Un día en el museo por Clare Robinson Amy Taffet Cory Garrett
“¡Es maravilloso!” exclamó el niño chiquito cuando entró en el nuevo mueso de arte de Madrid. El niño miró arriba al techo muy alto y abajo al mural de colores brillantes en el centro del suelo. El sol entró por las ventanas y la luz destelló sobre las paredes de mármol. Se pareció como un palacio. El niño bailó con emoción y empezó a explorar el salón grande. “Ven aquí, Juan” le dijo su Abuelo. “Tengo nuestros billetes para entrar a las tres exposiciones de los pintores. Vamos a ver obras de Velázquez, Goya y Picasso.” Juan nunca había oído de los nombres pero le encantaba pintar. Él dibujaba y pintaba sus coches y animales favoritos mucho en casa. Juan agarró su billete de su abuelo y le preguntó, “¿Quiénes son ellos? ¿Qué obras pintaron?” “Voy a mostrarlas. Vámonos,” dijo el abuelo que había un profesor de arte. Lo tomó a la mano de su nieto y entraron en la primera exposición. Ellos entraron en el gran cuarto que estaba llena de arte por el artista Diego Velázquez. “¿Quién era el pintor de los cuadros, Abuelito? Conoces estos cuadros?” pregunto Juan. “Si, Juan. Y tú, también, es posible que reconozcas a las obras de el señor Velázquez,” respondió el Abuelo. “Necesito decirle un poco de información sobre el Señor antes de que veamos sus obras.” “Bueno, ¿pintó Velázquez cuadros como los de Picasso? Si es la verdad, no quiero verlos,” dijeron Juan con un poco de preocupación entre su voz. Con una risa y una sonrisa, también, el abuelo de Juan dijo “No, chiquito. Aunque Velázquez y Picasso son de España, los dos artistas tuvieron enfoques diferentes en su
Las meninas Diego Velázquez 1656
arte. Velázquez estudio bajo Francisco Pacheco en Sevilla y cuando él tenía 24 años, fue a Madrid para trabajar para Felipe IV, el rey. Velázquez recibió su fama porque era un maestro de la técnica y también tenía su propio estilo individual. Velázquez trabajó para el rey Felipe IV para la mayoría de su carrera. Velázquez nació en Sevilla y era uno de seis hijos en su familia. Después de sus estudios con Pacheco, Velázquez fue a la capital para tratar de hacerse pintor del rey. El necesitaba pintar un retrato de Felipe IV y después de hacerlo, era el pintor del rey!” “Ah, recibió mucho dinero Velázquez porque trabajo para un rey que tenía dinero suficiente, ¿sí?” pregunto Juan. “Es verdad que el rey tenía dinero suficiente y Velázquez recibió dinero también, pero lo único que realmente recibió Velázquez era la oportunidad de trabajar como pintor por su carrera y pudo viajar. Velázquez fue a Italia por un rato para estudiar el arte allá y también, para comprar obras famosas para el rey de España,” explicó el Abuelo. “Abuelito, pienso que ahora, estoy listo para ver las obras de Velázquez. ¿Podemos entrarnos en la exposición? Dijo Juan. “Ahora, si. Nos podemos entrar y mirar a Velázquez y lo que pintaba.” “Me explico lo que está en este cuadro, amorcito,” dijo el Abuelo. “Hay muchas chicas, pero hay una que es la figura central de la pintura. También, ¡hay otras personas en el fondo del cuadro! Los adultos están detrás de las niñas. ¿Por qué?” “¡Que buenas observaciones, Juan! El cuadro se llama Las Meninas y es una de las obras más famosas del señor Diego. Velázquez pintó esta obra en 1656. Hay mucha
El aguador de Sevilla Diego Velázquez 1620
controversia sobre este cuadro y lo que la pintura realmente significa. Probablemente es el cuadro más estudiado de la pintura del Occidente. Velázquez si mismo está en el cuadro. Las Meninas es la documentación del matrimonio de la Infanta Margarita, pero es una declaración política, también.” “Diego era un hombre interesante. ¿Qué más dice el cuadro?” le preguntó Juan a su abuelo. “Bueno, eso también es lo que es increíble del arte. Se puede interpretar obras en cualquier manera y un cuadro dice algo diferente a cada persona. ¿Qué está diciendo Las Meninas a ti, Juan?” Juan respondió, “¡Me dice que tengo suerte porque no tengo hermanas!” El abuelo se ríe mucho a eso. “¿Qué vamos a ver en la próxima, abuelo? Necesitamos caminar al segundo cuadro del señor Diego.” Y, entonces, eso es lo que ocurrió. “¡Abuelo! Aquí hay un hombre que parece a Ud. Pero él no lleva traje como Ud. Y ¿qué está haciendo él?” Juan le preguntó interesadamente a su abuelo. “El cuadro se llama El aguador de Sevilla y Velázquez lo pintó en 1620. Esto es un ejemplo del realismo de Velázquez y las escenas de la vida actual de personas en España que Velázquez trató de capturar. Esto probablemente ocurrió en el mercado de Sevilla y todo la gente van allá para comprar lo que necesitaba,” explico el Abuelo. “Era una locación donde se pudo ver todos tipos de personas y casi cada persona estaba tratando de vender algo. Eso es lo que Velázquez trató de capturar en su cuadro.”
โ ฉ La rendiciรณn de Breda (Las Lanzas) Diego Velรกzquez 1634
“Eso es muy diferente de la vida del rey que vimos en Las Meninas,” comentó Juan. “Si, mi nieto. Velázquez capturó esta escena del pueblo antes de su carrera como pintor del rey. Probablemente ésta es la razón de qué es muy diferente de la otra obra que hemos visto.” “Y la manera en que el señor Diego pinto la copa de vidrio— ¡que bonita!” dijo Juan. “Ah, claro que sí. Es una de las cosas que impresionó a muchas personas durante la época de Velázquez—la idea de crear tres dimensiones a figuras que están en un cuadro,” dijo el Abuelo. “Si, y yo puedo ver porque a las personas les gustan los tres dimensiones. ¡Es muy impresionante!” dijo Juan. “¿Quieres ir a la próxima, Juancito?” Juan respondió que “Sí, quiero.” “Y aquí, Juan. Dice a mí lo que tú ves en la pintura.” “¡Hay muchos soldados! ¡Y también hay tantas lanzas! Ah, me gusta mucho esto. ¿Ellos van a tener una pelea, abuelo?” “Creo que no, Juan, pero es abierto a interpretación. Eso es lo que me encantó del arte. Pero este cuadro en particular se llama La rendición de Breda o, simplemente, Las lanzas. Velázquez pintó Las lanzas en 1634. Es un ejemplo del estilo Barroco era muy popular durante esta época. La historia es que había sido una batalla entre los españoles y los holandeses. Es interesante que el momento que Velázquez escogió para pintar es
Venus del espejo Diego Velázquez 1650
cuando la batalla está terminado y los holandeses están entregado su “llave a la cuidad” a los españoles. Velázquez usó Las lanzas para decoración en el palacio del rey. El estaba tratando de escoger una escena que representa las victorias de España durante la guerra, y escogió esto.” “Me gustan todas las lanzas que están a la derecha del cuadro. ¿Cuántos hay?” pregunto Juan. “Bueno, no sé, Juancito. Pero, yo sé hay muchas y eso es lo que es importante, ¿no? “Supongo que sí, abuelo,” dijo Juan. “¿A la próxima?” dijo el abuelo. “De acuerdo, abuelo.” “Ah, ¡abuelo! Aquí hay una figura parcialmente desnuda. Ehh…” dijo Juan, con mucha preocupación. “Si, Juan. Hay mucho de esto en el arte clásico y, yo sé si es un poco difícil para verlo, pero ¡el arte es el arte! Y eso es el único cuadro con desnudez que tenemos de Velázquez. ¿Vas a estar bien?” le dijo el abuelo. “Si, estoy bien. ¿Qué representa este cuadro?” “Primero, este cuadro de Velázquez se llama Venus del espejo. No sabemos exactamente cuándo Velázquez lo pintó, pero cerca de 1650. Como yo he mencionado, es la única figura del arte de Velázquez con desnudez. Durante la época de Velázquez, no había muchos cuadros con desnudez porque la Inquisición no lo permitió. “
Las hilanderas (La fábrica de Aracne) Diego Velázquez 1657
“¿La Inquisición? ¿Qué es esto, Abuelito?” “Ah, vamos a discutirnos de eso cuando seas mayor,” respondió el Abuelo. “Y ves, Juan. Hay un ángel que se llama Cupido y es el hijo de Venus. Velázquez, como nos vimos en Las meninas, estaba obsesionado con el punto de visto y, para eso, incluyó un espejo para ver el rostro de Venus.” “Pienso que ella estaba obsesionada con sí misma y, por eso, está mirando en un espejo,” dijo Juan. “Ah, ¡es posible, Juan! Especialmente ya que ella es una figura mitológica. Ellos siempre están enamorada de sí misma o alguien. Bueno, es todo aquí. ¿Quieres ver el último de la exposición? “Si, vámonos, por favor,” respondió Juan. “Finalmente, Las hilanderas, o La fábrica de Aracne,” dijo el Abuelo. “¿Qué piensas, Juan?” “Pienso que a Velázquez, ¡le gustan mucho las mujeres porque pintaron tantos cuadros en que ellas son las figuras centrales!” “Ah, es la verdad. Pero, voy a hablar un poquito sobre la historia de Las hilanderas. Velázquez pintó el cuadro en 1657, probablemente. No sabemos mucho precisamente sobre este cuadro porque una persona pagó dinero a Velázquez para pintarlo. Esto se llama patrocinio privado. Por eso, no hay documentos públicos que podemos ver sobre la historia del cuadro. Hay mucha influencia del Barroco Italiano y también, el cuadro
Las meninas Francisco Goya 1778
representa ideas del realismo y, a la vez, ideas de la mitológica clásica. Bueno, Juan. ¿Qué piensas sobre todo el arte de Velázquez que hemos visto?” “Me gusta mucho, abuelo, gracias por enseñarme sobre el señor Diego. ¿Quien es el próximo pintor?” “Ahora vamos a ver las obras de Goya.” “¿Quien fue Goya?” “Francisco de Goya y Lucientes nació el treinta de marzo, 1746, en Fuendetodos que está cerca de Zaragoza. Muchos críticos de arte respetan a Goya como el pintor más importante del fin del siglo XVIII y el principio del siglo XIX. Él tenía éxito en muchos diferentes temas y por muchos medios. Podía trabajar por pinturas, gráficas, aguafuertes, o frescos cuales temas cambiaron de ser alegres a severos durante su vida. Goya aprendió cómo ser pintor durante la Ilustración y comenzó a trabajar en los talleres reales en 1774 cuando el pintor alemán, Anton Raphael Mengs le pido a Goya si él pudo pintar pinturas preliminares por la Fábrica de la Tapicería Real en Santa Bárbara. Debido a que el proceso de crear las tapicerías requirieron mucho tiempo y mucho dinero, muchas obras no fueron completados o fueron terminado diferentemente que cómo empezaron. Para hacer las tapicerías se necesitó mucho trabajo también y por lo tanto durante el tiempo de Goya las tapicerías tenían más valor que las pinturas al óleo. Su obras para este trabajo en la fábrica fueron tan complicados e intricados que los tejedores de la tapicería le dijeron a Goya que necesitó simplificar los aguafuertes antes de que ellos pudieran completar el trabajo.”
El sue単o de la razon produce monstruos Francisco Goya 1799
“¿En serio? ¿Pintaba otras aguafuertes?” “Otro ejemplo de los aguafuertes de Goya es su reproducción de Las meninas. Goya estudio las obras de pintores famosos para mejorar sus habilidades y uno de los que le ayudó a Goya fue Diego Rodríguez de Silva y Velázquez. Las Meninas de Goya fue muy difícil porque Goya no tenía los aventajes de óleo y colores que Velázquez tenía para crear su obra. En 1773 Goya estaba casado a Josefa Bayeu. Los dos tenían ocho hijos pero solamente uno, Francisco Javier, sobrevivió a la edad adulta. Desafortunadamente la enfermedad fue una cosa recurrida durante la vida de Goya, especialmente cuando él casi murió en 1792. Goya sobrevivió esta enfermedad pero llegó a ser sordo. Aunque no podía oír, él continuaba a pintar y continuaba su éxito. En 1786 Goya fue llamado el Pintor del Rey y en 1799 él obtuvo el titulo de Pintor Principal de la Corte, el honor más alto de un pintor sin que fue elevado a la nobleza, como lo que ocurrió con Velázquez. Como el Pintor Principal de la Corte, Goya recibió cincuenta miles reales por año y más por cada retrato y bosquejo para el rey. Goya terminó una colección de impresiones que se llamo Los caprichos en 1799. Los caprichos fueron un medio para comentar sobre España por sátira y fantasía. Durante esta época España y su Inquisición trajeron a prevenir la extensión de la Ilustración en España porque fue tan popular en el resto de Europa. El propósito de la Ilustración fue establecer la razón como la guía para los pensamientos y acciones de la gente. A la Iglesia no le gusta la Ilustración porque su ideas nuevas habían traído muchos cambios grandes en otros países como Francia donde había sido una causa de la Revolución Francesa. Debido
Charles IV y su familia Francisco Goya 1800-1801
a que muchas de las obras fueron controversiales, Los caprichos no fueron populares o influénciales afuera de España hasta después de su muerte.” “¿Qué es el más famoso de Los caprichos, abuelo?” “El más famoso de Los Caprichos es el numero cuarenta y tres, El sueño de la razón produce monstruos. Esta obra retrata a un artista durmiendo mientras trabaja. Nosotros podemos ver su pesadilla que está llenado con imágenes espantosas. Representan las injusticias y los males que pueden existir cuando la razón, un principio parte de la Ilustración, es suprimida por fuerzas con poder, como la Iglesia y el gobierno. Goya fue un de los artistas primeros de España que usaron una técnica nueva de Francia, el proceso de acuatinta, para muchos de Los Caprichos. Este permitió los efectos extraños de las cortinas de gris y negras que ocurren en El sueño de la razón produce monstruos, otras obras en la colección, y más obras adelante en su vida. Aunque Los caprichos fueron controversiales, Goya continuaba su éxito y aún tenía el favor de la Corte y el Rey. En 1800 el Rey Charles IV empleó a Goya para pintar una pintura grande de la familia real. Este fue una comisión muy prestigiosa pero Goya la pintó con una realidad desagradable. Generalmente retratos reales mejoran los aspectos de las personas y glorificaron el poder o la abundancia del rey pero en este retrato la familia real aparecieron como personas ordinarias. El critico francés Théophile Gautier describió la obra como “el panadero de la esquina y su mujer después de haber ganado la lotería.” Sin embargo que hay muchos críticos que cuestionan el significado y el propósito de porqué Goya lo pintó de este manera, a la reina le gusta el retrato. Es posible que ella quiera la realidad después de tantas muchas obras que no aparecían cómo ella.”
Pepito Francisco Goya 1810
Charles IV y su familia es otro ejemplo de la influencia de Velázquez en las obras de Goya por la semejanza entre esta y Las meninas. Ambos tienen el pintor a la izquierda con una lienzo, dos lienzos largos en el fondo, los enfoquen en una mujer que es en ropa brillante y se están colocando en la misma manera. Debido a la posición de Goya en relación con la familia real, algunos eruditos piensan que Goya estaba pintando por un espejo y por lo tanto Goya no pintó que él vio en la familia real sino que pintó cómo ellos se vieron sus mismos. Otros críticos piensan que Goya estaba comentando sobre sus pensamientos negativos de la familia real por su aspecto común y aburrido. En 1808 Napoleón y su tropas invadieron España y su hermano José Bonaparte puso el trono español. Goya continuaba a pintar retratos y soportó a José Bonaparte que trago con él más ideologías de la Ilustración. Durante su reino, José le dio a Goya la Orden Real de España. Josefa, la esposa de Goya, murió en 1812. El próximo año, con la ayuda del duque de Wellington e Inglaterra, después de cinco años de una guerra terrible para la Independencia de España, Fernando VII le puso el trono. A la gente española no le gustaba a Fernando VII porque él era un rey de absolutismo y represión. Debido a su relaciones con Bonaparte, Goya tuvo que probar su lealtad a España y lo hizo por sus próximas pinturas que glorificaron España y criticaron Francia. En algunas pinturas este tema fue evidente como el Segundo de mayo, 1808 y el Tercer de Mayo, 1808. Estas son demasiado sangrado para ti, pues nosotros veremos a Pepito. “Ah, abuelo.” “Pepito es un retrato de José Costa y Bonells, el hijo del doctor de Fernando VII. Este es una manera para referir a la Guerra de Independencia sin violencia. La chaqueta de
Autorretrรกto con el Doctor Arrieta Francisco Goya 1820
Pepito es una imitación de el uniforma de un soldado español y su pelo está cortaba en una manera napoleónica. Además en el fondo hay un tambor y un rifle juguete con una bayoneta fija y la actitud de Pepito es como la actitud de personas militares en retratos ecuestres desmontados. Otra obra de Goya que representó la guerra fue Los desastres de la guerra que estaba hecho de gráficos horrendos. Los desastres no fue vendido hasta después de su muerte. Fernando IV reglaba con represión y no permitió la creación de obras que no le gustaban. Durante este reino Goya no recibió muchas comisiones reales y por lo tanto pintó muchas de sus pinturas durante esta época en su casa, el Quinto del Sordo, que compró en 1819. Entre 1820 y 1823 Goya pintó sus paredes con los que se llama hoy Las pinturas negras. La mejoría de Las pinturas negras son demasiado graficas con imágenes de personas comiendo otra personas y brujas. Una de las menos ofensiva de éstas es Autorretrato con el Doctor Arrieta. Este es un documento de la enfermedad mala que Goya tenía en 1819. Los desastres y otras obras de Goya fueron tan controversiales y Ferdinand IV era tan estricto que voluntariamente se exiló a Burdeos, Francia. Goya murió el 16 de abril, 1828 en Burdeos después de años de hacer obras en medios diferentes. Una colección de obras fueron litografías mientras otras fueron hecho en marfil. En 1901 su cuerpo fue movido al Madrid y en 1929 a la ermita de San Antonio de la Florida, donde Goya pintó el cielo de la capilla en 1798. “Ahora llegamos al famoso Picasso. Picasso nació el 25 de Octubre, 1881 en la ciudad de Málaga, Andalucía a Don José Ruiz Blasco y María Picasso López. Lo bautizaron como
Corrida de Toros Pablo Picasso 1901
Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso.” “Ah, él tiene muchos nombres,” le dijo Juan. “Picasso tenía muchos nombres para elogiar a varias parientes y santos como la tradición española, pero cuando creció, solamente usó el nombre Pablo Picasso a elogiar a su madre. Su padre era profesor de arte, artista y conservador y ensenó a Picasso dibujar.” “Es como Ud, Abuelo. Era profesor de arte y me ensenó como dibujar.” “Si, si. Picasso podía dibujar antes de hablar, casi como Ud. Su primera palabra era “piz, piz” para “lápiz.” Picasso empezó a dibujar y pintar palomas y corridas de toros con su padre como maestro. La familia se mudó a Barcelona; Picasso le encantó la ciudad. Aunque asistió a La Escuela de Arte, Picasso enfocó en pintar en una manera realista, especialmente los estilos expresionistas de Van Gogh y El Greco. En 1897 cuando tenía 16 años, Picasso fue a La Academia Real de San Fernando, la mejor escuela de arte de España en Madrid. Sin embargo, a la desaprobación de su familia, Picasso solo asistió unos días y después trabajó por sí solo. Picasso no era un niño bueno. Volvió a Barcelona en 1899 donde mantuvo una vida social mientras pintaba. En 1900, con 19 años, Picasso tuvo su primera exhibición con menos éxito. Después, fue a Paris para una aventura nueva. Llegamos a una de sus pinturas más tempranas. Este es la Corrida de Toros que pintó en 1901.” ¿Que ves?” “Veo un matador enfrente de un toro. Ah, hay un caballo herido aquí,” le dijo al niño.
El Guitarrista Viejo Pablo Picasso 1903
“Si, si. Picasso adoptó los estilos de París y los combinó con temas españoles. Las corridas de toros eran una ocasión muy familiar de los días de su niñez. Influenciado por los impresionistas Monet y Renoir de Paris, Picasso usó pinceladas rápidas y colores brillantes para crear movimiento y energía. Esta técnica dramatiza los corridos de toros con mucha emoción. Vámonos. En Paris, Picasso vio toda la pobreza de la ciudad mientras tenía insignificante éxito. Durante una noche de febrero de 1901, algo muy malo ocurrió. Carles Casagemas, su buen amigo, se suicidó y Picasso entró a un período de desesperación. Continuó pintando pero usó colores fríos de tonos melancólicos, especialmente los azules. En su tristeza y soledad, él conectó con el sufrimiento de la gente y lo pintaba en su Período Azul como en esta obra, El Guitarrista Viejo. Picasso dibujó un hombre pobre y demacrado en la calle sola tocando su guitarra. ¿Cómo es la cabeza? “ “La cabeza del hombre está casi quebrada. Muy extraña, pero me gusta azul.” “Sí, la cabeza es un ángulo no realista. Al pintarlo, Picasso dio énfasis a la situación del hombre indigente y creó un tono frio y triste. Sin embargo, la guitarra era casi naranja porque el arte es la única aspiración de felicidad. Usó casi el mismo perfil en sus cuadros azules para representar la deshumanización y el sufrimiento general de la gente. Influenciado por El Greco, Picasso distorsionó la figura para ilustrar la decadencia moral y fiscal de la gente. Seguimos del Período Azul al Período Rosa. Lo empezó cuando conoció a su amigo Fernando Olivier y personas del circo de Médrano en 1904. Adoptó su energía, valor, felicidad en sus obras. Estas nuevas emociones trajeron nuevos colores de rojos y
La Familia de Saltinbanques Pablo Picasso 1905
amarillos para pintar los acróbatas. La Familia de Saltinbanques era una obra grande (siete pies por siete pies) con el tema de circo del Período Rosa. Pintó un bufón gordo, una bailarina, un arlequín, un hombre acróbata, un actor, y una mujer que no es del circo. ¿Quién era ella y por qué todos estaban en un campo genérico?” “No sé, abuelo. ¿Es la mama de un chico?” “No sabemos. Todos llevaron una expresión sino emoción. Sus caras sin detalles crearon un efecto de ser objetos sin sus identidades propias. Interesantemente, el arlequín tiene el perfil de Picasso. La fama de Picasso aumentó durante estos dos Períodos. En 1906, Picasso podía vender sus obras por mucho dinero y era muy famoso.” “Yo quiero ser un pintor famoso como él. ¿Qué color usa Picasso después?” “Tienes que practicar mucho, mijito. A la sorpresa de todos, no continuó con su período de Rosa sino que hizo un cuadro radical no basado en un solo color. Cuando Picasso mostró Les Demoiselles d’Avignon en 1907 a sus amigos, ellos lo reaccionaron con asco e incredulidad. Este cuadro que hoy en día críticos dicen que era el primer cuadro real del siglo XXI no era exhibido hasta treinta años después. No mires mucho, niño. Picasso hizo treinta y uno bocetos para este cuadro. Originalmente había marineros con las mujeres en la obra. En Les Demoiselles d’Avignon pintó cinco mujeres desnudos. Influenciado por la escultura ibérica y africana, Picasso creó a la mujeres torcidas con caras de mascaras. Con las líneas duras y colores fuertes, el ambiente de violencia es muy escandaloso. Además, al quebrar la perspectiva por incorporar muchas diferentes perspectivas en partes fragmentadas, Picasso logra una tensión fuerte. Él empieza el
Les Demoiselles d’Avignon Pablo Picasso 1907
período Cubista. Picasso logró mucha fama con el cubismo con el pintor Georges Braque. En 1918, Picasso se casó con Olga Khokhlova, pero su casamiento tenía muchos conflictos y no duró. Picasso conoció a su joven modela, Marie-Therese Walter y ella era una amiga muy buena. Ahora llegamos a la más famosa obra de Picasso, Guernica de 1937. Había una guerra civil en España en los años 30. Durante la guerra, un día aviones alemanes empezaron a bombardear el pueblo vasco de Guernica. Casi 250 personas murieron y muchas más eran heridas. Había mucha destrucción y sufrimiento. Picasso lo pintó para apoyar a la República durante la Guerra Civil en protesta del bombardeo de la población civil del pueblo. ¿Que ves?” “Ah, ¡es muy, muy grande! Veo un ojo y caras tristes. Oh, hay un toro allí.” “Si, es casi 11 por 26 pies. Picasso usa el cubismo para mostrar el caos, la fragmentación y la deshumanización que resulta de la tragedia. Podemos ver-“ “Ay ¿qué pasó? ¿Quién apagó las luces?” “El tiempo pasó muy rápido y el museo tiene que cerrar ahora. Vamos a volver mañana para terminar a mirar a las obras de arte. Vámonos.” El niño sale a regañadientes con su abuelo a la calle. “¡Quiero ir muy temprano mañana por favor, abuelo!”
Guernica Pablo Picasso 1937
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