Hablemos de ilustración by Cj Muriel

Agosto 2020

Hablemos de ilustraciรณn.

Agosto 2020

INDICE 1. Introducción. 2. La inspiración como base de la creatividad. 2.1. Biografías. 2.2. La importancia de desglosar. 3. La conceptualización composición.

una

3.1. La idea y el concepto. 3.2. La composición. 3.3. La armonía entre los elementos. 3.4. El equilibrio de una ilustración. 4. Técnica. Bienvenido:

4.1. El boceto.

Me llamo Cindy y soy un Diseñador freelance cuya pasión es el mundo del arte y los procesos creativos.

4.2. La anatomía y sus referencias.

Esta es la primera edición, de mi primera revista; trata de ilustración en un amplio contexto, con temas que te interesarán si eres tan amante del arte como yo. Espero que encuentres aquí la inspiración e información que buscas.

4.3. La línea definitiva. 4.4. El estilo de dibujo. 5. Proceso final. 5.1. Composición final. 5.2. La teoría del color. 5.3. Como formar paletas de color. 6. Campos de desarrollo. 7. Algunos artistas. 8. Te enseño un proceso desde cero.

Hablemos de ilustración.

Ambas aptitudes son muy necesarias para un buen ilustrador, ya que, de estas dependerá la calidad de su trabajo. Es bien sabido que, ilustrar, es una labor satisfactoria y agradecida para el que la ejerce, no obstante, no es un secreto para el que anhela vivir de esto, que el camino del aprendizaje es duro y para muchos desalentador, debido a que es un oficio que requiere del conocimiento, la práctica y en cierta parte, de la experiencia; también está el hecho de que, la constancia en este contexto es equivalente a la calidad de tu trabajo, se requiere de una disposición invaluable, ya que, a la hora de la verdad, será esta la que te haga destacar entre los demás.

1. Introducción Esta revista, titulada como “Hablemos de ilustración” , es la primera edición hecha, basada en esta temática. A continuación, te mostraré una serie de conocimientos y conceptos, que serán clave en tu desarrollo como artista conceptual e ilustrador. Cabe decir, que definir estos, te dará una mejor orientación de lo que verás en esta revista. Un artista conceptual, innova y diseña ideas, con la intensión de transformarlas en seres vivos o inertes dentro de un contexto definido; absolutamente todo deberá pensarse en torno a este contexto. Por otro lado, un ilustrador explora la idea hasta el punto donde compacta todas las características de esta, para elaborar una vista más estética sin perder el sentido de la idea y su contexto, en pocas palabras, es un resumen gráfico armónico de todas las partes que conforman la idea general.

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Por favor, tenga en cuenta, aquí se le darán conocimientos, tips, demostraciones, etc.

Ahora,

¡DIVIÉRTETE!

Aun así, este no le proporcionará la exactitud, o el modo perfecto de ilustrar, debido a que, el campo artístico presume de tener innumerables salidas y posibilidades.

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2. La inspiraciรณn como base de la creativida

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2.1 Biografrías Kim Jung Gi

s un artista surcoreano nacido en 1975, en una ciudad llamada GoyangSi. Con 19 años ingresó en la escuela de Bellas Artes, donde se especializó en “Arte y Diseño”. Estudio 3 años en la universidad Dong-Eui en Busan, universidad famosa por sus cursos técnicos. Sirvió en el ejército (durante más de 2 años), este estaba en las fuerzas especiales, lo que le permitió memorizar una increíble cantidad de vehículos y armas. El arte de Kim Jung Gi consiste en la creación de escenarios, sin un tema específico, basándose en el conocimiento previo de figuras humanas, vehículos, objetos, artículos, etc. El punto fuerte para su actividad creativa es su memoria, su capacidad para recrear escenas complicadas, casi en su totalidad, de memoria, ha ampliado los límites de lo que muchos artistas creían imposible; si bien el memorizar puntos estructurales claves le ha ayudado a hacer representaciones de forma “correcta” y “estética”, también se debe a su vasta experiencia en este campo (40 años), que

como ya es bien sabido, es una característica que se agradece. En 2011, Kim Jung Gi participó en el Festival de cómic celebrado en Bucheon, donde, por primera vez, dibujó en vivo. En la mayoría de los casos, es normal que los artistas exhiban un dibujo o pintura enmarcada, pero Kim decidió hacer algo diferente, colocó papel en tres paredes alrededor de su mesa y comenzó a dibujar; el CEO de Superani, Hyun Jin Kim, grabó y publicó todo el proceso en YouTube y, como algunos videos tienden a hacer, se volvió viral. Esto desembocó en la invitación a diferentes eventos mundiales. En los últimos años, ha aceptado invitaciones para actuar en Francia, Estados Unidos, toda Asia y ahora en Japón. Kim tiene seis cuadernos de bocetos impresos, que equivalen a aproximadamente 4.500 páginas de dibujos en un lapso de 12 años. También colaboró con el legendario artista japonés Katsuya Terada en 2017. La pareja reunió un increíble cuaderno de bocetos de varios dibujos, mostrando sus talentos.

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Zao Dao

na joven artista de nacionalidad China, nacida en Guangdong (al sur de China), en 1990 en una pequeña ciudad llamada Kaiping. Debido a que su nombre real (no se conoce), es bastante común en China, optó por un seudónimo, “Zao Dao”; significa “arroz temprano”, como referencia al mes de su nacimiento (Julio), que viene a ser la temporada de la primera cosecha de arroz. Desde muy pequeña a demostrado tener habilidad en este campo, así que, recibió la ayuda de sus padres y obtuvo uno que otro libro de pintura clásica china, de esta tomó claros referentes al igual que de los cómics de su infancia, “La primera y única serie de cómics que tuve de niña fue The Calabash Brothers, cuya historia y estilo se asemejaban al promedio de los dibujos animados y al teatro de sombras”. De pequeña le costó bastante trabajo encontrar lectura de este estilo, pero su solución se encontraba en una antigua biblioteca que no estaba en uso por la creencia de que estaba embrujada, sin duda, le asustaba la idea, sin embargo, entró y encontró unos cuantos

libros de Lianhuanhua (libros ilustrados de secuencia, populares en China en el siglo XX). El enfoque de su arte toma como musa, el pasado místico y mítico, a menudo arraigado en el budismo con el que creció en casa, y los condimenta con un toque moderno y protagonistas enérgicos que dan presencia a sus mágicas obras. Su estilo también le debe mucho al venerable maestro chino Dai Dunbang (pintor), a quien admira y conoció en persona. Un editor independiente se acercó a ella en 2013 para encargarle su primer libro, titulado “Song of sylvan”, una mezcla narrativa, de ilustraciones y cómic; lo terminó en abril del 2015, pero el editor decidió lanzar la venta en internet la mañana de su 25 cumpleaños. Cuando despertó a la mañana siguiente, las 4.000 copias de la primera impresión se habían vendido, luego Mosquito Editions lanzó una adaptación francesa en septiembre con algunos textos explicativos adicionales, Zao Dao fue invitada a festivales de cómics en Grenoble y Argel, consolidando aún más sus seguidores ya siendo internacionales.

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2.2 La importancia de desglosar

Por ejemplo:

a inspiración es un tema vasto y difícil a la hora de explicar, ya que, términos como creatividad, motivación e inspiración no son habilidades concretamente en el ámbito artístico, no se puede forzar, aunque talvez si se pueda desarrollar, pero entonces, que puedo hacer yo para elaborar buenas e inspiradoras obras de arte, sencillo, a continuación, te explicare un método que te ayudará no solo a despertar cierta motivación, sino también, a comprender los elementos de una idea creativa. Si bien, ver las obras de otros ilustradores es de mucha ayuda para obtener ideas y conceptos para una ilustración, también es importante saber y comprender el contexto y el porque de los elementos, el porque de la ubicación de estos (aún siendo una razón banal o lógica), sus colores, el sentido de su estructura, etc. Para empezar a entenderlo debes ir de lo general al detalle.

Autor de las 2 ilustraciones: Heikala

Digamos que esta ilustración puede dividirse por partes, el contexto, los elementos principales y secundarios; luego analizas el contexto, el cual se puede deducir por las características de los elementos, después analizas los mismos elementos, que tienen que ver y como ayudan a resaltar el contexto, luego como la posición de cada uno lo hace resaltar dentro de su “funcionalidad”, luego ves como juntando todo esto la ilustración expresa una cierta emoción, sensación, incluso un sentimiento, por último observa como los colores terminan de ubicar ese escenario y completan el factor que te hace apreciar esa dicha emoción. Todo esto, y hasta más, es la información que puede extraerse de una ilustración si observas con atención.

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Una vez aplicas este “sentido crítico” en las ilustraciones o el arte que consumes día a día, una vez entiendas los métodos y las formas, una vez entiendas lo que ves, se hace más simple saber como pasar tus propias ideas al papel al igual que interpretar los conceptos de alguien más. Es por esto, que se dice que para ilustrar no es necesario tener inspiración o incluso una idea totalmente estructurada, cosa de la que se hablará más adelante, ten en cuenta que entre más te apropies del contenido que consumes, irás desarrollando ideas, cada vez más “profundas” y mejor fundamentadas.

Hablando de otros recursos para motivar la creatividad también se puede optar por usar páginas web como Pinterest, Weibo, Twitter, Instagram, Deviantart, Youtube, entre muchas otras.

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3. La conceptualizaciรณn de una composiciรณn

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3.1 La idea y el concepto

mbos términos igual de importantes como el primer paso de cualquier ilustración, son elementos que se trabajan, y se elaboran meticulosamente, pues es realmente importante conocerlas y entenderlas. Las ideas se dan mediante literalmente cualquier aspecto que llene tu persona, ya sean sueños, vivencias, vivencias de algún conocido, gustos, cosas de tu cotidianidad, etc. En pocas palabras mediante saberes personales. En el campo de la ilustración se busca que las ideas, por muy “sencillas” o “complejas” que sean, cumplan con un requisito básico: que mediante cualquier derivada de esta logre ser llamativa; para esto debes tener en cuenta varios puntos, primero, inmediatamente después de obtener una idea se piensa en el concepto, porque debes tener en cuenta desde que concepto se va a trabajar la idea, por ejemplo: no es lo mismo representar la naturaleza desde el aspecto humano (la acción por naturaleza del ser humano), que representar la naturaleza desde el concepto campestre (la naturaleza que se ve en el campo), razón, repito, por la que ambas son importantes definirlas al inicio del proceso creativo; segunda, busca resaltar cualquier característica de este, algo a lo que puedas sacarle bastante provecho sin salirte de contexto, busca maneras y alternativas que se adecuen a la idea y al concepto, cabe recordar que dado al hecho de que existen diferentes maneras de trabajar ambos, debes comprender muy bien tu objetivo, para trabajar amplia y satisfactoriamente.

Te daré un ejemplo del tema con la siguiente ilustración:

La idea: Cultura, Concepto: Indígena. Los indígenas son los pobladores originarios de América y sus descendientes que mantienen su cultura o se reconocen como tales, son amantes del medio ambiente, la cuidan y le rinden tributo, infunden valores tales como el respeto al mayor y al menor por igual, el despliegue de una profunda espiritualidad, la conexión con el universo y el sentido comunitario de la vida, son estos los que han posibilitado a los originarios, sostenerse en el eje de sus identidades y desde ahí desplegar su cultura y sus cosmovisiones. Tienen ciertos hábitos, como lo son las plumas que llevan en la cabeza, las cuales dependen del número de victorias que hayan acumulado a lo largo de su vida, los bailes que hacen en honor a la madre naturaleza, etc. Siendo esta, la investigación previa, puede verse como todos estos detalles se tuvieron en cuenta a la hora de la realización de esta ilustración.

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3.2 La composición

a composición consiste en la colocación y el arreglo de los elementos dentro del lienzo a trabajar. En esta hay que tomar en cuenta3 componentes, los cuales son:

El elemento o personaje principal: Ya sean varios o solo uno, este se comprende como el máximo exponente del concepto, como en este se acumulan las principales características del mismo y por ende viene a ser el elemento más importante deberá resaltar más que el resto de los elementos en la ilustración, dependiendo, claramente, de lo que escojas hacer habrá diferentes maneras de resaltar este.

El elemento(s) secundarios: Estos serán un apoyo o inclinación del objetivo de la ilustración, estas albergan características del mismo concepto solo que resaltan menos ya sea por el hecho de que carecen del mismo numero de características que el elemento principal o por su tamaño o porque el objetivo individual de este es diferente; normalmente estos se utilizan para dar a entender acciones del elemento principal, o enfatizar de manera evidente en el contexto (servir como apoyo), etc.

El fondo: Este es el que ambienta la ilustración, sea mediante objetos inertes y no inertes, o simplemente colores y texturas; este es un elemento que nunca falta, aún si se decide usar solo un personaje principal, aún si es solo blanco, esto ya es considerado fondo, has de saber que como todo, se debe tener en cuenta de que manera se verá mejor en la ilustración, con la intensión de que no pierda sentido ni se vea muy saturado o incomodo al ojo.

Picolo Picolo

Picolo

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3.3 La armonía entre los elementos

a hablado el tema de la composición y lo que la conforma, te hablaré del sentido entre ellos de manera que tenga una coherencia dentro del espacio. Existen muchas maneras de darles un orden coherente entre sí, pero para saber como hacerlo hará falta el invaluable conocimiento que tienes de tu idea, ya sea que quieras hacer que algún elemento se vea mayor en un plano saturado, o si quieres darles la misma importancia a todos los elementos, si quieres resaltar más el fondo que los elementos, etc. Una cosa es equilibrar la ilustración y otra que los elementos se comprendan aún siendo diferentes. Anteriormente te explique que eran, ahora te explicaré de qué manera representarlos. Partiendo de la idea general, los elementos de una composición se piensan como un escenario en movimiento, el personaje siendo el máximo exponente, es perseguido por su precursor y por último por el fondo; el escenario que habitan debe darle a cada uno un papel; aquí debo decirte que el propósito de los 3 componente de una composición pueden ser cambiados, primero siendo consciente de lo que debes incluir armaras la composición, pero aquí tienes más libertad; de manera que yo puedo hacer que mi fondo sea el protagonista, o que los elementos secundarios tengan más peso visual que el principal, etc. La razón por la que puedes hacer esto es por que la mejor manera de llegar a una buena ilustración es dándole libertad a los elementos.

Ejemplo:

En esta imagen el elemento principal es el fondo ya que es el que más transmite (dejando las características del concepto en el significado del color) y más presencia tiene. El elemento secundario vendría a ser el ángel, si bien los elementos de la parte inferior son del mismo color, psicológicamente a ser semejante a lo que estas acostumbrado a ver (a ti mismo), llamará más la atención que las piedras que lo rodean, este termina de asentar el concepto. Por último, la ambientación la dan las rocas, dejando en claro que el ángel está en la tierra. Entre las tres forman una composición completa y balanceada con un excelente contraste.

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3.4 El equilibrio en una ilustración

L Hanyijiee

Picolo

a composición comprende el equilibrio de los elementos en general, y con eso, comprender el peso de cada parte, se trata básicamente del equilibrio siguiendo la teoría de Gestalt (esta teoría sugiere que es más importante el todo que sus partes por separado); para esto se definen los pesos más imponentes, independientemente de en qué parte del lienzo se piense colocar el mayor peso, se debe equilibrar con sus demás componentes, ejemplo: si el mayor peso se encuentra en la parte izquierda del lienzo, el resto de los elementos deberá equilibrarlo a lado derecho; en el caso de que solo haya un elemento se sugiere que se coloque en el centro. Esto consiste meramente en el orden uniforme de la ilustración para que sea agradable al ojo. A veces es el mismo orden de los elementos el que termina por balancear la ilustración. Al cabo de un tiempo analizando y aplicando todo lo anteriormente mencionado verás que la mayor parte de las veces ni siquiera se razona, se termina por hacer de pura intuición y lógica, ya que de cierta manera esto es un proceso casi que inconsciente del cerebro por hacer que lo que veas tanga sentido, por eso no te preocupas en gastar mucho esfuerzo en esta parte del proceso. Como tip, te recomiendo que realices este proceso rallando directamente en el papel, no tienen que verse bien, basta con que plasmes tu idea de manera técnica para que te hagas una mejor idea.

Loputyn

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4. TĂŠcnica

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4.1 El boceto

s este uno de los pasos más infravalorados en el dibujo, aún siendo uno de los pasos más importantes de la parte técnica de cualquier ilustración. Hablamos de la estructura del dibujo, es aquí donde se posicionan los elementos de forma correcta; de manera que las cosas queden donde decidimos, el boceto tiene el fin de estructurar, colocar y proporcionar el dibujo, el famoso “que todo quede en su lugar”. Sabiendo que estas son las primeras líneas y el primer paso para plasmar todo lo anterior; el boceto no esta conformado de líneas limpias, est, de hecho, conformado por los trazos más sucios de todo el proceso de dibujo, por eso es que en este ocurren muchos cambios en el proceso, porque se ve de una manera más acertada el futuro resultado, por eso se procura ver el boceto de manera general y crítica, sin darle importancia a los detalles, recuerda, de lo general a los detalles. ¿Cómo?, bueno el boceto se realiza por medio de figuras geométricas (por la misma razón, para verlo de forma general); círculos, cuadrados, rectángulos, triángulos, óvalos,

etc. Cualquier parte del cuerpo puede representarse con sencillez por medio de una figura geométrica. Luego, Se empieza por la línea de acción que vendría a ser una línea que pasa por todo el cuerpo, algo así como la columna vertebral pero mas larga, desde la cabeza a los pies, esta línea va a definir la pose y la ubicación del elemento o personaje; luego sigues por proporcionarlo y ponerle volumen mediante figuras geométricas, obviamente siguiendo la estructura de lo que vayas a dibujar, si es un perro, sigue las proporciones del perro, si es una persona igual, si es un caballo igual, etc. Lo último que se hace es proporcionar las partes por separado, es decir las líneas guía de la cara, del torso, las manos y los pies, estas sirven básicamente para colocar de manera correcta los detalles como lo son los ojos, la nariz, la boca, las orejas, las cejas, los hombros, los dedos, etc. Cabe decir que esta parte es bastante difícil sobre todo al inicio, cuando se esta aprendiendo, ya que no es fácil proporcionar una estructura, de hecho, es la parte que más tiempo se tarda en aprender y ejecutar bien, al inicio quedaran chuecos y desproporcionados, pero es parte de aprender este arte.

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4.2 La anatomía y sus referencias

a anatomía es una ciencia que estudia la estructura de los seres vivos, es decir la forma, la ubicación, la disposición y la relación entre sí de los órganos que las componen. La anatomía artística es un área que pretende estudiar y analizar las estructuras del cuerpo que son responsables del aspecto y la forma física de la figura humana. Estas formas se deben sobre todo a las estructuras ósea y musculares. Es recomendable que la persona las estudie para saber el cómo y el por qué de las formas superficiales de la anatomía humana. También depende de los avances científicos; entre más claro tengas la posición

y el comportamiento de los huesos y el musculo que une la estructura ósea, mejor, de esa manera el conocimiento que adquieras podrás aplicarlo en cualquier otro dibujo, ya que no estarás memorizando una pose, si no un orden, el comportamiento, la forma de tal acción, y es este conjunto de conocimientos los que te darán libertad a la hora de crear. Claro está que con el conocimiento no te bastará, porque la base del dibujo es la práctica, solo esta combinación te hará mejorar.

una foto una modelo al natural, videos, libros, etc. Si nos miramos en un espejo nos reconocemos; sta característica es un primer síntoma de reconocimiento y de tener capacidad para diferenciar rasgos anatómicos de cierta complejidad, por ende, Te recomiendo que te uses como modelo, puedes pararte en un espejo y ver en ti como se comportan las estructuras y que formas tienen. A veces el boceto se hace de un color diferente al negro para facilitar el entintado o línea definitiva.

Entonces como y por donde empiezo a practicar, sencillo, las referencias son tus amigas en este caso.

Cabe decir, que esas referencias la mayoría de las veces, tendrán derechos de autor (en caso de que utilices fotografías o dibujos sacados de internet), así que dales crédito cuando las subas a redes sociales.

Al inicio esta será un apoyo invaluable, las referencias pueden encontrarse en cualquier lugar, ya sea

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4.3 La línea definitiva

na vez ya hecho el boceto, se pasa a limpio, es decir, a la línea definitiva. Para esto puedes apoyarte de varias herramientas como: la mesa de luz ( dispositivo de visualización que se utiliza para “opacar” el dibujo sobrepuesta a la misma), el escáner (periférico que se utiliza para “copiar” mediante el uso de la luz), los lápices, lo estilógrafos (son como los micropuntas, pero especiales para el dibujo), entre muchos otro. Al contrario del boceto esta se prefiere limpia y definida ya que para este punto ya estarán dibujadas todas las partes de la ilustración. Esto se hace más que todo para cómics o mangas, ya que algunos ilustradores prefieren no entintar y definir el dibujo con el color. Ya sabiendo esto, estarás listo para el próximo paso.

autores de las ilustraciones respectivamente: Yasutatsu

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4.4 El estilo de dibujo

entro del gremio artístico, existe un tema muy popular y hablado, tema del que muchos quieren informarse, pues este es bien recibido como la marca y sello de un artista, ¿por qué?, porque en la mayoría de casos, es por este que te buscan, es por este que te reconocen, es por este que destacas en un mar de muchos otros ilustradores. Es por eso que el estilo de dibujo es muy buscado por los principiantes en el gremio, lo cual no esta mal, pero desde un principio es mal interpretado, de hecho decir “es muy buscado” está mal, por que no es algo que se encuentra, si no más bien que se desarrolla con la práctica y se va volviendo evidente con el paso del tiempo, entre más se practique y más tiempo se lleve dibujando, se van a notar ciertas características que se van volviendo recurrentes en tus dibujos, es a esto a lo que se llama estilo, por que son aspectos que tienen, por no decir todas, la gran mayoría de tus ilustraciones. Pero como, si al principio, normalmente se dibuja de referencia, quien me garantiza que no termine con el mismo estilo de los dibujos que copio, pues bien, deberás saber que no hay estilos de dibujo totalmente propios, ya que todos comparten características que derivan de lo mismo que estas dibujando, por diferente que sea un estilo de otro, siempre habrán similitudes en ambos, como bien lo pueden ser las estructuras anatómicas, la misma tendencia de colores, o la misma tendencia de conceptos que manejan, etc. Repito que la práctica es lo que hace al maestro, con el tiempo verás características en ti y en el estilo de otro dibujo que ves que querrás aplicar en tus ilustraciones, vas viendo que te gusta y que no, y vas consolidando (con el tiempo), un estilo propio, anteriormente mencione

la importancia desglosar, ese un factor que gustará aplicar. Al final es dedicación que tengas a esto, la marcará el avance tus ilustraciones.

d e será t e l a l e que e n

Autores de las ilustraciones respectivamente: Mitz_vah Zao Dao Jong Hwan

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5. Proceso final

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5.1 Composición final

a composición final, no es más que el dibujo terminado, con los elementos ya colocados, y entintados; en pocas palabras la ilustración sin color. Estos son los dibujos que tienen las libretas para colorear. Este paso no tiene ciencia alguna, sin embrago es importante mencionarlo ya que van a haber situaciones en la que esta composición final puede no ser de tu agrado, puede que si le pones color la situación mejore, o puede que no, o puede que solo empeore, por eso debes asegurarte de que el acabado final cumpla con la mínima expectativa, o de lo contrario echaras a perder todo el trabajo que llevabas. Esto no es muy común pero tarde o temprano te pasará ya sea por que estés pasando por un bloqueo creativo o algo por el estilo, lo mejor que puedes hacer en estos casos, es dejar la ilustración unas horas y volver a plantearte, que fue lo que no funcionó, y cambiarlo en la siguiente ilustración si vas a repetirla, o tenerlo en cuenta para próximas ilustraciones.

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5.2 La teoría del color

l color es una percepción que tiene nuestro cerebro al recibir las señales que le envían los ojos, en los cuales se encuentran unas células receptoras llamadas cono y bastones, células que se estimulan al recibir la luz; la luz tiene varias longitudes de onda que son las que nos dan el especto cromático, dentro de este está el espectro visible que es lo que perciben nuestros ojos. La teoría del color abarca 2 tipos de colores, los colores RGB y los colores CMYK.

Los colores CMYK o también conocidos como los colores pigmento, estos se forman a través de la síntesis sustractiva de los colores, sus colores primarios son el cian, el magenta y el amarillo, la combinación de estos colores da como resultado el negro. Estos son los colores que se imprimen y con los que se pinta (tradicional).

Los colores RGB o también conocidos como colores luz se consiguen a través de la combinación sustractiva de sus colores primarios que son el rojo, el verde y el azul. Estos vienen siendo los colores digitales o de pantalla; si todos estos colores se combinan, se tendrá como resultado el blanco y ante la ausencia de estos obtendrás como resultado el negro.

El color tiene 3 valores: A. tono, este es el color en general; B. saturación, es la intensidad del color en escala del gris al tono; C. brillo, es la luminosidad del color en la escala de blanco a negro. Ya sea en CMYK o RGB, estos valores aplican por igual en ambos.

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5.3 Como formar paletas de color

as paletas de color no son más que combinaciones de colores dados por cierto orden de ideas, sin embargo, de igual manera como casi todo en el arte, no es tan sencillo como suena. Al momento de hacer una paleta de color se deben tener en cuenta 2 aspectos, que a continuación voy a definirlos. La armonía del color: Son composiciones que se obtienen del circulo cromático; hay varias, pero las principales son: Monocromática: Solo se utiliza un tono, pero se juega con la saturación y el brillo. Las paletas monocromáticas suelen ser “cargadas”, depende mucho del color que se use, como al usar esta opción solo se usa un color, la ilustración va a transmitir en su totalidad una sola cosa al público, por ejemplo, si es azul, lo más seguro es que solo transmita serenidad, o frio, etc; que en este caso no estaría tan mal hablando visualmente; pero si utilizas un rojo para toda una ilustración, aparte de verse demasiado cargada, será agobiante para el público; por ende, estas son paletas para trabajar con cuidado.

Análoga: Se utilizan los tonos vecinos en el circulo cromático del tono a escoger. Las análogas son paletas muy agradecidas cuando de escenarios abiertos se trata, ya que se complementan muy bien juntos, una paleta análoga siempre se verá armónica aún si juegas con la saturación y el brillo de los colores. Si quieres dar una ambientación completa, estas paletas son ideales. Complementarias: Se utiliza el tono opuesto en el circulo cromático del tono a escoger. En cuanto a las paletas complementarias, a la mayoría de ilustradores les gusta trabajar con estas paletas, ya que le dan mucho más trasfondo a la ilustración, aparte de darle un acabado bastante orgánico; son paletas excelentes sobre todo cuando se requiere un contraste evidente en la ilustración. En todo caso, esta es una de las paletas más preferidas por su encanto y simpleza.

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La psicología del color: Se refiere al significado connotativo que tienen los colores. Se comportan de diferente manera dependiendo del contexto en que se usen.Es importante meditar e investigar bien las paletas, ya que son un complemento crucial y realmente necesario porque dependiendo de tu ilustración y el concepto de esta, el color deberá adecuarse a cada característica de la ilustración. La mejor forma de dejar claro el concepto y el interés de la ilustración es a través del color.

Una vez más te digo que lo practiques, porque obtener resultados buenos de este proceso toma su tiempo.

Ten en cuenta de que esta es un arma de doble filo, pueden resaltar tus dibujos y dejar unos acabados de ensueño, y a la vez, arruinar una ilustración de pies a cabeza; trabaja con esta cuando sepas bien y conozcas lo que le va bien a tu ilustración, tomate el tiempo que sea necesario, la intensión es que quede bien, recuerda que las personas trabajan a su propio ritmo; procura que los colores no pierdan armonía entre ellos.

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6. Campos de desarrollo

omo artista, se poseen las suficientes herramientas para lograr ingresos con tu propio arte, es solo cuestión de buscar e informarse. Aquí mencionaré varios campos en los que pueden especializarse los artistas y en los que se encontrarán campos con buenas ofertas laborales; para generar una fuente de ingresos estable.

1. Animación: existen 2 tipos, 2D y 3D, este campo es muy agradecido y pedido, debido a que es requeridas em varios ámbitos, como la publicidad, el cine, las páginas web, los video juegos, etc. Para esto hay estudios dedicados plenamente a este arte.

2. Diseño de personajes: Este es un cam-

po en el que hay mucha competitividad porque suele ser el trabajo por el que más se inclinan los artistas, ya que, casi todos para este punto, tienen experiencia dibujando cuerpos humanos.

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3. Diseño de props: Siendo este el cam-

po que se dedica a ambientar y diseñar los escenarios, no es un campo por el que se suelen inclinar los artistas, y como consecuencia, es uno es los que más se encuentra trabajo.

4. La publicidad: Siendo este un campo al que se dedican muchos ilustradores, ya que su objetivo es atraer a un público objetivo específico, y que mejor manera, que hacerlo de forma visual y en grande.

5. Storyboard: Este campo consiste en

hacer bosquejos de una serie de acontecimientos dentro de una historia; por ende, en la mayoría de campos visuales es requerido este trabajo, tanto para comerciales, como para películas, como para historietas, cortometrajes, entre otros.

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Autora: MINEMIKOMAL

7. Alguno

Autor: GUWEIZ

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Autora: ANTEIKOVICH

os artÃstas

Autor: ZEEN CHIN

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8. Te enseĂąo un proceso desde cero

Video de: gravitydusty

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