Cinéfono No.1 by Cinéfono

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Noviembre de 2014 – Numero 1

Editorial

Director Fernando Parada R.

Editor Junior Paulista Producción Lizeth Lizarazo Gerente de Comunicaciones Sindy Hernández Diseño Gráfico y diagramación Maltea Lemus Fotografía de Portada UODT SAS.

Contenido

Escuchando a Papeto “No guardaremos Silencio” Pag. 6 Entrevista a Óscar Ruíz Navia por Junior Paulista. Fotografías propiedad de Carolina Navas.

Exponiendo a Mateo con Diego Jiménez.

Entrevista de Mauricio Vidal, presidente de la ADFC a Diego Jiménez ADFC. Fotografías propiedad de Diafragma, Fábrica de películas.

Pag. 12

La voz de la escritura “Pablo Solarz, el Charlie Kaufman Argentino” Pag. 16 Entrevista a Pablo Solarz por Fernando Parada.

Los retratos de Ilo Ilo “Hago películas que la gente quiera ver”

Pag. 20

3 Razones para no despreciar el desprecio.

Pag. 22

Último Plano.

Pag. 25

Entrevista a Anthony Chen por Junior Paulista. Fotografías cortesía de Cineplex Colombia.

Artículo por André Didime-Dome.

Ilustración por Sethi Ruano

DICIEMBRE

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Editorial

Nota del director A lo largo de estos cuatro años de funcionamiento, la Escuela Nacional de Cine se ha venido convirtiendo en más que un centro académico. Por las condiciones definidas de su estrategia pedagógica, por nuestros pasillos caminan igual nuevos realizadores que cineastas de amplia experiencia, así como productores de cine locales y de varias regiones del mundo desde donde han llegado a hacer parte de nuestro equipo de docentes o invitados a alguno de nuestros seminarios abiertos o de extensión. Poco a poco nos dimos cuenta que mucho del conocimiento transmitido formal o informalmente, en salones, pasillos o sala de espera de la Escuela, era un acervo valioso y definitivo para la formación de nuevos realizadores o de público interesado en las realidades de nuestro cine o el cine del mundo que llega a nuestro país. Por eso, a pesar de ya tener toneladas de trabajo encima, nos decidimos a crear esta revista con el ánimo de que esas voces del cine quedaran registradas y fueran compartidas con aquellos que no tuvieron la oportunidad de vivirlas de primera mano. Todos y cada uno de los artículos está pensado desde y para el oficio cinematográfico y estamos seguros que su selección responde a una necesidad formativa en primera instancia e informativa en segunda por lo que los otros criterios fueron su gratuidad y el de disposición digital de manera que la transferencia de valor exigiera a cambio tan solo la disponibilidad del lector a leerla sin mediar canales engorrosos de distribución física o intercambio monetario. En este número resaltamos de manera especial la colaboración de Mauricio Vidal, Director de Fotografía y actual Presidente de la Asociación Colombiana de Directores de Fotografía quien retomando su experiencia en la revista “Exponiendo” de la ADFC, entrevistó a Diego Jiménez con motivo de su reciente película MATEO. También tuvimos la visita en Colombia de Pablo Solarz uno de los guionistas más importantes de Latinoamérica y estuvimos en contacto con Anthony Chen desde Singapur un país con más semejanzas que diferencia en su realidad cinematográfica con Colombia. Finalmente nos enteramos por la voz de Oscar “Papeto” Ruiz Navia sobre el trabajo de creación de “Los hongos” y debo decirlo, mucho material e invitados se nos quedaron por fuera de este número lo cual puede ser bueno porque desde ya les garantizamos el segundo con contenidos relevantes y con la intención de cumplir la misión de esta publicación: dar voz a los protagonistas del oficio más bello del mundo.

Fernando Parada R. Director

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Escuchando a Papeto

“NO GUARDAREMOS SILENCIO”

La segunda película del director Colombiano LOS HONGOS hizo su estreno mundial en el Festival de Locarno en donde obtuvo el premio del jurado. La película fue rodada en Cali en el año 2013. “No estoy en el cine por una cuestión de falsedades o de confort, la verdad no hago cine por eso, sino por unas razones más personales, más artísticas, más ideológicas.” Semanas después de haber finalizado el rodaje de la película “el vuelco del cangrejo” en el año 2010, el director caleño Oscar Ruiz Navia empezó a escribir las primeras versiones de tratamiento de guión de su nueva película “Los Hongos”, rodada en el 2013 y que recientemente ganó el premio del jurado en el Festival de Locarno durante su estreno mundial. La película se concentra en la relación de amistad entre Ras y Calvin; Ras es un chico que tiene ascendencia del pacifico y vive en el oriente de Cali, tiene algunas dificultades económicas y trabaja como obrero de construcción pero es un artista natural, con un espíritu muy sensible y está en una situación muy compleja pues su madre está preocup a por él pues parece que está poseído por fuerzas malignas. Ras tiene un amigo que vive al otro lado de la ciudad, un chico de clase media alta, pero su familia ha tenido un desfalco y se ha desintegrado, sus padres se han divorciado, su madre se ha ido del país, su padre mantiene en su cuento, casi no se ven, y él está cuidando a su abuela que está enferma de cáncer, pero es un chico que aunque en un principio tiene unas ciertas condiciones sociales más favorables, de todas maneras está viviendo unos días difíciles y tampoco tiene

plata. Los dos chicos les gusta el tema del graffiti, están apasionados por entrar a trabajar con un grupo de graffiteros más expertos que van a hacer un gran mural y ellos en medio de sus dificultades cotidianas, en medio de sus problemas personales, lo único que le queda es el deseo de expresión y esa ilusión que tiene de concretar su obra. Sobre su segunda película nos habla para Cinéfono su Director, Oscar Ruiz Navia.

Hola Papeto, háblanos del nacimiento de la idea…

“Tuve un par de situaciones que dispararon el proyecto, el primero fue que uno de los chicos de La Barra con los que trabajé en mi primera película, se vino para mi casa en Cali unos días, estuvimos compartiendo y entonces empecé a contemplar la posibilidad de trabajar un personaje que de pronto tuviera al-

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Escuchando a Papeto

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Escuchando a Papeto

Foto:: Carolina Navas

gún tipo de arraigo con el pacífico, y que siendo una persona de la costa llegaba a la ciudad. La otra situación fue que cuando estaba ya estrenando la película yo me había ido a vivir a Bogotá y tuve el infortunio que mi abuela se enfermó de cáncer, me tuve que devolver a Cali a ayudar un poco en la casa con mi madre, mi abuela se murió, y a partir de esa situación tan dolorosa pensé que quería hacer una película sobre la vida y sobre esos seres que viven a pesar de todas las dificultades.

que de alguna manera genera una relación con el espectador, que es muy interesante porque cuando vos como Director planteas ciertas figuras reLos Hongos… tóricas, y hay un cierto sentido obtuso de las cosas, “El título de “Los Hongos” es una metáfora de eso hace que la gente tenga que participar, que esos seres que están llenos de vida a pesar de tenga que ir más allá de lo que está viendo y escuesos contextos descompuestos que lo rodean. chando en la sala, que tenga que pensar, imaginar, Los Hongos son seres vivos que surgen en con- crear, atar cabos, y a mi esa relación con el espectextos de tremenda podredumbre y descompo- tador me parece muy interesante, pues como essición, son una especie de vida que nace en la pectador también disfruto cuando una película me muerte, entonces, tomé la decisión de hacer una propone ese tipo de retos, tratar de comprender película en Cali que mezclara situaciones de mi una cantidad de sentidos que no son evidentes… propia historia familiar con experiencias que iban a aparecer con la gente que iba a escoger. Actores no profesionales… Se me ocurrió hacer la película de dos amigos “99% son actores no profesionales, sólo hay una que son diferentes en su historia, en su raza, en actriz que hace el personaje de Angelito, pero ella su barrio, dos amigos que en principio naturales muy parecida a su personaje, un personaje de la mente no tendrían por qué ser amigos pero preciciudad, atractiva, que canta con su banda. El resto samente se unían por un mismo deseo, un mismo de personajes son actores no profesionales, y en gusto, una misma pasión por una expresión artíslo personal, me gusta trabajar con ellos porque tica, en este caso el graffiti, el arte urbano; y a le da una autenticidad a las películas muy granpartir de ese momento empecé a investigar esa des, se vuelven casi únicas, porque además ellos parte de la película, a rodearme de toda la gente terminan actuando de ellos mismos, mi trabajo se que camella en ese tema para poder anclar la peconvierte en agarrar esas cosas que son reales y lícula como una experiencia que fuera acorde al hacer que combinen en una estructura de ficción fenómeno del arte urbano que hay en Cali. pero esto obviamente genera una gran dificultad, siendo interesante el resultado en la pantalla pues Las figuras Retóricas… las personas que ven ahí, harán sentir un efecto “Son un mecanismo de expresión muy poderoso de verdad más sólido, más fuerte, va más allá del

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Foto:: Carolina Navas

Escuchando a Papeto

cine mismo, de contar una simple historia. Lo que no me interesa es trabajar en ese esquema, en ese mundillo superficial de los actores, los famosos, ese mundillo que siempre está en un cierto tipo de cine, es una cosa falsa. No estoy en el cine por una cuestión de falsedades o de confort, la verdad no hago cine por eso, sino por unas razones más personales, más artísticas, más ideológicas.”

muy fuerte, y sacar lo mejor de cada uno de mis colaboradores, tratar de desarrollar a partir de lo que ellos pueden aportar; los verdaderos cómplices, colaboradores, son aquellos que dejan su ego atrás, siendo personas que logran entenderme y apoyarme “Nunca más guardaremos silencio”… “En el proceso del trabajo con los actores, ellos proponen esa hasta el final, y que no ponen frase por un video que han visto en youtube de “la primavera ára- su ego por encima del espíritu be”, la revolución que hubo en Egipto, y del cual ellos se inspiran y principal de la película.” extraen esa frase. Nos pareció que era chévere porque nos dimos cuenta que es una película que evoca un deseo de expresión, de Intención de la películibertad, de creación, entonces a través de las piezas promocionales la… de la película queremos invitar a la gente a que se exprese, que salNunca pretendí hacer una pega y desarrolle ese joven que tiene adentro, ese artista que todo el lícula que fuera simplemente mundo lleva en su interior, buscar ese talento que todos tenemos.” bonita, o de placer, o de locos, realmente es una película que El equipo… tiene unas intenciones mucho “A todos les agradezco mucho su trabajo, un trabajo en equipo… más profundas, como escarbar Siempre he tratado de vincular a mis colaboradores en todos los pro- los sentimientos que tenía en la cesos, hacer una investigación en conjunto, hacer trabajo de mesa pérdida de un ser querido como

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Escuchando a Papeto

mi abuela, que en mi caso era un referente muy importante en mi manera de ser, en mi formación, y pues sabía que quería mezclar eso con una investigación en lo documental y poder vincular actores no profesionales que de alguna forma alimentaran el guión. Siempre está la posibilidad de pintar, es un poco lo que quiero expresar con la película que a pesar de todas esas dificultades siempre hay una esperanza y contextos que hay que criticar, cuestionar, no con un propósito de rebelión destructiva sino más bien una rebelión en todo momento constructiva.

Y de Cali qué

tiene…

Es una película muy caleña, se retrata la ciudad mucho más acorde a lo real, con sus complejidades, sus contradicciones, sus matices; espero que a la gente le guste, le llegue a los pelados, a los padres de familia, a las abuelitas, mucha gente se va a identificar, verán una Cali de carne y hueso, mestiza.

De “El vuelco del cangrejo” a “Los Hongos”….

El vuelco del cangrejo es una película que no voy a olvidar, se hizo con mucho amor, éramos más jóvenes y tomábamos muchos más riesgos, y yo quiero seguir así, que esa siempre sea mi forma de trabajo, seguramente mi próximo proyecto va a ser más íntimo que Los Hongos pero quiero retornar a ese espíritu más familiar, porque no me interesa crecer en lo logístico, en infraestructura sino apuntarle más al bienestar en medio de los rodajes, que no sea solamente un producto final sino que el proceso también sea agradable. Muchas cosas de logística, de producción se hicieron más complejas, traté de explorar cosas de montaje, utilización de la música, pero todo obedece más porque son diferentes universos más que porque fuera un error-aprendizaje.

Las dos películas tienen mucho en común, estamos buscando ciertas cosas en el cine, empezando un proceso que dura mucho tiempo.

El premio del Jurado en el Festival de Locarno

Es una alegría muy grande, es un premio chévere para la película, para la gente que trabajó en todo el proceso, es una posibilidad que la película se distri-

buya más, que la gente quiera saber más de ella. Mi interés es que la gente vea la película y la discuta, la critique, la ame o la odie, pero que la vea, en ese sentido es muy importante. A nivel personal me halaga, me agrada, lo agradezco mucho pero no es para sobredimensionar, es un buen paso y bacano que fue en el estreno mundial de la película, arrancar con un reconocimiento de estos da motivación para levantarse todos los días con el objetivo de llegar a la gente; hay que seguir trabajando, cuestionando el trabajo y mejorando, pero hay que seguir, es un proyecto de vida.

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Exponiendo a Mateo

“SOY UN AMANTE DE LA LUZ”

Entrevista a Diego Jiménez, ADFC.

“ Desde hace mucho tiempo busco cual puede ser el aporte el Cinematógrafo al relato audiovisual “ afirma Diego Jiménez, director de Fotografía de MATEO, ópera Prima de María Gamboa, que fue escogida por la Academia para representar a Colombia en los Oscares.

“...el sol te da vida, pero también te la quita, así que hay que reconocernos como Fotógrafos del Trópico.” 12

El guion de MATEO parte de una de tantas matanzas desconocidas para la opinión publica de nuestro país, donde las mujeres de una comunidad decidieron pararse frente a los paramilitares, y evitar la muerte de sus hijos. “Siempre busco historias que tengan algún componente social, y el guion de MATEO me toco profundamente “ afirma Diego, “Soy muy lento leyendo un guion, me lo voy imaginando visualmente, pero eso toma mucho tiempo y al cabo de varias horas me doy cuenta que solo voy en la pagina 3“. Luego de un primer encuentro donde analizaron algunas referencias de Ken Loach, Gamboa y Jiménez viajaron a Barrancabermeja para ver las

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Exponiendo a Mateo

locaciones. “Barranca es una ciudad difícil de fotografiar, no tiene mucha identidad, pero tiene grandes divisiones, el área de la refinería es un mundo, y el resto de la ciudad es otro universo” manifiesta el DF, señalando: “La luz es muy dura, hay mucho polvo y el calor es muy fuerte, al punto que hacen la ciclovia de noche, porque el pavimento se ablanda durante el día“.

de arte, liderado por Camilo Barreto. “Particularmente el set de la Escuela de Teatro era muy complejo, muy estrecho y con tiros de cámara limitados, pero tenia muchas escenas, así que tratamos de mover algunas a exteriores, si considerábamos que le agregaba algo a la historia“ recuerda el Cinefotógrafo.

Gamboa había decido trabajar con actores naturales (solo 2 actores tenían experiencia en teatro), según Diego, el equipo de rodaje fue invadiendo muy lentamente el espacio de la comunidad, pero sin causar traumatismos. “Me gusta ir a los ensayos del Director con los actores, porque allí puedo ver como se mueven en el espacio, mucho antes de llegar al set. Entre mas trabajo en la pre producción, mas descanso en el rodaje“ sostiene Jiménez, añadiendo: “Siempre trato de aprovechar “La técnica es lo ultimo que me preocupa, primero vemos con el un espacio y buscar su belleza, Director/a como vamos a contar la historia“. aunque la belleza es algo muy Diego Jiménez es egresado de la Escuela de Comunicación Social subjetivo. Estamos en Barrancabermeja, y no estamos haciendo de la UniValle, trabajo en City TV, y fue Operador de Steadycam anMoulin Rouge, es algo que tuve tes de fotografiar TODOS TUS MUERTOS de Carlos Moreno, película que aceptar desde el inicio del que ganaría el Premio Sundance a Mejor Fotografía en el 2011. proyecto“ reconoció Jiménez. “TODOS TUS MUERTOS se rodo básicamente con luz natural, y Varios de los sets escogidos luego de ganar el Premio en Sundance me han salido muchos proeran escenarios reales que a los yectos, quizás los Productores creen que les va a salir mas barato“. ojos del DF no tenían mucho in“Realmente soy un enamorado del sol, el sol te da vida, pero terés visual, lo que requirió varias intervenciones del equipo también te la quita, así que hay que reconocernos como Fotógrafos

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del Trópico, donde las condiciones climáticas son muy inestables. Yo soy muy naturalista, no me gusta adornarme tanto, pero en Barranca teníamos diafragmas de f.45 o f.64, así que decidí no llevar tantas luces sino Grip para jugar con el sol.”

eso le ayuda a la actuación, ya bastante nos están dando con regalarnos su historia…” El DF reconoció que a pesar que rodaron muchos de los ensayos, en ocasiones no lo hicieron para tener certeza con el foco o el encuadre, lo cual según Diego, fue un error y a la vez su gran aprendizaje, ya que aquí estaban muchas de las mejores actuaciones de los actores naturales.

Pese al reducido presupuesto, en coproducción con Hangar Films, Diego logro armar un juego de 3 HMI (6k, 4k y 2.5k) y varios Kino flos, como base de iluminación, además del crew de 7 personas encabezado por Cesar Casallas (Gaffer) Yeison Ropero (Key Grip) y Daniel Moscoso Buscando aprovechar al máxicomo 1AC. mo la luz solar, el DF trabajo junto al 1AD para organizar el plan La cámara escogida fue la Red de rodaje de ciertos planos en Epic con sensor Misterium, y la ópti- la mañana o en la tarde según ca Ultra Prime, pese a que Jiménez fuera conveniente. En otras sihubiera preferido la High Speed para lograr una imagen mas suave. tuaciones, Jiménez busco suaviPor temores con el calentamiento de la cámara en el magdalena zar la luz solar a través de sedas medio, el equipo dispuso permanentemente de unos ventiladores o telas difusoras colgadas sobre para enfriar la electrónica de la Red MX. los actores, para reducir el alto contraste. Luego de crear listas de planos y algunos story boards para dar mayor claridad a todo el crew, los cineastas iniciaron el rodaje de “Para la escena de las telas, 6 semanas. “Había mucha gente local que no tenia experiencia en tuvimos que darnos una licencia cine, así que tuvimos que empezar muy suave para ir engranando y lo resolvimos con 4 espejos retodos los departamentos“ comenta el DF, quien al referirse a las ac- botando luz del sol moviéndola trices naturales señalo: “Las señoras tenían cero experiencia actoral, sobre los personajes, para dary pese al intenso trabajo que hicieron con María, al principio miraban le algo de magia a la secuencia“ mucho a cámara o decían el texto de manera muy mecánica. Como recuerda el Cinefotógrafo. parte de mi vocación documental, yo intento acercarme mucho a “Barranca es muy oscura y rolas personas, mas que a los personajes, para que estén calmadas, para que entiendan que todos nos equivocamos y puedan hacer su damos 2 semanas de noche, pero parte tranquilamente..a veces prefiero sacrificar en la imagen, si he aprendido a optimizar estas

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minando, dejando en penumbra a los demás. A partir de ese concepto, Diego y su equipo diseñaron una luz dentro de un botellón plástico colgado del techo, que los mismos actores iban moviendo al decir sus textos, lo cual le da una visual única a ese momento de la historia.

Exponiendo a Mateo

escenas, escogiendo los fondos que tienen alumbrado publico con luz de sodio, y así, con 2 o 3 maletas de Dedolight 150w., y algunos Rosco Leds puedo iluminar una escena pequeña en

La colorización de MATEO se hizo con Andrea Messina en Cinecolor Bogotá, trabajando en la recuperación de muchos highlights en los fondos, y desaturando algunos verdes. Las pieles de los actores son oscuras, quemadas por el sol, lo cual da una aparente sensación de saturación, pero durante la post se mantuvieron en un punto medio trabaexteriores noche, dando cierto jando en el software Scratch. Buscaron también rescatar algunos margen para los actores natura- elementos de color muy puntual, como los rojos de algunos eleles, y sin tener todo el diafragma mentos de arte y el azul de la camisa del Paramilitar. abierto, para que el 1AC pueda Al conversar con una de las actrices luego de ver la proyección tener al menos f.2.8, después de todo, el foco es también tema de la película terminada, Diego comento: “Muchas de las mujeres están muy orgullosas de haber podido compartir su historia, su tradel DF“ manifestó Jiménez. gedia, y sentir que pueden ser parte de una manifestación cultural En otra escena donde el pro- como es el cine, llevando ese mensaje que una comunidad unida tagonista se confiesa ante sus pudo repeler a los violentos. Esa es la mejor recompensa“. compañeros, Gamboa quería *Escrito por Mauricio Vidal, Presidente de la Asociación Colombiana de tener una luz que se moviera, y Directores de Fotografía, ADFC. que cada personaje se fuera ilu-

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La voz de la Escritura

PABLO SOLARZ, el Charlie Kaufman Argentino “Somos contagiadores de emociones”

Pablo Solarz, Guionista y Director Argentino estuvo en Colombia realizando el Laboratorio de guión en la Escuela Nacional de Cine. A sus espaldas una exitosa carrera como guionista que le ha valido para ser considerado por una parte de la crítica el Charlie Kaufman argentino. Revista Cinéfono aprovechó su visita y entrevistó con el cineasta que expresa aquí su visión a partir de su experiencia.

¿Qué es ser guionista? Ser guionista es ser una especie de espía, un mirón, alguien que anda tratando de meterse en las vidas ajenas.

¿En qué momento descubriste ser guionista?

Dramaturgo, libretista, guionista y director de películas como “Historias Mínimas”, “¿Quién dijo que era fácil?”, “Un novio para mi mujer” y “Juntos para siempre”. 16

En México descubrí que quería ser guionista, tenía 23 años, era actor, docente de actuación y había dirigido cuatro obras de teatro. Tomé un taller de guión de tres meses con Paula Markovitch, mi primera Maestra de guión a la cual aún le sigo considerando mi Maestra porque

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le sigo aprendiendo de aquel taller que tomé en el año 93. En esos tres meses sentí que me encontraba con algo para lo que yo servía, que podía hacer, que me salía natural, y ahí decidí estudiar cine con ¿Participan otras persoespecialidad en guión y dirección nas en tus guiones?

Con mi proceso de escritura participan muchas personas Lo más lindo hasta ahora fue dirigir películas escritas por mí, pero pero también padecen muchas me encantaría que alguien me dé un guión que al leerlo me encante otras porque estoy constantey sienta que es la historia que tengo que contar ahora y que la po- mente contando las historias y dría filmar. La etapa del guión es la más larga y la más maravillosa chequeándolas de forma oral. pero también la más tediosa, donde nos enfrentamos a nosotros La historia es algo que tiende a mismos, a nuestras obsesiones y limitaciones; a mí por lo menos contarse, que tiene esa particuesas historias para filmar que son tan personales, tan íntimas, me laridad, y la narración verbal la llevan años. utilizó mucho para chequ ear si Así que si vos, lector, tenés un guión que piense que yo puedo está funcionando o no, donde filmar, lo leo y digo ésta es mi película, haría una fiesta. A mí me me cuesta más esfuerzo, o engusta escribir para otros, me gusta todo, escribir me encanta. trar a otro tipo de escala para poderla contar; participan ami¿Qué ventaja tiene el director/guionista que gos, familiares y colegas, a los cuales les doy el guión para pasó por la etapa de actor? leer para que me digan cómo La ventaja de haber pasado por la experiencia de acva, pues desde adentro se tuar para un guionista, es inmensa, porque conoce pierde mucho la capacidesde adentro lo que va a pasar con el guión que dad de analizar lo que escribió, conoce físicamente el fenómeno tan se está haciendo delicado y extraño de la interpretación, cuanporque uno se do escribe sabe hacia dónde está destinado, encariña con lo tiene un conocimiento corporal y emocional vaque escribió, es feo lorable. pero es mío. Lo fundamental es lo que uno sienta, La estructura y la improvisación en la más allá de la mirada externa, creación del guión hay un momento en donde uno Combino la estructura con la improvisación retrasando lo dice está cocinado, hay que salir máximo posible la aplicación de los conocimientos técnicos, tray filmarlo ya. tando de mantenernos en una fase de sorpresa, de autosorpresa, de juego, de ser los primeros que sentimos como dice otro gran maestro Mauricio Kartun que me enseñó que la dramaturgia es una La primera experiencia improvisación imaginaria percibida con todos los sentidos y regis- de película para un ditrada en papel, no es la aplicación de unas fórmulas o métodos que rector. uno conoce o receta con los cuales uno llega a encontrar o expresar Cuando se quiere hacer la priuna historia; el guión ante todo es una estructura emocional, somos mera película no hay que aflojar, responsables de las emociones de la película, somos contagiadores es muy difícil, pero si tienen la de emociones. necesidad de contar algo hay que hacerlo, no hay que esperar las condiciones ideales sino que una vez se sienta que es-

¿Dirigirías algo que escriba otro guionista?

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Consejos para el director de ópera prima

Si se sueña con ser director hay

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que serlo, hay que trabajar mucho, es un proceso largo, maravilloso, lo que enseña es hacer, hay que filmar todo lo que se pueda, meterse en rodajes, si no consigue recursos para filmar un largo filma un corto, si no consigue recursos para un corto, monten obras de teatro de un acto, trabajar mucho con actores, ver muchos actores, ver películas, no hay que creer que las series de televisión son lo mismo que el cine.; tratar de encontrarse con ellos, de aproximarse a su propia personalidad, encontrar las cosas que le gustan y no las que se venden o están de moda, sí es cierto que tienen algo para contar, y está convencido, consigue convencer a otros.

La experiencia en Colombia

La experiencia con la Escuela Nacional de cine de Colombia es para mí muy valiosa, muy querida, y me siento en casa, me parece que es una escuela nueva que tiene como característica clave de convocar gente activa en lo suyo, es una cualidad fundamental para la docencia, uno no puede ser docente de algo que no practica, y nosotros estamos cambiando todo el tiempo en la práctica, y lo que pensábamos hace dos años hoy ya lo dudamos porque estamos haciendo y nos enfrentamos con distintos problemas.

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La voz de la Escritura

tás para salir y filmarla, no pierdan tiempo porque las historias también envejecen, no hay que desconcentrarse en ninguno de los pasos, una vez se sale de la soledad de escribir el guión empieza la preproducción que es una experiencia completamente diferente al ser colectiva y tener fecha de vencimiento. Aconsejaría descansar mucho, asegurar la dormida pues son varias semanas y hay muchas decisiones para tomar. Y creo que es lo más lindo que pasa en la vida. Después de la primera hay otras complicaciones.

Los retratos de Ilo Ilo

“HAGO PELÍCULAS QUE LA GENTE QUIERA VER” Entrevista con Anthony Chen

el proceso de hacer cine, pues tuve muchas experiencias, lecciones y entrenamiento a través de la producción de los cortometrajes”.

¿Por qué un niño podría sentir tanto por una persona que no hace parte de su familia, que es solamente un extraño o alguien más?

El Director de la película “Ilo Ilo, retratos de familia”, Anthony Chen, es un hombre que desde su adolescencia sintió que su vida estaba influenciada hacia el cine al interesarse por leer libros de dirección y directores de cine, y en pleno auge de la internet “cuando no había Google sino Altavista o Yahoo”, se dio a la ambiciosa e ingenua búsqueda de encontrar una academia de cine en el mundo, sin embargo sus resultados no fueron tan positivos al hallar opciones elevadas en costos que eran difícil de solventar para una familia de clase media. Al no tener más opción, Anthony entró a estudiar en la entonces única escuela de cine que había en Singapur, a sus 17 años. Posteriormente fue admitido en la Escuela Nacional de Cine y Televisión de Gran Bretaña. Chen, es un director de la vieja escuela, creyente de la formación académica y el proceso como cortometrajista al realizar al menos 10 cortos durante su proceso de formación y antes de su ópera prima, siendo varios de ellos reconocidos en festivales como Cannes; “hacer cortos ha dado una forma muy fuerte formación para mi ejercicio de crear cine, mucho de cómo avanzo en

Fue la pregunta que disparó la idea y que se realizó Anthony en el 2010 tras graduarse de la Maestría en Dirección en la UK, inspirada en una experiencia personal en donde a los 12 años tuvo que lidiar con la separación de Teresa “Tía”, una mujer de Ilo Ilo una región de Filipinas que llegó a su casa cuando tenía tan sólo 4 años; “la película me encontró a mí en vez de que yo la encontrara a ella, en 2010 me encontré con muchas memorias de mi niñez flotando en mi cabeza, y recuerdo esta persona que fue criada en un orfanato. Ella

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En el 2013, Chen se inscribió en la lista de los grandes directores contemporáneos al exhibir su ópera prima “Ilo Ilo, retratos de familia” en donde ejerció como guionista, director y productor. La película fue seleccionada para La noche de directores del festival de Cannes en donde recibió además el premio de La cámara de oro como mejor ópera prima. “Creo que eso lo cambió todo sobre la película, ya que fue muy bien recibida por festivales, por programas y por críticos alrededor del mundo, la película ha estado en 20 o 25 países, yo no esperaba esto, especialmente con tan humilde, delicada y pe-

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queña película; Cuando estaba haciéndola no hubo tanta ambición, no lo hacíamos por cuanto dinero queríamos ganar por taquilla, lo hicimos de una manera muy honesta y de interpretaciones personales”. La película le ha significado otros premios como el festival de Londres y los premios Caballos de Oro de Tappei. Ilo Ilo trata sobre la relación de un niño de 10 años y su criada llegada de clase media de Filipinas, en un momento en donde la familia atraviesa un mal periodo, la crisis financiera Asiática del año 1997. La película retrata el fenómeno de los inmigrantes que llegan a ser parte de las familias que las contratan, una situación común en Asia que ha llevado

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Retratos de Ilo Ilo

estuvo en esa casa por 8 años. Creo que lo que disparó la idea fue ese momento cuando yo tenía 12 años y estábamos en un aeropuerto, recuerdo cuando la enviamos de vuelta a Filipinas para bien. Y recuerdo cuan doloroso fue ese momento, estaba llorando y llorando, y fue la primera vez que en mi niñez tuve que lidiar con la separación”.

a la crítica especializada a considerar en varias ocasiones a “Ilo Ilo” como una película socio política que habla sobre la familia, las clases, el crecimiento, la recesión económica, la migración; sin embargo, para el director no es más que una película que habla de emociones e interacciones humanas, “cuando trato de capturar un retrato honesto y auténtico de ciertas personas, esto hace que eventualmente emerjan los temas sociales y el marco de la sociedad en la película, porque estos personajes o personas están implicadas en estos temas al mismo tiempo”. La película fue rodada en Singapur y logró ser financiada a través de fondos nacionales e internacionales gracias a la trayectoria como cortometrajista “si quieres hacer una película que la gente quiera ver, que pueda ir a festivales, que pueda tener una distribución apropiada, entonces te tendrás que preguntar a ti mismo si pagarías lo que sea que cueste el ticket para ver esta película”.

3 Razones

3 RAZONES PARA NO DESPRECIAR A EL DESPRECIO.

Con motivo de la presentación en el marco de la edición No. 13 del Festival de Cine Francés de la película Le Mepris (El desprecio, 1963) del director Jean-Luc Godard, en una edición restaurada, y de los 80 años de vida que cumple su protagonista Brigitte Bardot, quisiera dar a los lectores 3 razones por las cuales esta fábula de la Nouvelle Vague, acerca de una esposa joven que siente desprecio por su marido guionista, es una obra indispensable para cualquier cinéfilo que se respete:

Por André Didime-Dome

yen las fronteras entre realidad y ficción, adelantándose a los casos de los actores John Malkovich en Being John Malkovich (Spike Jonze, 1999); Bruce Willis en What just happened (Barry Levinson, 2008); Paul Giamatti en Cold Souls (Sophie Barthes, 2009) y el grupo de actores de This is the end (Evan Goldberg y Seth Rogen, 2013), en los que en un juego ilusorio se ‘ficcionaliza’ en la vida real de la celebridad, como si su verdadero yo fuese el que se nos presenta.

1. Es una obra que impone una estrategia narrativa particular.

En Le Mepris, el despreciado escritor (interpretado por Michel Piccoli, en su debut en el cine), sirve de script doctor para un guión fílmico basado en La Odisea de Homero, que según la cinta, va a dirigir el gran realizador alemán Fritz Lang. Aquí, Lang se interpreta a sí mismo, en una dinámica disociativa y estrategia narrativa en la que las fronteras entre vida realcelebridad-personaje, terminan completamente diluidas y se hacen difíciles de precisar (Godard inclusive interpreta al asistente de Lang). Le Mepris es una de las primeras películas que dilu-

la obra original), nos perdimos de toda la potencia y poesía de la fotografía del brillante Raoul Coutard, quien captura, no solo la belleza de Italia, sino de toda la potencia y poesía del derrière de Brigitte Bardot, que en la edición restaurada se muestra en todo su esplendor. Esta “escena clave” (por razones comerciales, artísticas y eróticas) que introduce a la película, estuvo perdida por mucho tiempo gracias a la mutilación del encuadre y ahora se ha recuperado por completo. Si usted no ha visto ninguna película con Brigitte Bardot, le recomiendo ver Le Mepris y Et Dieu... créa la femme (Y Dios creó a la mujer) (1956) de Roger Vadim, las dos obras que logran encapsular toda la fuerza animal de este símbolo sexual defensor de los derechos de los animales.

2. El encuadre original redescubre a la Bardot. 3. La música al servicio Le Mepris no había estado dis- de la imagen. ponible en video en su formato original de Franscope (un formato de pantalla ancha de 2.35:1), por lo tanto, aquellos que no habíamos nacido en la década del 60 y que tuvimos que ver esta cinta en video (Betamax o VHS), con un fastidioso formato llamado Pan & Scan (que corta la pantalla e introduce movimientos de cámara que no existen en

El gran compositor Georges De lerue logra evocar, resaltar y explorar con su música, las traiciones artísticas y sexuales que envuelven al film. Si la función de la música en el cine es la de darle ritmo, dramatismo y lirismo a la imagen, la banda sonora de Le Mepris es quizás uno de los mejores ejemplos en la historia del cine.

DICIEMBRE

2014

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