ABRIL 2015
PHOSGRAPHIS Magazine
WILLIAM EGGLESTON el color de la fotografía
MATTHEW BRANDT experimentos acuáticos
JADEN BROWN
fotografía de espíritu libre
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Queremos promover “el disparo espontáneo” en medio del aplastante crecimiento de la fotografía digital y la rápida contracción de la fotografía análoga. Defender ese nicho de rollos y revelados es lo que nos motiva. Así nace Phosgraphis, con el objetivo claro de generar comunidad, junto con ser un espacio donde la fotografía análoga se muestra y se destaca. Queremos motivar a esa generación que nunca en su vida a puesto un rollo en una cámara fotográfica y que sólo sabe de pixeles y tarjetas SD. A esos que alguna vez tuvieron una cámara análoga cuando chicos que se perdió por ahí y que hace unas semanas volvieron a encontrar. A los que siempre fueron fieles a la película fotográfica y la siguen amando aunque cueste más encontrar donde revelar. Y a todos aquellos que una simple cámara plástica les guiño un ojo y alucinaron con esta forma desenfadada de retratar la vida en un sin fin de disparos espontáneos que es la fotografía análoga. Phosgraphis busca lograr todo eso. Ser un medio para compartir, enseñar y aprender.
Constanza
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CONTENIDOS
01 LEYENDAS
02 INSPIRACIÓN
06. William Eggleston: A todo color
16. Matthew Brandt: Experimentos acuáticos 20. Doble exposición.
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03 ENTREVISTAS
04 COLABORACIONES
30. Jared Brown: fotografía de espíritu libre
40. Espacio de contribución de lecores.
LEYENDAS
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WILLIAM EGGLESTON: A TODO COLOR Dar color a un arte en blanco y negro. Esa ha sido la gran de William Eggleston, fotógrafo americano que tuvo el valor y la audacia de romper con el dogma de la película monocromática y comenzar a disparar a todo color.
LEYENDAS
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Por Diego Caballero
D
ar color a un arte en blanco y negro. Esa ha sido la gran labor de William Eggleston, fotógrafo americano que tuvo el valor y la audacia de romper con el dogma de la película monocromática y comenzar a disparar a todo color. Eggleston nació en Estados Unidos un par de meses antes de que al otro lado del Atlántico el sonido de las bombas y el de los fusiles anunciara con ferocidad el inicio de la Segunda Guerra Mundial. Creció en el sur del país, en Mississippi, donde las granjas y las pequeñas ciudades están iluminadas por un sol que aviva los colores. Pero su primera cámara, una Kodak Brownie Hawkeye que llegó a sus manos cuando tenía diez años, no conseguía captar la nitidez con la que él veía los paisajes que le rodeaban. Una desilusión. Eggleston y la fotografía no iniciaban su relación con buen pie. Durante seis años realizó
una travesía por tres universidades diferentes. En ninguna obtuvo un título, pero aprendió mucho de su andadura en los campus. Se acercó a la pintura del pujante expresionismo abstracto y la obra de Kandinsky y de Klee. Y allí también le dio una segunda oportunidad a la fotografía. Comenzó a experimentar con impresiones monocromáticas intentado captar en sus imágenes lo mismo que los pintores atrapan en sus cuadros. Pensaba -y acertaba- que con una cámara fotográfica se podía hacer arte. Quería ir más allá del fotoperiodismo, de la publicidad y de las sesiones con modelos. Quería hacer lo que Henri CartierBresson había hecho con su Leica. El fotógrafo francés parecía ser un buen referente en esto de los negativos y los cuartos oscuros.
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LEYENDAS
William Eggleston. “Chromes”
LEYENDAS
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Pero Eggleston necesitaba ir más allá. Necesita dar más vida a sus fotografías y parecía que el color tenía la clave. Obviando los convencionalismos se lanzó a retratar lo banal pero siempre con una originalidad marca de la casa. Supo darle alma a escenas de extrema cotidianidad. Supo ponerle voz a ambientes que parecían mudos. Supo recoger la historia oculta de las cosas y demostrar que de cosas triviales está hecha la vida. Y para ello no tuvo que salir del Sur. A fin de cuentas, lo mundano está en todas partes.
A partir de esta primera etapa su producción se volvió imparable. Durante cinco décadas ha sido un constante trabajador de la fotografía. Siempre armado con una cámara ha admitido tomar imágenes a diario.
Sus retratos de la realidad aparentemente vacía recuerdan a trabajos de otros artistas de su época. El Arte Pop o el Hiperrealismo comparten con Eggleston el interés por reflejar la sociedad americana contemporánea. Una sociedad de plástico, de neones y de coches… y de color, de mucho color. Un color que el fotógrafo intensifica de manera exagerada gracias a la técnica de la transferencia de tintes (Dye Transfer) con la que se obtiene una saturación cromática impresionante.
William Eggleston. “Chromes”
William Eggleston, Untitled, 1965-68 and 1972-74, from Los Alamos 10 LEYENDAS
EL PODER DE
LEYENDAS
LO COTIDIANO
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LEYENDAS
1. William Eggleston, Untitled, 1965-68, Los Alamos. 2. William Eggleston, Untitled, 1970, Chromes Collection.
LEYENDAS
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Parece que su fotografía carece de técnica y que sus enfoques no responden más que al apunta y dispara. Pero detrás de la falsa apariencia de casualidad se esconde un complejo trabajo que se revela al analizar con detenimiento sus imágenes. El MoMA de Nueva York le abrió sus puertas en 1976 y con ello Eggleston alcanzó la fama. Sus magníficos trabajos llevaron a la fotografía a color al campo de las Bellas Artes. Romper moldes y superar tradiciones inamovibles con una maestría única le han hecho ser uno de los fotógrafos más destacados del siglo XX. Pero además William Eggleston ha sido, casi sin quererlo, un excelente cronista de la realidad americana de los últimos cincuenta años a través del retrato de lo ordinario.
Y es que a veces, las cosas más triviales se vuelven fundamentales. 1
LEYENDAS
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1. Untitled, from Los Alamos, Private collection Eggleston Artistic Trust. 2. William Eggleston photographed by Juergen Teller, 2006. 3. William Eggleston, Untitled, from William Eggleston’s Graceland, 1984.
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Si te interesa saber más sobre William Eggleston puedes visitar la página web oficial del autor. w w w . e g g l e s t o n t r u s t . c o m
INSPIRACIÓN
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MATTHEW BRANDT: EXPERIMENTOS ACUÁTICOS
Por Lomo Chile | Fotos por Matthew Brandt
INSPIRACIÓN
Experimentar es parte fundamental del espíritu análogo y lomográfico. Aquí te mostramos un proyecto fotográfico muy interesante, en las manos del estadounidense Matthew Brandt.
1. Nacimiento Lake CA 3, Matthew Brandt, 2008 2. Amercan Lake WA E3, Matthew Brandt, 2011 3. Matthew Brandt, fotógrafo.
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INSPIRACIÓN
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Klamath Lake OR 4, Matthew Brandt, 2010
Las fallas de velos, desintegración del papel y pérdida de la imagen no es un error en la obra “Lakes and Reservoirs” (“Lagos y reservas”), en el que cada fotografía tiene un pie forzado: la decisión de sumergirlas en el agua del lago que fue fotografiado, lo que suceda en ella, ya es acción de la naturaleza. La intención de este fotógrafo es unir la imagen con su fuente y plantear que la reproducción de algo es igualmente suceptible a fuerzas físicas como el sujeto en sí; además, vuelve a puntualizar la originalidad del acto fotográfico, único e irrepetible. Las fotografías las sumerge por semanas ¡y hasta meses! Obteniendo resultados diversos que están ligados directamente con la composición química de cada lago. Brandt utiliza fotografías impresas en papel cromogénico, comunmente llamado C-print, el cual tiene un proceso diferente al ampliado de las fotografías a las que estamos acostumbrados. Este papel tiene más de una capa de aluro de plata (normalmente una por color, siguiendo el modelo CMY) y se procesa con RA-4.
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INSPIRACIĂ“N
one Lagoon CA 2, Matthew Brandt, 2008
Big Bear Lake CA A1, Matthew Brandt, 2011
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Sylvan Lake, Matthew Brandt, 2011
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INSPIRACIÓN
DOBLE EXPOSICIÓN
Por Constanza Concha
Untitled, Amara Sieber.
Aunque su nombre asusta, la Doble Exposición, es una técnica fotográfica que ha provocado la inspiración de miles de fotógrafos, aficionados y profesionales. Como tal, sería una pena que dejases pasar este tema, desaprovechando el enorme caudal de fotografías creativas que podrías conseguir.
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INSPIRACIÓN
En la jerga fotográfica y en este contexto la palabra “exposición” quiere decir “fotografía”, ni más ni menos. Cabe destacar que estamos hablando para simplificar el concepto y que todos nos entendamos. Exposición aquí es “Fotografía”. Doble Exposición es… doble fotografía.
Con la doble exposición las posibilidades creativas se multiplican. Todo lo que podías fotografiar antes ahora lo puedes hacer combinándolo con cualquier otro sujeto, objeto o motivo: efectos de cuerpos fantasmagóricos, reflejos, siluetas entretejidas unas con otras. Las posibilidades son infinitas.
INSPIRACIÓN
¿Qué puedo conseguir con la técnica de doble exposición?
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1. Untitled, Amara Sieber. 2. Untitled, Flickr user. 3. Muelle, Constanza Concha
La doble exposición no sólo te permite alcanzar composiciones imposibles de conseguir con una foto suelta, sino que ni con ella obtienes fotos que siquiera hubieras podido imaginar. Mientras te dedicas a producir una doble exposición muchas veces tú eres el primer sorprendido por el mensaje, historia o sentimiento que queda plasmado por la combinación de ambas fotos.
4. Sea, Vandorse. 5. Untitled, Tumblr user.
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Si una foto vale más que mil palabras, imagínate dos. La doble exposición es algo muy cercano a la poesía no verbal. Es algo muy visual que puede producir en el espectador sentimiento o emociones que no siempre son fáciles de describir mediante palabras.
¿Cómo de
tomar fotos doble exposición?
Con las cámaras de fotos analógas la doble exposición se consigue disparando dos fotos seguidas, una detrás de la otra, sin pasar el film o carrete. Se usa el mismo espacio de la película o negativo para disparar dos fotos diferentes. Una encima de otra.
1. Forest, Amanda Sieber. 2. Portratit, Vandorese.
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Consejos
para
una
Doble
Exposición
espectacular.
Ahora viene la parte interesante. Recuerda que aquí el artista eres tú. La cámara es una simple “herramienta”, pero el creador de la fotografía eres tú. Te damos unos cuantos consejos que te acortarán el camino del aprendizaje y te permitirán empezar a producir fotografías impresionantes desde el primer momento. Astucias y consejos que la mayoría de los fotógrafos dichos en esta materia ya aplican y que nos gustaría que conocieras desde ya.
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Intenta incluir siempre un factor humano o animal en la composición. Una de las dos fotos tiene debería contener una persona, animal o ser vivo animado. La otra foto puede contener un elemento de la naturaleza: árboles, flores, vegetación, etc. Básicamente estamos fusionando algo vivo que tiene emociones y expresiones faciales, con algo estático que es la naturaleza, un patrón, algo que sirva de fondo. Suele dar muy buenos resultados.
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La foto en la que aparezca el sujeto, persona o animal, intenta dispararla a contraluz. Cuanta más “silueta” aparezca y más “oscura” salga la persona, mejor resultado obtendrás.
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La segunda foto, la del entorno, naturaleza, pared o árboles, ésa dispárala con un nivel de iluminación correcto. La idea es crear contraste entre la primera y segunda foto.
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Como se trata de fusionar 2 fotos, ten cuidado de no caer en una fotografía final demasiado cargada de colores. Para evitarlo, procura mantener una cantidad mínima de colores en cada una de ellas. La primera que no tenga más de 2 colores predominantes, y la segunda pues a lo mejor 1 o 2 colores como máximo, predominantes. Móntalo todo teniendo en mente el color (o los 2 colores) predominante que quieres que la fotografía final tenga.
1. Untitled, from Los Alamos, Private collection Eggleston Artistic Trust. 2. William Eggleston photographed by Juergen Teller, 2006.
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La orientación de las dos tomas no tiene por qué coincidir. Puedes invertir el sentido de una foto (de horizontal a vertical) para así poder fusionarla con una originalmente vertical.
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ENTREVISTAS
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JARED BROWN: FOTOGRAFÍA DE ESPÍRITU LIBRE Por Constanza Concha
El joven fotógrafo análogo Jared Brown está enganchado con el grano, las imperfecciones sutiles y la manera en que el rollo reacciona a luces diferentes. En esta entrevista conoceremos más sobre cómo se introdujo en el mundo análogo y veremos la fotografía desde sus nostálgicos disparos.
ENTREVISTAS
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Jared,
cuéntanos
algo
sobre
tí
mismo.
Mi nombre es Jared Brown. Soy un fotógrafo análogo autodidacta de Adelaide, Australia del Sur, aunque he estado recientemente viajando por Europa y ahora me he instalado a vivir en Londres por un tiempo.
¿Cómo/Cuándo comenzaste a sacar fotografías? Cuál fue tu primera cámara? Toqué batería en una banda básicamente a tiempo completo durante aproximadamente 10 años. Cuando todo eso se acabó sentí como que había un vacío en mi vida. Necesitaba algo para divertirme, algo por lo que obsesionarme. No fue mucho tiempo después que fui “inspirado” por un amigo para perseguir el interés en la fotografía análoga, con la que había estado jugando un buen rato. Entonces fui y me compré una Pentax K1000 porque me dijeron que era una gran cámara para empezar. Desde ahí, siempre la llevé conmigo en mi bolso, y fotografié todo lo que llamaba mi atención. Lamentablemente, perdí la K1000, que cayó fuera de un bote en una aventura un día. Nadé hacia abajo, encontré la cámara y terminé de usar el rollo casi incapaz de ver por el visor. La mañana siguiente la cámara estaba completamente arruinada pero las fotos salieron con un resultado realmente interesante.
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ENTREVISTAS
Describe tu estilo fotográfico. ¿Cuáles son tus temas y motivos más usuales? Mi fotografía ha sido descrita como nostálgica, soñadora y de espíritu libre, con lo que creo estoy de acuerdo. Siempre es difícil para mí definir realmente mi estilo porque no es algo que yo vaya y cree premeditadamente, pero podría decir que he notado que más a menudo que no, me inclino por las técnicas, condiciones y cámaras que producen ese tipo de resultados. Mis cosas favoritas para fotografiar son mis aventuras con amigos, explorando y relajándonos junto al mar o en la naturaleza, y también las imágenes de mujeres.
ENTREVISTAS
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el mar, tópico recurrente en la fotografía de Brandt.
Entre tus numerosas fotografías de rollo, ¿cuál es tu favorita? Es difícil elegir una favorita absoluta pero una que estoy amando en este momento es una que tomé de mi amiga Bella, desde bajo el agua mientras nadábamos en una playa secreta en la isla de Korcula en Croacia. Fue un maravilloso día fuera, sin gente alrededor y agua cristalina.
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¿Cuál es el tus álbumes
soundtrack de de fotografía?
La mayoría de mis fotos recientes fueron tomadas en mis viajes por Europa, por lo que el soundtrack tendría que ser “Heartbreaker” de Bryan Adams, y si tuviera que elegir una canción específica de ese disco sería “My Winding Wheel”. Le di a este disco una verdadera paliza mientras viajaba. Fue mi compañía en largos viajes en tren, mientras me relajaba en la playa y cuando trataba de conciliar el sueño por las noches.
Todos tenemos nuestros ídolos. ¿Qué fotógrafos te inspiran? ¿Quién o qué influencia tu estilo de fotografía?
A nivel local, hay un chico llamado Luke Byrne que es originario de mi ciudad natal Adelaida. Él parece tener una habilidad, aparentemente sin esfuerzo, de tomar hermosas fotografías de sus amigos y la naturaleza. Como fotógrafo “extranjero”, para mí sería Tim Barber. Realmente disfruto la integridad de sus fotos y admiro su ponencia en la fotografía de moda. Creo que él siempre deja su propio sello en el trabajo que produce, y siempre es relajado, libre y creativamente enmarcado.
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ENTREVISTAS
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Análogo vs Digital. ¿Qué hace a la fotografía análoga más especial que la digital? Personalmente, estoy enganchado en el grano, las imperfecciones sutiles y la manera en que el rollo reacciona a la luz. Así como también el hecho de que tienes la posibilidad de revivir las imágenes que capturas cuando es momento de recoger las fotografías del laboratorio de revelado.
¿Tienes cámaras lomográficas? es tu favorita o cuál te gustaría
¿Cuál tener?
La primera vez que fui a Japón, me compré una Diana que usé un par de veces y que ahora le obsequié a un amigo que quería empezar a sacar fotos. También he usado un poco una Lomolitos en fiestas y noches de paseo en la ciudad. En el futuro me gustaría tener en mis manos una LC-A+!
Hoy en día mucha gente está interesada en la fotografía, ¿qué les dirías para inspirarlos aún más?
Un montón de cámaras, un montón de diversión! Si te estás aburriendo de sacar fotos, compra una nueva cámara. Ni siquiera tiene que ser cara, algunas de mis favoritas fueron gangas de tiendas de caridad.
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Todas las imรกgenes fueron tomadas por Jared Brown. Para ver mรกs de su trabajo, puedes visitar su carpeta online en su Tumblr.
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A C I O N E S
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