transforman en carteles artísticos que realizaban conocidos artistas y se encargan de diseñar retratos de las estrellas famosas y es en este punto donde los carteles comienzan a contar y adentrarnos dentro de la película anunciada. Entre anuncios y carteles del siglo

XVIII se exhibían ya las funciones características: saltos mortales, equilibrios, payasos y exhibiciones de fieras. La ingenuidad con la que están tratadas las imágenes les pro porciona un encanto que todavía se mantiene en las ilustraciones litográficas de estos Carteles Históricos. Han crecido en tamaño, utilizan la “nueva tecnología” litográfica, se han enriquecido en ocasiones con el color, pero siguen transmitiendo, en su misma ostentación y excentricidad, un idéntico candor. Parte de los grandes carteles, dentro del tono popular del circo, contienen ilustraciones de gran belleza que siguen ejerciendo su poder de seducción, pero no todos los carteles artísticos europeos que se produjeron alrededor de 1900 alcanzan la belleza y la calidad de estos precursores.

Es difícil imaginar una sociedad en donde todo deba ser solamente leído o hablado, es por esto que cuando nos adentramos en la tendencia/fenómeno del cartelismo, nos damos cuenta lo importante del diseño gráfico en una sociedad, ya que a través del cartelismo el mensaje llega de forma más directa a las personas, compartiendo información valiosa, educativa, revolucionaria y hasta entretenida, cumpliendo así uno de los deseos que el ser humano siempre ha tenido, el deseo y necesidad de comunicar.

Los hermanos Lumiére, publicado el 28 de diciembre de 1895 en París

También sabemos que el motivo de la creación del cartel ilustrativo en el aspecto político o de propaganda es la movilización de masas, alistamiento a las fuerzas armadas para la participación en la guerra, consideramos es el que mejor grafica la condición y motivos de la propaganda impresa con la capacidad de mover toda una nación, o varias naciones, resultando en una de las máximas del ejercicio de diseño y publicidad.

Los hermanos Lumiére, publicado el 28 de diciembre de 1895 en París

La era de Revolución Moderna y el surgiemiento del Discurso de Diseño n general, Modernismo es el término con el que se designa a una corriente de renovación artística, periodo denominado fin de siècle y belle époque, en distintos países se le llamó Art Nouveau. Algunas propuestas del modernismo incluían la elaboración de productos de calidad usando materiales de primera categoría y aunque se tomaba como referencias algunos diseños históricos eran simplemente para evitar volver a realizarlos. Esto quiere decir que su prioridad era la originalidad esto

sin dejar a un lado la base estética común capaz de poder ser usada en cualquier tipo de producto realizado. Para adentrarnos en el modernismo, antes es necesario esclarecer algunos conceptos relacionados con el diseño, paradigma que se caracteriza por los siguientes factores: la moral, con la exploración de soluciones enfocadas a la mejora de la calidad de vida y la búsqueda de la felicidad, por medio de la materialización de valores como la honestidad, sencillez, etcétera.

El diseño como tal se remonta hasta los orígenes mismos del ser humano, pues el diseño en su amplitud abarca prácticamente la totalidad de la percepción material de la realidad, desde el momento mismo del surgimiento de la inteligencia, y ha estado presente desde entonces durante el desarrollo del ser humano. Es tan importante el diseño para el ser humano que prácticamente abarca la universalidad de su conocimiento, siendo una proyección de la labor creativa del ser humano.

La definición de diseño es importante en un marco contextual determinado, pues esta puede variar o adaptarse a ese contexto determinado, y es necesario entender la plenitud del concepto para poder definir lo que comprende este concepto. Según las distintas definiciones que buscan responder a la pregunta planteada, el diseño es prácticamente un proceso estructurado de eventos, para simplificarlo de “creación” característica propia del ser humano.

A pesar de la gran importancia del diseño, este hace su aparición formal como oficio y posteriormente como profesión a mediados del siglo XIX. ¿Qué circunstancias determinan el nacimiento del diseño en una época tardía de la historia humana?

El modernismo por su parte, nace en Bélgica de la mano de Van de Velde y Víctor Horta aunque las ideas estéticas de John Ruskin y William Morris fueron en gran medida las aspiraciones en las que se basó esta corriente de renovación artística.

Lo que se acabó llamando movimiento moderno, que dio origen al término anglosajón modernist (“moderno”) en arquitectura y diseño, está ampliamente documentado. En su introducción al libro titulado Modernism and DeSign, que él editó Paul Greenhalgh explicaba que, en lo que concierne a su influencia sobre el diseño, el movimiento moderno tuvo dos etapas históricas principales: una entre 1914 y 1929 y otra en la década de los años treinta. Greenhalgh sostenía que “la primera etapa consistió básicamente en un conjunto de ideas, en una visión de la capacidad del entorno diseñado para transformar la percepción humana y mejorar las condiciones materiales”, mientras que “la segunda etapa fue menos una idea que un estilo”.

Los años treinta se pueden considerar como el periodo de la difusión internacional del “objeto” del movimiento moderno, la simple “estética de la máquina”, que se introdujo en ambientes y espacios interiores de todo el mundo. Fue también la época en que algunos regímenes políticos, incluyendo los de Alemania e Italia, la utilizaron para adoptar ideologías totalmente opuestas a las creencias democráticas que había generado inicialmente. Sus normas claramente delimitadas creaban un instrumento eficaz de control autoritario, independientemente de la ideología política que lo sustentara. “Todo ser humano es diseñador”, en el complejo proceso cognoscitivo de todo ser humano existe la capacidad de diseño pues, básicamente el simple hecho de pensar se transforma en diseño, aun si este no tiene un objetivo de diseño, pues el diseño es la consecuencia de la acción creadora, es eso que representa la forma. Pero realmente el diseño es algo conceptual, ya que, como en el idioma, nuestra percepción del concepto diseño, está determinada por la realidad. La realidad desde un punto de vista Semiótico es un conjunto de signos, un conjunto de signos que sirven para nombrar a las formas materiales y conceptuales, como en la teoría de Saussure, en la que, un significado es la idea mental o concepto mientras que el significante es el conjunto de palabras o signos que se refieren a la imagen mental y el referente es el objeto real al que se refiere la imagen mental, de igual forma el concepto diseño está condicionado por los signos remi-

Juegos Olímpicos de Melburne diseñado por Richard Beck en 1956

tentes a él, a diferencia de los signos lingüísticos existen más signos que remiten al concepto diseño y estos están determinados por el punto de vista del observador. El diseño conforma la realidad, incluso se puede ver obviamente en la naturaleza cosas en las que no interviene el ser humano de manera directa ¿Es diseño esto si se dice que el diseño es un acto humano? Por supuesto, pero el ser humano no ha sido el artífice de tal diseño pero si designa un significado a este, la labor es de interpretación entonces este proceso mental sí es un acto humano. Definir “diseño” cobra importancia a partir de la segunda mitad del siglo XIX tras la revolución industrial en la que los objetos creados a través de máquinas solo buscaban la funcionalidad del objeto producido y carecían de un valor estético, era necesaria una reacción que devolviera a los objetos de la vida cotidiana esa dimensión estética, que acompañase a las funciones naturales para las que eran fabricados. Esa reacción se denominó Arts and Crafts, Artes y Oficios, ya que pretendió elevar la dignidad social y estética del diseño y de todas las artes aplicadas, integrándolas en un entorno armonioso y bello. Esta búsqueda de la esencia del diseño en las artes y artesanías llevó a este movimiento a desarrollar un vasto trabajo artesanal y artístico con el fin de restituir el valor deontológico de los objetos, en sí, dotarlos nuevamente de una estéti-

ca afín a la ética y cultura con un fin económico que favoreciese a la clase humanístico. obrera, en esa búsqueda desarrolló La estética nueva que se trató de un pensamiento basado en la diacrear se inspiró en la naturaleza a la léctica de Hegel para construir una vez que se incorporaban novedades filosofía crítica, hacia la economía y derivadas de la revolución industrial, organizaciones políticas, en la cual como el hierro y el cristal. el materialismo fue el centro de su En este periodo estudio, derivando convulso luego de obras y escritos los movimientos que cambiarían el El Modernismo representara independentistas mundo como “La una ruptura con los estilos de los territorios lucha de clases” en arbitrarios en la época, tanto del nuevo mundo, la cual analizaría el los de tradición academicista las revoluciones papel de los distincomo los rupturistas. en continente Eutos estratos sociaropeo, la rebelión les. Su obra tendrá de la ilustración y un gran valor en las el imparable avance científico la soVanguardias denominadas Ismos del ciedad empezó a transformarse de arte del siglo XX que harán del arte forma acelerada, las corrientes aralgo anti académico y democrático, tísticas que venían evolucionando teniendo como máxima representade una manera lineal poco a poco ción el constructivismo Ruso. fueron perdiendo adeptos y muchos de estos nuevos artistas estaban en desacuerdo al tradicional arte académico el cual parecía solo ser una reinterpretación de lo que todo el tiempo se había hecho. La sociedad industrial libre de la opresión monárquica y lejos del trabajo agrario ahora adolecía de un nuevo fenómeno, la explotación y la deshumanización del proletariado. En este contexto, el trabajo de los tres grandes maestros dé la sospecha sea el que quizá haya influido más en la sociedad de finales del siglo XIX y principios del siglo XX. Karl Marx quien fue testigo de la crisis del capitalismo de 1830 se propuso desarrollar un sistema Portada Libro: La crítica de la filosofía del derecho de Hegel, 1844

Poster del Contructivismo Ruso, autor Rodchenko, nombre de la obra: Lila Brick

Por su parte Friedrich Nietzsche y su crítica a la moral y a la sociedad, trajo una reorganización del pensamiento filosófico de finales del siglo XIX y el siglo XX su planteamiento filosófico era una crítica al sistema social establecido y su discurso se centraba en el regreso al estado natural consiente del ser humano, ya que para él como para Marx y Freud, el problema del hombre radica en la conciencia. Las Vanguardias del Siglo XX tomaron parte de la filosofía de Nietzsche para crear su propio discurso, la aportación que lasVanguardias realizaron no fue sólo la de un movimiento artístico, sino la de una manera de pensar, de vivir superando el pasa-

do, y de reglas establecidas, donde el arte y la filosofía unían sus caminos. En las Vanguardias hay que destacar la importancia del individuo sobre la sociedad y que se soporta en las teorías, como se va a tratar de desarrollar en este trabajo, del nihilismo Nietzscheniano desde una concepción del mundo en la que se rompen todos los cánones establecidos, más allá de un sentido del bien y el mal determinado por el fallo de la consciencia, con la trasgresión de los límites. El psicoanálisis de Freud dentro del pensamiento de finales del siglo XIX y principios del siglo XX supuso un cambio de paradigmas sociales, filosóficos, científicos e inclusive ar-

tísticos. Las Vanguardias se basaron sus estudios y el inconsciente en los cuales abordó múltiples temas basados en la consciencia, en el cual identificó las etapas del preconsciente, consiente e inconsciente y cómo en cada cual se desarrollan procesos de la psique, además de estudiar múltiples fenómenos del pensamiento Freud propuso una nueva forma de interpretación del ser que sería objeto de representación por las Vanguardias. El surrealismo quizá haya sido el movimiento de vanguardia más apegado a la filosofía Freudiana ya que, se basa en las técnicas de Freud para entender el inconsciente y la interpretación de sueños, para así, convertirlas en material artístico.

Obra: La persistencia de la Memoria, Autor: Salvador Dalí, Vanguardia: Surrealismo

Es evidente la gran influencia de estos pensadores en la revolución artística de principios del siglo XX ya que determinaron el panorama para que estas nuevas formas de expresión florecieran, los problemas del siglo XIX fueron los que obligaron a esta nueva revolución, una revolución intelectual, entre las cuales, el arte dejaría atrás su pasado académico para convertirse en un nueva forma de interpretación y expresión buscando cada corrien-

te un ideal basados en una filosofía propia construida a partir de la interpretación de la realidad, las necesidades del yo, y la sociedad. Esta nueva era del arte, la revolución del pensamiento y los cambios sociales permitieron el desarrollo y la dignificación del diseño, creándose movimientos que buscarían, basados en los cambios del siglo entender el diseño e instituirlo como una rama del saber, como lo haría posteriormente La Bauhaus.

La idea del Arte de acuerdo a su contexto, ideología y expresión durante la Revolución Industrial hasta el siglo XXI

esde la época de la antigüedad o incluso antes, se ha visto como el ser humano ha intentado buscar las respuesta de su existencia, su entorno y su concepción. Aunque estos conocimientos nunca han sido revelados con claridad ha habido varios intentos de resolverlos. Entre ellos se puede mencionar a grandes filósofos, sociólogos y científicos como: Karl Marx, Sócrates, Darwin entre otros. Por ende, parece ser que estos temas de alta preocupación para la persona están destinados a las ciencias. Pero se ha evidenciado que una de las formas más fuertes para comunicarlos es a través del arte.

su contexto a pesar de su origen ético. Esto quiere decir que, el artista ha utilizado el arte como un instrumento para dejar una referencia histórica de lo que lo que vivió, de su época; es por esto que las obras de arte también se han utilizado como instrumento para estudiar la historia de la humanidad, puesto que a través de ellas se puede conocer el modo de vida, la ideología, lo que pasaba en una determinada época, etc. El arte es una representación de la realidad porque se adapta al entorno, las características y los aconte-

El ser humano ha encontrado en el arte una forma de expresión, ya sea individual o colectiva respecto a una nación, una época, un acontecimiento etc.A través de este ha plasmado su sentir, su entorno y la realidad de

Autor: Ravel Petershagen Pertenienciete a Der Blaue Reiter

cimientos que se dan en un tiempo determinado. Esto se refleja en las corrientes artísticas que cambian de acuerdo a las ideologías de un contexto. Por ejemplo, el arte del siglo XVIII es muy diferente al del siglo XX ya que en ese entonces, la realidad era otra. Por tanto, “El arte de esta época, que inicia con el neoclasicismo, fue producto de una nueva manera de pensar, y de un nuevo concepto del hombre moderno basado en la doctrina de la ilustración.” (Arte Medio, s/f, párr.1) Entretanto en el siglo XX, “los artistas de Der Blaue Reiter, grupo expresionista, se imaginaban la transmisión de los sentimientos como una cadena entre el creador y el espectador, al principio de la cual se encontraba la sensibilización del alma del pintor; emotividad a la cual el artista da forma en su obra.” (Terreni, M., s/f.)

Autor: Louis Jean Franccedilois Lagreneacutee, Obra neoclásica: El Rapto de Deyanira

En ambos movimientos, se expresa el origen de su proceso creativo, sin embargo no parecen tener ninguna similitud. Esto sucede por los acontecimientos en ambos movimientos. Ya que, en el neoclasicismo se decide regresar a los clásicos por el descubrimiento de Herculano y Pompeya entre 1728 y 1738. Mientras que en el siglo XX, el Der Blaue Reiter es inspirado por Kandinski quien es hijo de un comerciante de té con contactos en China lo que provoca su interés en la etnología y por tanto la filosofía de las sociedades primitivas. Plasmando en sus obras animales y utilizando colo-

res representativos, como lo expresa Marc en su carta a Macke (1910) “El azul es el principio masculino, severo y espiritual. El amarillo es el principio femenino, delicado, suave y sensual. El rojo es la materia, la realidad dura y brutal, el color que tiene que entrar en conflicto con los otros dos y sucumbir ante ellos”. Estos movimientos son un claro ejemplo de la diferencia causada por el contexto en el arte. Sin embargo, así como el tiempo afecto a este, también puede influenciar a la misma sociedad a realizar un cambio en su realidad a través de la presen-

cia de ideologías. Un claro ejemplo es el POP ART, ligado a los medios de comunicación de masas, al consumo de drogas, a la música, a la vida enloquecida y desbocada, provoca una sociedad de consumo desaforado y a un gusto generalizado por lo inmediato y efímero.Toda su ideología influye en las personas de los años 60s. Remplazando los impulsos destructivos del movimiento Dada enfocándose en la divinización de la cultura popular estadounidense. Afectando los patrones de vida llevándolos a la experiencia de vivir dentro de esta “cultura” regida por

el consumismo y los dueños del POP (Star system). Por tanto puede afirmarse que los artistas POP estaban más interesados en vender que innovar artísticamente reflejando esto en las características de un individuo de la época.

a materiales groseros en forma de protesta, de la cultura popular.

Aunque la mayoría de los movimientos que se basan en la premisa anterior son caóticos y muchas veces incomprensibles también son los más profundos en relación a la temática tratada. Entre estos podemos mencionar al futurismo y el dadaísmo.

Obra minimalista de 1923 Título: Ellsworth Kelly

Obra Pop Art Título: Andy Warhol

El Arte Minimalista o Minimal Art, que propone la simplificación de los elementos a su máxima expresión. La inspiración del arte minimalista se basa en encontrar la belleza en lo simple y la utilización de materiales puros. Así como esta corriente nació de una reacción contra el expresionismo abstracto, da nacimiento alArte pobre. Que agrega un valor simbólico a los materiales, es decir que se le dota de un valor artístico

Por otro lado está el Land Art donde se utiliza la naturaleza como medio para crear la obra, así que en esta se busca la adaptación al entorno. El land art es una vía de escape de la comercialización por lo cual la creación de obras con esta corriente se da en lugares lejanos a la vista de los espectadores. Como se denota, en el land art se hace uso de la naturaleza por lo cual su influencia es el movimiento ecologista, así como también busca inspiración en lugares y arquitectura importante del pasado. Finalmente, se puede ver al arte como una representación filosófica de la realidad social en un periodo de tiempo. Esto quiere decir que el arte puede ser utilizado como un reflejo de los problemas dentro de una sociedad. Es en este punto en el que el artista debe dejar de lado lo moralmente correcto para poder expresar la problemática del momento y así aportar con una respuesta.

Obra: El gran Cristal, 1978 Marcel Duchamp, corriente Dadaísta

El futurismo surge como rechazo a las tradiciones y lo pasado, orientándose al futuro mediante una expresión dinámica representando lo moderno y la masificación de las grandes ciudades. Toma como modelo las máquinas y sus atributos: fuerza, rapidez, energía, movimiento y deshumanización. Por tanto, la manera de expresar la temática del movimiento es una crítica a la velocidad de materializa-

Obra de Wolfgang Buntrock Título: Fish, corriente: Land Art

ción de las sociedades cambiando el aspecto humano por el tecnológico. De igual manera el Dadaísmo es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético que cuestiona el por qué y la existencia del arte en todas sus expresiones. Al igual que el futurismo rechaza todos los esquemas presentados anteriormente y promueve la libertad, el cambio, la anulación de lo eterno, lo inmediato y la contradicción. Esto sucede ya que la época en la que surge el movimiento es posterior a la primera guerra mundial. Es el acontecimiento en el que la sociedad pierde total fe en la humanidad y los perfiles de la moral son destruidos por completo. Dejando así un arte carente de valor impulsando el caos mediante la expresión irónica. Todo lo relacionado a este movimiento, desde el nombre es totalmente contradictorio y absurdo, imitando el comportamiento humano durante la primera guerra mundial.

Obra: La belleza de la violencia, Futurismo, 1913

En conclusión, se puede evidenciar que a través de la historia que el arte ha sido mucho más que una representación “bella” de la realidad. Sino que también ha sido una herramienta de divulgación para movimientos, acontecimientos e inconformidades en la realidad social de un individuo. Formando parte de la rebelión ante la imposición de dictámenes y formas de pensar y vivir.