INSTITUTO UNIVERSITARIO POLITECNICO SANTIAGO MARIﾃ前 EXTENCION BARINAS. FACULTAD DE ARQUITECTURA.
Materia: Historia de la Arquitectura II. Tutor: Arq. Estela Aguilar. Alumno: T.S.U. Carlos A. Silva T. C.I: 12704415
INDICE I.- .- Identificación de Elementos arquitectonicos del Renacimiento 1.- El Renacimiento Italiano
1.1 Arquitectura 1.2 Pintura 1.3 Escultura 2.- El Renacimiento Español 1.1 Arquitectura 1.2 Pintura 1.3 Escultura 3.- El Renacimiento Francés 1.1 Arquitectura 1.2 Pintura 1.3 Escultura
4.- El Renacimiento Alemán 1.1 Arquitectura 1.2 Pintura 1.3 Escultura
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INDICE II.- Identificación de Elementos del Estilo Manierista
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1.- En la Pintura 2.- En la Escultura 3.- En la Arquitectura III.- Identificación de Elementos ARQUITECTONICOS BARROCOS
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1.- En la Arquitectura 2.- En la Pintura 3.- En la Escultura IV.- IDENTIFICACION DE ELEMENTOS ARQUITECTONICOS NEOCLASICISMO, NEOGÓTICOS, EXOTISMO. 1.- Estilo Neoclacisismo 2.- Estilo Neogótico 3.- Estilo Exotismo.
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Renacimiento italiano: Arquitectura.
Capilla Pitti (Florencia). F. Brunelleschi – Luca Fancelli.
Elementos constructivos para decorar: pilastras, entablamentos... Medallones o tondos (círculos con relieves en el centro).
Sillares almohadillados
Guirnaldas.
Columnas abalaustradas.
Conchas.
Grutescos (seres fantásticos mezcla de humanos, animales y vegetales).
Es frecuente que la decoración se disponga a candelieri (con un eje central en torno al que surgen los elementos ornamentales)
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Renacimiento italiano: Pintura.
Es narrativa: expone historias y sucesos, reales o ficticios, sacados de la religión, de la mitología o de la historia.
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Es realista: las figuras humanas o de animales, y los objetos inanimados están reproducidos con el mayor cuidado porque se parezcan en todo a sus modelos reales. El cuadro se presenta como un escenario: un espacio cúbico, sugerido por medio de los recursos que enseña la perspectiva geométrica recién descubierta y dan la ilusión de profundidad. El punto de vista del pintor suele estar en el centro del cuadro. La composición está sometida a esquemas intelectuales, es decir, razonados. Suele preferirse la forma simétrica en la distribución de las figuras. En cuanto a los esquemas de composición preferidos, el triangular (con el vértice arriba o invertido) y el rectangular con la división del espacio en segmentos áureos. En algunos casos, los triángulos son dos combinados. En general, es una pintura dibujantica, que se fundamenta en el poder definidor y expresivo de la línea, y considera el color como un accidente de la materia de importancia secundaria. Las formas se cierran con un dibujo de trazo continuo y su separación del fondo es absoluta. Se da interés preferente al cuerpo humano, en particular al desnudo, cuya anatomía se estudia y copia cuidadosamente. A partir del siglo XV, se usará en vez del temple, la técnica del óleo, inventada por los pintores flamencos, que facilitará el desarrollo de la pintura de caballete.
Leda y el cisna. Antonio Allegri da Correggio
Leda y el cisne. Lelio Orsi 5
Renacimiento italiano: Escultura.
CARACTERÍSTICAS GENERALES Junto a la inspiración de los modelos de la antigüedad hay que tener presente la persistente influencia de los maestros góticos en la estética florentina del cuatroccento. Del gótico se hereda el arte del retrato de carácter realista, los perfiles suaves y alargados del gótico internacional y el naturalismo narrativo, mientras que de la antigüedad se toma la preferencia por determinados materiales escultóricos: bronce y mármol. La preocupación por la anatomía del cuerpo humano como base esencial de la belleza mediante el estudio de las proporciones, además del análisis de los gestos y actitudes como medios expresivos del contenido anímico que da vida a las figuras, aspectos, que en diverso grado, también han sido objeto de estudio en los tiempos medievales. No existe pues una ruptura con el inmediato pasado, sino una evolución, que partiendo de las formas características del gótico internacional conducen al idealismo de la escultura clásica. La necesidad de inspirarse en la antigüedad obligó a inspirarse en camafeos, medallas etc. a los artistas florentinos ya que la propia Florencia carece de monumentos importantes donde inspirarse directamente. Se hacen esculturas de bulto redondo pensando en su contemplación desde diversos puntos de vista, se crea el relieve narrativo de carácter pictórico que debido a un sabio manejo de la perspectiva multiplica los planos. Surge la estatua ecuestre, inspirada en la antigüedad, la representación de niños y adolescentes y se prodiga el tipo de busto-retrato donde el artista busca la caracterización mediante la idealización de los rasgos Giambologna 1581
Hercules y nesso el centauro.
El rapto de las Sabinas.
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Renacimiento Español: Arquitectura.
Paso del Gótico florido al Plateresco:
El estilo gótico se combina con elementos mudéjares. Se construyen edificios con: espacios todavía góticos que empiezan a cambiar. una decoración muy rica. Las fachadas son como paños que esconden las formas arquitectónicas. Estas fachadas se dividen en tramos horizontales que se decoran con: columnas medallones escudos heráldicos decoración floral y animal. El término plateresco viene de la comparación que se hizo entre este estilo y el trabajo de orfebres y plateros El foco principal del estilo plateresco es la ciudad de Salamanca.
Colegio Santa Cruz.
Clasicismo:
Cambia la concepción misma del espacio que se organiza y racionaliza. La decoración pasa a segundo plano. La belleza se deriva de la armonía de las partes.
La lonja de Sevilla.
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Renacimiento Español: Pintura.
Abunda la temática religiosa.. Se intenta captar la realidad tal y como aparece al ojo del espectador. Se organiza el cuadro siguiendo las reglas de la perspectiva. Los artistas españoles están influenciados por los flamencos e italianos pero no consiguen crear una escuela original.
El martirio de Santiago. Juan Fernández de Navarrete.
El martirio de San Mauricio. El Greco.
Anunciación. Juan Correa de Vivar.
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Renacimiento Español: Escultura.
Sarcófago de Juan II de Ribagorza.
Características:
Predominio absoluto de la temática religiosa. Abundancia de sepulcros de mármol, encargos de la la alta nobleza.
Sepulcro de los Reyes Católicos en primer término. Al fondo el de Felipe el Hermoso y Juana de Castilla.
Alonso Berruguete:
Se pierde la armonía y la serenidad renacentistas. Sus figuras se alargan, se retuercen, se agitan, creando un estilo muy expresivo que anuncia el barroco.
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Renacimiento Francés: Arquitectura.
La historiografía del arte suele diferenciar varias etapas en el arte renacentista francés. La primera fase se desarrolla entre 1494 y 1525 y es la época de la penetración de la influencia del renacimiento italiano en Francia, cuando lo decorativo se superpone a estructuras todavía góticas. La segunda etapa, el “primer periodo clásico”, tiene lugar entre 1525 y 1559, y en ella la arquitectura francesa va asumiendo poco a poco diversas influencias teóricas de procedencia italiana. La última fase se desarrolla entre 1559 y 1589 y en ella destaca la actividad teórica y práctica llevada a cabo.
Obras: - Château de Bury - Château de Villandry - Château de Blois - Château de Chambord - Château de Fontainebleau
Chateau de fontainebleau.
Château de Blois. Château de Chambord Domenico da Cortona. ,
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Renacimiento Francés: Pintura.
También en pintura el Renacimiento se inicia con algunos detalles aislados mezclados en obras de estilo Gótico, a partir de la segunda mitad del XV. A principios del XVI, importantes pintores italianos trabajan para los reyes franceses, entre ellos Leonardo da Vinci, cuya muerte acaece en Francia.
Pero solamente a partir de 1530 y de la formación de la escuela de Fontainebleau empiezan a extenderse las influencias italianas sobre pintores franceses. En general, esta pintura (cuyos maestros son el ya citado Primaticio y el florentino Rosso) tiene finalidades cortesanas y decorativas. Entre los franceses de esta época podemos citar a los Cousin, padre e hijo.
Más adelante, en tiempos de Enrique III y Enrique IV, se forma la segunda escuela de Fontainebleau, en la que colaboraron artistas franceses con flamencos, holandeses e italianos. En el retrato de Corte destacan los Clouet.
Jean Fouquet, Madonna
El retrato del bufón de Gonella.
Retrato del canciller de Francia Guillaume Juvénal des Ursins 11
Renacimiento Francés: Escultura. La escultura en el Renacimiento tomó como base y modelo las obras de la antigüedad clásica y su mitología, con una nueva visión del pensamiento humanista y de la función de la escultura en el arte. Como en la escultura griega, se buscó la representación naturalista del cuerpo humano desnudo con una técnica muy perfeccionada, gracias al estudio meticuloso de la anatomía humana. Uno de los temas más tratados en la escultura francesa de esta época es el del Santo Entierro y los monumentos sepulcrales donde la figura del yacente es tratada con gran realismo. Se representa el difunto como cadáver o incluso en esqueleto; en el momento de la transición, como es el caso del de Juana de Borbón en el Louvre. De este tipo son dos obras realizadas por Ligier Richier con policromía en blanco, negro y gris: el Memorial de René de Chalon en Bar-le-Duc en el que el esqueleto parcialmente descarnado tiende un corazón hacia el cielo; y el demacrado cuerpo yacente de Felipa de Güeldres en la Iglesia des Cordeliers de Nancy. Esta alegoría de la resurrección de los muertos llega mediante el camino de la «terribilità» italiana y del desvelamiento del interior del cuerpo, aunque no presente una anatomía perfecta a los ojos de la ciencia.
El cuerpo yacente de Felipa de Güeldres.
El Memorial de René de Chalon
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Renacimiento Alemán: Arquitectura.
El Renacimiento alemán, que asumió un matiz romántico e inconformista, fomentó la idea de renovación en la vida religiosa y al mismo tiempo recibió y llegaría a rechazar los grandes ideales renacentistas italianos. El gótico persistió en Alemania, pero acusó la presencia de ciertas contaminaciones llegadas desde diferentes lugares, como Francia y los Países Bajos. No se asumieron sino circunstancialmente algunos elementos del Renacimiento italiano en el transcurso de la primera mitad del siglo XVI, aunque ya se conocieran, y en la segunda aparecieron dos tendencias: la puramente decorativa, la más generalizada, que sólo adoptaría los ornamentos renacentistas, y la estructural, que intentaba ser congruente con los principios vitruvianos. Los castillos o palacios residenciales y los ayuntamientos fueron los dos tipos de edificios más importantes. La arquitectura decorativa del Imperio asumió del Renacimiento italiano algunos de los motivos ornamentales. Se trataba, más que de asimilar sus principios teóricos, de proporcionar una apariencia nueva a los edificios. Así, la arquitectura alemana gustó del empleo de la decoración al grutesco asumida desde una perspectiva ya manierista. Asimismo, el grutesco fue asumido con una mentalidad centroeuropea y las formas figurativas acabaron poco a poco por deformarse y hacerse abstractas y hasta simbólicas. Algo similar ocurrió con el empleo de los órdenes arquitectónicos, que asumieron una cierta función simbólica y decorativa. Obras: - Castillo de Heidelberg Rathaus de Colonia - Munich Residenz - Rathaus de Colonia - Rathaus de Nuremberg - Rathaus de Bremen - Capilla Fugger
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Renacimiento Alemán: Pintura.
Desde sus inicios, la pintura alemana se ha caracterizado por la dualidad entre drama y racionalismo. Las formas se ven distorsionadas y las facciones de las figuras son muy grotescas, con la idea de alcanzar un estilo propio de expresionismo.
Lucas Cranach (1472-1553) es uno de los principales pintores alemanes del siglo XVI. En sus obras utilizaba formas caricaturescas y es considerado el más audaz de todo los pintores de la época. Las figuras las representaba muy alargadas, con un toque gótico muy marcado. También plasma cierta fantasía al pintar mujeres desnudas llenas de joyas y accesorios en el cuerpo. Por lo general la atmósfera era oscura y misteriosa.
Matías Grünewald (1455-1528) sigue más o menos la misma línea, pero se distingue del resto por poner mayor énfasis al tema religioso, con formas retorcidas y un buen tratamiento del ser humano en su obra. Su obra más reconocida es la Pequeña crucifixión, donde los colores oscuros, mezclados con rojos y amarillos, dan una sensación bastante trágica y lúgubre.
Hans Holbein (1460-1517) fue uno de los pintores más pulcros de la época, lo que lo llevó a pintar importantes retratos, entre ellos el de Enrique VIII y Erasmo de Rotterdam.
Alberto Durero (1471-1528) fue el mejor pintor de Alemania y se caracterizó por sus retratos. Su Autorretrato, de los 13 años, fue el primero, hasta el último, llamado Cuatro apóstoles a la edad de 55 años. Sus obras estaban basadas en dibujos, donde captaba los detalles más simples de la naturaleza.
Lucas Cranach
Hans holbein El cristo muerto.
La muerte y el medico 14
Renacimiento Alemán: Escultura.
La prosperidad de las ciudades germánicas se afianzó con el alargamiento de la época gótica, produciéndose en los primeros decenios del siglo XVI la introducción de la escultura renacentista con la influencia de la escuela florentina italiana. La mayor parte de esta escultura se realizó en madera, por la gran riqueza forestal de sus regiones y con una magnífica policromía y dorado. A los escultores alemanes les costó abandonar los ropajes góticos y que sus personajes adquiriesen el espíritu clásico, así se puede ver claramente en las obras de Veit Stoss, en el retablo de la Virgen en Santa María de Cracovia, en los relieves de la catedral de Bamberg o en la Anunciación del Rosario en la iglesia de San Lorenzo de Núremberg. También en el mismo estilo se encuentran las esculturas de Tilman Riemenschneider, obras extraordinarias como el Altar de la Anunciación de la iglesia de Creglingen. Como «mundo esculpido» se conoce el carácter que adoptó la escultura en los países germánicos durante la segunda mitad del siglo XV, que puede verse en los grandes polípticos de altar de algunas iglesias y catedrales alemanas. Se trata a menudo de altares de dos y hasta cuatro hojas totalmente esculpidas, con agujas y altos pináculos que albergan, en su parte central, la «caja», con una escena religiosa. Vasari, conocedor del estilo alemán. MariaMagdalena, la bella de alemania, Gregor Erhart.
Detalle de San Sebastián, escultura en madera policromada de Riemenschneider.
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Identificaci贸n de Elementos del Estilo Manierista
Estilo manierista en la pintura. Obra: Madonna del cuello largo Autor: Parmigianino.
Se prefiere el trazado serpentiforme, los abundantes y tensos escorzos, la distorsión como forma de expresar una dramática escisión en la conciencia y en el mundo. Las figuras está constreñidas en marcos estrechos, lo que acentúa las expresiones angustiadas. La utilización de fondos negros, en los que se representan las figuras como auténticos objetos-luz, nos anuncian en Barroco.
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Estilo Manierista en la pintura. Obra: Salomé Autor: Tiziano. La compañía de la sirvienta y la delicadeza de la figura femenina apuntan a identificar la escena como Judith. Las figuras se recortan ante un fondo neutro -de la misma manera que en el Concierto o Flora- mientras que un cielo se abre en la zona derecha de la composición. Una brillante luz dorada resalta la volumetría de las figuras y crea acertados juegos de claroscuro. Los rostros ovalados, el detallismo de las calidades en las telas y las tonalidades brillantes son un recuerdo de su maestro, Giovanni Bellini, mientras que los contrastes cromáticos entre verde, rojo y blanco son aportaciones características de la pintura de Tiziano. Los ritmos compositivos angulares de sus primeros trabajos serán sustituidos por otros curvilíneos con los que introduce mayor armonía. El rostro de la joven podía interpretarse con un retrato en la línea de otros trabajos de esta década, como Flora, Mujer mirándose al espejo o Venus Anadiomene, obras que tienen como temática fundamental la belleza femenina.
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Estilo Manierista en la pintura. Obra: Magdalena penitente Autor: El greco. La figura se sitúa en primer plano, envuelta en un amplio manto rojizo, mirando al crucifijo que se sujeta sobre una roca. Sus manos indican el arrepentimiento, se lleva la derecha al pecho y señala con la izquierda la calavera, símbolo indiscutible de los eremitas. Precisamente, las manos son una de las partes más interesantes del conjunto, con esos dedos largos y estilizados tan del gusto de Doménikos, uniendo el anular y el corazón en uno de los gestos más tradicionales del pintor. No aparece el tarro de los afeites con el que ungió los pies de Cristo y que simboliza su anterior vida como prostituta. Bien es cierto que esta imagen se aleja de otras representaciones en donde Magdalena aparece como una dama de alto postín, mostrándose aquí como una eremita que olvida su lujo y se dedica plenamente a la contemplación y la meditación. El paisaje es muy austero, sólo una referencia a las nubes, el cielo y las rocas de la cueva, junto a las ramas de un arbusto. Respecto al color, también destaca por su austeridad, destacando el manto rojo, que contrasta con la piel blanquecina de la santa y que se complementa con el anaranjado del cabello. Los grises hacen algo más fría la composición, recurriendo a una iluminación inspirada en la Escuela veneciana, que aplica mayor viveza a las tonalidades donde incide la luz, como en el caso del brazo izquierdo. Con estas escenas
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Estilo Manierista en la Escultura. Obra: Monumento a Felipe III Autor: juan de Giambologna Bolonia
El rey viste coraza y amplia gorguera, siguiendo la moda de la 茅poca, portando en su mano derecha el bast贸n de mando mientras que con la izquierda sostiene las riendas del caballo, levantando el animal la pata delantera izquierda, en un ejercicio de alta escuela de equitaci贸n que simboliza el dominio ejercido por el monarca sobre el Estado.
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Estilo Manierista en la Escultura. Obra: Rapto de las Sabinas Autor: Giambologna La obra podemos situarla en la última etapa del Renacimiento italiano, durante el llamado "Manierismo", en el último tercio del s. XVI. Se trata de un momento de ruptura y distorsión de los ideales clasicista del primer Renacimiento y un anticipo de las nuevas formas de expresión del Barroco, estilo que le sucederá en el tiempo. El rapto de las Sabinas o Las tres edades, de tensión serpentina y alargamiento manierista, según las recomendaciones teóricas de Lomazzo que Miguel Angel tanto contribuyó a consagrar. La obra constituye un grupo escultórico exento, que mide 410 cm de altura; está realizado en un solo bloque de mármol blanco, mediante la técnica de la talla y, posteriormente, pulido. El grupo lo componen tres personajes desnudos: un hombre joven (un romano) que levanta por encima de su cabeza a una mujer (la sabina) que parece querer desprenderse de su secuestrador, mientras, atrapado entre las piernas del joven, se encuentra un hombre mayor, (el padre de la joven) con evidentes muestras de desesperación e impotencia. Las tres figuras se hallan profundamente entrelazadas, tanto por la acción que desarrollan individualmente como por la escena que componen entre ellas.
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Estilo Manierista en la Escultura. Obra: Ninfa di Fontainebleau Autor: Benvenuto Cellini La ninfa era primero de bronce a gran escala de la artista. Él utilizó la cire perdue o la cera perdida, el proceso, de fundición de la escultura en varias partes, que luego se montan. Contó con gran detalle las etapas memorables de la fundición de la obra, que casi terminó en un desastre. Confió las reparaciones necesarias y persiguiendo a un equipo de escultores franceses que incluyeron Pierre Bontemps. Pero en los rasgos faciales, estilo característico de Cellini es fácilmente reconocible: la boca acentuada por una clara línea debajo, el labio inferior curvada en el medio, las pupilas dilatadas, la forma en que se dibujan los párpados y las rayas pequeñas que indica el pelos del relieve eyebrows. que toma su imaginería de un fresco de Rosso Fiorentino (ahora destruido, sino que conoce a través de grabados) en medio de la galería de Francisco I. Representaba la leyenda que da nombre Fontainebleau: mientras cazaba, uno de los perros de caza real, llamado Bliaud, descubrió un manantial de ahí la "fuente de la Bliaud." Como en el arte greco-romano, la primavera fue personificado por una ninfa apoyado en una urna. Cellini enriquece la composición de numerosos animales del bosque. La ninfa tiene su brazo alrededor del cuello de un ciervo, uno de los emblemas de Francisco I, indicando así el placer experimentado por el dominio de dar la bienvenida al monarca. Por tema sinérgica de la composición, en Anet la ninfa fácilmente se convirtió en Diana, diosa de la caza, un modelo poético para la dueña del castillo. Durante la Revolución Francesa, el ciervo, visto como un símbolo del derecho feudal de la caza, fue mutilado. Cellini talló una firme, delgado, cuerpo flexible, de acuerdo con el canon manierista. Su extrema elongación fue un recurso decorativo adaptado al espacio semicircular del tímpano. La austera belleza de la cara recuerda la escultura antigua, sin embargo, esta desnuda estilizada está impregnado de sensualidad. Pliegues paralelos ajustados de cortinas y volutas que representan el agua partió el modelado suave de la carne. Se forma un fuerte contraste con los escudos de los animales. En contraste con la visión idealizada del cuerpo femenino, el escultor trata a los animales de una manera naturalista, mostrando el peludo cerdas de los jabalíes, los abrigos de pelo corto de los ciervos y los retratos individuales de los perros.
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Palacio del Té
Estilo Manierista en la Arquitectura. Entre sus características destacan: -La arbitraria alteración de la correspondencia entre las partes y el conjunto del edificio, con lo que rompe la lógica de las relaciones espaciales y se provoca la desintegración de la estructura renacentista. -La preferencia por los espacios longitudinales y salas estrechas que favorecen la perspectiva. -La pérdida o debilitación de las coordenadas axiales, las que ordenan el edificio según un eje de simetría.
Villa Rotonda
Palacio Massimo alle Colonne.
Palacio Canossa, Verona
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Rompe las cornisas, entablamentos y utiliza molduras superfluas innecesari as.
Utiliza la columna Salom贸nica o estipite, cuyo creador fue Bernini, y fueron creadas en el Badaquiro de la Bas铆lica de San Pedro
Cupula circular con perfil semicircular
Fronton, frontis o frontispicio
Arcos de medio punto
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Rompe las cornisas, entablamentos y utiliza molduras superfluas innecesari as.
Ventanas ovaladas
En la arquitectura civil se saca gran partido al entorno, con fuentes, jardines,.
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Los arcos de medio punto descansan sobre las columnas.
Se utilizan efectos de luz, juegos de perspectiva Da importancia a la luz y efectos luminosos, a través del claroscuro
Exuberancia decorativa, tanto en el exterior como en el interior
Existe una tendencia a dotar a los edificios de movimiento, empleando líneas curvas: alternancia de líneas cóncavas-convexas, que dan lugar a fachadas alabeadas. Es una arquitectura que gusta de los fuertes contrastes: recta-curva, claro-oscuro, cerca-lejos en las perspectivas
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La tormenta en el mar de Galilea. Rembrandt Harmenszoon van Rinj (1606-1669)
El color, la luz y el movimiento, son los elementos que definen la forma pictórica. El color predomina sobre la línea. Incluso, los efectos de profundidad, perspectiva y volumen se consiguen más con los contrastes de luz y de tonalidades del color que con las líneas nítidas y definidas del dibujo
Se perfecciona la tecnica del claro oscuro La luz es elcelemento fundamental en la pintura
Transmite una sensacion de movimiento La luz dibja y difumina los contornos
Pintura Barroca. Las tres graqcias Peter Paul Rubens (1577-1640)
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Se le dio importancia al naturalismo, es decir, la representación de la naturaleza tal y como es sin idealismo. Realización de esquemas compositivos libres del geometrismo, lo que choca con la proporción equilibrada del renacimiento. La escultura barroca se proyecta dinámicamente hacia afuera. Esta inestabilidad se manifiesta en la inquietud de los personajes, en las escenas y en la amplitud y ampulosidad del ropaje. Representación del desnudo en su estado puro, como una acción congelada, conseguido con el influjo de la composición asimétrica, donde predominan las diagonales, los cuerpos sesgados y oblicuos, la técnica del escorzo y los contornos difusos e intermitentes, que dirigen la obra hacia el espectador con un gran expresionismo. No se da importancia al desnudo. Se utilizaban figuras o estatuas relacionadas con los dioses griegos. La diferencia con la escultura renacentista es que sus formas eran menos geométricas. Se utilizan preferentemente la madera, el mármol, etc.
La verdad descubierta por el tiempo Gian Lorezo Bernini (1598-1648)
Tumba de Leon XI Alessandro Algardi (1595-1654)
Escultura Barroca.
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IDENTIFICACION DE ELEMENTOS ARQUITECTONICOS DEL ESTILO NEOCLASICISMO, NEOGÓTICOS, EXOTISMO.
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Catedral de Santa Mar铆a la Real de Pamplona.
P贸rticos Oct谩stilo
Frisos Lisos
Front贸n Este estilo presenta elementos constructivos mas que decorativos.
Estilo Neoclasicismo 31
Capitolio de Washintong. Gran C煤pula central
Rotonda del capitolio P贸rticos Oct谩stilo
Estilo Neoclasicismo
Alas del Edificios. Construcci贸n mas horizontal
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Museo del Prado en Madrid.
Ala Lateral (desarrollo Horizontal)
Front贸n
Ventanales profundos con arcos
Columnas con orden d贸rico romano Estilo Neoclasicismo
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Parlamento de Londres.
Torres Esbeltas
Es revestido con piedra caliza.
Simetr铆a en sus Fachadas..
Estilo Neog贸tico
Amplia construcci贸n. 34
La abadía de Saint Denis. Ventanales Arcos Triforios Calados (radiantes)
Estructuras Abiertas , Repetitiva y anti volumétrica
Gran Altura Estilo Neogótico 35
Vidrieras de Colores
Parlamento Budapest-Ungria. Gran altura
Arcos profundosSimetría
Estilo Neogótico
Estructuras Abiertas, Repetitiva y anti volumétrica
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Palacio de Monserrate.
C煤pulas Bulbosas
Diversida d en Jardines
Torre Circular con llamativa decoraci贸n
Estilo Exotismo 37
Fachadas Oscuras (Sensaci贸n Tenebrosa).
Casa Vincens en Barcelona.
No lleva un estilo como base para su creaci贸n.
Estilo Exotismo 38
la Mezquita de Hassan II. Marrueco. Amplia construcci贸n tanto Vertical como horizontal
Revestimientos en piedras, M谩rmol, granito, madera, mosaico.
Estilo Exotismo
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