accion cine

SUMARIO

Nº 2009

CARTEL-MANÍA 26 Villanos en el cine 65 Carteles Cine Bélico XXIII

COLECCIONABLES 43 45 53 55 57 83 85

TELEVISIÓN 39 41 65 94 96

Fichas actores Fichas series TV Ficha serie TV: Chuck Alex Rider Noticias televisión

SECCIONES FIJAS

REPORTAJES 10 78 88 90 92

Que fue de...

Coleccionable actor clásico: Shelley Winters Ficha película mítica: El regreso de de Fu-Manchu Ficha actor clásico: Karl Malden Fichas críticas Grandes directores: Roberto Rossellini 007: Vive y deja morir

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Zack Snyder’s Justice League Películas malditas: Gimme Shelter Viajar desde la butaca Películas nunca vistas: Alien 5 Homenaje: Alan Parker

Hollywood Noticias Furia oriental Mundo fantástico Análisis: Lawrence de Arabia Análisis: Braveheart

DIRECTOR: Héctor Alonso COLABORADORES: Santiago de Bernardo, Nicolás Carrasco, Óscar Costa, Sergio Hardasmal, Miguel Juan Payán, Juan L. Pastor, Clara Martín, Jesús Martín, Sara Martín, Juan Carlos Paredes, Jesús Usero, Jaime V. Echagüe.

FOTOGRAFIAS: Disney, EOne Films, Filmax, Hispano FoxFilm, Manga Films, Paramount, Sony Pictures, Tri Pictures, Universal, Vertigo, Warner Bros REDACCION Y ADMINISTRACION: C/ La Higuera, 2-2ºB - 28922 Alcorcón (Madrid) Tel 91 486 20 80 - Fax. 91 643 76 55. e-mail: redaccion@accioncine.es DIRECTORA PUBLICIDAD Y MARKETING: Susana Román PUBLICIDAD: Susana Román C/ La Higuera, 2-2ºB - 28922 Alcorcón (Madrid) Tel 91 279 93 58 - Fax. 91 643 76 55 e-mail: publicidad@accioncine.es SUSCRIPCIONES: C/ La Higuera, 2-2ºB - 28922 Alcorcón (Madrid) Tel 91 486 20 80 - Fax. 91 643 76 55 e-mail: pedidos@accioncine.es www.accioncine.es DISENO Y MAQUETACION: Toralba EDITA: Norea y Aloman Ediciones S.L. IMPRIME: RIVADENEYRA DISTRIBUYE: S.G.E.L. DEPOSITO LEGAL: M-9520-2012. ISSN: 2172-0517 Precio para Canarias y aeropuertos 4,05 € (Incluida Tasa Aérea)

Impreso en España

Printed in Spain

CONTROLADO Nota de la redacción: ACCION es una revista abierta a todas las opiniones por lo que no necesariamente se indentifica con las de sus colaboradores.

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SOBRE LOS COLECCIONABLES Encontraréis al centro de la revista los pósters. Si arrancáis éstos os encontraréis con las fichas en papel más grueso que está distribuido para que también se pueda separar de la revista. Lo mismo sucede con el coleccionable de ACTORES, se puede separar sin afectar al resto de la revista. Aunque para algunos pueda resultar liosa esta distribución, está pensada para poder coleccionar diferentes partes de la revista.

Empiezo con una buena noticia para quienes disfrutamos del audiovisual en general, porque con pandemia o sin pandemia, seguimos necesitando cine y tele que echarnos a las córneas. Idris Elba, que contrajo la COVID-19 al principio de todo este monumental lío, ha anunciado que prepara película de su personaje Luther, el detective de la BBC. El argumento enlazará con lo narrado en la quinta temporada de la serie, emitida a principios de 2019, que dejó un final con varias preguntas por resolver que ahora los seguidores del personaje podrán despejar en el largometraje. El actor descartó que por el momento haya planes para rodar otra temporada, lo que deja la pelota en el tejado del largometraje. Además, el creador de la serie, Neil Cross, ha declarado en varias ocasiones que quiere poner punto final al recorrido argumental en un largometraje, lo cual le agradeceremos todos sus seguidores.

Peor suerte hemos tenido los que nos apuntamos a ver su otra serie, Turn Up Charlie, desarrollada por él mismo, que fue cancelada por Netflix después de una sola temporada. A mí me gustaba. Me reía viendo a Elba en un papel distinto al de tipo duro y en clave de comedia: pinchadiscos, solterón vividor al que le toca responsabilizarse de una cría. Sospecho que mucho personal es reticente a los cambios, prefiere actores etiquetados a tope, más de lo mismo y cuanto más repetitivo mejor. Opino que con la que está cayendo en Coronaviruslandia ya pueden ponerse las pilas, porque mirar atrás, a lo que fue y ya no es, bunkerizarse y no adaptarse a los cambios, no va a funcionar. Toca adaptarse a lo que traiga la marea mañana, como decía el protagonista de Náufrago.

Elba parece tenerlo claro. Tan claro como que sus principios no van a ser puestos en duda por otros. En plena histeria de miedo al revisionismo retroactivo y demolición de estatuas (aviso que cargarse mobiliario urbano no sirve para nada: tiras el moñeco, le cambias el nombre a una calle y luego todo sigue igual), Elba no juega como otros a rasgarse las vestiduras en clave de postureo como si ellos no supieran lo que estaba pasando (típico), sino que lanza un mensaje de coherencia.

En unas declaraciones para el magazín RadioTimes Elba empezó aclarando algo que deberían tener en cuenta muchos que van de tolerantes por la vida, pero llevan dentro el gusanillo mojón del

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despotismo, a saber: “Soy muy creyente en la libertad de expresión. Lo que pasa es que la libertad de expresión no es adecuada para todo el mundo”. Y luego deja clara la solución civilizada, que ya existe, y sin necesidad de cortar escenas o poner en lista negra a películas: “Por eso tenemos un sistema de calificación: te decimos que este contenido en particular está clasificado como U, PG, 15, 18, X… Por cierto, yo no sé nada de X”.

Es decir, que en lugar poner en la lista negra El nacimiento de una nación o Lo que el viento se llevó y otras películas (creando efecto rebote inmediato que ha hecho que la película sea buscada con ansia viva y morbo creciente por gente que probablemente ni siquiera se habría planteado verla en otras circunstancias), la calificas como corresponde a su contenido, y ya.

Más claro, en palabras de Idris Elba, para los que necesitan dejar aparcado un momento el miedo que nos puede convertir a todos en lo que en realidad no somos: “No creo en la censura.

Creo que se nos debe permitir decir lo que queremos decir. Porque, después de todo, somos creadores de historias”.

Necesitamos más voces así de cuerdas en este mundo de locos. La censura no es una herramienta para cambiar el mundo, sino para esclavizarlo. Algunos deberían volver a leerse 1984 de Orwell, Un mundo feliz de Huxley, a ver si se les oxigenan un poco las ideas. O, ya puestos, Fahrenheit 451 de Ray Bradbury, para cuando les arreen las ganas de ponerse a prohibir y quemar cosas.

Otra opinión que me interesa. La de Oliver Stone. En declaraciones a The New York Times Magazine. Dice que cree que Hollywood se ha vuelto loco y que el cine moderno es ridículo. En su opinión lo último que le faltaba al cine estadounidense para que se le pire la pinza es la pandemia de la COVID-19. El director de Platoon, JFK y Asesinos natos, no lo olvidemos, afirma: “Todo se ha vuelto demasiado frágil, demasiado sensible. En Hollywood ahora no se puede hacer una película sin un asesor COVID. No puedes hacer una película sin un consejero de sensibilidad.

Es ridículo […]. Es políticamente correcto, y no es un mundo en el que esté ansioso por meterme corriendo. Nunca lo había visto tan loco. Es como una fiesta de té de Alicia en el país de las maravillas”.

El Sombrero Loco reina.

Miguel Juan Payán

NOTICIAS RODAJES • PROYECTOS • RUMORES Oscar Isaac cuenta cartas

NOTICIAS

Charlize Theron seguirá siendo Atómica

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Tras el estreno de La vieja guardia, en la que ha podido demostrar que lo de interpretar secuencias de acción ella misma lo tiene muy controlado, Charlize Theron ha anunciado que se está trabajando en la secuela de Atómica, esa especie de John Wick con espionaje de Guerra Fría adaptado de un cómic que se marcó la actriz sudafricana en 2017. Según Theron, ya están trabajando en el guion y le han pasado la idea a Netflix. Según Theron, la primera película dejó suficientes cosas por desentrañar de su personaje como para que haya material de sobra que explorar en un nuevo largometraje. Dicho sea de paso, ese proyecto quizá tenga que encajar con los planes que hay para su personaje en La vieja guardia, ya que la directora del largometraje, Gina Prince -Bythewood ha declarado que el guionista Greg Rucka, creador del original de los cómics, tiene planes para que se construya una trilogía de largometrajes en torno a esos personajes, algo a lo que claramente alude el final de la película estrenada recientemente.

Alexandre Aja vuelve a sus raíces Alexandre Jouan-Arcady, al que conocemos como Alexandre Aja, uno de los directores destacados del cine de terror del siglo XXI (Alta tensión, Las colinas tiene ojos, Reflejos, Horns, Piraña 3D), sigue apostando por el cine de género en sus dos próximos proyectos. Por un lado regresa al género de ciencia ficción, que ya visitó en 1999 con Furia, pero cambiando de registro en el género para adaptar al largometraje la serie de ciencia ficción de animación Space Adventure Cobra, protagonizada por un pirata espacial que busca un tesoro en Marte.

Pero antes volverá a dirigir una película en francés de la que finalmente se ha hecho cargo Netflix, titulada O2. Se trata de una película de terror que protagonizará Melanie Laurent (Malditos bastardos, Ahora me ves) en el papel que inicialmente se anunció iba a interpretar primero Anne Hathaway y luego Noomi Rapace. Definida como intriga de supervivencia, se estrenará a mediados de 2021, y la protagonista es una mujer que despierta en la unidad criogénica de un hospital sin recordar quién es ni cómo acabó allí. Aja dice que después de pasar un periodo de confinamiento como consecuencia de la pandemia de la COVID19 quería explorar el tema de la claustrofobia.

Oscar Isaac sigue alejándose de las galaxias después de haber confesado recientemente que en este momento no tiene ningún interés en volver a interpretar el papel de Poe Dameron el hipotético futuro de la saga de Star Wars. En esa línea es el protagonista de la próxima película que veremos de Paul Schrader, The Card Counter, que como su título indica va de un contador de cartas que responde al nombre de William Tell, un exsoldado que opera como jugador y se propone reformar a un joven empeñado en una cruzada de venganza contra un coronel. El papel del joven lo interpreta Tye Sheridan (Scott Summer, alias Cíclope, en las últimas películas de X-Men) y el del coronel Willem Dafoe. El reparto lo completa Tiffany Haddish (Shannon en la serie The Last Original Ganster, a la que veremos pronto como la princesa en la miniserie televisiva de La princesa prometida). Martin Scorsese está en la producción.

Secuela de Dirty Dancing Los bailones están de enhorabuena, supongo, porque Jennifer Grey está trabajando activamente con la productora Lionsgate para participar en una secuela de Dirty Dancing en la que aparecerá como protagonista y productora ejecutiva. Los guionistas de la secuela son Mikki Daughtry y Tobias Iaconis, que cuentan en su haber con los guiones de A dos metros de ti y La llorona. Hay que recordar que la productora Lionsgate ya estrenó una precuela poco memorable del asunto titulada Dirty Dancing: Havana Nights en 2004.

Esperemos que afinen más la puntería en esta ocasión, aunque parece difícil que lleguen a recaudar los 217 millones de recaudación en todo el mundo que consiguió la película original en 1987.

Secuela de Bird Box En su primera semana de exhibición más de 45 millones de espectadores vieron A ciegas, la película basada en la novela de Josh Malerman con tono apocalíptico protagonizada por Sandra Bullock, Sarah Paulson, Trevante Rhodes, John Malkovich y Rosa Salazar. Así que Netflix prepara la secuela, según ha anunciado el propio autor de la novela. Malerman ya ha escrito una continuación titulada Malorie que apareció en librerías a finales del pasado mes de julio y prosigue la historia justo donde la dejó la primera entrega para saltar luego a diez años más tarde. Todo indica que Bullock podría repetir en el reparto.

NOTICIAS CINE ORIENTAL Donnie Yen,

The Hunting

¿narco mexicano?

Tony Leung Chiu-Wai, antes de convertirse en el villano de la adaptación del personaje de Mar el ShangChi, ha rodado The Hunting, un thriller de acción sobre dos policías detrás de un cartel. Junto a él, Olga Kurylenko (Oblivion), Duan Yihong (The Looming Storm), José García (Ahora me ves…) y Olivier Rabourdin (Venganza), entre otros. Dirige Leo Zhang, quien dirigió a Jackie Chan en Bleeding Steel (2017). La historia transcurre en París, y aunque es producción china, cuenta con un equipo de especialistas francés, con Kefi Abrikh a la cabeza, y viendo su buen trabajo en City Hunter y el perfume de Cupido, podemos estar tranquilos respecto a la acción que veremos.

Tras anunciar que la próxima película de Donnie Yen será, por fin, la adaptación del videojuego Sleeping Dogs, para la cual ha empezado a entrenar, el protagonista de la saga Ip Man tiene nuevo como protagonista y productor. Se trata de Golden Empire, un thriller que se rodará en inglés y donde interpretará a un narcotraficante, perseguido por los Gobiernos de Estados Unidos y México. Parece ser que se basará en el personaje real de Zhenli Ye Gon, empresario mexicano de origen chino y veremos su ascenso y caída. Produce Peter Luo (Crazy Rich Asians), pero de momento no hay director ni se ha anunciado ningún integrante del reparto. Es un proyecto en Hollywood que busca centrarse en la faceta más dramática de Yen, alejándose del cine marcial, como ya hizo en 2017 con Chasing the Dragon.

The Foggy Mountain: cine marcial vietnamita Vietnam no tiene una larga tradición de cine marcial, con escasos títulos y menos estrellas, dejando a Johnny Nguyen, Dustin Nguyen (sin parentesco entre ambos) o Veronica Ngo. Pero esto puede cambiar si The Foggy Mountain logra llamar la atención más allá de su país natal tras estrenarse el pasado 24 de julio. Esta película es el resultado del proyecto del experto en wing chun Peter Pham, quien, tras trabajar como especialista y actor secundario en Tailandia, intenta saltar al estrellato con este drama sobre un luchador en busca de venganza por el asesinato de su mujer a manos de unos gánsteres. En el reparto tenemos también al tailandés Simon Kook, experto luchador, además de coreógrafo, y al campeón de boxeo vietnamita, Truong Dinh Hoang. El éxito del cine thai en Vietnam ha hecho que se mezclen actores de ambos países de cara a convertirse en un éxito. No en vano, tanto Pham como Kook tuvieron al gran Panna Rithikai detrás. Y como siempre, espero que termine llegando a España.

De los zombis a los vampiros chinos Yeong Sang-ho, director de Train to Busan, durante la promoción de la secuela, Península (que se ha estrenado a finales de julio en Corea, arrasando en taquilla) ha declarado ser un gran fan de los vampiros chinos, en especial de Mr. Vampire (1985), y se encuentra trabajando en un guion que homenajeará a la saga y al subgénero, intentando aportar algo nuevo, tal y como ha hecho dentro del subgénero zombi. ¿Tendremos también kung-fu y humor, como en la mencionada saga y, en general, en este tipo de cine con los vampiros saltarines? Mientras tanto, esperamos que llegue, en el primer trimestre de 2021 a España la esperada secuela zombi, ya anunciado, y esperemos que si finalmente rueda este proyecto, consiga igualmente llegar a nuestros cines.

por Iván E. Fernández

Covid-19: The Impact on Asian Cinema El director Ranjeet S. Marwa ha rodado durante el confinamiento un documental de alrededor de una hora sobre el impacto del virus de la COVID-19 en el cine asiático a través de reuniones de Zoom junto al actor Sunny Pan (Headshot), al también actor Oka Antara (Redada asesina 2) y al director de especialistas Nick Blade Khan. De esta forma ha abordado el impacto del virus en los rodajes de todos ellos así como en las economías y en la industria. Una buen forma de conocer de primera mano este tema. Está disponible en el canal de YouTube del director.

Shockwave 2, por fin se estrena Por fin, se pone fecha de estreno a Shockwave 2, el regreso de Andy Lau como artificiero bajo las órdenes de Hermano Yau. Nuevo personaje para Lau, el mejor artificiero de Hong Kong, acusado de un crimen no cometido, considerado terrorista, que tiene que limpiar su nombre y detener al auténtico criminal. Se espera acción a tope y muchas explosiones, junto a la presencia de Philip Keung y Lau Ching-wan.

Será el 20 de diciembre, si la pandemia no lo impide. La acción y dirección de especialistas corre a cuenta del miembro del grupo de especialistas de Jackie Chan, Nicky Li. Y tras su estreno en cine en China, se espera su desembarco en alguna plataforma de streaming si se llega al acuerdo que su director espera.

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NOTICIAS RODAJES • PROYECTOS • RUMORES FECHAS ESTRENOS 28/8/20 Nuevos mutantes 11/9/20 Tenet 18/9/20 The King's Man: La primera misión 25/9/20 Candyman 2/10/20 Wonder Woman 1984 9/10/20 Muerte en el Nilo 16/10/20 Halloween Kills 23/10/20 Snake Eyes 6/11/20 Viuda Negra 13/11/20 Deep Water 25/11/20 Sin tiempo para morir 11/12/20 Free Guy 18/12/20 West Side Story 18/12/20 Dune 18/12/20 El príncipe de Zamunda 2 25/12/20 Sherlock Holmes 3 30/12/20 Escape Room 2 15/1/21 Mortal Kombat 15/1/21 Peter Rabbit 2 5/2/21 Cinderella 12/2/21 The Eternals 5/3/21 Cazafantasmas: Más allá 12/3/21 Raya y el último dragón 19/3/21 Morbius 19/3/21 Tomb Raider 2 2/4/21 Fast & Furious 9 23/4/21 Un lugar tranquilo 2 23/4/21 Monster Hunter 7/5/21 Shang Chi 21/5/21 DC SuperPets 21/5/21 Godzilla vs. Kong 28/5/21 Cruella 4/6/21 Expediente Warren: Obligado por el demonio 11/6/21 Jurassic World 3 2/7/21 Top Gun: Maverick 17/7/21 Space Jam: A New Legacy 17/7/21 Uncharted 23/7/21 The Tomorrow War 30/7/21 Jungle Cruise 6/8/21 Hotel Transylvania 4 6/8/21 Escuadrón Suicida 2 1/10/21 The Batman 15/10/21 Halloween Ends 12/11/21 Animales fantásticos 3 19/11/21 Misión: Imposible 7 17/12/21 Spider-Man 3 22/12/21 Black Adam 22/12/21 Sherlock Holmes 3 28/1/22 Babylon 11/2/22 Thor: Love and Thunder 25/3/22 Doctor Strange in the Multiverse of Madness 1/4/22 The Matrix 4 4/3/22 Minecraft 8/5/22 Black Panther 2 17/5/22 Dungeons & Dragons 27/5/22 John Wick: Chapter 4 24/6/22 Flash 24/6/22 Transformers 8/7/22 Captain Marvel 2 29/7/22 Indiana Jones 5 5/8/22 Misión: Imposible 7 7/10/22 Spider-Man un nuevo universo II 4/11/22 Shazam 2 4/11/22 Misión: Imposible 8 16/12/22 Aquaman 2 16/12/22 Avatar 2 16/12/22 Star Wars sin título 20/12/24 Avatar 3 18/12/26 Avatar 4 22/12/26 Avatar 5 Nota de la redacción: Fechas estimadas de estreno de películas que muchas de ellas ni siquiera han comenzado a rodarse y que por lo tanto pueden sufrir cambios de programación.

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Película secreta de Zendaya y John David Washington El protagonista de Tenet, John David Washington, y la MJ de Spider-Man Homecoming y Spider-Man lejos de casa, Zendaya, han estado rodando una película durante el confinamiento que responde al título de Malcolm and Marie.

Mientras el coronavirus obligaba a suspender rodajes en el audiovisual, los dos actores han trabajado a las órdenes de Sam Levinson, director de Nación salvaje y la serie Euphoria, guionista y director de este largometraje. El rodaje comenzó el 17 de junio y ha terminado el 2 de julio, siguiendo las normas establecidas por las autoridades sanitarias. Eso convierte la película en la primera que se inició y que completó su rodaje durante la pandemia de la COVID-19, el guion se escribió en menos de una semana y los actores comenzaron a trabajar en sus personajes el 19 de marzo. En el momento de escribir estas líneas, se desconoce el argumento. La financiación ha contado con participación de los actores y el director.

Adaptar a Stephen King Stephen King sigue proporcionándole al cine materia prima literaria.

Su relato corto Mr. Harrigan’s Phone será adaptado a película para Netflix y con el sello Blumhouse y Ryan Murphy, director y guionista de la serie American Horror Story, en la producción. John Lee Hancock, director de El novato, El Álamo, la leyenda, Un sueño imposible, Al encuentro de Mr. Banks, El fundador y Emboscada final, ejercerá como guionista y director. El argumento sigue los pasos de Craig, un adolescente que se gana unos dólares realizando extraños encargos para Mr. Harrigan, un excéntrico millonario de avanzada edad que acaba de trasladarse a su localidad. Además, Darren Aronofsky ha comprado para su sociedad de producción Protozoa los derechos del relato de King La vida de Chuck, en la que se cuenta la vida del protagonista a la inversa, desde el momento en que muere víctima de un tumor cerebral hacia atrás. Y Ben Stiller será el principal protagonista de Rat, otro trabajo de King, en el que narra la historia de un escritor que pierde a un ser querido como consecuencia de un pacto con el diablo.

The Batman no volverá a rodar en exteriores El rodaje de The Batman no se retomará en localizaciones, sino en estudio, en sets construidos a tal efecto. Matt Reeves había rodado solo una cuarta parte de la película cuando estalló la pandemia de la COVID-19 y se suspendió el rodaje por lo que en principio se pensó que sería un breve periodo no mayor de dos semanas pero luego se ha prolongado meses. Retrasada la fecha de estreno hasta octubre de 2021, los responsables del proyecto han decidido proseguir en estudio para controlar mejor posibles contagios de coronavirus y prevenir nuevos retrasos en el rodaje, que está previsto se reanude en septiembre. Evidentemente, eso va a condicionar el aspecto que puede tener la película, quizá más cercano a la visión de Gotham y el universo de Batman de Tim Burton en Batman y Batman vuelve. Lo que sí se confirma con el spin-off televisivo del universo de Batman centrado en la policía de Gotham es que la película The Batman será el lanzamiento de un nuevo universo de Batman desde HBO Max.

Precuela de Jóvenes Ocultos Película de vampiros adolescentes, Jóvenes ocultos fue una comedia de terror dirigida por Joel Schumacher con Jason Patric, Donald Sutherland, Corey Haim y Dianne Wiest en 1987, que tuvo cierto éxito en el público de la época. Ahora se prepara una precuela con la característica especial de que será un musical de Broadway. El estreno está previsto para el año 2022. El musical explorará al personaje más carismático de la película, el vampiro interpretado por Kiefer Sutherland, David, huérfano emigrado de Lituania a Estados Unidos, que acaba dando con sus huesos en un orfanato dirigido por un vampiro, Max. Al mismo tiempo la incógnita se sostiene sobre la película para televisión producida por CW que ha quedado en suspenso de momento como consecuencia de la pandemia de la COVID-19.

MUNDO FANTÁSTICO

por Santiago de Bernardo

No deberías perdértela:

Below Agosto de 1943. Segunda Guerra Mundial. Océano Atlántico, no muy lejos de la costa británica. Un hidroavión avista a unos náufragos y ante la imposibilidad de rescatarlos da aviso para que sea un navío aliado el que los recoja. El salvamento le corresponde a un submarino estadounidense, el USS Tiger Shark, que ha finalizado su misión tras hundir un buque alemán y se encuentra por esa zona. Solo hay tres supervivientes, británicos, uno de ellos una mujer, Claire (Olivia Williams), que son recogidos rápidamente, puesto que se acerca a toda máquina un buque de guerra alemán. Bajo la superficie marina, la tripulación comandada por el teniente Bryce (Bruce Greenwood), ha de sufrir el acoso del barco germano, que lanza cargas de profundidad y unos grandes ganchos para dañar la estructura del sumergible. Pero lo peor no está fuera, sino dentro, donde comienzan a suceder hechos extraños e inexplicables, que unidos a las averías causadas por los alemanes comienzan a hacer mella en una tripulación supersticiosa, que cree que la presencia de la mujer da mala Sin suerte. embargo, ella, enfermera de un barco hospital hundido recientemente por un submarino del Tercer Reich, está inquieta por los acontecimientos y más al descubrir que el capitán del USS Tiger Shark murió hace muy poco en circunstancias poco claras. Below (2002), que combina cine bélico y de terror, tiene a Bruce Greenwood (Star Trek) y Olivia Williams (El séptimo hijo) al frente del reparto, producción y guion de Darren Aronofsky (Réquiem por un sueño) y dirección de David Twohy (Pitch Black), con un cameo de este al final del largometraje encarnando a un capitán británico. Claustrofóbica producción que sorprendentemente nunca llegó a salas españolas y tampoco a formato videográfico físico.

Metal fantástico El proyecto musical At the Movies, surgido durante la cuarentena por iniciativa de miembros de grupos de heavy metal nórdicos como Pretty Maids, Soilwork o QFT, y su éxito gracias a sus excelentes versiones roqueras de canciones de bandas sonoras como “The Power of Love” perteneciente a Regreso al futuro, “We Don’t Need Another Hero” a Mad Max: más allá de la cúpula del trueno o “The Neverending Story” a La historia interminable, aparte de temas de Rocky 4, Panorama para matar, Flashdance o Dirty Dancing, entre otros, invita a conocer la relación entre el rock duro y el cine fantástico en varios filmes (especialmente de los ochenta): el guitarrista Steve Vai (Alcatrazz, Whitesnake) puso su música en El viaje alucinante de Bill y Ted (Peter Hewitt, 1991), la segunda entrega de la saga de estos divertidos viajeros en el tiempo (de regreso con Bill & Ted Face the Music de Dean Parisot), que asimismo ponen voces en su The Reaper Rap, que comparte BSO con temas de Winger, Richie Kotzen o Kiss; además de participar Vai (interpretando en realidad sus partes de guitarra y las de su oponente) en el duelo de guitarras como el siervo de Belcebú, Jack Butler, enfrentado musicalmente con el bluesman Eugene Martone (Ralph Macchio) en Cruce de caminos (Walter Hill, 1986), inspirada por la leyenda de Robert Johnson y su pacto satánico. El hijo de un actor mítico, Sabu (El ladrón de Bagdad), el guitarrista y cantante Paul Sabu, ha utilizado su música (con su banda Only Child), lo mismo que el grupo Fastway, en Muerte a 33 revoluciones por minuto (Charles Martin Smith, 1986), que narra cómo un joven fan que sufre bullying puede comunicarse con su ídolo del metal fallecido, a quien puede frenar en su venganza desde del más allá, en una producción en la que aparecen Ozzy Osbourne, de Black Sabbath, y Gene Simmons, de Kiss (formación que en 1978 protagonizó Kiss Meets the Phantom of the Park de Gordon Hessler, enfrentándose a un científico loco). También Paul Sabu puso sus composiciones al servicio de Hard Rock Zombies (Krishna Shah, 1985), en la que una banda de muertos vivientes busca venganza. Y hasta el que fuera el sustituto de John Norum en las guitarras de Europe, Kee Marcello, sale (y pone música desde su grupo Easy Action) en Estela de sangre (Mats Helge Olsson, 1985), sobre el complicado rodaje de un videoclip en unas montañas nevadas. Y el cantante de Iron Maiden, Bruce Dickinson, usa temas propios y de su banda (y actúa) en su producción Chemical Wedding (Julian Doyle, 2008), que muestra el retorno del ocultista Aleister Crowley a la vida empleando para ello el cuerpo de otra persona. Y otro solista, del grupo Thor, Jon Mikl Thor, escribe la historia y protagoniza Al filo del infierno (1987), sobre lo complicado que les es grabar un álbum a unos músicos cuando son acosados por fuerzas diabólicas, argumento bajo la dirección de John Fasano, que en 1988 volvería con otra combinación de metal y terror, Black Roses, con música de componentes de King Cobra o Lizzy Borden.

FANTASÍA • TERROR • GORE • CIENCIA FICCIÓN Sitges 2020: prepárate para el viaje de tu vida

De festivales fantásticos

El lema de la magistral Desafío total (Paul Verhoeven, 1990), que se proyecta en 4K (lo mismo que El hombre elefante de David Lynch), resume en pocas palabras la experiencia que será este año Sitges 2020, LIII Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, el de vivir del 8 al 18 de octubre una aventura única en una edición que hará frente a la propia COVID-19 para celebrarse con la mayor normalidad posible, combinando las actividades presenciales y Malnazidos online. En Sitges, los zombies harán acto de presencia a través de la cinta española Malnazidos de Javier Ruiz Caldera y Alberto de Toro, que inaugurará una edición ante todo atípica, que nos retrotrae a la Guerra Civil mostrando a soldados de ambos bandos unidos frente a unos muertos vivientes, mientras que la secuela Train to Busan 2: Peninsula, de Yeon Sang-ho, nos lleva a cuatro años después del original contando cómo unos supervivientes del apocalipsis zombi huyen, cómo no, de los no muertos. También hay sitio para los vampiros, en Comrade Drakulich de Márk Bodzsár, que combina comedia y crítica política, y para una historia real, La vampira de Barcelona de Lluís Danés, inspirada por Enriqueta Martí, “la vampira del La vampira de Barcelona Raval”, a la que se acusó de secuestros y asesinatos de niños en la Ciudad Condal a principios del siglo XX. Los documentales, como es habitual, ocuparán un importante espacio en el festival, y, así, Be Water de Bao Nguyen está dedicado al mítico Bruce Lee, Kubrick by Kubrick de Gregory Monro al director de 2001: una odisea del espacio y Bava Puzzle de Paola Settimini y Daniele Ceccarini al realizador Lamberto Bava (Demons). También en este formato hay lugar para reivindicar el cine de horror canadiense, como hace The Quiet Revolution: State, Society and the Canadian Horror Film de Philip Escott y Xavier Mendik, e incluso a uno de los grandes ilustradores de todos los tiempos, el valenciano José Segrelles (del que es fan total Guillermo del Toro) en Segrelles: ilustrador universal de Ignacio Estrela. Y este año, en que será complicada la presencia de invitados internacionales, se rendirá merecido tributo a nuestro actor Manuel de Blas (que recibirá el Premio Nosferatu), que si bien es habitual en todo tipo de géneros, ha trabajado en películas fantásticas como El jorobado de la morgue, La orgía nocturna de los vampiros, El buque maldito o Slugs, muerte viscosa.

La malagueña XXI Semana Internacional de Cine Fantástico Costa del Sol confirma sus fechas del 6 al 12 de septiembre y homenajeará al actor Ramón Langa, al productor Peter Beale, a la cantante Silvia Superstar y a la pareja artística formada por Alfonso Sánchez y Alberto López, y proyectará el anime Her Blue Sky de Tatsuyuki Nagai, la cinta de acción Jostissi de Carreró de Pedro Miralles, sobre un hombre enfrentado a una peligrosa banda criminal, o Quiet Comes the Dawn de Pavel Sidorov, en la que unas pesadillas se hacen realidad. También se asegura que del 31 de octubre al 6 de noviembre se celebrará la XXXI Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, y poco después, del 11 al 19 de noviembre el XXX Fancine, Festival de Cine Fantástico Universidad de Málaga, que conmemorara su trigésimo aniversario (con el tiempo como hilo conductor) y que por las actuales circunstancias será una edición mezcla de actividades presenciales y virtuales. Una de las novedades será que se incorpora un autocine como sala de proyección abierta (y segura, dentro de la protección del vehículo de cada uno) en la Universidad de Málaga (frente al vicerrectorado de Cultura), lugar donde se verán clásicos de este año como Días extraños (Kathryn Bigelow, 1995), El tiempo en sus manos (George Pal, 1969) o Regreso al futuro (Robert Zemeckis, 1985) o las sesiones de la sección “El fantástico en familia”, con títulos como La chica que saltaba a través del tiempo (Mamoru Hosoda, 2006). También en el autocine se pasará la sección “Las perlas de fancine”, con una selección de nombres de culto que estuvieron en las diferentes secciones del fancine como Brazil (Terry Gilliam, 1985) o Reservoir Dogs (Quentin Tarantino, 1992). Mientras, en la parte online, se podrán visionar largometrajes premiados en ediciones anteriores como Bellflower (Evan Glodell, 2011) o Vampires (Vincent Lannoo, 2010).

El tiempo en sus manos

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ZACK

SNYDER’S JUSTICE LEAGUE

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ack Snyder se muestra entusiasmado, enérgico, entregado a la causa, pero también un punto abrumado por el camino que le queda todavía por delante a su versión de La Liga de la Justicia. Afirma que su trabajo en este proyecto “es más un trabajo de restauración, porque son tantos efectos visuales que es como armar todo para que la toma funcione. Por ejemplo, estamos poniendo el Steppenwolf original de vuelta, así que hay un montón de trabajo solo en eso. Y luego están todas esas escenas adicionales que tienen estos textos visuales masivos que nunca se terminaron al cien por cien. Es un montón de trabajo”.

Gigante y superlarga El director recuerda que está trabajando en el montaje de una película que finalizó en febrero de 2017, y que era la

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Paralelamente a la ComicCon@Home de San Diego celebrada online entre los días 22 y 26 de julio se celebró la JusticeCon panel protagonizado por Zack Snyder hablando sobre su montaje del director de La Liga de la Justicia que podrá verse en HBO Max en 2021 versión gigante. “En los meses siguientes se fue acortando según ordenó el estudio –dice– y realmente nunca llegamos a tener la versión completa. Así que mi trabajo ahora es sobre esa versión gigante”.

Snyder está muy contento de la posibilidad de que el público pueda ver esa larga versión de cuatro horas y afirma que siempre pensó que aunque no pudiera verse en cines, por su duración y por las condiciones de programación de las salas que tendrían que incorporar un gran intermedio, podría verse en HBO o de alguna manera. “Es divertido, porque la duración de las otras películas que he hecho en el pasado, como la versión IMAX de Watchmen, la duración se basaba un poco en el tamaño de las bobinas de IMAX. Si la película era un minuto más larga, la película podía caer fuera de la bobina, así que teníamos que pensar en una duración que encajara, y eso es parte del proceso.

Pero dos horas de metraje era una duración muy restrictiva especialmente para el caso de La Liga de la Justicia, que

ZACK SNYDER’S JUSTICE LEAGUE tiene tantos personajes que hay que presentar y desarrollar, y que es un gran reto. Es muy duro profundizar en ese material en dos horas. Pero ahora tenemos esta versión extendida gigante. Nunca he pensado que vayan a acusarme de hacer películas cortas, pero pienso que esta es la duración natural para esta película si se quiere contar una historia completa. Por ejemplo, ha sido muy interesante trabajar con el diseño original de Steppenwolf”.

El director aclaró que fue decisión suya y de su esposa, la productora Deborah Snyder, dejar la película, pero fue decisión de la compañía, que se hacía cargo de ella. En cuanto al título, Zack Snyder’s Justice League es el más coherente y legal porque según dice: “Es una visión pura, sin trabas de nada que no sea lo que creemos que es más impresionante. Lo he dicho muchas veces: estos personajes son más grandes que cualquier actor o director, y existen mucho más allá de nosotros. Pero en este momento concreto esta es nuestra visión, es muy singular y es emocionante tener esta oportunidad”.

Zack Snyder recuerda que cuando trabajaba en Batman v Superman rodó un montón de secuencias en IMAX y se obsesionó con la relación de aspecto y la composición en vertical. Apuesta por 1:43, frente a lo anamórfico y widescreen porque responde a

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neg r el traje e v s o dim aton pu e mostr s e u q s

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lo que él considera que es el mejor traslado de los superhéroes a la pantalla grande, jugando con la verticalidad que permita ver toda la información visual extra que se pierde en algunos formatos. En eso está trabajando y podrá apreciarse, por ejemplo, en la nueva versión de presentación de Aquaman en Islandia y el encuentro con Bruce Wayne. d En uno

Cuestión de colores Entre el material mostrado por Snyder en el panel se incluye la escena cortada de la aparición de Superman con el traje negro en el encuentro con Alfred Pennyworth. El traje negro es una corrección de color posterior al rodaje porque, como explica el director: “En ese momento, era como si no hubiera ninguna posibilidad de sacar el traje negro. Yo defendí el traje negro todo el tiempo y ellos siempre decían que no les parecía una buena idea. Pero hicimos numerosos experimentos de corrección de la imagen para poder meterlo porque desde el principio me pareció una buena idea. Creo que es la evolución correcta para el personaje que cuando se levanta entre los muertos estuviera con el traje negro. Tiene sentido”.

El director se declara “firme creyente en la posición de Superman en el panteón, y eso es lo que hace que esté obsesionado con él, como bueno, malo, feliz, triste, muerto y vivo, porque le quiero mostrar a pleno volumen en todo su espectro de emociones. No quiero mostrarle solo como un boy scout que ayuda a todo el mundo. Tú escuchas las palabras de Jor-El y las palabras de papá Kent sonando en sus oídos, tratando de mantenerle en el buen camino cuando está distraído por muchas cosas”.

Snyder también aprovechó para despejar la duda: no, él no rodó escenas de Cavill con bigote. Y aprovechó para dejar un recadito a Joss Whedon: “No hay ninguna posibilidad en la Tierra de que yo utilice un plano que se rodó antes o después de que yo dejara la película. Preferiría destruirla.

Le prendería fuego antes de usar un solo fotograma que no he rodado. Eso es un maldito hecho. Volaría esta maldita cosa si se me hubiera ocurrido por un solo segundo hacer eso. Todo lo que vais a ver en esta película que os recuerde al otro estreno en cines que, repito, literalmente nunca he visto, será porque es una cosa que yo había hecho y tomaron prestado para ese monstruo de Frankenstein”.

Tras esquivar preguntas de los fans sobre apariciones de Green Lantern o del Detective Marciano declarando su afecto por el color verde, Snyder recordó que el #Release_the_Snyder_cut fue el hashtag más grande o la mayor presencia en redes sociales de cualquier película de Warner Bros. jamás hecha. Y eso que no existía la película. Además ha revelado que montó una versión de La Liga de la Justicia en blanco y negro en su ordenador, y que eso cambió su visión del filme. Pero el nuevo montaje para HBO Max será en color, eso sí, su paleta de colores.

No ha despejado la duda de si será emitido como serie o como película, pero lleva más de 214 minutos y piensa que una serie sería mejor.

Miguel Juan Payán

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Los nuevos mutantes

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l director, Josh Boone, y los protagonistas están gratamente sorprendidos con el seguimiento y apoyo que ha tenido la película entre los seguidores de los personajes en el proceso de aplazamientos del estreno de la película en un panel al que se incorporó el dibujante Bill Sienkiewicz, inspiración desde las viñetas desde su trabajo para el cómic, que comenzó junto con Chris Claremont en 1983.

“Bill fue genial con nosotros –dice Josh Boone–. Leyó todos los guiones, se involucró de verdad y nos animó desde el comienzo.

La película es una especie de adaptación de su arco de tres números en los cómics protagonizados por Demon Bear, que convirtió Los nuevos mutantes en algo muy diferente. Ha inspirado la visión de la película y de los personajes, y todo lo demás”.

Demon Bear es un personaje con poderes de cambio físico, teletransporte y dotado con una fuerza sobrehumana que Sienkiewicz creó junto con Chris Claremont y Bob McLeod. El dibujante confiesa: “Ahora no puedo ver a los personajes que dibujé sin imaginarme a los actores de la película que les han dado vida. Me siento honrado y orgulloso de haberlos conocido como personas y como talentos creativos. Esta película romperá con todo lo que se le ponga por delante porque es extraordinaria. El confinamiento se produjo uno o dos días antes de que Josh y yo fuéramos a grabar unos comentarios para la versión en blue-ray. Y de pronto todo se cerró. La gente ha estado diciendo que esta película está maldita porque se está demorando una eternidad. Pero en cierto sentido, el aislamiento ha aumentado el nivel de interés por ella. La gente está como loca por esta película”.

Josh Boone responde a eso y resume los motivos que le interesaron del proyecto: “Todo el arco argumental de la película es

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Cruzamos los dedos y confiamos en poder ver finalmente Los nuevos mutantes el 28 de agosto, como nos recomendaron en el panel celebrado el pasado 23 de julio en la edición online de la Comic-Con de San Diego 2020. sobre una maldición. La maldición del Oso Demoniaco, así que supongo que es posible. Había terminado de rodar Bajo la misma estrella para Fox y sabía que tenían esta franquicia de X-Men. Siempre me había gustado la historia de The Demon Bear, desde que era niño, y lo que Bill Sienkiewicz había hecho en esos cómics, porque mezclaba una especie de fantasía oscura y terror con cómics de superhéroes. No había visto nunca nada como eso, era totalmente diferente a cualquier cómic que hubiera leído. Sobresalía, y pensé en ello durante años. Lo que me atrajo fue la fusión de todos esos géneros en algo diferente”.

Maisie Williams explica su experiencia interpretando a Rahne Sinclair, alias Loba Venenosa: “Me interesaba interpretar a alguien como Rahne porque me he visto siendo ese personaje. Creo que se siente incómoda en su propia piel, quiere hablar y decir lo que siente, pero siempre intenta pasar desapercibida. Cuando interpreté a Arya en Juego de tronos siempre tenía que ser la que manda, ser realmente fuerte y valiente. Y eso es algo agotador porque realmente no me siento así. Fue encantador interpretar a alguien como Rahne, que está sentada, mirando y escuchando.

Cobra vida cuando está con Danielle Moonstar, pero en el grupo siempre está tranquila y metida en sí misma”.

Illyana Rasputin, alias Magik, es otro papel de mujer peleona para Anya Taylor-Joy, quien recuerda que Magik “fue el primer personaje que interpreté con un carácter tan fuerte. Nunca había experimentado ese tipo de personaje en el que hay mucha agresividad la mayor parte del tiempo”.

Charlie Heaton es Sam Guthrie, alias Bala de Cañón, que según el actor “se diferencia del personaje de Jonathan que interpreto en Stranger Things en los poderes, y en la fuerza que hay en Sam y que

anticipa el potencial de liderato que podría tener en el futuro. Hay además un dolor interno extremo en Sam, y eso se puede explotar para empezar a construir el personaje. Lo que me gusta es que hay un montón de elementos de superhéroes que son divertidos, pero también verdaderos conflictos internos para experimentar y crear con ellos”.

Alice Braga, como la doctora Cecilia Reyes, estuvo en doble liderato tanto en la realidad como en la ficción siendo la más madura del reparto de protagonistas: “Son mis niños. Cecilia intenta enseñar a estos mutantes a controlar sus poderes, y guiarlos. Estaba emocionada con todo eso como fan y como actriz, porque podía ver los detalles y los matices de sus personalidades de cada uno.

Por cierto (bromea), como Charlie sabe, su forma de correr no es buena”.

Blu Hunt –Danielle Moonstar, alias Psyche/Mirage– confiesa: “Soy una gran fan de las películas de terror, creo que he visto tantas que me he quedado sin películas nuevas que ver. En realidad, me pasa eso con todas las películas. Necesito una vida. Lo realmente aterrador era estar en algo tan grande como una película de superhéroes después de haber hecho solo siete episodios de una serie de televisión. Así que creo que siempre que estaba en el set estaba asustada. Creo que la apertura y la película son definitivamente lo más terrorífico, junto con las escenas nocturnas en el bosque”.

Bala de Cañón se diferencia del personaje de Jonathan que interpreto en Stranger Things en los poderes, y en la fuerza que hay en Sam y que anticipa el potencial de liderato que podría tener en el futuro. Hay además un dolor interno extremo en Sam, y eso se puede explotar para empezar a construir el personaje. Lo que me gusta es que hay un montón de elementos de superhéroes que son divertidos, pero también verdaderos conflictos internos para experimentar y crear con ellos”.

Henry Zaga como Roberto da Costa, alias Mancha Solar, protagonizó la transformación física más espectacular. Afirma: “Ahora, cuando lo veo, pienso que nunca volveré a estar así”. Y el propio Josh Boone dice: “Cuando Henry vino a hacer la escena había perdido una increíble cantidad de peso. Realmente era piel y huesos. Fue una transformación increíble, porque se toma muy en serio el tema físico de su interpretación”.

En cuanto a la relación entre Rahne y Danielle Moonstar, Maisie Williams recuerda: “Desde la primera audición que hicimos juntas Blu y yo nos llevamos muy bien. Fue increíble ser testigo de una relación como esa en un mundo tan típicamente masculino de superhéroes. Era simplemente adorable ver a esas dos mujeres frágiles que se protegen mutuamente y emanan luz juntas.

Creo que es realmente importante mostrar relaciones como esta. Creo que el corazón de la película es esa historia de amor y es lo que la hace descender al mundo real”.

Boone afirma que esa relación “era muy importante porque es sin duda la columna vertebral de la película. Al igual que ocurre en los cómics, Rahne y Danielle ya tenían una conexión telepática, y simplemente sucedió. Queríamos que fueran personajes de los que uno se enamorara”.

Charlie Heaton Miguel Juan Payán

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Bill and Ted Face the Music

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lex Winter y Keanu Reeves vuelven, casi 30 años después de la segunda entrega de la saga, a dar vida a los dos personajes protagonistas, Bill y Ted, respectivamente, en un viaje alucinante con estos dos alucinados, que, para quien no los conozca, son los antecesores de personajes como los protagonistas de Colega, ¿dónde está mi coche? o Jay y Bob el Silencioso, pero con bastante más ingenio en el guion de lo que parece y un gusto por la ciencia ficción que nadie olvida. Ni siquiera sabemos si la película llegará a España o cuándo lo hará, por el momento. Lo que sí se sabe es que la película llegará a cines norteamericanos, por el momento, el próximo 1 de septiembre, aunque podría retrasarse como tantos otros proyectos. En cualquier caso, fue presentada en la Comic-Con, de la mano de sus estrellas protagonistas, además de Winter y Reeves, con Samara Weaving, Brigette Lundy-Paine, William Sadler, el director Dean Parisot y los guionistas Ed Solomon y

La nueva entrega incluye a una nueva generación.

Weaving será la hija de Bill, Thea, y Lundy-Paine la de Ted, Billie.

El filme implica un viaje en el tiempo, la visita a un futuro en el que Bill y Ted por fin hayan compuesto una canción que salve el mundo.

Chris Matheson. Kevin Smith presentó la charla (una de las más cuidadas de la Comic-Con en todos los niveles). Si pueden ver la charla, observen la reacción de Reeves cuando Smith dice que le ha encantado la película, es maravillosa. También es muy interesante cómo los guionistas pasaron hasta un año en los ochenta, antes de pensar en hacer la película, interpretando entre ellos a Bill y Ted, llamándose por teléfono en la piel de los personajes y hasta escribiéndose cartas. Matheson es el hijo del legendario Richard Matheson, y el tema de la ciencia ficción viene de ahí. Como dice Smith, Richard Matheson está en el ADN de Bill y Ted. Alex Winter explicó que durante una cena entre Reeves, los guionistas y él mismo, Matheson y Solomon les contaron que tenían una idea para una tercera parte, divertida y disparatada, pero incluso tras esa cena, no se cerró nada y quedó claro que no se pondrían con un proyecto así salvo que fuese genial, porque a ninguno le hacía falta. Además, la nueva entrega incluye a una nueva generación. Weaving será la hija de Bill, Thea, y Lundy-Paine la de Ted, Billie.

Ambas admiten no haber visto ninguna de las dos películas. Por supuesto, el filme implica un viaje en el tiempo, la visita a un futuro en el que Bill y Ted por fin hayan compuesto una canción que salve el mundo. Algo que son incapaces de hacer por el momento. Pero como Winter explica, el viaje también les lleva a distintos universos, distintas versiones de sí mismos en las que cada una es peor que la anterior, las cosas han salido peor, así que deberán elegir con mucho cuidado. Y además se trató de un rodaje muy físico, aunque no lo parezca, algo que Winter asegura se le hizo duro, pero disfrutó muchísimo. De nuevo, Reeves tuvo un gran momento asegurando que nada en el mundo se compara a interpretar a este personaje junto a Winter y la alegría que eso le proprociona. J.U.

Charlize Theron y la evolución de las heroínas de acción

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on La vieja guardia estrenada hace apenas unos meses, Charlize Theron ha demostrado, una vez más, que no solo es una de las mejores intérpretes de nuestros tiempos, sino que además es una de las mejores heroínas de acción que tenemos, algo que lleva intentando demostrar desde el inicio de su carrera, aunque algunas películas como Aeon Flux fueron importantes descalabros, poco a poco ha ido haciendo que su nombre sea imprescindible en el género, gracias a papeles como el de Imperator Furiosa en Mad Max: furia en la carretera, Atomic Blonde, Hancock, la saga Fast and Furious y, ahora, La vieja guardia, que además está basada en el cómic escrito por Greg Rucka y dibujado por Leandro Fernández. La actriz pasó por la Comic-Con de forma virtual para hablar justo de eso, de la evolución de las heroínas del cine de acción moderno, desde hace dos décadas.

Una época de cambios, sin duda, en la que la actriz ha sido imprescindible para entender cómo han crecido este tipo de personajes. Comentaba Theron: “No recuerdo un momento en concreto, no recuerdo despertarme un día y decidir que quería hacer más películas de acción, simplemente siempre había tenido ganas de explorarlo porque nunca me habían dado la oportunidad de hacerlo. Crecí con una madre, para que lo entiendas, que adoraba las películas de Chuck Norris y Charles Bronson, y a mi padre le encantaban las películas de Mad Max. Me criaron con cine de acción. Pero creo que al final fui donde mi carrera me llevó. Siempre he tenido afinidad por todo tipo de géneros, pero por desgracia hace 30 años no había muchas oportunidades para que las muje-

Charlize Theron ha demostrado, una vez más, que no solo es una de las mejores intérpretes de nuestros tiempos, sino que además es una de las mejores heroínas de acción que tenemos, algo que lleva intentando demostrar desde el inicio de su carrera

res interpretasen películas así. La primera vez que surgió esa oportunidad fue tras ganar el Oscar, en 2005, y fue muy difícil hacer aquella película, Aeon Flux”. La actriz además recuerda lo importante que ha sido para ella enfrentarse a Atómica, una película en la que la forma en la que ha rodado las escenas de acción cambió por completo, desde que el director y los especialistas le explicaron que querían hacer tomas más largas, continuas, en lugar de muy editadas. Eso la llevó a rodar el falso plano secuencia, que estaba compuesto de momentos en los que rodaban siete u ocho minutos seguidos de acción. Nada sencillo y un reto enorme para ella, que nunca ha entrenado en artes marciales, pero descubrió que era posible hacerlo. Algo muy distinto a lo visto en Mad Max. “Hay mucho más montaje en Furia en la carretera.

George Miller, su estilo de rodar y de narrar acción, tiene un mayor ritmo. Pero lo hace de una forma que no da la sensación de que esté haciendo trampas. En montaje siempre hemos hecho trampas con la acción, y cuando no las hacemos, la gente lo nota. La autenticidad se ha convertido en algo muy importante en la última década, y es bueno, porque ha hecho muy difícil que las malas películas de acción sobrevivan”.

Esperamos verla en muchos más papeles así. J.U.

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Guillermo del Toro y Scott Cooper presentan Antlers: criatura oscura

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na película de terror poco habitual. Una que nos cuenta una leyenda norteamericana como la del wendigo, ese espíritu que viene a corregir los errores de la gente, o como dice Guillermo del Toro, todo el dolor y el abuso se reencarnan en el wendigo.

Scott Cooper dirige mientras Guillermo del Toro se encarga de la producción de la película, un territorio habitual para Del Toro, evidentemente, pero no tanto para un cineasta como Cooper, quien es un reputado autor responsable de cine interesantísimo. Quizá su película menos interesante sea Black Mass, pero tiene dos títulos imprescindibles, como son el drama en torno al mundo de la música country, Corazón rebelde, y el wéstern Hostiles.

Dos pequeñas joyas que debemos rescatar, pero que nada tienen que ver con el cine de terror. Por eso Antlers, que podría pasar por una serie B directa a vídeo, se ha convertido en uno de los proyectos más interesantes del género en 2021, para descubrir lo que estas dos mentes en conjunto nos han brindado con esta historia. La leyenda del wendigo, según Cooper, surge cuando los británicos llegan y desplazan a los indígenas americanos,

Cuanto más come el wendigo, más hambre tiene, y cuando más come más débil se vuelve. Para Guillermo del Toro es una perfecta metáfora de la sociedad consumista en la que vivimos….

canibalizando todos los recursos y dejando morir de hambre a los ocupantes originales de esa tierra.

Es interesante oír al productor decir: “Para mí, pertenece al mismo universo (Antlers) que La ley del más fuerte, es una continuación de tus preocupaciones, Scott, pero al mismo tiempo es un cuento de terror como tal”. Cooper añadía “En La ley del más fuerte teníamos nuestro propio monstruo, interpretado por Woody Harrelson, pero esta es la primera vez que lidio con lo sobrenatural en mi cine. Quería estar en un territorio desconocido, porque creo que el riesgo es uno de los grandes placeres que obtenemos de hacer arte, de hacer películas. Las películas de terror son para la gente que no quiere enfrentarse directamente a la oscuridad que todos llevamos dentro, y creo que pueden proporcionar un ambiente para que la gente se evada”. Parece que es importante que la película llevase un mensaje sin ser una película sobre el mensaje. Que estuviese en el subtexto, algo que el director señala también como crucial para él no solo en Antlers, sino en su cine. El cineasta estaba interesado, además de en el terror y el horror, en mostrar lo que significa ser americano hoy en día y mostrar el mundo tal y como es. “Un niño que, solitario, lidia con muchas capas de dolor, con problemas familiares… y el wendigo encaja en esta historia, ese espíritu asesino invocado por la naturaleza para traer venganza cuando abusamos de ella. Y está claro que estamos abusando de la madre naturaleza, a los nativos americanos y también abusamos de las drogas… Eso es lo que yace bajo la superficie de Antlers”. Mientras, Guillermo del Toro destacaba dos detalles sobre este ser sobrenatural. Cuanto más come el wendigo, más hambre tiene, y cuando más come más débil se vuelve. Para él es una perfecta metáfora de la sociedad consumista en la que vivimos…. J.U.

Miscelánea, de Constantine a Ray Harryhausen

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arece ser que nunca tendremos la secuela de Constantine, la película interpretada por Keanu Reeves y dirigida por Francis Lawrence, con la que muchos soñamos desde hace años. Pero al menos en la Comic-Con fuimos testigos este año del 15 aniversario de la película a través de un panel que contó con el propio Reeves, acompañado del director y del guionista y productor Akiva Goldsman. Los tres recordaron que era la primera vez que volvían a reunirse desde la premier de la película… Goldsman recuerda que tenía contrato con Warner y quería demostrar que podía producir, y que el equipo original incluía a Tarsem Singh como director. Eso llevó a la película a dormir por un tiempo, hasta que Lawrence y Reeves se sumaron al proyecto. Reeves asegura que no conocía al personaje ni el material de Alan Moore previo, pero le encantó el guion y al investigar sobre el personaje tuvo dudas con el tema de no ser inglés ni rubio y si podía aportar algo distinto al personaje que mantuviese la esencia. Ese cinismo, ese cansancio del mundo y de la lucha de poder entre el bien y el mal… De nuevo, si podéis ver algún panel con el actor, sorprende siempre la humildad que muestra, las dudas sobre si aceptar el papel, la honestidad sobre no sentirse el actor idóneo para hacerlo… Otro momento imprescindible de la Comic-Con llegó con el recuerdo a Ray Harryhausen, el genio de la stop motion que llenó de fantasía y aventuras las infancias de muchos de nosotros con sus películas. La Comic-Con celebró lo que hubiese sido el 100 aniversario del creador, que nos dejó en 2013. El panel nos llevó a recorrer algunas de las

Reeves asegura que no conocía el personaje de Constantine ni el material de Alan Moore previo, pero le encantó el guion y al investigar sobre el personaje tuvo dudas con el tema de no ser inglés ni rubio y si podía aportar algo distinto al personaje que mantuviese la esencia.

mejores piezas de colección que hay del trabajo del autor, incluso de la mano de su hija Vanessa. Y una de las ventajas de ser a través de internet fue poder enseñarlas, algo difícil, porque no suelen enviarse a las convenciones debido a su delicadeza. Lo que podemos ver dentro de la casa de la hija de Harryhausen, las figuras y modelos de trabajo, son simplemente impresionantes y nos recuerdan una forma de hacer cine algo perdida ya… Y otro momento muy interesante residió en la presencia de directores latinoamericanos de terror, que tuvieron un panel realmente brillante. Alejandro Brugués, Issa López, Demián Rugna, Isaac Ezban, Víctor Osuna y Gigi Saúl Guerrero. La nueva ola de cine de terror latinoamericano. Un viaje entre sus influencias y el camino que sigue el cine fantástico latino en la actualidad, en el que todos señalaban lo complicado de levantar sus proyectos en sus países de origen. Incluso hubo mención para Chicho Ibáñez Serrador y su influencia. Y por supuesto, Guillermo del Toro. Pero tristemente parece que la sensación es que para poder rodar deben mudarse al norte…, algo que por ejemplo a Gigi Saúl Guerrero le ha funcionado muy bien. J.U.

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Ray Harryhausen

2020 también ha sido un año complicado para la mítica Comic-Con de San Diego, obligada a cerrar sus puertas físicas, pero no las virtuales. La convención ha celebrado su primera edición digital, en la que cientos de artistas, creadores, autores, diseñadores, guionistas, dibujantes y actores, entre muchos otros, han pasado por sus paneles online en directo a través de YouTube para hablar de muchos proyectos con los fans. Muchas series de televisión, como cada año, han pasado por la Comic-Con, donde han dejado ver el destino de cada una de ellas…

Estas son algunas, que no todas, de las más interesantes que hemos visto.

H

a sido una Comic-Con peculiar, pero como cada año, el apartado de series ha estado más que cubierto con elementos de lo más interesantes, desde el fantástico al terror, pasando por la ciencia ficción o la acción, la comedia o el drama. La San Diego Comic-Con nos ha traído interesantes novedades de un buen puñado de series… No están todas las que son, pero las que están dejarán a los fans con ganas de mucho, mucho más, pese a las ausencias destacadas, como las series de DC, que se preparan para la Fandome de agosto. Veamos qué nos ha deparado la San Diego Comic-Con. Eso sí, si no han visto las temporadas previas de estas series, cuidado, las declaraciones de sus responsables pueden incluir spoilers.

The Boys, los más gamberros

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ue sin duda una de las series revelación del pasado año, y uno de los primeros grandes éxitos de Amazon Prime Video en todo el mundo. Liderada por Karl Urban, The Boys nos lleva a un mundo paralelo donde los superhéroes campan a sus anchas, sin importar muchas veces el impacto que causan en las vidas de los mortales. Menos para The Boys, un grupo encargado de detenerlos cuando se exceden, que es demasiado a

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menudo. Eric Kripke, encargado de adaptar la serie, y todo el reparto, incluyendo a Urban, Antony Starr, Erin Moriarty o la nueva incorporación, Aya Cash, pasaron por la Comic-Con para hablar de la series, y según Kripke: “Queríamos que la segunda temporada fuese más intensa. El reto era hacerla más loca, pero más emocional a la vez, y con más en juego para todos. The Boys son unos fugitivos tras la primera temporada, están siendo cazados y básicamente, están completamente jodidos. Están intentando contraatacar como pueden, pero la primera temporada fue una gran derrota para ellos. En el otro bando, el Patriota mató, esencialmente, a la única persona que podía mantenerle bajo control, así que cada vez está más desatado, tomando decisiones más arriesgadas y erráticas cada vez, mientras Starlight está atrapada en esta pesadilla. Llevamos al límite a todo el mundo en la temporada 2”.

Kripke menciona algunos de los temas en los que se centran en la temporada, como el racismo sistémico o el supremacismo blanco.

Además algo tendrá que cambiar para Butcher (Urban) tras el descubrimiento al final de la primera temporada, después de tanto tiempo dando caza al Patriota: “Sí, definitivamente algo cambia para él. El final de la temporada fue de esos que cambian las reglas del juego, para Butcher. Su objetivo esta temporada es encontrar a Becca y rescatarla. Pasa de la venganza ciega a esto. Las cuestiones morales que surgen tienen que ver con lo lejos que Butcher

Wynona Earp

quiere llegar y cuánto está dispuesto a sacrificar.

Ya no está dispuesto a sacrificar lo que sea o a quien sea por dañar a los Siete. Hay una evolución en el personaje”. El actor además menciona la dinámica que surgirá con Starlight (Moriarty), uno de los mejores elementos de la serie, que permite hacer combinaciones de personajes inesperadas.

También Starr dejó una reflexión muy interesante sobre su personaje, el Patriota: “El personaje más fuerte físicamente de la serie es el más débil emocionalmente, en mi opinión… Pero también, cada vez que en la serie el Patriota hace algo horrible, es uno de los mejores días de trabajo para mí. Me lo paso genial entonces”.

Wynonna Earp volviendo de entre los muertos

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a serie que se resistió, como algunos de sus villanos, a morir. Desaparecida tras su tercera temporada en 2018, la serie de SYFY que nos cuenta la historia de la heredera del legendario Wyatt Earp y su misión de mandar demonios de vuelta al infierno, tuvo en

los fans en gran medida el motivo de su regreso y la filmación de esta cuarta temporada, que estuvo a punto de no suceder y que se retrasó de nuevo con el coronavirus, cuando colocaron incluso carteles publicitarios en Times Square. La responsable de la serie, Emily Andras, bromeaba: “Me gusta porque no añade presión ni nada por el estilo. No es como si tuviéramos que estar a la altura con la historia. No es algo que me mantenga despierta por las noches…, se ríe”, para luego añadir: “Es increíble, fuera de bromas, pero ¿cómo compensamos a esta gente que sigue regresando?”. La solución, para ella, es The Boys nos lleva a un seguir haciendo la serie. La Comic-Con sirvió como punto de presentación para la nueva temmundo paralelo donde los porada que se estrenaba apenas 24 horas dessuperhéroes campan a sus pués del panel, lo que sirvió para mostrar una retrospectiva de las primeras temporadas y un anchas, sin importar pequeño avance de lo que está por venir. Hubo una pregunta muy interesante sobre el destino muchas veces el impacto del personaje de Katherine Barrell si su química que causan en las vidas de con Dominique Provost-Chalkley no hubiese funcionado, si habría desaparecido el personaje tras los mortales. Menos para los seis episodios previstos inicialmente para su arco dramático. “No es que tuviésemos un arco The Boys, un grupo de seis episodios –dice Andras–, es que no teníaencargado de detenerlos mos arco. Pero estamos muy orgullosos de cómo […]. No puedo esperar a que veáis lo que cuando se exceden, que es resultó les hemos preparado en la temporada 4”, concluyó como anticipo a los personajes. Eso sí, con demasiado a menudo. Eric el estreno tan cercano no se habló tanto de la Kripke, encargado de temporada nueva, aunque Andras añadió: “La serie es más sexi, más violenta…, más Earp, más adaptar la serie, y todo el de lo que nos gusta. No diré que es más adulta, porque seguimos siendo un poco payasos”, y ríe. reparto.

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Stumptown Policiaco de network con aire de cómic

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os fans de Stumptown, la serie protagonizada por Cobie Smulders basada en el cómic escrito por Greg Rucka (La vieja guardia, Whiteout), donde da vida a una exmilitar que se convierte en detective privado siempre al filo de la navaja, enfrentada al mundo del crimen, con una deuda imposible de cubrir, peleada con la policía de Portland y con un hermano del que cuidar, además de las sustancias que consume. Greg Rucka está viendo cómo muchas de sus obras se están adaptando a la pequeña y gran pantalla, y el autor está más que ilusionado, como también nos contó en la entrevista reciente que concedió para hablar de La vieja guardia, especialmente de cómo su trabajo en solitario de repente se convierte en algo mucho más grande con mucha gente involucrada, algo que le deja maravillado. La serie nos dejó con algunos cliffhangers en el final de la temporada, y se vio afectada como tantas otras por la pandemia del coronavirus, por lo que el regreso no será sencillo, pero ¿qué nos depara ese regreso?

Monica Breen, quien se suma a la producción como showrunner junto con Jason Richman, habla de lo que nos espera. “Mamá, por supuesto. Se trata de mamá –refiriéndose a la madre de la protagonista–, un personaje que se marchó hace doce años y regresa. Es interesante cuando tienes un trauma y lidias con él, y luego hay un trauma que da origen a todos. Es muy interesante también porque para Dex (Smulders) tener que cuidar de su hermano (Cole Sibus) hizo que no se enfrentase en todo este tiempo a ese abandono. Así que la vuelta de su madre es como una bomba en su vida”. Smulder, quien además es productora de la serie, habla sobre el casting para ese papel: “No

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Los fans de Stumptown, la serie protagonizada por Cobie Smulders basada en el cómic escrito por Greg Rucka (La vieja guardia, Whiteout), donde da vida a una exmilitar que se convierte en detective privado siempre al filo de la navaja, enfrentada al mundo del crimen, con una deuda imposible de cubrir, peleada con la policía de Portland y con un hermano del que cuidar, además de las sustancias que consume.

puedo hablar de ello, pero con un papel tan importante en la serie, estamos buscando entre grandes, grandes actrices”. Parece que también habrá que lidiar con el padre de Grey (Jake Johnson), que ya interpretó Matt Craven esta temporada, y con lo que hizo, algo que afectará a Grey. Por supuesto, algo interesante tiene que ver con el detective que interpreta Michael Easley, quien dejaba de ser policía y entregaba su placa. Pero el actor no soltó prenda al respecto y bromeó asegurando que ahora su personaje se dedicaría a ser estríper…

Territorio Lovecraft Lo nuevo de HBO

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unque no se oye hablar mucho todavía de la serie, está claro que se trata de uno de los estrenos más interesantes que nos llegarán en este peculiar verano de 2020, de la mano de HBO y con grandes, grandes nombres asociados a ella. No solo viene de una interesante novela de Matt Ruff adaptada a serie por Misha Green (creador de Underground), sino que sus productores son ni más ni menos que Jordan Peele y J. J. Abrams, y su historia tiene mucho de H. P. Lovecraft, cuando un grupo de personas se embarque en un viaje a través de la América de los años cincuenta, enfrentándose al racismo, pero también a los monstruos de Lovecraft, que salen de sus páginas. Jonathan Majors es quien emprende el viaje buscando a su padre, interpretado por Michael Kenneth Williams, junto a Jurnee Smollett y Courtney B. Vance, en una serie que ya habréis empezado a ver a la hora de leer estas líneas. La propia Smollett presentó así la serie, hablando de esos elementos, destacando: “Es una serie que habla de quiénes éramos y quiénes somos en la América de los cincuenta y ahora”. Destacó en el panel la presencia de Abbey

Lee (su personaje tiene una presencia peligrosa y magnética). Smollett habla también de un personaje que emprende el viaje para abandonar su ciudad. “Deja la ciudad justo después de llegar a ella, tras haber recorrido el país haciendo fotos sobre el movimiento de los derechos civiles que empieza a crecer. Pero a su regreso es una extraña en su familia, hay cierto resentimiento”.

Williams, por su lado, habló de la esencia de la serie: “Yo soy muy fan de La dimensión desconocida, que creo que enlaza muy bien con esta serie y Lovecraft. Un punto donde aquello que tiene carga social se encuentra con lo bizarro y lo fantástico… Es una gran mezcla”. Lee habló de su peculiar personaje: “Es la única hija del líder de una secta llamada Hijos de Adán, un hombre que es filósofo, alquimista…, un provocador. Yo soy la antagonista”. Un personaje que está en guerra consigo misma, añade, y que representa a la mujer que empezaba a liberarse en los cincuenta, pero lo hacía desde sus privilegios como mujer blanca. Monstruos humanos y monstruos de Lovecraft en esta curiosa e interesante serie.

The Walking Dead: World Beyond la nueva serie

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l universo The Walking Dead sigue creciendo, y lo hace con una serie muy particular. Por ejemplo, debía haberse estrenado en primavera, pero la situación mundial debido al coronavirus cambió los planes y canceló el estreno que, en España, ya se ha anunciado para el próximo 5 de octubre en AMC, apenas 24 horas después de su estreno en Estados Unidos. Además, la serie solo contará con dos temporadas, por lo que su historia será mucho más concreta y cerrada. El reparto, que refleja cómo un pequeño grupo de adolescentes abandona su comunidad, donde viven a salvo, para explorar el mundo más allá de esta y encontrar al padre de las dos hermanas protagonistas, incluye nombres jóvenes como Aliyah Royale y Alexa Mansour, las dos hermanas, y además trae a Julia Ormond en un peculiar papel. El showrunner será Matt Negrete, aunque quien comenzó explicando el viaje de estas dos hermanas fue Scott M. Gimple, el responsable de todo el universo Walking Dead. “Rick se despertó de un coma para descubrir que el mundo había cambiado. Estas dos hermanas no despiertan de un coma, pero sí de un mundo que conocen y que es seguro, para descubrir el mundo real, pero no desde el desconocimiento. Han vivido siempre en el apocalipsis, y deciden abandonar esa seguridad”.

Negrete habla de dos eventos imprescindibles en la serie: “La noche que el cielo cayó, la veremos en flashbacks y es una noche terrible en la que de hecho muchas cosas cayeron desde el cielo, y es una noche que lo cambió todo para los personajes. Es la última noche que nuestros personajes experimentaron el mundo real, porque esa noche se refugiaron y así han vivido desde entonces. Ahora, diez años después,

El universo The Walking Dead sigue creciendo, y lo hace con una serie muy particular.

reflexionan en el Día de los Monumentos, un día en el que se reflexiona sobre los monumentos del pasado y lo que representan o representaban, y qué monumentos quieren que representen el futuro”.

Las hermanas Iris (Royale) y Hope (Mansour) se complementan. Iris quiere dejar la ciudad y emprender esa misión, y Hope pese a parecer muy capaz y fuerte, está terriblemente asustada, cuenta Mansour, quien añadió que el nexo entre ellas ya nació en el casting. Su viaje para encontrar a su padre tendrá mucho que ver con Elizabeth, interpretada por Ormond quien describe al personaje como “un alto cargo en una nueva comunidad que pronto descubriremos”. Bueno, algo quizá hemos visto de ella, pero se va a presentar nada más empezar la serie…

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22 The Walking Dead Once temporadas ya en el aire

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o es que muchas series no lleguen a las once temporadas, es que en muchos casos no llegan ni a la mitad.

Una serie de éxito a lo mejor tiene una vida de siete u ocho temporadas. Una de gran éxito, como The Wal-

king Dead, puede decir orgullosa que ha presentado en la Comic-Con de San Diego 2020 su undécima temporada, con muchas novedades, claro, pero también con mucho secretismo. La serie debería presentar esa undécima temporada, pero la situación con el coronavirus ha hecho complicado comenzar la producción, por lo que tendremos un episodio especial a finales de año, “A Certain Doom”, dirigido por Greg Nicotero, en el que tendrá lugar el final de la temporada 10. Un episodio que será la batalla final de la guerra contra los susurradores. Un episodio que supondrá el regreso de Lauren Cohan al recibir una peculiar carta, y que dispondrá la mesa para la temporada 11. Nicotero habla de lo que supuso el final del episodio 15, con Beta dirigiendo a miles de caminantes y lo que supone esto para los protagonistas en esta batalla final. Por supuesto, con este final pospuesto, le preguntaron a Norman Reedus si su personaje desea la revancha con Beta (Ryan Hurst) y el actor respondió bromeando que no lo tiene tan claro. Que han bromeado con ello en el set, como Norman y Ryan, pero para Daryl, su personaje…, es un tipo muy grande. El panel, como todos los de la familia Walking Dead, fue dividido en dos y en la segunda parte apareció Lauren Cohan para hablar de su vuelta a la serie con su personaje Maggie: “Creo que lo más emocionante es que no se trata simplemente de una visita, es un regreso en toda regla. Aunque ella y Carol (Melissa McBride) se han mantenido en contacto, ahora ha regresado” y como actriz añade: “Tengo la sensación de que nunca me marché. Pasé un mes poniéndome al día con todo el mundo siguiendo a una de las directoras de la serie, así que cuando me tocó volver a interpretarla, no me sentí abrumada por toda la emoción”. Además Cohan asegura que quiere aprender todo lo necesario para dirigir… Y hay que ver cómo ese regreso choca con la presencia de Negan (Jeffrey Dean Morgan) libre, el hombre que le arrebató todo, algo que explorarán en la temporada 11, y a lo que Morgan añade: “Negan ha salvado a muchos de los amigos de Maggie también. Esperemos que alguien interceda por él”.

Fear the Walking Dead nunca olvidada

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i The Walking Dead recibirá pronto su undécima temporada, no nos olvidemos de que Fear the Walking Dead estrenará la sexta, ni más ni menos, en octubre, una semana después del estreno de World Beyond, y además en España lo hará apenas unas horas después de su estreno en Estados Unidos, a partir del 12 de octubre, lo que supondrá doble ración de Walking Dead semanal, con ambos spin-offs. El final de la temporada 5 dejaba un enorme cliffhanger sobre el personaje de Lennie James, Morgan, y ahora debemos descubrir si sigue vivo o no, algo que no han querido responder directamente. Pero sí a una imagen que vemos en el tráiler con Mor-

gan y sus ojos rojos… Andrew Chambliss nos saca de dudas: “Sí, es Morgan con los ojos rojos. Y definitivamente no se trata de alergia”.

Los personajes tendrán que descubrir quiénes son ahora, en las comunidades de Virginia (Colby Minifie) y no será sencillo para muchos.

Por ejemplo cabe preguntarse en quién confiará uno de los personajes más importantes, el de Alicia Debnam Carey. “Es una buena pregunta, porque no creo que haya mucha confianza rondando por ahí. No creo que confíe realmente en nadie. Hay muchos problemas de confianza en la serie. Quizá Strand (Colman Domingo), porque es al que conoce desde hace más tiempo”. El actor añadió al respecto: “Desde el punto de vista de Strand hace bien en confiar en él, porque Strand va a cuidar del personaje y va a asegurarse de que nada malo le pase, porque le hizo una promesa a su madre.

Pero va a mantenerse al margen de ciertas cosas, porque él no confía. No confía, pero exige que se confíe en él”. Parece ser que se quedaron a poco en la producción de terminar de rodar la primera parte de la temporada, y están esperando, con todos los episodios escritos, para retomar el rodaje.

La materia oscura grandes incorporaciones

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a serie de HBO y BBC, La materia oscura sorprendió a propios y extraños con su excelente reflejo del material literario original, su estupenda factura visual y un reparto de auténtico lujo, con Dafne Keen, Ruth Wilson, Lin-Manuel Miranda o James McAvoy liderando la primera temporada. Aunque McAvoy no estuvo en el panel de la ComicCon, donde se presentó la segunda temporada,

La serie de HBO y BBC, La materia oscura sorprendió a propios y extraños con su excelente reflejo del material literario original, su estupenda factura visual y un reparto de auténtico lujo, con Dafne Keen, Ruth Wilson, Lin-Manuel Miranda o James McAvoy liderando la primera temporada. Aunque McAvoy no estuvo en el panel de la Comic-Con, donde se presentó la segunda temporada, todavía sin fecha de estreno, sí estuvieron Wilson, Miranda y Keen, y además se contó con Andrew Scott, quien se suma a la serie.

todavía sin fecha de estreno, sí estuvieron Wilson, Miranda y Keen, y además se contó con Andrew Scott, quien se suma a la serie (estará unido a un animal al que pone voz Phoebe Waller-Bridge, cómo no…), junto a nombres como el de Terence Stamp.

Una de las cuestiones más interesantes es cómo encontraremos a Lyra tras el final de la primera temporada, después de tener esa epifanía sobre quién es su familia realmente. La actriz analizaba esa evolución en la segunda temporada. “En la primera temporada, Lyra es una chica que confía con facilidad, pero tras ese final, tras perder a Roger, en la segunda temporada ya no puede confiar, porque lo ha perdido todo”. Para la actriz, una de las cosas más interesantes será ver cómo vuelve Lyra a ser quien era, a recuperar su confianza. Como todos apuntan, el personaje de Ruth Wilson ha hecho mucho por mostrar un villano ambiguo, y la actriz habló sobre esa ambigüedad en la segunda temporada “Lo que me gusta de la segunda temporada es que podemos viajar un poco más bajo la piel de Ms. Coulter y descubrir por qué es como es, con lo que ha tenido que lidiar siendo mujer en un mundo de hombres y los sacrificios que ha tenido que hacer. Y a qué coste, que en realidad es el coste de haber perdido a su hija o elegir algo por encima de ella”.

Miranda contó una simpática historia sobre cómo hace quince años, cuando conoció a su mujer, se enamoraron de los libros al tiempo que se enamoraban el uno del otro, lo que para él supone mucho, unos libros que descubrió hace quince años y que ahora forman parte de esta serie. Scott, de quien solo vimos una foto en la temporada 1 y ahora se suma a la serie como John Parry, decía sobre ajustarse a una serie que lleva ya una temporada: “Ha sido muy emocionante. A todo el mundo le apasionó la primera temporada, así que fue un poco intimidante llegar ahora. No quieres equivocarte y estropearlo todo”.

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buscan lo mismo, amor y seguridad, pero tienen distintas formas de hacerlo, lo que genera la tensión que es la dinámica de la familia. Si a eso le sumas las habilidades únicas, como dice Austen, la tensión aumenta. Pero no les dejaron hablar de sus habilidades en el panel, aunque el creador comentó la habilidad de manipular energías, por ejemplo. Quizá uno de los proyectos Marvel más interesantes… y quizá pase desapercibida en Hulu.

Star Trek Un universo en expansión

Helstrom, lo último de Marvel

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No todas las series Marvel van a llegar a Disney +, porque por ahora queda un pequeño reducto, que todos sabemos es Hulu, empresa de streaming que es en parte propiedad de Disney, y que ya ha producido Runaways, y ahora se encarga de Helstrom, una historia de terror que no es lo que parece, y que no tiene cabida obviamente en Disney +, porque es mucho más adulta, oscura y siniestra (y sangrienta) que las anteriores. Toma de punto de partida a dos hermanos, Daimon y Ana Helstrom, que luchan contra demonios, mientras se enfrentan a sus propios demonios. Por supuesto, eso no quiere decir que la serie forme parte del universo Marvel, pero sus personajes en los cómics son parte de él, y aquí quizá de un mundo paralelo. Tom Austen y Sidney Lemmon dan vida a ambos hermanos, y Elizabeth Marvel a su madre, que ha dejado suelto un mal horrible en el mundo y lleva 20 años encerrada en un psiquiátrico. Paul Zbyszewski, creador de la serie, habla de la adaptación: “El proceso comenzó hace años, cuando empezamos a hablar de la posibilidad de explorar un tono más oscuro del universo Marvel en televisión”. El guionista eligió el personaje de Helstrom por su relación familiar, por esta historia de dos hermanos y su madre, y su “padre”, ya que la serie está basada en la saga Hijo de Satán. Para Zbyszewski, la serie trata sobre la familia en la que nacemos, y la familia que creamos. Según Lemmon, los hermanos

Por supuesto, una de las charlas más esperadas de la San Diego Comic-Con, fue la de Star Trek y su universo, que para televisión resucitó gracias a Star Trek: Discovery, que pronto presentará tercera temporada, y este año con Picard, el regreso esperadísimo de Patrick Stewart al icónico papel. También tenemos la serie de cortos Short Treks, claro, pero lo siguiente será la sátira animada Lower Decks y un proyecto que llevaba anunciado desde 2019 pero que se concretó nada más empezar el panel, la serie de Nickelodeon para los más jóvenes de la casa Prodigy, de animación, de la mano de los hermanos Hageman. La productora Heather Kadin anunció que el proyecto llegará finalmente en 2021 y dio el título oficial en exclusiva. Los protagonistas de Discovery hicieron una lectura del guion del final de la temporada 2, y luego contestaron cosas que nos prepararon para su tercera temporada.

Sonequa Martin-Green habló del viaje de su personaje hacia el futuro, donde “busca una especie de salvación, después de que la tripulación de la Discovery decida sacrificar todo lo que tienen por el futuro… Incluso logísticamente está la duda de si aterrizaremos donde se supone que debíamos…”. Muy interesante saber cómo encontraremos al personaje de Michelle Yeoh, porque se supone que hay un spin-off sobre ella en marcha, pero con ese final y confirmando que la actriz estará en la temporada 3 en el futuro… ¿Qué sucederá? La actriz aseguró que su personaje estará muy, muy enfadado, eso sí… No, no revelaron nada tampoco de Stranger Worlds, el spin-off con Anson Mount, Ethan Peck y Rebecca Romijn en los primeros días de la Enterprise. Lower Decks siguió con su particular locura, liderada por Jerry O’Connell. Pero sobre Picard… se confirmó, no sabemos si oficialmente o no, que nombres como Marina Sirtis, Jonathan Frakes y Brent Spiner, volverán para la segunda temporada junto a los protagonistas. Como siempre en Star Trek, los secretos se mantienen muy cerca del corazón y no se ha hablado del futuro, especialmente debido a la incertidumbre provocada por el coronavirus (llegó a mencionarse que la segunda temporada se pondría en marcha cuando el mundo sea algo más normal de nuevo). Pero algo respecto a los Borg, cómo no, se dejó entrever y sirve más que de sobra para que los fans de Picard estén entusiasmados…

Jesús Usero

Grandes villanos de la historia del cine El antagonista, presente en todas las mitologías es motor para la mayor actividad del héroe. No hay buen héroe sin un buen villano.

Que se lo pregunten a Luke Skywalker sin Vader, a Batman sin Joker, o a Harry Potter sin Voldemort, para interpretar al cual Ralph Fiennes solo tenía que pensar en serpientes.

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l máximo villano de los últimos tiempos es Darth Vader, teniendo en cuenta su popularidad y rendimiento en películas, series, cómics, videojuegos, figuras de acción y merchandising desde que se estrenó La guerra de las galaxias a finales de los setenta. Además, constituye el ejemplo perfecto de todo el arco de desarrollo, o viaje del villano. Vader comienza siendo Anakin Skywalker, un elegido, un jedi, un héroe. Luego cae en el lado oscuro y se convierte en un villano en toda regla. El paso final es el de su redención, que le lleva nuevamente al punto de partida, completa el círculo del viaje del villano, paralelo al círculo del viaje del héroe.

Vader es ejemplo perfecto de la mutabilidad constante del antagonista, del arco de transformaciones a que está sometido, que si está bien definido y construido le convierte en un personaje mucho más interesante

que el héroe, o incluso en el epicentro de la acción, quizá incluso en el verdadero protagonista por encima de los aparentes protagonistas.

Ocurre así en Drácula, la figura que hace que el resto de los personajes de su historia le utilicen para definirse a sí mismos, lo mismo que ocurre con Fu-Manchú. Ambos son protagonistas absolutos de sus historias, a pesar de ser los villanos. Lo mismo que el doctor Hannibal el Caníbal Lecter.

Batman se define mejor frente a Joker, Superman encuentra una referencia esencial para cincelar su heroísmo frente a Lex Luthor. ¿Qué sería de D’Artagnan y los mosqueteros sin el cardenal Richelieu?

El británico David Prowse, quien puso el cuerpo del villano por antonomasia de La guerra de las galaxias ya había tenido anteriores encuentros con la ciencia ficción interpretando al Minotauro en la serie Doctor Who en 1972, a un androide en la serie británica Hombres del mañana, al monstruo de la nube en la serie Espacio 1999 (1976) y al monstruo de Frankenstein al menos en tres ocasiones: en la parodia de 007 Casino Royale (1967) y en las producciones británicas de terror de Hammer Films El horror de Frankenstein (1970) y Frankenstein y el monstruo del infierno (1974). También para Hammer interpretó al forzudo en El circo de los vampiros (1972). Fue uno de los tres villanos que el productor y director de La guerra de las galaxias fichó entre los actores clásicos del cine de terror de Hammer Films junto a Peter Cushing (Grand Moff Tarkin) y Christopher Lee (conde Dooku).

El conde Drácula es exótico galán liberador de la sexualidad de los personajes femeninos implicados en la trama –Lucy Westenra y

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GRANDES VILLANOS DE LA HISTORIA DEL CINE

Bela Lugosi fue el mejor Drácula

Mina Harker–, y precisamente por ello se erige como una amenaza al statu quo del patriarcado masculino que se le opone, liderado por el doctor Van Helsing e integrado por los pretendientes masculinos de Lucy que se alían para impedir que las féminas se entreguen al seductor llegado del extranjero. La novela es también una expresión de la ansiedad que generaba en el Reino Unido la llegada de extranjeros de la Europa del Este. Pero también representa el choque entre pasado y futuro como ejemplo de la caduca aristocracia, fuera de juego en la Europa moderna, arrinconada por la burguesía, representada por el doctor Van Helsing, apostando por el conocimiento y la ciencia para barrer la superstición, el folclore y las leyendas.

Tres versiones ponen a Joker en el tercer puesto de nuestra lista: Jack Nicholson con su visión más humorística y teatral, Heath Ledger en la versión enérgica y nihilista, con su manera de hacer desaparecer un lápiz y el mito creado por su prematura muerte, y Joaquin Phoenix consiguiendo que empaticemos con el psicópata y cruzándolo con el de Taxi Driver de Robert De Niro.

Más de 400 tomas de efectos especiales animan a otro de los villanos más taquilleros de la historia del cine: Thanos. La firma de efectos espe-

The Face of Fu Manchu (1965)

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Fu-Manchú, creación de Sax Rohmer, fue el molde de muchas de las características exhibidas por los supervillanos del cómic, materializando el miedo a Oriente de Occidente, influyendo, desde su naturaleza como personaje de literatura popular, del tópico del “peligro amarillo”.

ciales Digital Domain (fundada por James Cameron) tuvo que crear una nueva aplicación de captura de movimiento para el rostro bautizada Masquerade para que James Brolin pudiera aportar todo su talento interpretativo al personaje.

Sin superpoderes, pero tan carismático como cualquier supervillano, Lex Luthor ha desempeñado en ocasiones en los cómics el papel de villano redimido en algunas historias donde incluso acaba aliado con la Liga de la Justicia para combatir a una amenaza universal (incluso hay una versión heroica del personaje en la realidad paralela de Tierra 3, donde los superhéroes de aquí forman el Sindicato del Crimen convertidos en supervillanos), pero siempre guiados por su convicción de que Superman es una amenaza alienígena.

Mecenas de artes y letras, que utilizó como vehículo de propaganda para la monarquía de manera muy hábil, el auténtico cardenal Richelieu fundó la Academia Francesa y edifico la Sorbona y el Palacio Real. Era de salud delicada, aquejado de úlceras y con ataques de locura, y un apasionado de la astrología. También ejerció una represión implacable que prestó los mimbres para la conversión en personaje central en la ficción de Alejandro Dumas en Los tres mosqueteros. Su declaración de principios políticos: “No tengo más enemigos que los del Estado”.

Por su parte, Fu-Manchú, creación de Sax Rohmer, fue el molde de muchas de las características exhibidas por los supervillanos del cómic, materializando el miedo a Oriente de Occidente, influyendo, desde su naturaleza como personaje de literatura popular, del tópico del “peligro amarillo”.

Fue recuperado como villano de los cómics Marvel por Steve Englehart y Jim Starlin cuando crearon al personaje del maestro de artes marciales Shang-Chi, que ahora va a pasar al cine.

Pero entre los villanos más brillantes no solo hay seres humanos, invitamos a esta fiesta a una máquina, el T-800 de la primera película de Terminator. Frío y desapasionado imitador de los asesinos en serie, que encuentra uno de sus precursores cinematográficos en otro invitado a esta selección, el que interpretó Robert Mitchum en La noche del cazador, ese monstruo mecánico llevó a Arnold Schwarzenegger a la fama (dicho sea de paso, Mitchum habría sido un gran Terminator en modo cine clásico).

Muestra de lo perdidos que andaban los productores con el asunto es que barajaron para ese papel a Mel Gibson, O. J. Simpson, Ron Perlman, Alec Baldwin, Michael Keaton, Jurgen Prochnow y ¡Chevy Chase! Cameron tenía, sin embargo, muy claro que era Schwarzenegger incluso desde antes de verlo en Conan, el bárbaro. Y para los amigos del morbo, ahí va un dato: para interpretar a Kyle Reese pensaron en Mickey Rourke, Richard Gere, Bruce Willis y Sylvester Stallone. ¿Se imaginan como habría quedado un choque Schwarzenegger con Willis o Stallone enfrente? Por cierto, huir de las comparaciones con Terminator fue una de las obsesiones de Hugo Weaving cuando interpretó a la otra máquina asesina de esta selección: el agente Smith de Matrix.

Finalmente, una opinión para el debate: los mejores villanos de las viñetas de superhéroes los tiene Batman.

Miguel Juan Payán

CARTEL-MANÍA VILLANOS EN EL CINE

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CONDE DRÁCULA

DARTH VADER

Creado por el escritor irlandés Bram Stoker en la novela a la que da título, de marcado carácter epistolar (constituida por diarios, cartas y telegramas). Se publicó en 1897 y está enmarcada en el terror gótico.

En el origen de este vampiro inmortal se encuentra la figura del célebre actor Henry Irving, al que Bram Stoker representaba y que era su ídolo. Stoker habría creado a Drácula a imagen y semejanza de Irving en lo físico, pero propenso él mismo a sufrir problemas de salud desde la infancia, tomaba su propio miedo a las enfermedades y el contagio de la sangre como base para acompañar el modelo histórico: Vlad III, Vlad el Empalador, Draculea, Hijo del Dragón, de la Orden del Dragón. Aunque Stoker partió de la traducción moderna del término: drac como “diablo”. Nacido en la Transilvania del siglo XV, Vlad es en Rumanía héroe nacional que frenó la invasión turca.

La primera y mejor adaptación de Drácula al cine fue pirata, no pagó derechos, pero es un clásico: Nosferatu (F. W. Murnau, 1922), con Max Schreck como el conde Orlok. A partir de ahí, y prácticamente hasta Drácula de Bram Stoker (Francis Coppola, 1992), protagonizada por Gary Oldman como vampiro enamorado, el cine prefirió la mayoría de las veces adaptar las versiones teatrales de la novela de Stoker.

Una excepción fue El conde Drácula (Jesús Franco, 1970), que volvió a la novela como punto de partida contando con Christopher Lee, lanzado al estrellato en la británica Hammer Films como conde vampiro en Drácula (Terence Fisher, 1958), en color, con mayor carga sexual y colmillos al aire.

Pero la imagen más icónica de Drácula en el cine clásico la aportó el húngaro Bela Lugosi en Drácula (Tod Browning, 1931) punto de partida de la colección de monstruos clásicos de Universal Studios. Lugosi había interpretado el papel de las funciones teatrales y fue el relevo natural del inicialmente elegido para llevar el personaje al cine, Lon Chaney. En la versión en castellano rodada al mismo tiempo, el papel del conde transilvano lo interpretó un actor español nacido en Córdoba: Carlos Villarías. M.J.P.

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JOKER Cuatro actores representan cada uno de ellos una nueva fase de caída hacia un círculo cada vez más oscuro del infierno de la demencia: Jack Lemmon en Batman (Tim Burton, 1989), Heath Ledger en El caballero oscuro (Christopher Nolan, 2008), Joaquim Phoenix en Joker, (Todd Phillips, 2019)… y Mark Hammill, Joker en series de animación, videojuegos, y el largometraje de animacion Batman: la broma asesina (Sam Liu, 2016). Este último se basa en la novela gráfica del mismo título escrita por Alan Moore e ilustrada por Brian Bolland, que junto con el cómic Joker, escrito por Brian Azzarello y dibujado por Lee Bermejo, son lo mejor que se ha hecho con este personaje en viñetas.

Tal como afirmaba el Joker de Ledger: “La locura es como la gravedad, todo lo que se necesita es un empujón”.

Otros Joker destacados han sido el televisivo César Romero de la serie Batman (1966-68), que ni siquiera se molestó en afeitarse el bigote para convertirse en el príncipe payaso del crimen, el fugaz de Jared Leto de Escuadrón suicida (David Ayer, 2016) o la variante de Cameron Monaghan en la serie Gotham (2014-2019).

El maníaco asesino de masas cuyo verdadero nombre se desconoce fue creado por Jerry Robinson, Bill Finger y Bob Kane. Apareció por primera vez en el primer número de la colección de Batman (DC Comics, abril de 1940), casi un año después de que Batman debutara (número 27 de Detective Comics, mayo de 1939).

La fuente de inspiración para Joker ha sido objeto de discrepancia entre sus creadores. Una versión afirma que partió del boceto dibujado por Bill Finger inspirado por el personaje de Gwynplaine, interpretado por Conrad Veidt (el sonámbulo Cesare del clásico del expresionismo alemán El gabinete del doctor Caligari) en la película El hombre que ríe (Paul Leni, 1928). Esa idea de cruzó con el dibujo de un comodín de las cartas de póquer para dar lugar a la figura que conocemos, aunque otra versión afirma que la inspiración fue un payaso callejero que actuaba en el parque de Coney Island y llevó a Bob Kane a pensar en un nuevo villano para Batman. M.J.P.

Creado por George Lucas para la película La guerra de las galaxias (Star Wars, 1977), está unido a la frase “Luke, yo soy tu padre”, en El Imperio contraaca (1980). Una frase que lo cambió todo en todas la secuelas y precuelas es uno de los mejores giros de guion del cine moderno. Es el principio de la redención del villano.

Para el traje de Vader, el diseñador de producción, Ralph McQuarrie, dice haberse inspirado en el ropaje de los beduinos. Pero la máscara recuerda al Doctor Muerte de Los Cuatro Fantásticos de Marvel, y el casco y el traje a los samuráis. El sonido de la respiración es fruto de poner un micrófono en la boquilla de un regulador de buceo. Otro antecedente del personaje, y de las espadas de luz, lo encontramos en la novela ¡Hagase la oscuridad! (Fritz Leiber, 1943).

Asociado a la Marcha Imperial solo de El Imperio contraataca en adelante (no en La guerra de las galaxias), Darth Vader fue el primer personaje que Lucas concibió para su saga espacial. Podría haber tenido la voz de Orson Welles, la primera opción de Lucas, que luego desechó porque temía que fuera demasiado reconocible.

La lista de los principales actores que lo han interpretado solo puede empezar con David Charles Prowse, culturista de 1,86 de altura que sigue enfadado por que cambiaran su voz (fuerte acento de Bristol) por la de James Earl Jones. El físico es de Prowse, pero el alma del personaje está en la voz, la misma en las nueve películas de la saga de Star Wars, la serie de animación Star Wars: Rebels (2014) y Rogue One (2016). La misma de Mufasa en El rey león. En España, Vader hablaba con voz de Constantino Romero, que también dobló a Clint Eastwood y volvió a prestarle a Vader sus cuerdas vocales en el cortometraje Star Wars: Extincition (Alejandro Beltrán, 2006), rodado en Valencia.

Hayden Christensen fue Anakin Skywalker en los episodios I, II y III de Star Wars, y se rumorea que volverá para las serie de Obi-Wan Kenobi protagonizada por Ewan McGregor. M.J.P.

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LEX LUTHOR Alexander Joseph Luthor fue creado por Jerry Siegel y Joe Shuster, y apareció por primera vez en el número 23 de la revista Action Comics (abril, 1940). Es el antagonista principal de Superman.

A pesar de que no quiso raparse la cabeza e inicialmente se negó a cortarse el poblado bigote que llevaba en aquellos tiempos para interpretar al personaje –finalmente Richard Donner le convenció gastándole una broma con un bigote falso–, Gene Hackman sigue siendo el mejor Lex Luthor en el cine con su trabajo en Superman (Richard Donner, 1978). Le sigue de cerca la versión juvenil del personaje de Michael Rosenbaum para la serie Smallville (2001-2011). Sin embargo, el prometedor Lex Luthor de Kevin Spacey para Superman Returns: el regreso (Bryan Singer, 2006) fue algo decepcionante, aunque no tanto como la variante juvenil interpretada por Jesse Eisenberg en Batman vs Superman: el amanecer de la justicia (Zack Snyder, 2016), y la con razón muy criticada de John Cryer, el hermano bobo de la serie Dos hombres y medio, en la serie Supergirl (2019-2020). Peferible fue la versión para la serie Las aventuras de Superboy (1988-1992), por Sherman Howard, conocido por interpretar al zombi que aprende en El día de los muertos (George A. Romero, 1985), la de John Shea en la serie Lois y Clark: las nuevas aventuras de Superman (1993-1997).

En animación, poniendo voz a Luthor, destacan James Woods en la serie La Liga de la Justicia en acción (2016) y Zachary Quinto en el largometraje Superman: Man of Tomorrow (2020).

En cómic son esenciales Lex Luthor: biografía no autorizada (James D. Hudnall y Eduardo Barreto, 1989), cuya portada era un guiño a la de la biografía de Donald Trump (al final los dos acabaron siendo presidentes de Estados Unidos), y la miniserie The Man of Steel (John Byrne, Dick Giordano), en la que, quizá bajo la influencia de la versión de Gene Hackman, el personaje fue redefinido como empresario dejando atrás la versión mad doctor de la etapa clásica, en la que entre sus cuentas pendientes con Superman estaba perder todo el pelo cuando este sopló para salvarle el pellejo. M.J.P.

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THANOS

FU-MANCHÚ

Al final de Los Vengadores (Joss Whedon, 2012), casi no llegamos a verle la cara (lo interpretó Damion Poitier, Duprez en la serie True Blood: sangre fresca), pero Thanos ya estaba moviendo los hilos de la era dorada del universo cinematográfico Marvel y tras aparecer como amenaza asociada a muchas de las escenas poscréditos de las películas de Marvel Studios se ha convertido en las manos de los hermanos Russo e interpretado por Josh Brolin en el mejor villano de los cómics Marvel trasladados al cine con Vengadores: Infinity War (Anthony y Joe Russo, 2018) y Vengadores: Endgame (Anthony y Joe Russo, 2019).

Creado por el guionista y dibujante Jim Starlin para la editorial Marvel, Thanos debutó en el número 55 de la colección El invencible Iron Man (febrero de 1973). Starlin niega que sea una copia de Darkseid, el supervillano galáctico de DC Comics creado por Jack Kirby. Pero incluso el uniforme es una mezcla del de Darkseid y el de otro personaje de Kirby, Metrón, y el propio Starlin repitió diseño muy similar para el Alto Señor Papal de su serie Dreadstar.

Sus mejores apariciones en las viñetas son The Thanos Quest (Jim Starlin y Ron Lim, 1990), El guantelete del infinito (Jim Starlin, George Perez y Ron Lim, 1991), Annilation (Keith Giffen y Andy Schmidt, 2006), El imperativo Thanos (Dan Abnett y Andy Lanning, 2010), Thanos Rising (Jason Aaron, Simone Bianchi, 2013), Infinity (Jonathan Hickman, Jim Cheung y Jerome Opeña, 2013), y el regreso de Jim Starlin al personaje con La revelación del infinito, La relatividad del infinito, La entidad del infinito y El final del infinito.

Thanos nació en la luna de Saturno, Titán, y su genética le lleva a compartir el aspecto de la raza de los eternos. Su madre intentó matarlo cuando era niño y se ganó el apodo de Titán Loco enamorándose de la Muerte y liderando a un ejército alienígena y asesinando a millones de su propia raza, antes de comenzar la búsqueda del Cubo Cósmico que le dará el poder absoluto. M.J.P.

Dos actores compiten por ser la mejor versión cinematográfica de este exótico antagonista: Boris Karloff en La máscara de Fu-Manchú (Charles Brabin y Charles Vidor, 1932) y Christopher Lee en la saga que se inició con El regreso de Fu-Manchú (Don Sharp, 1965) y que se prolongaría con Las novias de Fu-Manchú (Don Sharp, 1966), La venganza de Fu-Manchú (Jeremy Summers, 1967), Fu-Manchú y el beso de la muerte (Jesús Franco, 1968) y El castillo de Fu-Manchú (Jesús Franco, 1969), que presumía de localizaciones en Estambul y alrededores pero se filmó en Barcelona.

En clave de comedia, Peter Sellers fracasó intentando la parodia del género e interpretando el doble papel de Fu-Manchú y de su perseguidor habitual y heroico, Nayland Smih, en la fallida El diabólico plan del doctor FuManchú (Piers Haggard, Richard Quine, Peter Sellers), tan mala que ganó dos galardones a la comedia más dolorosamente menos divertida del año y al peor guion.

Nada que ver con la inquietante versión de Boris Karloff, que se tiraba dos horas y media cada mañana para someterse al proceso de laborioso maquillaje creado por Cecil Holland para convertirse en el más inquietante FuManchú de la historia del cine, aunque como vestuario llevara un modelo diseñado como traje de bodas para una mujer china y zapatos con plataforma para parecer siempre más alto que todos sus compañeros de reparto, reforzando su 1,81 de estatura. Después del estreno de la película, la embajada de China en Washington emitió una queja formal acusando al largometraje de racista.

Digno y elegante heredero de Karloff no solo en este papel sino también en los del monstruo de Frankenstein y la Momia en los remakes de los clásicos de Universal Studios producidos en Inglaterra por Hammer Films, Christopher Lee recibió lecciones de cantonés de su compañera de reparto en cinco películas, Tsai Chin, para interpretar el personaje creado por el británico Sax Rohmer (seudónimo de Arthur Henry Ward) para el ciclo de novelas iniciado con El misterio del doctor Fu-Manchú en 1913. Las novelas fueron siempre polémicas por su retrato del “peligro amarillo”. M.J.P.

CARTEL-MANÍA VILLANOS EN EL CINE

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CARDENAL RICHELIEU

LA BRUJA DEL OESTE

En la vida real, al parisino Armand Jean du Plessis, cardenal y duque de Richelieu (1568-1642), se le puede considerar un notable estadista y figura destacada en un momento clave de la historia de Francia que convirtió en Estado centralizado bajo su mandato. Pero Alejandro Dumas necesitaba un antagonista para ponerle las cosas difíciles a sus mosqueteros, así que convirtió a esta figura en uno de los villanos más destacados de las novelas de capa y espada en Los tres mosqueteros, publicada primero como folletín en el periódico El Siglo (marzo-julio de 1844). Richelieu es un taimado conspirador maquiavélico, aunque finalmente alcance cierta grandeza que le redime.

En este caso, no hay mucha discusión sobre la actriz que mejor ha encarnado en el cine a la Bruja del Oeste. Margaret Hamilton en El mago de Oz (Victor Fleming, George Cukor, 1939), fue la encargada de poner en carne y hueso en esa película mítica y esencial para explicar el progreso del color en el cine al personaje creado por el escritor estadounidense de libros para niños Lyman Frank Baum en la novela El maravilloso mago de Oz, publicada en Chicago en mayo de 1900. Es uno de los libros más traducidos de la historia, vendió 10 000 ejemplares de su primera edición y antes de pasar a dominio público en 1956 había vendido tres millones de ejemplares.

El Richelieu auténtico, contando con el respaldo de la madre del rey, María de Medici, fue durante 18 años consejero y poder en la sombra en el reinado de Luis XIII de Francia, ejerciendo antes como ministro de Interior y de Guerra en 1616. En 1622 el rey le nombró cardenal y en 1624 presidente del Consejo Real. Se impuso a los protestantes franceses, los hugonotes, tomando la fortaleza de La Rochelle en 1628.

El libro encontró rápidamente su camino hacia las variantes sobre el escenario, siendo transformado en un musical de Broadway en 1902, en el que, dicho sea de paso, la Bruja del Oeste era mencionada pero no llegaba a aparecer en escena. Era cuestión de tiempo que el cine le hincara las garras y así lo hizo en tres versiones en la etapa muda. Después la película con Judy Garland y Hamilton fue la influencia dominante en la mayoría de las adaptaciones y variantes.

En el cine, el mejor Richelieu es el de Vicent Price en la versión producida por MGM: Los tres mosqueteros (George Sidney, 1948), con una clave de coreografía musical en los duelos propiciada por Gene Kelly como D’Artagnan y cambiando el título de cardenal de Richelieu por el de primer ministro, para no molestar a los grupos de presión religiosos. El segundo mejor Richelieu lo hizo, breve pero contundente, Charlton Heston en Los tres mosqueteros (Richard Lester, 1973), tras rechazar la oferta de ser Athos o Porthos. En España, Alejandro Ulloa fue un gran Richelieu en la miniserie de TVE protagonizada por Sancho Gracia como D’Artagnan. Tim Curry le dio un aire más festivo y un puntito queer a su versión en Los tres mosqueteros (Stephen Herek, 1993), la visión más juvenil de la novela, y Christoph Waltz fue el sobreactuado Richelieu de la disparatada y petarda versión de Los tres mosqueteros (Paul W. S. Anderson, 2011), en la que la protagonista parecía Milady de Winter. M.J.P.

Entre las variantes domina la película de ciencia ficción Zardoz (John Boorman, 1974), protagonizada por Sean Connery, y la novela Wicked, memorias de una bruja mala (Gregory Maguire, 1995), que en su título original – Wicked, the Life ant Times of the Wicked Witch of the West– establece el protagonismo de la Bruja del Oeste que ha dado lugar a un musical de Broadway y pronto a una película dirigida por Stephen Daldry.

En la película Oz: un mundo de fantasía (Sam Raimi, 2013), la Bruja del Oeste fue interpretada por Mila Kunis, en fase previa a irse al “lado oscuro” y liarla parda. Pero no superó a Margaret Hamilton, que dio una versión tan inquietante de la Bruja del Oeste que muchas de sus escenas fueron eliminadas del montaje porque en MGM pensaron que era demasiado terrorífica para el público. M.J.P.

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HANNIBAL LECTER

TERMINATOR

Anthony Hopkins en El silencio de los corderos (Jonathan Demme, 1991) no fue el primer Hannibal Lecter, pero sí el mejor para el personaje que definió por sí mismo una nueva manera de entender y desarrollar las ficciones sobre asesinos en serie. Su sombra es tan alargada que alcanza tres títulos claves dirigidos por David Fincher. Seven, Zodiac y la serie Mindhunter se definen desde el molde de El silencio de los corderos por su competencia en ser algo totalmente diferente entre sí y frente a la película que protagonizó Hopkins.

Siempre he sostenido, y ahora aún más, con el fiasco de Terminador: destino oscuro, que el error más grave de toda la saga fue traicionar el planteamiento original tan bien tejido en la primera película, Terminator (James Cameron, 1984). Me refiero a la presentación de un villano inhumano e imparable, el T-800. Máquina sin sentimientos cuya falsa apariencia humana es lo más inquietante, con la piel revistiendo su verdadera naturaleza eminentemente artificial. Aun con los limitados efectos especiales, la secuencia del brazo abierto con los mecanismos al aire sigue siendo narrativamente muy perturbadora, aunque en el desenlace Cameron lo abrase para hacer surgir de las llamas, cual ave fénix monstruosa, el esqueleto metálico. Brutal alegoría de la muerte, se convierte así el personaje interpretado por Arnold Schwarzenegger (y que fue capital en el lanzamiento de su carrera como estrella), ya desprovisto de la cobertura exterior de músculo del culturista austriaco, en el villano mecánico primordial, la peor pesadilla del ludita, una metáfora de la máquina como asesina de la humanidad. Potente y premonitorio aviso.

La diferencia del trabajo de Hopkins es que él enriqueció y amplió las fronteras del personaje más allá de las que presentaba en las novelas.

Desplazó en protagonismo a Clarice Starling en Hannibal (Ridley Scott, 2001), inferior a El silencio de los corderos, pero superior a la novela que adaptaba.

Luego quedó convertido en poco más que protagonista del prólogo y cameo en el resto del metraje en El dragón rojo (Brett Ratner, 2002).

Brian Cox hizo muy buen trabajo en la primera adaptación de El dragón rojo (Michael Mann, 1986), y aún mejor es Mads Mikkelsen en la serie Hannibal (Bryan Fuller, 2013-2015).

La peor versión de Hannibal es el innecesario y torpe regreso al origen del personaje –consejo: sugiere, pero nunca expliques el origen de nada, deja que lo imagine el lector/espectador–, de Hannibal, el origen del mal (Peter Webber, 2007). Gaspard Ulliel no era ni carne ni pescado frente a Hopkins y Mikkelsen.

Thomas Harris creó a Hannibal para la novela El dragón rojo (1981) y afirma que está inspirado en un médico que encontró en una prisión mexicana cuando a sus 23 años trabajaba como reportero para la revista Argosy en los años sesenta. En la Prisión Estatal de Nuevo León, en Monterrey, tropezó con el doctor Salazar que en la introducción a la edición de 25 aniversario de El silencio de los corderos describe así: “Era un hombre pequeño, de pelo rojo oscuro. Se quedó muy quieto y sobre él flotaba una cierta elegancia. Sus ojos eran granates con chispas granuladas como las piedras solares”. M.J.P.

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AGENTE SMITH Después de ver cómo se están comportando algunos miembros de nuestra cada vez más lamentable especie en la pandemia de la COVID-19 resulta difícil no darle al agente Smith de Matrix (Lana y Lilly Wachowski, 1999) la razón cuando le dice a Morfeo que los humanos somos como un virus, que no soporta el hedor que desprendemos y que está deseando largarse de este lugar en el que habitamos.

El actor nigeriano, pero hijo de padres británicos, Hugo Weaving no tiene competencia en el personaje que le lanzó a la fama, pero si alguna vez otro actor intenta atacar el papel del agente Smith lo va a tener muy difícil, porque Weaving dejó el listón muy alto como el jefe de los sicarios de los invasores alienígenas repartidos por la red para cazar a los disidentes humanos de Matrix.

Por otra parte, Weaving siempre va a estar perseguido por este personaje, por mucho que haya sido el rey elfo Elrond en El señor de los anillos y El hobbit, la voz de Megatrón en Transformers, el revolucionario enmascarado de V de vendetta o incluso el supervillano nazi Cráneo Rojo en Capitán América, el primer vengador, donde desperdiciaron su contribución vilmente cuando podría haber sido uno de los mejores villanos del universo cinematográfico de Marvel.

Weaving estuvo a punto de ser sustituido en el reparto cuando el primer día de rodaje tuvo dolores en una pierna y le descubrieron un pólipo que tenían que quitarle con cirugía, pero los responsables del proyecto tomaron una de las mejores decisiones en producción modificando la agenda para que el actor pudiera interpretar todas sus escenas de acción al final del rodaje. A cambio, él convirtió un villano que podría haber sido mero tópico mirado desde el guion en uno de los antagonistas más icónicos del cine de las dos últimas décadas, tomando como referencia para la voz al locutor de un noticiario radiofónico de los años cincuenta y las voces profundas de los directores de la película, buscando que el tono no fuera ni de criatura artificial ni de ser humano. M.J.P.

La traición a todo ello, a ese T-800 asesino que solo puede ser interpretado por Schwarzenegger, estaba ya en Terminator 2: el Juicio Final (James Cameron, 1991), ejemplo metafórico de la traición del cine de los noventa al cine de los ochenta, en el que, presas de una variante del síndrome de Estocolmo, Cameron y Terminator quedan secuestrados por el estrellato de Schwarzenegger, al que le cambian de villano a héroe en un forzado giro de 180 grados. En ese drástico, forzado e innecesario cambio de sentido del personaje reside la traición que empezó a matar a la saga y cuyas consecuencias se materializan con mayor virulencia en el T-800 decorativo y decorador de Destino oscuro. El error empezó a cocerse en el T-800 como figura paterna sustituta de John Connor en Terminator 2. Esa máquina NUNCA puede ser una figura paternal para la humanidad.

Triste final para el descendiente de la gineoide María del clásico Metrópolis, de Fritz Lang, y la criatura del doctor Frankenstein de Mary Shelley.

M.J.P.

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VOLDEMORT Ralph Fiennes en la saga de Harry Potter, y especialmente en su desenlace en dos partes: Harry Potter y las reliquias de la muerte 1 (David Yates, 2010), y Harry Potter y las reliquias de la muerte 2 (David Yates, 2011), es sin duda uno de los villanos más esperados y que más expectación ha despertado en los espectadores precisamente por ser nombrado desde la primera película como la amenaza principal de todo el arco de la trama de la franquicia, pero no materializarse más que en su anterior forma humana como Tom Riddle, cosa que hizo interpretado por Christian Coulson en Harry Potter y la cámara secreta (Chris Columbus, 2002), y Hero Fiennes Tiffin y Frank Dillane en Harry Potter y el misterio del príncipe (David Yates, 2009).

Fiennes ha dado muestra de ser un todoterreno y poder pasar de héroe a villano, de monstruo a figura paternal, de un proyecto a otro, ha declarado que quiere volver a ser Voldemort en el ciclo precuela Animales fantásticos, colaboró en el diseño de la varita, de manera que se ajustara a su interpretación y a la manera en que la sostiene de manera que señalen el estado de ánimo de Voldemort. Para ello, la varita tenía un gancho que se ajustaba a uno de sus dedos permitiéndole que pudiera convertirse casi en una extensión de la mano de Voldemort.

Voldemort es además interesante como villano para los efectos visuales por la manera en la que se abordó un maquillaje que podría haber sido muy aparatoso, para empezar eliminando la nariz del actor, mediante la utilización de efectos digitales aplicados a sus planos en posproducción, añadiendo al resto del rostro maquillaje para darle el tono enfermizo y pálido, así como las venas que sobresalen cabeza y rostro. La referencia animal clara del actor era la serpiente, pero además Fiennes siempre ha dicho que Voldemort es uno de los personajes mejor descritos de la creadora de Harry Potter, J. K. Rowling, desde que publicó el primer libro, Harry Potter y la piedra filosofal (26 de junio de 1997). M.J.P.

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HARRY POWELL Estados Unidos es el país donde hay mayor incidencia de casos de asesinos en serie (tres o más víctimas): un 70 por ciento de los casos. Pero hasta el año 1974, las autoridades, y más concretamente el FBI a través del agente especial Robert Ressler, no empezaron a utilizar el término “homicidio serial”. Muchos años antes el concepto de asesino en serie había sido acuñado por el criminólogo alemán Ernst Gennat para describir en 1930 a Peter Kürten, apodado el Vampiro de Düsseldorf, que sirvió como inspiración a la película M (Fritz Lang, 1931), largometraje puso la primera piedra en la materia a título cinematográfico.

En Estados Unidos tuvieron que esperar sin embargo hasta mediados los años cincuenta para que el cine pusiera en pantalla las peripecias del falso predicador aplicado a asesinar viudas y perseguir niños para robarles interpretado por Robert Mitchum en La noche del cazador (Charles Laughton, 1955).

Laughton mezcló las claves de horror presentes en los cuentos infantiles –en su ataque final a la casa de la anciana, Mitchum aúlla como un lobo herido–, cruzándolas con los párrafos más inquietante de las novelas de Mark Twain. Hay ecos del Indio Joe de Las aventuras de Tom Sawyer en el personaje de Mitchum, por ejemplo, cuando los niños ven pasar su silueta a caballo desde el granero. Y la huida en barca por el río de los jóvenes protagonistas de la película parece un guiño a Las aventuras de Huckleberry Finn.

Laughton fue muy moderno en el lenguaje visual aplicado a esta película que argumentalmente transcurre en la época de la Gran Depresión y nos presenta a Harry Powell como un fanático que hace presa en las crédulas féminas del entorno rural y lleva tatuados en las manos las palabras amor y odio. Se nos presenta con un plano aéreo sobre el coche que conduce mientras habla con un Dios dispuesto a respaldar sus fechorías utilizándole como su herramienta para combatir el pecado. El plano detalle de la hoja de la navaja que empuña atravesando el bolsillo de la chaqueta define perfectamente de qué pasta está hecho. M.J.P.

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FRANK Henry Fonda en Hasta que llegó su hora (Sergio Leone, 1968), es el mejor villano de la muy lucida galería de antagonistas que instaló en la mitología del wéstern mediterráneo el director italiano. En Por un puñado de dólares (1964), su primer wéstern, Leone reclutó a Gian Maria Volontè para interpretar el papel de Ramón Rojo, un cacique en toda regla que domina la mitad de un pueblo abusando de todo el que se le pone a tiro. El actor convenció tanto a Leone con su papel que lo recuperó para ejercer otra vez como villano interpretando al Indio en La muerte tenía un precio (1965).

Violador y asesino, el Indio era una vesión aún más perversa del villano que hizo escuela en el wéstern mediterráneo. Mató a la hija del coronel interpretado por Lee Van Cleef, que paradójicamente pasó a ser el malo de la siguiente película de Leone, El bueno, el feo y el malo (1966). Diferencia entre los villanos de Volonté y el de Lee Van Cleef: este último era una versión tragicómica de la maldad encarnada por Volonté en las dos películas anteriores.

Lógico, porque ese tercer espagueti wéstern de Leone era un brillante espectáculo inspirado por las funciones de marionetas propias del lugar de origen del director.

Pero a todos ellos los superó un clásico del wéstern más clásico de Hollywood, Henry Fonda, que además había sido siempre el “bueno”, el héroe, en las películas del Oeste que había interpretado hasta ese momento. Su mirada era la clave para el papel, según Leone, porque para el público representaba la bondad. Él quería convertirla en el eje del mal cuando Frank veía morir a sus víctimas.

Al principio Fonda rechazó el papel, pero Leone viajó a Estados Unidos para convencerle. Así de claro tenía el director que Frank solo podía ser Fonda. Le bastó decirle lo siguiente: “Imagínese esto: la cámara muestra a un pistolero de cintura para abajo sacando su arma y disparando contra un niño que corre. La cámara sube hacia el rostro del pistolero y… ¡Es Henry Fonda!”

M.J.P.

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MRS. DANVERS Judith Anderson compuso un personaje muy complejo y con distintas capas de interpretación como el ama de llaves de Rebeca (Alfred Hitchcock, 1940). Se ganó con ese personaje entrar en el panteón de los grandes villanos reclutados a lo largo de los años por el maestro del suspense, entre los cuales destaca precisamente por esa complejidad derivada de lo que realmente representaba en la segunda lectura del personaje.

Dominado por la normativa de la Oficina Hays, que controlaba la aplicación de la autocensura de los estudios de Hollywood para sus propias películas, el cine estadounidense del momento tenía entre los temas tabú para tratar en sus argumentos las relaciones entre personas del mismo sexo. Así que los artífices de las tramas se las veían y se la deseaban para abrir hueco a ese colectivo en sus historias.

Importa poco ahora si Hitchcock quiso o no, y con qué intenciones, incorporar el amor del ama de llaves interpretada por Anderson por su antigua jefa, la primera señora de Winter, pero lo cierto es que cuando entró en escena la inocente segunda señora de Winter, la señora Danvers interpretada por la australiana Judith Anderson se convirtió en su peor enemiga.

El odio engendrado desde el sumiso afecto y admiración profesados por Danvers hacia su primera jefa es un potente motor para la trama y el personaje en una película que de no ser por esto caería inevitablemente en el ejercicio del melodrama más obvio, alejándose de la verdadera salsa de su atractivo cinematográfico, que son los oscuros lazos que unen a los personajes emponzoñados, como el mejor cine negro, por el perpetuo retorno del pasado.

Anderson fue nominada al Oscar como Mejor Actriz de reparto por esta impecable interpretación del antagonismo, y se ha convertido en icono de la comunidad LGTBIQ+ y objeto de estudio y análisis que todavía discuten a favor o en contra de la sexualidad con segunda lectura del personaje de la señora Danvers. Esa polémica entre estudiosos mantiene más vivo que nunca a un personaje que fue el primero en recibir una nominación al Oscar interpretando un papel gay. M.J.P.

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GUY DE GISBORNE Basil Rathbone en Robin de los Bosques (Michael Curtiz, William Keighley, 1938) personificó a uno de los villanos de ficción esenciales del cine de capa y espada. Guy de Gisborne es un personaje de las leyendas de Robin Hood que ha ido mutando con el tiempo, algo que le pega mucho a todo villano: su proceso de transformación y cambio de piel. No en vano Loki es conocido como el Dios de las Mentiras, y Satanás tiene al engaño como herramienta básica de sus pactos. De Gisborne apareció por primera vez en una balada sobre el arquero del bosque de Sherwood en la que era un asesino a sueldo contratado para eliminar al célebre héroe. Pero posteriormente lo convirtieron en un competidor con Robin por los afectos de la fémina de la historia, lady Marian.

En esa segunda naturaleza nos lo encontramos enfrentado a Errol Flynn bajo el pellejo de Basil Rathbone, que siempre tuvo clavada la espina de ser el mejor esgrimista de todo Hollywood… y tener que dejarse ganar por sus compañeros de reparto porque él habitualmente interpretaba al villano. Así le ocurría cada vez que tenía que cruzar espadas en la ficción con los galanes de capa y espada interpretados por su colega australiano Flynn.

Menos mal que además a Rathbone le dieron la oportunidad de pasar a la historia del cine como una de las mejores, y para muchos la mejor, encarnación del detective Sherlock Holmes en un ciclo de películas que adaptaban las aventuras del personaje creado por Arthur Conan Doyle. Ahí nadie le discutía su papel como protagonista heroico con un cerebro más afilado que la espada.

En el caso de los duelos a espada de Gisborne y Robin en esta película se incorporaron técnicas de esgrima que no eran posibles con las espadas anchas de la época, de modo que las réplicas se construyeron más ligeras que las reales.

Afirman que los duelos del videojuego Prince of Persia, de 1989, están inspirados por el cruce de espadas entre Guy de Gisborne y Robin Hood en esta Robin de los Bosques. M.J.P.

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LIBERTY VALANCE

AL CAPONE

Lee Marvin en El hombre que mató a Liberty Valance, (John Ford, 1962) representa mucho más que al villano de turno con el que enfrentar al héroe bicéfalo y en pleno proceso de mutación que interpretan alternativamente James Stewart y John Wayne.

En Capone (Josh Trank, 2020), Tom Hardy ha descubierto hace muy poco lo difícil que es destronar a Robert De Niro como el mejor Al Capone del cine en Los intocables de Eliot Ness (Brian De Palma, 1987). Y eso que tiene muchos competidores, como los camuflados Paul Muni de Scarface, el terror del hampa (Howard Hawks, Richard Rosson, 1932) y Al Pacino de El precio del poder (Brian De Palma, 1983), o los claramente identificados Rod Steiger en Al Capone (Richard Wilson, 1959), o Ben Gazzara en Capone (Steve Carver, 1975). Incluso Stephen Graham, un gran Capone en sus esporádicas intervenciones en la serie Boardwalk Empire (2010-2014), se queda por detrás de Robert De Niro.

El memorable Liberty Valance es la materialización de una parte de la historia de Estados Unidos que muere arrasada por la llegada de los nuevos tiempos. Encarnación del Oeste más salvaje, el de los pioneros enfrentados a una naturaleza hostil, a los habitantes originales de esa naturaleza –los nativos de América del Norte–, a un mundo sin ley ni orden, a una vida dominada por la violencia y la ley del más fuerte.

Liberty Valance se ha ganado a pulso ser una figura de culto entre las muchas representaciones del fuera de la ley por antonomasia, el forajido que se resiste a salir de escena cuando llega un primer atisbo de civilización, primero frágil y representado por ese abogado al que da vida James Stewart, singularmente torpe con las armas pero hábil con la palabra, con instinto de cruzado entregado a la causa de la ley y el orden que sin embargo solo puede sostener ayudado por el terrateniente encarnado por John Wayne.

La escena del filete del personaje de Wayne tirado al suelo por Marvin presenta los extraños vínculos que se forjan entre estos personajes y el de Stewart en el nostálgico canto funeral tejido por John Ford como homenaje y despedida del salvaje Oeste.

El villano muere, pero gana la partida, marca el propio título del largometraje, define a los protagonistas, y la manera en la que muere (una muerte que hábilmente Ford nos muestra dos veces para cubrir los dos puntos de vista de ese héroe bicéfalo en mutación como el propio Estados Unidos) marca de por vida a los personajes de Stewart y Wayne con una mentira. El duelo fue un asesinato. Y así el wéstern se convierte rápidamente en su desenlace en cine negro, mientras nos deja una declaración de principios del director sobre sus películas: entre verdad y leyenda, eligió imprimir la leyenda. M.J.P.

Vino De Niro y, como suele ocurrir, les pinchó a todos ellos el globo y facturó una versión de Capone memorable e imperecedera, de las que luego aparecen en camisetas. Su arenga del trabajo en equipo, con el bate en la mano, sigue siendo uno de los momentos más señalados del cine de los años ochenta, pero verle llorar en la ópera es impagable como momento de humor negro al mismo tiempo hilarante y siniestro.

Esa mezcla de caricatura entre la parodia y lo siniestro fue la que encontró De Niro como clave esencial para su abordaje de Capone, que siempre fue un teatrero en la vida real. El resto de la película no se ajustaba a hechos reales. Por ejemplo, los hombres de Capone tenían prohibido atacar a agentes de la prohibición porque temían que eso afectara negativamente a sus negocios delictivos, así que marcó una política estricta de no violencia en torno a “los intocables”, a los que simplemente intentaba comprar con sobornos varios para quitárselos de encima.

Conocido como Caracortada por la cicatriz que lucía en su rostro, nacido en Nueva York en 1899 y fallecido en 1947, Alfonso Gabriel Capone ganó relevancia en el mundo del crimen en la época de la prohibición, y reinó como máximo poder del crimen organizado en Chicago durante siete años, antes de acabar entre rejas a los 33 años acusado de estafar a Hacienda. M.J.P.

CARTEL-MANÍA VILLANOS EN EL CINE

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AMON GOETH

PHYLLIS DIETRICHSON

Ralph Fiennes saltó a la fama interpretando a uno de los nazis más odiados de la historia del cine en La lista de Schindler (Steven Spielberg, 1993).

Barbara Stanwyck en Perdición (Billy Wilder, 1944), decantó a la perfección todas las características esenciales que integran esa creación cinematográfica que es la femme fatale del cine negro clásico estadounidense. Es además claramente el modelo en el que se miraron otras actrices llamadas a interpretar este tipo de personajes en la fase más moderna de neonoir que homenajea al género, y así ocurre por ejemplo en el personaje interpretado por Kathleen Turner en Fuego en el cuerpo (Lawrence Kasdan, 1981).

En este filme, se configura rápidamente como el antagonista del empresario interpretado por Liam Neeson, y queda calificado en el tramo final de la película como un simple sicario obediente, un funcionario del nazismo que se queja de que le hagan quemar los cadáveres de los judíos y acepta incluso vender a sus víctimas vivas a Schindler en una de las secuencias más ingeniosas del desenlace de La lista de Schindler, cuando podemos ver cómo este consigue engañar a Goeth para poder salvar a un puñado de judíos de la muerte en los campos de exterminio. Ambos actores fueron nominados al Oscar en las categorías de Actor Principal y Actor de Reparto por su trabajo en este largometraje, y ver a Neeson frente a frente con Fiennes se ciertamente uno de los aspectos más interesantes de la película.

Muestra de la competencia de Fiennes y los encargados de su caracterización fue que cuando una de las supervivientes de los campos de concentración visitó el rodaje y le presentaron al actor, empezó a temblar incontrolablemente, impresionada por el gran parecido del actor con el auténtico Amon Leopold Göth, quien había nacido en Viena, en aquel momento Austria-Hungria, en diciembre de 1908 y murió en Cracovia, Polonia, en septiembre de 1946.

Criminal de guerra, era un SS que sirvió como comandante del campo de concentración de Cracovia-Plazsow. Después de la guerra fue juzgado por el Tribunal Supremo de Polonia, que falló contra él la primera condena por homicidio personal, mutilación y tortura de gran número de personas en los juicios por crímenes de guerra. Consecuentemente fue condenado a pena de muerte, que se ejecutó por ahorcamiento en un lugar cercano a donde había cometido sus crímenes contra la humanidad.

Fiennes abordó a Goeth como un funcionario de la muerte, el tipo de persona que incluso sin ser un nazi convencido, aunque sí fuera un oportunista, hizo posible el genocidio. M.J.P.

La segunda señora Dietrichson tiene más peligro que un mono con una metralleta, es la materialización de los miedos masculinos frente al sexo femenino articulados en torno a figuras como la Lilit, primera esposa de Adán, en el Antiguo Testamento, y Alraune, la Mandrágora, presente en las leyendas desde la Edad Media.

Es la encarnación de la sexofobia, que según explica el crítico Richard Dyer en su libro Homosexualidad y film noir, la asociación con la femme fatale es fundamental para muchos personajes masculinos del cine negro relacionados con el subtexto gay de algunas películas destacadas, como Paul Madvig, interpretado por Brian Donlevy en La llave de cristal (Stuart Heisler, 1942), el personaje de Waldo Lydecker interpretado por Clifton Webb en Laura (Otto Preminger, 1944), Ballin Mundson interpretado por George Macready en Gilda (Charles Vidor, 1946)…

Bajo esa relectura del género, sometida a debate entre analistas y críticos (ver ficha de la Mrs. Danvers de Rebeca en este mismo número), habría que valorar las interpretaciones de la relación entre los personajes masculinos de la trama, el pardillo vendedor de seguros que va de listo Walter Neff interpretado por Fred Macmurray, y el detective que investiga fraudes en la compañía aseguradora Barton Keyes, encarnado por Edward G. Robinson.

Es una relación de padre/hijo clara, pero algunos autores, como Jeongwon Joe en su libro Wagner y el cine, de las películas mudas a la saga de Star Wars, han buscado una segunda lectura homosexual entre ambos basándose en la música de Wagner que suena en el largometraje y ciertos elementos visuales que la acompañan, como los fósforos con los que Neff enciende los cigarros de Keyes. M.J.P.

LOLA KIRKE

BILL PULLMAN

(Lola Clementine Kirke)

(William James Pullman)

27 de septiembre de 1990, Westminster, Londres, Inglaterra, Reino Unido.

Altura: 1,73 metros.

Estado civil: Soltera, pero en una relación con Wyndham BoylanGarnett, antiguo miembro de la banda Elvis Perkins in Dearland, quien produce y arregla sus álbumes musicales.

Debut profesional: Su vida siempre ha estado muy ligada a la música. Se mudó con su familia a Nueva York con cinco años, y allí su madre abrió una boutique de moda donde se consiguieron muchos de los modelos empleados en Sexo en Nueva York. Pero sobre todo, su padre era el batería de las bandas Bad Company y Free. Tras su paso por la universidad (estudió en el Bard College, una universidad centrada en arte), pudo hacer despegar su carrera como actriz y cantautora. En 2011 debuta en cine en la película Otro día feliz, y en televisión lo hace en 2013 en Ley y orden: Unidad de Víctimas Especiales.

Personajes: Hailey Rutledge en la serie Mozart in the Jungle, su único papel importante en televisión hasta la fecha.

Premios: En 2015 ganó el Premio a la Actriz Revelación en el Festival de Cannes.

Filmografía básica: Mozart in the Jungle (2014-2018), Otro día feliz (2011), Luna en Brasil (2013), La vida en una canción (2014), Perdida (2014), Free the Nipple (2014), Mistress America (2015), AWOL (2016), Fallen (2016), Gemini (2017), Barry Seal: el Traficante (2017), Untogether (2018), Viper Club (2018), American Woman (2019), Chicas perdidas (2020), Broken Diamonds (2020).

Frases: “Definitivamente quería ser famosa cuando era una niña, pero según he ido haciéndome mayor, cada vez me siento menos cómoda con ello”. ¿Sabías que…? Su hermana Jemima es actriz, y Domino es cantante. Algunos las han comparado con una versión artística de las Kardashian.

17 de diciembre de 1953, Hornell, Nueva York, EE. UU. Altura: 1,87 metros.

Estado civil: Casado desde el 3 de enero de 1987 con Tamara Hurwitz, bailarina, con quien ha tenido tres hijos, dos chicos, uno de ellos actor, y una hija cantautora.

Debut profesional: Aunque la pasión le llevó a estudiar en la universidad, primero en la SUNY, luego en Oneonta, donde recibió su título universitario en teatro. No tenía pensado dedicarse al cine y la televisión, y pese a tener cierto éxito en el teatro, se convirtió en profesor en la Universidad Estatal de Montana, donde daría clases de dirección a John Dahl, por ejemplo. Sus alumnos le convencieron para intentar dar el salto al cine, y en 1986 debutó en televisión en la serie Cagney & Lacey, con 32 años. Ese mismo año se estrena en cine con Por favor, maten a mi mujer.

Personajes: Ahora mismo, muchos le adoran por su papel de Harry Ambrose en The Sinner, pero también ha sido Oswald Danes en Torchwood, o el presidente Dale Gilchrist en la fallida 1600 Penn.

Premios: Nominado a dos premios Saturn por sus papeles en Torchwood y The Sinner.

Filmografía básica: Por favor, maten a mi mujer (1986), La loca historia de las galaxias (1987), La serpiente y el arco iris (1988), El turista accidental (1988), Pasiones prohibidas (1991), Malicia (1993), La última seducción (1994), Independence Day (1996), Carretera perdida (1997), Mandíbulas (1999), El grito (2004), Scary Movie 4 (2006), Torchwood (2011), The Equalizer (2014), Independence Day: contraataque (2016), American Ultra (2015), Aguas oscuras (2019), The Sinner (2017-¿?).

Frases: “Lo que sucede con la interpretación es que me hace sumergirme en otras materias”. ¿Sabías que…? Perdió el olfato tras una herida en la cabeza que le dejó en coma un par de días.

GAEL GARCIA BERNAL 30 de noviembre de 1978, Guadalajara, Jalisco, México.

Altura: 1,70 metros.

Estado civil: Soltero. Actualmente, mantiene una relación con la bloguera Fernanda Aragonés. Entre 2008 y 2014 mantuvo una relación con la actriz Dolores Fonzi con la que tuvo un hijo y una hija.

Debut profesional: Hijo de los actores Patricia Bernal y José Ángel García, el actor comenzó a trabajar con apenas un año, y pasó su adolescencia participando en telenovelas. También enseñaba a los indígenas a leer, y comenzó a estudiar Filosofía en la universidad, antes de tomarse un año sabático para viajar por Europa, lo que le hizo mudarse finalmente a Londres, donde fue el primer mexicano en ser aceptado en la Central School of Speech and Drama. Su debut televisivo oficial fue en 1989 en Teresa, y en cine en 2000 con Amores perros.

Personajes: Fue Daniel en la telenovela El abuelo y yo, y luego evidentemente ha sido Rodrigo de Souza en Mozart in the Jungle, y el Pájaro en Aquí, en la Tierra.

Premios: Ganador del Globo de Oro en 2016 por su papel en Mozart in the Jungle, por el que estuvo nominado en 2014.

Filmografía básica: Amores perros (2000), Y tu mamá también (2001), El crimen del padre Amaro (2002), Diarios de motocicleta (2004), La mala educación (2004), Babel (2006), Rudo y cursi (2008), Cartas a Julieta (2010), También la lluvia (2010), Casa de mi padre (2012), Desierto (2015), La profesora de parvulario (2018), Mozart in the Jungle (2014-2018), La red Avispa (2019), Aquí en la Tierra (2018-¿?).

Frases: “El talento sobrevive y se mantiene, mientras que la belleza se diluye”. ¿Sabías que…? Cofundador junto con Diego Luna, su amigo desde la infancia, y el productor Pablo Cruz, de Canadá Films, productora centrada en películas latinoamericanas que tratan de temas sociales.

SAFFRON BURROWS (Saffron Dominique Burrows) 22 de octubre de 1972, Londres, Inglaterra, Reino Unido.

Altura: 1,82 metros.

Estado civil: Casada con la productora y guionista Alison Balian desde agosto de 2011, con quien ha tenido un hijo y una hija. Ella dio a luz a ambos. Burrows es abiertamente bisexual.

Debut profesional: Pese a la falta de relación con el mundo del espectáculo de su familia, su espectacular altura (medía 1,80 metros con once años) y su belleza, la hicieron llamar en su adolescencia la atención de las agencias de modelos, donde el fotógrafo Beth Boldt tuvo mucho que ver con su descubrimiento. La actriz estudió teatro e interpretación al tiempo, lo que le permitió con apenas 20 años dar el salto al mundo del cine y la televisión. Debutó en 1993 en ambos campos. En la pequeña pantalla en Full Stretch, y en cine en En el nombre del padre ni más ni menos.

Personajes: Fue Sandra Sollars en las miniseries Karaoke y Cold Lazarus, y luego Lorraine Waller en Boston Legal, Serena Stevens en Ley y orden: acción criminal y, por supuesto, Cynthia Taylor en Mozart in the Jungle.

Premios: No ha sido nominada a ningún premio relevante individual en su carrera.

Filmografía básica: En el nombre del padre (1993), Círculo de amigos (1995), Karaoke (1996), Cold Lazarus (1996), Después de una noche (1997), Wing Commander (1999), Deep Blue Sea (1999), Timecode (2000), Juego de seducción (2001), El misterio Galíndez (2003), Troya (2004), Klimt (2006), Boston Legal (2007-2008), Ley y orden: acción criminal (2010), Mozart in the Jungle (2014-2018).

Frases: “Me criaron haciéndome sentir que podía amar a quien quisiera”. ¿Sabías que…? Habla francés y español con fluidez. Ha rodado en español y ha interpretado en francés en París. Toca la guitarra acústica y en 2009 obtuvo la nacionalidad estadounidense.

SERIES DE TV

SERIES DE TV

THE SINNER

MOZART IN THE JUNGLE

Temporada 1

Temporada 1

Emisión EE. UU.: 2 de agosto a 20 de septiembre de 2017, USA Network; Reparto: Bill Pullman, Jessica Biel, Christopher Abbott, Abby Miller, Dohn Norwood, Adam LeFevre, Daniella Burgess, Enid Graham, CJ Wilson, Jacob Pitts, Susan Pourfar.

Emisión EE. UU.: 23 de diciembre de 2014 (piloto presentado el 6 de febrero de 2014), Amazon Prime; Reparto: Gael García Bernal, Lola Kirke, Saffron Burrows, Malcolm McDowell, Hannah Dunne, Peter Vack, Bernadette Peters, Debra Monk, Mark Blum, Jennifer Kim, John Miller, Jason Schwartzman, Sandro Isaack, Adam David Thompson, Daniel Breaker, Nora Arnezeder.

The Sinner, en su primera temporada, es una de esas series que pese a su enorme calidad podía haber pasado completamente desapercibida no solo en el mercado internacional, sino en su propio país de origen, debido a que era una serie de cable, de modesta audiencia, que no había tenido una excesiva repercusión, especialmente antes de que la temporada de premios se fijase en la serie para otorgarle alguna nominación más que jugosa. Pero fue la llegada de Netflix, quien compró la serie para explotarla en todo el mundo, la que determinó que The Sinner y su brillante primera temporada se convirtiesen en un éxito en todo el mundo y lo que podía parecer una miniserie, acabase obteniendo una segunda temporada, y una tercera posteriormente. De hecho, muchos de sus fans se preguntaban al finalizar la serie en 2017, cómo podía continuar la aventura de estos personajes tras un final tan cerrado. La respuesta era evidente y así lo hicieron ver, pero por ahora, centrémonos en la historia de este primer año. Está basada en la novela de Petra Hammesfahr, pero desarrollada por Derek Simonds. El hecho de que la novela no fuese parte de una saga, también hacía suponer que la serie no tendría más que sus ocho episodios iniciales. Simonds ha obtenido con la serie su mayor éxito, pero también ha sido productor de Call Me by Your Name, por ejemplo. Por supuesto, como en todo buen thriller, la trama era uno de sus alicientes, pero en el caso de The Sinner, esta era realmente especial. Una mujer que apuñalaba a un hombre hasta matarlo, a plena luz del día, con testigos por todas partes… No cabía duda de quién era la asesina, pero el problema era el porqué de esa situación. Ese asesinato no tenía sentido, y la asesina no parecía recordar absolutamente nada de las circunstancias.

Dependía del detective Harry Ambrose descubrir la verdad sobre el asesinato, explorando el pasado de la asesina. La serie fue nominada a dos Globos de Oro, Mejor Miniserie y Actriz, y un Emmy a la Mejor Actriz.

Una de las primeras series que hizo que Amazon fuese tenida en cuenta como una potencial competidora a la hora de crear contenido fue Mozart in the Jungle, una historia inspirada en el libro Mozart in the Jungle: Sex, Drugs, and Classical Music de Blair Tindall, quien tocó el oboe durante años en la Orquesta Filarmónica de Nueva York, además de en una buena cantidad de obras y musicales de Broadway. Su relato no era completamente amable, pero sí especialmente divertido, sobre sus años como músico y lo que aconteció en ellos, y eso es lo que inspiró la serie, que además reflejaba en Rodrigo, el personaje de Gael García Bernal encargado de dirigir la orquesta, en parte el personaje real de Gustavo Dudamel, quien es director de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles en la actualidad. A caballo entre la comedia y el drama, la realidad y el sueño, Mozart in the Jungle traía una serie de nombres más que conocidos ligados al proyecto como productores y creadores de la serie, como son Roman Coppola, Jason Schwartzman (quien se reservaría un pequeño personaje en la serie), Alex Timbers y Paul Weitz, quien además dirigiría los dos primeros episodios de la temporada que nos ocupa, además del episodio final de la temporada, que contó con diez capítulos. La serie mostraba cómo un joven músico y director era el elegido para ponerse al frente de Orquesta Sinfónica de Nueva York, lo que levanta ampollas en su antecesor, pero puede suponer la piedra de toque para una joven que toca el oboe y que sueña con ser estrella en la orquesta. La primera temporada llevaba a la noche de estreno de la orquesta, a través de sus diez episodios, de las inseguridades y locuras de los personajes, de decisiones que cambiarían la vida de todos ellos y de un final muy satisfactorio que dejaba el futuro abierto a una segunda temporada incluso mejor.

SERIES DE TV

SERIES DE TV

THE BOYS Temporada 1 Emisión: 26 de junio de 2019, estreno mundial en Amazon Prime de la temporada completa; Reparto: Karl Urban, Jack Quaid, Anthony Starr, Erin Moriarty, Dominique McElligott, Jessie T. Usher, Laz Alonso, Chace Crawford, Tomer Capon, Karen Fukuhara, Nathan Mitchell, Elisabeth Shue, Simon Pegg, Jennifer Esposito.

Si siempre hablamos de series como House of Cards para poner en el mapa de todo el mundo a Netflix, o Daredevil, para convertirla en lugar de referencia para ver series, no podemos dudar que The Boys, por encima de otros éxitos como Jack Ryan, Mrs. Maisel o Mozart in the Jungle, hizo que todo el mundo reparase en Amazon como creador, y eso que las anteriores fueron muy seguidas y hasta ganaron premios. Pero el caso de The Boys es el de una serie que siempre será vista como la que todo el mundo necesitaba en verano de 2019. Por primera vez, todo el público quería ver una serie de Amazon, no solo quienes ya empleaban la plataforma, sino que mucha gente se dio de alta por poder ver la serie, que además se coló en el imaginario de la audiencia enseguida. Basada en el cómic de Garth Ennis y Darick Robertson, es una visión retorcida, satírica y bastante realista de lo que sería el mundo si los superhéroes existieran de verdad. Nada de valores, ética, moral… Las corporaciones entran en juego, y todo se convierte en un juego de poder donde el dinero que generan las marcas de los héroes es lo que mueve este mundo. Unos superhéroes que son en sí mismos marcas comerciales, y que saben aprovecharlo. Gore, salvaje, indecente… La primera temporada nos mostraba a un joven que, tras la muerte de su novia debido al accidente de un superhéroe, se une a un grupo de agentes dedicados a controlar y castigar a los superseres cuando crucen las líneas marcadas por la ley. Cada miembro del grupo tiene motivos de sobra para enfrentarse a tan complicada tarea, pero eso lo descubriremos poco a poco en la temporada. Los cambios respecto a la novela gráfica fueron considerables, especialmente en el argumento a partir de cierto episodio, pero no importa. Funcionan y nos muestran que alejarse de la zona de confort del cómic puede no solo sorprendernos, sino aportar brillantez.

HUNTERS Temporada 1 Emisión: 21 de febrero de 2020 en todo el mundo, temporada completa, Amazon Prime; Reparto: Al Pacino, Logan Lerman, Lena Olin, Jerrika Hinton, Saul Rubinek, Carol Kane, Josh Radnor, Greg Austin, Tiffany Boone, Louis Ozawa, Kate Mulvany, Dylan Baker, Christian Oliver, Victor Williams, James LeGros, Jonno Davies.

Pensada para convertirse en uno de los acontecimientos televisivos, si es que se puede emplear esa palabra con las series creadas para servicios de streaming, la serie suponía el primer papel protagonista de Pacino en casi 20 años, desde que en 2003 protagonizase la brillante miniserie de HBO Angels in America. Con el nombre del actor como gran reclamo, pudimos además disfrutar de otros grandes en la serie, como Logan Lerman, Lena Olin o Josh Radnor. No es mal bagaje para una serie que no intentaba revolucionar el género, ni ofrecer una de las más memorables historias del año, sino contar una aventura con tintes de película de espías de serie B. El actor, convertido en guionista y productor, David Weil se situaba al frente de la serie como productor ejecutivo, creador y showrunner. Lo hacía respaldado por un gran nombre, uno de los más interesantes en los últimos tiempos en lo que a cine de terror se refiere. Jordan Peele era el nombre que hacía que las cadenas se interesasen por el proyecto inicialmente, y seguramente tuvo que ver con la presencia de muchos de los nombres importantes del reparto. La serie tomaba como punto de partida el hecho de que en Estados Unidos, desde el final de la Segunda Guerra Mundial, han existido grupos de cazadores (hunters) de nazis, normalmente judíos, que han recorrido el país para acabar con algunos de los que se escondían a simple vista. La serie no pretendía basarse en ninguno en concreto, sino ser un reflejo de esos grupos de personas, en este caso liderados por un superviviente del Holocausto que invita al nieto de una mujer, miembro desaparecida del grupo, a unirse a ellos mientras que el Cuarto Reich intenta alzarse en Estados Unidos, en 1977. Y además debemos enfrentarnos a una realidad que no es nada sencilla de aceptar, el hecho de que el Gobierno americano dio asilo a muchos científicos alemanes y los recolocó a lo largo y ancho del país.

QUE FUE DE...

QUE FUE DE...

MICHAEL IRONSIDE BIOGRAFIA Nacido el 12 de febrero de 1950 en Toronto (Canadá), está en activo desde los años setenta, habiendo participado en series como Mike Hammer, Historias de la cripta, Walker, Texas Ranger o Más allá del límite y actuado en la gran pantalla para los realizadores David Cronenberg, John Schlesinger, Tony Scott o Walter Hill, siendo un habitual del cine de acción, thriller y ciencia ficción.

FILMOGRAFIA DESTACADA La serie de ciencia ficción de los años ochenta V, en la que es Ham Tyler, miembro de la resistencia frente a la invasión extraterrestre. Los inmortales 2: el desafío (Russell Mulcahy, 1991), encarnando a Katana, quien rige con mano de hierro el planeta Zeist de donde procede Connor MacLeod (Christopher Lambert). La animada Heavy Metal 2 (Michael Coldewey y Michel Lemire, 2000), donde pone la voz al malvado Tyler. El maquinista (Brad Anderson, 2004), producción española en la que encarna a Miller, un operario que sufre la amputación de un brazo.

SU PAPEL MAS DESTACADO El del teniente de la Infantería Móvil Jean Rasczak que regresa (tras ser profesor de instituto), en un futuro fascista, a las instituciones de la violencia para comandar un grupo de soldados en Starship Troopers/Las brigadas del espacio (1997), la segunda colaboración de Ironside con Paul Verhoeven tras ejercer de agente del dictador de Marte, Cohaagen, en Desafío total (1990).

SU ULTIMO TRABAJO Se le ha podido ver recientemente en la serie Hawái 5.0 y escuchar su voz en la serie animada Harley Quinn y en el videojuego Tom Clancy’s Ghost Recon Breakpoint, a la espera del estreno del drama Skipping Stones de S. J. Creazzo, la fantástica The Jester from Transylvania de Adrian Popovici o el thriller American Desert de Adrian Bartol.

QUE FUE DE...

JENNIFER O’NEILL BIOGRAFIA Nacida el 20 de febrero de 1948 en Río de Janeiro (Brasil), comenzó (ya de adolescente) de modelo para acabar siendo actriz de realizadores como Luchino Visconti, Otto Preminger, Blake Edwards o Tom Gries. Se dedica en la actualidad, como militante ultraconservadora, a la lucha contra el aborto y a difundir mensajes religiosos a través de sus libros y sus actividades. Además ayuda a veteranos de guerra de Estados Unidos a través de terapia con caballos, una de sus grandes aficiones.

FILMOGRAFIA DESTACADA Río Lobo (Howard Hawks, 1970), en la que encarna a Shasta Delaney, que ayuda en la búsqueda de unos traidores. Scanners (David Cronenberg, 1981), donde es Kim Obrist, una de las personas dotadas de turbadores poderes mentales. Las series de mediados de los ochenta Anno Domini, en la que interpreta a Mesalina, esposa del emperador romano Claudio, y Camuflaje, en el papel de la fotógrafa Danielle Reynolds, reconvertida en agente secreto que ayuda a compatriotas y defiende los valores de su patria (EE. UU.).

SU PAPEL MAS DESTACADO El de Dorothy en Verano del 42 (Robert Mulligan, 1971), una mujer cuyo esposo es un militar estadounidense que participa en la Segunda Guerra Mundial y de la que se enamora Hermie (Gary Grimes), un muchacho que está de vacaciones en la isla de Nantucket (Massachusetts).

SU ULTIMO TRABAJO El drama Last Ounce of Courage (Darrel Campbell y Kevin McAfee, 2012), sobre las complicadas relaciones entre un nieto y su abuelo, el thriller Doonby (Peter Mackenzie, 2013), que narra los cambios que producirá en una pequeña localidad la llegada de un nuevo habitante, o el biopic I’m Not Ashamed (Brian Baugh, 2016), que se centra en una de las jóvenes víctimas del tiroteo del instituto Columbine.

QUE FUE DE...

PAM GRIER BIOGRAFIA Nacida el 26 de mayo de 1949 en Winston-Salem (Carolina del Norte), tras iniciarse en el cine de la mano de Roger Corman, se convirtió durante los años setenta en un símbolo del cine blaxploitation gracias a títulos como Coffy, Grita, drácula, grita! (Drácula negro 2), Foxy Brown o Sheba Shayne y en su filmografía hay variados títulos de fantástico como Mars Attacks!, El carnaval de las tinieblas, Bones, Fantasmas de Marte o El alucinante viaje de Bill y Ted. En la actualidad, cuando no actúa cuida de sus animales en su rancho de Colorado.

FILMOGRAFIA DESTACADA Sus dos colaboraciones con Andrew Davis, Por encima de la ley (1988) y A la caza del Lobo Rojo (1989). 2013: rescate en Los Ángeles (John Carpenter, 1996), como la líder (transexual) de una banda, Hershe Las Palmas. Curso 1999 (Mark L. Lester, 1990), donde interpretaba a la señora Connors, que bajo la apariencia de una profesora esconde a una suerte de Terminator femenino cuya misión es imponer el orden y la disciplina en un instituto estadounidense.

SU PAPEL MAS DESTACADO El de Jackie Brown en la película del mismo título de 1997 dirigida por Quentin Tarantino, que era gran seguidor de las películas de Pam Grier de la década de los setenta y le ofreció el papel de una azafata que se complica la vida con un traficante y cuya única escapatoria para evitar la cárcel es traicionarle.

SU ULTIMO TRABAJO Los videojuegos Grand Theft Auto V y Call of Duty: Infinite Warfare, a los que pone su voz, las comedias Grandmas de Srikant Chellappa y Mejor que nunca de Zara Hayes, el drama Being Rose de Rod McCall, o las series This Is Us y Bless This Mess.

YAPHET KOTTO BIOGRAFIA Nacido el 15 de noviembre de 1939 en la ciudad de Nueva York, aunque ya retirado de la interpretación, trabajó (desde la década de los sesenta y tocando todo tipo de géneros) con actores como Steve McQueen, Anthony Quinn, Roger Moore, Cornel Wilde, Michael Douglas, Tommy Lee Jones, Arnold Schwarzenegger o Traci Lords, y es autor del libro The Royalty, que habla de sus nobles orígenes cameruneses.

FILMOGRAFIA DESTACADA Vive y deja morir (Guy Hamilton, 1973), en la que es Mr. Big / Dr. Kananga, el malvado de turno con el que se las tiene que ver James Bond (Roger Moore). Alien, el octavo pasajero (Ridley Scott, 1979), donde es Parker, uno de los responsables de que la nave Nostromo pueda funcionar. Brubaker (Stuart Rosenberg, 1980), donde interpreta al preso de confianza Dickie Coombes, que ayudará al nuevo alcaide, Henry Brubaker (Robert Redford), a desentrañar los oscuros secretos de la prisión de Wakefield.

SU PAPEL MAS DESTACADO El del agente del FBI Alonzo Mosely en la comedia de acción Huida a medianoche (Martin Brest, 1988), que sigue la pista de un contable de la mafia, Jonathan Mardukas (Charles Grodin), y de un cazarrecompensas, Jack Walsh (Robert De Niro), a los que no parece ser capaz de atrapar.

SU ULTIMO TRABAJO La comedia Loca protección de testigos (Charles Robert Carner, 2008) y una participación en un episodio de la serie The Wire, aunque más recientemente ha colaborado en el reportaje I’m Mosely!: An Interview with Actor Yaphet Kotto, un extra para una edición videográfica de Huida a medianoche, o dando su opinión sobre la labor del cineasta Larry Cohen en el documental King Cohen: The Wild World of Filmmaker Larry Cohen (Steve Mitchell, 2017).

Shelley Winters

SHELLEY WINTERS Shirley/Shelley era hija de Rose Winter, descendiente de judíos austriacos emigrados a Estados Unidos, y su padre, Jonas Schrift, era un inmigrante judío que también procedía de Austria. Rose había sido cantante con la Compañía Municipal de Ópera y Teatro de San Luis. Su padre era sastre. Rose y Jonas eran primos terceros y Shirley tenía una hermana, Blanche.

La familia se trasladó al barrio de Queens, en Nueva York, cuando Shirley tenía tres años para seguir la pista al trabajo del padre, que como sastre encontró más y mejores oportunidades en la industria textil que se desarrollaba en la ciudad. Entre los traumas de la actriz, se contaba la acusación contra su padre por incendio provocado. A pesar de que fue finalmente absuelto, ese suceso se quedó marcado en la mente de la futura actriz.

Lo que el viento no se llevó

Shelley Winters estaba junto a Ronald Colman en Doble vida, la película que sirvió a la actriz como plataforma de lanzamiento.

Nacida en San Luis, Misuri, el 18 de agosto de 1920 (aunque cuando llegó a Hollywood cambió esa fecha a 1922 para rejuvenecerse) y fallecida en Beverly Hills, Los Ángeles, California, el 14 de enero de 2006, Shelley Winters, nacida como Shirley Schrift, fue una de las actrices más populares del cine fabricado en Hollywood en los años cincuenta y sesenta, que son las dos décadas más destacadas de su filmografía, si bien también consiguió sumar alguna aparición en éxitos de taquilla en el cine de los años setenta.

Maquillando su nombre artístico Tal y como ocurrió con muchas otras personalidades del cine en unos Estados Unidos siempre sumidos en su problemática de conflicto racial, Shelley era de nacimiento Shirley, pero sobre todo tuvo que maquillar su apellido real, Shrift, de su padre, por el apellido de su madre, Winter, buscando mayor gancho y en parte para disfrazar su origen judío. Era tendencia habitual en el mundo del espectáculo estadounidense y, sobre todo, en los grandes estudios de Hollywood, en un intento por esquivar el antisemitismo latente en algunos estratos de la sociedad, que podría perjudicar a las taquillas de los espectáculos y películas.

Si los propios magnates de la industria del entretenimiento habían maquillado sus apellidos de origen judío por miedo al antisemitismo, los actores que estos contrataban no iban a ser menos.

Desde su etapa escolar, Shirley había mostrado ya interés por la interpretación, participando en montajes teatrales de las aulas, pero fue a finales de su adolescencia cuando su paso al mundo del espectáculo se aceleró.

Empezó trabajando como dependienta en una tienda, pero rápidamente la ficharon como modelo y chica del coro en un club nocturno para pagar sus estudios como actriz.

En el casting a nivel nacional que a modo de promoción de la película hicieron los responsables de Lo que el viento se llevó al efecto de encontrar a la actriz que iba a interpretar a Scarlett O’Hara, Shirley fue una de las aspirantes que se presentó ante el prestigioso director George Cukor para interpretar el personaje.

Pero leyó el papel con su acento de Brooklyn, lo que llevó a Cukor a recomendarle que siguiera clases de interpretación y mirara sobre todo cómo hablaba y se comportaba la gente por la calles para integrar esa información a sus trabajos como actriz. A los 16 años, Shirley se había establecido ya en Los Ángeles, pero regresó a Nueva York para completar su formación como actriz en la universidad privada The New School.

Su recorrido profesional no comenzó en el cine, sino en el teatro, debutando en los escenarios de Broadway en 1941, y sobre las tablas alcanzó su primer éxito como actriz por su trabajo en el primer musical escrito por el luego exitoso dúo de Rodgers y Hammerstein, Oklahoma. Shirley interpretó el papel de Ado Annie Carnes que luego en la versión cinematográfica dirigida por Fred Zinnemann en 1955 iba a interpretar Gloria Grahame. Curiosamente, en estos primeros trabajos teatrales, usó su apellido materno, Winter, sin la “s” final. De ese modo apareció también en los créditos de sus primeros trabajos para el cine.

En cuanto al nombre de Shelley, algunos biógrafos afirman que la actriz quiso rendir homenaje a uno de sus escritores favoritos, el poeta Percy Bysshe Shelley.

La mujer invisible de columbia

Winters junto a John Payne en Aves de rapiña, en su fase de mujer fatal del cine negro.

El primer estudio cinematográfico que se interesó por la joven actriz fue uno del grupo conocido, junto con Universal y United Artists, como las tres “pequeñas” majors, Columbia. El jefazo del estudio, Harry Cohn, la vio un día sobre el escenario y pasó a hablar con ella al terminar la obra para preguntarle si sería capaz de hacer exactamente lo mismo que había hecho ante una cámara.

Shirley/Shelley firmó contrato y empezó a trabajar para la productora e hizo su primera aparición ante las cámaras en un papel sin aparecer en los créditos, There’s Something About a Soldier (1943). Desde su comienzo ante las cámaras en 1943 hasta el año 1948, la mayor parte de sus trabajos para el cine no consiguieron sitio en los créditos. Las excepciones fueron Sailor’s Holiday (1944), Pierna de plata (1944), Susie Steps Out (1946) y Doble vida (1947). En las dos últimas añadieron ya la “s” a su nombre, quedándose definitivamente en Shelley Winters.

De esa primera etapa, el aficionado con tiempo libre puede intentar localizarla como poco más que figurante o actriz muy secundaria de breve aparición en películas como Otra vez juntos (1944), interpretando a una fémina que huye de un club nocturno, interpretando a una doncella en Aladino y la lámpara maravillosa

SHELLEY WINTERS

Shelley Winters con Millard Mitchell -al fondo- en Winchester 73 , película que arrancó el ciclo de western dirigido por Anthony Mann y protagonizado por James Stewart.

(1945) o en una de las carretas de la caravana del clásico del wéstern Río Rojo (1948).

Hasta finales de la década de los cuarenta no consiguió Shelley Winters continuidad en su aparición en los créditos, y a esas alturas había trabajado ya cedida por Columbia a modo de entrenamiento en producciones de los estudios Metro Goldwyn Mayer y Universal.

Fue precisamente Universal el estudio que, satisfecho con el trabajo que había hecho para ellos interpretando a una de las víctimas de su película Doble vida, decidió firmarle contrato y darle una verdadera oportunidad de comenzar a desarrollar su carrera ante las cámaras que no le habían dado en Columbia.

Pecadora sublime En Doble vida se rencontró con George Cukor, el director que la había orientado cuando era una aspirante, y que sin recordar aquel primer encuentro le confió el papel de Pat Kroll, sometida a la obsesión por meterse demasiado en su papel de Otelo del personaje interpretado por Ronald Colman (se lo ofrecieron primero a Laurence Olivier y a Cary Grant). La película lanzó la carrera de Winters cuando ya había aparecido en dos decenas de largometrajes, así que lo suyo fue un ejercicio de paciencia.

En esa nueva etapa como actriz, Shelley Winters quedó rápidamente etiquetada en la categoría de “rubia explosiva”, y sirviendo a esta visitó varios géneros, destacando especialmente en varios títulos memorables del cine negro.

En Aves de presa (1948) ejerció en el molde de mujer fatal espectacular, registro próximo al que jugó en otra muestra del mismo género, Una vida marcada (1948), junto con Richard Conte y Victor Mature, seguida por Mala hierba (1949), junto a Howard Duff y Dan Duryea, Un paso en falso (1949), acompañada por William Powell, y Pecadora sublime (1950), junto con McDonald Carey, que con su título en castellano o con el original, South Sea Sinner, puede valer como titular de resumen para esta etapa de su carrera.

En esa película tenía una de las frases más cortantes del cine de los cuarenta: “No soy pensadora, míster Davis. Es la profesión peor pagada”. Pero, en realidad, Shelley Winters sí pensaba. Mucho.

Pensaba por ejemplo que estaba harta de ser un reclamo sexual rubio ante las cámaras y decidió que iba llegando el momento de cambiar la etiqueta de “rubia explosiva” por algo con miras más amplias.

En esa línea, Shelley Winters se incorporó también al reparto de El gran Gatsby (1949), adaptación de la novela de F. Scott Fitzgerald protagonizada por Alan Ladd (aunque el primer elegido había sido Tyrone Power, asociado a su compañera habitual, Gene Tierney) en la que interpretó a Mirtle Wilson.

Después cerró la década de los cuarenta y su etapa de “rubia explosiva” con dos papeles destacados en sendos wésterns, uno de ellos imprescindible. Winchester 73 (1950), constituyó el arranque del ciclo de películas del Oeste dirigidas por Anthony Mann (aunque el director elegido inicialmente era Fritz Lang) con James Stewart como protagonista, que son de lo mejor del género.

A Winters no le impresionaba el guion ni su papel, pensaba que la historia carecía de valores con todos los tipos persiguiendo el rifle o, textualmente según sus propias palabras, “a la rubia guapa” que ella interpretaba. A pesar de eso, repitió ese mismo año en un papel muy similar que además daba título a la película: Frenchie (1950), otro wéstern, este junto con Joel McCrea, menos interesante que Winchester 73 pero que contenía otra de sus frases de diálogo que parecían escritas para Mae West: “No se preocupe por mí, sheriff, puedo bajarme de cualquier cosa en la que me suba”.

Pero Shelley Winters, que, según explicó en su biografía, había colaborado junto con su representante en construir esa personalidad de, según su propia definición, “rubia tonta con un buen cuerpo y una colección de chistes” (chistes que muchas veces escribía ella misma), aspiraba a mucho más que pasarse la vida interpretando a mujeres fatales, rubias explosivas y reinas de saloon en el lejano y salvaje Oeste.

Cambio de registro y oscar

Un lugar en el sol, que protagonizó junto a Montgomery Clift y Elizabeth Taylor, le permitió cambiar su registro de rubia explosiva.

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Por muy visualmente espectaculares que resultaran sus trabajos en los años cuarenta la etapa más interesante de la filmografía de Shelley Winters comienza en los años cincuenta.

Empeñada en ir más allá de las limitaciones que le imponía su pertinaz etiquetado como rubia explosiva, Shelley Winters aprovechó la oportunidad de cambiar de registro en la película que se convirtió en su billete para dar un giro crucial a su carrera.

De haber seguido en el registro que los estudios le habían impuesto como el más cómodo para explotar su popularidad e incipiente estrellato, el camino como actriz de Shelley Winters habría resultado a partir de los cincuenta mucho menos interesante.

Pero ella supo cómo imprimir una nueva velocidad a sus propuestas como actriz. Y en un camino que era opuesto a todo lo que había hecho ante las cámaras hasta ese momento.

La película se titulaba Un lugar en el sol (1951). Dirigida por George Stevens y con Montgomery Clift y Elizabeth Taylor como protagonistas, Shelley Winters consiguió el papel del otro principal personaje femenino de la trama, la novia humilde y demasiado crédula e inocente del trepador chico pobre que traiciona sus raíces y se corrompe intentando subir de clase social.

SHELLEY WINTERS

Junto a Robert Mitchum en La noche del cazador, que dirigió uno de sus maestros de interpretación: Charles Laughton.

Aunque durante años Winters bromeó con lo inferior que se había sentido frente al glamur de Elizabeth Taylor que respaldó el director George Stevens en esta película, y por eso se pasó varios años conduciendo Cadillacs blancos como los de su compañera de reparto en Un lugar en el sol, para compensar ese complejo de inferioridad; lo cierto, más allá de sus bromas, es que en otras declaraciones ella misma señaló que se había presentado a la prueba para el papel de Alice en este largometraje sin maquillar precisamente para reforzar su aspecto de chica trabajadora corriente frente a la belleza aristocrática de clase alta que caracterizaba al otro papel femenino del reparto.

El éxito que había ido disfrutando en la parte final de su carrera en los años cuarenta no le había impedido continuar su formación como actriz e incluso había despertado un mayor interés por perfeccionarse. Winters recibió clases para la interpretación de papeles de William Shakespeare de Charles Laughton –que luego la ficharía para única película como director, dándole uno de los mejores papeles de su carrera interpretando a la madre de La noche del cazador (1955)– y estudió en el Actor’s Studio, escuela en la que más tarde también impartió clases.

Más allá de lo que hubiera planificado el estudio Unviersal para su carrera, ella tenía otras expectativas como actriz, y las hizo valer utilizando como trampolín su papel en Un lugar en el sol , donde además pudo aprender de las sesiones de las secuencias rodadas cada día que el director proyectaba a sus actores al terminar la jornada de filmación, explicándoles por qué unas eran mejores que otras y dónde estaban los fallos. Recibió así una lección de cine cada día de uno de los maestros del Hollywood de la época.

Sin embargo, antes y después de interpretar el papel, Winters tuvo que superar dos obstáculos. El primero es que George Stevens quería inicialmente para ese personaje a Gloria Grahame. Lo que habría sido un error. El segundo es que Montgomery Clift nunca estuvo de acuerdo con el sesgo dramático del papel de Winters, que para él en la novela era más simpático y fue mal abordado por la actriz.

Eso no impidió que Shelley Winters recibiera con este trabajo su primera nominación al Oscar de las cuatro que iban a marcar su carrera, y la única como actriz principal. Winters siempre lo señaló como su mejor trabajo.

Ganó el premio de la Academia de Hollywood en dos ocasiones, ambas como Mejor Actriz de Reparto, por sus trabajos en El diario de Anna Frank (1959), también dirigida por George Stevens. Winters donó el Oscar al Museo Anna Frank de Ámsterdam. Fue un trabajo difícil con el añadido de tener que engordar para interpretar el papel, y luego adelgazar a medida que progresaba el rodaje para reflejar la situación de progresivo deterioro del personaje.

El segundo Oscar de su carrera, también como actriz de reparto, lo ganó Winters por su trabajo en Un retazo de azul (1965), dirigida por Guy Green y acompañando en el reparto a Sidney Poitier y Elizabeth Hartman. También aquí el papel resultó particularmente exigente para la actriz, militante de los derechos civiles que lo pasó mal interpretando a una racista.

Su cuarta y última nominación al Oscar la logró por su trabajo en el preblockbuster que arrancó el cine de catástrofes de los años setenta, La aventura del Poseidón (1972), para el que engordó quince kilos, que según dijo la marcaron para siempre, porque ya nunca pudo volver a recuperar su peso original.

Además, abordó una difícil escena de natación que la llevó a prepararse con un entrenador olímpico para darle más realismo a su papel.

Shelley Winters fue nominada en seis ocasiones al Globo de Oro por Un lugar en el sol, El diario de Anna Frank, Lolita (1962), dirigida por Stanley Kubrick, Alfie (1966), protagonizada por Michael Caine, La aventura del Poseidón (1972) y Próxima parada: Greenwich Village (1976). Solo ganó en una ocasión, por su trabajo en La aventura del Poseidón.

Icono de Hollywood en varias décadas

James Mason la acompañó en el reparto de Lolita, adaptación de la novela de Vladimir Nabokov dirigida por Stanley Kubrick.

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Tras interpretar Un lugar en el sol, la galería de posibilidades de Shelley como actriz quedó ampliada, de manera que en los años cincuenta convivieron en su filmografía papeles más ambiciosos y otros que seguían explotando su imagen como rubia explosiva. Este último fue el caso de Yo amé a un asesino (1951), película de cine negro junto con John Garfield, la comedia criminal Pórtate bien (1951), que iba a protagonizar Cary Grant, pero finalmente hizo Farley Granger (con el que Winters mantuvo una relación sentimental), más cine negro con The Raging Tide (1951), Llama un desconocido (1952), en clave de musical con toques criminales, Te presento a Danny (1952), con Frank Sinatra, y en clave de serie B en Playgirl (1954) y He muerto miles de veces (1955), remake del clásico El último refugio. También visitó los wésterns Denbow, frontera indomable (1952), junto con Joseph Cotten, Rebelión en el fuerte (1954), con Alan Ladd, y El tesoro de Pancho Villa (1955), los dramas My Man and I (1952) y Tennessee Champ (1954) y las comedias Herencia contra reloj (1954) y Ellas y las otras (1963).

Pero junto a estas películas se pueden encontrar en su repertorio trabajos más arriesgados y exigentes en los que podía

SHELLEY WINTERS de vino hasta hacerle llorar. Winters fue capaz de pasarse la noche entera en una funeraria mirando un cadáver para preparar la secuencia en la que tiene que mirar a uno de los hijos de su personaje muerto.

En los años setenta y ochenta Shelley Winters era ya un icono reclamado a nivel de personalidad famosa e invitada especial tanto en televisión como en el cine, lo que la llevó a aparecer en clave de momento carismático en películas como Cleopatra Jones (1973), la comedia Un toque de suerte (1975), Un golpe de mil millones de dólares (1975), El quimérico inquilino (1976), Pedro y el dragón Elliot (1977), Tentáculos (1977), El mago de Lublin (1979), S. O. B. (1981), Fanny Hill (1983), Al otro lado de Brooklyn (1984), y hasta Delta Force (1986), junto a Chuck Norris.

Su carrera tuvo un último relanzamiento de popularidad entre una nueva generación de espectadores cuando la ficharon para interpretar un papel fijo como abuela en la serie Roseanne.

Cuatro matrimonios y una hija En Un retazo de azul, junto a Wallace Ford. Interpretar a una racista le hizo ganar el Oscar a la mejor actriz de reparto.

lucirse más como actriz dramática, caso de Soy una cámara (1955), Apuestas contra el mañana (1959), de Robert Wise, las citadas El diario de Anna Frank, Lolita, Un retazo de azul y Alfie, además de Que nadie escriba mi epitafio (1960), donde heredó el papel que estaba pensado inicialmente para Lana Turner, Los jóvenes salvajes (1961), junto con Burt Lancaster y la dirección de John Frankenheimer, Confidencias de mujer (1962), dirigida por George Cukor, El balcón (1963), Una casa no es un hogar (1964), Los indiferentes (1964), Harper, investigador privado (1966), Camino de la venganza (1968), El presidente (1968), Buona sera, señora Campbell (1968), o su interpretación de la figura criminal real de “Ma” Barker en Mamá sangrienta (1970), dirigida por Roger Corman y con un joven Robert De Niro interpretando a uno de sus hijos.

De hecho, antes de que Robert De Niro se convirtiera en icono de los métodos extremos para dar vida a sus personajes, ya hemos comentado que en lo referido a subir y bajar peso, Winters, para interpretar papeles, era una pionera. Pero además el propio De Niro fue una de las víctimas de su intensiva preparación como actriz en esta película, cuando ella se empeñó en tirarle realmente la botella

Junto a Michael Caine en Alfie. Caine dijo luego que ella le había reprochado que no entendía nada de lo que él le decía.

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La actriz publicó en 1980 su biografía, titulada Shelley, también conocida como Shirley, y en 1989 publicó su secuela, Shelley II: The Middle of My Century . En ambos libros desgranaba los acontecimientos y anécdotas que habían marcado su existencia y su paso por Hollywood en un amplísimo arco de actividad profesional que abarcaba entonces cinco décadas.

Parte destacada de esas memorias eran sus relaciones sentimentales y la vida privada de esta estrella de 1,63 de altura, en la que destacan sus cuatro matrimonios que demuestran la certeza de su frase sobre el particular: “En Hollywood, todos los matrimonios son felices. Es tratar de vivir juntos después lo que causa todos los problemas”.

Su primer marido fue el capitán Mack Paul Mayer, con el que contrajo matrimonio en Brooklyn en enero de 1942 y del que se divorció en octubre de 1948. Mayer no acababa de digerir la vida como actriz de su esposa, el modo Hollywood de vivir le superaba, quería algo más tradicional para su matrimonio. La relación no pudo salir adelante, pero dejó huella en Winters, que conservó su anillo de casada y mantuvo este primer matrimonio y a su primer marido protegido de la fama tanto como pudo.

El segundo marido de la actriz fue el astro italiano Vittorio Gassman, con el que había compartido reparto en Mambo (1954) y contrajo matrimonio en abril de 1952 en Juárez, México, y del que se divorció en junio de 1954 tras una volcánica relación conyugal. Fue el padre de su única hija, Vittoria-Gina Gassman, nacida el 14 de febrero de 1953 en Los Ángeles y que trabaja como doctora de medicina interna en el Hospital de Norwalk, Connecticut. Además, en su adolescencia, tuvo dos abortos, el primero cuando contaba solo quince años.

El tercer marido de Shelley Winters procedía también del mundo del espectáculo, fue el actor Tony Franciosa, con el que se casó en mayo de 1957. Se divorciaron en noviembre de 1960, después de que él se liara sentimentalmente con Lauren Bacall, quien llamó un día a Winters a su casa para preguntarle por qué su marido llegaba tarde a la cita que tenía con ella y le dejó claro que Franciosa no se tomaba en serio su matrimonio.

Además, la actriz se casó horas antes de morir víctima de un infarto con el que había sido su compañero sentimental durante 19 años, Gerry DeFord, el 14 de enero de 2006. Al parecer, la hija de la actriz se oponía a esta ceremonia, que fue oficiada por una de las dos actrices de las que Shelley Winters había sido madrina, Sally Kirkland (la otra es Laura Dern).

En su biografía Shelley, antes conocida como Shirley, la actriz apuntó que había mantenido relaciones sentimentales con algunos compañeros de trabajo, como Lawrence Tierney, John Ireland, Errol Flynn, Burt Lancaster, Marlon Brando y William Holden. Eso sí, se llevó fatal con su compañero en La aventura del Poseidón, Ernest Borgnine, que dijo de ella en su biografía que era “la mujer más condenada que he conocido en mi vida”.

Miguel Juan Payán

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EL REGRESO DE FU-MANCHÚ

FICHA TÉCNICA En los años sesenta, que fue una de Fu-Manchú ha servido como inspiralas etapas de mayor ocupación de este acción para numerosos personajes de ficción Director: Don Sharp; Intérpretes: Christopher Lee, Nigel tor nacido en Londres, tuvo además tiempo posteriores y ha sido una poderosa influenGreen, Joachim Fuchsberger, Karin Dor, James Robertson Justice, Howard Marion-Crawford, Tsai Chin, Walter Rilla, para resucitar y convertir en otro de sus cia para muchos siniestros antagonistas Francesca Tu, Harry Brogan, Archie O’Sullivan, Edwin icónicos personajes de la era del pop a Fuexóticos y supervillanos del mundo de los Richfield, Joe Lynch, Peter Mosbacher, Ric Young, Jim Manchú, el archivillano creado por Sax cómics, entre los cuales están Garra AmaNorton, Deborah DeLacey, Alden Grennell, Jack O’Reilly, Ray Rohmer, que previamente había tenido enrilla, que se enfrenta a Los Vengadores, y Mackin, Kevin Flood; Año de producción: 1965; Nacionalidad: Reino Unido, Alemania Occidental; Guion: carnaciones anteriores en la pantalla con el Mandarín, que oficia como uno de los Harry Alan Towers; Música: Christopher Whelen; Color; 23 cortometrajes en la era del cine mudo oponentes más exóticos de la galería de Duración: 92 minutos. estrenados en 1923 y 1924, y luego pasó “malos” de las viñetas protagonizadas por al largometraje en la era del sonoro con La Iron Man en la editorial Marvel, por poner expiación de Fu-Manchú (1930) y La hija del dragón (1931), intersolo dos ejemplos. pretado por Warner Oland, alcanzando su mejor encarnación en el Pero ese traslado a los cómics es solo el paso más cercano Hollywood de los años treinta en manos de Boris Karloff, para La del amplio viaje que ha hecho. máscara de Fu-Manchú (1932). Esta fue seguida por el serial Los Antes de protagonizar sus propias novelas, Fu-Manchú vino al tambores de Fu-Manchú (1940), con Henry Brandon heredando el mundo de la ficción en las páginas de la revista The Story Teller en papel del diabólico oriental que protagonizó su propia serie de teleoctubre de 1812. Su autor, Sax Rohmer, uno de los más prolíficos visión, Las aventuras del doctor Fu-Manchú (1956), integrada por escritores británicos, que comenzó carrera de funcionario, fue letrece episodios de 30 minutos con Glen Gordon como protagonista. trista y escritor de chistes para el music hall antes de dedicarse por El regreso de Fu-Manchú fue la primera de las cinco películas completo a la literatura. en las que Lee interpretó al personaje, y de todas ellas es la mejor Sax Rohmer (verdadero nombre: Arthur Henry Ward) era renen una serie que posteriormente se fue deteriorando. Este filme esdido admirador de las novelas de Arthur Conan Doyle sobre Shertuvo cerca de no llegar a rodarse cuando el estudio estadounidense lock Holmes, y no dudó en tomarlas como referencia para crear su anunció en 1963 que preparaba un remake de la película que había propia serie de relatos y novelas sobre un personaje que, al estilo protagonizado Boris Karloff en los años treinta. El proyecto estadoude Drácula, era en realidad el protagonista de las historias siendo nidense se fue retrasando y Harry Allan Towers, productor de la seoficialmente el antagonista, el villano, la representación del mal a la rie europea de largometrajes de Fu-Manchú, consiguió adelantarse que en El insidioso doctor Fu-Manchú se describe con estas palaen la llegada a la cartelera. bras: “Imagina a una persona alta, esbelta y felina, de hombros anRodada en tecnicolor y tecniscope en Dublín, Irlanda, su arguchos, con una frente como Shakespeare y un rostro como Satamento arranca cuando una serie de asesinatos por estrangulamiennás…, un intelecto gigante, con todos los recursos de la ciencia to alertan al inspector Nayland Smith de Scotland Yard de que el tepasada y presente… Imagínate a ese ser horrible, y tienes una imamible doctor Fu-Manchú con el que se enfrentó en otros tiempos gen mental del doctor Fu-Manchu, el Peligro Amarillo encarnado en realmente no haya muerto, a pesar de que el propio policía presenun solo hombre”. ció su ejecución. El elemento que levanta las alarmas es la utilizaLo del Peligro Amarillo iba a provocar abundante polémica y ción en los asesinatos de una sustancia procedente de bayas tibecrítica contra el personaje por su clara alusión a Asia como fuente tanas cuyo rastro conduce hasta la ciudad de Londres. de problema para Occidente y cuna de taimados personajes. El mieLa película recaudó 1 300 000 dólares y abrió la puerta a sus do a lo ajeno, a lo desconocido, a lo extraño, bañaba las peripecias secuelas, en las que se manejaban los mismos anzuelos de intriga de Fu-Manchú, que encontraba la oposición de una especie de vapopular, exotismo low cost y erotismo de bajo rango que se aireó riantes de Sherlock Holmes y el doctor Watson en los personajes con una campaña promocional de búsqueda de fémina de todo el del policía Denis Nayland Smith y su compañero de aventuras el mundo para aparecer como víctimas del harén multirracial de Fudoctor Petrie.

Manchú. La iniciativa recordaba el juego de búsqueda y fichaje de Ellos son los únicos que pueden oponerse a este genio del “chicas Bond” en las películas de 007. El productor y Christopher mal que, según afirmaba su padre literario, había surgido como Lee protagonizaron una campaña de gira de cazatalentos por distinconsecuencia de sus intereses en el ocultismo y la teosofía, y le hatos países europeos en los que elegían a la ganadora de un concurso bría sido inspirado por una sesión de ouija en la que preguntó cuál de belleza cuyo premio era tener un papel en la película. Papel de fiera la mayor amenaza para la humanidad y la tabla le contestó: gurantes en las secuencias que transcurrían en la guarida de Fu“Los chinos”. El hecho de que años después, en 1959, Sax Rohmer Manchú, sin derecho a frase de diálogo y con pocas probabilidades muriera víctima de gripe asiática era para muchos un ajuste de de que eso llevara a las elegidas a desarrollar una carrera en el cine. cuentas del destino por haber creado uno de los personajes más raHarry Alan Towers siempre negó que su serie de Fu-Manchú cistas de la historia de la novela de evasión, y para otros la consetuviera nada que ver con la de James Bond, aunque en muchos ascuencia lógica de la advertencia que le había lanzado la ouija. pectos estaban mucho más cerca de lo que él estaba dispuesto a Aunque muchos de los cinéfilos más jóvenes tendrán fireconocer, pretextando que las aventuras de Fu-Manchú transcuchado a Christopher Lee por sus intervenciones como el conde rren en una tierra atemporal, con elementos de corte fantástico proDooku en las precuelas de Star Wars o su papel como Saruman pios derivados de la afición de Sax Rohmer por el ocultismo, la mael Blanco en El señor de los anillos, el actor tiene a sus espaldas gia y las sectas. numerosos villanos claves del cine de terror que van desde el En cuanto a la opinión de la estrella sobre este filme, Chriscolmilludo vampiro Drácula hasta la criatura del doctor Frantopher Lee escribió en sus memorias que esta primera película de kenstein, la Momia y por supuesto el doctor Fu-Manchú; para inla saga debería haber sido la última, porque, según él mismo recoterpretarlo, Lee contaba como su mejor aliada con su altura: nocía, “era la única buena”.

1,94 metros.

KARL MALDEN (MLADEN GEORGE SEKULOVICH) 2 de marzo de 1912, Chicago, Illinois (EE. UU.)-1 de julio de 2009, Brentwood, Los Ángeles, California (EE. UU.)

FILMOGRAFÍA 1940.– Sabían lo que querían; 1944.– Cita en los cielos; 1946.– 13 Rue Madeleine; 1947.– El justiciero, El beso de la muerte; 1949.– The Ford Theatre Hour: Mujercitas (serie televisión); 1950.– El pistolero, Al borde del peligro, Armstrong Circle Theatre: Anything But Love (serie televisión); 1951.– Situación desesperada, Un tranvía llamado deseo; 1952.– Celanese Theatre: The Animal Kingdom (serie televisión), Espía sin mañana, Correo diplomático, Guantes grises, Pasión bajo la niebla; 1953.– Yo confieso, Hombres de infantería; 1954.– El fantasma de la calle Morgue, La ley del silencio; 1956.– Baby Doll; 1957.–El precio del éxito, Labios sellados, Bombarderos B-52; 1959.– El árbol del ahorcado; 1960.– Pollyanna, El gran impostor; 1961.– El rostro impenetrable, Parrish; 1962.– Su propio infierno, El hombre de Alcatraz, La reina del vodevil, La conquista del Oeste; 1953.– Tres azafatas; 1964.– Su propia víctima, El gran combate; 1965.– El rey del juego; 1966.– Nevada Smith, Matt Helm, agente muy especial; 1967.– Intriga en el Gran Hotel, Al loro con el oro, Un cerebro de un billón de dólares; 1968.–Infierno en el río, Un cerebro millonario; 1970.– Patton; 1971.– El gato de nueve colas, Dos hombres contra el Oeste; 1972.– Un verano para matar, Las calles de San Francisco (serie televisión); 1977.– Capitanes intrépidos (película televisión); 1979.– Más allá del Poseidón, Meteoro; 1980.–Skag; 1981.– Palabra de honor (película televisión), Milagro en el hielo (película televisión); 1982.– Twilight Time; 1983.– El golpe 2; 1984.– Urge matar (película televisión), Visión fatal (miniserie televisión); 1985.– Alicia en el país de las maravillas (película televisión); 1986.–Billy Galvin; 1987.–Loca; 1988.–Vietnam muerte Orange (película televisión); 1989.– Viaje al terror: la historia del Achille Lauro (película televisión); 1990.– Mi nombre es Anna (película televisión); 1991.– Perfectos desconocidos (película televisión); 1992.–Regreso a las calles de San Francisco (película televisión); 1993.– Desaparecidos sin un rastro (película televisión); 1995.– Grandes biografías: P. T. Barnum: America’s Greatest Showman (serie televisión, voz); 1998.– The Lionhearts: Brown Dog Day (serie televisión); 2000.–El ala oeste de la Casa Blanca: El Sabbath.

UNO DE LOS GRANDES, ENTRE STONE Y SKAG La huella que dejó Karl Malden tanto en el cine como en la televisión es la de uno de los grandes de ambos medios, afortunado por poder catar en el cine algunos títulos esenciales de dos de las décadas más interesantes y ricas en nuevas propuestas del cine, los años cincuenta y los años sesenta.

Malden fue además muy hábil para reinventarse como estrella televisiva a través de dos personajes y dos series que marcaron su carrera en la pequeña pantalla y le encontraron toda una nueva generación de seguidores y renovada popularidad en los años setenta.

Así ocurrió con el personaje del teniente Mike Stone en Las calles de San Francisco, emitida entre 1972 y 1977 y poderosa influencia en el género policiaco de la pequeña y la gran pantalla. La serie fue por otra parte plataforma para el lanzamiento de Michael Douglas como estrella (y la versión juvenil del actor como Hank Pym, el primer Hombre Hormiga, en Vengadores Endgame tomó como referente visual la etapa del actor en la serie). Malden era amigo del padre del actor, Kirk Douglas, desde la década de los treinta, y fue una poderosa voz en favor de la contratación del joven Michael Douglas para interpretar a su compañero. Años después de terminar la serie todavía señalaba a su ya famoso compañero de reparto como “el hijo que nunca he tenido”.

Malden volvió a interpretar el papel de Stone en una película para televisión de 1992 titulada Regreso a las calles de San Francisco, en un argumento centrado en la búsqueda de su compañero misteriosamente desaparecido, Steve Keller, el papel interpretado por Douglas. Esta producción demostró que incluso en los noventa, con todos los cambios registrados en el género criminal, la propuesta de la serie, que originalmente se basaba en una novela de Carolyn Weston, y el poder de Malden interpretando a Stone seguían intactos, como si el tiempo no pasara por él.

La otra serie con la que Malden marcó huella en televisión fue Skag, que en 1980 y con solo seis episodios, fue un anticipo y pórtico para la entrada de las propuestas de la ficción audiovisual televisiva en un territorio más ambicioso tanto en los temas y conflictos abordados como en el desarrollo de tramas y personajes. Skag fue una rareza en su momento, pero planteaba claves de anticipación de la mayor ambición que el medio iba a desarrollar más ampliamente una década más tarde, en los años noventa.

Desde su 1,85 de estatura y con su nariz peculiar, fruto de dos lesiones que sufrió practicando baloncesto en la adolescencia, y con su tono de voz que transmitía automáticamente autoridad y capacidad para el liderato, Malden interpretó todo tipo de personajes, héroes, antihéroes o villanos ante las cámaras, decantándose no obstante por grandes tipos de desbordante humanidad que representaban a la gente corriente en las ficciones cinematográficas y televisivas.

En sus trabajos, se ganaba al público precisamente por esa cualidad para generar, fuera cual fuera su papel, una reacción de identificación especular del público. Un detalle que tener en cuenta: nunca renunciaba a ponerle a sus papeles un punto superior de humanidad, como cuando en el primer capítulo de Las calles de San Francisco, rompiendo el esquematismo de la caracterización del policía veterano y tipo duro cruzado de la ley y el orden lloraba al borde de la cama de su antiguo mentor y compañero moribundo.

ORGULLOSO DE SU HERENCIA La impronta de liderato de Malden se imponía de manera curiosa en sus trabajos como actor tanto en el cine como en la televisión. El orgullo por la herencia cultural y sus raíces familiares estaba recogido en muchos guiones y argumentos de la serie Las calles de San Francisco y también se hacía presente en Skag, pero además, en el caso de sus intervenciones ante las cámaras para la pantalla grande, Malden solía conseguir que alguno de los personajes que aparecían en el argumento llevara su apellido: Sekulovich.

Karl Malden era el tercer hijo de madre checoslovaca, Minnie, costurera, y padre serbio, Petar, que trabajaba en las fábricas de acero y como lechero. No empezó a hablar inglés hasta que entró en la guardería. Hijo de clase trabajadora, cuando acabó los estudios en el instituto empezó a trabajar en la misma industria del acero, y en esa ocupación estuvo ocupado por espacio de tres años antes de decidir en 1934 que iba a buscar otras alternativas laborales y decantarse por la interpretación.

Establecido en Nueva York se incorporó al Group Theater, donde un puñado de actores y directores estaban gestando decisivos cambios para la forma de hacer y entender el teatro.

OSCAR: EMPATE A TRES EN LA LEY DEL SILENCIO El director Eliza Kazan, que fue quien le recomendó que se cambiara el nombre para trabajar como actor, no tardó en reclutarle para algunos de sus montajes, entre otros el de la obra Todos eran mis hijos, de Arthur Miller, y volvió a contar con él para el montaje de la obra de Tennessee Williams Un tranvía llamado deseo. Esa misma obra sería título clave en su despegue en el cine, ya que le consiguió el Oscar como Mejor Actor de reparto cuando participó en la adaptación al cine dirigida por el propio Kazan en 1951.

En su trabajo en ese papel de reparto estaban ya las claves de tipo auténtico que iba a transmitir el actor a sus trabajos posteriores ante las cámaras.

Teniendo en cuenta sus trabajos, sorprende que ese Oscar conseguido en sus primeros años como actor en el cine fuera el único galardón de peso que Malden pudo llevarse a su casa.

Volvió a ser nominado al Oscar como actor de reparto en 1955 por otro de sus trabajos a las órdenes de Kazan en otro clásico imprescindible de los que adornan su filmografía: La ley del silencio, pero la competencia era dura ese año en el que Marlon Brando, protagonista de esa película, se llevo el galardón al Mejor Actor. Malden se enfrentaba con dos de sus compañeros de reparto en el mismo filme, Rod Steiger y Lee J. Cobb, y finalmente los votantes decidieron romper ese empate a tres otorgando el premio a Edmond O’Brien por su papel en La condesa descalza.

Malden fue nominado en tres ocasiones al Globo de Oro en las categorías de Mejor Actor de drama por Baby Doll, otro trabajo con Kazan, como Mejor Actor en comedia o musical por La reina del vodevil, y como Mejor Actor en serie de televisión por Las calles de San Francisco.

Malden se casó en una sola ocasión y formó con su esposa el tercer matrimonio más longevo de Hollywood: 70 años. Contrajo matrimonio con Mona Greenberg, su compañera de clase en la escuela de actuación de Chicago, donde se formó, en diciembre de 1938, y estuvieron casados hasta el momento de su muerte. Tuvieron dos hijas, Mila Malden y Carla Malden, siendo esta última la coautora, junto con su padre, de la biografía del actor, When Do I Start.

HAMILTON EEUU, 2020; Director: Thomas Kail; Productores: Thomas Kail, Lin-Manuel Miranda y Jeffrey Seller; Fotografía: Declan Quinn; Guion: Ron Chernow basado en la novela de Lin-Manuel Miranda; Música: Lin-Manuel Miranda; Intérpretes: Daveed Diggs (Marquis de Lafayette / Thomas Jefferson), Renée Elise Goldsberry (Angelica Schuyler), Jonathan Groff (King George); Duración: 160 min.; Estreno en EE UU: 3-7-2020; Estreno en España: 3-7-2020 Distribuye: Disney+

SINOPSIS Grabación del musical de Broadway Hamilton, que se centra en la figura de Alexander Hamilton, uno de los padres fundadores de Estados Unidos.

PARA RECORDAR Hamilton es el gran estreno veraniego de Disney +. El musical escrito y protagonizado por Lin-Manuel Miranda iba a llegar a los cines en 2021, pero en un movimiento inteligente debido a la escasez de catálogo, Disney + ha decidido estrenarlo en su plataforma. La historia, que llega en pleno movimiento Black Lives Matter, sirve para recordarnos que Estados Unidos fue un país levantado por inmigrantes y habla sobre la importancia de la libertad de pensamiento y el precio de la ambición. Se trata de un punto de vista fresco y moderno, gracias a sus temas hip-hop, rap y R & B, su afilado humor negro y su reparto multicultural, en el que destacan Leslie Odom Jr. como Aaron Burr y Jonathan Groff, con su caricaturesca interpretación del rey Jorge III. Es complicado emular la experiencia que supone ver una obra de Broadway en vivo, pero el director Thomas Kail hace un gran trabajo recreándola, dividiendo la obra en dos partes y respetando el descanso; y también en la dirección, aprovechando los primeros planos para los instantes de mayor intensidad dramática o los planos generales desde el backstage, que aportan un punto de vista diferente al del público.

PARA OLVIDAR El segundo acto no está a la altura del primero y la repetición hace que se termine acusando el excesivo metraje, cercano a las tres horas. Por otra parte, los que no tengan un gran nivel de inglés tendrán dificultades para seguir la historia, pues Disney ha decidido estrenar el musical sin subtítulos en español.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… El musical Les miserables de Claude-Michel Schönberg y Alain Boublil.

EN CONCLUSIÓN El fenómeno musical de Broadway también se ha convertido en la mejor película de Disney +. A.G.

DERSU UZALA Japón, 1975; Director: Akira Kurosawa; Productor: Yoichi Matsue; Fotografía: Fyodor Dobronravov, Yuriy Gantman y Asakazu Nakai; Guion: Akira Kurosawa y Yuriy Nagibin basados en la novela de Vladimir Arsenev; Música: Isaac Schwarts; Intérpretes: Yuriy Solomin (Arsenev), Maksim Munzuk (Dersu Uzala), Mikhail Bychkov (Otryad Arseneva) y Vladimir Khrulyov (Otryad Arseneva); Duración: 142 min.; Estreno en EE UU: 20-12-1977; Estreno en España: 10-7-2020 Distribuye: Satra Films

SINOPSIS El capitán Arseniev es enviado con un destacamento a explorar la taiga, y en plena naturaleza tropieza con Dersu Uzala, que le servirá como guía en sus viajes.

PARA RECORDAR Buena noticia el regreso a los cines de esta obra maestra de Akira Kurosawa, su segunda película en color tras Dodes’ka-den, que fue la primera que rodó fuera de Japón, con la que consiguió el Oscar a la Mejor Película Extranjera y además puso en pantalla una de las más entrañables e imprescindibles películas de aventuras, extrayendo lo mejor de ese género al mismo tiempo que esquivaba los puntos más flacos y negativos del mismo.

El director otorga al color y al sonido la categoría de herramientas principales para sumergir a sus personajes, y con ellos a nosotros, los espectadores, en una naturaleza a la que rinde homenaje y que sitúa como protagonista del relato desde la primera imagen de esta historia inolvidable de amistad y supervivencia que traslada a la pantalla todo el poder del paisaje de la taiga como integrante esencial del reparto desde el primer fotograma.

PARA OLVIDAR Nada. Imprescindible para todo aficionado al cine.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… La capacidad para zambullirnos como espectadores en la naturaleza que presenta este largometraje recuerda propuestas similares como las de Aguirre, la cólera de Dios (1972) y Fitzcarraldo (1982), dirigidas por Werner Herzog, Valhalla Rising (2010), dirigida por Nicolas Winding Refn y Z, la ciudad perdida (2018), dirigida por James Gray.

EN CONCLUSIÓN Kurosawa impone su estilo en una película que alcanza su propia singularidad dentro de su filmografía, destacándose como uno de los relatos épicos más edificantes y al mismo tiempo más amargos de esta.

M.J.P. #####

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UNDER THE SKIN

LA MALDICIÓN DEL GUAPO (The Curse of the Handsome Man) España, 2020; Director: Beda Docampo Feijóo; Productores: Ibon Cormenzana, Ángel Durández, Ignasi Estapé y Luis A. Sartor; Fotografía: Imanol Nabea; Guion: Beda Docampo Feijóo; Música: Federico Jusid; Intérpretes: Gonzalo de Castro (Humberto), Juan Grandinetti (Jorge), Malena Alterio (Dora) y Ginés García Millán (Diego); Duración: 90 min.; Estreno en España: 10-7-2020 Distribuye: Filmax Reportaje en Nº xx

SINOPSIS Humberto (Gonzalo de Castro) es un hombre de mundo, que regenta un bar. Un día, aparece su hijo Jorge (Juan Grandinetti). Ambos no han estado muy unidos, pero el joven acude a su padre porque tiene que hacer frente al robo de unos valiosos pendientes en la joyería donde trabaja, y no posee el dinero con el que cubrir la pérdida. Humberto ve en la llamada de su vástago un medio para recuperar el tiempo perdido, aunque en su plan pronto calibra la posibilidad de hacer un negocio fraudulento con los jefes de Jorge.

PARA RECORDAR Beda Docampo Feijóo acierta al plantear el filme como si fuera una partida póker, con cartas cubiertas. En este sentido, los giros inesperados del guion hacen que la película mantenga la tensión y el interés.

PARA OLVIDAR Los abundantes volantazos argumentales no consiguen tapar la inconsistencia de muchos de los personajes que aparecen en la trama. Debido a semejantes lapsus, la relación de amor/odio que mantienen Humberto y Jorge no se sostiene mucho; al igual que el artificioso universo de lujo y excesos que envuelve a los dueños de la joyería, a los que el rol de Gonzalo de Castro pretende estafar.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Aunque la intención probablemente sea la de acercarse a los sutiles juegos elaborados en El golpe (George Roy Hill, 1973), la cosa no va más allá de levantar vagos recuerdos relativos a Un par de seductores (Frank Oz, 1988).

EN CONCLUSIÓN Un buen comienzo y un desarrollo correcto hacen de la obra dirigida por Beda Docampo Feijóo una comedia que mantiene el tipo, aunque pierda muchas de sus virtudes iniciales al meter en escena el engranaje de un ambicioso robo que enturbia un poco la acción. J.M. #####

Reino Unido, 2013; Director: Jonathan Glazer; Productores: Nick Wechsler y James Wilson; Fotografía: Daniel Landin; Guion: Walter Campbell y Jonathan Glazer basados en la novela de Michel Faber; Música: Mica Levi; Intérpretes: Scarlett Johansson (The Female), Jeremy McWilliams (The Bad Man), Lynsey Taylor Mackay (The Dead Woman) y Dougie McConnell (Pick-Up Man); Duración: 108 min.; Estreno en EE UU: 29-8-2013; Estreno en España: 10-7-2020 Distribuye: Avalon

SINOPSIS Seguimos los pasos de una extraña entidad que depreda a jóvenes humanos en un camino de descubrimiento que conduce a un sorprendente final.

PARA RECORDAR Película que recuperar, que recalibra las exigencias del cine de ciencia ficción más allá de los parámetros de espectáculo visual del blockbuster abordando la definición de lo humano desde la paulatina comprensión del espectador de una entidad alienígena depredadora.

Una reflexión sobre nuestra inclinación a juzgar precipitadamente que se centra en la idea de definir el mal en la primera parte de la película, para luego mostrarnos la inocencia del personaje y poner en cuestión todo aquello que pensamos en principio.

Glazer busca generar una especie de catarsis en el espectador con planos largos, escenas de corte documental que roban la realidad desde la ficción, poco diálogo, minimalista o convencional, casi de encuesta al principio de la caza, primeros planos del rostro de la protagonista, juego con la luz y con extrañamiento y falta de referencias espaciales en la presentación de la protagonista sobre blanco y de sus depredaciones sobre negro, reiteración del plano del asiento vacío en la furgoneta, manejo hábil de la elipsis… Así nos lleva a replantearnos lo que pensamos en principio de la protagonista (plano de niño y playa), en un juego que en el desenlace me recuerda a la Lulú interpretada por Louise Brooks en La caja de Pandora (George W. Pabst, 1929).

PARA OLVIDAR Nada.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… No es del palo de Hidden, lo oculto (1987) o Species: especie mortal (1995). Está más bien entre The Machine (2013) y Ex_Machina (2014).

EN CONCLUSIÓN Arriesgada y exigente con el espectador, es buena película. M.J.P. #####

LA FAMILIA QUE TÚ ELIGES (The Peanut Butter Falcon)

MADRE OSCURA (The Wretched) Reino Unido, 2019; Directores: Brett Pierce y Drew T. Pierce; Productores: Ed Polgardy y Chang Tseng; Fotografía: Conor Murphy; Guion: Brett Pierce y Drew T. Pierce; Música: Devin Burrows; Intérpretes: John-Paul Howard (Ben), Piper Curda (Mallory), Jamison Jones (Liam) y Azie Tesfai (Sara); Duración: 95 min.; Estreno en EE UU: 1-5-2020; Estreno en España: 17-7-2020 Distribuye: Selecta Visión

SINOPSIS Un adolescente visita a su padre en vacaciones y se enfrenta con la pesadilla que viven unos vecinos.

PARA RECORDAR Hacer de la sencillez una virtud. Los directores sacan el máximo brillo a los lugares comunes del género de terror, demuestran controlarlo con eficacia y sacan de la chistera un tema de infancia rota relacionada con la pesadilla de los divorcios y la separación de los padres jugando con un adolescente metido en una pesadilla infantil del niño que es su vecino, lo que les permite cruzar el género de terror juvenil con los cuentos infantiles.

Es curioso, tiene un prólogo de arranque 35 años antes que parece más del terror de nuestros días mientras que el resto de la película se asienta cómodamente en claves que recuerdan más el terror ochentero de serie B. Además está repleta de guiños, incluso tiene sus momentos de homenaje a La ventana indiscreta.

PARA OLVIDAR Nada.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Miedo azul (Daniel Attias, 1985), Cujo (Lewis Teague, 1983), El cementerio viviente (Mary Lambert, 1989), Mamá (Andy Muschietti, 2013), Bosque maldito (Lee Cronin, 2019).

EN CONCLUSIÓN Muy competente propuesta de terror.

M.J.P. #####

EEUU, 2019; Directores: Tyler Nilson y Michael Schwartz; Productores: Albert Berger, Christopher Lemole, Lije Sarki y David Thies; Fotografía: Nigel Bluck; Guion: Tyler Nilson y Michael Schwartz; Música: Zachary Dawes, Noam Pikelny, Jonathan Sadoff y Gabe Witcher; Intérpretes: Zack Gottsagen (Zak), Ann Owens (Rosemary), Dakota Johnson (Eleanor) y Bruce Dern (Carl); Duración: 97 min.; Estreno en EE UU: 23-8-2019; Estreno en España: 17-7-2020 Distribuye: A Contracorriente

SINOPSIS Un joven con síndrome de Down escapa de su hogar para cumplir su sueño, convertirse en luchador de wrestling profesional, lo que une su camino a un criminal de poca monta con un pasado complicado.

PARA RECORDAR En una época tan complicada, es el mejor momento para ver una película que supone el debut como directores y guionistas de largometrajes de Tyler Nilson y Michael Schwartz. Dos debutantes en este medio que nos traen una historia humana, cercana y muy divertida, con toques esperpénticos y únicos. Un viaje de descubrimiento, amor y redención de una familia que no ha venido dada, sino que los personajes han elegido como la suya, casi forzados por las circunstancias. Con ecos de los relatos de Mark Twain, la película apuesta por su trío protagonista, Shia LaBeouf, Dakota Johnson y, especialmente, el joven Zack Gottsagen, quien se convierte en el alma de la película. Tiene aventuras y emoción, pero sobre todo es increíblemente divertida, y las peripecias del grupo por los deltas en su viaje hacia el sur no tienen precio. Especialmente con un señor ciego… Cuando tiene que emocionar lo hace sin empalagar, sin edulcorar y sin caer en otras trampas del melodrama. Y visualmente aprovecha el paisaje con brillantez.

PARA OLVIDAR Es una feel good movie, pero tiene oportunidad de ser algo más en su tramo final, y no se atreve. Una pena, porque podía haber crecido muchísimo.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Cruce entre Mud, Pequeña Miss Sunshine y una obra de Mark Twain.

EN CONCLUSIÓN Es una película con alma, con mucha naturalidad y que jamás es condescendiente con su protagonista y su condición. Lo que la hace todavía mejor. No busca dar pena, busca hacer sonreír y brillar. Y lo ##### consigue. J.U.

LA CAZA

VOCES

(The Hunt)

España, 2020; Director: Ángel Gómez Hernández; Productores: Juan Moreno y Guillermo Sempere; Fotografía: Pablo Rosso; Guion: Santiago Díaz basado en la historia de Víctor Gado, Ángel Gómez Hernández y Juan Moreno; Música: Jesús Díaz; Intérpretes: Ramón Barea (Germán), Nerea Barros (Sofia), Lucas Blas (Eric) y Rubén Corvo (Guardia Civil 2); Estreno en España: 24-7-2020 Distribuye: eOne

SINOPSIS El hijo de una familia que remodela casas antiguas empieza a escuchar voces siniestras que le auguran un gran peligro. Cuando la situación se complique, la familia deberá recurrir a una pareja de expertos en psicofonías para tratar de descubrir lo que sucede en la casa.

PARA RECORDAR Si de algo puede presumir una cinta de terror como Voces es de su reparto y de su dirección. En el primero, la presencia de nombres como Rodolfo Sancho, Ramón Barea, Ana Fernández o Belén Fabra aportan mucha credibilidad al conjunto de la película, incluyendo un pequeño pero muy interesante papel de Nerea Barros. A eso hay que sumarle la dirección de Ángel Gómez Hernández. Todo un hallazgo tras las cámaras, capaz de imprimir fuerza al relato y de hacernos sentir miendo en determinados momentos, con una elegante puesta en escena y un muy buen control de los sustos, muy poquitos y muy bien situados. La escena de la cama es magnífica y a plena luz del día.

PARA OLVIDAR Me temo que el guion no está ni de lejos a la altura de lo que necesita la película. Es un guion tramposo, y eso lo esperamos de una película como esta, claro. Pero lo importante es que las trampas no se perciban o encajen con la historia. Aquí no. No da trasfondo a ciertos personajes, y tampoco la explicación final tiene demasiado sentido. Además de que el final cambia hasta las reglas de la película.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Un cruce entre la española Malasaña 32, que tenía sus mismos vicios y virtudes, y White Noise.

EN CONCLUSIÓN Ni sorprende ni busca hacerlo, pero es efectiva en muchas ocasiones. Cojea su guion, que necesitaba ser revisado un poco más para darle más sentido a la historia. Entretenida. J.U. #####

EEUU, 2020; Director: Craig Zobel; Productores: Jason Blum y Damon Lindelof; Fotografía: Darran Tiernan; Guion: Nick Cuse y Damon Lindelof; Música: Nathan Barr; Intérpretes: Betty Gilpin (Crystal), Hilary Swank (Athena), Ike Barinholtz (Staten Island) y Wayne Duvall (Don); Duración: 90 min.; Estreno en EE UU: 13-3-2020; Estreno en España: 31-7-2020 Distribuye: Universal Reportaje en Nº 2008

SINOPSIS Un grupo de desconocidos despierta en un lugar deshabitado.

Pronto se dan cuenta de que alguien está intentando darles caza.

PARA RECORDAR El primer acto. Los guionistas Damon Lindelof y Nick Cuse, expertos en planteamientos originales y en generar intriga, sorprenden con un arranque cargado de comedia negra como el carbón. Las expectativas del espectador se hacen añicos entre el baile de protagonistas y el gore absurdo y salvaje.

PARA OLVIDAR Desafortunadamente, el resto del filme no aporta nada que no hayamos visto en cualquier otro Battle Royale. Cuando un largometraje se ve envuelto en polémica antes de su estreno es difícil que cumpla las expectativas y La caza no es la excepción. A pesar de las palabras de Donald Trump contra la película, lo cierto es que no es tan cafre, gore ni políticamente incorrecta como nos hicieron creer. Tras la secuencia de la gasolinera que da pie al segundo acto, la película se centra en el discurso sociopolítico y se olvida de la esencia de este tipo de producciones. Lo que interesa de la historia, como se demuestra en el tercer acto, es ver a los ricachones acorralando al personaje de Betty Gilpin, una interesante variante de Rambo femenina que entra demasiado tarde en escena como para ganarse la empatía del espectador. Este personaje y las escenas de acción me han recordado a Noche de bodas, pero el filme protagonizado por Samara Weaving funcionaba mucho mejor porque no se olvidaba del escenario principal ni de los depravados capitalistas y su ineptitud como asesinos. Esto daba pie a una buena galería de secundarios y a que la diversión, la tensión y el humor negro no pisaran el freno.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Argumentalmente, su referente más claro es El malvado Zaroff, pero su tono bebe de La purga y Noche de bodas.

EN CONCLUSIÓN Si el director Craig Zobel quería desmarcarse de otras producciones similares debería habérsela jugado más con la comedia y la trama. Promete en un inicio más de lo que termina ofreciendo. A.G. #####

LA VIEJA GUARDIA

PROYECTO POWER

The Old Guard

(Project Power)

EE UU, 2020; Director: Gina Prince-Bythewood; Fotografía: Barry Ackroyd y Tami Reiker; Guion: Greg Rucka; Música: Volker Bertelmann y Dustin O'Halloran; Intérpretes: Charlize Theron (Andy), KiKi Layne (Nile), Matthias Schoenaerts (Booker), Marwan Kenzari (Joe); Duración: 125 min.; Estreno en Netflix: 10-7-2020 Distribuye: Netflix Reportaje en Nº 2007

EEUU, 2020; Directores: Henry Joost y Ariel Schulman; Productores: Eric Newman y Bryan Unkeless; Fotografía: Michael Simmonds; Guion: Mattson Tomlin; Música: Joseph Trapanese; Intérpretes: Joseph Gordon-Levitt, Jamie Foxx, Machine Gun Kelly y Rodrigo Santoro; Duración: 111 min.; Estreno en Netflix: 14-8-2020 Reportaje en Nº 2008

SINOPSIS Tras miles de años vagando por el mundo como mercenaria inmortal, Andy ha aprendido a vivir en secreto junto a un puñado de soldados como ella. Cuando un último contrato salga mal, deberá luchar para evitar que su secreto salga a la luz y alguien aproveche lo que son para su propio beneficio.

SINOPSIS Una nueva droga que aparece en Nueva Orleans y otorga poderes a quien la consume durante cinco minutos, pone en marcha las historias de una joven que trafica con la droga, un policía que intenta usarla para evitar delitos y un desconocido que llega a la ciudad buscando a los responsables de su proliferación.

PARA RECORDAR Una historia de soldados inmortales, liderados por Charlize Theron, tiene que tener pocos elementos para resultar como poco entretenida, y La vieja guardia los tiene sin problemas. Es un vehículo de acción sin complejos liderado por una maravillosa actriz y con unas sensacionales escenas de acción, además de algunos secundarios realmente interesantes, empezando por Chiwetel Ejiofor. Greg Rucka conoce a la perfección su propia obra para adaptarla a guion cinematográfico. Eso hace que sepa cuándo cambiar cosas y cuándo mantenerse fiel a la historia original, y, sobre todo, conservar el espíritu de esta y aprovecharlo al máximo. Es entretenimiento de primer orden. Algunas escenas de acción son verdaderamente impresionantes, y la promesa de una saga de aventuras con estos personajes promete, como poco.

PARA OLVIDAR Hay personajes muy desaprovechados, y otros, como el villano, que no tienen hueco en la historia. Ni están precisamente bien escritos, ni el actor es capaz de defenderlo en pantalla frente al resto del reparto. A veces parece demasiado empeñada en ser el inicio de algo más en lugar de ser una sola película. La esencia de la historia, por eso mismo, no está del todo aprovechada, y queda apenas dibujada para el futuro.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Atómica mezclada con Underworld, una mezcla de acción, aventuras y fantasía.

PARA RECORDAR Un nuevo punto de vista del género de superhéroes, que quizá no es todo lo novedoso que podría ser o que promete, pero que es completamente válido y muy divertido. La película juega con la mezcla de varios géneros, como el policiaco, la ciencia ficción o el de superhéroes, y lo hace con bastante habilidad. Su estilo visual es más que competente y saca partido de un presupuesto importante pero no en la liga de las grandes superproducciones de Marvel o DC, en momentos tan brillantes como la escena desde dentro de la cámara frigorífica. Es un momento que gana seguidores, como también la sangre y la violencia explícita. Jamie Foxx y Joseph GordonLevitt son perfectos para liderar la película y saben dar vida a sus personajes intentando esquivar sus evidentes tópicos.

PARA OLVIDAR El guion no es memorable, ni mucho menos. Además de los tópicos de los que antes hablábamos, saca temas que no explota (la protagonista y su falta de figura paterna), e incluye cosas que te sacan completamente de la película, como los “momentos rap”. A veces parece que son dos películas en una y no sabe qué película quiere ser.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Tiene elementos de La vieja guardia, pero recuerda mucho a Push, la película protagonizada por Chris Evans y Dakota Fanning.

EN CONCLUSIÓN Con Theron de protagonista, la película no puede fallar en un género en el que la actriz se mueve de maravilla. Muy entretenida. J.U.

EN CONCLUSIÓN Cine de entretenimiento, bien planteado, aunque con demasiados tópicos. Violento y con buen reparto. Parece el inicio de otra saga. J.U.

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SIN OLVIDO (The Interpreter) Eslovaquia-República Checa, 2018; Director: Martin Sulík; Productores: Rudolf Biermann, Martin Sulík y Bruno Wagner; Fotografía: Martin Strba; Guion: Marek Lescák y Martin Sulík; Música: Vladimír Godár; Intérpretes: Peter Simonischek (Georg Graubner), Jirí Menzel (Ali Ungár), Zuzana Mauréry (Edita) y Anita Szvrcsek (Jola); Duración: 113 min.; Estreno en EE UU: 3-11-2018; Estreno en España: 14-8-2020 Distribuye: Karma Films

SINOPSIS Ali Ungár, un octogenario judío que trabajaba como traductor, encuentra un libro de un exoficial de las SS que describe sus actividades en Eslovaquia y cómo mató a sus padres. Ungár sale en busca de venganza, pero a quien encuentra es a su hijo, un viejo profesor retirado.

PARA RECORDAR La atmósfera fría del primer encuentro hace pensar que Sin olvido se trata de un tenso thriller de espías, pero en un giro de los acontecimientos se convierte en una road movie cuando el hijo del exoficial le propone al anciano judío recorrer Eslovaquia para descubrir quién era realmente su padre. Con un tema tan manido, apostar por este subgénero permite al director beneficiarse de las personalidades contrapuestas de los protagonistas al estilo buddy movie. Mientras que Ungár (Jirí Menzel) es serio y apocado, Georg Graubner (Peter Simonischek) es divertido y cínico. Esto hace que la pareja se vea envuelta en enredos tragicómicos, como la secuencia de la boda o la escena del robo. Sin embargo, esta forma de ser de los personajes es una fachada que utilizan para esconder la soledad que sienten en sus incompletas vidas y la incapacidad de poder cargar solos con el peso de su trágico pasado.

GREYHOUND EEUU, 2020; Director: Aaron Schneider; Productor: Gary Goetzman; Fotografía: Shelly Johnson; Guion: Tom Hanks basado en la novela de C.S. Forester; Música: Blake Neely; Intérpretes: Tom Hanks (Captain Krause), Stephen Graham (Charlie Cole), Elisabeth Shue (Evelyn) y Matt Helm (Lt. Nystrom); Duración: 91 min.; Estreno en EE UU: 10-7-2020; Estreno en España: 10-7-2020 Distribuye: Apple TV+

SINOPSIS En su primer mando en 1942, un capitán al frente de una flota aliada que tiene que cruzar el Atlántico, comenzará un juego de gato y ratón con un grupo de submarinos alemanes que intentan hundir los barcos aliados, además de enfrentarse a los elementos y al cansancio.

PARA RECORDAR Una película que dura poco más de 90 minutos y que nos traslada desde los primeros minutos a ese viaje imposible para cruzar el Atlántico de la mano de un capitán inexperto, con apenas medios y rodeado de enemigos, intentando sobrevivir. La película va al grano enseguida y nos traslada la emoción y la épica de ese viaje, algo que no es sencillo de trasladar, porque no son elementos tan visualmente poderosos como los propios submarinos, los aviones o las tropas de tierra. Tom Hanks es, además de protagonista, guionista adaptando el libro de C. S. Forester siendo concreto y divagando muy poquito. La película no puede aburrir, no le da tiempo, y la excelente narración de Aaron Schneider ayuda muchísimo a involucrarse en la película, que además aprovecha enormemente sus recursos y su presupuesto más que moderado.

PARA OLVIDAR Los momentos dramáticos de charlas con los familiares de las víctimas ralentizan el ritmo y no aportan un punto de vista nuevo. El director carga tanto las tintas en el drama, en situaciones como el último giro o el uso excesivo de la música melancólica, que termina desluciendo el resultado final.

PARA OLVIDAR Al final no aporta nada nuevo, ni desarrolla el drama de sus personajes porque a algunos como Elisabeth Shue ni llegamos a conocerlos. Su virtud es también un defecto, lo directa que es, que impide que sepamos cosas de los personajes secundarios. Hanks no está en su mejor papel, aunque cumple perfectamente. Es algo tópica, y el presupuesto es muy, muy moderado.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… El cine de su director, Martin Sulík: Gypsy, Záhrada (El jardín)…

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Tiene cosas de U-571 o incluso de La caza del Octubre Rojo, pero desde el aspecto naval en la superficie.

EN CONCLUSIÓN Una película que sin grandes artificios consigue trasmitir todo el horror de la guerra y cómo su eco ha llegado hasta la actualidad, marcando de por vida a las siguientes generaciones de las víctimas y los ver##### dugos. A.G.

EN CONCLUSIÓN Casi parece una película de otra era, pero con la tecnología de nuestros días. Buen cine bélico naval, sin más. J.U. #####

OFRENDA A LA TORMENTA

RETRATO DE UN AMOR

(Offering to the Storm)

(The Photograph)

Alemania, 2020; Director: Fernando González Molina; Productores: Mercedes Gamero, Adrián Guerra, Peter Nadermann y Núria Valls; Fotografía: Xavi Giménez; Guion: Luiso Berdejo basado en la novela de Dolores Redondo; Música: Fernando Velázquez; Intérpretes: Marta Etura (Amaia Salazar), Leonardo Sbaraglia (Juez Markina), Nene (Jonan Etxaide) y Francesc Orella (Fermín Montes); Duración: 139 min.; Estreno en EE UU: 24-7-2020; Estreno en España: 24-7-2020 Distribuye: Netflix

China, 2020; Directora: Stella Meghie; Productores: James Lopez y Will Packer; Fotografía: Mark Schwartzbard; Guion: Stella Meghie; Música: Robert Glasper; Intérpretes: Issa Rae (Mae Morton), LaKeith Stanfield (Michael Block), Chanté Adams (Young Christine Eames) y Y'lan Noel (Young Isaac Jefferson); Duración: 106 min.; Estreno en EE UU: 14-2-2020; Estreno en España: 24-7-2020 Distribuye: Universal Pictures

SINOPSIS Final de la trilogía del Baztán basada en las novelas de Dolores Redondo. La inspectora Amaia Salazar intenta desentrañar el misterio que su madre dejó atrás, relacionado con prácticas de brujería que llevan sucediendo en el valle desde tiempos remotos y ante las que nadie puede hacer nada aparentemente.

SINOPSIS Un joven periodista comienza una relación romántica con la cuidadora de un museo, mientras escribe un artículo sobre la vida de la madre de la joven, una brillante fotógrafa que acaba de fallecer y a la que ella siente que nunca conoció realmente.

PARA RECORDAR Buena forma de cerrar la trilogía, con la más redonda de las tres películas, siempre apoyada por el estilo visual de Fernando González-Molina, un director brillante siempre en lo visual y capaz de saltar entre géneros con aparente facilidad y además con bastante éxito. Su uso del paisaje, de la fotografía y de los colores siempre ayuda a contar la historia, que está liderada por la siempre magnífica Marta Etura, que se bebe al personaje y sus imperfecciones. El reparto acompaña siempre y está lleno de grandes nombres, aunque el guion no trate igual de bien a todos los personajes. Sus toques de giallo sobrenatural convencen porque es la película de la trilogía en la que el elemento sobrenatural está mejor presentado y encaja más con la historia.

PARA OLVIDAR Sigue teniendo problemas considerables de guion. Que una película de casi dos horas y media no termine de explicar su historia o fracase al hacerlo no es bueno. Hay personajes demasiado obvios y no ayuda a la trama que se intuya el final al primer minuto, ni que no encajen la mitad de los hechos con los que nos cuentan. El guardián de la primera película lleva las otras dos de vacaciones al parecer…

PARA RECORDAR Hay mucho cariño y empeño puesto en la nueva película de Stella Meghie, directora con una carrera prometedora que aquí nos lleva a una historia que mezcla romance con la búsqueda del amor perdido de una madre. Un viaje a la memoria que da saltos continuos entre el pasado en los ochenta y el presente para que entendamos ambas relaciones, la actual y la pasada, y el nexo que las podría unir, la hija de la fotógrafa, empeñada en descubrir quién era realmente su madre. Issa Rae y Lakeith Stanfield sacan adelante sus papeles gracias a la química y el talento, mientras que el acabado visual de la propia película es impecable, sobre todo cuando la historia nos lleva de vuelta a los ochenta. Apenas supera los 100 minutos, por lo que nunca se hace larga.

PARA OLVIDAR La historia presente es mucho menos interesante que la pasada. Primero porque se vuelca demasiado en el romance, segundo porque cuando no lo hace es para volver la vista a lo que sucedió en los ochenta. Lo salvan los actores, pero hasta el acabado visual es peor en la historia actual (esa escena de sexo de telefilme barato…).

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… A veces recuerda a Phenomena o Suspiria, por ejemplo.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Es la versión edulcorada de Queen and Slim, y recuerda a The Weekend o El amor lo es todo, todo, de la misma directora.

EN CONCLUSIÓN Una buena forma de cerrar la trilogía, dejando además espacio para volver si el público quiere. Pero el guion es mejorable. J.U.

EN CONCLUSIÓN Buena película que carga las tintas en lo romántico y en una historia presente menos interesante que la pasada. J.U.

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THE OUTPOST Bulgaria, 2020; Director: Rod Lurie; Productores: Marc Frydman, Jeffrey Greenstein, Paul Merryman y Paul Tamasy; Fotografía: Lorenzo Senatore; Guion: Eric Johnson y Paul Tamasy basados en el libro "The Outpost: An Untold Story of American Valor" de Jake Tapper; Música: Larry Groupé; Intérpretes: Caleb Landry Jones (Specialist Ty Carter), Orlando Bloom (CPT Benjamin Keating), Scott Eastwood (Staff Sergeant Clint Romesha) y Milo Gibson (CPT Robert Yllescas); Duración: 123 min.; Estreno en EE UU: 3-7-2020; Estreno en España: 24-7-2020

SINOPSIS Adaptación al cine de la batalla del puesto de avanzada Keating en Nuristán, en la que luchó la unidad más condecorada del Ejército estadounidense en la guerra de Afganistán, un clásico ejemplo de la resistencia con todo en contra y fuerzas muy superiores.

PARA RECORDAR Buena muestra de cine bélico que recorre y actualiza todas las claves del género con habilidad y metiendo al espectador en el centro de toda la acción con una visión de reportaje cámara al hombro desde el primer momento que junto con un montaje trepidante ayuda a poner de manifiesto esa aparición súbita de la muerte que acecha en todo momento a los protagonistas.

Por fin alguien le ha dado a Scott Eastwood la oportunidad de masticar un papel más sólido como protagonista y distanciarse de la alargada sombra de su padre, pero el reparto de la película tiene su mejor recurso, todo hay que decirlo, en el papel de mayor lucimiento, para Caleb Landry Jones, como el soldado raro Carter.

Orlando Bloom también cumple bastante bien con su papel. Y en su conjunto el largometraje muestra personalidad propia dentro del género en el que se mueve, tomando referencias visuales muy claras (ver punto “Te gustará si te gustó…” en esta misma ficha).

PARA OLVIDAR Nada.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Recuerda en su planteamiento visual y de montaje del género bélico la miniserie Generation Kill (Susanna White y Simon Cellan Jones, 2008), Black Hawk derribado (Ridley Scott, 2001), El único superviviente (Peter Berg, 2013), Trece horas: los soldados secretos de Bengasi (Michael Bay, 2016) y Doce valientes (Nicolai Fuglsig, 2018).

EN CONCLUSIÓN Grata sorpresa para los aficionados al cine bélico y de ##### acción. M.J.P.

PADRE NO HAY MÁS QUE UNO 2 (Padre no hay más que uno 2: La llegada de la suegra) España, 2020; Director: Santiago Segura; Productores: Mercedes Gamero, María Luisa Gutiérrez y Santiago Segura; Guion: Personajes creados por Marta González de Vega y Santiago Segura basados en la película "Mamá se fue de viaje" de Juan Vera; Música: Roque Baños; Intérpretes: Santiago Segura (Javier), Toni Acosta (Marisa), Martina Valeria de Antioquía (Sara) y Calma Segura (Carlota); Estreno en España: 7-8-2020 Distribuye: Sony Pictures Reportaje en Nº 2008

SINOPSIS La peculiar familia liderada por Javi y Marisa se enfrenta a un nuevo reto. Aunque ya eran padres de cinco niños, Marisa vuelve a estar embarazada y pese a los esfuerzos de Javi para mantener todo bajo control, habrá que recurrir a… la suegra.

PARA RECORDAR Mejor y más divertida que la primera entrega, Santiago Segura vuelve a la carga un año después para retomar las andanzas de esta peculiar familia. Se nota en el guion, pese al esfuerzo y seguramente las prisas, que es más original que en la anterior película, al no venir de una historia previa. Recordemos que la primera era un remake de la película argentina original que ya se rehízo en Italia. Esta es más fresca, y los niños tienen más tomada la medida a sus personajes y a la historia, que tiene momentos hilarantes, especialmente cuando no importa tanto lo real como hacer reír (el campamento o la propia comunión…). Loles León es una incorporación de lujo a la película. Hay más de una sorpresa en el guion, además, y Segura y Toni Acosta tienen más tiempo juntos en pantalla, lo que siempre funciona bien.

PARA OLVIDAR El guion a veces acaba en subtramas que no llevan a ningún lado, con algún bajón de ritmo considerable en el núcleo. Hay un par de personajes que desaparecen casi de la película desde el minuto uno, y se echa en falta lo que pueden aportar, además de que su trama es una de esas que queda descolgada.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… La primera entrega y sus precedentes (Mamá se fue de viaje), Doce en casa y su secuela…

EN CONCLUSIÓN Buen cine familiar dispuesto a salvar la taquilla veraniega. Es mejor que la primera entrega. Sólida y divertida. J.U. #####

Series de T.V.

FICHA TÉCNICA Creadores: Josh Schwartz y Chris Fedak.

Género: Thriller/comedia.

Música: Tema de créditos “Short skirt/Long Jacket” (instrumental) de Cake.

Emisión en EE UU: 24 de septiembre de 2007-27 de enero de 2012, NBC. Emisión en España: 9 de octubre de 2008-17 de septiembre de 2012, Calle 13.

Reparto: Zachary Levi (Chuck Bartowski), Yvonne Strahovski (Sarah Walker), Joshua Gomez (Morgan Grimes), Adam Baldwin (John Casey), Sarah Lancaster (Ellie Bartowski), Vik Sahay (Lester Patel), Scott Krinsky (Lester Patel), Ryan McPartlin (Devon Woodcomb), Mark Christopher Lawrence (Big Mike), Bonita Friedericy (General Diane Beckman).

Sinopsis: Chuck es un joven en la veintena, que trabaja en el servicio técnico de una tienda de tecnología. Aburrido de su vida, desmotivado tras ser expulsado de Stanford, Chuck vive sin sobresaltos ni aspiraciones hasta que su antiguo compañero de universidad hace que la base de datos de la CIA y la NSA acabe en el cerebro del joven. Ambas agencias envían operativos para cuidar el que se ha convertido en uno de los principales activos de las agencias de inteligencia, y juntos llevarán a cabo operaciones para evitar asesinatos o ataques terroristas, gracias al Intersect, la información en el cerebro de Chuck.

• Josh Schwartz era ya un conocido productor y guionista de Hollywood, que había conseguido cierto éxito con su primera serie, The OC, tras escribir un par de películas directas para televisión que nadie recordaría. Pero cuando la serie quedó cancelada antes de tiempo, en su cuarta temporada, el guionista buscaba nuevos proyectos en los que seguir trabajando. Uno de ellos, por supuesto, es la muy querida Gossip Girl, que lanzó adaptando una serie de libros junto a su colaboradora habitual, Stephanie Savage. La otra, sería un proyecto más personal de la mano de uno de sus antiguos compañeros de universidad, en la USC. Fedak le presentó la idea a Schwartz de la serie y este accedió a escribir el piloto de la serie con él, además de servirle de punto de entrada a las productoras de Hollywood. La serie recibió el interés de NBC quien accedió a leer el guion y posteriormente dio luz verde al piloto, adquiriendo la serie.

• Según Fedak, la serie era una mezcla entre tres ideas realmente curiosas y dispares. Por un lado, The Office, y por otro series como Alias o 24. Una serie que nos mostraba qué pasaría si Jack Bauer o Sidney Bristol, los modelos en los personajes de Adam Baldwin e Yvonne Strahovski, se encontrasen de repente en mitad de The Office, con sus peculiares personajes y su ambiente desfasado.

Ese brutal contraste era lo que nos encontrábamos en una serie en la que veíamos a los personajes enfrentarse a un mundo que desconocen y en el que no encajan, como el propio Chuck en el mundo del espionaje, donde no parece que tenga mucho que aportar. La presencia de esos personajes violentos en un ambiente tan… extraño, significaba dos cosas. Comedia, para empezar, y el hecho de que el público supiera, instintivamente, que alguien iba a disparar a alguien.

• Pese a los esfuerzos de la cadena, que la promocionó con mucha fuerza, Chuck tuvo serios problemas de audiencia a partir de

CHUCK

su segunda temporada. Su espacio en la cadena eran los lunes a las 20.00 horas, un momento en el que la serie tenía que enfrentarse a titanes de la audiencia como House, Bailando con las estrellas o la hora de comedia de CBS, compuesta de Cómo conocí a vuestra madre y Reglas de compromiso. Era demasiado para la serie, que además sufrió la huelga de guionistas de la temporada 2007-2008, y que no terminaba de encontrar su audiencia. Quizá en otro hueco de la parrilla hubiese tenido más suerte, pero la amenaza de una cancelación se situó sobre la serie durante años. Pese a ello, la serie lograba ser renovada por el cariño y la pasión de los fans. Mientras que los rankings de audiencia mostraban que la serie no se encontraba ni entre las 50 más vistas de América (su mejor puesto fue en la primera temporada, el número 65), la serie estaba entre las 20 más seguidas en social media. La serie tenía muchas más interacciones en blogs, redes sociales, foros…, que muchas otras con millones de espectadores más que ella. Su audiencia no solo era fiel, sino que era activa en redes, lo que llamaba la atención y la permitía ser renovada cuando nadie apostaba por ella.

• Chuck se convirtió en tal referente (convirtiendo en estrellas a sus dos protagonistas, por ejemplo) que fue una de las series con más estrellas invitadas que se recuerdan. Durante un tiempo, todo el mundo quería aparecer en Chuck durante al menos un par de episodios, lo que llevó a que viésemos pasar por la serie nombres tan impresionantes como Linda Hamilton, Matthew Bomer, Tony Todd, Rachel Bilson, Tony Hale, John Larroquette, Nicole Richie, Jordana Brewster, Arnold Vosloo, Chevy Chase, Scott Bakula, Brando Routh, Kristin Kreuk, Steve Austin, Timothy Dalton, Lauren Cohan, CarrieAnne Moss, Richard Burgi, Angus Macfadyen, Mark Shepard, Mark Pellegrino, Richard Chamberlain, Bruce Boxleitner, Ivana Milicevic, Rick Hoffman, James Hong, Kevin Weisman, Robert Patrick, Vinnie Jones, Fred Willard, Michael Clarke Duncan, Tricia Helfer, Eric Roberts, Mark Hamill, Justin Hartley, Lou Diamond Phillips, Ben Savage, Dave Bautista, Olivia Munn, Angie Harmon, Robert Englund, Lou Ferrigno, Udo Kier, Michael Rooker, Summer Glau, Dolph Lundgren, Christopher Lloyd, Monet Mazur… La lista sigue y sigue, haciendo de Chuck una de las series con más estrellas invitadas que se recuerdan, y por la que incluso pasó nuestra miss España Lorena Bernal. Y, por supuesto, Stan Lee. • Chris Pratt estuvo a punto de ser Chuck Bartowski, recién salido de Everwood, y el papel al final quedó entre Pratt y Levi. Finalmente lo consiguió Levi, quien no creía que fuesen a dar luz verde a la serie, por lo que estuvo a punto de aceptar protagonizar El jovencito Frankenstein en Broadway, cuando le llamaron para decirle que la serie tenía luz verde y que comenzaban a rodar episodios en verano.

Natalie Martínez, que iba a interpretar al interés romántico de Chuck (incluso aparecía en las fotos promocionales) tras el piloto, vio cómo eliminaron su personaje y fue despedida.

J.U.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

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LA GRAN GUERRA

LA COLINA DE LOS DIABLOS DE ACERO

La Grande Guerra 1959; Italia, Francia; Blanco y negro; Director: Mario Monicelli; Guion: Agenore Incrocci, Furio Scarpelli, Luciano Vincenzoni, Mario Monicelli; Música: Nino Rota; Fotografía: Roberto Gerardi, Giuseppe Rotunno, Leonida Barboni, Giuseppe Serrandi; Intérpretes: Alberto Sordi, Vittorio Gassman, Bernard Blier, Folco Lulli, Vittorio Sanipoli, Romolo Valli; Duración: 137 minutos.

Men in War 1957; EE. UU.; Blanco y negro; Director: Anthony Mann; Guion: Philip Yordan, Ben Maddow; Música: Elmer Bernstein; Fotografía: Ernest Haller; Intérpretes: Robert Ryan, Aldo Ray, Robert Keith, Philip Pine, Nehemiah Persoff, Vic Morrow, James Edwards, L.Q. Jones, Scott Marlowe, Adam Kennedy, Race Gentry; Duración: 102 minutos.

Ganadora del León de Oro del Festival de Venecia fue también nominada al Oscar de la Academia de Hollywood en la categoría de Mejor Película Extranjera, y logró el David Di Donatello a la mejor película en galardón compartido con otro título que ya he reseñado en este coleccionable: El general de la Rovere. También tuvieron que compartir su David Di Donatello en la categoría a Mejor Actor los dos protagonistas, Vittorio Gassman y Alberto Sordi, que formaron en este largometraje uno de los mejores tándem de la historia del cine italiano. Sordi fue receptor además de una mención especial en el Festival de Venecia por su interpretación.

El origen de la película es la novela Day Without End, conocida también como Combat, escrita por Van Van Praag y publicada en 1949. El autor sirvió cinco años en el Ejército llegando a alcanzar el grado de second lieutenant, rango que en el Ejército español sería equivalente al de alférez. Combatió en Francia durante la Segunda Guerra Mundial donde fue herido, lo que le valió el retorno a casa. La película trasladó la acción desde la Francia de la Segunda Guerra Mundial a la guerra de Corea.

Debido a su tono realista, alejado de cualquier tipo de propaganda tuvo algunos problemas con la censura y fue prohibida a los menores de 18 años.

Anthony Mann, director bien asentado en el cine de acción y con notables muestras de wéstern en su filmografía, despliega una mirada amarga a las peripecias que viven los integrantes de un pelotón aislado de la 24 División de Infantería en septiembre de 1950. Han perdido contacto por radio y además el enemigo norcoreano se infiltra en sus líneas y asesina a los estadounidenses robando sus armas.

El guion se inspiró en la historia de Guy de Maupassant Dos amigos, así como en dos libros diferentes: Un año en el Altiplano de Emilio Lussu y Con me e con gli alpini de Piero Jahier. El escritor y periodista Carlo Salsa participó en el rodaje como consultor, ya que había combatido en las mismas áreas donde transcurre la película durante la Primera Guerra Mundial.

El argumento de la película sigue los pasos de dos tipos ordinarios metidos en una situación histórica extraordinaria, fórmula infalible. Dos tipos que en principio se enfrentan cuando uno intenta engañar al otro, pero luego traban amistad a pesar de ser dos personas totalmente diferentes.

Les une un objetivo común: salir de la guerra ilesos, lo que les llevará a intentar eludir por todos los medios a su alcance todos los peligros que se plantean en la guerra en 1916. Ardua tarea la suya que recuerda a la que emprenden los dos pícaros de La fortaleza escondida, dirigida por Akira Kurosawa en 1958. M.J.P.

El tono anticipaba ya la guerra de Vietnam y fue considerada por el ejército estadounidense ofensiva para la dignidad de los oficiales.

Robert Ryan borda un papel fabricado a su medida, el teniente Benson, uno de sus mejores trabajos. Desorientado, tiene que seguir unas vagas indicaciones para dirigirse a una colina que supuestamente permitirá a su pelotón volver a unirse a las fuerzas estadounidenses.

El director hizo de la necesidad virtud. Al no poder contar con extras, tanques y otros elementos del propio Ejército, contrario a la película, este maestro que ya había mostrado su habilidad en el uso del paisaje en su ciclo de películas del Oeste protagonizado por James Stewart, se volcó en convertir la localización en un aliado que le permitía subrayar la idea de que la guerra es el infierno. M.J.P.

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INVASIÓN EN BIRMANIA

ÉXODO

Merrill’s Marauders 1962; EE. UU.; Color; Director: Samuel Fuller; Guion: Milton Sperling, Samuel Fuller; Música: Howard Jackson; Fotografía: William H. Clothier; Intérpretes: Jeff Chandler, Ty Hardin, Peter Brown, Andrew Duggan, Will Hutchins, Claude Akins, Luz Valdez, John Hoyt, Charlie Briggs, Chuck Roberson, Chuck Hayward, Jack C. Williams, Chuck Hicks, Vaughan Wilson, Pancho Magalona; Duración: 98 minutos.

El guion se basa en el relato de Charlton Ogburn Jr. The Marauders publicado por primera vez por entregas en la revista Harper’s Magazine en 1957 y reunido en forma de libro en 1959. En él narraba la campaña de Birmania en la que participó como oficial de comunicaciones de los Merodeadores de Merrill, donde llegó a alcanzar el rango de capitán.

En un principio, Fuller pensó en Gary Cooper como protagonista, pero el actor rechazó el papel por razones de salud. Y acertó, porque las exigencias del rodaje le pasaron factura a su relevo en el papel protagonista, Jeff Chandler, quien se lesionó durante la filmación y hubo de someterse a una operación para corregir su hernia de disco que le provocó la muerte por lesión vascular y exanguinación.

Fuller aceptó dirigir este largometraje para que Warner Bros. le financiara su largamente acariciado proyecto de llevar al cine parte de sus propias experiencias como combatiente en Uno Rojo, división de choque, pero le tocó esperar más de una década para que ese otro proyecto pudiera llegar a la pantalla.

Presupuestada en un millón de dólares, la película incorpora una reflexión sobre las exigencias del liderato y la soledad del mando en las unidades militares, con la subtrama sutilmente planteada de la relación estilo “padrehijo” entre el personaje de Merrill interpretado por Jeff Chandler y el teniente Stockton, al que da vida Ty Hardin. Este último está inicialmente más unido a los soldados, pero a medida que progresan las exigencias de su mando se verá cada vez más aislado.

La película forma un buen dúo con Objetivo Birmania, clásico del género protagonizado por Errol Flynn, si bien no juega la baza de satanización del enemigo para servir a la propaganda. M.J.P.

Exodus 1960; EE. UU.; Color; Director: Otto Preminger; Guion: Dalton Trumbo; Música: Ernest Gold; Fotografía: Sam Leavitt; Intérpretes: Paul Newman, Eva Marie Saint, Ralph Richardson, Peter Lawford, Lee J. Cobb, Sal Mineo, John Derek, Hugh Griffith, Gregory Ratoff, Felix Aylmer, David Opatoshu, Jill Haworth; Duración: 208 minutos.

El Ejército británico se negó a colaborar con la película, porque consideraba que mostraba el terrorismo como una forma útil de conseguir objetivos y en esos momentos tenía un conflicto con la insurgencia griega que quería recuperar la isla de Chipre, donde se llevaba a cabo el rodaje. Lo que sí hicieron los soldados británicos fue poner una guardia a todos los fusiles y ametralladoras inservibles que se emplearon en la película por temor a que fueran robados por EOKA, organización nacionalista (según los griegos) o grupo terrorista (según los británicos), y empleados de nuevo en las acciones contra los ingleses.

El guion se basa en la novela de Leon Uris, en la que la animadversión hacia británicos y árabes está mucho más acentuada que en la película. El propio Uris declaró: “Yo quería contar una historia de Israel. Definitivamente, estoy sesgado. Soy claramente projudío”. Para una visión algo más equilibrada del asunto de la creación del Estado de Israel recomiendo el libro Oh, Jerusalén, de Dominic Lapierre y Larry Collins, que contó con una floja adaptación al cine en 2006 dirigida por Élie Chouraqui. Éxodo ganó el Oscar a la Mejor Música y recibió dos nominaciones al Mejor Actor de Reparto, Sal Mineo, y mejor Fotografía en color. Mineo ganó el Globo de Oro. El presupuesto de la película fue de cuatro millones de dólares y recaudó en Estados Unidos y Canadá más de ocho millones, acumulando una taquilla en todo el mundo de 20 millones de dólares.

Los protagonistas son una enfermera británica interpretada por Eva Marie Saint y un capitán condecorado de la Brigada Judía del Ejército británico durante la Segunda Guerra Mundial que pasa al Ejército judío, Haganah, iniciando la resistencia contra el denominado Mandato Británico en Palestina para conducir a la creación del Estado de Israel. M.J.P.

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EL AMANTE DE LA MUERTE The War Lover 1962; Reino Unido, EE. UU.; Blanco y negro; Director: Philip Leacock; Guion: Howard Koch; Música: Richard Addinsell; Fotografía: Robert Huke; Intérpretes: Steve McQueen, Robert Wagner, Shirley Anne Field, Gary Cockrell, Michael Crawford, Bill Edwards, Chuck Julian, Robert Easton, Al Waxman, Tom Busby, George Sperdakos, Bob Kanter, Jerry Stovin, Ed Bishop, Richard Leech, Bernard Braden, Sean Kelly, Charles De Temple, Neil McCallum; Duración: 105 minutos.

Interesante película en la que tienen protagonismo temático los bombardeos llevados a cabo por los Boeing B-17, las célebres fortalezas volantes. El protagonista de la trama es un arrogante piloto norteamericano con base en Inglaterra que desobedece órdenes con consecuencias catastróficas para su tripulación. El papel se lo ofrecieron a Warren Beatty, pero lo rechazó por ser parte responsable del divorcio del matrimonio de Natalie Wood con el que habría sido su compañero de reparto en este largometraje, Robert Wagner.

Beatty y Wagner no eran precisamente muy buenos amigos en ese momento.

Más bien todo lo contrario. Eso puso en el reparto como alternativa a Steve McQueen.

Pero las verdaderas protagonistas de la película eran en realidad las tres fortalezas volantes reales empleadas durante la filmación, que tuvieron que ser restauradas para resultar operativas de cara a la filmación.

El guion se basa en la novela escrita por John Hersey aunque se cambiaron los nombres de algunos personajes. Durante la Segunda Guerra Mundial Hersey trabajó como corresponsal en Europa y Asia para revistas como Time o Life. Logró sobrevivir a cuatro accidentes de avión y acompañó a las tropas aliadas en la invasión de Sicilia. También participó en la batalla de Guadalcanal y fue condecorado por ayudar a evacuar soldados heridos. El trabajo más recordado de Hersey fue un artículo publicado en la revista The New Yorker acerca de los efectos de la bomba atómica sobre la población de Hiroshima.

El largometraje utilizó algunos planos de la película Almas en la hoguera, y el doble de acción de Robert Wagner, Mike Reilly, falleció cuando participaba en la filmación de un salto en paracaídas. M.J.P.

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EL DÍA MÁS LARGO The Longest Day 1962; EE. UU.; Blanco y negro; Director: Ken Annakin, Andrew Marton, Gerd Oswald, Bernhard Wicki, Darryl F. Zanuck; Guion: Cornelius Ryan, Romain Gary, James Jones, David Pursall, Jack Seddon; Música: Maurice Jarre; Fotografía: Jean Bourgoin, Walter Wottitz; Intérpretes: John Wayne, Sean Connery, Mel Ferrer, Henry Fonda, Steve Forrest, Gert Fröbe, Curd Jürgens, Roddy McDowall, Sal Mineo, Robert Mitchum, Kenneth More, Robert Ryan, Rod Steiger; Duración: 178 minutos.

La película se rodó en 31 localizaciones diferentes y la mayor parte fue filmada en los campos de batalla reales del desembarco de Normandía incluyendo la ciudad de Ste. Mère Eglise. Parte del mismo también se llevó a cabo en Córcega y en el estudio Boulogne de París.

El punto de partida para esta ambiciosa muestra de superproducción fue el libro de Cornelius Ryan sobre el desembarco de Normandía. La película contó con la colaboración de los Gobiernos de Francia, Reino Unido, Alemania y Estados Unidos, y contó con la participación de algunos altos mandos que había participado en la batalla como consultores. Entre los más destacados estaban el general James M. Gavin, el general Günther Blumentritt, el general Max Pemsel, Lucie Rommel –viuda del mariscal de campo Erwin Rommel–, Marie-Pierre Koenig, que en aquel momento comandaba las fuerzas libres francesas, John Howard –que mandó el ataque al puente Pegasus– o Philippe Kieffer –que lideró el asalto a Ouistreham–.

Ryan comenzó a trabajar en el libro en 1949 realizando entrevistas a más de mil participantes en el conflicto, tanto a las fuerzas Aliadas entre las que incluyó a los civiles franceses como a las alemanas. Una vez reunida toda la información comenzó la escritura del libro en 1956 y el resultado de todo ese trabajo sería publicado tres años después convirtiéndose en un éxito.

Ganadora del Oscar a la Mejor Fotografía en blanco y negro y efectos especiales, y nominada a ese premio en las categorías de Película, Dirección Artística en blanco y negro y Montaje, logró también el Globo de Oro a la Mejor Fotografía y fue nominada a ese galardón como Mejor Película. M.J.P.

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55 DÍAS EN PEKÍN 55 Days At Peking

LAWRENCE DE ARABIA

1963; EE.UU.; Color; Director: Nicholas Ray; Guion: Robert Hamer, Philip Yordan, Bernard Gordon, Ben Barzman; Música: Dimitri Tiomkin; Fotografía: Jack Hildyard; Intérpretes: Charlton Heston, Ava Gardner, David Niven, Flora Robson, John Ireland, Harry Andrews, Leo Genn, Philippe Leroy, Alfredo Mayo, Conchita Montes, José Nieto, Carlos Casaravilla, Félix Dafauce, John Moulder-Brown, Fernando Sancho; Duración: 154 minutos.

1962; Reino Unido; Color; Director: David Lean; Guion: Robert Bolt, Michael Wilson; Música: Maurice Jarre; Fotografía: Freddie Young; Intérpretes: Peter O’Toole, Alec Guinness, Anthony Quinn, Jack Hawkins, Omar Sharif, José Ferrer, Anthony Quayle, Claude Rains, Arthur Kennedy, Donald Wolfit, I.S. Johar, Gamil Ratib, Michel Ray, John Dimech, Zia Mohyeddin, Howard Marion-Crawford, Jack Gwillim; Duración: 202 minutos.

Antes de 55 días en Pekín existía otro proyecto que también trataba la rebelión de los bóxers en China titulado The Hell Raisers y producido por Jerry Wald para 20th Century Fox. Entre los protagonistas, estaban Stephen Boyd, Hope Lang y France Nuyen. En dicho proyecto ya figuraba David Niven, pero intepretando a un militar británico y no a un diplomático. A principios de los sesenta el productor Samuel Bronston anunció su propio proyecto sobre el mismo tema cuyo título era 55 días en Pekín y para el que quería contar con Alec Guinness, Deborah Kerr y Katharine Hepburn en el papel de la emperatriz china. El anuncio de Bronston provocó cierto malestar en Wald, que ya llevaba tiempo preparando su película, y le obligó a presentar una queja ante la Motion Picture Association of America. Posteriormente, intentó convertir el proyecto en una película para televisión, pero la muerte de Wald dio al traste con el proyecto.

La duración de la película fue reducida a 187 minutos en un reestreno llevado a cabo en 1970. La versión restaurada a finales de los ochenta tenía una duración de 228 minutos, que es la que realmente ofrece en toda su brillantez el retrato épico del personaje construido por el director.

Charlton Heston inicialmente no quería a Ava Gardner como coprotagonista e intentó imponer a Jeanne Moreau en ese papel. No le salió la jugada, y finalmente tuvieron que darle la razón, porque Gardner dio problemas durante el rodaje, no le gustaba el guion y consumía alcohol en exceso. Bronston tampoco pudo contar finalmente con la anunciada Katharine Hepburn para interpretar el papel de la emperatriz china. Guy Green también participó en la película como director aunque finalmente no fue acreditado. Nicholas Ray realiza un cameo interpretando al embajador estadounidense. Paul Naschy (Jacinto Molina), estrella del terror hispano, también participó en la película como extra.

Rodada en Las Matas, Madrid, con presupuesto de unos diez millones de dólares. M.J.P.

El guion se basa en Los siete pilares de la sabiduría escrita por el arqueólogo, oficial del Ejército británico, escritor y diplomático T. E. Lawrence. Participó en la Primera Guerra Mundial combatiendo en la revuelta árabe contra el Imperio otomano y tomó parte en la toma de Damasco en octubre de 1918. En el libro, no solo cuenta sus experiencias durante el conflicto, sino que también incluía artículos sobre estrategia, la cultura árabe o notas geográficas. Algunos críticos con el libro han acusado a Lawrence de embellecer y mejorar algunas anéctodas como el viaje por la península del Sinaí desde Áqaba hasta el canal de Suez, que en el libro se narra como un trayecto de 49 horas sin interrupción mientras que en los propios libros de notas de Lawrence es descrito con una duración de 70 horas con algunas interrupciones para dormir. La primera edición del libro se publicó en 1926 aunque existe una versión resumida titulada Rebelión en el desierto que se publicó al año siguiente.

Dotada con quince millones de dólares de presupuesto y recaudando más de 70 millones de dólares en todo el mundo, fue la campeona de los Oscar, con premios en las categorías de Mejor Película, Director, Fotografía en color, Dirección Artística en color, Sonido, Montaje y Música. Fue nominada además en las categorías de Mejor Actor Protagonista, Secundario (Sharif) y Guion Adaptado. Sharif y O’Toole ganaron el Globo de Oro. M.J.P.

Grandes películas de Cine Bélico (XXIV) La salida de la década de los cincuenta y entrada en el cine de los sesenta incorpora a la oferta de cine bélico una curiosa característica.

El cambio de década se hizo eco, como no podía ser de otro modo, de lo que estaba ocurriendo en ese momento en todo el mundo. El proceso de descolonización genera tensiones entre las antiguas metrópolis y las colonias, que buscan la emancipación cada vez de forma más activa, eficaz y contundente. Eso, unido al enfrentamiento de los bloques con el avance de la Guerra Fría, genera las tensiones que van a conducir a distintos conflictos de los que se hace eco la pantalla grande.

Ya no será la Segunda Guerra Mundial la que monopolice las propuestas del cine bélico. En los años cincuenta, el cine había ido incorporando conflictos más cercanos en el tiempo, como Corea, y es a finales de esa década cuando con La colina de los diablos de acero da otra vuelta de tuerca al género para convertirlo en premonitorio de algunas de las características que van a darse en la guerra de Vietnam.

En dicha película había desaparecido ya todo rastro de propaganda bélica para trastocarse en crítica a la guerra desde unas tesis antibelicistas que, manejadas con habilidad por el director, no privaban sin embargo al producto de seguir explotando la propia guerra como entretenimiento. Se rebaja el tono de aventuras para subrayar unas claves más propias del existencialismo en el arco de desarrollo de cada personaje, reformulando las propuestas de heroísmo patriótico por las de supervivencia, desorientación y lealtad hacia los compañeros.

La otra cara de esa misma moneda de anticipo del conflicto en Vietnam la encontramos en un clásico del género bélico dirigido por Samuel Fuller, veterano él mismo de la Segunda Guerra Mundial: Invasión en Birmania, donde se sigue una acción y personajes reales de dicho conflicto, con verosimilitud pero sin caer en el claro antibelicismo de La colina de los diablos de acero.

Otra operación totalmente distinta pero igualmente real era la base para El día más largo, superproducción de casi ocho millones de dólares de presupuesto que alcanzó en todo el mundo una taquilla que superó los 50 millones recreando el desembarco de Normandía, firmada por tres realizadores, ocupado cada uno en rodar el aporte a

la operación de franceses e ingleses (Ken Annakin), alemanes (Bernhard Wicki), y estadounidenses (Andrew Marton), contando con un nutrido reparto de estrellas.

Otro tema clave de la Segunda Guerra Mundial, los bombardeos de Alemania desde las fortalezas volantes aliadas, queda ilustrado por El amante del amor, que fue comparada negativamente con otra película de tema similar, Almas en la hoguera, y más allá de su tópico juego sentimental a tres bandas como epicentro argumental, con dos pilotos y una muchacha a la que ambos pretenden, es interesante por haber hecho regresar a los cielos para la filmación a tres fortalezas volantes reales, peripecia de rodaje particularmente compleja que luego daría lugar al libro Everything But the Flak, escrito por uno de sus pilotos, Martin Caidin.

Pero estas no serán las únicas opciones manejadas en el bélico de los sesenta, como vamos a ver en esta y en las próximas entregas, que para transmitir esta nueva naturaleza antibelicista y en algunos casos incluso pacifista de sus propuestas también puede incorporar en tono retro propuestas argumentales ambientadas en la Primera Guerra Mundial. Es el caso de La Gran Guerra, producción italiana que navega entre la comedia y el drama animada por un cierto optimismo picaresco mediterráneo no exento de toques de tragedia. El largometraje es el ejemplo perfecto de película antibelicista, siguiendo todas las fases de una película bélica propagandística pero con dos protagonistas empeñados en salir vivos de la guerra, alejándose de todos los peligros. Éxodo, película que sin duda le habría gustado protagonizar a Jeff Chandler, protagonista de Invasión en Birmania y sionista convencido, aborda la fundación del Estado de Israel, que va a dar lugar a los distintos enfrentamientos de las guerras del conflicto árabe-israelí, forjadas sobre las promesas en falso de los británicos en torno al territorio de Palestina que se iniciaron ya en la Primera Guerra Mundial y a las que se alude también en Lawrence de Arabia, otro titulo básico en clave de superproducción que puede forjar un buen programa doble sobre este asunto e incorporamos en esta entrega, además de abordarlo en la sección de análisis de este mismo número de la revista.

La mirada a los conflictos de todas las épocas de esta selección se completa con un clásico de las guerras coloniales, 55 días en Pekín, filmado en Madrid y centrado en la guerra de las potencias europeas contra el levantamiento de los bóxers en China.

Miguel Juan Payán

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MALDICIONES EN EL CINE

Gimme Shelter

(1970) de los hermanos Maysles y Charlotte Zwerin

empezara a sonar. Las malas vibraciones se hicieron notar nada más aterrizar allí los Rolling cuando, de camino a su camerino, Mick Jagger recibió un manotazo en la cara por parte de un fan.

El concierto previo de Jefferson Airplane habría bastado para cancelar toda aquella locura. Por algún motivo no del todo aclarado, y con cerveza gratis como único emolumento, la seguridad recayó en los Hell’s Angels, los Ángeles del Infierno, el club motero que entonces gozaba de predicamento en la contracultura estadounidense. Colocaron sus Harley Davidson como barrera de seguridad y para evitar que ningún espontáneo invadiera el escenario. Sabido era que sus motos constituían para ellos un objeto sagrado, por lo que pensaban que nadie osaría rozarlas. Se equivocaron: parte del público logró subirse al stage y, en medio de una lluvia de puñetazos, el cantante de los Jefferson fue noqueado.

El segundo y definitivo asalto se produjo ya con los Rolling en escena. “Keith, deja de tocar... ¡Hermanos, hermanas! ¡Parad!”, se le escucha decir a Jagger, que tuvo que interrumpir “Sympathy for the Devil”. ¿El motivo? Los Ángeles del Infierno se estaban empleando a fondo con los más revoltosos. Después, De las cuatro personas que fallecieron, dos fueron por atro- cuando creían que la situación se había calmado, la pello, otro ahogado tras abusar de las drogas y el cuarto, banda comenzó a tocar “Under my Thumb”, mientras Jagger intentaba, con sus reconocibles contoneos, Meredith Hunter, un joven de 18 años, pereció apuñalado. levantar a un público asustado. Uno de los fans, Meredith Hunter, de raza negra y destacable por un traje de intenso color verde, trataba de alcanzar el escenario. Después de ser que actuarían Santana, Jefferson Airplane, The Flying Burrito Brotgolpeado por un vigilante, regresó para encararse con su agresor. hers, The Grateful Dead y, como guinda, los Rolling Stones, que Las cámaras lo captaron: Meredith sacó una pistola del calibre 22, cerrarían así su gira americana. La primera mitad de Gimme Shelacto que fue respondido por un Ángel del Infierno con una puñalada. ter se centra en los preparativos del evento, toda una pesadilla Recibió cinco en total. Y los Rolling, según afirmaron tras la actualogística: hasta muy pocos días antes no se conoció la ubicación ción, no fueron conscientes de lo ocurrido. El show continuó. definitiva y encargada de cobijar a cientos de miles de personas.

El documental demostró que el acusado, Alan Passaro, actuó Tras varios problemas legales, la zona escogida fue una pista de en defensa propia. También le ayudó el hecho de que los análisis carreras abandonada en Altamont, en el condado de Alameda. revelaran que Meredith estaba bajo la influencia de las drogas. Con El documental de autor que los realizadores tenían en su todo, su destino fue tan siniestro como el de su víctima: en 1985, el cabeza acabó asemejándose más a una corresponsalía de guerra, cadáver de Passaro fue hallado flotando en un lago, en una muerte con secuencias dignas de Apocalypse Now (1979). Hombres y tildada de “sospechosa”. Así se cerró una espiral de violencia inimujeres desnudos, correteando entre los niños pequeños que trajo ciada durante un día marcado en negro en la historia del rock. parte del público, con camellos acechando en cada esquina y rodeados de varios cuerpos tendidos e inertes embriagados no precisaJaime V. Echagüe mente de amor. Y todo ello horas antes de que la música siquiera imme Shelter (1970) no solo es la crónica en vivo del concierto más catastrófico de la historia: el ofrecido el 6 de diciembre de 1969 por The Rolling Stones en Altamont, California, donde congregaron a más de 300 000 personas y de las cuales cuatro jamás regresaron a casa. Este documental filmado por los hermanos Albert y David Maysles y Charlotte Zwerin, exponentes de la corriente direct cinema, llegó, sin proponérselo, aún más lejos: erigirse en epitafio de un movimiento, el hippie, seriamente tocado tras los recientes asesinatos de la familia Manson. Su metraje revela que no hubo paz, amor o inocencia aquel día, pero sí (mucho) LSD, caos y muerte. De las cuatro personas que fallecieron, dos fueron por atropello, otro ahogado tras abusar de las drogas y el cuarto, Meredith Hunter, un joven de 18 años, pereció apuñalado. Un momento fatal, este último, que quedó inmortalizado.

El concierto de Altamont iba a ser la cita musical del año. El “Woodstock de la Costa Oeste”, decían. Un festival gratuito en el

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ANÁLISIS DE CINE 1

LAWRENCE DE ARABIA

n el año 1962 y como consecuencia del proceso de descolonización iniciado tras la Segunda Guerra Mundial, un personaje como Lawrence de Arabia adquiría particular relevancia histórica reforzada por el estreno de la película de David Lean.

El Lawrence de Lean representaba en cierto modo la obsesión de las potencias coloniales por definirse a sí mismas mirándose en el espejo de sus colonias. Definirse, reinventarse, mejorar su imagen, conseguir aquello que no habían conseguido como metrópolis.

En el momento clave de la película, Lawrence (Peter O’Toole) abandona su uniforme británico y sale al desierto vestido con el traje de beduino, símbolo de la confianza que se ha ganado entre los hombres de Sherif Ali (Omar Sharif). Cree haber renacido, haberse encontrado realmente a sí mismo (foto 1), pero siempre está frente a su sombra. Lean saca el máximo partido al delicado equilibrio que mantiene en todo momento la película entre el desierto y el hombre, de forma que el desierto redefine al hombre en una lección de utilización del paisaje a un nivel que iguala a John Ford.

Lo más interesante de Lawrence de Arabia es su capacidad para desenvolverse como un gran espectáculo en clave de tragedia épica cuando en rea-

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lidad es sobre todo un drama intimista.

El viaje interior del protagonista es más interesante que el viaje exterior.

La primera imagen que nos propone Lean es la del protagonista filmado en picado, al que no vemos el rostro, arreglando su moto como un tipo normal y corriente que incluso sale y entra en el plano cuando va a buscar herramientas en una genial propuesta de cotidianeidad (foto 2), en la que destaca la sombra que sigue al hombre. Es interesante cómo al salir con la moto tropieza con un premonitorio cartel que anuncia el peligro en la carretera en la que finalmente encontrará la muerte que completa el proceso de mitificación del personaje que nos lleva hasta la iglesia en la que se le rinde culto como héroe, y la pregunta clave del sacerdote a uno de los que le conocieron: “¿Merecía estar aquí?”, dando paso al desfile de personajes que se cruzaron con él e incluso le estrecharon la mano o contribuyeron a convertirle en mito, como el periodista estadounidense, pero realmente nunca llegaron a conocerlo, como explica el general Allenby, el superior que le engañó para convertirle en instrumento del imperialismo franco-británico en Arabia, cuando afirma: “Realmente no puedo alardear de haberle conocido” (foto 3).

Todo ello se da cita en la interpretación de T. E. Lawrence que hace

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CLÁSICOS IMPRESCINDIBLES Lean en una clave de tragedia épica donde otra gran obra que trabajaba con este mismo asunto, la novela El corazón de las tinieblas, de Joseph Conrad, trabajaba acercándose más al territorio de lo siniestro. No es casualidad que la novela de Conrad girara en torno a la incógnita que se plantean en uno de los diálogos de la película de Lean los superiores de Lawrence: ¿se habrá vuelto este “nativo”? Queda bien expresado en el plano general del primer encuentro con el general Allenby (foto 4), que comienza con un leve picado sobre Lawrence y luego un movimiento de cámara en el que el poder de Allenby es presentado antes que el propio general por sus emblemas de mando, la gorra y el bastón sobre la mesa. El uso del espacio que separa a los personajes, y a Lawrence de la mesa del general, es clave.

Ese fenómeno del colonizador abducido por lo nativo lo encontramos en una secuencia clave de la película: el momento en el que tras volver a rescatar al hombre perdido en el desierto, Lawrence regresa al campamento y es recibido como un líder, y mientras se recupera en la noche Sherif Ali, su hasta ese momento reticente aliado en la travesía del desierto que les permitirá atacar y tomar Áqaba, le pregunta por sus orígenes, a lo que Lawrence contesta aludiendo al padre que nunca le reconoció porque fue un hijo ilegítimo (foto 5). Queda claro lo que busca Lawrence en esa aventura en Arabia: un lugar en el mundo, una identidad que no ha podido encontrar entre los ingleses y que quiere encontrar entre los árabes.

Son interesantes las alusiones a una especie de cristología laica asociada a Lawrence que se acumulan en la película, subrayando que en el fondo no es un “elegido” con especiales cualidades, sino solo un ser humano profundamente desorientado que busca, y encuentra su verdadera identidad, aunque no como él esperaba, resolviendo una situación excepcional. El “mesías” que surge del desierto y más tarde propondrá a sus seguidores, en tono de broma, que caminen con él sobre las aguas. Lean incluso subraya eso poniéndole a saltar sobre un charco (foto 6), justo antes de su caída y martirio a manos de los turcos en su revelador encuentro con el oficial enemigo (José Ferrer, foto 7), tras cuya puerta se oculta la verdad que más le dolerá descubrir a Lawrence: que no puede reinventarse como beduino.

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En lugar de revelar su naturaleza sobrenatural, ese martirio revela sobre todo su humanidad y su naturaleza de hombre corriente, dando paso además a su peor versión de sí mismo, entregada a la autocompasión y la venganza, como demuestra la sangrienta matanza que lidera contra los turcos que se retiran.

En ella, veremos a Lawrence con cuchillo ensangrentado en la mano (foto 8), la versión más baja y brutal de sí mismo, con el traje del desierto sucio y corrompido por la muerte, convertido en un sudario para el “mesías” que se nos presentó en el desierto con el limpio traje de beduino antes de tomar Áqaba, completando así la dualidad del hombre con su parte de barbarie.

La película es un viaje de “renacimiento” y “muerte” de ese falso elegido en el que el protagonista descubre que solo es un hombre. Un viaje asociado a ese traje del desierto y a dos figuras claves árabes cuya presentación es ejercicio magistral de David Lean como director, porque son realmente una escuela de cómo tratar a los aliados en la fórmula del viaje del héroe propuesta por el mitólogo Joseph Campbell en su libro El héroe de las mil caras.

Sherif Ali es presentado en un excelente momento de suspense que juega bien con el tiempo, como una figura lejana que al principio parece un espejismo, y cuando se materializa se convierte primero en símbolo del estereotipo de barbarie primitiva, blanco del prejuicio del británico Lawrence, más tarde en guía y finalmente en conciencia de Lawrence en la matanza final de los turcos (foto 9).

Lean presenta al otro aliado de Lawrence, Auda Abu Tayi (Anthony Quinn) de espaldas a la cámara, testigo mudo y escéptico de la “resurrección” de Lawrence en el desierto (foto 10), que juega como un niño frente a ese auténtico guerrero beduino. Detalle: ambos beduinos se creen distintos, pero al encontrarse con Lawrence reivindican lo mismo: su propiedad de los pozos.

Estos tres personajes forman una especie de trinidad de héroes frente a los manipuladores que los van a corromper utilizándonos como herramientas, títeres, para llevar a efecto los intereses de la política y el imperialismo, como explicará el príncipe Faisal (Alec Guinness), en el desenlace, cuando afirma que ha pasado el tiempo de la guerra y de los jóvenes, y que llega el tiempo de la paz, la policía, las alianzas y los viejos.

Miguel Juan Payán

ANÁLISIS DE CINE 1

econocida como una de las grandes películas de los noventa y, sobre todo, una de las películas que marcó la carrera de su director y protagonista, Braveheart (1995), dirigida y protagonizada por un Mel Gibson posiblemente en la cima de su carrera, que demostró que sus intenciones como realizador iban más allá de un mero capricho de estrella. Con Breveheart consiguió dos estatuillas de la Academia a Mejor Director y Mejor Película. Y además redefinió lo que era el cine épico en una época en la que ese tipo de grandes producciones históricas no estaban en su mejor momento ni en la taquilla ni en las entregas de premios. Cine de época había, seguía existiendo, claro. Pero producciones históricas que se centraban en figuras de grandes líderes y guerreros, no era lo habitual en 1995. Pero Gibson tenía muy claro de dónde le venía la inspiración y quiénes eran sus referentes visuales. Desde las grandes producciones de Samuel Bronston a las películas de John Ford con Irlanda de trasfondo. Y además siendo capaz de crear imágenes icónicas como el discurso (foto 1) previo a la primera gran batalla. Un momento en el que ya empiezan a descubrirse algunas de las armas narrativas del cineasta, con ese ejér-

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BRAVEHEART 2

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cito que se interpone entre la cámara y William Wallace (Mel Gibson), aumentando la profundidad de campo.

Curiosamente, el mismo año que Braveheart ganó su Oscar a Mejor Película hubo otras dos que redefinían el género. Por un lado, la cinta de época Sentido y sensibilidad, y por otro, Apolo 13, que empleaba la épica, pero en otro sentido completamente distinto. Una película de otra época, contada con otros mimbres (y con un presupuesto elevado para su tiempo, 70 millones de dólares), ganaba la estatuilla empleando elementos de cine clásico, olvidados por muchos y que no deben ser confundidos con academicistas, algo que se ha relacionado en muchas ocasiones con las películas dirigidas por Ron Howard, responsable de Apolo 13. La propia presentación del personaje villano, interpretado por Patrick McGoohan, sirve de ejemplo (foto 2) con el personaje en un fondo y elementos separándolo de la acción principal, que es el hecho de que su hijo se está casando. Porque lo que importa es el movimiento de ajedrez y lo que supone para él. De esos momentos en los que el cineasta complementa diversos campos visuales. Pero como decíamos, también hay mucho heredado de ese cine, especialmente también de lo que se

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CLÁSICOS IMPRESCINDIBLES escondía en las películas de John Ford, con esos momentos de grandes escenarios naturales (foto 3), que no solo sentaban la localización de la acción, sino que se convertían en personajes por derecho propio. Es más, en este caso son aliados de los protagonistas. Protegen, ayudan, esconden…

Además, el propio Gibson aprovecha elementos de otros géneros en los que, por ejemplo, destacó el propio Ford, como es el wéstern. Recordemos aquí la necesidad de, si no han visto la película, dejar de leer en este momento, para evitar spoilers que pueden llegar a continuación. Uno de ellos tiene que ver con la trampa preparada para el protagonista cuando capturan a su esposa. La entrada de Gibson en el poblado sabiendo lo sucedido y determinado a hacer lo que tiene que hacer, es un wéstern en el que el protagonista (foto 4), se adentra en una ciudad sin ley, rodeado de bandidos. O el bandido rodeado de corruptos agentes de la ley, sustituyendo la arena por el humo de las hogueras, lo que aumenta la sensación irreal de lo que estamos viviendo. Algo que el personaje no quiere ver, no quiere asumir. La realidad de la tragedia que ha sucedido. Y aunque evidentemente no estamos ante una comedia, sí es cierto que hay elementos de humor y comedia, pero para aplicarlos, Gibson no rompe las reglas que él mismo ha establecido.

En la escena en el bosque, con la llegada del personaje irlandés (foto 5), no solo encontramos que la acción está segmentada en capas antes de llegar al punto importante, con un círculo que rodea al nuevo personaje.

Gibson además de aprovechar los puntos de interés de la imagen para hacer patente en uno de ellos cuál es el protagonista de la escena, esa incorporación, emplea las armas de los personajes como flechas que nos indican la dirección en la que debemos seguir la acción.

Eso nos lleva a la primera gran batalla de la película, ese momento en el que los personajes se enfrentan al invasor inglés por su libertad. Ya hemos visto ese discurso en el que Wallace se convierte en líder de esta rebelión, pero eso nos deja con la propia batalla en sí. Hay un elemento que analizar realmente interesante que, por un lado, hace más personal la guerra y, por otro, elimina cualquier restricción de presupuesto. En una época en la que los ejércitos no

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podían generarse por ordenador para replicar multitudinarias batallas y había que recurrir simplemente a los extras y la buena dirección. Gibson coloca al frente a los personajes, en unos planos medios que definen las batallas de forma personal (foto 6), pero además no deja que nos centremos en la historia de los extras al fondo. Lo frontal en esta ocasión es demasiado fascinante. Pero siempre hay más elementos en primer plano, poniendo más capas en la realización y composición del plano. Evidentemente no solo de esos elementos de épica puede vivir la película. Su pasión por los personajes y sus pequeñas historias tiene peso en la trama romántica, dos de hecho en la película, pero sobre todo en la gran historia de amor de Wallace que le persigue como un fantasma. Si vemos la charla con su esposa o su fantasma (foto 7), ahí tenemos nuevamente ese aspecto de sueño, de ensoñación en la que las sombras, la luz y la niebla componen un plano que es tan real como ficticio, y que no solo sirve para este tipo de historias. Solo hay que revisar las “venganzas” de Wallace tras la derrota.

Unas venganzas que finalmente nos llevan al paisaje y al terreno como aliado, como personaje protector que cuida de los personajes para que su empresa tenga sentido y sea fructífera (foto 8), y que además es uno de los momentos más icónicos de la película también. Otra cosa que tener en cuenta, su facilidad para crear iconos.

Y para aprovechar e identificar elementos de la iconografía cristiana, como el martirio final de Wallace. Su momento final supone una especie de crucifixión alterada (foto 9), que consigue que sintamos el dolor que experimenta el personaje y su grito de libertad. Pero lo hace sin sangre, en una película llena de amputaciones y momentos extremadamente sangrientos en las batallas, lo que confiere un aspecto casi espiritual a la escena. Y nos traslada al final, al personaje que históricamente sería recordado como liberador de Escocia, el nuevo rey, quien no supo apoyar a su mejor aliado. Esa escena final, que recuerda el momento que vivimos en la primera batalla con Wallace (foto 10), y que ha sido homenajeado en más de una ocasión, es el cierre épico perfecto a la historia, en un punto álgido, recogiendo una merecida victoria ante el espectador.

Jesús Usero

GRANDES DIRECTORES

ROBERTO ROSSELLINI

s junto con Vittorio De Sica, Luchino Visconti y Giuseppe De Santis uno de los cuatro padres del neorrealismo italiano, nacido con la aparición de lo que se ha dado en etiquetar como cines nacionales (Italia, Japón, la India…) que impusieron en la historia filmográfica películas creadas en países que previamente no habían tenido protagonismo destacado con continuidad en la escena internacional.

Sobre dicho movimiento, Rossellini explicó: “El neorrealismo es un punto de vista moral desde el que se contempla el mundo. Después se convierte en un punto de vista estético; pero el punto de partida es ciertamente moral”.

Procedente de una familia de la burguesía, su padre, Angiolo Giuseppe Rossellini, estaba relacionado con el cine como propietario de un teatro en Roma, local en el cual, además, fue pionero en la proyección de películas. Desde ese origen, que también llevó a su hermano, Renzo Rossellini, a trabajar para la industria cinematográfica incipiente que se iba creando en Italia, Roberto Rossellini se inició como técnico de sonido, rodó cortometrajes –entre otros, el documental Fantasía submarina (1940)– y debutó en el largometraje con tres películas rodadas cuando Benito Mussolini todavía estaba en el poder, etiquetadas por algunos historiadores como la “trilogía fascista” y compuesta por los filmes La nave blanca (1941), Un piloto regresa (1942) y El hombre de la cruz (1943).

Fue un curioso principio para una filmografía que apenas dos años más tarde iba a arrancar el neorrealismo italiano, movimiento que se nutría y hacía eco de la lucha partisana contra fascistas y alemanes que se había dado en Italia entre 1943 y 1945, cuyo objetivo común era la regeneración moral del país. Tal y como apuntó Giuseppe De Santis: “El padre y la madre del neorrealismo son la caída del fascismo de Mussolini y la lucha de liberación. Sin estos dos grandes acontecimientos históricos, el neorrealismo no podría nacer”.

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GRANDES DIRECTORES

Ingrid Bergman y Roberto Rossellini en Stromboli tierra de dios

Rossellini sería uno de los primeros en poner en pantalla el neorrealismo con Roma, ciudad abierta (1945), título clave de esta corriente cinematográfica heredera de la prensa clandestina, las canciones, los pasquines y las historias contadas junto al fuego que habían servido para que los dispersos grupos de guerrilleros partisanos se mantuvieran conectados, en una dinámica que trasladada al cine proporcionó por primera vez a las masas italianas la sensación de que por primera vez no solo compartían la misma experiencia, sino que eran tan protagonistas de los hechos vividos como los creadores de las historias, poetas, novelistas, cineastas.

Vida y obra Roberto Rossellini nació en Roma el 8 de mayo de 1906, y en esa misma ciudad falleció el 3 de junio de 1977 víctima de un ataque al corazón.

Tras la denominada “trilogía fascista”, que junto con sus vínculos con el segundo hijo de Benito Mussolini, el crítico y productor Vittorio Mussolini, le había permitido iniciarse en la dirección, rodó la emblemática película antifascista Roma, ciudad abierta, en cuyo guion participó su amigo Federico Fellini, dando comienzo así otra fase de su filmografía, la “trilogía de la guerra”, compuesta por este largometraje junto con el conjunto de distintos fragmentos que integran Paisá/Camarada (1946) y Alemania, año cero (1948), en la que sacó el neorrealismo de Italia y de Roma, para llevarlo a otro paisaje devastado: el de Berlín.

En todas ellas, como en otros títulos del neorrealismo, tales como El limpiabotas (1946) y Ladrón de bicicletas (1948) de Vittorio De Sica, o Bellísima (1951), los niños aparecen, desde su inocencia frente a lo acontecido durante la etapa fascista de Mussolini, Rosellini con Anna Magnani en el doblaje de Roma ciudad abierta

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como elemento de redención que perdona a los adultos. El final de los niños silbando para evitar que sus hermanos y padres disparen contra el sacerdote en Roma, ciudad abierta, y el plano final de esa misma película, con esos mismos niños reeditando la Marcha sobre Roma que había llevado a Mussolini hasta el poder son suficientemente evocadores de este concepto en la filmografía de Rossellini.

Definido como el director más católico del neorrealismo italiano, tuvo problemas con el Vaticano cuando estrenó El amor, cuyo primer fragmento, “La voz humana”, adaptando la obra de Jean Cocteau, completaba con un segundo relato, El milagro, basado en una historia de Federico Fellini, que además interpretaba el papel de un vagabundo que seduce y viola a una mujer que está cuidando ganado en la montaña y le confunde con un santo enviado por el cielo.

La siguiente fase de su carrera estuvo marcada por su relación sentimental con la actriz Ingrid Bergman, que deja huella en su filmografía a través de las películas Stromboli, tierra de Dios (1950), Europa 51 (1952), Seamos mujeres (1953), documental sobre actrices en el que dirige el fragmento protagonizado por Bergman, mientras que Visconti realiza el de Magnani, Te querré siempre (1954), Ya no creo en el amor (1954) y Juana de Arco al rojo (1954), respuesta a la película que en 1948 había protagonizado Ingrid Bergman a las órdenes de Victor Fleming en Hollywood.

Otros títulos destacados de su filmografía son Francesco, juglar de Dios (1950), El general de la Rovere (1959), Fugitivos en la noche (1960), Viva Italia (1961), Vanina Vanini (1961), Anima nera (1962), y su contribución al largometraje conjunto Ro.Go.Pa.G (1963), junto a Jean-Luc Godard, Pier Paolo Pasolini y Ugo Gregoretti, en el que dirigió el fragmento titulado “Illibatezza”.

Creador inquieto, en la última etapa de su vida se interesó por las nuevas posibilidades de lenguaje e inmediatez que ofrecía la televisión, trabajando para ese medio en documentales y filmando una entrevista a Salvador Allende, presidente de Chile.

Algunas claves de su cine Obsesionado por los milagros internos de la personalidad humana, trata la muerte como experiencia metafísica, no con la teatralidad de Visconti, la desesperación de Antonioni, la causalidad y las emociones de Fellini…

Es el más intuitivo y menos formalista de los neorrealistas y aplica una complicidad de la cámara con la realidad que prescinde de efectos cinematográficos, con el objetivo impasible.

En la trilogía de la guerra retrata la repercusión de los grandes acontecimientos sobre la gente común.

Sus películas suelen presentar la vida como mosaico: Roma, Paisá, Alemania, año cero son ejemplo de ello.

Cuando le acusaron de haber traicionado al neorrealismo para irse a hacer películas puestas al servicio del lucimiento de una estrella –Ingrid Bergman–, declaró: “Creo que todavía soy el mismo ser humano y veo las cosas de la misma manera, pero no podemos evitar interesarnos por otros temas o probar nuevas direcciones; no podemos pasarnos la vida rodando filmes en ciudades bombardeadas. Todos nosotros cometemos con frecuencia el error de dejarnos hipnotizar por cierto ambiente, por la atmósfera de un determinado momento. Pero la vida ha cambiado, ya ha acabado la guerra y se han reconstruido las ciudades. Lo que necesitábamos era un cine de reconstrucción”.

Cuando le preguntaron sobre la improvisación en sus rodajes, contestó: “En parte eso es un mito. Pero nunca he entendido muy bien la necesidad de tener un guion, como no sea para tranquilizar a los productores”.

No improvisaba el diálogo, aunque lo ocultaba a propósito hasta el último momento para que los actores no se acostumbrasen, ensayando poco y rodando rápidamente, sin demasiados planos, buscando la espontaneidad en la interpretación.

Miguel Juan Payán

VIVE Y DEJA MORIR Tras una década haciendo películas sobre James Bond, Cubby conocía a la perfección la sensibilidad de su público y que le seducía”. Con estas palabras, el magnate Howard Hughes describía el trabajo del productor Albert Broccoli en la franquicia de James Bond, unas grandes palabras hacia un gran amigo y que justificaban la implicación de Hughes en esta película.

Corría el año 1972 y la próxima película de James Bond ya estaba en camino, y los productores, una vez más, se encontraron con el hecho de que no tenían actor para interpretar al espía inglés.

Tom Mankiewicz había querido tantear de nuevo a Connery para volver al personaje, pero este se había negado diciendo que solo había dos cosas que desease: un campo de golf y un banco, lo primero ya lo tenía, y el banco estaba en camino.

Con esta negativa definitiva por parte del actor, los productores se pusieron manos a la obra para buscar a otro actor que diera vida a su personaje cinematográfico. Entre el 5 y el 7 de junio de 1972, Jeremy Brett, Julian Glover y David Warbeck hicieron sus pruebas para interpretar al espía creado por Ian Fleming. Pero otro actor estaba en la mente de los productores, Roger Moore, quien ya había estado en algún que otro comentario en la época de Diamantes para la eternidad, no paraba de rondar en la mente de estos dos productores. De manera que como se había quedado libre, ya que Moore había renunciado a salir en una segunda temporada de Los persuasores, se quedó con el papel. Moore era el candidato perfecto para Fleming, mucho menos rudo y con más clase que Con-

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nery. Cubby definía a Moore como alguien que podía haber abandonado los estudios en una escuela privada, guapo y con el toque añadido del humor de David Niven.

Una vez solventado el asunto de tener a la estrella principal, faltaban los otros dos actores principales, la chica Bond y el villano.

Para el rol de chica Bond, la vidente y pitonisa del villano de nombre Solitaire, Broccoli y Saltzman pensaron en la actriz Diana Ross, aunque después de ver a Jane Seymour en el papel de Emma Callon en la serie The Onedin Line, la actriz les pareció electrizante.

Tanto que Broccoli y Saltzman contactaron con ella por separado y sin que el otro lo supiera. Seymour terminó de convencer cuando se quitó el gorro en la reunión con los productores y dejó caer su cabellera sobre sus hombros. Saltzman exclamó: “Queremos darte el papel protagonista”.

Para preparar su personaje como tarotista, Jane Seymour hizo que le tirase las cartas una tarotista profesional.

El papel de villano en esta película fue a parar en manos del joven actor Yaphet Kotto. Su casting fue el más curioso de todos los actores que han aparecido en las películas Bond, no hizo ningún tipo de prueba, ni siquiera sabía que buscaban a un actor para una de Bond. Kotto se encontraba trabajando en el filme Pánico en la calle 110, cuando un hombre se le acercó y le preguntó qué haría cuando terminara la película, a lo que el actor afroamericano respondió que no sabía, que se iría a casa a descansar seguramente. El desconocido le dijo que se olvidara de descansar, que se reuniera con Guy Hamilton y Harry Saltzman en Nueva York y que más tarde viajaría a Inglaterra. Ese desconocido era David Picker, presidente en aquella época de United Artists y Kotto interpretaría a Mr. Big.

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Vive y deja morir

El guion Tom Mankiewicz presentó un primer borrador el 5 de mayo del 72, de 116 páginas, en el que había escenas como en las que el Barón Samedi asesinaba a un hombre blanco con un machete y una persecución de este, y el final mostraba a Bond y a Solitaire cayendo por un arrecife mientras unos tiburones atacaban a Mr. Big en su lancha.

Un segundo borrador firmado también por Mankiewicz se presentó el 9 de junio de ese año, seguía incluyendo ese final con la lancha, pero Mr. Big no moría por los tiburones, sino inflado como un globo después de tragarse un perdigón de gas presurizado.

En el guion del rodaje, entregado en octubre de 1972 y con 120 páginas, se incluía a Bond y a Kananga luchando en una gruta submarina.

El equipo empezó a rodar el 9 de octubre de 1972 en Luisiana.

La música Paul McCartney, excomponente de Los Beattles hizo las paces con la franquicia Bond trascurridos casi diez años desde que en la película de James Bond contra Goldfinger, Bond hiciera ese chiste sobre beber Dom Perignon a cierta temperatura y escuchar a los Beattles sin taparse los oídos.

MacCartney le envió una canción de prueba al productor Harry Saltzman, la cual, en un principio, no le gustó, pero entre Guy Hamilton y George Martin le hicieron ver que McCartney era una gran apuesta para la película. De esta manera, Paul y Linda McCartney compusieron la canción principal, Paul la interpretó con su grupo Wings y George Martin se encargaría de la música que acompañaría al filme. Martin incluyó algunas estrofas del tema principal a lo largo de toda la película. Un resultado bastante bueno.

El estreno La película fue estrenada en primer lugar en Estados Unidos, el 27 de junio de 1973, con un gran éxito de público y taquilla, un

evento que contó, como maestro de ceremonias y presentador a Sammy Davis Jr., quien hizo aún más divertida la velada.

Lector curioso Si aún, amigo lector, se ha quedado con ganas de saber más sobre este filme, aquí van algunas anécdotas.

• En los primeros borradores del guion, el personaje del villano se llamaría Jakaja, nombre que al final se cambió por Kananga, como agradecimiento a Ross Kananga, quien hizo de doble de Moore en la granja de cocodrilos y dueño de ella.

• Los productores contrataron a un guardaespaldas para que los acompañase al barrio de Harlem, muy conflictivo y peligroso, este no se presentó en el lugar señalado, de manera que visitaron el barrio solos y al volver a su hotel se encontraron con un mensaje de dicho guardaespaldas pidiendo perdón por no asistir y comunicando que había sido atracado cuando iba de camino a su cita con ellos.

• La baraja de tarot que vemos en la película fue diseñada por Fergus Hall y se puso a la venta el mismo año del estreno. Desde 1982 se vende como el “tarot de las brujas”.

Lector viajero Una gran oportunidad para visitar parajes exóticos que nos ofrece esta película.

• Tienda de vudú, en el número 33 de East de 65th Street, en el sudeste de Nueva York, cerca de Central Park, donde Bond descubre una de las tapaderas de Mr. Big. • Barrio francés, la zona más emblemática de Nueva Orleans, donde muere uno de los dos agentes del MI6 y en el que Bond y Leiter entran en uno de los restaurantes Fillet of Soul.

• Jamaica Swamp Safari Village, la granja de cocodrilos de la que Bond se escapa saltando sobre sus lomos y fábrica de drogas de Mr. Big. Lo podemos ver a las afueras de Falmouth, cerca de Ocho Ríos.

Óscar Rubio

VIAJAR DESDE LA BUTACA

ESPAÑA COMO DESTINO Cineastas como Alejandro Amenábar, Luis García Berlanga, Daniel Monzón, José Luis Cuerda o Emilio Martínez-Lázaro han conseguido establecer una simbiosis perfecta entre algunas de sus películas más famosas y los lugares donde fueron rodadas.

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os directores cinematográficos han forjado una guía de viajes por la tierra de Cervantes y Valle-Inclán diferente de las que se pueden comprar habitualmente en los establecimientos turísticos. Más allá del interés meramente cultural o museístico, los lugares de la geografía hispana inmortalizados por títulos del calado de Lawrence de Arabia, La muerte tenía un precio, o Salomón y la reina de Saba han permitido popularizar internacionalmente sitios tan peculiares como el desierto de Tabernas, en Almería, o el pueblo de Valdespartera, en Zaragoza (donde King Vidor desplegó a Tyrone Power –quien fue sustituido por Yul Brynner, debido a la inesperada muerte de este– y Gina Lollobrigida, para escenificar la épica batalla de Salomón y la reina de Saba). Un mapa Tesis se ambientó en La Facultad de Ciencias de la Información de la UCM

Los otros se rodó en el palacio de los Hornillos, en Las Fraguas

nacional de sets de rodaje, que los creadores han aprovechado de manera determinante; al conseguir que las localizaciones se transformaran en estrellas imperecederas de los filmes en los que se incluyeron sus calles, edificios, gentes y plazas. ¿Quién no recuerda, por ejemplo, la imponente y tétrica mansión en la que Alejandro Amenábar ubicó el argumento de Los otros (2001)? Según el guion original, el habitáculo en el que se escondían Grace (Nicole Kidman) y sus misteriosos hijos se encontraba en la isla de Jersey (en el Canal de la Mancha); sin embargo, realmente se trataba del palacio de los Hornillos, en Las Fraguas (Cantabria). Esta propiedad neogótica, obra del arquitecto británico Ralph Selden Wornum, fue construida entre 1897 y 1904, conforme al pintoresquismo proveniente del Reino Unido. Sus amplias estancias y sus atmósferas góticas inspiraron plenamente al responsable de Mar abierto, para montar el halo de suspense y terror que transpiran las escenas. Un sitio que viene acompañado de una finca en la que también se halla la torre de vigía almenada, la iglesia de San Jorge, y la famosa Casona de las Fraguas.

Esa capacidad para unir de manera inseparable decorados y guion, de la que hace gala Amenábar, ya la explotó hábilmente el director nacido en Santiago de Chile, en su primer largometraje: Tesis (1995). En esa ocasión, el cineasta sacó un partido extraordinario a la grisácea Facultad de Ciencias de la Información de la UCM. Pocos de los que han visto la inquietante película han podido quitar de sus mentes la angustia de la estudiante Ángela Márquez (Ana Torrent) cuando es perseguida por los interminables pasillos de este centro universitario, ideado por los arquitectos José María Laguna Martínez y Juan Castañón Fariña.

En una línea semejante de fusión entre los fotogramas y los paisajes o edificios, Guadalix de la Sierra, en la Comunidad de Madrid, alcanzó su eternidad en blanco y negro, al ritmo secuencial de

VIAJAR DESDE LA BUTACA los diferentes escenarios por los que transitó el nutrido equipo de la movie; lo que ocasionó un florecimiento cultural más que notable en la zona. Tanto es así que, cada primavera desde 2011, se desarrolla una quedada amanecista, que rememora el imborrable rodaje. Incluso hay una ruta con paneles informaCelda 211 se rodó en la antigua cárcel de Zamora Bienvenido, Mister Marshall fue rodada en Guadalix de la Sierra tivos, que ilustran sobre el papel ejercido en el largo por la ermita, la plaza, el ayuntamiento, el huerto donde nacen hombres… Un sendero que está jalonado de esculturas, y diversos elementos conmemorativos.

Aunque con menor proyección turística que la lograda por Amanece, que no es poco; Celda 211 (Daniel Monzón, 2009) igualmente es una de esas obras cuyas localizaciones son inseparables del resultado obtenido por el filme. La naturaleza asfixiante Amanece que no es poco (1989) se rodó en pueblos castellanode esta cinta carcelaria sería Rodaje de Calabuch en Peñí scola manchegos (Aynar, Liétor y Molinicos) muy distinta si Monzón no hubiera conseguido los derechos para grabar en la abandonada PriBienvenido, míster Marshall (Luis García Berlanga, 1953). Disfrasión Central Provincial (Cárcel Concordatoria) de Zamora. Este zada como el mítico Villar del Río, esta extensión madrileña vivió penal, en el que fueron encerrados y sometidos a tortura numerocon emoción las intensas jornadas en las que el responsable de sos sacerdotes y religiosos durante la dictadura franquista, dio un Tamaño natural daba órdenes a Lolita Sevilla, Pepe Isbert, y Manolo aire agresivo y fantasmagórico al motín encabezado por Malamadre Morán; al tiempo que dirigía los movimientos de los múltiples (Luis Tosar), y en el que se ve involucrado Juan Oliver (Alberto extras procedentes de la aldea. Aún en la actualidad, los residentes Amman). Precisamente, el éxito del largometraje sirvió también de Guadalix cuentan las historias que han escuchado de los mayopara investigar sobre los sufrimientos reales causados entre los res del lugar, sobre el divertido periodo en que descubrieron por muros de este terrorífico penal, inaugurado en los años sesenta. dentro la magia del séptimo arte. Un reconocimiento que animó a Lejos de la tétrica cárcel de Celda 211, Emilio Martínez-Lázaro las autoridades consistoriales a dedicar un conjunto escultórico al es otro director que se puede jactar de haber conseguido dar una largometraje, a la vez de distribuir varias sillas adornadas con fraperspectiva nueva y atrayente a un bello lugar de la geografía espases emblemáticas de la película. ñola. Este sitio es Zumaia, en Guipúzcoa (País Vasco) y la película es Berlanga volvió a ser determinante para el futuro de otro pueOcho apellidos vascos (2014). Esta ciudad amurallada cautivó a blo tres años después, en 1956. En este caso se trató de Peñíscola, Martínez-Lázaro por sus acantilados Flysch y por sus imponentes en Castellón (Comunidad Valenciana): el escenario costero donde vistas. Allí encontró la singular ermita de San Telmo (una de las más transcurría la trama de Calabuch. Esta cinta de inspiración capriana visitadas, por su relación con el popular título protagonizado por y altamente utópica puso en el mapa turístico lo que entonces era Dani Rovira y Clara Lago). Aunque no todo el rodaje sucedió en simplemente un pequeño enclave pesquero, nada que ver con lo que Zumaia; ya que la parte del puerto fue grabada en el municipio de Peñíscola es en la actualidad. Tan grato recuerdo del filme han conGetaria. En este enclave, Koldo Zugasti (Karra Elejalde) es donde servado en esta soleada localidad, que muchos de sus visitantes fondea su barco (nave casi tan famosa como la de Chanquete, que aún buscan los lugares por los que transitó el científico George en la realidad responde al nombre de Santa Luzia Hiru).

Hamilton (Edmund Gwenn), en su huida al ficticio Calabuch.

Incluso lugares abandonados desde hace décadas, como el Amaneció en Sierra del Segura espectral pueblo zaragozano de Belchite el Viejo, han conseguido notoriedad y presencia, gracias al séptimo arte. Este enclave sedujo Dentro de los creadores que consiguieron dotar de vida en el a Terry Gilliam, para montar su imaginativa película Las aventuras celuloide a los escenarios de sus filmes, quizá el recientemente del barón de Munchausen (1988). Pese a que no son fácilmente malogrado José Luis Cuerda sea uno de los más destacados, con identificables en las barrocas escenas de la movie, muchos vecinos Amanece que no es poco (1989). Tres pueblos castellano-manchede Belchite el Nuevo y de Zaragoza se acercaron al silencioso gos (Aynar, Liétor y Molinicos) fueron los que coparon las emblepoblado para aparecer como extras. Al final, el éxito de esta obra de máticas secuencias de tan surrealista obra, a los que se sumó el alocada naturaleza audiovisual favoreció a que Belchite el Viejo Pico de la Miel, en la Cabrera (Sierra de Madrid), para los planos del gozara de un mayor poder de atracción turística. En la actualidad, amanecer final. El cabo Gutiérrez (José Sazatornil, Saza), Teodoro aunque continúa sin habitantes, ha conseguido sobrevivir gracias al (Antonio Resines), el padre de Teodoro (Luis Ciges), el alcalde esoterismo y a las rutas pensadas para los amantes del más allá.

(Rafael Alonso), el estudiante estadounidense (Gabino Diego)…

Jesús Martín Todos y cada uno de los personajes dejaron una huella profunda en

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las mejores películas que nunca hemos visto

Alien 5 de Neill Blomkamp Justo ahora, cuando los cazafantasmas cargan de nuevo con sus equipos de protones tras 30 años libres de ectoplasmas, o cuando Neo trata de hackear una vez más Matrix para salvar a la raza humana de la esclavitud, ¿de verdad podemos asegurar que nunca veremos Alien 5? ¿Que la teniente Ellen Ripley no se enfrentará, aunque sea por última vez, con aquel voraz xenoformo de sangre ácida y mandíbula inquieta? Así al menos iba a ocurrir a principios de 2015, cuando se anunció el esperadísimo regreso de la superheroína casi dos décadas después de Alien: resurrección (1997). Había director, había un concepto y, sobre todo, había una protagonista, la única posible. Si todo pintaba tan bien, ¿qué es lo que falló? a elección de la Fox para seguir la senda iniciada en 1979 por Ridley Scott despertó entusiasmo. El sudafricano Neill Blomkamp no solo se había revelado como un virtuoso del sci-fi gracias a Distrito 9 (2009); su atrevido acercamiento a la figura del extraterrestre insufló vitalidad a un género siempre acechado por los lugares comunes. Estamos en la era de las redes sociales y cada novedad al respecto era compartida por el cineasta con sincera emoción. “Parece que mi próximo filme va a ser Alien”, escribía Blomkamp en febrero de 2015 en su cuenta de Insta-

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gram, junto a una imagen de los icónicos diseños esbozados por H. R. Giger. Otra ilustración posterior no hizo sino poner los dientes (aún más) largos a los fans: la recreación de unos envejecidos Sigourney Weaver y Michael Biehn, la teniente Ripley y el cabo Hicks respectivamente, este último con medio rostro desfigurado, dando cuentas frente al que intuimos un soldado. “Alien va muy bien. Adoro este proyecto”, aseguraba el realizador.

Ni que decir tiene que, para él, continuar la obra emprendida por Scott era algo más que cumplir un sueño de la infancia: suponía una enorme responsabilidad. Era una película de encargo, sí, pero con un guion que él mismo escribiría y que debía honrar al espíritu de la saga. El hecho de que Sigourney Weaver se mostrara desde el principio entusiasmada con la idea ponía las cosas mucho más fáciles. Fue una grata sorpresa para el realizador, que esperaba un contundente “no” por respuesta. Sin embargo, la actriz confesó a Blomkamp que la epopeya de su guerrera galáctica no tuvo el broche que merecía con Alien: resurrección. Como buena parte de los aficionados, Weaver sentía que Ripley tenía algo más que decir y, además, despedirse con honores.

Continuación directa de Aliens

Tanto Blomkamp como Weaver, que hicieron muy buenas migas durante el rodaje de Chappie (2015), aprovecharon las pausas de aquel trabajo para acometer intensas brainstormings. Como revelaban los bocetos que iba compartiendo el director, el filme sería una continuación directa de Aliens, el regreso (1986). Aquella cinta de James Cameron finalizaba con Ripley, Hicks malAparte de que esta quinta parte podía entorpecer el herido por el ácido alienígena, la pequeña Newt (Carrie Henn) y el androide Bishop (Lance Henriksen) preparándesarrollo de la franquicia, Covenant nunca fue el éxito que dose para un largo hipersueño en la cápsula Sulaco, desel estudio deseaba y el futuro de la Fox, compañía absorbida pués de sobrevivir a una cruenta batalla entre monstruos y marines en el planetoide LV-426. Esta huida sería el recientemente por Disney, era entonces incierto. punto de partida de Alien 5, de forma que se obviarían la

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tercera parte rodada en 1992 por David Fincher (la cápsula se estrella en un planeta prisión, con Ripley como única superviviente) y, por supuesto, la cuarta de Jean-Pierre Jeunet (Ripley, fallecida en la anterior película, revive gracias a su ADN, pero muta en un engendro humano alienígena). El hecho de hacer tabula rasa con respecto a las anteriores entregas era arriesgado, pero no disgustaba a los seguidores: el consenso a la hora de situar a estas dos últimas obras como las más flojas de la saga es generalizado. No en vano, eso es exactamente lo que ha sucedido con Terminator: destino oscuro (2019), continuación directa de Terminator 2 (1991).

Mientras tanto, Blomkamp seguía presumiendo de diseños, a cargo del artista Geoffroy Thoorens: Ripley y Hicks, armados y preparados para entrar en combate; una Newt, ya veinteañera, con un rifle en ristre; un alien enfurecido y enjaulado en un foso... Incluso había hueco para aquella Reina alien de El regreso y que aún hoy sobrecoge por su hiperrealismo orgánico. De hecho, aquellos dibujos nos remitían más a la esencia marcial del filme de Cameron que al futuro sucio y rodeado de quincalla que proponía la película de Scott, con intimidantes vehículos y aviones militarizados como principal atrezo.

Eso sí, lo cierto es nunca conocimos los detalles de la trama, solo rumores: Newt sería la verdadera protagonista, tomando el relevo de su madre Ripley, y se enfrentaría de nuevo a la amenazadora Reina Alien, dispuesta a fecundar nuevos bichos; los villanos, aparte de los alienígenas, serían los directivos de Weyland-Yutani, la siniestra multinacional que aquí daría un paso más en su empeño de convertir a la criatura en un arma biológica... “No quería hacer la quinta película”, reconocía Weaver en Entertainment Weekly. Sin embargo, cuando cayó en sus manos el “asombroso y original” guion de Blomkamp, comprobó que “daba a los fans todo lo que buscaban e innovaba en algo que ha pasado a ser parte de mi mundo”. Por su parte, Michael Biehn, además de sugerir a Jennifer Lawrence para el papel de Newt, aseguró en una entrevista a Forbes que “sería muy embarazoso para la Fox no darle a Sigourney la película que realmente ella quiere. No sé cuándo va a suceder, pero sé que va a ocurrir y que yo estaré allí”.

Problema con las precuelas El que nunca lo acabó de ver claro fue el padre de la criatura, Ridley Scott, también productor ejecutivo de la serie. En una entrevista concedida en 2017 a la web francesa Allocine firmó el acta de defunción del proyecto: aseguró que Alien 5 no era una prioridad para la Fox, que el “guion” al que se refería Weaver no era más que un insuficiente “tratamiento de diez páginas”, y que, al menos por ahora, el filme “no vería la luz”. Además, Scott estaba inmerso en la dirección de las precuelas, Prometheus (2012) y, sobre todo, Alien Covenant (2017). ¿Cómo cuadraría esta entrega dentro del universo alien? ¿Sería un universo expandido al estilo Marvel? ¿Habría una continuidad entre las películas?

Aparte de que esta quinta parte podía entorpecer el desarrollo de la franquicia, Covenant nunca fue el éxito que el estudio deseaba y el futuro de la Fox, compañía absorbida recientemente por Disney, era entonces incierto. La acumulación de trabas no solo dio al traste con las aspiraciones de Alien 5; todo indica que Alien: Awakening, tercera de las precuelas que tendría de nuevo a Scott en la realización, quedará amontonada en su amplio cajón de proyectos jamás realizados.

Blomkamp dio un paso a un lado y los planes se desbarataron, a pesar de los cantos de sirena entonados por James Cameron, que declaró públicamente su admiración por las ideas del realizador y que dejó la puerta abierta a un posible rescate. “En el espacio nadie puede oír tus gritos”, decía la frase promocional del filme original, y parece que así seguirá siendo. Nuestro Alien, aquel que vimos nacer, literalmente hablando, hace ahora 41 años, concede a Ripley una merecida e indefinida tregua. Al menos por el momento.

Jaime V. Echagüe

Diseños © Geoffroy Thoorens www.djahalland.com/

Alan Parker El pasado 31 de julio de 2020 fallecía en Londres Alan Parker, a los 76 años de edad. Nacido el 14 de febrero de 1944 en Islington, cerca de Londres, el director ha sido una de las voces más personales y diversas de Hollywood del último medio siglo, aunque por desgracia muchos solo recuerden su trabajo, enorme, en musicales de éxito. Fue un director ecléctico que saltaba entre géneros con una facilidad pasmosa y que tuvo mucho que aportar al medio, con películas que serán recordadas mucho mucho tiempo.

Alan Parker junto a Madonna en el rodaje de Evita

ería muy muy injusto considerar que Alan Parker fue solo un director de musicales, incluso cuando algunos de los que rodó fueron maravillosos y de lo más recordado del género, especialmente en los ochenta y los noventa, pero sería especialmente injusto para la carrera de un director que nos dio maravillosos dramas sociales disfrazados de cine de género que marcaron profundamente a distintas generaciones. Es lógico que mencionemos siempre en su carrera películas como Los Commitments, Evita o, por supuesto, The Wall y Fama, dos de sus mayores éxitos en todo el mundo. Deben ser recordadas como algunas de sus películas más importantes, pero no todas. Porque, viendo el paso del tiempo y su carrera, Parker era un director que repasó a través de la ficción algunos de los momentos más interesantes de la sociedad que le rodeaba, desde la guerra de Vietnam y sus consecuencias hasta la pena de muerte, pasando por el racismo en el sur estadounidense, las cárceles y confinamientos, las enfermedades mentales o incluso la Segunda Guerra Mundial. El cineasta tenía un ojo clínico para analizar a través de sus personajes complejas realidades sociales, incluso en su cine de evasión o en el humor con el que trataba ciertas historias.

Parker era un cineasta que abordaba muchos géneros, más allá del musical. Comedia, drama, thriller, policíaco, terror sobrenatural, biopic, histórico… Y lo hacía siempre desde un punto de partida que le permitía cambiar de rumbo cuando lo necesitase: aumentar o descender la velocidad, aprovechar otro ritmo, cambiar de género… Sus películas continuamente incluían elementos, por ejemplo, de cine negro y cine de terror. Si miramos su cine, incluso en sus orígenes, cuando trabajaba con películas para televisión como The Evacuees (1975) y No Hard Feelings (1976), el director partía, desde su base fotográfica, de una paleta de colores oscura, de un gusto por un tono visual cercano al del cine negro (aunque sus historias nada tuviesen que ver con el mismo), de un gran aprovechamiento de los espacios, del encuadre y del uso de la luz que ahondaba en elementos como los personajes «enmarcados» en puertas, marcos o figuras geométricas, y los elementos de cine de terror, incluso, que hacían de sus películas auténticos y sorprendentes laberintos visuales para el

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ALAN PARKER espectador. Uno sabía cómo y cuándo entraba, pero no sabía a lo que se enfrentaría. Ese elemento de terror como percepción visual se observa claramente en El expreso de medianoche (1978), Arde Mississippi (1988), Pink Floyd: The Wall (1982), Bienvenido al paraíso (1990) o Birdy (1984). Más allá de El corazón del ángel (1987), que comienza como cine negro y acaba como relato de terror sobrenatural.

Una vocación tardía Nos sorprende muchas veces en este tipo de cineastas tan peculiares que comenzaran su carrera de una forma casi errática, en la que inicialmente el azar influyó incluso más que el deseo de dirigir. El caso de Alan Parker no escapa de esa ironía, ya que el director comenzó, tras el instituto, a trabajar en la industria de la publicidad porque creía que allí conocería más chicas. Y Parker rodando El muro empezó como chico de los recados y repartiendo sonaje de Diane Keaton en el excelente drama el correo en una agencia. Había aprendido fotofamiliar Después del amor (1982). grafía de joven, y ahora emprendía un camino en Parker era un cineasta que Bienvenido al paraíso (1990) fue un regreso a el que lo que realmente deseaba era escribir, por abordaba muchos géneros, la Segunda Guerra Mundial y a los campos de confilo que comenzó a hacerlo en casa y pronto fue namiento que los japoneses americanos sufrieron ascendido, pasando por diversas empresas y conmás allá del musical. tras el ataque a Pearl Harbor. El balneario de Battle siguiendo no solo escribir anuncios, sino también Creek (1994), y su visión del doctor Kellogg, paredirigirlos con mucho éxito hasta 1970, momento Comedia, drama, thriller, cía demasiado un telefilme; Evita (1996) era una en el que, de la mano de dos productores que fuepolicíaco, terror sólida propuesta musical, pero lejos de sus grandes ron imprescindibles en su carrera (Alan Marshall trabajos en el género, mientras que Las cenizas de y David Puttnam), dio un paso más en su carrera. sobrenatural, biopic, Ángela (1999), adaptación del libro del mismo Marshall le instó a escribir un guion, y así nació título, no alcanzaban la brillantez de la obra literaMelody, guion que no llegó a dirigir, pero supuso histórico… ria. Por desgracia, La vida de David Gale (2003) un punto de partida para debutar posteriormente supuso su última película, un ataque a la pena de en televisión y, por supuesto, rodar Bugsy muerte que, sin embargo, no terminaba de cuajar como sus primeros Malone, nieto de Al Capone, que estrenó en 1976, su primer musitrabajos. Con solo 59 años se retiraba para dar conferencias, clases y cal, una increíble película de gánsteres con Jodie Foster y Scott recibir premios como el de miembro de la Academia Británica. Parker Baio, en la que los personajes eran interpretados por niños, las fue un hombre que hizo del musical una seña (rodó incontables videobalas eran bolas de crema y la ironía, un modo de vida. clips para Madonna o Pink Floyd), pero un musical habitualmente Entre el musical y el repaso a la soledad integrado en la historia que contaba, como en la brillante Los Commitments (1991), posiblemente su último gran trabajo, o las ya menEl expreso de medianoche se convertiría, posiblemente, en cionadas The Wall y Fama, que dio pie a la mítica serie de televisión su mejor película y una declaración de intenciones. Un giro de que recordamos. Decimos adiós a un hombre que rodó, como quería, 180 grados respecto al filme anterior, una película dura, oscura y tantos géneros como pudo, y en muchos mostró una personalidad y siniestra sobre un joven encerrado en una prisión turca después brillantez únicas. de ser pillado intentando pasar droga de contrabando. Un viaje de Jesús Usero pesadilla, con elementos de cuento de terror, y una de sus claves, la soledad de muchos de sus personajes. Uno de los puntos esenciales en Parker es cómo sus héroes o antihéroes se enfrentaban solos a un mundo hostil, y cómo establecer lazos en ese entorno normalmente conseguía la supervivencia de los personajes, o al menos la recuperación de su dignidad, algo que vimos en Arde Mississippi (sin duda mi favorita de su carrera), El corazón del ángel, Las cenizas de Ángela, Birdy, Fama, The Wall… Es uno de esos elementos que definen una de las obsesiones de Parker, quien además conseguía una de las mejores películas del año y de su carrera con Birdy (1984), la historia de ese soldado que regresa a casa desde Vietnam sintiéndose más pájaro, con los que estaba obsesionado, que persona. Matthew Modine y Nicolas Cage, con uno de los mejores papeles de su carrera, respondían briRodaje de Midnight Express llantemente. La soledad también envolvía al per-

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Movistar Series nos trae el 17 de septiembre Alex Rider, la nueva adaptación de las novelas del joven espía adolescente creado por Anthony Horowitz, quien además ha escrito el guion del piloto junto con el responsable de la serie, Guy Burt, guionista de series como Riviera, Los Medici o Los Borgia. Una mezcla de series de espías y temática adolescente con un personaje que ya tuvo una versión cinematográfica sin mucho éxito. Parece que ha tomado mejor la medida al personaje y sus protagonistas, Otto Farrant (Alex Rider) y Brenock O’Connor (Tom Harris) nos hablan de la serie en profundidad…

ALEX RIDER

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uede que algunos se hayan olvidado de ella, pero los fans de la novela seguro que se acuerdan de aquella película protagonizada por un primerizo Alex Pettyfer, con un reparto que incluía nombres como Mickey Rourke, Bill Nighy, Sophie Okonedo, Robbie Coltrane, Damian Lewis, Alicia Silverstone, Andy Serkis e Ewan McGregor. La película, una versión juvenil de James Bond, no despegó en taquilla y fue el final de la posible saga en cine, hace casi quince años.

Ahora, en forma de serie de televisión, la serie vuelve al personaje de Alex Rider (Otto Farrant), un joven con muchas aptitudes que vive con su tío y su cuidadora (Ronke Adekoluejo). Cuando su tío fallece, Alex descubrirá que este no era la persona que él creía, sino un espía trabajando para una compañía muy peculiar, donde hay un traidor. La compañía recluta a Alex y le pone a trabajar para destapar el plan de una mente maestra que tiene siniestros planes para el mundo. Eso mientras lidia con su mejor amigo Tom (Brenock O’Connor), que siente que su amigo le está traicionando, y trata de descubrir la verdad sobre la muerte de su tío.

Nombres como Stephen Dillane le dan más peso a la serie si cabe.

Otto Farrant tiene claro cómo definirla: “Es una serie emocionante que es atractiva para todo tipo de audiencias, así que puedes verla con la familia, seas joven, mayor, joven adulto… Tiene algo para todos y cada uno de ellos. Es entretenida y emocionante de punta a punta”. Pero la serie es más oscura, siniestra y adulta que los libros. Sí, mantiene su punto de espionaje alocado (casi más una escuela a lo Charles Xavier pero en versión villano de la saga Bond), pero es mucho más madura. “Creo que, como he dicho, lo que es genial de la serie, es que puede ser atractiva para muchos tipos de audiencias. Los libros están basados en una ficción para adolescentes, con un tono muy particular centrado en la fantasía, así que la serie tiene un punto más adulto, pero sigue anclada en ese origen, para que la familia entera pueda verla junta y disfrutar con ella. Creo que la serie mezcla perfectamente sus elementos de fantasía con la realidad. Y espero que lo hayamos hecho bien”, concluye Farrant.

Su compañero de andanzas, Brenock O’Connor, a quien muchos reconocerán de su paso por Juego de tronos, añade además: “Los libros llevan en circulación desde hace más de veinte años, y las cosas han cambiado un poco desde entonces.

Creo que no le habríamos servido de mucho a los fans de los libros si no hubiésemos permitido al personaje de Alex crecer y madurar un poco, para que los primeros seguidores puedan seguir disfrutando. Y también está ese punto de peligro cuando tienes trece o catorce años y sabes que estás viendo algo que está preparado para un público un poco más adulto… Hace que quieras ver más. Si algo es más oscuro siempre estás más dispuesto a descubrir más, o al menos yo estaba más dispuesto a descubrir más de ese mundo. Si la serie es más honesta y veraz, no puede ser malo en absoluto”. Además O’Connor es un fan de

los libros y los conoce a la perfección, por lo que tiene claro uno de los principales problemas, el reto que suponía adaptarlos. “Los libros llevan en circulación desde hace más de veinte años, y las cosas han cambiado un poco desde entonces.

Creo que no le habríamos servido de mucho a los fans de los libros si no hubiésemos permitido al personaje de Alex a crecer y madurar un poco, para que los primeros seguidores puedan seguir disfrutando de la serie. Y también está ese punto de peligro cuando tienes trece o catorce años y sabes que estás viendo algo que está preparado para un público un poco más adulto… Hace que quieras ver más. Si algo es más oscuro siempre estás más dispuesto a descubrir más, o al menos yo estaba más dispuesto a descubrir más de ese mundo. Si la serie es más honesta y veraz, no puede ser malo en absoluto”.

Y es cierto que el personaje de Alex, el centro de la historia, supone mayor presión, algo en lo que coincide su compañero y protagonista. “Sí, sí que ha supuesto un reto y una presión… Como Brenock dice, los libros han vendido millones de copias en todo el mundo, y hay miles de fans. Espero que la serie que hemos creado les haga justicia a los personajes y que los fans disfruten de nuestra aproximación a ellos, y de nuestras interpretaciones”.

Pero hay un detalle que alivia algo de esa presión, como son los maravillosos títulos de crédito, homenaje a Bond y un momento crucial para Farrant.

“Fue un momento en el que tuve que pellizcarme.

Por supuesto es una secuencia de créditos magnífica, y la música de los créditos es perfecta. Pero además ver mi nombre ahí escrito… es algo muy especial. Fue un momento en el que sentí que tenía que pellizcarme, porque nunca antes me había pasado. Fue maravilloso por decir algo”.

Pero curiosamente en el centro de la historia está la relación de amistad entre estos dos jóvenes personajes, algo que O’Connor cree es de las cosas más importantes de la serie. “La historia de la lucha en la relación de amistad entre Tom y Alex ha sido una de mis partes favoritas de la serie, porque no es algo que haya tenido ocasión de interpretar antes. La historia de dos adolescentes que se enfrentan a muchas cosas, demasiadas cosas, eso sin contar el tema del espionaje. El tema de la lucha que tienen los adolescentes para comunicarse entre ellos, los problemas de salud mental… Eso permite que en mitad de este drama, de este thriller de espionaje, hay una escena en la que uno de estos personajes acude a la casa de su mejor amigo buscando consuelo y acaba llorando a los pies de su cuidadora. Es conmovedor y es una muestra brillante de lo que ofrece esta serie, no solo una historia de espías, sino un cuento muy equilibrado y bien contado”. Eso es todo lo que esconde Alex Rider, aventuras, acción y espías para los más jóvenes, pero con un punto mucho más adulto muchas veces (la trama de la muerte del tío y lo que esconden los personajes adultos, cierta visita al bosque…) y otras disfrutando de su tono camp. Un excelente entretenimiento que llega de la mano de Movistar Series.

Jesús Usero

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A C T U A L I D A D

T E L E V I S I Ó N

Imdb tiene ya su primera serie en producción, el reboot de Leverage. Aunque no podíamos casi creérnoslo cuando se anunció, ya es oficial porque el responsable de la serie, Dean Devlin, ha anunciado el inicio de la producción. Se trata del primer proyecto para el servicio streaming de Imdb, la base de datos propiedad de Amazon, que por ahora se encargaba de entrevistas, directos y similares. Ahora tendrá su propia serie, un reboot de la serie Leverage que contará con casi todo su equipo original y una nueva incorporación. Devlin ha reunido a Gina Bellman, Beth Riesgraf, Christian Kane y Aldis Hodge en este reboot. Falta Timothy Hutton, quien es reemplazado por Noah Wyle, habitual colaborador de Devlin, no se sabe si en un personaje nuevo o retomando al personaje de Hutton. La trama girará en torno a la redención de los personajes y Amazon Studios produce para imdb.

Nuevo spin-off animado de Clone Wars: The Bad Batch.

Clone Wars ha llegado a su fin tras siete temporadas, algo que hace años pensábamos que nunca veríamos suceder, cuando la serie fue cancelada y retirada de los planes de futuro de Disney en favor de Rebels. Pero ahora, con la temporada terminada en Disney+ y con el éxito de esta, Disney ha anunciado un nuevo spin-off para el año próximo. Se trata de Star Wars: The Bad Batch, una serie que se centra en un grupo de soldados clones que tienen una variación en su ADN que les hace tener a cada uno una habilidad sensacional y ser un equipo encargado de misiones casi imposibles (les vimos al inicio de la séptima temporada). Con el final de la guerra, se convertirán en mercenarios, aceptando misiones por la galaxia.

Chicano, el nuevo proyecto de ABC. Tras cancelar The Baker and the Beauty, la cadena ABC, una de las networks tradicionales, se encuentra con la necesidad de encontrar un nuevo proyecto que pueda atraer al público latino, y la serie que podría llevar a ello es Chicano, cuyo título ya hace obvio que está ligada a un grupo de personajes latinos. Está en fase de guion y viene de la mano de Eva Longoria y Forest Whitaker, quienes la producirán si es elegida y pasa la fase de pilotos. Natalie Chaidez, responsable de La reina del sur, es quien se encargará del guion de esta historia que ha sido descrita como un drama épico generacional que se centra en una familia de raíces mexicanas viviendo en Estados Unidos, en Los Ángeles, adonde se mudaron para intentar alcanzar el sueño americano, y sigue a esta familia, los Sandoval, desde 1920 a nuestros días.

El muñeco diabólico recupera su voz original, Brad Dourif, en la serie de SYFY. Pese al remake que se estrenó recientemente, la saga original de El muñeco diabólico está lejos de terminar. De hecho su principal responsable, guionista desde la primera entrega y director de varias películas, Don Mancini, ha sido abiertamente muy contrario a dicho remake mientras preparaba el regreso del Chucky clásico que conocemos todos. Esta vez será en forma de serie de televisión, en SYFY, donde Brad Dourif pondrá voz al personaje una vez más, como en las siete películas anteriores (en el remake la voz la puso Mark Hamill). La serie estará ambientada en un pueblo donde en una venta de segunda mano, aparece un muñeco de Chucky y una serie de terribles asesinatos empiezan a suceder, haciendo que los secretos y miserias del pueblo salgan a la luz, mientras personajes del pasado de Chucky llegan al pueblo poniendo en peligro su propio secreto. La serie también explorará la niñez del personaje.

AC T UA L I DA D T E L E V I S I Ó N Margot Bingham se suma a la nueva temporada de The Walking Dead. La serie The Walking Dead sigue adelante contra viento y marea. Pese a los importantes descensos de audiencia, sigue siendo el producto más importante de su cadena y lo mismo con sus secuelas, por lo que AMC no tiene intención de cerrar la serie por el momento, y pese al final tan peculiar que tuvimos en la temporada 10 debido al coronavirus, la temporada 11 ya tiene ilusionados a sus seguidores, que se siguen contando por muchos millones en todo el mundo. Ahora, con el regreso de algún personaje más que esperado, además habrá nuevas incorporaciones, una de ellas la de Margot Bingham. La actriz se suma en un papel sin especificar, pero todos esperan que sea en el de Stephanie, personaje al que dio voz en un par de episodios, superviviente de una comunidad de Charleston, con la que Eugene ha mantenido contacto por radio.

Nueva serie del universo The Batman, la próxima película, para HBO Max. Imaginamos que será una de las presentaciones estelares de la DC Fandome, o quizá pasen de puntillas por este nuevo proyecto en formato de serie de televisión que llegará presumiblemente.

Seguramente será una de las series más esperadas por los fans del cómic, especialmente de DC, pese a todo el secretismo que la rodea, y suponemos que se estrenará en 2021 a HBO Max. No se sabe mucho de un proyecto que se mantiene en secreto en gran medida, pero que por ahora suena similar a la propuesta de la serie Gotham, aunque en este caso ambientado en el universo de The Batman, la película que dirige Matt Reeves, con Robert Pattinson como Batman, y que se estrena también el año próximo. La serie estará producida por el propio Reeves, mientras que al frente queda Terence Winter. Se trata de un drama policial en torno a las calles llenas de lunáticos de Gotham.

Alejandro Amenábar se pasa a la televisión. Tras el éxito de crítica y público de Mientras dure la guerra, Alejandro Amenábar ya tiene nuevo proyecto y esta vez será en televisión, en formato de miniserie. De su distribución se encargarán Movistar+ y AMC Studios, haciendo que la serie alcance una gran lista de mercados internacionales. Además, su trama está basada en la novela gráfica de Paco Roca y Guillermo Corral, El tesoro del Cisne Negro, y en el guion, junto con el cineasta, se encuentra Alejandro Hernández. La serie, un thriller de aventuras, se centra en el viaje de Álex Ventura, joven diplomático y líder involuntario de un grupo en el que se encuentran Lucía, una funcionaria, y Jonas Pierce, un abogado. Ellos serán los encargados de recuperar el tesoro submarino robado por Frank Wild.

Javicia Leslie será la nueva Batwoman en The CW. Como todos sabemos, la marcha de Ruby Rose de Batwoman, la serie de DC en The CW que es parte del Arroverso, ha sorprendido a todo el mundo. La producción tiene un gran vacío que llenar y parece haber encontrado sustituta en la actriz Javicia Leslie, encargada de dar vida a una nueva Batwoman. El personaje, Ryan Wilder, será la primera Batwoman afroamericana de la historia del cine y la televisión, y el personaje ha sido descrito como alguien fuera de la ley, que durante años esquivó a la policía de Gotham mientras transportaba drogas, y que pese a su encanto, su talento y su carisma, tiene muchas cosas que pulir. Al conocerla, vive en su furgoneta con una planta, y es una luchadora implacable cuyo mayor peligro radica en lo indisciplinada que es.

Nina Dobrev tiene nueva serie, Woman 99. Después de su salida de Crónicas vampíricas y tras su paso por la desapercibida Fam, Nina Dobrev está dispuesta a volver a televisión y lo hará con un thriller de época basado en una novela de éxito. Se trata de Woman 99, novela escrita por Greer Macallister y publicada en 2019. La actriz, además, será productora ejecutiva de la serie, que tiene como protagonista al personaje de Charlotte, al que ella dará vida. Woman 99 sigue a Charlotte en su viaje para liberar a su hermana de un asilo mental en el que ha sido encerrada, con el extraño beneplácito de sus padres. Sin entender el motivo de dicho encierro, Charlotte se infiltrará en el sanatorio mental con otra identidad, e intentará descubrir la verdad y liberar a su hermana, pero las altas esferas de la sociedad no van a permitir que eso suceda.

Elisabeth Moss tiene nueva serie de televisión en Apple TV+. No es que se haya cancelado El cuento de la criada, que espera estrenar su cuarta temporada en 2019, y además Moss ha tenido uno de los pocos éxitos de taquilla del año con el estreno de El hombre invisible poco antes de comenzar la pandemia. Pero además de todo eso, tiene un nuevo proyecto televisivo para Apple, de la mano de Appian Way, la empresa productora de Leonardo DiCaprio. Será un thriller con el título de Shining Girls, y Apple ha ordenado serie sin pasar por el episodio piloto. Se basa en la novela de idéntico título de Lauren Beukes, y Silka Luisa será su showrunner. La historia se centra en una reportera que sufre un brutal ataque al que sobrevive, y que ve su realidad cambiar por completo mientras caza al asaltante.

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