Cultura Commestibile 313

Numero

15 giugno 2019

380

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Con la cultura non si mangia Giulio Tremonti (apocrifo)

Trumpisti su Marte

Maschietto Editore

Pechino, 2008

La prima

immagine Due immagini del centro storico di Pechino abbastanza eloquenti. La prima mostra un grande edificio che, se non ricordo male era l’ingresso di una delle principali stazioni della Metropolitana. A parte gli ideogrammi, che per noi occidentali erano cose decisamente belle e misteriose, le scene che si presentavano ai nostri occhi sembravano scattate nella Stati Uniti che io ben conoscevo per averci vissuto a lungo. I cartelloni pubblicitari erano sempre giganteschi e illuminati da batterie di fari che mi rammentavano molto da vicino la California e New York. Come si direbbe quÏ in Italia, i due estremi finiscono quasi sempre per toccarsi!

dall’archivio di Maurizio Berlincioni

Numero

15 giugno 2019

380

313

Riunione di famiglia Concretezza Le Sorelle Marx

Sua MaestĂ Mara Bellezza in cittĂ

Una lettera e una risposta per I Cugini Engels

In questo numero Il simbolo di una tragedia italiana di Giacomo Aloigi

Uomini, se amate le donne, abbiamo bisogno di tutta la vostra capacitĂ ! di Francesca Merz

Il noir nella Notte delle Repubblica di Massimiliano Mingioni

Dalla matita al segno a cura di Joel Vaucher-de-la-Croix

Dolore e gloria di Francesco Cusa

Nella terra dei Navajos di Danilo Cecchi

Carme isolano di Alessandro Michelucci

Tel Aviv, capitale del Bauhaus di John Stammer

Dei presocratici e della metafisica di Paolo Cocchi

Andrai tornerai non morirai in guerra di Mariangela Arnavas

Demetrio, cometa rossa Stratosferica di Dino Castrovilli

Impressioni dalla Cina di Andrea Caneschi

e Capino, Matteo Rimi, Valentino Moradei Gabbrielli, Ruggero Stanga, Luciano Falchini... e le foto di Maurizio Berlincioni e Carlo Cantini

Direttore Simone Siliani

Redazione Progetto Grafico Mariangela Arnavas, Gianni Biagi, Sara Chiarello, Emiliano Bacci Susanna Cressati, Aldo Frangioni, Francesca Merz, Michele Morrocchi, Sara Nocentini, Sandra Salvato, Barbara Setti

Editore Maschietto Editore via del Rosso Fiorentino, 2/D - 50142 Firenze tel/fax +39 055 701111 Registrazione del Tribunale di Firenze n. 5894 del 2/10/2012 issn 2611-884x

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Il simbolo

di una tragedia italiana

di Giacomo Aloigi Esistono oggetti iconici assolutamente unici. E’ sufficiente intravederli, sbirciarne un solo particolare, per riconoscerli e realizzare in un momento che si tratta proprio di loro e così venire catapultati in quell’immaginario che essi stessi rappresentano. E’ così per la Renault 4 rossa di Via Caetani, uno dei simboli più forti degli anni settanta italiani, l’auto in cui il 9 maggio 1978 fu fatto ritrovare il cadavere di Aldo Moro. In pochi conoscono la storia di quella macchina.

Il suo proprietario si chiamava Filippo Bartoli, un imprenditore edile marchigiano a cui fu rubata all’inizio di marzo del 1978, pochi giorni prima del rapimento del Presidente della DC. I brigatisti cambiarono la targa, applicandole quella divenuta ben nota, N56786, originariamente appartenuta a un’Alfetta dell’Alitalia.

Il 9 maggio 1978, dopo il ritrovamento dello statista, l’auto viene sequestrata e Bartoli l’avrà indietro solo due anni più tardi. La metterà al riparo di un tendone all’interno di un campo di sua proprietà e lì resterà per oltre trent’anni, fino al 2013, quando si persuade a donarla alla Polizia. Di li ha poco Bartoli muore. “Per mesi ho cercato in ogni modo di avere l’autorizzazione a fotografarla. E alla fine ci sono riuscito!”

Così racconta Marco Gabbuggiani, fiorentino, fotografo affermato e poliedrico. “Mi hanno accompagnato in questo deposito della Polizia di Stato a Roma e finalmente eccola lì, davanti a me. Un pezzo di storia del nostro Paese. L’emozione è stata forte”. Gabbuggiani però non si limita a inquadrare e a scattare. “Ho lavorato con le luci, volevo creare un’atmosfera che restituisse la drammaticità dell’evento che la macchina porta con sé. Ho usato del fumo, giocato sulle ombre”. L’auto è stata restaurata nel 2014, la targa non è quella originale bensì una riproduzione. Ma gli squarci sulla carrozzeria,

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il foro di proiettile nel ripiano del bagagliaio, i resti del porta bollo e assicurazione incollati al parabrezza, quelli sono veri, sono le tracce indelebili di ciò che accadde 41 anni fa in Via Caetani. “L’auto sta lì, chiusa e dimenticata. Io sarei anche stato disposto a comprarla…” aggiunge Marco con una punta di amarezza“…è un peccato che nessuno possa vederla”. Da tempo si parla di creare un museo che ospiti anche le tre auto di via Fani, le due della scorta di Moro e la 128 bianca con targa diplomatica dei terroristi, che si fermò all’incrocio con via Stresa, dando il via alla mattanza dei cinque agenti, Lombardi, Iozzino, Zizi, Rivera e Ricci. Un museo alla memoria di quei 55 giorni sarebbe doveroso, il minimo per ricordare sei uomini che hanno pagato con la vita la loro fedeltà allo Stato. Ma sarebbe anche un museo a eterno ricordo dell’incapacità e delle connivenze di cui quello stesso Stato, o meglio alcuni suoi funzionari di altissimo livello, si macchiò, segnando il destino di Moro. Forse per questo non lo si fa. Gli scatti di Gabbuggiani che qui proponiamo, restituiscono plasticamente il senso di un dramma che ha cambiato per sempre il futuro della nostra Repubblica. La carrozzeria sventrata dai grimaldelli e dalle seghe circolari usate per aprire l’auto, sono la metafora delle ferite ancora aperte sulla carne della nostra storia, ferite ormai nere, inscurite dal tempo, ma appunto sempre aperte. Le foto che Marco Gabbuggiani ha scattato (regalandomene una per la copertina del mio ultimo libro, cosa di cui gli sarò per sempre grato) servono anche a questo, a tenere viva la memoria, perché ancora tanto, troppo c’è da capire e da chiarire sugli ultimi 55 giorni di Moro, i primi della Seconda Repubblica, nata sul sangue di uno dei suoi uomini migliori.

di Massimiliano Mingioni La trama, le trame: è singolare notare come la letteratura italiana poco abbia attinto al serbatoio, sfortunatamente pieno, della lunga e dolorosa stagione della storia nazionale designata come “anni di piombo” o “notte della Repubblica”, i due cliché più fortunati.

In pochi si sono cimentati con una narrativa avente quello sfondo, o l’hanno fatto in modo tangenziale, eccentrico, scegliendo le strade della fantapolitica (“Un agosto tranquillo” di Flamini), della satira (“Bottiglieria molotov Brigate rosse alle Botteghe oscure” di Pirro) o dell’introspezione psicologica nei sotterranei dell’estrema destra (Occidente di Camon, poi divenuto anche sceneggiato Rai oggi invisibile).

Riluttanza a dire il vero comprensibile: troppi i rischi anche solo puramente artistici, dal didascalismo al romanzo a tesi pamphlettistico, dall’instant-book di corto respiro all’indigeribile centone da terza media (tranello in cui è cascato, al cinema, Giordana con Romanzo di una strage). Il tempo trascorso non ha portato troppa luce sulle vicende e sulla loro genesi: la (le?) verità resta obiettivo per gli storici, per i compulsatori di documenti e archivi. Lo storico come detective, o il detective come storico? È uno spunto suggerito dalla lettura de “La notte si prepara” (Europa edizioni), ultimo romanzo di Giacomo Aloigi: (La notte si prepara Europa edizioni): dopo due gialli ortodossi impregnati di cinema di genere, e un partecipe ritratto generazionale anch’esso camuffato da mystery, ecco un nero nerissimo, a doppio strato di nero. Quello in superficie, di una piccola storia ignobile di provincia che origina truci delitti; e quello sullo sfondo, il Grande Nero della storia italiana del secondo ‘900. Il protagonista, l’investigatore privato Ian Novelli, lo è di tutte e due: prova a dipanare la prima vicenda – appunto con le metodologie dello storico, la ricerca d’archivio, la foto, il certificato, l’appunto; e, si capisce, qualche cazzotto in più. Ma è stato parte della seconda, come membro di un’organizzazione (ufficiale? Ufficiosa? I “servizi deviati”, altro intramontabile cliché?) dalla quale si illude d’esser fuori. Ma, si sa, dai servizi, come dalla mafia o dalle aziende municipalizzate, non si esce mai davvero, e così, mentre indaga puntigliosamente e quasi contro la volontà di polizia e congiunti delle vittime sugli omicidi che innescano la narrazione, viene risucchiato in una vasta cospirazione. Non si commette nessuna scorrettezza a dire dove si va a parare, perché il libro, fin dalla foto di copertina, è esplicito: la “notte” che si prepara , è il sequestro Moro.

Il noir nella Notte delle Repubblica

L’autore pone in esergo un noto passo pasoliniano sull’anarchia del potere e intervalla il racconto con reperti d’epoca, ufficiali, fra cui alcune delle famose “veline” di OP, l’agenzia di stampa di Mino Pecorelli, ucciso nel 1979, tuttora misteriosissima figura a metà fra cane sciolto e ricattatore, fra iniziato dei recessi più oscuri e grillo parlante del Potere. Sono flash, piccole pause, cartelli segnaletici. Aloigi, che pure è cultore della materia, collezionista meticoloso e analitico lettore della sterminata pubblicistica sull’argomento, e aderisce a ricostruzioni molto lontane dalle risultanze processuali) schiva il romanzo-saggio, l’appesantimento, le note a margine: è pur sempre fiction, e di pregevole fattura, per come riesce a evitare l’oleografia dell’ormai asfissiante “giallo toscano”, pur rispettando l’ambientazione locale resa però con pochi tocchi efficaci e di tono atipico, da Scerbanenco in trasferta, specie nella raffigurazione di una Firenze tetra, sporca, appartata dietro il luccicante scenario per turisti. La scrittura aderisce doverosamente a quel po’ di maniera che il genere implica, anzi presuppone linguaggio e atmosfere hard boiled, scabre, crude, senza redenzione,

senza indulgenze, senza innocenti tranne un personaggio, ridotto però in una condizione tale che la sua innocenza assume quasi un carattere simbolico, ad aggravare il pessimismo della visione. E con un finale aperto se mai ve ne furono, che lascia sperare in un seguito. O meglio, uno dei finali, quello della storia “in superficie”: mentre appunto è ancora lontano l’altro (che però tutti noi conosciamo) della operazione-Moro che si avvia.

Siamo infatti nel 1976. Ed ecco una possibile obiezione di verosimiglianza: ma anche ad accettare l’espediente narrativo, il letale congegno non parte troppo da lontano? Avrà l’autore commesso un borgesiano peccato di “anacronismo deliberato”? Crediamo di no, e non solo per il quadro politico che proprio nel ‘76 vede, una volta sfumato alle elezioni il paventato sorpasso, il PCI appoggiare dall’esterno un monocolore democristiano con l’indimenticato - e moroteissimo - espediente della “non-sfiducia”, mossa presumibilmente non graditissima né agli USA né all’URSS, i grandi giocatori nella cruciale scacchiera italiana.

Nel mondo artistico e intellettuale vi sono infatti a loro volta fermenti. Nel 1974 Pasolini, che morirà un anno dopo nell’autoavveramento della sua profezia (“Lo sanno tutti che io le mie esperienze le pago di persona”) scagliò la famigerata accusa “Io so ma non ho le prove”, purtroppo successivamente declinata da menti meno brillanti in modalità forcaiole più congeniali al malcostume nazionale delle rigorose indagini di Leonardo Sciascia; quest’ultimo scrive e pubblica sempre nello stesso anno Todo modo, parabola di un simbolico rituale autofagico del potere democristiano che ha ormai irrimediabilmente corroso le istituzioni (“Ma signori, spero non mi darete il dolore di dirmi che lo Stato c’è ancora…”) e successivamente prenderà da quel libro una distanza non ideologica ma proprio fisica, atterrito dal carattere involontario di precisa profezia che i fatti susseguiti gli attribuiranno.

Nel trasporlo per il cinema proprio nel ‘76 Elio Petri e Gian Maria Volontè forzeranno la mano di Sciascia dando inequivocabilmente al personaggio del Presidente (ucciso nel finale) le fattezze, le movenze e i garbugli dialettici di Moro; così Volontè impersonerà il politico

pugliese due volte, sempre con impareggiabile mimetismo, la prima appunto in chiave allegorica, la seconda dieci anni dopo in quella che si voleva realista del più greve Ferrara.

Ma in realtà qualcosa era nell’aria, plumbea e malsana, da molto prima. C’è per esempio un testo poco noto, intitolato “Dio salvi il Presidente”: vi si legge, fra l’altro “È al sicuro la vita del presidente Moro? È ben vigilata la sua incolumità personale? Vengono adottate tutte le misure necessarie a preservare la sua persona da possibili attentati?”. Si descrivono con implacabile minuzia di dettagli orari, spostamenti, attività, tragitti (l’uomo com’è noto era abitudinario); le possibili opportunità che la tal via o l’altra possono offrire all’ipotetico “Oswald italiano” desideroso di attentare; si segnala l’inadeguatezza di una scorta di 15 elementi (nel ‘78, si sa, furono 5) a scongiurare un evento a seguito del quale “il sottile tessuto politici che ci unisce si lacererebbe”, “il vento infuocato della guerra civile brucerebbe le gemme appena spuntate sulla pianta leggiadra della nostra democrazia”.

Una lettura che provoca inquietudine, per lo stridente contrasto fra accuratezza del contenuto e tono satirico/grottesco: e ancor più a sapere che l’autore del testo fu Pier Francesco Pingitore; che il volume che lo contiene in appendice è il primo di una serie di libretti dedicati a raccogliere i testi di un neonato cabaret romano chiamato “Bagaglino”; e che l’anno di pubblicazione è il 1966.

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La lettera

Gentile redazione di Cultura Commestibile Scrivo in riferimento alla rubrica “I cugini di Engels” dal titolo “Renzi al Bilderberg”apparso sul n. 311 di Cultura Commestibile sabato 1 Giugno; poiché al termine dell’articolo medesimo non appare alcuna firma o sigla riconoscibile mi rivolgo alla redazione e in primis al suo Direttore Simone Siliani.

Comincio questa mia lettera riportando l’inizio di quanto viene scritto nella rubrica citata: “Ha suscitato l’attenzione e la curiosità dei media italiani il fatto che Matteo Renzi sia fra i partecipanti del 67° incontro del gruppo di Bilderberg insieme ad altri pittoreschi personaggi come lui. In realtà occorre aver presente le caratteristiche di questo incontro per capire come Renzi fosse l’uomo giusto al posto giusto..” I lettori di Cultura Commestibile si saranno domandati il motivo di tale perentoria affermazione: nel Gruppo di Bilderberg , “uno dei tanti think tank dell’ideologia neoliberista” riunitosi per la prima volta nel 1954, organizzato quest’anno a Montreaux in Svizzera, “le persone sono invitate in quanto individui e non perché rappresentino e contino qualcosa (sic). Ma soprattutto (in tali riunioni) non vi è alcun ordine del giorno dettagliato, non vengono proposte risoluzioni, non vengono votate dichiarazioni politiche e non si decide un bel nulla. Cazzeggio puro, cioè la perfetta definizione della politica renziana”. Poi l’autore prosegue sulle presunte facezie di Renzi e in sostanza, per farla breve, l’assoluta insignificanza della sua presenza. Riporto alcune “perle” a tale riguardo: “Lo volevano ingaggiare per animare la festa” del figlio di uno dei presenti e “il nostro ha accettato di buon grado pur di restare su qualche scena”.

Finisce così l’articolo in questione e non dice altro. Già altre volte ho potuto notare, con rammarico, nella rubrica sopra citata, che sta accanto all’altra rubrica dello stesso valore culturale e politico denominata “Le sorelle

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Marx”, una costante pretestuosa acredine nei confronti dell’ex Presidente del Consiglio nonché già Segretario del Partito Democratico e oggi Senatore, ma non avrei mai potuto pensare di leggere su un giornale che dice di fondare sulla cultura la sua identità, parole tanto inutili e offensive verso una singola persona. Conviene forse ricordare che da quando Renzi è stato Presidente del Consiglio sono trascorsi 2 anni e mezzo (febbraio 2014 dicembre 2016) e sono accadute molte cose a cui la rubrica in questione avrebbe potuto rivolgere qualche attenzione in chiave satirica.

Non soddisfatto da quanto letto nella rubrica, sospinto dalla curiosità sono andato a vedere cosa è in realtà il “Gruppo Bilderberg” e chi erano gli invitati a cui si fa cenno.

Leggo dunque che da giovedì 30 Maggio fino a Domenica 2 giugno a Montreaux in Svizzera 130 partecipanti del mondo della politica, dell’economia, della finanza e dei media si sono riuniti e nei 4 giorni programmati hanno parlato di 11 temi, in totale segreto senza giornalisti e con il divieto di riportare all’esterno niente di quanto discusso (immagino da qui provenga la definizione di “cazzeggio” da parte dell’autore). Due terzi degli invitati provenivano dall’Europa e l’altro dall’America, stranamente nessuno proveniva dalla Cina e dalla Russia. Ecco gli 11 temi : 1 Un ordine strategico stabile, 2 Cosa adesso per l’Europa? 3 Cambiamenti climatici e sostenibilità, 4 Cina, 5 Russia, 6 Il futuro del capitalismo, 7 Brexit, 8 L’etica dell’intelligenza artificiale, 9 I social media come arma, 10 L’importanza dello spazio, 11 Le minacce cyber. Temi, mi sembra, di non poco conto. Leggo ancora che a differenza dell’incontro dell’anno precedente, svoltosi a Torino, la presenza italiana si è ridotta da 9 a soli 3 invitati ovvero il già citato Matteo Renzi, la giornalista Lilli Gruber e il vicedirettore de Il Fatto Quotidiano

Stefano Feltri. Non contento ho dato una scorsa veloce anche ad alcuni nomi riportati nell’elenco dei 130 e, devo confessare di essermi meravigliato non poco leggendo fra i presenti nomi non certo “pittoreschi” come: José Barroso ex presidente Commissione UE, Mac Carney Governatore banca d’Inghilterra, Bruno Le Maire Ministro Finanze della Francia, Ursula von der Leyen Ministro della difesa della Germania, Mark Rutte Premier Olandese, Juri Ratas Premier Estone, Martin Wolf giornalista e commentatore del Financial Time, Ines Arrimadas del Movimento Liberista Spagnolo, Pablo Casados del Partito popolare spagnolo, Enry Kissinger ex Segretario di Stato degli USA nonché Yared Kushner genero del Presidente Trump. Che dire? Mi è parsa una riunione importante di cui si sarebbe dovuto parlare non certo nel tono proposto da Cultura Commestibile. Cambiando argomento, si vede che “l’unità a sinistra” per qualcuno rimane lontana molto lontana e questo forse è anche di una certa convenienza politica, e nel frattempo, tanto per impiegare il tempo fra gruppi, gruppetti, salotti, liste, cordate e interessi vari, sempre di carattere culturale si intende, si va avanti dicendo male, sempre male e sempre di Renzi e dei suoi discendenti politici. Mi rendo conto di parlare di poca cosa ovvero di una rubrica che non può accampare pretese di strategia politica ma non mi si dica che si tratta di satira perché non è vero: per tanti motivi che per onestà intellettuale si dovrebbe riconoscere, e anche perché la rubrica in questione non fa ridere per niente. Un ultimo consiglio: se ci sono insopportabili rapporti personali perché non sfidarsi a singolar tenzone e lasciare in pace i lettori a leggere i tanti articoli interessanti che Cultura Commestibile settimanalmente propone?

Cordiali saluti Alessandro Gioli

I Cugini Engels

Abbiamo trasmesso la lettera del sig.Alessandro Gioli ai Cugini Engels, che così replicano: Egregio signor Gioli, la ringraziamo per l’attenzione che ha voluto prestare al nostro articolo. Ci verrebbe da dire, “troppa grazia!”. Lei, infatti, attribuisce al nostro elzeviro satirico dei significati e dei valori che sono troppo elevati rispetto alle nostre misere forze e ben moderate ambizioni. Certo non pensiamo di poter offuscare lo splendore e la rilevanza politica e culturale di una figura di caratura internazionale come Matteo Renzi, che del resto si è dimostrato ben capace di raggiungere questo obiettivo da solo, senza bisogno dell’aiuto di nessuno. Meno che mai ci sognamo di “sfidare al singolar tenzone” il senatore di Scandicci: diremmo che ben altri ferri avrebbe da incrociare. Per esempio quello del suo predecessore Enrico Letta, come ha fatto nei giorni scorsi. A proposito di “unità della sinistra”! Alla quale, come lei ben sa, il nostro trisavolo Friedrich ha tenuto più di ogni altra cosa: ricorderà forse il “proletari di tutto il

Le Sorelle Marx

mondo unitevi!”. Ma, scusi, cosa c’entra questo (cioè sinistra e proletari) con Renzi? Lungi da noi voler offendere Renzi che, come tutti gli uomini pubblici, deve mettere in conto di essere oggetto degli strali della satira. La quale si rivolge, liberamente, a tutti i potenti (o ex tali), quando ritiene che essi prestino il fianco a contraddizioni, senso del ridicolo o errori.

Visto che lei è un così attento lettore della nostra rubrica e di quella delle Sorelle Marx, siamo certi che non le sarà difficile verificare che da quaasi dieci anni scriviamo di tutti e non solo e sempre di Renzi e dei suoi “discendenti” politici. Ovviamente negli ultimi tempi in particolare dei nuovi governanti, che ci offrono copioso materiale. La satira non deve necessariamente e sempre far ridere; certamente deve essere libera e irriverente, e mettere a nudo le debolezze e le contraddizioni del potere. Lo stesso termine, satira, deriva dal latino satura lanx: il vassoio riempito di primizie in offerta agli dei. Fin dalla Grecia antica, questo genere letterario si occupava di politica e degli eventi di stretta attualità per la città

Concretezza

Anche il governo giallo-verde si è cimentato con una riforma nella pubblica amministrazione. Sport nazionale per ogni governo che si rispetti, esso viene praticato con gli stili più diversi, ma tutti hanno una ispirazione comune: possibilmente penalizzare i dipendenti della PA, tutti, bollandoli come assenteisti, fannulloni e inutili. Salvo poi cercarne il voto ad ogni scadenza elettorale e dimenticare che sono quelli che fanno funzionare i nostri ospedali, l’anagrafe, i servizi sociali, ecc. Ma tant’è, anche la Bongiorno (nel senso della ministra) ha voluto dare il buongiorno ai dipendenti pubblici. Dopo aver annunciato lo scorso anno assunzioni a raffica (“Il numero di 450mila nuovi dipendenti pubblici, circolato nei giorni scorsi, è in realtà una stima

delle uscite nel prossimo triennio. Per ogni anno dovrebbero essere circa 147mila”), la ministra ha concretamente visto approvato dal Senato il suo disegno di legge cd. della “Concretezza”. La ministra Bongiorno va per le spicce: per prevenire l’assenteismo lei ha pensato, concretamente, di costituire con legge il “Nucleo della Concretezza”.

E che cosa farebbe questo Nucleo della Concretezza? Secondo la legge esso “assicura la concreta [mica la teorica, santo cielo!] realizzazione delle misure indicate nel Piano”. Che Piano? Ma il “Piano triennale delle azioni concrete per l’efficienza delle pubbliche amministrazioni”, ça va sans dire, parbleu! Ovvero, questo Nucleo, concretamente composto da 53 unità di personale girerà come una trottola in tutte

(la polis), proprio a ridosso delle elezioni. I potenti non ne ridevano affatto, basti pensare agli attacchi che il demagogo Cleone rivolse al poeta comico Aristofane. I potenti e i loro sostenitori si arrabbiano, ed è comprensibile. Ma forse, signor Gioli, in questo ha ragione: Renzi non appartiene più a questa categoria e quindi dovremmo smettere di scriverne. Anche se dubitiamo che Lui sarebbe d’accordo: bene o male, purché se ne parli. Renzi lo sa e per questo pensiamo che si dispiacerebbe se di lui non si parlasse più.

E anche di quelli di Bilderberg, di cui le cronache ci riferiscono l’esistenza una volta l’anno e poi più nulla, essendo così decisivi per il pianeta.

Comunque, ci perdoni – se può – signor Gioli. Non crediamo che Renzi sarà altrettanto indulgente, ma, citandoLo, diremmo “stia sereno”: la satira, al più, è una puntura di spillo che non demolisce alla fine i Grandi della storia e la fulgida stella di Renzi non brillerà di meno per i nostri miserabili scritti.

Continui a leggere i ben più interessanti articoli di Cultura Commestibile.

le pubbliche amministrazioni italiane, che secondo l’ISTAT sono circa 55.000 fra amministrazioni e uffici pubblici con autonomia funzionale e finanziaria, per fare “sopralluoghi e visite finalizzati a rilevare lo stato di attuazione delle disposizioni da parte delle pubbliche amministrazioni”, stilare verbali (che non si sa per quale motivo concreto sono trasmessi anche al prefetto territorialmente competente) e inserisce in una lista di proscrizione le inadempienze rilevate. Secondo i più semplici calcoli, se i 53 del Nucleo della Concretezza si muovessero ogni giorno dell’anno, ognuno da solo per fare un sopralluogo, ci metterebbero solo 1.037 giorni a visitare tutte le pubbliche amministrazioni del paese. Vuoi che non ci mettano almeno un altro giorno per una a stilare i verbali, mandarli a chi di dovere (prefetto compreso), a verificare e compilare la lista di proscrizione? E così se ne sono andati 2.074 giorni, cioè 5,6 anni, se lavorassero anche per Natale, Capodanno e senza ferie estive. Ma di che cosa concretamente stiamo parlando?

7 15 GIUGNO 2019

La stilista di Lenin

Sua Maestà Mara

Pur col mestiere che faccio ho una particolare predilezione per le regine. Non tanto quelle che il titolo lo acquistano per discendenza familiare, ma quelle che per merito lo conquistano sul campo. Anche il Parlamento della Repubblica è terreno adatto per decretare una regina al suo interno.

Molte le pretendenti solo una la vincitrice.

In questa legislatura mi pare che per garbo, tenacia, eleganza e determinazione pochi possano obiettare sull’incoronazione di Mara Carfagna. Vice presidente dell’emiciclo, si è mostrata bravissima nella gestione di aula, efficace nel suo ruolo di opposizione al governo e candidata ad un ruolo di leadership in un centro destra liberale non a trazione leghista.

Che sia anche bella è un dato di fatto, certificato dalla finale di Miss Italia, che sia brava lo dimostrano questi anni di militanza. Naturalmente la cosa crea qualche gelosia tra college e avversarie. Pare immu-

ne al contagio Maria Stella Gelmini che almeno in pubblico dimostra al massimo distacco, sul piano politico sembra invece soffrire Stefania Prestigiacomo che per recuperare un ruolo di oppositrice a Salvini ha dovuto persino guidare un gommone in visita a una nave di una ONG bloccata dal vicepremier.

Ma quella che forse soffre di più, avendo provato a detenere il titolo nella scorsa legislatura, pare essere la nostra affezionata Maria Elena Boschi che tenta di recuperare con pose da vamp durante un aperitivo “bipartisan” in una terrazza romana. Ben abbigliata in vestito estivo dai motivi floreali che di sicuro sarà stato notato dai colleghi che l’accompagnavano ha poi provato a entrare in competizione diretta con la regina sul medesimo tema: il salvataggio radicale.

E qui la differenza è stata lampante. Da un lato uno gne gne gne della giovane aretina dall’altro il distacco istituzionale, la magnanimità di chi amministra – come diceva Nenni – forse non coi sentimenti ma di sicuro non con il risentimento.

22 .06 18 . 09 Nasce Panzano Arte, una manifestazione che riporta nel Chianti grandi artisti internazionali. La prima edizione, dal 22 giugno al 18 settembre 2019, presenterà le opere dell’artista francese Nathalie Decoster.

Grandi sculture che ci guideranno in un percorso artistico unico, ambientato nel Chianti Fiorentino, tra Panzano e 4 importanti aziende vinicole della zona (Fontodi, Tenuta Casenuove, Renzo Marinai e La Massa).

From the 22nd of June to the 18th of September 2019, Panzano Arte presents the first edition of an artistic promenade across Panzano and 4 major wineries (Fontodi, Tenuta Casenuove, Renzo Marinai and La Massa), in the heart of the Chianti region with sculptures by French artist Nathalie Decoster.

8 15 GIUGNO 2019

Musica

Maestro

Carme isolano

di Alessandro Michelucci Quando si parla di cultura francofona – sia questa espressa da scrittori, poeti, musicisti o quant’altro - bisogna stare attenti a non cadere nella logica giacobina, che nega le diversità regionali, come se tutti gli artisti transalpini fossero nati a Parigi da genitori francesi. Lo scrittore Paul Valéry (1871-1945), per esempio, era figlio di un doganiere corso nato a Bastia, Barthélemy Valerij (poi francesizzato in Valéry), e di Fanny Grassi, genovese. Queste non sono semplici curiosità biografiche, ma l’origine di un legame con la Corsica e col Mediterraneo che Valéry manifestò in varie opere.

In una lettera del 1929 indirizzata a Paul Arrighi, docente all’Università di Marsiglia, lo scrittore si lamentava di “aver avuto la sfortuna di nascere nel continente” e diceva che avrebbe voluto stabilirsi in Corsica. In realtà non lo fece mai, ma il suo amore per l’isola non poteva passare inosservato agli studiosi locali. Negli ultimi anni il legame di Valéry con la Corsica è stato esplorato da due libri, E’ il Cinema Stensen* di Firenze la prima sala cinematografica italiana a realizzare una proiezione aperta al pubblico in realtà virtuale a 360 gradi. L’appuntamento, organizzato da Stensen e Gold, è per mercoledì19 giugno (ore 18 e ore 21) con lo spettacolo “Segnale d’allarme – La mia battaglia VR” realizzato da Elio Germano e Omar Rashid, che saranno presenti in sala (replica giovedì alle 21). Per assistere allo visione, al pubblico saranno forniti visori speciali. Si tratta di grandi occhiali che immergeranno lo spettatore nella realtà dello spettacolo teatrale a 360 gradi. “Segnale d’allarme” è la trasposizione in realtà virtuale de “La Mia Battaglia”, il monologo teatrale scritto a quattro mani da Elio Germano e Chiara Lagani e portato in scena da Germano stesso, per parlare della nostra epoca.

L’opera conduce lo spettatore a interrogarsi sulla realtà attuale e immaginare possibili scenari futuri: la scelta della realtà virtuale per consentire di rivedere la pièce, è particolarmente efficace rispetto ai contenuti. Il monologo porta in scena un attore, o forse un comico, ipnotizzatore

Le silence corse de Paul Valéry (Colonna, 2014), scritto da Jean-François Marchi, e Paul Valery et la Corse: “l’île que nous savons...”

(Sammarcelli, 2017), di Jean-Guy Talamoni.

Questo interesse letterario non è un fenomeno isolato, ma trova conferma nel recente disco di Patrizia Gattaceca, Carmini (2019).

Cantante, scrittrice e poetessa, l’artista corsa (vedi n. 202) ha musicato per l’occasione

dodici poesie tratte dagli Charmes di Valéry.

Il poeta li scrisse nel 1922, quano era ormai considerato uno dei massimi letterati viventi.

La traduzione in corso è stata realizzata da Ghjacumu Thiers, docente di lettere classiche, drammaturgo e scrittore, che ha sempre curato in modo particolare i rapporti con i paesi mediterranei. Ed è proprio il Mare Nostrum che lega i due corsi al poeta francese: “Per me, Paul Valéry è il grande poeta del Mediterraneo” dice la cantante.

In Carmini l’artista è affiancata da Jean Bernard Rongiconi, a lungo collaboratore dei Muvrini, il più celebre gruppo dell’isola.

I testi conservano intatta la musicalità dell’originale, ma al tempo stesso possiedono un carattere proprio dal quale traspare la perizia letteraria di Thiers. A questa si salda in modo perfetto la bella voce di Patrizia.

Opera passionale ma asciutta, priva di retorica, Carmini è il frutto di un amore sincero per la musica e per la poesia.

Il disco conferma che l’isola, così vicina ma per molti ancora così ignota, è ricca di proposte culturali degne di grande attenzione.

Allo Stensen la prima proiezione italiana a 360° non dichiarato, che durante uno spettacolo di intrattenimento manipola gli spettatori in un crescendo di autocompiacimento, anche verbale, fino a giungere, al termine del suo show, a una drammatica e imprevedibile svolta. Portatore di un muto volere collettivo diffuso nell’aria, l’artista da figura autorevole si farà a poco a poco sempre più autoritario, evocando lo spettro di un estremismo di ritorno travestito da semplice buon senso. Appellandosi alla necessità di resuscitare una società agonizzante, tra istanze ecologiste, nazionaliste, socialiste, planetarie e solitarie, mutuali e solidali, tra aneddoti e proclami, tra appelli appassionanti e affondi lirici deliranti, il personaggio trascinerà l’uditorio, in un crescendo pirotecnico, a una straniata sospensione tragica fino a condurlo a una terribile conseguenza finale. “E’ uno spettacolo provocatorio che ci mette in discussione come pubblico – ha detto Elio Germano - Cosa stiamo vedendo? A cosa applaudiamo? Chi è il

personaggio che abbiamo difronte? Dove ci sta portando? Un esercizio di manipolazione dagli esiti imprevedibili. Per la prima volta il teatro si fa virtuale: indossato il visore e le cuffie, verrete catapultati in quella sala e sarà come essere lì”.

Per la prima volta una sala cinematografica si trasforma in una sala cinema VR e lo fa con un film in realtà virtuale della durata di 70 minuti.

Un’esperienza immersiva di assoluta novità in Italia. “La scelta della realtà virtuale, linguaggio che con Elio Germano esploriamo da qualche anno – ha detto Omar Rashid - è stata quella più naturale per poter replicare più volte “La mia battaglia” senza dover sottostare alle problematiche logistiche degli spazi teatrali. È sicuramente la miglior trasposizione possibile per questo tipo di spettacolo, già di per sé immersivo.”Il film è prodotto da Gold Productions, società dei fiorentini Omar Rashid, Alessandro Mancini e Luca Fortino, che da anni sperimenta l’innovativa tecnologia in realtà virtuale.

9 15 GIUGNO 2019

Nella terra dei Navajos

di Danilo Cecchi Come è noto, a metà dell’Ottocento, si aprono le strade verso l’Ovest americano, e le spedizioni che si inoltrano nell’esplorazione dei nuovi territori vengono accompagnate da pittori e da fotografi, con lo scopo di raccontare, anche visivamente, le caratteristiche dei nuovi maestosi paesaggi aperti alla futura colonizzazione. Nasce così una nuova scuola di paesaggisti, che presenta caratteristiche originali rispetto alle scuole europee, e che è bene rappresentata da pittori come Thomas Cole, Albert Bierstadt e Frederic Edwin Church, e nello stesso tempo da fotografi come Carleton Watkins, Thimothy O’Sullivan e William Henry Jackson. Con gli anni si consolida una tradizione paesaggistica tutta americana che trova i suoi esponenti più noti in fotografi come Edward Weston, Ansel Adams, Minor White, Brett Weston ed Harry Callahan. Alla stessa generazione ed alla stessa area culturale appartiene la fotografa originaria del Colorado Laura Gilpin (18911979), che a dodici anni riceve in regalo una fotocamera Kodak Brownie ed una tanica per lo sviluppo dei negativi. Portata dalla madre nel New England fra il 1904 ed il 1908 per studiare musica, si reca a New York per farsi fotografare da Gertrude Käsebier, anch’essa legata ad un’infanzia trascorsa nel Colorado, che diventa la sua insegnante di fotografia e con cui mantiene un lungo rapporto di amicizia. Tornata in Colorado si mantiene allevando tacchini e continua a perfezionare la sua tecnica fotografica, segue di nuovo un corso di fotografia alla Clarence White School di New York fra il 1916 ed il 1918, specializzandosi nelle stampe su carta al platino, ed infine apre uno studio a Colorado Springs, partecipa a diversi concorsi ed arriva a tenere la sua prima esposizione di fotografie a New York nel 1924. Nello stesso periodo sviluppa l’interesse per il paesaggio dell’Ovest americano, abbandona lo stile pittorico appreso dalla Käsebier per uno stile descrittivo e nitido, e comincia ad acquisire la coscienza della propria individualità culturale e delle radici legate al territorio ed alla tradizione del luogo, che comincia a percorrere sistematicamente, in compagnia della sua infermiera ed amica Betsy Foster e della scultrice Brenda Putnam.

Si trasferisce a Santa Fe nel New Mexico nel 1946, visita la Mesa Verde, Shiprock, i pueblos Zuni e la riserva Navajos di Red Rock in Arizona, ed arriva fino nello Yucatan

10 15 GIUGNO 2019

nel 1932 tornandovi nel 1946 e nel 1961.

Ovunque vada, realizza immagini di paesaggio, architettura e ritratti. Pubblica tre libri, sui Pueblos (1941), sui templi di Chichen Itzà (1948) e sul Rio Grande (1949). Fra il 1945 ed il 1975 è presente in oltre cento esposizioni, collettive personali, e riceve un grande numero di onorificenze. Affascinata dai grandi spazi aperti, così come dalle vestigia delle popolazioni native americane, interpreta il paesaggio dell’Ovest in maniera fortemente personale, non vede delle aree vuote in attesa di futuri insediamenti umani, né degli scenari dalla incredibile bellezza da preservare dalle intrusioni umane. I suoi paesaggi sono il frutto di una lunga storia e di una ricca tradizione culturale, ambienti che vengono modellati e che a loro volta modellano la vita dei loro abitanti. Ed è alla vita dei primi abitatori di quei luoghi che dedica una grande parte delle sue immagini, avvicinando i Navajos confinati nelle riserve, dove mantengono le loro tradizioni ed i loro costumi, tornandovi più volte nel corso degli anni, fino a conquistarne la fiducia ed il rispetto, per pubblicare solo nel 1968 il libro “Enduring Navaho”, la prima opera fotografica organica su questo popolo e sui cambiamenti che ha dovuto accettare in nome della sopravvivenza.

“Quelli che considero dei paesaggi davvero belli sono molto pochi e lontani tra loro. Ritengo che questo campo sia una delle maggiori sfide ed è la ragione principale per cui vivo nell’Ovest. Sono disposta a guidare molte miglia, esporre un sacco di pellicole, aspettare ore incalcolabili, accamparmi per essere da qualche parte all’alba, fare molti viaggi di ritorno per ottenere ciò che cerco”.

di M.Cristina François Difendere il Patrimonio storico artistico non consiste solo nella buona conservazione delle opere, nell’attenzione al rispetto di esse sotto tutti gli aspetti. Difendere il Patrimonio vuol dire anche garantirne la memoria, documentaria ed etica, vegliare che ciò che si tramanda a riguardo non sia inficiato da devianze interpretative, da informazioni aggiunte e gratuite, da mitizzazioni o fantasie destinate unicamente a incantare con facilità un uditorio non preparato. È questo il caso della vetrata con le “Deposizioni di Cristo” [Fig.1] della Cappella Capponi che, nonostante sia stata studiata anche di recente e si sia diffusamente scritto e riferito su di essa, è sempre più spesso oggetto di misinterpretazioni. Ci si domanda se esista ancora l’originale, se l’ultima guerra lo abbia distrutto, se le mine dell’agosto del ’44 siano le responsabili dello scempio, se sia andata dispersa in epoca imprecisata, infine se la vetrata attuale sia quella originale ritornata al suo posto. Ma vediamo ordinatamente, per amore del vero, come si sono svolti i fatti. La vetrata raffigurante le “Deposizioni di Cristo”, opera di Guillaume de Marcillat destinata alla finestra della Cappella Capponi, fu terminata nel settembre 1526. Pontormo, che dipinse tra il 1525 e il 1528. ebbe perciò modo di vederla e tenere in considerazione la presenza di questa finestra nonché la sua vetrata. Quando nel 1736 ebbero inizio i lavori di rifacimento della Chiesa da parte dell’architetto Ferdinando Ruggieri, la vetrata fu ripresa dai Capponi e trasferita nella loro cappellina privata del Palazzo di Via de’ Bardi dove, peraltro, ancora si trova. Nella controfacciata della Chiesa essa venne sostituita nel

Per Santa Felicita: documenti e monumenti XIX secolo da una vetrata al centro della quale campeggiava il loro stemma familiare. Questo fu fatto contro l’accordo firmato tra i Conti Guicciardini - patroni dell’intera facciata della Chiesa - e i Conti Capponi che, dietro loro supplica del 19 settembre 1525, avevano ottenuto di potere aprire una finestra su quella parete: “dictus Ludovicus [Caponius] possit perficere dictam fenestram [sed] non possit facere aliqua insignia de Caponibus […] in dicta facciata” (ASF, Not. Antecos. 12470, fl.4319). Per

l’assenza della vetrata durante tutto l’Ottocento, le Guide della Chiesa di S.Felicita non citano il Marcillat. Solo in occasione del IV° Centenario del Pontormo, celebrato presso la Galleria degli Uffizi con la Mostra “L’Officina della Maniera” (1996-1997), e grazie all’allora Funzionaria di Zona Rosanna Protopisani, si tornerà finalmente a parlare di questa vetrata restaurata ed esposta. Il Parroco di S.Felicita Don Mino Tagliaferri - in accordo con la Sovrintendenza - propose di farne eseguire una copia fedele da installare nella finestra della Cappella. Il Conte Neri Capponi rese possibile questa operazione concedendo che la vetrata, terminata la Mostra, venisse trasportata al Laboratorio “Guido Polloni & C.” per l’esecuzione della copia. Il Parroco richiese ed ottenne la sovvenzione di 24 milioni di Lire dall’E.C.R. di Firenze a lavoro ultimato, nel dicembre 1997. Diresse i lavori R.Protopisani ed eseguirono la copia i Maestri vetrai Sergio Papucci, Alessandro Becattini e Renzo Cappelletti.

Si presentarono da subito alcuni problemi: l’individuazione delle “grisailles” originali, la riproduzione del tratto tipico del Marcillat (soprattutto i volti), la scelta di vetri soffiati antichi e di vetri placcati per la riproduzione delle “incisioni a traccia” tipiche dell’artista, l’orditura dei piombi riprodotta con trafilatura a mano. Il risultato raggiunto fu perfetto, anche se un passato restauro per una Mostra ottocentesca aveva reso illeggibile l’originale nel disegno e nei colori della parte bassa.

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di Francesco Cusa Oramai si dà il via alle danze della celebrazione dell’ultimo film di Almodovar “Dolor y gloria”, e si anticipa addirittura il trionfo a Cannes della pellicola come (tardivo) premio alla carriera del regista settantenne. Ebbene, io invece mi sono annoiato come poche volte nella vita. Il film, che pure contiene squarci di devastante bellezza, figli del magistero e della sapienza registica dell’artista spagnolo, è una sostanziale narcisistica narrazione autobiografica volta alla ricerca di una potenziale catarsi (per tramite dell’arte cinematografica stessa); un processo snervante di auscultazione di malanni e memoria di un passato coloratissimo e dalle forti (almodovariane) tinte, da cui emerge (dovrebbe emergere) la ragione della nevrosi e dello stallo del protagonista Salvador Mallo, alias Antonio Banderas.

Questo approccio fin troppo didascalico e manieristico, in cui il dramma del regista-mondo si fa universale a seguito di incursioni nel Reale dalla navicella-casa, per tramite di malanni fisici e necessità di problematiche affettive mal risolte, pone la storia in un contesto grottesco: ogni essere umano vive una potenziale crisi ma un regista la vive in una modalità differente. Almodovar offre una riflessione adiacente ma mai dialettica dell’esperienza catartica del travaglio esistenziale. Egli pone un invalicabile muro tra sé e il mondo (gli spettatori) col risultato di una scarsa empatia per “quel” tipo specifico di “dolor”. Il paragone estetico espresso da molti

Il senso della vita

12 15 GIUGNO 2019

disegno di Massimo Cavezzali

Dolore e gloria

critici col Fellini di “8 e 1/2” è, a mio avviso, altrettanto di maniera. Nel capolavoro felliniano l’elemento onirico crea una simbologia ontologica che rende il gelido Mastroianni “gelido a tutti”, e lo spettatore diventa “quel Fellini lì” perché costretto a “vedere” il mondo dall’unica prospettiva possibile (per quanto distante o prossimo possa essere lo sguardo sul mondo di un artista). E qui sta tutta la grandezza di quel capolavoro, nella capacità di trasformazione dello spettatore, nell’interscambio dei ruoli fra regista e fruitore, nel processo di identificazione, cosa che, viceversa, non sembra accadere in “Dolor y gloria”,

giacché difficilmente si può vivere un dramma sbirciando dalle finestre di una bellissima casa madrilena.

Almodovar propone una rivisitazione “domestica” del suo personale dramma, ci invita come ospiti non graditi a una sua cena, ci parla della sua malattia in maniera egoistica, ci mostra il suo passato-presente tenendoci sostanzialmente “fuori dall’uscio”, e, in definitiva, delegando sempre all’Altro (il dottore, l’assistente, i farmaci, le droghe, il ritorno dell’amante perduto ecc.) lo scioglimento del bandolo della matassa, dell’ordito di una complessità chiamata vita.

di Paolo Cocchi I presocratici, con i concetti, dettero la stura. Da allora fiorirono, in lingua greca, le grandi filosofie del mondo antico a cui, ancora oggi, taluni eminenti pensatori si ispirano (Heidegger o Severino, per esempio): eleatismo, socratismo, platonismo, aristotelismo ecc.ecc. Qui la faccenda si complica alquanto. Queste narrazioni non sono storielle che anche un bimbo possa imparare nel canto del fuoco prima di coricarsi. “L’Essere è, il Non Essere non è”.

Questa affermazione, attribuita al “divino” Parmenide (vissuto attorno al 500 a.C., pensate, in Calabria) è molto meno banale di quanto non appaia. Emanuele Severino, ad esempio, ci ha basato la sua dottrina che i morti sono sempre tra noi e che ogni cambiamento è illusorio, perché, appunto, ciò che è non può non-essere (essendo il “cambiamento”, il venire ad essere di ciò che non era e lo scomparire di ciò che è). Il passaggio dall’essere al non essere avviene su una “scena della percezione” per così dire che non è tutta la realtà. La morte non è un ingresso nel Nulla Assoluto ma un differente modo di Essere. Com’è noto Eraclito la pensava nel modo opposto: le cose cambiano e non ci si bagna due volte nello stesso fiume (in altre parole il fiume è e non è lo stesso; non proprio così banale come sembra). La stessa astrusità la si ritrova in Platone e Aristotele (rispettivamente nati nel 428 e nel 384 a.C.). Alzi la mano chi, in terza liceo, ha capito al volo la dottrina delle idee, il passaggio dalla potenza all’atto o la dottrina delle cause o del sinolo. Il fatto è che con queste Narrazioni nasceva la Metafisica: un mondo di enti fantastici (sostanze, accidenti, idee, essenze, forme) e di regole su come si debba ragionare correttamente (la logica). La narrazione filosofica, facendosi specialistica e “difficile”, cominciava a irritare il potere costituito e a dar fastidio al senso comune (fu Socrate il primo a farne le spese). Ed eccoci alla metafisica. “Metafisica” è un termine greco. Originariamente indicava quei testi che nel corpus delle opere di Aristotele venivano dopo i libri dedicati alla Fisica (“meta” significa “oltre”, “dopo”). Questi libri parlavano della “filosofia prima”, dei fondamenti del Sapere e del Tutto, dei Principi che presiedono allo svolgersi delle cose. Tutta roba molto astratta e che, direbbe un mio amico, non si può inzuppare nel caffellatte.

Dal pensiero dei greci, si è potentemente insediata nel sapere umano l’idea che le cose non sono come appaiono ma che ci

Cenni della metafisica occidentale dai Greci a You Tube

Dei presocratici e della metafisica sia una Realtà (erre maiuscola) più vera e profonda della realtà (erre minuscola) che percepiamo con i sensi. Il mondo dei “fenomeni”, di ciò che appare, è ingannevole e governato da meccanismi, entità ecc. che non appaiono ma vanno “scoperti” con la forza dell’astrazione, cioè del Pensiero. Mi piace sottolineare che anche questa Realtà metafisica, in quanto “precede” la realtà comunemente intesa (o “empirica”, da una parola greca che significa “esperienza”) condivide con il Mito lo “statuto ontologico”, cioè il modo d’essere. Come il mito era una “storia” mai accaduta e tuttavia più vera della storia accaduta, così la realtà metafisica non si può “toccare o vedere” o inzuppare nel caffellatte ma è tuttavia più “vera” di ciò che cade sotto i nostri sensi. È opinione dello scrivente (e non solo) che anche la scienza moderna (di cui andiamo tanto fieri e giustamente) sia una forma di Metafisica (anche se “sperimentale”, su questo tornerò brevemente). Questo apriva (e tiene aperto tutt’ora) il problema di che cosa intendiamo con il termine “esistenza”.

Tanto per fare un esempio. Le verità geometriche o matematiche (la somma degli angoli di un triangolo è “necessariamente” 180°; 35+95=130) non sono opinabili; esse “esistono” fuori di noi, sono cioè evidenti e vere per qualunque mente le pensi (a parte Piombo, il mio compagno di banco della pluriclasse di Cirignano, che riuscì a ripetere per due volte la terza elementare). Esse sono “oggettive” (hanno cioè un’evidenza insindacabile, pari agli “oggetti” che posso vedere e toccare). Ma se sono “oggettive” e indipendenti dalla mente che le pensa dove stanno? Cosa sono? (Questo è un problema metafisico che ha appassionato il meglio delle menti logiche tra Ottocento e Novecento aprendo la strada, volendo procedere con l’accetta, alle geometrie non euclidee, alla logica di Frege e all’era dei computer.)

Oppure, ancora per farsi del male del tutto inutilmente: che cosa significa che la fisica quantistica descrive una realtà “probabilistica”? Possono un biscotto e una tazza di caffelatte essere “probabili” se io li vedo e li mangio? . (segue…)

13 15 GIUGNO 2019

di Luciano Falchini La scorsa settimana ho percorso, con il mio amico Giovanni e suo fratello Luciano, un tratto della Via Matildica del Volto Santo che va da Reggio Emilia a Castelnuovo Garfagnana.

Anzitutto alcune notizie sul percorso. Si tratta di un cammino con caratteristiche storiche e religiose che inizia a Mantova e si conclude a Lucca per un totale di 284 km (salvo varianti) suddivisi in 11 tappe, alcune della quali però abbastanza lunghe che possono essere spezzate. Sul piano storico unisce i luoghi legati a Matilde di Canossa: Mantova, dove (forse) nacque; San Benedetto Po, nella cui abbazia fu originariamente sepolta; il Castello di Canossa, noto per l’episodio dell’umiliazione dell’Imperatore di Germania; Lucca, città originaria della sua famiglia. Sul piano religioso, il percorso tocca pievi, monasteri e abbazie fra le quali segnalo quella di San Benedetto in Alpe, posta sul crinale dell’Appennino e meta da sempre di pellegrinaggi. Il percorso si ricollega infine con la Francigena a Lucca, dove l’antico crocifisso ligneo del Volto Santo è da sempre oggetto di devozione e riferimento per i pellegrini che vanno verso Roma.

Da segnalare anche un altro cammino denominato “Via del Volto Santo”, in fase di definitiva strutturazione, che collega Pontremoli con Lucca condividendo le ultime due tappe (da Castelnuovo Garfagnana a Lucca) con la Via Matildica e che può essere collegato, come sua naturale prosecuzione, alla Via degli Abati, variante della Francigena per l’attraversamento dell’Appennino, che da Pavia tocca l’abbazia di Bobbio e giunge a Pontremoli.

Di fatto la Matildica costituisce una delle vie di adduzione alla Francigena per i pellegrini che provengono dalla direttrice Brennero - Garda. Il tracciato è ben segnato con frecce gialle (che richiamano quelle del camino di Santiago)e che, probabilmente si riferiscono al Cammino di San Pellegrino (che è richiamato da alcune piastrelle di ceramica), segnali che riportato il logo della Via Matildica e segnali biancorossi del CAI; solo in alcuni punti di snodo siamo stati costretti a controllare le tracce GPS per verificare quale era il percorso da prendere.

In alcuni casi abbiamo usato la cartografia di cui disponevamo per scegliere percorsi alternativi più brevi o che ci consentissero di ridurre i dislivelli da salire e scendere rispetto al percorso ufficiale.

Dalle informazioni che abbiamo avuto nei

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La via Matildica/1

vari luoghi di sosta abbiamo capito che il flusso dei camminatori su questo percorso è ancora modesto ma costante, e si tratta soprattutto di persone straniere. Camminando abbiamo visto le tracce di coloro che

erano passati poco prima di noi e, in molte situazioni, anche tracce di cavalli. Una albergatrice ci ha parlato di 3-4 persone che si sono fermate giorno per più giorno consecutivi, e che percorrevano la Matildica.

Dobbiamo comunque dire che la figura di Matilde domina ancora oggi questi territori; tantissimi sono i luoghi dove è citato il suo nome e non a torto. Matilde di Canossa, vissuta fra il 1046 e il 1115, fu. infatti, contessa, duchessa, marchesa. vicaria imperiale e vice regina d’Italia. Fu una potente feudataria e grande sostenitrice del papato nella lotta per le investiture; personaggio di assoluto primo piano in un’epoca in cui le donne erano considerate di rango inferiore, arrivò a dominare tutti i territori italici a nord dello Stato Pontificio; entrò in possesso di un vasto territorio che comprendeva la Lombardia, l’Emilia, la Romagna e – come duchessa / marchesa – la Toscana.

Tutto questo aveva il suo centro a Canossa.

Purtroppo, alla sua morte non lasciò figli e il suo immenso patrimonio andò disperso e abbandonato.

Chi fosse interessato a maggiori dettagli ed a scaricare le tracce GPS può consultare il sito web all’indirizzo http://www.viamatildica.it/, via mail è anche possibile chiedere la Credenziale ufficiale sulla quale apporre i timbri lungo il percorso. Nei prossimi numeri fornirò qualche elemento di dettaglio sulle singole tappe percorse.

a cura di Joel Vaucher-de-la-Croix Nella piccola ma prestigiosa galleria QUADRO 0,96 “lo spazio espositivo più piccolo del mondo” di Fiesole (FI), sabato 15 giugno alle ore 12.00 verrà inaugurata la prima personale del noto fumettista, illustratore e storyboarder milanese, ma reggiano d’adozione, Mauro Moretti.

Una mostra intitolata “Dalla matita al segno” dove i segni escono dal virtuale e si presentano attraverso brevi testi che ne spiegano la genesi. Segni-disegni che evocano storie, delineano vite, passioni, turbamenti, ricreando atmosfere felliniane frutto di una fantasia vulcanica, di una profonda umanità e di un’arte che fa dell’emozione e del sogno la sua essenza.

Durante l’inaugurazione l’artista realizzerà in diretta, su tavoletta grafica computerizzata, i disegni ispirati a canzoni e brani musicali di vario genere: una versione breve dello spettacolo “Vedere la musica”, che Moretti porta in giro da una decina d’anni con grande successo di pubblico, come quello riscosso dallo spettacolo “Addio a Ulisse”, dove l’artista ha propone un incontro tra fumetto, opera teatrale e musicale che propone una rivisitazione originale del mito omerico dell’Odissea su canzoni del cantautore veneziano Giovanni Dell’Olivo.

Mauro Moretti (Milano 1958) lavora da circa 30 anni nel campo dell’illustrazione pubblicitaria e del fumetto. Ha realizzato storie per il Corriere dei Piccoli, il Corriere dei Ragazzi, Boy Music, Il Mago e Il mucchio selvaggio. A questa attività affianca da anni la produzione di storyboard per le maggiori agenzie pubblicitarie e ha realizzato i video musicali animati per l’album “Hollywood Hollywood” di Roberto Vecchioni; suo è anche il restyling della grafica del noto gioco da tavola Risiko. Nell’ultimo anno è salito sul palco del Teatro d’Ambra d’Albenga con Ron, Max Spezzali e altri artisti in occasione di “Ottobre De Andrè” e ha partecipato con la sua matita allo spettacolo per il conferimento del premio “Fionda di Legno” a Don Luigi Ciotti. Negli ultimi mesi molta emozione hanno suscitato alcuni suoi disegni e animazioni ispirati al drammatico crollo del ponte Morandi, diventati presto virali sul web con migliaia di condivisioni

Dalla matita al segno 15 15 GIUGNO 2019

di Dino Castrovilli

Perché tanto onore per lui?

Di dove viene quest’uomo?

Districo dalla memoria/catene di sillabe, ma la sillaba giusta/non la trovo.

Com’è povera, ahimé, nel nostro mondo, l’officina delle parole!

(W. Majakowskij, V. I. Lenin)

Concerto di voci e strumenti per una voce-strumento. Quarant’anni fa, esattamente il 13 giugno 1979, moriva in un ospedale di New York, dove era ricoverato da aprile, Demetrio Statos: ex cantante e tastierista dei Ribelli, ex fondatore, cantante e tastierista degli Area (International POPular Group), poi ricercatore, anche teorico, e sperimentatore della voce (senza mai dimenticare la sua passione per il rock&roll). Lo ricordo come se fosse ieri: quel 13 giugno era un mercoledì e a Radio Siena (una delle prime radio “libere” d’Italia) stavamo mandando musica degli Area e pubblicizzando il concertone che si sarebbe tenuto il giorno dopo all’Arena Civica di Milano per raccogliere i fondi necessari a sostenere le costose cure che avrebbero dovuto salvare la vita a Demetrio, affetto da una aplasia midollare. Invece nulla: a soli 34 anni Demetrio aveva dovuto lasciarci (“La morte non sa perdonare”, per citare ancora Majakowskij). Ci cadde addosso una tristezza enorme, accresciuta dal fatto che qualche tempo prima avevamo avuto la fortuna di poter ascoltare gli Area a Siena (un tour promosso da Re Nudo: ai fischi del pubblico durante “Lobotomia” Demetrio rispose con un “Adesso che lo sappiamo la prossima volta portiamo i Camaleonti”, mostrando anche così di che “pasta” erano fatti gli Area) e di poter avvicinare Demetrio per un’intervista, un gigante della musica, disponibile come solo i veri grandi sanno esserlo. Il “concertone” a Milano si tenne lo stesso, il giorno dopo: 60.000 persone - per molti il raduno giovanile che, nel bene e nel male, pose fine ai benedetti e maledetti Settanta - accorsero da tutta l’Italia non tanto o non solo per ascoltare gli oltre cento tra artisti e gruppi, tanti già molto famosi, che si erano offerti di esibirsi gratuitamente per Stratos ma soprattutto per testimoniare la loro ammirazione per questa figura già entrata nella leggenda.

Voci fatali in mostra: Stratos, Berberian, Bene.

Tra gli artisti che avevano aderito al concerto c’era anche Cathy Berberian (1925-1983), una

16 15 GIUGNO 2019

Demetrio, cometa rossa Stratosferica

delle più dotate “voci” mai apparse su questa terra, musa (e moglie) di Luciano Berio e del gotha della musica contemporanea mondiale - la stessa che aveva rifiutato di dare “consigli” a Demetrio Stratos per timore di influenzare o intralciare l’arditissima ricerca musicale che Demetrio aveva intrapreso - che in queste settimane ritroviamo in compagnia di Stratos, e di Carmelo Bene (1937-2002), al Palazzo delle Esposizioni di Roma nella mostra Il corpo della voce, a cura di Anna Cestelli Guidi e Francesca Rachele Oppedisano (fino al 30 giugno, www. palazzoesposizioni.it). Tre “divinità” - e l’atmosfera che, complici le magnifiche foto (quelle di Stratos&C. realizzate quasi tutte dalla coppia Silvia Lelli e Roberto Masotti) appese alle pareti, le voci e le musiche diffuse dagli altoparlanti e dai monitor, si respirava nelle sale del Palazzo era proprio quella di un santuario - accomunate da un lavoro sulla voce, e sulla sua musicalità e teatralità, che oltrepassa l’esibizione virtuosistica e lo stereotipo del belcanto o della bella recitazione e tende a riportare il suono, o il rumore prodotti da quello straordinario e misconosciuto strumento che è la cavità orale, all’origine, all’emissione, al significante più che al significato. Per Demetrio Stratos, spintosi a livelli di

potenza (7000 hertz!) e modulazione sonora che lasciavano sbalorditi e affascinati non solo i suoi fans ma gli stessi studiosi di musicologia, glottologia e foniatria con i quali si confrontava continuamente, un percorso non facile, se non addirittura letale: Giampaolo Tofani, chitarrista degli Area (da cui era uscito un anno prima di Stratos, per entrare, insieme a Claudio Rocchi, negli Hare Krishna) e fedele amico di Demetrio, ha maturato l’impressione che “con le sue sperimentazioni vocali portate all’eccesso, Stratos avesse messo in moto una reazione a catena, impossibile da fermare, che l’ha distrutto”.

E chissà se Demetrio si riferiva anche a questo quando scriveva che “Se una ‘nuova vocalità’ può esistere dev’essere vissuta da tutti e non da uno solo: un tentativo di liberarsi dalla condizione di ascoltatore e spettatore cui la cultura e la politica ci hanno abituato. Questo lavoro non va assunto come un ascolto da subire passivamente ‘ma come un gioco in cui si rischia la vita’”. Per ciò che riguarda Stratos (per comprensibili ragioni non è qui il caso di occuparsi di C. Berberian e soprattutto di Carmelo Bene, del quale sono esposti anche i “quaderni di lavoro” che provano ulteriormente il “metodo”, il rigore, lo studio che sottendeva la “lucida follia”

del genio salentino) la mostra in corso a Roma, coraggiosa perché a modo suo relativamente poco “spettacolare” a favore di una efficace introduzione scientifica - sono esposte anche le apparecchiature del centro di Foniatria del Cnr di Padova con le quali Demetrio andava a “misurarsi” e i grafici ottenuti da quelle mirabolanti prove, mentre diversi saggi dell’imponente catalogo affrontano anche da un punto di vista clinico il tema della voce - tratteggia la carriera, le doti e i risultati inimmaginabili da lui ottenuti in questo ritorno alle origini della voce e della vocalità, ovvero alla pre-voce: risultati tecnici (diplofonie, triplofonie, addirittura quadrifonie, si è coniato il termine “stratofonie”) e soprattutto “estetici”, a voler “ascoltare” (e non semplicemente “udire”, come avvertiva Roland Barthes), consegnati alla storia da dischi come “Metrodora”, “Cantare la voce”, “Le milleuna”.

Risultati a volte non “inudibili” (rifiuto delle “emissioni” sonore di Demetrio) ma proprio “inascoltabili” (rifiuto o incapacità di comprendere quanto l’artista voleva comunicare), non solo per gli ascoltatori nostalgici degli “hit” che Demetrio aveva regalato ai Ribelli nel biennio 1967-68 - “Pugni chiusi”, “Nel sole, nel vento, nel sorriso e nel pianto” , “Chi mi aiuterà”, “La nostra favola” (la superba, non ce ne voglia Tom Jones, cover di “Delilah”) ma anche per diversi critici, adeguatamente rintuzzati dall’acrobata della voce perfettamente consapevole della natura e dell’importanza della missione che aveva: “liberare la voce” (come scriveva Daniele Ionio dell’Unità: “In ‘Metrodora’ la liberazione avviene attraverso un espressionismo esasperato sulla flessibilità della voce, recupero dei primi suoni dell’infanzia, suoni persi attraverso l’organizzazione della parola, o ciò che tu chiami “progetto utopico”. In Cantare la voce la voce si misura con i suoi limiti, non si pone come una possibilità indiscriminata; al contrario, si misura sempre con quello che non si può; non ha bisogno di “provocare”, non c’è domanda, caso mai la domanda è interna, desiderio che diventa sintomo di comunicazione. Il musicista in questo caso fa un lavoro di acrobazia interna molto rischiosa, con uno studio scientifico, linguistico e psicanalitico alle spalle).

Area macht frei. La vita di Efstratios Demetriou (poi italianizzato in Demetrio Stratos), nato da genitori greci ad Alessandria d’Egitto il 22 aprile 1945, qualche anno in collegio a Cipro e infine l’arrivo a Milano nel 1962, dove si iscrive alla Facoltà di architettura e contemporaneamente si dedica alla musica, è protesa alla ricerca di un assoluto (“un uomo solo davanti all’Universo”, ha scritto Massimo Villa), che Stratos intende raggiungere con gli straordinari mezzi vocali di cui è dotato, con un

retroterra multiculturale che lo rende “di diritto” portiere tra culture, anche musicali, diverse, attraverso l’interazione, tradotta poi in partecipazione in tutto il mondo a seminari, festival, concerti, reading poetici, performance, corsi, con personaggi straordinari che cerca o da cui viene cercato: John Cage, Juan Hidalgo, Walter Marchetti, Nanni Balestrini e i due Gianni: Gianni-Emilio Simonetti - scrittore, musicologo, esperto di comunicazione, amico, a tutt’oggi il più autorevole conoscitore di quello che Demetrio è stato e di quello che ha fatto - e Gianni Sassi, il geniale grafico, esperto di comunicazione, discografico (sua la Cramps), scopritore, “lanciatore” e padre putativo degli Area, non a caso considerato il sesto elemento del gruppo, per il quale, sotto il nome di Frankestein, ha scritto testi da antologia poetica. Sassi li ascolta come “gruppo spalla” dei Gentle Giant e si meraviglia di come non siano i Gentle Giant il gruppo-spalla degli Area! Finalmente ascolta musicisti, e un cantante-tastierista che si fa beffe dei microfoni, creatori di una musica nuova, degna di stare alla pari, se non al di sopra, con le più acclamate formazioni straniere (fino alla fine, anche dopo lo scioglimento degli Area, era rimasto convinto che sarebbero stati il più grande gruppo del mondo). Sassi aveva visto giusto: “Arbeit macht frei” (1973), il primo lp, aperto dalla memorabile “Luglio, agosto, settembre (nero)” è il manifesto programmatico, musicale e politico, di un gruppo che si considera e vive come un “collettivo” e propone una musica che fonde in maniera inattesa ed esplosiva pop, rock, jazz, progressive, world ed elettronica. Stratos e compagni - la formazione che si assesta col secondo disco “Caution Radiation Area” (1974), anche questo aperto dalla struggente invocazione alla “Cometa rossa” (testo di Stratos) comprende, oltre a Demetrio (voce, organo e steel drum), Giulio Capiozzo (batteria e percussioni), Patrizio Fariselli (pianoforti e clarinetto basso), Ares Tavolazzi (basso elettrico e acustico, trombone), Giampaolo Tofani (chitarra elettrica e sintetizzatori) - si pongono come lo spartiacque tra la musica, anche discreta, ma di “mestiere” e il “suono nuovo” che avanza, anche sulla spinta delle sollecitazioni culturali e sociali dei primi anni Settanta. Il crescendo prosegue con “Crac” (1975) - alla sua uscita incompreso e stroncato da un ora “pentito” Riccardo Bertoncelli - “Are(A)zione” (1975) e “Maledetti “ (1976). Poi il clima interno (ed esterno) al gruppo comincia a deteriorarsi, prima viene abbandonata la Cramps, poi va via Tofani e quindi Demetrio, che si dedica totalmente alle sue ricerche e sperimentazioni sulla voce, innescate nel 1970 dall’ascolto delle lallazioni della figlia Anastasia (la bambina

inizialmente gioca e sperimenta con la propria voce, ma poi perde il suono per organizzare la parola), interrotte brutalmente, proprio quando il suo “amorevolmente progredire, amorevolmente regredire” stava per toccare nuovi apici, dalla malattia e dalla morte. Ma prima di essere costretto a lasciarci, Demetrio aveva avuto la voglia e il tempo di regalarci un’altra “sperimentazione”, sempre travolgente ma più giocosa e gioiosa. Assieme a Paolo Tofani, a Mauro

Pagani, Paolo Donnarumma, Walter Calloni e Stefano Cerri ai primi del ‘79 aveva provato il concerto Rock&roll exibition, la cui registrazione, fatta con mezzi di fortuna, è finita nel cd omonimo (Cramps, 1994): è davvero qualcosa di travolgente, grandi classici come “Hound Dog”, “Long Tall Sally”, “Boom boom” ed altri vengono interpretati da uno scatenato Demetrio che non accetta lezioni da nessuno, si chiamino Elvis Presley o Little Richard (e dire che nel 1972, dopo un unico 45 giri inciso per la Numero Uno di Mogol e Battisti, il pur grande Lucio gli aveva detto che non avevano nessuna intenzione di puntare su di lui!).

Stratos artista puro. “Stratos viveva la musica, in ogni periodo della sua vita, in modo totalizzante, aveva rispetto di tutti ma lo pretendeva anche” (Daniela Ronconi Demetriou, moglie di Demetrio). Il dio greco della voce ne aveva tutto il diritto, avendo rinunciato a successo e ricchezza per dedicare tutta la sua vita alla voce, alla liberazione del corpo, alla rinascita della voce poietica. Parafrasando Jacques Attali, “una voce che esiste sempre e dovunque”, ma che dovremmo “ascoltare” in maniera meno intermittente (per uno stimolante incontro con D. S.: “La voce Stratos”, cofanetto con il libro “Oltre la voce” e e il dvd “La voce Stratos”, Feltrinelli Real Cinema, 2009; www. demetriostratos.org, purtroppo “fermo” al 2014).

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Uomini, se amate le donne, abbiamo bisogno di tutta la vostra capacità! di Francesca Merz Ultimamente mi capita sempre più spesso, fortunatamente, di leggere e approfondire dinamiche sociali e motivazioni per le quali, ancora, il femminismo, e la lotta per una completa autodeterminazione della donna, debbano essere poste al centro delle riflessioni anche, e soprattutto, nel 2019.

I problemi sono in parte sempre gli stessi, in parte sono del tutto nuovi, e per questa ragione credo vadano analizzati e diversificati, per evitare i luoghi comuni e soprattutto per essere realmente agenti di cambiamento sociale, e non solo gridatrici e gridatori in cerca della sacrosantissima capacità di autodeterminarsi.

Partiamo dal primo grande bluff della modernità: la parità di genere.

Secondo quali principi da femmina io dovrei avere come mia aspirazione “la parità di genere?”, l’idea stessa del termine presuppone che ci sia un modello di riferimento sociale predominante, ovvero quello maschile, a cui tendiamo o addirittura auspichiamo a diventare pari, senza dunque rinunciare ad un afflato inferioritario, secondo il quale qualcuno deve “accettarci per ciò che siamo” “farci far quel che vogliamo col nostro utero” “darci la possibilità di esprimerci”.

Ora, non vorrei collocare il principio politico del “da ciascuno secondo le proprie possibilità, a ciascuno secondo i propri bisogni”, anche in ambito di genere, ma credo che questo e niente altro dovrebbe sancire le relazioni tra esseri umani, eliminando la tensione ad un obiettivo astratto e spesso lontano dalle specificità di ogni singolo essere umano, che non riassume la cui essenza non è riassumibile nell’essere donna o uomo, ma che porta con sé un vissuto, passato, paure, necessità, propensioni, capacità più o meno specifiche.

“Pole la donna permettisi di pareggiare con l’omo?” Ecco, più si ha rispetto delle peculiarità di ogni singolo individuo, più questa domanda perde di significato sociale, nel tentativo di creare una eguaglianza che prescinde dalle specificità individua-

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li, spesse volte molto più importanti delle specificità di genere.

Come può dunque, un uomo, nel 2019 essere femminista? Può esserlo davvero e completamente se desidera costruirsi essere umano in tutte le sue unicità, se abbandona completamente i punti di riferimento sociali e si butta nella mischia dell’autocostruzione.

Non è aiutando le donne ad essere donne, ma aiutando gli uomini ad essere uomini, o meglio, aiutando se stesso e tutti gli esseri umani a sganciarsi dalle loro zone di approdo, da ciò che è conosciuto, per affrontare nuovi mari. Lì, in quell’universo di socialità mai esplorata, in cui i rapporti umani non sono più incatenati dai recinti del conosciuto, esattamente lì, ogni uomo può diventare un femminista, assumendosi la responsabilità del suo essere uomo, conoscendosi nel profondo e comprendendo le proprie dinamiche e i propri condizionamenti sociali, tentando di romperli e superarli giornalmente, e ogni donna può assumersi la responsabilità di essere femmina e femminista poiché amante della propria specificità, e perchè, dopo essersi conosciuta, può essere cosciente della specificità altrui.

L’unico strumento dunque, che si possa

veramente dare ad un bambino e ad una bambina, in questa perenne e giornaliera rottura con gli schemi cognitivi a cui siamo abituati, credo sia quello “anarchico”: un abito mentale costante che comporta principalmente la possibilità di non avere paura dei cambiamenti, l’abitudine a concepirsi come esseri umani con profonde potenzialità di cambiamento, che sfruttiamo in minima parte.

Personalmente ho avuto la straordinaria possibilità di avere un babbo molto presente ma molto anarchico, e la sua totale mancanza di giudizio sui miei errori anche grossolani, mi ha sempre aiutato a darmi il tempo e il modo di capirli da sola, senza che un patriarca presente e solido mi influenzasse, all’inizio era un po’ come stare perennemente sulle sabbie mobili, senza punti di riferimento, se non la sua presenza solida e costante pronta a prendermi se fossi caduta, ma mai ingombrante. Credo possa essere questa una strada utile per non aver paura delle sabbie mobili: mettere in dubbio anche i diktat sociali di genere che ci vorrebbero pari, quegli stessi diktat che non prendono in considerazione da dove stiamo arrivando né dove vogliamo andare, ciascuno, nella sua singolarità, ma insieme.

di Andrea Caneschi Come è la Cina, ci chiedono gli amici al ritorno dal viaggio. Enorme e affollata viene da rispondere. Un luogo comune, lo sappiamo, ma che aderisce perfettamente alla esperienza troppo breve e parziale che il viaggio di due settimane ci ha permesso.

L’impressione più forte rimane così quella di confrontarsi con quell’immane affollamento che solo la pioggia, o la sua frequente minaccia, riusciva a diradare dai luoghi che abbiamo visitato. Luoghi del turismo, dove la cultura e la tradizione cinese ci sembrano come fissate nel passato, apparentemente slegate dalla affannata modernità che le circonda e che se ne appropria come oggetti di consumo. Turismo locale soprattutto, tanto che gli occidentali fanno ancora sensazione e noi stessi veniamo spesso richiesti per foto di gruppo o possessivamente arruolati da singoli entusiasti cittadini per foto trionfanti; o fotografati di nascosto da onnipresenti smartphone, con uno sguardo in tralice che cogliamo facilmente e che assomiglia moltissimo a quello con il quale noi stessi fotografiamo la Cina, cercando di trovare le tracce di quel mondo altro da noi, che i rari incontri con la “Cina” di casa nostra ci hanno fatto immaginare. Ma i cinesi in Cina non assomigliano ai cinesi di Prato, se non per gli occhi a mandorla, che qui, per la loro grande diffusione, non si fanno notare più di tanto: il loro mondo – quello che abbiamo incontrato nelle città! – moderno e tecnologico, così irrimediabilmente “occidentale”, si ricompone ai nostri occhi con un senso immediato di riconoscimento e di condivisione nella modernità globale. Rimaniamo sorpresi dai bambini, bellissimi, certamente per l’esotismo dei tratti per l’osservatore occidentale, ma anche per il felice prodotto di genitori che paiono belli, in buona salute e contenti del loro. Quasi ogni coppia che vediamo ha almeno un figlio, coccolato e amato con tutta evidenza, probabilmente viziato, come in molti casi la presenza assidua di nonni devoti e le “bizze” poco controllabili ci fanno pensare. L’abolizione del limite di un solo figlio e la trasformazione in corso velocissima della società cinese con l’acquisizione di valori occidentali, ha messo in contrasto due tendenze opposte tra tradizione e modernità, tra la ricerca del figlio maschio per assicurarsi assistenza in vecchiaia e la necessità di più stipendi in famiglia per uno stile di vita che non si accontenta del minimo, ma lascia poco spazio per la maternità. Così, mentre in città si cerca di far quadrare gli impegni

Impressioni dalla Cina/1

economici e di lavoro con un numero esiguo di figli, accade anche che non si sappia quanti siano i figli “in più”, generati nella rincorsa al sospirato figlio maschio, sottratti, soprattutto nelle remote campagne, all’anagrafe nazionale e ad un riconoscimento amministrativo sanzionatorio. Non abbiamo visto le condizioni di vita nelle campagne, solo attraversate nei numerosi trasferimenti, ma abbiamo fatto tappa in città che accolgono tutte insieme diverse decine di milioni di cinesi e sono solo una piccola parte delle

città medie e grandi che si sono sviluppate nel vastissimo territorio della Repubblica Popolare; abbiamo attraversato “cittadine”di oltre un milione di abitanti, mentre le guide ci raccontavano di “villaggi” di due/ trecentomila residenti, la scala di una media città italiana, come Firenze. Abbastanza per pensare che per diverse centinaia di milioni di persone, negli ultimi trenta anni, la vita sia rapidamente e profondamente cambiata con l’apertura all’Occidente e l’avvio del Capitalismo alla cinese.

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Nel Chianti di Ruggero Stanga Andando da San Donato in Poggio verso Castellina in Chianti, al chilometro 9 un cartello sulla sinistra indica la via per l’Osservatorio. Su per la collina si arriva in breve a una gradevole costruzione di legno, a semicerchio, che accoglie con un abbraccio. Sopra, la cupola protegge il telescopio.

Nel piazzale la notte i visitatori si attardano a osservare oggetti celesti con alcuni piccoli telescopi, secondo il menù che offre la stagione.

Orione d’inverno, il Cigno e la Via Lattea d’estate.

Su, in cupola, invece, ci si concentra su pochi astri per volta.

Di una stella non interessa la morfologia, tanto le stelle appaiono tutte come puntini. Quello che interessa è la potenza luminosa che ci arriva. La pupilla del nostro occhio è molto piccola, raccoglie pochi fotoni. Per questo si usano i telescopi, che hanno una superficie molto più grande. Non solo. I fotoni vengono focalizzati su un sensore a stato solido, dello stesso tipo di quelli che si trovano nelle macchine fotografiche, e generano un segnale elettrico. Il tempo di posa può essere allungato, a differenza di quanto può fare il nostro occhio: si possono accumulare fotoni, fino a quando si decide che l’immagine è pronta per l’analisi successiva, e la si trasferisce in un computer. E si ricomincia con l’immagine seguente.

Intanto il telescopio lentamente si muove, ombra scura nel buio, per compensare il moto della stella che gira con tutti gli astri intorno all’asse del mondo, l’asse polare.

Una stellina , Kepler 41, circa 10000 volte più debole della più debole stella visibile a occhio nudo, lontana oltre 3500 anni luce. È simile al Sole.

Perché quella stellina, e non un’altra come lei, o più luminosa, che sarebbe anche più facile?

Perché sappiamo che un pianeta in orbita intorno a essa questa sera transita, cioè si interpone sulla nostra linea di vista, oscurando per qualche tempo la sua luce, di una piccola frazione, qualche millesimo. Il compito è quello di misurare di quanto si indebolisce la luce della stella, e quando comincia e finisce il fenomeno.

Da queste misure si ricava quanto è grande il pianeta rispetto alla stella, e, dalle eventuali irregolarità che si manifestano sui tempi previsti di inizio e fine del transito, la presenza di altri pianeti che compongono il sistema, ma che non passano fra noi e la stella. Il tutto, per capire i

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dettagli della formazione e della composizione dei sistemi planetari.

Detta così, sembra facile. Ma misurare il calo di luminosità di una stella di qualche millesimo non lo è. Intanto, l’atmosfera. Assorbimento dovuto a nubi sottili e poco visibili e turbolenza possono perturbare la misura: si cerca di controllare questo effetto osservando altre stelle nella stessa zona di cielo, e confrontando immagine per immagine la luminosità del nostro obiettivo con le stelle di verifica. Variazioni correlate confermano, variazione scorrelate sono indizio di problemi, e mettono un limite alla precisione della misura.

Poi, insieme alla luce della stella, sul sensore piovono anche i fotoni generati o diffusi dalla atmosfera. Le luci ambientali e la luna sono sorgenti importanti di luce diffusa: la precisione che vogliamo ottenere è alta, e bisogna controllare anche questi dettagli. Allora, misuriamo anche il segnale che cade sul sensore in zone dove non c’è l’immagine di una stella, e lo sottraiamo a quello della stella, nella ipotesi (verificata dall’esperienza) che la luce diffusa non cambi troppo in zone del cielo molto vicine.

Il sensore stesso è origine di segnali elettrici non generati dalla luce che arriva, ma dalla continua agitazione degli atomi che lo compongono, segnali che sono più intensi quanto più è alta la temperatura del sensore. Anche questo segnale spurio, la corrente di buio in termine tecnico, rappresenta un limite alla precisione della misura. Allora, per minimizzare, raffreddiamo il sensore, da qualche decina a qualche centinaio di gradi sotto la temperatura ambiente.

Infine, lo stesso processo di produzione dei fotoni nella sorgente è statistico: stella, atmosfera, sorgenti spurie non producono lo stesso numero di fotoni istante per istante, ci sono fluttuazioni intrinseche, che non possono essere corrette. Per ottenere un piccolo errore di misura (un buon rapporto segnale/rumore in termine tecnico) si allunga il tempo di posa, in

modo che le fluttuazioni siano statisticamente meno influenti sul valore medio del segnale che ci interessa.

Ma non è possibile allungare a piacere il tempo di posa (che si chiama tempo di integrazione), perché dobbiamo comunque campionare il segnale su tempi molto più brevi del transito, in modo da vedere l’effetto; e poi, perché su tempi lunghi la instabilità della atmosfera e della temperatura del sensore potrebbero peggiorare la qualità della misura.

I dettagli che potrebbero rovinare la misura sono tanti. La bravura dell’osservatore sta nell’individuare e seguire una strategia ben precisa, ovviamente suggerita dall’analisi della procedura e dall’esperienza. Come si vede, meglio le lunghe notti monotone, di quelle in cui succede di tutto, perché quel “tutto” vuole dire grane!

E allora, questo pianeta? Beh, è un po’ più grande di Giove, molto vicino alla sua stella, impiega meno di due giorni a fare un’orbita, con una densità molto bassa, minore di quella dell’acqua, con una temperatura di poco meno di 1800 gradi. Ce ne sono parecchi, nell’Universo, di questi pianeti di tipo gioviano, molto più caldi di Giove. Ed è un problema interessante la loro presenza: troppo grossi, troppo caldi, troppo vicini, troppo leggeri.

Ecco, vicino a S.Donato in Poggio un po’ di appassionati e professionisti hanno messo in funzione con costanza e competenza una struttura che insegue questi pianeti, in collegamento con altre strutture nazionali, come INAF e Università, e internazionali, come NASA e ESA che gestiscono i satelliti artificiali da cui provengono molti dati, con l’obiettivo di confermare i candidati pianeti, e di misurare e verificare i parametri dei transiti.

Il gruppo è molto aperto, chiunque volesse mettere il naso è benvenuto, con un appuntamento secondo le istruzioni sul sito internet o sulla pagina Facebook dell’Osservatorio Polifunzionale del Chianti.

Tel Aviv, capitale del Bauhaus di John Stammer La scuola del Bauhaus nasceva 100 anni fa esattamente il 1 aprile del 1919 a Weimar, in Germania, ideata da Walter Gropius.

Fra i docenti di quella scuola straordinaria, chiusa nel 1933 con l’avvento del regime nazista, figurano Hannes Meyer, Ludwig Mies van der Rohe, Waassilij Kandiskij, Paul Klee e Marcel Breuer. La sua influenza artistica, architettonica e culturale ha pervaso il secolo breve e ha fatto da riferimento a intere generazioni di architetti. Architetture che derivano dal Bauhaus, o che ad esso si rifanno esplicitamente, sono presenti nelle maggiori città del mondo. Ma davvero unica è la presenza di una parte intera di città, i cui edifici si rifanno al Bauhaus, a Tel Aviv. La Città Bianca è il cuore storico di Tel Aviv ed è costituita da oltre 3.000 edifici, costruiti dal 1931 al 1948 nel primo Stile Internazionale e dal 1948 al 1960 nello Stile Moderno del dopoguerra, dei quali oltre 1000 direttamente tutelati da un apposito ufficio dell’amministrazione comunale della Capitale di Israele.

La straordinaria concentrazione di edifici dello Stile Internazionale e dello Stile Moderno è stata causata anche dall’emigrazione nello Eretz- Israel (così era chiamata la Palestina governata dal Mandato Britannico– il cui nome ufficiale era Palestina- Eretz Israeldagli immigrati ebrei negli anni Trenta del Novecento) di architetti che si erano formati a quella scuola, o in relazione diretta a quel movimento culturale, architettonico e artistico, a seguito dell’avvento del nazionalsocialismo in Germania e dell’inizio delle persecuzioni contro gli ebrei.

Il complesso degli edifici costituisce una parte omogenea e centrale della città e, dice la Prof. Arch.Nitza Metzger Szmuk, responsabile della conservazione della Città Bianca, “le sue peculiarità fisiche esercitano una grande influenza sul carattere della città e le donano una dimensione immateriale di luminosità e ottimismo che si esprime in uno stile di vita dinamico, aperto e creativo.”

In effetti passeggiando e visitando la città bianca si è colti da un inspiegabile emotività condividendo espressioni architettoniche e artistiche che in questo contesto urbano rappresentano davvero un sistema emozionante e unico.

Lo stile della scuola del Bauhaus è riconoscibile ovunque anche se le caratteristiche dei

progettisti e le loro diverse esperienze professionali e culturali, nonchè una declinazione regionale delle linee pure e essenziali del Bauhaus in qualche modo “piegato” alle esigenze climatiche e culturali del luogo, hanno prodotto edifici affatto diversi.

“L’architettura moderna di Tel Aviv è notevolmente caratterizzata e arricchita dalla formazione multidisciplinare degli architetti locali.” - dice la prof.ssa Nitza Metzger Szumk nella introduzione dalla mostra che lo scorso anno si è tenuta al MAXXI di Roma- “Le principali fonti di ispirazione furono Le Corbusier, l’architettura espressionista di Erich

Mendelshon, la scuola tedesca del Bauhaus e le facoltà di architettura di Ghent e di Bruxelles. Il linguaggio architettonico locale è quindi il risultato della fusione di queste fonti, con elementi derivati dalla cultura architettonica locale, che usava mezzi semplici per risolvere i problemi climatici. Le grandi vetrate del modernismo europeo scompaiono a Tel Aviv... lasciando una lieve traccia nelle finestre delle scale. Gli edifici sono suddivisi per blocchi, con sbalzi e rientranze per catturare la brezza marina.”

La grande omogenea qualità della città bianca di Tel Aviv rappresenta un sistema unitario di straordinario valore storico, documentario e architettonico e il complesso di edifici che si ispirano direttamente al Bauhaus e al movimento moderno è stato riconosciuto il 3 luglio del 2003 Patrimonio dell’Umanità dall’Unesco in considerazione in particolare di: “Il sito vanta la più alta concentrazione di edifici nel primo stile internazionale e nello stile moderno, l’estensione del sito e la sua perfetta omogenità, la localizzazione del sito al centro di una metropoli, che ne consente la piena godibilità agli abitanti e ai visitatori, a differenza di altri siti situati spesso in periferia o in zone meno facilmente raggiungibili.”

Si ringrazia, per la cortesia e la disponibilità a fornire il materiale consultato, l’architetto Renzo Funaro e la prof..ssa Nitza Metzger Szmuk.

21 15 GIUGNO 2019

di Valentino Moradei Gabbrielli E’ difficile misurare il piacere di ogni bambino quando rovesciando la scatola del LEGO cadono quei mattoncini colorati multiformi e curiosi, sempre nuovi sempre diversi sempre più stimolanti. Immediatamente mettono in moto la voglia di costruire città e paesaggi, autostrade, aeroporti, missili, animali fantastici, astronavi, zoo e quant’altro, animati da piante personaggi e animali. E’ maggiormente difficile immaginare la sorpresa d’invitati e amici quando sulla tavola imbandita trovavano, riprodotti o suggeriti, preziosi ed eleganti giardini in vetro che i proprietari con gusto e piacere disegnavano e costruivano in forma di “Trionfi da tavola” per i loro ospiti. Un genere questo dei “Deseri” sviluppatosi nel XVIII secolo a Venezia e nelle terre della Serenissima grazie alle poliedriche possibilità del vetro e la sviluppatissima Arte ad esso legata. Non sono numerosissimi gli esempi che si sono conservati oggi giorno, ma sappiamo che grazie al vetraio Giuseppe Briati ebbero grande notorietà decorando spesso le tavole dei Dogi. Esempi se ne trovano nel Museo del Vetro di Murano e, in Cà Rezzonico che ospita il Museo del Settecento Veneziano. Esempi “cristallizzati” nella loro musealizzazione, conservano interamente il loro potenziale ludico. Preziosi “mattoncini” in forma di archetti, tratti di siepe, fontane, girali di aiuole, vasi e colonnine, che da dentro le vetrine che li contengono, ci fanno l’occhiolino e, ci chiedono di giocare.

I pensieri di

Capino

Fino a qualche anno fa, a Firenze, c’era un Notaio presso il cui Studio era abituale recarsi perché si sapeva che le sue tariffe, per la costituzione di una Associazione senza fini di lucro, erano del tutto “simboliche”. Una sola cosa lo infastidiva: non sopportava che qualcuno, facendo finta di non conoscere la prassi, si attardasse a chiedergli come avrebbe potuto ricompensarlo. In questo caso, il Professionista tirava fuori la sua arguzia fiorentina: “Da quando i Fenici hanno inventato il denaro, questo problema non si pone più”.

Qui, a noi, non interessa tanto discettare circa il fondamento storico della asserzione del Professionista, quanto sul rischio che si correrebbe, alle soglie del terzo Millennio, nel nostro o in un altro dei Paesi sviluppati, se si

22 15 GIUGNO 2019

Quando il Lego era di vetro Dal baratto ai Fenici fino agli smallbot lasciasse alla discrezionalità del debitore la scelta di come saldare il proprio debito. Un tentativo di far rivivere il baratto, oggi (tenendo conto di come sono strutturate le nostre abitudini di vita), si presterebbe a situazioni a volte improbabili ed a volte surreali. Proviamo ad immaginare come potrebbe fare un allevatore di suini della Lessinia, non disponendo più della Carta di credito, a pagare un monile già scelto per la propria moglie: mentre un commesso prepara la confezione regalo, l’acquirente (debitore) uscirebbe dal Negozio di preziosi nel centro della città scaligera, trarrebbe dal furgone parcheggiato non lontano, un paio di quadrupedi ignari della sorte che li attende e . . . proverebbe a trattare, cercando di coprire con la propria voce i grugniti delle povere bestie. Per non parlare delle tentazioni che si presenterebbero a un Ortopedico che, in vista di andare a fare un viaggio (una volta tanto non a spese di una casa produttrice di protesi) decidesse di fare scorta di rotule, menischi od ossa di ba-

cino con la speranza di farseli accettare dalla Agenzia di viaggio. Credo sia ora di svegliarsi: qualcuno cui la sovranità popolare ha demandato il compito di confrontarsi con altri per trovare le migliori modalità per gestire la cosa pubblica, ha pensato che anche lo Stato italiano potrebbe inventare qualcosa di simile per far finta di pagare i propri debiti. Ed il tragico è che neppure gli “sghignazzi” della Banca Centrale Europea sono stati sufficienti a far disamorare della idea gli sponsor politici di cotanta baggianata. Il “ vice premier con il rosario”, ha detto: “Se i Mini Bot non sono la soluzione, il Ministro ne trovi un’altra; lo Stato deve pagare i propri debiti!”. Diteglielo, fra un’Ave Maria e una giaculatoria, si informi: perfino i Fenici sembra avessero idee più chiare di lui. Lo Stato, come tutti, ha bisogno di soldi; la fiscalità dovrebbe procurarli, secondo l’articolo 53 della Costituzione. O anche Politici seri e credibili, se ve ne fossero, potrebbero farseli prestare, alle migliori condizioni. Fenici, dove siete?

di Matteo Rimi Il vuoto indigna, preoccupa, mobilita, terrorizza. Non riempiremmo, altrimenti, le nostre vite di fatti, di foto, di facce, di fischi. Eppure, senza voler avventurarci troppo su campi perigliosi e complessi, tutto l’universo sarebbe vuoto se non ci fosse l’essere umano a contemplarlo...

Ecco perché, a ben guardare, il vuoto può rivelarsi una grande opportunità, l’opportunità delle opportunità, anche quando incombe minaccioso accanto a te, sotto forma di agglomerati urbani senza nome, strade percorse ma non vissute, luoghi trascurati, creati senza un vero perché a domandare a chiunque passi e contempli “perché”.

Inevitabile allora appassionarsi alle sorti del vuoto lasciato in quell’area verde proprio nella frazione dove, per volere della sorte, abiti ed aggrapparsi con tutta la tua volontà e le tue capacità alla nuova speranza che un oculato bando pubblico è riuscito ad infondere tra questi sfiduciati autoctoni!

Ecco, in un linguaggio a dir poco enfatico (colpa della terribile inclinazione di chi scrive!), ciò che è accaduto alla zona sportiva di Pian di San Bartolo, ameno raggruppamento di case tagliato in due dalla via Bolognese, estremo lembo del Comune

Vuoti che si riempiono

Segnali Bizzaria di fumo degli

C’è Verde e Verde

oggetti

di Remo Fattorini Il cielo della politica europea si colora di verde. È questo – a mio parere - il fatto più significativo uscito dalle urne del voto europeo del 26 maggio. Nel dirlo non penso certo al verde made in Italy, leghista, razzista, xenofobo.

Ma a quello ambientalista, di segno completamente diverso. Tanto da diventare il secondo partito in Germania con il 20,5%, il terzo in Francia, il quarto nel Regno Unito, dove i Verdi sorpassano i conservatori. Bene anche in Irlanda, Lussemburgo e Austria. Crescono pure in Belgio, Svezia, Paesi Bassi e Finlandia. A cui poi si è aggiunta la Danimarca con la vittoria della coalizione rosso-verde ai danni dei sovranisti. Tutti segnali che alimentano

di Fiesole: la speranza in questione è data dalla nuova gestione da parte della Polisportiva Valle del Mugnone ed il Gruppo cooperativo Co&So, ben intenzionate ad

speranze per il futuro.

Un successo conquistato grazie a programmi concreti. Di recente ho ascoltato una bella intervista a Sven Giegold, esponente di punta dei Verdi tedeschi, in cui indicava le priorità del suo movimento: “l’Europa - diceva - deve mettere al primo posto una forte politica di protezione ambientale e di lotta ai cambiamenti climatici, poi subito dopo la riduzione delle differenze sociali tra le diverse regioni europee, lo sviluppo di una moderna rete ferroviaria e - ultimo ma non ultimo - una nuova politica versi i profughi in cui ognuno faccia la sua parte. L’Europa – precisava - non deve continuare a scaricare solo sui Paesi del Mediterraneo il peso di questo dramma”. È una piattaforma coraggiosa, con messaggi e impegni precisi, a partire dalla difesa dei diritti civili e da una maggiore giustizia sociale. I Verdi europei sono stati percepiti come portatori di una nuova richiesta di benessere: bellezza e pulizia al posto degli egoismi e della paura.

Tanto che in molti hanno valutato convin-

utilizzare la ribattezzata “Casina gialla” per corsi ed allenamenti; gestione che apre ufficialmente i battenti in questi giorni inaugurandola con esibizioni ed iniziative sportive e, per l’appunto oggi, con un programma ricco di arte: nel parco di via dei Mandorli si susseguiranno infatti un corso di pittura per bambini a cura del maestro Valerio Mirannalti, un’estemporanea di scultura su legno con protagonisti quali Roberto Coccoloni, Lorenzo Montagni, Pino Procopio e Ruggero Vannelli (sculture che andranno poi ad arricchire un altro parco, quello del reparto di riabilitazione pediatrica Tommasino Bacciotti del Don Gnocchi di Firenze), una mostra all’interno della Casina degli stessi scultori ed in più di David Styler, musica dei Ragazzi eccezionali diretti da Paola Giomi dell’Associazione Girasole e la lettura poetica del sottoscritto dall’evocativo titolo di “Don Fernando o L’ombra lunga di Chisciotte”.

Perché è bene coltivare usando sementi dei più variegati e con tutto l’aiuto possibile aiutare a crescere, se non vogliamo che germogli il vuoto nei deserti intorno a noi.

cente e attrattiva la loro offerta. In particolare i giovani (tra i 18 e i 29 anni), dove sono il primo partito con il 32% dei consensi.

Si distingue ancora una volta l’Italia. Da noi l’ambientalismo non ha prodotto niente di significativo e resta un partito testimonianza, una moda elettorale (con il 2,3% dei consensi), confinata nel radical-chic. Anche se non mi convince la tesi di coloro che sostengono che ci si occupa (o preoccupa) dell’ambiente solo quando si è raggiunto un livello di benessere medio alto. Non può essere così quando si vive in un Paese dove ogni anno muoiono 80mila persone a causa dell’aria che si respira: 262 decessi al giorno sono una tragedia nazionale.

Ai Verdi nostrani servono proposte convincenti per uscire dalla crisi economica e sociale, per contrastare la povertà e gli squilibri sociali, ma soprattutto serve un new green deal per creare una nuova occupazione, capace di resistere alla globalizzazione, ai robot, all’intelligenza

23 15 GIUGNO 2019

Andrai tornerai non morirai in guerra di Mariangela Arnavas Ha questa impostazione sibillina l’ultima sentenza della Cassazione sulla Cannabis in riferimento alla L.242/2016, sentenza pronunciata a sezioni riunite, dato che in precedenza la IV e la VI sezione avevano espresso pareri opposti. Sentenza di cui ancora non si conoscono le motivazioni, ma che sembra vietare la commercializzazione della cosiddetta canapa light ovvero dei derivati della canapa, salvo che tali prodotti siano in concreto privi di efficacia drogante.

Salvini esulta e certo con lui tutti coloro, in primis le organizzazioni criminali italiche che guadagnano sul commercio clandestino della Cannabis, peraltro in buona sostanza indisturbato dalle truppe agli ordini del Ministro degli Interni, iperattivo solo sulla chiusura dei porti ai migranti; sono invece nel panico decine e decine di cittadini italiani che avevano legittimamente investito il loro denaro nel commercio di una sostanza, la canapa, dichiarato legittimo da una legge dello Stato, purché fossero rispettati alcuni parametri, ovvero un tasso minimo di THC inferiore allo 0,2%.

Ma è quella parola drogante che apre uno spazio/voragine di ambiguità e che assimila appunto la sentenza ad un oracolo della Sibilla, perché ciò che caratterizza legislazione e giurisprudenza italiana in materia appunto di droga ha principalmente due caratteristiche: la prima è quella di essere ideologicamente oscillante con tempi variabili intorno a 6 mesi/un anno a seconda del prevalere delle figure politiche al potere e della loro spasmodica ricerca del consenso elettorale; la seconda è quella di non avere alcuna coerenza con le impostazioni scientifiche che definiscono le sostanze psicotrope fondamentali.

E l’oscillazione “oracolare” non è certo solo dovuta al fatto di vivere in un paese bigotto, ce ne sono di tradizione simile come la Spagna che hanno da tempo liberalizzato la Cannabis e ormai numerosi altri come l’Olanda e il Canada o la California e altri States; questo sulla spinta non solo della vastità e generalità del consumo, di fatto impossibile da reprimere con efficacia, ma anche sulla scorta della riconosciuta efficacia terapeutica della cannabis in alcune malattie gravi come l’epilessia; sembra esserci piuttosto una correlazione tra la forte influenza

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delle organizzazioni criminali che in Italia lucrano sul commercio clandestino della sostanza e che hanno visto ridurre in breve tempo del 10 per cento il loro mercato. È da notare che il Procuratore Generale della Cassazione, in relazione all’argomento, aveva chiesto di trasmettere gli atti alla Corte Costituzionale perché la norma non è chiara e non vi è la prevedibilità, da parte del cittadino e del commerciante sulle condizioni suscettibili di essere sanzionate.

Il secondo elemento che caratterizza la legislazione nell’ambito delle sostanze psicotrope è una fondamentale incoerenza di principi sulla legalità della vendita e uso di sostanze psicotrope ovvero capaci di modificare lo stato psicofisico di un soggetto in termini di percezione, umore, coscienza, comportamento.

Tra le cinque sostanze psicotrope naturali dalle quali provengono tutte le altre, oltre la cocaina, la morfina/eroina e la cannabis ci sono anche alcool e nicotina, ma per queste due ultime sostanze non esistono problemi di legalità né nella vendita né nella possibilità di consumo; la legge interviene solo nel caso di comportamenti che causino danni a terzi come nella guida in stato di ebbrezza o nel fumare in luoghi pubblici, etc. Ma se

ci si comprano tre bottiglie di cognac e tre pacchetti di sigarette e si consumano in casa propria anche causandosi un coma etilico o un’intossicazione ai polmoni, tutto è lecito. È indubbio che si debba dare per scontata una maggiore tolleranza culturale per l’alcol in un paese, grande produttore ed esportatore di vino, dove la tradizione contadina induce a pensare che un bicchiere ai pasti, se non allunga la vita, poco ci manca, ma da qui a costruire una barriera tra la cannabis e le altre due sostanze psicotrope leggere, alcool e nicotina, mettendo agli arresti venditori e consumatori della prima e lasciando serenamente in pace gli altri ha qualcosa di non chiaro, tanto più quando è scientificamente provato che, mentre alcool e nicotina non sono sostanze anche endogene al nostro organismo e quindi sono difficilmente metabolizzabili, gli endocannabinoidi fanno parte naturalmente del nostro organismo. È vero che la logica e il diritto spesso non si sovrappongono, ma è anche vero che spesso, come anche in questo caso, l’irrazionalità apparente copre un interesse non difficile da scoprire; lo vedremo nella battaglia che si accenderà quando saranno note le motivazioni della sentenza intorno al significato dell’espressione non drogante.

Arte come testimonianza di John Stammer Ha aperto i battenti sabato 8 giugno a Palazzo Medici Riccardi nella Galleria delle Carrozze, e chiuderà il 20 luglio, la mostra “Arte come testimonianza. Uno sguardo sui primi venti anni del III° millennio” All’interno della mostra particolare interesse riveste la nuova opera di Arnaldo Marini “I villaggi senza memoria” costituita da quattro grandi tele di 150x100, a costruire un’unica opera di 300x200. Le quattro tele rappresentano ciascuna un villaggio abitato da persone fuggite da guerre, devastazioni, persecuzioni politiche, genocidi.

Marini padroneggia bene la grande dimensione delle tele e usa con sapienza la spatola per distendere il colore sulle grandi superfici dove sono rappresentati i villaggi senza memoria.

Sono i villaggi di Tindouf in Algeria che ospita 175.000 rifugiati, da decenni unico riparo del popolo Saharawi cacciato da un territorio conteso fra Marocco e Mauritania, di Bredjing nel Chad che accoglie i 250.000 rifugiati del Sudan in fuga dalla guerra civile nel Darfur, di Zaatari in Giordania dove si sono raccolti i 150.000 profughi della guerra in Siria, di Hagadera/ Dadaab in Kenia dove vivono i 350.000 rifugiati in fuga dalla guerra civile in Somalia.

“Scopro – dice Marini- persi nel profondo dei continenti, fuori dai sentieri della conoscenza, dalle rotte dell’attualità e della “normalità” del nostro presente, enormi, ambigue voragini

umane, giganteschi agglomerati, villaggi nati precari e oggi, a distanza di decenni, ancora tali, dove il tempo trascorso pare abbia compresso fino ad annullare qualunque spiraglio di memoria”.

Un’opera, quella di Marini, che chiede attenzione e riflessione, e uno sforzo di memoria e di condivisione perchè i villaggi mariniani, che incarnano perfettamente la poesia delle rovine, rappresentano, come dice Daniela Pronestì in “Ritratti d’artista- Arnaldo Marini” ( La Toscana Nuova anno 1 n°10 novembre 2018), “....

un monito che risuona persino nei dipinti dove le suggestioni del villaggio in rovina lasciano il posto a un cumulo agghiacciante di macerie.

E’ il caso dell’opera dedicata a Aleppo, la città distrutta dalla recente guerra in Siria......Il nostro tempo – sembra dire Marini con le sue opere – non è più in grado di produrre rovine, e quindi monumenti alla memoria, ma soltanto macerie, simboli inquietanti di un presente senza storia e senza futuro.”

La mostra è aperta tutti i giorni, tranne il mercoledi, dalle ore 10 alle ore 18.

La questione nero di Gianni Biagi L’Associazione culturale Art-Art ha aperto sabato 8 giugno la mostra “Nel NERO tracce d’ARTE” presso la sede della Galleria IAC in via della Croce 41 all’Impruneta. Una mostra interessante per il tema che ha chiamato i diversi artisti a confrontarsi con il NERO. Colore o non colore, negazione del colore, addirrittura non-colore, il nero ha sempre affascinato gli artisti. Nelle opere esposte il nero funge da sfondo, da monocromo, da tema portante.

Gli artisti Cinzia Pistolesi, Sylvia Teri, Paola Falciani, Giuseppe Tocchetti. Carmelina Rotundo, Fiorella Noci e Riccardo Neri espongo-

no nella grande sala al piano terra dove sono anche esposte alcune Terrecotte di Ugo Poggi realizzate con terracotta grigio-lava.

Nella foto le opere di Riccardo Neri che si cimenta con il tema del nero e dell’intreccio usando la carta come elemento sia materico, sia utilizzato per la costruzione di una terza dimensione sulla piatta superficie della tela. Neri usa da tempo la carta non solo come supporto ma come elemento centrale delle sue opere, diventando soggetto essa stessa dell’opera, ma in questo caso la carta e la pittura si intersecano e diventano complemenatri l’uno all’altra.

La mostra rimane aperta fino al 23 giugno 2019 il sabato e la domenica dalle 16,30 alle 20,00

25 15 GIUGNO 2019

50 anni

d’incontri con persone straordinarie di Carlo Cantini

La mia amicizia con Fabio De Poli la potrei definire tutta un’altra storia.

L’incontro con Fabio e Wilma, li definirei una coppia di uguale amicizia, perché li ho conosciuti insieme e poi frequentati sempre in coppia.

Incontrai Fabio in occasione di una sua mostra alla Galleria Pananti negli anni ’70 e da allora è rimasta sempre una grande amicizia, dove io lavoravo abitualmente, non fu un incontro solo di lavoro ma ci fu subito una reciproca empatia, oltre alla sua opera m’incuriosì molto il suo atteggiamento di rispetto e d’interesse per gli animali, come fossero persone, in quel momento della sua vita aveva un cane che lui considerava come un collega di lavoro, gli aveva dato il nome di un grande artista della Pop Art

26 15 GIUGNO 2019

Americana, Oldemburg. In casa aveva una cornacchia che aveva trovata ferita sotto i portici di Piazza della Repubblica, la curò e viveva con lui come una fedele presenza. Alla morte del cane Oldemburg, per placare il suo dolore e quello di Wilma, andammo insieme a comprare un pappagallo chiamato poi, Corto come il personaggio dei fumetti Corto Maltese. Ho raccontato questa breve storia per far capire il rapporto di amicizia che ci lega da tanti anni e che rimane invariato, costellato di ricordi vissuti attraverso l’interesse per l’arte e la natura. Fabio De Poli vorrei definirlo un artista di grandi vedute sull’idea dell’arte in tutte le sue sfaccettature e un personaggio vivo nella sua originalità straordinaria.