November 2018 | CP Magazine by Magazine & Business Woman

FOTOGRAFÍA PAOLA SPALLETTI

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FRANCISCO TUREO GILDARDO ZAMBRANO RICARDO CAN TERRACYCLE CLAUDIA FIGUEROA CRISTIAN OLIVA NORA UNDA MAWAYY DENISE RENAUD RITA SÁNCHEZ D. HILDA MÁRQUEZ B. ADRIANA PINO MACARENA MEDEL S. LUCY CRUZ ANA ELISA BENAVENT

ARTISTA PROFESIONAL AUTODIDACTA

J.Francisco Tureo es nacido en Punta Arenas el 15 de Septiembre de 1970, provengo de una generación familiar de artistas. Fue así que sacó esa veta artística ya que desde muy niño fue excelente para el dibujo, desde el colegio básico. Ya más grande, comenzó a hacer sus propias creaciones utilizando sólo lápices de grafito y colores sepias, pronto experimento con el óleo, el cual adopto como único elemento creativo para sus obras. Le gusta crear temas que no sean tan cotidianos, que salgan fuera de lo común, para así adentrar al espectador a un mundo diferente en donde las posibilidades son infinitas.

¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte? Desde muy niño siempre fui bueno para el dibujo y pintura, mi padre igual realizaba trabajos artísticos, de ahí mi inclusión con el arte. ¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre una superficie? Desde la época en que estaba estudiando en la enseñanza básica, con témpera hacía muy buenos trabajos. ¿Qué pintores han influido en tu vida, y quién te gusta de los actuales? Influyó en mí Leonardo Da Vinci, Pedro Pablo Rubens, Tiziano Vecellio, fueron un incentivo para hacer pintura clásica, actualmente no tengo un artista definido ya que hay muy buenos expositores con buenas temáticas.

¿Cómo se ha desarrollado tu trabajo? A través del tiempo he aprendido a ser más paciente, así puedo desarrollar un trabajo más acabado, rico en detalles y más agradable a la vista. ¿Cómo definirías tu estilo y qué buscas en la pintura? Defino mi estilo como artista profesional Realista, con un toque más clásico pero sin descuidar ideas originales. Lo que busco en la pintura es llegar a un nivel más alto, un estilo hiperrealista con el cual pueda sentir que he superado otra etapa más en mi carrera. ¿Por qué escogiste pintura y no otra expresión artística? Siempre me gustó más el plasmar ideas y jugar con los colores y las formas. Hacer un paisaje u otro tema requiere de mucha sincronía entre los tonos y primeros y segundos planos. Me encanta la música pero tengo más aptitudes para la pintura. El arte, para ti, ¿tiene un fin en sí? El Arte para mí tiene un significado muy grande ya que no todas las personas pueden hacerlo, somos pocos los dotados de este gran Don y permite llevar ideas y sentimientos a distintos niveles, un fin en particular sería dejar mensajes a través de la pintura que perduren en el tiempo.

¿Cuál ha sido la obra que más te ha marcado? La obra que más me ha marcado fue una que realicé hace muchos años, “La Clonación”, ya que significa un proceso en mi vida personal que tiene variados matices muy fuertes tanto en lo personal como en lo artístico. ¿Qué es lo que quieres transmitir con tus obras? Lo que quiero transmitir con mis obras son la realización de un proceso evolutivo a través del tiempo, dejar un mensaje que pueda ser interpretado de diferentes maneras y llevar al espectador a sumergirse en un mundo diferente que transmita calma y lo haga soñar despierto. ¿Qué sigue para ti? Seguir desarrollando mi arte en la medida que me lo permitan los tiempos, ya que hay que darse un lapso para hacer lo que a uno le gusta. Seguir creando ideas originales e ir aprendiendo sobre la marcha, ya que es un proceso de auto enseñanza y superación.

¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura? El consejo que puedo darles es que trabajen duro y no claudiquen cuando no vean los frutos esperados, el tiempo hace al maestro y la práctica hace un buen artista. Guardar todos sus trabajos, por muy básicos que sean y así poder comparar más adelante el avance logrado durante el tiempo en que han superado sus propias expectativas.

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GILDARDO

ZAMBRANO PANTOJA "UN PINTOR CON REALISMO EXUBERANTE" Es un artista de la Pintura, nació en Cumbitara (Nariño), República de Colombia, en agosto 3 de 1956. Inició sus pasos en el arte de la pintura en Manizales, Colombia, a partir del año 1983, destacándose inicialmente en la realización de retratos en óleo sobre lienzo. Pero su producción más destacada son sus creaciones en óleo sobre lienzo, donde da lugar al arte figurativo, siempre cargado de Realismo exuberante y sensacional. Son creaciones magistrales que le han ubicado en un sitial de privilegio dentro del ámbito de la Pintura contemporánea. Su formación es totalmente "autodidacta" ya que no tiene Maestro guía alguno, ni tampoco ha permanecido un solo minuto en el taller de algún Pintor, con fines de aprendizaje. Sus Maestros son "los libros y textos de Arte" y "las obras Maestras de la Pintura Universal". Considera que todo lo que hace en cuestión artística, lo ha adquirido de la práctica constante. "Cada pintura que logra concluir es una lección artística de un valor incalculable". Su producción artística actual, sobrepasa las 300 obras, en óleo sobre lienzo, con su estilo el “Realismo Exuberante”.

LOS RÁPIDOS DE LA DICHA OIL S LIENZO 98 X 75 CM. TUL. 14 DE AGO.DEL 2017

¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte? Desde mis estudios primarios, en mi niñez, me gustaba el dibujar y pintar con lápices de color, como lo hacen muchos niños a esa edad y a pesar que algunas personas y compañeros de estudio me pedían les ayudara con las tareas del dibujo, nunca fui consciente de poseer algún don especial para el Arte, porque consideraba que esta labor, cualquier persona la podía hacer, por ello sólo a la edad de los 26 años, tuve pleno “Uso de razón artístico”, cuando algunas personas de mi entorno, laboral y familiar, me lo hicieron saber y me lo reafirmaron, cada vez que producía una pintura o un dibujo a color. En ese momento ya estaba iniciado en la pintura “al óleo sobre lienzo” y fueron ellos quienes me invitaron a tomar conciencia, de que poseía un talento natural para el Arte de la Pintura y fue así como encontré la motivación necesaria y el impulso; que me llevó a buscar en la Historia del Arte y a descubrir en los Libros, las hermosas creaciones de los Grandes Maestros del Renacimiento, fueron ellos quienes me inspiraron a seguir en el maravilloso mundo de la Pintura y aunque soy totalmente autodidacta y todo lo he aprendido de la práctica constante, fue en ese reto, de emular a los grandes Maestros, donde encontré mi vértice para llegar, hasta aquí y el continuar, si el Supremo Creador, me lo permite.

¿Qué pintores han influido en tu vida, y quién te gusta de los actuales? Los únicos pintores que han influido en mi vida, son los grandes Maestros del Renacimiento y del Neoclasicismo Francés como LOUIS DAVID, WILLIAM BOUGUEREAU, el Flamenco PETER PAUL RUBENS, el Español ESTEBAN BARTOLOMÉ MURILLO y DIEGO VELÁSQUES, por supuesto. De los actuales, hay verdaderos genios del Hiperrealismo, a quienes admiro sobremanera, pero no creo que hayan influido en mi estilo artístico, ya que ellos aparecieron en la Web, para corroborar de que la forma de pintar que yo siempre he realizado, era un estilo Realista, que ellos habían también implementado, con mucho éxito. En ese momento me sentí acompañado en mi trajinar por la Pintura Realista Contemporánea. ¿Cómo se ha desarrollado tu trabajo? Mi trabajo artístico profesional, lo inicié hace 42 años en la República de Colombia y aquí sigo haciendo arte para el mundo entero. Son más de 300 obras las que hasta ahora he realizado, exactamente 312, entre retratos, figura humana, bodegones y paisajes, casi todas en óleo sobre lienzo, a excepción de las primeras 20 que las realicé con acrílicos, témperas y lápices de color. Hoy en día, estoy dedicado de tiempo completo a la Pintura y éste bello arte, es mi aliciente permanente, es lo que da razones suficientes para vivir y es lo que constituye mi razón de existir sobre la tierra. ¿Cómo definirías tu estilo y qué buscas en la pintura? Mi estilo, es un estilo Realista, pero del Realismo de éste tiempo, al que he denominado REALISMO EXUBERANTE. No soy precisamente Hiperrealista, aunque admiro demasiado el HIPERREALISMO, me gusta ese maravilloso estilo y cada vez trato de acercarme a él, es por eso que admiro a los pintores virtuosos, que lo han acogido, para sus realizaciones, cada vez que las disfruto, me causan perplejidad y asombro, por lo intrincado de sus logros, descubro en ellas lo grandioso de la genialidad. Pero lo mío es un realismo, que va hasta el límite de lo que me impacta en una imagen, de la cual me gusta plasmar hasta sus mínimos detalles, es un Realismo exuberante o Realismo exasperato, como lo denominan los Italianos.

GILDARDO ZAMBRANO AUTORRETRATO OIL S. LIENZO 45 X 60.5 CM. TUL. MAYO 5 DEL 2018

¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre una superficie? Eso fue en mi primer Retrato, en óleo sobre lienzo, fue mi primer gran reto a petición de un amigo y jefe de trabajo, quien conocía mis pinturas con acrílico, pero esta vez me pidió lo hiciese con óleo, acepté el reto, pero lo único que me invadió fue la perplejidad, el asombro y hasta el temor profundo, de quizá no lograr lo que había concebido en mi mente para esa realización. Era natural, me estaba enfrentando a una técnica totalmente desconocida, solo sabía de su existencia en los textos especializados de pintura al óleo, pero nunca había aplicado una sola pincelada, con óleos. Partí de cero y las cosas que aprendí en ese primer retrato, las llevo aún intactas y como un gran tesoro artístico, después de 42 años de trajinar pictórico. No estoy consciente de la calidad de esta primera pintura y de ella no tengo ninguna reseña fotográfica, pero al parecer resultó de calidad aceptable, por cuanto algunos encargos de retratos me llegaron a causa de esa primera realización artística.

ENCUENTRO CON CAPROCORNIO ÓLEO SOBRE LIENZO 94X75 CMS. TUL. JUN.30 DEL 2012

¿Por qué escogiste pintura y no otra expresión artística? No, la verdad es que yo no escogí la Pintura, ella me escogió a mí, porque sin darme cuenta, la fui implementando en cada obra que realicé, solamente que pasó algún buen tiempo para que yo haya adquirido conciencia de mi talento artístico. Pero yo nací para ser Pintor y eso es lo que más me satisface y me fascina hacer en la vida. Amo lo que hago, y lo que hago en materia artística es pintar y así será hasta el último instante de mi vida. Pintando me siento pleno y totalmente realizado.

Tu frase favorita. Me gusta la frase de AUGUST RENOIR, cuando dijo “Yo no sé si lo que hago, está bien o mal hecho, solo sé que siempre he pintado como pensaba”. Esta frase es mi lema artístico y siempre lo será. EN EL JARDÍN DE MI TERRUÑO ÓLEO S LIENZO 53 X 71 CM.

ESPEJISMO EN LA PLAYA OIL S. LIENZO%2C 68X78 CM. TUL. JUL.10 DEL 2018

El arte, para ti, ¿tiene un fin en sí? Creo que sí, el Arte de la Pintura es para mí, la única y mejor manera de verter, de plasmar y de manifestar al mundo, mi alma y mis sentimientos. Por medio de mis pinturas, se puede percibir, lo que yo pienso, lo que concibo, lo que siento, lo que me asombra y me conmueve, todo mi ser está en cada una de mis obras. ¿Cuál ha sido la obra que más te ha marcado? Las obras de figura humana, todas son máxima trascendencia para mí, porque en ellas encuentro la esencia de mi concepción del arte, de esa búsqueda constante de la perfección en las tonalidades de la piel y de la sensacional expresión humana, en sus múltiples facetas. Pero una de las obras que más me ha tocado interiormente, es el Retrato de mis Padres, por cuanto allí he logrado pintar a mi madre LINA PANTOJA, porque de ella, estoy seguro, proviene mi linaje y mi herencia artística. Ella murió, año y medio después de haberle tomado la fotografía para su retrato, de no haberlo hecho en ese momento, no existiría, el Retrato de mi madre, junto a mi padre.

¿Qué es lo que quieres transmitir con tus obras? En mis obras, me gusta transmitir el impacto de la realidad, en su máxima expresión. Eso en verdad, es lo que me motiva a llevar una imagen al lienzo y a plasmarla con toda su realidad sensacional. El gusto que yo encuentro en una imagen con realismo más allá de lo normal, es el mismo que deseo plasmar en cada obra, para trasmitirlo a quien la observa. ¿Qué sigue para ti? Sigue, el continuar con la misión que el Creador Supremo, me encomendó al nacer, y es la de pintar y seguir pintando hasta el último instante de vida. Así lo haré y a eso me comprometo y a cumplir con mi sueño dorado, el fundar y crear mi anhelado “MUSEO ZAMBRANO”, donde dejaré entronizadas, de una vez y para siempre, mis creaciones Artísticas y las de mi hijo HERNÁN ZAMBRANO, quien es el artista que más admiro, sobre la faz de la tierra. ¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura? Perseguir sus sueños, descubrirse primero que todo y luego empeñarse en vivir como Artistas que son, no como pintores de un instante. El día que pongan su corazón en lo que hacen encontrarán en el Arte su razón de ser y de existir.

PASEO DE AMIGOS ÓLEO SOBRE LIENZO 94X75 CMS. TUL. AGO. 31 DEL 2012. AUTOR GILDARDO ZAMBRANO P.

LA TERNURA DE UN ÁNGEL OIL S. LIENZO 48 X 58 CM. TUL. 14 DE NOV. 2015

EL BUSCADOR DE PIEDRAS NEGRAS ÓLEO SOBRE LIENZO 94X75 CMS. TULUÁ MAYO 25 DEL 2012

FACEBOOK: RICARDO CAN INSTA: RICARDO__CAN @: ARTESANALKIMBILA@GMAIL.COM CEL: 9991147410

Can

Ricardo

LA MUERTE Y LA FLORA MARÍA TERESA MÉZQUITA MÉNDEZ

La muerte y la naturaleza son figuras recurrentes en los sistemas de creencias de toda la civilización humana. La primera, con su misterio, su oscuridad y su fascinación. La segunda, llena de vida, de promisorias expectativas, de ciclos deseados y esperados. Ambas son las protagonistas del trabajo de Ricardo Can May (Mérida, 1990), cuyo trabajo dialoga con la tradición artesanal de Kimbilá su lugar de origen y espacio en el que produce y propone caminos de creación en los que hace converger la alteridad compositiva y la innovación con las antiguas convenciones. Por un lado, sus calaveras floridas parecen estrechar los lazos de la vida con la muerte. Huesudas y vivas, sonríen desde sus cuencas vacías y al lucir tan ornamentadas reconcilian su naturaleza estremecedora y sombría con la cotidianeidad. Ricardo, egresado de la Licenciatura en Artes Visuales de la Universidad Autónoma de Yucatán, ha confesado que hacerlas y repetirlas casi obsesivamente como un mantra fue su manera de enfrentar un miedo personal a la muerte. Y al apropiarse así de ellas las desmitifica y las aproxima, les insufla una nueva forma de vida. Por el otro, sus composiciones florales complejas de espacios compactados, saturados e intensa coloración brindan lo que él mismo llama una reinterpretación del arte popular de su comunidad. Propone nuevas composiciones para los antiguos modelos, innovadoras maneras de entrelazar tallos, hojas, guías, pétalos, botones, nervaduras y pistilos. La imagen de siempre conserva su identidad, aunque rediviva.

En esta obra más reciente, el trabajo es igualmente un proceso a dos manos: María del Pilar May y Ricardo –madre e hijo– se suceden para intervenir el mismo objeto: él pinta y ella borda. Más que nunca el clásico matizado del bordado yucateco adquiere un nuevo y distinto matiz cuando no sólo entrelaza hilos de seda y géneros de tela sino también un trabajo personal dual que además está vinculado por la sangre. Y el resultado es fértil y florece. En suma, esta “Re interpretación del arte popular kimbileño” no es solamente un camino de asimilación para la generación de una propuesta alternativa en manos de un joven y emergente artista visual, sino también la decantación paulatina de un lenguaje que preserva las raíces ancestrales y la centenaria tradición, y las entrega a nuestros ojos a través del tamiz de una nueva mirada. ¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre una superficie? Si, recuerdo que fue hace muchos años cuando recién ingresé a la carrera. Estaba tomando una clase que se llama “taller de pintura experimental” y como su nombre lo dice; en ese taller realizábamos una labor de experimentación plástica y no precisamente solo con pintura. Recuerdo que hice una instalación con una pintura, una escultura y una cámara de fotos desechable. La pintura servía de fondo para la escultura y la obra se podía ver a través del lente de la cámara, también instalé un interruptor que servía para encender una luz que estaba dirigida hacia la pieza. Recuerdo que mi intención era hacer que las disciplinas se conjugaran. Tuve una especie de “eureka” y fue cuando quedé satisfecho con el resultado. ¿Qué pintores han influido en tu vida, y quién te gusta de los actuales? Definitivamente Rufino Tamayo me deslumbró con sus colores tan audaces, de Matisse admiro la sutileza y precisión de su pincel; las piezas de papel picado son mis favoritas y Francis Bacon cambio mi perspectiva de la realidad. Considero que tengo muchos pintores que influyen en mí, como; David Hockey, H.R. Gigger, El bosco, Picasso, Rivera, O´gorman, etc. Pero los bordados de mi madre son la influencia más directa y sincera que reconozco. En resumen considero que el arte popular de mi pueblo es el que más influencia tiene sobre mí. Porque la temática de mis obras puede cambiar pero el estilo y la técnica son de Kimbilà mi lugar de origen.

Este año y el pasado estuve experimentado con materiales y técnicas diferentes, por ejemplo en vez de pintar opté por limitarme al dibujo y diseño de tramas y mandalas florales que después mi madre borda. Hacer este tipo de obras me acercó mucho al tema del bordado y de los ornamentos florales que se hacen en mi comunidad. ¿Cómo definirías tu estilo y qué buscas en la pintura? Mi pintura ha resultado de ciertos factores culturales como la tradición del bordado yucateco, el culto a la muerte y elementos ornamentales basados en la iconografía maya, por lo tanto considero que hago arte popular mexicano y específicamente maya y yucateco. Los temas que represento en mis composiciones son visiones personales de como percibo mi entorno y de los recuerdos que tengo de mis experiencias con la muerte (Kìimil en maya), de ahí que la muerte sea mi tema predilecto. Todos los mexicanos sabemos que la muerte forma parte de nuestro folclore y de nuestra vida cotidiana, por otro lado el culto a la muerte aún se puede vivir dentro de nuestras comunidades mayas, en donde la mayoría de las familias realiza el tradicional Hanal pixàn o “comida de ánimas” cada 2 de Noviembre. Por otro lado mi pintura también se inspira en las cifras y noticias escalofriantes de asesinatos que día con día suceden en mi país. Tengo 28 años y prácticamente desde que tengo memoria me eh enterado de muertes casi todos los días en los medios masivos de comunicación.

“LA DECORACIÓN DE LOS HUESOS"100 X 150 CM. ÒLEO SOBRE TELA 2015 2 RETRATO

¿Cómo se ha desarrollado tu trabajo? A experimentado varios cambios que van desde los materiales, la técnica y hasta la temática, aunque dichos cambios no son del todo radicales. Un ejemplo es; que antes me limitaba a usar cierto tipo de tela de calidad media o baja por falta de recursos y lo mismo con la pintura. Ahora puedo conseguir un buen lino y unos óleos de mejor calidad, aunque ese no es el punto, una obra de arte se puede hacer con los materiales que sean.

“Composición en Azul" acrílico sobre tela 100 x 100 cm.

3 "FOSA QUE FLORECE" ÒELO SOBRE TELA 120 X 100 CM 2016

La pintura engloba toda una red compleja de lenguajes visuales que interactúan entre sí, constantemente existe una comunicación e interacción social entre los artistas, esto da paso a que nuevas formas de expresión pictórica emerjan e interactúen con las que ya están establecidas y esto al mismo tiempo da paso a que otras formas de lenguaje se manifiesten. ¿Entonces el universo pictórico ofrece posibilidades infinitas de lenguaje visual? En esta época sabemos que el arte siempre ha roto sus propios límites y eso es algo que me inspira a seguir pintando y buscando nuevos medios de producción. ¿Por qué escogiste pintura y no otra expresión artística? No me considero una persona disciplinada, al contrario soy completamente lo opuesto a eso, ni siquiera en la pintura o en la música que son mis dos “talentos” además de ser mis únicas dos fuentes de ingreso monetario. Eh llegado a pensar que no sé cual fue el verdadero motivo por el cual yo opté por estar aquí, pero si recuerdo que fue una decisión personal muy importante que tenía y sigue teniendo el objetivo de superar las expectativas que tengo de mí mismo, en ese aspecto decidí optar por seguir haciendo lo que más me gusta hacer; dibujar y pintar. También aprendí grabado, escultura y hasta medios digitales pero todo es resultado de dibujar y pintar. Siempre consideré que pintar era lo más fácil y lo que mejor sabía hacer, por eso continué esforzándome y decidí estudiar artes visuales.

"S/T" ÒLEO SOBRE TELA 150 X 200 CM, 2017.

¿Crees que la Galería importa mucho en una exposición? La galería siempre es necesaria por que alberga a la obra, hay diferentes tipos de galerías, las más famosas como Christie`s y Shoteby`s controlan gran parte del mercado internacional y exponen las piezas más caras y a los artistas más reconocidos. Existen las galerías locales que apoyan a los artistas emergentes y representan un espacio para la difusión del arte a un nivel local; que siempre es importante para el artista que está en sus inicios. Las galerías virtuales son las que muchos de los jóvenes están usando para difundir su trabajo y son muy eficaces puesto que logran llegar a casi cualquier lugar del mundo.

¿Cuál ha sido la obra que más te ha marcado? Recuerdo la primera vez que vi “three studies for a crucifixión” de Francis Bacon un tríptico que se terminó de pintar en 1962. Me pareció una pintura grotesca y violenta, sus colores cálidos, la textura y la composición me atraparon y me dieron una nueva idea de ver el mundo. Creo que esa obra es hasta ahora una de las pinturas que más me atrapa. ¿Qué es lo que quieres transmitir con tus obras? Quiero poder representar en mis piezas la esencia de mi persona y de mi pueblo, transmitir ese orgullo para que llegue a otros lugares, a otros jóvenes que están luchando desde su trinchera, e inspirarlos a seguir sus sueños. También quiero visibilizar el dolor que sufren las victimas del crimen en mi país y solidarizarme con ellos a través de mi pintura. ¿Qué sigue para ti? Seguir pintando y exponiendo, espero que este año que viene pueda exponer en alguna bienal.

"MUERTE Y VIDA" ACRÍLICO SOBRE TELA 150 X 100 CM.

¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura? Que lo hagan, si en verdad es su meta ser un pintor no deben de dejar el pincel, todos comenzamos desde cero y a la larga se pueden acumular muchas experiencias, y la técnica y la creatividad pueden crecer de manera significativa. A los jóvenes que viven en provincia y no cuentan con los medios, les digo que no se rindan y que siempre se sientan orgullosos de sus raíces, que luchen por sus ideales y sigan el camino que pueda cumplir sus expectativas de vida en este mundo. Agradecimientos: Muchas gracias a todas las personas que me apoyan y que forman parte de mi vida, a mi familia; mi madre Marìa del Pilar a mi padre Ismael Can a mis abuelos y hermanos, muchas gracias a Elvia Jaquecz mi fotógrafa y quien me apoyo desde el principio. A todos los que fueron, son, y siguen siendo mis maestros y amigos.

RECICLANDO

CON

CAUSA

Conoce las historias de las personas a las que Colgate y Palmolive han apoyado por medio de sus programas de reciclaje.

La gente que integra la escuela Sentimientos de la Nación desea reunir fondos para equipar un pozo; es importante lograrlo, ya que los estudiantes y la comunidad merecen un mejor acceso al agua del que tienen. Una bomba como la que necesita el pozo que quieren hacer puede costar mucho dinero. Tras investigar, descubren que existe una manera de ganar dinero para una asociación sin fines de lucro… ¡y además ayudar al planeta!

El reciclaje se convierte en una alternativa para reunir el monto que necesitan. Específicamente, eligen trabajar de la mano de Colgate, Palmolive y TerraCycle que ofrecen un programa de reciclaje de jabones y productos de cuidado bucal. ¿Quién sabía que esas cosas se podían reciclar? La comunidad recolecta grandes cantidades de desechos, que al final cambian por un donativo para su causa. La Sierra Tarahumara alberga bellezas naturales increíbles. Sin embargo, también es casa de una población que se encuentra marginada y rezagada. Pocas de las personas que ahí viven pueden tener por seguro que van a comer al día siguiente. Pero hay gente que quiere mejorar la injusta situación y trabajan para dar oportunidades a la gente.

La Fundación Tarahumara José A. Llaguno, ABP recibió un donativo que les permitió tomar acción en pro de la seguridad alimentaria de la población rarámuri, impulsar la economía de las comunidades indígenas y mejorar la condición de sequía. Gracias a los fondos que se obtuvieron mediante los programas de reciclaje, se desarrollaron huertos y granjas sustentables para el autoconsumo de los habitantes de la Sierra Tarahumara. Esto también permitió que las personas tengan una opción antes no tenían: la de producir para salir adelante. México es el país que tiene el mayor número de embarazos no deseados de la OCDE. Además, un gran porcentaje de éstos se dan en adolescentes. Hay muchas mujeres que al momentos de quedar embarazadas se quedan sin apoyo para continuar con su embarazo con dignidad. Hay algunas que no cuentan con los recursos para hacerlo. Casa Vifac en Mérida es parte de una organización que les da un hogar a mujeres que se encuentran en esta situación.

No basta con dar un hogar a las mujeres embarazadas que lo necesiten. También es importante inculcar hábitos de estudio en ellas, para que puedan tener mejores oportunidades. Tras tres años de recolectar desechos, Casa Vifac de Mérida obtuvo el donativo que les permitió construir una biblioteca. La organización, además de proporcionar cuidado, acercó a sus beneficiarias el conocimiento. Y el hábito de cuidar el medio ambiente con el reciclaje. Desde el año 2011, las marcas Colgate y Palmolive se comprometieron con el medio ambiente al comenzar un proyecto de reciclaje con la empresa TerraCycle. Ambas marcas son reconocidas a nivel mundial y de gran importancia en su campo. Conscientes del alcance que tienen, las personas que forman parte de su equipo de trabajo decidieron que debían de usar su impacto para beneficio del planeta. El formar una alianza con TerraCycle implica financiar un programa que permita reciclar el producto que las empresas producen después de que se consume. Aunque el material que se use no sea considerado como reciclable. Ese es el propósito de que TerraCycle exista, reciclar todo para un día Eliminar la Idea de Basura ®. Productos como cepillos de dientes, pasta dental y jabón, que Colgate y Palmolive producen, son de uso necesario para mantener la salud. Sin embargo, la mayor parte de las personas desechan las envolturas o empaques tras usar el producto. Es por esto que ambas empresas decidieron proporcionar a sus consumidores la oportunidad de reciclar sus empaques. Más de un millón de desechos de cuidado bucal han sido recolectados y reciclados hasta el día de hoy. Gracias a Colgate, los empaques de esos productos que normalmente no se consideran reciclables no están en un basurero, en el mar, o en otro lugar. Se convirtieron en otro producto al cual se le da uso nuevamente. A la fecha, la empresa ha donado a decenas de asociaciones más de 200 mil pesos. Asimismo, 500 mil empaques de jabón se han recolectado para que no lleguen a vertederos gracias al compromiso con el medio ambiente de Palmolive. Los donativos que se han dado para apoyar distintas causas ascienden los 130 mil pesos. Todos estos donativos se traducen en posibilidades en las manos de gente que busca hacer un cambio. Tener un país y un mundo mejor se hace posible. El cuidado del medio ambiente se considera un hábito muy valioso. Sin embargo, empresas como Colgate, Palmolive y TerraCycle buscan que se considere como lo que realmente es: un hábito necesario. Y lo hacen de la mejor manera posible, permitiendo que las personas vean el cambio que la ecología puede tener en sus comunidades. Que vean que usar su tiempo para recolectar es una inversión que tiene un impacto. Y que sus historias pueden inspirar a otras personas a reciclar. La ayuda de quienes recolectan con estos programas es lo más valioso, y es lo permite a estos programas existir. A través de ellos podemos ver que cuando las causas sociales se toman de la mano con el reciclaje, se logra cambiar el curso de muchas historias. Y lo más importante, cuidando el planeta se cambian las vidas.

Whatsapp: 5552525407

clau_figueroa@hotmail.com Instagram: clau_artandsoul Facebook: Art & Soul Bosque Real Facebook personal: /aldwych www.claudiafigueroa.com

Artista mexicana nacida en 1972, mercadologa de profesión que en el año 2014 toma la decisión de cambiar su vida ejecutiva por la carrera de las artes plásticas con la firme convicción de dedicarse tiempo completo a su estudio considerándose actualmente como una artista purista en la técnica de pastel.

La temática de su obra radica principalmente en rostros, cuerpos y elementos naturales que han conectado con ella, de igual manera su interés por la conciencia, la espiritualidad y el trabajo interior del ser humano., todo esto la lleva a combinar su formación como terapeuta holística con el arte creando su propio espacio “Art & Soul”. Su obra en su proceso creativo incluye como parte de su imprimatura frases de poder y mantras que acompañadas de una profunda meditación tienen como objetivo la positividad que junto con un poema llevan a la artista a reflejar el alma de su trabajo por medio de la imagen buscando en todo momento conectar con el espectador.

En su academia Art and Soul “Meditación a través del arte” se enfoca principalmente a ayudar a despertar la pasión del arte a niños y jóvenes fomentándoles la autoestima y el amor a ellos mismos por medio de sus trabajos que en la ejecución de la técnica encuentran el placer de la perfección. Claudia Figueroa en su trayectoria artística cuenta al día de hoy con múltiples exposiciones colectivas. En Junio 2018 presentó de forma individual su trabajo en la galería “Maison de MAI”, Paris, junto con las obras de sus alumnos mas destacados.

Actualmente tiene solicitudes de sus obras en Taipei, UK, Amsterdam, Alemania, Luxemburgo Francia, Estados Unidos y por supuesto México. Prepara para 2019 nuevas exposiciones en Europa, Mexico y USA ¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte? Descubrí que tenía la habilidad en cuarto de primaria, tenía que hacer una tarea y no encontré la monografía en la papelería, mi abuela paterna me dijo que lo dibujara, tenía que hablar de algún Rey y buscando elegí a Luis XIV, una pintura de Hyacinth Rigau que está en el museo de Louvre, la elegí de alguna enciclopedia, apenas la vi en vivo hace 3 años; así que la copié en mi cuaderno y eso marcó mi amor a pintar porque descubrí que sí podía hacerlo. De ahí empecé a dibujar obsesivamente rostros de revistas hasta que lograba que fueran lo mas fiel a la foto, en la secundaria hacía varias tareas de la clase de arte y las regalaba o intercambiaba a compañeros que habían olvidado hacerla, lo curioso es que a mi me ponían 10 y a ellos 7, siendo que eran mis dibujos también. En la preparatoria hacía carteles de futbol americano y empecé a hacer retratos a lápiz de amigos muy queridos que les regalé. Hasta este punto no había tomado ninguna clase. ¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre una superficie? Oh sí! fue de muy chica como a los 8 años, mi abuela, ésta vez la materna, llegó con acrílicos, pinceles y mucho material de regalo y me dijo “algún día tus pinturas tendrán muchísimo valor, eres buena”, ese día mi hermana y yo combinamos colores, nos llenamos de ellos, aún recuerdo la sensación de salpicar el lienzo, deslizar el pincel lleno de color y sentirme libre de ser yo al hacerlo. Años mas tarde descubrí el pastel, no recuerdo como es que llegué a él, pero recuerdo haber entrado en un trance y fascinación al estar pintando mi primera obra con esta técnica, estaba en la preparatoria y pinté un jugador de americano bloqueando a otro en un tamaño bastante grande, recuerdo que olvide todo, solo quería pintar, no comí, no salí de mi cuarto en horas hasta que me di cuenta que había estado ahí toda la noche y parte de la mañana del día siguiente; hoy se que ese estado se llama “estar en la zona” y ahí entro cada vez que pinto. ¿Qué pintores han influido en tu vida, y quién te gusta de los actuales? De los grandes maestros Dalí es para mi una gran inspiración, su talento y versatilidad me parece sublime, me gusta mucho Klimt, Rembrandt, Degas, Renoir; Van Gogh no era de mis favoritos, confieso, hasta que vi sus pinturas en el Museo de Orsay en París, lo que sentí al verlo me hizo llorar, sus pinturas me tocaron el corazón, casi de sentir sus emociones al verlo, hoy siento su alma y corazón de artista y admiro la forma en que logró que yo sintiera eso al ver sus pinturas. También admiro a Remedios Varo y Leonora Carrington. Gustave Courbet como pionero de la tendencia realista y por su rebeldía. Tuve el honor de participar en un montaje de José Luis Cuevas y conocerlo en persona y platicar con él, ahí entendí que el arte es la expresión de la unicidad de cada alma. De los actuales me gusta mucho Rubén Belloso, que es la línea y técnica que he seguido hasta ahora en realismo e hiperrealismo en pastel, Cuong Nguyen, Omar Ortiz; admiro la sencillez y talento de personas como Joel Merino con sus murales de la cultura Triqui plasmado alrededor del mundo. Y recientemente he encontrado artistas que combinan hiperrealismo con fantasía o bien otras técnicas en sus obras como Erik Jones o Soey Milk, por mencionar algunos de los muchísimos artistas que he encontrado y que han conectado conmigo.

¿Cómo se ha desarrollado tu trabajo? Mi trabajo inició hace muy poco, a pesar de haber querido dedicarme al arte, mi padres en su amor infinito y su experiencia me ayudaron a decidir estudiar una carrera “segura”, soy mercadologa egresada del Tec de Monterrey con honores, quise estudiar algo que me permitiera seguir siendo creativa. Hasta hace 3 años que sentía que moría por dentro, dejé todo para hacer lo que siempre quise hacer y que amo: Pintar.

Inicie con maestros que me enseñaron de nuevo todo, de cero, así lo pedí, hasta que conecté con el realismo en el pastel y el óleo, mis técnicas favoritas, mi trabajo hasta ahora se ha enfocado en pastel, en plasmar el alma de lo que pinto, hago pinturas que intenciono con decretos ocultos en su fondo y que están enfocados en lo que la obra significa o quiere expresar, soy una pintora espiritual, incluso me han llamado “Pintora de Almas”, soy terapeuta holística también y tengo dones especiales, soy lo que se llama un “empath”, logro conectar y canalizar, soy un poco “medium”, tengo algo de clarividente y clarisentencia, cosa que oculté por años pero a partir de regresar a pintar dejé salir a la luz quien realmente soy. Cada una de mis obras inician con la elección de qué pintar, si es un retrato selecciono o creo la imagen que me “da algo” esa que conecta conmigo. Luego realizo una meditación profunda para conectar con el alma de esa persona o del objetivo que me han solicitado. De ahí llega la inspiración, en la base escribo los mensajes y la intención, decretos; en algunas obras canalizo el poema que la acompaña. Luego cubro con la imprimatura que corresponda y lo pinto.

¿Cómo definirías tu estilo y qué buscas en la pintura? Inicie como pintora realista, pero mi estilo esta cambiando, ahora estoy empezando a pintar mis visiones, actualmente estoy trabajando en varios proyectos con el tema “Twin Flames” (almas gemelas), lo que hago es conectar con el alma gemela de la persona que me ha solicitado la pintura y plasmo la imagen que llega como visión en mi meditación. Yo me consideraría una pintora con un estilo espiritual, podría llamarlo realismo espiritual, que por su naturaleza entraría también realismo fantástico. Busco conectar con las almas de las personas, de las cosas, de los seres vivos y no vivos, busco la espiritualidad a través del arte, busco ser libre de ser yo y ser un canal de expresión para quien me pide algo con una intención en particular. Busco que esa pintura este en la casa que ella elija para ser feliz si es una obra a la venta (porque yo hablo con mis obras con su energía y les invito a encontrar donde quieren vivir) y que la persona que la vea sienta un suspiro, una caricia al alma, una sensación placentera, un recuerdo de que todo es posible, una conexión, un beso, un recordatorio, un no te rindas, un aquí estoy, un no estas solo, un esta bien explotar, esta bien renunciar, un te amo, un te espero, un no he muerto sigo aquí, un alma….en fin; busco que la gente de alguna manera se recuerde a sí misma al ver algo de lo que yo pinto.

¿Por qué escogiste pintura y no otra expresión artística? Como antes lo comenté, mi alma eligió la pintura pero fue hasta hace 3 años que me decidí a seguirla. Ahora es la pintura lo que mis manos quieren hacer, yo diría que es una elección de alma, un don que me fue dado por la habilidad que cada día descubro que tengo, sin embargo, no sé si en algún momento explorare otras formas de arte, como la escultura, que es algo que mis manos ya me han pedido. En el pasado explore hacer teatro musical y también canto como expresión artística; creo que son etapas, aunque por el momento siento que la pintura es la que predomina en mi simplemente porque amo hacerlo mas que otra cosa hasta ahora. Tu frase favorita. “Lo logré”

¿Cuál ha sido la obra que más te ha marcado? La primera que me mostró mi camino, la de Luis XIV, y con la que lloré al verla porque sentí que miles de emociones me aplastaron el corazón la de Van Gogh “Self-Portrait” del Museo Orsay. ¿Qué sigue para ti? Sigue seguir explorando-ME en plasmar mis visiones, en conectar con quienes estén en esa frecuencia y que nos encontremos para seguir creando juntos, seguir creando junto con el universo, junto con Dios. Seguiré dando clases e inspirando a mis alumnos en lo que llamo meditación a través del arte, quiero hacer labor social también, justo me acaban de invitar a dar pintura en una escuela de educación especial, llevare el arte a escuelas en todo el mundo, ya me pidieron ir a una en Francia como parte de la clase de español y este año impartí taller a una escuela de 200 niños desde kinder a secundaria; actualmente una de mis alumnas ha decidido dedicarse al arte después de tomar mis clases. Por supuesto seguiré exponiendo, tengo unas platicas ya para exponer en Luxemburgo, en Ginebra Suiza y sin duda regresare a Paris, donde fue mi primera exposición individual y de toda mi vida. Quiero explorar trabajar con colectivos y combinar exposiciones con instalaciones sensoriales y ya inicié un proceso para incluir realidad aumentada en mis obras.

¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura? Que prueben todas las técnicas que se les ocurran y las sientan, que exploren la que mas click haga con ellos, que dejen el juicio, que conozcan a otros artistas pero no se comparen, que practiquen, practiquen, practiquen; que tengan disciplina, que sepan que sí se puede vivir de esto, que no oigan al que dice “es difícil” o “es imposible”, que no se casen con un solo maestro por años, que aprendan siempre de varios, que estudien la vida de otros artistas y hagan lo que les haga felices. Y que mas vale empezar tarde que más tarde.

Agradecimientos: Primero a Dios, luego a mi misma por decidirme retomar este camino, a mis maestros, a mis padres, a mis abuelas que me dijeron que pintara, a Ignacio Vizcaino por su amor incondicional y apoyo para cumplir mis sueños, a mis amorosos modelos, a Diana qepd, cuya alma me pidió pintarla para contar su historia y apoyar a crear conciencia sobre las víctimas de feminicidio “ni una mas”; a quienes me han confiado para que les pinte “lo que yo decida” y la representación de su unión con su “Twin Flame”, a quienes donaron para lograr la expo en Paris, a mis maestros espirituales, Alfonso de Rose qepd, a Jeff y Shaleia, a mi coach Stephanie Cole y a mi alma gemela por inspirarme, acompañarme siempre en mi corazón y motivarme a pintar mis visiones.

Contacto: https://www.cristianoliva.cl https://www.instagram.com/olivavergara_pintor/ contacto@cristianoliva.cl

CRISTIAN

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El arte como un proceso de reflexión respecto del espíritu humano y de la relación de este con el entorno a partir de la individualidad de la mirada, es el motor central de la obra del artista chileno Cristian Oliva Vergara. La búsqueda constante de señales que se encuentran guardadas en la memoria y que determinan la mirada, constituyen los ejes de su trabajo pictórico que ha deambulado por diversos lenguajes y propuestas para derivar en una propuesta que actualmente se cerca bastante a la abstracción, pero conservando un delgado hilo que conecta su trabajo a la figuración.

Formado en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, cursa sus estudios entre los años 1981 y 1994. Obtiene su licenciatura en Artes Visuales el año 1990, tras haber ejercido como profesor ayudante en la catedra de pintura del maestro Rodolfo Opazo. A partir del año 1982, participa en numerosas exposiciones colectivas e individuales, entra las cuales destacan dos selecciones a la Bienal Internacional de Valparaíso y dos veces la obtención del premio principal del Salón de Primavera de la Municipalidad de Ñuñoa, en Santiago de Chile El año 2015 continua sus estudios, cursando un Magister en Artes Visuales en la Pontificia Universidad Católica de Chile, cuya propuesta de investigación constituye la base de su trabajo actual, al proponer una investigación a cerca del paisaje como construcción cultural. Desde esa investigación, deriva su trabajo reciente, el cual se aproxima el paisaje como temática principal, pero no a la representación clásica del paisaje o de sus elementos formales como podrían ser la perspectiva, la atmosfera o el color. Su trabajo se basa en la sensación del paisaje guardado en la memoria. Estas obras están constituidas por una paleta muy restringida, casi en blanco y negro, con momentos en que el color aparece en forma breve. El paisaje no es cualquiera; es el paisaje telúrico y movedizo de Chile. Un paisaje determinado por la cordillera como muro, por un lado, y el mar por el otro que convierten a Chile en un territorio insular en donde las perspectivas son cortas y el mundo más allá de esos límites geográficos, tiende a ser una entidad imaginada. ¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte? Desde muy niño, mi forma de entender y de relacionarme con el mundo fue a través del dibujo y el color. No me era posible entender mi entorno de otra manera que no fuese dibujando. Todo lo trataba de plasmar de esa manera, pero siempre era de memoria. Siempre dibuje usando como modelo un recuerdo de alguna vivencia. Posteriormente, a principios de la década de los 80, ingresé a la Facultad de Artes de la Universidad de Chile donde curse la carrera de Licenciatura en Artes Visuales, especializándome en pintura. A partir de eso, se me abrió un mundo nuevo del que había que apropiarse, aun cuando las circunstancias de Chile en esa época eran muy adversas y peligrosas. En mi mente de 17 años, se mezclaba el éxtasis de un mundo nuevo, fantasioso y colorido con la agonía de una sociedad que empezaba a despertar de un letargo obligado por las circunstancias políticas y sociales de la época. El arte se transformó para mí en mi manera de sobrellevar la pesada carga de vivir mi juventud en un país que se ahogaba bajo el yugo de la dictadura. Pensandolo ahora, creo que el arte siempre ha estado relacionado con mi biografía.

¿Qué pintores han influido en tu vida, y quién te gusta de los actuales? Son varios. Rembrandt por la divinidad de su luz y la detención del tiempo dentro de sus lienzos. Velázquez, es el más grande de los pintores. Es por lejos el pináculo del arte pictórico realista, y su trabajo se adelanto en casi tres siglos al arte moderno. Velásquez entendía la superficie de la pintura mucho mas allá de la anécdota de lo representado. Goya, por la potencia de su mundo interior y su ferreo compromiso con lo que sentía que debia decir. De los pintores actuales, me subyuga Aselm Kiefer; me conmueve la potencia matérica de su pintura y la poesía de sus atmosferas, todas ellas ligadas a su biografía y a la consciencia de las circunstancia de su pueblo en la posguerra. Otro pintor, también alemán a quien admiro muchísimo es Gerhard Richter. Él es un artista que ha logrado desentrañar la mecánica interna del lenguaje pictórico, llevándolo a los extremos y proponiendo siempre una nueva lectura. Entre los artistas chilenos, debo mencionar a Juan Domingo Dávila, quien propone desde su pintura una acida crítica social, tocando temas contingentes como asuntos de género, política etc. . Me gusta por que no hace concesiones.

¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre una superficie? Dejando atrás mis primeras visiones infantiles, te podría decir que mis primeras fascinaciones con la pintura en serio, tuvieron lugar durante el segundo año de universidad, cuando estudiaba la especialidad de pintura con el maestro Gonzalo Díaz. En ese entonces, por primera vez, logré vislumbrar la real potencia del arte como el resultado de un proceso que involucra al ser humano como una entidad completa. En esa época pude correr el velo de lo que significaba crear, y sencillamente me fascinó, pero al mismo tiempo… ¡¡¡ me abrumó!!!! Sentí en mis hombros el peso de algo que era definitivo.No había vuelta atrás. Por otra parte, sentía que la pintura me daba las herramientas para manifestarme vitalmente en relación con las circunstancias políticas en que vivía mi país durante la dictadura de Pinochet. Y no te hablo de la generación de una pintura panfletaria o explícitamente política. Te hablo del hecho mismo de pintar, de crear y por ende de emitir señales de vida hacia una superficie que se veía muy lejana. En esos años mi sensación era la de que como país estábamos como un submarino hundido y había que hacer ruidos para que nos escuchasen y supiéramos que estábamos allí. Eso era para mi la creación artística, y lo sigue siendo hasta hoy

¿Por qué escogiste pintura y no otra expresión artística? Creo que eso viene en el adn de cada uno. Yo no me considero hábil con las manos. No logro concebir una obra en tres dimensiones. Jamás tuve alguna aproximación al volumen. El grabado requiere una personalidad ordenada y un enfoque al proceso en si mismo que yo no poseo. Yo concibo la obra desde una especia de deriva siquica. Intuyo que el lenguaje de la pintura se acomoda a mi manera de concebir el mundo El arte, para ti, ¿tiene un fin en sí? Sin duda que si. El arte es la expresión visual del pensamiento y del conocimiento humano. Es una necesidad de las sociedades. ES cosa de ver y analizar los sucesos históricos de la primera mitad del siglo XX, y mirar su correlato en las expresiones artísticas y podremos tener una clara visión del rol del arte. No quiero extenderme en demasia, pero el arte siempre ha anticipado el espíritu de la época. Es asi como podemos ver por ejemplo, la deformación de la figura humana en la misma proporción en que las sociedades, van sufriendo transformaciones radicales o situaciones de extremo cambio. ¿Crees que la Galería importa mucho en una exposición? Sin duda. La galería es un espacio que se tensa con la obra expuesta. Tanto en términos físicos y/po arquitectónicos, como a nivel simbólico. La propuesta curatorial de una galería de arte, es algo a tener en cuenta en la concepción de una exhibición de arte.

¿Cuál ha sido la obra que más te ha marcado? Creo que Las Meninas de Diego de Velazquez es la obra que más me ha impresionado, pues una lección de pintura mirarla. Su ligereza, la soltura de los trazos, le certeza del color, la perfección del dibujo. Es una obra maestra. Otra que quisiera mencionar es La Adoración de los Magos de Leonardo. Es una obra inacabada que se exhibe en la Galería de Los Uffizzi en Florencia. Es maravilloso tener acceso a ver el proceso de Leonardo Da Vinci ¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura? Si se van a dedicar al arte, deben saber que esto es un mundo difícil, que requiere preparación, constancia y estudio para empezar. Es imprescindible saber qué quiero decir como artista y luego se necesita honestidad , constancia y valentía. Agradecimientos: Siento una gratitud enorme por mis padres, a quienes aún tengo a mi lado. Les agradezco profundamente el haberme apoyado desde los inicios de mis estudios y hasta el día de hoy. Ellos siempre priorizaron los bienes espirituales por sobre los materiales y a pesar de que mi padre es profesor de una escuela básica, siempre recibí su apoyo y su orgullo y ningún cuestionamiento por elegir una profesión tan azarosa como la de ser artista. Agradecimientos a mi esposa por siempre creer en mi y por levantarme en momentos de duda.

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Nora

Unda CONTACTO: NORAUNDA@GMAIL.COM / WWW.NORAUNDA.CL / @NORAUNDA

¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte? Desde que tengo memoria me ha gustado crear, cuando era niña jugaba con barro, greda, plastilina, recortaba imágenes de revistas, siempre me ha gustado retratar, pintar y buscar la mimesis de lo que dibujaba con mi entorno. También mi madre ha sido quien me influenció e incentivó la creatividad, cuando yo tenía entre 3 y 8 años, ella hacia aves en porcelana en frío, eran reproducciones en miniatura, exactas a las reales, con una técnica creada por ella, la que influyó inconscientemente en parte de la técnica con la que trabajo actualmente. ¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre una superficie? Siento que en mi vida han habido muchos deslumbramientos respecto a la creación, cuando tenía tres años, un tío muy talentoso me enseñó a dibujar las caricaturas de la televisión, después a los cuatro años me enseñó a dibujar figura humana con círculos y óvalos, necesitaba abordar mi curiosidad incesante por el dibujo y descubrir todo lo que se podía hacer con ello, después trabajé con técnicas de pintura, desde la tempera, acuarela, óleo hasta que logré expresar con ellas lo que necesitaba decir, hice muchos autorretratos durante muchos años, sobre todo en mi etapa adolecente. Luego ingresé a la universidad a estudiar arte y me especialicé en escultura, aprendí distintas técnicas como soldar al arco, vaciados, fundiciones de bronce y aluminio, también aprendí técnicas de costura, pero el momento en donde me encontré con mi propio lenguaje, después de haber aprendido tantas técnicas, fue cuando volví al origen, a mi inicio después de haber tenido una conexión muy cercana a la muerte, ese momento fue el más intenso y deslumbrante, fue cuando entendí el propósito de porque estoy en esta vida, desde ahí descubrí que mis dibujos, muy propios, podían cobrar color y volumen, siendo en ese momento cuando apreció la plastilina de manera importante.

¿Qué pintores han influido en tu vida, y quién te gusta de los actuales? Siempre me ha gustado mucho el realismo e hiperrealismo en todas sus expresiones, ya sea en la pintura y en la escultura, no los tomo como referentes directos, pero si como influenciadores inconscientes, me atraen mucho las obras de Giuseppe Arcimboldo, El Bosco, Claudio Bravo, Walton Ford, Salustiano y en la escultura Claes Oldenburg, Ron Mueck, Daniel Firman, Willy Verginer entre otros. ¿Cómo se ha desarrollado tu trabajo? Mi trabajo creativo emerge desde una experiencia cercana a la muerte, la que me hizo encontrar en los fragmentos de mi memoria, los recuerdos de mi infancia y me ha llevado a hacer en mis creaciones, una traducción de lenguajes a través de la intuición, interpretando personajes abstractos, creando una desfragmentación de la realidad, dando forma a nuevos relatos visuales basados en paisajes oníricos, inspirados principalmente en la naturaleza, animales y la vida.

Actualmente estoy desarrollando la simbología en la manipulación de formas orgánicas, llevándolas a un significado vinculado con el origen de la vida, siendo los animales, los principales protagonistas de mis historias, ellos son parte de nuestro ecosistema global y nuestra falta de consciencia ha hecho que en el paso de los años, el respeto por su sabiduría y origen sean olvidados. Mis obras son respuesta a esta reflexión, en torno a mi manipulación de fragmentos de naturaleza artificial y a la manipulación humana hacia el origen de los animales, la que ha tenido como propósito, clasificar para entender el comportamiento de especies según su hábitat y ha intervenido para crear otras nuevas, apropiándose de la identidad de los animales para relacionarlos con un país, llegando en algunos casos a perder el respeto por ellos. A su vez, mis creaciones, son interpretaciones de ritos de amor, libertad y encuentro, entre un ser que se conoce y acepta a sí mismo y desde la unión instintiva entre dos seres sin prejuicios, sin importar su raza, credo o identidad.

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¿Cómo definirías tu estilo y qué buscas en la escultura? Lo definiría como abstracción de la naturaleza, a través del desarrollo de un lenguaje propio en conexión con mis manos como puente desde el corazón y la mente, en donde a través de distintas reflexiones me formulo preguntas y respuestas, las cuales hago tangibles en mis obras, creando relieves y esculturas. Mi estilo en el arte es una proyección de lo que soy, necesito tocar para crear, plasmar mi huella desde los colores hasta el volumen. ¿Por qué escogiste esta técnica y no otra expresión artística? En cuanto a la técnica que utilizo para crear mis obras, el material principal es la plastilina, porque es volumétrico, lúdico, transformable y colorido, lo que me ha permitido conectar con fluidez a mi esencia, desarrollando e inmortalizando lo que tengo en mi imaginario a través de relieves, los cuales trabajo sobre superficies de maderas las que finalmente enmarco con vidrio para proteger su fragilidad. A demás he desarrollado la técnica hacia otros materiales que me han permitido expandir hacia la escultura y continuar expresando con mi lenguaje. Siento que al trabajar directamente con mis manos, creando nuevos colores desde los primarios, tomo poder de lo que estoy haciendo, es una nueva realidad, una ventana hacia un mundo único, que es propio cuando lo estoy creando y espero que sea de otros cuando ya está terminado. El arte, para ti, ¿tiene un fin en sí? El arte para mi es mi vida, es un estilo de vida, siento que para todo hay que crear, las decisiones de vida van unidas a eso, desde lo más simple hasta lo más complejo. Cuestionarse y hacerse preguntas en base a un interés propio en conexión al todo y a todos para luego desarrollar la solución y responder desde un nuevo punto de vista visual, es expandir, comunicar y trascender.

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¿Crees que la Galería importa mucho en una exposición? Las galerías son muy importantes para difundir y mostrar el arte al público, es el espacio en que las personas se pueden tomar todo el tiempo para observar y conectar con las obras y en algunos casos decidir si quieren que alguna de ellas forme parte de su vida. ¿Cuál ha sido la obra que más te ha marcado? Creo que la obra “La Selva de Roschach”, ha sido una de las obras más importantes que he hecho, en ella descubrí de donde provenía mi técnica, es donde descubrí nuevos colores, texturas y me encontré con mi lenguaje, en ella comencé a entender lo que estaba haciendo y para qué. Esta obra es la primera de gran formato realizada en esta técnica, en ella mi visión micro se tuvo que hacer macro, y el hacerla me hizo accionar todo el cuerpo, debido al tamaño de la obra y como también fue un trabajo de memoria, por la duplicidad, entendía que tenía absoluta relación con el cuerpo y sus hemisferios, y como me llevó mucho tiempo hacerla, cada día era un estado único y distinto, fue una bitácora de abstracciones de la naturaleza fusionados con mi pequeña memoria.

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¿Qué es lo que quieres transmitir con tus obras? Con mi arte quiero expandir consciencia, desde lo que se ve a simple vista hasta llegar a su significado, es por ello que trabajo con símbolos, animales y naturaleza, ya no incluyo figura humana, porque para humanos está el espectador. En mis obras necesito que los protagonistas provengan de la naturaleza porque son ellos los que necesitan tener voz, presencia e importancia en nuestro mundo actual. ¿Qué sigue para ti? Seguir sorprendiéndome con mi entorno, seguir buscando cosas nuevas, continuar creando y descubrir nuevas técnicas, continuar expandiendo mi arte hacia nuevos horizontes, crecer y vivir creando.

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¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo del arte? A los jóvenes que están comenzando en el mundo del arte, les digo que no es tan complejo si te propones a que no lo sea, mientras estén conectados con su pasión, con lo que a ellos realmente les gusta, sorprenda y emocione, que sean honestos con ellos mismos porque eso es lo que proyectarán en sus creaciones, que busquen y encuentren su propio lenguaje, porque este mundo los necesita, este mundo necesita conocer nuevas visiones y modos de expresión, hay mucho por hacer y mucho por creer y crear, este mundo se completa y necesita a los artistas para ablandar las almas de los seres racionales, de los seres que no creen en nada y para continuar conectar con aquellos seres sensibles que sientes y perciben sin explicación. Agradecimientos: a mi madre por su amor y enseñanza, a mi amor René y a mi Rita amada.

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MaWayy How did your desire for music come about? What do you both like the most about making music?It’s all about creating. Creating something from scratch & seeing it! It’s like a painting. When you start painting you start from the canvas and just paint. Music is just like creating a painting—it has moments where you have the ability to express yourself in ways you never thought possible. When you are able to create it from nothing, it has the ability to make you feel so proud by the time you finish your project. Tell us a bit about your new track ‘Blame’, what’s the story behind it? We started an instrumental, like a progressive-Big room kind of sound and collaborated with LeVoyce a singer/songwriter from Dallas. The song happened to be so good that we wanted to match a better style with it, so we tried to change the production a little bit but it didn't go well. then we changed it completely to a future bass track. That's when we felt we hit the magic spot, and decided to release it right after our first song "Wrong" How long can you stay within a certain sound, without it becoming obsolete? How do you stay original in your tracks and shows? People know you by your sound like it’s your brand! But the problem with electronic music is that it’s updating itself constantly so you have to update yourself to match the market, but we think a mixture of your original sound and updated synthesizers can still keep your sound unique. What consists of a good set for you? Harmonic mixing, Solid beats and updated sounds combined with grooves! And the whole set keeps you non-stop dancing until the end. Do you consider new technologies important to what you do? Would there be any that you would prefer to leave aside and why? Definitely, we used to have cd samples, with big keyboards and sound modules in a large studio! But nowadays we have them all digitally in the computer and new synthesizers are very similar to warm analogue sounds that make it very important for us to use them. Not really, we might not use old equipment but they are part of how we get here and sometimes it rings a bell and createsan idea for us!

What are the most common problems/ issues when it comes to a performance? You hit the wrong button LOL but seriously, playing night after night and flying a lot may cause this! Do you like to have crowds closer to you rather than really far away during a set? Do you keep an eye on your crowds during your set? The whole idea of a live show is to get crowds energy and give that energy back with music and we like them to be closer. But it might be overcrowded sometimes. Like a big festival. What thing do you think has a negative influence on electronic music? Why? Loudness war! Period! It’s like if you’re not as loud as other people you’re not that good! What are you currently working on? New tracks, or concentrating on shows? We have recorded at least 10 tracks and have a completed video that has not been released to the public yet. Currently, we have in the pipeline 10 new songs in the making. Since we are now signed to Kobalt distribution, we are going to be releasing more new songs in the near future quicker than our previous attempts. What would you tell the young people who have just started in this phase of following their dreams? Don’t do it man! ( jk! You know. It’s a very tough business and a long process. Although if you’re technically a great producer, still people are gonna say NO to you. They will pass on your music so many times!But you know what? You shouldn’t give up. Keep pushing. Keep expanding your musical vision. Try different styles. And before all of that, BE SURE IF MUSIC IS YOUR BEST CHOICE IN LIFE OR NOT! In general, be persistent in anything you do.

En el placer de la experimentación y de aprender distintos estilos, explorando desde la libertad y acallando constantemente la voz interna que enjuicia y limita la creatividad, creo que es la base para ser feliz haciendo lo que me apasiona, entrando a mi taller el reloj deja de tener importancia y para mí, esa es la señal de que la pintura es el lenguaje que prefiero y uso como puente para desenredar mis mundos internos. En una clase de arte en la escuela, en mi adolescencia, hicimos la preparación de una tela que hicimos bastidor, en la que luego pintaríamos y me atrapo el universo de posibilidades que ofrece un lienzo en blanco, comencé a interesarme en la historia del arte, a leer biografías de artistas y me enamoré de esta expresión artística.

¿Qué pintores han influido en tu vida, y quién te gusta de los actuales? Admiro intensamente a los artistas que provocaron Ismos en el arte, los artistas que ha tenido el valor como para salirse de lo que cada época ya aceptaba y suponía como “arte”, de entre todos los ismos el fauvismo por hacer uso del color como vehículo de expresión de un estado de ánimo ( Georges Braque, Maurice de Vlaminick), y el expresionismo porque procuraban la espontaneidad y la libertad frente a las fuerzas tradicionales (Ernst Ludwing Kirchner, Emil Nolde, Gabriel Mùnter), pero el trabajo de Gustav Klimt pertenenciente al modernismo, es un ejemplo a seguir para mi, por la ornamentación de sus obras con la intervención de la figura humana, pude admirar recientemente su obra “Portrait of Adele Bloch- Bauer” en el museo NEUE Galerie, en Nueva York, y fue una experiencia arrasadora, ver la cantidad de detalle con la que está realizada esa pieza que además está cargada de tanta historia, me conmociono intensamente. De los artistas actuales me encanta la obra del expresionista mexicano Roberto G. Curras, también admiro el trabajo de Gabriel Moreno, las instalaciones de Betsabè Romero, existen muchos artistas que me fascina su obra, no podría mencionarlos todos en un párrafo.

¿Cómo empezaste a pintar? En mi adolescencia en clases de arte en la escuela, y cuando terminaba la clase, mi mente se quedaba ahí, en ese lienzo, en esa pintura, sentía la necesidad de querer continuar en mi casa, compre materiales para experimentar y encontraba en esa actividad la posibilidad de hablar a través de los colores, a la edad de 20 años comencé con clases particulares de arte y desde entonces siempre busco intentar cosas nuevas y nunca dejar de aprender. ¿Por qué escogiste pintura y no otra expresión artística? Porque no obedece normas, me da espacio para hacer y deshacer lo que me parezca mejor, espacio para la reflexión y me absorta de la realidad.

¿De dónde viene tu inspiración? Cuando comencé a pintar leí una frase de Federico Borromeo que se grabo en mi “Los colores son casi palabras percibidas por los ojos, penetran en el alma tanto como las voces percibidas en los oídos”, también me inspiran las percepciones que me generan las texturas, los tejidos, en aquello que invita a ser acariciado para conocerlo mejor, desde otro sentido además del de la vista, cuando veo algo o alguien lo imagino con los colores que su presencia me vibra, y después trato de plasmarlo, a veces son abstractos de algo que me genero una situación o persona.

¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre una superficie? M primer obra original fue a la edad de 21 años, una experiencia retadora y apasionante, había adquirido ya los conocimientos básicos al tomar distintas clases de dibujo y pintura, pero enfrentarse a hacer una creación original, sin tratar de seguir el trazo de nadie más, fue y es aún después de 13 años pintando, un ejercicio de autodescubrimiento, obcecado, de intentar, borrar, dar con la pincelada correcta, la que me hace vibrar.

¿Cómo definirías tu estilo y qué buscas en la pintura? No me gustan las etiquetas, porque creo que encajona y limitan, mi obra busca ser acariciada con la mirada o tentada a tocarse, a sentir las texturas, lo que casi siempre sucede, estamos acostumbrados al letrero “no tocar” a las obras de arte, pero creo que toda creación está hecha para ser sentida, acariciada, entendida desde el canal de comunicación que tengamos como preferente, es una obra humana hecha para otros humanos, y debe ser explorada sin recato, con el acercamiento que el espectador prefiera y le provoque. Podría llamarle “kinestesismo” por inventarle una etiqueta. ¿Cuál ha sido la obra que más te ha marcado? Un retrato que hice de mi padre, el falleció cuando yo tenia 3 años, también dibujaba y yo observe muchas veces sus trazos, sus líneas, y poder darle vida a sus ojos sobre un papel se me hizo muy poderoso, creo que eso es uno de las fuerzas más grandes de la pintura o el dibujo, recrear esencias, inmortalizar la existencia efímera y de alguna manera, hacer que permanezca y pueda ser recordado, aunque sea a través de la interpretación de la persona que lo pinta. Si tus obras pudiesen hablar, ¿Qué dirían sobre el artista? Mis obras serian una invitación a establecer una relación cercana. ¿Cuánto ha sido el tiempo máximo que has pasado trabajando en una obra? 9 meses aproximadamente. ¿Qué es lo que quieres transmitir con tus obras? Pretendo hablar desde las muchas texturas y el uso del color como lenguaje, he estudiado los estados de ánimo que produce cada tono y la influencia en el medio ambiente que es tocado por él, cuando pinto me dejo llevar por lo que estoy experimentando emocionalmente en ese momento, para luego plasmarlo y poder crear un puente entre el mundo interno y el espectador, reconozco que mis obras sí son hechas para ser parte de la vida de otro, no pretendo quedarme con ellas, siento que ha cumplido su misión cuando alguien se siente atraído por la pieza y ocurre la magia de la unión, creo que de múltiples maneras estamos conectados todos los seres humanos, mis obras son ese hilo que me conecta con las personas que debo conocer, a través de mis ellas he conocido gente increíbles que enriquecen mi vida, no solo los interesados en adquirir alguna de ellas, también maestros, otros artistas y personas que son sensibles al arte de muchas maneras.

¿Qué técnica te gusta realizar más? Pintura al óleo y uso de materiales no convencionales. ¿Cuáles han sido las dificultades más grandes que te encontraste en el camino para ser artista? Aceptar que soy responsable del alcance de mis obras y llevarlo a cabo. Ahora ya no existen los límites que tenían antes los artistas de tener que ser descubiertos y promocionados por otros, con la globalización queda en nuestras manos la difusión de nuestros trabajos. ¿Crees que la Galería importa mucho en una exposición? Creo que es un medio más para la difusión del trabajo artístico, quizás con un público que se interesa y ya es sensible al arte, sin embargo, al mostrar nuestras obras en las distintas redes sociales esta posibilidad se expande a millones de personas que quizás se descubran interesados y comiencen a ser también sensibles a las creaciones artísticas, creo que en existe un tabú entre que el artista es alguien que es enigmático y misterioso, que las obras de arte son para estar colgadas en los museos o galerías importantes, pero en realidad yo creo que esas barreras deben ser derribadas porque el arte es para todos, debe ser accesible, es una creación realizada por y para humanos.

¿Cómo ves el panorama de la pintura en el País? Esperanzador, cada vez veo más despertar en la conciencia de los beneficios del contacto con el arte, con más difusión y personas interesadas en acercarse y creo que las fronteras son traspasables gracias al internet, queda en la responsabilidad de cada artista mostrar al mundo sus obras. Tu frase favorita: No es una frase, es una palabra que engloba la filosofía de vida que comparto: “Libertad”. ¿Qué superhéroe quisieras ser y porque? Batman, porque su super poder es la fuerza de voluntad, algo que esta al alance de todo ser humano. ¿Algún pasatiempo? Paso demasiado tiempo leyendo, escuchando música, me interesa invertir los minutos de mi vida en enriquecerla con historias de personas, de culturas, descubro siempre inspiración en esto. Me fascina el ciclismo y estar al aire libre. Si no hubieses elegido ser artista ¿a qué te hubieses dedicado? Me hubiera gustado ser doctora, me parece una profesión invaluable.

Si pudieras volver el tiempo qué escena de tu vida desearías recrear y ¿por qué? El día en que vi el mar por primera vez, tenía 6 años y recuerdo haber entrado corriendo como cuando abrazas a alguien y te fundes en ese amor. ¿Qué sigue para ti? Creo en el poder del arte para edificar el espíritu humano, al entrar en este mundo artístico me enamore de los millones de posibilidades que ofrece para expresar mi interior y conectar con otros a través de mis obras, pero cuando comencé a estudiar los múltiples beneficios que se obtienen de realizar actividades artísticas me interese en prepararme para compartir con clases a niños y adultos, es una experiencia enriquecedora contagiar a alguien más, ver como ese ser puede ser capaz de hacer sus propias creaciones, tengo un diplomado en arte terapia, así como en mediación cultural de CONARTE, ahora mismo trabajo en un proyecto al que llame MAP! (Mas Artistas Por favor) y pretendo llevarlo a cabo impartiendo clases a los muchachos que trabajan en la calle, así como dar pláticas para que los padres de familia en las escuelas sepan de los múltiples beneficios que el arte ejerce en el cerebro para fomentar que dejen a sus hijos explorar sus talentos y vean la magia que ocurre cuando esto sucede.

¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura? Que no se detengan, que estamos en el camino para ayudarnos, que acallen esas voces que no les permiten explorar el arte de primera mano, que los artistas somos necesarios en la sociedad, no solamente los pintores, todo tipo de expresión artística debe ser compartida con otros, que sì es posible vivir del arte, que se unan al grupo de “SI SE PUEDE VIVIR DEL ARTE” en Facebook, creado por Cesar Biojo, somos más de 6,000 artistas de todas partes del mundo apoyándonos para poder vivir de nuestra pasión, en esta comunidad se comparten las experiencias que sirven para impulsarnos los unos a los otros. Simplemente no se detengan. AGRADECIMIENTOS A: A la red principal que me ama sin condiciones en todas mis facetas: mi familia: Roberto, Nadezha y Airan, a mi madre y hermanos, a mis maestros que enriquecen y comparten su conocimiento… “si observamos bien, todos pueden ser grandes maestros”.

Félix Danilo Gómez Bosquez, conocido artísticamente como Flex (anteriormente como Nigga), es un cantante panameño de reggae en español y reguetón y lo tenemos en esta edición de CP Magazine, ¿Cómo se ha desarrollado tu trabajo? Mi carrera se a desarrollado de en base a las influencias que se encuentran en mi país tales como lo son la música Reggae y también por tanta música romántica que escuchaba mi papa durante mi juventud que siento yo fueron los que me llevaron hacer Reggae Romántico o Romantic Style. ¿Cómo fue tu acercamiento al mundo de la música? Todo comenzó como hobi por el gusto que sentía por la música durante mi adolescencia y cuanto llego a trabajar en radio siempre cantaba encima de algunas canciones famosas del momento es como después junto a mi hermano Alex y mi amigo Guido comenzamos a escribir nuestras propias canciones. ¿Recuerdas tu primer canción? Mi primera profesionalmente se llamo Como Puedo Cantar.

canción

grabada

¿De dónde viene tu inspiración? Pues mi inspiración nace primero de lo que representa espiritualmente mi madre desde el cielo, también me inspiro en personas y sus vivencias o también me inspiro en ideas o conceptos de situaciones varias las cuales puede cualquier persona estar pasando en algún lugar. ¿Cómo definirías tu estilo y qué buscas? Mi estilo de Música siempre se a basado en la fusión de letras baladas pop con el sonido del reggae o Música Urbana como se le conoce hoy en día.

¿Cuánto ha sido el tiempo máximo que has pasado trabajando en una canción? Pues lo máximo máximo una semana en cuanto a la letra como tal. ¿Cuáles han sido las dificultades más grandes que te encontraste en el camino para ser artista? Bueno han sido muchos los retos que he tenido que afrontar, primero irme lejos de mi familia fue algo muy difícil y luego el tener que salir de mi país en búsqueda de un sueño que con la bendición de Dios eh ido haciendo realidad poco a poco. Tu frase favorita: Jamas dejes de Soñar ¿Qué superhéroe quisieras ser y porque? Pues Super Man porque de niño siempre me gustaba soñar que era super man. ¿Algún pasatiempo? Me gusta ir al Cine, Cocinar y los Video Juegos Si no hubieses elegido ser artista ¿a qué te hubieses dedicado? Pues seria Arquitecto o Diseñador Gráfico ¿Qué es lo más importante en tu vida? Lo mas importante de mi vida es Dios y mi Familia Si pudieras volver el tiempo qué escena de tu vida desearías recrear y ¿por qué? Creo que seria para despedirme de mi mama ya que jamas lo pude hacer y me hubiera gustado decirle cuanto la amo y cuanta falta me hace ¿Qué sigue para ti? Bueno en la música es un caminar y constancia diaria y pues lo que viene de parte de Nigga es mucha música ¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la música? Pues primero que tengan mucha paciencia y perseverancia porque este mundo no es nada fácil, también que jamas dejen de creer en Dios y en si mismos porque Dios tiene tu momento y tu lugar solo te quiere ver luchando por lo que quieres y por ultimo que hagan buena música porque recuerden que cada letra trae un mensaje y muchas personas se identifican y se inspiran con esas letras y como Nigga siempre dice JAMAS DEJES DE SOÑAR

CONTACTO: DENISEACUARIO@HOTMAIL.COM

Originaria de la Ciudad de México, titulada por la Universidad Anáhuac en Arquitectura, con estudios paralelos en artes plásticas en la Escuela de la Esmeralda. Complementa su carrera con diversos talleres de dibujo al desnudo, óleo, acrílico y técnicas de acuarela. Con más de 30 años en el desarrollo del quehacer artístico; principalmente con trabajos en óleo y acrílico en arte figurativo y hoy en día con influencia del Pop Art. Participación en varias exposiciones colectivas, en los talleres de Cuevas, Galería la Cueva de Bouchot, Solo Arte, Club de Industriales y varios foros de la Ciudad de México, siendo las últimas en Octubre de 2012 en la Sala del Aeropuerto internacional de Puebla con el tema “Los Ángeles nos Visitan”. En 2013 en la Galería Oscar Román con el tema “Matices de la Identidad", en el 2014 en la Galería Stella Magny Gallery con el tema “the White Lion Cause” en Julio, “Para los Muertos “en Noviembre y “Pequeño Formato” en Diciembre. En Noviembre del 2015 Participación en la gran subasta de la Fundación Amarte, por último en Rio Gallery en la Ciudad de Nueva York con el tema “Presence of Xochimilco in New York” en Julio 2017. Participación en programas de radio y televisión en relación con el arte y su trabajo en artes plásticas se ha profundizado en el sentido de la creatividad y la expresión apoyándose en diversos talleres con tendencia holística como Eneagrama, Numerología, Mitología y Simbolismo.

DENISE

RENAUD

¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre una superficie? Mi primer deslumbramiento fue cuando muy joven descubrí que tenía capacidad para hacer retratos. Lo mencionó como un deslumbramiento porque estaba entrando a la secundaria cuando me encargaron uno. Era la primera vez que hacia un retrato para alguien, pero el resultado fue maravilloso, pues conseguí plasmar algo de la interioridad del retratado, gustó muchísimo. Ahora me hace mucha gracia cuando me reúno con viejos amigos de la Secundaria o de la facultad me comentan que aún conservan los retratos que les hice en clase. También una pintura que realizaba para una exposición cuyo tema era la identidad, surgieron varias ideas para realizarlo, pero durante su ejecución, me remitía constantemente a un sueño recurrente de mi niñez. Decidí pintarlo para darle cauce y sentí que una parte de mi inconsciente, que pugnaba por salir, tuvo en esa pintura un gran catalizador y el resultado fue especialmente liberador.

¿Qué pintores han influido en tu vida, y quién te gusta de los actuales? Leonardo Da Vinci, con esa luz que genera vida y su técnica de sfumato; Caravaggio con su técnica del claro oscuro y su capacidad para plasmar magistralmente las emociones más profundas; William Blake y sus imágenes pletóricas de simbolismo; William Waterhouse y Gabriel Rossetti, ambos prerrafaelitas, con sus fabulosos retratos de mujeres; Tamara de Lempicka y su estilo Art Deco y el Surrealismo de Remedios Varo y Leonora Carrington. De los artistas actuales admiro a Roberto Ferri, me encanta la escultura de Rodrigo De la Sierra y admiro profundamente a mi hija Bárbara Renaud, quien ha demostrado tener un gran talento y una grandísima sensibilidad para el arte.

MURO DE LOS ENAMORADOS, MIXTA SOBRE TELA, 80 X 60 CM

¿Cómo definirías tu estilo y qué buscas en la pintura? Defino mi estilo como figurativo, aunque me he visto influida por el Pop Art y busco transmitir y provocar emociones que sensibilicen, conmuevan e inviten a la reflexión.

¿Por qué escogiste pintura y no otra expresión artística? Si soy honesta, yo creo que la pintura me escogió a mí.

¿Cómo se ha desarrollado tu trabajo? Mi trabajo ha ido evolucionando poco a poco, he descubierto facetas nuevas de mi persona que me han permitido desarrollarme en este campo desde diferentes vertientes. La arquitectura me dio una visión de la estética, de la armonía, de los vacíos y los llenos y, en general, la construcción del hábitat humano. He llegado a comprender que tanto la estética como la armonía se rigen por códigos que expresan las leyes de la naturaleza. Así que siempre he tratado de apegarme un poco a esa norma para plasmar distintas ideas que surgen en mi mente.

El arte, para ti, ¿tiene un fin en sí? El arte para mi tiene como función sensibilizar y conectar al espectador con emociones que habitan en su interior, por otro lado, el artista también está plasmando en su pintura un reflejo de sí mismo, así que el arte es un medio para despertar sensaciones en ambos. Cuando alguien se conmueve con la belleza de un cuadro, por ejemplo, es porque esa belleza está en su interior, la obra simplemente la está despertando y cuando esta simbiosis se logra, para mí se ha cumplido este fin. ¿Qué es lo que quieres transmitir con tus obras? Más que transmitir, quiero sensibilizar a las personas, creo que la belleza se expresa a través de las emociones pero nos da miedo vincularnos con estas, porque tocamos la orfandad que de alguna manera estamos viviendo hoy día, la falta de sensibilidad y esa gran armadura que nos protege emocionalmente nos impide muchas veces reflexionar. Quiero despertar reminiscencias interiores que conmuevan y conecten con algo más profundo.

FUEGO Y DETERMINACIÓN, OLEO SOBRE TELA, 130 X 100 CM

Ser un medio que despierte deseos e inquietudes, deseos de cambio, que dejemos atrás prejuicios arraigados, para abrir la posibilidad de ser más plenos y libres.

LIBERADA, ACRÍLICO SOBRE TELA, 120 X 100 CM

CORTANDO RAÍCES, MIXTA SOBRE TELA, 120 X 60 CM

¿Qué sigue para ti? Incursionar en el arte abstracto, explorar técnicas nuevas y seguir desarrollándome ¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura? Les diría que confíen en ellos mismos, que no se dejen influenciar por tantos lugares comunes que existen con respecto al artista plástico, que se involucren, para dar cauce a su creatividad y se interesen en diferentes disciplinas artísticas. Por último, que el racionalismo nos ha llevado a donde estamos ahora, necesitamos más hemisferios derechos que nos ayuden a tener un mundo más bello y creativo.

LUCHA ENTRE SER O DEJAR DE SER, ACRÍLICO SOBRE TELA, 130 X 110 CM

SELFIE, ACRÍLICO SOBRE TELA, 80 X 40 CM

Agradecimientos: Agradezco profundamente a Cool People Magazine International y en especial a Arthur Elías Fundador & Director General por abrir para mi esta valiosa oportunidad.

ENMARAÑANDO SUEÑOS, ÓLEO SOBRE TELA, 60 X 80 CM

ARTISTA VISUAL

Nací el 15 de Noviembre de 1966 en la ciudad de México, soy la mayor de dos hermanas, mi madre es de Zitácuaro Michoacán, lugar en donde pasé fines de semana y veranos de mi infancia gozando de mis abuelos, tíos y primos, mi abuelo Melitón Domínguez tenía detrás del jardín las caballerizas, por lo que para mi el relinchar y olor de los caballos resulta espectacular, admiro mucho su anatomía, colores, fuerza y trabajo. El abuelo como todos allá era un Charro orgullo de nuestro país.

Mi padre nació en un rancho ganadero en Azcapotzalco CDMX propiedad de sus papás. Cabe decir que soy nieta de Manuel Rosendo Calderón Zendejas artista plástico que era pintor y escultor que fue Curador de Bellas Artes dos sexenios en la Ciudad De México y trabajo en la Ciudadela hasta que se retiró. Tengo la fortuna de tener una de sus obras, La Virgen Dolorosa fechada en 1910.

Mi madre me metió a clases de pintura desde chica, al ver que gastaba todos mis domingos en colores y cuadernos para pintar. Con mis primos jugaba competencias para ver quien hacia el mejor dibujo. Siempre ganaba Rolando que hoy es arquitecto.

Tengo tres hijos: Emilio de 20, Mariana de 19 y José Antonio de 16. A Emilio es al único que le gusta el dibujo y generalmente me acompaña a montar exposición o a visitar museos y galerías. ¿Cómo empieza mi carrera como profesionista de la pintura?. Don Mario Múgica un gran amigo, buscaba quien le pintara una cenefa egipcia en una pirámide invertida para meditación. Al ver que no encontraba a nadie, hice unos bocetos, me compró el material y después de 6 meses terminé 10 metros lineales por 30 cm de alto en Tequesquitengo Morelos. Me basé en el valle de las reinas, la firmé en 2009. Me preguntó que cuanto me debía y le dije que nada. Mario me inscribió en el Taller de Esther Sámano para que siguiera estudiando pues decía que yo no tenía ni idea de mi talento. Yo no sabía que él había asistido a la Esmeralda y dibujaba espectacular. Se convierte en mi mecenas y quién me impulsa. Las primeras obras vendidas son de la Colección “Libélulas”. Hice un lienzo de 100 x 200 cm para mi sala y se vendió, hice otro y lo mismo. Mi gran amiga Luz Mari Morales gran artista visual, me llevo al Taller de la maestra Luz María Solloa Junco. Con ella decidí empezar desde cero para trabajar mejor el dibujo, pastel, acuarela, óleo, acrílico etc. Con la maestra Cuka Rivas aprendí a soltarme y disfrutar el abstracto. Con Jaime Ojeda Malpica aprendí velocidad, con Gabriela Catalán la estética en todos sus conceptos.

De niña estudie interna en Bedford, Massachusetts, de joven en Oxford Inglaterra, en México en el Instituto Rosedal. En la Universidad Anáhuac terminé la Lic. En Ciencias de la Comunicación haciendo especialidad en Relaciones Publicas y Publicidad. Viajé con mis padres por Estados Unidos, Canadá, México, Cuba, y con back pack dos veces por Europa, visité muchos lugares y conocí gente maravillosa, lo que más amaba era visitar todos los museos, ir al teatro y a la ópera. A los 22 le pedí a mi padre que me mandara a Australia, me dijo que no, pues yo quería ir a visitar al novio, me puse a trabajar y a los seis meses me fui por 2 meses y medio. Me di cuenta de que podía lograr todo lo que me propusiera.

Hoy en día disfruto con todos mis sentidos. Amo a mi familia, amigos y el arte de poder crear. Leer es de mis actividades favoritas. Me gusta todo tipo de música. Algo que agradezco es el poder trabajar en Responsabilidad Social, primero tuve la oportunidad de hacer con la Asociación Flor de Liz en mural con 30 niños en Topilejo, muy cerca de la ciudad de México. Hoy colaboro en el Proyecto Esperanza Jojutla al cual fui invitada por el Arq. José Luis Hernández Bañuelos. En febrero de 2019, estaremos entregando 36 casas para las familias de Jojutla que después del terremoto del 2017 quedaron sin nada. Para mí es un privilegió formar parte de una obra tan grande.

¿Por que Caballos?. Es una colección que me ayuda a plasmar lo que no tengo y quiero, una cuadra entera de ellos. La paz de vivir en el campo, de cortar la fruta de los arboles he ir por el huevo al gallinero. Mientras el caballete espera para que siga trabajando en el taller. • • • • • • • • •

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Reconocimientos y Exposiciones: · Obra en Venta en Galerías Siglo XXI. Polanco CDMX. · Catalogada en la Subasta de Arte Moderno de Morton en el mes de Diciembre 2018. ·Pieza en Piedra Subasta Proyecto Esperanza Jojutla en Diciembre 2018. · Obra en la Subasta Patronato Mónica Pretelini 8 de Noviembre de 2018. ·Exposición Colectiva en OFCA Centro Cultural Coyoacán a partir del 10 de Octubre de 2018. · Exposición Individual “Fluyendo entre Forma y Figura” del 10 al 14 de Septiembre de 2018 en el Instituto Nacional de Derechos de Autor. · Catalogada en la Subasta de Arte Moderno de Morton en el mes de Agosto 2018. · Reconocimiento por la participación en la Exposición Colectiva Leonardo a través del tiempo. En el Centro Cultural del México Contemporáneo del 15 de Marzo al 15 de Abril de 2018. · Exposición Colectiva en el Centro Cultural Mexiquense Toluca del 7 al 10 de Diciembre de 2017. · Subasta de Arte contemporáneo Galería Oscar Román 4 de Diciembre de 2017. · Reconocimiento del Museo Nacional de la Acuarela “Alfredo Guati Rojo” por participar en la Exposición “62 Salón Nacional” para profesionales del 5 de Noviembre al 3 de Diciembre de 2017. · Subasta y Exposición Colectiva Mentes Maestras. 21 de Octubre de 2017. Hotel Benidorm. · Primera exposición colectiva de pintura y escultura Huixquilucan 2017 “Esencias”. 6 al 27 de Octubre de 2017. Universidad Anáhuac México Campus Norte.

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· Exposición Individual “SUEÑOS, PASION Y MI AMOR POR EL ARTE. Instituto Politécnico Nacional Unidad Tecamachalco. 4 de Agosto al 5 de Septiembre de 2017. · Reconocimiento por la exposición “Los Niños del Vagón”. Arte 21 Plataforma Colectiva Arts Humanis Esc. Prim. Artículo 123 Adolfo López Mateos. 14 de Mayo de 2017. · Exposición Colectiva “Los niños del Vagón” . Ágora Naucalli. 14 al 31 de Mayo de 2017. · Reconocimiento al Liderazgo en el Mundo de la Artes. Facultad de Comunicación de la Universidad Anáhuac, Abril 2017. · Mural con los niños de Topilejo con la Asociación Flores de Liz. De Mayo a Julio 2016. · Exposición Pictórica Colectiva. Taller del Maestro Jaime Ojeda Malpica. 24 de Noviembre de 2015.

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· Exposición LIV Concurso Anual para Aficionados a la Acuarela. Museo Guati Rojo. 11 de Julio de 2014. · Exposición Colectiva “Aires de México”. Centro Asturiano de México A.C. 7 al 16 de Julio de 2014. · Exposición Colectiva “Un Mundo Diferentes Expresiones”. Club Mundet. 1 de Diciembre de 2013 al 7 de Enero de 2014. · Exposición Individual Rita Sánchez Domínguez. Club Mundet. Marzo 24 al 2 de Abril de 2013. · Exposición Colectiva “ USC”. Hotel Refugío del Salto Avándaro Estado de México. 25 al 28 de Mayo del 2014. · Exposición Individual “Entre lo figurativo y lo abstracto”. Twin Towers Huixquilican Estado de México. 23 de Noviembre de 2012. · Exposiciones Colectivas: “Form Arte”, “Otoñarte”, y “La Diversite” en Art Center Galería entre 2009 y 2011.

MIGUEL COLLAZO GUADAGNINI AW ARTWORKS 55 4919 7385

Hilda Márquez Barradas Hilda Márquez Barradas hija de la pintora Piedad Barradas egresada de Bellas Artes, desde que recuerdo viví entre pinturas, solventes medios para colores, lienzos. Mi infancia la recuerdo con que dulzura mi mamá me tomaba de mano y juntas hacíamos líneas; poco a poco yo me encargaba de manchar las obras las obras que le encantaban a ella, también le encantaban los formatos grandes. Mi madre dominaba todas las técnicas, la pintura en porcelana y el óleo fueron sus fuertes, así que yo también incursioné en todos los tipos de pintura. Cuando tenía 15 años se formó un estudio de pintura donde impartían clases Piedad Barradas y Martha Barradas.

Tuve mucha suerte porque llegaban varios pintores de talla internacional a impartir seminarios. Un pintor extraordinario del que tengo mucha influencia es Fillipe Pereira, venezolano de corazón y de origen Portugal; de hecho, las rosas y las flores de mis obras tienen su recuerdo. Todo lo que he aprendido y vivo lo plasmó en mis obras, aunque a veces me aloco y me salgo de mi realidad. Mi pasión por la pintura no tiene límites pintos casi todos los días de sol a sol y me parecen pocas las horas, pues amo pintar, como alguna vez dije "mi perfume es el aguarrás". Comencé pintando porcelana y óleo daba clases todos los días y pintaba en las noches, obras que me pedían. La metafísica Conny Méndez y Ricardo Picard cambiaron mi vida en cuanto a una manera de ver la perspectiva de la vida; y mi pintura cambio desde ese momento, observé que todo vibra y que las energías positivas y negativas, son muy importantes para nuestros actos y sobre todo para las obras de arte que pintamos y que llegan a las casas vibrando positivamente y dando buena vibra a quienes las adquieren.

Mis obras tienen figuras, símbolos o palabras para a buena fortuna, abundancia positiva y si las personas piden un deseo lo pinto escondido en la obra para que se realice. Es por eso que muchas compañías, negocios, clínicas, nuevas residencias, oficinas, casas..., todo lugar que tenga paredes simples y poder transformarlas en color. Yo pinto distintas obras y en este momento lo hago por series. En una de ellas tengo árboles de colores en tonos rosas fiushas, morados, verdes y amarillo, arboles dan tranquilidad ó que representan la fuerza y el poder, árboles que inspiran leer bajo su sombra, y en otros te imaginas que va a llegar Alicia en el país de las maravillas y el Sombrerero. Otra serie es de Frida Khalo la mujer que quiero y admiro, fue tremendame amada por muchos, que adoraba su temple para encarar la vida y que todas las mujeres del mundo tenemos diferentes temperamentos y uno o muchos Diego. Mi serie de abstractos; donde invento diferentes técnicas y utilizando materiales. Para dar vida a los colores y me imagino fiestas y fantasías de colores que hablan por mismas.

Cada forma es como ver las nubes y crear en nuestas mentes espacios que bailan, gritan, cantan, ríen. Mi serie de cuadros, de niñas Frida y Dieguito, que le dan vida a la infancia de todos, nosotros sobre todo los mexicanos nos sentimos identificados. Mis técnicas en todos los cuadros son óleos, acrílicos, en los que amo poner hoja de oro y plata.

Mi éxito como pintora se lo debo también a mi maravilloso equipo de trabajo y a todas las hermosas personas en el mundo, que como tú me están apoyando con sus comentarios, likes, y comparten mi trabajo. Orgullosamente "pintora mexicana".

Adriana Pino

Contacto: arte@macarenamedel.cl Instagram: macarena_medel Linkedin: Macarena Medel Samacoitz

MACARENA MEDEL SAMACOITZ ARTISTA VISUAL CHILENA

Nacida en Chile, Macarena Medel es diseñadora gráfica de profesión y se desarrolló como Directora de Arte de importantes empresas durante años, lo que le dio la disciplina, constancia y experiencia para iniciarse como artista visual autodidacta. Su obra fluye entre colores, matices, mezclas y texturas que invitan a descubrir formas y sensaciones con un característico manejo del color. Como artista visual sus inicios fueron marcados por el arte textil con lo que obtuvo en el 2012 el Premio de “Originalidad Latinoamericana” otorgado por Latín Art View en Buenos Aires, Argentina. Luego experimentó con materias y solventes creando pinturas fluidas, como un vehículo para crear efectos pigmentarios, técnica que ha cautivado su más reciente trabajo. Sabiendo que los pigmentos tienen características diferentes, utiliza la viscosidad de las materias para aprovechar su poder, para atraerse o repelerse entre sí como si estuvieran compitiendo por una posición en un viaje. Su pintura fluye, se derrama y sorprende mágicamente con formaciones orgánicas y abstractas que con movimientos controlados van formando microscópicas imágenes que parecieran estar relacionadas con patrones encontrados en el mundo natural, reflejando armonía, equilibrio y una magia que invita a descubrir un mundo de colores, formas y sensaciones las que han sido mostradas en galerías y exposiciones tanto de Chile como del resto de Latinoamérica, además de Estados Unidos y Europa.

Sus obras son parte de importantes colecciones privadas y cadenas hoteleras tanto nacionales como internacionales. • ¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte? Siempre estuve ligada al arte de alguna u otra forma. Mi interés por lo creativo, artístico y estético, mi fascinación por el color y sus combinaciones, herencia de mi madre, han marcado mi vida. El investigar técnicas, recolectar materiales y experimentar con ellos, el observar formas, el contacto con la energía de cada color y las constantes ganas de crear, son una suerte de terapia para mi. Mi inquietud constante es ¿qué podré inventar con esto?. • ¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre una superficie? Si. Después de trabajar durante muchos años como Directora de Arte de importantes empresas y raíz de una Fibromialgia que me afectó hace ya algunos años, decidí indagar en el arte de manera autodidacta en busca de una alternativa terapéutica. Fue ahí cuando me inicié en el arte textil, donde además incorporé en mis obras la Gemoterapia utilizando la energía de las piedras para entregar en mis obras una propuesta sanadora. En una constante búsqueda de mí misma y en la infinita curiosidad que tengo por descubrir otras formas de expresión decidí experimentar con la pintura, la que con su magia me cautivó y me ha permitido trascender a una nueva etapa de mi vida.

• ¿Qué pintores han influido en tu vida, y quién te gusta de los actuales? Me atrae la pintura abstracta y el arte cinético. La técnica osada de Pollock, reconocida como origen del dripping me parece muy atractiva y sorprendente para su época ya que desafió las tradicionales pinturas verticales atreviéndose a utilizar otras dimensiones, aplicando pinturas que fluían como descontroladas donde además utilizaba la fuerza de su cuerpo. Muy interesante. Roberto Matta, artista chileno, de reconocimiento internacional y Premio Nacional de Arte, también me parece digno de destacar. Su genial forma de expresionismo abstracto en el que mostró profundas visiones de la mente a través de dibujos figurativos representados en espacios dimensionales, no deja de sorprenderme. Otra artista chilena de gran trayectoria nacional e internacional y probablemente una de mis favoritas es Matilde Pérez, pionera en la técnica cinética en nuestro país que transgredió como artista mujer dejándonos un sello único.

• ¿Cómo se ha desarrollado tu trabajo? Mis inicios fueron marcados por el arte textil, rodeada de sedas y objetos orgánicos recolectados durante años y traídos de diferentes lugares que me dieron la pauta para desarrollar mis primeras obras. Dado que la técnica textil que utilizo requiere de mucha precisión y es un trabajo muy meticuloso, sentí en un momento la necesidad de soltarme, de salir de tanta estructura y control del más mínimo detalle. Necesitaba que mi trabajo fluyera más libre y es lo encontré experimentando con la pintura. Me he dejado sorprender con la magia de mezclas y efectos, con manchas descontroladas y chorreados que no están del todo bajo mi control. He podido experimentar una sensación que se contrapone, donde intervengo, pero a su vez dejo fluir. Es la mezcla perfecta que he encontré para este momento de mi vida donde busco desprenderme de tanta estructura y rigidez. Ha sido un proceso de transición que ha ido madurando y avanzando conmigo y que me ha acompañado en cada etapa dándome la oportunidad de mostrar mi trabajo a nivel nacional e internacional. Se me ha dado la oportunidad de trabajar bastante por encargo tanto para particulares como para el área hotelera nacional e internacional y he descubierto que me atrae involucrarme en el proceso creativo en conjunto con quienes tendrán mis obras. Siento una satisfacción enorme cuando logro plasmar lo que me comunican y buscan como objetivo final en la obra por lo que hoy estoy enfocada en ese estilo de proyectos. • ¿Cómo definirías tu estilo y qué buscas en la pintura? Mi estilo es abstracto, refleja armonía y equilibrio. Simplemente busco hacer una invitación a despertar la imaginación y a explorar en el inconsciente de cada uno. A jugar con las sensaciones y experiencias guardadas en lo más profundo de nuestro ser. A encontrase con aquello que tal vez no tenemos conciencia de que está ahí.

• ¿Por qué escogiste pintura y no otra expresión artística? Tanto la pintura como el textil, son expresiones que he desarrollado, que me han permitido comunicar y ambas me cautivan, tienen procesos muy interesantes, diferentes y que complementan mi personalidad. Con ambas he logrado expresarme por completo, utilizando una versatilidad que me ha permitido moverme entre la perfección del cálculo hacia lo imperfecto y del control al descontrol, siempre centrada en plasmar mi esencia, esa que me hace ser quien soy.

• ¿Crees que la Galería importa mucho en una exposición? Creo que hoy hay varios medios interesantes para poder exponer y acercar el arte a la gente. Las plataformas online son hoy una excelente alternativa que te permiten tener cierta libertad para llevar el arte a varios espacios, pero tener la oportunidad de exponer en una galería es conseguir un reconocimiento. Es lograr que gestionen y representen tu trabajo profesionalmente para poder construirte un nombre lo que sin duda valida a cualquier artista.

• ¿Cuál ha sido la obra que más te ha marcado? Todas son especiales. Hay mucha dedicación y entrega detrás de cada una de ellas. Hay un momento único en el que fueron creadas y es imposible no recordarlas todas.

• ¿Qué es lo que quieres transmitir con tus obras? Quiero transmitir un lenguaje propio y una propuesta que me identifique, que logre descargar la imaginación, fijar la mirada en los detalles y dejarse sorprender con la fuerza y magia de la materia y el color. • ¿Qué sigue para ti? Este año lo terminaré exponiendo en ferias internacionales; París Contemporary Art Show y en la semana del arte en Miami Art Basel. Para el 2019 tengo un proyecto con una cadena hotelera internacional para implementar con obras textiles y también pintura las nuevas suites de un gran hotel que será inaugurado en Chile a fines del 2019. El resto será seguir explorando y enfocando mi trabajo hacia el mercado internacional del arte contemporáneo donde mi obra a tenido una buena cabida y dejar que la vida me siga sorprendiendo con nuevas oportunidades para poder mostrar mi trabajo. • ¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura? Que crean en si mismos y trabajen enfocados en desarrollar propuestas que sean originales, con un sello propio y que sean constantes y generosos para compartir sus aprendizajes y experiencias con los demás. Agradecimientos: Agradezco espacios como este que permiten mostrar mi trabajo, a la vida por darme la oportunidad de desarrollarme en lo que más me gusta, agradezco poder disfrutar de este momento único, a los que creen en mi trabajo y a mi familia por su apoyo incondicional.

LUCY

CRUZ Como Artista, siempre me gusto pintar desde mi infancia, busco ser una especie de embajadora del arte, y quisiera ser recordada así, me encanta aprender de otras culturas y promover el arte en todas sus formas, durante estos años que he estado inmersa en esta disciplina, mi estilo es el de crear una combinación de figura y fantasía, colores, texturas y transparencias. Tratando de crecer en las artes, he tomado cursos de Fresco y de dibujo en Florencia, Italia. Mi Arte se ha adquirido con diferentes coleccionistas de Argentina, Líbano, Italia, Rusia, Francia, Suiza, Alemania, Estados Unidos, Canada y México. Médaille dÁrgent Artiste Mérite et Dévouement Français, Palais de Luxembourg, Paris 2012 and 2013. Médaille dÓr Exposition Grand Prix International “Créateurs di Siécle” Centre Mondial de la Paix, Palais Episcopal, Verdun, France, July 2015. Artista en el Dictionnaire des Artists Cotés de Christian Soriano, Paris, Francia desde 2014 hasta ahora. Es artista miembro en el Salon du Dessin et la Peinture à lÉau, Paris, desde 2017 y miembro de la Société des Artistes Indépendants, Paris, 2018. ¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte? Desde mi infancia, siempre me gustó dibujar, pintaba desde niña en la lavandería de mi casa. ¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre una superficie? Desde mis primeros años desde que recuerdo siempre me vi dibujando sobre papel, mis cuadernos siempre estuvieron llenos de dibujos, sabia pintar con óleo desde pequeña, me inspiraba con las obras impresionistas, de hecho mi madre me guardó mis primeros dibujos. Y recuerdo las filas que hacian mis compañeros para que les hiciera dibujos en el jardin de niños.

"AZUL NATURA" MIXTA SOBRE TELA 120 X 80 CM

Contacto: Lucy Cruz https://cruz-lucy.dictionnairedesartistescotes.com/ Instagram : lucycruz67 lucycruz127@gmail.com

¿Qué pintores han influido en tu vida, y quién te gusta de los actuales? Michaelangelo es de mi máxima inspiración, Sandro Botticelli, Modigliani, Vincent Van Gogh, Gustav Klimt, de los actuales Juan Ramirez, pintor surrealista, Miyriam Sitbon, escultora, Catherine Gaillard –Perez, Leonora Carrington, Francisco Toledo, Rufino Tamayo. La lista es muy larga…

¿Por qué escogiste pintura y no otra expresión artística? Porque me gusta dibujar, y porque me encanta jugar con todos los colores.

¿Cómo se ha desarrollado tu trabajo? Retomé la pintura despues de muchos años, fué en el año 2004, cuando viví en Veracruz, y desde entonces he estado experimentando técnicas, colores, transparencias para desarrollar un estilo propio.

El arte, para ti, ¿tiene un fin en sí? Claro que lo tiene. El Arte tiene que existir en todas sus formas de expresión, es lo que nos hace más humanos.

¿Cómo definirías tu estilo y qué buscas en la pintura? Yo lo defino como realismo mágico. Y busco transmitir, que el espectador logre conectarse con mi obra. Al fin y al cabo lo que creamos como artistas son las emociones que proyectamos.

Tu frase favorita. “A veces puedes sentir que limitan tu cuerpo, no permitas que detengan tu espiritu”

"VUELO DE COLIBRIES" MIXTA SOBRE TELA 120 X 200 CM

"MIRADA SEDUCTORA" MIXTA SOBRE TELA 90 X 70 CM

"PROMESAS" MIXTA SOBRE LINO 90 X 70CM

¿Crees que la Galería importa mucho en una exposición? Quizás si, y tal vez en cuestión de estatus sirve mucho el nombre de la galería, pero por algo se tiene que empezar, y yo creo que cuando la obra habla por si sola, no importa el lugar donde se exponga, lo va a enriquecer. ¿Cuál ha sido la obra que más te ha marcado? Fué una de mis primeras obras de un Arlequin de colores que mide tres metros por un metro diez cm, me abrió las puertas para exponer en Francia.

"ENSOÃ&#x2018;ACION" MIXTA SOBRE LINO 100 X 80CM

"MONTMARTRE, VILLA DE LOS ARTISTAS" MIXTA SOBRE LINO 90 X 70CM

¿Qué sigue para ti? Llevar la primera Delegación Mexicana al Art Capital en el Gran Palacio de Paris, Francia en Febrero de 2019. ¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura? Que nada los detenga, crear y creer siempre en su talento, y que el único límite está en su mente. Que se puede llegar muy lejos, trabajando con perseverancia y sobre todo mucha paciencia, porque ésta es una carrera que puedes ver los frutos a muy largo plazo.

"NADA ES LO QUE PARECE" MIXTA SOBRE TELA 120 X 95 CM

Agradecimientos: Muchas gracias a Arthur Elías y a la Revista CP Magazine por permitirme expresarme en esta entrevista, la disfrute mucho. Agradecida siempre a mis padres y a mi esposo Felipe y a mis hijos, porque son mi inspiración.

Contacto: www.anaelisabenavent.com Facebook: @aebenavent Instagram: @aebenavent

ANA ELISA BENAVENT "En mi obra el color reemplaza a las formas. Habla libremente y expresa mis más íntimos sentimientos, mis emociones más ocultas… alcanzar la claridad, dejar ir, volver a empezar. Mi arte no es literal, más sí narrativo. Una narración abierta en la que la interpretación individual comienza con el autodescubrimiento y la revelación. Una historia basada en lo que no se dice… conversaciones visuales con la vida.“ Mi proceso creativo es una excavación profunda, una disección del proceso emocional entre el alma y la vista. No pretendo que quien contemple mi obra vea en ella lo que yo veo, pero sí que mi obra los sumerja en su propia versión, en su propia experiencia. Pasión, dolor, miedo, tristeza, ira, sorpresa, ansiedad… un rojo brillante llega para alegrar a un sombrío azul índigo; lleno de celos, ese enorme y profundo morado toma el control; habrá que invitar a un poco de blanco para hacer las paces… Y así, estos campos de color conversan, juegan y se mezclan para crear una historia. Mi historia, tu historia. Técnicamente, mi obra alude al abstraccionismo de campos de color, corriente en la cual me adentré durante los 15 años que viví en Washington DC. Está compuesta primordialmente por piezas de acrílico y técnica mixta sobre madera de mediano y gran formato. La superposición de capas de color sobre la superficie refleja la complejidad e interconexión de las emociones.

Todo es transitorio 120 x 180 cm

Nomás no avanzo 100 x 100 cm

¿Por dónde empiezo? 80 x 80 cm

He expuesto de manera individual y colectiva en Nueva York, Washington DC, España y México. Estudié abstraccionismo, color, dibujo, técnicas mixtas, expresionismo, encáustica y monotipos, entre otros, en The Art League de Alexandria, Virginia y en el Atlantic Pyramid Art Center de Washington DC, principalmente bajo la tutela de Marsha Staiger. Mi obra ha recibido reconocimientos por parte del Consejo de Artes y Humanidades de la Ciudad de Washington DC, de las Alcaldías de Alexandria y Arlington en Virginia, y del Torpedo Factory Art Center en Alexandria, Virginia. Además, ha recibido reseñas en The Washington Post, The Examiner, y el Washington Blade, entre otros.

¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte? No recuerdo algún momento de mi vida en el que no haya pintado de una forma u otra, tomando clases, experimentado técnicas, corrientes y estilos, desde el paisaje hasta el bodegón, del desnudo a la geometría, de la acuarela al óleo al acrílico. Sin embargo, nunca cruzó mi mente pintar profesionalmente hasta hace ocho años.

Fue entonces que la que era mi maestra de expresionismo abstracto, y quien ha sido mi inspiración y mentora en el arte Marsha Steiger, me convenció de participar en una exposición colectiva. Debo confesar que esa primera exposición no fue una experiencia placentera. Tal vez por la naturaleza de mi obra, ya que vuelco en ella todas mis emociones, exponerla fue muy intimidante para mí. Una semana después, la obra se vendió y yo literalmente lloré por ella. Claro está que todo eso me dio la confianza para emprender este camino. En ese entonces yo vivía en Washington DC y esa exposición me abrió la puerta para obtener representación permanente en una galería y exposiciones colectivas e individuales en Washington y Nueva York.

¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre una superficie? Primero de secundaria, clase de arte. Recuerdo vívidamente cuando entré por primera vez a una tienda de arte a comprar la lista completa para la clase y, por supuesto, el primer lienzo tuvo que ser el bodegón de rigor. Hoy, mi superficie favorita para pintar es la madera. La prefiero al lienzo porque su firmeza refleja mejor los pigmentos y me permite aplicar múltiples capas de colores translúcidos, algo que me gusta mucho hacer para transmitir la profundidad y complejidad de las emociones. ¿Qué pintores han influido en tu vida, y quién te gusta de los actuales? Viví 15 años en Washington DC que, junto a Nueva York, fueron la cuna del expresionismo abstracto de la posguerra. Pasé interminables horas en los museos Smithsonianos y en el MOMA de Nueva York contemplando y diseccionando la obra, los trazos, los colores, la intención de los abstractos… Era inevitable, pues, que la mayor influencia sobre mi técnica proviniera de artistas tales como Mark Rothko, Barnett Newman, Clifford Still o Helen Frankenthaler. Mis pintores favoritos de la actualidad son Robert Ryman, Anselm Kiefer y Gerhard Richter. Ai Weiwei es un artista al que admiro enormemente.

Es más que vanidad 80 x 120 cm

¿Por qué escogiste pintura y no otra expresión artística? No fue una elección consciente. Desde que tengo uso de razón lo que más me gusta hacer es dibujar y pintar. El arte, para ti, ¿tiene un fin en sí? Creo que una pieza de arte debe tener tanto un fin estético como de expresión artística, y esa expresión puede ser emocional, social, política, etc. Una obra de arte logra su cometido cuando el espectador la disfruta estéticamente y, además, establece una conexión a nivel personal con ella, ya sea a nivel emocional, social, o lo que fuera que el artista busque transmitir. Mi expresión artística y la finalidad de mi obra es claramente a nivel emocional.

Tu frase favorita. En este momento puede ser: “Una obra de arte que no comenzó con emoción no es arte.” Paul Cezanne.

Incondicionalmente yo 100 x 100 cm

Después de todo 180 x 120 cm ¿Cuál ha sido la obra que más te ha marcado? Imposible elegir solo una. “Uno” de Jackson Pollock, “Dos Mujeres” de Willem De Kooning, o cualquiera de las Nínfeas de Monet son piezas que puedo contemplar durante horas. También puedo visitar mil veces el salón Rothko de la Colección Philips en Washington DC. ¿Qué es lo que quieres transmitir con tus obras? Mi mayor satisfacción como artista es cuando logro esa conexión con el espectador y mi historia detrás de la obra se convierte en la historia de alguien más.

¿Qué sigue para ti? Acabo de terminar una exposición individual en el Centro Cultural San Ángel y tengo programadas un par de colectivas para el 2019. Por ahora estoy más interesada en el trabajo colectivo y en la experimentación con algunos nuevos materiales.

¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura? Picasso decía que primero tuvo que aprender a pintar como Rafael para después poder pintar como niño. Un buen abstraccionista debe dominar los elementos técnicos de la pintura y tener un excelente dominio del color. Lo que hace grande a un artista es la honestidad de su obra. El artista debe crear una expresión artística genuina y mantenerse firme en ella a pesar de las críticas y la presión del mercado.

Agradecimientos: Siempre agradecida con mis hijos Anelisa y Félix por su coaching, sus ideas y sus porras.