Cinemascomics: La revista. Nº 9 by Carlos Gallego

Octubre 2011. Nº 9. Año 1

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La revista ENTREVISTAS

Juan Carlos Fresnadillo Taylor Lautner

ESPECIALES La gran aventura de Tintín La Cosa (2011) Los Superhéroes que vendrán si en 2012 no se acaba el mundo

ubre c s e D ¡ úper s s o r nuest rsos! concu CLÁSICOS DE LOS 80 La Cosa

Estrenos

Intruders Capitán Trueno Contagio Mientrás duermes Eva Tintín ... ESPECIAL SERIES Falling Skies

Orient Express

Cine asiatico en Sitges 2011

PA R A

S I E M P R E

E S

S O L O

E L

C O M I E N Z O

SUMMIT ENTERTAINMENT PRESENTA “THE TWILIGHT SAGA BREAKING DAWN - PART I“ UNA PRODUCCIÓN TEMPLE HILL EN ASOCIACIÓN CON SUNSWEPT ENTERTAINMENT KRISTEN STEWART ROBERT PATTINSON TAYLOR LAUTNER BILLY BURKE DISEÑO Y SUPERVISIÓN DE MONTAJE DISEÑO DE MÚSICA SUPERVISOR PETER FACI N ELLI ELI ZABETH REASER KELLAN LUTZ NIKKI REEDCO- JACKSON RATHBONEPRODUCTORES ASHLEY GREENE CASTINDEG DEBRA ZANE, CSA VESTUARI VIRGINIA KATZ, A.C.E. O MICHAEL WILKINSON DE CARTER BURWELL MUSICAL ALEXANDRA PATSAVAS EFECTOS VISUALES JOHN BRUNO DISEÑO DE DIRECTOR DE PRODUCIDA BASADA EN PRODUCCIÓN RICHARD SHERMAN FOTOGRAFÍA GUILLERMO NAVARRO, ASC PRODUCTOR BILL BANNERMAN EJECUTIVOS MARTY BOWEN GREG MOORADIAN MARK MORGAN GUY OSEARY POR WYCK GODFREY KAREN ROSENFELT STEPHENIE MEYER LA NOVELA “BREAKING DAWN” DE STEPHENIE MEYER GUIÓN DIRIGIDA DE MELISSA ROSENBERG POR BILL CONDON lasagacrepusculo.es

aurum.es

facebook.com/aurumproducciones

cinemascomics la revista DIRECTOR Carlos Gallego DIRECTOR DE ARTE Carlos Gallego MAQUETACIÓN & AUTOEDICIÓN Carlos Gallego REDACCIÓN

EDITORIAL

Bienvenidos a una nueva cita mensual con Cinemascomics: La revista, un número con muchas sorpresas y concursos que seguro que harán las delicias de más de uno. Este mes ha llegado por fin la esperada adaptación del personaje de Victor Mora, Capitán Trueno, dejando sin embargo un agrio sabor de boca a todos sus seguidores y a todos los que entraban en contacto con el personaje por primera vez, no cumpliendo con las expectativas depositadas. Manuel Moros nos hablará de la maldición del Capitán antes y después de salto a la gran pantalla.

Carlos Gallego David Larrad Diego Sánchez (planta13.blogspot.com) Francisco Nieto Sánchez (www.cinedeaqui.es) Javier Calvo José Joaquín González (www.defanafan.com) Gerard Fossas (www.butacapreferente.com) Manuel Moros Pedro Pinos Sergio Reina (critico-de-cine-aficionado.blogspot.com) Christian Arza (www.moonfilms.es) Enrique Abenia Gustavo Martín

Aunque menos mal que los amantes de los buenos comics podremos quitarnos el mal sabor de boca dejado por Trueno con “Las Aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio”, el personaje creado por Hergé, llega de la mano de Steven Spielberg, y está vez el realizador de E.T. y Tiburón ha contado con la inestimable ayuda en la producción de Peter Jackson, todo un experto en efectos digitales 3D; y unir estos nombres ya se sabe que es garantía de encontrarnos con un producto palomitero y entretenido.

COMICS

Yo por mi parte, pude hablar con Juan Carlos Fresnadillo acerca de Intruders, cine en 3D, comics y sus futuros proyectos.

Diego Burdio (diegoburdio.blogspot.com) Moratha (moratha.blogspot.com)

Así que sin más dilación os dejo para que podías devorar y disfrutar de esta nueva entrega de Cinemascomics: La revista.

PUBLICIDAD Carlos Gallego Telf. 637 52 01 28 carlosgalman1@gmail.com Las opiniones expresadas por los colaboradores no son necesariamente compartidas por el equipo de Cinemascomics.Todos los derechos reservados. En virtud de lo dispuesto en los artículos 8 y 32.1, párrafo segundo de la ley de Propiedad Intelectual, quedan expresamente prohíbida la reproducción,la distribución y la comunicación pública, incluida su puesta a disposición, de la totalidad o parte de los contenidos de esta publicación, con fines comerciales, en cualquier soporte y por cualquier medio técnico, sin la autorización de Cinemascomics. A si mismo el copyright de los pósters, fotografías e imagenes que se incluyen en esta publicación pertenece a sus respectivos autores.

Cómo no, destacamos las páginas cómicas de nuestros colaboradores Diego Burdio y Moratha que nos sacarán alguna que otra sonrisa en unos tiempos de mal rollo. Francisco Nieto nos trae un resumen de todo el cine asiático visto en esta 44 edición del Festival Internacional de Cinema Fantastic de Catalunya Sitges 2011. Gerard Fossas nos acerca a la figura de Tintín, mientras que Christian Arza y Sergio Reina nos hablan respectivamente de la precuela y del film de 1982 de “La Cosa”. José Joaquín Gónzalez nos dará un avance de las películas de Súper héroes que llegarán en 2012 y Javier Calvo en la sección series nos hablará de la serie producida por Spielberg, Falling Skies.

Carlos Gallego Director de Cinemascomics

Octubre 2011 Número 9

20 comics 7│La Página de Diego Burdio

Entrevista: Juan Carlos Fresnadillo

CAPITÁ

111│Gordos con Mochila Por Moratha

Actualidad 8│Primeras imágenes oficiales de “The Avengers” 12 │Aaron Eckhart protagonizará I’ Frankenstein

14 │Primeras imágenes de “Ghost Rider: Espirítu de venganza

CINE ASIÁTICO EN SITGES 2011

criticas 78│Los tres mosqueteros 79│ Intruders

Dr. Ishiguro is ATR Fellow and Professor of Osaka University. The geminoid has been developed in ATR Hiroshi Ishiguro Laboratory.

80│ Contagio 81│El árbol de la vida 4 │

Cinemascomics

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Clásico LA COS

Especial series: FALLLING SKIES

LOS SÚP DRÁN S ACABA E

www.cinemascomics.com

contenido estrenos 16 │ Intruders 7 de octubre 26 │ Capitán Trueno y el Santo Grial 7 de octubre

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ÁN TRUENO: LA MALDICIÓN

Entrevista: Taylor Lautner

106

42│ Sin salida 14 de octubre 46│ Otra Tierra 20 de octubre 52│ La Cosa 21 de octubre 56│ EVA 28 de octubre

76│ Lobos de Arga 28 de octubre

que leer

100 www.cinemascomics.com

40│ Mientras duermes 14 de octubre

62│ Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio 28 de octubre

os de los 80: SA

PER HÉROES QUE VENSI NO EN 2012 NO SE EL MUNDO

34│Contagio 14 de octubre

112 │ Zona Cómic

LAS AVENTURAS DE TINTÍN Cinemascomics │Octubre 2011 │

Primeras imágenes

PRIMERAS IMÁGENES OFICIALES DE “LOS VENGADORES” Continuando las aventuras épicas en la gran pantalla que empezaron con “Iron Man”, “The Incredible Hulk”, “Iron Man 2”, “Thor” y “Captain America: The First Avenger”, “Marvel’s The Avengers” representa la reunión más espectacular jamás vista de Superhéroes. Un enemigo inesperado amenaza con poner en peligro la seguridad mundial, así que Nick Fury, Director de la agencia internacional para el mantenimiento de la paz conocida con el nombre de SHIELD, necesita encontrar urgentemente un equipo que salve al mundo del mayor de los desastres. Basada en el famosísimo cómic que se publicó por primera vez en 1963, “Marvel’s The Avengers” reúne a los personajes de Superhéroes más emblemáticos y será la primera vez que apa-

recen todos juntos en la gran pantalla. Al reparto estelar de Superhéroes se unirán Cobie Smulders (“How I Met Your Mother) [Cómo conocí a vuestra madre] en el papel de la Agente Maria Hill de SHIELD, así como Tom Hiddleston (“Wallander”) y Stellan Skarsgård (“Angels & Demons” [Ángeles y demonios], “Mamma Mia!”) que retomarán sus respectivos papeles de Loki y el profesor Erik Selvig en el largometraje “Thor”, el próximo estreno de Marvel Studios. “Marvel’s The Avengers” está producida por Kevin Feige, Presidente de Marvel Studios. Sus productores ejecutivos son Alan Fine, Stan Lee, Louis D’Esposito, Patty Whitcher, y Jon Favreau. Jeremy Latcham y Victoria Alonso de Marvel Studios serán coproductores.

Noticias

Aaron Eckhart (The Dark Knight, Battle L.A.) protagonizará “I Frankesntein” dando vida a Adam Frankenstein, en la adaptación de la serie de comics de Kevin Grevioux, creador de la saga Underworld. En “I, Frankenstein” además de Frankenstein aparecen otros monstruos clásicos como El Jorobado de Notre Dame, El hombre invisible, Dracula o Dr. Jekyll / Mr. Hyde, todos ellos recreados en una época contemporánea. La película que será escrita y dirigida Kevin Grevioux y que será dirigida por Stuart Beattie (GI Joe, 30 Days of Night) que sustituye a Patrick Tatopoulos, está prevista que llegue a los cines el 22 de febrero de 2013.

Primeras imágenes

PRIMERAS IMÁGENES OFICIALES DE “GHOST RIDER: ESPÍRITU DE VENGANZA” Se ha hecho esperar pero por fin nos llega desde Sony Pictures nos llegan las primeras imágenes oficiales y trailer en español de “Ghost Rider: Espíritu de Venganza”, segunda entrega de la adaptación del famoso motorista fantasma de Marvel creado en 1967, aunque fue por un tiempo muy breve el Ghost Rider era un vaquero y montaba a caballo, algo que se homenajea en la primera entrega, siendo encarnado por el actor Sam Elliott, aunque no fue hasta el año 1972 cuando volvería el personaje con el aspecto que todos conocemos de la mano del guionista Gary Friedrich y el dibujante Mike Ploog. La película está escrita y dirigida por Mark Neveldine y Brian Taylor, y vuelve a contar con Nicolas Cage para dar vida al personaje, le acompañan en el reparto Ciaran Hinds, Violante Placido, Idris Elba (actor al que últimamente estamos viendo en un montón de adaptaciones como The Losers o THOR) y Johnny Whitworth. Está previsto su estreno para el 12 de febrero de 2012.

Estreno

Intruders

JUAN CARLOS FRESNADILLO (Intacto, 28 semanas después) dirige INTRUDERS, una inquietante película donde la realidad y la imaginación se confunden y se solapan. Juan (IZÁN CORCHERO) y Mia (ELLA PURNELL), dos niños que viven en países diferentes, reciben cada noche la visita de un intruso sin rostro, un ser aterrador que quiere apoderarse de ellos. Las presencias se van haciendo

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7 de octubre

más poderosas y comienzan a dominar sus vidas y las de sus familias. La inquietud y la tensión crecen cuando sus padres también son testigos de estas apariciones. Protagonizan la película CLIVE OWEN (Hijos de los hombres, Sin control) como John Farrow y CARICE VAN HOUTEN (Repo Men, El libro negro) como Sue Farrow, los padres de Mia, y PILAR LÓPEZ DE AYALA (Juana la Loca, Lope) como Luisa, la madre de Juan. Com-

pletan el reparto DANIEL BRÜHL (Malditos bastardos) como el padre Antonio y HÉCTOR ALTERIO (El hijo de la novia) en un pequeño papel. El equipo técnico está compuesto por el director de fotografía ENRIQUE CHEDIAK (28 semanas después, 127 horas, Repo Men, Siempre a tu lado/Charlie St. Cloud); el diseñador de producción ALAIN BAINÉE (Vicky Cristina Barcelona, www.cinemascomics.com

Suspicious Minds); el montador NACHO RUIZ CAPILLAS (Ágora, Los otros); la diseñadora de vestuario TATIANA HERNÁNDEZ (Lope, The Way), y el compositor ROQUE BAÑOS (Alatriste, Celda 211). Los productores son ENRIQUE LÓPEZ-LAVIGNE (The Impossible, Extraterrestre), BELÉN ATIENZA (The Impossible, Extraterrestre) y MERCEDES GAMERO (Planet 51, Torrente 4: Lethal Crisis). La prowww.cinemascomics.com

ducción ejecutiva corre a cargo de JESÚS DE LA VEGA (Hierro, Los 2 lados de la cama) y RICARDO G. ARROJO (Planet 51, Que se mueran los feos, Los ojos de Julia). El guión es de NICO CASARIEGO (¿Tú qué harías por amor?) y JAIME MARQUES (Ladrones). Una película de JUAN CARLOS FRESNADILLO. estaba Industrial Light & Magic, de Lucasfilm. Bajo la supervisión de ROGER GUYETT, supervisor de efectos especiales con diversos

premios en su haber, este grupo se llevó la parte del león en cuanto a los efectos visuales y la animación del proyecto. Equipos de élite de The Embassy Visual Effects, Ghost FX, Fuel VFX, The Garage VFX y Shade FX crearon efectos visuales adicionales en Cowboys and Aliens. New Deal Studios y Kerner Optical fabricaron modelos y miniaturas y aportaron efectos especiales a la producción. Cinemascomics │Octubre 2011 │

Clive Owen en un momento de la película

NOTAS DEL DIRECTOR (La preproducción) Angustia. Una de las mejores definiciones que se ajusta a ese sentimiento opresivo en la zona del pecho, que casi no te deja respirar, me la disparó hace poco alguien a quien no conocía demasiado. “Es el sentimiento que aparece cuando no eres dueño de tu vida”. Mi sabio desconocido me dejó perplejo; no solo creo que se ajusta con milimétrica perfección a esa reacción física tan habitual entre millones de usuarios del desasosiego, sino que por fin había encontrado la premisa del terror que afecta a los protagonistas de la historia que estaba trabajando, INTRUDERS. Una narración que transcurre en dos espacios, Inglaterra y España, unidos por el hilo vibrante de un fenómeno común… los protagonistas no se sienten dueños de su vida porque algo o alguien está

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invadiéndoles… su espacio vital… creando la peor amenaza posible: poseer aquello que más quieren. En el caso de John Farrow, el héroe muy a su pesar de esta historia, la invasión está ocurriendo en el espacio que más venera: su familia, su casa. Y está atacando a lo que más quiere. Su hija. Un fantasma procedente de las pesadillas de la niña está materializándose en la casa, acosándola y robando poco a poco su inocencia. En paralelo, en un país no tan lejano, pero arraigado en otras costumbres, Luisa García y su hijo se enfrentan a otra invasión, más cruda; la de alguien que vuelve desde la muerte para invadir nuestro cuerpo, en este caso el del niño, para seguir ejerciendo su autoridad en las tinieblas, sin concesiones.

Desde el principio, cuando trabajamos en las primeras versiones del guión, teníamos una inten-

ción clara… lo que más miedo nos da está muy cerca de nosotros mismos, más de lo que creemos o podemos intuir. Y ha sido transmitido de generación en generación, como un legado que se hace cada vez más grande, más complejo… donde las garras de ese monstruo, cercano y familiar, nos atenazan y nos hacen sentir esa angustia primigenia que tiene el sabor de la derrota; el amargo sentimiento de que a veces no somos propietarios de nuestra existencia o de la de nuestros seres queridos. Sobre la imagen. Al igual que el episodio descrito anteriormente durante el proceso de escritura (la respuesta de un desconocido al concepto de angustia), tuve la suerte de encontrarme con otro “feliz accidente” para despejar la incógnita visual de cómo contar la historia; accidente en el sentido de que fue un evento inesperado que reflejó la respuesta a una búsqueda inwww.cinemascomics.com

Pilar López de Ayala en un momento del film

consciente en la que me hallaba inmerso. Desde que empiezas a desplegar la historia sobre un papel, la mente se afana en desarrollar las mejores imágenes posibles para transmitir el espíritu de la historia. Y esa búsqueda permanece latente y te golpea ante la visión de cualquier objeto o lugar que aparentemente no está relacionado, pero que guarda una conexión con los materiales de la narración, en su forma o contenido. El “accidente” que me atrevo a contar tiene que ver más con el tipo de luz que imagino para INTRUDERS o más bien cómo jugar con ella para seguir desarrollando elementos de puesta en escena que sirvan a la causa común de esta historia: crear un efecto emocional en las imágenes inquietantes y perturbadoras. En este caso fue un árbol. En el jardín de una iglesia. De noche, www.cinemascomics.com

iluminado por un foco escondido bajo tierra. Me detuve en medio de la calle, hipnotizado por las sombras que proyectaba el árbol, inquieto ante un descubrimiento que tardé en procesar. La sombra que proyectaba el árbol sobre las paredes de la iglesia era diferente del propio árbol. No era excesivamente notorio, casi pasaba desapercibido, pero me mantuvo en vilo durante un buen rato… hasta que me percaté de que la sombra que se movía era la de otro árbol… pero justo coincidía con la que yo creía como modelo original. Creo que el uso de un desdoblamiento entre el modelo y su sombra (su movimiento o forma puede ser ligeramente diferente) es un efecto de luz que puede explicitar el propio desdoblamiento o ruptura que sufren los personajes de la historia al verse enfrentados a sus propios miedos; para contar desde la imagen, la invasión, la

pérdida, que están sufriendo en su propia carne o en su entorno más íntimo. Utilizado de forma sutil aunque constante creará la sensación en el espectador de que algo más allá de la realidad está adviniéndose sobre la historia y sus protagonistas, pero sin desligarse de ellos. El personaje y su sombra no pueden separarse. Aunque sean diferentes. Y contribuirá de forma definitiva a provocar la revelación final de la historia, donde incluso los terrores más ancestrales, los que escenifican los mitos, tienen su origen en las emociones básicas de un ser humano… en la sombra de sus sentimientos. Pérdida. Dolor. Rabia. Juan Carlos Fresnadillo

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ENTREVISTA

JUAN CARLOS FRESNADILLO EL DIRECTOR NOS HABLA DE INTRUDERS Y ACERCA DE SUS PROYECTOS Por: Carlos Gallego Cuéntanos un poco de que va Intruders.

es lo que más te atrajo de la historia?

Intruders es una fábula sobre algo que me ha obsesionado desde hace mucho tiempo, y es ese momento de nuestras vidas cuando somos pequeños y estamos en una habitación a oscuras y de repente nuestra cabeza empieza a indagar por ciertos miedos y por ciertos terrores. Es el momento donde aparece el miedo como emoción primaria del ser humano y básicamente, Intruders es una indagación del origen de ese miedo, de por qué aparecen esos terrores a esa edad, y cómo esos miedos y esos terrores de alguna forma pueden estar conectados con fantasmas que heredamos, con secretos oscuros de nuestra familia, con historias que no nos han contado o historias que nos han contado. Cómo el miedo es algo que también se hereda y se convierte en un legado en nuestra vida y en definitiva, la familia como núcleo de formación de ciertos miedos y ciertos problemas infantiles y del cuidado y la atención que tenemos que tener como adultos al traspasar nuestros miedos a nuestros hijos.

Esto arranca con una conversación que tuve con mis productores hace ya casi tres años donde estábamos todos en sintonía para hacer una película sobre los terrores infantiles y el origen de esos terrores y donde apareció la idea del cuerpo central de Intruders, donde los niños están heredando los miedos de sus padres y de cómo sus padres están influyendo y afectando la vida de sus hijos, porque están compartiendo con ellos algo que traen de años atrás, lo que está ocurriendo en la casa, la presencia amenazante de esos intrusos, que son algunos fantasmas, otros no tanto, que vienen del pasado, con algo que no se ha resuelto en el pasado. Me gustan mucho las historias de fantasmas, me resultan interesantes, sobre todo aquellas que vienen de nosotros, que vienen de nuestro interior y especialmente cuando los fantasmas son un recordatorio de algo que no hemos resuelto en el pasado. Me interesa el factor humano en las historias sobrenaturales, me interesan nuestras fracturas emocionales, nuestros traumas. Creamos situaciones sobrenaturales que están reflejando

¿Cómo llegaste al proyecto y que www.cinemascomics.com

un problema que tiene que ver con lo humano más que con lo sobrenatural. Intruders digamos que da una nueva vuelta de tuerca al fenómeno Poltergeist, que aporta tu visión a un género que parece volver a estar de moda tras Paranormal Activity o Insididous. Lo que Intruders quiere sacar a la palestra dentro del género es la relación de nosotros como seres humanos con nuestros problemas psicológicos, cómo se acaban reflejando en esa manifestación sobrenatural. Siempre lo sobrenatural está relacionado con un problema que tenemos. Está relacionado como te decía antes, con algo que no está resuelto y a lo que tarde o tempranos tendremos que enfrentarnos si queremos que esa aparición sobrenatural se erradique y desaparezca de la casa que está siendo visitada y atacada. ¿Cómo ha sido trabajar con un actor de la talla de Clive Owen? Es un ser profundamente humano, sencillo, y la gente con la que he trabajado más fácilmente en mi vida. Tengo la percepción de Cinemascomics │Octubre 2011 │

Juan Carlos Fresnadillo dando instrucciones a Daniel Brühl durante el rodaje, junto a Héctor Alterio.

que, tampoco es que haya hecho muchas películas, esta es mi tercera película, pero tengo la sensación de que cuanto más grande es alguien en cuanto a lento, capacidad y a este sentido del estrellato, más fácil es trabajar con él. Creo que soy muy afortunado de encontrarme con gente en el camino que me ha facilitado las cosas. Hay algo inmediato en alguien como Clive, sobre todo fue muy fácil, la historia le tocaba especialmente, Clive es padre de familia y lógicamente también siente esa preocupación sobre lo que significa los terrores infantiles y cómo intentar darle lo mejor posible a tus hijos para que pasen ese trauma de forma tranquila. Yo creo que en ese sentido, la historia le tocó especialmente y por otro lado, Clive era profundamente alguien muy necesario en esta historia. Yo creo que su capacidad como alguien que provoca una profunda empatía cuando lo ves en una pantalla era fundamental de cara a poder estar

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agarrados desde el principio a su punto de vista y sobre todo cuando todo se oscurece y vemos que realmente lo que está pasando en la casa, tiene que ver con él, con su pasado y su legado. ¿Cómo ha sido el rodaje, puedes contarnos alguna anécdota en especial? Yo creo que Intruders no es una película tanto de miedo como una película sobre el miedo y cómo las raíces del miedo tienen que ver con cuestiones traumáticas y emocionales del ser humano. Pero precisamente, siguiendo al hilo de esto, fue muy extraño, me metí de alguna forma a trabajar intensamente en las criaturas y en el rodaje de la película, y sentí que parte de los miedos que tiene el niño Juan, de repente se me acabaron contagiando. Hay un momento en la película en la que el niño siente que tiene al monstruo detrás y que por mucho que se mueva el monstruo sigue pegado a él, y recuerdo que cuando está-

bamos rodando la escena durante días, al llegar a mi casa y quedarme solo, había desarrollado un poco su miedo, como el miedo de tener siempre alguien detrás de ti que no puedes ver, con lo cual el miedo tiene esa capacidad de contagio, es muy es fácil de transmitir, y esto lo hace algo muy peligroso porque podemos traspasar el miedo a los demás, sobre todo cuando se trata de niños. Seguro que estarías en un momento del rodaje concentrado y de repente, algún susto. Cierto, cierto, pero lo que te decía, el miedo que se trasluce en la película tiene que ver con los miedos que creamos, más que con los miedos que se manifiestan de una forma inmediata. Tiene que ver con las posibilidades que uno elucubra, cuando algo que no comprendes está ocurriendo, o sea por ejemplo, estás en tu casa y oyes un ruido extraño, lo que es fascinante de los mecanismos del miedo es como de repente tu www.cinemascomics.com

Juan Carlos Fresnadillo dando instrucciones a Clive Owen durante el rodaje

cabeza empieza a fantasear y a imaginarse cosas, tiene muchas posibilidades, ese momento en el que estas planteándote todo tipo de posibilidades ¿qué es ese ruido que no terminas de comprender? es lo que me resulta profundamente cinematográfico, ese momento en el que todo es posible y estas completamente desesperado de cuál de todas esas posibilidades que estas imaginando, cual es la que está pasando, ese es el miedo, porque el terror básicamente es cuando ves la forma de entrar del ruido y lo dejas. Me interesa mucho más el miedo en cuanto refleja la personalidad y nuestra forma de pensar por cómo interpretamos y cómo elucubramos esas muchas posibilidades que hablan de nosotros mismos, de lo que nos obsesiona y nos produce realmente pánico. Me han chivado que los intrusos han sido creados en una empresa de efectos especiales en Madrid. ¿Tal vez veamos seres con forma monstruosa? www.cinemascomics.com

Si, en ese sentido yo creo que era importante hacer un trabajo cercano al género fantástico porque, bueno en las historias tanto en la inglesa como en la española, aparecen intrusos, que tienen en común el hecho que comparten que estos seres tienen su cara hueca, pero la parte española tiene una apariencia más fantasmal en tanto que su imagen es más real, mucho más física, y cuando veáis la película entenderéis el porqué de esa pequeña diferencia. Para lo que es la parte española y su aspecto más fantasmal era importante tener una empresa trabajando con nosotros que generara un monstruo, dentro de la fantasía, pero muy tangible, muy fácilmente identificable como algo que puede estar apareciendo muy cerca de ti, y en ese sentido el trabajo que ha hecho USER, que es la compañía que ha hecho la parte de efectos especiales, ha hecho un trabajo realmente sorprendente y demuestra que la post producción española está a

la altura de cualquier empresa del planeta. ¿Has estado detrás del proceso creativo a la hora de crear a la criatura? Sí, sí, evidentemente una de las cosas que me parecen importantes es estar cerca de toda la fase de post producción, de acabado final de la película. De alguna manera, esta historia es una historia atmosférica donde es importante el ambiente, por lo que es fundamental que esté pegado en ese momento del acabado final para ver si sigue la línea dentro de lo que yo imaginaba. El 3D está de moda y muchas películas son convertidas a este formato después del rodaje, ¿te has sentido tentado de convertirla a este formato?¿Que opinión tienes de esta moda de las películas en 3D? Creo que el 3D se ha convertido en un formato muy interesante Cinemascomics │Octubre 2011 │

porque permite contar historias que serían imposibles de contarlas de otro modo. Yo soy un fan absoluto de Pixar, de todo lo que hacen, porque creo que está demostrando que a través de la fantasía y de la animación se pueden contar historias muy humanas y muy emocionantes. Creo que estamos en un momento dorado del 3D, sobre todo porque de repente tengo la impresión de que son un lugar donde los guiones, las historias, son creíbles, son más atrevidas. Lo bueno del formato es que como es tan abierto, tan familiar, te permite exponer y contar ideas e historias que no podrías contar en otro formato. Me encantaría poder hacerlo algún día, no ahora, en un futuro. Me gustaría participar en un proyecto como éste, creo que se podría ajustar a mi calma, si me consiguen un guión calmado, donde se entiende que una película de animación implica mucho tiempo, tres, cuatro años. Te confieso que sería una posibilidad que me gustaría probar. ¿Lo veremos en el Cuervo?

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No, no creo, no creo que me atreva. Te confieso que no me gusta hablar mucho de la próxima película que voy hacer. Es que cuando decides participar en la industria americana tienes que ser consciente de que los proyectos van y vienen todo el rato, y bueno, hay muchos proyectos en los que he estado trabajando que bueno, se paran, de repente aparece otro que se convierte en el mejor candidato. La industria es muy voluble y siempre es difícil saber con total exactitud cuál va a ser tu próxima película. Por eso no me gusta hablar de mi próximo proyecto. Lo que sí tengo claro y es una decisión muy personal, que me gusta compartir contigo, es que mi carrera me la imagino combinando proyectos más comerciales, más industria como es el caso de El cuervo, con películas más personales como es el caso de Intruders. En ese sentido me gusta compaginar ambas posibilidades. ¿Eras fan del cómic?¿Qué cómic te gustaría, además de El Cuervo, llevar a la gran pantalla?

Curiosamente, tengo la desgracia de que los comics que más me han gustado en mi vida ya han sido llevados a la pantalla. Estoy muy expectante con Tintín, me parece que va a ser uno de los grandes hallazgos de esta temporada de este curioso universo. En el caso de El Cuervo, efectivamente es un cómic apasionante, que cuando me lo ofrecieron pensé en que podía hacer algo especial, porque te confieso que soy un gran fanático del cómic. Pero curiosamente, en los últimos tiempos no he sido fan de algunas películas que vienen del cómic y la que más recuerdo que me dejó con un gran sabor de boca fue una película con la que la audiencia no pareció engancharse demasiado, pero que te confieso que ha sido como una de mis favoritas. No sé qué opinaras tú al respecto, pero me parece que Watchmen es un peliculón y tiene ese potencial y esa madurez que tienen algunos comics que a mí particularmente más me interesan. Recientemente nos ha llegado la www.cinemascomics.com

noticia de que serás el responsable del remake de Los inmortales ¿Cómo se siente el llegar a este proyecto cuando la película original dejó el listón tan alto que a día de hoy es considerada una película de culto?¿Como ves el afrontar este proyecto? Pues mira, es un proyecto muy apasionante porque efectivamente fue una película que en su época marcó una tendencia en películas de ese estilo y bueno, me ha hecho mucha ilusión que me hayan ofrecido este proyecto tan ambicioso y tan grande. Además, www.cinemascomics.com

desde la perspectiva que yo lo veo creo que va a ser renovador en el sentido de que va a ser un reinicio de la historia. Por otro lado, trabajaré con unos productores tan interesantes como Summit, que son los que han hecho uno de los éxitos comerciales de los últimos tiempos como la saga de Twilight. Creo que es un honor trabajar en un proyecto de calidad con tanta difusión y me parece que es una buena oportunidad para seguir desarrollando algo en lo que creo profundamente, que es en el cine de entretenimiento con alma. Me interesa mucho hacer películas

que lleguen al público, pero películas que tengan un sello, una calidad, y creo que con Los inmortales se puede hacer algo realmente glorioso y digno de ser apreciado por una audiencia más viva. Y así dimos por concluida la entrevista a Juan Carlos Fresnadillo, que además de mostrar ser una persona muy cercana, tiene sin duda un magnífico futuro por delante y como podéis ver, unos proyectos con muy buena pinta que estoy seguro de que están en las mejores manos. Cinemascomics │Octubre 2011 │

Estreno

Capitán Trueno y el Santo Grial 7 de octubre

Durante la II Cruzada en Palestina, el Capitán Trueno encuentra en las mazmorras de la fortaleza a un moribundo cristiano llamado Juan de Ribera quien le encomienda la misión de devolver a España un cáliz mágico que dice ser el Santo Grial y que fue robado a una orden milenaria. Trueno, junto a sus inseparables amigos Crispín y Goliat, y una princesa vikinga llamada Sigrid, tendrán que hacer frente a un malvado señor feudal y a sus “diablos” negros, que tienen atemorizada a la po-

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blación de la baja Aragón.

EL RODAJE Producida por Maltés Producciones y Sorolla Films y distribuida por The Walt Disney Company España, el film cuenta con la colaboración de Televisión Española, Canal +, IVACCiudad de la Luz, Ministerio de Cultura.

es una película basada en el cómic creado por Víctor Mora en 1956. Dicho autor ha podido ver ya algunas imágenes de la película y dice sentirse emocionado por la adaptación.

Se trata de un proyecto complicado que ha pasado por varias pruebas sin éxito y que se ha prolongado mucho en el tiempo. Sin embargo, el resultado merece la pena, tal Capitán Trueno y el Santo Grial y como declara Víctor Mora: www.cinemascomics.com

“Hay muchísima acción, tanta como en los cuadernos. Se ve que Pau Vergara fue un lector atentísimo de las aventuras de El capitán Trueno. ¡No se le escapó detalle! La Sigrid de la película, que es bellísima, nos va a hacer soñar más, si cabe, que la del papel de los tebeos. ¡Qué hallazgo! Amigos, fans de Trueno: yo, como vosotros, también esperaba largamente este momento. Ya os podéis imaginar mi impaciencia por www.cinemascomics.com

ver al Capitán Trueno en carne y hueso, animado de vida cinematográfica. Espero que os quedéis tan satisfechos como lo estoy yo con lo que he visionado hasta el momento. ¡Viva El Capitán Trueno!”. La dirección es de Antonio Hernández (“Lisboa”, “En la ciudad sin límites”, “Los Borgia”, etc.) a partir de un guión escrito por Pau Vergara, que además es uno de los produc-

tores de la película (Maltés), junto a Antonio Mansilla (Sorolla). En cuanto al reparto, Sergio Peris Mencheta encarna al popular héroe del tebeo, mientras que la actriz ucraniana Natasha Yarovenko (“Habitación en Roma”, de Julio Medem), es la bella Sigrid, princesa del reino de Thule. Manuel Martínez “Manolón” (campeón de España de lanzamiento de peso) Cinemascomics │Octubre 2011 │

interpreta al grandullón y tragaldabas Goliath, mientras que el papel de Crispín, el más joven, lo encarna Adrián Lamana, conocido por su participación en varias series de televisión. La dirección artística es del veterano Félix Murcia, ganador de cinco Goyas (“El perro del hortelano”, “El rey pasmado”, “Don Quijote”, etc.) y la fotografía de Javier Salmones (“La lengua de las mariposas”, “Los Borgia”, etc.). Antonio Hernández, director del film, ha declarado: “Es la primera vez que mi cámara se ha puesto al servicio de un film de aventuras en el sentido estricto del género y, por lo tanto, es también una aventura como experiencia personal. Si esta profesión es siempre un privilegio, el juego de volver a ser niño, de manejar un héroe a lomos de su caballo, asaltando castillos donde las fuerzas del mal se conjuran para dominar la Tierra, entonces sientes un lúdico apasionamiento, propio del cine que iluminó tu infancia, cuando tan necesitado estabas de otros mundos. Ese es para mí Capitán Trueno. No vamos a defraudar a los fans. Ese es nuestro propósito, no sólo que vean El Capitán Trueno que leyeron, si no el que ellos creyeron ser”.

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Las leyendas urbanas son relatos pertenecientes al folclore contemporáneo que, pese a contener elementos sobrenaturales o inverosímiles, se presentan como sucesos ciertos. Aunque algunas parten de historias reales, éstas son exageradas, distorsionadas, o mezcladas con datos ficticios. Circulan a través del boca a boca, el correo electrónico o medios de comunicación como prensa, radio, televisión o Internet. Una misma leyenda urbana puede llegar a tener infinidad de versiones. Tal vez las más conocidas, esas que todo el mundo reconoce y que definen el género sean las de la Chica de la Curva, la de los cocodrilos de las alcantarillas de Nueva York o la de los Ladrones de Riñones. También son muy conocidas las historias que hacen referencia a las películas “malditas” y que hablan de muertes misteriosas de actores que parecen haber caído bajo la nefasta influencia de los argumentos de películas como El exorcista, La semilla del diablo, Poltergeist o El cuervo. Sin embargo, un hecho no tan conocido es que también en nuestro país contamos con una de estas “películas malditas”. Se trata de la adaptación cinematográfica de El Capitán Trueno, el héroe por antonomasia del cómic español creado en 1956 por el gionista Víctor Mora y el dibujante Miguel Ambrosio Zaragoza (Ambrós); el audaz héroe medieval eternamente enamorado de Sigrid, reina de la lejana Thule, que en compañía del jovenzuelo Crispín y el fornido tuerto Goliath recorría el mundo combatiendo vikingos, mongoles, monstruos varios y malvados hechiceros. Su maldición no se ha cobrado ninguna vida (al menos por el momento), aunque sí parece haber acabado con varias carreras artísticas. Los orígenes de la leyenda de la maldición de Capitán Trueno: La Película, son oscuros y se pierden en la noche de los tiempos. El siglo pasado, el priwww.cinemascomics.com

mer nombre que se asoció con el proyecto fue el de Juan Piquer Simón, el injustamente poco conocido director valenciano a quien se deben títulos tan memorables como Supersonic Man (1979), Mil gritos tiene la noche (1982), Slugs, muerte viscosa (1988) o La mansión de Cthulhu (1991). Posteriormente se relacionó con Juanma Bajo Ulloa, director de dos de las películas más singulares y morbosas de los 90 (Alas de mariposa y La madre muerta) y de la delirante y excesiva Airbag (1997), uno de los mayores taquillazos del cine español. Se dice que Bajo Ulloa se tomó la adaptación como algo personal y que Filmax le aprobó un presupuesto de mil millones de pesetas. El realizador vasco quería actualizar al personaje que en su opinión, había quedado anticuado: “A los chavales de hoy ya no les puedes vender esa inocencia, este estilo ingenuo y pop de los años 50 y 60. Los niños de ahora son psicópatas que matan zombies con la playstation y hay que darles un Capitán Trueno a su medida”. Bajo Ulloa quería sangre y sexo, y dar a las aventuras del Capitán “un look visual gótico, más oscuro que el del tebeo”. Un Capitán Trueno burtoniano. El proyecto se presentó en Festival de San Sebastián del 2000. Estaba previsto que se empezara a rodar a principios de 2001 en exteriores localizados en Francia, Alemania, Escandinavia y Marruecos, y que se estrenará esas Navidades. La página web (www.capitantrueno-lapelicula.com) recibió miles de entradas y se abrieron chats para consultar continuamente las opiniones de los fans. Se pretendiera que fuera todo un fenómeno mediático, con banda sonora, serie de animación para la televisión, un cómic basado en la película, un videojuego y todo tipo de merchandising. Pero parece ser que Julio Fernández, presidente de Filmax, no estaba dispuesto a que se per-

virtiera de tal forma al héroe de su infancia. Dicen que la patria de un hombre es su infancia, y qué duda cabe que podemos encontrar rasgos del aguerrido capitán, paladín de la justicia y defensor de los débiles, en el señor Fernández, que cuando recogió el Goya 2008 a la mejor película de animación por Nocturna: una aventura mágica (¿la han visto ustedes? Yo, tampoco) llamó a los presentes a emprender una cruzada contra los malvados piratas que se descargan películas de Internet, solicitando “medidas urgentes y con la misma fuerza que las empleadas contra el terrorismo y la pederastia”. Tras anunciarse un casting multitudinario por toda España para encontrar a los actores, en mayo de 2001 el proyecto se truncó por “diferencias de criterio y enfoque”, según declaró el director. Y lo que prometía ser una brillante carrera también se fue a pique. Bajo Ulloa sólo ha dirigido dos películas desde Airbag: Ordinary Americans (1999) y Frágil (2004). ¿Las han visto? Yo, tampoco. Filmax decidió seguir adelante con el proyecto. En 2004 se involucró a un osado Alejandro Toledo como director. ¿Lo conocen? ¿No? Es extraño, porque Toledo es un conocidísimo realizador de videoclips (como Corazón partío o El alma al aire, de Alejandro Sanz) y de diversos anuncios de televisión para marcas como Kodak, Nike, BMW, Telefónica o Antena 3 Televisión. Después de anunciarse que el rodaje comenzaría a principios de 2005, con guión de Juanma Ruíz y Jordi Gasull, y de presentarse el proyecto en Cannes, todo volvió a quedar en nada, y en noviembre de 2004 se dijo que se abandonaba el proyecto. Como también quedó en nada el nuevo proyecto de Toledo, la adaptación cinematográfica de ¡Independencia!, de José Luis Corral que prometía ser la película más cara del cine español (con un presupuesto de entre 25 y 30 millones de euros) y Cinemascomics │Septiembre 2011 │

Teaser poster de Capitán Trueno

que debía empezar a rodarse en mayo de 2008. Y en cuanto al señor Fernández, en febrero de 2008 fue acusado por la Fiscalía de Cataluña de apropiación indebida de nada más y nada menos que 50 millones de euros. Afortunadamente, todo quedó en un susto y el afamado productor gallego fue absuelto al mes siguiente. ¿Otra víctima de la maldición? En mayo de 2007, el inicio de la producción era “inminente”. Víctor Mora, poseedor de los derechos sobre sus personajes, los había cedido a la productora valenciana Maltés Producciones

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para rodar una película cuyo título provisional sería Las aventuras del Capitán Trueno. Sería dirigida por Pau Vergara, el realizador de films tan conocidos como el documental Más allá de la alambrada y Memorias de una guerrillera: La historia de Remedios Montero y relacionado con la productora. Evidentemente, ningún realizador de prestigio quería ser víctima de la maldición. Se dijo que su intención era presentar el reparto y la producción completa en el Festival de Cannes de ese año. Pero nuevamente, nada de eso ocurrió. Tan solo en mayo de 2008 se anunció que habían convencido a Elsa Pataky (la chica se apun-

ta a un bombardeo ya desde sus tiempos de la infame Beyond ReAnimator) para encarnar a Sigrid, tras haberse comprobado su solvencia para estos papeles tras sus interpretaciones en dos clásicos del Séptimo Arte como Santos o Romasanta (???). Pero en el Festival de Cannes de este año, la Pataky anunció que el proyecto seguía adelante, con 15 millones de presupuesto y un rodaje en inglés que comenzaría a mediados de noviembre en los estudios de Ciudad de la Luz (Alicante), pero ¡con un nuevo director! El nuevo elegido fue Daniel Calparsoro. Sí, amigos. El genial realizador de Ausentes (2005) y Guerreros (2002). Un hombre sin miedo que se atrevió a desafiar la maldición porque tampoco tenía demasiado prestigio que perder. Con quien no se contaba de momento era con un actor que encarnara al protagonista. La Pataky dijo que se trataría de un actor internacional “muy conocido”; es decir, que parecía que nadie quería ponerse el traje del Capitán. Tal vez Elsa llegó a pensar en convencer de alguna forma a su entonces amado, Adrien Brody, cuyo Manolete todavía no se ha estrenado “por diferentes problemas con la productora”. Y eso que estaba lista en 2007. Justo el año que la Pataky aceptó el papel de Sigrid. Como no podía ser de otra forma, la Pataky y Brody acabaron rompiendo, y nuestra particular ambición rubia acabó pillando a un fornido joven llamado Chris Hemworth que, curiosamente, saltaría a la fama no por encarnar al Capitán Trueno sino al mismísimo Dios del Trueno, que todavía hay clases... Finalmente, se dijo que bajo la dirección de Calparsoro, Álex González sería el Capitán; Manuel Martínez “Manolón”, campeón de España de lanzamiento de peso que debutó como actor con Estigmas, sería Goliath; Ricardo Gómez, Crispín y la Pataki, Sigrid. Sin embargo, un nuevo aplazawww.cinemascomics.com

miento hizo que ¡oh, sorpresa!, tanto Calparsoro como Álex González abandonaran el proyecto. Fue retomado en 2009, con guión de Pau Vergara y dirección de Antonio Hernández, que empezó dirigiendo Inocente, inocente para, tras El gran marciano, alcanzar cierto renombre con En la ciudad sin límites, y empezar a rodar cuesta abajo con Oculto, Los Borgia y El menor de los males. Para el papel protagonista fue elegido Sergio Peris-Mencheta. Nuevos contratiempos poco antes del inicio del rodaje: la Pataky, mascarón de proa del proyecto, da la espantada para unirse al elenco de Fast Five junto a Vin Diesel y Dwayne Johnson (The Rock) y es sustituida por Natasha Yarovenko (la rusa buenorra que se lo hacía con Elena Anaya en la infravalorada Una habitación en Roma, de Julio Medem). También Ricardo Gómez se cayó del reparto y el papel de Crispín recayó en el televisivo Adrián Lamana. Finalmente, El Capitán Trueno y el Santo Grial llegó a nuestras pantallas el pasado 7 de octubre, producida por Maltés Producciones y Sorolla Films, cuyo responsable, Antonio Mansilla, salvó in extremis el proyecto cuando consiguió mediar para que Disney se sumara a él. ¿Se había roto la maldición? De eso nada, queridos amiguetes, porque se trata de un producto realmente infumable, se mire por donde se mire, desde el trabajo de los actores a la dirección pasando por la banda sonora, calificado con muy buen criterio por Javier Ocaña en El País como “deforme insensatez (...) que no se sabe a quién enfadará más, si a los neófitos o a los fanáticos del tebeo”. A pesar de haber costado diez millones de euros, en su primer fin de semana recaudó tan solo 300.000, muy por debajo de los 1,1 millones de Intruders y de los 1,03 de Johnny English Returns. Además, la película no tuvo pases de prensa previos, y se suspendió a última hora su preestreno en Madrid, cuando www.cinemascomics.com

Elsa Pataky en un Fotograma de Fast Five.

Disney ya lo había anunciado. El día de su presentación en Valencia, tan solo estuvieron presentes el director y los productores, que excusaron la extraña ausencia de los actores por motivos profesionales o de salud. Tampoco la Generalitat, que ha financiado el filme con 700.000 euros, estuvo presente. Según diversas fuentes consultadas por El Mercantil Valenciano, desde la Generalitat, el Instituto Valenciano del Audiovisual y la vicepresidencia del Consell, llegó a barajarse incluso prohibir mediante poder notarial su preestreno, ya que el convenio de colaboración estipulaba que debía realizarse en Ciudad de la Luz en Alicante, algo que no se realizó. Por su parte, Disney dejó de lado la promoción alegando los cambios internos que se están produciendo en la compañía. Resultado: apenas publicidad, marketing y merchandising...y un gran enfado final por los métodos y desencuentros. Poco después, se abrió la caja de los truenos (nunca mejor dicho), cuando Peris-Mencheta acusó a Vergara de firmar el guión en solitario cuando, según el actor, era obra conjunta con el director. Además, también acusó a los

productores de impago, llegando a escribir en su tuiter “que Pau Vergara pague lo que debe y se aleje para siempre del cine español”. Por su parte, Mansilla se ha justificado diciendo que al filme le pilló de lleno el estallido de la crisis y que todas las productoras tienen problemas económicos y van satisfaciendo sus pagos poco a poco y que “la película está ahí y aún quedan cosas por decir”. Ninguna buena, nos tememos... Visto lo visto, parece que la maldición sigue viva y más fuerte que nunca, pues si se confiaba en el éxito de este primer film para asegurar una vida de Trueno en la pantalla tan larga como la que tuvo en cómic, podemos afirmar que, casi con total seguridad, esta será la primera y única vez que Trueno se deje ver por ellas. Un último dato. En 1978, el grupo Asfalto grabó su primer Lp donde incluyó una canción titulada, precisamente, Capitán Trueno. Se dice que haciendo correr el disco al revés en este corte, pueden escucharse las advertencias del terrible destino que espera a quienes osen sacar al Capitán de sus océanos de tebeo... Una viajera internacional se incliCinemascomics │Octubre 2011 │

Estreno

Contagio na sobre una bandeja de comida en un bar del aeropuerto antes de entregar la tarjeta de crédito al camarero. Una reunión de negocios, que empieza con un apretón de manos. Un hombre que tose en un autobús lleno de gente... Un roce. Un instante. Y ya se ha transmitido un virus letal. Cuando Beth Emhoff (Gwyneth Paltrow) vuelve a Minneapolis desde Hong Kong de un viaje de negocios, lo que ella piensa que es un jet lag da un giro virulento. Dos días después, muere en la sala de urgencias y los médicos le comunican a su impactado y entristecido marido (Matt Damon)

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14 de octubre que no tienen ni idea de por qué. Pronto aparecerán otras personas con los mismos y misteriosos síntomas: tos seca y fiebre, seguido de convulsiones, hemorragias cerebrales…hasta, finalmente, la muerte. En Minneapolis, Chicago, Londres, París, Tokyo y Hong Kong, el número de afectados se multiplica: pasan de uno a cuatro, luego a dieciséis, después a cientos, a miles... mientras que el contagio traspasa todas las fronteras debido a las innumerables interacciones cotidianas entre los seres humanos a lo largo del día. Estalla entonces una pandemia global.

En el centro estadounidense para el control y prevención de enfermedades, los investigadores se movilizan para intentar descubrir el código de un patógeno biológico nunca antes visto y que sigue mutando. El Director Adjunto Cheever (Laurence Fishburne) intenta calmar el pánico a pesar de sus preocupaciones personales, y debe enviar a una joven y valiente doctora (Kate Winslet) al foco del peligro. Al mismo tiempo, en medio de la creciente sospecha de que existe una posible vacuna y de quién la conseguirá primero, la Dra. Leonora Orantes (Marion Cotillard) de la Organización Mundial de la Salud, investiga la red de conexiones que podrían llevarwww.cinemascomics.com

le al origen de aquello a lo que se enfrentan. A medida que el número de muertos aumenta y que la gente lucha para protegerse a sí misma y a sus seres queridos en una sociedad en crisis, un blogger (Jude Law) se queja de que no se está diciendo la verdad sobre lo que está pasando realmente, creando así una epidemia de paranoia y de miedo tan contagiosa como el virus.

car® Marion Cotillard (La vida en rosa, Origen); el oscarizado Matt Damon (El indomable Will Hunting, la saga Bourne); el nominado al Oscar® Laurence Fishburne (Tina, Matrix); el también nominado al Oscar® Jude Law (Cold Mountain, Sherlock Holmes); la ganadora de un Oscar® Gwyneth Paltrow (Shakespeare enamorado, Iron Man) y la ganadora de un Oscar® Kate Winslet (The Reader (El lector), Titanic).

El ganador de un Oscar®, Steven Soderbergh (Traffic), es el director de este thriller mundial Contagio, congregando un elenco de estrellas internacionales encabezado por la ganadora de un Os-

La película está dirigida por Steven Soderbergh a partir del guión original de Scott Z. Burns (El ultimátum de Bourne, El soplón (The Informant!)), y cuenta entre su elenco con Bryan Cranston (Brea-

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king Bad de la AMC), Jennifer Ehle (El discurso del rey) y Sanaa Lathan (Alien Vs. Predator). La película está producida por Michael Shamberg, Stacey Sher y Gregory Jacobs, con Jeff Skoll, Michael Polaire, Jonathan King y Ricky Strauss como productores ejecutivos. El equipo creativo de la película incluye al diseñador de producción Howard Cummings, el editor ganador del Oscar® Stephen Mirrione, la diseñadora de vestuario Louise Frogley y el compositor Cliff Martinez.

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INFORMACIÓN SOBRE LA PRODUCCIÓN No hables con nadie. No toques a nadie. No te acerques a nadie. “Creo que siempre es interesante ver a gente enfrentándose a un problema real, especialmente cuando el tiempo corre en su contra, donde lo que está en juego no puede ser más importante”, afirma el director Steven Soderbergh, cuya nueva película, Contagio, plantea la duda de qué podría ocurrir, a nivel personal, nacional y mundial, si una enfermedad mortal desconocida se multiplicase a velocidad de vértigo, siendo capaz de propagarse sin control. ¿Cómo empezaría?, ¿Cómo se transmitiría?, ¿Cómo nos enfrentaríamos a ello? La inspiración para Contagio le llegó gracias a una conversación que él cree que “cualquiera podría tener”. Mientras trabajaban juntos en proyectos anteriores,

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como El soplón (The Informant!), Soderbergh y el guionista Scott Z. Burns viajaron mucho. Burns recuerda: “Steven y yo pasábamos mucho tiempo en el avión y hablábamos de que parece que a menudo la gente se enferma cuando viaja. Así que la idea empezó siendo la vulnerabilidad del ser humano en lugares públicos. Creo que todos nosotros, cuando enfermamos, tendemos a pensar con quién hemos estado los días anteriores, con quién hemos hablado, con quién nos hemos sentado o a quién hemos tocado. Es la naturaleza humana”. Compartir el aire con un pasajero contagiado, llevar objetos portadores de bacterias e inconscientemente frotarse después los ojos, puede desembocar en un molesto resfriado, pero los dos empezaron a especular, ¿qué pasaría si estas interacciones comunes e inocentes hicieran circular algo peor? ¿Y si se propagara rápidamente por todo el mundo? La gente podría morir sin saber por qué.

Y lo que es peor, en el intervalo de horas entre el contacto y la aparición de los síntomas, sería imposible averiguar quién lo tuvo primero o quién será el siguiente. Contagio es la colaboración más reciente de Matt Damon con Soderbergh, que interpreta a uno de los personajes principales de la película y afirma: “Steven explota todos los elementos de sus películas, resultan rápidas y amenas. Para un tema como este, en el que el ritmo de la película refleja la progresión de la infección y cómo todo forma una espiral fuera de control, quieres ver esa sensación de aceleración. Sabe exactamente cómo mantener vivas múltiples amenazas y acabar con cada una de ellas en el momento adecuado. La historia es muy dinámica”. “No es habitual tener la oportunidad de hacer una película que toque temas que afecten a todo el mundo y sea a la vez una película entretenida de suspense”, afirma Soderbergh. “Cuando Scott y yo hablamos de hacer una www.cinemascomics.com

película seria sobre una pandemia, pensé que debido a lo que está ocurriendo en el mundo, más todos los adelantos en medicina y tecnología, teníamos que acercarnos lo máximo posible a la realidad”. Admite: “Después de todo lo que hemos investigado, ahora no volveré a pensar igual sobre la forma en la que interactuamos. No te puedes meter de lleno en este mundo, y no cambiar tu percepción después de haber tomado consciencia de ello”. Esa concienciación, uno de los temas de la película, va aumentando a medida que el virus se extiende. Lo que hace que Contagio sea tan aterradora, tanto a nivel intelectual como emocional, es que aunque sea ficción, es una película basada en ciencia real y en posibilidades reales, y visto desde el drama que supone para cada persona y para cada relación, que podrían cambiar o perderse para siempre. “Es importante que estos personajes sientan y padezcan como las personas normales y que no sean solo meros expertos mé-

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dicos o profesionales en el campo”, comenta Kate Winslet, que interpreta a una doctora que trabaja en uno de los primeros focos identificados de la enfermedad. “Accedes al mundo de la epidemia a través de personas”. En medio de la reciente alarma por las bacterias resistentes a los antibióticos y la preocupación siempre presente respecto al uso de agentes biológicos como armas, “no tuvimos que inventar nada que no existiese ya para hacer la película más terrorífica”, dice Gregory Jacobs, socio productor de Soderbergh desde hace mucho tiempo. “Me encanta una buena película de zombis, pero sabemos que no es real. El impacto de esta película se debe a que hay que hacer frente al miedo que empieza en nuestra propia casa y que empieza manifestándose como un simple resfriado. Parece que la gente está bien, sigue con su vida normal, se mueve y propaga su enfermedad sin saberlo. Nadie parece preocuparse hasta que están ya realmente graves. Para entonces es demasiado tarde”.

Los productores Michael Shamberg y Stacey Sher estaban igualmente intrigados por cómo iba la historia a destapar nuestros miedos más primarios y nuestros instintos de supervivencia. “No solamente muestra cómo un virus puede infiltrarse entre tantísimas personas, sino también cómo afecta a la vida diaria, cuando lo cotidiano de repente deja de serlo y tienes miedo de volver a tu casa o de ver a tus amigos”, añade Shamberg. Los expertos definen un punto de inflexión en casos como éstos: se mide en días, es el punto en el que la sociedad empieza a colapsarse. Deja de haber comida, cierran los bancos, los colegios, las gasolineras y todas las fronteras están cerradas. Y aunque una crisis puede inspirar conmovedores actos de compasión, la realidad es más bien el pánico, la paranoia y la anarquía, que rápidamente se convierte en una amenaza en sí misma. “Creo que va a resultar impactante y dramático, además de

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un poco perturbador”, dice Jude Law sobre el posible impacto de la película en el público. “También es importante el hecho de que no sueles pensar sobre cosas cotidianas. No tocar los pomos de las puertas, toser en la mano en vez de en el hombro….de repente todas estas pequeñas cosas empiezan a ser tomar importancia en tu cabeza”. Sher dice: “Steven siempre pregunta: ‘¿Qué hay de real aquí, qué podría ocurrir y qué dirían?’, porque lo real es a menudo más escalofriante e ingenioso que cualquier cosa que puedas inventar”. Teniendo eso en mente, los cineastas se informaron y documentaron en el centro de prevención y control de enfermedades, y preguntaron a otros expertos en enfermedades contagiosas. Estos han sido los asesores técnicos de la película y al final, Sher llegó a la conclusión: “Creo que la pregunta que plantea Contagio no es si esto puede ocurrir, sino más bien cuándo ocurrirá”. Burns está de acuerdo: “La epidemia de gripe de 1918 causó 50 millones

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de muertos, la quinta parte de la población en ese momento, y más de la suma total de muertos de la Primera Guerra Mundial. La enfermedad se expandió de forma exponencial. Solamente hacen falta 30 pasos para pasar de uno a mil millones. Teniendo en cuenta el período de incubación, podríamos alcanzar ese número en 120 días”. Burns se enteró también de que cada semana se descubre un nuevo virus; “Lo que representa 52 balas al año en una pistola que apunta directamente a la raza humana”, dice. “Todo lo que ocurre en esta película puede pasar o incluso podríamos decir que ya está pasando, esto es lo verdaderamente aterrador”, añade Ricky Strauss, productor ejecutivo de la película y presidente de Participant Media, la empresa creada por Jeff Skoll para apoyar películas de temática social. Después de trabajar con Soderbergh y Burns en El soplón (The Informant!), Participant se embarcó en el desarrollo de Contagio y puso a disposición de los

cineastas las relaciones con científicos del Skoll Global Threats Fund (Fondo contra Amenazas Mundiales Skoll), que trabajan en la investigación de pandemias. Sin embargo, la ciencia y las estadísticas cuentan solamente una parte de la historia. Haciendo un gran esfuerzo por esbozar un cuadro que él califica como “épico en escala y ambición pero también de carácter íntimo”, Soderbergh sigue el progreso de la pandemia desde varios puntos de vista muy personales, a través de vías que avanzan simultáneamente y que interfieren entre sí, pero no necesariamente se cruzan. En este sentido, Contagio no refleja solamente los actos de valor y sacrificio de la gente normal ni de los profesionales que se comprometen a protegerla, sino también las decisiones no tan acertadas tomadas en base a las emociones que es lo que les hace ser quienes son. En el proceso, añade: “Cada personaje afronta un aspecto de su vida al que nunca se habría enfrentado si esta enfermedad no hubiera salido a la luz”. www.cinemascomics.com

En el corazón de la historia se encuentra el personaje de Damon, Mitch Emhoff, un padre de familia que ve cómo el regreso a casa de un viaje de negocios de su esposa Beth, interpretada por Gwyneth Paltrow, se torna una pesadilla al convertirse en la primera víctima conocida de una misteriosa y fatal enfermedad de forma tan repentina que ni si quiera tiene tiempo de despedirse. Cuando el patólogo local se queda atónito ante el resultado de la autopsia de Beth, avisa al centro de prevención y control de enfermedades. Allí comienza la búsqueda de respuestas, los investigadores comparan los síntomas de la mujer con otras muertes recientes, analizan muestras e intentan determinar el alcance de la amenaza mientras ésta continúa evolucionando. Mientras tanto, el Director Adjunto del centro, el Dr. Ellis Cheever, interpretado por Laurence Fishburne, sopesa las consecuencias que podría tener anunciar la verdad al mundo o esperar y ver el alcance de la www.cinemascomics.com

amenaza, lo que, a largo plazo, podría salvar más vidas. A las órdenes de Cheever está la Dra. Erin Mears, interpretada por Kate Winslet, quien acepta con entusiasmo su primera misión de prestigio como miembro del Servicio de Inteligencia de Epidemias del centro, junto con los primeros expertos en combatir la epidemia. Sin embargo, los parámetros del trabajo y sus riesgos, evidencian algo mucho más grave de lo que nunca hubieran esperado. Al mismo tiempo, en la OMS en Ginebra, la aparición nuevos casos ilumina ciertos sectores de un mapamundi, mientras la epidemióloga Leonora Orantes, interpretada por Marion Cotillard, trabaja rápidamente en la reconstrucción de los últimos días del itinerario de Beth y conecta los puntos aparentemente aleatorios que llevan al punto cero, y por tanto al paciente cero. Mientras el virus avanza rápidamente, de forma invisible, incesante e indiscriminada, aparece un tipo diferente de contagio de

la mano del intruso periodista Alan Krumwiede, interpretado por Jude Law, un hombre convencido de que el gobierno oculta la verdad y de que es posible que exista una cura. Aunque la mayoría de lo que Krumwiede cuenta es verdad, sus métodos avivan el miedo y “contribuye a los diferentes aspectos que toca la película, de drama, de misterio y de suspense”, apunta Jacobs. “Parte de la historia es que la forma en la que se propaga la información es muy similar a la del virus: quién la tiene, cómo la transmite, cómo se altera al pasar de una persona a otra o de una organización a otra. Krumwiede es la cara de esa idea”, aclara Soderbergh. “Esa era nuestra prioridad a lo largo de la película, tratar la información como un testigo que pasa de una escena a otra. Hay otras muchas cosas interesantes. En esta situación, es un problema mortal porque la desinformación puede matar”.

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Estreno

Mientras Duermes 14 de octubre César trabaja de portero en un edificio de apartamentos. Puede que no sea el mejor trabajo del mundo, pero la verdad es que no lo cambiaría por ningún otro, ya que su trabajo le permite conocer a fondo a todos los inquilinos del inmueble, sus movimientos, sus hábitos. Desde su posición resulta fácil controlar sus idas y venidas, estudiarles, descubrir sus puntos débiles, sus secretos. Si quisiera podría incluso controlar sus vidas, influir en ellas como si fuera Dios, abrir sus heridas y hurgar en ellas. Y todo sin levantar ninguna sospecha.

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Porque César tiene un secreto, un juego particular: le gusta hacer daño, mover las piezas necesarias para crear dolor a su alrededor. Y la nueva vecina del 5ºB no deja de sonreír. Entra y sale cada día radiante y feliz, llena de luz. Así que pronto se convertirá en el nuevo objetivo de César. Un reto personal. Una obsesión. El juego de César va a empezar a complicarse más de la cuenta. Pronto se volverá impredecible. Peligroso. Si no tiene cuidado, incluso podría volverse contra él.

MEMORIA DEL DIRECTOR Tras mi experiencia con [REC] y [REC]2, películas que optaban por una narrativa mucho más cercana a la televisión en directo y al falso documental que a un lenguaje de cine más convencional, me apetecía retomar los elementos más clásicos del thriller. Y entonces llegó a mis manos el guión de MIENTRAS DUERMES. Enseguida caí rendido ante aquella historia clásica de suspense y de maldad, tal vez mil veces contada antes, pero confeccionada esta vez a partir de la materia prima de la realidad más cercana y de lo cowww.cinemascomics.com

tidiano. Y esto la hacía para mi profundamente atractiva y aterradora. Nuestro hombre no era un asesino al uso, ni un torturador, ni un secuestrador obsesivo. Éste era distinto: un personaje tan malvado y perturbado como tantos otros, pero con una personalidad y un modus operandi completamente novedosos. Aquí no era cuestión de matar, de torturar, ni siquiera de abofetear, ya puestos. Porque el nuestro era un psicópata que teje su maldad desde las pequeñas cosas que nos rodean, los elementos más insignificantes de www.cinemascomics.com

nuestro entorno. Y esto lo hacía mucho más sutil, mucho más retorcido y peligroso. Y, sobretodo, mucho más plausible y cercano. Y esa era la trampa. El retrato era tan próximo y tan minucioso que de pronto te descubrías encubriendo la maldad, compartiéndola, casi habiendo tomado partido por ella. Y eso era lo más aterrador. Así que decidí que aquella iba a ser mi siguiente película. Porque suponía un reto para mí: jugar con el suspense en dos direcciones opuestas, a favor de la víctima o del verdugo según el momento. Y porque en el fon-

do, y esto me fascinaba, aquella historia era en realidad un cuento infantil (un personaje terrible y cruel que acecha a su víctima inocente y pura) reformulado en formato adulto y muy, muy perverso. Y porque siempre me ha asustado lo que puede estar ocurriendo a mi alrededor mientras duermo. ¿A vosotros no? Jaume

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Taylor Lautner interpreta a un joven que se ve metido sin quererlo en un letal mundo de espionaje encubierto en el ‘thriller’ de acción SIN SALIDA, dirigido por John Singleton. Desde que tiene uso de razón, Nathan Harper (Taylor Lautner) ha tenido la incómoda sensación de estar viviendo la vida de otra persona. Cuando se topa con una imagen de sí mismo de pequeño en una ‘web’ de personas desaparecidas, los peores temores de Nathan se hacen súbitamente realidad: se da cuenta de que sus padres no son los de verdad y que está viviendo una completa mentira, inventada con el máximo cuidado para ocultar algo más misterioso y peligroso de lo que jamás podría haber imaginado. Justo cuando empieza a juntar las piezas que le permitirán descubrir su verdadera identidad, Nathan sufre el ataque de un equipo de

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asesinos profesionales, lo que le obliga a huir, acompañado de la única persona en quien considera que puede confiar, su vecina Karen (Lily Collins). Cada segundo cuenta mientras Nathan y Karen tratan de huir corriendo para eludir a todo un ejército de asesinos y agentes federales. Pero, al ver cómo sus adversarios van estrechando poco a poco el cerco, Nathan se da cuenta de que la única oportunidad que tiene de sobrevivir – y de resolver el misterio sobre su escurridizo padre biológico – es dejar de correr, afrontar la situación y arreglárselas por sí mismo. SIN SALIDA está protagonizada por Taylor Lautner, Lily Collins, Alfred Molina, Jason Isaacs, Maria Bello, Denzel Whitaker, Michael Nyqvist y Sigourney Weaver. La película está dirigida por John Singleton, a partir de un guión de Shawn Christensen.

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ENTREVISTA

TAYLOR LAUTNER HAY VIDA DESPUÉS DE CREPÚSCULO Cuéntanos algo sobre Sin Salida y tu personaje, Nathan. El protagonista de Sin Salida es Nathan, un adolescente a punto de terminar el instituto que parece llevar una vida normal hasta que encuentra una foto de sí mismo en una web de personas desaparecidas. Descubre que toda su vida ha sido una mentira, sus padres no son los que él cree y el resto de la película tiene que huir, intentando seguir vivo y tratando de descubrir su auténtica identidad. ¿Te pareces en algo a tu personaje en la vida real? Me puedo parecer más al Nathan del principio, cuando sale de fiesta con sus amigos y tiene que ir al instituto y todo eso, sin duda me parezco a él en eso. Sin embargo es muy difícil parecerse a la otra cara de Nathan, cuando descubre que todo es una gran mentira. Se trata de una situación bastante extraordinaria, y es difícil relacionarse con sus sentimientos. ¿Te ayudaron tus conocimientos en artes marciales para las escenas de lucha? Si, sin duda fueron de gran ayuda. Fue muy emocionante poder usar ese conocimiento en algunas escenas, pero al mismo tiempo había muchas cosas nuevas para mí en las que tuve que entrenarme de antemano porque no las había hecho antes. Me ha pasado con el www.cinemascomics.com

boxeo, la conducción de motos y la lucha libre. Fue genial poder usar las artes marciales y también estuvo muy bien poder hacer cosas nuevas. ¿Qué artes marciales has estudiado? Cuando era muy pequeño empecé a estudiar una forma tradicional de kárate llamada Shorin Ryu, pero más tarde seguí haciendo lo que se denominan artes marciales extremas. ¿Qué se siente al trabajar con actores como Sigourney Weaver y Alfred Molina? Fue absolutamente increíble, no podría haber hecho la película sin todos ellos. Nunca pensé que tendría la oportunidad de trabajar con alguien como Sigourney, Alfred, Maria Bello y Jason Isaacs. La película tiene un reparto lleno de estrellas y fue genial poder trabajar con todos ellos. ¿Cuál fue la escena más difícil de rodar? Es realmente difícil elegir una. Me viene a la cabeza una escena con Nathan y su madre, interpretada por Maria Bello, en la que ella le cuenta que no es su auténtica madre. Fue una escena muy emotiva y supuso un verdadero reto, pero como actor no se puede pedir más que actuar junto a alguien como Maria Bello.

¿Qué se siente al ser tan famoso y siendo tan joven? Realmente no me centro en eso. Es genial poder hacer lo más me gusta. Nunca pensé que me dedicaría a esto, así que es como un sueño hecho realidad. Pienso que todo lo demás son gajes del oficio. Me concentro en el trabajo y es alucinante poder hacer lo que hago. ¿Estás presente las redes sociales? ¿Cuál prefieres? Sólo tengo Facebook, de hecho lo tengo desde hace poco, es muy sencillo, facebook.com/taylorlautner. Esta es la única forma en la que me comunico con fans, así que si estáis hablando conmigo en Twitter, no soy yo. ¿Cuáles son tus proyectos de futuro? Aún no estoy seguro del todo de lo que voy a hacer ahora, hay algunos proyectos que me apetecen mucho. Me decidiré pronto, pero puedo adelantarte que será algo muy diferente a lo que he hecho hasta ahora, será algo nuevo, un reto. ¿Quieres enviar un mensaje a tus fans españoles? Quiero darles las gracias por todo, porque no estaría hoy aquí si no fuera por ellos, espero que disfrutéis de la película.

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Otra Tierra 20 de octubre “En la extraordinaria historia del universo, de más de 13.000 millones de antigüedad, una réplica de nuestra Tierra existe en otro lugar. Hay otro tú ahí fuera” -- Narrador, OTRA TIERRA Si te encontraras con otra versión de ti mismo, ¿qué dirías? Y si tuvieras otra oportunidad en una vida exactamente igual que ésta sólo que diferente, ¿qué te atraería, qué te asustaría y, en su caso, qué te detendría?

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La primera, provocadora e introspectiva película de Mike Cahill, OTRA TIERRA, cuenta la cruda y conmovedora historia de Rhoda Williams (Brit Marling), una inteligente joven que busca la forma de reparar una terrible tragedia. Vive en un mundo como el nuestro, salvo que, repentinamente, a lo largo de la noche, en el cielo aparece un planeta misteriosamente idéntico –llamado provisionalmente Tierra 2–, como un gigantesco y reflectante espejo gravitando sobre nosotros.

Para Rhoda, ese extraño e inquietante planeta, así como la realidad paralela que los científicos afirman que brinda, constituye su última esperanza. Absolutamente perdida tras sufrir un espantoso accidente que puso fin a sus sueños de convertirse en astrofísica, Rhoda no tiene ninguna perspectiva de futuro. Llevada por la necesidad vital de enfrentarse a su pasado, Rhoda termina presentándose en la casa del hombre cuya vida alteró irremisiblemente: el reputado compositor John www.cinemascomics.com

Burroughs (William Mapother). Confusos, recelosos y repletos de dudas en torno a su propia identidad, Rhoda y John inician una inverosímil a la vez que peligrosa relación amorosa. Pero cuando Rhoda tiene la increíble oportunidad de viajar a Tierra 2, se pondrá de manifiesto la oculta realidad de su relación y se suscitará la cuestión: ¿Y si de los enigmas del universo que aún no conocemos el mayor somos nosotros mismos? www.cinemascomics.com

OTRA TIERRA, un enorme éxito en el Festival de Cine de Sundance de este año, ganó el premio Alfred P. Sloan a la mejor película con temática en torno a la ciencia y la tecnología, así como el premio especial del jurado a la mejor película dramática. Fox Searchlight Pictures presenta la producción de Artists Public Domain OTRA TIERRA, dirigida por Mike Cahill y escrita por Cahill y Brit Marling. Los productores son Hunter Gray, Cahill, Marling y Ni-

cholas Shumaker. Tyler Brodie (PI, FE EN EL CAOS) y Paul Mezey (HALF NELSON, MARÍA, LLENA ERES DE GRACIA) son productores ejecutivos, y Phaedon Papadopoulos es productor asociado. El equipo creativo incluye a la diseñadora de vestuario Aileen Diana, el diseñador de producción Darsi Monaco, con música de Fall on Your Sword, diseño de sonido de Ryan M. Price, dirección de fotografía y montaje de Mike Cahill, y Liang Cai como asistente de dirección. Cinemascomics │Octubre 2011 │

El poder de la ficción especulativa OTRA TIERRA, que supone el debut en la dirección cinematográfica de Mike Cahill, explora el ámbito de la ficción especulativa al embarcarnos en un viaje por el inconmensurable y enigmático universo del corazón humano. Dentro del fantástico concepto de la historia en torno a la existencia de una Tierra alternativa y una búsqueda espacial sin precedentes, básicamente se halla la descarnada y conmovedora relación entre dos personas inmersas en un viaje mucho más personal, uno que transita por el sentimiento de culpa, la rabia, el perdón, la esperanza y el estupor más absoluto. Según Cahíll, que escribió el guión junto con la protagonista de la película, Brit Marling, la historia empezó a gestarse a partir de su curiosidad por el concepto “doppelgängers”, la creencia de que en algún lugar del universo existe

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un doble exacto de ti mismo que comparte todos tus rasgos... pero no necesariamente tu historia. Esto condujo a la sorprendente idea visual de una segunda Tierra apareciendo en nuestro cielo, dando al traste definitivamente con la idea de que estamos solos en el universo. “Todo comenzó con la siguiente pregunta: ¿Cómo sería conocerte a ti mismo de verdad?” Cahíll concreta. “¿Cómo sería observar todo lo que sientes respecto a ti en alguien que tienes enfrente? ¿Querrías realmente conocer a esa persona? ¿Cómo te sentirías si lo hicieras? ¿Serías capaz de perdonar a esa persona todas las cosas que tú sabes que ha hecho? Nos ajustamos a esa idea y la extrapolamos de manera que fuera el mundo entero el que se enfrentara a la realidad de otro planeta Tierra”. Esta idea se combinó luego con una durísima historia sobre una

prometedora joven que desde niña soñaba con ser astrofísica pero cuya vida cambió completa y radicalmente en tan sólo un instante. Ahora, con Tierra 2 ahí fuera, ella no puede evitar preguntarse si su vida efectivamente podría ir por otro camino, si habría una solución que pudiera borrar su error más imperdonable. “Queríamos analizar la eventualidad de las segundas oportunidades”, dice Cahill. “Todos hemos tenido en nuestra vida algún momento importante donde hemos pensado: ¿Y si las cosas hubieran sido distintas? Por lo tanto, en la película nos preguntamos: ¿Y si mi doble tomó un camino alternativo, quizás el camino ideal? ¿Cómo sería de diferente esa persona? ¿Tendría necesariamente una vida mejor? Y comprendimos que ese duplicado de ti mismo, que experimentó tu versión idealizada de la vida, puede no tener realmente la existencia vital más intensa y emocionalmente prowww.cinemascomics.com

funda o significativa. Nunca lo podrías llegar a saber si no tuvieras la oportunidad de estar cerca de la copia de ti mismo”. Cahill y Marling ya habían colaborado en un documental, pero este filme suponía un desafío absolutamente nuevo, que les llevaría por otro camino en el ámbito de la realización cinematográfica. En vez de seguir pautas habituales y obsoletas, Cahíll y Marling optaron por que la intuición, la espontaneidad y un estilo de “menos es más” determinaran su dirección. “Verdaderamente es una película excepcional”, declara Marling. “Creo que nuestra intención era estimular la imaginación del público, motivando su capacidad de asombro. La película te saca de tu prosaica existencia y te precipita a un mundo donde cualquier cosa es posible, incluyendo una realidad alternativa de ti mismo. La otra Tierra se convertía en una forma de ponernos ante un espejo de nosotros mismos, nuestra cultura y nuestro mundo, al cual nos obliga a enfrentarnos”. Cahill está satisfecho de que nadie sepa decir con seguridad a qué tipo de género cinematográfico corresponde OTRA TIERRA, “porque lo que pretendíamos provocar con la película era sobre todo un sentido sobrenatural del gran misterio que constituye el universo”. “¿Es OTRA TIERRA una típica película de ciencia-ficción? ¿Es un drama romántico? ¿Es una historia de redención? Da igual lo que el público sepa de la película antes de verla, no creo que pueda intuir lo que va a experimentar por dentro cuando aparezcan los créditos finales”, considera Cahíll. Otra forma de hacer una película Tanto Mike Cahill como Brit Marling pretendían contar la historia de forma poco convencional. De hecho, ambos habían estudiado www.cinemascomics.com

Económicas en la Universidad de Georgetown, aunque en períodos distintos. Cahill se había convertido después en realizador de exteriores, director de fotografía y montador de National Geographic, y cuando volvió a Georgetown, con motivo de un festival de cine, fue cuando conoció a Marling, que le impresionó por su pasión por el séptimo arte. Poco tiempo después, empezaron a trabajar juntos en documentales, como BOXERS AND BALLERINAS, un filme sobre las relaciones entre Estados Unidos y Cuba vistas a través de los ojos de cuatro jóvenes: un boxeador y una bailarina de Miami, Florida, y un boxeador

y una bailarina de La Habana, Cuba. Desde el principio, Cahill y Marling optaron por un enfoque propio, iconoclasta y absolutamente práctico para crear OTRA TIERRA. Primero, trabajaron en el tratamiento de la historia de Rhoda Williams y John Burroughs, centrándose en una cuestión que Marling sintetiza en: “¿Cuál es el tipo de persona que más necesita encontrarse a sí misma?”. A continuación, Cahill y Marling dedicaron meses a entrelazar cuidadosamente un épico concepto de la ciencia-ficción con un pequeño drama humano, hasta desarrollar Cinemascomics │Octubre 2011 │

un guión completamente conformado. Cahill afirma, “Una vez que todo se puso en marcha, se juntó una sorprendente suma de talentos y un grupo de productores extraordinariamente inteligentes nos guió a lo largo de toda la producción. Se incorporó William Mapother, así como otros reputadísimos actores, compositores y expertos en efectos visuales, y, todos juntos, elevaron el nivel de este pequeñísimo proyecto hasta el que ahora tiene”. Aun así, Cahill sabía que se dirigía a un lugar donde pocos realizadores habían ido antes. “Intentábamos combinar el concepto de película comercial con un filme de vocación absolutamente independiente, así como ligar los elementos de ciencia-ficción con un crudo drama sobre la redención. Éramos muy conscientes del reto que suponía mantener este equilibrio”, dice Cahill. El reto también era evidente para los productores de Artists Public Domain (APD) –una inusual empresa sin ánimo de lucro cuyo

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objetivo es materializar películas creativas y de muy bajo presupuesto–, que prestaron su apoyo al proyecto. El productor de APD Hunter Gray recuerda su primera reunión con Cahíll: “En realidad no tenían escrita la historia. Había tres párrafos en una hoja de papel. Sin embargo, Mike, cuando habla, tiene la capacidad de engatusarte y hacerte creer en las ideas más disparatadas. Verdaderamente nos convenció de involucrarnos en el proyecto e incluso de mucho más, trabajar con él”. Otro productor vinculado a APD, Paul Mezey, colaboró con Cahill y Marling. “Paul es fantástico ayudando a desarrollar las historias y alentando a los nuevos realizadores para que verdaderamente profundicen en sus ideas”, dice Gray. “Mike realmente se entusiasmaba cuando trabajaba con Paul. Y era algo absolutamente increíble de ver”. Para Gray, lo increíble fue llegar a realizar todo lo que él esperaba por parte de APD. “Una de las cosas que siempre habíamos querido hacer, desde que creamos esta entidad sin ánimo de lucro,

era proporcionar a personas con el tipo de energía y visión de Mike y Brit el apoyo que necesitan, y que simplemente se pusieran a hacer su película”, afirma. “Les facilitamos una estructura potente que les permitió explorar su particular y artesanal estilo. Y fue muy emocionante comprobar que eso sucedió”. Al final, Gray y el resto de productores vieron cómo la película se convirtió, a partir de unas pocas escenas rodadas improvisadamente, en una impresionante experiencia para el público de Sundance. “Yo creo que se convirtió en una hermosa obra de arte”, resume Gray. “Es una película imposible de describir. No es realmente ciencia-ficción, aunque lo es. No es realmente una historia de amor, pero lo es. Es algo absolutamente único, lo que la hace muy especial. Es un viaje que emprenden los espectadores, y del que salen con un montón de preguntas”.

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La Cosa Por Christian Arza

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En una época en la que los remakes y las precuelas están a la orden del día no es difícil de imaginar el panorama cinematográfico que nos espera de aquí a unos años. Rescatar viejas películas, incluidas las de serie B, para contarnos la misma historia pero actualizada y con más presupuesto o contarnos qué pasó antes de la primera película original. Este es el caso de la película que llega a nuestras pantallas el 21 de octubre: “La cosa”, precuela de la película original de John Carpenter que realizó en el año 1982 con Kurt Russell como protagonis-

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ta. Esta, a su vez, es un remake de otra película realizada en 1951 por Christian Niby, “El enigma de otro mundo”, todas ellas basadas en un relato corto de ciencia ficción de John W. Campbell “Who goes there?” premiado en 1973 como uno de los mejores relatos de ciencia ficción y fantasía. Pero vayamos al argumento, que realmente es lo que enlaza las películas originales con la nueva que se estrena en unos días. En el original, tomamos el de Carpenter como referencia, un grupo de científicos que llegan a la Antártida descubren una base mili-

tar abandonada y encuentran un extraño ser enterrado en el hielo que pronto se convierte en una amenaza para toda las expedición antártica. El ser, con la capacidad para mutar, va eliminando a los integrantes del grupo y adoptando diversas formas, entre ellas, las de la propia persona o animal que mata. Una vez descubierto esto, empieza una carrera llena de acción y paranoia por descubrir quién es humano y quién la cosa para poder eliminarlo. En esta nueva entrega nos descubrirán cómo empezó todo, una precuela en la que nos explican qué pasó antes de que llegaran los priwww.cinemascomics.com

meros exploradores a la base y la encontraran devastada. Sin duda, la nueva película dirigida por Matthijs Van Heijningen, al que lo único que unía al cine eran unos pequeños videos, cuenta qué sucedió antes de que el primer grupo llegara a la estación Thul, la que se encuentran los compañeros de Kurt Rusell abandonada y llena de muerte en la original. En esta ocasión, cuenta con una heroína para sustituir a Rusell, lo que nos lleva a cuestionarnos si el director está haciendo de esta película su propia “Alien” y si su protagonista Mary Elisabeth Winswww.cinemascomics.com

tead (La jungla 4.0) es la nueva Ripley del cine de acción alienígena. Bueno, no nos vamos a aventurar tanto, porque Sigourney Weaver es un icono ahora mismo y ya veremos qué camino sigue el relevo generacional. Ella será la que lleve el peso de toda la trama. Pero no estará sola. En su periplo de horror y frío le acompañan Joel Edgerton (“Animal kingdom”), Ulrich Thomsen (“The international: Dinero en la sombra”), Eric Christian Olsen (“La conspiración del pánico”), Adewale AkinnuoyeAgbaje (“G.I. Joe”) y Jonathan

Walker (“Red”). Todos ellos dispuestos a hacer frente al horror que se cierne sobre la humanidad. El guión de la película está escrito por Eric Heisserer y Ronald D. Moore. Tanto los guionistas como el director trataron de ser lo más fieles posibles al original de Carpenter a la hora de preparar la historia que le antecede: «Estudiamos el set de la destruida base noruega en la película de Carpenter», asegura el productor, mientras que Van Heijningen declara así sus intenciones: «Adoro la película original, es una de mis favoritas. He tratado de realizar el mayor homenaje al original que Cinemascomics │Octubre 2011 │

he podido». Hay que mencionar que la música de la entrega de Carpenter estuvo compuesta por Ennio Morricone, famoso compositor nominado al Oscar por “La misión” al que en esta ocasión nominaron a los Razzies, los anti Oscar. Le sustituye en la misión Marco Beltrami, quien para el trailer homenajeó a Morricone con notas de la partitura original. Este hombre, que ya tiene experiencia en el campo fantástico con películas como “Scream”, “Drácula 2000”, “Cursed” o “Dont be afraid of the dark” sin duda captará el espíritu de esta nueva entrega sabiendo sacar lo mejor de la película de Carpenter para trasladarla a esta nueva atmósfera que han recreado. Con un presupuesto estimado en 35 millones, y con serios problemas de producción que la obligaron a retrasarla y a mejorar los efectos especiales, ya sabemos que en Hollywood se hacen pases previos de cada película, y que

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en ellos puedes testar si la cosa (valga la redundancia) funciona o no. La película se exhibirá en el festival de Sitges, famoso por ser el festival de cine fantástico más importante del mundo, en la ceremonia de clausura del mismo, donde se podrá ver si gusta a a la gente o por el contrario les parece una abominación peor que la propia criatura. Somos conscientes de que a estas alturas de la vida, las precuelas son tan importantes como la película original. Cuando se crea el argumento de un nuevo film, ya se hace desde un punto en el que se permita desarrollar más adelante lo que pasó antes de todo, incluso mediante varias películas, como el caso de “Los vengadores”, en que para llegar a la película coral se han realizado varias entregas que muestran el camino de cada protagonista por separado antes de juntarse en el Grupo Más Poderoso de la Tierra. A mí, personalmente, el film de Carpenter me encantó y me hizo preguntarme por lo que pasó en la base antár-

tica para que la encontrara Kurt Rusell como la encontró, pero eso es parte de la magia del cine, dejarnos llevar a veces por imaginaciones y conjeturas para intentar adivinar qué sucedió, cómo pasó. En estos tiempos, donde desde el otro lado del charco quieren darnos todas las respuestas que nos han planteado cientos de directores, escritores y actores/actrices en sus películas, hay veces que es mejor no dar explicaciones porque lo interesante no reside ahí sino qué hacemos con una situación que ya tenemos. Cómo nos desarrollamos a partir de ese momento. Estoy seguro de que aunque vayamos a ver la película, y nos expliquen qué sucedió en la película original, esa “Cosa” seguirá siendo un enigma de otro mundo que ni entenderemos ni podremos explicar. Pero como he dicho antes, quizá ahí es donde radica la magia. 2 SINOPSIS En un futuro próximo en el que En www.cinemascomics.com

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EVA 28 de octubre En un futuro próximo en el que los seres humanos viven junto a criaturas mecánicas, Alex, un reputado ingeniero cibernético, regresa a Santa Irene con el encargo de la Facultad de Robótica de crear un niño robot. En estos diez años de ausencia, la vida ha seguido su curso para su hermano David y para Lana que, tras la marcha de Alex, rehicieron su vida. La rutina de Alex se verá alterada de forma inesperada por Eva, la hija de Lana y David, una niña especial y magnética, que desde el primer momento establece una relación de complicidad con Alex. Juntos emprenderán un viaje que les precipitará a un final revelador.

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EL PROYECTO “El germen del proyecto nació hace mucho tiempo, cuando tenía unos diez u once años. Una tarde, después de ver un capítulo del Dr. Who trufado de daleks, me lancé a construir robots con cosas que había por casa: cartones, lápices, rollos de papel de wáter, coladores, etc. Eso fue mucho antes de que decidiera que quería hacer cine y estudiar en la ESCAC, la Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya. Cuando acabé de estudiar en la ESCAC estaba mucho más enamorado de las historias que de las máquinas, pero seguía soñando con rodar una película ligada a la fantasía, a la ciencia ficción. Pensaba que,

con mucha suerte, mi segunda o tercera película podría ser una cinta de robots. Pero enseguida me enteré de que Sergi Casamitjana, productor ejecutivo de Escándalo Films (productora asociada a la ESCAC), estaba intentando impulsar un proyecto de ciencia ficción. Así es como arrancó todo. Con Martí Roca empezamos a escribir lo que sería la base de los personajes de Eva. Tras varias versiones, nos dimos cuenta de que, si bien los personajes eran interesantes, necesitábamos un núcleo dramático consistente, fuerte y universal. Fue esa razón la que nos llevó a contactar con Sergi Belbel, reconocido dramaturgo catalán y actual director del TNC de Barcelona. Él, junto www.cinemascomics.com

a Cristina Clemente, dieron a la película esa base dramatúrgica que creíamos imprescindible. A partir de esa sólida base trabajamos con Aintza Serra en la concreción de cada secuencia para crear el documento final que hemos rodado”. Kike Maíllo. Director Eva es el primer proyecto internacional de Escándalo Films focalizado en un nuevo objetivo: unir el valor técnico y artístico de los nuevos cineastas, autores y actores para generar un proyecto de interés dirigido a un mercado mundial. Eva es una historia de ciencia ficción muy lejos de los tópicos del génewww.cinemascomics.com

ro. Es un aventura dramática que plantea un debate de absoluta actualidad. Un producto seductor y atractivo para un amplio target de espectadores, inspirado en los clásicos inmortales del fantástico universal. Su historia es sencilla, local pero universal, con personajes cercanos, dramas tangibles y en un marco idílico para despertar el imaginario del espectador. Eva es una historia de cine fantástico, de amor y de muerte. Escándalo Films y un seleccionado grupo de las mejores instituciones y plataformas del sector nacionales e internacionales hemos desarrollado un proyecto ambicioso y con un diseño de producción muy cuidado. Un producto comercial

con un toque autoral que lo hace único y especial. EL TEMA El género de ciencia-ficción normalmente formula preguntas que proponen nuevas reglas del juego, nuevos mundos. Esos mundos de fantasía, en ocasiones utópicos, en otras distócicos, suelen invitarnos a la reflexión. Cuando empecé a darle vueltas a la idea de realizar una película de ciencia ficción con trasfondo robótico llegué a la conclusión de que lo que más me interesaba era reflexionar sobre la relación entre humanos y máquinas: ¿es posible que los humanos nos lleguemos a sentir tan atraídos o tan próximos a las máquinas, por perfectas y por parecidas a nosotros, que podamos Cinemascomics │Octubre 2011 │ 57

llegar a establecer lazos emocionales tan poderosos como con otros humanos? ¿Se dará en algún momento, en un futuro cercano o lejano, la posibilidad de que nos podamos enamorar o querer a una máquina aun sabiendo que se trata de un emulador? ¿Cómo afectarán esas “nuevas” relaciones a las “viejas” relaciones con humanos? ¿Se dará un fenómeno de progresiva sustitución? A partir de estas cuestiones nace la trama de Eva. Alex quiere crear un robot tan sofisticado que sea capaz de robar el corazón de una persona. UN MUNDO FANTÁSTICO Realizar una película fantástica implica crear un universo ajeno, distinto al que todos conocemos. Así que pronto tuvimos que empezar a imaginar cómo nos gustaría que fuese el mundo de Eva. Particularmente, andaba hastiado de las propuestas apocalípticas de muchas películas futuristas que describen un mundo oscuro, pantanoso, donde la violencia campa a sus anchas. Desde mi punto de vista, es más interesante plantear un ambiente que, sin llegar a ser perfecto, propusiese una correcta convivencia entre civilización y

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naturaleza. Por esa razón, el bosque, la montaña y la nieve está tan presentes en la película, dando lugar a una especie de universo ecofuturista. En esta idea de crear un futuro ligeramente optimista, intentamos también crear un universo en el que se hubiera sabido recuperar o mantener lo bueno del pasado. Algo similar a lo que sucede en nuestros hogares, en los cuales es fácil encontrar utensilios, muebles o prendas de vestir de hace 15, 20 ó 30 años. No nos interesaba recrear un futuro completamente innovador o hightech, ya que queríamos que el público se sintiese como en casa. Así pues, a ese universo de ecofuturismo intentamos añadir también la idea de retrofuturismo. Creíamos que, con estos dos conceptos, conseguiríamos aproximar el género de la ciencia ficción a un público mucho más amplio, a toda esa gente que le incomoda imaginarse el futuro como algo totalmente distinto, como un lugar excesivamente extraño en el que no se siente identificado. Intentamos, precisamente, generar el efecto contrario propio del género, estableciendo una base

muy cercana y reconocible para el espectador introduciendo el condicional. ¿Cómo sería nuestra vida ahora mismo si tuviéramos un robot pululando por casa? Con la intención de crear ese universo cercano a la vez que innovador recuperamos las formas, las líneas y la estética de un tiempo pasado, concretamente, en la década de los 70 y primeros 80. La película nos habla de la vuelta al hogar de Alex, por tanto, de la nostalgia. Y, para mí, la etapa más nostálgica es la de mi niñez, que coincide con esos finales de los 70 y principios de los 80. Es una época con una estética muy atractiva y en las que, además, se hizo un cine brillante del que es deudor esta película. EL ENTORNO Eva transcurre entre montañas nevadas. Una de las razones por las cuales escogimos esos paisajes es porque la nieve resulta exótica para gran parte de nuestro público. Cuando preparaba la película, que combina ese lado frío de la ciencia ficción con una gran parte sentimental, pensé que el tono debía resultar cercano, pero el paisaje podía situarse en un conwww.cinemascomics.com

texto que no fuese del todo familiar. Quizá, de haber sido sueco, la película no se hubiese rodado jamás en la nieve, sino en la playa. Por ello evitamos también rodar en la nieve de alta montaña, la única que conocemos aquí. Nos propusimos rodar en una estepa nevada, en prados y llanuras nevadas al estilo de las que uno imagina en Canadá o en Nueva Inglaterra (EE.UU). Afortunadamente, encontramos ese tipo de escenario muy cerca de casa, a apenas una hora de vuelo, en la fría estepa suiza de la zona francesa. Concretamente rodamos en Chaux-de-Fonds, en Suiza, y en Panticosa, provincia de Huesca. Esos lugares fantásticos se adecuaban perfectamente a lo que buscábamos, tal y como puede verse en los planos aéreos que rodamos en la película. Que el ambiente externo fuese tan frío obligaba a que los interiores fueran muy cálidos. La idea de hogar suele ser más evidente cuanto mayor es la diferencia de temperatura entre exterior e interior. De ahí que yo defina Eva como una película hecha con nieve y madera. Los interiores de la casa de Alex www.cinemascomics.com

y de su laboratorio se reconstruyeron en un plató en la ciudad de Barcelona. Y, tan sólo la secuencia final se rodó en un lugar cálido: la isla de Tenerife. LOS PERSONAJES DE LA PELÍCULA: LOS ROBOTS Dichos paisajes están habitados por numerosos personajes que, a su vez, pueden diferenciarse en dos grupos: los humanos y los robots. En la película hay, esencialmente, dos tipos de robots: los de servicio y los androides. Los robots de servicio están dedicados a auxiliar a los humanos en labores engorrosas como limpieza, almacenaje, transporte, etc. Esos robots fueron diseñados como máquinas y tienen una apariencia alejada de la forma humana. Los robots androides, en cambio, tienen una apariencia humana más o menos completa (como es el caso de los personajes de Dorotea o Max), ya que fueron creados con la finalidad de servir de compañía a los humanos. Los robots androides están interpretados por actores humanos, mientras que los robots de servicio fueron creados básicamente de forma digital.

Aparte de Max, increíblemente interpretado por Lluis Homar, los dos robots con más peso en la película son el gato Gris y el prototipo de SI-9. El gato es un artilugio mecánico que emula a un felino. Se trata de una combinación de marioneta operada por tres manipuladores y criatura digital. En el caso del SI-9, en cambio, se usó un patrón de rodaje parecido al que se utilizó para crear a C3PO en Star Wars. SI-9 es un robot androide del tamaño de un niño pero con apariencia metálica. Estuvo interpretado por una actriz a la que pusimos una coraza de cuerpo entero diseñada por Arturo Balseiro. Luego, la magia digital hizo el resto para que en ningún momento parezca que dentro de esa armadura pueda haber alguien. El éxito del realismo de los robots de Eva se basa en la técnica que seguimos a la hora de rodarlos: hemos avanzado mucho en el campo de los efectos especiales digitales y estamos en un punto inimaginable 25 años atrás, pero durante el rodaje creímos imprescindible que hubiese el máximo de elementos físicos en escena. Por esta razón, tanto el gato como el prototipo fueron construidos físiCinemascomics │Octubre 2011 │

camente. Era imprescindible que pudieran ser manipulados por los actores y que tuvieran peso, para dotar a la escena de realismo. Además de los robots, Eva está plagada de más máquinas futuristas. Por un lado, Alex recibe el encargo de diseñar el procesador (cerebro) de un niño robótico. El ingeniero utiliza para ello el Hand-up, una herramienta de trabajo que creamos específicamente para la película. Este interface le permite trabajar de pie con piezas volumétricas de cristal que puede coger, desplazar, cambiar de tamaño o modelar. Cada una de esas piezas representa un rasgo del carácter del robot. Esta aproximación al cerebro del robot está basada en la Frenología, una paraciencia que vivió su esplendor en el s.XIX según la cual cada parte del cráneo está dedicada a un rasgo del carácter. Nosotros escogimos 24 reguladores de esos rasgos del carácter y los convertimos en piezas de cristal que Alex modula para elaborar el cerebro. El resto de máquinas de la película son fundamentalmente pantallas y coches creadas como Motion

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Graphics que aplicamos a pantallas, sistemas operativos, porteros automáticos y navegadores. Estos aparatos fueron diseñados por The Own y su fuente de inspiración fueron los electrodomésticos (neveras, tocadiscos, amplificadores) de las décadas de los 60 y 70. Siguiendo esa misma filosofía decidimos que los dos coches que más presencia tendrían en la película serían un Saab de los 80 y un Volvo de los años 70. LOS PERSONAJES DE LA PELÍCULA: LOS HUMANOS Creo que es muy difícil imaginar un reparto español mejor para interpretar a los personajes de Eva. Me siento muy afortunado. Desde los ensayos sentía que, cada minuto que trabajaba con Daniel, Marta, Alberto o Claudia, la película iba creciendo y mejorando. De una forma muy intuitiva intentaba llevarlos hacia donde creía que estaba la película y ellos no sólo me acompañaban, sino que llenaban los huecos donde no llegaba el guión. Daniel Brühl interpreta el papel de Alex Garel, el protagonista.

Brühl es ya una estrella europea, un actor que conoce muy bien nuestro país, que domina el catalán y el castellano y, sobre todo, un maravilloso intérprete. Venía de rodar Inglorious Bastards a las órdenes de Quentin Tarantino y tenemos que agradecerle que, de entre una docena de propuestas, escogiese hacer nuestra película. Es muy fácil trabajar con él porque es un actor que controla muy bien su cuerpo, su voz y sus reacciones. Es muy elegante y tiene una gran cabeza: es capaz de estar en un mismo espacio emocional durante largo tiempo, y saber por qué está allí, rememorando aquello que le hace estar conectado. Es muy fácil trabajar con alguien como Daniel Brühl. Marta Etura interpreta el papel de Lana. Marta es una actriz capaz de entrar en una escena en un clic. Domina con maestría los momentos de mayor dramatismo, controla con aparente facilidad los pasajes con gran carga emocional. Posiblemente, Marta protagonice dos de las tres secuencias más bellas de la película. Sin duda, es ella quien las ha hecho así de grandes. www.cinemascomics.com

El maravilloso Alberto Ammann interpreta el papel de David. Me sucede con todos los personajes, pero hoy en día me es imposible pensar en otro actor que pudiese haber interpretado ese papel. Nos costó encontrar un actor que pudiera hacer que el rol de David funcionase. David tenía que ser interpretado por un tipo lo suficientemente atractivo como para enamorar a Lana (que decide casarse con él habiendo estado enamorada de su hermano), pero tenía que ser un actor que supiera manejar su presencia como para quedar a la sombra del personaje de Alex Garel. Alberto es un animal escénico y demostró dominar ese comportamiento en escena y supo vivir de lo que su hermano Brühl le daba. Creo que se estableció entre ellos una química “de hermanos” que fue muy enriquecedora para la película. Ammann, además, es muy cercano y predispuesto. La verdad es que ha sido maravilloso poder contar con alguien que ha estado tan al servicio de la película. Claudia Vega interpreta al personaje que da nombre a la película: Eva. Ella es la niña de la película. Encontrarla fue un trabajo muy duro, pues buscábamos a una niña magnética y con mucha verdad, y no necesariamente alguien que ya hubiese trabajado en el medio. Durante seis meses entrevistamos e hicimos pruebas a 3.000 niñas hasta dar con Claudia. Lo cierto www.cinemascomics.com

es que ella hizo unas pruebas soberbias y no hubo mucha discusión. Uno puede pasarse meses buscando un diamante enterrado en la arena hasta llegar a la desesperación, pero cuando tienes ante ti ese brillo das por bueno todo el proceso.

Pero Claudia no se quejó ni una sola vez, no perdió el humor o la sonrisa en ninguna ocasión tras once semanas de rodaje, varias de ellas a menos de 20 grados y tendida sobre la nieve.

Claudia tiene algo que es muy difícil de encontrar en un niño actor, que es la facultad de darle peso a lo que se dice, a lo que se hace. Te crees a Claudia, por muy hondo o serio que sea lo que te comunica. Los niños apenas conocen técnicas interpretativas y tienden a emular, tienden a decir las cosas como las han visto decir a los mayores. Claudia va más allá, tiene la facilidad de hablar sobre la tristeza, sobre la nostalgia o sobre la alegría con verdadera franqueza.

Eva se rodó durante 11 semanas, tiempo que está por encima de la media de rodaje de los largometrajes españoles. Cuando se busca la calidad y la excelencia es imprescindible poder rodar con tiempo, sobre todo en una situación tan inhóspita como el frío extremo.

Entendiendo lo que dice. Y esa aptitud la tienen muy pocos niños. Creo que eso, evidentemente, está en ella, está en su carácter. Es una niña muy extrovertida, extremadamente social pero con algo muy hondo. En este sentido tengo que agradecerle a Laura Jou su labor como coach, preparando a Claudia para cada xescena de manera extraordinaria. Tras haberme dedicado 10 años a la publicidad, donde he rodado con niños muchas veces, nunca me he encontrado con un caso como el de Claudia: todo el mundo sabe que, llegado un momento, los niños se cansan, lloran, rabian o se bloquean. Es normal, son niños.

RODAJE

Empezamos rodando en exteriores. Cómo buenos mediterráneos teníamos miedo a las condiciones meteorológicas, sentíamos pánico ante la idea de trabajar en condiciones tan adversas. Y creo que ese miedo al factor externo nos hizo trabajar como un grupo y mantenernos unidos. Un buen ambiente de rodaje en una película tan física como la nuestra era vital. Es necesario que el equipo crea en el proyecto y que sienta que realmente la película en la que trabaja es “especial”. Me siento muy orgulloso de lo que pasó en el rodaje, de cómo ha sido el ambiente durante todo el proceso de preparación y realización de Eva.

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“En cuanto leí mi primer libro de la serie, Tintín jamás se alejó de mis pensamientos y mi corazón. Supe que Tintín y yo estábamos destinados a colaborar de alguna forma... y a un viaje de descubrimiento”. Steven Spielberg, director

De la mano del director ganador del Oscar® Steven Spielberg y del productor ganador del Oscar® Peter Jackson, dos de los contadores de historias más visionarios de nuestro tiempo, llega el gran evento del cine en 3D: una odisea épica a lo largo de todo el globo con misterios ocultos, amenazadores criminales y antiguos secretos; trasladando a la gran pantalla, de forma deslumbrante, las clásicas aventuras que han cautivado generación tras generación con su mezcla única de acción, humor y chispeante narración en Las aventuras de Tintín, el secreto del Unicornio.

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Basada en los indomables personajes, queridos en todo el mundo, creados por Hergé, la historia sigue al curioso e insaciable joven periodista Tintín (Jamie Bell) y su leal perro Milú cuando descubren que la maqueta de un barco contiene un secreto explosivo. Arrastrado por un misterio centenario, Tintín se encuentra en el punto de mira de Ivan Ivanovitch Sakharine (Daniel Craig), un diabólico villano que cree que Tintín ha robado un valioso tesoro vinculado a un cruel pirata llamado Rackham el Rojo. Pero con la ayuda de su perro Milú, el mordaz y cascarrabias capitán Haddock (Andy Serkis) y los torpes detectives Hernández

y Fernández (Simon Pegg y Nick Frost), Tintín viajará por medio mundo, siempre yendo un paso por delante y siendo más astuto que sus enemigos en una persecución para hallar el lugar donde finalmente descansa “El Unicornio”, un navío hundido que puede contener la clave de una cuantiosa fortuna... y de una antigua maldición. Desde alta mar hasta la arena de los desiertos del norte de África, cada giro inesperado arrastra a Tintín y sus amigos a niveles más irrefrenables de emoción y peligro, demostrando que cuando alguien se arriesga a perderlo todo, www.cinemascomics.com

no existen límites para lo que pueda llegar a hacer. Columbia Pictures y Paramount Pictures presentan, en asociación con Hemisphere Media Capital y Amblin Entertainment, Wingnut Films y Kennedy/Marshall Production de Steven Spielberg Film, Las aventuras de Tintín, el secreto del Unicornio. La película está dirigida por el ganador del Oscar® Steven Spielberg con un guión de Steven Moffat, Edgar Wright y Joe Cornish basado en “Las aventuras de Tintín, el secreto del Unicornio” de Hergé. Producida por Steven Spielberg, Peter Jackson y Kathleen Kennedy, con www.cinemascomics.com

Ken Kamins, Nick Rodwell de la Fundación Hergé y Stephane Sperry como productores ejecutivos. Los coproductores son Carolynne Cunningham y Jason McGatlin. A Spielberg se le han unido sus colaboradores premiados con el Oscar®, el montador Michael Kahn, A.C.E. y el legendario compositor John Williams. El aclamado reparto de la película está encabezado por Jamie Bell (Billy Elliot) como Tintín, Andy Serkis (la trilogía de El Señor de los Anillos [The Lord of the Rings]) como el capitán Haddock, Daniel Craig (007: Quantum of Solace [Quantum of Solace]) como Sa-

kharine, Nick Frost (Zombies party (Una noche de muerte) [Shaun of the Dead]) y Simon Pegg (Star Trek) como Hernández y Fernández, Toby Jones (las películas de Harry Potter) como Silk, Mackenzie Crook (trilogía de Piratas del Caribe [Pirates of the Caribbean]) y Daniel Mays (The Bank Job) como Tom y Allan, y Gad Elmaleh (El juego de los idiotas [La Doublure]) como Ben Salaad. El equipo ganador del Oscar® de Weta Digital incluye al supervisor senior de efectos visuales Joe Letteri, supervisor de efectos visuales Scott E. Anderson y el supervisor de animación Jamie Beard, Cinemascomics │Octubre 2011 │

cuyas películas de aventuras figuran entre las más queridas de todos los tiempos- leyó su primer libro de Las aventuras de Tintín a principios de los años 80, armado con solo unas nociones rudimentarias de francés del instituto. “No sé leer francés, pero, de alguna manera, tal como lo hacen los niños con solo mirar las ilustraciones pude contar toda la historia de ese libro de aventuras”, recuerda Spielberg. “Fue una experiencia fantástica entender de qué hablaban los personajes solo basándome en lo que en cierto modo eran unos hermosos storyboards. Leí la mayoría de los libros y me quedé completamente embelesado. Pensé que podrían ser películas maravillosas”.

junto con los directores artísticos Andrew Jones y Jeff Wisniewski. Las aventuras de Tintín, el secreto del Unicornio se estrenará en todo el mundo en RealD 3D e IMAX 3D, por Sony Pictures Entertainment y Paramount Pictures.

Detras del rodaje Con más de 200 millones de libros impresos -y dos millones vendidos cada año- Las aventuras de Tintín cuenta con un número global de fans sin igual en la cultura pop contemporánea. Los cuentos de aventuras de George “Hergé” Remi han llevado al joven e intrépido reportero, a su valiente

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perro Milú y un sinfín de aliados y enemigos, a los sitios más remotos de África, Sudamérica, Extremo Oriente, Rusia e, incluso, hasta la Luna. Comenzó en Bélgica en los años 20 como una tira cómica de periódico y en las siguientes cinco décadas Las aventuras de Tintín se expandieron hasta ser recopiladas en 23 volúmenes, que se convirtieron en un gran éxito de venta mundial; y ahora, por primera vez, Las aventuras de Tintín, el secreto del unicornio ha sido adaptado para la gran pantalla por dos devotos forofos de la serie: el director Steven Spielberg y el productor Peter Jackson. Spielberg -legendario realizador

Engañosamente simples aunque conformando rompecabezas únicos y tocando sofisticados conceptos, el famoso cómic llevó a todo el mundo las singulares y claras líneas del estilo ligne claire del conocido creador. Ricas en su simplicidad, las vivas imágenes trasladaron estilísticamente el imaginario del cómic con lucidez y precisión. La aventura de realizar una película que fuera fiel a la creación de Hergé llevó a Spielberg a territorio desconocido: la posibilidad de hacer su primera película de animación. “En cuanto se presenta la ocasión gusta probar cosas nuevas”, afirma el director. “Me emocionó entrar en la tecnología digital a través del mundo de los dinosaurios cuando hice Parque Jurásico (Jurassic Park). Para mí fue una nueva y gran aventura. Afronté Las aventuras de Tintín básicamente de la misma manera”. Antes de su muerte en 1983, Hergé había elegido a Spielberg para llevar a Las aventuras de Tintín al cine. “Lamentablemente, no llegamos a conocernos en persona, pero sí hablamos por teléfono”, recuerda Kathleen Kennedy, colaboradora habitual de muchos años de Spielberg. “Al final de www.cinemascomics.com

la conversación, él afirmó que si alguien tenía que adaptarlo al cine, esa persona tenía que ser Steven. Hergé fácilmente podría haber sido realizador de cine. Ya había hecho esos hermosos storyboards”. Pero la odisea de llevar a Las aventuras de Tintín a la gran pantalla tardaría décadas. “Quería honrar a Hergé y acercarme lo más posible a las caras, las personalidades y las tonalidades del medio siglo de trabajo que dedicó a sus libros”, explica el director. “Sentía que para rodar esta película con actores y en formato de filme, y para encontrar al capitán Haddock hoy en día, tenía que volver 35 o 40 años en el tiempo y elegir a Walter Matthau. Pero, en cierta manera, finalmente pudimos capturar el trabajo artístico y el retrato de los personajes de Hergé a través de la animación”. La clave del proyecto, para Spiel�� berg�� , provino de una fuente sorprendente. Peter Jackson ha sido un fan de Las aventuras de Tintín toda la vida, coleccionaba sus libros incluso antes de saber leer bien y a pesar de no hablar francés. “He tenido los libros toda mi vida”, afirma el autor neozelandés, cuya trilogía de El Señor de los Anillos (The Lord of the Rings) ha llevado los libros de J.R.R. Tolkien a toda una nueva generación de fans. “Puedo leerlos una y otra vez. Siempre parecen nuevos. A medida que uno va creciendo, Tintín sigue teniendo la misma edad y ves la increíble parodia, la sátira, el comentario social y el amor por la aventura de Hollywood que tenía Hergé”. Jackson sabía desde hacía tiempo de que Spielberg tenía los derechos cinematográficos de Tintín y como fan ha estado esperando la película. “Entonces, cuando Steven finalmente me pidió que fuera parte del proyecto…”, se ríe Jackson. “Como os imaginaréis, fue un momento bastante extrawww.cinemascomics.com

ño y emocionante para mí”. Los dos realizadores se conocieron frente a millones de telespecta�� dores cuando Spielberg le entregó a Jackson el Oscar® por El Señor de los Anillos: El regreso del Rey (The Lord of the Rings: The Return of the King). De nuevo volvieron a entrar en contacto cuando Spielberg reflexionaba sobre la forma en cómo hacer Las aventuras de Tintín y barajaba la idea de utilizar una versión digital de Milú, el compinche canino de Tintín. Le preguntó a Jackson si Weta podía hacer una prueba de esta técni-

ca, “y cuando tuve en mi poder la película un par de meses después, vi a un Milú perfecto”, recuerda Spielberg. “Entonces dejé caer la propuesta y le pregunté a Peter si quería hacer la película conmigo”. “Obviamente tuve que pensármelo mucho”, afirma con cara de póquer. “Me llevó dos o tres segundos”. La colaboración rápidamente les llevó hacia lo que era una solución inevitable: llevar el universo de Hergé a la pantalla a través de la animación por ordenador. Y esta sería desarrollada y tomaría

El retorno del Rey significó el primer encuentro entre Spielberg y Jackson Cinemascomics │Octubre 2011 │

su forma definitiva en el laboratorio creativo de Jackson en Nueva Zelanda: Weta Workshop y Weta Digital. Lugar donde los efectos visuales cambiaron las reglas del juego con los paisajes envolventes y personajes naturales de Avatar. “Fue una experiencia fantástica, dos fanáticos de Tintín como nosotros, sopesando las ideas del otro”, relata Jackson. “Rápidamente nos sumergimos en los diseños de Hergé pensando, ‘¿Cómo podemos honrar las ilustraciones y los personajes si trabajamos con un reparto humano que dé vida a esta gente?’ Porque Las aventuras de Tintín es en parte una increíble aventura llena de imaginación pero también son los dibujos que realizó Hergé. Esto es esencial en el ADN de Las aventuras de Tintín, y nunca podría lograrse si se filmaba una película de acción real”. El proceso llevaría varios años con reuniones de Spielberg y Kathleen Kennedy con Jackson y su equipo en Nueva Zelanda a través de un enlace vía satélite de Polycom. “De verdad que éramos dos forofos que se animaban el uno al otro y que no paraban de reírse”, relata Jackson. “No era trabajo,

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para nada. De verdad que nos lo pasamos fenomenal”. Así como fue fundamental lograr el look adecuado de Las aventuras de Tintín, fue igual de crítico tener un guión que fuera fiel a la esencia del cómic con su fantástica gama de humor y la peculiar personalidad de los personajes dentro de una sólida estructura de película en tres actos. En última instancia se centraron en el 11º título de la serie, ‘El secreto del unicornio’ (Le Secret de la Licorne), con el misterio oculto dentro de la miniatura de un barco que Tintín compra en un mercadillo y que desata una excitante aventura en alta mar con nada más ni nada menos que un valioso tesoro enterrado como recompensa. Luego incorporaron elementos del siguiente libro, el número 12º, ‘El tesoro de Rackham el Rojo’ (Le Trésor de Rackham le Rouge) donde la historia de “El Unicornio” continúa y a la que también agregaron elementos de ‘El cangrejo de las pinzas de oro’ (Le Crabe aux pinces d’or), el noveno libro, para el elemento final que necesitaban: el capitán Haddock. “Pudimos combinar varias historias con el permiso de los herede-

ros de Hergé”, explica Spielberg. De todas formas, ‘El tesoro de Rackham el Rojo’ (Le Trésor de Rackham le Rouge) y ‘El secreto del unicornio’ (Le Secret de la Licorne) son obras que van juntas. Pero queríamos ver cómo Tintín y el capitán Haddock se conocían, y el clásico de Hergé que muestra tal encuentro es ‘El cangrejo de las pinzas de oro’ (Le Crabe aux pinces d’or)”. La combinación de los tres volúmenes, afirma Jackson, les dio la perfecta “historia de origen”. “Éramos muy conscientes de que no solo estábamos haciendo una película para los fanáticos de Las aventuras de Tintín, sino también presentando a Tintín y su universo a una gran número de gente en todo el mundo que no conoce el personaje”, asegura Jackson. “Así que tenemos la emoción y el misterio de ‘El secreto del unicornio’ (Le Secret de la Licorne) con una parte de ‘El cangrejo de las pinzas de oro’ (Le Crabe aux pinces d’or) que se combina de una forma muy orgánica y encaja a la perfección”. “Los libros eran películas de compinches”, agrega Spielberg. www.cinemascomics.com

“Haddock y Tintín son la ‘extraña pareja’, esa especie de equipo integrado por un cascarrabias y liderado por el brillante periodista de investigación que tiene que arrastrar o perseguir a Archibaldo Haddock tras su amada botella de whisky. Por lo que para hacer una película que contara la relación entre el capitán de mar borracho, amargado y triste por haber perdido su ilustre pasado y el joven periodista emprendedor y ambicioso, que no solo va tras la historia sino que él mismo se convierte en parte de la historia; quisimos de alguna manera fusionar esos libros”. El borrador inicial del guión fue escrito por Steven Moffat, productor ejecutivo y guionista principal del regreso del éxito de la televisión británica Doctor Who. Cuando Moffat volvió a trabajar en el guión, se sumaron Edgar Wright (Zombies party (Una noche de muerte) [Shaun of the Dead], Arma fatal [Hot Fuzz]) y Joe Cornish (el aplaudido realizador de la película independiente de ciencia ficción, Attack the Block). Los tres guionistas eran fans empedernidos de Las aventuras de Tintín,

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cosa que los realizadores pensaron era vital para la adaptación. “La clave de esto siempre fue el guión”, apunta Spielberg. “Es en lo que empezamos a trabajar Kathy y yo en cuanto compramos los derechos de los libros de Las aventuras de Tintín cuando Hergé aún estaba con vida. Y creo que finalmente logramos lo que queríamos gracias a todos nuestros guionistas”. Mientras tanto, al otro lado del mundo, en Nueva Zelanda, los animadores a cargo de llevar a los personajes y ambientaciones bidimensionales de Hergé a las tres dimensiones, habían ido creciendo junto a Las aventuras de Tintín y compartían el deseo de Spielberg de mantenerse lo más fieles posible a la creación del autor belga. “Como animador, cuando haces Las aventuras de Tintín, no hay nada que se pueda dar por hecho, de la misma forma que Hergé tuvo que crear su mundo con papel y lápiz”, explica el supervisor de animación y previsualización Jamie Beard. “Él utilizó todo el vocabulario posible dentro de un formato de tira cómica. Incluso se inventó una buena parte, pero

se ve en la forma en que dibujó ciertos movimientos y expresiones que todo ello está inmerso en el universo creado por él. Así que tuvimos que recrear todo e inventarnos también nuestro propio vocabulario y todo se origina en la misma investigación”. “Finalmente”, asegura Spielberg, “el corazón de la película brota del corazón del autor e ilustrador Hergé. Y el corazón del personaje en los libros es también el corazón del personaje en la película. Nunca se cambió nada de su plantilla original”. Cada diseño –desde el distintivo tupé que es una marca del estilo de peinado de Tintín a las dunas de arena que atraviesa junto a Haddock y Milú— fue sometido a un minucioso proceso de pulido donde se perfeccionó cada elemento antes de que comenzara a ser animado en serio. “Estas eran imágenes románticas del mundo”, describe Beard. “Hergé no viajaba y nunca estuvo en esos sitios, pero los imaginó como los lugares que los niños añoran visitar, y creo que eso es lo que también aporta la animación a esta película. Po-

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dríamos haber enviado a un equipo con una cámara a todos esos emplazamientos y sencillamente rodarlos, pero hay algo único en las películas de animación que te llevan a visitar lugares a los que quieres ir pero que en realidad no existen”. “El mundo de Tintín es especialmente adecuado para la animación porque tienes un universo que es creíble pero que en rea-

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lidad no es del todo realista”, considera el supervisor de efectos visuales Joe Letteri, cuyo innovador trabajo en Avatar así como en King Kong y la trilogía de El Señor de los Anillos (The Lord of the Rings) de Jackson le supusieron cuatro Oscar®. “Hergé dibujaba en un estilo hiperrealista que se ajusta a la perfección al tipo de trabajo que hacemos cuando creamos animación y no cuando hacemos acción real. Lo que

queríamos lograr es que el espectador fuera invitado a entrar a un mundo creíble, y sobre eso después agregarle elementos de estilización. Hergé utilizó muchas referencias fotográficas del mundo y se mantuvo muy fiel a esas referencias. También tienes un look único de esos personajes icónicos que hay que visualizar en tres dimensiones”. De alguna manera, la película se www.cinemascomics.com

hizo dos veces. La primera, como una casi completa previsualización (comúnmente conocida como “previs”) basada en las ideas y los primeros dibujos conceptuales de los realizadores, que Spielberg describe como “una especie de tarde de entrenamiento con un montón de guionistas de comedia lanzando ideas. Nos presentaban diferentes opciones para algunas escenas, muchas de ellas basadas en ideas del guión, pero muchas www.cinemascomics.com

otras que se les iban ocurriendo ahí mismo. Y Peter estaba en Wellington y yo en Los Ángeles, y manteníamos esas conversaciones vía Polycom con una gran pantalla y compartiendo esas increíbles posibilidades. Así comenzó todo, pasito a pasito, tratando de descubrir cómo debía verse pieza por pieza”. El equipo de animación, cuenta Jackson, “son todos fanáticos de

Las aventuras de Tintín de siempre. Ese es el secreto. Conocen ese mundo del derecho y del revés”. El equipo de Weta era un buen barómetro, afirma Kennedy, con respecto a los fans de todo el mundo que verán crecer a sus personajes con realismo y con una gran minuciosidad y atención al detalle. “Durante generaciones la gente de Europa y de otros lugares Cinemascomics │Octubre 2011 │

creció con esta serie de libros”, explica la productora. “Tienen las imágenes en su cabeza; tienen una interpretación que extraen de lo que Hergé plasmó en esas bellas ilustraciones. Y coger esos dibujos y tratar de encontrar la forma de darle tres dimensiones, trasladarlo a la pantalla y capturar las personalidades de Tintín, Haddock y Milú es una responsabilidad inmensa”. Con el guión y la previsualización como base, los realizadores se pusieron en marcha con una primera y detallada versión que contenía una colección de tomas realizadas por Spielberg con actores que interpretaban los personajes. A pesar de que Las aventuras de Tintín, el secreto del unicornio finalmente es un filme de animación, los realizadores utilizaron las innovaciones técnicas que Weta y Giant Studios desarrollaron para la animación digital realista de Avatar—y algunas otras novedades propuestas por el mismo Spielberg— para prestar a los personajes animados la dimensión humana que requerían. El reparto que reunieron es amplio en actores que crecieron y

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fueron inspirados por Las aventuras de Tintín y otra gran proporción de recién llegados a la saga. Dando vida al personaje principal está Jamie Bell, que después de su aplaudido primer papel en Billy Elliot (Quiero bailar) (Billy Elliot) ha trabajado en una gran cantidad de papeles de variada complejidad. De niño, Bell admiró el personaje de Tintín. “Él era todo lo que siempre quise ser”, confiesa el actor. “Considero de verdad que Tintín es una referencia de excelencia para los niños, y proyecté todo lo que quería ser en mi vida sobre ese personaje. Quería viajar por el mundo. Quería hallar un tesoro. Quería disparar a los malos todo el tiempo. Así que cuando me enteré de que iba a interpretar el papel sentí que era una gran responsabilidad, porque soy como muchos ‘tintinologistas’ y ‘tintinófilos’ que lo tienen en el alma”. Andy Serkis, quien recientemente desafió todas las expectativas con su sorprendente interpretación en la piel del chimpancé animado Caesar en El origen del Planeta de los Simios (Rise of the Planet of the Apes), da vida al mordaz capitán Haddock. Como Bell, Ser-

kis llena la personalidad de su personaje con la esencia rescatada de los mismos libros. “Para mí, existe una cantidad enorme de emoción retratada en esos dibujos”, apunta Serkis. “Con todos sus defectos, creo que, en el fondo, Haddock es un hombre con un corazón inmenso que está tratando de luchar con sus demonios y conectar con el mundo de alguna forma. Y Hergé, claramente, amaba a este personaje e invirtió muchísimo en él, así que me sumergí en los alucinantes dibujos del autor y traté de encontrar el alma y el corazón de la relación que le une a Tintín. Se trata fundamentalmente de fuerzas opuestas y de cómo se complementan. Hay momentos en los que el capitán Haddock se distancia de la autocompasión habitual hacia la clarividencia, y empujado por Tintín realmente comienza a sentir, probablemente por primera vez en mucho tiempo, algo por otra persona que no es él mismo”. “Aunque estés interpretando un personaje animado”, continúa Serkis, “Siempre tratas de que tus personajes sean reales. Es decir, por supuesto hay una gran

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cantidad de comedia, bufonadas, pantomima y humor absurdo. Pero tienes que llegar al centro de todo ello. No los tratas como personajes de caricatura. Constantemente nos recordábamos a nosotros mismos: ‘Si no te metes dentro y sigues a esos dos tipos en todas las aventuras, realmente no aportas nada nuevo’”. En el papel de los torpes detectives Hernández y Fernández, los realizadores eligieron al dúo cómico británico Simon Pegg y Nick Frost, cuya química ha impregnado películas como Zombies party (Una noche de muerte) (Shaun of the Dead), Arma fatal (Hot Fuzz) y Paul. “Para Hernández y Fernández queríamos a dos actores que pudieran compartir casi literalmente el mismo cerebro, que es lo que hacen los personajes en los libros”, describe Jackson. “Así que pensamos en Nick Frost y Simon Pegg. Es difícil saber quién es quién incluso cuando los ves en la vida real”, bromea Jackson. “Pero como Hernández y Fernández, es imposible distinguirlos, es exactamente como tenía que ser”.

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El mismo Bond -Daniel Craig- interpreta al villano de la película, el misterioso Sakharine. Spielberg ya había trabajado con Craig en Munich y lo llamó para que prestara su personalidad al personaje. “Y aceptó porque, tal como yo, nunca había trabajado en un medio como este y no tuvo más opción ya que vio que las posibilidades eran inmensas. También me dijo: ‘Estoy encantado con hacer tu película porque nadie verá mi rostro. Verán la cara de Hergé, pero no la mía, así que si no les gusto no pueden acusarme, culparán a Sakharine’”, recuerda entre risas el director. Para el papel clave de Milú, realizaron lo que Jackson ya hacía tiempo había impresionado a Spielberg: un perro completamente animado. “Milú es tan humano como algunos de los personajes de esta película”, cuenta Spielberg. “De verdad va al rescate y en muchos aspectos es uno de los superhéroes de toda la serie de Las aventuras de Tintín”. Otros papeles adicionales fueron interpretados por un conjunto diverso de actores británicos como Daniel Mays, Toby Jones, Tony Cu-

rran, Mackenzie Crook y Kim Stengel, junto con la estrella del cine francés nacida en Marruecos, Gad Elmaleh como Omar Ben Salaad. “Gad es increíblemente gracioso en la película”, opina Kennedy. “Le ha aportado muchísimo tiempo cómico al personaje, creo que realmente sorprenderá al público”. “No existe la vanidad para los actores en una cinta de animación porque no los reconocemos en la película”, reflexiona Elmaleh con su característico sentido del humor. “Mi madre sabe que he hecho una película de Steven Spielberg, pero no me reconocerá. Está tratando de explicarle a toda mi familia que van a ver el filme en Francia y Marruecos antes de que se estrene en Estados Unidos. Así que por favor, Steven, diles que soy yo”, se ríe. Gracias a los actores que interpretan a los personajes, Spielberg fue capaz de enmarcar sus planos, bloquear la acción y rodar numerosas secuencias él mismo, utilizando una “cámara virtual” de mano, que le aportó una sensación de cine tradicional a los Cinemascomics │Octubre 2011 │

procedimientos de animación. “Desde la animación de DreamWorks, pasando por la animación de PIXAR y la que ha hecho Weta en Las aventuras de Tintín, el secreto del unicornio, por supuesto, todo se hace directamente a través del ordenador”, aclara Spielberg. “Sabía que este medio no requería el paso del revelado químico, pero hubo algunas ventajas en esto que nunca pude imaginar. Una de esas ventajas es que podía estar de pie junto a mis actores –con Andy, Jamie y Gad- y dirigirlos a solo un metro y medio de distancia en lugar de los 20 metros a los que me siento en una producción cinematográfica habitual. Había mucha más cercanía en el hecho de poder estar tan próximo a los actores”. Con los actores en el rodaje, los

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realizadores utilizaron un sistema innovador que les permitió dirigirlos dentro del mundo animado como si estuvieran en los decorados que se utilizan tradicionalmente. “La captura de interpretación fue una de las herramientas que usamos para llevar esta historia a la vida, junto con la animación tradicional”, agrega Jackson. “Nuestro objetivo fue construir un sistema en el que Steven o yo, que somos bastante adeptos al rodaje de acción real –quiero decir, que ninguno de los dos sabemos usar ordenadores-, pudiéramos caminar dentro de este mundo animado que creamos con los personajes de Las aventuras de Tintín, con las localizaciones y decorados que se construyeron en los ordenadores, y poder coger la cámara –literalmente coger la cámara, que es

una cámara virtual- y rodar acción real dentro de este mundo foto-real. Y lo que era importante no era el mundo foto-real sino el camino para poder rodar dentro de ese entorno, y creemos que el resultado obtenido fue en realidad bastante interesante”. Spielberg, que es conocido por montar sus películas de forma tradicional, trabajó con su colaborador habitual Michael Kahn para editar de manera digital y entregar a Weta el montaje final para el largo proceso de pulido, animación y su última renderización. “Los artistas en Weta necesitaron entre cuatro y cinco horas por fotograma, y hay 24 fotogramas por segundo y noventa y tres minutos de montaje”, cuenta Kennedy. “Es un proceso que lleva un tiempo increíble. Y no creo que Steven www.cinemascomics.com

Tintín en la gran pantalla y en 3D hace que me vuelva a sentir un niño”.

supiera que en esta, más que ninguna otra película en la que ha trabajado, fuese a ser realmente el ‘pintor’, porque tuvo que mirar uno por uno todos los detalles del fotograma y tomar decisiones como qué es lo que hay en el escritorio de Tintín, qué hay colgado en las paredes de su casa, qué coches hay en la calles, de qué color son esos coches y si la noche anterior había llovido. No tiene final. De ese tipo han sido todas las discusiones que se han producido durante tres años para la creación de esta película”. Pero al ser digital, el proceso de postproducción no se alargó de forma drástica cuando se hizo el filme en 3D. “Especialmente en esta película es asombroso”, apunta Jackson. “Solamente la idea de ver Las aventuras de www.cinemascomics.com

El último elemento crítico fue la banda sonora compuesta por el legendario compositor y colaborador habitual de Spielberg, John Williams. “John es el vínculo que unifica todo el disparate y los componentes eclécticos de la película, y la forma en que los une es lo que hace de John un genio y que todos aquellos que trabajemos con él nos sintamos tan agradecidos”, se maravilla Spielberg. A pesar de que la animación digital es un nuevo y fascinante mundo dentro de la realización cinematográfica, para Spielberg y Jackson siempre fue un factor secundario a la hora de contar una buena historia. “Creo que después de cinco minutos todo aquel que vea la película se dará cuenta de que el medio no es el mensaje; son los personajes y la historia”, puntualiza Spielberg. “Como ocurre con todas las películas, te olvidas si está hecha en 3D, si es panorámica o cinemascope. Si la película funciona, te olvidas por completo de cómo está hecha”. “Si haces una buena película, y, obviamente, no existe ninguna garantía de que lo logres, tienes que tener fe en que el público la vea y la disfrute”, agrega Jackson. “Tienes que tratar de hacer la mejor película que seas capaz y cruzar los dedos”. Kennedy señala que la película, además de estar profundamente enraizada en la sensibilidad de Hergé, también refleja la alquimia entre dos realizadores que se encuentran en su mejor momento. “Todo lo que tiene que ver con su sensibilidad como realizadores está reflejado en esta cinta”, prosigue la productora. “El sentido del humor, la coreografía de la acción, todos esos maravillosos elementos de movimiento y aventura están dentro de la

película. Hemos recibido un gran entusiasmo por parte de la gente que está esperando con ansias esta película, y creo que existe una muy buena razón para que la gente haya generado tantas expectativas”. Para los fans de Las aventuras de Tintín de todo el mundo, este año representa la primera vez en la historia en que puedan ver al universo de Hergé cobrar vida en la gran pantalla. Spielberg, Jackson, Kennedy y todos sus colaboradores han trabajado más de media década para hacer la película, y sí llega al público, hay una gran riqueza en las historias de Las aventuras de Tintín que podrán ser exploradas en el futuro. “No importa si quieres ir a Sudamérica, Egipto, el Tíbet o los Balcanes”, enumera Jackson, “además, existen muchos géneros diferentes en los que profundizar en el increíble legado de Hergé”. “Con suerte”, agrega Spielberg, “Peter dirigirá la segunda aventura de Tintín, y no veo la hora de trabajar con él como colaborador de la misma forma en que él trabajó conmigo para apoyarme en la dirección de Las aventuras de Tintín, y también a la hora de tomar todas las decisiones creativas desde el principio al final. Sentimos el mismo entusiasmo que cuando decidimos en su momento colaborar juntos para honrar a Hergé y hacer justicia a su inmensa maestría y a su arte para contar historias. Si tenemos éxito, esperamos que toda una nueva generación compre los libros de Tintín y se dé cuenta de que todo esto proviene de la mente de un hombre brillante”.

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Estreno

LOBOS DE ARGA 28 de octubre Sinopsis: 1910, en Arga, un pequeño pueblo de Galicia, una terrible maldición cae sobre la malvada marquesa de Mariño y su hijo, convirtiéndole en hombre lobo en su décimo cumpleaños. Cien años después, Tomás (Gorka Otxoa), un escritor fracasado y último descendiente varón de los Mariño, regresa al pueblo convencido de que van a nombrarle

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hijo adoptivo de la localidad. En realidad, los vecinos piensan sacrificarle en una oscura ceremonia para acabar con el reinado de terror del hombre lobo que lleva un siglo atenazando la región. De no llevarse a cabo el sacrificio del último de los Mariño en la fecha exacta, una segunda maldición caerá sobre Arga. Una maldición de consecuencias mucho más te-

rribles... LOBOS DE ARGA, es una producción de terror y aventuras de TELESPAN 2000 y VACA FILMS dirigida por Juan Martínez Moreno (“Un Buen Hombre”, “Dos Tipos Duros”) y protagonizada por Gorka Otxoa (“Pagafantas”, “Doctor Mateo”, “Cuestión de Sexo”), Carlos Areces (“Pagafantas”, “Doctor www.cinemascomics.com

Mateo”, “Cuestión de Sexo”), y Secun de la Rosa (“No Controles”, “Días de Fútbol”, “Aída” ). La película está concebida como un producto de puro entretenimiento realizado con la máxima calidad de medios, tanto artísticos como técnicos. La clave del éxito de este proyecto radica fundamentalmente en la originalidad de la combinación de dos www.cinemascomics.com

géneros: el terror y la comedia de aventuras, una fusión que apenas se ha producido anteriormente en España aunque si en el extranjero con gran éxito. “Zombieland”, “Scary movie”, o “Un hombre lobo americano en Londres” podrían ser buenos referentes. LOBOS DE ARGA tiene un elevado presupuesto dado que se trata de una compleja producción con

múltiples elementos de alto coste derivados de las necesidades de vestuario, efectos especiales, postproducción digital, maquillaje, construcción de decorados, y especialistas de acción. El rodaje de LOBOS DE ARGA tuvo lugar durante nueve semanas entre Galicia y Madrid. Cinemascomics │Octubre 2011 │

criticas

Los tres mosqueteros

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Por Enrique Ebenia

Aventuras / Acción / EEUU / 2011 / 110 minutos / Coproducción Estados Unidos-Alemania-Francia-GB; Constantin Film / Impact Pictures / New Legacy . Director: Paul W. S. Anderson. Actores: Logan Lerman, Matthew Macfadyen, Christoph Waltz, Ray Stevenson, Milla Jovovich, Orlando Bloom, Luke Evans, Mads Mikkelsen, Juno Temple, Til Schweiger. Guión:Alex Litvak y Andrew Davies, a partir de la obra y los personajes de Alejandro Dumas. Música: Paul Haslinger.

‘Los tres mosqueteros’, la obra más famosa de Alejandro Dumas, ha conocido varias adaptaciones cinematográficas. Por ejemplo, quienes ronden la treintena recordarán la película de 1993 protagonizada por Kiefer Sutherland y Charlie Sheen. Casi dos décadas después, Paul W. S. Anderson se ha encargado de una nueva versión inspirada en aquellos personajes y desarrollada de acuerdo con los gustos actuales del público mayoritario. Un filme de aventuras tan entretenido como intrascendente, ideal para verlo con una bolsa de palomitas. El joven D’Artagnan (Logan Lerman) llega a París dispuesto a convertirse en un mosquetero y, por lo tanto, ser un miembro de la guardia personal del Rey. A raíz de un pequeño encontronazo, conoce a los mosqueteros, ahora

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caídos en desgracia: el frío y arisco Athos (Matthew Macfadyen), el bruto Porthos (Ray Stevenson) y el refinado y religioso Aramis (Luke Evans). Los cuatro unirán fuerzas para frustrar un complot orquestado por el cardenal Richelieu (Christoph Waltz), que pretende controlar el país en plena guerra con Inglaterra. En su camino, los héroes se encontrarán con la bella y ambiciosa Milady de Winter (Milla Jovovich) y el duque de Buckingham (Orlando Bloom). El largometraje, presentado en el Festival de San Sebastián, combina acción, intrigas palaciegas y humor; un envoltorio vistoso al que Anderson incorpora su inconfundible estilo, con la ralentización de las secuencias de lucha marca de la casa. Sorprende que el guión incluya batallas aéreas, elemento fantástico que difumi-

na la esencia de la obra de Dumas, marcada por los duelos con la espada. Esa licencia creativa se emplea para conferir más espectacularidad al producto, exhibido en un formato 3D que no aporta demasiado. En líneas generales, ‘Los tres mosqueteros’ consigue su objetivo (hacer pasar el rato) a pesar de la simpleza de una historia que no explota a fondo sus posibilidades. Paul W. S. Anderson logra su mejor trabajo desde ‘Horizonte final’ y se reconcilia con los espectadores tras las flojas entregas de ‘Resident Evil’ y, sobre todo, perpetrar el bodrio ‘Alien vs. Predator’. Sin desvelar nada de la trama, cabe destacar que la película puede suponer el inicio de una saga, lo que dependerá de su andadura comercial. www.cinemascomics.com

Intruders

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Por Enrique Abenia

Terror/ Intriga / España / 2011 / 100 minutos / Coproducción España-EEUU-GB; Antena 3 Films / Apaches Entertainment / Universal Pictures International (UPI) Director: Juan Carlos Fresnadillo. Actores: Clive Owen, Carice van Houten, Daniel Brühl, Kerry Fox, Ella Purnell, Pilar López de Ayala. Guión: Jaime Marqués, Nicolás Casariego. Música: Roque Baños.

El cine español ha roto por fin las ataduras de los prejuicios y apuesta por las propuestas de género, tendencia en la que influye la presencia de un elevado número de autores interesados en ahondar en las producciones de suspense y terror. ‘Intruders’, tercer trabajo de Juan Carlos Fresnadillo tras la curiosa ‘Intacto’ y la entretenida ’28 semanas después’, entra dentro de esa categoría. La película tuvo el honor de inaugurar el Festival de San Sebastián, certamen en el que fue recibida con frialdad por los críticos. Un varapalo que no se merecía el filme, que es cierto que no cumple con todas las expectativas, si bien cuenta con elementos suficientes para contentar al aficionado. El largometraje se centra en dos www.cinemascomics.com

niños que sienten que alguien les observa mientras duermen. Los afectados son Juan, un niño madrileño, y Mia, una preadolescente de Londres. Enseguida se percatan, con horror, de que su temor es real: un monstruo sin rostro les vigila y atormenta. Los padres de ambos harán lo posible por ayudarles. El espectador descubrirá que las dos tramas confluyen. Lo que comienza como un ‘thriller’ de misterio pronto deriva en una pieza de género con toques de drama familiar. Y ahí reside el principal valor de ‘Intruders’, en su aspecto emocional y su retrato del miedo, punto fuerte de un guión que pierde fuelle conforme avanza el metraje. Al final, el público se queda con una

sensación agridulce por culpa de un desenlace decepcionante e incluso tramposo. Sin embargo, la correcta dirección de Fresnadillo, con un hábil manejo del suspense (atención a la puesta en escena y al juego de luces y sombras); las actuaciones del reparto (encabezado por un sólido Clive Owen) y el apartado técnico propician que, en conjunto, ‘Intruders’ sea una película de terror por encima de la media. No es la obra que muchos esperaban, aunque ‘Intruders’ confirma a Fresnadillo, al que se le ve muy cómodo en el territorio del ‘thriller’, como un director a seguir. ‘El cuervo’ o ‘Los inmortales’ pueden suponer su consagración.

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Contagio

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Por David Larrad

Ciencia Ficción / Terror / EEUU / 2011 / 106 minutos / Warner Bros. Pictures / Double Feature Films / Participant Media / Regency Enterprises. Director: Steven Soderbergh. Actores: Matt Damon, Kate Winslet, Gwyneth Paltrow, Marion Cotillard, Jude Law, Laurence Fishburne, Bryan Cranston, Jennifer Ehle, Sanaa Lathan, Elliott Gould, John Hawkes, Chin Han, Monique Gabriela Curnen. Guión: Scott Z. Burns. Música: Cliff Martinez.

Uno de los mejores directores del panorama actual, Steven Soderbergh, nos trae una nueva película narrando el virulento ataque de un virus letal que amenaza a toda la raza humana. Entre la filmografía del director destaca la saga de “Ocean´s Eleven” y “Tráfic”. Al realizador le gusta rodearse de grandes actores y para “Contagio” no iba a ser menos, así destacan Gwyneth Paltrow (Iron Man), Matt Damon (El caso Bourne), Laurence Fishburne (Matrix), Jude Law (Sherlock Holmes) y Kate Winslet (Titanic). “Contagio” trata sobre un grupo de médicos que tiene que hacer frente a un virus letal que esta arrasando la población mundial, la carrera para crear una nueva vacuna ha comenzado.

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“Contagio” es una agobiante carrera por conseguir que el mundo no caiga en desgracia, algo que el director Steven Soderbergh consigue muy bien ya que hace que el espectador sienta el sofoco por el gran realismo de las imágenes, alejándose de otros films de temática parecida como “12 monos” o “Estallido”. Películas a las que se asemeja, ya que en las tres se intenta curar el virus buscando al portador 0 y culpable de la expansión del malvado virus. Quizás el mayor problema es que se aleja de la espectacularidad de otros films para reflejar imágenes que podriamos ver en cualquier telediario, incluso la intervención del ejercito es lo más realista posible, así como las fosas comunes o la histeria y desolación de las ciudades.

Los puntos más latos es la gran intervención de todo el reparto, los actores están fantásticos, sobre todo Matt Damon y Gwyneth Paltrow, impregnando ese realismo que le han querido dar a toda la cinta. Así como la banda sonora muy bien incrustada en todo momento que hace que no pierda ritmo el film y sea más ligero para el espectador ya que se basa demasiado en temas médicos y científicos que pueden hacerse un poco tediosos por momentos. En definitiva para los amantes del genero catastrófico hará las delicias, para el resto de espectadores es muy recomendable, sobre todo por el punto de vista tan realista que ofrece.

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El árbol de la vida

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Por David Larrad

Drama / EEUU / 2011 / 138 minutos / Fox Searchlight Pictures / Riverroad Entertainment. Director: Terrence Malick. Reparto: Brad Pitt, Jessica Chastain, Hunter McCracken, Sean Penn, Laramie Eppler, Tye Sheridan, Fiona Shaw, Crystal Mantecon, Pell James, Joanna Going, Kari Matchett, Michael Showers. Guión: Terrence Malick. Música: Alexandre Desplat.

Terrence Malick es de esos directores tan peculiares que lo odias o lo amas, nunca te deja en un punto en medio o indiferente. Entre su filmografía destaca “El nuevo mundo”, “Días del cielo” y “La delgada línea roja”.

te de los niños y como afronta la familia la perdida del hijo mayor. En Estados Unidos creo mucha polémica por como se muestra la creación de la vida en la Tierra, ya que difieren de lo que aparece en la Biblia.

“El árbol de la vida” es un claro ejemplo de como sus seguidores la defenderán y sus detractores la repudiaran. Terrence Malick se ha rodeado de un reparto de lujo con Brad Pitt (“Malditos Bastardos”, “Seven”), Sean Penn (“21 Gramos”, “Mistic River”) y Jessica Chastain (“Dark Shadows”, “Jolene”).

“El árbol de la vida” es una película que intenta contar la historia de una familia pero intercalándola con imágenes impresionantes de la creación de la vida en la Tierra, lo que hace que se vuelva muy confusa. Cómo ya hemos comentado Malick suele crear fans acérrimos y contendientes, en esta ocasión nos ponemos de parte del bando de los detractores. Ya que, aunque hay un narrador, muchas veces te pierdes y no sabes que es lo que estas viendo. Muchas veces se hace lenta y aburrida y ese es su mayor problema

“El árbol de la vida” trata sobre una familia típica americana de los años 60, de la relación de los miembros de dicha familia y de la perdida de la inocencia por parwww.cinemascomics.com

ya que un montaje más cuidado habría hecho que resultara mucho mejor. Eso sí, hay que reconocer que visualmente la película no tiene desperdicio y es una autentica pasada las imágenes que nos van mostrando. La banda sonora esta muy cuidada y bien insertada con las imágenes. Los actores están correctos, la madurez que muestra Brad Pitt hace relucir todo su talento, sobre todo con la relación que tiene con su hijo. Luego Sean Penn esta un poco mal aprovechado ya que no aparece en casi en todo el film. En definitiva, si no resultara tan aburrida valdría la pena solo con las imágenes tan impresionantes que aparecen. Cinemascomics │Octubre 2011 │

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Dr. Ishiguro is ATR Fellow and Professor of Osaka University. The geminoid has been developed in ATR Hiroshi Ishiguro Laboratory.

Orient Express

CINE ASIÁTICO EN EL FESTIVAL DE CINE DE SITGES 2011 Por Francisco Nieto Este año desde luego nuestros amigos organizadores del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya Sitges 2011 han tirado la casa por la ventana en cuanto a películas asiáticas se refiere. Tras una edición, la de 2010, bastante regular, en ésta, que promete ser portentosa, Angel Sala y su equipo han destapado el tarro de las esencias y nos invitan a degustar los mejores guisos orientales recién cocinados en sus respectivos países. Y es que repasando el listado de películas que se van a proyectar los aficionados poco o muy poco vamos a echar de menos de la cosecha de este año. Quizás ese Wu Xia de Peter Chan y Donnie Yen que tan buena pinta hacía (y que nuestroa amigos de CineAsia prometen recuperar para la próxima edición del Casa Asia Film Week de Barcelona), o el impresionante thriller The Man From Nowhere, del coreano Lee Jeong-beom. Pero como se suele decir, no hay que acordarse de los que no están y sí de los que están, que son una barbaridad y muy buenos. Si nos atenemos a los films incluidos en la sección oficial destaca sobremanera The Yellow Sea (premio a la mejor dirección de está www.cinemascomics.com

edición), un adrenalítico thriller que como bien decía una crítica tras su paso por el Festival de Cannes se trata de “un film que se escribe con tinta roja y espesa”. Los seguidores de The Chaser, debut en la dirección de Na Hong-jin, no se sentirán nada decepcionados ante un trabajo que rebosa visceralidad en cada fotograma. Con acercamientos puntuales a la cruda realidad que viven los emigrantes que habitan la frontera entre Rusia, China y Corea del Norte en el segundo tercio del film la trama comienza a escorzarse de forma diabólica

en un “in crescendo continuado” que atrapa al espectador sin darle respiro alguno. Apostamos fuerte por una pelicula, que aunque sobrepasa las dos horas y media de metraje, se disfruta sin pestañear. Por supuesto el nuevo trabajo de Takashi Miike tampoco podía faltar en la principal sección del Festival. Como ya demostró el pasado año con 13 asesinos, film que por cierto se estrenó hace pocas semanas en España, Miike se ha vuelto clásico, y ahora se dedica a rodar distintas versiones pasadas por su particular tamiz de chámbaras tradicionales. En esta

Imagen de The Yellow Sea, del coreano Na Hong-jin, Cinemascomics │Octubre 2011 │

ocasión presenta Hara-Kiri: Death of a Samurai, remake de Hara-Kiri (Seppuku, 1962). Los que ya han tenido la suerte de verla dicen que estamos ante el Miike más depurado y autoral. Como en 13 asesinos, también nos hallamos aquí ante una trama centrada en el código de honor del samurai,

tratado de una manera realista, humana y desmitificadora. Es como si el director de referentes como Crows Zero o Audition emulara al Yoji Yamada de El ocaso del samurai. Mucho más contenido y pausado que de costumbre, el film se presenta en 3D, aunque ya se ha especificado que estos efectos dimensionales tan sólo se utilizan para acotar la historia, reafirmando la ausencia de efectos especiales en la misma. El tercer título asiático confirmado para la sección oficial, y seguimos en terreno tridimensional, es The Sorcerer and the White Snake, del hongkonés Ching Siu-Tung, experto luchador y coreógrafo. Sin dudarlo este será uno de los platos fuertes del Festival: las cabriolas y patadas de Jet Li en tres dimensiones y en la amplitud del Auditorio, ¿se puede pedir más?. Una cinta de acción y artes marciales donde un monje intenta salvar a un joven que se ha enamorado de

una hermosa mujer que en realidad es un demonio serpiente. Y para finalizar dos proyectos de géneros completamente antagónicos; por un lado, la comedia más hilarante y descacharrada nos llega de manos del japonés Hitoshi Matsumoto, quien poco a poco se va haciendo un hueco entre los directores de culto del Festival (hace dos años se proyectó su Dai-niponjin) y que en esta edición presenta Scabbard Samurai, un alocado viaje donde un caduco guerrero debe afrontar treinta pruebas a cual más variopinta para poder recuperar su honor. Si el director sigue en la linea de su anterior trabajo, Symbol, no nos queda más remedio que recomendar a un autor diferente y muy, muy divertido. Por otro lado, no podía faltar la consabida dosis de terror, que en esta ocasión viene de la mano de uno de los realizadores más pro-

Imagen de Guilty of Romance de Shion Sono

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Imagen de Sector 7 del coreano Ji-hun Kim

vocadores y desafiantes del cine japonés actual. Se trata de Sion Sono, que en esta edición trae debajo del brazo y recién salidas del horno sus dos últimas películas: Guilty of Romance y Himizu, cuando todavía no se han acallado los múltiples elogios recibidos en todos los Festivales en los que se ha proyectado su anterior película, Cold Fish. Pero el amante del buen cine proveniente del lejano Oriente también va a poder disponer de otras vías o secciones donde satisfacer su voraz apetito cinéfilo. La sección Casa Asia, anteriormente conocida como Orient Express, también va a aportar al Festival un buen puñado de títulos de última hornada: la joya de la corona será la proyección en el Auditori de uno de los éxitos de taquilla más recientes del cine coreano, Sector 7. En un revolucionario y perfecto 3D aquellos que gozaron y se divirtieron de lo lindo hace www.cinemascomics.com

unos años con The Host, de Bong Joon-ho, van a tener su ración de monstruo acuático en una película que promete diversión a raudales. Una monster-movie que se desarrolla en mitad del océano, donde una criatura mutante asediará a un grupo de trabajadores de una plataforma petrolífera. Los seguidores de mitos vivientes del cine de acción como Jackie Chan y Andy Lau no se pueden perderse Shaolin, film que además de unir a ámbos virtuosos en una película épica trufada de escenas acrobáticas con trasfondo histórico nos servirá para ver en pantalla a una de las actrices más guapas del cine hongkonés actual: Fan Bingbing, a quien también se podrá ver en Seven Chances en el film Sacrifice, el último trabajo de Chen Kaige. Propuestas más arriesgadas y viscerales son la hongkonesa Revenge, A love Story, la historia de dos jóvenes aparentemente retardados que descubren el amor; la indonesia

The Raid, de Gareth Evans, adrenalina pura a base de patadas y mamporros que obtuvo un gran éxito entre el público en su pase en el Festival de Cine de Toronto; Smugglers, un film de yakuzas de poca monta y contrabando de cadáveres que promete ser una de las películas “tapadas” del certámen; The Unjust y Haunters, dos thrillers coreanos con músculo que recuerdan a clásicos como Memories of Murder, e incluso un documental indio sobre todo lo concerniente a la floreciente industria de Bollywood. A los más noctámbulos el Festival de Sitges les tiene reservado una espiral de emociones fuertes en sus secciones Japan Madness; Midnight Express y Mondo macabro. En la primera podremos acudir a una magnífica maratón donde se podrán ver tres trabajos tan dispares como apetecibles: Ninja Kids, la segunda y muy infantilizada aportación del ínclito Takashi Cinemascomics │Octubre 2011 │

Imagen de Tatsumi de Eric Khoo Miike al Certámen; Karate Robo Zagorbar, sobre una moto que tiene la capacidad de convertirse en un poderoso robot, y Yakuza Weapon, la última locura de Tak sakaguchi, realizador entre otras de Versus y Battlefield Baseball. En cuanto a la sección Midnight Express, la aportación oriental vendrá de la mano de la polémica Sex and Zen 3D, un relato erótico que causó furor entre el público de la China Continental, que se trasladó en masa a la isla de Hong Kong para poder ver un film que ha batido todos los records posibles de recaudación (por supuesto su exhibición en la China Continental fue terminantemente prohibida). Por último, en Mondo Macabro recomendamos encarecidamente Endhiran, un auténtico delirio de acción y efectos especiales que no dejara indiferente a quien acuda a su proyección. Nada menos que diez años tardó su director en dar a luz un proyecto que algunos se han atrevido a catalogar de nuevo Avatar. Y por si fuera poco dos sesiones especiales prometen dos veladas inol-

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vidables, ya que se podrán ver las dos partes seguidas del fenómeno Gantz, adaptación del manga de género seinen (género de anime o manga enfocado a los mayores de 18 años) creado por Hiroya Oku en el año 2000 y el último trabajo en forma de mediometraje del maestro Park Chan-wook, Night Fishing, grabado con la cámara HD del iPhone 4 junto a su hermano. Y para acabar este artículo no podíamos olvidarnos de las propuestas animadas, que repartidas en distintas secciones del Festival, nos recuerdan que Oriente todavía tiene mucho que decir en el terreno de la animación. Es una pena, aunque siempre tienes ese punto de esperanza de que se proyecte en alguna sesión sorpresa, que el último trabajo del Studio Ghibli, Kokuriko-Zaka Kara, no haya sido seleccionado entre los numerosos y recomendables trabajos que sí vamos a tener la oportunidad de disfrutar; entre ellos A letter to Momo, de Hiroyuki Okiura y Tatsumi, de Eric Khoo, ambas en la Sección Oficial del Festival. La primera propues-

ta se trata de un bellísimo cuento de animación hecho a mano, que ocupó a su director nada menos que siete años hasta finalizarlo, mientras que el segundo es una adaptación para adultos de una serie de mangas populares de Yoshihiro Tatsumi. En cuanto a la sección Anima´t, este año un tanto reducida, se proyectarán tres titulos japoneses: Fullmethal Alchemist: The Sacred Stars of Milos, en el que supone el debut en la dirección de Kazuya Murata; Osamu Tezuka´s Buda-The Great Departure, la adaptación (al fin) después de cuatro décadas de esta obra maestra que es el Buda de Osamu Tezuka y Trigun: Badlands Rumble, un western futurista basado en el exitoso manga de Satoshi Nishimura. Como se puede comprobar por la cantidad ingente de extraordinarias propuestas fílmicas, quien tenga la oportunidad de hacer las maletas y marchar unos días para Sitges, que no se lo piense dos veces... ¡No lo lamentará!.

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PRESENTAN UNA PRODUCCIÓN DE

UNA PELÍCULA DE

¡YA DISPONIBLE EN DVD / BLU-RAY 3D! SIN CENSURA El Sicario de Dios nos transporta a un mundo devastado por el apocalipsis, una guerra salvaje enfrentó a hombres y vampiros durante siglos. La noticia de nuevos ataques llega a oídos de un sacerdote guerrero (Paul Bettany) y esta vez, se trata de algo personal. Su sobrina ha sido secuestrada por una nueva horda de vampiros sin piedad. Para salvarla, debe romper sus votos y dar caza a la horda antes de que sea demasiado tarde. Basada en el cómic de éxito, esta cruzada sin límites cargada de acción sangrienta te llevará a la caza de una nueva raza de asesinos. Dirigida por Scoot Stewart (Legión) y protagonizada por Paul Bettany, Lily Colins, Cam Gigandet, Maggie Q y Karl Urban.

Con motivo del lanzamiento en DVD / Blu-Ray el pasado 4 de octubre de “EL SICARIO DE DIOS”, os traemos un nuevo concurso en el que Sorteamos 3 DVD de la película y 3 packs dobles con “EL SICARIO DE DIOS” Y “LEGIÓN” película con la que debutó su realizador Scoot Stewart y que cuenta con Paul Bettany como protagonista. Para participar tan solo debes responder a la siguiente pregunta a concursoscinemascomics@gmail.com, e indicar en el asunto concurso “EL SICARIO DE DIOS” o “EL SICARIO DE DIOS Y LEGIÓN” antes del 1 de noviembre.

¿Qué armas usarías para acabar con los vampiros?

CARACTERÍSTICAS Idiomas: Catalán 5.1, Español 5.1 DTS-HD, Francés 5.1 DTS-HD, Inglés 5.1 DTSHD Subtitulos: Arabe, Hindi, Holandés, Español, Francés, Inglés Discos: 1 Escenas eliminadas. La frontera sangrienta: Creando el mundo de “El Sicario de Dios”. Las herramientas: Las armas y los vehículos. Comentarios del director y el reparto. En exclusiva para Blu-ray: Balas y crucifijos: picture in picture Funciones movieIQ y BD Live © 2011 Screen Gems, Inc. All Rights Reserved.

Cine de los 80

Por Sergio Reina 116 │ Cinemascomics │ Septiembre 2011

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Una verdadera suerte, poder realizar este artículo, para poder hablar de una de mis películas favoritas: La cosa, de John Carpenter, una aterradora monster movie sin concesiones. Basada en el relato Who Goes There, de John W. Campbell, el editor de Astounding Science Fiction, al igual que El enigma del otro mundo (The Thing, Christian Nyby, 1951), la película transcurre en la Antártida, donde un grupo de científicos norteamericanos van a ser víctimas de una malvada criatura alienígena. Tras unos brillantes créditos de inicio, donde después de los nombres de reparto y equipo técnico vemos una nave espacial extraterrestre acercándose a la Tierra gracias al magnífico trucaje de Peter Kuran, aparece magistral y artesanalmente (artesanal por la manera en la que se crearon, ya que estamos en 1982: era pre digital) el título de la película homenajeando al filme de Nyby. A continuación asistimos a una de www.cinemascomics.com

las mejores escenas de la película (por decir algo, ya que para mí son muchas las mejores, como podréis ir leyendo) donde un helicóptero noruego va persiguiendo a un perro que corre por la nieve para darle caza a tiros. Tras llegar a la estación americana, el helicóptero aterriza ante sus asombrados ocupantes, y uno de los noruegos se baja del aparato con una escopeta, mientras el otro intenta arrojar una granada que se le resbala y explota, haciéndole volar por los aires junto al helicóptero. El perro se abalanza amistosamente sobre uno de los norteamericanos mientras el noruego parece enloquecer y empieza a disparar contra ellos antes de ser abatido por un certero disparo del capitán de la base. Una escena con la firma de Carpenter, donde sin casi diálogos, sin presentarnos a los actores ni prácticamente la situación, ya nos predispone para que la tensión de la película vaya creciendo a cada escena que pasa. A destacar la brillante actuación del perro, llamado en la vida real Jed,

y que era mitad lobo. Todas las escenas en las que aparece parecen hablar por sí mismas, con su presencia llenando la pantalla y dando una sensación de inquietud pocas veces vista en el cine. Tras la visita de los americanos a la base noruega de la que venía el helicóptero y el descubrimiento de los cadáveres de varios de sus ocupantes y un gran foso vacío excavado en el hielo donde intentaron quemar “algo”, éstos se dan cuenta de que lo que ha llegado a la Antártida no es de este mundo, sino un ser venido del espacio dotado con la capacidad de adoptar la apariencia de cualquier ser vivo y además comportarse como tal, lo que le da mucha ventaja a la hora de pasar inadvertido e ir contagiando de una manera muy rápida: toda la población humana en apenas 27 horas. La película, como ya he comentado, va creciendo en tensión con cada escena que nos plantea, y se nos muestra aparte de como un film de terror, como una peCinemascomics │Octubre 2011 │

la camaradería llego a acentuarse debido al alojamiento de todos en una especie de campamento del pueblo más cercano a la localización donde se grababa. También es reseñable en este apartado el trabajo de Albert Whitlock, que fue el pintor encargado de crear los fondos de muchas escenas para recrear la localización. Un trabajo brillante, y que si no te fijas mucho, pero que mucho, es inapreciable.

lícula de suspense, ya que no podemos saber quién esta contagiado y quién sigue siendo humano, como en el mejor libro de Agatha Christie, un relato detectivesco a lo Diez Negritos, pero con un final muy distinto. Parte del éxito de la película radica en los actores elegidos. Entre ellos tenemos a secundarios de lujo como Wilford Brimley, David Clennon, Keith David, Richard Dysart, Charles Hallahan, Peter Malloney, Richard Masur, Donald Moffat y T.K. Carter. Y como principal protagonista tenemos a Kurt Russell, en la que sería su segunda colaboración con John Carpenter. Nos da un personaje que pilota helicópteros, del que prácticamente no sabemos nada, al igual que del resto del reparto, y poco nos importa, pues no hay respiro para pensar qué es lo que están haciendo en la estación polar, ni por qué han llegado allí los que no son científicos. Sin embargo, todos los personajes tienen su profundidad, están bien definidos y enseguida sabemos de qué pie cojea cada uno (esto es puro Carpenter), sin necesidad de explicaciones, tan solo por cómo se van comportando. Y tenemos de todo: paranoicos, racistas, porretas, retraídos, violentos, aparentes... La banda sonora está firmada por Ennio Morricone, y si estos temas no han llegado a ser tan famosos como otras de sus piezas es porque son muy sencillos. Pero sin

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duda, son otro punto fuerte de la película. En muchos momentos, parecen latidos del corazón a punto de desbordarse ante tanta paranoia y tensión. Mención aparte merecen los efectos especiales, obra de Rob Bottin. Por aquel entonces, Rob contaba con tan solo 22 años, pero ya tenía su bagaje dentro del cine, ya que venía de hacer Aullidos, y también había colaborado con Carpenter en La Niebla (1980). Sus creaciones en esta película, son tan realistas, que aún hoy en día y con toda la progresión que ha habido en este campo, siguen dando la misma sensación que por aquellos años: asco, repulsión, miedo, pavor,... geniales, y lo que es mejor, y como ya he comentado antes, realizados de una manera artesanal, con mucho látex, cosas viscosas, y demás chucherías. Incluso, en alguna escena, dentro de las deformidades que se analizan en las autopsias, había órganos de animales para dar mayor verosimilud a la creación. Su trabajo fue tan intenso para esta película, que llego a caer enfermo de agotamiento, teniendo que reemplazarle en alguna escena el gran Stan Winston. Si tenéis la edición en DVD o Bluray, podréis disfrutar de varios documentales en los que se da buena cuenta de cómo fueron creados estos efectos especiales, además de comprobar cómo se lo pasó todo el equipo, con actores incluidos, rodando esta película, donde

En su estreno, la película no tuvo mucho éxito y apenas llegó a cubrir el presupuesto inicial de unos 10 millones de dólares, probablemente debido a que fue ensombrecida por ET, el extraterrestre, que también se estrenó ese año y que llegó a recaudar 360 millones, y a que la crítica tildó a Carpenter de “pornógrafo” y cosas peores al comparar su visión gore de los alienígenas con la acaramelada de Spielberg. A pesar de que Carpenter fue despedido de Universal y su nombre puesto en todas las listas negras de Hollywood, se resarció rodando en 1984 la terriblemente pastelera Starman, el hombre de las estrellas, con el que parecía un clon de E.T. pero en guapo, volviéndose a hacer un hueco en la industria y abandonando rápidamente la vena romántico-comercial para retornar a sus parajes habituales, donde nos ofreció otras obras claves del género como Están vivos (They Live, 1988) o su notable remake de El pueblo de los malditos (Village of the Damned, 1995). Sin embargo, el tiempo ha acabado poniendo La Cosa en su sitio, entre las grandes de la ciencia ficción y el terror. La favorita de su director, y eso que ha sido prolífico, y también mi favorita de todas las que ha dirigido. Por esto, miedo me da el próximo estreno de su precuela, que se espera para este mismo octubre, y del que podéis leer en esta vuestra revista. Espero que haga justicia a La Cosa, pues la obra de Carpenter merece un respeto, y por lo tanto una precuela digna. www.cinemascomics.com

Especial series

Los zombies, los vampiros o los superhéroes surgen por doquier entre la sociedad. Pero los alienígenas resultan más intransigentes, y lo que pretenden es acabar con ella. En Falling Skies, la televisión se apropia de una de las temáticas más exitosas de la ciencia-ficción: la invasión extraterrestre. A caballo entre las series bélicas y las tramas de alienígenas, entre sus productores resuena un nombre con fuerza propia: Steven Spielberg. Dentro de las ansias creativas por darle una patada a todo sistema conocido y volver el mundo patas arriba, los guionistas suelen echar mano a dos grandes modelos de relato. Ambos, como decimos, tienen un único fin: demostrar que nuestro planeta puede convertirse en un infierno inhóspito de la noche a la mañana y que, como raza, los seres humanos resultamos, más bien, mediocres. Aunque los dos pretenden hacer tabula rasa y borrar de la superficie todo escenario conocido, existen sutiles diferencias entre uno y otro esquema. El primero se centra más bien en exterminar a las propias personas: se trata de esa tendencia microbiológica a expandir virus, epidemias y de-

más plagas contemporáneas para fastidiar a todo bicho viviente y establecer una cuenta atrás de la vida natural. En esta línea caben lecturas sociales y éticas de todo tipo: desde la expansión de la alarma social como peligroso miedo colectivo (y sus histerias correspondientes) hasta los límites bioéticos que permiten a los laboratorios crear armas biológicas que, como bien saben las moralejas, acaban volviéndose contra uno mismo. En una segunda línea, están las invasiones. Parásitos que invaden nuestro medio. Pueden ser hordas de zombies, como muestran recientes ejemplos, o alienígenas de escasa compasión. El objetivo es similar: matar a los humanos

(o aprovecharlos como recurso, según la exitosa Matrix) y quedarse con el planeta. Aquí encuentran su lugar, más habitualmente, las críticas políticas y militares, las que nos hablan del miedo al invasor extranjero o el temor capitalista a pasar de explotador a explotado. En esta última línea, sin dejar muy clara una posible moral subyacente –algo que, al fin y al cabo, no interesa tanto- se mueve Falling Skies, la serie de televisión que rinde cuentas con una parcela de la ciencia-ficción que todavía no había sido explotada por los nuevos productos televisivos (si obviamos el remake de V): la invasión extraterrestre.

La historia comienza en pleno meollo. El primer plano nos muestra ya de qué va la cosa: una peligrosa raza de alienígenas ha aterrizado en nuestro planeta y ha comenzado a aniquilar a los seres humanos, esclavizando además a los niños con un misterioso cepo biónico que anula su voluntad y que, dicho sea de paso, parece imposible de extraer. En medio de este panorama, un grupo de insurrectos rebeldes de la ciudad de Boston, liderados por algunos militares, trata de sobrevivir contraatacando a los ejércitos de aliens y buscando en constante éxodo un escondrijo donde establecerse. El hecho de comenzar in medias res ofrece un rápido vistazo a lo que nos vamos a encontrar en Falling Skies: una serie dinámica, marcada por el entretenimiento y la acción, y de la cual se ha publicitado, sobre todo, el nombre de uno de sus creadores: Steven Spielberg.

Un autor de altura En 2009, Steven Spielberg tuvo

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una idea. Para desarrollarla llamó a Robert Rodat, guionista de una de sus mejores películas, “Salvar al soldado Ryan”, y juntos concibieron el concepto de una serie de televisión sobre una posible invasión violenta de fuerzas extraterrestres. La cadena TNT sería la encargada de acoger el proyecto, que vería la luz dos años después, en junio de 2011. Fruto de una intensa campaña de promoción (en la que no faltó, por supuesto, la asistencia a la Comic-Con de San Diego de ese año), Falling Skies, que así se llamaba el producto, obtuvo el mejor estreno del año para una serie de televisión por cable. Desde entonces, se ha lanzado una temporada de 10 capítulos y otra que va en camino, con una notable aceptación de audiencia. Spielberg ya había tratado el tema de las invasiones en la estupenda “La guerra de los mundos”, por lo que repitió aquí algunos de los esquemas que utilizara en su filme de 2005. En vez de expandir el conflicto a niveles globales,

personaliza sus consecuencias en un reducido grupo de supervivientes, entre los cuales existen nexos afectivos, pero también posiciones confrontadas. En este caso, el protagonista principal es Tom Mason (Noah Wyle, uno de los médicos más longevos de la afamada Urgencias), antiguo profesor de Historia de la Universidad de Boston, cuya mujer murió en el asalto invasor. Tom tiene tres hijos, pero el mediano ha sido esclavizado por los extraterrestres, por lo que una de sus prioridades es rescatarlo. No resulta fácil siendo el segundo al mando del grupo superviviente en Boston, unas 300 personas que se han autoimpuesto el nombre de Second Mass y que están lideradas por el capitán Dan Weaver (Will Patton). Son las diatribas de Second Mass las que focalizan el interés de la serie, y a través de sus integrantes más guerreros observaremos sus dificultades para hacer frente a los invasores y movilizar a un grupo tan extenso para poder sobrevivir. La mano del Spielberg productor, por tanto, se nota en alguna de sus constantes. El director de “Tiwww.cinemascomics.com

burón” avala una trama de acción donde no falta el poder de los vínculos familiares, especialmente la relación con el “padre”, algo en lo que se muestra particularmente obsesivo. Tom Mason lucha por mantener la cordura y el buen hacer de un padre responsable, a pesar de que su hijo pequeño se muestre profundamente afectado por la pérdida de la madre, y el hijo mayor deba colaborar en la lucha activa de la resistencia. Mason se mueve en una tensión constante entre el instinto de protección y el temor inevitable que supone poner en riesgo la vida de sus hijos. Semejante sacrificio indica, por tanto, que ese hombre y su grupo han alcanzado un punto de desesperación que desborda la moralidad. Sin embargo, también es importante mantener la humanidad que los diferencia de los aliens (al menos, a primera vista) y por eso insiste en rescatar al hijo que mantienen prisionero.

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Militarismo y supervivencia Sentimentalismos marca de la casa aparte, la lucha contra los invasores se revela, efectivamente, como una cruenta y complicada situación. La batalla entre humanos y alienígenas parece estar tremendamente descompensada. Para empeorar la situación, en la trama aparecen también otros subgrupos de supervivientes que actúan por libre y que parecen poco dispuestos a colaborar con la Second Mass y más proclives a cimentar su propia seguridad. Para controlar el caos, el capitán Weaver y sus tropas dirigen a los humanos con firme mano militar. Ésta es, de hecho, una de las tónicas dominantes en el género. Las fuerzas armadas se erigen como defensoras (puesto que poseen los recursos necesarios para ello) pero también imponen su dominio sobre la clase civil. En la tra-

ma, la doctora Anne Glass (Moon Bloodgood) se encarga de que los militares no olviden que los ciudadanos de a pie todavía mantienen sus derechos, incluso en un estado de sitio como el que están viviendo, si pretenden seguir siendo humanos. Sin embargo, en la difícil batalla de Falling Skies, los propios civiles deben tomar también la batuta. Así, Second Mass se lidera entre el equilibrio de la razón, personificada en el profesor universitario (especialista en tácticas bélicas de la historia), y la fuerza, en mano militar. Juntos deben hacer frente a la amenazante omnipresencia de la base alienígena, una mastodóntica construcción visible siempre en el horizonte, y las tropas que lidera, cuya tecnología de ataque parece ser más terrible aún que su apariencia. En este sentido, el diseño de los aliens recuerda al habitual es-

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quema biológico a caballo entre el insecto y el reptil que tantas otras ficciones han utilizado. Aunque da la impresión de que este aspecto podría estar más trabajado, a cambio Falling Skies no juega con la intriga, ni mucho menos con la moderación. No se exhibe al monstruo poco a poco. Todo lo contrario; desde el comienzo los extraterrestres aparecen por todos los rincones, de forma avasalladora. Al fin y al cabo, se trata de una batalla de guerra, como cualquier otra ficción bélica, y no hay concesiones con el enemigo. A no ser que el avance de la trama justifique, también, las motivaciones de los aliens para atacar el planeta Tierra…

Una amenaza global Al igual que ocurre con The Waking Dead, la trama de Falling Skies se sitúa en América, pero el grupo superviviente es suficientemente amplio como para representar a todas las razas humanas.

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Existen asiáticos, afroamericanos y latinos, en parte porque es necesario universalizar el conflicto, y en parte porque, a estas alturas, queda ya claro que América es una aldea global y mestiza. Hablando de globalidades, Falling Skies también comparte con la serie de zombies (y con otras como True Blood) una presencia a varios niveles mediáticos. Como parte de su promoción y para acentuar ese toque de serie B que la serie posee en ocasiones, Dark Horse edita cada dos semanas un pequeño tebeo online en la página web oficial del programa. El cómic ejerce la función de precuela literaria, y explica cómo sucedieron los hechos que conducen al inicio de la serie, desde las primeras invasiones. Así, entre sus páginas, uno puede seguir las desdichas de Tom Mason y compañía desde el principio y entender las motivaciones que llevan a los personajes a tomar partido en semejante lucha. Se trata de un curioso producto que expande las

posibilidades del fan a una dimensión multimedia y crea una labor de marketing más global, tal y como ocurriera también con Buffy Cazavampiros. Esta última serie es, además, otro ejemplo de la fusión televisión-cómic que la misma editorial Dark Horse ha sacado a la luz y que tantas alegrías proporciona a los aficionados. Es posible extraer todas las lecturas que se quieran de Falling Skies. El enemigo que entra en casa, la amenaza contra el orden capitalista, los proféticos cataclismos que los arcanos vaticinan para nuestra época… Pero en general, tampoco se profundiza mucho en ello. Spielberg es el rey del entretenimiento, un entretenimiento de autor, y eso es lo que importa. Falling Skies recibió una desigual recepción crítica. Sin embargo, contiene suficiente adrenalina como para mantener al telespectador pegado al sofá. Al menos, hasta que los alienígenas lo obliguen a evacuar su hogar. www.cinemascomics.com

LOS SUPERHÉROES QUE VENDRÁN SI EN 2012 NO SE ACABA EL MUNDO Por José Joaquín González

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Aunque aún no hemos despedido este año, hay que admitir que ha sido un buen año en cuanto a adaptaciones de superhéroes se refiere. Aunque no todas han disfrutado de la calidad que se esperaba de ellas, la mayoría han conseguido con éxito la difícil tarea de mostrar a nuestros héroes de papel con un aspecto medianamente real y con unas tramas más o menos acertadas.

adaptaciones de las que ya se esta empezando a hablar como una realidad mas que tangible.

En los próximos años, en especial en 2012 y 2013, los superhéroes seguirán invadiendo las taquillas de nuestros cines tanto con nuevas entregas de las aventuras que ya hemos visto, como con reinicios de franquicias que en algún momento se desviaron demasiado de los parámetros que debían.

Estamos hablando por supuesto de “Ghost Rider 2: Espiritus de Venganza”, el retorno de Nicolas Cage como el Motorista Fantasma que podremos ver a partir del 17 de febrero de 2012 en nuestro país. Esta secuela, que pretende olvidarse de los hechos ocurridos en la primera entrega, está dirigida por Mark Neveldine y Brian Taylor, dos individuos adictos al cine de acción y que hasta el momento nos han presentado films cargados de adrenalina como Crank (1 y 2) y Gamer. La verdad es que no es el estilo más adecuado para

En este articulo hablaremos un poco sobre los proyectos que sabemos con seguridad que se estrenaran en el próximo año, y os adelantaremos la poca información que tenemos sobre algunas

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Comenzaremos como es lógico por el titulo que llegara antes a nuestras pantallas, y que aunque en su primera adaptación nos trajo uno de los títulos peores valorados por crítica y publico regresa con la intención de reconciliarse con todos sus seguidores.

un personaje como el Motorista Fantasma, pero para evitar que la cinta se convierta en un compendio de explosiones, tipos duros y explosiones, la productora decidió contratar a un guionista con experiencia en el tema de adaptar comics al formato cinematográfico. El elegido fue David S. Goyer, un tipo con tradición en el sector y que en los últimos años nos ha brindado guiones tan soberbios como el de “Batman: El Caballero Oscuro”. Sinceramente, creo que esto aportará equilibrio a esta nueva entrega del Motorista Fantasma, pero hasta que no veamos la cinta tendremos la espinita (mas bien una estaca) del mal sabor de boca que dejó la primera entrega. Sobre la trama de esta secuela solo os puedo decir que estará situada en Europa del este y que involucrará a una secta que solicitará los servicios del Motorista para evitar la llegada del demonio a la tierra. Ciertamente, no es

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desconocido) que convertirá las calles de Nueva York en un verdadero campo de batalla. La cinta esta dirigida por Joss Whedon (Buffy, Firefly) y por el propio bien de su carrera como director esperamos al menos un trabajo entretenido y respetuoso con estos personajes tan carismáticos. Seguimos avanzando en el tiempo y nos detenemos en pleno verano, exactamente en el 3 de Julio de 2012, fecha elegida para el estreno del reboot de la franquicia cinematográfica de Spider-Man que está a cargo de Marc Webb, un director más conocido por sus trabajos en el sector de los videos musicales que por su carrera cinematográfica, en la que encontramos como único titulo destacable la comedia romántica “500 días juntos”.

una sinopsis muy atrayente, pero como he dicho, habrá que esperar hasta febrero del año que viene para ver cómo queda esta nueva entrega en la que además de a Nicolas Cage veremos a Ciarán Hinds (Munich) e Idris Elba (Thor) como co-protagonistas. La siguiente en el calendario también es una adaptación de la editorial Marvel, pero con la diferencia de que esta goza del absoluto control de la editorial y de su división cinematográfica: Marvel Studios. Con fecha de estreno internacional para el 4 de mayo, “Los Vengadores” supone el colofón al trabajo que Marvel Studios ha ido desarrollando desde que en 2008 tomaran partido en la adaptación

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de Iron Man (Jon Favreau) y del Increíble Hulk (Louis Leterrier). Como bien sabéis (y si no habéis visto ya el trailer tenéis delito), “Los Vengadores” unirán en una misma cinta a Thor (Chris Hemsworth), El Capitán América (Chris Evans), Iron Man (Robert Downey Jr.), Viuda Negra (Scarlett Johansson), Ojo de Halcón (Jeremy Renner), Hulk (Mark Ruffallo) y Nick Furia (Samuel L. Jackson) en una aventura que esperemos sea lo que todos los seguidores de los comics Marvel estamos esperando. De momento sólo sabemos que el principal villano de la cinta será Loki (Tom Hiddleston) y que tendrá ayuda de un multitudinario ejercito invasor (de origen aun

“The Amazing Spider-Man”, cabecera habitual de los comics que ha sido elegida para diferenciar la cinta de las de Raimi, se presenta como una versión que intenta ser más fiel al cómic en el que se basa y que aunque fue ideada tras el fracaso de la tercera película de Spiderman que dirigiera el director de Evil Dead, tiene la difícil tarea de compararse con las primeras dos películas que Raimi realizo entre 2002 y 2004 sobre nuestro amistoso vecino arácnido. La verdad es que en su momento vi un poco excesivo reiniciar una saga que a pesar de sus defectos nos había dejado dos estupendas adaptaciones de un personaje nada fácil de llevar a la pantalla, pero a riesgo de equivocarme diré que la propuesta de Mark Webb tiene ciertos elementos que la hacen más que apetecible a cualquier seguidor del trepa muros. El film está protagonizado por Andrew Gadfield (La Red Social) y presuntamente nos presentara una visión mas acorde con los comics originales que Stan Lee y Steve Ditko concibieron allá por www.cinemascomics.com

el año 1962. Para empezar, la cinta volverá a los orígenes de Spiderman en el instituto y además de recuperar los lanzarredes mecánicos (los de Raimi eran de otro tipo mas escatológico) también nos mostrara al primer amor de Peter Parker en un orden cronológico mas acorde con los comics. Emma Stone (Zombieland) es la encargada de interpretar a Gwen Stacy, y junto a ella completan el reparto actores de la talla de Martin Sheen (Ben Parker), Sally Field (Tia May), Rhys Iffans (Dr. Connors, aka “El Lagarto”) o Denis Leary (Capitán Stacy). Hasta el momento, hemos visto multitud de imágenes del rodaje que no inspiraban mucha confianza, pero tras un teaser trailer con una perspectiva muy innovadora (parecía sacada del videojuego “Mirror´s Edge”) ha conseguido captar la atención de un público anclado en la desconfianza. Seguimos con el último titulo de superhéroes confirmado para su

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estreno en 2012, y que sin lugar a dudas es uno de los más esperados. “Batman: The Dark Knight Rises” o “El Caballero Oscuro: La leyenda renace” (horrible titulo para nuestro país) se estrena el 26 de julio en nuestro país y supuestamente cerrará la trilogía de “Bat-películas” (¡qué ganas tenia de usar esa coletilla!) dirigidas por Christopher Nolan. La cinta pretende continuar con la estética y calidad que se marcaron en “Batman Begins” y con un nuevo guión e historia escritos por los hermanos Nolan (Christopher y Jonathan) y David S. Goyer nos traerá una trama de la que se espera que sea al menos tan buena como la que vimos en “El Caballero Oscuro”, entrega que a día de hoy se considera probablemente como la mejor película de superhéroes hecha hasta el momento. En la nueva entrega, Christian Bale compartirá protagonismo con Anne Hathaway, actriz que

da vida a una Catwoman bastante crítica de momento, y se enfrentará al brutal Bane y algún que otro villano más en una cinta que a pesar de la multitud de filtraciones fotográficas que ha sufrido aún parece reservarse secretos que harán las delicias de los seguidores del protector de Gotham. Como ultimo proyecto actualmente en marcha del que podemos hablar con conocimiento de causa, nos tenemos que transportar hasta el 14 de junio de 2013, fecha de estreno USA para la nueva versión de Superman que esta dirigiendo Zack Snyder bajo la atenta supervisión de Christopher Nolan y David S. Goyer. “Man of Steel” (El Hombre de Hierro) ha mostrado hasta el momento suficientes elementos como para no agradar a los seguidores más radicales del personaje, pero en pos del progreso y de la tolerancia en cuanto a adaptaciones de superhéroes al cine se trata, le

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daremos una oportunidad a esta particular versión de Superman que sin lugar a dudas será conocida por mucho tiempo como la película “del Superman sin calzoncillos”. Coñas aparte, la cinta de Snyder tiene difícil entrar en el panteón de películas de superhéroes por haber nacido a la par de un reinicio en la editorial DC Comics que está generando opiniones de todo tipo, tanto para bien o para mal. El film esta protagonizado por Henry Cavill (al que veremos en breve en la cinta “Immortals”) y le acompañan un grupo de actores de sobrada reputación como Russell Crowe (Jor-el), Amy Adams (Lois Lane), Diane Lane (Martha Kent), Kevin Costner (Jonathan Kent) y Michael Shanon (General Zod). De la trama aún no se ha filtrado nada, y aunque sabemos que el General Zod será el principal villano (acompañado de Faora, una kriptoniana interpretada por Antje Traue) se rumorea que Darkseid y Lex Luthor también

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podrían tener su participación en este reinicio del boy scout que llegó de Kripton. Sin duda alguna, “Superman: Man of the Steel” está en el punto de mira de mucha gente, y aunque Snyder es un director solvente y cuenta con supervisión, esperamos que no sea una nueva locura como la que supuso “Sucker Punch”, un resbalón importante en la carrera de este director que tanta simpatía había levantado hasta el momento en buena parte de los aficionados al cine. Con esta ultima cinta terminamos la lista de proyectos producidos o en producción, pero aun se nos quedan en el tintero multitud de títulos que cada semana emiten noticias para un fandom hambriento de información. Sobre dichos títulos podemos destacar nombres como Iron Man 3 (mayo de 2013) en la que Shane Black (Kiss Kiss Bang Bang) sustituirá a Jon Favreau; Thor 2 (15 de noviembre de 2013) que ha

encontrado recientemente directora en Patty Jenkins (Monster); las supuesta adaptaciones de AntMan (el Hombre Hormiga) que correrá de la mano de Edgard Wright (Zombis Party) o el reboot de Daredevil que se basará en la novela “Born Again” y que de momento tiene a David Slade (30 días de oscuridad) como director. Podríamos seguir así mucho rato, pero la verdad son tantos los nombres y tan pocos los datos que continuar no seria más que un infame ejercicio de especulación que acabaría pareciendo un vil intento de ocupar mas líneas, así que sin más, terminamos este repaso con la esperanza de que en los próximos años, los superhéroes que den el salto a la gran pantalla vayan mejorando sus historias, de la misma forma que la técnica ha ido mejorando para hacer posible su adaptación a este medio tan mágico que es el cine.

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LA GRAN AVENTURA DE TINTÍN Por Gerard Fossas “En cuanto leí mi primer libro de la serie, Tintín jamás se alejó de mis pensamientos y mi corazón. Supe que Tintín y yo estábamos destinados a colaborar de alguna forma…y a un viaje de descubrimiento”. Así describe Steven Spielberg su pasión por el personaje creado por el historietista belga Georges Remi “Hergé” en 1929 y cuyas aventuras han sido compartidas por lectores de todo el mundo desde entonces, convirtiéndose Tintín en el reportero más famoso del planeta y en uno de los héroes más entrañables de todos los tiempos. El 28 de octubre de 2011, 35 años después de la publicación del último álbum,” Tintín y los Pícaros”, Tintín se embarcará en una nueva

aventura: la de dar el salto a la gran pantalla. A pesar de haber dado algunos pasos en el mundo del cine con películas menores como Tintín y el Misterio del Toisón de Oro (Jean-Jaques Vierne, 1961), Tintín y el Misterio de las Naranjas Azules (Philipe Condrover, 1964) (esta segunda rodada en España) o la película de animación Tintín y el Lago de los Tiburones (Raymond Leblanc, 1972), nunca antes había protagonizado una superproducción que adaptase las aventuras escritas por Hergé y con un director tan importante como Steven Spielberg al frente, así que mejor nos introducimos en Las Aventuras de Tintín: El Secreto del Unicornio y vemos como ha sido este salto del papel al celuloide.

mensiones y, sobre todo, al hecho de que actores reales debían ocupar rostros esencialmente neutros sin trastocar los rasgos físicos de los personajes de Hergé. El sistema de captura del movimiento y de expresiones faciales empleado en los actores es tan sólo un primer paso que se ha completado con nada más ni nada menos que 18 meses de posproducción con el objetivo de conseguir una transfusión sin rechazo del papel al celuloide y, vistas las primeras imágenes y los tráilers, lo han conseguido.

El aventurero que llevamos dentro El efecto adictivo de las aventuras de Tintín tiene una explicación muy evidente ya en el diseño mismo del personaje. A pesar de ser presumiblemente adulto, aunque su edad sea desconocida, el aspecto juvenil de su fisonomía se identifica con la parte más intrépida de nosotros mismos. Para un niño Tintín representa todo lo que podría esperar ser de adolescente, inteligente, intrépido, inocente y a la vez un pozo sin fondo de curiosidad por lo que le rodea; mientras que para un adulto simboliza el espíritu aventurero y el sueño de liberación con la búsqueda de aventuras perdidas en la juventud.

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El rostro minimalista de Tintín, formado por dos puntos negros como ojos, una nariz redondeada y una línea curvada por boca, es en el fondo un espejo en el que cada uno puede verse a sí mismo reflejado y convertirse de esta forma en el protagonista de todas las hazañas del personaje.

Transfusión de un estilo: la línea clara Uno de los mayores retos de Steven Spielberg y Peter Jackson a la hora de adaptar Tintín para el cine era no perder la estética de los cómics y el inconfundible estilo de Hergé en el trazó y la composición de sus ilustraciones. Un reto vagamente imaginable debido al salto de dos a tres di-

Otro asunto muy diferente es la escenografía y la composición de los planos. Hergé, como dibujante de la Escuela de Bruselas, adoptó este estilo cuyo origen se remonta a historietistas estadounidenses de principios del siglo XX. Este estilo se conoce como “línea clara” y se caracteriza por una apuesta por los colores planos y por un alejamiento del expresionismo y del la utilización de los claroscuros (básico en el arte de la fotografía en cine). Además, la composición de las viñetas de Hergé acostumbra a ser bastante cargada, regular y con movimientos de izquierda a derecha, según el sentido de la lectura. Sobre este aspecto, Spielberg comenta que “Hergé no trataba de dibujar exactamente lo que veía; y nosotros quisimos mantener esas exageradas cualidades de la misma forma que él. Una gran parte del trabajo consistió en el estudio del diseño, mirar lo que hizo y entonces imaginarlo desde diferentes puntos de vista. Esto nos permitió empezar a construir un vocabulario de cómo queríamos armar su mundo en un entorno completamente de animación 3D”. El acurado diseño de los personajes y de la escenografía de la película, en la que el estilo de Hergé resulta sobradamente reconocible, dan fe del buen trabawww.cinemascomics.com

jo realizado en este aspecto.

“El Secreto del Unicornio”… y más

¿Qué cómic de Tintín es el más atractivo para llevar al cine? ¿Las aventuras de Tintín van a convertirse en una franquicia? La respuesta a la segunda pregunta fácilmente es un “sí”, de modo que aventuras más espectaculares como los dípticos de “Las 7 Bolas de Cristal” y “El Templo del Sol” o “Objetivo: la Luna” y “Aterrizaje en la Luna” son más propensos a una continuación. La elección de Spielberg ha sido acertada a mi parecer, apostando por “El Secreto del Unicornio” y su continuación, “El Tesoro de Rackham el Rojo”, mezclándolos con “El Cangrejo de las Pinzas de Oro”, que se publicó previamente. Entre las tres hay un eje argumental en torno a un personaje clave del universo de Tintín: el Cawww.cinemascomics.com

pitán Haddock. Ambos personajes se encuentran por primera vez en “El Cangrejo de las Pinzas de Oro” y desde entonces son pareja inseparable de aventuras. Haddock es presentado como un borracho insoportable e, incluso peligroso (sus acciones desembocan en un peligro constante para las vidas de ambos) que se convierte en compañero accidental de Tintín. La complicidad que surge entre ambos debido a su choque de caracteres hace que el que estaba destinado a ser un secundario circunstancial se convierta en el segundo personaje más importante de las aventuras de Tintín. Andy Serkis, quien da vida a Haddock, lo describe como un personaje “crudo pero con disponibilidad emocional al mismo tiempo” y añade que “Capitán Haddock tiene muchas cosas que enseñar de la vida a Tintín, y Tintín realmente le brinda a Haddock la oportu-

nidad de redimirse”. Archivaldo Haddock es el único personaje de Tintín apoyado por un antepasado y, por tanto, un pasado que precisamente es desvelado en “El Secreto del Unicornio”, un álbum clave en la historia de Tintín y seguramente uno de los más elaborados a nivel narrativo, hasta el punto que el propio Hergé lo ha catalogado más de una vez como su favorito, entre otras cosas, porque fue su mayor reto a nivel profesional. “El Secreto del Unicornio” empezó a publicarse el 11 de junio de 1942 en el diario Le Soir a razón de una tira diaria. La revista Le Petit Vingtième, donde Hergé publicó las historietas de Tintín hasta entonces había desaparecido y sólo encontró refugio en el mencionado diario, en el cual pasó de tener a disposición dos páginas Cinemascomics │Octubre 2011 │

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para la publicación de sus comics a disponer tan solo de una sola tira. Además, la ocupación de Bélgica por parte de los alemanes supuso una castración de temas políticos con los que a Hergé le gustaba impregnar sus historias, de modo que tuvo que cambiar su forma de trabajar. En “El Secreto del Unicornio” y “El Tesoro de Rackham el Rojo”, el autor belga apostó por alejarse de la realidad y crear literatura de pura evasión con un tema clásico de los relatos de aventuras como es la búsqueda del tesoro. Además, la reducción de espacio de publicación disponible obligó a Hergé a reinventarse en su mecánica narrativa para condensar los mensajes y convertir cada tira cómica en una unidad narrativa que haga avanzar la historia a la vez que mantiene el suspense y, por lo tanto, el interés.

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“El Secreto del Unicornio” está estructurado como un relato de suspense con dos historias abiertas (por una parte la búsqueda de las tres réplicas del Unicornio y por otra el misterio del robo de las carteras) que en el fondo no es más que la preparación del viaje definitivo hacia la búsqueda del tesoro que se materializa en el álbum que da continuidad a esta historia: “El Tesoro de Rackham el Rojo”.

El futuro de Tintín o el asunto Tornasol Las dudas respecto a la película de Spielberg y Jackson se ciñen precisamente en este último tramo de la aventura. En “El Tesoro de Rackham el Rojo” aparece otro personaje esencial en las aventuras de Tintín post-Unicornio: el Profesor Silvestre Tornasol, que precisamente proporciona el famoso sumergible con forma de

tiburón con el que Tintín alcanza los restos del Unicornio hundido. En el film no aparece acreditado ningún actor con el papel de Tornasol ni ninguna imagen que sugiera una aproximación al cómic que sirve como desenlace de la historia. ¿Será la segunda película de Tintín una adaptación íntegra de “El Tesoro de Rackham el Rojo”? Resulta difícil de imaginar. Sin embargo, la ausencia de un desenlace en este cómic pone trabas en futuras adaptaciones de comics, en las que el Castillo de Moulinsart que hereda el Capitán Haddock es una localización muy importante y el Profesor Tornasol suele ser catalizador de las aventuras más atractivas como las citadas anteriormente (“El Templo del Sol” u “Objetivo: la Luna”) u otra tan interesante como “El Asunto Tornasol”, con el terrorismo y el espionaje como telón de fondo.

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SCARLET Contiene Scarlet HC USA Guión: Brian Michael Bendis Dibujo: Brian Michael Bendis Formato: Libro tapa dura, 184 págs. a color. PVP: 19,95 € Editorial Panini La apasionante historia de una mujer empujada al borde del abismo por aquellos que hacen que se sienten intocables... Una mujer que no va a rendirse ante nada y que encontrará la fuerza interior para encender las llamas de una moderna Revolución Americana. Brian Michael Bendis y Alex Maleev, el inmortal equipo creativo detrás de una de las mejores etapas de la historia de Daredevil, vuelven a reunirse, en su proyecto más personal y arriesgado.

100 % CULT. HALO: LEVANTAMIENTO Contiene Halo: Uprising 1-4 USA Guión: Michael Bendis Dibujo:Alex Maleev Formato: Libro con solapas, 144 págs. a color. PVP: 15 € Editorial Panini

El impresionante equipo creativo formado por Brian Michael Bendis y Alex Maleev, que fueron capaces de reinventar a Daredevil durante una etapa portentosa, saltan al universo del más representativo videojuego de Xbox 360. Halo: Levantamiento sirve de puente entre la segunda y la tercera entrega de la epopeya creada por Bungee, pero también presenta el fascinante universo de Halo a todos aquellos que no lo conozcan. Aquí tienes al Jefe Maestro, un supersoldado cuyo destino es participar de la más sangrienta guerra que haya conocido la humanidad.

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GREEN LANTERN: CABALLEROS ESMERALDA Guión: Chuck Dixon, Ron Marz Dibujo: Darryl Banks, Dougie Braithwaite, Jeff Johnson, Paul Pelletier Edición original: Green Lantern 99-106, Green Arrow 136 USA Formato: Libro rústica, 208 págs. a color. PVP: 20 € Editorial Planeta DeAgostini

Hal Jordan fue el mejor Green Lantern de todos… hasta que cayó en desgracia. Su sustituto fue Kyle Rayner, quien portó el anillo en solitario durante años. En esta historia, seleccionada de la etapa de Rayner, este Lantern se encuentra con un Hal Jordan del pasado que hará frente a las duras consecuencias del futuro.

LOS MUERTOS VIVIENTES (EDICIÓN INTEGRAL): LIBRO DOS Guión: Robert Kirkman Dibujo: Charlie Adlard Contiene The Walking Dead # 25-48 (Jan. 2006, Apr. 2008) The Walking Dead: The Covers USA Precio: 40 € Formato: Libro cartoné, 632 págs. blanco y negro Editorial Planeta DeAgostini Recopilatorio de los tomos 5 a 8 de Los Muertos Vivientes. Una epidemia de proporciones apocalípticas ha barrido la Tierra haciendo que los muertos se levanten y se alimenten de los vivos. En una historia de zombies sin fi n, un grupo de supervivientes intentan marcar la diferencia y, sobre todo, seguir existiendo. Pronto podremos disfrutar también de la segunda temporada de la serie de TV en España, que ha mantenido el título original de Robert Kirkman, The Walking Dead. www.cinemascomics.com

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