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A MEANS OF EXPRESSION WITH FRESH AND CURRENT INFORMATION, WE HAVE THE SUPPORT OF COMPANIES AND ASSOCIATIONS THAT GIVE US THEIR RECOGNITION TO THE PARTICIPATING PEOPLE, AMONG THEM IS UNESCO FOR SUPPORTING THE ARTS AND THEIR DISCIPLINES; TERRACYCLE FOR BEING A SOCIALLY RESPONSIBLE MAGAZINE WITH THE ENVIRONMENT, INADEM AS THE BEST DIGITAL CULTURAL COMPANY CREATED BY YOUNG ENTREPRENEURS, CONCANACO SERVITUR ASÍA BEING ONE OF THE FIRST COMPANIES TO ENTER THE ASIAN MARKET, GOVERNMENT OF LOS ANGELES GIVING A CERTIFICATE OF HONOR IN LIVING LEGACY AND RECENTLY TOTA PULCHRA (VATICAN) BY MOSIGNOR JEAN-MARIE GERVAIS, PRESIDENT OF THE SAME ASSOCIATION AND COADJUTOR PREFECT OF THE VATICAN CHAPTER FOR OUR GREAT WORK IN THE BRANCHES OF ART
Jesús Manzanares es un destacado arquitecto, diseñador, constructor y artista especializado en el arte anamórfico 3D, quien ha logrado dejar una profunda huella en el mundo del arte contemporáneo. Su enfoque innovador y su estilo fresco han convertido su trabajo en un referente en la escena internacional. A lo largo de su carrera, que abarca varias décadas, Manzanares ha integrado una rigurosa investigación y experimentación, fusionando la precisión geométrica con la expresión artística para crear obras que desafían la percepción visual del espectador Su capacidad para crear complejidades matemáticas que estimulan la imaginación ha sido uno de los aspectos que lo distingue y le ha permitido alcanzar una audiencia global.
Las obras de Manzanares son una invitación a explorar nuevas dimensiones del espacio a través de la geometría y la perspectiva, elementos fundamentales en su arte. Estos se utilizan para construir mundos tridimensionales que despiertan la curiosidad y el asombro. Gracias a su dominio de la geometría y su visión única del espacio, sus creaciones no solo capturan la atención de los observadores, sino que también fomentan una reflexión profunda sobre el entorno físico y mental que habitamos.
En esta entrevista, Manzanares revela el impulso interno que lo motiva a crear arte, sin importar si tiene una audiencia inmediata o no Para él, el arte surge como una inquietud mental, un instinto natural que lo lleva a utilizar diversas técnicas para comunicar ideas. Señala que el verdadero propósito del arte no depende del número de personas que lo vean, sino de la capacidad de transmitir algo genuino y personal. Manzanares también reflexiona sobre su deseo de compartir su arte en lugares públicos, como escuelas y universidades, con el fin de fomentar la imaginación en los jóvenes, utilizando la geometría como una herramienta accesible para que todos puedan comprender y explorar el arte tridimensional.
La entrevista también aborda temas como la relación de Manzanares con los fracasos y los tropiezos en su proceso creativo. Para él, los fracasos no son más que oportunidades para aprender y mejorar, y la experiencia acumulada a lo largo de los años le ha permitido refinar su método Manzanares sostiene que la disciplina y el conocimiento fresco son fundamentales para abordar el arte de manera eficaz, y que la creatividad se alimenta de la curiosidad y la exploración. Además, afirma que su visión del arte ha evolucionado con el tiempo, pasando de un enfoque más experimental a una mayor precisión en los trazos y en la planificación de los efectos visuales que busca lograr.
Manzanares también se expresa sobre la influencia de la tecnología en el arte contemporáneo. Reconoce que las redes sociales y las plataformas digitales han transformado la manera en que los artistas comparten y promueven sus trabajos, lo que les permite llegar a audiencias más amplias de manera instantánea. Sin embargo, destaca que el proceso creativo sigue siendo el mismo, independientemente de las herramientas tecnológicas. Para él, la verdadera esencia del arte está en la habilidad del artista para plasmar su visión en un medio tangible, ya sea mediante lápiz y papel o utilizando tecnologías más avanzadas.
A lo largo de la entrevista, Manzanares demuestra una profunda admiración por otros artistas, tanto contemporáneos como históricos, con los que le gustaría colaborar Entre los contemporáneos, menciona a artistas como Tracy Lee Stum, Patrick Hughes y Kurt Wenner, a quienes considera pioneros en el arte anamórfico También expresa su admiración por grandes maestros de la historia del arte como Leonardo da Vinci y Piero Della Francesca, con quienes imagina colaboraciones que podrían fusionar la geometría y la perspectiva en creaciones aún más complejas y sorprendentes.
En cuanto a su relación con la audiencia, Manzanares considera que el arte es una forma de comunicación universal. A través de la geometría y la perspectiva, su arte permite a los espectadores conectar con algo más allá de lo visual, invitándolos a sumergirse en mundos ficticios donde las percepciones se mezclan y desafían las normas establecidas. Cada obra es una puerta abierta a la imaginación, una invitación a cuestionar las fronteras entre la realidad y la fantasía.
Finalmente, Manzanares reflexiona sobre el lugar que ocupa el fracaso en su práctica artística Para él, los tropiezos son parte integral del proceso creativo, y de ellos surgen las lecciones más valiosas. La capacidad de aprender de los errores y de seguir adelante es lo que le ha permitido continuar evolucionando en su arte. Además, Manzanares asegura que la emoción y la reacción del espectador ante su obra son una parte fundamental del proceso, ya que el arte no solo busca transmitir un mensaje, sino también provocar una experiencia única y personal en cada observador.
En resumen, Jesús Manzanares es un artista que ha logrado fusionar la ciencia y el arte de manera magistral Su trabajo ha trascendido los límites de lo visual, llevando a los espectadores a un espacio donde la geometría, la percepción y la imaginación se encuentran. Su visión del arte como una forma de comunicación universal lo ha convertido en un referente en el mundo del arte contemporáneo, y su legado seguirá influyendo en futuras generaciones de artistas y creativos.
UN ARTISTA QUE PROYECTA SU PASIÓN POR LA PINTURA Y LA NATURALEZA A TRAVÉS DEL
Luis Alberto Cid Villeda nació en Jilotepec, Estado de México, el 1 de mayo de 1989. Desde temprana edad mostró un gran interés por las artes plásticas, especialmente en el dibujo. A los seis años comenzó a plasmar en papel personajes animados, lo que fue el inicio de su viaje artístico. A lo largo de su vida, su amor por la pintura nunca cesó, y a los 22 años decidió formalizar su aprendizaje al ingresar al taller de la Casa de Cultura Mtra. Amalia Márquez Padilla, en su municipio natal, donde empezó a desarrollar sus habilidades en el dibujo. Posteriormente, a los 26 años, ingresó a la Escuela de Bellas Artes de Jilotepec, donde cursó la Licenciatura en Artes Plásticas, la cual culminó en 2021.
A lo largo de su carrera, Luis Alberto ha sido parte de diversas exposiciones, tanto a nivel local como en la Ciudad de México, destacando su participación en el Tecnológico de Estudios Superiores de Ecatepec, la Biblioteca Francisco Zarco de Benito Juárez y el Museo del Club de Periodistas. Además, ha participado como jurado calificador en eventos culturales y ha impartido clases de arte en el nivel medio superior. En 2023, destacó su presencia en exposiciones colectivas bajo diversas temáticas como "Mexicana", "Toque de Cómic", "Tierra Sagrada" y "El Misticismo Animal", así como en la Máster Class en JohanArt Studio, en el municipio de Tetela de Ocampo, Puebla.
Luis Alberto continúa su camino artístico con la visión de expandir su estilo y su obra. Su más reciente exposición, titulada "La Muerte Tiene Dos Caras", se llevó a cabo en el Centro Cultural El Rule en octubre de 2023, y en noviembre de 2024 realizó su primera exposición individual "El Poder de la Emoción" en el Centro Cultural de Acambay. Con su obra, busca proyectar las emociones humanas a través de la pintura, especialmente en su enfoque sobre la naturaleza y los animales, a los que representa con un alto grado de realismo y detalle.
El estilo de Luis Alberto es eminentemente figurativo, lo que le permite plasmar, con una gran atención al detalle, tanto animales como figuras humanas. Para él, el arte no solo es una forma de expresión técnica, sino también emocional, donde los colores vibrantes y cálidos juegan un papel crucial para resaltar las piezas que crea. Entre sus principales temáticas se encuentran la naturaleza, el animalismo y los seres mitológicos, con una fuerte influencia del surrealismo, que le permite fusionar sus pensamientos y emociones en sus obras.
En cuanto al proceso creativo, Luis Alberto se toma el tiempo necesario para concebir la idea antes de ponerla sobre el lienzo. Investiga y busca referencias que le ayuden a dar forma a su proyecto. A través de su experiencia, ha encontrado en técnicas como el óleo y el acrílico un medio ideal para lograr sus objetivos artísticos. Sin embargo, él no rechaza las nuevas tecnologías y ve en el arte digital una herramienta útil para explorar nuevas formas de expresión
Aunque Luis Alberto se ha enfrentado a diversos retos a lo largo de su carrera, como la competencia en el mundo del arte y el manejo de su tiempo, siempre ha permanecido firme en su propósito de seguir su pasión por la pintura. Su mensaje a los jóvenes artistas es claro: ser constantes, disciplinados y perseverantes. Según él, la crítica constructiva es fundamental para el crecimiento, y lo importante es seguir el instinto artístico, sin miedo al juicio ajeno
Además de su labor como pintor, Luis Alberto se dedica a la enseñanza del arte, buscando contagiar su pasión por la pintura a nuevas generaciones. Una de sus metas a largo plazo es expandir su obra a otros estados, crear su propia galería y colectivo de artistas, y seguir transmitiendo sus conocimientos a los jóvenes, para que el arte continúe evolucionando en futuras generaciones.
El legado que Luis Alberto Cid Villeda desea dejar con su carrera artística es ser un ejemplo de que el arte es una profesión viable, capaz de generar emociones y reflexiones profundas. A través de sus pinturas, espera perdurar en el tiempo y que sus obras sean admiradas por futuras generaciones, dejando una huella de su esencia y de su amor por el arte.
Gilda Solís Maldonado es una destacada artista plástica conocida por su propuesta de Pintura Escultórica, la cual fusiona la pintura y la escultura en piezas únicas que representan fragmentos del cuerpo humano, como torsos, pies y manos. Su proceso creativo se basa en la utilización de materiales diversos como yeso, fibra de vidrio, acrílico, látex, piroxilina, entre otros, cada uno aportando una textura y esencia especial a sus obras. Su técnica permite experimentar con diferentes texturas y formas, creando una narrativa visual que transforma las figuras humanas en algo mágico y lleno de significado
A lo largo de su carrera, Gilda ha recibido importantes premios y reconocimientos, como la Gaviota Internacional de la Fundación Isidro Fabela y la Medalla Eslabones para México, los cuales le han permitido llevar su trabajo a nivel internacional y reafirmar su compromiso con el arte. Entre sus logros más relevantes se encuentra el Premio Italia por el Arte, otorgado en una exposición colectiva que reunió a más de 300 artistas latinos, lo que marcó un hito en su carrera artística.
Además de su trabajo como artista, Gilda ha sido una defensora activa del arte y la cultura, participando en la organización de eventos como la exposición 'Re-Encuentro', celebrando los 80 años de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado 'La Esmeralda' También ha sido fundamental en la creación del Grupo de las 10 Arte en Movimiento, que busca apoyar a las artistas emergentes y promover el arte mexicano en el extranjero. A lo largo de los años, ha colaborado con instituciones y artistas para mejorar la educación artística y brindar apoyo a nuevas generaciones de creadores.
En su obra, Gilda se inspira principalmente en el surrealismo y la libre expresión, guiándose por su imaginación para crear composiciones que transforman las figuras humanas en elementos oníricos. En sus piezas abstractas, disfruta experimentando con texturas y efectos visuales que crean un juego de colores y formas. Además, su participación en el Día Mundial del Arte, donde organiza una celebración anual con temática renacentista en homenaje a Leonardo da Vinci, refleja su compromiso con la difusión y apreciación del arte en la sociedad
Aunque ha enfrentado diversos desafíos a lo largo de su carrera, Gilda ha sabido superarlos con determinación, destacándose en exposiciones internacionales como en el Museo de Diseño en Benešov, Praga, y el Museo Republicano de Vlašim. Para ella, cada desafío ha sido una oportunidad para fortalecer su pasión por el arte y seguir adelante En cuanto a su legado, Gilda espera ser recordada como una artista que contribuyó significativamente a la historia del arte en México, dejando una huella perdurable y promoviendo el arte con pasión y dedicación.
Gilda también ha trabajado en importantes proyectos colectivos, como 'Cien más 200 Artistic Abstract', un proyecto que reúne a 100 artistas con dos obras cada uno, sumando 200 pinturas abstractas. Este proyecto refleja la diversidad y la disciplina creativa que caracteriza a la escena artística contemporánea. En cuanto a los jóvenes artistas, Gilda recomienda ser pacientes y trabajar con disciplina, ya que el camino para lograr el éxito es largo, pero con esfuerzo y dedicación se puede alcanzar
Finalmente, Gilda destaca el papel fundamental que juega el arte en la sociedad actual. A pesar de las dificultades económicas y la falta de apoyo gubernamental, sigue creyendo en el poder transformador del arte y la necesidad de más espacios donde las galerías puedan florecer. Para Gilda, el arte no solo es una forma de expresión, sino también una herramienta para elevar el nivel cultural y promover el cambio social y cultural en el mundo
Raquel Cheja, artista contemporánea y maestra de arte con más de 20 años de experiencia, se ha consolidado como una de las voces más destacadas en la escena artística actual, no solo en México, sino también a nivel internacional. Su obra, cargada de emociones y colores vibrantes, explora las profundidades del ser humano, invitando a sus espectadores a un viaje de autodescubrimiento. Con una técnica mixta al óleo que fusiona texturas y colores de manera única, Cheja ha logrado crear un lenguaje visual profundamente personal que refleja sus inquietudes sobre la vida, las emociones y la transformación
A lo largo de su carrera, Raquel ha sido testigo del poder del arte para transformar tanto a los artistas como a las personas que interactúan con él. A través de su pintura y su labor como docente, ha promovido el arte como una herramienta no solo de expresión, sino también de sanación y empoderamiento
Redes Sociales:
Instagram: @raquelchejaart
Facebook: Raquel Cheja Art
Sitio web: www raquelcheja com
Su obra se ha convertido en un vehículo para la reflexión personal, enfocándose especialmente en el empoderamiento de la mujer y la creación de espacios que favorezcan la introspección Cada una de sus piezas invita a los observadores a reflexionar sobre su propia vida, emociones y capacidad de cambio.
Raquel Cheja defiende el arte como una herramienta profunda de transformación emocional y psicológica. A través de sus exposiciones y talleres, ha podido observar cómo la pintura tiene la capacidad de desbloquear emociones reprimidas, facilitando la liberación de sentimientos y experiencias difíciles de verbalizar. Para ella, el arte no es solo un medio de expresión, sino también una vía para el autoconocimiento y la sanación de heridas emocionales. El proceso creativo, según Cheja, permite a las personas confrontar sus pensamientos más profundos y, a través de esta introspección, alcanzar una mayor claridad y bienestar
Además, Raquel resalta la importancia del arte en la construcción de una sociedad más empática y compasiva A lo largo de su vida, ha trabajado incansablemente para crear un puente entre el arte y el público, mostrando cómo la creación y apreciación artística pueden fomentar la empatía entre las personas. El arte tiene la capacidad de conectar a los seres humanos a un nivel profundo, haciendo que nos enfrentemos a nuestra propia vulnerabilidad mientras reconocemos la vulnerabilidad de los demás. Este proceso, afirma Cheja, es fundamental para reducir la violencia y promover una cultura de paz y respeto mutuo.
Como muchos artistas, Raquel Cheja enfrentó obstáculos al inicio de su carrera La búsqueda de un estilo propio, la falta de reconocimiento en sus primeros años y las dificultades que enfrentó como mujer en un entorno artístico tradicionalmente dominado por figuras masculinas, fueron algunos de los retos que tuvo que superar. Sin embargo, su perseverancia, autenticidad y enfoque en el proceso creativo más que en los resultados inmediatos fueron claves para superar estas barreras. A medida que su trabajo fue evolucionando, también lo hizo su reconocimiento, logrando posicionarse como una de las artistas más importantes de su generación.
En un país como México, que enfrenta diversos desafíos sociales como la violencia, la discriminación y la desigualdad, Raquel Cheja considera que el arte juega un papel crucial en la reflexión y el cambio social. Para ella, las obras de arte no solo deben ser vistas como una forma de expresión estética, sino como una herramienta para cuestionar las estructuras sociales y visibilizar las injusticias que afectan a la sociedad. El arte tiene la capacidad de inspirar la acción y movilizar a las personas para crear un futuro más justo, equitativo y lleno de posibilidades para todos.
Raquel también subraya la importancia de fomentar la creatividad desde una edad temprana, ya que considera que el arte es fundamental en la formación de seres humanos más conscientes, resilientes y empáticos En su opinión, es esencial crear más espacios para el aprendizaje y disfrute del arte en México, pues esto no solo enriquece a las personas a nivel emocional, sino que también contribuye a la construcción de una sociedad más sensible y conectada con sus valores.
A través de su obra y enseñanza, Raquel Cheja se ha convertido en una fuente de inspiración para muchos, especialmente para mujeres que buscan en el arte una manera de expresar su voz y empoderarse Para ella, ser una mujer de éxito no se trata únicamente de logros tangibles como exposiciones o premios, sino de la capacidad de inspirar a otros a seguir sus sueños, a superar obstáculos y a confiar en su propio poder interior El éxito, afirma Cheja, radica en la autenticidad, la perseverancia y el compromiso constante con el crecimiento personal y profesional.
Con su arte, Raquel invita a las personas a mirar hacia adentro, a explorar sus emociones y a descubrir el poder que reside en su interior. A través de su trabajo, busca ofrecer una vía para que cada persona pueda encontrar su propia voz y transformar su vida, acercándose a un proceso de crecimiento personal y espiritual que trascienda lo material
Rosamar Fernández, originaria de Michoacán, México, es una artista plástica que se ha destacado por su dedicación, creatividad y pasión por el arte. A lo largo de su carrera, ha logrado consolidarse como una de las artistas más influyentes de su generación, con una profunda formación académica y un amor por el arte que trasciende en cada una de sus obras.
Estudió en la Fundación de Arte y Cultura VBuccio, A.C., donde actualmente imparte clases en la Currícula Máster. Además, es colaboradora activa de la Plataforma de los 15 Proyectos de la misma institución cultural y humanista. Su educación incluye un Máster en Educación Básica Formal, Historia del Arte, y diplomados en Técnicas Antiguas de Museo, Fotografía, Escultura, así como en el desarrollo de proyectos y la estructura ontológica.
A lo largo de su carrera, ha tenido más de 46 exposiciones, de las cuales 42 han sido colectivas y 4 individuales, en importantes recintos culturales y museos tanto en México como en Estados Unidos.
Su obra ha sido presentada en lugares icónicos como el Latino Art Museum en Los Ángeles, California, así como en diversos museos de la Ciudad de México, Guanajuato, Hidalgo y Michoacán, con el apoyo del INAH, la Secretaría de Turismo, la Universidad UMSNH y la Secretaría de Cultura de Michoacán
Rosamar es miembro honorario del Club Máster del Corporativo Expressarte y colaboradora activa en diversos proyectos internacionales, como la exposición itinerante “Catrinas de México en el Arte del Mundo”, que actualmente se presenta en el Museo MUCAH de Antropología e Historia en Michoacán.
Además, es parte de la Comunidad de Urban Sketchers Mundial, Capítulo Usk Morelia, un colectivo que promueve la ilustración urbana en todo el mundo Su participación en esta comunidad global ha fortalecido su compromiso con el arte en todas sus formas, desde la pintura tradicional hasta la ilustración en espacios urbanos.
La inspiración de Rosamar proviene de un proceso íntimo y profundo con la figura humana, particularmente con el retrato, donde busca captar la esencia de las personas a través de su mirada y expresiones "El arte es una forma de llegar a las personas y tocar sus fibras a través del color, la forma y el tema", explica la artista, quien se considera una apasionada del academicismo y el realismo Entre las técnicas que más domina se encuentran el óleo, pastel, acuarela y grafito, además de su interés por las técnicas antiguas como el óleo al temple y el temple de cera, que le permiten dar a sus obras una textura única y un carácter atemporal.
La artista destaca que uno de los mayores desafíos que ha enfrentado en su carrera ha sido equilibrar su trabajo ejecutivo con su pasión por el arte Sin embargo, ha logrado superarlo con disciplina y esfuerzo constante "Lo que más me gusta es pintar el retrato, porque me permite explorar la esencia de cada persona, captando su alma y transmitiendo esa energía a los espectadores. Para mí, no hay nada más gratificante que ver cómo un rostro cobra vida a través de mis pinceles", comenta
A lo largo de su carrera, Rosamar ha trabajado en más de diez proyectos con la Fundación de Arte y Cultura VBuccio
A C , bajo la dirección de la artista visual Verónica Buccio, quien ha sido una de sus principales mentoras Este trabajo en equipo con otros artistas y creativos le ha permitido evolucionar y crecer como profesional, abordando proyectos de gran envergadura que no solo tienen un enfoque artístico, sino también humano y social.
Para la artista, el arte es mucho más que una forma de expresión: es una herramienta poderosa para conectar con el público, para sensibilizar y provocar emociones que inviten a la reflexión "El arte debe tener un propósito", dice Fernández "Es una forma de comunicación directa, un lenguaje que va más allá de las palabras y que puede cambiar la forma en que las personas perciben el mundo"
Rosamar también ofrece consejos a los artistas emergentes: "No dejen de soñar, pero conviertan esos sueños en metas concretas Rodearse de personas que los inspiren y apoyen es fundamental para crecer, y, sobre todo, no dejen que la toxicidad del medio artístico los desanime Disfruten del proceso y mantengan siempre la humildad para aprender y evolucionar"
Gracias a su disciplina y compromiso con su arte, Rosamar ha logrado encontrar un balance entre su carrera como ejecutiva y su pasión artística Cada día se dedica a pintar, estableciendo horarios y creando un espacio donde la creatividad fluye sin límites
Finalmente, Rosamar agradece a la revista Magazine & Business Woman por la oportunidad de difundir su arte y a todos aquellos que han sido parte de su formación y crecimiento "Agradezco a la artista visual Verónica Buccio, a todos mis maestros, colegas y amigos del gremio artístico, y a la artista Lourdes Romero por las maravillosas fotografías que acompañan esta edición. Sin ellos, mi camino no sería el mismo", concluye.
Con más de 20 años de trayectoria, Rosamar Fernández continúa siendo una fuente de inspiración para nuevas generaciones de artistas y demuestra que el arte, en su máxima expresión, tiene el poder de transformar vidas y conectar a las personas a través de la belleza, la emoción y la reflexión.
Yanet Cuéllar es una artista cuya obra trasciende fronteras, fusionando técnicas, estilos y temáticas en una constante búsqueda de la autenticidad y la conexión con su entorno Su arte no solo refleja una profunda comprensión de la naturaleza, la literatura y la espiritualidad, sino que también invita a los espectadores a sumergirse en un mundo lleno de simbolismo y reflexión.
La inspiración de Yanet proviene de dos fuentes fundamentales: la literatura y la naturaleza "Son mi gran fuente de inspiración", afirma A la hora de crear, su proceso creativo se caracteriza por un equilibrio entre la espontaneidad y la conceptualización. "Me dejo llevar por la espontaneidad y, otras veces, el proceso es conceptualizado a consciencia", comenta la artista.
Aunque su obra combina diferentes técnicas y estilos, Yanet no se adhiere a una definición estricta de su estilo "Me gusta experimentar", explica, resaltando la libertad que encuentra al explorar nuevas formas de expresión. Un material que la ha impactado particularmente es el carboncillo sobre tela, que le permite crear trazos únicos y obtener un acabado extraordinario en sus dibujos.
En sus obras, Yanet aborda temas como la identidad, la cultura y el cosmos. "Intento transmitir mi propia cosmovisión del mundo y el cosmos", comparte. La artista se enfrenta al desafío de representar conceptos abstractos o emocionales a través de símbolos, geometría y elementos alquímicos, lo que le permite transformar sus pensamientos más profundos en imágenes.
El trabajo de Yanet no ha estado limitado a su país de origen; su experiencia trabajando en diferentes países y culturas ha enriquecido su arte. "Los artistas experimentamos la realidad de distinta manera, hablamos con verdades a través de nuestras obras y coincidimos en un mismo punto: la espiritualidad", reflexiona. Para ella, cada exposición internacional en la que participa tiene un impacto significativo en su carrera, convirtiéndose en una oportunidad de aprendizaje y evolución continua.
A lo largo de su carrera, la evolución artística de Yanet ha sido notable. "Al inicio de mi carrera escuchaba muchas opiniones sobre cómo recorrer este camino, prestaba atención y lo adaptaba a mi aprendizaje. Hoy me escucho primero y continúo explorando", comenta sobre su proceso de crecimiento En el futuro, espera integrar nuevos proyectos relacionados con la antropología social y la salvaguarda del patrimonio cultural
Yanet no espera que el público se conecte de manera específica con su trabajo, ya que para ella el arte es una forma de comunicación más allá de la aprobación externa. "Considero más el fluir, sentir, interactuar con otra mente por medio del inconsciente", asegura. En cuanto al papel del arte en la sociedad actual, enfatiza su poder transformador: "El arte habla de verdades cuando la voz es silenciada" Para ella, el arte tiene el poder de cambiar la narrativa colectiva, especialmente cuando se enfrenta a situaciones de conflicto y opresión.
Aunque Yanet ha enfrentado varios desafíos a lo largo de su carrera, prefiere no centrarse en ellos. En cuanto a sus logros, reconoce que aún tiene mucho camino por recorrer, pero se siente orgullosa de su evolución constante. "Aún me falta camino por recorrer", afirma humildemente.
A los artistas emergentes, Yanet les ofrece un consejo fundamental: "Escuchen su voz interior, escuchen su corazón". Además, subraya la importancia de la perseverancia en el arte: "Persistir, persistir y nunca desistir".
Actualmente, Yanet se encuentra trabajando en varios proyectos para el año 2025, con la mirada puesta en nuevos horizontes y colaboraciones Su enfoque sigue siendo fiel a su filosofía: "Todo a su tiempo", dice, confiada en que cada etapa de su carrera se dará de manera natural
Con el paso del tiempo, la percepción de Yanet sobre el arte ha cambiado. "El arte en todas sus manifestaciones no es una percepción sino una forma de vivir en el mundo, le da sentido a la vida". Influenciada por el surrealismo, el expresionismo y diversos artistas que han marcado su carrera, Yanet sigue explorando su mundo interno y externo a través de su arte, con la certeza de que aún queda mucho por descubrir.
