Cinefilia by Angie Carolina Lopez Ordoñez

Angie Carolina Lopez O.

Cinefilia Si tuviese tiempo de pensar en ti, posiblemente te despreciaría. Louis, presiento que este es el comienzo de una gran amistad. Rick es un hombre del que si yo fuera mujer me enamoraría. ¿Cuál es su nacionalidad? Soy borracho. Ha de saber que yo era el director del segundo banco de Amsterdam. ¿Del segundo? No creo que a Rick le interese. El del primero de Amsterdam es ahora nuestro cocinero. Y su padre es el portero. Dónde estuviste anoche. ¿Anoche? No tengo la menor idea. Hace demasiado tiempo. Es increíble el modo que tiene de despreciar mujeres. Tal vez le falten algún día. Siempre nos quedará París. No lo teníamos. Lo habíamos perdido hasta que viniste a Casablanca; pero lo recuperamos anoche. Dígame, Rick, ¿qué le ha traído a Casablanca?. ¿Nunca se ha parado a pensar si su causa merece tanto sacrificio? La destrucción es una forma de creación. Y si pudieras volver atrás en el tiempo, no cogerías todas las horas de dolor y tristeza, y las cambiarías por... por algo mejor. 28 días, 6 horas, 42 minutos, 12 segundos... entonces será cuando se termine el mundo. Yo; un perturbado?... Sí, soy un perturbado y tengo mucho miedo. Porque creo que usted es el jodido Anticristo. No estas loco. Yo solía estar loco. Pero tú no estas loco. Mira, eres mi único hijo. No, no, espera; sé que no soy el mejor comunicador, pero sea lo que sea que te suceda, sé honesto, di la verdad aunque pareciera que la gente se burlara; lo harán. Pero lo que debes entender hijo es que casi, casi toda esa gente está llena de mierda. Aunque tenga que matar, engañar o robar, a Dios pongo por testigo de que jamás volveré a pasar hambre. Es como el ladrón que no le importa robar pero que lamenta terriblemente ir a la cárcel. Siempre que estreno un sombrero se me borran de la cabeza toda clase de cuentas números. Yo busco la paz, quiero ver si consigo hallar algo que tenga algún encanto y dulzura en la vida, ¿sabes de lo que estoy hablando?. No es tan difícil hacer dinero cuando es sólo hacer

Cofradia

Cinefilia Angie Carolina Lopez O.

Cofradia

Angie Carolina Lopez O.

Cinefilia Cofradia

Emily Damasco Colombia-Medellin 2012

Titulo Original: Cinefilia 1. a edición: Junio 2012 2012 Por Angie Carolina Lopez O. C Ediciones Colombia. 2012 C para el sello Cofradia Tel: 275-23-78 CL 52 49 27 OF 507-Medellín, Antioquia www.EditorialCofradia.com Printed in Spain. ISBN: 978-84-9872-470-7 Depósito Legal: M. 24.636-2012 Impreso por LIBERDÚPLEX, S.L.U Cl 34 B 65 D-71, Medellín, Antioquia Todos los derechos reservados. Bajo Las sanciones establecidas en el ordenamiento Juridico, queda rigurosamente prohibida, sin autorización esctrita de los titulares del copyright, la reproduccion total o parcial de esta obra por cualquier medio o procedimiento, comprendidos la reprografía y el tratamiento informático, asi como la distribución de ejemplares mediante alquiler o préstamo públicos.

Sumario Colecci贸n Drama

. . . . . 15

Terror

. . . . . 37

Erotico

. . . . . 58

Fantasia . . . . . 79

Momentos magicos

Obra Maestra

111

Glosario

123

Dedicado a la dulce voz que susurra en mi oído cada noche.

Para las mejores 4 patas que pudieron haber tocado mi corazón a través de aquel corsé.

Praefatio Por mucho tiempo imágenes con movimiento se han alojado en lo más profundo de nuestro cerebro, provocando que nuestros sentidos alcancen el máximo esplendor con el simple hecho de recordarlas. Aquel beso perfecto bajo la lluvia, un grito estremecedor, el rostro de un asesino sin piedad, las largas horas de dialogo entre dos enamorados, el verdadero rostro de felicidad en una persona, la primera vez de ella, los monstruos debajo de la cama y un sinfín de placer visual imposible de explicar en una hoja tan pequeña pero si con la posibilidad de conocer los detalles mas ignorados en el interior de este pequeño manual que te permitirá viajar por un túnel mágico y recordar o vivir por primera vez las historias que con el paso de los años se convirtieron utópicamente reales. Querido lector Entra, atrévete y descubre en las siguientes hojas como una mente humana es capaz de crear una obra maestra para un inagotable numero de personas amantes del maravilloso, un poco olvidado, despreciado, amado y especialmente idolatrado:

septimo arte

Prologo cinefilia

En la Autora del libro desea ser la pionera en hacer que la gente descubra, sienta y ame cada una de las maravillosas obras que conforman esta pequeña guía. Con ayuda de imágenes y los datos más relevantes de cada una de las producciones Angie Carolina López nos invita a soñar, a experimentar y a mirar el cine desde otro punto de vista. Una Delicia tan sutilmente perfecta que no se puede Ignorar.

Colecci贸n

Drama Terror Erotismo

Fantas铆a 15

tuviese

tiempo de pensar en ti, posiblemente te despreciaría...

Rick es un

hombre del que si yo fuera mujer me enamoraría

respira, no respira y morirá, ¿ Nueetro amor no importa ? No combata el mal y morirá el mundo Dime El mundo se derrumba y nosotros nos enamoramos

Rosebud...

Compruebalo...

¿tu haces esto?

Si no hubiese sido tan

Pregunteme porqué se

rico, hubiera llegado a ser un gran hombre No, no te voy a besar, te quiero

¿Cuál es mi sabor ? No, yo sólo sé que

Señor,

no es usted un caballero

aunque lo

Recuerda que te quiero, Cuidala.

necesitas mucho Hay cosas que

no se venden

Idiota mira que vender a tu mujer...

Drama Algún día vendrá Por las

alguien

noches no puedo dormir

Este es por verte, pequeña.

que limpie toda esta

cines

escoria de las calles.

¿Estás hablando conmigo?

van todo tipo de

personas

desquebraja, yo te amo

Veinte pulgadas.

A estos

igual a todas las demás. Fria y Distante. Yo busco la paz Siempre me gustaron las cucharillas de plata. Tócala de nuevo Francamente, querida, me importa un bledo Sam Ahora me doy cuenta que es

A pesar de ti, de mi y del mundo que se

Deberías

ser besada más a menudo,

por alguien que sepa como

CreĂa que un drama era cuando llora el actor, pero la verdad es que lo es cuando llora el pĂşblico. Frank Capra (1897-1991)

1939 19

Lo que el viento se llevo TÍTULO ORIGINAL AÑO DURACIÓN PAÍS DIRECTOR GUIÓN MÚSICA FOTOGRAFÍA

Gone With The wind 1939 238 min. Estados Unidos Victor Fleming Sidney Howard, Oliver H.P, Garret, Ben Hecht Max Steinet Ernest Haller

REPARTO

Vivien Leigh, Clark Gable, Olivia de Havilland, Leslie Howard, hattie McDaniel, Thomas Mitchell, Barbara O’Neil, Butterfly Mcqueen, Ona Munson, Ann Rutheford, Evelyn Keyes, Mickey Kuhn.

PRODUCTORA

Selznick Internacional Pictures / MetroGoldwyn-Mayer

PREMIOS GÉNERO SIPNOPSIS

10 Oscars, incluyendo mejor película y Actriz (Leigh) 13 Nominaciones. Drama, Romance, Aventura Georgia, 1861. En la elegante mansión sureña de Tara, vive Scarlett O’Hara (Vivien Leigh), la joven más bella, caprichosa y egoísta de la región. Ella suspira por el amor de Ashley (Leslie Howard), pero él está prometido con su prima, la dulce y bondadosa Melanie (Olivia de Havilland). En la última fiesta, antes del estallido de la Guerra de Secesión (1861-1865), Scarlett conoce al simpático, cínico y apuesto Rhett Butler (Clark Gable), un vividor arrogante y aventurero, que sólo piensa en sí mismo y que no tiene ninguna intención de participar en la contienda. Lo único que él desea es hacerse rico y conquistar el corazón de la hermosa Scarlett. 20

Crítica Casi 4 horas de cine de leyenda. El enorme y multigeneracional éxito de esta excelsa obra tiene una simple explicación: pocas películas están mejor contadas y, sobre todo, cautivan con una historia tan arrebatadoramente repleta de amor, odio, amistad, aventuras, guerra, familia... una fábrica de provocar sentimientos, lágrimas y sonrisas. Un clásico irrepetible. “Lo que el viento se llevó” es una de esas grandes historias que el mundo del cine nos regala de vez en cuando. Todo es grandioso en esta película, desde la banda sonora hasta el vestuario, desde la interpretación de los actores hasta los decorados, desde las localizaciones hasta los diálogos. Pero por encima de cualquier cosa, cuenta con un guión maravilloso y magistral, que nos retrata a la perfección una época y una sociedad de la historia americana, concretamente la Guerra de Secesión.Pocas películas están mejor contadas que “Lo que el viento se llevó”, donde de una forma tremendamente elegante e inolvidable, se nos muestra sin artificios la amistad, el odio, la felicidad, la lucha, el esfuerzo, el orgullo, los celos, la rivalidad, la guerra, la aventura y por encima de todo, el amor.

Curiosidades Vivien Leigh y Clark Gable no se llevaban muy bien en la filmación, tanto es así que Gable ingería grandes cantidades de cebolla antes de las escenas donde tenía que besar a Leigh. En el plano secuenca en el que se muestran, cantidad de heridos desde un plano cenital, la mayoría de los “heridos” son muñecos vestidos. Al lado de los muñecos colocaron personas vivas para evitar sensación de falsedad. La película contó con 3 directores: Victor Fleming, George Cukor y Sam Wood. De los 3, sólo Fleming apareció en los créditos. Fleming ganó el Oscar al Mejor Director por la película. Se convirtió, en aquellas fechas, en la película más larga y más cara de la historia. 21

“Eres una mujer que envía un soldado a la muerte con un hermoso recuerdo. Scarlett, bésame. Bésame una vez”

Victor Fleming

Victor Fleming (n. La Cañada, California; 23 de febrero de 1889 - f. Cottonwood, Arizona; 6 de enero de 1949), fue un cineasta norteamericano director en 1939 de dos de las más famosas películas de todos los tiempos: Lo que el viento se llevó y El mago de Oz. Victor Fleming entró en el mundo del cine casualmente. Después de hacer multitud de trabajos en diferentes áreas, conoció al productor y director Allan Dwan al que sirvió como chófer. En la década de los 30, Fleming firma contrato con Metro Goldwyn Mayer, donde lanza a la fama a Clark Gable en Tierra de pasión (Red Dust) (1932), y encuentra un gran éxito con Capitanes intrépidos (Captains Courageous) (1937 y El mago de Oz (The Wizard of Oz). Pero sin duda una de las cosas por la que será recordado es el haber sido el director que apareció en los títulos de crédito de Lo que el viento se llevó). Cuando le aconteció su muerte en enero de 1949, Fleming planeaba la realización de La soga (Rope), que finalmente hizo la 20th Century Fox en 1952 de manos de Alfred Hitchcock. 23

1941 24

Ciudadano Kane TÍTULO ORIGINAL AÑO DURACIÓN PAÍS DIRECTOR GUIÓN MÚSICA FOTOGRAFÍA REPARTO

PRODUCTORA

Citizen Kane 1941 119 min. Estados Unidos Orson Welles Orson Welles & Herman J. Mankieewicz Bernard Hermann Gregg Toland (B&W) Orson welles, Joseph Cotten, Everett Sloane, George Coulouris, Dorothy Comingore, Ray Collins, Agnes Moorehead, Paul Stewart, Ruth Warrick, Erskine Sanford, William Alland, Alan Ladd. RKO / Mercury Theatre Productions

PREMIOS

1 Oscar: Mejor guión original. 9 nominaciones

GÉNERO

Drama, Periodismo

SIPNOPSIS

Un importante financiero estadounidense, Charles Foster Kane, dueño de una importante cadena de periódicos, de una red de emisoras, de dos sindicatos y de una inimaginable colección de obras de arte, muere en Xanadú, su fabuloso castillo de estilo oriental. La última palabra que pronuncia antes de expirar, ”Rosebud”, cuyo significado es un enigma, despierta una enorme curiosidad tanto en la prensa como entre la población. Así las cosas, un grupo de periodistas emprende una investigación para desentrañar el misterio. 25

Crítica Un jovencísimo Orson Welles revoluciona el mundo del cine con su opera prima que el infalible argumento del paso del tiempo ha convertido en obra maestra. Una película de original estructura e inédita realización que narra las aventuras y desventuras en la ajetreada vida de un magnate de los medios de comunicación. La intriga viene en forma de una palabra que hoy en día está encumbrada en el vocabulario más cinéfilo: Rosebud. Plena guerra en Europa, los japonenes a punto de atacar Pearl Habor... y mientras tanto un primerizo llamado Orson Welles revoluciona el cine con una descomunal exhibicion de talento. Sentenciada como la película que marca un antes y un después en la historia del séptimo arte, la “number one” en todas las listas de los críticos de las últimas décadas, “Citizen Kane” es una obra de arte de un poder insultante, una película magistral realizada por un joven prodigio de sólo 26 años de edad, que inventa con insólita personalidad varios conceptos cinematográficos de primer orden. Insistiendo en que hoy está indiscutiblemente considerada como la mejor película de todos los tiempos

Curiosidades Cuando al comienzo de la película nombran a los próceres americanos, el nombrado en segundo lugar es el magnate de la prensa Hearst, en quien está basada la película. El círculo de Hearst intentó comprar la película para que nunca se estrenara. Además, presionó a la RKO para que no se emitiese. Su trabajo más importante fue el largometraje El ciudadano Kane, Sin embargo, Orson Welles pasó a la historia el día 30 de octubre de 1938 cuando, a través de la radio de Nueva York, narró con lujo de detalle una supuesta invasión extraterrestre tan real sobre Nueva Jersey, que al escuchar aquello, muchos norteamericanos salieron a las calles asustados, en busca de protección contra las naves que arrojaban rayos asesinos en contra de la población. El caos reinó durante un par de horas . Orson Welles murió en 1985, riéndose de su bromita, la que incluso hoy en día es recordada con temor. 26

“La vejez es la única enfermedad de la que uno ya no espera jamás curarse”

Orson Welles

George Orson Welles (Kenosha, Wisconsin, Estados Unidos, 6 de mayo de 1915 - † Hollywood, Los Ángeles, Estados Unidos, 10 de octubre de 1985) fue un actor, director, guionista y productor de cine estadounidense. Es considerado uno de los artistas más versátiles del siglo XX en el campo del teatro, la radio y el cine, en los que tuvo excelentes resultados. Alcanzó el éxito a los veintitrés años gracias a la obra radiofónica The War of the Worlds, que causó conmoción en los Estados Unidos cuando la gente que estaba escuchando el programa pensó que era una verdadera invasión de extraterrestres. Este sensacional debut le valió un contrato para tres películas con el estudio cinematográfico RKO, que le otorgó libertad absoluta en sus realizaciones. A pesar de estos beneficios, sólo uno de sus proyectos previstos pudo ver la luz: Citizen Kane (1941). Entre sus muchos proyectos, Welles fue capaz de producir y dirigir películas como Macbeth (1948), Otello (1952), Touch of Evil (1958), El proceso (1962), F for Fake (1975),. Su fama creció después de su muerte en 1985, y ahora es considerado uno de los más grandes directores de cine y teatro del siglo XX. 28

1942 29

Casablanca TÍTULO ORIGINAL AÑO DURACIÓN PAÍS DIRECTOR

Casablanca 1942 102 min. Estados Unidos Michael Curtiz

GUIÓN

Julius J. Epstein, Philip G. Epsteon, Howard koch

MÚSICA

Max Steiner

FOTOGRAFÍA REPARTO

PRODUCTORA

Arthur Edeson (B&W) Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Paul Henreid, Claude Rains, Conrad Veidt, Sydney Greenstreet, Peter Lorre, S.Z. Sakall, Madeleine LeBeau, Dooley Wilson, Joy Page, John Qualen, Leonid Kinskey, Curt Bois, Ed Agresti, Marcel Dalio, Enrique Acosta, Louis V. Arco, Frank Arnold, Leon Belasco, Nino Bellini, Trude Berliner, Oliver Blake Warner Bros. Pictures

PREMIOS

3 Oscars: Mejor película, Guion adaptado y Mejor Director. 8 nominaciones.

GÉNERO

Drama, Romance, Guerra Mundial, Nazismo.

SIPNOPSIS

Durante la Segunda Guerra Mundial, Casablanca era una ciudad a la que llegaban huyendo del nazismo gente de todas partes: llegar era fácil, pero salir era casi imposible, especialmente si el nombre del fugitivo figuraba en las listas de la Gestapo. En esta ocasión el principal objetivo de la policía secreta alemana es el líder checo y héroe de la resistencia Victor Laszlo, cuya única esperanza es Rick Blaine, propietario del ‘Rick’s Café’ y antiguo amante de su mujer, Ilsa. Cuando Ilsa se ofrece a quedarse a cambio de un visado para sacar a Laszlo del país, Rick deberá elegir entre su propia felicidad o el idealismo que rigió su vida en el pasado. 30

Crítica He aquí el mito hecho celuloide, la más grande entre las grandes. “Casablanca” es la obra maestra absoluta, un icono de la historia del cine merced a un guión sublime sembrado de diálogos insuperables, envuelto en una dirección, puesta en escena e interpretaciones mágicas, que alcanzan el techo del séptimo arte. Puede que nunca se haga una película mejor. (Pablo Kurt: FILMAFFINITY) Pocas son las películas que pueden aguantar el paso del tiempo como lo hace Casablanca. Pocos son actores que pueden encarnar al personaje de Rick como lo hace Bogart. A pocos les queda tan bien una gabardina. Pocas actrices pueden odiar tanto a su compañero de rodaje y besarlo como lo hace la Bergman. Pocas son las canciones que han sido silbadas y cantadas como “As time goes by” Pocas… no mentira; ninguna película, ha conseguido tener un guión tan perfecto como el que tiene Casablanca. Casablanca es cine puro. Es magia. (Francisco Munera: FILMAX)

Curiosidades Muchos afirman que Michael Curtiz dirigió la historia sin un guion definido. La última edición del Guinness book of film, de 1998, afirma: «El triunfo de Casablanca es aun más valioso porque cuando comenzó el rodaje, el desenlace de la trama era aún desconocido para los actores tanto como lo es para el espectador». Sin embargo es cierto que Curtiz fingió que no sabía el final, con el objetivo de que los actores tuvieran el mismo desconcierto que sus personajes en cuanto al destino que les esperaba. Cuando la gente salía de los cines de ver la película, pedía una continuación. Aunque la Warner Bros. se lo pensó, el productor David O. Selznick dijo que no prestaría a Bergman para una secuela. La película se filmó íntegramente en Hollywood, en estudios. Pero los turistas que visitaban Casablanca pedían la ubicación del bar de Rick, que no existía. Posteriormente el municipio construyó dos bares frente a la plaza: el Rick’s Bar, y el Blue Parrot Bar. 31

“Recuerdo cada detalle. Los alemanes iban de gris. Tú ibas de azul.”

Michael Curtiz

Michael Curtiz, (Budapest, 24 de diciembre de 1886- Hollywood, 10 de abril de 1962) fue un director de cine estadounidense, originario de una familia judía húngara. Michael Curtiz se marchó de casa a los 21 años para ir a trabajar en un circo. Luego se formó como actor en la Real Academia de Arte y teatro. En 1912, empieza a trabajar como actor y director de cine en Hungría. Estudió cine unos meses en el centro más importante: Copenhage. La película que ha hecho pasar a Curtiz al Olimpo del cine fue Casablanca (1942), sin embargo, además de ser uno de los cineastas más prolíficos de la historia del cine (con 167 filmes), y de tener una notable carrera de cincuenta años, fue un artista polifacético, de gran ritmo y viveza. Se ha dicho a menudo que Curtiz era un director sin un estilo especialmente definido: trabajó todos los géneros, no siempre aportando originalidad. Sin embargo, su trabajo, caracterizado entre otras cosas por una compleja manera de mover la cámara, composiciones robustas, texturas matizadas en la iluminación, siempre es apreciado por el cinéfilo. 33

1980 34

Taxi Driver TÍTULO ORIGINAL AÑO DURACIÓN PAÍS DIRECTOR GUIÓN MÚSICA FOTOGRAFÍA REPARTO

PRODUCTORA

Taxi Driver 1976 113 min. Estados Unidos Martin Scorsese Paul Schrader Bernard Herrmann Michael Chapman Robert De Niro, Cybill Shepherd, Jodie Foster, Albert Brooks, Harvey Keitel, Peter Boyle, Leonard Harris, Martin Scorsese. Columbia Pictures

PREMIOS

1976: 4 Nominaciones al Oscar: Pelicula, Actor(De Niro), Secundaria (Foster), Musica.

GÉNERO

Drama, Prostitucion

SIPNOPSIS

Para sobrellevar el insomnio crónico que sufre desde su regreso de Vietnam, Travis Bickle (Robert De Niro) trabaja como taxista nocturno en Nueva York. Es un hombre poco sociable que apenas tiene contacto con los demás, se pasa los días en los cines para adultos y vive obesionado con Betsy (Cybill Shepherd), una atractiva rubia que trabaja como voluntaria en una campaña política. Tras estropear su incipiente relación con Betsy, Travis no puede menos que seguir observando cómo la violencia, la sordidez y la desolación se adueñan de la ciudad. Y un día decide pasar a la acción. 35

Crítica

Travis, un veterano de Vietnam -detalle muy importante-, consigue un trabajo como taxista nocturno en Nueva York. Así, mientras camufla sus traumas, escupe su rabia y despliega un recital de emociones vehementes, el espectador acude atónito a la violenta síntesis de un ciudadano asqueado con el sistema, un sistema podrido al que culpa de su mala suerte y que provoca su paroxismo. Magistral y demoledora radiografía de la estresante y salvaje sociedad urbana. Todo un clásico del cine contemporáneo. Son muchas sus imágenes poderosas e inolvidables. Scorsese, en uno de lo mejores trabajos de su larga e interesantísima filmografía, pueso todo su saber al servicio de este aplaudido y controvertido drama de angustias colectivas y traumas imposibles Taxi Driver examina nuestras conciencias con ese drama/ thriller sobre las injusticias, las quimeras, las ilusiones y desilusiones, la voluntad y la violencia... una mezcla de nuestro interior en reacción con lo que nos rodea.

Curiosidades

Robert De Niro se presentó al rodaje con la carcterística cresta que luce al final de la misma, a Scorsese no le pareció del todo mal y la incluyó en el film. Robert de Niro trabajó como taxista cuatro semanas antes de la filmación, esto con el fin de meterse de lleno en su papel. Jodie Foster tenía 14 años en 1976, por lo que no podía hacer escenas explícitas. Connie Foster, hermana de Jodie de 21 años, hizo de doble en esas escenas. La frase de la película “You talkin’ to me?” ha sido votada como la octava frase más famosa de la historia del cine. El famosísimo monólogo de Robert De Niro frente al espejo fue improvisado por el propio actor. La revista Premiere incluyó a Taxi Driver entre las 25 películas más peligrosas de la historia. 36

“Ahora me doy cuenta que es igual a todas las demás . Fria y Distante. Hay mucha gente así. Las mujeres desde luego. Son como un Sindicato”

Martin Scorsese

Martin Charles Scorsese1 (Queens, Nueva York, 17 de noviembre de 1942) es un director, guionista, actor y productor estadounidense de cine, ganador de un Óscar, tres Globos de Oro y dos premios BAFTA, así como de otro del Directors Guild of America (gremio de directores de Estados Unidos), además de ser uno de los fundadores de World Cinema Foundation. Condecorado con la Legión de Honor francesa en 1987. Las obras de Scorsese abordan principalmente los temas de la vida italoestadounidense y los conceptos de culpa y redención católicos romanos,2 el machismo y la violencia endémica en la sociedad estadounidense. Es también conocido por su afición a la música, mundo al que ha dedicado alguna de sus películas (No Direction Home sobre Bob Dylan y Shine a Light, sobre los Rolling Stones). Scorsese es ampliamente considerado como uno de los directores más influyentes de su generación. Ganó un premio MFA por su obra como director de cine otorgado por la prestigiosa Escuela de Cine de la Universidad de Nueva York. Tras múltiples nominaciones a lo largo de su carrera, ganó finalmente el Óscar al mejor director por su película The Departed, la cual también ganó el Óscar de mejor película en la 79ª edición de los Premios de la Academia. 38

Pazuzu!!!

alegro

O sea que no

podemos decirle a nadie lo que nadie sabe

de que el colegio se haya inundado, gracias a ello, hemos tenido esta

Hipopótamos hambrientos

No eres una

cielo se abrirá...

trabajo

Que hicieran

orgías

Si murieron todos, ¿quién los enterró?

¿Qué se siente tener un hijo loco? Es maravilloso

puta... Sabes putear, pero

La línea de la

mucho y poca diversión hacen de jack un tipo tristón

eres una puta

vida está planteada así

¡Yo te expulso!

¡Aquí está Johnny!

con cabras no quiere decir que estuvieran

¿Has visto lo que ha hecho la

Todas las criaturas de este

conversación

poseídas.

cochina de tu hija?

mundo mueren solas. No quiero estar solo

Terror No voy a hacerte

daño sólo voy a aplastarte los sesos

No por mucho madrugar, amanece mas Ven a jugar con

nosotras, Danny. No voy a hacerte

Eres Diferente

temprano

daño

Tu culo en llamas

Imaginario

REDRUM

Dame el bate Wendy, dame el bate.

No estas loco. Yo solía estar loco. Pero tú no estas loco

¿Yo; un perturbado?... Sí, soy un perturbado y tengo mucho Tienes que poner una

cruz

Wendy...¡vuelvo al hogar!

en el punto justo de la línea de la

He hecho un nuevo

miedo

vida

amigo hoy

Aunque en muchos de sus aspectos este mundo visible parece formado en amor, las esferas invisibles se formaron en Terror. Herman Merville (1819-1891

Rick!!!

1960 41

Psicosis TÍTULO ORIGINAL AÑO DURACIÓN PAÍS DIRECTOR GUIÓN MÚSICA FOTOGRAFÍA REPARTO

PRODUCTORA

Psycho 1960 109 min. Estados Unidos Alfred Hitchcock Joseph Stefano (Novela: Robert Bloch) Bernard Hermann John L. Russell (B&W) Anthony Perkins, Janet Leigh, John Gavin, Vera Miles, Jhon Mclntire, Martin Balsam, Simon Oakland, Patricia Hitchcock Paramount Pictures

PREMIOS

4 Nominaciones al Oscar: Director, Actriz Sec (Leigh), Fotografia y Dir. Artística (B & N)

GÉNERO

Terror, Intriga, Asesinos en serie.

SIPNOPSIS

Una joven secretaria, tras cometer un robo en su empresa, huye de la ciudad y, después de conducir durante horas, decide descansar en un pequeño motel de carretera regentado por un tímido joven llamado Norman. Todo parece normal y tranquilo tanto en el apartado motel como en la casa de al lado en la que viven Norman y su madre, pero las cosas no son lo que parecen.

Crítica “Lo que hace inmortal a ‘Psycho’, cuando muchas otras películas las hemos casi olvidado tras salir del cine, es que conecta directamente con nuestros miedos.” (Roger Ebert: Chicago Sun-Times) “Una obra maestra del entretenimiento y el horror de la que Perkins nunca pudo huir” (Javier Ocaña: Cinemanía) “Una de las grandes obras maestras del género. Tensión, terror e intriga en un filme de imprescindible revisión” (Fernando Morales: Diario El País) Con esta magnífica película, el inolvidable Alfred Hitchcock demostró al mundo por qué era un maestro en el séptimo arte y es que “Psicosis” es desde todos los puntos de vista, una sólida referencia para la historia del cine y una de sus más espléndidas joyas. La historia está sabiamente dirigida desde todos sus ángulos y está llena de suspense al más puro estilo Hitchcock. Algunas de sus escenas son ya legendarias y pocas películas han calado tanto en las pantallas de todo el mundo como ésta. Es algo irrepetible.

Curiosidades La sangre que aparece en la ducha, por contrario de lo que suele ser habitual no era salsa de tomate, sino que se utilizó chocolate, ya que es de densidad parecida a la de la sangre y no se aprecia el color, al tratarse de una película en blanco y negro. La escena de la ducha necesitó 70 posiciones diferentes de cámara y 7 días de rodaje para 45 segundos de metraje final. Los sonidos del apuñalamiento de la escena de la ducha se hicieron golpeando un cuchillo con una sandía. La escena de la ducha no fue interpretada por sus protagonistas, ya que Janet Leigh fue doblada por una doble de cuerpo y Anthony Perkins estaba enfermo siendo sustituído (dicen) por Saul Bass, autor de los títulos de crédito de la película. 43

â&#x20AC;&#x153;Todos nos volvemos locos alguna vez.â&#x20AC;?

Alfred Hitchcock

Sir Alfred Joseph Hitchcock (Leytonstone, Londres, 13 de agosto de 1899 Bel Air, Los Ángeles, 29 de abril de 1980) fue un director de cine británico. En 1920 se dedicaba a hacer los rótulos de varias películas de cine mudo en la Famous Players Lasky. Este trabajo ocasional provocó que, poco a poco, el joven Hitchcock comenzara a apasionarse por el mundo del cine. Es así como empezó a trabajar como montador, director artístico y guionista en películas de directores como Donald Crisp y Hugh Ford. Con pocos trabajos, Hitchcock se convirtió en el icono genial de una industria bastante discreta como era la británica. Películas como ¡Asesinato! (Murder!, 1930), El hombre que sabía demasiado (The Man Who Knew Too Much, 1934) y especialmente 39 escalones (The 39 Steps, 1935) lo convirtieron en todo un emblema internacional del nuevo cine británico. Anecdóticamente, era famoso por su costumbre de gastar bromas pesadas, especialmente con los actores. Según el director, la película de su cosecha que más apreciaba era Falso culpable (conocida también como El hombre equivocado) (1957), protagonizada por Henry Fonda y Vera Miles. 45

1973 46

El Exorcista TÍTULO ORIGINAL AÑO DURACIÓN PAÍS DIRECTOR GUIÓN MÚSICA FOTOGRAFÍA REPARTO

PRODUCTORA PREMIOS

GÉNERO SIPNOPSIS

The Exorcist 1973 121 min. Estados Unidos William Friedkin William Peter Blatty (Novela:William Peter) Jack Nitzsche Owen Roizman Linda Blair, Max Von Sydow, Ellen Burstyn, Jason Miller, Lee J. Cobb, Kitty Winn, Jack MacGowran, Arthur Storch, Barton Heyman, Gina Petrushka.

Warner Bros. Pictures

1973: 2 Oscars: Mejor guión adaptado, sonido. 10 nominaciones.

Terror, Posesiones Adaptación de la novela de William Peter Blatty. Inspirada en un exorcismo real ocurrido en Washington en 1949. Regan, una niña de doce años, es víctima de fenómenos paranormales como la levitación o la manifestación de una fuerza sobrehumana. Su madre, aterrorizada, tras someter a su hija a múltiples análisis médicos que no ofrecen ningún resultado, acude a un sacerdote con estudios de psiquiatría. Éste está convencido de que el mal no es físico sino espiritual, es decir, que la niña es víctima de una posesión diabólica. El terror más popular de todos los tiempos. 47

Crítica

Si las películas son, entre otras cosas, oportunidades para evadirse, entonces ‘El exorcista’ es una de las más poderosas que se hayan hecho nunca. Los que la han visto no la olvidaran jamás, sin duda es una de las mejores películas de terror de todos los tiempos. Las actuaciones son brillantes destacando a Jason Miller (padre Karras) y Linda Blair (Regan), la música es sinónimo de originalidad y sus escalofriantes escenas impactaran en mayor o menor medida a todos aquellos que la vean. Muy recomendable La reina del terror. Esta película es por hoy muy recordada. La cara de la niña desfigurada por el espíritu maligno, demonio Sumerio aferrado que la posee es ya un momento legendario en toda la historia del cine mundial. Clásica. Esta es una película que realmente se debe de ver, independientemente del género, simplemente por ser parte de la historia del cine. Es de las películas que crea esa atmósfera realmente escalofriante.

Curiosidades

El maniquí que se usó para las escena dónde Regan gira entera su cabeza; antes se colocó en el asiento delantero de un taxi por Nueva York, para ver las reacciones de los pasajeros. Cuando el filme se estrenó en 1973, causó la histeria en varias salas, la gente no paraba de gritar, se desmayaba y hasta algunas sufrían crisis de ansiedad; muchas ambulancias se tuvieron que desplazar a cines y teatros. Dicen que durante el proceso de la película murieron nueve personas directa o indirectamente vinculadas al rodaje. Entre ellos, el actor Jack McGowan. En la escena de la “araña”, realmente se filmaron 3 versiones distintas del final. 1º) La emitida, que es la que termina con Regan vertiendo sangre por la boca. 2º) Más fiel a la novela, Regan mueve la lengua como una serpiente y persigue a Chris y a Sharon. 3º) Acaba mordiendo a Sharon en la pierna. 48

“Bonito día para un exorcismo”

William Friedkin

William Friedkin (Chicago, 29 de agosto de 1935) es un director de cine y televisión, productor y guionista estadounidense ganador del premio Oscar por su película The French Connection (1971). Entre sus películas destacan La noche del escándalo Minsky’s (1968), Los chicos de la banda (1970), The French Connection (1971), El exorcista (1973), Carga maldita (1977), Cruising (1980), Vivir y morir en Los Ángeles (1985), Jade (1995), Rules of Engagement (2000) y The Hunted (2003). En cine su primera película fue Good Times, de 1967, un musical protagonizado por Cher y Sonny Bono. Pero no sería hasta 1971 cuando su nombre se hiciera reconocido al dirigir la magistral The French Connection, thriller policiaco protagonizado por Gene Hackman, Fernando Rey y Roy Scheider. Tras ese éxito llegaría en 1973 la obra maestra del cine de terror El exorcista, basada en la novela de William Peter Blatty, quien se encargó a su vez del guion. Desde entonces su carrera ha pasado bastante desapercibida realizando principalmente proyectos personales de escasa trascendencia y otros de encargo. 50

1980 51

El Resplandor TÍTULO ORIGINAL AÑO DURACIÓN

The Shining 1980 146 min.

PAÍS

Estados Unidos

DIRECTOR

Stanley Kubrick

GUIÓN

Stanley Kubrick & Diane johnson ( Novela: Stephen King)

MÚSICA

Elkind & Wendy Carlos

FOTOGRAFÍA REPARTO

PRODUCTORA GÉNERO SIPNOPSIS

John Alcott Jack Nicholson, Shelley Duvall, Danny Lloyd, Scatman Crothers, Barry Nelson, Philip Stone, Joe turkel, Lia Beldam, Billie Gibson, Barry Dennen, David Baxt, Manning Redwood, Lisa Burns, Louise Burns. Warner Bros. Pictures / Hawk films / Peregrine. Terror, Fantasmas. ack Torrance se traslada con su mujer y su hijo de siete años al impresionante hotel Overlook, en Colorado, para encargarse del mantenimiento de las instalaciones durante la temporada invernal, época en la que permanece cerrado y aislado por la nieve. Su objetivo es encontrar paz y sosiego para escribir una novela. Sin embargo, poco después de su llegada al hotel, al mismo tiempo que Jack empieza a padecer inquietantes trastornos de personalidad, se suceden extraños y espeluznantes fenómenos paranormales.

Crítica Kubrick se propuso rodar la esquizofrenia, y a fe que lo logró. El relato de Stephen King fue trasladado a la pantalla con una narración inquietante y, por momentos, angustiosa. El poder de la imagen del maestro neoyorquino consiguió, además de una atmósfera opresiva, algunas de las escenas más impactantes del cine de terror de las últimas décadas. El mérito es aún mayor cuando, a diferencia de lo habitual en el género, el director no se refugia en la oscuridad para provocar miedo o tensión. Como muestra: pocas veces en la historia del cine una simple escena como un niño montado en un triciclo, paseando por los pasillos de un hotel, provocó un suspense tan extraño, tan inquietante, tan sobrecogedor. OBRA MAESTRA, asi de simple. Dirigida por el gran Stanley Kubrick, “El resplandor” nos regala, además de una excelente historia de terror, una visión sobre la locura casi perfecta, con todas sus etapas perfectamente plasmadas. Kubrick quiso “grabar” la locura, y lo hizo, nos la contó, y todos nos estremecimos con ella. En aspectos mas técnicos, el filme es un prodigio del séptimo arte. Tiene una fotografía buenísima, y particular.

Curiosidades La novela en que se basa la película es en cierta forma una autobiografía, ya que el escritor Stephen King también fue alcohólico. Cuando terminan los créditos de la película, se pueden escuchar a los fantasmas del Overlook aplaudiendo y murmurando entre ellos. Danny (Danny Lloyd) antes de que su madre se despierte, llega a decir un total de 43 veces la palabra: “REDRUM”. En la versión española, los gritos de Wendy (Shelley Duval) cuando Jack (Jack Nicholson) da hachazos en la puerta del baño, no pudieron ser doblados, por lo que son emitidos como en la versión original. Durante la escena de la fiesta, Kubrick dijo a los extras que movieran los labios como si hablaran y que no asintieran con sus cabezas. 53

“¡No voy a hacerte daño! Wendy, querida, luz de mi vida, ¿de qué tienes miedo?. No me has dejado acabar la frase, dije: No voy a hacerte daño, sólo voy a aplastarte los sesos. ¡Aplastaré tus jodidos sesos! ”

Stanley Kubrick

Stanley Kubrick (Nueva York, Estados Unidos, 26 de julio de 1928 – Harpenden, Hertfordshire, Reino Unido, 7 de marzo de 1999) fue un fotógrafo, director de cine, guionista y productor estadounidense. Considerado por muchos uno de los más influyentes cineastas del siglo XX. Destacó tanto por su precisión técnica como por la gran estilización de sus cintas y su marcado simbolismo. La influencia de Kubrick en el cine contemporáneo es enorme y difícil de definir en su real dimensión. No sólo por la gran cantidad de libros dedicados a su persona y a su trabajo, las compilaciones que lo sitúan entre los más importantes de la historia, así como documentales televisivos sobre su vida y ensayos publicados en diversos medios de comunicación, sino también por los logros fílmicos que alcanzó en vida y el aporte que realizó al status quo de rol del director dentro la industria cinematográfica. Un tema final podría ser su obsesión con los detalles y la calidad del producto. Pocos directores hicieron de esto un tema mayor: entender el filme como acto de aprendizaje extremo del entorno del personaje, en base a una sólida investigación que llevó, junto a su perfeccionismo, a dilatar sus rodajes y aumentar el aura mítica que proyectaba en la prensa. 55

2001 56

Donnie Darko TÍTULO ORIGINAL AÑO DURACIÓN PAÍS

Donnie Darko 2001 113 min. Estados Unidos

DIRECTOR

Richard Kelly

GUIÓN

Richard Kelly

MÚSICA FOTOGRAFÍA REPARTO

PRODUCTORA

Michel Andrews Steven Poster Jake Gyllenhaal, Jena Malone, Mary McDonnell, Drew Barrymore, Holmes Osobourne, Noah Wyle, Katharine Ross, Daveigh Chase, James Duval, Arthur Taxier, Stuart Stone, Seth Rogen. IFC Films presenta una produccion flower Films

PREMIOS

2001: Festival de cine fantastico de Sigtes; Mejor Giuion

GÉNERO

Terror, Fantastico, ciencia ficción

SIPNOPSIS

Donnie es el perfecto joven americano, dotado de gran inteligencia e imaginación. Tras escapar milagrosamente de una muerte casi segura, comienza a experimentar alucinaciones que le llevarán a actuar como no lo había hecho jamás y a descubrir un mundo insólito a su alrededor.

Crítica Donnie Darko es un filme que parece fluir. El ritmo de la película es tan acertado que no llega a cansar en ningún momento, ni siquiera te altera, sencillamente “fluye”... Por otro lado el argumento es muy bueno( De hecho, ha influenciado a varias películas posteriores). El filme no es ni de lejos una película fantástica mainstream para adolescentes, sino más bien un relato serio que trata a la adolescencia como una etapa más de la vida, dotándola de cierto realismo y menos misticismo juvenil. Altamente recomendable. Interesante cinta fantástica con toques de drama psicológico, premiada en numerosos festivales y que obtuvo el respaldo de gran parte de la crítica. Supuso la confirmación (tras despuntar en “October Sky”) del hoy famoso Jake Gyllenhaal, además de contar con una estupenda banda sonora de canciones. Sus resultados en taquilla fueron muy pobres (apenas se estrenó en unas decenas de cines), pero con el paso del tiempo se convirtió en una cinta indispensable en los videoclubs (y en algunos cines que la siguieron reponiendo durante años), lo que la elevó a la categoría de film de culto.

Curiosidades Los de la serie LOST, se inspiraron indudablemente en esta pelicula, a la hora de crear la serie. Cuando Donnie y Gretchen van al cine, la pelicula que estan viendo es nada mas ni nada menos que Evil Dead (Posesion Infernal). Echa por Sam Raimi en 1981 y considerada otra pelicula de culto. Al principio de la película, la madre de Donnie (Jake Gyllenhaal), está en el jardín leyendo “It” de Stephen King, novela que trata sobre un demonio vestido de payaso que atormenta a los niños de un pequeño pueblo, historia que tiene semejanzas con la de esta película. La película “Lolita” de Stanley Kubrick influyó al director Richard Kelly para realizar este filme. Además, Elizabeth Darko (Maggie Gyllenhal) va disfrazada en la fiesta igual que Vivian Darkbloom (Marianne Stone). 58

“¿Y si pudieras volver atrás en el tiempo, no cogerías todas las horas de dolor y tristeza, y las cambiarías por... por algo mejor? ”

Richard Kelly

Richard Kelly (n. 28 de marzo de 1975 en Newport News, Virginia) es Eso es por el mar, que está revuelto un director de cine y guionista estadounidense . Cursó sus estudios de cine en la University of Southern California, licenciándose en el año 1997. Tras filmar los cortometrajes The Goodbye Place y Visceral Matter, en 2001 se embarcó en su propio proyecto como autor completo (guión y dirección): Donnie Darko. Pese a no obtener grandes cifras de recaudación, la cinta se convirtió de forma casi inmediata en un film de culto, y el director, ante la avalancha de teorías relativas a la interpretación del significado de su opera prima, decidió estrenar en 2004 Donnie Darko: The Director’s Cut, en la que además de retocar digitalmente determinadas escenas, incluyó metraje adicional. Aunque las películas de Richard Kelly difieren considerablemente en escenario y los personajes, estas comparten temas similares de viaje en el tiempo, el existencialismo, y la espiritualidad. Su esperado 2º proyecto como director fue estrenado en 2006: Southland Tales (Las horas perdidas), con Dwayne Johnson y Sarah Michelle . 60

¿Tanto te repugnaría hacerme el Los padres de los demás

nunca habia imaginado algo tan bueno para mi

siempre son mejores que los propios

Te puedes ir cuando quieras

cada

amor?

Una petición es un

poema y un poema es una petición.

dia mas aqui que alli Eres un

regalo

Si tú me dejas...Si me das

Me voy a

tiempo...

morir de tanto amor

No te preocupes,no tienes porque llorar despedidas,

La vida está llena de pero no dejés de amar.

Cuando el

-Verás...

Eso es por el mar.

ni yo me voy ni vos te quedás

La palabra prohibida

corazón comienza a arder huele como a incienso.

Erotismo Qué

¿Y, algo más quieres de mí?

¿Que pelicula?

valiente eres. Somos siameses unidos por aquí ventana.

La calle ha entrado por la

Quitándote el sueño de los Vas demasiado limpia para ser alguien a quien le gusta el

cine

Oh! Estás borracho... No sé

ojos.

La libertad no la regalan, hay que ganársela.

Deseaba que aquella noche no terminase nunca

Pero por

la mañana, yo estaré sobrio...

porqué

Es fascismo dentro de una

es así, pero es 61

así.

puta

¿Sabes, Matthew? No estás siendo botellamuy galante...

Me atrevo a afirmar que no hay erotismo autentico sin el arte de la ambigüedad; cuando la ambigüedad es poderosa, más viva es la excitación. Milan Kundera (1929-...)

1973 63

Delicias Turcas TÍTULO ORIGINAL AÑO DURACIÓN PAÍS DIRECTOR GUIÓN MÚSICA

REPARTO

PRODUCTORA

Turks Fruit 1973 96 min. Paises Bajos Paul Verhoeven Gerard Soeteman (Novela: Jan Wollkers) Rogier Van Otterloo

Rutger Hauer, Monique Van de Ven, Tonny Huurdeman, Win Van den Brick, Hans Boskamp

Verenigde Nederlandsche Filmcompagnie (VNF)

PREMIOS

Nominada al Oscar: Mejor pelicula de habla no Inglesa

GÉNERO

Drama, Romance, Erotico

SIPNOPSIS

Un escultor holandés (Rutger Hauer) mantiene un tormentoso y erótico romance con una hermosa muchacha. En otro tiempo, el artista era un libertino que coleccionaba en un álbum sus conquistas amorosas como si fueran trofeos.

Crítica En esta película no importa nada. Todo forma parte de un conjunto, un mundo aparentemente banal en el que, curiosamente, todo importa. Como una suculenta mezcla entre Buñuel y Felini, Verhoeven crea algo diferente, interesante, inteligente y, si, por qué no: delicioso Han pasado casi cuatro décadas desde que esta película llegó a los cines y eso se nota. Se la podrá acusar de haberse quedado algo anticuada, sí, y muchos dirán que con lo que ha venido después, el erotismo presente en sus imágenes está más que superado (ojo, que la peli ofrece un variado muestrario de escenas de sexo más o menos explícito amén de escatologías varias que hoy podrían sonrojar al más pintado). Más allá de todo esto, y además de un interesante retrato social de la época, Verhoheven nos ofrece una historia universal que tiene como tres ingredientes principales el amor , el sexo y la muerte. El primero de ellos, el amor, se nos revela aquí como ese instinto, esa fuerza incontrolable que empuja al hombre hacia delante capaz también a veces de arrastrarle a su propia destrucción.

Curiosidades La película fue rodada en apenas 40 días El film representa un muestra totalmente brillante de lo que fue la revolución sexual de finales de los ‘60 y principios de los ‘70. Los desnudos frontales tanto masculinos y femeninos, coitos, vómitos...etc., que tienen lugar en la película, están totalmente justificados y dentro de contexto. En las Grabaciones de las escenas se aprovechó al máximo la luz natural y las interprtetaciones se hicieron sin ensayos previos La historia muestra una saludable alegría por todos los aspectos de la vida, sobre todo en las escenas de la pareja recién casada, que se acepta en cuerpo y alma y hacen que el amor supere cualquier pudor. Esto se refleja en la escena en la que Erik no duda en tocar los excrementos de Olga para comprobar que no hay sangre en ellos. 65

“Te preocupa si me muero ¿Te preocupa? no te preocupa”

Paul Verhoeven

Paul Verhoeven (n. Ámsterdam, 18 de julio de 1938) es un famoso director de cine neerlandés, mayoritariamente conocido por sus cintas de ciencia ficción extremadamente violentas y los polémicos temas que trata en ellas. Se graduó por la Universidad de Leiden en Matemáticas y Física. Se unió a la armada neerlandesa y fue allí donde empezó a rodar y a hacer sus primeros documentales. Abandonó la armada y se metió en la televisión neerlandesa, donde desarrollaría estas nuevas habilidades que había adquirido rodando documentales para el ejército. Su primer gran éxito fue la serie de televisión Floris, en 1969, protagonizada por Rutger Hauer. Si hubiese que definir el estilo de Verhoeven (dejando de lado el hecho de haber utilizado la ciencia ficción como tema principal en sus películas más taquilleras), sería quizás la forma en la que es capaz de retratarnos una sociedad (del pasado, del presente o del futuro) polarizada en una clase alta, elitista, incluso snob, por un lado, y una clase baja, humilde y enfrentada al problema de sobrevivir al día a día, por otro, y lograr situar una al lado de otra, equilibrarlas, a través de una orgía de sangre y del lema: La muerte nos hace a todos iguales. 67

2001 68

Lucia y el Sexo TÍTULO ORIGINAL AÑO DURACIÓN PAÍS DIRECTOR GUIÓN MÚSICA

REPARTO

PRODUCTORA

Lucia y el Sexo 2001 129 min. España Julio Medem Julio Medem Alberto Iglesias

Paz Vega, Tristán Ulloa, Najwa Nimri, Daniel Freire, Javier Cámara, Silvia Llanos, Elena Anaya, Diana Suárez, Juan Fernández, Arsenio León, Javier Coromina Sogecine

PREMIOS

2001: 2 Premios Goya. Mejor actriz Revelacion y Musica.

GÉNERO

Drama, Romance, Erotico

SIPNOPSIS

Lucía es una joven que trabaja como camarera en el centro de Madrid. Tras la misteriosa desaparición de su novio Lorenzo, un escritor, decide marcharse a la tranquila isla de Formentera. La libertad que siente allí la lleva a enfrentarse a los aspectos más oscuros de su pasada relación, como si se tratara de una novela.

Crítica Extraordinario film que retrata una vez más el complejo universo interior de Julio Medem. De nuevo el genial cineasta vasco nos sumerge en un mundo y en una historia que se encuentran entre el sueño y la vigilia, la realidad y la ficción, la vida y la muerte. Destacan sus maestras pinceladas poéticas, que nunca llegan a hacerse pesadas. La película es bastante dinámica, y el guión es mágico y cautivador. Como Medem. Un joven escritor conoce a Lucía, una guapa admiradora, y ambos entablan una relación llena de pasión... Una historia de búsqueda y huida al mismo tiempo le sirve al siempre fascinante Julio Medem, cámara digital en mano, para realizar otro de sus personales trabajos, no exentos de la fuerza visual y la singular composición de personajes que han caracterizado sus anteriores películas. Además su alto contenido erótico ayudó a que funcionara bien en taquilla. Muy interesante.

Curiosidades En esta cinta Julio Medem quiso explorar las tres formas de sexo más usuales. La primera la del sexo en pareja (Lucia), la segunda la del sexo espontaneo con un desconocido (Elena) y el sexo salvaje y sucio (Belén). Fué rodada integramente con cámara digital, fué la primera cinta Europea en ser rodada 100% en este formato. La escena en la que Lucía y Lorenzo se hacen fotos con una cámara Polaroid se rodó con una sola toma y sin previo ensayo. Las fotos que aparecen en la película son las mismas que se hicieron libremente los actores. En la escena en la que Carlos (Daniel Freire) y Lucia (Paz Vega) están en la playa desnudos él viste un pene de 20 centímetros... pene que en realidad es una prótesis creada para el filme.

â&#x20AC;&#x153;Me voy a morir de tanto amorâ&#x20AC;?

Julio Medem

Julio Medem Lafont (n. San Sebastián, País Vasco; 21 de octubre de 1958) es un director, guionista y productor de cine español. A pesar de la aspiración por ser psiquiatra, desde pequeño ya fue un aficionado al cine, cuando con su hermana pequeña Ana jugaban a hacer películas con la cámara en súper-8 de la familia. Sus primeros cortometrajes fueron: El ciego (1974), El jueves pasado (1977) y Fideos (1979) y más tarde, realiza otros cortometrajes del mismo formato durante su carrera, Si yo fuera poeta… (1981), Teatro en Soria (1982). Tras largos meses en los que se encerró a escribir (y tras una sincera confesión pública en el diario El País) regresó en enero de 2009 con su octavo largometraje, el séptimo de ficción, ‘Room in Rome’, Habitación en Roma, su primer historia rodada íntegramente en inglés y con una sencilla producción. Por otro lado, su labor como productor con su productora Alicia Produce también es paralela ya que participará en el film Yo, también (2009) que fue elogiado en el Festival de San Sebastián y premiado Con la Concha de Plata a la Mejor Actriz (Lola Dueñas) y Mejor Actor (Pablo Pineda). En el año 2010 recibió el Premio Retrospectiva en homenaje a su trayectoria. 72

2003 73

Soñadores TÍTULO ORIGINAL AÑO DURACIÓN PAÍS DIRECTOR GUIÓN MÚSICA FOTOGRAFÍA REPARTO

The Dreamers 2003 120 min. Reino Unido Bernardo Bertolucci Gilbert Adair Varios Fabio Cianchetti Michael Pitt, Louis Garrel, Eva Green, Robin Renucci, Anna Chancellor, Florian Cadiou.

PRODUCTORA

Coproduccion GB-Francia-Italia; Recorded Picture

PREMIOS

2003: Premios David Di Donatello: Mejor Montaje

GÉNERO

Drama, Erotico

SIPNOPSIS

París, 1968. Isabelle (Eva Green) y su hermano Theo (Louis Garrel), solos en la ciudad mientras sus padres están de viaje, invitan a su apartamento a Matthew (Michael Pitt), un joven estudiante americano, al que han conocido en un cine. Una vez en casa, establecen unas reglas para conocerse mutuamente, explorando emociones y erotismo a través de una serie de juegos extremadamente arriesgados.

Crítica

Seduce con erotismo y resuena con ideas La mejor película del año, hermosa y conmovedora. La protagonista: una locura que atiende al nombre de Eva Green. Sentida evocación de Bertolucci. Es una película brillante y sugerente, con capacidad para implicar al receptor de cualquier época, parida con las entrañas pero también con una inteligencia perturbadora. Una película sobrecogedora, como pocas. Mejor para jóvenes si quiere uno identificarse desde el presente; excepcional para adultos si es para echar una mirada al pasado, pensada por quien ya ha sido las dos cosas. Los jóvenes, y hablo como tal, la experimentamos; nos engaña, nos invita a otra cosa, a una utopía de juego, sexo y amor despreocupado. Soñadores es una película sugerente, casi intacta, provocadora, insinuante, pero jamás vulgar

Curiosidades

La escena en que Pitt quema accidentalmente el cabello de la protagonista resultó ser real. En ese momento, ésta se ganó el respeto de sus compañeros por su profesionalidad y capacidad de improvisación. El propio Michael Pitt canta la versión del “Hey JOE” de J. Hendrix que suena durante la película. La película ha tenido que cortar una escena de sexo explícito donde se ven unos gentales masculinos para poder ser estrenada en USA. El autor de la novela en la que se basa la película, Gilbert Adair, no quería que su obra fuera llevada a la pantalla grande, pero cuando le llamo Bertolucci no pudo resistirse. Sobre el escritorio del hotel dónde se hospeda Matthew, vemos que uno de los objetos que hay sobre él es una foto promocional de la película Persona, de Ingmar Bergman. 75

“Oía latir a mi corazón, no sabía si era porque me había seguido la policía, o porque ya estaba enamorado de mis nuevos amigos”

Bernardo Bertolucci

Bernardo Bertolucci (nacido en Parma, Italia, 16 de marzo de 1941) es un director de cine italiano. Su película El último emperador (The Last Emperor) ganó nueve premios Óscar en 1988. También dirigió Novecento y El último tango en París. Su padre, Attilio, era poeta. Bernardo estudió en la Universidad de Roma, donde se ganó una cierta fama como poeta. Se inició en el mundo del cine realizando cortometrajes en 16 mm con su hermano Giuseppe. Un año después se estrenaba como director con La commare secca. La mayoría de sus películas transcurren en escenarios aparentemente intrascendentes para el espectador occidental estándar, con la importante excepción de un grupo de películas ambientadas en lugares más exóticos como en El último emperador, The Sheltering Sky y Pequeño Buda (Little Buddha).Pero es destacable el hecho que la contextualización de la acción en escenarios europeos rehúye el recurso a los tópicos. El lugar de la acción parece, pues, un tanto accesorio a su devenir, insistiendo en las importantes excepciones antes mencionadas. Podríamos decir que las narraciones de Bertolucci parten de la cotidianidad para descubrir el surgimiento de la historia. 77

2008 78

No mires para Abajo TÍTULO ORIGINAL AÑO DURACIÓN PAÍS DIRECTOR

No mires para Abajo 2008 87 min. Argentina Eliseo Subiela

GUIÓN Eliseo Subiela MÚSICA FOTOGRAFÍA REPARTO

PRODUCTORA PREMIOS

GÉNERO SIPNOPSIS

Pedro Aznar Sol Lopatín JLeandro Stivelman, Antonella Costa, Octavio Borro, Marzencka Novak, Lía Guerrero, Mónica Galán, Hugo Arana

Pensa & Rocca Producciones

2001: Sundance: Premio del público y Mejor Director. 2001: Globos de Oro: Nominada Mejor Actor comedia o músical (John Cameron Mitchell) Erotico Eloy es un adolescente de diecinueve años que trabaja junto a sus padres. Su trabajo consiste en repartir lápidas y figuras ornamentales en las sepulturas que atiende el negocio familiar en el cementerio de la ciudad. Al morir su padre, Eloy ve acelerar el tiempo que lo llevará a madurar en un mundo hostil y ajeno. En el camino conoce a Beatriz, una joven andaluza, que mediante el aprendizaje de ciertas prácticas sexuales le permitirá acceder a zonas desconocidas de su espíritu y de la realidad. 79

Crítica

No mires para abajo bebe directamente de las fuentes del realismo mágico, aunque con un leve toque europeo. Puede definirse como la historia de amor entre un muchacho que anda en zancos y la nieta de una bruja. O también como la narración de cómo una aventura de verano acaba convirtiéndose en un manual de sexo tántrico. Y es que esta película es una mezcla adorable de sensualidad y fantasía. Sensualidad y melancolía enriquecen No mires para abajo a partes iguales, entremezclándose de una manera asombrosa que hará que la historia cale hondo y deje nos deje con un buen sabor de boca. Se trata de una historia cautivadora y absorbente, en la que hay poca acción y mucho sentimiento, y que se conforma como una pequeña fábula cargada de casualidades, pequeños momentos mágicos y ternura, mucha ternura. Es un relato de iniciación adolescente de gran belleza, en la que Subiela destaca la belleza de los cuerpos de los dos protagonistas.

Curiosidades

El director tanteó a dos conocidas actrices españolas para el papel protagonista, pero ante el tener que pasar el 80% del rodaje desnudas las dos declinaron la oferta. El director afirma que con la pelicula “aprenderemos” como se hace el amor de manera tántrica. Eloy (Leandro Stivelman) y Elvira (Antonella Costa) se conocen por azares del destino (por cierto que la manera de conocerse es de las más originales que he visto en mi vida). Pertenecen a dos mundos diferentes, ella es del mundo de Eros (amor/creación), Eloy del mundo de Tánatos (muerte/destrucción). Eros y Tánatos se unen en un punto: El orgasmo. Que es un momento de máxima creación donde sin embargo uno desaparece, muere unos segundos, vuela hacia otros lugares. Los protagonistas fueron los encargados de escoger los nombres de Marlon y Adoratriz. 80

“Que Curioso la muerte olía a flores, la vida olía a mierda”

Eliseo Subiela

Eliseo Subiela (n. Buenos Aires, Argentina; 27 de diciembre de 1944) es un director de cine argentino. Su llegada al cine se produce en el film “la conquista del paraiso” (1980). Es un prestigioso director de cine argentino reconocido por películas tales como “El lado oscuro del corazón”, “No te mueras sin decirme a dónde vas” y “Hombre mirando al Sudeste”, entre otras. Comenzó a filmar a los 17 años, cuando realizó su primer cortometraje titulado “Un largo silencio” (1963). Fue nombrado “Chevalier dans l´ordre des Arts et des Lettres de la Republique Française” (1990) y Miembro Honorario de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de España (1995). En 2005 obtuvo la Beca de la Guggenheim Foundation. Es una de los grandes exponentes de cine argentino. Eliseo Subiela es un director que ha innovado al cine nacional y lo logra a través de la creación de mundos mágicos, leyendas, sin descuidar sus interrogantes filosóficos y minucioso cuidado del perfil psicológico de sus personajes a lo que le sumamos temas que son del orden universal como es el caso del amor, la locura, la muerte y lo espiritual. 82

Qué

desperdicio haberte pasado tanto tiempo con una persona

No veo nada que no me guste de ti

No me

para

gf descubrir que es una extraña

cuentas nada, Joel. Yo soy un libro abierto...

Revolver...

El azar es muy difícil de lograr

Hablar sin cesar no significa comunicarse

Lo siento, es solo que mi no es muy interesante.

vida

¿Qué te he hecho

¡Anarquía al celofán!

La felicidad no siempre es la mejor forma de ser feliz

Porque todas las demás me aburren, porque tu eres diferente.

yo? ¿Qué quieres que haga yo?

Carol ¿sabías qué el

sol se va a morir?

¿Cómo hago para que todos estén bien?

¿Puedo ser tu

color favorito?

No puedes golpear a alguien herido.

Fantasía Quiero

leer los diarios en los que siempre garabateas

Ayer pasé la mejor puta

noche de toda mi puta vida.

Vuelve y al menos inventa una despedida, finjamos que la tuvimos.

Se llama aletoriedad paralela sincronizad Esta chica es todas las

No confías en mi.

mujeres que me rompieron el corazón

soy narcotraficante porque ella me quiere dejar

tal vez tocarme el pelo

arena esta

Clem...

En los sueños las 83

Somos muertos cenantes

emociones resultan abrumadoras.

sobrevalorada, solo son

La fantas铆a, aislada de la raz贸n, s贸lo produce monstruos imposibles. Unida a ella, en cambio, es la madre del arte y fuente de sus deseos. Francisco de Goya (1746-1828)

2001 85

Hedwig And the Angry Inch TÍTULO ORIGINAL AÑO DURACIÓN PAÍS DIRECTOR GUIÓN MÚSICA FOTOGRAFÍA REPARTO

PRODUCTORA PREMIOS

GÉNERO SIPNOPSIS

Hedwig and the Angry Inch 2001 94 min. Estados Unidos Jhon Cameron Mitchel Jhon Cameron Mitchell Stephen Trask Frank G, de Marco John Cameron Mitchell, Michael Pitt, Miriam Shor, Alberta Watson, Stephen Trask, Theodore Liscinski, Rob Campbell, Michael Aronov, Andrea Martin, Maurice Dean Wint. New Line Cinema/ Killer Films

2001: Sundance: Premio del público y Mejor Director. 2001: Globos de Oro: Nominada Mejor Actor comedia o músical (John Cameron Mitchell) Musical, Drama. Nacido varón, Hedwig se sometió a una operación de cambio de sexo que le permitió casarse con un soldado americano Sin embargo, la operación salió mal y Hedwig se quedó con esa “pulgada irritada” (“angry inch”) que da nombre a la película. Hedwig decidió formar un grupo de rock, lo que le permitió conocer a Tommy Gnosis, un joven que fue su amante y protegido antes de abandonarla, robarle sus canciones y triunfar como estrella del rock. Acompañada de su grupo paneslavo, “The Angry Inch”, Hedwig sigue a Tommy en su gira, tocando en restaurantes medio vacíos. 86

Crítica He aquí uno de los mejores y más sorprendentes musicales de los últimos años. Hedwig es un transexual, nacido en Berlín oriental, marcado por frustradas relaciones con la gente que siempre ha tenido a su alrededor. Obsesionado por ese pasado y por un presente poco glamouroso, Hedwig pasea su divismo y su rabia, al frente de su banda de música, por cutres locales de los Estados Unidos. La adaptación de la obra de teatro musical de Broadway -del propio Cameron Mitchell-, supuso la película indie revelación del año 2001, triunfando en los festivales de Sundance, Deauville y San Francisco, Bajo el impactante y genial maquillaje de su potente banda sonora, “Hedwig” esconde uno de los gritos más desgarradores sobre la aceptación de uno mismo que ha visto el cine moderno. ¿El mejor musical de la historia? En mi opinión sí: es original, vibrante, apasionante... sencillamente inolvidable. Una obra de arte, una explosión del mejor rock y una estética trepidante.

Curiosidades Hedwig and the Angry Inch es un musical de 1998, que fue convertido en película en el año 2001 John Cameron Mitchell escribió el guion de la obra y fue también el director y actor principal de la película. Para parecerse a una persona transgénero, Mitchell tuvo que afeitarse constantemente durante el transcurso del rodaje de la película, a menudo usando una maquinilla de afeitar eléctrica y maquillandose constantemente. En una entrevista Pitt señaló que estaba un poco incómodo con la escena del beso prolongado entre el y Mitchel quejándose de que se podia lastimar con la barba afeitada de este. Mitchell se quejó en la entrevista de la cebolla y el ajo que pitt habia consumido en venganza antes de realizar la escena del beso 87

“Pero Quizá en el cielo no haya mas que aire y no hay ningún Diseño Mistico, Ningun amante cósmico asignado”

John Cameron Mitchell

John Cameron Mitchell (21 de abril de 1963). es un Escritor, actor y director de cine estadounidense. En 1998, Mitchell escribió y protagonizó Hedwig and the Angry Inch, un musical sobre Hedwig, un músico de rock transgénero que persigue a uno de sus ex amantes, quien ha plagiado sus canciones. Tres años después dirigió la versión fílmica de la obra. Tanto la obra como el filme fueron éxitos entre los críticos y han sembrado seguidores de culto. Mitchell también ha aparecido como Dickon en el musical de Broadway, El Jardín Secreto y también en el aclamado musical off-Broadway, Hello Again, el cual le valió una nominación del Drama Desk en 1994. Se le puede escuchar en las grabaciones del elenco original de ambos espectáculos. En el año 2005, dirigió el video musical de la canción “First Day of My Life” del grupo Bright Eyes y el de la canción “Filthy/Gorgeous” del grupo Scissor Sisters, el cual fue vetado del canal MTV debido a su explícito contenido sexual. Mitchell, quien es abiertamente gay, ha aparecido como panelista en el programa Politically Incorrect del canal norteamericano Comedy Central y en otros programas del canal VH1. 89

2004 90

Olvidate de mi TÍTULO ORIGINAL Eternal Sunshine of the SpotlessMind AÑO DURACIÓN PAÍS

2004 108 min. Estados Unidos

DIRECTOR Michel Gondry GUIÓN

Charlie Kaufman

MÚSICA

Jon Brion

FOTOGRAFÍA Ellen Kuras REPARTO

PRODUCTORA

Jim Carrey, Kate Winslet, Kirsten Dunst, Mark Ruffalo, Thomas Jay Ryan, Gerry Robert Byrne, Jane Adams, David Cross, Ryan Whitney. Focus Features

PREMIOS

2004: Oscar: Mejor Guión Original. 2 nomimaciones

GÉNERO

Fantastico, Comedia, Drama.

SIPNOPSIS

Joel (Jim Carrey) se queda aturdido cuando se entera de que su novia Clementine (Kate Winslet) ha olvidado por completo su tumultuosa relación. Se pone entonces en contacto con el responsable del experimento, el doctor Howard Mierzwiak (Tom Wilkinson), para que también elimine de su memoria cualquier recuerdo de Clementine. Lo curioso es que, aunque los recuerdos desaparecen, en Joel renace la pasión por Clementine.

Crítica

Hermosa historia de amor, humor y, sobre todo, desamor. Un verdadero logro. Es simplemente asombrosa. Olvídate es una obra compleja, cerebral, intelectual. Casi hasta podría decirse que encierra una tesis filosófica detrás de su argumento, como si Gondry quisiera expresar una idea mediante personajes que bucean en el subconsciente. Simplemente genial. Es la única forma de describir esta historia de amor “real”. Una de las pocas películas de amor que no tratan al espectador como tonto, que le implican en la trama, le hacen razonar y pensar, y le sumergen en un puzzle que al final queda felizmente resuelto. Es la obra de arte más marvillosa que se hizo en su año sin duda alguna. Genial, maravillosa, mágica...

Curiosidades

Curiosamente se vendió como una película cómica, pero no lo es, y Jim Carrey hace la mejor interpretación de su carrera Todas las escenas de tren fueron rodadas en un tren real en movimiento. El título de la película en la versión original “Eternal sunshine of the spotless mind” proviene de un poema de Alexander Pope (1688-1744) que se utilizó en “Cómo ser John Malkovich”. Además, Alexander Pope es el poeta predilecto de uno de los protagonistas. Jim Carrey sustituyó a Nicolas Cage. En una escena Kate Winslet luce un anillo de oro colgando del cuello, quizás como guiño al papel más importante hasta la fecha de Elijah Wood, (Frodo en ESDLA) quien en este film interpreta a un chico enamorado de ella. 92

“Qué desperdicio haberte pasado tanto tiempo con una persona para descubrir que es una extraña”

2006 94

La Ciencia del Sueño TÍTULO ORIGINAL La science des rêves - The Science of Sleep AÑO DURACIÓN PAÍS

2006 105 min. Francia-Italia

DIRECTOR Michel Gondry GUIÓN MÚSICA

Michel Gondry Jean-Michelle Bernard

FOTOGRAFÍA Jean Louis Bompoint REPARTO

PRODUCTORA

Gael García Bernal, Charlotte Gainsbourg, Alain Chabat, Emma De Caunes, Miou-Miou, Sacha Bourdolo, Aurelia Petit, Pierre Vaneck. Coproduccion GB-Francia-Italia

PREMIOS 2006: Festival de cine fantastico de Sitges: Publico GÉNERO SIPNOPSIS

Comedia, Drama Stephane (García Bernal), un joven diseñador mexicano tímido e introvertido, es hasta tal punto cautivo de sus propios sueños que a duras penas controla su imaginación, que amenaza con imponerse al mundo real. Su madre, que es francesa, le ofrece un trabajo y lo convence para que vuelva a París. Su decepción es grande cuando comprueba que se trata de un trabajo rutinario en una pequeña oficina que comparte con tres singulares compañeros, en especial el excéntrico Guy (Alain Chabat). Sin embargo, la decepción desaparece cuando conoce a su vecina Stephanie. 95

Crítica

Deslumbrante, una película que funciona como perfecto elogio de la inmadurez. Melancólica, poética, divertidísima, La ciencia del sueño confirma a Gondry como bisnieto genial de Georges Méliès. Realidad y fantasía se mezclan en esta compleja mezcla de comedia y drama que gira en torno a Stephane Miroux, un joven introvertido que posee una poderosa imaginación, gran capacidad creativa y que vierte todas sus emociones y sus inseguridades para regalarnos un peculiar espectáculo en el que el caleidoscopio de los sueños y de la fantasía dominan la pantalla. Sin duda una de las 10 mejores películas de lo que va de siglo XXI; motivos no le falta... estética visual perfecta, imaginación, narración maravillosa, enigmática, divertida, triste, extravagante, distinta, Gael García Bernal. Extraño film, lleno de imagenes oníricas, con el que debes dejarte arrastrar a un mundo cercano a la locura.

Curiosidades

El rodaje con los actores duró siete semanas y las secuencias de animación de los sueños se realizaron durante un par de meses en Villemagne, dónde el director tiene una casa. Se rodó en el piso de Paris donde Gondry vivía con su hijo y su mujer. De hecho, en el momento del rodaje estos dos últimos vivían dos pisos más arriba. Según confiesa Michael Gondry el personaje de Stephane es una especie de alter-ego suyo. El jersey blanco que Charlotte Gainsbourg lleva en la fiesta de la exposición de Stéphane pertenece a su madre, Jane Birkin. Rhys Ifans iba a interpretar el papel principal, incluso trabajó con Michel Gondry en los primeros borradores y también dio nombre a la película. Por ello, está incluido en los agradecimientos de los créditos finales. 96

“El cerebro es la cosa más compleja, y está justo detrás de la nariz”

Michael Gondry

Michel Gondry (n. Versalles; 8 de mayo de 1963) es un director de cine, anuncios y vídeos musicales francés, destacado por su innovador estilo visual y su manipulación de la puesta en escena. Su carrera como realizador comenzó con la dirección de vídeos musicales para la banda de rock francesa Oui Oui, de la cual era también batería. El estilo de sus vídeos llamó la atención de la cantante Björk, quien le pidió dirigir el vídeo para su canción Human Behavior. Esta colaboración se extendería bastante tiempo, dirigiendo un total de siete vídeos musicales para Björk. Gondry suele ser citado, junto con los directores Spike Jonze y David Fincher, como representante de la influencia de los directores de vídeo musicales en la cinematografía mundial. Eternal Sunshine of the Spotless Mind fue estrenada en el año 2004 y recibió numerosas críticas entusiastas. Eternal Sunshine of the Spotless Mind utiliza muchas de las técnicas de montado de escenarios, uso de perspectiva y escasos efectos por computadora, sumado a largas tomas y un tratamiento pictórico de la imagen, herramientas con las que Gondry ha experimentado en sus vídeos musicales. 98

2009 99

Donde viven los Monstruos TÍTULO ORIGINAL AÑO DURACIÓN PAÍS

Where the Wild Things Are 2009 101 min. Estados Unidos

DIRECTOR

Spike Jonze

GUIÓN

Spike Jonze

MÚSICA Dave Eggers (Libro: Maurice Sendak) FOTOGRAFÍA REPARTO

PRODUCTORA

Lance Acord Max Records, Catherine Keener, Pepita Emmerichs, Mark Ruffalo, Max Pfeifer, Madelenine Greaves, Jochua Jay, Ryan Corr, Steve Mouzakis Warner Bros. Pictures / Legendary

PREMIOS

2009: Nominada al globo de Oro; Mejor Banda Sonora

GÉNERO

Fantastico

SIPNOPSIS

Adaptación de un cuento para niños de Maurice Sendak. Cuando Max, un niño desobediente, es enviado a la cama sin cenar, se zambulle en un mundo imaginario creado por él y que está poblado por feroces criaturas que le obedecen ciegamente.

100

Crítica

Donde viven los monstruos es alternativamente perfecta e imperfecta, pero en todo momento es una preciosa adaptación del libro infantil de Maurice Sendak. Un equilibrio perfectamente inestable entre lo racional y lo onírico, entre la mirada del adulto y las reacciones primarias, espontáneas y caprichosas de la mente infantil, lo que llena la pantalla de gozosos momentos. El señor Spike Jonze no defraudó. Además ha demostrado que se pueden hacer este tipo de películas de una forma más introspectiva y auténtica. Si hubiera caído en manos de otros seguramente estaríamos hablando de la tipica película para niños, pero Spike Jonze ha sabido mantener muy bien la autenticidad de la historia. La música de Karen O, un sueño. Los planos en los que van por el desierto, o cuando el monstruo coge al niño en brazos, magia. Y es que Donde viven los monstruos es una película que te teletransporta.

Curiosidades

La película tiene poco que ver con el libro la única escena que tiene en común es al principio de la película cuando Max persigue a su perro con un tenedor. Las criaturas son interpretadas por actores disfrazados que miden entre dos metros y dos metros y medio, aunque también hay algunos animatronics. Algunos de los trucos que uso Spike Jonze para buscar las emociones de Max Records fueron asustarle con lanzallamas o contratar un grupo de comediantes para hacerlo reír. La construcción de los monstruos llevó hasta 8 meses de trabajo. Muchas cámaras siguieron a los actores para grabar sus expresiones y sentimientos. Luego las imágenes se añadieron digitalmente en los rostros de los títeres. 101

Uno de los vampiros mordi贸 al edificio m谩s alto, y se le rompieron los colmillos. Luego se le cayeron todos los dientes, y se ech贸 a llorar

102

Spike Jonze

Spike Jonze (n. 22 de octubre de 1969) es un director de vídeos musicales, así como productor y director de filmes estadounidense. Ocasionalmente actúa. Antes de dedicarse al cine, comenzó a trabajar como editor en distintas publicaciones. Entre ellas, fue cofundador y editor de la revista Dirt y editor del Grand Royal Magazine. Entre sus trabajos más reconocidos, dirigió los largometrajes “Cómo ser John Malkovich” (1999), “Adaptation. El ladrón de orquídeas” (2002), y “Donde viven los monstruos” (2009). Jonze es también un destacado director de videos musicales, habiendo recibido numerosos premios y reconocimientos de la señal MTV por su sobresaliente trabajo en este medio. Como productor y guionista, se cuentan entre sus créditos la serie de televisión de MTV, “Jackass”, y los largometraje “Jackass: La Película” (2002) y “Jackass 3D” (2010). 103

Momentos

Magicos

105

El arte es magia liberada de la mentira de ser verdad. Francisco de Goya (1746-1828)

106

El juego de miradas entre Jesse (Ethan Hawke) y Celine (Julie Delpy) mientras escuchan Come here de Kath Bloom en Antes del amanecer ( Before sunrise) de Richard Linklater. 107

Summer (Zooey Deschanel) y Tom (Joseph Gordon-Levitt) gritando “pene” cada vez mas fuerte en 500 días juntos (500 days of Summer) de Marc Webb.

Carl y Russel conocen a Dug, un perro que habla, en Up de Pete Docter. 108

El beso entre Sophie Kowalsky (Marion Cotillard) y Julien Javier (Guillaume Canet) en Quiéreme si te atreves (Jeux d’enfants) de Yann Samuell.

El acercamiento romántico de los zapatos de Christine (Miranda July) en Tú, yo y todos los demás de Miranda July.

William Shakespeare (Joseph Fiennes) se disfraza de ama de llaves despues de haber pasado la noche con Lady Viola (Gwyneth Paltrow) en Shakespeare enamorado (Shakespeare in love) de John Philip Madden 109

Acadia (Alicia Miles) le pregunta a John (John McFarland) por que esta llorando para luego besarlo en Elefante (Elephant) de Gus van sant. 110

El beso apasionado bajo la lluvia entre Allie Hamilton (Rachel McAdams) y Noah Calhoun (Ryan Gosling) en El

diario de Noah (Nootebook) de Nick Cassavetes.

Danny Zuko (John travolta) intenta no ser descubierto por los miembros de su pandila con sandy (Olivia Newton) en Brillantina (Grease) de Randal Kleiser.

Chris Nielson (Robin Williams) se encuentra con su perro en el cielo luego de haber muerto en Mas alla de los sue単os (What dreams may come) de Vincent War.

Beetlejuice (Michael Keaton) obliga a Lidya (winona Ryder) a casarse con el en Beetlejuice de Tim Burton. 111

Maestra

Obra 113

“Dios prefiere al hombre que elige hacer el mal, antes que al hombre que es obligado a hacer el bien” Frase del capellán de la cárcel

114

115

La Naranja Mecanica A Clockwork Orange (conocida como Naranja mecánica o La naranja mecánica) es una película británica de ciencia ficción satírica de 1971, producida, escrita y dirigida por Stanley Kubrick. Es una adaptación fílmica de la novela homónima de 1962, escrita por Anthony Burgess. La película, que fue filmada en Inglaterra, muestra al personaje Alex DeLarge (Malcolm McDowell), un delincuente psicópata y carismático, cuyos placeres son la música clásica (especialmente Beethoven), la violación y la «ultra-violencia». Lidera una banda de matones (Pete, George y Dim), a los que llama drugo, con los que comete una serie de violentas fechorías. Es capturado y se le intenta rehabilitar a través de una técnica de psicología conductista. Alex narra la mayor parte del filme en nadsat, una jerga adolescente ficticia que combina lengua eslava ,inglés y la jerga rimada cockney. En España e Hispanoamérica, algunos términos fueron adaptados al idioma. La película se caracteriza por contenidos violentos que facilitan una crítica social en psiquiatría, el pandillerismo juvenil, las teorías conductistas en psicología y otros tópicos ubicados en una sociedad futurista distópica. Su banda sonora está principalmente compuesta por pasajes de música clásica, varios de ellos reinterpretados y en ocasiones, como en el caso de los títulos de crédito, adaptados por la compositora Wendy Carlos utilizando el sintetizador Moog.

116

Producción Antes de comenzar el rodaje, mientras el actor Malcolm McDowell se colocaba las pestañas postizas que utilizaba su personaje, Kubrick se dio cuenta de que con sólo una pestaña era suficiente Antes de rodar la escena de la violación a la mujer del escritor, McDowell estaba preparándose en el set y comenzó a cantar Singin' in the rain. Kubrick lo escuchó y le dijo que la cantara mientras realizaba la escena, (Por regla general, el director no aceptaba jamás modificaciones en el guion). Otra versión menciona que fue Kubrick quien le pidio que tarareara alguna canción mientras se hacía la escena. En cuanto escuchó la canción, suspendió el rodaje y realizó llamadas para comprar los derechos de Singin' in the rain. Durante la escena del tratamiento, Malcolm McDowell se rayó una córnea y estuvo temporalmente ciego. El doctor que estaba a su lado en la escena colocando solución salina en los ojos forzadamente abiertos de Alex no sólo estaba allí por motivos argumentales, sino que era un doctor real que prevenía que los ojos de McDowell se secaran. McDowell también sufrió de costillas fracturadas durante la humillación en el escenario, y casi se ahoga mientras se rodaba la escena en la que se le sumerge bajo el agua. Cuando Alex salta por la ventana para tratar de terminar su tormento, el espectador ve el suelo viniendo hacia la cámara hasta que colisionan. Este efecto se consiguió tirando una cámara desde dos o tres pisos, con el objetivo apuntando hacia abajo para lograr una percepción realista de cómo podría ser tal caída.

117

Direccion El director Stanley Kubrick era un notorio perfeccionista, que exigía muchas tomas de cada plano[cita requerida]. Malcolm McDowell presume de ser una excepción y afirma que no le obligó a repetir demasiado. Kubrick quería darle a la película una calidad de sueño o fantasía y filmó muchas escenas con lentes especiales y en movimientos rápidos o lentos

Premios Premios oscar Mejor Película -Candidato Mejor Director-Stanley Kubrick Candidato Mejor Guion Adaptado-Stanley Kubrick Mejor Edición Bill Butler-Candidato

Candidato

Premios Globo de Oro Mejor película Drama-Candidato Mejor director Stanley Kubrick-Candidato Mejor actor Drama Malcolm McDowell- Candidato Premios BAFTA Mejor película -Candidata Mejor director Stanley Kubrick-Candidato Mejor guion adaptado Stanley Kubrick-Candidato Mejor música original Bill Rowe-Candidata Mejor fotografía John Alcott -Candidato Mejor montaje Bill Butler-Candidato

118

Diferencia pelicula y libro La vestimenta de la banda, negra en el original, con el protector del mismo color y un dibujo personalizado. La novela, además, muestra un uso mayor de la jerga nadsat (que habría supuesto un problema de inteligibilidad en la película) y emplea explícitamente la frase que da título a la obra dos veces. La edad de la chica que intenta violar Billyboy en el casino, en la novela es de 10 años y en la película es ya una adolescente. La edad de Alex en la novela es de 15 años mientras que en la película es de 18. Malcolm McDowell tenía 27 años cuando hizo la película. Pete, uno de sus drugos, tiene 17 años en el libro, mientras que el actor que lo interpreta, Michael Tarn, tenía 19 años. El gusto musical de Alex en la película es más reducido, limitándose a Ludwig Van Beethoven, mientras que en el libro también alaba a otros grandes compositores como Félix Mendelssohn, Mozart, Johann Sebastian Bach, etc. En el libro, Alex y su pandilla paga por las bebidas de un grupo de señoras, convenciéndolas de que les dieran una coartada para la policía y así cubrir un robo. Nada de esto aparece en la película, ésta escena fue rodada pero no se incluyó en el montaje final. En el libro, el escritor cuya esposa Alex viola se llama F. Alexander, llevando a una irónica comparación entre los dos Alexander. En la película al escritor se le menciona como Frank, y en los créditos como Sr. Alexander. En el libro, Alex lleva a su casa a dos niñas de 10 años (Marty y Sonietta) y las viola, después de conocerlas en una tienda de discos. En la película las chicas son mayores de edad y el encuentro sexual es consentido. En la película, «la señora de los gatos», a cuya casa Alex entra, posee un gran grado de arte sexual, incluyendo una escultura fálica de roca blanca con el cual Alex asesta (inadvertidamente) el golpe mortal a la señora. Ningún tipo de arte es mencionado en el libro en el cual Alex usa un busto de plata de Beethoven para dar el golpe. En la película, cuando Alex se defiende de la mujer con la escultura fálica, ésta lo ataca con el busto de Beethoven. En el libro el ayudante del doctor Brodsky, el doctor Branom, es un hombre mientras que en la película es una mujer. En el libro Dim siempre es llamado "el lerdo", sin dar su nombre En el libro Alex lleva pintada en la cara una araña , sin embargo en la película es una pestaña postiza. 119

Opinion Anthony Burges Burgess tuvo sentimientos encontrados respecto a la adaptación fílmica de su novela. Públicamente, amó a Malcolm McDowell y Michael Bates, y al uso de la música; catalogó la película de «brillante», aún como una película tan brillante que podría ser peligrosa. Su reacción original a la película fue entusiasta, insistiendo en que la única cosa que le molestaba era la omisión del último capítulo de la historia, por lo cual culpó al editor americano y no a Kubrick. De acuerdo a su autobiografía, Burgess se entendió muy bien con Kubrick. Ambos sostenían filosofías y opiniones políticas similares; ambos estaban muy interesados en la literatura, el cine, la música y Napoleón Bonaparte (Burgess le dedicó su libro Napoleon Symphony a Kubrick). Sin embargo, las cosas se pusieron mal cuando Kubrick le dejó a Burgess la defensa de la película frente a acusaciones de que magnificaba la violencia. Un devoto cristiano, Burgess trató varias veces de explicar el punto moralmente cristiano de la historia a enfurecidas organizaciones cristianas quienes sentían una influencia satánica en la película; Burgess incluso recibió premios por Kubrick. Burgess estaba sumamente herido, sintiendo que Kubrick lo había usado como una prenda publicitaria para la película. Malcolm McDowell, quien hizo un tour de publicidad con Burgess, compartía sus sentimientos y hubo veces en que dijo cosas hirientes a Kubrick. Burgess y McDowell citaron como evidencia del gran ego de Kubrick, que sólo el nombre de éste aparecía en los créditos de apertura de la película.

120

Crítica

"Tan hermosa de ver y de oir que deslumbra los sentidos y la mente. Una demostración de fortaleza que hace de Kubrick un verdadero genio del cine. Un trabajo con un estilo casi intachable. Polémica, extraña, agobiante, desagradable y magnética visión de la ultraviolencia a ritmo de Beethoven Encarnizada sátira de una sociedad futura consumida por la violencia y el salvajismo. Kubrick en estado puro, con sus defectos y sus virtudes.

121

Curiosidades Cuando Alex entra a la tienda de música y se para delante de un mostrador, podemos observar que, entre otros discos, allí se encuentra la banda sonora de "2001: una odisea del espacio", dirigida anteriormente por Stanley Kubrick en 1968. El título del disco de Arctic Monkeys "Suck it and see", lanzado oficialmente el 6 de junio del año 2011, procede de una escena de la película La naranja mecánica, en la que aparece esta frase pintada en una pared del edificio donde vive el protagonista Alex DeLarge. En la tienda de discos, Stanley Kubrick hace un cameo, algo poco habitual en él El 17 de diciembre de 1994 sale al aire el episodio "9F04 Treehouse of Horror III" (La casita del horror III) de la serie Los Simpson, donde Bart el hijo mayor, aparece disfrazado de Alex. En 2007, La agrupación musical Oi! se arma, lanza su videoclip clockwork oi!. Imitando escenas de la misma con los integrantes de la banda musical En 2008, la agrupación alemana de Metal Industrial Oomph!, lanzo su vídeo "Auf Kurs"; en este vídeo se hace una alusión al filme.

122

Bibliografia Daniel Nicolás & Pablo Kurt Verdú www.Filmaffinity.com 2002

123

Glosario Cinefilia: Pasi贸n por el cine. Sipnopsis: Sumario, esquema o Resumen. Utopico: Proyecto, idea o sistema irrealizable en el momentoen que se concibe o plantea.

125

Creditos de Imagenes Las imágenes a las cuales hace referencia este libro son en su mayoría capturas de todas las películas presentadas anteriormente. Los encargados de crear las escenas son los directores de Fotografía, quienes se encuentran especificados en las páginas referentes a los aspectos técnicos de cada producción citada en este libro.

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Cinefilia Sentir el cine dentro del alma es una de las verdaderas necesidades que el ser humano debería poseer desde que nace. Tener la posibilidad de soñar, reír y sentir que todo lo imposible puede convertirse en realidad es una razón más que justa para considerar al séptimo arte como uno de los mayores placeres terrenales. Disfrutar, temer, cantar, amar, gritar, llorar y odiar, pero ante todo viajar. Dejar que los fotogramas se apoderen de tu mente y convertirte en el protagonista de aquel film conocido como VIDA. Querido Lector reciba una cordial invitación para que sus sentidos transmitan a su cerebro el conjunto de placeres que yacen en lo más profundo de este libro. 16 Titulos,11 Momentos mágicos y aquella película Imposible de Olvidar. Una palabra:

Cinefilia…

“El cine no es un trozo de vida, sino un pedazo de pastel “ Alfred Hitchcock

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