March 2018 | CP Magazine by Magazine & Business Woman

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SARA BARRERA Arte JOVENES POR DH Derechos Humanos SUSANA CASILLAS Arte MAHMUT ORHAN Música LUISA ROMÁN Modelo MONIKA GABRYS Especial CJ FRANCO Música

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EMMANUEL MONTES Arte PSYKOKONDRIA Música GURU SILVA Arte FERIA DEL LIBRO Cultura RICARDO SANABRIA Arte PASTA DE DIENTES Terracycle

The company CP Magazine is a means of expression for the fashions and cultures of young urbanites. Encompassing more publicity which it is profitable for its clients in various cities as advertising thereof is made elsewhere. Trying to young people with different trends can be identified with fresh and current information on the topics that interest us to contemporary youth. It is strengthening the development of plural and critical thinking, as a prerequisite for development and humanitarian condition of our states will be encouraged.

Sara

barrera Sara Barrera nació y creció en la Ciudad de México. Desde tempr ana edad tuvo acercamientos con el arte. Con el paso del tiempo fue adquiriendo un fuerte amor y pasión por el dibujo, la pintura, los grabados y la escultura. Sus inicios se dieron de forma autodi dacta, con sus propios medios e ingenio creaba personajes de su imaginación y con ellos dibujaba historietas. Investigaba y practi caba técnicas pintando réplicas de famosos pintores. Esta práctic a constante le ayudó a conocer y trabajar en diferentes técnicas pictóricas como el grafito, plumillas, acrílicos, acuarelas, óleos y carboncillos. Durante su época escolar sus padres la alentaron para participar en concursos de dibujo haciéndola ganadora de varios de ellos. Más adelante al término de su Carrera Profesional decide trabaj ar como oficinista con el objetivo de ahorrar para pagar sus estu dios en la Asociación Mexicana Grabadores de investigación Plás tica A.C., Donde tuvo el honor de ser alumna del Maestro Alejan do Alvarado Carreño, el cual le enseño el arte del grabado en las técnicas de Linóleo y Xilografía. Ahí mismo también fue aprendiz del Maestro Rafael Sepúlveda de las técnicas Litografía, Hueco g rabado ( Agua Tinta, Agua Fuerte, Punta seca ) y Mokurito ( Litog rafia en madera ).

CONTACTO: ELNIRVAN@HOTMAIL.COM FACEBOOK: ART BARANA

Al término de estos estudios se sintió aun más enamorada de las artes gráficas y escultóricas, Así decidió dedicar su vida por co mpleto al arte. Esa decisión la llevo a encontrarse con su ahora t utor y Maestro Eduardo Sánchez que le ha dado la oportunidad d e trabajar a su lado en su taller, aprendiendo, llevando acabo pr oyectos de esculturas en diferentes técnicas así como elaboració n de moldes y vaciados. Ha estudiado en La Academia de San Carlos Perteneciente a la F acultad de Artes y Diseño UNAM. Donde fue alumna de la Maest ra Rosario Guillermo en el Arte de la Cerámica Escultórica. Y del Maestro Ulises Rafael en el Arte de La Pintura al Óleo. Así como el Arte de la Talla en Madera. Ha estado en talleres impartidos p or Artistas Reconocidos en la Técnica Escultórica como la Maestr a Alejandra Zermeño Y la Maestra Francesca Dalla Benetta, con quienes aprendió diferentes métodos de armado, construcción, modelado, hechura de molde y vaciados escultóricos. Más Tarde conoció al Maestro Pintor y Escultor Jorge González Velazquez co n quien Aprendió y perfeccionó las técnicas de Cerámica Escultór ica, Moldes y Vaciados. Hoy en día Estudia en la Escuela Naciona l de Pintura, Escultura y Grabado. Cuenta con varias exposiciones colectivas en distintas Técnicas Pi ctóricas, Grabados y Esculturas en Cerámica. Todas en La Acade mia de San Carlos. Es ilustradora de la Novela Gráfica Crónicas d e Wladislaw del Escritor Roger Gallegos. Artista Plástico, Ilustrad ora, y Tatuadora.

• ¿Qué pintores han influido en tu vida, y quién t e gusta de los actuales? Hay varios pintores y esc ultores que han Influido en mi. Pero mencionaré algunos de los Maestros que me han hecho camb iar la forma de ver la pintura., Remedios Varo, Le onora Carrington, Otto Dix, Francis Bacon, Zdzisla w Beksinsky y Hieronymus Bosch. Todos ellos me encantan. • ¿Cómo se ha desarrollado tu trabajo? Poco a p oco. En este mundo Corrompido para unos pocos es fácil el camino. Para todos los demás es poco a poco, pero no imposible. Con perseverancia y a mor a tú profesión puedes llegar a donde quieras . • ¿Cómo definirías tu estilo y qué buscas en la pin tura? Por el momento no he hecho mío algún esti lo. Pero me muevo entre el surrealismo, lo metafí sico y el simbolismo. En la pintura busco armar lo que en la escultura no puedo expresar. • ¿Por qué escogiste pintura y no otra expresión artística? Me muevo entre varias expresiones artí sticas como la escultura, los grabados y también l a pintura. Las tres van de la mano y se conjugan entre sí. • El arte, para ti, ¿tiene un fin en sí? Si. El artista contemporáneo tiene la responsabilidad de most rar la genialidad en extinción del Humano moder no.

• ¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte? Fue Hermoso. Desd e niña me han gustado las artes plásticas. Me gusta admirarlas y per derme en sus formas y colores. Me gusta el poder que te da el Arte, e l poder de crear y mostrar el mundo que hay en tú cabeza.

• ¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre una superficie? Si lo recuerdo. Des de esa primera vez hasta este momento. Ha sido un sentimiento de s atisfacción y de pasión. Es algo que nunca voy a dejar de hacer. El Ar te es parte esencial de mi existencia.

• Tu frase favorita. Hay dos que me gustan bastante. - “¿Que pido del arte? Pido que asombre, que pe rturbe, que seduzca, que convenza. La tarea del a rtista es incomodar a los seres humanos” Lucian Freud - "Con solo temer a la mediocridad, ya se está a s alvo" Sigmund Freud -

• ¿Crees que la Galería importa muc ho en una exposición? Si importa. Ya que es el recinto en donde se expone n las obras. Es donde se dan a conoc er los artistas. • ¿Cuál ha sido la obra que más te h a marcado? Las obras de Francis Bac on son creíbles. Por esa falta de perf ección al ojo humano. Pero al final d e cuenta esa imperfección, ese descu ido o desesperación al plasmar cada obra, es y será la grandeza de este gr an pintor. • ¿Qué es lo que quieres transmitir c on tus obras? Quiero transmitir toda s las emociones que hay en un huma no. Desde lo más hermoso, hasta lo más ruin que puedes encontrar en la mente humana. Pienso que somos lo s seres más privilegiados de este mu ndo, Y lo estamos olvidando.

• ¿Qué sigue para ti? Seguir aprendie ndo, seguir creando, crecer de todas la s formas posibles. Y llegar a donde sie mpre he querido. • ¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura? No se limiten. No se rindan . Solo recuerden que nada es Tan fácil, hay caídas muy duras pero esas caídas dejan las mejores enseñanzas. Con de dicación y amor a tú profesión puedes lograr lo que quieras. Agradecimientos: Agradezco a mis padres por el profund o amor que me tienen, a mi hermana por ser mi mejor amiga, a mi pareja p or ser el amor de mi vida. Agradezco a Dios por todo.

¿QUÉ ES JÓVENES POR LOS DERECHOS HUMANOS?

Juventud por los Derechos Humanos Internacional (YHRI por sus siglas en inglés) es una organización sin fines de lucro fundada en 2001 por la doctora Mary Shuttleworth, educadora que nació y se crió en el apartheid de Sudáfrica, donde presenció de primera mano los efectos devastadores de la discriminación y la falta de derechos humanos básicos. NUESTRO PROPÓSITO El propósito de Jóvenes por los Derechos Humanos Internacional es enseñar a los jóvenes sobre los derechos humanos, específicamente la Declaración Universal de los Derechos Humanos de las Naciones Unidas, e inspirarlos a convertirse en defensores valiosos de la tolerancia y la paz. Tras cada Gira Mundial, Jóvenes por los Derechos Humanos Internacional ha sido sede de las Cumbres Internacionales de Jóvenes por los Derechos Humanos Internacional, que reúnen a jóvenes delegados de todo el mundo para debatir temas locales y el papel de la educación de los derechos humanos como un elemento vital para lograr la tolerancia y la paz. Los congresos se realizaron en Los Ángeles, Ginebra y la Sede de la ONU en Nueva York. Durante las cumbres, se comparte y reconoce la labor sobresaliente de miembros de nuestros equipos, inspirando a otros para ampliar sus esfuerzos de promover los derechos humanos.

10 JÓVENES POR LOS DERECHOS HUMANOS GUANAJUATO

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Susana

Casillas Tomo el pincel y despego de esta vida terrenal, los portales se abren y mi esencia se desnuda ante el lienzo que está frente a mí, libero mi mente y el espíritu comienza hablar con la letra de los colores. Vivo para crear, vivo para transmitir, para conectarme con mi yo espiritual y brotar cada fibra de ella. No hay un ayer, no existe un mañana, es el ahora, la emoción danzante y la adrenalina de plasmar. No hay tiempo, no hay espacio, todo es una energía, poderosa y sin límites, es conciencia infinita guiada por la intuición, liberándote de cualquier tabú, solo escuchándola, amándola, liberando su fuerza, es algo que se siente, que simplemente sabe, no existen las palabras, sólo ese impulso, de ese lugar profundo en nuestro interior.

Susana Casillas, nació en Guadalajara, Jalisco, es una joven artista plástica Internacional. Una artista autodidacta, que desde su niñez está involucrada con lápiz, colores, acuarela, acrílicos y óleo, en su corta pero ascendente trayectoria se ha posicionado en varias exposiciones individuales y colectivas así como subastas importantes, comprometida con su carrera y su pasión. Algunas de las exposiciones importantes que ha tenido esta joven artista es: • • • •

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Finalista y seleccionada en la Octava muestra de arte grupo Reforma, incluida en el catálogo que se repartió en Guadalajara, CDMX, Monterrey y París Francia. ArtFest 2016 en American School Galería LARVA (Laboratorio de Arte Variedades) Museo PALCCO donde la presentaron como artista emergente mezclada con trayectoria, ya que desde su corta carrera, ha estado mezclada con artistas con trayectoria, incluso artistas consolidados. Tuvo el honor de intervenir una guitarra para el gran artista “Carlos Santana” entregada en Las Vegas Nevada Exposición en Guangzhou China, Mansión ACA Exposición en Shenzhen China, Gallery Art Museum. Participo como Juez en pintura, Concurso Secretaria de educación Jalisco dos años consecutivos. Exposición Arkansas "Eye of the beholder" Estados Unidos Exposición Galería "Agave Rosa" en El Paso Texas, Estados Unidos Portada y nota para la revista PERSONAE. Exposición (MAHO) Museo de antropología e historia, Ocotlán Jal. (Primera mujer en exhibir obra). Galería Monica Saucedo (Colima) Exposición "Duality/Liberty" Santa Bárbara California. Exposición colectiva “Museo internacional del Tequila” Pakal intervenido para "Mayan Parade“ Intervención vestido de Rosario Mendoza "TAKASAMI“ Artista plástica en SMI Proyectos y patrocinio Tequila Patrón Seleccionada entre las "Cien Mujeres en las Artes Visuales de México" para formar parte de esta muestra en el marco del Día Internacional de la Mujer 2018. Exposición Museo Regional Del Valle del Fuerte (Mochis Sinaloa) Proyecto “AMARTE” Arte incluyente. CRIT Teletón Exposición Museo "MUSA" (Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara).

Ha expuesto en el extranjero: • Guangzhou (China) • Shenzhen (China) • Shanghai (China) • El Paso Texas (USA) • Arkansas (USA) • Santa Bárbara (USA) • Los Ángeles California (USA) Actualmente está trabajando para sus próximas exposiciones (2018): • Los Ángeles (USA) • Paris (Francia) • CDMX • León • Guadalajara (Jalisco) • Chicago (USA) • Baja California Sur • Santa Bárbara California (USA) • Noruega (Europa) • Mochis Sinaloa • Oaxaca de Juárez - ¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte? Desde que tengo uso de razón, estuve involucrada con la adrenalina creativa. Era de esas niñas traviesas que dibujaba murales en su casa con crayones, cuando fui creciendo comencé a experimentar con mas materiales: grafito, colores, plumones, acuarela, acrílico y el óleo lo use ya mas grande, tu sabes, por los solventes, pero siempre estuvo presente en mi vida y en mi crecimiento, como lo está ahora.

- ¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre la superficie? Claro!! fue una etapa de mi vida de mucha madurez, comencé a conocerme, escuchar mi alma y mi corazón para poder expresarlo con mi mágica paleta de colores, sabía lo que mi esencia me quería decir todo el tiempo, es esa energía de amor infinito que vive dentro de nosotros. yo he experimentado el escucharme, el conocerme y gracias a eso yo pude ser artista, yo pude plasmar disfrutando cada nuevo trazo.

- ¿Que pintores han influido en tu vida, y quien te gusta de los actuales? Realmente han influido varios, la obra del pintor Francis Bacon me fascina, de los actuales me gustaría mencionar el trabajo de Patricia Sanchez Saiffe, soy seguidora de su arte. - ¿Cómo se ha desarrollado tu trabajo? Soy autodidacta, mi trabajo se ha desarrollado por mi mera intuición, así como mi estilo, mi paleta de colores etc. - ¿Cómo definirías tu estilo y que buscas en la pintura? Mi estilo es figurativo o también podría entrar en la corriente del impresionismo. La pintura es mi manera de expresar mi interior, donde me conecto con mi yo espiritual y mi corazón, tengo el privilegio de poderlo compartir con las demás personas, llegar a todas partes del mundo y sentir esa sensación de verlos conectados con cada una de mis piezas, que los atrape, que les haga sentir emociones a flor de piel, que se las apropien con sus experiencias, sensibilidad, estado de ánimo y claro, el corazón. - ¿Por qué escogiste pintura y no otra expresión artística? Porque crear una paleta de colores, utilizar pinceles, tela, grafito y lograr unos ojos intensos que abran la puerta del alma, dar esa sensación mística, la sensualidad, oscuridad, intuición, el amor y la dualidad que a mi me definen en todo sentido, ahora me siento bien explotando ahí mi creatividad. Más adelante tengo planeado seguir con escultura, serigrafía y buscar otros tipos de expresión - El arte para ti, ¿tiene un fin en sí? Por supuesto, el arte para mi es una forma libre de expresión, como lo dije anteriormente, expresar mi alma, esencia y corazón. La sensación mas hermosa de esto es cuando conectan los demás con ello.

- Tu frase favorita Tomo el pincel y despego de esta vida terrenal, los portales se abren y mi esencia se desnuda ante el lienzo que está frente a mí, libero mi mente y el espíritu comienza hablar con la letra de los colores. Vivo para crear, vivo para transmitir, para conectarme con mi yo espiritual y brotar cada fibra de ella. Susana Casillas - ¿Crees que la galería importa mucho en una exposición? Sí lo creo, el artista y la galería forman un gran equipo para llegar a mas personas. - ¿Cuál ha sido la obra que más te ha marcado? Todas tienen un pedazo de mi, pero en realidad tengo 3 piezas que me ha costado trabajo desprenderme de ellas, por eso mismo, que me han marcado. los títulos son: "Atrapando instintos" "Dualidad" - ¿Que es lo que quieres transmitir con tus obras? Lo que quiero transmitir, que es: La vida terrenalespiritual, la Dualidad, intuición-cerebral. ¿Qué quiero decir con esto? Como las personas se esclavizan por la mente, viven solo en los 5 sentidos y en lo superficial, mientras que el lado espiritual o también podría llamarlo intuición, es lo que permanece y es lo mas puro en la vida terrenal, lo que te lleva a un camino de pleno amor infinito y si lo sabes escuchar, te guía al camino correcto. Si pudieran conectarse con esa intuición, no hubiera tanta maldad, existiría mas el amor, porque el amor viene de esa energía tan poderosa que es la única que trasciende. Quiero que la gente sepa identificar de donde viene la intuición y lo mental, ¿De donde viene la ira, de donde viene el amor, la esencia, plenitud? Las personas que se guían por su mente, ven casi todo desde la perspectiva de los 5 sentidos, y están atrapadas en las ilusiones del mundo físico, eso hace que sean sumamente fáciles de manipular y controlar. Las personas conscientes conservan su conexión con los niveles superiores de conciencia y ven todo desde otro punto de vista, están en este mundo, pero no pertenecen a el. A la dualidad (Doble otra parte mística de mis dobles rostros, no lo dejo entrever en completamente.

personalidad) Me refiero a la mi ser, de ahí también vienen me gusta mucho hablar de ello, mis piezas, ahí esta desnudo

-¿Qué sigue para ti? Tengo la bendición de dedicarme a lo que amo, me apasiona y me hace vivir para pintar, y pintar para vivir! Yo me veo en varios países, más de los que he llegado. Nosotros nos conocemos todos los días, soy joven, me falta mucho por vivir y experimentar, eso va alimentar mi inspiración, mi espíritu y yo misma lo voy alimentar con mucho amor, todo lo que quiera transmitir van a estar en mis piezas, mi obra y yo vamos a crecer juntos en todos los sentidos. Cuando haces las cosas con amor, el mismo te lleva a ese camino de éxitos, plenitud y felicidad. - ¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura? Yo les diría que se escuchen, que aprendan a conectarse con su esencia y de ahí formar su futuro. Si se saben escuchar, si plasman con amor, pureza y sensibilidad transformarán su trabajo en algo ÚNICO, porque esos somos, individuos irrepetibles.

La fresca combinación de soulhouse profundo, groyvy indie dance y elementos mundanos de Mahmut Orhan de sus propias experiencias culturales lo ha colocado sólidamente entre los artistas más prometedores de la música dance. Con el lanzamiento en 2016 de su exitosa canción "Feel" (feat. Sena Sener), Orhan, acumulando más de 300 millones de transmisiones combinadas en YouTube y Spotify; recibió los máximos 20 honores tanto en Dance como en Global de iTunes en cerca de dos docenas de países; alcanzó el track # 1 en Dance and Main Charts de iTunes en 11 países y 5 territorios respectivamente; y subió al # 25 a nivel mundial en Shazam, y eso es todo por una canción en su creciente catálogo de trabajo inspirado.

El oriundo de Bursa Mahmut Orhan se mojó los pies en el mundo de la danza mezclando canciones de los años 80 y 90. Después de ganar constantemente impulso con lanzamientos en múltiples etiquetas, ahora se está acercando a la vanguardia de la comunidad global de casas. El ya mencionado "Feel", lanzado por Ultra Records, es una gran muestra de su inminente trayectoria. La maestría de Orhan hasta la fecha ha recibido no solo numerosos elogios oficiales, sino también respetuosos asentimientos de emisoras de radio, creadores de tendencias y blogueros, pero no termina ahí.

Mostrando que es un nombre mundial en los labios de aquellos que no solo importan con su sonido del estudio que cruza el continente, Mahmut Orhan tambiĂŠn ha llevado sus cautivadores directos a festivales de talla mundial como ULTRA Europe, el escenario principal de Parookaville. junto a Ummet Ozcan, Airbeat One, y lugares famosos como White Dubai; parece que no hay cultura o regiĂłn de la que Mahmut no pueda capturar los corazones y las mentes. ContinuĂł su expansiĂłn durante 2017 llevando su sonido a travĂŠs de Dubai incluyendo la fiesta Iris F1 en Abu Dhabi, Revelin Dubrovnik, junto con sets de alta potencia en Alemania, Francia, EspaĂąa, Suiza, HungrĂa, Croacia y mĂĄs allĂĄ, y la capacidad de Mahmut Orhan de cautivar a las audiencias en una escala ĂŠpica continĂşa brillando a travĂŠs de. Pasando a 2018 de manera excelente, Mahmut Orhan comienza el aĂąo con shows en Medio Oriente, Ucrania, Suiza y Grecia, con los prĂłximos destacados de este aĂąo, incluyendo un tramo principal en el EXIT Festival de este aĂąo, un set en el Festival 84, junto con prĂłximamente lanzarĂĄ 'Six Days War' prĂłximamente en Ultra Music y un nuevo remix de 'Early Morning Dreams' de Kadebostany. AdemĂĄs de mostrar su ascenso al estrellato como uno de los talentos de mĂĄs rĂĄpido crecimiento en la industria que recibiĂł el premio DJ del aĂąo de GQ en su serie 'Hombres del aĂąo', la escalada de Orhan continĂşa a todo gas este aĂąo. El sonido icĂłnico de Orhan se estĂĄ arraigando profundamente en la conciencia de la comunidad de la mĂşsica de baile colectiva, y su impulso no estĂĄ mostrando signos de desaceleraciĂłn. ÂĄBienvenido! Es bueno decir hola, ÂżcĂłmo estĂĄs? ÂĄEstoy bien gracias! En el estudio, ocupado trabajando en mĂşsica y esperando ansiosos shows este mes, ÂĄtodo estĂĄ bien! ÂżCuĂĄndo decidiste que querĂas ser DJ? EmpecĂŠ a querer ser DJ a una edad temprana, con una gran pasiĂłn por la mĂşsica. Siempre me ha interesado compartir la mĂşsica que amo con los demĂĄs. EmpecĂŠ a aprender el arte de pinchar y producir, y con el tiempo aumentĂŠ mis habilidades hasta llegar a donde estoy hoy.

ÂżDe dĂłnde vino toda tu inspiraciĂłn? Me inspiran mis fans y trabajo mucho para hacer la mĂşsica que disfrutan. La mĂşsica es mi vida, y me inspira todos los dĂas, asĂ que compartir la mĂşsica que amo con el mundo es mi mayor pasiĂłn. ÂżQuĂŠ influencias musicales tienes? He sido muy influenciado por artistas del pasado, remezclando canciones de los aĂąos 80 y 90 a lo largo de los aĂąos, que ha seguido evolucionando mi sonido actual. Con la mĂşsica turca que tiene un patrimonio tan rico, esto ha influido en mi sonido a lo largo de los aĂąos y continĂşo compartiĂŠndolo con mis fanĂĄticos. Tu objetivo para este aĂąo? Para trabajar en un montĂłn de mĂşsica nueva y mostrar mi sonido en todo el mundo a las mayores audiencias ÂżQuĂŠ proyectos tienes pronto? Tengo una nueva pista prĂłximamente en Ultra titulada 'Six Days War', que me entusiasma mucho. Recientemente tambiĂŠn lancĂŠ un remix de 'Early Morning Dreams' de Kadebostany, del cual estoy muy orgulloso. MĂĄs cosas interesantes que se anunciarĂĄn pronto asĂ que mantente atento a mis redes sociales đ&#x;&#x2DC;&#x160; ÂżQuĂŠ espectĂĄculos tienes alineados? Este mes tengo algunos conciertos en Dubai, junto con sets en LĂbano y Estambul. ÂĄTambiĂŠn estoy deseoso de participar en el Exit Festival este aĂąo en el que tocarĂŠ en el escenario principal del domingo! Su single "Feel" se convirtiĂł en un gran ĂŠxito en todo el mundo, logrando un gran nĂşmero de reproducciones, ÂżcĂłmo cambiĂł su vida personal y profesional despuĂŠs de este ĂŠxito? Siempre pensĂŠ que mi mĂşsica tenĂa potencial, pero no podĂa predecir este tipo de ĂŠxito de "Sentir". Me afectĂł en tĂŠrminos de querer ahora trabajar mĂĄs y mĂĄs duro para continuar lanzando mĂşsica que la gente adora, para compartir mi sonido en todo el mundo. ÂżCuĂĄl serĂa un consejo que le darĂas a los productores / DJs jĂłvenes y prometedores que buscan tener ĂŠxito en la industria? Siempre sigue tus sueĂąos y trabaja duro para lograrlos. Todo es posible si trabajas en eso đ&#x;&#x2DC;&#x160;

Luisa Román es una hermosa modelo colombiana, que luego de haber tenido importantes participaciones en el modelaje nacional ha decidido darle un rumbo a su vida, y para ello viajó a México, con el fin de explorar otros campos laborales que la hagan crecer como persona y profesional.

Desde pequeña me encuentro involucrada en el mundo del modelaje porque mi mamá es modelo y actriz. Aparte del modelaje, curso la carrera de Comunicación Social y Periodismo en Ciudad de México. Ahora a corto plazo tengo como meta comenzar a trabajar en campañas publicitarias en Ciudad de México. A largo plazo, mi meta es llegar a ser portada de una revista conocida mundialmente.

Tengo 20 años, nací en Yarumal -Antioquia pero me crié en Medellín y viví también 5 años en la costa, en Barranquilla. Ahora mismo llevo siete meses radicada en la bella Ciudad de México, en donde su gente me ha recibido con mucho cariño.

Disfruto mucho cuando estoy en sección de fotos y con música que ambiente el momento y además de eso tener buena conexión con el fotógrafo y el equipo de producción, eso es fundamental. PH : Mateo Marin

Artista visual. Nació el 1 de marzo de 1977 en la ciudad de Cracovia, en Polonia. Radica en Mérida, Yucatán, México desde 2004 y en el 2009 adquiere nacionalidad Mexicana. Realizó estudios en Academia de Bellas Artes de Cracovia, en la Facultad de Pintura, con el profesor Adam Brincken, donde se graduó como master en artes plásticas en 2004. Previamente (1993-1995) practicaba dibujo y pintura en el taller de Malgorzata Toborowicz y del 1995 hasta 1997 estudiaba en la escuela del maestro Zbylut Grzywacz; en el año 2016, ya en Mérida, Yucatán tomó taller del grabado con maestro Mario Reyes, Teresa Vázquez, y José Luis Rumbo entre otros.

Hasta el año 2017 fue Subdelegada Regional de la Delegación de la Península de Yucatán de la Sociedad Mexicana de Autores de las Artes Plásticas (Delpy_SOMAAP) (www.delpy.jimdo.com). Actualmente forma parte del colectivo El Caimito (www.elcaimito.org), Retoño de Ceiba A. C. y también es miembro del Laboratorio Catalizador para Proyectos de Artes Visuales.

Informaciรณn de Contacto: moniagabrys@gmail.com, +5219991555024, https://twitter.com/MoNiGabrys, https://www.saatchiart.com/monikagabrys

Subastas del arte: - Todos juntos por Regina (Septiembre 2016) Pinturas, grabados y fotografías en apoyo a la familia Herrera Centro Cultural Prohiben, Mérida, Yucatán. - 2ª Gran subasta de arte mexicano (Diciembre 2016) A beneficio del fondo de becas de la Universidad Modelo Universidad Modelo, Mérida, Yucatán. - Subasta de arte (Mayo 2017) Artistas en apoyo a Retoño de Ceiba A. C. Galería Terracota, Arte Actual, Mérida, Yucatán, México.

Se hizo acreedora al primer lugar en el festival del arte “FEKUSZ” y exhibición de los laureados en el Centro Cultural en Cracovia, Polonia en 1995. Sus obras se encuentran en las colecciones privadas en Polonia, Alemania, Canadá, Estados Unidos y México. Como parte de otras actividades relacionadas con el arte y la cultura, formó parte del jurado calificador en 1ª Bienal de Artes Visuales de Cozumel, Quintana Roo, México; participó como ponente en la Mesa de Intercambio de Experiencias con el proyecto “Arte y Salud en Movimiento x la Juventud” en el marco de las actividades del “Encuentro Jóvenes por la Paz” como parte de los Proyectos de Prevención Social de la Violencia y la Delincuencia 2013, y, facilitadora de talleres de pintura, pensamiento crítico y arte reciclado para zonas vulnerables.

¿Cómo se ha desarrollado tu trabajo? Se puede encontrar un origen de mi trabajo en la manera en la que organizo mi vida personal, cuando en ocasiones se presenta ante mí un cierto desorden que tiende al caos, por lo que en mi búsqueda personal y artística hace falta consolidar la disciplina y la constancia que llene mis expectativas, algunas veces obsesivas y otras veces como una necesidad de investigación y encuentro conmigo misma. En mi entorno encuentro colegas y amigos que me identifican como responsable y cumplida, cosa que no puedo negar, además que, siendo madre, este es un aspecto sumamente necesario en mi estabilidad emocional y que se plasma en mi trabajo. Mi signo zodiacal es Piscis y siento que hay una dualidad en mí, constantemente, como los dos peces que nadan en direcciones opuestas, lo cual se manifestó desde temprana edad con dos pasiones: la medicina y el arte. Entrada en mi adolescencia, alrededor de los 16 o 17 años de edad pensaba dedicarme a la Medicina. En mis primeras dos clases de preparatoria estuve en un salón con el perfil biológico-químico para prepararme en los exámenes para la Academia Medica. Al mismo tiempo, pintaba y bosquejaba constantemente (mis libretas de biología y ciencias naturales estaban llenas de dibujos de anatomía y estudios de la Naturaleza), sin embargo no lo veía como mi futura profesión, presentía que mi vocación apuntaba por otro camino. A los 16 años cambió todo porque después de un fallido intento de suicidio asumo la decisión de comenzar de nuevo, identifiqué que algo en mí no estaba bien y me propuse urgentemente una transformación para bien, entonces cambié mi estatus de estudiante para el perfil más afín a la carera académica en materia de Artes Visuales y me dediqué a su estudio universitario. Soy graduada de la Academia de Bellas Artes de Cracovia (Polonia), donde completé una formación académica que considero bastante conservadora y clásica, al mismo tiempo muy completa y manejada por profesores muy reconocidos, quienes lograron abrir nuestras mentes e inculcar en nosotros el tan necesario pensamiento crítico.

Terminando la carera me mudé a Mérida, Yucatán, México. Llegué casada al nuevo continente y en el segundo mes de embarazo, lo que significó un gran cambio en mi vida porque además no encontré un ambiente artístico al cual estaba acostumbrada en Cracovia, la adaptación al nuevo estilo de vida era vital. Además el campo profesional familiar y de mi esposo estaba centrado en el sector salud. Es aquí donde mi vida toma otro desvío ya que estudio la Licenciatura de Enfermería, terminando como mejor promedio de mi generación (2013). Esta etapa la disfruté mucho porque me encantaba el hospital, especialmente el quirófano, sin embargo, finalizando el servicio social, empieza a despertar la chispa artística que tenía latente por 10 años. De repente me di cuenta de las oportunidades que se presentaban ante mí y de los nuevos espacios culturales así como de contactos que me motivaron a retomar mi vocación y, así como siguiendo el hilo de Ariadna, me estaba acercando a la salida del laberinto. Desde entonces dedico el 100% de mi tiempo y pasión al arte, trabajando arduamente sin parar y cada vez con mucha más fuerza y entusiasmo. Cuando se trata de arte, que es inseparable de la vida, me es imposible ignorar la llama interna que me lleva a expresarme por medio de mis pinturas, actividad que en los momentos más difíciles (puntos de inflexión) me llena de pasión y me invita a desafiarme constantemente. Considero al arte como una parte clave de mi vida y me hace dar cuenta que los 10 años de aparente pausa en realidad no fue tiempo perdido, sino una especie de tiempo de incubación que me ayudó a madurar como persona. Intento ser congruente entre mi vida y mis creaciones porque pienso que de no hacerlo, las obras (y yo) se pueden convertir en poses, manías y fanfarroneadas que se limitan a mostrar habilidades técnicas, lo que le quita el verdadero valor al arte cuando se expresa sinceramente. Acerca de la técnica y el aspecto visual de mis trabajos (comparando mi presente con mis antiguos trabajos) noto el cambio evolutivo. Realmente nunca me interesaba demasiado el realismo y/o hiperrealismo, aunque para entrar a la academia una parte de los exámenes prácticos era el estudio del desnudo (el dibujo) y estudio de la naturaleza muerta (la pintura) entre otros pasos. Lo que obligaba a ser bastante realista y meticuloso. Sin embargo apenas pude me libre del realismo buscando mi propia forma de expresión. Sigo el camino, escuchando mi intuición, por otro lado siempre buscando oportunidades de aprender. Pinto lo que vivo y lo que me interesa o molesta. Cuando estoy sola pinto a mí misma, no tanto como autorretrato sino como el personaje central de mis historias, bajo el pretexto de hablar de algún tema que no me deja en paz.

¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte? Mi abuelo fue quien me acerco al arte, él siempre pintaba, dibujaba y hacía pequeñas esculturas de barro para sus nietos, por esto desde muy joven solía dibujar y pintar para entretenerme; era mi tiempo de crear historias y entrar en un mundo mágico. En Polonia con el régimen comunista de aquellos años (80’s) no había mucha diversión para niños. Cuando el clima lo permitía estábamos afuera, cuando no, nos quedábamos en casa para leer o dibujar. No tuvimos tantos juguetes como ahora y mis dos padres trabajaban. Los niños teníamos que ser bastante creativos para no morir de aburrimiento.

Mi verdadero acercamiento se dio a los 16 años (1993, lo recuerdo muy bien). Dicen que por algo pasan las cosas y las casualidades no existen ya que en aquel año entré (junto con mi amiga, hija de dos arquitectos) al taller de la artista plástica Malgorzata Toborowicz. Ahí fue mi primer contacto más serio, consciente e intencional con el arte profesional. Fuimos solo dos alumnas, así que todo era muy personalizado y de mucha confianza. Tenía algo de intimidad, porque el arte es como desnudar el alma. Los fines de semana pasábamos ahí muchas horas, concentradas en el arte, fue cuando empecé a pensar en serio a dedicarme al arte.

No puedo omitir a mi siguiente gran maestro, Zbylut Grzywacz, fallecido en 2004, apenas un mes desde mi llegada a México. Su escuela fue mi segunda casa por dos años. Mis amigas y yo (un trío inseparable soñando entrar a la Academia de Bellas Artes de Cracovia) tuvimos las llaves de la escuela y pudimos pintar y dibujar las horas que queríamos, además del horario de clases normal. Zbylut era como nuestro padre a quien le estaré agradecida de por vida. En Julio y Agosto de 2017 tuve la oportunidad de ver su sala en el Museo Nacional de Cracovia MNK. Es cuando me di cuenta que de verdad Zbylut fue un artista muy importante para el arte polaco del siglo XX. Terminé llorando al ver sus obras y eso que no soy de llorar fácil, sin embargo el arte tiene el poder de llegar hasta la medula ósea y última célula del cuerpo. La escuela de maestro Grzywacz fue realmente una escuela que preparaba a los jóvenes para los exámenes de ingreso a la Academia de Bellas Artes. Ahí conocimos varios excelentes artistas y también futuros artistas que actualmente son influyentes y destacados.

¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre una superficie? Las primeras experiencias fueron con mi abuelo. Muy inocentes y muy amateur. Recuerdo también en mi escuela primaria cuando gané un concurso nacional para la pintura infantil por la paz. Más que nada recuerdo que la pintamos en escuela, durante la hora de educación artística y que solo seguía mi pasión. Me dejé llevar y al final de cuentas no estaba muy segura si me gustaba o no. El premio me sorprendió bastante. Lo que más recuerdo era el momento de perderme en la pintura.

¿Por qué escogiste pintura y no otra expresión artística? Podría decir que la pintura cumple mi necesidad de expresar aquello que no puede ser verbalizado. Me gusta la música pero no tengo talento musical. Me fascina el teatro pero soy muy tímida y todas las artes escénicas me costarían un paro cardiaco. Pienso que la pintura y/o el dibujo es algo que más se ajusta a mi forma de ser. Me gusta trabajar a solas, en mi estudio. Muy a menudo de noche, escuchando audio-libros. Es mi mundo. En esto me desenvuelvo mejor. La pintura es para mí como elemento de unión y de compenetración, un estudio morfológico del ser humano y de mí misma.

¿De dónde viene tu inspiración?

Tengo miles de apuntes. Soy muy emotiva, nostálgica. Juego con mi imaginación y creo historias. Hago como unos collages mentales. A veces cuando voy hacer un proyecto o quiero abarcar algún tema me vienen muchas ideas y trabajo con series y en algunas ocasiones tardo bastante. No dejo de pensar aun cuando estoy con mis actividades cotidianas. No me detengo hasta que no encuentro la idea que me satisfaga. Siempre he buscado y estudiado lo esotérico y soy eterno aprendiz. Creo que por esto no me cierro a lo que viene y me dejo llevar por las oportunidades. Siempre soñadora pero con mi escuadra y compás para no perder el rumbo.

¿Cómo definirías tu estilo y qué buscas en la pintura? No pinto solamente los objetos o personas solamente por su aspecto estético, les doy realce a su importancia, por eso represento a menudo las personas cercanas a mí, a quienes organizo como actores en un escenario. Pienso que una relación emocional con cada tema es necesaria en mi pintura. Me gusta crear un “teatro” con las personas, otros seres vivos y también objetos inanimados los cuales representan escenas a menudo inquietantes. Escojo momentos “subjetivamente reales” para transmitir algo más que únicamente lo externo, lo físico, intento captar la metafísica del momento, algo que me ocupa e inquieta, en resumen me interesan mucho todos los aspectos de los seres humanos. Soy 100% humanista, además de ser artista soy también licenciada de enfermería. Me siento como observador, un poco afuera del bien y del mal. En mi vida se entrelazan dos culturas: polaca y mexicana. Soy consciente que a pesar de vivir 13 años en este país y ser mexicana por naturalización, tanto en mi habla, como en mi expresión plástica, el acento polaco es muy notorio. Para mí, la composición es muy importante y la expreso utilizando medios tradicionales de la expresión visual establecida en el siglo 20. El realismo mágico y el expresionismo son las corrientes más notorias e influyentes en mi trabajo. También se notan elementos de cuadros constructivistas. Pienso que, de cierta manera, mis obras suelen ser contemplativas, íntimas y sinceras, a pesar de ser muy expresivas a veces. Mis obras son por lo general figurativas (aunque tengo también cuadros abstractos), aunque para mi cada cuadro es abstracto, al ser una composición de manchas, formas y líneas sobre una superficie. Mi estilo es simplemente mi forma personal y única de expresión. Se tiene un estilo cuando se es sincero, libre y congruente. Se pinta lo que se vive, siente, piensa y observa, en resumen lo que uno es. Me ha pasado a menudo darme cuenta que los colores de mi cuadro que estaba pintando en el momento eran exactamente iguales como la ropa que llevaba puesta. Es decir, que dependen de mi estado emocional, clima, recuerdos etc. Mis obras responden sin duda a una formación académica rigurosa. Me manejo siempre en el ámbito del mayor profesionalismo en el uso de mis materiales, soy muy seria cuando abordo cada uno de mis proyectos artísticos y las diversas maneras en que me he comprometido con el gremio artístico y la sociedad meridana. Soy perfeccionista y muy estricta conmigo misma a tal grado que he “abortado” muchos proyectos que posiblemente merecían un poco más de incubación para poder nacer.

Mis pinturas están muy lejos de estar inspiradas por el impulso de complacer al público, aunque, indiscutiblemente, sí están pensadas para entablar un diálogo. Por lo tanto existe un respeto implícito para el público, un respeto que proviene de mi necesidad expresiva. Me gustaría citar aquí al maestro José Luis Rumbo, un gran amigo mío, artista visual, curador, museógrafo y promotor cultural: “Los símbolos con los que construye sus escenarios están puestos

ahí a favor de las emociones que rigen cada pintura. Coqueteando a veces con el surrealismo, otras tantas con el expresionismo, rescata experiencias de vida por la necesidad misma de fijarlas para sí, pero al mismo tiempo las comparte esperando encontrar empatía, o despertar en nosotros un recuerdo emocional de la misma categoría. Pero, ¿qué hay de novedoso en eso?, ¿no es acaso ese mismo proceder lo que hace cada artista? Así es, sin embargo el alcance de sus potentes mensajes llega a nosotros gracias a un excelente manejo de la técnica, como dan cuenta de ello no sólo sus pinturas figurativas sino sobre todo las abstractas, y el desarrollo natural pero cuidadoso de un estilo muy personal. Este conjunto de atributos nos deja, sin duda, frente a la OBRA ARTÍSTICA de una MAESTRA con los argumentos suficientes para alcanzar esos calificativos. Nos pone frente al discurso de una vida singular, compleja, multicultural y atractiva. En esta colección de óleos creados en los últimos años donde deambula su propia imagen como pretexto creativo, las figuras de gente cercana y otros pertenecientes a leyendas y cuentos, inmersos en ambientes estilizados, están entretejidos en composiciones y paleta de colores muy propios de la Maestra Gabrys. Esta forma de pintar, desprovista de lugares comunes, la hace destacar en el ambiente artístico de nuestra región, invitándonos a seguir su trayectoria cada día más plena y cercana a diferentes círculos del arte y la cultura en México y otras partes del mundo.”

(El texto curatorial de la exposición individual “Estamos hechos de la misma materia que los sueños” (2017), escrito por José Luis Rumbo)

Si tus obras pudiesen hablar, ¿Qué dirían sobre el artista? Dejaré que mis amigos hablen por mí ya que pienso que al tener una conexión emocional con mi trabajo no puedo ser objetiva y por el contrario es fácil ser tendenciosa. Uno piensa de su trabajo que es el mejor o el peor del mundo y es casi imposible que alguna de las dos opciones sea real, de manera que las respuestas que he recibido, en resumen, se engloban en lo siguiente: Las obras a veces reflejan melancolía, personaje divagando, como

que se está presente físicamente pero su mirada da la intención de estar enfocada en una realidad mental distinta al entorno donde se encuentra, cuando el personaje principal es la artista se puede observar en ocasiones un temor ante una situación peligrosa (desconocida para el público) y cuyo personaje enfrenta en pose defensiva, para sí misma y para los seres más cercanos a ella (usualmente una niña). También se muestra personaje en introspección, ocio, autoconocimiento, existe una serie de cuadros que responden a una misma paleta de colores que remiten a la misma persona pero en diferentes situaciones, como sugiriendo una misma psique en diferentes entornos. ¿Puede el personaje ser maleable, adaptable o no? conociendo un poco a la artista podemos afirmarlo. Juega mucho con las transparencias, si uno mira con realidad espacial, hay elementos de su obra que trasgreden nuestra lógica, como público a veces nos vemos desarmados cuando se nos presentan “realidades” alternas, elementos transparentes que deberían ser opacos, líneas que no “deberían” existir, por lo que debemos hacer el esfuerzo mental de comprenderlo jugando un poco al artista. Sí, creo que los consumidores de la obra de Monika deben dejarse llevar para que estas transparencias no nos distraigan del tema que quiere abordar. ¿Cuánto ha sido el tiempo máximo que has pasado trabajando en una obra? Por lo general trabajo con series. Cuando me llega una idea la plasmo como

una secuencia de cuadros. Los empiezo y luego sigo con más calma. Algunas obras de la serie son rápidas, es decir, en un lapso del tiempo relativamente corto las considero bastante completas y las dejo para que no pierdan su frescura. Otras pasan por diferentes metamorfosis y tardan para que las acepte como concluidas. Por lo general, y no soy la única que lo dice, es algo difícil reconocer al 100% si la obra ya está terminada o no. En miles de ocasiones he regresado a la pintura que supuestamente ya estaba concluida. Tengo unos cuadros que tardé pintándolos meses y tengo otros que en unas horas ya eran completos y satisfactorios. Por lo general documento el proceso artístico de cada obra para observar diferentes fases por las cuales pasó un cuadro.

¿Qué estilos y movimientos artísticos se ven reflejados en tu pintura? Pienso en definitiva que mi forma de ver el mundo (también me han dicho con frecuencia) que mis obras tienen huellas del expresionismo alemán.

¿Qué es lo que quieres transmitir con tus obras? Pienso que mis obras son un reflejo del ser humano y las pasiones que lo mueven, creando una realidad existencial que es común a gente tan diversa, presento realidades generales, situaciones incluyentes, temas que tocan la existencia humana, los dilemas, elecciones y decisiones que uno debe tomar en algunos momentos de la vida. Quiero reflejar la vida, al menos la mía, de manera nostálgica, erótica, fantástica, mágica, moral, incongruente, limpia, sucia, caótica, ordenada, en fin, representar la vida humana general sin censura. La inspiración de mi obra es mi propia vida, lo que puedo experimentar, sentir, observar a cada momento. Me sirvo como herramienta documental de la cámara fotográfica o la cámara del celular, tomando fotos de situaciones que considero importantes, notas gráficas de ideas momentáneas para explorar después o para captar situaciones que puedan detonar otras ideas mientras me encuentro en mis procesos creativos.

A veces escribo o mezclo imagen con texto, combino idiomas ya que las ideas en cada idioma sugieren un contexto distinto que no puede traducirse con palabras, pero sí en mi pintura porque es más universal, de manera que lo que transmito a veces surge de notas en polaco, español o inglés. Otras veces transmito en mis obras cierta libertad de reírme de mí misma, no tomando mi realidad tan en serio, lo cual es un auténtico desafío tomando en cuenta el contexto cultural mexicano en el que parece que una gran cantidad de gente es experta en ello. Intento ser empática apuntando a ser simpática y generar conversación con el público y mis cuadros.

Considerando que mi obra es muy personal e íntima, sé que existe un riesgo mayor si intento retar a la audiencia ya que me presento completamente expuesta en mi ser, sin embargo mi bandera es la sinceridad y creo que con ella me siento todo lo poderosa que necesito ser. Espero que con mi obra el público escuche la voz de una artista que ha vivido mundos tan apartados y opuestos que, si se plasmaran sobre una esfera, podrían a la vuelta tocarse y ser mucho más parecidos de lo que se creería en primera instancia.

¿Qué técnica te gusta realizar más? Me encanta el óleo. Es una técnica clásica y muy noble. También me gusta mucho collage, tanto el clásico como el digital. Me gusta usar las técnicas llamadas new media, mezclar dibujo o pintura clásica con lo digital.

¿Cuáles han sido las dificultades más grandes que te encontraste en el camino para ser artista? No puedo quejarme, viéndolo todo desde la perspectiva actual, realmente no tuve dificultades realmente grandes. Muchos obstáculos fueron más que nada por mis propios “demonios” que por fuerzas ajenas, siempre tuve bastante apoyo de parte de mi familia y amigos.

Tu frase favorita: Son muchas, escogeré la última que me llamo atención, es de Robert Penn Warren, un poeta, novelista y crítico literario estadounidense, así como uno de los fundadores de la Nueva Crítica. "Debes hacer el bien del mal, porque no hay más de qué hacerlo"

¿Qué superhéroe quisieras ser y porque? Nunca me llamaron atención los superhéroes. A lo mejor porque los polacos tenemos toda una larga historia de héroes nacionales de un gran peso; muchos bastante increíbles y envidiables. Quisiera ser como Maria Curie, por ejemplo, o como Irena Sendler. Dos mujeres superhéroinas que hicieron lo imposible para la humanidad.

¿Algún pasatiempo? Leo mucho, me gusta viajar, devoro series de Netflix; soy bastante activa trabajando y apoyando diferentes organizaciones y grupos, así que lamentablemente no dispongo de mucho tiempo libre.

Si no hubieses elegido ser artista ¿a qué te hubieses dedicado?

Medicina. Desde muy joven estaba entre el arte y medicina. Me fascina el organismo humano, me encanta quirófano o medicina forense. Escogí la carrera artística porque me ofrece mucho más libertad que la medicina.

Si pudieras volver el tiempo qué escena de tu vida desearías recrear y ¿por qué?

¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura?

Si tuviera la máquina del tiempo la destrozaría, no tiene sentido recrear algo, ni siquiera tiene sentido plantearse la opción, porque no es más que un pequeño momento de evasión, no es real. Además no quiero, los momentos más tristes de mi vida debí experimentarlos, así como los más felices. Es como corregir la respuesta de un examen, sigues sin haber aprendido, además que no es honesto. Pienso que sería muy cobarde si optara por la opción de recrear algo, reforzaría mi parte insegura. Yo no me concibo cobarde y usar una máquina del tiempo sí lo sería.

Yo soy idealista, a pesar de ser bastante flexible, así que les aconsejaría que sean fieles a sus ideales, que sean sinceros y congruentes. Que eviten las poses y toda la falsedad en el arte. Arte es la vida misma, nace del alma y el corazón, de la medula ósea y no de la conveniencia, de la parte humana en nosotros. El arte es caprichoso y berrinchudo, efímero pero también inmortal. Hace eterno el artista. Perdura y transciende. Sin embargo muy importante es estudio, la constancia y perseverancia. A veces es suerte sin embargo la suerte te tiene encontrar trabajando muchísimo y moviéndote hacia su dirección. Trabajo arduo día tras día, presintiendo las oportunidades y aprovechándolas. Sirve mucho creer en sí mismo. Yo siempre era muy insegura y siento que esto me ha perjudicado mucho. Si uno tiene los fundamentos adecuados y es un ser pensante y sabe hacia dónde va, lo que quiere y también está consciente de sus limitaciones, no tiene porqué temer ante la crítica. Sabe con excelencia defender su obra y su visión, pero también tener ojos y oídos abiertos a la retroalimentación. Ser fuerte y firme pero y flexible. Parece ser contradictorio pero no lo es. Es lo que los orientales le llaman el sendero de justo medio “Tao Te Chia”.

¿Qué sigue para ti? ¿Que busco? La sinceridad. Lo que no quiero es estancarme. Si alguna vez alcanzara lo que le llaman éxito, la fama, no me gustaría quedarme con esto. Mi vida es movimiento constante. Estoy desgarrada entre la rutina (que me da seguridad) y la búsqueda constante de algo nuevo (que me da sentido en la vida). Tengo en mi mente la siguiente serie de obras, después del viaje muy nostálgico y emotivo a mi ciudad natal. Me fascinaron las líneas y direcciones, siento que definitivamente me enfocaré en esto en mis siguientes obras. Me está llamando la parte constructivista, intelectual, aunque sin abandonar la parte emotiva y sentimental. Soy un caos buscando equilibrio, una rutina y simetría dinámica. Tengo muchos planes y proyectos tanto personales como colectivos en los cuales estoy trabajando. Estoy siempre preparándome, aprendiendo a cada instante. Me encanta la idea del eterno aprendiz, tengo la necesidad y urgencia de recuperar algo de tiempo que considero perdido, mirar hacia adelante. Tengo mis metas y sueños hacia cuales estoy yendo. "El tiempo es breve y el arte es largo.” Fausto. Goethe.

AGRADECIMIENTOS A: (Personas que te han inspirado o han estado en tu crecimiento) Más que nada a mi familia, la que me aguanta mientras pinto. Especialmente a mi papá, Andrzej Gabrys, quien es mi carpintero, chofer y compañero en la batalla llamada arte, y a mi hija, Stephanie, quien es mi modelo y frecuente tema de mis cuadros, la puedo deformar a mil maneras y no se queja. A todos mis ángeles que me cuidan y siempre apoyan; a Manuel, Miguel Cerón, mi maestra Elda Rosales que me ilumina con su luz a cada instante. Todos mis hermanos y hermanas. De verdad que soy muy dichosa de conocer tanta gente increíble. A José Luís Rumbo, excelente artista y promotor cultural, quien aguanta todos mis crisis existenciales y miles de preguntas. A mi profesor de ASP, Adam Brincken, sin quien no fuera quien soy, aunque no fui buena alumna y sé que desaproveché mucho tiempo.

CJ Franco es una talentosa diseñadora de modas, comediante de standup, actriz y modelo. Ha tenido publicaciones en revistas como GQ, Maxim, FHM y Sports Illustrated. Es la fundadora y dueña de la línea de ropa deportiva para mujeres Neon Beige. También tiene una participación especial en la serie de drama Coded Court, además es escritora invitada para FHM.com, en donde ofrece de manera jocosa consejos para citas a hombres en el mundo entero.

La línea de ropa Neon Beige fue creada para la mujer que no renuncia a ir al gimnasio, la filosofía de CJ sobre la marca, es vivir todos los aspectos de la vida en neón, sin importar qué tan beige sea el mundo. Toda la ropa de Neon Beige se fabrica localmente en Los Ángeles.

Como comediante en crecimiento, Franco no es nada tímida a la hora de burlarse de sí misma. Constantemente está trabajando es sus rutinas para ser cada vez mejor, tomando clases de improvisación y sketch writing en el Upright Citizens Brigade. Recientemente acaba de presentarse en el Comedy Store de Hollywood para mostrar su último material. CJ ha tenido participaciones especiales en comedias tales como: Sketch Juice y No Chance At Love. Es originaria de Santa Cruz, California, pero actualmente reside en West Hollywood con sus dos perros, Milo y Mango. Anteriormente estudió en la UCLA un programa de negocios para emprendedores. Puedes conseguir más información de CJ a través de sus redes Instagram, Facebook y Twitter, así como en su website CJfranco.us. También a través de su línea de ropa: ShopNeonBeige.com y NeonBeigeLife.com.

EMANUEL

MONTES

RUIZ Artista Multidisciplinario & Contemporáneo

Emanuel Montes Ruiz nació en la Ciudad de México en el año 1972. Se crió en un barrio popular llamado la Herradura, su nacimiento fue suscitado en el número 4396 en la Av. Desierto de los Leones, muy cerca del famoso panteón Jardín que resguarda a estrellas del cine nacional y de los primeros barrios de Tizapan y San Ángel. Emanuel se ha sentido atraído desde temprana edad por el dibujo y la creatividad siempre han sido su fascinación como un lenguaje natural. A la edad de nueve años participa en un concurso de pintura donde gana para representar a escuelas de la SEP en los Estados Unidos, su primera experiencia como niño artista.Su interés fue cultivado durante la adolescencia, estudiando durante tres años en el Taller de Dibujo Técnico y se desarrolló muchísimo más cuando decidió hacer una licenciatura en Diseño Gráfico, aunque tenía la vena artística no optó por la de artes o arquitectura elecciones más naturales por sus capacidades, sin embargo, más adelante todo lo aprendido sería aplicado a sus obras creativas. Al completar su carrera, Emanuel se desempeñó por cuatro años en el diseño editorial, en el área de Auto Diagramación e Ilustración a nivel publicitario y comercial. El dibujo nunca fue abandonado sino al contrario fue enriqueciéndose técnicamente con los años y la información de la historia del arte y sus autores, reafirmando su interés personal. A la edad de veintisiete da un giro de 180°, decide retomar su pasión por el arte, ingresando como oyente en diferentes talleres de Dibujo de la Escuela Nacional de Artes Plásticas actualmente (FAD) UNAM, con los destacados profesores Jorge Chuey y Francisco Castro Leñero entre otros docentes, donde le dedica doce horas diarias con el fin de adquirir experiencia profesional y especializada para impartir clases como profesor de dibujo, en diversas casas de cultura, escuelas privadas y en las Facultades de Trabajo Social y de Arquitectura en la Universidad Nacional Autónoma de México, con la finalidad de fomentar al alumno el entusiasmo creativo que el arte proporciona. Durante esos años de aprendizaje ingresa a los talleres de cerámica y metales donde su inquietud es crear obra de calidad para ser expuesta, en la cual destacan los temas de feminicidios de las asesinadas de Juárez, la serie Kronos y trabajos de metal. En el año 2005, se tituló como Diseñador Gráfico, especializándose en restauración digital en imágenes cinematográficas. En los siguientes años ha participado en infinidad de exposiciones en diferentes espacios de cultura en México, España y Estados Unidos. Sus obras se encuentran entre coleccionistas y galerías. Su experiencia profesional lo lleva a desarrollar e ingresar en diferentes colectivas y asociaciones.

Título: En la orilla del aire Técnica: Acrílico en papel Tamaño: 164 cm x 186.5 cm Autor: Emanuel Montes Ruiz México DF 2012

TELÉFONOS: 5522711432 EMAIL: EMANUEL.MR.ART@HOTMAIL.COM HTTPS://WWW.FACEBOOK.COM/EMANUEL.MONTESRUIZARTIST FACEBOOK: EMANUEL MONTES RUIZ

¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre una superficie? Como les comento para mí fue natural o vocacional, tomé un lápiz de color y emprendí el viaje y no lo he soltado porque me encanta, es como respirar. Si creas en una hoja de papel en blanco una obra grandiosa, puedes crear lo que quieras. Cuando hay trabajo y dedicación o buscas superarte, el don o el talento se desarrolla al mil por ciento. La creatividad es un musculo que hay ejercitar a diario. ¿Qué pintores han influido en tu vida, y quién te gusta de los actuales? En la historia universal y de México, se encuentran grandes artistas en diferentes épocas, lo importante es extraer el conocimiento de sus obras o culturas. Claro que algunos autores se han destacado por su gran trabajo no solo hablo pictóricamente sino en lo escultural, musical, teatral, danza, arquitectura, ciencia o filosofía, son muchos es difícil sólo nombrar unos cuantos. Lo importante son sus espíritus inquietantes ávidos de conocimiento y llenos de expresión.

Título: Teyolia Técnica: Cerámica Tamaño: 28 cm x 62 cm x 70 cm Autor: Emanuel Montes Ruiz México DF 2005

¿Cómo se ha desarrollado tu trabajo? En diversos talleres experimentales he adquirido conocimientos prácticos y la investigación documental y vivencial me han permitido enriquecer cada día mi trabajo, creo que he avanzado, eso no quiere decir que no me siga esforzando por innovar. ¿Cómo definirías tu estilo y qué buscas en la pintura? No creo en los estilos, solo creo que existen ejecutantes. En lo personal el estilo es muy limitante, él o los personajes que solo eso buscan, se perderán de la amalgama de posibilidades que la libertad creativa te brinda. Yo no busco, encuentro en mi cosmogonía un lenguaje personal abierto a infinidad de posibilidades. Claro que la pintura solo es un medio donde puedo expresar ciertas inquietudes, pero no solo me desarrollo en ese rico medio de expresión, también está la escultura, el dibujo, la gráfica, la fotografía, el video, por nombrar algunas, un artista creativo por naturaleza explora muchas opciones. En la pintura plasmo los universos posibles donde juguetean el realismo, lo abstracto o lo conceptual, pero al final todo se integra en un lenguaje personal.

Título: El retrato de Dorian Gray Técnica: Mixta Tamaño: 8.5 cm x 48 cm x 60 cm Autor: Emanuel Montes Ruiz México DF 1995-2003

¿Por qué escogiste pintura y no otra expresión artística? Reconozco que la pintura es un medio de expresión vasto y rico. Me considero un artista multidisciplinario que tiene su propia cosmogonía y recursos donde puedo desarrollar mi creatividad. ¿Cuál ha sido la obra que más te ha marcado? Creo que todas tienen un por qué de existir siempre me sorprendo cuando veo plasmado algo que era imaginación-creación. Eso sí me marca, la creatividad tangible. ¿Qué es lo que quieres transmitir con tus obras? Mis mundos internos, mis inquietudes, una forma particular de percibir las cosas.

Título: Fractal Técnica: Mixta / madera MDF Tamaño: 1.22 cm x 1.22 cm Autor: Emanuel Montes Ruiz México DF 2012

¿Qué sigue para ti? Actualmente es seguir desarrollándome profesionalmente como artista y exponer en el extranjero. También una de mis inquietudes es entrar en el ámbito de la tecnología digital 3D, por último encontrar un representante dealer para ampliar los horizontes de mi obra y generar recursos para realizar más proyectos.

Título: Evolución Técnica: Mixta / tela Tamaño: 1.22 cm x 1.22 cm Autor: Emanuel Montes Ruiz México DF 2012

¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura? Para dar consejo, primero tiene que haberlo solicitado la persona. Trato de no darlos, hay una frase que escuche “Que cada quien, se equivoque solo”. Mi comentario sería que, si te gusta lo que haces, te prepares o trabajes arduamente y si al pasar de los años te sigue gustando vas por buen camino. Creo que el arte se hizo para guerreros sin coraza que resisten y aman lo que hacen aún sin la comprensión de las personas cercanas.

Título: Arlequines Técnica: Mixta / papel amate Tamaño: 40 cm x 60 cm Autor: Emanuel Montes Ruiz México DF 2013

Agradecimientos: Agradezco a todas esas personas especiales que han creído en mi trabajo en todos estos años, en los momentos más oscuros o brillantes, los aprecio y los llevo presente en mi corazón. Le agradezco a Arthur Elías Fundador & Director General CP Magazine International, por la invitación en participar en sus páginas, espero que más adelante me permitan compartir más de mis obras en sus publicaciones, en lo personal fue una experiencia muy profesional y agradable.

PSYKOKONDRIAK TO RELEASE A NEW SINGLE, AS WELL AS A NEW ALBUM SOON! Psykokondriak is a six-piece rock 'n roll, hip-hop band, offering a fusion of irresistible grooves, sing-along gimmicks, killer scratches and devastating flows. After almost 70 gigs defending their first album ‘Gloomy Days’, the band gets back on tracks in 2018.

Psykokondriak are indeed set to release their second record ‘Machines’ on digital platforms on April 30 th (the vinyl press is planned for May 9 th). Impatient to rock the stage again, the Psykos will also hit the road at the beginning of spring 2018. “By the end of March, we’re going to release a video for our song ‘Psyko Waltz Vol. 2’, as a first extract for our upcoming second album ‘Machines’. The video itself is the first of four we will shoot off this new release. We’ve been working on our new album for quite a long time now, and it’s been an interesting journey, as we decided to emphasize our hip-hop facet. We’re known for our hip-hop, rock’n’roll sound, a fusion of genres really close to what was done in the 90’s. Our first album Gloomy days was in that vein, with heavy riffing, scratches and rap vocals. As “nu-metal” as this description could sound, we’re in fact way closer to the funk side of it, with bands such as The Beastie Boys, Public Enemy, Run DMC etc., among our influences. This new album was the occasion to stress our love for that music, try new approaches and test ourselves on a field we had never been onto before. It took us a bit longer than we expected at first, because we’re meticulous, and because you don’t just decide you’re a beatmaker all of a sudden. We had to understand new logics of work, new equipment, and every one of us had to find a new place for himself. It was quite a challenge to be honest. We’re really proud of the result, as we were not sure at the beginning if all those efforts would lead to something decent to listen. The struggle for us was to keep the band’s identity in a different sound: our live shows will remain the same energetic, exciting, stage-divish mayhem, with the same rock ‘n roll set-up we’ve always had. We don’t want people to take this album as a musical shift, but rather see it as the second side of the same coin. You can hence expect a groovy and infectious rap-rock record, with neck-breaking beats, guitar solos, crazy vocal whims and over-the-top scratching. And you shouldn’t have a hard time acknowledging you’re into a Psykokondriak record.” reveals Clément.

Guro Silva nace en Monterrey N.L., se interesa desde muy temprana edad por la pintura, en su niñez siendo un tema recurrente el dibujar únicamente grullas y elefantes. De formación autodidacta, con mas de 15 años pintando y refugiado en las técnicas de los antiguos maestros ha depurado su manera de pintar hasta alcanzar un asombroso y vivaz realismo sin perder contemporaneidad, ya sea usando el tenebrismo o en sus iluminadas figuras en las cuales esta presente algo del mito y el folklore tradicional. Centra su obra en la figura humana, algunos animales u objetos cotidianos que intercala en míticos ambientes, utilizando mayormente el óleo como medio de expresión.

Da un gran valor a la técnica considerando el dibujo como columna vertebral de su obra. Ha participado en numerosas muestras, tanto individuales como colectivas, exponiendo su obra en España, EUA y mayormente en el norte de México obteniendo mención honorífica en la Cuarta Muestra Iberoamericana de arte en miniatura y pequeño formato, así como en la XXI Bienal Plástica de Baja California. Actualmente radica en Baja California, donde tiene su estudio e imparte un taller de pintura con los métodos tradicionales.

CONTACTO: WWW.GUROSILVA.COM, GUROSILVA@HOTMAIL.COM FACEBOOK E INSTAGRAM: GURO SILVA

¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte? Mi primer acercamiento fue muy curioso y diría yo que fue a muy corta pues fue por medio de mis los libros de texto, vi las pinturas de Remedios Varo en las portadas y me intrigaron tanto que decidí investigar y me di cuenta que eso era lo que quería hacer, que ahí estaba la conexión con los dibujos que hacía, poco a poco me fui adentrando, al principio de forma intermitente, luego ya desde hace más de una década sin parar.

¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre una superficie? Claro, ese primer encuentro con un lienzo es inolvidable para un pintor, que es algo que se repite cada vez que uno empieza una nueva obra, es ese flash back, esa emoción, esa demanda que se da aun así tenga demasiados años pintando siempre recordare esa primera vez cuando tome la decisión de comenzar mi primera pintura, con miedo, pero a la vez con determinación de lograr plasmar aquello que simplemente existía en mi mente y que deseaba transmitir a todos los demás

¿Qué pintores han influido en tu vida, y quién te gusta de los actuales? Hay muchos, Caravaggio, es uno de ellos, ese tenebrismo intrigante, él nos enseño que aún las escenas grotescas pueden ser hermosas si son ejecutadas con maestría y virtuosismo, la inigualable y magistral técnica de Bouguereau, el onírico enigma estresante de Remedios Varo, sus mundos y personajes que te invitan a adentrarte en sus escenarios, la academia francesa. De los actuales Roberto Ferri es sin duda uno de mis favoritos, los mexicanos Ricardo Fernández y el maestro José Parra y mi maestro y amigo Omar Sánchez Santillán. ¿Cómo se ha desarrollado tu trabajo? Si te dijera que empecé pintando en un estilo casi impresionista, de ahí fui evolucionando técnicamente hasta hoy en día, mi obra se caracteriza por la representación de la figura humana, con una fuerte carga simbólica, siempre busco cultivarme para enriquecer mi lenguaje pictórico y hacer que le espectador entre en un mundo místico y se olvide del resto transportándolo a un lugar lleno de magia a través de mis pinturas.

¿Cómo definirías tu estilo y qué buscas en la pintura? Me considero un pintor realista, así que definiría mi estilo como realismo contemporáneo, aunque algunos me han catalogado como realismo fantástico por la temática de mis piezas, lo cierto es que soy figurativo, y es en esta corriente donde encuentro la forma de expresar y transmitir, pues el lenguaje visual está presente y es reconocible para todos, la figura es universal y trasciende a la raza, el idioma, las culturas y el tiempo. Mi objetivo es ese, contar historias, un poco de mi mundo, lo que está en mi interior y alrededor.

¿Por qué escogiste pintura y no otra expresión artística? Porque el dibujo y la pintura es la primera y más antigua forma de comunicación, es la manera más pura, es como algo instintivo, un niño usa el dibujo y el color para expresarse, antes de poder cantar, bailar o poder escribir, casi todos los humanos dibujamos, ahí algo ahí qué hay que analizar, por eso elegí pintar y no otra cosa, por eso elegí lo figurativo, porque uno expresa lo que ve y siente y le da forma. ¿Crees que la Galería importa mucho en una exposición? Mira, yo creo que en esos temas hay un entendimiento medio contrario. Las galerías y los museos nacieron para acercar el arte, que por lo general estaba en manos de la aristocracia o el clero a las masas, al pueblo y que este (el arte) estuviera al alcance de todos. Hoy en día se cree que las galerías hacen al artista, le dan estatus, si te apoya o representa x galería ya tienes muchas puertas abiertas, cuando dices me representa X galería de prestigio, cuando en realidad no debería ser así, las galerías deberían decir aquí se expuso tal obra y mostrar la pieza, no decir aquí expuso o represento a fulanito, etc, que lo importante sea la obra, aún más que el artista en si. Actualmente son pocas las galerías que trabajan bajo esta premisa, pero bueno, vivimos en un mundo comercial y mercantil, que no tiene porqué ser malo y las galerías son parte del negocio del arte que al final también se monetiza, pues el artista también come, viste, tiene gastos, genera, etc. En resumen, comercialmente o monetariamente creo que si, románticamente o con la finalidad de mostrar el arte creo que no.

¿Cuál ha sido la obra que más te ha marcado? Hay muchas, no podría decir solo esta u aquella, está más que la otra, las pinturas de los aquelarres de Goya son inquietantes, ver un Bouguereau en vivo es toda una experiencia, las de Sargent y podría continuar, pero la lista es muy larga, pero creo que los más importantes los he mencionado ya. Y ver obras de los grandes maestros siempre es enriquecedor y de aprendizaje para todo artista, estudiarlas más. De las mías la que más me marca es “El vuelo” ¿Qué es lo que quieres transmitir con tus obras? La humanidad, esa experiencia de ser humano en su estado puro y natural, con todas sus dualidades, lo que es en sí ser humano, dar respuestas que planteen más preguntas, que cada espectador vea una parte de sí reflejada en cada obra, también hay algo importante en mis obras y es que nunca debemos de dejar creer en el misticismo, en esa magia que nos hace seres especiales. ¿Qué sigue para ti? Seguir creciendo, depurar mi técnica, a su vez explorar otras, seguir cultivándome y aprendiendo, exponer en otros lugares, la pintura es un proceso de toda la vida, crecer en la vida, pero sobre todo llenar esos vacíos que existen hoy en día ofreciendo una buena pieza de arte que sea capaz de llevarte a lugares que quizá nunca pudiste imaginar.

¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura? Que estudien dibujo y pintura, que aprendan composición, que reivindiquen el oficio, que cuestionen y sobre todo qué critiquen, que no crean todo lo que les dicen. Que se pregunten si ser pintor es lo que en realidad quieren y si es así que lo hagan bien. Que generen resistencia. Agradecimientos: A mi pareja por estar ahí, a mis amigos del oficio por todo y a mis maestros por dar una parte de ellos.

La Feria se realizará del 16 al 25 de marzo de 2018, en el Expo-Parque Morelos, el cual se encuentra en Calle Río Bravo s/n, C.P. 38000, Celaya, Guanajuato. Se adjunta la dirección de la página oficial: www.cultura-celaya.com.mx La sede cuenta con la infraestructura para cumplir. Con todas las necesidades de los editores. Se trata de un conjunto cultural-urbano a dos cuadras del centro, con acceso peatonal o en auto (estacionamiento subterráneo integrado). El parque “hundido” fue parte del antiguo huerto de los franciscanos. La calle tiene paradero de camiones de transporte público y es punto de paso obligado hacia el Centro Histórico de la ciudad. CORDIALMENTE, COMITÉ ORGANIZADOR DE LA FERIA DEL LIBRO DE CELAYA 2018

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RICARDO

SANABRIA 64

Artista egresado de la Licenciatura en Artes Plásticas en la especialidad de Gráfica, por la Escuela de Bellas Artes de Toluca, su obra gráfica ha sido expuesta en México, Argentina Colombia, Cuba, Brasil, China, Estados Unidos, Taiwán. Actualmente coordina el Taller de Gráfica Rinoceronte Magenta, espacio orientado a la producción y promoción de la gráfica contemporánea.

En 2017 es seleccionado en la Tercera Bienal Internacional de Estampa José Guadalupe Posada y en la Tercera Bienal Cancún 2017 en gráfica y pintura. Ha sido invitado a desarrollar su producción plástica y a colaborar con diferentes espacios como son: • • • • • • • •

Taller la Huella Gráfica, Oaxaca Taller Experimental de gráfica de la Habana Centro Cultural la Curtiduría, Oaxaca Taller Antiguo Colegio Jesuita, Pátzcuaro Taller Ars Graphica, San Miguel de Allende Taller del Centro de las Artes de Guanajuato, Salamanca Cuenta con más de 30 exposiciones colectivas Desde 2010 se ha desempeñado en el área de la enseñanza del grabado y la pintura

¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte? En la infancia practicaba el dibujo como todos los niños, pasó la etapa de estudiante y cuando tuve que decidir a que me dedicaría toda mi vida pensé en algo que tuviera que ver con dibujar, aunque no fue inmediato ya que primero pase por ingeniería en sistemas pero mi verdadera vocación estaba en el arte, en el 2007 ingreso a una academia de pintura en donde descubrí que realmente tenia la posibilidad de dedicarme a ello y ya formalmente en 2008 comienzo mis estudios de la licenciatura en artes plásticas en la Escuela de Bellas Artes de Toluca.

¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre una superficie? Si, recuerdo que como todo estudiante los primeros ejercicios empecé con la incertidumbre de saber que pasaría el primer dibujo formal fue con carboncillo y pasteles, materiales que hasta la fecha incluyo en mi producción, pero no fue hasta que concluí mis estudios en donde realmente comencé a disfrutar plasmando lo que quería, sin prejuicios, ni pretensiones, un tanto divirtiéndome y jugando como hasta ahora.

¿Qué pintores han influido en tu vida, y quién te gusta de los actuales? En la medida que fui conociendo más autores me fui identificando mas con unos que con otros, y creo que se debe a la manera de realizar su trabajo por mencionar algunos, Francis Bacon, Picasso, Antonio Saura, Antoni Tapies, Jose Luis Cuevas, Rufino Tamayo, y mas reciente Alejandro Santiago y Roberto Fabelo.

¿Cómo se ha desarrollado tu trabajo? Algo complicado cuando estaba en la escuela fue ir encontrando mi camino, saber quien soy y que puedo hacer, comencé con la pintura pero me especialice en la gráfica y ahí fui desarrollando un concepto personal del dibujo que me ha permitido conocerme, con esa idea del dibujo parto para usar los materiales, por ello de repente estoy pintando e igual haciendo un dibujo de grandes dimensiones y en otros casos interviniendo objetos tridimensionales. ¿Cómo definirías tu estilo y qué buscas en la pintura? Analizando mi producción creo que he tenido diferentes momentos, en esa búsqueda y experimentación pero algo en común es que trato que mi trabajo sea expresivo, espontaneo que se sienta la intensión de los primeros trazos, que deje ver lo que hay debajo, que revele quien esta detrás de las pinturas o grabados que realizo.

¿Por qué escogiste pintura y no otra expresión artística? Actualmente estoy desarrollando una gran parte de mi producción en la pintura, a diferencia de la grafica la pintura me permite ser mas libre, combinar gran cantidad de materiales según mis necesidades de expresión, el color resulta un reto intelectual interesante y al final mi expresión es más inmediata.8

El arte, para ti, ¿tiene un fin en sí? Para mi el arte es muy importante en nuestra sociedad y por ello puede tener muchos fines, pero principalmente es que podemos ser mas humanos, mas sensibles y más libres, creo que en estos momentos es de las pocas cosas que nos pueden salvar del caos, del egoísmo y de ser devorado por esta sociedad tan llena de apariencias y de placeres superficiales. ¿Crees que la Galería importa mucho en una exposición? Me parece que las galerías son muy importantes ya que desarrollan un oficio diferente al de la creación, toman un lugar importante en la vida de un artista y nos permite producir mas libremente enfocados solo en lo nuestro. ¿Cuál ha sido la obra que más te ha marcado? El Guernica de Picasso y De mi producción personal la serie de “colosos” por la carga emotiva ¿Qué es lo que quieres transmitir con tus obras? Me gustaría que el espectador sienta algo al ver mi obra, que no sea indiferente, que esa carga emotiva e intelectual con la que hago mi trabajo le llegue a alguien y de algún modo es decirle a los demás quien soy, entonces que me conozcan.

¿Qué sigue para ti? Este año es importante para mi ya que se llevarán a cabo varias exposiciones individuales nacionales e internacionales de mi obra, estoy trabajando en ello, seguiré en la búsqueda y depuración de mi lenguaje plástico y otra de las cosas importantes en mi vida profesional es la enseñanza ya que me permite estar vigente y en contacto con las personas interesadas, este año se viene una tutoría en el Centro de las Artes de Guanajuato con duración de 9 meses ahí compartiré conocimientos técnicos de la litografía sin agua, con artistas y amigos.

¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura? Me ha tocado compartir mi experiencia artística algunas veces y una de las cosas que sugiero es que sean muy necios, apasionados y comprometidos con el arte, disciplinados y al mismo tiempo que jueguen y se diviertan en este mundo tan maravilloso. Agradecimientos: Agradezco a mi esposa Andrea por siempre estar.

La invención de la pasta, más cercana a como la conocemos hoy en día, se le atribuye a Escribonius Largus, médico romano, quién hizo una mezcla de vinagre, sal, miel y cristal. Y así es como da inicio la evolución de la pasta dental. Mientras que la creación del cepillo dental tiene menos antecedentes, sólo se conoce que los chinos usaban espinas de pescado o huesos. A esta línea histórica se agrega un ritual musulmán, en esta comunidad debían limpiarse los dientes antes de morir para que el espíritu se presentará totalmente limpio ante Alá. A su vez, en regiones del continente americano, los mayas acudían a cataplasmas de raíces y plantas, y en métodos más extremos usaban cenizas de iguana como tratamiento de caries.

¿CÓMO HA CAMBIADO EL CUIDADO BUCAL A TRAVÉS DEL TIEMPO? La mayor parte del tiempo interactuamos con otros. La comunicación es parte de nuestra vida diaria, y el habla es una de las herramientas que más utilizamos para la realización de esa acción. Por eso, la higiene bucal representa una de las preocupaciones principales para el ser humano. Pero, ¿cómo se originó esta inquietud por la limpieza bucal? Una de las primeras referencias que se tienen sobre la limpieza dental se remonta al siglo IV a.C., en un manuscrito egipcio se encontró una receta de pasta dental que contenía como ingredientes sal, pimienta, hojas de menta, flores, piedra pómez, cáscara de huevo, mirra y hasta uñas de buey. ¿Puedes creerlo? ¡El primer método para lavar los dientes era un engrudo con uñas de animal!

Hacia el año 550 a.C., los persas realizaban una mezcla de tinte y agua que aplicaban con un pincel sobre sus dientes y encías. Sin embargo, una de las prácticas más fuera de lo común era enjuagar la boca con orina. Aunque suene descabellado, los griegos, celtas y algunos pueblos germánicos recurrían a la orina para darle firmeza a los dientes. También, la orina más reconocida era la de los pueblos lusitanos que tenía fama de ser la más efectiva, ya que aseguraban que era el mejor remedio para evitar las caries. Sumado a esta práctica inusual está el uso de la leche materna como dentífrico.

En 1842 se incorporó un tipo de jabón a la pasta pero fue hasta 1873 cuando se produjo en masa el primer dentífrico moderno. El lanzamiento al mercado fue por parte de Colgate, era vendida en polvo y en un frasco de vidrio. Y en 1892, el doctor Washington Sheffield Wentworth fue el primero en utilizar la presentación actual de la pasta dental: en un tubo. Años más tarde, en 1896 Colgate adoptó el invento del Dr. Sheffield y envasó la pasta dental en tubos. En 1914, se realizó la fórmula correcta para el dentífrico fluorado. La receta actual de la pasta dental incluye fluoruro de sodio y triclosan (agente antibacteriano y fungicida). Tras esto, Colgate alcanzó exposición internacional. La publicidad de la marca era tan buena que los consumidores no se acercaban a comprar pasta de dientes, sino que pedían “Colgate”.

Actualmente, Colgate es una de las marcas más grandes a nivel mundial. Está presente en más de 200 países y es una fuente de empleo para casi 40 mil personas. Las ventas de Colgate Palmolive son de aproximadamente 15 mil millones de dólares; y se enfoca en cuatro negocios: cuidado oral, cuidado personal, cuidado en el hogar y nutrición de mascotas. Tiene una enorme cantidad de premios como ‘Mejor compañía para trabajar’, en Argentina; ‘America's Most Admired Companies’, por la Revista Fortune en Estados Unidos; ‘Mejores prácticas de recursos humanos’, en Brasil, etc. Además, es una de las empresas más reconocidas por sus programas de responsabilidad social.

Algunos de sus programas con mayor impacto y que reconocen a la marca como una empresa socialmente responsable son Colgate Sonrisas Brillantes, Futuros Brillantes ™ , el Programa de Reciclaje de Productos de Cuidado Oral y de Jabones. El primero tiene como objetivo promover buenos hábitos de salud bucal, fortalecer la autoestima de los niños y fijar las bases de un futuro mejor. Y el segundo tiene un enfoque medioambiental, en conjunto con TerraCycle se recolectan los residuos de cepillos de dientes, tubos de crema dental, cajas de cartón de la pasta dental y empaques de cepillos dentales. Este programa ha desviado más de 850 mil residuos de los vertederos e incineradores. El de jabones recolecta empaques de este tipo de producto y ha conseguido reciclar casi 490 mil unidades de este tipo de desecho. Ambos programas de reciclaje aceptan cualquier presentación y marca, lo que confirma un interés real de Colgate en formar un planeta más sustentable. La invención de la pasta dental representa uno de los hallazgos más importante en la historia de la salud porque ha contribuido en gran medida a la prevención de enfermedades. Además, con la participación de las marcas se ha logrado avances en otros ámbitos como en el desarrollo social y responsabilidad ambiental.