THIS IS ART NOW VOL.1 by Cristina Garrido

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The new directory to 21 international contemporary artists El nuevo directorio de 21 artistas contemporáneos internacionales Der neue Wegweiser zu 21 internationalen zeitgenössischen Künstler

Edited by Cristina Garrido

Cristina Garrido (Madrid, 1986) is an artist currently living in Madrid (Spain). Her area of enquiry is the production of commodities and the systems of attribution of value in Capitalist society. In her work she appropriates, gathers, observes and, sometimes, transforms already existing material - placing herself in the territory of the gleaner, the archaeologist or the curator - to test notions of value/worthlessness, authorship/ authority and ownership. In this project, she has been researching and gathering – in a process close to the curatorial – users from Google´s 3D software SketchUp, who are creating and sharing virtual objects in the software´s Warehouse. The selected objects have been reinterpreted as works of art by the artist, by using (specifically created or found) SketchUp scenarios as exhibition spaces and using this software to document the pieces. The authors of the critical texts in this book were only provided with the images of each artist and were invited to invent a context for their work. This is a first prototype of the book.

The new directory to 21 international contemporary artists El nuevo directorio de 21 artistas contemporáneos internacionales Der neue Wegweiser zu 21 internationalen zeitgenössischen Künstlern

Edited by Cristina Garrido

Index — Índice

7 Prologue

46 Maxime García

8 Prólogo

50 GOO! design

the authors – Notas

54 Max Grueter

biográficas de los

58 jg13rvn

autores – Kurzbiographie

62 JIHS

der Autoren

9 Prolog 10 Jessie Álvarez 14 Fred Bartels 18 Matty Bisset 22 Luigi Bottini 26 Daniel Brastaviceanu 30 Daniela de la Cueva 34 Alexandrew Dudin 38 Richard Durrant 42 Elo

94 Biographical notes of

66 Edson Lopes

96 Credits – Créditos

70 Michael Mihalyfi 74 Jake Reilly 78 Luiz Salazar II 82 Arkadiusz Tietz 86 Weightless Sculpture Projects 90 Benjamin Woodall

Prologue

With THIS IS ART NOW VOL.1 we present a work that aims to bring together young artists at the beginning of the second decade of the 21st

century.

The result is a complete manual for all art lovers, experts and amateurs, who are interested in contemporary art´s evolution during the last decade.

The book reunites more than 50 illustrations of works by 21 artists from different genres – painting, photography, film, video, sculpture, performance or installation – accompanied by short critical texts. The represented authors are not newcomers or «new promises». All of them have already solo exhibitions or have participated in important group exhibitions in significant museums and art institutions, and are represented by the most prestigious art galleries. It must be stressed that the choice of artists is ultimately a subjective one, based on close observation of the international exhibition scene and art market, as well as upon an intensive analysis of reviews and publications regarding occurrences in art around the world.

The artists – as usual – are presented in alphabetical order and on four pages each, including a selection of their most important works. These are

accompanied by a short overview of their major exhibitions and publications, a portrait of the artist and an artist statement, and naturally also by a short text by young, internationally established authors.

Not every artist we wanted to include in THIS IS ART NOW VOL.1 was interested in being represented in the book, Kai Althoff and Damien Hirst

decided not to participate in the project.

Cristina Garrido Madrid, winter 2013

I would like to thank all the people who have made important contributions to this book´s production in its various stages: the presented artists, SketchUp, Scott Mason, Paloma Checa Gismero, Martí Manen, Francesco Giaveri, Alfredo Aracil, Tiago de Abreu Pinto, Alexis Callado Estefanía, Bernardo Sopelana, Carlos Garaicoa y Lillebit Fadraga.

Prólogo

Con THIS IS ART NOW VOL.1 presentamos una obra que pretende reunir a jóvenes artistas a principios de la segunda década del siglo XXI.

El resultado es un completo manual para todos los amantes del arte, sean o no expertos, interesados en la evolución del arte contemporáneo

durante la última década. El libro recoge más de 50 ilustraciones de obras de 21 artistas de diferentes géneros – pintura, fotografía, cine, vídeo, escultura, performance o instalación – acompañadas de breves textos críticos. Los autores presentados no son recién llegados o «nuevos descubrimientos». Todos ellos han celebrado ya exposiciones en solitario o han participado en importantes muestras colectivas de significativos museos e instituciones artísticas, y están representados por las galerías más prestigiosas. Es importante recalcar que nuestra selección de artistas es totalmente subjetiva, basada en una minuciosa observación de la escena expositiva internacional y del mercado del arte, así como en un intenso análisis de críticas y publicaciones sobre lo que ocurre en el mundo del arte.

Los artistas – como es habitual – son presentados en orden alfabético a cuatro páginas cada uno, incluyendo una selección de sus trabajos más

importantes. Éstos son acompañados de una selección de sus mayores exposiciones y publicaciones, un retrato del artista, un statement, y naturalmente un breve texto escrito por jóvenes autores establecidos internacionalmente.

No todo artista que quisimos incluir en THIS IS ART NOW VOL.1 estuvo interesado en ser representado en el libro, Kai Althoff y Damien Hirst

decidieron no participar en el proyecto.

Cristina Garrido Madrid, invierno 2013

Me gustaría agradecer a todas las personas que han hecho importantes contribuciones en la producción de este libro en sus diferentes estados: los artistas presentados, SketchUp, Scott Mason, Paloma Checa Gismero, Martí Manen, Francesco Giaveri, Alfredo Aracil, Tiago de Abreu Pinto, Alexis Callado Estefanía, Bernardo Sopelana, Carlos Garaicoa y Lillebit Fadraga.

Prolog

Mit THIS IS ART NOW VOL.1 präsentiert ein Werk, das zusammen zu bringen junge Künstler am Beginn des zweiten Jahrzehnts des Jahrhunderts

soll.

Das Ergebnis ist ein komplettes Handbuch für alle Kunstliebhaber, Experten und Amateure, die in der zeitgenössischen Kunst der Evolution

Während des letzten Jahrzehnts interessiert sind. Das Buch präsentiert mehr als 50 vereint Abbildungen von Werken von 21 Künstlern aus verschiedenen Genres – Malerei, Fotografie, Film, Video, Skulptur, Performance oder Installation – durch kurze kritische Texte begleitet. Die Autoren sind keine Neulinge Vertreten oder “neue Versprechungen.” Alle von ihnen haben bereits oder nur in Ausstellungen Gruppenausstellungen in wichtigen Museen und Kunstinstitutionen erheblichen teil und werden von den meisten renommierten Kunstgalerien vertreten. Es muss betont werden, dass die Wahl der Künstler Subjektive Letztlich ein, basierend auf genauer Beobachtung der internationalen Ausstellung und Kunstmarkt-Szene, sowie auf einer intensiven Analyse der Bewertungen und Veröffentlichungen über Vorgänge in der Kunst auf der ganzen Welt werden.

Die Künstler - wie üblich - in alphabetischer Reihenfolge und auf vier Seiten je vorgestellt, darunter eine Auswahl ihrer wichtigsten Werke. Diese

werden durch einen kurzen Überblick über Ihre wichtigsten Ausstellungen und Publikationen, einem Porträt des Künstlers und eines Künstlers Begründung, und natürlich auch durch einen kurzen Text von jungen, international etablierten Autoren.

Nicht jeder Künstler wollten wir in diesem gehören THIS IS ART NOW VOL.1 war interessiert daran, in dem Buch vertreten, entschied Kai Althoff

und Damien Hirst nicht an dem Projekt teil.

Cristina Garrido Madrid, Winter 2013

Ich möchte all den Menschen, die wichtige Beiträge zu diesem Buch die Produktion in ihren verschiedenen Stufen erst möglich gemacht haben: die präsentierten Künstler, SketchUp, Scott Mason, Paloma Checa Gismero, Martí Manen, Francesco Giaveri, Alfredo Aracil, Tiago de Abreu Pinto, Alexis Callado Estefanía, Bernardo Sopelana, Carlos Garaicoa und Lillebit Fadraga.

Jessie Álvarez 1982 born in Santo Domingo de Guzmán, Dominican Republic, lives and works in New York (NY), USA

She moved to the city of New York as a teenager. Marked by the rupture with her national identity she started to make work in order to deal with her

need to establish links with the new hostile environment. The presence of imagery from the entertainment industry in her work comes from her job in the family video shop. She started her career in art as a performer in public space, for which she used to elaborate light and easy to stage sets showing celebrity portraits that she dialogued with. Oh, Yes, nena, mueve la cadera, 2008, was a piece carried out intermittently in New York´s underground for nine months, in which the artist seduced rock singers in posters. In I Can Never Get Enough of You, 2010, she repeated over and over the lyrics of a soul classic to a young Christina Ricci until being stopped by somebody. Her latest pieces displace the establishing of relationships with images to the area of design of everyday objects. With Ballot / Who´s Your Daddy?, 2009, the artist criticised the reelection of New York´s mayor Bloomberg after being accused of sexual harassment by his employees. The Man Supposed to Rent This Movie, 2011, commissioned by the DIA Art Foundation, lead her to produce fake videotapes in which popular Hollywood´s classics were associated with renowned faces.

Se traslada a la ciudad de Nueva York en su adolescencia. Marcada por la ruptura con su identidad nacional empieza a crear trabajo con el que lidiar

con la necesidad de crear vínculos con el nuevo medio hostil. La presencia de imágenes de la industria del entretenimiento en su trabajo viene dada por su empleo en el videoclub familiar. Empieza su carrera en el arte como performer en el espacio público, para lo que elabora escenografías ligeras y fáciles de montar que muestran retratos de personajes conocidos con los que dialoga. Oh, Yes, nena, mueve la cadera, 2008, fue una pieza realizada en el metro de Nueva York de manera intermitente durante nueve meses, en la que la artista seducía a cantantes de rock en pósteres. En I Can Never Get Enough of You, 2010, repite sin parar las líneas de un clásico del soul al retrato de una joven Christina Ricci hasta que alguien la interrumpe. Sus últimas piezas desplazan el establecimiento de relaciones con las imágenes al ámbito del diseño de objetos de uso cotidiano. Con Ballot / Who’s Your Daddy?, 2009, la artista criticó la reelección del alcalde de Nueva York Bloomberg tras las acusaciones de acoso sexual a sus empleadas. The Man Supposed to Rent This Movie, 2011, realizada por encargo de la DIA Art Foundation, supuso la fabricación de cintas de vídeo falsas en las que clásicos populares del cine de Hollywood se asociaban a rostros conocidos.

Er zog nach New York City wie ein Teenager. Gekennzeichnet durch einen Bruch mit ihrer nationalen Identität begann die Arbeit mit dem mit der Notwen-

digkeit, Verbindungen mit dem neuen feindlichen Umgebung zu schaffen umzugehen erstellen. Die Anwesenheit von Bildern der Entertainment-Industrie in seinem Werk stammt aus ihrer Nutzung in der Familie Videothek. Er begann seine Karriere in der Kunst als Darsteller in den öffentlichen Raum, für Licht und Landschaft, die einfach zu montieren zeigt Porträts berühmter Leute, mit denen er sprach macht. Oh, Yes, nena, mueve la cadera, 2008, war ein Stück der U-Bahn in New York und Ausschalten für neun Monate, in denen der Künstler verführen Rocksänger Plakate. In I Can Never Get Enough of You, 2010, endlos wiederholte Zeilen einer Seele klassischen Porträt einer jungen Christina Ricci, bis jemand unterbricht. Sein neuestes Stück zu bewegen, um die Beziehungen mit den Bildern auf dem Gebiet der Gestaltung von Alltagsgegenständen zu etablieren. Mit Ballot / Who´s Your Daddy?, 2009, kritisiert der Künstler die Wiederwahl der New Yorker Bürgermeister Bloomberg nach Vorwürfen von sexueller Belästigung von Mitarbeiterinnen. The Man Supposed to Rent This Movie, 2011, angeführt von der DIA Art Foundation in Auftrag gegeben, beteiligt falsche Videokassetten in dem beliebten Klassiker von Hollywood mit bekannten Gesichtern verbunden waren Mieten. Paloma Checa Gismero

SELECTED EXHIBITIONS 2012 Jessie Álvarez: Part 1 and Part 2, DIA Art Foundation Chelsea, New York (NY), USA; 343 Perspectives, Peckham Space, London, UK 2011 Sing it Again!, El Museo del Barrio, New York (NY), USA 2010 5 Nuevas Promesas, Museo de Arte Moderno (MAM), Santo Domingo, Dominican Republic 2009 Bosch Young Talent Show (BYTS), AKV St. Joost, Den Bosch, The Netherlands

SELECTED PUBLICATIONS 2012 Jessie Álvarez: Part 1 and Part 2, DIA Art Foundation Chelsea, New York (NY), USA; Jessie Álvarez: singing to Christina Ricci, DIA Art Foundation Chelsea, New York (NY), USA

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Ballot / Who’s Your Daddy?, 2009, installation, dimensions variable I Can Never Get Enough of You, 2010, performance and poster series, 3 print runs of 200 copies, 686 x1020 mm; 1016 x 1524 mm; 1016 x 1524 mm Oh, Yes, nena, mueve la cadera, 2008, performance and poster series, 3 print runs of 200 copies, 686 x 1020 mm; 1016 x 1524 mm; 1016 x 1524 mm

«En el interior del Subway Car de Nueva York...»

The Man Supposed to Rent This Movie, 2011, series of 20 videotape covers, 25 x 102 x 187 mm, commissioned by the DIA Art Foundation, New York (NY)

«Innerhalb der Subway Car of New York City...»

«Inside of the New York City Subway Car...»

Jessie Ă lvarez

Fred Bartels 1978 born in Pasadena (CA), lives and works in New York (NY), USA

Fred Bartels´ sculptures and installations are close to an aesthetics which is conditioned by the materials he uses. Cardboard, wood, latex,

paint or plastic wrappings intertwine at various levels with photographs and moving images. He seeks an interaction between these “poor materials” and a visual discourse based in cultural anecdotes and mythological fictions. Once the artist has defined the mundane materials that he is going to work with, he aims to create a dramatic climax in the space. The outcomes are “spatial collages” that Fred Bartels develops, taking onto account the appearance of the object in space and a work in progress, constituting challenging installations. However, Bartels denies to define or to offer a simplified reading of what he exhibits. Through the combination of materials and syntactic labels, the relationship he establishes is equivocal and surpasses any possibility of verbalisation. Amongst his group exhibitions, is worth to mention: Mental Space, Tate Modern, London (2012); 11a Bienal de la Habana (2012); 54 Biennale di Venezia (2011) and the XXVI São Paulo Art Biennial (2004). His solo exhibitions include: Stedelijk Museum Schiedam, Rotterdam, The Netherlands (2012); Museu Serralves, Porto, Portugal (2012); Hammer museum, Los Angeles (CA), USA (2011); Miami Art Museum, Miami (FL), USA (2009); New Museum, New York (NY), USA (2007); FriArt Kunsthalle Fribourg, Switzerland (2007) and Artists Space, New York (NY), USA (2005).

Las esculturas e instalaciones de Fred Bartels se acercan a una estética condicionada por los materiales. Cartón, madera, látex, pintura

o envolturas de plástico se entrelazan en varios niveles con fotografías e imágenes en movimiento; busca una interacción entre estos “materiales sin calidad” y un discurso visual basado en anécdotas culturales y ficciones mitológicas. Una vez definido por el artista los materiales mundanos con los que está dispuesto a trabajar, buscar crear en el espacio un clímax dramático. El resultado son unos “collages espaciales” que Fred Bartels desarrolla teniendo en cuenta la aparición misma del objeto en el espacio a partir de dichos materiales y en un work in progress que constituyen instalaciones desafiantes. Sin embargo, Bartels evita definir u ofrecer una lectura simplificada de lo que se expone. Mediante la combinación de materiales y etiquetas sintácticas, la relación que suscita es más que nada equivoca y sobrepasa cualquier posibilidad de verbalización. Entre las exposiciones colectivas cabe señalar: Mental Space, Tate Modern, Londres (2012); 11a Bienal de la Habana (2012); 54 Biennale di Venezia (2011) y la XXVI Bienal Internacional de São Paulo (2004). Entre sus exposiciones individuales: Stedelijk Museum Schiedam, Rotterdam, Países Bajos (2012); Museu Serralves, Porto, Portugal (2012); Hammer museum, Los Angeles (CA), EEUU (2011); Miami Art Museum, Miami (FL), EEUU (2009); New Museum, New York (NY), EEUU (2007); FriArt Kunsthalle Fribourg, Suiza (2007) y Artists Space, New York (NY), EEUU (2005).

Die Skulpturen und Installationen von Fred Bartels ästhetischen Ansatz durch die Materialien bedingt. Pappe, Holz, Latex-Farbe,

Frischhaltefolie verflechten sich auf verschiedenen Ebenen mit Fotos und Filmen; sucht eine Interaktion zwischen diesen “Materialien ohne Qualitätsverlust” und eine Rede-basierte visuelle Fiktionen kulturellen und mythologischen Geschichten. Einmal von der Künstlerin mit weltlichen Materialien, die bereit sind zu arbeiten definiert, in den Raum schauen einen dramatischen Höhepunkt. Das Ergebnis ist “räumliche Collagen” Fred Bartels entwickelt unter Berücksichtigung der Erscheinung des Objekts im Raum aus diesen Materialien und in einem work in progress Einrichtungen, die sind anspruchsvoll. Jedoch vermeidet Bartels definieren oder bieten eine vereinfachte Lektüre dessen, was dargestellt wird. Durch die Kombination von syntaktischen Materialien und Etiketten, ist die Beziehung, die entsteht meistens falsch und geht über jede Möglichkeit der Verbalisierung. Unter den Gruppenausstellungen ua: Mental Space, Tate Modern, London (2012); 11a Bienal de la Habana (2012), 54 Biennale di Venezia (2011) und die XXVI Internationale Biennale von São Paulo (2004). Unter seinen Solo-Ausstellungen: Stedelijk Museum Schiedam, Rotterdam, Niederlande (2012); Museu Serralves, Porto, Portugal (2012), Hammer Museum, Los Angeles (CA), USA (2011), Miami Art Museum, Miami (FL) USA (2009), New Museum, New York (NY), USA (2007); Friart Kunsthalle Fribourg, Schweiz (2007) und Artists Space, New York (NY), USA (2005). Alexis Callado Estefanía 1

SELECTED EXHIBITIONS 2012 Mental Space, Tate Modern, London, UK; Fred Bartels: Experimental Painter and Poet, Stedelijk Museum Schiedam, Rotterdam, The Netherlands; 11a Bienal de la Habana, La Havana, Cuba; Fred Bartels, Hauser and Wirth, London, UK; My Bedroom has no Walls, Museu Serralves, Porto, Portugal 2011 54 Biennale di Venezia, Venice, Italy; Fred Bartels: All of This and Nothing, Hammer Museum, Los Angeles (CA), USA 2009 Disappearances, Shadows and Illusions, Miami Art Museum, Miami (FL), USA 2007 Fred Bartels: Preoccupied Waveforms, New Museum, New York (NY), USA; Be sure to attend very carefully to what I have to say to you, FriArt Kunsthalle Fribourg, Switzerland 2004 XXVI São Paulo Art Biennial, São Paulo, Brazil

SELECTED PUBLICATIONS 2012 Kidnapping, Rotterdam; Fred Bartels, Kunstevrein Hannover, Hanover; Mental Space, Tate Modern, London, UK; Fred Bartels: Experimental Painter and Poet, Stedelijk Museum Schiedam, Rotterdam, The Netherlands 2011 54 Biennale di Venezia, Venice, Italy; Fred Bartels: All of This and Nothing, Hammer Museum, Los Angeles (CA), USA 2007 Fred Bartels: Preoccupied Waveforms, New Museum, New York (NY), USA

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Mastíkha, 2007, plastic, watermarks, metal, cardboard, dimensions variable, installation view, New Museum, New York (NY) American bunker in Schwarzwald, 2004-2006, wood, plastic, glass, photographs, video projections, 10 x 5,45 x 26,4 m, installation view, FriArt Kunsthalle Fribourg, Fribourg Horizon des événements, 2009, plastic, metal, cardboard, 3,5 x 3,5 x 2,5 m,

«Un monumento a nuestro uso derrochador de energía.»

installation view, Miami Art Museum, Miami (FL) Personal Life Experience, 2012, optical fibres, metal, rope, dimensions variable, installation view, 11a Bienal de la Habana, La Havana

«Ein Denkmal für unseren verschwenderischen Umgang mit Energie.»

«A monument to our profligate use of energy.»

Jessie Ă lvarez

Matty Bisset 1980 born in Lyon, lives and works in Paris, France

Originally a designer, he started producing art after being invited to participate in the exhibition GAKONA (Palais de Tokyo, Paris, 2009), in

which he built toys inspired in classical science fiction. He claims the idea of play as a relationship between the viewer and the art object; therefore, his works often take the form of installations open to the public. The placement of the toys does not follow a predefined plan: this is left to the public´s choice. He is known for producing numerous copies of each object, that he hands to the museum staff so that they can replace the objects that the visitors decide to take with them. In parallel to his career as an artist, he teaches Object Design at the la École National de Beaux Arts in Paris. In 2010 he was chosen to participate in the Manifesta 8 Biennial, that took place in Murcia, with his work Maison de Poupées. He includes political references in his work for the first time in On the Foreplay of a Holiday, 2010, that he later develops in the installation Let’s Go Get Gas, 2011. He has exhibited his work in MOMA PS1 (NY) and Centre Georges Pompidou (Paris).

Formado en el diseño, comienza a producir arte tras recibir una invitación a participar en la muestra GAKONA (Palais de Tokyo, Paris,

2009), para la que construye juguetes inspirados en la imaginería de la ciencia ficción clásica. Reivindica el juego como relación entre el espectador y el objeto de arte, por lo que sus obras con frecuencia toman la forma de instalaciones abiertas para el público. La colocación de los juguetes no sigue un plan definido de antemano y es dejada a decisión del público. Es conocido por producir numerosas copias de cada objeto, que entrega al personal del museo con el fin de que repongan los objetos que los visitantes decidan llevarse. En paralelo a su carrera como artista es docente en la École National de Beaux Arts de París, donde imparte asignaturas sobre diseño objetual. En 2010 fue elegido para participar en la Bienal Manifesta 8, celebrada en Murcia, con su obra Maison de Poupées. Incluye referencias políticas en su obra por primera vez con On the Foreplay of a Holiday, 2010, que más tarde desarrolla en la instalación Let’s Go Get Gas, 2011. Ha mostrado su trabajo en MOMA PS1 (NY) y el Centre Georges Pompidou (Paris).

Gegründet im Design, beginnt mit der Produktion der Kunst nach Erhalt einer Einladung in der Probe GAKONA (Palais de Tokyo, Paris,

2009), für die Spielzeuge von Bildern aus Science-Fiction-Klassiker inspirieren lässt teilzunehmen. Behauptet das Spiel als Beziehung zwischen dem Betrachter und dem Kunstwerk, so dass seine Werke oft die Form von Einrichtungen für die Öffentlichkeit zugänglich. Die Platzierung von Spielzeug ist keine definitive im Voraus planen und die Entscheidung wird der Öffentlichkeit überlassen. Es ist bekannt, viele Kopien von jedem Objekt zu erzeugen, liefert die Mitarbeiter des Museums, um die Elemente, die Besucher wählen zu nehmen aufzufüllen. Parallel zu seiner Karriere als Künstler lehrt an der Ecole Nationale des Beaux Arts in Paris, wo er Kurse über Design von Objekten. In 2010 wurde er ausgewählt, um an der Biennale Manifesta 8 in Murcia statt, mit seiner Arbeit Maison de Poupées teilnehmen. Inklusive politische Bezüge in seinem Werk zum ersten Mal On the Foreplay of a Holiday, 2010, die später entwickelt sich die Installation Let ‘s Go Get Gas, 2011. Er hat seine Arbeit am PS1 MOMA (NY) und dem Centre Georges Pompidou (Paris) gezeigt. Paloma Checa Gismero

SELECTED EXHIBITIONS 2012 The Value of the Paw, Museum of Childhood, London, UK; Power of Making, V&A Museum, London, UK; Des jouets et des hommes, Musée des Arts Décoratifs, Paris, France 2011 Matty Bisset´s toys, Marian Goodman Gallery, Paris, France; LE RÉEL MERVEILLEUX, Centre Georges Pompidou, Paris, France 2010 Action! Design Over Time, MOMA PS1, New York (NY), USA 2009 GAKONA, Palais de Tokio, Paris, France; Manifesta 8 Biennial (special project), Murcia, Spain

SELECTED PUBLICATIONS 2012 Power of Making, V&A Museum, London, UK 2011 Matty Bisset´s toys, Marian Goodman Gallery, Paris, France 2010 Action! Design Over Time, MOMA PS1, New York (NY), USA 2009 GAKONA, Palais de Tokio, Paris, France

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Maison de Poupées , 2009, installation of replaceable objects, dimensions variable, installation view, Manifesta 8 Biennial, Murcia On the Foreplay of a Holiday, 2010, installation of replaceable objects, dimensions variable, installation view, MOMA PS1, New York (NY) On the Foreplay of a Holiday (detail)

«¡No se puede ser más aleatorio que esto! Quiero decir, ¿donde más se puede encontrar un cerdo, la mitad de una turbina eólica y un idiota empapado de barro, en un solo lugar?»

Let’s Go Get Gas, 2011, installation of replaceable objects, dimensions variable, installation view, Centre Georges Pompidou, Paris

«Man kann nicht mehr zufällig als das! Ich meine, wo sonst findet man ein Schwein, halb eine Windkraftanlage und eine Schlamm-getränkten, Idiot an einem Ort?»

«You can’t get more random than this! I mean, where else would you find a pig, half a wind turbine and a mud-soaked, idiot in one place?»

Matty Bisset 3

Luigi Bottini 1978 born in Milan, Italy, lives and works in Amsterdam, The Netherlands

With a background in design and fashion photography, he stepped in the art world for his collaborations with the collective X.A.Y. in Rome

at the end of the nineties. Being in charge of the photography, set and costume design of the audiovisual productions of the group, he soon started to exhibit his solo work in the art circuits. In 2003 he received a residency and production grant at Fondazione Pistoletto, where he worked in his first 3D project, Raggruppamento di cose senza un ordine particolare, 2004, that he exhibited in his first solo exhibition at Gió MARCONI Gallery in Milan. In 2006 he moved permanently to The Netherlands, where he entered the residency programme of Rijksakademie. Since then, Bottini uses 3D technologies to create hyper realistic photographs in order to explore the impact of design in everyday environments. His photographic series Lei è un tappeto, 2008, could be seen in the Berlin Biennial in 2012. Luigi still works in the audiovisual industry for independent filmmakers, and he was nominated Best Director of Photography Award in the American Sundance Festival in 2010. The MACRO Museum in Rome has programmed a solo exhibition of the artist in 2014, for which he is producing the project 1, 2, 3 and 4.

Con un fondo formativo vinculado al diseño y la fotografía de moda, se inicia en el mundo del arte por sus colaboraciones con el colectivo

X.A.Y. a finales de los noventa en Roma. Encargado del diseño escenográfico, del vestuario y la fotografía de las producciones audiovisuales del grupo, pronto comienza a exponer su trabajo individual en circuitos artísticos. En 2003 recibe una beca de residencia y producción de la Fondazione Pistoletto, de donde sale su primer trabajo con 3D, Raggruppamento di cose senza un ordine particolare, 2004, que expone en su primera muestra individual en la galería Gió MARCONI de Milán. En 2006 se traslada definitivamente a Holanda, donde ingresa al programa de residencias de la Rijksakademie. Desde entonces, Bottini utiliza el 3D para crear fotografías hiperrealistas, con las que explora el impacto que el diseño tiene en los escenarios cotidianos. Su serie fotográfica Lei è un tappeto, 2008, se pudo ver en la Bienal de Berlín de 2012. Luigi sigue trabajando en la industria audiovisual para cineastas independientes, y fue nominado a Mejor Director de Fotografía en el Festival estadounidense de Sundance en 2010. El MACRO de Roma ha programado una muestra individual del artista para la temporada 2014, para la que produce el proyecto 1, 2, 3 and 4.

Mit einer Ausbildung in Bezug auf die Gestaltung und die Modefotografie, beginnt in der Welt der Kunst für seine Zusammenarbeit mit

der Gruppe X.A.Y. Ende der neunziger Jahre in Rom. Verantwortlicher für Bühnenbild, Kostüme und Fotografien von audiovisuellen Produktionen der Gruppe, begann bald zu ihrer individuellen Arbeit in künstlerischen Kreisen aufweisen. Im Jahr 2003 erhielt er ein Stipendium des Wohnsitzes und der Fondazione Pistoletto Produktion, wo er seine erste Arbeit mit 3D, Raggruppamento senza di cose ein ordine particolare, 2004, die darlegt in seiner ersten Einzelausstellung in der Galerie Gió MARCONI Mailand. In 2006 wurde er endgültig nach Holland, wo er in die Residency-Programm des Rijksakademie. Seitdem nutzt Bottini 3D ultra-realistische Fotografien, mit denen die Auswirkungen von Design auf das tägliche Szenarien untersucht erstellen. Seine Fotoserie Lei è un tappeto, 2008, wurde auf der Berlin Biennale 2012 gezeigt. Luigi arbeiten noch in der audiovisuellen Industrie für unabhängige Filmemacher und wurde für die beste Regie für Fotografie an der Sundance Festival in 2010 US nominiert. Die MACRO von Rom hat eine Einzelausstellung des Künstlers für die 2014 Saison, die für das Projekt 1, 2, 3 and 4 tritt geplant. Paloma Checa Gismero

SELECTED EXHIBITIONS 2012 7th Berlin Biennial, Berlin, Germany; ArtWiki, Städtische Galerie im Lenbachhaus and Kunstbau München, Munich, Germany; Out of Focus: Photography, Saatchi Gallery, London, UK 2011 Tricksters Tricked, Van Abbemuseum, Eindhoven, The Netherlands; Cosmos, Annet Gelink Gallery, Amsterdam, The Netherlands; Obra Reciento, MOdAM, Milan, Italy 2008 Seeing Things, The Photographers Gallery, London, UK; Street and Studio, Tate Modern, London, UK 2004 Raggruppamento di cose senza un ordine particolare, Gió MARCONI Gallery, Milan, Italy 2003 Artist in Residence, Fondazione Pistoletto, Biella, Italy

SELECTED PUBLICATIONS 2012 Five Economies (big hunt/little hunt), The Reinaisance Society, Chicago (IL), USA; Out of Focus: Photography, Saatchi Gallery, London, UK 2011 Luigi Bottini Photography, MOdAM, Milan, Italy 2008 Seeing Things, The Photographers Gallery, London, UK; Street and Studio, Tate Modern, London, UK

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Lei è un tappeto IV, 2008, c-print, 126 x 107 cm Raggruppamento di cose senza un ordine particolare, 2004, installation of 2000 3D created images, dimensions variable, installation view, Gió MARCONI, Milan Lei è un tappeto XII, 2008, c-print, 126 x 107 cm

«Todo.»

«Everything.»

«Alles.»

Luigi Bottini

Daniel Brastaviceanu 1985 born in Montréal, lives and Works in Montréal, Canada

Brastaviceanu is interested in the emergency of researching the nature of the image and its possibilities of having an impact in the real,

rather than in technique itself. Essay-writer, illustrator, filmmaker and cultural activist, this artist born in a Romanian family with a significant international projection, interprets collective gatherings in the social environment through poetic and radical proposals. Brastaviceanu generates pedagogic tools rather than objects to exhibit. His artistic practice is characterised for being constantly against the dominant structure; his activity is the one of opposition, namely, a militant antagonism to the suppressive regulations of contemporary social life. He registers different modalities of social demonstrations, evidencing the cracks that show a possibility for a significant change, an alternative, in a good part utopian, with respect to the established reality. In New Order (2012) he directly critiqued the cynical content of global Neoliberalism and the condescendence of the deaf authorities with respect to the specific needs of the population. On the other hand, in McCheck (2011) and New Museum (2013) he offered as a counterpart the micropolitics constituted by assemblies, encounters and demonstrations – in other words, strategies of resistance – where art can become a useful tool for an authentic social change. Daniel Brastaviceanu meticulously looks after the exhibition context in which his work is presented in order to avoid the slippage of its meanings towards a logic alien to what he wants to achieve: to alter the relationships established by power. His recent exhibitions include the VII Berlin Biennale for Contemporary Art (2012) and Rebel Rebel (2011) at the Museum of Contemporary Art, Denver.

Lo que interesa a Brastaviceanu no es tanto la técnica en sí misma como la urgencia de investigar la naturaleza de la imagen y sus posi-

bilidades de incidir en lo real. Ensayista, ilustrador, filmmaker y activista cultural, este artista de origen rumano con amplia proyección internacional, interpreta las aglomeraciones colectivas en el entorno social a través de propuestas reivindicativas y poéticas. Brastaviceanu genera más herramientas pedagógicas que objetos para exponer. Su práctica artística se caracteriza por estar perpetuamente en contra de la estructura dominante; se trata de una actividad de oposición, a saber, un antagonismo militante hacia la reglamentación asfixiante de la vida social contemporánea. Registra las diversas modalidades de manifestaciones sociales evidenciando aquellas grietas que dejan entrever una posibilidad de cambio significativo, una alternativa, en buena medida utópica, respecto a la realidad asentada. En New Order (2012) critica directamente el contenido cínico del neoliberismo global y la condescendencia de las autoridades sordas respecto a las necesidades concretas de la población. Por otro lado, en McCheck (2011) y New Museum (2013) propone como contrapartida las micropolíticas constituidas por asambleas, encuentros y demostraciones, es decir, estrategias de resistencia donde el arte sirve como herramienta para un autentico cambio social. Daniel Brastaviceanu cuida minuciosamente el contexto expositivo en el que se presentan sus trabajos para evitar a toda costa el deslizamiento de sus significados hacia una lógica otra respecto a lo que se propone: alterar las relaciones establecidas por el poder. Sus exposiciones recientes incluyen la VII Bienal de Berlín (2012) y Rebel Rebel (2011) en el Museum of Contemporary Art, Denver.

Welche Interessen Brastaviceanu nicht so sehr die Technik selbst als die Dringlichkeit der Untersuchung der Beschaffenheit des Bildes und

seiner Fähigkeit, die Realität zu beeinflussen. Essayist, Zeichner, Filmemacher und kulturelle Aktivisten, spielt der Rumänisch-geboren Künstler mit breiten internationalen kollektiven Agglomerationen in der Gesellschaft durch Protest und poetische Vorschläge. Brastaviceanu erzeugt mehr pädagogische Instrumente, um Objekte freizulegen. Seine künstlerische Praxis, indem er fortwährend gegen die dominante Struktur gekennzeichnet ist, ist es eine Aktivität der Opposition, nämlich militante Gegnerschaft gegen erstickende Regulierung der zeitgenössischen gesellschaftlichen Lebens. Fügen Sie die verschiedenen Formen der sozialen Demonstrationen zeigen, wie diese Risse, die die Möglichkeit eines signifikanten Veränderung, eine Alternative, vor allem utopischen über die Wirklichkeit sitzt vorschlagen. In New Order (2012) kritisiert Inhalte direkt von Neoliberalismus und globale zynischer Herablassung taube Behörden in Bezug auf die spezifischen Bedürfnisse der Bevölkerung. Darüber hinaus, in McCheck (2011) und New Museum (2013) schlug die micro Pendant, die durch Versammlungen, Versammlungen und Demonstrationen, dh Beständigkeit Strategien in der Kunst dient als Werkzeug für die wirkliche soziale Veränderung. Ausstellung Kontext, in dem sie ihre Arbeit präsentieren, um unter allen Umständen ihre Bedeutungen Verstauen in einer anderen Logik, was vorgeschlagen vermeiden: verändern die Beziehungen zur Macht etabliert. Seine jüngsten Ausstellungen gehören Berlin Biennale VII (2012) und Museum of Contemporary Art in Denver (2011). SELECTED EXHIBITIONS 2012 VII Berlin Biennale for Contemporary Art, Berlin, Germany; Palm Pavilion, kurimanzutto, Mexico City, Mexico; Demonstration Drawings, 1301PE, Los Angeles (CA), USA 2011 Untitled 1992 (Free), David Zwirner Gallery, New York (NY), USA; Rebel Rebel, Museum of Contemporary Art, Denver (CO), USA 2010 Social Pudding, Galerie fur Zeitgenossische Kunst, Leipzig, Germany

Francesco Giaveri

SELECTED PUBLICATIONS 2012 VII Berlin Biennale for Contemporary Art, Berlin, Germany; Blind Date, Frankfurt, Germany 2011 Imaginaire: Mode d’Emploi, ‘Art contemporain et lien social´ , Paris, France; Rebel Rebel, Museum of Contemporary Art, Denver (CO), USA

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New Order, 2012, can, digital print, 7 x 3,5 x 2 cm McCheck, 2011, digital print, 70 x 40 cm New Museum, 2013, digital print, 70 x 40 cm

«Nuestro comité en NDG trabaja en el proyecto Occupy New Economy, basado en modelos de libre acceso.»

«Unsere commity bei NDG Arbeiten auf dem Besetzen New Economy Projekt auf Open Source Modellen.»

«Our commity at NDG works on the Occupy New Economy project based on Open Source models.»

Daniel Brastaviceanu

Daniela de la Cueva 1980 born in Lima, Peru, lives and works in Bern, Switzerland

With techniques ranging from installation, video or photography, Daniela de la Cueva investigates the journey transiting the high, medium

and low culture in the present globalized world. Her work constitutes an analysis of the impact that art, design and communication achieve in our lives, referencing the old and the known, from Leonardo Da Vinci to Steve Wozniak, designer of the first Macintosh personal computer. Her participation in the group exhibition The Wonder Years, at Kunsthalle Bern in 2010, in which she exhibited her piece ML/DB, a still frame of the Gioconda presented in a framed monitor, accompanied by Dan Brown´s best seller The Da Vinci Code, granted her international visibility. In her solo exhibition Film in 2012, she removed the white colour from the walls of the exhibition space at LiMAC in Peru, painting the walls in black. The author was interested in showing her works in total darkness, as if it was a projection room. La Historia Ahora, an installation where she combined contemporary everyday objects with a catapult that seemed to belong to a drawing by Michelangelo and a TV monitor presenting a fixed image of the country´s most popular TV novel, offered an ironical view of culture´s flow between the popular and the elitist. With this exhibition, de la Cueva, reinforced her working methodology, which consists in bringing together points of reference and very differentiated objects for a single dialogue. Paradoxically, there was no presence of video or film in the exhibition.

Con técnicas que van desde la instalación, el vídeo y la fotografía, Daniela de la Cueva investiga el viaje por el que transita la alta, la me-

dia y la baja cultura en el actual mundo globalizado. Realiza con su trabajo, un análisis del impacto que alcanza el arte, el diseño y la comunicación en nuestras vidas, haciendo referencias a lo antiguo y lo conocido, desde Leonardo Da Vinci hasta Steve Wozniak, diseñador del primer ordenador Macintosh. Su participación en la exposición colectiva The Wonder Years, en la Kunsthalle de Berna en 2010, en la que se mostró su obra ML/DB, un still frame presentado en un plasma enmarcado de la Gioconda acompañado del best seller El código Da Vinci de Dan Brown, le otorgó visibilidad internacional. En su exposición individual Film en 2012, eliminó el color blanco de las paredes de las salas del LiMAC en Perú, pintando los muros de color negro. La autora tuvo el interés de mostrar sus obras en la oscuridad total, como si de una sala de proyección cinematográfica se tratara. La Historia Ahora, una instalación donde mezcló objetos cotidianos contemporáneos con una catapulta que parecía salida de un dibujo de Miguel Ángel y un monitor de televisión con un imagen fija de la telenovela más popular del país en aquel momento, ironizaba una vez más sobre el flujo de la cultura entre lo popular y lo elitista. Con esta exposición, de la Cueva reforzaba su metodología de trabajo, que consiste en reunir puntos de referencia y objetos muy diferenciados para un solo diálogo. Paradójicamente, la muestra no exhibía ninguna película o vídeo.

Mit Techniken, von der Installation, Video und Fotografie, untersucht Daniela de la Cueva die Fahrt mit dem Transit durch die hohe, mittlere

und niedrige Kultur in einer globalisierten Welt. Machen Sie Ihre Arbeit, eine Analyse der Auswirkungen, die die Kunst, Design und Kommunikation erreicht in unserem Leben, was Verweise auf den alten und vertrauten, von Leonardo Da Vinci, Steve Wozniak, der Designer des ersten MacintoshComputer. Ihre Teilnahme an der Gruppenausstellung The Wonder Years, in der Kunsthalle Bern im Jahr 2010, wo seine Arbeit war ML/DB, ein Standbild in einem gerahmten Plasma Gioconda vorgestellt begleitet den Bestseller The Da Vinci Code von Dan Brown gab internationale Sichtbarkeit. Film In seiner Einzelausstellung im Jahr 2012 beseitigt die weiße Farbe der Wände der Räume Limac in Peru, das Streichen der Wände schwarz. Der Autor hatte das Interesse, ihre Werke in völliger Dunkelheit zeigen, wie wenn ein Film Vorführraum beteiligt ist. La Historia Ahora, eine Einrichtung, wo gemischte zeitgenössische Alltagsgegenstände mit einer Steinschleuder wie etwas aus einer Zeichnung von Michelangelo und einem TV-Monitor mit einem Standbild des Landes beliebtesten Seifenoper zu dem Zeitpunkt, ironischerweise wieder auf dem Fluss Kultur unter den beliebtesten und der Elite. Mit dieser Ausstellung, de la Cueva, verstärkt seine Arbeitsweise, die immer Benchmarks und hoch differenzierte Produkte für ein einzelnes Feld beinhaltet. Paradoxerweise hat die Probe zeigt keine Film-oder Videoaufnahmen. Bernardo Sopelana 1

SELECTED EXHIBITIONS 2012 Film, LiMAC, Lima, Peru; Daniela de la Cueva: trabajos recientes, Galería Lucía de la Puente, Lima, Peru; Recordings and Drawings, Stedelijk Museum, Amsterdam, The Netherlands; Lines of Loss, ArtSpace, New York (NY), USA 2011 El Peso del Sol, Chantal Crousel, Paris, France; Blue Memory, Residency Mirei Shigemori, Kyoto, Japan; Keep it Real, Whitechapel Gallery, London, UK 2010 The Wonder Years, Kunsthalle Bern, Bern, Switzerland; New Perspectives in Latin American Art. 1930 – 2010: Selections from a Decade of Acquisitions, MoMA, New York (NY), USA 2009 Matrix Movil, Bibiblioteca Jose Vasconcelos, Mexico City, Mexico 2008 Daniela de la Cueva, Fundación Marcelino Botín, Santander, Spain

SELECTED PUBLICATIONS 2012 Film, LiMAC, Lima, Peru; Recordings and Drawings, Stedelijk Museum, Amsterdam, The Netherlands 2011 Keep it Real, Whitechapel Gallery, London, UK 2010 The Wonder Years, Kunsthalle Bern, Bern, Switzerland; New Perspectives in Latin American Art. 1930 – 2010: Selections from a Decade of Acquisitions, MoMA, New York (NY), USA

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Untitled, 2012, Mac computer and blender, dimensions variable, installation view, LiMAC, Lima ML/DB, 2010, framed monitor, book, dimensions variable, installation view, Kunsthalle Bern, Bern Untitled, 2010, light boxes, dimesions variable, installation view, LiMAC, Lima

«¿Alguien quiere sushi?»

«Sushi anyone?» 2

La Historia Ahora, 2012, installation, IKEA wardrobe, wood, TV monitor, plastic, dimesions variable, installation view, LiMAC, Lima

«Hat jemand wollen sushi?»

Daniela de la Cueva 3

Alexandrew Dudin 1980 born in St. Petersburg, Russia, lives and works in New York (NY), USA

He belongs to a new generation of Russian artists who studied after the fall of the Iron Curtain. He claims Suprematism, as well as the

work of the Muscovite conceptualists as a framework from which he undertakes his revision of national history. Originally a painter, he abandons this medium after moving out to New York at the end of the nineties, but he claims that his pieces are articulated as national history paintings. Early works such as Untitled, 2009, or Novgorod & Pskov, 2010, positioned him in the critic towards the economic politics of contemporary Russian capitalism, what has turned him into a controversial media figure in his country. He uses the monumentality of the structures in order to pervert the convincing nature of Soviet architecture, that he contrasts with scenes traditionally associated with national identity. His work I Can Have it All, 2010, consisting of the remains of a performance that took place in his family home, opened the Berlin Biennale of 2010. From 2011 he has been developing the project Pictures of an Exhibition, based in the construction of twenty-nine triumphal arches placed in towns related to the life of the Russian composer Modest Mussorgsky, for which he uses alcoholic workforce.

Pertenece a la nueva generación de artistas rusos que estudian tras la caída del telón de acero. Reclama tanto el suprematismo como el

trabajo de los conceptuales moscovitas como marco desde el que lanzar su revisión de la reciente historia nacional. De formación pintor, abandona este medio tras desplazarse a Nueva York a finales de los noventa, pero reclama que sus piezas están articuladas como pinturas de historia nacional. Obras tempranas como Untitled, 2009, o Novgorod & Pskov, 2010, le posicionan en la crítica hacia las políticas económicas del capitalismo ruso contemporáneo, lo que le ha convertido en una controvertida figura mediática en su país de origen. Utiliza la monumentalidad de las estructuras para pervertir la rotundez de la arquitectura soviética, que contrapone con escenas tradicionalmente asociadas a la identidad nacional. Su obra I Can Have It All, 2010, formada por los restos de una performance llevada a cabo en el domicilio familiar, abrió la Berlin Biennale de 2010. Desde 2011 lleva a cabo el proyecto Pictures of an Exhibition, basado en la construcción de veintinueve arcos del triunfo en municipios relacionados con la vida del compositor ruso Modest Mussorgsky, para los que utiliza mano de obra alcohólica.

Es gehört zu der neuen Generation russischer Künstler, die nach dem Fall des Eisernen Vorhangs zu studieren. Anspruch Suprematismus

so viel Arbeit wie der Moskauer konzeptuellen Rahmen, aus dem die Überprüfung der jüngsten nationalen Geschichte zu starten. Painter Ausbildung, hiermit verlässt nach seinem Umzug nach New York in den späten neunziger Jahren, aber behauptet, dass seine Stücke als nationale Geschichte Gemälden angelenkt sind. Frühe Werke wie Untitled, 2009, Novgorod und Pskov, 2010, positionierten wir in der Kritik der Wirtschaftspolitik der zeitgenössischen russischen Kapitalismus, die zu einem umstrittenen Medien-Figur in seinem Heimatland hat. Verwenden Sie die monumentale Bauten zu pervertieren die Offenheit der sowjetischen Architektur, die mit Szenen traditionell mit nationalen Identität kontrastiert. Seine Arbeit I Can Have it All, 2010, besteht aus den Überresten einer Aufführung im Haus der Familie statt, eröffnet die Berlin Biennale 2010. Seit 2011 wird das Projekt durchgeführt Pictures of an Exhibition, Basierend auf den Bau von 20 Triumphbögen in Gemeinden über das Leben des russischen Komponisten Modest Mussorgsky, für Arbeit mit Alkohol. Paloma Checa Gismero

SELECTED EXHIBITIONS 2012 Pictures of an Exhibition, Art Space Gallery, Dubai, United Arab Emirates/ Art Space Gallery, London, UK; Intervals: Alexandrew Dudin, Guggenheim Museum, New York (NY), USA 2011 IV Moscow Biennale of Contemporary Art, Moscow, Russia 2010 Notations: Forms of Contingency, Philadelphia Museum of Art, Philadelphia (PA), USA; 6th Berlin Biennale, Berlin, Germany 2009 A World of Wild Doubt, Kunstwerein in Hamburg, Germany; Recent Works, Gagosian Gallery, New York (NY), USA

SELECTED PUBLICATIONS 2012 Intervals: Alexandrew Dudin, Guggenheim Museum, New York (NY), USA 2010 Notations: Forms of Contingency, Philadelphia Museum of Art, Philadelphia (PA), USA 2008 Jumbo Spoons and Big Cake, The Art Institute of Chicago (IL), USA

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Pictures of an Exhibition, 2011-2012, 29 triumphal arches, different locations, dimensions variable Untitled, 2009, installation, dimensions variable, installation view, Gagosian Gallery, New York (NY) Novgorod & Pskov, 2010, 15 concrete and painted stainless steel sculptures, dimensions variable

«Alguien me preguntó si creo en fantasmas - en realidad no. Tan sólo encuentro estas cosas “fantasmales” interesantes...»

I Can Have it All, 2010, cardboard, coffin, plants, curtains and human hair, dimensions variable, installation view, 6th Berlin Biennale, Berlin

«Jemand fragte mich, ob ich an Geister glauben - nicht wirklich. Ich finde diese “geisterhafte” Dinge intresting...»

«Somebody asked me if I belive in ghosts - not really. I just find these “ghostly” things intresting...» 2

Alexandrew Dudin

Richard Durrant 1973 born in Los Angeles (LA), lives and works in Los Angeles (LA), USA

Durrant has been working in his project The Hunted Hunter since the end of the nineties. In it, he explores the relationship between man and

nature from a Post-Romantic perspective. Each time the project is presented to the public, his work in progress assumes a site-specific dimension, depending on the exhibition and political context that hosts it. Hunting´s concept and iconography allow Durrant to accentuate the tension between language and objects, whereas the limits between the political and private dimension fade. The artist holds that the most effective way to reveal the real´s contradictions is to organize a space in which violence, only apparently domesticated, emerges until becoming something palpable. The contradictory preambles of his works make the viewer to constantly displace his/her ethical stance. Durrant recognizes that the starting points of his research on hunting´s imagery were Stanley Milgram´s articles of social psychology. His complex and demanding installations, often accompanied by radical performances, revisit the legacy of Brecht´s theatre, without giving award to the spectacle and illusion of the medium. Durrant graduated from Columbia University, New York (NY) (2006) and received an MFA in the University of Iowa (IA) (2009). At present he is associate teacher in the University of California (CA), San Diego. Recent exhibitions include dOCUMENTA (13) (2012), Frieze, London (2012), WorkSpace, Los Angeles (2012), Isabella Bortolozzi, Berlin (2011), The Kitchen, New York (2010), amongst others. In 2012 he was awarded with the prestigious LUMA Award.

The Hunted Hunter es un proyecto que Durrant viene trabajando desde finales de los noventa y en el que explora la relación entre el hom-

bre y la naturaleza desde una perspectiva postromántica. Cada vez que se presenta al público, su work in progress asume una dimensión site-specific dependiendo del contexto tanto expositivo como político que lo acoge. El concepto y la iconografía de la caza permiten a Durrant acentuar la tensión entre el lenguaje y los objetos, mientras que los límites entre la dimensión política y privada se van paulatinamente desdibujando. El artista sostiene que la manera más eficaz para revelar las contradicciones de lo real es organizar un espacio donde la violencia, sólo aparentemente domesticada, brota hasta convertirse en algo palpable. Los prolegómenos contradictorios de sus obras mueven al espectador a desplazar continuamente su postura ética. Durrant reconoce que el arranque de su investigación sobre el imaginario de la caza fueron los artículos de psicología social de Stanley Milgram. Las complejas y exigentes instalaciones de Durrant, a menudo acompañadas de performances radicales, revisitan el legado del teatro de Brecht, sin conceder nada al espectáculo ni a la ilusión del medio. Durrant se graduó en la Universidad de Columbia, Nueva York (NY) (2006) y recibió un MFA en la Universidad de Iowa (IA) (2009). En la actualidad es profesor asociado en la Universidad de California (CA), San Diego. Sus exposiciones recientes incluyen dOCUMENTA (13) (2012), Frieze, Londres (2012), WorkSpace, Los Angeles (2012), Isabella Bortolozzi, Berlin (2011), The Kitchen, Nueva York (2010), entre otras. En 2012 ha sido galardonado con el prestigioso premio LUMA.

The Hunted Hunter Durrant ist ein Projekt, das seit den späten neunziger Jahren und die die Beziehung zwischen Mensch und Natur

postromantic Perspektive erforscht gearbeitet hat. Jedes Mal der Öffentlichkeit präsentiert, nimmt seine Arbeit im Fortschritt eine Dimension je nach ortsspezifischen Ausstellung sowohl als politischen Kontext, der sie empfängt. Das Konzept und Ikonografie der Jagd Durrant ermöglichen erhöhen Spannung zwischen Sprache und Objekte, wobei die Grenzen zwischen privaten und politischen Dimension allmählich verwischt wird. Der Künstler behauptet, dass der effektivste Weg, um die Widersprüche der Realität offenbaren einen Raum, wo Gewalt, nur scheinbar domestiziert Federn in etwas spürbar zu organisieren. Der Lauf widersprüchlichen seiner Werke bewegen den Betrachter ständig bewegen ihre ethische Haltung. Durrant erkennt an, dass das Boot seiner Forschungen auf den Bildern der Jagd Artikel waren die Sozialpsychologie von Stanley Milgram. Die komplexen und anspruchsvollen Installationen Durrant, die oft von radikalen Performances begleitet, besuchen Sie das Erbe der Theater Brechts, ohne Gegentor nichts zu der Show oder die Illusion der Mitte. Durrant absolvierte an der Columbia University, New York (NY) (2006) und erhielt einen MFA von der University of Iowa (IA) (2009). Derzeit ist er als Associate Professor an der University of California (CA), San Diego. Seine jüngsten Ausstellungen gehören dOCUMENTA (13) (2012), Frieze, London (2012), WorkSpace, Los Angeles (2012), Isabella Bortolozzi, Berlin (2011), The Kitchen, New York (2010), unter anderem. Im Jahr 2012 wurde mit dem renommierten LUMA Award. Francesco Giaveri SELECTED EXHIBITIONS 2012 dOCUMENTA (13), Kassel, Germany; Frieze Projects, London, UK; What Have I Done to Deserve This; WorkSpace, Los Angeles (LA), USA; LUMA Award 2012, Arles, France; New Art from Los Angeles, Museum of Contemporary Art North, Miami (FL), USA 2011 THE LAW OF THE UNKNOWN NEIGHBOR, Isabella Bortolizzi Galerie, Berlin, Germany 2010 A History of Irritated Material, Raven Row, London, UK; International Contempoarry Ensemble, The Kitchen, New York (NY), USA 2007 All Your Deeds Shall in Water be Writ, but This in Marble, Isabella Bortolizzi Galerie, Berlin, Germany

SELECTED PUBLICATIONS 2013 dOCUMENTA (13), Kassel, Germany 2012 Richard Durrant, The Museum of Contemporary Art, Chicago, Chicago (IL), USA; New Art from Los Angeles, Museum of Contemporary Art North, Miami (FL), USA 2010 A History of Irritated Material, Raven Row, London, UK 2009 Dream Temple, Fondazione Prada, Milan, Italy

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The Hunted Hunter IV, 2006, installation, mixed media, dimensions variable, installation view, Isabella Bortolozzi Galerie, Berlin The Hunted Hunter VI, 2008, installation, mixed media, dimensions variable, installation view, The Kitchen, New York (NY) The Hunted Hunter VIII, 2012, installation, mixed media, dimensions variable, installation view, Museum Fur Modern Kunst, Frankfurt

«Elegancia rústica.»

The Hunted Hunter I, 2001, installation, mixed media, dimensions variable, installation view, Galería elba benítez, Madrid

«Rustikale Eleganz.»

«Rustic elegance.»

Richard Durrant 4

Elo 1979 born in Vilnius, Lithuania, lives and works in New York (NY), USA

2.0 fabrication has opened the door for the creation of different environments that integrate the most physical tradition of sculpture, instal-

lation, scenography or product design with the virtual world. In this way, it is possible to project not only bigger, voluminous and more spectacular installations, more real than reality and, nevertheless, existing only as illusions, as trompe l´oeils, in the manner of a hologram. Elo, who has participated in exhibitions such as Nowhere/Now/Here, hosted by LABoral Centro de Arte y Creación Industrial in 2008, immerses the spectator in the interior of her works, which are, in reality, mental spaces that could be sceneries of a kind of fantasy cinema close to Alien or also Solaris. In pieces like Synonymy (2009) she developed architectures and environments produced through experiences and feelings: visual rhythms that emerged from the contraposition of light and darkness, using screens, colours, materials and simple geometric shapes. In that manner, figures and images are integrated and interact with the bodies that wander through them, producing a feeling of a complete and comprehensive experience that broadens the limits of our perception, even beyond synaesthesia, near the utopic and decimononic definition of a total work of art.

La fabricación digital 2.0 ha abierto la puerta para la creación de diferentes entornos que integran la tradición más física de la escultura,

la instalación, la escenografía o el diseño de producto con el mundo de lo virtual. Haciendo posible, de esta forma, proyectar instalaciones no sólo más grandes, voluminosas y espectaculares, más reales que la realidad misma y, sin embargo, existentes sólo como ilusión, como trampantojo, a la manera de un holograma. Elo, que ha participado en exposiciones como Nowhere/Now/Here celebrada en LABoral Centro de Arte y Creación Industrial en 2008, sumerge al espectador en el interior sus obras, que son, en verdad, espacios mentales que podrían servir de decorados para un tipo de cine fantástico cercano, por ejemplo, a Alien o también a Solaris. En piezas como Synonymy (2009) desarrolla arquitecturas y ambientes producidos a través de sensaciones y experiencias: ritmos visuales que nacen de la contraposición de luces y oscuridad, utilizando pantallas, colores, materiales y formas geométricas simples. Las figuras y las imágenes, así, se integran e interactúan con los cuerpos que deambulan a través de ellas, dando lugar a una sensación de total incertidumbre sobre lo que uno ve y siente. En ese sentido, podemos hablar de una experiencia completa o integral que ensancha los límites de nuestra percepción, incluso más allá de la sinestesia, hasta no tan lejos como puede parecer de la definición utópica y decimonónica de obra de arte total.

2.0 Digitale Fabrik hat die Tür für die Erstellung von verschiedenen Umgebungen, die die physische Tradition der Skulptur, Installation,

Bühnenbild oder Produkt-Design mit der virtuellen Welt zu integrieren eröffnet. Macht es möglich, auf diese Weise, Projekt-Einrichtungen nicht nur größer, sperrig und spektakulär, aber wirklicher als die Wirklichkeit selbst, und doch gibt es nur eine Illusion und Illusion, in der Art eines Hologramms. Elo, die in Ausstellungen wie Nowhere / Now / Here LABoral am Zentrum für Kunst und industrielle Schöpfung im Jahr 2008 teilgenommen hat, taucht der Betrachter in seinem Werke, die sind in der Tat, geistige Räume, die als Dekoration für eine Art dienen könnte Nähe Fantasy-Film, zum Beispiel, Alien oder Solaris auch. Sätze für eine Art von Fantasy Kino in Ihrer Nähe, zum Beispiel auch Alien oder Solaris. In Stücken wie Synonymy (2009) entwickelt Architekturen und Umgebungen von Empfindungen und Erfahrungen produziert: visuelle Rhythmen, die aus dem Kontrast von Hell und Dunkel entstehen, mit Schirmen, Farben, Materialien und einfache geometrische Formen. Figuren und Bilder, und werden integriert und interagieren mit Körpern wandern durch sie, was zu einem Gefühl der völligen Unsicherheit darüber, was man sieht und fühlt. In diesem Sinne können wir von einer vollständigen oder umfassenden Erfahrung, die die Grenzen unserer Wahrnehmung, auch über Synästhesie, bis nicht so weit wie die Definition mag utopisch erscheinen und neunzehnten Jahrhunderts Kunstwerk erweitert sprechen.

Alfredo Aracil

SELECTED EXHIBITIONS 2012 Nowhere Less Now, Tin Tabernacle, London, UK [Artangel commission]; Einladung zur Ausstellung, Kunstverein Freiburg, Germany; A Trip to the Moon, Bonniers Konsthall, Stockholm, Sweden 2011 Persistence of Vision, FACT, Liverpool, UK; Depatterrn, Galleri Erik Steen, Oslo, Norway 2010 It has to be this way2, Statens Museum for Kunst, Copenhagen, Denmark; 2009 It has to be this way, Matt’s Gallery, London, UK; 2008 Nowhere/ Now/ Here, LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, Gijón, Spain

SELECTED PUBLICATIONS 2012 It has to be this way, Matt’s Gallery, London, UK; Nowhere Less Now, Tin Tabernacle, Kilburn, London 2011 Persistence of Vision, FACT, Liverpool, UK 2008 Nowhere/ Now/ Here, LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, Gijón, Spain

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The Zone, 2008, installation, mixed media, dimensions variable, installation view, LABoral Centro de Arte y Creaci贸n Industrial, Gij贸n Nowhere Less Now, 2012, installation, mixed media, dimensions variable, installation view, Tin Tabernacle, London Synonymy, 2009, installation, video-projections, mirrors, fabric, light, dimensions variable, installation view, Statens Museum for Kunst, Copenhagen

Elo

Maxime García 1977 born in Valparaíso, Chile, lives and works in Paris, France

Maxime García constantly redefines his position as a creator. After living a period as a graphic designer and a publicist, García decided

to use contemporary art as a context from which to offer a broaden vision of the idea of commerce. Maxime García has collaborated with important fashion brands defining concepts beyond tradition, overcoming barriers and preconceptions about the exhibition space. In his proposal for Alexander McQueen ®, the supermarket and the library were put together, questioning the role of the elite in opposition to a possible increasement of cultural consumption. For Louis Vuitton ®, Maxime García proposed a log-term action which consisted in the incorporation of elements contrary to the image of luxury: García signed an agreement with the Vuitton ® Emporium in 2008 that allows him to leave traces of objects of the consumption everyday, such as Starbucks ® cups, the smell of McDonalds ® or pizza boxes in several international stores of the brand. In the public space, understood as a site for economic action, Maxime García questioned the figure of the artist by incorporating images which already belog to popular culture, but maintaining a certain auratic imprint and an important monetary value. In his artistic production is also worth stressing his rapid plays with objects and images. His famous printed printer he turned something with a practical purpose into an object of desire and colour, displacing the interest for its original function and obliging the buyer, by contract, to not to use the printer as such.

Maxime García redefine constantemente su posición como creador. Después de un periodo como diseñador gráfico y publicista, García

decidió utilizar el arte contemporáneo como contexto desde el que ofrecer una visión ampliada de la idea de comercio. Maxime García colabora con grandes marcas de moda definiendo conceptos más allá de lo tradicional, superando barreras y preconcepciones sobre el espacio expositivo. El supermercado y la biblioteca se mezclan en una propuesta para Alexander McQueen ®, cuestionando el papel de la élite frente a un posible consumo cultural masivo. Para Louis Vuitton ®, Maxime García propone una acción a largo plazo consistente en la incorporación de elementos contrarios a una imagen de lujo: García firmó el 2008 un acuerdo con el emporio Vuitton ® que le permite dejar rastro de objetos propios del día a día comercial, como tazas de Starbucks ®, el olor del McDonald’s ® o cajas de pizza en los distintos establecimientos internacionales de la marca. En el espacio público, entendido como lugar de actuación económica, Maxime García pone en duda su propia figura de artista al incorporar imágenes que ya han pasado a la cultura popular aunque manteniendo cierta impronta aurática y un valor monetario importante. En su producción artística destacan también los juegos rápidos con imágenes y objetos. Su conocida printed printer convierte en objeto de deseo y color a algo con base práctica, eliminando el interés por su función original y obligando, por contrato al comprador, a no utilizar la impresora como tal.

Maxime García ständig neu zu definieren ihre Position als Schöpfer. Nach einer Zeit als Grafiker und Publizist, hat García für die zeitgenös-

sische Kunst als Kontext zu verwenden, von denen eine erweiterte Ansicht der Idee des Handels bieten. Maxime García arbeitet mit großen Modemarken definieren Konzepte jenseits der traditionellen, Überwindung von Barrieren und Vorurteile über die Ausstellungsfläche. Der Supermarkt und die Bibliothek sind in einem Vorschlag für Alexander McQueen ® gemischt, hinterfragen die Rolle der Eliten gegen eine mögliche massenkulturelle Verbrauch. Für Louis Vuitton ®, schlägt Maxime García eine langfristige Maßnahme, die den Einbau von Elementen im Gegensatz zu einem LuxusBild: García unterzeichneten eine Vereinbarung von 2008 mit dem Vuitton ® emporium die Spur eigene Objekte des täglichen Geschäfts können, wie Starbucks ® Becher, der Geruch von McDonalds ® oder Pizza-Schachteln in verschiedenen internationalen Stores. Im öffentlichen Raum, wie wirtschaftliche Veranstaltungsort verstanden, hinterfragt Maxime García ihre eigene Figur von Künstler zu Bildern, die bereits in der populären Kultur sind vergangen, unter Beibehaltung einer gewissen Impressum auratische und eine signifikante Geldwert zu integrieren. In seiner künstlerischen Produktion hebt auch die schnelle Spiele mit Bildern und Objekten. Seine bekannten printed printer zu einem Objekt der Begierde und Farbe etwas praktische Basis, wodurch Zinsen und zwingt seine ursprüngliche Vertrag ist der Käufer nicht auf den Drucker als solche zu verwenden. Martí Manen 1

SELECTED EXHIBITIONS 2012 dOCUMENTA (13), Kassel, Germany; Maxim García, Serpentine Gallery, London, UK; From November 5 Until They Fall Down, Castello di Rivoli, Torino, Italy; Stories are propaganda, Friedrich Petzel Gallery, New York (NY), USA 2011 Smells like Capitalism, Air de Paris Gallery, Paris, France; Performance #3 (Le cri ultrasonic de l’écureuil), Kunsthalle Malmö, Malmö, Sweden 2010 One Thousand Pictures Falling from One Thousand Walls, Friedrich Petzel Gallery, New York (NY), USA; Possessions, CABINET Gallery, London, UK; El sueño de una cosa, Museet Project, Moderna Museet, Stockholm, Sweden 2009 Burberry Made Me Hardcore, Pilar Corrias Gallery, London, UK

SELECTED PUBLICATIONS 2012 dOCUMENTA (13), Kassel; I have seen all this before, Foundation Beyeler, Basel, Switzerland; Maxim García, Serpentine Gallery, London, UK 2011 Performance #3 Maxime García (Le cri ultrasonic de l’écureuil), Kunsthalle Malmö, Malmö, Sweden 2010 El sueño de una cosa, Museet Project, Moderna Museet, Stockholm, Sweden

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Smells like Capitalism, 2011-ongoing, actions in several Louis Vuitton ® stores I have seen all this before, 2010, public space intervention, dimensions variable, installation views, Wostenholme Square, Chicago (IL) Voucher, 2012, mixed media installation and performance, dimensions variable, Alexander McQueen ® store (17 Rue Commines), Paris

«Nuestras interpretaciones pueden ser equivocadas.»

«Our interpretations can be wrong.» 2

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printed priter, 2010, painted Epson Stylus SX235W printer and mirrored plinth, 30 x 39 x 14,5 cm, installation view, CABINET Gallery, London Burberry Made Me Hardcore, 2009, 100 Burbery ® hadbags and red leather wallpaper, installation view, Pilar Corrias Gallery, London

«Unsere Interpretationen können einfach falsch.»

Maxime GarcĂa

GOO! design Established in 2003 in Košice, Slovakia

GOO! design is an Slovakian cooperative of artistic production founded in 2003 by Elena Ruzickova, Sbovoda Kopcák and Mira Grubeno-

va. Established in the city of Košice since 2006, they explore the narratives of design, the economy (specially the automobile´s industry), architecture and art history from a critical perspective. Though an excessive production of objects and installations, they deconstruct some visual signs of repetitive character. The archive/installation What can I hold you with?, carries out a experimental research about creative processes, real-time data exchange and specialised forms of aesthetic attention. One of the fundamental premises of GOO! design is that they do not look for a vertical knowledge, but the diverse cognitive possibilities that derive from a joint refection, as well as the configuration of communitarian subjectivities. GOO! design has participated in group exhibitions and biennials since its creation in 2003. Is worth to mention, to name but a few, their participation in the 8th edition of Gwangiu´s Biennial (South Korea), the 2nd Ural Industrial Biennial of Contemporary Art (Ekaterinburg) and Scenarios about Europe III, GfZK (Leipzig). In 2013, GOO! design will be producing an archive/installation about modules of behaviours and visual ceremonies in contemporary art at the Laboratoires d´Aubervilliers in Paris

GOO! design es una cooperativa eslovaca de producción artística creada en 2003 por Elena Ruzickova, Sbovoda Kopcák y Mira Grubeno-

va. Establecidos en la ciudad de Košice desde 2006, exploran los relatos del diseño, la economía (especialmente la industria del automóvil), la arquitectura y la historia del arte desde una perspectiva crítica. Gracias a una producción de objetos e instalaciones excesiva, deconstruyen algunos signos visuales de carácter repetitivo. La instalación/archivo What can I hold you with?, aborda una investigación experimental sobre los procesos creativos e intercambios de datos en tiempo real y las formas especializadas de atención estética. Una de las premisas fundamentales de GOO! design es que no busca un conocimiento vertical, sino las diversas posibilidades cognitivas que derivan de la reflexión conjunta y la configuración de subjetividades comunitarias. GOO! design ha participado en exposiciones colectivas y bienales desde su creación en 2003. Cabe destacar, entre otras, la 8ª edición de la Bienal de Gwangju (Corea del Sur), la 2ª Bienal Industrial de los Urales (Ekaterinburg) y Scenarios about Europe III, GfZK (Leipzig). Durante todo el 2013, GOO! design producirá en París, en los Laboratoires d’Aubervilliers, un archivo/instalación sobre módulos de comportamientos y ceremonias visuales en el arte contemporáneo.

GOO! design Die Slowakei ist eine Genossenschaft, die künstlerische Produktion im Jahr 2003 von Elena Ruzickova und Mira Kopcák

Sbovoda Grubenova erstellt. Mit Sitz in der Stadt Košice seit 2006 erforschen die Geschichte von Design, Wirtschaft (insbesondere Automotive), Architektur-und Kunstgeschichte aus einer kritischen Perspektive. Mit einer Produktion von Objekten und Installationen auch dekonstruieren einige visuelle Zeichen eines sich wiederholenden Natur. Die Installation/file What can I hold you with?, Behebt ein experimenteller Forschung über kreative Prozesse und den Austausch von Echtzeitdaten und spezialisierte Formen ästhetischer Aufmerksamkeit. Eines der grundlegenden Prämissen der GOO! design ist nicht auf der Suche nach einer vertikalen Wissen, sondern die verschiedenen Möglichkeiten, die aus der kognitiven gemeinsame Reflexion Subjektivitäten und Community-Einstellungen entstehen. GOO! design hat in Gruppenausstellungen und Biennalen seit seiner Gründung im Jahr 2003 teilgenommen. Prominent unter anderem die 8. Ausgabe der Gwangju Biennale (Südkorea), die zweite Biennale of Industrial Ural (Ekaterinburg) und Szenarien über Europa III, GfZK (Leipzig). Während 2013, GOO! design in Paris in der Laboratoires d’Aubervilliers, eine Datei / Installation von Modulen und Zeremonien visuelle Verhalten in der zeitgenössischen Kunst produziert. Alexis Callado Estefanía

SELECTED EXHIBITIONS 2013 The Spirit of Utopia, Whitechapel Gallery, London, UK; Speech Acting, Laboratoires d´Aubervilliers, Aubervilliers, France 2012 2nd Ural Industrial Biennale of Contemporary Art, Ekaterinburg, Russia; Scenarios about Europe III, GfZK, Leipzig, Germany; Politiken: et stød i kuglerne på den gode smag, Lentos Kunstmuseum, Linz, Austria 2012 IT’S THE POLITICAL ECONOMY, STUPID, Pori Art Museum, Pori, Finland; Without Reality There Is No Utopia, YBCA, San Francisco (CA), USA 2011 8th Gwangju Biennale, Gwangju, South Korea 2010 BENZINE. The energies of your mind, Palazzo Re Enzo, Bologna, Italy; Workplace, The Mead Gallery, Warwick, UK 2009 GOO! design, The Jumex Foundation, Mexico City, Mexico

SELECTED PUBLICATIONS 2013 The Spirit of Utopia, Whitechapel Gallery, London, UK 2012 Politiken: et stød i kuglerne på den gode smag, Lentos Kunstmuseum, Linz, Austria; 2nd Ural Industrial Biennale of Contemporary Art, Ekaterinburg, Russia; IT’S THE POLITICAL ECONOMY, STUPID, Pori Art Museum, Pori, Finland 2011 8th Gwangju Biennale, Gwangju, South Korea 2009 GOO! design, The Jumex Foundation, Mexico City, Mexico

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Another stolen cliché, 2010, installation, wood, metal, carpet, IKEA wallpapers, dimensions variable, installation view, Palazzo Re Enzo, Bologna What can I hold you with?, 2010, installation, wood, metal, PRIMEQUEST 420 serve, dimensions variable, installation view, Pori Art Museum, Pori Total Artwork, 2007, installation, wood, plastic, metal, 70 x 110 x 25 cm, installation view, The Mead Gallery, Warwick

«Muebles magníficos.»

«Brilliant furniture.» 2

Untitled (Vehicles of the wasteland), 2011, installation, wood, metal, PRIMEQUEST 420 server, 710 x 160 cm, installation view, Lentos Kunstmuseum, Linz

«Brilliant Möbel.»

GOO! design

Max Grueter 1949 born in Leeds, UK

After finishing his education as a sculptor and participating in a couple of group exhibitions in London at the sixties, with a series of minimal

inspired serial objects that sought to blend in the exhibition space until becoming almost unnoticeable, in 1972, Max Grueter finally achieved to become invisible. Since then, like a ghost, his sporadic appearances, that art critics and academics use to call performances – although it would be more precise to define them as magic tricks of a nineteenth century illusionist – are produced in an unexpected manner during the openings of exhibitions and biennials throughout the world, where he appears mainly to discuss and, also, attribute authorship over the installations and pieces created by other artists, or even to alter them slightly, irreversibly transforming their meaning. In each of his actions he adopts a different costume. He is normally seen with characterizations that participate in an idea of ambivalent future, halfway between the most recent past and a time once dreamt that will never occur. He constantly quotes the two most effective dream-creating machines of the twentieth century: Marxism and the Space Race. In reality, nobody knows how to contact him. He has never been invited by any curator to participate in any exhibition and, therefore, he always appears. He was seen for the last time in Boltelang Gallery in Zürich, during the opening of an exhibition by the artist Patrick Hari, in February 2012.

Tras concluir su formación como escultor y participar en un par de exposiciones colectivas en el Londres de finales de los sesenta, con

una serie de objetos seriales de inspiración minimal que buscaban fundirse con el espacio hasta pasar totalmente inadvertidos, en 1972, Max Grueter consiguió por primera vez hacerse invisible. Desde entonces, como un fantasma, sus apariciones esporádicas, que críticos y académicos llaman performances – aunque en realidad tendría más sentido definir como trucos de magia propios de un ilusionista del siglo diecinueve – se producen de manera inesperada en el transcurso de inauguraciones de exposiciones y bienales de todo el mundo, donde comparece principalmente para discutir y, de paso, atribuirse la autoría de instalaciones y piezas realizadas por otros artistas o, incluso, para alterarlas levemente transformando irreversiblemente su significado. En cada una de sus acciones adopta un disfraz distinto. Normalmente se deja ver con caracterizaciones que participan de una idea de futuro ambivalente, a caballo entre el pasado más reciente y con un tiempo una vez soñado que ya nunca llegará a producirse. Juega a citar constantemente las dos máquinas de crear sueños más efectivas del siglo veinte: el marxismo y la carrera espacial. En realidad nadie sabe como contactar con él. Nunca ha sido invitado por comisario alguno a participar en ninguna exposición y sin embargo siempre aparece. Fue visto por última vez en la galería Boltelang de Zürich, durante la inauguración de una exposición del artista Patrick Hari, en febrero 2012.

Nach Abschluss seiner Ausbildung als Bildhauer und an ein paar Ausstellungen in London in den späten sechziger Jahren mit einer Reihe

von Objekten inspirieren serielle versuchen, auf kleinstem Raum verschmelzen zu völlig unbemerkt bleiben, im Jahr 1972, zum ersten Mal Max Grueter wieder unsichtbar geworden. Seitdem, wie ein Gespenst, rufen Sie die sporadischen Auftritte, Kritikern und Akademikern Leistungen - aber eigentlich mehr Sinn machen, sich als Zaubertricks ein Zauberer des neunzehnten Jahrhunderts zu definieren - treten unerwartet während Ausstellungseröffnungen und Biennalen weltweit, die vor allem zu diskutieren und, nebenbei bemerkt erscheinen, schrieben die Urheberschaft der Einrichtungen und anderen Künstlern Stücke oder sogar leicht verändern irreversibel Umwandlung ihrer Bedeutung. In jeder seiner Handlungen nimmt eine andere Gestalt. In der Regel mit Charakterisierungen beinhaltete eine idee ambivalent, auf halbem Weg zwischen der jüngsten Vergangenheit und einer Zeit einmal geträumt und wird nie auftreten sehen. Spielen konsequent nennen die beiden Maschinen zu einer effizienteren Träume des 20. Jahrhunderts zu schaffen: Marxismus und der Raum Rennen. Niemand weiß wirklich, wie man ihn kontaktieren. Nie wurde eingeladen, von einem Beauftragten zu beteiligen und noch immer erscheint. Er wurde zuletzt in der Galerie Boltelang von Zürich gesehen, bei der Eröffnung einer Ausstellung von Künstler Patrick Hari im Februar 2012. Alfredo Aracil

SELECTED EXHIBITIONS 1966 Concept Art on Show, Whitechapel Gallery, London, UK 1968 The Obsessive Image, ICA, London, UK

SELECTED PUBLICATIONS 2012 Fred Bartels: the invisible artist, London, UK 2011 Exercises for Rebel Artists: Radical Performance Pedagogy, Routledge, New York (NY), USA 2009 VOIDS: a retrospective, Mathieu Copeland, Paris, France 2007 Performance art: from futurism to the present, London, UK 1999 The Analysis of Performance Art: A Guide to Its Theory and Practice, New York (NY), USA

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Untiled (A Curse), after Tom Friedman, 2012, performance, performance view at the exhibition ´Invisible´, Hayward Gallery, London The Little Book of Mao, 2009, performance, performance view, 53 Biennale di Venezia, Venice Kritik der politischen Ökonomie, 2012, performance, performance view, Bolteland Gallery, Zürich

«Sólo hago esto por diversión.»

«Ich bin gerade dabei für Spaß.»

«I am just doing this for fun.»

Max Grueter

jg13rvn 1987 born in San Francisco (CA), lives and works in Detroit (MI), USA and London, UK

jr13rvn went from begging on the streets to becoming an interesting artist of the young North American artistic scene, with works where

objects, materials, and document quotes from different sources, are appropriated to be transformed into new elements through a process of collage. The works of jr13rvn present aspects of his personal life, from the violence he suffered in his childhood, to his nomadic life in the most violent cities of the United States. His aesthetics can hardly be assigned to a particular style or school. jg13rvn´sinstallations contain a layer of systems of signs, neologisms and references to contemporary symbolic figures that is not easily decodable, forming the artist´s universe, inhabited by elements which help us to understand his personal history. Colour is essential in his work, making the viewer feel moved by each of his pieces. His new three-dimensional works explore, with the use of a sculptural representation, the fresh and contemporary repertoire, referencing art history, as we can see in his piece Turrell drives an irwin-wheeler (2011), in which the only real clue for knowing its meaning is the title, alluding to some of the members of the Californian group Ligh and Space, through an odd installation. Also, in 2012, he presented the monologue Partially Buried in x Parts: to tear down the walls of a fortress at Manhattan´s Comedy Cellar. Jr13rvn is currently working in a public project in Dallas (TX), about Man Ray´s work La Fortune (1938), that will be launched in 2013.

jr13rvn pasó de estar mendigando en la calle a convertirse en un interesante artista de la escena joven norte americana, con obras que

se apropian de objetos, materiales y citas de documentos de distintas fuentes, para transformarlas en nuevos elementos a través de un proceso de collage. Las obras de jr13rvn, tienen matices de su vida personal, desde la violencia sufrida en la infancia hasta su vida como nómada en las ciudades más violentas en Estados Unidos. Su estética difícilmente se puede asignar a un estilo definido o escuela. Las instalaciones contienen una capa que no es fácilmente decodificable de sistemas de señales, neologismos, alusiones a figuras simbólicas contemporáneas que forman juntas el universo propio del artista, habitado por elementos que sirven de base para entender su historia personal. El color es esencial en su obra, haciendo que el espectador se sienta movido por cada una de sus piezas. Sus nuevas obras tridimensionales exploran, a través del uso de una representación escultórica, el repertorio fresco y contemporáneo, haciendo referencias a la historia del arte, como podemos ver en la obra Turrell drives an irwin-wheeler (2011) donde la única pista real de su significado es el título, que hace referencia a algunos miembros del grupo californiano Light and Space a través de una curiosa instalación. También en 2012 presentó el monólogo Partially Buried in x Parts: to tear down the walls of a fortress en el Comedy Cellar en Manhattan. jr13rvn está actualmente participando en un proyecto público en Dalas (TX) que va a tener su presentación en 2013 y trata sobre la obra de Man Ray La Fortune (1938).

jr13rvn ging vom Betteln auf der Straße eine interessante junge Künstler der nordamerikanischen Szene geworden, mit Werken, die

entsprechenden Objekte, Materialien und Dokumente aus verschiedenen Quellen, um sie durch einen Prozess der Collage Transformation in neue Elemente. jr13rvn Werke haben Nuancen von seinem persönlichen Leben, von der Gewalt in der Kindheit, sein Leben zu erfahren als Nomade in der gewalttätigsten Städte in Amerika. Seine Ästhetik kaum zu einer bestimmten Stil oder in der Schule zugewiesen werden. Die Anlage enthält eine Schicht, die nicht leicht decodierbar Signalanlagen, Neologismen, symbolischen Anspielungen auf zeitgenössische Zahlen bilden zusammen des Künstlers eigenen Universum zugrunde liegenden Elemente bewohnt, seine persönliche Geschichte zu verstehen. Farbe ist wichtig, seine Arbeit, so dass die Zuschauer das Gefühl von jedem ihrer Teile bewegt. Seine neue dreidimensionale Werke erforschen, durch die Verwendung eines plastische Darstellung, frisch und zeitgenössischen Repertoire, so dass Verweise auf die Kunstgeschichte, wie wir in der Arbeit Turrell drives an irwin-wheeler (2011), wo die einzige wirkliche Ahnung seine Bedeutung ist der Titel, die zu einigen Mitgliedern der California Light and Space Gruppe durch eine merkwürdige Installation verweist. Auch im Jahr 2012 präsentiert der Monolog Partially Buried in x Parts: t otear down the walls of the fortress in der Comedy Cellar in Manhattan. jr13rvn beteiligt sich zurzeit an einem öffentlichen Projekt in Dalas (TX), die ihre Präsentation im Jahr 2013 haben wird. und bespricht die Arbeit von Man Ray, La Fortune (1938).

Tiago de Abreu Pinto SELECTED EXHIBITIONS 2012 The Dreamy Awards, Park Nights, Serpentine Gallery, London, UK; Not Safe For Work, Duve, Berlin, Germany; Characterdate, Frieze Frame, Frieze Art Fair London, London, UK; jg13rvn – The Magnificent Seven, CCA Wattis Institute, San Francisco (CA), USA 2011 Natural Wonders, Baibakov Art Projects, Moscow, Russia; The Hangover Part II, Carlos Ishikawa, London, UK; Icarus Falling- An Exhibition Lost, Maison Hermès, 8th Floor Le Forum, Tokyo, Japan 2010 Black Leather, Kenneth Anger Institute of Art, Texas (TX), USA; jg13rvn, Khastoo Gallery, Los Angeles (CA), USA; Short cut through the trees, MUMOK, Vienna, Austria 2009 Atomic Art Bomb, Modern Art Oxford, Oxford, UK

SELECTED PUBLICATIONS 2012 jg13rvn – The Magnificent Seven, CCA Wattis Institute, San Francisco (CA), USA 2011 Icarus Falling- An Exhibition Lost, Maison Hermès, 8th Floor Le Forum, Tokyo, Japan 2010 Black Leather, Kenneth Anger Institute of Art, Texas (TX), USA; Short cut through the trees, MUMOK, Vienna, Austria

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From Alexandre to Cunha, 2012, beer bottles, paint, Japanese umbrella, dimensions variable, installation view, Serpentine Gallery, London Electronic super Highway: Iâ&#x20AC;&#x2122;m a 21st century antichrist trapped in a 17th century society, 2009, glass, absynthe bottles, plastic, paint, framed mirror, sticker, speakers, 2, 3 x 0,5, x 1,2 m, installation view, Modern Art Oxford, Oxford

Turrell drives a irwin-wheeler, 2011, mixed media, installation view, Baibakov Art Projects, Moscow

jg13rvn 3

JIHS Established in 2004 in Paris, live and work in Paris, France, and Berlin, Germany

JIHS is an art collective established in 2004 whose epicentre is the articulation of a number of media dealing with the nature of representa-

tion in art and its relationship with the architecture that encompasses it. JIHS usually appropriate materials, objects and strategies specific to the art world to create absurd and ahistorical situations. At the same time, the collective undertakes fundamental investigations about sculptural forms and their contrasts throughout the twentieth century. In their latest work, Around the World: Museums seen in different times (2012), they have developed their sculptural vocabulary on the classification of museum architectures from anachronistic air transportation mediums. Their first works showed in a veiled, almost abstract, manner, aerial views of configuration changes carried out by museums in cities. Formally, these works presented a juxtaposition of forms, lines and an overlapping of color fields, causing the impression of a broken mirror, which could be interpreted, in this case, as a result of gentrification.

JIHS es un colectivo fundado en el 2004 que tiene como epicentro la articulación de diversos medios de comunicación que tratan sobre

la naturaleza de la representación en el arte y su relación con la arquitectura que le abarca. JIHS suele apropiarse de materiales, objetos y estrategias propios del mundo del arte para crear situaciones absurdas y ahistoricas. Al mismo tiempo, el colectivo lleva a cabo investigaciones fundamentales sobre las formas escultóricas y sus contrastes a lo largo del siglo veinte. En su última obra, Around the World: Museums seen in different times (2012), desarrolla su vocabulario escultórico sobre la clasificación de arquitecturas museísticas desde medios de transporte aéreos anacrónicos. Sus primeros trabajos presentaban de una manera velada, casi abstractos, vistas aéreas de cambios de configuración realizados por los museos en las ciudades. Formalmente estos trabajos tenían una yuxtaposición de formas, líneas y la superposición de campos de color que causaban la impresión de un espejo roto, que podría ser visto en este caso como resultado de la gentrificación.

JIHS ist eine Gruppe im Jahr 2004 gegründet, deren Epizentrum artikulieren verschiedenen Medien, die sich larepresentación Natur in

Kunst und Beziehung mit Architektur, umfasst. JIHS Regel geeignete Materialien, Objekte und Strategien, die auf die Welt der Kunst zu absurden Situationen und ahistorisch erstellen. Gleichzeitig führt die Gruppe der Grundlagenforschung auf den skulpturalen Formen und Kontraste im gesamten 20 Jahrhundert. In seinem neuesten Buch, Around the World: Museums seen in different times (2012), entwickelt seine skulpturalen Wortschatz auf die Klassifizierung der Museumsarchitektur von anachronistischen Luftverkehr. Seine frühen Arbeiten zeigten in verschleierter Weise, fast abstrakt, Luftaufnahmen von Änderungen an der Konfiguration von Museen in den Städten gemacht. Formal diese Arbeiten hatten ein Nebeneinander von Formen, Linien und Farbfelder überlappen was den Eindruck eines zerbrochenen Spiegels, die in diesem Fall als Ergebnis der Gentrifizierung gesehen werden konnte. Tiago de Abreu Pinto

SELECTED EXHIBITIONS 2012 Beauty Business, Dallas Contemporary, Dallas (TX), USA; Schoner Wohen, MAK, Museum fur Angewandte Kunst Wen, Vienna, Austria; JIHS Arround the World, Tate Modern, London, UK/ Guggenheim Bilbao, Bilbao, Spain 2011 Wear Me Out, Middleheimmuseum, Antwerp, Belgium; Spit in Someone’s Soup, Malmö Konstmuseum, Malmö, Sweden 2010 Narrow Mist, Ullens Center of Contemporary Art, Beijing, China; Glue your brain, Museum of Contemporary Art, Sydney, Australia 2009 Keep a Cool Head, Central House of Artists, Moscow, Russia; Sculptures with embarrassment, Studio K. Kiasma, Museum of Contemporary Art, Helsinki, Finland 2008 Project wall, Rosamund Felsen Gallery, Los Angeles (CA), USA

SELECTED PUBLICATIONS 2013 JIHS Arround the World, Tate Modern, London, UK 2012 Beauty Business, Dallas Contemporary, Dallas (TX), USA; Schoner Wohen, MAK, Museum fur Angewandte Kunst Wen, Vienna, Austria 2011 Glue your brain, Museum of Contemporary Art, Sydney, Australia 2009 Sculptures with embarrassment, Studio K. Kiasma, Museum of Contemporary Art, Helsinki, Finland

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Around the World: Museums seen in different times, 2012, performance, Supermarine Spitfire Mk I, performance view, Tate Modern, London Around the World: Museums seen in different times, 2012, performance, Aerostatic baloon, performance view, Guggenheim Bilbao, Bilbao

«A la hora de mandar el elaborado decorado a Túnez para la filmación, éste tuvo que ser desmontado y enviado por partes; después ser reconstruido en el lugar.»

«Um die aufwendige prop nach Tunesien liefern für die Dreharbeiten, musste es demontiert und geschickt in Teilen wieder aufgebaut vor Ort.»

«In order to ship the elaborate prop to Tunisia for filming, it had to be disassembled and sent in parts, then rebuilt on location.»

JIHS

Edson Lopes 1983 born in Salvador de Bahía, lives and works in São Paulo, Brazil

Trained in set design, Lopes´s audacious installations investigate the mise en scène of art. Questioning the white cube´s neutrality, he turns

the exhibition space into a significant formal element in his works. Objects of popular culture are subverted and reproduced in disconcerting installations; the experience of the viewer is constantly enriched by conceptual and formal collisions in a journey where sub-texts dialectically interact. His artifacts, meticulously articulated, suggest that “good taste” is only a conservative idea. Entrace/Exit consists in a carpet of which it´s slogan, Life is simple, creates an ironical counterpoint to a vintage shelve entitled Space Capsule, where the artist becomes involved, in order to distance himself, in the archive fever. Lopes´s works activate a series of conceptual gaps in order to question the established. In this manner, the viewer is confronted with a radical critique of the institutional exhibition space, understood as an extension to the consumer society. The two digital prints Forever I and Forever II, with their geometrical reductions, are an explicit homage to Lygia Pape and the Brazilian Neo-Concretism. Despite his early age, Lopes´s work have been seen in numerous international solo and group exhibitions, such as MALBA Buenos Aires (2012), Fortes Vilaça Gallery, São Paulo (2011), Victoria Miro Gallery, London (2010) Instituto Tomie Othake, São Paulo (2010), amongst others. In 2013 his projects will be included in the Sharjah Biennial, United Arab Emirates and in Sin razón aparente, Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid.

De formación escenógrafo, Lopes indaga con sus audaces instalaciones en la puesta en escena del arte. Cuestionando la neutralidad del

cubo blanco, convierte el espacio expositivo en un elemento formal significativo de sus obras. Reproduce subvirtiendo objetos de la cultura popular que organiza en instalaciones desconcertantes; la experiencia del espectador se ve constantemente enriquecida por choques conceptuales y formales en un recorrido cuyos sub-textos interactúan dialécticamente. Estos artefactos, minuciosamente articulados, sugieren que el “buen gusto” es solamente una idea conservadora. Entrance/Exit consiste en una alfombra cuyo eslogan, Life is simple, hace de contrapunto irónico a un estantería vintage titulada Space Capsule donde el artista se involucra, pero sólo para desmarcarse, en el mal de archivo. Las obras de Lopes activan una serie de huecos conceptuales para cuestionar lo establecido. De esta manera, el espectador se enfrenta a una crítica radical del espacio institucional artístico, entendido como apéndice de la sociedad de consumo. Las dos impresiones digitales Forever I y Forever II, con sus reducciones geométricas, son un explícito homenaje a Lygia Pape y al neoconcretismo brasileño. Pese a su temprana edad, la obra de Lopes se ha podido ver en numerosas exposiciones internacionales tanto colectivas como individuales; cabe destacar las del MALBA, Buenos Aires (2012), Galería Fortes Vilaça, São Paulo (2011), Victoria Miro Gallery, Londres (2010) Instituto Tomie Othake, São Paulo (2010), entre otras. En 2013 sus proyectos serán incluidos en la Sharjah Biennial, Emiratos Árabes Unidos y en Sin razón aparente, Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid.

Ausbildung Bühnenbildner untersucht Lopes ihre Einrichtungen kühne Inszenierung der Kunst. Die Infragestellung der Neutralität des White

Cube, wird die Ausstellungsfläche eine deutliche formale Element seiner Werke. Spielt untergraben Populärkultur Objekte in verblüffende Einrichtungen organisiert, wird das Seherlebnis ständig von konzeptionellen und formalen stürzt in einer Tour, die dialektisch zu interagieren Subtexte bereichert. Diese Artefakte, sorgfältig artikuliert, legen nahe, dass der “gute Geschmack” ist nur eine konservative Idee. Entrance/Exit ist ein Teppich, dessen Slogan, Life is simple, macht einen ironischen Kontrapunkt Titel Space Capsule vintage Regal, wo der Künstler beteiligt, aber nur, um offene, in die Archiv Fieber. Lopes funktioniert löste eine Reihe von Löchern, um die bewährten Konzept herauszufordern. Auf diese Weise wird der Betrachter mit einer radikalen Kritik der künstlerischen institutionellen Raum, als Anhang der Konsumgesellschaft verstanden konfrontiert. Die zwei Fingerabdrücke Forever I und Forever II, mit seinen geometrischen Reduktionen sind eine explizite Hommage an Lygia Pape und brasilianischen neoconcretism. Trotz seines jungen Alters hat Lopes Arbeit gesehen worden in zahlreichen internationalen Ausstellungen sowohl kollektive und individuelle, schließen diejenigen MALBA, Buenos Aires (2012), Fortes Vilaça Gallery, São Paulo (2011), Victoria Miro Gallery, London (2010) Tomie Othake Institut, São Paulo (2010), unter anderem. Im Jahr 2013 ihre Projekte in der Sharjah Biennale, VAE und in Sin razón aparente, Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid einbezogen werden.

Francesco Giaveri SELECTED EXHIBITIONS 2013 Sharjah Biennial, Sharjah, United Arab Emirates; Sin razón aparente, Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid, Spain 2012 Intervención 6, MALBA, Buenos Aires, Argentina 2011 Life is Simple. Edson Lopes: recent works, Fortes Villaça Gallery, São Paulo, Brazil 2010 Striking it Rich, Victoria Miro Gallery, London, UK; A iminência das poéticas, Instituto Tomie Othake, São Paulo, Brazil

SELECTED PUBLICATIONS 2013 Sin razón aparente, Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid 2012 Edson Lopes, MALBA, Buenos Aires

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White Hat, 2009, mixed media, dimensions variable, installation view, Instituto Tomie Othake, São Paulo Forever I/ Forever II, 2010, 2 digital prints, 70 x 50 cm (each), installation view, Fortes Villaça Gallery, São Paulo Untitled (Rounded Table), 2012, mixed media,100 x 150 x 150 cm (aprox.), installation view, MALBA, Buenos Aires

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Entrance/Exit, 2011, mixed media, 110 x 180 cm, installation view, Fortes Villaça Gallery, São Paulo Space Capsule, 2011, mixed media, 200 x 170 x 35 cm, installation view, Fortes Villaça Gallery, São Paulo

Edson Lopes

Michael Mihalyfi 1976 born in Tel Aviv, Israel, lives and works in Chicago (IL), USA

The end of the twentieth century, for many, the end of History, meant that many of the objects that had animated that time had been

condemned to remain suspended in a kind of limbo, without being old enough to be stored in the vitrines of a museum, nor contemporary enough to be used yet. They were condemned to invisibility, to be kept hidden in basements, because of a fashion system marked by increasingly shorter time cycles. Like marionettes, hanging from an invisible thread, the guns, televisions, mirrors or even body parts the serve Michael Mihalyfi in his installations, also seem to float. These are also suspended in the air, as well as in time. Far from the sacredness that is supposed to the realm of art, Mihalyfi plays with elements of popular culture that are far from being original or unique. Their presence in the exhibition space is apparently vulgar, but in fact they point out to the seams of time. In that sense, his work investigates the idea of historicity in a highly technologized context, where the vast information storage has enabled the eternal return of the past in the present, which is precisely the theme of his first solo exhibition in a large institution, scheduled for April 2014, in MAMbo (Bologna).

El final del siglo veinte, para muchos el final de la Historia, significó que muchos de los objetos que habían animado aquel tiempo se que-

daran suspendidos en una suerte de limbo, sin llegar a ser lo suficientemente viejos como para ser guardados en las urnas de un museo, ni tampoco lo suficientemente contemporáneos como para ser usados todavía. Fueron condenados a la invisibilidad, a ser guardados, escondidos en sótanos, debido a un sistema de la moda marcado por ciclos temporales cada vez más cortos. Como marionetas que penden de un hilo invisible, las pistolas, los televisores, los espejos o incluso los restos anatómicos de los que se sirve Michael Mihalyfi para armar sus instalaciones, también parecen flotar. Están igualmente suspendidos en el aire, así como en el tiempo. Lejos de la sacralidad que se le supone a la esfera del arte, Mihalyfi juega con elementos de la cultura popular que no son ni mucho menos originales o únicos. Su presencia en una sala de exposiciones juega a parecer vulgar, cuando en realidad señala hacia las costuras del tiempo. En ese sentido, su trabajo investiga sobre la idea de historicidad en un contexto fuertemente tecnologizado, donde el almacenamiento de ingente información ha hecho posible el eterno retorno del pasado en el presente, que es justamente el tema de su primera exposición individual en una gran institución, programada para abril de 2014 en el MAMbo de Bolonia.

Das Ende des 20. Jahrhunderts für viele das Ende der Geschichte bedeutete, dass viele der Objekte, die animiert, dass die Zeit bleibt

suspendiert in einer Art Schwebezustand, ohne alt genug, um in den Umfragen von einem gespeichert werden war Museum, noch zeitgenössische genug, um noch verwendet werden. Sie wurden zur Unsichtbarkeit verurteilt, die verborgen in Kellern, weil ein Modezyklen durch immer kürzere Zeit markiert. Wie Marionetten hängen von einem unsichtbaren Faden diente Waffen, Fernseher, Spiegel oder sogar Körperteile von Michael Mihályfi zu bauen Anlagen auch zu schweben scheinen. Sind auch in der Luft als auch in der Zeit ausgesetzt. Weit davon entfernt, die Heiligkeit, die das Reich der Kunst soll, spielt Mihályfi mit Elementen der populären Kultur, die weit weniger originell oder einzigartig sind. Ihre Anwesenheit in einem Showroom zu vulgären spielt, wenn in der Tat verweist auf die Nähte der Zeit zu suchen. In diesem Sinne untersucht seine Arbeit die Idee der Geschichtlichkeit in einer hoch technisierten Kontext, wo die überwiegende Informationsspeicherung die ewige Wiederkehr der Vergangenheit in der Gegenwart, das ist genau das Thema seiner ersten Einzelausstellung in einer großen Institution aktiviert hat geplant für April 2014 in MAMbo (Bologna). Alfredo Aracil

SELECTED EXHIBITIONS 2012 Die Wahrscheinlichkeit, dass nichts passiert, carlier | gebauer, Berlin, Germany 2011 Among Heroes: Pre-Images in Contemporary Art, Kunsthalle Nurnberg, Nuremberg, Germany; Blink!, Denver Art Museum, Denver (CO), USA 2010 The Beauty of Distance: Songs of Survival in a Precarious Age, Bienniale of Sydney, Sydney, Australia; The Effect of Modern Art on Green Circles, Vanmoerkerke Collection, Oostende, Belgium 2009 Restless Empathy, Aspen Art Museum, Aspen (CO), USA

SELECTED PUBLICATIONS 2011 Among Heroes: Pre-Images in Contemporary Art, Kunsthalle Nurnberg, Nuremberg, Germany; Blink!, Denver Art Museum, Denver (CO), USA 2009 Restless Empathy, Aspen Art Museum, Aspen (CO), USA

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George A. Romero Revisited, 2012, frozen human head, vitrine, gold mirror, 150 x 40 x 40 cm, installation view, carlier | gebauer, Berlin Monologue IV, 2010, installation, mirrors, gun, plinth, dimensions variable, installation view, Kunsthalle Nureberg, Nuremberg I’ve seen things you people wouldn’t believe..., 2011, installation, TV monitors, wood boxes, dimensions variable, installation view, Denver Art Museum, Denver (CO)

«Cuélgalo en la pared para conseguir al instante un look espeluznante.»

«Hängen Sie es an der Wand für einen Augenblick gruseligen Aussehen.»

«Hang it on the wall for an instant Creepy Look.»

Michael Mihalyfi 3

Jake Reilly 1985 born in Augusta (GA), lives and works in Pennsylvania (PA), Los Angeles (CA), Philadelphia (PA) and Miami (FL), USA

Jake Reilly studied in Rhode Island School of Design, where he graduated with a BFA in 2008. Since then, Reilly has lived and worked in

Pennsylvania (PA), Los Angeles (CA), Philadelphia (PA) and Miami (FL). His work has appeared in numerous exhibitions in spaces outside the contemporary art circuit, such as the Mauna Kea Observatory, Georgia Aquarium and the Biology and Biotechnology Laboratory in Idaho University. Reilly´s works evoke the mystery and memory present in the invisible architecture that connects the viral movements in contemporary society. He always takes on account the minimalism of the medium as the most effective tool in his works. In his piece The Nicholas Effect (2011), inspired by the story of Nicholas Green, who was shot to death in an car robbery attempt while he was on holidays with his family in Southern Italy, the artist used recurring elements in his work to speak about the movement that occurred when Green´s parents decided to dante his organs, generating a significant increase in the rate organ donation in Italy. Another of his most acclaimed works, Broken Windows (2012), subtly shows some characteristics of the criminological theory presented in the book Fixing Broken Windows by George L. Kelling and Catherine Coles; mainly elements of order, distance and control.

Jake Reilly estudió en la Escuela de Diseño de Rhode Island, donde se graduó con un BFA en 2008. Reilly desde entonces ha vivido y

trabajado en Pensilvania (PA), Los Ángeles (CA), Filadelfia (PA) y Miami (FL). Su trabajo ha aparecido en numerosas exposiciones en espacios que no forman parte del circuito del arte contemporáneo como el Observatorio Mauna Kea, Georgia Aquarium y en el Biology and Biotechnology Laboratory en la universidad de Idaho. Las obras de Reilly evocan el misterio y la memoria que existe en la arquitectura invisible que conecta a los movimientos virales en la sociedad contemporánea. Tiene siempre en cuenta el minimalismo del medio como mensaje más efectivo. En la obra The Nicholas Effect (2011), inspirada en la historia de Nicholas Green, que fue muerto a tiros en un intento de robo a un coche mientras estaba de vacaciones con su familia en el sur de Italia, el artista se sirve de elementos recurrentes en su trabajo para hablar del movimiento que ocurrió cuando los padres de Green decidieron donar sus órganos generando un aumento significativo en la tasa de donación de órganos en Italia. Otra de sus obras más aclamadas, Broken Windows (2012) muestra de manera sutil algunas características de la teoría criminológica presentada en el libro Fixing Broken Windows de George L. Kelling y Catherine Coles, principalmente los elementos de miedo, orden, distancia y control.

Jake Reilly studierte an der School of Design, Rhode Island, wo er mit einem BFA Abschluss im Jahr 2008. Reilly seit lebte und arbeitete in

Pennsylvania (PA), Los Angeles (CA), Philadelphia (PA) und Miami (FL). Seine Arbeiten wurden in zahlreichen Ausstellungen in den Räumen, die nicht Teil der zeitgenössischen Kunst Schaltung wie die Mauna Kea Observatory, Georgia Aquarium und der Biologie und Biotechnologie Laboratory an der University of Idaho erschienen. Reilly Werke evozieren das Geheimnis und die Erinnerung, die in der unsichtbaren Architektur, die die virale Bewegungen in der modernen Gesellschaft verbindet existiert. Immer berücksichtigt Umwelt Minimalismus als effektiver Nachricht. In dem Buch The Nicholas Effect (2011), inspiriert von der Geschichte von Nicholas Green, der tot in einem versuchten Raub von einem Auto erschossen wurde während eines Urlaubs mit seiner Familie im Süden Italiens, verwendet der Künstler Elemente rezidivierenden in seiner Arbeit auf der Bewegung, die als Green die Eltern beschlossen, seine Organe zu spenden, um einen signifikanten Anstieg in der Rate der Organspende in Italien zu generieren vorgekommen. Ein weiteres seiner bekanntesten, Broken Windows (2012) auf subtile Weise zeigt einige Merkmale der kriminologische Theorie in dem Buch Fixing Broken Windows von George L. vorgestellt Kelling und Catherine Coles, insbesondere die Elemente der Angst, Ordnung, Distanz und Kontrolle. Tiago de Abreu Pinto

SELECTED EXHIBITIONS 2012 dOCUMENTA (13), Kassel, Germany; Broken Windows, Mauna Kea Observatory, Hawaii (HI), USA; Black Mountain Poets, Georgia Aquarium, Georgia (GA), USA; An Incomplete History of Incomplete Works of Art, Francesca Minini, Milan, Italy 2011 The Nicholas Effect: Jake Reilly´s New Installations, Biology and Biotechnology Laboratory, University of Idaho, Idaho (ID), USA; The Artists´ Postcard Show, Spike Island, Bristol, UK; Blind Cut, Kunsthalle Lissabon, Lisbon, Portugal 2010 The Color of Pomegranates: entre lo científico y lo artístico, Museo de las Artes y las Ciencias, Valencia, Spain 2009 53 Biennale di Venezia, Venice, Italy

SELECTED PUBLICATIONS 2012 dOCUMENTA (13), Kassel, Germany 2010 The Color of Pomegranates: entre lo científico y lo artístico, Museo de las Artes y las Ciencias, Valencia, Spain 2009 53 Biennale di Venezia, Venice, Italy

76 1 2 3

Broken Windows, 2012, installation, spotlights, dimensions variable, installation view, Mauna Kea Observatory, Hawaii (HI) The Nicholas Effect, 2011, installation, spotlights, pipe organ, green screen, installation view, Biology and Biotechnology Laboratory, Idaho (ID) The Color of Pomegranates, 2009, installation, mixed media, dimensions variable, installation view, 53 Biennale di Venezia, Venice

«Lo sé, un poco raro...»

«I know, a little weird...»

Black Mountain Poets, 2012, installation, wood, 35mm film projector, installation view, Georgia Aquarium, Georgia (GA)

«Ich weiß, ein wenig seltsam...»

Jake Reilly Elo 3

Luiz Salazar II 1970 born in Viana do Castelo, Portugal, lives and works in London, UK

Archaeologist of the History of the twentieth century, Luiz Salazar II builds very little known episodes through his multidisciplinary practice.

The events of chronicle that his projects start from accentuate the fragmentary condition of the contemporary world, presenting autobiographical as well as socioeconomic factors. The artist prefers that the viewers weave their own story from the provided material rather than exerting his authorship in an authoritarian fashion. In his installation Alta Fidelidade, presented in 2012 at Kunsthalle Zürich, an enormously proportioned radio from the fifties broadcasts the chronicle of a car sinister, which occurred in the locality of Agustoni in the Argentinean Pampas. The journalist informs how, in this event, Steve Dos Passos lost his life the 25th of January 1953, under ambiguous circumstances. Steve, brother of the famous novelist John, had by that time an intimate relationship with Margaret R., daughter of an oil magnate who did not hide his absolute disagreement with their union. A photograph of the artist´s wedding and a postcard ostentatiously signed by him, introduce an autobiographical element which confuses even more the comprehension of what happened (Salazar I, Luiz´s father, was Margaret´s distant cousin). In front of the radio, a keyboard (Love is the key, 2012) awaits the potential arrival of the spectator so that he/she fills the blanks of the story and finds that key that the artist only suggests. Luiz Salazar II has exhibited in the main international museums and events: Hamburger Bahnhof, Berlin (2010), TATE Modern, London (2002), Venice Biennale (2001 and 2011), amongst many others.

Arqueólogo de la Historia del siglo veinte, Salazar II, reconstruye episodios poco conocidos a través de una práctica multidisciplinaria. Los

eventos de crónica de los que arrancan sus proyectos acentúan la condición fragmentaria del mundo contemporáneo en la que caben tanto factores autobiográficos como socioeconómicos. El artista prefiere que sean los espectadores los que tejan su propio relato a partir del material ensamblado más que ejercer su autoría de manera autoritaria. En la instalación Alta Fidelidade, presentada en 2012 en la Kunsthalle de Zürich, un enorme radio de los años cincuenta retransmite la crónica de un siniestro de coches, ocurrido en la localidad de Agustoni en La Pampa argentina. El periodista informa cómo perdió la vida en este percance Steve Dos Passos el 25 de enero de 1953, en ambiguas circunstancias. Steve, hermano del célebre novelista John, tenía por aquel entonces una relación íntima con Margaret R., hija de un magnate del petróleo que no ocultaba su rotundo disentimiento respecto a esta unión. Una foto de la boda del artista y una postal firmada ostentosamente por él, introducen un elemento autobiográfico que enreda aún más la comprensión de lo sucedido (Salazar I, padre de Luiz, era asimismo primo lejano de Margaret). Frente a la radio, un teclado (Love is the key, 2012) aguarda quizá la llegada del espectador para que éste ate los cabos del relato y encuentre aquella llave que el artista sólo sugiere. Luiz Salazar II expuso en los principales museos y eventos internacionales: Hamburger Bahnhof, Berlín (2010), TATE Modern, Londres (2002), Bienal de Venecia (2001 y 2011), entre muchos otros.

Archäologe des zwanzigsten Jahrhunderts Geschichte, Salazar II, rekonstruiert wenig bekannten Episoden durch einen multidisziplinären

Praxis. Die Chronik der Ereignisse, die ihre Projekte unterstreichen die fragmentarischen Charakters der heutigen Welt, in der sowohl autobiografische und sozio-ökonomischen Faktoren passen starten. Der Künstler zieht es Zuschauer, die weben ihre eigene Geschichte aus dem Material montiert mehr als die Ausübung ihrer Verantwortung in autoritärer Weise. Bei der Installation Alta Fidelidade, im Jahr 2012 in der Kunsthalle Zürich präsentiert eine riesige Radiosendungen fünfziger Chronik ein Autounfall, die in der Stadt La Pampa Argentina Agustoni aufgetreten. Der Journalist erzählt, wie er sein Leben verlor in diesem Missgeschick Steve Dos Passos am 25. Januar 1953, in zweideutigen Umständen. Steve, der Bruder des berühmten Schriftstellers John, war zu jener Zeit eine intime Beziehung mit Margaret R., Tochter eines Öl-Tycoon, der nicht verbarg seinen durchschlagenden Dissens über diese Vereinigung. Eine Hochzeit Foto des Künstlers und einer Postkarte demonstrativ von ihm signiert, führte eine autobiographische Element, das weitere Verständnis von dem, was passiert verstrickt (Salazar I, Luiz Vater, war auch ein entfernter Cousin von Margaret). Vor dem Radio, eine Tastatur (Love is the key, 2012) vielleicht in Erwartung der Ankunft des Zuschauers, um die Enden der Geschichte zu binden und zu finden, dass die wichtigsten schlägt vor, dass der Künstler nur. Luiz Salazar II ausgestellt in großen Museen und internationalen Veranstaltungen: Hamburger Bahnhof, Berlin (2010), Tate Modern, London (2002), Venedig Biennale (2001 und 2011), unter vielen anderen. Francesco Giaveri SELECTED EXHIBITIONS 2012 Alta Fidelidade: Luiz Salazar II, Kunsthalle Zürich, Switzerland; Situation Classic Pervery, Sadie Coles HQ, London, UK; Stones to throw, Kunsthalle Lissabon, Lisbon, Portugal 2011 54th Biennale di Venezia, Venice, Italy 2010 The Collections, Hamburger Bahnhof, Berlin, Germany 2009 50 Dark Stories, Sadie Coles HQ, London, UK 2002 The Uniliever Series: Luiz Salazar II, Tate Modern, London, UK 2001 49th Biennale di Venezia, Venice, Italy; estratégia ou o dom da ubiquidade, Galeria Graça Brandão, Lisbon, Portugal; Na Paisagem: Obras Da Collecção da Fundação de Serralves, Museu Serralves, Porto, Portugal

SELECTED PUBLICATIONS 2012 Alta Fidelidade: Luiz Salazar II, Kunsthalle Zürich, Switzerland 2011 54th Biennale di Venezia, Venice, Italy 2001 49th Biennale di Venezia, Venice, Italy; Na Paisagem: Obras Da Collecção da Fundação de Serralves, Museu Serralves, Porto, Portugal

80 1 2 3

Alta Fidelidade (antes do banquete), 2012, framed photograph, 15 x 20 x 2 cm, installation view, Kunsthalle Zürich, Zürich Alta Fidelidade (antes do banquete), 2012, installation view (detail), Kunsthalle Zürich, Zürich Love is the key, 2012, keyboard, 120 x 100 x 30 cm, installation view, Kunsthalle Zürich, Zürich

Alta Fidelidades (radio), 2012, mixed media, 240 x 580 x 240 cm, installation view, Kunsthalle Zürich, Zürich

Luiz Salazar II 3

Arkadiusz Tietz 1972 born in Leszno, Poland, lives and works in Bucharest, Romania, and Berlin, Germany

The work of Arkadiusz Tietz flows between the romantic approach to the industrial machinery and the impact of political history on cultural

fields of Eastern Europe. The idea of a productive future, with the machine as a visual definition, becomes central in the work of the Polish artist. His critical representation of national identity means, positioning a forgotten image of technical future with the historical approach of the traditional museum, has been celebrated from institutional critique studies. The rediscovery of an Eastern idea of Europe has been crucial for the international approach to the work of Arkadiusz Tietz. The expanded notion of monument, the nostalgia for a future to come and the limits of productivity defined one of his most celebrated projects: Palace/Factory of the dictator, an enormous theatrical piece based on the structure of Parsifal by Richard Wagner with 100 video-projections, a choir, some old workers from a factory in Ukraine re-staging a demonstration and the musical direction by old members of the Sugarcubes. Tietz has been working context based in Bucharest Biennale and Periferic Biennial (Iasi). At the Opera of Malmö Arkadiusz Tietz presented the controversial C.E.A.U.S.E.S.C.U., an interactive performance about power, control and media. Tietz works also as organizer of events related to the idea of archive and its object based political subjectivity.

El trabajo de Arkadiusz Tietz fluye entre una aproximación romántica a la maquinaria industrial y el impacto de la historia política en el mapa

cultural de Europa del Este. La idea de un futuro productivo, con la máquina como su definición visual, deviene central en el trabajo del artista polaco. Su representación crítica de los medios de identidad nacional, posicionando una imagen olvidada del futuro técnico junto a la aproximación histórica del museo tradicional, ha sido celebrada desde estudios de crítica institucional. El redescubrimiento de una idea de Europa proveniente del este ha sido crucial para la aproximación internacional al trabajo de Arkadiusz Tietz. La noción expandida de monumento, la nostalgia de un futuro por venir y los límites de la productividad definieron uno de sus proyectos más celebrados: Palace/Factory of the dictator, una enorme pieza teatral basada en la estructura de Parsifal de Richard Wagner con 100 video-proyecciones, un coro, algunos trabajadores veteranos de una fábrica en Ucrania reescenificando una protesta y la dirección de antiguos miembros de los Sugarcubes. Tietz ha estado trabajando de manera contextual en la Bienal de Bucharest y la Periferic Biennial (Iasi). En la Ópera de Malmö Arkadiusz Tietz presentó la controvertida C.E.A.U.S.E.S.C.U., una performance interactiva sobre el poder, el control y los media. Tietz también trabaja como organizador de eventos relacionados con la idea de archivo y su subjetividad política basada en el objeto.

Die Arbeit von Arkadiusz Tietz fließt Zwischen dem romantischen Ansatz für die Maschinen und die Auswirkungen der politischen Ge-

schichte auf kulturellem Gebiet von Ost-Europa. Die Idee, eine produktive Zukunft, mit der Maschine als visuelle Definition, in der Mitte wird die Arbeit des polnischen Künstlers. Seine kritische Darstellung der nationalen Identität bedeutet, positionieren Sie ein vergessenes Bild der technischen Zukunft mit dem Ansatz der traditionellen historischen Museum hat von der Institutionskritik Studien gefeiert. Die Wiederentdeckung einer östlichen Konzept von Europa war für die internationale Ausrichtung der Arbeit des Arkadiusz Tietz entscheidend. Der erweiterte Begriff der Denkmal, die Sehnsucht nach einer Zukunft zu kommen und die Grenzen eines seiner definierten Productivity gefeiert MOST Projekte: Palace/Factory of the dictator, eine enorme Theaterstück über die Struktur der Parsifal von Richard Wagner mit 100 Basis-Video-Projektionen, ein Chor, ein paar alte Arbeiter aus einer Fabrik in der Ukraine Re-Inszenierung eine Demonstration und die musikalische Leitung von alten Mitgliedern der Sugarcubes. Tietz hat in Bukarest Biennale basierten Kontext und Periferic Biennale (Iasi) gearbeitet. An der Oper Malmö Arkadiusz präsentiert das umstrittene C.E.A.U.S.E.S.C.U., Tietz, eine interaktive Performance Acerca Macht, Kontrolle und Medien. Tietz arbeitet auch als Organisator von Veranstaltungen im Zusammenhang mit dem Begriff des Objekts basiertes Archiv und seine politische Subjektivität. Martí Manen

SELECTED EXHIBITIONS 2012 Bucharest Biennale 6, Bucharest, Romania; Lotus Award of Distinction, The Lotus Club, New York (NY), USA; Arkadiusz Tietz: 9 x 9 x 9 and North Gallleries, Inside the White Cube, White Cube Bermondsey, London, UK; C.E.A.U.S.E.S.C.U., Malmö Opera, Malmö, Sweden 2011 THE SAME PIECE OF LAND UNDER OUR FEET, General Public, Berlin, Germany 2010 5th International Video Art Biennial in Tel Aviv, Tel Aviv, Israel; Palace/ Factory of the dictator, Museum of Contemporary Art Kyiv, Kiev, Ukraine 2009 New Polish Approaches, Stedelijk Museum, Amsterdam, The Netherlands 2008 Periferic 8 Biennial for Contemporary Art, Iasi, Romania

SELECTED PUBLICATIONS 2012 Arkadiusz Tietz: Place with limited premeditation, Artimo Foundation, Breda, Italy 2011 Sources in the Air, JRP / Ringier, France 2010 Art in Embassies; Celebrating 20 Years of the Soft Power of Art, Fondation Beyeler, Basel, Switzerland; Palace/ Factory of the dictator, Museum of Contemporary Art Kyiv, Kiev, Ukraine 2009 New Polish Approaches, Stedelijk Museum, Amsterdam, The Netherlands 2008 Periferic 8 Biennial for Contemporary Art, Iasi, Romania

84 1 2 3

Portret Antoniego Wankowicza, 2008, mixed media installation, dimensions variable, installation views, Periferic 8 Biennial for Contemporary Art, Iasi Dawno się nie słyszeliśmy, 2012, mixed media installation, dimensions variable, installation view, Bucharest Biennale 6, Bucharest Palace/ Factory of the dictator, 2010, 100 video-projections, chorus and performance, installation view (detail), Museum of Contemporary Art Kyiv, Kiev

C.E.A.U.S.E.S.C.U., 2012, performance, installation views, Malmö Opera, Malmö

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Arkadiusz Tietz

Weightless Sculpture Projects Established in 2001 in Porto Alegre, Brazil

Weightless Sculpture Projects (WSP) is a collective without a fixed geographical placement, although they claim as their foundational head-

quarters the city of Porto Alegre, Brazil. Integrated by a variable number of people from the fields of architecture, graffiti or computers, they started their practice in social hacktivism. WSP works with the idea of operation in their projects. In this manner, they emphasise the need to write a previous plan for their actions, which can be looked up online once they have been realised. At present, they have migrated their interventions to prominent cultural institutions, whose architectures they modify through online cartographies. They hack the aerial views that googlemaps offers to these institutions by putting their stamp onto them. They usually collaborate with local agents for each intervention they plan, programming support events in the physical headquarters nearby the intervened institutions. Known for their occupations of Guggenheim New York (2008), Neue Nationalgalerie in Berlin (2010), Centre Pompidou in Paris (2012) and museums from cities as Beijing or Amsterdam. They claim their website – www.wsp.com – as their meeting point.

Weightless Sculpture Projects (WSP) es un colectivo sin emplazamiento geográfico fijo, aunque reclama como sede fundacional la ciudad

de Porto Alegre, Brasil. Integrado por un número variable de personas procedentes de ámbitos como la arquitectura, el graffitti o la informática, comienza su trabajo en el hacktivismo social. WSP trabaja con la idea de operación en sus obras. De este modo, hacen hincapié en la necesidad de la escritura de un plan previo para sus acciones, que se puede consultar online una vez éstas han sido realizadas. En la actualidad han migrado sus intervenciones a grandes instituciones culturales, cuyas arquitecturas modifican a través de cartografías online. Toman las vistas aéreas que googlemaps ofrece de las instituciones, y las hackean estapando sobre ellas su sello. Suelen colaborar con agentes locales para cada intervención que planean, programando eventos de apoyo en sedes físicas próximas a las instituciones intervenidas. Conocidas son sus ocupaciones del Guggenheim de Nueva York (2008), la Neue Nationalgalerie de Berlin (2010), el Centre Pompidou de Paris (2012) y museos de ciudades como Beijing o Ámsterdam. Reclaman como punto de encuentro su web: www.wsp.com.

Weightless Sculpture Projects (WSP) ist eine Gruppe ohne feste geographische Lage, obwohl auf Ansprüche wie die Gründung der Stadt

Porto Alegre, Brasilien. Bestehend aus einer variablen Anzahl von Menschen aus Bereichen wie Architektur, beginnt Graffiti oder Computer, seine Arbeit in sozialen Hacktivismus. WSP arbeitet mit der Idee, die in ihren Werken. So betonen die Notwendigkeit für das Schreiben einen Plan vor, um ihre Aktionen, die zur Verfügung steht Online, sobald sie getroffen wurden. Derzeit haben ihre Reden zu großen Kulturinstitutionen, deren Architekturen modifiziert über Online-Karten migriert. Nehmen Sie Luftbilder, dass googlemaps Institutionen bietet, und hacken auf sie estapando Dichtung. Sie haben oft mit lokalen Agenten für jede Intervention Planung arbeiten, planen Veranstaltungen zur Unterstützung körperlicher Nähe intervenierte Institutionen. Bekannt sind ihre Berufe Guggenheim New York (2008), der Neuen Nationalgalerie in Berlin (2010), das Centre Pompidou in Paris (2012) und Museen in Städten wie Peking oder Amsterdam. Anspruch als Web-Treffpunkt: www.wsp.com. Paloma Checa Gismero

SELECTED EXHIBITIONS 2013 ARCHITECTURE FOR ALL: BUILDING CITIZENSHIP, 9th São Paulo International Architecture Biennial, São Paulo, Brazil; Emerging Architecture, Royal Institute of Architects, London, UK 2012 Talk to Me: Design and the Communication between People and Objects, MOMA, New York (NY), USA; 2010 Venice Architectural Biennale, Venice, Italy; The Marathon Marathon, The Acropolis, Athens, Greece 2009 Brasilia 7, Brasilia, Brazil 2008 The materialists are all asleep, Red Mansion Foundation, London, UK; Psycho Buildings, Hayward Gallery, London, UK

SELECTED PUBLICATIONS 2013 ARCHITECTURE FOR ALL: BUILDING CITIZENSHIP, 9th São Paulo International Architecture Biennial, São Paulo, Brazil; Emerging Architecture, Royal Institute of Architects, London, UK 2012 NET-ART NOW!, Ragpicker, Madrid, Spain; Talk to Me: Design and the Communication between People and Objects, MOMA, New York (NY), USA 2010 Venice Architectural Biennale, Venice, Italy 2008 Psycho Buildings, Hayward Gallery, London, UK

88 1 2 3

WSP Visits Guggenheim New York, 2008, net-art intervention in Googlemaps WSP Visits Neue Nationalgalerie, Berlin, 2010, net-art intervention in Googlemaps WSP Visits Centre Georges Pompidou, Paris, 2012, net-art intervention in Googlemaps

«La última parte de este proyecto es el desarrollo de un entorno de arte experimental llamado ArtSpacelab, con una relación virtual con el espacio ultraterrestre y la Estación Espacial Internacional.»

4 5

WSP Visits Museum of Contemporary Art Beijing, 2011, net-art intervention in Googlemaps WSP Visits Stedelijk Museum, Amsterdam, 2012, net-art intervention in Googlemaps

«Der letzte Teil dieses Projekts ist die Entwicklung einer experimentellen Kunst genannt ArtSpacelab Umwelt, mit einem virtuellen Bezug auf den Weltraum und die International Space Station.»

«The last part of this project is the development of an experimental art

environment called ArtSpacelab, with a virtual relation to outer space and the International Space Station.»

Weightless Sculpture Projects

Benjamin Woodall 1981 born in Liverpool, lives and works in London, UK, and Mexico City, Mexico

Benjamin Woodall belongs to a generation in which the access to information exponentially increased in his student years. His work is mainly set out

as a critique to those political practices in which the media, including art, are managed. Woodall intends to subject the viewer to a simulacrum of the real through the construction of environments, the exhibition of everyday objects and performances. In Ensayo sobre la libertad, his first solo exhibition at Sala de Arte Público Siqueiros, Mexico City in 2011, the main piece, There aint no such thing as, was an apparently electrified cage whose interior presented straight to the viewer a computer monitor with internet connexion. The exhibition was closed down by the authorities of the country right after the opening, claiming that the piece could be dangerous to the public. This incident gave notoriety to the artist. However, Woodall was interested in creating a space where to reflect on the actual concept of freedom and the access to information. In Untitled (575 nm), for Carl Freedman gallery in London, he built a room within the exhibition space. Through a public submission, any person beyond eighteen could spend two hours inside this room without being able to leave. The interior could be seen from the “outside” with the help of a two-way mirror. The author was the one who spent the first two hours, locking himself out during the opening of his show, evidencing today´s obsession to show the artist as a public figure within the star system.

Benjamin Woodall pertenece a la generación en la que el acceso a la información creció de manera exponencial en sus años como estudiante. Su trabajo

se plantea principalmente como una crítica a las prácticas políticas en las cuales se gestionan los medios de comunicación en la actualidad, incluido el arte. Woodall, tiene la intención de someter al espectador a un simulacro de lo real mediante la construcción de ambientes, la exhibición de objetos cotidianos y la performance. En Ensayo sobre la libertad, su primera exposición individual en el Sala de Arte Público Siqueiros en la Ciudad de México en 2011, la pieza principal, There aint no such thing as, fue una jaula aparentemente electrificada, en cuyo interior se presentaba directamente frente al espectador un monitor de ordenador con conexión a internet. Esta muestra fue clausurada inmediatamente posterior a su inauguración por las autoridades de aquel país denunciando que la pieza podría ser peligrosa para el público. Esto dio una gran notoriedad internacional al artista. Sin embargo, Woodall se interesaba por crear un espacio donde reflexionar sobre el actual concepto de libertad y el acceso a la información. En Untitled (575 nm), para la galería londinense Carl Freedman, construyó una habitación dentro del espacio expositivo. Por medio de una convocatoria pública, cualquier persona mayor de edad podía pasar dentro del cuarto dos horas sin poder salir. El interior podía verse desde “fuera” por medio de un espejo espía. Fue el mismo autor quien pasó las primeras dos horas encerrado durante su inauguración poniendo de manifiesto la obsesión de mostrar al artista como personaje público dentro del star system.

Benjamin Woodall gehört zu der Generation, in denen der Zugang zu Informationen exponentiell während seiner Jahre als Student gewachsen. Sein

Werk entsteht in erster Linie als eine Kritik der politischen Praxis, in denen sie die Verwaltung der Medien heute, einschließlich der Kunst. Woodall, hat eine Absicht, den Betrachter in eine Simulacrum der Realität zu bringen, indem Gebäude Umgebungen, die Ausstellung von Alltagsgegenständen und Leistung. In Ensayo sobre la libertad, seine erste Solo-Ausstellung in der Sala de Arte Publico Siqueiros in Mexiko-Stadt im Jahr 2011, war das wichtigste Stück, There aint no such thing as, offenbar elektrifiziert Käfig, in dessen Inneren befinden sich direkt vor einem Computermonitor Viewer vorgestellt mit Internet-Anschluss. Diese Ausstellung wurde unmittelbar nach seiner Amtseinführung von den Behörden dieses Landes behaupten, dass das Stück könnte eine Gefahr für die Öffentlichkeit geschlossen. Das gab ein großes internationales Renommee Künstler. Allerdings war Woodall interessiert einen Raum zu schaffen, in denen auf dem aktuellen Begriff der Freiheit und Zugang zu Informationen widerspiegeln. In Untitled (575 nm) der Londoner Galerie Carl Freedman, baute einen Raum innerhalb des Ausstellungsraumes. Durch eine offene Ausschreibung, könnte jede erwachsene Person zwei Stunden in den Raum, ohne Ausgehen verbringen. Der Innenraum könnte von “außen” durch einen Spiegel spy gesehen werden. Es war der gleiche Autor, der die ersten zwei Stunden während der Eröffnung enthüllt die Besessenheit zeigt den Künstler als öffentliche Figur im Stern-System gesperrt verbracht. Bernardo Sopelana

SELECTED EXHIBITIONS 2012 Benjamin Woodall – A Diagram of Forces, Malmo Konsthall, Malmo, Sweden; Passages, LAXART, Los Angeles (CA), USA 2011 Out of Control, NEST, The Hague, The Netherlands; Ensayo sobre la libertad, Sala de Arte Público Siqueiros, Mexico City, Mexico 2010 Untitled (575 nm), Carl Freedman Gallery, London, UK; Hammer Project: Benjamin Woodall, EMBASSY! (a dismal science waiting room), Armand Hammer Museum of Art, Los Angeles (CA), USA 2009 Pulleys, Cogwheels, Mirrors, and Windows, University of Michigan Museum of Art, Michigan (MI), USA; 2nd Moscow International Biennale for Young Art, Moscow, Russia

SELECTED PUBLICATIONS 2012 Benjamin Woodall – A Diagram of Forces, Malmo Konsthall, Malmo, Sweden; Passages, LAXART, Los Angeles (CA), USA 2011 Ensayo sobre la libertad, Sala de Arte Público Siqueiros, Mexico City, Mexico 2010 Hammer Project: Benjamin Woodall, EMBASSY! (a dismal science waiting room), Armand Hammer Museum of Art, Los Angeles (CA), USA

92 1 2 3

Untitled (575 nm), 2010, installation, wood, paint, door, lighting system and twoway mirror, 450 x 450 x 450 cm, installation view, Carl Freedman Gallery, London Untitled (we are mute), 2009, polyurethane and metal, dimensions variable, installation view, 2nd Moscow International Biennale for Young Art, Moscow There aint no such thing as, 2011, installation, metallic net, wood and computer monitor, dimensions variable, installation view, Sala de Arte Público Siqueiros,

«Las medidas son bastante exactas.»

Mexico City

«Die Messungen sind ziemlich genau.»

«Measurements are pretty accurate.»

ArnoM.nl

Biographical notes of the authors — Notas biográficas de los autores — Kurzbiographie der Autoren Alfredo Aracil Born in A Coruña. Since 2011 he works for LABoral Centro de Arte, Gijón, in the Mediateca_Archivo and the Public Program. He collaborates with different media like Lumière o Tendencias. He has curated several exhibitions and film programs, such as «Usos y formas», at LABoral, or «Leer las imágenes, leer el tiempo», at Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS). Nacido en A Coruña. Desde 2011 trabaja en LABoral Centro de Arte, de Gijón, trabajando en Mediateca_Archivo y en el Programa Público. Colabora en diversos medios como Lumière o Tendencias. Ha comisariado diferentes exposiciones y programas de cine, como «Usos y formas», en LABoral, o «Leer las imágenes, leer el tiempo», en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS). Geboren in A Coruña. Seit 2011 arbeitet in LABoral Centro de Arte, Gijón, arbeiten Mediateca_Archivo und öffentliche Agenda. Beteiligte in verschiedenen Medien als Lumière oder Tendencias. Er hat mehrere Ausstellungen und Filmprogramme kuratiert als «Usos y formas» at LABoral, oder «Leer las imágenes, leer el tiempo», in Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS).

Alexis Callado Estefanía Independent curator born in la Havana. He is an active agent in the promotion of exchanges between artistic scenes from Spain and Latin America. He has curated and organised artistic projects in Sweden, Spain and Cuba. He has been coordinator of publishing projects of the company Arte y Naturaleza and he is member of the OrganoProCurador and co-founder of The Curatorial Bureau. Comisario independiente nacido en la Habana. Es un activo agente dinamizador en el fomento de los intercambios de las escenas artísticas de España e Iberoamérica. Ha comisariado y organizado proyectos artísticos en Suecia, España y Cuba. Colabora con publicaciones, museos, asociaciones y centros especializados en arte contemporáneo. Ha sido coordinador de proyectos editoriales de la empresa Arte y Naturaleza, miembro del OrganoProCurador y cofundador de The Curatorial Bureau. Freier Kurator in Havanna geboren. Er ist ein Wirkstoff zur Förderung dynamischen Austausch von Kunst Szenen in Spanien und Lateinamerika. Er kuratierte und organisierte Kunstprojekte in Schweden, Spanien und Kuba. Support Publikationen, Museen, Vereinen und Zentren für zeitgenössische Kunst. Er war Koordinator des Unternehmens Publishing-Projekte Arte y Naturaleza, OrganoProCurador Mitglied und Mitbegründer des The Curatorial Bureau.

Paloma Checa Gismero Born in a family of political Soviet exiles working in a Circus. She grew up without a fixed residency, travelling around Europe and parts of South America, until she settled down with her family in a Sicilian port. Employed in the industry of glass recycling, she was condemned to prison for a period of time. It was there where her interest in art writing started, as a student in the reintegration workshops programmed by the Italian branch if the AICA. Today she is dedicated to researching and writing about contemporary art. Nace en una familia de exiliados soviéticos dedicados al circo. Crece sin domicilio fijo, viajando por Europa y partes de Sudamérica, hasta que se establece con su familia en un puerto siciliano. Empleada en la industria de reciclaje de vidrio, es condenada a pasar un tiempo en prisión. Allí se inicia en la escritura de crítica de arte como alumna de uno de los talleres de reinserción programados por la rama italiana de AICA. Hoy se dedica a la investigación y la escritura sobre arte contemporáneo. Geboren in einer Familie von sowjetischen Exil widmet sich der Zirkus. Wächst Obdachlose, Reisen durch Europa und Teilen von Südamerika, bis seine Familie in einem sizilianischen Hafen eingestellt ist. Wird in der Glas-Recycling-Industrie, ist dazu verurteilt, im Gefängnis zu verbringen. Dort begann er schriftlich über Kunstkritik als Student einer der Reintegration Workshops für den italienischen Zweig der AICA geplant. Heute wird recherchiert und schreibt über zeitgenössische Kunst gewidmet.

Tiago de Abreu Pinto Born in Salvador de Bahía. He was awarded the Gwangju Biennale Grant for Curators and has studied Curating at ICI (NY). He has coordinated the second edition of «Jugada a 3 Bandas» (2012) and has been co-founder and co-director of Revista Claves de Arte. He currently works for Nogueras Blanchard gallery and is a researcher at UCM. Nacido en Salvador de Bahía. Fue galardonado con la beca de comisariado de la bienal de Gwangju y ha realizado curso de comisariado en ICI (NY). Ha coordinado la segunda edición de «Jugada a 3 Bandas» (2012) y ha sido el co-fundador y co-director de la Revista Claves de Arte. Actualmente trabaja para la galería NoguerasBlanchard y desarrolla su tesis doctoral en la UCM. Geboren in Salvador de Bahía. Er erhielt das Stipendium kuratiert die Gwangju Biennale und getan hat, kuratorische natürlich bei ICI (NY). Er koordiniert die zweite Ausgabe von «Jugada a 3 Bandas» (2012) und war der Co-Gründer und Co-Direktor des Revista Claves de Arte. Derzeit arbeitet er für die Galerie NoguerasBlanchard und entwickelt seine Doktorarbeit an der UCM.

Francesco Giaveri Born in Treviso. After having studied Conservation of Cultural Patrimony in Venice, he now lives in Madrid, where he is a researcher at UCM. At the same time, he writes about art and cinema for national and international magazines. Eventually, he works as an independent curator. Nacido en Treviso. Después de haber cursado Conservación de los Bienes Culturales en Venecia, reside actualmente en Madrid donde es investigador por la UCM. Al mismo tiempo, se dedica a escribir sobre arte y cine para revistas nacionales e internacionales. Eventualmente ejerce como comisario independiente. Geboren in Treviso. Nach dem Studium der Erhaltung des kulturellen Erbes in Venedig, lebt heute in Madrid, wo ein Forscher von UCM. Gleichzeitig wird sie über Kunst und Film schreibt für nationale und internationale Fachzeitschriften. Schließlich arbeitet als freie Kuratorin.

Martí Manen Art critic and curator born in Barcelona. He lives in Stockholm. He has published the book of exhibition theory Salir de la exposición (si es que alguna vez habíamos entrado) in the publishing project Consonni, and the exhibition/novel «Telling everything, not knowing how» at CA2M, Móstoles. Comisario y crítico de arte nacido en Barcelona. Vive en Estocolmo. Ha publicado el libro de teoría expositiva Salir de la exposición (si es que alguna vez habíamos entrado) en el proyecto editorial de Consonni y la novela-exposición «Contarlo todo sin saber cómo» con el CA2M de Móstoles. Kurator und Kunstkritiker in Barcelona geboren. Lebt in Stockholm. Er hat ein Buch der Erzähltheorie Ausfahrt Exposition (wenn sie überhaupt betreten hatte) in die Redaktion Projekt Consonni und neuartige «Contarlo todo sin saber cómo», wie man Móstoles CA2M veröffentlicht.

Bernardo Sopelana Independent curator and cultural manager born in Mexico. He has curated «ICEBERG» at Matadero Madrid (2012), «Después de ahora» for Raquel Ponce Gallery (2012), amongst others. He was coordinator of the first edition of «Jugada a 3 Bandas». He currently collaborates with elba benítez gallery. Comisario independiente y gestor cultural nacido en México. Ha comisariado la exposición «ICEBERG» en Matadero Madrid (2012), «Después de ahora» en la galería Raquel Ponce (2012), entre otras. Fue coordinador de la primera edición de «Jugada a 3 Bandas». Actualmente colabora con la galería elba benítez en Madrid. Unabhängige Kuratorin und Kulturmanagerin in Mexiko geboren. «ICEBERG» hat die Ausstellung in Matadero Madrid (2012) kuratiert, «Después de ahora» in der Galerie Raquel Ponce (2012), unter anderem. Er war Koordinator der ersten Ausgabe von «Jugada a 3 Bandas». Derzeit arbeitet mit der elba benítez gallery in Madrid.

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To stay informed about upcoming RAGPICKER titles, please request our magazine at www.ragpicker.com or write to RAGPICKER, Manuel Silvela 3, sótano A, 28010 Madrid, Spain. © 2013 RAGPICKER Manuel Silvela 3, sótano A, 28010 Madrid www.ragpicker.com © for the illustrations by Maxime García, Luigi Bottini, Fred Bartels and Matty Bisset Texts by Alfredo Aracil, Alexis Callado Estefanía, Paloma Checa-Gismero, Tiago de Abreu Pinto, Francesco Giaveri, Martí Manen and Bernardo Sopelana English translation: Cristina Garrido German translation: Google Translate Editorial coordination and copy-editing by Cristina Garrido Co-editorial coordination by Cristina Garrido Design by Sense/Net, Andy Disl and Brigit Reber, Cologne Design adaptation by Cristina Garrido Production by Cristina Garrido

Printed in Spain

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Cristina Garrido (Madrid, 1986) es una artista que actualmente reside en Madrid (España). Su área de investigación es la producción de mercancías y los sistemas de atribución del valor en la sociedad Capitalista. En su trabajo, se apropia, recolecta, observa y, a veces, transforma material pre-existente – posicionándose en el territorio del recolector, el arqueólogo o el comisario – buscando poner a prueba nociones de valor/inutilidad, autoría/autoridad y propiedad. En este proyecto, ha realizado una búsqueda y recolección – en un proceso cercano a lo curatorial – de usuarios del software de 3D de Google SketchUp que están creando y compartiendo objetos virtuales en la Warehouse del programa. La artista ha reinterpretado los objetos seleccionados como obras de arte, utilizando escenarios creados y/o encontrados en SketchUp como espacios expositivos y documentando las piezas con este software. Los autores de los textos críticos de este libro fueron provistos de imágenes del trabajo de cada artista y se les invitó a inventar un contexto para su trabajo. Éste es un primer prototipo del libro.

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cutting-edge selection of the artists that matter the most. >> â&#x20AC;&#x201C; Time Out, London