August 2018 | CP Magazine by Magazine & Business Woman

ÍNDICE

CONTENTS

Especial

04 10 12 18 Música

Jóvenes KAREN PAZAN Derechos

Arte Humanos

20 34 40 42

ALESSANDRA SEQUEIRA

Arte

FERNANDO RODRIGUEZ

Arte

LA FAMAX Música

JULITA LUCO Arte

48 50 56

RECICLAJE Terracycle

STARKA WILL CANO Arte MÚSICA

SANABRIA

SEPTEMBER AGAIN

RICARDO

GREBE Arte

Artista Visual y Diseñador Desde 1989 me dediqué a trabajar en Diseño gráfico, ilustración y dirección de arte publicitario. Trabajé en numerosas agencias de publicidad hasta 2005 como Director de Arte y Director Creativo en Agencias de Publicidad como McCann-Erickson, Publicis, DMB&B, y Lintas entre otras. He formado profesionales impartiendo clases de Dirección de Arte, Redacción creativa y Diseño en las carreras de Publicidad, Diseño y Comunicación Audiovisual en la Universidad.

Soy Socio fundador y director creativo de la consultora estratégica Wicom Consulting y actualmente me desempeño como director creativo de comunicaciones del depto. de marketing de la Universidad Andrés Bello. Como artista plástico he expuesto en numerosas muestras colectivas e individuales en Chile y algunas de mis obras se encuentran en colecciones particulares en Estados Unidos, Argentina y Chile. Mi trabajo ha sido publicado en España, Inglaterra y Chile.

¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte? Desde niño al ver a mi padre dibujar y pintar en pastel graso. Era un gran dibujante que nunca estudió, un autodidacta muy talentoso que de alguna manera me traspasó su talento y su gusto por hacer rayas sobre algún papel. Me gustaba dibujar aviones y caballos, era un entretenimiento tan atractivo e importante para mí como jugar futbol o tocar el timbre de los vecinos y correr. Luego en mis años de joven estudiante siempre estuve de la mano de los dibujos, historietas, comics, caricaturas, escribí poesía, hice teatro. El arte me rondaba como me rondaba mi vida cotidiana, siempre sentí que caminaba conmigo, por eso cuando decidí entrar a la facultad de bellas artes de la Universidad de Chile estaba de alguna manera formalizando una relación estrecha y natural con esa pulsión de hacer cosas, de crear mundos, de meterme en un universo propio y aprender técnicas para sacarlo fuera. Mi acercamiento al arte tuvo etapas de apegos y desapegos obligados y necesarios. Salí de la Universidad en tiempos de dictadura en mi país y en un clima que hacía muy difícil pensar que se podría vivir del arte. Así que me empleé en una agencia de Publicidad y ahí estuve por 25 años viviendo una vida de hombre casado con dos hijas maravillosas. Durante ese tiempo mi relación con la pintura fue de domingo y muy de vez en cuando.

Hasta el 2014 que retomé la pintura, me reencontré con artistas de verdad que hicieron su vida en torno al arte, tuve la enorme suerte de viajar a Europa y conocer a los maestros y sus obras. Entonces podría decirte que en todo este ir y venir ha habido desapegos temporales, pero jamás divorcios definitivos con el arte y las ganas de aprender más para seguir creando.

Contacto: guillermo.grebe@gmail.com Web site www.guillermogrebe.com

¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre una superficie? La verdad que no para serte sincero pues no creo que haya habido un primer deslumbramiento. Creo que me deslumbro a cada rato, siempre estoy atento a lo que me regala una buena conversación, un buen libro, una pintura, una poesía, una escultura, una película de cine o cualquier expresión artística o creativa que brota de esa pulsión de hombres y mujeres que se salen del rumbo de las cosas lógicas y esperables para crear algo nuevo. Pienso que siempre he estado en ese ejercicio o transito directo que empieza con el deslumbramiento y termina en un soporte determinado. Por tanto, se me hace difícil precisar un momento en específico. ¿Qué pintores han influido en tu vida, y quién te gusta de los actuales? Son muchísimos y muy variados entre sí. En la escuela de bellas artes estaba muy en boga la transvanguardia italiana y el neo expresionismo alemán. Para mi era natural ver el trabajo de pintores como Immendorff y Baszelitz o de Clemente y Chia. La propuesta conceptual de Beuys me hacía sentido desde la poesía contingente volcada en una forma, pero todo ese discurso siempre me pareció muy hermético y distante. Los artistas que me impactan son los clásicos: Rembrandt, Caravaggio, Velázquez, Tiziano, Delacroix, David eran tan importantes y presentes como Magritte, Gorki, Matta, Rausghenberg, Lichstenstein y Bacon. Últimamente me siguen asombrando artistas geniales como Courbet, Zurbarán, Corot, por nombrar algunos. Como ves, mi relación con los clásicos es bastante ecléctica y transversal. Pintores chilenos que me impresionan son Dávila y Lira. ¿Cómo definirías tu estilo y qué buscas en la pintura? Ecléctico, realismo incómodo, surrealismo, juguera de citas atemporales, serial painter killer, fotogramas al óleo, no lo sé, podemos buscarle un nombre o encerrarlo en alguna parte, pero eso serviría para hacerlo reconocible en algo académico y dejarlo estacionado allí. Personalmente me preocupo por hacer bien mi trabajo, lo mejor que pueda y sentir la libertad absoluta de descarrilarme cuando me haga sentido hacerlo. No busco nada en especial. La relación que tengo con mi pintura es aprender a navegar en la soledad del vacío que significa estar solo frente a una tela en blanco donde necesito expresar algo, contar una historia, un cuento que pueda ser leído con el corazón.

El arte, para ti, ¿tiene un fin en sí? Por supuesto, no sólo un fin como tal, tiene un proceso complejo con el proceso del arte en la existencia humana es esencial. Hablo de proceso porque el arte es un resultante del hacer, del crear, de inventar, de salirse del molde y de contar el mundo que ves y aquel otro invisible. ¡¡Es tremendo eso!! Lo que se esconde y revolotea en el espíritu insistiendo en salir es el arte. ¡¡¿Que más bello que eso?!! Tu frase favorita. La vida está en otra parte. ¿Crees que la Galería importa mucho en una exposición? Hoy exponer en galerías es importante pero no es lo único. Las galerías han ido migrando sus modelos de negocios a las plataformas on line porque son poco rentables mantenerlas, eso es por algo. Ser parte de una galería es distinto, ser artista de staff de una galería implica una relación profesional permanente con un mercado y en una relación asociativa con representante.

Eso es para mí la relación ideal para desarrollar un trabajo profesional y estable en el tiempo. Pero son muy pocos los artistas que tienen esa suerte. Lo que le sucede a la mayoría de los artistas es el síndrome de Diógenes con sus trabajos; acumulados en sus talleres o bodegas o canjeados o regalados para algún matrimonio. Es la realidad que no la cambian las exposiciones, aunque son importantes finalmente son reuniones sociales donde por suerte se vende algún cuadrito. Exponer es importante para sentar presencia con una propuesta de obra y construir un nombre como artista como se puede entender lógicamente, pero para mi exponer es conversar con un espectador que me cuente lo que le dice una pintura que está ahí frente a él o ella; finalmente el pintor es un acertijo que está dentro de su pintura y al que hay que descifrarlo al mismo tiempo. ¿Qué es lo que quieres transmitir con tus obras? Dialogo, conversación y una invitación a la exploración de deconstrucción de lo esperado. Finalmente, cada vez que estoy trabajando una pintura, un collage o fotomontajes digitales y técnicas mixtas, estoy pensando que es mi manera de hablarle al mundo de transmitir estados y de hacer un contacto con la impermanencia. Es bastante tremendo lo que pasa con todo eso.

¿Qué sigue para ti? Francamente no lo sé, sigo trabajando en lo mío explorando nuevos caminos y formatos. Últimamente he estado explorando otras variantes de la plástica, me interesan mucho el diseño de experiencias inmersivas, la relación entre arte y tecnología, tengo ahí un buen proyecto medio dormido que espero se haga realidad en algún momento con el apoyo financiero que requiere. Me gusta mucho escribir así que tengo mi blog donde comento sobre el trabajo de algunos artistas que me impactan. También he empezado a desarrollar proyectos con relatos multimediales que abarcan otras disciplinas del arte, además estoy muy involucrado en mi trabajo como director creativo en la universidad donde trabajo. En fin, el arte como te decía camina al lado y mi relación de desapego con el es bastante sana. Hoy estoy en una pausa de replanteamiento necesaria y ha sido una decisión bastante positiva y que me ha permitido abrirme a otras ideas y plataformas. ¿Quien sabe lo que se viene? Si lo supiera tampoco me lo diría a mi mismo. Me haría el que no lo sabe.

¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura? Que no dependan de nada más de lo que les nace hacer. Que estén conectados con el mundo que les toca habitar. Que no sean tímidos y que se atrevan a romper el muro del mercado y que por nada dependan de lo que le dicen que hagan los curadores. Y para terminar Parafrasearía a Violeta Parra, nuestra gran madre artista de Chile: “Tal vez les diría que escriban como quieran, que usen los ritmos que les salga, que prueben instrumentos diversos. Que se sienten en el piano y destruyan la métrica, que griten en vez de cantar, que soplen la guitarra que tañen la trompeta. Que odien las matemáticas y amen los remolinos… la creación es un pájaro sin plan de vuelo que jamás volará en línea recta”.

SEPTEMBER

Pierre Olivier POU (Spoox): Drums - John BELLEMON: Guitar - Pierre Marie CHAFFOTTE (PM): Guitar / Keys / Samples / Backing vocals - Loïc CHANUT (Low): Bass / Lead vocals.

September Again mixes trip-hop, stoner, post-rock, and electro essences to find a structure, a sense, a common vibration. And release them in a powerful and atmospheric epidermal rock music. The first album of the band, “Insomniac”, will finally be released on March 18, 2017. The band has also just released, on July 3rd 2018, a music video for their track “In Vitro”. The latter was filmed by Benjamin GOLETTO. Music video: https://www.youtube.com/watch?v=HNrfPujgfro&feature=y outu.be

On this release, Loïc CHANUT (bass, vocals) comments: “In Vitro is a very special song for us. In fact, it was the first song composed by the band. It really laid the foundations of our identity in the broad sense: we all came as we were, whole and generous. It was like cooking something with 4 foods with very distinct flavors. It seems like no one could have known if it would work or not. But that was kind of a revelation for us four. “We want to do that, we want to be that”. This song is from our debut LP “Insomniac”. It's an album that seems pretty compact, very dark, because it was written during a rather hard and lonely period for some of us. In fact, I think the album oscillates permanently, between this darkness and brighter passages, between clean and dirt. Maybe we are bipolar in the end... or worse.” You guys can also stream the band’s debut album, “Insomniac”, on Bandcamp: https://septemberagain.bandcamp.com/releases

THE FRENCH ROCKERS UNVEIL THEIR MUSIC VIDEO FOR SINGLE “IN VITRO”! 11

Título de obra: Vestema. Trabajo colaborativo con el fotógrafo Jorge Brantmayer. Materiales: Mapa de Latinoamérica. Elaboración Karen Pazán.

Karen

Pazan Karen Pazán artista visual, nació en Cuenca-Ecuador el 1975, estudió licenciatura en Artes Visuales y Educación. Universidad de Chile. Creadora de Beca Migrante, Museo Nacional de Bellas Artes en el 2015, Museo de la Solidaridad Salvador Allende 2016. Desarrollando metodologías, para proyectos cívicos comunitarios, para sectores menos favorecidos, como el ámbito de la migración y las mujeres. Directora de la I Bienal de Arte Contextual, Territorios Migrantes de Santiago. Ganadora del FONDECYT, del Fondo de Desarrollo y Cultura y las Artes, FNDR, FONDART y Fondos ProEcuador. Su obra hace parte de la Colección del Banco Mundial, Washington DC, Estados Unidos. Artista invitada a la II Bienal de Arte Pueblos del Sur en Resistencia de Venezuela, 2017. Museo Nacional de Bellas Artes en Chile 2017, Museo de Arte Moderno Chiloé 2012, con fondos de UNESCO, Museo de Arte Contemporáneo 2010.

karenpazan@gmail.com www.karenpazan.com +56956424816

¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte? Nací, con un bisabuelo, tallador de puertas barrocas de iglesia en Ecuador, se las puede ver en el cantón del Sig-Sig, un pueblo en el altiplano. En su casa, se respiraba la melancolía de sus herramientas. ¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcate sobre una superficie? Lo que recuerdo de la pintura, es la insatisfacción de no poder rodearla, fue con Continente 2004, donde descubrí, a través de patrones de costura del siglo XVIII, el volúmen. Y fue a partir de ahí mientras dibujaba objetos al azar, entre ellos el vestido y unas tazas, sobre la mesa, que nació Heme aquí en cuerpo y sin voz 2007, mi obra más surrealista. ¿Cómo se ha desarrollado tu trabajo? Lo híbrido, lo mestizo, el neobarroco, el pop, y las culturas Olmeca, Moche, Mixteca, Capulí, aunque estas no se consideran arte, porque estaban destinadas a otros fines, políticos y sagrados. Mi trabajo parte con el hecho de ser migrante, del choque cultural, y el preguntarme por la identidad en la obra de arte. A partir de ahí, el continente, la historia, y mi tesis sobre la globalización desde la colonización. ¿Cómo definirías tu estilo y qué buscas en la obra? La verdad, no me agrada el hecho de poner un título tan determinado como es un “estilo”, porque considero que cada obra, responde a unos conceptos que se quieren reflejar, Hábito de Memoria 2007 es pintura, fotografía y collage para yuxtaponer, dos nociones temporales: diacronía y sincronía, como técnica operacional, para generar esta suerte de imagen, de revista de moda. En Heme aquí en cuerpo y sin voz, 2009, si hay un lenguaje surrealista, donde el azar toma relevancia. Para reflejar la infancia, los modelos culturales patriarcales, en El Cuerpo de lo Sagrado 2018 es neobarroco, así no todas las obras manifiestan el mismo “estilo”, cada serie responde a los objetivos operacionales y teóricos de la misma. Continente 2004, quería reflejar elementos dominantes de una cultura sobre otra, a través de un vestido de papel del siglo XVIII; y dibujos del cronista peruano Huamán Poma de Ayala.

¿Por qué escogiste pintura y no otra expresión artística? Escogí el volumen y la instalación, porque es el cuerpo lo que está en juego, el cuerpo, el recorrido, el cuerpo como noción política, el ser mujer en una cultura patriarcal como la latinoamericana, el cuerpo como modelamiento social capitalista, el cuerpo como símbolo de las mezclas culturales. Por eso, el cuerpo en su volumen, me interesa como lugar político de luchas. El arte, para ti, ¿tiene un fin en sí? El artes, las expresiones artísticas y culturales, desde siempre, han tenido una relevancia enorme en todas las culturas, del pasado y del presente, es el único lugar en donde trabajamos los arquetipos humanos, desde el reflejo del inconsciente a lo real, de lo divino a lo pagano, de figurativo a lo conceptual, de lo sentimental a lo racional; es decir, todas las esferas humanas, son reflejadas en el arte. Como discurso político y como aporte concreto de mediación social. Tu frase favorita. Todos somos agentes cívicos de cambio, y cada uno desde su quehacer, puede aportar en la transformación de la sociedad.

¿Crees que la Galería importa mucho en una exposición? La verdad pienso que es irrelevante, para una propuesta, están las obra como obras, como objetos culturales, y las galería piensan un poco, en el modo de hacer del arte un producto, y hay una diferencia, entre los productos y las obras de arte, que son las encargadas de generar sentidos culturales.

¿Qué es lo que quieres transmitir con tus obras? Las ideas que están detrás de mis obras sobre todo Blanca Nieves. El Cuerpo de lo Sagrado, es pensar en un arte latinoamericano, desde procesos de mestizaje cultural. Pienso mucho en el ejemplo, de la cultura japonesa, tú reconoces en cada diseño, en cada obra su tradición ancestral que le imprime un sello a las obras contemporáneas. Me gusta esa idea, de generar una puesta en valor de las culturas originarias y generar obras contemporáneas, desde la complejidad de los procesos históricos. ¿Qué sigue para ti? Estoy en un punto de inicios, creo que llegué a culminar un proceso a nivel conceptual y matérico, que me abre hacía el deseo de nuevas investigaciones. En mi caso las obras reflejan mis estados personales, mi vida cotidiana. En este momento quiero concentrarme, en nuevos proyectos y en cerrar algunos como Blanca Nieves y los siete enanitos. Y lo que viene es la Bienal de Argentina, en Octubre de 2018. ¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura? A mis estudiantes de Poética de la Forma, les he enseñado a tener una metodología de investigación, que les permita transitar las operaciones semánticas, plásticas, entendiendo a fondo los significados y los significantes, como herramientas de trabajo. Y a analizar los procesos previos y posteriores, a la ejecución de proyectos, para poder sustentarse y ser libres. Les digo las palabras son las llaves que les abren puertas. Agradecimientos: Doy gracias a mis alumnos de Poética de la Forma, porque ellos me motivan a seguir creciendo como persona y como artista, a mi hijo Dante de siete años, por reflejar la infancia como el centro de mi vida.

Karen

Pazan 17

Jóvenes por los Derechos Humanos Guanajuato Objetivo general Jóvenes por los Derechos Humanos Guanajuato tiene como objetivo enseñar y dar a conocer el contenido de la Declaración Universal de los Derechos Humanos; de tal manera que las personas logren desarrollar nuevas actitudes y reconozcan la importancia de respetar los valores universales y se transformen en defensores de la tolerancia y la paz. Misión Jóvenes por los Derechos Humanos Guanajuato tiene la misión de enseñar a los jóvenes los contenidos de la Declaración Universal de los Derechos Humanos de las Naciones Unidas, e inspirarlos a convertirse en defensores valiosos de la tolerancia y la paz. Visión Fortalecer el respeto de los Derechos Humanos y las libertades fundamentales; así como, promover la comprensión, la tolerancia, la igualdad entre los individuos, para lograr una sociedad más democrática y mejorar la convivencia social. Valores Ética: En el actuar de los integrantes. Profesionalismo: En la vocación del servicio con sentido humanista. Legalidad: En el apego al marco jurídico Responsabilidad: En el cumplimiento del compromiso. Congruencia: Entre el decir y el actuar.

Jóvenes por los Derechos Humanos Guanajuato mx.youthforhumanrights.org

Acerca de Jóvenes por los Derechos humanos Internacional Jóvenes por Derechos Humanos Internacional fue creada para llevar la declaración Universal de los Derechos Humanos a la Juventud del mundo, fue fundada por Mary Shuttleworth, originaria de Sudáfrica; su viajar por el mundo la obligo a observar los abusos cometidos contra las personas de tal manera que decide trabajar para tratar de formar a las personas y educarlas en el respeto a los derechos humanos, para lo cual se han creado una serie de materiales educativos. YHRI fue fundada en la oficina de las Naciones Unidas en Ginebra durante la culminación de la maratón Europea de derechos Humanos en 2001. Tiene presencia mundial con más de 100 países miembros. Sus materiales educativos han sido reproducidos en los medios de comunicación más importantes del mundo y ha crecido haciendo alianzas y formando delegaciones en los países, quienes organizan grupos de trabajo para llevar a cabo la meta. YHRI es una organización sin fines de lucro que se ha dado a la tarea de reproducir la Declaración Universal de los Derechos Humanos de la ONU y llevarla a todos los lugares del mundo cumpliendo con uno de los objetivos que la misma en su preámbulo indica.

Contacto: alessandraseq@gmail.com tel + (506) 8835-2696

ALESSANDRA

SEQUEIRA

Una constante cósmica conocida como la "proporción aurea" se encuentra en las formas de las galaxias, tos sistemas biológicos, los huracanes e incluso en las neuronas. Ahora los científicos declaran que esta relación también se ve en la topología del espacio - tiempo, afectando al universo entero como un todo. También explican que este número se puede utilizar para vincular todo en el Universo, desde el espacio tiempo a la química y a la biología. Racionalmente, la artista costarricense Alessandra Sequeira, no lo sabía, pero su inconsciente lo tenía claro desde que inició en 2013, hasta el día de hoy, a través de sus dibujos a tinta, que evidentemente resuenan con el Universo.

Es una de las artistas actuales de Centroamérica con mejor posicionamiento internacional. En 2018 expusó en: Art Number 23 Chapter 1, Londres U.K. Galería de Bellas Artes Stricoff ArtBox Project New York, 34/71 Génesis Museo Municipal de Cartago Costa Rica. “Women in Art” en la galería Plaxall y la Galería Ward Nasse en Nueva York. Abstracción en la Galería de la Fundación Rosas Botrán, Guatemala. Transitarte San José, Costa Rica. Segundo lugar en Artson Galería, Estados Unidos. Arte en Mayo Fundación Rosas Botrán, Guatemala. Neomurales Museo Unis, Guatemala. Sumatorio Museo Histórico Cultual Juan Santamaría, Alajuela. Costa Rica. GZ-Basel, Suiza. Subasta Naranja Museo Nacional, Costa Rica.

Próximamente exposición en: Art3F Cannes Francia, Queen Art Gallery Studio Italia, ENVIRONMENTAL FOOD CHAIN– RE:ARTISTE International Art Organization at GALLERY MC’ NEW YORK, VALOARTE Costa Rica, SUMARTE El Salvador, Global Art Awards Dubaí, Exposición individual en Art Flow Gallery, San José, Costa Rica. Durante el mes de diciembre 2017, su obra es símbolo en “Red Black Other Worlds" en la galería 5th Base Gallery en Londres. El pasado diciembre exhibió en Red Dot Art Fair, Miami, con Jorge Jurado Art Studio, de Bogota, Colombia. Fue nominada para la Asociación de Coleccionistas de Arte del Medio Oriente por los Global Art Awards y seleccionada para exhibir en Braga Portugal en la "Exposición Barroca" en julio de 2017 y también en "I Segnaleti", en Berlín, Alemana. También expuso en la New York Art Expo en abril y en mayo fue galardonada con el premio durante la Bienal de Barcelona. También en abril de 2017 expuso en la galería de arte Laura Haber en Buenos Aires Argentina. En febrero, recibió el Premio Internacional Dante Alighieri que se presenta en la Biennale Peschiera Del Garda, en Verona, Italia. El Museo de Arte Contemporáneo MURB, en Guatemala, abrió un espacio dedicado a sus dibujos en enero 2017, y expuso en Labyrinths, en Palazzo Ca 'Zanardi, en Venecia y en lngravity, en Jorge Jurado Art Studio, Bogotá. Sus piezas fueron publicadas en The Berliner Art Book 2017 y en diciembre de 2016, expuso en Ward Nasse, New Yotk City y en Octubre de 2016 en OXÍGENO - IDENTIDADES FRAGMENTADAS I Bogotá 2016, en la Galería de Arte Jorge Jurado. Desde el año 2000 a la fecha, cuenta con innumerables exposiciones individuales y colectivas en todo el mundo. ¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte? Inicie mis estudios de artes gráficas en la Universidad de Costa Rica donde me enamoré de las artes plásticas. ¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre una superficie? Recuerdo que fue un momento catártico, espiritual donde logre conectarme y canalizar con mi yo interno, y donde por primera vez experimente una relación personal con Dios, en mi. Una meditación activa donde logre acallar la mente y conectarme con el corazón mas allá de mi historia.

ALESSANDRA SEQUEIRA LABERINTO TINTA ACRLICA SOBRE PAPEL STRADFORD 170 X 170 CM 2017

ALESSANDRA SEQUEIRA AKASHA TINTA ACRÍLICA SOBRE LIENZO 101 X 67 CM. 2016

¿Cómo se ha desarrollado tu trabajo? Mi trabajo se ha desarrollado de una forma muy orgánica comencé pintando por una necesidad de interpretar sueños que se me revelaban en imágenes en el proceso, cada vez que enmarcaba un cuadro se me presentaban oportunidades para exponer y vender hasta irme haciendo un nombre a nivel nacional e internacional luego con agradecimiento recibí oportunidad de representaciones a nivel internacional y oportunidades de exponer en museos y galerías alrededor del mundo, como en Letonia, Dubai, Europa y Centroamérica entre otras.

¿Cómo definirías tu estilo y qué buscas en la pintura? ¿Mi estilo? Si hay algo constante en mi es el cambio. A través del arte experimento la posibilidad de observarme de diferentes aspectos cada búsqueda con su propio estilo y técnica. Pero es desde hace cinco años atrás estoy constantemente trabajando en tinta china y tinta acrílica como técnica. Mi arte es onírico lo que quiere decir que se trata de interpretaciones de sueños pero dentro del mercado actual es considerado conceptual / contemporáneo. Mi búsqueda se remonta a la intención del arte en el Paleolítico donde el arte no solo reunían a las comunidades para comunicarse entre si, sino además donde sanaban en colectivo. ¿Por qué escogiste pintura y no otra expresión artística? Creo que la pintura y el dibujo me escogieron a mi. Ambos en mi caso se convierten en el andamiaje donde el espíritu se expresa más alllá de la mente de una forma fluida.

El arte, para ti, ¿tiene un fin en sí? El arte para mi tiene una responsabilidad de comunicar de ayudar al espectador a reflexionar a ''despertar'' a incomodar y a transformar su forma de pensar, ser y observar el mundo. ¿Qué es lo que quieres transmitir con tus obras? Mis obras buscan una conversación con nuestro ''yo interno''. Una reflexión profunda de nuestra misión como colectivo, buscando sensibilizar al Ser. ¿Qué sigue para ti? Siguen mucho proyectos de responsabilidad y conciencia social. Llevar el arte de las galerías a experiencias comunitarias. Poner al acceso de todos las experiencias de Arte Relacional para crear espacio de reflexión colectiva y continuar fluyendo con mis exposiciones internacionalmente. ¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura? Les aconsejaría que traten de ser honestos con sus propios procesos internos, para que así se manifiesten con huella única en el mundo del arte, y que se mantengan humildes en el trayecto que colaboren que gradezcan y que brinden oportunidades a otros para aprender de nuestras propias experiencias Agradecimientos: Agradezco ante todo a Dios por el don en mi que me ayuda constantemente a observarme y trabajarme y a mi familia por tanto amor.

ALESSANDRA SEQUEIRA COMETA HOLMES TINTA ACRLICA SOBRE PAPEL STRADFORD 107 X 107 CM 2017

ALESSANDRA_SEQUEIRA ENTRELAZAMIENTO MULTIPLE TINTA ACRLICA SOBRE PAPEL STRADFORD 140_X_96CM 2017

ALESSANDRA SEQUEIRA VENTANA AL INFINITO TINTA ACRLICA SOBRE PAPEL STRADFORD 105 X 107 CM. 2017.

ALESSANDRA SEQUEIRA SUEÑOS EN SEPIA TINTA ACRLICA SOBRE PAPEL STRADFORD 126 X 107 CM. 2017.

MEDINA

SANABRIA

RICARDO Facebook: Ricardo Sanabria Medina Instagram: #ricardosanabriam artesanabria@hotmail.com

RICARDO SANABRIA MEDINA (Toluca, México, 1983). Artista egresado de la Licenciatura en Artes Plásticas en la especialidad de Gráfica, por la Escuela de Bellas Artes de Toluca, su obra gráfica ha sido expuesta en México, Argentina Colombia, Cuba, Brasil, China, Estados Unidos, Taiwán. Actualmente coordina el Taller de Gráfica Rinoceronte Magenta, espacio orientado a la producción y promoción de la gráfica contemporánea. En 2017 es seleccionado en la Tercera Bienal Internacional de Estampa José Guadalupe Posada y en la Tercera Bienal Cancún 2017 en gráfica y pintura. Ha sido invitado a desarrollar su producción plástica y a colaborar con diferentes espacios como son: • • • • • •

Taller la Huella Gráfica, Oaxaca Taller Experimental de gráfica de la Habana Centro Cultural la Curtiduría, Oaxaca Taller Antiguo Colegio Jesuita, Pátzcuaro Taller Ars Graphica, San Miguel de Allende Taller del Centro de las Artes de Guanajuato, Salamanca

Cuenta con más de 30 exposiciones colectivas y desde el 2010 se ha desempeñado en el área de la enseñanza del grabado y la pintura. ¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte? En la infancia practicaba el dibujo como todos los niños, pasó la etapa de estudiante y cuando tuve que decidir a que me dedicaría toda mi vida pensé en algo que tuviera que ver con dibujar, aunque no fue inmediato ya que primero pase por ingeniería en sistemas pero mi verdadera vocación estaba en el arte, en el 2007 ingreso a una academia de pintura en donde descubrí que realmente tenia la posibilidad de dedicarme a ello y ya formalmente en 2008 comienzo mis estudios de la licenciatura en artes plásticas en la Escuela de Bellas Artes de Toluca. ¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre una superficie? Si, recuerdo que como todo estudiante los primeros ejercicios empecé con la incertidumbre de saber que pasaría el primer dibujo formal fue con carboncillo y pasteles, materiales que hasta la fecha incluyo en mi producción, pero no fue hasta que concluí mis estudios en donde realmente comencé a disfrutar plasmando lo que quería, sin prejuicios, ni pretensiones, un tanto divirtiéndome y jugando como hasta ahora.

¿Qué pintores han influido en tu vida, y quién te gusta de los actuales? En la medida que fui conociendo mas autores me fui identificando mas con unos que con otros, y creo que se debe a la manera de realizar su trabajo por mencionar algunos, Francis Bacon, Picasso, Antonio Saura, Antoni Tapies, Jose Luis Cuevas, Rufino Tamayo, y mas reciente Alejandro Santiago y Roberto Fabelo. ¿Cómo se ha desarrollado tu trabajo? Algo complicado cuando estaba en la escuela fue ir encontrando mi camino, saber quien soy y que puedo hacer, comencé con la pintura pero me especialice en la gráfica y ahí fui desarrollando un concepto personal del dibujo que me ha permitido conocerme, con esa idea del dibujo parto para usar los materiales, por ello de repente estoy pintando e igual haciendo un dibujo de grandes dimensiones y en otros casos interviniendo objetos tridimensionales.

¿Cómo definirías tu estilo y qué buscas en la pintura? Analizando mi producción creo que he tenido diferentes momentos, en esa búsqueda y experimentación pero algo en común es que trato que mi trabajo sea expresivo, espontaneo que se sienta la intensión de los primeros trazos, que deje ver lo que hay debajo, que revele quien esta detrás de las pinturas o grabados que realizo. ¿Por qué escogiste pintura y no otra expresión artística? Actualmente estoy desarrollando una gran parte de mi producción en la pintura, a diferencia de la grafica la pintura me permite ser mas libre, combinar gran cantidad de materiales según mis necesidades de expresión, el color resulta un reto intelectual interesante y al final mi expresión es mas inmediata.

El arte, para ti, ¿tiene un fin en sí? Para mi el arte es muy importante en nuestra sociedad y por ello puede tener muchos fines, pero principalmente es que podemos ser mas humanos, mas sensibles y más libres, creo que en estos momentos es de las pocas cosas que nos pueden salvar del caos, del egoísmo y de ser devorado por esta sociedad tan llena de apariencias y de placeres superficiales. ¿Crees que la Galería importa mucho en una exposición? Me parece que las galerías son muy importantes ya que desarrollan un oficio diferente al de la creación, toman un lugar importante en la vida de un artista y nos permite producir mas libremente enfocados solo en lo nuestro.

¿Cuál ha sido la obra que más te ha marcado? El Guernica de Picasso y De mi producción personal la serie de “colosos” por la carga emotiva ¿Qué es lo que quieres transmitir con tus obras? Me gustaría que el espectador sienta algo al ver mi obra, que no sea indiferente, que esa carga emotiva e intelectual con la que hago mi trabajo le llegue a alguien y de algún modo es decirle a los demás quien soy, entonces que me conozcan. ¿Qué sigue para ti? Este año es importante para mi ya que se llevarán a cabo varias exposiciones individuales nacionales e internacionales de mi obra, estoy trabajando en ello, seguiré en la búsqueda y depuración de mi lenguaje plástico y otra de las cosas importantes en mi vida profesional es la enseñanza ya que me permite estar vigente y en contacto con las personas interesadas, este año se viene una tutoría en el Centro de las Artes de Guanajuato con duración de 9 meses ahí compartiré conocimientos técnicos de la litografía sin agua, con artistas y amigos. ¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura? Me ha tocado compartir mi experiencia artística algunas veces y una de las cosas que sugiero es que sean muy necios, apasionados y comprometidos con el arte, disciplinados y al mismo tiempo que jueguen y se diviertan en este mundo tan maravilloso. Agradecimientos: Agradezco a mi esposa Andrea por siempre estar.

“AMOR PLUTÓNICO” 2018 ÓLEO SOBRE LIENZO TONDO 100 CM DE DIÁMETRO

Correo: scingulata13@gmail.com

Fernando Rodríguez Durán AKA NANO SFERA Soy originario de Madrid, donde nací en 1975. Estudié la carrera de astrofísica en la Universidad Complutense de Madrid y tuve el privilegio de trabajar durante cerca de una década colaborando en diversos proyectos de la Agencia Espacial Europea. En 2010 dejé el campo de la astronomía profesional y me concentré plenamente en mi búsqueda artística, que venía desarrollando de manera más o menos autodidacta desde 1998. En 2013 me trasladé a Ciudad de México donde establecí mi residencia en 2014. Como parte de mi trayectoria pictórica he expuesto en diversos países europeos como España, Portugal, Italia, Suecia y Lituania. En el ámbito mexicano he sido miembro del Jardín del Arte AC y he expuesto en diversas galerías de Ciudad de México. Así mismo he publicado algunas ilustraciones en la revista “Domingo” del periódico “El Universal” y en el portal de noticias vice.com. Actualmente compagino mi labor artística con la administración de la asociación civil periodística “Ojos de perro vs la Impunidad AC” y soy asesor científico en el podcast de cine "Notedije de qué hablamos en el último podcast". Para mi un cuadro siempre implica un proceso de descubrimiento. Suelo comenzar con un dibujo preliminar como punto de partida. A partir de ahí el proceso es esencialmente creativo. Según voy pintando introduzco y elimino elementos y altero la composición inicial de acuerdo a las necesidades de la obra y a un cierto juego de intuiciones e ideas. Pinto y vuelvo a pintar. En general doy por terminada la pintura cuando presenta una "ecología equilibrada" entre sus elementos. ¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre una superficie? Fue poco antes de terminar mis estudios universitarios en Ciencias Físicas. La física, las matemáticas y la disciplina de estudio no podían satisfacer mi necesidad de creatividad y expresividad. Así que de manera natural empecé a probar otras posibilidades. Empecé con la poesía, pero no acabé de encontrarme. Sin embargo, por ahí entré en contacto con la poesía visual y eso me condujo de nuevo al dibujo. Después de tantos años volví a comprar un block y unos lápices y dibujé la vista desde mi ventana. Fue fantástico.

“VENUS MUERTA” ÓLEO SOBRE LIENZO TONDO 100 CM DE DIÁMETRO 2017

¿Cómo definirías tu estilo y qué buscas en la pintura? Soy esencialmente figurativo y busco encontrar vislumbres de una realidad que cada día se hace más compleja. Verdaderamente la realidad ya no es lo que era. Y a eso ha contribuido decisivamente el conocimiento científico. Por eso juego con las escalas y la perspectiva alejándome de las convenciones tradicionales. ¿Por qué escogiste pintura y no otra expresión artística? No sabría dar una razón concreta. De hecho recuerdo que de niño me gustaba más modelar figuras en barro. Mis dinosaurios de arcilla causaban sensación en clase. Sin embargo, muy rápidamente me decanté por el dibujo y luego por la pintura. Seguramente en ello tuvo mucho que ver la posibilidad de poder dibujar en cualquier parte cosa que no era posible hacer con la plastilina ni con el barro...

¿Qué pintores han influido en tu vida, y quién te gusta de los actuales? Infinidad de ellos. El Bosco. Vittore Carpaccio. Muchos del Renacimiento italiano. Las composiciones asombrosas del Greco. Los barrocos: Caravaggio, Vermeer, Velázquez … William Blake. Goya y especialmente sus pinturas negras. Los surrealistas: Dalí, Magritte, Tanguy, Ernst... ¿Mexicanos? Dr. Atl, Remedios Varo, Diego Rivera, Siqueiros. De los contemporáneos: Francis Bacon, Lucian Freud, Zdzislaw Beksinski, Alex Kanevsky, Chesley Bonestell, Adolf Schaller, ...

¿Cómo se ha desarrollado tu trabajo? Esto es una búsqueda constante y sin descanso, en la que es muy importante darle espacio al juego y a la experimentación. No hay nada obligatorio ni prohibido, todo depende del talante de uno. Cuando empecé todo me fascinaba y me arrastraba. A cada rato creía haber encontrado una línea de trabajo definitiva. Sin embargo, un nuevo hallazgo o enfoque lo trastocaba todo y abría nuevas posibilidades. Todo se deshacía y se volvía a hacer. De este modo fui poco a poco enriqueciéndome y encontrando lo que realmente me interesaba. Entre todas esas tentativas y sin ser muy consciente de ello planté la semilla de lo que hoy por hoy es mi estilo y mi línea principal de trabajo.

"GRAVITACIONAL" 2015 ÓLEO SOBRE LIENZO Y PERCHA TONDO 50CM DE DIÁMETRO

Tu frase favorita. Uy, tengo muchas. Aquella atribuida al físico Albert Einstein: “ La imaginación es más importante que el conocimiento”. O aquella otra del mirmecólogo Edward O. Wilson: “El amor a la complejidad sin reduccionismo produce arte; el amor a la complejidad con reduccionismo produce ciencia.” Y no me resisto a mencionar una cita de la novela “El restaurante del fin del mundo” de Douglas Adams: “Hay una teoría que afirma que si alguien descubriera lo que es exactamente el Universo y el porqué de su existencia, desaparecería al instante y sería sustituido por algo aún más extraño e inexplicable. Hay otra teoría que afirma que eso ya ha ocurrido.”

“VACA MARTE LUZ” 2017 ÓLEO SOBRE TABLAS TONDO 78 CM DE DIÁMETRO

¿Crees que la Galería importa mucho en una exposición? Como plataforma intermediaria entre el artista y el público, creo que la galería debería jugar un papel fundamental para que la obra llegue a conocerse. Otra cosa diferente es si la galería debe ser un lugar exclusivo reservado solo a unos pocos. Creo que no, que debe estar abierta a todo el mundo, porque no debe ser solo un punto de venta sino un centro de difusión y divulgación. ¿Qué es lo que quieres transmitir con tus obras? Una cierta fascinación por el universo, la naturaleza, nuestro planeta, que se conocen cada vez mejor pero de los que, paradójicamente, cada vez estamos más desconectados. Algo así como el destello de una realidad mucho mayor de la que normalmente consideramos.

¿Qué sigue para ti? Seguir trabajando. Seguir aprendiendo. Seguir creciendo como persona y como artista. Seguir en la búsqueda y promover mi trabajo en diversos espacios y plataformas.

¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura? Si lo tienen claro, paciencia, perseverancia y resiliencia.

“RUIDO LUNA LUZ” 2017 ÓLEO SOBRE TABLAS TONDO 78 CM DE DIÁMETRO

Agradecimientos: Para empezar agradecer a CP Magazine por invitarme a participar. Más allá de esto, le estoy agradecido a muchas, muchas personas, más de las que puedo enumerar aquí. Sin embargo si hay algunas especialmente destacadas. A mis padres por las oportunidades que me dieron. A mi hermano Eduardo que además de ser artista también es inspiración para mi. A mi mujer Karla por aguantarme, comprenderme y apoyarme incondicionalmente. A Cristian Avilés por sus lecciones artísticas. A mis grandes amigos Jesús Salgado y Jaime Quintana por la amistad, el apoyo y la inspiración.

THE INVINCIBLE FRENCH RAPPER UNVEILS HIS FIRST ALBUM LA FAMAX is first of all the story of a buzz on the web in 2016, with the singles “T En Love” (12 million views) and “J'veux M'en Aller” (11 million views). Over time, the artist had to face many obstacles (pirated YouTube channel, canceled singles releases...). But LA FAMAX has made the choice to take advantage of all the obstacles encountered and to build himself a carapace. He surrounds himself with new teams and recreates his project. This is how the LA FAMAX RECORDS is born, a label, his label. A collective in which he unites with his brothers of the district, around the same passion: the music, all animated by the same determination and desire to succeed, to make everything "by themselves". And here's the proof! LA FAMAX's debut album, “Ô FEELING”, is available on all streaming platforms since June 27th and physically since July 13th 2018. This debut album offers 14 tracks (2 YouTube bonus) and is a summary of those past years, strewn with pitfalls, that have written the lines of his history.

www.julitaluco.com Instagram @julitaluco

JULITA

LUCO ARTISTA VISUAL CHILENA

Una manera de vivir, de transmitir y expresar alegría. Eso es pintar para Julita Luco. Su obra está revestida de gran fuerza emocional. Son sus vivencias. Su pintura es luminosa, intensa, explosiva, intuitiva, suelta y alegre, siendo una particularidad visual de su trabajo el gran manejo del color. Ese optimismo frente a la vida impregna su obra de luz, manchas, agua y color, que están al servicio de esa energía vital que la caracteriza. Su época inicial de artista soñadora se ve reflejada en botes llenos de colores. Luego transmutó a la representación de plazas, parques, organilleros y árboles. De ahí saltó a la ciudad, en lo que ha estado trabajando los últimos años, en la sensación de estar dentro de ella, sus movimientos, colores y luces, imágenes e información, personas y velocidad, es la ciudad activa y explosiva. Es un trabajo en técnica mixta, un trabajo experimental sobre soportes que aportan y expresan la sensación de estar en medio de la calle, en medio de la gran ciudad en el sentido de placer y vida de habitar la urbe. Donde sobre todo este ruido e información aparecen las distintas situaciones, personajes, flashes de la ciudad sobre la tela. Imágenes sobre imágenes, que se ven y no se ven. Ha participado en varias exposiciones tanto individuales como colectivas en Chile y el extranjero, entre las que destacan: Eduardo Lira, Art Gallery (Santiago, Chile 2018), Art Market San Francisco (United States 2018), Aqua Art Miami (United States 2017, 2016), Art Fair Málaga (España 2017), Art Wynwood (United States 2017), Art Stgo (Chile 2017), Palacio La Moneda (Chile 2014), Feria de Arte FAXXI (Chile, 2011), Galería La Sala (Chile 2010). Participó de los proyectos: pintando habitación en Hotel Casa Puente, Valparaíso (Chile 2017), Pintando en Rapa Nui, Isla de Pascua, trabajando con niños, adolescentes y adultos Rapa Nui (Chile), “Bancas pintadas” y “Caballos de colores” (Chile),“TransformArte”, Chilenter, creando una obra con residuos tecnológicos, entre otros.

CIUDAD EN MOVIMIENTO ACRÍLICO SOBRE PAPEL

¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte? Toda mi vida me han atraído los colores y siempre quise estar rodeada de ellos. Estudié y me recibí de diseñadora gráfica. Inicié mis estudios de pintura en 1997, en talleres de reconocidos artistas chilenos, al principio un poco temerosa y sin saber si lo lograría, pero rápidamente me di cuenta que me fascinaba, de ahí nunca más paré y se convirtió en mi gran pasión y profesión.

¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre una superficie? Partí más tímida, con una casita de campo, luego paisajes, playas, etc, todos trabajado con pincel y óleo, pero después de un tiempo sentí que algo dentro de mí quería quería expresarse como nunca en colores y partieron los dripping, los chorreos y las expresiones viscerales y mágicas en colores. Comienzo a trabajar con pigmentos, acrílicos y agua. Etapa en que empiezo a soltarme y a aparecer yo. Mucha mancha, intensos colores, aguadas, uno que otro brochazo, gestos, pintura chorreada, movimientos, etc. Cada día y cada obra, una sorpresa y un descubrir….

¿Qué pintores han influido en tu vida, y quién te gusta de los actuales? Monet y sus Nenúfares me encantan, como también Turner, conocido como el pintor de la luz.

¿Por qué escogiste pintura y no otra expresión artística? La pintura me permite crear y expresarme libremente, casi sin límites, me fascina el proceso, las etapas mágicas dentro de este, el comportamiento de la pintura el agua, el secado, el factor sorpresa

¿Cómo se ha desarrollado tu trabajo? Mi pintura ha ido de la mano con mi vida, sin darme cuenta cada etapa de mi vida está reflejada en las temáticas de mis obras a lo largo de los años, con la etapa que he ido viviendo. Por lo que las temáticas han ido cambiando, pero lo que siempre se mantiene es la fuerza y el color en mis obras. El color es algo que va dentro de mí.

El arte, para ti, ¿tiene un fin en sí? El arte para mí es expresión, comunicación, muchas veces es un espejo del creador. Creo que cada persona le ve un fin distinto y muy personal, algunos quieren solo expresarse, otros quieren reacción, otros comunicarse, etc. El arte alegra la vida, es la belleza llevada a las casas y espacios públicos.

¿Cómo definirías tu estilo? Un estilo libre, suelto, espontáneo, expresivo, luminoso, alegre, con mucha fuerza emocional, donde el color rico y vibrante tiene un gran protagonismo.

Tu frase favorita. Mi frase que me hace soñar sin parar, levantarme y el querer sorprenderme cada día es una que siempre ha sido la frase de mi vida…”Quiero vivir en colores….” Esto quiere decir, gozar cada momento, cada encuentro. Verle los colores lindos y luminosos a cada situación y no quedarse con lo malo y triste.

CONEXIÓN AL COLOR TÉCNICA MIXTA SOBRE TELA

EN MOVIMIENTO TÉCNICA MIXTA SOBRE TELA

LUCES Y MOVIMIENTO TÉCNICA MIXTA SOBRE TELA

¿Crees que la Galería importa mucho en una exposición? El arte se puede comunicar y acercar a la gente por distintos medios, en la calle, espacios públicos, etc. Las galerías son un medio más para poder exponer las obras y llevar el arte a la gente y una buena galería trabaja en conjunto con el artista , donde el artista puede estar dedicado a crear y la galería a cargo de las comunicaciones y gestiones para lograr una exitosa exposición y con gran visibilidad al público en general. ¿Qué es lo que quieres transmitir con tus obras? En cada obra que pinto, va una parte de mí, de mi mundo soñador, alegre, que me encanta gozar y sorprenderme cada día. Ojalá logre transmitir algo de esa energía positiva.

¿Qué sigue para ti? Seguir pintando sin parar que es lo que me apasiona. Tengo varios proyectos para los próximos meses de participar en distintas exposiciones y ferias de arte en Europa y Estados Unidos. Como también en mi país, Chile. ¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura? Que lo más importante son las ganas, la constancia, el trabajo. Que no paren nunca de soñar y de hacer lo que les gusta. Agradecimientos A poder vivir la vida en colores, gozar, pintar y conocer gente maravillosa.

MOVIMIENTO GLOBAL

TerraCycle ha logrado desviar 4,104,054,370 desechos de los vertederos y donar $21,554,508 dólares a diferentes causas sociales alrededor del mundo. Desde sus inicios TerraCycle ha buscado eliminar la idea de la basura ®. Con presencia en 21 países TerraCycle ha logrado instaurar programas de reciclaje que diversifican la gama de posibilidades.Gracias a sus socios y a la cultura ecológica de diferentes países se ha conseguido impulsar el reciclaje de materiales sumamente interesantes. ¿Quieres conocer los Programas de TerraCycle alrededor del mundo? Aquí te dejamos algunos ejemplos de estas iniciativas:

Francia & España-Programa de Reciclaje de Instrumentos de Escritura En Francia y España, la marca BIC se ha unido a TerraCycle para poner en marcha el programa nacional de reciclaje de instrumentos de escritura. Este programa ha tenido una especial participación de los estudiantes, cuyas escuelas forman parte del reto “EcoEscuela”. "Estamos muy felices de participar en la recolección de instrumentos de escritura", dice Delphine Guiheneuf, de la Asociación Francesa de Padres de Alumnos de Enseñanza Libre. “Los estudiantes están muy involucrados. Esta es una buena forma de concientizar sobre los problemas relacionados con el desperdicio y la importancia del reciclaje”. El material reciclado de esta innovadora campaña, es transformado en mobiliario para exteriores. De esta forma, 4 800 plumas permiten fabricar un banco y 11 200 plumas, una mesa.

Canadá- Programa de Reciclaje de Colillas de Cigarros Si eres fumador, ten cuidado con lo que haces con tus colillas. Según algunas fuentes, las colillas de cigarrillos son el mayor problema de basura en el mundo. Los filtros de cigarrillos no son biodegradables y contienen varios productos químicos nocivos para el medio ambiente y la vida marina. TerraCycle Canadá ha logrado desviar más de 100 millones de colillas de cigarro junto con otros residuos provenientes de los mismos. Brasil - Programa de Reciclaje de Envolturas de Pañales y Cuidado Femenino Con el fin de fomentar la conciencia ambiental en consumidores de todo Brasil, las marcas Pampers y Always de P&G se unieron a TerraCycle para crear un programa de reciclaje de envolturas de pañales y cuidado femenino. Este programa con tan solo 2 meses de recolecciones ha recibido más de 8,000 unidades, una excelente noticia para residuos que hasta el día de hoy no tenían una solución.

China- Programa de Reciclaje de Productos de Cuidado Bucal TerraCycle China en conjunto con Colgate han logrado lanzar una campaña de activación en tiendas del minorista RT-Mart localizada Shanghái, colocando 100 cajas recolectoras que ayudarán a la correcta disposición de los residuos de la gama de cuidado bucal. En México el mismo programa ha logrado desviar más de 1 millón de residuos. UK- Programa de Reciclaje de Aromatizantes Motivar a los más pequeños a reciclar es una tarea muy importante, por lo que la marca de aerosoles Febreze, TerraCycle y las tiendas Tesco se asociaron para brindar a las escuelas del Reino Unido la oportunidad de ganar una estación de juegos hecha de plástico reciclado. Se animó a los miembros de la comunidad a participar y ayudar a las escuelas locales a ganar votando por su escuela favorita en una competencia nacional. La escuela ganadora fue la Primaria Wooler cuyos alumnos participaron de manera impresionante y entusiasta para alentar los votos locales y la estación de juegos fue instalada el pasado Mayo. Luego del éxito de este concurso, P&G decidió lanzar una nueva edición para las escuelas que participen en su Programa de Reciclaje de Aromatizantes y Productos de Limpieza. Australia- Programa de Reciclaje Cápsulas de Café Nespresso se ha unido a TerraCycle para brindar una segunda vida a las cápsulas de café usadas a través del Programa de Reciclaje de Cápsulas de Café Nespresso. Las cápsulas se trituran y funden y se convierten en nuevos productos de aluminio. El café residual se separa y se convierte en composta. Las cápsulas se pueden llevar a cualquier punto de recolección del país, los cuales aumentan todos los días para facilitar la participación de todos los consumidores.

STARKA ARTISTA VISUAL

¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte? Desde niña como todo niño en todas partes del mundo ,dibujando en el colegio. Luego mi mejor amiga me invitó a una actividad extraprogramática dentro del mismo colegio por las tardes, me acuerdo que tenía como 8 años y pintamos un mural, con andamio y todo, lamentablemente con el tiempo borraron el mural porque pintaron todo el colegio Luego las clases de arte en el colegio fueron un deleite para mí, la verdad es que no sabía que iba a ser artista visual. Al salir del colegio entré a estudiar Ingeniería Comercial, no fue lo mío jaja decidí entrar a dibujo gráfico ,y cuando estaba finalizando la carrera mi hermana por casualidad me invitó a tomar clases de pintura con un artista famoso en Chile, cuando llegué a su estudio fue amor a primera vista¡!!!!! En ese momento decidí que sería artista para toda mi vida y otras vidas !!!! jajaja

¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre una superficie? La verdad recuerdo el mural con mucho cariño, pero la primera vez no lo recuerdo ya que siempre dibujé y pinté ,en los cuadernos, en los libros, en las paredes en todas partes jajaja. Lo que si recuerdo es que después de ser pintor estuve en clases de figura humana en la Universidad católica y di un salto cuántico al taller de la maestra y gran artista chilena Carmen Silva, tuve mi entrevista he inicié con ella ,mi primer cuadro aún lo conservo, aunque está en muy mal estado ,tiene mucho pigmento y gesso y está descascarándose. Pero fue mi primer cuadro con figura humana ,un cuadro muy poco convencional y muy creativo.

¿Qué pintores han influido en tu vida, y quién te gusta de los actuales? Mi número uno Picasso su época azul y rosa, Frida Kahlo con su mundo interior, Leonardo por su dibujo y sus transparencias, René Magritte. De los pintores chilenos actuales me gustan mucho Hernán Valdovinos y Mario Toral. ¿Cómo se ha desarrollado tu trabajo? Camino espiritual y de conciencia es lo que me da la pauta hace 5 años para plasmar mis obras, todas las culturas de iniciación como los sumerios, los egipcios, los incas, mayas ,mapuches y la kabalah. ¿Cómo definirías tu estilo? Mi estilo es realismo mágico y mejor aún conciencia mágica!!!!el arte es una herramienta para modificar mi realidad ,expreso los cambios que deseo manifestar en mi realidad. Es un proceso muy místico ya que tengo una idea pero voy canalizando el tema y sus colores, siempre es una sorpresa al finalizar la obra. ¿Por qué escogiste pintura y no otra expresión artística? Inicié con dibujo, luego pintura, después escultura, grabado y volví a la pintura, creo que la pintura me eligió a mi. Retorné al origen.

El arte, para ti, ¿tiene un fin en sí? si ,el primero el placer de pintar, luego crear y manifestar realidad propia es una herramienta muy poderosa para manifestar, en la antiguedad los pueblos originarios pintaban a los animales que deseaban cazar. <<asi lo entiendo ,danzar ,cantar y pintar para manifestar.

Tu frase favorita. Generar, obtener, plasmar y recibir. ¿Cuál ha sido la obra que más te ha marcado? más que la obra existe un antes y un después el 2011 cuando mi hijo sufrió un cáncer en la espalda y metástasis en los pulmones y encontré un mundo espiritual. Comencé a estudiar y encontrar muchos casos de sanación, y después de tres años de quimioterapia mi hijo sanó contra todas las posibilidades y encontré la magia ,para ser más exacta los 11 pasos de la magia con José Luis Parise, y estudié con él por tres años, es un método de 11 pasos para generar realidad propia. Desde ahí toda mi obra cambió, y mi existencia también sigo estudiando y aplicando este método maravilloso por mi propia cuenta.

¿Qué sigue para ti? En estos momentos abrí puertas para todo lo que estoy imaginando ,soñando y hablando. La lección que aprendí es que es sin comentar mis planes a nadie sólo conmigo. y una vez materializados ,lo celebro y lo público y lo informo a todo el mundo, como esta entrevista. ¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura? Las palabras crean realidad, si la pregunta inicia con que es complejo el mundo del arte, el joven creerá lo que dice su entorno !!!!! Pero si su pasión es más fuerte que el otro dentro y fuera de él, el mundo está lleno de oportunidades más en estos tiempos con internet y globalización. Mis más grandes saludos a México ,que es un país que adoro ,y estoy segura que en alguna encarnación yo viví y disfruté mucho!!!! Starka

LA NUEVA PROMESA DEL GÉNERO URBANO Will Kano es un talentoso cantautor de Reggaetón. En un viaje reciente a Los Ángeles, fue descubierto por Continental Records, quienes le propusieron grabar su primer EP. Fue a partir de esto que firmó un acuerdo de tres álbumes. Actualmente se encuentra ajustando los últimos detalles de su nuevo sencillo “Déjame Entrar” del álbum “Tú tranquilo que ya llegamos”.

Inicialmente, Will fue influenciado por artistas pop, perfeccionando su sonido a medida que se convertía en un músico experimentado. Ha trabajado con una gran cantidad de músicos, incluyendo al grupo Fialo, en donde debutó como baterista y cantante suplente. Cuando decidió lanzarse a la carrera como solista aprendió a tocar la guitarra, el piano y el Cajón peruano. El año pasado, participó en la escena musical británica, realizando varios eventos benéficos, haciendo que su música fuera conocida en el extranjero por primera vez y representando a la comunidad latina.

WILLCANO WILLCANO WILLCANO

Desde temprana edad Will demostró gran pasión por la música. Sus primeros intereses fueron en la batería a los 8 años. Cuando tenía 17, estudió producción musical en la Escuela de Música Fernando Sor, donde trabajaría con diferentes conjuntos y géneros como jazz, blues, funk y samba.

Nació en la ciudad de Bogotá, Colombia. Actualmente se encuentra viajando entre Los Ángeles y su ciudad natal. Para más información de su carrera, puedes seguirlo en sus cuentas de Instagram @will.kano, Twitter @Wilderkno, Facebook, y Youtube.