Casting-Virtual Magazine, Número 4 - noviembre 2011 by Casting-Virtual Directorio de Artistas

Casting-Virtual.com

Año I - Nº 04

G e r a r d o E n r i q u e Briceño, actor David Nogal, fotógrafo

Waleska, actriz y cantante

EN PORTADA Mireia Agramunt, actriz y modelo

Ángel Romero Flores, actor Oscar Oliva, actor Mark Anthony, por Cristina Barcelona E U SP R C CÓ S EC O O R MO B IA TO Á L M HA SI ET C CO R ER A JE S

Ana Montaño, actriz y modelo

Ignacio Álvarez, coordinador de especialistas de cine

Festival Ícar o. Hacer Cine en G u a t e m a l a

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SUMARIO Página 7 - Editorial 8 - Staff 10 - Gerardo Enrique Briceño, actor y comunicador social 16 - David Nogal, fotógrafo 38 - Félix Granado, actor 48 - Ignacio Álvarez, coordinador de especialistas de cine 62 - Mireia Agramunt, modelo 78 - Oscar Oliva, actor 92 - Festival Ícaro. Hacer Cine en Guatemala 100 - Ana Montaño, actriz y modelo 124 - Waleska, actriz y cantante 140 - Curso básico: Cómo hacer cortometrajes 168 - Mark Anthony, Cristina Barcelona 176 - Ángel Romero Flores, actor 184 - La “Ciudad de la Sombra”, por Vicente Nondedeu

EDITORIAL Apenados por todo lo que está ocurriendo y va a ocurrir con los estudios cinematográficos Ciudad de la Luz en Alicante, seguimos aquí, en la brecha. “Ladran, luego cabalgamos”, como decía aquel buen hombre. Sobre la Ciudad de la Luz doy mi opinión en un artículo en la página 182 de este número. Sobre esta edición que viene calentita, un contenido excepcional, Gerardo Enrique Briceño, actor y comunicador social; David Nogal, fotógrafo; Félix Granado, actor; Ignacio Álvarez, coordinador de especialistas de cine; Mireia Agramunt, modelo; Oscar Oliva, actor; Un reportaje sobre el Festival Ícaro que amablemente nos cede Teresa Jiménez de “Hacer Cine en Guatemala”; Ana Montaño, actriz y modelo; Una entrevista a Waleska, actriz y cantante, realizada en los estudios de Radio Millenium de Alicante junto a nuestros compañeros Jonathan Maicon y Miguel Ángel Fonseca; Un excelente curso de iniciación sobre “Cómo hacer cortometrajes”; Un artículo sobre Mark Anthony de Cristina Barcelona; Ángel Romero Flores, actor; y mi susodicho artículo sobre La Ciudad de las Sombra, que ha sustituye por fuerza mayor de los acontecimientos a una colaboración de X. Tello. Sin más, y esperando que al menos no les disguste, el magazine. Vicente Nondedeu el culpable de todo esto

En este número Dirige y maqueta: Vicente Nondedeu (Casting-Virtual) Colaboran: Teresa Jiménez (Hacer Cine en Guatemala) - Redacción y entrevistas Cristina Barcelona - Redacción Fran Palacios - Entrevistas Miguel Ángel Fonseca (Radio Millenium de Alicante) Entrevistas Jonathan Maicon (Radio Millenium de Alicante) - Entrevistas Radio Millenium de Alicante - Grabación de Podcast Fotografías de Mireia Agramunt: Hori Kazumasa, Mika y Robin Thurel. Fotografías de David Nogal son propiedad de David Nogal. Fotografías del reportaje sobre el Festival Ícaro son de la organización del certamen, la fotografía del premio Ícaro es de Teresa Jiménez. Fotografías de Ana Montaño son de Morfivien Photography y de Thai Soriano. Fotografías de Waleska son propiedad de Waleska y Ángel Gascón. El curso de inciciación "Cómo hacer un cortometraje" es de difusión Creative Commons Las fotografías de La Ciudad de La Luz son de Vicente Nondedeu El contenido que aparece en esta revista ha sido aportado por los miembros de nuestra red social Casting-Virtual y se encuentra protegido por las leyes que protegen el derecho a la propiedad intelectual, y publicado en este magazine según los términos aceptados por los miembros registrados y que puedes ver en este enlace http://www.casting-virtual.com/page/normas-de-uso-terminos-y-1 En ningún caso Casting-Virtual es propietario de los derechos de autor sobre las fotografías o texto mostrado salvo que se indique lo contrario. Los derechos sobre la autoría del trabajo completo Casting-Virtual Magazine se encuentran recogidos y gestionados por Safe Creative.

Gerardo Enrique Briceño Mejias Actor, locutor y comunicador social Lugar y fecha de nacimiento la guaira, 7 de junio de 1986 Especialidad actor, locutor, comunicador social Formación académica -Comunicador Social egresado de la Universidad “Santa María” -Curso de actuación I nivel, II nivel y III nivel aprobados en la academia de actuación integral Renato Gutiérrez Studios Idiomas español 11

Experiencia Teatro -FRUTI SHOW, Fundación Fusión Creativa, dirección Marcos Jiménez, Teatro Escena 8, temporada 2010. -AL NATURAL, Fundación Fusión Creativa, dirección José “pepe” Domínguez, Teatrex, temporada 2009/2010 -CALÍGULA IMPERATOR ROMANUS, grupo teatral Die, dirección Javier De Vita, Teatro Escena 8, temporada 2008. -CLEOPATRA Y EL NIÑO FARAÓN, grupo de teatro infantil Colibrí, dirección José Manuel Ascensao, teatro Luisela Díaz, Caracas Theater Club, temporada 2007. -PLATERO EL BURRO ESTRELLA, grupo de teatro infantil Colibrí, dirección José Manuel Ascensao, teatro Luisela Díaz, Caracas Theater Club, temporada 2007. -Participación el en festival Crea Joven 2006, obra CALÍGULA, dirección Javier De Vita, Teatro Ana Julia Rojas, Ateneo de Caracas. -RAPUNZEL, LA BRUJA Y EL OGRO, grupo de teatro infantil Colibrí, dirección José Manuel Ascensao, teatro Luisela Díaz, Caracas Theater Club, temporada 2006. -LANCELOTE EN EL SIGLO XXI, grupo teatral Thalía, dirección José Manuel Ascensao, teatro Luisela Díaz, Caracas Theater Club, temporada 2006. -EL JOROBADO ENCANTADO, grupo de teatro infantil Colibrí, dirección José Manuel Ascensao, teatro Luisela Díaz, Caracas Theater Club, temporada 2006. -HÉRCULES EN EL OLIMPO, grupo de teatro infantil Colibrí, dirección José Manuel Ascensao, teatro Luisela Díaz, Caracas Theater Club, temporada 2005. -ALADINO Y SU LÁMPARA MARAVILLOSA, grupo de teatro infantil Colibrí, dirección José Manuel Ascensao, teatro Luisela Díaz, Caracas Theater Club, temporada 2005. 12

Televisión -Participación en unitario de RCTV, ARCHIVOS DEL MAS ALLÁ; “El entierro de las morocotas”. -Participación en cuatro dramatizaciones del programa de RCTV, DIGALO AQUÍ, productora Melos & Ríos -Unitarios, programa de VENEVISIÓN PLUS, NECESITO UNA AMIGA. 2008-2009, productora TURIAMO 14

Casos: “Me casan embarazada de otro” “Contrato con el vecino” “La pesadilla se hace realidad” “Ese hombre me confundió” “Mi hermano nos chantajea” “Es mentira que voy a la universidad” -Comercial CEDICE, versión “Libertad de elegir”, Agosto 2009. -Comercial MOVISTAR, productora Eprocast Publicidad, Junio 2010 Otros - Participación en el TOPMODEL VENEZUELA INTERNACIONAL 2010, Hotel Humboldt, 6 de noviembre de 2010. -Desfile de moda HE´S, MODELOS CON CAUSA, Centro de eventos del C.C City Maket, 24 de noviembre 2009. -Asistente de escena de las obras HÉRCULES EN EL OLIMPO y ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS, grupo de teatro infantil Colibrí, dirección José Manuel Ascensao. -Locutor de Turismo Estereo 105.5fm Edo. Vargas, programa ¨VARIEDADES EN TURISMO¨ de lunes a viernes de 2 a 4pm www.turismoestereo.com Perfil de Gerardo Enrique Briceño en Casting-Virtual http://www.casting-virtual.com/profile/gerardoenriquebricenomejias

David Nogal Fot贸grafo

â&#x20AC;&#x153;El artista debe disponer de mucho tiempo, tiempo libre, para no hacer nada, simplemente sentarse y dejar que las ideas sobrevengan.â&#x20AC;? Mark Rothko

Dice un dicho popular que “Ama el arte. De todas las mentiras es la menos falaz”. El arte es. El arte es inútil, pero el hombre es incapaz de prescindir de lo inútil. El arte es la forma más intensa de individualismo que el mundo ha conocido. Yo, artista. Sé que hago cosas que la gente no necesita tener pero, por alguna razón, pienso que sería una buena idea darles. Entonces, ¿por qué la gente piensa que lo artistas son especiales? Es sólo otro trabajo. Lo dijo Warhol. Creo que no veo las cosas como son en realidad; aunque, quizás, si lo hiciera, dejaría de ser artista. Claro que, no es necesario creer en lo que digo como artista, sino en lo que hago. A todos -y por supuesto me incluyo- nos resulta muy difícil decir lo que uno quiere decir, cuando lo que uno quiere decir es doloroso. La cosa más difícil del mundo es revelarse uno mismo, expresar lo que uno debe expresar... Como artista, siento que debemos intentar muchas cosas, pero sobre todo debemos atrevernos a fallar. Se que tengo que dejar que salga el artista juvenil que aun llevo dentro para que lo intente, se equivoque y vuelva a intentar. La confianza nunca proviene de tener todas las respuestas, sino de estar abierto a todas la preguntas. En la naturaleza toda pérdida tiene un significado. Lo mismo para nosotros. Bien usado, un fracaso puede ser el abono que nutra el éxito de la siguiente estación creativa. La maduración y la cosecha son procesos a largo plazo y no una receta rápida. Todo esto no es una cosa, sino un camino. 21

Con la edad, creo que se lo que hago, pero para que merezca la pena debo saltar esa barrera y hacer lo que no se (atención: no hay jubilación para un artista; el arte es una forma de vida y como tal no tiene fin). Ya se sabe que a la persona que se permite cometer errores, se la llama creativa... y a las que sabemos con que errores quedarnos, se nos llama artistas. Quizás sea cierto que no se puede ser artista si no se ha perdido algo: soledad o miseria o pasión. Doloroso y grande es el destino (aunque digan que el arte de la vida es el arte de evitar el dolor). Pero creo en este trabajo como una rebelión contra el destino. Sí, muchas veces somos criaturas impulsadas por demonios. Aún así, tenemos que enfrentarnos a lo desconocido con un talante positivo y meterle el diente sin miedo, a pesar de que sea un combate con las sombras perdido de antemano. Algo surge de la des-razón y tenemos el arte para no morir de la verdad, algo que va más allá de su tiempo y lleva parte del futuro.

Uno debe tener el valor de ser malo, estar dispuesto a arriesgar todo para realmente expresarlo todo, saber hasta donde podemos caminar demasiado lejos. Vivir es no estar seguro, no saber nada acerca del próximo momento. En el momento en que sabes comienzas a morir un poco. El artista nunca sabe por completo: adivina. Tal vez nos equivocamos, pero vamos dando salto tras salto en la oscuridad. Tenemos que hacer algo muy preciso en este mundo: clarificar las cosas. Enviar luz al corazón de la gente. Hacer que se revelen secretos que nosotros/los otros puedan percibir. Como ingenieros del alma humana tenemos la obligación de hacer soñar o no seremos artistas. Nuestra esfera de influencia es el mundo [estar siempre con aquellos que padecen la historia, no con los que la hacen]. Tenemos que motivarnos por algo y desarrollarlo (aunque tengamos que mostrar cosas que a otras personas les aterraría expresar) y es ahí cuando podemos expresar y hacer sentir algo a los demás. No debemos engañarnos a nosotros mismos. En el mar de autoengaños debemos aferrarnos a mínimas islas para no ahogarnos. Pero cuando digo esto, advierto, no creo que como opinan algunos que la consideración de un artista depende

de la intensidad de sus quejas (a las que luego se califican de denuncias) y que no son más que lamentaciones. Si alguien nos rasguña descubrirá en nosotros a un niño (bueno, un poco mezcla de niño, hombre y mujer) y, como los niños, vemos la vida tal como es. Muchas veces vemos lo que ya no existe o lo que todavía no ha existido en la realidad. Es como un juego, pero hay que jugar con la seriedad de un niño que juega. El arte es una aventura que nos lleva a un mundo desconocido, el corazón de la sangre... ¿por qué no hacer que la gente vea el mundo tal como lo vemos nosotros? Debemos tener algo que decir, porque nuestro deber no es dominar la forma sino adecuarla a un contenido. Hay ocasiones en las que la captación de la idea dominante se debilita y entonces nos movemos inconscientemente, hasta que el pensamiento se hace fuerte otra vez. El trabajo real de un artista consiste en construir una experiencia coherente con la percepción (gusto, diversión y alucinación), mientras nos movemos cambiando constantemente el desarrollo. Y esto no tiene nada que ver con el gusto. El arte no existe para que se le pruebe. La libertad es tan indispensable como el talento y la inteligencia [hay quien dice que el arte es una especie de innata unidad que se apodera de un ser humano y lo convierte en su instrumento y que el artista no es una persona

dotada de libre albedrío que busca su propio beneficio, sino un arte que permite hacer realidad su propósito a través de él]. En la experimentación está la base del trabajo. Hay que comunicar una experiencia intensamente individual a través de medios que pertenecen al mundo común y público (en mi caso la fotografía, el vídeo, la escritura...: Creo en la yuxtaposición de las artes). Y sucede obra tras obra, ¿Cómo no repetirse a uno mismo y morir estéticamente? Así, el pequeño descontento que siente cada artista cuando termina un trabajo es, a su vez, el germen del nuevo trabajo.

Claro que los medios audiovisuales no son algo verdadero. Son una ilusión de la realidad con la cual creamos nuestro propio mundo privado. Solo pueden representar el presente. Una vez fijada la imagen, todo se convierte en pasado, aunque también ayuden a las personas a ver. Se trata de una manera de mirar, no de la mirada misma. Y mis imágenes están relacionadas con la vida contemporánea, con el pulso de hoy en día. ¿Influencias? Vienen de todas partes, pero los disparos salen principalmente por instinto, de toda una vida de acumulación de influencias: la experiencia, los conocimientos, de ver y escuchar (el aprendizaje mas largo de todas las artes es aprender a ver). Hay poco tiempo para la reflexionar cuando tomas una imagen. En el ojo de mi mente, visualizo un detalle. La vista y la sensación aparecerán en una impresión. Si me excita, seguramente es una buena ocasión que dará como resultado una buena imagen. Es un sentido intuitivo, una capacidad que, quizás, viene de mucha práctica. [Los maestros dicen que, simplemente, una buena fotografía se obtiene sabiendo dónde pararse]. Todo radica en la realidad que se percibe. El desafío es ver las cosas como son (un retrato, una calle de ciudad, o una pelota). En una palabra, hay que tratar de ser objetivos. No me refiero a la objetividad de una máquina, sino a la de un ser humano sensible con su misterioso y personal criterio. El segundo reto es el de imponer el orden en

las cosas que vemos, para proporcionar el contexto visual y el marco intelectual. Aún así, el elemento más importante en una imagen no puede ser fácilmente definido. Una fotografía no es una pintura, un poema, una sinfonía, una danza. Es (o debe) ser un documento significativo, una declaración penetrante. En cualquier caso, estoy convencido de que cualquier intento fotográfico para mostrar al hombre completamente es una tontería. Sólo podemos mostrar, lo mejor que podamos, lo que el hombre revela exteriormente. El hombre interior rara vez se revela. 36

Me gusta formar parte del grupo de personas que hacemos nuestro trabajo por placer. Claro que muchos días pienso que si tuviera la capacidad de ser cualquier cosa menos lo que soy, lo sería. No es divertido ser un artista: es una tortura... Pero bueno, aún así, me parece que los artistas pensamos con las palabras (las ideas se las dejamos a los filósofos), lo nuestro consiste en hacer las leyes, no en seguir las leyes ya existentes. Pero tenemos que ser humildes: esencialmente solo somos un canal. La obra (aunque tenga que superar todos los inconvenientes psicológicos, anímicos, materiales, económicos, y tal vez de suerte) no puede ser mejor que nosotros mismos. Pero en fin, la palabra de un artista siempre debe ser tomada con cautela. Porque como se suele decir, el arte de vivir es el arte de aprender a creer en las mentiras [el arte es una mentira que nos permite decir la verdad] y el requisito definitivo para la grandeza de un artista, un perseguidor de la belleza, es su propia muerte. David Nogal

Perfil

David

Nogal

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FĂŠlix Granado Actor

Felix Granado Lugar y fecha de nacimiento Madrid 1961 Especialidad Actor Formación académica Datos académicos - Licenciado en DERECHO por la Universidad Complutense de Madrid(1989). - CURSOS: Foniatría, canto, verso, plástica, pantomima, lenguaje del gesto, lenguaje del cuerpo, doblaje, esgrima... Idiomas - IDIOMAS: Ingles, francés, italiano, facilidad acentos Experiencia TEATRO "La del manojo de rosas" - "El barbero de Sevilla" (2010)" - “Cacao Monumental" (2010)- "Mentiras, mentiras...” (2008) - “El Carnaval de los vicios” (“Chateau Margaux”) (2007) - “Scaramouche, El Musical”(2006) - “La venta del milagro” (2005) "

"Personajes sin vergüenza" (2004)- “Tu en tu casa y yo en la mía” (2004) - "El cianuro..¿Solo...o con leche?" (2003)"El Mago de Oz" (2001-2004) - "Poesía eres tu" (2000) - "La otra orilla" (1995-96) - "Un marido de ida y vuelta"(1994) "El visón volador" (1992-93) - "Pasarse de la raya" (199192) - "¿Que hago con mi mujer?" (1990-91) - "¿Donde están mis pantalones?" (1988-90) - "Búscame un tenor" (1987-88) - "El Duque de Viseu" (1983) - "La Josefina" (1982) - "Querella ante Dios Amor "(1981) CINE -LARGOS: “Armando o la Buena Vecindad” (2006) "Ausentes" (2004) - "Escuela de seducción" (2004) "Perdona bonita... pero Lucas me quería a mi" (1996) - "La ley de la frontera" (1995) - "Pon un hombre en tu vida" (1995) - "Belmonte" (1994) - "Fea" (1994) - "Venecias" (1990) -CORTOS:- “Chaplin” (1983), “Mal de humo”(1986), ”Jon Art” (2008) TELEVISIÓN - "El gordo" - "La huella del crimen" - “La Lola” - “El 42

Síndrome de Ulises” - “Hermanos y Detectives” - “MIR” “Cuéntame como pasó” - “Elegidos” - “Amar en tiempos revueltos” - “Mujeres” - "Ana y los 7" - "Hospital Central" - "Dime que me quieres" - “Club Disney” - "El Súper" - "El club de los listillos" - "Ay, Señor, Señor" "Periodistas" - "Tío Willy" - "Quítate tu pa ponerme yo" "Compañeros" - "Todos los hombres sois iguales" - "En plena forma" - “Una de dos” - "Encantada de la vida" "Blasco Ibáñez" - "La casa de los líos" - "Ala...Dina"

“Menudo es mi padre" - "Farmacia de guardia" - "Canguros" - "Los sueños del Sr Vivaldi" - "MujeresPinito del Oro” - "Ellas son así" "Teatro de Comedia” MAGAZINES:- "De Domingo a Domingo" (directo) - "Tutti Frutti" "Pero....¿Esto que es?” FELIX GRANADO trabaja también con asiduidad como Locutor de spots de televisión y cuñas de radio, como Creador de obras, espectáculos y animaciones a la carta (según las necesidades del cliente), como Cantante solista, como Imitador de mas de 100 voces y personajes, Maestro de ceremonias, P r e s e n t a d o r, E s c e n ó g r a f o , Guionista, Humorista, Showman, Doblador, Director de Teatro: Autor, director y actor -compañía ”SINGULINO MASCULAR": -“Ave Pollo” (2007) - “Buenas Posadas” (2005) - “El hombre del Futuro” (2004) - "La 3ª Edad de Heidi y Pedro" (2003) - "Doctor Sovago" (2003)- "El Tarzan Andalu" (2002) “Concurso de Tarzanes y Juanas” (2002) - "Los Hermanos Marx en Veronna" (2001) - “Una noche en Verona” (2001) - “Concurso de Gansos y Gansa” (2001) 45

“El dilema de Chatina” (2001)- “Concurso de Miss y Mister pura elegancia”-"Mongo" (1999) - "Chatina" (1995) - "La verdadera historia del Comandante Cousteau" (1994) Perfil de Félix Granado en Casting-Virtual http://www.casting-virtual.com/profile/FELIXGRANADO 46

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Ignacio Álvarez Coordinador de especialistas de acción

Miguel Ángel Fonseca, director de Radio Millenium de Alicante, Ignacio Álvarez y Fran Palacios

Vicente Nondedeu: Tenemos aquí esta noche a Ignacio Álvarez, coordinador de especialistas. Ignacio Álvarez: Buenas noches VN: Ignacio Álvarez, que con un amplio, amplísimo curriculum como coordinador de especilistas hemos dicho que eres, ¿o director de segunda unidad? ¿estamos hablando de lo mismo? Ignacio Álvarez: Si y no. Coordinador de especialistas, cuando las acciones son muchas en una película se suelen convertir en directores de segunda unidad, muchas veces VN: Con películas por ejemplo en las que has participado como “Biutiful”, “Rec”, “800 balas”, “La comunidad”, “Los Dalton”, 50

“Elena de Toya”… se me olvidarán muchas… “Frágiles”, “Didi Hollywood”… IA: “La caja Kovac”… Son muchas… VN: Y a la que a mi, bueno, personalmente, la de “Celda 211”, por los efectos que tiene, porque ahí no solamente tienes que tener conocimientos de especialista si no de despliegue policial, y ahí tienes que tener una serie de conocimientos increíbles. IA: Si. Yo cada vez que hago una película, la de “Celda 211” me gustó mucho porque el director que es amiguete me dejaba trabajar ¿no? Normalmente siempre están preocupados por los especialistas, pero ya me conocía –hice creo que fue “La casa Kovac” con él- y bueno, me dejó trabajar, entonces yo me pongo en contacto con los GEOS y con las fuerzas especiales y

Ignacio Álvarez, coordinador de especialistas de cine

tengo un asesor que me dice cómo funcionan los policías, y me asesoró lo más posible para ser lo más real posible. VN: España que se ha caracterizado siempre tener los mejores especialistas del mundo. IA: Bueno, España en mil novecientos cincuenta y algo, hubo una determinada época en que llegó aquí un señor con los Estudios Broxton y empezó a entrenar especialistas. Entonces Entonces eran pues gente del ejército, gente de campo y se creó un grupo de especialistas muy fuerte que todavía está trabajando muchísimo. La cabeza de estos especialistas ahora mismo se llama Ricardo Cruz, es un gran señor y su cuñado Paco Ardura que lleva todos los caballos y todos los atrezzos de época de películas grandísimas. Y bueno, pues desde entonces ha habido una tradición muy grande. Lo que pasa es que ahora los tiempos están cambiando, ahora estamos hablando de muchos tecnicismos. Las cámaras Panavisión antiguas, las Mitchell cambiaron y ahora son cámaras digitales. Ahora existe mucho chroma, mucho sistema de movimiento por capas… es mucho más técnico el cine. Y los especialistas ya no son solo caballos, ahora hacen falta acróbatas, hace falta gente que haga cosas que antes no existían. VN: Se sofistica la profesión de los especialistas al miso tiempo que el ordenador ha quitado ciertos trabajos. IA: Muchísimo. Lo que si es cierto es que cuando te tienes que tirar de un edificio hay que tirarse, y cuando te tiene que atropellar un coche hay que atropellarse, y hay mucha gente que ha salido del rescoldo de los especialistas “somos 52

especialitas, somos especialistas”, pero claro, cuando llegan las escenas de verdad quedamos cuatro, los de siempre. VN: Cuando yo te decía por ejemplo que el ordenador te quita trabajo es porque por ejemplo algunas escenas de fuego si que se hacen con el ordenador, cuando antes te tenías que meter en el fuego de verdad. IA: Si. Pero de todas formas siempre digo lo mismo, tu puedes coger a una persona, quemarle –entendiendo cómo se hace: no quemándole (poniendo tus trajes ignífugos, tu forma de grabarlo)- y ya lo tienes hecho. Le has pagado un poquito a este señor pero te ahorras tres días de ordenador en una sala, con dos técnicos haciendo capas, poniendo fuego… que sale en realidad casi tan caro o más que hacerlo de verdad. VN: Mucho tiempo también en Estados Unidos trabajando. IA: Veinte años. VN: Veinte años en la cuna del cine, en Hollywood. IA: Si. Cuando llegué a Estados Unidos llegué con una película “Solarbabies”, bueno, llegué porque se les rompió una cinta de sonido y tenía que hacer el tracking de sonido con patines en unas pistas americanas que yo flipaba con la gente que había, haciendo mortales en las piscinas… me daba vergüenza estar allí (risas), pero bueno, me conocía los movimientos de los patinadores y las escenas, nos ponían una pantalla en una piscina y nosotros patinábamos como si estuviésemos patinando en localización, y bueno, me encantó. Me encantó la forma de trabajo americana, el 53

sistema de trabajo. Es como nos pagaban y como nos trataban, entonces pues me quedé. VN: Y después de veinte años en Estados Unidos te vuelves a España. ¿Ves diferencias en la forma de trabajar los especialistas allí en Estados Unidos y aquí en España? IA: Si. Si, bueno. Allí en los Estados Unidos todo está hecho. Cada vez que hay algún pequeño problema se lleva a juicio y ese juicio se gana o se pierde y se implementa en un libro que es el de las reglas de los actores o el las reglas de los directores. Entonces todo está reglamentado. Parece que es un coñazo pero en realidad no. Es bastante fácil trabajar así. Y cuando llegué aquí a España me dí cuenta que aquí seguíamos trabajando a dedo “tu trabajas, tu no. ¿Por qué? Pues porque a mi me sale de…” (risas), y ya está. Entonces a mi eso me… VN: Eso pasa en todas las profesiones y en todas las especialidades. Fran Palacios: De España. IA: De España. VN: Si, de España, estamos hablando del caso español. Ya lo decía no sé quién ¿no? que “Spain is diferent”. IA: “Spain is diferent” VN: Bueno, tienes una página web que se puede visitar www.stunts.es IA: Si, www.stunts.es . Stunds es especialista en inglés, es golpe. En realidad se llama especialista en inglés stuntmen. VN: Te dedicas también a la formación de especialistas aquí en Alicante.

IA: Si, llevo aquí tres años en los estudios de Ciudad de La Luz. Me vine para acá por, se iban a abrir los estudios y lo que he hecho es crear cantera dentro de la zona. De traerme gente de fuera pues prefiero crear gente aquí, ¿no? Y una de las cosas que estoy haciendo es, no quiero una escuela de niños que entren y se empiecen a entrenar y… A ver, si a mi me piden un piloto de rally, por mucho que enseñe yo a un señor de la calle de rally, no va a aprender. Pero si me cojo un señor que es campeón de rally y le enseño cómo trabajar en cine no puede fallar. Y es lo que estoy haciendo. Estoy buscando continuamente profesionales de

todos los sectores de riesgo. VN: De riesgo y no solamente de riesgo. Es decir, el cine también requiere profesionales como por ejemplo carpinteros, eléctricos, cerrajeros… IA: Eso es otra movida más grande en la que me estoy metiendo, porque al venir aquí a Alicante, meterme en los estudios, grandes, magníficos estudios de Ciudad de La Luz que para mi no son estudios, son simplemente platós, porque estudios deberían de ser con todo lo que acarrea un estudio. Cuando llegas a trabajar a un estudio tienes eléctricos, carpinteros… pero no son de fuera, son de los estudios. En este caso los estudios son digamos del gobierno y la compañía gestora lo único que puede hacer es alquilar los espacios. Entonces no hay lo que hay que tener. Lo que estábamos hablando ahora mismo de carpinteros, eléctricos, empapeladores, los que ponen las moquetas en el suelo… todos los técnicos posibles que hacen falta para cine, lo que estamos creando ahora mismo es una base de datos de toda la gente que hay y de esa gente que hay elegir a los mejores. Y de los mejores, pues cada vez que vengan películas poder entrenar a esta gente para que trabajen fijo. VN: Entonces cuando ahora mismo llega una productora y quiere rodar en Ciudad de La Luz normalmente se trae a todo el personal. IA: Normalmente se traen a todo el personal. VN: Excepto a lo mejor algo de figuración que pueda necesitar, que eso es lo único que busca aquí. IA: Si. Hay algunos técnicos conocidos por la zona, que se van pasando la voz, pero lo que es un lugar donde digan “técnicos” y no te vengan ochocientos si no que te vengan seis pero seis

que de verdad saben no hay. VN: Lo que tu quieres hacer es aglutinar en una base de datos… IA: Exacto. VN: …una serie de profesionales que ya estén especializados para desarrollar su trabajo en el ámbito cinematográfico. IA: O entrenar a gente que por ejemplo, un ejemplo, yo estuve en Rosarito, hace muchos años cuando se hizo “Titanic”, justo después de “Titanic” yo trabajaba en el sindicato americano de efectos especiales, carpintería y sobre todo stands que es lo que llevo haciendo toda mi vida, pero cuando llegué allí pues tenía que aprender el idioma y aprender a hacer efectos especiales. Y me llamaron como traductor en Rosarito, Méjico y allí pues lo mismo, eran unos estudios vacíos, no había nada. Pero cogimos, y por ejemplo una señora me encantó mucho, una señora que tenía una compañía de vestuario, que hacía vestidos de señora, de caballero y tal, pues nos llevamos a esa señora a enseñarle como trabajar en vestuario. Entonces tú llegas a los estudios de Rosarito ahora mismo y le dices a esa señora que quieres quinientos trajes de lo que quieras, de romanos, ya te dice “vale”, le enseñas los dibujos y dos semanas después tienes los quinientos trajes. Eso se puede hacer aquí perfectamente. Hay que entrenar a la gente de aquí para que los estudios sean viables para todo el mundo. VN: ¿Y por qué no se ha hecho? Porque eso es de manual. Lo que me estás diciendo es de manual. IA: Bueno, de manual son muchas cosas que no se han hecho. Por qué tenemos los estudios, la OAMI, el aeropuerto de no se qué y todo esto son cosas políticas que yo ni entiendo

ni quiero entender, pero lo que sí sé es que están, y si están yo creo que deben de ser del ámbito del pueblo el tener una red industrial de trabajadores que puedan salir adelante utilizando estas inversiones que se han hecho. VN: Probablemente, bueno, esta es mi opinión sobre la Ciudad de La Luz, yo tengo una base de datos de actores, actrices, modelos… hace muchísimos años… Pero bueno, esta es una larga historia que a lo mejor un día me animo y la cuento. Miguel A. Fonseca: Bueno, Ignacio, yo te quería preguntar también, tu estás ahora de coordinador de especialistas, ¿tu has sido especialista también? Ignacio Álvarez: Si. Toda mi vida. MAF: para la gente que nos está escuchando y le gustaría, aparte de la gente buscas dentro del ámbito profesional, la gente que nos está escuchando y le gustaría ser especialista, o por lo menos intentarlo ¿qué les dirías? ¿qué puedes aconsejarles? IA: Bueno. Hay una gran demanda de, bueno, especialistas de cine hacen falta bastantes. Lo que pasa es que ya estamos muchos, y hay un aura de que los especialistas, pues como por fuera dicen que los gitanos son maravillosos, los especialistas son increíbles y tal… En realidad un especialista es una persona que es un atleta. Es un atleta que tiene una especialidad en algo. Entonces hay mucha gente que pues sí, que son chavalitos jóvenes, que se dedican a dar votes, a dar saltos, que están peleando, que siempre se están poniendo en riesgo, eso está muy bien. Pero a mi si esos señores no tienen una disciplina no me valen para nada. Necesito gente que tenga disciplina, incluso la gente de parkour que son los chavalitos estos que van dando saltos por los parques, son

muy disciplinados porque compiten los entre unos y otros a hacerlo lo mejor posible. Gente que se saca la licencia de rally, gente que se saca la licencia de paracaidismo, que se saca la licencia de submarinismo. Gente que piensa lo que se hace y que le gusta. Esa gente son a los que busco. También busco a una gente muy específica, busco a locos de remate. Esa gente que se monta en una moto y de repente se pone a hacer un caballito como si no pasase nada, sin casco, sin nada, no me gusta personalmente cómo hacen esas cosas, porque en mi trabajo tienes que ir muy cubierto por los seguros, pero los busco. Los busco porque tienen un algo especial, esa son la gente que a mi me vale, que es capaz de hacer las cosas porque es capaz, no porque quiera hacerlo. Y si estáis interesados en ser especialistas mandarme un correo filmstunts@gmail.com VN: O entrar en la página web. IA: Si, mi página web www.stunts.es , veréis mi teléfono y mi información, podéis mandarme un correo con vuestras fotos, vuestros teléfonos, y yo creo que el mes que viene o el siguiente empiezo ya con una clase en la que elijo a, de todos los candidatos elijo a diez o quince como mucho, y busco a los mejores porque son para llevármelos a trabajar. Yo no quiero dar clases para que luego se queden por ahí sin hacer nada, busco gente que sean los mejores para luego llevármelos a trabajar. Me dicen muchas veces “chico, da más clases, saca dinero”, no me interesa engañar a nadie. Prefiero dar clases a gente que sé que me van a funcionar que no coger a un chavalito de la calle enseñarle a dar dos derrapes con un coche porque no me lo voy a llevar a trabajar. Me voy a llevar a un señor que se dedica a hacer derrapes todos los días haciendo rallys o compitiendo en fórmula uno. Fran Palacios: Y digamos que coges a un chico que está haciendo por ejemplo parkour y le metes en una disciplina de

cine que lo profesionaliza, digamos, esa disciplina que él medio controla tu lo llevas por ese camino para que sea más específico de cara al cine ¿no? IA: Ahora tengo a unos chavalitos de aquí de Alicante, saludos Galera si estás por ahí, Cristofer y toda esta gente que están en los parques pegando votes por ahí, que vinieron a mis clases y en diez minutos el físico que tienen les enseñas a hacer algo y es impactante para una cámara, son gente que lo lleva dentro. Saludos a la gente que ha pasado por mis clases.

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M i r e i a Agramunt modelo

actriz

Especialidad Modelo, Actriz, Cineasta y Realización cine – tv Formación académica 2010. Licenciada en Comunicación Audiovisual. Universidad de Vic. 2011. Curso de modelo: Asesoría de Imagen Personalizada. Máxim Models, Barcelona. Idiomas Catalán y Castellano, bilingüe. Inglés, medio. 62

EXPERIENCIA MODELO: 2011. Modelo de fotografía en una sesión de fotos con el fotógrafo XAVIER ARNAU. 2011. Modelo de peluquería de CEBADO. Desfilé en la pasarela de Fraga (Lérida). 2011. Modelo de peluquería de OREAL para corte y color. Desfilé en Hotel Gallery de Barcelona. 2011. Modelo de peluquería de CEBADO para corte y color. Desfilé en Hotel NH Constanza de Barcelona. 2011. Modelo fiesta privada 3GSM en Club Sotavento de Barcelona. 2010. Modelo de fotografía en una sesión de fotos con la fotógrafa ANNA REDÓ. 2010. Modelo de peluquería de FRAMESI para corte y color. Desfilé en Palacio de Congresos de Barcelona. 2010. Modelo de fotografía en una sesión de fotos con la fotógrafa YASMIN SHIRALI. 2010. Modelo de peluquería de WELLA para corte y color. Desfilé en Hotel Hilton de Barcelona. 2010. Modelo de peluquería de LABORATOIRE BIOSTHETIQUE para corte y color.

ACTRIZ: 2011. Protagonista en el cortometraje TE VOY A MATAR. Sergi Expósito. 2011. Personaje secundario en publicidad viral ERICSSON – Jack Morton. 2011. Personaje secundario en spot T-MOBILE – Mamma Team Productions.

2011. Personaje secundario en publicidad viral JUNTA ANDALUCÍA – Petra Garmon. 2010. Personaje secundario en spot VILEDA – Mamma Team Productions. 2010. Actriz de reparto en el film URUGUAY. Salomón Shang – Producciones Kaplan. 2010. Personaje secundario en el cortometraje LIFE IN A DAY. Pere Costa. 2010. Figuración especial en la serie INFIDELS – Diagonal Televisió. 2009. Figuración especial en el film LA LLEGENDA DE L’INNOMBRABLE. Salomón Shang – Producciones Kaplan. 2009. Figuración especial en la série VENT DEL PLA – Diagonal Televisió. 2008. Figuración especial en la série EL ZOO – Diagonal Televisió. 2008. Figuración especial en el programa EL MASTER – Diagonal, Televisió de Catalunya. 2007 - 2011. Figuración y Figuración especial en spots: SEAT IBIZA, PALAU DE MÚSICA, COLACAO, COCA- COLA, MOVISTAR, PEPSI, VOLKSWAGEN, DONUTS, EUSKATEL, CERVEZA LEVANTE, SAMSUNG, ASEGURADORA GÉNESIS, SUNNY DELIGHT, LOTERIA DE NAVIDAD Y KIA PICANTO. Mireia Agramunt en Casting-Virtual h t t p : / / w w w. c a s t i n g - v i r t u a l . c o m / p r o f i l e / M i r e i a A g r a m u n t

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Oscar

Oliva actor

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Lugar y fecha de nacimiento Barcelona, 30 de Diciembre de 1982 Formación académica Nancy Tunyon New York Film Academy (Meisner) Idiomas Catalán Castellano Inglés EXPERIÉNCIA CINE 2010- 2011 Leyendas de Hydros (Dir. Jordi Lesán) 2010-Michael Jackson: Controversía y Fascinación (Dir.Alexandro Tunnerman) 2008-Dual: Herederos del Pasado. (Dir. Bertolt Salvago) 2005-Tirante el Blanco, Guerrero Almogavar (Dir.Vicente Aranda) 2005-Lujuria y Soberbia, Jaime (Prod. Mundoficción) 2004-Zona Cero, Mateo (Dir.Raúl Jordano) 2004-El Ataque de los cerdos simbióticos, Hombre de las tierras lejanas (Dir.Raquel Choy)

TELEVISIĂ&#x201C;N 2007-Anuncio Tiendas Milar (The Garage) 2007-CampaĂąa Fragancia Calvin Klein.(Zoopa) 2007- Anuncio Trident 2005-7 vidas(pizzero) 2005-Porca Miseria (Ayudante programa) 2005-Los Serrano (Novio chica, discoteca)

CORTOS - MEDIOMETRAJES 2011-Future (Dir. Bertolt Salvago) 2010-Radeon (Remake) (Dir. Bertolt Salvago) 2010-Random Game (Dir. Dimitry Fursov) 2008-El Paseo (Dir.Eugenia Manzanares) 2008-Solo ( Dir.Xavi Coch) 2007-Otra Oportunidad.(Dir.Sergi Rubió) 2007Secuéncias.Tetraplejico,Payaso,Vagabundo.(Dir.M arcia Gomes) 2007-Sangrados.Radeon.(Dir.Bertolt Salvago) 2007-Horizontal.Protagonista.(Dir.Xavi Vilanova) 2007-Cruasan 3.Iron Power.(Dir.Javier Ojeda) 2007-Piezas.Paco.(Dir. Ebay Erekestain) 2007-Camino de Sombras.Verjei.(Dir.Marcia Gomes) 2006-Petites Mossegades,Pep (Dir.Sergi Rubió) 2006-La partita di pallone, Pintor (Dir. Sergi Rubió) 2005-Juegos del destino,Predicador (Dir.Javier Ojeda) 2005-Punto y coma, Marcos (Dir. David Martin) 2002-Nacidos del Caos, Punkie (Dir.Raquel Choy) 2003-Laura, Tomás (Dir.Javier Asensio) 2003-Sybil, Arthur (Dir.Sergio Fernández) 2003-1914 (Dir.David Chapanoff) 2004-Imprevisto (Dir.Xavi Vilanova)

VIDEOCLIPS 2008-Lost (Dir.Xavi Vilanova) 2007-Elementos(Dir.Xavi Vilanova) 2006-Nuevo Sol (Dir.Xavi Vilanova) 2006-Dame (Dir.Xavi Vilanova) TEATRO 2009-2010 Humor Sapiens/Sonrisas de Chocolate y lágrimas de mujer sensible con algo de optimismo para acompañar (Dir. Jorge Salinas) 2008-2009 (En cartel)Humor Sapiens. Café teatro 5 monos. 2007-Monólogo para concurso Revista Fotogramas.Ganador premio del público. 2005-El príncipe que aprendió de los libros, Tutor (Dir.Hector Moreno) 2002-Compañía de teatro Plak Plak Pic-Nic-Dir.Mariola Ponce Esperando a Godot-Dir.Jordi Araz Espectáculos teatrales callejeros en las jornadas medievales de Martorell. 2006-Performance Día del orgullo Gay.Chueca.Madrid.Grupo Espontáneos Esporádicos. 2005-Campaña Publicitaria Callejera de Telefónica. 2006-Performance & RRPP Sala Revolver. Madrid. 2006-Representación de éxitos de Jamiroquai.Funky.

Perfil de Oscar Oliva en Casting-Virtual http://www.casting-virtual.com/profile/OscarOliva

Festival Ícaro uno de los festivales más importantes de Centro América

Por Teresa Jimenez, Hacer Cine En Guatemala (www.hacercineenguatemala.com) Fotos: Teresa Jiménez | Ícaro Festival

Festival Ícaro, uno de los festivales más importantes de Centro América. El festival Ícaro se ha arraigado como uno de los festivales de cine más importantes de Centro América. Siendo un festival regional de cine centroamericano también tiene un carácter internacional, así compitiendo obras de distintos países de América y Europa. Es un festival creado y producido por Casa Comal, Arte y Cultura una de las productoras de cine más importantes de Guatemala. En el año de 1998 un grupo de realizadores audiovisuales guatemaltecos organizo el primer Festival Ícaro, así siendo apoyado por los Ministerios de Cultura y Deportes y de Relaciones Exteriores de Guatemala, Universidades y canales de televisión.

El festival Ícaro compiten obras en las siguientes categorías: Selección Centroamericana • Largometraje de Ficción • Cortometraje de Ficción • Largometraje Documental • Cortometraje Documental • Cortometraje Animación Los realizadores del resto del mundo pueden participar en las categorías: • • • •

Cortometraje de ficción extranjero. Largometraje de ficción extranjero. Largometraje Documental Extranjero. Cortometraje Documental Extranjero.

Premios Técnico-artísticos Se otorgarán premios técnico-artísticos a los centroamericanos: • Mejor Director(a) • Mejor Fotógrafo(a) • Mejor Guionista • Mejor Productor(a) • Mejor Sonidista • Mejor Editor • Mejor Director(a) de Arte • Mejor Actriz • Mejor Actor

Este año 2011 del 24 de noviembre al 1 de diciembre se llevara a cabo el XIV Festival Ícaro de cine en Centro América. Esta edición como las anteriores se realizara en El Centro Cultural Miguel Ángel Asturias en la ciudad de Guatemala las galas de inauguración y cierre. El Cine Lux en el centro histórico de la ciudad de Guatemala, será la sede central de proyecciones de las obras en concurso y el punto de encuentro de realizadores y público. Por primera vez en esta edición se realizará el Ícaro Campus Central como el espacio formativo centroamericano que reunirá a los nuevos realizadores regionales con profesionales de la industria cinematográfica mundial. La Muestra Internacional de Cine y Video del Abya Yala se presentará en su primera edición iniciando este encuentro de culturas a través del audiovisual con el propósito de intercambiar experiencias de creación cinematográfica desde los pueblos originarios. El documental latinoamericano y caribeño tendrá también un espacio especial en la muestra que reúne los más recientes documentales presentados en el III Encuentro de Documentalistas latinoamericanos y del Caribe del siglo XXI. Con 29 países participantes, una selección de más de ciento cincuenta obras audiovisuales del último año, encuentros educativos y fiestas temáticas, el Festival Ícaro se consolida como el Festival más importante de Centroamérica. Sitio Web del Festival Ícaro www.festivalicaro.com/ Teresa Jiménez - Hacer Cine en Guatemala w w w. h a c e r c i n e e n g u a t e m a l a . c o m

Ana Monta単o actriz

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modelo

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Nombre y apellidos Ana Montaño Fecha de nacimiento 09/10/1987 Especialidad Actriz/Modelo Formación académica Cursando licenciatura en Periodismo

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Idiomas Español-nativo Inglés-alto Francés-medio

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Experiencia 2009: Aparición en el spot publicitario del programa Nº1 para la pagina web de Antena 3 neox 2009: Participación en el programa Nº1 para Antena 3 Neox 2009: Actriz figuración en cortometraje “Ya te vale” para la productora Rossmartin Films 2009: Actriz en el cortometraje dramático “Inania Regna” realizado por Inania Films http://www.youtube.com/watch?v=LLAWBaj68DQ 2010: Modelo en varias sesiones fotográficas destinadas a publicidad realizadas por la fotógrafa Thai Soriano 2010: Modelo en sesión fotográfica “Lady Destruction” realizada por UndeathRock Art para realizar posteriores ilustraciones

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2010: Modelo en sesión fotográfica “Dear Summer” realizada por Davinia Quero: -Fotografía “Summertime” usada por la agencia publicitaria La Nevera Comunicación -Fotografía incluida en la exposición “A propósito de...” 2010: Modelo en cartel alternativo a película de Julio Medém, ganador del primer premio en el concurso organizado por la productora de la película original, realizado por Davinia Quero

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2010: Modelo en sesión fotográfica estilo Steampunk realizada por UndeathRock Art 2010: Figuración especial y figuración con frase en la serie La reina del sur para Antena 3 y Telemundo (próximo estreno) 2011: Actriz en spot publicitario de tráfico (VII edición Trafficus) realizado por Colectivo CROMA

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2011: Cronista musical para web ThrillerWeb 2011: Realización de diferentes entrevistas a los directores seleccionados dentro del apartado de videcreación del Festival de Cne de Málaga 2011 para Colectivo CROMA 2011: Figuración en spot para la Universidad de Málaga por el CTI y Colectivo Croma 2011: Modelo en sesión "Heart vs. Brain" de Ángela Aznárez 2011: Modelo en Workshop de fotografía acuática: Aqua-Xtreme por Carolina Contel

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Perfil de Ana Monta単o en Casting-Virtual http://www.casting-virtual.com/profile/AnaMontano

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WALESKA Actriz y cantante waleskastar.com Tenemos hoy a una artista internacional nacida en Méjico, pero afincada aquí en España, en Barcelona concretamente. Es una artista que se está promocionando ahora bastante, con mucha fuerza. Ha estado en Alicante recientemente. No hemos podido coincidir por cuestiones de agenda, pero me hubiera gustado mucho coincidir con ella personalmente porque ha estado colaborando, ha hecho una interpretación en el largometraje que está dirigiendo Reyes Caballero “El manipulador manipulado”, y en fin, la tenemos al teléfono y por lo menos la podremos saludar. Vicente Nondedeu: Hola Waleska, buenas noches. Waleska: Hola qué tal, muy buenas noches Vicente, que no hemos tenido la oportunidad ¿verdad? De coincidir…

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VN: Eso estaba comentando yo, que por cuestiones de agenda, si que nos hubiera gustado coincidir en Alicante porque estuviste hace dos sábados, Waleska: Sí. VN: Participando en el largometraje de Reyes Caballero “El manipulador manipulado” W: Efectivamente, exactamente estuve con ella y bueno, pues como tu bien dices a veces por razones de agenda pues muchas veces, ya seas tu en tu caso, muchas veces los artistas por alguna causa, pues no se puede. Pero siempre existe o el teléfono o la vía online. Ya con los adelantos tecnológicos pues eso ayuda bastante, acorta distancias. VN: Pues sí, bastante, porque ahora mismo con el tema este de Internet pues el planeta Tierra es lo que dicen una “aldea global”, precisamente esta emisión se pude escichar no solamente por ondas aquí en Alicante, sino a través de su reproductor online que tenemos en www.radiomilleniumdealicante.com. Porque… yo supongo que estás en Barcelona. W: Exactamente. Ahora mismo estamos aquí en Barcelona, y bueno, y como tu bien dices estamos pues echando para adelante ¿no?, lo que son los proyectos que tenemos en camino. Y sobre todo que interviene gente, mucha gente, ya sea tanto en la música o Reyes que

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está haciendo lo del cine… y bueno, todos vamos por lo mismo. VN: reyes es una mujer luchadora pero tu también eres una mujer luchadora. W: Bueno, estamos luchando un poquito en este difícil mundo del espectáculo, porque si hay crisis en el mundo, ya de por sí, económica, pues también eso repercute en el espectáculo, quieras o no. Pero lo bonito es que hay mucha gente que está cooperando ¿no? Que realmente se ayuda una a la otra y que sobre todo quiere sacara delante sus proyectos. En este caso pues yo la música (risas) yo soy de música.

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VN: La música y has tocado otras facetas artísticas que luego podremos hablar. Nos acompaña en el estudio también nuestro compañero… bueno, Jonathan Maicon… Jonathan Maicon: Muy buenas noches. VN: que es el que realmente lleva el programa, yo soy aquí un intruso… W: Ay, Dios mío, no digan eso (risas) VN: Y tenemos también aquí en el estudio, en los controles, precisamente a nuestro compañero Miguel Ángel Fonseca que es el que dirige la emisora. W: Pues muy contenta de estar con todos vosotros. La verdad que para mi es un placer compartir con ustedes esta noche y también con los radioyentes, hablar un poquito de esa pequeña y humilde trayectoria que vamos haciendo todos los artistas… 127

JM: Waleska, a mi me gustaría preguntarte sobre todo por tus inicios. Cuéntame algo de tu país, cómo empezaste? W: Bueno, pues a ver… los inicios pues siempre es más bien amateur. Todos empezamos con esos sueños, con esas ilusiones de querer lograr algo. Y bueno, siempre empiezas… sobre todo desde niña que dices “quiero hacer esto” “quiero hacer lo otro”… Mi familia me apoyó bastante, siempre estuvieron de acuerdo en que yo me dedicara a lo que más quisiera. Y bueno, finalmente ya sobre los quince, mas o menos entre los catorce y quince años empecé a estudiar en una escuela de arte dramático. Una escuela que tiene mucho nombre allí en mi país que es el Instituto Andrés Soler, del que han salido muchos artistas muy famosos en mi país, entre ellos por ejemplo Verónica Castro, que es la mamá de Christian Castro por ejemplo. Y otros muchos tantos que son cantantes ahora importantes allá en mi país José José, Juan Gabriel, Ernesto Laguardia… O sea, mucha gente salió de esa escuela. Y bueno, yo también estudié teatro, estudié interpretación, canto y bueno, de ahí empecé a hacer obras de teatro. No llevo muchas porque finalmente me decanté por lo que es la música, pero bueno, llevo cinco obras de teatro ya hechas y también he hecho también radio allá en mi país. Entonces he tenido también la oportunidad de desarrollarme en el campo de la radio, de la actuación y también de la oratoria. Un poquito de todo y también cursos como cantante. JM: Una trayectoria bastante completa, ¿verdad? W: Un poquito, un poquito. JM: No solo eso si no que también eres compositora e interpretas tus propias canciones. W: Sí. Si, efectivamente yo soy compositora de mis temas. Y bueno, yo me he decantado un poquito por lo que es la música dance, que ahora pues es digamos ya desde hace un

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tiempecillo desde que Madonna, por ejemplo, desde que empezó a revolucionar lo que era toda la música disco, pues ha seguido teniendo ese auge. No porque los demás géneros no lo tengan, siempre lo que son las baladas y los boleros siempre van a tener un lugar siempre importante, muy especial, pero ahora está pegando mucho eso y bueno, pues nos estamos metiendo en ese terreno, el de dance. Y ahora estamos promocionando lo que es el single, que es el de “Baila conmigo”, pero ya esperamos a finales de año o principios del otro ya tener el disco terminado. Esa es la prioridad, la idea. JM: Bueno, y también has tenido contactos con el presidente… ¿puede ser? W: Sí (risas) JM: Cuéntanos, cuéntanos esas cositas. W: (Entre risas) Esas pequeñas cosas, ¿verdad? Pues bueno, es lo que yo te decía, 131

que yo estuve mucho en el campo de lo que es la radiodifusión, entonces pues me premiaron en la Cámara nacional de Radiodifusores de mi país (Méjico), y también a raíz de allí me vino también otro premio que me lo dio precisamente el presidente Ernesto Cedillo que en ese entonces estaba en turno, me dio el Premio Nacional de la Juventud a las Artes. Porque precisamente yo tocaba muchos campos, el cine, el teatro, la radio, la música… Y es algo muy curioso porque en mi país por ejemplo, o en América en genera, si tu haces muchas

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actividades es mejor, cosa que en España es diferente. Por ejemplo, si tu aquí (en España) haces, por ejemplo si haces radio, si haces cine, si haces todo a la vez la gente ya no te ubica tan fácilmente, no la tienes tan fácil, aquí es que te tienes que dedicar a algo específico porque si no después te cuesta más salir. En mi país es diferente. Mientras más haces, mientras más trayectoria tienes de hacer radio y eso, pues es muchísimo mejor, se te abren más las puertas. En cambio aquí es un poquito más específico. Si eres cantante pues dedícate a cantar, si eres presentadora dedícate a presentar. No sé por qué, pero en España es así. Pero yo estoy muy contenta igualmente.

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VN: Waleska, ahora estás en España, pero es que no paras, es decir que sigues haciendo, estás promocionado tu disco, estás haciendo radio y además estás haciendo cine, es que no paras. W: No, no, no. La verdad que yo soy una persona que… a ver, el cine lo hice precisamente interpretando a una cantante, o sea que tampoco creas que pierdo el hilo (risas) de lo que hago pero conocí a Reyes haciendo precisamente radio. Yo le hice una entrevista, y también, bueno, en las diferentes emisoras donde yo colabora, donde yo hago mi programa, y dí con ella. De esas cosas que uno va por azares del destino le hice algunas entrevistas a ella y bueno, le gustó mi videoclip que está ahora de “Baila conmigo otra vez” que está en Youtube, que es el que estamos promocionando y me dijo “vente para acá que quiero que… que te interpretes a ti misma”, que es algo muy curioso. Me interpreté a mi misma y me tocó compartir pues con el actor principal que es precisamente Daniele Ferrari, las escenas, las secuencias que me tocaron hacer los días que estuve en Alicante. Bueno, ahora esperar que toda la gente también vaya a vernos, ¿no? Que eso es lo importante (risas), que me vayan a ver a mi, que es lo que digo yo (risas). VN: ¿La película te refieres cuando se estrene? W: Claro, “El manipulador manipulado” JM: Sin dudarlo. W: (Risas) Y digo yo, bueno, que vayan a ver a los actores y que me vayan a ver a mi ¿no? Me estoy promocionando yo misma (risas). Pues yo interpreto una canción, un tema también compuesto por mi que es un bolero, sabes lo que te digo. Yo hago música dance pero finalmente no me he olvidado de hacer los boleros, que también es una tradición en mi país: hacer boleros. Esa música romántica, que también gusta mucho en América. VN: El videoclip creo que también está producido por La Fábrica

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Naranja ¿no? W: Exactamente. VN: Por una paisana de aquí de Alicante. Eso lo lleva Paloma Zapata creo. W: Ahá, si, efectivamente. VN: Está afincada allí en Barcelona, pero es alicantina. W: Pues fíjate que yo tenía la idea que era de Murcia. VN: Creo que es de Elche, tengo entendido, lo mismo estoy equivocado, que es de Elche.

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W: Bueno, me vengo enterando con vosotros, fíjate. VN: Si, Paloma Zapata que ha producido muchos videoclips de Peret, de Ojos de Brujo y bueno, ahora tiene tu trabajo también. W: Si, efectivamente, lo hicimos ahí con ella y bueno, el productor finalmente también del audiovisual es Ángel Gascón, que es quien también lleva la producción del disco. Él también lleva el tema de lo que son audiovisuales, y tenemos la intención ya de hacer un segundo videoclip y bueno, no me quiero adelantar porque también no puedo decirlo cien por cien, pero probablemente lo grabemos en Alicante ¿Cómo ves? JM: Genial, pues estaremos por ahí, ¿no Vicente? VN: Claro, estupendo. W: Ahora estamos con la promoción, hemos estado yendo por ejemplo por Andalucía, por algunas televisiones por ejemplo Canal Sur, estuvimos por Onda Jerez, Onda Cádiz, en varias radios de Andalucía y la idea es también pues seguir haciéndolo por el resto de España. Pero bueno digamos que lo que le da la forma al disco es ir promocionando el single, porque así la gente te va conociendo, va diciendo “Waleska, si, la chica que escuché” o decir “Ah, la chica que estuvo en la película” ¿no? “El manipulador manipulado”.

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Curso básico: Cómo hacer cortometrajes OBJETIVOS DEL CURSO "CÓMO HACER CORTOMETRAJES" El objetivo primordial de este curso es servir de introducción al mundo de la creación audiovisual para todos aquellos que deseen saber cuáles deben ser sus primeros pasos a la hora de llevar a cabo su primer cortometraje. En este breve pero completo curso explicaremos el proceso a seguir: desde la idea original hasta la edición o montaje del corto ya realizado, pasando por la elaboración de un guión literario, un guión técnico, el siempre difícil rodaje, etc... El curso se estructura en dos partes: teórica y técnica. Esta última se centrará en el formato vídeo ya que éste suele ser el más asequible y el más popular a la hora de que los aficionados se inicien en la realización de un cortometraje. En la parte teórica estudiaremos los tipos de obras audiovisuales, los tipos de plano, los fundamentos teóricos del montaje, la angulación y movimiento de la cámara, la creación del guión, etc... En la parte técnica estudiaremos las características de la imagen de vídeo, los formatos de vídeo, la cámara de vídeo y la iluminación. Tanto si no estás familiarizado con los entresijos de la realización de un cortometraje como si deseas refrescar tu memoria respecto a determinadas cuestiones teóricas y prácticas, este curso, plagado de ejemplos para facilitar la comprensión de lo explicado, te será de gran ayuda. Iniciemos pues este periplo hacia la realización de nuestro corto: >> Capítulo 1: Tipos de obras audiovisuales

Capítulo 1: Tipos de obras audiovisuales Antes de abordar la realización de un cortometraje hay que decidir qué es lo que queremos expresar a través del mismo: ¿Queremos contar una historia inventada?. ¿Queremos ser cronistas de una realidad sin artificios?. ¿Queremos experimentar y hallar nuevas vías de expresión?. ¿Queremos dar nuestra opinión o dejar que los hechos hablen por sí mismos?... Según la intencionalidad que refleje la obra audiovisual, ésta podrá ser de tres tipos: 1.-Documental 2.-Ficción 3.-Creación 1.- Documental Su pretensión es la "captura" de hechos reales con el fin de reflejarlos fielmente y/o someterlos a análisis, o bien crear una película, usando diferentes documentos de carácter audiovisual ya existentes. En el primer caso, se utilizarían materiales originales grabados o filmados por el autor. En el segundo se echaría mano de material de archivo. Ambas fórmulas no son excluyentes y, de hecho, se pueden obtener resultados muchos más ricos y complejos usando una técnica documental mixta. Eso permite, por ejemplo, confrontar presente y pasado de una situación "x". Ej.: Un documental sobre la evolución de la pesca en el Cantábrico desde principios de siglo en la que el autor usa material rodado recientemente por él mismo (para describir la situación actual) combinado con

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tomas de archivo de los años 30. "Reportaje" sería la denominación recibida por el documental con vocación periodística (es decir, pretendidamente objetivo, aunque tal objetividad no siempre se consiga, claro). En las obras documentales se pretende captar la realidad tal como es.

2.- Ficción: Al contrario del documental, las obras de ficción no buscan la captación de la realidad sino recrearla y manipularla con el fin de narrar hechos que pueden o no haber ocurrido. El 90% de las veces no han ocurrido nunca. Este género es el más comercial y apreciado por el gran público y se basa en la capacidad de fabulación de sus autores. Dentro de la ficción encontramos diferentes géneros con sus particulares convenciones formales y narrativas: el western, el drama, la comedia, el thriller, la ciencia-ficción, etc. Al contrario que el documental, la pretensión de recreación de "una" realidad que mueve al realizador de obras de ficción le exige (en la mayoría de los casos) la utilización de actores, decorados, maquillaje, etc. quedando claro su carácter deudor del teatro (tanto o más que de la fotografía, literatura, etc.) En las obras de ficción se pretende recrear la realidad tal y como desea que la veamos el autor.

3.- Creación: El objeto de este tipo de películas es el arte en sí, los fundamentos del mismo y la investigación de los procesos mismos de la obra audiovisual. El autor de una película de creación pretende crear un objeto de carácter artístico sin las limitaciones ni cortapisas que los géneros y convenciones narrativas o comerciales le puedan imponer. Suelen tener, en muchas ocasiones, una marcada vocación experimental. En las obras de creación se pretende reflexionar sobre el hecho artístico audiovisual. Entremos ahora con más detalle a estudiar uno de los aspectos fundamentales de la creación audiovisual, independientemente del género que abordemos: la planificación >> Capítulo 2: Tipos de Plano

Capítulo 2: Tipos de Plano La unidad expresiva mínima (y básica) de una obra audiovisual es el plano. Cualquier narración y/o exposición audiovisual se basa en la sucesión y concatenación (cargada de sentido e intencionalidad) de planos. Cada tipo de plano se diferencia de los demás por aquello que encuadra y cada tipo de encuadre determina el centro de atención y posee unas determinadas capacidades para la sugerencia emocional (basadas en la convención, esto es, en el hecho de que el el espectador ya reconoce su particular gramática debido a su utilización reiterada y de forma intencionada). Para ilustrar los diferentes tipos de encuadre usaremos una imagen del rodaje de "Son de mar" en la que el conocido realizador Bigas Luna dirige a sus actores. Los planos básicos son: 1.-Plano de detalle 2.-Primer plano 3.-Plano medio 4.-Plano americano

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5.-Plano general 6.-El espacio off 1.- Plano de detalle (Abreviado como PD o, en ocasiones, PPP, es decir primerísimo primer plano). Es un plano muy cercano en el cual la cámara nos muestra un objeto, un detalle del mismo o un detalle de una persona o animal. Sirve para recalcar la presencia de una cosa (generalmente de reducido tamaño) de forma que no pase desapercibida por el espectador pues su importancia para la trama que se está contando es capital. Su mala utilización (más común de lo que se cree debido a la creciente banalización del lenguaje audiovisual en aras de una narrativa más epatante, sesgada y videoclipera) provoca confusión y puede hacer perder la atención del espectador respecto a lo que está viendo. Un ejemplo de plano de detalle, absolutamente necesario y que contribuye al seguimiento de la historia es el del picahielos bajo la cama de Sharon Stone en "Instinto Básico". 2.- Primer Plano (Abreviado como PP). Enmarca el rostro del personaje y parte de los hombros. Puede ser de dos tipos. se le llama primer plano corto (PPC) cuando enmarca únicamente la cara y primer plano largo (PPL) cuando muestra una porción significatica de los hombros. Es un plano que sirve para mostrar las emociones o estado anímico del personaje y sus reacciones ante lo que está sucediendo. Su uso nos acerca a la comprensión de la psicología del personaje y nos lo hace más próximo. Su abuso, cada vez más extendido por la influencia de la televisión ralentiza muchas veces la narración (generalmente es un plano estático) y la puede hace repetitiva y cansina. 3.- Plano medio (Abreviado como PM). Encuadra al personaje por encima de la cintura. Nos lo muestra cercano pero nos da más pista sobre su persona (como viste) y le resta, en ocasiones, protagonismo. También permite la inclusión de más elementos en el cuadro (una segunda persona por ejemplo). Es también un plano muy televisivo (los famosos bustos parlantes de los telediarios) e ideal para mostrar conversaciones. 4.- Plano americano (Abreviado como PA). También llamado plano 3/4. Encuadra al actor desde la cabeza hasta las rodillas (aprox.) y se llama americano porque se utilizó con profusión en los westerns ya que servía a la perfección para encuadrar al pistolero de turno hasta la altura a la que llegaba su pistolera atada al muslo. En este plano, además de varios personajes, pueden aparecer más detalles del entorno en el que se halla el personaje si bien el interés está en la acción que desarrolla el actor (más que en él mismo). 5.- Plano general (Abreviado como PG). El personaje aparece de cuerpo entero y rodeado por su entorno. Puede o no haber más personajes. Puede ser un plano general corto (PGC) o largo (PGL o gran plano general, GPG) según la amplitud de lo que se encuadre. Un plano general largo es muy adecuado para mostrar una gran escena de batalla o un paisaje majestuoso. Necesariamente, el interés en estos planos tan abiertos tiende a abandonar las figuras de los personajes y a quedarse con el todo, con una globalidad frente a la individualidad. Sin embargo, en ocasiones, pueden ser usados como recurso expresivo para destacar, por ejemplo, la soledad de un personaje situando su pequeña figura vista a lo lejos caminado por un desierto. 6.- El espacio off Aparte de estos encuadres fundamentales, un realizador debe saber utilizar el espacio off. Este espacio es aquello que no aparece en la pantalla pero cuya existencia se puede suponer y/o sugerir mediante el sonido, las miradas de los personajes, etc. Así, si vemos a un personaje mirando desde una ventana a la calle (mientras oímos gritos de muchedumbre) y éste dice "Por ahí viene la

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manifestación", sin necesidad de mostrar nada más, el espectador completará en su mente el resto. Relacionado con esto, se halla el concepto de "cuarta pared", es decir, aquella que separa al espectador de la acción que está contemplando. A continuación veremos los fundamentos básicos del montaje, es decir, cómo combinar los diferentes planos para narrar visualmente la historia que queremos contar. >> Capítulo 3: Fundamentos teóricos del montaje

Capítulo 3: Fundamentos teóricos del montaje Tan importante como el guión o el propio rodaje es la fase de edición o montaje de una película. De nada nos servirá haber conseguido unas tomas maravillosas si luego a la hora de editar los planos lo hacemos de forma inadecuada. El montaje es el final de un proceso, pero hay que pensar en él prácticamente desde el principio. Como se suele decir hay que "rodar para montar". Esto quiere decir que a la hora de rodar hay que prever todos los planos que nos harán falta después en la mesa de montaje u ordenador. No olvidemos que no pasa nada por rodar un plano de más pero una película se puede ir al traste por rodar un plano de menos. REGLAS DEL MONTAJE 1.-La regla de la gradación de escala 2.-La regla de los 90º 3.-La regla del salto de eje TRANSICIONES BASICAS ENTRE PLANO Y PLANO 1.-Al corte 2.-Fundido 3.-Fundido encadenado REGLAS DEL MONTAJE Hay varias reglas fundamentales en el montaje o edición de una obra audiovisual que hay que respetar si queremos que esta sea medianamente inteligible para el espectador. A saber: 1.- La regla de la gradación de escala Es esta una regla sumamente sencilla que, sin embargo, se salta a la torera con demasiada frecuencia con nefastos resultados. Se resumiría así: a un plano general largo (un paisaje) no le puede seguir un primerísimo plano (por poner un ejemplo) de un rostro. Deben intercalarse planos de escala intermedia entre ambos porque sino el salto es demasiado grande: ¿dónde estaba ese personaje en el paisaje anterior? ¿hemos cambiado de lugar?... Estas y otras preguntas pueden aparecer en la mente del espectador. El no respetar esta regla crea confusión y descoloca al espectador. Esto no quiere decir que nunca se pueda combinar estos dos tipos de planos (a un plano de unos ojos le puede seguir un plano general de una ciudad, sugiriendo que eso es lo que los ojos están viendo) pero nunca de forma aleatoria sino con una finalidad narrativa concreta y siempre teniendo en cuenta la inteligibilidad del producto resultante. 2.- La regla de los 90º Si en el montaje colocamos consecutivamente dos planos de la misma escala (dos planos medios de un mismo personaje por ejemplo) estos deberán tener una diferencia en el eje de tiro de la cámara de al menos 90º. De lo contrario, al ser planos tan parecidos parecerá que ha habido un corte o al menos un efecto extraño y desagradable para el espectador.

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3.- La regla del salto de eje Dos planos consecutivos deberán ser siempre tomados desde el mismo lado del eje de la acción. Por ejemplo, en una conversación y durante un plano-contraplano (primero se ve a uno de los personajes de frente y al otro de espaldas y, luego, al contrario) la cámara deberá estar siempre en el mismo lado de forma que el personaje A esté siempre a la derecha y el B a la izquierda y viceversa. No respetar esta regla supone sumir al espectador en el más completo caos respecto a las coordenadas espaciales pudiendo llegar a creer que hay una tercera persona, que un personaje mira al lado contrario al hablar, etc... Un buen ejemplo de respeto a esta regla lo tenemos en estas imágenes del cortometraje "J.A.S.P." de Guillermo Apalategi. Como se puede observar independientemente de a cual de los dos personajes se vea de frente el tiro de la cámara se sitúa en el mismo lado, quedando siempre el actor de la chaqueta oscura a la derecha y el de la chaqueta clara a la izquierda.

TRANSICIONES BASICAS ENTRE PLANO Y PLAN Dejando a parte la multitud de cortinillas y efectos digitales que los modernos programas de edición digital nos permiten, las transiciones fundamentales entre plano y plano son: 1.- Al corte Un plano sigue a otro directa y limpiamente. Sugiere una continuidad espacio-temporal en la acción por lo tanto hay que cuidar el raccord para no dar lugar a los "temidos" gazapos. Si cambiamos de lugar y momento de la acción mediante un corte, el plano siguiente debe ser lo suficientemente diferente como para que el espectador no piense que continúa viendo la misma escena. 2.- Fundido Un plano va desvaneciéndose dejando la pantalla, generalmente, en negro (aunque es posible fundir a cualquier color). Deja claro el cambio de tiempo en la acción (a veces también de lugar). Hacer un fundido a negro para después volver a la misma escena que se desarrollaba es, por tanto, un error más que lamentable que, definitivamente, sembrará de dudas la mente del espectador. 3.- Fundido encadenado Un plano va desvaneciéndose y deja lugar al siguiente que va apareciendo en pantalla. Sugiere el paso del tiempo pero de una forma menos marcada y dentro de una unidad de acción más o menos extendida en el tiempo. Por ejemplo, mediante este tipo de transición se puede mostrar la construcción de un edificio en sus diferentes fases, etc... Cada vez prolifera más por la creciente influencia del lenguaje del videoclip pero su abuso denota una mala capacidad narrativa. Resolver escena tras escena con este sistema es propio de realizadores poco talentosos. Tan importantes como el montaje y la planificación son la angulación y los movimientos de cámara. Usados con acierto pueden ser elementos expresivos de gran eficacia. En caso contrario, pueden anular toda la fuerza de nuestra historia e incluso confundir al espectador. >> Capítulo 4: Angulación y movimiento de la cámara

Capítulo 4: Angulación y movimiento de la cámara La cámara (tanto de vídeo como cinematográfica) no tiene porque permanecer inmóvil ni esclava de su eje perpendicular. De hecho, permite grandes variaciones de angulación y movimiento tanto apoyada en un trípode o una grúa, como situada sobre un travelling o sobre el hombro del operador.

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Hay que conocer estas posibilidades para su posterior empleo con diferentes fines expresivos. LA ANGULACIÓN 1.-Eje Perpendicular 2.-Picado 3.-Contrapicado 4.-Angulación aberrante EL MOVIMIENTO 1.-Panorámica 2.-Travelling 3.-Cámara al hombro 4.-El Zoom LA ANGULACIÓN Existen diferentes tipos de angulación y todos ellos responden a unas necesidades expresivas y funcionales: 1.- Eje perpendicular Es la más convencional y utilizada. La cámara se coloca perpendicularmente a la acción que pretende captar. Está situada a la misma altura que los personajes. Es la angulación más realista y estable. 2.- Picado La cámara está situada a una altura superior a la de los personajes y los filma o graba desde arriba. Suele dar una sensación de vértigo, inferioridad del personaje que aparece, amenaza que se cierne sobre él, pequeñez del mismo, inestabilidad, etc. Esta angulación provoca que la parte superior del cuerpo parezca más grande que la inferior. 3.- Contrapicado La cámara se situa a una altura inferior a la de los personajes y los filma desde abajo. Se suele emplear para dar una apariencia colosal a los personajes o conferirles un halo de superioridad o sugerir que se hallan (físicamente) a una mayor altura que los otros actores. El cuerpo filmado de esta forma adquiere una estructura triángular con la cabeza como vértice superior que se achata progresivamente. Su abuso o uso inadecuado (o demasiado pronunciado) suele resultar un tanto ridículo ya que deforma la figura. 4.- Angulación aberrante No se emplea demasiado salvo en video-clips o cuando se pretende provocar sensaciones muy concretas y, habitualmente, extremas o desconcertantes. La cámara se ladea lateralmente además de por encima o debajo de la perpendicular produciendo un punto de vista insólito y que sugiere inestabilidad, ruptura, desequilibrio... EL MOVIMIENTO Existen dos movimientos básicos de cámara (panorámica y travelling). Mover la cámara porque sí carece de sentido y confunde al espectador. Un movimiento de cámara siempre debe llevarnos de un punto de interés a otro. Si abandonamos a un personaje para realizar una panorámica que acaba en una piedra, mejor será que esa piedra sea pertinente en la acción porque de lo contrario habremos perdido el tiempo y se lo habremos hecho perder al espectador. 1.- Panorámica La cámara efectúa un movimiento de rotación, es decir, gira sobre su propio eje horizontal, sobre sí misma en definitiva. Las panorámicas pueden ser meramente descriptivas, es decir, servir para mostrar el entorno en el que se desarrolla la acción pero, por definición, deben conducirnos de un punto de interés relevante que sirva a la narración a otro. 2.- Travelling La cámara efectúa un movimiento de traslación, es decir cambia su situación sobre el suelo (o en

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relación a dondequiera que esté). Este movimiento se denomina así porque habitualmente se realiza colocando la cámara sobre unas vías sobre las cuales se mueve. Dicho ingenio se llama travelling. También se puede realizar desde una grúa o sobre cualquier otro soporte. Sirve para seguir el movimiento de un objeto de interés (una persona, un vehículo...) a su misma velocidad. 3.- Cámara al hombro Ambos movimientos (panorámica y travelling) se pueden realizar cámara al hombro lo cual confiere garra y frescura a la narración si bien el aspecto temblón de la imagen puede no ser plato de gusto para todos los espectadores. Existen variantes de estos movimientos como el travelling subjetivo en el cual el cámara (con el camascopio al hombro o mediante steady-cam) camina o corre y simula que lo que vemos es lo mismo que ve el personaje. 4.- El zoom Se puede simular un travelling de acercamiento o alejamiento (también llamado plano de avance) mediante el zoom de la cámara. Sin embargo, este recurso da como resultado un efecto muy poco realista. La perspectiva no cambia, simplemente conseguimos hacer más grande una porción de la imagen. El uso del zoom debe limitarse al mínimo y a ser posible nunca utilizarlo dentro de un plano. El zoom sirve para variar la distancia focal de la lente sin tener que cambiarla. Es mucho más eficaz y realista el uso de un "dolly" (el trípode de la cámara va sobre ruedas). Con esto se consiguen maniobras de acercamiento y alejamiento con cambio de perspectiva.

Tras tener claras estas nociones básicas de lenguaje audiovisual pasemos a la parte a la que se atribuye el 80% del éxito de una película: el guión. >> Capítulo 5: De la idea al guión

Capítulo 5: De la idea al guión Evidentemente, antes de lanzarse a rodar una película, hay que tener claro qué es lo que pretende rodarse. Previamente al rodaje hay que partir de una idea, que sirva de punto de partida para un argumento que a su vez se desarrolle en un guión literario con su división en secuencias y escenas. Una vez logrado esto (y tras las pertinentes reescrituras hasta lograr el resultado óptimo) hay que trasladar este guión literario, tras la escaleta de rigor, a un formato de guión técnico para que los equipos de imagen y sonido y el propio director sean capaces de interpretarlo de forma ágil y práctica durante el rodaje. Son fases absolutamente imprescindibles sin las cuales un resultado final de calidad sería poco menos que milagroso. - LA IDEA - EL GUIÓN LITERARIO 1.-Las secuencias 2.-Las escenas 3.-Plasmación escrita de un guión literario 4.-Ejemplo extraído “Annie Hall” - LA ESCALETA - EL GUIÓN TÉCNICO

LA IDEA Antes de escribir un guión, obviamente, hay que partir de una idea. Quien espere la llegada de una musa que le toque con su varita y le ilumine la bombilla con una idea genial, jamás realizará un guión. La inspiración se encuentra por todas partes y simplemente hay que buscarla... y añadir después dosis importantes de trabajo. Una idea para un guión puede surgir de: -Un noticiario -Una obra literaria -La propia vida del autor

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-Una imagen que sugiere un punto de partida -La historia -El visionado de otra película -Y un larguísimo e interminable etc.

EL GUIÓN LITERARIO Supone el desarrollo escrito de la historia alumbrada en la idea anterior. En el guión literario se plantan las bases sobre las que luego trabajará el equipo (sonido, producción, actores...). La escritura de un guión literario tiene gran parecido con la de una obra de teatro. La división teatral en actos y escenas con la descripción del contexto en que sucede la acción y los diálogos de los actores tiene su paralelismo, bastante cercano, en la división en secuencias y escenas de un guión literario. 1.- Las secuencias Son las diferentes partes de una película que comparten una unidad en el tema. Es indiferente que una secuencia nos muestre lugares y momentos diferentes ya que su cohesión como tal viene dada por un mismo desarrollo temático (con sentido independiente por sí mismo) dentro de la trama general. Ejemplo de secuencia: La secuencia del hundimiento del barco en "Titanic" de James Cameron. Los actores cambian de lugar (se mueven por la cubierta, los camarotes, etc.) a lo largo de un buen puñado de minutos y se enfrentan a diferentes situaciones. Sin embargo esa secuencia tiene un sentido por si misma, una unidad temática. Desarrolla el tema "hundimiento del barco". Es una pequeña película dentro de una mayor, formada a su vez por más pequeñas películas (llamadas secuencias) que desarrollan el resto de temas que conforman la historia global. 2.- Las escenas Cada secuencia se subdivide en escenas. Es decir, en momentos concretos de una unidad temática más extensa. Cada uno de esos momentos se distingue del anterior o del siguiente por cambios espaciales (de lugar) o temporales (de tiempo). Ejemplo de escena: Dentro de la ya mencionada secuencia del hundimiento de "Titanic" existen diferentes escenas: la del rescate de Leonardo DiCaprio atado en un camarote, la del vuelco del barco, etc. Son momentos puntuales de una secuencia que desarrolla un único tema. 3.- Plasmación escrita de un guión literario Cuando, tras partir de una (presumiblemente brillante) idea, ya tenemos nuestra pequeña o gran historia que contar, trasladémosla al papel o la pantalla de nuestro ordenador de la siguiente forma: 1.- Dividamos la historia en secuencias (numeradas). 2.- Dividamos cada secuencia en las escenas (también numeradas) de que se compone (en función de los cambios espacio-temporales antes descritos). 3.- Al inicio de cada escena debemos especificar si se desarrolla de día o de noche, en interiores o en el exterior, y es necesario incluir una detallada descripción del lugar en que se desarrolla la acción. 4.- Especificación de los personajes que intervienen. 5.- Diálogo mantenido (si lo hubiere). 6.- Sonido existente (si lo hubiere). 4.- Ejemplo extraído "Annie Hall" "Annie Hall" - Secuencia Nº 1: Presentación personaje - Escena 2: Consulta del doctor. Interior. Día. - Descripción: Alvy, de niño, está sentado en un sofá con su madre en una anticuada consulta médica. El doctor está cerca del sofá, sosteniendo un cigarrillo y escuchando.

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MADRE (Al doctor): Está deprimido. De repente, no puede hacer nada. DOCTOR (Asintiendo con la cabeza): ¿Por qué estás deprimido, Alvy? MADRE (Dando un codazo a Alvy): Cuéntaselo al Dr. Flicker. (El joven Alvy está sentado con la cabeza baja. Su madre responde por él). Es algo que ha leído. DOCTOR (Aspirando una bocanada de su cigarrillo y asintiendo): ¿Algo que él ha leído, eh? ALVY (Sin alzar la cabeza): El universo se está expandiendo. DOCTOR: ¿El universo se está expandiendo? ALVY (Mirando al doctor): Bien, el universo lo es todo, y si se está expandiendo, ¡algún día estallará y eso sería el fin de todo! (Disgustada su madre le mira) MADRE (Gritando): ¿Y acaso eso es asunto tuyo?. (Se vuelve al doctor) Ha dejado de hacer sus deberes. ALVY: ¿Para qué?. MADRE (Excitada, gesticulando con sus manos): ¿Qué tiene el universo que ver con eso?. ¡Tu estás aquí en Brooklyn! ¡Brooklyn no se está expandiendo! DOCTOR (Mirando cordialmente a Alvy): No se expandirá hasta dentro de billones de años, Alvy. (Riendo) Y tenemos que intentar disfrutarlo mientras estemos aqui. ¿Eh?. LA ESCALETA Antes de abordar la translación del guión literario al técnico es muy conveniente analizar con detenimiento la historia que vamos a convertir en imágenes. Mientras lo escribimos perdemos un poco la perspectiva de lo que el espectador va a experimentar al ver la historia convertida en narración audiovisual. ¿Tendrá suficiente interés?. ¿Habrá lagunas de ritmo o de intensidad narrativa?. ¿Existen fases excesivamente lentas o demasiado vertiginosas?. ¿Conviene dar un respiro al espectador en un momento determinado?. Estas y otras preguntas no pueden ser contestadas al 100% antes de ver el producto final pero sí pueden ser solventadas en gran parte realizando una representación gráfica de las llamadas curvas de interés. Se trata de colocar en los ejes "x" e "y" de una gráfica las diferentes secuencias o el minutaje de la película y los diferentes niveles de interés. Se puede medir el interés segun baremos de tipo emocional, en cuanto a espectacularidad, etc. y así obtendremos una herramienta útil para efectuar en el guión o incluso en el montaje final cuantos cambios sean pertinentes. EL GUIÓN TÉCNICO Para la comprensión y uso práctico por parte del equipo técnico del guión literario previo, es preciso convertir éste en un guión técnico con profusión de detalles y precisiones útiles tanto para el propio director como para los encargados del sonido y la imagen.

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Un guión técnico se compone de los siguientes elementos: 1.- Número de secuencia 2.- Los planos numerados según la cronología de la narración que no del rodaje. 3.- Las especificaciones técnicas propias de cada plano (duración, escala, angulación y movimientos de cámara). 4.- Representación dibujada de la imagen de cada plano (Story board). 5.- Descripción de lo que ocurre dentro del plano (lugar donde se desarrolla, personajes que aparecen, qué sucede...). 6.- Descripción de la banda de sonido (Música, diálogos, ruidos ambientales, sonidos generados a posteriori...). Este guión técnico se ordena en forma de parrilla:

Si sigues las pautas aquí marcadas, estarás más cerca de realizar un buen cortometraje. pero una vez llevado a cabo, ¿cuál es el siguiente paso?, ¿cómo hacer que alguien lo vea?. La respuesta está en los Festivales. >> Capítulo 6: Festivales

Capítulo 6: Festivales A continuación os adjuntamos una lista de festivales españoles dedicados en exclusiva al mundo del cortometraje o que tienen sección competitiva de cortos. Festival Europeo de Cortometrajes de Reus (Tarragona) Festival de cortos de producción europea en formato de cine. www.fec-reus.com Concurso Internacional de Cortometrajes "Cuentos de cine" (Santa Cruz de Tenerife) Festival de cortos para fomentar la difusión del Cuento en su vertiente cinematográfica además de literaria.

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www.cuentoslossilos.es Cineculpable (Castellón) Festival dedicado a cortometrajes de ficción en castellano y valenciano/catalán. www.festivaldecortosdevillarreal.com ALCANCES - Muestra Cinematográfica del Atlántico (Cádiz) Festival dedicado al cine nacional, tanto en el área de cortos como la de largometrajes. www.alcances.org Alcine - Festival de Cine de Alcalá de Henares (Madrid) Uno de los más importantes festivales de cortometrajes de España. www.alcine.org Almeria en Corto.-Festival Internacional de Cortometrajes (Almería) Muestra de cortos nacionales que con la participación de varios directores almerienses. www.almeriaencorto.es Baumann - Festival de Cortometrajes (Barcelona) Concurso de Cortos con varias categorías: Ficción, Animación, Documental y Experimental o Videocreación. www.festivalbaumann.com Semana de Cine de Medina del Campo (Valladolid) Certamen con tres secciones de cortometrajes a concurso, en el que también se pueden ver largometrajes. www.medinafilmfestival.com Festival de Cortometrajes Playa de las Americas - Arona (Santa Cruz de Tenerife) Escaparate para para creadores y cineastas que les permite difundir sus trabajos. www.arona.org Festival Estatal de Cortometrajes de Cambrils (Tarragona) Festival de cortos de producción española con dos secciones a concurso (vídeo y cine). www.fec-cambrils.com Borges en Curt - Festival de Cortometrajes de las Tierras de Poniente (Lleida) Tres fines de semana de proyecciones, debates, etc. sobre cine www.borgesencurt.com Certamen Audiovisual Liceo Casino de Vilagarcía (Pontevedra) Certamen especializado en cortometrajes de menos de 30 minutos. www.certamenaudiovisual.com Certamen de Cortometrajes y Música El Pecado (Badajoz) Proyecciones de cortometrajes y actuaciones musicales con diversos premios. www.amcoex.es/morrimer Certamen de Cortos Caja Madrid (Madrid) Concurso de cortometrajes (cine y vídeo) organizado por la Asociación Independiente de Cineastas Amateurs (AICA). www.obrasocialcajamadrid.org

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Certamen de Cortos Ciudad de Soria (Soria) Festival para jóvenes realizadores de cortometrajes en cine y/o vídeo. www.certamencortossoria.org Certamen Nacional de Cortometrajes Aula 18 (Asturias) Certamen de cortometrajes donde el público oficia de jurado www.aula18.com ciemCine, Festival Nacional de Cortometrajes (Madrid) Certamen competitivo de Ciempozuelos, dedicado a cortos nacionales. www.ciemcine.com Cortocomenius (Valencia) Festival dedicado a la competición de cortos y videoclips. www.comenius.es/cortocomenius Certamen Audiovisual Thanatos (Sevilla) Concurso de cortometrajes en video. www.thanatosaudiovisual.com Certamen de Cine y Video Joven de Irún (Gipuzkoa) Certamen especializado en cortometrajes de ficción en cine y video. www.irun.org/igazte CURT FICCIONS - Muestra de Cortometrajes (Barcelona) Concurso y muestra de cortos de temática libre. www.curtficcionsyelmo.com Fancinegay.Com (III Certamen Gay Lésbico de Cine Comprimido) (Badajoz) Primer Certamen de Cortos de temática Gay y Lésbica hechos para Internet. www.fancinegay.com Fecinema - Festival de cine negro de Manresa (Barcelona) Festival de Cine dedicado al género negro www.cinemanresa.com FESCIGU Festival de Cine Solidario de Guadalajara (Guadalajara) Exhibición de cortometrajes a concurso rodeada de diferentes eventos. www.fescigu.com Fescurts (Barcelona) Muestra de cortometrajes y animación en Torelló. www.fescurts.com Festival de Cine de Huesca (Huesca) Festival internacional de cortometrajes, con 2 secciones oficiales a concurso www.huesca-filmfestival.com/ Festival de Cine de Pamplona (Navarra)

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Festival de cine comprometido, social y solidario que admite diferentes formatos cinematográficos. www.festivalcinepamplona.com Festival de Cine Digital de León (León) El CiLe da cabida a aquellos creadores que quieren promocionar sus cortos a través de Internet. www.cilefestival.com Festival de Cinema de Girona (Girona) Certamen que presenta cortometrajes realizados por mujeres en Europa y largometrajes y documentales de temática judía, entre otros. www.gironafilmfestival.com Festival de Cortometrajes de Aguilar de Campoo (Palencia) Festival de cortometrajes especializado en realizadores españoles. www.aguilarfilmfestival.com Festival de Cortometrajes de Manlleu (Barcelona) Primer festival de Cortometrajes de Manlleu. www.manlleu.org/Festival Festival de Cortometrajes Radio City (Valencia) Festival para cortometrajes hechos en vídeo. www.radiocityvalencia.com Festival Ibérico de Cine (Badajoz) Concurso de cortometrajes para producciones españolas y portuguesas. www.festivaldecine.com Festival Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao (Bizkaia) Competición de cine documental y cortometraje, con más de cuarenta ediciones www.zinebi.com Festival Internacional de Cortometrajes ACTÚA (Madrid) Un Festival que desde el año 2006 busca su expresión como palanca de movilización. www.intermonoxfam.org/cortosactua Festival Internacional de Filmets de Badalona (Barcelona) Certamen que exhibe cortometrajes de todo el mundo. www.badalonacom.com Festival Internacional de Jóvenes Realizadores de Granada (Granada) Festival competitivo de cortometrajes para jóvenes creadores. www.filmfest-granada.com FIC Móstoles - Festival Internacional de Cortometrajes (Madrid) Festival competitivo para cortos de realizadores españoles y europeos que se celebra en Móstoles. www.ficmostoles.com FICCAB - Festival Internacional de Cortometrajes de Benalmádena (Málaga) Exhibición de películas no comerciales. www.benalmadena.com/ficcab

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FICMA - Festival Internacional de Cine de Medio Ambiente (Girona) Festival de cine de medioambiente con proyecciones de cortometrajes y largometrajes. www.ficma.com IBERTIGO - Muestra de Nuevo Cine Iberoaméricano de las Palmas de G.C. (Las Palmas) Muestra de cine de ficción, documental y animación iberoamericano. www.ibertigo.com L’Alternativa - Festival de Cine Independent (Barcelona) Muestra independiente de cine innovador de todo el mundo. alternativa.cccb.org MECAL - Festival Internacional de Cortometrajes de Barcelona. (Barcelona) Festival de cortometrajes de animación, documental, anuncios, música y fotografía al aire libre. www.mecalbcn.org Mostra de Curtmetratges de Vilafranca - MCV (Barcelona) Eventoque pretende mostrar los mejores cortos españoles del año dentro de 3 secciones competitivas. www.cineclubvila.com Muestra de Cortometrajes de Pasaia Ikuska (Gipuzkoa) Muestra especializada en la exhibición de cortometrajes realizados en formato video. www.ikuska.net Visual Sound (Barcelona) Festival de Jóvenes realizadores de cortometrajes de Barcelona. www.bcnvisualsound.org Muestra de cortometrajes de Sagunto (Valencia) Muestra abierta de cortometrajes: corto profesional, corto de animación, corto amateur y documental. www.mostradesagunt.net Festival LA FILA de Cortometrajes (Valladolid) Varias categorías a concurso: ficción, documental, animación, Castilla y León y europeo. webs.ono.com/cine-lafila/ Festival Nacional de Cine de Jóvenes Realizadores Ciudad de Zaragoza (Zaragoza) Exhibición y concurso de cortometrajes. www.jovenesrealizadoreszaragoza.com Muestra de Cortometrajes FASCURT (Barcelona) Muestra que desde 2003 intenta ampliar los espacios de promoción y difusión del mundo del cortometraje así como los nuevos formatos. www.fascurt.com Muestra Internacional de Cine Latinoamericano de Lleida (Lleida) Festival de cine para producciones de América Latina www.mostradelleida.com

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Muestra Nacional de Cortometrajes de San Agustín del Guadalix (Madrid) Certamen de cortometrajes con temática de ficción que deben estar dirigidas a todos los públicos. www.vivalia.com/sanagustin Obuxo, Festival de cine extraño y de terror (Huesca) Festival-acampada con sección competitiva de cortometrajes de terror. www.obuxo.net Premios Siroco (Valencia) Concurso de cortometrajes en 35 mm dedicado al cine alternativo. www.premiossiroco.es REC - Muestra de Audiovisuales de Tarragona (Tarragona) Muestra abierta a cualquier tipo de género: cortometrajes de ficción, documentales o videocreación. www.festivalrec.com Sitges - Festival Internacional de Cine de Cataluña (Barcelona) Uno de los principales festivales europeos especializados en el género fantástico. www.cinemasitges.com Sólo para cortos (Barcelona) Festival internacional dedicado a cortos de temática social que se celebra en el distrito barcelonés de Nou Barris. www.soloparacortos.org

Aquí finaliza la parte teórica del curso, centrada como habrás podido observar en el apartado de narrativa visual. Pasemos ahora a la parte técnica. Comenzaremos analizando las características de la imagen de vídeo, el formato que hemos elegido para iniciarnos en el mundo del cortometraje, por su menor coste y gran facilidad de manejo. >> Capítulo 7: Características de la imagen de vídeo

Capítulo 7: Características de la imagen de vídeo Como comentábamos en anteriores capítulos, hemos elegido el formato vídeo para iniciarnos en la realización de cortometrajes porque es el más asequible. Rodar en cine resulta muy caro tanto por equipos como por gasto de celuloide, laboratorio, revelado, copias, etc. y esto imposibilita practicar "tirando" metros y metros de película. Sin embargo con una cámara de vídeo podemos grabar durante horas y repetir un plano cuantas veces queramos, lo cual en esta etapa de aprendizaje nos será sumamente útil. Si a eso añadimos la facilidad de montaje, está claro el porqué, de momento, el vídeo será nuestro formato. ¿Que es el vídeo? ¿En qué consiste?. Se trata, simplemente, de una onda eléctrica modulada y sincronizada. Las características físicas de esta vibración se traducen en las características visuales de la imagen en la que se transforma. Una ventaja del sistema de grabación en video, es que con un monitor convenientemente regulado, es posible hacerse una idea muy aproximada de la calidad de la imagen que se está grabando en el mismo instante en que se esta realizando el rodaje.

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Actualmente, la mayoría de las videocámaras tienen funciones automatizadas que ahorran el trabajo de estar continuamente certificando la calidad de la imagen grabada. No obstante el mejor ajuste puede depender del resultado que en cada momento se quiera obtener de la toma, es decir, puede ser una elección "artística". En la mayoría de las escenas, la apariencia de los rostros es una guía principal para ajustar la calidad de la toma final. Si consideramos la calidad de la imagen en un monitor de referencia, es imprescindible que el monitor que utilicemos esté convenientemente regulado. Así, en un monitor ajustado con poca luminosidad nos dará la impresión de que todas las tomas están subexpuestas, es decir, que no tienen la luz suficiente. La impresión de sobreexposición, o el exceso de luminosidad en la imagen puede ser resultado de un monitor de referencia erróneamente ajustado con demasiada luminosidad. Luminosidad: Característica de la señal de video en función de su amplitud eléctrica. Cuando no se reguló bien durante la grabación es muy difícil reestablecer en la señal valores correctos. Depende de la abertura del diafragma de la cámara. Normalmente automatizada, esta función permite añadir a la imagen efectos artísticos. Contraste: Determina la relación entre luz y sombras. Con un alto contraste, (imagen dura), las zonas claras serán más luminosas y las oscuras más sombrías; con contraste débil, las luces y las sombras se confundirán en sus tonos grisáceos. Saturación cromática: O cantidad de color. Importante para ajustar la imagen obtenida al original.

Tras conocer en qué consiste una señal de vídeo pasemos a estudiar un poco a la responsable de traducir a dicha señal las imágenes del mundo real que pretendemos capturar: la cámara. >> Capítulo 8: La cámara de vídeo

La recogida de la luz: óptica y distancia focal Para que la cámara funcione, del modo que antes se ha indicado, debe contener un medio de concentrar la luz reflejada desde la superficie de los objetos con el fin de crear una imagen. En las cámaras actuales, esta función la cumple la lente, una serie de cristales ópticos o de elementos plásticos consolidados y montados de tal manera que focalizan la luz en la superficie de los tubos de conversión de luz o de los chips. La lente está montada permanentemente en la parte delantera de las. Las tres características básicas de una lente son su distancia focal, su rango de enfoque y su apertura del diafragma. 1.-Óptica y distancia focal 2.-Foco y apertura de foco 3.-Profundidad de campo 4.-Consideraciones sobre óptica 5.-Perspectiva 6.-Consideraciones finales 1.- Óptica y distancia focal La distancia focal de una lente es la medida de la relación entre el diámetro de la lente y la distancia desde su centro óptico hasta el plano de enfoque (la superficie del chip sensor) normalmente unos pocos milímetros cuadrados. Es necesario recordar que cuánto más larga es la distancia focal mayor es el tamaño del sujeto y cuanto más pequeña tanto más pequeño parecerá el sujeto. Y al contrario, una distancia focal mayor proporciona espacio para menos sujetos en el encuadre y una menor permite incluir más sujetos en el encuadre.

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Además, cuanto mayor es la distancia focal, más comprimida parecerá la distancia desde la cámara ( también llamado eje Z ), y el movimiento delante de la cámara ( el eje X ) parecerá acelerado. Por contra, las distancias del eje Z cuando se usa una longitud focal corta parecerán mayores, y el movimiento en el eje X parecerá ralentizado. El resto de las características de las lentes que vienen determinadas por la distancia focal se explican más adelante. 2.- Foco y apertura de foco Foco La habilidad del objetivo para concentrar la luz reflejada desde un sujeto para crear la imagen más nítida posible se llama foco. Foco es un término relativo porque un objetivo está enfocado en una imagen cuando esa imagen aparece todo lo nítida y claramente posible en la superficie del chip sensor. Hay dos métodos independientes de enfocar una imagen y ambos deben llevarse a cabo adecuadamente para lograr una imagen nítida. El más obvio es el enfoque delantero. se consigue ajustando (normalmente girando el cilindro del objetivo) hasta que la imagen está enfocada nítidamente en un punto determinado detrás de la lente que se llama punto focal. El segundo es el enfoque trasero, que implica ajustar o el cuerpo del objetivo o la superficie del dispositivo de captación hasta que la imagen localizada a una distancia infinita de la cámara esté enfocada en la superficie del tubo de imagen o del chip. El enfoque trasero es un ajuste técnico y no hacen falta reajustes a menos que se produzca una sacudida o una vibración que lo desajuste. Enfocar una lente de zoom es más complejo que enfocar una lente de distancia focal fija. El objetivo zoom debe ser llevado hasta su máxima distancia focal, encuadrar y enfoca r en el sujeto en cuestión, y entonces llevar el zoom hacia atrás hacia el encuadre deseado. Todos los sujetos localizados a la misma distancia de la cámara que el sujeto original estarán enfocados. Un plano de un sujeto más cercano o más lejano de la cámara requerirá un reajuste. Apertura La tercera característica básica de un objetivo es su apertura. Para controlar la cantidad de luz que alcanza la superficie de los tubos o de los chips, un iris o apertura variable se construye dentro de la lente. En las primeras épocas de la fotografía, se desarrolló un sistema numérico que todavía está en uso, no solo en fotografía, sino también en cinematografía y vídeo. El tamaño cuidadosamente calibrado de la apertura se expresa con números llamados f-stops. El número es la relación de la distancia focal al diámetro de la apertura. Los puntos f -stop normalmente usados en videografía son f- 1. 4, 2, 2.8, 4, 5. 6, 8, 1 1, 16, y 22. Uno de los aspectos confusos de los puntos f -stop es que a medida que el número aumenta, la apertura disminuye, permitiendo que entre menos luz a través de la lente. Lo contrario también es cierto: cuanto más pequeño es el número f-stop, más luz pasa a través de la lente. Además, el término bajar un stop, significa cerrar la apertura, o incrementar el número; el término abrir el diafragma significa incrementar el tamaño de la apertura pero reduciendo el número f-stop. 3.- Profundidad de campo Cada una de las características previas de la óptica ( distancia focal, foco, y números f ) son herramientas que se usan para el control de la imagen que desea el realizador de video. La distancia focal determina cuántos sujetos, qué parte del sujeto y que tamaño del mismo, aparecerá en el encuadre. También puede alterar la apariencia del sujeto mediante la distorsión de su tamaño como se mencionó antes. El foco dirige la atención del que ve enfocando a los sujetos importantes y dejando fuera de foco a los sujetos menos relevante. El cambió de foco también puede guiar la atención del espectador de un sujeto a otro. Los números f-stop deben establecerse dentro de las limitaciones de la cámara y de la fuente de luz de manera que los tubos o los chips tengan suficiente luz para crear una imagen y no demasiada luz para que los chips o los tubos se vean sobrepasados en sus prestaciones. El ambiente y la hora del día aparentemente pueden ser alterados cambiando el número f-stop. Una leve exposición insuficiente puede dar la impresión del atardecer. Una ligera sobreexposición puede crear la impresión de un mediodía luminoso o producir una impresión alegre o cómica de la acción.

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Una cuarta característica de la óptica es la profundidad de campo que depende de las tres anteriores descritas. La profundidad de campo es la distancia desde la cámara en la que los sujetos aparecen con un foco aceptable. Esta distancia es un rango que depende de la distancia focal de la óptica, de su enfoque y de la apertura. Cuanto mayor es la distancia foca, más cercano es el punto en que está enfocado, más amplia la apertura, y menos profundo el campo. Lo contrario también es cierto. La profundidad de campo es muy importante cuando se trata de enfocar a sujetos en movimiento, como por ejemplo en el caso de los deportes, y también cuando los niveles de luz son limitados. La profundidad de campo también puede usarse creativamente para excluir a algunos sujetos situándolos fuera del enfoque pero dentro del encuadre. 4.- Consideraciones sobre óptica El objetivo clásico de una cámara de video es el de distancia focal variable o zoom.. Los objetivos zoom han sido hoy día muy perfeccionados y se los prefiere por su facilidad operativa y la buena definición que ofrecen en todo su recorrido. Tienen asimismo una abertura muy aceptable pese a la gran cantidad de componente ópticos con que están construidos. La abertura promedio es de f 1,4 y el recorrido focal más común es de 14 a 16 X, es decir, que la mínima distancia focal lograda por un objetivo en posición gran angular puede aumentarse entre 14 o 16 veces cuando se lleva a la posición de teleobjetivo. Hay requerimientos, como la retransmisión de un espectáculo deportivo, que obligan a utilizar objetivos zoom cuyo recorrido supera valores de 50 X. También el teleobjetivo puede ampliarse con una amplificación digital de la imagen. Las cámaras modernas posibilitan la automatización de los parámetros de las ópticas. No obstante es conveniente para el operador conocer estas características, a fin de utilizarlas manualmente cuando se quiera conseguir un efecto especial. 5.- Perspectiva Influyen fuertemente en la interpretación del espacio. Cuando el ángulo del objetivo y nuestro ángulo visual respecto a la imagen son similares, hay una perspectiva natural, que da las proporciones e impresiones semejantes a las de la vida cotidiana. Cuando una cámara se mueve hacia un objeto para obtener una imagen mayor ( por ejemplo, un plano más próximo ), la perspectiva permanece inalterable, las proporciones de los objetos son compatibles aunque sus posiciones relativas y cambios espaciales cambien conforme al movimiento. Por el contrario, si se utiliza el zoom, lo único que hacemos es variar el poder multiplicador del objetivo, por lo que desaparece la perspectiva natural. Aunque reduciendo el ángulo del objetivo, es decir, aumentando la distancia focal se puede llenar la pantalla con la imagen de un objeto lejano, dando la impresión de que está próximo, la imagen resultante no da la impresión de que se produzca por aproximación de la cámara. En su lugar, los objetivos muestran características que se asocian al concepto "distancia": la profundidad en la imagen parece reducida, y con frecuencia se produce solapamiento de planos. 6.- Consideraciones finales Cuando se mueve un objetivo zoom lo menos violento para el espectador, a no ser que se quiera producir un efecto predeterminado, es que el comienzo y el final del movimiento sean suaves y paulatinos. Los objetivos profesionales tienen un recubrimiento en el elemento frontal y sólo deben limpiarse cuando es absolutamente necesario. Los objetivos se limpian primero con aire comprimido o algun tipo de pera de aire. Si no hay manchas o marcas de dedos esta limpieza es suficiente. En caso de que existan se deberá continuar la limpieza con líquido y papel o gamuza para limpiar objetivos. Una limpieza " en seco " puede rayar, auque sólo sea imperceptiblemente el cristal exterior del objetivo de por vida. Una práctica continuada de esta forma de limpieza acabaría por envejecer ostensiblemente la óptica.

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El campo cubierto por un objetivo se mide por los grados del ángulo que forman los rayos de luz más extremos que circundan su pwerímetro y que convergen en una parte de la unidad óptica. Los objetivos normales cubren un campo medio y proporcionan uimágenes, que por su relación con la superficie de la misma son semejantes a las proporciones de la visión humana. Los objetivos gran angulares abercan un extenso campo de visión, loq ue ofrece una considerable reducción de los elementos que componen la imagen. Los teleobjetivos, por lo contrario, cubren un extrecho cam,po, brindando una considerable amplificación de los sujetos captados. La consideración final respecto al equipo de iluminación es, en realidad, una parte de la operación de cámara, pero el problema empieza con la fuente de luz. No todas las fuentes de luz son iguales en su color real. El ojo y la mente humana compensan esta variación creando la ilusión de que la luz, dentro de un cierto rango, parece blanca. La medida real del color de la luz se hace en grados Kelvin, una medida basada en el color del carbón calentado y medido a determinadas temperaturas. Cuanto más baja es la temperatura Kelvin, más amarillo rojizo será el color de la luz. Cuanto más alta la temperatura kelvin, más azul será la luz. Cuanto más baja la temperatura Kelvin, más "caliente" el color, y cuanto más alta más "frío". El factor crítico referente a la temperatura de color es que la cámara vea y reproduzca el color real de la fuente de luz tal y como se refleja desde los sujetos. Una cámara electrónica puede ajustarse para compensar cualquier variación en la temperatura a través del proceso del "balance de blancos". Sin embargo, para iluminar adecuadamente una escena, deben utilizarse fuentes de luz con un equilibrado de color consistente. Los colores de lámparas profesionales están estimados de manera precisa, pero durante el rodaje, puede uno encontrarse en un ambiente donde las fuentes de luz no están controladas. La luz incandescente doméstica es más cálida que la luz de estudio. La luz fluorescente de oficina es más azul y más verde. Si se rueda al lado de una ventana, la luz que entra no concordará con la temperatura de las lámparas de producción. Esta situación se denomina iluminación mixta. Cuando se ilumina, es necesario tomar en consideración la temperatura de color de las fuentes de luz disponibles midiéndolas con un termocolorímetro, o bien consiguiendo que todas las fuentes de luz tengan la misma temperatura de color. Como norma general, si se rueda con luz incandescente de estudio hay que usar el filtro de 3.200º K y, en caso de hacerlo con luz natural el filtro indicado es el de 5.000ºK.

Con nuestras imágenes ya grabadas, tenemos que plantearnos volcarlas en algún sistema de almacenaje. Esto nos lleva a los diferentes formatos de vídeo. >> Capítulo 9: Características de los formatos de vídeo

Capítulo 9: Características de los formatos de vídeo Una vez estudiada la óptica de una cámara de video, la siguiente parte del sistema en la que conviene detenerse es en el proceso electrónico para el almacenaje de la señal de video. Esta sección de la cámara se denomina unidad electrónica, y está compuesta por los circuitos integrados que actúan en la amplificación y procesado de las señales y el gobierno del equipo en todas sus funciones. En los orígenes del sistema de video, todavía no existían los actuales aparatos magnetoscopios, ya que no se había presentado una necesidad real de conservar el material televisado. El desarrollo de la televisión, y la diferencia horaria en paises como Estados Unidos, creó la necesidad de grabar lo televisado y desde ese momento a la implantación de los modernos sistemas de grabación digital sólo han transcurrido unas décadas. En un principio se utilizó el soporte cinematográfico, pero contaba con muchos inconvenientes. Por eso se buscó un sustituto acorde a las características de la imagen electrónica. Y en esa búsqueda,

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el camino natural fue el estudio de las posibilidades de la cinta magnética como método de registro de la imagen por métodos similares a los utilizados por el sonido. Fue en 1956, después de largas investigaciones, cuando una pequeña empresa de California, la Ampex Corporation presentó en una convención de la ciudad de Chicago, un aparato que registraba la imagen y el sonido de una emisión de televisión. En este primer formato, las cabezas del magnetoscopio giraban a 255 r.p.s., producían 25 imágenes por segundo y grababa programas de una hora con 1.500 metros de cinta. Cuando la cámara de video, como ocurre en la mayoría de los equipos actuales, incorpora en su estructura un magnetoscopio para conservar la señal de video, pasa a denominarse camascopio. El cabezal de video de este magnetoscopio puede tener un número variable de cabezales ( normalmente 2 o 4 ) que se ubican en la hendidura de un tambor, dentro del cual giran. Este tambor es abrasado por la cinta que sale del cassette y es transportada por el mecanismo. En su rotación, las cabezas de video graban en la emulsión ferromagnética de la cinta, una señal que ordena las moléculas de la emulsión en ese punto específico y de acuerdo a su especial modulación. Estas pistas invisibles se registran en forma transversal a la longitud de la cinta y paralelas entre si. Este sistema se denomina helicoidal, se ha estandarizado para todos los formatos y fue adoptado hacia principios de la década de los ochenta para sustituir al primitivo método de registro longitudinal que consumía mucha cinta. La grabación de las cabezas de audio se registra en otro cabezal, donde las cabezas están fijas y las señales se imprimen en pistas paralelas al borde de la cinta. En la cinta también se graban pistas para las señales de sincronismo que regulan la precisión y velocidad del pasaje de la cinta por el equipo. Como ocurre en otros muchos sistemas electrónicos, a veces, en el consenso en cuanto al uso de un formato, se produce por una presión comercial de una determinada empresa en detrimento de algún otro con mejores prestaciones y menor implantación industrial. Los principales utilizados en el campo semiprofesional y profesional son los siguientes: 1.- Tipos de formatos ¾ de pulgada U-matic ( 19 mm ) - Sistema desarrollado en 1969 por Sony Corporation. - Exploración helicoidal. - Casetes para 10 a 60 minutos ( 20 minutos máximo en los equipos portátiles ). - Dos pistas de audio y una de control. - Cassettes de 222 x 140 x 32 mm. VHS ( 12,7 mm ) - Sistema desarrollado en 1976 por JVC. - Dimensión del cassette 188 x 104 x 25 mm. - 250 líneas de resolución horizontal. - Pistas de audio : dos. Super VHS ( 12,7 mm ) - Sistema desarrollado en 1987. - Posibilidad de registrar audio digital o dos canales extras de audio Hi-Fi. - Sistema semiprofesional desarrollado por JVS y adoptado por otros fabricantes. - Más de 400 líneas de resolución horizontal. - Requiere el empleo de cassettes con cinta especial. - Separación entre las señales de luminancia y crominancia. Video 8 ( 8 mm ) - Sistema desarrollado en 1982 en base a un acuerdo entre varios fabricantes. - Sus posibilidades ampliaban la calidad del VHS para el mercado doméstico y permitían un empleo semiprofesional. - Dimensión del cassette: 90 x 62 x 15 mm. - 400 líneas de resolución horizontal. - Actualmente desplazado por el sistema HI 8. Hi8 - Formato introducido por Sony hacia 1989. - Más de 400 líneas de resolución horizontal. - Separación entre las señales de luminancia y crominancia.

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- La duración de los cassettes alcanza las dos horas. - Sonido de alta calidad. Betacam - Sistema puesto en el mercado por Sony en 1982 y de amplio uso profesional para todo tipo de requerimientos. - Uso de cabezas independientes para las señales de crominancia y luminancia. - 124 minutos de registro máximo. - Sistema de monitorizado de imagen y sonido en el camascopio. - Inserción del código de tiempo en los camascopios. Formato DV - Sistema que convierte las imágenes captadas por la óptica de la cámara a formato digital. - Ha democratizado el acceso del aficionado a un sistema de vídeo de alta calidad y bajo precio. - Incluso en su gama baja supera la calidad del Hi 8 y el S-VHS. - Dentro de la gama profesional su textura puede asemejarse a la del cine. - Gran autonomía y manejabilidad. - Sistema de monitorizado de imagen y sonido en el camascopio. - Inserción del código de tiempo en los camascopios. - Se puede volcar a un PC o Macintosh y editar fácilmente con programas como Adobe Premiere o Final Cut.

Una vez conocidos los sistemas de almacenaje de vídeo más populares, pasemos a estudiar uno de los puntos más delicados a nivel técnico de la realización de un cortometraje: la iluminación.>> Capítulo 10: La iluminación. Elementos fundamentales

Capítulo 10: La iluminación. Elementos fundamentales

La cámara de video sólo puede manejar contrastes relativamente limitados de tonos y requiere una exposición cuidadosamente controlada, para producir la más alta calidad de imagen. En exteriores, puede que sea necesario en alguna circunstancia aumentar la cantidad de luz del ambiente, o eliminar sombras de determinadas zonas. La iluminación ayuda a crear una ilusión tridimensional, acrecentando las impresiones de distancia, solidez y forma. Puede crear un determinado efecto ambiente, estilo o disposición de ánimo. Es de estudio aparte, por su especialización, pero a nivel muy general puede condensarse en unas normas básicas. 1.-Elementos fundamentales 2.-Tipos de luz en función de su dispersión

1.- Elementos fundamentales Iluminación de una superficie plana Para la iluminación de una superficie plana la luz más adecuada es una de haz concentrado que permita dirigir la iluminación. Para evitar sombras, reflejos y evitar que se pongan de relieve irregularidades de la superficie normalmente se utilizan dos fuentes de luz opuestas en 45 grados. Una luz suave, siempre que sea posible disminuye todos estos efectos.

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ILUMINACIÓN DE UN OBJETO Luz principal. Es la luz principal o dominante en el sujeto. No es necesariamente la más brillante. Es la luz que modela, forma y define el sujeto. Si una persona tiene una sola luz sobre ella, es por definición la principal. Esta es una luz "predominante", por lo general de haz concentrado, que se suele colocar en una posición frontal y cruzada ( aunque no necesariamente ). Esta luz crea las sombras principales; pone de manifiesto la forma, la disposición y la textura de la superficie, e influye ampliamente en la exposición. Luz de relleno Es una luz suave y que no produce sombras, reduce el contraste entre las partes más iluminadas y las más oscuras, permitiendo que se vea el detalle en las sombras. Cualquier luz que equilibre la luz principal se denomina de relleno. Contraluz Es una luz rebordeadora desde detrás del sujeto, que lo separa del fondo. Ayuda a poner de manifiesto los contornos y la transparencia. Luz de ambiente El ambiente es o una luz base envolvente sobre la que nosotros iluminamos o una luz general, un relleno sin dirección fija. El ambiente en exteriores puede ser la luz de día reflejada por el cielo y los alrededores. En una sala el ambiente puede ser un relleno general, rebotando una luz contra un techo blanco.

2.- Tipos de luz en función de su dispersión Luz suave Es una iluminación difusa y sin sombras que se obtiene mediante fuentes de luz amplia, luz reflejada sobre un área extensa o cielo nublado. Produce gradaciones tonales intermedias delicadas y sutiles. Puede iluminar las zonas sin generar nuevas sombras adicionales. Sus inconvenientes son que se esparce por todas partes, esto es, no se puede dirigir. Puede crear una iluminación plana, aplastada y carente de relieve. Luz dura Es una iluminación muy direccional que produce sombras pronunciadas. Se obtiene con fuentes de iluminación puntuales o con luz directa del sol. Este tipo de luz produce un efecto de recorte del sujeto neto y bien definido, sin embargo el paso de la parte luminosa a la oscura es muy abrupto y seco. Puede, por tanto, producir sombras poco atractivas y falsas. Aparecen sombras múltiples cuando el sujeto se ilumina con más de una fuente luminosa. Luz rebotada o indirecta Es una iluminación indirecta que complementa a la luz principal y que incide en el sujeto rebotada contra un reflector (un panel blanco, papel de plata...).

A continuación, abordaremos uno de los grandes temas olvidados en el mundo del corto amateur: el sonido. Cuántos cortometrajes prometedores se han malogrado por descuidar este aspecto esencial... >> Capítulo 11: El sonido

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Capítulo 11: El sonido

Cuando se prepara el rodaje (grabación en nuestro caso, ya que trabajamos en vídeo) de un cortometraje, documental o videocreación, normalmente, un director amateur cuidadoso intenta prestar atención al menor de los detalles: - Se rodea de un buen equipo. - Intenta contar con la mejor cámara que pueda conseguir. - Junto al equipo de producción (que a menudo se reduce a sí mismo), alquila los focos, crea los decorados y consigue el atrezzo y el vestuario. - También diseña un buen storyboard que asegure un rodaje fluido en el que ningún plano necesario se quede en el tintero. - Trabaja con los actores para que sus interpretaciones se acerquen lo más posible a lo que tiene en mente... En resumen, dedica horas y horas de preparación y esfuerzo antes del rodaje para que una vez inmerso en la locura de planos, repeticiones, cambios de iluminación, etc. nada quede al azar. Sin embargo, hay una parte del proceso creativo que queda increíblemente a menudo desatendida: el sonido. Los directores de cortometrajes primerizos, obsesionados con la imagen y con la brillantez estética, pasan de largo frente al tema del sonido pensando que lo que ellos oyen es lo que queda registrado. Dejadez, inexperiencia o ignorancia, poco importa. Todos hemos revisado con horror los planos duramente grabados, tras una jornada de trabajo, para descubrir un molesto zumbido que interfiere en la conversación de los protagonistas, el ruido de una moto que nadie oyó durante la escena principal pero que quedó grabada a un volumen que la convierte en la estrella de nuestro corto, etc... Solución ante un sonido nefasto: Volver a grabar los planos (cosa imposible casi siempre por motivos de tiempo y dinero) o doblar el cortometraje, lo que le quitará frescura y alejará el resultado final de lo que nosotros queríamos. Para evitar estas pequeñas "tragedias", te recomendamos que sigas estos consejos: 1.- Nunca digas "en este plano el sonido no importa, podéis hablar". Es la mejor forma de tener una bonita colección de planos con sonido inservible cuando acabe el rodaje. Además, el silencio es esencial a la hora de conseguir un mínimo de concentración. Dar vía libre a la charla y a los móviles encendidos, durante la grabación, provocará una progresiva relajación del equipo. Esta relajación es más patente si cabe en los actores que, al ver que el equipo considera este tipo de planos "menos importantes", descuidan también su interpretación y no mantienen la tensión necesaria. Esto provoca, a veces, que un plano inservible a nivel sonoro se convierta también en un plano inútil a nivel visual. Resultado: hemos perdido el tiempo al grabarlo. Muchas veces, se graba un plano sin sonido porque se va a usar como simple inserto y se pretende usar el sonido del plano principal. Grave error: en muchas ocasiones, el sonido del plano principal no encaja con el del inserto. Entonces, desearías haber grabado correctamente ese plano "secundario" para poder usarlo con su propio sonido perfectamente registrado. 2.- No grabes directamente con el micrófono de la cámara. Las cámaras digitales también hacen ruido y queda registrado. Tal vez, en un plano muy cercano pueda servirte pero, en un plano general, grabarás todo tipo de sonidos y con suerte, entre ellos, la voz de tus actores. Utiliza un micro direccional conectado a la cámara y sujeto en una pértiga que permita dirigirlo a los actores y captar con nitidez sus voces. Para planos muy generales, que delatarían la presencia de la pértiga, usa micros escondidos o inalámbricos. Si es posible, además, pasa la señal de audio por una mesa de mezclas y grábala en

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un DAT. 3.- Los auriculares son imprescindibles. Una cosa es lo que nosotros oímos en el set de rodaje y otra es lo que registra el micrófono. Lo que se oye por los cascos "va a misa". El operador de sonido debe ir siempre provisto de auriculares. De lo contrario, su opinión sobre si una toma es buena o no, a nivel de sonido, será tan poco de fiar como la del responsable de catering. 4.- Los sonidos especiales, se añaden en postproducción. No te obsesiones con grabar, al mismo tiempo que las voces de los actores, un timbre de teléfono, el audio de un televisor que suena, un disparo, etc... Todos esos efectos especiales de sonido los añadirás durante el montaje. Por ejemplo, si quieres grabar una conversación entre dos personajes en un bar lleno de gente y quieres que se oiga el murmullo de dicha gente, tienes dos formas de hacerlo: 1ª forma: Los actores hablan, la gente habla y tu micrófono recoge el sonido de ambos. Resultado: en la mayoría de los casos, se oirá un ruido ininteligible, a no ser que utilices varios micrófonos y tras varias pruebas consigas el nivel de volumen óptimo en el murmullo de los clientes del bar. Desventajas: se pierde mucho tiempo y si sale mal, estás vendido (no quedándote otra opción que recurrir al temido doblaje). 2ª forma: Los actores hablan, la gente finge que habla y tu micrófono recoge el sonido de los actores. Resultado: tendrás una conversación grabada nítidamente. Después, sólo tienes que grabar aparte el murmullo de la gente, ponerlo de fondo et voilà... la magia del cine triunfa una vez más. Para crear sonidos especiales, dispones de excelentes bibliotecas de sonidos libres de derechos, en las que puedes encontrar prácticamente cualquier cosa que se te pase por la cabeza: desde el estruendo de un avión a reacción al aleteo de un colibrí. Si te gusta el bricolaje sonoro, tu mismo puedes "fabricar" tus propios efectos especiales de sonido haciendo uso de tu imaginación (si unos cocos pueden simular el trote de un caballo, un plástico arrugado con habilidad puede pasar perfectamente por el crepitar de unas llamas....). 5.- La música tiene un valor expresivo No hagas videoclips si lo que pretendes es contar una historia en formato corto. La música no es un relleno sino que sirve para subrayar estados emocionales dentro de tu narración. Si es posible, intenta que sea original. Si conoces algún músico, cuéntale tu historia, dile que quieres expresar en cada momento y confía en que sea capaz de trasladarlo a un pentagrama. Si no te queda más remedio o necesitas una canción concreta porque es fundamental en tu historia, utiliza música ya existente pero cuidado: ponte en contacto con el dueño o representante de sus derechos de autor para que te permita usarla. Tener que cambiar toda la banda sonora por utilizar ilegalmente una canción puede ser bastante frustrante... y fácil de evitar.

Con el apartado de sonido, terminamos este curso "Cómo hacer un corto". Esperamos que te haya sido de utilidad.

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Por Cristina Barcelona

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Marc Anthony Hoy por hoy uno de los más representativos de la música llamada "SALSA" ritmo espectácular y sugerente nacida en New York con raíces de Cuba y Puerto Rico... hablamos de Marco Antonio Muñíz Ruiz Rivera, mejor conocido por su nombre artístico como: Marc Anthony quien nació un 16 de septiembre del año 1968 en la ciudad de la gran manzana, como se le llama a Nueva York. Marc Anthony, es un cantante estadounidense de ascendencia puertorriqueña. Sus canciones van desde salsa, pasando por el bolero y el pop. En su vida privada ha habido muchos sucesos, todos fruto de la pasión que destila en sus canciones, quién comenzó cultivando el género del bolero el mismo que domina a la perfección por su tremenda facilidad de interpretación y su inigualable e insuperable voz. Marc Anthony de físico muy menudito solía llevar la cabellera larga, sus típicos lentes o gafas a lo John Lennon, acepta participar con su amiga la estadounidense conocida como La India en la interpretación de un tema que lo catapultó al mundo que comenzó a mirarle con muy buenos ojos, el tema "VIVIR LO NUESTRO" cuyo compositor es el panameño Basilio. En este tema en particular se pudo apreciar en el escenario a un cantante de cantantes haciendo un despliegue insuperable en la interpretación y su calidad vocal sin precedentes. De pronto sus interpretaciones comenzaron a fluir temas de tremenda calidad, interpretación, realización musical y fue extendiéndose su fama como pólvora cruzando todos los continentes, su versatilidad lingüística en su dominio del inglés

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le ayudaba mucho a conquistar dicho mercado. Temas como "YO QUE TE CONOZCO BIEN" o "YO NO NACI PARA AMAR" entre otros se volvieron temas muy solicitados en todas las radio locales de todo el mundo, igualmente su presencia en los escenarios internacionales. Lo que no todos sabían era su faceta de actor ya que el venía incursionando como actor en muchas películas de Hollywood como extra, secundario y una con el no menos famoso artista DENZEL WASHINGTON, DAKOTA FLEMMING y varios más. Posteriormente MARC ANTOHONY comenzó a sonar mucho en las revistas de Cotilleo Artístico y Farándula internacional al contraer matrimonio con la bellísima Miss Universo 1993, Dayanara Torres, con la que tuvo dos hijos: Ryan y Cristian. Entre el nacimiento de ambos hijos hubo crisis en la pareja, se corrían rumores de cierto romance entre él y la archiconocida cantante estadounidense Jennifer López tras protagonizar un video clip musical en donde ambos interpretan el ahora clásico de la salsa "NO ME AMES", lo que provocó la separación de la misma. Posteriormente Jennifer vuelve a pedirle su ayuda para producir la canción Sway para la banda sonora de la película Shall We Dance?. Su amistad con Jennifer López se convirtió en amor y el 5 de junio de 2004 se casaron en la lujosa mansión que tiene Jennifer en Miami, confirmando así los rumores que los relacionaban sentimentalmente. Marc Anthony confesó que siempre ha estado enamorado de Jennifer y que ella es la misteriosa Lola a quien dedicaba varios de sus discos y canciones. Jennifer López produce y lleva al cine la vida de HECTOR LAVOE otros de los grandes de la salsa conocido como "EL REY DE LA PUNTUALIDAD" ubicando a su esposo Marc Anthony como Héctor y ella como la esposa del sonero conocida como

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"Puchi”. En 2007 Marc Anthony debutó como productor de otro artista, participando activamente en la composición, producción y coros del primer disco en español de su esposa Jennifer López llamado "Como Ama Una Mujer", que debutó Nº1 en ventas de la prestigiosa revista Billboard. Además, ese mismo año, Marc lanzó su nuevo disco "El Cantante" que contenía los temas de la banda sonora de la película del mismo nombre protagonizada por él; este disco se convirtió en un éxito de ventas debutando también en el Nº1 de Billboard. Marc y Jennifer López salieron de gira por Estados Unidos en los meses de septiembre, octubre, y noviembre de dicho año, teniendo un éxito inusitado y al final del último concierto de la gira, que fue ofrecido en la ciudad de Miami, Jennifer anunció al público que estaba embarazada y Antonhy besó su vientre ante la emoción de los miles de fans presentes. El 22 de febrero de 2008 Jennifer dio a luz a gemelos. Cristina Barcelona http://www.casting-virtual.com/profile/CRISTINABARCELONA

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Á n g e l R o m e r o F l o r e s Actor

Nombre y apellidos Ángel Romero Flores Lugar y fecha de nacimiento Santanyí (Illes Balears), Marzzo 1965

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Formación académica 2009 Preparación al casting. Andrés Cuenca. Espacio Puenteaerea. Madrid. 2001 Interpretación Audiovisual Avanzada. Eva Lesmes. Unión de Actores y Comunidad de Madrid. 2000-01 CAP (Certificado de Aptitud Pedagógica). Instituto de Ciencias de la Educación. Universidad Complutense de Madrid. 1997 Interpretación Audiovisual. Mariano Barroso. Unión de Actores y Comunidad de Madrid. 1995-99 Licenciatura en Filología Inglesa. Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Alicante. 1992-96 Interpretación. Escuela de Formación y Entrenamiento para Actores Cristina Rota, Madrid. 1985-87 Interpretación. Escuela Superior de Arte Dramático, Murcia. Formación Complementaria 2007 Taller de edición de video Adobe Première CS3 Pro. El Almacén de las Artes. El Astillero, Cantabria. 2007 Jornadas de Cine y Juventud en torno al Patrimonio. Consejería de Relaciones Institucionales y Asuntos Europeos. Dirección General de Juventud. Santander, Cantabria. 1990 Commedia dell’Arte. Curso a cargo del “Col.lectiu Sindicat del Riure” de Barcelona, en Alicante. 1990 Narración Oral Escénica. Curso a cargo de Francisco Garzón Céspedes, Alicante. 1989 Monstruos y Máscaras en el Teatro. Cursillo a cargo del grupo La Carátula de Elche, Alicante. 1989 Maquillaje. Cursillo a cargo de la profesora Paz Sánchez, Alicante. 1989 Canto y Voz. Cursillo a cargo de la profesora Ana Ricci, Alicante. 1988 Técnicas de Voz. Cursillo a cargo de José Valtierra, profesor de Técnica Vocal y Ortofonía de la RESAD de Madrid, Alicante. 1988 Bailes de Salón. Cursillo a cargo de Xavier Tur, bailarín profesional, Alicante. 1987 Danza Contemporánea. Curso a cargo de la profesora

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Ragna Llopis, Alicante. 1987 Interpretación. Curso a cargo del profesor y director teatral Juan Luís Mira, Alicante. 1986 Iniciación Teatral. Curso a cargo del profesor Juan Pedro Aguilar, Alicante. 1983-84 IV Curso de iniciación al cine amateur. Cátedra de cine de la Caja de Ahorros de Alicante y Murcia. Idiomas Inglés, castellano y catalán. Experiencia Televisión 2005 Al filo de la ley, TVE. Capitulo: “Contra las cuerdas”. Dirección: José María Caro. 1998 Un Millán de cosas, Tele 5. “Chirigota”. Dirección: Carlos Gutiérrez. 1998 Tío Willy, TVE. Capitulo 5. “El día que me quieras”. Dirección: Pablo Ibáñez. 1998 Todos los hombres sois iguales, Tele 5. Capitulo 59: “El embarazo no es cosa de hombres”. Dirección: Jesús Font. 1997 El súper, Tele 5. Capitulo 267: Dirección: Orestes Lara. 1997 En plena forma, Antena 3. Capitulo 3: “No me llames cariño”. Dirección: Carlos Serrano. 1997 Inquilinos, Canal 9. Capitulo 33: “La boda de Chema”. Dirección: Alejandro Rojas. 1997 Gracias por todo, TVE. Dramatización: “A su nuera”, Videomedia. Dirección: Antonio Hens. 1995 Hermanos de leche (Parte III), Antena 3. Capitulo 24: “Viejos conocidos”. Dirección: Pablo Ibáñez. 1994 Sinceramente tuyo, Antena 3. Dramatización: “El seropositivo”, Videomedia Teatro 2000 Amén de Ángel Romero. Teatro de Las Aguas, Madrid. 1999 Si me dan a elegir de Helena Castañeda. Teatro de Las Aguas, Madrid.

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1996 Katársis del Tomatazo. Sala Mirador, Madrid. 1995 El Epitafio de Jorge Díaz. Sala Mirador, Madrid 1993 Tal Como Somos. Grupo Cromosomos. Circulo de Bellas Artes, Berlín. Cabaret, Why Not, Cuarta Pared y otros. 1991 Volpone de Ben Jonson. Aula de Teatro de la Universidad de Alicante. Dirección Juan Luís Mira. 1989 Manual para jóvenes suicidas de Darío Fo. Aula de Teatro de la Universidad de Alicante. Dirección Juan Luís Mira. 1988 Ubu, Director General de Alfred Jarry. Aula de Teatro de la Universidad de Alicante. Dirección: Juan Luís Mira. 1987 La cabeza del dragón de Ramón del Valle-Inclán. Grupo Los Delfines, Liceo Francés, Alicante. Dirección: Conchita Molina. 1987 En la red de Alfonso Sastre. Grupo Sombras, Alicante. Dirección: Conchita Molina. 1986 La madre que te parió de J. L. Alegre Cudós. Grupo Sombras, Alicante. Dirección: Conchita Molina 1986 Homenaje a Federico García Lorca. Grupo Los Garabatos, Liceo Francés, Alicante. Diseño de luces y técnico de iluminación. 1986 Dios de Woody Allen. Grupo En la punta de la Lengua, Alicante. Dirección: Christine Mazeau. 1985 An Inspector Calls de J. B. Priestley. Depto. de Filología Inglesa de la Universidad de Alicante. Dirección: Asunción Alba. 1984 El fantasma de Marsella de Jean Cocteau. Quadre Artístic Casal d’Alcoi., Alicante. Dirección: Tonín Oltra. Cortometrajes 2000 Okúpate de Felipe Yagüe y Víctor M. Giraldo. Cortometraje. 2000 91/ Muere de Manuel Zamora. Cortometraje. 1998 Cohabitaciones de Sergio Primicia y Susana Heras. Cortometraje. 1997 Al rojo vivo de Raúl Muñoz. Cortometraje. 1995 Muérete y verás como llevo razón de Alfonso Horcas. Cortometraje. Publicidad y Vídeo 2007 Consejo Regulador de la Sidra. Anuncio para TeleAsturias. 1994 Mi ordenador personal de Jorge Yáñez. Video interno para el INEM de la Comunidad de Madrid.

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ﾃ］gel Romero Flores en Casting-Virtual http://www.casting-virtual.com/profile/AngelRomeroFlores

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La Ciudad de la Sombra Por Vicente Nondedeu En Junio del 2009 apareció en varios medios de prensa las deficiencias que presentaba La Ciudad de la Sombra, perdón, de La Luz, y un manifiesto firmado por Un grupo de profesionales del audiovisual alicantinos, con el productor y músico Xavi Tello a la cabeza, y 61 firmas más, que emitieron un comunicado en el que denunciaban la «deficiente» situación de los estudios Ciudad de la Luz, y las «escasas» oportunidades que se les ofrecía a los alicantinos. Dado los últimos acontecimientos en torno a la Ciudad de la Luz, este manifiesto se nos antoja ya desgraciadamente para todos tan antiguo como las radios de galena. La Ciudad de La Luz, ese macroproyecto político del Partido Popular –que tanta miseria, tanta cochambre y pobreza y tanto ninguneo ha volcado sobre Alicante- encaminado a ganar elecciones a toda costa con el beneficio

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paralelo del pelotazo industrial y urbanístico huele a podrido. Olor nauseabundo (apreciable solo para quien tenga buen “olfato” que llega a todos los rincones del tejido industrial alicantino, tan esperanzado al principio de que los estudios de cine en nuestra localidad iban a crear puestos de trabajo no solamente a actores y actrices, si no también a técnicos de todo tipo como electricistas, carpinteros, cerrajeros, vestuario.. Báh, paparruchas. ¿Pero quién se cree a estas alturas todas las mentiras que nos ponen delante del silencio hermético que envuelve al misterio de la Ciudad de la Luz? Aún recuerdo yo en el año 2001, siendo amigo del flamante concejal del Ayuntamiento de Alicante por el Partido Popular Juan Seva al que le pedí me presentara a quien entonces dirigía el complejo (y vaya si complejo) cinematográfico el Señor Rodríguez Galán. Le cambió la cara al señor Seva al tiempo que me respondía “Nó, no. 185

Ahí no se puede entrar es muy difícil, yo no conozco a nadie…”. Yo iba por aquel entonces con mi proyecto de “Casting-Virtual Directorio de Artistas” bajo el brazo de iluso emprendedor. Idea original de Rafael López, un eldénse que llegó a cuajar una idea de la que se hizo eco la prensa nacional y que pretendía convertirse en la herramienta de trabajo de la Ciudad de la Luz, que aún era un proyecto negro sobre blanco. Rafael López fue más inteligente que yo. Se dedicó al porno, yo a desarrollar CastingVirtual. Cuando nadie en Alicante tenía ni pajorera idea de lo que era una filmcomission, Casting-Virtual ya figuraba como soporte para rodajes en España en la web http://www.kftv.com/. Raudo me dispuse a ofrecer mi proyecto a los estudios recién inaugurados. Nada. Ninguneo. Diálogo entre montañas. Hermetismo, imposible entrar. Luego llegaría Elsa Martínez y sus modelitos de pasarela, y el resto desgraciadamente si leen la prensa ya lo conocen: Elsa Martínez destituida, La Ciudad de la Luz embargada, La Ciudad de la Luz en venta. Vergüenza me da, de verdad se lo digo. Pero no pasa nada, ya están todos y todas más que colocados y recolocados en productoras y subproductoras, y subproductoras de

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subproductoras, en aguas dulces y amargas y otras hierbas de la misma especia. Dios los cría y ellos se juntan, y para ellos solos el pastel, hasta el ínclito José Antonio Escrivá, que fue destituido como director del festival La Mostra de Valencia por contratar servicios con una empresa de su propiedad y que ahora dirige La Ciudad de La Luz que está en venta. Solo nos queda la esperanza de que la Ciudad de la Luz sea adquirida por un lúcido inversor, conocedor del medio y de la industria, y que empiece a mover los estudios como los políticos no han querido o no han sabido hacer, y empiece a animar a un tejido industrial alicantino empobrecido por la gestión de los populares desde Valencia. Aunque lo porvenir pueda ser aún peor, y la compre un grupo inversor de la órbita del Partido Popular, como ya dicen las malas lenguas- entre unas gestiones más oscuras y opacas todavía que las que La Ciudad de La Luz proyecta sobre las lomas de Aguamarga. Desde luego aquí ha habido cámaras y acción, pero pocas luces. Y sombra, mucha sombra. Yo me pensaría muy mucho darles el voto a estos señores. Vicente Nondedeu

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