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La revista digital de música Rock + Pop + Indie + Electro Año 2 Nº 16 Septiembre - Octubre 2013 DIRECCIÓN Y DISEÑO EDITORIAL Martín Brossard FOTOGRAFÍA Smashing Yonkis COLABORAN EN ESTE NÚMERO Luciana Romero (Notas) Martín Rodríguez Rey (Notas - Diseño) Gustavo Kraft (Gran Bretaña) Laura Cohen (Notas) María del Carmen Huerta (Notas) Zoe Kreimer (España) Alex Chavo Acuña (México - USA) SEGUINOS Web www.congamag.com Facebook www.facebook.com/Congamag Twitter www.twitter.com/congamagoficial CONTACTO Correo conga@live.com.ar Imágenes y/o Fotos: Si el autor de alguna de ellas deseara que fuera removida o bien prefiriera figurar en los créditos de esta publicación digital, por favor comunicarlo a nuestro correo electrónico conga@live.com.ar ¡Besos!
Copyright ©2013 Conga mag
< FESTIVAL > Planeta Terra Festival se instala en Argentina. A los organizadores ya no les bastaba la ciudad de Sao Paulo, Brasil, en donde lo vienen ejecutando con éxito desde hace siete años. Ahora lo traen a Buenos Aires. Y para inaugurarlo contrataron a nuestro loser favorito, Beck. También a los dulce-melancólicos de Travis y a la inefable Lana Del Rey. La edición Argentina de este evento tiene fecha y lugar: el jueves 14 de noviembre en el predio de Tecnópolis. Las entradas están a la venta vía Ticketek: 600 pesos el Campo, 900 el Campo Vip.
Conga mag n º 16 Septiembre - octubre 2013
Tame impala
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La banda australiana nos vuelve a visitar.
cbgb
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Se viene la película.
Un strokes en Bsas
Arctic MonKeys >
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Nos copamos con AM, el último disco de Alex Turner y compañía. Hablamos de sus canciones, de la producción, del hip-hop y del desierto. Además, nos cae la ficha: Turner nació para ser un clásico.
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Albert Hammond Jr. edita EP y hablas de las drogas antes de tocar en el Personal Fest.
joy division...
Kraftwerk >
MGMT >
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Una ingeniera encuentra cintas de JD, New Order y Buzzcocks en un tacho de basura.
Tour melómano
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Recorremos las mejores disquería de Londres.
chvrches
el post-punk hecho libro >
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El periodista inglés Simon Raynolds recopila todo lo que sabe del género.
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My Bloody Valentine en vivo >
Te contamos por qué el debut de este trío escocés es uno de los más atractivos del año.
the beach boys
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Repasamos la biografía de Pet Sounds, el gran disco de Brian Wilson y su la banda californiana.
Cine >
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Lars von Trier, Almodóvar, Perrone, y las 5 películas que no deberías dejar de ver.
SUMARIO 84
beach house
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Celebramos los 35 añitos del imprescindible The Man Machine, el disco parco, computarizado, eléctrico-condensado con el que la banda alemana retrató la verdad del mundo a fines de los años setentas. Te contamos un cuento en seis mini capítulos, canción por canción. Los vimos en Vorterix durante una noche tan linda que todavía no logramos reponernos.
con la guitarrita todo el día
Happy Mondays
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Canciones para reírse de la Luna.
92 El dúo neoyorquino edita por fin su tercer álbum, su trabajo más anormal, lleno de rarezas aptas para alienígenas. Aunque aún está vivo, nos adelantamos y le hacemos la debida autopsia. Te contamos cómo fue show en el FYF Fest, el cada vez más trascendente festival norteamericano. Crónica y fotos.
nirvana
114
Massive Attack 50 Un libro repasa todo su imaginario visual. A 20 años de su nacimiento, Universal reedita In Utero, el último disco del trío de Seattle.
102
The beta band
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Nuestros Santos Ruidosos volvieron a dar un concierto en Estados Unidos. Alex Chavo Acuña, nuestro fiel corresponsal, nos relata cómo estuvo la ceremonia. Crónica y fotos.
Karen o va al cine 14
Parlophone lanza una caja con toda su discografía.
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Hey!
Tame
Impala
El ReGRESO
Latinoamericano
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las citas del tour Oct 16 / Popload Gig Cine Joia, Sao Paulo, Brazil Oct 17 / Circo Voador, Rio de Janeiro, Brazil Oct 19 / Teatro La Cupula, Santiago, Chile Oct 21 / Teatro Vorterix, Buenos Aires, Argentina Oct 23 / Auditorio Banamex, Monterrey, México Oct 24 / Jose Cuervo Salon, Mexico City, México
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Hey!
El ABC del El club neoyorquino CBGB, invaluable antro de lucidez por el que pasaron Television, Talking Heads, Ramones, Blondie, Sonic Youth y la madrina de todos Patti Smith, contarรก su verdad de la historia con una biopic a estrenarse el 11 de octubre, luego de la avant punk premiere en el marco del CBGB Festival*. 10 conga mag
Malin Ackerman como Debbie Harry, y el baterista de Foo Fighters, Taylor Hawkins, como Iggy Pop.
Punk Rock
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Unos días antes, el 8 de octubre, Omivore Records (estado físico: cd + vinilo color rosa traslúcido) y Rhino (estado digital) pondrán a la venta CBGB: Original Motion Picture Sountrack, compilado que guardará canciones de Blondie, Talking Heads y The Velvet Underground, entre otros representantes de la movida punk neoyorquina, una que tuvo su espacio en el 315 de la calle Bowery, y su tiempo más o menos durante la segunda mitad de los 70s. Con respecto al filme, titulado sobriamente CBGB, sabemos que, bajo la dirección de Randall Miller (también detrás de Bottle Shock), narrará la vida de Hilly Krystal, aquel intrépido propietario del club nocturno que cambiaría la historia de la música para siempre. Reparto: Alan Rickman interpretará a Hilly Krystak, Micky Summer a Patti Smith, Kyle Gallner a Lou Reed, Malin Ackerman a Debbie Harry, y el baterista de Foo Fighters, Taylor Hawkins, a Iggy Pop.
*CBGB Music & Film Festival: del 9 al 13 de octubre en Nueva York y Brooklyn, siendo el Landmark Sunshine Theater su cede central.
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Ella también Sabíamos que Arcade Fire iba a colaborar en el soundtrack de Her, la nueva película mentada-dirigida por Spike Jonze. Ahora sabemos que ella también. Karen O ya confirmó su aporte, The Moon Song, una canción escrita sin otro objetivo que integrar la banda sonora del film.
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Protagonizada por Joaquin Phoenix, Amy Adams, Chris Pratt, Olivia Wilde, Rooney Mara y Scarlett Johansson, la película copará los cines de Estados Unidos el 20 de noviembre. “Her está ambientada en el futuro próximo en Los Angeles y el personaje de Joaquin Phoenix compra el primer sistema operativo de inteligencia artificial del mundo”, nos contó Jonze, el director de filmes como Being John Malkovich o Adaptation, y artífice de varios de los mejores videoclips del rock moderno mundial.
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Recordemos que Karen O ha colaborado anteriormente con Jonze. Hablamos de un LP completito para Where the Wild Things Are, su película de 2009.
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Siglas Cotidianas El guitarrista rítmico de The Strokes anuncia nuevo disquito para octubre. TxT:: Gus Kraft Diseño:: Smashing Yonkis
La banda neoyorquina estuvo amagando últimamente con la grabación de su sexto álbum, el sucesor Comedown Machine, ese que editaron a principios de año aunque no presentaron vivo. Pero nada más se supo. Con tanto tiempo libre, Albert Hammond Jr. se instaló semi-solito en un estudio de Nueva York a registrar las cinco canciones de la vida cotidiana que integran su nuevo EP, titulado bajo el signo de sus siglas: AHJ. El disquito, producido por Gus Oberg, saldrá a la venta el 8 de octubre vía Cult Records, la flamante casa disquera de su amigo y compañero de andanzas musicales, Julian Casablancas. Hammond nos hizo saber que las letras de su nuevo EP, sucesor de los discos Yours to Keep (2006) y ¿Cómo te llama? (2008), están inspiradas en películas, vivencias personales y conversaciones con amigos: “Una vez que empezás a tocar música para vivir, siempre estás pensando en eso. Las conversaciones con amigos y las cosas que escuchás en las películas son cosas que luego se transforman en letras. Escuchar las canciones de otros también es como una competencia: escuchás algo y mentalmente ya querés superarlo. La vida en general es muy inspiradora.” AHJ 01 Cooker Ship 02 Strange Tidings 03 Carnal Cruise 04 Rude Customer 05 St. Justicem
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Hey!
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entonces, drogas... ¿para qué? “Empecé con oxicodona y cocaína a los 24. Luego, me convertí
en adicto a la heroína, desde los 26 hasta los 29. No es que no me encontrara en un lugar feliz, estaba... ¡Dios sabe dónde estaba! Estaba siempre puesto. Así es como estaba.
“
“Solía inyectarme cocaína, heroína y ketamina. Todas a la vez. “
De mañana, de noche… 20 veces al día. Era un desastre. Miro hacia atrás y ni siquiera me reconozco.
Albert asegura que hace cuatro años que no consume.
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Hey!
Rescate Según nuestra moral habitual en la visión del rock, hay, ciertamente, algo épico en la imagen de una ingeniera de sonido rescatando de la basura cintas perdidas de Joy Division y New Order. Rarezas, piezas originales y outtakes. Toda esa fortuna postpunk supuestamente perdida fue encontrada por Julia Adamson, una buscadora de tesoros que respiró el mismo aire que solía respirar Martin Hannet (histórico productor de las dos bandas), cuando lo asistía día a día, a fines de los ’70, a principios de los ’80, en la gloriosa Inglaterra musical, la que engendró criaturas discográficas como Unknown Pleasures y Closer, de Ian Curtis y compañía, o los primeros LPs de New Order, The Psychedelic Furs, Magazine, Buzzcocks y Happy Mondays. Aquí, entonces, las consecuencias del hallazgo. TxT:: Martín Rodríguez Rey Imágenes:: Smashing Yonkis
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Emotivo
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Hey!
Fue un lunes de agosto, del último agosto, cuando Julia Adamson, actual líder del sello Invisiblegirl Records y ex integrante de The Fall, pegó una inquietante foto en el muro de su cuenta personal en Facebook. ¿Qué veían los ojos que veían? Basura. Invaluable basura que había sido discriminada minuciosamente desde un tacho de basura. Pero no cualquier tacho, el de Martin Hannet. Y los ojos que veían dicen ahora que hay, entre otras tentaciones, una cinta que dice “Joy Divison Outtakes”. Y claro, el fan que lee esto está loco de atar, quiere envenenar a las tías abuelas para hacerse cuanto antes de joyas, muebles e inmuebles en pos de tener un respaldo en billetes para cuando salgan todas las ediciones que se vienen. Porque, aunque Adamson haya jurado y perjurado que al comunicarse con Peter Hook, el bajista co-fundador de Joy Division y New Order, este le dijo no estar interesado, sabemos que ya hay planes de reciclaje para esa maravillosa basura. En su momento, la ingeniera se lamentó así: “No es un conejito feliz (por Hook)… probé con los otros miembros de la banda, también en vano, y las compañías discográficas… he mirado esas cintas por mucho tiempo y cuando me acerqué a los artistas -quienes fueron mi primer punto de escala- fui sometida a acusaciones y abuso… Así que ya no me importa demasiado”. Pues, ahora le importa mucho. Y tenemos entendido que al conejito Hook también. Estas declaraciones de la ingeniera de sonido seguro despabilaron su atención: “Yo sé que valen algo para un coleccio-
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nista… y buena suerte para ellos (por los otros miembros de las bandas, los otros conejitos tristes). La calidad de Unknow Pleasures (¡el master con las cintas originales!) supera con creces la mezcla del vinilo de los últimos años”. Aunque quizás esto último despertó la rauda determinación del bajista: “Ya que son muy antiguas y probablemente el deterioro las habrá dejado en el horno o lo que sea, no tengo más ganas de cuidar de ellas”. “No, no podés”, habrá pensado el conejito en una toma de conciencia express. O “No, no, no puedo hacerle esto a la HISTORIA”, es otra posibilidad. Lo cierto y feliz, para nosotros, para ustedes y para el fan que planea envenenar a sus tías abuelas, es que estas cintas, junto a otras rotuladas como “Joy Division”, “New Order”, “Psychedelic Furs” y “Magazine”, tendrán, tarde o temprano, resguardo científico y destino discográfico. El bajista ya dijo, moviendo su cabecita hacia todos los flancos: “Espero que esas cintas permitan hacer algo diferente para los fans de las bandas, ya que Warner Bros ha editado un montón de material, pero es siempre lo mismo”. Nosotros también esperamos. Y nos reímos mirando al conejito Hook, ahora ansioso por poseerlas, negociando en el día con la ingeniera de sonido desde su madriguera próxima al nivel mar, soñando en las noches con toda esa épica basura –esa gloria inglesa de tomas eliminadas y mezclas alternativas-, mientras gime en la película de su sueño: “No, no, no puedo hacerle esto a la HISTORIA”.
Peter Hook, el increĂble bajista de Joy Division y New Order.
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Hey!
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Una vuelta por el universo de las disquerĂas londinenses conga mag 27
Hey!
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Soho Si caminás el 150 de Oxford St. (a un suspiro de la estación Oxford Circus del subte) te topás con el local Reina Madre de HMV, la serie de establecimientos musicales más imponente del Reino Unido. En tres pisos dispuestos inmejorablemente podés perderte al vasto y diverso universo de discos, libros, DVDs, remeras rockeras, pósters y merchandising a prueba de fans acelerados. Aquí no te vas a encontrar al típico cazador de especies en extinción (vinilos viejos, ediciones raras), aunque seguramente sí al loco de los descuentos y las ofertas de su inmenso catálogo (los discos nuevos están una libra menos que en otras tiendas), al ansioso de los últimos lanzamientos, o al que necesita con urgencia melómana completar la colección de su artista favorito, y conseguir esos discos que no han sido editados en Latinoamérica. Si le querés otorgar soltura al aventurero que llevás dentro, primero tenés que salir de HMV, luego encarar hacia el sur y adentrarte en los mini senderos urbanos del Soho hasta dar con un micro-universo de disquerías de género, planetas para principitos melómanos a rápidos pasos de años luz entre uno y otro. ¿Sos intrincado, profundo y bestial? Para vos hay jazz y música clásica en el Harold Moores Records (2 Great Marlborough St.). ¿Sos un 24 Hour Party People? Tenés toda la pasta electrónica y dance en los asteroides BM Soho (25 D’Arblay St.) y Phonica (51 Poland St.). ¿Tenés alma negra? ¿Sos un gatito curioso? El soul, el funk, el reggae, y todas las rarezas del cosmos están en Sounds of the Universe (7 Broadwick St.). ¿Sos un hábil comerciante? Entonces podés hacer alarde comprando, vendiendo y canjeando vinilos pop-rock de todos los tiempos en Sister Ray (34-35 Berwick St.) y Reckless Records (30 Berwick St). Advertencia para pobres corazones melómanos: Si vas con poca plata, sufrirás.
Candem y Tower Hamlets Aquí, en el noreste londinense, hay dos mercados indiscutibles. Uno, el célebre Candem Market, se especializa en ropas y chucherías provenientes de la cultura rock. Sin embargo, en el Stables Market, todavía brillan algunos puestos de CD y LP usados. El otro, el Old Spitalfields Market (Commercial St. y Brushfield St.), tiene carácter o espíritu de feria donde reinan las vestimentas, las artesanías, y la gastronomía, pero el primer y tercer viernes de cada mes, este recinto bajo techo muta a un formidable mercado de las pulgas especializado en discos de vinilo que sólo se consiguen pagando en efectivo.
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Hey!
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Quizás no te bastó la variedad de los mercados, quizás la suerte no estuvo de tu lado y no conseguiste eso que buscabas. Bueno, a un par de cuadras del Old Spitalfields tenés el Rough Trade East (91 Brick Lane), la tienda top de la famosa cadena indie de Londres. Acá la variedad te abruma. Las bateas se multiplican como un oleaje que trae CDs y vinilos discriminados por especies, tiempos y espacios. Lo bueno: encontrarás ediciones exclusivas con bonus discs, material extra o algún regalito. Lo malo: precios más altos, entre una y tres libras por encima de los de HMV. Recomendación para viajeros corazones melómanos: Podés unir estas dos ferias con la línea Overground (la naranja del tube) con las estaciones Candem Road y Shoreditch High Street en pocos minutos.
Kensington & Chelsea Aquí, en el oeste londinense, donde te seducen las calles de Notting Hill y el Portobello Market, donde podés ser natural y comer frutas, o arriesgarte a la incertidumbre de comidas exóticas, y viajar al pasado mirando antigüedades, hay tiendas como Honest Jon’s (278 Portobello Road), una tradicional disquería (también sello asociado con Damon Albarn de Blur) que, desde hace casi 40 años, abastece al melómano del mejor jazz, blues, dance, folk, soul y reggae. Para regodearte con el indie, la opción principal tiene su pequeño lugar en el local original de Rough Trade (130 Talbot Road). Por carencia de espacio, allí los CDs se muestran como postales con sus tapas. El dato: revisandorevisando, lograrán toparse con disquitos inhallables, por ejemplo, en la sucursal de la calle Brick Lane. Por último, el outlet, o segunda selección, del tour. Hablamos de Music & Video Exchange (38 Notting Hill Gate). En tres plantas, entrepiso y subsuelo al fondo, tenés las ofertas más locas, desde CDs a £1 hasta vinilos de colección para todos los gustos. También abundan las primicias discográficas que, por ciertas razones (estar sin el envoltorio original, tener un leve uso o ser copias promocionales), llegan a valer hasta £5 menos que el precio oficial que impera en las disquerías más formales. Aviso para prácticos corazones melómanos: Si te organizás, podés conectar las disquerías de Kensington y el Soho con la central line (la roja) del tube. Tour Melómano Por Londres TxT Gus Kraft Gran Bretaña
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C V E H S R H C ree c d e t s u o que l e d s o s Los hue Dise単o :: Smashing Yonkis
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TxT : Laura Cohen
Qué bueno cuando los mimados dejan atrás a sus tutores de prensa y discográfica y se lanzan a lo suyo. Así como los escoceses Chvrches, que acaban de entregar The Bones Of What You Relieve, uno de los ingresos a las grandes ligas más excitantes en lo que va del año, uno de esos discos cargados de synth-pop activa movimientos, de resplandor ochentoso, esbozos de old nu rave y renacer gótico. El trío, hasta los dientes de sintetizadores, arremete con dardos de convulsión, raptos de goce, y sabe bucear con garbo en la pecera underground sin dejar de darse algún chapuzón en los mares de las FM mainstream.
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ies, su canción inicial, se había ganado nuestra atención hace unos meses por esa cadencia tozuda, licenciosa, adherente como un pulpito de goma, explícitamente ruda pero atinadísima por la polifonía que humedece la voz de Lauren Mayberry en algo más de tres minutos para hacerse envidiar. Y aquella canción era sólo el comienzo. Luego nos alcanzarían The Mother We Share, o la hermana luminosa de todas las canciones de Purity Ring, el vigor doliente de Recover y la elegante Gun, que ante cualquier oído atento ya se exhibía como el futuro ‘highlight’ del álbum y uno de los hits del 2013. ¿Qué hay de nuevo en lo viejo? Estribillos perfectos, premeditados con regodeo pensando en las almas sintéticas. También una cantante eficaz en su personaje de chica inmaculada bailando sobre el piso roñoso de un garaje familiar mientras los chicos manipulan la chatarra electrónica. Y además, una
producción hecha por sus dueños que, entre chispas de neón ochentoso, sabe dejar en claro su espíritu fresco y actual. Conociendo los antecedentes de aquellos primeros estrenos, adelantos nutritivos que engordaron nuestra expectativa, restaba saber cómo sería el el material final. Bueno, todo el disco es un banquete. Podemos enloquecer con el electro club –quizás su próximo single– de la picante We Sink, o desmenuzar los medios tiempos con Tether, y dejar para el postre esa melosa Lungs. Cada canción no sólo está perfectamente preparada para agradar al oído, sino también ambientada en una insinuante presentación vocal. Tanto la garganta de Mayberry como la de su colega Martin Doherty (chico vocoder en Under The Tide / chico a la Anthony Gonzalez de M83 en You Caught The Ligh), logran elevar Los Huesos De Lo Que Husted Cree hacia el cielo de los hits.
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Atensound!
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DIFUNDE LA PALABRA /// Biografías de Discos
WOULDN’T IT BE NICE. BRIAN WILSON Y LA CREACIÓN DE PET SOUNDS Charles L. Granata Editorial LIBROS DE RUIDO España / 2013
Ya desde su nacimiento, Pet Sounds tuvo que sobrellevar la etiqueta de ‘No Future’ impuesta por el propio sello de la banda, Capitol, cuyos directivos lo ningunearon de tal forma que inmediatamente lanzaron un ‘grandes éxitos’ de Beach Boys para procurar el éxito comercial que esperan las grandes compañías de los artistas. El disco, una masterpiece engendrada por el ingenioso hidalgo Don Brian Wilson de la Mancha Sónica, no fue bien comprendido en EE UU. Casi nada pudieron hacer los singles God Only Knows y Sloop John B para socavar tanta necedad. Sin embargo, como todos los discos de la minoría mágica (nombramos caprichosamente a Velvet Underground and Nico y a Pink Moon), Pet Sounds se hizo fuerte en el desdén y hoy no solo tiene carácter de clásico, también provoca esa sensación de asombro y de admiración, esa sensación de que cualquier cosa es posible en el Universo. Por discos así los chicos se hacen rockeros. Por eso y por las mujeres. TxT : : Zoe Kreimer
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ras Pet Sounds, que no es prototipo fiel del estilo de los Beach Boys tradicionales, la banda de Wilson inició una lánguida caída por el barranco de la decadencia y en la mente del Ingenioso Hidalgo cundió el pánico. Una horda de voces rodeó su cabeza, y cada una de ellas tuvo un propósito diferente para darle, así que, poquito a poco, nuestro héroe de las armonías vocales se fue trastornando, y sus Sancho Panza, sus fieles compañeros de andanzas, ya no lo entendieron. La confusión duró años, décadas, hasta que Wilson logró despabilarse. Igual, desde los primeros éxitos de la juventud, cuando la fama les abrió el VIP embobada por el uso certero de las armonías vocales en la música de moda, Wilson supo que su lugar no estaba en la calesita disco-promoción-conciertos. Se dedicó entonces a las tareas de composición y grabación mientras el grupo pisaba cada metro cuadrado norteamericano llevando sus canciones y un aparente estilo de vida que, ciertamente, sólo Dennis Wilson ejecutaba. De aquellas tormentosas sesiones nos empapa Wouldn’t It Be Nice. Brian Wilson y la creación de Pet Sounds, investigación del productor e historiador musical Charles L. Granata, que tras diez años de haberse publicado en su idioma original arriba a las librerías españolas bajo la tutela de Libros de Ruido. Enseguida, al leer el título, la ausencia de la marca Beach Boys nos alumbra un link hacia el disco nacional Artaud firmado en tapa por Pescado Rabioso, pero cuya creación casi absoluta le pertenece a Luís Alberto Spinetta. Hay, evidentemente, una analogía que remarcar: ambos álbumes son el resultado de la imaginería de un solo muchacho. Los camaradas de Brian se presentaron en la etapa de grabación de
las voces, en un compás de espera entre gira y gira, y el único registro instrumental que plasman es una guitarra de Carl Wilson en That’s Not Me. Brian escribió las canciones con el apoyo del publicista Tony Asher (autor del prólogo para esta edición) y las grabó con músicos de sesión tal cual se solía hacer en los discos de jazz de la época: los músicos entraban al estudio ciegos-sordos-mudos hasta que Brian les mostraba la luz, es decir, su parte, los acordes que debían interpretar. Y así grababan la canción diaria de un tirón. Algo parecido podemos decir de Luis Alberto, quien mentó su gran disco en solitario para luego recibir el aporte instrumental de algunos pocos músicos, entre ellos su hermano Gustavo. Granata engorda el libro mayormente a base de pormenores que describen la composición, grabación y efecto del disco. Como introducción hace un poco de historia con los años de los Beach Boys anteriores a Pet Sounds, como desenlace pinta el ocaso del grupo y la soledad de Brian hasta los 90’s, cuando el álbum inicia su camino a la fama entre el reconocimiento unánime de los periodistas, músicos y público rock en general. En esta etapa el historiador también cuenta cómo el artista encauza su mente, y lo llena de elogios fastidiando un poco la lectura. Sin embargo, las extravagancias del libro no elevan a Wilson sobre el altar de los creadores maniáticos que aplican sus ideas sin apreciar las sugerencias de quienes lo rodean. Tengamos en cuenta que el tipo supo recurrir a un co-letrista (Asher, que también instaló su opinión en algunas melodías), además de acceder a que se grabara e incluyera Sloop John B (canción de tragedia marítima que poco coincidía con la idea básica –aunque vaga- del álbum: el amor), y escuchar con
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DIFUNDE LA PALABRA /// Biografías de Discos
atención la voz autorizada de Mike Love sobre algunos arreglos. El fan meticuloso no encontrará en dichas páginas un anexo con fechas de grabación, músicos participantes e instrumentos utilizados en cada canción. Granata argumenta la falla diciendo que tal ejercicio de inventario es casi una quimera investigativa, ya que esos datos se han extraviado en las mudanzas del tiempo, y la memoria de los protagonistas no tiene la misma entereza y eficacia de antaño. Pero para nosotros, para todos los demás, aquello implica sólo un detalle sin tanta importancia. Wouldn’t It Be Nice. Brian Wilson y la creación de Pet Sounds ilumina ahí donde vale la pena mirar, en las escenas de una era en la que el mainstream y el talento andaban casi siempre juntos, cuando la cacería del artista no era otra que la búsqueda de expresiones magníficas para decir algo más sobre el amor, sobre Dios y sobre los hombres, aunque los autores pudieran llevarse mal y perecieran en nerviosismos incompatibles. Pero, por encima de todo, Granata destaca que la música, tanto para Brian (el Ingenioso Hidalgo compositor, enamorado de las armonías y los arreglos intrincados), como para los Beach Boys (los Sancho Panza, sus fieles intérpretes en busca de la diversión perdida), era –y es- un oficio entrañable.
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DIFUNDE LA PALABRA /// Ensayos
POSTPUNK. ROMPER TODO Y EMPEZAR DE NUEVO Simon Reynolds Editorial Caja Negra Inglaterra / 2013
¿Quién otro más que Simon Reynolds analizó más y mejor la escena Post-Punk, tanto británica como norteamericana, y su enlace con el Punk? Ninguno. El que iba a ser periodista y aún no lo sabía creció escuchando X-Ray Spex, Public Image Ltd., Talking Heads y The Slits, sonidos nutritivos que lo tentaron a escribir y concluir que podría pagar la cuentas haciendo lo que le gustaba. Y Rip It Up and Start Again (que Caja Negra publica en Argentina) es prueba de lo que le gusta: Escribir ensayos sobre música. Y este último (ya pudimos desasnarnos sobre la reivindicación de lo retro leyendo Retromania: Pop Culture’s Addiction to Its Own Past en 2012) nos adentra en el durante y después de la explosión 77’, haciendo una revisión de las sobresalientes bandas Post-Punks que tomaron la posta de aquella revolución cultural que el Punk había abandonado con coherencia porque, ustedes ya saben, THERE´S NO FUTURE, NO FUTURE. NO FUTURE FOR YOU. TxT : : María del Carmen Huerta
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Simon dice sobre el Punk Todas las bandas de la primera ola tenían distintas motivaciones e ideas con respecto a de qué se trataba el Punk. Para unas era sólo una vuelta al Hard Rock agresivo, con canciones cortas y letras de rebelión adolescente. Según otras era algo político, pero de una forma bastante imprecisa y no alineada.
Sex Pistols funcionó, en parte, porque tenía a Steve Jones como un hooligan de clase trabajadora que la rockeaba, a Johnny Rotten con una negatividad y un sarcasmo más hipercrítico literal y un gusto por todo tipo de música, y finalmente a Malcolm McLaren y Jamie Reid como los intelectuales de la escuela de arte que enmarcaban a la formación con ideas y gráficas situacionistas, teniendo un acercamiento casi conceptualista a subvertir la industria discográfica y yendo en contra del establishment hippie de la música progresiva y la sofisticación. Rotten y McLaren tenían concepciones marcadamente disímiles acerca de lo que intentaban hacer aunque coincidían en cuanto al enemigo: hippies, la industria discográfica, la familia real, los medios mainstream, el establishment político, etc. Yo diría que el Punk se unió únicamente por aquello a lo que se oponía y por una suerte de hambre por la disrupción, una sacudida al statu quo.
Mucho del Punk no era más que buen y sólido Hard Rock (agresivo, melodioso, orientado a la juventud). Era eminentemente vendible, especialmente si estaba formulado como un regreso a cualidades de mediados de los sesenta luego de la autocomplacencia difusa y progresiva de los setenta.
No creo que el Punk sea muy relevante hoy en día. Ciertamente no ejerce demasiada influencia sobre los músicos más atractivos que están actualmente en actividad, más allá de una noción muy indeterminada del hazlo-tú-mismo. En realidad el Punk no inventó el hazlo-tú-mismo. Eso tiene una larga tradición que lo precede, atravesando la contracultura de los años sesenta llegando hasta, bueno, la totalidad de la cultura humana, realmente. Y ahora el hazlo-tú-mismo es una noción cultural más generalizada que se ha difundido ampliamente a través de Internet, los medios sociales, YouTube, Bandcamp, etc.
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Simon dice sobre el Post-Punk Todos estos grupos decidieron que el Punk Rock había sido una explosión de energía importante, pero que sus raíces en el Rock ‘n’ Roll de los cincuenta y el Mod de los sesenta eran básicamente demasiado limitantes, una excesiva reiteración de lo que había sido anteriormente. El Punk hablaba de rechazar el pasado (como mencionaba The Clash en una canción: “No Elvis, Beatles, or The Rolling Stones/ In 1977”) pero era esencialmente retórico. El Post-Punk intentó de hecho vivir a la altura de esa retórica.
Post-Punk es una palabra que comenzó a usarse pocos años después de 1977 y desde entonces ha crecido y crecido hasta convertirse en el término aceptado para designar la música que fue inspirada por el Punk pero que no suena a Punk Rock. Así que grupos como Pere Ubu, Cabaret Voltaire o The Residents preexistieron al Punk pero nunca hubieran encontrado el público, la atención o el alto perfil que tuvieron, de no haber sucedido el Punk y de no haber surgido esa infraestructura de sellos independientes
Post-Punk deja todo el Rock atrás: puede ser lento, taciturno, virtualmente ambient, etéreo o excéntrico (B-52’s); puede ser completamente electrónico sin usar para nada guitarras eléctricas o una batería en vivo. Sin embargo, está siendo hecho por bandas cuya formación el Punk incentivó (Joy Division/ New Order son un ejemplo clásico) o que heredaron alguna de sus ambiciones (cambiar el mundo, radicalizar la música popular, el hazlo-tú-mismo en vez de ser un espectador-consumidor pasivo) o, en ciertos casos (Pere Ubu, Devo, The Cabs, The Residents, etc.), que se formaron antes del Punk pero que alcanzaron una audiencia mucho más vasta gracias al clima Post-Punk y sus innovaciones infraestructurales.
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DIFUNDE LA IMAGEN /// Biografías de Bandas
3D AND THE ART OF MASSIVE ATTACK Robert Del Naja (A.K.A. 3D) Editorial The Vinyl Factory 400 páginas 12” x 12” Inglaterra / 2013
Los Massive Attack, esos paladines del trip-hop británico, pondrán en las librerías 3D and the Art of Massive Attack, un volumen que repasa la historia artística de la banda en 400 páginas atiborradas de fotos, tapas de discoseps-singles, entrevistas, y todo el diverso devenir visual que el trío forjó desde Blue Lines, su excepcional debut de 1991. El proyecto, craneado por Robert Del Naja -mejor conocido como 3D-, uno de los pilares del grupo que además tiene sus productivas inquietudes como artista visual, se materializará un libro de 12×12 que guarda en sus páginas una extensa y exclusiva entrevista al propio Del Naja, junto a fotografías, pinturas, el arte particular-singular de su discografía, y las distintas colaboraciones con otros artistas. El libro, prometido para fines de octubre vía The Vinyl Factory, ya posibilita el pre-order de una edición limitada que adjuntará como plus una serigrafía firmada por 3D, un disco en cuerpo de vinilo de 12 pulgadas con un track inédito de la banda, y una tapa-cubierta en negro luminoso impresa en delicado rosa. De está entidad exclusiva sólo hay 350 unidades disponibles.
TxT : : Luciana Romero
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Diseño : : Smashing Yonkis
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CINE /// Dinamarca - Lars von Trier
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La osada campaña promocional para Nymphomaniac, el ya polémico nuevo film del nene travieso Lars von Trier, invade los muros de las calles en las principales ciudades del mundo con los pósters explícitos de sus protagonistas. Una serie de retratos en los que aquellos personajes principales de la película comparten sus muecas sexuales más íntimas, sin ropa, con expresiones que evocan estados de clímax sexual (o post coito, en el caso de Shia LaBeouf). La lista de provocadores profesionales incluye, entre otros, a Charlotte Gainsbourg, LaBeouf, Christian Slater, Stellan Skarsgard, Jamie Bell, Stacy Martin, Uma Thurman, Willem Dafoe, Connie Nielsen y Udo Kier. Sospechamos que a más de un lector se le ha ocurrido empapelar con ellos las paredes de su cuarto.
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CINE /// España
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ace un largo tiempo que Pedro Almodóvar está por aquí, en el mundo maravilloso del cine. Uno de sus primeros aportes data de 1978, cuando, como actor, participó de ¿Qué hace una chica como tú en un sitio como este?, de Fernando Colomo. ¿Qué hacía el joven Pedro por ahí? Mmm… procuraba derrochar vida, porque Pedro es uno de los últimos grandes derrochadores del cine. Pero de los buenos. Ahora el tiempo cronológico y el cinematográfico han pasado con ganas para él. Y, ustedes saben, cuando se ha estado en circulación tanto rato, la mirada ajena, esa punzante y casi marcial las veinticuatro horas, puede empezar a demoler el ánimo del protagonista. Quizás por eso el director manchego intentó buscar un esquema más amplio para realizar sus películas. Y tuvo sus éxitos. Una vez se mantuvo en racha por cinco o seis films seguidos. Sin siquiera una traspié. Hasta que vino el mareo, amigos. Y la luz hollywoodense. Que lo tuvo enfermo tras contar todo sobre su madre. Entonces habló con ella, se dejó mal educar, volvió a empezar, se rompió los brazos y habitó otra piel. Hoy, ya maduro, Pedro no es otra cosa que un amante pasajero.
Todas sus últimas películas (cuyos nombres ustedes habrán sabido adivinar en nuestros recientes y tontos juegos de palabras), a excepción de Volver (2006), no recibieron el amor absoluto del espectador, y esto supuso que la decisión de Pedro Almodóvar por resetearse crónicamente no había entusiasmado a un público anhelante de sus viejos buenos tiempos de comedias díscolasdisparatadas. Porque hace un buen puñado de años que el realizador elucubra su arte sobre las diferentes representaciones narrativas, encabezando aventuras emocionantes en los confines de géneros comunes como el melodrama y el policial para despabilar a su habitantes y reavivar todo un imaginario de clisés urbanos y travestismo cinematográfico al margen del relato hollywoodense. Pero pocos –o no todos los que eran antes- han captado-aceptado la onda. Quizá esa ha sido la razón por la cual el director haya querido regresar al campo de antiguos sueños, hectáreas donde se siente libre ejecutando un lenguaje que le es natural. Y Los Amantes Pasajeros nos lleva en su vuelo hacia los tiempos de Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980), con toda una fauna libertina protagonizando un relato alborotador e insólito. Para eso, Almodóvar amontona a una colección de personajes extraviados, trastornados, en un avión vía México. Decimos una vidente virgen, una tripulación incorrecta muy 2013 representada en un enjambre de gays alegres (valga la redundancia), y ciertos pasajeros pasados de te-
quila y cocaína que nos contarán sus problemas, amorosos o económicos, y las causas por las que están en dicho viaje. Así asoma, entonces, toda una alegoría locuaz al presente crítico de la economía española y su estado de aparente sin salida. Por supuesto que la máquina también tiene sus problemitas, y las dificultades técnicas no tardarán en brillar. El avión no podrá tocar la pista por 90 minutos, durante los cuales deberá hacer la vuelta del perro volador en el cielo de Toledo hasta que se libere un corredor de auxilio. Rato pasajeros oportuno para queLoselamantes realizador pueda despilfaDe Pedro odóvar de sus films rrar el humor tan trash, tanAlmkitsch, Con Javier Cámara, Penélope Cruz, ochentosos. Cecilia Roth el y Antoni o Banderas Sin embargo, al presenciar devenir comprobaremos que aquella década está cada vez más lejos, y que todos han cambiado, tanto los espectadores como Pedro. Eso convierte a su película en una entidad mal dispuesta, con no muchas luces, que fue esbozada con plena intención de emanar una frescura que casi nunca logra trasladar a la platea. ¿Qué hace un tipo más que maduro tratando de emular el arrebato juvenil de antaño? ¿El ridículo? No, no es para tanto. Hay momentos de risa, mucha risa. Quizás simplemente estemos ante la nueva osadía de Pedro, aunque su irreverencia, aquel derroche vital del bueno, debemos confesar, ya no es lo que era. Los Amantes Pasajeros De Pedro Almodóvar Con Javier Cámara, Penélope Cruz, Cecilia Roth y Antonio Banderas
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CINE /// Pedro Almod贸var
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CINE /// Argentina - RaĂşl Perrone
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RAÚL P3RRON3 TxT:: Martín Rodríguez Rey
Si pensamos en la grandiosa Tríptico*, debemos decir que la obra de Raúl Perrone se viene exponiendo al mundo de una manera cada vez más afable. Apostamos que algún colega en su lugar habría potenciado al máximo una estampa creativa tan única y particular. Pero Perrone, ganador del premio a Mejor Director en el BAFICI 2013, gira su auto-cine hacia caminos estilísticos aún intransitados. Por eso nos arriesgamos como pibitos insolentes al decir que no habrá en los jardines del cine argentino otro fruto como P3ND3JO5. Aquí su labia cinematográfica emparienta al director con directores del palo como Guy Maddin y lo aleja indefectiblemente del estado local de las cosas. El tipo le corta las cuerdas vocales al asunto y es mucho más certero cuando ‘dice’ con inter-títulos, cierres en iris y música en off. La película se codea entonces con el cine primitivo, y no tanto, casi nada, con el que rige en la actualidad de las salas comerciales. Sin embargo, P3ND3JO5 es una película nueva, o, si nos volvemos a arriesgar, del futuro, cuya épica sosegada conmueve en sus mejores momentos. Instancias románticas y trágicas que Perrone ubica sobre una Ituzaingó fuera de este mundo, poblada de skaters y espíritus, donde los pibitos se dejan a su destino y hacen lo que más les gusta. *El Tríptico (llamado así también por su relación con el arte plástico), reúne tres producciones de Raúl Perrone: Los actos cotidianos, Luján, y Al final la vida sigue, igual.
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CINE /// Trailers en palabras
e r p m e i S e n i c es Te adelantamos 5 películas que no deberías dejar de ver, títulos imperdibles pendientes de estreno tanto para lo que resta del 2013 como para el inicio del 2014. TxT : : Martín Brossard Diseño : : Smashing Yonkis
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CINE /// Trailers en palabras
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HER (SPIKE JONZE) Joaquin Phoenix, bendito él entre estas mujeres: Scarlett Johansson, Roonie Mara, Amy Adams y Olivia Wilde, protagoniza junto a ellas la rareza de nuestra lista. Her, cuya banda sonora incluye a Karen O (Yeah Yeah Yeahs) y Arcade Fire, es una película romántica de ciencia ficción (hay que rotularla de alguna forma), que ocurre en un futuro acá nomás, donde Theodore Twombly (Phoenix), muchacho recién divorciado, algo intrincado y místico, se adentra en las bondades de un nuevo sistema operativo (con promesa de experiencia intuitiva) dispuesto en su computadora. Ya en marcha la cosa maravillosa, brota la voz tentadora de Samantha (Johansson), que -cómo no- se convierte en la obsesión diaria del protagonista. La idea no es novedosa -amor en los tiempos de la era virtual-, sin embargo, la auténtica calidad sensitiva de Spike Jonze le da al film cierto prestigio raro de ver en nuestro presente. Palmas para: La química entre Phoenix y Johansson, quien -vaya pecado en este caso perdonable- nunca aparece en pantalla.
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CINE /// Trailers en palabras
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INSIDE LLEWYN DAVIS (ETHAN & JOEL COHEN) Los hermanos Cohen se apropian del libro The Mayor of MacDougal Street (de Elijah Wald y Dave Van Ronk) para contar la vida de un guitarrista acústico que solía tocar en los bares folk del Greenwich Village mintiéndose un poquito: se creía Bob Dylan. Marcus Mumford (de Mumford & Sons) y T. Bone Burnett aportan el soundtrack (compuesto casi en su totalidad por versiones de standards del folk), mientras que Oscar Isaac (como Llewyn Davis), Carey Mulligan (como Jean Berkey), y Justin Timberlake (como Jim Berkey), le dan cuerpo y alma a los principales protagonistas de este drama dark, lúdico y melancólico. Palmas para: Isaac, que la rompe, y ya es uno de los favoritos a los Oscar 2014.
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CINE /// Trailers en palabras
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ALL IS LOST (J.C. CHANDOR) La mimada de la última edición del Festival de Cannes. Robert Redford, otra vez frente a las cámaras, demuestra que a sus 76 años le sobra cine. El abuelo, de actuación ejemplar, estaría ejercitando para levantar la pesada estatuilla del Sr. Oscar. Pero no nos adelantemos. Hablemos de la fotografía… ay, te roba el aire, te colma con una tormenta perfecta. Estamos ante una película con-mo-ve-dora, en la que un hombre maduro, solito contra los humores climáticos de Dios, se la banca como todo un héroe -anónimo-. Palmas para: El silencio casi total de palabras. Acá sólo se oye el ruido del mundo natural y el diálogo a los gritos de las olas enfurecidas y los truenos que queman el cielo.
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NEBRASKA (ALEXANDER PAYNE) En sobrio blanco y negro, Alexander Payne se despacha con un drama familiar que es, a su vez, una road movie particular. Woody Grant (en la piel de Bruce Dern) encarna a un jubilado que pasa el ocaso de su vida en la taciturna Montana hasta que cierto día le llega como spam a su correo electrónico una notificación de la lotería para viajar hasta Nebraska. ¿Qué deberá ir buscar? Nada menos que un millón de dólares. Mamita. Así la cosa, su mujer e hijo, que suponen estar frente a una estafa, potencian la fantasía del pobre viejo, no ajeno a un principio de demencia senil. Re manija, creyéndose millonario, Woody decide viajar hacia Nebraska junto a su hijo. En el trayecto pasarán por su ciudad natal, Hawthorne, y serán recibidos por familiares y amigos que se hacen eco de su historia. Palmas para: El giro sorprendente de la trama y los dolorosos secretos que suele haber debajo de toda alfombra familiar.
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CINE /// Trailers en palabras
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THE WOLF OF WALL STREET (MARTIN SCORSESE) Martin Scorsese, el director más querido por sus colegas, vuelve a trabajar con el cada vez más centrado y maduro Leonardo DiCaprio. Juntos, provocativos y lúdicos, nos muestran la degeneración financiera de Wall Street. La película, rechazada en 2008 por Warner Bros., es una comedia negra basada en las memorias del broker Jordan Belfort, dirigente de Stratton Oakmont, una versión aggiornada de Gordon Gekko (el empresario y principal protagonista de las películas Wall Street y Wall Street 2: El dinero nunca duerme) y su máxima mata o muere, aunque acá el derroche está llevado a la enésima potencia, los dilemas morales brillan por su ausencia, y estafar a la gente -buena, mala, da igual- se convierte en una forma de arte. Palmas para: La guía de ‘cómo hacerse millonario a toda costa y al carajo con las consecuencias’.
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Alex Turner Born to be classic
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Alex Turner sabía que llegar al estrellato no es una invitación
para mostrarles a todos cómo cambiar el mundo. No les corresponde a los músicos cambiar el mundo como lo intenta Bono, por ejemplo. Están aquí para entretener el mundo y para vender discos, entradas y souvenirs. Él y sus tres amigos de Sheffield también han sabido desde el inicio progresar sin permitirle a las influencias molestas apoderase de sus logros, perfeccionando así la capacidad musical hasta registrar este quinto disco, tan determinante en su carrera como todos los otros. “Es la manía de siempre de comparar nuestra trayectoria con lo que supuso The Clash a finales de los 70. Esa presión es una mierda, pero ya no nos afecta. Nuestro único objetivo es acercarnos a la grandeza de lo imperecedero”, dice Turner, el principal responsable de la banda -voz, guitarra, letras, carisma-, uno que ya no necesita convencer a nadie, uno que argumenta con hechos lo que dice. Entonces edita AM, un álbum de puro y pleno rock’n’roll tradicional que habla el idioma sonoro de 2013, un trabajo grabado en Los Ángeles en el que supo mixturar corrientes apacibles con bríos eléctricos y tonadas finas con ambientes amplios como películas de Clint Eastwood. Afirmamos: este muchacho es un Nene de Hoy que nació para ser un Sr. Clásico. ¿Quién lo discute? TxT :: Martín Rodríguez Rey Fotos :: Willy Vanderperre
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Reportajes y Discos
< “Lo primero que pensé al empezar a trabajar en
estas canciones es que quería que sonaran súper cool cuando estuviera conduciendo mi auto, exactamente como me pasa con mis discos de rap favoritos.” >
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l resplandor creativo de Arctic Monkeys está guiado con pericia y fervor por James Ford (Simian Mobile Disco), el tipo que suele seguirles el juego en la producción. Y los chicos están bien. “AM nos pone muy orgullosos. Estamos justo en ese momento como banda... El rollo de las iniciales es, simplemente, porque suena más copado”, justifica Turner el título del disco, que nos retrotrae al homónimo editado por la Velvet Underground en 1969. Luego arremete, lleno de gloria y arrogancia británica: “Creo que nos ha salido algo único. No se me ocurre un disco de rock que se haya publicado en los últimos años que pueda compararse con el nuestro. No hay nada tan interesante como nosotros”. ¿Estas declaraciones no les recuerdan a las de los primeros Oasis? ¿Cómo no hacerlas con discos así? Con canciones como Rumine?, donde manifiestan ese sonido vertiginoso made in Arctic Monkeys, o Fireside, en la que despliegan el rock conspirador revelado en Humbug (2009) mediante el consejo atento de Josh Homme (aporta unas voces ventosas y recónditas en Knee socks), con quien ya habían grabado en el desierto. “Nos gustan los sitios remotos, alejados de la civilización, tienen un aura espiritual realmente inspiradora –describe Turner–. Para
la producción de Humbug, Homme nos llevó al desierto de Mojave. La gente suele relacionar sitios como Joshua Tree con experiencias alucinógenas y todo eso, pero se trata de algo mucho más profundo que tragarse unos hongos. Sentimos algo tan especial que en este nuevo trabajo hemos buscado cualquier excusa para regresar ahí”. Pensemos en Turner como un rescatista del Rock. Y pensemos al Rock como un minero de carbón atrapado siempre golpeando, siempre dejándole saber que sigue ahí, vivo todavía. Turner ha sido capaz, tanto con su grupo de colaboradores como en solitario (la banda sonora de Submarine) o con su compinche dinámico Miles Kane en The Last Shadow Puppets, de bajarle al Rock alimentos, agua y oxígeno. Además de acentuarle la esperanza con un sonido stoner, con su ductilidad crooner o con su interés por el western. AM es un apasionante avance en el rescate que renueva nuestra fe. Con él volvemos a confirmar que detrás de los autores de I Bet You Look Good On The Dancefloor (hit veloz de su primer disco) había mucha más aptitud y dedicación de las que parecía. Quizás los adelantos del disco no mostraron todas esas virtudes. Sin embargo debemos remarcar que el tema Do I Wanna
Reportajes y Discos Know ha tomado posesión de las listas británicas (lleva casi 15 semanas en el top 40) y abrir el disco le sienta mucho mejor que andar solito. Y que Why’d You Only Call Me When You’re High? es una canción bien resuelta y muy bien defendida por su simpático video. ¿Pero dónde está realmente el encanto que nos enamora de ellos? En la nostalgia amena de Mad sounds y I wanna be yours o en la distinción desgarradora de No.1 party anthem. Ahí es donde los chicos de Arctic Monkeys exponen su cuantiosa calidad. Y son irrefutables. LA NATURALEZA No tardaron en hacerse oír algunas voces señalando que el disco suena “como un ritmo de Dr Dre, pero con el peinado de Ike Turner”. Turner tiene algo para decir: “Ok, mucho antes de pensar que queríamos formar un grupo de rock, cuando íbamos al colegio, Matt (Helders, el baterista) y yo escuchábamos este tipo de música. De hecho, diría que AM es un disco que le presta atención a esa herencia. Entiéndanme, no quiero decir que sea un disco de rock-rap ni ninguna tontería del estilo. Pero sí hay cierto espíritu en común, algo así como una vibración compartida. Lo primero que pensé al empezar a trabajar en estas canciones es que quería que sonaran cool cuando estuviera conduciendo mi auto, exactamente como me pasa con mis discos de rap favoritos. Pero hasta ahí llega la influencia”. Entonces AM es el producto de un extenso recorrido de colaboraciones junto a James, el productor, quien dice que “esta vez, a diferencia de lo sucedido en discos anteriores, se han utilizado teclados, cajas de ritmos y ordenadores, antes casi vetados”. Así y todo, con el uso flamante de esa parafernalia y la sombra acosadora de cierta influencia del espíritu hip-hop, con certeros guiños soul en Fireside y Snap Out Of It, el repunte en los últimos temas del disco corresponde a que supieron proteger la naturaleza del grupo. Quizá por su impronta al cantar, vertiginosa y precisa, o por su capacidad como letrista, con esa gracia innata para obtener travesuras de palabras y rimas inauditas, los versos de Turner, siempre impredecibles y más pop que nunca, siguen obsesionados con el amor, la búsqueda adolescente llena de acné y ciertas vulnerabilidades en relatos atemporales que
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muchos quisiéramos protagonizar. Y como el disco de la madurez sónica que es, AM también se da el lujo lúdico de hacer referencias cómicas a la película Barbarella (en Arabella), a canciones de los Rolling Stones (2000 Light Years From Home en I Want it All), o de los Beatles (Helter Skelter en Arabella), así como de aventurarse en flirteos con el falsete, vigente en One for the road, Snap out of it y en la prodigiosa I want it all. Ya no hay dudas, qué absurdo sería discutirlo, Turner y sus amigos nacieron para ser clásicos. AM es, de momento, su último argumento, de esos argumentos que nos ponen tan-tan-tan ansiosos de lo que vendrá. Arctic Monkeys Am Domino Records 2013
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Especiales y Discos
A 35 años de The Man-Machine
Mayo alemán de 1978. ¿Quién en el mundo sufre la tragedia de la perfección? Nadie. La sociedad moderna se sobresalta cada noche amenazada por la pesadilla del Botón Rojo. Los actores principales viven en el Kremlin y el Pentágono. El Sputnik y el Apollo surcan el espacio. La CIA y la KGB matan y espían cada una por su Patria. En medio de todo el caos, una banda de ciencia ficción, Kraftwerk se hace lugar sónico desde su Alemania natal, esa Alemania dividida al dolor de la posguerra.
Ralf Hütter + Fritz Hilpert + Henning Schmitz + Falk Grieffenhagen: Parcos, computarizados, eléctricos-condensados, retratan la verdad del mundo (energía radioactiva, producción industrial y control deshumanizado) con una obra descomunal de techno futurista que este 2013 cumple 35 años. TxT:: Gus Kraft Imágenes:: Smashing Yonkis
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Mayo de 1978, Kraftwerk le muestra al mundo un disco de película: Die Mensch-Machine, El Hombre Máquina. En Kraftwerk convergen todas las técnicas, los tics y las manías de los subgéneros que se desprenden de la música electrónica. Decimos alteración de la voz, secuencias insistentes de electro-percusión, efectos sónicos por doquier, expediciones al Planeta Experimento, y un parque de diversiones con una variedad abrumadora de sintetizadores. Ya dando sus primeros pasos se ocupaban de diseñar dispositivos o trastocar los existentes. Y es justamente con The Man Machine, que lleva 35 años dando vueltas por aquí, cuando el cuarteto perfecciona su trabajo de laboratorio, cuando el ideario tecno se resuelve al sentido de su existencia y adquiere entidad propia, mostrando la personalidad, abriéndole el camino también a un montón de muchachitos estrictos en su manera de vestir, de ejecutar sus instrumentos, para escribir el manual de un género musical totalmente nuevo y productivo.
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Septiembre de 2013, repasamos la trama de los seis tracks que componen la obra.
(Lado A)
Los humanitos no están solos. cio exterior llega al Planeta de la cuestión.
Una raza mecánica del espaTierra. Coexistir es el quid
The Robots
Suena la alarma. Su canto anuncia una invasión. Ya una marcha. Una melodía poderosa sobre los robots. Automáticos-artificiales. Ellos cantan: “Soy tu esclavo, soy tu trabajador”. Voces autómatas fusionan el ruso, el francés y el inglés. La Guerra Fría ha terminado. Los robots son libres, llegaron para cambiar la onda del Mundo. La nueva era comienza. Sonidos matemáticos, ultra-organizados. Sin embargo, los androides también pueden soñar. Spacelab
Ambientan nuestra imaginación unas cuantas eras atrás. Aquí escuchamos la banda sonora de la carrera espacial, del hambre del descubrimiento, de la primera ilusión humana de la modernidad. Rugen paralelamente los intereses bélicos de los dos bandos que sometían a la Tierra. Aún no saben que las bases espaciales y sus vientres de tecnología fecundarán a la Nueva Raza que los invadirá. Metropolis
Introspección robótica. Los sonidos de ese presente eran palabras, eran imágenes. Fritz Lang, Isaac Asimov y Arthur C. Clarke eran sus padres. El futuro está desperdigado en cada rincón de la Metrópolis. Los robots y los humanitos coexisten. Nada es simple. La tirantez, los signos escalofriantes: los Robots consumen información y se humanizan. Inteligencia Artificial es el nuevo orden.
(Lado B) Trama
de
un
nacimiento.
The Model
Los tiempos están cambiando. O bien ya lo hicieron hace rato, desde que se erigió la nueva Metrópolis. Humanitos y Robots andan por ahí súper interrelacionados. Se cayeron los muros, ya no hay bandos. El Nuevo Orden, regido por fuerzas espectrales, permite la estabilidad de los terrícolas mientras las máquinas se adaptan definitivamente a la escena. Entra en cuadro el Robot perfeccionado, que sabe cantar, que emite expresiones y abre las puertas de su corazón para sentir. El Robot cursi. Y si tenemos un él debe haber un ella. Una especie de mujer sofisticada y nocturna que trabaja de ser hermosa. Neon Lights
Y la Metrópolis, ahora, es una fuente artificial, altamente luminosa. Luces de neón rayan la oscuridad. Y ahí están los tres: ella y él, ellos y el amor. The Man Machine
Producción en serie de una nueva raza: El hombre máquina. El arte de los algoritmos + El arte del envejecimiento. Las mitades que coexisten. El clímax de la Nueva Era. El Futuro que sucede e impera.
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“No es un disco normal, está lleno de rarezas”, dice Ben Goldwasser sobre el homónimo tercer álbum de MGMT que aún trata de acomodarse en las disquerías vía Columbia Records. TxT Luciana Romero Diseño Smashing Yonkis
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A veces la verdad del rock llega desde un lugar pacífico, no siempre del caos. Pero claro, a veces el músico no quiere escuchar lo que hay adentro su cabeza porque no vale realmente la pena. Y MGMT está batallando demonios. Desde Nueva York, el dúo parece confundido entre el presente (un sonido actual) y la electrónica de los 80s (un productor analógico, Dave Fridmann, responsable de varios buenos discos de los 90’s, decimos los de The Flaming Lips o
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Mercury Rev). “No estamos intentando hacer música que todo el mundo consiga entender a la primera escucha”, declaraban antes de editar su tercer disco -el homónimo- que ahora nos ocupa. ¿Estaban abriendo el paraguas? Y sí. “No nos hacemos ilusiones de entrar en el Top 40”. Y no. Lo bien que hacían. MGMT MGMT 2013 Columbia Records
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Discos / Septiembre 2013
isco disco MGMT MGMT
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Nos teletransportamos a su debut, aquel sobresaliente Oracular Spectacular. I-rre-sis-ti-ble. Kids o Time to Pretend. ¿Cómo elegir entre las dos? Pero nos quedamos con la segunda. ¿Time to Pretend es a los 00’s lo que Bitter Sweet Symphony a los 90s? Cuando la escuchábamos sentíamos que podíamos comernos el mundo. Y eso seguro les pasó a aquellos jóvenes con el clásico de The Verve (o de los Rolling Stones). En fin por aquí. Su segundo trabajo, el rarito Congratulations, despertó calenturas buenas y malas. Menos hits, más riesgo. Por lo tanto, para este tercer disco pensábamos que los chicos iban a retomar el espíritu del primero. Pero no. Nada de eso. Andrew VanWyngarden y Ben Goldwasser ni se inmutaron por las presiones mediáticas o por las altas expectativas de los fans acérrimos y de esos que estaban a punto de darles la espalda. Aislados del mundillo rock, se encerraron en una juguetería (los Tarbox Road Studios de Nueva York) de chiches musicales, y pasaron casi un año tratando de organizar el caos, buscando dar con el alma de un sonido restaurador. Bueno, algo lograron. El sonido es intrincado. No se discute. Y es electrónica tocada por humanos (nada que ver con lo último de Daft Punk, claro), que se deja llevar de la mano por el latido del house más clásico y por el Sr. Aphex Twin como referencias primordiales. Aunque las canciones… acá no hay hits. Al menos no esos redonditos que luego pueden acceder al prime time de una radio o de un noticiero de los canales de aire. Ni cerca. Hay, digamos, algún que otro hit espacial, esos que seguro deben bailar en los afterhours de algún planeta lejano. Estas canciones parecen muñecas rusas, una dentro de la otra, pero desfachatadas, sin estructura, con mucho maquillaje sonoro encima, con mucho ambiente alrededor. Convengamos. Los chicos deben darle las gracias eternas a aquellas canciones escritas hace ocho años para un EP y luego regrabadas para un LP. Si no fuera por ellas no encabezarían festivales ni llenarían estadios en EE UU. Porque estas nuevas canciones…Alien Days, editada primero en cassette-single, abre el disco y ya nos anuncia un mar de complejidades. Avanza desde la senda onírica hacia el pop psicodélico sesentero tratando de demostrar simplicidad convencional, tratando de definir su andar. Un disparate. Otro ejemplo, Cool Song No. 2 (y antes de escucharla pensamos que es un guiño a Chopin y su Nocturno Número 2 en Mi Bemol Mayor… nah, ni a palos, pensamos en la Song 2 de Blur), un track frankenstein armado de fragmentos turbios-alborotadores casi industriales, pianos atolondrados y distorsiones que también caminan sin rumbo fijo. “Nos propusimos escribir canciones pop, pero nos sentimos incapaces”, confesaron después de entregarle el resultado a los de Sony. Igual no les creemos. Sabemos que en esta etapa son entusiastas de otra búsqueda. Bohemios, tratan de captar el sentido de las cosas. A veces lo consiguen. El segundo single, Your Life Is A Lie, chiquito, sucinto y valiente en su dispositivo rítmico, marcha muy bien y logra complicidad con su videoclip. Mystery Disease, hit bonsái de departamento palermitano, hijo al cuidado de papá Tomorrow Never Knows
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de los Beatles y mamá Ladytron, se las arregla para entretenernos. AstroMancy, deudor de los Radiohead más cercanos al presente, es bastante tentador a través de cuchicheos eficaces y mudanzas vocales. Con respecto a las letras, bueno, los chicos mienten lo que pueden dentro de una canción. Es como ver a unos desquiciados haciendo slalom. Simplemente saltan de una mentira a la siguiente, sin rubor, sin vergüenza… simplemente nada les importa. Esa sería la clave para ellos. Que nadie ni nada les importe. Entonces su literatura rock se pasea por lo indescifrable y por la búsqueda de una identidad que ya no está. Por eso escriben versos delirantes esperando que vuelva. Pueden mencionar a una chica en Your Life Is A Lie, pero nos persuaden a interpretar su texto como un mini manifiesto del desprecio por la fama. Con Mystery Disease no pueden evitar frases explícitas como “no es divertido afrontar lo que no necesitas ser”, mientras se apropian de Introspection (que el bostoniano y psicodélico Faine Jade escribió en 1968) para preguntarse “¿cómo soy de verdad por dentro?” y más luego para hacer futurología afirmando “hay una estación en la que algún día descubriré quién soy”, en tanto, con I Love You Too, Death se ponen trágicos y melancólicos sugiriendo, casi rogando, “haz una hoguera, compra una tienda de campaña (…) trata de recordar tu olor, me recuerda al campo (…) avísame cuando me enamore, déjame morir cuando me enamore”. Después, una especie de alivio. Con toque divertido y mucha menos gravedad llega Plenty of Girls In The Sea, que revela la intención más pop del disco. Hola The Beatles del período 66-67. Hasta casi podemos cantar un fragmento de With A Little Help From My Friends pero hasta ahí llega la referencia. Y nos cae la ficha, la verdad late en el medio de un campo de juego a oscuras y el estadio se ilumina de golpe: pero claro, llamaron a Fridmann, el mismo tipo que los llenó de gloria moviendo lo hilos detrás de la ópera para modernillos, la Oracular Spectacular, es decir, llamaron al salvador, al que los iba a sacar de la mala racha, o de esa incapacidad para producir canciones pop, pero el master no pudo. Si escuchamos A Good Sadness o An Orphan of Fortune, nos basta para saber que a Fridmann le falló la profecía espectacular. Y bueh. Nos enfrentamos a un trabajo mediano, anómalo y caótico, repleto de himnos sin sentido, un trabajo que, con más bríos que certezas, MGMT pone en la palestra sabiendo de nuestra confianza en ellos como artistas audaces y caprichosos, de nuestra fe en su futuro respaldada por aquellas espectaculares canciones del aún insuperable primer disco.
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Recitales / Los Angeles / Agosto 2013 TXT Reseña :: Alex Chavo Acuña
Foto: Daniel Patlán
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Fuck Yeah! Envidia a la enésima potencia... My Bloody Valentine, Yeah Yeah Yeahs y MGMT encabezaron el FYF Fest los días 24 y 25 de agosto en Los Ángeles. Hablamos de un ‘pequeño’ festival norteamericano que, aunque aún no cuenta con la infraestructura física-promocional de Coachella o Lollapalooza, ha logrado juntar varios nombres destacados de la escena actual y no tanto. En su line-up, además de los pesos pesados, se acomodaron un poco más abajo The Breeders (en pleno regreso: Last Splash cumple 20 años), Yo La Tengo, Devendra Banhart (nuevo disco bajo el brazo), Deerhunter (ídem D.B.), Beach House y Toro y Moi, entre otros menos conocidos. Todo un festipulenta, pero de allá.
Un viaje
No te tenemos miedo Fiesta Psicodélica. Ni a ustedes, Pantallas Gigantes. Ni a las imágenes de objetos, rostros y siluetas en caída libre que se nos vienen encima como un tsunami policromo. Ni a las luces estridentes que anuncian la llegada de los aliens Andrew VanWyngarden y Ben Goldwasser. MGMT está aquí –a la hora señalada: son las 21.20-, en tonos amarillos, verdes, rojos y azules. No hay mucho preámbulo, mucha introducción. Tampoco interacción con el público. La noche deviene entre canciones de Oracular Spectacular y Congratulations, además de algunos pocos adelantos de su tercer disco, el homónimo. Poca excentricidad al ras de las tablas, la locura del show en el FYF Fest está en esas pantallas de vientres mutantes, la banda sólo hace su número. El público, algo templado, empieza a animarse recién en el clásico moderno Time To Pretend. Ahí brota el dance gringo y la alegría contenida se desata, aunque todo vuelve a la normalidad climática cuando el dúo hace sus canciones menos conocidas. Premio al Mejor Momento Bizarro del Show: la aparición de un cencerro gigante en el escenario mientras Henry Winkler (The Fonz en Happy Days, la sitcom emblema de los 70’s en Estados Unidos) sube a tocar Your Life Is A Lie, uno de los últimos singles del dúo. Premio al Mejor Momento Romántico del Show: visualicen las pantallas gigantes, hay mutación de imágenes. Ahora nos encerramos en un pasaje sombrío, luego vemos pulular ramas secas, y una luz que recupera el protagonismo se lo pasa a una pareja… más tarde volamos entre las nubes camino al sol, el final del viaje.
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Recitales / Los Angeles / Agosto 2013 TXT Reseña :: Alex Chavo Acuña
Foto: Daniel Patlán
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y las palmas arriba de todos los fieles
Son leyenda. Todo adorador del shoegaze sabe que ellos son los reyes del ruido. Los estamos chusmeando. Kevin Shields y Bilinda Butcher charlan detrás del escenario. Los demás My Bloody Valentine andan por ahí desperdigados. La banda que este año volvió a las disquerías, a las tapas de revistas y al ruedo festivalero, está por cerrar el sorprendente FYF Fest 2013.
Los organizadores ya nos habían advertido-recomendado: el sonido será Apocalíptico, se deben usar tapones para los oídos. Pasadas las 22.45, lo comprobamos. Kevin, Bilinda, Colm Ó Ciosóig y Debbie Googe, nos envuelven con un manto sagrado de distorsión inaudita. Verlos en vivo es –perdonen la imagen- una experiencia religiosa. Acá están nuestros Santos. Las estampitas de la banda se ven en las pantallas, se desenfocan y comienza la ceremonia de colores en negativo que van de los rojos a los azules, mientras ellos despiertan a la bella When You Sleep. Nuestra bestia devota se desata entre las palmas arriba de todos los fieles. Para la pesadumbre colectiva, el clima divino se desgarra, errores en los monitores merman la potencia de la música que se desvanece dejándonos tan sólo con lo que llega desde el escenario. Pero My Bloody Valentine sabe resucitar. La banda se repone y alimenta el show con su beso. Pelea por lo menos dos veces más con todos los males de este mundo sónico en un concierto entrecortado. Harto, el Santo Shields anuncia un receso forzoso de cinco minutos para solucionar el inconveniente. Estamos súper ansiosos, ni un balde con té de tilo nos podría calmar. Algunos fieles desencantados traicionan su fe y abandonan el templo a cielo abierto. Tras la pausa, el grupo retorna con bríos renovados y pura emoción eclesiástica. Nosotros todavía creemos. Si para todo hay término y hay una última vez, Your Made Realise resume la mejor despedida. Igual Shields, antes de tocarla, se lamenta, se auto-flagela con una mueca de desconsuelo. Seguro que él y su banda hubieran querido otro devenir durante el concierto. También el público. Sin embargo, la gente no los deja ir sin una prédica final que se transforma en mantra conmovedor a los gritos: ¡MBV, MBV, MBV!
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Kevin Shields
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Bilinda Butcher
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Visitas / Septiembre 2013
e d s o z a r b s n lo
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< ¿Cuánto vale ese rato con Beach House en el teatro Vorterix durante cierta noche de martes? Mejor no calcular. No es sano. > TXT Intro :: Martín Brossard
Diseño :: Smashing Yonkis
S
i hay una banda que puede encapsular la melancolía mediante su música y vendérnosla como una especie de octava maravilla para mesitas de luz, esa es Beach House. Todo chico / ca sensible debería saber de qué estamos hablando. Ya desde el nombre -Casa de Playa- nos codeamos en el mismo sueño con Victoria Legrand y Alex Scally. Vaya nombre se buscaron estos lindos de Baltimore, Estados Unidos. Vaya empatía que lograron con nosotros, siempre dispuestos -debemos admitirlo- a caer en brazos musicales como los de ellos, brazos, sentimos, practicantes de una ternura tan fornida, cuyo ejercicio de entrenamiento se nota en cada disco y ahora podemos decir que en cada show en vivo. Colegas de otras latitudes ya nos habían advertido sobre sus conciertos, sin embargo, algunas cosas en la vida te las pueden contar 1000 veces pero nunca serán como haberlas vivido una sola e irrepetible vez. ¿Cuánto vale ese rato con Beach House en el teatro Vorterix durante cierta noche de martes? Mejor no calcular. No es sano. Aquella experiencia, que fue única como es única la existencia de una canción cuando la reproducimos, dejó algo en nosotros que recién con el paso de dos o tres días fuimos asimilando. ¿Y qué representa ese algo? (Silencio de Periodista) (Más Silencio de Periodista) Uhm… Cierta verdad absoluta sobre su música en directo. Hoy sentimos que es de esas músicas extrañas que lográs escuchar cuatro o cinco veces en la vida. Una música que parece entenderte y creer en vos justo como quisieras que te entendieran y creyeran. Sí, es esa música con brazos practicantes de una ternura tan fornida que cuando te contiene podés percibir una asombrosa y familiar seguridad.
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x i r e t r Vo
Recitales / Buenos Aires / Septiembre 2013 TXT Reseña :: Laura Cohen
Victoria Legrand :::: Ahora es tiempo de show y de metáforas bélicas. Y el Tiempo se rompe a las 9 y 15, cuando Victoria y Alex conquistan el escenario junto a un baterista que es todo su ejército. Prestamos no poca atención, sabemos que somos historiadores de este momento: Ella, como una tímida leona espacial de orgullosa cabellera, se para detrás de sus teclados, unas ametralladoras galácticas con las que irá tapando cada agujerito sin fin de nuestro corazón. Él, acarreador de una tranquilidad inquietante, se sienta con su fusil última generación en el regazo y dispara Wild, la segunda pieza de Bloom (LP 2013), para abrir la contienda. Empezamos a palpitar. Esta será una guerra impredecible. 112 conga mag
::::: Beach House
V
Victoria casi no muestra la carita, camuflada detrás de su flequillo, pero da la cara cuando canta los primeros versos como tiernas arengas. Parece que se esconde de nosotros, y en realidad se cuida, guarecida en su trinchera interior, para una nueva batalla. Vendrán otras. Ella sabe. México la espera. Sin embargo, Buenos Aires no es cosa sencilla. Poco a poco gana confianza. El ambiente del campo, caluroso y sanguíneo, la movilizan. Se nota tras la segunda arremetida: Walk in the park casi acaba con nosotros. Igual estamos comprometidos con la experiencia, vamos para adelante, decididos durante todo el concierto. Y le ponemos el pecho y el alma a esas canciones mortíferas, bombas teledirigidas marca Teen Dream. Cada una tiene su estampa, su firma: Silver Soul, Used to Be, 10 Mile Stereo, Zebra, Norway y Take Care. Somos los primeros soldados que no desean volver a casa. “No hay nada mejor… no hay nada mejor que la guerra”, pensamos con exultante vergüenza.
Entre el fluir de pasiones, otras armas, viejas armas, arden en la noche. Son pocas, juiciosamente elegidas, provenientes de inolvidables batallas. Los discos veteranos del dúo las aportan: Master of None, del debut homónimo, con una Victoria dedicándosela a las chicas presentes en el Vorterix; Turtle Island, con un ataque reflexivo; y Heart of Chambers (ambas del segundo álbum, Devotion), con un contraataque vehemente luego del primer cierre del show vía Myth, del LP Bloom, armamento 2012 del cual ya habíamos sentido su poder a través de Wild en el inicio. Y las municiones que le siguen también arrollan con todo lo que les ponemos enfrente. Other People, The Hours, New Year, Lazuli y Wishes nos dejan malheridos. Y es Irene la canción que nos hace rendir indefectiblemente. Pero bien sabemos que esta es una guerra falsa, acá todos más o menos ganan, nadie, seguro, se arrepiente un instante de haber venido. Beach House Teatro Vorterix Septiembre 09 / 2013
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Reediciones / Aniversarios
Viaje a la semilla In Utero es el intento desesperado de Kurt Cobain por volver
al inicio protector de la vida. Ahora, el tercer y último álbum de estudio de la brutal banda estadounidense, esos reyes apocalípticos del grunge, será re-lanzado el 24 de septiembre, 20 años después de su nacimiento.
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Además del álbum original remasterizado, este lanzamiento de lujo amparado por DGC Records / Universal traerá material en vivo, lados B, demos y rarezas de la banda oriunda de Seattle, repartidos en tres CDs y un DVD, en edición estándar y en espíritu digital. También pondrán a la venta -con la posibilidad de adquirirlo por separado- el concierto Live and Loud, que el grupo registró como cuarteto en el Pier 48 de su ciudad natal una noche de diciembre del ‘93. La descomunal reedición contará con más de 70 tracks, incluyendo, claro, los clásicos Heart-Shaped Box, Rape Me y All Apologies.
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Reediciones / Discografías Completas
Meta Banda Mientras el presente encuentra a los escoceses de The Beta Band desperdigados en distintos proyectos, Parlophone planea lanzar un box set TOTAL que amontona toda su carrera discográfica, esa que va desde el año de su fundación, 1997, hasta el saludo final en 2004.
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Reediciones / DiscografĂas Completas
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Antes de que se cumplan los primeros diez años desde su disolución, la casa disquera que los amparaba editará The Reagal Years (en referencia a The Reagan Years), súper caja retrospectiva que guarda sus primeros tres EPs (Champion Versions, del 97; The Patty Patty Sound, del 98; y Los Amigos del Beta Bandido, del 99), su LP debut homónimo, el álbum Hot Shots II (2001) y la tercera y última placa editada, Heroes to Zeros (2004). Un total de seis discos para la panzada del fan amigo. Un TOTAL que no sólo ofrecerá la discografía oficial de la banda, sino también los infaltables demos, remixes, sesiones registradas en estudios y radios, temas en vivo y notas alusivas en el booklet autoría del bajista Richard Greentree. El box set estará disponible desde el 7 de octubre vía Parlophone.
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Canciones para reírse de la Luna TxT :: Martín Brossard Diseño :: Smashing Yonkis
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Happy Mondays 24 Hour Party People
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Canciones para reĂrse de la Luna
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sa necesidad de fiesta permanente, ¿la tienen? Sentir mil voces ocultas en el viento susurrando “sos un fiestero, sos un fiestero, esto es lo que sos, man”. Y uno que pelea contra la monstruosa imposición. Pero la necesidad progresiva se abre como una entrepierna majestuosa. Tentándote, desafiándote, incitándote para que la alimentes. Y los susurros se hacen gemidos hasta que gritan “¡dale!”. Y es la única arenga que escuchás. La única arenga que querés escuchar. Y le pertenecés a este YO decadente… a este parrandero empedernido. Sabés también que hay algo de procastinación en vos. Y la ocultás. Vas dejando todo lo importante para mañana y la culpa disminuye con los días. Desde luego que no hablás de esto en público. Pero la entrepierna que se abre está ahí. Siempre. Provocando a tu fiestero implacable. Y cuando ella enciende la marcha, te sentís vivo. Un poco mareado por la estimulación, por hacer lo incorrecto. Y no la combatís. Ya no querés combatirla. Parece que es todo lo que tenés. Sentís que nadie más podría entenderte. Amarte. Ni siquiera… especialmente, vos mismo. Y empezás a reírte. Y cada vez más fuerte. A los gritos te reís. Te reís en la cara de la Luna, la atractiva, real, imaginaria y dudosa Luna, y te reís de todo y de todos. Eso, por supuesto, te empieza a dar escalofríos. Pero igual seguís. Ya es demasiado tarde. Sos un fiestero, esto es lo que sos, man. Los Happy Mondays entran justito en esta categoría de artista-ser humano, tan famosos por sus canciones como por su trato desmedido con el libertinaje y
todo lo que eso conlleva. Lo cierto, lo que destacamos y admiramos, es que sus discos y sus vivos levantaron la bandera de la diversión británica, una parranda que se asemeja a la nuestra. Su cóctel, apañado por Factory Records desde Madchester, combina en el debut Squirrel and G-Man twenty four hour party people plastic face carnt smile (white out) algo de funk, psicodelia, post
punk y la música electrónica medio berreta que bailaban los pibitos ingleses allá por 1987, y anticipa también el Screamadelica de Primal Scream, álbum que recién saldría en 1991. La primera edición de Squirrel... no trae 24 hour party people*. Su inclusión llegaría en reemplazo de Desmond, un homenaje a Ob-la-di ob-la-da de The Beatles que disgustó al por entonces dueño de los derechos de explotación del catálogo Beatle y Rey del Pop, Michael Jackson. La mala onda de Jacko confirmó la máxima popular ‘no hay mal que por bien no venga’, y el disco ganó vigor y sumó a su tracklist una de las mejores canciones de la discografía de Shaun Ryder y compañía. Una canción alborotadora y saltarina, de teclado tonto, bajo groovero y un cantante pasado de juerga, que pelea por el título al himno nocturno-fiestero-de-todos-los-tiempos- para reírse de la Luna y de todo lo impuesto. *En 2002 salió una especie de biopic con el mismo título, que pintaba el nacimiento del punk, el post punk y la movida Madchester en Inglaterra, todo desde la mirada del productor y empresario Tony Wilson.
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conga mag con la guitarrita todo el dĂa
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