MAGAZINE & BUSINESS WOMAN
ÍNDICE
A MEANS OF EXPRESSION WITH FRESH AND CURRENT INFORMATION, WE HAVE THE SUPPORT OF COMPANIES AND ASSOCIATIONS THAT GIVE US THEIR RECOGNITION TO THE PARTICIPATING PEOPLE, AMONG THEM IS UNESCO FOR SUPPORTING THE ARTS AND THEIR DISCIPLINES; TERRACYCLE FOR BEING A SOCIALLY RESPONSIBLE MAGAZINE WITH THE ENVIRONMENT, INADEM AS THE BEST DIGITAL CULTURAL COMPANY CREATED BY YOUNG ENTREPRENEURS, CONCANACO SERVITUR ASÍA BEING ONE OF THE FIRST COMPANIES TO ENTER THE ASIAN MARKET, GOVERNMENT OF LOS ANGELES GIVING A CERTIFICATE OF HONOR IN LIVING LEGACY AND RECENTLY TOTA PULCHRA (VATICAN) BY MOSIGNOR JEAN-MARIE GERVAIS, PRESIDENT OF THE SAME ASSOCIATION AND COADJUTOR PREFECT OF THE VATICAN CHAPTER FOR OUR GREAT WORK IN THE BRANCHES OF ART
CEO & FOUNDER
ARTHUR ELIAS
DIRECTORA DE DISEÑO FERNANDA GONZÁLEZ
DISEÑO
CARLOS PINEDA
ADRIAN HERNÁNDEZ
MARCOS MORALES
ILUSTRACIÓN Y FOTOGRAFÍA
ANAHÍ SOLANO
LUIS HERNÁNDEZ
DIRECTORA EDITORIAL
DEFNNY SZCUBERT
EDITORIAL
KATIA MÉNDEZ
MARIO GARCÍA
ERIKA SALCIDO
ESCRITORES
RAÚL PLANCARTE
LAURA SANZ
LORENA MÁRTINEZ
JOSEAS MILTÓN
COLABORADORES
CHRISTIAN GAMÉZ
CARLOS MENDOZA
ALBARO MARTÍNEZ
WILLIAM SILVA
FOTÓGRAFO ES EDUARTDECO.
Marló
ESCULTORA E HISTORIADORA DE ARTE
Marló Zattina, destacada escultora e historiadora de arte, cuenta con una sólida formación académica en museología y una especialización en salud visual y neurociencias aplicadas al arte. Su trayectoria incluye numerosas, exposiciones individuales en destacados espacios culturales, como el Museo de Arte de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, el Antiguo Palacio del Arzobispado, y la Biblioteca de la Cámara de Diputados. Además, ha llevado a cabo murales tanto privados como públicos en la Ciudad de México y varios estados de la república.
CONTACTO:
Marló Zattina Escultora @marlozattinaescultora arte-marlo@hotmail com
En 2014, Zattina recibió el premio de escultura R. Rubio en la SEP por su originalidad. En 2021, fue invitada por el Centro de las Artes Espejo de la Luna para dar un mensaje en el marco del Día Internacional de la Mujer Al año siguiente, fue reconocida como Mujer 2022 por la Academia Latinoamericana ALAS y la Academia Mexiquense de Literatura Moderna AMELIM, destacándose por su eficacia y aportes culturales, artísticos y académicos. Ha sido entrevistada en diversos medios, incluyendo televisión, radio y prensa escrita, y su trabajo es accesible en línea bajo el nombre Marló
Zattina, donde también ofrece cursos sobre historia del arte, escultura y neurociencias aplicadas al arte.
En cuanto a sus inicios, Zattina revela que su pasión por el arte comenzó en la infancia, experimentando con materiales en la cocina de su abuela y en el patio de su hogar. A pesar de haber tenido una carrera satisfactoria en salud visual, siempre sintió un fuerte impulso hacia la creación artística, lo que la llevó a especializarse en historia del arte, neurociencias y finalmente en escultura, encontrando en el bronce y la técnica de cera perdida los materiales y procesos que más disfruta.
“Silencio y Renovación” Bronce/mármol 30mx30cmx16cm
Autora: Marló Zattina
“Beduino” Técnica mixta/ madera 50cmx40cm15cm
Autora: Marló Zattina
-“Floreciendo I Y II ”
Bronce/hierro
19cmx10cmx7cm
Autora: Marló Zattina
Bronce/hierro (Relieve)
30cmx28cmx17cm
Autora: Marló Zattina
Bronce
26cmx23cmx11cm
Autora: Marló Zattina
Zattina describe su trabajo como una exploración de la memoria y la identidad humanas, temas que considera esenciales para la transformación personal. Su estilo artístico, basado en la fusión de sus conocimientos en diversas disciplinas, ha evolucionado desde el uso de resinas y técnicas japonesas hasta el predominio del bronce, material que considera duradero y de alta calidad.
“Evocación”
“Equilibrio”
La naturaleza, la ciencia, la literatura y las expresiones no verbales son sus principales fuentes de inspiración. Su proceso creativo varía, comenzando a menudo con elementos de la naturaleza o la memoria personal, y se desarrolla a través de una serie de etapas que incluyen bocetos, modelado, fundición y pátinas.
Cada obra es única y refleja una profunda conexión emocional con el material y el mensaje que busca transmitir. Entre sus proyectos más significativos se encuentra la escultura "Universo", que representa la lucha personal y la transformación. Este trabajo refleja su visión del universo interior y el desafío constante de superar dificultades.
“Maternar”
Bronce/mármol
19cmx10cmx12cm
Escultora Marló Zattina
Zattina también ha realizado exposiciones individuales memorables, como "Regalos de luz", que evocó recuerdos y emociones en sus espectadores, y "Horizontes", que abordó la incertidumbre tras un duelo, ofreciendo consuelo y reflexión
Autora: Marló Zattina
Zattina considera que el éxito en su carrera se mide en la conexión emocional que logra establecer con su audiencia. Actualmente, está trabajando en una nueva colección escultórica y en encargos especiales para clientes, además de impartir cursos sobre neurociencias aplicadas al arte. Su próximo proyecto promete elementos simbólicos representativos, con un enfoque en las estrellas como símbolo de energía y luz
“Galope” Bronce/hierro 70cmx20cmx15cm
Autora:
Finalmente, aconseja a los artistas emergentes que mantengan disciplina y enfoque, y que aprendan a silenciar el ego. Agradece profundamente a sus abuelas por los valores que le transmitieron y a todos quienes han apoyado su carrera y apreciado su obra.
“Autarquía aristotélica” Bronce/ mármol 67cmx28cmx28cm
Marló Zattina
René
BRILLA EN LA EXPO MUPI CELAYA: UN ENCUENTRO INTERNACIONAL CON EL ARTE
René Cheng, reconocido artista de Ciudad de México y defensor de la honestidad y la belleza en el arte contemporáneo, ha dejado una huella significativa en la Expo MUPI Celaya. Nacido en 1965, Cheng descubrió su pasión por el arte desde temprana edad, influenciado por grandes maestros como Da Vinci y Zúñiga, y ha desarrollado una carrera de más de 30 años en la que ha explorado desde el hiperrealismo hasta el abstracto
Su trayectoria artística, marcada por una impresionante versatilidad, le ha permitido dominar una amplia gama de estilos, desde el figurativo y el impresionismo hasta el expresionismo. La obra de Cheng se distingue por su audaz uso del color y su capacidad para captar la esencia de sus temas con una elegancia única.
La Expo MUPI Celaya, organizada por Gallery Fine Art y Magazine & Business Woman, y respaldada por la Unesco y las Naciones Unidas, ha sido un proyecto internacional de gran envergadura.
Celebrada en la ciudad natal del embajador del proyecto, Arturo Elías, esta exposición ha ofrecido una experiencia artística sin precedentes, tanto local como global. Con más de 20,000 visualizaciones diarias en el lugar y superando los 30.5 millones de visualizaciones en redes sociales, la Expo MUPI Celaya se ha consolidado como un evento de enorme relevancia y alcance.
Este evento, completamente gratuito y al aire libre, proporciona un acceso continuo a la exhibición, permitiendo a los visitantes disfrutar del arte en un entorno único. El apoyo de la Unesco no solo celebra el arte, sino que también fomenta el diálogo intercultural y la cooperación global, subrayando la importancia del arte en la preservación y promoción de la diversidad cultural
Las obras expuestas en MUPI, incluida la participación de Cheng, han sido elogiadas por su honestidad y pasión. Los artistas han destacado por su elegancia y su capacidad para transmitir mensajes significativos, resonando con coleccionistas y amantes del arte que buscan belleza, originalidad y un profundo impacto visual en el arte contemporáneo
Claudio
UN VIAJE DE IMPROVISACIÓN Y EXPRESIÓN EN LA PINTURA
Claudio Calva Noriega, destacado pintor mexicano nacido el 23 de enero de 1977 en la Ciudad de México, ha forjado una carrera prolífica en el mundo del arte durante más de una década. Su participación en diversas exposiciones en su ciudad natal ha cimentado su reputación como un artista plástico de renombre.
Aunque Claudio comenzó su trayectoria tomando algunas clases, pronto decidió abandonar los cursos formales para seguir su propio camino en la pintura.
Para él, la verdadera creatividad surge al aventurarse más allá de las reglas, permitiendo que la inspiración y el instinto guíen su proceso creativo. Esta filosofía ha dado lugar a obras únicas que han capturado la atención del público, reflejando su enfoque personal y auténtico.
La improvisación es un componente esencial en el arte de Calva Pinta guiado por la inspiración del momento, sin la necesidad de elaborar planes previos Desde joven, el arte ha llenado un vacío en su vida, y ha explorado su devoción por la pintura de manera profunda, convirtiéndola en una parte inextricable de su ser.
Calva encuentra inspiración en el renombrado artista alemán Gerhard Richter. Su trabajo ha evolucionado a lo largo del tiempo, influenciado por visitas a museos y conversaciones con otros pintores experimentados. Recuerda su primer impulso artístico, que surgió en una tarea de dibujo en su juventud, y destaca a Jackson Pollock como una figura significativa en su desarrollo. Actualmente, artistas como Richter y Felgueres siguen inspirándole en su proceso creativo
Para Claudio, la pintura es su forma más auténtica de expresión. Considera que el propósito del arte radica en plasmar sus emociones, aunque el resultado pueda ser, en ocasiones, incomprensible. No ve la galería como el elemento crucial en una exposición; para él, lo esencial es la pintura misma, y la galería brinda oportunidades tanto a los espectadores como a los artistas.
Entre sus obras, destaca una en particular que le dejó una profunda impresión, y que eligió seguir desarrollando para poder conectarse emocionalmente con su audiencia. Prefiere que el mensaje de su arte sea interpretado por el espectador, permitiendo que cada uno saque sus propias conclusiones.
Proyectando hacia el futuro, Claudio Calva desea continuar avanzando en su camino artístico, adaptándose a lo que surja. A los jóvenes que se inician en el mundo de la pintura, les aconseja comprender la complejidad de esta expresión altamente personal, instándolos a pintar con la intención de comunicar y sentir. Su enfoque honesto y apasionado hacia el arte sigue inspirando a quienes tienen la oportunidad de conocer su trabajo.
Corinne
UNA AMALGAMA DE EXPRESIVIDAD CRUDA Y ESTILIZACIÓN
ABSTRACTA EN "VISLUMBRES Y VELADURAS"
La nueva colección de Corinne Toledano, titulada "Vislumbres y Veladuras", se presenta como una profunda amalgama de expresividad cruda y estilización abstracta. Cada lienzo de esta serie se convierte en un vehículo para la introspección emocional y la exploración técnica, ubicándose en la intersección entre el expresionismo abstracto y el retratismo figurativo moderno En esta colección, la paleta cromática vibrante y los trazos audaces se erigen como símbolos evocadores de la psique humana
La técnica de Toledano refleja una reminiscencia de los trabajos de Willem de Kooning, particularmente en su enfoque hacia la figura con una libertad distorsionante, así como ecos de la energía dinámica característica de Franz Kline La aplicación del color en su obra evoca la audacia de la paleta de Marc Chagall, pero con una intención más centrada en destacar la complejidad emocional que en la fantasía
Cada pieza está impregnada de un dinamismo que desafía la rigidez de las formas convencionales, apostando por una estética que cuestiona la percepción tradicional de la armonía y el equilibrio. La preferencia por el alto contraste y la saturación en el color impulsa al espectador a confrontar las obras, estimulando una experiencia activa y reflexiva más allá del simple observador pasivo.
El mensaje subyacente de "Vislumbres y Veladuras" explora la dualidad de la existencia humana, resaltando tanto la vulnerabilidad como la fortaleza intrínseca. Toledano aborda la fragmentación de la identidad y la constante búsqueda de cohesión en un mundo que a menudo parece caótico. Cada trazo y capa de pintura sirve como una metáfora de las múltiples facetas de la condición humana La incorporación de texturas y materiales añade una dimensión táctil que invita a la reflexión sobre la materialidad de las emociones, proponiendo un paralelismo entre el acto físico de pintar y el proceso de formar nuestros propios sentimientos y experiencias.
La colección se erige como un diálogo visual que se entrelaza con la narrativa contemporánea, mientras mantiene un eco de los grandes movimientos artísticos del pasado, abriendo un camino hacia una expresión artística única y renovada de la experiencia humana.
En una reciente entrevista, Corinne Toledano explicó que su interés por la intersección entre el expresionismo abstracto y el retratismo figurativo moderno proviene de su fascinación por la capacidad de estas corrientes para generar resultados artísticos innovadores
Inspirada por artistas como Willem de Kooning y Jean-Michel Basquiat, Toledano busca combinar la intensidad emocional del expresionismo abstracto con la narrativa íntima del retratismo figurativo, creando una experiencia visual que refleja tanto la complejidad interna de la psique humana como su representación externa
En su serie "Vislumbres y Veladuras", la paleta cromática vibrante se utiliza para evocar respuestas emocionales intensas en el espectador. Los colores seleccionados representan diversas emociones y estados de ánimo, creando una tensión emocional que invita a la introspección. Las veladuras y texturas adicionales proporcionan una profundidad visual que permite al espectador explorar más allá de la superficie, fomentando una reflexión personal sobre sus propios sentimientos y experiencias
La técnica de Toledano también se inspira en la gestualidad y el dinamismo de Willem de Kooning y en la energía abstracta de Franz Kline. La gestualidad le permite expresar movimiento y energía en su obra, mientras que las texturas añaden complejidad y profundidad. La paleta cromática vibrante y la improvisación en la pintura, influenciadas por De Kooning, permiten a Toledano crear una tensión emocional y expresar sus sentimientos de manera libre y auténtica
El uso del color en "Vislumbres y Veladuras" recuerda la audacia de Marc Chagall, pero Toledano adapta esta audacia para destacar la complejidad de la psique humana Experimenta con colores intensos y contrastantes para reflejar la complejidad emocional y asigna significados específicos a cada color para crear un lenguaje visual que explora la psique humana. La aplicación de capas de color y el uso de contrastes cromáticos representan la dualidad de la experiencia humana, mientras que la expresividad gestual captura la emoción y la intensidad del color.
La ruptura con las formas convencionales en la composición de las piezas de Toledano busca explorar nuevas formas de expresión y generar una sensación de movimiento y energía. Este enfoque permite una conexión emocional más profunda y desafía al espectador a cuestionar su percepción, creando una experiencia visual que estimula la reflexión y la conexión personal.
El alto contraste y la saturación en la obra comunican la dualidad y fragmentación de la identidad humana El contraste entre luces y sombras y la saturación de colores intensos reflejan la tensión y la diversidad de la experiencia humana Estos elementos visuales sugieren la fragmentación de la identidad y la lucha entre diferentes facetas de la personalidad.
Toledano equilibra la vulnerabilidad y la fortaleza en su trabajo mostrando ambas facetas como partes integrales de la condición humana. Este equilibrio busca reflejar la complejidad de nuestra experiencia interna sin idealizar ni simplificar, invitando al espectador a conectar emocionalmente con la obra y a reflexionar sobre su propia vulnerabilidad y fortaleza
La dimensión táctil en la obra de Toledano actúa como una metáfora del proceso emocional. Al incorporar materiales y texturas, busca evocar sensaciones que reflejan experiencias emocionales, como la suavidad o la rugosidad La superposición de capas de materiales y texturas representa la complejidad de nuestros sentimientos, invitando al espectador a explorar y conectar con la obra a un nivel más profundo y personal.
Finalmente, Toledano espera que los espectadores se lleven una reflexión sobre la complejidad de la condición humana y la importancia de explorar y aceptar nuestras emociones. La intención es fomentar la empatía, la introspección y la conexión, ofreciendo una visión honesta y esperanzadora de la experiencia humana "Vislumbres y Veladuras" busca ser una experiencia visual que inspire reflexión y conexión personal, invitando a los espectadores a abrazar la complejidad de la condición humana.
NoraIsela
LA ARTISTA DE LA ACUARELA QUE
CAPTURA LA ESENCIA DE MÉXICO
Nora Díaz, originaria de Toluca, Estado de México, mostró desde temprana edad una profunda afición por la pintura y el dibujo. Su interés se centra en una variedad de temas, desde bodegones, flores, y paisajes, hasta rincones mágicos, la figura humana, el folklore mexicano y composiciones originales Díaz se formó como arquitecta y posee una Maestría en Administración y un Doctorado en Artes Su versatilidad se refleja en su dominio de técnicas como lápiz, carbón, sanguina, pastel, acrílico, óleo, tinta china, técnicas mixtas y acuarela, siendo esta última su técnica predilecta.
Como miembro de la Sociedad Mexicana de Acuarelistas, de la International Watercolor Society y de la Asociación de Aquacolor Mexiquense, Díaz ha participado en más de 120 exposiciones tanto nacionales como internacionales, en países como Italia, Bulgaria, Suiza, Rusia, España, Nepal y Eslovenia
“La acuarela es un mundo de sorpresas, y música para el alma”, afirma Díaz. Su carrera artística comenzó desde una edad temprana con diversas expresiones artísticas. La obra de su madre, una marina en óleo, la inspiró a convertirse en artista. Entre sus técnicas favoritas se encuentra la acuarela, debido a las sorpresas que ofrece el agua y el color
El tema central de su arte abarca el paisaje rural y urbano, permitiéndole transmitir una variedad de emociones como realidad, sueños, armonía, alegría, optimismo y paz. Su estilo es principalmente impresionista, caracterizado por una pintura espontánea, libre y precisa, aunque también realiza hiperrealismo con fines académicos
Díaz ha sido influenciada por figuras como el maestro Ignacio Barrios, y los grandes como William Turner, Monet, Renoir, Degas, y Cézanne. Actualmente, también encuentra inspiración en artistas contemporáneos como Álvaro Castagnet, Amit Kapoor y Thomas W Schaller
El proceso creativo de Díaz incluye pintar con música clásica e instrumental y meditar antes de comenzar. Su preparación implica plasmar ideas en croquis y resolver el color a medida que avanza. Entre sus proyectos más significativos se encuentran "Los pericos de Mendiola", que le recuerdan a sus hijos, y su interés en el arte sacro, un compromiso que considera significativo.
El arte, para Díaz, debería ser más promovido desde una edad temprana para fomentar el desarrollo de capacidades tanto intelectuales como intuitivas Ella cree que el arte puede salvar y dignificar a las personas, convirtiéndolas en mejores seres humanos. Su objetivo es despertar la imaginación, creatividad, y generar paz y alegría en quienes interactúan con sus obras.
Actualmente, Díaz trabaja en rescatar la esencia de México, su cultura, folklore, costumbres, tradiciones y colores, así como en el paisaje urbano y el arte sacro. Sus próximas exposiciones incluyen muestras en Italia, la Ciudad de México y el Estado de México.
A los artistas emergentes, Díaz les aconseja no desistir, pintar diariamente, aprender algo nuevo cada día, confiar en sus ideas y practicar la meditación para apoyar su proceso creativo.
Díaz expresa su gratitud a Dios, su familia, su esposo Ignacio Mendiola, sus hijos Nach, Sofy y Caro, sus hermanos Eny, Beto y Aris, Arturo Elías, Sofía Mendiola, y a todas las personas y organizaciones que promueven el arte, incluyendo a la Sociedad Mexicana de Acuarelistas y a la International Watercolor Society.
Para contacto, Nora Díaz está disponible en Facebook, Instagram, y YouTube bajo el nombre "Acuarela con Nora".
Ranulfo
UN VIAJE A TRAVÉS DEL ARTE Y LA EMOCIÓN
Ranulfo González, pintor de reconocido prestigio, ha construido una carrera notable con una profunda conexión con el arte. Desde joven, la pintura se convirtió en una forma de expresar sus emociones y traducir lo indescriptible en colores y formas. Su pasión por el arte surgió al descubrir cómo podía capturar y hacer trascender momentos a través de la pintura González comenzó explorando el arte por curiosidad, pero pronto se dio cuenta de que se trataba de una forma fundamental de comunicación con el mundo
Su estilo artístico ha evolucionado significativamente a lo largo del tiempo. Inicialmente centrado en el realismo paisajístico, donde buscaba transmitir la serenidad y majestuosidad de la naturaleza, ha integrado elementos de surrealismo en su obra actual. Esta evolución ha llevado a una combinación de realismo y simbolismo, caracterizada por un uso evocador del color y la luz para crear una conexión emocional con el espectador González explora la relación entre la figura humana y su entorno, jugando con formas y texturas para desafiar percepciones convencionales.
El proceso creativo de González es fluido y altamente intuitivo Comienza con la observación de su entorno, captando la inspiración de escenas cotidianas y atmósferas particulares Tras realizar bocetos preliminares, pasa a la planificación detallada, eligiendo materiales, paletas de colores y técnicas. La fase de pintura es tanto racional como emocional, permitiendo ajustes y cambios según la evolución de la obra. Finalmente, cuando la pintura logra un equilibrio entre su visión inicial y lo que la obra demanda, considera el proceso completo.
González se siente particularmente atraído por el óleo debido a su versatilidad y la profundidad que permite en sus obras. Prefiere lienzos de alta calidad y pigmentos naturales, que aportan autenticidad y riqueza cromática a sus pinturas. La técnica del óleo le permite crear atmósferas matizadas, ideales para su enfoque en paisajes realistas y evocadores.
Un tema recurrente en su trabajo es el paisaje, que ha explorado durante años con una fascinación por la naturaleza y su capacidad de evocar emociones profundas. Captura momentos de transición, como amaneceres y atardeceres, buscando transmitir no solo la apariencia visual, sino también la experiencia sensorial y emocional del entorno
La evolución de su arte ha sido marcada por un cambio hacia un estilo más suelto y expresivo, permitiendo una mayor libertad en la exploración de la luz, el color y la textura. Esta transición ha incluido la experimentación con nuevas técnicas y combinaciones de materiales, manteniendo siempre un equilibrio entre la precisión técnica y la narrativa emocional
Entre sus principales influencias artísticas, González destaca a los maestros del paisaje como Caspar David Friedrich y J.M.W. Turner, quienes le enseñaron a utilizar la luz y la atmósfera para transmitir emociones profundas También menciona a artistas contemporáneos como Gerhard Richter, cuya habilidad para combinar el realismo y la abstracción le ha inspirado a desafiar los límites de su propio estilo.
Uno de los proyectos más significativos de su carrera es la serie "Haciendas y Paisajes de Morelos", que ha sido expuesta en numerosos museos a lo largo de México. Este trabajo destaca por su enfoque en capturar la riqueza histórica y la belleza natural de las haciendas y paisajes de Morelos, revelando la interrelación entre el pasado y el presente a través de la pintura.
Para mantener su creatividad, González combina una rutina estructurada con momentos de espontaneidad Revisa sus bocetos y referencias visuales, camina por la naturaleza, y mantiene una práctica diaria de pintura. También lleva un diario visual que le ayuda a registrar ideas y reflexiones. Estas prácticas le permiten mantenerse en contacto con su creatividad y experimentar continuamente.
HACIENDASAN
A lo largo de su carrera, Ranulfo González ha superado desafíos como la saturación del mercado artístico y la gestión de recursos para proyectos ambiciosos, adaptándose y colaborando con otros artistas para crecer profesionalmente. En la sociedad actual, él ve el arte como un medio crucial para la comunicación y la reflexión, ofreciendo contemplación, diálogo y conexión emocional, y fomentando la empatía entre culturas Busca que su audiencia experimente una conexión personal con su trabajo y que el arte sirva como un espejo de la experiencia humana.
Para los jóvenes artistas, González recomienda mantenerse fieles a su visión, experimentar con técnicas y estilos, y construir una red de apoyo. Admira a Leonardo da Vinci, Johannes Vermeer y Gerhard Richter por sus habilidades y versatilidad. En el futuro, está trabajando en la serie "Intersecciones del Tiempo", que explora la relación entre el pasado y el presente, con planes de exponerla a nivel nacional e internacional y colaborar en proyectos interdisciplinarios para seguir evolucionando y conectar con la audiencia.
EX HACIENDASAN ANTONIO EL PUENTE
