central #10 by Central Urbe Mag

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Seguir la correlatividad y auparse a la primera cifra compuesta de la numerología, era en el pasado motivo de celebración para una revista joven, venía a decir que se había estado ahorrando para la entrada del coche y que mostrando el ejemplar 10 en el concesionario más cercano te darían las llaves, luego venga, a rodar. En los tiempos torrenciales que tocan, llegar a la calle es un recio acto de fe y celebrar, depende como, no viene a cuento. No me malinterpreten, entusiasmo haylo y cada vez en dosis más altas, sin embargo, para nosotros, no tiene que ver con gestos contraprudecentes, ni con palmaditas en

la espalda. La sociedad asiste a un curso intensivo de incierta duración en el que lo propio es atender a la clase y tomar la oportunidad de transmitir informando como un examen a aprobar, contigo lector de miembro del comité evaluador. Lo más jodido diría yo, es desconocer la fecha de la entrega de notas. En el 10, nos hemos concentrado en fijar el pulso y mantener el trazo de la línea de identidad que vamos ganando en cada número, por eso no quiero empalagar con mermeladas introductorias en semejante momento de acción. Sólo, llegados a este punto, agradecer la acogida. John López

Staff

HANNA-BARBERÁ Central Urbe Mag www.centralzine.com

DON GATO John López / edición john@centralzine.com

HONG KONG FUI Nicolás -Colacho- Gallardo / diseño-maquetación colacho@centralzine.com TIRO LOCO McGRAW Fernando Torres, Gerard Riera, Alex Braza / fotografía

PEPE POTAMO

Daniel Tamagni, Tea Gaurascio, Ian Cox, J.A Castillejo, Janek Jensen, Doug Coombe, Jeremy Deputat, (WTF - Aurelio Santos, Tomás Klimberg), Lluc Queralt, Bryan Bedder, Tino Arena / colaboradores fotografía

MAGILA EL GORILA Javier Menéndez, Carmen López, Jessica Niñerola, Karol Silva, Chad Hillard, Angel Añor, John López / redacción CINDY Macarena Ruiz / colaboradores redacción

LAGARTO JUANCHO Javier Muñoz/www.javimunoz.com, Colacho Gallardo/www.portafolio.es / ilustración

LEONCIO EL LEÓN Tony García / publicidad tony@centralzine.com

Tipografía textos Betatype www.betatype.com

Tipografía titulares Nicolás Gallardo www.portafolio.es 10

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Imprime. Pereda Impressor, S.L. pamplona 63-65, naus 2 i 3 telf. 93 309 45 17 08005 barcelona

verdes y maduras

Ilustración de Portada Nicolás -Colacho- Gallardo

Las verdes y las maduras

DE ORGANIZAR JAM SESSIONS por Aurelio Santos

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Lo primero que se me ocurre sobre estar al frente de unas jam sessions como las What The Fuck del Jamboree Jazz Club, es saberme vinculado a un club histórico, a mi consideración importante a nivel mundial. La sala celebra este año su 50 aniversario de los cuales 17 he estado involucrado. Para mi es un honor, hablaré con orgullo de ello a mis nietos. Haber conocido a músicos de primerísima fila hace que tenga anécdotas para estar un día entero contándolas. Abrir la puerta de entrada a la ciudad a músicos procedentes de otros lugares es satisfactorio. Barcelona aparentemente es una ciudad abierta y receptiva pero en

realidad es dura para un inmigrante, lo digo con conocimiento de causa ya que yo vine de otra provincia. Es todo un placer dar el empujón a estos músicos para que se integren y empiecen una carrera aquí, independientemente de si continúan o no vinculados a las jam sessions. Otra cosa muy positiva es verles interactuar entre ellos y como acaban formando amistades y bonitas relaciones. Ha sido y sigue siendo gratificante presenciar los comienzos de muchos, con la inseguridad que la juventud conlleva y asistir paulatinamente a su consolidación como increíbles figuras de la música. Las WTF Sessions cumplen en junio 9 años y ya no son sólo una cita semanal,

Fotos Aurelio Santos

De lo menos positivos, empezaría por la incapacidad de dar la oportunidad de subir al escenario a todos los asistentes que se plantan allí con ánimos de participar. Es muy difícil acertar y que todas las personas entiendan a la primera de qué va la sesión, sólo se consigue gracias a un tiempo prudencial. Cuesta mucho transmitirlo pues parece todo muy organizado, pero en realidad es todo muy “caótico” ya que nunca se planifica nada. Cada lunes llego al club sin tener ni idea de lo que va a pasar, sólo se que habrán 3 o 4 músicos en el escenario, a partir de ahí otros subirán o no. Siempre se intenta dar oportunidad a gente nueva o que viene de fuera pero a la vez hay que contar con quien viene cada lunes. Es complicado

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son un acto social al que asisten aparte del público cada lunes, personas que vienen a pasarlo en grande, superando no sólo mi ilusión sino formando un cúmulo de ellas, consiguiendo que el evento siga vivo. Mucha gente: público, artistas, músicos, colectivos, fotógrafos, etc., se comunican e interactúan, ser partícipe enriquece mucho a nivel personal.

dar coherencia al hilo conductor de cada sesión. Soy testigo de la precariedad y el desamparo bajo el que viven muchos músicos, no existe tal figura en el plano legal así que no tienen acceso a ninguna protección estatal del tipo paro o seguridad social lo que acarrea que sean víctimas de injusticias. Muchos poseen una gran sensibilidad y verles volcarse decididamente en su arte estando tan desprotegidos es verdaderamente terrorífico, una crueldad. Contraponiendo los comentarios anteriores sobre las estupendas

relaciones que se crean debo decir que también me llegan ecos de competitividad. A veces un entorno precioso como el del arte, entre bastidores esconde mucha mierda que te acaba salpicando. Probablemente, si no estuviera vinculado tan de cerca al mundo de la música no viviría este efecto secundario. Darme cuenta que al 90% de la población mundial no le importa un pepino la música. La gente la toma como un accesorio, un elemento sin valor, el reflejo está en la calidad ínfima de la música en estos momentos. Por citar un ejemplo apabullante, en el Hip Hop,

que es un estilo que amo, hoy por hoy no encuentro nada que me represente, si esta observación la extrapolamos a otras músicas la cosa no está mucho mejor; dentro del jazz hay un seguidismo y una falta de originalidad tremenda, la gente joven está anclada en los patrones que seguían los grandes maestros hace 60 años, las escuelas cortan las alas a los alumnos en lugar de potenciarlos. Me sorprende y hasta me apena oír a músicos de 20 años tocando piezas que los mismos compositores jamás tocarían ahora mismo, las considerarían “fuera de onda”. Las What The Fuck Sessions tratan de ser transgresoras en ese sentido: manteniendo la esencia del

www.wtfjamsessions.com

Foto Tomás Klimberg

jazz intentan dar cabida a proyectos que no tienen nada que ver con su estética o con su teoría. A veces me pregunto de qué sirve que tanta gente haya luchado por innovar, por romper barreras, si en el 2010 los músicos jóvenes continúan basándose en estructuras obsoletas. Por eso precisamente nuestras sesiones se identifican con su nombre, no se pretende seguir la corriente, en esta jam session se da pie a que pase lo que sea y a que la gente haga cosas raras, what the fuck!

MUNDOS PARALELOS james jarvis

La doble vida de James Jarvis y la reinterpretación de Kieslowski. Con una biografía impropia para un hombre que no es centenario, uno se plantea el fuero interno de Jarvis y no puede sino imaginar un auténtico caos que da vida a formas coloreadas, mitos y muñecos hiperactivos inmersos en género musical, (se observa y hasta se escucha) dónde discurren sus álter egos: el diseñador de Amos Toys, el pintor callejero, el periodista y su blog, el ilustrador amante del running,…y ese doble que siempre le acompaña: el artista, el humano. Quitando la explosión de consumismo en marcas, queda una orgía visual conseguida a veces con los trazos más simples. Mientras, filántropos de cátedra se ponen a discernir si ahora los juguetes o la calle pueden ser arte o formas de vida inteligente interplanetaria. Todas las personas tienen su doble según el mito de Doppelgänger. Pero…¿Quién es James Jarvis? ¿Y Martin?

Por Jessica Niñerola

referentes, era una manera de posicionar mi identidad, supongo que cuando eres joven estás cosas tienen más importancia. Aún lo hago pero creo que ahora de manera menos directa. Al final de los 80 y primeros 90 me inspiraban mucho los gráficos de skate, en particular los de World Industries, esa sensibilidad ganada trataba de referenciar la cultura popular y su imagen. No sé donde se observan alusiones a los Smashing Pumpkins, cofidencialmente te digo que me gustó su primer disco, lo que hicieron después me parece horrible.

Según tu biografía, has estudiado en la Universidad de Brighton y en la Royal College de Londres, ¿es necesario ir a la universidad para ser ilustrador? No necesariamente, pero te da la oportunidad de concentrarte en dibujar todos los días sin distracciones, si la aprovechas puedes adquirir una buena disciplina. Asistir a la universidad me ayudó a pensar en mi trabajo y en el por qué de mi inclinación hacia este medio. En tus ilustraciones das muchas referencias musicales: Smashing Pumpkins, The Stooges, MC5, The Beach Boys, ¿alguna razón especial? En mis primeros trabajos evidenciaba más mis

Observando las últimas actualizaciones de tu blog, se observan dibujos más monocromáticos, figuras más finas, alguna incluso se asemeja al Nosferatu de Murano, ¿podemos hablar de un cambio estilístico? Creo que el personaje con cabeza de patata por el que soy más conocido se ve mejor en tres dimensiones, de un tiempo hacia acá trato de dibujar personajes que no tengan nada que ver con ello y sí que puedan existir únicamente en el papel, imagino que los personajes a los que te refieres vienen de ahí. Me di cuenta que gran parte del tiempo que pasaba dibujando pensaba que

diseñaba un toy y esto le restaba mérito a la libertad que te brinda trabajar en dos dimensiones. ¿Cómo serían tus dibujos (color, técnica, forma) si hubieras nacido y crecido en Japón? No tengo ni idea. Japón fue el primer lugar donde se prestó interés a mi trabajo. Basándome en el sistema pictográfico de su caligrafía puede ser que la japonesa sea una cultura más visual. ¿Cúal es el objeto más difícil de dibujar? Una bicicleta

¿Cómo sufre la libertad creativa cuando se trabaja para multinacionales como Sony o Nike? Supongo que depende de la manera en que abordes el proyecto desde un principio. “Onwards”, la animación que hice para Nike, representa una forma distinta de colaborar con una compañía grande. Les llevé la idea producida por mi enteramente, no dio ocasión para que se cambiara o manipulara nada. Lo que hice para Sony fue elaborado a la manera tradicional, su agencia quería encarnar “el estilo James Jarvis”, una experiencia mucho menos creativa. La tecnología se ha incrustado en muchos campos, ¿concierne a tu proceder creativo?, ¿cómo crees que te afectará en el futuro? Para mí, Internet representa una distracción terrible, me roba mucho tiempo. Cuando más disfruto trabajando es cuando me alejo físicamente del ordenador, por esta razón lo paso mejor pintando murales y trabajando “en vivo”. Según vemos en “Onwards”, el personaje corre, sabemos que te encanta correr, ¿una manera de perderse o de encontrarse a uno mismo? Puede ser verdaderamente abstractivo o llevarte al lugar al que quieres sin pensar en otra cosa que en lo que estás haciendo, las dos respuestas son las dos caras de la misma moneda.

“En una línea el mundo se junta, con una línea el mundo se divide, dibujar es hermoso y tremendo” (E Chillida), ¿es o puede ser la ilustración un arma social? Eso estriba en lo que el artista pretenda decir. Creo que gran parte del tiempo el artista está satisfecho creando imágenes que hablen por si mismas. Ilustraciones, comics, toys… ¿Los veremos en el cine de animación próximamente o en el futuro? Hemos tenido conversaciones sobre hacer una animación basada en Vortigern`s Machine desde que salió el comic, cuando será, es otra pregunta. ¿Qué te gustaría hacer y con quien en caso de una colaboración con otro artista? Soy un mal colaborador, tengo una visión muy concreta de lo que quiero hacer. Me gustaría hacer más cuadros, murales y esculturas a gran escala.

jamesjarvis.blogspot.com

www.amostoys.com

www.studiojarvis.com

fotos Lluc Queralt

una vista sin habitación Felichi M.F. MIRILLAS Y SEGUIDILLAS La tragedia del parque

Como el anciano que se balancea frenéticamente en una turbo mecedora del 2052, me imagino todavía contando la aterradora leyenda de “Mirillas y Seguidillas”, una misteriosa sombra que se alargaba a través de una inhóspita provincia de cuyo nombre, por supuesto, más me vale acordarme. Lo que primero era rumor en los parques, acabó siendo un cuento tenebroso en los corrillos de las plazas. Atended a tan funesto caso:

Los primeros en verle fueron unos jóvenes muchachos en un skatepark que ya nació decadente, hablaban sin parar del atronador ruido que brotaba de sus hiperbólicos auriculares decorados a base de agresivas calaveras que miraban desafiantes a través de sus huecos globos oculares, de sus pantalones gigantes y piratescos esmeradamente ornamentados con grafitis que emulaban en toda su decrepitud un arte urbano caduco, de sus Osiris diseñadas para viajes estelares en ochenta días, de los enredados tatuajes tribales que actuaban como una siniestra suerte de hiedra sobre su piel y de otras ambrosías estéticas cuya rememoración nos conduce repentinamente al escalofrío, de la misma manera que un tobogán gigantesco nos conduce a una piscina en un parque acuático: con cierta agresividad. Más adelante, daba igual a dónde fueras, las historias se recrudecían, ÉL había estado allí, acompañando las sesiones de todo el mundo como una peligrosa sombra que no se aleja ni durante la noche, en un vano intento de absorber tu energía y ocupar un espacio en tu retina a toda costa, luchando por conseguir un prestigio que sólo se gana con simpatía, pero que él piensa ganar, absurdamente, repitiendo los trucos que tú haces o pruebas a un centímetro de tu vida, pegado a ti, haciéndole un test

interminable a tu paciencia ajada por las horas de trabajo y las ganas de divertirte un poco, sin tensiones, entre amigos. ÉL no buscaba amistad, ni parecía buscar diversión, su meta era una absurda remuneración honorífica fundamentada en mostrarte perpetuamente que ÉL es capaz de hacer lo que tú haces. Pero, definitivamente, lo más espeluznante de su obra estaba por llegar, puesto que muchos aterrorizados patinadores aseguraban haber oído su voz, una voz desatinada, abocada al comentario jocoso, sonando inmediatamente después de que un cuerpo haya impactado contra en cemento, en ese momento en que la burla no puede sonar a música celestial, ÉL podía tañer una satánica melodía vocal propia de un ángel caído en eterna desdicha, acompañada trágicamente de una malvada risa que sale a buscar enemigos a dondequiera que va. Mirillas y Seguidillas, el auténtico, sigue viviendo más cerca de lo que quisiéramos querer y a lo largo de los turbulentos años que nos ocupan sus clones han empezado a conquistar la galaxia. ¿Te apuntas a la rebelión?

B E A T 1 3

Matt Watkins

Desde Brum Con Amor

Fue el picor del sur-europeo sol de diciembre el que hizo de cebo para que la pandilla de jóvenes guirachos ingleses se diera un volteo por la tierra de un servidor y propiciase que les conociera. Años después del amigable encuentro retomamos contacto y supe que se habían organizado como colectivo artístico. De entrada más que sorprendente, ya que apenas conocía las tendencias a la creatividad de la mayoría, me pareció curioso el hecho de que mientras se ajustara un pelín a la línea que seguía el resto, un dote de cualquiera de ellos tenía cabida. Por ejemplo, durante meses incluyeron un apartado de recetas culinarias en su sitio web y además con un click aquí y otro allá encontrabas retazos de música, animación, diseño e ilustración y lo mejor, se evidenciaba una divertida compenetración.

Para bien o para mal entre los grupos de amigos en los que las inquietudes o los egos sueltan chispas, el camino acaba por desmembrar esa hermandad de diferente madre, le pasó a los Pixies y a los N.W.A y joder, eso sólo fue una temporada de la serie que es la carrera de Fran Black o de Dre, los tíos siguieron vivitos, mera necesidad del artista nato supone uno. Así que Lucy McLauchlan y Matt Watkins, almas de Beat 13, tras sufrir la dispersión de sus camaradas y por cuestión de supervivencia, pusieron en práctica mucho antes de que la crisis la fomentara, la obligada fórmula productiva de estos días de vacas flacas, la de hacer mucho con poco, o mejor, siendo pocos.

Por John López fotos Beat 13

¿Cuál fue la idea seminal para que brotara el colectivo? Beat 13 fue el nombre que acuñé para describir a un grupo de amigos inmersos en la música y el arte. Birmingham en ese entonces tenía cero reconocimiento por su oferta artística así que pensé que si nos juntábamos tendríamos más posibilidades de ser reconocidos. Las cosas cambiaron y cada miembro original tomó un rumbo distinto, de un tiempo para acá Beat 13 somos Lucy

McLauchlan y yo, Matt Watkins. Resume vuestra trayectoria En un principio yo producía beats y visuales para algunas fiestas al mismo tiempo que sin gustarme demasiado diseñaba webs para fontaneros, constructores y decoradores. Lucy empezaba a emerger como ilustradora y DJ Guy C pinchaba y producía beats, Beat 13 era nuestra vía de escape. Puse manos a la obra

Beauty on Inside

mis conocimientos básicos de diseño y programación web creando una página para el colectivo, lo que sirvió para que me descubriera Jamie Hewlett que andaba buscando a alguien que le ayudara con el proyecto que acababa de empezar, Gorillaz. Me mudé a Londres y pillé el empleo. Seguidamente Lucy y yo organizamos una exposición en la galería The Horse Hospital, esto fue en el 2001. Llamamos a Guy C y a DJango para

crear la banda sonora y a mi hermano Tim (Watkins) y a Al Murphy para que expusieran sus trabajos. Fue una excelente oportunidad para darle a Beat 13 un nombre y una identidad. Presenté a mi hermano y a Al a Jamie y le convencí para meternos en un estudio más grande, así estaríamos todos dentro del mismo espacio. El estudio atrajo a muchas mentes creativas, Banksy era nuestro vecino, no mucho antes se había fundado Pictures

On Walls. Poco después alquilamos un pequeño local en Birmingham para usarlo de galería, lo que nos permitió conocer a varios artistas y establecer una red local de creadores. Fuimos con Rich Coldicott y Glenn Anderson a un show en Los Angeles, teníamos trabajos geniales en nuestro local, sin embargo era mucho esfuerzo para Lucy y para mi y se hizo dificultoso manejarla así que acabamos fusionándonos con la galería Framer en el sitio donde ahora opera el Outcrowd Collective.

¿Podemos decir que os dedicáis al street art u os sentís más afianzados con el trabajo en espacios interiores? Nunca hemos sido estrictamente street, hemos intervenido según requería cada proyecto.

Lucy y yo continuamos actualmente colaborando como Beat 13 aunque Lucy se ha labrado una reputación por méritos propios, Guy C es como un hermano con quien nos ayudamos siempre que podemos y yo estoy trabajando en los gráficos para una nueva banda llamada MothWasp.

Cuéntame sobre las acciones que realizáis involucrados con la comunidad. El arte no es únicamente para los artistas, por eso no está demás alentar a la gente a pintar y ser creativa. Como Beat 13 nos han llamado a organizar talleres para todo tipo de gente, Guy C y yo hemos hecho

¿Tienen algún significado especial esas piezas diseñadas con objetos reciclados que estáis creando recientemente? No realmente, a Lucy le gusta acumular cosas que se encuentra, yo la he animado a darles uso.

actividades musicales y Lucy ha trabajado con una entidad para niños autistas llamada Spectrum, también hemos participado en la campaña The Big Draw. ¿Qué relevancia tiene la música en estos momentos para los dos componentes de Beat 13? La música es una influencia fundamental, desde niños siempre hemos sentido el empuje de crear y me parece que en un conjunto musical, visual y personal es la misma parte del cerebro la que se ejercita. ¿Participaciones fuera de Inglaterra? Estuvimos el año pasado en el festival FAME y es mi favorito, tiene lugar en una pequeña localidad llamada Grottaglie, al sur de Italia. Angelo el comisario de la exposición invita a los artistas a ir y pintar la ciudad, su madre se encarga de atenderlos.

www.beat13.co.uk

¿Qué concepto utilizarías si os llamaran a decorar la parte frontal del ayuntamiento de Birmingham? El centro de esta ciudad está completamente desprovisto de un producto cultural que provenga de sus habitantes, la política que hay es de tolerancia cero hacia el graffiti, hay más cadenas corporativas y por tanto publicidad que en muchas ciudades. Le regalaría un bote de pintura a cada ciudadano para que hiciese lo que le diese la gana.

dj guy c Uno de los secretos mejor guardados de Brum City a.k.a Birminhgam. El tipo se hace entender mejor hilvanando sesiones musicales, en lo que es experto, que contestando a preguntas, no obstante y hablando de su ciudad y de la comuna de la que antaño formó parte, era obligación hacerle intervenir.

¿Qué es o fue Beat 13 para ti? Un grupo de personas de mentalidad similar que organizan eventos en los que su visión del arte es nexo y protagonista. ¿Cuáles fueron los hechos más destacados para DJ Guy C el año que hemos dejado atrás? Comenzar un proyecto de sesiones llamado The Skitzodelic Sound y tratar de vencer los nervios provocados por ponerme delante de miles de personas en cada fecha durante la gira mundial de Gorillaz Sound System. Eres de esa especie que pasa de la industria y la celebridad, parece que tiras por la sencillez que a la larga es lo que compensa, canalizando tu dedicación a la música poniendo a bailar a la gente en los clubs ¿me equivoco? Me acerco a la música por y a través de estilos que llaman mi atención y me mantienen interesado, igualmente busco un lugar dentro de ella para conectar con la gente, nada más. Birmingham es una ciudad afamada por su contribución musical, un montón de bandas han salido de ella: Black Sabbath, UB40, Steel Pulse, The Streets ¿qué pasa ahí dentro? Mi ciudad es una olla hirviente de razas y culturas, eso ayuda a que se ejecute buena música, tenemos festivales como el Bigger Than Barry o el festival de Moseley, a Seeland o a Misty`s Big Adventure las citaría como nuevas bandas a las que echarles el ojo.

Estos días estás más inclinado a pinchar… Sonidos skitzodelicos Si la gente habla mucho durante tu sesión… Subo el volumen… porque no es lo que pones sino como lo pones.

www.myspace.com/djguyc

ANTES MUERTOS QUE SENCILLOS

sapeurs

Foto Daniele Tamagni

Por C谩rmen L贸pez

En el mundo occidental, globalizado y claramente alienado en el que vivimos, estamos acostumbrados a que las personas utilicen la moda para expresar desde sus ideales hasta su estado de ánimo. Todos escogemos la ropa que nos ponemos cada mañana e intentamos dar una imagen intencionada. Ese ritual se acentúa en el caso de los integrantes de las tribus urbanas para los que la indumentaria es una cuestión de principios, una manera de expresarle al resto del mundo que son diferentes a todos los demás y de paso, hacerles un guiño de pertenencia a aquellos que forman parte de su mismo grupo. Mods, Rockers, Emos, Hiphoperos, Otakus, Skins… todos tienen su propia moda y la siguen con orgullo. Pero ¿Y en el resto del mundo? ¿Qué pasa fuera del lado occidental y capitalista de la esfera terrestre? Seguramente la primera imagen mental que tu mente cree cuando alguien te dice “africano” sea la de un tío alto y negro vestido con túnicas de colores llamativos y estampados tribales, en ocasiones con gorrito a juego (o eso, o un tío con una lanza y taparrabos, ahí ya depende de la magnitud de tus prejuicios). Pues bien, parte de la culpa de que tengamos esas imagen de la moda africana la tiene Mobutu Sese Seko que en 1965 dio un golpe de estado en su país, el Congo, e instauró una dictadura que además de dejar al país sumido en la miseria (a base de robar unos 5 mil millones de dólares en unos 30 años)

intentó devolverlo al africanismo anterior a la colonización. Mobutu instauró la obligación de vestir con el traje africano, en su obsesión paranoide de separarse de Europa y de la antigua colonización de los belgas. Sin embargo y como se ha ido probando a lo largo de todo el anterior y sangriento siglo XX, una de las consecuencias que traen las dictaduras es la rebelión, bien sea con violencia y acción directa o bien con actos simbólicos que expresen rechazo. Así, durante la década de los 80 Papa Wemba, una estrella del pop africana, llevó al Congo, procedentes de sus múltiples viajes a la capital de Francia, una gran cantidad de trajes excesivos que lucía en clara oposición a la imposición de Mobutu. Él fue una de las primeras personas de La Sape (La Societe des Ambieanceurs et Personnes Elegantes) y su estilo rápidamente llamó la atención de los congoleños –muchos de ellos repartidos por el mundo debido a la dictadura-. El arte del vestir bien como manera de expresar la dignidad personal no es sólo propio de los Sapeurs del Congo, sino que muchas tribus urbanas occidentales como los Mods o los Rude Boys también basan su vestimenta en ese sentimiento. Sin embargo, en el caso de los Sapeurs esta decisión es mucho más llamativa, ya que sus increíbles y cuidados estilismos destacan en un entorno extremadamente humilde en el que viven, ya que los Sapeurs no son, ni mucho menos personas adineradas. Muchos de ellos ahorran toda su vida para poder

Foto Daniele Tamagni

viajar a París (el puntó álgido en la vida de un Sapeur) y volver a su país con trajes franceses de corte impecable y elegancia evidente. Daniele Tamagni siempre había sentido interés por África. Este historiador del arte y fotógrafo italiano se quedó fascinado cuando en 2006, llevado por su admiración por la cultura africana, puso los pies en el Congo y se encontró con aquellos hombres (la Sape es un movimiento mayoritariamente masculino y no está demasiado bien visto que las mujeres lo sigan. Sin embargo, las novias y esposas de los Sapeurs también cuidan su aspecto y ofrecen –aunque en menor medida- una imagen bastante espectacular para la zona en la que viven) increíblemente bien vestidos. Según cuenta él mismo, “en aquel periodo no sabía nada acerca de los Sapeurs pero después, cuando regresé a Londres, hice algunas investigaciones y en una biblioteca me encontré con una antología de fotografía africana en la que había una página escrita por Franck Bitemo llamada Los sueños de Arca Sapeur de Brazaville . Su fascinación por los Sapeurs era tal que en 2007 Tamagni volvió al Congo, a Brazaville y conoció a Arca Sapeur, uno de los líderes del movimiento. A través de él, también llegó a conocer a otras eminencias de la Sape como Hassan Salvador y KVV Mouzieto, que le siguieron introduciendo en su cultura. El proyecto continuó en Londres y en Milán, dónde

Tagmani entrevistó a otros Sapeurs y dio como resultado el libro de fotografías Gentelman of Bancongo , un increíble documento gráfico de la vida y actitud de los Sapeurs. Además de las ropas, los Sapeurs también tienen unos modales y un saber estar impecables. Tamagni destaca este rasgo al hablar de ellos: Congo refleja la paradoja de nuestra sociedad. Yuxtapone símbolos de exceso y consumo compulsivo contra las escenas más agónicas de pobreza urbana. El contraste de los Sapeurs y el contexto urbano que les rodea es impresionante. También me impresionó la amabilidad y la bondad del pueblo congoleño. Para un verdadero Sapeur la dulzura y el refinamiento de las costumbres son tan importantes como los trajes de etiqueta que llevan , sostiene. Así, a base de elegancia en la imagen y las maneras, a base de mostrar dignidad y rebeldía (¿no son acaso lo mismo?) los Sapeurs se han ganado a lo largo de los años el respeto de sus vecinos, aunque piensen que gastarse el dinero en trajes de marca es una locura o una estupidez, y de todos aquellos que les han podido ver en persona o a través de fotografías. Porque los Sapeurs tienen algo atrayente, una especie de imán que te obliga a fijar tu mirada en ellos y aunque no quieras, a admirarles. Será el porte, el orgullo y la naturalidad con la que llevan sus trajes. Será la dignidad.

Papa Wemba

SU CAFÉ SEÑORA

Por Javier Menéndez Fotos Fernando Torres

tino arena Agustín ya suena a diminutivo y aun así le achataron más el nombre hasta dejarlo en Tino. Este chico de apariencia adolescente, esconde un potencial y madurez (esto último a su modo), que empiezan a sorprenderte el día que lo conoces y se perpetúan en el tiempo. Narrador y vividor de aventuras, pone el negro telón de la noche a sus historias y experiencias condicionado por los horarios del hotel en el que se gana la plata. Sabe decir que no a pocas cosas y parece que le cuesta poner interés en aprender a hacerlo, con Tino has de tener los pies en la tierra o sabrás donde empieza pero no donde termina la historia. Tras la cara de niño tímido, se esconde un tío impulsivo al que (si lo tiene), no se le nota el miedo. Esto lo verás cuando te lo encuentres en cualquier situación, sea patinando o no, pero si tienes la suerte de compartir una sesión con él, vas a quedar asombrado con lo poco que se piensa las cosas, el control que tiene y la facilidad con la que te liará para acabar tomando cañas en el bar más cercano. Llegado hace ya bastantes años de Montevideo, se ha adaptado al ambiente individualista reinante en la Ciudad Condal, diferenciando siempre a quien le da la mano de quien se la retuerce. Trabaja, sale de noche y patina sin pensar demasiado en el tema patrocinios, eso le vino pronto allá en Sudamérica y parece que ya ha dado por finiquitado el cúmulo de alegrías y penas que supone dedicarse profesionalmente al skateboarding. Ahora, sólo flirtea levemente con la industria y está completamente centrado en tan sólo exigirle al patín que lo aparte de las inclemencias del mundo real. ¿Por qué será que yendo tan a su rollo la gente lo estima tanto? Quizás sea que todos necesitamos tener a un impertinente que se atreva a decirnos las cosas cuando el resto no se atreve. ¡Vamos wacho!

Ilustraci贸n Javier Mu帽oz

Wallride

Backside Crooks transfer

¿A qué te estás dedicando a parte de currar y patinar? Aparte de trabajar y patinar, salgo mucho y últimamente estoy con la serigrafía. Lo hago con un amigo de Uruguay que vino a vivir a Barcelona hace tres años, El Bestia. Mi compañero de piso es herrero y me hizo la mesa con la bisagra, que es el soporte para hacer las camisetas. Por el momento sólo estoy haciendo cosas a una tinta, que es lo más básico, pero está bien. El Bestia me está integrando en una crew de Uruguay que se llama Purpledog, él lleva un montón de años siendo un artista muy activo y yo tengo unas nociones de diseño, así que entre los dos estamos haciendo cosas. Viene con una idea y entre los dos le damos forma, ambos tenemos un trabajo, esto lo hacemos en lo que resta de las cuarenta horas. ¿Y hasta dónde pretendes llegar con esto? Con esto no pretendo hacerme millonario, vivir en una mansión, tener cuatro coches y cinco esposas, si eso pasara me tendría que ir a vivir a Dubai. No sé a donde pretendo llegar, pero trabajo de camarero cuarenta horas y hay ocho horas de mi día en que sólo escucho cosas como: “me pone un cortado, descafeinado, con sacarina y la cucharilla a un lado y para atrás”. Eso te va matando lentamente y hacer este tipo de cosas creativas es una manera de regenerarte. ¿Qué pasa con el skate? ¿Esto te aporta algo que no te aportaba el patín como

medio de desconexión de la realidad o es sencillamente un complemento que te da otra vía de escape? El patín y todo el tema del diseño gráfico siempre han estado muy unidos y hemos mamado mucho de eso. En ambos casos se trata de hacer algo productivo y encontrar satisfacción positiva. Por poner un ejemplo, te diría que hice una camiseta de Bukowski que es mi escritor favorito, la hice yo mismo en lugar de ir a comprarla y todo el proceso fue muy divertido, ni siquiera pienso demasiado en llegar a venderlas, no estaría mal un dinerillo extra pero por el momento disfruto mucho tan sólo concentrándome en hacerlas. Ya, pero pasas de ganarte la vida con el skate pudiendo hacerlo y ahora vas y pasas de ganarte la vida con esto. ¿Qué eres, una especie de ONG? no se si se trata de que hay cosas más importantes para ti que el dinero o que intentas no poner precio a lo que te apasiona, ¿de qué vas tío? Lo de no querer ganarme la vida con el skate no es realmente así. Yo no tengo nivel como para que mi vida se sostenga con eso, tampoco tengo los contactos apropiados para trabajar en la industria. Con cuatrocientos euros no puedo pagar el alquiler, el teléfono, algún viaje y las cañas. Además, me malacostumbré y desde que llegué aquí he tenido trabajos con catorce pagas y vacaciones, es algo que no había tenido antes, siempre había estado en un constante buscarme la vida, creo que estoy

Frontside 360. Foto Alex Brasa

un poco atrapado en esto de la estabilidad. Eso suena aburrido, no digo que esté mal, pero no quiero que la gente deje de leer el texto y se limite a ver las fotos. Cuéntanos cómo era tu vida antes de llegar a Barcelona y volverte tan coherente. Los dos o tres años antes de venirme tenía un sueldito de patinar, era bastante bajo pero incluía material y lo compaginaba con un trabajo nocturno en un bar. Allí fue donde conocí realmente al Bestia, nos conocíamos de siempre pero allí fue donde creció nuestra amistad. Por aquel entonces tenía mucho tiempo libre pero apenas hacía nada, a veces es mejor saber que sólo tienes un par de horas para tus cosas, las aprovechas más. En Montevideo tenía aparte de otra edad, muchas menos responsabilidades, vivía con mi madre y no tenía que pagar un alquiler ni preocuparme por llenar la nevera. Patinaba todo el tiempo, más o menos, pero todo el tiempo. Es raro tu caso. Parece que la tendencia más generalizada entre los que se vienen a vivir a Barcelona es desparramarse. Es extraño que al llegar aquí hayas encarrilado tu vida por la senda de la coherencia, ¿no te parece? Me desparramo, todos sabemos que lo hago. Bah, me encantaría tomarme un año sabático. Parar de trabajar pero con cosas que hacer. ¿Qué cosas?

Cosas como eso que te contaba de la serigrafía, el otro día estuvimos más de ocho horas con ello: nos levantamos, fuimos a insolar, insolamos, volvimos, limpiamos las pantallas, montamos todo para imprimir y acabamos todo manchados. Fueron un montón de horas y lo estaba disfrutando. Me gustaría poder dedicarle más tiempo, quizás tirarme una temporada probando. ¿Y que más harías en ese hipotético año sabático además de diseñar y patinar? Me gustaría pegarme un buen viaje. Ir a un sitio tranquilo en el que no cueste mucho vivir, tomar el sol y curarme los pies en una playa. Esto es algo que nunca hice. Yo soy de extrarradio de ciudad, playa sólo de vez en cuando y en jeans. ¿Y dónde está esa playa con la que sueñas ahora? No lo voy a decir, así voy. ¿Qué es eso de caminar y hacer fotos? Bueno, me compré una cámara de segunda mano, una Canon 10D con la que estoy aprendiendo, mola, es algo que se suma al resto de cosas que hago. Mola ir documentando. ¿Pero qué fotos estás haciendo? Retratos, fotos de la calle... Fotos de skate no estoy haciendo.

Nollie Big Spin

Frontside Smith Grind Frontside Flip

Ollie

¿No te interesa? No tengo el equipo y no estoy seguro de si me interesa. Bueno, me encantaría porque me gusta mucho el skate pero eso de poner al tipo a que se revolé y que luego salga mal, como que no. ¿Cómo estás aprendiendo?, ¿con libros o con el corazón y el instinto? Con el corazón. (Risas). Tengo un libro aquí y mola. ¿Te gustan o no mis fotos? Si, me gustan. Venga, volvamos a lo que hablábamos hace un rato de que un año sabático no es tan irreal. Lo tengo en mente. Momentos como la sesión de skate que nos dimos ayer me hacen pensar, llevaba sin patinar diez días y salieron cosas, si le dedicase más tiempo podría estar gozando mucho, además, no sabes hasta cuando va a durar esto.

arrancar. Mira ayer mismo, hacía dos grados y nos metimos una hora en un tren a las siete de la tarde para ir a patinar, al final fue la bomba. ¿Entonces la pereza es un mal que se va apoderando de nosotros con el pasar de los años? La pereza es horrible. Es como bañarse, a nadie le gusta el agua antes de meterse bajo la ducha. Después, cuando estás bajo el chorro es increíble. Pero me cuesta creer que seas un tipo perezoso con lo echado pa´lante que eres con la gente y la facilidad con la que te pones a patinar a hierro, sin calentamiento previo. Además, no te veo con muchos tapujos para decir las cosas a las chicas o a cualquiera. Por eso es por lo que no me hacen caso ni las chicas ni cualquiera.

Pero de todas formas, aun sin dejar el trabajo podrías patinar a deshoras, ¿no? Si miras atrás en el tiempo seguro que te ves con fuerza y engorile como para ir a patinar a medianoche. Yo me recuerdo haciendo proezas invernales que ahora no concibo.

Pues en la intro he puesto que quizá la gente te quiera porque todos necesitamos un impertinente en nuestras vidas, ¿lo quito?.

Seguro que antes tenías menos responsabilidades. Sostener tu realidad te consume la energía y te quita las ganas de hacer cosas que son las que te hacen ser quien eres. Hay que hacer por evitar que la pereza te impida

Vale, ¿vas a decir algo más?

Ponlo, pero como reflexión de toda la entrevista, pon también que todo es mentira.

Yo en realidad no quería decir nada, repito, todo es mentira, pónganse a practicar roller ya mismo.

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Mad Decent - Mosquito Films

FAVE L A O N B L AST

la panacea carioca

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Por Karol Silva

La vida en las favelas cariocas es jodida, pero nunca ha estado exenta de alegría. Si algo bueno tiene la falta de recursos, es que suele traer consigo revoluciones culturales que se sienten en todos sus ámbitos. Arte, literatura, música, da igual el campo, en ausencia de dinero la sal de la vida es otra, esa que empieza y termina en uno mismo... bailar, cantar, crear. O lo que es lo mismo: al mal tiempo, buena cara. Desde hace veinte años, Rio de Janeiro asiste al boom de una subcultura que ha visto la luz en un entorno chabolero donde lo mismo campan a sus anchas trabajadores humildes y honestos que pudientes narcos, aplicados estudiantes y desbocados delincuentes juveniles o añejos abuelos. El funk carioca, un derivado del Miami Bass que cuenta con código propio, es un estilo musical y de baile, además de una manera de entender la fiesta que caracteriza a los sectores marginales

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de la ciudad. La pobreza, la dignidad, los asuntos raciales, el sexo explícito, la violencia, la injusticia o la droga son algunos de los temas sociales que tratan los MCs funkieros al ritmo de bailongas bases cargadas de percusión. El baile roza lo tribal, siempre con movimientos cargados de visceralidad que parecen una prolongación del yo más salvaje y que a veces recuerdan al acto sexual. La chispa y la alegría nunca faltan, la predisposición hacia la fiesta tampoco. Y, en medio de todo esto, una mirada hacia delante. La posibilidad de un mundo mejor. Conocimos este estilo hace unos años gracias a varios anuncios de multinacionales que utilizaron el Quem Que Caguetou de Black Alien & Speed como banda sonora. El padrino del funk favela, Dj Marlboro, lo puso en órbita en Europa, Fat Boy Slim haría lo propio en Inglaterra y Wesley Pentz se encargó de Estados Unidos y del resto del mundo.

Precisamente este artista americano, aka Diplo, es el encargado de retratar junto a Leandro HBL en el film Favela On Blast los sabores y sinsabores del funk carioca a través de algunas de sus caras visibles –Tigrona, Mr Catra, Colibri, Sany Pitbull o Duda Do Borell–, tras haber recorrido sesenta favelas y realizado más de cien entrevistas. El resultado es una cinta entretenida, espontánea y diferente que plasma la más pura realidad de unas favelas que piden a grito de funk un poco de atención sin caer en el victimismo. Estrenada en marzo de 2009 en el festival tejano SXSW, la cinta llegó recientemente a España y fue proyectada el pasado noviembre en el In-Edit de Barcelona. La bossa nova o la samba ha pasado a la historia. El funk carioca se erige ahora como una escena vibrante que para muchos es el motor de la vida en la favela. La vía de escape, la luz al final del túnel… la sal de la vida que empieza y termina en uno mismo. Bailar, cantar, crear.

www.leandrohbl.com

www.maddecent.com/favelaonblast

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A LOVE LETTER FOR YOU The book

Durante sus años mozos, Stephen Powers utilizaba ilegalmente las calles de Philadelphia como lienzos donde pintaba graffitis bajo el nombre de Espo. Eran tiempos en los que el Mural Art Program de la ciudad, nacido como medida antigraffiti en 1984, le intentaba reclutar en sus filas ante su constante negativa de rebelde adolescente. En el verano de 2009, ironías de la vida, con 41 años a la espalda y convertido en reputado galerista en Nueva York, Powers vuelve a su ciudad natal

para formar parte de un proyecto de arte público creado por el mismo Mural Art Program que tanto rechazó y esponsorizado por el Pew Center for Arts & Heritage. “Love Letter” es una iniciativa que plasma reflexiones sobre el amor y desamor, sobre las relaciones, affaires o reconciliaciones, mediante murales pintados en un tramo de azoteas paralelo a la línea de metro elevada Market-Frankford. Propuestos por los vecinos de Philadelphia, los mensajes de amor han sido pintados por un equipo

editorial

de cuarenta artistas bajo la batuta de Stephen, cabeza visible del proyecto. El bonito resultado, que se puede conocer in situ desde el pasado septiembre a través de visitas guiadas, es también un homenaje de Powers al artista Darryl McCray (a.k.a. Cornbread), un legendario graffitero de la ciudad que comenzó a pintar mensajes de amor para su novia a finales de los 60. Tras dar la vuelta al mundo a través del ciberespacio, el cariñoso proyecto

se ha documentado en un libro con 85 ilustraciones a color y 96 páginas que acaba de ver la luz. “A Love Letter for you”, distribuido por Ginko, forma parte de una serie de dos libros, una película y una exposición que recogen el proceso que ha dado lugar a los cincuenta murales que visten el oeste de Philadelphia entre las calles 45 y 63 de Market Street. Y es que ya no se trata del do it yourself… ahora lo que prima es el do it for love.

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THE GOSPEL OF HIP HOP FIRST INSTRUMENT PowerHouse Books

El autoproclamado maestro KRS One, se aplicó durante años en redactar un tratado filosófico que transmite los matices de la doctrina que ha propagado desde que era un adolescente en las calles del Bronx, e insta a quienes se identifican con ella a vivirla de manera apropiada. Si tu concepción del Hip Hop se reduce a una frívola y presuntuosa actitud/música/ moda, probablemente este no sea tu libro, en cambio, si tu entendimiento del mismo va más allá y posee un valor insigne que concierne una noción profunda, este manual puede serte práctico para ampliar ese sentido espiritual y afirmarte en él. Esta extensa obra concentra la ideología y voluntades de la organización The Temple Of Hip Hop, fundada para asegurar la preservación de la cultura y la concienciación de los individuos que la representan.

www.powerhousebooks.com/thegospelofhiphop/

editorial

m u lt i m e di a Matisyahu

LIGHT

JDUB Records / Epic (Hip Hop) Refiriéndose a Light, teniendo en cuenta que es su primer disco real, el autor ha dicho: “es el disco que siempre visionè”. Brillante en su refinamiento musical, encumbra a Matisyahu a una posición relevante del rap que se hace fuera del suelo americano. Una lástima ser seguidor del rap “extranjero” y no llevarlo en el iPod. Chad Hillard

Sid Roams

ZOMBIE MUSI K Dirt Class (Hip Hop)

Joey Chavez y Bravo llevan un tiempo operando detrás del nombre de un mafioso imaginario llamado Sid Roams, desde un sótano con luz baja y mucho humo hidropónico en Brooklyn. Joey pertence a la escuela de Alchemist, Evidence, DJ Revolution y demás calaña del Oeste. Bravo, por su parte, aunque de idéntico origen, se formó en New York y es el yang al ying musical de Chavez. Desde el 2003 le han pasado mierda espesa a Prodigy, Infamous Mobb, Dipset y otros gangstas de NY. Zombie Musik es un disco de instrumentales nocivos como esnifar pegamento, o bien, una banda sonora de peli de muertos muy vivos que deambulan por el barrio, capucha puesta y pipa en ristre. John López

audio

5 YEARS OF HYPE R DU B Hyperdub (Dubstep)

Ninguna disquera supera el listón colgado por la escudería que comanda el boss Kode 9 con esta recopilación salida hace un par de meses. 32 lingotes forjados por tipos como Zomby, Rustie, Burial (exclusivísimo con Fostercare), Joker, Darkstar y la lista sigue. Artífices todos de pavimentar un suelo convulso en el que las vibraciones que producen esos bajos te llegan hasta el copete. Entre nombres y temas este doble pack casi que almacena lo más valioso en lo referente al Dubstep y sus ramificaciones desde su nacimiento. Básico. John López

Koushik

BEEP TAPE

Stones Throw (Hip Hop)

La habilidad de Koushik para hacer del Hip Hop algo distinto se vuelve a palpar en este mixtape que los cracks de Stones Throw tuvieron la amabilidad de ofrecer gratis el pasado septiembre durante una semana. Caduca la oportunidad, los treinta tracks de Beep Tape merecen también el desembolso de euros. Melodías experimentales y psicodélicas que se encaminan hacia un peculiar downtempo, magníficos beats y breaks, y las vaporosas voces de algún que otro corte hacen de este álbum instrumental una rareza y gema a la par. Karol Silva

m u lt i m e di a Souls of Mischief

M O N TEZU MA 'S REVE N GE ZOMBIE MUSI K Hieroglyphics Himperium (Hip Hop)

Souls Of Mischief son lo contrario de esos grupos que se aventuran al experimento en cada nuevo álbum y meten la pata bien hondo. El quinto LP de los de Oakland mantiene la regularidad que lo precede y eso precisamente le da la buena nota, ni falta que les hace ir de lo que no son, el disco está ensamblando de manera que los veteranos flows de los cuatro MC`s se llevan divinamente con los beats producidos por un Prince Paul lucido identificándose con el concepto musical del grupo, oígase “You Got It” o “Home Game”. Opio, Tajai, A Plus y Phesto se han excedido (para bien) con lo que se espera de ellos y esto igual les sirve de poco para ganar nuevos fans pero a los que ya estaban en la lista, lo que es cuidarlos, los cuidan. John López

Kid Cudi

MAN ON THE MOON

G.O.O.D Music/HeadBanga Muzik Group (Hip Hop) A Man On The Moon fácilmente se le puede conceder el título de álbum del 2009. Un disco que si no oíste, tiempo estás perdiendo. Beats geniales combinados con versos adictivos. Maestría musical para poner a deslizar en el reproductor del coche, de casa, del curro, del colega y voltear la rueda del volumen siempre hacia arriba y en cualquier track. Chad Hillard

audio The Embassadors

COPTIC DUB

Nonplace (Jazz fussion)

Músicos de Suráfrica, Alemania, Kenia, Nueva Zelanda o Perú, capitaneados por Hayden Chisholm, protagonizan el último Embassadors de Nonplace. Un enjambre multicultural cristalizado en ocho tracks de jazz-fusion meloso que hace pequeños guiños al dub. Continuamente flotante y a veces trepidante, en ocasiones recuerda a una sutil jam-session o a un release del propio Friedman. Música que llena el espacio… y el perfecto complemento para un tarde de lectura y sofá. Karol Silva

Mulatu Astatke

FROM N EW YORK CITY TO AD DIS ABABA

TH E BEST OF M U LATU ASTATKE Strut (Afro/Latin/Ethio Jazz)

A mitad de la década pasada Mulatú Astatke se dio a conocer a las masas gracias a la banda sonora que acompañó a Bill Murray en su labor pro-paternal en Broken Flowers. El inicio de su carrera como jazzista, en cambio, se remonta a cuatro décadas antes. Éste disco editado recientemente por Strut, recoge las grabaciones iniciales del padre del Ethio-jazz para desaparecidos sellos de New York, Londres y Addis Abbeba. La longeva andadura musical de Mulatú Astatké (como la de tantos grandes de su generación), es imposible de capturar en una edición por muy retrospectivas que sean sus intenciones, sin embargo, este es el mejor aperitivo al que se puede echar el diente en este momento. John López

REPRESENT SHUT

Rodney Smith en la puerta de la tienda de Shut en Manhattan

Si el skate americano fuese un single de vinilo y California su cara A, Nueva York, por su situación y por contener el atractivo de esa rareza que a veces cuesta digerir, simbolizaría una cara B en toda regla. Terreno abrupto, masificación, tráfico y clima, son condicionantes que certifican que tampoco cuando de skateboarding se trata, la Gran Manzana es broma. Como en una urbe cualquiera, los skaters locales tratan de dominar el suelo que les ha tocado bajo sus siete láminas y sacarle partido a las mutaciones constantes que ésta sufre, en un tira y afloja que empezó cuando el patín se posó sobre ella y que generó desde entonces capítulos de historia. Historia que para que se transmita, ha de existir quien la cuente y un lugar donde conservarla. Shut, la compañía de skate de la ciudad con sede en el Lower East Side, es ese lugar, la residencia del narrador idóneo. Por John López

Foto Tino Arena

¿Quién eres y cuál es tu relación con la escena skate neoyorkina? Me llamo Rodney Smith, patino en New York desde 1983, soy uno de tantos que ha puesto la escena de la ciudad y de la Costa Este en el mapa. Ideólogo y fundador de Shut Skates y Zoo York Patinar, como la vida misma, es diferente en New York, ¿por qué? Para los principiantes hay elementos demasiado propios del verdadero street skate, le pasa lo mismo a San Francisco, a Tokio o a Barcelona, pero no a San Diego, ¿sabes a lo que me refiero?, no puedes patinar lento en medio de una avenida plagada de tráfico y si lo haces, multiplicas los boletos para que te arrolle un taxi o llevarte por delante a un peatón distraído. No hay demasiadas restricciones de velocidad o debería decir multas por conducción temeraria. El tráfico en general obliga a que te muevas rápido. Patinar en New York es frustrante para muchos skaters no acostumbrados al ritmo de la ciudad.

ciudad, las principales revistas, Thrasher y Transworld, enviaban o contrataban fotógrafos para documentar el progreso que se estaba experimentando y muchas compañías se interesaron por los talentos que surgían. Otra, es todo lo que encierra la frase “qué tiempos aquellos”, incluida la estupenda sensación de aproximarte a un skater desconocido en cualquier calle, eso se ha perdido. Otros tiempos para el mundo, otros tiempos para el skate. En Europa se oye que hay duras leyes y multas por patinar en California. ¿Cómo se comporta la autoridad en New York? Es que las leyes contra el skate son un sinsentido, más si son en California, donde nació. Según la situación puedes irte con multa o sin patín pero lo normal es que los vecinos te griten para que te vayas, raramente llaman a la policía.

Según tu perspectiva, ¿cómo ha cambiado la escena local, digamos desde el final de los ochenta? Ha cambiado sólo en un par de cosas, una es la atención que se le prestó a lo que pasaba aquí al llegar los 90, hubo un éxodo importante de skaters hacia la

Shawn Powers. Tailslide. Foto Bryan Bedder

el skateboarding. Respeto para Santa Cruz, Powell Peralta y Dogtown. ¿Qué pasó para que la compañía se alejara del mercado durante un considerable período y qué motivó el retorno?

Sean Sheffey y Rodney Smith

Si me viene a la mente el skate de New York pienso en Shut, háblanos de la compañía y deja que las nuevas generaciones sepan por qué para tener una breve noción de historia deben conocer sobre Shut Skateboards. Quieran o no conocer historia del skate, todos los skaters deberían saber de donde procede, es tan básico como en la vida saber de donde viene uno. Shut es una de las muchas compañías encargadas de la supervivencia y crecimiento del skate desde los 80 hasta ahora. Al final de esa década Shut y Walker Skateboards mantuvieron viva la escena de la Costa Este, luego Shut se transformó en Zoo York en 1993 y continuó el legado. Para mí, las compañías legendarias tienen los “principales derechos” ya que ves que las personas implicadas en ellas han conservado el interés en ayudar a preservar y alimentar

Por la mitad de 1992 Shut fue víctima de la alta velocidad a la que se movía la industria y de una aterradora situación financiera que se alargó seis años, hasta que tuvimos que cerrar. Mi compañero Bruno Musso, nuestro socio inversor y yo, teníamos puntos de vista distintos, Bruno decidió abandonar el skate y yo estaba ansioso por regresar al negocio, así que me puse a pensar sobre una próxima compañía de skate para New York, esa compañía fue Zoo York Skateboards. Zoo iba a tener patines y ropa, comencé a prepararme para posicionar mi credibilidad dentro de la industria y hacer saber que algo grande iba a salir de New York otra vez. Me asocié con Eli Gezner y Adam Schatz al final del 92 y en el 93 registramos la marca. Zoo, como cualquier compañía, sufrió altibajos hasta ser aceptada globalmente en el 96. En el 2000 necesitamos una solución a un problema de crecimiento surgido y Ecko Unlimited, ya en el 2001, nos propuso asociarse. En el 2005 nos desentendimos de Ecko para centrarnos en la resurrección de Shut Skates. Eli Gesner, Adam Schatz, Greg Chapman (Chapman Skateboard Manufacturing) y yo somos los socios en la actualidad.

Luis Tolentino. RĂŠcord ollie

Luis Tolentino - Frontside 360 en Barcelona - foto Gerard Riera

Cuéntanos del equipo original y de cómo algunos de ellos son o han sido personalidades influyentes en la escena: Chris Pastras, Felix, Jeff Pang, Sean Sheffey. En el 86 y 87 el street skate empezaba a ser aceptado y definido como novedad, el skate de vertical era protagonista, por los trucos que se hacían, las tablas que se usaban no requerían alta calidad. Aly Moore, Eli Gesner, Demonie Beasley, Jeremy Henderson y yo mismo fuimos el equipo original de Shut, éramos competitivos skaters patrocinados con ganas de tablas resistentes ya que nuestros sponsors sólo fabricaban tablas para vert, ahí el dilema que nos llevó a crear nuestra propia compañía, nosotros mismos fuimos el equipo original. Después de muchos intentos, en el 88 conseguimos el prototipo que estábamos persiguiendo y un poco después un sólido team consistente de Jeremy Henderson como Pro y una larga lista de amateurs, entre ellos: Felix Arguiles, Barker Barrett, Sean Sheffey, Coco Santiago, Bill Waldman, Mike Kepper, Mike Kelly, Chris Pastras, Jeff Pang, Harold Hunter, Dan Zimmer, Brian Blake, Billy Baker, Obed Rios, Jay Sigafoos, Jahmal Simmons, Wiley Singer y más. El team de Shut fue un mito en California durante al menos cuatro años, se corrió el rumor de una fuerza destructiva llegada del Este, los Pros de allí se referían al equipo de Shut como rivales del underground, lo cual

era excitante para algunos y terrorífico para otros. Tomo a Sean Sheffey como ejemplo, el tío arrasaba en las calles haciéndolo todo a mil por hora, tanto que impresionó a una de las bestias del street en ese entonces, Natas Kaupas. Lo mismo con Barker Barret en street, vert y pools, a día de hoy aún lo ripa todo. ¿Qué hay del team actual? El equipo de ahora guarda semejanza al original. Cada miembro posee una personalidad y actitudes naturales que mezcladas asustan. ¿Quién era Andy Kessler? Andy Kessler es uno de los más notables skaters de New York de todos los tiempos. Gran amigo de muchos, especialmente de quienes lo necesitaron. Andy fue uno de los miembros originales de la crew de Zoo York, grafiteando y aterrorizando cualquier spot abrió un camino para que tipos como yo lo siguieran y trascendieran el mensaje al mundo. ¿Qué es Deathbowl To Showdown? Deathbowl To Downtown es un documental sobre la evolución del skate en NYC hecho por Glen Charnoski y Buddy Nichols (ripador de la familia Shut). Esta producción presenta a New York como lugar rompedor y a sus skaters como sólida influencia.

Podría, me baso en el hecho de que New York es el lugar esencia de la mezcla y esa cualidad le da a Shut una proyección mundial. Tras varios años en el negocio hemos creado muchísimas amistades en otros países. Desde los primeros días hasta los de Zoo York y vuelta a Shut, hemos transmitido nuestra filosofía a esos con los que hemos trabajado y forjado amistad. Quienes nos conocen saben que nuestro movimiento no trata sólo del lugar en el que estamos sino de quienes hemos sido y quienes forman parte actual de la familia, una directa y extendida familia, eso ni se fabrica ni se compra. Solidaridad es el nombre del juego aquí en Shut, no olvidamos nunca de donde venimos.

y Think Skateboards en San Francisco, en Santa Barbara a la familia Powell Peralta, a Jim Muir y Dogtown por creer y cuidar a Shut en el pasado. Un gran saludo también al staff original de la revista Transworld, a Club Homeboy Magazine, a la familia George en Dayton Ohio, a Soho Skates, a T&F y a Freestyle Skateshop. Conoce tu historia para mejorar tu destino. www.shutnyc.com

Hipotéticamente hablando, ¿crees que Shut sobreviría fuera de New York?

Nombra un skater representativo de ahora o del pasado proveniente de cada uno de los cinco barrios Jeff Pang de Brooklyn, Jahmal Simmons de Bronx, Luis Tolentino de Queens, Mike Kelly de Staten Island y de Manhattan, Harold Hunter. Tienes espacio para cerrar como quieras Gran saludo a mis padres, a la familia Musso, a todos los skaters que han rodado y apoyado Shut, a High Speed Productions, Deluxe, Fausto Vitello (R.I.P)

Javier Nuñez

ALMA NEGRA mayer hawthorne

Armado con gafas de pasta, traje, pajarita y Adidas, un chico que parece recién salido de un aula universitaria de la profunda América blanca se ha convertido nada menos que en el nuevo mesías del revival soul. ha traído de vuelta un pegadizo y romántico sonido que resulta peligrosamente adictivo, tanto para los simples mortales como para Spike Jonze, quien completamente seducido por sus ritmos le pidió un tema para el corto “We Were Once A Fairy Tale”. El soulman ha logrado recrear el sonido Motown iniciado por Smokey Robinson y Marvin Gaye regalándole un toque de frescura contemporánea. Hawthorne, con un impecable falsete, ha convertido su primer single “Just Ain’t Gonna Work Out”, en una pieza de colección que Stones Throw lanzó en

un curioso formato vinilo-corazón (por supuesto en estos casos) en estricta limitada edición. Durante varios años en su Ann Arbor natal, a 20 millas de Detroit, su carrera estuvo dedicada a ser productor y DJ de Hip Hop bajo el nombre de Haircut, cosa que cambió cuando decidió utilizar sus prodigiosas capacidades multinstrumentalistas. Puesto a crear su debut A Strange Arrangement, escribió y grabó con medios tan extraños como, entre otros, unos cascos antiquísimos que emularan el sonido pastoso y sucio del soul sesentero. La apuesta de Mayer Hawthorne consiste en revitalizar un sonido clásico sin caer en un fetiche modernista que pase de moda en cuanto la mano de Mark Ronson lo decida. Por Macarena Ruiz

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Foto Doug Coombe

mayer hawthorne ¿Cómo ha sido tu experiencia con el soul? A la edad de 6 años mi padre me enseñó a tocar el bajo, él siempre ensayaba con su banda en el garaje de mi casa. Mi madre, por su parte, me hizo hizo tomar clases de piano… las odiaba. Más tarde vinieron las ganas de tocar la batería, al cabo de unos años acabé convertido en coleccionista de soul de todas las épocas. Viniendo de una ciudad tan llena de música, lo que has escuchado cuando eras pequeño junto a tus padres, lo quieras o no te marca al hacerla y creo que está bien reflejado. La banda que te acompaña es casi al completo de Ann Arbor, es sorprendente el potencial musical de Michigan. Tengo mucha suerte de estar acompañado por mis músicos favoritos. Mi ciudad es un lugar con mucho ambiente universitario y la cercanía a Detroit hace que te encuentres con muchos grandes músicos y artistas. ¿Cómo has logrado llegar a ese sonido tan nostálgico? Todos los instrumentos menos los bronces los he tocado yo. He intentado evitar la tecnología y los sonidos muy limpios o comprimidos. Grabé en mi habitación,

muchas veces con aparatos antiguos, así lograba sonidos que un micrófono no puede registrar. En estos tiempos es difícil usar sólo analógicos y dejar las nuevas máquinas atrás pero fue la única forma. Pienso que una manera acertada de describir mi música es decir que me he inspirado en los antiguo pero suena a actual. ¿Por qué el salto del Hip Hop al Soul? Durante años me concentré en ser DJ de Hip Hop y experimenté con la producción. He estado muy influenciado por esa escena en Detroit y pensaba que ahí estaría mi desarrollo como músico. Cuando empecé a grabar cosas que sonaban a soul pensé en usarlas como samples para mis sesiones de DJ pero se las fui mostrando a la familia y amigos y se enamoraron de ellas. De un día para otro, incluso en el coche, comencé a escribir letras y me concentré en grabar. “Just Ain’t Gonna Work Out” la escribí así, aunque tuvo que ver con una ruptura amorosa, sentía como yo la dejaba a ella y luego ella me dejaba a mi. ¿Cómo es la relación con Stones Throw? Fantástica, no veo a Peanut Butter Wolf como un jefe sino como un amigo. Todo

empezó cuando nos conocimos en una fiesta en Los Angeles y me pidió que le enviara algunos temas, al cabo de un tiempo me contactó convencido de que lo que le había dado eran canciones antiguas y quería saber si yo tenía los derechos de autor, cuando le expliqué que eran mías me ofreció un contrato de inmediato. Me he trasladado a LA porqué es el lugar donde se concentra la industria y es más fácil trabajar. Además es una ciudad cargada de un ambiente que me inspira. Grandes nombres de la música como Gilles Peterson, Mark Ronson y Snoop han declarado públicamente admiración por tu música ¿Estás colaborando con alguno de ellos? Es una satisfacción que gente a la que admiras hable bien de lo que haces, aunque también una responsabilidad. Que te contacte Justin Timberlake o John Mayer habla muy bien de tu disco. Estoy preparando algo junto a Snoop, un proyecto con él cantando y yo produciendo. ¿Tienes ya planes para un futuro nuevo disco? En estos momentos estoy escuchando mucho rock y dejo que me llegue todo

tipo de música, ya tengo en mente algunas cosas, principalmente no quiero que se me encasille, quiero improvisar y buscar todo tipo de sonidos, ahora mismo lo que estoy probando es el Boogie Funk. Mi música está pensada para que suene en todas partes, mi ilusión es lograr que todo el mundo disfrute de esta revitalización del soul sin que parezca la música de sus padres. En esta gira por España has grabado un vídeo en las calles de Barcelona ¿cómo surgió eso? El director del video me escribió hace un tiempo mostrándome lo que hacía y me gustó mucho. En vista de la gira por Europa me propuso hacer un vídeo en las calles de Barcelona y me pareció viable. Barcelona es una ciudad mágica, grabé mi parte en un solo día y estoy impaciente de verlo acabado. El joven soulman ha encontrado una fórmula que tira por la borda la teoría de que sòlo los negros pueden lograr ese sonido tan intrincando y a la vez accesible con un disco que a simple vista es una fabrica inagotable de prometedores singles.

Foto Jeremy Deputat

al margen de las alabanzas de la crítica, mayer hawthorne suena más profundo que la mayoría de artistas que intentan lo mismo.

www.myspace.com/mayerhawthorne

Raúl Lupiañez. Bs Flip. Barcelona. foto. Gerard Riera

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Jan Meusen. Nollie Bs Nosegrind Shove It. Dusseldorf. Foto. Janek Jansen

Ivan Rivado. Transfer. Gran Canaria. Foto. Fernando Torres

Foto. Tea Guarascio

Simon Felder. Gap Fs Nose Grind. Dusseldorf. Foto. Janek Jansen

Juanma Dominguez. Bs Heelflip. Sevilla. Foto. J.A. Castillejo

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THE STICKER MUSEU M » Primer museo dedicado a las pegatinas en el mundo » Muestra y venta de todo tipo de stickers de skateboard, arte, música, marcas, revistas y otras selecciones relacionadas con la cultura street » Dirschauer Str. 16 10245 – Berlin www.hatchkingdom.com

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