Nº 5. Cinemascomics: La revista. Junio 2011

Junio 2011. Nº 5. Año 1

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La revista

ENTREVISTAS

Matthew Vaughn James Wan

Especial

Estrenos

X-men: Primera Generación Insidious Almas Condenadas Kung Fu panda 2

X-MEN Series Smallville True Blood Especial Ray Harryhausen

URSO C N O ¡C reen G e h T t!

Horne MAD MAX

ANTES DE PRIMERA GENERACIÓN X-men, animados

ORIENTAL EXPRESS El dragón pega duro

cinemascomics la revista DIRECTOR Carlos Gallego DIRECTOR DE ARTE Carlos Gallego MAQUETACIÓN & AUTOEDICIÓN Carlos Gallego REDACCIÓN Carlos Gallego David Larrad Diego Sánchez (planta13.blogspot.com) Francisco Nieto Sánchez (www.cinedeaqui.es) Javier Calvo José Joaquín González (www.defanafan.com) Gerard Fossas (www.butacapreferente.com) Manuel Moros Pedro Pinos Sergio Reina (critico-de-cine-aficionado.blogspot.com) Úrsula Karivdis CÓMICS Diego Burdio (diegoburdio.blogspot.com) Moratha (moratha.blogspot.com) PUBLICIDAD Carlos Gallego Telf. 637 52 01 28 carlosgalman1@gmail.com Las opiniones expresadas por los colaboradores no son necesariamente compartidas por el equipo de Cinemascomics.Todos los derechos reservados. En virtud de lo dispuesto en los artículos 8 y 32.1, párrafo segundo de la ley de Propiedad Intelectual, quedan expresamente prohíbida la reproducción,la distribución y la comunicación pública, incluida su puesta a disposición, de la totalidad o parte de los contenidos de esta publicación, con fines comerciales, en cualquier soporte y por cualquier medio técnico, sin la autorización de Cinemascomics.

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EDITORIAL Un mes más, aquí estamos de nuevo con todos vosotros con nuestras secciones habituales y dando la bienvenida a dos nuevos colaboradores: al dibujante de comics Moratha que nos traerá cada mes las aventuras de “Gordos con Mochila” y a Francisco Nieto Sánchez de www.cinedeaqui.es y colaborador de cineasiaonline.blogspot.com, que nos descubrirá todas las novedades que están por venir del continente asiático.

Este mes, cómo no, se lo dedicamos al estreno comiquero que no es otro que “X-Men: Primera Generación”, y nuestros colaboradores nos traen sendos artículos para homenajearlos. Por un lado, Manuel Moros nos ha preparado un especial con los inicios del cómic en la Casa de las Ideas y por otro, José Joaquín González del blog defanafan.com, nos habla de las series animadas de nuestro grupo de mutantes favorito. Pedro Pinos nos habla del gran Ray Harryhausen., Javier Calvo analiza la serie “True Blood” y Gerard Fossas de Butacapreferente.com se despide de Smallville haciendo un recorrido a través de sus diez temporadas en antena. En cine de los 80, Sergio Reina de critico-de-cine-aficionado.blogspot.com, traerá de vuelta todo un clásico como Mad Max y Úrsula Karivdis vuelve con su reseña literaria del mes.

También quiero destacar las entrevistas a Matthew Vaughn director de “X-Men: Primera Generación” y a James Wan director de “Insidious”. Y por supuesto, no dejéis de participar en el concurso que os proponemos.

Da comienzo Cinemascomics: La revista, y como diría El Gran Wyoming, el mes que viene más, pero no mejor, porque es imposible, aquí, en Cinemascomics.

Carlos Gallego Director de Cinemascomics

Junio 2011 Número 5

comics 7│La Página de Diego Burdio

Entrevista: Matthew Vaughn

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Por Moratha

Actualidad Comienza el rodaje

16│The Dark Knight Rises Liam Neeson podría reaparecer

criticas 72│X-men: Primera Generación 73│ Hanna 74│ Insidious 75│Piratas del Caribe: En mareas misteriosas 4 │

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X de X

44

91│Gordos con Mochila

9│World War Z

14

84 68

Mad Max

Entrevi James W

8

El Dragón pega fuerte

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contenido 92

4

estrenos 22 │ X-men: Primera generación 3 de Junio 40 │ Insidious 10 de Junio 50 │Almas condenadas 10 de Junio 54 │ Kung Fu Panda 2

Smallville

X-men

17 de Junio 65│ Confuncio

4

78

24 de junio

que leer Ray Harryhausen: El creador de lo imposible

ista: Wan

106 │ Qué leer 108 │ Zona Cómic

86 True Blood

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X-men: Animados

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Se rueda

Ya ha comenzado el rodaje en Malta de “World War Z”.

La nueva producción de Paramount, esta dirigida por director Marc Forster y cuenta con Brad Pitt como protagonista junto a Mireille Enos, James Badge Dale, Matthew Fox, Ed Harris and Julia Levy-Boeken. La película está basada en el Best-seller de Max Brooks, novela acerca de una plaga mundial de zombies y a la que dedicamos la sección “Qué leer” del pasado mes de abril.

Brooks - el hijo de Mel Brooks y Anne Bancroft - escribió Guerra mundial Z, que se presenta como un conjunto de entrevistas a los supervivientes, agrupadas en capítulos presentados cronológicamente, cada uno relativo a una gran época del conflicto, desde la aparición del llamado “paciente cero” hasta el fin de la guerra una década después. Brooks deja hablar libremente y sin ningún tipo de censuras a los protagonistas en los distintos capítulos del libro, aunque en ocasiones ayuda a conducir el relato con preguntas o peticiones de aclaración.

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Noticias

Con la producción en marcha de The Dark Knight Rises dirigida por Christopher Nolan, suenan los rumores de una incorporación sorpresa al equipo de la película, según parece se ha podido ver al actor Liam Neeson en el set del rodaje de la nueva entrega de Batman y parece probable que repetirá su papel de Batman Begins como el villano Ra’s al Ghul.

Al cierre de está edición todavía no hay confirmación oficial de su participación en el film y su parte podría ser poco más que un cameo ya que el actor Josh Pence fue previamente elegido para interpretar al personaje de joven y que aparecerá a modo de Flashbacks.

La última entrega de Nolan se encuentra actualmente en producción a nivel internacional y cuenta con el regreso de Christian Bale, Michael Caine, Gary Oldman, Morgan Freeman y Néstor Carbonell, junto a las nuevas incorporaciones de Tom Hardy, Anne Hathaway, Joseph Gordon-Levitt, Marion Cotillard, Juno Temple, Daniel Sunjata, Matthew Modine, Tom Conti, Joey King, Alon Aboutboul, Burn Gorman y Diego Klattenhoff. Se tiene previsto su lanzamiento el 20 de julio de 2012.

La primera clase original, Ciclope, Bestia, El hombre de Hielo, y Jean Grey

Por Manuel Moros

¡Nunca, en toda la historia humana, hubo clase como ésta! ¡Nunca hubo un maestro como el Profesor-X! ¡Y nunca existieron unos “alumnos” como la...Patrulla-X! Para 1963, los superhéroes de Timely Comics habían conseguido aquello en lo que habían fracasado una y otra vez sus malvados contrincantes: ¡Habían conquistado el Universo! Al menos, el de los quioscos. Tres títulos de monstruos/suspense ya se habían rendido y el último, Tales of Suspense, cayó en marzo con el número 39 tras presentar al invencible Iron Man como personaje principal. En mayo, la editorial decidió adoptar un nuevo nombre comercial y pasó a llamarse Marvel Co-

mics. Era el momento de publicar nuevas colecciones que dieran continuidad al proyecto iniciado en 1961; sobre todo, nuevos equipos de superhéroes, ya que La Casa de las Ideas no había lanzado ninguno desde Los 4 Fantásticos.

El primero fue algo natural: reunir a las estrellas superheroícas en El Grupo Más Poderoso de la Tierra, que el mundo conocería como Los Vengadores. Paralelamente, Stan Lee estaba pensando en un nuevo grupo integrado por nuevos personajes capaces de sorprender a los lectores. Todos sus superhéroes anteriores obtuvieron sus poderes de sucesos exteriores: Spiderman, picado por la araña radiactiva; Los 4 Fantásticos, tras ser expuestos a los rayos cósmicos; Hulk por las radiaciones gamma e Iron Man tras ser herido y tomado

prisionero. Lee quería una nueva fuente de poderes, y la respuesta era evidente: ¿y si nacieran con ellos como producto de una mutación?

Las mutaciones surgen de los errores cometidos por la maquinaria que copia o repara el ADN contenido en nuestros genes, donde se almacena la información que permite que las células de un embrión creen las diferentes partes de nuestros cuerpos. El cambio de un solo gen puede dar lugar a que un individuo nazca obeso y con el pelo rojo, o albino y sordo, o con pies y manos cortos y los genitales malformados. Pero, ¿qué ocurriría si las mutaciones fueran ventajosas desde el punto de vista darwinista? ¿Qué ocurriría si estos mutantes fueran tan superiores al

Homo Sapiens como lo somos nosotros con respecto a nuestros ancestros los Australopithecus? ¿No serían vistos estos Homo Superior como una amenaza por el resto de la Humanidad? ¿Y si realmente lo fueran? Ciertamente, el tema daba para mucho...

Lee decidió que la nueva colección llevaría por título The Mutants. En ella aparecería un grupo de mutantes adolescentes, con poderes ya desde su nacimiento a causa de las radiaciones atómicas pero que se solo se manifestarían al entrar en la pubertad, y que aprenderían a ejercitarlos en una escuela especial dirigida por otro poderoso mutante, ya no tan jovencito, poseedor de unas impresionantes habilidades telepáticas y a pesar de ello, postrado en una silla de ruedas, lo que le situaba en la órbita de personajes como Thor, Daredevil o Iron Man. De esta forma, enlazaba dos conceptos en los que venía trabajando desde hacía algún tiempo. Por un lado, la angustia adolescente generada por el sentimiento de “bicho raro” que embarga a todos los jóvenes cuando su cuerpo empieza a cambiar y creen que nadie les entiende y por otro, la intolerancia de la sociedad hacia lo diferente, ya fuera por el color de la piel, la religión, las ideas políticas o la orientación sexual.

En una América donde los disturbios raciales eran el pan de cada día, la metáfora representada por los mutantes era realmente acertada.

Probablemente, Lee se inspiró en Mutante, una novela de Henry Kuttner publicada en 1953 donde se abordó por primera vez el tema de la aparición de una nueva especie de mutantes y sus problemas de convivencia con el Homo Sapiens. Estos mutantes no se diferencian del resto de la Humanidad más que por su calvicie y por poseer poderes telepáticos.

Al editor de Marvel, Martin Goodman, no le hizo gracia el título

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porque supuso que los lectores no tendrían ni idea de qué demonios era un mutante, así que le dijo que ya podía ir pensando en cambiarle el título. Incluso es posible que él mismo le sugiriera el nuevo.

Curiosamente, en el número de marzo de 1937 de la revista Star Detective Magazine, editada por Goodman, apareció un relato escrito por N. V. Romero protagonizado por un duro detective llamado Dash Antonio que, a pesar de no ser un Hombre-G, se refiere a sí mismo como ¡un X-Man! Como el mentor de los chicos iba a llamarse Profesor-X, Lee les llamó The XMen, un nombre que hace referencia a que eran los hombres del Profesor-X. A pesar de que iban a ser adolescentes, evitó llamarles The X-Kids o The X-Teens para dotarlos, ya desde el principio, de una entidad con mayor peso específico.

En cuanto al aspecto gráfico de los personajes, Lee tuvo muy claro que el profesor debía tener el inquietante, exótico y misterioso aspecto del actor Yul Brynner,

mientras que sus alumnos representarían los estereotipos del cómic de aventuras clásico: el chico

delgado y serio, el forzudo simpaticote, el guaperas, el gracioso y, cómo no, la chica guapa.

Evidentemente, el artista elegido fue “el Rey” Jack Kirby.

En las magníficas primeras páginas del número 1 de The X-Men, aparecido en septiembre de 1963, el profesor Charles Xavier convocaba a sus alumnos a una sesión en la Sala del Peligro, una gran habitación repleta de trampas en la Escuela Xavier para Jóvenes Talentos en el condado de ��������� Westchester (Nueva York) donde aprendían a controlar sus espectaculares habilidades. Así conocimos al carismático Scott Summers, Cíclope, el personaje más torturado www.cinemascomics.com

Los Robots gigantes cazadores de mutantes conocidos como los centinelas

de la Marvel y que puso de moda las Ray-Ban antes que Tom Cruise, poseedor de un devastador rayo óptico; Hank McCoy, la Bestia, fuerte y ágil, pero también extremadamente culto e inteligente; Bobby Drake, el Hombre de Hielo, la versión opuesta de la Antorcha Humana; Warren Worthington III, el Ángel, cuyas grandes alas blancas dotaban a la colección de un factor añadido de belleza plástica y, por supuesto, la pelirroja Jean Grey, la Chica Maravillosa, y sus poderes telekinéticos. En España, gracias al talento traductor de F. Sesen, les conoceríamos como La Patrulla X. Y nada volvería a ser lo mismo...

En esta primera aventura, los XMen se enfrentaron al que, con los años, se convertiría en su adversario por excelencia: Magneto, señor del magnetismo y líder de La Hermandad de Mutantes Diabólicos, que en el pasado había sido www.cinemascomics.com

el mejor amigo de Charles Xavier pero que no compartía con él en absoluto el sueño de que mutantes y humanos convivieran en paz. Mientras el Profesor-X quiere organizar e instruir a los mutantes para que sirvan a la Humanidad y, como consecuencia de ello, confía en que ambas comunidades puedan vivir conjuntamente y en armonía, Magneto cree que el mundo es demasiado pequeño para las dos especies; que dados sus mayores poderes, los mutantes han nacido para esclavizar a los humanos, que los temen y los odian, y reúne a otro grupo de mutantes (el Sapo, Mole, Mente Maestra, Mercurio y la Bruja Escarlata) para que le ayuden a acabar con su hegemonía.

En esta primera etapa, Lee y Kirby nos ofrecerían otros inolvidables supervillanos como el Mímico, el imparable Juggernaut, el Desvanecedor, Unus el Intocable, el

Extraño y, sobre todo, los robots gigantes cazadores de mutantes surgidos del Molde Maestro conocidos como los Centinelas. Como consecuencia de las múltiples colaboraciones en otros títulos, Lee y Kirby dieron paso a un nuevo equipo creativo compuesto por Roy Thomas y Werner Roth (Jay Garvin), una excelente combinación de juventud y veteranía que ofrecería episodios que ya forman parte de la historia dorada de los X-Men. Sin embargo, esta interesante etapa no se vio reflejada en el terreno comercial, probablemente porque el concepto era demasiado rompedor. La caída en las ventas hizo recurrir a otros artistas (George Tuska, Donm Heck, Ross Andru o Jim Steranko) y escritores (Gary Friedrich o Arnold Draker), pero su condición de título poco comercial no varió en absoluto porque estos autores nunca tuvieron demasiado claro qué hacer con el título, que emCinemascomics │ Junio 2011 │

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pezó a transitar la nada recomendable senda de la intranscendencia. Sin embargo, hacia el final de la década, Roy Thomas volvió a encargarse del título, y poco después llegó el gran Neal Adams y sus extraordinarias ilustraciones, las mejores de toda esta etapa.

Thomas y Adams rubricaron una gloriosa tanda de episodios, anticipando lo que vendría después.

Con el Profesor-X supuestamente muerto, la Patrulla viajó por medio mundo viviendo increíbles aventuras y reencontrándose con viejos conocidos como Magneto o los Centinelas y enfrentándose a nuevos como Saurón o el Monolito Viviente. El colofón a todo ello fue el número 65, donde los jóvenes mutantes demostraron que ya no eran los niños entrenados por Xavier, sino un grupo disciplinado

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tan eficaz como un mecanismo de relojería. En el siguiente número, con fecha de marzo de 1970 y dibujado por Sal Buscema, los X-Men se enfrentaron a Hulk en Las Vegas para sacar de un coma a su mentor que, obviamente, no había muerto sino que había sido sustituido por el Cambiante, deseoso de redimirse tras ser diagnosticado de una enfermedad terminal, y que había quedado en tal estado tras hacer un terrible esfuerzo para derrotar a los invasores alienígenas Z´Nox. Aunque en la última viñeta, un recuperado Xavier, orgullosamente rodeado de sus X-Men, anunciaba nuevos esfuerzos por salvar al mundo “de los mutantes malvados...y de uno mismo”, la realidad comercial se impuso y la serie fue cancelada.

Nueve meses después de su

desaparición, X-Men reanudaba su andadura con el número 67, aunque se dedicó únicamente a reeditar números anteriores.

Sin embargo, los lectores USA no hacían más que recordar los buenos tiempos del grupo de mutantes, y los X-Men acabaron convirtiéndose en una colección de culto, gracias también al propio Thomas, que durante los llamados Años Oscuros del grupo, siempre intentó sacarles de su forzado exilio haciendo aparecer al grupo al completo o a alguno de sus componentes en colecciones como Marvel Team-Up (todo el grupo con Spiderman en el número 4, el Hombre de Hielo con la Antorcha Humana en el 23 y Spiderman y la Bestia contra el Grifo en el 38), The Amazing Spiderman (el Hombre de Hielo en su número 92) o todo el grupo en el número 2 de The Rampaging Hulk y en el 172 de The Incredible Hulk. La Bestia, ya con su característico pelo azul, colmillos, garras y aspecto felino, protagonizaría Amazing Adventures a partir de 1972.

Finalmente, con fecha de mayo de 1975 y una mítica portada de Gil Kane (posiblemente, la más copiada de la Historia), apareció en los quioscos Giant-Size X-Men, donde se presentó a una nueva generación de X-Men.

Xavier envía a la Patrulla original en busca del más poderoso de los mutantes, que el ordenador Cerebro ha detectado en la isla de Krakoa. Sin embargo, el mutante era la misma isla, que los capturó a todos excepto a Cíclope, que consiguió escapar para informar a Xavier. Éste buscó por todo el mundo nuevos mutantes que los rescataran, y así, la nueva Patrulla-X se compuso de héroes de diferentes países: Logan, Lobezno, con garras y esqueleto del indestructible adamantium y factor curativo (Canadá); Kurt Wagner, Rondador Nocturno, de aspecto diabólico y capaz de teletransportarse (Alemania); Ororo Munwww.cinemascomics.com

roe, Tormenta, con el poder de controlar los fenómenos meteorológicos (Kenia); el acorazado Piotr “Peter” Rasputín, Coloso (URSS); Sean Cassidy, Banshee, y su demoledor grito (Gran Bretaña); el abrasador Shiro Yoshida, Fuego Solar (Japón) y el anodino apache John Proudstar, Ave de Trueno (USA), del que nunca supimos muy bien qué poderes tenía porque en seguida se lo quitaron de en medio. El número fue todo un éxito y en el número 92 se retomó X-Men, convirtiéndose esta colección mensual en el mayor éxito de Marvel de todos los tiempos.

Un joven llamado Chris Claremont se hizo cargo de los guiones, y lo seguiría haciendo durante la friolera de 17 años ininterrumpidos.

La entrada del artista John Byrne dio paso a una etapa considerada referente de los comics de superhéroes, que terminó en los años 80 después de dar al mundo las magníficas sagas de Fénix Oscura y Días del Pasado Futuro.

En los 80, el universo mutante se expandió para acoger nuevos grupos con colección propia como los curiosos Los Nuevos Mutantes, formado también por adolescentes, los europeos Excalibur y Factor-X, formado por miembros de la Patrulla original, y nos enganchamos a historias como las de Mr. Siniestro y sus Merodeadores, los alienígenas de el Nido o la de Inferno, cuyos cross-over ya nos costaban sus buenas pesetas. En los 90 conocimos a Cable y Bishop������������������������ ������������������������������ , los mutantes procedentes de un futuro arrasado por las guerras nucleares, y a los nuevos cross-overs de La Era de Apocalipsis, donde, en un mundo sin Xavier y, por lo tanto, sin Patrulla-X, y sometido por el mutante Apocalipsis, Magneto será el encargado de encabezar la revuelta contra el tirano. Tras intrincados giros argumentales, líneas alternativas y saltos en el tiempo, el éxito de X-Men: la película en el año 2000 reestructuró el universo mutante; en mayo de 2001 se cambió la cabecera por New X-Men, con www.cinemascomics.com

guiones a cargo de Grant Morrison y arte de Frank Quitely y se intentó retomar el estilo clásico de la serie, mientras Claremont y nuestro compatriota Salvador Larroca se encargaban de la nueva serie X-Treme X-Men, que se canceló después de dos años. El guionista Joss Whedon y el dibujante John Cassaday se hicieron cargo de la nueva cabecera Astonishing X-Men en 2004, al terminar los New X-Men de Morrison. Nuevas ucronías, más muertos que resucitan, Xavier otra vez fiambre...

Con el estreno de X-Men: Primera Generación, Marvel ha decidido

tirar la casa por la ventana, nombrando este año de 2011 como El Año de los X-Men, utilizando la X del anagrama para incluirla en la nomenclatura romana del año (MMXI), y preparando Uncanny XMen, New Mutants, X-Men Legacy y Uncanny X-Force para un nuevo evento: Schism (Cisma), en el que los mutantes tendrán que elegir a quién quieren como líder...En fin, ¿qué queréis que os diga, amiguetes? Que parece que hay mutantes para rato, lo cual nos parece eXtupendo, con X de X-Men.

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Estrenos

X-Men: Primera Generaci贸n 3 de junio

X-MEN: PRIMERA GENERACIÓN combina el grado de épica y acción característico de un éxito de verano con una historia sustentada fundamentalmente en los personajes que nos revela el origen de la saga X-Men; así como un oculto suceso de la Guerra Fría y un mundo al borde del Argamedón nuclear. Cuando la primera generación de mutantes descubre, acepta y hace uso de sus extraordinarios poderes, surgen unas alianzas que determinarán la eterna guerra entre héroes y villanos del universo X-Men. Como todas las grandes historias X-Men, la trama y las cuestiones que plantea X-MEN: PRIMERA GENERACIÓN son tremendamente ambiciosas, al tiempo que ofrecen una visión profundamente personal de este inusual equipo de superhéroes.

La acción del filme se sitúa en los años 60; los inicios de la era espacial y una época rebosante del sentimiento de esperanza del Camelot de JFK. Pero también fue el punto álgido de la Guerra Fría, cuando las crecientes tensiones entre Estados Unidos y la Unión Soviética amenazaban a todo el planeta; y cuando el mundo descubrió la existencia de los mutantes.

También es durante este período cuando Charles Xavier conoce a Erik Lehnsherr. Antes de que Charles (James McAvoy) y Erik (Michael Fassbender) adoptasen los nombres de Profesor X y Magneto, eran dos jóvenes inmersos en el proceso de descubrir sus poderes. Antes de ser archienemigos, eran los más íntimos amigos, que trabajaban juntos y con otros mutantes para detener la mayor amenaza que el mundo hubiera conocido nunca. Algunos de los jóvenes mutantes incorporados son ya personajes favoritos de los fans procedentes de las anteriores películas X-Men, mientras que otros son clásicos héroes de los cómics pero nuevos en la saga.

X-MEN: PRIMERA GENERACIÓN proporciona respuestas a cuestiones que han intrigado desde hace tiempo a los fans tanto de las películas como de los cómics: ¿Cómo llegaron a juntarse los XMen? ¿Por qué está Charles en una silla de ruedas? ¿Cuál es el origen de la Mansión X y de Cerebro? Sin embargo, su temática y su contexto histórico resultarán absolutamente reconocibles para los no familiarizados con el resto de películas de la franquicia.

INICIOS X-MEN: PRIMERA GENERACIÓN es un nuevo comienzo para X-Men. La historia es obra de Sheldon Turner, nominado al Oscar como coguionista de Up in the Air, y Bryan Singer, cuyo trabajo como director de las dos primeras películas de la saga, X-Men y X-Men 2, recibió los elogios de crítica y público de todo el mundo por su hábil y perfecta mezcla de drama, acción y ponderado trasfondo sociopolítico. Las películas X-Men dirigidas por Singer sirvieron de modelo para el resurgimiento de las adaptaciones cinematográficas de cómics y constituyeron un punto de referencia en la nueva era de películas de superhéroes.

La mayor parte del filme X-MEN: PRIMERA GENERACIÓN se desarrolla durante los años 60, un período apropiado para un relato de orígenes porque fue precisamente durante esta década cuando Stan Lee, editor, guionista principal y director de arte de Marvel Comics, junto con Jack Kirby, creó el cómic de los X-Men. Los X-Men, como muchos de sus predecesores en Marvel, conforman un inusual grupo de héroes, a veces mordaces, antisociales y manifiestamente imperfectos, sin embargo, siempre dispuestos a luchar contra los demonios de

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su vida sentimental, abordar sus problemas de autoestima, o enfrentarse a los villanos más poderosos de este universo de poderes especiales. Son hijos del átomo, son el homo superior y el siguiente eslabón en la cadena de la evolución. Cada mutante ha nacido con una mutación genética única, que se manifestó en la pubertad en forma de extraordinarios poderes. En un mundo cada vez más lleno de odio, prejuicios y miedo, hay unas anomalías de la ciencia… unos monstruos de la naturaleza… unos marginados que son temidos y rechazados por todos aquellos que no pueden aceptar sus diferencias.

“La principal prioridad a la hora de concebir la historia”, dice Singer, “fue pensar la época en que Charles y Erik se conocieron, con unos veintitantos años de edad.

Decidimos que sería a principios de los años 60; el apogeo del movimiento por los derechos civiles y la Guerra Fría. Ambos aspectos de ese período proporcionaban una extraordinaria oportunidad de analizar los sucesos que iban a dar lugar a nuestro mundo moderno”. Uno de los puntos álgidos de la Guerra Fría fue la crisis de los misiles cubanos, durante la cual la amenaza de una fulminante extinción de la Tierra cobró una gran relevancia, y que para los mutantes supuso el aliciente

definitivo para darse a conocer al mundo y evitar una conflagración que podría aniquilar al planeta.

Un ámbito igualmente importante para la película es el tema de los derechos civiles; ¿la humanidad aceptará a los mutantes, o les considerará una amenaza y pretenderá encarcelarlos o incluso eliminarlos? ¿Deberían los mutantes aceptar que son diferentes y reinar como los seres superiores del planeta, o deberían formar parte de la estructura social?

“Siempre me ha fascinado la idea de asimilación versus agresión; y el momento en el que el movimiento de los derechos civiles de entonces se transforma en el movimiento de los derechos civiles de los mutantes del futuro”, afirma Singer.

La relación entre Charles y Erik conecta con este tema y ejemplifica las diferencias ideológicas y filosóficas características de aquel período. Ambos están básicamente cortados por el mismo patrón y ambos consideran que los mutantes pueden ser objeto de persecución. Sin embargo, Charles dedica su vida a proteger a aquellos que le temen, mientras que Erik vive para destruirlos.

Cada uno de ellos cree que su criterio es el correcto. Ninguno está dispuesto a transigir. El director www.cinemascomics.com

Matthew Vaughn señala: “Erik recela mucho de los humanos, y Charles piensa que todo va a ir bien y que pueden confiar en que los humanos aceptarán a los mutantes recientemente emergidos.

Erik replica, ‘Nos van a capturar y a matar’. Y tiene razón”.

Impregnar a los personajes de XMEN: PRIMERA GENERACIÓN con elementos humanísticos era otra prioridad para Vaughn y Singer.

“La magia de las películas de género es que puedes contar historias sobre la condición humana desde una insólita y privilegiada perspectiva, enmascarada a través del espectáculo y de asombrosos sucesos”, indica Singer. “Esto es especialmente importante en el caso de las películas X-Men porque en su universo hay unos personajes de gran profundidad.

Las mejores historias X-Men desarrollan esa complejidad, y eso es lo que todos queríamos para este filme”.

“En cada película que hago”, añade Vaughn, entre cuyos trabajos

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destacan las aclamadas películas independientes (Crimen organizado.2004) y (Kick-Ass: Listo para machacar. 2010), “me pregunto, ‘¿dónde está el lado humano?’.

Cada personaje y cada momento de acción debe tener uno. Si puedo deslizar algo que ayude al público a conectar con los personajes y hacer que le interesen, eso sólo mejorará la experiencia de ver la película. Si no te importan los personajes, ¿entonces qué sentido tiene verla?”

“En X-MEN: PRIMERA GENERACIÓN hay grandes ideas y grandes momentos”, prosigue Vaughn.

“No siempre lo confiamos todo a unos estupendos efectos visuales cuando hacemos una película. Los efectos son un apoyo más de los personajes. La película es una gran obra de personajes; con unas fabulosas escenas de acción”.

Singer empezó a pensar en una historia sobre los orígenes cuando estaba dirigiendo las dos primeras películas X-Men. “Siempre imagino el pasado de los personajes cuando los actores me piden

que les aclare la conducta de sus personajes. Por lo tanto, tener la posibilidad de volver atrás en el tiempo y llevar a cabo esos antecedentes que tenía en mi imaginación me resultó tremendamente satisfactorio”.

Uno de esos actores que habían preguntado a Singer sobre el pasado de su personaje era Patrick Stewart, que interpretó a Charles Xavier en las tres primeras películas X-Men. “Patrick se preguntaba sobre los orígenes de Charles, y ya entonces tuve una idea al respecto, que era muy distinta a la versión del cómic”, recuerda Singer. “Expliqué los orígenes referidos en el cómic, que tenían lugar en el Tibet y donde estaba implicado un ser alienígena llamado Lucifer, y después expliqué mi idea. Patrick dijo, ‘¡Yo prefiero tu versión!’”.

La productora Lauren Shuler Donner, que ha trabajado en la franquicia X-Men desde el principio, también recuerda que el origen de X-MEN: PRIMERA GENERACIÓN

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data de cuando estaban inmersos en la producción de las primeras películas. “Durante la realización de X-Men 2, en un intervalo entre escenas hablamos sobre uno de los miembros más jóvenes del reparto, y yo comenté, ‘¿No sería estupendo ver a un joven Profesor X o a un joven Magneto? Deberíamos hacer una película sobre los X-Men cuando eran jóvenes’.

Todo el mundo dijo, ‘Sí, buena idea, muy buena idea’. Y estuvimos mucho tiempo hablando de eso entre todos, y luego, por supuesto, volvimos a la realización de X-Men 2”.

Singer no sólo fue coautor de la historia de X-MEN: PRIMERA GENERACIÓN, también asumió el proyecto como productor, junto con Shuler Donner y Simon Kinberg,

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destacado escritor por méritos propios entre cuyos trabajos destacan Sr. y Sra. Smith y la película de estreno inminente This Means War. ¿Pero quién la dirigiría? Singer no estaba disponible debido a un compromiso con otro proyecto, pero un encuentro casual con Vaughn en Londres condujo a este último a aceptar llevar las riendas del proyecto.

X-MEN: PRIMERA GENERACIÓN no es el primer contacto de Vaughn con esta franquicia cinematográfica. Tras debutar en la dirección con la aclamada película independiente Crimen organizado, Vaughn estuvo a punto de dirigir la tercera película de la saga XMen, X-Men 3: La decisión final, antes de embarcarse en la dirección de la alabada película de

fantasía y aventuras Stardust y la adaptación cinematográfica de la novela gráfica Kick-Ass.

Vaughn dice que aceptó dirigir XMEN: PRIMERA GENERACIÓN porque le cautivó la idea de Singer de situar la historia durante la Guerra Fría. “Me fascinó inmediatamente lo inteligente que era la idea de Bryan, que era una interesante manera de integrar a los personajes dentro de la historia reciente”, recuerda Vaughn.

La colaboradora del director en las tareas de guión Jane Goldman añade: “Una de las cosas que más nos entusiasmó del proyecto era el trasfondo político; la idea de incorporar ese aspecto al pasado de los X-Men estimuló realmente nuestra imaginación”. (Ashley Edward Miller y Zack Stentz, dúo de www.cinemascomics.com

nado para interpretar a Charles.

McAvoy asumió el reto de componer al personaje en un momento en que su vida se transforma. Su Xavier es diferente en algunos aspectos clave del seguro de sí mismo y patriarcal Xavier de la trilogía original. “En esas películas”, explica McAvoy, “el Profesor X es una persona magnánima y carente de ego. Está centrado en la humanidad, en el resto del mundo, y en ayudar a los demás.

Cuando lo vemos en este filme, siendo más joven, es una persona individualista, con un ego muy grande, y se halla algo perdido.

X-MEN: PRIMERA GENERACIÓN trata sobre cómo Charles descubre un propósito, y eso fue lo que más me atrajo del personaje; ver quién era Charles y profundizar en los motivos por los que se convirtió en la persona que después fue. Matthew nos dejó muy claro desde el principio que quería que ambos, Michael [Fassbender, como Erik] y yo, interpretáramos a los personajes, y no a Patrick Stewart o Ian McKellen cuando eran más jóvenes”.

guionistas que recientemente ha trabajado en Thor, son los autores del guión, junto con Vaughn y Goldman).

El guionista Vaughn no le puso las cosas muy fáciles al Vaughn director. “Teníamos que sustituir al actor de cada personaje, recrear los años 60 y rediseñar la totalidad de los emblemáticos escenarios y vestuario de los X-Men”, explica.

Pero su mayor desafío fue elegir a los dos jóvenes protagonistas que interpretarían a Charles y Erik, que, años más tarde, ya como Profesor X y Magneto, tal y como describe el vasto universo X-Men de cómics y películas, se iban a convertir en enemigos con irreconciliables puntos de vista.

CUANDO CHARLES CONOCE A ERIK www.cinemascomics.com

Para interpretar al personaje de Charles, un joven e inteligente graduado en genética por la Universidad de Oxford, que es el telépata más poderoso del mundo, así como al personaje de Erik, que en su juventud –y bajo terribles circunstancias– descubrió su capacidad de controlar el magnetismo, los realizadores eran conscientes de que tenían que encontrar a dos jóvenes actores a los cuales el público aceptara en los papeles que Patrick Stewart e Ian McKellen habían hecho suyos.

James McAvoy, que se mueve sin esfuerzo entre películas independientes tales como Expiación y El último rey de Escocia y éxitos de taquilla como Las crónicas de Narnia: El león, la bruja y el armario y Wanted, fue seleccio-

“Me pareció que James reunía todo lo que el papel requería”, dice Vaughn. “En las anteriores películas, Charles era el maestro supremo, con cierto aire Zen. Nuestro joven Charles es algo más divertido. Deambula de un sitio a otro y siempre está dispuesto a tomar la iniciativa. Charles está absorto consigo mismo. Le gusta el éxito y es un presuntuoso”.

Jane Goldman añade: “El verdadero reto a la hora de definir a Charles fue encontrar sus defectos y construir un personaje con muchas capas. James McAvoy propuso algunas ideas maravillosas sobre el personaje porque entiende perfectamente a Charles”.

Cuando vemos a Charles por primera vez en X-MEN: PRIMERA GENERACIÓN, los mutantes todavía no se han dado a conocer al mundo; de hecho, Charles no está seguro de si existen otros mutantes Cinemascomics │Junio 2011 │

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aparte de él y una joven llamada Raven de la que se hizo amigo unos años antes. “En el momento en que Charles se da cuenta”, dice McAvoy, “de que puede leer la mente, y aunque desea que haya otros mutantes, todavía no tiene como objetivo la consolidación de la raza mutante y la búsqueda de su aceptación por parte de la humanidad”.

Charles descubre el propósito de sus formidables poderes cuando consigue conectar, telepáticamente, con mutantes de todo el mundo. Lo logra a través de un dispositivo muy familiar para las legiones de fans de X-Men: Cerebro, un enorme casco metálico de alta tecnología que amplifica los poderes telepáticos de Charles. El Cerebro de X-MEN: PRIMERA GENERACIÓN es un primitivo prototipo del aerodinámico dispositivo que se ve en las películas X-Men que se desarrollan en el período actual; el Cerebro de los años 60 del joven Charles es el resultado de improvisar tecnología y equipamiento de la época, como con-

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mutadores de palanca, tubos de rayos catódicos y viejas antenas.

El diseñador de producción Chris Seagers retrocedió en el tiempo la configuración del Cerebro de las películas originales, para obtener, afirma el diseñador, “una estructura muy sencilla compuesta por un núcleo central, a partir del diseño que aparece en las últimas películas, y por una cúpula inspirada en las típicas cúpulas de los miradores que salpican la campiña inglesa”.

Cerebro es una especie de revelación para Charles. “Por primera vez comprende que hay miles, si no millones, de mutantes en todo el mundo, y eso representa para él una lección de humildad”, afirma McAvoy. “Este hecho determina su misión y su objetivo en la vida: encontrar a otros mutantes y ayudarles”.

Charles ya se halla involucrado en una guerra en ciernes entre Estados Unidos y la Unión Soviética, cuando salva la vida de un mutante, Erik Lehnsherr, que posee

formidables poderes y un tormentoso pasado, que le ha señalado una senda que pronto le llevará a combatir a Charles. Pero, por el momento, son amigos y almas gemelas. “Es la primera vez en sus vidas que encuentran a un igual, alguien que te puede entender y que también te puede atacar”, dice McAvoy. “Charles se siente fascinado por el potencial de Erik”.

De hecho, Charles es la primera persona con quien Erik ha podido conectar en su vida. Michael Fassbender, que interpreta a Erik, afirma: “Hay un vínculo muy fuerte entre Charles y Erik, así como un profundo respeto. Pero, desde el principio, su filosofía es totalmente opuesta. Erik es muy cauto respecto a incluir nuevos elementos en su vida y entablar nuevas relaciones. Se relaciona con Charles tan sólo en la medida en que es capaz. Queríamos contar una situación creíble hasta el momento en que se inicia su rotundo distanciamiento. Cuando Erik y Charles llegan al punto de tener www.cinemascomics.com

que separar sus caminos, el público percibirá que podrían haber pasado grandes cosas si hubieran unido sus fuerzas para siempre”.

Erik duda también de unirse a Charles en su misión de salvar al mundo de sí mismo. ¿Por qué –se llega a preguntar Erik– merece la pena salvar a la humanidad?

“Erik es muy maquiavélico; cree que el fin justifica los medios”, declara Fassbender. “No tiene en muy alta estima a los humanos, y piensa que son seres inferiores”.

La displicente actitud de Erik respecto a los humanos tiene origen en su infancia, que no pudo haber sido más diferente de la privilegiada vida de Charles. Erik tuvo que sobrevivir sin sus padres, y siendo muy joven tuvo que soportar penurias inimaginables.

X-MEN: PRIMERA GENERACIÓN introduce a Erik con una recreación de la escena que abría la película original X-Men, cuya acción se situaba en el campo de concentración de Auschwitz, en los años 40.

Allí, el joven Erik, aterrado porque los nazis le han separado de sus padres, descubre sus habilida-

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des mutantes al doblar las puertas metálicas del campo. X-MEN: PRIMERA GENERACIÓN continúa entonces a partir de esa escena, cuando Erik, todavía adolescente, se convierte en objeto de los experimentos que lleva a cabo un tal doctor Schmidt, que está decidido a liberar por completo los poderes de Erik y a aprovecharse de ellos. “Matthew y yo siempre habíamos admirado la fuerza y el impacto que tiene la escena del campo de concentración de X-Men, que ilustra mucho sobre el personaje de Erik”, dice la coguionista Jane Goldman. “Y Matthew quería profundizar en lo que le sucede a Erik después. Lo que ahora se ve cambiará nuestro sentimiento hacia Eric y nos permitirá verle con otros ojos”.

Veinte años más tarde, ya adulto, Erik tiene una misión en la vida: encontrar al doctor Schmidt (al cual volveremos a ver con una apariencia muy distinta) y matarle. Erik rebosa furia y odio, yendo a la caza de Schmidt y de los otros doctores nazis a los que culpa de haberle convertido en una espe-

cie de monstruo de Frankenstein.

Incluso cuando Erik encontró un primer amigo en Charles y fue acogido por el resto de miembros del equipo que más tarde sería conocido como los X-Men, Erik nunca perdió de vista su objetivo.

“La resolución de Erik es absolutamente irreductible; si Charles o alguien se interpone en su camino, le pondrá en su lugar”, dice Fassbender.

Vaughn había visto el destacado trabajo que Fassbender hizo en 300, Hunger y Malditos bastardos, y tras la espléndida prueba realizada por Fassbender, eligió al actor para interpretar a Erik.

“Michael le confiere a Erik una interesante presencia, y además es un chico muy auténtico”, afirma el director. Fassbender, que estaba deseando interpretar a un personaje tan complejo, manifiesta que cuando leyó el guión, pensó que era ‘verdaderamente inteligente’. “Cada una de las acciones del filme tenía verdaderas consecuencias. No se trataba en absoluto de fuegos artificiales. Pasaban muchísimas cosas y

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el guión tenía múltiples capas, y eso me impresionó gratamente”.

Fassbender señala también que no se basó en las anteriores películas para interpretar a Erik. “La fuente de información está en los cómics. Realmente empezamos desde cero para mostrar el material con una nueva mirada.”

LOS X-MEN SE UNEN Una vez que Charles, junto a Erik, recluta a la “primera generación” de jóvenes mutantes, estos dotados estudiantes aprenden a controlar y administrar sus poderes para mayor beneficio de la humanidad. Sin embargo, utilizar estos poderes no es fácil, ni tampoco lo es constituirse en equipo.

En las tres primeras películas de X-Men, los mutantes llevaban tiempo perfeccionando sus habilidades y formaban un equipo que funcionaba bien (bueno, generalmente). Pero cuando conocemos a los jóvenes mutantes en X-MEN: PRIMERA GENERACIÓN, sus pode-

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res todavía están sin domar y algo desenfocados. Además, afirma Bryan Singer, como a la mayoría de los adolescentes, a los mutantes les molesta ser diferentes de sus homólogos. “Su situación es una metáfora de la incomodidad que sienten en su propia piel los adolescentes, y de lo difícil que resulta ser ‘diferente’ al modelo socialmente establecido”.

La primera aliada de Charles es Raven, una mutante de piel azul que puede cambiar de apariencia y que posee una agilidad sobrehumana. Ambos se habían conocido siendo adolescentes, cuando Charles descubrió a Raven revolviendo en la cocina de su casa familiar. (Además de establecer la significativa relación entre Charles y Raven, el idílico entorno del fastuoso hogar de Xavier proporciona un crudo contrapunto a las circunstancias de Erik en su infancia).

Charles convierte a Raven en miembro de su familia, y crecen juntos prácticamente como her-

manos. Pero, como ya sabemos de las primeras películas, su relación cambiará de forma drástica. Bryan Singer aclara: “Como Charles es joven y algo ingenuo, a veces no le presta a Raven tanta atención como debería, y en algunas ocasiones ella se siente muy molesta. Y eso conduce a Raven a tomar el camino en el que la vemos en la trilogía original [interpretada por Rebecca Romijn], integrándose en la Hermandad de Magneto”.

Jennifer Lawrence, nominada al Oscar como mejor actriz por su trabajo revelación en el drama de 2010 Winter’s Bone, interpreta a Raven, cuyo nombre de mutante es Mística. “Raven ha aprendido a vivir con su secreto, pero, al igual que la mayoría de adolescentes inseguros que reniegan de lo que perciben que les hace diferentes, ella no ha asumido realmente sus excepcionales habilidades”, dice la actriz. “Raven se avergüenza de ellas, sobre todo. Progresivamente, Raven comprende que es un don y empieza a sentirse orwww.cinemascomics.com

gullosa de sus poderes, igual que el resto de jóvenes mutantes. Al principio nos sentimos marginados y solos, y cada mutante va experimentando una gran evolución. Nos unimos para formar el emblemático equipo X-Men, y luego nos separamos. Es fascinante ver el viaje que emprende cada uno de los personajes y qué lado escogen al final”.

Al conocer Charles y Erik la existencia de otros mutantes, descubren una trama que les sitúa en medio de las crecientes tensiones entre Estados Unidos y la Unión Soviética, que están precipitando al mundo hacia el desastre. Este hecho, a su vez, da lugar a una incómoda alianza entre los mutantes y una clandestina agencia del Gobierno de Estados Unidos. En la agencia, Charles y Erik conocen a Hank, un brillante científico con sólo algunos atributos mutantes; hasta que un suero libera, inesperadamente, a la Bestia sobrehumana que hay en su interior.

Hank, sin revelar aún sus poderes mutantes, trabaja en la agencia www.cinemascomics.com

secreta desarrollando una tecnología absolutamente revolucionaria, como Cerebro y el X-Jet. Hank ha vivido solo durante gran parte de su vida, ocultándose y avergonzado de sus enormes pies simiescos y su sobrehumana agilidad. Cuando conoce a Charles y a Erik, la vida de Hank toma un giro inesperado. Nicholas Hoult, estrella emergente que interpreta a un mutante que los fans van a adorar, conocido con el nombre de Bestia, señala: “Charles le dice a Hank que debe dar rienda suelta a sus poderes mutantes.

Hank ha intentado reprimir sus poderes e incluso convencerse a sí mismo de su inexistencia. También tiene miedo de lo que puede ser capaz si desata sus poderes al completo. Charles consigue que Hank se enfrente a sus habilidades mutantes, aprenda a controlarlas y a utilizarlas para ayudar tanto a los mutantes como a los humanos”.

Hoult, que actualmente está trabajando en la película de aventuras de Bryan Singer Jack the Giant Killer, comprende por qué el sen-

timiento de Hank respecto a sus excepcionales habilidades es tan verosímil: “Todo el mundo se ha sentido avergonzado o como un extraño en algún momento de su vida. Los sentimientos que estos mutantes tienen en relación a sus poderes no son muy distintos. Cuando finalmente se encuentran y pueden compartir su talento, comienzan a sentirse orgullos de quiénes son realmente”.

Completando el equipo que forma la primera generación de X-Men se halla Lucas Till dando vida a Alex Summers, conocido como Kaos, que es capaz de emitir anillos concéntricos de ondas de energía candente, haciendo arder a sus objetivos, y al que Charles y Erik rescatan de su solitario confinamiento en una penitenciaria; Caleb Landry Jones interpretando a Sean Cassidy, conocido como Banshee, cuyas excepcionales ondas sónicas le proporcionan la capacidad de volar; y Edi Gathegi interpretando a Armondo Munoz, conocido como Darwin, cuya “evolución reactiva” le permite Cinemascomics │Junio 2011 │

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adaptarse a cualquier situación o entorno. ¡FUEGO INFERNAL! Charles y Erik conducen al equipo de mutantes a una épica batalla contra Sebastian Shaw, un poderoso mutante que puede absorber energía y reconvertirla en una fuerza sobrehumana. Shaw se mueve entre sombras y dispone de una agenda secreta que amenaza a todo el planeta: no se detendrá ante nada hasta iniciar una guerra, y si tiene éxito, el género humano está condenado.

X-MEN: PRIMERA GENERACIÓN concibe a Shaw como el que maneja la marioneta, situándolo detrás de la crisis de los misiles cubanos. En Cuba, la Unión Soviética estaba empezando a instalar misiles de medio alcance, capaces de dirigir cargas nucleares hasta los Estados Unidos, que demandó que esas instalaciones fueran desmanteladas inmediatamente. El consiguiente enfrentamiento entre las dos superpoten-

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cias condujo al mundo al borde de la extinción. “El plan de Shaw”, dice Kevin Bacon, que interpreta a este personaje, “consiste en intensificar la crisis de los misiles de Cuba, conseguir el emplazamiento de barcos y submarinos rusos en la Bahía de Cochinos, y que se abra el fuego entre americanos y rusos; estallando una guerra nuclear que erradicaría a la humanidad y permitiría a los mutantes apoderarse del mundo.

Se trata de una fantástica herramienta de conspiración. Fue un momento increíblemente tenso en la historia del mundo, y sugerir que fue una idea de Shaw es una forma genial de encajar al mundo X-Men en aquella época” “Shaw es un hombre extremadamente poderoso y básicamente un sociópata”, prosigue Bacon. “Pero él cree sinceramente que está intentando crear un mundo mejor, sin humanos, regido y poblado exclusivamente por mutantes. El sentido ético convencional no es aplicable en el caso de Shaw. Bajo su punto de vista, Shaw considera

que los mutantes y los humanos nunca podrán vivir juntos, por lo tanto, es la supervivencia del más fuerte, y Shaw está decidido a proteger a la raza mutante. Se rige por su firme creencia de considerarse el perfecto líder para el nuevo mundo”.

La mano derecha de Shaw –mutante... y objeto de su interés romántico– es Emma Frost, considerada durante mucho tiempo la mujer más sexy en el ámbito de los cómics, por delante de otras femmes fatales como Catwoman y Elektra. Interpretando a Emma, una telépata con una indestructible piel similar al diamante, se encuentra January Jones. Jones aceptó interpretar a este icónico personaje como una oportunidad de evadirse del mundo de los años 60 característico de la aclamada serie de televisión “Mad Men”, en donde interpreta a Betty Draper.

Decir que Jones se quedó absolutamente sorprendida cuando leyó el guión de X-MEN: PRIMERA GENERACIÓN –que se desarrolla, por supuesto, durante el mismo pewww.cinemascomics.com

ríodo que la valorada serie– sería quedarse corto. “¡Oh, Dios mío, debe ser una broma!”, recuerda que exclamó. Pero Jones enseguida comprendió que Emma no tenía nada que ver con Betty. “Me apetece mucho formar parte de este increíble universo X-Men”, afirma. “Para mí es algo absolutamente nuevo combinar todos los retos físicos implícitos en el personaje con los aspectos dramáticos. Emma es técnicamente una villana, pero yo creo que su motivación es sincera y le sale del corazón. Ella cree que está haciendo lo que es mejor para su estirpe, y hará lo que sea necesario para mantener con vida a los mutantes e instaurar una especie más fuerte”.

El hecho de que normalmente Emma aparezca representada en los cómics con un impresionante escote –y poco más– no perturbó en absoluto a Jones, que estuvo encantada de llevar el vestuario que el diseñador Sammy Sheldon había creado para ella. “En los cómics, Emma parece que lleva pintada la ropa”, dice Jones, sonriendo, “pero Sammy ha hecho un trabajo asombroso logrando un vestuario fiel al personaje pero con el que también pudiera mo-

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verme cómodamente”. Sheldon añade: “Queríamos que el vestuario de Emma estuviera ‘a la última’, y por tanto lleva, en diferentes momentos, un bikini, una extravagante capa, un mono ajustado, ropa interior transparente y unas botas hasta el muslo, que se incorporan a su vestuario”.

Junto a Shaw y Emma también forman parte del Club del Fuego Infernal que dirige Shaw: Azazel (Jason Flemyng), una figura demoníaca que puede teletransportarse abriendo un portal en otra dimensión; Angel (Zoe Kravitz), que posee un impresionante tatuaje de unas alas de insecto, que, brotando de su espalda, se transforman en alas reales con las que puede volar; y Riptide (Alex Gonzalez), que crea unos potentes torbellinos con los que puede elevar hasta el más poderoso de sus enemigos.

X CONOCE A MIB Con el fin de detener la amenaza que Shaw y su grupo han puesto en marcha, Charles, Erik y su equipo de jóvenes mutantes colaboran con un departamento secreto de la CIA, conocido como División X, que se dedica a investigar la

aplicación de la telepatía mental y los poderes paranormales en el área de la defensa militar. El principal contacto de los mutantes en esta división a nivel operativo es el conocido simplemente como MIB, interpretado por Oliver Platt. “MIB ha sido el hazmerreír de la Agencia durante mucho tiempo debido a sus estrambóticas investigaciones”, explica el galardonado y peripatético actor. “Cuando Charles y Mística empiezan a sentirse agobiados en la Agencia, MIB los desvía hacia su división mediante un hábil truco burocrático. Erik se une inmediatamente a ellos, y los X-Men consiguen avanzar bajo la protección de MIB”.

Los mutantes y MIB trabajan con Moira MacTaggert, interpretada por Rose Byrne, que era agente de la CIA en un momento en que las agentes femeninas eran escasas en la Agencia. Tras ser una de las primeras testigos del poder de los mutantes, Moira localiza a Charles, que la ayuda a convencer a sus superiores de la existencia de los mutantes y de la necesidad de que los agentes trabajen con ellos para detener a Shaw. “Moira es muy testaruda, ambiciosa y tenaz, pues tenía que serlo para sobrevivir en un mundo

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de hombres”, señala Rose Byrne, cuya abundante filmografía incluye películas como Todo sobre mi desmadre y el reciente éxito de taquilla Insidious. “Moira es en ese aspecto una precursora e inspiradora mujer. También es de armas tomar”.

SOBRE LA PRODUCCIÓN La fotografía principal empezó en agosto de 2010 en los estudios Pinewood del Reino Unido.

El diseñador de producción Chris Seagers creó más de 80 decorados –incluyendo 20 complicados sets compuestos– tanto en Pinewood como en distintas localizaciones del Reino Unido y Estados Unidos.

El trabajo de Seagers está influido por el optimismo de la década de los 60. “Esa época era realmente innovadora en términos de diseño”, declara Seagers. “Todo era nuevo. El color, la forma y los modernos y ligeros materiales como el plástico irrumpieron en escena.

Estábamos empezando a considerar la aplicación de estos nuevos materiales en la arquitectura. A Matthew también le atraía intro-

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ducir algo del colorido estilo de los años 60 en la estética del filme, aunque manteniendo el ligeramente más oscuro aspecto del mundo X-Men”.

Para garantizar la continuidad con las anteriores películas X-Men, se crearon unos diseños específicos mediante un procedimiento técnico de retroceso.“Examinamos algunos de los icónicos diseños de las películas, como Cerebro, el X-Jet o el casco de Magneto, así como a los propios personajes, y nos preguntamos qué aspecto tendrían sus prototipos”, explica el asesor de efectos visuales Russell de Rozario. “Sentíamos la responsabilidad de hacer que la evolución de los diseños resultara creíble”.

Uno de los decorados de la película más vehementemente esperados era el del X-Jet, que se construyó en un plató de los estudios Longcross, en Surrey. Basado en el XB-70, un prototipo de un bombardero supersónico de largo alcance, desarrollado en los Estados Unidos a finales de los años

50, el avión era una inmensa estructura de unos 25 metros de longitud. Otro emblemático decorado o localización es la mansión de Charles, ubicada en Westchester, Nueva York, que se convertirá en la Escuela Charles Xavier para Jóvenes Mutantes, donde los niños mutantes aprenden a encontrar su lugar en una sociedad que intenta evitarles. Encontrar una casa en Inglaterra que se pareciera a las mansiones de Canadá de las películas originales resultó ser un considerable reto, dado que las mansiones inglesas son mucho más antiguas que sus homólogas canadienses. Finalmente, los realizadores optaron por Englefield House, una hermosa mansión Tudor en Berkshire, con una vieja y fascinante historia detrás, y que brindaba unas impresionantes vistas de la campiña inglesa.

Otros importantes decorados recreados en Pinewood fueron las oficinas centrales de MIB y un gigantesco submarino. También en Pinewood, los realizadores reconstruyeron concienzudamente el decorado del campo de conwww.cinemascomics.com

centración utilizado en la película original X-Men. “Fue sorprendente la perfecta recreación del decorado”, comenta Bryan Singer.

“Yo creía que en el monitor estaba el material de visionado diario de la película original cuando lo que estaba viendo era una escena que se rodaba para X-MEN: PRIMERA GENERACIÓN”.

Después está el Club del Fuego Infernal, un marchoso club de la década de los 60 que hace la función de cuartel general de Sebastian Shaw y sus subalternos.

Las secuencias del Club del Fuego Infernal incluyen: la entrada de un casino estilo Las Vegas (construido en Estados Unidos); una filmación en exteriores en el Café de París de Londres, con la participación como extras de cientos de mujeres en ropa interior; y un plató circular que representa el refugio sagrado de Shaw, recreado en Pinewood. Los llamativos y radiantes colores del club más la utilización del arte pop vibran con el sentimiento y el aroma de los años 60.

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Para reforzar el ámbito internacional de la película, los realizadores recrearon también localizaciones de Argentina, Londres, Suiza y Rusia. A principios de diciembre, una pequeña unidad de producción se trasladó a los Estados Unidos para rodar las supuestas imágenes de la playa de Cuba en la isla de Jekyll, en el extremo más meridional de Georgia.

El legendario supervisor de efectos visuales John Dykstra, creador del mágico trabajo de Star Wars: Episodio IV- Una nueva esperanza y Spider-Man, entre otras destacadas películas, se embarcó en la labor de dar vida a los poderes mutantes, algunos de los cuales todavía no se han podido ver en la franquicia cinematográfica.

“Tenemos algunos personajes que son nuevos en las películas XMen, y sus poderes tenían que resultar convincentes”, dice Dyks����� tra. “También tenía que haber un vínculo entre la personalidad del mutante y la naturaleza de sus poderes. Queríamos que tanto los personajes como sus habilidades fueran algo más que visualmente potentes; tenía que haber inteligencia detrás de las tácticas que desarrollan”.

Dykstra estima que las películas X-Men, especialmente esta última, “echan por tierra la teoría de que tener un poder es siempre algo positivo. La saga de películas X-Men trata a los mutantes como si fueran seres únicos, y de ahí deriva el sentimiento de ser un inadaptado social”, advierte.

El trabajo digital de Dykstra se complementa con los efectos especiales (prácticos) creados por el ganador del Oscar Chris Corbould, cuyo trabajo reciente incluye títulos como El caballero oscuro, Origen y Casino Royale. Los visualmente deslumbrantes efectos de Corbould en X-MEN: PRIMERA GENERACIÓN pueden apreciarse en las escenas del campo de concentración, en el X-Jet (cuyas es-

pirales de 360 grados fueron perfeccionadas en la película Origen) y en el submarino de Shaw.

Asimismo, haciendo todavía más fascinante visualmente la película, está el trabajo del diseñador de vestuario Sammy Sheldon, que se encargó de reproducir la moda más cool de la década de los 60.

El mayor reto de Sheldon fue desarrollar los trajes de los X-Men, que llevan Charles, Erik y sus jóvenes mutantes durante su trascendental y épica batalla contra Shaw y el Club del Fuego Infernal.

Vaughn quería ser fiel a la portada del primer cómic de los X-Men, que representaba a los mutantes vestidos con trajes azules y amarillos. “Matthew y yo también teníamos mucho interés en que los trajes fueran prácticos, utilizando las técnicas de los años 60”.

Sheldon señala, “Por tanto, como resulta que la fibra de Kevlar, una substancia a prueba de balas, se desarrolló a principios de aquella década, el material se pudo procesar en color amarillo (Sheldon añadió el azul al vestuario definitivo)”.

Cuando el trabajo de postproducción –como la banda sonora de Henry Jackman, que incluye los nuevos temas “X-Men” y “Magneto”– empezó a remitir, Vaughn se tomó unos minutos para hablar sobre sus esperanzas y expectativas en relación al filme una vez se estrene en las salas en el mes de junio. “Yo creo que lo que diferencia a X-MEN: PRIMERA GENERACIÓN de otras películas basadas en cómics es que nosotros disponemos de múltiples personajes”, puntualiza. “Y cada uno de nuestros personajes tiene unos poderes únicos, así como son únicos también su personalidad, su drama, su ideología, su ética y su forma de relacionarse; y todo eso es fundamental para el universo X-Men”.

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ENTREVISTA

MATTHEW VAUGHN DIRECTOR DE “X-MEN: PRIMERA GENERACIÓN” Matthew Vaughn nunca creyó en la predestinación, pero en su camino se cruzaría algo con lo que siempre soñó: un filme de la saga X-Men. En el año 2005, el director británico, que entonces contaba con 34 años, estuvo muy cerca de dirigir X-Men: The Last Stand antes de dedicarse a otros proyectos, como la aclamada fantasía épica “Stardust” y la celebrada adaptación del provocativo cómic “Kick-Ass”, que, junto a su frenético debut, “Layer Cake”, le acabaron de confirmar como uno de los talentos de hoy en día.

Por lo tanto, no debe resultar extraño que la Fox le considerase idóneo para dirigir X-Men: First Class. Hablamos con el señor Vaughn en los estudios Pinewood acerca de su forma de ver la relación entre Charles Xavier y Eric Lehnsherr y el mundo X-Men en general, al que ha dado un peculiar toque Bond.

Estuvo muy cerca de dirigir XMen 3 ¿Creyó que alguna vez dirigiría un filme de la saga?

Después de Kick-Ass pensé que haría algo totalmente diferente.

Los directivos de la Fox vieron esta película cuando buscábamos distribución para ella, y les encantó. El hecho de que Bryan Singer estuviera en el proyecto hizo crecer mi interés. Se reunió a un grupo de entusiastas que no paraban de repetir Intentaremos hacer lo imposible… ¿Qué tipo de trabajo hubo de www.cinemascomics.com

desarrollar para llevar adelante el proyecto?

En X-Men 3 se sentaron las bases; yo sólo tenía que contar una historia. Para esta entrega tuvimos que re-diseñar el rol de cada personaje recreando los años 60, lo cual no resultó fácil. Siempre deseé plasmar esta época en la pantalla; así podría permitirme la licencia de unos cuantos guiños a los filmes de James Bond.

Además, siempre sentí una fascinación por la crisis cubana de los misiles. No me apetecía perder otros dos años en busca de otra película y me encantó la idea de no tener que ser el productor (risas). ¿Qué nos dice de la selección de actores y actrices?

Todos son grandes. Fue divertido.

He sido afortunado con este plantel artístico; tanto como con el que tuve en mis otras películas.

Me tomé el casting muy seriamente; si lo haces bien, tienes media película hecha. En mi lista para el Profesor X, James McAvoy era el primero. Él tenía todo lo que el personaje necesitaba, y aceptó.

En las películas anteriores, Charles era el profesor definitivo, el místico por excelencia. En nuestra selección, James McAvoy era tan esencial como Patrick Stewart lo fue en las otras entregas. Sin embargo, aquí encontraremos a un Charles Xavier más divertido y más activo.

¿Y Fassbender? Parece haberle dado un aire frío a su Eric, algo parecido a lo que hizo Sean Connery con su interpretación de Bond.

Sí, posee la frialdad del Bond de Connery. Lo que distingue a Magneto es que, a pesar de ser un villano, puedes sentir cierta empatía con él. No es Lex Luthor, un criminal que pretende apoderarse del mundo, destruir la civilización y hacerse rico. Magneto no es malvado en esencia, posee su propia filosofía, que no se encuentra siempre desencaminada.

No siente que los humanos pretendan exterminarle, puesto que se considera un ser más evolucionado.

La relación entre Charles y Eric resulta capital en esta película…

Puede considerarse como la que existía entre Martin Luther King y Malcolm X. No profundizamos tanto en este aspecto por desarrollarse durante un periodo corto de tiempo; aunque tenemos material para una secuela si las circunstancias lo permitieran. Eric le dice a Charles Confía en mí, sé cómo se siente una rata de laboratorio… Él es muy cauteloso con todo, sin embargo, Charles confía en los humanos, cree que las cosas saldrán bien y podrán construir un mundo repleto de mutantes. Eric está convencido de que tratarán de eliminar a la raza humana y sustituirnos. Ian McKellen y PaCinemascomics │ Junio 2011 │

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trick Stewart superaron un duro desafío con estos papeles. Creo que estos jóvenes actores han logrado superar el reto también.

Luego, la gran amenaza para los mutantes es otro mutante, Sebastian Shaw. ¿Qué clase de némesis representa para Charles y Eric?

Es un clásico villano al estilo Bond.

Pretende sembrar la discordia entre América y Rusia, para que se dejen fuera de juego mutuamente. Sin embargo nadie debe esperar que en la película aparezca un ¡Eric, espero que mueras! al estilo villano-Bond. Tal vez debería haberlo puesto; hubiera resultado gracioso. ¿Él es responsable del origen de Eric, no?

Sí, desde la distancia. Si te gusta Shaw tras la escena inicial, tienes problemas. Si después de eso, no esperas la venganza de Eric o no entiendes sus motivos y aprensiones, no has entendido nada…

Parece un filme radicalmente diferente a los otros episodios de la saga X-Men; y también a las típicas grandes super-producciones para el verano.

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Yo no sería tan tajante. La película tiene grandes momentos y se sustenta en grandes ideas. No pretendimos cimentar nuestro trabajo en imponentes efectos especiales como ocurre con los filmes de superhéroes de hoy en día, sino servirnos de ellos para apoyar las acciones y las características de los protagonistas. Se parece más al primer filme de Iron Man, donde resalta por encima de todo el personaje principal. La acción queda en un segundo plano; realmente es un thriller que podría ser también considerado un biopic. ¿Podría hablarnos de los trajes de color azul y amarillo tan fieles a los originales aparecidos en los comics de los X-Men, dibujados por Jack Kirby?

Pensé que los uniformes debían ser poco vistosos y estar de acuerdo a la época en que transcurre la acción. En 1962 empezaron a ser publicados estos comics, así que nos acoplamos a la época con el mayor rigor posible. ¿Cuánto ha disfrutado recreando los años sesenta con inventos y artilugios extraños?

la época y nos basamos en ella al máximo. Hank es un mutante que puede semejar los artilugios y hacerlos más grandes, como el Xjet, que resulta un BlackBird. Las máquinas y las cosas estaban ahí; nosotros simplemente las manipulamos preguntándonos ¿Qué hubiera pasado si…? Digamos que Einstein no fue el único mutante (Risas) Esta es la primera película XMen sin Lobezno, ¿acaso no resulta un interesante desafío?

En realidad, no. Se trata de XMen, no de Lobezno. Me encanta la idea de hacer aparecer a este personaje en algún momento, pero el error de muchos filmes consiste en saturarse en demasía con intromisiones forzadas. Debes permitir que los personajes ganen sus propias medallas, abriéndose camino por ellos mismos. Lobezno podría entrar en la historia poco a poco; realmente él es un antihéroe que merece un lugar destacado entre el resto de elementos.

Por esto último funcionaron tan bien X-Men 1 y 2. Resulta muy divertido contemplar a los distintos protagonistas chocando entre sí.

Estudiamos toda la tecnología de www.cinemascomics.com

Estreno 10 de junio

Insidious Por Manuel Moros

Se abre el telón y aparecen un malayo y un australiano enfrascados en una tormenta de ideas en el Royal Melbourne Institute ������������������ of Technology, la prestigiosa escuela de cine y medios del país de los canguros. Se cierra el telón. ¿Cómo se llama la película? ¡Saw! ¿Lo habéis pillado? ¿No? Bueno, no pasa nada, porque no era un chiste, sino algo que ocurrió realmente a pesar de las pocas probabilidades que tenía de hacerlo. Los protagonistas fueron el director James Wan y el guionista y actor Leigh Whannell, que tras conocerse, comenzaron a desarrollar el mundo y los personajes de la que acabaría convirtiéndose en la serie de

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películas de terror más exitosa de todos los tiempos, tal y como ha certificado el Libro Guinness de los Récords. Wan dirigió la primera entrega y ha permanecido como productor ejecutivo de toda la saga. Por su parte, Whannell la escribió y protagonizó, como hizo en Saw III, además de trabajar en el guión de Saw II, siguiendo también como uno de los productores ejecutivos de la franquicia y compaginando esta labor con su papel en Matrix Reloaded o el doblaje en Ga´Hoole: La leyenda de los guardianes. Saw demostró que con pocos elementos y un presupuesto irrisorio se podía hacer un psycho-thriller lleno de golpes

de guión, originalidad y tensión a la altura de grandes del género, además de regalarnos un final tan impresionante como el de Seven, por ejemplo. Sin embargo, la calidad de esta primera entrega se ha ido diluyendo como lágrimas en la lluvia entrega tras entrega, y Wan y Whannell tampoco consiguieron igualarla (ni de lejos) en la simplona Silencio desde el mal (Death Silence, 2006), como no lo hizo el director en Death Sentence (2007), una historia de venganza protagonizada por Kevin Bacon donde también actuó Whannell.

Ahora nos llega el resultado de la nueva colaboración entre Wan y Whannell, que han contado en www.cinemascomics.com

esta ocasión con los productores/ creadores de Paranormal Activity, otra de las sagas terroríficas de más éxito de los últimos años: Insidious, un film de fantasmas y sombras siniestras, casa encantada, posesiones por malignas entidades sobrenaturales, sustos e investigadores de lo paranormal y lleno de referencias a los clásicos del género que pretende ser el Poltergeist del nuevo milenio y que se ha convertido en la película más rentable del año y el fenómeno de la temporada en todo el mundo.

Wan se ha declarado un aficionawww.cinemascomics.com

do desde siempre a las películas de fantasmas y casas encantadas; de hecho, la primera película de miedo que vio fue Poltergeist, y desde que conoció a Whannell, siempre han estado intercambiándose escenarios fantasmagóricos para asustarse mutuamente, buscando la inspiración para nuevos y terroríficos proyectos. Por su parte, al niño que fue Whannell le impactó mucho Tiburón, que explotaba el miedo que tenemos todos a ser devorados por una criatura surgida debajo de nosotros, llegando a negarse a dormir bajo las sábanas porque pensaba que, de algún modo, el escualo podía

llegar hasta él. Al ir creciendo, descubrió otras películas como El resplandor, El exorcista o La cosa y comenzó a obsesionarse con las películas que provocan sensación de auténtico desasosiego, y aunque leía Fangore y le encantaba Posesión Infernal, prefería buscar películas que le hicieran sentir verdadero miedo en lugar de limitarse a provocar sobresaltos con prostéticos sangrientos.

En un momento dado, Wan le propuso a su amigo hacer una película de casa encantada dando un giro diferente a las convenciones del género. Whannell sentía que Cinemascomics │ Junio 2011 │

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todavía no habían tenido la oportunidad de hacer la película de terror definitiva, ya que consideraba Saw como un thriller y pensaba que Silencio desde el mal no había salido como deseaba.

Obviamente, el mayor problema de los guionistas actuales es que cada vez quedan menos historias realmente novedosas que contar, pero durante uno de sus intercambios de ideas, empezaron a hablar de la proyección astral, un tema muy poco tratado en el cine. Así se consiguió aunar la novedad con su deseo de hacer una de las películas más terroríficas de la historia. El azar hizo que coincidieran con Steven Schneider y Jason Blum, de Paranormal Activity, y cuando les preguntaron si tenían alguna idea nueva, su respuesta fue un rotundo sí.

También decepcionado por sus últimos trabajos, Wan quería tener la mayor libertad posible y volver a los orígenes de su carrera y del cine de terror en general, así que trabajar con una productora independiente le venía como anillo al dedo para no sentir la presión de

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una película de un estudio grande donde siempre hay gente mirando por encima del hombro al director. Se la expusieron, todos se mostraron encantados y el proyecto siguió adelante.

Wan no quería hacer una película de casquería porque su intención era demostrar que podía hacer algo más, así que se puso a ver películas clásicas tan inquietantes como contenidas a la hora de mostrar sangre y vísceras, como El carnaval de las almas y Suspense.

Por su parte, Whannell investigó las claves del éxito de otras como El Exorcista, y llegó a la conclusión de que era esencial que el público se pudiera identificar con los protagonistas para que pudieran sentir su terror como propio, así que se propuso crear personajes reales y tridimensionales a los que meter en una historia dramática y sólida, tan apasionante como las escenas en las que los sucesos sobrenaturales hicieran saltar al público de sus asientos.

En Insidious se cuenta la historia

de Josh, Renai y sus tres hijos, que acaban de mudarse a una nueva casa. Tras pasarles algunas cosas raras a las que no dan demasiada importancia, el hijo mayor, Dalton, sufre una caída y entra en coma. Tras ser trasladado del hospital a casa sin cambios en su estado, una serie de espectros empiezan a rondar por la casa alrededor del pequeño, que puede estar en un peligro incluso mayor del que aparenta. La madre de Josh, Lorraine, tiene una amiga parapsicóloga, Elise, que descubre que, por medio de la proyección astral, Dalton se ha deslizado en un mundo paralelo por el que deambulan las almas de los muertos antes de alcanzar su destino final, y que utilizarán al niño para intentar volver a nuestro plano...

Wan y Whannell no han escatimado elogios para Patrick Wilson (Watchmen, Hard Candy) y Rose Byrne (X-Men: Primera Generación, Todo sobre mi desmadre, Señales del futuro), que interpretan a los padres, quienes aun sabiendo que su trabajo no iba a estar www.cinemascomics.com

demasiado bien pagado, se esforzaron al máximo para convencer al espectador de que la historia se desarrolla en el mundo real, y que lo que les ocurre podría sucederle también a cualquier familia. De hecho, Wan dijo que la escena en la que, en plena noche, se dispara la alarma y cuando Patrick va a ver qué ocurre se encuentra la puerta de la casa abierta de par en par estaba basada en algo que le había ocurrido a él. En la película también podemos ver a Barbara Hershey (Cisne negro, Retrato de una dama) como Lorraine, a Lin Shaye (Serpientes en el avión, Cellular) como Elise y al mismo Whannell, que se reservó www.cinemascomics.com

un papel como uno de los ayudantes freakies de la parapsicóloga.

También alabaron la relación con los productores, los chicos de Paranormal Activity, que desde el primer momento les ofrecieron todo su apoyo y confiaron plenamente en ellos.

Un elemento tan importante a la hora de crear la atmósfera adecuada para una película de este tipo como es la música también fue fruto de la excelente complicidad intelectual entre Wan y Whannell. Mientras escribía, el guionista fue recopilando temas de compositores de vanguardia como Krysztof Penderecki o Ange-

lo Badalamenti, que se alejaban de la banda sonora típica de las películas de terror, pero cuya naturaleza experimental era lo que más le gustaba, ya que quería que la película resultara impredecible. Más tarde, le preparó a Wan un CD con toda esa música para que la escuchara mientras leía el guión y le diera la inspiración necesaria para diseñar la banda sonorora con su compositor, Joe Bishara. El resultado final fue realmente inquietante, con muchos acordes atonales de piano y violines estridentes en la línea de las bandas sonoras de El resplandor o El exorcista.

Wan aconseja disfrutar de Insidious sin ninguna idea preconcebida de lo que la película debería ser o se supone que es, sino tan solo como lo que es: una escalofriante peli de miedo al estilo clásico que rinde homenaje a esas pelis con las que crecimos y que adoramos, ofreciendo al mismo tiempo elementos nuevos que no suelen estar presentes en las producciones de los grandes estudios. Confía en el apoyo de los aficionados al género porque eso significaría para él el reconocimiento de que existen realizadores que se enfrentan al sistema para tratar de ofrecer algo original y diferente, y no simplemente otra estúpida secuela o un innecesario remake más. Para Whannell, lo más importante es que los fans salgan del cine con la sensación de haber pasado auténtico miedo, algo muy difícil de conseguir en la actualidad. Para el escritor, que afirma haber experimentado esta sensación con tan solo tres o cuatro películas en su vida, si logra añadir un título más a esa lista para los fans, se sentirá tremendamente satisfecho. Su intención es que sientan Insidious como un regreso al terror serio, algo que parezca sacado de los años 70 y que con los años se convierta en un auténtico clásico.

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ENTREVISTAMOS AL CREADOR DE LA SAGA SAW Y DIRECTOR DE INSIDIOUS

JAMES WAN Por Carlos Gallego Es 12 de octubre. Estoy en el Festival de Cine Fantástico de Sitges y en la zona de entrevistas del Hotel Meliá, me espera James Wan, creador de la Saga Saw y director de Insidious. Me acerco a él y después de saludarnos, se fija en mi camiseta y me dice que le gusta. La camiseta es de Spider-man y contiene la frase, “With great power comes great responsibility”. Compartimos entrevista con Javier Lacomba de elmulticine. com Cinemascomics: ¡Qué comience el juego!

James Wan: (Risas) ¿Cómo llegaste al proyecto de Insidious y que es lo que más te atrajo del mismo?

Cuando con Leigh Whannell quisimos hacer la historia siempre habiamos querido hacer una de casas encantadas, pero de un modo distinto, el modo fue darle un giro hacia escenas del más allá y cuando los productores nos dieron la oportunidad de poder hacerlo empezamos a ser muy amigos y empezamos a trabajar enseguida.

Insidious es claramente muy distinta a la saga SAW cuales han sido tus inspiraciones para crear el film.

Insidious es claramente diferente a SAW, lo que queria enseñar a la gente es una película distinta y sin matanzas. ¿Cómo elegiste a tu reparto en “Insidious”?

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Bueno, cuando Leigh Whannell escribió el guión, quería de verdad encontrar actores adecuados para el filme. Quería encontrar buenos actores que pudiera emplear, ya que creo que cuando haces una película como esta en la que aparecen fantasmas, demonios, y quizás una dimensión paralela, necesito conectar la película a la realidad, y la manera de hacerlo es empleando actores buenos de verdad. Tuve realmente mucha suerte, mis productores, que llevan en esto veinte años, me comentaron que era la primera vez que veían que todos los actores en los que se había pensado inicialmente habían dicho que sí al proyecto. Porque ya sabes que lo habitual es que no sea así, pero en este caso Patrick Wilson, Rose Byrne, Lin Shaye, Barbara Hershey, todos ellos leyeron el guión, les encantó y nos dijeron... sí, vamos a hacerlo. Fue genial.. y muy afortunado. ¿Cuál era tu propósito al introducir en la trama a los “Cazadores de Fantasmas” y con ellos el humor en la película?

La película es muy seria, tiene un tono muy serio y había cierta preocupación sobre el hecho de que fuese molesto ese ligero tono cómico que se introduce con los “Cazadores de Fantasmas”. Pero creo que es importante que en una película de terror tú puedas pasar miedo, pero que después puedas reír, y así poder liberar esa tensión. Leigh Whannell, autor del guión y que interpreta a uno de los “Cazadores de Fantasmas” es un tipo realmente divertido, así que le dije: “Escribe

un personaje que tú vayas a interpretar, y que se ajuste a ti”.

Luego mi labor como director fue controlar ese tono humorístico, que fuese divertido pero no demasiado, encontrar un equilibrio para que no se convirtiera en un filme diferente. ¿Cuál es para ti la clave para asustar al público?

Creo que la clave es encontrar elementos que te asusten a ti mismo.

Si te da miedo algo, si te asusta caminar por un pasillo oscuro y pensar que algo está junto a ti, eso es algo que da miedo, algo que puedes meter en una película. Yo, por ejemplo, una cosa que me da miedo, algo que me aterroriza de verdad, es pensar en despertarme en mitad de la noche, y darme cuenta que alguien está de pie junto a mi cama, mirándome mientras duermo. Eso me da muchísimo miedo... Y no hace falta que haga nada, ni que tenga una pistola, ni un cuchillo. Sólo el hecho de que pensar que pueda estar ahí... eso me asusta. ¿Cómo se te ocurrió la idea de la máscara de gas en la sesión de espiritismo?

Bueno, Leigh y yo hablamos sobre escenas de películas de terror, y hablamos de como hallar algo que nadie hubiera mostrado antes en este tipo de películas. Leigh escribió esa escena con ese extraño artefacto. Para mí como director fue un desafio su diseño y trabajé con el encargado del diseño de producción y al final logramos que la máscara de gas sea extraña, pero también única y diferente.

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No sé si estás enterado acerca de los problemas de distribución de la sexta parte de “Saw” en España, que finalmente se va a estrenar con cortes en algunas escenas¿Qué piensas acerca de la “censura” en las películas?

Cada país es diferente, pero en España está bastante bien, no sois como en algunos otros países.

Otro país en el que no hay problemas es Japón, que ya de por si tiene películas bastante fuertes.

Creo que en Europa no creéis en la censura, no es vuestra filosofía.

En fin, creo que no está tan mal en España, comparado con otros países. ¿Crees que la séptima parte de “Saw” será realmente la última?

Sí. ¿Seguro?

Sí. Te lo puedo decir seguro. Bueno, diré que sí... por ahora. Quiero decir, quién sabe si dentro de cinco o seis años alguien querrá hacer un “Remake”. Pero por ahora se ha acabado, cuando haces una película cada año es muy cansado, y ellos ya han hecho siete, por lo que creo que es hora de que la gente se tome un descanso...

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¿En qué aspectos te gustaría que “Insidious” se compare con “Poltergeist” y en qué aspectos no?

Bueno, no me importa que la gente las compare, que digan que es un homenaje o que es la inspiración de esta película, pero al mismo tiempo, “Insidious” es una película muy diferente a “Poltergeist”. Quiero decir, me has comentado el tema de la máscara de gas, hemos comentado el tipo de escenas de terror que tiene.

“Poltergeist” es una historia sobre casas encantadas, pero que no emplea los recursos clásicos que hemos visto en otras películas sobre el tema, como “Suspense” o “The Haunting” de Robert Wise.

Esas películas emplean elementos como la presencia tras la cortina, el fantasma en el pasillo..

“Poltergeist” es más sobre cosas que vuelan en una habitación. ¿Recuerdas la escena en la que se abre una puerta y todo está volando por todas partes? Eso es “Poltergeist”, en contraposición a una historia de fantasmas. “Poltergeist” no va sobre fantasmas, sino sobre espíritus traviesos.

Muchos creen que Poltegeist es una película maldita ¿Crees en las supersticiones y que puede pasar lo mismo con INSIDIOUS?

¡Oh Dios mio! (Risas), Poltergeist fue una producción maldita, a los personajes también les ocurrieron cosas extrañas, pero no puede ser más opuesto en el caso de INSIDIOUS, la producción ha sido muy positiva, no habido nada de miedo en el proceso.

Y para finalizar. Jigsaw, representa muy bien al villano del siglo XXI, esa ambigüedad entre el bien y el mal, y que a pesar de las atrocidades que realiza llega a caer bien a los espectadores. ¿Qué se siente al haber creado a un icono del cine de terror, a la altura de Hannibal Lecter o Dexter?

Realmente para mí es un honor, no pensaba que cuando creamos a este personaje para la saga Saw, se fuera a convertir en un icono del cine terror, y no solamente del cine de terror, sino también de la cultura popular, para mi es uno de los mayores cumplidos que se me puede hacer, que me digan que cuanto a transcendido este personaje y a integrado en la cultura popular es un tema del que habla la gente y para mi supone un alago pensar que este personaje que realmente ha tenido una vida tan corta se haya convertido en un personaje malvado e icónico.

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Almas Condenadas

10 de junio

WES CRAVEN (Pesadilla en Elm Street, Las colinas tienen ojos, las entregas de Scream) vuelve a colocar al espectador frente al miedo en estado puro en el thriller de suspense 3D ALMAS CONDENADAS, producido por Rogue. En la tranquila ciudad de Riverton, Massachusetts, cuenta la leyenda que el Destripador de Riverton, un asesino en serie de personalidad múltiple, juró que volvería para

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matar a los siete niños que nacieron la noche de su muerte.

¿Por qué? La leyenda sigue diciendo que tenía siete personalidades, y que solo una era el asesino. Las otras seis pidieron ayuda, pero en el caos que siguió a su última serie de crímenes, la policía disparó y el asesino murió. Es de suponer que las siete personalidades también desaparecieron en ese mo-

mento. Pero la personalidad del Destripador quiere vengarse.

Siempre había sido la típica historia de fantasmas que se contaba para asustar a los críos de la pequeña y soñolienta ciudad, hasta el día en que los Siete de Riverton cumplen 16 años y un desconocido empieza a asesinarlos uno a uno.

¿Se habrá reencarnado el psicópawww.cinemascomics.com

ta en uno de los Siete de Riverton o tal vez sobrevivió aquella fatídica noche cuando cayó al río después de un brutal accidente de coche? El cuerpo nunca se encontró, y la policía se inclina por esta explicación lógica.

Pero ¿fue realmente así? Un chico deberá desvelar el misterio antes de que él y el resto de los Siete de Riverton mueran asesinados. www.cinemascomics.com

Adam “Bug” Hellerman (MAX THIERIOT, Jumper) es uno de los siete niños que nacieron la sangrienta noche en que desapareció el Destripador. Este chico desgarradoramente inocente creció oyendo historias acerca del asesino y ha sufrido horribles pesadillas desde su más tierna infancia.

Pero el inesperado héroe es el escogido para salvar a sus amigos de las garras del monstruo que ha

regresado en carne o en espíritu.

Debe enfrentarse a algo maléfico que no descansará hasta cumplir la promesa de venganza que hizo el mismo día que Bug vino al mundo.

En su intento por conseguirlo, Bug madurará con rapidez y nos llevará a través de una historia de tensión, humor y terror en estado puro a partes iguales. Un recorriCinemascomics │Junio 2011 │

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do brutal y apasionante de principio a fin.

Este thriller de suspense es el primer guión completo original de Wes Craven desde La nueva pesadilla de Wes Craven, de 1994, y demuestra una vez más el don del realizador para aterrorizarnos con historias retorcidas muy actuales.

En ALMAS CONDENADAS nos presenta a un malvado de la talla de Freddy Krueger o de Ghostface, de Scream. El maestro del terror vuelve a recordarnos que los monstruos más pavorosos son seres humanos y que, en ocasiones, tienen caras tan familiares como la nuestra.

El equipo técnico que se une al realizador está formado por la directora de fotografía PETRA KORNER (Los confidentes); el diseñador de producción ADAM STOCKHAUSEN (Scream 4); el montador PETER McNULTY (La última casa a la izquierda); el compositor MARCO BELTRAMI (En tierra hostil); el supervisor musical ED GERRARD (La última casa a la izquierda), y los diseñadores de vestuario KURT AND BART

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Vuelo nocturno/Red Eye y otras películas de talentosos guionistas, pero no eran proyectos tan “Me llamo Adam Hellerman, personales como este”. pero todos me llaman Bug. Al hablar de dónde le vino la insVivo en Riverton, Massachu��������� piración para el Destripador de setts, una pequeña ciudad Riverton, Wes Craven dice que la conocida por la pesca, el tu- historia le escogió a él. Se prequé pasaría si un hombre rismo y el Destripador de Ri- guntó normal, con una vida monótona, verton. descubriese el arma de un asesino en serie que aterroriza a toda la - Bug zona. Cuando se da cuenta de que la navaja es suya, empieza a unir las piezas del rompecabezas. Lo (Fighting/Puños de asfalto). que descubre le deja destrozado.

ACERCA DE LA PRODUCCIÓN Wes Craven imaginó a un asesino Wes Craven regresa a sus raíces en serie con personalidad múlticon el espeluznante thriller de ple. Entre ellas, la de padre de suspense ALMAS CONDENADAS. familia y la de un psicópata rePara esta película, ha imaginado torcido. El amable Abel Plenkov y una historia terriblemente trágica el malévolo Destripador compary de una violencia perturbadora ten el mismo cuerpo. El director que le impedía dormir. Reconoce, dice: “Es un hombre con una vida sin embargo, que estaba entu- normal y, de pronto, le empiezan siasmado con la idea de dirigir un a asaltar dudas: ‘¿Habré hecho guión escrito por él. “No me había algo…?’ Imaginé lo horrible que dado cuenta de los años que hacía podía llegar a ser la situación, sodesde que había escrito y dirigido bre todo si había sido un hombre algo”, dice el realizador. “Dirigí ejemplar antes del cambio”.

TEMED AL DESTRIPADOR:

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A partir de ahí, añadió otras personalidades que salen del cuerpo del asesino y entran en otros cuerpos la fatídica y brutal noche en que murió de varios disparos.

A su vez, esto le dio la idea de siete niños nacidos la noche en que Abel/el Destripador muere.

“Me pareció interesante seguir a estos chicos y contar su historia desde el punto de vista de Bug, el personaje principal”, dice el realizador.

Sabía que no sería fácil incorporar las personalidades del asesino en los adolescentes conocidos como los Siete de Riverton, de los que se dice, bromeando, que comparten el alma del Destripador. El resultado fue un guión “mucho más complejo que cualquiera de mis anteriores películas”, dice Wes Craven. “Desde un principio fue difícil concebir una interacción entre todos los personajes para que no se limitara a dos historias, un chico en el instituto y un chico con su familia. Además, el reto era hacer que todo esto ocurriese en 24 horas”.

La esposa de Wes Craven, la productora Iya Labunka, leyó el guión y vio que había creado a un sociópata tan espeluznante y aterrador como sus personajes más malévolos. “Nuestros peores miedos nawww.cinemascomics.com

cen de la imaginación”, dice la productora. “La historia funciona a muchos niveles. Tiene tensión, es escalofriante, hay sangre, pero también contiene mucho humor típico de Wes”.

ALMAS CONDENADAS tiende más hacia el thriller psicológico que las anteriores creaciones de Wes Craven. Cuando vemos a Abel por primera vez, parece llevar una vida totalmente normal. De golpe, una personalidad malévola se apodera de él y le obliga a ir a por las personas que más quiere.

“Y eso es lo que realmente da miedo”, explica Iya Labunka.

“Tiene una familia a la que ama profundamente, pero no puede controlar lo que ocurre. La otra personalidad destruye todo lo que más quiere. Da miedo porque puede pasarnos a cualquiera, y si ocurre, no podremos controlarlo”.

El protagonista, Bug, deberá descubrir si Abel era realmente una buena persona de la que se apoderaba algo tan incontrolable como horrible, o si era un astuto homicida que se escondía detrás de una apariencia normal. Además, Bug también deberá enterarse de si el responsable de los nuevos crímenes es el propio Destripador que ha regresado, si uno

de sus compañeros está poseído por el Destripador o, peor aún, si el alma del Destripador está dentro del propio Bug.

El mito central de ALMAS CONDENADAS está perfectamente expresado por la vidente haitiana Jeanne-Baptiste (DANAI GURIRA, The Visitor), que fue testigo de los crímenes de hace años. “En Haití no se habla de personalidad múltiple, sino de alma múltiple”, dice Wes Craven. “Cuando alguien muere y ha albergado un alma malévola, no acaba ahí. El alma o almas no desaparecen, y por eso pueden reaparecer en los Siete de Riverton”.

Es la historia de una transformación interior. “Tal vez sea una experiencia maravillosa; de la misma manera que la muerte quizá signifique dejar atrás una imagen antes de renacer”, dice el realizador. “Al final de la película, Bug ha perdido todas sus ilusiones y debe enfrentarse a lo que ha pasado en Riverton. De todo el horror, saca lo mejor. Creo que todos hacemos lo mismo, perdemos las ilusiones. Descubrimos que hay muchas mentiras y rescatamos lo mejor”.

Ya era hora de buscar a los jóvenes intérpretes que darían vida al retorcido mundo del Destripador.

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Kung Fu Panda 2

17 de junio

De DreamWorks Animation (el estudio que te deleitó con “Cómo entrenar a tu dragón, “Shrek”, y la película nominada al Óscar y al Globo de Oro “Kung Fu Panda”) llega la última aventura de uno de los héroes más insólitos que hayan pasado nunca de empleado en una tienda de tallarines a maestro del kung fu.

En “Kung Fu Panda 2”, Po (el nominado al Globo de Oro JACK

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BLACK) está viviendo su sueño siendo el Guerrero Dragón y protegiendo el Valle de la Paz junto a sus amigos y compañeros maestros de kung fu, los Cinco Furiosos: Tigresa (la ganadora del Óscar ANGELINA JOLIE), Mono (la estrella internacional JACKIE CHAN), Mantis (el nominado al Emmy SETH ROGEN), Víbora (la ganadora del premio SAG LUCY LIU), y Grulla (el ganador del Emmy DAVID CROSS). También regresa el dos

veces ganador del Óscar DUSTIN HOFFMAN como el maestro Shifu, el gurú del kung fu y mentor de Po, y JAMES HONG como el señor Ping, el padre de Po y propietario de una de las mejores tiendas de tallarines del pueblo.

La nueva y genial vida de Po se ve amenazada por la aparición de un formidable villano, Lord Shen (el nominado al BAFTA/Spirit GARY OLDMAN), quien planea utiwww.cinemascomics.com

lizar un arma secreta e invencible para conquistar China y destruir el kung fu. Po deberá buscar en su pasado y descubrir los secretos de sus misteriosos orígenes, sólo entonces será capaz de reunir las fuerzas necesarias para vencer.

Entre los nuevos miembros del reparto están la nominada al BAFTA MICHELLE YEOH, la Adivina al servicio de Lord Shen cuyas visiones del futuro desempeñan un papel www.cinemascomics.com

clave en el destino de lo que va a suceder, DANNY MCBRIDE como el secuaz de Shen, el Jefe Lobo, y DENNIS HAYSBERT como el Maestro Buey. En el reparto están también la súper estrella de las películas de acción JEAN-CLAUDE VAN DAMME como el Maestro Cocodrilo, y VICTOR GARBER como el maestro Rinoceronte.

La película está dirigida por JENNIFER YUH NELSON. Está pro-

ducida por MELISSA COBB. Los coproductores son JONATHAN AIBEL, GLENN BERGER y SUZANNE BUIRGY. El guión es de JONATHAN AIBEL & GLENN BERGER. La música es de HANS ZIMMER y JOHN POWELL. La MPAA ha calificado la película para menores acompañados por sus secuencias de acción de artes marciales y algo de violencia.

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LA EDAD DE ORO DEL PANDA BRILLA CON MÁS FUERZA Jennifer Yuh Nelson, la directora de “Kung Fu Panda 2”, tuvo tres títulos de crédito diferentes en la primera “Kung Fu Panda”: encargada de la historia, supervisora de las secuencias de acción y directora de las secuencias oníricas. Y al igual que Po siguió su camino hasta convertirse en el Guerrero Dragón, Nelson tuvo su propio periplo.

La productora Melissa Cobb afirma: “Jen estuvo ahí desde el principio, y fue realmente fundamental a la hora de darle forma a la historia. Si hay alguien que conozca este material, estos personajes y este mundo, esa es Jen. Que se convirtiera en la directora de ‘Kung Fu Panda 2’ era la progresión más natural que se podía imaginar”.

Dice la directora Jennifer Yuh Nelson: “Yo me crié con las películas de acción de Hong Kong, y aporté esa sensibilidad como encargada de la historia en ‘Kung Fu Panda.’ Yo deseaba fervientemente que todos de nosotros sintiéramos lo mismo, y seguí esa línea con esta película. Creo que una de las claves es que todos hablamos ahora ese lenguaje común.

Y al trabajar en ‘Kung Fu Panda 2’, nos ha acompañado esa experiencia común, que da forma a la

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historia que estamos contando y a la forma en la que se cuenta. Nuestro objetivo era elevar a ‘Kung Fu Panda’ y a Po a un nivel superior”.

Al igual que Po se ha convertido en un guerrero mejor, su nueva aventura refleja también su inmersión más profunda en el mundo del kung fu. Dice Nelson: “Esta película sigue más de cerca la tradición de las películas de artes marciales: a menudo surgen preguntas sobre el pasado del héroe recién consagrado, y también están los que pretenden desafiar su autoridad”.

“Desde el estreno de ‘Kung Fu Panda’, siempre ha habido una pregunta para la que la gente deseaba desesperadamente una respuesta. La pregunta que desafía toda lógica es: ‘¿Por qué el padre de Po es un ganso?’ Para Po, el Guerrero Dragón, era lógico darse finalmente cuenta de que su padre no es su padre biológico, y buscar sus orígenes. Al hacerlo, descubre que su pasado está ligado a Lord Shen. El desafío del pavo real no es una casualidad, es obra del destino, algo que también aparece de forma destacada en las películas de artes marciales. Y es únicamente al conocer la verdad acerca de quién es cuando será capaz de enfrentarse a Lord Shen y su ejército”.

“En la primera película”, continúa Nelson, “supimos que hay héroes de todos los tamaños y formas al cumplir Po su destino y convertirse en el Guerrero Dragón. En la continuación, aprendemos que el azar nos impulsa hacia nuestro destino, metiendo a alguna gente en nuestras vidas para protegernos y a otros para desafiarnos... y haciendo que nos demos cuenta de todo nuestro potencial”.

La historia de Po comenzó en un pasado reciente, en el verano de 2008, cuando la película de DreamWorks Animation ‘Kung Fu Panda’ llegó a las pantallas de todo el mundo. La historia del fabricante de tallarines soñador que aspiraba a la grandeza del kung fu tuvo un numeroso público que acompañó gustoso a Po en su transformación de tendero de alimentación a guerrero al servicio del la paz. Esa comedia familiar repleta de acción recaudó más de 633 millones de dólares en todo el mundo, fue nominada al Óscar a la mejor película de animación, y se llevó 10 premios Annie (el mayor galardón del sector de la animación).

La productora Cobb afirma: “Con la primera película, nos propusimos seriamente hacer un largometraje animado del que la gente pudiera disfrutar con sus familias durante años. Estábamos decididos a hacer una película www.cinemascomics.com

que pareciera intemporal, siendo a la vez respetuosos con el género de acción del kung fu. Cuando hicimos la primera película, éramos conscientes de que habíamos creado un personaje con mucha profundidad y distintos niveles en su historia que no habíamos podido abordar. Lo que tenemos en la continuación es la evolución de un héroe, que no es un camino recto ni un registro normal. Y la evolución lleva tiempo, así que estábamos decididos a acompañar a Po en su trayecto. Cuando ‘Kung Fu Panda 2’ empezó a tomar forma, era una continuación orgánica de la historia que habíamos empezado”.

Los guionistas de ‘Kung Fu Panda’, Jonathan Aibel y Glenn Berger, estuvieron encantados de volver a continuar la historia de Po. Aibel resume los pensamientos y los sentimientos del equipo creativo al explicar: “Trabajar en la primera fue fantástico, una colaboración genial. Creo que lo mejor que se puede decir del grupo de gente que hizo la primera película es que todos ellos querían también formar parte de la segunda. Eso es bastante raro en Hollywood..., es que, vaya, los encargados de cada departamento en esta película estaban en el mismo puesto en la primera. La gente dice que, una vez que se ha empezado a trabajar para Po, ya no se quiere uno marchar”.

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“Creo que eso también quiere decir”, continúa Aibel, “que en la primera película pasamos gran parte del tiempo sentando las bases para el entorno y construyendo a los personajes, y ahora, gran cantidad de esa energía creativa quedó en libertad para superar los límites y ver cuánto más podíamos divertirnos, y eso implicaba mayores escenas de acción, un trabajo más a fondo de los personajes, una mirada más amplia sobre ese mundo maravilloso”.

Junto a los ya mencionados, entre las filas de los artistas cinematográficos que regresan en ‘Kung Fu Panda 2’ están: el diseñador de producción Raymond Zibach, el encargado de animación de personajes Dan Wagner, la encargada del montaje Clare Knight, el director artístico Tang Heng, los compositores John Powell y Hans Zimmer y el supervisor de animación, coreógrafo de artes marciales y dibujante de storyboards Rodolphe Guenoden, entre otros.

LOS MISTERIOS DEL GUERRERO DRAGÓN SE DESVELAN

Los guionistas Aibel y Berger se habían unido a los realizadores en la primera película para centrar la película, y con un montón de cosas de una antigua China ficticia y una pléyade de personajes de kung fu entre los que elegir, los primeros borradores del guión

habían dado como resultado una cantidad casi abrumadora de recursos. El trabajo de Aibel y Berger consistió en depurar la historia, volverla a centrar en Po y su legado, y ayudar a definir el tono de la historia. Puesto que el guión final consiguió justamente eso, se volvió a requerir de sus servicios para escribir “Kung Fu Panda 2”, de la que son tanto guionistas como coproductores

Cobb opina:”Cuando uno se concentra en el desarrollo de un personaje, no hay ningún ‘punto final’. Siempre pensamos que teníamos más historias que contar con la continuación de Po y su periplo”.

Aibel afirma: “Cuando te gusta tu trabajo tanto como nos gustaba a Glenn y a mí trabajar en Po y Shifu y todos los demás, tu cerebro está generando constantemente posibilidades para la historia, y puesto que ya estábamos ahí cuando se pusieron sus cimientos, conocemos perfectamente a los personajes, así que poder continuar con ellos es como tener nuevamente un gran día en tu trabajo”.

Berger dice: “Justo cuando Po está empezando a sentirse cómodo en su nuevo papel de Guerrero Dragón y jefe de los Cinco Furiosos, se suceden una serie de acontecimientos que hacen que Po se

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plantee cuestiones que nunca antes había pensado plantearse. ¿De dónde procede? ¿Cómo llegó hasta allí? ¿Y por qué su padre es un ganso y él es un panda? Y, por desgracia, su padre no tiene muchas respuestas que ofrecerle.

Así que Po se pasa el resto de la película intentando responder a esas preguntas, y lo que descubre cambiará sus relaciones para siempre”.

Cuando comenzó el trabajo en serio en la primera película, Po no tenía ninguna figura paterna.

A medida que la historia se iba desarrollando, a los productores les pareció que hacía falta un papel así para la historia del panda.

Así que, ¿cómo eligieron al señor Ping, el ganso, para ser el padre?

Según explica Jonathan Aibel: “La opción más obvia hubiera sido dar a Po un padre panda, pero siempre tuvimos claro que queríamos que Po fuera el único panda del

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pueblo”.

Continúa Glenn Berger: “Así que le preguntamos a los animadores: ‘¿Qué es lo que tenéis?’ Y vimos que había conejos, había patos y estaba también este ganso. Y pensamos: ‘¿Qué tal si ese ganso fuera su padre? Pero, ¿cómo podría ser eso?’ Y luego eso nos llevó a todas esas otras preguntas: quizás Po no sepa que ese no es su padre biológico, ¿o a lo mejor lo sabe? Básicamente, nos obligó a tomar una decisión menos corriente, y creo que entonces todos tuvimos que averiguar qué pasaría si Ping fuera el padre de Po. Al final, creo que contribuyó a crear una película más interesante”.

Para Jack Black, retomar el personaje de Po representaba una ocasión para pasar más tiempo en compañía de uno de sus personajes más queridos. Gracias a Po,

Black tuvo la oportunidad de inaugurar el Festival de Cannes de 2008 (“Kung Fu Panda” fue la primera película que se proyectó), encabezando un desfile de gente disfrazada con trajes de panda.

Black recuerda otra oportunidad única que le ofreció su relación con Po: “Hace algunos meses, tuve que ir al zoo de Atlanta, a ver al último panda nacido en cautividad... y le pusieron de nombre Po. Caramba, yo diría que eso es algo grande. Aún no está listo para combatir, pero dale tiempo.

Va a ser un panda genial, estoy seguro de ello”.

Black rememora: “Cuando finalmente vi todo el montaje (de “Kung Fu Panda”), fue uno de los momentos más gratificantes de toda mi carrera. Se tarda muchos años en hacer una película así, mucho más tiempo que para una película normal de acción www.cinemascomics.com

real. Hay mucho más trabajo que hacer en ella: el desarrollo de la historia, los dibujos, y sobre todo la forma en la que trabajan en sus películas los realizadores de DreamWorks Animation”.

Pero para el actor, también era una oportunidad para sacar a la luz más cosas de su personaje.

“Ahora, Po va recuperando recuerdos de su infancia, antes de vivir con su padre, que es un ganso. Así que se da cuenta de en realidad fue adoptado, y no sabe dónde están sus padres biológicos ni qué les pasó a los otros pandas. ¿Por qué lo entregaron en adopción? Así que, además de ser el periplo de un héroe para salvar a su mundo, también es un viaje de auto-descubrimiento”.

Incluso hasta para el observador más superficial, es evidente que el señor Ping, un ganso que fabrica tallarines, no es el padre www.cinemascomics.com

biológico de Po, pero la historia no aborda precisamente qué es lo que distingue a un padre. Según Black: “Una vez que Po sospecha que ha sido adoptado, se enfrenta con su padre, quien admite que le encontró cuando era un bebé.

Pero le crió como a un hijo, y le considera hijo suyo. Po también piensa lo mismo, pero aún así quiere encontrar la respuesta a algunas preguntas. Y sucede que esas preguntas surgen a la vez que aparece en escena un nuevo villano, Lord Shen, el pavo real.

Misterioso, ¿verdad?”

Black, quien llegó a apreciar mucho más a fondo las artes marciales gracias a su participación en la saga, admite que practica el kung fu: “Sí, hice algún entrenamiento de kung fu, para ambas películas.

No solo fue para documentarme, fue también para ponerme un poco en forma. Lo que de verdad me atrajo fue que hay una mez-

cla de ejercicio y de autodefensa, junto con un tercer componente espiritual, menos visible. Cuando se practica kung fu de verdad, viviéndolo y sintiéndolo, hay una cualidad meditativa que te impregna. Parece casi algo religioso. Es una expresión artística, en realidad. Por algo se llaman artes marciales”.

Formando un equipo compacto, el Guerrero Dragón llega con los Cinco Furiosos, y Aibel y Berger se sintieron muy contentos de poder dar la bienvenida de nuevo a toda la banda. Según Berger: “En la primera película, estuvimos muy atareados contando la historia del entrenamiento de Po con Shifu, así que no tuvimos tanto tiempo como queríamos para los Cinco Furiosos. Pero ahora teníamos la gran oportunidad de hacer que acompañaran a Po en su viaje y de que aparecieran en más escenas, lo que implicaba tener más tiempo para escribir cosas para Angelina [Tigresa], Jackie [Mono], Seth [Mantis], Lucy [Víbora] y David [Grulla]. Para cualquier guionista, cualquiera de ellos hubiera sido suficiente.

Pero poder contar con los cinco en todas esas escenas es simplemente una oportunidad genial para nosotros”.

Angelina Jolie también se sintió feliz por poder regresar con Tigresa, probablemente el luchador más consumado de los Cinco Furiosos, y al igual que Black, se sintió entusiasmada cuando supo que su personaje también iba a experimentar algunos cambios.

Dice Jolie: “Ante todo, Tigresa es una luchadora, y está decidida a acabar con el malo. Pero lo bonito de esta historia es que ella da un pequeño paso adelante y aprende a ser más amable. Su orgullo resultó herido cuando no fue elegida para ser el Guerrero Dragón, y le costó un tiempo superar su enfado con Po y con el mundo en general”.

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Los guionistas crearon con entusiasmo nuevas facetas de Tigresa, lo cual le dio ocasión a Jolie para profundizar más esta vez: “¿Qué ocurriría si Tigresa tuviera un lado más suave? Fue genial poder ofrecerle eso a Angelina y ser testigo de lo que hizo con ello.

A veces hace falta un personaje animado para mostrar un aspecto diferente de un actor. Como actor de doblaje, uno está libre de las expectativas de lo que se ha visto de ti en tus películas de acción real”.

“Es un personaje muy puro y bonito”, continúa la actriz. “La escribieron con una historia muy interesante. Procede de un orfanato, y se crió sin conocer su propia fuerza y sin entenderse a

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sí misma, pero luego creció y se transformó en una mujer muy fuerte, los otros dicen de ella que es ‘superdura’. Pero es que ella no puede acceder a su faceta y a sus emociones más dulces, quizás sea una medida de autoprotección. Y creo que esa es la razón por la que alguna gente se identifica con ella”.

Cuando se le pregunta por qué cree que tuvo tanto éxito la primera película (y la razón por la que continúa esta historia cinematográfica), Jolie observa: “La película fue divertida, genial y alucinante, pero también daba una sensación de cultura e historia. También era una fábula moral acerca de cómo comportarse, cómo tratar a tus amigos, lo que

la vuelve más parecida a una película animada clásica. Pero sobretodo, en ella sale Jack Black,que a mí me parece que es la principal razón de que la gente fuera a verla, ¡o al menos esa sería mi razón! Es sumamente gracioso, y la dinámica entre él y los Cinco es casi la de una familia disfuncional clásica”.

“Y lo que de verdad me impresiona”, continúa Jolie, “es que eligieron el camino difícil para hacer esta secuela. A veces, uno se lo puede tomar con calma en la segunda película pero, con las decisiones que tomaron, hay mucha más profundidad añadida. Creo que los guionistas y los realizadores decidieron tratar temas sobre el sentido del yo y de la identiwww.cinemascomics.com

dad, cosas que entran en juego para alguien que se ha criado en un orfanato o ha sido adoptado. Y trabajar con Jen como directora, ella es probablemente una de las personas más tranquilas que conozco. Ha meditado mucho estos proyectos, que han llevado algo así como siete años y medio. Es una persona muy entrañable, y le ha aportado a la historia muchos matices interesantes y profundos.

Tiene un gran instinto protector, junto con una extraordinaria inteligencia y profundidad”.

Aparte de su admiración hacia sus colegas, cuando se le pide que mencione una de las mejores cosas de haber trabajado en las películas del “Panda”, Jolie bromea: “Que se puede venir a trawww.cinemascomics.com

bajar en pijama”.

Al parecer, la elección de las ropas de trabajo también desempeñó un papel importante en la participación de Dustin Hoffman en la segunda película, aunque en un sentido poético. “Volver a hacer la voz de Shifu fue como ponerse una ropa cómoda, ponerse en una posición meditativa y acceder a un estado mental de tranquilidad. Así se puede describir también el ambiente creado por los maravillosos realizadores de DreamWorks Animation”.

“Bromas aparte”, continúa el venerable actor, “me he divertido mucho trabajando en las dos películas del “Panda”. Estoy muy impresionado por la pasión crea-

tiva y el talento artístico que he encontrado por el camino. Nuestra directora y nuestra productora, Jennifer Yuh Nelson y Melissa Cobb, dirigieron la producción como si fuera un crucero para relajarse. No es que fuera como jugar todo el rato al parchís y a la petanca, no te creas, pero en lo que se refiere a producciones, esta fue casi zen. Al menos, mi participación lo fue, y estoy sumamente agradecido. No lo sé, quizás se pelearon como locos con Jack y estaban demasiado cansados como para reprenderme por haber hecho alguna tontería o por falta de productividad”.

Para la participación de Jackie Chan, la mayor parte del tiempo hacía falta cierta ligereza. El Cinemascomics │ Junio 2011 │

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carácter bromista del personaje cuadraba perfectamente con la jovial actitud de Chan en su trabajo, tanto que se podría haber tomado por un caso de casting de tipo. Dice Chan: “Es tan divertido interpretar a Mono que ni siquiera me parece un trabajo. Somos muy parecidos: somos buenos en artes marciales, y podemos utilizar el sentido del humor como pantalla, para ocultar el hecho de que, antes de que nuestros oponentes puedan darse cuenta y mientras aún se están riendo, ya les hemos derrotado. Pero también muchas veces hice bromas sólo por diversión”.

La cuota de humor, según Seth Rogen, quien regresa como el diminuto pero poderoso Mantis, es una de las razones del éxito de la película. Respecto a los Cinco Furiosos, Rogen observa: “La dinámica entre los personajes es graciosa de verdad, ya sólo desde el punto de vista físico son muy graciosos todos. Es un grupo de animales al que se hace raro ver en un mismo lugar, y los actores que los interpretan son graciosos. Para empezar, David Cross y Jackie Chan, y no sé si él lo sabe, pero Jackie es increíblemente gracioso. Y Lucy es graciosa y Jack, bueno, consigue ser gracioso de vez en cuando. Ahora bien, aunque Angelina es graciosa, también es bastante sexy, aunque sea un tigre animado, lo cual es bastante impresio-

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nante. Es algo que trasciende la animación. Así que creo que la relación entre los personajes y el hecho de que todos los que hacen las voces sean gente realmente graciosa es lo que hace que apetezca verla”.

Mientras que algunos actores consideran que actuar sólo con la voz es algo que limita, Roger piensa que es justo lo contrario: “Me gusta mucho actuar con la voz.

Y aunque resulte extraño, para mí que hay que concentrarse mucho más en la interpretación que cuando se actúa en una película de acción real. En estas hay un montón de consideraciones técnicas, que si colocarte en tu sitio, mirar hacia un cierto lado o encontrar tu luz, así que lo que dices es un porcentaje muy pequeño de lo que haces en la película.

Pero cuando se actúa sólo con la voz, lo es todo. Tienes que concentrarte en lo que dices y en la interpretación de esas palabras, y lo puedes hacer realmente de muchas formas diferentes. Y además no tienes que tratar con otros actores, lo cual es fantástico. Eres solamente tú. Eres el protagonista del espectáculo, sin importar lo pequeño que sea tu papel”.

De regreso en el papel de la seductora luchadora Víbora, Lucy Liu se sintió más que encantada de que el proyecto se encaminara

hacia una segunda parte. Liu explica: “Mi experiencia con la primera fue increíble. Y luego, enterarme de que estaban haciendo la segunda fue aún más emocionante, sobre todo por las reacciones de los chavales que conozco a los que había encantado la primera.

Cuando vieron la primera película, muchos de ellos no sabían que yo interpretaba a Víbora, porque algunos son más pequeños y no me asocian muy bien con mi voz.

Pero una vez que asumieron ese concepto y averiguaron que era yo, ¡me sentí como la presidenta de los Estados Unidos! De repente, me convertí en una especie de VIP, e inmediatamente empezaron a animarme a hacer una secuela, mucho antes de que ésta fuera anunciada”.

Cumplidos aparte, la calidad de los dibujos tenía una importancia clave para Liu: “Al ser esta vez en 3D, hay muchas cosas alucinantes en la animación: las peleas de kung fu, los movimientos, los paisajes de China, la arquitectura de la ciudad de Shen. Ver cómo eso se viene realmente hacia ti, esa dimensión añadida, no hace sino reforzar la belleza de la animación y la composición de la imagen”.

El siempre irónico David Cross está contento simplemente de tener un trabajo: “Sí, claro, la primera fue divertida y todo eso. www.cinemascomics.com

Caramba, hasta llegué a pensar que habría una continuación en forma de “Kung Fu Grulla”, porque, vamos a ver, ¿quién iba a tirar su dinero tan duramente ganado para verla? Quiero decir aparte de mis parientes y de los pocos amigos que me quedan.

Pero a medida que van pasando los días de trabajo, es bastante genial. Y Grulla es alucinante, aunque creo que le vendrían bien unas buenas chorradas”.

Como padre de Po, el ganso señor Ping, a James Hong (el veterano actor de carácter con más de 60 años de experiencia interpretativa) le pareció “alucinante” la primera película sin tener en cuenta la biología o la paternidad. Y comenta: “Estaba atónito por todo, por el proceso, la forma en que lo iban montando. No podía creer lo que veía, en el sentido de que al final fue alucinante ‘ver’ mi voz saliendo de Ping. Creo que lo vi por primera vez en la premiere, y al ver a mi voz casando tan bien con el personaje, no supe si el señor Ping era yo o si yo era el señor Ping. Aunque creo que probablemente sea un personaje más profundo que yo. Tiene muchas facetas. Para describirle, yo diría que es un padre soltero, una especie de madre judía y padre chino juntos, ¡si es que se puede imaginar algo así!”

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LA CONTINUACIÓN DEL VIAJE

Incluso con todos los avances tecnológicos, el añadido de una acción depurada y una gran escala, más el impacto visual del 3D, “Kung Fu Panda 2” sigue siendo el periplo de un soñador llamado Po.

Jonathan Aibel dice en broma: “La mayoría de nosotros no somos pandas que se van a convertir en maestros de kung fu, pero todos tenemos sueños secretos, y por alguna razón, nos parece que no podemos hacer lo que realmente queremos porque no somos lo bastante buenos. Así que pienso que lo que hace que mucha gente se identifique con la historia es la vulnerabilidad de Po y el hecho de que nunca se rinde (y al final vence)”.

Melissa Cobb continúa: “Y sin embargo, en el fondo Po sigue siendo Po. Es mejor en kung fu, pero sigue siendo un poco bobalicón, y a veces un poco torpe, tiene un enorme apetito y a veces su entusiasmo es mayor que su capacidad. Pero en cualquier situación en la que se meta, el público se identifica con él y simplemente se divierte viendo cómo se desarrolla todo”.

Para la directora Nelson, lo que la lleva de nuevo a la historia de Po es su trayectoria continua y comunitaria con artistas que tienen

su misma mentalidad. Y concluye: “Hemos pasado largos años juntos con el panda, y todos conocemos a los personajes. Conocemos la película y todos somos muy puntillosos para garantizar que la película salga bien. Todo el mundo está sumamente apasionado con ello. Es realmente un placer trabajar con tanta gente que se toma como algo personal el hacer un gran producto. No hay ni que pedírselo, porque ellos dirán: ‘Bueno, en mi opinión esto podría estar mejor, así que voy a seguir trabajando en ello’, incluso aunque no se les haya pedido. Están comprometidos por su honor a hacer que esto salga realmente bien. Y eso es sencillamente maravilloso. Son una gente estupenda, sin grandes egos, y la película es siempre lo primero. Se trata en verdad de la excelencia de las personas y de su contribución a un objetivo común”.

Jack Black añade: “Es una especie de círculo vicioso. Llevo interpretando este personaje desde hace unos cinco años, dándole a los chicos algo con lo que divertirse, y también aprendiendo que lo que se pide es que uno lo dé todo.

No puedes prejuzgar lo bueno que vas a ser haciendo algo, porque puedes derrotarte a ti mismo antes incluso de empezar. Pero tienes que intentarlo”.

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Estrenos

Confuncio

24 de junio

El próximo 24 de junio se estrena Confuncio, película dirigida por la realizadora Hu Mei (Far From War) y protagonizada por Chow Yun-Fat (Tigre y Dragón), Zhou Xun y Chen Jianbin.

TRASFONDO La filosofía conocida como Confucianismo se originó gracias a las prácticas y enseñanzas de un hombre que vivió más de tres siglos antes de que China se convirtiera en un país unificado bajo el mandato del Emperador Qin. Confucio (551-479 A.C.) nació en medio de una aristocracia decadente en el pequeño reino de Lu, un territorio que hoy día forma parte de la Provincia de Shandong. Su reputación como pensador y maestro le permitió ganarse la confianza del gobernante del reino y fue nombrado para ocupar un cargo ministerial en la corte.

Pero sus enemigos políticos y sus www.cinemascomics.com

rivales le obligaron a exiliarse, y pasó muchos de sus últimos años vagando de reino en reino, impartiendo sus enseñanzas y atrayendo discípulos allá donde iba. En una época de brutalidad incontrolada y guerra, enseñó las virtudes de la cortesía, la moralidad, el respeto y la armonía social. Sus seguidores transcribieron sus lecciones, recogidas como The Analects of Confucius (Las Analectas de Confucio), un volumen que ha continuado imprimiéndose durante bastante más de 2000 años. Los registros históricos señalan que Confucio murió decepcionado, pero en sus trabajos se conserva el “Periodo de Primavera y Otoño” en el que vivió y en el que se hizo eco a través de las distintas dinastías para llegar a convertirse en los mismísimos cimientos de la civilización china. Esta película cuenta la historia de la turbulenta vida y los momentos más conmovedores del mayor sabio y maestro jamás conocido.

RESEÑAS En el siglo VI A.C., China aún era un mosaico de reinos feudales y estados que luchaban entre sí por lograr la supremacía. Kong Qiu (Chow Yun-Fat) nació en el reino de Lu, donde la corte era un mero titular sin potestad y el poder real había sido delegado a los tres clanes locales más poderosos. La reputación de Kong Qiu como pensador social y ético llevó al gobernante de Lu a concederle un cargo ministerial, y él obtuvo algunos logros brillantes a la hora de restaurar el prestigio y la autoridad de la corte. Sus esfuerzos por refrenar las ambiciones de los poderosos clanes también parecieron ser exitosos, pero el ejército de Lu (comandado por el joven general Gongshan Niu) se volvió contra él y el gobernante del reino de Qi utilizó sobornos para volver al gobernante de Lu en contra de su ministro. Kong Qiu fue despojado de su cargo y Cinemascomics │ Junio 2011 │

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condenado al exilio. Envejeció como un peregrino, viajando de reino en reino, acompañado por un séquito de discípulos fieles guiados por Yan Hui. Hizo su primera escala en el reino de Wei, donde rehuyó hábilmente las pretensiones sexuales de Nanzi (Zhou Xun), la concubina del gobernante. Finalmente, cuando los desastres políticos volvieron a amenazar al reino de Lu, fue invitado a regresar al hogar. Pero él accedió a regresar solo en calidad de profesor, y nunca volvió a involucrarse en asuntos políticos…

SINOPSIS : China aún no se ha unificado durante el “Periodo de Primavera y Otoño”. El que se convertirá en un país es todavía un mosaico de reinos feudales y estados que luchan constantemente entre sí por obtener la supremacía y la ventaja territorial.

El reino de Lu es un caso típico:

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el gobernante nominal no tiene autoridad real y el verdadero poder lo ostentan los tres clanes locales más fuertes. El gobernador de Lu, impresionado por los éxitos de Kong Qiu como Alcalde de Zhongdu, invita a éste último a la corte en calidad de consejero de confianza, y le nombra Ministro de Rituales de la corte. Kong Qiu se hace notar de inmediato al refugiar a un esclavo fugitivo que se negaba a ser enterrado con su anterior amo. Pero su éxito le hace ganarse la enemistad del General Gongshan Niu, el líder del ejército de Lu. Kong Qiu cree firmemente que ambos estados y familias deberían gobernarse por consenso, y no a través del miedo. Su propia vida doméstica es un ejemplo a seguir: él es un patriarca benévolo que divide su tiempo entre el trabajo y el estudio de los clásicos. Su

mayor esfuerzo se concentra en editar The Book of Songs (El Libro de las Canciones), una colección de poemas antiguos (un proyecto realmente avanzado gracias a la invención de su esposa de una tinta permanente e indeleble).

En la corte, Kong Qiu demuestra la eficacia de su ética (y su propia brillantez táctica) recuperando el control de Lu sobre las tres ciudades perdidas en la batalla contra el reino de Qi tres décadas antes. Su siguiente paso es volver a poner a los tres poderosos clanes bajo el dominio de Lu ordenándoles demoler los elevados muros de sus fortalezas, símbolos de su arrogante repulsa a doblegarse ante el estado. Esto también parece ser un éxito cuando las estrategias de Kong Qiu evitan un golpe de estado militar. Pero Kong Qiu sucumbe al engaño del gobernante de Qi, que soborna al www.cinemascomics.com

gobernante de Lu para que relegue a su ministro de su cargo y le condene al exilio. Kong Qiu deja afligido a su familia y comienza una nueva vida como maestro errante. Él se siente emocionado y alentado cuando un grupo de discípulos fieles, guiados por Yan Hui, insiste en unirse a él en sus viajes.

Son bien recibidos en el reino de Wei, cuyo débil gobernante espera sacar provecho de las habilidades de Kong Qiu como maestro y como estratega militar. Pero el poder del trono Wei está en manos de Nanzi, la concubina del gobernante, y su intento de seducir a Kong Qiu persuade a éste de que él y sus hombres deben volver a retomar sus peregrinaciones. Visitan los reinos de Song y Cheng, entre otros territorios, y Kong Qiu va envejeciendo de forma inexorable. www.cinemascomics.com

Mientras tanto, el reino de Lu vuelve a encontrarse una vez más amenazado por el reino vecino de Qi. El Ministro Ji-Sun Si pide a su hijo Ji-Sun Fei que busque a Kong Qiu y le invite a volver para ayudarles a defender su tierra natal. Avergonzado, Fei sugiere que primero sea invitado uno de los discípulos de Kong Qiu, el soldado Ran Qiu. Zigong. Uno de los hombres de Fei encuentra a Kong Qiu y a sus discípulos en el reino de Chen, a punto de trasladarse para evadir a un ejército invasor procedente del reino de Wu. Yan Hui persuade a Kong Qiu para que permita a Ran Qiu volver a Lu. Ran Qiu promete hacer llamar a Kong Qiu una vez que los problemas militares inmediatos de Lu se solucionen.

un nuevo hogar. Cuando se rompe el hielo de un lago helado, Yan Hui logra salvar la vasta colección de pergaminos de Kong Qiu de las gélidas aguas, pero muere en el intento. En medio de su aflicción, Kong Qiu recibe el apoyo de una visión de su guía espiritual, Laozi.

Ji-Sun Fei encuentra a Kong Qiu y trae consigo un regalo de su padre moribundo: un anillo de jade que simboliza su vínculo inquebrantable con su tierra natal, Lu. Kong Qiu accede a volver a Lu, pero solo en calidad de maestro, sin implicarse en asuntos políticos.

Es fiel a su trabajo y pasa sus días trabajando en sus pergaminos, editando poemas y redactando las crónicas de la historia.

Llega el invierno y Kong Qiu y sus discípulos sufren grandes adversidades mientras vagan en busca de Cinemascomics │Junio 2011 │ 67

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EL DRAGÓN PEGA FUERTE Por Francisco Nieto Sánchez

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Cinemascomics inicia este mes de junio una sección dedicada al pujante cine oriental en la que a lo largo de los meses iremos informando a nuestros lectores de todo lo concerniente al universo cinematográfico asiático, por desgracia tan desconocido entre nosotros por la poca cantidad de películas que llegan a nuestra americanizada cartelera. Paradójicamente, y esperando que sirva de precedente, en poco más de un mes vamos a poder disfrutar en pantalla de dos producciones provenientes del Lejano Oriente: la china Confucio, dirigida por la realizadora Hu mei y la cinta japonesa de animación Karigurasi no arriety, último de los proyectos de los celebérrimos Studio Ghibli, producida por Hayao Miyazaki.

Aparte de estos títulos, también están próximos a desembarcar en nuestra taquilla dos producciones con capital americano pero con equipo técnico y artístico oriental: Kung Fu Panda 2, producción de dibujos animados de DreamWorks que cuenta con las voces entre otros de Jackie Chan, James Hong y Michelle Yeoh, y la terrorífica Insidious, filmada por el realizador malayo James Wan. En éste y en venideros artículos vamos a acercarnos a estos esperados estrenos, así como a otros films que han alcanzado un éxito notable en su país de origen en lo que llevamos de 2011 y que esperamos ver pronto por aquí, bien sea en algún festival especializado o bien gracias a la audacia de algún distribuidor arriesgado.

Si existe un país que en estos últimos años ha desarrollado un incremento importante en cuanto a su producción cinematográfica, ese es China. Estamos hablando de una verdadera potencia que en muy poco tiempo ha conseguido situarse en lo más avanzado del cine mundial, convirtiéndose en el tercero de los países con mayor producción (más de 200 largometrajes anuales), con conceptos y estilos de producción y dirección www.cinemascomics.com

completamente diferentes, con una gran calidad y una variedad temática y estilística cada vez más internacionales.

Deng Xiaoping, el líder que emprendió las reformas económicas de liberalización de la economía comunista en China, basó su política de apertura al mundo exterior y de intercambio con los países extranjeros sobre el principio de la igualdad y ventajas mutuas.

Si aplicamos estos preceptos al ámbito cultural en general y al cinematográfico en particular, nos hallamos ante una oportunidad única para que los títulos provenientes de la China Continental, Hong Kong y Taiwán tengan una presencia cada vez mayor en los más importantes festivales y, por lo tanto, en nuestras carteleras.

El año pasado, sin ir más lejos, el film que inauguró el festival de Berlín fue Apart Together, de Quan´an Wang, film que describe las complejas relaciones entre

Poster de Shaolin.

Benny Chan, 2011

China Y Taiwán. Pero al gran público europeo y español siempre les han apasionado los relatos chinos de artes marciales y acción, y este 2011 están de enhorabuena. Jackie Chan, después de su llamémosla “gloriosa etapa”

norteamericana, decidió volver definitivamente a rodar en su país y nos regaló títulos tan entretenidos como El reino prohibido o el todavía inédito entre nosotros Little Big Soldier. Este año ha filmado Shaolin, una superproducción plagada de estrellones que, si nada ni nadie lo remedia, arrasará en taquilla. Dirigida por un especialista en el cine de entretenimiento puro y duro como Benny Chan (títulos como New Police Story, Invisible Target o la más reciente City Under Siege así lo avalan), el film es un remake del clásico de las artes marciales de 1978 Shaolin Temple, el film que significó el debut en pantalla de un jovencísimo Jet Li y que está considerado por muchos como uno de los mejores de kung fu de todos los tiempos. La trama nos sitúa en los primeros años de la República China, cuando los señores de la guerra libraban constantes batallas para expandir su poder. Jackie Chan da vida a un cocinero que en principio detesta cualquier actitud violenta, hasta que una serie de acontecimientos le obliguen a mostrarnos algunas de sus aplaudibles coreografías.

Junto a él, encontramos a Andy Lau, uno de los actores chinos más famosos que existen en la actualidad, protagonista de films como Infernal Affairs o La casa de las dagas voladoras. Y por si fuera poco, Chan acaba de finalizar el rodaje de otra película épica (o wuxia, como se conocen este tipo de producciones en China).

Se trata de 1911, que produce y dirige (junto a Zhang Li); donde nos encontramos con un drama histórico ambientado en la revolución de Xinhai, cuando las fuerzas de Sun Yat-Sen derrocaron a la dinastía Ming en 1912 y por la cual se estableció la República China. Y con esta serán nada más y nada menos que 100 las películas protagonizadas por el bueno de Jackie, uno de los grandes que merecía destacar con letras de oro en nuestro primer artículo. En este mismo género, no podemos Cinemascomics │Junio 2011 │

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Chon Yun-Fat es Confuncio. Hu Mei.

olvidar el que sin duda es el wuxia más espectacular desde Tigre y dragón: Reign of Assassins, última superproducción dirigida por John Woo (Cara a cara, Acantilado Rojo). Reign of Assassins tiene todos los elementos que conforman la base de una sólida película de artes marciales, con cantidad de escenas de swordsplay, personajes con motivaciones oscuras y un objeto que será del deseo de todos, y además supone el regreso a la gran pantalla de Michelle Yeoh, quien ya nos cautivara en films como el referido Tigre y dragón, de Ang Lee o Memorias

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de una geisha. Y todavía algunos títulos más que vienen a demostrar el buen momento de forma que están viviendo los relatos de corte épico en el cine chino: The Butcher, the Chef and the Swordsman, un wuxia impetuoso y original donde se mezclan la cocina y las artes marciales a partes iguales y en el que tiene cabida desde el humor grueso de las producciones de Stephen Chow hasta el estilo visual de Wong Kar-wai (en el Festival de Toronto ya tuvieron la oportunidad de disfrutar de este peculiar híbrido con resultados desopilantes, donde las pa-

yasadas, las batallas sangrientas y los cortesanos lujuriosos prometen diversión a raudales; The Lost Bladesman, nuevo proyecto de artes marciales de Donnie Yen basada en la vida del general Guan Yu, a quien da vida el propio Donnie, quien también se ha encargado en esta ocasión de dirigir las coreografías de las escenas de acción y Let the Bullets Fly, auténtico acontecimiento cinematográfico de 2011 del que ya se han comprado los derechos para realizar una versión hollywoodiense. Este western cargado de rifles, pistolas, espadas, caballos, persecuciones y encima interpretado por Chow Yun-Fat tiene todos los números para arrasar en los festivales especializados en los que se proyecte. Al mismo Chow Yun-Fat tendremos la oportunidad de verle a partir del próximo 17 de junio en nuestras pantallas en la piel de Confucio, biopic del filósofo y creador del confucionismo y una de las figuras más influyentes de la historia china. El film tendrá su preestreno en Barcelona durante la celebración de la primera edición del CAFW (Casa Asia Film Week) certamen especializado en cine asiático que viene a sustituir al desaparecido BAFF (Barcelona Asian Film Festival). La directora del film, Hu Mei, también estará presente para presentar el film a la audiencia. Pero como no sólo de films históricos vive el cine chino, también hay que mencionar que últimamente algunos realizadores, actores y actrices de los más cotizados se han decantado por participar en proyectos que oscilan entre lo que se conoce como “dramedia” y el romanticismo más edulcorado. Así, Johnnie To, conocido principalmente por sus películas de tríadas y gangsters, se colocó en lo más alto de la taquilla china en febrero con la historia de un triángulo amoroso interpretado por Louis Koo (The Road Less Travelled), Daniel Wu (Hot Summer Days) y Yuanyuan Gao (In Love We Trust).

Otro caso claro es el de las guapíwww.cinemascomics.com

simas Zhang Ziyi, protagonista de la muy lacrimógena Love for Life, y Shu Qi, que hace lo propio en A Biutiful Life.

El film de animación más exitoso en China en lo que llevamos de año, aunque parezca mentira, tiene acento español. Little Big Panda es el título de este film donde un oso panda es rechazado por los de su especie a causa de sus ideas extravagantes, y que ha sido producido en parte por la empresa de Cerdanyola del Vallés Acció!, especializada en producir películas de animación en dos y tres dimensiones. En cuanto al género de terror y fantástico se refiere, este 2011 es el año del regreso de los espeluznantes hermanos Pang, quienes hace unos años asombraron y aterraron a la platea con The Eye. Su nuevo film, The Detective 2, no es de sus propuestas más extremas, aunque los sustos están garantizados. Una de las sorpresas en lo que llevamos de año ha sido la irrupción de una película erótica en 3D, Sex and Zen: Extreme Ecstasy, donde se expone sin rubor www.cinemascomics.com

lo nunca visto: el primer orgasmo en tres dimensiones. Al público de la China continental, emulando a aquellos españolitos de a pie que cruzaron la frontera para poder ver películas de destape en Perpignan, no les ha quedado más remedio que emigrar en masa a la isla de Hong Kong, ya que en el resto del territorio el film ha sido terminantemente prohibido. Por último, directores consagrados como Chen Kaige y Zhang Yimou también han estrenado película este año. Si del segundo nos llegó el mes pasado la comedia de título kilométrico Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos, remake de Sangre fácil, de los hermanos Coen, el primero aún tiene por estrenar Sacrifice, film basado en un relato clásico, El huérfano de Zhao, que narra la historia de un huérfano que vengará la muerte de su familia. Y esto sólo en lo concerniente a lo que se lleva estrenado por ahora, porque para lo que resta de año ya se han anunciado otros títulos que dejarán boquiabiertos a todos los seguidores del cine asiático en general y del chino en particular:

Punished, un thriller psicológico que cuenta con la producción de Johnnie To y el protagonismo de Anthony Wong; The Founding of a Party, superproducción que narra el nacimiento del partido comunista chino; la esperadísima The Monkey King, que promete ser la película definitiva sobre la figura de El rey mono, juntando a un elenco de vértigo: Donnie Yen, Cecilia Cheung, Aaron Kwook…; The 13 Women of Nanjing, drama bélico que supone una nueva propuesta de Zhang Yimou con Christian Bale en la piel de un sacerdote cristiano que ayudará a gran cantidad de chinos a escapar de la muerte, y The Grand Master, nuevo acercamiento a la figura del maestro de artes marciales Ip Man llevado a cabo en esta ocasión nada más y nada menos que por Wong Kar Wai (Deseando amar, 2046).

Como se puede apreciar, todo un festín de buen cine con aromas exóticos del que iremos dando cumplida cuenta en próximos artículos.

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criticas

X-men: Primera clase

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Por Gustavo Martín

Fantástico. Comics / EEUU / 2011 / 131 minutos / 20th Century Fox Director: Matthew Vaughn. Actores: James McAvoy, Michael Fassbender, Kevin Bacon, January Jones, Jason Flemyng, Rose Byrne, Oliver Platt, Jennifer Lawrence, Nicholas Hoult, Álex González, Lucas Till, Zoë Kravitz, James Remar, Matt Craven, Rade Serbedzija. Guión: Jane Goldman, Ashley Miller, Jamie Moss, Josh Schwartz, Zack Stentz. Música: Henry Jackman.

“X-Men: Primera generación”, es una película de ciencia ficción basada en los comics de los X-men, que sirve como precuela de la saga. Ha sido dirigida por Matthew Vaughn, el guión es de Jane Goldman. Jamie Moss y Bryan Singer, y los artistas principales son James McAvoy como Charles Xavier, Michael Fassbender como Erik Lensherr (Magneto), Kevin Bacon como Sebastian Shaw, y Jennifer Lawrence como Raven Darkholme (Mystica).

La historia comienza en la época de la segunda guerra mundial donde dos niños les toca vivir momentos muy distintos. Por un lado Charles Xavier es un niño rico que vive en una mansión y disfruta de la vida, mientras que Erik Lensherr es un niño judío que sobrevive en un campo de concentración Nazi. Los dos tienen en común

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que tienen ciertas capacidades especiales, debido a que sus genética, ya que han sufrido mutaciones.

Sus caminos se cruzan en los años 60 cuando luchan contra un enemigo común, Sebastian Shaw, un antiguo nazi que intenta provocar la guerra nuclear entre EEUU y la URRS. Los dos entablan una profunda amistad y se dedican a buscar y acoger a jóvenes mutantes, con el fin de educarlos y entrenarlos para colaborar con el gobierno, cooperando con la CIA. X-men: Primera Generación es una superproducción repleta de efectos especiales y de acción, ambientada en los años 60.

La historia tiene una buena línea argumental y da a conocer el origen de los X-men, sirviendo de precuela a las anteriores películas, y dando a conocer el origen

de los dos grandes rivales, que en un principio fueron amigos; Charles Xavier y Magneto. A medida que avanza la historia se van conociendo más personajes y se va abriendo el camino a mas historias sobre los orígenes, y el porque acaban separándose y a favor de Charles Xavier o Magneto.

La película es muy entretenida aunque puede que tenga menos acción que en otras entregas. Al ocurrir los hechos en una época más antigua se muestra una tecnología menos espectacular que en el resto de películas, y parece faltar ese toque sorprendente de la maquinaria e instrumentos que acompañan a los X-Men. De todos modos vale la pena verla, sobre todo para los fans de los X-Men. Del 1 al 10 le ponemos de nota un 7. www.cinemascomics.com

Hanna

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Por Gustavo Martín

Fantástico. Thriller / Acción / EEUU/ 2011 / 111 minutos / Coproducción EEUU-Reino Unido-Alemania / Focus Features Director: Joe Wright. Actores: Saoirse Ronan, Eric Bana, Cate Blanchett, Tom Hollander, Olivia Williams, Jason Flemyng, Álvaro Cervantes, Marc Soto. Guión: David Farr, Seth Lochhead, Joe Penhall, Joe Wright. Música: The Chemical Brothers.

Hanna es un thriller creado entre EEUU, Reino Unido y Alemania, del director Joe Wright, realizador inglés de “Orgullo y prejuicio” o “Expiación”, que nos sorprende con una cinta de acción. El film está protagonizada por Saoirse Ronan (Lovely Bones), Cate Blanchett (El señor de los anillos), y Eric Bana (Hulk de Ang Lee).

La historia comienza en una cabaña aislada en la montaña de Finlandia, donde se oculta Erik Heller (Eric Bana) y su hija de unos14 años, Hanna (Saoirse Ronan). Erik somete a un duro entrenamiento a Hanna, con el fin de que en el futuro, cuando regresen a la civilización, logren sobrevivir a la persecución de la agente corrupta de la CIA Marissa Wiegler (Cate Blanchett), que intenta darles caza desde que Hanna tiene 2 años. www.cinemascomics.com

Cuando Hanna decide regresar a la civilización, sus caminos se separan y comienza una huida por varios países como Marruecos y España, con destino a un pueblecito de Alemania, donde quedan en encontrarse. Ella comienza a descubrir como es el mundo, que desconocía; oye por primera vez la música, descubre cómo funciona la electricidad, o que se siente al oír música. Pero pronto le hará falta echar mano de su duro entrenamiento en artes marciales ya que agentes corruptos de la CIA van tras su pista.

Hanna es una película entretenida con bastante acción y con una historia que engancha, aunque no sea muy original. Carece de grandes efectos especiales de una Superproducción, aunque eso le da más naturalidad.

La trama transcurre en diversos escenarios que van surgiendo a medida que Hanna viaja hacia su destino, desde montes helados y cubiertos de nieve, a desiertos de arena, y a ciudades modernas de España o Alemania, lo que da un amplio abanico de paisajes diferentes que cambian completamente de un momento a otro.

Esto ayuda a ser cómplice de Hanna que va descubriendo como es el mundo, lleno de colores, sonidos, y sensaciones, que hasta ahora desconocía. Y esto se consigue en una película de acción, con bastantes secuencias de lucha, y con una coreografía bien preparada, con pocos efectos especiales, pero llevada a cabo cuidando hasta lo mas mínimos detalles.

De 1 a 10 le damos de nota un 7.

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Insidious

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Por Carlos Gallego

Terror / EEUU / 2010 / 102 minutos / Alliance Films / Blumhouse Productions Director: James Wan. Actores: Patrick Wilson, Rose Byrne, Ty Simpkins, Barbara Hershey, Andrew Astor, Lin Shaye, Leigh Whannell, Angus Sampson. Guión: James Wan, Leigh Whannell. Música: Joseph Bishara.

En Insidious, Josh (Patrick Wilson) y Renai (Rose Byrne) han formado una familia feliz con sus tres pequeños hijos. Después de que uno de sus hijos sufra un terrible accidente y quede sumido en un coma, Josh y Renai empiezan a sufrir experiencias que la ciencia no es capaz de explicar.

La película tiene dos actos muy claros, un primer acto muy bueno, en el que el realizador James Wan cambia de registro, dejando a un lado la sangre y las vísceras a las que nos tiene acostumbrados en SAW, y da una vuelta de tuerca al género de las casas encantadas, o más bien al de posesiones, creando un film donde el terror psico-

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lógico toma el mando y juega con el espectador dejándolo con una gran tensión y algunos momentos de sustos muy buenos. La cosa cambia en el segundo acto en el que termina bajando esa tensión de los primeros compases del film, cayendo en los típicos clichés, recurriendo al grupo de expertos en sucesos paranormales y médium, y mostrándonos unos fantasmas que por su mala caracterización, más bien parece que estemos ante una atracción de casa del terror de feria que ante un film de miedo, para acabar naufragando la película en un mar de dudas.

aunque habría que destacar a la actriz Rose Byrne, que es quién más lleva el peso de la historia y la que más sustos recibe. En definitiva una película entretenida pero no imprescindible. Del 1 al 10 le damos un 5,5.

Sintiéndolo mucho nos reafirma en la creencia cada vez más generalizada de que SAW no fue más que una afortunada casualidad.

En cuanto a la interpretación de sus protagonistas es correcta, www.cinemascomics.com

Piratas del caribe: En mareas misteriosas

Por Carlos Gallego

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Aventuras / USA / 2011 / 141 minutos / Walt Disney Pictures / Jerry Bruckheimer Films Director: Rob Marshall. Reparto:Johnny Depp, Geoffrey Rush, Penélope Cruz, Ian McShane, Sam Claflin, Kevin R. McNally, Astrid Berges-Frisbey, Óscar Jaenada, Robbie Kay, Keith Richards, Judi Dench. Guión: Ted Elliott, Terry Rossio. Música: Hans Zimmer.

Decepcionante cuarta entrega de la saga Piratas del Caribe, que en esta ocasión se han inspirado en la gran novela de Tim Powers “En Costas extrañas”, principalmente porque se han limitado al igual que con las adaptaciones de comics a coger los elementos principales de la historia, la búsqueda de la fuente de la juventud, Barbanegra, los elementos del vudú, los zombis y hacer una historia completamente distinta, con la introducción de Sparrow es algo asumido, pero al margen de si han sido fieles o no a la novela, ha resultado ser la entrega más floja de la saga, aunque entretenida, le falta el ritmo y la acción de las www.cinemascomics.com

anteriores y que si se salva de la quema total es por la interpretación de Johnny Depp; está claro que el cine palomitero no es el tipo de películas para un director como Rob Marshall que cuenta en su curriculum con dos musicales y se hecha de menos el buen hacer de Verbinsky (esperemos que vuelva en la quinta). El guión es horrible y chirría la introducción de la historia de amor al estilo “La sirenita”, el poco jugo que le sacan a la competición a tres bandas de la búsqueda de la fuente de la juventud (toda una vida buscándola Ponce de León, y aquí todo el mundo sabe como encontrarla) o el poco partido que le

han sacado al personaje del temible Barbanegra al igual que otros elementos de los que no os hablo por no destripar el argumento, si al final llega aparecer Ponce de León en la fuente, estaríamos hablando de la versión Piratas del Caribe de Indiana Jones y la Última Cruzada, con eso creo que lo digo todo.

En definitiva una nueva entrega de las aventuras del Capitán Jack Sparrow que no hace justicia a la saga ni a la novela en la que se han inspirado, y que está entretenida sin más. Del 1 al 10 le damos un 5.

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YA DISPONIBLE EN DVD Y BLU-RAY 2D y 3D

¡Concurso Cinemascomics!

Con motivo del lanzamiento en DVD / Blu-Ray 2D - 3D, el pasado 7 de junio de The Green Hornet, os traemos un nuevo concurso en el que Sorteamos 5 Blu-ray de la película protagonizada por Seth Rogen y Christoph Walt.

Para participar tan solo tenéis que responder a la siguiente pregunta antes del 5 de julio a concursoscinemascomics@gmail.com, e indicar en el asunto concurso The Green Hornet.

¿Cómo se llama el coche que conducen Green Hornet y su compañero Kato?

Sony Pictures Home Entertainment lanzó en Bluray y DVD el pasado 7 de junio The Green Hornet, una comedia de acción e increíbles efectos especiales basada en un cómic sobre superhéroes.

En esta ocasión, además de la edición normal del Blu-ray en 2D, saldrá a la venta en formato 3D; una novedosa e inédita forma de disfrutar de un modo más real el cine en tu casa. La película está protagonizada por Seth Rogen (Superfumados), la estrella del pop asiático Jay Chou (La Maldición de la Flor Dorada), Tom Wilkinson (Michael Clayton), Christoph Waltz (ganador del Oscar® al Mejor Actor Secundario por Malditos Bastardos en 2009) y Cameron Diaz (próximamente en Bad Teacher). Está dirigida por Michel Gondry (ganador del Oscar al Mejor Guión Original por Olvídate de Mi! compartido con Charlie Kaufman y Pierre Bismuth en 2004).

The Green Hornet es un film sobre superhéroes para los más adictos al cine, que ha estado pegando fuerte durante todo el invierno en las mejores salas. Ahora, los fans de la acción podrán captar la auténtica excitación que supone ver este tipo de películas con el Blu-ray 3D, Blu-ray y DVD, incluyendo imágenes y sonido realmente llamativos, además de las escenas con la última y más avanzada tecnología actual.

El exclusivo formato Blu-ray 3D de este film lleva un guión gráfico animado que es parte crucial a la hora de preparar planos y escenas importantes de una película de acción como esta. Además, incluye escenas donde se puede ver la comparación

entre la animación original y la final que se ve en el Blu-ray 3D. Todo esto se ha hecho para mejorar y poder aventajarse del resto de formatos a la hora de disfrutar del cine en casa.

CONTENIDOS EXTRA DEL DVD / BLU-RAY -

“Alucinante” - Tomas Falsas.

Comentarios con los realizadores.

Black Beauty: Renace un coche genial.

El guión de The Green Hornet

EXCLUSIVAMENTE PARA BLU-RAY -

Escenas eliminadas.

Sala de montaje de The Green Hornet Confía en mi: El director Michel Gondry.

Buscando a Kato La familia de dobles Armstrong.

El arte de la destrucción.

Funciones movieIQ+sync y BD Live.

Cl谩sicos del Terror

n e s u a h y r r a o l H e y d a r R o d a e r c e l l E b i s o imp Pin贸s o r d e PorP

R

ay Harryhausen nació el 29 de Junio de 1920 en Los Ángeles, California, aunque él siempre afirmaba haber sido alumbrado realmente cuando presenció en el cine la portentosa obra cinematográfica King Kong (Ernst B. Schoedsack, Merian C. Cooper, 1933); aquel mismo día se juramentó seguir la estela trazada por dicha obra. Obsesionado con el género fantástico, no dejó de asistir a ninguno de los estrenos de cine de terror, aventuras o fantasía, mientras leía todos los cómics y novelas de misterio y ciencia-ficción que caían en sus manos. El joven Harryhausen no dudó en matricularse en la prestigiosa escuela de Cinematografía de la Universidad del Sur de California, adquiriendo amplios conocimientos en fotografía, escultura y dirección artística, mientras experimentaba de modo amateur en el garage de su casa.

The Puppetoons, los míticos cortometrajes de animación, le dieron la primera oportunidad de demostrar cuánta habilidad poseía a principios de los años cuarenta.

Destacó notablemente en su realización al tiempo que lograba el doble hito histórico de inaugurar la animación tridimensional en los EE.UU. mientras competía con el monopolio de Walt Disney.

Tras la Segunda Guerra Mundial, se atrevió a producir sus propios cortometrajes de animación con muñecos articulados. El currículo labrado por Harryhausen dará sus frutos poco tiempo después, cuando reciba la llamada de colaboración del mítico Willis O´Brien, a la sazón encargado de los efectos especiales de su adorada King Kong. Y para mayor entusiasmo de nuestro protagonista, será en una singular secuela del grandioso Rey Kong donde deberá confirmar el talento que parece atesorar; El Gran Gorila (Mighty Joe Young, Ernst B. Schoedsack, 1949), de menor valor y presupuesto que la mítica película Universal, pero suficiente para demostrar los méritos del joven Harryhausen en el ámbito del largometraje. La pelí-

cula obtuvo el Premio de la Academia a los mejores Efectos Especiales de ese año.

A partir de entonces, Ray Harryhausen se centró en la Ciencia Ficción y las Aventuras Fantásticas, aunque donde destacaría especialmente fue en la recreación del universo mitológico griego y en la fastuosidad de Las Mil y Una Noches. Su segundo largometraje fue El Monstruo de tiempos remotos (The Beast from 20,000 Fathoms, Eugène Lourié, 1953), en la que un Rhedosaurio –un monstruo antediluviano inventado por Ray Harryhausen y bautizado con las iniciales de su nombre- se despierta de su hibernación en el Ártico a causa de unas pruebas atómicas y regresa a su tierra natal, que resulta ser la ciudad de Nueva York. En este filme Harryhausen utilizó la técnica llamada Dynamation, mediante la que se proyecta la imagen real filmada con los actores sobre una pantalla pequeña en la que se inserta el material del monstruo rodado con la técnica de stop-motion. Ambos materiales se combinan posteriormente, pudiendo insertar las grabaciones fantásticas en entornos reales.

El Rhedosaurio poseía un esqueleto metálico, una musculatura de goma y una cubierta de látex, moldeada a partir de las escamas de un cocodrilo.

De la unión con el productor Charles Schneer resultó It Came from Beneath the Sea (Robert Gordon, 1955), inicialmente planeada en Tres Dimensiones, pero finalmente rodada en blanco y negro según el método tradicional. En este filme, un pulpo gigante decide atacar la ciudad de San Francisco, ensañándose con su mítico puente, el Golden Gate. Los ajustes presupuestarios redujeron los ocho tentáculos reglamentarios del gigantesco monstruo a seis, mientras que la oposición del alcalde de San Francisco al rodaje de una película en la que su emblemático puente fuese pasto de la destrucción, obligó a filmar prácticamente de incógnito las

El Monstruo del Espacio Exterior (Twenty Million Miles to Earth, Nathan Juran, 1957)

imágenes reales en los exteriores de la ciudad.

La relación laboral entre Schneer y Harryhausen fue sumamente satisfactoria, quedando sellada a lo largo de tres décadas. Entonces vinieron La Tierra contra los Platillos Volantes (Earth versus the Flying Saucers, Fred Sears, 1956), en la que se versionaba La Guerra de los Mundos, del escritor H.G.Wells y El Monstruo del Espacio Exterior (Twenty Million Miles to Earth, Nathan Juran, 1957), en la que una nave terrícola regresa de su exploración a Venus con un huevo que alberga a un ser de dicho planeta, el cual se transformará en un gigantesco monstruo al contactar con la atmósfera terrestre. Como la nave se había estrellado en el mar Mediterráneo, la criatura sembrará el caos en Italia, siendo abatida finalmente en el Coliseo Romano. Para este filme contó con una nueva película de la marca Kodak, de menor grano, lo cual resultaba esencial a la hora de combinar las imágenes de los monstruos con la filmación real. Debido al tipo de película anterior, había que evitar repetir el rodaje de escenas con miniaturas, pues el ojo del espectador percibía la diferencia de grano

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al compararlas con las tomas de imagen real. Eso obligaba a Harryhausen a tener mucho cuidado a la hora de desarrollar el material protagonizado por las criaturas; sin embargo el nuevo tipo de película le permitió trabajar con más tranquilidad, si cometía un fallo podía remediarlo y filmar de nuevo, sabiendo que el público no iba a notar la diferencia de textura.

Al mismo tiempo, dejó su característico sello en cortometrajes y documentales como The Animal World (Irwin Allen, 1957), donde se intentaban mezclar las teorías evolucionistas de Charles Darwin con los postulados creacionistas de la Biblia. La confusa obra está dividida en episodios, Harryhausen participó junto a su idolatrado Willis O´brien en la recreación del período de los dinosaurios, aunque finalmente participó en la realización de efectos para otros episodios. Es uno de sus trabajos menos conocidos, pero no por ello menos interesante.

En 1958 se estrenó la primera entrega de su trilogía sobre Simbad el Marino: Simbad y la Princesa (The Seventh Voyage of Sinbad, Nathan Juran); la cual insufló re-

novados aires en el género sobre fantasía oriental, consiguiendo una delicia para el entretenimiento a pesar de su ingenuidad y su guión, inspirado fundamentalmente en leyendas y cuentos europeos en vez de en el orientalismo de Las Mil y Una Noches.

Esta obra contó con la colaboración del excelente fotógrafo Wilkie Cooper y el buen hacer del director Nathan Juran, que había aprendido a las órdenes de John Ford. Además supuso el tránsito de Harryhausen hacia el color, y el inicio de la colaboración con el músico Bernard Herrman, cuyas envolventes partituras añadieron a las criaturas unos aires tan misteriosos como siniestros, reforzando su malignidad.

En 1959, se desmarcó de su siguiente proyecto –el cual había concebido y ultimado con ilusiónsin dar demasiadas explicaciones, y que finalmente fue llevado a cabo por Nathan Juran con el título Jack the Giant Killer.

Los Viajes de Gulliver (The Three Worlds of Gulliver, Jack Sher, 1960), fue una producción británica que permitió a Harryhausen ensayarse con un sistema de filmación patentado por la producwww.cinemascomics.com

tora Rank, en el que se sustituía la clásica pantalla azul utilizada en el rodaje de los actores reales, para permitir su inserción con los planos fantásticos por otra iluminada por luces de vapor de sodio, gracias a la cual se eliminaba el peculiar contorno que surgía en las figuras humanas cuando se las confrontaba con las criaturas de los efectos especiales, logrando además una imagen más nítida y mayor realismo en los trucajes. La técnica del stop-motion apenas se utilizó en este filme, basando los efectos en los ángulos de cámara y la composición de los materiales para crear la ilusión del tamaño de Lemuel Gulliver según el país al que viajaba.

La Isla Misteriosa (Mysterious Island, Cy Enfield, 1961) fue consecuencia directa del éxito de Disney de llevar a la pantalla la obra de Julio Verne 20.000 leguas de Viaje Submarino con el mismo título y dirigida en 1954 por Ri-

chard Fleischer; así que se pusieron los ojos en otra obra del visionario escritor francés, en la que unos prisioneros confederados escapan en globo yendo a parar a una isla habitada por animales gigantes como abejas y cangrejos resultantes de los experimentos del capitán Nemo. La pretensión inicial de Harryhausen de que fueran criaturas prehistóricas fue finalmente rechazada, empleándose animales contemporáneos, salvo un pájaro prehistórico incapacitado para el vuelo: el Phororharcho. No alcanzó el éxito de la obra de Disney ni el de Simbad y la Princesa.

En 1963 llegó a los cines una de las creaciones capitales de Ray Harryhausen, y que al mismo tiempo puede ser catalogada como obra de referencia dentro del género fantástico y de aventuras en general y de la mitología griega en particular: Jasón y los Argonautas (Jason and the Argo-

nauts, Don Chaffey, 1963). A partir del libro de Apolonio de Rodas, el señor Harryhausen hizo llegar al gran público los mitos griegos, sorteando la baja calidad de los Peplums que tanto abundaban en aquellos años. Convirtió en imágenes inolvidables e imperecederos iconos del Séptimo Arte al gigante redivivo Talos, al ejército de esqueletos, la hidra multi-céfala o a Poseidón abriendo paso a la nave Argos. El combate con los esqueletos resultó sumamente complicado, y su rodaje precisó cuatro meses de arduo trabajo. La maqueta de la hidra medía un metro, fue una de las más grandes de la carrera de Harryhausen, y lograr el movimiento sincronizado de todas sus cabezas fue extenuante. La frescura y el dinamismo de esta obra, así como el cuidado de su puesta en escena y el detalle minucioso con que fueron creados las criaturas y realizados los Efectos Especiales, la han convertido en una obra pa-

Fotograma de Jasón y los Argonautas (Jason and the Argonauts, Don Chaffey, 1963) www.cinemascomics.com

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El Viaje Fantástico de Simbad (The Golden Voyage of Sinbad, Gordon Hessler, 1973

radigmática digna del seguimiento de los estudiosos del cine o de aquellos que pretendan realizar auténtico cine de aventuras.

La Gran Sorpresa fue el espantoso título español para The First Men on the Moon (Nathan Juran, 1964); basado en la obra de H.G.Wells, trató de emular el éxito logrado por El Tiempo en sus manos (The Time Machine, George Pal, 1960), basada asimismo en otra historia del genial escritor británico. En cuanto a la singularidad del rodaje, cabe decir que en ella se modificaba el original literario con un prólogo y un epílogo, se emplearon niños vestidos con trajes de goma para representar a los selenitas y aparecía una oruga gigante, cuya maqueta precisaba un complicado mecanismo interior.

Su buen hacer le llevó a participar en la célebre producción para Hammer Films Hace un millón de años (One Million Years B.C.; Don Chaffey, 1966) en la que las anacrónicas bestias antediluvianas se enfrentaban a unos antepasados humanos poco creíbles. Su ritmo trepidante y las grandes dosis de acción y erotismo hicieron olvidar la poca fidelidad a las teorías evolutivas y científicas, dejando nuevamente el caché del señor Harryhausen por las nubes, y lo-

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grando su reconciliación con las taquillas. Cabe añadir que este largometraje fue un remake de otro con el mismo título de 1940, dirigida por Hal Roach y protagonizada por Vitor Mature.

Su siguiente producción: The Valley of Gwangi (James O´Connelly, 1968), supuso una extravagancia cinematográfica a base de un extraño delirio argumental, donde se mezclaba el Far West con Gorilas gigantes y la imaginería de El Mundo Perdido (The Lost World) de Conan Doyle. Esta rareza filmada sin mucha convicción en las montañas del norte de Madrid, Cuenca –el entorno de la plaza de la catedral sirvió para recrear un pueblecito mexicano- y la Almería de los Spaghetti Westerns nos muestra mad doctors, hechiceros indios y la lucha de un elefante contra un dinosaurio en una plaza de toros. El gran número de efectos especiales hizo que algunos de ellos fueran de menor calidad, además de incidir con exceso en el universo de los dinosaurios, lo cual disgustó al público, que ya se encontraba saturado de ellos a estas alturas. A su fracaso en taquilla contribuyó también la mala promoción y una distribución desafortunada.

Tras este pequeño desastre, Ray Harryhausen volvió a la fantasía

Oriental con una nueva entrega de Simbad el Marino: El Viaje Fantástico de Simbad (The Golden Voyage of Sinbad, Gordon Hessler, 1973), que elevó la calidad de la saga, mezclando de nuevo la cultura musulmana con mitos orientales, fantasías de espada y brujería o la propia Atlántida. La calidad y el diseño de los monstruos fueron excelentes, la banda sonora de Miklos Rosza fue soberbia, y la interpretación de John P. Law como Simbad resultó sumamente convincente.

El gran éxito catapultó a Harryhausen hacia la tercera entrega; Simbad y el ojo del Tigre (Sinbad and the Eye of the Tiger, Sam Wanamaker, 1977), pero resultó decepcionante por su guión flojo y su ritmo atónico, además de contar con unas interpretaciones insípidas. Como era de esperar, el público acudió exclusivamente interesado por las criaturas del señor Harryhausen.

Su periplo cinematográfico finalizó al retomar la mitología griega, que tanto adoraba, en Furia de Titanes (Clash of the Titans, Desmond Davis, 1981), la cual contó con un presupuesto notablemente alto para recrear la hermosa leyenda de Perseo y Andrómeda. A pesar de no gozar de tanta calidad argumental como su antecewww.cinemascomics.com

sora en el subgénero Jason y los Argonautas, y haber sido creada de acuerdo a los postulados más comerciales del cine, contó con unas excelentes creaciones monstruosas como Medusa, el caballo alado Pegaso, Caronte el barquero, el malvado Kalibos o el titán surgido de los mares (renombrado como Kraken en el filme), que resultaron inolvidables para los amantes del género.

Las películas de Harryhausen poseen su inconfundible sello, tanto en la creación artística como en la producción, y un extraño aire naif, que nos deja perplejos por su singular verismo. Sin ser un director ni un guionista, participó activamente en ambos campos a la hora de plasmar sus ideas.

Insistió en insertar lo fantástico dentro de la realidad, saltándose todas las reglas biológicas y temporales, lo cual nunca restó interés a sus obras. El sacrificio de las fuentes culturales originales tampoco debe ofendernos; por un lado nos conduce al disfrute del espectáculo y por otro nos abre una vía para que profundicemos en la mitología y las leyendas gracias a los libros en los que Harryhausen buscó las referencias.

Las fantásticas criaturas, creadas a base de materiales plásticos fácilmente deformables, y cuyo movimiento se rodaba con extremada paciencia fotograma a fotograma según el sistema de stop-motion, poseen personalidad propia a pesar de que muchas de ellas fueron construidas a base de retazos extraídos de otros seres.

Este sistema de rodaje obligaba a realizar 24 fotografías para completar un segundo. Los excelentes trucajes ópticos las agrandaban hasta el tamaño adecuado y las hacían interaccionar milimétricamente con los personajes de carne y hueso, que lógicamente habían sido filmados aparte. Este artesanal trabajo requería tanta paciencia como habilidad. Harryhausen insistió en la apariencia onírica de sus creaciones debido a su personal convicción de que en caso de presentar fantasías demasiado reales, se mataba su www.cinemascomics.com

Harryhausen trabajando en el Kraken de “Furia de Titanes”

encanto; y tal vez porque sabía que el hiper-realismo demandado cada vez más por el público se encontraba alejado de sus posibilidades técnicas, las cuales resultaban claramente artesanales, y sin ningún genero de dudas, más cercanas a la serie B.

Finalmente los efectos especiales que inundaron el cine de los ochenta –cuyos precursor más claro y notable fue La Guerra de las Galaxias (Star Wars, George Lucas, 1977)- con unas dosis de sofisticación impresionantes, y ligados a la electrónica de manera indisoluble, hicieron mella en la artesanal labor de Harryhausen, por lo que renunció a los proyectos que había sobre su mesa tras

Furia de Titanes. Sus incondicionales se quedaron sin ver las nuevas entregas de Simbad que había planeado, su versión de Conan, el bárbaro de cómic ideado por Robert Howard, una incursión en el mundo del Abominable Hombre de las Nieves, así como su adaptación de La Divina Comedia y La Odisea.

El entusiasmo que Harryhausen puso en sus creaciones no debe ser juzgado con los ojos del adulto serio y circunspecto, sino con los del adulto que nunca dejó de ser niño, capaz de creer en la culminación de lo imposible.

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Cine de los 80

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Ahora que cada vez suenan más fuertes los rumores de un remake de esta película, creo que es buen momento de repasarla antes de que nos la puedan estropear (o no, quién sabe).

Su director es George Miller, un australiano que por aquel entonces (estamos en el año 79), ejercía de médico. Su gran pasión por el cine le hizo embarcarse en este proyecto con la ayuda de su amigo Byron Kennedy. Prácticamente autofinanciándose, logró sacar adelante este proyecto con un presupuesto mínimo de 350.000 dólares y en tan solo dos semanas.

Para el protagonista principal se buscaba a un actor a la altura del personaje. Mel Gibson se presentó al casting tras una noche de pelea en un bar, por lo que, con los rastros de esta en la cara, no consiguió de primeras el papel principal, pero sí uno secundario. Fue en una segunda reunión, y con una cara y aspecto recompuesto, donde vieron que Gibson tenía que ser Max. La película nos sitúa en un futuro post apocalíptico donde el caos se ha adueñado del planeta y donde tan solo unos cuantos policías intentan poner orden en las autopistas. Max es el mejor de estos patrulleros y consigue cazar al líder de un grupo de vándalos motorizados. Por supuesto, la banda jura venganza, y es cuando peor lo va a pasar Max, que tiene que ver cómo desaparece su familia.

Max decide tomarse la venganza por su mano y emprende una persecución mortal de los pandilleros.

de antemano). Los coches son reutilizados y repintados, incluso Miller, tuvo que utilizar su furgoneta para la película. En cuanto al vestuario, tan solo Gibson lleva prendas de verdadera piel; el resto del casting lleva imitaciones de polipiel.

La película desprende ese tufillo setentero y ochentero que tanto me gusta, pero es que además, supuso un salto de calidad en las películas de este género y catapultó a Gibson al estrellato de Hollywood. La acción, y sobre todo las persecuciones, están rodadas con nervio y resultan altamente entretenidas. Todo el elenco actoral eran unos completos desconocidos fuera de Australia, tanto que incluso doblaron las voces de todos los actores para su estreno en las salas americanas y que el marcado acento australiano no tirara para atrás al espectador americano. Por supuesto, cumplen muy bien su papel y están a la altura de la película.

Aunque el rodaje durara tan solo dos semanas, la película sufrió varios percances. Uno de los más graves fue la muerte de uno de los especialistas del film. Esta escena esta integrada en el resultado final de la película.

Hasta hace bien poco, el film tenía el record de ser la película que mejor ha aprovechado su presupuesto, pues recaudó más de 100 millones de dólares. Este éxito permitió a Miller y Gibson realizar dos secuelas más, que también tuvieron éxito y contaron ya con un presupuesto más abultado. Sobre todo la tercera entrega, titulada Mad Max: Más allá de la Cúpula del Trueno, donde incluso se contó con Tina Turner para uno de los papeles protagonistas.

Y así estamos, a la espera del nuevo remake, o cuarta entrega (aún no tengo claro qué es lo que al final va ser la película). Por lo menos, el director de este nuevo film va ser el mismo que el de las tres anteriores, es decir, George Miller, por lo que es de esperar que no se desvíe del espíritu de Mad Max, al que tan buen provecho supo sacarle en los 80.

Buen momento, como he comentado al principio del artículo, de volver a ver esta película ya de culto, y de ver cómo se las ingeniaban por aquella época para hacer, casi sin presupuesto, una película creíble y entretenida.

Por Sergio Reina

La película, a pesar de contar con un ajustado presupuesto, tiene una gran puesta en escena. Los escenarios se limitan al desierto australiano y el atrezzo es muy aprovechado, aunque esta característica pasa prácticamente inadvertida (a no ser que lo sepas www.cinemascomics.com

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Especial series

N É I B M A T S O LOS VAMPIR S A N O S R E P N SO adera d r e v e r g n a s a l y d True Bloo

Por Javier Calvo

a

El próximo 26 de junio arranca en USA la cuarta temporada de True Blood, la serie de Alan Ball (A dos metros bajo tierra) que ha contribuido de manera decisiva a alimentar la fiebre vampírica del mercado audiovisual reciente. Una noticia que millones de fans han acogido con enorme alborozo y cuya espera, de seguro, les ha puesto los colmillos tan largos como sus seductores protagonistas.

Si hace unos meses comentábamos en esta misma revista las vicisitudes de la muy teen Crónicas vampíricas, ahora le ha llegado el turno a la serie que podríamos definir como el reverso oscuro de aquélla; la versión cachonda, sangrienta y extralimitada de los romances entre humanos y vampiros; un espectáculo, en definitiva, preparado para convertir en adictos a miles de espectadores: True Blood.

El próximo 26 de junio la cadena HBO comenzará la emisión de su cuarta temporada en Estados Unidos, un estreno que ha venido precedido por una fuerte campaña de promoción y que ha ido desvelando, con cuentagotas, imágenes de los nuevos y esperadísimos episodios. Durante su existencia, True Blood se ha labrado una enorme comunidad de fanáticos, algo que su creador, Alan Ball, no había conseguido con su anterior producto, la soberbia A dos metros bajo tierra, a pesar de que ésta se convirtiera automáticamente en una serie de culto. Si la historia de la funeraria Fisher transformó a Ball en un Autor con mayúsculas para una extensa minoría, True Blood lo ha lanzado al gran público y ha descubierto que hasta los grandes artistas tienen derecho a explotar sus apetencias más terrenales.

En efecto, True Blood es una serie de vampiros, pero a la vez, es mucho más que eso. Basada en las novelas de la saga The Southern Vampire Mysteries, escrita por Charlaine Harris, la historia se enmarca en un momento –ficticio, por lógica- de la historia reciente en que los vampiros que pueblan el planeta entre las sombras del anonimato deciden hacer pública su condición y mostrar su identidad, reclamando la igualdad total en derechos civiles con respecto a sus compatriotas humanos. Sobre este telón narrativo transcurre el relato de Sookie Stackhouse, interpretada por Anna Paquin, que ya había testeado el terreno de lo fantástico en la saga X-Men o en el film español Darkness, de Jaume Balagueró. Sookie es una joven camarera del sureño pueblo de Bon Temps, Luisiana, que cae rendida a los pies de Bill Compton (Stephen Moyer), un atractivo vampiro recién llegado al lugar.

De este modo, la serie combina las diatribas de la comunidad vampírica en su devenir social con las particularidades del romance de sus protagonistas, sumamente polémico por tratarse de un enlace interracial.

A medida que entran en juego los otros miembros del reparto, True Blood deja de ser una simple serie de vampiros, y se descubre que los hijos de la noche no son los únicos seres sobrenaturales (ni los más peligrosos) de la sociedad. Hombres lobo, semidioses griegos, seres que mutan su apariencia física y, lo que parece ser la gran apuesta de la nueva temporada, brujas (¡brujas!) conviven en pequeñas comunidades dentro del universo fantástico de True Blood para complicar aún más la existencia de Sookie y sus cercanos. Todo ello sin olvidar, por supuesto, que la propia camarera posee poderes telepáticos y una naturaleza hu-

mana de dudosa solidez…

El resultado es una mezcla de géneros que combina el suspense con la acción, pasando por los líos de cama, el terror, la lucha social o, en ocasiones, el cine erótico.

Un cocktail que, como decimos, ha generado algunas de las mejores audiencias de HBO gracias, en buena medida, a su escasa contención.

Sangre y carnaza La serie, que comenzó a emitirse en septiembre de 2008, ha sido destacada por su libertino tratamiento de la violencia y la sexualidad, especialmente entre humanos y vampiros. En True Blood, los vampiros son personajes misteriosos, oscuros, organizados en instituciones civiles que buscan el reconocimiento social puesto que se han visto relegados a un marginal segundo plano durante toda su existencia. Pero también son seres enormemente apetecibles, seductores y, por lo general, dotados de un físico extraordina-

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rio que, cosas de su sobrenatural esencia, parece generar una fuente de placer incomparable con los límites sexuales humanos. En definitiva, lo peligroso y lo prohibido siempre resultan más atractivos que lo legalmente permitido.

Es cierto que, en comparación con sus otras producciones, Alan Ball parece haberse decidido aquí por un producto más relajado y polémico. Frente a la trascendencia y la gravedad (también revolucionaria, pero de otro modo) de A dos metros bajo tierra, que exploraba los grandes temas universales –vida, muerte, felicidad-, True Blood desprende un tono de alocada despreocupación plagado de escenas de cama y sangre. No es difícil imaginar el interés de su creador por haberse centrado en un producto concebido, más bien, como un divertimento, una obra totalmente libre y dispuesta a explotar los deseos (sobre)naturales. Al fin y al cabo, los deseos son mucho más sinceros con la naturaleza humana que la racionali-

dad y el puritanismo.

La carnalidad de los individuos fantásticos toma forma en un triángulo amoroso en el que, a la pareja protagonista, se suma la interferencia de Eric Northam (Alexander Skarsgard), máxima autoridad vampírica en el área que incluye a Bon Temps –los vampiros tienen sus propias demarcaciones territoriales y una estructura política muy particular-.

Estos tres personajes son sólo la punta de lanza de toda una coral de corporeidades que la cámara retrata con evidente delectación, y que ha desatado la euforia de los aficionados, tan alegres por las escenas de acción como por los sugestivos físicos que las llevan a cabo.

Ataúdes, armarios y dobles lecturas Sin embargo, no debemos contemplar True Blood como una serie sin fundamento, puesto que Alan Ball no ha desaprovechado la oportunidad de construir un relato cargado con sus particulares obsewww.cinemascomics.com

siones. La barrera que establece lo fantástico, supuestamente más alejado de la realidad, le permite tratar determinadas cuestiones de manera más directa y abierta.

Por eso, a día de hoy, True Blood es la gran serie que habla sobre el concepto de “diferencia” con mayor implicación.

Para empezar, el retrato que efectúa de la comunidad de vampiros tiene un evidente paralelismo con los grandes movimientos por la lucha de los derechos sociales que surgieron a partir de los 70 destinados a la aceptación de la homosexualidad. Muchos detalles hacen un guiño expreso a esta situación: se habla de “la gran revelación” como el momento en que los no-muertos decidieron salir a la luz pública (abandonando sus ataúdes del mismo modo en que se “sale del armario”), se debate sobre las uniones sentimentales entre las dos especies (incluso desde un marco legal) y hasta se perciben las relaciones sexuales con vampiros como un posible foco de enfermedad, tal y como se concibió públicamente a la homosexualidad durante el boom

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del sida de los 80. En la serie de Ball (homosexual declarado), los vampiros hacen gala, además, de una notable apertura en su orientación afectiva, encontrando en muchos de ellos comportamientos gays y lésbicos. Incluso su sexualidad evidente y despreocupada supone, para muchos ciudadanos, una ofensa a los principios éticos de la patria americana.

Por otro lado, el conflicto que los vampiros encuentran para ser admitidos en sociedad hunde sus raíces en la xenofobia generada a partir de los movimientos raciales, tal y como ocurriera con las comunidades afroamericanas de EE UU. Existe, incluso, una organización contraria a su aceptación, la Hermandad de la Luz (gran protagonista de la segunda temporada) que remite inevitablemente al Ku Klux Klan, por estética y por doctrina. No es baladí que la serie esté ambientada en un poblacho sureño de la América profunda, donde sus habitantes mantienen los prejuicios morales sobre todos aquellos que resultan “diferentes” a ellos, tanto por color de piel (en este caso, iró-

nicamente, mucho más blanca, y no más negra) como por identidad sexual.

En este sentido, merece la pena destacar la soberbia cabecera del programa. Concebidos como una pieza audiovisual con sentido propio, los créditos de inicio exhiben un abanico de imágenes del EE UU menos glamuroso, aquel que se encuentra enclavado en los agrestes parajes del sur, entre banjos, pantanos, zarigüeyas y casetas de madera, y que remite a las estrictas creencias religiosas de sus habitantes rednecks: incluso se juega con la intertextualidad más irónica cuando aparece una pancarta con el lema “God hate fags” (Dios odia a los maricas), típica proclama de los estadounidenses más conservadores, transmutada hábilmente en “God hate fangs” (Dios odia a los colmillos).

True Blood habla de un prototipo de sociedad en el que la convivencia puede resultar posible. El título de la serie hace referencia a un elemento de la propia trama que permite este modelo social híbrido: una bebida de sangre

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sintética inventada por científicos japoneses que posibilita la supervivencia de los vampiros sin que éstos se vean obligados a extraerla de víctimas humanas. Sin embargo, existen detractores por parte de ambos bandos: tanto aquellos ciudadanos humanos que se ven horrorizados por la perspectiva de compartir sus instituciones con seres inmortales como los vampiros que entienden que su raza es naturalmente superior y se niegan a “doblegarse” a la comunidad humana (¿alguien dijo X-Men?).

Marca de la casa Mientras los conflictos sociales resuenan de fondo, los personajes de True Blood se dedican a sobrevivir en medio de un caos de razas fantásticas, pactos ocultos, deseos incontrolados y mucha tensión. Cada capítulo está cargado de suspense, y su final deja siempre un elemento de la trama abierto para que el espectador muera por ver el siguiente. La na-

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rrativa hace uso de una celeridad poco habitual, de modo que en cada episodio suceden multitud de acontecimientos y se desarrollan numerosas líneas argumentales (los misteriosos asesinatos que asolan Bon Temps, las rencillas entre vampiros y hombres-lobo, las diatribas sentimentales de sus habitantes, etc.). En buena medida, estas subtramas se sostienen gracias a personajes sólidos y bien construidos, cargados de contradicciones –mención especial a la tremenda Tara, la amiga afroamericana de Sookie que mientras defiende la liberación de su raza se opone enérgicamente a la integración con vampiros-, algo que ya se ha revelado como la especialidad de Ball.

La trama de True Blood se ha completado últimamente con la aparición de una serie de cómics, publicados por IDW Publishing, que desarrollan argumentos paralelos a la serie y utilizan a los personajes centrales del programa.

Hasta el momento hay seis nú-

meros en el mercado, dibujados por el italiano David Messina, que ya se había encargado de ilustrar otras adaptaciones televisivas como Ángel o Star Trek. Además, la serie ha generado un sinfín de productos de merchandising como tazas, camisetas, sudaderas, llaveros, y hasta la propia bebida True Blood, comercializada con sabores frutales menos indigestos que los grupos sanguíneos de la historia original.

Pequeñas delicatessen, en suma, para los aficionados que, durante este próximo mes, continuarán saciando su sed con los capítulos de la nueva temporada. Una espera que se les ha hecho tan larga como la inmortalidad de sus (anti) héroes pero que resiste, indemne, al gran bocado final.

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Por Gerard Fossas

El viaje iniciático del héroe: De Smallville a Metrópolis.

El pasado 13 de mayo la serie Smallville culminó su andadura de 10 años en televisión con el final más esperado por los fans: Clark Kent (Tom Welling) se enfundaba las mallas azules y la capa roja para surcar el cielo de Metrópolis por primera vez, convirtiéndose así en el héroe que estaba destinado a ser: Superman. Por otro lado, Zack Snyder está ultimando la preproducción de Man of Steel, la que será la sexta incursión del superhéroe por antonomasia al cine, y que en palabras del propio director “ofrecerá una cara de Superman que no se ha visto hasta ahora”. Smallville y Man of Steel son dos formas de acercarse a un mismo personaje, a uno que en teoría no necesita presentación, pero que tras tantos años de cambios, evolución y reinterpretaciones, sigue siendo un tesoro por descubrir. Por esto, en las siguientes líneas, analizaremos el Superman que nos ha dejado Smallville y el Superman que nos puede ofrecer Man of Steel.

Clark Kent y Lex Luthor: Abel y Caín.

Smallville ha sido una plataforma de aproximación a la génesis de Superman como no se había visto hasta ahora; una suerte de Año Uno de diez años de longevidad.

Esta serie, a diferencia de otras, es la crónica de un final anunciado con el deber y el objetivo de aglutinar, actualizar y redefinir de algún modo toda la mitología de Superman y de sus orígenes.

El órdago de fans deseosos de ver cómo un chaval de pueblo se convertía en el mayor protector de la Humanidad ha sido suficiente aliciente para darle tanta longevidad a la serie y materializar esta oportunidad única de ver crecer, casi a tiempo real, al personaje y al actor que lo interpreta. Una continuidad que sólo se podía lograr con el formato serie.

Visto en perspectiva, incluso resultan apetecibles las primeras temporadas de avance lento, con

una trama minimizada en las que el mayor interés era ver cómo Clark Kent hacía malabarismos para luchar contra los mutantes surgidos por la radiación de la kryptonita sin ser descubierto por sus seres queridos, Lana Lang (Kristin Kreuk, el romance adolescente de Clark ) – Lois Lane (Erica Durance) aparece en la cuarta temporada con un papel muy secundario y no es hasta la octava que inicia un romance con Clark –, y su amigo Lex Luthor (Michael Rossenbaum) al frente.

De hecho, la amistad acérrima entre Clark y Lex es la verdadera atracción de las cuatro primeras temporadas. Su relación se va deteriorando progresivamente debido al triángulo amoroso que protagonizan con Lana, pero so-

bretodo por las mentiras obligadas de Clark a su amigo con un lado maléfico latente de herencia familiar que Michael Rossenbaum sabe reflejar excepcionalmente con una presencia a la vez afable y amenazante, trufada con un punto de melancolía.

El fracaso de la relación amistosa, casi fraternal, entre Clark y Lex es, a la vez, la historia del mayor fracaso de Clark como hombre intachable de valores impolutos (Lex es el único que llega a odiarle) y del triunfo del lado oscuro de su condición humana. La ruptura del ying y el yang que culmina en la génesis del superhéroe más grande y de su enemigo más temible, que comparten origen e historia, pero recorren caminos opuestos destinados a encontrarse.

niano con el inicio de su relación con el padre perdido, Jor-El, al que ve como un mentor cruel que no entiende como él las virtudes del ser humano.

Jonathan y Martha Kent son los padres terrícolas de Kal-El y su papel en las historietas de Superman ha ido variando con los años.

Durante la Edad de Oro del cómic, ambos eran unos secundarios testimoniales que justificaban los valores excelsos que había adquirido Clark durante su educación juvenil. Fue durante la Edad de Plata, en los años 60, cuando los padres de Superman adquirieron peso específico como soporte moral del superhéroe durante sus aventuras adolescentes, sobre todo en las series de Superboy y en la irrupción de los multiversos de DC, en los que los padres adoptivos de Clark eran personajes importantes de Tierra-2. Incluso John Byrne, en la miniserie Man of Steel, presentaba a Jonathan y Martha Kent vivos durante la edad adulta de Superman.

Annete O’Toole interpreta a Matha Kent en la serie. La actriz curiosamente dio vida a Lana Lang en Superman III de Richard Lester en 1983.

No es estrictamente nueva, pero sí muy interesante la relación entre Clark y Lex que se plantea en Smallville, ya que en esta serie comparten nacimiento y bautizo.

La llegada de Clark con la lluvia de meteoritos sobre Smallville provoca la calvicie de Lex, su rasgo físico distintivo, que a la vez representa su bautizo como futuro villano ligado estrechamente a la llegada del héroe. Sin embargo, la historia de Lex no siempre ha ido ligada necesariamente a la de Superman, pues en la mayoría de comics su primer encuentro se produce en la edad adulta de los dos, e incluso muchas veces Lex es bastante mayor que Clark. A día de hoy, sin embargo, el considerado origen canónico de Lex Luthor lo estipula la serie de doce capí-

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tulos Superman: Birthright (20032004) de Mark Waid, y parte de la inspiración de su obra sale precisamente de la serie televisiva que nos ocupa, ya que relata los inicios de la enemistad entre él y Clark, amigos a raíz de su infancia compartida en Smallville, cuando éste deviene Superman y empieza a frustrar sus malvados planes cuando ambos tienen 20 años.

El viaje iniciático: la muerte de Jonathan Kent.

Sin duda, el punto de inflexión en el devenir de Superman es la muerte de su padre, Jonathan Kent. Ocurre en un momento culminante, cuando Clark está en pleno proceso de descubrimiento y aceptación de su lado krypto-

Smallville sigue una trama más convencional y Jonathan muere en el capítulo 100 (5x12). Su muerte, sin embargo, no es de un ataque al corazón ni por enfermedad, sino de una forma acorde con su condición de personaje capital de la serie hasta el momento. Jonathan Kent sacrifica su vida aceptando un poder que su cuerpo no puede soportar en un acto heroico que sirve para proteger a su hijo y, de algún modo, darle el relevo a Jor-El (el padre biológico que Clark no acepta) en lo que respecta a la educación de su hijo. En este punto es cuando Clark empieza a cambiar Smallville por Metrópolis, cuando Martha también empieza a perder protagonismo y cuando empieza a convertirse el hombre que debe afrontar solo su viaje iniciático, conformado por las pruebas que le pone Jor-El y por los enemigos cada vez más peligrosos que van apareciendo. La superación de todos estos obstáculos será lo que le llevará a convertirse en Superman. www.cinemascomics.com

Los enemigos atacan.

Pese a que Smallville se centra en Clark Kent antes de convertirse en Superman, los creadores de Smallville, Alfred Gough y Miles Millar, no se han ahorrado ningún as en la manga y han puesto a todos los enemigos de Superman en el camino del aspirante a serlo.

Lex Luthor y su padre Lionel son los primeros rivales fuertes con los que el joven Clark tiene que lidiar, aunque ambos van alternando sus papeles como rivales y aliados de Kent en sus aventuras.

La muerte de Lex al final de la séptima temporada, que no responde a otro motivo que al agotamiento del actor, introduce a Tess Mercer (Cassidy Freeman) en la historia, una versión femenina de Luthor que jamás apareció en la mitología de Superman y que en la serie tiene la misión de suplir a Lex, aunque finalmente el personaje termina funcionando mucho mejor en un rol de aliada de Clark.

Ya de otra índole son villanos como Zod (Callum Blue), Brainiac (James Masters) y Doomsday (Sam Witwer), rivales de naturaleza

alienígena que pueden luchar de poder a poder contra un Clark que todavía no sabe volar. Brainiac, un ordenador antropomorfo de naturaleza kryptoniana, es especialmente molesto y aparece asiduamente durante la serie para poner en apuros al protagonista, aunque al final es vencido y reconstruido para servir a La Legión en el futuro.

Zod, por su parte, es el gran rival de Superman. Natural de Kandor y general del ejército de Krytpon, aparece en varias ocasiones para acabar con el hijo de Jor-El y someter a la raza humana. Tanto en los comics como en la serie, Zod aparece en distintas formas. La primera de ellas es como un espectro fugado de la Zona Fantasma en la que fue encerrado por Jor-El y cuya mente se introduce en el cuerpo de Lex Luthor gracias a Brainiac. No obstante, la figura de Zod en persona (aunque más tarde descubriremos que es un clon) aparece en Smallville en la novena temporada, cuando Tess abre un portal que lo lleva a la Tierra junto con todo su ejército de kandorianos, incluida Ursa, su fiel compañera villana que en

Smallville juega un papel muy secundario como personaje al que no le gustan las maneras de Zod y que termina ayudando a Clark.

La trama de esta novena temporada introduce una nueva variante que no siempre ha estado presente en las series de Superman. Se trata del punto débil del sol rojo, ya que bajo su luz Clark pierde los poderes en favor de los kandorianos. Este hándicap lo introdujo John Byrne en 1986, cuando después de cientos de historietas, Superman se había convertido en un Dios indestructible con unos poderes desmesurados.

Byrne estableció límites a su poder, como la falta de resistencia a un impacto nuclear o a la luz de un sol rojo, el color de la estrella que alimentaba Krypton y cuya influencia hacía desaparecer los poderes de Kal-El en la Tierra. A lo largo de los años, la teoría sobre la fuente de los poderes de Superman ha ido sufriendo variaciones. Unos decían que eran debido a que en Krypton la gravedad era mucho mayor; otros que Superman se alimentaba de la energía del sol amarillo, y en Smallville el punto intermedio es que la luz solar amarilla da ener-

El general Zod en unos momentos de la serie. Interpretado por Callum Blue. www.cinemascomics.com

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gía a Superman, mientras que la del sol rojo se la quita en favor de los kandorianos.

El otro gran villano con el que Clark tiene que lidiar antes de tiempo es Doomsday. Los orígenes de éste son tan variados como historietas protagoniza, en muchas rivalizando incluso con Linterna Verde en vez de hacerlo con el Hombre de Acero, aunque su momento estelar es cuando logra asesinar a Superman en La Muerte de Superman (1992). La versión de Smallville habla de un monstruo latente en un terrícola hijo de Zod y Faora, que fue engendrado y modificado para que se revelara como el destructor definitivo (de aquí el nombre de Doomsday, Juicio Final en español). En el combate cuerpo a cuerpo, es sin duda el rival más temible con el que se enfrenta Clark, y el duelo contra él al final de la octava temporada de Smallville supone un cambio radical en la personalidad de Clark: por un lado acepta su cruzada continuada contra el mal, incorpora y reivindica su naturaleza kryptoniana y accede a liderar un equipo de vigilantes para proteger el mundo. Aunque no todo sale bien...

ción entre Clark y Chloe, a la que Clark responde reflejando por primera vez su sentimiento de culpa en su indumentaria y tomándose su cruzada contra el mal de una forma obsesiva. En la temporada nueve, vemos a Clark con un traje negro, una gabardina que recuerda a una capa y, por primera vez, luciendo la S de su familia grabada en el pecho. Como propina reivindicatoria, deja la marca de la S allí donde actúa como si de el Zorro se tratara, dejando una imagen de marca que entre sus actos heroicos y los artículos de Lois Lane sobre el héroe misterioso, le hace llegar a ser conocido como el Borrón (the Blur), debido a que

cuando corre lo único que se ve es una mancha de color , y a abrir el debate sobre si los vigilantes son héroes o villanos, que será uno de los leitmotivs de la serie durante sus dos temporadas finales.

En esta novena temporada, la más oscura de todas, vemos a Clark dar un paso de gigante hacia la figura de Superman. Su evolución meteórica gira en torno a su relación con Lois Lane, a la que acaba confesando su secreto, y a la formación definitiva de la Liga de la Justicia. Otros héroes habían aparecido en forma de cameos en episodios anteriores pero sólo Oliver Queen/Flecha Verde (Justin Hartley) tuvo continuidad en la

El héroe oscuro: el Borrón.

En la novena temporada, la de Clark contra Zod, la serie toma un giro importante. El combate contra Doomsday acabó con la muerte de Jimmy Olsen (Aaron Ashmore), secundario habitual de Superman como fotógrafo inocentón del Daily Planet. En Smallville aparece en un rol más protagonista, hasta llega a conocer el secreto de Clark y está a punto de casarse con Chloe Sullivan (Allison Mack), la mejor amiga de Clark en la serie y otro personaje inventado exclusivamente para Smallville (aunque después de su aparición, DC Comics compró los derechos del personaje y la incluyó en algunas historietas a partir de 2003).

Como decía, la muerte de Jimmy provoca una fractura en la rela-

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serie. No obstante, es en un especial de 2 episodios (9x11 y 9x12), titulados “Justice League”, donde aparece una versión descafeinada de la Liga de vigilantes que lidera Superman, sin Flash, Wonder Woman, Batman ni Linterna Verde; pero con otros ilustres como Hawkman y esa suerte de Capitán Marvel llamada Doctor Fate (Doctor Destino). La formación de este equipo corona a Clark como líder de los superhombres, con las responsabilidades que esto conlleva.

Por otra parte, y a pesar de sus avances, la muerte de Jimmy sigue pesando sobre la conciencia del protagonista, y la oscuridad que reside en el corazón dañado de Clark va contagiando al mundo a pesar suyo. No obstante, empieza a ver la luz gracias a la asunción de su rol como salvador de la humanidad y a la consumación de su relación amorosa con Lois Lane, cuyo apoyo moral será clave en la madurez definitiva de un Clark que ha dejado de ser un chico desorientado para convertirse en un hombre adulto y prácticamente listo para afrontar su destino. Sin embargo, la agitación social y la incertidumbre en torno a las intenciones de los vigilantes llenan de pesimismo a la www.cinemascomics.com

sociedad, que abre su alma a la oscuridad y atrae un poder maligno que será la última prueba para Clark Kent.

Superman ve la luz.

La décima temporada de ������ Smallville encara la recta final de la génesis de Superman puliendo un Clark Kent que todavía tiene que descubrir quién es realmente para ocupar el lugar que le corresponde en el mundo. Para ello, debe ganarse dos elementos simbólicos que sin duda son los que más definen a Superman: el traje y el vuelo. La capacidad de volar es inherente en todos los krytponianos que pisan la Tierra, excepto en Kal-El. En la serie, el vuelo adopta la dimensión simbólica de la liberación, pues es el último paso que Clark tiene que dar para deshacerse de las cadenas que lo ligan a la Tierra y no le permiten alzarse sobre el resto como el superhéroe definitivo.

La trama de la décima temporada, en lo que a la personalidad de Clark respecta, gira en torno al desarrollo de sus identidades: el humano Clark Kent y el kryptoniano Kal-El. Durante toda la serie, Clark está condicionado por

su relación con los humanos, sobre todo con su padre Jonathan, pero también por su historia de amor/odio con Jor-El. El primer gran paso que da es percatarse de que él realmente es el héroe que esconde su cara al mundo y que su auténtico disfraz es Clark Kent. Por esto, empieza a forjar una personalidad modesta para hacer de Clark un ser invisible y olvidable para sus semejantes, preparando el terreno para darle un rostro al Borrón, que hasta ahora era tan solo una mancha en una fotografía.

El segundo paso es completar su formación particular como superhéroe, y esto pasa por aprender de una vez por todas quién es realmente, de donde viene y en qué se ha convertido tras todas sus aventuras. Clark cree que para ser él mismo debe deshacerse de las ataduras que le unen a sus padres y afrontar solo su destino. No obstante, al final asume su condición de humano y krytponiano a la vez, fundidas en un ser que no es ni una cosa ni la otra, sino algo diferente que puede mostrarse al mundo como el salvador que necesita: Superman. Cuando finalmente alcanza el estado de paz y plenitud consigo mismo, es capaz Cinemascomics │ Junio 2011 │ 97

de levantar el vuelo y es entonces cuando Jor-El le premia con el uniforme de Superman con el que se presentará al mundo a rostro descubierto para inspirar el bien a la Humanidad.

En este sentido, es muy acertada la elección de Darkseid como villano final, más por lo que representa que por el trato que en la serie le dan al personaje en sí. De hecho, el Darkseid de Smallville es más un símbolo que un rival directo inspirado en el personaje de los comics. La trama central de la décima temporada trata sobre una oscuridad que acecha el mundo corrompiendo a los seres humanos (que son marcados con el símbolo Omega, la firma de este villano) y que, una vez que lo domine, producirá la llegada de Darkseid y la destrucción de la Tierra a causa del impacto del planeta Apokolyps (planeta móvil y hogar de Darkseid) contra el nuestro.

La poca fidelidad respecto al personaje creado por Jack Kirby se compensa con el oportunismo del argumento de la décima temporada sobre la irrupción definitiva de Superman, ya que sirve para

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plasmar el éxito de la misión del héroe. Una vez consigue alzar el vuelo, libera a los hombres y mujeres de la oscuridad cuando le ven surcar el cielo de Metrópolis e impedir gracias a su incomparable fuerza que Apokolyps llegue a chocar contra la Tierra. En un final tan épico como poético, Superman ve la luz por primera vez y arroja luz sobre la Humanidad, evitando su extinción y poniendo cara, ojos y cuerpo al hombre que protegería la Tierra desde este momento en adelante.

Prácticamente en segundo plano quedan la vuelta de Lex Luthor (la siempre útil carta de la clonación) e incluso la de Jimmy Olsen (resulta que es el hermano pequeño del fallecido) y la muerte de Tess Mercer, que simplemente responden a unos subterfugios para ligar la serie con la historia de Superman y porque, evidentemente, un héroe no puede existir si no tiene frente a frente el peor de sus enemigos, así que Lex Luthor tenía que volver como fuera.

Man of Steel.

Smallville termina con un epílogo en el que vemos a Clark ya asenta-

do en su papel de reportero patoso que esconde a Superman y está a punto de casarse con Lois Lane.

No obstante, cuando alguien está en peligro hace aquello tan mítico de salir corriendo, desabrocharse la camisa y descubrir la S de Superman en el pecho mientras suena la inolvidable música de John Williams.

Un glorioso final y a la vez un glorioso principio, pero la película Man of Steel que prepara Zack Snyder sobre Superman parece que busca su propio camino para presentar una visión nueva del superhéroe, tal y como decía al principio del artículo. Cuando se supo que Warner Bros estaba preparando un nuevo filme de Superman, se especuló con la posibilidad de que Tom Welling y Michael Rossenbaum dieran el salto a la gran pantalla para retomar sus personajes, pero las intenciones de Christopher Nolan y Zack Snyder van por otro lado.

Man of Steel será una nueva reinterpretación de Superman con un reparto completamente nuevo, conformado por Henry Cavill (Clark Kent/Superman), Amy Adams (Lois Lane), Michael www.cinemascomics.com

Shannon (Zod), Kevin Costner (Jonathan Kent) y Diane Lane (Martha Kent). Se rumorea que Lindsay Lohan podría dar vida a Lana Lang y que Antje Traue sería Ursa, la inseparable acompañante de Zod, pero no están confirmadas para el casting definitivo a pesar de que los personajes parece que sí estarán en la película.

En Man of Steel veremos a Clark Kent en su etapa del Borrón, trabajando de reportero freelance y viajando por el mundo hasta que unos sucesos le empujarán de vuelta a Smallville a averiguar más sobre su condición kryptoniana, descubrir quién es en realidad y convertirse finalmente en Superman. Parte de la acción del principio de la película se sabe que transcurrirá en África, de modo que por relación directa es fácil pensar que la fuente de inspiración de Nolan y Snyder podrían ser los cómics de Superman: Birthright citados anteriormente.

Lo que está por ver es si la película contará con la figura de Lex Luthor, un personaje capital, en teoría, para entender la historia de Clark y la consecución de su transformación en héroe. En Superman: Birthright el villano

es Lex y, sin embargo, sabemos que en la película de Zack Snyder Clark tendrá que lidiar contra el General Zod y, de momento, no se ha anunciado ningún actor de reparto que vaya a dar vida a Lex Luthor. No obstante, no es descartable que aparezca en forma de cameo o como una sugerencia de continuidad en el caso de que Man of Steel vaya a convertirse en el inicio de una nueva saga, algo que de momento está en el aire.

De hecho, la urgencia con la que se está preparando esta película responde a un oportunismo comercial, ya que según el baile histórico de los derechos del personaje, la ley dictamina que si antes de 2011 no se rodara una nueva película sobre Superman, los derechos de reproducción pasarían directamente a ser propiedad de los herederos de Jerry Siegel, uno de sus creadores junto a Joe Shuster, cuya familia renunció a los derechos de propiedad hace algunos años. Todo este intríngulis legislativo se desató cuando la familia de Siegel reclamó beneficios en 2006 por la explotación de Superman, precisamente por la serie Smallville y la película Superman Returns de Bryan Singer.

El juez falló en su contra, pero

también dictaminó esta especie de cláusula de que 2011 era la fecha límite para que la Warner pusiera en marcha otro proyecto si no quería perder los derechos.

Debido al pobre éxito en EEUU de la película de Bryan Singer y en pleno renacer de Batman, Warner Bros y DC Cómics no se han puesto a trabajar en Superman hasta ahora. Que esté Nolan en taras de productor-ideólogo seguramente es más esperanzador que la presencia de Zack Snyder tras las cámaras, pero a pesar de las urgencias evidentes (locos estarían si dejaran escapar los derechos de este personaje) se puede intuir que Man of Steel no será, al menos por intenciones, una película para ir tirando. Parece que se la van a tomar muy en serio, con el objetivo de mantener a Superman en el cine en más películas, ya sea con una nueva saga individual o en un proyecto futuro para competir con Marvel y seducir el público de todo el mundo con la llegada de La Liga de la Justicia a la gran pantalla, aunque para esto habrá que esperar.

Diane Lane (Martha Kent), Henry Cavill (Clark Kent/Superman) y Kevin Costner (Jonathan Kent) www.cinemascomics.com

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Antes de la Primera Generaci贸n: X-Men Animados Por Jose Joaquin Gonzalez Haro

Casi diez años antes de la aparición de los X-Men en las pantallas de cine, este grupo sufrió un boom de popularidad gracias a la serie de animación que el canal de televisión de la FOX empezó a emitir como parte del programa matinal de los sábados: “FOX KIDS” (nombre que luego adoptaría para su canal infantil).

En España pudimos ver esa serie titulada “X-MEN” gracias a Telecinco, y sin duda alguna todos los fans de estos personajes la recordaran como la que quizás es la mejor versión animada que han tenido estos conocidísimos personajes, y muy probablemente una de las mejores series protagonizadas por cualquiera de los personajes que pueblan el universo de la editorial “Marvel Comics”.

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Como sin duda sabréis, esta serie no fue la única que nos mostró a los alumnos de Xavier en formato animado, así que aprovechando el estreno de la nueva película de X-Men que ha dirigido Matthew Vaughn, hemos decidido hacer un repaso a todas las apariciones animadas que “los hijos del átomo” han protagonizado desde que fueron creados en 1963 por Stan Lee y Jack Kirby Año 1966: The Marvel Superheroes La primera aparición en televisión de este particular grupo de superhéroes del universo Marvel se produjo en 1966, tres años después de su creación en formato comic book. Por aquel tiempo en la televisión norteamericana se emitía una serie titulada “The Marvel Superheroes” (serie inédita en Es-

paña) que estaba centrada en los que por entonces eran los principales personajes de la editorial: El Capitán América, Increíble Hulk, Thor, Iron Man y Namor el Príncipe Submarino.

La serie estaba dividida en cinco bloques de trece episodios dedicados a cada uno de estos héroes, y fue en los episodios protagonizados por Namor donde los X-Men dieron el primer salto desde el papel a la televisión en un episodio titulado “Doctor Doom´s Day”. Dicho episodio estaba basado en una historia original de los “Cuatro Fantásticos”, pero debido a que los derechos de explotación televisiva de la primera familia no estaban en poder de la productora canadiense que realizaba la serie se optó por cambiar a los protagonistas originales por Cinemascomics │ Junio 2011 │

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el grupo de mutantes de la escuela de Xavier.

El equipo original formado por Cíclope, Bestia, Jean Grey (Chica Maravillosa), Ángel y el Hombre de Hielo, colaboraron entonces con Namor para desbaratar los planes del Dr. Muerte en un episodio que curiosamente vaticinó la presencia del príncipe submarino como miembro de los X-Men algunos años más tarde, aunque en esta ocasión el nombre del grupo dejó apartada su “X” característica para llamarse “The Allies of Peace” (Los Aliados de la Paz) en un alarde de originalidad que suponemos tuvo también algo que ver con ciertos términos de los derechos de explotación de los personajes.

1981: Spider-Man y sus sorprendentes amigos.

Sin duda alguna, una de las series que con más nostalgia recuerdo de mi infancia. Protagonizada por Spiderman, este show televisivo mostraba al héroe arácnido formando equipo con El Hombre de Hielo y Estrella de Fuego a través de veinticuatro episodios.

La serie fue creada con vistas a que el Hombre Araña hiciera equipo con el Hombre de Hielo y la Antorcha Humana, intentado así crear un equipo que homenajeara a la exitosa serie de comics Marvel Team Up (protagonizada principalmente por Spidey y la Antorcha) y que combinara elementos tan opuestos como el hielo y el fuego, pero se descartó el uso del miembro más joven de los Cuatro Fantásticos y se creó para la ocasión una nueva heroína exclusiva que años más tarde se incorporaría a la continuidad del universo Marvel. Así nació “Estrella de Fuego” (Angélica Jones) y con ella una serie de animación que aunque no tuviera los guiones ni la animación más trabajada del mundo dejó un muy buen sabor de boca a los aficionados.

Durante los mencionados 24 episodios hicieron aparición multitud de personajes, pero en relación a este especial, vamos a destacar los cinco episodios que mostraron de forma bastante fiel a los comics (por compensar todas las demás licencias) a ciertos personajes del universo mutante.

En el episodio “Fuego Solar” haría aparición el mutante japonés que utiliza dicho nombre en un curioso affair con la protagonista flamígera de la serie, mientras que en “El origen del Hombre de Hielo” se hablaría de cómo Bobby Drake había formado parte de la primera alineación de los X-Men junto a Cíclope, la Bestia, El Ángel y La Chica Maravillosa (Jean Grey).

En cuanto a los episodios “El nacimiento de Estrella de Fuego”, “La aventura de los X-Men” y “La educación de un superhéroe” mostrarían de nuevo los lazos entre los protagonistas mutantes de la serie en tres reencuentros con una Patrulla X compuesta por Cíclope, Lobezno, Coloso, Tormenta, Ave de Trueno, Kitty Pride y El Ángel.

Dichos episodios abarcaron diversas tramas, pero solo reseñaremos la aparición del grupo de mutantes y de dos de sus villanos más importantes: Magneto y el Juggernaut.

1989: Pride of the X-Men Desde su aparición en el show de Spiderman y sus increíbles ami-

Spiderman y sus sorprendentes amigos. 1981

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gos, los X-Men se limitaron a los comics, hasta que en 1989 y bajo las órdenes de Stan Lee se produjo un episodio piloto para una nueva serie de animación que finalmente no llego a cuajar.

Dicha serie lucia un estilo ligeramente mejor al del show anteriormente comentado y mostraría a una Patrulla X que lucharía sin cuartel contra la Hermandad de Mutantes Diabólicos creada por Magneto.

Mientras que en el lado de los buenos contábamos con Cíclope, Lobezno, Coloso, Tormenta, Rondador Nocturno, Dazzler y el Profesor Xavier, en el bando opuesto encontrábamos a Magneto, Pyros, La Mole, el Sapo y a Emma Frost, La Reina Blanca.

El episodio piloto duraba 30 minutos y no consiguió convencer a nadie para una serie de televisión, aunque curiosamente gustó bastante a los directivos de la empresa de videojuegos Konami, quienes tras comprar la historia diseñaron la recreativa de los XMen en la que podíamos escoger www.cinemascomics.com

a cualquier miembro del grupo que hemos descrito para arremeter contra hordas de Centinelas a las ordenes de Magneto y que actualmente ha vuelto a la actualidad tras ponerse a la venta para dispositivos con sistemas Apple y Android.

1992 a 1997:X-Men. Como dijimos anteriormente, esta es probablemente la mejor serie de los X-Men de todo este repaso y sin lugar a dudas la que más duró en antena.

En esta ocasión, la Patrulla X escogida coincidía con los comics publicados por aquellas fechas y heredaba además el diseño que el genial Jim Lee imprimió a los personajes en una de las épocas de mayor potencial artístico.

Para los que no la recuerden, comentaros que para la alineación principal estaba compuesta por Cíclope, Lobezno, Tormenta, Bestia, Pícara, Gambito, Jean Grey y Júbilo, quienes a las ordenes de Xavier intentarían cumplir el objetivo de ser aceptados por la Humanidad.

La serie, a pesar de no ser fiel a los comic (no en vano se publicó su propia adaptación en formato papel), mostraba de forma bastante digna a la mayoría de héroes y villanos que componen el universo mutante.

Durante cinco temporadas que sumaron un total de 76 episodios dieron a conocer, siempre con su particular versión, a personajes tan poco conocidos por el público general como Omega Rojo, Apocalipsis, los Morlocks, los Merodeadores o Mr. Siniestro.

Para la memoria quedaran sin duda alguna sus versiones de sagas tan importantes como “Días del Futuro Pasado”, “La saga de Fénix” o “La Noche de los Centinelas”.

1994 a 1998: Spiderman.

La serie protagonizada por Spiderman que se emitió en paralelo con la de los X-Men nos trajo un simpático crossover en el que la misma alineación de la Patrulla X se veía envuelta en una de las crisis de identidad del arácnido héroe, quien en un momento de Cinemascomics │Junio 2011 │

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desesperación por ciertas mutaciones que estaba sufriendo, visitaba la Mansión X en busca de ayuda.

2000 a 2003: X-Men Evolution.

Intentando aprovechar el éxito de la primera película de los XMEN, llegó al mercado televisivo una nueva serie destinada expresamente a un público infantil y preadolescente. X-Men Evolution se mantuvo en antena durante cincuenta y dos episodios a pesar de las fuerte críticas por parte del fandom.

En esta nueva producción emitida originalmente en Cartoon Network, Xavier regenta su escuela con la ayuda de Tormenta y Lobezno como profesores de un grupo de adolescentes que viven sus aventuras en el colegio Bayville. Allí, bajo la supervisión de una siniestra directora que resulta ser Mística, iremos conociendo a distintos mutantes que según sus aptitudes y actitudes serán reclutados para formar parte de los bandos en conflicto: El de Xa-

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vier y el de Magneto.

La serie lucía una animación bastante singular, pero al trasladar a un periodo adolescente a iconos de toda una generación perdieron un pedazo importante de la tarta de las audiencias. Aun así, la serie consiguió repetir el hito que se dio en el show de Spiderman y sus sorprendentes amigos, consiguiendo que “X-23”(un clon femenino de Lobezno) un personaje de creación exclusiva para la serie entrara en la continuidad de las colecciones mutantes.

2008-2009: Lobezno y los X-Men Tras tres películas en grupo y una en solitario, la fama de Lobezno se vio catapultada de tal forma que en este año protagonizaba como líder una nueva serie de los X-Men. Ambientada en un presente en el que Xavier ha desaparecido disolviendo el grupo, esta serie de aspecto similar a X-MEN EVOLUTION establece a Lobezno como líder de una Patrulla X que debe volver

a unirse para evitar un futuro lamentable tanto para los mutantes como para los humanos.

La serie, por la cual desfilan mutantes tan poco vistos en tv como Emma Frost, Forja, Masacre, Mercurio o la Bruja Escarlata fue cancelada tras su primera temporada alegando problemas económicos, y se supone que con la fusión de Marvel con Disney y el reciente éxito de la nueva cinta de los XMen pueda volver a las parrillas televisivas en breve.

2009 hasta hoy : Super Hero Squad Aunque esta serie es más bien un producto menor, destinado para un público excesivamente infantil, no podía faltar en nuestro repaso.

Super Hero Squad nos presenta a la mayoría de personajes del universo Marvel bajo un aspecto aniñado y les sitúa en aventuras intrascendentes donde el mayor aliciente es ver a cuántos personajes serán capaces de presentar en cada episodio.

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A pesar de no ser seguidor ni defensor de la serie, he llegado a comprender que el producto tiene un público muy bien establecido, y si al verla te lo tomas como el producto de entretenimiento y humor que es, es posible que hasta pases un buen rato.

2011 - Marvel Anime: X-Men y Lobezno Llegamos al final de este repaso, y lo hacemos con el fruto de la relación de la productora de animación “MadHouse” (responsable entre otros de las cintas “The Animatrix” y “Batman: Gotham Knight”) con Marvel Comics que este año se planea estrenar dos

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nuevas series en las que por una parte veremos las aventuras en solitario de Lobezno en Japón, y por otro una nueva tanda de historias de X-Men (con Lobezno, off course) ambientadas en Japón y con elementos de colecciones comiqueras como Astonishing XMen. Hasta el momento se ha visto poco de ambas series, pero sin duda, el rasgo más llamativo ha sido el cambio de look que han sufrido la mayoría de los personajes al ser trasladados a un formato anime tan radical.

Las series seguramente gozarán de una animación con un nivel en-

vidiable, pero aún está por ver si el guion está a la altura de las exigencias de un fandom que ve con recelo que sus personajes más queridos pasen por un filtro oriental que provoca tantos cambios.

De momento habrá que esperar a ver qué tal resultan estas dos nuevas series, pero si de algo estoy seguro, es que tras la buena acogida que X-Men Primera Generación está recibiendo, por muy mal que funcionen estas versiones “anime” de la Patrulla X no creo que tardemos mucho en volver a ver a estos atípicos superhéroes en las televisiones de nuestros hogares.

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QUÉ LEER Por Úrsula Karivdis ¡Hola amigos! Para este mes de junio en el que el calor se hace notorio, las terrazas de verano se llenan hasta altas horas y en el que muchos comienzan como yo sus ansiadas vacaciones tumbados bajo la codiciada sombra de una sombrilla de playa decidiendo qué libro de los cuatro planeados te leerás primero, no te puedes perder El baile de los secretos, la primera novela del gaditano Jesús Cañadas publicada por la editorial Grupo Ajec dentro de su colección Excálibur Fantástica. Está ilustrada por Albo López y cuenta con el prólogo de Rafael Marín. En ella se mezcla el misterio, el terror gótico y la fantasía. Aquí os dejo la sinopsis del libro: Algo oscuro se ha desatado sobre la ciudad de Mandressla. Una horda de monstruos recorre las calles amparados en un manto de niebla roja.

Zeppelines vivos sobrevuelan los tejados, arrastrando cementerios ambulantes bajo su sombra.

Un relojero loco ha robado el tiempo y lo ha escondido. Niños ciegos se esconden en la oscuridad bajos sus camas y escuchan las historias que cuentan los muertos. Hombres de ceniza protegen las lágrimas de desamor de la ciudad. Es el fin.

La única esperanza reside en un puñado de desconocidos provenientes de un lugar siniestro y maldito; un lugar llamado Tierra. Sólo ellos pueden ponerle nombre a la enfermedad que devora a Mandressla. Sólo ellos pueden terminar con el baile de los secretos.

Con una temática muy actual y alternando la realidad con la ficción, en esta novela se relata una historia de amor rodeada de escenas viscerales, dolor y mucha sangre. La lectura se hace amena y entretenida. Los personajes del libro, con sus preguntas y respuestas tan rotundas, nos recuerdan en muchos momentos la etapa de nuestra difícil adolescencia y a las entretenidas tardes de juegos de rol acompañados de amigos.

En El Baile de los Secretos se pueden encontrar influencias del cómic de terror, del realismo mágico, de la novela de aventuras y de la novela gótica más tradicional. Las influencias de este trabajo son múltiples, desde Neil Gaiman a Theodore Sturgeon, pasando por García Márquez, Ray Bradbury o Jorge Luis Borges.

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El Baile de los Secretos De Jesús Cañadas Grupo AJEC Colección: Excálibur Fantástica ISBN:9788415156154 Nº Edición:1ª Año de edición:2011 304 páginas│ 17,95 euros

Agradecer a Jesús Cañadas esta maravillosa obra y a la editorial Grupo Ajec la oportunidad que está dando a los jóvenes autores noveles españoles.

Ya saben amigos, este verano llenemos las piscinas y las costas de muchos, pero que muchos bailes secretos…

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WORLD OF WARCRAFT: MÁS ALLÁ DEL PORTAL OSCURO Contiene World of Warcraft: Beyond The Dark Portal TPB USA Autor: Aaron Rosenberg y Christie Golden Novela Formato: 400 págs.

PVP: 12,95 € Editorial Panini ¡Una nueva novela ambientada en el mundo de World of Warcraft! El Portal Oscuro ha sido abierto de nuevo, a causa de las acciones del chamán de la Horda. Sus brutales guerreros se dirigen ahora hacia Azeroth, sometiendo a asedio a la recién construida fortaleza de Nethergarde. Los líderes de la Alianza tendrán que mantener a salvo a la humanidad y a sus aliados de esta nueva invasión.

TRANSFORMERS-EL LADO OSCURO DE LA LUNA. PRECUELA: TORMENTA INMINENTE Guión: John Barber Dibujo: Carlos Magno Contiene Transformers 3: Prequel.

Rising Storm 1-4 USA Formato: 96 págs.

PVP: 8,95 € Editorial Panini ¡El cómic que precede a los eventos de la tercera película de Transformers! Megatrón lleva huyendo desde su derrota a manos de Optimus Prime, narrada en Transformers: La venganza de los caídos. Pero ahora, un nuevo personaje va a entrar en escena, y no planea tomar prisioneros. Filadelfia se convertirá en el nuevo campo de batalla de Autobots y Decepticons. La vida de Sam Witwicky pende de un hilo, y cuando todo haya terminado… ¡Será el momento de que empiece la verdadera guerra!

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SUPERMAN VS MUHAMMAD ALÍ Guión/Dibujo: Dennis O’Neil, Neal Adams Edición original: Superman vs Muhammad Alí USA Formato: Libro cartoné, 96 págs. color.

PVP: 15,95 € Editorial Planeta de Agostini

En 1978, una raza de alienígenas llamada Scrubb llega a nuestro mundo para exigir que el más grande de los luchadores terrestres se enfrente al suyo. Tanto Superman como el mítico púgil Muhammad Alí se presentan como candidatos. Pero antes deberán determinar quién es el mejor.

Para comprobarlo, Superman perderá temporalmente sus superpoderes y luchará como un hombre con Alí en el ring en una batalla sin precedentes. Un título épico donde la realidad y la ficción se fusionan gracias a la magia del cómic.

WEDNESDAY COMICS Guión/Dibujo: VVAA Edición original: Wednesday Comics 1-12, Oversized Hardcover extras USA Precio: 40 € Formato: Libro cartoné, 200 págs. Color.

Editorial Planeta de Agostini

Los mejores creadores de cómic del mundo toman las riendas de los personajes más populares de DC Comics en esta reinvención de la clásica sección semanal. Un espectáculo único en el universo. WEDNESDAY COMICS proporciona una increíble experiencia en formato tabloide para disfrutar en el sofá. leyendo historias llenas de acción, emoción y color.

El título incluye 15 famosas series (tales como Green Lantern, Wonder Woman, The Flash, Plastic Man, Hawkman, Superman o Batman) en un tomo extragrande, perfecto para lectores que buscan una refrescante revisión del cómic tradicional. www.cinemascomics.com

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