accion

SUMARIO Nº 1905

REPORTAJES 12 16 76

Star Wars Celebration El futuro de Marvel Keanu Reeves: De Matrix a John Wick

ENTREVISTAS 20

David Harbour

PROXIMOS ESTRENOS Hellboy John Wick 3 Parabellum El hijo Casi imposible Aladdin

COLECCIONABLES 33 45 53 55 57 59

TELEVISIÓN 41 43 86 88 90 92 94 96

Fichas actores Ficha serie TV: House of Cards Los 100 Temporada 6 Entrevista: Stana Katic Gomorra Entrevista: Freddie Highmore Stranger Things: Temporada 3 Noticias televisión

SECCIONES FIJAS 2 4 8 10 71 79 84

CARTEL-MANÍA 28 61

Fichas críticas Coleccionable actor clásico: Jean Harlow Ficha película mítica: Chacal Ficha actor clásico: Miriam Hopkins Fichas Que fue de...

Fichas series TV

Cartelmanía: Asesinos a sueldo Carteles Cine Bélico VIII

Hollywood Noticias Furia oriental Mundo fantástico Análisis: Apocalipsis Now Cine de videoclub: Juegos de Guerra Desmontando el cine

DIRECTOR: Héctor Alonso COLABORADORES: Santiago de Bernardo, Nicolás Carrasco, Óscar Costa, Sergio Hardasmal, Miguel Juan Payán, Jesús Martín, Juan Carlos Paredes, Juan S. Mas, Jesús Usero. ©Fotografía póster El ministerio del tiempo: Tamara Arranz

FOTOGRAFIAS: Disney, EOne Films, Filmax, Hispano FoxFilm, Manga Films, Paramount, Sony Pictures, Tri Pictures, Universal, Vertigo, Warner Bros REDACCION Y ADMINISTRACION: C/ La Higuera, 2-2ºB - 28922 Alcorcón (Madrid) Tel 91 486 20 80 - Fax. 91 643 76 55. e-mail: redaccion@accioncine.es DIRECTORA PUBLICIDAD Y MARKETING: Susana Román PUBLICIDAD: Susana Román C/ La Higuera, 2-2ºB - 28922 Alcorcón (Madrid) Tel 91 279 93 58 - Fax. 91 643 76 55 e-mail: publicidad@accioncine.es SUSCRIPCIONES: C/ La Higuera, 2-2ºB - 28922 Alcorcón (Madrid) Tel 91 486 20 80 - Fax. 91 643 76 55 e-mail: pedidos@accioncine.es www.accioncine.es DISENO Y MAQUETACION: Toralba EDITA: Norea y Aloman Ediciones S.L. IMPRIME: RIVADENEYRA DISTRIBUYE: S.G.E.L. DEPOSITO LEGAL: M-9520-2012. ISSN: 2172-0517 Precio para Canarias y aeropuertos 4,05 € (Incluida Tasa Aérea)

Impreso en España

Printed in Spain

CONTROLADO Nota de la redacción: ACCION es una revista abierta a todas las opiniones por lo que no necesariamente se indentifica con las de sus colaboradores.

Reservados todos los derechos: esta publicación no puede ser reproducida, ni total, ni parcialmente. Como tampoco registrada en, o transmitida por, un sistema de recuperación de información, en ninguna forma ni por ningún medio, sea mecánico, fotoquímico, electrónico, magnético, electroóptico, por fotocopia, o cualquier otro, sin el permiso previo por escrito de la editorial.

SOBRE LOS COLECCIONABLES Encontraréis al centro de la revista los pósters. Si arrancáis éstos os encontraréis con las fichas en papel más grueso que está distribuido para que también se pueda separar de la revista. Lo mismo sucede con el coleccionable de ACTORES, se puede separar sin afectar al resto de la revista. Aunque para algunos pueda resultar liosa esta distribución, está pensada para poder coleccionar diferentes partes de la revista.

Fotografía portada Copyright: © Warner Inc. Ilustración Wars© portada y póster ©SergioBros.

IniestaEntertainment https://www.facebook.com/sergioiniestaart FotografíaStar portada Frank Ockenfels

24 26 73 74 75

SPIDERTOBÍAS, Y OTRAS LOCURAS COTIDIANAS Rob Liefeld, creador para las viñetas del personaje de Cable que interpreta en la segunda película de Deadpool Josh Brolin, ha revelado que este mutante venido del futuro tenía plaza para haber aparecido en el largometraje X-Men: días del futuro pasado, estrenada en 2014, cubriendo el rol en la historia que finalmente le adjudicaron a Bishop, papel que interpretó Omar Shy. Al parecer, los responsables de la franquicia decidieron que era un personaje demasiado importante para cubrir ese pequeño papel casi de cameo en el largometraje y decidieron guardar para mejor ocasión. Liefeld asegura que vivió aquel asunto dividido entre sus deseos de ver a su criatura materializada en la pantalla y al mismo tiempo temer que lo desperdiciaran con una muerte rápida y aparición testimonial para rellenar.

Lo curioso es que ahora que finalmente se ha materializado como Brolin y se hablaba de rodar una película de X-Force en la que actor y personaje encabezarían el reparto, la cosa ha vuelto a chafarse con la fusión de Disney y Fox, que deja en el aire lo que pueda pasar con ese proyecto, al menos por el momento, y posiblemente apunta a que si volvemos a ver a Cable no sea con el rostro de Brolin.

Mi lado más frikazo y gamberro apuesta por un largometraje de Cable contra Thanos y Brolin contra Brolin, haciendo doblete…, bueno, mejor triplete y que Brolin haga también de la Viuda Negra. Pero eso no va a pasar, porque el mundo no está tan enloquecido como a mí me gustaría. O como les gustaría a muchos consumidores de viñetas con teorías disparatadas sobre lo que va pasar en los universos superheroicos de la Marvel con esa fusión Disney-Fox. Que se lo pregunten al director Joe Russo, que se pasó por la India en su gira promocional de Vengadores Endgame y tuvo que lidiar con algunas preguntas particularmente locas sobre si Reed Richards, el líder de los Cuatro Fantásticos, iba a aparecer en plan cameo en este largometraje, especulando sobre la aparición en el tráiler del número 1064, y asociándolo con el universo alternativo Tierra-1064 de los cómics, como base para una de las teorías sobre la película que implicaría el concepto de multiverso como clave argumental del segundo enfrentamiento de los Vengadores con Thanos.

Russo afirmó que se había pasado seis años intentando proteger el secreto del argumento de Vengadores: Endgame de las habituales rajadas de Tom Holland (Spiderman) y Mark Ruffalo (Bruce Banner/Hulk) como para picar ahora en un encuentro con fans y revelar de qué va todo el asunto, pero descarto categóricamente que el multiverso forme parte de su propuesta, aunque según dijo una de las cosas que más le gusta de los fans de Marvel es que leen claves en todo tipo de cosas.

Hablando de años, unos cinco es lo que lleva Tobias Vincent Maguire sin protagonizar una película. La última fue en 2014 y era

2

sobre ajedrez, El caso Fischer, que aunque era interesante no la vio ni el Tato (19 millones de dólares presupuesto que en cines estadounidenses no pasaron de recaudar algo menos de 2,5 millones).

No me extraña que el hombre ande diciendo por ahí que no descarta volver a interpretar a un superhéroe. Claro, después de forrarse siendo el Spidertobías de Raimi es lógico que la cabra tire al monte. La hipoteca pide pan. Y aunque diga que le gustan los actores que le han sustituido como Trepamuros de la Marvel, también reconoce que no ha visto todas las películas que se han hecho después de su triplete como el célebre enmascarado. Oigan, que lo comprendo, que yo habría hecho lo mismo: al enemigo ni agua. Y haber sido junto a los mutantes de Fox uno de los responsables del desembarco masivo de los superhéroes en el cine para luego quedarse fuera del juego debe de doler un rato.

Es lo malo que tiene la fama, que sus criaturas son víctimas condenadas más tarde o más temprano a sufrir el empotramiento contra el muro de la realidad, viéndose sometidos a la caprichosa desmemoria de quienes los encumbraron. Consejo patrocinado por Famosos sin Fronteras: “Niños, no hagáis esto en casa: no os creáis famosos, por mucho que las rajadas redes sociales os hagan creer lo contrario”. La vida real sigue esperando ahí fuera: salid a morderle el culo y dejaros de placebos.

Claro que si el mundo se rigiera por mi disparatado concepto de la existencia, Tobias Maguire sería capaz de convencer a James Gunn para que le diera ese papel de monstruosa mujer fatal alienígena que dice que va a meter en la próxima película de Escuadrón suicida. No me nieguen que sería exótico. Y si no le sale la jugada, siempre puede ir a buscar plaza en las nuevas películas de Deadpool, Alien o El planeta de los simios que los responsables de Disney han prometido que piensan producir próximamente.

Si eso no les sale, Tobias siempre podrá irse a protestar contra Netflix de la mano de Helen Mirren, que se pegó el gusto de aprovechar la promoción en CinemaCon de su último largometraje, The Good Liar, para decir: “Me encanta Netflix, pero que se joda Netflix. No hay nada como sentarse en el cine”.

Mirren es una actriz espectacular y siempre he defendido desde aquí y en los vídeos de la web accioncine.es que el cine hay que verlo en el cine, pero como espectador no rechazo y agradezco pasar un rato de ocio audiovisual como el que me han proporcionado Triple frontera, The Dirt, Emboscada final o Illand, la brigada del lobo. Y me trae al fresco el contencioso que se traiga el cine con Netflix. Yo lo que quiero es alimentar mi rato de ocio audiovisual con cosas que me gusten, y si no me lo facilitan en el cine, la tele o los cómics y encima el Real Madrid va de culo y contra el viento incluso con Zidane, me lo buscaré en otro sitio.

Miguel Juan Payán

NOTICIAS RODAJES • PROYECTOS • RUMORES Jacob Tremblay es Voldemort

Tilogía de Star Wars confirmada

FECHAS ESTRENOS 26 de abril En buenas manos (Pupille) Keepers Vitoria 3 de Marzo El Bailarín

10 de mayo De la India a París en un armario de Ikea La tragedia de Peterloo Pokemon: Detective Pikachu Timadoras compulsivas Venganza bajo cero Vivir deprisa amar despacio

17 de mayo Barefoot Casi imposible Hellboy La última locura de Claire Darling Le Poulain Sombra

24 de mayo Aladdin Como pez fuera del agua El hijo La viuda

31 de mayo 10 Giorni senza mamma Ártico Infiltrado en Miami John Wick: Capítulo 3-Parabellum La corresponsal Rocketman Nota de la redacción: La fecha prevista de estreno está facilitada por las distribuidoras al cierre de la edición, y puede variar en función de la programación de las mismas.

4

Rian Johnson ha confirmado que será el director de una trilogía de Star Wars. El director de Los últimos jedi ha negado los rumores que circularon el pasado mes de febrero, según los cuales había dejado de trabajar en su proyecto de trilogía para el universo Star Wars que se había anunciado a finales de 2017. El propio Johnson ha utilizado su cuenta en redes sociales para desmentir los rumores de su abandono de la franquicia galáctica afirmando categóricamente: “No, no es cierto, sigo trabajando en la trilogía”. Más claro, el agua. Eso sí, todo indica que esas películas llegarán a un ritmo más lento siguiendo la pauta que marcó Bob Iger, comandante supremo de la Disney, cuando tras el patinazo del filme de Han Solo jovenzuelo afirmó que se arrepentía de poner una película de Star Wars anualmente en la cartelera y los seguidores debían hacerse a la idea de que iba a pasar más tiempo entre las propuestas de la franquicia para la pantalla grande. Así que lo de Johnson va para largo.

Will Smith vuelve a la Ciencia Ficción Ang Lee dirige a Will Smith en Gemini Man, donde el actor interpreta a un asesino a sueldo de 50 años que se ha convertido de cazador en presa a manos de un clon más joven de sí mismo. Toda una alegoría sobre la gerontofobia de nuestros tiempos. El reparto incluye a Clive Owen, Mary Elizabeth Winstead y Benedict Wong. Will Smith afirma que la película es una idea de lo que un yo más joven puede enseñar a un yo más viejo.

Amy Adams a las órdenes de Ron Howard Hillbilly Elegy es el título de la película producida por Netflix que protagonizará Amy Adams bajo la dirección de Ron Howard. Se basa en las memorias del experto en inversiones J. D. Vance, que han sido un bestseller en las librerías y siguen la pista a tres generaciones de una familia originaria de los Apalaches vista a través de los ojos de su miembro más joven, graduado en leyes por Yale. Vanessa Taylor, guionista de La forma del agua, para adaptarlas al cine y finalmente Netflix se hizo con el proyecto pagando 45 millones de dólares. El rodaje empezará a finales de este año.

El niño de En la habitación, Wonder y Predator, Jacob Tremblay, ha sido fichado para interpretar a un Voldemort infantil en la tercera entrega de la saga Animales fantásticos. Recordemos que Tom Riddle, Voldemort, ya fue interpretado con 16 años en Harry Potter y el misterio del príncipe por Frank Dillane, que luego fue uno de los protagonistas de la serie Fear the Walking Dead. Riddle ya había aparecido con más edad en la segunda entrega de la saga de Potter, Harry Potter y la cámara de los secretos, interpretado por Christian Coulson, que dio vida a Damien George en la serie Nashville, y como todos sabemos, en la edad adulta, Voldemort es Ralph Fiennes, que aparece por primera vez en la cuarta entrega de la saga, Harry Potter y el cáliz de fuego. Esperemos que esto no se una a la polémica que tienen liada los seguidores de la serie, porque no coinciden los años en la cronología entre las dos sagas.

Se afirma que Tremblay no hará un mero cameo, sino que tendrá un papel sustancial en la tercera película que empezará a rodarse en otoño de este mismo año.

Lo próximo de Denis Villeneuve tras Dune Según ha anunciado oficialmente el estudio Paramount, la agenda de Denis Villeneuve ya está ocupada con un nuevo proyecto cuando termine su versión de Dune, con estreno previsto para 2020. Se trata de la cuarta película de la franquicia, saga o universo, pueden llamarlo como prefieran, de Cloverfield, producido por JJ Abrams y que arrancó en 2008 con el largometraje que en España conocimos como Monstruoso, dirigido por Drew Goddard. Esta película será, según confirmó el propio Abrams, una secuela directa de Monstruoso, al contrario de las otras dos entregas que integran el puzle, Calle Cloverfield 10 (2016) y The Cloverfield Paradox (2018).

Ex-James Bond se pasa al terror Pierce Brosnan, ex-007, se apunta a pasar un rato de terror con Ilana Glazer (Una noche fuera de control, Broad City), que protagoniza y escribe la película False positive, dirigida por John Lee, también coguionista. El largometraje contará en el reparto con Sophia Bush (Carretera al infierno, One Three Hill, Stay Alive), Justin Theroux, Gretchen Mol y Josh Hamilton.

Comienza rodaje en este mes de abril.

NOTICIAS RODAJES • PROYECTOS • RUMORES

Tom Hanks: ¡Rock And Roll!

Nuevos fichajes para el reparto de Viuda Negra

Baz Luhrmann dirige el biopic sobre Elvis Presley todavía sin título, pero ya con un posible gancho en el reparto cuya presencia aporta quizá el punto de vista desde el que se va a narrar la vida del llamado Rey del Rock. Tom Hanks está en conversaciones para ocuparse de interpretar el papel del mánager de Elvis, el coronel Tom Parker. El proyecto lleva en proceso de realizarse desde el año 2014 y ahora finalmente parece que acelera su ritmo. Parker fue el descubridor de Elvis y principal impulsor del arranque de su carrera y su firma con la discográfica RCA, así como su paso al cine como estrella de musicales como El rock de la cárcel. Craig Pearce, guionista de títulos anteriores de Luhrmann, como Romeo y Julieta, Moulin Rouge y El gran Gatsby, se ocupa de esa parcela también en esta ocasión.

Scarlett Johansson va a estar bien acompañada en su primera aventura en solitario como la Viuda Negra. En el reparto de la película se incluyen ya la protagonista de la miniserie La chica del tambor y la película Peleando en familia, Florence Pugh, y ahora ha firmado también el nuevo Hellboy y sheriff de la serie Stranger Things, David Harbour, que podría interpretar al protector y figura paternal de Natasha Romanov, Ivan Petrovich, que en los cómics la rescató cuando era niña de unas ruinas durante la Segunda Guerra Mundial. Además, Rachel Weisz está en conversaciones para interpretar otro papel destacado en el largometraje, que dirige Cate Shortland.

¿Secuela para El Gran Showman?

Guardianes de la Galaxia 3

El musical El gran showman, basado en la vida de P. T. Barnum y protagonizado por Hugh Jackman, Michelle Williams, Zac Efron y Zendaya, podría tener continuidad en una secuela, a juzgar por lo que ha declarado su protagonista. Jackman ha afirmado que sabe que están trabajando en algo en ese sentido, en un tratamiento para dar continuidad a la primera película, pero que todavía no sabe si está centrado en su personaje. Y recuerda que le llevó ocho años sacar adelante la película anterior. En cualquier caso el proyecto estaría en unos estadios muy primarios de su desarrollo.

Febrero de 2021 es la fecha oficial de comienzo de rodaje para la tercera película de la saga de Guardianes de la Galaxia, que ha recuperado a James Gunn como director. Inicialmente, la película iba a rodarse este año, con estreno previsto para 2020, pero después de que Disney despidiera a Gunn por unas bromas consideradas ofensivas que el director había publicado años antes de Twitter, comenzó un proceso de caza de sustituto que no fructificó como deseaba la productora y ha acabado por llevar a Gunn otra vez a la silla del director. En el paréntesis generado por toda esta movida, Gunn pondrá su capacidad al servicio de la competencia de Disney rodando The Suicide Squad para Warner.

5

NOTICIAS RODAJES • PROYECTOS • RUMORES FECHAS ESTRENOS 31/5/19 Rocketman 6/6/19 Godzilla: King of the Monsters 6/6/19 X-Men Fénix Oscura 14/6/19 Men In Black International 21/6/19 Toy Story 4 5/7/19 Spiderman Lejos de casa 26/7/19 El Rey León 2/8/19 Los nuevos mutantes 2/8/19 Fast Furious Hobbs Shaw 15/8/19 Érase una vez en Hollywood 22/8/19 Artemis Fowl 6/9/19 It 2 20/9/19 Rambo - Last Blood 4/10/19 Joker 11/10/19 La familia Addams 11/10/19 Zombieland 2 25/10/19 Los ángeles de Charlie 1/11/19 Terminator: Dark Fate 8/11/19 Detective Conan 8/11/19 Doctor Sueño 27/11/19 Frozen 2 6/12/19 Sonic The Hedgehot 13/12/19 Jumanji 2 18/12/19 Masters of the Universe 18/12/19 Star Wars: Episodio IX 25/12/19 Little Women 25/12/19 Cats 7/2/20 Birds of Prey 14/2/20 Kingsman: The Great Game 27/3/20 Gi Joe 8/4/20 Bond 25 22/5/20 Fast & Furious 9 29/5/20 Godzilla vs. Kong 5/6/20 Wonder Woman 1984 10/7/20 Indiana Jones 5 17/7/20 Proyecto Christopher Nolan 24/7/20 Green Lantern Corps 7/8/20 El príncipe de Zamunda 2 4/9/20 Monster Hunter 16/10/20 The Witcher 20/11/20 Dune 18/12/20 Avatar 2 25/12/20 Sherlock Holmes 3 21/5/21 DC SuperPets 25/6/21 The Batman 11/6/21 Jurassic World 3 23/7/21 Misión: Imposible 7 6/8/21 Dungeons & Dragons 6/8/21 Escuadrón Suicida 2 17/12/21 Avatar 3 5/8/22 Misión: Imposible 7 16/12/22 Aquaman 2 20/12/24 Avatar 4 20/12/25 Avatar 5 Nota de la redacción: Fechas estimadas de estreno de películas que muchas de ellas ni siquiera han comenzado a rodarse y que por lo tanto pueden sufrir cambios de programación.

6

Sam Mendes en la Primera Guerra Mundial La película histórica 1917, dirigida por Sam Mendes, tras pasar por la saga de 007 con Skyfall y Spectre, refuerza reparto con la incorporación de Colin Firth y Benedict Cumberbatch. El argumento sigue a dos soldados británicos en su intento de sobrevivir a un día de combates durante la Primera Guerra Mundial, donde se cruzarán con Richard Madden, el Robb Stark de Juego de tronos, Andrew Chapman, Jim Moriarty en la serie Sherlock, George MacKay, Bodevan en Captain Fantastic, Dean-Charles Chapman, Tommen en Juego de tronos, y Mark Strong. La película comenzó rodaje a principios de abril.

Nuevo Superhéroe Dc en la galería de Warner Warner prepara proyecto de otro superhéroe de las viñetas de los cómics de la DC. Se trata del Detective Marciano, personaje que ha aparecido ya recreado en las series Smallville y aún con más papel en la serie Supergirl, aunque ninguna de estas adaptaciones, especialmente la segunda, convenza del todo a muchos de los seguidores del personaje. J’onn Jonzz es el nombre original del curioso personaje que ha entrado en la agenda de Warner después de The Batman y lo que ya se ha confirmado que se titulará The Suicide Squad, que llegarán a la cartelera en 2021. El Detective Marciano sería un proyecto con estreno previsto para 2022. Todo indica que la intención de la productora es poner a un actor afroamericano al frente del reparto.

Intriga médica y trasplantes Kelsey Grammer (Cheers), Julia Stiles (Diez razones para odiarte), Colman Domingo (Fear the Walking Dead), Janeane Garofalo y Dan Hedaya protagonizan The Good Committee, una intriga en el entorno médico que dirige Austin Stark (Escándalo en el poder). El epicentro de la trama gira en torno al sistema de trasplantes de Estados Unidos, en el que un comité de un hospital de Nueva York que tiene una hora para decidir a quién va a parar el órgano y las consecuencias de su decisión seis años después de que se produzca el trasplante. El director afirma que quiere humanizar el trabajo de los profesionales de esa área y explorar las consecuencias sobre la vida de los beneficiarios de los trasplantes.

Ezra Miller ¿Se va o no se va del papel de Flash?

Circulan todo tipo de rumores sobre la continuidad de Ezra Miller como protagonista de la película de Flash en solitario. Al parecer, el contrato de Miller con Warner finaliza ese mismo mes de mayo, lo que deja todo en el aire y el guion que Grant Morrison ha escrito para la película y tenía el respaldo de Miller no ha gustado a Warner, lo que ha disparado rumores de que el actor podría estar fuera del proyecto. Pero no hay confirmación de eso ni por parte de Warner ni por parte de Miller, que además no tiene redes sociales para que salten los chivatos habituales en este tipo de asuntos. Su grupo musical, Sons of an Illustrious Father sí tiene Instagram, pero ahí no va a colgar nada sobre este asunto. Dicho sea de paso, el actor y su grupo han confirmado que vendrán a tocar a Madrid el próximo mes de mayo en la sala Moby Dick, y en Barcelona en La Nau. Cualquier aficionado al cómic sabe que rechazar un guion de Morrison para un personaje como Flash es una pésima manera de empezar la partida, y alguna fuentes afirman que Warner podría estar buscando sustituto para Miller.

Fichaje galáctico para el nuevo Chucky Mark Hamill, conocido por su papel como Luke Skywalker en la saga de Star Wars, pero también por poner voces a personajes tan carismáticos como el Joker de animación en DC en películas como Batman, la broma asesina, series como La Liga de la Justicia en acción, o Arnim Zola en Ultimate Spiderman y Los Vengadores unidos, producciones de animación de la competencia, además de videojuegos, ha sido fichado para incorporar al muñeco psicópata Chucky a su galería de personajes defendidos con las cuerdas vocales. Hamill sustituye a Brad Dourif poniendo voz a Chucky en el remake del relanzamiento de las peripecias del muñeco diabólico, cuyo productor, Seth Grahame-Smith, ha explicado como una actualización del argumento con las nuevas tecnologías que nos rodean, afirmando: “La idea es incluir lo que está sucediendo hoy, con nuestras casas observándonos a nosotros y a Alexa planeando matarnos... Muñecas inteligentes como esta son cinco años en el futuro”.

Aubrey Plaza (Legión) es la protagonista del asunto en carne y hueso.

NOTICIAS CINE ORIENTAL

por Iván E. Fernández

Scott Adkins, El vengador El incombustible británico parece haber cogido ritmo empalmando películas esperadísimas por los aficionados al cine marcial y de acción. Su próximo estreno es Avengement, de nuevo por quien parece ser ahora el que más partido saca del actor y artista marcial, Jesse V. Johnson, tras títulos como Savage Dog (2017), Accident Man (2018), The Debt Collector (2018) o Triple amenaza (2019) Una trama carcelaria y sumamente violenta con un Adkins desatado y con dentadura plateada, alejándose del héroe de acción para convertirse en un antihéroe. En ella volvemos a ver a Louis Mandylor, coprotagonista de The Debt Collector, y tenemos a Dan Styles como coreógrafo de lucha, un especialista que ha estudiado numerosas artes marciales como kick boxing o boxeo, además de HEMA (historical european martial arts) o esgrima y que da el paso como coreógrafo acumulando un buen número de películas para este 2019 y el próximo 2020, por lo que el resultado de esta película podría presentarnos otro nombre que tener en cuenta, y por lo visto en el tráiler, tiene pinta de que querremos que vuelva Styles.

Se estrena en VOD este 24 de mayo para saltar al formato físico el 4 de junio. Esperemos que también en España. Y de Adkins, ¿qué decir de su esperado combate contra Donnie Yen en Ip Man 4?

Hasta julio no se estrena en China, así que tendremos que esperar para verlo, aunque esperemos que antes se estrene la comedia de acción y ciencia ficción The Intergalactic Adventures of Max Cloud para ir abriendo boca a la película de Yen o a Seized, una nueva unión con Isaac Florentine (Invicto 2) en un thriller lleno de acción donde interpreta a un exagente encubierto que tendrá que enfrentarse a tres grupos de criminales y matarlos a ellos, aumentando la dificultad de cada grupo. Y todo ello solo y en cinco horas, que es el aire que les quedan a sus hijos secuestrados. Casi nada, y con Larnell Stovall como coreógrafo.

Chinese Hercules: The Bolo Yeung Story El gran, en todos los aspectos, Bolo Yeung va a ser objeto de un merecido documental. El actor, culturista y artista marcial chino que se hizo famoso por interpretar a Bolo en Operación Dragón (aunque ya había participado en algunas películas antes) y que adoptó el nombre de dicho personaje, ya que se llama realmente Yang Sze y así se puede ver en películas incluso posteriores al clásico de Bruce Lee. El polaco Pavel Nyziak es quien está detrás de este proyecto que debería ver la luz este 2019, que la dirige junto al actor y especialista Azim Cem. Un repaso por la vida de este hombre, villano por excelencia del cine marcial, pero con una historia detrás digna de ser contada, desde su nacimiento, su inicio en las artes marciales a los diez años, su interés por el fisioculturismo y sus logros en este campo, su salto al cine e incluso su salto a Estados Unidos, y todo ello con metraje de archivo y entrevistas de la altura de Richard Norton, Cynthia Rothrock, Robert Wall, Cung Le, Oliver Gruner, John Salvitti, Matthias Hues, Paulo Tocha, Peter Malota o el mismísimo Frank Dux. Para el cartel se ha contado con el argelino Chemsou Belarbi, un artista en auge con varios carteles a sus espaldas y que puedes ver aquí mismo.

8

XVI Festival Nits de Cinema Oriental de Vic El indispensable Festival de Vic, dedicado al cine oriental, ha desvelado su cartel y algunos de los títulos que veremos del 15 al 21 de julio. Este año es Tailandia el país destacado, por lo que el cartel nos presenta al elefante Chang, realizado por el estudio Partee a raíz de un dibujo de Xevi Domínguez. Tendremos una retrospectiva del cine de acción tailandés, y la película que inaugurará el ciclo será Chocolate (2008), de Prachya Pinkaew y con Jeeja Yanin. Se han desvelado ya algunos títulos que podremos ver y disfrutar. Dentro de la Sección Oficial tendremos Homestay (Parkpoom Wongpoom, 2018), thriller fantástico que adapta la novela japonesa Colorful. Y repitiendo país de procedencia, The Pool (Ping Lumpraploeng, 2018), otro thriller con toques hitchcockinanos rodada en una piscina sin agua. En la Sección Movistar + tendremos presencia hongkonesa con Golden Job (Chin Ka-lok, 2018), un heroic bloodshed que recupera al reparto de Young and Dangerous (1996) y que al estar en la sección que está, se podrá ver en la plataforma televisiva que patrocina. También se podrá ver cine japonés, como Red Blade (Takahiro Ishihara, 2018), escrita por Sion Sono y con Tak Sakaguchi como coreógrafo de acción. De India veremos Andhadhun (Sriran Raghavan, 2018), un thriller de equívocos que ha conseguido cinco premios en los Filmware Awards. Las artes marciales estarán presentes en la nepalí The Man from Katmandú (Pema Dhondup, 2019), protagonizada por José Manuel y con Daniel Medina como representación española como coordinador de especialistas y asistente del coreógrafo de lucha. Por último, mencionar que el festival ha firmado durante el Filmart de Hong Kong colaboraciones con otros profesionales y certámenes como el Biky – Busan International Kids and Youth Film Festival de Corea del Sur o el Historica International Film Festival de Kioto.

Ronin Exprés • Ya ha comenzado el rodaje de Shock Wave 2, de nuevo con Andy Lau, dirigido por Herman Yau. A pesar del título, no es secuela, ya que está protagonizada por personajes diferentes, aunque repitan actores.

• Otro rodaje que ya ha comenzado es el de Raging Fire, antes titulada Crossfire, que protagonizan Donnie Yen y Nicholas Tse, dirigidos por Benny Chan.

• Y siguiendo con Donnie Yen, tras el anuncio del proyecto de película de Shang-Chi de Marvel, el nombre de Donnie ha salido propuesto como posible villano, mientras que las redes sociales presionan para que el hijo de Fu-Manchú sea interpretado por Mike Moh tras encarnar a Bruce Lee en Érase una vez en Hollywood de Tarantino.

• The Rescue es lo último de Dante Lam, cuyo estreno está previsto para el 25 de enero del 2020. Protagonizada por Eddie Peng.

MUNDO FANTÁSTICO

por Santiago de Bernardo

No deberías perdértela

Frío en el paraíso Marie Davenport (Theresa Russell) mantiene una aventura con Daniel Corvin (James Russo), que es doctor, como su esposo Alex (Mark Harmon). Decidida a no seguir engañando más a su marido, se reencuentra con él mientras participa en un congreso médico en México. Cuando está a punto de contarle la verdad y que va dejarle, este, que ha decido abandonar el hidropedal en el que surcan la costa, decide darse un baño, con tan mala fortuna que es golpeado en la cabeza por una lancha. A pesar de todos los esfuerzos realizados en el hospital al que es conducido fallece sin remedio. Es a partir de entonces, cuando Marie rememora unos hechos que la atormentan desde hace un año, más aún cuando el cadáver de su esposo desaparece de la morgue antes de que se le practique la autopsia. Y es que en unos acantilados en la localidad californiana de Carmel vio cómo de las aguas surgía una mujer que podría ser la Virgen María, y ella, aunque no creyente, sabe que lo que reclamaba esta es la construcción de un santuario en el lugar.

La reaparición de Alex, más muerto que vivo, cuando ella está a punto de coincidir en un hotel con su amante Daniel, que ya ha abandonado a su esposa Anna (Julie Carmen), y la insistencia del padre Niles (Will Patton) pueden revelar que el fenómeno que contempló en el pasado Mark Harmon y Theresa Russell tiene que ver con su esposo resucitado.

Cold Heaven/Frío en el paraíso, de 1991, es un turbador drama fantástico combinado con thriller psicológico de Nicolas Roeg (Walkabout), en una nueva colaboración con la que era su esposa, Theresa Russell (Whore/Puta), además de Mark Harmon (Más fuerte que el odio), James Russo (Mensajero del futuro), Julie Carmen (En la boca del miedo), Talia Shire (Profecía maldita) o Will Patton (La noche de Halloween). A punto estuvo de no poder estrenarse al irse a la bancarrota su productora y distribuidora MCEG Productions, tras sacar adelante La cuarta guerra (John Frankenheimer, 1990) o la adaptación en imagen real de los personajes animados Boris y Natascha (Charles Martin Smith, 1992) de Las aventuras de Rocky y Bullwinkle.

¡Carolco vive!

Aunque Carolco Pictures nos dijo adiós en 1995, tras declararse en quiebra (su sucesora, C2, tuvo cierta actividad en la primera década del nuevo milenio), la productora de la saga de Rambo, Desafío total, Terminator 2, Instinto básico o Máximo riesgo ha vuelto como marca, eso sí, sin la participación de Mario Kassar (que es uno de los productores de la reciente cinta de acción Foxtrot Six), ni evidentemente de su socio Andrew Vajna, fallecido el pasado enero tras apoyar durante años al más reciente cine húngaro. Y así la nueva Carolco Films posee derechos de títulos y personajes de la antigua Carolco Pictures, que posibilitan producir remakes y secuelas de ellos, aunque también de proyectos que nunca llegaron a ver la luz. Así llegará pronto la revisión de La escalera de Jacob (inspirándose en el filme de 1990 de Adrian Lyne) con dirección de David M. Rosenthal, que cuenta cómo un hombre sufre alucinaciones como si viviera en una pesadilla, mientras está en desarrollo una serie sobre El corazón del ángel (Alan Parker, 1987), acerca de un detective que recibe el encargo de buscar a alguien que no quiso cumplir con un pacto (firmado con el mismísimo diablo), otra inspirada en la comedia con sus dosis de fantasía Tres mujeres para un caradura (Mick Jackson, 1991), así como otras dos basadas en el thriller Testigo accidental (Peter Hyams, 1990), a su vez una revisión de la película de 1952 de El corazón del Ángel Richard Fleischer, y la cinta de acción Danko: calor rojo (Walter Hill, 1988). Y están disponibles los derechos para producción de guiones nunca llevados a la pantalla como el thriller futurista Burning Chrome, con guion desarrollado por James Cameron, White Trash, un thriller que iba a dirigir Paul Verhoeven con una mujer que contrata a un mercenario para eliminar al marido de su hermana, Rock ‘N Roll Detective (Rhythm and Blues), destinado a Walter Hill y que entroncaría con sus filmes Calles de fuego y Cruce de caminos, Invaders con guion de Larry Cohen, que narra una invasión alienígena de la Tierra, o Gale Force con argumento de Joe Eszterhas, acerca de un fugitivo que ha de enfrentarse con unos piratas modernos durante un huracán que asola Florida.

Larry Cohen: The End? Con el fallecimiento del cineasta Larry Cohen el 23 de marzo (a la edad de 82 años), se marcha un francotirador del séptimo arte irrepetible, un auténtico independiente del cine estadounidense (que rodaba donde y cuando le venía en gana), que gustó de

FANTASÍA • TERROR • GORE • CIENCIA FICCIÓN trabajar en cine de género y aledaños, y cuya labor no solo ha sido reconocida por los fans del fantástico, sino asimismo por otros directores como Martin Scorsese. En el documental King Cohen: The Wild World of Filmmaker Larry Cohen (Steve Mitchell, 2017) se repasaba con acierto su vida y obra (con anécdotas realmente increíbles), y aunque en los últimos tiempos ya no se ponía tras las cámaras, sus tramas han sido adaptadas con éxito a la gran pantalla. Es el caso de los thrillers Última llamada (Joel Schumacher, 2002) o Cellular (David R. Ellis, 2004). Su imaginación y capacidad de trabajo no tenía límites y era capaz de poner a disposición de todo el mundo varios de sus guiones inéditos para que se pudieran leer libremente (como los de The Man Who Loved Hitchcock o Killer Bodies). Escribió para series como El fugitivo, Los defensores o Los invasores e igualmente para filmes tan heterogéneos como El cóndor (John Guillermin, 1970), Secuestradores de cuerpos (Abel Ferrara, 1993) o El abogado del diablo (Sidney Lumet, 1993). Y dentro de sus propios proyectos está la fructífera colaboración con el también director William Lustig en la saga de Maniac Cop o en Muerto el 4 de julio (1996), además de sus producciones como realizador (normalmente con su productora Larco) de títulos memorables de serie B como los de la saga de Estoy vivo (1974), La serpiente voladora (1982), The Stuff/InNatural (1985) o La ambulancia (1990), sin olvidar su importancia en la génesis del género blaxploitation con El padrino de Harlem (1973) o Guerra en Harlem (1973).

Regreso a los ochenta Aunque se siguen produciendo numerosos filmes de acción, en la memoria están aquellos que se facturaron en la década de los ochenta, y para corroborarlo está In Search of the Last Action Heroes de Oliver Harper, que repasa algunos de los títulos más emblemáticos de este género (pero también combinados con otros como ciencia ficción o bélico) de esta década, y por supuesto a sus héroes y heroínas. El documental contiene escenas de diferentes películas, otras tras las cámaras, mucha información y entrevistas actualizadas a aquellos que participaron en aquellas producciones, haciendo una completa radiografía de una época para este género, en cine y vídeo, irrepetible: realizadores como Richard Donner, Peter Macdonald, Mark L. Lester, Sam Firstenberg o Sheldon Lettich, actores como Michael Biehn, Al Leong, Eric Robert, Ronny Cox, Jennette Goldstein, Matthias Hues o Sven Ole Thorsen, o el músico Stan Bush. RoboCop, Desaparecido en combate, Rambo, Depredador, Arma letal o Acción Jackson son algunas de las

producciones a las que se dedica este filme imprescindible y que se podrá ver en festivales. Y lo siguiente del mismo equipo, y que también se programará este año, es un documental dedicado al cine de horror de los ochenta, In Search of Darkness de David A. Weiner, con la participación de John Carpenter, Joe Dante, Tom Holland, Brian Yuzna, Larry Cohen, Jeffrey Combs o Barbara Crampton. Y eso no es todo, hay otro en camino, un homenaje al cine de ciencia ficción de la misma década titulado In Search of Tomorrow.

De festivales fantásticos En el 25 aniversario de Fant, Festival de Cine Fantástico de Bilbao (del 2 al 11 de mayo) se rendirá un merecido reconocimiento al director y guionista Fred Dekker, responsable de la historia (junto con su amigo Shane Black) de la reciente Predator, de la comedia terrorífica House, una casa alucinante (Steve Miner, 1985) o de varios capítulos de Historias de la cripta, y r e a l i z a d o r d e RoboCop 3 (1993) y de los memorables tributos al fantástico de ayer y de hoy El terror llama a su puerta (1986) y Una pandilla alucinante (1987). También se homenajeará al más taquillero de nuestros realizadores, José Antonio Bayona, y a Guillermo de Oliveira (Desenterrando Sad Hill) como figura emergente del género.

Mientras en el suizo XIX Neuchâtel International Fantastic Film Festival (del 5 al 13 de julio) se podrá ver en compañía de Alien, el octavo pasajero de Ridley Scott en su 40 aniversario, el documental Memory: The Origins of Alien de Alexandre O. Philippe, que narra su proceso de creación, mostrando además diseños rechazados e incluso la historia original de 1971 de Dan O’Bannon que inspiró el filme, Memory, surgida de su experiencia con la enfermedad intestinal de Crohn, que ya entonces padecía. Neuchâtel ha programado además varios cortos animados de los Looney Tunes de entre los años treinta y cincuenta.

11

Entre los pasados días 11 y 15 de abril tuvo lugar Chicago Star Wars Celebration, la convención de Star Wars más importante del mundo, organizada por Lucasfilm, donde se presentaron todas las novedades en torno al universo Star Wars, en cine, televisión, videojuegos… Este año ha sido especial porque ha servido para anunciar el final de la saga, el cierre de la aventura que dio inicio hace más de 40 años George Lucas, el ansiado Episodio IX. Pudimos desvelar algunos de sus misterios, como su título, The Rise of Skywalker, pero además conocimos el regreso de Clone Wars, la llegada de la nueva serie The Mandalorian y el nuevo videojuego, Star Wars Jedi: Fallen Order.

Una aventura que les llevará a descubrir los restos de la Estrella de la Muerte donde la guerra se decidió tantos años atrás.

Hay algunos elementos autorreferenciales en la propia saga…

Este nos recuerda a El Retorno del Jedi sin lugar a dudas.

JJ Abrams hizo hincapié en la aventura en grupo de los héroes, en la química entre ellos y el desarrollo de la misma, como vemos en esta imagen…

ue Disney anunciase el lanzamiento de Disney +, su esperado sistema de streaming, poco antes del comienzo de la Star Wars Celebration de 2019 que tendría lugar en Chicago, no es ni mucho menos una casualidad. Por lo que se ha visto en la convención y lo que se ha hablado en estos días, Disney y Lucasfilm quieren potenciar Disney + y darle una salida espectacular, convirtiéndose en el centro de referencia de los seguidores de Disney, Marvel y Star Wars. Por eso el Episodio IX es tan importante, porque marca un pequeño descanso en el cine, para dar prioridad a las series y proyectos para Disney +. Tal y como han asegurado durante el fin de semana al completo, se trata del final de una saga, de la forma de decir adiós a la leyenda de varias generaciones. El Episodio IX, según explicó Kathleen Kennedy, es la tercera parte de una historia contada en tres actos.

Tres trilogías, cada una un tramo de la historia, y cada una formada por tres historias, como su nombre indica.

Con The Rise of Skywalker, nos encontramos con el arco final de esta historia en tres actos que se ha extendido durante más de 40 años, algo inédito en la historia del cine. Por supuesto, el Episodio IX era el plato fuerte de la Star Wars Celebration, por lo que el panel, presentado por Stephen Colbert y liderado por Kennedy, presidenta de Lucasfilm y productora de la película, y JJ Abrams, director, guionista y productor del filme y del Episodio VII, era el elemento más esperado de todo el fin de semana. Un momento para la historia. La despedida de una parte de todos nosotros. No importa la edad que tengamos, cada uno de nosotros ha tenido una leyenda, ya sea la trilogía original, las precuelas o esta que cierra el ciclo ahora…

Es importante recordar las palabras con las que Kathleen Kennedy empezó su participación, mencionando que los fans, los presentes en la Celebration y en casa, siempre son tenidos en mente, y así ha sido cada minuto del proceso creativo de estas películas. Pronto llegaron los miembros del reparto Daisy Ridley (Rey),

Q

Sin duda uno de los grandes momentos de la Celebration, volver a ver a Lando Calrissian pilotando El Halcón Milenario, como hace más de 35 años.

También se habló de como el personaje de Finn ha encontrado su lugar dentro de la Resistencia, siendo ahora un personaje más maduro.

Leia estará en la película, gracias a las escenas descartadas del Episodio VII. Su presencia conmovió a los fans, tras el fallecimiento de Carrie Fisher en 2016.

John Boyega (Finn), Oscar Isaac (Poe Dameron), Billy Dee Williams (Lando Calrissian), Kelly Marie Tran (Rose Tico), Anthony Daniels (C3PO), Joonas Suotamo (Chewbacca) y Naomi Ackie (Jannah). Por supuesto, la entrada de Billy Dee Williams fue de las más celebradas, y las ausencias que más se notaron fueron las de Mark Hamill y Adam Driver. Y, por supuesto, Carrie Fisher, quien aparecerá en la película, empleando material descartado del Episodio VII, El despertar de la fuerza. Para él, la idea de buscar a otra actriz o de usar CGI para reemplazar al personaje no entraba en los planes, como tampoco eliminar a Leia sin dar explicaciones ni dejar que el personaje se despidiese de la audiencia como es debido. De hecho, para aprovechar ese material llegaron a escribir escenas en torno al mismo, para dar al personaje el arco narrativo que se merecía… Un esfuerzo que sin duda el personaje merece. Además, Abrams aprovechó para poner al público al día con la producción. La película sigue editándose y sigue en posproducción, con la creación de los efectos visuales. El trabajo del director no termina con el rodaje…

El tráiler se guardó para los últimos momentos de la presentación, momento en el que descubrimos además el título de la película. Episodio IX: The Rise of Skywalker. Una aproximación al título en español podría ser El alzamiento de Skywalker. O El renacer si hacemos caso a la traducción de The Dark Knight Rises. Claro, que ese título tan ambiguo solo deja dudas. ¿Se trata de Luke, Leia o Kylo Ren? ¿O los padres de Rey no son quienes nos han contado y es ella la Skywalker perdida? También nos contaron en el panel que la historia no comienza justo donde terminó Los últimos jedi, el polémico Episodio VIII dirigido por Rian Johnson. “Te diré esto, en esta película, encontramos una aventura en la que el grupo se embarca junto. Una de las cosas geniales de la película, y de trabajar en ella, ha sido la dinámica entre personajes. Son maravillosos juntos y eso es lo que estoy deseando que veáis todos”. Y al igual que con el Episodio VII, el director apuesta por los efectos prácticos, siempre que sea posible, en lugar de efectos por ordenador. Cree que es mejor para todos, actores y audiencia, por ejemplo, y el esfuerzo de crear a BB8, más las imágenes de los aliens nuevos que hemos visto de la película, le dan la razón. Para apoyarse aún más en esa idea, BB8 y R2D2 entraron en el escenario, acompañados de un nuevo androide, D0, también real y no generado por ordenador.

Con el reparto en el escenario, oímos a Billy Dee Williams agradecer su presencia en la película, algo que pensaba que no sucedería. Esa declaración nos llevó a uno de los momentos mágicos del evento, cuando le preguntaron cómo fue volver a ser Lando Calrissian y el actor respondió: “Lando nunca me abandonó por completo”. Además, la presencia de Lando llevó a una de las grandes preguntas de la noche, en torno al personaje de Jannah, interpretado por Naomi Ackie, una de las novedades de la película, personaje del que no se dijo mucho más, pero la actriz mencionó que el momento en el que el grupo de protagonistas se cruza con su personaje es increíble. Eso sí, no respondió a la gran pregunta (pero casi) ¿Es Jannah hija de Lando? Ackie no se lanzó de cabeza a la piscina pero sí dijo que Lando es un hombre encantador, así que ha podido tener hijos a lo largo y ancho del universo… Parece ser que sí será su padre. Lo que además enlaza con el tema de esta nueva trilogía, el legado, algo de lo que también se habló en la conferencia y muy presente en el tráiler presentado.

Daisy Ridley metió en un pequeño problema a JJ Abrams, obligándole a contar si Rey, su personaje, tendrá nuevos poderes jedi. Parece ser que sí, que así será y que el entrenamiento de Rey sigue avanzando, de una forma u otra (la actriz no quiso hacer referencia a los libros que robó del santuario jedi custodiado por Luke, y no respondió claramente a la cuestión de si su personaje los ha leído todos). John Boyega habló de cómo y dónde se encontraba su personaje; el actor cree que su personaje ha encontrado por fin su lugar en la resistencia. Quizá el único momento malo de la presentación fue cuando se empeñaron en preguntar sobre los triángulos amorosos y si algunos personajes volverían a besarse, como si eso fuese lo importante… Lo importante estaba por llegar con el ansiado tráiler.

La imagen de Rey en un planeta algo desértico, enfrentada a una nave, aparentemente la de Kylo Ren, para saltar sobre ella en una pirueta típica de los jedi, mientras blande su sable de luz, todo ello mientras escuchamos la voz de Luke que habla, de nuevo, del legado, y la frase: “Cada generación tiene una leyenda”… Una aparente colonia minera aparece después, junto a Kylo Ren destrozando a un enemigo, y luego modelando su casco, uno nuevo evidentemente, tras destrozar el original. Algo que nos llevó a uno de los grandes momentos… Lando pilotando el Halcón Milenario otra vez y a la frase: “La saga llega a su fin”, algunos momentos de

14

The Mandalorian llegará con Disney + y sus primeras imágenes nos recuerdan a un western.

Pedro Pascal, su protagonista, se ha inspirado en Clint Eastwood incluso.

Gina Carano será la coprotagonista de la serie junto a Pascal y a Carl Weathers.

La actriz disfrutó sorprendiendo a los fans con un personaje distinto al que esperaban.

Vader Immortal cuenta con la colaboración de David S. Goyer y nos mostrará cómo es la fortaleza de Lord Vader.

Star Wars Jedi: Fallen Order se posiciona como uno de los juegos que más nos apetece probar este año gracias al trabajo de Respawn Entertainment y EA.

acción, el recuerdo de las medallas entregadas al final del Episodio IV, Leia abrazando a Rey, y de nuevo la voz de Luke: “Siempre estaremos contigo. Nadie se va del todo”, mientras los héroes se acercan a lo que parecen ser los restos de la Estrella de la Muerte… Y la risa de Palpatine (Ian McDiarmid). Sí, el emperador está de vuelta y será el gran villano de la saga.

The Mandalorian, Clone Wars y Vader Immortal Y antes de seguir con las series, una noticia que se hizo oficial desde la Celebration, con otra de las series que se preparan para Disney +, que protagonizará Diego Luna sobre Cassian Andor, su personaje en Rogue One. Alan Tudyk pondrá voz nuevamente a K2SO, el peculiar androide que acompañaba a los protagonistas en la película. Aunque la serie que todos esperábamos ver era The Mandalorian, un proyecto que lleva tiempo anunciado, que se estrenará con el lanzamiento de Disney + el próximo 12 de noviembre, y que tiene como protagonista a Pedro Pascal. La serie está ambientada en los días posteriores a la caída de Imperio y el alzamiento de la nueva República, pero lejos del centro de la galaxia, en los bordes, donde la ley no tiene la misma validez y la vida de la gente vale lo poco que lleven consigo. El protagonista es un pistolero, una palabra que no es casualidad. Para hablar de la serie aparecieron Jon Favreau, su creador, y Dave Filoni, responsable de The Clone Wars y aquí director de varios episodios, junto a nombres como Taika Waititi, Rick Famuyiwa o Bryce Dallas Howard. Todos ellos aparecieron en el metraje detrás de las cámaras que se mostró solo a los asistentes. Favreau, que no ha podido dirigir ningún episodio por sus compromisos en cine, habló de volver a los elementos clásicos de Star Wars, las referencias a George Lucas, el wéstern y las películas de samuráis. Una cosa quedó clara con el material mostrado, la serie sí que va a parecerse a un wéstern. Hay mucho de eso en los paisajes, en la narración, en el estilo visual…

Se habló de la nave del personaje, la Razorcrest, una maqueta y no un modelo hecho por ordenador, además de muchos aliens, naves y planetas nuevos, pero también muchas cosas que nos serán familiares. Pedro Pascal habla de la influencia del hombre sin nombre de Clint Eastwood en los wésterns de Sergio Leone, mientras que Gina Carano interpretará a una antigua soldado de la rebelión, una solitaria, Cara Dune, que se cruza en el camino de The Mandalorian. Y Carl Weathers dará vida a Greef Carga, el hombre que inicia todo buscando a The Mandalorian para ofrecerle un trabajo… Será la primera serie en imagen real de Star Wars.

ILMxLAB presentó Vader Immortal, nueva experiencia para Oculus que será lanzada en primavera y que está escrita por David S. Goyer, permitiéndonos explorar la fortaleza de Vader en Mustafar, con aliens incluidos. Mitad experiencia, mitad serie de televisión, veremos personajes de las series Rebels y Resistance. Pinta muy, muy curiosa, y los asistentes pudieron probar la experiencia. Pero la gran noticia y presentación fue el regreso de The Clone Wars, de nuevo con Dave Filoni al frente, para una sexta y esperadísima temporada, con un tráiler memorable que nos recuerda por qué la serie de animación fue superior a las precuelas cinematográficas en prácticamente todo… Una maravilla que nos traerá más aventuras de Anakin Skywalker, Obi-Wan Kenobi, Ahsoka Tano o el canciller Palpatine… Con una gran sorpresa en el metraje filtrado, y la sensación de que concluirán las historias que la película de Han Solo presentó pero no pudo concluir por el fiasco comercial…

Star Wars, Jedi: Fallen Order No conviene olvidarse de Jedi: Fallen Order, el juego que estrenará el 15 de noviembre Electronic Arts y el estudio Respawn Entertainment (responsables de Apex Legends o Titanfall) entre otras cosas porque el protagonista del juego será Cal Kestis, interpretado por Cameron Monaghan, actor muy querido por su papel en Gotham como Jerome (entre otros…) o en Shameless. Vince Zampella, el jefe del estudio, presentó el tráiler, donde no se veía gameplay, solo cinemáticas, pero aseguraron que se trataba de imágenes y assets finales del juego, que usará (sorprendentemente siendo un juego de EA) el motor Unreal Engine 4. La historia será la de un padawan que ha sobrevivido a la Orden 66 al final de La venganza de los sith, y trata de pasar desapercibido en la galaxia. Sigue tres reglas, no destacar, aceptar el pasado y no confiar en nadie… Aunque el protagonista encontrará eso muy complicado… Las filtraciones previas han hablado de un juego cercano al Dark Souls, pero en la presentación se habló de un juego de acción, sin el elemento rol de Dark Souls, y que será, para sorpresa de todos y algo que celebramos, una experiencia para un solo jugador, sin multijugador y sin microtransacciones… Nos espera un año enorme de Star Wars.

Jesús Usero

15

EL FUTURO DE MARVEL

EL FUTURO DE MARVEL TRAS LA FUSIÓN DISNEY-FOX

Jessica Chastain y Sophie Turner en la entrega final de la saga de X-Men en Fox: Dark Phoenix

Esta vez, lo que pasa en Las Vegas no se queda en Las Vegas. En contra de lo que afirma ese dicho popular, la CinemaCon celebrada en el Caesars Palace de Las Vegas del 1 al 4 de abril ha venido a ser la puesta de largo de la fusión de Disney y Fox. uscando un espacio propio en el que desarrollar una potente actividad promocional ajena a la ComicCon de San Diego en otra fecha del año y según una estrategia diferente de los prelanzamientos en verano, Disney ha protagonizado la CinemaCon de Las Vegas con sus próximos estrenos estableciendo así nuevas reglas del juego de poder en el mercado del ocio audiovisual en el que, merced a un intenso y complicado proceso de fusiones, la compañía se ha convertido en la fábrica de cine más potente de Estados Unidos agrupando en su oferta toda la producción de Disney, Pixar, Marvel, Lucasfilm y ahora Fox, con todas las franquicias que ello implica. Y este año había un especial interés por conocer cómo iba a afectar a este evento promocional de preestrenos que es la CinemaCon en Las Vegas el final del camino en el proceso de unión de Fox al imperio de multifranquicias en que se ha convertido Disney.

La fusión es, sin duda, un decisivo paso adelante de la compañía para garantizarse un espacio único de poder dentro de la industria estadounidense del ocio. En el

B

16

último ranking anual de las 500 mayores corporaciones de Estados Unidos publicado por la revista Fortune, cerrado según datos de enero de 2018, Disney ocupa el puesto número 55.

No está mal para un estudio que comenzó su andadura de la mano de Walt Disney operando como entidad independiente frente a las majors del studio system de Hollywood, produciendo su propio material de dibujos animados primero en cortometraje y más tarde, con el estreno de Blancanieves y los siete enanitos (1937), en el campo del largometraje, llegando a un acuerdo con los grandes estudios del momento para que distribuyeran sus películas en los cines.

Ahora es Disney la que casi está en posición de ser en solitario un sistema de estudios compuesto por las distintas productoras que agrupa bajo su sello. La incorporación de Fox va a propiciar entre otras cosas que la galería de superhéroes de Marvel, mutantes, Cuatro Fantásticos y otros personajes asociados a los universos de esas franquicias, puedan sumarse e incluso protagonizar cruces con los personajes que aparecen en Vengadores: Infinity War y Vengadores: Endgame… Bueno, con los que finalmente sobrevivan. Todavía pasará algún tiempo antes de que podamos ver esas hibridaciones con los superhéroes que hasta el momento habitaban bajo el paraguas de Fox ajeno al universo cinematográfico de la Marvel, pero ya en Las Vegas, Disney ha podido, como se dice popularmente “sacar pecho” incorpo-

EL FUTURO DE MARVEL

Sam Guthrie, alias Bala de Cañón (Charlie Heaton), Illyana Rasputin, alias Magik (Anya Taylor-Joy), Roberto da Costa, alias Mancha Solar (Henry Zaga), Rahne Sinclair, alias Loba Venenosa (Maisie Williams), Danielle Moonstar, alias Espejismo (Blu Hunt).

rando a los paneles de promoción de sus próximos estrenos dos producciones de mutantes made in Fox: X-Men Dark Phoenix y Los Nuevos Mutantes.

La entrega número 12 de las sagas de mutantes de Fox (contando las tres películas protagonizadas por Lobezno y las dos de Deadpool), y la sexta protagonizada por el grupo de los X-Men reunidos en torno a Charles Xavier, han cobrado mayor interés con la fusión en este momento clave de las franquicias de superhéroes Marvel que en la CinemaCon de Las Vegas han protagonizado el primer acto de lo que podríamos calificar como la reunificación de los derechos de explotación de los personajes nacidos en las viñetas de la editorial Marvel y el final de la diáspora a la que esas propiedades han estado sometidas durante años por la dispersión de los derechos de adaptación a distintos medios audiovisuales (cine, televisión, animación, videojuegos…).

De ese modo, una película que no había generado tanta expectación como otros lanzamientos superheroicos previos se ha retroalimentado del proceso de fusión para cobrar más relevancia al ser el primer largometraje de superhéroes mutantes explotado en cines que aparece bajo el paraguas de Disney. En la presentación de X-Men: Dark Phoenix, se ha sugerido que esta podría ser la entrada final de la saga de los mutantes tal y como la conocemos hasta el momento, toda vez que Disney tiene ya los

Tras los rumores que la suponían con estreno en pequeña pantalla, Los Nuevos Mutantes ha confirmado su estreno en cines con Disney.

17

derechos y piensa incorporarlos a su propio universo cinematográfico en lo que será un reinicio al estilo de Marvel Studios.

En el material visual proyectado en la CinemaCon 2019 ha dejado claro que X-Men Dark Phoenix podría ser una espectacular traca final para cerrar este primer capítulo de los mutantes estilo Fox antes de que los personajes pasen a integrarse plenamente en el estilo Marvel Studios. Para empezar, aquí los X-Men viajan al espacio para salvar a unos astronautas y Quicksilver, el velocista al que en España conocemos como Mercurio, interpretado por Evan Peters, sigue ejerciendo como la pincelada de socarrón humor juvenil, cuando afirma: “Ahora hacemos misiones espaciales. ¡Qué guay!”. Es la broma que precede a la tempestad de drama que presumiblemente se abatirá sobre el equipo cuando Jean Grey (Sophie Turner) acabe convirtiéndose en Fénix Oscuro y en su regreso a nuestro planeta manifieste unos poderes desatados que la caracterizan en todo el tráiler como una fuerza descontrolada. Las imágenes transmiten el mismo tono de respeto al espíritu del original en viñetas pero manteniendo al mismo tiempo personalidad propia adaptada al lenguaje cinematográfico que en general siempre han manifestado las películas de mutantes de Fox. Algunos aficionados puristas no han sabido digerir esos rasgos de independencia del antecedente en cómic, sobre todo en la última fase de la saga de los mutantes, poco sumisas frente a sus fuentes de inspiración en papel. En este caso, el clásico del que parte se publicó en viñetas en septiembre de 1980 con el título El destino de Fénix, con argumento y guion de Chris Claremont y argumento y dibujo de John Byrne (y reeditado hace un par de meses en España en el número 2 de la colección Marvel Facsímil de Panini Cómics). Es un fragmento destacado de la mitología de los X-Men en los cómics y aunque por motivos de presupuesto en la película resulta difícil que puedan incorporar con todo el brillo de los dibujos de Byrne toda la brillantez del arco argumental del imperio alienígena Shi’ar, cuentan con la que podría ser una contribución muy destacada de Jessica Chastain, vinculada al poder más destructivo de Fénix Oscura y el director debutante Simon Kinberg, presente previamente en la franquicia mutante como guionista y productor, afirmó en la presentación del largometraje que la película es una entrega perfecta para el momento de mutación a la que en la vida real y con la fusión Disney-Fox está sometida la serie de películas de los X-Men, o dicho de otro modo, que el largometraje es un puente tendido entre características del pasado Fox de estos personajes pero con pinceladas que anticipan el futuro de estos en Marvel Studios, posiblemente más cercano de lo que podría pensarse, dependiendo de cómo funcione en taquilla este largometraje que se estrena el próximo mes de junio.

Buena prueba de cómo acoge Disney las producciones superheroicas de Fox es que en la CinemaCon de Las Vegas se ha anunciado también que en contra de los rumores que habían circulado a principios de año sobre el estreno en plataformas televisivas del spinoff de Los Nuevos Mutantes dirigido por Josh Boone, con un tono cercano al terror y un reparto integrado por Anya Taylor Joy, Antonio Banderas, Maisie Williams, Charlie Heaton, Alice Braga, Henry Zaga y Blu Hunt, Disney ha confirmado que esta producción forma parte de su agenda de estrenos y llegará a la cartelera el 2 de agosto de este año.

La CinemaCon ha marcado esa tendencia en Disney de acoger con brazos abiertos a Fox y su legado que quedaba ya establecida con el comentario el presidente de los estudios Disney, Alan Horn, cuando alabó las cifras de recaudación conseguidas por la producción más taquillera de Fox en los últimos meses, Bohemian Rhapsody, con sus 900 millo-

18

Toy Story 4

Maléfica 2 El rey León

EL FUTURO DE MARVEL nes de taquilla, en una presentación donde también se celebraba el 25 aniversario de Fox Searchlight con un vídeo y se festejaban los galardones cosechados este año por las producciones del sello recién fusionado con su compañía. Emma Watts representó a la jefatura de Fox en el evento afirmando que tras haber sido competidores durante años era un tanto chocante debutar en el evento como aliados, pero afirmó que unirse a Disney era firmar con lo que definió como “el mejor equipo del negocio” y tener tras sus producciones los vastos recursos de Disney iba a permitir a Fox escribir un nuevo capítulo de su historia. Una declaración que Alan Horn matizó con una frase que podría servir para que todos los implicados se hicieran una camiseta conmemorativa del asunto: “Creemos que juntos vamos a ser más que la suma de nuestras partes”.

Esa especie de declaración de principios se ha extendido a la presentación de otras producciones de Fox, como la comedia de acción Stuber, protagonizada por dos de los personajes de Guardianes de la Galaxia y Vengadores: Infinity War, Karen Gillan (Nebula) y Dave Bautista (Drax), en un argumento de buddy movie en el que Kumail Nanjiani interpreta al conductor de un Uber fichado a la fuerza por un policía para participar en una trepidante odisea urbanita que llegará a la cartelera el 12 de julio, o Ford v. Ferrari, protagonizada por Matt Damon y Christian Bale, que llegará a los cines el 15 de noviembre.

En cuanto a las presentaciones de Disney, un vídeo de Will Smith interpretando al Genio de la versión en imagen real de Aladdin y cantando el tema “Nunca has tenido un amigo como yo”, junto con espectaculares imágenes de la adaptación en imagen real de El rey león dirigida por Jon Favreau sumados a las imágenes de la renovada propuesta de Pixar con Toy Story 4 y sus muñecos, capitaneados por Tom Hanks, atrapados en una guardería, y la presentación de la secuela de Maléfica, que llega con el significativo acompañamiento en su título de Mistress of Evil y tiene como uno de sus puntos fuertes el duelo Angelina Jolie-Michelle Pfeiffer (quien por cierto esta semana ha mostrado en un vídeo espectacular que sigue siendo muy hábil con el látigo que manejara como Catwoman 27 años después del estreno de Batman vuelve), esta última interpretando a la madre del príncipe Philip, muestran cierta tendencia de las producciones de Disney y sus sellos a inclinarse por cierto tono de fábula superheroica incluso en las franquicias que no tienen nada que ver con los superhéroes. Al menos en lo que a la forma de plantearse los vídeos promocionales de los próximos estrenos se refiere.

Pero, sin duda, el plato fuerte de la lista de presentaciones de Disney en esta CinemaCon de Las Vegas ha sido Vengadores: Endgame, cuyos directores han dado ya las gracias a los espectadores por batir en solo seis horas el récord de preventa de entradas que ostentaba previamente Star Wars: el despertar de la fuerza.

El tráiler de la película proyectado en Las Vegas revela la participación de la Capitana Marvel como brazo fuerte del contraataque contra Thanos, cuyo paradero será revelado por Nébula, además del avance de un plan para utilizar las gemas del infinito en contra del titán loco y el nuevo equipo del Capitán América y sus compañeros para buscar otras soluciones al problema en el reino cuántico de las aventuras de Ant-Man. Aunque, si me permiten opinión personal al respecto, claramente mi frase favorita para hacerme una camiseta con toda esta información es la que pronuncia el Capitán América en el material promocional distribuido hasta el momento, aludiendo a este último combate de los superhéroes supervivientes contra Thanos: “Vamos a por ese hijo de perra”.

Imposible encontrar mejor frase para esta película, broche final y desenlace de toda la fase 3 del universo cinematográfico de Marvel Studios. Pero muchos se preguntarán: ¿y ahora qué?

Bueno, para cerrar este artículo, ahí dejo algunas hipótesis derivadas de lo que ha podido verse en esta CinemaCon de Las Vegas.

Para empezar, se confirma que la línea cósmica para desarrollar las próximas aventuras de los superhéroes de la casa es la favorita de los responsables del estudio de cara a estas franquicias. Y queda claro que la transformación de los mutantes de Fox en Marvel es un paso integrado en esa evolución de todas las franquicias y figuras de la galería superheroica que ahora mismo maneja Disney, drásticamente incrementada con la fusión con Fox. Cabe esperar además un refuerzo de líneas argumentales que incorporarán relanzamientos con otros actores de personajes mutantes y de los Cuatro Fantásticos y su galería de villanos. Un proceso de actualización, rejuvenecimiento y partida otra vez desde cero, borrón y cuenta nueva, que muy posiblemente afectará a otras franquicias destacadas de Fox, como Alien y Depredador… Y aunque ahora lo parezca, no es disparatado que llegado el momento, en una fase ya más lejana de todo lo que estamos viendo ahora, el imperio Disney de las multifranquicias ponga en funcionamiento un esquema de cruce argumental de sus propiedades más taquilleras, difuminando las fronteras del vasto paisaje de universos de ficción que actualmente posee.

Se avecinan tiempos muy interesantes…

Miguel Juan Payán

19

ENTREVISTA

¿Qué puede contarnos de Hellboy, de esta nueva versión del personaje?

Es una especie de reimaginación del personaje, es muy oscura, muy divertida, una película de terror que da miedo, algo gore. Lidia con esta metáfora principal sobre la crisis de identidad que el personaje protagonista está pasando. El protagonista se supone es el bueno de la historia, pero sigue luchando con la idea de si el lado bueno es realmente bueno, y quizá el lado monstruoso, el lado malvado por el que siente cierta inclinación, sea lo mejor que le puede pasar al mundo, a su mundo al menos. Creo que es una visión muy interesante y única en la mitología del personaje, tener a un protagonista que lidia con saber qué lado es el bueno y qué lado es el malo.

Es interesante que lo mencione, porque el personaje de Ian McShane, su padre, parece el ancla que le mantiene en el bien. ¿Cómo ha sido trabajar esa relación?

Exacto. Pero lo interesante de la historia es que es su padre adoptivo, Hellboy es huérfano. Llega a este mundo engendrado por ocultistas nazis (risas). Su padre biológico es un demonio, y es adoptado por este hombre que fue enviado a matarle. Eso aumenta la idea de que es especial, una especie de elegido… A veces podemos aceptar que la gente nos odia más fácilmente. A veces aceptar que la gente nos quiere es mucho más difícil, porque no creemos que nos lo merezcamos. Algo con lo que me siento identificado. Creo que es conmovedor en la película que él se ve feo, se ve como un monstruo, y este hombre, que quiere que mate gente, algo que es complicado y paradójico, por otro lado le quiere, y ve algo especial en él como criatura, ve algo bello en él. El hecho de cómo todo eso afecta a Hellboy es muy humano, le hace aún más humano para mí. Siente inseguridad por lo que puede aportar a este mundo y si debería o no estar muerto, si el mundo no sería mejor si muriese. Ese tipo es alguien especial, alguien de quien me gustaría ser amigo (risas).

Pero en el lado contrario tenemos a este personaje que es su amiga y le quiere, y él nunca duda de ello. Una persona a la que salvó cuando era niña y a la que considera una auténtica amiga…

Sí, es interesante, la verdad. Hay un gen protector en él, que se magnifica cuando está cerca del personaje de Alice. Algo que inherentemente le hace querer protegerla y mantenerla a salvo.

Siempre tendremos puntos ciegos en nuestra personalidad, momentos en los que haremos algo por alguien, y luego cuando esa persona lo haga por nosotros, no lo entenderemos. Hay algo sin duda intrínsecamente protector cuando se refiere a Alice, pero cuando alguien lo hace por él… no lo entiende. Yo entiendo esa perspectiva, quiero decir. Cuando la gente me pide ayuda, estoy

20

más que dispuesto a darla, pero cuando se trata de que yo pida ayuda, me siento avergonzado y abochornado, y no quiero pedir ayuda nunca (risas). Así que sí, entiendo esas dualidades, esas inconsistencias en la personalidad. Creo que fue Tony Kushner (dramaturgo y guionista, N. del A.) quien dijo que la gente siempre te sorprenderá con las inconsistencias de su carácter. Es algo muy útil como actor cuando estás trabajando en construir un personaje y siempre buscas añadirle más cosas, y en un momento dado quieres añadir a la mezcla algo que simplemente cree el caos, porque la gente no es siempre de una forma u otra, siempre te sorprenden.

Es, además, la primera vez que descubrimos en la gran pantalla quiénes son realmente los padres del Hellboy, su padre y su madre. ¿Cómo ha sido eso?

Sí, sí…, es la primera vez que vemos su legado y quién es realmente en el interior…

Exacto. Eso hace al personaje aún más complejo…

Sí, es tan cierto… Es interesante porque eres la primera persona que saca este tema. Además, eso que mencionas le cambia a él también, en cierta medida. Porque él siempre ha sentido que en su ADN estaba roto, pero de esta forma puede ver que hay líneas de sangre en su interior que son legítimas, y bellas en cierta forma. Es un cambio muy interesante para él. Creo que la película es una película sobre la identidad, sobre quiénes somos realmente, y recoge todas esas vacilaciones que tenemos en realidad. ¿Somos quienes decimos que somos? ¿O somos quienes los demás creen que somos? ¿O quizá algo intrínseco que sentimos, tal vez nuestras líneas de sangre, nuestra genética? Creo que a lo largo de la película es algo que viene y va, y hacia el final llegamos a este punto en el que descubrimos su origen, más allá de que fuese invocado por los nazis, y eso añade un componente completamente nuevo al final de su viaje y a lo que se supone que debe hacer.

Es una sorpresa para la audiencia, algo que no esperábamos. ¿Le sucedió lo mismo al leer el guion?

Sí, sí, sin duda. Aunque sea algo que viene de los cómics, y demás, entiendo a qué te refieres. Porque yo estaba leyéndolo pensando en quién es realmente el personaje, y me parece una forma muy bien elegida de añadir este toque nuevo al mismo. Es algo interesante, sorprendente y bueno, creo. ¿Cómo ha sido trabajar con todo ese maquillaje y las prótesis? Parece duro… Hace años, cuando entrevistamos a Ron Perlman, decía que era un proceso horrible, pero que cuando se veía en el espejo, merecía la pena…

(Risas) Sí, la verdad es que ha sido algo así, especialmente al principio. Y al igual que él, cuando me miraba en el espejo el resultado era tan bueno que no había nada de lo que quejarse. Y además,

Fotografía: ®Vértice360

Aunque muchos no le reconozcan debajo de todo ese maquillaje, en la piel del nuevo Hellboy se encuentra un actor que para muchos, sobre todo los fans de la televisión, es muy querido, como es David Harbour. Algunos le descubrimos en The Newsroom, y muchos han visto crecer su personaje en Stranger Things y están deseando volver a verle en la nueva temporada. Amable y considerado, elocuente y con una sonrisa siempre en los labios, David Harbour nos recibe en un céntrico hotel de Madrid para hablarnos a fondo del nuevo Hellboy, e incluso antes de irnos reconoce los homenajes a la versión de Guillermo del Toro, y el carácter de serie B y diversión de la nueva versión. Y sí, algo nos cuenta de Stranger Things… Y todo eso en esta entrevista en EXCLUSIVA para Acción.

ENTREVISTA según fue avanzando el rodaje, empecé casi a obsesionarme con ello… Cuando llegaba a casa, echaba de menos mi cara de Hellboy, porque me encantaba mi cara de Hellboy. Llegaba al set y me sentaba en la silla de maquillaje corriendo porque deseaba ver esa cara. Pero además Joel Harlow (responsable del maquillaje y los prostéticos, N. del A.) es tan bueno, y su equipo es tan bueno, llevan tanto tiempo haciendo esto, que supieron acompañarme todo el proceso y hasta dónde podían presionarme, en ciertos aspectos; fueron muy respetuosos… Así que todo el proceso fue disfrutable, por el hecho de trabajar con esos seres humanos. No sé cómo habría sido de trabajar con otro equipo. Fueron muy sensibles y maravillosos… No fue tan malo como pensaba que sería (risas).

Lo menciono también porque al ver la película queda claro que es usted quien está detrás del maquillaje. Veo a Hellboy, pero puedo reconocerle a usted…

Vaya, gracias… ¿Sabes? Una de las cosas que he encontrado liberadoras de Hellboy es que no me importa si la gente se pierde en el personaje, no me importa si no son capaces de reconocerme. Pero sí quiero que la gente vea en él cosas que están en mí y que he intentado destacar. Su alma, por decirlo de alguna manera, es lo que quiero que se vea, y en ese sentido fue un proceso lento, el de fusionarme con Hellboy psicológicamente, y permitirle salir a la luz a través de mí. Pero sí, es bueno que sigas siendo capaz de verme a través de todo el maquillaje.

A veces ni yo mismo puedo hacerlo (risas). ¿Qué puede contarnos de las escenas de acción? Ayer viendo la película me sorprendieron, no esperaba tanta acción. ¿En serio?

Sí, porque desde el inicio nos dijeron que era una película de presupuesto moderado, lejos de las superproducciones de cómic. Pero no lo parece. Hay escenas de acción enormes…, como la de los gigantes, que imagino tiene mucho esfuerzo y pantalla verde detrás. ¿Cómo ha sido rodar esas escenas?

22

Sí, sí. Esa escena…, teníamos un anfiteatro en el set de rodaje y lo cubrieron con pantallas verdes alrededor para rodar esa secuencia… Pero hay muchos momentos conmigo corriendo, saltando, deslizándome por la hierba… Y luego llegaban y lo rellenaban con el resto de elementos en posproducción. Pero había mucha acción, antes de llegar a la pantalla verde… Fue muy desagradable para mi maltrecho cuerpo de más de cuarenta años (risas), que se rompió en cierta medida haciendo esas escenas… Pero sí, yo también he quedado sorprendido con esas escenas. Es curioso porque no tenemos el presupuesto de esas películas enormes, pero a mí me parece grande y épico. Y creo que de algún modo se beneficia de eso, porque tiene un tono deshilvanado casi, y me gusta. Me gusta que no sea perfecto, da una sensación torpe que me encanta…

Pero sí, teníamos muchas escenas de acción y entrené mucho con este equipo de especialistas de Nueva Zelanda que vino para ello, y me dieron más de una paliza entrenando…

Pero me encanta cómo ha quedado, creo que hay muchas escenas de acción muy divertidas en la película, son especiales.

Teníamos a este tipo, Markos (Rounthwaite), que era el coordinador de especialistas y director de la segunda unidad, un tipo muy inteligente que tenía todas estas secuencias previsualizadas y muy preparadas.

Imagino que trabajar con un director como Neil Marshall, que ha hecho cosas geniales con poco presupuesto, películas como Doomsday o The Descent, o Juego de tronos, ayuda. ¿Cómo ha sido trabajar con él?

Es el hombre perfecto para el trabajo justo por lo que acabas de decir. Para mí, justo esa película, The Descent, es una película bellísima rodada a la perfección. Y tiene todo lo que encontramos aquí…, tiene los sustos, los monstruos y un punto algo deshilvanado… Así que era el hombre perfecto porque era algo que buscábamos desde el principio, que sintiéramos que eran monstruos de verdad, que tuviera ese elemento de terror, de oscuridad, el gore, los sustos… En el rodaje le encantan esas cosas, las calaveras y la sangre, pero luego es un tipo introvertido y casi un demiurgo, que me dejaba hacer lo mío… Fue genial.

Para ir terminando… tengo la obligación de preguntarle porque acaba de salir el tráiler de la tercera temporada de Stranger Things… ¿Lo has visto?

Sí, y tiene una pinta increíble, pero tiene que contarnos algo de la tercera temporada…

(Risas) Bueno, la verdad es que el tráiler cuenta mucho… Me ha maravillado que dejasen que supieseis tantas cosas con el tráiler. Como has podido ver, Hopper, mi personaje, tiene una nueva indumentaria, y también un nuevo bigote. Y, bueno, es verano y el 4 de julio. Fuegos artificiales, ferias, piscinas, barbacoas, y los chicos no tienen clase, por lo que deja una sensación de diversión, lejos de todos estos monstruos… Y, como suele pasar en verano, el amor está en el aire. Es una estación divertida y romántica… ¿Y la relación con Once, cómo va a desarrollarse?

Bueno, ella está empezando a aprender que le gustan los chicos de verdad, porque tiene, no sé, 14 años o lo que sea. Y eso es más terrorífico para Hopper que cualquier demonio interdimensional que haya aparecido jamás… (Risas).

Jesús Usero

El esperado reboot de Hellboy ya está entre nosotros. Con un nuevo director, Neil Marshall, y con un nuevo protagonista, David Harbour, la película tiene la nada fácil misión de hacernos olvidar la versión de Guillermo del Toro con Ron Perlman como protagonista. Para ello la historia se ha vuelto más sangrienta, más oscura y más terrorífica, buscando conquistar al público adulto y no tanto a los adolescentes. Un nuevo Hellboy que no lo tiene nada fácil para convencernos, pero que cuenta con nombres tan interesantes como Milla Jovovich, Ian McShane o Daniel Dae Kim, entre otros. El resultado, un festival para los fans del género.

P

Daniel Dae Kim, David Harbour y Sasha Lane

artamos de dos bases. Antes de pasar por aquí, les recomiendo leer la entrevista en profundidad que hemos preparado con el protagonista de la película, el mismísimo Hellboy, David Harbour. Y, en segundo lugar, no busquen en la película la obra de Guillermo del Toro. A los fans nos ha dolido no poder ver la tercera parte de la trilogía que Del Toro quería llevar a buen puerto, pero eso es el pasado y este nuevo Hellboy es el presente, un presente más que interesante.

Dejamos atrás el apabullante estilo visual del cineasta mexicano y su increíble imaginación por un estilo más brutal y directo como es el de Neil Marshall, director de The Descent o de algunos de los mejores episodios de Juego de tronos, por ejemplo. Eso no quita que la película sea más que interesante o incluso brillante visualmente, con elementos que llaman la atención desde el primer momento, como la casa de Baba Yaga o el espectacular final…

La historia nos presenta a una poderosa bruja derrotada por el rey Arturo, y cuyo cuerpo fue repartido por todos los rincones de Gran Bretaña. Se trataba de Nimue, la Reina de la

PRÓXIMOS estrenos

Sangre. Mil quinientos años después, Hellboy (David Harbour) debe viajar a Inglaterra a lo que parece una simple cacería de gigantes, pero que acaba siendo algo completamente distinto…, un último intento por detener a Nimue e impedir que el ejército de monstruos que comanda se hagan con nuestro mundo. Para ello, Hellboy contará con la ayuda de su padre y mentor, el profesor Bruttenholm (Ian McShane), la joven Alice (Sasha Lane) o el agente Ben Daimio (Daniel Dae Kim), cada uno aportando algo distinto a este grupo… la película homenajea en ocasiones a las anteriores, pero tiene su propia personalidad, sangrienta, irreverente y muy divertida, aunque irregular. Y con dos escenas poscréditos que encantarán a los fans del personaje creado por Mike Mignola.

Jesús Usero TRÁILER: http://youtu.be/ZsBO4b3tyZg

EE UU, 2019 DIRECTOR: NEIL MARSHALL GUION: ANDREW COSBY, MIKE MIGNOLA FOTOGRAFIA: LORENZO SENATORE MUSICA: BENJAMIN WALLFISCH INTERPRETES: DAVID HARBOUR (HELLBOY), IAN MCSHANE (PROFESSOR BRUTTENHOLM), MILLA JOVOVICH (NIMUE THE BLOOD QUEEN), PENELOPE MITCHELL (GANEIDA) DURACION: 120 MIN. DISTRIBUYE: VERTICE 360

Hellboy, muchas formas de entender un personaje Pese a la gran acogida que tuvo entre los seguidores de Hellboy y Hellboy: el ejército dorado, los fans del personaje creado por Mike Mignola decían, y siguen manteniendo hoy en día, que la versión no era ni mucho menos fiel a la esencia del personaje de las viñetas. Es más, muchos la rechazaban porque, esgrimían, Guillermo del Toro no se había acercado al personaje de Hellboy y su universo, sino que había acercado a su propio universo a Hellboy, haciéndole un habitante más de lo que ya había creado para otras películas, una forma de entender el cine, y el cine de género en particular, con un universo muy único, casi tanto como el de Hellboy en las viñetas. Por eso llevaban mucho, mucho tiempo pidiendo una versión que fuese realmente fiel a lo que Mike Mignola había creado.

Mignola lanzó el personaje en agosto de 1993, explorando así por primera vez la historia de Anung Un Rama, o Hellboy, un ser de aspecto demoníaco invocado por ocultistas nazis y rescatado por aquellos que tenían que matarle, convertido con el tiempo en defensor de la humanidad y agente del BPRD (Bureau for Paranormal Research and Defense). La versión que nos trajo Guillermo del Toro era muy estilizada en lo visual, con elementos más cercanos al género de acción y aventuras, pero no podemos olvidarnos de que ambas películas se hicieron también en colaboración y con el beneplácito de Mike Mignola, quien es amigo personal del cineasta. También hay que recordar que además de las dos películas, de 2004 y 2008, existieron dos películas de animación, Sword of Storms y Blood and Iron, que contaron con el reparto principal poniendo voz a los personajes, y con Del Toro como asesor, aunque nadie quedó demasiado contento con el resultado final. Tampoco nos olvidamos de los videojuegos, aunque del primero que apareció en los años 2000 nos gustaría hacerlo.

Asylum Seeker fue un desastre, y The Science of Evil, que contaba con Del Toro y el reparto original también, estaba más cerca de las películas de animación directas a DVD que de las películas, aunque era un entretenimiento sólido para consolas y PC. Además, en Injustice 2, a través de un DLC, jugamos con el personaje, y actualmente, Ubisoft ha anunciado que en su juego de lucha Brawlhalla también podremos usar al personaje… Sin olvidarnos de la nueva película y lo que nos ofrece este nuevo equipo creativo liderado por el director Neil Marshall y el actor David Harbour.

3

JOHN WICK PARABELLUM

Si quieres la paz, prepárate para la guerra, si vis pacem para bellum. La frase latina viene muy a cuento para describir esta tercera entrega la saga de John Wick, que se ha convertido de cazador en presa.

E

Keanu Reeves y Halle Berry Keanu Reeves y Anjélica Houston

l asesino más letal e imbatible ha sido repudiado por todos sus aliados en el mundo criminal y además tiene su cabeza puesta a precio –14 millones de dólares–, lo que le convierte en un blanco humano que todos los matarifes de los bajos fondos quieren abatir. Ahora es John Wick contra todos en el tercer y posiblemente más espectacular capítulo de la saga protagonizada por Keanu Reeves.

Empeñado, según afirma, en conseguir que esta franquicia no se eternice hasta fenecer en la sobreexplotación, Reeves ha dejado entrever que esta podría ser su última aparición como Wick en la pantalla grande por mucho tiempo, y antes de tomarse un descanso poner un broche final trepidante a esta primera trilogía del personaje en la que cambia radicalmente la posición del exasesino a sueldo en el inframundo criminal que quedó ya definido como una especie de alegoría del infierno en la segunda película de la saga. Ahora Wick tiene que adaptar sus habilidades como agresor a estrategias de defensa para plantar cara a todos sus colegas empeñados en matarle. Además nuevos paisajes más exóticos con un rodaje que se ha extendido hasta Marruecos, aportan una nueva visión en la que habrá también nuevos antagonistas como Keanu Reeves y Halle Berry

PRÓXIMOS estrenos

Anjelica Huston, Mark Dacascos y algunas otras presencias sorpresa.

Reeves se ha implicado en el nivel creativo y físico en esta saga aplicando todo lo que pudo aprender y perfilar cuando encabezó el reparto de la trilogía de Matrix, pero al contrario que en aquella, aquí los efectos visuales no le quitan espacio para desarrollar plenamente su identidad como héroe –o más bien antihéroe– de acción.

En esta tercera película es demás en la que está mejor acompañado, recuperando con más peso la presencia de su compañero de aquella franquicia, Larry Fishburne, y sobre todo con la presencia en el reparto de Halle Berry, que interpreta el personaje de Sofía, para el que previamente se barajaron los nombres de Eva Longoria, Jennifer Beals, Penélope Cruz, Marion Cotillard, Uma Thurman y Marisa Tomei.

Nicolás Carrasco TRÁILER: http://youtu.be/vftJ0X69Jno

EE UU, 2019 DIRECTOR: CHAD STAHELSKI GUION: DEREK KOLSTAD, SHAY HATTEN, CHRIS COLLINS Y MARC ABRAMS FOTOGRAFIA: DAN LAUSTSEN MUSICA: TYLER BATES Y JOEL J. RICHARD INTERPRETES: KEANU REEVES (JOHN WICK), ASIA KATE DILLON (THE ADJUDICATOR), IAN MCSHANE (WINSTON), HALLE BERRY (SOFIA), JEROME FLYNN (BERRADA), JASON MANTZOUKAS (TICK TOCK MAN), LAURENCE FISHBURNE (BOWERY KING), MARK DACASCOS (ZERO), ANJELICA HUSTON (THE DIRECTOR) DISTRIBUYE: E ONE Ian McShane

Bienvenidos al Wickuniverso Chad Stahelski vuelve a la dirección tras haber ejercido como codirector de la primera entrega junto con David Leitch y director en solitario de la segunda, que superó a la película de arranque.

Cabe pensar que la calidad de este desenlace de la trilogía sea en sus manos, como mínimo, tan sólido e interesante como John Wick 2: Pacto de sangre (2017), dado que va a poder proseguir con la estrategia narrativa que aplicara en la segunda película ampliando el mundo y desarrollando aspectos más amplios del universo Wick de los que no pudieron hablarnos en la primera entrega. En esa segunda película se recuperaban algunos elementos esenciales como el hotel de los asesinos y la organización de dicho submundo que habían sido insinuados de forma más superficial en de John Wick: otro día para matar (2014). Pero sobre todo se tiraba de los hilos de algunos flecos dejados aquella primera película para pasar del esbozo de todo un submundo paralelo a la realidad que conocemos gobernado por y organizado en torno a distintas castas criminales cuyo producto estrella es el asesinato por encargo. De ese modo, lo que en la primera fue un mero esbozo del Wickuniverso creció y desarrolló una identidad más sólida en la segunda entrega, de manera que al final era ya un mundo plenamente funcional en lugar del apunte de una idea en desarrollo. Podríamos decir por tanto que si John Wick: otro día para matar, era la infancia de la saga, esta saltó vertiginosamente a la adolescencia y la madurez en John Wick: pacto de sangre y alcanza en esta tercera entrega su pleno desarrollo y veteranía.

Hay que hacer notar que curiosamente todo ese proceso se ha completado manteniendo una cronología continua en las tres películas, cuyos acontecimientos se siguen en una línea de tiempo ininterrumpida, potenciando una tensión general trepidante para los tres largometrajes. Además en lo referido al lenguaje visual y la puesta en escena, la saga ha progresado también perfeccionando las propuesta de su puesta en escena y sacando el máximo rendimiento a pinceladas mitológicas, kafkianas y existencialistas sin perder de vista su identidad como vehículo de acción que en cualquiera de sus entregas incluye siempre una renovación de las claves esenciales de las peleas cuerpo a cuerpo basadas en la propia habilidad de Keanu Reeves para poder participar plenamente, permitiendo la filmación de planos generales en los combates en lugar de recurrir al socorrido truco de hacer primeros planos del protagonista antes de saltar a planos generales más vagos con el doble de acción, lo cual siempre resulta falso.

Laurence Fishburne e Ian McShane

CARTEL-MANÍA

Grandes

Asesinos a sueldo del cine

El estreno de la tercera entrega de las aventuras de John Wick nos pone a tiro, nunca mejor dicho, hacer un repaso a ocho de las películas más destacadas que han abordado los personajes y el mundo de los asesinos a sueldo.

Empezamos con la película que supuso el último trabajo del futuro presidente Ronald Reagan ante las cámaras antes de pasarse a la política, Código del hampa, que de paso supuso para el ya entonces veterano Lee Marvin un empujón en su carrera, camino de los papeles protagonistas en la pantalla grande. Esta adaptación de un texto de Hemingway iba a contar como protagonista con Steve McQueen y más tarde con George Peppard, pero finalmente fue John Cassavetes, uno de los directores más destacados del cine independiente estadounidense, icono de lo que se denominó la Escuela de Cine de Nueva York, quien la protagonizara, dando vida a un personaje condenado. No obstante tras el estreno en cines de lo que era inicialmente una producción televisiva titulada Johnny North, el más beneficiado del reparto fue Marvin, que impactó con su papel de asesino a sueldo con sus gafas negras, hasta el punto de que en el arranque de esta película con el asalto a la escuela de ciegos no es arriesgado afirmar que se inspiró Quentin Tarantino para la presentación de los personajes de Samuel L. Jackson y John Travolta en Pulp Fiction.

La segunda seleccionada este mes, El silencio de un hombre, es uno de los títulos más influyentes en otros directores de cine policíaco de todo el mundo. Por ejemplo, es uno de los títulos favoritos de Johnnie To, maestro asiático de las películas de gánsteres, Walter Hill también la tomó como modelo para el conductor en atracos protagonista de The Driver, y John Woo no dudó en citarla como referencia para su propia versión del asunto que aquí nos ocupa y que está incluido también en esta selección, Asesinos de reemplazo. Otro tanto puede decirse de Jim Jarmusch, que se sirvió de El silencio de un hombre como modelo para fabricar su propia historia de asesinos a sueldo, Ghost Dog, el camino del samurái, incluida igualmente en este recopilatorio de títulos esenciales de este tipo de tramas. Por cierto, Delon

28

repitió función de asesino en Scorpio, dirigida por Michael Winner en 1973, donde la temática de espionaje inspirada por el asesinato de JFK se imponía a la figura de asesino a sueldo interpretada por el actor francés como antagonista de un maduro pero contundente Burt Lancaster.

Otro personaje destacado en la galería de asesinos a sueldo más significativos o exóticos del cine es Golgo 13, nacido en las viñetas pero trasladado al cine en carne y hueso por el actor Ken Takakura. Dato curioso: el personaje ha sido utilizado por el Ministerio de Asuntos Exteriores de su país de origen, Japón, para advertir a los turistas de esa nacionalidad, sobre las condiciones de seguridad en países extranjeros.

Algo así como el lema: “No bebas el agua” de los estadounidenses, pero con armas de precisión empuñadas por francotiradores de élite.

La cuarta invitada a este baile de asesinos a sueldo es un auténtico clásico del tema y también una de sus más originales propuestas dentro: Quiero la cabeza de Alfredo García. Para muchos críticos, es la mejor película de Sam Peckinpah, en la que incluso el protagonista, Warren Oates, tomó al propio director como referencia esencial para construir su personaje. Incluso tomó prestadas las gafas de sol de Peckinpah para incorporarlas a su interpretación. Oates había entrado en el proyecto sustituyendo al actor inicialmente elegido por Peckinpah, James Coburn, al que no le gustaba el guion y desconfiaba de que el proyecto pudiera salir adelante. Seguro que luego se arrepintió de haber rechazado esta oferta de trabajo.

Productor y director él mismo, Tsui Hark, que había puesto parte del dinero para el rodaje de El asesino, estaba empeñado en que el protagonista no podía ser el asesino, sino el policía. Afortunadamente, el director de la película, John Woo, consiguió sacar adelante su versión del asunto, que era justo la contraria. Dicho sea de paso, el de asesino a sueldo es posiblemente el papel más habitual en la filmografía del protagonista de la película, Chow Yun-fat, quien lo ha interpretado en varias películas, como El cazador de cabezas (1982) o su debut en el cine norteamericano, Asesinos de reemplazo (1998), dirigida por Antoine Fuqua.

Dos variantes exóticas con huella del cine galo ponen punto y final al tema: Léon, el profesional y la adaptación del manga Crying Freeman.

Miguel Juan Payán

CARTEL-MANÍA ASESINOS A SUELDO

CARTEL-MANÍA ASESINOS A SUELDO

CÓDIGO DEL HAMPA

EL SILENCIO DE UN HOMBRE

The Killers

Le Samouraï

1964; EE. UU.; Color; Director: Don Siegel; Guion: Gene L. Coon; Música: John Williams, Fred Steiner; Fotografía: Richard L. Rawlings; Intérpretes: Lee Marvin, Angie Dickinson, John Cassavetes, Clu Gulager, Claude Akins, Norman Fell, Ronald Reagan, Virginia Christine, Don Haggerty, Robert Phillips, Kathleen O’Malley, Ted Jacques, Irvin Mosley Jr., Jimmy Joyce, Davis Roberts, Hall Brock, Burt Mustin, Peter Hobbs, John Copage, Tyler McVey, Seymour Cassel, Scott Hale, Leon Alton, John Barton, Don Siegel; Duración: 93 minutos.

1967; Francia, Italia; Color; Director: Jean-Pierre Melville; Guion: Jean-Pierre Melville, Georges Pellegrin; Música: François de Roubaix; Fotografía: Henri Decaë; Intérpretes: Alain Delon, François Périer, Nathalie Delon, Cathy Rosier, Jacques Leroy, Michel Boisrond, Robert Favart, Jean-Pierre Posier, Catherine Jourdan, Roger Fradet, Carlo Nell, Robert Rondo, André Salgues, Jacques Deschamps, Georges Casati, Jacques Léonard, Pierre Vaudier, Maurice Magalon, Gaston Meunier, Jean Gold, Georges Billy, Ari Aricardi, Guy Bonnafoux, Humberto Catalano, Carl Lechner, Maria Maneva; Duración: 105 minutos.

Se trata de la segunda adaptación al cine de un relato corto de Ernest Hemingway, The Killers. La primera fue dirigida en 1946 por Robert Siodmak con Burt Lancaster (en el papel que aquí interpreta John Cassavetes) y Ava Gardner (en el papel que aquí juega Angie Dickinson), y se estrenó en España con el título de Forajidos, convirtiéndose en uno de los clásicos del cine negro estadounidense. En aquella, que estuvo a punto de ser dirigida por el realizador de esta nueva versión, la construcción del relato jugaba como en esta con el flashback, pero se hacía notar más en su construcción la influencia de la obra maestra de Orson Welles, Ciudadano Kane, haciendo que el arranque del asesinato del personaje protagonista fuera el punto de partida para una encuesta llevada a cabo por un detective que investiga su muerte y que permite reconstruir el pasado de dicho personaje a través de la declaraciones de quienes le conocieron cuando estaba vivo. La estructura de flashback aquí se mantiene, pero se le da más protagonismo a los dos asesinos, interpretados por Clu Gulager y Lee Marvin. Curiosamente, el relato de Hemingway fue también adaptado por Andrei Tarkovski en uno de sus trabajos para la escuela de cine en la que estudiaba, con el título de Los asesinos, rodada en 1956 y con Alexander Gordon ejerciendo como codirector. En esta versión, de Don Siegel, que aquí empieza a despuntar como realizador solvente del cine de acción, la intención era producir una de las primeras películas producidas para televisión, pero a la vista de los resultados los productores responsables de la cadena NBC se decidieron por un estreno y explotación en cines, dado que la juzgaban demasiado violenta para la pequeña pantalla. La productora encargada de estrenarla en salas fue Universal. M.J.P.

Alain Delon se mueve con el aspecto de un hijo de Humphrey Bogart presa de mutismo extremo paseando la gabardina por este clásico del polar francés y sirve al mismo tiempo como anticipo e inspiración para el personaje de Ryan Gosling en Drive. Jean-Piere Melville, maestro del género policíaco en tierras galas, aísla cuidadosamente al asesino a sueldo Jef Costello durante la mayor parte del metraje, insistiendo en que casi no pronuncie palabra alguna para reforzar ese carácter inquietante que le deja definitivamente impreso en la memoria del espectador como uno de los más interesantes y complejos ejemplos de asesino a sueldo que nos ha dado el cine a lo largo de toda su historia. Acompañado por Nathalie Delon, su esposa en la vida real en el momento en que se rodó la película, el galán del cine francés Alain Delon saca adelante en otro clásico del tema que nos ocupa, El samurái en su título original galo, El silencio de un hombre en el estreno en España, uno de sus mejores trabajos, quizá solo igualado por los que realizara en Rocco y sus hermanos, El gatopardo y El amor de Swan. No obstante, por el género que nos ocupa en esta entrega de “Cartelmanía” no cabe duda de que sus contribuciones al cine policíaco están más indicadas, especialmente en el caso de títulos como Historia de un policía, Círculo rojo, Los felinos, Gran jugada en la Costa Azul, Por la piel de un policía, Tony Arzenta, El clan de los sicilianos, Crónica negra, Dos hombres en la ciudad. El propio George Clooney reconoció que el papel de Delon en este largometraje había sido uno de los referentes que utilizó para construir su propia variante de asesino a sueldo en El americano, que protagonizó en 2010 bajo la dirección de Anton Corbijn. M.J.P.

CARTEL-MANÍA ASESINOS A SUELDO

CARTEL-MANÍA ASESINOS A SUELDO

GOLGO 13

QUIERO LA CABEZA DE ALFREDO GARCÍA

Gorugo 13

Bring me the Head of Alfredo García

1973; Japón, Irán; Color; Director: Jun’ya Satô; Guion: K. Motomitsu, Takao Saitô; Música: Chûji Kinoshita; Fotografía: Masahiko Iimura; Intérpretes: Ken Takakura, Mohsen Sohrabi, Jaleh Sam, Pouri Baneai, Tahere Ghaffari, Ahmad Ghadakchian, Jalal Pishvaian, Nosratallah Karimi, Arash Taj, Reza Azargun, Yadolla Shirandami, Siamak Atlassi, Dariush Asadzade, Gorgi, Ali Dehghan, Mohammad Noroozi, Bahram, Hassan Rezai, Abbas Mokhtari, Ezzatollah Ramazanifar, Kazuo Harada, Kachicko Hino, Michiko Hirai, Kôko Kagawa, Shingo Kanemoto, Kaneta Kimotsuki, Haruko Kitahama, Kyôsuke Maki, Kazuko Makino, Eken Mine, Shûichirô Moriyama, Osamu Saka, Isao Sakuma, Ritsuo Sawa, Hidekatsu Shibata, Kôsei Tomita, Mahito Tsujimura, Ayao Wada, Takeshi Watabe, Yasuo Yamada; Duración: 104 minutos.

1974; EE. UU., México; Color; Director: Sam Peckinpah; Guion: Gordon T. Dawson, Sam Peckinpah; Música: Jerry Fielding; Fotografía: Álex Phillips Jr.; Intérpretes: Warren Oates, Isela Vega, Robert Webber, Gig Young, Helmut Dantine, Emilio Fernández, Kris Kristofferson, Chano Urueta, Donnie Fritts, Jorge Russek, Chalo González, Don Levy, Enrique Lucero, Janine Maldonado, Tamara Garina, Farnesio de Bernal, Ahui Camacho, Mónica Miguel, Paco Pharrez, Juan Manuel Díaz, René Dupeyrón, Yolanda Ponce, Juan José Palacios, Nery Ruiz, Roberto Dumont, Armando Acosta, Richard Bright, Queta Carrasco, Conrad Hool, Whitey Hughes, Cecilia Leger, Antonio Leo, Velia Lupercio, Rubén Márquez, Sharon Peckinpah, Garner Simmons; Duración: 112 minutos.

Muchos lectores identificaran Golgo 13 con el anime de 1983 estrenado en España con el título de Golgo 13: el profesional, o bien con la serie de animación derivada de 2008, pero lo cierto es que mucho antes, en los años setenta, uno de los astros del cine de acción japonés, Ken Takakura había interpretado al personaje en imagen real. Frío y calculador, Golgo 13 ejerce como asesino a sueldo del sindicato criminal de la droga estadounidense, y no se deja intimidar por las amenazas contra su vida ni por las dificultades para cumplir sus misiones, aunque pretendan convertirle de cazador en presa, y de verdugo en víctima. Su venganza será terrible mientras se aplica a cazar sus piezas con elaborados ingenios mortales que se inspiran en armas reales. Otro tanto haría luego Shin ichi Chiba, Sonny Chiba para el mercado occidental, que tomó el relevo de Ken Takakura en la secuela, Golgo 13: misión en Kowloon, estrenada en 1977. Chiba le prestó su peculiar estilo de tipo duro que ya había explotado con pocos cambios al personaje del karateka letal Terry Tsurugi de la trilogía The Street Fighter. Estas versiones en carne y hueso trabajaron con el personaje original creado para el manga por Takao Saito en guion y dibujos, que nació en la revista Shogakukan Big Comic en octubre de 1968 y que fue galardonada con dos premios de la industria de la viñeta en Japón, el Shogakukan Manga Award en 1975 y el gran premio de la Asociación de Historietistas Japoneses en 2002. Golgo 13 es el tercer manga más longevo y con mayor número de volúmenes del cómic japonés, habiendo vendido más de 200 millones de copias en distintos formatos. M.J.P.

El propio director, Sam Peckinpah, imaginó esta historia junto a Frank Kowalski, creando uno de los personajes más carismáticos de su filmografía y uno de los asesinos más curiosos de esta selección, una especie de turista entre los asesinos a sueldo, que prácticamente llega al oficio por casualidad, trasladando hasta el otro lado de la frontera mexicana el trofeo exigido a modo de venganza por un poderoso y adinerado ranchero del otro lado que quiere lavar el honor de su hija a golpe de talonario y de revólver. Gringo en tierra hostil, el pianista interpretado por Warren Oates y su amante prostituta hacen un viaje de perdedores condenados que tiene tanto de wéstern crepuscular como de road movie culminada con un estallido de violencia muy del estilo de las secuencias de acción en cámara lenta y muerte en tres tiempos del director de Grupo salvaje y La huida. Isela Vega fue nominada como Mejor Actriz en los Premios Ariel del cine mexicano por su trabajo como la prostituta asaltada por un motero macarra que interpretaba Kris Kristofferson, quien había sido un año antes el Billy el Niño de Pekinpah. El coste del largometraje giró en torno a un millón y medio de dólares, cifra modesta para el cine estadounidense de la época. Los seguidores del director la consideran la película más pura de Peckinpah porque fue la única en la que tuvo la decisión sobre el montaje de la copia final explotada comercialmente, algo que le negaron en el resto de sus trabajos, siempre cortados por los grandes estudios de Hollywood. La modestia del proyecto le permitió así ejercer un dominio total sobre lo que finalmente iba a ver el público en la pantalla. M.J.P.

CARTEL-MANÍA ASESINOS A SUELDO

CARTEL-MANÍA ASESINOS A SUELDO

EL ASESINO

LEÓN, EL PROFESIONAL

Dip Huet Seung Hung 1989; Hong Kong; Color; Director: John Woo; Guion: John Woo; Música: Lowell Lo; Fotografía: Peter Pau, Wing-Hang Wong; Intérpretes: Chow Yun-fat, Danny Lee, Sally Yeh, Kong Shu, Kenneth Tsang, Fui-on Shing, Wing-cho Yip, Fan Wei Yee, Barry Wong, Parkman Wong, Alan Ng, Yamson Domingo, Siu Hung Ngan, Kwong Leung Wong, Simon Broad, Chuen Chiang, Chin Hung Fan, Woo Ling Hau, Dion Lam, Chung Lin, Hung Lu, Danny Ng, Pierre Tremblay, Hsiang Lin Yin, Siu-tung Shing, Chi-ho Lau, Bruce Law; Duración: 111 minutos.

Léon 1994; Francia; Color; Director: Luc Besson; Guion: Luc Besson; Música: Éric Serra; Fotografía: Thierry Arbogast; Intérpretes: Jean Reno, Gary Oldman, Natalie Portman, Danny Aiello, Peter Appel, Willie One Blood, Don Creech, Keith A. Glascoe, Randolph Scott, Michael Badalucco, Ellen Greene, Elizabeth Regen, Carl J. Matusovich, Frank Senger, Lucius Wyatt Cherokee, Eric Challier, Luc Bernard, Maïwenn, Jessie Keosian, George Martin, Abdul Hassan Sharif, Stuart Rudin, Kent Broadhurst, Tommy Hollis; Duración: 110 minutos.

La versión estrenada en Estados Unidos clasificada R tiene una duración de 104 minutos, pero existe una versión extendida de 124 minutos que incluye más secuencias de acción espectacular en el mejor estilo de John Woo. Chow Yun-fat interpreta al asesino Ah Jong, que accidentalmente hiere a una cantante en los ojos en el curso de uno de sus tiroteos, dejándola ciega.

Movido por un arranque humanitario francamente poco creíble en un pieza de su catadura, y atacado por la culpa, decide cometer un último asesinato para reunir el dinero que la cantante necesita para someterse a una operación que le permita recuperar la vista. Es el típico antihéroe poco probable de las tramas de acción trepidante de John Wood, director que se ha manifestado como admirador del cine de acción de Sam Peckinpah y en el que a veces el esteticismo de su propuesta estalla en los momentos más inesperados de sus elaboradas y dinámicas secuencias de tiroteos, coreografiadas como números musicales. Woo le busca siempre las vueltas poéticas a sus protagonistas, algo de lo que no se libra este por otra parte popular personaje interpretado por Chow Yun-fat. Influido por otra de las películas presentes en esta selección, El silencio de un hombre, por Malas calles, de Scorsese (al menos así lo afirma el propio director, que le dedicó este largometraje al director estadounidense), y por los tiroteos orquestados por Peckinpah en el principio y el final de Grupo salvaje, El asesino fue una buena tarjeta de presentación para el asalto al mercado americano de su protagonista y ahora Woo prepara la variante femenina protagonizada por Lupita Nyong o en el papel principal de la asesina.

M.J.P.

La debutante Natalie Portman era un personaje a medio camino entre la Lolita de Nabokov y la Jodie Foster de Taxi Driver cuando interpretó la película y todavía hoy queda espantada cuando se encuentra con algún fan que le confiesa que ya le pareció muy atractiva cuando aparecía en este largometraje, pero para el tema que nos ocupa, el protagonista de la historia es Jean Reno, actor de raíces españolas que ha hecho carrera en el cine galo y con este largometraje se confirmó como protagonista capaz afincándose como figura del cine de acción galo. Portman interpretó a Mathilda, una niña de doce años que queda huérfana cuando sus padres caen en el torbellino de violencia desatado por un agente corrupto de la DEA estadounidense al que da vida Gary Oldman. Así es como se convierte en la protegida de Léon Montana, que prefiere calificarse a sí mismo como “limpiador”, aunque su ocupación es la de asesino a sueldo. Cinéfilo aficionado al cine clásico cuida una planta como el asesino interpretado por Alain Delon en El silencio de un hombre cuidada a su pájaro enjaulado, desarrollando un personaje que el propio Jean Reno ya había interpretado en otra película del mismo director, Nikita, donde dio vida a una especie de versión en bruto del personaje de Léon que respondía por el nombre de Victor. Sacándose de la manga el mismo razonamiento de Tarantino respecto al posible parentesco del personaje de Michael Madsen en Reservoir Dogs con el de John Travolta en Pulp Fiction, Besson afirma que Léon podría ser el primo americano de Victor. Se ha rodado una variante india de la historia que responde por el título de Bichoo, estrenada en el año 2000 y con una Mathilda ciertamente más crecida para no entrar en polémicas.

M.J.P.

CARTEL-MANÍA ASESINOS A SUELDO

CARTEL-MANÍA ASESINOS A SUELDO

LOS PARAÍSOS PERDIDOS Crying Freeman 1995; Francia, EE. UU., Japón, Canadá; Color; Director: Christophe Gans; Guion: Christophe Gans, Thierry Cazals, Laurie Finstad-Knizhnik; Música: Patrick O’Hearn; Fotografía: Thomas Burstyn; Intérpretes: Mark Dacascos, Julie Condra, Kevan Ohtsji, Debbie Podowski, Murray Lowry, Byron Mann, Mikal Tang, Rae Dawn Chong, Jerry Wasserman, Tchéky Karyo, Mako, Ton Lung, Kiyoto Matsumoto, Paul McGillion, Russell Ferrier, Rav Toor, Janie Woods-Morris, Yôko Shimada, Masaya Katô, Giorgio Miyashita, Michael Hirano, Minh Ly, Ed Hong-Louie, Ivy Ng, Paul Wong, Floyd Faircrest, Victor Favrin, Morgan Lam, Brian Rogne, Alex Diakun, Aundrea MacDonald, Akio Higashio, Yukio Kasukawa; Duración: 102 minutos.

La película se basa en el manga japonés de Kazuo Koike y Ryoichi Ikegami. Koike es también uno de los creadores de otra obra de culto de las viñetas japonesas, Lobo solitario y su cachorro, cuyo protagonista, Itto Ogami es también un asesino a sueldo que alquila su espada a cambio del pago de 500 ry . Hipnotizado y entrenado por la mafia china de los 108 dragones, el protagonista, Crying Freeman, está marcado con el elaborado tatuaje de un dragón que sirve como muestra de su vinculación con esa organización criminal, aunque derrama lágrimas cada vez que perpetra una de sus misiones de asesinato para mostrar su rechazo y arrepentimiento frente a ellas. Aparecido en viñetas en una serie de nueve entregas que se publicó entre 1986 y 1988, este curioso personaje llegó también a los aficionados al manga de Occidente, destacando entre la oferta de fábulas de acción de la viñeta japonesa por la complejidad del carácter de su protagonista, que no llegó a captar del todo la interpretación de Mark Dacascos en la película que nos ocupa. Christophe Gans, que ahora prepara la adaptación al cine de las aventuras de otro icónico personaje de las viñetas, en este caso europeas, el Corto Maltés, sacó partido a las habilidades de artes marciales de su protagonista no solo como coreógrafo de las secuencias de lucha, sino como protagonista sin doble de estas, tanto en esta película como en la siguiente de su filmografía, El pacto de los lobos. Lamentablemente se quedó lejos de la mística del universo de grupos mafiosos enfrentados y rituales desplegado en las viñetas originales del personaje que ha sido versionado también en varias versiones de dibujos animados. M.J.P.

GHOST DOG, EL CAMINO DEL SAMURÁI Ghost Dog: The Way of the Samurai 1999; Francia, Alemania, EE. UU., Japón; Color; Director: Jim Jarmusch; Guion: Jim Jarmusch; Fotografía: Robby Müller; Intérpretes: Forest Whitaker, John Tormey, Cliff Gorman, Dennis Liu, Frank Minucci, Richard Portnow, Tricia Vessey, Henry Silva, Gene Ruffini, Frank Adonis, Victor Argo, Damon Whitaker, Kenny Guay, Vince Viverito, Gano Grills, Touché Cornel, Jamie Hector, Chuck Jeffreys, Yan Ming Shi, Vinny Vella, Joseph Rigano, Roberto López, Salvatore Alagna, Jerry Todisco, Isaach De Bankolé; Duración: 116 minutos.

El hagakure, el camino del samurái, ni más ni menos, sirve como guía a uno de los personajes más curiosos de la galería de exóticos individuos que habita la filmografía de Jim Jarmusch. Empleado por la mafia, el personaje al que da vida Forest Whitaker posee las características de un antiguo guerrero japonés renacido en la piel de un afroamericano de barrio bajo que mata por contrato, pero puede al mismo tiempo ser una figura de equilibrio en su comunidad, un barrio poblado por personajes tan curiosos como él, capaces de construir una barca en una azotea. Auténtico homenaje a varios géneros, desde el cine de samuráis al cine de acción en la línea de las producciones dirigidas por Samuel Fuller, la película es una fábula urbana donde el personaje de Whitaker es una especie de descendiente del Costello interpretado por Alain Delon en El silencio de un hombre, pero al contrario que este muestra un rostro más cálido y cercano con algunos de los prójimos que se cruzan en su camino, al tiempo que el director introduce escuetas y muy medidas pinceladas de humor que en algunas ocasiones incluso ridiculizan a los antagonistas mafiosos sumidos en una guerra por el poder. La lealtad de Ghost Dog se asienta en la violencia de su pasado, cuando era más joven, papel que interpreta en el significativo flashback de la película el hermano del actor, Damon Whitaker. Por otro lado, Jarmusch, que escribió el personaje principal pensando en Whitaker como única opción para interpretarlo, encuentra en este filme lugar para instalar un tema recurrente en toda su filmografía, la incomunicación, en esta ocasión materializado en la dificultad para entenderse del protagonista y el heladero. M.J.P.

FEEDBACK España, EE UU, 2019; Dirección: Pedro C. Alonso; Producción: Emma Lustres, Borja Pena y Juan Sola; Fotografía: Ángel Iguácel; Guion: Pedro C. Alonso y Alberto Marini; Música: Sergio Moure; Intérpretes: Eddie Marsan (Jarvis Dolan), Paul Anderson (Andrew Wilde), Ivana Baquero (Claire), Richard Brake (Hunter / Brennan); Duración: 97 min.; Estreno en España: 1-3-2019; Distribuye: eOne

SINOPSIS Jarvis Dolan es el presentador de La cruda realidad, un exitoso programa de radio. Una noche, cuando se dispone a sacar a la luz información sobre conflictos de intereses en el Brexit, se ve sorprendido por la aparición de dos secuestradores.

PARA RECORDAR Una nueva demostración de que en España además de comedia y drama también sabemos abordar un género tan típicamente americano como el thriller. Tiene trampa, porque se trata de una coproducción y gran parte del reparto es británico, pero quien se sitúa detrás de las cámaras es el debutante español Pedro C. Alonso. Como una mezcla entre la claustrofóbica tensión a contrarreloj de El desconocido, la violencia y el sadismo de Secuestrados y la puesta en escena y crítica social de Money Monster, Feedback consigue tener al espectador constantemente agarrado a la butaca y con los nervios a flor de piel. El punto de partida puede recordar al de la película de Jodie Foster, sin embargo, consigue ser más directa y darle un giro truculento hacia temas como la violencia de género o los abusos sexuales, que terminan afectando de una manera u otra a Jarvis y Andrew. Dos personajes bien construidos y atractivos porque se mueven continuamente en la ambigüedad moral, con un arco evolutivo marcado por el uso de un martillo y un último y escalofriante plano de Jarvis que resuelve los problemas de Alberto Marini con los finales.

PARA OLVIDAR No se puede obviar que asume pocos riesgos y visita demasiados lugares comunes. Por otra parte, Alonso y Marini descuidan a los secundarios, dando lugar a unos secuestradores poco carismáticos y a unos personajes femeninos, interpretados por Ivana Baquero y Alana Boden, que caen presas del tópico.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… El cine de género de la productora Vaca Films: El desconocido, Secuestrados…

EN CONCLUSIÓN Pedro C. Alonso salda con nota su salto de la publicidad al cine, haciendo gala de un admirable manejo del suspense, la ten##### sión y el ritmo. A.G.

BIENVENIDOS A MARWEN (Welcome to Marwen) EE UU, 2018; Dirección: Robert Zemeckis; Producción: Cherylanne Martin, Jack Rapke y Steve Starkey; Fotografía: C. Kim Miles; Guion: Robert Zemeckis y Caroline Thompson; Música: Alan Silvestri; Intérpretes: Steve Carell (Mark Hogancamp / Cap'n Hogie), Leslie Mann (Nicol), Diane Kruger (Deja Thoris), Merritt Wever (Roberta); Duración: 116 min.; Estreno en EE UU: 21-12-2018; Estreno en España: 1-3-2019; Distribuye: Universal; Reportaje en Nº 1903

SINOPSIS Un dibujante de cómic bélico es agredido brutalmente, lo que le provoca un trauma que le llevará a imaginar todo un mundo de ficción para poder comunicarse con sus semejantes y seguir creando, mediante la fotografía, figuras articuladas de acción.

PARA RECORDAR Steve Carell hace lo mejor que puede, junto con el resto del reparto, para sacar adelante esta propuesta en la que la animación arranca como un aliado, pero a medida que progresa se convierte en un lastre.

PARA OLVIDAR Ocurre simplemente que Carell no es Tom Hanks, y esto no es Forrest Gump. Se queda muy lejos, aunque sea obvio que en algunos aspectos el director está intentando seguir ese mismo camino sin conseguir emularse a sí mismo. El desequilibrio entre animación e historia de imagen real es palpable. Ocurre, por tanto, que la animación acaba por tener un protagonismo excesivo y lesivo para la historia de los personajes de carne y hueso, que son lo realmente interesante de lo que nos están contando. Queremos ver qué le pasa a este individuo maltratado, su historia, y en cierto momento la broma de las figuras animadas y las peripecias de acción resultan incluso molestas y deberían perder protagonismo, pero en lugar de eso sigue ahí presente, ejerciendo como lastre. No le beneficia haber mostrado tanta peripecia de acción comiéndose al drama, porque al final no es ni carne ni pescado.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Pequeños guerreros era mucho mejor y tenía el equilibrio de animación-imagen real más claro.

EN CONCLUSIÓN De lo más flojo que ha dirigido Robert Zemeckis, lejos de sus mejores logros en el cine de entretenimiento y fantasía, y sin duda también lejos de sus propuestas más serias tipo Forrest Gump. M.J.P. #####

CAPITANA MARVEL 70 BINLADENS

(Captain Marvel)

España, 2018; Dirección: Koldo Serra; Producción: Carolina Bang, Álex de la Iglesia y Koldo Serra; Fotografía: Unax Mendia; Guion: Javier Echániz, Juan Antonio Gil Bengoa y Asier Guerricaechebarría; Música: Fernando Velázquez; Intérpretes: Emma Suárez (Raquel), Nathalie Poza (Lola), Hugo Silva (Jonan), Daniel Pérez Prada (Carlos); Duración: 100 min.; Estreno en España: 8-3-2019; Distribuye: Filmax

EE UU y Australia, 2019; Dirección: Anna Boden y Ryan Fleck; Producción: Kevin Feige; Fotografía: Ben Davis; Guion: Anna Boden, Ryan Fleck y Geneva Robertson-Dworet; Música: Pinar Toprak; Intérpretes: Brie Larson (Carol Danvers / Vers / Captain Marvel), Samuel L. Jackson (Nick Fury), Ben Mendelsohn (Talos / Keller), Djimon Hounsou (Korath); Duración: 123 min.; Estreno en EE UU: 8-32019; Estreno en España: 8-3-2019; Distribuye: Disney; Reportaje en Nº 1903

SINOPSIS Una mujer desesperada entra en una sucursal bancaria buscando que le autoricen un crédito que es imprescindible para ella y su hija. La mala suerte hace que justo en ese momento dos atracadores asalten la sucursal… ¿Será el fin para el plan de la protagonista o un nuevo principio?

SINOPSIS Una joven guerrera kree, que no recuerda su pasado y que posee grandes poderes, acaba en nuestro planeta intentando poner fin con una conspiración skrull, y descubre que su pasado misterioso está mucho más ligado a la Tierra de lo que ella cree.

PARA RECORDAR Si algo no se le puede negar a la nueva película de Koldo Serra es el talento descomunal de su reparto, sobre todo de sus dos protagonistas femeninas, preparadas desde el inicio para un brutal cara a cara llevado hasta las últimas consecuencias, y que además en el caso de Nathalie Poza ha supuesto una transformación brutal físicamente. El pulso narrativo del director junto a las escenas de Suárez, que es un prodigio delante de la cámara (no, no he descubierto América, pero conviene recordarlo) y Poza hacen la película suficientemente interesante para que le demos una oportunidad en salas de cine. Por supuesto, la presencia de Hugo Silva, Daniel Pérez Prada, Bárbara Goenaga, Kandido Uranga o Nacho Fresneda siempre suma.

PARA RECORDAR La nueva película Marvel, previa a Endgame y el final de la fase 3, es un ejercicio de nostalgia bien entendido por un lado y una aventura galáctica de primer orden por otro. Evitando el conflicto directo con el mastodonte que está por estrenarse, la película apuesta inteligentemente por un pasado cercano, pero suficientemente alejado, con una protagonista simplemente sensacional. Brie Larson es la Capitana Marvel, de los pies a la cabeza, y su energía y pasión por el proyecto se notan en cada fotograma. También se nota la buena química con Samuel L. Jackson y un reparto sensacional, donde hay quizá demasiados nombres importantes para darles peso a todos. La película tiene un punto de épica maravilloso, y sabe explotarlo en su tramo final. Y aunque sea una película con mensaje (homenaje a Buffy incluido), no es cansina, ni lo restriega por la cara. No abusa de los chistes y es más seria, con más poso y mayor arco dramático de la protagonista.

PARA OLVIDAR El guion está tan pendiente de hacer que el espectador se sorprenda, que se olvida de ser coherente en demasiadas ocasiones. Los giros son demasiados forzados, y en demasiadas ocasiones las situaciones pueden sacarte de la película, como la resolución final.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Tiene algo que la acerca al cine de Álex de la Iglesia, y creo que no es nada casual, sino muy consciente.

EN CONCLUSIÓN Entretenida, bien narrada y con un reparto en el que sobre todo destacan las dos actrices protagonistas, que son el auténtico motivo por el que ver la película, sin lugar a dudas. Aunque el guion falle con demasiada frecuencia y sea mejorable. J.U. #####

PARA OLVIDAR Le falta acción en el tramo final, que no tiene la espectacularidad que se le supone a un proyecto así, aunque es algo que ya ha pasado en otras ocasiones con Marvel. Además desaprovecha a algunos actores, como a Gemma Chan, y hace un par de cosas que van a cabrear a los fans del cómic, y parece hacerlas solo por ese motivo.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Es Guardianes de la Galaxia con mayor estilo, o Thor, pero con menos humor absurdo.

EN CONCLUSIÓN Gran ejemplo de lo que puede ofrecer el cine de superhéroes. J.U. #####

UPGRADE

MULA (The Mule) EE UU, 2018; Dirección: Clint Eastwood; Producción: Clint Eastwood, Dan Friedkin y Jessica Meier; Fotografía: Yves Bélanger; Guion: Sam Dolnick y Nick Schenk; Música: Arturo Sandoval; Intérpretes: Clint Eastwood (Earl Stone), Bradley Cooper (Agent Colin Bates), Laurence Fishburne (Special Agent in Charge), Michael Peña (Agent Treviño); Duración: 116 min.; Estreno en EE UU: 14-12-2018; Estreno en España: 8-3-2019; Distribuye: Warner Bros; Reportaje en Nº 1903

SINOPSIS Un hombre de 90 años es convencido por un cartel de traficantes para que lleve su mercancía a través de la frontera, convirtiéndose en mula para el cartel, la más insospechada que podamos encontrar.

PARA RECORDAR Clint Eastwood sigue teniendo una presencia en pantalla que para sí quisieran los más jóvenes del lugar, sobre todo algunas estrellas de Hollywood que nunca estarán en la misma liga que el cineasta, que parecía retirado para la interpretación, pero ha encontrado un papel a su medida. Además, sigue teniendo un pulso narrativo que debería ser estudiado por cualquiera que esté empezando en esto del cine. Por supuesto, Eastwood no es ni mucho menos tonto, y se rodea de un reparto realmente espectacular, liderado por Bradley Cooper, pero con nombres como Andy García, Laurence Fishburne, Michael Peña, Dianne Wiest, Taissa Farmiga o Clifton Collins Jr., que conforman uno de esos repartos llenos de grandes actores, y no solo de grandes nombres.

PARA OLVIDAR El regreso de Eastwood delante de las cámaras merecía algo mucho mejor a nivel de guion. La historia, basada en hechos reales, es sencilla, y no requiere de los artificios emocionales que el guionista le aplica al relato. En el último tercio de película, pega un volantazo, abandona el humor irreverente (las moteras, la familia afroamericana…) para apostar por el drama más noño, sensiblero y empalagoso. Como si fuese una película totalmente distinta. Y además desaprovecha a actores como García o Fishburne, que parecen hacer un cameo, en realidad.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Más cerca de Gran Torino que de Mystic River, aunque sin la gracia ni el alma de la primera.

Australia, 2018; Dirección: Leigh Whannell; Producción: Jason Blum, Kylie Du Fresne y Brian Kavanaugh-Jones; Fotografía: Stefan Duscio; Guion: Leigh Whannell; Música: Jed Palmer; Intérpretes: Logan Marshall-Green (Grey Trace), Melanie Vallejo (Asha Trace), Steve Danielsen (Jeff Handley), Abby Craden (Kara); Duración: 100 min.; Estreno en Australia: 14-6-2018; Estreno en España: 8-3-2019.

SINOPSIS Tras un accidente provocado, un hombre queda postrado en una silla de ruedas y se presenta voluntario a un procedimiento científico para mejorar su situación que acabará resultando en una peligrosa transformación de sus capacidades y naturaleza.

PARA RECORDAR Leigh Whannell nos propone un festival de cine de género con marcado estilo de celebración de personajes, conflictos y estilo de las historias de serie B, pero al mismo tiempo sacando pecho en lo referido a disfrutar de todas las claves y tópicos del género como forma de entretenimiento perfectamente capaz de proponernos un inteligente y completo viaje por el lenguaje visual de este tipo de productos. Guionista en títulos del género de terror celebrados por el público en los últimos tiempos y afincados en la filmografía de James Wan, como Saw o Insidious, en los que además se ha prodigado como actor, Whannel sabe de lo que habla y sabe cómo jugar con el espectador para trabajar esos lugares comunes homenajeando clásicos como Terminator o Blade Runner, al mismo tiempo que abunda en las raíces literarias del género, cortejando referencias a la novela Frankenstein. Esa especie de ejercicio de metacine no le impide darse el gusto de proponernos unas brutales secuencias de acción capaces de hacernos saltar de complicidad en la butaca.

PARA OLVIDAR Nada.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Tiene todo el aroma de los pequeños clásicos de la ciencia ficción y el terror, como 1997: rescate en Nueva York, Terminator, Hidden (Lo oculto)…, o incluso Asalto a la comisaría del distrito 13 del maestro Carpenter.

EN CONCLUSIÓN Promete en su arranque más de lo que ofrece. El guion necesitaba un par de vueltas más, y quitar todo el melodrama de la parte final. J.U.

EN CONCLUSIÓN Redescubrimos con ella el placer de la serie B libre, tratada con dignidad de serie A, como argumento de entrenamiento y evasión, con un presupuesto de cinco millones de dólares. M.J.P.

#####

#####

DRAGGED ACROSS CONCRETE Canadá y EE UU, 2018; Dirección: S. Craig Zahler; Producción: Sefton Fincham, Jack Heller y Tyler Jackson; Fotografía: Benji Bakshi; Guion: S. Craig Zahler; Música: Jeff Herriott, The O'Jays y S. Craig Zahler; Intérpretes: Jennifer Carpenter (Kelly Summer), Mel Gibson (Brett Ridgeman), Vince Vaughn (Anthony Lurasetti), Laurie Holden (Melanie Ridgeman); Duración: 159 min.; Estreno en EE UU: 22-32019; Estreno en España: 8-3-2019

SINOPSIS Dos policías limpios se inclinan a la corrupción con resultados catastróficos.

PARA RECORDAR S. Craig Zahler, director de Bone Tomahawk y Brawl in Cell Block 99, mejora ambas en esta nueva película como director donde se posiciona como un realizador esencial del cine de género de acción dispuesto a reformular el lenguaje de géneros como el wéstern o el policíaco, que de un modo u otro siempre acaban hibridándose en sus propuestas. En esta ocasión, el enfrentamiento final entre protagonistas y antagonistas no deja de recordarme el desenlace de tiroteo final con el que Howard Hawks cerrara su clásico del wéstern Río Bravo, si bien en la película encontramos desde el primer momento una clara decantación por el género policíaco al que sirve fielmente y con personalidad propia, respaldado por un papel que finalmente hace honores al talento de Mel Gibson y saca el máximo partido a su asociación con Vince Vaughn y Laurie Holden. Zahler sigue sacando todo el jugo a la solidez de sus guiones y a su peculiar manera de cruzar personajes interesantes por separado, que se refuerzan actuando en conjunto, algo que ya le hemos visto hacer en sus dos películas anteriores.

PARA OLVIDAR Nada.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Bone Tomahawk, Brawl in Cell Block 99, Comanchería.

EN CONCLUSIÓN Buena mezcla de lo brutal convertido en estallido entre lo cotidiano –la historia de la madre y el niño–, el momento de la llave y el estómago, en la solución del tema de la orina en la furgoneta, o aún más interesante, en esa agresión con sordina pero igualmente brutal que sufre en la calle la adolescente y sirve como uno de los puntos de arranque de la trama. M.J.P. #####

MIRAI, MI HERMANA PEQUEÑA (Mirai no Mirai-chan) Japón, 2018; Dirección: Mamoru Hosoda; Producción: Yûichi Adachi, Takuya Itô y Genki Kawamura; Guion: Mamoru Hosoda; Música: Masakatsu Takagi; Duración: 98 min.; Estreno en Japón: 20-7-2018; Estreno en España: 15-3-2019; Distribuye: Sherlock Films.

SINOPSIS Mirai, una bebé recién nacida, acapara todo el centro de atención de sus padres. Kun, su hermano mayor de cuatro años, molesto por la situación, comienza a tener experiencias en su hogar que jamás ha sentido. Todo cambia cuando su hermana adolescente viaja en el tiempo para encontrarse con él y vivir una mágica e inimaginable aventura que le hará ver las cosas desde otra perspectiva.

PARA RECORDAR Como en la mayoría sus trabajos, Hosoda sabe plasmar y conseguir naturalidad en sus personajes, haciendo al espectador sentirse identificado con ellos en muchos momentos, sobre todo el sentimiento de celos y dependencia que cualquiera que ha tenido un hermano menor ha sentido, y también para aquellos que hayan sido padres. A sus cosas buenas se le pueden añadir la animación, la sencillez de la historia, así como la forma de llegar a su final a través de los diferentes viajes en el tiempo, viviendo momentos de la vida de los familiares del protagonista.

PARA OLVIDAR El principal problema reside en el ritmo de la cinta, pausado y lento sobre todo al comienzo, le cuesta arrancar y consigue una mayor fluidez, pero ya sobrepasando casi un tercio de su duración. Aunque los viajes en el tiempo están bien conseguidos, su formato es un tanto repetitivo, lo que sigue un mismo patrón durante la mayor parte del metraje que a la larga no sorprende. Su BSO es poco destacable.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Los niños lobo o La chica que saltaba a través del tiempo de Mamoru Hosoda.

EN CONCLUSIÓN Sencillo largometraje, cercano y familiar, lejos de otras obras del cineasta. C.M. #####

BEAUTIFUL BOY, SIEMPRE SERÁS MI HIJO

ESCAPE ROOM

(Beautiful Boy)

EE UU y Canadá, 2019; Dirección: Adam Robitel; Producción: Ori Marmur y Neal H. Moritz; Fotografía: Marc Spicer; Guion: Bragi F. Schut y Maria Melnik; Música: John Carey y Brian Tyler; Intérpretes: Taylor Russell (Zoey Davis), Logan Miller (Ben Miller), Deborah Ann Woll (Amanda Harper), Jay Ellis (Jason Walker); Duración: 99 min.; Estreno en EE UU: 4-1-2019; Estreno en España: 15-3-2018; Distribuye: Sony; Reportaje en Nº 1903

EE UU, 2018; Dirección: Felix van Groeningen; Producción: Dede Gardner, Jeremy Kleiner y Brad Pitt; Fotografía: Ruben Impens; Guion: Luke Davies, Felix van Groeningen y David Sheff; Intérpretes: Steve Carell (David Sheff), Timothée Chalamet (Nic Sheff), Maura Tierney (Karen Barbour), Amy Ryan (Vicki); Duración: 120 min.; Estreno en EE UU: 12-10-2018; Estreno en España: 15-3-2019; Distribuye: Diamond Films.

SINOPSIS Un grupo de personas, sin conexión aparente entre ellas, accede a participar en una singular y misteriosa experiencia de escape room. El reto consiste en ir avanzando por un laberinto de habitaciones temáticas, siempre a través de enigmas y códigos ocultos. La única pega reside en que el fallo en cada uno de los retos sentencia a la muerte a alguno de los jugadores.

SINOPSIS David Sheff (Steve Carell) siempre ha tenido una relación muy estrecha con su hijo Nic (Timothée Chalamet). Desde que su pequeño nació, el citado periodista siente como si su vástago fuera una proyección de él mismo.

Sin embargo, sufre un duro revés cuando el chaval alcanza la adolescencia. En esa época de cambio y rebeldía, Nic comienza a consumir drogas, lo que provoca el preocupante distanciamiento con su padre.

PARA RECORDAR Adam Robitel desarrolla un engranaje sorprendente, en el que los decorados marcan el ritmo de la historia. El cineasta de Insidious: la última llave enfoca la atención en la sorprendente puesta en escena, y en los continuos obstáculos que encuentran los protagonistas para sobrevivir a la angustiosa jornada de escape room a la que están siendo sometidos.

PARA OLVIDAR El descafeinado desenlace que ofrece el filme, después de haber acelerado el pulso del personal a base de movimiento frenético. El guion muestra una increíble inoperancia a la hora de plantear una salida digna a una película que desborda imaginación en la mayor parte de su metraje.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Aunque los parecidos más razonables se sitúan entre Cube y la saga macabra de Saw, existe una especie de hilo conector con la trama homicida y la inteligencia agresiva de La cabaña en el bosque.

EN CONCLUSIÓN Robitel da rienda suelta a su creatividad, en una película que entretiene y mantiene la tensión hasta casi su desenlace. Con la complicidad del plantel de actores, el cineasta compone una obra coral que contribuye a testar la excelente salud del terror de nueva hornada. Un género que, a través de ciertos títulos, empieza a propagar que el abuso de efectos digitales no es la única solución de cara a la taquilla. J.M. #####

PARA RECORDAR El belga Felix van Groeningen realiza un retrato voluntariamente academicista de la caída en el mundo de las drogas del inteligente Nic. Una opción que permite proyectar la atención dramática sobre las interpretaciones de Steve Carell y Timothée Chalamet. El duelo mantenido entre Carell y Chalamet se convierte, de esta forma, en el principal valor para escenificar la tragedia existencial que plantea el argumento.

PARA OLVIDAR El tono algo plano que desarrolla la película, y que no se aleja mucho del orquestado por otras producciones con semejante factura temática. No existen notables diferencias entre lo que exhibe Van Groeningen y lo que se puede contemplar en muchos de los filmes sobre los efectos de la drogadicción en el seno familiar.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Resulta extraño, pero el estreno de Beautiful Boy casi coincide en fechas y salas con el de un largometraje con una historia bastante parecida, y que lleva por título El regreso de Ben. EN CONCLUSIÓN Van Groeningen podría haber sacado mejor partido de los elementos con los que contaba desde el inicio, para intentar crear una obra más impactante. A esto se suma el efecto un tanto obsesivo por documentar cada una de las recaídas y recuperaciones del personaje de Chalamet, lo que resta ritmo y contundencia al guion. J.M. #####

GINTAMA

EL GORDO Y EL FLACO

(Gintama: Benizakura hen)

(Stan & Ollie)

Japón, 2017; Dirección: Yûichi Fukuda; Producción: Susumu Hieda y Shinzô Matsuhashi; Fotografía: Tetsuya Kudô y Yasuyuki Suzuki; Guion: Hideaki Sorachi y Yûichi Fukuda; Música: Eishi Segawa; Intérpretes: Shun Oguri (Gintoki Sakata), Masami Nagasawa (Tae Shimura), Masaki Okada (Kotaro Katsura), Yûya Yagira (Toshiro Hijikata); Duración: 131 min.; Estreno en Japón: 14-7-2017; Estreno en España: 15-3-2019; Distribuye: Mediatres

Reino Unido, Canadá y EE UU, 2018; Dirección: Jon S. Baird; Producción: Faye Ward; Fotografía: Laurie Rose; Guion: Jeff Pope y 'A.J.' Marriot; Música: Rolfe Kent; Intérpretes: Steve Coogan (Stan Laurel), John C. Reilly (Oliver Hardy), Nina Arianda (Ida Kitaeva Laurel), Shirley Henderson (Lucille Hardy); Duración: 98 min.; Estreno en Reino Unido: 11-1-2019; Estreno en España: 15-3-2019; Distribuye: eOne; Reportaje en Nº 1903

SINOPSIS La trama se desarrolla en un tiempo en el que los aliens han conquistado el Japón feudal, cambiándolo a su antojo y prohibiendo las espadas, lo que complica bastante a un joven samurái poder ganarse la vida y encontrar trabajo.

SINOPSIS Stan Laurel y Oliver Hardy, célebres cómicos de la etapa muda y el primer cine sonoro, intentan sacarle brillo a los últimos retazos de su estrellato, en el ocaso de sus carreras, con una gira por Inglaterra que pondrá a prueba su amistad.

PARA RECORDAR Es evidente que el aire de parodia está presente en toda la película, como también lo estaba en el manga y en el anime. La película es un viaje de referencias satíricas, humor salvaje y momentos que se parecen más a una película de animación que a una película de imagen real. El tono irreverente hace que nadie se lo tome en serio, ni siquiera los responsables de la película o los miembros del reparto, que cumplen con creces en lo que se espera de ellos.

PARA RECORDAR Steve Coogan como Stan Laurel y John C. Reilly como Oliver Hardy son la mejor propuesta de esta película que acierta a desarrollarse como un relato del ocaso del estrellato de estas dos figuras del humor, poniendo a la vista sus miserias y su humanidad. Es un relato de juguetes rotos y fama efímera para los protagonistas, que se ven desbordados por el paso del tiempo y sustituidos por otros dúos cómicos que en esencia se lo deben todo a ellos, y en ese territorio, Coogan se desenvuelve con gran talento para mostrarnos la dignidad en el momento de la decadencia simplemente con una mirada o un intento de seguir explotando los viejos chistes del payaso caído en desuso.

PARA OLVIDAR Está concebida única y exclusivamente para los fans del material original. La película no tiene foco ni historia la mayor parte del tiempo, y deambula entre gag y gag, algunos de dudoso valor cómico, demasiado empeñada en sus referencias a la cultura popular, y no en hacer que los ajenos al manga se sientan atraídos por la película. Los efectos visuales son mediocres muchas veces, y por mucho que intente ser salvaje o rompedora, muchas otras películas niponas han sido capaces de llevar sus historias a límites surrealistas con los que Gintama no es capaz de soñar. Es decir, que en lo que más destaca ni siquiera es capaz de brillar. Y, por momentos, es aburrida.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Parece a veces que quiere ser una marcianada de Takashi Miike, como La voluntad de los dioses o Yakuza Apocalypse, pero que queda a mitad de camino.

PARA OLVIDAR El habitual juego de maquillaje de la realidad que caracteriza a este tipo de propuestas de biografías de estrellas, aunque el trabajo de los actores otorgando humanidad a sus personajes minimiza el efecto de esta pega. Algo previsible, incluso sin conocer la vida de estos dos grandes cómicos.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Chaplin, Las estrellas de cine no mueren en Liverpool.

EN CONCLUSIÓN Los fans disfrutarán la película sin lugar a dudas, y para ellos está dedicada. Los no tan fans posiblemente se encuentren descolocados, confusos y aburridos por momentos. J.U.

EN CONCLUSIÓN Buena película que sabe mantenerse lejos y ajena a las trampas del melodrama fácil y se construye como una visita interesante a la idea de la fama venida a menos y la facilidad con la que el público no perdona que sus estrellas favoritas se muestren víctimas del paso del tiempo. M.J.P.

#####

#####

DOLOR Y GLORIA España, 2019; Dirección: Pedro Almodóvar; Producción: Agustín Almodóvar y Esther García; Fotografía: José Luis Alcaine; Guion: Pedro Almodóvar; Música: Alberto Iglesias; Intérpretes: Antonio Banderas (Salvador Mallo), Asier Etxeandia (Alberto Crespo), Leonardo Sbaraglia (Federico), Nora Navas (Mercedes); Duración: 113 min.; Estreno en España: 15-3-2019; Distribuye: Sony; Reportaje en Nº 1903

SINOPSIS Un director de cine en el ocaso de su carrera, aquejado de una enfermedad que le debilita, se reencuentra con su pasado, ya sea en forma de recuerdos o en carne y hueso, y repasa su vida desde niño hasta día de hoy.

PARA RECORDAR Una de las cosas que no podemos negar de la película es que Pedro Almodóvar se desnuda para el público y expone quién es realmente, quiénes son los fantasmas que caminan a su lado, sus miedos, sus complejos, su pasado y su presente. Una película autobiográfica en la que ofrecer su particular visión no solo del mundo, sino de su persona, sin filtros y ofreciéndole a Antonio Banderas uno de los mejores papeles de su carrera (por si alguien duda lo que digo, Banderas usa hasta el peinado de Almodóvar).

Además hay nombres con suficiente enjundia para que el reparto destaque, ya sea por la presencia de un siempre magnífico Asier Etxeandia, Penélope Cruz, Leonardo Sbaraglia, Julieta Serrano o una maravillosa Nora Navas. Eso sin contar cameos o apariciones especiales. La película tiene poso y un aire de humildad, de lección aprendida y de enorme honestidad.

PARA OLVIDAR Hay dos problemas que hacen que la película no sea la obra maestra que algunos dicen. El primero, tanta aparición especial distrae, porque no aporta más que unos breves instantes de reconocer un rostro… Y el guion recurre demasiadas veces (pero demasiadas) a las casualidades, hasta resultar desesperante.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Los abrazos rotos, La mala educación, Volver… Aunque es más autobiográfica todavía.

EN CONCLUSIÓN Cuando el irregular guion lo permite, Dolor y Gloria es un relato poderoso, vibrante, sincero, devastador y esperanzador. Un viaje al corazón del cineasta que tiene momentos realmente maravillosos, pese a los defectos y las casualidades. J.U.

NOSOTROS (Us) EE UU y Japón, 2019; Dirección: Jordan Peele; Producción: Jason Blum, Ian Cooper y Jordan Peele; Fotografía: Mike Gioulakis; Guion: Jordan Peele; Música: Michael Abels; Intérpretes: Lupita Nyong'o (Adelaide Wilson / Red), Winston Duke (Gabe Wilson / Abraham), Elisabeth Moss (Kitty Tyler / Dahlia), Tim Heidecker (Josh Tyler / Tex); Duración: 116 min.; Estreno en EE UU: 22-3-2019; Estreno en España: 22-3-2019; Distribuye: Universal.

SINOPSIS Una niña se pierde durante unas horas al entrar en un laberinto de una feria del que sale totalmente cambiada.

PARA RECORDAR Claramente superior a Déjame salir, entre otras cosas porque al contrario que esta no afloja en su tercer acto ni se desmiente a sí misma, sino que mantiene bien el tipo frente a la propuesta que hace en su principio. No es una película de sustos, sino de intriga inquietante con momentos de violencia salvaje que al mismo tiempo sabe introducir dosificadas pinceladas de humor para implicar al espectador en el juego de la ficción y el género al que pertenece. Visualmente, el director supera su película anterior con una puesta en escena y propuestas que claramente juegan con la baza de hacer del espectador su compañero de viaje, de manera que no importe tanto ese giro final de sorpresa al estilo Shyamalan, sino más bien lo contrario. Creo que el director cuenta con que vamos a desvelar desde el principio el significado de lo que es el final, como queda aclarado con ese plano de los conejos en la jaula. No busca sorprender, al contrario que Shyamalan, y dirige mejor que este.

PARA OLVIDAR Nada. Una de las mejores que vamos a ver este año.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Mejora Déjame salir y es mucho mejor que todas las películas de La purga.

EN CONCLUSIÓN No busca el susto, sino la inquietud, para abordar un tema que tiene su segunda lectura de carácter social aludiendo a la situación en Estados Unidos, ese país que no hace mucho, un día, se despertó descubriendo una desagradable identidad oculta en su personalidad. M.J.P. #####

#####

DUMBO

EMBOSCADA FINAL

EE UU, 2019; Dirección: Tim Burton; Producción: Katterli Frauenfelder, Derek Frey y Ehren Kruger; Fotografía: Ben Davis; Guion: Helen Aberson, Ehren Kruger y Harold Pearl; Música: Danny Elfman; Intérpretes: Colin Farrell (Holt Farrier), Michael Keaton (V. A. Vandevere), Danny DeVito (Max Medici), Eva Green (Colette Marchant); Duración: 112 min.; Estreno en EE UU: 29-3-2019; Estreno en España: 29-3-2019; Distribuye: Disney; Reportaje en Nº 1903

(The Highwaymen)

SINOPSIS Un circo en horas bajas recibe como regalo del destino el nacimiento de un pequeño elefante que tiene la capacidad de volar y se convierte en una codiciada atracción para los feriantes más poderosos del negocio.

PARA RECORDAR Acierto total de Tim Burton en la maniobra, nada fácil, de acercar el dibujo animado de Dumbo a sus inquietudes personales como cineasta, imponiendo rasgos de autor en lo que por otra parte es, eminentemente, un trabajo de encargo. Hay buen cine en esta película, plano por plano (por ejemplo, en la presentación del personaje de Farrell saliendo de la niebla) y la firma de Burton sale adelante por encima de la premisa argumental del elefante volador, que es reducida al máximo para bien del conjunto. El largometraje se centra así más en los personajes humanos que en la mascota de las orejas hipertrofiadas, lo que aporta la posibilidad al director de poder jugar con actores como Danny De Vito, lo mejor de la película, o Michael Keaton, con los que tiene una especial química por trabajos anteriores en común. Es hábil haciendo uso de la sugerencia, en lugar de mostrar abiertamente, a la hora de tratar el vínculo sentimental que se establece entre los personajes de Farrell y Green.

PARA OLVIDAR Afloja algo en su desenlace, puro despliegue visual de espectáculo con efectos especiales pasados de vueltas, y al que se le ocurrió la idea de poner a Eva Green a horcajadas encima del elefante tendría que hacérselo mirar, porque es quizá el momento más ridículo del cine que vamos a ver este año.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Las dos versiones en imagen real de El libro de la selva. Mejor que Alicia en el país de las maravillas.

EN CONCLUSIÓN Buena.

M.J.P. #####

EE UU, 2019; Dirección: John Lee Hancock; Producción: Casey Silver; Fotografía: John Schwartzman; Guion: John Fusco; Música: Thomas Newman; Intérpretes: Kevin Costner (Frank Hamer), Woody Harrelson (Maney Gault), Kathy Bates (Ma Ferguson), John Carroll Lynch (Lee Simmons); Duración: 132 min.; Estreno en EE UU: 29-3-2019; Estreno en España: 29-3-2019; Distribuye: Netflix.

SINOPSIS Dos veteranos agentes de la ley se aplican a la caza de Bonnie y Clyde, enemigos públicos del momento.

PARA RECORDAR Característica positiva de algunas producciones de Netflix en los últimos tiempos, que comparte este largometraje con el tipo de cine que dominaba en los años setenta, es la variedad de géneros, respetando las claves de estos. Aquí destaca especialmente la manera de sacarle jugo al cruce de policiaco tipo relato publicado en las revistas pulp cruzado con paisajes y recursos visuales de wéstern. Lo cual es una gozada para el espectador.

Si encima cuenta con Kevin Costner y Woody Harrelson, dos máquinas cuando les dan este tipo de personajes, hay momentos que incluso recuerdan el cine clásico de gánsteres de los treinta y el cine negro de los cuarenta. Que esta película haya costado solo 49 millones de dólares me hace concebir esperanzas de que puedo seguir encontrándome con cine que me gusta y variedad de propuestas lejos de la pirotecnia visual de las grandes franquicias.

PARA OLVIDAR Puede decaer algo en algunos aspectos a medida que se acercan al desenlace. Es algo que lamentablemente también comparten las producciones Netflix, que en general suelen tener mejor desempeño en el arranque y su parte media, primer y segundo acto, que en el tercer acto.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… No esperen una variante de Bonnie and Clyde, la película de Arthur Penn. No va por ahí. Esta juega más, y mejor, en la liga de La brigada del sombrero, La Dalia Negra, Corazones solitarios, El último hombre.

EN CONCLUSIÓN Yo la he gozado mucho y bien, qué quieren que les diga. M.J.P. #####

ROSE LESLIE

RICHARD MADDEN

(Rose Eleanor Arbuthnot-Leslie)

(Richard Robert Madden)

9 de febrero de 1987, Aberdeen, Escocia, Reino Unido.

Altura: 1,68 metros.

Estado civil: Casada, desde el 23 de junio de 2018, con su compañero de reparto en Juego de tronos, Kit Harington, a quien conoció durante el rodaje de la serie.

Debut profesional: Como parte de la nobleza escocesa, al ser su padre jefe del clan Leslie, la joven actriz podía haberse decantado por una vida de lujos alejada de las cámaras, pero tras acabar los estudios en el instituto, la actriz decidió probar suerte y fue admitida en la London Academy of Music and Dramatic Art donde estudió tres años. Comenzó en la BBC Radio, y en 2008 empezó en televisión con Encarcelados en el extranjero. En 2012 debutó en cine con Ahora y siempre.

Personajes: Ha sido Ygritte en Juego de tronos, claro, pero además ha sido Gwen en Downton Abbey, Emma Lane en Luther y, ahora, Maia Rindell en The Good Fight.

Premios: En 2009 ganó un Bafta escocés por su papel en la TV movie New Town.

Filmografía básica: Ahora y siempre (2012), Honeymoon (2014), Juego de tronos (2012-2014), Downton Abbey (2010-2015), El último cazador de brujas (2015), Sticky Notes (2016), Morgan (2016), Luther (2015), The Good Fight (2017-2019).

Frases: “Cuando me marché de Downton Abbey en 2010, todavía no había despegado y no se había convertido en el fenómeno que es ahora, en estos momentos. Todo eso pasó después de mi marcha, pero fue fabuloso formar parte de ello y del reparto”. ¿Sabías que…? Cuando se graduó de la LAMDA lo hizo especializándose en combate en el escenario.

Ha puesto voz a la protagonista del videojuego Echo.

Es prima lejana, por parte de la nobleza escocesa, de Olivia Wilde.

18 de junio de 1986, Elderslie, Renfrewshire, Escocia.

Altura: 1,77 metros.

Estado civil: Soltero, ha mantenido relaciones con Jenna Louise Coleman, Suki Waterhouse, Laura Whitmore o, más recientemente, Ellie Bamber.

Debut profesional: Con apenas once años se apuntó a un grupo juvenil de teatro, intentando superar su timidez, lo que le llevó a conseguir sus primeros trabajos profesionales. Pero además siguió estudiando según crecía, con su paso por la Royal Scottish Academy of Music and Drama de Glasgow, donde se graduó en 2007. Con apenas trece años debutó en la serie Barmy Aunt Boomerang, en 1999, y un año después en cine con Complicity.

Personajes: Desde el Sebastian de Barmy Aunt Boomerang, muchas cosas han pasado. Fue Dean McKenzie en Hope Springs, y Ashley Greenwick en Sirens antes de convertirse en Robb Stark en Juego de tronos. Y ahora David Budd en Bodyguard, después de dar vida a Cosimo en Los Médici.

Premios: En 2019 ha ganado el Globo de Oro al Mejor Actor protagonista de serie de televisión por Bodyguard.

Filmografía básica: Complicity (2000), Barmy Aunt Boomerang (1999-2000), Hope Springs (2009), Chatroom (2010), Sirens (2011), Juego de tronos (2011-2013), La promesa de Patrice Leconte (2013), Klondike (2014), Cenicienta (2015), Asalto en París (2016), Los Médici: señores de Florencia. El Magnífico (2016), Ibiza (2018), Bodyguard (2018-¿?), Rocketman (2019).

Frases: “Google es el enemigo. Le recomendaría que lo evitase a cualquiera que disfrute de una serie como Juego de tronos. Te destripan demasiadas líneas argumentales”.

“Me siento como un principiante que solo quiere mejorar en lo que hace”. ¿Sabías que…? El actor ha protagonizado la saga de videojuegos Castlevania Lord of Shadows, poniendo voz a Trevor Belmont.

IWAN RHEON

MAISIE WILLIAMS

13 de mayo de 1985, Carmarthen, Carmarthenshire, País de Gales, Reino Unido.

Altura: 1,73 metros.

Estado civil: Soltero, pero desde hace muchos años mantiene una relación con la actriz, música y cineasta Zoe Grisedale, con quien tuvo un hijo en agosto de 2018 y con quien sigue saliendo.

Apodo: Sus compañeros de Misfits le llamaban Iwanny, y también Wales (Gales).

Debut profesional: Empezó a actuar en su adolescencia, participando desde los 17 años en obras del instituto, justo antes de ser fichado para su primer trabajo profesional. Pero antes ya había sido parte de una banda de punk desde los quince años, dando rienda suelta a su otra pasión, la música. Fue descubierto en el National Eisteddfod of Wales y luego estudió en la London Academy of Music and Dramatic Art. Debutó con 19 años en la serie galesa Pobol y Cwm, y en 2011 en cine con Resistencia.

Personajes: Por supuesto, es el odiado Ramsay Bolton en Juego de tronos, y para muchos siempre lo será. Otros le descubrieron en Misfits, dando vida a Simon Bellamy, en Vicious como Ash Weston, en Riviera como Adam, o en la fallida Inhumanos como Maximus.

Premios: No ha sido nominado a ningún premio de relevancia.

Filmografía básica: Resistencia (2011), Pobol y Cwm (2004), Misfits (2009-2011), Wild Bill (2011), The Rise (2012), Libertador (2013), Residue (2015), Charlotte’s Song (2015), Juego de tronos (2013-2016), Sum1 (2017), Riviera (2017-¿?), Inhumans (2017), The Dirt (2019), Hurricane (2018).

Frases: “Cuando era un adolescente, quería ser estrella de rock, no actor. Significa que puedo hacer lo que quiera con mis propias condiciones”. ¿Sabías que…? Sigue trabajando como músico, y de hecho antes de actuar, cantaba en una banda que tocaba en bodas, en 2004. Tras varios EP, en 2015 lanzó su primer álbum.

(Margaret Constance Williams) 15 de abril de 1997, Bristol, Inglaterra, Reino Unido.

Altura: 1,55 metros.

Estado civil: Soltera, aunque se cree que en una relación con el director de comunicaciones Reuben Selby, lo que significaría que su noviazgo con Ollie Jackson terminó hace tiempo.

Deportes favoritos: Sigue diciendo que la danza es el amor de su vida.

Debut profesional: Enamorada de la danza desde niña, ahora lleva años practicándola, pero por el camino la interpretación apareció en su vida casi sin pensarlo, cuando en uno de los castings que se hicieron para buscar jóvenes actores para el reparto de Juego de tronos, fue elegida para dar vida a Arya Stark. La actriz continuaría con sus estudios también en el Bath Dance College de interpretación. Pero su debut en televisión fue con Juego de tronos en 2011, y en 2013 en cine con Bajo un sol abrasador.

Personajes: No solo es Arya Stark en Juego de tronos, sino que además ha podido ser un personaje recurrente en Doctor Who, Ashildr.

Premios: Nominada al Emmy en 2016 por su papel en Juego de tronos. Ganadora de un premio Saturn en 2015 por la serie.

Filmografía básica: Bajo un sol abrasador (2013), Gold (2014), Juego de tronos (2011-2019), The Falling (2014), Doctor Who (2015), El libro del amor (2016), iBoy (2017), Mary Shelley (2017), Then Came You (2018), Los nuevos mutantes (2019).

Frases: “Es guerrera, algo rebelde, un poco chicazo, también es valiente y piensa con rapidez. Quiere ser oída, pero su visión del mundo es demasiado en blanco y negro… ¡Un poco como yo, la verdad” (sobre Arya). ¿Sabías que…? Practica diversos tipos de baile, como teatro musical, ballet, pointe, claqué o estilo libre, además de practicar gimnasia y trampolín.

Gran amiga de Sophie Turner, su hermana en la ficción.

Series de T.V.

FICHA TÉCNICA Creador: Beau Willimon, basado en la serie Castillo de naipes de Andrew Davies y la novela del mismo título de Michael Dobbs.

Género: Thriller político.

Música: Jeff Beal.

Emisión en todo el mundo: 1 de febrero de 2013-2 de noviembre de 2018, Netflix.

Reparto: Robin Wright (Carrie Underwood), Michael Kelly (Doug Stamper), Kevin Spacey (Frank Underwood), Derek Cecil (Seth Grayson), Jayne Atkinson (Catherine Durant), Nathan Darrow (Edward Meechum), Mahershala Ali (Remy Danton), Boris McGiver (Tom Hammerschmidt), Paul Sparks (Thomas Yates), Molly Parker (Jackie Sharp), Neve Campbell (Leann Harvey), Elizabeth Marvel (Heather Dunbar), Constance Zimmer (Janine Skorsky), Rahcel Brosnahan (Rachel Posner), Joel Kinnaman (Will Conway), Reg E. Cathey (Reggie), Kate Mara (Zoe Barnes).

Sinopsis: Historia de la familia política Underwood, compuesta por Frank y Carrie, un matrimonio con un plan elaborado desde mucho tiempo atrás para conseguir un objetivo, llegar a la Casa Blanca y convertirse en las personas más poderosas del planeta.

Para ello, no se detendrán ante nada. Chantaje, extorsión, engaños…, ¿incluso asesinato? Una mirada despiadada al mundo de la política norteamericana y a los cambios recientes en nuestra sociedad, desde un punto de vista cínico y satírico.

• Castillo de naipes era una de las series más respetadas de Reino Unido en los noventa, creada por Andrew Davies, basada en la novela de Michael Dobbs, y que se convirtió en un referente televisivo de la época. La serie, protagonizada por Ian Richardson, seguía la historia del político Frank Urquhart, un tipo que vendería a su familia completa con una sonrisa, por seguir en el poder. La miniserie tuvo tal éxito que se continuó con otras dos, To Play the King y The Final Cut, que seguían el ascenso en la vida política de Urquhart y su particular forma de ver el mundo y de contárnoslo. En el momento en el que Netflix estaba comenzando a lanzar su universo de series originales, se alió con Sony y el director David Fincher, que habían colaborado juntos en Millenium: los hombres que no amaban a las mujeres, la versión americana de las novelas de Stieg Larsson. Netflix quería dar un golpe de efecto en el mundo de las series de televisión, con una serie nueva que contase con un espectacular reparto, digno del cine, y un director del mismo nivel.

• La serie supuso, junto a Orange is the New Black, la presentación en sociedad de Netflix como creadora de contenido, tras los titubeantes inicios con Hemlock Grove, por ejemplo. House of Cards se iba a convertir en uno de los buques insignia de la compañía de streaming, que buscaba hacerse un nombre también como creadora y no solo como distribuidora. Evidentemente, Netflix lo que hacía y hace es comprar productos a las distintas productoras y distribuidoras, pero ahora con un componente creativo, siendo parte del proceso, financiando y concibiendo. Era el salto al mundo de Netflix que conocemos hoy en día.

• Para levantar el proyecto, además de Fincher produciendo la serie y dirigiendo los primeros episodios, se contó con Beau Willimon,

HOUSE OF CARDS

guionista casi desconocido entonces, que había destacado con Los idus de marzo, por la que fue nominado al Oscar junto a George Clooney y Grant Heslov, y que tenía una historia muy peculiar. Él mismo había trabajado en varias campañas electorales al acabar los estudios, escribiendo discursos, por ejemplo. Posteriormente, decidió estudiar para dedicarse al teatro, el cine y la televisión como guionista, y debutó con una obra de teatro, tras pasar por mil trabajos muy peculiares, que estaba basada en sus experiencias en política. Poco después llegó el guion de la película y la posibilidad de ponerse al frente de la serie, durante sus cuatro primeras temporadas, como showrunner. Al acabar ese plazo se marchó, lo que muchos achacaron a una tensa relación con algunos de los protagonistas, que le había llevado de escribir muchos de los episodios de la serie, a apenas dos en su última temporada.

• Por supuesto, todo el mundo recuerda que, tras cinco años como serie estrella de Netflix, adorada por crítica y público, aunque sin ser un producto de consumo masivo, sufrió el mayor de los varapalos. Su protagonista, Kevin Spacey, en mitad del rodaje de la sexta temporada, fue acusado de graves abusos por un actor que era menor en el momento de producirse los hechos. La producción se detuvo, Netflix despidió a Spacey y decidió rodar la temporada de cero, haciendo además que fuese la última, con Robin Wright convertida en protagonista absoluta.

Spacey lanzaría un vídeo personal dando vida al personaje de Frank Underwood poco después del estreno de la temporada…

• Una de las claves del éxito de la serie (sí, su reparto, guiones y dirección son brillantes, no nos olvidamos) son los diálogos a cámara, rompiendo la cuarta pared para dirigirse al espectador cara a cara, de tú a tú, haciéndonos partícipes directos de las tropelías de Frank. Dejábamos de ser espectadores para ser cómplices de lo que veíamos. Eso sí, ese planteamiento ya existía en el original, aunque le faltaba el nivel despiadado de los protagonistas de la serie americana. En ese sentido, tanto visual como argumentalmente, la versión americana es superior a la original británica. Más dura, más divertida, más salvaje y mucho más potente visualmente.

• El mundo de la política se dividió con House of Cards entre quienes pensaban que era exagerado y aquellos que han dicho que la propia serie se queda corta muchas veces a la hora de mostrar la política en Washington.

• Netflix, eso sí, ganó la guerras de pujas para lanzar la serie, porque se comprometió desde el principio a financiar dos temporadas, sin esperar resultados de audiencia. El coste fue de 100 millones de dólares y se estima que el resto de temporadas han costado más de 60 millones de dólares cada una, lo que supone una producción de casi cinco millones de dólares por episodio, un coste nada barato para los estándares televisivos.

J.U.

Jean Harlow

JEAN HARLOW Según afirman sus biógrafos no Harlean Harlow Carpenter, llegó a saber que se llamaba nacida el 3 de marzo de 1911 en Harlean hasta que cumplió los Kansas City, Missouri, y fallecida el cinco años y comenzó a ir a la 7 de junio de 1937 a la temprana escuela. Fue en ese momento preedad de 26 años en Los Ángeles, cisamente cuando la madre solicitó California, fue el prototipo de rubia el divorcio de su marido, que finaloxigenada sobre el que se cocinamente concedieron los tribunales ron posteriormente otras divas del con fecha 29 de septiembre de cine de similares hechuras entre 1922. En el mismo se le concedía la las cuales la más famosa sería la custodia de su hija en solitario, lo icónica Marilyn Monroe y años más que alejó a Jean Harlow de su tarde la cantante Madonna. Fue la padre, al que ella echaba de primera “rubia explosiva” que menos. Padre e hija casi no volviealcanzó el estrellato en Hollywood ron a verse posteriormente. desde los primeros balbuceos del Inicialmente los planes de cine sonoro. En esa clave incluso “Madre Jean” eran establecerse en ha sido influencia para muchos de Howard Hawks, Edmund Goulding y James Whale cooperaron en la Hollywood y comenzar su propia los rasgos que han marcado un realización de Ángeles del infierno, producción bélica carrera como actriz en el cine. personaje que ha lanzado a la fama Pero a esas alturas de su vida y contando 34 años, era considerada a otra estrella rubia más reciente: Harleen Quinzel, alias Harley ya demasiado mayor para comenzar una andadura profesional ante Quinn, interpretada por Margot Robbie. las cámaras. No obstante en la etapa en que las dos Jean estuvieron Hoy la figura de Jean Harlow no tiene el poder de reclamo como en Hollywood en esa primera ocasión, la hija estuvo matriculada en estrella que tuviera entre sus contemporáneos y que permaneció la Hollywood School for Girls, antes de que el fracaso de su madre como una huella en muchas compañeras de su oficio incluso años en abrirse paso como actriz la llevaron junto con ésta de vuelta a después de su muerte, pero en su momento de mayor éxito era una Kansas City, acosadas por problemas financieros que les impedían de las estrellas más populares de la pantalla grande. Así lo dejó refleseguir llevando su vida adelante en la Meca del Cine y tras varias jado Martin Scorsese en su crónica histórica sobre Howard Hughes, El disputas familiares que llevaron al abuelo materno de la actriz a aviador, donde Harlow fue interpretada por la cantante Gwen Stefani, amenazar a su progenitora con desheredarla si no volvían a su lugar líder del grupo No Doubt en los noventa antes de comenzar su carrera de origen. La ajetreada infancia de Jean Harlow se complicó más en solitario y acabar de jurado en el programa La Voz en la televisión cuando padeció enfermedades como polio, meningitis y escarlatina. interpreestadounidense. Dato curioso: la responsable de que Robbie Jean Harlow tenía 16 años cuando se casó por primera vez tras tara el papel que le sirvió como plataforma profesional en su carrera un breve noviazgo con un compañero del instituto, Charles Freeen Hollywood en otra película de Scorsese, El lobo de Wall Street, fue mont McGrew II, dos años mayor que ella y heredero de una adinela prestigiosa directora de casting Ellen Lewis, la misma que hizo que rada familia de Lake Forest, Illinois.

Stefani se pusiera en la piel de Jean Harlow.

La boda se celebró el 27 de septiembre de 1927 y acabó en Infancia y adolescencia: las dos Jean divorcio el 29 de enero de 1931. Su madre no se quedó atrás y el 18 Hija de un dentista económicamente bien situado, Mont Clair de enero de 1927 se casó con su novio, Marino Bello, que era el Carpenter, que había progresado socialmente merced a su profesión motivo que las había conducido a las dos Jean a establecerse en desde una familia de clase trabajaLake Forest. Significativamente, la dora, Jean tomó no obstante el hija no estuvo presente en la boda apellido artístico con el que se conde su madre, y poco después de virtió en estrella del cine de su contraer matrimonio se trasladó madre, Jean Poe Harlow, hija de un con su marido a Beverly Hills, Los adinerado agente de bienes raíces. Ángeles, para vivir en una lujosa El matrimonio de su madre con su mansión que McGrew podía permipadre había sido arreglado por el tirse porque tras cumplir 21 años padre de ella sin su consentipudo acceder a parte de su herenmiento, ya que en ese momento la cia. Marido y mujer llevaban una madre de la futura estrella de cine ajetreada vida social, pero ninguno era menor de edad. Eso marcó a la de ellos trabajaba ni estudiaba, pareja desde el principio de su vida sumidos en un ocio tirando a decacomo marido y mujer. Andando el dente, de fiesta en fiesta pero sin tiempo, la madre sería la típica dar un palo al agua, aunque sin “madre de la artista”, y como conprivarse de meterle tientos a al secuencia de ello era conocida en botella y beberse hasta el agua de Hollywood como “Madre Jean”. Las los floreros. peripecias de su famosa hija no la Empezó así un incipiente prodejaron en muy buen lugar que blema de alcoholismo en la vida de digamos debido a su carácter la joven Harlow, que no obstante sobreprotector con la joven y al iba a encontrar accidentalmente el protagonismo que se arrogaba a sí camino del estrellato cuando misma en el éxito de la carrera de acompañaba a una amiga aspisu hija. rante a actriz a una prueba de Jean Harlow era conocida reparto en las dependencias del entre sus familiares con el apodo estudio Fox. Unos ejecutivos del de The Baby, que la acompañó en lugar la “descubrieron” y tras un su círculo íntimo desde su naci- Harlow era la chica del gánster interpretado por James Cagney en inicial rechazo acabó por dejarse la taquillera Enemigo público, clásico del género. miento hasta el propio estrellato. convencer por su madre, que 2

JEAN HARLOW seguía empeñada en catar la fama gonista de Jeanette McDonald y la primera película sonora del aunque fuera de forma vicaria a maestro de la comedia Ernst través de su hija. Además Madre Lubitsch, This Thing Called Love Jean se había trasladado a Los (1929) y Noches de Nueva York Ángeles en el momento justo para (1929), que protagonizaron Norma ese arranque de la carrera de su Talmadge, estrella del cine mudo hija como actriz. que debutaba aquí en el cine Las reticencias iniciales de sonoro, y Gilbert Roland.

Jean Harlow para ponerse delante de las cámaras fueron desaparePoniéndose cómoda: ciendo a medida que era sometida a una presión creciente de su proEl salto al estrellato genitora que finalmente la convenEsa película cerró la primera ció para que dejara de rechazar etapa de la carrera de Jean ofertas y debutó, sin aparecer en Harlow como actriz desconocida los créditos, con un papel de reparto en el largometraje Honor El monstruo de la ciudad, otra película de gánster en la que Harlow atrapada en pequeñas apariciones Bound (1928). de actriz de reparto, que a veces coincidió con Walter Huston, padre del director John Huston.

El problema para la aspirante no conseguía ni siquiera que su a actriz residía en que su marido estaba totalmente en contra de que nombre apareciera en los créditos. Fue una época de cambios se dedicara a dicha profesión. Así que Harlow no tardó en estar para un Hollywood cuyas estrellas de la etapa muda veían con sometida a una doble presión en sentido contrario por parte de su sospecha y miedo la llegada del cine sonoro, lo que propició que madre y de su marido que se saldó con la madre ganando ese la novata aspirante a ser algo más que secundaria pudiera coincicombate a los puntos y el matrimonio divorciándose. Tras varios dir en repartos con algunas figuras destacadas de una forma de pequeños trabajos en cortometrajes y largometrajes donde no entender el cine que para bien o para mal se estaba extinguiendo acababa de conseguir hacerse un nombre, Jean Harlow mejoró sus rápidamente ante sus ojos. posibilidades de labrarse un futuro como actriz destacando como Tras esas primeras apariciones en la pantalla grande, la vida belleza bañista en el cortometraje Chasing Husband (1928), en la de Jean Harlow cambió rápidamente cuando su vida se cruzó con la que destacó del resto de sus compañeras de reparto por la cabedel millonario y productor Howard Hughes, que estaba preparando llera rubia que iba a convertirse en su firma como estrella, y dio otro una película bélica Ángeles del infierno (1930). Hughes pensaba contar con la actriz noruega Greta Nissen, pero ésta fue una de las importante paso en su carrera contrada por el productor de comedivas damnificadas por la llegada del sonoro, ya que su acento dias Hal Roach y acompañando al dúo cómico formado por Stan noruego acabó por descartarla para el papel, siendo sustituida por Laurel y Oliver Hardy en el cortometraje Libertad (1929), que se estrenó en con algunas copias sonoras junto a su distribución como Harlow, que encontró el trampolín definitivo para saltar de ser una cine mudo. En un breve papel, Jean Harlow causó sensación y dejó actriz muy secundaria a trabajar en clave de protagonista ejerciendo huella en el público interpretando a la pasajera de un taxi que llega como Rubia Bomba y nuevo icono sexual femenino de la pantalla a un hotel escoltada por Oliver Hardy en su función como portero merced a una frase de diálogo que se hizo muy popular entre el pero a consecuencia de una torpeza de Stan Laurel, que cierra la público de la época: “¿Te sorprendería si me pongo algo más cómodo?”. De paso Harlow se convirtió en una de las actrices pionepuerta del vehículo arrancando la parte inferior del vestido de la ras del cine en color en las producciones de Hollywood. muchacha, que acabó luciendo sus piernas, eso sí convenientemente enfundadas en medias, ejerciendo así como pionera de la minifalda.

De un estudio a otro La broma era tontorrona como recurso picante del argumento, Bajo contrato con Hughes, que al fin y al cabo había sido su blanco y para todos los públicos, pero admitía dobles lecturas de descubridor y la había convertido en nueva estrella, Jean Harlow fue carácter más procaz que asentaron la imagen de la joven actriz cedida por éste a otros estudios, antes de que finalmente el millonacomo incipiente sex-symbol. rio vendiera su contrato a Metro Goldwyn Mayer por 60.000 dólares.

Otro paso destacado de sus primeros escarceos con las Esas operaciones de arriendo y finalmente venta eran habituales en cámaras lo dio interpretando su primer papel en una película sonora Hollywood donde las estrellas bajo contrato eran consideradas por junto a Clara Bow y Jean Arthur y con producción del estudio Paramuchos de los ejecutivos de los estudios de la época una propiedad mount. El largometraje era una comedia romántica bastante simde dichas empresas. Pero lo cierto plona, La chica de la noche del sábado (1929). El aumento de peso es que Hughes no podía ofrecerle a de Bow hizo que no pudiera enfunHarlow las mismas oportunidades darse en uno de los lujosos vestidos que encontró trabajando para creados para ella por la prestigiosa otras firmas. diseñadora Edith Head con vistas a Tras aparecer brevemente en que pudiera lucirlo en una secuenel clásico de Chaplin Luces de la ciudad (1931) como una muchacha cia clave de la película, pero la en un restaurante intervino en el estrella convenció a los responsadrama criminal Los seis misterios bles de la película para que dejaran (1931), producido por el estudio que el modelo fuera usado por la MGM y protagonizado por Clark entonces desconocida Jean Harlow, Gable, que fue su pareja más habilo que le permitió a ésta brillar más tual en el cine trabajando con ella allá del poco tiempo que le concehasta en seis ocasiones y se condía el guión de la película. Eso facivirtió en su más eficaz compañero litó que siguiera siendo convocada de viaje en las ficciones de sus para pequeños papeles en títulos como El desfile del amor (1929), Harlow interpretó La pelirroja corriendo el riesgo de romper con su años de estrellato. protagonizada por Maurice ChevaBuena prueba de que su tradicional imagen de rubia platino con la que había alcanzado el lier y que fue el primer papel protatrabajo en Los ángeles del infierno estrellato.

4

JEAN HARLOW había encandilado no solo a los permanente con sus servicios con espectadores sino también a los un contrato que iba a ligarla a ejecutivos de todos los estudios de dicha compañía hasta el momento la época es que también fue reclude su muerte. Para la carrera de la tada por Warner Brothers para una actriz entrar en la compañía que de las más destacadas películas de presumía de tener más estrellas su filmografía: El enemigo público que el propio firmamento se (1931). tradujo en una mejora de las proDirigida por William Wellman puestas de trabajo que se le ofrey protagonizada por James Cagney, cían así como de la calidad y el estrella del ciclo de cine de gánster respaldo económico para los prodel estudio Warner hasta que yectos en los que participaba. decidió independizarse del mismo y Estrella de la metro cedió paso a Humphrey Bogart, la Arrancó sus trabajos para película contaba inicialmente con MGM, la Metro, con El monstruo de Louise Brooks, protagonista de La la ciudad (1932), basada en una caja de Pandora, para interpretar el Clark Gable fue la pareja más taquillera de las que formó Harlow historia de uno de los padres de la papel de la novia del gánster. con los galanes de su época. Sam Wood los dirigió en el drama novela negra estadounidense, W.R. Brooks rechazó el papel y perdió romántico Tú eres mío Burnett, y acompañada por dos de una oportunidad única de relanzar los actores más sólidos de la época, Walter Huston, padre de John su carrera en Estados Unidos tras regresar de su etapa como estreHuston, y Wallace Ford. Respaldada por un presupuesto de 230.000 lla en Europa, dejando vía libre a que Jean Harlow se reforzara como dólares, la actriz se afianzó como estrella femenina en el cine de los estrella. años treinta con esta curiosa película policíaca en la que incluso De haber interpretado la película es posible que Brooks aparecía un joven Mickey Rooney de solo once años de edad. El prohubiera tenido una presencia mucho más importante como estrella yecto se había originado como una maniobra para reforzar el resde los primeros tiempos del cine sonoro en Estados Unidos, pero pecto del público por el trabajo de la policía ante la creciente ese tren pasó para ella, aunque afortunadamente nos dejó uno de popularidad de los personajes de criminales convertidos en antihélos libros más divertidos sobre el cine de la época visto desde roes en el ciclo de cine de gánster producido por Warner y algún que dentro: Lulú en Hollywood. En el mismo la estrella, reconvertida en otro estudio en esa misma época. testigo y cronista del mundillo del cine de su tiempo, dedica entre Pero el verdadero despegue de Harlow como nueva figura del otras cosas todo un capítulo a Bogart afirmando que James Cagney sello MGM llegó con su papel en La pelirroja (1932), dirigida por “iba a convertirse en la peor pesadilla de Humphrey en la Warner Jack Conway. La película era una adaptación al cine del libro de KatBrothers”. Pero esa, la suya, la de Louise Brooks, es otra apasioharine Brush cuyo guión había sido específicamente escrita para nante historia de estrellas de cine que dejamos para otra ocasión, Harlow por Anita Loos, que iba a destacar también como autora del confiando en poder reencontrarnos con la protagonista de La caja de libro Los caballeros la prefieren rubias, cuyo título surgió de una Pandora en una próxima entrega de este mismo coleccionable. frase que pronunciaba Harlow en el diálogo de este largometraje y Harlow volvió a destacar en papel principal en una producción que años después contaría con su propia adaptación cinematográdel estudio Columbia: La jaula de oro (1931), dirigida por Frank fica protagonizada por la heredera de Harlow, Marilyn Monroe, y Capra y cuyo título original, La rubia platino, acabó asociado a su dirigida Howard Hawks. imagen y convirtiéndose en uno de los apodos por los que se la En ese largometraje los responsables de MGM se arriesgaron conocía en la prensa de la época. incluso a testar un cambio de imagen para la actriz que era identifiEl paso de la nueva sensación femenina de Hollywood de un cada como la sensación rubia platino cambiándole el color del estudio a otro la llevó a trabajar ese mismo año para Universal en cabello a base de peluca al tiempo que testaban la capacidad de la Iron Man (1931), drama sobre el boxeo y la fama en Hollywood que actriz en un papel como comediante. Desde ese momento se produjo dirigió Tod Browning (Drácula, Freaks, la parada de los monstruos, un notable incremento de la popularidad de Jean Harlow derivado de La casa del horror) y protagonizó Lew Ayres. ese cambio de rumbo en su carrera, ganándose tanto el aprecio del Fox también contó con los servicios de una sobrexplotada público como de la crítica. Detalle a tener en cuenta en ese progreso Harlow en 1931, reclutándola para protagonizar Goldie (1931), y que certifica la apuesta por ella que hizo MGM es el incremento de remake de la comedia Una novia en cada puerto que en 1928 había la inversión hecha por el estudio en este largometraje respecto al protagonizado precisamente Louise Brooks bajo la dirección de anterior filme de Harlow: frente a Howard Hawks. La nueva versión los 230.000 dólares invertidos en El era en su conjunto peor que la orimonstruo de la ciudad, La pelirroja ginal, pero contaba con la presencontó con 401.000 dólares de precia de Spencer Tracy que se las supuesto. ingeniaba junto con Harlow para Un detalle define el cuidado maquillar con su interpretación la que puso el estudio a la hora de operación de reciclaje en perfil más definir cómo enfocaba el estudio su bajo de los personajes que habían manera de trabajar con su nuevo brillado mucho más en la película fichaje. Inicialmente se le había dirigida por Hawks. encargado el guión de la película al El que podríamos definir prestigioso escritor F. Scott Fitzgecomo periodo de préstamo y rald, considerado como una de las arriendo de Jean Harlow a distintos figuras más importantes de las estudios terminó con su trabajo en letras estadounidenses del siglo Abismos de pasión (1932), producveinte, autor de El gran Gatsby, ción de Columbia donde la acompacuyo trabajo fue sin embargo ñaban Mae Clarke y Marie Prevost. rechazado por el productor Irving Después de aparecer en esa pelíEn la comedia romántica Busco un millonario, Jean Harlow Thalberg por considerar que era cula Metro Goldwyn Mayer se hizo coincidió con Franchot Tone, a la izquierda, galán del momento.

6

JEAN HARLOW demasiado serio y no permitía explotar los potenciales recursos de y director alemán que trabajaba como ejecutivo de MGM y que se comedia que querían destacar en la imagen cinematográfica de la suicidó el 5 de septiembre de 1932 disparándose en la bañera tan actriz. Eso llevó a la entrada en el proyecto de Anita Loos con el solo dos meses después de haber contraído matrimonio con Jean objetivo de aportar un punto de vista más ligero de la propuesta.

Harlow en julio de ese mismo año. El escándalo resultante asustó Ese fue el paso final de una forja de la estrella Jean Harlow hasta tal punto al magnate de la compañía, Louis B. Mayer, que como imagen cinematográfica tal y como la conocemos. La actriz estuvo a punto de pedir que retiraran a la actriz del largometraje y explotó esa nueva identidad fílmica en Tierra de pasión (1932), la sustituyeran por otra, sobre todo porque no estaba claro que el emparejada con el principal galán de MGM, Clark Gable, en un papel suceso hubiera sido un suicidio y llegó a sospecharse que Bern que éste iba a repetir posteriormente a las órdenes de John Ford en podría haber sido asesinado. el remake titulado Mogambo, con la morena Ava Gardner interpreApodado “Eunuco de Palacio” en MGM, Bern tenía un tempetando el papel que aquí desempeñaba la rubia Harlow. Prueba de ramento violento y los rumores afirmaban que la misma noche de que el estudio seguía apostando fuerte por ella es que presupuestó bodas le había dado una paliza a Harlow. Además era bígamo, su el largometraje en unos 408.000 dólares, aunque la elección de la otra esposa vivía en Nueva York, presa de serios problemas menactriz para este trabajo tuvo cierto carácter accidental. Harlow no tales. Entre los sospechosos de su muerte se barajaron los había sido la primera opción para protagonizar el filme, para el que nombres de la propia Harlow, que había discutido esa misma inicialmente se barajaron los nombres de Greta Garbo, Joan Crawnoche con él y salió disparada de la casa para recogerse en la de ford y Clara Bow. La primera no aceptó los cambios que se hicieron su madre, y el de su otra esposa, Dorothy Millette, pero también en el guión sobre su personaje, la segunda quedó fuera del mismo se barajaba un problema de impotencia como motivo que podría cuando el estudio decidió que quería poner fin a su complicada haberle llevado al suicidio. situación sentimental con Clark Gable y la tercera también acabó Esa muerte seguiría pesando en la carrera de la actriz, que rechazando la propuesta. estuvo a punto de rechazar el papel protagonista femenino en La indómita porque se basaba en otro escándalo de la vida de Libby Por otra parte una anécdota que circula sobre el rodaje define Holman, actriz que saltó a las páginas de sucesos cuando fue la forma en la que la propia Jean Harlow asumía su etiquetado como acusada de la muerte de su primer marido, el millonario heredero símbolo sexual del cine de la época. Durante el rodaje de la secuende la fortuna del tabaco Zachary Smith Reynolds, aunque por presiocia de baño bajo la lluvia, la actriz se levantó y se marcó un topless nes de la poderosa familia Reyal tiempo que gritaba, quizá demanolds se retiraron los cargos siado metida en el carácter provocontra ella y contra un amigo del cador y chispeante de su personaje: “¡Una para los chicos del laboratoclan, Ab Walker. Harlow supo ver rio!”. Afirman que el director Victor que la película intentaba reforzar Fleming saltó raudo a quitar la el anzuelo del morbo derivado de película de la cámara para evitar ese escándalo asociándola a ella y que el material resultante se conla muerte de su marido como virtiera en codiciada pieza de interfactor potenciador de la fórmula y cambio en el mercado negro. rechazó el trabajo, aunque posteEl éxito de la pareja Gableriormente su compañero de Harlow llevó al estudio a reunir a reparto en el mismo, William los dos actores en otras cuatro Powell, la convenció para que películas más, el drama romántico rodara la película.

Tú eres mío (1933), la película de Jean Harlow contrajo un aventuras Mares de China (1935), tercer matrimonio con el director dirigida por Tay Garnett y que se de fotografía Harold Rosson, que convirtió en una de las películas en 1939 fue nominado al Oscar por Spencer Tracy fue su compañero en Una mujer difamada, cuyo más taquilleras de MGM, Entre su trabajo en El mago de Oz . Se reparto incluía también a Mirna Loy y William Powell. Fue esposa y secretaria (1936), que casaron el 18 de septiembre de nominada al Oscar como mejor película. además contó en el reparto con 1933 pero no tardaron más de un Mirnay Loy y James Stewart y con su éxito comercial reforzó la senaño en tener problemas que acabaron en divorcio el 14 de marzo de sación de eficacia de la asociación del dúo HarlowGable en la panta1936. lla, y Saratoga (1937), con la que la filmografía de la actriz quedó En realidad el interés sentimental de la actriz se dirigía hacia abruptamente finalizada con su inesperado fallecimiento. su compañero de reparto en La indómita. Powell llegó a regalarle un costoso anillo de zafiro de 152 kilates como símbolo de compromiso Además de sus trabajos junto a Gable la actriz destacó en pelípara su próximo matrimonio que ella lucía en la película Jugando a culas como Polvorilla (1933), que se basaba en la vida de la estrella Clara Bow pero también incorporaba momentos extraídos de la la misma carta. Pero la boda no pudo llevarse a efecto porque antes de completar el rodaje de Saratoga Jean Harlow cayó gravemente propia vida de Harlow, Cena a las ocho (1933), La indómita (1935), Flor de arrabal (1936) y Una mujer difamada (1936), en las que volenferma. Había rodado el 90 por ciento de la película cuando en vieron a emparejarla con Spencer Tracy, Suzy (1936), formando mayo cayó desmallada en el set. La condujeron a la casa de su pareja con Cary Grant, y Jugando a la misma carta (1937), asociada madre, que como miembro de la Iglesia de la Ciencia Cristiana era en la cabecera de reparto con Robert Taylor en el que fue el último contraria a la intervención de los médicos en el proceso, lo que largometraje que rodó por completo antes de morir. retrasó la intervención sanitaria que podría haberle salvado la vida a la estrella. Cuando finalmente Louis B. Mayer consiguió convencer a la buena señora de que su hija tenía que ir a un hospital fue imposiTragedias y escándalos ble salvarla. Padecía uremia, enfermedad del riñón derivada de la El éxito de Jean Harlow como estrella estuvo acompañado por escarlatina que había padecido años antes, y además se sospechaba los escándalos y las tragedias en su vida privada casi en cada paso que alguna de las palizas que le propinó Bern podría haber agravado de su recorrido por la fama en Hollywood. Muchas de sus películas el problema renal que finalmente la llevó a la tumba vestida con el quedaron así marcadas por una vida que fuera de la pantalla era un mismo modelo que lucía en su película Una mujer difamada. drama en toda regla.

Por ejemplo el rodaje de Tierra de pasión quedó marcado Miguel Juan Payán por el suicidio del segundo marido de la actriz, Paul Bern, escritor 8

P

E

L

Í

C

U

L

A

S

M

Í

T

I

C

A

S

CHACAL

Frederick Forsyth aportó la base para vicio de una sólida y madura reflexión sobre FICHA TÉCNICA este título esencial de la temática de asesilas corrientes subterráneas de la violencia Año de producción: 1973; Nacionalidad: Francia, Reino nos en serie que nos ocupa este mes en la como inductora del caos en las sociedades Unido; Color; Director: Fred Zinnemann; Guion: Kenneth sección de Cartelmanía y en esta ficha de occidentales aparentemente organizadas.

Ross; Fotografía: Jean Tournier; Música: Georges Delerue; Intérpretes: Edward Fox, Terence Alexander, Michel Auclair, película clásica coincidiendo con el estreno Parte de la magia de la novela hereMichael Lonsdale, Alan Badel, Tony Britton, Denis Carey, de la nueva película de la saga de John dada por la película es que consiguen que al Adrien Cayla-Legrand, Cyril Cusack, Maurice Denham, Vernon Wick. Forsyth publicó su novela Chacal en lector y al espectador no le importe conocer Dobtcheff, Jacques François, Olga Georges-Picot, Raymond Gérôme, Barrie Ingham, Derek Jacobi, Jean Martin, Ronald 1973, convirtiendo a un asesino profesional el verdadero destino de Charles de Gaulle, Pickup, Eric Porter, Anton Rodgers, Delphine Seyrig, Donald en el protagonista principal en un ejercicio que murió retirado y no en un atentado. El Sinden, Jean Sorel, David Swift, Timothy West; Banda de inversión del antagonista en figura prinfracaso de la misión del protagonista es un sonora: John Barry; Duración: 90 min. cipal de la trama que le proporcionó más inpunto de partida básico para entender que terés a la historia. El argumento sitúa a ese la trama no es tanto la historia de un atentaasesino en serie en tratos con la organización paramilitar Organisado con final ya conocido como una caza del hombre, el asesino, por tion Armée Secrète (OAS), de ideología derechista y que se mostraba parte de las fuerzas de seguridad implicadas en el caso. disidente del Gobierno del general Charles de Gaulle perpetrando inPor otra parte, para el público estadounidense la idea del cluso atentados con bomba para evitar la independencia de la colonia magnicidio tenía un significado que traía a su memoria colectiva el de Argelia de la metrópolis francesa. En la novela, una de las mejores atentado que acabó con la vida del presidente John Fitzgerald Kende su autor, galardonada con el premio Edgar a la mejor novela de innedy, cuestión subrayada astutamente por la película con un plano triga del año, concedido por la Asociación de Escritores de Misterio en el que aparece una foto en la portada de una revista Italiana con de América, la OAS contrata al asesino para atentar contra el presimotivo de una visita a Europa en 1963 del inquilino de la Casa Blandente De Gaulle, lo que permite a Forsyth, tras un meticuloso proceso ca que poco después iba a perder la vida en Dallas por los disparos de investigación, desvelar claves políticas y criminales de este tipo de un francotirador que cambió el curso de la historia como pretende mundo de atentados y mercenarios de la muerte utilizando como día hacer el asesino de la película. vehículo su fábula de suspense. Siempre cercano a la realidad, La calidad de la película y el interés de su propuesta no fueron Forsyth partió de un atentado real preparado por los miembros de la debidamente recogidos en premios de su año de estreno, ya que soOAS contra De Gaulle: Jean-Marie Bastien-Thiry, teniente coronel de lo fue nominada al Oscar en la categoría de mejor montaje, uno de la fuerza aérea francesa, atentó contra el presidente el 22 de agosto sus puntos fuertes, con el que ganó el premio Bafta del cine británide 1962. Forsyth escribió la novela, de 140.000 palabras, en 35 días co. Recibió, además, tres nominaciones a los Globos de Oro en las en 1970, pero tuvo que pasar por varias editoriales que la rechazaron categorías de mejor película, guion y director, en un año en el que antes de que fuera finalmente publicada con una modesta tirada inituvo que competir con pesos pesados como El exorcista, El último cial de 8.000 ejemplares. Su éxito en el mercado británico sentó las tango en París, Serpico o Salvad al tigre. bases de su posterior publicación en Estados Unidos, ya con cifras de Según explicaba en su biografía Roger Moore, el productor de la edición y ventas propias del mercado del best seller. película, John Woolf, le quería a él como protagonista de la misma, El éxito se incrementó notablemente cuando la novela fue pero Fred Zinnemann se opuso porque quería reforzar la verosimilitud adaptada al cine por uno de los directores más prestigiosos del mode la propuesta contando con un actor casi desconocido para intermento, Fred Zinnemann, que había comenzado su carrera como dipretar el papel. Ese mismo año Moore era ya famoso en televisión por rector de cortometrajes en 1930 y era un veterano de la industria de su encarnación del personaje de El Santo, y el mismo año en que se Hollywood con títulos tan significativos en su filmografía como Homestrenó Chacal tomó el relevo de Sean Connery en el papel de James bres (1950), protagonizada por Marlon Brando; el icónico wéstern Bond. Por el contrario, la película lanzó a su protagonista, Edward Fox, Solo ante el peligro (1952), protagonizado por Gary Cooper; el meloa cierta popularidad, si bien nunca llegó a alcanzar el estatus de esdrama bélico De aquí a la eternidad (1953); el musical Oklahoma trella, en parte porque las buenas críticas recibidas por el largometra(1955); el drama religioso Historia de una monja (1959); el wéstern je no fueron respaldada por un rotundo éxito de taquilla. Quizá si algulocalizado en Australia Tres vidas errantes (1960), que protagonizano de los otros candidatos al papel (Michael Caine, Robert Redford y ron Robert Mitchum y Deborah Kerr; la aproximación a las conseJack Nicholson) hubiera interpretado finalmente al protagonista, la tacuencias de la Guerra Civil española Y llegó el día de la venganza quilla habría acogido mejor el filme, pero lo cierto es que habría perdi(1964), y el fresco histórico Un hombre para la eternidad (1966). do esa capa de verosimilitud estilo crónica de sucesos que buscaba Después de Chacal solo rodaría dos películas más antes de morir: la su director y hoy contribuye a hacer de él un título de culto entre los biografía Julia (1977), sobre la escritora Lillian Hellman, una de las aficionados al género de intriga con trasfondo político. perseguidas en la caza de brujas del Comité de Actividades AntiaEsta primera adaptación de Chacal es superior pero al mismo mericanas de Joseph McCarthy, y el drama Cinco días, un verano tiempo diferente de la propuesta que hizo años después Michael Ca(1982), protagonizado por Sean Connery. ton-Jones retomando el personaje y la novela de Forsyth para poner A lo largo de su carrera, Zinnemann fue nominado al Oscar en en pantalla una actualización noventera con Bruce Willis en el papel ocho ocasiones, de las cuales ganó tres estatuillas por su trabajo en el del asesino y Richard Gere en el del hombre encargado de perseguircortometraje Benjy, de 1951, y en los largometrajes De aquí a la eterle e impedir el atentado. No resiste la comparación con la versión de nidad y Un hombre para la eternidad. Su nombre era sinónimo de caliZinnemann, pero funciona aceptablemente como entretenimiento de dad y elegancia en el cine de Hollywood, y cuando se hizo cargo de intriga, aunque equivoque el camino dividiendo el protagonismo y Chacal demostró que además podía poner esas características al sertrocando la sobriedad contenida de la versión de los setenta.

MIRIAM HOPKINS (ELLEN MIRIAM HOPKINS) 18 de octubre de 1902, Savannah, Georgia (EE. UU.)-9 de octubre de 1972, Nueva York (EE. UU.)

FILMOGRAFÍA 1928.– The Home Girl (cortometraje); 1930.– Fast and Loose; 1931.– El teniente seductor, 24 horas, El hombre y el monstruo; 1932.– Two Kinds of Women, Bailando a cieg+as, El tigre del mar Negro, Un ladrón en la alcoba; 1933.– Secuestro, El regreso de la forastera, Una mujer para dos; 1934.– Mi vida entera, Fuga apasionada, La Venus de oro; 1935.– La feria de la vanidad, Ciudad sin ley, Esplendor; 1936.– Esos tres, Los hombres no son dioses; 1937.– The Woman I Love, Quien conquista es la mujer, Una chica rubia; 1939.– La solterona; 1940.– Oro, amor y sangre, Lady With Red Hair; 1942.– Un caballero en la noche; 1943.– Vieja amistad; 1949.– La heredera, The Chevrolet Tele-Theater: Hart to Heart (serie televisión); 1951.– Pulitzer Prize Playhouse: Ned McCobbs Daughter (serie televisión), Casado y con dos suegras, Betty Crocker Star Matinee: Farewell to Love (serie televisión), Lux Video Theatre: Long Distance, Julie, The Small Glass Bottle, Sunset Boulevard (serie televisión); 1952.– The Outcasts of Poker Flats, Carrie, Courtain Call: The Party (serie televisión); 1953.– The Philip Morris Playhouse: Serenade in Manhattan (serie televisión); 1954.– La sombra del destino: The Return, Grave Secret (serie televisión), Expectación: A Very Special Girl, Desert Crossing (serie televisión); 1955.– Meet Mr. McNutley: The Molehouse Collection (serie televisión), Studio One: Summer Pavilion (serie televisión); 1957.– Climax: The Disappearance of Amanda Hale (serie televisión), Matinee Theatre: Woman Alone (serie televisión); 1961.–Play of the Week: No Exit/The Indifferent Lover (serie televisión), Los investigadores: Quite a Woman (serie televisión), La calumnia; 1963.– Route 66: Shadows of an Afternoon (serie televisión); 1964.– The Outer Limits: Don’t Open Till Doomsday (serie televisión); 1968.– La jauría humana, Fanny Hill; 1969.– The Flying Nun: Bertrille and the Silent Flicks (serie televisión); 1970.– Savage Intruder.

MUSA DE LUBITSCH Comenzó su carrera ante las cámaras a finales de los años veinte del siglo pasado trabajando en un largometraje cuando el cine estaba en la etapa final de ser mudo y abría las puertas ya al sonoro. Se mantuvo como actriz en la pantalla grande y pequeña hasta el año 1970. Fue la musa indiscutible de Ernst Lubitsch, un maestro de la comedia, modelo para Billy Wilder y Woody Allen, que rodó con ella como protagonista la que para muchos críticos es la mejor película de su brillante filmografía, Un ladrón en la alcoba, producción de 1932 en la que Hopkins pudo poner a prueba toda su vis cómica, dejando claro que era una de las más sólidas humoristas de su época. Era la primera estrella del reparto, pero no fue la que sacó más dinero de esa película. Le pagaron 1750 dólares por semana, frente a los 4000 semanales de Kay Francis, que no obstante era una de sus mejores amigas en la profesión, y los 3500 semanales que ganaba el galán de la película, Herbert Marshall, que había estado a punto de ser desplazado de este trabajo por el primer candidato a este, Cary Grant.

La otra película en la que Lubitsch pudo sacar partido a su talento para el humor fue Una mujer para dos, de reparto atrevido para la época y que en un momento del diálogo incluso sugería un trío entre ella, Gary Cooper y Fredric March.

Junto con estos dos trabajos para el creador del denominado “toque Lubitsch”, otros títulos especialmente destacados de su filmografía son en primer lugar los que le consiguieron las dos únicas nominaciones de su carrera a los principales premios cinematográficos estadounidenses, La feria de la vanidad, que firmó Rouben Mamoulian, la llevó a ser nominada al Oscar en la categoría de Mejor Actriz Principal en un año en que dicho premio fue a parar a las manos de Bette Davis por su trabajo en Peligrosa, y donde también competía con el premio con Claudette Colbert por Mundos privados, Elisabeth Bergner por Mi vida para ti, Katharine Hepburn por Sueños de juventud, y Merle Oberon por El ángel de las tinieblas.

Por su parte, La heredera le consiguió una nominación al Globo de Oro como Mejor Actriz de Reparto, en un año en que ese premio fue a parar a Mercedes McCambridge por su trabajo en El político.

Junto a estos títulos su filmografía se anima con su paso por El hombre y el monstruo, versión de la historia del doctor Jekyll y míster Hyde que coprotagonizó Fredric March (ella interpretaba el papel de una prostituta). La película fue un éxito, aunque por motivos de censura des-

pués de las primeras proyecciones sus apariciones fueron recortadas del montaje exhibido comercialmente, dejando su aportación reducida a poco más de cinco minutos. También destaca su encuentro con Edward G. Robinson y Joel McCrea en Ciudad sin ley, papel pensado inicialmente para Gary Cooper, o con Errol Flynn en Oro, amor y sangre, dos wésterns. En la primera se llevó fatal con Robinson, al que no dejaba de robarle plano y protagonismo en el filme, hasta que en una secuencia en que tenía que abofetearla, él se tomó la revancha y se le fue la mano, nunca mejor dicho, hasta el punto de que la tiró al suelo. En la segunda reemplazó a la pareja habitual de ficción de Errol Flynn en la pantalla, Olivia De Havilland.

Otras películas curiosas de su filmografía para cualquier buen cinéfilo son el drama romántico Esos tres, dirigido por William Wyler, donde volvió a coincidir con Joel McCrea y se midió con una de sus principales competidoras en el cine de la época, Merle Oberon. Era una adaptación de la obra de Lillian Hellman, La calumnia, que Wyler iba a adaptar nuevamente en los años sesenta con su título original y abordando el tema de lesbianismo que tuvo que esquivar cuidadosamente en esta primera versión. En la segunda contó con Shirley MacLaine y Audrey Hepburn, y volvió a fichar a Miriam Hopkins para que interpretara un papel diferente al que jugó en la primera versión. McCrea se ratificó como su pareja de ficción más reiterada y la acompañó también en otras destacadas películas de su carrera, una serie de comedias románticas, Esplendor y Quien conquista es la mujer. Acompañó en calidad de actriz secundaria a Bette Davis en La solterona, y en ese mismo papel quedó asociada a Laurence Olivier y Jennifer Jones en Carrie. Para cerrar su carrera con broche de oro se subió al reparto de La jauría humana. Eso sí, siempre se arrepintió de haber rechazado acompañar a Clark Gable en Sucedió una noche, comedia que le dio el Oscar a Claudette Colbert, y aunque no le dieron el papel, era la favorita de la escritora Margaret Mitchell para interpretar a su heroína Scarlett O’Hara en la adaptación cinematográfica de Lo que el viento se llevó.

Desde finales de los años cuarenta en adelante la actriz encontró mejor acomodo en la televisión que en el cine, haciendo numerosos trabajos para la pequeña pantalla en series dramáticas que le permitieron seguir demostrando su cualidad principal como actriz, la versatilidad.

Era capaz de adaptarse y sacarle partido a todo tipo de personajes, y por eso pudo reciclarse del cine a la televisión, medio en el que fue pionera de las ficciones dramáticas, como antes se había adaptado en el cine de sus funciones como actriz protagonista a la de acompañante secundaria de los actores principales.

Sus padres eran Homer y Ellen Cutler y tenía una hermana mayor, Ruby, que había nacido en 1900 y la sobreviviría (falleció en 1990). Por lazos familiares tenía antepasados de rancio abolengo entre los fundadores de la Iglesia episcopaliana de Bainbridge, templo en el que en su infancia y adolescencia había formado parte del coro. Tras una estancia en México, la separación de sus padres la obligó a trasladarse con su madre y hermana a Siracusa, Nueva York. Después de la separación no mantuvo contacto con su padre, del que ni siquiera conocía su paradero.

ENTRE PROTAGONISTA Y SECUNDARIA Debutó en el mundo del espectáculo cuando contaba 20 años como chica del coro en los espectáculos musicales de Nueva York, lo que le abrió las puertas a distintas apariciones teatrales a lo largo de los años veinte que finalmente fructificaron en una llamada de Hollywood materializada en un contrato con el estudio Paramount que firmó en 1930.

Hopkins tuvo una ajetreada vida privada y sentimental. Se casó en cuatro ocasiones. El actor Brandon Peters fue su primer marido entre mayo de 1926 y mayo de 1928, fecha de su divorcio. Después llegó Austin Parker, guionista, entre otras, de Los peligros de la gloria, protagonizada por James Cagney. Fue su marido entre junio de 1928 y mayo de 1932. Su tercer marido fue el más famoso de la colección, el ucraniano Anatole Litvak, director de películas como Nido de víboras, Ciudad de conquista, Voces de muerte, Noche eterna, Anastasia, Rojo atardecer, No me digas adiós y La noche de los generales. Se casaron en septiembre de 1937 y se divorciaron en octubre de 1939. Su cuarto y último marido fue Raymond Benton Beck, con el que contrajo matrimonio en octubre de 1945 y del que se divorció en abril de 1951.

Ninguno de esos matrimonios le dio hijos, pero fue pionera adoptando a su hijo, Michael, en 1932, cuanto se encontraba soltera, entre su segundo y su tercer matrimonio, en un momento en que las leyes de algunos estados prohibían la adopción por parte de padres y madres solteros.

QUE FUE DE...

QUE FUE DE...

KELLY MCGILLIS BIOGRAFIA. Nacida el 9 de julio de 1957 en Newport Beach (California), se inició en el mundo del séptimo arte con la comedia Reuben, Reuben (Robert Ellis Miller, 1983), seguida de la TV movie con Alec Baldwin Dulce venganza (David Greene, 1984), antes del gran éxito de Único testigo. Pasada la década de los ochenta y tras ser dirigida por directores como Alan Rudolph, Peter Yates o Ted Kotcheff, ha compatibilizado papeles secundarios en cine con protagonistas y de carácter en televisión en donde es una habitual.

FILMOGRAFIA DESTACADA. Top Gun: ídolos del aire (Tony Scott, 1986), en la que encarna a Charlie, la instructora de la que se enamora el piloto de las fuerzas aéreas estadounidenses Maverick (Tom Cruise). Acusados (Jonathan Kaplan, 1988), donde es Kathryn Murphy, la abogada de Sarah (Jodie Foster, 1988), una mujer que sufre una violación múltiple que busca justicia. El cazador de gatos (Abel Ferrara, 1989), un thriller basado en una obra de Elmore Leonard en el que es la adinerada Mary DeBoya.

SU PAPEL MAS DESTACADO. El de Rachel, la amish de la que se enamora el policía John Book (Harrison Ford) y a cuya familia trata de proteger de compañeros corruptos que han cometido un asesinato que ha contemplado el pequeño Samuel (Lukas Haas) en Único testigo (Peter Weir, 1985).

SU ULTIMO TRABAJO. Los telefilmes Amor sin condición de David McKay, en el que encarna a Elizabeth Conner, miembro de la secta amish (como lo fue anteriormente en Un muchacho llamado Norte de 1994 y antes en Único testigo) y Maternal Secrets de Lucinda Spurling, donde es Rose, la madre de un senador estadounidense que ha desaparecido sin dejar rastro y que sabe más de lo que cuenta.

QUE FUE DE...

RALPH MACCHIO BIOGRAFIA. Nacido el 4 de noviembre de 1961 en Long Island (Nueva York), se inició en los anuncios televisivos antes de dar el salto al cine con la comedia de entorno militar Viva la academia (Robert Downey Sr., 1980), a la vez que participaba en la serie Con ocho basta. Se hizo muy popular gracias a Karate Kid y en los noventa se le pudo ver en Mi primo Vinny (Jonathan Lynn, 1992) o Desnudo en Nueva York (Danny Algrant, 1993). Ha alternado hasta la actualidad actuaciones en cine, televisión o internet.

FILMOGRAFIA DESTACADA. Rebeldes (Francis Ford Coppola, 1983), en la que es Johnny Cade, que se ve inmerso con su amigo Ponyboy (C. Thomas Howell) en un reyerta mortal, en una producción de la que surgieron futuras estrellas como Tom Cruise, Patrick Swayze, Rob Lowe o Diane Lane. Cruce de caminos (Walter Hill, 1986), cuyo personaje, Eugene Martone, se inspira en la leyenda del blues Robert Johnson, que se dice vendió su alma al diablo.

SU PAPEL MAS DESTACADO. El de Daniel LaRusso, el héroe de la saga Karate Kid del realizador John G. Avildsen a lo largo de tres entregas, junto a su maestro de artes marciales, el señor Miyagi (Pat Morita), en Karate Kid, el momento de la verdad (1984), cuyo tema musical de Survivor, “The Moment of Truth”, fue un éxito mundial, Karate Kid 2: La historia continúa (1986) y Karate Kid 3: el desafío final (1989), papel que retomaría en la reciente serie online Cobra Kai. SU ULTIMO TRABAJO. Últimamente se le ha podido ver en el filme familiar A Dog & Pony Show de Demetrius Navarro y en las series Kevin puede esperar y The Deuce (Las crónicas de Times Square).

QUE FUE DE...

COREY FELDMAN

BROOKE SHIELDS

BIOGRAFIA. Nacido el 16 de julio de 1971, en Chatsworth (California), se convirtió primero en una cara infantil muy conocida por sus anuncios televisivos y en actor juvenil imprescindible de los ochenta. Aún en activo, es un habitual en filmes de cine fantástico y comedias, se dedica asimismo a una de sus pasiones, la música, y prepara un documental sobre los abusos sexuales y la pedofilia en Hollywood, Truth: The Rape of 2 Coreys, que sufrieron en sus propias carnes su gran amigo Corey Haim y él mismo.

FILMOGRAFIA DESTACADA Gremlins (Joe Dante, 1984), en el papel de Pete, que provoca que accidentalmente estos se reproduzcan a partir de Gizmo. Jóvenes ocultos (Joel Schumacher, 1987), convertido en uno de los hermanos Frog, Edgar, vendedor de tebeos y cazavampiros en sus horas libres.

SU PAPEL MAS DESTACADO. El del divertido Bocazas en el clásico Los Goonies (Richard Donner, 1985), uno de los chicos que viven una gran aventura que puede salvar su barrio y sus hogares, si son capaces de encontrar el tesoro perdido del pirata Willy el Tuerto.

SU ULTIMO TRABAJO Durante los últimos tiempos ha puesto la voz al personaje de la tortuga Slash en la serie animada Las tortugas ninja, ha colaborado en el filme terrorífico sobre la búsqueda de un asesino en serie Corbin Nash de Ben Jagger y en la antología de horror The Sunday Night Slaughter de Edward Payson, con tres historias previas a lo que parece el final de la Tierra. Además acaba de rodar la fantasía Age of Stone and Sky: The Sorcerer Beast de William L. Cox y con Jeffrey Combs (Re-Animator), que transcurre en el Neolítico y en la que pone voz a la criatura.

BIOGRAFIA. Nacida el 31 de mayo de 1965 en la ciudad de Nueva York, desde muy pequeña hizo publicidad para pasar seguidamente a trabajar en cine entre los años setenta y ochenta con los realizadores Louis Malle, Peter Fonda, Leonard Stern, Franco Zeffirelli o Frank Oz. En los noventa tuvo un gran éxito televisivo con su serie De repente, Susan (en la que ejerció también como productora) y en estos momentos compatibiliza su labor interpretativa en películas y series y la dedicación a su familia, con la de diseñadora de ropa de su línea Brooke Shields Timeless.

FILMOGRAFIA DESTACADA. Aventuras en el Sáhara (Andrew V. McLaglen, 1983), donde hace de Dale Gordon, dispuesta a completar un peligroso ralli en el desierto que su progenitor no pudo finalizar al fallecer de manera inesperada. Brenda Starr (Robert Ellis Miller, 1989), en la que interpreta a la famosa protagonista de la historieta nacida en los años cuarenta, Brenda Starr, una intrépida periodista que viajará al Amazonas para encontrar a un científico que está detrás de un descubrimiento que puede cambiar el destino del mundo.

SU PAPEL MAS DESTACADO. El de Emmeline en El lago azul (Randal Kleiser, 1980), una niña que junto a su primo Richard (Christopher Atkins) naufraga a finales del siglo XIX en una isla del Pacífico Sur, donde son cuidados, hasta su fallecimiento, por el cocinero del barco hundido Paddy (Leo McKern), conocen el amor y forman incluso una familia.

SU ULTIMO TRABAJO Es una imprescindible de las series televisivas, ha sido River Fields en Jane the Virgin, Rita Glossner en The Middle y la señora Goodman en Mr. Pickles, y ha puesto voz en la animada Galaxia creativa al personaje de Seraphina.

SERIES DE TV

SERIES DE TV

STAR TREK: ESPACIO PROFUNDO 9

STAR TREK: VOYAGER

Temporada 1 (Star Trek Deep Space Nine)

Temporada 1

Reparto: Avery Brooks, Nana Visitor, René Auberjonois, Armin Shimerman, Alexander Siddig, Terry Farrell, Colm Meany, Cirroc Lofton, Rosalind Chao, Max Grodenchik, Majel Barrett, Andrew J. Robinson. Emisión EE. UU.: 3 de enero a 20 de junio de 1993, Sindicación.

Reparto: Kate Mulgrew, Robert Beltran, Tim Russ, Robert Duncan McNeill, Roxann Dawson, Garrett Wang, Robert Picardo, Ethan Phillips, Jennifer Lien, Raphael Sbarge. Emisión EE. UU.: 16 de enero a 22 de mayo de 1995, UPN.

Siempre contamos que Espacio profundo 9, la serie del universo Star Trek que sería de spin-off para Star Trek: la nueva generación, nació con una pequeña polémica. Tiempo antes de ser presentada, un joven guionista, J. M. Straczynski, mostró a Paramount su proyecto de serie de ciencia ficción sobre una estación espacial y una tripulación muy particular, Babylon 5. La serie no fue adquirida por la productora, pero un año después se presentaba en sociedad Espacio profundo 9, una serie que justo hablaba de una tripulación en una estación espacial fronteriza, pero en esta ocasión enclavada en Star Trek. Era lógico pensar en un spin-off, porque la llegada de Picard y su tripulación había convertido Star Trek en una franquicia televisiva de éxito. De hecho, más allá de las polémicas por los parecidos razonables entre ambas, Patrick Stewart era uno de los reclamos que empleó Espacio profundo 9 en su piloto de hora y media de duración para hacer que la audiencia se diera un paseo por la nueva serie, hermana de la anterior. La idea era seguir con el universo Star Trek cuando la serie liderada por Stewart dejase de ser emitida, lo que sucedería un año después.

Espacio profundo 9 fue creada por Rick Berman y Michael Piller, aunque fuese este último quien se mantuviese como showrunner. Ambos venían de escribir guiones para la otra, y la idea de este nuevo paso en la franquicia, era crear no una nave sino un punto de reunión para razas de todos los confines de la galaxia. Esta producción fue la primera en no contar creativamente con Gene Roddenberry, fallecido un par de años antes del lanzamiento, y centraba el inicio de la historia en la guerra entre dos razas alienígenas, una de ellas recientemente liberada del yugo de la otra, y la existencia de un agujero de gusano que conectaba dos cuadrantes remotos, donde la estación acababa situándose por el conflicto.

Desde finales de los ochenta a mediados de los noventa, el éxito de Star Trek con dos series de televisión y una nueva saga de películas, era incontestable. No solo habían resucitado el espíritu de la serie original en ambos medios, sino que además el futuro parecía garantizado. Pero con el final de La nueva generación en 1994, los productores de la franquicia en Paramount sintieron que era necesario dar un paso al frente y mantener dos series en antena de Star Trek. Es más, mientras que La nueva generación y Espacio profundo 9 habían sido emitidas en sindicación (similar en cierta medida a nuestras cadenas autonómicas, en televisiones de carácter regional o local asociadas en una sindicación que emiten mucho material “reemitido” y a veces series originales) con enorme éxito y ahora era el turno de UPN, una de las networks ya desaparecidas, propiedad de Paramount, quien producía la serie de televisión. La cadena obtuvo de nuevo gran éxito con Voyager, que se estrenaba un año después del final de La nueva generación y que suponía un nuevo hito en la saga, con la primera mujer liderando una nave de la franquicia. La historia mostraba a un grupo de rebeldes enfrentados a la Federación, con dos naves que se veían arrastradas a más de 70 000 años luz por una entidad alienígena, y debían aliarse para emprender un viaje de 75 años de camino a casa. No era sencillo, por las rencillas entre ambas tripulaciones en una sola nave, y ahí radicaba uno de los puntos fuertes de esta producción. Además, el viaje al otro punto de la galaxia permitía explorar nuevas y desconocidas razas y planetas, cambiando por completo lo que conocíamos del universo Star Trek y llegando, realmente, donde ningún hombre había llegado antes. Michael Piller, cocreador de la serie, abandonaba su función de showrunner en Espacio profundo 9 para ponerse al frente junto con Jeri Taylor, al menos durante las dos primeras temporadas, por supuesto con estos episodios a la cabeza.

SERIES DE TV

SERIES DE TV

STAR TREK: ENTERPRISE

STAR TREK: DISCOVERY

Temporada 1

Temporada 1

Reparto: Scott Bakula, Jolene Blalock, Connor Trinneer, Dominic Keating, Linda Park, Anthony Montgomery, John Billingsley, Vaughn Armstrong, Jeffrey Combs, Gary Graham, Matt Winston.

Emisión EE. UU.: 26 de septiembre de 2001 a 22 de mayo de 2002, UPN.

Reparto: Sonequa Martin-Green, Jason Isaacs, Doug Jones, Shazad Latif, Anthony Rapp, Mary Wiseman, Michelle Yeoh, Mary Chieffo, James Frain, Kenneth Mitchell. Emisión EE. UU.: 24 de septiembre de 2017-11 de febrero de 2018, CBS All Access.

Con Star Trek: Voyager recién terminada, UPN no podía dejar morir una franquicia como esta, que llevaba en antena desde hacía casi quince años, con tres series que contaban con siete temporadas cada una, aunque el mundo de la ciencia ficción estaba cambiando y como tal, Enterprise tenía que cambiar con ellos. Basándose en las ideas de Rick Berman y Brannon Braga, que muchos fans de las emisiones anteriores, sobre todo del trabajo de Roddenberry, no encontraron muy fiel a los preceptos del creador de Star Trek, por elevar el tono y hacer la serie más dura, más siniestra y más políticamente involucrada en los problemas de nuestro tiempo. Quizá por ese motivo nunca terminó de encajar entre los fans y la audiencia la recibió tibiamente, pero era sin duda la más adulta y madura de la franquicia, dejando los temas más universales para centrarse en algunos de los males de nuestros tiempos, desde la perspectiva de la ciencia ficción. En lugar de tratar solo el racismo, abordaban el terrorismo, la política o la sociedad con aspectos concretos. Presentaba la primera Enterprise, con su motor de curvatura por estrenar y dispuesta a recorrer la galaxia, después de haber sido tutelados por los vulcanianos. Un tutelaje que pretendían abandonar, pero todo era nuevo para los humanos. El teletransporte no estaba perfeccionado, las armas eran pocas y cualquier raza que llevase un tiempo paseando por el espacio, ponía a la nave en serios aprietos cuando se enfrentaban, porque no se trataba de la nave superior a todas las demás, o casi, que más adelante conoceríamos. Además, la primera temporada analizaba una de las constantes del resto de la serie, la llamada Guerra Fría Temporal, que volvía a uno de los temas recurrentes de la franquicia, los viajes en el tiempo. Ganó dos Emmy en su primera temporada, por Peluquería y Efectos Visuales, además contó con la presencia de uno de los actores de La nueva generación, aunque en un papel más particular, como director de episodios. Se trataba de LeVar Burton.

Tras casi 20 años con Star Trek emitiéndose en diversas series, entre 1987 y 2004, y con el final de la saga cinematográfica centrada en La nueva generación terminada también en 2002, el universo trekkie permaneció un tiempo en silencio hasta que JJ Abrams relanzó la franquicia en 2009 con el remake/reinvención de la tripulación original. Otra película de éxito parecía consolidar el regreso de la saga, aunque no en el medio que la vio nacer. En televisión, se oían rumores, pero nada concreto, y tuvimos que esperar casi quince años a que una serie centrada en la franquicia apareciese en nuestro radar. Su concepción no fue sencilla, con Bryan Fuller, el responsable originalmente previsto, abandonando el proyecto por diferencias creativas, lo que retrasó un poco la llegada de Discovery, que además se emitiría en CBS All Access, el servicio streaming. La cadena no creía que el producto encajase en su parrilla televisiva, así que la mandaba al streaming, donde arrasó, es cierto. Y en el resto del mundo Netflix se haría cargo del proyecto, por lo que todos pudimos disfrutar de los episodios de esta nueva serie centrada en la Discovery. Alex Kurtzman, coguionista de las películas de JJ Abrams, fue el responsable de terminar de dar forma a este universo, aunque Gretchen J. Berg y Aaron Harberts serían los showrunners, con apoyo de Akiva Goldsman, tomando el arco que Fuller había previsto para la serie y llevándolo hacia donde CBS pedía. No se equivocaron, porque fue rápidamente renovada. Provocó el mayor número de suscripciones al servicio de streaming de CBS y el récord de visualizaciones en su estreno. La trama, liderada por el personaje de Michael Burnham (Martin-Green), nos llevaba unos diez años antes de los sucesos de la serie original, a bordo de la Discovery, justo en el momento en el que las distintas casas klingon se unen bajo un mismo liderazgo y declaran la guerra a la Federación. Y en medio de todo ello, se encuentra la Discovery.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

UN AMERICANO EN LA RAF A Yank in the R.A.F. 1941; EE. UU.; Blanco y negro; Director: Henry King; Guion: Darrell Ware, Karl Tunberg; Música: Alfred Newman; Fotografía: Leon Shamroy; Intérpretes: Tyrone Power, Betty Grable, John Sutton, Reginald Gardiner, Donald Stuart, Ralph Byrd, Richard Fraser, Denis Green, Bruce Lester, Gilchrist Stuart, Lester Matthews, Frederick Worlock, Ethel Griffies, Fortunio Bonanova, James Craven, Morton Lowry, G. P. Huntley, Stuart Robertson, Dennis Hoey, Gladys Cooper, John Rogers, Harry Allen, Claud Allister, Ray Atchley, Bunny Beatty; Duración: 98 minutos.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

CUANDO MUERE EL DÍA Sundown 1941; EE. UU.; Blanco y negro; Director: Henry Hathaway; Guion: Charles G. Booth, Barré Lyndon; Música: Miklós Rózsa; Fotografía: Charles Lang; Intérpretes: Gene Tierney, Bruce Cabot, George Sanders, Harry Carey, Joseph Calleia, Reginald Gardiner, Carl Esmond, Marc Lawrence, Cedric Hardwicke, Gilbert Emery, Jeni Le Gon, Emmett Smith, Dorothy Dandridge, William Broadus, Ivan Browning, Frank Clarke, Frederick Clarke, Eddie Das, William R. Dunn, Al Duvall, Riccardo Fredoa, Wesley Gale, Gibson Gowland, Jester Hairston, Darby Jones, Walter Knox, Tetsu Komai, Lawrence LaMarr; Duración: 90 minutos.

Los estudios de Hollywood libraban su propia guerra comercial en Hollywood mientras se desarrollaba la Segunda Guerra Mundial en el resto del mundo sin reparar en que luchaban en el mismo bando. Y el caso de esta película es un ejemplo de ello. El guion se basa en una historia que el productor Darryl F. Zanuck escribió con el seudónimo de Melville Crossman. Se concibió como una especie de complemento de Un yanqui en Oxford (1938), de Jack Conway. En enero de 1941, Zanuck le envió un borrador del guion basado en su historia al Ministerio del Aire en Londres. Titulado The Eagle Flies Again y escrito por Karl Tunberg y Darrell Ware, el guion iba acompañado de la promesa de que la película sería un documento visual para dar esperanza a todos los pueblos civilizados en que la libertad acabaría prevaleciendo y que lejos de ser propaganda la película sería sobre todo entretenimiento. A pesar de ello, originalmente el protagonista yanqui que da título a la película fallecía al final. El Ministerio del Aire contestó a Zanuck indicándole que el protagonista estadounidense no debía morir al final pues dificilmente inspiraría de esa manera a otros compatriotas a alistarse en la RAF y al resto de la ciudadanía del país a cambiar aislacionismo por intervencionismo en el conflicto, una de las claves que Churchill consideraba esenciales para ganar la guerra contra Alemania. Finalmente, Un americano en la RAF fue un éxito de taquilla y también una contribución al esfuerzo bélico, tanto que fue seguida de inmediato por International Squadron (1941), dirigida por Lothar Mendes y Lewis Seiler y protagonizada por Ronald Reagan. Zanuck amenazó a Warner con emprender acciones legales si estrenaba International Squadron antes que Un americano en la RAF. Warner se vio obligada a esperar hasta octubre de 1941 para estrenar la película. M.J.P.

La película parte para la construcción de su trama de una historia del propio Barré Lyndon, seudónimo de Alfred Edgar, dramaturgo y guionista británico que comenzó su carrera como periodista especializado en el mundo del automovilismo. Posteriormente escribió relatos y publicó el libro Combat: A Motor Racing History sobre los inicios de las carreras automovilísticas y los coches diseñados por Cecil Kimberr. Su argumento para esta historia sitúa la trama en Somalia, en el año 1941, cuando los ecos de la Segunda Guerra Mundial alcanzan a los británicos y alemanes presentes en la zona colonial dominda por los británicos. La colonial Kenia afronta los primeros compases del conflicto en un puesto avanzado de los ingleses que por su aislamiento constituye un paisaje no solo exótico sino también muy peculiar para mostrar un aspecto de la guerra que no ha sido muy explotado en el cine, el de los territorios coloniales más remotos en los que el duelo entre las potencias enfrentadas se vivió desde la distancia, aunque en este caso los personajes se ven atrapados en una oleada de rumores que hablan de una posible rebelión de las tribus árabes de la zona supuestamente armadas por agentes alemanes. El tema de la cobardía y el valor se plantea tras ese asunto argumental más general, aportando una clave más psicológica a los personajes que se refuerza con el protagonismo del sólido George Sanders en clave protagonista acompañado por una de las divas del cine de aventuras y el cine negro del momento, Gene Tierney. La película fue nominada a tres premios Oscar, Mejor Fotografía en blanco y negro, Mejor Dirección Artística y Decoración en blanco y negro, Mejor Música para película dramática. M.J.P.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

EL DÍA AMANECERÁ

A TRAVÉS DEL PACÍFICO

The Avengers/The Day Will Dawn

Across The Pacific

1942; Reino Unido; Blanco y negro; Director: Harold French; Guion: Frank Owen, Terence Rattigan, Anatole de Grunwald, Patrick Kirwan; Música: Richard Addinsell; Fotografía: Bernard Knowles; Intérpretes: Hugh Williams, Griffith Jones, Deborah Kerr, Ralph Richardson, Francis L. Sullivan, Roland Culver, Finlay Currie, Niall MacGinnis, Elizabeth Mann, Raymond Huntley, Patricia Medina, Roland Pertwee, Henry Oscar, David Horne, Henry Hewitt, John Warwick, Brefni O’Rorke, Bernard Miles, Beckett Bould, Olaf Olsen, Gus McNaughton, George Carney, John Salew, Meriel Forbes, Philip Friend, George Merritt; Duración: 98 minutos.

1942; EE. UU.; Blanco y negro; Director: John Huston; Guion: Richard Macaulay; Música: Adolph Deutsch; Fotografía: Arthur Edeson; Intérpretes: Humphrey Bogart, Mary Astor, Sydney Greenstreet, Charles Halton, Victor Sen Yung, Roland Got, Lee Tung Foo, Frank Wilcox, Paul Stanton, Lester Matthews, John Hamilton, Tom Stevenson, Roland Drew, Monte Blue, Chester Gan, Richard Loo, Keye Luke, Kam Tong, Spencer Chan, Rudy Nobles, Philip Ahn, Dick Botiller, Ralph Brooks, Anthony Caruso, Tom D’Andrea, Gordon De Main; Duración: 97 minutos.

Estrenada en Estados Unidos con el título de Los vengadores, su argumento se centra en una inicialmente neutral Noruega en torno a un periodista deportivo especializado en cubrir carreras de caballos que es destacado en dicho país como corresponsal de guerra. Un enfrentamiento en un bar entre alemanes que cantan el himno del partido nazi y marineros británicos y noruegos da lugar a un enfrentamiento que preludia la ruptura de las hostilidades. El ataque de un submarino alemán contra un barco noruego presagia el próximo movimiento del ejército de Hitler en la zona, aunque no le hacen caso en principio. Más eficaz que otras película dedicadas a describir los primeros y dubitativos compases del conflicto, la fábula conduce a su protagonista en esta ocasión hasta el Blitz contra Inglaterra desatado por los bombarderos de la Luftwaffe. Bien defendida por un reparto en el que destaca especialmente la contribución de Deborah Kerr, que años más tarde iba a tener la oportunidad de conseguir uno de sus mejores trabajos interpretando otro personaje creado por el mismo dramaturgo que prestó la base para este largometraje, Terence Rattigan, interpretando la versión cinematográfica de Mesas separadas, por la que la actriz fue nominada al Oscar. Por la temática que maneja en sus obras, frustración sexual, represiones, rechazos y relaciones sentimentales fracasadas, no es arriesgado afirmar que la obra de Rattigan tiene mucho en común, aunque desde un punto de vista británico, con las propuestas de Tennessee Williams en Estados Unidos. Concebida con un claro objetivo de propaganda, la película incluía una frase final extraída del discurso pronunciado por el primer ministro británico Winston Churchill en el Senado de Estados Unidos el 26 de diciembre de 1941. M.J.P.

Vincent Sherman contribuyó como director en la filmación de las escenas finales, si bien no apareció finalmente acreditado. Sustituyó a Huston cuando este se alistó en el Cuerpo de Señales del Ejército de Estados Unidos, precisamente para participar en el conflicto que anticipaba este largometraje.

Se basa en la novela de Robert Carson Aloha Means Goodbye, publicada por entregas en The Saturday Evening Post en junio y julio de 1941. En esta se anticipaba el ataque japonés a Pearl Harbor seis meses antes de que ocurriera. Carson había ganado ya un Oscar por la historia original de Ha nacido una estrella en 1938, y en su recorrido por varios géneros, destaca su trabajo en versión sonora de uno de los clásicos sobre las guerras coloniales, Beau Geste, en la versión dirigida por William A. Wellman y protagonizada por Gary Cooper. En este argumento. La historia de la novela en la que se basa esta película nació después de que viajara a Hawái en 1940 y extrapolara posibilidades geopolíticas de conflicto en la zona entre Estados Unidos y Japón. El argumento gira en torno a un capitán del Ejército estadounidense que ha sido condenado por una corte marcial y expulsado del Ejército tras ser acusado de robo, tras lo cual ha intentado alistarse en las tropas canadienses para participar en la guerra, pero tras ser nuevamente repudiado viaja a bordo de un barco japonés para unirse en China a las fuerzas de Chiang Kai-shek y combatir a los japoneses. Todo ello va a colocarle en el epicentro de una conspiración para tantear las defensas estadounidenses en la zona de Hawái con vistas a un futuro ataque. La película, a caballo entre le cine negro y el espionaje, repite protagonistas y antagonista de El Halcón Maltés, dirigida también por Huston. M.J.P.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

INFIERNO EN LA TIERRA China Girl 1942; EE. UU.; Blanco y negro; Director: Henry Hathaway; Guion: Ben Hecht; Música: Hugo Friedhofer; Fotografía: Lee Garmes; Intérpretes: Gene Tierney, George Montgomery, Lynn Bary, Victor McLaglen, Alan Baxter, Sig Ruman, Myron McCormick, Robert Blake, Ann Pennington, Philip Ahn, Oie Chan, Eddie Das, Paul Fung, Chester Gan, Allen Jung, Fred Kohler Jr., Eddie Lee, Lal Chand Mehra, Billy Moya, Bobbie Moya, Tom Neal, Gene Rizzi, Tom Seidel, Kam Tong, Emmett Vogan, Beal Wong, Bruce Wong; Duración: 95 minutos.

Darryl F. Zanuck volvió a utilizar su seudónimo habitual de Melville Crossman, que había utilizado ya en Un americano en la RAF, para firmar la historia de partida de este largometraje en el cual Gene Tierney volvió a ponerse a las órdenes de Henry Hathaway, para el que había trabajado en Cuando muere el día. Si en aquella dio vida a una joven árabe, en esta ocasión interpreta a una fémina china educada en Estados Unidos, papel para el que en principio los productores pensaron en fichar a Betty Grable. La muchacha entra en contacto con un reportero gráfico que trabaja en China y Birmania, y es obligado por los japoneses a servir como fotógrafo que inmortalice la construcción del Camino de Birmania. Para ello intentan convencerle ofreciéndole 20 000 dólares de sueldo, pero cuando se niega, es retenido como prisionero junto con un oficial canadiense alistado en el Ejército chino que se enfrenta a los japoneses. Ambos se alian para escapar de su encierro, ayudados por una amiga del militar, y consiguen escapar en un avión que les llevará hasta Mandalay. El persistente intento de mantenerse independiente y sin alistarse en ningún bando que sostiene al protagonista refleja el ambiguo estado de ánimo de participar o abstenerse en el conflicto de parte de la población estadounidense, lo que inscribe esta película en el ciclo de producciones de Hollywood destinado a reforzar la moral de los espectadores pintando a los japoneses como el enemigo que batir. La película se estrenó el 9 de diciembre de 1942, algo menos de un año después de que los japoneses bombardearan Pearl Harbor y recaudó en los cines estadounidenses 1 400 000 dólares. Se manejaron títulos alternativos como Un yanqui en China o El camino de Birmania. M.J.P.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

EAGLE SQUADRON 1942; EE. UU.; Blanco y negro; Director: Arthur Lubin; Guion: Norman Reilly Raine; Música: Frank Skinner; Fotografía: Stanley Cortez; Intérpretes: Robert Stack, Diana Barrymore, Jon Hall, Eddie Albert, Nigel Bruce, Evelyn Ankers, Leif Erickson, John Loder, Edgar Barrier, Isobel Elsom, Alan Hale Jr., Don Porter, Frederick Worlock, Stanley Ridges, Gene Reynolds, Robert Warwick, Clarence Straight, Edmund Glover, Gladys Cooper, Rhys Williams, Paul Cavanagh, Gavin Muir, Richard Fraser, Richard Crane, Howard Banks, Harold Landon, Todd Karns, Charles King Jr., Jill Esmond, Ian Wolfe; Duración: 109 minutos.

Otro intento de contribuir desde el cine y sus fábulas a la propaganda de concienciación del espectador estadounidense para inclinarlo en favor de la participación de su país en el conflicto tras el que estaban las historias escritas por C. S. Forester. Como en el caso de Ataque al amanecer, la historia que sirve como base a este largometraje fue publicada en la revista Cosmopolitan. El argumento recuerda en algunos aspectos al que desarrollaría posteriormente en el contexto de la Guerra Fría la película Firefox (1982), dirigida y protagonizada por Clint Eastwood. En esta, un piloto americano debe infiltrarse en la ahora extinta Unión Soviética y robar el prototipo de un avión que se puede pilotar con la mente. En el caso de Eagle Squadron, un piloto americano que sirve en la RAF, interpretado por Robert Stack, viaja hasta Francia para robar un caza Messerschmitt alemán y llevarlo hasta Inglaterra con vistas a que allí pueda ser estudiado para contrarrestar los ataques de la Luftwaffe germana. El productor de King Kong, Ernest B. Schoedsack, pasó seis semanas en bases aéreas de Inglaterra y participando en algunas operaciones para poder rodar material para la película, si bien la mayor parte de las escenas se llevaron a cabo en el estudio utilizando réplicas y maquetas en un despliegue de efectos especiales notable para la época. La otra fuente de inspiración para este filme eran las propias noticias que circulaban en la prensa estadounidense sobre los pilotos de esa nacionalidad que estaban participando como voluntarios pilotando aviones de combate en la batalla de Inglaterra. Inicialmente, la idea era rodar un documental sobre las misiones reales de los pilotos del Escuadrón Águila, realizado con la colaboración del Ministerio de Información británico, que facilitaba las imágenes de combates reales, centrando la trama en seis pilotos auténticos que finalmente acabaron sirviendo como modelos originales para los personajes de ficción interpretados en la película. M.J.P.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

BERLIN CORRESPONDENT 1942; EE. UU.; Blanco y negro; Director: Eugene Forde; Guion: Steve Fisher, Jack Andrews; Música: David Buttolph; Fotografía: Virgil Miller; Intérpretes: Virginia Gilmore, Dana Andrews, Mona Maris, Martin Kosleck, Sig Ruman, Kurt Katch, Erwin Kalser, Torben Meyer, William Edmunds, Hans Schumm, Leonard Mudie, Hans Von Morhart, Curt Furburg, Henry Rowland, Christian Rub, Rudolph Anders, Louis V. Arco, John Bleifer, Egon Brecher, John Epper, Arno Frey, Frederick Giermann, Henry Guttman, Trudy Marshall, Rudolf Myzet, Otto Reichow; Duración: 70 minutos.

Ambientada antes de que Estados Unidos entrara en la Segunda Guerra Mundial la película juega con claves argumentales e incluso recursos narrativos que habían sido explotados ya por Alfred Hitchcock en su película Enviado especial. En esta variante, Dana Andrews, que afronta aquí su primer papel realmente destacado en clave de protagonista, interpreta a un comentarista de una cadena de radio estadounidense que se encuentra destinado en Berlín meses antes de que se produzca el bombardeo de Pearl Harbor. Ha sido testigo de la brutalidad del régimen nazi y aspira a convencer a sus oyentes de la verdadera naturaleza del Gobierno de Hitler y sus intenciones de futuro.

Para ello introduce mensajes codificados en sus emisiones, pero la Gestapo ya ha empezado a sospechar del periodista estadounidense y la filtación de información alcanza ya tal grado que un oficial alemán decide envíar a su propia novia en clave de espía para seducir al norteamericano y sonsacarle información. El problema para la agente es que descubre que es su propio padre el que está suministrando información secreta al joven infiltrado, lo que la lleva a replantearse su misión, dando lugar a un intento de escapar de Alemania con informaciones que pueden cambiar el curso futuro del conflicto para los aliados. Sin estar a la altura de la propuesta de Hitchcock, y a pesar de estar lastrada por una representación excesivamente tópica de los alemanes como villanos de opereta o cómic barato, totalmente estereotipados, es un entretenido enredo aun poniendo a prueba la suspensión de credulidad del espectador con su enrevesada propuesta argumental y el súbito giro sentimental experimentado por la protagonista femenina, excesivamente difícil de tragar.

M.J.P.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

ATAQUE AL AMANECER Commandos Strike at Dawn 1942; EE. UU.; Blanco y negro; Director: John Farrow; Guion: Irwin Shaw; Música: Louis Gruenberg; Fotografía: William C. Mellor; Intérpretes: Paul Muni, Anna Lee, Lillian Gish, Cedric Hardwicke, Ray Collins, Robert Coote, Rosemary DeCamp, Alexander Knox, Elizabeth Fraser, Richard Derr, Erville Alderson, Barbara Everest, Rod Cameron, Louis Jean Heydt, George Macready, Lloyd Bridges, Arthur Margetson, V.S. Godfrey, C. M. Cree, Gus Sivertz, Mickey Miquelon, Ann Carter, John Farrow, Norvald Flaaten, Eddie Hall, Gertrude Hoffman, Elsa Janssen; Duración: 98 minutos.

El origen de este proyecto está en el trabajo de C. S. Forester, creador de la serie de novelas sobre la Armada británica durante las guerras napoleónicas y protagonizada por Horatio Hornblower, personaje que encarnó Gregory Peck en El hidalgo de los mares (1951) de Raoul Walsh. Forester también es autor de la novela en la que se basa La Reina de África (1951) de John Huston. Durante la Segunda Guerra Mundial, Forester se trasladó a Estados Unidos, donde trabajó para el Ministerio de Información británico, en el que solía escribir propaganda destinada a convencer a Estados Unidos de unirse a la lucha contra las fuerzas del Eje del lado de los Aliados. John Farrow, padre de Mia Farrow y marido de Maureen O’Sullivan, la Jane de las primeras películas de Tarzán protagonizadas por Johnny Weissmuller, se ocupó de trasladar a la pantalla este argumento basado en el cuento The Commandos, que había publicado la revista Cosmopolitan en junio de 1942.

Rodada en Canadá, contó con el retorno de una de las estrellas femeninas del cine negro, Lillian Gish, y giraba en torno a un viudo noruego amante de la paz que tras vivir de primera mano la represión nazi en la ciudad pesquera donde vive, decide formar una guerrilla para resistir a los invasores, y tras matar al jefe de las fuerzas alemanas destacadas en el lugar escapa a Inglaterra para formarse allí como un comando experto en operaciones especiales que liderará un ataque contra un aeropuerto secreto germano establecido en la costa noruega. La película, lo mismo que la propio historia de C. S. Forester, se inspiraba en operaciones reales de los comandos británicos llevadas a cabo en Noruega durante 1941. El largometraje se tituló inicialmente Commandos Story y se rodó en Canadá. M.J.P.

Grandes películas de Cine Bélico (VIII) Premoniciones, propaganda y avisos sobre lo que vendrá habitan los argumentos de algunas de las películas que recrearon a principios de los cuarenta los prolegómenos de algunos de los acontecimientos que iban a marcar el futuro de la Segunda Guerra Mundial.

La pincelada exótica de las películas bélicas seleccionadas este mes llega con Cuando muere el día, producción dirigida por el eficaz director de cine de acción Henry Hathaway, al que se deben algunos de los títulos más significativos del género que nos ocupa. Considerado por algunos críticos un mero artesano de historias trepidantes, es cierto que su huella como autor no es tan sólida como, por ejemplo, la de su colega Howard Hawks, pero en todo caso sí ha dejado en su filmografía suficientes trabajos con personalidad como para señalarle como uno de los más consistentes narradores de cine bélico de la historia del cine.

La película costó 1 200 000 dólares que no llegó a recuperar en su estreno estadounidense, y en algunas localidades fue reestrenada en 1942 por su productora, United Artists, en programa doble con una comedia musical sobre enredos sentimentales de adolescentes, All-American Co-Ed, que no era la mejor asociación para la interesante propuesta de Cuando muere el día. Esta última ha resistido bien el paso del tiempo y es un reflejo de la manera en que se contemplaba la Segunda Guerra Mundial desde Estados Unidos en ese momento, como un asunto en principio lejano y ajeno que no obstante en cualquier momento podría convertirse en algo que afectara directamente al país.

Conviene tener en cuenta que el largometraje se estrenó en su primer encuentro con la cartelera estadounidense en octubre de 1941, y los japoneses bombardearon Pearl Harbor el 7 de diciembre de ese mismo año. Cuatro días después de ese ataque, Hitler declaró la guerra a Estados Unidos. Eso le otorga un interesante papel de premonición que comparte con otros títulos incluidos en esta selección. Ocurre así en Infierno en la tierra, dirigida también por Hathaway contando con la misma protagonista femenina de Cuando

muere el día, Gene Tierney. Y se repite en A través del Pacífico, basada en una novela que hablaba del ataque japonés a Pearl Harbor meses antes de que este se produjera. Berlin Correspondent está ambientada en la ciudad alemana meses antes de que se produzca el ataque sobre Pearl Harbor que daría lugar a la declaración de guerra de Hitler a Estados Unidos. El día amanecerá tiene como protagonista a un corresponsal británico que intenta avisar a su país de un inminente ataque alemán contra la neutral Noruega en la primera fase de la Segunda Guerra Mundial. De paso la película se vincula a la realidad rematando su propuesta con el discurso de Churchill en el Senado de Estados Unidos, uno de sus mejores momentos, cuando afirmó: “En una docena de famosos antiguos Estados postrados bajo el yugo nazi, las masas de personas de todas clases y credos esperan la hora de la liberación, cuando nuevamente serán capaces de jugar su papel y atacar como hombres. Esa hora llegará, y su solemne estrépito proclamará que la noche ha terminado y la mañana llega”.

Otra película destacada de este mes es Un americano en la RAF, muestra significativa del trabajo realizado por Hollywood para participar en la orientación de la opinión del púbico estadounidense en un viaje desde el aislacionismo al intervencionismo en la Segunda Guerra Mundial. Buena prueba del compromiso de la industria estadounidense en esa línea de actuación es el hecho de que fuera un productor del calibre de Darryl Francis Zanuck, cofundador de 20th Century Fox, el que escribiera la historia en que se basa la película.

Zanuck fue uno de los innovadores de la industria cinematográfica estadounidense a lo largo de sus más de 40 años de dedicación.

Había combatido en la Primera Guerra Mundial en el frente europeo, lo que le otorgaba una visión del conflicto que otros de sus compañeros en el oficio no tenían. Fue el productor de El cantor de jazz, la película que instaló definitivamente el cine en su etapa sonora, impulsó el arranque del ciclo de cine de gánsteres en Warner, produciendo clásicos del mismo como Hampa dorada y El enemigo público.

Supo ver el potencial comercial del nuevo conflicto y el papel que debía jugar en él la industria del cine estadounidense. Esa clave de propaganda para la entrada de Estados Unidos en la guerra movía también las dos últimas películas de nuestra selección de este mes, Ataque al amanecer y Eagle Squadron.

Miguel Juan Payán

65

PRÓXIMOS ESTRENOS Por Jesús Martín

Timadoras compulsivas EE UU; 2019; Título original: The Hustle; Dirección: Chris Addison; Fotografía: Michael Coulter; Guion: Stanley Shapiro, Paul Henning y Dale Launer; Música: Anne Dudley; Intérpretes: Anne Hathaway, Rebel Wilson, Alex Sharp; Distribuye: Universal.

Después de demostrar sus dotes para la delincuencia en Ocean’s 8 (Gary Ross, 2018); Anne Hathaway (Los miserables) regresa al territorio más alejado de la legalidad, para interpretar a una estafadora con ganas de reivindicar su lugar en el mundo.

A su lado, la singular Rebel Wilson (La boda de mi mejor amiga) anima a Hathaway a vivir un sinfín de aventuras; todas ellas enfocadas a vengarse de las malas pasadas sufridas a manos de los hombres que ningunearon a las dos damas, a lo largo de sus respectivas existencias.

Chris Addison (Veep) realiza su debut como director de largometrajes, con esta comedia.

El Bailarín

Francia y Bélgica; 2018; Título original: Pupille; Dirección: Jeanne Herry; Fotografía: Sofian El Fani; Guion: Jeanne Herry; Música: Pascal Sangla; Intérpretes: Sandrine Kiberlain, Gilles Lellouche, Élodie Bouchez; 110 mins; Distribuye: Caramel.

Reino Unido y Francia; 2018; Título original: The White Crow; Dirección: Ralph Fiennes; Fotografía: Mike Eley; Guion: David Hare y Julie Kavanagh; Música: Ilan Eshkeri; Intérpretes: Oleg Ivenko, Ralph Fiennes, Adèle Exarchopoulos; 127 mins; Distribuye: DeAPlaneta.

La adopción, con las consecuencias burocráticas y sentimentales que semejante proceso conlleva, es el tema principal de esta personal película dirigida por Jean Herry (Elle l’adore), donde la cineasta explora los aspectos más ocultos de la maternidad no biológica. Élodie Bouchez (Los juncos salvajes) interpreta a Alice, una mujer ansiosa por tener un hijo, que recurre a la adopción. Un bebé llamado Theo la espera, pero problemas inesperados harán que el encuentro se retrase de manera inevitable.

Sandrine Kiberlain (Enamorado de mi mujer), Gilles Lellouche (No se lo digas a nadie) y Olivia Côte (Mis días felices) completan el elenco artístico.

Keepers

Familia sumergida

Reino Unido; 2018; Título original: The Vanishing; Dirección: Kristoffer Nyholm; Fotografía: Jørgen Johansson; Guion: Joe Bone y Celyn Jones; Música: Benjamin Wallfisch; Intérpretes: Gerard Butler, Peter Mullan, Connor Swindells; 107 mins; Distribuye: Vercine.

Argentina, Noruega; 2018; Dirección: María Alche; Fotografía: Hélène Louvart; Guion: María Alche; Música: Luciano Azzigotti; Intérpretes: Mercedes Morán, Esteban Bigliardi, Marcelo Subiotto; 91 mins; Distribuye: Surtsey Films.

En diciembre de 1900, tres hombres fueron contratados para encargarse del faro de la isla de Flannan (situada cerca de Escocia). Después de un tiempo sin que el faro ofreciera sus servicios habituales, la policía se trasladó a la citada extensión. Sin embargo, allí no encontró a nadie. Más de un siglo después, el misterio sobre el paradero de los tres trabajadores aún es un misterio absoluto.

El cineasta danés Kristoffer Nyholm (The Killing) recrea en imágenes en movimiento los sucesos acontecidos en la isla de Flannan, con Gerard Butler (Objetivo: la Casa Blanca), Peter Mullan (War Horse) y Connor Swindells (VS) al frente del reparto.

70

En buenas manos

La actriz argentina María Alché debuta como directora con esta película de sueños transformadores, y silencios mediados por la desconexión. “La protagonista pierde a su hermana y con ella se va una parte de su mundo intangible: conversaciones que tenían, maneras de disponer los objetos en la casa, anécdotas compartidas, gestos, sensaciones…”, explica Alché, para resumir el emotivo argumento del filme.

Mercedes Morán (El amor menos pensado) encabeza el elenco interpretativo de Familia sumergida, en la piel de Marcela: una mujer que desconoce sus propios sentimientos, y que encuentra una razón para vivir al lado de un joven llamado Nacho (Esteban Bigliardi, La flor: segunda parte).

Vivir deprisa, amar despacio Francia; 2018; Título original: Plaire, aimer et courir vite (Sorry Angel); Dirección: Christophe Honoré; Fotografía: Rémy Chevrin; Guion: Christophe Honoré; Intérpretes: Vincent Lacoste, Pierre Deladonchamps,; 132 mins; Distribuye: Surtsey Films.

Antes de comenzar su carrera como director, el actor Ralph Fiennes (El paciente inglés) se quedó fascinado con la biografía de Rudolf Nureyev, relatada en el libro de Julie Kavanagh. Tal pasión nunca oculta ha llevado al protagonista de La lista de Schindler a rodar esta película, en la que se acerca a la figura del mítico director del Ballet de la Ópera de París.

El bailarín ucraniano Oleg Ivenko debuta como actor en la piel de Nureyev, a quien retrata a partir del momento de su exilio voluntario en París; para regresar a su pasado en Leningrado y a los lugares donde transcurrió su infancia.

En los años noventa, el sida era considerado por la sociedad como una enfermedad mortal. Muchos de los afectados vieron cómo sus defensas inmunitarias disminuían peligrosamente, sin la menor esperanza de salvación, a la espera de que los institutos farmacéuticos hallaran un método de detener el terrorífico avance del virus.

El director Christophe Honoré (El hombre en el baño) se acerca a esa época, en esta romántica cinta sobre el amor condenado de un escritor (Pierre Deladonchamps, El desconocido del lago) y un joven estudiante (Vincent Lacoste, El skylab). Una relación en la que el tiempo se revela como un terrible presagio de un final trágico.

La tragedia de Peterloo

Pokémon: Detective Pikachu

Reino Unido; 2018; Título original: Peterloo; Dirección: Mike Leigh; Fotografía: Dick Pope; Guion: Mike Leigh; Música: Gary Yershon; Intérpretes: Rory Kinnear, Maxine Peake, Pearce Quigley; 154 mins; Distribuye: Diamond Films.

Japón y EE UU; 2019; Dirección: Rob Letterman; Fotografía: John Mathieson; Guion: Dan Hernandez, Benji Samit y Rob Letterman; Música: Henry Jackman; Intérpretes: Ryan Reynolds, Kathryn Newton, Suki Waterhouse; 104 mins; Distribuye: Warner Bros.

Mike Leigh regresa con esta película de época, género que ya exploró en Mr. Turner (2014). El cineasta de la emotiva Secretos y mentiras se interesa en esta ocasión por una de las matanzas de civiles más recordadas en la historia de Gran Bretaña: la conocida como masacre de Peterloo, sucedida en 1819.

Los sucesos ocurrieron al poco de finalizar las guerras napoleónicas, con la batalla de Waterloo. Por aquel entonces, el pueblo inglés se moría de hambre, por lo que los habitantes formalizaron una multitudinaria protesta que acabó en un auténtico baño de sangre.

Rory Kinnear (Skyfall) y David Moorst (Holby City) encabezan el elenco interpretativo.

Tras más de dos décadas entreteniendo con sus videojuegos, películas y series de televisión, Pokémon da el salto a la acción real, de la mano del cineasta Rob Letterman (Monstruos contra alienígenas). Una trama a lo Sherlock Holmes sirve a Letterman para introducir a los aficionados en el universo de Pikachu, con la voz del actor Ryan Reynolds (Deadpool) como principal nexo narrativo.

La acción sigue los pasos de un chico llamado Tim Goodman (Justice Smith, The Get Down), quien quiere aclarar la desaparición de su padre, el investigador Harry Goodman. Misión en la que obtendrá la ayuda del detective Pikachu (el mejor compañero de su progenitor).

1

APOCALIPSIS NOW

bra maestra de Francis Coppola, que sigue la pista a la novela de Joseph Conrad El corazón de las tinieblas y sitúa la acción en la Guerra de Vietnam. Aviso: hay spoilers.

Recordada sobre todo por sus primeros compases Apocalypse Now es, por su estructura, una película de viaje o itinerario, una road movie atravesando el infierno de la Guerra de Vietnam, la película quedó definida por una de sus muchas pinceladas de mitología nórdica, la wagneriana “Cabalgata de las valkirias” que acompaña musicalmente la pieza central del relato, una carga de caballería propia del wéstern en una guerra donde los caballos se han convertido en helicópteros que parecen libélulas (foto 1). Doce minutos de metraje en una secuencia que es el equivalente en este largometraje a lo que fuera en El acorazado Potemkin (S. M. Eisenstein, 1925) la secuencia de la matanza en la escalera de Odesa.

Es una muestra de operación de guerra psicológica que luego inspiraría a los mandos estadounidenses de las tropas destacadas en la Segunda Guerra del Golfo la idea de atormentar los oídos del enemigo con temas de Metálica y otras bandas de rock duro expulsados a todo volumen desde potentes altavoces situados sobre vehículos blindados de reconocimiento.

O

2

3

4

ANÁLISIS DE CINE

La espectacular secuencia fue homenajeada en la película Jarhead (Sam Mendes, 2005), donde era proyectada como estímulo guerrero para los marines protagonistas y se interrumpía cuando son llamados al frente de la Primera Guerra del Golfo. El uso de una secuencia de denuncia de la barbarie como instrucción para la barbarie no es nuevo: la matanza de El acorazado Potemkin se proyectaba en Estados Unidos a las fuerzas de orden público con vistas a instruirlas en la represión de motines. Luego llegará la célebre frase del coronel Killgore interpretado por Robert Duvall, heredero de la interpretación del general Patton que hiciera George C. Scott en una película con la que Francis Coppola ganó el Oscar al Mejor Guion: Patton (Franklin J. Schaffner, 1971): “Me gusta el olor del napalm por la mañana” (foto2).

Desde el punto de vista de los argumentos universales, su protagonista es un Ulises frustrado que se nos presenta desorientado, en un primer plano cabeza abajo, dominando un rosario de elocuentes fundidos encadenados donde los helicópteros que se mueven en círculos sobre la selva se funden con las aspas del ventilador en el techo y el propio personaje gira y se funde convirtiéndose él mismo en selva. El sonido es esencial, con el ruido de las aspas de los helicópteros y luego a través de la música. Es una secuencia de apertura

71

CLÁSICOS IMPRESCINDIBLES que nos habla del tema de la novela de Joseph Conrad, El corazón de las tinieblas, el hombre civilizado regresando hacia sus orígenes más primitivos, de retorno a lo salvaje.

Este Ulises ha fracasado en su intento de regresar a la patria. Tal como afirma: “Cuando estoy allí, quiero estar aquí. Cuando estoy aquí, quiero estar allí”. El vínculo perdido con su Ítaca y su Penélope queda explicado con esos planos de detalle con varios objetos del hogar que queda muy lejos de la guerra en el espacio y en el tiempo (foto 3).

Apocalypse Now es también una película donde la mitología nórdica ocupa un lugar muy destacado en distintos momentos clave. En primer lugar la forma geométrica del círculo preside todo el arranque de la película, cuyo principio —con la voz de Jim Morrison cantando el tema de los Doors “The End”—, marca, junto a las imágenes de la selva ardiendo presa del napalm (foto 4), ese principio que al mismo tiempo anticipa el final, después de que el protagonista, Willard, pida el bombardeo de la aldea en la que se encuentra su objetivo, Kurtz. El propio título de la canción, al final, marca esa característica de principio y fin del arranque del relato que estaba en la versión original pero se pierde en el término de la versión extendida Redux, donde las imágenes de cierre del fuego en la selva desaparecen y solo escuchamos: “El horror, el horror”, mientras el rostro de Willard se solapa con el de la estatua, completando así el viaje del personaje, cuyo rostro se solapa con el del ídolo de piedra al que estaba opuesto en las imágenes del arranque del largometraje (fotos 5 y 6).

El río por el que se desplaza Willard para llegar hasta Kurtz, quizá Gjöll, uno de los once ríos de la mitología escandinava, el que corre más cerca de las puertas del infierno, Hel, el reino de la muerte. Los personajes atraviesan esa frontera imaginaria tras ser testigos del caos con el que termina el espectáculo de las playmates de la revista Playboy convocadas para entretener a las tropas sobre ese escenario rodeado de proyectiles con forma fálica, anticipando el terrible desenlace del viaje de las muchachas al frente, que fue cortado en la copia estrenada inicialmente, pero que se recupera para la edición extendida, Apocalypse Now redux, donde se nos muestra cómo han quedado abandonadas en tierra de nadie y son obligadas a intercambiar sus favores sexuales por combustible, perdiendo la razón y rodeadas de aves exóticas y de cadáveres.

72

5

6

7

8

9

10

Es un paso más hacia la decadencia del grupo que acompaña a Willard.

Continuamente, los personajes van atravesando distintas fronteras invisibles que les van introduciendo cada vez más en el caos y les hacen retroceder desde la civilización hacia la barbarie.

El paso definitivo será el ametrallamiento de los civiles en la canoa, un punto de no retorno para los miembros de la expedición, que se han convertido definitivamente en asesinos (foto 7).

Willard y sus hombres atraviesan la última frontera de la cordura hacia la locura, de la civilización hacia el caos, en una noche iluminada por el ataque del enemigo contra el último puesto avanzado norteamericano en el puente del río Nong, donde el soldado que le pasa las órdenes a Willard grita: “Estás en el culo del mundo”, después de que en la trinchera el primer plano de Willard con el rostro bañado alternativamente en luz y sombra anticipe el comienzo de la etapa final de ese viaje hacia el inframundo, asemejándose a unos planos posteriores de Kurtz sumido entre la luz y la sombra (foto 8).

Más allá, lo primero con lo que tropiezan, en el material añadido a la versión redux de la película, es con un eco del pasado: una colonia francesa que ha quedado aislada desde la Guerra de Indochina, cuyos miembros salen de la niebla como fantasmas (foto 9). El tiempo parece haberse parado en ese territorio, como paso previo a la zona controlada por Kurtz, en la que el tiempo parece invertir el sentido de las agujas del reloj y empezar a marchar hacia atrás, de vuelta a lo más primitivo.

El desenlace completa el viaje de Willard para ocupar el lugar de Kurtz.

Transformarse en vehículo para la destrucción después de sacrificar a Kurtz en una secuencia de montaje en paralelo con los planos de los nativos sacrificando ritualmente a una vaca (foto 10), lo que introduce un tono documental en la ficción que recuerda las secuencias de represión de los obreros montadas en paralelo con los planos de un matadero en La huelga (S. M. Eisenstein, 1925). Es un sacrificio, no una ejecución, y el propio Kurtz se somete a él de buen grado, confiando en que Willard sabrá transmitir su legado. Se cierra así el círculo sin fin de la mitología nórdica formado por la serpiente o el dragón gigante que envuelve el mundo y se muerde la cola: Jörmundgander.

Miguel Juan Payán

PRÓXIMOS estrenos

El hijo David Yarovesky descubre el lado oscuro de un niño llegado del espacio exterior.

E

l tío de Peter Parker/Spider-Man le espetó un día a su arácnido sobrino que todo poder requiere una gran responsabilidad a la hora de usarlo. Tales palabras se referían a la facilidad con la que unas facultades superiores a las de los demás mortales pueden ocasionar males impredecibles y sorprendentes. El director David Yarovesky (The Hive) y el productor James Gunn (Guardianes de la galaxia) parecen haber tomado la citada frase como un medio para reflexionar, y con ella han construido esta inquietante cinta; sobre un pequeño venido del universo, con la misión de sembrar el caos en la Tierra.

La trama de El hijo relata la pesadilla que viven Tory (Elizabeth Banks, Dando la nota) y Kyle Breyer (David Denman, El regalo), cuando se encuentran un día a un pequeño procedente de una galaxia indeterminada. El matrimonio decide hacerse cargo del niño, tal como hicieTÍTULO ORIGINAL: BRIGHTBURN

ron los padres adoptivos de Superman. Pero lo que no saben es que el chaval, más que un superhéroe con ganas de salvar a la humanidad de posibles peligros, va a convertirse en un auténtico demonio, más cercano a Magneto que a Thor.

Tal esquema argumental permite a Yarovesky y a los guionistas Mark y Brian Gunn explorar el terreno siempre atrayente de la cara B de los seres provenientes de lugares desconocidos: esa frontera plagada de minas morales, que se han encargado de inmortalizar en la pantalla personajes tan determinantes como el Darth Vader de Star Wars.

La estética heredada de los filmes de terror, enfocada en el peculiar gusto por los planos cortos hacia los ojos cambiantes del diabólico Brandon Breyer, viste la atmósfera de esta tenebrosa cinta, que recrea en muchas secuencias el imaginario del cine gótico.

El joven de 16 años Jackson A. Dunn (Shameless) es el encargado de meterse en el traje del satánico Brandon: una caracterización que el actor estadounidense nutre a base de miradas de hielo. Semejante arma es una de las cosas que el adolescente ha trabajado a conciencia, siempre pendiente de atemorizar al personal con un simple pestañeo y vuelos en clave apocalíptica sobre las cabezas de sus incautas víctimas.

Jesús Martín TRÁILER: http://youtu.be/a90TPlWvoRE

EE UU, 2019 DIRECTOR: DAVID YAROVESKY GUION: BRIAN GUNN Y MARK GUNN FOTOGRAFIA: MICHAEL DALLATORRE MUSICA: TIM WILLIAMS ELIZABETH BANKS (TORI BREYER), DAVID DENMAN (KYLE BREYER), MATT JONES, MEREDITH HAGNER, JENNIFER HOLLAND DISTRIBUYE: SONY PICTURES

INTERPRETES:

Malvados Indestructibles Como caras de una misma moneda, el bien y el mal están fuertemente unidos en la naturaleza intrínseca de los superhéroes. Escoger entre un camino y otro puede determinar el carácter de estos personajes devenidos de los relatos de la mitología clásica, que muestran a los vulnerables terrícolas sus habilidades sobrehumanas en los campos más diversos.

Uno de los primeros en cambiar de tercio hacia el lado oscuro fue el hijo de Jor-El: el icónico Superman. En la tercera entrega de la saga, dirigida por Richard Lester en 1983, el mítico hombre de acero era invadido por un virus informático, que le dividía entre un Superman diabólico y otro bondadoso y protector. El look desastrado delataba a la parte perversa, mientras que el éticamente correcto acababa imponiéndose en una recordada escena.

Pero no siempre existe una vuelta atrás: hay tipos con dotes especiales que se complacen en exhibir su faz más macabra y destructora. Tal es el caso de Elijah Price, el señor de los huesos de cristal de El protegido (M. Night Shyamalan, 2000). Este vendedor de cómics era el causante de grandes tragedias, en su empeño por ganar su enfrentamiento con el melancólico David Dunn (Bruce Willis). Un duelo que el cineasta de El sexto sentido alimentó con la incorporación posterior de otro villano con poderes para la transformación constante, conocido como The Beast (Múltiple, 2016).

En una línea similar de confraternización con los comportamientos torcidos respecto a la justicia universal, Magneto/Erik Lehnsherr es uno de los referentes más notables, dentro del universo de los superhéroes. Este mutante con capacidad para el engaño y las venganzas planetarias, al que han puesto rostro Ian McKellen y Michael Fassbender, es uno de los que más han influido en David Yarovesky a la hora de construir la imagen del inquietante extraterrestre de El hijo.

73

PRÓXIMOS estrenos

Casi imposible Charlize Theron y su particular visión del romanticismo

“Hubo algo muy genuino entre Seth y yo y por eso esta historia tenía que ser no solo divertida, sino también un relato sincero sobre las relaciones modernas. Creo que esperas realmente que esas dos personas encuentren una forma de estar juntas. Hay una relación de yin / yang entre ellos, pero se recuerdan mutuamente qué es lo que verdaderamente impulsa sus ideales. Tal vez sea porque somos un poco como nuestros personajes, entre Seth y yo existía ese mismo tipo de sintonía, y funcionaba bien”, argumenta Theron, al referirse a su personaje de Charlotte, en Casi imposible.

Tales palabras las asume la antigua modelo sudafricana, con la constancia de que su trabajo siempre vuela por los paisajes dramáticos de las interpretaciones al límite de la expresividad, mediadas por su impactante físico y su notable envergadura. Quizá esta sea la razón por la que la carrera de Theron se ha nutrido década tras década de personajes habitualmente fuertes y aguerridos, los cuales muchas veces no necesitan recurrir a un referente masculino para librar sus gestas en la pantalla.

Así lo ha mostrado en la piel de madres convencidas a la hora de decidir su propio destino (Tully), heroínas motorizadas (Fast & Furious 8), matonas encueradas (Atómica) o camioneras en busca de mundos mejores (Mad Max: furia en la carretera).

Un escaparate de caracterizaciones variadas, que no ha encasillado a la actriz de Monster; y que le ha permitido liderar campañas tan glamurosas como la del nuevo perfume de una conocida marca francesa.

Sin más reservas que las de su propia anatomía y su brillantez en escena, Charlize tiene aún pendiente de estreno la versión animada de La familia Addams (en la que pone voz a Morticia), y el proyecto todavía intitulado de Jay Roach, sobre el supuesto acosador y jefe de las noticias de Fox, Roger Ailes.

74

Charlize Theron y Seth Rogen forman una extraña pareja, en la nueva película de Jonathan Levine.

E

n Pretty Woman, Richard Gere conseguía enamorar a Julia Roberts con sus dotes de príncipe de cuento de hadas, a base de galanteos y declaraciones al borde de las lágrimas. Si el donjuán prototípico de los ochenta y principios de los noventa era capaz de semejante hazaña; entonces, ¿por qué Seth Rogen no podía conseguir algo parecido? Aunque, en el caso del protagonista de Vecinos los papeles se invierten, y él toma la parte de Julia Roberts.

Algo así es lo que plantea el cineasta Jonathan Levine (Descontroladas) en esta comedia sobre el extraño camino que a veces toman las flechas de Cupido; ya que, a primera vista, Seth Rogen y Charlize Theron no son dos personas destinadas a encajar como pareja. “Para alguien como Fred Flarsky, salir con Charlotte Field es casi como salir con una princesa. En Estados Unidos, los políticos son como nuestra versión de la realeza. Así que es una historia que sirve como una especie de cumplimiento de una gran fantasía, pero al mismo tiempo mantiene los pies en la tierra”, explica Rogen respecto al argumento del filme.

La trama de Casi imposible muestra dos mundos completamente distintos. Por un lado, está el de la exitosa e inteligente Charlotte Field (Charlize Theron): una mujer nacida para

el triunfo. Con una brillante carrera en la diplomacia, la dama afronta el reto de intentar convertirse en la primera presidenta de Estados Unidos. Frente a semejante realidad de glamurosa naturaleza, se encuentra Fred Flarsky (Seth Rogen): un periodista con talento y facilidad para meterse en líos. Cuando ambos se encuentran, en la mente de Fred se activa la visión de Charlotte como su antigua niñera.

Pese a las diferencias, los dos congenian, y el periodista empieza a elaborar los discursos de la campaña de Field. Una tarea que les traerá más de un problema.

Jesús Martín

TÍTULO ORIGINAL: LONG SHOT EE UU, 2019 DIRECTOR: JONATHAN LEVINE GUION: LIZ HANNAH Y DAN STERLING FOTOGRAFIA: YVES BELANGER MUSICA: MARCO BELTRAMI Y MILES HANKINS INTERPRETES: CHARLIZE THERON (CHARLOTTE FIELD), SETH ROGEN (FRED FLARSKY), JUNE DIANE RAPHAEL (MAGGIE MILLIKIN) DURACION: 125 MIN. DISTRIBUYE: EONE

PRÓXIMOS estrenos

Aladdin El Aladdin de Guy Ritchie llega en un año repleto de adaptaciones live action de Disney dispuesto a convencer hasta a los más escépticos.

L

a adaptación en imagen real de las aventuras del famoso ladronzuelo de Agraba es una de las películas más esperadas del año, sin embargo, en los últimos meses la maquinaria publicitaria de Disney no ha estado tan acertada como nos tiene acostumbrados. La aparición del Genio de Will Smith en el segundo tráiler dio pie a una inagotable fuente de memes y consiguió ganarse el cabreo de los fans y las risas de aquellos que ya aventuraban un fracaso. No era solo el desfasado CGI, también pesaba el recuerdo del locuaz Djinn al que prestó sus cuerdas vocales Robin Williams.

Remake de la película homónima de animación de 1992, que a su vez se basaba en el cuento Aladino y la lámpara maravillosa, la nueva versión está protagonizada por el desconocido Mena Massoud. El joven actor egipcio se mete en la piel del simpático mangante que, cegado por el amor que siente por la hija del sultán, Jasmine (Naomi Scott), acepta el desa-

fío de Jaffar (Marwan Kenzari) de entrar en una cueva en mitad del desierto y localizar una lámpara maravillosa que cumplirá todos sus deseos.

Las reacciones de los medios y del público a los avances mostrados en la pasada edición de la CinemaCon hacen pensar en una adaptación plano por plano del original, con escenas calcadas, como el primer encuentro entre Aladdin y el Genio con la canción “Friend Like Me” (“No hay un genio tan genial”, en castellano), en la que según parece Smith se anima a rapear. La parte del Aladdin ratero, con la experiencia de Ritchie en el cine sobre criminales de los bajos fondos, tiene visos de funcionar, pero hay curiosidad por comprobar cómo se mueve el realizador británico en el terreno de la comedia musical y si no se acerca peligrosamente a los excesos visuales de Bollywood.

Alejandro Gómez TRÁILER: http://youtu.be/lU_JXyQ338M

EE UU, 2019 DIRECTOR: GUY RITCHIE GUION: JOHN AUGUST Y GUY RITCHIE FOTOGRAFIA: ALAN STEWART MUSICA: ALAN MENKEN INTERPRETES: ALAN TUDYK (IAGO (VOZ)), NAOMI SCOTT (JASMINE), WILL SMITH (GENIO), BILLY MAGNUSSEN (PRÍNCIPE ANDERS), MENA MASSOUD (ALADDIN), NASIM PEDRAD (DALIA) DISTRIBUYE: WALT DISNEY

Will Smith reclama su corona Willard Carroll Smith, Jr., más conocido por su nombre artístico, Will Smith, nació el 25 de septiembre de 1968 en Filadelfia (Pensilvania) en el seno de una familia humilde. Desde pequeño, Will demostraba un talento innato para la música y su carisma y locuacidad le granjearon una fama entre los profesores de la escuela secundaria Overbrook, que lo apodaban The Fresh Prince. El joven adoptó el apodo y a sus 16 años fundó, en compañía de Jeff Townes, DJ. Jazzy Jeff and the Fresh Prince, un grupo de rap que entre 1987 y 1993 lanzó cinco discos y consiguió dos discos de platino y un Grammy.

En 1990, cuando ya gozaba de cierta fama, la cadena NBC le contrató para protagonizar la serie El príncipe de Bel-Air, que le permitió dar el salto al cine con películas como Seis grados de separación o Made in America. Sin embargo, su primer gran papel llegaría con Dos policías rebeldes, un trampolín perfecto para más tarde protagonizar éxitos de la segunda mitad de los noventa como Independence Day, Men in Black o Enemigo público. En el año 2001, Smith quiso darle un giro a su carrera hacia papeles con mayor potencial dramático con Ali, con la que consiguió una nominación al Oscar. Entre los años 2002 y 2005 participó en las secuelas de Men in Black y Dos policías rebeldes o Yo, robot, pero desde entonces su carrera se ha orientado más hacia el drama con películas como En busca de la felicidad, Siete almas o La verdad duele, reduciéndose su participación en el cine de acción a sonoros fracasos como After Earth o Escuadrón suicida. El actor, que posee el mérito de participar de manera consecutiva en ocho películas que generaron más de 100 millones de dólares en ingresos nacionales de taquilla, se ha propuesto volver a recuperar su corona en el territorio del blockbuster con el estreno de Aladdin y de las secuelas de Bright y Dos policías rebeldes el próximo año.

75

KEANU REEVES

JOHN WICK AL RESCATE DE NETO

El estreno de la tercera entrega de John Wick es una buena noticia para los aficionados al cine de acción, pero también para el actor encargado de interpretar el personaje, que no parece tener mucho éxito comercial lejos de esta franquicia. eanu Charles Reeves, nacido el 2 de septiembre de 1964 en Beirut, Líbano, 1,86 de estatura, tiene una de las carreras más irregulares y erráticas que se recuerdan en una estrella de Hollywood posiblemente desde que pusieron la primera piedra en el primer estudio de la llamada meca del cine.

Su filmografía alterna algunos éxitos que le han convertido en figura de referencia en varias décadas, pero al mismo tiempo presenta algunas de las películas más infumables que hemos visto en los últimos años.

Esa relación en plan montaña rusa que vive con el éxito y el fracaso de sus proyectos afectó incluso a la saga que le confirmó como una de las figuras más taquilleras del cine de los noventa, Matrix, no tanto en lo referido al éxito comercial –las tres entregas se las apañaron mucho mejor que bien en la taquilla– como en la acogida crítica y el resultado final de las dos secuelas, especialmente difícil de digerir la segunda, y dentro de la misma más concretamente el discurso o –llamémoslo directamente– “chapa” que nos enchufó el así denominado Arquitecto: una empanada mental de proporciones ciertamente cósmicas.

Para hacernos un mapa más aproximado de cómo le ha ido a Reeves en la vida, basta con echar la vista atrás y repasar algunos títulos claves, para bien y para mal, de su filmografía.

Formado en la escuela de la vida y crecido y educado en Toronto, Canadá, el actor cuyo nombre de pila significa “brisa fresca sobre las montañas”, muy poético y tal, es hijo de una corista y diseñadora de ropa inglesa y de un geólogo natural de Hawái. En sus venas se entrecruza una herencia multirracial que incluye antecedentes hawaianos, británicos, portugueses y hasta chinos.

K

Por si ese cóctel no fuera ya de por sí pintoresco, el divorcio de los padres llevó a Keanu y a su hermana pequeña, Kim Reeves, actriz, guionista y productora de trayectoria notablemente más breve que la de su pariente –además de haber interpretado el papel de vampiresa en el largometraje de sugerente título Samurai Vampire Bikers, en su filmografía consta solo una película que haya protagonizado, escrito y producido, de título bastante menos sugestivo: The Color of Water, fechada en 2002, y luego nada de nada–, a trasladarse con su madre a Nueva York. En la llamada Gran Manzana acabó encontrando al primero de sus padrastros (con su padre natural se habla poco o más bien nada), el director y guionista Paul Aaron, productor de una de las películas más locas y que ha alcanzado el estatus de eso que se da en llamar “de culto” entre las protagonizadas por Reeves, El viaje alucinante de Bill y Ted (1991), secuela de Las alucinantes aventuras de Bill y Ted (1989). Son los dos primeros títulos que todo buen keanureevesadicto no debería perderse. Así a lo tonto, esos personajes hasta tienen su propia serie de dibujos animados, con las voces de Reeves y de su colega Alex Winter, 21 episodios de 30 minutos estrenados entre 1990 y 1991 con el título de Bill and Ted’s Excellent Adventures. Tercer título que tener en cuenta para iniciarse como fan incondicional del actor.

El segundo padrastro no tardó en caer cerca de nuestro protagonista. El matrimonio de su madre con Aaron no pasó del año de duración, y llegó Robert Miller, promotor musical, de breve paso por la peripecia vital de la madre del futuro astro, que no tardó en reactivarse sentimentalmente con el propietario de peluquerías Jack Bond. Entre tanto devenir romántico materno, el joven Reeves destacaba en la escuela más en la práctica de hockey sobre hielo –que le ganó el apodo de El Muro por su carácter de jugador infranqueable– que en los logros

77

KEANU REEVES académicos, en los que andaba algo justo de méritos. Hasta que precisamente una película de hockey le permitió unir sus intereses ante las cámaras acompañando a Rob Lowe en otra visita obligada para ser un buen keanureevesadicto: Youngblood, que en España recibió el apellido entre paréntesis de Forja de campeón (1986). No es para tirar cohetes, pero vale como precalentamiento, nunca mejor dicho, por aquello de la temática deportiva, antes de meterse a fondo con los imprescindibles de su filmografía, a saber: Las amistades peligrosas (1988), donde no se amilanó a pesar de tener que medirse con monstruos del momento como John Malkovich, Glenn Close y Michelle Pfeiffer; Le llaman Bodhi (1991), su primera apuesta seria para convertirse en héroe de acción bajo la dirección de una joven pero ya contundente Kathryn Bigelow y sin achicarse, todo lo contrario, ante el protagonismo bicefálico con Patrick Swayze, ídolo de la época; Mi Idaho privado (1991), viaje al mundo de la prostitución masculina y las drogas de la mano de Gus Van Sant y con River Phoenix; Drácula (1992), en la que Coppola, Francis Ford, no Sofia, le dio el papel del abogado algo pasmadillo Jonathan Harker, emparejándolo con una Mina interpretada por Winona Ryder; el paseo por la comedia de la mano de Kenneth Branagh y Shakespeare en Mucho ruido y pocas nueces (1993); un papel de Siddharta al que solo él sería capaz de sobrevivir sin llamar al ridículo con las pintas que le echaron encima en el Pequeño Buda (1993) de Bernardo Bertolucci; y luego su primer golpe de autoridad en la taquilla, Speed, máxima potencia (1994), que le colocó en lo más alto de su popularidad hasta ese momento y de cuya secuela tuvo el buen criterio de escurrirse sin dejarse convencer por el hecho de que Sandra Bullock, menos hábil, decidiera repetir jugada y personaje, con pobres resultados.

Y a partir de ahí empezó a ser más clara para sus seguidores esa forma de montaña rusa o diente de sierra que le ha ido llevando, en plan péndulo, de lo más popular y de lo mejor de su carrera a lo menos interesante y lo más infumable. Ejemplo: Johnny Mnemonic (1995), curiosa peripecia de ciencia ficción de partida con todos los elementos para ser un éxito pero ligeramente cansina en su desarrollo; luego, más en positivo, Un paseo por las nubes (1995), uno de sus pocos empeños románticos digeribles y con Aitana Sánchez Gijón como compañera. Y después cuatro resbalones seguidos, algunos infumables: Reacción

78

Con Glenn Close en Las amistades peligrosas (1988)

Con Patrick Swayze en Le llaman Body (1991)

Drácula (1992)

Con Sandra Bullock en Speed (1994)

Con Carrie-Anne Moss y Laurence Fishburne en Matrix (1999)

John Wick (2014)

en cadena (1996) no tenía claro si quería ser cine de catástrofe, intriga de catástrofe o catastrófica a secas, y se quedó en lo último. No contento con eso, se dejó engañar y se puso en plan galán de comedia o drama romántico, cosa que nunca le ha salido bien y normalmente suele saldarse con pepinos. A las pruebas me remito: Luna sin miel (1996), La última vez que me suicidé (1997), Noviembre dulce (2001), ñoñas todas ellas, como Ellie Parker (2005).

Pactar con el diablo (1997) tenía un pase, pero era más por Al Pacino, y Constantine (2005) ha sido injustamente ninguneada, quizá porque la sombra de la saga de Matrix (1999) y sus secuelas era alargada y todo lo demás les parecía poco a los incondicionales de Neo, su Jesucristo particular, futurista y con vuelo supermanesco al final de la primera entrega incluido.

A partir de su paso por el futuro diseñado por los entonces hermanos y ahora hermanas Wachowski, la carrera de Reeves siguió dando bandazos y siempre parecía que se quedaba por debajo de lo esperado, que si no hacía otro Matrix no merecía mucho la pena tenerle tan en cuenta como en otras épocas anteriores, a pesar de dignísimos trabajos en el experimento de animación A Scanner Darkly (2006), y las sólidas Dueños de la calle (2008) y Ultimátum a la Tierra (2008). Pero cuando algunos le querían fichar para hacer de Estela Plateada en la segunda de Los cuatro fantásticos y otros no dejaban de hablar de Matrix 4, llegó él y se sacó de la manga otro cañonazo cocinado en plan humilde, sin mucho ruido previo, sin gran estudio detrás, y nació John Wick (Otro día para matar) (2014) (aquí pueden gritar: “¡Mataron a su perrito!”). Le vino de perlas porque estaba encadenando una serie de resbalones hijos de cierta falta de criterio al respaldar proyectos como El poder del tai chi (2013) o La leyenda del samurái: 47 Ronin (2013), que eran para acabar boqueando como un pescado en medio del desierto; vamos, de esos títulos que son capaces de acabar con la carrera del más pintado. La segunda de Wick, mejor aún que la primera, le ha mantenido a flote, y tras haberle visto este año metiéndose en otros dos embolados difíciles de digerir, como Siberia (2018), La boda de mi ex (2018) y Réplicas (2018), John Wick regresa por tercera vez para rescatar a Keanu Reeves de sus malas decisiones. Y no será la última, porque me temo que las más de las veces eligiendo proyectos tiene la brújula algo estropeada…

Miguel Juan Payán

JUEGOS DE GUERRA

1 oy, hablar de nerds informáticos no tiene mucho sentido, ya que todos nosotros estamos completamente familiarizados con la tecnología tanto en nuestro trabajo como en nuestra vida personal, rodeados de ordenadores, portátiles, tabletas y nuestros inseparables teléfonos móviles. Sin embargo, hace 36 años tener destreza con cualquier equipo informático te convertía en un friki, lo que muchas veces se traducía erróneamente en ser una persona asocial o un “rarito”. En ese contexto en el que los ordenadores empezaban a aparecer en nuestras vidas y se auguraba un futuro en el que la abundancia de estos equipos informáticos provocaría que millones de personas se quedasen sin trabajo, vieron la luz una serie de películas que mostraban futuros apocalípticos a manos de las máquinas o provocado por ellas. No hace falta ir muy lejos para recordar filmes como 2001: una odisea del espacio (1968), Tron (1982) o Terminator (1984).

Hoy analizamos una de esas películas, Juegos de guerra (War Games, 1983), considerada de culto por toda una generación a la que esta película marcó y que sirvió a su vez de inspiración a muchos jóvenes que a partir de ella pensarían seriamente a dedicarse profesionalmente al mundo de la informática para ser uno de esos nerds que tanto molaban en la gran pantalla.

La primera escena que quiero destacar es del inicio, con esos dos oficiales interpretados por Michael Madsen y John Spencer que, tras dar el relevo a sus compañeros en un centro de control de misiles nucleares y realizar las comproba-

H

2

3

4

ciones oportunas, reciben un aviso para activar el lanzamiento de uno de estos.

Los oficiales siguen el procedimiento al pie de la letra mientras empiezan a sudar, sabiendo lo que está en juego. Todo va bien hasta que llega el último paso, que es lanzar los misiles, y el personaje de Spencer empieza a dudar sobre si girar la llave o no hacerlo, y solicita “hablar con alguien antes de matar a 20 millones de personas”. El personaje de Madsen, convencido de que deben seguir el procedimiento, amenaza a su compañero (Foto 1) con un revólver para que cumpla el procedimiento y gire la llave. Cuando la tensión ya es insostenible, cortan el plano, dando paso al título de la película, dejando al espectador con la incertidumbre sobre el desenlace entre ese hombre con moral, con alma y ese otro hombre que actúa según el procedimiento sin cuestionarse nada. Este será el gran dilema de toda la película: la dualidad entre razonar como un ser humano o ser máquinas, algo que, hacia el final, el personaje de Falken (John Wood) reprocha al general Beringer (Barry Corbin): “Está usted haciendo caso a una máquina, por favor, haga un favor al mundo y no se comporte como otra máquina”.

Este suceso sirve de pretexto para llevarnos a la segunda escena clave de la película, que es la presentación de la que será la protagonista durante toda la película, la WOPR (Foto 2), una máquina que utiliza juegos de guerra con la información real del estado del mundo para combatir infinitas veces en la Tercera Guerra Mundial, analizando diferentes estrategias y aprendiendo de sus errores en busca del ataque más eficiente provocando el menor número de bajas posible. Como dice el

79

doctor McKittrick (Dabney Coleman), la solución es sencilla: “Deberíamos prescindir del hombre en este proceso”.

Durante toda la cinta las máquinas se presentan siempre como herramientas muy inteligentes e infalibles, carentes de “razones humanas” que les impidan hacer su trabajo, pero eso no significa que no se las pueda engañar, como demuestra David Lightman (Matthew Broderick), un adolescente que gracias a sus habilidades con cualquier equipo electrónico consigue manipular sus notas y las de su amiga Jennifer (Ally Sheedy) hackeando el ordenador del instituto (Foto 3).

Esta destreza de Lightman será clave más adelante para sacarle de más de una situación difícil, como por ejemplo en la escena de la enfermería, en la que está retenido acusado de traición y usa su ingenio para desbloquear la puerta (Foto 4) y así poder escapar, o cuando puentea el auricular de una cabina telefónica para llamar gratis. Este es otro de los mensajes que nos traslada la película, que a diferencia de los militares que ven las máquinas como el medio para reducir todo a un simple botón, Lightman las ve como una herramienta a su alcance para conseguir lo que quiera, ya sea jugar al último juego que aún está en el horno o impresionar a su amiga Jennifer reservando billetes para París.

Otro momento clave de la película es cuando Lightman descubre gracias a sus amigos nerds (Foto 5) la famosa “puerta trasera” que todo desarrollador construye para poder entrar en su creación cuando quiera mediante una contraseña. Ese es el talón de Aquiles de cualquier programa y nuestro protagonista recurrirá al laberinto de Falken para descubrir la contraseña que le de acceso a la WOPR bajo la creencia de que eso le permitirá jugar al último juego de guerra que las grandes compañías están creando.

Cuando Lightman y Jennifer consiguen traspasar la “puerta trasera” de la WOPR (quien adopta el nombre del hijo del doctor Falken, Joshua) esta les propone jugar a un juego, es entonces cuando Lightman escribe: “Jugar a la guerra nuclear mundial” (Foto 6), una escena hilarante en la que, por una parte, vemos a estos jóvenes disfrutando de lo que creen que es una partida de un videojuego de guerra entre América y los soviéticos y, por otro lado, vemos cómo en la sala de control de misiles donde está la WOPR (Joshua) todo el mundo está corriendo de un lado para otro, al creer que están siendo atacados por la Unión Soviética.

Cuando Lightman y Jennifer encuentran al doctor Falken gracias a la ayuda de Joshua, este les ofrece una clase magistral sobre los dinosaurios y su

80

5

6

7

8

9

10

extinción, en una de las mejores escenas de toda la película, en la que se dan los mejores diálogos, con ese doctor Falken negándose a hacer nada para impedir el apocalipsis nuclear ya que “la extinción forma parte del orden natural” y que “solo conseguiríamos más tiempo” pero que “la humanidad planea su autodestrucción y eso no lo para una llamada de teléfono”(Foto 7). Reconoce también su fracaso al no haber sido capaz de enseñar a Joshua la lección más importante: “La inutilidad, llega un momento en el que hay que saber retirarse”, poniendo como ejemplo el juego del tres en raya, un juego al que es imposible ganar y, al saberlo, dejas de jugar porque resulta aburrido.

Sin embargo, “en esa sala de guerra creen que se puede ganar una guerra nuclear, que las pérdidas pueden ser aceptables”.

Otro de los momentos más icónicos es cuando Falken consigue convencer a todos en el centro de control de misiles de que Joshua está jugando, logrando detener la respuesta americana al supuesto ataque de los soviéticos mientras esperan que los misiles que aparecen en pantalla y que están a punto de impactar, realmente sean un simulacro. Llegado el momento preciso, todos esos misiles empiezan a estallar en las pantallas (Foto 8) sin que sepamos si son reales o no hasta que desde una de las bases confirman que no ha habido impacto.

Cuando parece que todo ha vuelto a la normalidad, Joshua sigue procesando el siguiente movimiento con el que pretende descifrar los diez códigos de lanzamiento para terminar la partida con la guerra total, lanzado todos los misiles. Es en esa escena cuando Lightman recuerda la conversación con Falken sobre la inutilidad y que hay veces en las que hay que saber cuándo retirarse, y propone a Joshua jugar contra sí misma a las tres en raya (Foto 9), sabiendo que es imposible ganar, con lo que espera que la máquina aprenda la inutilidad del juego y la aplique al juego de guerra nuclear mundial.

Para cerrar este análisis, quiero recordar esa escena final en la que Joshua aplica el conocimiento aprendido en esas partidas en las que nunca gana y vemos infinitos ataques que acaban con la autodestrucción del mundo entre destellos hasta que todas las pantallas se quedan en negro y aparece ese mensaje final: “Extraño juego. El único movimiento para ganar es no jugar” (Foto 10). Un gran final para cerrar esta aventura que inspiró a más de una persona a convertirse en hacker y con un mensaje de fondo que hoy en día sigue estando vigente: los humanos no son sustituibles.

Rubén Arenal

CINE EN CASA por Santiago de Bernardo

Mandy

La favorita

Bumblebee

¡Venganza!

Una reina muy peculiar

Un héroe robótico

Una de las mejores películas del hiperactivo Nicolas Cage, con premio en Sitges a la Mejor Dirección para Panos Cosmatos, que cuenta una perturbadora historia de venganza (por el asesinato de su gran amor), en la que realidad y ficción van de la mano.

Se comercializa con el tráiler cinematográfico, escenas eliminadas y extendidas y un cómo se hizo con la participación del realizador, del productor Elijah Wood o de la actriz Andrea Riseborough.

EXTRAS:

Olivia Colman se ha llevado el Óscar a la Mejor Actriz por su interpretación en este biopic de Ana Estuardo (la última de esta casa), que desentraña sus relaciones con dos mujeres, que llegaron a tener junto a ella tanto poder en Inglaterra como la monarca.

Los extras consisten en varias escenas eliminadas del montaje cinematográfico y el reportaje “La favorita: el drama de época puntada a puntada”, con opiniones del equipo técnico y artístico.

EXTRAS:

Spin-off de la saga Transformers que nos retrotrae a los años ochenta y nos conduce a California, a una chatarrería de un pueblo costero, donde se esconde Bumblebee (con su aspecto de coche escarabajo) para poder recuperarse de las averías de luchas previas. Y allí le encuentra la joven Charlie, para comenzar la aventura de su vida.

Se presenta con escenas eliminadas, tomas falsas, el cómo se hizo o un reportaje sobre la escena de batalla.

EXTRAS:

El blues de Beale Street

El amor menos pensado

El regreso de Ben

La casa de Jack

Border

El vicio del poder

Amor de madre

¿Le gustará la verdad?

En busca de la verdad

Una nueva etapa

¿Más malvado que Satanás?

Una joven pareja del barrio neoyorquino de Harlem ve cómo sus esperanzas de futuro (con un hijo en camino) se pueden truncar definitivamente, si no se consigue demostrar la inocencia de él en un delito de violación. Su pareja hará por amor todo lo necesario para que salga de prisión.

El material adicional es el tráiler, escenas eliminadas, un audiocomentario del realizador Barry Jenkins y un cómo se hizo con el equipo técnico y artístico.

EXTRAS:

Un matrimonio que lleva junto cinco lustros contempla cómo su hijo se va fuera del país para iniciar su carrera universitaria y de esta manera el lazo de unión desaparece entre ambos, por lo que cada uno de sus miembros decide seguir su propio camino. Pero igual esa nueva vida no es tan interesante como la que han tenido previamente en común.

Los extras se reducen a un spot televisivo y al tráiler cinematográfico.

EXTRAS:

Drama con Julia Roberts convertida en una madre coraje que debe afrontar la tragedia de que su hijo es drogadicto. Algo que descubre cuando este vuelve a casa por Navidad. Afrontar el origen del problema puede ser el principio de su cura.

Ejemplo del problema de las drogas que asola Estados Unidos con el único añadido del tráiler, estando ausentes los audiocomentarios del realizador Peter Hedges o una galería de imágenes de ediciones foráneas.

EXTRAS:

Un psicópata muy peculiar Jack es un asesino en serie que comete sus crímenes como si de una labor profesional se tratara, no deja nada al azar porque considera cada uno de sus asesinatos una obra de arte, eso sí, que han de conservarse para que perduren en un refrigerador.

Los extras son el tráiler cinematográfico, una entrevista al protagonista, Matt Dillon, y al realizador Lars von Trier, así como una sesión de preguntas al director sobre el filme.

EXTRAS:

Una agente de aduanas es capaz de saber quién es de fiar o no. Un día pasa un hombre del que desconfía, pero no tiene claro el motivo, y además siente una extraña atracción por él. Y eso no es todo, cuando conozca quién es descubrirá asimismo su propio origen.

Tiene el tráiler, la ficha técnica y artística, cuatro postales con los carteles de cine y un libreto con entrevista al director Ali Abbasi.

Una película que pone la piel de gallina.

EXTRAS:

Otra prodigiosa interpretación de Christian Bale, que vuelve a confirmarse como uno de los mejores actores de las últimas décadas gracias a su papel del que fuera vicepresidente de Estados Unidos, Dick Cheney, más ocupado en sus intereses particulares que en los de sus conciudadanos.

Entre el drama y la comedia, contiene una galería de imágenes, escenas eliminadas, un reportaje sobre la música del filme o el cómo se hizo.

EXTRAS:

82

DIARIO DE UNA ADOLESCENTE

CINE PEDAGÓGICO

por Ana María Sánchez Saz

por Oscar Costa Román

Listos... claqueta y ACCIÓN

Queridos lectores: Como excusa para este mes, voy a utilizar mi próximo viaje de estudios, ¿destino? Alemania, y por eso voy a escribir sobre películas basadas en la Alemania nazi, El niño con el pijama de rayas, La lista de Schindler, La vida es bella, El diario de Ana Frank…

Antes de ver la película El niño con el pijama de rayas (2008), me leí el libro. No fue una lectura fácil para mí, porque aunque ya conocía algunas cosas de aquellos años, no eran demasiadas. Lloré, lloré mucho. Un niño alemán, hijo de un oficial nazi, se muda con su familia a una casa que está cerca de un campo de concentración. El niño, solitario y aburrido, sale a explorar y encuentra el campo y a un niño al otro lado de la valla de alambre de espino. Un niño de edad parecida, sin pelo y con un extraño atuendo. Se harán amigos y… Podéis ver la peli o leer el libro, o ambas cosas, y así comparáis.

La vida es bella (1999), otra dura película. El protagonista, un hombre italiano que se enamora de una mujer, se casan y tienen un hijo y poco tiempo después los llevan a un campo de concentración en el que los separan de la madre. El padre, intentando alejar a su hijo de la dura realidad, le cuenta y sostiene la fantasía de que se trata de un juego y que tendrán que recolectar muchos puntos para ganar el premio, un tanque, por ejemplo, se pierden puntos si se llora y se pide ver a mamá, se ganan si te escondes bien de los guardias.

“No hace mucho. No muy lejos”, es el lema de una exposición

que ha estado en Madrid hasta hace un mes y que hablaba –gritaba– sobre AuschwitzBirkenau, el campo de concentración.

Hace no mucho tiempo, millones de personas sufrieron la crueldad y el odio de otras, por sus creencias, por su identidad, por su orientación…, por ser distintos. Europa, Alemania, fue el lugar, Hitler su líder, junto con decenas, cientos, miles de seguidores que creyeron y se alimentaron de un odio que señalaba a los diferentes como culpables de sus males, de sus crisis, de su pobreza. Hace poco han reestrenado La lista de Schindler, una inmensa película en la que vemos cómo crece esta intolerancia y esta sinrazón. Esta cinta habla fundamentalmente de los judíos, pero por lo poco que sé, fueron también otros muchos los grupos que llegaron a los campos de exterminio, comunistas, gitanos, católicos, polacos, discapacitados, homosexuales… Para mi generación, parece que esto fue hace mucho tiempo, pero no es verdad y veo a mi alrededor a algunas personas que, o no saben, o han olvidado, gente de mi edad que bromea y ensalza esa parte tan vergonzante de nuestro pasado. Los que olvidan están condenados a repetir la historia, como está escrito en Auschwitz.

Por último, estoy leyendo Diario de Ana Frank, la peli la tengo pendiente para cuando termine. Se trata de una historia real, los diarios personales de una chica judía de trece años, que vive en Ámsterdam y que relata los dos años que tuvo que estar escondida de los alemanes junto a su familia. Tengo pendiente también visitar su casa museo y alguna que otra peli más que ver, El pianista, Malditos bastardos, American History X. No, no he elegido un tema divertido, es triste y doloroso. No olvidemos. ¡Corten!

Si queréis hacerme comentarios podéis hacerlo en el correo electrónico: anamariass@accioncine.es

El regreso de Ben Si estás buscando una película de risa fácil o en la que Julia Roberts nos deslumbre con su belleza, descarta esta cinta y es que una vez más la conocida como “novia de América” hace un papel en el que demuestra que es una de las mejores actrices de nuestra época tal y como nos demostró ya en Erin Brockovich. Una vez más, vuelve a encarnar el papel de madre luchadora, pero en esta vez el “demonio” está en casa encarnado en la drogadicción de su hijo mayor.

Podríamos hablar largo y tendido sobre los motivos (si es que los hay) para caer en la droga, pero eso nos daría para escribir muchos libros, así que seamos más humildes y tratemos uno de los grandes problemas de la sociedad: la drogadicción.

Lo primero que me gustaría decir es que cuando un miembro de la familia cae en este infierno particular, no es él solo quien arde en sus llamas: toda la familia sucumbe en sus llamas, el clima familiar se ve muy alterado y los roces entre los diferentes miembros de la familia son constantes. Holly Burns (Julia Roberts), junto con el resto de su familia, encarnan perfectamente a quienes sufren esta lacra, cuando no se puede confiar en el miembro adicto ni vivir tranquilo.

Es más habitual de lo que se pudiera pensar, ver cómo los padres no quieren admitir el problema que tienen sus hijos, hasta que es demasiado tarde y son los primeros en pensar eso de “solo son cosas de la edad, en cuanto madure un poco, esto será agua pasada”. Desgraciadamente, es ponerse una venda ante la más

cruda realidad y como dice la canción de Mecano “olerla es meter los pies”. Es clave que los padres acepten desde el primer momento que sus hijos tienen un problema y poner los medios para darle una solución. También es importante pedir ayuda profesional, ya que no es un camino precisamente fácil y siempre hay que tener en cuenta las posibles recaídas…

Otro aspecto importante que me gustaría tratar de esta película es el no recriminar constantemente los errores del pasado: si se perdona, se perdona del todo y una cosa es recordar lo que ha sucedido y otra muy diferente es buscar excusas constantemente para recriminar lo que sucedió en el pasado. Si a una persona le repetimos constantemente que es mala, al final será mala, porque le hemos inculcado ese rol.

En este sentido, tal y como dije hace unos cuantos meses, las personas nos vemos muy influidas por el efecto Pigmalión que, en resumidas cuentas, es cumplir las expectativas (positivas o negativas) que una persona tenga sobre nosotros.

Termino mi sección por este mes con una petición. Seguro que tú no lo haces, pero posiblemente conozcas a algún adolescente que cada semana se fuma unos cuantos porros (o consume alguna droga más fuerte). Habla con tu amig@, hazle ver que es una adicción seria y que si de verdad lo puede dejar cuando quiera, que lo deje hoy, porque hay un montón de cosas maravillosas que se está perdiendo.

Me despido ya recordando que me encanta interactuar con vosotros en Twitter, @oscarcosta_

83

DESMONTANDO EL CINE

SUPERHÉROES

parte 1

Las películas de superhéroes trascienden el propio cine: se han convertido en grandes espectáculos cuyo estreno es esperado con una emoción que a algunos nos cuesta comprender. Son taquillazos seguros –siempre lo fueron: el Superman de 1978 y el Batman de 1989 fueron “filmes acontecimiento”–; contienen reglas propias por las que han adquirido el merecido estatus de género; dejan un final, si no abierto del todo, sí entreabierto, y poseen rendidos diletantes que, ajenos al qué dirán, las idolatran con una pasión que sobrepasa la razón. Los que pensaron que Vengadores: Infinity War (2018) sería el Armaggedon, se equivocaron. La mayor historia jamás narrada debía finalizar con un epílogo a la altura: Vengadores: EndGame (2019). econozco que este atracón descomunal de películas de superhéroes me ha cogido un poco mayor, me temo: ya me hubiera gustado echármelas al saco en mi permeable adolescencia. Salvo excepciones gloriosas, sus historias me fatigan. En cualquier caso, no me oculto: el culpable soy yo.

Aunque algo habrá que reprocharle a la industria por la saturación, digo yo. Una porción grande del pastel crítico intelectual opina que el cine de superhéroes no es cine. Yo no soy tan drástico ni tan obtuso.

Es cierto que los superhéroes no nacieron ni con el cine ni en el cine: surgieron en los cómics, pero disfrutan ahora de una segunda juventud en las películas. Los superhéroes no descansan jamás y rara vez no hay uno salvando el mundo en nuestras pantallas. Thor, el Capitán América, Iron Man, Batman son más conocidos entre los púberes que Indiana Jones o Luke Skywalker, héroes cinematográficos puros, y desde luego mucho más populares entre la tropa que Tom Doniphon, Jefferson Smith o Atticus Finch, héroes engendrados en los libros pero consagrados para siempre en el cine. Las noticias sobre los controvertidos despidos de Zack Snyder o Joss Whedon y la readmisión de James Gunn retumban todavía desde Metrópolis hasta Xandar; mientras que apenas se conoce el formidable trabajo de preservación de películas antiguas que realizan terráqueos tan venerables como Martin Scorsese o Francis Ford Coppola.

Además de los seriales y la televisión, pocos osaron llevar a los superhéroes a la gran pantalla antes de los setenta, conscientes de sus lógicas limitaciones visuales. Aunque algunos encuentran más filmes, son apenas dos: Superman and the Mole Men (1951) de Lee Sholem, con el mítico George Reeves en blanco y negro, y al que apenas se le ve volar; y la colorista Batman, que Leslie H. Martinson dirigió en 1966 para aprovechar el éxito del serial televisivo de aquel mismo año, con el no menos legendario Adam West. El advenimiento de Star Wars (1977) supuso el comienzo de la modernidad. Los avances en los efectos especiales de la Industrial Light & Magic rescataron a unos superhéroes que en los seriales esgrimían superpoderes, digamos, más artesanos. El primer superhéroe al que los niños de los setenta amamos fue el Superman (1978) de Richard

R

84

Donner. Tan impactante fue entonces su hercúlea figura que no podemos evitar la quiebra emocional al verle hoy volar con aquellos efectos que condicionaban el ritmo de las escenas. Con sus dos últimas secuelas, el hombre de acero cayó en la autoparodia: Canon logró incluso estropearle el vuelo. Tuvimos que soportar una larga espera, 26 años nada menos, para apreciar una continuación decente de la estupenda Superman 2 (1980): el Superman Returns (2006) de Bryan Singer.

La extraordinaria creatividad de Tim Burton nos brindó un Gothan exacerbado en Batman (1989) y Batman vuelve (1992). Afortunadamente, mi memoria selectiva ha borrado sus entregas posteriores. Parecía que nos íbamos arreglando con las de Burton, hasta el milagro de la trinidad de Christopher Nolan: ha conseguido que, desde entonces, aquellas no envejecieran con dignidad. Su trilogía marcó además el placer del reboot en el siglo XXI. Se consideraba al personaje finiquitado, disfrutando de un merecido descanso después de su último escarceo con Bane, cuando “DeCidieron” que el murciélago volviese a renacer. Batman v. Superman (2016) demostró el poco respeto que Snyder profesaba a sus personajes y sus ansias por acometer cuanto antes la Liga de la Justicia (2017). Toda una paradoja este “todos juntos” con el que DC ha tratado de igualar fuerzas con Marvel, pues el cómic book de Los Vengadores representó en los años sesenta la respuesta marvelita a la ya existente Liga de la Justicia de DC. Si obviamos con buen criterio Howard, un nuevo héroe, que George Lucas perpetró en 1986, Marvel contraatacó el mismo año de Batman, pero no con un superhéroe, sino desempolvando uno de sus antihéroes, por si acaso. The Punisher (1989) era Dolph Lundgren, aquel sueco de casi dos metros al que creíamos ruso porque fue el Iván Drago de Rocky 4. Años después se atrevieron con un superhéroe atípico, un cazador de vampiros cuando los colmilludos estaban de moda: Blade (1998), de Stephen Norrington. Como el público adoró al marcial personaje y los efectos especiales que para él desplegaron, 20th Century Fox entrevió la oportunidad de presentar a sus mutantes, cuyos derechos poseían desde 1993,

ACCIÓN 9

DESMONTANDO EL CINE Por Juan Carlos Paredes

tras la sonadísima bancarrota de Marvel. La Fox reservó pues un presupuesto enorme para el año 2000, contrato al talentoso Bryan Singer y su X-Men principió el cine de superhéroes contemporáneo.

Con las primeras lluvias del siglo XXI, un rebrote micológico de superhéroes con superpoderes variopintos trufó el universo cinematográfico. Tenemos tanto dioses como semidiosas; y también mutantes, erigidos ya de paso como alegorías enmascaradas de los pueblos oprimidos del mundo. Thor es el dios de los martill…, perdón, del trueno; Tormenta controla también los elementos climatológicos; Magneto, el metal; y Aquaman, el agua. Mientras que Hulk alimenta su poder con una fuerza sobrenatural, la fuerza del Profesor X se apoya en una mente poderosa. Otros son veloces como Flash y ciegos como Daredevil. Los hay que son productos de la ciencia, como el Capitán América, o científicos con dinero, como Iron Man. Pocos animales quedan ya por expoliar: panteras, hormigas, arañas, avispas. Y luego está Batman, que también es…, millonario. Otros no son superhéroes pero Kick-Ass se lo cree; el Rayo Escarlata también se empeña en serlo, pero por mandato divino. Darkman es supervengativo; Hancock es un superalcohólico y Deadpool es satírico, irreverente, inescrupuloso y amoral, sí, pero está super, superenamorado.

Convengamos que los responsables de las películas de superhéroes se complican poco la existencia: arman una estructura prototípica que funciona agradablemente en la psique de los espectadores. Primero introducen al héroe y presentan al villano, con material bien montado que filtre los orígenes del ídolo y las diabólicas intenciones del segundo. Bosquejan algunas escenas que impulsen la aventura y la acomodan en un espacio exótico; o bien recurren a un macguffin ingenioso. Notaremos después la oscilación espiritual del héroe y la desazón fútil de los que lo rodean.

Dudaremos de él solo lo justo: depende del tamaño del demonio o el ingenio del perverso infame. Tras la crisis, tranquilos, el fin de fiesta devolverá la deseada supremacía del bien sobre el mal.

Aparecen cada cierto tiempo algunas piezas subversivas que se salen de la linde y zarandean los pilares del armazón. El resultado se suele traducir si no en un fracaso, sí en el desencanto del público: el espectador prefiere el orden de lo familiar a lo extraño. En mi opinión solo tres películas de superhéroes se han desviado lo suficiente: El

Superman and the Mole Men (1951)

Batman (1966)

Superman (1978)

Batman (1989)

Punisher (1989)

Blade (1998)

Iron Man (2008)

Capitana Marvel (2019)

caballero oscuro (2008), Logan (2017) y Deadpool (2016). Las dos primeras rozan la perfección. Deadpool no tiene un villano a la altura: tampoco lo necesita, porque Wade es un antihéroe. Se acerca, en otro nivel, Infinity War, por supuesto: aunque sus tramas circulan por las vías tradicionales, la ambición de su propuesta las rebasa con hipnótica facilidad.

Estos argumentos arquetípicos necesitan por supuesto unas señas de identidad cuya originalidad y excelencia justifican sus presupuestos indecorosos.

A saber: una presentación llamativa del superhéroe, un villano a la altura, química entre los personajes, algo de sentido del humor y un tono adecuado a su historia. Metería también unos efectos visuales logrados, pero hacerlo en el siglo XXI me parece superfluo. Conviene aceptar que el cine de superhéroes hoy es más creíble gracias a los efectos especiales. Nadie se ha de extrañar por lo tanto que el espectáculo pierda credibilidad si no están a la altura. Algunos efectos parecen extraídos de videojuegos, denotan pereza o cierto grado de dificultad no alcanzado. En Guardianes de la Galaxia (2014) echaron el resto para bordar a Groot y Rocket, pero otros CGI parecen dibujos animados. Los efectos de Spider-Man: Homecoming no son peores…, cuando los planos son cercanos: cuando la superaraña se aleja, rozan el ridículo. Los de Linterna Verde (2011) son tan artificiales que en ocasiones cuesta mantener el hilo. No negaré la pericia visual de Zack Snyder en sus obras: es el máximo exponente del efecto especial al por mayor. Afirmo no obstante que se dedica tan en cuerpo a ellos que se olvida del alma, de la heroicidad de sus superhéroes. Batman es el oscuro vigilante de la noche y se lo puedo pasar, pero Superman siempre fue un ser luminoso. ¿Dónde está su corazón? La gran pirotecnia seduce antes, pero yo sigo prendado del cambio físico que sufre Steve Rogers para convertirse en el Capitán América: el primer vengador (2011), o del lifting de Nick Furia en Capitana Marvel (2019). En la primera entrega de Iron Man (2008), Jon Favreau sorprende al permitir que las secuencias de acción fluyan sin saturar la pantalla de imágenes impactantes; sin que se noten unos efectos que, desde luego, están ahí.

Y hasta aquí. Examinados ya los efectos especiales, nos quedan por analizar todavía algunos detalles que definen las películas de superhéroes. A ellos dedicaremos la segunda parte de “Desmontando el cine”.

85

El próximo 30 de abril llega la sexta temporada de Los 100, una de las series más interesantes de los últimos años en The CW en Estados Unidos, que podrá verse en nuestro país apenas unos días después, desde el 14 de mayo, de la mano de Syfy, como es costumbre. Y tras el brutal final de la quinta temporada, lo que está claro es que la serie va a cambiar por completo y no sabemos qué nos espera en esta sexta temporada. Sigue sorprendiéndonos a todos y sigue siendo la envidia de muchas series consideradas más adultas…

Y

además creo que una de las principales claves de la serie sigue siendo un reflejo en la ficción de la vida real. Ha conseguido año tras año sorprendernos, arriesgar, lanzarse al vacío y salir vencedora de la apuesta, sin saber nunca si sobreviviría un año más. Porque al contrario que otras series de la cadena, Los 100 no es la más vista, ni la más longeva, ni la más querida, ni la que tiene un fandom mayor. Pero cumple con sus cifras de audiencia, pese a la erosión de los años, tiene unos seguidores fieles, aunque no en las cantidades que series más famosas (y mucho peores) y además presenta temporadas mucho más cortas que las series más importantes de su cadena americana, The CW, donde el Arrowverso ha sido el rey durante siete temporadas, y donde Sobrenatural sigue

86

siendo la bandera por ser la más antigua, camino de las quince temporadas. Como si fuese una serie midseason, Los 100 ha sufrido cambios en sus estrenos, en sus temporadas, ha saltado de 13 a 16 episodios para volver a 13 poco después. Nunca sabíamos cuándo nos la podían cancelar. Y ese elemento se refleja en la serie, donde nunca, desde el primer episodio, estamos seguros de quién y cuándo puede morir, de dónde acechan los peligros, las traiciones… El destino de todos siempre ha pendido de un hilo y siempre nos han sorprendido. Imprevisible dentro y fuera de la pantalla, Los 100 ha hecho de todo eso una virtud…

Una virtud que se ha visto reflejada en el final de la temporada 5, y que ahora debemos avisar con fuerza. La nueva temporada de Los 100 tiene mucha miga, pero también la quinta temporada, así que, por favor, teniendo en cuenta la cantidad de giros, las sorpresas y los momentos que nos dejaron con la boca abierta, si no han visto la temporada, que disfrutamos en Syfy, dejen de leer ahora mismo, salten el artículo y sigan cuando tengan los deberes de Los 100 hechos… Avisados quedan, porque solo indicaremos los spoilers de la nueva temporada. Porque el final de la quinta temporada nos quedamos directamente sin planeta… Los supervivientes, poco más de 400 de todos los bandos, embarcaban en una nave tras la batalla por el valle, el Edén, el último rincón habitable del planeta Tierra que ya no lo sería más… Forzados a abandonar el planeta, esperando en criostasis a ser despertados diez años después, cuando todo hubiese

pasado… Pero no era así. Jordan (Shannon Kook), el hijo de Monty (Christopher Larkin) y Harper (Chelsey Reist) despertaba a Clarke (Eliza Taylor) y Bellamy (Bob Morley) y les explicaba la realidad…

Habían pasado 125 años dormidos, y Monty había dejado un mensaje con instrucciones para ellos. Ya no estaban en la Tierra. Monty había logrado descifrar el gran misterio y descubierto que las misiones que se lanzaron al espacio eran colonizadoras… y allí habían llegado.

Un nuevo planeta, un nuevo territorio que explorar, que hace más de 200 años ya tuvo sus primeros visitantes humanos, que tiene mucho que ofrecer, y que es la mejor oportunidad para sobrevivir de la humanidad. Aquí está uno de los grandes riesgos de la temporada, no repetirse (y por cierto, algo que indica la propia Clarke al llegar al planeta, que eso le suena de algo). Porque el inicio de la temporada y la premisa pueden recordar demasiado al inicio de la temporada original de la serie. Además de la llegada de Cook, tenemos a J. R. Bourne, a quien recordamos de Teen Wolf, un líder carismático y pacifista que chocará continuamente con Clarke. La idea inicial es interesante, por saber lo que nos espera en un nuevo mundo, un planeta lleno de especies distintas, de nuevos peligros, de nuevos… ¿humanos? ¿Quedan herederos de los primeros colonos? Nunca se recibió respuesta desde la Tierra.

OJO SPOILER. [Evidentemente sí, sí quedan herederos de aquellos científicos que viajaron a la otra punta de la galaxia para investigar un nuevo mundo. El problema es que la propia ionosfera

del planeta creaba interferencias que hacían la comunicación imposible… La llegada al planeta nos traerá otra sorpresa. El grupo de Clarke y Bellamy, con Echo y Murphy, por ejemplo, pierde a Shaw, la pareja de Raven (Lindsey Morgan), y el otro piloto del equipo. Y no lo pierde por la fauna o la flora, sino por tecnología humana… Algo que les lleva a un castillo, rodeado de un poblado y totalmente desierto, aunque no parezca abandonado. La clave es el eclipse de los dos soles de este mundo, que marca un momento en el que la flora ataca haciendo que la gente se mate entre sí… (Sí, suena a El incidente de Shyamalan). ¿Por qué no regresar a la nave cuando lo descubren?

Porque alguien les ha robado la nave. Cuatro desconocidos que secuestran también a los que esperan en el espacio, buscando huir.

Claro que nadie contaba con Raven y Charmaine (Ivana Milicevic). La tensión además crece con Octavia (Marie Avgeropoulos), a quien ni su hermano logra perdonar, aunque ella no sea capaz de hacer lo mismo con un maltrecho Kane (Henry Ian Cusick) y la adicción de Abigail (Paige Turco) siga dando que hablar… Tras superar la crisis del asalto a la nave y el eclipse, nuestros protagonistas descubrirán a los habitantes del planeta, niños, que piden volver a casa… Porque quizá el planeta no sea el hogar que todos buscaban.] FIN SPOILER. La serie vuelve y lo hace con el aviso de los responsables de la cadena de que hay historias para al menos esta temporada y quizá la siguiente, aunque esta, con el cambio de localización, supone un salto al vacío. Como decíamos, se trata de no repetir, y por ahora siguen sobre territorio pantanoso. Con sorpresas, con mucha miga, con mucho potencial y maravillándonos, pero deben seguir ese camino y no caer en la autocomplacencia. Si es de las mejores series juveniles actuales es porque exige a su espectador, nunca apuesta por los caminos fáciles, ni carga con el tema de los romances, por ejemplo. Y por eso sigue siendo maravillosa. Podemos disfrutarla en Syfy desde el 14 de mayo.

Juan L. Pastor

87

ENTREVISTA

Nos saluda a todos, uno a uno, según entra en la habitación, y me pregunta si soy fan de Star Wars, al ver mi sudadera de Yoda. Ella también lo es, pero quiere saber si soy fan de Star Trek también, lo que nos lleva a discutir brevemente por qué me gusta Enterprise o Discovery más que las originales.

Dice que le encantaría aparecer en alguna de las nuevas series (ya están tardando en ofrecérselo) y que su primera audición en California fue para Enterprise, curiosamente. Sí, Stana Katic es encantadora y divertida, se emociona incluso durante la entrevista ante una pregunta y habla con pasión enorme de su serie, Absentia, que estrena temporada 2 en AXN. Y nos recuerda antes de irse que hay que conseguir llevarla a Star Trek. Nosotros encantados Pasó ocho temporadas en una serie de mucho éxito, Castle. ¿Qué le llevó a elegir Absentia como siguiente proyecto, y a ser además productora de la serie?

Uno de los aspectos que me convenció es que era diferente, era un thriller psicológico, era algo emocionante. También íbamos a trabajar con otros cineastas y contar la historia de una manera que era cercana al cine independiente, y eso era algo que me parecía muy interesante. Éramos un grupo de gente muy apasionada para contar diez episodios de televisión de una forma única, y estar en una comunidad creativa en la que se solucionasen problemas y se aceptasen retos con la única meta de contar la historia de la mejor forma que podamos. Eso era suficientemente tentador como para convertirse en el siguiente paso en mi carrera.

Lo que sorprende es que es un personaje que puede ser muy antipático, con muchas aristas. ¿Era lo que buscaba?

Ahora mismo me llaman mucho la atención los antihéroes. Lo decía el otro día, creo que ayer, que me llama mucho el personaje de Cillian Murphy en Peaky Blinders, me encanta el personaje de Tom Hardy en Taboo, y me gusta interpretar la versión femenina de algo parecido a eso. Creo que es interesante explorar tanto lo positivo como lo negativo de un ser humano, todos lo tenemos dentro.

Es interesante porque a veces cuando estamos en el set rodando, ella tiene algo que decir, una línea de diálogo que es lo más borde o maleducado que se puede decir, y nos preguntamos a veces si queremos mantenerlo, y yo suelo decir que sí, que por supuesto. Que, a veces, todos nos comportamos como gilipollas como seres humanos, así que tenemos que mantener esa frase.

La primera temporada cerraba todas, o casi todas las tramas, y daba la sensación de que podía haber sido una miniserie. Parecía una película de diez horas. ¿Era esa la intención creativa?

Siempre cabe la posibilidad con la primera temporada de ser cancelada, pero tuvo una gran acogida por su distribuidor americano que es Amazon, y una acogida maravillosa por las diversas cadenas europeas, incluyendo AXN España y Portugal. Supongo que en estos casos siempre es una posibilidad, pero en este en concreto, desde muy pronto supimos que íbamos a contar con más temporadas. ¿Y el hecho de que parezca una película con diez capítulos es algo que buscaban creativamente? Más allá de la cancelación o renovación.

Esto es algo de lo me atrajo del proyecto en un primer momento.

Como te decía antes, queríamos hacer cine independiente para televisión, no televisión independiente. Cine independiente. Los directores que se han sumado al proyecto, aportan un tono cinematográfico, los actores que incorporamos le dan una profundidad y complejidad a los personajes que es cinematográfica en última instancia. Incluso parte del aspecto visual en torno al cual gravitamos es de novela gráfica. Esto me atrajo del proyecto en un principio, y creo que al final era muy difícil no crear algo así porque teníamos a un director para los diez episodios de la primera temporada.

88

Rodábamos todo basado en la localización. Podía rodar algo del episodio 2, luego el 7, y el 4, todo el mismo día en la misma localización. Era intenso mantener dónde estaba emocionalmente el personaje, con eso en mente, pero creo que es lo que te hace sentir que es más una película que una serie de televisión. Ahora, en la segunda temporada, tenemos tres directores, y hemos dividido la historia en tres partes, con el primer director dirigiendo cuatro episodios, el siguiente tres y el siguiente otros tres. Y lo han narrado como tres capítulos de una película.

Llora muy bien (risas). Porque, como buena actriz, cuando llora intenta no llorar. Hay una escena de la primera temporada cuando se reencuentra con su hijo y va a abrazarle, que es muy emocionante. ¿Cómo se construye ese dolor como madre?

(Se emociona visiblemente). Lo estoy recordando, lo estoy recordando ahora mismo, eso es lo que me pasa. Es ridículo (risas). Hay un par de recursos que uso. Por supuesto, se trata de buscar la realidad del personaje, pero recuerdo ver una foto, tras un terremoto en Perú, en Lima, de una madre que estaba enterrando a su hijo, y era una foto muy intensa (vuelve a emocionarse), porque podías notar que no le quedaban sentimientos, estaba completamente vacía. Mírame, es de locos… Hasta este punto me afectó.

Nunca he olvidado esa foto. A veces te encuentras con fotos así y las guardas en el banco de memoria. Ese es uno de los recursos para entender quién es esta persona, mi personaje, y cómo se sentía. Fue un momento muy poderoso… No tengo ocasión de hablar de cosas así muy a menudo.

Vamos a aligerar un poco el momento, hablemos de la temporada 2. Al principio de la temporada hemos encontrado a una Emily que está destrozada… ¿Cómo va a evolucionar?

Sí, la segunda temporada comienza con Emily rota, pero intentando recomponer las piezas. Tiene un apartamento propio, que en el mundo de Emily no tiene que ser superelegante ni supercómodo… digámoslo así, no está haciendo brownies con un delantal puesto. Todo lo que experimentamos con el personaje esta temporada está un poco más en el límite, porque todavía está en una búsqueda, tratando de descubrir qué le pasó de verdad. Hemos hablado un poco de esto, pero en la primera temporada ella era el misterio, y como audiencia lo experimentábamos objetivamente y hasta cierto punto nos uníamos a ella, pero durante gran parte del viaje lo hacíamos desde la distancia. En esta segunda temporada nos unimos a su viaje, desde el principio, mientras intenta descubrir cuáles son las piezas de su interior que están rotas, qué le pasó realmente y cómo puede recomponerse. Y si podrá algún día llevar una vida normal, o tener una relación normal con su hijo, con su padre, con un amante…, porque habrá varios amantes esta temporada. ¿He dicho varios? (risas).

Eso casi es un spoiler… (Risas) Lo comentaba también porque en esta temporada la serie parece nueva, completamente distinta a la anterior.

Bueno, si tienes a un personaje que pasa por lo que pasó Emily en la primera temporada tiene que haber algún tipo de secuelas en la segunda. No puede hacer como si todo estuviese bien, especialmente después de la bomba que lanzamos al final de la temporada. Creo que lo que estamos intentando es ser respetuosos con esa realidad. Sobre todo al inicio. Y las cosas van a ir revelándose según avancemos. Algunas de las acciones que quizá no tienen sentido ahora, pueden tenerlo más adelante. Y eso no es un spoiler… (Risas).

Jesús Usero

Desde el 23 de abril podemos disfrutar en Sky de Gomorra, una de sus producciones originales estrella y una de las mejores series sobre crimen organizado que se recuerdan, basada en el libro del mismo título. Una historia italiana, sí, pero completamente universal, que ha conquistado a los fans a lo largo y ancho del planeta con sus tramas y personajes, y con su mirada descarnada y sin artificios a lo que se supone que es el mundo del crimen, liderado por la familia Savastano, que es con la que empezamos la serie hace ya cuatro temporadas. Una de las imprescindibles del año que regresa en exclusiva en SKY.

R

esulta irónico que, pese a no estar ligado a la película Gomorra, Stefano Sollima se encargase de dirigir muchos de los episodios de la brillante serie Gomorra en sus dos primeras temporadas, marcando el tono, la fuerza del relato y las relaciones entre los personajes centrales, además del estilo visual, apoyado por los guiones de gente como Stefano Bises. Sollima fue en muchos sentidos la fuerza creativa detrás de las primeras temporadas, sin duda, pero curiosamente, y de ahí que lo consideremos irónico, en la serie sobre Suburra, la película que él dirigió, no tenga absolutamente nada que ver y no haya hecho acto de presencia, ni se espera que lo haga. Son misterios del cine y la televisión italianos, en este caso, y además nos sirven para introducir un trabajo

del que se habla poco, quizá no lo suficiente, pero que tiene calidad para haberse convertido en referente en el género, y en una de las series más seguidas y admiradas de SKY en su país de origen, Italia, y allí donde se ha estrenado. Regresa ahora con su cuarta temporada a nuestro país, el próximo 23 de abril, con cuatro episodios, que se ampliarán a razón de dos cada martes durante las siguientes semanas. Y que completarán una historia que vuelve a poner patas arriba lo que creíamos que era Gomorra y quiénes creíamos que eran sus protagonistas…

De nuevo, como en tantas otras ocasiones, les garantizo que si no han visto la serie y sus temporadas anteriores, puede ser que encuentren más de un spoiler en estas líneas, así que les recomiendo que cambien de página, que pasen a otra cosa y que sigan

leyendo la revista en otro punto. Regresen cuando hayan visto la serie en SKY, y vean la serie, que es excelente. Porque si no lo hacen, pueden llevarse más de un susto por la cantidad de giros que ha tenido desde el primer minuto. Por ejemplo la marcha de sus dos protagonistas principales, el líder del clan, Pietro (Fortunato Cerlino) y su esposa Imma (Maria Pia Calzone), quienes abandonaron la serie en la segunda temporada, con despedidas nada pacíficas (dentro de la ficción, por supuesto). Pero eso no fue nada.

En la tercera temporada tocó decir adiós a otro personaje central… Bueno, a varios, porque la temporada se abría con Ciro (Marco D’Amore) asesinando a Malammore (Fabio De Caro) buscando venganza, pero quedando vacío por dentro, lo que le llevaba a un viaje que le devolvería a Nápoles junto a su amigo Genny (Salx

vatore Esposito), aquel joven que había pasado de adinerado hijo de traficante, a duro criminal en las primeras temporadas. Tras la guerra desatada en la tercera temporada, y con Genny haciendo lo que hizo para salvaguardar el destino de Nápoles, la serie nos llevó a una encrucijada sin posible salida, cuando Enzo (Arturo Muselli) quería acabar con Genny en su yate, debido a… Bueno, tampoco vamos a contarlo todo aquí. Vean la serie y entenderán lo que llevó a ese momento y, sobre todo, entenderán lo que sucedió a continuación. Como hemos dicho, era una encrucijada imposible de superar y la serie optó por arriesgar al máximo y sorprender a todo el mundo, asesinando a uno de sus protagonistas, Ciro, en un enorme sacrificio final que marcará el destino de la serie en su cuarta temporada. No será sencillo superar ese momento, pero nos dejaron claro a lo que aspiraban en Gomorra… A nunca dar nada por sentado y a tener la capacidad de sorprender al espectador siempre, en cualquier momento y lugar. Y no se trata de giros argumentales sacados de la manga, sino que son momentos perfectamente integrados en la historia que nos plantea la serie.

La cuarta temporada comienza justo donde terminaba la tercera. Con Genny destrozado por lo que acababa de vivir y dispuesto a hacer que las cosas cambien para siempre, por lo que acudirá a su familia materna, por supuesto, en busca de ayuda… ¿Ayuda para qué? Pese a la tragedia podría decirse que las cosas le podían volver a ir bien. OJO SPOILER. [Pero la muerte de su amigo realmente le ha destrozado. No solo se trataba de una especie de mano derecha, es que la evolución de los personajes en la serie había sido pareja, y la muerte de uno de los protagonistas (otro más) ha dejado un vacío de poder enorme que hay que saber llenar. De momento, la trama lo consigue (como consiguió superar la marcha de Stefano Sollima, que es casi más dura que la de los protagonistas). Genny lo tiene claro. Se siente atrapado. Junto a Patrizia (Cristiana Dell’Anna) viaja a ver a su familia del campo, cerrando viejas heridas y pidiendo ayuda, algo que generará más violencia, pero para forzar la situación (por cierto, no se pierdan cómo hacen política en el campo y el uso que le dan a una cantera… Muy interesante forma de corregir unas elecciones que no dan el resultado que esperaban).

Genny consigue salir de la vida criminal, retirarse, y firmar una tregua entre todas las familias con la condición de salir de todo ello. Y dejando a Patrizia como Doña, al frente del negocio de su clan, al frente de todo. Compra la paz que tanto ansía. Pese a lo que eso pueda parecer, la serie nos trasladará a un año después, a un mundo en el que Genny quiere hacer las cosas bien en los negocios, ser un hombre limpio, honrado, decente, mientras prepara un aeropuerto para la ciudad… Imaginen el resultado y los problemas.

Y Patrizia tendrá que seguir al frente de la familia, consiguiendo lo que tanto anheló.] FIN SPOILER. El salto temporal da empaque y solidez al relato y la serie sigue navegando con rumbo firme, sin titubear jamás, convertida en un producto que nadie debe perderse, aunque solo sea porque nadie pueda hacer spoilers de la serie, que merece la pena. Un producto europeo, que nos muestra que no todas las series de calidad vienen del mercado anglosajón.

Y que llega a nuestro país de la mano de SKY el 23 de abril, posiblemente unos días antes de que se pueda leer esto…

Juan L. Pastor

Fotografías ©Gianni Fiorito

GOMORRA

ENTREVISTA

Entra en la habitación con una sonrisa tímida, saludando a todo el mundo. Gracias a sus estudios y al tiempo que pasó viviendo en nuestro país, habla un castellano excelente, diría que incluso con algo de acento gallego, y él hace el esfuerzo de hacer la entrevista por completo en español.

Se nota el cariño que tiene por su nueva serie y por su personaje, Shaun, del que nos habla con pasión y un brillo de orgullo contenido en sus ojos, porque el actor es todo humildad. De la serie y de su futuro nos habló y nos dejó un fantástico recuerdo.

Basándote en tu experiencia viviendo aquí, en Madrid, ¿te esperabas el éxito de la serie en España?

No, la verdad es que no… Pero lo cierto es que lo mismo pasa con Estados Unidos. Filmamos en Canadá, en Vancouver, y es como estar un poco en la burbuja, la burbuja de pasar ocho meses trabajando ahí solamente en el hospital, rodando, y es siempre difícil darse cuenta. Claro que tenemos los números de la audiencia que aparecen, pero es diferente a cuando sales de la burbuja y lo ves en el mundo. Siempre es raro.

Siguiendo con eso, es muy difícil que hoy en día una serie network funcione, y más como lo está haciendo The Good Doctor. ¿A qué crees que se debe en estos tiempos revueltos para las cadenas network?

Bueno, quizá por los tiempos revueltos en general, en la realidad y la época que vivimos hoy en día. Creo que es una serie llena de optimismo y el personaje de Shaun, mi personaje, claro, ve lo bueno en la gente, no es cínico, no es un antihéroe. Y cada vez que encendemos la televisión, por lo menos en Estados Unidos y seguro en el Reino Unido, por ahora, cada hora, se ve mucha negatividad. Creo que una serie y un personaje que son positivos es algo que ha atraído a la gente. Y también, creo que Shaun como personaje habla a muchísima gente. Por supuesto, estamos contando su historia individual, la historia de una persona con autismo y cómo navega el mundo, pero también es bastante universal sentirse diferente, perjudicado, discriminado en un sentido u otro, y creo que por ahí la gente ha conectado con Shaun también.

Además, es una serie médica en un tiempo en el que, exceptuando Anatomía de Grey, por ejemplo, no funcionan demasiado las producciones de este género. Y lo hace no solo por el carácter de Shaun, sino que creo que por la forma de abordar los casos médicos, distinta a House. Tiene personalidad propia. ¿Lo valoraste desde el principio a la hora de sumarte al proyecto?

Bueno, lo que me atrajo de la serie fue por un lado el guion que había escrito, pero también la charla que tuve con David Shore (creador también de House) el creador. Tenemos mucha suerte de poder colaborar con él porque sabe cómo hacer los casos médicos, pero al mismo tiempo, como mencionabas, se ha reinventado un poco con The Good Doctor. Y, sobre todo, con los personajes principales que son casi al revés, creo, de un House, que estaba lleno de cinismo, y aquí tenemos a Shaun que es puro optimismo.

Una cosa importante sobre Shaun es que nunca sabemos cómo va a reaccionar o a procesar las emociones. ¿Es tan impredecible para ti como lo es para los espectadores?

Bueno… (risas), es que hay que planear y saber lo que va a pasar en cada escena. Claro que es un personaje que sorprende, pero es auténtico, veraz, y nunca se trata de algo manido, siempre viene de un lugar muy auténtico emocionalmente. Y no es un superhéroe. Creo que estamos contando una historia muy real con Shaun, es un ser humano y no puede salvar a cada persona que pase por el hospital…

Es obligado preguntar por el futuro de la serie. ¿Qué nos espera en la siguiente temporada?

Bueno, yo voy a estar en la tercera temporada. Eso es seguro, o eso creo (risas). Pero vamos a comenzar a rodar en Vancouver en junio otra vez, aunque no sabemos mucho de lo que va a pasar, sobre todo porque David

92

Shore acaba de comenzar a trabajar con la sala de guionistas en Estados Unidos, y justo ahora estamos discutiendo entre todos lo que va a pasar. ¿No te han comentado nada del futuro de la serie?

Claro, en términos generales, sí, pero en cuanto a casos médicos y demás, todavía no han comenzado, porque hasta hace justo tres semanas estábamos trabajando en la segunda temporada de la serie con la posproducción y todo eso. No estoy ocultando nada, es que no tengo nada que ocultar (risas).

En The Good Doctor no eres solo uno de los protagonistas, también eres productor y en esta temporada guionista…

Y director… (risas).

Y director. En la tercera temporada, ¿qué nos espera?

Me gusta estar involucrado en cada aspecto de la serie, y pude hacer lo mismo en Bates Motel, poder incorporarme en cualquier aspecto que puedan ayudar a hacer una buena serie. Hubiera sido para mí bastante extraño pasar ocho o nueve meses al año allí en Vancouver involucrado en cada episodio, y dejarlo por completo diciendo, bueno, hasta pronto, ya veremos qué pasa en junio. Quiero estar ahí ayudando en cada aspecto que sea útil.

Volviendo un poco atrás en el tiempo, cuando terminó Bates Motel imagino que tendrías muchas opciones profesionales. ¿Qué te hizo decidirte por The Good Doctor? ¿Qué te hizo decidir que este sería el siguiente paso en tu carrera?

Bueno, fue la posibilidad de trabajar con David Shore, por supuesto, pero sobre todo me gustó el guion y el personaje. Y claro que es un personaje interesante como actor, un personaje que merece muchos, muchísimos episodios, espero, para contar su historia. Y también un personaje importante para mostrar a la sociedad en general. Fue una mezcla de todo eso. ¿Y qué has aprendido de David Shore, que es uno de los showrunners más importantes de la televisión americana? ¿Qué has aprendido, tras dos años en la serie, siendo además productor? Debe de ser como hacer una carrera universitaria.

Pues efectivamente, como productor y guionista… y director, que ha dirigido el episodio final de la segunda temporada… No es solamente su forma de contar historias, es también su forma de liderar, como showrunner.

Tenía unas ideas fijas, que por supuesto tiene que expresarlas, pero al mismo tiempo es muy colaborador, y también una buena persona, muy simpática (risas)… Sí, es muy simpático. Tenemos mucha suerte de contar con él.

Como audiencia, estamos acostumbrados a que los actores expresen sus emociones, mientras que este personaje es incapaz de hacerlo. ¿Cómo se trabaja esa contención como actor? Cuando a veces el público pide lo contrario…

Sí… pero no sé si la gente quiere que los actores expresen sus emociones de una forma muy obvia. No es que si una persona no está llorando, no está sintiendo nada por dentro. Yo creo que es más tratar de interpretar el papel de la manera más auténtica posible y sabiendo que, si estas llorando por dentro, o riendo, si estás sintiendo de verdad esas emociones, la gente lo reconocerá. Creo que es uno de los estereotipos del autismo que intentamos contrarrestar, que los autistas no pueden sentir como nosotros o todo el rango de emociones que otra persona.

Jesús Usero

P

Temporada 3

ara Netflix Stranger Things es una pequeña bendición y una muestra del espíritu de la propia compañía de streaming. ¿El motivo? Sencillo. Netflix hace auténticas maravillas a la hora de hacer aparecer de la nada, nuevas series que en otro sitio serían completamente ignoradas o pasadas por alto. Repasen los meses previos al lanzamiento de Stranger Things, que ya se convirtió en un evento televisivo cuando se estrenó, y (obviando evidentemente abril y la reina televisiva del año, de la década y quizá de la historia, Juego de tronos), vean qué ha sucedido con series como Bodyguard (con Globo de Oro para su protagonista incluido), Sex Education, The Umbrella Academy o Love Death + Robots. Y eso por poner unos ejemplos. Sin hablar de series evento como las de Marvel, Daredevil y Punisher en sus despedidas, por ejemplo. Netflix sabe coger un producto del que nadie ha oído casi nada (más ejemplos en The OA, sin ir más lejos; o qué decir del cambio de tercio de Sabrina) o del que no se sabe qué esperar, y convertirlo en un fenómeno que se discute continuamente en redes sociales y es un

éxito imprescindible para cualquier seriéfilo. Eso es lo que consiguieron y siguen consiguiendo, pese al año sabático. Y, aunque no se sabe mucho de la nueva temporada, es cierto que sí que hay muchas, muchas teorías de lo poco que hemos podido ver, y de lo que nos han contado. Por ejemplo, lo que nos contó el propio David Harbour en persona, en la entrevista que publicamos en estas mismas páginas y que recomendamos leer. Harbour habló del verano, del calor y del romance, de su nuevo look y del miedo que tiene su personaje Hopper, a que su hija adoptiva, Once (Millie Bobby Brown) se haga mayor y se enamore de verdad… Y es que esa es una de las tramas centrales de la nueva temporada, el hecho de que los chicos se hacen mayores y se enamoran.

Avisamos que dejamos las dos primeras temporadas como vistas por todos los lectores, y si no lo han hecho, les instamos a hacerlo de inmediato y dejar la lectura de este artículo para más adelante, porque va a contener spoilers de los dos años previos. Y de las cosas que parece ser vamos a encontrar este año, aunque algunas no estén confirmadas y sean simples teorías que plantea-

Casi dos años después del estreno de la segunda temporada, regresa a Netflix Stranger Things, la serie que en muchos sentidos se ha convertido en emblema del servicio de streaming y buque insignia, además de muestra del auténtico espíritu de la empresa, ahora que otras como House of Cards o Orange is the New Black llegan a su fin. La expectación es enorme y ya circulan muchas teorías sobre lo que está por llegar, además de muchas certezas que poco a poco se han ido descubriendo sobre lo que nos aguarda en la nueva temporada que se estrena el próximo 4 de julio. remos a los lectores, ya que seguramente muchos tengan más claro qué es lo que nos depara en la nueva temporada. Lo que parece innegable es que nos encontramos en verano de 1985, con Regreso al futuro arrasando en los cines (el estreno se produjo el 3 de julio, y la película incluye el 4 de julio, como hemos podido ver). Dustin (Gaten Matarazzo) regresa a casa y descubre que las cosas no han cambiado demasiado, aunque las relaciones románticas entre Mike (Finn Wolfhard) y Once, y Lucas (Caleb McLaughlin) y Max (Sadie Sink) están floreciendo. Will (Noah Schnapp) parece casi recuperado, y durante todo este tiempo nadie ha tenido noticias del otro lado. Hopper tiene nuevo look, con su bigote y nos preguntamos si el romance del que nos hablaba hacía referencia a los jóvenes o a su personaje junto, quién sabe, Joyce (Winona Ryder). Y tampoco sabemos cómo están las cosas entre Jonathan (Charlie Heaton) y Nancy (Natalia Dyer). Además Steve (Joe Harrington) tiene un nuevo trabajo en la heladería junto a Robin (Maya Hawke, hija de Uma Thurman e Ethan Hawke). Pero las cosas no podían estar siempre en calma… Hay un centro comercial nuevo, construido bajo el ausx

picio del nuevo alcalde (Cary Elwes) que es el estereotipo del alcalde del cine de los ochenta, y está la presencia de un periodista (Jake Busey), un tipo algo peculiar… La hermana de Lucas, Erica (Priah Ferguson) descubrirá un nuevo peligro, quizá relacionado con la desaparición de un trabajador de la piscina municipal, donde ahora trabaja Billy (Dacre Montgomery) junto a Heather (Francesca Reale, otro de los nuevos fichajes).

Eso es lo que sabemos casi a ciencia cierta, pero nos corroen los interrogantes y las posibilidades de la nueva temporada, empezando por Dustin y no solo su llegada, sino su futuro romántico, después de quedarse compuesto y sin novia. Por supuesto, eso en el plano romántico, junto a lo que ya hemos mencionado de Hopper y Joyce, que es la gran historia de amor imposible de la serie desde el episodio 1. Por ejemplo, muchos teorizan que el nuevo centro comercial, el Starcourt Mall, en realidad, es una extensión de Lynx Corp, organización de intenciones… grises, por decirlo de algún modo, que emplea el centro comercial para preparar sus planes en las narices de los protagonistas. Otros aseguran que tendremos un asalto zombi que nos llega del Upside Down (de nuevo, disculpad la costumbre de verlo todo en inglés), con el centro comercial como lugar donde preparar la última defensa. Como si fuese un escudo frente a los ataques interdimensionales… Lo que de nuevo muestra que ese centro comercial esconde muchas sorpresas. Una teoría que ronda muchas cabezas tiene mucho, mucho sentido, y habla de la ruptura en el grupo de amigos, en los cuatro protagonistas iniciales, más las dos incorporaciones femeninas. Todas las imágenes que hemos visto y todo lo que se dice, habla de un momento en el que el mundo parece derrumbarse entre ellos. Ya no son niños, y no van a pasarse toda la vida en el sótano jugando al rol… Las ratas parece que tendrán mucha importancia esta temporada, aunque los Duffer Brothers, creadores de la serie, no han dejado claro si tendremos una infestación como parece y algunos dicen que sucederá. Pero nos queda saber si descubriremos al fin al gran monstruo que acecha al otro lado, o de dónde viene el nuevo que hemos visto en imágenes. Incluso también si todos sobrevivirán a la batalla, porque algunas teorías y rumores apuntan a que alguno de los protagonistas principales podría decir adiós a la serie este año. Quizá incluso más de uno… Tendremos que esperar al 4 de julio para saberlo.

Jesús Usero

A C T U A L I D A D

T E L E V I S I Ó N

Katherine Heigl, de vuelta en televisión con una nueva comedia. Aunque muchos lo hayan olvidado, Katherine Heigl

Los protagonistas de JAG regresan para el crossover con NCIS Los Ángeles. Han pasado tantos años que muchos

fue, en un momento dado, una de las actrices de más éxito en Hollywood, coronada como nueva reina de la comedia romántica. La actriz dejó Anatomía de Grey por el cine con bastante éxito al principio y luego regresó a televisión con catastróficos resultados. La veremos en los últimos episodios de Suits, que también ha sido cancelada y finalizará tras su novena temporada, y ahora la veremos junto a Malcolm Barrett, en la sitcom de CBS Our Home, donde darán vida a una pareja que pretende criar a sus hijos con el amor que ella no tuvo de niña.

han olvidado la historia. NCIS, que hoy es el drama más visto en network en Estados Unidos, nació como spin-off de JAG, serie de abogados en el ejército de cierto éxito en nuestro país desde mediados de los noventa hasta su conclusión en 2005. NCIS, o Navy: investigación criminal, ha dado pie a varios spin-off, el más conocido NCIS Los Ángeles, liderado por Chris O’Donnell y LL Cool J. Ahora la serie prepara el final de temporada a lo grande con un crossover con la serie que dio origen a todo, aunque lleve casi quince años cancelada. Por eso ha recuperado a los protagonistas de aquella, David James Elliott y Catherine Bell para que den vida a sus personajes en la serie original para un arco argumental de varios episodios.

The Crown encuentra a su Lady Di. La serie de Netflix The Crown es uno de los productos televisivos de mayor calidad de los últimos años, y se acerca a su tercera temporada con un cambio completo de reparto liderado por Olivia Colman, reciente ganadora del Oscar, Tobias Menzies y Helena Bonham Carter. Además, en la nueva temporada tendremos al príncipe Carlos, interpretado por Josh O’Connor y a Camilla Parker, que será interpretada por Emerald Fennell (quien, además de actriz reconocida es una guionista de peso en series como Killing Eve, ni más ni menos). Esas son las novedades de la temporada 3, pero el equipo ya prepara la cuarta y se ha hecho oficial que Emma Corrin será Diana. La joven actriz es casi una desconocida y llega con un papel icónico. La cuarta temporada comenzará a rodarse este año.

96

La adaptación en imagen real de Cowboy Bebop en Netflix ya tiene reparto. No es que precisamente estén saliendo demasiado bien las adaptaciones de manga o anime en imagen real en Hollywood, pero eso no va a evitar que sigan apareciendo. La siguiente en hacerlo, eso sí, tiene un aspecto distinto, partiendo de que se tratará de una serie de televisión, no de una película. Netflix tiene el proyecto ya en marcha y ha confirmado el reparto protagonista, con nombres muy interesantes. Mustafa Shakir, a quien vimos en Luke Cage, liderará a la tripulación de cazadores de recompensas dando vida a Jet Black, acompañado de John Cho en la piel de Spike, Daniella Pineda como Faye Valentine y Alex Hassell será el villano Vicious.

AC T UA L I DA D T E L E V I S I Ó N Hugh Dancy se une al reparto de la última temporada de Homeland. Homeland llega a su fin. La serie protagonizada por Claire Danes y Mandy Patinkin acabará su singladura televisiva, donde ha destacado como una de las más brillantes de la última década, y lo hará con una temporada en la que tendremos una gran incorporación.

Hugh Dancy ha sido protagonista reciente, por ejemplo, de Hannibal, y además lleva diez años casado con Danes. Ahora se suma a la última temporada en un papel de gran importancia, el de un analista político cercano a la presidencia cuyo intelecto es capaz de rivalizar con el personaje de Patinkin.

Confirmado nuevo spin-off de The Walking Dead. Pese a que la serie original está sufriendo con la audiencia y el final de la novena temporada ha sido el menos visto de la historia de la serie, pese a que Fear the Walking Dead no termina de despegar con la audiencia, en AMC siguen confiando en la marca que se ha convertido en la más importante de la cadena, y ya ha dado luz verde al nuevo spin-off de la serie, todavía sin título, pero con una idea clara de lo que será. Estará coprotagonizada por dos personajes femeninos, y bastante jóvenes, porque la serie quiere contar la historia de la primera generación que dio el salto a la madurez en el apocalipsis. Una historia de adolescentes bastante distinta, la verdad.

La serie de La torre oscura ya tiene reparto principal.

Aunque la película protagonizada por Idris Elba y Matthew McConaughey fuese un fracaso crítico y comercial, Amazon lleva dos años intentando levantar en televisión la serie, que hace años trató de realizar Ron Howard.

En esta ocasión de la mano de Glen Mazzara, quien parece ser que la rodará finalmente en Croacia, con el inicio previsto para finales de abril, por lo que cuando leáis estas líneas seguramente habrá comenzado. Y lo hará con un nuevo reparto. Sam Strike será Roland, el pistolero que anda a la caza del Hombre de Negro, quien estará interpretado aquí por Jasper Pääkkönen.

Nuevas incorporaciones a la segunda temporada de You. Con Penn Badgley al frente nuevamente, y cambiando la ciudad

Vincent D’Onofrio ya tiene nueva serie. Según pasa el tiempo tras la cancelación de Daredevil, vamos aprendiendo más sobre el destino de sus protagonistas. Ahora le toca el turno a Vincent D’Onofiro, uno de los mayores aciertos de la serie, en su papel de Wilson Fisk, el gran rival de Daredevil. El actor ha manifestado sus ganas de retomar el papel y la serie en el futuro, pero hasta ese momento, tendremos la posibilidad de verle en la nueva serie de CBS All Access, el servicio streaming responsable de Star Trek Discovery, de título Interrogation. La serie está basada en hechos reales, sobre un crimen real, y tiene a Kyle Gallner como protagonista, en la piel de un joven acusado de matar a su madre, que encuentra en el personaje de D’Onofrio, un agente de Asuntos Internos, a su mayor aliado.

Black Mirror ficha a dos actores, uno de Marvel y otro de DC, para su nueva temporada. La quinta temporada de Black Mirror ya está en marcha, tras el éxito de Bandersnatch, así que empiezan a revelarse los nombres que estarán implicados en esta nueva temporada, otra vez orquestada por Charlie Brooker, y se trata de dos nombres de peso, uno de Marvel, Anthony Mackie (quien también prepara la segunda temporada de Altered Carbon) y otro de DC, Yahya AbdulMateen II, quien fue Black Manta en Aquaman. Lo peculiar es que pese a que se sabe que estarán en la serie, se desconoce por completo qué papeles tendrán los actores.

Emily Bett Rickards abandona Arrow antes de la temporada final. Dos noticias han hecho tambalearse los cimientos del Arrowverso en los últimos días. Por un lado, se anunció que la serie terminaría el año próximo, tras una breve octava temporada que contará en principio con diez episodios. Pero además la serie ha dicho adiós a una de sus principales protagonistas, Emily Bett Rickards, quien ha dado vida a Felicity desde el inicio y se ha convertido en uno de los personajes más icónicos junto a su protagonista. La actriz lo hizo oficial en redes sociales y los fans todavía están recuperándose del shock.

de Nueva York por la de Los Ángeles. La serie You, una de las sorpresas de la temporada pasada que llegó a nosotros de la mano de Netflix, prepara ya su segunda temporada y tiene dos nuevas y muy interesantes incorporaciones al reparto, además de la nueva localización y una trama cercana al siguiente libro en la saga. Las incorporaciones son las de Charlie Barnett en un papel recurrente como amigo de Love, el personaje que estará interpretado por Victoria Pedretti, una joven artista cuya vida cambiará por completo cuando conozca al personaje de Badgley.

Simone Missick se une al reparto de Courthouse.

Una serie que empieza a llamar la atención para el próximo otoño es Curthouse, la nueva serie de CBS que prepara piloto y que podría ser una de las grandes apuestas de la próxima temporada, con un gran reparto y un punto de vista distinto al del resto de dramas judiciales, ya que intentaría dar una mirada entre bambalinas de lo que es la vida en un juzgado, desde quienes aportan la fianza a los jueces y jurados.

Simone Missick, tras la cancelación de Luke Cage, es una de las más recientes incorporaciones a la serie en la piel de una antigua fiscal del distrito que ahora es jueza. Marg Helgenberger lidera el reparto que tiene también a Wilson Bethel, recién salido de Daredevil, o a Jessica Camacho.

97