Revista accion by David EB

SUMARIO Nº 2007

ESTRENOS 14 20 22 23 24

La vieja guardia Tenet Donde estás Bernardette La posesión de Mary Personal Assistant

CARTEL-MANÍA 30 Los blockbusters de la historia del cine 61 Carteles Cine Bélico XXII

TELEVISIÓN 53 55 67 88 90 92 94 96

COLECCIONABLES

Fichas actores Fichas series TV Ficha serie TV: Elementary Entrevista Ivana Baquero Entrevista: Marie Avgeropoulos Maldita Entrevista: Katherine Langford Noticias televisión

25 43 45 57 59 73

SECCIONES FIJAS

REPORTAJES 12 18 79 85 80

Fichas críticas Que fue de... Coleccionable actor clásico: Janet Leigh Ficha película mítica: Sonrisas y lágrimas (1979) Ficha actor clásico: Merle Oberon 007: Al servicio de su majestad

2 4 8 10 75 77

El SnyderCut y otros cortes del director Christopher Nolan Películas malditas: La naranja mecánica Grandes directores: Fritz Lang Desmontando el cine: El metacine (II parte)

Hollywood Noticias Furia oriental Mundo fantástico Análisis: La chaqueta metálica Análisis: Sospechosos habituales

DIRECTOR: Héctor Alonso COLABORADORES: Santiago de Bernardo, Nicolás Carrasco, Óscar Costa, Sergio Hardasmal, Miguel Juan Payán, Juan L. Pastor, Clara Martín, Jesús Martín, Sara Martín, Juan Carlos Paredes, Jesús Usero, Jaime V. Echagüe. FOTOGRAFIAS: Disney, EOne Films, Filmax, Hispano FoxFilm, Manga Films, Paramount, Sony Pictures, Tri Pictures, Universal, Vertigo, Warner Bros REDACCION Y ADMINISTRACION: C/ La Higuera, 2-2ºB - 28922 Alcorcón (Madrid) Tel 91 486 20 80 - Fax. 91 643 76 55. e-mail: redaccion@accioncine.es DIRECTORA PUBLICIDAD Y MARKETING: Susana Román PUBLICIDAD: Susana Román C/ La Higuera, 2-2ºB - 28922 Alcorcón (Madrid) Tel 91 279 93 58 - Fax. 91 643 76 55 e-mail: publicidad@accioncine.es SUSCRIPCIONES: C/ La Higuera, 2-2ºB - 28922 Alcorcón (Madrid) Tel 91 486 20 80 - Fax. 91 643 76 55 e-mail: pedidos@accioncine.es www.accioncine.es DISENO Y MAQUETACION: Toralba EDITA: Norea y Aloman Ediciones S.L. IMPRIME: RIVADENEYRA DISTRIBUYE: S.G.E.L. DEPOSITO LEGAL: M-9520-2012. ISSN: 2172-0517 Precio para Canarias y aeropuertos 4,05 € (Incluida Tasa Aérea)

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CONTROLADO Nota de la redacción: ACCION es una revista abierta a todas las opiniones por lo que no necesariamente se indentifica con las de sus colaboradores. Reservados todos los derechos: esta publicación no puede ser reproducida, ni total, ni parcialmente. Como tampoco registrada en, o transmitida por, un sistema de recuperación de información, en ninguna forma ni por ningún medio, sea mecánico, fotoquímico, electrónico, magnético, electroóptico, por fotocopia, o cualquier otro, sin el permiso previo por escrito de la editorial. SOBRE LOS COLECCIONABLES Encontraréis al centro de la revista los pósters. Si arrancáis éstos os encontraréis con las fichas en papel más grueso que está distribuido para que también se pueda separar de la revista. Lo mismo sucede con el coleccionable de ACTORES, se puede separar sin afectar al resto de la revista. Aunque para algunos pueda resultar liosa esta distribución, está pensada para poder coleccionar diferentes partes de la revista.

Las películas de superhéroes de Marvel siempre están hasta las trancas de rumores que cada mes suben o bajan las expectativas de sus seguidores sobre la “nueva normalidad” de los superhéroes marvelitas en el cine. Hay indicios de que Thor: Love and Thunder podría ser la última película de Chris Hemsworth para el universo Marvel. Por otra parte, se especula con que los personajes de Nova y de Warlock podrían unirse a la Capitana Marvel en un intento por seguir ampliando las fronteras cósmicas del universo cinematográfico de superhéroes. En cuanto al sustituto, los rumores están divididos. Unos afirman que Natalie Portman será la nueva Thor incorporándose a una nueva formación de Vengadores en la que estaría también Shang-Chi y el Caballero Negro presentado en la película de Los eternos. Sería gracioso que Portman firmara para subirse a ese barco después de lo que en su momento largó sobre hacer o no más películas de superhéroes. Me suena ahora mismo en el coco el “money, money, money” que cantaba Liza Minnelli en Cabaret. Otros rumores menos fiables afirman que el sustituto será Billy Rayos Beta. Incluso hay quien afirma que el puesto de semidiós mitológico de Marvel lo ocupará Hércules, hijo de Zeus, que en los cómics ha sido miembro de supergrupos como Vengadores y Campeones, y que podría ser presentado en breve como huevo de Pascua en alguna película de otros personajes. La tendencia al nuevo rollito cósmico de las franquicias superheroicas de Marvel en cine se refuerza aún más con los rumores que afirman que los nuevos X-Men también se van a ir de paseo por el espacio a correr aventuras. Y parece haber planes para presentar las nuevas versiones de los mutantes X por separado en películas en solitario antes de reunirlos a todos, estrategia aplicada ya con Vengadores. Eso puede interesarme en el caso de Lobezno, Magneto…, y ya. El resto en solitario me interesa poco o nada. En grupo, OK, pero por separado, poca chicha. Kevin Feige, jefazo de Marvel Cine, afirmó hace unos meses que no les interesaban los pesos pesados y había otros muchos mutantes disponibles para pasar a la pantalla grande. Espero que no se refiera a ese fulano de cuyo nombre ni me acuerdo que parece un esqueleto metido dentro de un moco trasparente, porque para entretenerme un rato antes prefiero ponerle nombre a las uñas de mis pies. Más lógico me parece que, como otros rumores apuntan, Tormenta apareciera

como personaje secundario en algún momento de la segunda película de Pantera Negra, con quien en las viñetas acaba formando un curioso matrimonio. Pero no me lo creo nada. ¿Mi opinión sobre todo este sarao? 1) Se está poniendo muy raruno el universo Marvel de cine. 2) Si todos los Súper marvelianos se las piran al espacio a ser cósmicos…, ¿no va a resultar un poco repetitivo y monotemático el asunto? A ver si se van a estrellar por volar a las estrellas. 3) A este paso, por la Tierra solo van a quedar sus primos de la DC para impartir la justicia del antifaz, el leotardo y los calzoncillos por fuera. Eso o en Marvel finalmente sacan a pasear a Namor, el príncipe submarino de Atlantis, para pescar jureles. Mientras algunas publicaciones del sector de las finanzas afirman que aprovechando el desplome de la bolsa provocado por el coronavirus, Apple podría intentar comprar Disney, Marvel y Lucasfilm, toda vez que los precios de las acciones han bajado un 36 por ciento en el último mes. Las de Apple han bajado un 26 por ciento pero los expertos en la materia recuerdan que Apple es 964 880 millones de dólares más grande frente a los 152 160 millones de Disney. Para terminar, mucho ojo al movimiento Black Lives Matter, que puede ser una tormenta que cambie más el cine y la televisión de la “nueva normalidad” que las exigencias de la COVID-19. De momento, HBO retira de su catálogo Lo que el viento se llevó; Gerry Conway, cocreador del Castigador (Punisher) en los cómics, quiere recuperar el logo de la calavera del personaje para cedérselo a Black Lives Matter; una furgoneta se ha paseado ante los manifestantes en Nueva York reproduciendo el discurso de las películas de la Purga; el rapero Raz Simone se ha autoproclamado señor de la guerra en Seattle; Hartley Sawyer ha sido despedido de la serie The Flash (con el apoyo de Grant Gustin) por unos tuits misóginos y racistas de hace años; Jane Fonda, Brie Larson y Natalie Portman han firmado una carta para que les retiren los fondos a la policía (imagino que llamarán a los Cazafantasmas cuando se les cuele un acosador en el casoplón); el showrunner de la serie Riverdale promete escribir mejores papeles para los afroamericanos en el futuro tras las críticas de la actriz de la serie Vanessa Morgan. Y parece que la cosa solo está empezando… Miguel Juan Payán

NOTICIAS RODAJES • PROYECTOS • RUMORES Evil Dead now

FECHAS ESTRENOS 24 de junio

Vuelve Posesión infernal en una nueva entrega de la saga que arrancara con podo dinero y mucha imaginación Sam Raimi hace ya unos años. Bruce Campbell, protagonista de la trilogía original y productor del remake estrenado en 2013, ha revelado que el título de la nueva película es Evil Dead Now, que tendrá una protagonista femenina, que su personaje, Ash (protagonista del spin off televisivo Ash vs. Evidead), no aparece en el largometraje y que la clave del relanzamiento que aspira a mantener actualizada la franquicia es que sus protagonistas sean gente normal. El propio Sam Raimi ha elegido al director que va a hacerle el relevo en la saga, Lee Cronin, del que hemos visto recientemente la competente peripecia de terror Bosque maldito.

Algunas bestias Cinema Paradiso Divino amor Human Lost La cinta de Alex La posesión de Mary Personal Assistant Valentine

3 de julio Anna Karenina La lista de los deseos Pinocho Todo pasa en Tel Aviv

10 de julio Dersu Uzala Donde estás bernardette La maldición del guapo Marcelino, el mejor payaso del mundo The Boy. La maldición de Brahms Under the Skin Zapatos rojos y los siete trolls

17 de julio La familia que tú eliges Superagente Makey Una pastelería en Notting Hill

24 de julio Mulan Que suene la música

31 de julio La Caza Tenet Voces

¿Nicolas Cage… Spiderman? Parece disparatado pero podría no serlo. Son muchos los rumores que apuntan que Nicolas Cage, quien ya probara las delicias de ser un superhéroe heredado del cómic en Sony, El Motorista Fantasma, es el candidato favorito de este mismo estudio para interpretar el papel de Spiderman Noir. Y no en una película de animación del Spiderverso, sino en una película de imagen real. Cage estuvo a punto de interpretar el papel de Superman en la película que sobre ese personaje preparaba Tim Burton, y ya prestó su voz al Spiderman Negro en el largometraje de animación Spiderman un nuevo universo. El eco positivo conseguido entre los aficionados por esa personificación de la versión alternativa de Spiderman extraída de los cómics y situada en los años treinta, y ahora Marvel y Sony se están pensando aprovechar el planteamiento argumental de universos paralelos desarrollado por la segunda película de Doctor Extraño para poner en pantalla películas con versiones alternativas de Spiderman en imagen real.

Kevin Hart y los superhéroes Kevin Hart (Vaya patrulla, Infiltrados en Miami, Un espía y medio), prepara nueva comedia. En ella, volverá a asociarse a Tim Story, director con el que ya trabajó en Vaya patrulla e Infiltrados en Miami. La película se titula Nightwolf y su argumento gira en torno a un joven que conoce a su suegro y descubre que este es el célebre superhéroe que da título a la película. El guion es de Dan Hernández y Benji Samit (Detective Pikachu). Hart y Story oficiarán también como productores.

Scott Derrickson en el laberinto Director de Sinister, El exorcismo de Emily Rose, Líbranos del mal y Doctor Extraño, Scott Derrickson será el encargado de dirigir la secuela de Dentro del laberinto, película de culto de 1986 que contó con David Bowie como protagonista junto a Jennifer Connelly, que interpretaba a la joven de 16 años que tenía tiempo límite para resolver el enigma del laberinto del título y rescatar a su hermano. La película de Derrickson será continuación de lo narrado en el largometraje anterior, y todavía no se ha confirmado si Connelly estará o no en el reparto, aunque lo más lógico sería que volviera. En cuanto a candidatos para el papel de Bowie, ya fallecido, desde aquí proponemos a Mads Mikkelsen, pero no es probable que nos hagan caso en Hollywood.

Dos intrigas más para Jake Gyllenhaal Después de interpretar a Mysterio en Spider-Man: lejos de casa, Jake Gyllenhaal volverá a ponerse en el pellejo de un personaje de cómic protagonizando Snow Blind, basada la novela gráfica del mismo título. El director de la película será Gustav Möller (The Guilty, La ruta del dinero), que debutará en el cine estadounidense con este largometraje tras destacar en el género de intriga en Suecia. Curiosamente, Gyllenhaal es el protagonista elegido para interpretar el remake estadounidense de The Guilty. Patrick Ness, guionista de Un monstruo viene a verme, será el encargado de trasladar al cine la novela gráfica de Ollie Master y Tyler Jenkins, que se centra en un joven que descubre que su familia está en el programa de protección de testigos.

Jamie Lee Curtis se pasa a la dirección Además de regresar junto a Arnold Schwarzenegger al papel que interpretó en Mentiras arriesgadas para una serie de televisión, Jamie Lee Curtis prepara una película como directora. Es del género que la lanzó a la fama, el terror, y se titula Mother Nature. La productora Blumhouse está detrás de este proyecto que forma parte del contrato de tres años que la actriz ha firmado con la productora. El argumento de la película se mantiene en secreto, pero desde la productora llegan pistas que apuntan hacia una trama que gira en torno al cambio climático y que Jamie Lee Curtis coescribirá además de dirigir.

NOTICIAS RODAJES • PROYECTOS • RUMORES

Charlie Hunnam como Green Arrow Los seguidores de esta revista y de los directos que hacemos mi colega Jesús Usero y yo para su página web, @Accioncine, saben que ambos llevamos tiempo apostando por esta combinación de actor y personaje. No es que tengamos una bolita de cristal ni que los productores de Hollywood lean ACCIÓN cada mañana cuando se levantan –aunque deberían–, es simplemente que todo aquel seguidor de los cómics de la DC que tenga un poco de idea de qué va el baile ha entendido que el protagonista de la serie Hijos de la anarquía, Charlie Hunnam, acabará interpretando algún papel en alguno de los universos superheróicos de cómics trasladados al cine, y el que tenía más papeletas para interpretar era precisamente el de Green Arrow. El personaje ha dicho adiós en la televisión –el célebre Arrowverso le debe su nombre–, pero ahora Oliver Queen comienza a buscar su camino hacia la pantalla grande y además según parece podría llegar a esta en poco tiempo. Hunnam está en conversaciones para interpretar al arquero de la DC en un momento en que el Universo DC del cine parece dispuesto a pisar el acelerador de sus proyectos para el futuro inmediato.

La película de Tom Cruise en el espacio El proyecto que Tom Cruise prepara para rodar en el espacio, superando así sus excentricidades en la participación directa y sin doble en secuencias de acción para sus películas, tiene ya director. El actor se ha aliado con el magnate Elon Musk y la propia NASA para sacar adelante este ambicioso proyecto de intriga y acción filmado en el espacio exterior. Y ha fichado ya director. Doug Liman, que ya ha trabajado con Cruise en Al filo del mañana y su secuela y en Barry Seal, el traficante, es el director elegido para rodar este largometraje que viene a unirse así a su apretada agenda para el futuro, en la cual se incluye un remake de Los locos de Cannonball y otras dos películas de ciencia ficción, Luna Park y Chaos Walking. El proyecto incluye viajar con todo el equipo de filmación en un transbordador espacial, y requerirá que Cruise y Liman, ambos pilotos, sigan un curso de entrenamiento para trabajar en ese entorno.

De las galaxias al videojuego Daisy Ridley está en conversaciones para interpretar el papel principal en la adaptación al cine del videojuego Overwatch. La que fuera chatarrera enigmática de Star Wars se prepara para saltar al personaje de Lena Oxton, Tracer, en el juego de Activision Blizzard, en una adaptación en la que hay dos candidatos para la producción y distribución en el momento en que se escriben estas líneas: Universal, que ya produjo la adaptación de Warcraft, y Sony. La imagen real será la clave, pero obligatoriamente combinada con animación por ordenador para dar vida a los personajes no humanos que ofician como combatientes en el videojuego.

NOTICIAS RODAJES • PROYECTOS • RUMORES FECHAS ESTRENOS Mulan Tenet Padre No Hay Mas Que Uno 2 Malignant Antebellum Un amigo extraordinario Nuevos mutantes Monster Hunter Un lugar tranquilo 2 Expediente Warren: Obligado por el demonio 18/9/20 The King's Man: La primera misión 25/9/20 Candyman 2/10/20 Wonder Woman 1984 9/10/20 Muerte en el Nilo 16/10/20 Halloween Kills 23/10/20 Snake Eyes 6/11/20 Viuda Negra 13/11/20 Deep Water 25/11/20 Sin tiempo para morir 11/12/20 Free Guy 18/12/20 West Side Story 18/12/20 Dune 18/12/20 El príncipe de Zamunda 2 23/12/20 Top Gun: Maverick 25/12/20 Sherlock Holmes 3 30/12/20 Escape Room 2 15/1/21 Mortal Kombat 15/1/21 Peter Rabbit 2 5/2/21 Cinderella 12/2/21 The Eternals 5/3/21 Cazafantasmas: Más allá 12/3/21 Raya y el último dragón 19/3/21 Morbius 19/3/21 Tomb Raider 2 2/4/21 Fast & Furious 9 7/5/21 Shang Chi 21/5/21 DC SuperPets 21/5/21 Godzilla vs. Kong 28/5/21 Cruella 11/6/21 Jurassic World 3 17/7/21 Space Jam: A New Legacy 17/7/21 Uncharted 23/7/21 The Tomorrow War 30/7/21 Jungle Cruise 6/8/21 Hotel Transylvania 4 6/8/21 Escuadrón Suicida 2 1/10/21 The Batman 15/10/21 Halloween Ends 5/11/21 Spider-Man 3 12/11/21 Animales fantásticos 3 19/11/21 Misión: Imposible 7 17/12/21 Avatar 2 22/12/21 Black Adam 22/12/21 Sherlock Holmes 3 28/1/22 Babylon 11/2/22 Thor: Love and Thunder 25/3/22 Doctor Strange in the Multiverse of Madness 1/4/22 The Matrix 4 4/3/22 Minecraft 8/5/22 Black Panther 2 17/5/22 Dungeons & Dragons 27/5/22 John Wick: Chapter 4 24/6/22 Flash 24/6/22 Transformers 8/7/22 Captain Marvel 2 29/7/22 Indiana Jones 5 5/8/22 Misión: Imposible 7 7/10/22 Spider-Man un nuevo universo II 4/11/22 Shazam 2 4/11/22 Misión: Imposible 8 16/12/22 Aquaman 2 16/12/22 Star Wars sin título

Vuelve el planeta de los simios

24/7/20 31/7/20 7/8/20 14/8/20 21/8/20 21/8/20 28/8/20 4/9/20 4/9/20 11/9/20

Nota de la redacción: Fechas estimadas de estreno de películas que muchas de ellas ni siquiera han comenzado a rodarse y que por lo tanto pueden sufrir cambios de programación.

Mucha agua en Avatar 2 Mucha agua. Eso es lo que vamos a ver en Avatar 2 según el productor Jon Landau, que en unas declaraciones ha dado algo parecido a una sinopsis apresurada de lo más destacado del argumento. Según esta, la segunda película del planeta Pandora gira en torno a la familia que ha formado Jake con Neytiri, los Sully, padres e hijos, son el epicentro de la historia, cuando se ven obligados a abandonar su hogar para escapar en un viaje de exploración por distintas regiones de Pandora, lo que según Landau les va a llevar a estar mucho tiempo bajo el agua o en torno al líquido elemento. Las fotos del rodaje difundidas también señalan equipamiento acuático entre las tropas de humanos que circulan por la próxima película de James Cameron, que ya se forjó sobradamente como “director subacuático” en Abyss y Titanic, y que ha vuelto a Nueva Zelanda para completar el rodaje. El director ha declarado que además quiere hacer una serie de televisión de Avatar para Disney +.

Taron y el caldero mágico en imagen real Disney prepara entre sus propuestas de traslado de clásicos de dibujos animados a remakes de imagen real el largometraje de Taron y el caldero mágico, una de sus producciones de animación más siniestras y violentas. No tuvo muy buena acogida en su versión original en los ochenta, pero apetece mucho ver el resultado que puede salir de trasladar los paisajes, personajes y aventuras de esta historia de lo que en su origen se titulaba El caldero negro a personajes de carne y hueso. Las novelas originales en que se basa forman parte de una serie de novelas de fantasía escritas por Lloyd Alexander, cuyos derechos de adaptación fueron adquiridos por Disney en 2016 con vistas a levantar este proyecto que si tiene éxito podría convertirse en una franquicia en el territorio de la fantasía heroica, dándole una nueva oportunidad al cuidador de cerdos que se alía con una princesa para impedir que el antagonista de turno levante un ejército de demonios para dominar el mundo.

Las últimas noticias sobre el relanzamiento de la franquicia de El planeta de los simios apuntan que el argumento de la nueva saga se desarrollará en el mismo universo creado por Matt Reeves para la última trilogía y no será un reboot, sino más bien una continuación de la línea argumental seguida por El amanecer del planeta de los simios y La guerra del planeta de los simios. Wes Ball, director de la trilogía de El corredor del laberinto, es el encargado de dirigir el primer largometraje y afirma que el proyecto está muy avanzado en guion e incluso podría entrar en producción virtual en breve, porque en su mayoría es una película que tiene muchos elementos de animación por ordenador en captura de movimiento.

Ari Aster: Del terror a la comedia Al menos eso afirma que quiere hacer el director de Hereditary y Midsommar en su próxima película. Ari Aster define el largometraje como una “comedia de pesadilla de cuatro horas de duración”. Algo así como un “más difícil todavía” para quien se ha convertido en director de culto para muchos y es tan discutido como sobrevalorado por otros. Teniendo en cuenta que cuando preparaba Midsommar dijo que era una “película de ruptura apocalíptica”, no puede esperar cualquier cosa de esa definición, pero las cuatro horas no nos las quita nadie. Lo del sentido del humor, más bien negro y muy peculiar, lo podemos haber comprobado ya en algunos momentos de Midsommar, e incluso de Hereditary, así que igual lo que Aster considera humor es más una manera de despistar y llevarnos a otra historia de género de terror a su manera.

Bitcóin de película Los llamados gemelos Winklevoss, famosos por ser la base argumental de La red social, con su acusación de que Mark Zuckerberg trabajaba para ellos cuando les robó la idea de Facebook (Armie Hammer y Josh Pence los interpretaron en la película de David Fincher), son ahora actores y productores y se han asociado a Greg Silverman (productor de Diez razones para odiarte, Los feos también mojan, La LEGO-película 2 y otras) para sacar adelante el proyecto titulado Bitcoins Billionaires, basada en el libro del mismo título escrito por Ben Mezrich y publicado en 2019. Su epicentro es el esfuerzo de los gemelos para sacar adelante el procesador de pagos Bitcoin Bitlnstant. Solo les falta conseguir a Fincher como director y a Armie Hammer y Josh Pence como protagonistas para que esto parezca una secuela de La red social.

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CHRISTOPHER NOLAN: DOS VISIONES

Recopilación de artículos sobre películas y libros Fantásticos y por el que se asoman películas míticas de nuestro género favorito como 2001: Una odisea del espacio, El silencio de los corderos, Star Wars, Matrix...; o libros como El hobbit, Las crónicas de Narnia, 1984... Tampoco faltan autores imprescindibles como Philip K. Dick, Isaac Asimov... Autor: Juan Carlos Paredes

Christopher Nolan se ha convertido en un auténtico icono del ocio audiovisual con carácter de fenómeno social y una filmografía que ha conseguido introducir claves de cine de autor en el cine de la era del blockbuster. Este libro propone dos visiones de su obra, dos libros en uno para sumergirse plenamente en los laberintos fabricados por Christopher Nolan. Autores: Miguel Juan Payán y Jesús Usero B/N 184 pags.15x21 cm.

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Anuario que pretende recopilar lo que ha acontecido durante el año en cuanto a cine en general, cine independiente, terror, literatura en el cine y bandas sonoras. Una guía imprescindible de referencia para profesores, estudiantes y buenos aficionados al cine en general. Autores: Miguel Juan Payán, Jesús Usero, Jesús Martín, Santiago de Bernardo, Juan Carlos Paredes, Sergio Hardasmal. B/N 15x21 cm.

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Vicios, manías, amores, conflictos, muertes y otras curiosidades sobre algunas de las más destacadas estrellas del Hollywood de ayer y de hoy se dan cita en esta colección de anécdotas

Libro ordenado en forma de diccionario, cuyas voces repasan lo más granado del género, incluyendo las películas principales, los creadores más destacados, tanto novelistas como directores o actores, y un buen puñado de anécdotas sobre el miedo en el cine, desde la etapa muda hasta nuestros días Autor: Miguel Juan Payán B/N Y COLOR 192 pags.15x21 cm.

Manual ilustrado para el uso y disfrute de uno de los géneros más apasionantes y con mayor número de producciones en la historia del cine, recorrido desde sus orígenes en la etapa muda hasta las producciones de más reciente estreno en la cartelera. Autor: Miguel Juan Payán

GRANDES MONSTRUOS DEL CINE En el presente libro nos proponemos repasar la vida y fechorías de algunas de las más destacadas figuras monstruosas del cine, de la etapa muda a las últimas producciones, desde los vampiros Nosferatu y Drácula, el Golem, Frankenstein o Alraune, la Mandrágora, hasta los hombres lobo, las mujeres pantera, Godzilla o las distintas versiones de King Kong. Autor: Miguel Juan Payán

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NOTICIAS CINE ORIENTAL

por Iván E. Fernández

Deliver us from Evil: Nuevo thriller coreano

De festivales: Festival Nits de Cinema Oriental de Vic Este año se celebra la edición número 17 del Festival Nits de Cinema Oriental de Vic, del 23 al 26 de julio, y lo hará de forma presencial, cumpliendo la normativa de sanidad. Empezará abriendo Donnie Yen y su Enter the Fat Dragon (2020), que toma el título del clásico de Sammo Hung (en España, Le llamaban Dragón Gordo de 1978, película que también se proyectará en el festival en una copia restaurada). Y ya que hablamos de China, tenemos que incluir de este país la película de animación The Legend of Hei (2019), el drama de Danny Wong I’m Livin’It, con Aaron Kwok, el thriller de acción Wild Wild Bunch (2019), secuela espiritual de Chasing the Dragon, con Tony Leung Ka-fai y Louis Koo a las órdenes de Wong Jing y Jason Kwan, Monthy Python 2 (2020) de Zhang Dicai, secuela de su filme de 2018 a la que añade cine de catástrofes, The Enchanting Phantom (2020), fantasía y aventuras con fantasmas y la aparición de Yuen Wah, el drama intimista Changfeng Town (2019) de la directora Wang Jing. Para terminar con China (que incluye Hong Kong y Taiwán), el thriller dramático Sheep Without A Shepperd (2019), otro drama, Because of You (2019), Fist of Legend (2020), precuela de la de Jet Li (remake de Furia oriental de Bruce Lee), con Tiger Xu como nuevo Chen Zhen, y otra versión de la historia de Mulan (2020) dirigida por Ralph Chen y con Hu Xue’er como la mítica heroína. Desde Japón, veremos Yatsurugi 9 (2020) tokusatsu superheroico, Tunguska Butterfly (2019), con Asami, quien además será galardonada con el Premio Honorífico, la estupenda Hydra (2019) de Kensuke Sonomura, la esperadísima Crazy Samurai Musashi (2020), con Tak Sakaguchi y con una batalla de 400 contra uno en un plano secuencia, y los animes Promare y Her Blue Sky, ambas de 2019. Por último, tendremos las indias Sonchiriya y Action, la coreana The Closet, y las tailandesas Friend Zone y Sisters. Una estupenda programación que no puedes perderte.

Aunque los thrillers coreanos no brillan con la calidad de hace unos años, de vez en cuando aparecen títulos sobresalientes, y parece que podremos sumar Deliver us from Evil, guionizado y dirigido por Hong Wonchan, colaborador habitual de Na Hongjin, con quien coescribió The Chaser o The Yellow Sea, dos títulos imprescindibles. Won-chan debutaba como director con otra muestra de calidad, Office, y ahora regresa a la silla de director con un reparto de altura, con Hwang Jung-min (El extraño) y Lee Jung-jae (The New World) en una lucha por la supervivencia de un hombre, sacrificando todo, para evitar ser ejecutado por un asesino a sueldo. Su estreno está previsto para este mismo mes de julio en Corea, y el tráiler es realmente espectacular, prometiendo acción de gran calidad, junto a un estilo visual muy potente, que se apoya en dos estupendos actores que la convierten en uno de los estrenos veraniegos más esperados, colocándose a medio camino entre el blockbuster y ese toque cercano al cine de autor que el propio Na Hong-jin da a sus películas.

De festivales: Niaffs’2020 Del 28 de junio al 4 de julio se celebrará la séptima edición del NOIDENTITY International Action Film Festival Spain, o NIAFFS, organizado por NOIDENTITY Films, productora y equipo de especialistas de cine de Joaquí n Ortega. En esta ocasión, debido a la alerta sanitaria, se celebrará online, para la cual han creado una plataforma propia alojada en su web, http://festivalniaffs.noidentity.es/ El propio Joaquín ha declarado al respecto: “Este año, desde NOIDENTITY Films, hemos hecho una inversión importante para dar el salto digital, para que todas las películas y cortometrajes de las diferentes secciones se puedan ver en nuestra propia plataforma de visionado NOIDENTITY”. Además de las películas que se podrán ver en las diferentes secciones, habrá ruedas de prensa, presentaciones de nuevos proyectos y libros, conferencias, cursos y mesas especializadas con profesionales del sector que se podrán seguir desde cualquier lugar vía online. Los Premios Helios que se entregarán cubren las siguientes categorías: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Director de fotografía, Mejor Actor de acción, Mejor Actriz de acción, Mejor Coordinador de acción/Director segunda unidad, Mejor Especialista de cine masculino, Mejor Especialista de cine femenina, Mejor Trabajo en equipo, Mejores Efectos Especiales y Mejor Banda Sonora, Mejor Cortometraje de la sección paralela, además del Premio del Público y los Premios honoríficos. Dentro de los largometrajes a competició n tenemos diez títulos: Acceleration (EE. UU.), con Dolph Lundgren, Hell on the Border (EE. UU.), Steel Angie (Japón), la estupenda Hydra (Japón), The Antithesis (Italia), Fuel (España), A cabeca do Gumercindo Saraiva (Brasil), Los pájaros no vuelan de noche (España), Redbad (Holanda) y The Odd Perspective (España). En la sección oficial hay seleccionados 20 títulos que se pueden consultar en la web del NIAFFS20.

las mejores películas que nunca hemos visto

DOUBLE V

odo fan de Quentin Tarantino sabe que sus películas están hilvanadas a través de referencias en ocasiones sutiles, dando pie a un universo propio donde las reglas del tiempo y del espacio parecen ser otras. Quizá, el ejemplo más célebre esté en los cigarrillos de la marca ficticia Red Apple, creada por él mismo: se los vimos fumando por primera vez a Mia Wallace en Pulp Fiction (1994); después, en un anuncio callejero frente al que paseaba la Mamba Negra en Kill Bill vol. 1 (2003); y, por último, en los poscréditos de Érase una vez en… Hollywood (2019), con el secundario Rick Dalton haciendo una descarada publicidad de estos. Sin embargo, esos lazos pueden llegar a alcanzar incluso a sus propios personajes. Podrían citarse multitud de casos, pero basta con poner la mirada en sus dos primeros filmes para descubrir estos guiños. Cuando se estrenó Pulp Fiction, muchos se percataron de que el nombre de Vincent Vega, el matón al que daba vida John Travolta, guardaba una sospechosa familiaridad con el de Vic Vega, el sádico Señor Rubio de Reservoir Dogs (1992) encarnado por Michael Madsen. ¿Estábamos ante dos hermanos descarriados y unidos por el crimen? Sí: Tarantino escribió ambos personajes pensando en que compartían lazos de sangre, nunca mejor dicho. Lo que empezó como una fan theory en internet, la posibilidad de continuar dos obras maestras en un mismo filme, llegó a tomar cuerpo en la cabeza del cineasta. Se barajaron varios nombres para la película: The Vega Brothers, Double V Vega... Sin embargo, el que tenía más opciones para haber visto la luz era el más sencillo Double V. Realizar una secuela sobre ambos mafiosos era un proyecto a priori muy atractivo, pero contaba con un pequeño hándicap: ambos personajes morían en sus respectivos filmes. La cinta solo podía ser una precuela. La idea empezó a cobrar fuerza después del estreno del primer Kill Bill. Si bien se ha especulado mucho con la posible sinopsis, la más fiable es la que explicó el propio Tarantino en una entrevista concedida a CinemaBlend en 2019: la acción se habría desarrollado en Ámsterdam, donde Vincent Vega (Travolta) dirige un club nocturno propiedad de Marsellus Wallace (Ving Rhames). En un momento dado, su hermano Vic (Madsen) hace acto de presencia en lo que parece una visita de cortesía. La trama se desarrollaría a lo largo de un fin de semana y, como no podía ser de otra forma, con resultados sorprendentes. Los buenos tarantinólogos se habrán percatado de que la referencia a Ámsterdam no es baladí: durante el comienzo de Pulp Fiction, mientras ambos viajan en coche para cumplir un “trabajo” encargado por Mar-

de Quentin Tarantino

sellus, Vincent comenta a su compañero Jules sus recientes experiencias en la ciudad neerlandesa, centrándose en lo ridículo que le parece que al “cuarto de libra con queso” se le llame “royal con queso”. Ahora bien, existe otra versión de la trama de Double V increíblemente más retorcida y que sí habría dado pie a una secuela. La desveló en 2010 a la emisora WAAF Michael Madsen, que es quien más se ha explayado durante estos años sobre las posibilidades del proyecto. “Yo interpretaría al hermano gemelo de Vic Vega, mientras que Travolta sería el hermano gemelo de Vincent. Ambos acabamos de salir de prisión y coincidimos en un vuelo con destino a Los Ángeles para vengar la muerte de nuestros respectivos hermanos, pero ninguno de los dos sabe que somos gemelos del otro...”. Madsen no daba crédito a la propuesta de Tarantino. “Quentin me lo contó cuando acababa de regresar de un viaje a Tijuana. No sé cuánto tequila bebió”, añadió el actor.

Sin embargo, el filme nunca pasó de ahí. Es más: muy posiblemente, jamás se llegó a escribir ni una sola línea del boceto. La idea rondó al director durante varios años, pero al final siempre se topaba con algún proyecto que, esta vez sí, tenía visos de materializarse. Los admiradores lo querían, el estudio lo quería y, en definitiva, la reunión de dos de sus personajes más icónicos resultaba demasiado jugosa como para desecharla. Con todo, cada vez que retomaba la trama de Double V, los años (y los kilos) transcurridos hacían inviable la posibilidad de reunir a Travolta y Madsen para recrear sus años mozos. Y así parece que seguirá siendo. A Tarantino solo le queda una última bala: ya ha manifestado su intención de hacer una película más, la décima, y retirarse. Parece que Vic y Vincent murieron para siempre... y Double V con ellos. Jaime V. Echagüe

MUNDO FANTÁSTICO

por Santiago de Bernardo

No deberías perdértela:

La hora incógnita Una ciudad de provincias. Son poco más de las ocho de la tarde y su población abandona en tren, camiones o coches sus calles con la ayuda del ejército. Y es que en apenas dos horas poco quedará de esta urbe, ya que está previsto que le caiga encima un misil nuclear que por error no lo hará en su destino programado, el mar. Aunque lo planeado es que ya no quedara nadie tras la evacuación, varias personas permanecen allí, o accidentalmente o por motivos concretos: un borrachín que se ha quedado dormido en una zanja, un ladrón que aprovecha para hacerse con valiosos objetos de arte, una pareja de amantes que son infieles a sus respectivos cónyuges, dos amigas cotillas, un hombre que no soporta a su esposa y que busca a su gato, el dueño de unos grandes almacenes y una trabajadora suya, una prostituta, un presunto asesino y el policía que le sigue la pista… Todos ellos conforme se aproxima la hora señalada unirán fuerzas junto a un sacerdote para intentar encontrar un medio de escape y así alcanzar la zona de seguridad que se encuentra a 60 kilómetros del epicentro de la inevitable catástrofe. No obstante, quizá no sea ninguno de ellos merecedor de una segunda oportunidad. Genial rareza perteneciente al género de ciencia ficción de 1964, que llevaría a su director, Mariano Ozores, tras su fracaso en taquilla, a dedicarse a rodar comedias de gran éxito. Siguiendo la estela de La hora final (Stanley Kramer, 1959) y precediendo a títulos como 70 minutos para huir (Steve De Jarnatt, 1988), La hora incógnita, que prevenía del peligro de una posible confrontación nuclear, es un filme imprescindible del fantástico español (con toques de comedia y drama), que además cuenta con un reparto de lujo con Fernando Rey, Luis Prendes, Emma Penella, José Luis y Antonio Ozores o Elisa Montes.

Nick Carter

De Cannes al NIAFFS Tras el decepcionante festival global online We Are One, que contaba con el apoyo de importantes festivales cinematográficos y sin embargo ha tenido escasa repercusión y contados contenidos de interés, como fueron las charlas de Jackie Chan, David Cronenberg y Viggo Mortensen o Guillermo del Toro, o el clásico Nick Carter, aquel loco, loco, detective de Oldrich Lipský, ha llegado Cannes, no el festival (suspendido hasta 2021), sino el Mercado del Cine de Cannes (en edición virtual en junio). En este, la sección Fantastic 7 ha presentado proyectos fantásticos en busca de financiación. Es el caso del nuevo trabajo de Paul Urkijo (Errementari: el herrero y el diablo), Irati, que une el cine histórico y la fantasía, con la búsqueda de un fabuloso tesoro durante el siglo VIII, y de las terroríficas I Have to Have You de Tim Kasher y un fan del heavy metal obsesionado con una chica, o Huesera de Michelle Garza Cervera, sobre una mujer embarazada que se las tendrá que ver con la temible Huesera, un ser al que se enfrentará desde su energía de su época punk (movimiento al que está precisamente vinculada la realizadora). Además, dentro del propio Mercado se pudieron ver Tales from Armageddon de Manni L. Perez, que narra las vicisitudes de los pocos supervivientes de una pandemia global; Termination de Alex Nicolini, una recopilación de varias historias de ciencia ficción; o Useless Humans de Stephen Ohl, o cómo cuatro amigos de fiesta se ven obligados a salvar el mundo. Otras películas han sido Cosmoball de Dzhanik Fayziev, centrada en un juego futurista entre humanos y extraterrestres dentro de una nave gigante, la animada To Your Last Death de Jason Axinn, que cuenta con las voces de William Shatner y Ray Wise en medio de un peligroso juego mortal, Decapitarium de Jeff Dunn con Sam J. Jones y unos arriesgados experimentos que se producen en una universidad, o Await the Dawn de Pablo Macho Maysonet IV, acerca de una familia a la que secuestra un hombre acechado por algo temible. Por su parte, el NIAFFS 2020,

FANTASÍA • TERROR • GORE • CIENCIA FICCIÓN protagonizado por Poppy Montgomery (Sin rastro) de la creadora de Harry Potter, J.K. Rowling, Magia más allá de las palabras (2011, Paul A. Kaufman).

De festivales fantástico

Dolph Lundgren en Acceleration

NOIDENTITY–International Action Film Festival–Spain, del presente año (que alcanza la séptima edición), a pesar de no poder celebrarse físicamente en Sevilla como debía, sí lo que lo hará en las fechas previstas, del 28 de junio al 4 de julio, eso sí, online, donde tendrán cabida también las ruedas de prensa, conferencias o la entrega de premios. En la sección paralela de este festival dedicado al cine de acción (pero sin olvidar géneros como el wéstern, el terror o el histórico) hay programados veinte cortometrajes y, en la oficial de largometrajes, diez, entre los que se encuentran Acceleration de Daniel Zirilli y Michael Merino con Dolph Lundgren y Danny Trejo, Steel Angie de Toshinari Yonishi, en la que una agente de la Interpol que investiga a la mafia rusa es atrapada por esta; Hydra de Kensuke Sonomura, que desvela la existencia de una organización secreta que protege Japón; The Antithesis de Francesco Mirabelli, que relata los secretos que esconde una misteriosa mansión; o The Odd Perspective de Yolanda Torres, con dos hermanos investigando un asesinato.

Novedades en vídeo Se comercializan únicamente en DVD con tráiler, póster y carátula de vídeo reversible como material adicional Dollman contra los Juguetes asesinos (1993, Charles Band), un crossover entre Dollman y estos escalofriantes juguetes y Ghoulies IV: Tras el amuleto perdido (1994, Jim Wynorski), con la liberación a nuestro mundo de dos ghoulies, edición que se hace acompañar de extras exclusivos como una entrevista al productor y realizador Charles Band (Empire, Full Moon) en el Festival de Sitges de 2019. Y a pesar de la situación del mercado videográfico español en formato físico, asolado por ediciones Piratas que campan a sus anchas, surge una nueva editora, Gabita Barbieri Films, que arranca con varios títulos de terror: Una nueva entrega de la saga de casa maldita de Amityville, Amityville: El origen (2018, Daniel Farrands), El mejor amigo del hombre (1993, John Lafia) y el remake Night of the Demons (2009, Adam Gierasch), todas en formato DVD y Blu-ray (que no estarán posteriormente disponibles en plataformas digitales), y tiene previsto distribuir asimismo el biopic televisivo

Aún con la incertidumbre que persigue a los festivales de género que llegarán tras el verano (o a punto de finalizar este) se van conociendo novedades. El Festival de Sitges continúa con sus fechas del 8 al 18 de octubre, pero con la previsión de reducir aforos de las salas si fuera necesario, menos títulos programados, pero repitiendo sesiones y con un apartado complementario digital, que pueda suplir lo que no se haga físicamente y que sirva como alternativa para que se celebre el festival totalmente virtual en caso necesario. Sí será con actividad completamente presencial la malagueña XXI Semana Internacional de Cine Fantástico de la Costa del Sol (6 al 12 de septiembre), que editará la publicación La Marca del Demonio, dedicada al demonio y los exorcismos, en la que participan el escritor Juan Manuel de Prada o el dibujante Carlos Pacheco (Premio Azpiri al Mejor Dibujante 2020). En el plano internacional se mantiene el alemán Fantasy Filmfest en septiembre, con su trigésima cuarta edición, que llegará a las siete ciudades germanas participantes (entre ellas Berlín, Colonia o Hamburgo) con la avanzadilla de las Fantasy Filmfest Nights del 11 al 12 de julio, que nos trasladarán a la inquietante vivienda de Malasaña 32 de Albert Pintó, o mostrarán cómo las redes sociales y la búsqueda de más seguidores a cualquier precio tiene consecuencias en Follow Me de Will Wernick. También proyectarán The Intruder de Natalia Meta, que describe cómo cambia radicalmente la existencia de una actriz y cantante tras un episodio traumático, mientras que We Summon the Darkness de Marc Meyers cuenta cómo unos asesinatos podrían estar relacionados con seguidores de la música heavy metal y Yummy de Lars Damoiseaux avisa de los peligros de aficionarse a la cirugía estética. Se celebrará online del 3 al 11 de julio el suizo NIFFF, Neuchâtel International Fantastic Film Festival, que programa para su vigésima edición títulos como The Twentieth Century de Matthew Rankin, sobre el que podría ser el nuevo primer ministro de Canadá, Comrade Draculich de Márk Bodzsár, con una importante figura de la Hungría comunista que podría ser en realidad un vampiro, o Av the Hunt de Emre Akay, acerca de las aterradoras peripecias que le suceden a una mujer adúltera en Turquía. Y una exposición imprescindible ha vuelto, Vampiros: la evolución del mito, hasta el 6 de septiembre en CaixaForum Madrid, dedicada al universo de los chupasangres y cómo el mito ha sido reinterpretado en los diferentes medios y facetas artísticas, como es posible contemplar a través de carteles de cine, ilustraciones, libros, vestuario de películas, fotografías y mucho más.

El Snyder Cut de La liga de la justicia y otros montajes del director Se conoce a este asunto también como el Snyder Cut, pero trasladado al castellano no es nada nuevo, se trata simplemente de eso que siempre hemos conocido como el montaje del director, término que se popularizó dentro del ocio audiovisual doméstico cuando comenzó a comercializarse el cine en DVD con los extras de las ediciones especiales.

l fenómeno no es nuevo en absoluto. Está presente en el cine casi desde sus orígenes, y un ejemplo de ello lo encontramos en la película Avaricia, dirigida por Erich von Stroheim en 1924. El estudio Metro Goldwyn Mayer obligó a Von Stroheim a renunciar a su versión de nueve horas y media de duración. Pasó primero a cuatro horas y media, y fue nuevamente reducida en el montaje del estudio a dos horas y diez minutos. MGM mandó destruir el resto del metraje cortado, así que lo más cercano que ha podido estrenarse al montaje del director es una versión de 239 minutos editada y estrenada en 1999 que incorporaba fotografías fijas en sustitución de las escenas originales cortadas y destruidas. Von Stroheim ni siquiera consiguió que el estudio aceptara estrenar su versión como dos películas, algo que sí llegó a hacerse en algunos países con la versión de Érase una vez en América de Sergio Leone, otra obra maestra brutalmente mutilada en su estreno en Estados Unidos, pero que, por ejemplo, en cines españoles pudimos ver en la forma de dos películas, con una primera y una segunda parte. Recortada desde 229 minutos a 139 minutos para poder estrenarla en Estados Unidos en un solo pase, la película fue recuperada en toda su brillantez original en un montaje extendido de 250 minutos que finalmente ofrece la verdadera visión del director. Son solo dos de los muchos antecedentes del fenómeno del Snyder Cut, a los que podríamos añadir otros, como la versión con voz en off y final feliz de Blade Runner, estrenada en cines en 1983 en contra del criterio de Ridley Scott que se estrenó después de que un pase de prueba de 113 minutos proyectados en Dallas y Denver en 1982 provocara comentarios negativos de los espectadores. También destacaría en esa lista la versión mutilada de La puerta del cielo, de Michael Cimino, estrenada en 1980, que redujo los 219 minutos de la versión del director a 149 (en 2012 se recu-

SNYDER CUT Y LOS MONTAJES DEL DIRECTOR peró la versión de Cimino con 2017 minutos de metraje), o la versión cortada del clásico de Orson Welles Sed de mal, estrenada en 1958 con 95 minutos frente a los 112 del montaje del director que finalmente pudieron recuperarse en una versión posterior. Welles había tenido incluso peor suerte con El cuarto mandamiento, de 1942, que se estrenó con un montaje severamente aligerado desde los 132 minutos iniciales a 88 minutos, en los que además se cambió el final pensado por el director. Otro tanto le ocurrió a Sam Peckinpah con Mayor Dundee, estrenada en 1965 con un metraje de 123 minutos recortado de los originales 152 del director que nunca han podido verse, porque la versión restaurada (y con la música original) de 2005 solo llegó a los 136 minutos.

El nuevo Snyder en el Dc Extended Universe Blade Runner también tuvo su montaje del director Curioso: la activación de los planes del estudio Warner para financiar que Zack Snyde efectos visuales afirma que Snyder pensaba der pueda completar su versión de La Liga de la incorporar dos Green Lantern además de un Justicia se anuncian al mismo tiempo que el debut Warner se plantea estrenar cameo del Cuerpo de Green Lantern con Kilowog y del canal de suscripción HBO Max. Warner Bros. la versión del director de Tomar Re reuniéndose con Bruce Wayne. ha aprovechado el momento para anunciar el nombre oficial de su franquicia de superhéroes: Escuadrón Suicida y Escuadrón suicida quizá DC Extended Universe, en la que ha encontrado su el “tratamiento Eduardo Manostijeras” lugar el Snyder Cut de La Liga de la Justicia que como otro producto para los espectadores han venido reclamando desde La noticia del Snyder Cut no ha tardado en HBO Max coincidiendo con que en 2017 terminó de rodar Joss Whedon. generar reacciones, como la del director de Bob Greenblatt, presidente de Warner Media y Escuadrón Suicida, David Ayer, estrenada en el estreno en cines de la jefazo de HBO Max, ha declarado que es un proceso 2016 con una versión que el director ha denomicomplejo y un replanteamiento radical de la película nueva película del Escuadrón nado en sus redes sociales el “tratamiento y tremendamente caro que incluso podría llegar a Eduardo Manostijeras” de 123 minutos. El Joker Suicida dirigida por James costar más de los 20-30 millones de dólares. de Jared Leto se quedó en poco más que un cameo El propio Zack Snyder ha confirmado que su y no aumentó en el montaje extendido a 134 Gunn, que ha respaldado la montaje será, incluso para quienes vieron la versión minutos estrenado más tarde, que principalmente iniciativa. de 2017, una nueva experiencia porque solo vieron añadía escenas de Margot Robbie como Harley aproximadamente una cuarta parte de lo que él Quinn. Ayer ha declarado que la película que él había hecho. El resultado, en HBO Max en 2021. Se hizo nunca se ha visto y su versión sería más fácil especula que en un formato de casi cuatro horas de metraje dividido de completar que el Snyder Cut. Warner se plantea estrenar la veren seis capítulos. Snyder ha reunido a la mayor parte del equipo de sión del director quizá como otro producto para HBO Max coinciposproducción original recuperando a los actores para grabar diálodiendo con el estreno en cines de la nueva película del Escuadrón gos adicionales. Suicida dirigida por James Gunn, que ha respaldado la iniciativa. La versión de Ayer incluiría mucho más material con el LetoJoker. Darkseid y los siete Miguel Juan Payán Según han revelado algunos fragmentos del David Ayer con Margot Robbie durante el rodaje de Escuadrón suicida diseño de la versión de Snyder, el director había pensado un final más contundente que daba paso a Justice League 2: Steppenwolf empalado por el tridente de Aquaman y decapitado por Wonder Woman, abriéndose un boom tubo por el que la cabeza de Steppenwolf llega hasta los pies de Darkseid en su trono del planeta alienígena Apokolips. Además, en el material promocional inicial para la película utilizó la frase “Unite the Seven”, que insinuaba la incorporación a la Liga de Green Lantern. Curiosamente, incluso el cartel promocional del Parque Warner en Madrid parecía revelar esas intenciones incorporando a dicho personaje en primer término. La versión de Whedon eliminó esa opción, pero un encargado del diseño

PRÓXIMOS estrenos Charlize Theron

La vieja guardia

Netflix ha decidido adaptar la obra de Greg Rucka, guionista, y Leandro Fernández, dibujante, La vieja guardia. Una película que, de la mano de Gina Prince-Bythewood, se estrena el próximo 10 de julio en todo el mundo y que cuenta con Charlize Theron como protagonista, al frente de un reparto internacional con nombres como Chiwetel Ejiofor o Matthias Schoenaerts. Una película de acción y aventuras que narra la historia de un grupo de inmortales que llevan luchando en incontables batallas a lo largo de la historia, habiéndose convertido en el mejor grupo de mercenarios posible. Rucka y Fernández nos han hablado en EXCLUSIVA de la película.

estrella en cualquier terreno Cuando Charlize Theron, modelo sudafricana en aquel momento, decidió dar el salto al cine, no muchos la tomaron en serio. En realidad, pocos lo hicieron. Era un rostro bonito más, uno de tantos, que intentaba pasar de la moda al cine, como si fuese lo más sencillo del mundo. Y no lo era. Otras muchas modelos lo habían intentado sin suerte, convertidas en juguetes rotos de Hollywood, olvidadas fuera de las portadas de las revistas de moda o las pasarelas. ¿Tenía talento o no? ¿Sería capaz de superar ese estigma? Theron, nacida en Benoni, Sudáfrica, en 1975, era modelo desde los catorce años, pero también era bailarina de ballet y soñaba con actuar. Llegó a trabajar en el Joffrey Ballet hasta que una lesión acabó con su carrera. Pero como modelo siguió triunfando hasta que se mudó a Los Angeles para conseguir un agente y trabajo como actriz. Y aunque la vimos brevemente en la terrible Los chicos del maíz 3, su debut llega en la más que interesante Dos días en el valle en 1996. Durante años le costó quitarse de encima el papel de chica guapa, algo que empezó a conseguir en papeles como Pactar con el diablo, y que redondeó con Las normas de la Casa de la Sidra en 1999. Un papel que marcaba un antes y un después. Había una actriz de enorme talento, bellísima, pero capaz de hacer cualquier cosa que se quisiera delante de una pantalla. Pese a pequeños deslices como Operación Reno, su trabajo siguió escalando hasta su merecido Oscar por Monster, convertida en gran estrella. Æon Flux fue su intento de liderar un proyecto de acción, pero el guion no acompañaba, y pese a su trabajo en comedia como en Young Adult o Hancock (pese a la acción, ella apenas tomaba parte de la misma), fue en Mad Max: furia en la carretera, donde su papel como estrella de cine de acción se hacía patente. Combinándolo con cine muy interesante, como El escándalo o Tully. Atómica y, ahora, esta película demuestran que la actriz se desenvuelve bien en cualquier género. Y que hacerla liderar una película de acción siempre es un acierto. O un drama. O una comedia. Lo que sea.

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unque la historia no es tan sencilla como eso. Andy (Charlize Theron) lideraba a este grupo de inmortales, y los ha llevado a la victoria en incontables ocasiones. Son pocos, pero son una familia disfuncional que se comprende a la perfección, con los rostros de Matthias Schoenaerts, Marwan Kenzari y Luca Marinelli. Llevan tiempo separados, por miedo a ser descubiertos. Pero una nueva misión, una realmente importante, encargada por un antiguo contacto de la CIA, Copley (Chiwetel Ejiofor) les llevará a poner en peligro todo lo que son, todo su pequeño mundo de certezas, algo en lo que estará implicado un millonario, Merrick (Harry Melling). Además deberán intentar integrar a una recién llegada al grupo, Nile (Kiki Layne), mientras intentan evitar que sus poderes sean replicados y convertidos en una fuente para hacer daño a otros. Detrás de la película, dirigida por Gina Prince-Bythewood, están Leandro Fernández, dibujante de la novela gráfica, y Greg Rucka, autor del guion del cómic y de la propia película. Uno de los guionistas más respetados del mundo del cómic, quien nos explicó muchas cosas de la historia y sus personajes, como también lo hizo su dibujante, el fantástico artista argentino Leandro Fernández. Rucka tiene claro el origen de la historia y lo que vamos a encontrar en las entrañas de La vieja guardia, una historia que aparenta ser una cosa, pero que tiene mucho más fondo de lo que parece. “Cuando empecé a trabajar en la novela gráfica, en el guion, tenía claro que quería contar con Leandro (Fernández) como dibujante. Teníamos un proyecto previo y había sido maravilloso colaborar con él, pero además tenía claro que era el ilustrador adecuado para esta historia de series inmortales que llevan siglos viviendo entre nosotros. Pero eso era todo, esa era la idea inicial. No tenía claro más que el hecho de que quería que fuese una obra ligera,

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entretenida, directa… No esperaba muchas lecturas, no creía que las tuviera. Pero, como siempre, a veces la vida te sorprende. Mi padre había fallecido recientemente y eso afectó a la obra. Poco a poco, según avanzaba, según contaba la historia, me daba cuenta de que había algo más que simple diversión y acción. Esta historia de inmortales, de personas que no pueden morir, pero que ven morir a sus seres queridos, que no pueden avanzar porque lo han perdido todo, me sirvió para lidiar con mis propias emociones con respecto a la muerte de mi padre. A veces, donde menos pensamos, encontramos la respuesta. No se suponía que iba a ser algo así, pero lo fue”, nos contaba el autor, haciendo referencia a la aparente sencillez de una historia que puede ofrecer mucho más. Pero no es sencillo que una historia como esta se convierta en película. El creador lo tiene claro, tras ver cómo se han adaptado otras obras suyas como Stumptown o Whiteout, pero siguen en el limbo Queen and Country y Lazarus, que no terminan de concretarse y sobre las que Rucka no puede adelantarnos nada. Aunque habla sin problemas de lo difícil que es que una historia pase de la compra de derechos, cuando le pagan el cheque a los autores, a ser un proyecto real. Él empezó a creérselo cuando se reunió con la directora, algo que imaginaba una charla informal y resultó ser un repaso completo a la historia y lo que se esperaba de ella. Pero todo encajó cuando vio una foto del rodaje en Marruecos, con todo el equipo, su equipo, reunido, con el maquillaje y el vestuario, con sus armas y equipo. Y el hacha de Andy… Fue entonces cuando aceptó que la película sería una realidad. De ese rodaje nos hablaba el dibujante, Leandro Fernández, explicando lo que encontró cuando acudió al set. No como consultor, sino como invitado, pero con un equipo empeñado en hacer honor a su trabajo “No consultaban con nosotros. El cómic es una cosa y la película otra completamente distinta. Pero es cierto que cuando estabas allí, en el set, los responsables de cada departamento querían mostrarte lo que habían hecho. Los responsables de las armas, del vestuario, del maquillaje… Todos querían enseñarme su trabajo y saber qué opinaba. Es una sensación maravillosa porque sientes que

valoran tu trabajo, que es algo que les apasiona y que ponen todo su esfuerzo en que hasta el mínimo detalle sea como debe ser. Con cambios, pero manteniendo el espíritu de la obra original”. Por supuesto, teníamos que hablar con Rucka de una de las principales virtudes de su trabajo, sus personajes femeninos protagonistas. Un sello del trabajo del escritor en gran parte de su obra que se repite con Andy aquí. Pero ¿qué hace a Andy distinta al resto de sus creaciones? “En el caso de La vieja guardia, con Andy, la gran diferencia entre ella y las demás, bueno, aunque suene mal decirlo, es que Andy es un personaje más desesperado que las demás. En el sentido de que ha perdido toda esperanza. Su camino es el de milenios viviendo y acumulando esas vivencias. No es una situación sencilla, no es un personaje que pueda cambiar su destino o decidir ser otra cosa. Su vida está marcada y ha perdido toda esperanza. Sus cicatrices son mayores. No confía en nadie, más que en los suyos. Y todo ello en un mundo en el que la tecnología hace cada vez más difícil esconder quiénes son. Siempre vigilante, siempre temiendo lo que puede pasar. Además, es la mejor guerrera de todos los personajes que he escrito. Debe serlo, no hay más solución. Imagina a alguien que lleva milenios perfeccionando sus técnicas de combate… Se convertiría en imparable. Y Andy y su grupo son imparables. Son los mejores”. Queda claro que La vieja guardia es un proyecto lleno de acción, con unas espectaculares set pieces. Ha habido cambios importantes entre cómic y película, pero eran necesarios y el resultado final funciona a las mil maravillas. No va a ser la película del año, pero sí una de las más entretenidas. Violenta, directa, salvaje por momentos y con una Charlize Theron inconmensurable, La vieja guardia puede ser el inicio de algo más. Pero, como nos aseguran Rucka y Fernández, por ahora la historia es esta. Continuará en los cómics, pero para saber si hay un futuro en forma de secuelas…, la audiencia debe responder. Jesús Usero TRÁILER: http://youtu.be/5VBxSvkkEOM

TÍTULO ORIGINAL: THE OLD GUARD

EE UU, 2020 DIRECTOR: GINA PRINCE-BYTHEWOOD GUION: LEANDRO FERNANDEZ, GREG RUCKA Y GREG RUCKA FOTOGRAFIA: BARRY ACKROYD MUSICA: VOLKER BERTELMANN Y DUSTIN O'HALLORAN INTERPRETES: CHARLIZE THERON (ANDROMACHE OF SCYTHIA / ANDY), CHIWETEL EJIOFOR, HARRY MELLING (MERRICK), MATTHIAS SCHOENAERTS DURACION: 118 MIN. DISTRIBUYE: NETFLIX

Christopher Nolan El director en el laberinto Se acerca el estreno de Tenet y en el siguiente artículo propongo algunas pistas para preparar el visionado de este último trabajo de Christopher Nolan basándome en su filmografía. olan tenía siete años cuando vio La guerra de las galaxias (Star Wars, episodio IV: una nueva esperanza). Quedó tan impresionado como la mayoría del público, pero mientras otros niños empezaban a coleccionar figuras de acción de la película y jugar con ellas, él se empeñó en empezar a hacer películas de ciencia ficción imitando a George Lucas. Así nació su primera creación cinematográfica: Space Wars. En super-8. Y así empezó a definirse como cineasta. En el cine de Nolan, fabricante de laberintos espaciotemporales, la sombra del pintor Maurits Cornelis Escher es alargada. Al pintor holandés se le define como creador de realidades imposibles, algo que también podría aplicarse al director. Propongo como ejercicio visual echar un vistazo a obras claves del pintor, previo al visionado de las películas de Christopher Nolan. Su cortometraje Doodlebug, que realizó en 1997, siempre me recuerda a Escher en Naturaleza muerta con objeto esférico (1934) o Mano con esfera reflejante (1935). Otra obra de Escher, Escalera arriba y escalera abajo (1960), recuerda la batalla final en la fortaleza de Origen, película sumergida plenamente en la evocación de sensaciones y espacios de la obra Relatividad (1953). Me resulta difícil no pensar en la obra Banda sin fin (1956), en la que Escher plasmó una unión entre él mismo y su mujer intentando representar la unidad de lo dual, al pensar en las relaciones de amor y odio planteadas por Nolan en películas como Memento (el protagonista y su esposa), El truco final (los magos inevitablemente unidos por el odio que se profesan y el deseo de superarse el uno al otro), Origen (cuyo epicentro es el momento de pérdida de Cobb y su esposa Mal), e Interstellar (la separación y proximidad de Cooper y sus hijos Murph y Tom con un eco en la situación del profesor Brand y su hija). Por cierto, la filmografía de Nolan no es ajena en la vida real al papel de su esposa, Emma Thomas, como compañera de viaje personal y profesional. Productora en la filmografía de Nolan, con el que se casó en 1997 y ha tenido cuatro hijos, ella ha participado de un modo u otro en todas las películas del director. Los sentimientos que mueven a sus personajes se constituyen en el contrapeso del alarde de ingeniería visual de las películas de Nolan en sus secuencias más espectaculares. El artificio queda así contrarrestado por las emociones que sirven como detonante de los viajes de los personajes. Un ejemplo: la pirotecnia de efectos visuales y montaje con la que arranca Origen en el encuentro del nuevo Teseo, Cobb, con la nueva Ariadna, una de las muchas muestras de que el poder de los mitos clásicos se hace presente continuamente en la filmografía de Nolan. Está repleta de Teseos enfrentados dentro de sus

Durante el rodaje de El caballero oscuro

Con Leonardo DiCaprio en Origen

CHRISTOPHER NOLAN

Con Christian Bale en El truco final

Durante el rodaje de El caballero oscuro la leyenda renace

laberintos a distintas versiones del Minotauro y Jasones lanzados a la búsqueda de variantes del Vellocino de Oro viajando hacia nuevas versiones de la Cólquida. Una nueva Cólquida que bien podría ser la ciudad de Gotham vigilada por Batman, variante del mito del ave fénix que encontramos en casi todas las culturas y tradiciones como ejemplo de superación y reinvención ante la adversidad. Pero el despliegue de los laberintos creados por Ariadna a modo de prueba en el comienzo de Origen quedaría simplemente en un logrado momento de exhibicionismo visual si la película no contara con la secuencia que es el verdadero corazón del tema de la película: el encuentro de Cobb y Mal en el hotel. La belleza del cine de Nolan no está en la perfección de las realidades imposibles que nos propone, sino en ese equilibrio entre las motivaciones emocionales de sus personajes y el impresionante despliegue visual que envuelve sus ficciones. Memento es un ejemplo temprano de película rompecabezas, en las que se fuerza al espectador a salir de la zona de confort creada por la replicación en pantalla de la forma en que pensamos en la vida cotidiana, para desconcertarnos con su truculento juego de patrones alterados de tiempo y causalidad. Siempre me recuerda las obras de Escher Drawing Hands (1948) y Ojo (1946). Además incluye la frase que, en mi opinión, mejor define las relaciones sentimentales del cine de Nolan: “No me acuerdo de olvidarte”. A otros protagonistas de las películas del director, que se mueven perseguidos por el pasado como los grandes personajes del cine negro, se les podría aplicar esa misma frase. El corto Doodlebug es ya un anticipo de uno de los temas recurrentes de su cine: el hombre que se persigue a sí mismo, algo que volveremos a encontrar, de un modo u otro en los argumentos de Following, Memento, Insomnio, El truco final, Origen, y que está relacionado con los juegos con el tiempo que junto con la creación de laberintos marcan la filmografía de Christopher Nolan. Al pensar en el cine de Nolan solemos buscarle parentescos con la obra de Alfred Hitchcock o Stanley Kubrick, pero hay otro director al que no podemos olvidar a la hora de pasar lista a sus compañeros de viaje entre los grandes maestros del cine: Serguéi Mijáilovich Eisenstein, maestro del llamado montaje de atracciones que aplicó en películas como La huelga, El acorazado Potemkin y Octubre, y sobre el que reflexionaba: “Una atracción es lo que entendemos como cualquier hecho demostrable (acción, objeto, fenómeno) que se sabe y que se ha demostrado que ejerce un efecto concreto en la atención y en las emociones del público y que, combinado con otros, posee la característica de dirigir las emociones del público en la dirección dictada por el objetivo de la producción”. Estudiante de ingeniería, Eisenstein hablaba de la planificación de la obra de un puente como si estuviera ya definiendo su manera de entender el propio cine: “Órbitas cruzadas, formas dinámicas en constante movimiento, combinación de senderos y sus colisiones, formando modelos momentáneos de complejidad antes de separarse para siempre”. Por su parte, Christopher Nolan declaró en una presentación en el Festival de Tribeca en 2015 que se inspira en ecuaciones y cálculos, porque, según dijo: “Eso me libera, encontrar un modelo matemático o un modelo científico. Dibujaré imágenes y diagramas que ilustran el movimiento o el ritmo que estoy buscando”. Nota final: para probar todo lo anterior invito al lector a repasar la que me parece la mejor secuencia de toda la obra del director hasta el momento, la más perfecta aplicación de todas sus propuestas y estrategias, ecuador esencial de su filmografía: el interrogatorio de Joker en El caballero oscuro. Miguel Juan Payán

Tenet ya ha pasado a la historia incluso antes de estrenarse. Es la película del retorno. Del retorno de Christopher Nolan —que siempre es esperado por los aficionados—, pero, además, del retorno del blockbuster a los cines de todo el mundo.

a anécdota que todo el mundo va a recordar de esta cinta es el hecho de que, en lugar de crear una maqueta de fibra de vidrio o una réplica por ordenador, Christopher Nolan decidió hacer estallar realmente un Boeing 747. Es solo la punta del iceberg de la nueva película de un director siempre imprevisible, siempre sorprendente e infalible a la hora de proponer tramas que consiguen ser mucho más de lo que parecen. Los rumores acompañan inevitablemente todo nuevo trabajo del director de éxitos como El caballero oscuro, Origen, Interstellar o Dunkerque, pero el enigma en torno al verdadero argumento de Tenet se mantiene como uno de los secretos mejor guardados de la caja fuerte de imágenes y giros argumentales sorprendentes que con seguridad nos ha preparado el director en este último trabajo. En el argumento de Tenet, John David Washington (que brilló como protagonista en Infiltrado en el KKKlan) es el puente que introduce al espectador en un nuevo laberinto sorprendente de Nolan. Interpreta a un individuo sometido a una prueba de valor para cumplir un papel clave en una misión que podría ser imposible de completar: evitar la Kenneth Branagh

Tercera Guerra Mundial, cuyo resultado podría ser incluso peor que una hecatombe nuclear. Pero eso, como resulta habitual en Nolan, es solo el principio, la punta del iceberg de una historia tras la cual hay mucho más, incluyendo alguna misteriosa forma de manipular el tiempo y la secuencia de acontecimientos para prevenir algo que no ha ocurrido todavía. Partiendo de esos datos, algunos seguidores del director ven en Tenet una especie de línea de continuidad con lo que el director nos propuso en Origen, pero basta echar un vistazo al código visual manejado por Nolan ya en las imágenes de los distintos tráileres para comprender que estamos en una propuesta totalmente distinta. El propio Nolan afirma que esta es la película más ambiciosa y a mayor escala que ha rodado hasta el momento, lo cual, con una filmografía como la suya o pensando solo en el despliegue de Dunkerque —su anterior largometraje—, es decir mucho. Nolan sitúa Tenet en el marco del género de espionaje, pero ya sabemos que lo suyo no es quedarse en el territorio ya conocido y, cuando aborda un género, es para subvertir desde el interior sus Elizabeth Debicki

reglas y constantes buscando llegar a una reformulación de este sin fallar al espíritu general que lo anima, del mismo modo que en Origen mezcló el género de atracos con el de las películas de acción de James Bond, tomando las convenciones de ambos ya previstas por el público para generar una mirada distinta sobre ellas que nos conduzca a un lugar inesperado. Por ejemplo, Tenet tiene un protagonista que no se ajusta al carácter habitual de los espías que estamos acostumbrados a ver en la pantalla. Volar el 747 en Tenet en una escena con cerca de cien extras es, según ha explicado el director, la manera de conseguir que sus actores estén totalmente inmersos en la película y sean los primeros sorprendidos de lo que luego va a sorprender a los espectadores, escapando a la dictadura de las pantallas verdes y los efectos visuales sobredimensionados. Pero, tal y como ha dicho el coprotagonista de la película, Robert Pattinson, es solo una de las ocho secuencias espectaculares que incluye la cinta. Miguel Juan Payán TRAILER: http://youtu.be/elx3S6patss

EE UU, 2020 DIRECTOR: CHRISTOPHER NOLAN GUION: CHRISTOPHER NOLAN FOTOGRAFIA: HOYTE VAN HOYTEMA MUSICA: LUDWIG GORANSSON INTERPRETES: HIMESH PATEL (AHMAD), ROBERT PATTINSON, KENNETH BRANAGH, MICHAEL CAINE, ELIZABETH DEBICKI DISTRIBUYE: WARNER BROS

Otra pieza para el Nolan-Puzle Christopher Nolan ha declarado en alguna ocasión que una de sus secuencias favoritas de toda su filmografía es el arranque de El caballero oscuro: la leyenda renace, con el asalto de Bane y su pandilla al avión, porque fue un cuidado trabajo de composición en imagen real mezclada con efectos visuales muy elaborados. Pero la voladura del 747 en Tenet es la muestra de que siempre apuesta por el “más difícil todavía” a la hora de suministrar a sus tramas un respaldo visual espectacular. También es una declaración de intenciones respecto al predominio de acción física sobre trucaje en CGI que gobierna esta nueva pieza de acción trepidante del director y que afecta a cómo ha trabajado con los actores en este nuevo largometraje donde el despliegue físico de John David Washington y Robert Pattinson enlaza con la fisicidad que aportó a las secuencias de acción Christian Bale en la trilogía de Batman. Respecto a Tenet, a priori tan enigmática como el resto de las piezas del puzle laberíntico que forma la filmografía de Nolan, la esposa del director y productora de sus películas, Emma Thomas, no duda en reconocer que contiene elementos que pueden recordar a sus seguidores Memento, y comprende y asume que Origen sea el título con el que los espectadores pueden tener la tentación de comparar su último trabajo, aunque ha descartado categóricamente que, como se especuló en algún momento, Tenet sea una secuela del largometraje protagonizado por Leonardo DiCaprio. Nolan ha declarado en reiteradas ocasiones que como seguidor de la saga de James Bond —en la que su película favorita es la menos previsible 007 al servicio secreto de su majestad— ha querido rodar una cinta de espías desde antes de empezar a dirigir cine. Tenet satisface ese deseo, pero el director también ha hablado de una posible influencia en este trabajo del último gran wéstern mediterráneo de Sergio Leone, Hasta que llegó su hora.

Himesh Patel

Himesh Patel y Robert Pattinson

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Donde estás Bernardette La inconbustible Cate No es frecuente que una actriz australiana lleve en su cuenta profesional dos Oscar de Hollywood (por Blue Jasmine y El aviador), pero Cate Blanchett no es una estrella cualquiera. La premiada intérprete es una profesional de innegable talento, con el que moldea los personajes más diversos. Entre sus numerosas gestas, la oceánica ha sido capaz de construir a una batalladora Isabel I (en Elizabeth y La edad de oro), una Katharine Hepburn con rasgos nostálgicos (El aviador), una desconcertante Galadriel (El señor de los anillos), o una madrastra llena de maldad (Cenicienta). Por muy diferentes que sean en su naturaleza y comportamiento, las caracterizaciones de Blanchett tienen el denominador común de las emociones dramáticas llevadas al punto más extremo, sin caer nunca en el histrionismo o la simpleza. No en vano, hasta la extravagante agente soviética de Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal poseía una pizca de sátira inteligente. A tenor de la carrera cinematográfica de Cate resulta curioso que la arquitectura haya vuelto a llamar a las puertas de su filmografía, después de protagonizar, en 1997, Oscar y Lucinda, donde daba vida a una joven involucrada en la construcción de una iglesia de cristal. Un empeño en dar rienda suelta a la faceta creativa, que bien puede asociarse con la pasión artística de Bernadette Fox, en ¿Dónde estás, Bernadette? Cerca de un centenar de títulos jalonan el currículo de esta dama nacida en Melbourne, la cual ha paseado con solvencia por la Inglaterra medieval (Robin Hood), los misterios de Patricia Highsmith (El talento de Mr. Ripley), o el Berlín devastado tras el fin de la Segunda Guerra Mundial (El buen alemán). Un tour por épocas y lugares, que pronto incluirá el universo circense de tintes clásicos, desplegado en El callejón de las almas perdidas, por Guillermo del Toro.

Richard Linklater muestra, a través de Cate Blanchett, qué le ocurre a una artista cuando renuncia a su capacidad para crear.

n 2012, la novelista Maria Semple ocupó durante varias semanas el primer puesto en la lista de los libros más vendidos. La obra con la que consiguió cautivar a miles de lectores llevaba por título ¿Dónde está, Bernadette?, y conformaba su laberíntico argumento a base de correos electrónicos y cartas. Un epistolario al estilo moderno y tecnológico, elaborado por la ficticia Bernadette Fox: una arquitecta de ilustre pasado, que abandonó todo para dedicarse a su familia. “La historia es un retrato muy complejo de una mujer de mediana edad que es una especie de genio creativo, pero que no hace uso de esa creatividad. Lo que eso conlleva es a la vez divertido, pero también da algo de miedo. Igualmente, es un retrato maravillosamente complejo de una relación duradera. La educación de los hijos, incluso compartida con tu pareja, y los altibajos que todo eso supone”, explica Richard Linklater (Boyhood), director de la adaptación cinematográfica del texto de Semple. La acción de la película arranca en Seattle, la mediática ciudad en la que se encuentra la sede principal de Microsoft. Allí residen Bernadette Fox (Cate Blanchett), su esposo Elgie

(Billy Crudup) y su hija Bee (Emma Nelson). El clan ocupa en la urbe un bucólico y sorprendente inmueble desde hace mucho tiempo, pero algo no va bien. Bernadette está al borde del colapso mental, y sus acciones determinan una asfixia a la que nadie puede poner freno. “Es un material muy fértil. Con unos personajes sumamente complejos y maravillosos. Bernadette es una persona fascinante. Es evidentemente un personaje femenino muy fuerte. Lo que más me atrajo fue la idea de una artista o persona creativa que, por diversos motivos, no está creando”, afirma Linklater, quien soporta la evolución dramática del filme sobre la gestualidad y el carisma de la efectiva Cate Blanchett. Jesús Martín TRÁILER: http://youtu.be/cE9VoCenQ88

TÍTULO ORIGINAL: WHERE'D YOU GO, BERNADETTE EE UU, 2019 DIRECTOR: RICHARD LINKLATER GUION: RICHARD LINKLATER, HOLLY GENT Y VINCENT PALMO JR. FOTOGRAFIA: SHANE F. KELLY MUSICA: SAM LIPMAN Y GRAHAM REYNOLDS INTERPRETES: CATE BLANCHETT (BERNADETTE), BILLY CRUDUP (ELGIE), EMMA NELSON (BEE), KRISTEN WIIG (AUDREY) DURACION: 109 MIN. DISTRIBUYE: EONE

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La posesión de Mary Gary Oldman (El instante más oscuro) se enfrenta a un misterio sobrenatural, potenciado por las aguas del mar.

n velero emparentado lejanamente con el coche Christine y la inmensidad oceánica con tintura encarnada, esos son los elementos principales con los que cuenta el cineasta y director de fotografía Michael Goi (The Rookie), para provocar el miedo colectivo. “El agua pone a prueba tu resistencia. Hace que te cuestiones tus decisiones. Amplifica las consecuencias de tus determinaciones artísticas. Te obliga a ganarte cada plano de tu película. El terror exige que conozcas y entiendas tu mitología, que respetes el elemento primordial del miedo. Cada plano necesita contribuir a un mosaico de tensión y paranoia creciente”, explica Goi, sobre los retos asumidos durante el complicado rodaje de La posesión de Mary. El guion diseñado por Anthony Jaswinski (Vanishing on 7th Street) se convierte en un

viaje a los infiernos de las pesadillas espectrales, protagonizado por un marinero con ganas de salir adelante (Gary Oldman) y su familia. Un día, este individuo conoce la venta de un atrayente velero, asunto en el que ve suficientes alicientes para convertirlo en un lucrativo negocio. Junto a su esposa Sarah (Emily Mortimer) y sus dos hijas (Stefanie Scott y Chloe Perrin), el navegante se embarca en una odisea por las aguas aisladas del ancho mar, inconsciente de que en la nave hay ocupantes incorpóreos y maldiciones latentes. “Es una película aterradora, pero con un propósito cimentado en la realidad de aquello con lo que todos luchamos a lo largo de la vida: la seguridad de nuestras relaciones, la violencia inesperada de aquellos a los que dejamos entrar en nuestras vidas, los implacables elementos que escapan a nuestro control. Y lo desconocido. Todo ello se mantenía en equilibrio en el guion elíptico de Anthony. Espero que todos esos personajes calen hondo en los espectadores, mucho después de que se desvanezca el último susto”, puntualiza Goi. Jesús Martín TRÁILER: http://youtu.be/e9RK5oM1vf8

TÍTULO ORIGINAL: MARY EE UU, 2020 DIRECTOR: MICHAEL GOI GUION: ANTHONY JASWINSKI FOTOGRAFIA: MICHAEL GOI MUSICA: THE NEWTON BROTHERS INTERPRETES: GARY OLDMAN (DAVID), EMILY MORTIMER (SARAH), MANUEL GARCIA-RULFO (MIKE), STEFANIE SCOTT (LINDSEY) DURACION: 84 MIN. DISTRIBUYE: EONE

Travesías hacia la muerte El universo marino, con sus misterios cobijados en las profundidades abismales, ha sido un motivo constante de inspiración para novelistas, poetas, dramaturgos, artistas y cineastas. A medias entre el terror y el suspense, el séptimo arte ha elaborado un catálogo variado de aventuras oceánicas, en las que el miedo a lo desconocido es el principal ingrediente; al que se suele sumar el del aislamiento y la asfixia ante las escapadas imposibles. Dentro de este tipo de obras, El barco fantasma (El velero de la muerte) es una de las primeras muestras de lo que se puede ocultar en un viaje por las extensiones marítimas. Denison Clift se encargó en 1935 de llevar a la pantalla este argumento, sobre un grupo de personas encerradas con un maquiavélico asesino. Una tripulación en la que se incluía el mítico Bela Lugosi. No obstante, las pesadillas en formato de celuloide más terroríficas a bordo de un crucero o un barco, quizá, se grabaron en los años setenta y ochenta. El barco de la muerte (Alvin Rakoff, 1980) es uno de los mejores ejemplos del gusto de los directores por aterrorizar al personal con embarcaciones satánicas. Esta, en concreto, llevaba el sello de los espectros nazis. Un inquietante escenario a toda máquina que igualmente inspiró a René Cardoma Jr. cuando presentó El triángulo diabólico de las Bermudas (1978). Una historia con muñeca poseída incluida. Semejante terreno acuoso de maldiciones ancestrales fue también utilizado por Bruce Kessler, en el interesante telefilme Crucero infernal (1978). Todas estas películas muestran el innegable interés que une a la industria audiovisual con el esoterismo de brisa salina. Una atracción que nunca decae, y que tuvo en la efectista movie Ghost Ship (Steve Beck, 2002) y en la psicótica Calma total (Phillip Noyce, 1989) dos de las obras más relevantes de las últimas décadas. Ambas con planteamientos muy diferentes.

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Personal Assistant La lucha por la igualdad de oportunidades “La historia de una mujer que lo arriesga todo por la carrera con la que siempre ha soñado es algo que no se ha visto desde hace tiempo en una película. Al filo de la noticia y Armas de mujer fueron dos filmes que tuvieron un éxito increíble, como también El diablo viste de Prada, pero ya hace mucho de eso”, explica Nisha Ganatra sobre la necesidad de recuperar el tema de la batalla contra la marginación femenina en el mundo laboral. Precisamente, Armas de mujer (Mike Nichols, 1988) puso en la palestra el tema de las zancadillas a las que tenía que sobreponerse la secretaria Tess McGill, a la que interpretó con excelentes resultados Melanie Griffith, la madre de Dakota Johnson. Sin embargo, los largometrajes relativos a la ansiada ruptura de los estereotipos profesionales sobre hombres y mujeres son más numerosos que los recordados por Ganatra. Una de las más recientes muestras de la importancia femenina en ámbitos habitualmente copados por hombres la materializó Theodore Melfi en Figuras ocultas (2016). La historia sobre las matemáticas afroamericanas que ayudaron en la carrera espacial de Estados Unidos dejó claro que los mejores cerebros no tenían que afeitarse cada mañana. Diez años antes, Clint Eastwood puso su granito de arena a la causa escenificando la breve carrera como boxeadora de Maggie Fitzgerald (a quien encarnó Hilary Swank) en Million Dollar Baby. Un terreno de reivindicación humana que igualmente practicó Niki Caro con el filme En tierra de hombres (2005): obra donde Charlize Theron daba vida a una trabajadora de una explotación minera la cual era víctima de maltrato y agresión sexual por parte de sus compañeros. En un contexto bastante diferente a los anteriores, Vicente Aranda recordó la participación de las mujeres republicanas en la Guerra Civil española dentro del emotivo largometraje titulado Libertarias (1996).

Dakota Johnson (Suspiria) se pone a las órdenes de la directora Nisha Ganatra (Late Night) para romper el “techo de cristal” en el mundo de la producción musical.

Cuántas mujeres han logrado algún Grammy en calidad de productora musical? La cineasta Nisha Ganatra solo ha localizado a tres (Janet Jackson, Mariah Carey y Linda Perry) dentro de un universo tradicionalmente copado por ambiciosos profesionales de sexo masculino. Por eso, cuando la directora leyó el guion elaborado por Flora Greeson (que se inspira en parte en sus experiencias como asistente de un alto ejecutivo de Universal Music), la responsable del filme Late Night sintió que esa era la movie que le gustaría ver en una sala de proyección. “Se estrenan películas sobre el mundo de la música desde una perspectiva masculina, muy pocas giran en torno a mujeres… y menos aún a mujeres negras. Y si hay alguna, no suele ser una comedia. Me encanta esta cinta porque se pasa bien trabajando con música y se pasa bien siendo una artista. Quiero que inspire a la gente a seguir sus sueños y a toda una generación de mujeres jóvenes a formar parte del proceso creativo”, cuenta Ganatra. Dakota Johnson es la actriz encargada de dotar de vida a la protagonista de la historia, Maggie Sherwoode: una chica que sueña con elaborar en el estudio de grabación un álbum con calidad e ingenio mientras trabaja sin des-

canso para una cantante y diva llamada Grace Davis (Tracee Ellis Ross, la hija de la mítica Diana Ross). Los obstáculos a los que se enfrenta Maggie y su extenuante relación con su caprichosa jefa marcan la senda de esta heroína de elevados anhelos profesionales. Un camino plagado de notas rítmicas y desilusiones sentimentales en el que también desempeña un papel fundamental el fogueado mánager de Davis, al que interpreta el rapero y actor Ice Cube. “Dakota le da realismo, encanto y cercanía al personaje”, sentencia Ganatra, satisfecha con el trabajo de la hija de Melanie Griffith. Jesús Martín TRÁILER: http://youtu.be/YdX011jcYhQ

TÍTULO ORIGINAL: THE HIGH NOTE EE UU, 2020 DIRECTOR: ISHA GANATRA GUION: FLORA GREESON FOTOGRAFIA: JASON MCCORMICK MUSICA: AMIE DOHERTY INTERPRETES: DAKOTA JOHNSON (MAGGIE SHERWOODE), TRACEE ELLIS ROSS (GRACE DAVIS), KELVIN HARRISON JR. (DAVID CLIFF), BILL PULLMAN (MAX) DURACION: 113 MIN. DISTRIBUYE: UNIVERSAL

DANGEROUS LIES EE UU, 2020; Director: Michael M. Scott; Fotografía: Ronald Richard; Guion: David Golden; Música: James Jandrisch; Intérpretes: Nick Purcha (Busboy Charlie), Joe Costa (Dwight), Camila Mendes (Katie), Briana Skye (Party Girl), Jessie T. Usher (Adam); Duración: 96 min.; Estreno en España: 2020 Distribuye: Netflix

SINOPSIS Después de que el marido evite un robo en la cafetería donde trabaja su mujer, un matrimonio lidia con el nuevo trabajo de ella, cuidando de un anciano, y con el hecho de que este le deje en herencia todo su patrimonio cuando muera misteriosamente… Con todos los problemas que eso acarrea. PARA RECORDAR Solo su reparto, y entre ellos algunos nombres en concreto, hacen lo que pueden por evitar que la fórmula se convierta en un telefilme de segunda. También cierto interés del director, Michael Scott, por darle algo de presencia visual a una historia tremendamente manida. Camila Mendes hace lo que puede liderando la película, y se agradece la presencia de nombres como Elliott Gould o Sasha Alexander, aunque tengan poco que hacer realmente. PARA OLVIDAR Es tan previsible que asusta. Sus giros de guion se ven venir a la legua y estoy seguro de que la gran mayoría de nuestros lectores adivinarán qué está sucediendo realmente y quién o quiénes son los responsables de todo. La película se apoya en una cantidad horrible de casualidades, y aunque intenta homenajear películas como Rebecca, no puede evitar que el guion lastre todo, con historias que no acaban en ninguna parte concreta, como el arranque en la cafetería. Gould está muy desaprovechado, pero peor es para Cam Gigandet o Jamie Chung. Jessie T. Usher no está al nivel de su compañera en la película, lo que también lastra la historia, que nunca termina de arrancar debido a su mal guion. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Es un telefilme de los que llenan la sobremesa de nuestras cadenas los fines de semana, pero con mejor reparto. EN CONCLUSIÓN Fallida y sin alma, sus buenas intenciones desaparecen tras un guion visto mil veces y una historia sin garra. J.U.

AMOR. BODA. AZAR. Love Wedding Repeat Reino Unido, 2020; Director: Dean Craig; Fotografía: Hubert Taczanowski; Guion: Dean Craig, Francis Nief y Christelle Raynal; Intérpretes: Sam Claflin (Jack), Olivia Munn (Dina), Freida Pinto (Amanda), Eleanor Tomlinson (Hayley); Duración: 100 min.; Estreno en España: 10-4-2020 Distribuye: Netflix

SINOPSIS En la boda de su hermana en Italia, un joven se reencuen-

tra con la que pudo ser el amor de su vida. Pero cuando el reencuentro podría llevar a algo más, todo se tuerce y acaba en desastre… ¿Puede el destino dar una nueva oportunidad a todos los implicados? PARA RECORDAR Pese a ser un remake de la francesa Plan de table, esta versión gira en torno a la broma de Al filo del mañana y a si podría repetirse el tiempo y corregir los errores para hacer que todas las piezas encajen. Una idea interesante, pero poco aprovechada por la historia, que nos deja como mayor punto de interés, además de la localización italiana, a Sam Claflin y Olivia Munn, a veces ayudados por Freida Pinto o Eleanor Tomlinson. Algún chiste es efectivo, y algún secundario tiene carisma. PARA OLVIDAR Si tus secundarios tienen más carisma que tus protagonistas, tienes serios problemas. Pasa con el personaje de Joel Fry, que quizá debería ser quien liderase la historia. Una historia que presenta ese pequeño giro de repeticiones y alteraciones en el tiempo y que no lo aprovecha, dejando que sea una simple anécdota. Nada importante o interesante realmente, porque no pasa de ser una pequeña broma que no termina de cuajar ni de desarrollarse. El carisma de su reparto se diluye con un guion visto tantas veces que termina siendo completamente intrascendente y hace que varios tramos de la película sean aburridos. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Cruce descafeinado entre Cuatro bodas y un funeral y Una cuestión de tiempo. No alcanza el humor de ninguna de las dos. EN CONCLUSIÓN No pasa de simpática en sus mejores momentos, aunque normalmente se queda en mediocre. J.U. #####

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CARTAS A ROXANE

MOIRA

Cyrano my Love

España, 2020; Director: Daniel Lovechio; Fotografía: Ariel D. Zeitunlian; Guion: Nerea Lovecchio; Música: Horacio Loveccio y Daniel Lovechio; Intérpretes: Nerea Lovecchio (Lucía), Daniel Lovechio (Germán (Presente)), Luciano Ciaglia (Germán Jóven (Pasado)), Pury Estalayo (Rosa); Duración: 92 min.; Estreno en España: 15-5-2020 Distribuye: Filmin

SINOPSIS Germán es un argentino exiliado en España desde los tiempos de la dictadura del general Videla. Este refugiado ha ocultado a su familia española todo lo relacionado con su pasado, y su huida obligada por la persecución de la que era objeto en su país de origen. Sin embargo, la llegada de un supuesto y desconocido hijo de Germán hace que todo el pretérito se reactive de manera determinante en la mente del protagonista. PARA RECORDAR El tono pausado y tranquilo con que Daniel Lovecchio encara su ópera prima como director. El también intérprete (en el filme encarna a Germán, de mayor) no escatima recursos narrativos, para no caer en acelerones ni precipitaciones a lo largo del metraje, lo que permite degustar la historia desde una perspectiva abiertamente reflexiva. PARA OLVIDAR La falta de acción –como de cualquier componente distorsionador– provoca que el guion sea incapaz de escenificar adecuadamente el horror que supuso la dictadura de los militares para los miles de argentinos que fueron torturados y asesinados en las cárceles. Esto impide que la parte más enérgica de la película (la concerniente a la época de juventud del protagonista) alcance los mínimos adecuados de tensión dramática. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Moira bien podría ser encuadrada entre los filmes sobre familias peculiares, del tipo de María y los demás (Nely Reguera, 2016), y las cintas sobre atentados gubernamentales contra la integridad humana, como La noche de los lápices (Héctor Olivera, 1986). EN CONCLUSIÓN Daniel Lovecchio exhibe una obra plena de lirismo audiovisual. No obstante, esa calma general, que incluso contagia al elenco interpretativo al completo, merma la contundencia emocional del relato en sus conexiones con la salvaje época de la dictadura de los militares. J.M. #####

Francia, 2018; Director: Alexis Michalik; Fotografía: Giovanni Fiore Coltellacci; Guion: Alexis Michalik; Música: Romain Trouillet; Intérpretes: Thomas Solivérès (Edmond Rostand), Olivier Gourmet (Constant Coquelin), Mathilde Seigner (Maria Legault), Tom Leeb (Léonidas Léo Volny); Duración: 110 min.; Estreno en España: 15-5-2020 Distribuye: A Contracorriente

SINOPSIS Corre el año 1897, y Edmond Rostand está a punto de tirar la toalla como dramaturgo. Pese a su juventud, el abismo del fracaso planea seriamente sobre su figura. Sin embargo, tras un encuentro con el actor Constant Coquelin, la angustia del autor virará enérgicamente. Y todo por culpa de la inspiración facilitada por el dueño de un bar, quien le incita a inventar una obra con un héroe llamado Cyrano. PARA RECORDAR El director y actor Alexis Michalik (quien interpreta en el filme al comediógrafo Georges Feydeau) opta por una historia fácil de seguir. Esto hace que la película mantenga un agradable aroma de sainete pintoresco, siempre aderezado con constantes situaciones humorísticas, en las que se entrelazan la existencia de Rostand y el proceso de creación de Cyrano de Bergerac. PARA OLVIDAR La escasa habilidad del guion para proponer un desarrollo argumental falto de estereotipos, que lastra incluso la prometedora identificación de la historia de Rostand con la que él mismo piensa para Cyrano. A esto se suma la casi nula profundidad de todos los personajes del filme, incluido el del protagonista, los cuales deambulan por el metraje sin sacar partido a la pantomima. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Las películas basadas en famosos autores de teatro, de Molière (Laurent Tirard, 2007) a Shakespeare in Love (John Madden, 1998). EN CONCLUSIÓN Colorista recreación libre de los mecanismos que llevaron a Edmond Rostand a idear Cyrano de Bergerac. La cinta se ve con facilidad y sin dificultad alguna, aunque en muchos momentos adolezca de trascendencia dramática. Por cierto, es recomendable no cortar los títulos de crédito finales, ya que cuentan con imágenes de archivo de muchos de los actores que han dado vida al elocuente Cyrano. J.M. #####

ENTRE LA RAZON Y LA LOCURA The Professor and the Madman Irlanda / Francia / EE UU / Islandia / Mexico / Bélgica / Reino Unido / Hong Kong, 2019; Director: Farhad Safinia; Fotografía: Kasper Tuxen; Guion: John Boorman, Todd Komarnicki, Farhad Safinia; Música: Bear McCreary; Intérpretes: Mel Gibson (James Murray), Sean Penn (Dr. William Chester Minor), Eddie Marsan (Mr. Muncie), Natalie Dormer (Eliza Merrett); Duración: 124 min.; Estreno en España: 22-5-2020 Distribuye: Filmin

SINOPSIS En el siglo XIX, James Murray empieza a trabajar en el primer diccionario británico de Oxford de la lengua inglesa, y ante la titánica tarea recibe la inesperada ayuda de W. C. Minor, un norteamericano recluso en un asilo mental por haber asesinado a otro hombre. PARA RECORDAR La película se apoya durante la gran parte del metraje en su reparto, y sin él no es nada. Mel Gibson es el auténtico motor de la película, y sus momentos (o la mayoría, al menos) junto a Sean Penn dan instantes que señalan lo que pudo haber sido la película. Nombres como Stephen Dillane, Eddie Marsan, Natalie Dormer, Jennifer Ehle, Steve Coogan… sustentan los peores momentos de una historia caótica. Hay destellos de grandeza, pero no los suficientes. PARA OLVIDAR Es un caos casi de principio a fin. Su director y guionista no tenía derecho al montaje final y se marchó antes de acabar, sustituido por otros responsables. Mel Gibson batalló contra ello y para que no se estrenase una película a la que esos cambios mataron. Plana, con diálogos terribles, cambiando continuamente de dirección… Entre la razón y la locura no sabe qué quiere ser, si un thriller, un biopic, un melodrama, un drama histórico, uno romántico… Su continua indefinición la convierten en una película sumamente pretenciosa y aburrida, con momentos muy televisivos y sin alma. Un producto que pudo y debió ser mucho más y que terminó convertido en una película mediocre. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… La guerra de las corrientes, En el límite del amor… Cualquier drama histórico británico con tintes de historia real, pero en este caso, mal entendida. EN CONCLUSIÓN El reparto, poniendo el énfasis en Mel Gibson, salva los muebles de una película mediocre y aburrida. J.U. #####

LA ESTAFA

MI VIDA CON AMANDA Amanda Francia, 2018; Director: Mikhaël Hers; Fotografía: Sébastien Buchmann; Guion: Maud Ameline y Mikhaël Hers; Música: Anton Sanko; Intérpretes: Vincent Lacoste (David Sorel), Isaure Multrier (Amanda Sorel), Stacy Martin (Léna), Ophélia Kolb (Sandrine Sorel); Duración: 107 min.; Estreno en España: 29-5-2020 Distribuye: La Aventura

SINOPSIS Un joven despreocupado y sin la vida decidida se ve obligado a hacerse cargo de su pequeña sobrina después de una tragedia. PARA RECORDAR Aunque está concebida antes de la crisis de la COVID-19 y sobre una premisa de caos desatada por un acto violento y no por un pandemia de las proporciones que está viviendo nuestro planeta, es una película muy oportuna para hacer reflexionar sobre la manera de superar la pérdida, sobreponerse o no a los acontecimientos, guardar el luto y romperse para poder reconstruirse y seguir adelante. Accidentalmente, esta película adquiere hoy incluso más sentido que cuando se rodó en 2018, siguiendo la estela de los atentados yihadistas en las calles de Europa. Sobresale el dúo de protagonista adulto, un notable Vincent Lacoste que estuvo nominado al Premio César por este trabajo, y su socia infantil, Isaure Multrier, que pone la mirada infantil al intento de comprensión de la tragedia. PARA OLVIDAR Quizá sea inevitable manejando este tipo de material argumental, pero desde su madurez y solvencia, en la segunda parte llega a ser un poco repetitiva en algunos momentos, y le sobra algo de metraje. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… The Florida Project, Tan fuerte, tan cerca. EN CONCLUSIÓN Una buena película de madurez en momentos extremos, que viene muy bien para los tiempos que vivimos. M.J.P. #####

HEARTS & BONES

Bad Education EE UU, 2019; Director: Cory Finley; Fotografía: Lyle Vincent; Guion: Mike Makowsky y Robert Kolker; Música: Michael Abels; Intérpretes: Hugh Jackman (Frank Tasson), Ray Romano (Big Bob Spicer), Welker White (Mary Ann), Allison Janney (Pam Gluckin); Duración: 108 min.; Estreno en España: 5-62020 Distribuye: HBO

SINOPSIS Basada en el mayor robo a las escuelas de Estados Unidos. PARA RECORDAR Una manera aparentemente sencilla, pero visual-

mente bien pertrechada y estudiada, de abordar la corrupción. Se ambienta argumentalmente en el entorno educativo, pero es igualmente válida y aplicable a la política o a cualquier otra actividad de responsabilidad con fondos públicos. Su tema es la verdad, abordada desde el paisaje de la falta de ética. Jackman encuentra un papel para lucirse como actor fuera de las claves habituales de su etiquetado como estrella. Su trabajo y química junto con la gran Allison Janney (El ala oeste de la Casa Blanca, Mom, Yo, Tonya), y Geraldine Viswanathan (Miracle Workers), es la mejor herramienta para arrancar la historia. Otra clave es la música, que encaja con la difícil propuesta de emprender el camino en clave de comedia y progresar hacia un desenlace en clave de drama. Esa evolución es la que sigue Además, es un buen manual para tratar con corruptos, sus excusas, las cortinas de humo que emplean, la desarticulación de sus amenazas y de la maniobra de toma de rehenes del corrupto (“son daños colaterales”, “no es perfecto, pero funciona”, y otras farsas similares). Escena clave es el encuentro de Tassone y Rachel en los bancos frente al instituto, que define muy bien las claves del tema. PARA OLVIDAR Es más previsible y tópica cuando pasa al drama. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… El candidato, Spotlight, Black Water. EN CONCLUSIÓN Una buena película tanto por el juego de sus actores como por la pedagógica manera de abordar con sencillez las claves que visten la corrupción y el autoengaño de quienes la practican y frecuentan. M.J.P. #####

Australia, 2019; Director: Ben Lawrence; Fotografía: Hugh Miller; Guion: Beatrix Christian y Ben Lawrence; Música: Rafael May; Intérpretes: Hugo Weaving (Dan Fisher), Andrew Luri (Sebastian Ahmed), Hayley McElhinney (Josie Avril), Bolude Watson (Anishka Ahmed); Duración: 111 min.; Estreno en España: 2-6-2020 Distribuye: Movistar+

SINOPSIS Un reportero de guerra australiano, que atraviesa un complicado momento en su vida, que va a ser padre y que tiene serios problemas de salud, entra en contacto con el superviviente de una aldea cuya masacre fotografió treinta años atrás, y que le pide que no utilice esas fotos en la exposición que prepara. PARA RECORDAR Hugo Weaving y Andrew Luri están brillantes como el dúo de coprotagonistas de esta historia que nos revela dos maneras de recordar y sobrevivir a la violencia con tonos cotidianos y algunos momentos tópicos, pero muy bien resueltos tanto por parte del sólido reparto como por parte del planteamiento visual de la película. Jugando desde la sencillez, trabajando en algunas escenas clave, como la de la presentación de los supervivientes víctimas del estrés postraumático con cámara al hombro, o la manera de diferenciar la calidez y la frialdad, la luz y las sombras, en la vida de los dos personajes principales. La memoria y las distintas formas de enfrentarse al pasado de la violencia son el epicentro de esa entrañable fábula. PARA OLVIDAR En algunos momentos, y a medida que avanza la trama, va cayendo un poco más en las trampas del drama televisivo. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… La reportera es una excelente compañía para este retrato del horror de nuestro mundo con el que preferimos mantener las distancias como si no formara parte de nuestro tiempo. En lo argumental y temático, por el tema de la violencia del pasado que sigue pesando en el presente, otra compañera de viaje podría ser La canción de los nombres olvidados. EN CONCLUSIÓN Una interesante propuesta sobre las diferentes maneras de enfrentarse a la memoria de la violencia. M.J.P. #####

PRÓXIMOS ESTRENOS Por Jesús Martín

Human Lost

La cinta de Alex

La maldición del guapo

Japón 2019; Título original: Human Lost; Director: Fuminori Kizaki; Guión: Tow Ubukata basado en la novela de Osamu Dazai; Música: Yoshikazu Iwanami; 110 mins; Distribuye: Selecta Vision.

España; 2019; Director: Irene Zoe Alameda; Guión: Irene Zoe Alameda; Fotografía: Richard Lopez y Rita Noriega; Música: Irene Zoe Alameda y Antonio Escobar; Intérpretes: Aitana Sánchez-Gijón, Aida Folch, Krishna Singh Bisht, y Fernando Gil; 109 mins.

España; 2020; Director: Beda Docampo Feijóo; Guión: Beda Docampo Feijóo; Fotografía: Imanol Nabea; Música: Federico Jusid; Intérpretes: Gonzalo de Castro, Juan Grandinetti, Malena Alterio y Ginés García Millán; 90 mins; Distribuye: Filmax.

La escritora Irene Zoe Alameda se pone al frente de esta intensa película plagada de momentos desconcertantes. La relación rota entre un padre acusado de terrorismo y su hija preadolescente marca la evolución argumental de esta producción ambientada en la India. “La cinta de Álex es una cinta de acción que destila mucha ternura; un roadtrip familiar de reencuentros y de conexión entre dos mundos alejados que esperamos sea del agrado del público y la crítica”, asegura Alameda. Fernando Gil (Reinas) y la debutante Rocío Yanguas lideran el cuadro dramático, en el que también participan Aitana Sánchez-Gijón y Aída Folch.

La seducción y la delincuencia, estos son los ejes argumentales que sustentan la nueva película de Beda Docampo Feijóo (Francisco, el padre Jorge): una cinta sobre segundas oportunidades en la que el fantasma de la redención está presente en la figura del protagonista. “Es una comedia de trazo fino donde se tocan temas con los que cualquiera puede conectar: la paternidad y el egoísmo, la atracción del dinero fácil, las amistades peligrosas, la presión de tener éxito, las vocaciones postergadas…”, confiesa Feijóo. Gonzalo de Castro, Juan Grandinetti y Malena Alterio lideran el cuadro interpretativo.

Pinocho

Superagente Makey

Todo pasa en Tel Aviv

Una pastelería en Notting Hill

Italia; 2019; Título original: Pinocchio; Director: Matteo Garrone; Guión: Matteo Garrone y Massimo Ceccherini basado en la novela de Carlo Collodi; Fotografía: Nicolai Brüel; Música: Dario Marianelli; Intérpretes: Federico Ielapi, Roberto Benigni, Rocco Papaleo y Massimo Ceccherini; 120 mins; Distribuye: Warner.

España; 2020; Director: Alfonso Sánchez; Guión: Jorge Lara y Fernando Pérez; Fotografía: Fran Fernández Pardo; Música: Zacarías M. de la Riva y Alfred Tapscott; Intérpretes: Leo Harlem, Jordi Sánchez, Sílvia Abril y María Sabaté; Distribuye: DeaPlaneta.

Francia; 2018; Título original: Tel Aviv on Fire; Director: Sameh Zoabi; Guión: Dan Kleinman y Sameh Zoabi; Fotografía: Laurent Brunet; Música: André Dziezuk; Intérpretes: Kais Nashif, Lubna Azabal y Maisa Abd Elhadi; 100 mins; Distribuye: Surtsey Films.

El humor inspirado en Loca academia de policía da empaque a esta neurótica comedia dirigida por Alfonso Sánchez (El mundo es nuestro) sobre un agente de la ley campechano que se ve envuelto en una trama internacional de narcotráfico en la populosa Costa del Sol. “Es una aventura familiar con grandes dosis de acción. Un divertimento que esperamos haga disfrutar al público tanto como nosotros hemos disfrutado haciéndola”, explica Sánchez. Leo Harlem (El mejor verano de mi vida) encabeza el elenco interpretativo de esta singular recreación del espíritu de las películas de risa que triunfaban hace un tiempo (Superdetective en Hollywood, Poli de guardería…).

Resulta extraño que una comedia sea capaz de trasladar a la pantalla el conflicto entre palestinos e israelíes, pero el cineasta Sameh Zoabi (Man Without a Cell Phone) lo ha hecho posible con esta historia sobre una famosa telenovela seguida por ambas poblaciones. La acción comienza con Salam, un joven que vive en Jerusalén y trabaja en la producción televisiva Tel Aviv on Fire. Todos los días, Salam tiene que pasar el control comandado por Assi, cuya esposa es una ferviente seguidora de la citada soap opera. En uno de los encuentros, Assi cuenta al chico palestino algunas ideas sobre el guion de la telenovela.

Reino Unido; 2020; Título original: Love Sarah; Director: Eliza Schroeder; Guión: Jake Brunger, Mahalia Rimmer y Eliza Schroeder; Fotografía: Aaron Reid; Música: Enis Rotthoff; Intérpretes: Rupert Penry-Jones, Celia Imrie, Bill Paterson y Shelley Conn; 97 mins; Distribuye: Filmax.

El director Fuminori Kizaki (Bayonetta: Bloody Fate) adapta la exitosa novela de Osamu Dazai titulada Indigno de ser humano. El anime le sirve al cineasta para recrear el universo ideado por Dazai, en el que las desigualdades sociales han impuesto la macabra distinción entre personas condenadas a la muerte por su escaso poder adquisitivo y las que tienen la posibilidad de vivir más de cien años sin enfermedades. En medio de semejante polaridad, el joven Yozo Oba padece extrañas pesadillas que le revelan una sucesión de habilidades sobrenaturales que el protagonista utilizará para desmoronar el sistema impuesto por la compañía SHELL.

Cuando Roberto Benigni interpretó y dirigió Pinocho en 2002, el actor italiano no sabía que dieciocho años más tarde iba a regresar al mítico cuento escrito por Carlo Collodi. En esta ocasión, la oscarizada estrella de La vida es bella no da vida al muñeco de madera al que le crece la nariz, sino al entrañable Geppetto (el artesano que crea al simpático protagonista, que sueña con ser un niño de carne y hueso). Matteo Garrone (Gomorra) es el encargado de trasladar a imágenes en movimiento esta nueva versión, que procura ser más fiel al texto original que la película de Walt Disney de 1940.

Marcelino, el mejor payaso del mundo España; 2020; Director: Germán Roda; Guión: Miguel Ángel Lamata y Germán Roda; Fotografía: Daniel Vergara; Música: José Luis Canalejo y Carlos Riera; Intérpretes: Alberto Castrillo-Ferrer, Laura Gómez-Lacueva y Nacho Rubio; Distribuye: Super 8.

Marcelino Orbés era toda una celebridad entre 1900 y 1914. Su talento para hacer reír causó la admiración de gente tan reconocida como Charles Chaplin y Buster Keaton. Sin embargo, en España su nombre cayó inexplicablemente en el olvido hasta la realización de esta película, dirigida por el documentalista Germán Roda (Los años del humo). “Ha sido una experiencia inolvidable. Trabajar con Pepe Viyuela, descubrir que un español fue el mejor payaso del mundo, contar el ascenso y la caída de un artista que no superó la llegada del cine sonoro… ha sido el punto de giro de mi vida”, afirma el director.

Eliza Schroeder presenta su ópera prima como directora: una historia sobre el sueño compartido entre tres mujeres de distintas generaciones las cuales ponen una pastelería cargada de reconocimiento a una pariente y amiga fallecida. “Es una película vital que narra la historia de superación de tres mujeres que consiguen vencer sus diferencias y aliarse para cumplir un sueño en común”, afirma Schroeder. La joven Shannon Tarbet (Killing Eve) encabeza el elenco interpretativo como la luchadora y sensible Clarissa. Celia Imrie (El exótico hotel Marigold) y Bill Paterson (Fleebag), entre otros, completan el plantel actoral.

Grandes blockbusters de la historia del cine El regreso del cine a las salas en esta temporada veraniega tan atípica nos va a traer una de las previsibles rompetaquillas del año, Tenet, de Christopher Nolan, así que aprovechamos para rendir tributo a los grandes blockbusters de la historia del cine.

ay que aclarar que la selección de 21 títulos incluidos en este reportaje –20, más la ficha de película clásica que lo complementa, dedicada al tercer filme de la lista, Sonrisas y lágrimas– está integrada por las más taquilleras de todos los tiempos con las cifras de su recaudación ajustadas a los valores del dólar en nuestros días. Y las más taquilleras son producciones estadounidenses de la factoría de éxitos de Hollywood. En cada ficha he incorporado los otros títulos taquilleros del año de estreno de estos blockbuster para arrojar una muestra general de temas, propuestas y géneros dominantes entre los más taquilleros de la historia del cine. Aunque no está en la lista, hay que aclarar que la primera película rompetaquillas de la historia del cine fue El nacimiento de una nación, dirigida por David Wark Griffith en 1915, auténtico fenómeno social en Estados Unidos que supuso la instalación del largometraje como

producto dominante, dando paso además a la inversión en superproducciones, clave en el tema que nos ocupa. El coste medio de una película en Estados Unidos a principios de los años diez raramente superaba los 200 dólares que podían llegar a multiplicarse por diez en la recaudación. En 1909, la inversión media por película había subido a 1000 dólares. En 1914, la cifra estaba ya entre los 10 000 y los 30 000 dólares. Y en 1920 el presupuesto invertido en una película podía estar entre los 40 000 y los 80 000 dólares. Pero al margen de esa cifra se situaban los denominados proyectos especiales o de superproducción, en la línea de El nacimiento de una nación, cuyo presupuesto podía ir de 100 000 a 200 000 dólares. La llegada del sonoro puso la cifra media de inversión en 1930 en 375 000 dólares, en 1940 en 400 000, en 1950 alcanzaba ya un millón; en 1961, dos millones, y en 1976, después de Tiburón, el coste medio estaba en cuatro millones de dólares. ¿Y las recaudaciones? Pues este tema que tanto nos interesa lo abordó Davide Pirie en su libro Anatomy of the Movies, de 1984, donde daba las siguientes cifras sobre la evolución del número de películas estadounidenses que habían sobrepasado los diez millones de dólares de ingresos en Estados Unidos. Antes de 1950, seis películas estaban entre los 10 y los 15 millones, dos entre 15 y 25 millones, una entre 25 y 40 millones y una recaudó más de 70 millones. Entre 190 y 1959, trece ingresaron entre 10 y 15 millones, seis de 15 a 25 millones, una

GRANDES BLOCKBUSTERS DE LA HISTORIA DEL CINE así el oligopolio hollywoodiense, en el que pocas empresas están en competencia. El ocaso de dicho sistema, mirado desde el punto de vista de la explotación, llegó en 1948, cuando se aplicaron las leyes antimonopolio que exigían a Paramount prescindir de su circuito de salas, algo que luego hicieron el resto de compañías. Pero en términos de producción, el ocaso llegó en los años sesenta, con la retirada o muerte de los productores de la era clásica de Hollywood y la emergencia de un sistema centrado en la subcontratación de la fabricación de las películas a compañías independientes (lo que no fue tan revolucionario como parecía en principio). A finales de esa década despareció el Código Hays, la oficina de autocensura creada por los grandes estudios para evitar la intervención de las autoridades federales en sus negocios. En términos de distribución, el cambio del sistema llegó a mediados de los años setenta, con la aparición de la distribución masiva en salas, y en los de 25 a 40 millones, una de 40 a 70 millones, y ninguna pasó de los 70. ochenta, con la aparición de otras fuentes de ingresos para las películas Entre 1960 y 1969, 29 películas ingresaron entre 10 y 15 millones, 25 fuera de las salas (vídeo, etc.). entre 15 y 25 millones, cinco se quedaron en la banda de ingresos de Entre 1948 y 1960, las compañías aceptaron el mandato de 25 a 40 millones, cuatro en la de 40 a 70 millones y una pasó de los 70 divorcio de sus salas en aplicación de las leyes antimonopolio dando millones. Entre 1970 y 1979, cuando comienza la era de los blockbus- comienzo a una renovación de los cuadros de mandatarios de la industers, 85 películas ingresaron entre 10 y 15 millones de dólares, 70 tria, y en el periodo de 1960 y 1970 se produjo la transformación de las entre 15 y 25 millones de dólares, 36 entre 25 y 40 millones de estructuras de la industria, la televisión devino cliente del cine y finaldólares, 19 entre 40 y 70 millones de dólares, y diez consiguieron mente se modernizaron los métodos de distribución y promoción. En ingresar más de 70 millones de dólares. promoción, la innovadora fue El exorcista, fenómeno que asaltó todas Había nacido el blockbuster tal y como lo conocemos, y para las salas de cine del país saltándose las fronteras del circuito principal entenderlo es imprescindible considerar lo que afirmaba Jacqueline a las salas más modestas, multiplicando el número de copias, estando Nacache en su libro Film hollywoodien classique: “El éxito de una pelí- presente, al mismo tiempo, en toda la geografía de Estados Unidos. cula de Hollywood es ante todo el triunfo de un modo de producción El cine de catástrofes sentó las bases de la era blockbuster con la elaborado sobre el modelo de la industria capitalista estadounidense”. propuesta de grandes repartos y superproducción y máximo espectáDe 1896-1908 el cine estaba controlado por sus inventores y culo visual de películas como La aventura del Poseidón (1972), El luego por hombres de negocios. El sistema era un negocio de pequeñas Coloso en llamas (1974) y Aeropuerto 1975 (1974). empresas de alto crecimiento, las inversiones exigidas son mínimas. En lo referido a la promoción, las reglas del juego cambiaron Entre 1909-1929 se dieron las primeras tentativas de concentración, después de que se probara a hacer publicidad en televisión, primero a aunque ninguna empresa llega a detentar el monopolio absoluto. Se nivel local, multiplicando el rendimiento en la zona del anuncio de El produjo la guerra de patentes iniciada por la Motion Pictures Patents viaje fantástico de Simbad en 1973, y luego a nivel estatal, con el Company (MPPC) de Edison y sus asociados, y más tarde Adolph Zukor, anuncio televisivo de Fuga suicida, protagonizada por Charles Bronson fundador de Paramount Pictures, falló en sus intentos de monopolizar en 1975. El siguiente paso fue promocionar ese mismo año Tiburón en todo el sector. Un papel esencial en ello es el de los pequeños bancos. A televisión a nivel nacional, convirtiendo la película en un fenómeno finales de la década llegó el sonoro, y entre 1929-1948 los grandes social. Pasos previos para dar comienzo la era blockbuster con el bancos reforzaron su control sobre la industria cinematográfica merced estreno de La guerra de las galaxias en 1977. a la crisis de 1929. Se crean las cinco grandes compañías (Paramount, En Fox no apostaban por continuar dominando la ciencia ficción th 20 Century Fox, Metro Goldwyn Mayer, Warner y RKO), levantándose con Star Wars. Muy al contrario. Apostaban por Callejón infernal, otra propuesta de ciencia ficción de clave postapocalípPuesto Title Taquilla ajustada Taquilla Nº Entradas Año tica en un mundo devastado por la guerra nuclear y dominado por insectos gigantes. Se equivocaron. 1 Lo que el viento se llevó $1,895,421,694 $200,852,579 202,286,200 1939 Callejón infernal contó con 17 millones de dólares de 2 Star Wars: Episodio IV - A New Hope $1,668,979,715 $460,998,507 178,119,500 1977 presupuesto y una recaudación de cuatro millones de 3 Sonrisas y lágrimas $1,335,086,324 $159,287,539 142,485,200 1965 4 E.T. El extraterrestre $1,329,174,791 $435,110,554 141,854,300 1982 dólares. Star Wars costó 11 millones de dólares y 5 Titanic $1,270,101,626 $659,363,944 135,549,800 1997 recaudó 775.400.000. 6 Los diez mandamientos $1,227,470,000 $65,500,000 131,000,000 1956 A mitad de la década de los ochenta se multi7 Jaws $1,200,098,356 $260,000,000 128,078,800 1975 plican las pantallas, creándose un conglomerado 8 Doctor Zhivago $1,163,149,635 $111,721,910 124,135,500 1965 9 El exorcista $1,036,314,504 $232,906,145 110,599,200 1973 transnacional de las compañías a finales de los años 10 Blancanieves y los siete enanitos $1,021,330,000 $184,925,486 109,000,000 1937 noventa, que iban a estar marcados por la desregula$1,013,038,487 $936,662,225 108,115,100 2015 11 Star Wars: Episodio VII - El Despertar de la Fuerza ción, la mundialización y la aparición de nuevas 12 101 Dálmatas $936,225,101 $144,880,014 99,917,300 1961 técnicas digitales que propician el establecimiento 13 Star Wars: Episodio V - El imperio contraataca $919,244,787 $290,271,960 98,105,100 1980 14 Ben-Hur $918,699,453 $74,422,622 98,046,900 1959 de un nuevo sistema de estudios basado en el 15 Avatar $911,790,952 $760,507,625 97,309,600 2009 modelo clásico. 16 Avengers: Endgame $892,669,593 $858,373,000 95,268,900 2019 Miguel Juan Payán 17 Star Wars: Episodio VI - El retorno del Jedi $881,336,578 $309,306,177 94,059,400 1983 18 19 20 21

Parque jurásico Star Wars: Episode I - La amenaza fantasma El Rey León El golpe

$858,893,554 $846,224,377 $835,301,768 $835,268,973

$402,828,120 $474,544,677 $422,783,777 $156,000,000

91,664,200 90,312,100 89,146,400 89,142,900

1993 1999 1994 1973

CARTEL-MANÍA BLOCKBUSTERS

LA GUERRA DE LAS GALAXIAS

LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ

Star Wars

Gone With The Wind

1977; EE. UU.; Color; Director: George Lucas; Guion: George Lucas; Música: John Williams; Fotografía: Gilbert Taylor; Intérpretes: Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Peter Cushing, Dave Prowse, James Earl Jones, Alec Guinness, Anthony Daniels, Kenny Baker, Peter Mayhew; Duración: 121 minutos.

1939; EE. UU.; Color; Director: Victor Fleming; Guion: Sidney Howard, Ben Hecht, Jo Swerling, Oliver H.P. Garrett, John Van Druten; Música: Max Steiner; Fotografía: Ernest Haller, Lee Garmes; Intérpretes: Vivien Leigh, Clark Gable, Leslie Howard, Olivia De Havilland, Thomas Mitchell; Duración: 238 minutos.

Ahora el título de la película es Star Wars, episodio IV: una nueva esperanza. Los términos Episodio IV y Una nueva esperanza aparecieron por primera vez en la página de títulos del guion de la película publicada en el libro The Art of Star Wars de 1979. Cuando se estrenó El Imperio contraataca y contaba con el título Episodio V. George Lucas y el productor Gary Kurtz querían reproducir la sensación de los espectadores de los seriales de Flash Gordon a los que homenajeaba la película y que llegaban a esta sin haber visto el capítulo anterior y se veían de pronto en medio de la historia. La ocurrencia no le gustó demasiado a la Fox para La guerra de las galaxias, pero Lucas y Kurtz pudieron ponerla en práctica cuando se estrenó la secuela. La llamemos La guerra de las galaxias o Star Wars, episodio IV: una nueva esperanza, lo incuestionable es que esta es la película con la que arranca oficialmente la era blockbuster. La imaginativa visión futurista que mezclaba géneros viajando en una misma película desde el territorio del wéstern al de las películas de capa y espada, la fantasía y finalmente el cine bélico, junto con la capacidad para no tomarse demasiado en serio a sí misma y diseñar personajes estereotípicos que son capaces de autoparodiarse como arquetipos, fueron las claves de su éxito. En su año, fue la reina de la taquilla, compitiendo con Rocky, Los caraduras, Ha nacido una estrella, King Kong, Abismo (basada en una novela del mismo autor que Tiburón), El expreso de Chicago, Harry el ejecutor, Encuentros en la tercera fase y un documental de carácter piadoso muy interesante para el cinturón bíblico de Estados Unidos: En busca del arca de Noé. M.J.P.

Campeona de taquilla todavía imbatida si se ajustan los valores de la moneda, la adaptación de la novela de Margaret Michell –que, según parece, tenía en mente a Clark Gable cuando escribió el papel de Rhett Butler–, fue curiosamente una producción movida por un productor independiente dentro del sistema de estudios de Hollywood, David O. Selznick, que se hizo de oro en la industria cinematográfica estadounidense. En su primer fin de semana, comportándose como un blockbuster moderno en toda regla, había recaudado solo en cines estadounidenses casi 1,2 millones de dólares. Esas astronómicas cifras la pusieron ya en el año de su estreno en el número uno de las películas más taquilleras de 1939, superando una dura competencia con el resto de los estrenos más taquilleros del año, a los que superaba por mucho, unos once millones de dólares más o menos de distancia frente a la segunda en recaudación, Los hijos de la farándula, comedia musical dirigida por Busby Berkeley y protagonizada por Judy Garland y Mickey Rooney, pareja juvenil de moda en la época, que se puso en el segundo puesto con millón y medio de dólares de recaudación. La seguía un wéstern de aventuras de la etapa de la guerra revolucionaria contra los ingleses, Corazones indomables, de John Ford, protagonizada por Henry Fonda y Claudette Colbert, que ingresó otro millón y medio, la misma cifra de recaudación de Esmeralda, la zíngara, con Charles Laughton interpretando al jorobado de Notre Dame, el wéstern Tierra de audaces, con Tyrone Power como Jesse James; Caballero sin espada, de Frank Capra, con James Stewart; La diligencia, de John Ford; La solterona, con Bette Davis; el drama previo a cine de catástrofes Vinieron las lluvias, con Tyrone Power; y El mago de Oz, con Judy Garland. M.J.P.

CARTEL-MANÍA BLOCKBUSTERS

TITANIC

ET, EL EXTRATERRESTRE

1997; EE. UU.; Color; Director: James Cameron; Guion: James Cameron; Música: James Horner; Fotografía: Russell Carpenter; Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Kate Winslet, Billy Zane, Kathy Bates, Frances Fisher, Gloria Stuart, Bill Paxton, Bernard Hill, David Warner, Victor Garber, Suzy Amis; Duración: 194 minutos.

James Cameron se tomó su tiempo para terminarla –aunque está superando el récord con las secuela de Avatar–, se gastó cuatro millones de dólares en darse un paseo por el fondo del mar –aquí pueden poner en el discman de su cabeza la canción del cangrejo Sebastián de La sirenita–, visitó los restos hundidos del trasatlántico… y cuando algunos creíamos que íbamos a ver una aventura submarina a toda pastilla con momentos de cine de catástrofe nos coló por sorpresa una historia de amor imposible entre muchachos de clases distintas –la sombra de Romeo y Julieta es alargada–, que le gustó a casi todo el mundo lo suficiente como para ir a verla varias veces. No es el caso de quien esto escribe, pero eso no importa. Titanic se convirtió en la quinta película más taquillera de la historia del cine. Leonardo DiCaprio y Kate Winslet afortunadamente vendieron bien ese pescado romántico haciéndolo menos indigesto de lo que podría haber sido. Esfuerzo titánico, nunca mejor dicho, que acabó requiriendo la alianza de los estudios Fox y Paramount para poder completarse, compartiendo gastos y ocupándose cada compañía de distintas áreas de distribución. Cameron tuvo que pedir ayuda a Lucas Films para completar los efectos especiales, porque con su compañía del asunto en aquel momento, Digital Domain, no llegaba. Es, sin duda, visualmente espectacular e irreprochable como espectáculo cinematográfico, pero me sigue pareciendo tramposa por su prólogo y su epílogo (y además había sitio en la madera aquella para que se subiera DiCaprio). Se coronó como reina de la taquilla de su año superando a Men in Black, El mundo perdido: Jurassic Park, Mentiroso compulsivo, Air Force One, Mejor… imposible, Good Will Hunting, la edición especial de Star Wars IV: una nueva esperanza, La boda de mi mejor amigo y El mañana nunca muere, con Pierce 007 Brosnan. M.J.P.

E.T. The Extra-Terrestrial 1982; EE. UU.; Color; Director: Steven Spielberg; Guion: Melissa Mathison; Música: John Williams; Fotografía: Allen Daviau; Intérpretes: Dee Wallace, Henry Thomas, Peter Coyote, Robert MacNaughton, Drew Barrymore, K. C. Martel, Sean Frye, C. Thomas Howell, Erika Eleniak; Duración: 115 minutos.

La versión extendida cuenta con una duración de 120 minutos y con el robo digital de las armas de los agentes federales, que gracias a la magia informática fueron borradas y convertidas en walkie-talkies. Asco profundo por la bajada de pantalones y el tuneado biempensante, oigan. Era difícil superar las moñadas digitales que había hecho George Lucas con sus nuevas versiones de La guerra de las galaxias, El Imperio contraataca y El retorno del jedi, pero Spielberg sin duda lo consiguió. Los aficionados más rumbosos y gamberros no nos podemos olvidar aquí de rendir homenaje a El ETE y el Oto (1983) de Manuel Esteba, ese prodigio del cine patrio protagonizado por los hermanos Calatrava y cuya sinopsis del IMDB es una auténtica maravilla: “Un tipo feo vestido de spandex (supuestamente un alienígena) se hace amigo del psicópata más joven de España”. Olé, olé y olé. Amigos y amigas: con esa sinopsis no me digan que no tienen ganas de ver la variante española del asunto. Sea como fuere, el caso es que el cuarto puesto entre las más taquilleras de la historia (el tercero es de Sonrisas y lágrimas, en cartel clásico en este mismo número) lo ocupa la película de Spielberg, no la de los hermanos Calatrava. En su año, ET dominó la cartelera superando el ojo del tigre de Rocky 3, Henry Fonda, Jane Fonda y Katherine Hepburn como trío de ases de En el estanque dorado, Richard Gere saltando al estrellato en Oficial y caballero, la divertida gamberrada Porky’s, Star Trek 2: la ira de Khan, Poltergeist, la comedia La casa más divertida de Texas, Carros de fuego y la película más petarda de John Huston, Annie (¡maldita sea!, había conseguido olvidar que el gran Huston había perpetrado ese engendro!). M.J.P.

CARTEL-MANÍA BLOCKBUSTERS

TIBURÓN Jaws 1975; EE. UU.; Color; Director: Steven Spielberg; Guion: Peter Benchley, Carl Gottlieb; Música: John Williams; Fotografía: Bill Butler; Intérpretes: Roy Scheider, Robert Shaw, Richard Dreyfuss, Lorraine Gary, Murray Hamilton, Carl Gottlieb, Jeffrey Kramer, Susan Backlinie, Chris Rebello; Duración: 130 minutos.

Pieza clave del camino hacia la era blockbuster, en la que oficia como pórtico de esta, Tiburón cambió la explotación del cine tal y como se conocía hasta el momento de su estreno, y se convirtió en un fenómeno en todo el mundo que incluso generaba en los espectadores cierto miedo a sumergirse en el agua de las playas. Además, inspiró a un joven estudiante a investigar la historia del hundimiento que narraba el cazador de tiburones interpretado por Robert Shaw, propiciando la reapertura del caso en instancias judiciales de la Armada estadounidense, lo que permitió reivindicar el nombre del capitán del barco siniestrado que llevó una de las bombas atómicas que se lanzaron contra Japón a finales de la Segunda Guerra Mundial. Dotada con un presupuesto estimado en siete millones de dólares, Tiburón se colocó en la primera posición de la recaudación del año 1975, con 102 millones de dólares de recaudación en Estados Unidos, que acabarían superando un total superior a los 400 millones de recaudación en todo el mundo. De ese modo, encontraremos tras ella otros señeros títulos del año igualmente bañados en el éxito, como El Coloso en llamas, que ocupa la segunda posición, la aventura perruna Benji (sorpresa en la recaudación del año), la comedia El jovencito Frankenstein de Mel Brooks, El padrino, segunda parte, de Francis Coppola, Shampoo, sátira con Warren Beatty al frente del reparto, el musical Funny Lady, secuela de Funny Girl, con Barbra Streisand y James Caan como protagonistas, Asesinato en el Orient Express, la mejor adaptación al cine de las novelas de Agatha Christie junto con Testigo de cargo de Billy Wilder, El regreso de la Pantera Rosa, donde Peter Sellers reafirmó su protagonismo en la saga dirigida por Blake Edwards como el inspector Clouseau, y el musical Tommy, de Ken Russell, con el músico del grupo The Who como protagonista, Roger Daltrey. M.J.P.

CARTEL-MANÍA BLOCKBUSTERS

EL EXORCISTA The Exorcist 1973; EE. UU.; Color; Director: William Friedkin; Guion: William Peter Blatty; Música: Mike Olfield, Krystof Penderecki; Fotografía: Owen Roizman; Intérpretes: Ellen Burstyn, Linda Blair, Max von Sydow, Jason Miller, Lee J. Cobb, Kitty Winn, Jack MacGowran, Willam O’Malley, Barton Heyman, Peter Masterson, Rudolf Schündler, Gina Petrushka, Robert Symonds, Arthur Storch; Duración: 132 minutos.

Una de las películas de terror más influyentes de todos los tiempos –que se lo pregunten a James Wan– dotada con un presupuesto estimado en once millones de dólares y premiada con el Oscar al Mejor Guion adaptado y al Mejor Sonido, además de ser nominada como Mejor Película, Actriz Principal (Burstyn), Actor de Reparto (Miller), Actriz de Reparto (Blair), Director, Fotografía, Dirección Artística y Montaje. En su año, compitió por el primer puesto de la taquilla con El golpe (ver en esta misma selección y en su ficha la lista de los otros blockbusters de ese año, en el que además destacaron en la taquilla Chinatown, el homenaje al cine negro dirigido por Roman Polanski y protagonizado por Jack Nicholson y Faye Dunaway, que además fue el prólogo al neonoir, El justiciero de la ciudad, con Charles Bronson interpretando a un vigilante vengador que combate el crimen por las calles, iniciando una saga de secuelas, El último deber, comedia dramática con Jack Nicholson como protagonista, y Vida de un estudiante, protagonizada por Timothy Bottoms. Apuntalada en el éxito del best seller que se le servía como base, cuyo autor se ocupó de escribir también el guion de la película, disputando con el director sobre sus distintas maneras de entender la existencia o no del demonio, sembró el miedo en los cines de todo el mundo incorporando a su promoción la idea de que supuestamente se basaba en un hecho real. Ni siquiera la asociación de Steve McQueen y Dustin Hoffman como dos presos retenidos en un penal francés particularmente brutal, que además sí que se basaba en las memorias reales de un preso, pudieron competir contra la inquietante posesión de la niña interpretada por Linda Blair. M.J.P.

CARTEL-MANÍA BLOCKBUSTERS

LOS DIEZ MANDAMIENTOS The Ten Commandments 1956; EE. UU.; Color; Director: Cecil B. DeMille; Guion: Dorothy Clarke Wilson, J. H. Ingraham, A. E. Southon, Aeneas MacKenzie, Jesse Lasky Jr., Frederic M. Frank; Música: Elmer Bernstein; Fotografía: Loyal Griggs; Intérpretes: Charlton Heston, Yul Brynner, Anne Baxter, Yvonne De Carlo, Edward G. Robinson, Debra Paget, John Derek, Cedric Hardwicke, Nina Foch, Vincent Price, John Carradine; Duración: 220 minutos.

Un presupuesto de más de trece millones de dólares permitió a Cecil B. DeMille edificar este monumento al cine de la antigüedad que superaba todas las propuestas del peplum y con el que se confirmó como el rey de las peripecias de épica bíblica. En muchos aspectos, Los diez mandamientos es un tutorial perfecto de cómo construir un blockbuster con los elementos más obvios de este tipo de propuesta cinematográfica. Además de ganar el Oscar a los mejores efectos especiales, categoría en la que era difícil hacerle la competencia, la película fue nominada a las categorías de Mejor Película, Fotografía en color, Director, Dirección Artística en color, Vestuario en color, Sonido y Montaje. Y Charlton Heston recibió una nominación al Globo de Oro como Mejor Actor en drama. DeMille facturó aquí su mejor trabajo, remake de la versión muda del mismo asunto que dirigiera en 1923. Se impuso en la taquilla a La vuelta al mundo en 80 días, adaptación de la novela de Julio Verne protagonizada por David Niven, Cantinflas y Shirley MacLaine y repleta además de cameos de estrellas varias. Tras ellas estaban Gigante, con Rock Hudson, Elizabeth Taylor y James Dean, el musical de Frank Sinatra Pal Joey, el documental Las siete maravillas del mundo, en Cinerama, La casa de té en la luna de agosto, con Marlon Brando maquillado como japonés, Orgullo y pasión, con Cary Grant intentando recuperar un cañón en la guerra de la Independencia de España contra la Francia napoleónica y Sinatra interpretando a un improbable guerrillero español junto a una algo más creíble moza hispana encarnada por Sofia Loren, Anastasia, con Ingrid Bergman, Una isla al sol, y Ámame tiernamente, una de guerra civil con Elvis Presley. M.J.P.

CARTEL-MANÍA BLOCKBUSTERS

DOCTOR ZHIVAGO 1965; EE. UU.; Color; Director: David Lean; Guion: Robert Bolt; Música: Maurice Jarre; Fotografía: Freddie Young; Intérpretes: Omar Sharif, Julie Christie, Geraldine Chaplin, Rod Steiger, Tom Courtenay, Alec Guinness, Siobhan McKenna, Ralph Richardson, Rita Tushingham, Jeffrey Rockland, Tarek Sharif, Bernard Kay, Klaus Kinski, Noel Willman, Gérard Tichy, Geoffrey Keen, Mark Eden; Duración: 200 minutos.

Basada en la novela de Boris Pasternak y rodada en España con un presupuesto de 11 millones de dólares, fue no solo campeona de taquilla sino referenciada con varios premios Oscar del año, consiguiendo la estatuillas correspondientes a Guion Adaptado, Fotografía en color, Dirección Artística en color, Diseño de Vestuario en color, y Banda Sonora, y fue nominada a Mejor Película, Actor Secundario (Courtenay), Director, Sonido y Montaje. Muestra de que las películas y su éxito con hijas de su tiempo y de cómo puede influir la realidad de cada momento en un blockbuster. En taquilla batió a las otras campeonas del año 1966, en un momento en el que la Guerra Fría entre los bloques que convirtió a Rusia en un punto de referencia para el cine y para los espectadores e hizo de Doctor Zhivago y su visión de la Revolución rusa y de la guerra civil en aquel país una triunfadora. Protagonizada por el idealista médico al que daba vida Sharif, convertido desde ese momento en estrella internacional, fue seguida de cerca en la recaudación del año por otras película que de un modo u otro miraban al Telón de Acero: Operación Trueno, la peripecia de James Bond, ¿Quién teme a Virginia Woolf?, protagonizada por Elizabeth Taylor y Richard Burton, la comedia de Disney Un gato del FBI, ¡Que vienen los rusos!, El teniente Robinson, con Dick Van Dyke, Los silenciadores, una aventura de Dean Martin como el detective Matt Helm, Cortina rasgada, intriga de Guerra Fría dirigida por Alfred Hitchcock con Paul Newman y Julie Andrews como protagonistas, la comedia de espías Flint, agente secreto, protagonizada por James Coburn, y el drama romántico con relaciones interraciales Un retazo de azul, con Sidney Poitier. M.J.P.

CARTEL-MANÍA BLOCKBUSTERS

STAR WARS: EL DESPERTAR DE LA FUERZA Star Wars, Episode VII: The Force Awakens 2015; EE. UU.; Color; Director: J. J. Abrams; Guion: Lawrence Kasdan, J. J. Abrams, Michael Arndt; Música: John Williams; Fotografía: Dan Mindel; Intérpretes: Harrison Ford, Carrie Fisher, Mark Hamill, Adam Driver, Daisy Ridley, John Boyega, Oscar Isaac, Lupita Nyong’o, Andy Serkis, Domhnall Gleeson, Anthony Daniels, Max von Sydow, Peter Mayhew, Gwendoline Christie, Joonas Suotamo; Duración: 138 minutos.

CARTEL-MANÍA BLOCKBUSTERS

BLANCANIEVES Y LOS SIETE ENANITOS Snow White and the Seven Dwarfs 1937; EE. UU.; Color; Director: William Cottrell, David Hand, Wilfred Jackson, Pierce Pearce, Larry Morey, Ben Sharpsteen; Guion: Ted Sears, Otto Englander, Richard Creedon, Dick Rickard, Earl Hurd, Merrill De Maris, Dorothy Ann Blank, Webb Smith; Música: Frank Churchill, Ligh Harline, Paul J. Smith; Intérpretes: Adriana Caselotti, Eddie Collins, Billy Gilbert, Pinto Colvig, Otis Harlan, Lucille La Verne; Duración: 83 minutos.

“Chewbie, estamos en casa”. La frase de Han Solo –Harrison Ford, el auténtico, rechace imitaciones– al entrar con su colega wookie en el Halcón Milenario nos convenció a muchos de que, efectivamente, con sus más y sus menos, podíamos disfrutar del arranque de la nueva trilogía de Star Wars propuesta por J. J. Abrams como continuación de la trilogía clásica de Lucas, la mejor de la saga. La taquilla respondió a la que luego se ha revelado como la entrega más satisfactoria de la trilogía de supuesto cierre –nunca me fío de estas cosas– de la saga de los Skywalker. Más tarde vendría el desencuentro de los fans con la entrega número 8 –que a mí me sigue pareciendo una buena película, y además me hace muchas risas por la vía del troleo de las teorías de los fans más intensitos de la pareja de la chatarrera Ray y el principito del lado oscuro Kylo Ren–, y finalmente todo se desfondó definitivamente en el Episodio IX, la peor de las nueve películas de la saga completa, que incluso hizo buenos los Episodios I, II y III de Lucas. No sorprende que en algún momento, viendo lo que habían hecho con su saga, Lucas saliera del cine afirmando: “Me he equivocado”. A pesar de todo, la primera nos levantó el ánimo galáctico a todos y nos hizo pensar que la magia había vuelto, merced a lo cual El despertar de la fuerza reinó en su año sobre el reboot Jurassic World, Fast and Furious 7, Vengadores: la era de Ultrón, Los minions, Espectra, Del revés, Misión imposible: Nación Secreta, Los juegos del hambre 2 y Marte. M.J.P.

Punto de partida del largometraje de animación y de la factoría de películas clásicas de Walt Disney, esta adaptación de los cuentos de hadas de los hermanos Grimm se alza como la gran campeona de los dibujos animados en lo que a historia de las grandes recaudaciones se refiere, y hay que hacer constar que en la lista de las veinte películas más taquilleras de la historia del cine está incluso por delante de El rey león, una de las otras dos películas de cine de animación entre los grandes blockbusters junto con 101 dálmatas. Modelo para todos los títulos que llegaron más tarde, presupuestada oficialmente en un millón y medio de dólares, ingresó en su primer fin de semana de exhibición en cines estadounidenses algo más de seis millones de dólares, evidenciando su potencial para convertirse en la nueva sensación de la pantalla grande en su año de estreno que no pudieron superar el resto de las rompetaquillas de 1937. Además, sus numerosos reestrenos no han dejado de aportarle incrementos a su recaudación, convirtiéndola en la reina indiscutible de los blockbusters del cine de animación. En su año de estreno la taquilla estuvo dominada por Paul Muni, protagonista de las dos películas más taquilleras de la temporada, La vida de Émile Zola y La buena tierra. Las seguía Capitanes intrépidos, con Spencer Tracy y Horizontes perdidos, con Ronald Colman, dos títulos de aventuras. Luego, Loca por la música, protagonizada por la cantante Deanna Durbin, una de las estrellas más taquilleras del musical de los años treinta, y La pícara puritana, con el dúo Cary Grant e Irene Dunne, y la versión del drama Ha nacido una estrella protagonizada por Fredric March y Janet Gaynor. M.J.P.

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EL IMPERIO CONTRAATACA

101 DÁLMATAS

Star Wars, Episode V: The Empire Strikes Back 1980; EE. UU.; Color; Director: Irvin Kershner; Guion: Leigh Brackett, Lawrence Kasdan, George Lucas; Música: John Williams; Fotografía: Peter Suschitzky; Intérpretes: Harrison Ford, Mark Hamill, Carrie Fisher, Billy Dee Williams, Anthony Daniels, David Prowse, James Earl Jones; Duración: 124 minutos.

La edición especial cuenta con una duración de 127 minutos y merece la pena rescatar todo lo que se pueda de metraje en la que es, en opinión de la mayoría de los seguidores de la saga que suscribe quien esto firma, la mejor película de toda la franquicia, saga, ciclo o como ustedes quieran llamarlo de Star Wars. George Lucas logró llegar a un acuerdo con Fox en 1978 por el que se aseguraba el control total de las licencias y del merchandising de El Imperio contraataca y los beneficios serían del 80 por ciento para Lucasfilm y el 20 por ciento para la Fox. Se llegó a un acuerdo de forma muy rápida, gracias a que Lucas planeaba financiar la película él mismo con un presupuesto inicial de 33 millones de dólares obtenido gracias a algunos préstamos y a los beneficios logrados con La guerra de las galaxias. Se disfruta más si cabe esta segunda entrega totalmente entregada al homenaje al ritmo y las características de los seriales, que incluso la primera. Conociendo ya a los personajes, el espectador pudo entregarse plenamente a las distintas subtramas que se desarrollaban en torno a estos, desde la búsqueda de su origen de Luke al enredo sentimental de Leia y Solo, al mismo tiempo que se ampliaba espectacularmente la visión del universo de ficción propuesto por Lucas en el denominado Episodio IV. En la taquilla de su año se impuso a Locos de remate, Kramer contra Kramer, Aterriza como puedas, La gran pelea, La recluta Benjamín, Quiero ser libre, Los caraduras 2, The Blues Brothers y Gente corriente. Detalle que tener en cuenta: El resplandor de Kubrick ocupó el puesto 14 en la recaudación del año, por detrás de Popeye, El lago azul y Urban Cowboy, de las que hoy ya no se acuerda casi nadie. M.J.P.

101 Dalmatians 1961; EE. UU.; Color; Director: Clyde Geronimi, Hamilton Luske, Wolfgang Reitherman; Guion: Bill Peet, Dodie Smith; Música: George Burns; Intérpretes: Rod Taylor, J. Pat O’Malley, Betty Lou Gerson, Ben Wright; Duración: 79 minutos.

Otro blanco de la factoría de dibujos animados de Walt Disney en la taquilla, en este caso en 1961, un año donde consiguió sitio como la décima película más taquillera en una lista que encabezaba la aventura bélica de clave épica Los cañones de Navarone, un modelo de blockbuster en toda regla protagonizado por Gregory Peck, David Niven y Anthony Quinn. Otro asunto de corte bélico, Éxodo, en torno a la fundación del estado de Israel y protagonizado por Paul Newman, funcionó muy bien como superproducción en el segundo puesto de taquilla del año, seguido por una comedia de enredo para toda la familia, Tú a Boston, yo a California, producida por Disney, que además coló en la cuarta plaza otra de sus producciones en imagen real, Un sabio en las nubes, con Fred MacMurray. John Wayne dirigía y protagonizaba la sexta más taquillera, El Álamo, y en el séptimo puesto volvió a aparecer Disney en una de sus mejores cosechas de dólares por año con Los robinsones de los Mares del Sur, seguida por la comedia Cuando llegue septiembre, protagonizada por Rock Hudson, El mundo de Suzie Wong, drama romántico con Wiliam Holden, y la reactivación en el noveno puesto de la campeona Lo que el viento se llevó, triunfando también como reestreno en la lista que cerraba 101 dálmatas. La alianza de una de las mejores villanas de la factoría de dibujos animados de Disney, Cruella De Vil, junto con un puñado de mascotas en modo “adorable” consiguió poner a este largometraje de animación incluso por delante de la recaudación de otros tres títulos de éxito ese año en clave romántica, Fanny, dirigida por Joshua Logan, y Nunca en domingo, de Jules Dassin y Desayuno con diamantes, de Blake Edwards. Superó además a una obra maestra del cine, El buscavidas, la mejor película de billar de todos los tiempos, con un soberbio Paul Newman. M.J.P.

CARTEL-MANÍA BLOCKBUSTERS

AVATAR

BEN-HUR

2009; EE. UU.; Color; Director: James Cameron; Guion: James Cameron; Música: James Horner; Fotografía: Mauro Fiore; Intérpretes: Sam Worthington, Zoe Saldana, Sigourney Weaver, Stephen Lang, Michelle Rodríguez, Giovanni Ribisi, Joel David Moore, C. C. H. Pounder, Wes Studi.; Duración: 162 minutos.

1959; EE. UU.; Color; Director: William Wyler; Guion: Karl Tunberg, Gore Vidal, Maxwell Anderson, Christopher Fry, S. N. Behrman; Música: Miklós Rózsa; Fotografía: Robert Surtees; Intérpretes: Charlton Heston, Jack Hawkins, Haya Harareet, Stephen Boyd, Hugh Griffith, Martha Scott, Cathy O Donnell, Sam Jaffe, Finlay Currie, Frank Thring, Terence Longdon, Andre Morell, Emma Baron, Marina Berti, Ady Berber; Duración: 224 minutos.

James Cameron dijo que para el argumento de Avatar se había inspirado en todas las novelas de ciencia ficción que leyó siendo niño y novelas de aventuras de autores como Edgar Rice Burroughs, creador de Tarzán de los Monos, pero también de las sagas de John Carter de Marte y Pellucidar, y H. Rider Haggard (autor, entre otras, de Las minas del rey Salomón). Caray, pues debieron de olvidársele, porque Avatar es Pocahontas en el espacio y con unos gatos hippies color azul pitufo que hacen cosas exóticas con las colas de los dragones que les sirven como medio de transporte y ocio. Desde Titanic no dejo de preguntarme qué le ocurrió a Cameron después de Abyss. ¿Le raptaron los alienígenas y le implantaron una larva cerebral? ¿Le pasó Cameron la larva cerebral a Schwarzenegger, como nos enseñó David Cronenberg en su recomendable película de terror Vinieron de dentro de…? ¿O fue al revés? Para contar eso hace falta una edición especial del programa Cuarto milenio y a Iker Jiménez profundizando a tope en las ediciones que existen de Avatar: una edición especial de 171 minutos de duración y un montaje extendido con un total de 178 minutos. Reventó la taquilla midiéndose con pesos pesados: Transformers: la venganza de los caídos, Harry Potter y el misterio del príncipe, La saga crepúsculo: luna nueva, Resacón en Las Vegas, el relanzamiento de Star Trek firmado por J. J. Abrams, Un sueño imposible, Monstruos contra alienígenas e Ice Age 3: el origen de los dinosaurios. Tema unido a Avatar es el impacto que puede llegar a tener en el mercado futuro del cine la llegada a la cartelera de las secuelas de la película que el director lleva preparando desde hace años: una auténtica descarga de artillería pesada en el planeta blockbuster. M.J.P.

Quince millones de dólares de presupuesto para recrear con mayor espectacularidad que nunca los fastos de la antigüedad de Roma, con una historia de los tiempos de Cristo que se ha convertido en título emblemático del cine épico y además presume de ser una de las campeonas en los premios Oscar, con récord de estatuillas conseguidas, once. Ganó en las categorías de Mejor Película, Actor, Actor de Reparto (Griffith), Director, Fotografía en color, Dirección Artística en color, Vestuario en color, Sonido, Montaje, Efectos Especiales y Música. Y la nominaron como Mejor Guion adaptado. Es la mejor muestra, junto con Lo que el viento se llevó, de que antes los títulos más taquilleros sí conseguían destacar por calidad en los premios del año, algo más difícil de ver en las épocas del blockbuster moderno. En el año de Ben-Hur, esta muestra del blockbuster de calidad, con director sólido al frente, compitió con French Cancan, basada en un musical de éxito en Broadway, Psicosis, de Hitchcock, la comedia de Blake Edwards Operación Pacífico, con Cary Grant casi entregando el relevo de galán cómico a Tony Curtis en un submarino, otra comedia, El apartamento, de Billy Wilder, la también épica y bíblica Salomón y la reina de Saba, que se rodó en España y durante la filmación perdió a su protagonista, Tyrone Power, fallecido y reemplazado por Yul Brynner, la adaptación de la obra de Tennessee Williams De repente el último verano, protagonizada por Elizabeth Taylor, Katharine Hepburn y Montgomery Clift, una apocalíptica nuclear, La hora final, con Gregory Peck, Ava Gardner, y otro submarino, el drama Una mujer marcada, con Elizabeth Taylor, y Desde la terraza, con Paul Newman y Joanne Woodward. M.J.P.

CARTEL-MANÍA BLOCKBUSTERS

EL RETORNO DEL JEDI

VENGADORES: ENDGAME

Star Wars: Episode Vi – Return Of The Jedi 1983; EE. UU.; Color; Director: Richard Marquand; Guion: Lawrence Kasdan, George Lucas; Música: John Williams; Fotografía: Alan Hume, Alec Mills; Intérpretes: Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Billy Dee Williams, Anthony Daniels, David Prowse, James Earl Jones, Frank Oz; Duración: 131 minutos.

Entre los directores considerados por George Lucas para El retorno del jedi estaban Steven Spielberg, que no pudo dirigirla debido a problemas con el Gremio de Directores, David Cronenberg, que declinó la oferta, David Lynch que demostró no tener ningún interés en el proyecto, y Lamont Johnson que ya había dirigido uno de los largometrajes que explotaba el éxito de la trilogía galáctica Cazador del espacio (Aventuras en la zona prohibida) protagonizada por Peter Strauss, Molly Ringwald, Ernie Hudson y Michael Ironside. Finalmente, Lucas optó por Richard Marquand, lo que le obligó a visitar a menudo el rodaje debido a la inexperiencia del director con los efectos especiales. Gary Kurtz, que fue sustituido como productor por Howard Kazanjian, declaró años después que la idea de matar a Han Solo a mitad de película para provocar la duda en el espectador de si el resto de protagonistas iba a sobrevivir fue desechada por George Lucas basándose en los beneficios que Lucasfilm había obtenido con la venta de figuras de la saga. El propio Harrison Ford, de quien había partido la idea de matar a Han Solo, declaró también que “George no veía ningún futuro en la venta de muñecos de un Han Solo muerto”. En su año de estreno superó a Tootsie, Flashdance, Entre pillos anda el juego, Juegos de guerra, Octopussy, Las locas peripecias de un señor mamá, la secuela de Fiebre del sábado noche dirigida por Sylvester Stallone, Staying Alive, el lanzamiento al estrellato de Tom Cruise en Risky Business y Las vacaciones de una chiflada familia americana, con Chevy Chase, Superman 3, el retorno de Sean Connery al papel de 007 en Nunca digas nunca jamás, Gandhi, Límite 48 horas, Reencuentro, La fuerza del cariño, El Trueno Azul, Tiburón 3D, Impacto súbito y Veredicto final. . M.J.P.

Avengers: Endgame 2019; EE. UU.; Color; Director: Anthony Russo, Joe Russo; Guion: Christopher Markus, Stephen McFeely; Música: Alan Silvestri; Fotografía: Trent Opaloch; Intérpretes: Robert Downey Jr., Chris Evans, Mark Ruffalo, Chris Hemsworth, Scarlett Johansson, Jeremy Renner, Don Cheadle, Paul Rudd, Benedict Cumberbatch, Chadwick Boseman, Brie Larson, Tom Holland, Karen Gillan, Zoe Saldana, Evangeline Lilly, Tessa Thompson, Rene Russo, Elizabeth Olsen, Sebastian Stan, Anthony Mackie, Tom Hiddleston, Danai Gurira; Duración: 181 minutos.

Dato: la campaña de marketing de la película tuvo un presupuesto de 200 millones de dólares, la más cara de todas las películas de Marvel Studios, así que pueden imaginarse con qué munición disparaban los grandes estudios a la hora de medirse en sus duelos por la taquilla en la era precoronavirus. El tiempo nos dirá, no tardando mucho, si ha cambiado o no el paisaje de inversiones en este capítulo en la próxima fase de la era blockbuster, pero lo que está claro es que en esta película que simboliza el cierre de lo que en mi opinión debemos empezar a denominar la etapa clásica del universo cinematográfico Marvel (la fase 4 va a ser otra cosa, claramente), los estudios Disney pusieron toda la carne en el asador para llevarse el gato al agua, incluyendo el reestreno de un nuevo montaje con pocos minutos más y poco tiempo después el estreno del montaje original para batir el récord de recaudación de Avatar… ¿Operación de imagen? ¿Prestigio? Puede, pero ese reestreno no deja de parecerme un capricho caro e innecesario. En todo caso, Vengadores: Endgame se confirmó como la película más taquillera de las peripecias de superhéroes (o personajes del entorno superheroico de los cómics), seguida por su primera parte, Vengadores: Infinity War, Vengadores, Vengadores: la era de Ultrón, Black Panther, Los Increíbles 2, Iron Man 3, Capitán América: Civil War, Aquaman, Spiderman: lejos de casa, Capitana Marvel, El caballero oscuro: la leyenda renace, Joker, El caballero oscuro, Spiderman 3, Spiderman Homecoming, Batman vs. Superman: el amanecer de la justicia, Guardianes de la galaxia, volumen 2, Venom, Thor: Ragnarok y Wonder Woman. M.J.P.

CARTEL-MANÍA BLOCKBUSTERS

STAR WARS: EPISODIO I - LA AMENAZA FANTASMA Star Wars: Episode I – The Phantom Menace 1999; EE UU; Color; Director: George Lucas; Guion: George Lucas; Música: John Williams; Fotografía: David Tattersall; Intérpretes: Liam Neeson, Ewan McGregor, Natalie Portman, Jake Lloyd, Samuel L. Jackson, Ian McDiarmid, Pernilla August, Ahmed Best, Anthony Daniels, Kenny Baker, Frank Oz, Terence Stamp, Ray Park, Warwick Davis, Keira Knightley; Duración: 136 minutos.

George Lucas consiguió hacer sus precuelas de la saga de Star Wars, tal como se había propuesto, y tuvo total independencia para ello, contando con un presupuesto de 115 millones de dólares, que rápidamente se convirtió en el punto de partida para uno de los éxitos de taquilla anunciados. Los seguidores de la saga anhelaban reencontrarse con el universo de Star Wars, y las primeras impresiones de los tráiler, con un reparto de lujo, tenían muy buena pinta. Luego las cosa son fueron exactamente como algunos esperaban, pero igualmente la primera trilogía fue un éxito comercial que además ha sido reivindicado por la posterior deriva de los episodios VIII y sobre todo el desenlace de la saga en el IX, desarrollados por Disney y J.J. Abrams después de que Lucas vendiera su galáctica franquicia al estudio del ratón Mickey. Se puede aplicar aquí el célebre dicho: “Otros vendrán que bueno te harán”, y hoy son pocos, muy pocos, los seguidores de la serie que prefieran el Episodio IX al Episodio I, a pesar de que este desperdiciara la oportunidad de explotar más y mejor a Darth Maul, el gran Ray Park, y la trilogía en general se precipitara a prescindir de Liam Neeson, eso por no hablar de la subtrama romántica de Padme y Annakin, francamente difícil de digerir. Deseoso de volver a las galaxias de Lucas, el público hizo de la película la campeona de taquilla de 1999, superando a, por este orden, El sexto sentido, Austin Powers: el espía que me achuchó, Toy Story 2, The Matrix, Tarzan, Un papá genial, La momia, Novia a la fuga y la sorpresa de La maldición de la bruja de Blair. M.J.P.

CARTEL-MANÍA BLOCKBUSTERS

EL REY LEÓN The Lion King 1994; EE. UU.; Color; Director: Roger Allers, Rob Minkoff; Guion: Irene Mecchi, Jonathan Roberts, Linda Woolverton; Música: Hans Zimmer; Intérpretes: Rowan Atkinson, Matthew Broderick, Niketa Calame-Harris, Jim Cummings, Whoopi Goldberg, Robert Gillaume, Jeremy Irons, James Earl Jones, Moira Kelly, Nathan Lane, Cheech Marin; Duración: 88 minutos.

El rey león es la joya de la corona de la era de recuperación de taquillas para la animación en 2D de la compañía. Precedida por el rendimiento de películas como La sirenita o La bella y la bestia, se convirtió en un fenómeno del que hemos hablado largo y tendido ya en otra entrega de fichas de esta misma revista. Pero por lo que se refiere a sus números, sigue siendo el mejor ejemplo del cine de animación compitiendo con las películas en imagen real en el territorio de las rompetaquillas. Su coste de producción se estima en 79 300 000 dólares, cifra que la recaudación de la película en todo el mundo superó en 12,4 veces. Un año después de los dinosaurios de Spielberg, los leones dominaron la taquilla de 1994 superando a Tom Hanks en Forrest Gump, al tándem Schwarzenegger-Cameron de Mentiras arriesgadas, a Tim Allen en ¡Vaya Santa Claus!, a la versión en imagen real de los personajes de dibujos animados de la serie Los Picapiedra (antepasados de Los Simpson), a Harrison Ford en su segunda aventura como Jack Ryan en Peligro inminente, a Keanu Reeves en Speed, que además de lanzar al estrellato a Sandra Bullock era una copia de Jungla de cristal sobre ruedas, a Jim Carrey en La máscara, a Mel Gibson en el Oeste jugando a las cartas con Jodie Foster en Maverick, y a, ojo al reparto: Tom Cruise, Brad Pitt, River Phoenix, Antonio Banderas, Christian Slater y una joven Kirsten Dunst en Entrevista con el vampiro, adaptación del best seller de terror de Anne Rice. Un dato que tener en cuenta, La lista de Schindler se fue a parar al número 13 en la recaudación del año y Pulp Fiction fue a parar al número 20. M.J.P.

CARTEL-MANÍA BLOCKBUSTERS

PARQUE JURÁSICO Jurassic Park 1993; EE. UU.; Color; Director: Steven Spielberg; Guion: Michael Crichton, David Koepp; Música: x; Fotografía: Dean Cundey; Intérpretes: Sam Neill, Jeff Goldblum, Richard Attenborough, Bob Peck, Laura Dern, Martin Ferrero, B.D.Wong, Joseph Mazzello, Ariana Richards, Samuel L. Jackson, Wayne Knight, Gerald R. Molen, Miguel Sandoval, Cameron Thor, Christopher John Fields, Whit Hertford, Dean Cundey, Jophery C. Brown; Duración: 127 minutos.

Para poner las cosas en contexto hay que aclarar que al novela Parque Jurásico era ya un best seller en las librerías firmado por Michael Crichton, escritor y director de cine al que Spielberg le preguntó si había escrito su peripecia de dinosaurios para que él la dirigiera, llevándose un corte cuando el autor de la novela le dijo que no. En promoción quisieron venderla como Tiburón con un tiranousario rex, lo que podía despistar al público y además no respondía a la realidad, pero la jugada salió de lujo, contando además con la ventada de ser una aventura que podía reclutar como fans a los más jóvenes, con el oportuno tuneado del tono más siniestro y cercano al terror que había manejado Crichton en algunos momentos de su novela para superar las castrantes trabas de la clasificación por edades que se maneja en el mercado audiovisual estadounidense. Finalmente el tiranosaurio reinó en la taquilla, pero él ya era famoso antes de la película. Los que saltaron a la fama entre los aficionados fueron los velocirraptores, que de hecho acabaron convertidos en coprotagonistas de los posteriores reboots de la saga. En su año no pudo desbancarlos del primer puesto de la taquilla ni Harrison Ford ejerciendo como El fugitivo, ni Tom Cruise enfrentándose a una conspiración de abogados en La tapadera, ni Tom Hanks y Meg Ryan ligando en Algo para recordar, ni Robin Williams travestido en Señora Doubtfire, papá de por vida, ni Robert Redford haciendo Una proposición indecente a Demi Moore, ni Clint Eastwood poniéndose En la línea de fuego para salvar al presidente, ni el Aladdin de animación de Disney, ni Stallone con Máximo riesgo, ni la ballena orca de Liberad a Willy. M.J.P.

CARTEL-MANÍA BLOCKBUSTERS

EL GOLPE The Sting 1973; EE. UU.; Color; Director: George Roy Hill; Guion: David S. Ward; Música: Marvin Hamlisch, Scott Joplin; Fotografía: Robert Surtees; Intérpretes: Paul Newman, Robert Redford, Robert Shaw, Charles Durning, Ray Walston, Harold Gould, Eileen Brennan; Duración: 129 minutos.

Fue campeona no solo de la taquilla, sino también de los premios Oscar de ese año, algo de lo que no pueden presumir muchos blockbusters de nuestros días, a los que los premios de Hollywood se les resisten con tozudez. El golpe ganó las estatullas correspondientes a las categorías de Mejor Película (el segundo Oscar que ganó Universal desde Sin novedad en el frente, precisamente de 1930), Director, Guion Original, Dirección Artística, Diseño de Vestuario, Montaje y Música. Fue además nominada al Oscar en las categorías de Mejor Actor, Redford (que ganó el David Di Donatello en Italia e inicialmente era reticente a aceptar el papel, que estuvo a punto de ser interpretado por Jack Nicholson), Fotografía y Sonido. Y fue nominada al Globo de Oro al Mejor Guion. El director se empeñó en utilizar técnicas propias del cine de los años treinta en algunos aspectos, empleando no solo el logotipo del estudio Universal que aparecía en las películas de dicha década, sino además aplicando planos de iris y en el montaje claves de transición que pretendían meter al público en un viaje nostálgico al momento en el que se desarrolla la trama del filme. Redford y Newman cobraron medio millón de dólares por cabeza (unos 2 700 000 dólares de nuestros días). Esa cifra los convirtió en los actores mejor pagados del momento. Ambos habían protagonizado antes otro éxito de taquilla, el wéstern Dos hombres y un destino. En su mismo año de estreno fue competidora por la recaudación más abultada con El exorcista, Papillón, Harry, el fuerte, la segunda peripecia de Harry el Sucio, Herbie un volante loco, Sillas de montar calientes, The Trial of Billy Jack, El gran Gatsby, también con Redford, Serpico y el reestreno de Dos hombres y un destino, que se colocó en el décimo puesto de las más taquilleras de 1974. M.J.P.

QUE FUE DE...

KEVIN BACON

MEG RYAN

BIOGRAFIA Nacido el 8 de julio de 1958 en Filadelfia (Pensilvania), fundó y lidera la fundación SixDegrees.org, que ayuda a los más desfavorecidos de Estados Unidos. Como actor, se le pudo ver a finales de los setenta en Desmadre a la americana (John Landis, 1978), teniendo ya un papel destacado en el slasher Viernes 13 (Sean S. Cunningham, 1980), actuando posteriormente para directores como John Hughes, Ron Underwood, Joel Schumacher, Rob Reiner, Ron Howard o Clint Eastwood. FILMOGRAFIA DESTACADA: Footloose (Herbert Ross, 1984), en la que es Ren, un muchacho que cambiará la vida de una comunidad religiosa en la que están prohibidos el rock y el baile. El último escalón (David Koepp, 1999), interpretando a Tom, un padre de familia que tras ser hipnotizado tiene visiones de una chica asesinada en su barrio. SU PAPEL MAS DESTACADO El de Nick Hume en Sentencia de muerte (James Wan, 2007), el padre que busca venganza por el asesinato de un hijo por una banda de criminales, lo que le llevará a una espiral de violencia en la que destruirá todo lo que ama (y también odia). SU ULTIMO TRABAJO El corto Duck: A Film by Kevin Bacon, realizado por él mismo y que con forma de falso documental muestra el rodaje de una inexistente película, el episodio piloto (y único), dirigido por Vicenzo Natali, de la serie Temblores, retomando el papel de Valentine McKee, su aparición en la comedia televisiva SMILF o en la serie dramática City on a Hill. Y pronto llegará su nueva colaboración con David Koepp, You Should Have Left, una producción de terror acerca de un guionista empeñado en escribir la secuela de su mayor éxito.

BIOGRAFIA Nacida el 19 de noviembre de 1961 en Fairfield (Connecticut), su primera intervención cinematográfica fue en Ricas y famosas (George Cukor, 1981), en una carrera que casi abarca cuatro décadas tocando géneros como comedia, drama o thriller, en compañía de actores como Tom Cruise, John Candy, Val Kilmer, Billy Crystal o Kevin Kline. FILMOGRAFIA DESTACADA Joe contra el volcán (John Patrick Stanley, 1990), Algo para recordar (1993) y Tienes un e-mail (1998), ambas de Nora Ephron, tres comedias románticas con Tom Hanks. Más fuerte que el odio (Peter Hyams, 1988), en la que es Donna, la hija del teniente coronel Alan Caldwell (Sean Connery), que se ve obligado a investigar junto a un antiguo subordinado, el detective Jay Austin (Mark Harmon), un asesinato en la base militar de Presidio en San Francisco. SU PAPEL MAS DESTACADO Dos de sus colaboraciones con el que fue su esposo Dennis Quaid, El chip prodigioso (Joe Dante, 1987), una actualización de Viaje alucinante (Richard Fleischer, 1966), con Ryan en el papel de Lydia Maxwell, la novia del piloto Tuck Pendleton. Y Muerto al llegar (Rocky Morton y Annabel Jankel, 1988), una puesta al día de Con las horas contadas (Rudolph Maté, 1949), ahora protagonizada por un profesor de literatura, Dexter Cornell, con el que mantiene una breve pero intensa relación su alumna Sydney Fuller (Meg Ryan). SU ULTIMO TRABAJO El drama dirigido por ella misma en 2015, Ithaca, sobre un joven mensajero de telegramas durante la Segunda Guerra Mundial, proyecto en el que participa su hijo Jack Quaid, así como Tom Hanks. Y uno de sus últimos proyectos es la serie Picture Paris, que aún no ha llegado a materializarse.

QUE FUE DE...

MICHELLE PFEIFFER BIOGRAFIA Nacida el 29 de abril de 1958 en Santa Ana (California), es hermana de la también actriz Dedee Pfeiffer, con la que ha coincidido en Cuando llega la noche (John Landis, 1985), Frankie y Johnny (Garry Marshall, 1991) o Íntimo y personal (John Avnet, 1996). Tras iniciarse como modelo, en 1979 comenzó como actriz en la serie cómica Delta House, y sigue en activo. FILMOGRAFIA DESTACADA Lady Halcón (Richard Donner, 1985), en el papel de Isabeau, que a causa de una maldición le es imposible reencontrarse físicamente con su amado Navarre (Rutger Hauer). Las brujas de Eastwick (George Miller, 1987), donde es parte del trío de brujas formado por ella misma, Cher y Susan Sarandon frente al diablillo Daryl Van Horne (Jack Nicholson). La casa Rusia (Fred Schepisi, 1990), una historia de espionaje y de amor entre el británico Barley (Sean Connery) y la soviética Katya (Pfeiffer). SU PAPEL MAS DESTACADO El de la cantante Susie Diamond en el drama romántico Los fabulosos Baker Boys (Steve Kloves, 1989), que aparte de reunir en pantalla a los hermanos Jeff y Beau Bridges, le permitía mostrar sus cualidades vocales (en medio de una recordada banda sonora de Dave Grusin), tras Grease 2 (Patricia Birch, 1982). Por su labor fue galardonada con el Globo de Oro en 1990. SU ULTIMO TRABAJO La película basada en la obra de Agatha Christie Asesinato en el Orient Express de Kenneth Branagh, los filmes Marvel Ant-Man y la Avispa de Peyton Reed y Vengadores: Endgame de Anthony y Joe Russo, o la secuela Maléfica: maestra del mal de Joachim Rønning, a la espera del estreno del drama French Exit de Azazel Jacobs.

ALEC BALDWIN BIOGRAFIA Nacido el 3 de abril de 1958 en Massapequa (Nueva York), es el miembro de la saga de actores Baldwin más popular y ha ganado tres Globos de Oro y dos Emmy por su trabajo en la serie Rockefeller Plaza (y uno más por su impresionante imitación de Donald Trump). Es creador con su esposa de The Hilaria and Alec Baldwin Foundation, que apoya al arte y la cultura en sus diferentes facetas. FILMOGRAFIA DESTACADA Miami Blues (George Armitage, 1990), en la que Baldwin se convierte en un pícaro delincuente, Frederick J. Frenger Jr. La era del rock: Rock of Ages (Adam Shankman, 2012), siendo el dueño de la sala de conciertos The Bourbon Room, que canta junto a Russell Brand una de las más delirantes versiones del clásico de Reo Speedwagon Can’t Fight This Feeling. SU PAPEL MAS DESTACADO El del agente de la CIA Jack Ryan (que interpretó antes de ceder el puesto a Harrison Ford) en La caza del Octubre Rojo (John McTiernan, 1990), primera adaptación de la saga inspirada en las novelas de Tom Clancy, en un duelo interpretativo con Sean Connnery (cuyos diálogos le escribió expresamente para la ocasión el guionista y director John Milius), en una aventura con un submarino nuclear soviético fuera de control. SU ULTIMO TRABAJO Las comedias Before You Know It de Hannah Pearl Utt y Dos padres en apuros de Fred Wolf, la serie Will & Grace, el thriller Huérfanos de Brooklyn de Edward Norton, además de poner voz en la animada Artic Justice de Aaron Woodley y hacer del innovador John DeLorean en Framing John DeLorean de Don Argott y Sheena M. Joyce.

Janet Leigh

JANET LEIGH nada al Oscar en tres ocasiones, una de ellas interpretando a la Aviso para jóvenes cinéfilos que quieran navegar por estas madre del personaje de Sissy Spacek en Carrie, otra película de De páginas: si no habéis visto Psicosis, cuidado, en las próximas líneas Palma que empezaba con una muchacha en una ducha adaptando la hay spoiler… ¡Corred a ver la película, insensatos! Y luego regresad novela de Stephen King; Martha Hyer, nominada al Oscar por Como a leer el artículo. un torrrente; Shirley Jones, ganadora del Oscar como Mejor Actriz Jeanette Helen Morrison, que para los aficionados al cine y el de Reparto por El fuego y la palabra; Hope Lange, nominada al mundo en general era Janet Leigh, nació el 6 de julio de 1927 en Oscar por Vidas borrascosas, la misma película por la que nominaMerced, California, y falleció víctima de vasculitis el 3 de octubre de ron al Oscar como protagonista a Lana Turner, que fue otro nombre 2004 en Beverly Hills, Los Ángeles, California. barajado para interpretar a Marion Crane en Psicosis. La pantalla grande la convirtió en la víctima más recordada del Frente a todas ellas, Hitchcock eligió a Leigh, que precisacine de Alfred Hitchcock, y en un icono del género de terror en un mente con este trabajo consiguió la única nominación al Oscar y al momento clave para la pantalla grande, cuando el maestro del susGlobo de Oro de toda su carrera. Eso sí, en una discutible categoría, pense nos mostró el asesinato brutal del personaje más popular de porque la nominaron como Actriz de Reparto, cuando en realidad la filmografía de la actriz, Marion Crane, en una ducha del Motel bien podría haber estado nominada como protagonista. Otro caso Bates. similar reciente: Brad Pitt, como ¿secundario?, por Érase una vez Scarlett Johansson fue la encargada de dar vida a Janet Leigh en… Hollywood. en la película que se dedica a recorrer la vida de Alfred Hitchcock y Ese año el Oscar como su esposa durante el rodaje de Mejor Actriz de Reparto fue a Psicosis, Hitchcock, de 2012. parar precisamente a una de las No todas las estrellas de que había sido candidata al Hollywood pueden presentar en papel de Marion, Shirley Jones, su currículo un momento tan por El fuego y la palabra, pero icónico como este en un clásico Janet Leigh ganó el Globo de incuestionable del cine, una Oro como Mejor Actriz de película popular, imitada, homeReparto frente a Jones, Ina najeada y siempre recordada Balin (nominadas por Desde la como es Psicosis (1960). Y que terraza), Shirley Knight (por En además sentó las bases del la escalera oscura) y Mary Ure reinado de un nuevo tipo de (por Hijos y amantes). “monstruo” del terror –el En la mente de Janet asesino en serie–, en el cine, Leigh, la vida cinematográficadando lugar a numerosos “ecos” mente breve de Marion Crane en el cine, entre los cuales quizá (la actriz trabajó tres semanas el más obvio y significativo sea en el largometraje, una de ellas Vestida para matar (1980), de rodando la célebre escena de la Brian De Palma, o la huella que ducha) era mucho más amplia, dejó como referente en La ya que la propia actriz le consnoche de Halloween (1978), de truyó al personaje todo un John Carpenter, por no hablar pasado desde la infancia y la de la clara influencia que tiene época del instituto que no en el guion y la dirección de estaba ni en la novela de Robert Drew Goddard para su película Bloch que había servido como Malos tiempos en el Royale base para la película ni en el (2018), que podría ser definida guion escrito por Joseph como un híbrido de Hitchcock y Stefano (habitual de series de Quentin Tarantino. Por otra televisión que además, en el parte, las escenas de ducha con momento en que escribía el fémina, sangre y asesinato son libreto, estaba en tratamiento casi una epidemia en el cine de con su psicoterapeuta para solterror de los años ochenta y ventar el conflicto de relación noventa, y la trama de Psicosis que tenía con su propia madre siguió adelante en su propia saga de secuelas que protago- Scaramouche, película de capa y espada que protagonizó en 1952 junto en la vida real) para Psicosis. Un detalle que tener en nizó el actor de la original, a Eleanor Parker y Stewart Granger. cuenta: cuando se rodó el Anthony Perkins, inferiores, tráiler, Leigh ya no estaba distodo hay que decirlo, a la preponible, así que fue sustituida por Vera Miles, actriz que interprecuela televisiva titulada Bates Motel, aunque alguna era más divertaba a su hermana en el largometraje. No es la única ocasión en tida que el flojo remake de la película original dirigido en color por que Leigh tuvo “doble de cuerpo” (fórmula que Brian De Palma Gus Van Sant en 1998. aplicó y homenajeo en su escena de ducha en Vestida para matar y Es interesante recordar que Janet Leigh consiguió el que iba a a la que incluso le dedicó toda una película protagonizada por convertirse en el papel más importante de toda su carrera compiMelanie Griffith: Doble cuerpo, de 1984). Aunque Alfred Hitchcock y tiendo con otras alternativas que estuvieron revoloteando por el prola propia Leigh inicialmente afirmaron que era el cuerpo de la yecto en un momento u otro. En la lista de las candidatas que propia actriz el que aparecía en todo momento en la escena de la pasaron por la cabeza de Alfred Hitchcock o del estudio hay que desducha, no fue así. Se cambió por el de la modelo y showgirl Marli tacar a Eva Marie Saint, que había coprotagonizado a las órdenes del Renfro, que había sido portada de la revista Playboy en la edición de director Con la muerte en los talones en 1959 y había ganado el septiembre de 1960. La première de la película en Nueva York se Oscar como Actriz de Reparto por su trabajo en La ley del silencio; celebró en junio de ese mismo año, pero se estrenó el 10 de agosto, Angie Dickinson, que ganó el Globo de Oro como Actriz Promesa por y circuló por el resto del país en septiembre. Renfro cobró 500 su trabajo en el clásico del wéstern Río Bravo y luego volvería a dólares por prestar su físico como sustitución del de Leigh en ganarlo en televisión, junto con el estrellato en el medio que le dio algunos planos, aunque Leigh afirmó luego que los planos de protagonizar la serie La mujer policía (se sacó la espina interpreRenfro se habían cortado del montaje final exhibido en cines por tando una variante de Marion en Vestida para matar); Lee Remick, exigencias de la censura. nominada al Oscar por Días de vino y rosas; y Piper Laurie, nomi-

JANET LEIGH La crisis económica de la Gran Depresión marcó a su familia en su infancia, cuando su padre trabajaba en una fábrica y en cualquier otro trabajo que le permitiera llevar a casa dinero para mantener a su familia. Educada en la religión presbiteriana, Janet se pasó la infancia cantando en el coro local y además destacó como estudiante mostrando una madurez que le permitió superar varios cursos a la vez y graduarse en el instituto a los 16 años. Su rendimiento académico la llevó a matricularse y estudiar con éxito psicología y música en la universidad, al mismo tiempo que aprovechaba las vacaciones para trabajar como dependiente en tiendas y en los puestos de información de la propia Universidad en la que estudiaba para ayudar a su familia. La oportunidad de Janet para abrirse paso en el mundo del espectáculo llegó de la mano de una de las figuras femeninas más destacadas de Hollywood En la versión de Mujercitas compartió reparto con June Allyson (de pie), estrella de la en los años treinta y cuarenta, Norma Shearer. GanaMGM en esos momentos, y una Elizabeth Taylor (sentada a la izquierda) joven. dora de un Oscar por La divorciada y nominada a dicho premio en otras cinco ocasiones, Shearer era El asunto ha dado incluso para un libro titulado La chica en la conocida como la primera dama de Metro Goldwyn Mayer, uno de ducha de Alfred Hitchcock, escrito por Robert Graysmith y publicado los estudios de producción más poderosos del cine estadounien 2010. dense, y además había estado casada con el poderoso productor Irving Thalberg. Su hada madrina y su padrino de Bautismo En las Navidades de 1945, la estrella estaba de vacaciones en Pero no debemos olvidar que la carrera de Janet Leigh abarca la estación de esquí de las montañas de Sierra Nevada en la que tramucho más que su participación en Psicosis. bajaban los padres de Janet Leigh y vio una foto de esta que tomó Nacida en una familia de clase trabajadora, Janet era la hija prestada para mostrársela al cazador de nuevos talentos de MGM, única de Helen Westergaard y Frederick Robert Morrison. Sus Lew Wasserman. Leigh tenía dieciocho años y por mediación de la abuelos maternos eran inmigrantes daneses, y por parte de padre actriz recibió la invitación para presentarse a una prueba de pantalla sus ancestros le aportaban sangre escocesa, irlandesa y alemana. que la llevó a conseguir un contrato con el estudio. Janet interrumpió sus estudios pero retomó su asistencia a las aulas matriculándose en la Universidad del Sur de California en 1947. A los 19 años comenzó su carrera como actriz trabajando en programas de radio en un especial de Navidad emitido el 24 de diciembre de 1946. Un año más tarde, comenzó su carrera ante las cámaras en la película The Romance of Rosy Ridge (1947), y lo hizo directamente con un papel de figura femenina principal en un largometraje presupuestado en más de dos millones de dólares. Era algo muy poco habitual en la biografía de una actriz novata y da muestras de la confianza que tenían en su talento los responsables de MGM, que en esta película le buscaron el respaldo de dos probados y eficaces actores populares en la época, Van Johnson y Thomas Mitchell. Durante el rodaje de la película, Janet tuvo la oportunidad de conocer a Norma Shearer y agradecerle el respaldo que le había dado para comenzar su carrera ante las cámaras calificándola como su hada madrina en Hollywood. Sin embargo, su nombre artístico prevaleció por insistencia de su compañero Van Johnson. Los responsables del estudio dudaron mucho durante el rodaje sobre si la actriz debía aparecer como Jeanette Reames (su apellido de casada), y decidieron finalmente que aparecería como Jeanette Morrison, rechazando la otra alternativa, Janet Leigh. Pero finalmente, Johnson se mostró contrario a las otras posibilidades e impuso su criterio de bautismo a su joven colega como Janet Leigh, ejerciendo así como una especie de padrino en su bautismo artístico. Fue Johnson el que le recomendó que acortara su nombre de pila de Jeanette a Janet, pensando en que rodaban una película sobre la Guerra Civil, Lee podía ser un buen apellido, pero ella leyó el nombre como Leigh e inicialmente lo rechazó porque consideraba que se prestaría a confusión con el nombre de la estrella de otro drama de Guerra Civil, Lo que el viento se llevó, Vivien Leigh. A lo que Van Johnson le recordó que también había un actor Junto a Tony Curtis en El Gran Houdini, película en cuyos créditos llamado Van Heflin, y que eso no había perjudicado la carrera de aceptó aparecer por debajo de su marido, aunque ella era en ese momento una estrella más asentada y popular. ninguno de los dos. 4

JANET LEIGH

Junto a Kirk Douglas en Los vikingos, superproducción de aventuras que también contaba con Tony Curtis como protagonista.

La película fue un éxito, a pesar de que podría haber conseguido más rendimiento en la taquilla en caso de contar como protagonista masculino con James Stewart o Gregory Peck, que eran las dos primeras opciones del estudio para ese papel. Leigh consiguió impresionar a crítica y público con su trabajo, y en su recién comenzada carrera –la joven llevaba solo tres semanas en Hollywood cuando comenzó el rodaje–, se vio catapultada de inmediato a un nivel de reconocimiento inusual para tan corta trayectoria profesional ante las cámaras. El estudio no dudó en incorporarla a un reparto de lujo encabezado por Walter Pidgeon, Deborah Kerr en If Winter Comes (1947). MGM intentó a continuación repetir el éxito ante la cámara de la asociación Van Johnson-Janet Leigh en The Life of Monty Stratton, que debería haber empezado a rodarse en agosto de 1948, pero finalmente el proyecto fue remodelado como vehículo para explotar

La pareja formada por Tony Curtis y Janet Leigh, a los que aquí vemos casándose en la ficción de la comedia Vacaciones sin novia, era una de las más populares y seguidas por la prensa en el Hollywood de los años 50.

el dúo formado por James Stewart y June Allyson, cambiando el título por La historia de Stratton, estrenada en 1949. En su lugar, Janet Leigh acabó recibiendo estatus de estrella en su tercer largometraje, Las colinas de mi tierra (1948), donde interpretó el principal papel femenino, aunque la verdadera estrella y reclamo para la taquilla en este caso era la perra Lassie, y reforzó ese estrellato conseguido en tiempo récord interpretando un papel principal de pareja sentimental de uno de los protagonistas en la biografía de los creadores de musicales Richard Rodgers y Lorenz Hart, Letra y música (1948). Después de interpretar a las órdenes de Fred Zinnemann, la película de cine negro Acto de violencia (1949), junto a Van Heflin, Robert Ryan y Mary Astor, con la que iba a reencontrarse en el reparto de la película que fue el primer éxito de taquilla de su carrera en MGM: Mujercitas (1949). La novela de Louisa May Alcott había sido adaptada previamente al cine en 1917 y 1933, versión esta última estrenada en España con el título de Las cuatro hermanitas y dirigida por George Cukor con una generación anterior de actrices como protagonistas, encabezadas por Katharine Hepburn y Frances Dee en el papel de Meg que en la nueva versión de MGM en color interpretó Janet Leigh. El reparto lo completaban June Allyson, Elizabeth Taylor y Margaret O’Brien como las cuatro hermanas, que de haberse rodado según los planes iniciales del proyecto con David O. Selznick como productor, habrían sido interpretadas por Jennifer Jones, Diana Lynn, Bambi Linn y Rhonda Fleming en el papel de Meg, con Shirley Temple como posible alternativa. David O. Selznick prefirió irse a rodar el wéstern Duelo al sol y cedió el proyecto de Mujercitas para que lo dirigiera Mervyn LeRoy. El siguiente largometraje de la carrera de la actriz fue una película anticomunista, El Danubio rojo (1949), que no fue un éxito, pero le consiguió a Janet Leigh el aplauso de la crítica en un papel que en la primera versión del proyecto desarrollada en 1947 iba a interpretar Cyd Charisse. Esa primera etapa de su carrera se completó con títulos como The Doctor and the Girl (1949), junto a Glenn Ford, La dinastía de los Forsyte (1949), Holiday Affair (1949), en la que MGM la prestó a RKO para que acompañara a Robert Mitchum en una comedia romántica, y una de las películas más flojas de su carrera: Strictily Dishonorable (1951), comedia con poca gracia.

Cuatro matrimonios y dos hijas A esas alturas de su vida, Leigh se había casado ya en dos ocasiones. Su primer marido fue John Kenneth Carlisle. Una unión que duró poco más de cuatro meses, entre el agosto y diciembre de 1942, antes de que consiguieran la anulación. El segundo matrimonio de la actriz fue con Stanley Harold Reames, que de no ser por el empeño de Van Johnson le habría aportado su apellido artístico y con el que estuvo casada entre octubre de 1945 y septiembre de 1949. Pero, sin duda, el enlace que más marcó su carera fue el que la unió con Tony Curtis, joven estrella de Hollywood como ella con el que formó una de las parejas más perseguidas por la prensa del momento. Fueron en su momento el equivalente a lo que en fechas más recientes han sido parejas como la formada por Tom Cruise y Nicole Kidman o Brad Pitt y Angelina Jolie. El dúo reunía todas las características para llamar la atención de los paparazzi que los tenían como blanco favorito en la prensa de los años cincuenta. Eran jóvenes estrellas de Hollywood con sus carreras lanzadas hacia el estrellato. Paseaban su glamur por las reuniones de famosos más célebres del momento, alternando y codeándose con el Rat Pack capitaneado por Frank Sinatra y compartiendo éxito con ellos, o rodando películas caseras dirigidas por el cómico Jerry Lewis, amigo de ambos, a las que la actriz otorgó el mérito de permitirle explorar otros registros como actriz que el cine era reticente de proponerle, empeñado en mantener la etiqueta de “muchacha ingenua” con la que había alcanzado el estrellato. Cierto es que ambos formaban parte de lo que algunos autores han denominado la Generación del Silencio, que hubo de lidiar con la Caza de Brujas del senador Joseph McCarthy que daría lugar a las listas negras de Hollywood. No eran suficientemente maduros para ser parte de la generación que participó en la Segunda Guerra Mundial, que algunos autores denominan Generación G. I. Joe, y lle-

JANET LEIGH ambos en los años cincuenta, que daría lugar a las películas más significativas de la carrera de la actriz. Leigh y Curtis estuvieron casados entre junio de 1951 y septiembre de 1962, fecha de su divorcio. Tras perder en un aborto a su primer hijo en julio de 1953, tuvieron dos hijas. Kelly Curtis, actriz y directora de documentales (el último, Curling in Stanley, estrenado en 2019), nació el 17 de junio de 1956 en Santa Mónica, California. Su hermana, Jamie Lee Curtis, que debutó como estrella del cine de terror con La noche de Halloween y siguió en esa línea en su primera etapa, compartió reparto con su madre en La niebla (1980), y posteriormente ha tenido una amplia carrera como actriz, destacando sobre todo en la comedia en películas como Entre pillos anda el juego Un pez llamado Wanda, Mentiras arriesgadas o Puñales por la espalda, nació el 22 de noviembre de 1958. Janet Leigh y Jamie Lee Curtis volvieron a coincidir ante las cámaras en la secuela poco memorable de La noche de Halloween, Halloween H20: 20 años después (1998). La pareja dejó otro legado: cinco películas juntos: El gran Houdini (1953), donde ella, como siempre que trabajó junto a su marido, aceptó aparecer la segunda en créditos, a pesar de que en aquel momento ella Junto a Anthony Perkins, el Norman Bates de Psicosis, la película por la que Janet estaba mejor posicionada como estrella que él, Coraza Leigh es más recordada y que modernizó el cine de terror. negra (1954), Los vikingos (1958), Vacaciones sin novia garon demasiado pronto para formar parte de la oleada hippy de los (1958) y ¿Quién era esa chica? (1960). Y de paso fueron dos de los años sesenta. Estaban en medio de ambas épocas. En ese contexto, rostros famosos que apoyaron al Partido Demócrata en los años cinla pareja formada por Leigh y Curtis se convirtió en pretexto percuenta y sesenta. fecto para mostrar la cara más amable de un Hollywood de éxito en Leigh se casó una cuarta vez con Robert Jay Brandt, en sepun momento en que había otra cara más oscura, por culpa de la cual tiembre de 1962, matrimonio que la llevó a rechazar el papel de proalgunas carreras habían sido destruidas por la Caza de Brujas, víctitagonista femenina de La Pantera Rosa acompañando a Peter Sellers, David Niven y Robert Wagner, en el papel que finalmente mas de las delaciones de sus compañeros o empleadores al Comité interpretó Capucine. Tendría que haber rodado en Europa y su de Actividades Antiamericanas. reciente divorcio junto a su reciente matrimonio la llevó a preferir En 1950 Leigh había sido relacionada sentimentalmente en las quedarse en Estados Unidos cerca de su familia. páginas de las revistas de famosos con Johnny Stompanato, el guarLa década de los cincuenta, a la que puso fin Psicosis, fue la era daespaldas del mafioso Mickey Cohen, que posteriormente fue comdorada en la filmografía de la actriz como estrella del cine popular. En pañero sentimental de Lana Turner, cuya hija, Cheryl Crane, lo esta, a los títulos anteriores hay que añadir dos clásicos de las pelícuasesinó en 1958 durante una discusión de la pareja. También la las de capa y espada, Scaramouche (1952), junto a Stewart Granger, habían relacionado con el actor Peter Lawford, uno de los integranEleanor Parker y Mel Ferrer, la adaptación del cómic El príncipe tes del Rat Pack de Frank Sinatra. Pero fue sin duda su matrimonio Valiente (1954), donde encarnó a la princesa Aleta. También destacó con Tony Curtis lo que añadió más combustible al estrellato de en el wéstern de Anthony Mann Colorado Jim (1953), en los dramas de corte criminal Prisionero de su traición (1954) junto a Robert Taylor, y Los blues de Pete Kelly (1955), brilló junto a Jack Lemmon en la comedia musical Mi hermana Elena (1955), hizo lo que pudo en una película de aventuras selvática junto a Victor Mature, Safari (1956), sobrevivió a un encuentro con una de las parejas maduras con la que tuvo menos química en toda su carrera, John Wayne, en Amor a reacción (1957) (en la Generación del Silencio era saludable rodar alguna película con el Duque), y brilló como la esposa de un policía mexicano interpretado por Charlton Heston en el clásico imprescindible Sed de mal (1958), dirigido y coprotagonizado por Orson Welles. Leigh interpretó toda la película con un brazo roto, circunstancia que Welles y el director de fotografía camuflaron con distintos trucos y ángulos de cámara. La década de los sesenta no fue tan interesante, con la excepción de El mensajero del miedo (1962), la comedia musical Un beso para Birdie (1963), su paso como actriz de reparto por Harper, investigador privado (1966), protagonizada por Paul Newman, o Tres en un sofá (1966), dirigida y protagonizada por Jerry Lewis. La parte final de su carrera la dedicó mayoritaJunto a Tony Curtis y Dean Martin en ¿Quién era esa chica?. Martin era de los riamente a trabajos como actriz invitada en televisión. miembros más famosos del Rat Pack liderado por Frank Sinatra, cuyo entorno frecuentaba en la vida real el matrimonio Curtis-Leigh. Miguel Juan Payán 8

COLE SPROUSE

MINDY KALING

(Cole Mitchell Sprouse)

(Vera Mindy Chokalingam) 24 de junio de 1979, Cambridge, Massachusetts, Estados Unidos.

4 de agosto de 1992, Arezzo, Toscana, Italia. Altura: 1,81 metros.

Altura: 1,63 metros. Estado civil: Soltera, tiene una hija, pero se desconoce la identidad del padre. Su padrino, en cambio, es B. J. Novak, con quien mantuvo una relación similar a la de sus personajes en The Office. Deportes favoritos: Es dueña de un 1 por ciento del Swansea City A. F. C., el equipo de fútbol galés. Debut profesional: Cuando llegó a Dartmouth, su universidad, estudió escritura de teatro y fue parte del conjunto a capela The Rockapellas, del grupo de comedia de improvisación The Dog Day Players, creadora de la tira cómica Badly Drawn y escritora en el Dartmouth Jack-O-Lantern, la publicación humorística de la universidad. Todo ello la llevó a ser becaria del Late Night with Conan O’Brien. Se mudó a Brooklyn al acabar la universidad y trabajó de asistente de producción y como cómica en locales. Así debutó en el off-Broadway en una obra que escribió y donde interpretaba a Ben Affleck, Matt and Ben. Eso la llevó a fichar por The Office, donde debutó en 2005, igual que en el cine con Virgen a los 40.

Estado civil: Soltero, pero en una relación con su compañera de reparto Lili Reinhart desde 2017, que sigue en pie pese a los rumores, al parecer. Deportes favoritos: Practica snowboarding desde los cuatro años. Debut profesional: Aunque nacido en Italia junto con su hermano gemelo Dylan, la familia regresó a Estados Unidos cuando los bebés apenas tenían cuatro meses. Y a los ocho meses ya estaban interpretando. Su abuela, que era actriz y profesora de interpretación, lo sugirió y los niños —todavía bebés— empezaron a conseguir papeles en publicidad y televisión. Por ejemplo, en la serie Grace al rojo vivo, su debut en la pequeña pantalla en 1993 y donde estuvieron hasta ser ya niños, en 1998, compartiendo el mismo papel (hicieron lo mismo en Friends como hijo de Ross). En 1999 debuta en el cine con Un papá genial. Personajes: Fue Patrick Kelly en Grace al rojo vivo; Cody Martin en Hotel, dulce hotel: las aventuras de Zack y Cody; y Zack y Cody: todos a bordo. Ahora es Jughead en Riverdale.

Personajes: Ha sido Kelly Kapoor en The Office y, por supuesto, Mindy Lahiri en The Mindy Project, sus dos papeles importantes en televisión.

Premios: Nominado dos veces al Saturn, en 2018 y 2019, por su papel en Riverdale.

Premios: Fue nominada a seis Emmy por su trabajo como guionista en The Office.

Filmografía básica: Grace al rojo vivo (1993-1998), Un papá genial (1999), La cara del terror (1999), Friends (2000-2002), El maestro del disfraz (2002), Ocho noches locas (2002), El corazón es mentiroso (2004), Hotel, dulce hotel: las aventuras de Zack y Cody (2005-2008), Zack y Cody: todos a bordo (2008-2011), Zack y Cody: la película (2011), A dos metros de ti (2019), Riverdale (2017-¿).

Filmografía básica: Virgen a los 40 (2005), The Office (2005-2013), Hasta que el cura nos separe (2006), Sin compromiso (2011), Eternamente comprometidos (2012), Los tres reyes malos (2015), The Mindy Project (20122017), Un pliegue en el tiempo (2018), Ocean’s 8 (2018), Late Night (2019). Frases: “La mayoría de la gente quiere preguntarme por mi talla y decirme lo valiente que soy. No soy valiente, simplemente no soy delgada”.

Frases: “Ambos tenemos un diario y escribimos todos los días” (sobre su hermano y él).

¿Sabías que…? Es la creadora de, entre otras, las series The Mindy Project, Champions, Cuatro bodas y un funeral y de la próxima Yo nunca…

¿Sabías que…? Dejó la interpretación en 2011, estudió en la universidad (mientras trabajaba en una tienda de cómics) y se dedicó a la arqueología, hasta que Riverdale le sacó de su retiro.

RICKY GERVAIS

LILI REINHART

(Ricky Dene Gervais)

(Lili Pauline Reinhart)

25 de junio de 1961, Reading, Berkshire, Inglaterra, Reino Unido. Altura: 1,73 metros. Estado civil: Soltero, pero en una relación con la productora Jane Fallon desde 1982, cuando se conocieron. Debut profesional: La carrera de Ricky Gervais no pasaba por la interpretación. Estudió en la Universidad de Londres, donde conoció a su pareja actual y formó un grupo musical en 1983 junto con su compañero Bill Macrae, Seona Dancing, con el que fracasó. También fue mánager de Suede y estuvo trabajando en la radio durante años. Así comenzó a finales de los noventa su carrera como cómico, debutando en la televisión en el programa The 11 O’Clock Show, con sus mordaces y ofensivas críticas a la sociedad actual. En cine se inicia en 2001 con un pequeño papel en Dog Eat Dog. Personajes: Siempre será David Brent en la mítica The Office, pero no olvidamos a Andy Milman en Extras, Derek en Derek y Tony en After Life. Premios: Ganador de un Globo de Oro en 2004, un Emmy en 2005 y siete BAFTA por The Office y Extras. Filmografía básica: The Office (2002-2004), Noche en el museo (2006), Stardust (2007), Extras (2005-2007), Me ha caído el muerto (2008), Noche en el museo 2 (2009), Cruce de destinos (2009), Life’s Too Short (2011-2013), Derek (2012-2014), Noche en el museo: el secreto del faraón (2014), Special Correspondents (2016), After Life (2019-¿). Frases: “No soy un lobo con piel de cordero. Soy un lobo con piel de lobo”. ¿Sabías que…? Colabora habitualmente con Stephen Merchant, con quien ha escrito y protagonizado Extras o The Office. También ha dirigido esas series y sus películas Increíble pero falso o Cruce de destinos, entre otras. Tras estar dos semanas estudiando Biología en la universidad, se cambió a Filosofía, carrera en la que se licenció.

13 de septiembre de 1996, Cleveland, Ohio, Estados Unidos. Altura: 1,68 metros. Estado Civil: Soltera, pero tiene una relación con su compañero de reparto Cole Sprouse desde 2017, que sigue en pie pese a los rumores, al parecer. Apodo: Lil. Deportes favoritos: Le encantan la danza moderna y bailar desde niña. Debut profesional: Según ha contado la propia actriz, era una apasionada del canto, la interpretación y el baile desde niña, por lo que convenció a su madre para que la empezase a llevar a audiciones desde que tenía diez años, lo que hizo que firmase con su primera agencia en Cleveland cumplidos los once, y que comenzase a acudir desde Ohio a Nueva York para hacer audiciones, al menos una vez al mes, en castings que encontraban on-line. La intérprete firmó con una nueva representante en Nueva York en 2011. Debutó en televisión en el piloto no comprado Scientastic en 2010 y de forma oficial en Ley y orden: Unidad de Víctimas Especiales en 2011, año de su debut en cine en Lilith. Personajes: Es Betty Cooper, el mítico personaje de los cómics de Archie, en Riverdale. Premios: Estuvo nominada a un Saturn a mejor actriz joven por Riverdale en 2018. Filmografía básica: Lilith (2011), Los reyes del verano (2013), Gibsonburg (2013), Forever’s End (2013), Alguien está vigilándote (2016), Miss Stevens (2016), Galveston (2018), Estafadoras de Wall Street (2019), Los ángeles de Charlie (2019), Riverdale (2017-¿), Our Chemical Hearts (2020). Frases: “No hay diferencias entre quien soy en Twitter o Instagram y la vida real”. ¿Sabías que…? Ha lidiado durante años con la depresión y la ansiedad y dice que estaba en un momento muy malo cuando Riverdale llegó a su vida. Plasmó todo eso en un libro de poemas, Swimming Lessons: Poems, que se editará en septiembre de 2020.

SERIES DE TV

LOS ÁNGELES DE CHARLIE

STAR WARS: THE CLONE WARS

Temporada 1 (Charlie’s Angels)

Temporada 1

Emisión en EE UU: 22 de septiembre de 1976-4 de mayo de 1977, ABC; Reparto: Kate Jackson, Farrah Fawcett, Jaclyn Smith, David Doyle, John Forsythe (voz), David Ogden Stiers (solo en el piloto).

Emisión en EE UU: 3 de octubre de 2008-20 de marzo de 2009, Cartoon Network; Reparto: Matt Lanter, James Arnold Taylor, Ashley Eckstein, Dee Bradley Baker, Tom Kane, Matthew Wood, Ian Abercrombie, B. J. Hughes, Terrence C. Carson, Corey Burton, Tom Kenny, Anthony Daniels.

Uno de los productos televisivos más importantes de la historia, de los más icónicos y una revolución en su momento al ser una de las primeras series que tomaban a tres protagonistas femeninas y las ponían a combatir el crimen, como cualquier otra protagonizada por hombres. Aunque es curioso que lo que tenemos en realidad fue un producto bastante peculiar, que continuamente sexualizaba a sus protagonistas y no terminaba de tomárselas en serio. La ficción fue creada por Ivan Goff y Ben Roberts, los padres de Los bribones, pero en realidad la serie era hija de Aaron Spelling — uno de los productores de televisión de más éxito y más conocidos de la historia del medio—, que aquí era en realidad quien controlaba creativamente el proyecto, aunque la idea original fuese de los guionistas, los cuales empezaron a adaptarse a las exigencias de productores y actrices. Spelling concibió la producción en torno a Kate Jackson, a quien ofrecieron ser Kelly, pero prefirió ser Sabrina. La actriz había destacado en la serie Los patrulleros. La actriz tenía derecho de decisión en determinados elementos creativos. En un inicio, Charlie sería un personaje presente en la serie, y ella y Spelling le convirtieron en una voz sin rostro. Jaclyn Smith fue la única en pasar un casting, ya que Farrah Fawcett fue elegida tras su paso por La fuga de Logan. Y, además, fue el fenómeno de Los ángeles de Charlie, convirtiéndose en icono de la época y abandonando esta tras su primera temporada. La ficción llegó a ser la quinta más vista del año, y eso pese al temor de ABC de que un producto liderado por mujeres no funcionase. De hecho, a pesar del arranque espectacular del piloto, la cadena seguía creyendo que reproducir la serie era mala idea, y lo emitió de nuevo para comprobar que eran cifras reales… y se quedaron pasmados. El jefe de Bosley en el piloto de dos horas fue descartado por considerarle demasiado severo. La primera temporada recibió tres nominaciones a los Globos de Oro para Jackson y Fawcett como protagonistas y a mejor serie, pero no ganó ninguno.

Star Wars siempre ha sido uno de los productos audiovisuales más rentables de la historia del cine. Y, por supuesto, eso lo ha hecho también extremadamente rentable en otros medios, como literatura, merchandising, videojuegos, cómics o, sin duda, televisión. Animación ante todo, porque lo que hemos visto han sido especialmente series animadas. Previamente a este, tuvimos una ficción de cortos animados en la propia Cartoon Network. Tras su final, Lucas anunció que estaban trabajando en una serie en 3D de animación centrada nuevamente en las Guerras Clon, que tardaría algo en llegar (era 2005) y la cual finalmente veríamos en Cartoon Network también. La original en 2D vino de la mano de Genndy Tartakovsky, quien criticó seriamente que esta nueva serie se centrase en esa época. Pero con David Filoni como su creador y director general estábamos en buenas manos. Precedida de una película que se estrenó en verano de 2008 (y que obtuvo malas críticas, pero que en realidad eran cuatro episodios unidos en una cinta que se fueron de la serie), la ficción empezaba narrando los hechos sucedidos entre los Episodios II y III del cine, donde sucedían las Guerras Clon propiamente dichas, que se anunciaban al final del segundo y finalizaban durante el tercero. Y aunque Anakin Skywalker y Obi-Wan Kenobi fuesen elementos claves de la serie, otros personajes podían brillar y protagonizar sus propios arcos, como Yoda, los soldados clon o una de las grandes incorporaciones, Ahsoka Tano, la padawan de Anakin. Una relación de amistad y casi de hermandad que se forja poco a poco entre los personajes y una mezcla maravillosa entre la aventura, la épica, la acción y las batallas estelares. Y los combates con sables láser, por supuesto. Veintidós episodios que tenían varios autoconclusivos, pero también varios arcos de dos, tres o cuatro episodios, mientras ambos bandos intentaban convencer o conquistar distintos planetas o sectores de la galaxia. Dooku y Grievous eran los principales villanos en esta primera temporada.

SERIES DE TV

THE WITCHER

THE MANDALORIAN

Temporada 1

Emisión en todo el mundo: 20 de diciembre de 2019, Netflix; Reparto: Henry Cavill, Freya Allan, Eamon Farren, Anya Chalotra, Joey Batey, MyAnna Buring, Royce Pierreson, Mimi Ndiweni, Anna Shaffer, Jodhi May, Adam Levy, Lars Mikkelsen.

Emisión en EE UU: 12 de noviembre de 2019-27 de diciembre de 2019, Disney +; Reparto: Pedro Pascal, Carl Weathers, Werner Herzog, Nick Nolte (voz), Gina Carano.

Convertido en un fenómeno internacional gracias a las novelas de Andrzej Sapkowski, el personaje de Geralt de Rivia, el brujo del título, y todo aquello que le rodea vieron su fama aumentar más allá de la literatura cuando el estudio de videojuegos polaco (la tierra natal del creador, donde todo nació) CD Projekt Red llevó el personaje al mundo de los juegos convirtiéndolo en una de las mejores trilogías de rol que se recuerdan, en un éxito brutal de ventas y en un nombre común para los usuarios y la cultura popular. De ese modo, los videojuegos eran secuela de las novelas, aunque su creador no estuviese muy de acuerdo. Fue entonces cuando Netflix decidió que The Witcher sería su respuesta a Juego de tronos. No porque se parezcan, sino por el elemento de fantasía épica que podían compartir, atrayendo al mismo tipo de público. Y visto que había que distanciarse un poco de los videojuegos, la mejor forma era regresar al material literario, adaptándolo desde el principio de la mano de la guionista Lauren Schmidt Hissrich, quien tenía entre manos una labor nada sencilla. Contar la historia de Geralt, sí, pero también la de Yennefer y Ciri, los otros dos personajes protagonistas, cuyos destinos estaban entrelazados, pero que no se unían hasta determinado momento, lo que suponía un juego temporal muy curioso. Asimismo, la ficción contaba como protagonista con Henry Cavill, estrella de cine y actual Superman, quien era fanático del videojuego, por lo que no costó convencerle de que se pusiera manos a la obra con la serie. La trama nos presentaba un mundo de fantasía con reinos enfrentados entre sí, criaturas misteriosas, monstruos, magia y brujos. Seres creados como aberraciones genéticas, despreciados por la gente, pero indispensables para cazar a los monstruos que acechan a la población. Males necesarios, expertos luchadores y, además, con ciertos dones. Geralt es el mejor de todos ellos, el Lobo Blanco. Aunque se inspirase en los libros, las luchas de espada o la música, e incluso ciertos diseños, recuerdan indudablemente a los juegos.

Por fin con la primera temporada emitida en España podemos hablar con libertad de The Mandalorian, la serie que sirvió para lanzar un servicio de streaming tan importante como Disney +, convertida en uno de los grandes éxitos de televisión de 2019 y en uno de los fenómenos más arrolladores de la cultura popular de los últimos años. Además de crear dos elementos que han logrado ser los favoritos de los fans, como son Baby Yoda (su nombre en la cultura popular, en la ficción es el Niño o la Criatura) y el propio mandaloriano que la protagoniza. Concebida por Jon Favreau, director por ejemplo de las dos primeras entregas de Iron Man, curiosamente aquí se situó como guionista y showrunner de la serie, además de productor ejecutivo con otro nombre muy querido por los fans de Star Wars, Dave Filoni, creador de Clone Wars y responsable de dirigir dos episodios de la temporada, incluyendo el piloto. La idea de Favreau tomaba inspiración en uno de los elementos de la película original, el wéstern, y en un personaje cercano al de Clint Eastwood en los wésterns que protagonizó, todo mezclado con la mitología de Star Wars. Un mandaloriano, como Boba Fett, que se dedica a trabajar como cazarrecompensas en los rincones más recónditos de la galaxia. La serie comenzaba con un trabajo extraño, pero extraordinariamente bien pagado para el protagonista si conseguía recuperar a un peculiar personaje, que acabaría siendo el bebé más popular en televisión en años. Asimismo, contaba con Pedro Pascal en el papel protagonista, pero debido a los compromisos del actor no pudo rodarla en su totalidad, así que en muchos momentos son sus dobles, Lateef Crowder y Brendan Wayne —nieto de John Wayne—, quienes están en pantalla. Mucho más de lo que pensamos, al parecer. Además de Filoni, Taika Waititi, Bryce Dallas Howard, Rick Famuyiwa y Deborah Chow se encargaron de los episodios, todos nombres más que conocidos. Amy Sedaris, Ming-Na Wen, Natalia Tena, Mark Boone Junior, Matt Lanter, Giancarlo Esposito o Jason Sudeikis son algunos de los rostros o voces populares que aparecen en la primera temporada.

SONRISAS Y LÁGRIMAS

En algunos países latinoamericanos Detalle anecdótico de cómo la ficción FICHA TÉCNICA se estrenó como La novicia rebelde, que siempre necesita cambiar de algún modo la Director: Robert Wise; Intérpretes: Christopher Plummer, remite casi más a una película protagonizarealidad: originalmente Maria Trapp fue fiJulie Andrews, Eleanor Parker, Richard Haydn, Peggy Wood, da por Rocío Dúrcal que a este musical que chada para ejercer como profesora particuCharmian Carr, Heather Menzies-Urich, Nicholas Hammond, lanzó a la fama a Julie Andrews. Es más, lar de una de las hijas que estaba enferma Duane Chase, Angelar Cartwright, Debbie Turner, Kym Karath, Anna Lee, Portia Nelson, Ben Wright, Daniel Truhitte, hay una película dirigida por Luis Lucia en y no podía ir a la escuela, no como instituNorma Varden, Gilchrist Stuart, Marni Nixon, Evadne Baker; 1972 precisamente con ese título, La novitriz de toda la horda de retoños del viudo. Año de producción: 1965; Nacionalidad: EE. UU.; Guion: cia rebelde, enmarcada dentro del cine muSonrisas y lágrimas es la tercera pelíGeorge Hurdalek, Howard Lindsay, Russel Crouse, Ernest Lehman. Fotografía: Ted D. McCord; Música: Irwin Kostal; sical en clave de comedia, basada en la nocula más taquillera de la historia del cine, Color; Duración: 172 minutos. vela de Armando Palacio Valdés, que acabó después de Lo que el viento se llevó y La estrenándose en esos mismos países como guerra de las galaxias (Star Wars, episodio La novicia soñadora, evitando las coincidencias en el título con la IV: una nueva esperanza), ajustando el valor de recaudación que película norteamericana. consiguió en su momento. Merced a ella, el estudio 20th Century El punto de partida de Sonrisas y lágrimas también había sido Fox pudo salir de una seria crisis que atravesaba en un momento en un libro. La película era la adaptación de un exitoso musical de Broque la frecuentación de salas de cine había bajado en Estados Uniadway estrenado en 1959 que contó con composición de Richard dos por la competencia con la televisión y con otras alternativas de Rodgers y letras de Oscar Hammerstein II. Dicho musical se había ocio, algo que los grandes estudios de Hollywood intentaron combabasado, a su vez, en un libro de memorias publicado en 1949 con el tir invirtiendo grandes presupuestos en superproducciones de máxitítulo de The Story of the Trapp Family Singers, escrito por Maria von mo riesgo para las compañías donde ofrecían al público espectácuTrapp, quien además realiza un cameo en la película durante la canlos que no podían ver en la pequeña pantalla de sus televisores, ción “I Have Confidence”. convertidos en los principales protagonistas del ocio doméstico. En el libro y en el musical derivado se sentaban las bases de Sonrisas y lágrimas contó con un presupuesto de 8 200 000 un argumento que se mostró imbatible tanto en la taquilla de los tedólares, y fue la mas taquillera del año en el que además su protaatros como de los cines cuando se estrenó la película. gonista femenina, Julie Andrews, saltó al estrellato y cosechó sus Una novicia que va camino de convertirse en monja en Salzburdos mayores éxitos en la pantalla grande, que no volverían a repetirgo, Austria, ve cambiado su destino cuando la envían en 1938 a ejerse en su carrera hasta que, ya en la madurez, participara en las cocer como institutriz de los siete hijos de un oficial naval retirado que medias 10, la mujer perfecta y Víctor o Victoria, e incluso en ese caademás se ha quedado viudo. Siempre que llego a esta parte del arso no alcanzaron el nivel de popularidad de las dos películas que gumento me recuerda los anuncios de espectáculos de gladiadores en encabezaron la lista de las más taquilleras del año 1965. En ese la antigua Roma, o de una corrida de toros. ¡Siete hijos! Y para ponerlo año, tras el primer puesto alcanzado por Sonrisas y lágrimas, la semás difícil de distintas edades, así que los hay que están incluso en la gunda más taquillera fue otra película con Andrews rodeada de crídenominada –e insoportable– “edad del pavo”, con las hormonas baios: la producción Disney Mary Poppins. lando la conga detrás de quien no deben (un joven nazi, por ejemplo). El fenómeno Julie Andrews superó incluso el gancho de Sean Naturalmente, la novicia conquista a base de cantos variados Connery como 007 en Goldfinger, tercera más taquillera del año. primero a los hijos, y luego al padre, liándola parda en los planes de También batió a la igualmente virginal y asexuada Audrey Hepburn matrimonio de una aspirante a sacar al marino de su viudedad –en en otro musical, My Fair Lady, cuarto clasificado, mostrando el dola película, una atractiva Eleanor Parker con pinta de mujer fatal minio del género en su traducción más espectacular y estilo blockfrente a la asexuada ingenua interpretada por Julie Andrews–, y forbuster en este año. La música era también un factor muy presente mando una familia que se conjura para escapar a tiempo de los naen la quinta más taquillera, ¿Qué tal, Pussycat?, que coprotagonizazis emigrando a otro lugar, lo cual después de tanta música le da un ba Peter O’Toole junto con Peter Sellers, aunque en realidad estaba puntito de intriga al tercer acto de la historia. pensado inicialmente para Warren Beatty. El wéstern se abrió paso El argumento es infalible, como cualquier historia de familia en el sexto puesto de la lista con El valle de la violencia, donde la numerosa. Que la novicia herede de golpe siete hijos sin tener que historia de una familia y los valores familiares que habían oficiado pasar por el tálamo nupcial es tranquilizador para los productores como anzuelo en Sonrisas y lágrimas estaban también presentes, en empeñados en buscar la etiqueta de “para todos los públicos” y reeste caso asociados asimismo a una etapa convulsa de la historia, la sulta imposible encontrar una fórmula de cine más “familiar” que esguerra civil del norte contra el sur de Estados Unidos. ta. Propuesta argumental que en Alemania se estrenó con su metraje Castillos en la arena, protagonizada por Elizabeth Taylor y Rioriginal de 172 minutos recortado a 138. Un tijeretazo de récord. chard Burton, rompía esa tendencia por el espectáculo visual con Esa misma familia Trapp, arropada por el éxito del musical y claves familiares como la séptima más taquillera, dejando en el ocde la película, había protagonizado previamente dos largometrajes tavo puesto la peripecia bélica en tren durante la Segunda Guerra de Alemania Occidental. La primera titulada La familia Trapp (1956) Mundial de El coronel Von Ryan, donde –en contra de la tendencia musical del año– Frank Sinatra no cantaba porque estaba muy ocudirigida por Wolfgang Liebeneiner, que volvió a la carga dirigiendo la pado apretando el gatillo y liberando prisioneros de los alemanes. secuela, La familia Trapp en América (1958), con el mismo reparto. El cebo “familiar” que pedía el público en ese año reaparece en Curiosamente, a esas dos películas también le metieron tijera la novena película más taquillera, Operación Whisky, con Cary Grant en Estados Unidos: las estrenaron en un montaje que fundía los dos rodeado de criaturas adelantando a la película episódica con reparto largometrajes dejándolos reducidos a un total de 106 minutos y dode estrellas El Rolls-Royce amarillo, que fue la décima más taquillera. blados al inglés.

MERLE OBERON (ESTELLE MERLE O’BRIEN THOMPSON) 19 de febrero de 1911, Bombay (India)-23 de noviembre de 1979, Malibú, California (Estados Unidos)

con posterioridad, hasta el punto de que su trabajo con Lubitsch es posterior a ese accidente.

FILMOGRAFÍA

HIJA DEL IMPERIO Y ORIGEN SECRETO

1928.- Las tres pasiones; 1930.- The W Plan, Alf’s Burton, A Warm Corner; 1931.- Never Trouble Trouble, Fascination; 1932.- Service for Ladies, Ebb Tide, Aren’t We All?, Ensayo nupcial, Men of Tomorrow, For the Love of Mike; 1933.- Strange Evidence, La vida privada de Enrique VIII; 1934.- Hara-Kiri, The Broken Melody, La vida privada de Don Juan, La pimpinela escarlata; 1935.- El caballero del Folies Bergere, El ángel de las tinieblas; 1936.- Esos tres, Adorable enemiga; 1937.- I, Claudius; 1938.- El divorcio de la señorita X, El vaquero y la dama; 1939.- En la luna, Cumbres borrascosas, El león tiene alas; 1940.- Viaje sin retorno; 1941.- Lo que piensan las mujeres, Affectionately Yours, Lydia; 1943.- Siempre y un día, Tres días de amor y de fe, First Comes Courage; 1944.- Jack el destripador, Aguas turbias; 1945.Canción inolvidable, Como te quise, te quiero; 1946.- Noche en el paraíso, Tentación; 1947.- Mi corazón te guía; 1948.- Berlín Express; 1951.- Pardon My French; 1952.- Idilio en el castillo, 24 horas en la vida de una mujer; 1954.- ¡Todo es posible en Granada!, The Best of Broadway: The man Who Came to Dinner (serie de televisión), Desirée, Profundamente en mi corazón, The Ford Television Theatre: Second Sight, Allison, Ltd. (serie de televisión), Four Star Playhouse: The Frightened Woman, Love at Sea, Sound Off, My Love (serie de televisión); 1955.- The 20Th Century-Fox Hour: Cavalcade (serie de televisión); 1956.- The Price of Fear, Legión extranjera (serie de televisión); 1957.Expectation: I Will Not Die (serie de televisión); 1963.- Of Love and Desire; 1966.- El Oscar; 1967.- Intriga en el gran hotel; 1973.- Interval.

En lo personal, Merle era hija del Imperio británico. Y más concretamente de la Perla de la corona, India. Pero no de la manera en que ella hizo creer a la prensa durante muchos años. Merle era hija de una niña a la que durante mucho tiempo había considerado su hermana. Y, avergonzada de ello, intentó mantener ese origen secreto porque no se sentía orgullosa del mismo. Afirmaba así que había nacido en Tasmania, Australia. La primera etapa de su vida había permanecido en la oscuridad durante mucho tiempo. En la versión oficial, había nacido en Tasmania, pero se trasladó a la India, hija de un oficial del Ejército británico, donde se educó durante 17 años, más o menos. El motivo de los cambios que hizo en su procedencia étnica tenían que ver con el miedo a ser rechazada por su verdadero origen. Temía el racismo de la sociedad de su época. En una versión más real que salió a la luz posteriormente, cuando se desenterraron los documentos de su verdadero origen, era hija de Arthur Terrence O’Brien Thompson y una euroasiática de Ceylán, con herencia mahorí, que la había engendrado cuando contaba entre 12 y 14 años, dependiendo de la fuente que se consulte. Charlotte Selby, novia de su padre biológico, tenía 26 años cuando nació y la crió como si fuera su madre, de manera que Merle creció convencida de que su madre real, Constance, era en realidad su hermana mayor. Su padre se unió al Ejército británico en 1914 y murió de neumonía en el frente occidental durante la batalla del Somme, en la Primera Guerra Mundial. Así que Constance se casó con Alexander Soares y tuvo otros cuatro hijos, Edna, Douglas, Harry y Stanislaus. Todos crecieron creyendo que Oberon era su tía en lugar de su media hermana. Un culebrón digno de convertirse en el guion de una de las películas que protagonizó cuando trabajaba en Hollywood, pero que ella no quería de ninguna manera que saliera a la luz porque podía dejarla marcada y destruir su carrera ante las cámaras. Así que el secreto se mantuvo, pero el pasado estaba ahí. El encargado de descubrir la verdad fue su hermano Harry, que intentó organizar un encuentro con ella para hablar del tema, a lo que la estrella se negó en redondo, temiendo aún las repercusiones de un pasado del que, por otra parte, no era culpable en absoluto. Esta es la otra historia paralela del origen y de esos años perdidos que se rellenaron con mentiras, demostrando que las biografías oficiales cocinadas por los departamentos de promoción de los grandes estudios a la hora de hablar del pasado de sus estrellas bajo contrato son como mínimo discutibles en más casos de los que podemos llegar a imaginar. Y de paso testimonia el miedo a los orígenes raciales reales como derivado de una sociedad anglosajona particularmente racista a la hora de pensar en sus ficciones, que hoy intenta lavar su mala conciencia en las ficciones audiovisuales.

DIVA INJUSTAMENTE ENCASILLADA Merle Oberon fue una de las principales aportaciones de estrellas británicas al elenco de féminas de Hollywood, al que llevó una pincelada de belleza y elegancia en un tipo de papel muy concreto de gran dama de las historias románticas y de aventuras, aunque también demostró tener grandes cualidades para la comedia cuando le dieron la oportunidad. En ese sentido, su película más significativa, y favorita entre las suyas para quien esto escribe, es Lo que piensan las mujeres, donde brilló a las órdenes del maestro de dicho género, Ernst Lubitsch, que supo sacarle mucho mejor partido como actriz del que le habían sacado otros de sus compañeros directores a lo largo de la mayor parte de la filmografía de Merle Oberon. Porque, conviene admitirlo ya, esta fue una de las actrices víctimas del encasillamiento al que era tan aficionado el Hollywood de la era dorada a la hora de tratar con sus estrellas, enviándolas siempre a interpretar prácticamente el mismo papel con ligeros cambios, para arriesgarse lo mínimo, desconfiando de la capacidad del público para admitir cambios en el desempeño ante las cámaras de sus estrellas favoritas. Para el ojo atento, queda claro que ese encasillamiento perjudicó seriamente la capacidad de brillar en papeles más variados de una Merle Oberon que aprovechaba la mínima ocasión de salir del esquema que le habían trazado otros para demostrar que su talento estaba por encima de esas circunstancias. Y el mejor ejemplo de ello es ese trabajo con Lubitsch, que claramente demostró que podía contarse con ella para una gama mucho más amplia de papeles de la que los estudios estaban dispuestos a darle. Consecuencia de esas limitaciones fue que en su palmarés no encontramos grandes premios: solo la nominaron en una ocasión al Oscar como mejor actriz, eso sí, principal, por su trabajo en El ángel de las tinieblas, un melodrama romántico que protagonizó junto a dos galanes de la época, Fredric March y Herbert Marshall, típica historia de mujer dividida entre su afecto por dos hombres que está bien, pero pasa de discreta por muy poco, a pesar de contar con un guion de la gran Lillian Hellman. Para empeorar el proceso de encasillamiento que había marcado su carrera, en el año 1937 la actriz fue víctima de un accidente de tráfico que dejó su rostro seriamente dañado, hasta el punto de que se pensó que podría ser el final de su carrera como estrella ante las cámaras. Se recuperó y se mantuvo en el oficio hasta mediados de los años setenta, pero no cabe duda de que ese percance generó una seria interrupción en su trayectoria profesional en un momento clave de despegue hacia el estrellato. Afortunadamente no le impidió seguir brillando

CUATRO BODAS Merle se casó en cuatro ocasiones. La primera la emparejó, con ceremonia celebrada el 3 de junio de 1939, con el productor Alexander Korda, y fue sin duda un firme apoyo para el progreso de su trayectoria como estrella, dado que Korda era una figura capital en el marco del cine británico de la época, para el que este emigrante trabajó activamente durante la Segunda Guerra Mundial como un eficaz propagandista que intentaba tender puentes con Estados Unidos a través del cine para motivar a dicho país y su población a apoyar a Inglaterra en su enfrentamiento con la Alemania de Hitler. En esa faceta estuvo implicada Oberon durante su matrimonio con él, que se zanjó en divorcio el 4 de junio de 1945. Posteriormente Merle se casó con Lucien Ballard, otra destacada figura del cine, director de fotografía que fue nominado al Oscar por su trabajo en Los guardianes, de 1963, y que cuenta en su amplia filmografía con un clásico de Sam Peckinpah: Grupo salvaje. Se casaron el 26 de junio de 1945. Se divorciaron el 11 de febrero de 1949. El tercer marido de la actriz fue Bruno Pagliai, con el que tuvo dos hijos y que fue su marido entre julio de 1957 y hasta el momento en que la dejó viuda en 1973. Su cuarto marido fue Robert Wolders, con el que se casó en enero de 1975 y al que dejó viudo en 1979.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

EL ALMIRANTE CANARIS Canaris 1954; Alemania; Color; Director: Alfred Weidenmann; Guion: Erich Ebermayer, Herber Reinecker; Música: Siegfried Franz; Fotografía: Franz Weihmayr; Intérpretes: O. E. Hasse, Barbara Rütting, Adrian Hoven, Martin Held, Wolfgang Preiss, Peter Mosbacher, Charles Regnier, Franz Essel, Alice Treff, Herbert Wilk, Klaus Miedel, Arthur Schröder, Ilse Fürstenberg; Duración: 92 minutos.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

BRUMAS DE TRAICIÓN Betrayed 1954; EE. UU.; Color; Director: Gottfried Reinhardt; Guion: Ronald Millar, George Froeschel; Música: Walter Goehr; Fotografía: Freddie Young; Intérpretes: Clark Gable, Lana Turner, Victor Mature, Louis Calhern, O. E. Hasse, Wilfrid Hyde-White, Ian Carmichael, Niall MacGinnis, Nora Swinburne, Roland Culver, Leslie Weston, Christopher Rhodes, Lily Cann, Brian Smith, Anton Driffing, Richard Anderson, Basil Appleby, Theodore Bikel; Duración: 108 minutos.

Película biográfica sobre el almirante Wilhelm Franz Canaris, jefe de la inteligencia militar alemana conocida como la Abwehr. Al igual que muchos alemanes, comenzó apoyando el régimen de Adolf Hitler para luego ir cambiando de opinión hasta ponerse en contra de forma clandestina. En una conferencia de oficiales celebrada en Berlín en 1941, Canaris dijo: “La Abwehr no tiene nada que hacer en la persecución de los judíos, es un tema que no nos concierne y del que debemos mantenernos a distancia”. Acusado de participar en el complot del 20 de julio en el que Claus Von Stauffenberg intentó matar a Hitler. Aunque no se descubrieron pruebas que demostraran su participación, fue acusado de ser su instigador y un par de sus colaboradores pertenecientes al complot acabaron suicidándose, lo que supuso prueba suficiente para la Gestapo. Sentenciado a muerte, fue ejecutado el 9 de abril de 1945 en el campo de concentración de Flossenbürg. La película fue un éxito de taquilla en Alemania, cuyos espectadores pudieron encontrar por primera vez un personaje heroico con el que poder identificarse durante la posguerra. Ganó varios premios del cine alemán (película, director, actor de reparto para Martin Held y guion), y el premio al mejor actor principal en el Festival de Cine de San Sebastián. Forma parte de la corriente de películas de Alemania Occidental que en los años cincuenta intentaban abordar con pinzas argumentos y figuras militares enmarcadas dentro de la Segunda Guerra Mundial. M.J.P.

El trío protagonista cambió bastante en las fases de preproducción. Inicialmente, estaba formado por Gregory Peck y posteriormente Kirk Douglas como alternativa en el papel de Gable, Ava Gardner y Jennifer Jones estuvieron a punto de sustituir a Lana Turner, porque esta dejó plantado el rodaje para terminar su luna de miel con el Tarzán Lex Barker, y Richard Widmark estuvo a punto de entrar en la fórmula en el papel de Mature. Todos ellos con el título de The True and the Brave. Bajo ese reparto la película tenía mejor pinta que como finalmente la conocemos. Fue la última película de Clark Gable para la MGM, estudio con el que había trabajado con contrato desde 1930. El guion de la película se basa en hechos reales, concretamente, en la figura del miembro de la resistencia holandesa Christiaan Antonius Lindemans, conocido por el pintoresco mote de King Kong, aunque otros se referían a él como el Asesino. Acabó trabajando como agente doble y se dice que llegó a traicionar a los Aliados desvelando los planes de la Operación Market Garden ideada por el mariscal Montgomery y plasmada en la película Un puente lejano (1977) de Richard Attenborough, basada a su vez en el libro del mismo título escrito por Cornelius Ryan. Rodada en Holanda, Inglaterra y Estados Unidos (las escenas con Louis Calhern), Brumas de traición contó con un presupuesto de 1 674 000 dólares y recaudó en todo el mundo 4 177 000 dólares. M.J.P.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

MÁS ALLÁ DE LAS LÁGRIMAS Battle Cry 1955; EE. UU.; Blanco y negro, color; Director: Raoul Walsh; Guion: Leon Uris; Música: Max Steiner; Fotografía: Sidney Hickox; Intérpretes: Van Heflin, Aldo Ray, Mona Freeman, Nancy Olson, James Whitmore, Raymond Massey, Tab Hunter, Dorothy Malone, Anne Francis, William Campbell, John Lupton, L.Q. Jones, Perry Lopez; Duración: 149 minutos.

Ambiciosa pero fallida recreación de una de las batallas claves de la campaña del Pacífico en la Segunda Guerra Mundial, este largometraje fue nominado al Oscar por su música y contó con un presupuesto de 17 millones de dólares. Sin embargo, la crítica de la época le dio algún palo por preocuparse más del tema romántico que de la acción bélica, que era precisamente lo que el público quería ver en este tipo de producciones. El guion se basa en la novela Battle Cry, escrita por el propio Leon Uris, y que se inspira en sus experiencias como marine de Estados Unidos en Guadalcanal y Tarawa. Uris se había alistado en el Cuerpo de Marines tras el ataque japonés a Pearl Harbor y sirvió en el segundo batallón del sexto de Marines desplegado en el Pacífico Sur de 1942 a 1944, año en que fue enviado a Estados Unidos tras contraer malaria y dengue. Uris es conocido por ser el autor de Éxodo, que fue llevada al cine en 1960 por Otto Preminger y protagonizada por Paul Newman, Eva Marie Saint y Ralph Richardson. El mítico James Dean se presentó a las pruebas para interpretar el papel del cabo Danny Forrester, que finalmente le dieron a Tab Hunter, otro guaperas juvenil del Hollywood de los cincuenta. En todas sus fases, es la típica película de reclutamiento para llenar cuarteles mostrando la aguerrida peripecia de instrucción y combate de los Marines de Estados Unidos, culminando en el asalto a una de las islas dominadas por Japón: Tarawa. M.J.P.

LLANURA ROJA The Purple Plain 1954; Reino Unido; Color; Director: Robert Parrish; Guion: Eric Ambler; Música: John Veale; Fotografía: Geoffrey Unsworth; Intérpretes: Gregory Peck, Win Min Than, Brenda de Banzie, Bernard Lee, Maurice Denham, Lyndon Brook, Anthony Bushell, Josephine Griffin, Ram Gopal, Dorothy Alison, Peter Arne, Ernest Blyth, Kurt Christian; Duración: 97 minutos.

Se basa en la novela The Purple Plain de H. E. Bates, que fue publicada en el Saturday Evening Post en septiembre y octubre de 1947. Bates fue destinado a la RAF con el cometido de escribir historias cortas que describieran al público la vida cotidiana de los pilotos. El Ministerio del Aire británico se percató de que la gente estaba mucho más interesada en esos temas que en los hechos y en las cifras de la guerra. Bates firmaba sus trabajos con el seudónimo de Oficial Volador X. Dichos relatos cortos fueron recopilados en dos volúmenes, The Greatest People in the World and Other Stories y How Sleep the Brave. Durante la escritura del guion de la película, Eric Ambler estuvo en contacto con Bates para consultarle algunas dudas. Filmada en Sri Lanka, varias de las localizaciones utilizadas durante el rodaje de la película volvieron a ser usadas para el rodaje de El puente sobre el río Kwai (1957) de David Lean. La RAF participó en la película prestando algunos aviones del modelo De Havilland DH 98 Mosquito. El argumento se sitúa en Birmania, en 1945, y tiene como protagonista a un piloto mentalmente afectado por la pérdida de su esposa, víctima de un bombardeo alemán sobre Inglaterra. Experimenta cierto deseo de morir, y tras sufrir un accidente en un vuelo y quedar junto con un compañero en una situación de supervivencia que le llevará a conocer a otra mujer nativa, su situación mental evoluciona. La película se situó entre las producciones más taquilleras de su año, y Peck la rodó para aligerar su carga de impuestos rodando dos largometrajes en Gran Bretaña. M.J.P.

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THE COLDITZ STORY

EL INFIERNO DE LOS HÉROES

1955; Reino Unido; Blanco y negro; Director: Guy Hamilton; Guion: Guy Hamilton, Ivan Foxwell, William Douglas-Home; Música: Francis Chagrin; Fotografía: Gordon Dines; Intérpretes: John Mills, Christopher Rhodes, Lionel Jeffries, Bryan Forbes, Guido Lorraine, Witold Sikorski, A. Blichewicz, B. Dolinski, Anton Diffring, Richard Wattis, Ian Carmichael, Eric Portman, Frederick Valk; Duración: 94 minutos.

The Cockleshell Heroes 1955; Reino Unido, EE. UU; Color; Director: José Ferrer; Guion: Bryan Forbes, Richard Maibaum; Música: John Addison; Fotografía: Ted Moore, John Wilcox; Intérpretes: José Ferrer, Trevor Howard, Dora Bryan, Christopher Lee, Victor Maddern, Anthony Newley, David Lodge, Peter Arne, Percy Herbert, Graham Stewart, John Fabian, John Van Eyssen; Duración: 97 minutos.

Dirigida por uno de los realizadores destacados de la saga cinematográfica de James Bond, Guy Hamilton (James Bond contra Goldfinger, Diamantes para la eternidad, Vive y deja morir, El hombre de la pistola de oro), fue nominada como mejor película a dos premios Bafta del cine británico. El guion se basa en la novela del mismo título escrita por Patrick Robert Reid, capitán del Ejército británico durante la Segunda Guerra Mundial, que fue hecho prisionero en 1940 cerca de la localidad francesa de Cassel y encarcelado en el castillo Laufen, del que logró escaparse. Capturado en Austria, fue enviado a un nuevo campo a prueba de fugas en el castillo de Colditz, del que lograría escaparse en octubre de 1942 junto con otros tres compañeros, el teniente Howard Wardle, el comandante William L. Stephens y el mayor Ronald Littledale. Cuatro días después y tras dividirse en dos grupos, Reid y el teniente Wardle lograron cruzar la frontera y se refugiaron en Suiza hasta el final de la guerra. Colditz era la fortaleza a la que envían los nazis a los prisioneros de los ejércitos aliados capturados que se habían mostrado particularmente difíciles de retener en otros campos de concentración en los que habían protagonizado reiterados intentos de fuga. Además, en los años setenta, la serie británica La fuga de Colditz (1972-1974) fue particularmente popular en la pequeña pantalla, con Davi McCallum como protagonista. La televisión volvió sobre el mismo tema en 2005 con la miniserie televisiva de cuatro horas Fuga de Colditz, protagonizada por Damien Lewis, Sophia Myles, Tom Hardy y Lawrence Fox, James Fox, Jason Priestley y Eve Myles. M.J.P.

En diversas partes del proyecto, Gregory Peck, Alan Ladd, Richard Widmark o Spencer Tracy fueron considerados para protagonizar la película. Lewis Milestone o Terence Young también fueron considerados como posibles directores, pero finalmente José Ferrer fue el encargado de dirigir y protagonizar la película. Ferrer tenía experiencia como director teatral y había debutado como realizador cinematográfico con The Shrike. Una de las primeras decisiones que tomó como realizador fue encargar una reescritura del guion de Bryan Forbes, tarea que recayó en Richard Maibaum. Forbes terminó tachando a Ferrer de “megalómano”. Para acabar de arreglarlo, el productor Irving Allen decidió que el guion de Maibaum carecía de momentos cómicos, así que le encargó a Forbes que reescribiera algunas partes y dirigiera algunas secuencias de nuevo sin que Ferrer se enterase. Ferrer sí se enteró y acabó abandonando el rodaje. A pesar de todos esos problemas, la película fue una de las más taquilleras en el Reino Unido en 1956. El guion se basa en la historia Cockleshell Heroes escrita por George Kent y publicada en la revista Readers Digest en 1951 y se centra en la Operación Frankton, llevada a cabo en diciembre de 1942 y en la que un comando de Marines Reales británicos atacó el puerto de Burdeos para hacer volar por los aires varios navíos alemanes en los que supuestamente se iban a transportar piezas de un radar a Japón. O eso dijo durante la promoción el productor Albert Broccoli, que aseguró que la información le había sido comunicada por lord Mountbatten y el duque de Edimburgo. M.J.P.

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CUANDO HIERVE LA SANGRE

A DIEZ SEGUNDOS DEL INFIERNO

Never So Few

Ten Seconds to Hell

1959; EE. UU.; Color; Director: John Sturges; Guion: Millard Kaufman; Música: Hugo Friedhofer; Fotografía: William H. Daniels; Intérpretes: Frank Sinatra, Gina Lollobrigida, Peter Lawford, Steve McQueen, Richard Johnson, Paul Henreid, Brian Donlevy, Dean Jones, Charles Bronson, Philip Ahn, Robert Bray, Kipp Hamilton, John Hoyt, Whit Bissell; Duración: 125 minutos.

1959; Reino Unido, EE. UU; Blanco y negro; Director: Robert Aldrich; Guion: Robert Aldrich, Teddi Sherman; Música: Kenneth V. Jones; Fotografía: Ernest Laszlo; Intérpretes: Jack Palance, Jeff Chandler, Martine Carol, Robert Cornthwaite, Dave Willock, Wesley Addy, Jim Goodwin, Virginia Baker, Richard Wattis, Nancy Lee, Jim Hutton, Charles Nolte; Duración: 93 minutos.

Basada en la novela Never So Few escrita por Thomas Theodore Chamales, en la que un grupo de soldados americanos, británicos y tropas nativas del pueblo kachin luchan contra los japoneses en las junglas de Birmania. Chamales se alistó a los 18 años y fue destinado al entrenamiento de tropas en Camp Wheeler, tras alcanzar el grado de alférez. Se presentó voluntario para servir en el norte de África, pero fue destinado finalmente a la India, donde sirvió como voluntario en los famosos Merodeadores de Merril. Herido por metralla, tuvo que abandonar esa unidad y se presentó voluntario para el destacamento 101 de la OSS destinado en Lashio, Birmania, donde entrenó a soldados del pueblo kachin. Durante su servicio, vio cómo guerrillas nacionalistas chinas asesinaron y robaron a varios soldados estadounidenses, incidente que plasmó en la novela y en un artículo para la revista True Magazine titulado “Betrayal in China” (“Traición en China”), publicado en junio de 1958. MGM pagó 300 000 dólares por los derechos de la novela de Chamales. La película costó 3 480 000 dólares y recaudó 5 270 000 dólares. Steve McQueen estaba en su fase de despegue, tras ganar popularidad en televisión, protagonizando la serie Randall, el justiciero, sustituyó a Sammy Davis Jr., que se había permitido el lujo de decir en una entrevista en la radio que él era mejor cantante que Frank Sinatra, quien, oficiando como “jefe” del Rat Pack, no le perdonó esa sobrada y exigió que saliera del proyecto. Le salió caro, porque McQueen, como haría más tarde con Yul Brynner en Los siete magníficos, le pasó por encima en todos los planos que tenían juntos. M.J.P.

Interesante precedente de películas más recientes como En tierra hostil o Bajo la arena, es una muy curiosa película sobre la desactivación de explosivos avalada por el talento para dirigir intriga y acción de Robert Aldrich, director esencial en el género que nos ocupa, merced a títulos como Doce del patíbulo, Ataque, Traición en Atenas o Comando en el mar de China. Se basa en el libro de Lawrence Paul Bachmann The Phoenix, título con el que se estrenó la película en el Reino Unido. Bachmann sirvió en el Ejército del Aire de Estados Unidos como corresponsal para la revista Air Force. El rodaje tuvo varias dificultades, debido al enfrentamiento de Robert Aldrich con los productores. Aldrich había sido despedido recientemente del rodaje de Bestias de la ciudad (The Garment Jungle, 1957) que terminó dirigiendo Vincent Sherman y buscaba cualquier proyecto que le pudiera mantener en la brecha. Aceptó dirigir A diez segundos del infierno y realizó varios cambios en el guion, se retrasó mucho en el rodaje y rodó demasiado material, lo que provocó el disgusto de los productores, que terminaron recortando el metraje original de la película que llegaba a sobrepasar inicialmente las tres horas de duración. El argumento se sitúa en Alemania después de la Segunda Guerra Mundial, cuando un grupo de prisioneros de guerra alemanes vuele a Berlín, una ciudad destruida, entre cuyos escombros deben localizar las bombas del conflicto que han quedado por estallar. Se ponen de acuerdo para aportar fondos para un premio que cobrará el que consiga sobrevivir a los tres meses que se han comprometido a permanecer en la peligrosa ocupación. M.J.P.

Grandes películas de Cine Bélico (XXII) La realidad continúa filtrándose en las ficciones de los títulos del cine bélico en esta entrega que encabezamos con la figura de Christiaan Antonius Lindemans, King Kong para los amigos. Lindemans fue uno de los espías más destacados que operaron en Europa durante la Segunda Guerra Mundial, dispuesto siempre a asesinar a quien se interpusiera en sus planes, que eran más complicados aún por el hecho de que trabajaba al mismo tiempo para el Special Operations Executive (SOE) británico, creado en julio de 1940, que operaba en misiones de espionaje, sabotaje y reconocimiento en todas la regiones de Europa y más tarde Asia, ocupadas por las fuerzas del Eje Berlín-Roma-Tokio, pero además, con el nombre de Freddi Desmet, operaba como miembro del Ejército Belga y para completar su muy ocupada agenda, era un agente al servicio de la Unión Soviética. En la película Brumas de traición, ese espía real sirvió como modelo para el personaje interpretado por Victor Mature. Una Lana Turner con el cabello moreno tan distinto al rubio al que tenía acostumbrados a sus seguidores durante su etapa de mayor estrellato interpreta a una espía puesta en cuestión que pasa a ser vigilada por el agente interpretado por Clark Gable, cuando ambos son enviados a infiltrarse en la red clandestina dirigida por un pintoresco e imprevisible personaje interpretado por Victor Mature. Otra figura histórica real que pasó al cine en los cincuenta fue el almirante Wilhelm Franz Canaris, oficial de la Marina Imperial y la Kriegsmarine, que murió ahorcado en el campo de concentración de Flossenbürg en abril de 1945, después de haber llegado a ser jefe de inteligencia de la Marina durante el régimen nazi, ahorcado por su implicación en la Operación Valquiria (julio de 1944), una conspiración para asesinar a Hitler. Es el protagonista de El almirante Canaris, de 1954. Dos millones de dólares fue el presupuesto de Llanura roja, película basada en los escritos de otra curiosa figura

real de los tiempos de la Segunda Guerra Mundial, H. E. Bates, escritor al que la Real Fuerza Aérea Británica fichó para que diera a conocer a sus lectores la vida cotidiana de los pilotos que combatían en el conflicto. Fue nominada a tres premios Bafta del cine británico en las categorías de Mejor Actor Británico, Maurice Denham, Mejor Película Británica, Mejor Guion y Mejor Película adaptada de cualquier fuente. Las localizaciones de la película en Sri Lanka pueden recordar a los aficionados al cine bélico a otro clásico del género, El puente sobre el río Kwai, que se rodó en las mismas localizaciones que esta Llanura roja. La realidad se hace también presente a través del escritor Leon Uris, quien había tenido una experiencia real como soldado en combate en Tarawa, la sangrienta batalla en la que se basa Más allá de las lágrimas, o en las misiones emprendidas por efectivos británicos y norteamericanos de la Office of Strategic Services (OSS) emprendidas contra los japoneses en las selvas de Birmania, que toma como argumento Cuando hierve la sangre. Esa misma verdad del entorno bélico real sirve como material básico para repasar las operaciones de comandos lanzadas desde Inglaterra a la costa de la Fortaleza Europa de Adolf Hitler en El infierno de los héroes, la vida y los planes para escapar de los combatientes retenidos en una de las instalaciones de retención alemanas míticas del conflicto en The Colditz Story. El personaje interpretado por John Mills, Mike Sinclair, era real. Apodado Zorro Rojo, se escapó de Colditz en tres ocasiones. El tema ha servido como pretexto argumental para Pájaros humanos, película dirigida por Philip Leacock y protagonizada por Doug McClure, el televisivo Trampas de la serie El Virginiano, en 1971. La desactivación de bombas que no han llegado a explotar sitúa el argumento inmediatamente posterior al conflicto de A diez segundos del infierno, que costó 1 100 000 dólares y se rodó en Berlín durante diez semanas, con la productora británica de cine de terror Hammer Films y el mítico estudio del cine germano UFA colaborando en el proyecto. Miguel Juan Payán

Series de T.V.

FICHA TÉCNICA Creador: Robert Doherty, basado en los personajes de sir Arthur Conan Doyle.. Género: Drama/misterio.

ELEMENTARY

una ficción brillante que ya había visto y que la suya no se parecía en nada. Más tarde, la propia Lucy Liu confirmaba que habían mostrado el piloto a los responsables de la serie británica y, al ver la ausencia de parecidos, dejaron descansar el tema.

Música: Sean Callery. Emisión en EE UU: 27 de septiembre de 2012-15 de agosto de 2019, CBS. Emisión en España: 3 de mayo de 2013-26 de agosto de 2019, Calle 13 Reparto: Johnny Lee Miller (Sherlock Holmes), Lucy Liu (doctora Joan Watson), Aidan Quinn (capitán Thomas Gregson), Jon Michael Hill (detective Marcus Bell), Jordan Gelber (doctor Eugene Hawes), John Noble (Morland Holmes), Ophelia Lovibond (Kitty Winter). Sinopsis: Basado en las novelas y relatos de sir Arthur Conan Doyle y su mítico personaje, Sherlock Holmes, la serie se traslada a la actualidad en la ciudad de Nueva York, donde Holmes conoce a la doctora Joan Watson. Holmes dejó Londres y su Reino Unido natal tras caer en desgracia y necesitar rehabilitación por sus adicciones y llega a la Gran Manzana buscando empezar de cero. Allí colaborará con la policía para resolver, con la inestimable ayuda de Watson, los casos más complejos y, aparentemente, imposibles.

• Cuando Sherlock surgió en Reino Unido en 2010, el éxito arrollador que tuvo hizo que desde Estados Unidos considerasen seriamente la idea de adaptar la serie británica con sus personajes dentro de la televisión norteamericana. La productora de Sherlock, Sue Vertue, contaba que curiosamente y tras aproximarse a ellos con la idea de hacer un remake, asegurándoles la integridad de CBS, la cadena dejó de golpe los planes del remake y anunciaron poco después un piloto, en 2012, con el título de Elementary, que trasladaría a los personajes a la actualidad, pero con la ciudad de Nueva York de trasfondo. No es la primera vez que en Estados Unidos sucede algo así. Hay que recordar la polémica entre Babylon 5 y Espacio profundo nueve, o con El Ministerio del Tiempo y Timeless. Desde Reino Unido se dijo que se controlaría el piloto con cuidado y, si las similitudes excedían lo permisible, emprenderían acciones legales, mientras desde CBS aseguraban que solo los personajes se mantenían, Holmes y Watson, y que no habría parecidos. • Incluso el personaje de Watson había sido convertido en una mujer, cambiando inicialmente la dinámica del dúo, sobre todo porque la Watson de Lucy Liu era muchas cosas, pero no era una mera acompañante. De hecho, la actriz comentó que, si se convertía en una especie de Robin para Batman en la serie tras seis episodios, todos la oiríamos quejarse. El trabajo más incómodo recayó en el guionista Robert Doherty, que venía de ficciones como Star Trek Voyager, Tru Calling, Dark Angel o Medium y que oyó que CBS estaba interesada en lanzar una serie con los personajes de Conan Doyle, a través de Carl Beverly, quien comentó la idea de la relación de Watson y Holmes como eje central de esta y puso a Doherty en marcha con el proyecto en CBS. • Pero su creador sabía que iba a recibir más de una crítica o comentario que le comparase la serie con Sherlock, porque según él los personajes habían recibido distintas versiones, muchas americanas, desde los tiempos de Basil Rathbone, cuya versión de Holmes también se actualizó para la época. Doherty aseguró que Sherlock era

• Doherty afirma que la clave de la relación entre Holmes y Watson reside en su propia idea de que Watson sea un personaje femenino, porque permitía demostrar que hombres y mujeres podían tener relaciones profesionales y personales sin involucrarse románticamente. Una amistad sincera y honesta y una colaboración como iguales. Otro personaje curioso es el del detective Marcus Bell, con grandes dotes de deducción y una mente brillante. Este toma su nombre de Joseph Bell, médico y profesor escocés en quien Arthur Conan Doyle se inspiró para crear a Sherlock Holmes. La serie incluía otras figuras que conocemos de la obra original del escritor, como Irene Adler (Natalie Dormer), Mycroft Holmes (Rhys Ifans), Sebastian Moran (Vinnie Jones) o Moriarty (mejor que no les cuenten quién es realmente). Destaca el inspector Gregson, que aparece en la obra literaria casi tanto como Lestrade, aunque este último es más recordado siempre. Aquí es, evidentemente, el capitán Thomas Gregson. • Una de esas casualidades curiosas quiso que, en 2011, Danny Boyle dirigiese una versión teatral de Frankenstein con Jonny Lee Miller y Benedict Cumberbatch en los papeles principales. Lo interesante de la obra es que cada noche cambiaban sus guiones para interpretar, respectivamente, monstruo o doctor, uno cada día. Poco tiempo después, Miller daría vida también a Sherlock Holmes, como Cumberbatch llevaba haciendo desde 2010. Dos Sherlock Holmes en versiones modernas sobre el mismo escenario. • Para las escenas de tejado, como esas en las que Holmes visita y cuida de sus abejas (una costumbre ligada a Holmes también desde la literatura. El personaje se retiró a cuidar de sus abejas en Sussex, como nos cuenta uno de sus últimos relatos), emplean el tejado de los estudios Silvercup en Long Island, donde, por ejemplo, se filmó la batalla final de Los inmortales. Otra curiosidad es que, pese al título, Holmes nunca usa la expresión “elementary” o “elemental” en toda la serie. • Pese a todo lo mencionado, los responsables de la ficción intentaron en todo momento, o en casi todo, buscar casos actuales de Nueva York para inspirarse en sus historias, en lugar de adaptar las que aparecen en la obra de Doyle. Los responsables de la serie intentaron homenajear la literatura de tres formas. O en guiños en el título, mencionando casos resueltos anteriormente (Holmes resume un caso que resolvió que en uno de los relatos de Doyle) o empleando elementos que aparecían en sus narraciones, pero elementos sueltos. Solo en algunas ocasiones se adaptaron historias directamente de la literatura, como en el caso de El cliente ilustre, relato que sí se adaptó en la tercera temporada. J.U.

Al servicio secreto de su majestad omo Sean Connery se había negado a seguir interpretando al personaje que le dio la fama —aunque él no quisiera reconocerlo—, los productores se tenían que centrar en elegir a un actor para sustituirle, para encarnar de nuevo a James Bond, y el escogido sería un australiano prácticamente desconocido en el mundo. George Lazenby o “el australiano afortunado”, que es como se le ha denominado posteriormente. Un modelo al que le gustaban mucho las mujeres y algo rebelde. La historia de que Lazenby interpretase al segundo actor que encarnaría a 007 comienza cuando este y la agente de artistas Maggie Abbott acuden juntos a un estreno, al que el intérprete asistió sin tener ni idea de todo lo que ocurriría después, ya que en este evento participarían grupos como los Rolling Stones o los Beatles. Maggie se quedó tan impresionada por el carácter del modelo que le propuso dar vida a James Bond. Después de una serie de locuras y de malos entendidos, Lazenby se presentó en el despacho del productor Harry Saltzman con un traje como los de Connery, un reloj Rolex y el corte de pelo como el de su predecesor. En su audición tuvo que “competir” con actores como John Richardson, Anthony Rogers, Robert Campbell y Hans de Vries. Y se sometió a pruebas como natación y salto de vallas, ya que estos dos ejercicios los tendría que poner en práctica después en el filme, por ejemplo en las escenas de la lucha en la playa al principio de la película o en el salto que hace Bond en la guarida de Blofeld en el desenlace. Para interpretar a Tracy, la prometida y después esposa de Bond, los producto-

res optaron por la conocida actriz en Los vengadores Diana Rigg, aunque para este papel también pensaron en intérpretes como Brigitte Bardot, Catherine Deneuve, Marie-France Boyer o France Anglade. Para el papel de villano, los productores se decantaron por el conocido actor Telly Savalas, ya que su interpretación de sus personajes en El hombre de Alcatraz (1962) o en La historia más grande jamás contada (1965) llamaron la atención de Albert Broccoli y de Harry Saltzman. El rodaje comenzaría el 21 de octubre de 1969.

El guion Peter Hunt, quien sería el encargado de llevar las riendas de esta producción, accedió a dirigir esta película siempre que fuera fiel a la novela homónima. Aunque para ello hubo algunos borradores y tratamientos de guion, como veremos a continuación. En 1964 hubo un primer borrador de la mano de Richard Maibaum, en tiempos de toda la polémica sobre los derechos de Operación Trueno, que luego quedaron plasmados en esta película. El 29 de marzo de 1966, otra vez Maibaum presentó otro tratamiento de 139 páginas en el que destaca que la trama empezaba justo al final de Operación Trueno, con Bond en busca de Blofeld, rescatando a Tracy en un Aston Martin anfibio y destruyendo una lancha motora con un cohete. Un tercer tratamiento, con fecha 27 de abril de 1967, daba inicio a la aventura con Bond sometiéndose a un tratamiento de cirugía facial. Así se explicaba el cambio físico del personaje y por qué Blofeld no reconocía a Bond, a pesar de haberse visto antes. Otro tratamiento de Maibaum, fechado el 5 de septiembre de 1967, constaba de 145 páginas e incluía algunas otras escenas, como esa en la que Bond escapa de la guarida de Blofeld por un

Al servicio secreto de su majestad

cable de teleférico congelado, la de la carrera de coches sobre una pista de hielo o aquella de la persecución de Blofeld con un bobsleigh.

La música Aunque el tema principal de la película no es vocal, quiero reseñar algunos aspectos de su banda sonora. Por ejemplo, el hecho del uso del sintetizador por parte de John Barry, algo bastante novedoso en la época. Y la canción We have all the time in the world (“Tenemos todo el tiempo del mundo”), una frase que se convirtió en leitmotiv del breve matrimonio entre Bond y Tracy, interpretada por Louis Armstrong en Nueva York poco antes del fallecimiento de este. Un tema muy valorado por los fans hasta la actualidad.

El estreno Con gran afluencia de público, Al servicio secreto de su majestad fue estrenada en Londres el 18 de septiembre de 1969, con críticas no muy buenas. Cabe destacar que esta película ha sido más valorada por el público con el paso del tiempo, no así en su momento, quizá demasiado realista y fiel a la novela, o tal vez adelantada a su tiempo. Pero, hoy por hoy, es de las mejor valoradas por los fans. Debemos resaltar del estreno de esta cinta que Lazenby hizo una vez más una demostración de su rebeldía acudiendo a tal estreno con barba, lo cual no gustó a los productores.

Lector curioso Incluimos, como en cada ficha, algunas curiosidades más del rodaje, para aquellos lectores que quieran saber más: • Para poder usar como localización el restaurante Piz Gloria, los productores tuvieron que terminar de construir este establecimiento, por ejemplo, su helipuerto, el cual costó treinta mil libras de la época. • Había un final en el que Bond llora tras la muerte de Tracy, algo que fue descartado porque, según los productores, “Bond no llora”. • Para rodar las escenas de esquí, el cámara Willy Bogner fue el encargado de tomar estas secuencias y lo hizo esquiando hacia

atrás con unos esquís especiales. Era la primera vez que se llevó a cabo tal hazaña. • Para relajar al equipo, los productores decidieron celebrar una fiesta en un pueblo cerca de Piza Gloria, pues George Lazenby se enfadó mucho por el hecho de que no le hubieran enviado una invitación solo para él. • Durante la grabación, Lazenby se quejaba constantemente de cosas que, según él, “no las hacía el otro”(Sean Connery). Esta frase gustó tanto que al final se incluyó en la película y, asimismo, se ha ido añadiendo y quitando en las diferentes ediciones y ha ido variando también con estas. • Aunque lo tenía prohibido por contrato y por riesgo a tener un accidente, George Lazenby montaba a caballo y esquiaba por su cuenta, con el riesgo que esto tenía para su gente y para la producción.

Lector viajero Aunque son tres los países que Bond recorre en esta película, podemos visitar varios lugares para todo aquel lector que quiera sentirse Bond por unos días. • Hotel Palacio Estoril: en pleno centro de la ciudad portuguesa de Estoril se alza este magnífico edificio, zona de refugio de varias monarquías durante la Segunda Guerra Mundial. Bond se encuentra con Tracy tras salvarla de ahogarse en la playa. • Casino Estoril: muy próximo al hotel y en el que Ian Fleming se basó para ambientar el hotel de la novela Casino Royale. • Zambujal: situada en el sudeste de Setúbal, es una finca privada donde festejan el cumpleaños de Draco y que también sirvió de lugar de celebración del enlace entre Tracy y Bond. • Piz Gloria: es la guarida de Blofeld en el filme y ha conservado ese nombre hasta la fecha. Está situado en Schilthorn (Suiza) a 2970 metros. • Lauterbrunnen: el pueblo cercano a Piz Gloria, donde Bond llega en tren para ir a la “clínica” de Blofeld. También es el lugar en el que Bond y Tracy se vuelven a reencontrar y donde esta salva a Bond de Irma Bunt y sus secuaces. Óscar Rubio

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LA CHAQUETA METÁLICA

a dualidad del hombre según Jung, así explica el recluta Joker (Bufón en España), el tema central de La chaqueta metálica en la secuencia paradigmática del largometraje (aviso: hay spoilers). El segundo encuentro de Joker (y del espectador) con la muerte en esta película estrenada en 1987, se produce frente a una fosa común (foto 1). Un superior pregunta al protagonista por el lema que lleva en el casco (“Nacido para matar”) y la chapa con el símbolo de la paz que lleva prendida en el uniforme sobre dos granadas: “¿Qué es esto, una broma de mal gusto?”, a lo que Joker contesta: “No lo sé, señor. Yo creo que intento sugerir algo de la dualidad del hombre, señor. Eso que dice Jung”. Tras ellos, la fosa común que Kubrick nos ha revelado anteriormente con un movimiento de cámara desde el primer plano del rostro de Joker con un trávelin de retroceso que va haciendo aparecer los cadáveres, permitiendo al espectador advertir los rasgos del rostro de los dos cadáveres. Esa dualidad está asociada con la pérdida de la inocencia que comienza tras la secuencia de montaje del rapado que sirve como prólogo y culmina con el plano de los pelos revueltos de todos los reclutas en el suelo (foto 2): pérdida de la individua-

lidad que recuerda otro plano de la filmografía de Kubrick, en el que vemos al protagonista de Barry Lyndon con uniforme empastándose y formando una masa con el resto de los soldados. Dualidad, pérdida de la individualidad y pérdida de la inocencia centran la propuesta de La chaqueta metálica y están subrayadas en primer lugar por la organización del relato en dos partes claramente diferenciadas en la película: la instrucción y el combate en Vietnam. Ambas partes están articuladas a su vez en varias fases que mantienen dentro de sí mismas elementos de continuidad. Sin embargo, entre ambas hay diferencias desde el punto de vista de localización –en la primera, predominan los interiores; en la segunda, los exteriores–, color, mayor número de personajes y protagonismo más repartido en la segunda frente a la localización de estos factores en la primera entre Joker, el sargento Hartman y Pyle (Patoso, en castellano), con Cowboy puntualmente en un segundo plano, como en el momento en que Joker es promocionado a líder del pelotón y recibe el encargo de ayudar a Pyle a ponerse al nivel de sus compañeros. En ese plano (foto 3), Kubrick sitúa a Cowboy, que tendrá papel más destacado en la segunda parte, entre Joker y Hartman. Por posición en el

CLÁSICOS IMPRESCINDIBLES plano y tono del color se traza una línea premonitoria entre los dos reclutas –en ropa interior blanca– que van a sobrevivir y pasar a la segunda parte, y Hartman –uniforme de color caqui– y Pyle –desnudo de cintura para arriba–, que no sobrevivirán a la primera parte, separados de Joker y Cowboy por una línea diagonal imaginaria que ordena los personajes en el plano, todos ellos contenidos entre otras dos diagonales trazadas por la fila de camas a la izquierda y la fila de columnas a la derecha. Brilla aquí la organización geométrica habitual en Kubrick, que además de permitir la inmersión plena del espectador en la acción, al repetir un mismo espacio y composición de plano, subraya la monotonía casi mecánica que domina a los reclutas aislados en el cuartel y, coincidiendo con el uso del espacio en El resplandor, provoca una sensación de claustrofobia y de estar atrapado utilizando grandes espacios y mucha luz de tonos asépticos y monótonos que transmiten frialdad. Otro momento en que Kubrick separa a estos tres personajes, Hartman, Joker y Pyle, es la escena en que vemos a un Pyle destrozado por la marcha, arrastrado penosamente del brazo por Pyle y con el sargento gritando, primero caminando hacia la cámara y luego de espaldas, mientras el resto de los reclutas se van alejando. La dualidad estará presente en todas las secuencias de marcha e instrucción, con el sargento a un lado y los reclutas a otro, incluso cuando desfilan cantando: “¡Aquí mi fusil, aquí mi pistola!”, uno de los muchos diálogos, chistes y momentos procaces con alusión a genitales femeninos y masculinos que salpican el diálogo del sargento o la conversación sobre la hermana de Cowboy en los retretes, sumados al papel de entretenimiento sexual que juegan las jóvenes vietnamitas incluyendo la que camina por la calle hacia los soldados dando comienzo de la segunda parte de la película, asociando guerra y patriarcado. El sargento es una especie de doctor Frankenstein, parece elegir a los protagonistas manipulando al espectador y los acecha en todo momento. Kubrick dirige la mirada del espectador con diagonales y punto de fuga (foto 4). Nos vemos amenazados por Hartman desde el primer momento en el plano contrapicado. Es un punto de vista subjetivo del recluta y camufla la ruptura de la cuarta pared (foto

5). Versión siniestra de los carteles de reclutamiento. Tal y como ocurre en el caso de Frankenstein, Hartman crea su propio monstruo, Pyle, robándole la inocencia que marcaba inicialmente su rostro con la sonrisa infantil y el sargento borra convirtiéndole en un títere y haciendo que se estrangule a sí mismo en su mano. Las sangrientas consecuencias ponen fin a la primera parte de la película, incluyendo un plano muy “Jack Nicholson” en El resplandor. La segunda parte arranca con Joker engañándose sobre su papel en la guerra, reportero contestón en una mesa de redacción que también refleja la dualidad: los objetos de la mesa con objetos y herramientas de periodismo chocan con la propaganda de las paredes y el oficial recuerda a sus reporteros que no están allí para contar la verdad, sino para hacer propaganda. El cambio de objetos de periodismo por munición cuando estalla la ofensiva del Tet es elocuente (foto 6), aunque Joker bromee sobre la visita de Ann-Margret. Ojo a las figuras de Mickey Mouse detrás de Joker de cara al desenlace. El juego de dualidad está también acompañando el viaje de Joker de engañarse creyéndose reportero a integrarse en la patrulla de Cowboy y ser un soldado más, en un plano que convierte dos arcos en juego visual que recuerda una cámara o un punto de mira (foto 7), en las entrevistas a los soldados. Kubrick nos hace mirar a través de los ojos del francotirador que ya ha abatido antes a Eightball en una secuencia de muerte en varios tiempos que recuerda el uso de cámara lenta en Sam Peckinpah, cuando mata a Cowboy. Más dualidad: un plano en el que el espectador anticipa del lado de los estadounidenses que Cowboy, bañado premonitoriamente por el reflejo de las llamas, está al descubierto, y un zoom que convierte al espectador en francotirador (fotos 8 y 9). El viaje de Joker y la muerte de la inocencia se completa con ese tercer acto que se inicia con la bomba oculta en un muñeco que mata a uno de los soldados, y culmina después de que Joker dispare a la francotiradora (una muerte por piedad que contrasta con la muerte por venganza y odio de Hartman y Pyle que cierra la primera parte) y desfile como un soldado más entre las ruinas devoradas por el fuego, cantando con sus compañeros la canción de Mickey Mouse, referente infantil, transformada en himno de batalla (foto 10). Miguel Juan Payán

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SOSPECHOSOS HABITUALES

os años noventa lograron destacar, entre quizá demasiadas películas dedicadas por completo a los efectos visuales, por una serie de thrillers de suspense y acción que en gran medida marcaron el género en los años venideros y que se convirtieron en cintas icónicas. En estas mismas páginas ya hemos hablado de Heat, por ejemplo, pero no podemos olvidar varios títulos, todavía más enclavados en el suspense muchos, como El silencio de los corderos, Seven o este que hoy nos ocupa, el filme que lanzó la carrera de Bryan Singer como cineasta, junto con el guionista Christopher McQuarrie, y la película que brindó su primer Oscar a Kevin Spacey. El guionista también se llevó el gato al agua en una historia tan icónica como brillantemente filmada. Y, aunque vamos a intentar ser lo más concretos posibles, en el caso de Sospechosos habituales recomendamos encarecidamente que, si ustedes no han visto la cinta, dejen de leer el artículo ahora mismo y regresen cuando lo hayan hecho… Así evitaremos sorpresas innecesarias. La película tiene momentos que son claves para definir lo que vamos a ver, y es un juego de guion, de gato y ratón entre autor y espectador, en el que nosotros intentamos desvelar el misterio que nos plantea el guion

antes de los créditos. Pero la virtud del filme es que, incluso cuando el misterio es resuelto y volvemos a ella una segunda o tercera vez, sigue funcionando. Es más, liberados de las ataduras de la resolución a la pregunta “¿quién es Keyser Söze?”, somos libres para recorrer los muchos secretos que esconde y para descubrir que, desde el principio, toda la información estaba ahí, para nosotros. Quizá la escena más icónica sea la rueda de reconocimiento (foto 1), donde vemos a nuestros protagonistas juntos por vez primera. Es una escena que rodaron improvisando, entre bromas que desesperaban al director y en la que ya se ve cuál va a ser el mayor apoyo visual para Bryan Singer. Sus actores, que son su mejor efecto especial. Por supuesto no solo se quedó con ello, y el director mostró un increíble talento visual para —con un presupuesto muy discreto— ser capaz de plasmar en pantalla lo que el guion exigía. La película se preocupa de no mostrar sus cartas desde el inicio, al tiempo que las muestra por completo. Esto es, que la propia cinta es un flashback que comienza con una escena en un barco y la muerte del personaje de Gabriel Byrne, supuestamente a manos de una figura que será Keyser Söze, pero que no revela su rostro. La clave es descubrir quién es (foto 2), pero si

CLÁSICOS IMPRESCINDIBLES analizamos lo que el director nos muestra, y lo que nos cuentan… todas las pistas, está ahí. Simplemente no estamos mirando en la dirección adecuada porque Singer nos muestra una sombra. Si miramos otros detalles, todo está ahí… Pero el director, apoyado en su guion, nos traslada a la percepción de que Söze es una sombra, un fantasma. ¿Es real? Nosotros creemos que sí, pero recordemos quién empieza a contar la historia desde ese momento. Ese fantasma se eleva cuando vemos al único superviviente del ataque en el barco (foto 3) mencionar el nombre de Keyser Söze. Esa forma de contar la historia, desde el punto de vista de lo que nos cuenta Verbal Kint, el personaje de Kevin Spacey, y lo que experimenta el personaje de Giancarlo Esposito en el hospital es subjetiva y siempre va a estar sesgada. El director lo sabe y nos quiere dejar claro que nunca debemos fiarnos de lo que estamos viendo o viviendo. Su punto de vista, su parte de la historia. Así descubrimos el atraco, en las antípodas de lo que vimos en Heat, por ejemplo. Pero, pese a sus limitaciones, la película aprovecha cada oportunidad de mostrar la inventiva visual de sus responsables, como ese plano cenital del coche policial en llamas (foto 4) según concluye el atraco. Es un adorno del propio narrador, que está embelleciendo las cosas para el espectador y para la policía. Una policía que escucha interesada. En un plano en el que vemos a Chazz Palminteri y Dan Hedaya, Singer vuelve a jugar con la perspectiva, forzada entre ambos rostros, y con enseñarnos algo, el mural del fondo, sin que nosotros le prestemos atención (foto 5). Hay que tener muy claro lo que se está contando y cómo se está contando para jugar con un plano así. Pero es esa perspectiva forzada la que siempre hará que nos fijemos solo en esos rostros, nada más. No es la primera ni la última vez que la película muestra un juego similar con la profundidad de campo y la presencia de los actores en distintos puntos del plano, otorgando una secuencia de información continuada y progresiva en el momento en el que, en el atraco a los joyeros, Verbal dispara a uno de ellos. La imagen nos muestra un primer plano del hombre que llevaba el maletín, pero según se eleva la cámara incluye en otro punto del plano a Gabriel Byrne y, al fondo, al autor del asesinato, Kevin Spacey. Es otro ejemplo de información visual y

narrativa (foto 6), que hace que pensemos en el hecho del disparo a sangre fría, y no en los motivos de este, donde reside toda la esencia de la escena. Es un robo que lleva a los personajes a cruzarse con Kobayashi, la mano derecha de Keyser Söze, un tipo críptico y peligroso, frío y distante, brillantemente interpretado por Pete Postlethwaite. Byrne desconfía de la existencia de Söze y piensa que es una invención del propio Kobayashi para distraer la atención. Como audiencia contamos con ello como una posibilidad. Que el enigmático villano no exista realmente. Tras el secuestro en el ascensor, los protagonistas se enfrentan al personaje y, de nuevo, visualmente la historia se está contando, pero nosotros no prestamos atención. ¿Quién está cara a cara con el personaje? ¿Quién permanece a su espalda? (foto 7). Pero el guion sigue con su historia, nos muestra a los personajes en una encrucijada. Su muerte y la de su familia o hacer un último trabajo para Söze y quedarse con el botín por el camino. Es hacer el trabajo sucio de un tipo que no sigue las reglas, y los personajes lo saben. Nosotros también lo sabemos. El inicio de la película nos muestra que ese momento supone el final para los personajes. El instante en que Stephen Baldwin y Byrne se encuentran en las entrañas del barco muestra en la composición del plano (foto 8) la situación de encierro, de imposibilidad de escapar a la que se enfrentan los personajes. Y nos llevan justo al inicio, con la muerte de Byrne, pero con un añadido, desde el punto de vista de Spacey, que se esconde tras un vehículo y lo observa todo (foto 9), es el plano más tramposo de la propia película porque es falso, como descubriremos poco después. Pero, de nuevo, es un plano subjetivo de alguien que cuenta lo que desea que veamos… No la verdad. Así, descubrimos poco después junto con Palminteri toda la mentira, todo lo que no pasó… y un plano detalle de unos pies (foto 10) nos muestra la verdad. Un elemento no usado tan a menudo como debería hacerse, pero que funciona perfectamente aquí. El engaño se ha cerrado. Y la siguiente vez que veamos la cinta nos fijaremos en ese rastro de migas de pan que nos dejaron y no quisimos ver ni oír…

Jesús Usero

MALDICIONES EN EL CINE

nero de 1972. Los espectadores se agolpan a la entrada de las salas de Gran Bretaña y Estados Unidos. Todos quieren ver la película escándalo del año. ¿El argumento? Las andanzas de un grupo de jóvenes que se hacen llamar drugos, que hacen uso de una jerga ininteligible, que visten ajustados monos blancos y bombines negros, que emplean su tiempo en robar, violar y asesinar..., y que les chifla Beethoven. Sin embargo, la trama es lo de menos: aquel filme prohibido venía precedido de la siempre morbosa calificación X. Su título, La naranja mecánica (1971). Marzo de 1973. El éxito es tal que la película lleva 61 semanas en cartelera. Sin embargo, su director, Stanley Kubrick, hace una insólita petición a la productora: la retirada del filme de todos los cines británicos. La conversación, según reveló su viuda Christiane en el documental Stanley Kubrick, una vida en imágenes (2001), transcurrió en estos términos. “Ayudadme. Si esto sigue igual, no puedo vivir aquí por más tiempo. Tengo miedo de mandar a mis hijos al colegio. Mi casa está asediada. No quiero que el filme se siga exhibiendo”. La súplica de Kubrick era sorprendente, pero aún más lo fue el hecho de que la Warner accediera a sus deseos, eliminando un filme que se había convertido en una máquina de hacer dinero. ¿Qué había pasado durante ese tiempo? Basta una rápida ojeada por la hemeroteca para toparnos con más de una noticia, incluso hoy, con titulares cuyo encabezado comienza así: “Detenido un grupo de jóvenes que se inspiró en La naranja mecánica...”. El filme de Kubrick, basado en la novela homónima de Anthony Burgess, ponía sobre la mesa cuestiones peliagudas: ¿somos buenas o malas personas por naturaleza? Si se pudiera erradicar nuestra maldad con métodos científicos, ¿no se nos estaría privando también de parte de nuestra condición humana? ¿Podría el Estado arrogarse el poder de modificar nuestra personalidad y manipularnos conductualmente? Sin embargo, por muy sensibles que fueran estos debates, lo que verdaderamente levantaba ampollas era la ultraviolencia de Alex, su protagonista, vinculado a toda crónica de sucesos de la época. Los tabloides dictaron sentencia: el filme de Kubrick corrompía a la juventud. No en vano, La naranja mecánica empezó a ser usada como atenuante en juicios por asesinato. Así ocurrió en el caso de un estudiante de catorce años, acusado de matar a un compañero de clase, que aseguró haberse inspirado en la cinta. Lo mismo pasó durante el proceso a un adolescente que acabó con la vida de un mendigo tras

propinarle una paliza. Tal y como hacían Alex y sus drugos en el filme. ¿El resultado? Como relataba Christiane Kubrick, no solo tenían manifestantes a las puertas de casa en protesta por la supuesta amoralidad de la obra, sino que recibieron varias amenazas de muerte camufladas entre su correo. Stanley, de carácter hermético y muy celoso de su privacidad, no lo aguantó más y pidió que se dejara de distribuir el filme. No son muchas las entrevistas que concedió a lo largo de su vida, pero sí hizo una declaración pública al respecto. “Tratar de responsabilizar al arte de sucesos vitales me parece enfocar la cuestión de manera errónea”, comenzaba. “El arte consiste en remodelar la vida, pero no la crea ni la causa. Además, atribuir a una película poderosas cualidades sugestivas está en desacuerdo con la visión, científicamente aceptada, de que, incluso tras una hipnosis profunda […], no se puede obligar a nadie a hacer algo en contra de su naturaleza”, concluía. Kubrick se vio obligado a recortar un par de escenas en la versión estrenada en Estados Unidos para que el filme no siguiera cargando con la losa de la calificación X. No fue hasta la muerte del realizador, en 1999, cuando se reeditó sin cortes en el país. No es de extrañar que, cada vez que alguien le nombraba La naranja mecánica, el cineasta rehuyera la conversación. No era el único que quería mantenerla en el olvido. Cuenta la leyenda que, durante una fiesta en Hollywood, Malcolm McDowell, que encarnaba a Alex con una extraordinaria frialdad, se acercó a Gene Kelly. Era su oportunidad para conocer a una de las estrellas más rutilantes de su oficio. Sin embargo, el actor de Cantando bajo la lluvia (1952) le miró desairado, se dio media vuelta y le dejó con la palabra en la boca. Jamás perdonó a McDowell que mancillara su “Singin’ in the Rain” en una de las escenas más duras del filme. Jaime V. Echagüe

Metacine II parte

Uno de los wésterns más originales de este siglo es Django desencadenado. Quentin Tarantino toma el nombre de su protagonista de un espagueti wéstern que Sergio Corbucci rodó en España en 1966. En un momento de su acción, en un cameo delicioso, el Django de Tarantino, Jamie Foxx, le deletrea su nombre al Django de Corbucci, Franco Nero. Cuando Foxx le explica que la “D” es muda, Nero le replica: “Lo sé”. Por muy original que sea su puesta en escena, Tarantino desea que seamos conscientes de la naturaleza autorreferencial de su discurso, aunque los que no hayan visto el primer Django no se percatarán de su homenaje. Como recordarán, dedicamos la primera parte de nuestra monografía al análisis metacinematográfico. Descubrimos que los cineastas filosofan sobre sus oficios, exponen las dificultades que en ocasiones atraviesan para ponerlos en práctica y maduran las diferentes tácticas narrativas y visuales que eligen para decirnos a los espectadores que el cine por dentro no es tan bonito como parece. Por otra parte, la reflexión fílmica es una especie de desesperado intento de rescatar del olvido un cine que ya no se hace: la remodelación de un género, la explotación de unos personajes, la oxigenación de un modelo a través del clasicismo con intención de homenajear o parodiar. Parece apasionante, ¿verdad? Acompáñame, pues, en esta segunda entrega de nuestro estudio a desmontar el metacine fílmico.

DESMONTANDO EL CINE

Kathy Bates en Misery (1990)

ara los más puristas, la metaficción no es que pueda ser autorreferencial; es que debe serlo. Obligatoria y visiblemente. El juego irónico y el homenaje se acentuaron con el posmodernismo metanarrativo de los años ochenta, tanto cinematográfico como literario. El modelo es más evidente si acaso en la metaficción literaria: el lector no necesita pensar demasiado en la fuente que alimenta al autor. En Operación Shylock, publicada en 1993, el propio escritor Philip Roth es el protagonista de una historia en la que se ven involucradas sus propias creencias sionistas. ¿Quién mejor para contarla que uno de los literatos judíos más famosos de nuestro tiempo? Estoy seguro de que, mientras escribía Misery, Stephen King pensaba en el malestar que Arthur Conan Doyle hubo de sentir cuando sus propios lectores le obligaron a resucitar a Sherlock Holmes, un personaje que ya le hastiaba. De igual manera, cuando el incauto Paul Sheldon pensaba que Misery Chastain se había marchado para siempre, le invitaron a encontrarse de nuevo con ella, digamos, inesperadamente. Como juntaletras aficionado, confieso que a veces he sufrido pesadillas protagonizadas por admiradoras tan atentas como Annie. Existe, sin embargo, una película que logró plasmar en imágenes la metaficción con una eficacia superior a la propia metaficción literaria: Más extraño que la ficción (2006) narra el proceso de escritura de una novela a través de números y palabras incorporados en la pantalla y una narración omnisciente: la británica voz de su autora, una maravillosa Emma Thompson. Hasta ahí todo parece una sencillo juego metanarrativo, hasta que Harold Crick, el protagonista del relato, escucha la voz y toma conciencia de su destino en la historia. Otros muchos personajes toman conciencia de que son personajes dentro de una película; solo que, cuando se dirigen al espectador, rompen la sagrada cuarta pared. En teatro, esto es casi un sacrilegio; en cine poco menos que también. Si Deadpool se dirige al espectador en los poscréditos, en bata, parece que no rompe nada porque es una comedia, pero lo hace. Este recurso es muy del gusto, sí, de nuestro viejo conocido Jean-Luc

Mağs extranġo que la ficcioğn (2006)

Estoy seguro de que, mientras escribía Misery, Stephen King pensaba en el malestar que Arthur Conan Doyle hubo de sentir cuando sus propios lectores le obligaron a resucitar a Sherlock Holmes, un personaje que ya le hastiaba.

Godard, que no duda en tirarla abajo en diferentes películas. Esta especie de epifanía del rol le acontece a Jean-Paul Belmondo varias veces en Al final de la escapada (À bout de souffle, 1960), especialmente en el primer viaje en coche cuando gira su cabeza hacia nosotros y nos invita a fastidiarnos con jota. Esta transgresión no es la única regla básica que en ocasiones se quebranta. Por ejemplo, algunos osados no han dudado en profanar la impermeabilidad de la pantalla, y sus personajes, cansados de aparecer en la misma historia, deciden pasarse al lado oscuro: un buen ejemplo es el arqueólogo que interpreta Jeff Daniels en La rosa púrpura del Cairo (1985) de Woody Allen. Y también ocurre al revés: es decir, un individuo externo se introduce en el filme que los espectadores ven. Es el caso de la película que sirvió de inspiración a Allen, El moderno Sherlock Holmes (1924): Buster Keaton, sumido en un placentero sueño, se incorpora como un personaje más del filme que él mismo proyecta, con el público ajeno a su acción. En ambos casos, esta transmutación de ficciones corresponde a una notoria insatisfacción vital. En

Jeff Daniels en La rosa puğrpura del Cairo (1985)

DESMONTANDO EL CINE

Anrtonio Banderas en Dolor y gloria (2019)

raras ocasiones, cuando el producto de una filmación se integra en la representación principal con una armonía tan equilibrada que se vuelve invisible, se manifiesta esa magia que define el talento de un artista: la ficción secundaria que Pedro Almodóvar intercala en la historia de su Dolor y gloria (2019) apenas roza la cuarta pared. La conciencia es importante, pero no necesaria para que se plasme el metacine. Con un poco de imaginación basta. A la pequeña Ana de El espíritu de la colmena (1973) le sobra con ver una tarde de domingo el clásico Frankenstein para creer que el monstruo se esconde en una casa abandonada en las afueras de su pueblo. En otros momentos, personajes anacrónicos interactúan en la misma situación como si todo fuera normal. Cierto que Humphrey Bogart interpretó más de setenta películas, pero no pensamos en él sin su gabardina, su sombrero y el cigarrillo en la mano. En Sueños de un seductor (Play it Again, Sam, 1972), aconseja vestido de esta guisa a un inseguro Woody Allen. Como se inspiró en su propia obra de Broadway, el sentido teatral no solo no es

Woody Allen en Play it Again Sam (1972)

El espiğritu de la colmena (1973)

Un empeño demasiado maximalista del metacine suele dañar la obra cinematográfica: el producto es un pastiche sin historia, o una historia tan sobrecargada de alusiones que no alcanza a desarrollarse convenientemente.

molesto, sino que resulta tan original como metacinematográfico. Parece que no hay nada más ominoso para un actor que el encasillamiento. O puede que no. Uno de los actores más encasillados de la historia del cine es, sin duda, el Arnold Schwarzenegger de las películas de acción de los ochenta y primera mitad de los noventa. En aquellos años, en dicho género, algunos musculitos se le acercaron, pero solo le hizo sombra Sylvester Stallone. Lejos de molestarle, Schwarzenegger demostró albergar un gran amor propio cuando, en la cima de su carrera, accedió a autoparodiarse en El último gran héroe (1993). Atiborrada de referencias intertextuales, no me negarán que el momento de metacine más delicioso esconde, sin embargo, una ironía conmovedora: cuando el pequeño protagonista intenta convencer a Jack Slater de que es un actor y de que se encuentran además inmersos en una película, entran en un videoclub, cuando menos sexi, y descubren el mítico cartel de Terminator 2: el juicio final con la fisonomía de…, Stallone. Un empeño demasiado maximalista del metacine suele dañar la obra cinematográfica: el producto es un pastiche sin historia, o una historia tan sobrecargada de alusiones que no alcanza a desarrollarse convenientemente. En Cliente muerto no paga (Dead Men Don’t Wear Plaid, 1983) no falta ni un solo personaje del cine negro clásico, desde Alan Ladd y Veronica Lake a Barbara Stanwyck o James Cagney. Tampoco Humphrey Bogart, que aparece como Philip Marlowe y como Sam Spade, por si fuera poco. No es la primera vez que se habían empleado escenas de otras películas en un filme, aunque nunca tantas. Carl Reiner no se olvidó de ninguno de los actores y actrices que tanto le hicieron gozar en la sala de montaje, pero sí de montar una historia alrededor de ellos. Cuando el pastiche no se pretende alcanzar con la edición, sino con convenciones calzadas en su guion, el resultado no suele diferir demasiado. El ejemplo perfecto es Expediente Warren (The Conjuring, 2013), que alardea de tratarse de un caso real, pero su abusiva intertextualidad convierte su metraje en un combinado de tópicos afines al cine de terror. No me

DESMONTANDO EL CINE

Drew Barrymore en Scream (1996)

entiendan mal. Esto puede parecer una crítica, pero no lo es: el diletante del género necesita esos convencionalismos para ser feliz. En los ochenta, Wes Craven participó activamente de los slashers que salpicaron de sangre y vísceras las pantallas con Pesadilla en Elm Street. En los noventa, inventó el autometacine para reflexionar con mucha ocurrencia sobre sus incursiones en el subgénero que le dio fama. En Scream (1996), Craven es consciente de que la originalidad puede lograrse si emplaza su voluntad pastichera al servicio de la historia, y no al revés. ¿Recuerdas el speech en el que Randy expone las reglas para salir indemne de un filme de terror? Ya sabes aquello de “nunca digas ‘enseguida vuelvo’, porque no volverás jamás”. Pues bien, Craven se ayuda del metacine para madurar los protocolos del subgénero, concediéndole así un valor que nadie hasta entonces se había siquiera planteado. Aquel primer episodio causó un estremecimiento tan viral entre los frikis que, para sus secuelas, Craven no tomó ya de referencia otras películas, sino la propia Scream. Si en la década que continuó a Scream proliferaron las parodias del slasher ochentero, en los setenta hubo un furor inexplicable por la reinterpretación paródica de los géneros clásicos. El entusiasmo decayó con los años, pero no desaparecieron del todo. El público norteamericano adoraba las toscas comedias de Mel Brooks: desde el wéstern, con Sillas de montar calientes (Blazing Saddles, 1974), hasta la space opera, con La loca guerra de las galaxias (Spaceballs, 1987), lo cierto es que no dejó género con cabeza. Su escasa complejidad y sus abundantes sketches visuales se ganaron a medio mundo. No ocurrió igual, sin embargo, con las sátiras irreverentes del grupo británico Monty Python. Solo La vida de Brian (1979) logró éxito fuera del Reino Unido; sus demás composiciones, cargadas de aguda crítica política e ironía social, apenas las comprendieron incluso los propios hijos de la Gran Bretaña. La labor de la ironía es precisamente volver más complejas las situaciones sencillas, pero se corre el riesgo de la incomprensión. Aun así, el buen metacine suele contener una ambiciosa

Los muertos no mueren (2019)

En este capítulo hemos visto cómo los filmes permutan la representación primaria con la ficción intertextual secundaria sin más frontera que la familiaridad del espectador con el producto referenciado. Esta fragmentación de la lógica narrativa no deja de ser una metalepsis audiovisual: la reproducción de una escena relacionada íntimamente con otra mediante la parodia o la ironía.

carga irónica como parte del acuerdo tácito entre cineasta y espectador. Cuando Jim Jarmusch baja de revoluciones en Los muertos no mueren (2019), a diferencia de las últimas disparatadas propuestas zómbicas, nos declara con sutil ironía que desprecia el desbarre en el que se ha convertido el subgénero, y también cuánto añora el espíritu de George A. Romero y su clásica La noche de muertos vivientes. En este capítulo hemos visto cómo los filmes permutan la representación primaria con la ficción intertextual secundaria sin más frontera que la familiaridad del espectador con el producto referenciado. Esta fragmentación de la lógica narrativa no deja de ser una metalepsis audiovisual: la reproducción de una escena relacionada íntimamente con otra mediante la parodia o la ironía. En el siguiente capítulo de nuestro estudio nos ocuparemos de un metacine más complaciente con su pasado: la recreación de épocas gloriosas o periodos dorados a cargo de cineastas del presente enamorados de un cine que no volverá jamás. Juan Carlos Paredes

La vida de Brian (1979)

CINE EN CASA por Santiago de Bernardo

io 14 jul

8 julio

Onward ¿Existe la magia? Largometraje sobre dos jóvenes hermanos elfos que reciben un mensaje que les dejó su progenitor antes de fallecer, en compañía de un bastón mágico que les animará a reencontrarse con él. Incluye audiocomentarios del director Dan Scanlon y del productor Kori Rae y los reportajes “A la búsqueda de la historia” y “Ciudadanos de New Mushroomton”, extras que se amplían en la edición en caja metálica con escenas eliminadas, tráileres, promos o documentales. EXTRAS:

io 15 jul

Underwater Peligro bajo el mar En las profundidades del mar hay un equipo de investigadores que sufre un terremoto, por lo que sus miembros se ven obligados a llegar a una plataforma abandonada si quieren sobrevivir. Por el camino les acecharán depredadores marinos en busca de comida. Incluye escenas eliminadas y extendidas, el cómo se hizo o comentarios en audio del director William Eubank, del guionista Philip Gawthorne y del responsable de arte Jared Purrington. EXTRAS:

io 26 jun

The Gentlemen: los señores de la mafia

El misterio del dragón

Sin jubilación anticipada

Reencuentro de Arnold Schwarzenegger y Jackie Chan tras La vuelta al mundo en 80 días, que relata cómo un cartógrafo británico, Jonathan Green (Jason Flemyng), tiene el encargo de dibujar el mapa de la aún desconocida Rusia. Y para conseguir su objetivo vivirá aventuras inimaginables y peligros por doquier. Esta divertida producción de aventuras y fantasía se edita únicamente con el tráiler cinematográfico. EXTRAS:

Guy Ritchie regresa al cine que le hizo famoso y popular con títulos como Lock & Stock o Snatch: cerdos y diamantes, combinando thriller, acción y comedia. Esta es la historia de un importante gánster de Londres que quiere retirarse, ahora que ya es rico, y vender su negocio de tráfico de marihuana… si le dejan. Presenta un par de tráileres, entrevistas y escenas tras las cámaras. EXTRAS:

Ya a la

venta

Para toda la muerte El trabajo soñado Comedia española del dúo formado por Alfonso Sánchez y Alberto López (El mundo es suyo) centrada en un hombre y su sueño: un opositor durante ocho años, cuyo fin es ser funcionario. Pero un error le impide obtener la plaza que tanto ha soñado, puesto que ha quedado el primero de los suplentes, pero a grandes males, grandes remedios. Contiene las fichas técnicas y artísticas, el tráiler cinematográfico y una galería de imágenes. EXTRAS:

Un viaje increíble

io 10 jul

El hombre invisible El mundo en sus manos Nueva vuelta de tuerca acerca del mito de la invisibilidad, en la que una mujer mantiene una relación sentimental con un científico obsesionado con ella y que la controla continuamente. La muerte de él, que se produce tras la huida de esta, podría ser sencillamente parte de un perverso plan. Escenas eliminadas, audiocomentarios del realizador Leigh Whannell y reportajes sobre los actores, el hombre invisible o tras las cámaras. EXTRAS:

Ya a la

venta

La línea invisible El origen de la violencia etarra Serie que narra los orígenes de ETA. En plena dictadura de Franco, ETA mató a un guardia civil, cuerpo que luego hizo lo propio con su autor. Tras esto se sucedió una espiral de violencia que duró décadas con asesinatos, secuestros, crímenes de estado o torturas. Junto a esta miniserie de seis capítulos está el cómo se hizo, el tráiler, una galería de imágenes o extras sobre los inicios de ETA, así como un libro exclusivo. EXTRAS:

Ya a la

venta

Ya a la

venta

Manhattan sin salida

io 23 jul

Judy

Lo que la verdad esconde

En algún lugar sobre el arco iris

Han sido asesinados ocho oficiales de la policía de Nueva York y dos de sus miembros están empeñados en encontrarlos y llevarlos ante la justicia. El problema es que tras este crimen hay una conspiración que salpica a la propia policía. Se comercializa con el tráiler cinematográfico, escenas eliminadas, una entrevista al reparto y un reportaje sobre la promoción de la película, si bien sin los audiocomentarios del director y del guionista. EXTRAS:

Biopic sobre la gran actriz y solista Judy Garland, que le ha proporcionado a su protagonista, Renée Zellweger, el Oscar a la Mejor Actriz, que nos retrotrae al final de su carrera (y de su vida), en los últimos años sesenta, cuando llegó a Londres para varios conciertos. Como extras, están el tráiler cinematográfico, entrevistas y una suerte de “Cómo se hizo” con la figura de la Garland como inspiración. EXTRAS:

Ya a la

venta

Ya a la

venta

El duodécimo hombre

El doble asesinato en la calle Morgue

La casa de los horrores

Huyendo de los nazis

En nombre la ciencia

¡Se acabó la diversión!

Año 1943. Noruega sufre la terrible ocupación del invasor nazi. Pero la resistencia no se lo está poniendo fácil al III Reich, que atrapa a un comando de saboteadores noruegos (venido del exilio) tras ser traicionado, logrando únicamente uno de sus componentes escapar. El tráiler y una galería de imágenes acompañan a este filme basado en la historia real de un héroe para la Noruega invadida. EXTRAS:

Se inspira en un relato de Edgar Allan Poe esta adaptación cinematográfica protagonizada por un mad doctor (encarnado por Bela Lugosi), que en la ciudad de París de finales del siglo XIX secuestra a muchachas para llevar a cabo sus maquiavélicos experimentos. Una galería de imágenes es el único extra de esta edición, en la que se echan de menos los comentarios en audio o el tráiler de cine de ediciones foráneas. EXTRAS:

Antes de embarcarse en el mayor éxito de su carrera, Poltergeist, fenómenos extraños, su director Tobe Hooper rodó esta producción sobre unos jóvenes que entran sin permiso en una atracción de feria en la que conocerán el horror. Los extras consisten en escenas eliminadas y una galería de imágenes, no obstante, no están los audiocomentarios del realizador, los anuncios para televisión o las entrevistas de ediciones extranjeras. EXTRAS:

GRANDES DIRECTORES 1

FRITZ LANG

aestro en un amplio abanico de géneros, con una etapa brillante en Alemania que precede a su posterior desempeño en el cine estadounidense, Fritz Lang es un ejemplo de la posibilidad de hacer cine de autor trabajando con los géneros para el sistema de Hollywood. Del mismo modo que hizo el maestro del melodrama Douglas Sirk, Lang logró mantener en la fase estadounidense de su filmografía el simbolismo expresivo que caracterizó su etapa germana y se traduce a través de las estructuras plásticas. También mantuvo los temas y las preocupaciones como autor de su filmografía en Alemania. Aparece así en su etapa en Hollywood la fatalidad que junto con el medio social en el que se desenvuelven, las circunstancias y el destino, atrapa a sus personajes. Nos reencontramos también con el deseo de venganza que mueve a los habitantes de sus películas y en muchos casos forma parte esencial de su viaje, arco de desarrollo y conflicto. Otro tema que destaca en las películas del director es la culpa como elemento que condiciona psicológicamente a sus héroes, tejidos las más de las veces como antihéroes, así como a sus antagonistas. En una de sus mejores películas, M, el vampiro de Düsseldorf (1931), que en muchos aspectos estéticos y narrativos fue una de las fuentes de inspiración más destacadas para el cine negro, y además fue su primera película sonora, con la que el director demuestra una inteligencia para aplicar y sacar el máximo partido al sonido como parte esencial del relato, consigue poner al espectador en la piel de un siniestro antagonista convertido en personaje principal protagonista, e incluso consigue que este complete un viaje desde su función como verdugo asesino de niños a una etapa final como víctima. La alegoría política que se esconde tras M, quizá su reflexión más completa sobre la culpa, va a marcar también otra característica de segunda lectura política y social que encontramos con frecuencia en sus largometrajes, convirtiendo a Lang en un eficaz testigo de su tiempo, incluso cuando, como él mismo declaraba, solo pretendía hacer películas entretenidas.

Rudolf Klein-Rogge, Brigitte Helm, el director Fritz Lang y el director de fotografía Karl Freund en el set de Metropolis

GRANDES DIRECTORES En 1920 se casa con la guionista Thea von Harbou, que será su colaboradora en la etapa alemana de su filmografía.

Maestro del espacio

Lang, a la izda., y Edward G. Robinson en Scarlet Street

Biografía Nacido en Viena, Austria, el 5 de diciembre de 1890, y fallecido en Los Ángeles, California, el 2 de agosto de 1976, Friedrich Christian Anton Lang era hijo de un arquitecto y comenzó a estudiar él mismo arquitectura en cierto modo obligado por ese antecedente en su entorno familiar, que no veía con buenos ojos su personal inclinación por otras inquietudes expresivas, como las artes gráficas, la pintura, que estudió en Múnich y París. Viajero incansable, su juventud fue un periplo por Asia Menor, Indonesia, África, Japón…, que contribuyó a la construcción del romanticismo aventurero que marca su filmografía. En 1911 vendía postales de cuadros en Bruselas, en 1913 regresa a París, diseña moda, dibuja cómics y caricaturas para periódicos alemanes, pinta y vende acuarelas en Chartres. En 1914 preparaba una exposición de su colección de objetos artísticos recopilados en sus viajes, pero cuando estalla la Primera Guerra Mundial es arrestado por la policía francesa, escapa, vuelve a Viena y se alista en Ejército de Austria, será herido en combate y condecorado tres veces. Hospitalizado, conoce al director Joe May, para el que empieza a escribir cuentos y guiones. Lang tuvo la suerte de llegar al cine alemán en un momento clave. En 1920, el productor Erich Pommer reestructura Decla y la fusiona con Bioskop primero y luego con UFA, que dirige a partir de 1923. Lang empieza a trabajar en Decla como lector de guiones, montaje, guionista de seriales y películas históricas. En 1919, rueda su primera película, Halbblut. Su primer éxito será una película en dos entregas, Las arañas (1929-1920), cuya influencia se hará notar en el cine de aventuras durante años, alcanzando hasta En busca del arca perdida de Spielberg.

A pesar de que se había visto en cierto modo obligado a estudiar arquitectura, al hablar de escenografía, Fritz Lang siempre pensaba en arquitectura, no en pintura. La arquitectura le preparó para el uso creativo de los espacios fílmicos. Aportó estructura científica, acercamiento frío, crítico y exterior a historias y personajes. Lang añadió objetividad y equilibrio al expresionismo sintetizando dos tendencias: expresión y objetividad en personas y sentimientos. En algún caso se le reprochó que eso marcara quizá un excesivo distanciamiento emocional de sus personajes, aunque en realidad es desde la arquitectura y esa mirada científica como Lang diseña no solo espacios, sino también reflexiones sobre la moral humana. A título de ejemplo, basta con ver la parafernalia religiosa de altar con cruces y velas que se convierte en espacio físico para los mítines de la protagonista a las clases del nivel más inferior de la sociedad futurista descrita en su película más visionaria, Metrópolis (1927), el retrete convertido en claustrofóbico estudio improvisado de pintura por el tímido protagonista de Perversidad (1945), o la mansión en la que vive el gánster de Los sobornados (1953), cuya ambigüedad moral y doble identidad –criminal que se esconde tras una falsa aura de respetabilidad social– queda definida en el pomo de la puerta con la mano que en realidad es un timbre y en todo el interior donde la parte pública, representada por la fiesta que celebra su hija, queda separada del despacho en el que, rodeado de una decoración de lujo, gestiona sus actividades criminales. Meticuloso y detallista, otorga a los objetos un protagonismo definitorio de los propios personajes, como en el caso de los escaparates de M y Furia, o los espejos y el personaje de Gloria Grahame en Los sobornados. En 1919, Lang rueda una versión de Madame Butterfly que titula Harakiri, y comienza el viaje de la mano de la tragedia que va a marcar la mayor parte de su filmografía. En esa línea encontramos sus trabajos de la etapa alemana: Las tres luces (1921), pacto de una doncella con la muerte para salvar a su pareja, que abre paso a sus clásicos de la etapa alemana: El doctor Mabuse (1922), Los nibelungos (1923), Los espías (1928), inicio del cine de espionaje y destacada influencia en Alfred Hitchcock y su cine de suspense, La mujer en la Luna (1929) y El testamento del doctor Mabuse (1923), su última película antes de abandonar Alemania después de que Joseph Goebbels le ofreciera dirigir la industria del cine de Reich de Hitler. Exiliado primero en París, acabó estableciéndose en Estados Unidos, donde construyó una filmografía con personalidad propia, visitando todos los géneros. Sirvió a la intriga, al drama y al cine negro con clásicos en los que incorporaba claves del psicoanálisis ya exploradas en M, como Furia (1936), Solo se vive una vez (1937), El hombre atrapado (1941), Los verdugos también mueren (1943), El ministerio del miedo (1944), La mujer del cuadro (1944), Clandestino y caballero (1946), Secreto tras la puerta (1947), Encuentro en la noche (1952), Gardenia azul (1953), Deseos humanos (1952), Mientras Nueva York duerme (1956) o Más allá de la duda (1956). Aportó al wéstern claves que lo distinguían en películas como La venganza de Frank James (1940), Espíritu de conquista (1941) o Encubridora (1952). Dejó tres joyas para el cine de aventuras: Los contrabandistas de Moonfleet (1955) y El tigre de Esnapur (1959) y La tumba india (1959). Miguel Juan Payán

VIDEOJUEGOS por Jesús Usero

Nioh 2 PS4 Como todos sabemos, de un tiempo a esta parte hay un tipo de juego que se ha hecho bastante

Resident Evil 3 PS4, PC, Xbox One Hace poco más de un año, estábamos disfrutando de forma salvaje con el remake de Resident Evil 2 que

popular entre los más profesionales del mando. La fórmula que se ha dado en llamar souls like, haciendo referencia a los juegos de from software desde el Demon Souls y el Dark Souls hasta el más reciente Sekiro. Por supuesto, no es un género para todo el mundo. Juegos de acción y rol, con un nivel de dificultad endiablado a los que Team Ninja dio respuesta en Nioh, y ahora en su secuela, ambos para PS4. Una historia de samuráis que sirve de precuela a la original, pero que nos lleva a un juego mejor. En todo. Más completo (el editor de personajes es una locura y es maravilloso), más complejo y satisfactorio en su sistema de combate, con un cooperativo muy bien construido y con una dificultad endiablada. Hasta el punto de que dan ganas de lanzar la consola por la ventana muchas veces. Pero es lógico, es lo normal. Es a lo que hemos venido. Y es incluso más duro que el primer Nioh. Quizá gráficamente podía haber mejorado más, pero sigue siendo un juego magnífico para quien busque emociones fuertes.

nos trajo Capcom para celebrar una de las entregas más queridas de la saga, si no la más querida por los fans. Nuevos gráficos increíbles, nuevo sistema de juego en consonancia con los de la saga desde el 4, nuevos sustos, giros y sorpresas… Pero todo lo que hizo la saga grande seguía ahí. Teníamos a nuestros héroes, nuestros puzles, la comisaría y las entrañas de Raccoon City. Ahora llega el remake de la secuela de aquel. Un juego que muchos despreciaron originalmente y que, sin embargo, sigue siendo de mis favoritos de la saga. Especialmente, volver a ponerme a los mandos de Jill, mi personaje favorito de la saga, incluso con el sistema de juego en tercera persona que nunca me convenció… Pero eso es simplemente nostalgia. La experiencia de Resident Evil 3, aunque más breve, está jugablemente más depurada que en el 2, y el ritmo es más trepidante. Visualmente es apabullante. Sí, la aparición de Némesis no está tan bien trazada como en su antecesor, y el juego es corto (ya lo era el original), pero tan disfrutable…

Predator: Hunting Grounds PS4, PC Siempre que hablamos de adaptaciones de cine al mundo del videojuego (y viceversa) lo hacemos con miedo y con esa idea preconcebida (vale, no preconcebida, ha habido mucho juego completamente inservible… y mucha película) de que no hay buenas adaptaciones entre ambos medios. Si volvemos la vista atrás, en los noventa, con la generación de 16 bits, hubo adaptaciones sensacionales. Y no todas han sido malas recientemente… Por ejemplo, Illfonic hizo algo muy, muy simpático con

Final Fantasy VII Remake PS4 Al fin ha llegado. Cinco años después de ser anunciado y tras mil y un problemas y retrasos, la primera parte del remake del más conocido JRPG de todos los tiempos, llega a nuestras PS4. Un juego exclusivo de Sony, como no podía ser de otro modo, que nos devuelve a esa generación de consolas ya pasada en la que muchos empezaron a descubrir el mundo de videojuego. Un esperado remake que, es cierto, trae algunos cambios importantes, más allá de

Viernes 13, el juego, aquella marcianada en la que un grupo de jugadores campistas se enfrentaban a Jason, controlado por otro jugador. Y, pese a todos sus problemas y bugs, funcionaba. La idea con Predator: Hunting Grounds es similar. Un shooter asimétrico, en el que unos jugadores serán los soldados y otro el predator que les da caza. Unos intentarán alcanzar unas misiones y el depredador intentará matarlos antes. El mapa es extenso, pero necesitan más variedad, y la gracia está en emplear al monstruo, porque los personajes humanos no difieren mucho de otros FPS con multijugador. Deberá reinventarse cada cierto tiempo para mantener el interés de los jugadores y ahí estará su gran prueba de fuego. Pero por ahora promete mucho y divierte más.

los técnicos. Obviamente, el paso del tiempo ha supuesto un cambio visual increíble, que nos traslada a un juego que es impecable en casi todo su aspecto técnico, pese a algún problema puntual. Quizá lo que más preocupaba a los fans era el cambio de sistema de juego, de los turnos a un ARPG más al uso, pero no deberían tener ningún miedo. El juego sabe perfectamente combinar ese sistema de combate en tiempo real con una ralentización y un cambio continuo de personajes que nos permite un acercamiento más táctico. La pena es que esté incompleto y sea solo un primer capítulo. Largo, eso sí, pero quizá innecesariamente largo, porque hay algo de relleno. Y cambios en la historia que no gustarán a todos.

ENTREVISTA

IvanaBaquero Cuando era solo una niña, nos deslumbró a todos con una mezcla de inocencia y talento descomunal en El laberinto del fauno, de Guillermo del Toro, posiblemente donde todos la descubrimos. Aunque antes ya destacó en Romasanta o Frágiles. Más tarde, ha sabido compaginar una carrera en inglés con películas como Feedback o la serie Las crónicas de Shannara, con otras producciones españolas, como El Club de los Incomprendidos o la serie Alta mar, uno de los grandes éxitos de Netflix. Se declara fan del género fantástico y de ciencia ficción, y nos habla, en la Heroes Comic-Con de Madrid, incluso de cuando, siendo niña, acudía a convenciones, mucho más pequeñas, en Barcelona. Es curioso lo que dices, porque te conocimos en El laberinto del fauno, pero tu carrera, con todos esos títulos, casi siempre se ha ligado al cine o las series fantásticas o de ciencia ficción. Es verdad. Creo que es una mezcla de casualidad y de que me gusta mucho el género, y me atrae, y siempre gravito hacia los proyectos que tienen un halo de género, o de fantasía, porque a mí como espectadora me gusta mucho. Pero sí que es cierto que antes de El laberinto del fauno hice como seis películas con ocho años, que es cuando empecé a actuar, y todas eran de terror o cercanas a ese género. El género ha evolucionado mucho en nuestro país en estos años. Habiendo participado en tantas producciones, ¿te sientes parte de esa evolución? ¿Cómo lo has vivido? Es una buena pregunta. Por mi parte, influye también ese factor de que yo he crecido a la par que las películas. Quiero decir, a mí me da la sensación de que en las películas de terror hay siempre una niña pequeña. Y para mí era más fácil acceder a eso. He tenido que salir un poco de ese papel en la adolescencia, y también en la edad adulta, cuando he querido salir un poco de lo que me era conocido y hacer cosas distintas, quizá un poco más transgresoras. Igual que yo, en paralelo, supongo que también ha evolucionado la industria y ha cambiado. En un momento determinado y siendo muy joven decides dar el salto, arriesgarte, y probar fortuna al otro lado del charco. ¿Cómo fue esa decisión y cómo ha llegado a nuestros días? Pues yo tuve la suerte de haber hecho El laberinto del fauno, que me abrió muchísimas puertas y, ya en esa época, conseguí un representante en Estados Unidos. A raíz de eso, empecé a hacer castings, e hice una película con 15 o 16 años, que se llamaba La otra hija, con Kevin Costner, y eso fue el trampolín, en cierta medida, para empezar a trabajar en la industria americana. Aunque siempre he estado un poco compaginando España con Estados Unidos. Nunca he estado mucho tiempo en un sitio. Siempre ha sido mezclar un proyecto en América y uno en España. Luego hice Las crónicas de Shannara, hace poco hice una película de producción americana aunque son actores británicos, que se llama Feedback. Así que sí, tengo la suerte de trabajar en ambas industrias y de hablar inglés para trabajar en Estados Unidos. Me siento muy afortunada, porque no es una industria fácil. Mucha gente no lo consigue. Y cuando creíamos que te habíamos perdido, con Las crónicas de Shannara, que te habías mudado y se rodaba en la otra parte del mundo… Ojalá… Ojalá me hubiera perdido ahí en Las crónicas… (risas). A nosotros nos hubiese encantado que siguiesen… Pero, de repente, la serie se cancela y llega Alta mar en Netflix. La pregunta es obligada. ¿Qué vamos a ver a continuación en Alta mar? Bueno, te diré que la que estamos rodando ahora que es la tercera, para mí está siendo de mis favoritas. Porque entran personajes nuevos y hay un nuevo misterio ahora. Digamos que… lo que sí que te puedo decir es que en la segunda se cerraron bastantes tramas y aquí se inicia un nuevo viaje, un nuevo misterio, que a mí me está divirtiendo mucho, mucho. Es el que más me gusta.

¿Y qué nos puedes contar de ese nuevo misterio, de ese nuevo viaje? Danos una pista… Ay… No puedo contar mucho… Pero sí que puedo decir que hay un paso del tiempo y que Eva ahora, finalmente ha publicado su libro. Entonces emprende este nuevo viaje más madura, con otro nuevo hacer, más experta en el arte del espionaje, podemos decir… Y me divierte mucho ese juego, porque el personaje está totalmente metido en situación. Parece una espía de los ingleses… La serie siempre ha tenido un halo cercano a Agatha Christie. A las producciones de época británicas también… Parece que con las series de época estamos ganando la partida a los ingleses últimamente… Sí, es cierto que estamos ofreciendo mucho. Pero la producción española siempre ha tenido mucho que ofrecer. Lo que ocurre es que a lo mejor se infravaloraban los proyectos, o no había financiación. Pero creo que con la llegada de todas estas plataformas, como Netflix, han dado también la oportunidad a los escritores, productores…, a los creativos españoles para hacer proyectos de mucha calidad. No sé si les estamos ganando el juego, pero estamos ahí seguro. Y además está el hecho de que, ahora, las series se estrenan en 190 países de golpe. Y aunque Shannara era un proyecto internacional, no sé cómo se vive que un día, a una hora, tantos millones de usuarios puedan ver la serie. ¿Supone más presión? ¿Se aísla una? Te aíslas completamente. ¡Te lo digo de verdad! Cuando me preguntan si no me intimida que lo vaya a ver tanta gente, no lo pienso, de verdad. Y creo que muchos actores hacen lo mismo. Es algo tan marciano de alguna forma, parece tan lejano e imposible, que creo que yo, por lo menos, no soy consciente de la difusión y del impacto que tiene. Pero es verdad que si te pones a pensarlo y te das cuenta de toda la gente que se pone a ver la serie a la vez, y además toda la serie, porque hay gente que se ve toda la temporada en dos días… sí que es fuerte. Otra pregunta obligada… Con toda la suerte de reboots, remakes, relanzamientos, ¿tenemos alguna posibilidad de ver lo que nos queda de historia de Las crónicas de Shannara? Ojalá… Da la sensación de que es una serie que tenía mucha más vida. Que cambiarla de MTV a Spike no fue la mejor decisión y eso acabó con ella antes de tiempo. Yo siempre lo he dicho. Eran temas internos y demás, pero yo sí que creo que la serie tenía mucho que dar todavía, y si se hubiera quedado en MTV, me parece que hubiera continuado. Pero son gestiones internas, no cuajó en la otra cadena, y le pasó como le pasa a otras muchas series. Se quedó en el limbo y finalmente apostaron por otros proyectos. Pero es una pena, porque tenía mucho que dar y la segunda temporada no es un final cerrado… Da para mucho… No sé si habrán spin off, por ejemplo, o no. Pero por ahora, lo que es Shannara tal y como la conocemos, se acabó… Jesús Usero

ENTREVISTA

MarieAvgeropoulos p

Los 100. Te T mporada 7

No voy a esconder que de todos los personajes que habitan una serie que disfruto tanto como Los 100, mi favorita siempre fue Octavia, interpretada por Marie Avgeropoulos. Su arco de crecimiento, su transformación de niña sobreprotegida que desea rebelarse a poderosa guerrera imparable e implacable ha sido algo de lo que más he disfrutado en la serie, apoyado en esa relación con su hermano Bellamy. Pero ahora toca despedirnos de la serie y la última vez que vimos a Octavia no fue una situación… prometedora. Veamos qué tiene que contarnos la actriz en esta entrevista en exclusiva con ACCIÓN mientras vemos la última temporada en SYFY Como siempre, empecemos con la pregunta más difícil… ¿Qué nos puede contar de la nueva y última temporada de Los 100? Va a ser una temporada maravillosa. El año pasado dejamos las cosas en el aire de una forma inesperada, con Octavia (su personaje) desapareciendo en la Anomalía tras encontrarse con una Hope adulta. El viaje de Octavia este año va a empezar más allá de la Anomalía, que no es lo que todo el mundo espera. Octavia por fin había regresado con su hermano, con Bellamy, intentando reconectar y cerrar las heridas del pasado, y justo cuando eso sucede, nos la quitan de las manos y desaparece. Casi como si tuviese siempre que empezar de cero. Cuando encontramos a Octavia esta temporada es en una situación inesperada. Es una especie de madre adoptiva de Hope, aunque no la llame así, y tiene que lidiar con la maternidad, algo que no esperaba ni había pedido. No será sencillo al principio, pero en cierta medida encontrará la paz. Y entenderá por lo que pasó Bellamy. Estando en este otro lugar y teniendo que ser una madrastra para Hope, comprenderá algunas de las decisiones que Bellamy tomó cuando estaban creciendo. Es curioso, porque estando separados es cuando ella se acercará más a él. ¿Cómo será el viaje para Octavia? Lo último que vimos de ella fue cómo desaparecía ante nuestros ojos… Para Octavia, las cosas nunca han sido fáciles, y ahora no va a ser distinto. Pero sí es cierto que este año tendrá un pequeño momento de paz, para conocerse a sí misma y, sí, por qué no, incluso para ser un poco feliz. No es algo que esperase, ni es algo que tuviese planeado, pero su llegada a este mundo nuevo y su relación con Hope serán para ella muy importantes. Eso no quita que Octavia siga siendo quien recordamos que es, una persona que no va a rendirse y que es capaz de atarse piedras en los pies para hundirse más rápido con tal de llegar a la Anomalía e intentar volver a casa. Aunque su fracaso inicial sea frustrante, la situación se convertirá en algo muy importante para ella. Creo que en el corazón de la serie está la relación entre Bellamy y Octavia. El viaje de estos hermanos que han evolucionado con los años. ¿Cómo ha sido esa relación como intérprete para usted? ¡Gracias! Eres muy amable. Sé que para mí ha sido muy importante en todo este tiempo, y espero que se haya transmitido a los espectadores, claro. Ha sido maravilloso ser parte de esta historia a lo largo de los años. La relación ha ido cambiando, evidentemente, pero justo ahora es lo que te mencionaba antes. Lo que Octavia está viviendo al inicio de la temporada la va a hacer comprender a su hermano mucho mejor. Por primera vez en su vida, Octavia comprende a Bellamy y las decisiones que tuvo que adoptar este cuando estaban creciendo para protegerla. Por primera vez es consciente de lo mucho que hizo su hermano por ella

y de lo mucho que sacrificó mientras se hacían mayores, ejerciendo como padre. Ahora ella tendrá ocasión de comprobar lo que se siente y aprender de su hermano. Tengo la sensación de que Octavia estaba en un camino a la redención la temporada anterior y casi lo había conseguido con Bellamy… y ahora toca empezar de cero. Sí, era su viaje de redención. Y ahora vuelven a estar separados. Pero nada puede detener a Octavia cuando se propone algo, eso ya lo sabemos (risas). Nada en este mundo podría impedir que vuelva a encontrarse con su hermano, porque sabe que quedan muchas cosas que decirse, y muchas heridas que cerrar. Incluso aunque tengan que empezar de cero, para ella es clave volver a reunirse con Bellamy. No puedo decirte cuándo o cómo sucederá, ni si sucederá. Ni siquiera si será en este o en otro tiempo. Se trata de la Anomalía. Pero Octavia no va a dejar que nada se interponga en su camino. Es quien ella es. Tanto si lo consigue como si no, no parará. Porque no sabe hacerlo. Pero es cierto que da la sensación de que con todo lo que habían pasado, estando tan cerca de esa redención…, es extraño volver al punto de partida. ¿Qué puede contarnos de Anders, Bardo y los Discípulos? No sé si son los nuevos villanos de la temporada o si es algo más. No hay mucho que pueda decir sin revelar demasiado. Al inicio de la temporada ya los hemos visto, primero en Sanctum y después cuando oímos a Hope hablar de ello, además de con su llegada. Sabemos que viven en otro planeta, y que todos están conectados a través de la Anomalía, porque ellos saben utilizarla. Son una amenaza seria porque nosotros apenas estamos descubriendo el funcionamiento de la Anomalía y de repente aparecen estos soldados, con una tecnología con la que nosotros ni siquiera soñamos, y a los que parece casi imposible vencer. Y no será fácil. ¿Cómo ha sido la despedida de la serie tras siete años? ¿Cómo se siente? Todavía no lo sé, porque ha sido de lo más extraño. Ni siquiera hemos tenido una fiesta de despedida o de final de temporada, porque literalmente hemos estado trabajando hasta el último minuto. No hemos podido ni despedirnos los unos de los otros. Es extraño saber que ha terminado, pero no haber sido capaz de decir adiós. Sé que cuando empiece a aceptarlo, me va a golpear muy fuerte. Pero por ahora no me he dado cuenta de lo que está pasando. Supongo que según se acerque el final de la serie, iré dándome cuenta de la situación. Pero por ahora… Creo que no soy consciente. Fue una situación muy peculiar, de un día para otro todo había terminado y ni siquiera pudimos decirnos adiós, al día siguiente estábamos confinados y en cuarentena. Ahora que la serie ha llegado empiezo a verlo de cerca, y cuando se emita el final será desgarrador, seguramente. Jesús Usero

Maldita Visita al set de rodaje

Ha pasado un tiempo, pero Maldita está a un paso de estrenarse cuando leáis estas líneas. La serie, protagonizada por Katherine Langford, se basa en la obra de Tom Wheeler y Frank Miller y es una nueva revisión de la leyenda del rey Arturo, desde otro punto de vista. Pudimos acudir al rodaje y pasear por sus sets mientras parte del equipo técnico y artístico nos contaba su experiencia recreando el mundo artúrico y a sus principales personajes. Una historia que creíamos conocer ya, pero que regresa con un giro. Y os lo contamos todo desde dentro del set de rodaje.

MALDITA

uriosamente hace no tanto tiempo, en este mismo lugar, estábamos visitando el rodaje de Cristal oscuro, y ahora queda poco de aquello… Alguna señal en las paredes, algún cartel abandonado… Todo lo demás es nuevo, el alma del edificio ha sido cambiada por completo y, mientras que paredes y habitaciones son las mismas, su contenido es distinto. Maldita es una de las series más esperadas del año, aunque no se ha librado de cierta polémica, pero viene de la mano de un titán de la industria del cómic como es Frank Miller, coautor de la historia y dibujante del libro de Tom Wheeler en el que se basa. Un libro que nos devuelve al universo del rey Arturo (Devon Terrell) mucho antes de convertirse en rey, con la particularidad de que ahora la historia se cuenta desde el punto de vista de Nimue (Katherine Langford), quien con el tiempo se convertirá en la Dama del Lago. En una época de fanatismo religioso donde todo lo diferente es condenado, donde los paladines rojos liderados por el padre Carden (Peter Mullan), y con el Monje que Llora (Daniel Sharman) como su brazo ejecutor, imponen el terror entre la gente. El pueblo de Nimue es devastado y ella debe viajar con una misteriosa espada ante Merlín (Gustaf Skarsgård) e irá encontrando por el camino aliados como el propio Arturo, el niño Squirrel (Billy Jenkins), el Caballero Verde (Matt Stokoe) o la misteriosa Ygraine (Shalom Brune-Franklin). No será un camino fácil y debe aprender a controlar sus dones, unos dones que la condenan, pero la convierten en la única posibilidad para su gente… Tom Wheeler fue la primera persona a la que saludamos nada más llegar al set, quien, además, llegó con una copia del libro (sin editar todavía en aquel momento, faltaba un poco) y nos habló de su trabajo como creador de la serie junto con Frank Miller: “Miller es un enamorado de la leyenda artúrica, como yo desde que de joven vi Excálibur, la película de John Boorman. Aunque incluso antes de que sucediese eso, ya tenía libros de mitología que me fascinaban. Incluso la música de Camelot, el musical, que mi madre cantaba cuando yo era niño, me entusiasmaba. Pero parece que había muchas historias del rey Arturo y que era un terreno muy trillado. Así que buscábamos una forma distinta de contar la leyenda, pero al mismo tiempo quería que interesase a mi hija, que tenía doce años entonces. Nos daba la sensación de que había pocas heroínas en esta historia, lo que nos llevó a Nimue”. Según Wheeler, Netflix se interesó por el producto antes de que acabasen de escribirlo, así que Frank Miller empezó a enviar arte. Y nos recordó que Miller está entusiasmado con las diferencias que puedan existir entre el libro y la serie, que han nacido casi a la vez… Un arte que nos sirve para adentrarnos en las entrañas del rodaje. En el set no solo encontramos algunos de los lugares que serán icónicos para los fans, como son ciertos recovecos del bosque o las cámaras del palacio, desde la sala del trono —donde nos sacamos una maravillosa foto— a la mazmorra u otros rincones del palacio que vestidos de una u otra forma pueden servir para grabar distintas localizaciones de interiores. Pero también nos sirve para

visitar las oficinas de producción, que están situadas en uno de los edificios, donde podemos encontrar al equipo de diseño de producción. Desde la creación de los personajes, tomando como base los dibujos de la novela, hasta la de Excálibur, todo pasa por las manos de esta gente. Al frente del equipo nos recibió Catrin Meredydd y esta nos comentó la importancia de la creación de los sets, desde la concepción a la creación física, y luego su expansión con pantalla verde. Pero es imprescindible que exista ese punto de origen físico para los actores. Incluso bromeó con el hecho de construir esos enormes sets y luego tener que destruirlos. Imaginad que la escena no funciona y hay que reconstruirlos enteros… Aunque en Maldita es muy importante la presencia de lo digital, solo hay que ver cómo funciona el uso de la sangre en esta producción. Quien espere una serie ligera y no violenta se ha equivocado de producto. Meredydd también nos habló del proceso creativo junto con Frank Miller: “Por supuesto que le pedíamos material continuamente, pero él también a nosotros. Nos pedía dibujos o nuestra investigación, porque investigamos mucho”. En ese recorrido pudimos ver Excálibur por primera vez y entender algunos de los secretos de la serie, más allá de las inspiraciones celtas, gaélicas, nórdicas… Hay muchos muchos secretos en esta ficción que no vamos a contar aquí. Quizá cuando se estrene. Pero allí descubrimos realmente quiénes son Ygraine, el Caballero Verde o el Monje que Llora. Son nombres que pronto os resultarán comunes y que esconden muchos secretos. Como Merlín, que esconde el mayor de todos y que, cuando se revele (si no han leído el libro, allá por el episodio cinco), puede cambiar por completo la serie. Un Merlín interpretado por Gustaf Skarsgård, recién salido de Vikingos, donde interpretó a Nuestro redactor Jesús Usero Floki. Y nos contaba, en la visita al set de rodaje por ejemplo: “Este no es el Merlín que todos esperan. No tiene un gorro puntiagudo ni una larga barba blanca. No es el Merlín Gandalf. Cuando le encontramos, es un consejero del rey Uther. Es un alcohólico, un mentiroso y ha perdido su magia”. El actor está encantado con el papel y con los guiones y, en parte, sabe que es uno de los rostros más populares de esta producción. Asimismo, nos recuerda que: “Definitivamente, la serie tiene más de género fantástico que Vikingos. La magia aquí es real, objetiva y tiene efectos visibles. Hay distintas realidades y criaturas mágicas”. Mientras, Devon Terrell nos comenta lo peculiar que fue enfrentarse a Arturo: “Según leía los guiones, no podía evitar pensar que es muy diferente a todo lo que conocemos anteriormente de Arturo. Es una versión distinta del personaje, mucho. Pero, además, los directores y Tom Wheeler querían que pusiese mucho de mi vida, de mis experiencias vitales en el personaje”. Un Arturo más pícaro que caballero en el que nunca sabemos si confiar, pero ligado de forma imposible a Nimue. Maldita llega en julio. Una serie con aventuras, acción y un tono mucho más violento y salvaje de lo que podríamos esperar de una ficción juvenil. Porque Maldita es mucho más que eso… Jesús Usero

ENTREVISTA

KatherineLangford Maldita

Conocida en todo el mundo como la protagonista en las primeras temporadas de Por trece razones, Katherine Langford es una de las jóvenes actrices más prometedoras del momento. Destacó en el drama juvenil Con amor, Simón, y fue parte del brillante reparto de Puñales por la espalda. Ahora vuelve a televisión para encarnar a Nimue, la Dama del Lago, en la nueva serie de Netflix basada en el libro de Tom Wheeler y Frank Miller. Ella es la protagonista y la líder de una serie de aventuras que cuentan la leyenda de Arturo y sus caballeros desde otro punto de vista. De todo lo que ello supone nos habla en esta entrevista en exclusiva con ACCIÓN. Es extraño, porque estuve en el set hace unos meses, en el rodaje. He leído el libro y visto los primeros episodios, pero nuestros lectores no saben nada. ¿Qué puedes contarnos de Maldita? Bueno, Maldita es una nueva mirada a una historia familiar. Es un punto de vista nuevo y fresco de las leyendas artúricas, a través de los ojos de Nimue, mi personaje, una joven que tiene un misterioso don y que con el tiempo se acabará convirtiendo en la legendaria Dama del Lago. Después de que la tragedia la golpee, se embarca en un viaje para entregar algo muy valioso a un hombre llamado Merlín. Y en este viaje deberá aprender a aceptar sus poderes para poder liderar a su gente hasta que esté a salvo y a luchar contra las injusticias con las que debe enfrentarse desde todos los rincones. Pero, además de lo que nos has contado…, ¿quién es realmente Nimue? Porque tengo la sensación de que es el personaje del que menos sabemos en las leyendas artúricas. Sí, es cierto… para mí lo que hace Maldita tan interesante es que cuando la gente habla de las leyendas artúricas hablan sobre el rey Arturo, Merlín, los caballeros de la Tabla Redonda…, pero de lo que nunca se habla, o se habla menos, es de las mujeres que rodean esas leyendas artúricas. Creo que Maldita es una aproximación fresca a esta leyenda que es más que conocida y nos muestra un nuevo enfoque sobre esta joven mujer que con el tiempo se convertirá en la conocida y poderosa Dama del Lago. Y creo que durante ese viaje no solo vamos a disfrutar de las leyendas artúricas con las que todos estamos tan familiarizados, sino que también vamos a ver el viaje y el destino de una auténtica heroína, y su lucha que define a las mujeres de su tiempo y al mundo que las ha creado. ¿Cómo ha sido trabajar con los autores de la obra? Tom Wheeler es el escritor del libro, pero también guionista y showrunner de la serie, y Frank Miller es una leyenda del mundo del cómic. Lo que es interesante sobre este proyecto es que llegó a mis manos como hace dos años, cuando acababa de terminar Por trece razones, y un momento en el que no estaba buscando hacer más televisión o al menos no otra serie de televisión, pero quería mantener los ojos abiertos a cualquier proyecto o idea que me resultase interesante, que fuese fresco y supusiera un reto. Y recuerdo que entonces me llegó el manuscrito del libro, ni siquiera el guion, escrito por Tom Wheeler, nuestro guionista y showrunner, y recuerdo quedar enamorada y maravillada no solo por la narrativa, sino por la propia historia. Así que poder trabajar con Tom, que es un brillante narrador y además muy colaborativo y maravilloso, en el sentido de que ha sido capaz de contar la historia de Nimue, y al mismo tiempo trabajar con el genial e icónico Frank Miller, que es una absoluta leyenda en el mundo del cómic…, ha sido una expe-

riencia maravillosa. Y lo pasamos genial hablando de distintas series y encontrando cosas que nos gustaban. Hablas de nuevo de sus poderes, pero da la sensación de que Nimue siempre tiene miedo de usarlos. De liberarlos. De aceptar quién es realmente. ¿Por qué? Nimue es presentada en la serie como esta mujer con misteriosos dones. Pero debido a esos poderes ha sido tratada como una paria en su pueblo, lo que la ha llevado a ser una extraña para su pueblo, y a ser algo temeraria y salvaje. Pasa mucho tiempo por sí misma en el bosque. Y no conecta con mucha gente, exceptuando el propio bosque, su madre, su mejor amiga y un joven niño llamado Squirrel. Así que cuando la tragedia llega y la golpea, se ve obligada a iniciar este viaje no solo para sobrevivir, sino también para cumplir la última voluntad de su madre, llevar esta antigua y poderosa espada a un hombre llamado Merlín. Ella nunca ha explorado sus dones con anterioridad y no sabe la extensión de lo que realmente son, por eso tiene miedo. Pero en este viaje tendrá que llegar a comprender quién es realmente y aceptar todo lo bueno y lo malo que acompaña a esos dones. Y encontrar el conocimiento necesario para controlar esa oscuridad y poder ayudar a su gente. Hay muchos personajes y muchas relaciones interesantes en la serie. Sin revelar demasiado, ¿qué puedes contarnos de la relación de Nimue con Arturo? Qué puedo contarte… (risas). Lo intentaré, lo intentaré. Decir lo máximo sin contar ningún spoiler. Como te he dicho, es un cuento familiar, pero contado a través de los ojos de Nimue. Y Arturo es un personaje que se embarca en el viaje de ella. Encuentra un inesperado acompañante en este bastardo llamado Arturo, y a partir de ahí su camino se entrecruza, sin importar en realidad el destino que vayan a encontrar. A lo largo de la serie vamos a ver su relación estrecharse y desarrollarse, y vamos a ver a ambos personajes desarrollarse como individuos. Y creo que es una relación muy interesante, porque aunque pueda parecer que no son perfectos el uno para el otro, o que su relación no sea la que esperamos que sea, son perfectos el uno para el otro en este momento de necesidad, y son exactamente lo que el otro necesita. Tengo la sensación de que Arturo va a traicionarla en cualquier momento… Podría hacerlo, podría hacerlo. Tendrás que esperar y verlo. Y por supuesto, tenemos a Merlín. No vamos a revelar quién es realmente, pero podríamos decir que la relación entre Merlín y Nimue va a ser muy importante para la serie. Merlín, que está interpretado por Gustaf Skarsgård, es un personaje maravilloso, y la relación de Merlín y Nimue va a ser muy interesante, y va a tener muchos altibajos, y muchos giros y sorpresas… No puedo decir más. Jesús Usero

A C T U A L I D A D

T E L E V I S I Ó N

¿Podría regresar Hannibal para una cuarta temporada? La serie de culto Hannibal, protagonizada por Mads Mikkel-

Nuevo spin off de Star Trek Discovery, con Spock, Número Uno y Pike de protagonistas. Star Trek Discovery

sen en el papel de Hannibal Lecter, tuvo una corta pero intensa vida, con tres temporadas adoradas por sus fans, pero que nunca fueron un gran éxito. Su cancelación llevó a una campaña de salvación que no tuvo el efecto esperado, porque no han encontrado un nuevo hogar para la serie tras varios años. Bryan Fuller, su creador, siempre dice que la serie solo necesita encontrar un nuevo hogar, pero ahora su protagonista ha disparado los rumores en redes sociales. Con la vuelta de Hannibal a Netflix, él mismo ha preguntado si una cuarta temporada está de camino, haciendo más posible que nunca esa situación. Por ahora no hay nada en pie, pero todo apunta en esa dirección.

ha demostrado ser justo lo que la franquicia necesitaba en televisión. Una serie de éxito que sirviese para relanzar la franquicia que, pese al éxito de las películas, siempre ha tenido su hogar principal en la pequeña pantalla. Después del éxito de Picard, ahora llega Star Trek: Strange New Worlds, que contará con guion de Akiva Goldsman, y que contará la historia de Pike (Anson Mount), Número Uno (Rebecca Romijn) y Spock (Ethan Peck) diez años antes de que Kirk y su tripulación llegasen a la Enterprise. Los personajes ya aparecieron en Discovery y ahora sus actores podrán explorar a fondo su historia.

Lisbeth Salander llega a televisión de la mano de Amazon. Uno de los personajes responsables de la nueva pasión del público por el thriller nórdico, gracias a la saga Millenium creada por Stieg Larsson, que fue interpretado por primera vez por Noomi Rapace, para luego pasar a tener los rasgos de Rooney Mara en el remake dirigido por David Fincher y últimamente por Claire Foy en el reboot que dirigió Fede Álvarez. Ahora el personaje tendrá un nuevo reboot en las manos de Amazon Prime, con una nueva serie que tendrá un gran cambio. En lugar de adaptar cualquiera de las novelas publicadas antes o después del fallecimiento de Larsson, la serie contará historias originales y rodeará a Salander de personajes nuevos. No se espera que Foy repita en el papel.

Timothy Olyphant estará en la temporada 2 de The Mandalorian. Aunque se rodó hace meses, The Mandalorian mantuvo su producción en un secreto absoluto, por lo que no nos enteramos de la mayoría de detalles sobre su reparto, hasta que ha llegado el momento de trabajar en la posproducción de la serie, cuando han empezado a revelarse algunos de los detalles y nombres implicados en la serie, como Temuera Morrison o Rosario Dawson, aunque no han sido confirmados oficialmente. El último nombre en sumarse a la lista es el de Timothy Olyphant. El protagonista de Justified o Deadwood aparecerá en la segunda temporada de la serie en un papel sin revelarse. Pero hay rumores de que el actor podría aparecer portando la armadura de cierto cazarrecompensas, sin serlo.

AC T UA L I DA D T E L E V I S I Ó N Percy Jackson será llevado a televisión de la mano de Disney +. Con suerte dispar, tuvimos dos aventuras de Percy Jackson en cines, basadas en las novelas de Rick Riordan y siguiendo las aventuras del joven Percy, un semidiós, hijo de un dios olímpico sin saberlo, que debe aprender todo sobre el mundo mitológico cuando es acusado de haber robado el rayo de Zeus. La película ayudó en la carrera de Logan Lerman o Alexandra Daddario y, finalmente, Fox produjo una secuela. Aunque no gozaron de gran éxito, tienen muchos seguidores que ahora están de enhorabuena porque los personajes serán llevados a televisión en forma de serie para Disney +. Tendrá su punto de partida en El ladrón del rayo. Los derechos de Percy Jackson pasaron a Disney cuando esta compró a Fox.

The Forbidden Game, nueva serie de la autora de Crónicas vampíricas. L. J. Smith tiene una nueva, o antigua, saga de novelas que va a ser convertida en serie de televisión, para Warner Bros. y de la mano de Greg Berlanti, ni más ni menos, quien producirá la serie. The Forbidden Game está basado en una trilogía de libros para jóvenes que comenzaron a publicarse en 1994, en la cual seguimos a una chica, Jenny, y seis de sus amigos, que comienzan un juego peligroso, similar a Jumanji, que les lleva a distintos mundos y realidades en los que deberán enfrentarse a sus peores temores o fallecer y ver sus almas ser consumidas para siempre en el juego. La clave de todo podría tenerla un misterioso personaje, Julian, que parece ser capaz de moverse entre los distintos mundos a voluntad.

Netflix adaptará una nueva novela de Harlan Coben. Quizá un nombre que no les suene demasiado en este momento, pero que es el responsable de la serie Nunca hables con extraños…, uno de los éxitos de Netflix en 2020, emitida a inicios de año. Ahora, el gigante del streaming ha comprado los derechos de otra novela de Coben para convertirla en otra serie de éxito. Stay Close es una historia de tres personajes, una madre infeliz, un fotógrafo que trabaja como paparazzi y un detective incapaz de dejar que un caso quede sin resolver, que ven cómo sus secretos del pasado chocan en el presente. Una buena noticia para los fans del escritor, cuya novela Six Days adaptará David Ayer para Netflix, pero en formato película.

Emmanuelle Chriqui será Lana Lang en la nueva serie de Superman. Llevamos tiempo hablando del spin off de Supergirl que tendrá el título de Superman and Lois y que contará con Tyler Hoechlin y Elizabeth Tulloch dando vida a los personajes protagonistas, repitiendo sus papeles de Supergirl. Hace nada supimos que Dylan Walsh iba a dar vida al padre de Lois, el general Lane, y ahora sabemos quién será la encargada de dar vida a Lana Lang, papel que en cine en los ochenta estuvo interpretado por Annette O’Toole y en Smallville por Kristin Kreuk. Emmanuelle Chriqui, a la que recordamos entre muchos otros personajes por El séquito, será quien interprete al personaje. Lana Lang-Cushing será a quien conozcamos en la serie, un mujer que trabaja en el banco de Smallville en uno de los momentos más duros de su vida, que reconecta con Clark Kent.

Batwoman pierde a su protagonista y habrá grandes cambios en la serie. Una temporada ha aguantado Ruby Rose al frente de Batwoman, la serie de DC que ocupa un lugar en el Arrowverso y que ahora ve cómo se marcha su personaje protagonista. Al parecer, la carga de trabajo superó a la actriz que no se veía capaz de superar otra temporada. En principio se pensó en buscar otra actriz para el mismo papel, pero ahora Warner Bros busca una joven actriz para dar vida a un personaje nuevo que herede el manto de Batwoman de manos de Kate Kane, el personaje interpretado por Rose. Los productores se han asegurado de confirmar que eso no significa que vayan a matar al personaje de Kane para hacer hueco a la nueva protagonista.

David E. Kelley tiene una nueva serie para Netflix. Aunque quizá a los más jóvenes el nombre de David E. Kelley les suene de Big Little Lies, la serie de HBO, el guionista y productor es uno de los nombres más respetados de la televisión moderna, y a él debemos series tan inolvidables como Ally McBeal, Boston Legal, Profesores de Boston, El abogado, Picket Fences o Un médico precoz. Ahora Kelley ha firmado con Netflix para llevar a la pequeña pantalla la adaptación del libro de Sarah Vaughan Anatomy of a Scandal. La obra, lanzada en 2017, está ambientada en Reino Unido, y es en parte thriller psicológico y en parte drama judicial. Cuenta cómo un joven ministro amigo personal del primer ministro, es acusado de violación por su amante. La trama se centra en la fiscal encargada de acusarle y la esposa del acusado, una convencida de la culpabilidad del personaje y la otra de su inocencia.

Nueva serie secuela de La sirenita en preparación. Apartada de la película de animación en gran medida, y más cercana en espíritu al cuento original de Hans Christian Andersen, la nueva serie Washed Up creada por Gracie Glassmeyer y producida por CBS Studios, llegará al servicio de streaming Peacock en el futuro. La producción, una ácida comedia satírica, nos presenta a Ariel quince años después del final de La sirenita (en este caso, sí de la historia de animación). La joven abandonó su condición de sirena para casarse con el príncipe con solo 17 años. Ahora, en su treintena, está atrapada en un matrimonio sin amor. Cuando su padre fallezca, se dará cuenta de que algo no huele bien en toda la historia y reunirá a un grupo muy peculiar en una aventura épica para descubrir la verdad.