NACIMIENTO DE VENUS S. BOTTICELLI
1)
¿Qué medios se han utilizado? Se utilizó Témpera sobre lienzo.
2)
¿Qué colores se utilizan y de qué tipo son? Los colores son discretos y recatados como la propia diosa; los fríos verdes y azules se resaltan por las cálidas zonas rosáceas con toques dorados. Las olas del mar, estilizadas en forma de V, se empequeñecen con la distancia y se transforman al pie de la concha. De los árboles cuelgan frutos blancos con puntas doradas; las hojas tienen espinas doradas y los troncos también se rematan de oro. Todo el naranjal parece imbuido de la divina presencia de Venus.
3)
¿Cómo se emplean las líneas? El análisis de la geometría de esta obra es particularmente interesante porque nos permite comprobar que la posición de Venus se ha desplazado con respecto a la línea central precisamente lo necesario para trasmitir una sensación de movimiento desde un punto de partida central,
4)
¿Cómo está compuesta la escena? Muestra a la diosa desnuda sobre una concha que flota sobre las aguas de un mar verdoso; la costa, recortada y boscosa, cierra la composición por la derecha, lado que ocupa una figura femenina, ataviada con una ligera túnica floreada, que corre solícita a arropar a Venus: se trata de una alegoría de la Tierra o de la Primavera (¿o es quizás una de las Horas o Ninfas?). A la izquierda, enlazados en un abrazo, aparecen las representaciones de Céfiro Cloris, cuyo rápido vuelo arranca rosas, flores sagradas de Venus, creadas al tiempo que la diosa del amor, que con su belleza y fragancia son el símbolo del amor, y con sus espinas nos recuerdan el dolor que éste puede acarrear.
5)
¿Cuáles son las partes luminosas, las oscuras y hacia dónde se dirige la luz? La parte luminosa el cuerpo de la diosa sobre la concha, las oscuras los cuerpos que se ubican en la parte izquierda y derecha de la diosa, y la luz se dirige al centro de la obra.
6)
¿Cuál es el estilo de cuadro? Este cuadro ha sido interpretado como uno de los de mayor sentido neoplatónico; simbólicamente expresaría el nacimiento de la "Venus Humanitas", es decir, de la unidad, la armonía, encuadrada dentro de los tres elementos: tierra, mar y aire.
7)
¿La escena es activa o estática? Activa, representado por la presencia del viento y la representación de los mantos ondulados.
8)
¿Cuáles son las influencias?
La pintura nos muestra una temática que se relaciona con las doctrinas neoplatónicas ya que en el renacimiento habían grupos de Florentinos que obedecían a los mandatos de Platón, ellos decían que el ser humano debía buscar la unidad entre la belleza, el amor y la verdad, estas cualidades se encarnan en la figura de la Venus. PINTURA RENACENTISTA.
9)
Identificar símbolos :
Las figuras a la izquierda simbolizan la unión de la materia y el espíritu y que dan vida a venus. La diosa desnuda representa la inteligencia pura o de la suprema sabiduría. A la derecha se encuentra la hora y se interpreta como el ocultamiento del conocimiento. La pintura es símbolo del Humanismo renacentista, marca la exaltación de la belleza y la dignidad de los hombres y mujeres, así como el fin de la concepción medieval centrada en lo divino. La concha símbolo de la fertilidad. Las rosas que caen simbolizan el amor.
10)
¿Qué significan la obra y el contexto?
El momento real que representa el cuadro no es el nacimiento de la diosa, sino su llegada sobre una concha (símbolo de la fertilidad) a una de las islas que tradicionalmente se consagran a esta deidad, posiblemente Citerea. Venus llega empujada por el viento exhalado por Céfiro, cuyo cuerpo se entrelaza con el de Cloris, ninfa de la brisa. Las rosas que caen a su alrededor simbolizan el amor. Al otro lado, la ninfa Flora espera a Venus para arroparla con su manto. El cuerpo de Venus resplandece en una desnudez lánguida, mientras que su larga cabellera se agita al viento formando un dibujo sinuoso muy característico del estilo de su autor. El contraposto que observamos en la diosa nos remite a la Antigüedad clásica, mientras que su rostro parece que pudo estar inspirado en el de una de las jóvenes más bellas de la Florencia quattrocentista, Simonetta Vespucci.
LA ULTIMA CENA LEONARDO DA VINCI
1) ¿Qué medios se han utilizado? Es una obre mural de temple y óleo.
2) ¿Qué colores se utilizan y de qué tipo son? Los colores empleados con los rojos, azules y verdes, amarillos dorados, púrpura y algunos ocres.
3) ¿Cómo se emplean las líneas? Se trata de una composición simétrica, con un punto de referencia que es Jesucristo en el centro de la mesa y rodeado por sus apóstoles. Una fuerte línea horizontal marca la escena, que es la mesa de mantel blanco, incidiendo en el carácter de tranquilidad y sosiego de la misma. Asimismo, las líneas diagonales hasta el fondo de la sala añaden movimiento y profundidad de campo a la misma, aumentando su realismo.
4) ¿Cómo está compuesta la escena? Usando la horizontalidad teatral pinta una gran mesa cuadrada, los apóstoles sentados alineados a ella con Jesucristo en el medio y detrás una sala grande con ventanas al exterior, viéndose un paisaje montañoso en ellas; todo bajo un techo de vigas de madera. Todo ello elaborado con formas cuadradas (las ventanas, la mesa, la caída del mantel en la mesa, el techo, los varales rectangulares).
5) ¿Cuáles son las partes luminosas, las oscuras y hacia dónde se dirige la luz? Leonardo ilumina la escena con luz artificial a su conveniencia también; prescinde de la iluminación natural que suministrarían las ventanas traseras y solo la usa para difusamente aureolar la cabeza de Cristo durante este momento que anuncia la traición de Judas, para dar un contraluz. La visión desde las ventanas aporta perspectiva y una visión hasta la lejanía por el paisaje que desde ellas se aprecia.
6) ¿Cuál es el estilo de cuadro? Es una pintura Renacentista italiano del siglo XVI Características renacentistas de esta obra: -Movimiento (en los pliegues de la ropa de los apóstoles y en los gestos) -Naturaleza (en fondo de las ventanas) -Técnica del fresco -Colores Intensos -Temas Religiosos
7) ¿La escena activa o estática? Activa, generado por el movimiento de los pliegues de la ropa de los apóstoles y en los gestos.
8) ¿Cuáles son las influencias? En la obra también aparecen referencias Neoplatónicas, que ha fomentado multitud de interpretaciones para esta obra, una de las más controvertidas de toda la Historia del Arte, y un verdadero estudio de la perspectiva clásica. 9) Identificar símbolos : Judas aquí aprieta con la mano el saquito de los treinta dinarios, el precio de la traición y casi empujado por el impetuoso Pedro, que tiene un cuchillo en la mano y mira a Jesús como para defenderlo. El dedo indice de Tomas apunta hacia arriba el gesto es como de interrogación.
10) ¿Qué significan la obra y el contexto? El motivo del cuadro es el momento en el que Jesús acaba de anunciar que uno de sus discípulos lo traicionará. Sabemos esto por el trabajo de Pacioli, que afirma tal cosa en el tercer capítulo de su libro De divina proportione. Este mismo anuncio y las diferentes reacciones de los apóstoles en tomo a la mesa es el instante que Leonardo elige congelar en el tiempo. Para captar las expresiones más verosímiles, Leonardo estudió las poses, las expresiones faciales y las fisionomías de muchos de sus contemporáneos, que después incorporó al cuadro.
LA GIOCONDA-LEONARDO DA VINCI
1) ¿Qué medios se han utilizado? Óleo sobre tabla.
2) ¿Qué colores se utilizan y de qué tipo son? 3)
Ocre quemado para sombras oscuras, albayalde y amarillo sulfuroso para los colores carne. ¿Cómo se emplean las líneas? Las líneas de contorno están muy poco marcadas, debido a la confusión de los elementos.
4) ¿Cómo está compuesta la escena? El paisaje, en continuo movimiento se conforma mediante ríos que fluyen, brumas, vapores, rocas deshilachadas, juegos de luces y vibraciones de colores. Nada hay permanente, todo se trasmuta y se funde, en una visión de paisaje irreal, esencia de la naturaleza. La belleza estriba en ese continuo ser y no ser, hacerse y deshacerse; la mujer en comunión con la naturaleza se integra y forma parte de ella, convirtiéndose igualmente en fondo. En la obra no importa sólo la grandiosidad de la imagen, lograda por la perfecta definición del modelado, sino la plasmación de esa belleza ideal, tan buscada e investigada por Leonardo. La fusión entre el sentimiento del ser humano y la naturaleza es el reflejo de esa belleza, que se manifiesta en el perfecto equilibrio y armonía del rostro de la figura y en su sonrisa enigmática.
5) ¿Cuáles son las partes luminosas, las oscuras y hacia dónde se dirige la luz? El rostro, la parte más luminosa por el motivo que se quiere representar en este caso la belleza. La parte oscura donde se contempla el paisaje. Y la luz siempre va dirigida al rostro que es de mayor importancia.
6) ¿Cuál es el estilo de cuadro? Renacimiento s XVI "Cinquecento".
7) ¿La escena activa o estática? Estática, la figura se muestra de medio perfil con un suave giro hasta mirar al espectador, incluso su sonrisa parece ser un recurso para imprimir movimiento al rostro.
8) ¿Cuáles son las influencias?
9)
La Mona Lisa de Da Vinci una de las obras que más ha marcado en la historia del arte, tal vez por la naturalidad y el detallismo con el que es pintada o por el misterio de su mirada, o quizás por su enigmática sonrisa. Identificar símbolos : El camino en espiral que representa la vía húmeda. Y la vía seca, representada por el bosque. Uso de la proporción aurea.
Sus ojos límpidos tienen el resplandor de la vida, orlados de matices rojos y plomados, estaban bordeados de pestañas cuyo resultado supone la mayor delicadeza. Las cejas con su implantación a veces más espesa o más rala, según la disposición de los poros, no podían ser más verdaderas. La nariz, de encantadoras aletas rosadas y delicadas, eran la misma vida. En el hueco del cuello, el espectador atento percibía el latir de las venas
10) ¿Qué significan la obra y el contexto?
En este retrato, la dama está sentada en un sillón, y posa sus brazos en los apoyos del asiento. En sus manos y sus ojos puede verse un claro ejemplo característico del esfumado, y también puede destacarse el juego que hace con la luz y la sombra para dar sensación de volumen. Aparece sentada en una galería, viéndose en el borde izquierdo del cuadro la base de una de las columnillas. La galería se abre a un paisaje inspirado en las vistas que Leonardo pudo alcanzar a divisar en los Alpes, cuando hizo su viaje a Milán. El paisaje posee una atmósfera húmeda y acuosa que parece rodear a la modelo. Se ha intentado localizar el aparente recodo del Arno o una porción del Lago de Como, sin haber llegado a conclusiones definitivas. Muchas veces se ha tratado de compaginar uno y otro lado del paisaje tras la modelo, pero la discordancia entre ambos lados no permite que se diseñe un modelo continuado de la imagen. Debe tenerse en cuenta que el lado izquierdo parece estar más alto que el derecho, entrando en contraste con la física, puesto que el agua no puede encontrarse estática a desnivel en el terreno.