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Michelle Maguire & Kelsey McClellan
JIMMY MARBLE un romance visual
Editorial Cualquier persona que trabaje en la industria creativa está consciente de que la crisis actual representa un desafío realmente sin precedentes. Incluso dejando de lado los riesgos para la salud que todos enfrentamos en mayor o menor grado, las consecuencias económicas de la pandemia de Covid-19 ya se están revelando, prometiendo al menos unos meses difíciles. Desde estudiantes cuyos campus han sido cerrados, hasta creativos independientes que están viendo cómo se agotan las comisiones, pasando por directores de estudios de diseño, agencias y negocios creativos que temen por el futuro, esta crisis nos afecta a todos. Durante la semana pasada, ha sido realmente inspirador y alentador ver a la comunidad creativa reunirse, ofreciendo ayuda siempre que sea posible, y asesoramiento y orientación cuando sea necesario. Se necesitarían miles de palabras para enumerar todas las iniciativas que la gente de la comunidad creativa ha estado lanzando. En Tributo, estamos redoblando nuestros esfuerzos para brindarte las historias y el trabajo creativo que todos necesitamos, ahora más que nunca. Manteniéndonos fieles a nuestra misión de defender la creatividad en todas sus formas, continuaremos en los próximos días, semanas y meses para destacar el mejor trabajo creativo que se está haciendo en todo el mundo hoy. Creemos que podemos desempeñar un papel en brindar a nuestros lectores una porción de alegría cada día al continuar celebrando un gran trabajo. Gracias por leer, mantente a salvo .
Contenido
Sofía Sacomani
Cars that float
Delfina Carmona
Jessica Pettway & Sara Schipani
Save our skin
Wardrobe Snacks
Directorio Circe Elena Valencia Rincón DISEÑO EDITORIAL
Jimmy Marble
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SOFÍA SAC OMA N I ARTISTA VISUAL
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onoce a Sofía Sacomani, artista y fotógrafa con base en Londres, recién gradudada del Camberwell College of Arts. Su trabajo yuxtapone fotografía analógica, serigrafía y otros métodos analógicos. A continuación, hablamos con ella sobre lo que hace y los motivos que la animaron a elegir este proceso. Sofía es una artista visual nacida en Argentina que vive en Londres. Se mudó por primera vez a Europa en 2014 y desde entonces la cámara se ha convertido en su mejor amiga. Compró su primera cámara en un mercado durante un verano en Mallorca, iba a ser un regalo para su hermana pequeña y decidió que la usaría hasta que volviera a verla. Todavía tenie la cámara, y también ha visto a su hermana muchas veces desde entonces. Usa fotografía analógica como el primer paso para crear su arte. Su práctica está muy basada en el proceso en sí mismo y trata de probar cosas nuevas fuera de las maneras típicas de entender la percepción a través de la combinación de diferentes procesos creativos. Le interesa comprender el acto de observar y
Su trabajo yuxtapone fotografía analógica, serigrafía y otros métodos analógicos.
cuál es el rol que juega la memoria a la hora de ver y entender el mundo en el que vivimos. Trabaja con métodos analógicos, como disparar en película y la serigrafía. Cree que la fotografía analógica la acerca a la realidad. Además, el proceso de impresión le fascina: para ella es como traer a la vida una idea de mi cabeza y sentir que es ‘su momento’ y que puede compartirlo con otros para que lo interpreten a su propia manera. Abordando la creación de imágenes de una manera lúdica y experimental, su práctica busca constantemente maneras de desdibujar los límites entre la fotografía y otros medios. La curiosidad de Sofía reside en trabajar con técnicas tradicionales de forma aparentemente poco convencional y ver cómo reaccionan en varias superficies. La relación entre el efecto de azar y el error, la imagen y la percepción constituye la base de su investigación. “Mi trabajo se esfuerza por desafiar la comprensión común de la percepción humana, y desempacar y volver a cuestionar lo que significa percibir a través de los ojos de una persona. Me interesa entender el acto de mirar y cuál es el papel de la memoria al ver el mundo que nos rodea. Un esfuerzo por revelar y empujar constantemente nuevas interpretaciones de la imagen a través de la abstracción.”
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En el pasado una mujer para vivir de la fotografía, tenía que esconderse. Hoy en día está encontrando un nuevo lugar en el mundo.
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elfina Carmona nos concedió una entrevista acerca del rol de la mujer en el mundo de la fotografía y los retos y consejos que ella, a través de su experiencia ha adquirido. Descubre el lado más inspirador de la fotografía desde el punto de vista de sus historias y experiencias personales. Delfina es una fotógrafa profesional y directora de arte. Hace varios años que está trabajando en el medio y fue un largo recorrido para poder ir llegando al lugar en el que me encuentro actualmente y está muy contenta con eso. Ella se enamoró de la fotografía cuando era adolescente, luego de estudiar muchas otras cosas relacionadas con el arte como teatro y puesta en escena. Un día tuvo en sus manos una cámara y se dio cuenta que podía plasmar de esa forma todo lo que sentía, todos sus estados y pensamientos de una manera muy sincera y orgánica y eso fue todo, fue el comienzo y la búsqueda constante. ¿Cómo es la vida de la mujer en el mundo de la fotografía? Por suerte no estamos en el mismo punto que estuvimos (no hace mucho) tiempo atrás, para Delfina, estamos ganando/recuperando los espacios que nos corresponden por derecho. En el pasado una mujer para vivir de la fotografía, al igual que en muchas otras disciplinas, tenía que esconderse bajo seudónimos masculinos. Hoy en día se están abriendo los espacios que corresponden, la mujer está encontrando un nuevo lugar en el mundo. Hoy en día se están abriendo los espacios que corresponden, la mujer está encontrando un nuevo lugar en el mundo. Le pedimos a Delfina que nos compartiera algún reto o desafío notable que haya experimentado cuando todavía estabas empezando y que nos platicara un poco sobre los retos de aquél entonces comparados con los de ahora. “Los desafíos en los comienzos siempre son los mismos me parece en la cabeza de cualquier artista. Hoy en día creo que los retos son los mismos, quizás se suman otras cuestiones de índole profesional específicas. Y en cuanto a lo creativo intentar estar siempre activa, no encasillarme, generar constantemente
Anna Atkins, Pionera de la fotografía
nuevas obras. El sexo y el género no deben ser la base del lugar de una persona en el arte y la fotografía.” Finalmete le pedimos que nos diera algún consejo para aquellas niñas y mujeres que todavía están comenzando en el mundo de la fotografía. “Mi consejo para cualquier niña o mujer que está comenzando es que pueda ser siempre sincera consigo misma. Que aprenda a amarse y a valorarse, a querer realmente su lado creativo
personal, a escucharse internamente y ser fiel a lo que sea que empiece a latir en su interior. Que no se deje doblegar por nada ni nadie, que nunca deje que alguien le diga que no puede hacer algo. Que la búsqueda siempre es individual y personal, más allá de la influencia colectiva, hay que aprender a estar en soledad, dejarse fluir, aprender a amar el error, las pequeñas derrotas, hacerse fuerte, volver a comenzar. La magia existe pero hay que alimentarla.”
El mundo de la fotografía ha conocido a grandes a lo largo de la historia, sin embargo, como en muchas otras áreas, las mujeres tuvieron un camino más difícil que el de sus contrapartes masculinas para obtener reconocimiento por su talento con la cámara; pero en la actualidad se acepta que el trabajo de muchas mujeres ha marcado una diferencia en este arte. Destacar la historia de la fotografía hecha por mujeres no es fácil, ya que hay muchas artistas de talento innegable, pero en esta ocasión te presentaremos a una mujer de las más importantes en la historia de la fotografía. Una botánica inglesa nacida en 1799, fue quién abrió el mundo de la fotografía al sexo femenino. Atkins utilizó junto con Constance Talbot una pequeña cámara de madera a la que le decían “la ratonera”. Anna pasó a la historia al ser la primera mujer en publicar un trabajo científico usando la fotografía. En 1843, Atkins publicó la primera obra fotógrafica de la que se tiene constancia British Algae: Cyanotype Impressions. Esta primera obra constaba de varios tomos que continuaría apareciendo en los diez años siguientes. En 1854, Atkins publicó la obra Cyanotypes of British and Foreing Flowering Plants and Ferns, junto a su amiga Anne Dixon. «La dificultad para realizar dibujos de objetos tan pequeños como muchas algas me ha inducido a utilizar el precioso proceso de cianotipia creado por Sir John Herschel, y obtener así copias de estos vegetales» Anna Atkins
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stas fotos capturan lo que las tendencias antienvejecimiento le hacen a su psique. La nueva serie de Glenda Lissette, “Save Our Skin", reflexiona sobre cómo las rutinas de autocuidado antienvejecimiento han deformado su imagen de sí misma. Glenda Lissette es una fotógrafa y cineasta guatemalteca-americana cuyo autorretrato se centra en sus experiencias al crecer en línea. Lissette comenzó a compartir imágenes en línea a la edad de 14 años, y con el tiempo ganó seguidores en todo el mundo a través de varias plataformas de medios sociales. Después de ser etiquetada como “influencer"; por las marcas interesadas en capitalizar su público, comenzó a utilizar la fotografía de autorretrato para explorar las relaciones marca-influenciador e influenciador-seguidor. Usando Photoshop, distorsiona su cara, cuerpo, personalidad y alrededores, desdibujando las líneas entre la realidad y la ficción. Al investigar el papel de influencer, el trabajo de Lissette obliga a los espectadores a reconocer el trabajo a menudo de género que sostiene el creciente negocio de los medios sociales. Con su trabajo,
“Estas imágenes me obligan a reflexionar sobre el envejecimiento, la belleza y el estilo de vida” espera alentar a los espectadores a examinar sus experiencias en línea y humanizar a las personas que contribuyen a esas experiencias. La última serie de Lisette, Save Our Skin es una serie de fotografías de autorretratos que se centran en las ansiedades que rodean a las rutinas de autocuidado antienvejecimiento. “A través de la creación de retratos de una versión idealista y libre de inseguridad de mí misma en la vejez", dijo Lisette. “Estas imágenes me obligan a reflexionar sobre las expectativas de mi generación en cuanto al envejecimiento, la belleza y el estilo de vida".
Para Glenda el retrato siempre es un poco explotador, especialmente con el trabajo que está haciendo, así que se siente mucho más cómoda haciéndolo ella misma que otras personas. El trabajo en el que “corrije"; y se enfrenta a sus inseguridades a veces se siente como una forma de mutilación, y aunque los resultados finales suelen ser humorísticos, el proceso a veces puede resultar perjudicial. “Creo que las fotos no significarían lo mismo si fueran de otra persona. Siento como la persona que siente estos miedos, y el uso del autorretrato permite que estas imágenes sean una verdadera manifestación de esas emociones.” Para Glenda, la actuación de hacerse esto a sí misma se convierte en una parte del trabajo. En el caso de esta serie, se enfrenta a sus miedos de envejecer, literalmente se presenta como un reflejo de esos miedos. Glenda espera de este trabajo que la gente piense críticamente sobre sus ansiedades colectivas en torno al envejecimiento. Cree que eso nos preparará mejor para los juegos mentales que jugamos cuando esas ansiedades son explotadas por fuerzas externas, como la publicidad y los medios sociales. Para Glenda, la parte de consumo de compartir imágenes nos hará más insensibles a todo. Sabe que compartir imágenes es agotador, y está segura de que el agotamiento tendrá algún efecto colectivo en nuestra generación.
“The home we carry” por Glenda Lissette Para la artista Glenda Lissette, el hogar es más que solo cuatro paredes y una cama. “Al crecer, me mudé casi todos los años de mi vida”, dijo Lissette a PRIDE. “Cuando me mudé de ciudad en ciudad, encontré una sensación de comodidad e identidad en la ropa que llevaba. Cuando comencé la escuela secundaria, me mudé a los Estados Unidos desde Guatemala con nada más que cuatro maletas llenas de ropa porque eso es todo Sentí que necesitaba construir un nuevo hogar “. Y en su último proyecto fotográfico The Home We Carry, pinta vívidos retratos de las casas que llevamos con nosotros: nuestros cuerpos. “Con The Home We Carry, estoy viendo la relación entre nuestro sentido del hogar y la ropa que usamos”, dijo. “En última instancia, el objetivo de la serie es documentar los hogares que construimos en nuestros cuerpos, pero creo que la serie también analiza la relación entre el cuerpo y la tierra”. El resultado: impresionantes retratos de mujeres, hombres y personas no binarias de la escena artística de Chicago. Para muchos, la moda y el estilo pueden ser un refugio, una declaración cuidadosamente seleccionada de quiénes son para el mundo.
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immy Marble: un romance visual ente Marc Jacobs y Wes Anderson En el mundo de Jimmy Marble las chicas lucen piernas en shorts, las ancianas graffitean en chándal y reinan los colores, las flores y el buen tiempo. Este director de cine, productor de vídeos musicales y fotógrafo de Los Ángeles muestra el lado optimista de su ciudad, una urbe acostumbrada a que su ritmo vital dependa de alfombras rojas, estrenos de películas, rodajes y saraos de todo tipo. Aunque comenzó fotografiando en blanco y negro, el color se ha convertido en una de las señas de identidad de Jimmy Marble. Jimmy Marble es director creativo, fotógrafo, diseñador y muralista. Vive en Los Ángeles, y a lo largo de los años se ha ido forjando un característico estilo gracias a una estética bien planeada, tonos pastel con acentos brillantes. Creció en la zona rural del estado de Washington antes de mudarse a Los Ángeles en 2009 y comenzó a hacer cortos narrativos y a dirigir videos musicales. Su fotografía comenzó a desarrollarse como una forma de mantenerse ocupado entre proyectos de cine, y comenzó a atraer la atención de todos los rincones de Internet por sus composiciones únicas y estados de ánimo humorísticos. Inspirado por la estética del film Virgin Suicides, comenzó como fotógrafo en Instagram, con composiciones relacionadas con el amor y la representación de momentos cotidianos, pero siempre con un sumo cuidado en la paleta cromática de colores pastel. Disfruta jugando con los objetos y su posición, los combina, además de cuidar mucho el humor y el tono con el que crea, siempre lleva en la
cabeza de 5 a 10 fotos planeadas, meros esbozos, pero así nunca comienza desde cero, dejando muy poco a la improvisación. Recientemente, rodó la portada de la revista Time con Ariana Grande, así como películas de estreno en el Festival de Cine de Tribeca, Nowness, y Vimeo Staff Picks. Es el creador del fotozine Fudge Monthly, además de su carrera en comerciales y publicidad que incluye clientes como Coca-Cola, Smirnoff, Marc Jacobs, Nike, Tinder, The Palazzo Hotel, LG, Kate Spade, Apple, entre otros.Como si, de alguna manera, quisiera mostrar el lado optimista y más natural de su ciudad. Antes de llegar a Los Angeles, todo su trabajo –cortometrajes y fotografías– era en blanco y negro. Se trata de un dato curioso, ya que muchos críticos catalogan su trabajo como "sooo LA", es decir, sumamente vibrante, colorido y llamativo. Una vez que llegado a California, comenzó a trabajar para encontrar su propia voz y decidió integrar el color, convirtiéndose en un elemento primordial en su trabajo. Además, tiene una forma peculiar de incorporar a sus modelos dentro de la composición, como si fuesen meros accesorios, mezclando patrones y colores para crear imágenes nuevas, únicas y sumamente atractivas. Como si Wes Anderson creara publicidad para Marc Jacobs. "Hay tantas cosas que se pueden hacer con imágenes, que te permiten jugar con las emociones de una manera más inconsciente... Es como música, pero mucho más impresionista, donde intentas crear más estado de ánimo que otra cosa". - Jimmy Marble.
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ack De Caluwé es un artista multidisciplinario y diseñador gráfico con base en Portland, Oregon. Actualmente trabaja como Director Creativo Asociado en un lugar llamado Instrument. Nacido en un pequeño pueblo del campo en Bélgica, Caluwe inicialmente estudió para convertirse en carpintero hasta que descubrió una propensión por el arte. Esto lo llevó a estudiar Diseño Gráfico en la Real Academia de Bellas Artes de Gante (Bélgica), y cine en la Facultad de Bellas Artes de Lisboa (Portugal). Informado por el pasado e inspirado por el futuro, su trabajo se enmarca en los campos del diseño, el cine, el WWarte y la literatura, borrando las barreras que normalmente separan estos mundos. Su objetivo es crear experiencias que se inspiren en cada una de estas disciplinas; expresadas a través de una audaz creación de imágenes, matices tipográficos y una dedicación inquebrantable a la narración de historias. Algunas de las marcas con las que ha trabajado incluyen: Google, Levi’s, Ferrari, The New York Times, Adidas, Patagonia, Naciones Unidas, Herman Miller, Coca Cola, Ministry Of Sound, ABC, Kitchenaid, Ikea, Virgin 10
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Cars That Float es una colección de fotografías que dan una mirada al futuro que siempre imaginamos. Mobile y la Fundación Bill & Melinda Gates. Su obra personal ha sido expuesta en el Museo Municipal de Arte Contemporáneo (Bélgica) y en el Museo de Arte Contemporáneo del Siglo XXI en Kanazawa. Cars That Float es una colección de fotografías que dan una mirada al futuro que siempre imaginamos. Habiendo trabajado con marcas de tecnología como Google a lo largo de los años, hay una búsqueda constante de innovación que impulsa e influye en todo lo que hacen, y me hizo pensar en los matices que existen entre la innovación y la invención. En el proceso de ser tan buenos en iterar y empujar la aguja, olvidamos lo divertido que solíamos ser soñando con el futuro. Esta serie se sintió como una interesante reflexión sobre ese tipo de audaz optimismo futurista que choca con la realidad. En ese momento, me acababa de mudar a Portland, y estaba buscando una lente a través de la cual documentar la ciudad.
El coche volador, este sueño americano de 100 años contrastado con un telón de fondo de decadencia urbana, da una mirada alternativa al futuro y una idea de cómo podría haber sido esa utopía de los Jetsons en la realidad. El futuro ha sido inventado y reimaginado una y otra vez. Desde el cine, la literatura y la cultura popular, hasta el planeamiento urbano altruista y los diseños inedificables de los provocadores tecnológicos. Es seguro decir que el futuro tiene una larga historia de tomar nuevas formas dentro de la imaginación humana. Ya sea profecía, especulación o simple entretenimiento, estas visiones se han infiltrado en nuestra conciencia colectiva, estableciendo grandes expectativas para el mundo en el que vivimos. Afrontémoslo, lo que terminamos siendo es un poco decepcionante. ¿Dónde están nuestros coches voladores? ¿Nuestros aerodeslizadores? ¿Nuestra utopía libre de conflictos?
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on este número queríamos celebrar lo absurdo, lo desenfadado y lo gracioso. Es importante tomar un descanso del mundo real. Por mucho que necesitemos estar informados, comprometidos y conscientes, también necesitamos reírnos. Queríamos defender a la gente que hace arte con sentido del humor. La fotógrafa Jessica Pettway y la estilista de utilería Sara Schipani se unieron con la artista Lyndsey Rae para crear algunos looks llamativos para el día del pavo. El Día de Acción de Gracias es una fiesta extraña. Además de desarrollar un apetito o preparar temas políticos para probarse con ese tío, a veces es difícil sentirse particularmente festivo con la Navidad a la vuelta de la esquina. Pero si quieres probar una nueva manicura antes de conocer a tu familia, espera antes de buscar instintivamente el esmalte de uñas verde y rojo. ¡Aún no es ese momento! En su lugar, atibórense con estas increíbles piezas de escenario de la fotógrafa Jessica Pettway y la estilista de utilería Sara Schipani, que se unieron con la artista de uñas Lyndsey Rae para crear la vibración perfecta para su fiesta anual. Estos diseños de decoración de uñas de Acción de Gracias son sólo muy picantes. Jessica es una artista visual con base en Nueva York y entusiasta del queso a la parrilla. Con un ojo único para el color y composiciones juguetonas crea arreglos surrealistas que sirven como un relajante escape de la vida cotidiana. Los objetos familiares de la casa, los hallazgos de la tienda de dólares y las representaciones escultóricas de plantas se descontextualizan y se hacen collages para diseñar su propia naturaleza. Sus fotos han sido exhibidas a través de Nueva York y Europa y publicadas en New York Magazine, VICE Magazine, Hearst’s Sweet, y Refinery 29 entre otros. Ob-
Esta serie desafía nuestra realidad y aprendemos que nada de esto tiene sentido
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tuvo una licenciatura en Fotografía y Vídeo en la Escuela de Artes Visuales en 2016 y sigue creando sobrecargas florales y fotografías de moda mientras trabaja en el diseño de utilería y escenografía. Se especializa en la creación de composiciones lúdicas y ambientes surrealistas que juegan con los límites de la naturaleza y exploran nuestro deseo de lo artificial. Tomemos el trabajo que presentó para la edición de fotos de este año: “Aromas comunes”; se burla de los ridículos nombres de los aromas que suelen llevar las velas y los envases de los productos de limpieza. Tomando aromas populares como “Manzana Country”; y
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“Polvo para bebés”; ella reimagina cómo se verían si se interpretaran literalmente (y con un poco de ironía). Como ella explica, “Destacar las absurdas fragancias artificiales que hemos crecido amando nos enseña que ‘Sea Breeze’; no siempre huele tan fresco y la ropa mal hecha puede ser de hecho crujiente. Esta serie desafía nuestra realidad y aprendemos que nada de esto tiene sentido.” Jessica ha trabajado con empresas como Apple, Uber, Toyota, Publicis Sapient, Sagmeister & Walsh, Gander, The New York Times, TIME, Causette, The New Yorker, People, Manrepeller, VICE, entre otros.
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ardrobe Snacks, una serie de fotografías creada por Michelle Maguire (dirección de arte y estilo) y Kelsey McClellan (fotografía), un dúo de colaboración conocido como Terrence Caviar, se inspiró en los comensales que no se pueden permitir el lujo de estar sentados en una mesa: El
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padrastro de Michelle que descansa su sándwich en su muslo entre bocados mientras que hace estallar una película de acción en su TV; un viajero acalambrado en un autobús lleno de gente recuperando un objeto de un bolso o bolsillo; un rompealimentos en un banco del parque comiendo de su regazo. Son espacios informales quizás incluso un poco incómodos en lo que se refiere a la comida, pero los comensales siempre parecen estar cómodos y perfectamente satisfechos con su bocadillo elegido, casi como en el zen. Las dos se conocieron en 2013 mientras trabajaban en el libro de cocina Jeni’s Splendid Ice Cream Desserts en Coumbus, Ohio. Michelle hizo el estilo de utilería de una parte de las fotos y Kelsey disparó. Desde entonces han trabajado duro para colaborar tanto como sea posible. Kelsey se mudó a San Francisco hace casi 2 años, así que ahora están a 2500 millas de
Fotógrafa Kelsey McClellan La fotógrafa Kelsey McClellan no es nueva en la escena. Esta talentosa fotógrafa utiliza objetos y situaciones cotidianas y las captura de una manera muy estética. McClellan hace más que fotografiar la comida, coordina la situación diaria en formas que nunca has visto antes. Cuando tenía 14 años, consiguió su primera cámara y supo directamente que quería ser fotógrafa. Después de fotografiar por diversión, estudió en el Columbus College of Art & Design. Se graduó en 2012 y ha sido una fotógrafa a tiempo completo desde entonces. Con trabajos para The New York Times Magazine, Wired y The New Yorker, se ha convertido en una fotógrafa muy buscada.
Una colaboración inspirada en los comensales que no se permiten el lujo de estar sentados en una mesa distancia. Cuando se ven, alrededor de 4 veces al año, introducen tantos shoots como sea posible. Sueñan despiertas con volver a vivir en el mismo lugar y trabajar juntas a tiempo completo. Michelle tiende a inspirarse en la gente que ve en el mundo, haciendo sus cosas. La forma en que hablan, y caminan, e interactúan entre sí mientras realizan recados y transacciones rutinarias. Constantemente a la caza de artículos para añadir a su colección de atrezzo, Michelle y su marido van a muchas tiendas de segunda mano y ventas de bienes, lo que significa que siempre está reuniendo cosas - objetos, ropa, papel efímero, restos de alfombras, lo que sea - que cree que va a fotografiar bien. Si tiene buen color, textura o forma, se irá a casa con ella. Junto con el color, la comida es otro gran amor que Michelle y Kelsey comparten, así que para Wardrobe Snacks, una vez elegida la ropa, era divertido pensar en un accesorio comestible (de color apropiado
y fácil de comer sobre la marcha o desde el regazo) para convertirse en la estrella del espectáculo. Cuando se trabaja en una serie, es bueno establecer parámetros, tanto visuales como conceptuales, para que cada foto encaje en el conjunto del grupo. Para Michelle, la serie es un ejemplo de las sensibilidades que se aplican a su vida cotidiana: prestar atención a los detalles y encontrar belleza y humor y entretenimiento incluso en las situaciones más mundanas. Para Kelsey, parte del placer de fotografiar comida es que se asocia con muchas ideas y recuerdos diferentes dependiendo del espectador. Disfruta de la nostalgia y de la oportunidad de presentarla en pequeñas viñetas idealizadas. Ambas mujeres dicen que la respuesta a la serie ha sido excitante, atrayendo la atención internacional. En cuanto a lo que sigue, el dúo planea seguir adelante con Wardrobe Snacks, filmando unas cuantas piezas más para completar la serie.
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