Rock en Argentina

Page 1

Introducción Los primeros grupos que vamos a trabajar son considerados los tres pilares del rock nacional: Los gatos, Almendra y Manal. Bandas que fueron formadas por legendarias figuras como Luis Alberto Spinetta, Litto Nebbia y Pappo. Sus formaciones nacieron de la amistad y de las ganas de hacer música. Eran épocas de mucha efervescencia en la juventud de todo el mundo, la lucha por los ideales, los nuevos pensadores de la época, las reacciones a la mass media, la necesidad de crear una propia identidad. <<1967, 1968 y 1969 fueron años de grandes transformaciones culturales en Argentina y en el mundo, ubicando a la juventud como grupo social diferenciado: el verano del amor -Summer of love- que marcó el nacimiento del movimiento hippie, el asesinato del Che Guevara en Bolivia, el Mayo francés, el Cordobazo.>>1 El rock era la nueva expresión de la música popular. Sus raíces anglosajonas le dieron la estructura, el rítmo y las formas. Pero llegado a cada país necesariamente debía tomar nuevos ‘yeites’ que le permitan ser la voz de lo que la juventud quería expresar. Si bien se podían compartir ciertos temas universales como el amor y la justicia, hay hechos y saberes de la cultura propia de cada lugar que son intransferibles e imposibles de traducir. Es por eso que definimos al inicio del Rock Nacional con la aparición de los primeros temas de rock en castellano. La estructura vino de afuera pero fue la palabra la que permitió en un principio apropiarnos del Rock. Con el tiempo cambió la forma, cambiaron las instrumentaciones, se transformó; por lo cual sería más correcto llamar a este género ‘canción ciudadana’. <<Yo tenía esas zambas pero no sabía como atravesar el abismo que existía entre el concepto tradicional de canción argentina y la pasíón que despertaban en mi Los Beatles. Yo ya había hecho muchas canciones en castellano, pero me daba miedo cantarlas. Las cantábamos siempre en el núcleo familiar. Temía que las interpretaran como cosas marcianas, que no eran naturales. Luis Alberto Spinetta >>2 Las principales influencias de los inicios del rock son Los Beatles (por sobre todas las cosas), Deep Purple, Pink Floyd, Led Zepeling, entre otros. Pero también hay que tener en cuenta lo que comenta Spinetta a cerca de la música Argentina que también daba vueltas en sus cabezas. Es el caso de la zamba 'Barro tal vez' que la escribe antes de formar Almendra y se anima a grabarla una década después, transformada en una clara fusión de jazz-rock y folclore. El tango también es parte clave en esta fusión musical, un signo claro es la incorporación del bandoneón de Mederos en más de una oportunidad. Poco a poco la historia del Rock Nacional se va transformando en una historia de personalidades; no son las bandas las que convocan son Charly, Spinetta, Pappo, y la lista continúa según pasan las épocas. Una invariante de las bandas es, que nunca se sabe muy bien que pasó para que se separen, y los intentos por retomar la vieja gloria terminan la mayoría de las veces en el fracaso.

Los Gatos

1

http://es.wikipedia.org/wiki/Almendra_(banda)

2http://www.google.com/url?

q=http%3A%2F%2Fes.wikipedia.org%2Fwiki%2FAlmendra_(banda)%23cite_noteEntrevista_de_Grinberg-10&sa=D&sntz=1&usg=AFQjCNHAEWGpQk9A9a2Ml3r7e3cGiONsbg


Formación e instrumentación: Alfredo Toth: bajo Ciro Fogliatta: teclados Kay Galiffi: guitarra Litto Nebbia: voz, armónica y pandereta Oscar Moro: batería Historia y evolución del grupo: 'Los gatos' es la banda que inicia el movimiento del 'rock argentino'. Hasta el momento se habían hecho covers de temas de rock en inglés -incluso Fogliatta y Nebbia los habían hecho en su banda anterior 'The wild cats' en Rosario-. Pero 'Los gatos' son la primera banda que escribe y edita rock en castellano. En 1966 Litto Nebbia y Ciro Fogliatta arman la banda para tocar en el mítico bar ‘La Cueva’. Tocaban de diez de la noche a cuatro de la mañana interpretando rock, blues y los temas que componía Nebbia. El 19 de junio de 1967 graban el primer simple "La Balsa" / "Ayer Nomás" que salió a la venta el 3 de julio. Fue un éxito impredecible que vendió más de 200.000 placas. El impulso de ventas les abre las puertas, ese mismo año, para su primer disco ‘Los Gatos’ 1967; y su segundo disco ‘Los Gatos 2’ que contenía el legendario tema "Viento dile a la lluvia". En 1968 salen de gira por sudamérica Paraguay, Bolivia, Uruguay y el Festival de la Canción de Río de Janeiro. Presentan ‘Seremos amigos’ corte de su tercer disco, más moderno, rozando casi con lo psicodélico. A comienzos de 1969 la banda estaba prácticamente disuelta. Nebbia había iniciado su carrera solista y estaba preparando su primer LP. El resto de los integrantes de la banda viajaron a Estados Unidos donde se impregnaron de la música de los grandes del momento. Esto va a influir directamente en el devenir musical de la banda. A su vuelta la banda se reagrupa pero ya sin el guitarrista Kay que es reemplazado por Pappo. Retoman su producción discográfica con "Beat Nº1". La incorporación de Pappo va a traer a la banda una impronta más rockera que se ve claramente en ‘Rock de la mujer podrida’ (que por cuestiones de censura tuvo que ser cambiado a ‘Rock de la mujer perdida’), tema que le da nombre al disco editado en 1970. A mediados de 1970 Pappo abandona la agrupación para formar su propia banda. La repercusión de la banda comienza a declinar, a pesar de los intentos de reorganizarse y buscar nuevos sonidos. De esta manera se diluyen ‘Los gatos’ y Litto Nebbia continuaría su carrera como solista. En junio de 2007 volvieron a reunirse, ya que se cumplían 40 años de su primer disco. Realizaron shows, en Rosario y en Buenos Aires, y editaron un disco en vivo con esas presentaciones. "Inolvidables RCA: 20 Grandes Exitos" editado en 2004. 1 La balsa 2 El rey lloró 3 Viento dile a la lluvia 4 La chica del paraguas 5 Ayer nomás 6 El vagabundo 7 Los payasos no saben reir


8 Mañana 9 Seremos amigos 10 Un día de fiesta 11 No hay tiempo que perder 12 Esperando a Dios 13 Madre escúchame 14 Ya soy un hombre 15 Rock de la mujer perdida 16 Los días de Actemio 17 Soy de cualquier lugar 18 Lágrimas de María 19 Escuchame, alumbrame 20 Fuera de la ley Rasgos musicales, Poesía y similitudes con otras especies: ‘Los gatos’ fueron un grupo que mutó mucho por ser quienes abrieron el camino del rock en castellano. La música compuesta por Nebbia tiene una clara impronta melódica con letras poéticas con relación a temas de amor, nostálgicos y cierta temática aleccionadora (como en el caso de ‘El rey lloró’). La entrada de Pappo puso dos nuevos puntos de vista a los temas que la banda venía tocando llevando su música hacia un sector más pesado del rock y las letras más críticas pero desde un lugar menos poético y más mundano como es el caso de ‘Rock de la mujer perdida’ y ‘Mama rock’. También incorporan en los temas algunas teatralizaciones como en ‘Un día de fiesta’ donde se escucha el sonido ambiente de una fiesta. Elementos estructurales, armónicos, rítmicos y melódicos: Principalmente las estructuras de sus canciones cuentan con estrofa, estrofa, estribillo, coda,... Se puede escuchar una búsqueda más poética en los temas de corte más melódico, incorporando elementos percusivos, silbidos, coros, que ornamentan de alguna manera como en el lenguaje poético. Esto es notable en ‘El rey lloró’ y ‘Viento dile a la lluvia’. Por otro lado se puede escuchar un estilo Moutain Records en los arreglos musicales de gran parte de los temas. Elementos técnico-vocales: En las interpretaciones vocales no hay un gran desarrollo de la técnica. El rock de los comienzos no se caracterizaba por cantantes virtuosos sino más bien por cantantes carismáticos que pudieran acercar a los jóvenes.

Almendra Formación e instrumentación: Edelmiro Molinari: guitarra y coros Emilio Del Guercio: bajo y coros Luis Alberto Spinetta: guitarra y voz Rodolfo García: batería Los integrantes de la banda eran compañeros del Instituto San Román excepto por Rodolfo García que cursaba el secundario en un industrial público. En 1967 comienzan a tocar juntos como Almendra, con 16 años componen temas de rock en castellano y comienzan abrir


camino, por más raro que les pareciera. La historia de Almendra como banda es bastante corta e intensa. Arranca en 1967 y la banda se disuelve a fines de 1970. Según cuentan, las largas giras terminaron desgastando la relación entre los integrantes. Su primer simple fue ‘Tema de Pototo’ / ‘El mundo entre las manos’, lanzado en septiembre de 1968. Fue un gran éxito algunos comentan que <<estilo refinado, los arreglos vocales poco comunes y la poesía lírica de las letras, contrastaban con los estribillos del beat de moda.>> <<Los primeros shows fueron en Rosario y Córdoba, acompañando a Johnny Tedesco. «Nos mandaban a tocar a clubes donde la gente quería ver a Los Iracundos o a Jolly Land y nosotros ibamos vestidos con camisetas, cuando los otros tipos iban con trajecitos de lamé y corbatita. (...) Para nosotros era como una cruzada abriendo orejas», relata Del Guercio (E.Abalos, pag 100).>> En 1969 editan su primer LP ‘Almendra’, un disco muy particular para la época, pensado y estudiado, desde el arte de tapa, sus significados, mucha poética. <<Hoy aquellos temas son clásicos pero, en ese momento, eran considerados de vanguardia. Con el tiempo me di cuenta de que la mayoría de ellos están enhebrados por la tradición cancionística de nuestro país. Son canciones argentinas. La verdadera vanguardia revoluciona lo que hereda. Almendra, fue heredero de la mejor música argentina y combinó sus elementos sin ningún prejuicio. Emilio del Guercio>> Casi inmediatamente sacan el segundo disco en 1970, pero a fines de ese año se separan. <<La vida de Almendra fue corta pero muy intensa -comenta Del Guercio-. Igual fue un corte medio abrupto para la gente, porque cuando nos separamos se estaba generando cada vez más adhesión hacia nosotros>> (E.Abalos, pág 102). La separación se da luego de un intento fallido de ópera rock compuesto por Spinetta, que intentaba retratar la clave mágico-simbólica del rock argentino. Lo cierto es que la banda ya no tenía la rigurosidad de los ensayos y el desgaste por las giras terminó separando a la banda. En diciembre de 1979, intentan una vuelta, a instancias del productor Alberto Ohanián se organizaron tres presentaciones en el estadio Obras y una gira nacional que abarcó las grandes ciudades del interior. La prensa especializada calificó despectivamente al regreso de Almendra como "comercial". Un segundo regreso hacia fines de 1980, graban "El valle interior", hacen presentaciones pero la carrera termina en el Festival de La Falda, el 15 de febrero de 1981. "Almendra" editado en 1969. 1 Muchacha (Ojos de papel) 2 Figuración 3 Ana no duerme 4 Fermín 5 Plegaria para un niño dormido 6 A estos hombres tristes


7 Laura va 8 Color humano 9 Que el viento borró tus manos Rasgos musicales, Poesía y similitudes con otras especies: Son canciones muy complejas con incorporaciones de ritmos propios de la argentina. Es así en el caso de ‘Laura va’ donde aparece el bandoneón de Mederos, incorporando al tema un aire tanguero y nostálgico que acentúa el carácter de la letra. La mayoría de las letras de Almendra son de la autoría de Spinetta. Gran lector de los pensadores de la época. Sensible por los misterios de lo real, en cada canción subyace un interrogante. Una clara influencia del rock progresivo de la época. Elementos estructurales, armónicos, rítmicos y melódicos: La estructura está supeditada a la poética de la canción. Almendra se permite zapadas de más de 8 minutos como en ‘Color humano’ que eran impensadas para la época y que le trajeron varios planteos de la discográfica. Fueron revolucionarios para la época porque no se pudieron despegar del folclore, del tango y del rock, haciendo una fusión que les era necesaria. Elementos técnico-vocales: Los elementos técnicos- vocales son bastante pocos. De hecho bastante peleado con los estándares de la época; una de las grandes críticas que se le hacían tenían que ver con la forma en la que acentuaba las palabras ‘plegariá’, ‘ojós’, entre otras. Los coros por momentos desafinados, que le dan un claro color a los temas, como en el caso del comienzo de ‘Fermín’, ‘Que el tiempo borró tus manos’ "El valle interior" editado en 1980. 1 Las cosas para hacer 2 A mi dama 3 Miguelito, mi espíritu ha partido a tiempo 4 Espejada 5 Cielo Fuerte (Amor Guaraní) - influencias folclóricas de Del Guercio, su autor6 El fantasma de la buena suerte 7 Buen día, día de sol Rasgos musicales, Poesía y similitudes con otras especies: El disco es editado en Estados Unidos en el año 79 y se presenta en el 1980. La poesía es bastante similar pero las temáticas cambian, porque el tiempo pasó y ya no ven las cosas de la misma manera como en ‘Las cosas para hacer’ dice ‘Cada pequeña cosa que se ilumina/ es el poder del propio fuego/ hoy ves tu adolescencia llena de miedos.’ Elementos estructurales, armónicos, rítmicos y melódicos: En este disco posterior se escuchan mayor influencias del jazz con respecto a armonías, estructuras y melodía. Menos heterogéneo. Ya no se encuentran tantos elementos que apoyen a la poética de la canción. Elementos técnico-vocales: Los elementos técnicos-vocales siguen sin ser muy cuidadas. Aunque con una forma de cantar más tranquila y menos gritada. Los coros son bastante más cuidados también.


Manal Formación e instrumentación: Alejandro Medina: bajo y voz Claudio Gabis: guitarra Javier Martínez: batería y voz Manal es el fundador del blues en la argentina. Grabaron en el primer sello discográfico argentino, Mandioca, cuyo slogan era ‘la madre de los chicos’. Gabis y Martinez se conocen en un happening del Instituto Di tella que se llamó ‘Beat, beat, beatles’. Allí descubren sus intereses comunes. Poco después comienzan a reunirse para poder salir a tocar en clubes pero empiezan a ensayar los temas en castellano de Martinez y queda definido así su camino. Rhythm & blues y jazz en castellano. A finales de 1968, Mandioca editó el primer sencillo de Manal: ‘Qué pena me das’/ ‘Para ser un hombre más’ y en 1969 ‘No pibe’/ ‘Necesito un amor’. La consagración fue el Festival Pinap. Ese año la banda se había presentado casi a diario, con lo que habían logrado una justeza instrumental admirable. Con Manal, su primer LP (1970), rompió con el tabú que no se podía hacer blues y Rhythm & blues en castellano ’Jugo de tomate’ y ‘Avellaneda Blues’ son una prueba de ello. Los grandes sellos discográficos comenzaron a interesarse por estas bandas que originalmente les resultaban poco rentables y es así como RCA edita su segundo disco en 1971 ‘El león’, pero no tuvo la misma repercusión que el primer disco. Poco después el grupo se disuelve. En 1980 luego del éxito del retorno de Almendra, hacen su vuelta a los escenarios. Se presentaron en el interior del país y cerraron la gira en Obras con el recital ‘Chau Manal’ Después de estas presentaciones Gabis se va a Brasil. En agosto de 1987, Martínez, arma la banda con nuevos músicos y graba algunos éxitos como ‘jugo de tomate frío’ Los intentos de reunión posteriores están teñidos de una historia poco clara para. En una primera reunión en el 94, Martínez y Medina se juntan sin Gabis alegando que estaba en ‘otro tema’. Pero más tarde Gabis va a declarar que nunca lo invitaron y que él hubiera ido gustosamente. Tiempo después Gabis armó una selección en la cual omitió invitar a Martínez. "Manal" editado en 1970. 1 Jugo de tomate 2 Porque hoy nací 3 Avenida Rivadavia 4 Todo el día me pregunto 5 Avellaneda Blues 6 Una casa con diez pinos 7 Informe de un día Rasgos musicales, Poesía y similitudes con otras especies: <<Mientras Almendra hablaba de una muchacha con ojos de papel y besaba mares de algodón sin mareas, Manal se preguntaba todo el día...para qué vivo aquí? mientras caminaban una


calle sin hablar: Av. Rivadavia. Manal describió crudamente la ciudad de Buenos Aires.>> Martínez es el mentor del blues con letras en castellano. Siguiendo con las pautas de la improvisación del género nace ‘Blues de Avellaneda’ que es una letra de descripción constante que despoja de metáforas la poesía a sus letras. Se escucha la clara influencia del Rock del grupo Cream. Elementos estructurales, armónicos, rítmicos y melódicos: Las estructuras son propias del blues, así como las armonías y rítmos. Es una banda con una sonoridad fuerte y carnal, como lo son sus letras. Elementos técnico-vocales: Los elementos técnicos vocales no son una preocupación en este grupo. Algunos coros en terceras. Sui Generis Formación e instrumentación: Charly García: guitarra, teclados y voz Nito Mestre: voz, guitarra y flauta Nito y Charly eran compañeros de curso en el Instituto Social Militar "Dr. Dámaso Centeno" de caballito. Cada cual tenía su banda y comenzaron a ensayar con Carlos Piegari, Beto Rodríguez, Juan Belia y Alejandro Correa. Comprometidos a tocar en un recital, llegado el día sólo quedaban Nito y Charly, por deserción del resto de los compañeros. Según Nito salieron al escenario con guitarra y flauta, él menos animado que Charly y a la gente le gustó. Así es como arrancan en 1969. Pero no conseguían que ninguna discográfica se interesara en ellos. En 1972 conocen a Jorge Álvarez del sello Mandioca. Así logran grabar ‘Vida’ en cuya grabación participaron como músicos acompañantes Alejandro Medina (bajo), Claudio Gabis (guitarra y armónica) Jorge Pinchevsky (violín) (miembros de La Pesada del Rock and Roll), Carlos Lareu en guitarra y el baterista Paco Prati, que había sido integrante de la formación original. <<Trascendieron las fronteras de los rockeros, para instalarse como representantes de un grupo más amplio de la juventud.>> En 1973 editan su segundo disco ‘Confesiones de Invierno’, donde afianzan su estilo y se escucha un trabajo más consolidado. Nace en ese disco la mítica ‘Razguña las piedras’ infaltable en cualquier fogón. Realmente consiguen un estilo que lentamente va tornándose cada vez más masivo. El 1974, para el tercero de sus discos, "Pequeñas Anécdotas sobre las Instituciones", Para este trabajo la banda dio un giro hacia el rock más eléctrico, con la inclusión de nuevos integrantes: Rinaldo Rafanelli (bajo), Juan Rodríguez (batería)4 y David Lebon (guitarra). Charly, además de tocar el piano, agregó en los arreglos las sonoridades de los nuevos sintetizadores Moog, órganos Hammond y clavicordios Honner. El cuarto disco, que nunca se grabó, se iba a llamar "Ha Sido". Se trataba de un disco básicamente instrumental. Para ese entonces los intereses de Nito y Charly eran cada vez más distintos. También sufrieron problemas de censura por algunos de los temas del tercer disco. Para cerrar esta importante banda llenaron el Luna Park dos veces el 5 de septiembre de 1975.


Las entradas se agotaron dos semanas antes de la fecha. Marcaron record de concurrencia, 25.600 espectadores fueron testigos de ‘Adiós Sui Generis’. Este final lo acompañaron con un álbum doble y una película documental, ambos con el nombre del concierto. En diciembre de 1980 cada cual había tomado su propio rumbo. Se presentaron en Uruguay y Chile donde utilizaron el espacio para presentar sus nuevos trabajos con sus nuevas formaciones. <<En Montevideo, ante 16.000 personas, Nito y su banda arrancaron con "Fusia", la bella melodía de PorSuiGieco, y "Toma dos blues". A continuación entró Charly y juntos interpretaron "Confesiones de invierno", "Mariel y el Capitán", "Natalio Ruiz", "Para quién canto yo, entonces", "El tuerto y los ciegos" y "Fabricante de mentiras". Más adelante, el resto de Serú reemplazó a la banda de Mestre, para hacer, entre otras, "No llores por mí, Argentina". Para finalizar, volvió Nito con su gente y todos rememoraron "Eiti-Leda" y "Rasguña las piedras". Una semana después, repitieron estos shows en Santiago de Chile.>> En 1993, Nito publicó "Canta a Sui Generis", una recopilación que contenía los hits más importantes del dúo, pero con sonido de los '90 producido por Daniel Grinbank. A Charly no le molestaba tanto que haya grabado el disco, sino que Grinbank fuese su productor -que era su productor-. Durante 200 y 2001 distintos hechos reunieron nuevamente a Charly y a Nito. Es así que graban ‘Sinfonías para adolescentes’, un disco con preponderancia de Charly y temas inéditos de los primeros tiempos de Sui Generis. También se presentaron en el estadio Boca y en el Parque Sarmiento en un recital gratuito.

"Vida" editado en 1972. 1 Canción para mi muerte 2 Necesito 3 Dime quién me lo robó 4 Estación 5 Toma dos blues 6 Natalio Ruiz, el hombrecito del sombrero gris 7 Mariel y el Capitán 8 Amigo vuelve a casa pronto 9 Quizás porque 10 Cuando comenzamos a nacer 11 Posludio "Confesiones de invierno" editado en 1973. 1 Cuando ya me empiece a quedar solo 2 Bienvenidos al tren 3 Un hada, un cisne 4 Confesiones de invierno 5 Rasguña las piedras 6 Lunes otra vez 7 Aprendizaje 8 Mr Jones, o pequeña semblanza de una familia tipo americana 9 Tribulaciones, lamento y ocaso de un tonto rey imaginario, o no


"Pequeñas anécdotas sobre las instituciones" editado en 1974. 1 Instituciones 2 Tango en segunda 3 El show de los muertos 4 Las increíbles aventuras del señor Tijeras 5 Pequeñas delicias de la vida conyugal 6 El tuerto y los ciegos 7 Música de fondo para cualquier fiestita animada 8 Tema de Natalio 9 Para quién canto yo entonces Rasgos musicales, Poesía y similitudes con otras especies: Los primeros dos discos tienen un estilo folk norteamericano, que causó mucha adhesión entre la juventud de la época, y que aún hoy encuentra adeptos. <<Con un piano -«a la Elton John», como más tarde reconocería el propio Charly -, una flauta y una temática muy influenciada por Bob Dylan>> Utilizaron metáforas e historias -como en Natalio Ruiz, Mariel y el Capitán- y para retratar los pormenores de la época -Tribulaciones, lamento y ocaso de un tonto rey imaginario, o no-. Elementos estructurales, armónicos, rítmicos y melódicos: Son temas con una estructura clara de estrofa, estribillo y coda. Con melodías pegadizas e interesantes. Debido a que se tratan de temas que nacen del trabajo en dúo puede ser fácilmente reproducibles e interpretables, por lo cual se hicieron muy populares entre los jóvenes militantes y movimientos juveniles de la época. Elementos técnico-vocales: Es claro el cuidado de las melodías, la búsqueda de canto a voces. Para esto era fundamental la afinación. Nito tenía formación en coros lo cual lo transforma en la voz líder de la mayoría de los temas.

Pescado Rabioso Formación e instrumentación: Black Amaya: batería Carlos Cutaia: teclados David Lebón: bajo Luis Alberto Spinetta: guitarra y voz Osvaldo "Bocón" Frascino: bajo Tras la disolución de Almendra Luis Alberto Spinetta decide armar una nueva banda. Estaba buscando despegarse de la parte más sentimental de Almendra. Tiempo después describió esta etapa como su parte más punk. Formó así Pescado Rabioso, junto a Black Amaya en batería y Bocón Frascino en bajo, que fue presentada ante la prensa en octubre de 1971, aún antes de bautizarla. En 1972 comienzan la grabación de "Desatormentándonos". Para el momento de la grabación David Lebón había reemplazado a Bocón y también se incorporó Carlos Cutaia, para aportar sus teclados. Las canciones están pensadas y escritas por Spinetta.


En noviembre del mismo año graban ‘Pescado 2’ que sale a principios del 73. Un disco que va a estar claramente marcado por la impronta spinetteana. Eran dos discos acompañados por un cuadernillo con las explicaciones de los temas, fotos de los músicos cuando chicos y espacios para que uno ‘anote lo que quiera’. <<El libro explicaba que ambos discos estan unidos íntimamemte y que al cambiar un disco por el otro, había que concentrar la vista en un punto imaginario ubicado en el centro del libro... Spinetta había pensado el álbum como una continuidad musical. Por eso los temas están númerados del uno al dieciocho, a la vez que el disco 1 terminaba con el tema "Peteribí" y el disco 2 empezaba con "16'' de Peteribí", una reproducción de 16 segundos del último tema que se escuchaba al finalizar el primer disco, para poder recuperar el sonido al momento del cambio. Por eso también el cuadernillo proponía al oyente no desconectarse sensorialmente al dar vuelta el disco>> Esta superproducción generaban roces con la discográfica que recaían en la banda que comenzaba desgastar. En 1973 lanza ‘Artaud’ que es adjudicado a Pescado pero en realidad es prácticamente un disco solista de Spinetta. "Pescado Rabioso 2" editado en 1973. 1 Panadero ensoñado 2 Iniciado del alba 3 Poseído del alba 4 Como el viento voy a ver 5 Viajero naciendo 6 Mañana o pasado 7 Nena boba 8 Madre-selva 9 Peteribí 10 Señorita 11 Credulidad 12 Hola, pequeño ser 13 Mi espíritu se fue 14 Sombra de la noche negra 15 La cereza del zar 16 Corto 17 Cristálida "Artaud" editado en 1973. 1 Todas las hojas son del viento 2 Por 3 La sed verdadera 4 Bajan 5 A Starosta, el idiota 6 Cementerio Club 7 Superchería 8 Cantata de Puentes Amarillos 9 Las habladurías del mundo


Rasgos musicales, Poesía y similitudes con otras especies: Spinetta se consolida en la temática filosófica para su poética. Lee Rimbaud y Artaud. Profundiza la propuesta del disco de Almendra y apuesta a decir también a través del cuadernillo adjunto. Elementos estructurales, armónicos, rítmicos y melódicos: Spinetta reconoce esta etapa como su etapa punk. Aunque por momentos todavía se pueden ver ciertas reminiscencias de folk-rock. Las formas comienzan a perder forma poco a poco. La obra es pensada como un todo, más cercano a la ópera rock, sin serlo, pero acercándose al trabajo de The Who. Elementos técnico-vocales: Los elementos técnico vocales ya no son algo que importe en este género. Los coros aparecen en pocos temas. Invisible Formación e instrumentación: Carlos Alberto Machi Rufino: bajo Héctor 'Pomo' Lorenzo: batería Luis Alberto Spinetta: guitarra y voz Tras la disolución de Pescado Rabioso y de grabar 'Artaud', Luis Alberto Spinetta funda Invisible. Con músicos de Pappo's Blues y La pesada del Rock. La primera presentación fue en el teatro Astral, en noviembre de 1973. Pocos meses después editan el primer simple y el primer álbum, 'Invisible'. La banda se recluyó a ensayar, fueron cada vez más selectivos con las presentaciones, sólo tocaban en grandes teatros o estadios. Luego de dos años sin editar disco presentan en 1975 'Durazno sangrando' en el teatro Coliseo, grabándolo con una nueva discográfica Talent- Microfón. Su tercer y último disco, 'El jardín de los presentes' es en 1976. Este material tiene una influencia del tango-rock, que estaba en auge. Para su presentación en vivo en el Luna Park, convocaron al bandoneonista Rodolfo Mederos. "Invisible" editado en 1974. 1 Jugo de Lúcuma 2 El diluvio y la pasajera 3 Suspensión 4 Tema de Elmo Lesto 5 Azafata del tren fantasma 6 Irregular 7 La llave del Mandala 8 Lo que nos ocupa es la conciencia, esa abuela que regula el mundo "El jardín de los presentes" editado en 1976. 1 El anillo del Capitán Beto 2 Los libros de la buena memoria 3 Alarma entre los ángeles


4 Que ves el cielo 5 Ruido de magia 6 Doscientos años 7 Perdonado (Niño condenado) 8 Las golondrinas de la Plaza de Mayo Rasgos musicales, poesía y similitudes con otras especies: Invisible continúa el camino de Spinetta por el Rock progresivo y el Jazz Rock. En 'azafata del tren fantasma' tiene una clara influencia de Pink Floyd, en el riff del tema. La letra de los temas mezcla poesía y realidad, el capitán Beto que vuela por el espacio era colectivero. Se pone los anteojos de la filosofía para interpretar lo que ve en la ciudad. Elementos estructurales, armónicos, rítmicos y melódicos: Las estructuras son más bien jazzísticas con largos interludios de solos demostrando el virtuosismo en los instrumentos. En 'Las golondrinas de plaza de mayo' incorpora nuevamente el bandoneón de Mederos para darle color al Buenos Aires que describe. Elementos técnicos- vocales: Spinetta tiene su forma de cantar característica. Sus yeites son característicos y se transforman en lo esperable a la hora de escucharlo.

Serú Girán Formación e instrumentación: Charly García: teclados y voz David Lebón: guitarra y voz Oscar Moro: batería Pedro Aznar: bajo Mucho se escribe y se dice de esta banda que llegó a ser la que popularizó e hizo vibrar a más argentinos al rítmo del rock. Serú Girán llega a los ‘rockeros’ y a los ‘chetos’. <<La popularidad de este grupo también se ve reflejada en las - ahora tradicionales - encuestas de la revista Pelo. Serú Girán ganó las categorías de Mejor Guitarrista, Mejor Tecladista, Mejor Bajista, Mejor Baterista, Mejor Compositor (García) y Mejor Grupo en Vivo en los años 1978, '79, '80 y '81. A esto se le agrega Grupo Revelación 1978; Mejor Cantante (Lebón) '80 y '81; Mejor Tema '78 ("Seminare") y '81 ("Peperina") y Mejor Album 1978 ("Serú Girán"). Este fenómeno se mantiene inigualado hasta nuestros días.>> Luego de la separación de ‘La máquina de hacer pájaros’, banda anterior de Charly, decide viajar a Brasil junto con David Lebón por tres meses. A los dos meses Charly regresa a Buenos Aires para arreglar contrato con Oscar Lopez y Billy Bond. En ese viaje escucha ‘Pastoral’ y quedan fascinados con el bajo de Pedro Aznar, después del show lo invitan a viajar con ellos a Brasil y Pedro acepta. Eran épocas de crisis económica y social, de política no se podía hablar. Con la plata del anticipo del contrato, costeó los pasajes a San Pablo de ellos y el de Oscar Moro. La plata era un problema, pero a pesar de eso la creatividad abundaba, compusieron 15 temas de los que hicieron la selección para el disco.


Llegados a Buenos Aires, se hizo una presentación preliminar para los periodistas, músicos y amigos en un barco sobre el Riachuelo. El grupo se mostró sólido y prometía abrir puertas al público masivo. La banda se presenta en el Festival de la Fundación de la Genética Humana por primera vez. El sonido fue tan malo que la gente tiraba las pilas de los grabadores que habían llevado. Las sesiones de grabación habían comenzado en los estudios El Dorado de San Pablo, y culminaron en ABC Recording Studios de Los Angeles, Estados Unidos. Allí grabaron con Daniel Goldberg a cargo de los arreglos y de la orquesta de 24 músicos. <<La complejidad armónica de este proyecto demuestra que, desde el comienzo, las ambiciones que tenían apuntaban mucho más alto que la del resto de los músicos nacionales de ese momento.>> Hacia fin del '78 estrenaron oficialmente ‘Serú Girán’ el Estadio Obras, con orquesta -sección de cuerdas y vientos- y circuito cerrado de televisión. <<En la parte trasera del escenario, una pantalla gigante mostraba a los músicos dirigiéndose a escena. David, Pedro y Oscar salieron vestidos totalmente de blanco, mientras que Charly eligió una malla negra, saco y zapatillas. El comienzo del recital, con la orquesta a pleno interpretando la poderosa introducción del tema "Serú Girán", presagiaba una noche inolvidable. No fue así. Cuando tocaron el tema "Disco Shock" -una sátira de la música disco, tan en boga en el momento- la gente presente creyó que era en serio y, tras un coro de silbidos, empezaron a pedirle a García el "Blues del levante", el tema que había compuesto con motivo de la despedida de Sui Generis. El público quedó desconcertado y el resto del recital transcurrió ante la indiferencia general. La gente no había entendido el mensaje, o Serú no había sabido expresarlo.>>3 <<Las críticas de los medios contra la banda arreciaron. El diario La Opinión, por ejemplo, publicó que eran lo peor que había en la Argentina, y sostenía que tenían «voces homosexuales». Estas declaraciones eran la culminación de una "campaña de desprestigio" que había tenido lugar contra García, mientras el grupo estaba ensayando en Brasil. La vanguardia de esa campaña había sido el titular: «Charly García, ¿ídolo o qué?».>> Para "La Grasa de las Capitales" (1979), Serú eligió cambiar el enfoque de su música. Eliminaron la orquesta y compusieron temas más simples y directos. Así se ganaron la crítica de la revista Pelo. «"La Grasa..." es un disco que va a tener admiradores y detractores igualmente incondicionales. Por un lado, estarán los que darán la bienvenida a un García que abandonó la complejidad y retorna a la temática de crítica social que tan bien desarrolló anteriormente. Y por el otro, habrá quienes condenen esta simplicidad como falta de progreso. Pese a todo, es uno de los trabajos más logrados del año.» (Pelo No 122). La presentación fueron seis funciones en el Auditorio Buenos Aires, previa gira por las ciudades de Córdoba, San Luis y Mendoza. Eligieron un espacio más pequeños tras el fracaso de la primera puesta en escena. El tercer álbum de Serú Girán se llamaría "Bicicleta" fue presentado en Obras, el 6 y 7 de junio de 1980. 3

http://es.wikipedia.org/wiki/Ser%C3%BA_Gir%C3%A1n


<<En el escenario se podían observar ruedas de bicicleta, conejos y flores, algo que llamó la atención del público y de la prensa, por ser el primer grupo que tenía algún tipo de preocupación por la puesta en escena. El hecho se debió a que Serú Girán había delegado la responsabilidad escenográfica a Renata Schussheim, una vieja amiga de Charly. A partir de "Bicicleta", Serú Girán comenzó con sus grandes shows.>>4 Un mes después, en agosto de 1980, se presentaron en el Monterrey Jazz Festival, en Río de Janeiro. Tradicionalmente, los representantes argentinos en este festival estaban más vinculados al jazz o al tango que al rock progresivo que proponía Serú. La aceptación fue rotunda y fueron invitados a tocar en las dos secciones del concierto. Allí Pedro Aznar conoce a Jaco Pastorius y a Path Metheny; poco después, se le va a presentar la oportunidad de ir a Berkley por lo cual decide abandonar a Serú y le abrirá las puertas para tocar con Metheny. El 12 y 13 de septiembre de 1980 tocaron junto a Spinetta Jade en dos recitales históricos, la relatos cuentan que: <<Cuando apareció Luis Alberto Spinetta y arrancó con el tema de Sui Generis "Cuando ya me empiece a quedar solo", la gente entendió que no se encontraba ante un recital común. Luego, de la oscuridad, surgió Charly con el tema "Que ves el cielo". Bajo un clima enfervorizado, Lebón interpretó "Música del alma" y luego entraron todos los demás: Aznar y Moro, por un lado, Spinetta, Pomo, Satragni y Rapoport y Del Barrio por el otro. Juntos tocaron temas de la agrupación comandada por el Flaco, y la gente aplaudió a rabiar. El recital se cerró con los dos grupos sobre el escenario interpretando "El mendigo en el andén" y "Crisálida".>> El 30 de diciembre, ante 60.000 personas, según cifras de la Policía Federal, coparon la rural. <<Aunque la Policía no encontraba clave alguna en la letra de "Alicia en el País", repetida hasta el cansancio, igualmente retuvo a un puñado de muchachos. Los productores negociaron y finalmente ese 30 de diciembre no hubo detenidos» (Ramos / Lejbowicz, pág.23). García comentaba: «...con este asunto de ir a los recitales y que te lleve la cana, la gente al final se da cuenta de que lo único que te pasa es que vas a dormir en una comisaría, pero que nadie puede para toda la onda». (Humor, año 1981).>> En 1981 el presidente de facto Roberto Viola buscó acercarse a los músicos. Lo cierto es que los músicos no supieron manejar esa situación. Buscaban buena publicidad. En el tema "Encuentro con el diablo", David Lebón ironiza sobre esta reunión: «nunca pensé encontrarme con el jefe / en su oficina de tan buen humor / pidiéndome que diga lo que pienso / qué es los que pienso yo de esta situación.» El cuarto disco "Peperina" comenzó a grabarse en abril de 1981 y se estrenó a finales de ese año. <<La historia de Peperina es conocida: «Quiero contarles una buena historia / la de una chica que vivió la euforia / de ser parte del rock / tomando té de peperina». El tema trata acerca de una señorita que escribía notas de rock en Córdoba. Siempre que Serú tocaba en esa ciudad, ella calificaba la presentación uno «un bochorno». De más está decir que, pese a sus defenestrantes críticas, los estadios se llenaban. Se dice que cuando escuchó «su» tema por primera vez, acotó que Serú Girán seguía sin gustarle, pero que García era "un buen sociólogo">> Para despedir el año, tocaron el 25, 26 y 27 de diciembre en el teatro Coliseo, en la Capital 4

rock.com.ar


Federal. Para esos shows, Charly contrató a las Bay Biscuits, donde participaba Fabiana Cantilo. Las intercalaron en el concierto pero fueron abucheadas. Finalmente Pedro Aznar anuncia que se va llamado por Path Metheny y para estudiar en Berkley. Esto le dolió a l grupo porque estaban en su momento de mayor auge, pero a su vez comprendían las necesidades de Pedro. Así se organizó el adiós a Serú Girán. El concierto fue en obras el 6 y 7 de marzo de 1982. "No llores por mí, Argentina" fue una recopilación en vivo de los éxitos más importantes de la banda. Fue completamente grabado. El LP que surgió de este evento fue muy esperado ya que siempre se le criticó la diferencia del sonido de estudio y el de los recitales, además de agregarse temas que sólo habían sonado en esa oportunidad como ‘No llores por mi Argentina’, ‘Popotito’ y ‘Pena en mi corazón’. El 16 de mayo de 1982, Serú participa del Festival de la Solidaridad Americana organizado para ayudar a los chicos de Malvinas. Fue transmitidos en directo por radio y televisión y se presentaron los músicos más importantes del momento -Serú Girán, León Gieco, Spinetta Jade, Raúl Porchetto, Nito Mestre, y muchos más.Como no puede ser de otra manera, Serú tiene también un intento de vuelta, es así que graban ‘Serú 92’ pero ya no tenía la magia del pasado.Sin embargo fue un éxito comercial, con ventas que superaron las 200.000 copias y multitudinarios shows en Rosario, Córdoba y dos en la Capital Federal. "Serú Girán" editado en 1978. 1 Eiti Leda 2 El mendigo en el andén 3 Separata 4 Autos, jets, aviones, barcos 5 Serú Girán 6 Seminare 7 Voy a mil 8 Cosmigonón Rasgos musicales, poesía y similitudes con otras especies: Es un disco con poesía. Probablemente el hecho de que haber sido escrito en el exterior, alejados de todo y en búsqueda de nuevas experiencias los llevó a escribir algo diferente que el público argentino no llegó a interpretar en el momento. Les permitió poder utilizar nuevos recursos, permitirse nuevos espacios musicales. Elementos estructurales, armónicos, rítmicos y melódicos: La complejidad rítmica, armónica y estructural de los temas de este disco tiene su cenit en ‘Eiti Leda’ -si bien había sido compuesto por García en su adolescencia- con participaciones orquestales, secciones bien diferenciadas con una coherencia tal que te invita por un viaje lleno de diferentes texturas. En ‘Autos, Jets, Aviones, Barcos’ se ve claramente la influencia de la bossa brasileña. Elementos técnicos- vocales: La búsqueda vocal de este disco lleva a los Serú a explorar todo el potencial de sus falsetes que les hará ganar el mote de ‘voces homosexuales’. Lo cierto es que es un aspecto muy


propio del rock clásico este tipo de colocación. Lo podemos ver en Deep Purple, Led Zeppelin, entre otros. "La grasa de las capitales" editado en 1979. 1 La grasa de las capitales 2 San Francisco y el lobo 3 Perro andaluz 4 Frecuencia modulada 5 Paranoia y soledad 6 Noche de perros 7 Viernes 3 AM 8 Los sobrevivientes 9 Canción de Hollywood Rasgos musicales, poesía y similitudes con otras especies: El inicio de de ‘La grasa de las capitales’ parece una contestación a las críticas del disco ‘Serú Girán’ -se los había acusado de estar lejanos a la crítica social y política que había caracterizado a Charly- ‘Que importan tus ideales/ que importa tu canción?/ La grasa de las capitales/ cubre tu corazón’. Así dejan de lado sus aspiraciones musicales y presentan un disco que les permitiría llegar a más público y vuelven a la crítica social: ‘Con la cantina, con la cantora/ con la T.V. gastadora/ con esas chicas bien decoradas/ con esas viejas todas quemadas/gente re vista, gente careta/ la grasa inmunda cual fugazzetta!/ No se banca más!/ La grasa de las capitales no se banca más.’ Elementos estructurales, armónicos, rítmicos y melódicos: Eliminan las participaciones orquestales y trabajan el sonido del cuarteto. Son músicos que pueden llenar el espacio desde el virtuosismo de cada instrumento. Van a trabajar temas con estructuras más compactas. Elementos técnicos- vocales: Si bien hubo muchas críticas con el uso del falsete, lo continuaron usando en diferentes temas. Si en el anterior disco parecía haber un poco más de cuidado, en este pareciera que para agregarle más rock se abandonan un poco los cuidados de la voz Conclusiones Los inicios del Rock Nacional y la cultura que se genera alrededor de este, no son un escenario propicio para el cantante. Los tiempos fueron cambiando y hoy podemos ver a Pedro Aznar ocupado por una técnica vocal que lo destaca. Pero es un caso paradigmático. No sólo la vida del rockero de aquella época no ayuda, sino que no existía un espacio donde estudiar canto que no fuera con la técnica lírica. Se trata de una época de coyuntura dónde, por ejemplo M. del Carmen Aguilar comienza a escribir acerca de cómo escribir música para la músicos populares. Es evidente que son los pioneros en poner en práctica y fusionar el rock con la música popular argentina. Las búsquedas de las diferentes bandas nos muestran una etapa de reconocimiento que sienta las bases de un nuevo género que hoy podemos llamar ‘canción urbana’ y que comúnmente se le llama ‘Rock Nacional’. Que va a generar adeptos y detractores, pero que es innegablemente fruto de nuestra cultura.


Turn static files into dynamic content formats.

Create a flipbook
Issuu converts static files into: digital portfolios, online yearbooks, online catalogs, digital photo albums and more. Sign up and create your flipbook.