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Colaboratorio Arte nace como un centro sin paredes, un punto de encuentro abierto a investigadores, académicos, estudiantes y público en general interesado en la conformación de un espacio de aprendizaje en red, flexible y participativo en torno
a los
temas
de arte, espacio y
movimiento. Buscamos la difusión e intercambio de propuestas, esperando crear sinergias entre agentes culturales y proyectos de todo el mundo. Creemos esto posible gracias al carácter transversal y casi “omnipresente” de Internet. Así mismo buscamos ser en un agente dinamizador cultural referente en países de habla hispana. Colaboratorio Arte apuesta por la importancia de la proximidad e interactividad entre el producto y el destinatario, así como por la importancia del trabajo en red y de la consolidación de comunidades online sólidas.
[8]
Los
espacios
LAB1
y
LAB2
buscan
promover proyectos artísticos que se encuentren en etapa de work in progress o no. Durante el año 2011 Colaboratorio Arte ha difundido 24 proyectos provenientes de distintas partes del mundo: Alemania, Argentina, Chile, Colombia, España, México y Perú. Este documento pretende ser un resumen cuidadoso de cada una de estos proyectos. Quiero agradecer a todos los artistas y entidades que nos han apoyado enviando sus propuestas, difundiendo nuestros proyectos e interactuando con nosotros en nuestros diferentes espacios online. Un agradecimiento especial a todos nuestros colaboradores: traductores, escritores, fotógrafos e informadores. Gracias a ustedes Colaboratorio Arte es una realidad.
Adriana Cordero Coordinación General
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“Paso Firme”, obra de Juan Barili y Vimarí Soto. Avenida Del Valle esquina 10, Balcarce. Fotografía archivo del proyecto.
NOMBRE DEL PROYECTO: Avenida de los Murales INTEGRANTES: Grupo SOFOBANO PAIS: Argentina AÑO: 2011 EMAIL: sofobano@gmail.com FACEBOOK: SOFOBANO BALCARCE TWITTER: @ sofobano WEBSITE: http://balcarcesalanorte.blogspot.com/
SOFOBANO, es una Sociedad de Fomento con fines solidarios nacida hace 37 años en el Barrio Norte de Balcarce - Argentina. La actual gestión surge de una asamblea popular auto convocada por los vecinos de dicha localidad la cual busca luchar por las libertades y los derechos de todos mediante el arte ya que lo consideran un camino pacífico donde es posible ser uno mismo y crear contextos donde el cambio sea posible, sin temores, con dignidad y fe. Avenida de los Murales es un proyecto de animación cultural que utiliza el arte mural como recurso para promover formas de expresión humana que enriquezca la vida cotidiana. Desde el color y la forma estética en el espacio urbano, se busca contextualizar un movimiento hacia la integración de la diversidad y fragmentación cultural, que
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caracteriza a la sociedad de Balcarce (aprox. 40.000 personas, en el sudeste de la provincia de Buenos Aires, Argentina). Se busca promocionar un cambio liberador, en el sentido de estimular la expresividad de las personas por medio de recursos artísticos diversos pero armónicos, estimulando la paz, la concordia y la alegría por ser elementos necesarios para mejorar la calidad de vida cotidiana. Sin apoyo económico, con recursos solidarios que aportan los vecinos, surge un movimiento, libre de políticas partidarias y de “salarios”, con un producto de calidad emergente e intangible. El proyecto busca cubrir costos se realizando actividades para recaudar fondos como rifas de obras de arte donadas como obras de la pintora Rosa di Doménica, cursos, etc. A los murales se sumó teatro para niños, talleres de mitología guaranítica, conferencias sobre “física para niños”, resolución de conflictos barriales, Congreso regional sobre DDHH de Víctimas de Abuso Sexual, coros y música popular. Los colores dan marco y entorno para que mejore la calidad de las interacciones humanas en el Barrio Norte de la ciudad de Balcarce. (se puede consultar éstas y otras actividades en: http://salanorteboletin.blogspot.com/) Se realizó una evaluación de proceso al año de inicio, después de analizar debilidades y fortalezas, se reformularon acciones, estas serán evaluadas a mediados de 2011. La principal necesidad de este proyecto es obtener alguna forma de subvención, puesto que el factor económico es el punto más débil del proyecto. Igualmente sería muy importante
conocer
emprendimientos
aprendizaje mutuo.
[13]
similares
para
enriquecimiento
y
Fotografía Adriana Cordero para Colaboratorio Arte ©Colaboratorio Arte
NOMBRE DEL PROYECTO: ASESINOS DELICADOS ARTISTA: Gabriel Alayza CURADOR: Renzo Copello ASESORES: Giuliana Migliori, Eduardo Tokeshi, Juan Acevedo PAIS: Perú AÑO: 2011 EMAIL: gabrielalayza@gmail.com En los próximos meses Gabriel Alayza estrenará su segunda exposición individual titulada ASESINOS DELICADOS. La primera fue en el año 2005 apenas egresado de la PUCP en la galería Forum y llevó como titulo CARGAR. Esta muestra buscaba exponer el desarrollo de la ciudad de Lima por medio de recuerdos acumulados, palpables a través de diferentes objetos como esculturas, pinturas, dibujos y una instalación. La exposición tuvo muy buenas críticas. A pesar que, hasta la fecha; Gabriel no ha presentado otra exposición individual o colectiva en el Perú si lo ha hecho internacionalmente, participando en la Bienal de Turquía, en una colectiva en Nueva York y en arteBA en Argentina. También ha seguido desarrollando su pasión por el dibujo, trabajando como ilustrador para un suplemento del diario El Comercio, la revista Dedo Medio y varios libros infantiles; así como en la dirección artística de una película de animación peruana, o como profesor en la PUCP y [14]
USIL desde el año 2007; finalmente uno de los proyectos que le ha dado mayor satisfacción es el grupo Proyecto Barrio con los que ha gestionado diferentes actividades de recuperación del espacio público como el Carnaval de Barranco (Lima-Perú) para las ediciones los años 2008 y 2009. Gabriel empieza a trabajar esta segunda individual en el verano del año 2009. Su búsqueda tiene como punto de partida una reflexión acerca del dibujo, buscando defender las artes gráficas como un arte tan valioso como la pintura al óleo; sosteniendo esta posición sobre la idea del cómic o historieta. Para él la ilustración tiene una función que va más allá de lo decorativo, es decir no es solo una imagen que acompaña un texto; el dibujo tiene una carga narrativa en sí mismo y dependiendo de nuestra forma de lectura podemos encontrar diversos caminos y significados. Así pues Gabriel nos invita a involucrarnos en una muestra de más de doscientas obras en diversos formatos y técnicas, donde las paredes actuarán como metáforas de las páginas de su historieta, y nosotros como lectores recorriéndolas.
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Fotografía archivo del proyecto
NOMBRE DEL PROYECTO: DOSIS INTEGRANTES Alejandro Chinchay Moreno (voz) Cristhian Avalos Alarcón (sintetizador y secuencias) Enrique Secaira Venegas (guitarra principal) Ronald Zarate (bajo) Rudry Santibáñez (batería) PAIS Perú WEBSITE http://www.dosis.tk/ EMAIL dosisfb@hotmail.com
Sonidos densos y volátiles comprenden el concepto musical de la banda DOSIS, que recorre las vertientes del Synth-Pop, Electro, el Rock y la Psicodelia. El nombre DOSIS es relativo a la necesidad de crear nuestra música como satisfacción propia y entregar nuestro espíritu al arte comenta Cristhian Avalos. El nombre aportado por Delio Retamozo, ex baterista del grupo.
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La banda se forma aproximadamente a mediados de 1999 con la fusión de los primeros integrantes: Cristhian Avalos (Cristh), Enrique Secaira (Kirk), Alejandro Chinchay (Lex) vocalista de la banda y Marco Prado en el bajo, creando un sonido netamente instrumental, de corte "psicodelia" influenciados por Pink Floyd y el Heavy. . DOSIS es un proyecto de música Audio-Visual. Su interés es participar en montajes musicales-teatrales y conciertos dentro del género ROCK. Por el momento no cuentan con el apoyo de ninguna entidad siendo todo sus proyects autogestionados. Los integrantes componen sus propios temas integrando sus conocimientos de edición de música asistido por PC así como sus conocimientos de electrónica para personalizar sus equipos de sonido e instrumentos; buscando marcar la diferencia. DOSIS ha compartido escenario con renombradas bandas peruanas como: Frágil, Dolores Delirio, La Sarita, Wayo, Textura, entre otros. Este año nos presentan su nuevo álbum TRANSCEIVER. El primer corte del disco se llama CALIZ, el cual ha tenido mucha acogida por parte de sus seguidores contando con un videoclip realizado a partir del cortometraje de Pére Koniec (España) EFIMERO 87, permitiendo a la banda hacerse conocida internacionalmente.
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“Y comenzó el verano” fotos Santi Burgos para Islas en el asfalto
NOMBRE DEL PROYECTO: Islas en el asfalto INTEGRANTES: Colectivo Imáyina PAIS: España AÑO: 2010 y en curso EMAIL: kientabakori@hotmail.com TWITTER: @ sofobano WEBSITE: islas en el asfalto/Factbook.com APOYO: Delegación de Participación Ciudadana y Cultura del ayuntamiento de Leganés
El espacio circular del interior de las rotondas son lugares no utilizables, prohibidos al peatón e inaccesibles. Este trabajo artístico muestra la posibilidad de alterar estéticamente esa realidad urbana. Lanzamos un mensaje contextualizado y optimista sobre la habitabilidad y disfrute de la ciudad, compartiendo por un instante este espacio con la ciudadanía, evadiendo momentáneamente el único cometido de esas islas en el asfalto… El legado monumental que contiene Leganés, junto con la singularidad del espacio que ocupa el número de rotondas, hacen de este proyecto una manera única de querer mostrar y compartir ese espacio circular con la ciudadanía y su derecho/opción de habitar de manera más sosegada en la atmósfera apresurada de nuestros días, pararse a mirar… [18]
Las intervenciones se realizaron con la colaboración de la policía municipal, ya que no se quería producir ningún incidente. La exposición actual cuenta con 24 fotografías, las fotos están montadas sobre metal: 16 fotografías en tamaño: 70x43 cm 4 fotografías en tamaño: 100x70 cm y el video de 4,50 minutos de duración. Realiza: Colectivo Imáyina Fotos: Santi Burgos Video: Marga Merchan Idea y coordinación: David Prieto 607 24 53 16
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Fotografía archivo del proyecto
NOMBRE DEL PROYECTO: Disco EL ARTE DE SEGUIR VIVOS (Grabado en Lima Perú, en los estudios EL TECHO -Pueblo Libre, Lima/Perú) INTEGRANTES: Mauricio Hooker Cruz, bajo y flautas (traversa y dulce) Daniel López Gutiérrez, teclados, xilófono Angelo Perez Palma Tomandl, Voz y armónica Eduardo Valcarcel Cabero, Guitarra eléctrica y acústica Victor K. Otarola Muñoz, Bateria PAIS: Perú AÑO: 2008 EMAIL: kharminaburanna@gmail.com, mhookerc@gmail.com WEBSITE: www.myspace.com/kharmina_buranna FACEBOOK: Kharmina Buranna . Kharmina Buranna es una banda de rock progresivo formada en agosto del año 1996, y desde entonces viene dando conciertos ininterrumpidamente. La historia de Kharmina Buranna puede dividirse en dos etapas, de acuerdo a las influencias y al género musical desarrollado en cada una de ellas: en la primera (19962000) el grupo se caracterizó por tener un sonido con marcadas influencias del blues estadounidense y del rock blues británico. Para la segunda etapa (2001 en adelante) Kharmina Buranna se convirtió en una banda de rock progresivo, influencia [20]
musical que se compartía entre los miembros del grupo desde mucho tiempo atrás pero que no se había plasmado musicalmente. Actualmente, la banda toca sólo temas propios, y entre sus influencias están bandas como Yes, Pink Floyd, King Crimson, Jethro Tull, Camel, Focus, Gentle Giant entre otras. Su primer disco titulado El Arte De Seguir Vivos, cuya riqueza radica en la complejidad técnica de sus temas, cuenta con 5 temas y la participación de Tavo Castillo de Frágil en flauta traversa y la reconocida violinista japonesa Pauchi Sasaki. El disco ha obtenido buenos comentarios de la crítica especializada. La producción musical de este disco estuvo a cargo del reconocido productor Lalo Williams, y el disco fue presentado oficialmente en un concierto que la banda dio el viernes 1 de agosto de 2008 en el Sargento Pimienta de Barranco (Lima-Perú). Dentro de sus próximos eventos se ha confirmado la participación de la banda en el Festival Baja Prog 2012 a realizarse el próximo año en Baja California, México. Asimismo, participaron en el Santiago Art Rock Festival (abril de 2011 – Santiago de Chile - Chile), y el Festival Crescendo, el cual se realiza anualmente en las playas de Sur de Mer,en Montreux - Francia. Kharmina Buranna está liderando la asociación de varias bandas de rock nacionales (Frágil, La Sarita y Flor De Loto) y extranjeras (Cast de México, Entrance de Chile y Tettrioariga Krigett de Suecia) para la realización del primer Festival de Art Rock Peruano, a realizarse en Lima en abril de 2012, ello con el objetivo de colocar al Perú al nivel de otros países del mundo donde se realizan estos festivales: Río Art Rock en Brasil, Madrid Rock Fest yRotaprog en España, Progpower en Holanda, NearFest en USA, entre otros. Acerca de su necesidad de apoyo nos comentan necesitamos apoyo en la difusión de la obra y con esto poder conseguir contratos musicales para el disco, seguidores de nuestra música y apoyo para organizar eventos de rock progresivo que se está haciendo cada vez más grande la movida de este estilo en Lima.
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Ilustración Aga Markowska – fotografía archivo del proyecto Ametz Eta su Bola
NOMBRE DEL PROYECTO: Ametz Eta su Bola INTEGRANTES: Fabián Morales Sánchez (músico y desarrollo tecnológico) Aga Markowska (Ilustradora) Cassío Markowski (escenógrafo y artista relacional) Diana Franco (desarrollo tecnológico y coordinación) PAIS: México, Polonia, Brasil, España AÑO: 2010 - 2011 EMAIL: diana@socialsound.tk WEBSITE: http://www.ametz.tk APOYO: Gobierno Vasco. El proyecto está buscando Sponsors y otro tipo de colaboradores. Hace unos meses llegó a nuestro email el proyecto Ametz y la Bola de Fuego o Ametz Eta su Bola (en Euskera). Los integrantes de este proyecto lo definen como un experimento, todo un proceso de aprendizaje con el objetivo final de adquirir conocimiento que nos permita seguir
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creando entornos interactivos. Si logramos crear entornos interactivos podremos llegar a proponer
nuevas
formas
de
expresión
artística
y
transmisión
de
conocimiento. Realizaremos el cuento en Euskera. Utilizaremos software de libre distribución como processing y hardware libre como arduino. El objetivo del proyecto Ametz y la Bola de Fuego: Un Cuento Interactivo Inmersivo sobre Mari de Anboto es crear una experiencia interactiva para niños y niñas, con la que podrán vivir un cuento de manera intensa y emocionante. Este proyecto nació con la voluntad de llevar los cuentos más tradicionales de la cultura Vasca y sus valores positivos a las nuevas tecnologías de narración. Así, los niños y niñas se convierten en protagonistas del cuento; desarrollando valores y habilidades sociales como: hablar en público, compartir experiencias, relacionarse. Finalmente este proyecto es un nuevo canal que busca alternativas a la hora de transmitir conocimiento. En estos momentos el equipo de Ametz está trabajando en la estructura y en los flujos de guión del cuento para tener listo el primer prototipo para julio de este año.*
SINOPSIS DEL CUENTO: Ametz es una pequeña niña que vive en el pueblo de Durango al pie del monte de Anboto de Bizkaia. Huérfana, desde muy pequeña queda al cuidado de su tia Argi y su abuelo Apal. Ametz tiene como compañero de juegos a su perro Ttipi y on él vivirá grandes aventuras para proteger el bosque y su amigo Zuhaitz el viejo árbol de los planes malvados del Dr. D. y su ayudante el genio maligno Aiar.
PATROCINIOS: El proyecto está buscando financiación que les permita adquirir equipo y escalar el proyecto. Si estás interesado puedes obtener más información escribiendo a Diana Franco al email diana@socialsound.tk
*Ametz eta Su Bola se presentó el 8 de diciembre de 2011 en el Teatro San Agustín de Durango en el contexto de la Feria del Libro y del Disco Vasco.
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Fotografía archivo del proyecto
NOMBRE DEL PROYECTO: retratos 8 - bit INTEGRANTES: Colectivo Pay de Menta, conformado por: SamuelAyala Lozano: Licenciatura en Artes Visuales, Facultad de Artes Visuales, U.A.N.L. Mónica C. Bautista Llanes: Licenciatura trunca En Diseño Gráfico en la Facultad de Arquitectura y Diseño Grafico de la Universidad Metropolitana de Monterrey PAIS: México AÑO: 2011 EMAIL: samayalost@hotmail.com, mony_bautista@hotmail.com WEBSITE: http://paydementa.tumblr.com/ CANAL YOUTUBE: http://www.youtube.com/user/enon1000 EL colectivo Pay de Menta surge alrededor del mes de noviembre del año 2009. Sus obras reciclan imágenes con una alusión clara al pop-art y a una cultura masiva pero sin dejar a un lado cuestiones sociales del contexto local. A pesar de que este colectivo es bastante joven ha buscado siempre nuevos medios e ideas para expresa de su punto de vista ya sea desde una visión generacional, contextual y social. El proyecto retratos 8 – bit surge a partir de un primer proyecto llamado con respecto Jeopardy 2012, el cual consistía en una pieza interactiva a modo de mini[24]
videojuego. Haciendo referencia al juego de Jeopardy original se deben responder varias preguntas, cuestiones tanto políticas como sociales y ambientales con respuestas absurdas. Es un tanto jugar con las reglas del juego Jeopardy donde cada pregunta debe ser contestada en forma de pregunta, en la modificación se pretende que en lugar de preguntas se den acontecimientos actuales y cuya respuesta a todos esos dato sería algo así como ¿qué está pasando? Ejemplo: Pregunta: Con 11.5 millones de personas que radican fuera del país, México es el primer emisor de migrantes en el mundo. Respuesta: ¿Qué está pasando? En principio el proyecto de Jeopardy 2012 era modificar el videojuego de Jeopardy en su versión de NES, pero tuvimos problemas porque no manejamos el lenguaje de programación hexadécimal, lo cual resolvimos programando el juego en flash y utilizamos el pixel-art tanto en gráficos como animaciones para emular el juego en su versión de Nintendo. Mónica nos explica que en los últimos tres años nuestro Estado ha sufrido un creciente aumento de violencia debido a la guerra de los carteles, es así que muchas personas del circuito del arte y conocidos se han mudado hacia el centro y sur del país y solo nos hemos podido contactarnos mediante las redes sociales, de cierto modo el proyecto que estamos planteando es este nuevo sentimiento de distanciamiento, así como un reencuentro con conocidos al pedirles retratos fotográficos para poder transformarlos en pixel-art. Sentimos también que las animaciones cuadro por cuadro es un terreno interesante y poco explorado en nuestra ciudad y nos permite utilizar un medio poco usual intentando darle movimiento a la forma convencional de retrato.
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Bertha Esteban -36- fotografía archivo del proyecto
NOMBRE DEL PROYECTO: -36NOMBRE DE INTEGRANTES: Bertha Esteban PAIS: Perú AÑO: 2012 EMAIL: berthaesteban@hotmail.com La artista peruana Bertha Estaban nos presenta el proyecto – en construccióntitulado 36. El objetivo de esta muestra es la mirada interna de los procesos cotidianos de la persona – artista que sobrevive al caos emocional y social dentro de una sociedad donde la expresión del color y la forma toma un carácter expresivo como parte del sobrevivir y como a su vez como la percepción de la vida puede ser un constante cambio dentro del marco sensorial de una persona, influenciado por diversos factores y estímulos negativos o positivos. Se inicia a partir del análisis de la vida de la artista, la pregunta es ¿Por qué? Hace poco realicé un estudio sobre el proceso creativo de mi obra, donde se trataron varios puntos que influyeron en mi pintura esa propuesta la sigo explorando día a día y forma parte del antecedente para realizar esta muestra. [26]
En este proyecto Bertha presenta parte de sus “vivencias” durante estos últimos años, hechos
cotidianos, recuerdos, sucesos que aparecen o reaparecen en
escenarios… es por ello que deseo llamar a esta muestra “36”, alusivo a mi edad y a los recuerdos que se han podido rescatar durante esos años y que actualmente siento la necesidad de representarlo en un lienzo en blanco o fondo con color. La obra de Bertha está planteada con elementos simbólicos haciendo referencia a algunos elementos del paisaje como nubes, flores, montañas, personas, etc., pero sobretodo el personaje como eje principal en el proyecto es ella misma, dado que este personaje es el reflejo de su persona en diferentes facetas; paseando, tomando un café, conversando, soñando, amando o simplemente contemplando un estado emotivo… Con el transcurso de los años he buscado elementos que sean característico en mi obra y es por eso que ahora estos símbolos tienen más presencia significativa. El buscar dentro de mis recuerdos y vivencias con el tiempo han madurado en forma, color, textura visual y también en significado de la imagen. La monocromía de color estuvo planteado desde un inicio del proyecto donde el contraste por figura – fondo y con toques de textura dan como resultado un lenguaje lúdico haciendo una remembranza a los monigotes realizados en la etapa inicial del proceso gráfico de mis dibujos, donde el no color blanco – negro juega un papel importante como significado de neutralidad y de intervalo emocional en mi proyecto de vida personal y artística. Expreso como importancia al dibujo con algunos caracteres de color y que solo se puede apreciar en un segundo plano del contexto del proyecto realizada en las intervenciones de los retratos. En las obras se pueden observar el juego de imágenes, formas, líneas dando como resultado una serie de obras con una expresión simbólica buscando un propio carácter dentro del espacio del lienzo en blanco. La serie de cuadros presentadas para la muestra 36 dan como resultado una parte de mí sentir y mi expresar como persona – artista.
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Fotografía archivo del proyecto Desenduadre y Superficie
NOMBRE DEL PROYECTO: Desencuadre y superficie NOMBRE DE INTEGRANTES: Nicolás Lamas PAIS: Perú AÑO: 2011 EMAIL: nicolaslamas@hotmail.com WEBSITE: lamasnicolas.blogspot.com
La muestra Desencuadre y superficie gira en torno a distintas líneas de reflexión acerca de la representación visual de los territorios naturales. Mediante el uso de diferentes soportes y estrategias, Lamas propone una serie de piezas que remarcan la condición de la imagen fotográfica como construcción virtual, la cual modela nuestro modo de pensar y entender lo que definimos como entorno natural. La propuesta del artista se convierte en una reelaboración y relectura de imágenes -apropiadas de diferentes fuentes documentales- que se muestran como estandarizaciones culturales de lo que concebimos como naturaleza indómita; territorios anónimos e inaprehensibles que se configuran como paisajes dentro de nuestra memoria.
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De esta manera, las obras exhibidas en la sala reproducen versiones manipuladas de escenarios naturales y cartografías, que cuestionan nuestra familiaridad con los sistemas de representación como vía de entendimiento de lo real. Mediante diferentes modalidades de interferencia, las imágenes se ocultan, atraviesan, agreden, desfiguran o reconfiguran; remarcando así, su propia condición mimética de superficie impresa que representa una realidad que siempre se escapa. Todo ello, rompe con la hiperdefinición que se busca en la imagen que hoy reta a la misma realidad. Las piezas dispuestas en la galería muestran en diferentes medidas un desencuadre, ruido o distorsión visual que implica tanto al material gráfico como los objetos exhibidos, generando así, un diálogo y colisión continua entre éstos. Se genera así, una dinámica de flujo y reflujo en la visualidad que remite a las estrategias de representación, ordenamiento y sistematización de una naturaleza cuestionada. Imágenes y objetos documentales que son mostrados de un modo desfasado y cuya existencia misma a veces entraña una contradicción y evidencia la simulación implícita que encierra todo sistema de representación a través de sus fisuras.
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Fotografía archivo del proyecto
NOMBRE DEL PROYECTO: ZONA30 - PLATAFORMA DE EXPERIMENTACIÓN Y RESINDENCIA NOMBRE Y APELLIDO DE INTEGRANTES: Christians Luna, Investigador de Cosas y docente de diseño y artes contemporáneas artista visual, curador, activista, director de la galería Plátano, performance, intervenciones urbanas poeta. Joaquin Goldstein (pintor, performance, integrante del colectivo Nenna Canale de Buenos Aires Argentina) PAIS: Perú AÑO: 2011 EMAIL: zona30.procesos@gmail.com WEBSITE/BLOG: http://zona30-peru.blogspot.com
Este espacio pertenece a Joaquin Goldstein pintor e integrante del colectivo argentino Nenna Canale el cual se viene usándo como taller desde principios del año 2010. El espacio había sido las oficinas administrativas de la minera puquio cocha (material con el cual contaba el espacio a la hora del 1 work in progress. En marzo del 2011 se instala ZONA 30. ZONA 30 es una plataforma de procesos de experimentación y residencia artística. Dentro de un periodo de 15 días de trabajo se instalara en el espacio; un work in progress, talleres, conversatorios, capacitación entre otros. Esta experiencia tiene muy claro “el proceso” como eje central del proyecto. ZONA 30 es un espacio de colaboraciones abiertas para toda persona que desee sumarse; artistas, investigadores, activistas, amigos, extranjeros. No importa el área sino la necesidad de investigar. ZONA 30 no es un espacio de exhibición es una zona de intercambio de capacidades. Actividades: La residencia de extranjeros es libre, es decir -el extranjero se auto postula- solo necesita confirmar su llegada a Lima para programarlo y reservar su espacio, nosotros le ayudamos
con
todo
lo
que [30]
necesita
en
su
estancia.
Nuestro espacio es autogestionario y ofrece casa, internet, cocina. Y materiales con los que cuenta el espacio que son estantes de metal. El espacio es un tercer piso de 600metros cuadrados aprox. Work in progress Experiencias de 15 días con la participación de un residente extranjero (latinoamericano o internacional). Intersticios
Zona
donde
el
público
propone.
Plataformas grupales, colectivas, solitarias, experiencias sonoras, audiovisuales, performáticos, científicas, etc.; ya sea para grupos limitados o abiertos. Todo es flexible previa
conversación.
Convocatoria se desarrolla una metodología para las actividades a realizar, para convocar a los artistas locales para el work in progress u otra experiencia que se tenga que realizar. Conversatorios Zona de presentación de portafolios ya sea de investigadores u creadores que deseen compartir su experiencia. También sirve de soporte para diagramar propuestas interdisciplinarias de retroalimentación de conocimiento, tanto para creadores locales o visitantes.
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Paúl Zelada - Utopía de la Identidad
NOMBRE DEL PROYECTO: Utopía de la Identidad NOMBRE Y APELLIDO DE INTEGRANTES: Alejandra Delgado / Juan Chávez / Wendy Castro / Paúl Zelada / Grace Sandoval / Oscar Vega / Juan Carlos Alvarado Curaduría: Carlos David Chávez Alvarado PAIS: Perú AÑO: 2010 EMAIL: wendycastrodeza@gmail.com WEBSITE/BLOG: http://galeriadeartecap.blogspot.com/2010_07_01_archive.html ¿Cómo reconocer nuestra identidad, quiénes somos y qué seremos en el futuro? Son algunas interrogantes y reflexiones que nos plantean siete artistas residentes en Trujillo.
La diferencia entre lo que somos y lo que quisiéramos ser, entre nuestra realidad y la manera como la imaginamos, así como nuestros problemas y aspiraciones, forman parte del rasgo definitorio de las obras expuestas. En ese plano también se ubican: la necesidad de entender la creación contemporánea como herramienta de reflexión, acción, interacción, intercambio, aprendizaje, comunicación; es decir el Arte como un espacio [32]
generador de propuestas utópicas y de mecanismos simbólicos donde se intenta reflejar el sentir de un colectivo humano. De esta manera, el proyecto Utopía de la Identidad recoge el interés del arte por nuestro presente social, económico, político y cultural, en el que la sensación acelerada de
transformaciones
forma
parte
del
estado
de
normalidad.
El proyecto se presenta como un discurso que enlaza distintas visiones de nuestra sociedad. En definitiva, la exposición recrea un escenario de rearticulación de discursos, cuestionamientos y reflexiones críticas entorno a la construcción, reafirmación y desarrollo que viene adquiriendo el término identidad en relación con los cambios que vive el colectivo humano de Trujillo, asimismo, la posibilidad de metaforizar e idealizar la complejidad de nuestro contexto social desde una óptica estética-experimental, no objetual. Es decir de formas desmaterializadas de arte.
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Mundo Muta – fotografía archivo del proyecto
NOMBRE DEL PROYECTO: MundoMuta INTEGRANTES: Felipe Herrera y Jimena Burneo PARIS: Perú AÑO: 2011 EMAIL: mundomuta@gmail.com WEBSITE: http://mundomuta.wordpress.com/ http://www.talenthouse.com/jimenaburneoto El proyecto MundoMuta es un proyecto creado por el artista Felipe Herrera, cuya finalidad es sembrar el arte y propagarlo. La palabra “muta” surgió de mutación, de cambio, de transformación, de evolución, a largo plazo se dice, que las mutaciones son esenciales para nuestra existencia, y la idea entonces de este proyecto es propagar el contagio de la pasión por el arte. La causa de una mutación es un estimulo, en este caso el estimulo es esencialmente el arte. Felipe nació en Lima-Perú, donde estudio diseño gráfico y posteriormente la carrera de bellas artes, especializándose en pintura. Una vez creado el proyecto MundoMuta, decidió empezar a viajar para realizar su labor de difusión, luego de vivir en Río de Janeiro-Brasil, decide explorar en territorio [34]
europeo, y llega a Barcelona como punto de inicio, donde empezó a realizar múltiples exposiciones y conoce a Jimena Burneo, su compañera, arquitecta de profesión y pintora, Jimena se une a su proyecto y deciden entonces juntos empezar uno nuevo: MundoMutaTripGallery. Este proyecto nació en Münster en la región de Nordhrein Westphalia dentro de Alemania, donde vivieron ambos produciendo el material para iniciar el viaje. La idea era hacer una galería de arte móvil. El TripUno tuvo como puntos varias ciudades europeas, dentro de Alemania, Berlín, Münster y Köln, dentro de Suiza, Berna, Nyon y Sierre y finalmente dentro de Francia, las playas de la costa azul Martigues y Collioure. Colliure es el punto final porque es tierra de pintores, es un pequeño pueblo al sur de la riviera francesa, en la llamada costa vermella, con mucho encanto, lleno de callecitas , monumentos medievales y galerías de arte, fue punto de inspiración de varios pintores, Picasso, Dali, Chagall, Matisse y Derain vivieron y trabajaron ahí.Felipe y Jimena, con el proyecto MundoMuta, eligieron este lugar, donde junto con otros pintores, realizaron la exposición diaria en el llamado Castillo Real, monumento histórico que data del siglo VII, donde todas las tardes del verano se congregan diversos pintores internacionales a pintar el paisaje y exponer sus obras. Finalizada la experiencia la pareja se prepara nuevamente en Barcelona para emprender otra aventura, empezando nuevamente el ciclo y el material artístico, para continuar con el proyecto y realizar el futuro viaje que aun no ha sido planeado.
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Fotografía archivo del proyecto
NOMBRE DEL PROYECTO: Imaginando INTEGRANTES: Yolanda Yone PARIS: España AÑO: 2011 EMAIL: yolandayone@gmail.com WEBSITE: www.yolandayone.es FACEBOOK: Yolanda Yone! MYSPACE: http://www.myspace.com/yolandayone Yolanda Yone es una cantante y compositora nacida en la ciudad de Barcelona. Su abuelo fue clarinetista y saxofonista y fue él quien le impartió sus primeras lecciones de
lenguaje
musical.
En
su
web www.yolandayone.es nos
habla
sobre
su aprendizaje musical: casi sin darme cuenta, mi vida ya estaba impregnada de música. Podría enumerar un montón de trabajos y viajes hasta llegar aquí. Se aprende en cualquier lugar, un escenario, un autobús, un estudio, en la calle, en el colegio... Compaginé durante algunos años varios empleos con la música, hasta que decidí dedicarme exclusivamente a ella. Trabajé en orquestas, con grupos de techno, funk, poplatino, boleros, estándares de jazz, jingles, televisión. Hoy Yolanda nos presenta su primer trabajo en solitario titulado IMAGINANDO. El álbum contiene diez canciones íntimas y ha sido escrito en dos periodos importantes [38]
de su vida, donde se puede encontrar una conjunción de muchas cosas: rabia, duda, incertidumbre, alborozo, cambios bruscos y desilusiones, tuve tantas subidas y bajadas, que al final me instalé muy dentro de mí, para poder encontrarme y no desfallecer. Pero no fue tan difícil! Te paras, coges aire y continúas. Siempre se puede buscar un nuevo camino de certezas y esperanzas. Y eso, es lo que al final me han dado estas canciones. Sus canciones, compuestas por la propia cantante; nos hablan de los sueños, del amor, de los segundos que no quiere dejar pasar , de la nostalgia que siempre nos acecha en algún momento de nuestra vida pero ante todo es un disco optimista, con aire fresco, lleno de colores y cargado de energía! IMAGINANDO ha sido mezclado en Miami y producido por el cantante argentino Lucas Masciano y el músico Marcelo Frajmowicz para el sello Elefantito Records. CREDITOS: ................................................... ...Yolanda Yone ..................................................................... .....
Voz Toni Mateos Batería
Manuel Bagüés Bajo Contrabajo Pepe Curioni Gustavo Fantino Guitarra española Lucas Masciano Guitarra acústica, española y eléctrica Marcelo Frajmowicz Teclados, programación, guitarra eléctrica ukelele, acordeón y percusión Ernesto Briceño Violín y arreglos de cuerdas Elena Vázquez Violín en "París ya no está aquí" Antonia Parapar Violoncello Xavier Pinyol Oboe
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Diseño Roger Adams para La Porta – Festival LP´11
NOMBRE DEL PROYECTO: Festival LP´11 (3era edición) ORGANIZA: La Porta, con el apoyo de Departament de Cultura i Mitjans de Comunicació – Generalitat de Catalunya, Institut de Cultura de Barcelona – Ajuntament de Barcelona Con la colaboración del Mercat de les Flors, el CCCB y La Poderosa PAIS: Barcelona – España FECHAS: del 4 al 27 de marzo 2011 WEBSITE: http://laportabcn.com FACEBOOK: grupo Festival LP´11 TWITTER: La Porta Barcelona BLOG: http://www.tea-tron.com/laporta/blog/ EMAIL: laporta@pangea.org
Durante el próximo mes de marzo se presentará la 3era edición del Festival LP. Éste es un festival bianual que se concibe como un espacio de “exposición” en el sentido de mostrar y dar a conocer propuestas que ponen en juego la creación actual alrededor del cuerpo, el movimiento y la acción. Para ello estarán en escena artistas como Paz Rojo, Mauricio González, Juan Domínguez, Bea Fernández, Nicola Unger, Cristina Blanco, entre otros. LP tiene la particularidad que, en cada edición, se cuestione tanto su formato como su sentido (¿por qué?, ¿para qué? y especialmente ¿para quién?). Así surge la pregunta ¿qué queremos entender como danza o escena? muestra de esta búsqueda son los spots publicitarios de la 1era (2007), 2da (2009) y ahora 3era edición (2011), cada uno con personalidad propia.
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El Festival LP busca situarse más allá de valoraciones estéticas y de categorías, de cuantificaciones, de indicadores de contemporaneidad e índices de audiencia. Para el equipo de La Porta la asimilación de la obra artística va más allá del consumo de un producto y el espectador es mucho más que simple consumidor medible a través de la asistencia a un evento o el pago de una entrada. Preferimos aprovechar ciertas fuentes, acercarnos a conocer mejor el trabajo de creadores que consideramos esenciales. LP pretende tomarse el tiempo para verlos y escucharlos, para dejarse ocupar por su sensibilidad, sus preocupaciones, intereses y obsesiones. Darnos y dar al público la oportunidad de entrar en contacto desde el propio cuerpo,
más
allá
de
los
ojos.
Ahora más que nunca, queremos seguir abriendo espacios de visibilidad para lo específico, para lo no comercial, para todo aquello que se atreve a hablarnos de tú a tú y dejarnos suspendidos.
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Kenji Nakama - Fotografía Tania Cordero para Colaboratorio Arte ©Colaboratorio Arte
NOMBRE DEL PROYECTO: Próxima muestra del artista Kenji Nakama ARTISTA: Kenji Nakama CURADOR: Renzo Copello INAUGURACIÓN: 19 de Mayo, Galería Lucía de la Puente PAIS: Perú AÑO: 2011 CONTACTO: facebook.com/kenji.nakama Hace aproximadamente un mes y medio atrás, durante mi viaje al Perú, visité el taller del artista Kenji Nakama quien comparte espacio con las también artistas Ana Barbosa (Anat Ropa) y Vanessa Webber. Al ingresar al taller se pueden observar pequeños espacios donde cada artista realiza “su magia”. Llegamos a un gran espacio iluminado por un gran ventanal y coronado por montañas grises formadas por revistas y periódicos, todos elementos reciclados. Kenji
trabaja desde el año 2007 en la investigación y creación de
espacios/paisajes pictóricos tomando como referencia la desfragmentación de la luz en la televisión.
Resultado
de
esto
son
series
como
PLANÉSTATICA,
NATURALEZA y LA PROLONGACIÓN DEL ESPACIO.
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NUEVA
En PANGEA, su primera individual también en la Galería Lucía de la Puente, forman parte de la muestra una serie de collages y montajes que muy posiblemente son el punto de partida para esta segunda individual. Para esta segunda individual Kenji nos prepara una serie de montajes utilizando elementos reciclados como revistas y periódicos, formando figuras orgánicas voluminosas; a modo de montañas o nódulos de aproximadamente 70x100 buscando generar una reflexión acerca de las sociedades de consumo, los productos “mass media” y la gran cantidad de información a la que tenemos acceso.* No se pierdan esta interesante exposición que va desde el 19 de Mayo en la Galería Lucia de la Puente Barranco.
*Cuando visitamos el taller de Kenji las obras aun estaban en estado de “gestación”.
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Fotografía archivo del proyecto
NOMBRE DEL PROYECTO: Diagramer INTEGRANTES: Riccardo Attanasio and Johanne Timm PAIS: Germany AÑO: 2010 EMAIL: Actionentropy@yahoo.com WEBSITE/BLOG: http://www.flickr.com/photos/actionentropy/ La performance inicia mostrando un dibujo hecho usando cinta negra adhiriéndola a una cortina de color blanco opaco situada a modo de fondo de la escena. El camino o figuras que forman las líneas serán seguidos por movimientos ejecutados por el performer que representan el dibujo. El
movimiento
hará
énfasis
en
la
dirección
y
grosor
de
la
línea.
Los artistas buscan desarrollar con la performance una metáfora entre la línea negro sobre el fondo blanco y el movimiento del interno del performer movimiento. Buscan llevarnos a
jugar
con
el
movimiento
interno
de
una
vertical,
horizontal línea o diagonal. Para visualizar este y otros videos puedes hacer click en http://www.youtube.com/user/matlakas#p/a/u/0/fGvatjUa0U4link [44]
Fotografía archivo del proyecto
NOMBRE DEL PROYECTO: BOTTOM -Pintura TeatroARTISTA: Pi Piquer EMAIL: espaihamam@yahoo.es PAIS: España AÑO: 2011 WEBSITE: http://pipiquer.wordpress.com/ Pi piquer empieza a hacer graffitis y comics en el año 1984, y este mismo año entra como colaboradora de la revista El Vibora, donde estará en la redacción junto a todos los dibujantes que entonces participaban de la revista… y durante la noche saldrá a graffitear las calles de Barcelona con el grupo Kukufruts, del cual es cofundadora. En 1985, entra a ralizar estudios de pintura en la escuela de Massana, dodne estudia cinco años. Al mismo tiempo entra a trabajar a Televisión Española, a pintar escenografías de varios programas, siendo PLASTIC -un programa cultural de gran audiencia- uno de los más destacados. En 1990 finaliza sus estudios de pintura y entra en el Instituto del Teatre, en la especialidad de escenografía. Paralelamente trabaja haciendo varias colaboraciones de escenografía y vestuario en montajes profesionales y dando talleres de pintura y graffitis en diferentes barrios. En 1994 participa en el musical Golfus de Roma, bajo la dirección Mario Gas; y se va de gira por toda España durante un año y medio. Al regreso inaugura un local/sala [45]
de exposiciones en el corazón del barrio del Raval - Barcelona, en el espai Hamam, donde duante catorce años realiza y exhibe su obra pictórica. Pi Piquer es una artista totalmente autogestionada, que nunca ha recibido ningún tipo de ayuda institucional para llevar sus proyectos adelante. Es el propio publico de Pi que, con la adquisición de sus pinturas; colabora con la financición de sus proyectos. Este año Pi nos presenta el espectáculo BOTTOM –Pintura Teatro- , espectáculo visual inspirado en el libro El fin del mundo como obra de arte, de Rafael Argullol; plateándonos una escenificación plástica de una idea, siendo la printura su principal protagonista. A través de ella nos cuenta un viaje totalmente pictórico, desde su origen hasta su decostrucción como parte del proceso para seguir buscando el camino de la escencia. Un viaje hacia el fondo de la pintura, al lugar dodne nace el impulso que nos lleva a pintar en la vida. El enigma. Desde la búsqueda del pigmento hasta el momento en el que hay que destruir lo pintado para seguir buscando, desde la nada. Realizará pinturas en directo en ocho escenas, apoyadas por elementos de videocreación. Concebidas como cuadros pláticos consecutivos, las escenas transportarán al espectador a un vaje hacia todo aquello que rodea el mundo de la pintura. Cuando el público abandone la sala se encontrará dentor de una exposición, d ela que vivido su realización con complicidad.
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Fotografía archivo del proyecto
NOMBRE DEL PROYECTO: Galería del Grabado “Persa Bio-Bio” INTEGRANTES: Miembros de talleres de Grabado TAV de Santiago de Chile - Chile y el Taller Kimkilen de Lima- Perú PAISDEL EVENTO: Chile AÑO: 2011 WEBSITE: http://galeriagrabadopersabiobio.blogspot.com/ El 4 de junio se inauguró la Galería del Grabado “Persa Bio-Bio”, ubicada en el antiguo Barrio Franklin en Santiago de Chile. Este proyecto es organizado por los talleres de Grabado TAV de Santiago de Chile y el Taller Kimkilen de Lima- Perú, la iniciativa es de Campana y Marco Duran, artistas chilenos con amplia experiencia en el campo de la edición de grabados y dirección de proyectos artísticos. Los miembros del Taller Kimkilen han pertenecido al TAV y desarrollado proyectos gráficos entre artistas de ambos países. Nuestro objetivo principal es ofrecer grabados de connotados artistas al alcance de todos las clases sociales, diferenciándonos de una galería de arte comercial, donde suelen estar tres veces más del precio de las obras que exhibimos en este espacio. Así, hemos elegido la fabrica que pertenecía a una curtiembre que fue paralizada en el año 73 a raíz del desequilibrio social y económico que produjo la dictadura del 73, muchas fabricas cerraron, disolviendo los sindicatos de trabajadores, dando termino de grandes fabricas que agrupaban a trabajadores y que se constituían un claro peligro
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para
el
régimen
militar.
El famoso Barrio Franklin es un lugar periférico que bordea la ciudad entregando toda una cultura del mercadeo de pulgas, esto hace aún más interesante el visitar esta propuesta puesto que para llegar al stand se debe recorrer la ciudad, caminar, ver, analizar llenando al visitan de de una riqueza cultural y de un imaginario que nos entrega esta comuna
de
Santiago.
Es por ello que ambos talleres se unen para hacer accesible el arte grafico al usuario que busca encontrar algo diferente y único entre la amplia diversidad de productos que podemos comprar. Entre los artistas chilenos y peruanos encontramos a: Carlos Donaire, Campana, Carolina Salinas, Tatiana Vukasovic, Guillermo Frommer, entre muchos otros artistas
que
participan
de
nuestro
proyecto.
La paica del grabado, término que en Chile significa el lugar donde encuentras cosas a bajos precios y de ocasión, se ubica en el Sector 8 de la antigua Fábrica, se ingresa por Víctor Manuel con Placer o por Víctor Manuel con Bio- Bio. El evento se realizó todos los fines de semana hasta el mes de diciembre 2011.
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Fotografía Adriana Cordero para Colaboratorio Arte ©Colaboratorio Arte
PROYECTO: Una familia de artistas. PAIS: Perú AÑO: 2011 WEBSITE: José: http://www.josepuma.blogspot.com/ Luis: http://www.flickr.com/photos/luis_mendoza_puma/
Hace unos meses durante mi viaje a Lima-Perú conocí a Luis Mendoza Puma, un joven artista estudiante de la Escuela de Bellas Artes de Lima. Luis proviene de una familia de artistas. Fernando; su padre, vino de Cajamarca a Lima y es aquí donde tiene su primer contacto con la pintura fabricando grandes carteles pintados con soplete para un famoso parque de diversiones llamado Play Land Park. Poco a poco le fue tomando cariño a este arte y decidió que sería su profesión. Fernando es ahora un artista autodidacta especializado en bodegones. La pasión por el arte fue transmitida sus hijos José y Luis. Éste me cuenta que solía entrar al taller del padre para hacer sus experimentos con pinturas. Con el tiempo cada uno ha desarrollado un lenguaje propio. José toca temas abstractos experimentando con texturas como la arena. Luis trabaja el estilo figurativo y representa fielmente paisajes y personajes. [49]
Los tres comparten un taller/casa ubicado en la playa Santa Rosa en el “sur chico� de Lima. Para los interesados en adquirir sus obras los pueden ubicar en: Luis lm_pe@hotmail.com Casa: 231-5978 Celular: 992402242 Jose josepuma80@hotmail.com Tlf: 231-5978 Celular: 997179462 Es importante mencionar que pueden hacer cuadros de paisajes, personas o temas a pedido.
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Fotografía archivo del proyecto
NOMBRE DEL PROYECTO: XTREDAN INTEGRANTE: Dante Izaguirre Córdova PAIS: Perú AÑO: Activo desde 2004 EMAIL: xtredan@hotmail.com xtredan@gmail.com WEBSITE/BLOG: www.myspace.com/xtredan http://danteizaguirre.blogspot.com/ APOYO: Sello Independiente ChipMusik Records www.myspace.com/chipmusikrecords
El proyecto XTREDAN, nace el 2004 con la primera experimentación sonora y el uso de herramientas tecnológicas bajo el uso de una computadora y el uso de software aplicado a creación sonora. El lanzamiento fue con la colaboración del disco triple Mixtape del sello independiente
Internerd Records, en el cual participan muchos
proyectos de Lima y provincias. El año 2009 se publica Dante su primer Ep bajo es sello ChipMusik Records titulado Fly, el disco fue en formato virtual y de libre descarga, contiene 5 tracks (http://www.archive.org/details/chmr-Ep002Xtredan-Fly). En ese año empieza a participar con más constancia en presentaciones en diversos lugares de la capital, como la Casa Ida, Escuelab, Centros Culturales entre otros.
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Mis trabajos han sido publicados en otros medios de difusión como el Netlabel Dorog Records (Lima Perú) que público un disco con mis primeras experimentaciones Lado A Dios Matemático, Lado B Tren toxico Lima Oroya. Y en Discos Invisibles Records Tijuana Baja California MÉXICO en un compilado que alberga artistas netamente de la ciudad de La Oroya. En el 2010 publica su primer disco en forma CD la presentación fue en La Casa Ida, del mismo modo se ha editado y producido una cantidad mínima en formato CD de conciertos y presentación “live set”. Mi trabajo como productor se inicio junto al sello chipmusik records, el cual es de género independiente y con el cual se ha producido, editado y publicado discos de manera
constante. Actualmente se viene trabajando también en edición de videos,
tenemos ya muchos artistas residentes dentro del sello con los cuales estamos trabajando y produciendo sus discos, y contactos para presentaciones. De manera personal Dante participa junto a muchos otros artistas de diversos géneros organizando y agrupando entidades culturales independientes que tienen como objetivo principal el fortalecimiento y la consolidación del rol de la cultura en la sociedad, buscando conectar este potencial a dinámicas sociales, fortaleciendo procesos de desarrollo comunitario.
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Fotografía archivo del artista
NOMBRE DEL PROYECTO: INHABITAT INTEGRANTE: Melissa Matias PAIS: Perú AÑO: 2011 WEBSITE: http://www.melissamatias.com/ Con la propuesta INHABITAT, la artista Melisa Matias busca construir un lugar donde coexistan la especie humana y la vegetal, utilizando moldes y estructuras orgánicas que simulan la reproducción: raíces, troncos, ramas, hojas y semillas, a través de las cuales el hombre es representado como un ser dentro de su contexto comprometido con el espacio y la naturaleza. En la naturaleza, ningún organismo es completamente autosuficiente. Todos dependen unos de otros y del entorno ecológico para sobrevivir. Cada organismo en una comunidad desempeña un ciclo específico de reproducción que asegura la persistencia de su especie. Allí, el hábitat es un lugar compartido donde un organismo vive y halla lo que necesita para sobrevivir: refugio, tierra, aire, agua, alimento y espacio. Es una unidad donde se percibe la relación y reciprocidad (espacio-cuerpo-desenvolvimientos) entre las especies con la naturaleza. Contrariamente, la especie humana vive en espacio artificial (ciudad) construido por filtros culturales mediáticos con la finalidad de alejarnos de la experiencia con el mundo natural. En la ciudad el hábitat natural se convierte en un hábitat cultural dominante
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donde se perciben imágenes y pixeles en lugar de plantas y materia orgánica. Esta experiencia iconográfica desarmoniza al hombre con su entorno natural. En la propuesta visual INHABITAT será el lugar donde coexistirán la especie humana y vegetal (espacio-cuerpo-materia orgánica), es donde se constituirá el ser mediante moldes y estructuras orgánicas que simularán el ciclo de reproducción: raíces, troncos, hojas, frutos, semillas en la naturaleza. Allí, el hombre será representado como un ser del conjunto, estará comprometido con el espacio y se vinculará con la especie vegetal. Esta conexión se visualizará mediante la simbolización del proceso vital de reproducción desde semilla. El hábitat será el lugar integrador del cual nosotros le pertenecemos, se construirá mediante el ritmo y la composición de las fibras vegetales. Y mediante la instalación de las trasferencias graficas obtenidas desde el papel vegetal Mi objetivo es involucrar al hombre con la naturaleza mediante la simbolización del proceso del crecimiento natural desde la semilla. El origen de la semilla representa el proceso vital de reproducción y su germinación simboliza la reciprocidad en la naturaleza. Los materiales para elaborar la propuesta visual son fibras vegetales que provienen de algunas plantas Amazónicas. Se derivan de: los tallos (palmera de aguaje) y las hojas (chambira, pijuayo). La mayoría de estas fibras se utilizan en la textilería y artesanía de los nativos para expresar su respeto por el entorno natural. Mi intención es valorar la riqueza natural y cultural de la Amazonia Peruana. Sobre Melissa podemos decir que nació en Huánuco, Tingo María – Perú en 1986. Es egresada de la Facultad de Artes Plásticas de la Pontificia Universidad Católica del Perú y la Escuela Superior de Bellas Artes de Le Mans, Francia. Fue galardonada con el Premio Adolfo Winternitz y el IV Concurso de Grabado en la ciudad de Orduña, España. Viene realizando exposiciones individuales y colectivas desde el año 2008 tanto en Chile, Brasil México, Colombia y Perú.
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Fotografía archivo del artista
NOMBRE DEL PROYECTO: Trovadores de Tela y Papel INTEGRANTES: Colectivo “Dedal y Papel”, integrado por María Arribasplata Gonzáles y Claudia García Pereira. María Arribasplata Gonzáles – La Casa de las Luciérnagas es un espacio para que habiten las creaciones que pueblan los sueños; Moradores y Viajantes, personajes fantásticos que buscan reflejar la calma y equilibrio que todo ser humano necesita; que ahora son concretizados en tela, hilos, tinta y papel esperando llenar los días de magia y color. Claudia García Pereira – Prístino - En el mundo de Prístino se construyen “atrapasueños” para dejar volar la imaginación e inventar cuentos. Son cuentos para colgar que relatan una historia con la idea de dejarla abierta para que quien se apropie de alguno de ellos, vuelque su imaginación y la continúe, la transforme o cree una nueva a partir de los personajes y ambientes elaborados con tela y materiales afines. Una primera exposición se realizará en la ciudad de Trujillo, entre octubre de este año. PAIS: Perú AÑO: 2011 – 2012 WEBSITE: http://www.trovadoresdetelaypapel.blogspot.com/ EMAIL: trovadoresdetelaypapel@gmail.com El colectivo Dedal y Papel, nace del encuentro de la magia e imaginación en el trabajo de María y Claudia. Un mundo onírico que han desarrollado al compartir sus vivencias. Ambas, cada una con su propia identidad La Casa de las Luciérnagas (María) y Prístino (Claudia) se unen para presentar una propuesta cuyo tema es la magia e imaginación para interactuar con el público. A esta propuesta la han llamado Trovadores de Tela y Papel. Creemos en la magia y queremos que forme parte de la vida cotidiana de la gente. A través de Trovadores de Tela y Papel –personajes, elementos y contexto – [55]
se busca que las personas exploren su mundo interior y despierten la imaginación construyendo su propia historia a partir del trabajo presentado. Hoy en día, la vida está muy agitada, transita a pasos ligeros y no nos permite detenernos para encontrarnos con nuestro mundo onírico, por lo que el trabajo de Dedal y Papel invita a los visitantes a superar las limitaciones que le ponemos a la creatividad mientras vamos creciendo. Cuando más dura es la realidad de los niños más pronto pierden la capacidad de imaginar y crear. Trovadores de Tela y Papel, es un proyecto que intenta llevar a todo lugar posible, las historias y personajes del colectivo Dedal y Papel.
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Fotografía archivo del artista
NOMBRE DEL PROYECTO: Mielomeningocele ARTISTA: Valeria Aste Pastor PAIS: Perú AÑO: 2011 EMAIL: val.aspas@gmail.com WEBSITE: http://valeriaaste.wordpress.com/ APOYO: por parte de una empresa privada peruana. TEXTO: Valeria Aste Pastor Empecé mi proyecto sobre la eutanasia como punto de interés y partida, pero durante mi investigación sobre el tema descubrí que en Holanda la eutanasia también se practicaba en recién nacidos con malformaciones. Es decir, niños ya nacidos son asesinados no por sus problemas, no por ayudarlos a no sufrir, no por piedad hacia ellos, sino para ahorrar problemas a otros. Según mis fuentes de investigación se estima que alrededor de 15 recién nacidos con malformaciones reciben la eutanasia anualmente. Según esta opción de eliminar a los niños “no perfectos” yo tendría que haber sido eliminada luego de nacer. Por estar directamente vinculada con el tema, siento una gran indignación sobre lo que está sucediendo. Rechazo totalmente la eutanasia practicada en un ser tan indefenso como lo es un recién nacido; sobre todo en los casos en los que los pediatras
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provocan la muerte por medios activos, decidiendo con la familia sobre su vida mientras el “ya nacido” no puede opinar aun. Decidí trabajar sobre mi vida utilizando el objeto-encontrado, o mejor dicho mis pertenencias. Pertenencias de temas clínicos pero también objetos comunes al uso y vivir de todos. Mostrarla de varias formas, no mejor ni peor y por lo tanto merecedora de existencia como cualquiera. Utilicé el medio de instalación. Puse un texto como medio para conducir mi proyecto, que ponga al espectador en el contexto que necesitamos y lo conduzca por 13 obras, y un texto final que lo rete a tener un punto de vista claro. Quiero que el espectador más que tener certezas sobre lo que debe ser la vida, se cuestione, y al responderse el mismo estas incógnitas, tenga las herramientas suficientes para criticar las situaciones a las que ha llegado esta sociedad en su afán por el perfeccionismo. A partir de la obra mostrada, por ser autobiográfica, quisiera también que el espectador pueda juzgar al final de enterarse de mi vida, si Valeria Aste Pastor es o no normal, que significa eso, si sufrió más de lo que debería y sobretodo: si debería vivir o no.
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Fotografía archivo del artista
NOMBRE DEL PROYECTO: Aeropanche ARTISTA: Carlos Trilleras PAIS: Colombia AÑO: 2011 EMAIL: trilleras517@hotmail.com
Aeropanche es un proyecto que nace
con la necesidad de romper con la
monotonía. Su nombre lo componen dos palabras: “ aero” de “panche” nombre
aerógrafo
y
de una tribu indígena habitantes gran parte del departamento de
Cundinamarca y Tolima - Colombia. Las imágenes que componen este proyecto hacen referencia principalmente a culturas indígenas: panches, emberas, nukak makuc, pijaos, guajiros entre otros. Se busca reflejar problemas sociales como el desplazamiento, atropellos e invasiones así como enseñanzas; con esto
busco que además de crear una prenda crear un medio de
difusión. Las imágenes que componen los estampados son el resultado del estudio de cada cultura, así gracias a mi conocimiento de sus rasgos físicos elaboro composiciones particulares. El 80% de los diseños son de creación propia y el otro 20% imágenes de internet intervenidas.
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