Cat Rock Magazine #001 by Cat Rock

Cat Rock Magazine #001

CEO Fundador Ángel Arenas

Diseño Editorial Avril Rentería & Saraí Martínez

Coordinador editorial Miguel Vargas Olvera

Foto de portada Rey Pila Karen Melo

Editor Rurik Juárez

Redes Sociales Oscar Pérez Juárez, Yaya Landero, Ingrid Ramírez, Steph González

En este número (Z-A):

/catrockmx

Yaya Landero, Víctor Moguel, Ulises Flores, Sofía Jiménez, Sergio Omar Ávila Berea, Rich González, Óscar Pérez Juárez, Montserrat Flores, Miguel Ángel Vargas Olvera, María Fernanda Bribiesca Villegas, Kenia Tizapantzi Vásquez, Jozajandy Guzmán Aranjo, Jessica Rosas, Ivonne Olvera, Horacio Álvarez, Fernanda Alonso, David Celestino, Dana Illescas, Carlos Alejandro Justo, Asael Miguel, Ángel Becerra, Ángel Arenas.

/catrockmx

www.catrockmx.com

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Agradecimientos especiales: Rich González y Brian Almanza

/c/catrockmx

catrockmx@gmail.com

Cat Rock mx es: Puebla.- Coordinación Jessica Rosas & Monse Conde; Coordinadora Radio: Nelly Cossío, Ángel Becerra, Arely Montserrat Flores Coyotecatl, Asael Abisay Miguel López, Dana Illescas, David Celestino Olvera, Fernanda Alonso Mexicano, Hannia Porras Pérez, Horacio Álvarez, Ivonne Olvera, Jason Muñoz Salas, Jozajandy Guzmán Aranjo, María José Cuautle Rosas, Victor Sánchez, Yadira González Landero, Alejandra Herrera, Evelyn Alvarez Aguilar, Dante Gabriel Contreras, Edwin Mejía, Erick Gomez, Daniela Torres , Ingrid Ramirez de la Rosa, Rurik Juárez, Joel Ansaldo, Eduardo Rodríguez Maldonado, José Eduardo Romero Vázquez, Miguel Angel Hernández Pérez, Miriam Lizbeth Romero, Nelly Cossío, Rodrigo Celestino Olvera, Uriel Campoya CDMX.- Coordinadores Karen Melo & Salvador Tavira; Oscar Pérez Juárez, Patricia Fernanda Garli,Mayte Duarte, Rodrigo Gonzalez, Andrea Carranza Paredes, Avril Renteria, Aylin Frutos, Brenda Sofia Alpízar Jiménez, Rubi Navarro, Carlos Dominguez, Maria Fernanda Bribiesca, Luis Montalvo, Erick Gabriel Vargas, Fernando Alonso Carrillo, Iván Francisco Quan Rosas, Jesús Omar Barajas Sanchez, Jimena Torres, Kevin Lugo Muñiz, Lorena Marín, Margarita Sánchez, Nancy Vargas, Saraí Martínez Hernández, Stephanie González, Víctor Tapia Hernández, Omar Ávila. Tlaxcala.- Coordinadora Alejandra Martinez; Mario Bonilla, Enrique Fernández, Karla Ivonne Vasquez Netza,Kenia Rubí Tizapantzi Vásquez, Mariana Ortega Dorantes, Ulises A. Rodriguez Flores, Carlos Alejandro Hernández Justo, César Irving González Flores, Ma. del Carmen Maldonado Pavón, Perla Gpe. Castañeda Hernández, Tania Morales.

Carta del Director

Mi estimado lector, en este momento estás leyendo el comienzo el primer número del Cat Rock Magazine, un proyecto más de Cat Rock mx, del cual muchos colaboradores, en especial redactores y fotógrafos, han esperado con tanta emoción.

Cat Rock mx nació un 2 de Octubre del 2014 como programa de radio desde la FCCom BUAP, con la finalidad de abrirle espacio a proyectos musicales, no necesariamente del género Rock. Con el paso del tiempo, CR se abrió nuevos horizontes, adentrándose al mundo artístico como el cine, la literatura, diseño, artes plásticas, fotografía y diversas áreas de entretenimiento. Un proyecto hecho por jóvenes para jóvenes, el cual les sirve para poder compartir un poco de su pasión por el arte en cualquiera de las ya mencionadas, por lo cual, te puedo asegurar que todo el contenido que vas a consumir en esta revista está hecho con el empeño y dedicación de todos los involucrados en su realización y con la calidad que CR ha estado trabajando.

Quiero agradecer a todos los artistas locales, nacionales e internacionales, promotoras, venues, managers, agencias, a los colaboradores y a los que ya no están con Cat Rock, por confiar en este proyecto, del cual, estarán escuchando noticias con el paso del tiempo.Y por supuesto a ti lector, quien está leyendo esta revista digital y que has estado al tanto de Cat Rock TV, Sessions y Radio, “Gracias totales”.

Rock como estilo de vida, no un género.

Angel Arenas CEO Fundador

Índice Entrevista

Entrevista

Arroba Nat

Hawaiian Gremlins

Pag_17

Pag_24

Nius Live From Pachuca, chingos de pastes y chingos de comedia Pag_9 Rugidos sonodros

Cat films

Cat Books

Tetas lazzer y liliana felipe

La película triste más alegre que puedes ver

Love, Simon. Del papel a la pantalla grande

Pag_10

Pag_20

Pag_27

Rugidos sonodros

Los foráneos El rugido del mes

Música desnuda

Cat Books

¿Qué leer? Secreto 1910

MGMT LDA Pag_21

Pag_11

Pag_29 Entrevista

Entrevista

Vaya Futuro

ReyPila

Pag_12

Pag_30

Música desnuda

CRANEO Y LASSER Pag_22

Cat films

El mundo de Tim Burton Pag_16

zarpazos

Aztlán, el último disco ¿conceptual de zoé? Pag_36

Cat films Pag_14 Parque Jurásico y Nostálgico-la saga regresa este 2018

Música desnuda

MUSICOS SUDAFRICANOS Pag_55

Pag_47 zarpazos

Entrevista

Gepe

Que baile con el perro

Pag_48 Pag_37 Música desnuda

Cat Books

El túnel. Hasta dónde puedes llegar por amor

POP Pag_58

Pag_38 Música desnuda

Cat Books

La desnudez de Nacarid Portal en 3 libros

COLE PORTER Pag_51

Pag_40 Cat films

Entrevista Descubriendo a Morrissey

Andrea Franz Pag_42

Pag_61 Cat films La verdadera magia del cine y Synecdoche, New York

Entrevista

Karma y Oh Fetush Pag_62

Pag_52 Música desnuda ¿Qué hace el director de una orquesta? Entrevista con el maestro Fernando Lozano

Música desnuda

BOARDS OF CANADA Pag_54

Pag_46 Bonus

#Mesdehoróscopos

Pag_66

Nius live from pachuca

Live From Pachuca, chingos de pastes y chingos de comedia: el último especial de Ricardo O´Farrill

tre carcajadas, gritos y aplausos,

ca, Hidalgo, es un lugar donde

demostrando porqué es un co-

probablemente no irías un fin de

mediante de excelencia, con

semana, y mucho menos graba-

una rutina sumamente graciosa

rías un especial de comedia que

que resulta casi imposible no reír,

verán millones de personas. Esto

y tocando temas que marcaron

le interesa poco a uno de los co-

o distinguen a la sociedad mexi-

mediantes y standuperos mexica-

cana, como las supersticiones, el

nos más importantes de los últi-

desafecto político y la visita del

mos años, Ricardo O’Farrill, quien

papá a México. El comediante

rompió los esquemas de grabar

mexicano satisface y hace re-

en una gran ciudad un material

flexionar a todos los asistentes en

audiovisual,

el Teatro Cedrus de la ciudad de

así, lo que importa

es hacer reír a todas las personas presentes en el lugar donde te

Pachuca.

presentas.

La música de banda, el reggae-

Live From Pachuca es el nombre

sica electrónica, le dan un toque

del nuevo especial de comedia

fresco a este nuevo material, el

de Ricardo O´Farril, con el cual,

cual suma a su lista un tercer es-

durante poco más de una hora,

pecial de comedia en la platafor-

logra entretener a su público en-

ma de streaming, Netflix.

tón y como hacer un hit de mú-

Los gestos y actuaciones que ejecuta Ricardo, logran hacer aún más graciosos los chistes de su rutina; cada cambio de voz, forma de caminar o movimiento que hace, ejemplifica cada parte del show y esto hace que la presentación sea más dinámica, haciendo parecer que el tiempo pase más rápido sin sentir cuando llega el final del show. Live From Pachuca está disponible en la mayoría de las plataformas digitales: Spotify, Youtube, así como en diferentes formatos: DVD, Casset y CD. Te invitamos a seguir las redes sociales de Ricardo O´Farrill, para enterarte sobre sus próximas presentaciones y disfrutar de su nuevo especial.

Por Oscar Pérez Juárez

La ciudad de los pastes, Pachu-

Rugido sonoro LILIANA FELIPE / TETAS LAZZER

Liliana Felipe

Por Ivonne Olvera

historia y lucha Argentina

Liliana Felipe es una pianista y compositora con mucha conciencia social. Tras salir de Argentina huyendo de la dictadura militar, y sufrir desapariciones familiares, llegó a México y comenzó su trayectoria musical. En el 80 grabó su primer disco “Liliana I” y desde entonces, hasta “La Mujer Que Mató a los Peces”. “No” (su más reciente disco), no ha parado de deleitarnos con su talento. Más allá de ser una compositora asombrosa, la música de Felipe es especialmente importante ya que toca temas que muchos cantantes en la escena popular no tocan. Con

canciones que critican el autoritarismo, la iglesia, el racismo, el machismo, el especismo, y la desigualdad, sus obras pro-derechos son una inspiración gigantesca, y nos recuerdan que dentro del arte, siempre es importante conservar la consciencia social. Es una artista completa que tienes que escuchar.

Tetas Lazzer

Por Angel Arenas

Dream pop originario de Cd. Juárez, Chihuahua Tetas Lazzer es una banda originaria de Chihuahua, de sonidos contemporáneos con escencia cargada en su mayoría de Dream-pop y mezclado con tintes de soft surf, sonido que obtienen de la mezcla de influencias con las que la banda cuenta dentro de la misma y que parten de música del 2006 en adelante según expresan los músicos en su bio de facebook. La banda integrada por Regina Villalvazo, Óscar Balcazar, Paco Morales, Lobo Recéndiz y Jose Alfonso Rojas cuenta con un EP homónimo (2014) y otro titulado Candy Apple (2017). Los temas de la agrupación se expre-

san con melodías suaves las cuales cargan romance y metáfora que se prestan al oyente a interpretar las letras a su gusto. Te recomendamos escuchar de principio a fin las canciones 2000 a.C., Anestesia, e Interdimensional para enamorarte de esta propuesta que ya ha logrado crear una base de fieles seguidores ansiosos de una fecha en su ciudad. Tetas Lazzar ha compartido escenario con músicos reconocidos en la escena mexicana en festivales de su ciudad natal, y, a pesar de tener ya unos años como banda activa, aún tienen un gran futuro como exponentes del género en el país por lo cual solo nos queda decir que sigan más de cerca el proyecto. tetaslazzer.bandcamp.com facebook.com/pg/tetaslazzer

Rugido sonoro los foráneos

Los foráneos A veces resulta muy necesario conocer música nueva, no encasillarse en un solo género y mucho menos escuchar las mismas canciones a diario. Es buena idea dejarse sorprender por nuevos ritmos y conocer a músicos increíbles, esos que aman crear canciones para transportarte a lugares inimaginables, donde siempre o casi siempre, sus historias se parecen a las tuyas. Lo anterior dicho, que sirva de bienvenida a esta sección de Cat Rock Magazine: Rugidos sonoros, el espacio de la escena emergente.

miento por parte de sus seguidores. Presenciar un show en vivo como el de Los foráneos, es una experiencia fascinante, puedes escuchar canciones que conocías en formato acústico un poco más rockeras, sentir el bombardeo sonoro, contagiarte de la euforia y la energía de los chicos mientras habitan el escenario.

Los foráneos es una banda mexicana de Pop/Alternativo originaria de la ciudad de Xalapa Veracruz, su música viaja a través de microscópicas ondas sonoras dirigidas a tus oídos, gracias a la magia creada por Vicente Alarcón (Voz / Guitarra Acústica) Louis Lemoine (Bajo eléctrico) Erick Merino (Guitarra eléctrica) Joseph Rodríguez (Batería). A menos de dos años de su debut han tenido la oportunidad de pisar varios de los foros más representativos de estados como Veracruz, Puebla y la CDMX.

Actualmente se encuentran trabajando en su primer material discográfico de forma independiente, producido por todos los integrantes y con temas de su autoría. En él, se reflejará el sonido propio y representativo de la banda.

Gracias a su talento y propuesta innovadora, en agosto del 2016 les llegó la oportunidad de formar parte del Festival Entepola, que año con año se lleva a cabo en la ciudad de Bogotá, Colombia, mismo lugar en el que realizaron una gira promocional durante varios días, donde tuvieron un gran recibi-

Nos Encontramos es el primer sencillo del material en proceso que ya cuenta con video oficial, dirigido por Ignacio Chávez, con el cual pretenden seguir abriéndose camino en la escena independiente, y llegar a lugares desconocidos para conectarse con nuevos oídos.

Por: Yaya Landero

el rugido del mes

Entrevistas Vaya futuro

Foto: Lalo Garduño

Vaya Futuro texturas, hermandad y efervescencia

Vaya Futuro es una de las propuestas musicales de

disco Tips para ir de viaje, el cual los llevó a sumarse a las filas de la disquera Quemasucabeza.

nuestro país que ha dado mucho de qué hablar en los últimos años; está conformada por Luis Aguilar (voz

Ahora Vaya Futuro se encuentra promocionando su última producción y platicamos un poco sobre su trayectoria, los lugares que han visitado y sobre su álbum Tips para ir de viaje.

y guitarra), Armando Aguilar (teclado y voz), Andrea Martínez (guitarra y teclados), Miguel Ahuage (batería) y L.E. Ros (bajo). A finales del 2017 presentaron su

Entrevistas Vaya futuro

Miguel: Vaya Futuro empezó en el 2008, antes nos llamábamos Celofán y era una banda de amigos en un garage, bueno, no era un garaje, era prácticamente en el cuarto de Luis. En el 2013, cuando no existíamos, surgió la oportunidad de grabar como un disco de una tarea de un amigo que estudiaba ingeniería en audio, y pues realmente era como para dejar algo en internet, porque ya ni tocábamos ni nada. Sacamos el disco y milagrosamente no sé porque empezaron a sacar reviews en Japón e Irlanda, fue como de “Órale, entonces puede que esto funcione de nuevo” y fue cuando nos juntamos de nuevo, y digo, la formación ha sufrido cambios para bien. En 2015 salió Perro verde y triste, que lo grabamos en Tijuana, en ese mismo año nos veníamos a vivir a la Ciudad de México. A finales del 2017 lanzamos Tips para ir de viaje, que es nuestro último material que grabamos en Austin, Texas, con Justin Douglas en King Electric Recording Studio

¿Por qué cambió de nombre la banda? (Risas) Miguel: Estábamos a punto de sacar el vinil que hicimos con un kickstarter del Ideas a Medias, y tipo semanas antes de que nos mandaran ya las últimas pruebas, nos llegó un mensaje a nuestro Facebook de una banda llamada Celofán que ya tenía registrado el nombre. Para hacer la historia corta, fue así de “O lo cambian, o ya saben que va a pasar”, tenían papeles y pues no teníamos ni como defendernos, entonces todo fue de inmediato, teníamos dos días para mandar los presskits y hacer unas cosas para el disco. Tuvimos dos noches para pensar en un nombre y cambiar todas las redes y todo, para que quedará así como Vaya Futuro, y el nombre lo sacamos de una canción de Los Fresones Rebeldes.

¿Qué sonido caracteriza a Vaya Futuro? Luis: Depende de quién pregunte, si me pregunta el Uber o el Taxi porque te ve con un instrumento, le dices una cosa así como: Caifanes o como Soda Stereo, porque es rock en español o alternativo; pero si es alguien que te consta que sabe de música o que escucha mucha música, o que es melómano, pues ya le dices más referencias o más influencias. Podrías decir que Beach Boys, pero más psicodélico, más en el espacio, con más texturas, pero bueno, tampoco tiene tanto sentido porque eso solo aplica para 4 canciones del disco, el disco nuevo pasa por este folk que tiene un identidad muy latinoamericana, entonces lo definimos yo creo como en multigénero pero pasado por el filtro psicodélico. Pero sí, Rock alternativo debe funcionar también. (risas).

¿Cuál fue su experiencia al grabar en Islandia? Ros: Estábamos viviendo todavía, Armando, Luis y yo, en el Hotel Virreyes, y fue un día que Miguel y yo estábamos viendo vídeos de YouTube, entonces salió un comercial de Converse aplica para Rubber Tracks. Nada más aplicabas y escogían a 84 bandas de todo el mundo y las mandaban a 2 estudios, tenías que llegar a una

Por: Oscar Pérez Juarez

Cat Rock: ¿Cómo inicio Vaya Futuro?

ENTREVISTA más innovadora del disco en cuestión de un proyecto mexicano. Miguel: Canción del lado C, me divertí mucho grabando esas baterías, usamos la batería de una manera medio extraña, no use baquetas, use como palillos de comida china y cosas así. Ros: A mí me gusta Cuando tu eco se apague, porque aunque ya la teníamos hecha, nunca la habíamos tocado juntos, y toda la canción nada más es un take juntos y nos salió sin querer, me gustó como la grabamos. Armando: También Cuando tu eco se apague es mi favorita, fue de las primeras que hicimos en el hotel, para mí medio define el resumen del disco, la idea que teníamos en ese momento, que era como un Rock psicodélico, pero como lo procesamos nosotros.

¿Qué público es el que más los ha sorprendido?

aplicación de 5 minutos y luego teníamos que hacer un video como de un minuto explicando porque queríamos ir a donde escogiéramos ir, habíamos escogido Islandia, fue como de “eso fue todo”. Después de 4 meses, de la nada nos llegó un correo de “Felicidades se van a ir a Islandia esta fecha, mándenos sus pasaportes”, fue así de “Ah Okay”, fue muy raro, porque de la nada nos confirmaron, nos íbamos en 10 días súper rápido y estuvo muy interesante. Aparte, era la primera vez que tuvimos la oportunidad de grabar en un estudio que no fuera en mi casa, porque los primeros dos discos habían sido totalmente caseros, y ahí fue donde pudimos mejorar nuestros sonidos un poco más.

¿Cuál es su canción favorita de su más reciente disco? Luis: +&+, porque estoy muy orgulloso del cómo se logró ese sonido fantasmal. Andrea: La mía también +&+, porque cuando me enseñaron el disco fue la que más recuerdo la primera vez que lo escuché, y se me hizo la canción

Miguel: El de Morelia la primera vez que fuimos, porque fue de las primeras veces que salimos a provincia. Fuimos a Morelia con Little Jesus y Forecast in Rome, bandas que ya son amigas; era la primera vez que íbamos, fue soldout el show, la gente estaba tirando las bocinas, estaba temblando el lugar, se sentía muy chido. Luis: En Londres, fue en un bazar que era semiacustico y terminamos tocando bien duro, pero inicio tranquilo (risas).

¿Cuál ha sido el show más raro que han tenido? Miguel: El del Rosarito en Tijuana (risas), era como un show de gobierno pagado, era como de “ahuevo”. Como nunca nos habían pagado, era de los primeros shows que nos pagaban, era como en una plaza comercial en jueves en la nochecita. Llegamos, no había amplificadores, no había nada y pues ahí medio improvisamos todo, había niños y señoras viéndonos feo pero probablemente sonó muy bien, estuvo muy raro. Luis: En Cholula, por ejemplo, tuvimos un show, parecía que sería un show muy raro que vas porque te pagan y es en una plaza, pero estuvo súper bueno. Llegamos, había mucha gente que conocía a la banda y fue como de “wow sorpresa”, nunca sabes exactamente cómo va a salir un show.

Vaya futuro

¿Con que artista les gustaría colaborar? Miguel: mi colaboración de ensueño toda la vida ha sido un featuring con Ana Torroja. Luis: A mí me gustaría que nos produjera Arca. Andrea: Alguna cancioncita con Björk algún día, no estaría mal. Armando: Algo producido por Animal Collective.

3 palabras que definan a Vaya Futuro Luis: Yo creo que Texturas. Miguel: Hermandad. Ros: Efervescencia.

¿Cuál ha sido el escenario más importante donde han estado? Miguel: Todos los shows tienen su importancia, pero los que más disfrutamos fueron el Ruido Fest en Chicago; a mí en lo personal me gustó mucho lo que fue Corona Week en Parque México, estaba bien chido el escenario. Un par de veces en el Plaza Condesa por el audio super chingón, también en el Psych Fest en Liverpool no estaba tan chido el audio, pero el hecho de estar ahí se sentía como de “okay, sí estás haciendo las cosas bien”, pero todos tienen sus propios méritos y aprendizajes para todo mundo.

¿Algún amuleto de la suerte? Luis: El Bartman que pongo en el micrófono. Andrea: Las gorras.

¿Tienen alguna playlist culposa? Miguel: No, realmente disfrutamos aunque lo agarremos como de cura, como que de niños todos escuchábamos eso; yo no lo veo como culposo, al contrario, yo lo trato de sacar en cada fiesta y todo mundo me ve raro, me han regañado y corrido de fiestas por poner Fey. Luis: Todo el pop de finales de los 90´s nos gusta en las fiestas. Andrea: Me encanta, me encanta el reguetón, me encanta bailarlo. Miguel: El greatest hits de Aleks Syntek esta chido, el de Alejandro Sanz en el que sale en la portada azul.

Cat Films EL MUNDO DE TIM BURTON

El mundo de Tim Burton Un imaginario peculiar

Por: Angel D. Becerra Juarez

Existen artistas difíciles de comentar. No porque su trabajo no sea lo suficientemente complejo para merecer nombrarlo, sino porque debido a su propia naturaleza multifacética y comportamiento errante, hacen que un juicio certero a toda su obra sea imposible. Este es el caso del cineasta Tim Burton. Iniciando su carrera como animador para Walt Disney, Timothy Walter, alias “Tim Burton”, es en la actualidad uno de los nombres más importantes en la industria del cine. Con películas tan icónicas como Beetlejuice, Edward scissorhands y The big fish, el director de cine y diseñador estadounidense ha generado una gran comunidad de fanáticos que defienden a capa y espada su trabajo. Y no es para menos, su talento como narrador ha logrado calar en el imaginario público. Tocando temas como el desasosiego y la soledad, sus obras cuentan con un tono de extrañeza muy característico, que convierte a sus películas en historias misteriosas e intrigantes . Aun así y a pesar de sus múltiples cualidades, es innegable que la calidad en los últimos trabajos de Burton ha disminuido. Desde Dark Shadows hasta Franke-

mweenie, las obras más recientes de este creativo parecen una imitación de sus trabajos más importantes. Ya sea por la cada vez menos original temática o la estética repetitiva, Tim Burton parece encasillado en sí mismo; tratando de conservar un estilo que sus fans consideran “propio de él” y que en ocasiones llega a sentirse artificial. Cabe recalcar que no hablamos de una falta de creatividad, sino de una carencia de atrevimiento. En los trabajos más alejados de su zona de confort, como Big eyes, se puede apreciar aquella originalidad latente, eso que verdaderamente esperamos: un replanteamiento en la fórmula de un director que aún promete demasiado. Empero, mientras esto sucede, aún podemos volver a sus obras más enriquecedoras. Sentir una vez más esa intriga y disfrutar de aquellos mundos extraordinarios. Si tuviste la oportunidad de visitar la exposición de su trabajo en El museo Franz Mayer, viviste en carne propia aquella sensibilidad gótica, proveniente de la peculiar mente de Tim Burton.

Entrevistas arroba nat

Arroba Nat

Si eres sad, tienes el corazón roto o estás enamorado, conoce a Arroba Nat: cantante e ilustradora

Natalia Díaz, mejor conocida como Arroba Nat, originaria de Zacatecas, es un cantautora que a través de su música nos relata situaciones tristes y de desamor por las que ha pasado. Hoy en día, es una de las grandes promesas musicales en nuestro país; con una corta edad ha logrado ganarse y ha posicionado su música en consolidadas playlists de Spotify. Además, es ilustradora; ella mezcla frases graciosas con dibujos sencillos, pero que han encajado perfectamente en la psique de sus fans, quienes logran identificarse con cada ilustración. Platicamos con ella recientemente y nos adentró un poco más en quién es Arroba Nat y en sus datos curiosos. Foto: Fer Universe

Por: Rich González

el cariño y aprecio del público en varios estados de la república mexicana,

Entrevistas arroba nat

Cat Rock: Nos puedes platicar un poco sobre quién ¿Cuál fue la primera canción que compusiste? es Arroba Nat. Arroba Nat: Arroba Nat es una persona sencilla, ilustradora, cantante, compositora, zacatecana, perdida en la Ciudad de México. Es triste, tiene más cigarrillos que amigos. Soy fan de los mapaches, no me gusta el aguacate (risas) y creó que ya, eso es Arroba Nat.

¿Qué fue lo primero que hiciste cuando recién llegaste de Zacatecas a Ciudad de México? AN: Pues me vine exclusivamente a estudiar diseño, entre al INBA a estudiar y estudié el primer semestre, luego dejé la escuela un año porque me empezó a ir muy bien con las ilustraciones y exactamente, hace un año empecé a grabar el primer sencillo con el buen Yuyu.

¿Cómo fue que empezaste a ilustrar, cual fue la primera inspiración? AN: Tenía una amiga que hacía ilustraciones que se llamaba Lo Fi. Yo tenía muchos tweets muy cagados, pero nunca supe que hacer con ellos porque también tenía libretas así como llenas de dibujitos, así como estúpidos, como minis, como muy equis. Entonces dije ¿porque no mezclar los tweets cagados con los dibujos sencillos? y así nació Arroba Nat.

AN: Esa canción no ha salido a la luz, y no creo que nunca salga, fue una canción demasiado cursi como para existir, pero después de esa, escribí Nunca Te Vayas, fue la segunda que escribí y la última que saque. Pero sí, Nunca Te Vayas se puede decir que fue como la primera que escribí y que me gustó.

¿Qué diferencia hay entre Arroba Nat como ilustradora y como cantante? AN: No sé, siento que las dos son muy directas, pueden llegar a ser muy cursis; diferencia… no sé, creó que es lo mismo, son como dos facetas de Arroba Nat.

A esta corta edad ¿Cómo te sientes en tus shows? AN Está muy cagado, o sea, nunca esperé tener respuesta porque aparte está cabrón hacerla en el DF, entonces en el show de Bajo Circuito que tuve en Enero fue cuando dije noma, o sea, había un buen de gente hasta adelante cantando las canciones, y se siente, pues, padre que otra gente se identifique con lo que estás haciendo, no sé, se siente muy padre ¿sabes?, no encuentro las palabras para explicarlo.

¿Cómo te ves en un año? AN: ¡Madres! Yo creo que en un año yo ya quiero estar saliendo de gira a Latinoamérica, ese es como la a meta del próximo año, sí, esa es lo básico

¿Con que artista te gustaría colaborar en un futuro? AN: Ah, estaría de huevos con Dromedarios Mágicos, ese bato, sí, con ese bato estaría chido.

Entrevista

¿Nos puedes recomendar un par de bandas que también te haga sentir identificada? de aquí de México AN: Dromedarios, sí, Dromedarios obvio, hay un bato que es de Morelia justamente y se llama Negrø, tiene solamente una canción en Spotify pero me gusta mucho, tiene un estilo muy bonito, un folk muy padre. Negrø, Dromedarios Mágicos, Axel Catalán y, ¿quien más?, Little Jesus son bonitos y Enjambre son mi influencia chida, ellos.

¿Cuál ha sido la mejor ilustración con la que te has sentido identificada o la que más te guste? AN: Eh… es que sí hay varias que me gustan, la de Me Gusta Puro Pendejo sí es de mis favoritas, La Vida es una Fiesta y yo soy la Piñata, hice una que es como un corcho y un postit que dice Ya No Salgas con batos Pendejos, esa me gusta mucho, porque sí llegué a pegar mi postit en un corcho (risas).

¿Cuál es tu emoji favorito? AN: Diría mapache, pero no hay, mi emoji favorito creó que es la luna negra (risas), porque hubo un tiempo en el que realmente mi cara era como una súper luna y no sé, pone esa carita como “soy yo”.

¿Cuál fue tu primer trabajo en la vida? ¿Qué le dirías a la gente para que conozca más de ti, tanto de tu música como de tus ilustraciones?

AN: Mi primer trabajo (risas), pues es que llegué a vender cositas en la tienda de mi mamá, estaba chiquita y hacía dibujitos y los vendía a la gente que iba pasando, o recolectaba catarinas y las vendía,

AN: Si son personas sad, se sienten tristes, tienen el corazón roto o a veces se sienten enamorados, pues escuchen mi música y vean mis ilustraciones.

pero trabajo pues bien, tuve una marca, cuando vivía en Zacatecas, de playeras personalizadas, las pintaba yo a mano y hacia shockers, hacía muchos accesorios y ese fue como mi primer trabajo en el que sí le invertí ganas, dinero y sudor.

¿Qué canción te gustaría que sonara en tu boda y cuando sea tu velorio? AN: En la boda posiblemente How Deep is Your Love de The Bee Gees y en mi velorio, ¡Madres!, Fare Thee Well, tiene muchos intérpretes, pero esa canción me gusta mucho.

Cat Films the florida project

La película triste más alegre:

The Florida Project ¿Un hotel o un castillo mágico? ¿Un helado, la cura del asma? The Florida Project es un filme que retrata una situación cruda, pero existente. A través de la inocente e irónica personalidad de la pequeña protagonista, Moonee (Brooklyn Prince), quien apenas se da cuenta de la miseria y desesperanza que la rodea, desarrolla una historia bastante creíble e incluso bella. Las vidas de Moonee y su madre, la cual tiene apenas 22 años, y las de todo un grupo de individuos que viven en un microcosmos marginal de moteles separados por carreteras, están cubiertas por una paleta de colores naranjas digna de Florida, que inspiran la más profunda soledad. A unos cuantos metros de Disney World, también llamado “El lugar más feliz del mundo”, se desarrolla un submundo que no es precisamente el más feliz; de hecho, mientras Moonee explora y consigue helado gratis con sus amigos, su joven madre, Halley (Bria Vinaite), se las arregla para poder pagar la habitación pasando por diversas pseudoprofesiones, las cuales, más adelante, pondrán en riesgo la relación con su hija.

Por: Kenia Tizapantzi Vásquez

Sin embargo, Moonee no tiene la más remota preocupación por los problemas de su entorno y sale a explorar con sus amigos Jancey (Valeria Cotto) y Scooty (Christopher Rivera). Ellos se encargarán de fastidiar al gerente del motel y de jugar todo el verano. Jugarán inconscientes de la violencia y la soledad, creando un entorno emocionante, oportuno e inocente; estafando turistas para conseguir helado, incendiando casas abandonadas, celebrando con fuegos artificiales, admirando los arcoíris y finalmente, en un instante lleno de drama y emotividad, cumpliendo su sueño de visitar Disney World. Sean Baker, director de la cinta, logró que el espectador viera la historia como si se fuera un niño, representando la belleza visual infantil con tintes wesandersonianos y pinceladas lavanda. Una película realista, humana, creativa; la película triste más alegre que puedes ver.

música desnuda el vieaje a little dark age

El viaje a Little Dark Age el último álbum de MGMT

Después de un atraso que ponía en juego la veracidad de su próximo disco, en 2017 apareció como primer single Little Dark Age, mismo nombre que llevaría el álbum: una coalición de sintetizadores que exorbita en un ambiente tétrico. Esta producción cuenta con una sonoridad más apegada a lo que habían presentado en Oracular Spectacular. Aunque algunos se pregunten por qué un disco más ácido, una vez encontrado el hilo rojo se puede entender la necesidad por reinventar su propia temática. El gran

poder que tienen los sintetizadores para Andrew y Ben se demuestra en el álbum. Ambos compositores, se notan dispuestos a salir de su zona de confort, evidenciando lo fácil que es pasar por alegrías y tristezas en un par de melodías eléctricas, hasta el caso particular de James, donde el único instrumento necesario es la voz. Como dicen, la primera impresión es la que importa, She Works Out Too Much como primer track es un evidente ejemplo de este refrán. Se puede escuchar la ardua tarea de construir un ambiente cálido, con máquinas espaciales por todas partes; Little Dark Age da un giro completo de temática con destellos musicales que te transportan a una época gótica, destruyendo la calidez anterior, para llevar a las canciones a un paso más melancólico. Y para cerrar, Hand It Over lo dice más claro, esa imagen ya gastada de un MGMT resplandeciente no sabemos si volverá. Si fue parte de una evolución, es comprensible, ya que no todas las puertas están cerradas para quienes desean explorar un nuevo sonido o simplemente disfrutar del abatimiento.

Por: Ulises Flores

El día llegó, 5 años de espera para tener en nuestras manos el nuevo material de la banda más introspectiva de la última década; ya pasaron 13 años de aquel boceto emblemático de MGMT, The Management.

música desnuda craneo y lasser

Cráneo y Lasser viajeros de los 90as

“No hago música, hago droga” Cráneo aka Sloth Brite – Nasa

Cráneo y Lasser son originarios de Madrid, España y son productores y directores en un colectivo que nació en 2015 llamado FANSO, (inspirado por el peluche de Los Simpsons). Cráneo es cofundador del colectivo junto con Lasser, Bluekid, Made in M y Juan RIOS. La idea del colectivo FANSO es la simplicidad, después de pasar 10 días en una casa en Guadalajara sacan a luz su primera maqueta titulada Acid House, en la que desarrollaron un estilo único lleno de sonidos psicodélicos que refuerzan con el trabajo visual del grupo, su enfoque es improvisar dentro de la estética de lo-fi, dando a los videos una sensación de película casera.

Por: Montserrat Flores

Su estilo se destaca por los sonidos analógicos que transportan a quien lo escucha a la época de los años 90’s. El trabajo te envuelve en lo vintage, atrapándote inevitablemente desde el primer momento.

Entrevistas arroba nat

Hawaiian Gremlins Un sonido oscuro con letras nostálgicas es lo que define al proyecto de Paco, Santi y Elías, quienes desde hace algunos años crearon Hawaiian Gremlins. Bajo un nombre peculiar y dos producciones discográficas, han ido escalando lugares en la escena de música independiente. Sencillos como Away, La Unión y Kevin, han demostrado el avance y madurez del sonido de la agrupación. Aunque han estado un poco ausentes de los escenarios, los chicos se encuentran trabajando en lo que será su nuevo disco. Platicamos un poco a cerca de los planes que se tienen para este año, conocimos más a fondo a los integrantes y nos enteramos del porqué de tan peculiar nombre. Foto: Karen Melo

Por: Oscar Pérez Juárez

Un sonido oscuro y letras nostálgicas

Entrevistas hawaiian gremlins

Cat Rock: ¿Cómo surge Hawaiian Gremlins?

¿Qué influencias ha tenido la banda y que ha cambiado dentro de su sonido?

Paco: Pues creo que la primera vez que nos conocimos, nos juntamos. Fue para practicar para un proyecto que yo tengo, y ese día hicimos música y surgió el proyecto, no era muy en serio, no había grandes planes, era más como una actividad. Santi: Sí, fue super espontáneo, la neta.

Paco: Depende de la época que elijas de la banda, ahorita probablemente tenemos un sonido muy distinto al del principio. Han cambiado las cosas que escuchamos, es como queremos que suene la banda, vas creciendo y vas cambiando, te van gustando otras cosas. Y no nos gustaba la idea de quedarnos haciendo la misma música siempre. Que fuera un constante trabajo. Santi: Está cabrón, como que luego hay muchas bandas que suenan igual en 10 discos, y supongo que está chido para algunas personas, pero no sé, justo escuchamos cosas diferentes y queremos hacer otro tipo de música.

¿Por qué decidieron utilizar ese nombre? Paco: Era una broma, era para parecer banda gringa y dar el gatazo. Santi: Como que realmente no era nada en serio. Paco: Queríamos engañar a nuestros amigos “Oye, escucha esta banda”

¿Cómo surgen las letras de sus canciones? Paco: Supongo que la situación en particular, hay veces que tienes ganas de hablar de algo y llegas y compones algo en el estudio, y evoluciona a partir de ahí. Hay veces que es más espontaneo, hay veces que la música sale después o luego la letra sale después, probablemente es muy volátil. Santi: Como que cada rola tiene su propia vida, y el cómo se hace.

¿Cuál ha sido la mejor experiencia que como banda les ha dejado la música? Paco: Probablemente a mí, hacer más música, lo bonito de que te escuchen, es que tienes la oportunidad de hacer más. Santi: Conocer a gente que hace música.

¿Cuál ha sido el escenario más extraño en el que han estado? (Risas) Santi: Una vez en Tultitlán, estaba chido. Paco: Era como un escenario improvisado pero estaba muy frágil, era como maderas puestas y no te fijabas y se te iba el pie. Paco: Una vez tocamos en Querétaro en un como salón de fiestas, nivel piso de la gente, lo hicimos muy mal. (Risas). Santi: Chance en Irapuato. Una vez tocamos en el festival de la cerveza. Mientras tocábamos comenzó a llover, era un jardín muy grande y empezó a llover, y todo empezó a fallar, y ya no era seguro que tocáramos, entonces metieron todo el backline a donde estaba el festival de la cerveza y estuvo bien chido; tuvo que llegar la policía. (Risas). Paco: Hubo madrazos, ese día estuvo muy divertido.

Entrevistas hawaiian gremlins

¿Cuál es la canción que más disfrutan tocar en vivo? Paco y Santi: ¡La Unión! Paco: Hay algunas veces que tocamos “Away” al último y me gusta mucho ese pedacito de al final y ya (Risas). Depende la tocada.

¿Si no fueran músicos, a que se dedicarían ahorita? Paco: A mí me gustaría ser, en algún punto de mi vida, tortero. Armar unas tortas pero chidas; si no fuera musico estaría haciendo tortas. Santi: Futbolista estaría chido (risas)

cambiarnos el nombre en Facebook al nombre de Paco, y ponernos la misma foto de perfil. Había tres Franciscos Sanchez en Facebook.

¿Cuál sería la última película que verían antes de que se acabe el mundo?

Paco: y yo me empecé a confundir de quién era

Paco: Quizás El Rey León, o Space Jam (risas); es que estoy buscando una peli que me haga sentir bien.

tres, y solo aparecía una persona haciendo tres co-

¿Tienen algún pasatiempo?

Paco: No sabía cuál era yo, porque lograron copiar

Paco: ¡El Futbol! Santi: Los domingos nos lanzamos a echar la reta según, nos la pasamos chido. Paco: No somos tan chidos (risas), siempre perdemos, pero siempre nos divertimos. Santi: La otra vez, neta, perdimos como 35-5, estuvo super ridículo pero chido. (risas)

Santi: Luego notamos que no podíamos cambiar el

¿Cuál es la peor broma que se han hecho entre ustedes?

nos un EP. Habíamos grabado un disco, pero

Santi: Chance la de Facebook (risas) fue la manchada. Una vez a Elías y a mí se nos hizo buena idea

perdimos un disco que teníamos casi completo

quién, fue muy confuso. Santi: Había cosas que habíamos comentado los mentarios. hasta mi estilo. nombre hasta en 60 días. (risas).

¿Qué sigue para Hawaiian Gremlins este año? Paco: Pues este año vamos a grabar por lo menos lo robaron en una computadora que no estaba copiada correctamente (risas), entonces

y estamos grabando un EP con algunas rolitas.

Cat books Love, simon. del papel a la pantalla grande

Love, Simon

Del papel a la pantalla grande

Tal parece que una de las mayores ilusiones de cada lector juvenil es que la novela que le ha quitado el sueño se convierta en una película memorable, digna del libro. Y últimamente parece que la industria cinematográfica está intentando cumplir varias de esas ilusiones. Yo simón, homosapiens será prueba de ese intento hollywoodense por alegrar el corazón de los fans.

cada uno sabe del otro es que van en el mismo instituto y pequeños detalles que van desvelando a lo largo de su relación. Todo se pone de cabeza y al borde del abismo para Simon cuando un chico de su clase, Martin, lo chantajea. Martin le dice que, si no hace que Abby (amiga de Simon), salga con él, entonces él (Martin) publicará conversaciones de Blue que robó del correo de Simon, y así todos en el instituto se enterarán de que es gay. Simon no puede hacer otra cosa más que ceder ¿cierto?

Este libro fue publicado en 2015 por la editorial Harper Collins, fue escrito por la estadounidense Becky Albertalli y habla sobre la vida de Simon Spier. Simon es un chico de 17 años que va a la escuela, tiene amigos, familia, y una vida aparentemente normal. El pequeño problema de nuestro querido Simon es que nadie sabe que es gay, ni sus padres, ni sus amigos, ni el instituto y, por supuesto, él aún no está dispuesto a salir del clóset. Lo que parece ser el salvavidas del mundo heterosexual en el que vive, es su relación en línea con un chico, Bluegreen. Simon no tiene idea de quien es Blue, y Blue no tiene idea de quien es Simon, Todo lo que

La adictiva y encantadora prosa de Becky Albertalli hará que no te quieras despegar del libro ni para comer; la historia es bastante emocionante, el lector sabrá de Blue tanto como sabe Simon, sospechará quien es, sí, pero es algo que no adivinará a la primera. Un problemita que podrás captar del libro es que usa varias marcas corporativas, más de las que debería, pero es fácil ignorarlas porque la trama se pone cada vez más buena. Conocerás a algunos personajes más que a otros, pero hay una probabilidad inmensa de que te

Por: Jozajandy Guzmán Aranjo

“¿Qué hará Martin si no consigue conquistar a Abby? ¿Cómo reaccionará Abby si se entera del chantaje? ¿Qué pensará Bluegreen de Simon si la intimidad de ambos se ve comprometida? Y, la cuestión más importante: ¿Quién demonios es Bluegreen?” (Albertalli, 2016)

Cat books Love, simon. del papel a la pantalla grande

enamores de Simon, e incluso de Blue tanto como el propio protagonista. Quedarás absolutamente sorprendido por el final, eso está garantizado. Entertainment weekly, que es una famosa revista estadounidense en donde se habla de películas, música, libros y cultura popular, dijo sobre la novela: “Saboréalo, porque lo leerás por primera vez solo una vez. Digna del nivel de obsesión que provoca Bajo la misma estrella”. Probablemente Yo simon, homosapiens, no sea tan conocida como Bajo la misma estrella, pero sin duda alberga los mismos sentimientos juveniles y la misma emoción plasmada en papel. Ahora bien, Hollywood nos sorprendió hace ya varias semanas con el lanzamiento del tráiler de la adaptación que está programada en México para el 13 de Abril y tendrá como nombre “Love, Simon” en inglés y, “Yo soy Simón” en español. Nuestro querido, talentoso y guapo Nick Robinson, a quien conocemos por “Jurasick World” o por “Todo, todo”, dará vida a Simon Spier y los fans no podrían estar más de acuerdo, incluso nos topamos con Katherine Langford, Hanna de 13 reasons why, que interpretará a una de las mejores amigas de Simon. ¿Qué se puede esperar de la película? Teniendo en cuenta que los productores son los mismos que trajeron a la pantalla grande Bajo la misma estrella en 2014, esta película promete, y mucho. Probablemente se tendrá una adecuada banda sonora, ya que será compuesta por Rob Simonsen, quien ha sido nominado gracias a sus composiciones para la película The Espectacular Now (2013) y Nerve (2016). John Guleserian será el director de fotografía, lo podemos recordar por la película “Es cuestión de

tiempo” o “Equals”, podemos estar seguro de que se cumplirán expectativas en este aspecto. El director es Greg Berlanti, a quien conocemos por ser el productor ejecutivo de varias series de la cadena CW como Arrow, The Flash, The Tomorrow People, entre otras. Love, Simon es la cuarta película que Berlanti dirige, esperemos que le ponga todas las ganas y la emoción posible. Es cierto que los trailers están hechos para captar la atención del mayor público posible, y que muchas veces el tráiler resulta ser mejor que la misma película. No podemos asegurar que ese no será el caso de Love, Simon, pero hay que esperar lo mejor. Probablemente el poster de promoción no atraiga a una gran cantidad de espectadores, pero cuando se trata de películas basadas en libros ya hay un público asegurado, un público meta, y esos son los que leyeron el libro. No podemos decir que lean el libro antes de ver la película, no es estrictamente necesario hacerlo, pero siempre es bueno leer y no está de más que cualquiera que planee ver la película lea esta novela súper recomendada.

Cat books ¿QUÉ LEER? SECRETO 1910

¿Qué leer?

Secreto 1910 “Hay dos historias: la historia oficial, embustera, que se enseña ad usum delphini, y la historia secreta, en la que se encuentran las verdaderas causas de los acontecimientos: una historia vergonzosa”. Honoré de Balzac, escritor francés.

En palabras del escritor español Enrique Jardiel Poncela: “historia es, desde luego, exactamente lo que se escribió, pero ignoramos si es exactamente lo que sucedió”, y como si de una sociedad orwelliana se tratase, al leer Secreto 1910 nos damos cuenta que nos hemos alimentado de información que pareciera adaptada por un ‘Ministerio de la Verdad’ -aquella institución definida por George Orwell en su novela 1984, encargada de reescribir y falsificar la

historia, con el fin de adecuarla a la doctrina del Partido gobernante. No por ello quiero dar por sentado que lo afirmado por Mendívil en su libro es necesariamente veraz, expone simplemente una versión alterna, fruto de una exhaustiva investigación realizada, que desafía lo que conocíamos acerca de uno de los sucesos neurálgicos en el devenir de nuestro país: la revolución mexicana. Lo apasionante de esta novela es que nos presenta una revolución mexicana examinada no sólo desde causas internas, sino desde todo un contexto histórico mundial, además de contener información seguramente nueva para muchas personas: sociedades secretas, corporaciones dominantes, personajes oscuros, conspiraciones, simbolismo, etc.; todo ello como detonante de diversos hechos históricos alrededor del mundo. Secreto 1910 pretende despertarnos, abrirnos los ojos para poder siquiera atisbar una realidad quizá, para muchos, desconocida, y de esta manera poder elegir uno de los dos caminos que señala el propio autor: “(…) en uno vives como los demás, sin saber nunca de qué eres parte, sin saber qué fuerzas dan forma a tu mundo, a tu vida. En el otro debes de cruzar la muralla y convertirte en un explorador, decodificar el misterio profundo que puede cambiar todas las cosas”.

Horacio Roberto Ávarez Bello

¿Y quién tiene la obligación de cambiar el curso de la historia sino los que vivimos en el periodo actual? … Porque quizás en ninguna época el hombre había tenido a su alcance tantas herramientas para estar más comunicado, más informado, más alerta que en esta era de la información, la cual nos brinda un bagaje potencialmente suficiente para hacer tambalear ese muro aislador de la verdad, que nos ha impedido ver más allá de lo que se nos comenta e impone como real, logrando mantener al ser humano ignorante sobre el trasfondo de los acontecimientos que configuran su propio mundo. Tras ese muro se encuentra la historia secreta: la no contada en libros de texto gratuito, la que incomoda al ‘sistema’, esa historia vergonzosa a la que se refería Honoré de Balzac y la cual pretende revelarnos Leopoldo Mendívil López en su novela que recomiendo a ustedes, Secreto 1910. Lectura que considero indispensable para todo mexicano interesado en comprender la situación tanto de nuestro país como de manera global.

Foto: Karen Melo Spot: Bolerama Coyoacรกn

Entrevistas

ReyPila

rey pila

la banda mexicana que ha conquistado el extranjero

Cat Rock: ¿Como surge Rey Pila? Diego: Yo empecé el proyecto solo en el 2011 en mi casa, arme un como estudio casero, Miguel y yo tocábamos juntos en una banda antes y después nos separamos, yo empecé a hacer estas rolas como para un proyecto equis, no tenía una decisión cerrada. De ahí empecé a tocarlas en vivo y me junté con ellos.

¿Cómo paso de un proyecto solista a una banda? Diego: Sucedió de una manera muy orgánica, tocábamos mucho en vivo, todo fluía muy bien, realmente nos llevábamos muy bien, tocamos mucho ese año aquí en México y surgió de manera natural.

Hammond Jr., Brandon Flowers, Muse y The Strokes. Con 3 materiales discográficos en mano y un par de singles, nos sentamos a platicar un poco sobre la historia de la banda, su acercamiento a Cult Records y Julian Casablancas, así como vivencias y anécdotas interesantes.

Platíquennos sobre de su más reciente material discográfico Andrés: Es un EP que se llama Wall Of Goth, salió en el 2017, lo grabamos en Nueva York pero normalmente lo grabamos en el estudio de Diego, aquí en la Ciudad de México, le mandamos las canciones a Julian Casablancas, fue un proceso muy similar como con Future Sugar, se bookeo unos días en los estudios de Redbull en Nueva York, nos fuimos ahí con Shawn Everett y Julian… básicamente fue ahí, grabar voces y alguna una que otra cosa extra. Siempre estamos trabajando en nueva música, nunca dejamos de trabajar, originalmente quizá no iba a ser un EP, pero fue lo que se dio en ese tiempo. Son esas 4 cancio-

nes que trae el EP, en vez de esperarnos meses a ver cuando terminábamos el LP, pues dijimos “Igual y estas 4 canciones pertenecen a un momento”, y ya tal cual salieron el año pasado, funcionó muy bien el EP, nos llevó a otro nivel.

¿Cuál fue su experiencia en su presentación en el Plaza Condesa? Miguel: Fue el show más grande que hemos hecho solos como banda, era nuestro show más importante hasta ahora, estábamos muy nerviosos de que no se llenara, porque siempre piensas eso. Al final se llenó y tocamos súper bien, se grabaron algunas cosas en video, la pasé increíble, es el show donde mejor me he sentido, y creo que todos, le pusimos toda la energía de meses antes justo el día.

Por: Rich González

Rey Pila es una banda de rock conformada por Diego Solórzano, Andrés Velasco, Rodrigo Blanco y Miguel Hernández, que ha sabido representar muy bien, a lo largo de su carrera, la música mexicana en el extranjero, acompañando a grandes artistas en el escenario como Interpol, Albert

Entrevistas rey pila

Foto: Karen Melo

Cuéntennos sobre su single “Fangs” Daniel: Salió como un single aparte; teníamos esa canción que era parte de la tanda de canciones que era para el disco, la sacamos o no entró, y la movimos. Entonces la fuimos a trabajar con PJ Bianco, que es completamente diferente a lo que habíamos hecho antes, su trabajo por lo menos es más popero, creo que trabajaba con Katy Perry y Jonas Brothers, y se nos hizo buena idea, a ver qué pasaba. Y funcionó bien para ese momento, creo que es buena canción, queríamos tenerla ahí para que no desapareciera.

¿Cuál fue la influencia para realizar Wall of Goth? Rodrigo: Como dijo Güero, no íbamos a hacer un EP, queríamos hacer un disco, y es muy difícil decir qué en particular era lo que nos llevó a hacer estas canciones, porque siempre estamos trabajando en canciones, y siempre es un proceso constante para nosotros. Desde que empezó Rey Pila hubo una línea de ir mejorando esto, entonces la influencia siempre ha sido la misma. Andres: Hubo un chiste en el estudio por una de las canciones, tenía un sonido medio ochentero, oscurón, pero siempre manteniendo el tinte pop como de muchas bandas Goth de esa época. Entonces, estábamos bromeando con Julian y dijimos que con esa canción tenían que poner nuestras caras en la pared donde están todos los iconos Goth, desde Edgar Allan Poe hasta Morrisey (risas). Y por eso, cuando ya sacamos el EP, hasta Julian sugirió “¿Por qué no le ponemos Wall of Goth al EP?” y por esa broma, ese chiste local que hicimos en el estudio, se nos hizo buena idea y así se quedó el nombre.

Entrevistas rey pila

¿Cómo fue su llegada a Cult Records? Rodrigo: En el 2012 estábamos haciendo una gira con una banda canadiense llamada The Darcys, y eran 3 fechas en Estados Unidos y 3 fechas en Canadá, y veníamos de tocar en Washington para nuestro manager y para el de sonido (risas). Llegamos a Nueva York y teníamos el concierto en el Mercury Lounge, un venue medio legendario de Manhattan, pero no había luz porque días antes había sucedido lo del huracán Sandy; ni siquiera sabíamos si se iba a hacer, aparte eran elecciones y al final llegaron como unas 20 personas. Dentro de esas personas, había 2 que nos estaban grabando con un iPhone constantemente, yo me acuerdo que cuando nos bajamos Diego me dijo “Oye, ¿Wviste a esos weyes que no estaban grabando? Pues los mando Julian Casablancas según esto, porque quería venir y no pudo”. Después una persona que decía ser Julián Casablancas le empezó a mandar mails a Diego y no creía que era él, entonces un conocido le dijo “Wey, contéstale, es Julian y te quiere conocer”. Diego fue a conocerlo a Nueva York y así empezó la relación con Cult Records, que inicialmente firmaron Alexander, fue el sencillo que salió con Cult,que era una disquera pequeña que quería sacar sencillos, y después empezó a firmar bandas y sacamos The Future Sugar con ellos.

¿Cuáles fueron las últimas canciones que se integraron a “The Future Sugar”? Rodrigo: Fue Fire Away, Surveillance Camera y False Self System. The Future Sugar lo grabamos en Nueva York antes de que pasará todo esto de Cult Records, lo grabamos con Chris Coady en DFA Studios y ya lo teníamos como disco, pero de eso a que salió, pasaron 2 años, y en eso seguíamos haciendo canciones. Teníamos esas 3 que un poco nosotros queríamos meter, pero el que empujó a eso fue Julián, las escuchó y quería meterlas al disco. Entonces las hicimos parte del disco, y también retocamos un poco las que habíamos trabajado inicialmente con Chris Coady.

Foto: Karen Melo

Entrevistas rey pila

Ninjas es su canción más sonada en plataformas digitales ¿Cómo se sienten al respecto? Rodrigo: ¡Me Encanta!, Ninjas me encanta, es de mis canciones favoritas de Rey Pila y me encanta esa dirección que tomó la banda, me parece increíble que sea la que también más le guste a la gente. Miguel: A mí también me gusta mucho, creo que tiene mucha fuerza, a la mayoría de mis amigos es la que más les gusta. Diego: Nunca pensábamos que fuera a ser la más escuchada, porque están las rolas ahí luego y sale el disco, entonces es un volado.

¿Algún artista/banda mexicana que recomienden? Diego: Little Jesus, De Nalgas, Pájaros Vampiro. Miguel: Joliette, The Risin Sun. Andrés: I Can The Chase Dragons, aunque no han sacado nada en un buen rato; Big Big Love.

¿Cuál fue su primer trabajo en la vida? Rodrigo: Pues todavía no (risas). Andres: Fui editor de música en una revista que ya no existe, hace mucho tiempo. Miguel: Creo que nunca he trabajado; nunca. Diego: Fui panadero en el Saks.

¿Cuál ha sido el show más raro que han tenido? Diego: Tenemos la tendencia de contar las cosas más negativas que las positivas, entonces tenemos una lista muy grande. Yo diría que fue en el Snickers Urbania, había muchísima gente, pero no sé a quién se le ocurrió, quién fue el genio que nos puso entre Panteón Rococó y la Nana Pancha, entonces estuvo muy raro, porque salimos nosotros a tocar y toda la gente estaba esperando a ver a esas bandas que tienen un perfil particular, como todas las bandas, como vas a ver a Muse vas a ver a fans de Muse, entonces nosotros no teníamos cabida en ese lugar, y estábamos justo en medio. Había dos o tres hasta adelante que sí estaban cotorreando, pero me acuerdo que salimos, comenzamos a tocar y era como estar en una batalla, había cosas volando y me acuerdo que a mi amigo Pablo, que tocaba con nosotros, le aventaron un llavero entero (risas). Imagínate al wey que dijo “yo no voy a entrar a mi casa pero a ese wey lo mando al hospital”. Luego había una plataforma que se metía hacia el público, y se me ocurrió ir nada más por no dejar. Cuando me metí empezaron a aventar vasos de cerveza aplastados (risas) y o sea, sí duele.

Planes a futuro de Rey Pila Rodrigo: Ahorita estamos concentrados en hacer un disco, ya hicimos el EP y ahora vamos por el disco, ya tenemos un buen batch de canciones. Ahorita nos hemos ido un par de veces a Texas para grabar en los estudios Sonic Ranch y estamos trabajando en canciones nuevas. La meta a corto plazo es sacar un disco en este año.

¿Que opinan de la gran variedad de festivales en México? Andres: Está increíble, el mercado de México ya es uno de los más importantes para las bandas internacionales, ya se lo toma más en serio todo mundo, es una buena señal de que a la gente le sigue gustando el rock o la música alternativa, o como lo quieran llamar. Diego: En una gran parte medio “un timo”. Los festivales en general en el mundo ya están muy raros, por ejemplo, Coachella ya es como un evento social más que ir a ver bandas, y para las bandas es muy difícil porque tienes media hora para explicar una cosa que luego te toma una hora y media, entonces como de “Órale, toca” y ya, tienes media hora, subirte y tocar rapidísimo, y se acabó tu chance. Siento que tiene que haber otro sistema de festivales, donde de alguna forma puedan caber esas bandas, puedes ver a Interpool en media hora, pero está medio cabron. Por otra parte, está bien que lo hagan porque generan atención de promotores de fuera, ven más hacia México y la gente conoce bandas nuevas. Creo que en los festivales, es mucho más positivo para bandas grandes porque les dan “su lugar” y ahora sí que para llegar ahí es para lo que trabajas.

zarpazos AZTLAN- ZOE

Aztlán A estas alturas, hay muy pocas cosas que puedan decirse de la banda mexicana Zoé, tanto buenas como malas. “El sonido de una generación” y “la banda más importante de la década” son algunos de los calificativos que han sido usados para referirse al grupo. Sin embargo, después de más de cinco álbumes de estudio, ¿Qué podemos esperar de la banda de Cuernavaca? La respuesta corta es todo; con el renombre y las obras cumbre del pasado, es claro que lo que toque la banda se convertirá en un éxito entre sus fans. Sin embargo, no sería justo demeritar su trabajo por el simple hecho de la fama adquirida; prueba de ello son los discos Reptilectric y Memo Rex Commander. También es innegable que en búsqueda del reconocimiento y (necesario) éxito comercial, Programatón se sintió como un trabajo insípido. Después de un documental biográfico, cuyo soundtrack fue compuesto enteramente por la banda, tenemos nuevamente material inédito.

Por David Celestino

Contrario a lo que muestra el arte de la portada, no estamos escuchando una obra conceptual, al menos no en su mayoría. La temática prehispánica se limita, al menos sin caer en teorías rebuscadas, a la pista que da nombre al LP. Esto se veía venir desde que se dio a conocer el primer sencillo, Azul, la balada corta venas necesaria para ser coreada en público. No es necesario llegar a Azul para ver cómo la banda ignora el supuesto concepto. La pista Venus se encarga de abrir el disco, una canción que recién termina se desvanece en la memoria; poco ayuda que el próximo hit del álbum le suceda de inmediato.

el último disco ¿conceptual? de Zoé

No Hay Mal Que Dure, por el contrario, es rítmica, pegajosa y con sintetizadores adictivos, el asunto es la lírica. Como pregunta seria, ¿Qué aportación tiene, temáticamente, una mentada de madre al final de la canción? Éste no es el único “arrebato de rebeldía” de Larregui; en el track siguiente Al Final, el cantante arremete contra el credo, la política y hasta los medios de comunicación Luci, que es una nueva Paula o Poli, se siente forzada y desinspirada; una escueta composición acústica apenas sostenida por los teclados y una tenue batería. Toda cantada con el característico falsete de Larregui, quien tanto en Luci como en Venus, roba el protagonismo de las pistas para mal. Es difícil saber la intención del cantante en ambas piezas, la única determinación clara por parte del vocalista es la de no cambiar la forma de cantar. El problema con Aztlán tiene que ver con todo el tiempo que la banda nos habló de asteroides, vía lácteas, y arrullos de estrellas. Es difícil imaginar Tenochtitlan en un ambiente sonoro como el de Zoé, por lo que resulta un experimento interesante, satisfactorio y afortunadamente exitoso. Recién

zarpazos AZTLAN-ZOE / QUE BAILE CON EL PERRO termina Aztlán, irrumpen violentamente los pesados sintetizadores de Temor y Temblor; la voz nada entre los espesos teclados guiada apenas por la batería electrónica. Resalta el pasaje instrumental a la mitad de la pista.

timos tres temas, además es candidata al premio “Peor titulo para una canción 2018”. A estas alturas de la grabación pareciere que la banda agotó sus recursos sonoros. Oropel no es necesariamente una canción mala, sin embargo, no está a la altura de sus predecesoras y parece un mero trámite para la pista que cierra, Clarividad. Es justo reconocer la línea melódica de la voz que invita a seguir la melancólica letra, y el bajeo que se im-

Quizá por mero contraste, Renacer se siente como un respiro; una pista sutil que crece lentamente y derrocha emotividad, lográndolo de mejor manera que Luci y, me atrevería a decir, que Azul.

pone.

La inclusión de Ella Es Magia es molesta, el aire casual de “estar en la cabina de grabación” arruina la inmersión lograda por los úl-

¿Qué esperar de uno de los estandartes del “indie” en México? La

Aztlán, como obra, no parece estar cerca de ser un punto cumbre en la carrera de la banda mexicana; no obstante, hay puntos importantes a rescatar, nuevos sonidos que explorar y una intención por parte de los integrantes.

respuesta larga implica las ambiciones solistas de Larregui, la presión de un éxito comercial y la demandada escena musical. Pese a lo que se pudo leer aquí, el grupo salió bien parado de su viaje a tierras mexicas.

El título de este texto es toda la letra de una canción. La canción se llama Perro y el hombre que la firma es Silverio. Y no es que la letra sea corta porque lo que dice es esencial y trascendente, más bien es una muestra ejemplar de pereza creativa.

que se para frente a un teclado por primera vez; un video con una larga y aburrida introducción con aires de tener contenido y profundidad; un hombre ridículo en paños menores que aparenta rebeldía y transgresión; un ritmo sin color y sin vida.

¿Qué nos ofrece esta canción y su videoclip? Una melodía hueca, descifrable por cualquier persona

Todo en esta canción es un intento. Un intento fallido, por cierto.

Por: Miguel Ángel Vargas Olvera

Que baile con el perro

Cat books el túnel

El túnel ¿hasta dónde puedes llegar por amor?

Ernesto Sábato, escritor, ensayista, físico y pintor argentino, conocido como uno de los más grandes narradores de la literatura hispanoamericana en los años 60, galardonado con el Premio Miguel Cervantes, dejándose llevar por su corriente favorita, la existencialista, escribió la fantástica novela titulada El Túnel, publicada en 1948. Sábato nos relata la vida de un pintor llamado Juan Pablo Castel, quien como se explica a lo largo de la obra, es una persona con problemas existenciales y psicológicos que están directamente relacionados con la gente que lo rodea en su vida diaria, y con las actividades que realiza cotidianamente. Estos problemas van evolucionando a un punto en que su situación se vuelve irreversible, y es en ese momento en que Castel nos cuenta su historia, una historia que definitivamente le cambió la vida. El libro es narrado por el propio Juan Pablo Castel, quiPor María Fernanda Bribiesca Villegas

en se encuentra recluido en prisión y durante su encierro rememora la cadena de acontecimientos que lo llevaron a perder el control de sí mismo, y a convertirse en un hombre con el interior oscuro, un hombre que termina siendo poseído por una insalvable soledad, que el mismo deseo hasta cierto punto. Lejos de ocultar el desenlace de su historia, que en gran parte está llena de amor y locura, comienza su relato con estas palabras: “Bastará decir que soy Juan Pablo Castel, el pintor que mató a María Iribarne”.

Palabras con las cuales, esta novela toma entonces una forma de confesión de un crimen contado por el autor del mismo, lo que hace que este relato se torne interesante porque como lectores podemos seguir paso a paso la historia y todos los sucesos que llevaron a Juan Pablo a cometer el crimen. De la mano del protagonista, el lector podrá conocer lo que vivió con María y, meterse en la mente del mismo, indagando y preguntándose si los motivos que al final va a poder recopilar fueron razón suficiente para tomar las decisiones que Juan Pablo no dudó en tomar. El amor entre el pintor y María comienza el día que se lleva a cabo una de las exposiciones de Juan Pablo, en donde se siente incómodo, ya que no puede soportar a los críticos que se encuentran hablando de él a sus espaldas e incluso en su presencia; ve por primera vez a María y llama su atención de una manera extraordinaria, ya que es la única perso-

Cat books el túnel na en la sala de exhibiciones que nota un pequeño detalle en uno de los cuadros de Castel, detalle que a él mismo le parece increíble que alguien pudiera notar. El pintor se acobarda y no se acerca a hablar con ella, a pesar de que lo desea. Su encanto y deslumbre por María es tanto, que comienza a buscarla por meses sin tener éxito, hasta que un día en el que estaba perdiendo las esperanzas de volverla a ver, el destino conspira a su favor y la encuentra en la calle, por lo que decide aprovechar esa oportunidad y la sigue hasta su destino. Cuando la tiene frente a frente, su fascinación se hace todavía más grande, y a lo largo de la novela, nos va narra a detalle cómo se metió en la vida de María conociéndola a fondo, perdiendo el control de sí mismo y dejándose llevar por ese amor que a través de los días vividos con su amada, se convierte en obsesión. Esta obra tiene una característica muy peculiar que la hace diferente a muchas de las novelas de crimen que conocemos, porque además de que combina perfectamente las cualidades de un amor intenso y sin límites, confiesa el delito cometido desde el principio y el lector no tiene que investigar algo más que las razones por las cuales se cometió el homicidio, misterio que se irá desentrañando conforme Castel cuente acontecimientos que son clave en esta historia. El Túnel es una novela relativamente corta, pero una vez que el lector comienza a adentrarse en la cabeza de Juan Pablo, es difícil parar, ya que

es increíble como el autor logra capturar al lector y hacerlo que quiera indagar y avanzar cada vez más, tomando el papel a veces de psicólogo, a veces de investigador, e incluso a veces del propio Juan Pablo o de la propia María. Al momento de terminar de leer esta narración, al lector le quedan dudas y es inevitable sacar conclusiones propias y comenzar a recordar los hechos; y es que después de saber todo lo que pasa en la cabeza de Castel, es muy probable que le des la razón y te sientas identificado con lo que él siente. Nos encontramos con una historia de amor hasta cierto punto enfermizo, pero muy intenso; un claro ejemplo de como todos somos tan débiles ante este sentimiento de enamoramiento, que a veces no lo sabemos controlar y él nos controla a nosotros. El amor puede ser una cosa maravillosa y un sentimiento increíble, pero cuando el amor no es como nosotros queremos que sea, puede llevarnos a límites a los cuales jamás pensamos llegar.

Cat books Nacarid portal

La desnudez de Nacarid Portal en tres libros ¿Les ha pasado que van por la calle en busca de algo para leer? Quizás se dirigen a su librería favorita o simplemente entran a una tienda de libros cualquiera, y justo después de rebuscar por un rato, encuentran el libro que los atrapa por la portada, que los lleva a querer saber todo sobre esa historia entre páginas que tienen en sus manos… esa es la sensación de imán que producen las obras de Nacarid Portal Arraez. En esta ocasión hablaremos de tres libros de esta autora venezolana: La vida entre mis dedos, Amor a cuatro estaciones y Mientras te olvido. Nacarid Portal Estudió artes en la Escuela Superior de Artes Escénicas y periodismo en la Universidad de Santa María en Venezuela, y fue fundadora del movimiento Acción Poética en Caracas. Comenzó a escribir desde muy pequeña, a la edad de 10 años, rodeada del amor de sus padres. El apoyo de su madre fue su mayor fuente de inspiración para lo que sería ahora su profesión.

La vida entre mis dedos (sentimientos traducidos con letras) “Para: La persona indicada. De: Aquel que llaman destino.

…Y me gusta creer que va a suceder. Me gusta creer, aunque no lo pueda ver. Me gusta creer que vas a entender, y de tus cenizas volverás a nacer. PD: No es casualidad, si adquieres este libro es por alguna razón. ¡AníPor: Sofía Jiménez

mate a viajar por tu interior!” Lo anterior es un fragmento de la invitación que se nos hace a leer esta obra en la contraportada de esta. Es el primer libro de la escritora dedicado a sus padres; en él, logra sincerarse y nos convence para acompañarla en un viaje de introspección; nos habla de la muerte

Cat books Nacarid portal

inusitada de sus progenitores, de sus momentos de descontrol, pero también de su fuerza de voluntad para salir adelante y lograr su misión como escritora tocando todas nuestras emociones, despejando dudas, y creando otras. Amor a cuatro estaciones (el diario de una ilusión) “Te invito a mi vida llena de excesos y diversión, te invito a un mundo en crisis, y a una vida de música, conciertos y poesía. Te invito a pasar, a que me conozcas a fondo, a que me juzgues y a que me ames, quedando expuesto a futuras similitudes, a metáforas constantes y amor por ella, sobre todo eso, una loca historia de amor sumergida en un imposible…” Este libro nos cuenta la historia de Christopher, un joven cantante que a la vez quiere ser escritor. Adicto a los excesos, pasa por un momento en su vida donde no puede sentir algo real por una persona. Conoceremos su día a día hasta su encuentro con Charlotte, lo que dará un giro inesperado a su existir. Mientras te olvido (aprendiendo a vivir sin ti) “…Piensas que la vida será como la soñaste, que no hay manera de que tu mundo se descomponga, vives con los ojos puestos en las estrellas y aunque no las tengas en tus manos, porque tienes algo mejor, estás enamorada…” Nacarid, en este último libro, nos ayuda a olvidar, a soltarnos, a sanarnos; a dejar ir viejos amores, y a sobrellevar despedidas de personas con las que compartimos tanto tiempo. A través de la historia de Aimé, una chica que tiene que pasar por todo un proceso de separación tras la ruptura de su relación de ocho años donde involucra a sus amigos para llevar a cabo una venganza, obtenemos una lección de desprendimiento que nos da la pauta a ver al interior de todos nuestros defectos, para mejorar en nuestras relaciones día con día.

Entrevistas rey pila

Andrea Franz La chica californiana que lleva el arte en la sangre

Andrea Franz nació en Baja California dentro de una familia artística, desde pequeña tuvo contacto con la música y México es el país que la ha apoyado y visto crecer en su proyecto musical, “We’ve Met” y “Baby Come Close” fueron los sencillos que dieron a conocer a esta cantautora. A parte de regalarnos buena música, ella nos inspira el amor hacia el arte en cada uno de sus flyers, pues aparte de dedicarse a la música, Andrea Franz estudió Diseño Gráfico ¿Interesante no crees? Tuvimos la oportunidad de platicar con ella y saber más sobre su vida personal. Aquí te contamos todo:

Foto: Monse Conde

Entrevistas Andrea Franz

Andrea Franz: Yo soy una chica de California que le encanta el arte, me gusta bailar y estar con la gente, me encanta la pizza y soy muy fan de la comida picante.

¿Sobre tu faceta de diseñadora? AF: Yo quería dibujar y pintar pero mis papás pensaron como más lógico, dijeron “te dejamos estudiar dibujar y pintar algunos años, y después cambiamos a diseño gráfico”. Cuando me cambié me enamoré, es muy creativo y los programas son increíbles, puedes hacer cualquier cosa; visualmente me encanta.

¿Cuál es la primera canción que escribiste y en qué te inspiraste? AF: Tenía una banda en la prepa que se llamaba The Elephant Walkers después de los robots en Star Wars, y la primera rola se llamaba sleepingme sentí mal; mi abuela vivía conmigo en mi casa y le di mi cuarto mientras yo dormía en la sala. Un día me enojé con mi abuela y le hice una canción que era un

poco chistosa, sonaba algo punk, sonana feo, me burlaba un poco de ella. Pero cuando se le enseñé le gustó, era chistosa, pero esa fue la primera rola que compuse.

¿Con quién te gustaría hacer una colaboración? AF: con Julián Casablanca de The Strokes, sería increíble, yo pienso que es muy creativo aparte de que su voz es increíble.

¿Cómo te ves en un año? AF: Espero que en un año ya tenga mi segundo álbum ya que actualmente estoy trabajando en ello y espero estar presente ya en algún festival sería lo mejor.

¿A que cantautora mexicana admiras? AF: Creciendo en California no escuché mucha música en español, pero una de las bandas favoritas de mi mamá era Mecano, aún que la chica no era la que escribía las canciones, son los hombres quienes escribieron las rolas, y aunque no sea de México es

Por: Jessica Rosas Pérez

Cat Rock:¿Quién es Andrea Franz?

Entrevistas Andrea Franz una banda que admiro (Risas). Y ahora que estoy aquí es Natalia Lafourcade, es algo nuevo para mí, yo no escuchaba su música en California, y ahora que escucho su último álbum es increíble. Es muy buena, mis respetos.

¿Qué significado tiene tu dinosaurio? AF: A Debbie la encontré, más bien la adopté, en un puesto de periódicos en Condesa, y estaba ahí, me la estaban vendiendo, estaba hermosa, estaba increíble. La llevé a mi casa y la empecé a decorar como pintar cosas en ella, y no fue tanto mi plan para integrarla en shows, pero comencé a subir vídeos de ella a mi Instagram y entonces casi naturalmente le estaba creando una identidad para ella, y cuando hice la gira de Circuito Indio con Tessa me decidí a llevarla conmigo, pues siempre está conmigo en la casa y me hace sentir un poco más segura cuando la llevo conmigo al escenario es como mi protección si ellos van mal sé que llevo a mi Debbie. Me pueden seguir en Instagram, Twitter y Facebook, nadamás busquenme como Andrea Franz y soy la primera que aparece. ;))

música desnuda ¿Qué hace el director de una orquesta?

¿Qué hace el director de una orquesta? Entrevista con el maestro Fernando Lozano, director de la Orquesta Filarmónica 5 de mayo.

El director Fernando Lozano ha estudiado música en distintos países, como México, Francia, España, Italia y Países bajos. Su carrera profesional comenzó en 1961 y desde entonces ha logrado participar en la dirección de óperas y de orquestas de gran calibre, como lo son la sinfónica de México; y ha trabajado a lo largo de distintos países como Alemania, Argentina, Austria, Canadá, Checoslovaquia y Cuba, por mencionar algunos. En 1971 dirigió a la Orquesta de la Ópera del Instituto Nacional de Bellas Artes; en 1978 formó la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México; en 1997 fundó la Orquesta Sinfónica Miguel Hidalgo de la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo. Además, ha recibido algunos reconocimientos como el Óscar “Georges Auric” en 1981 y el Orfeo de Oro “Michel Garcin” en 1996, tras haber realizado la primera grabación mundial de la ópera Ildegonda, de Melesio Morales.

El director Fernando nos comentó que su función dentro de la orquesta se basa en las necesidades y hacer que las normas y valores existan dentro de ella; su orden, contratación de músicos solistas, etc. Sus palabras fueron las siguientes: “Primero, el hacer que la orquesta funcione bien, que sea disciplinada, tenga una programación interesante para el público y músicos también, que tenga un orden y organización que permita hacer la música muy bien. Eso es lo fundamental, pero mi responsabilidad se extiende a otras cosas, a tener un lugar adecuado para ensayar, a tener las luces que necesitamos, a tener las partituras a tiempo, a tener la promoción y publicidad que se necesita para dar un concierto, a contratar a los solistas que vienen de invitados, a invitar a otros directores que enriquezcan el trabajo de la filarmónica”. Además de ello, nos comentó que muchas veces llega a visitar los lugares donde se presentarán, para organizar algunos detalles como escenario, iluminación, etc. Asimismo, nos comentó sobre cómo llegó a la Filarmónica, algo que él mismo bautiza como “llegar de rebote”, pues en ese tiempo iba a dirigir una ópera en Tlaxcala, pero hubo un conflicto administrativo que actualmente sigue sin conocer, a lo que el secretario de cultura de Puebla le llamó e invitó a que la obra se hiciera en la capital junto a la orquesta, pues ya tenía a los solistas, la música y la organización. Después de esa participación, lo invitaron a varios conciertos junto a la Filarmónica. Nos dijo: “más tarde, haciendo un concierto para la entrega de la medalla de Mozart en Bellas Artes, el presidente del consejo me dijo “yo quiero que te quedes, voy

Por Asael Miguel

Dentro de la música encontramos distintos tipos, colores y sabores; pero aquel género clásico que crean las orquestas sinfónicas es incomparable por su sonido, cantidad de integrantes y trabajo que lleva detrás. En esta ocasión, tuvimos la oportunidad de entrevistar al maestro Fernando Lozano, quien es el director titular de la Orquesta Filarmónica 5 de mayo de Puebla, en donde nos platicó sobre su experiencia individual, experiencia junto a la orquesta, la manera en que llegó a su actual puesto, qué es la orquesta, las actividades que realizan, su relación con otros grupos artísticos y el futuro de la Orquesta Filarmónica 5 de mayo.

música desnuda ¿Qué hace el director de una orquesta? a hablar con el gobernador”. Total, ellos tuvieron sus consultas, sus pláticas y me quedé, de eso ya van a ser 6 años, y aquí sigo.” De igual manera nos interesó saber qué es la Filarmónica, no en lo teórico, sino en su opinión profesional y como líder de la misma, a lo que el maestro nos respondió: “La orquesta tiene que difundir la música sinfónica en el estado de Puebla. Para esto, hacemos temporadas de conciertos en la capital de Puebla y en los pueblos mágicos, hacemos conciertos educativos, didácticos, vamos a las escuelas. Nos estamos ocupando mucho de los niños, de los adolescentes”. En el mes de abril visitaron distintas comunidades de la capital para ofrecer conciertos didácticos en las escuelas, esto con el objetivo de acercar a los jóvenes a la música; dentro de su repertorio tocaron algunas piezas de Cri-Cri, el grillito cantor. Además, cada año son partícipes del festival 5 de mayo. Dijo: “hacemos grabaciones, hacemos ópera, hacemos ballet, etc. Entonces, la actividad no falta. Hemos hecho muchas grabaciones, muchos cd’s.”. Por lo que entendemos que las actividades de la Filarmónica están bien planeadas, son diversas y que se preocupan por la difusión del arte clásico en las nuevas generaciones. Le preguntamos sobre la relación de la Filarmónica con otros colectivos artísticos, a lo que el contestó: “Pues, yo creo que ha sido muy buena, yo he tenido experiencias diversas, y aquí, nos pusieron frente a una orquesta que tenía unas carencias,

tenía debilidades y que era insatisfactoria para lo que queríamos hacer, y poco a poco se fue transformando, y la pudimos transformar hasta llegar a una orquesta de primer orden.” El director asegura que la Filarmónica es ahora una de las mejores orquestas del país que trabaja bajo la influencia de valores y normas como el trabajo en equipo, el respeto, la disciplina y el orden. Dado que las actividades del director son exigentes, nuestra entrevista estaba llegando a su fin, por lo que le hicimos la última pregunta ¿Cuál es el futuro de la Filarmónica?, a lo que respondió: “El que nos permitan hacer, la orquesta está dispuesta a trabajar y a superarse, a ser mejor cada día. Y yo también, por supuesto, y por el momento las autoridades también, puesto que nos entusiasman, nos empujan a hacer cosas, ¿no? Así es que, yo creo que tenemos un compromiso”. Su respuesta guarda mucho contenido y esperemos sus metas sean cumplidas según sean sus planes. Terminada la entrevista, el personal administrativo nos brindó información sobre las próximas actividades de la Filarmónica, dentro de la cuales se encontraba el Festival 5 de mayo, en donde participaron junto a Eugenia León e interpretaron la ópera “El murciélago”. Además, el 25 de mayo presentaron el concierto para trompeta de Franz Joseph Haydn. Cabe mencionar que la temporada de verano está por comenzar, por lo que esperamos de noticias sobre qué músicos y directores invitados tendrán con ellos, sin olvidar la próxima presentación junto a Alan Parsons en su proyecto sinfónico el próximo 21 de junio en el Auditorio Metropolitano, quien fue productor de The Beatles en sus álbumes Abbey Road y Let it be. ¿Dejaremos pasar todas las fechas que trae este orgullo estatal? Les invitamos a asistir a cuantos conciertos puedan, a excepción de la fecha con Alan Parsons, todas sus presentaciones las realizan en el Auditorio de la Reforma ubicado en lo fuertes de Loreto y Guadalupe con un costo de $45 pesos general y $25 a estudiantes, maestros e INAMAP.

Cat Films parque jurásico y nostálgico

Parque Jurásico y Nostálgico La saga regresa este 2018

Recordamos la asombrosa banda sonora del legendario, John Williams que quedó plasmada en la historia. También se vienen a nuestra memoria, las camionetas 4x4, al majestuoso T-Rex y los increíbles velociraptors. En 1993, Steven Spielberg dirigió lo que sería uno de los mejores blockbuster’s jamás hechos.

espectáculo visual es sin duda lo mejor de la película, exprime sus elementos convirtiéndolos en un buen entretenimiento. Previamente, antes del estreno, se especulaba que sería la mejor película de esta saga. Lo más conveniente sería darle un final al parque de dinosaurios más

La trascendencia de Jurassic Park se ha fortalecido con los años. Después de dos secuelas infames, en 2015, reabrió el famosísimo y peligroso parque con nuevos protagonistas, pero con los mismos elementos que la identifican; “Jurassic World” dirigida por Colin Trevorrow y producida por Steven Spielberg. Las reseñas, en su mayoría fueron positivas, y se convirtió en la cuarta película más taquillera de historia, lista liderada por “Avatar” de James Cameron.

famoso dentro del cine, para que

La secuela titulada “Jurassic World: Fallen Kingdom”, presentó una historia más conmemorativa para la franquicia, pero cayendo en mismos errores que su predecesora. El guión decae en ocasiones de forma ridícula, se vuelve predecible y superficial. El

las súper producciones en la ac-

los fanáticos no queden decepcionados y destruyan la nostalgia que aún produce el T-Rex. “Jurassic Park: Fallen Kingdom”, es un producto que sigue vendiendo. Es mediocremente bueno y olvidable, que nos confirma que tualidad ya no están hechas con corazón. Se tiene la idea que un espectáculo de efectos especiales es suficiente.

Por Sergio Omar Ávila Berea

Cuando hablamos de Jurassic Park, la nostalgia siempre estará presente.

Gepe

La Ciencia Exacta dentro de la carrera de

Hoy en día, la música chilena ha tomado un empuje más grande dentro de la industria musical. Artistas como Gepe, son los que logran posicionar el folklor chileno dentro de los oídos de las personas con su peculiar combinación de géneros y ritmos latinos. Recientemente, ha presentado su ultimo material que lleva por nombre Ciencia Exacta, el cual interpretó hace unos meses en el Teatro Metropolitan, así como en otros estados de la republica mexicana. Nos reunimos para platicar con Gepe acerca del crecimiento que ha tenido como solista, de su nuevo disco, algunos datos curiosos y qué planes tiene a futuro para su proyecto.

Foto: Carla Gonzáles Viviani

Entrevistas Gepe

Cat Rock: ¿A qué edad comienza tu acercamiento con la música?

¿Cuál es el objetivo principal de “Ciencia Exacta”?

Gepe: A los cinco años empecé a tocar la batería, a partir de esa edad siempre tuve bandas y como la batería fue el primer instrumento al que me acerqué, siempre he sido baterista de bandas.

G: El objetivo principal es hacer un disco lo menos co-producido posible, es decir, bajar las cuotas de ansiedad que creo que en los dos discos anteriores, sobre todo en el Estilo Libre, estuvieron muy presentes: tener un público y una idea al respecto, cómo trabajar en una meta que meramente funcione. Y ahora no, ahora es como hacer un disco de homenaje naturalmente, sin ansiedad.

G: Es un proyecto solista que surge a partir de la motivación de hacer canciones en las cuales no hay que ponerse de acuerdo con nadie y hacer lo que quieras, entonces comencé a tocar mis propias canciones, me motivé mucho, grabé un disco, primero fue un EP que se llamó 5x5 y después un disco que se llamó Gepinto y etc. El resto es la demás carrera que se ha dado. El nombre de Gepe, pues fue una elección bien random del lugar donde estaba, lo tomé de una cajita de rollo fotográfico con el nombre Gepe, y adopté el nombre.

¿Cómo nace la idea de incluir un cover de “Las Flores” de Café Tacuba en el disco? G: El cover lo hice cuando estaba en un concierto en el Lunario, quise hacer un cover y se me vino a la mente esa canción, la saque ahí momentos antes, así la hemos tocado un montón de tiempo y justamente en Ciencia Exacta se adaptaba muy bien al espíritu del disco.

Después de una mezcla de diferentes géneros ¿Cómo definirías el sonido de Gepe?

¿Siguen alguna temática los videos de los sencillos que has presentado?

G: Como un género canción, he pasado en su momento las canciones con influencia de folklor latinoamericano, folklor chileno en un formato pop básicamente, canciones pop con influencia de folklor.

G: Claro, tienen que ver con el espíritu natural, una idea más clara de lo orgánico son los paisajes naturales. En general los videos son así por el espíritu que tiene el disco, sin tanta construcción, con cosas de alcance a la mano y sin darle tanta vuelta.

Tu primer EP lo lanzas en 2005 y el año pasado presentaste tu último disco Ciencia Exacta ¿Cuál es el cambio más notorio del primer material hasta tu más reciente álbum? G: Uno bien radical fue que cuando empecé hacer canciones no tenía idea de cómo hacerlas, simplemente empecé a practicar formas e ideas, y toda el agua que ha pasado bajo el puente ha servido para el día de hoy hacer propiamente canciones con conciencia de eso, estables, de esa manera encontrar la manera de hacer, de poner algo súper íntimo mío. Hacer canciones como yo quiero, con el sello de Gepe.

¿Cuál fue la inspiración para las letras de este disco? G: Cosas personales, en general me considero una persona a la que le sucedan, o busque cosas distintas al común de la gente, pero hablar de mi es la intimidad de un montón de personas.

Dentro de tu carrera musical has tenido muchos duetos, Alex Anwandter, Javiera Mena, por mencionar algunos ¿Cuál ha sido el más importante? G: El más importante creo que ha sido el de Wendy Sulca, algo más ácida.

¿Cuál ha sido el disco más significativo dentro de tu carrera?

¿Crees que se podría dar una reunión del proyecto de “Alex y Daniel”?

G: El primero y el último. El primero por lo mismo, el principio y el presente.

G: Por ahora no porque el Alex está haciendo películas, está grabando disco ahí en Chile, entonces

Por: Oscar Pérez Juárez

¿Cómo surge el proyecto y la idea de utilizar el nombre “Gepe”?

no lo podríamos hacer, pero de aquí a un año o más para darle otra vez, para nosotros los tiempos, los tiempos de ajustarnos exigen mucho tiempo, entonces imagínate.

¿Cuál fue tu experiencia al presentarte en el Teatro Metropolitan? G: ¡Tremendo recinto!, el concierto me encantó, estuvo muy bonito, quedamos muy contentos de cómo se escucho, y fue bastante inolvidable sin duda.

¿Cuál es tu opinión del público mexicano? G: Muy buena, desde 2007 hasta ahora nos hemos encontrado con gente muy buena, muy melómana, que cuando son fanáticos, son fanáticos de verdad y eso se agradece de verdad, queremos mucho a este público y nos quiere mucho también, nos han hecho sentir en todos los Vive Latino que hemos tocado, en todos los lugares que hemos tocado. Contento de volver una vez más.

¿Cuál es la importancia de rescatar las culturas latinas en tus canciones y tus presentaciones? G: Es natural, la influencia latinoamericana es súper natural en la música que yo escucho, entonces es inevitable que aparezca por ahí y lo vamos a seguir haciendo siempre, de hecho justamente estamos preparando de pura música chilena folklórica.

¿Cómo definirás tus shows? G: Bueno, depende el formato, nuestra última gira por México fue acústica, donde solo llevo la guitarra, y depende de la situación; depende del día, del clima, de un montón de cosas. En todos hay mucha entrega, ya sea en la plaza de la ciudad, en la plaza del pueblo o en el Teatro Metropolitan, hay mucha intensidad.

¿Cuál es la canción que definiría a Gepe y por qué? G: La canción que definiría a Gepe, hoy por hoy, “Hablar de ti” es la que más me gusta, no porque hable de mí, creo que en cierto sentido sí, pero sí, esa, por cómo nació y cómo la hicimos.

¿Cuántos instrumentos tocas y cuál fue el más difícil de aprender? G: Bueno, todos los estoy aprendiendo de todas maneras, pero el piano siempre me ha costado, siempre he estado lejos del piano, pero me encanta aunque se me complique un poco. En general los demás que manejo son: la computadora que se me da mover muy bien y la batería que es lo que más manejo.

Sin duda alguna la personalidad de Gepe es muy variada, es esta personalidad la que lo vuelve un músico único que sabe reflejar dentro de cada composición un estado de ánimo, un lugar o algo característico de la música chilena, convirtiéndolo en uno de los exponentes más reconocidos de la industria musical en el país del que es originario.. Recientemente ha estado presentando su más reciente sencillo Abrir la puerta que forma parte de Ciencia Exacta.

música desnuda cole porter

Cole Porter

Cole Porter fue un alma vieja y desenfrenada, pero con un ingenio sublime. Son las desahogadas y hedonistas letras que lo caracterizaban, las que lo llevaron a ser uno de los grandes de la música popular norteamericana. Hoy en día, las melodiosas voces del periodo de los 20´s a los 50´s existen en la playlist de muy pocos, sin embargo, compositores como Porter merecen un lugar en los oídos de todos. Fue el máximo y dio el máximo con canciones como Day and Night, con un ritmo tal vez difícil de seguir, pero con la capacidad de llevarte a ese momento del enamoramiento cuando piensas día y noche en un solo ser. O temas como What is this thing called love, que atraen tu atención cuando escuchas a Porter jugar con las teclas del piano, con una lírica que hace del amor un tema con sentido. Pero si dicho amor a la par de la carnalidad, es lo que prefieres escuchar, Let´s Do It es la canción ideal. Una pieza para acompañar en la excitante experiencia de enamorase.

Un destello de música y poesía

Por: Fernanda Alonso

Este brillante músico americano merece la pena. Deja tu alma danzar mientras Porter toca el piano y por qué no, como él, has de la vida una fiesta.

Cat Films synecdoche, new york

La verdadera magia del cine y

Synecdoche, new york

Ángel D. Becerra Juárez

Nos han acostumbrado a solo una manera de ver cine. Aquella que nos congrega cada verano para ver el próximo estreno blockbuster; la que nos hace víctimas de la preventa de boletos y exige ver más de una vez la película en turno, para poder entender todas las referencias. Una forma de consumir cine más parecida a ingerir comida chatarra que a disfrutar de una pieza de arte. Y no, no es cuestión de pedantería, es solamente la aceptación de la realidad, ya que basta con dar un vistazo rápido a la cartelera para darse cuenta que, casi en su totalidad, lo que se exhibe en las salas de cine son secuelas de franquicias millonarias, comedias pasajeras o, en el peor de los casos, excusas para vender juguetes. Si bien lo anterior no es mi idea favorita, lo cierto es que este tipo de cine no es necesariamente algo malo; como producto, cumple su propósito de juntar a la familia, brindar un buen rato y generar las ganancias suficientes para que el cine (como lugar) siga existiendo. Aún así, es innegable que este modelo es desgastante si se acude a él con frecuencia; ver película de superhéroes tras película de superhéroes, cada una interconectada con el resto y repleta de efectos especiales por compu-

tadora, me hace preguntar: ¿Esa es la verdadera magia del cine? La respuesta depende expresamente del punto de vista. Para esa persona que visita el cine dos o tres veces por año, las imágenes irreales llenas de explosiones y colores sintéticos, en la nueva película de moda, serán el mayor valor del cine. Pero ¿Qué hay de los que observamos cine a discreción? ¿Acaso debemos relegarnos a observar de mala gana lo que se proyecta en las salas? No necesariamente, pues valiéndonos de la tecnología que engalana nuestra generación, podemos acceder a obras diferentes, que quizá no puedan ser observadas en pantalla grande, pero si puede brindarnos una opción más profunda de lo que el séptimo arte significa, con largometrajes como Funny Games de Michael

Cat Films synecdoche, new york Haneke, Persona de Ingmar Bergman y en este caso, Synecdoche, New york de Charlie Kaufman.

haciendo uso de efectos especiales lo suficientemente discretos para acentuar el carácter real del filme. Realidad que recae en las actuaciones de su protagonista: Philip Seymour Hoffman, quien representa en su forma de transitar por este mundo, las ideas y sentimientos de una trama que busca conectar al público con su lado más humano, con su yo vulnerable, su yo reemplazable, su yo que envejecerá y enfermara hasta morir.

Quizá el nombre de Charlie Kaufman no transmita nada por sí solo en principio, pero una vez que te das cuenta de que es responsable de películas como Eternal Sunshine of The spotless mind, Adaptation y más recientemente Anomalísa, no parece extraño ocupar su obra como contrapeso en este texto. Y es que Synecdoche, New York funciona en diferentes niveles en los que el cine mainstream no lo hace. En primera, por un guión original, no solo en procedencia, sino también en esencia. Sin grandes aspiraciones en escala -aparentemente-, completamente centrado en el componente humano de la historia y una sensibilidad que es difícil de conseguir en un largometraje.

Así, es la realidad la que diferencia a Synecdoche -y un puñado más de películas-, de las obras que puedes observar en las salas de cine. Son cintas meditativas que no tienen como propósito principal venderse a las masas, que prefieren transmitir emociones antes de mostrar grandes efectos especiales; esas que no terminan dando pie a una segunda parte, si no apagándose a sí mismas, disolviéndose lentamente a un tranquilo color blanco.

Con una duración de 124 minutos, la cinta contiene la suficiente cantidad de giros argumentales para mantenerse interesante, sin la necesidad de ser rimbombante o tirar por lo obvio; no es una película que dependa de una sola parte de su trama, la cual pueda ser arruinada haciendo spoiler, pero sí exige discreción para poder disfrutarla. Otro pilar de esta obra es su aspecto visual, que sin ser grandilocuente, crea imágenes irreales, en un estilo único que transmite la urbanidad y suciedad del teatro. La ciudad de Nueva York palpita a través de las escenas en los tiempos calmos de la película;

música desnuda Boards of Canada

Boards of Canada Visitas nocturnas al abismo filosófico

Todo es penumbra; en la habitación, en los párpados, en la mente. Este es el trágico final de un día común y despreocupado. Durante las horas de luz te balanceaste de un lugar a otro con una sonrisa, viviendo cada minuto en tu presente; y es el contraste con esa despreocupación de tu día entero, lo que hace más densa la penumbra que te envuelve en este momento. ¿Por qué existimos? ¿Qué hay después de la muerte? ¿Tiene algún propósito la vida? ¿Por qué hay algo en vez de haber nada? Es la hora de las preguntas sin respuesta… para ser más precisos, “las preguntas cliché sin respuesta”, y algunas otras que se te irán ocurriendo. El abismo filosófico es muy amplio, y tu pensamiento, muy ágil para recorrerlo con desenfreno. No hay respuestas absolutas para las cuestiones de la existencia, tal vez nunca las habrá.

Por: Miguel Ángel Vargas Olvera

El momento perfecto para ahogarse en esa incertidumbre filosófica tan real, es la noche, y la banda

sonora ideal para esos instantes de vacío existencial, es la música de Boards of Canada. Los sonidos del dúo de hermanos originario de Escocia, son enigmáticos por naturaleza. Cada pieza creada por este par, eleva un ambiente de dudas y secretos; a veces más oscuro, a veces más espeso, y en ocasiones, aunque cueste creerlo por la frivolidad que los caracteriza, es cálido. Pocas entrevistas, pocos conciertos registrados, acertijos ocultos en su discografía y un estilo sonoro con pocas variaciones a lo largo de los años, son algunos de los factores que hacen aún más interesante la propuesta de BoC. Si eres de álbumes, empieza por Tomorrow´s harvest, que podría considerarse el trabajo más accesible del dúo; si eres de canciones, sigue en orden este camino que te llevará a ninguna parte: Reach for the dead, Music is math, Dayvan Cowboy, You could feel the sky, Turquoise hexagon sun…

música desnuda Sudamericanos

La realidad social latinoamericana en voz de los mejores sudamericanos

Chile En la década de los setentas mientras los baby boomers en EUA marchaban en contra de la guerra de Vietman, en Chile se vivía uno de los peores atentados a la democracia no solo en latinoamericana sino del mundo. El 11 de septiembre (gran coincidencia) de 1973 fue bombardeado el palacio de moneda presumiblemente por aviones gringos, culminando así un golpe de estado encabezado por el siempre polémico y títere de la vida real el general Augusto Pinochet, golpe que colocaría a este mismo en la presidencia chilena por muchos años. Así es como comenzaría uno de los episodios más negros en la historia de nuestro colorido contiene. El control ejercido por el gobierno con respecto a los productos culturales como la literatura, el cine y la música fue total.

En 1988 después de una gran campaña publicitaria el Pinocho por fin se fue después de un polémico referéndum liberando los canales de comunicación, la utopía neoliberal al fin había terminado. En medio de todo este contexto llegan “Los prisioneros” comandados por el legendarios vocalista y bajista Jorge González con una propuesta de electro pop clásico que sigue cautivando a los escuchas. La letras de Jorge han inspirado a contemporáneos como “Gepe”, “Pedropiedra”, “Alex Andwanter” y “Javiera Mena” que no tienen problema en externar su admiración por dicha banda que fue la primera en ser reproducida en MTV. Probablemente su canción emblema sea “Tren al sur” que nos relata el trayecto de un muchacho por las vías del ferrocarril

chileno. En estas letras podemos ver el conflicto que tiene el protagonista con los prejuicios que carga un joven de provincia al enfrentarse la los grandes monstruos de concreto y la migración de la gente del pueblo a las ciudades buscando una aparente mejor calidad de vida en un obvio olvido y desprecio de los gobiernos y las sociedades hacia la vida rural. Para la siguiente es necesario que conozcan que en este país no existe la educación publica de nivel superior, los padres se tienen que endeudar de por vida para mandar a sus hijos a la universidad; en “El baile de los

Por: Carlos Alejandro Justo

La música desde el inicio de los tiempos ha sido el medio por el cual los interpretes expresan el día a día de las sociedades. Latinoamérica no es la excepción, la segunda mitad del siglo veinte no solo nos dejo ríos de sangre, dictaduras, desfalcos, desaparecidos y dictaduras, también nos regaló un boom musical que no se ha vuelto a repetir y que sin lugar a dudas nos acompaña hasta ahora. La caza de comunistas mejor conocida como “operación condor” emprendida por el gobierno de Estados Unidos fue la inspiración de grandes canciones. Estamos por hacer un viaje por la escena argentina y chilena que fue voz de las atrocidades que se siguen viviendo hasta nuestros días.

música desnuda Sudamericanos que sobran” los prisioneros hacen una fuerte critica a la falta de oportunidades que viven los muchachos chilenos que no pueden costearse tan costosa inversión. Como dice Jorge, no nos acompleja mezclar los estilos mientras huelan a gringo y se puedan bailar. Bandas como Ases falsos se han vuelto hoy en día grandes críticos del sistema político y las sociedades liquidas.

Argentina La situación política Argentina es muy similar a la que vivía su país vecino, así como otros países del cono sur la tierra de Maradona, también vivió una brutal dictadura que hasta la fecha sigue clavada en la psique Argentina, aunque los expertos de arriba digan que Videla fue el más “buen pedo” de todos. El gobierno de este sujeto comenzó una persecución frontal contra todo aquello que pudiera significar un pretexto para levantar la voz contra el sistema, así es, se fueron con todo contra los músicos. Anécdotas

desgarradoras como la de Victor Jara a quienes militares le cortaron las manos en el emblemático estadio monumental de River Plate por ser un critico del gobierno. La Argentina se vio manchada gracias a las artimañas ya conocidas por los militares de todo el continente, detenciones forzadas que siempre terminan en desapariciones además de una absurda guerra contra Inglaterra por las islas Malvinas donde miles de Argentinos fueron asesinados por el capricho de un animal. Pescadito Rabioso junto con Andrés Calamaro y Charlie García tal vez sean los sobreviviente más emblemático de este era. Así es como si fuera un espejo Argentina regresó a una aparente democracia acompañada por un movimiento musical que cambio el rock argentino para siempre. Los Fabulosos Cadillacs son una banda originaria de Buenos Aires nacida en el año de 1985 que con una combinación de rock y Ska supieron entrar en la vida de mucha gente alrededor del mun-

música desnuda Sudamericanos

do. Cadillacs es un banda con un gran repertorio musical, Malbicho por ejemplo no solo es una critica a las guerras y la violencia que se vive en el mundo sino también una critica al sistema educativo que prioriza en los registros de la historia a los grandes sucesos violentos de nuestra historia que dividen a nuestra sociedad y no a los que nos unen. Otras canciones como “El león Manuel Santillán” y “Matador” son dos de las grandes grandes epopeyas de nuestros días. Estos dos relatos nos cuentan los triste decesos de dos caudillos a manos de la siempre confiable policía, estas rolas están cargadas de un gran sentimiento de lucha que ha llevado a derramar un par de lagrimas a mas de uno en los Vive Latino.

Bandas como La Vela Puerca, Ilya Kuriaki and the Valderramas y babasonicos siguieron por unos años más el legado que les dejaron los grandes. El rock durante muchas décadas fue el género de protesta máximo, no solo en Latinoamérica sino de todo el mundo. Grandes son los músicos que se vuelven la voz de su pueblo, a esos el público les paga con gloria. Lastimosamente todo tiene un inicio y un final y nuestro amado género se vio absorbido por el consumo de una sociedad que no quiere escuchar sobre su realidad, perdió su carácter critico. Géneros como el rap hoy en día cargan con este carácter hoy en día.

La tierra del Ché cargada de lucha también nos ha regalado grandes éxitos como “La guitarra” de Los Auténticos Decadentes donde escuchamos la discusión de un joven con su padre por no querer ser un godin y vivir de la música surfeando el sistema y aprovechando las mieles de este “amoroso” capitalismo. Rubén Blades aunque no argentino fue uno de los grandes críticos de la dictadura de este país con canciones como “Desapariciones” y “Adán Garcia”, que nos cuenta el triste sacrificio que puede hacer un padre para sacar adelante a sus hijos, padre que esta dispuesto a arriesgar incluso su misma vida.

Pop

pop

4 solistas que rompen con el arquetipo

En el mundo de la música existe un gran espectro en cuanto a géneros, pero, si en particular hablamos del pop, se abre una gran brecha que rompe su ambigüedad: Synth pop, dream pop, pop barroco, noise pop, rock pop, electro pop, dance pop, pop folk; por mencionar algunos subgéneros. A pesar del amplio criterio que nos dan estas clasificaciones para identificar a ciertas agrupaciones, me parece que es arriesgado atribuirles un género en específico, ya que son muy pocas las bandas que reproducen o se dedican por completo a un solo ritmo. ¿Qué caracteriza al pop? La mayoría atribuye características estereotipadas a la industria del pop, como letras pegajosas y simples, un ritmo repetitivo y en general la ausencia de ingenio en

la construcción musical. El pop revoluciono cuando los géneros comenzaron mezclarse, diversas agrupaciones empezaron a producir música con detalles de otros géneros, incluso generar fusiones que denotaran una gran diferencia con el pop de la vieja escuela. En la música pop siempre encontraremos sintetizadores, teclados, guitarra, bajo batería al igual que un sinfín de variantes. En este artículo Cat Rock enlistó a 4 músicos independientes que forman parte del pop, rompiendo con todos los prejuicios que tenemos del género, ellos logran innovar y fusionar diferentes matices en su música, dando vida a una especie de dream pop, synth pop o pop barroco , que claro, incluso si hablamos de un mismo álbum parecen variar de géneros.

Por: Dana Illescas

música desnuda

música desnuda pop

Jonathan Bree Jonathan Bree tomó la vida como solista desde el 2009, cuando The brunnettes se desintegró. Con un melodía particular acompañada de una voz agria Bree en el 2013 lanzó “The Primrose Path” Un álbum con tintes melancólicos, en el cual persiste un sonido suave y relajado que mantiene algunas características del pop como el uso de teclados y sintetizador. En “A Little night music” el segundo álbum de Bree, se nota un ritmo más avanzado , el implemento de coros y mayores instrumentos como violines y piano. Aunque mantiene un espectro sombrío cercano al post-punk, no se desvanecen las melodías suaves y la

Lawrence Arabia En el 2006 Lawrence Arabia sacó su primer álbum homónimo con una larga lista de 13 canciones adornadas con armónica, guitarra acústica y arpeos, 13 canciones moldeadas a un pop folk. 3 años después compone “Chant Darling” formado con una lírica más suave armonizada con instrumentos de orquesta, mantiene un ritmo más acelerado en contraste con el álbum anterior, me arriesgaría a decir que tiene algunos matices de pop barroco y pop rock . “The sparrow” concluye en el 2012 con 9 canciones, a pesar de mantener la esencia de Lawrence, en

melancolía que caracterizan a sus obras. En “you´re so cool” uno de sus sencillos, Jonathan opta por una lírica más simple acompañada de una batería con un ritmo persistente ajustada con detalles del synth. Jonathan Bree nos llena con obras que sencillamente podrían ambientar una pesadilla agridulce, logra romper con los arquetipos pop ya que su música no toca el panorama de lo “comercial”, añadiendo a sus producciones una esencia particular que contrastada con melodías dulces armonizadas de coros dan vida a un dream pop que se resiste por el post-punk.

este álbum se nota un ritmo más apagado y tranquilo, incluso un tanto melancólico por el uso de piano contrastado con una voz aún más aguda en comparación de los proyectos anteriores. En el 2016 Lawrence regresa con un ritmo mucho más energético y sensible, implementa coros acercándose a un dreampop. Posterior a 10 años de trayectoria Lawrence Arabia ha plasmado diversos conceptos en sus álbumes recurriendo a diferentes instrumentos y armonías. Su versatilidad le dio pauta a experimentar con diversos géneros musicales, lo cual se ve reflejado en su proyecto.

música desnuda pop

Sports coach Sports coach experimenta mezclando con el sintetizador, llevándolo a tocar diferentes matices que apuestan por un low-fi pop. En el 2016 apareció su primer LP “Beau and his dreams”, con 10 canciones que se apegan a un estilo dream pop con letras simples y repetitivas conjugadas con sonidos sintetizados.

Molly Nilson En el 2008 Molly Nilson grabó su primer álbum de estudio “This things take time” con 13 canciones clasificadas en el subgénero synth pop. Mantiene una atmósfera de la década de los 80 con aires más oscuros siguiendo un ritmo plano. En su segundo EP “EUROPA” llega con un sonido más acelerado y alegre, canciones simples y contrastes más dinámicos. “Follow the light” (2010) aparece siguiendo la misma pauta de los álbumes anteriores, un sonido pegajoso

Un año después reproduce en distintos meses “Wallace and flora” y el EP “Inversions” que comparten un estilo similar, incluso al punto de parecer una continuación. Tras sacar algunos sencillos y otro EP al inicio del 2018 “Ride the wave” y “Pony”, Sports coach no sale del sonido rutinario, mantiene presente un estilo similar en todos sus proyecto añadiendo toques con el sintetizador que resalten en los singles.

y repetitivo. Con “History” (2011) ocurre lo mismo, una serie de canciones en donde es constante la esencia de Molly innovando algunos sonidos con el sintetizador. En el 2013, Molly comienza a experimentar con nuevos ritmos en “The travels”. A pesar de mantener un estilo de synth pop comienza a tornarse un poco más sombrío y dinámico. Dos años después con “Zenith” (2015) Nilsson regresa nuevamente con aires de los 80´s. En el 2017 vuelve a tocar lo lúgubre y melancólico con “imaginations”.

descubriendo a Morrissey

Cat Films

Descubriendo a Morrissey Steven Patrick Morrissey, nacido en Lancashire, Londres, el 22 de mayo de 1959, es uno de los iconos más influyentes de la música pop británica, con cerca de 13 discos de estudio como solista, y otros 5 como líder de The Smiths.

En el cine y principalmente en la forma de un guion, existe algo llamado “giros de tuerca”; como muchas veces ha sucedido en nuestras vidas, así es como la vida de Morrisey da un giro de tuerca, donde sufre una etapa de depresión, donde no puede más, donde su mejor compañera es su madre, quién siempre apoyo que él fuera un escritor empedernido.

England is Mine, por su título en inglés o Descubriendo a Morrissey como se hace llamar el film en México, es una biopic del ya antes mencionado, en donde se relata el crecimiento y evolución como joven, hasta los principios de The Smiths. La película está cronológicamente narrada, el contexto británico es totalmente radical, las influencias del régimen que gobernaba en esa época hacen que nos demos cuenta de los inconvenientes que tiene el joven Morrissey. En cuestión de la paleta de colores usada por el director Nicholas D. Knowland, nos demuestra el frio es el que elemento predominante en toda la película, que el contexto es perfectamente adecuado para un país como Londres; ciertas fotografías nos narran la soledad y el misterio con escenas obscuras.

En resumen, la película puede retratar la formación de una personalidad, de la coherencia y autenticidad de “Moz”, ceo que es una auténtica película de Morrissey, más no de The Smiths, una idea de cómo surgió no más.

Tímido, callado, y con un mundo diferente cada día, es como podemos describir al joven Morrissey. El tener que trabajar para aportar un poco de dinero al hogar que habita su hermana y su madre, pues, no mucho sus padres se han separado. Trabajar en la monotonía de una oficina, donde rige una dictadura sistemática, nos da una visón de la inconformidad descrita en sus canciones.

“La vida. En ese sentido monótono vale la pena evitarla”

Por: Victor M. Sánchez Moguel

Trabajo o música, una lección de vida que nos demuestra el mismo Morrissey, decisión que muchos no se han atrevido a tomar, que aún no toman el coraje suficiente para poder afrontar las decisiones y lo que esto conlleva.

Karma Dhiluz y Oh! Fetush Simbiósis gemela en la música y el diseño

Karma Dhiluz y Oh Fetush son gemelos originarios de Chignahuapan Puebla, quienes llegaron a la capital poblana para establecerse y poder obtener un criterio personal y experiencia profesional. Platicamos con ellos para conocera fondo a estos gemelos.

Karma Dhiluz: Hola, soy David Cantún y tengo un proyecto de música que se llama Karma Dhiluz y me dedico hacer música rap, trap y algunos géneros afines a la música urbana. Actualmente me encuentro incursionando de lleno en el Trap y ritmos de la diáspora africana, y la fiesta en general. Lo que podría destacar de mi trabajo

es ser uno de los representantes de la ciudad a nivel nacional del género del Trap. Oh Fetush: Yo soy Oh Fetush, soy hermano de Karma (que por eso soy famoso (risa)) soy diseñador gráfico e ilustrador. Quiero considerarme artista de flyers: de gig posters principalmente.

Foto: Ingrid Rodríguez Spot: San Junipero Cholula

Entrevistas karma y Oh! Fetush

Cat Rock: ¿Cómo buscan los gemelos su propio camino? Uno a la música y otro en el diseño. Karma Dhiluz: Fue como muy casual, realmente no lo planeamos. Yo diría que sin Oh Fetush no existiría Karma Dhiluz y sin Karma Dhiluz no existiría Oh Fetush; una cosa llevó a la otra. Por mi proyecto musical Oh Fetush empezó a incursionar en la cuestión de los flyers y llegó un punto en el que se mete tanto en el mundo de la música que estaba más adentro que mi proyecto. En un punto fue que Oh Fetush ya con ese poder de convocatoria y esa cantidad de contactos fue que a mí me metió como músico en diferentes shows en la Ciudad de México, Aguascalientes, San Luis Potosí. Creo que hacemos con una simbiosis gemela en la música y en el diseño ¿o tú qué crees Fetush? Oh Fetush: Pues lo mismo... pero al revés (risas), sin Oh Fetush no existiría Karma, y sin Karma no existiría Oh Fetush. Creo que si es un trabajo simbiótico, no es como que destaque más uno que el otro si no que van coexistiendo... KD: Pero uno si gana más (risas) OF: ...yo si vivo de esto, a diferencia de Karma. o sea vivo de ganar dinero pues (risas).

¿Cómo nacen sus pseudónimos? KD: Bueno yo te cuento el de Fetush y que el te cuente el mío (risas); Fetush tenía como este mame en la universidad con unos compas que le decián Juanini, Panini ... Oscarini y empezaron a mamar con las rimas hasta Fetuchini. Y llegó un punto donnde Fetush se llamaba Oscarini Fetushini (risas); teníamos una amiga que queremos mucho y es muy importante en la carrera de los dos, le daba un chingo de hueva decir Fetuchini Oscarini, comenzó a cortarlo y le decía Fetush, Nancy de Norte Negro fue quien le puso Fetush, y bueno él le agregó el Oh de Oscarini: es así como nació el Oh Fetush. OF: Karma en su afán de verse como cholo y todo malo como por ahí de los 15 - 16 años, éramos grafiterillos de estos... KD: ¡Andabamos haciendo mamadas, nadamás como delinquiendo! (Risas). OF: ...Bien placosos (risas). Dijo: “¡Necesito un nombre de rapero y de grafitero!”... ¡No!, era primero de

grafitero, ese no era Karma. No sé en qué momento registro la palabra Karma y fue así como de “Oh! suena cool”. Luego ya entendí el significado y le dio validéz al nombre. Y Dhiluz como para quitarle toda la connotación negativa del Karma y qué significa “De la Luz”, que en realidad, creo que el término correcto seria Darma, pero le valió brga; se escucha más chido Karma Dhiluz. ¡Y ya! pues le gustó, sonaba medio cholo, tenía un fundamento más o menos valido ideológicamente hablando, y... pues se quedó desde que tenía esa edad.

Sobre su marca “Apes Mx” KD: Si, es una marca que ideamos ya desde hace muchos años, ya tenía como varios años de existencia. Pero es hasta ahora que logramos formalizar la marca. OF: Bueenoo, entre grandes comillas; como todo proyecto independiente. KD: Apes es un crew, más bien, somos puros compas. Te podría decir que la cabeza de Apes Crew es Oh Fetush, Eder Kilos, soy yo (Karma Dhiluz) en la cuestión artística y como marca tenemos un par de socios más, tenemos a Nizhdhali Rodriguez “La Mango” de Stand up, como cabeza de la marca también a Fetush, a Rax Serigraph y... bueno, todo aquel que aporte es parte del crew.

¿Cómo aprovecharon el complementar el trabajo uno del otro? OF: Él, al tener su proyecto de rap pues yo tenía como un proyecto de música con el cual podía experimentar y regarla haciendo cosas muy feas para algún artista. Y en algún momento a alguien le empezó a gustar mi trabajo y me empezaron a llamar para diseñar, como a Audry Funk, Estafa 241; viven en Chicago, pero son de Tlaxcala. Y yo al tener este proyecto de base me daba cierta validez como tener proyectos reales. Yo siempre dibujado y he hecho cosas, pero también al estar diseñando como con más proyectos me he hecho de varios contactos por varias partes, y he logrado de alguna manera poder bookearlo (Karma). Cabe mencionar que el proyecto de mi hermano considero que esta a la altura de todo.

Entrevistas karma y Oh! Fetush

¿Cómo se describirían en tres palabras? OF: Yo tengo la mía “soy el mejor” (risas). KD: Sería como “el, mejor, trabajodelmundo”. OF: “Llaves, Teléfono y Cartera”.

Karma ¿Cómo fue que elegiste el rap entre tantos géneros? KD: Vengo de un pueblo... desde ese entonces era muy muy pueblo, te estoy hablando de hace, ¿qué será? desde hace como unos 15 años, y no había como mucho de donde escojer. Cuando iba en la secundaria llegó Caballeros del Plan G, Snoop Dog, Cartel de santa, y en esa incesable búsqueda que tiene todo pu-

berto en encontrar su entidad, el rap me encontró en un momento de vulnerabilidad muy muy amplia, podría decir que el más vulnerable de mi vida, tanto que permeó hasta las últimas de mis fibras. El rap a sido algo de lo que yo me ido enamorando con el paso del tiempo, es una relación bien tortuosa, que es el amor de mi vida y que aveces me rompe el corazón de maneras increíbles, me sangra hasta la última gota, me hace llorar hasta sacar todas las lágrimas, pero el otro día lo amo mucho al hijo de perra del rap (risas). Mi relación con el rap... No te podría decir como tal una relación con el rap porque yo considero que yo soy el rap carnal (risas), entonces es una relación conmigo mismo es introspectiva, llega a ser pulitiva, mi premio. El otro día llegué a decir que yo soy mi consentido que yo oy el consentido del rap y el rap es mi consentida; es una simbiosis, es lo que yo podría decir yo soy el rap y el rap soy yo.

Fetush ¿Cuál a sido el proyecto más significativo en cuanto a diseño? OF: Pues no sé, al pasar de los años si he tenido la oportunidad de trabajar con gente que yo no me esperaba como Bocafloja, me parece increíble estar... tengo su número y todos ellos son como un proyecto de música que influyó mucho en mi vida, y si, Bocafloja podría ser uno de los proyectos mas significativos, en ese sentido, que yo admirara. Pero actualmente de los proyectos, y no sólo porque sea mi hermano y mi casi hermana que es Audry Funk, el arte que le echo a Karma ha sido del proyecto más satisfactorio que he tenido en ese sentido.

Karma ¿Cuál fue tu presentación más significativa? KD: A nivel mediático yo creo que fue el Marvin en el 2017 y mis batallas en Spit mx, que es como la de más renombre a nivel nacional, pero personales, la presentación más significativa para mi fue la presentación de mi primer disco. Yo creo que esa va a hacer para mi la más memorable, puede que exista mejores o presentaciones con más publico o con público más entregado. La presentación de mi disco fue la más emotiva porque llegaron amigos de otros proyectos musicales que no tiene nada que ver con el rap, llegó mi familia, llegó compas del D.F., Yo siento que personalmente es la más importante.

Entrevistas karma y Oh! Fetush

¿Cuáles son tus otros proyectos? OF: Pues tengo varios; Apes, la marca... otro donde recojo a perros de la calle, no es cierto (risas). Y tengo otro que es de stand up que se llama Danny Delito (por Danny de Vito), me pareció gracioso cambiar De Vito por Delito, a parte de que está muy de moda ese nombre de criminal, de “soy muy malo pero cuando veo basura tirada la recojo... levanto la tapa antes de orinar” (risas) no soy tan delincuente. Entonces si voy incursionando apenas en el Stand up comedy pero creo que ahí aún no tengo nada destacable... más que mi carisma y mi talento jajaja no es cierto.

Redes sociales: KD: Karma Dhiluz en Todas partes, facebook, twitter, instagram, youporn... en todas partes. OF: Oh Fetush en todas las redes sociales , hay un par de videoescándalos por ahí también (risas); “Oh Fetush patea un gatito bonito”, nah nocierto. KD: Sicierto.

¿Qué planes tienen a corto y mediano plazo? KD: A corto plazo, mi disco, el siguiente material que se llamará “A”. OF: ¡Es primicia! KD: Solamente va a ser una A, sin H, solamente A. Me gusta mucho porque está más enfocado al Trap pero un Trap Bangger, mucho más digerible, no muy comercial. También estamos experimentando con ritmo más latino, vino una canción de un productor venezolano que la gente ahora lo conoce como Apple Trap pero es como dembow domincano. Y a mediano plazo, la marca (Apes mx) y tocar en la mayor cantidad de festivales a nivel nacional y a largo plazo... ser feliz y pleno (risas) es mi único plan. De trabajo me gustaría ser un referente del rap a nivel nacional. OF: A corto plazo terminar la quincena (risas), dibujando a muy corto plazo. Y a medio plazo pues poder cómo diseñar e ilustrar completamente, pero también llegar a hacer logos o menús para restaurantes. A mediano plazo si me gustaría como ya hacerlo, dibujar para vivir únicamente, claro, si con diseño gráfico pero ya aplicado, ilustración aplicada, a largo plazo y al mismo tiempo de mediano la marca con mi hermano. Y a largo plazo si me gustaría mucho... lo que planeo es trabajar identidades para festivales de música, ya es como algo que ya quiero, que está en mis metas, quizás hacer arte para un Marvin, un Vive Latino, para Lollapalooza o así.

bonus #mesdehoroscoposconoscar

#MesDeHoróscopos ConOscar CANCER

Ese cáncer, haz cambiado con el tiempo, pero sigues igual de quejumbroso odioso por dentro, a los astros les caes mal, pero te vale verga y por ende a ellos igual. En el amor ven que la personilla que te late se anda sordeando gacho, mejor vele buscando por otro lado. Laboralmente bien, estable. Número de la suerte: 22 Canción de la semana: Sonido Satanas - Amor de crucero.

TAURO

Cuernudote, al tiro con tu parejilla por que te la están sonsacando o se puede dar el caso, dale colmado con tu manipulación excesiva, ese puede ser el problema principal o simplemente quiere andar probando otra mieles <3. Laboralmente bien. Ya dale de comer a tus mascotas, no seas mal pedo. Número de la suerte: 10 Canción de la semana: La sonora dinamita - Que bello.

LIBRA

Amigo Libra, no des nada por hecho, recuerda que en esta vida nada es seguro, te preocupa que no tienes el dinero que esperas, ya no te apures, no lo vas a tener de todos modos, ocupa tu mente en otras cosas, te recomiendo el Yoga, por que te veo medio desorbitado. En el amor veo algo nuevo y prometedor, no la cagues por favor. Número de la suerte: 17 Canción de la semana: Los Plebeyos - El pipiripau.

LEO

Amigo Leo, ponte las pilas y deja de procrastinar las cosas importantes (Para mis amigos del CONALEP, osea que no aplaces tanto, que te dejes de hacer pendejo, vaya) por que se te van a juntar y no vas a disfrutar las vacaciones con tu familia y amiguillos, en el amor te veo igual, mejor sigue viajando si tienes la oportunidad. Número de la suerte: 15 Canción de la semana: Luis Miguel Cuando calienta el sol.

CAPRICORNIO

Atento con una persona Aries, andará al acecho, ya depende de ti que te dejes devorar , pero preferentemente no, son medio culerillos los Aries cuando andan de cacería. ¡Laboralmente viene un nueva oportunidad, deja que tu buen ángel y espontaneidad fluyan y todo resultará! por que si no, todo a la mierda se irá. Número de la suerte: 14 Canción del mes: Horóscopos de durango - Dos Locos

ESCORPION

En el amor veo una vibra ascendente, pero con tu negatividad la vas a echar para abajo de nuevo. Tienes que sonreír a la vida, menos al pendejillo que ya friendzoneaste por que es Capricornio y les encanta andar cagando el palo. Veo mucho dinero estas semanas, a ver si ya te compras unos calzoncillos nuevos, ya piden tregua los que traes, animo banda. Número de la suerte: 13 Canción de la semana: Selena Amor prohibido.

bonus #mesdehoroscoposconoscar

ACUARIO

Andas muy inquieto, bájale a tu estrés que ya nadie te aguanta en tu casa, ni en tu escuela, trabajo, etc. Evita llamar la atención con acciones que sabes que causaran envidia o que hablen a tus espaldas de mala forma, acuérdate que el que come callado come dos veces hehehe, te veo bien en el amor... bien jodidote. Número de la suerte: 4 Canción de la semana: Bobby Pulido - Desvelado

SAGITARIO

Tu realidad amorosa luce bastante bien, tienes tela de donde cortar, deja de hacerte pendejo(a) con que nadie te quiere y estas pendejadas. Echale a la tanda, no por que ya te haya tocada quiere decir que ya no le vas a abonar, no seas horno. Laboralmente tendras muchas horas extras y por ende mucho mucho dinerosss, rifate unos tacos para la pandilla, hijo(a) de tu perra madre. Numero de la suerte: 26 Cancion de la semana: Cartel de Santa - Los mensajes de Wasap.

GEMINIS

Estas en buen momento, alineado con Venus, el planeta del amor, andaras muy apasionado, osea que vas a cochar como si no hubiera un mañana casi diario, quien te viera Géminis, tan seriecillo que te miras, Laboralmente mal, exige tus horas extra, no los cacahuates que te quieren dar, ponte las pilas carnal. Numero de la suerte: 12 Cancion de la semana: Erasmo Catarino - La manzanita..

PISCIS

Amigo Piscis, se te acabo el tiempo con la personita que te estaba calando en el sentido sentimental, no le terminaste de convencer, ahora pasaras Semana Santa solo, por pendejo, no hay mas. En el trabajo habrá buen cotorreo, pero no esperes nada mas, el desmadre no te llevara a nada bueno, si puedes baja dos rayas. Numero de la suerte: 2 Cancion de la semana: Mi banda el Mexicano - No bailes de caballito.

VIRGO

Atento con una persona Aries, andará al acecho, ya depende de ti que te dejes devorar , pero preferentemente no, son medio fundas los Aries cuando andan de casería. Laboralmente viene un nueva oportunidad, deja que tu buen ángel y espontaneidad fluyan y todo resultará! por que si no, todo a la mierda se ira. Numero de la suerte: 14 Cancion de la semana: Rayito Colombiano - Muchachita consentida

ARIES

Hasta que pasaste todas tus materias, los astros estan orgullosos de ti por que no pendejeaste estos dias antes de vacaciones, puedes pasar estas semanillas chidota, felicidades. En el amor te ira bien, conoceras a alguien especial bailando el caballo dorado en una boda o quinceañera, no lo tengo muy claro, animo, fierro. Numero de la suerte: 9 Cancion de la semana: Los weyes que tocan - La cumbia de goku

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Cat Rock Magazine #001

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