Exposición InstalaCCET by Centro Cultural de España en Tegucigalpa Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desar

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Espejismos La migración humana es un fenómeno mundial que ha estado presente en todas las épocas de la historia causada por los grandes movimientos culturales, socioeconómicos, geográficos y políticos. Esto provoca efectos significativos en las sociedades emisoras o receptoras de mayor o menor trascendencia según su magnitud, tipo de migración y la estructura socioeconómica de las regiones implicadas. En nuestra sociedad, la causa principal es la falta de empleo y la inseguridad. Según los últimos datos publicados por conexihon.hn, Honduras tiene aproximadamente 722,430 inmigrantes, lo que supone un 7.8% de la población, quienes están afincados en su mayoría en Estados Unidos y luego en países como España y México.

ADONAY NAVARRO

Valladolid, Lempira, Honduras (1974) Es egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes (ENBA). En 2012 recibió el premio de la 23 Bienal de Pintura del Instituto Hondureño de Cultura Interamericana (IHCI), el premio Sumarte en San Salvador y obtuvo una mención de honor en la Subasta JUANNIO en Guatemala. En 2010 obtuvo el segundo lugar del Salón Nacional de Dibujo del Centro Cultural Sampedrano. En 2009 recibió la Hoja de Laurel de Oro del Ministerio de Cultura y Casa Presidencial de la República de Honduras. En 1991 recibió el primer lugar en el

CENTRO CULTURAL DE ESPAÑA Col. Palmira, 1ª calle, número 655, Contiguo al Redondel de los Artesanos Tegucigalpa, MDC, Honduras, C.A. Tel.+504 2238-2013 / Fax. +504 2238-5332 www.ccetegucigalpa.org / info.ccet@aecid.es

Concurso de Escultura Las venas abiertas de América Latina en la ENBA. Su obra forma parte de las colecciones de la Galería Nacional de Arte en Honduras y del Parque Nacional de Escultura en Memoria a la SHOA en Carrara, Italia. Ha participado en muestras en el Museo para la Identidad Nacional (MIN), el Centro Cultural de España en Tegucigalpa (CCET), la Galería Nacional de Arte, así como exposiciones en Estados Unidos e Italia.

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#Influencer Alrededor de sesenta millones de imágenes son subidas a Instagram a diario, unas trescientas horas de video son subidas a Youtube cada minuto, mientras que google y Facebook saben qué nos gusta, qué hacemos, con quién lo hacemos y dónde lo hacemos, incluso saben cuáles son las series y películas que vemos. En internet nuestras experiencias individuales parecen relevantes, a otras personas les gustan nuestros comentarios, nuestras fotos, nuestros pensamientos. En Internet todos y todas le parecemos talentosos e increíbles a alguien. ¿Cuál es la regla principal para ser exitoso en cualquier red? No hacer lo mismo que hace todo el mundo, ser único y especial… exactamente igual que todo el mundo.

ARIEL SOSA

Tegucigalpa, Honduras (1990) Es fotógrafo y artista visual. Cuenta con un diplomado en fotografía y gestión de proyectos por La Fototeca en Guatemala y un diplomado en curaduría de arte contemporáneo por NoDe Center, centro de estudios en línea, Berlín, Alemania. Formó parte del equipo de la Escuela Experimental de Arte en Tegucigalpa y fundador de Proyecto Rayuela, iniciativas culturales localizadas en Honduras. Ha presentado muestras individuales en la Alianza Francesa, el Museo para la Identidad Nacional (MIN) y el

Centro Cultural de España en Tegucigalpa (CCET). Ha participado en exposiciones colectivas a nivel nacional e internacional, entre ellas PhotoEspaña 18 (2015), la IX Bienal de Artes Visuales del Istmo Centroamericano (2014) y la V Bienal de Honduras (2014). Ese mismo año recibió una mención de honor en la categoría de fotografía en la Bienal de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de Honduras (UNAH).

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En el infierno también crecen las flores, el jardín de Berta Cáceres Este proyecto es un homenaje a Berta Cáceres, una heroína nacional que luchó por los recursos naturales, la vida y los derechos de comunidades olvidadas y marginadas. Una instalación que usa como base principal la hidroponía o agricultura hidropónica, un método ancestral que utilizaron los mayas y los aztecas para cultivar plantas usando soluciones minerales y agua. Para la realización de esta pieza, el artista viajó a La Esperanza Intibucá, lugar donde nació su madre y también Berta Cáceres, quienes –por cierto– fueron buenas amigas. Recolectó de sus bosques plantas endémicas de la zona, que fueron trasladadas a estas instalaciones para construir un pequeño jardín artificial.

LEONARDO GONZÁLEZ

Tegucigalpa, Honduras (1982) Es bachiller en Artes Plásticas por la Escuela Nacional de Bellas Artes (ENBA) y licenciado en Comunicación Social. Su formación incluye residencias artísticas en ESCUELAB (Perú), Habitat Artistic, Espai d'art Contemporani de Castelló (EACC) y Carl Grass (España) y The Fountainhead Residency (Estados Unidos). Ha expuesto en el Museo de Arte Moderno de Medellín, Colombia y el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo en San José, Costa Rica. Participó en la muestra Pacific Standard Time en

California, Estados Unidos y la 56ª Exposición Internacional de Arte de la Bienal de Venecia, Italia. Ha expuesto en Marruecos, Paraguay, Argentina, Uruguay, Francia, Italia, España, Alemania, Ecuador, Perú, Belice, Guatemala, El Salvador, Nicaragua, Cuba, México y República Dominicana. Miembro de los talleres de arte contemporáneo Manicomio, Artería y La Cuartería. Actualmente es director de LL Proyectos, Arte-Investigación-Experimentación.

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Cuerpos Ausentes La exploración del cuerpo, de su forma y sus diferentes representaciones, ha sido siempre el objetivo de la artista. Desde los bocetos hasta los dibujos acabados, su tendencia es la silueta y se identifica simplemente por un rasgo peculiar como una curva que pueda diferenciarlos. La fragilidad versus la fortaleza. Esta vez la obra se aleja de los formatos tradicionales con los que ella ha venido trabajando, la experimentación textil se relaciona con la forma y el dibujo, teniendo una historia particular en cada representación del ser humano. En esta pieza la artista conversa con dos seres que –en forma de maniquíes– adoptan formas ambiguas con un diseño de las prendas sublimes y muy femeninas.

ANA GRANERA

León, Nicaragua (1983) Naturalizada hondureña. Con doce años de experiencia en el mundo del diseño y el arte, cuenta con varias exposiciones colectivas e individuales en instituciones como el Centro de Arte y Cultura (CAC-UNAH), el Centro Cultural de España en Tegucigalpa (CCET), el Museo para la Identidad Nacional (MIN), Mujeres en las Artes (MUA) y el Museo del Hombre Hondureño. Ha colaborado con artistas de gran reconocimiento bajo la curaduría de Carlos Lanza, Ramón Caballero y Salvador Madrid. Ha participado en

muestras colectivas como RUMBO 5 en el CAC-UNAH y 10x10, ésta última en el marco del décimo aniversario del CCET. Formó parte de Confluencias, proyecto coordinado por el CAC-UNAH y Savannah College (SCAD). Recientemente participó en la muestra colectiva Nicaragua en la Universidad de Costa Rica (UCR). Artista multidisciplinaria que se desarrolla en las artes visuales en campos como el diseño y la gráfica, en particular el muralismo, el cartel y la ilustración editorial.

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Enjambre El espacio enuncia la realidad del hombre, víctima de una sociedad que no sabe ubicar a los grupos desprotegidos y reinvierte un esquema de lo superficial para abordar lo insólito: la aspiración prosaica del materialismo. Distintas instancias plásticas se aglomeran y superponen en una instalación originada por el impacto de la globalización. Enjambre representa el ciclo natural migratorio que se da en las colonias de abejas al no tener espacio para su reproducción o acopio de alimentos. Un porcentaje de la población deja su colmena y alberga a su reina en otro lugar, desarrollando una nueva colonia. Dicho mecanismo de “mudarse” de casa, se asemeja a la realidad que viven las poblaciones en riesgo, quienes se ven en la necesidad de emigrar para sobrevivir.

CELSA FLORES

Tegucigalpa, Honduras (1952) Estudió Economía. Cuenta con un posgrado en Historia del Arte y Pedagogía en Ontario, Canadá, así como estudios de dibujo en la Scuola Libera del Nudo, Academia de Bellas Artes, en Roma, Italia. Con 35 años de experiencia en las artes, ha participado en muestras colectivas e individuales en instituciones como el Centro de Arte y Cultura (CAC-UNAH), el Centro Cultural de España en Tegucigalpa (CCET), el Museo para la Identidad Nacional (MIN), Mujeres en las Artes (MUA), la Alianza Francesa, la Galería Orígenes, la Galería

Tríos, la Fairfield Public Library en Connecticut y la Nuova Galleria Internazionale en Roma, Italia. Entre sus exposiciones colectivas destacan sus participaciones en la X Bienal del Istmo Centroamericano en Costa Rica y la III Bienal de Artes Plásticas en Honduras. Tiene obra publicada en libros y revistas, en colecciones privadas nacionales e internacionales, así como en el 1er Museo Virtual de BANCATLAN. Obtuvo el Premio BINAH en 2013.

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Cuarto falso para picnic En 1998 el artista presentó su performance Picnic formal en la Ciudad de México. Para ello, se sentaba a comer en espacios públicos concurridos, presentándose a sí mismo como un personaje que no tenía con quién compartir la vida cotidiana; una metáfora de la soledad en la metrópolis. El picnic fue repetido diecisiete veces en México, Estados Unidos y Canadá. Ahora, conmemorando veinte años de la pieza, se presenta Cuarto falso para picnic, transformando la sala en un espacio-aparador, un set de fotografía, un sitio que surge de la imaginación, la fantasía y el sueño. Aquí se puede entrar a comer, a jugar o a descansar. Esta obra es una invitación lúdica para romper las reglas de lo que regularmente podemos hacer en un espacio expositivo.

PANCHO LÓPEZ

Ciudad de México, México (1972) Estudió Comunicación en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Por once años fue jefe del Departamento de Performance y Arte Actual del Museo Universitario del Chopo, donde dirigió el Encuentro Internacional de Performagia y el concurso de moda alternativa .modales. Trabajó en Fundación UNAM y coordinó la licenciatura de Gestión Cultural en la Universidad de la Comunicación. Co-coordinador del festival Forma y Sustancia y director de EXTRA y EJECT. Es miembro de perfoREDmx (Red de festivales de

performance en México) y RACA (Red de Artistas del Centro de América). Ha presentado su obra en Colombia, Chile, Canadá, Uruguay, Venezuela, Honduras, China, España, Portugal, Brasil, El Salvador, Ecuador, Cuba, Polonia, Alemania y Estados Unidos. Ha sido beneficiario del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA), la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México y el Centro Nacional de las Artes de México (CENART). Actualmente es becario de la Fundación JUMEX.

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Desidia asfixiante Nuestra sociedad se queda sin oxígeno y es imposible pensar que somos inocentes de su ahogamiento. El oxígeno se consume poco a poco. Por más que intentamos inhalar el escaso aire restante mediante bocanadas llenas de desesperación, sufrimos de un ahogamiento lento y perenne. Una muerte anunciada que parece imposible de evitar. El error más grande que podemos cometer, es creer que este asunto es involuntario. Esta asfixia no es accidental, en realidad se trata de un brutal esfuerzo por sofocar nuestro espíritu. La mayor aliada que han encontrado nuestros verdugos, ha sido nuestra propia indiferencia. Nuestra desidia nos ha conquistado. Son igual de responsables los que atan los nudos, así como los que no luchamos por desamarrarlos.

JOSÉ A. LÓPEZ

Tegucigalpa, Honduras (1984) Cuenta con una maestría en Comunicación y Producción Audiovisual Digital en Barcelona, España. Ha enfocado su carrera en la creación de proyectos de carácter social, valiéndose de la fotografía, la instalación, el videoarte y el cine para darle una voz a los olvidados. Entre sus proyectos destacan Olímpicos (2014), una muestra de fotografía y video, que rinde homenaje a los mejores atletas hondureños de las disciplinas menos conocidas.

En 2017, presentó 0:10:10, una serie audiovisual que formó parte de la exposición colectiva 10x10, en el marco del décimo aniversario del Centro Cultural de España en Tegucigalpa (CCET). Su última muestra, Dermis (2018), exhibida en el Museo para la Identidad Nacional (MIN), consolida su visión como valiente y única, al momento de exponer temáticas actuales.

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¿Hacia dónde te diriges? Nuestro camino en la vida no siempre resulta ser lo soñado o lo planificado. Nos tenemos que adaptar a las circunstancias que no podemos controlar y cambiamos constantemente frente a las situaciones. Emociones como alegría, tristeza, frustración, entre otras, nos hacen reaccionar de maneras inesperadas. La vida sigue a diario. Nuestros zapatos nos llevan de un lado a otro, nos mueven y a su vez, son un elemento de identificación; hablan sobre quiénes somos y hacia dónde vamos. Inspirada al observar personas caminando y las dinámicas presentes en diferentes ciudades, esta obra es una reflexión acerca de la vida y los lugares en los que nos encontramos, las etapas que pasamos, los sueños que tenemos y las acciones que tomamos para crear nuestro futuro.

HELGA SIERRA

Tegucigalpa, Honduras (1990) Comenzó a estudiar arte a los ocho años en el Estudio de Arte Carolina Carías. Su formación incluye un técnico en Arte y una licenciatura en Administración de Empresas en Abilene Christian University, así como una maestría en Administración de Empresas (MBA) en Lipscomb University (ambas en Estados Unidos). A nivel profesional se ha dedicado a la creación de estrategias de mercadeo, dirección de arte, diseño gráfico, fotografía y pintura. Su práctica actual se enfoca en el arte abstracto, por lo que

su obra parte de observaciones fotográficas de personas, con las cuales memoriza e internaliza la forma en que éstas se mueven de un lugar a otro. Dichas observaciones se convierten en una expresión lineal de movimiento físico, comparando emociones a través de una amplia paleta de colores, materiales y marcas. Al reinterpretar estos movimientos, define un lenguaje personal que busca identificar tanto el cambio existencial como el físico en las personas.

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Séptimo círculo (Centroamérica) La instalación Séptimo Círculo (Centroamérica) es una evocación a La Divina Comedia de Dante Alighieri, donde se narra el castigo dado a los que se dejaron llevar por la violencia, hundidos en el río de sangre hirviendo llamado “Flegetonte”, el cual formaba parte del séptimo círculo del infierno. Contextualizando esta pieza, se trata de una reflexión acerca de toda la vorágine social, propia de la mayoría de los países que forman parte del istmo, en un escenario en el cual el fuego representa el medio que caracteriza a nuestras hermanas repúblicas. Creando un panorama inhóspito y desesperanzador, donde me permito concluir con la frase de un hermano emigrante: “prefiero morir buscando la esperanza que morir en mi país”.

DANIEL VALLADARES

Tegucigalpa, Honduras (1989) a Es docente de Artes Plásticas por la Escuela Nacional de Bellas Artes (ENBA). Licenciado en Historia por la Universidad Nacional Autónoma de Honduras (UNAH). Ha participado en varias exposiciones colectivas dentro y fuera del país, destacando 10x10, en el marco del décimo aniversario del Centro Cultural de España en Tegucigalpa (CCET), así como muestras en el Centro de Arte y Cultura (CAC-UNAH) y el espacio alternativo Mácula en Nicaragua.

En 2014 obtuvo una mención de honor en la Bienal de Escultura del Instituto Hondureño de Cultura Interamericana (IHCI). Formó parte del colectivo Punto Cero haciendo performance e intervenciones en el espacio colectivo. Fue seleccionado –junto a Lía Vallejo- para participar en la décima edición del festival de performance El cuerpo y la ciudad. Actualmente es Ilustrador del periódico digital Expediente Público y el Boletín UNAH.

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Construcción de la forma 2 (de la serie: Punto y línea es el plano) Esta obra muestra la representación gráfica de la construcción de la forma. Sistematiza, organiza y da ciertos lineamientos para entender el porqué de las interrelaciones entre las figuras. Lo mismo con la construcción del plano. Como némesis de este concepto, primeramente ha explorado dichas interrelaciones, con base a una serie de ejercicios sobre el cuadrado, el círculo y el triángulo. Sostiene que la forma está compuesta por cuatro tipos de líneas que generan una trama y esa trama sugiere la forma, además esas líneas son las que permiten que las formas se hagan visibles y se interrelacionen entre sí. A partir de un diálogo con el libro El punto y la línea sobre el plano de Kandinsky, el artista sugiere: “el punto y la línea es el plano”.

Ever Rodas

Sanarate, El Progreso, Guatemala (1983) Estudió artes visuales, teatro, dramaturgia y cine en Guatemala y El Salvador. Cuenta con más de una treintena de exposiciones individuales y colectivas. Ha colaborado en proyectos cinematográficos de largometraje, documentales y de ficción, además de varios cortometrajes que se han realizado en El Salvador. Actualmente está en proceso su primer largometraje, del cual es guionista y director. Ganador del fondo Pixels pro audiovisual 2017 con su largometraje Jonás.

Es director de Forma y Sustancia, Festival Internacional de Performance, bienal donde se dan cita artistas de Iberoamérica. Fundador de RACA (Red de Arte del Centro de América) en conjunto con proyectos como Colectivo Veinti3 de Nicaragua, la Asociación Dos Mares de Costa Rica/Marsella y perfoREDmx (Red de festivales de performance en México). En 2016 fue jurado de la Bienal de Performance HorasPERDIDAS en Monterrey, Nuevo León, México.

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