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MAGAZINE & BUSINESS WOMAN
A MEANS OF EXPRESSION WITH FRESH AND CURRENT INFORMATION, WE HAVE THE SUPPORT OF COMPANIES AND ASSOCIATIONS THAT GIVE US THEIR RECOGNITION TO THE PARTICIPATING PEOPLE, AMONG THEM IS UNESCO FOR SUPPORTING THE ARTS AND THEIR DISCIPLINES; TERRACYCLE FOR BEING A SOCIALLY RESPONSIBLE MAGAZINE WITH THE ENVIRONMENT, INADEM AS THE BEST DIGITAL CULTURAL COMPANY CREATED BY YOUNG ENTREPRENEURS, CONCANACO SERVITUR ASÍA BEING ONE OF THE FIRST COMPANIES TO ENTER THE ASIAN MARKET, GOVERNMENT OF LOS ANGELES GIVING A CERTIFICATE OF HONOR IN LIVING LEGACY AND RECENTLY TOTA PULCHRA (VATICAN) BY MOSIGNOR JEAN-MARIE GERVAIS, PRESIDENT OF THE SAME ASSOCIATION AND COADJUTOR PREFECT OF THE VATICAN CHAPTER FOR OUR GREAT WORK IN THE BRANCHES OF ART
MAGAZINE & BUSINESS WOMAN
Gloria López Gavito, conocida artísticamente como GLORIS, es una artista plástica y poeta mexicana con una carrera que se distingue por su profunda pasión por el color y la técnica. Nacida en Chiapas y residente en Mazatlán, Sinaloa, GLORIS ha logrado fusionar su amor por el arte con una exitosa carrera en el ámbito de la ortodoncia, creando una propuesta única que se manifiesta en cada una de sus obras.
CONTACTO: glorialopezgavito@gmail.com
Web www.glorisart.com www.gloris.art
Facebook Gloris.art
Instagram. @gloris.art
CELULAR +52 6699181133
Desde el inicio de su carrera artística en 2009, Gloria ha explorado una amplia gama de técnicas y estilos, convirtiéndose en una figura relevante en el mundo del arte contemporáneo Su enfoque autodidacta le ha permitido experimentar con técnicas mixtas, destacándose en el uso del acrílico en sus múltiples formas. Su firma artística, GLORIS, se ha convertido en sinónimo de innovación y pasión por el color, capturando la atención del público y los críticos por igual.
Gloria López Gavito ha complementado su carrera artística con una sólida formación académica. Es cirujano dentista con especialización en ortodoncia y cuenta con un Doctorado en Ciencias Administrativas y una Maestría en Ciencias Odontológicas. Su habilidad para equilibrar dos mundos tan distintos como la medicina y el arte refleja su dedicación y versatilidad, permitiéndole dedicarse de tiempo completo a su profesión mientras sigue explorando su vocación artística.
A lo largo de su trayectoria, GLORIS ha participado en más de 140 exposiciones a nivel nacional e internacional, tanto presenciales como virtuales.
Su obra ha sido presentada en países de Norte y Sudamérica, Europa y Asia, destacando su capacidad para conectar con audiencias diversas a través de sus exposiciones.
Entre las más notables se encuentran las realizadas en la Galería El Reloj en Ciudad de México (2019), la Galería COBAES en Mazatlán (2021), la Galería Ángela Peralta en Mazatlán (2022), la Galería Casa Haas en Mazatlán (2023) y el Museo CIDMA Sala Banorte (2024).
Además de sus exposiciones, GLORIS ha sido reconocida por su contribución a la literatura artística, con publicaciones en libros que abarcan tanto pintura contemporánea como poesía Entre sus obras publicadas se incluyen los volúmenes de la serie 360 Art Gallery, el libro de arte "Aesthetics of Faces" editado por Fantapia en Corea del Sur, y el libro de poesía "INVICTA" publicado por Editorial Aura.
El trabajo de GLORIS ha sido galardonado en múltiples ocasiones, reflejando su impacto en la escena artística global. Entre sus premios se destacan el primer lugar en el concurso Somos Maestros de la plástica en México (2020), el primer lugar en el concurso y exhibición de arte “Inclusión” en Buenos Aires (2021), y el premio a mejor obra en el concurso de arte 25th Mosaic PANDAM en Nueva Delhi (2021), entre otros. Estos reconocimientos subrayan la calidad y originalidad de su trabajo, así como su capacidad para destacar en un entorno competitivo
En su proceso creativo, GLORIS se inspira en una amplia gama de fuentes, desde el universo y la naturaleza hasta sus experiencias personales y sueños. Utiliza técnicas mixtas y acrílico para explorar el expresionismo abstracto, creando obras que se distinguen por sus texturas vibrantes y composiciones innovadoras. Su estilo artístico ha evolucionado con el tiempo, comenzando con una fase más figurativa y expandiéndose hacia el expresionismo abstracto, un enfoque que considera un reflejo auténtico de su personalidad.
Entre sus proyectos actuales se encuentra una serie de obras titulada "Estrellas", que utiliza resina epóxica con esmalte sobre madera. Esta técnica, que ha comenzado a explorar hace tres años, le permite crear piezas de gran impacto visual y estético. También está preparando una importante exposición en el Museo CIDMA Sala Banorte en Mazatlán, programada para este mes, que incluirá pinturas, esculturas e instalaciones. Esta exposición se centrará en la interacción entre la tecnología y la vida humana, destacando la importancia de la reflexión en la era digital.
Gloria López Gavito no solo es una artista reconocida por su talento, sino también por su capacidad para conectar con el público y transmitir emociones a través de su trabajo. Sus exposiciones y publicaciones han generado un impacto significativo, y su enfoque innovador sigue inspirando a quienes la conocen.
CON SU PAPEL EN "HOTEL COCAINE"
Víctor Oliveira se embarca en un nuevo desafío actoral con su papel en la serie “Hotel Cocaine”, donde explora las profundas y oscuras historias del narcotráfico en Miami durante los años 70 Oliveira revela que su motivación para involucrarse en el proyecto proviene de su interés en contar historias que impactan social y culturalmente La cocaína, con su historia marcada por la violencia y el sufrimiento en países latinoamericanos como Venezuela, Colombia y México, dejó una huella imborrable en la historia que considera importante recordar y explorar.
En la serie, Oliveira interpreta a Álvaro Gómez, un narcotraficante colombiano que opera bajo el mando de La Cobra y Yolanda, personajes interpretados por Juan Pablo Raba y Mayra Hermosillo, respectivamente. Álvaro es un personaje complejo y oscuro, caracterizado por su ambición desmedida y su inclinación hacia el sadomasoquismo. Este papel le permitió explorar una faceta intensa y retadora del narcotráfico, sumergiéndose en la lujuria y la brutalidad de los círculos exclusivos de la droga en esa época
Para capturar la esencia del Miami de finales de los 70 y el ambiente del narcotráfico en "Hotel Cocaine", Víctor Oliveira se preparó meticulosamente, destacando el documental "Cocaine Cowboys: Los Reyes de Miami" como una fuente clave Enfrentar los desafíos de interpretar a un personaje en un entorno tan oscuro y violento, con sus niveles de violencia y corrupción, fue un reto significativo para él.
Trabajar en una producción estadounidense que aborda temas complejos y controvertidos ofreció a Oliveira una experiencia enriquecedora Valora especialmente la oportunidad de colaborar con directores y productores que priorizaron la autenticidad, y resalta el trabajo en un equipo diverso en República Dominicana, compuesto por latinos de diferentes nacionalidades.
Durante el rodaje, Oliveira vivió momentos memorables, como su primera escena con Danny Pino, a quien admira, y su colaboración con Mayra Hermosillo, quien le brindó un apoyo invaluable tras la huelga de SAG-AFTRA Estos momentos fueron cruciales para su desarrollo como actor y fortalecieron el espíritu colaborativo del equipo
Oliveira espera que "Hotel Cocaine" permita al público una mayor comprensión de la historia y los desafíos que han moldeado la sociedad actual. Confía en que la serie, que destaca por su autenticidad y fotografía impresionante, será bien recibida a nivel global. Además, Oliveira está entusiasmado con su participación en el musical "Cabaret" y anticipa el lanzamiento de tres nuevos proyectos
Natan Tarragó Terradellas es un artista con discapacidad visual que nació en Barcelona y actualmente reside en la villa medieval de Montblanc, donde trabaja en la ONCE, la Organización Nacional de Ciegos de España. En 2013, recibió el diagnóstico de retinosis pigmentaria, una enfermedad visual que provocó una revolución personal en su vida y en su arte.
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Esta transformación le llevó a pintar sin gafas, buscando expresar su realidad sin la corrección de las lentes. Se inspira en el mito de la cueva de Platón, utilizando las gafas como metáfora de las sombras en la cueva y su pintura sin ellas como la salida hacia la verdad.
Desde joven, Natan se inició en el arte en la Casa del Reloj en Barcelona, donde comenzó a explorar su creatividad a los ocho años.
A lo largo de su trayectoria, se formó de manera autodidacta, estudiando técnicas de arte y biografías de grandes maestros, y más tarde se formó en un bachillerato artístico y estudios superiores. Los viajes a Francia con su familia y la influencia de su tío pintor y escultor autodidacta despertaron su pasión por el arte, que ha sido una constante fuente de inspiración y desarrollo personal.
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En cuanto a técnicas y materiales, Natan trabaja con una variedad de técnicas, considerando la pintura como un reflejo de la cocina, dada su experiencia en hostelería y turismo. Utiliza óleo por su versatilidad, acrílicos para las primeras capas y acuarelas por su espontaneidad. Además, experimenta con técnicas como el collage y el trabajo "alla prima" para lograr un efecto más explosivo y potente en sus obras. Su estilo ha evolucionado desde un juego de autodescubrimiento hacia una búsqueda más filosófica y personal, especialmente después de su diagnóstico de retinosis pigmentaria.
El mensaje central de su obra gira en torno a la identidad social y las máscaras que las personas utilizan en diferentes facetas de sus vidas, tanto en el mundo real como en el virtual. Sus mapas mentales y las obras realizadas sin gafas exploran la idea de cómo la identidad se construye y se muestra, reflejando su visión sobre la sociedad que lo rodea.
Natan define su estilo artístico como personal y en constante evolución, pasando de un enfoque autodidacta a una comprensión más profunda y filosófica del arte. A pesar de enfrentar bloqueos creativos, ha encontrado maneras de superarlos, ya sea mediante la observación, la meditación, o saliendo a pasear para recargar su inspiración.
Entre sus proyectos más significativos se encuentran las obras realizadas sin gafas y los mapas mentales, que surgieron durante el proceso de adaptación a su enfermedad visual. Estas obras le han permitido recibir premios importantes y participar en exposiciones internacionales, como la Handi Art en Dinamarca y la Paralym Art en Tokio
Natan considera que el arte tiene un papel crucial en la sociedad actual, al romper con la tradición y adaptarse a los tiempos modernos. Aunque critica algunas tendencias actuales, como el arte que considera absurdo, cree que el arte sigue siendo una forma de expresión universal que debe desafiar y provocar reflexión en el espectador.
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En sus próximas exposiciones, Natan presentará trabajos en Madrid, Montblanc, y en la Galería Michel Menendez en Pamplona, entre otros Estos proyectos incluyen un diseño conmemorativo para la colla castellera de su villa y una exposición en el primer festival internacional de arte naif, organizado por una artista italiana. Natan sigue explorando nuevas formas de expresión artística, como la abstracción combinada con la figuración y las alfombras de flores inspiradas en la festividad de Corpus.
A los artistas emergentes, Natan les aconseja que rompan sus miedos, disfruten del proceso creativo y se expresen libremente, sin importar las dificultades. Destaca la importancia de la paciencia y la pasión en la búsqueda de oportunidades para mostrar su arte.
Finalmente, Natan expresa su agradecimiento a su familia, amigos, maestros y colegas que han apoyado su carrera artística. Aprecia especialmente la labor de Arturo Elías por ofrecerle oportunidades internacionales para exhibir su talento. A pesar de los desafíos, Natan continúa avanzando en su carrera artística con el apoyo de aquellos que creen en él y en su visión creativa
ABSTRACTA EN "VISLUMBRES Y VELADURAS"
La nueva colección de Corinne Toledano, titulada "Vislumbres y Veladuras", se presenta como una profunda amalgama de expresividad cruda y estilización abstracta. Cada lienzo de esta serie se convierte en un vehículo para la introspección emocional y la exploración técnica, ubicándose en la intersección entre el expresionismo abstracto y el retratismo figurativo moderno En esta colección, la paleta cromática vibrante y los trazos audaces se erigen como símbolos evocadores de la psique humana
La técnica de Toledano refleja una reminiscencia de los trabajos de Willem de Kooning, particularmente en su enfoque hacia la figura con una libertad distorsionante, así como ecos de la energía dinámica característica de Franz Kline La aplicación del color en su obra evoca la audacia de la paleta de Marc Chagall, pero con una intención más centrada en destacar la complejidad emocional que en la fantasía
Cada pieza está impregnada de un dinamismo que desafía la rigidez de las formas convencionales, apostando por una estética que cuestiona la percepción tradicional de la armonía y el equilibrio. La preferencia por el alto contraste y la saturación en el color impulsa al espectador a confrontar las obras, estimulando una experiencia activa y reflexiva más allá del simple observador pasivo.
El mensaje subyacente de "Vislumbres y Veladuras" explora la dualidad de la existencia humana, resaltando tanto la vulnerabilidad como la fortaleza intrínseca. Toledano aborda la fragmentación de la identidad y la constante búsqueda de cohesión en un mundo que a menudo parece caótico. Cada trazo y capa de pintura sirve como una metáfora de las múltiples facetas de la condición humana La incorporación de texturas y materiales añade una dimensión táctil que invita a la reflexión sobre la materialidad de las emociones, proponiendo un paralelismo entre el acto físico de pintar y el proceso de formar nuestros propios sentimientos y experiencias.
La colección se erige como un diálogo visual que se entrelaza con la narrativa contemporánea, mientras mantiene un eco de los grandes movimientos artísticos del pasado, abriendo un camino hacia una expresión artística única y renovada de la experiencia humana.
En una reciente entrevista, Corinne Toledano explicó que su interés por la intersección entre el expresionismo abstracto y el retratismo figurativo moderno proviene de su fascinación por la capacidad de estas corrientes para generar resultados artísticos innovadores
Inspirada por artistas como Willem de Kooning y Jean-Michel Basquiat, Toledano busca combinar la intensidad emocional del expresionismo abstracto con la narrativa íntima del retratismo figurativo, creando una experiencia visual que refleja tanto la complejidad interna de la psique humana como su representación externa
En su serie "Vislumbres y Veladuras", la paleta cromática vibrante se utiliza para evocar respuestas emocionales intensas en el espectador. Los colores seleccionados representan diversas emociones y estados de ánimo, creando una tensión emocional que invita a la introspección. Las veladuras y texturas adicionales proporcionan una profundidad visual que permite al espectador explorar más allá de la superficie, fomentando una reflexión personal sobre sus propios sentimientos y experiencias
La técnica de Toledano también se inspira en la gestualidad y el dinamismo de Willem de Kooning y en la energía abstracta de Franz Kline. La gestualidad le permite expresar movimiento y energía en su obra, mientras que las texturas añaden complejidad y profundidad. La paleta cromática vibrante y la improvisación en la pintura, influenciadas por De Kooning, permiten a Toledano crear una tensión emocional y expresar sus sentimientos de manera libre y auténtica
El uso del color en "Vislumbres y Veladuras" recuerda la audacia de Marc Chagall, pero Toledano adapta esta audacia para destacar la complejidad de la psique humana Experimenta con colores intensos y contrastantes para reflejar la complejidad emocional y asigna significados específicos a cada color para crear un lenguaje visual que explora la psique humana. La aplicación de capas de color y el uso de contrastes cromáticos representan la dualidad de la experiencia humana, mientras que la expresividad gestual captura la emoción y la intensidad del color.
La ruptura con las formas convencionales en la composición de las piezas de Toledano busca explorar nuevas formas de expresión y generar una sensación de movimiento y energía. Este enfoque permite una conexión emocional más profunda y desafía al espectador a cuestionar su percepción, creando una experiencia visual que estimula la reflexión y la conexión personal.
El alto contraste y la saturación en la obra comunican la dualidad y fragmentación de la identidad humana El contraste entre luces y sombras y la saturación de colores intensos reflejan la tensión y la diversidad de la experiencia humana Estos elementos visuales sugieren la fragmentación de la identidad y la lucha entre diferentes facetas de la personalidad.
Toledano equilibra la vulnerabilidad y la fortaleza en su trabajo mostrando ambas facetas como partes integrales de la condición humana. Este equilibrio busca reflejar la complejidad de nuestra experiencia interna sin idealizar ni simplificar, invitando al espectador a conectar emocionalmente con la obra y a reflexionar sobre su propia vulnerabilidad y fortaleza
La dimensión táctil en la obra de Toledano actúa como una metáfora del proceso emocional. Al incorporar materiales y texturas, busca evocar sensaciones que reflejan experiencias emocionales, como la suavidad o la rugosidad La superposición de capas de materiales y texturas representa la complejidad de nuestros sentimientos, invitando al espectador a explorar y conectar con la obra a un nivel más profundo y personal.
Finalmente, Toledano espera que los espectadores se lleven una reflexión sobre la complejidad de la condición humana y la importancia de explorar y aceptar nuestras emociones. La intención es fomentar la empatía, la introspección y la conexión, ofreciendo una visión honesta y esperanzadora de la experiencia humana "Vislumbres y Veladuras" busca ser una experiencia visual que inspire reflexión y conexión personal, invitando a los espectadores a abrazar la complejidad de la condición humana.
Nora Díaz, originaria de Toluca, Estado de México, mostró desde temprana edad una profunda afición por la pintura y el dibujo. Su interés se centra en una variedad de temas, desde bodegones, flores, y paisajes, hasta rincones mágicos, la figura humana, el folklore mexicano y composiciones originales Díaz se formó como arquitecta y posee una Maestría en Administración y un Doctorado en Artes Su versatilidad se refleja en su dominio de técnicas como lápiz, carbón, sanguina, pastel, acrílico, óleo, tinta china, técnicas mixtas y acuarela, siendo esta última su técnica predilecta.
Como miembro de la Sociedad Mexicana de Acuarelistas, de la International Watercolor Society y de la Asociación de Aquacolor Mexiquense, Díaz ha participado en más de 120 exposiciones tanto nacionales como internacionales, en países como Italia, Bulgaria, Suiza, Rusia, España, Nepal y Eslovenia
“La acuarela es un mundo de sorpresas, y música para el alma”, afirma Díaz. Su carrera artística comenzó desde una edad temprana con diversas expresiones artísticas. La obra de su madre, una marina en óleo, la inspiró a convertirse en artista. Entre sus técnicas favoritas se encuentra la acuarela, debido a las sorpresas que ofrece el agua y el color
El tema central de su arte abarca el paisaje rural y urbano, permitiéndole transmitir una variedad de emociones como realidad, sueños, armonía, alegría, optimismo y paz. Su estilo es principalmente impresionista, caracterizado por una pintura espontánea, libre y precisa, aunque también realiza hiperrealismo con fines académicos
Díaz ha sido influenciada por figuras como el maestro Ignacio Barrios, y los grandes como William Turner, Monet, Renoir, Degas, y Cézanne. Actualmente, también encuentra inspiración en artistas contemporáneos como Álvaro Castagnet, Amit Kapoor y Thomas W Schaller
El proceso creativo de Díaz incluye pintar con música clásica e instrumental y meditar antes de comenzar. Su preparación implica plasmar ideas en croquis y resolver el color a medida que avanza. Entre sus proyectos más significativos se encuentran "Los pericos de Mendiola", que le recuerdan a sus hijos, y su interés en el arte sacro, un compromiso que considera significativo.
El arte, para Díaz, debería ser más promovido desde una edad temprana para fomentar el desarrollo de capacidades tanto intelectuales como intuitivas Ella cree que el arte puede salvar y dignificar a las personas, convirtiéndolas en mejores seres humanos. Su objetivo es despertar la imaginación, creatividad, y generar paz y alegría en quienes interactúan con sus obras.
Actualmente, Díaz trabaja en rescatar la esencia de México, su cultura, folklore, costumbres, tradiciones y colores, así como en el paisaje urbano y el arte sacro. Sus próximas exposiciones incluyen muestras en Italia, la Ciudad de México y el Estado de México.
A los artistas emergentes, Díaz les aconseja no desistir, pintar diariamente, aprender algo nuevo cada día, confiar en sus ideas y practicar la meditación para apoyar su proceso creativo.
Díaz expresa su gratitud a Dios, su familia, su esposo Ignacio Mendiola, sus hijos Nach, Sofy y Caro, sus hermanos Eny, Beto y Aris, Arturo Elías, Sofía Mendiola, y a todas las personas y organizaciones que promueven el arte, incluyendo a la Sociedad Mexicana de Acuarelistas y a la International Watercolor Society.
Para contacto, Nora Díaz está disponible en Facebook, Instagram, y YouTube bajo el nombre "Acuarela con Nora".
Ranulfo González, pintor de reconocido prestigio, ha construido una carrera notable con una profunda conexión con el arte. Desde joven, la pintura se convirtió en una forma de expresar sus emociones y traducir lo indescriptible en colores y formas. Su pasión por el arte surgió al descubrir cómo podía capturar y hacer trascender momentos a través de la pintura González comenzó explorando el arte por curiosidad, pero pronto se dio cuenta de que se trataba de una forma fundamental de comunicación con el mundo
Su estilo artístico ha evolucionado significativamente a lo largo del tiempo. Inicialmente centrado en el realismo paisajístico, donde buscaba transmitir la serenidad y majestuosidad de la naturaleza, ha integrado elementos de surrealismo en su obra actual. Esta evolución ha llevado a una combinación de realismo y simbolismo, caracterizada por un uso evocador del color y la luz para crear una conexión emocional con el espectador González explora la relación entre la figura humana y su entorno, jugando con formas y texturas para desafiar percepciones convencionales.
El proceso creativo de González es fluido y altamente intuitivo Comienza con la observación de su entorno, captando la inspiración de escenas cotidianas y atmósferas particulares Tras realizar bocetos preliminares, pasa a la planificación detallada, eligiendo materiales, paletas de colores y técnicas. La fase de pintura es tanto racional como emocional, permitiendo ajustes y cambios según la evolución de la obra. Finalmente, cuando la pintura logra un equilibrio entre su visión inicial y lo que la obra demanda, considera el proceso completo.
González se siente particularmente atraído por el óleo debido a su versatilidad y la profundidad que permite en sus obras. Prefiere lienzos de alta calidad y pigmentos naturales, que aportan autenticidad y riqueza cromática a sus pinturas. La técnica del óleo le permite crear atmósferas matizadas, ideales para su enfoque en paisajes realistas y evocadores.
Un tema recurrente en su trabajo es el paisaje, que ha explorado durante años con una fascinación por la naturaleza y su capacidad de evocar emociones profundas. Captura momentos de transición, como amaneceres y atardeceres, buscando transmitir no solo la apariencia visual, sino también la experiencia sensorial y emocional del entorno
La evolución de su arte ha sido marcada por un cambio hacia un estilo más suelto y expresivo, permitiendo una mayor libertad en la exploración de la luz, el color y la textura. Esta transición ha incluido la experimentación con nuevas técnicas y combinaciones de materiales, manteniendo siempre un equilibrio entre la precisión técnica y la narrativa emocional
Entre sus principales influencias artísticas, González destaca a los maestros del paisaje como Caspar David Friedrich y J.M.W. Turner, quienes le enseñaron a utilizar la luz y la atmósfera para transmitir emociones profundas También menciona a artistas contemporáneos como Gerhard Richter, cuya habilidad para combinar el realismo y la abstracción le ha inspirado a desafiar los límites de su propio estilo.
Uno de los proyectos más significativos de su carrera es la serie "Haciendas y Paisajes de Morelos", que ha sido expuesta en numerosos museos a lo largo de México. Este trabajo destaca por su enfoque en capturar la riqueza histórica y la belleza natural de las haciendas y paisajes de Morelos, revelando la interrelación entre el pasado y el presente a través de la pintura.
Para mantener su creatividad, González combina una rutina estructurada con momentos de espontaneidad Revisa sus bocetos y referencias visuales, camina por la naturaleza, y mantiene una práctica diaria de pintura. También lleva un diario visual que le ayuda a registrar ideas y reflexiones. Estas prácticas le permiten mantenerse en contacto con su creatividad y experimentar continuamente.
A lo largo de su carrera, Ranulfo González ha superado desafíos como la saturación del mercado artístico y la gestión de recursos para proyectos ambiciosos, adaptándose y colaborando con otros artistas para crecer profesionalmente. En la sociedad actual, él ve el arte como un medio crucial para la comunicación y la reflexión, ofreciendo contemplación, diálogo y conexión emocional, y fomentando la empatía entre culturas Busca que su audiencia experimente una conexión personal con su trabajo y que el arte sirva como un espejo de la experiencia humana.
Para los jóvenes artistas, González recomienda mantenerse fieles a su visión, experimentar con técnicas y estilos, y construir una red de apoyo. Admira a Leonardo da Vinci, Johannes Vermeer y Gerhard Richter por sus habilidades y versatilidad. En el futuro, está trabajando en la serie "Intersecciones del Tiempo", que explora la relación entre el pasado y el presente, con planes de exponerla a nivel nacional e internacional y colaborar en proyectos interdisciplinarios para seguir evolucionando y conectar con la audiencia.
