accion by David EB

LO QUE PUDO SER Y NO FUE… O ALGUNA VEZ SERÁ o se asusten por el título. No me voy a poner nostálgico con esto del confinamiento, el coronavirus, etcétera. Al contrario. En mi receta para salir de la crisis hay más música metal en cualquiera de sus variantes, cero cantautor tristón con guitarrita (si estás ahí y me estás escuchando… ¡Blutarsky, ven a salvarnos!) y nada del Resistiré, que como himno me aturde las orejas y sospecho es un complot alienígena para subir las ventas de paracetamol (¡malditos hombrecillos verdes!). Nada de nostalgia. Lo que propongo aquí es un paseo por algunos rumores de la industria del ocio evasivo audiovisual con superhéroes. Empiezo con William Shatner, que no es un superhéroe, pero es el capitán Kirk de la nave estelar Enterprise en la franquicia de Star Trek y, además, sospecho que es inspiración básica de la parodia del Star-Lord de Guardianes de la galaxia, modo cine. Shatner ha acusado de brutalidad a la policía de Alberta (Canadá), que tiró de rifles para enfrentarse a un aficionado a Star Wars que iba armado con un arma de cosplay junto con su disfraz de Stormtrooper galáctico con el fin de celebrar el 4 de mayo, día de Star Wars (may4th…). Que no se diga que no hay solidaridad entre los friquis de la galaxia. Hablando de la galaxia, James Gunn afirma algo que ya había salido en los rumores de Hollywood desde hace meses: que el pasado de Rocket va a ser fundamental para el argumento de Guardianes de la galaxia 3 y que, además, en esta va a hincar el pico un personaje principal. Otras fuentes informan de algo que ya anticipamos mi colega Usero y yo en la videocrítica de Guardianes de la galaxia 2 que grabamos recién salidos del pase de prensa (podéis consultarla en la página web de la revista): la pandilla de facinerosos liderada por Sylvester Stallone va a seguir apareciendo en las películas del universo cinematográfico de Marvel. Dwayne Johnson afirma que fue rechazado para el papel de Jack Reacher… y pusieron en su lugar a Tom Cruise. La Roca se quedó de piedra, y muchos lectores de las novelas de Lee Child, creador del personaje, también porque el tipo de las novelas es lo más parecido que cabe imaginarse a Dwayne Johnson, y lo más lejano a Tom Cruise, por muchas horas que este se pase en el gimnasio. Ya tenéis la primera imagen para masticar: las películas de Jack Reacher protagonizadas por Johnson.

Gareth Evans ha comentado aspectos de la cinta de Deathstroke que no llegó a dirigir. Imaginen al tipo que ha dirigido Redada mortal manejando al asesino a sueldo de la DC con Joe Manganiello, al que ya vimos interpretando a Deathstroke en la escena final de La Liga de la Justicia. Evans firmó para rodar la película en solitario del personaje en 2017 y, según ha declarado, su propuesta era un filme de cien o ciento diez minutos en el que contar el origen del personaje, inspirado por las cintas de acción y policiales de Corea del Sur. Ahora que se anuncia que Silver Surfer podría estar entre los personajes del universo cinematográfico Marvel de fase 4 o 5, toca recordar que, tras presentar al personaje en la segunda película de Los Cuatro Fantásticos en 2007, FOX planeó rodar secuela spin-off centrada en el surfero plateado con Doug Jones poniendo el físico y Laurence Fishburne, el Morfeo de Matrix, la voz. Ya en los años noventa Estela Plateada estuvo a punto de ser adaptada al cine con Geoffrey Wright como director. El dibujante Gabriel Hardman ha publicado en su Twitter el storyboard. El universo compartido de spin-offs de Spiderman ya tiene nombre: SPUMC (Spiderman Universe of Marvel Characters) y, según algunos rumores, Sony se plantea que Andrew Garfield vuelva a interpretar a Peter Parker y se piensan dejar que Sam Raimi dirija la cuarta película de Spiderman con Tom Holland (supongo que después de ver cómo se porta en Doctor Extraño 2…). Además, el argumento de una de las próximas secuelas de Spiderman será el arco de los cómics con Superior Spiderman, la serie en la que el doctor Octopus consigue ocupar el cuerpo de Peter Parker con su mente y se convierte en un Spiderman alternativo que posteriormente incluso ha conseguido su propia colección de cómics. Hablando de relevos, Warner se está pensando dejar que Zack Snyder dirija otra película de superhéroes de la DC y hay rumores que apuntan que ha aparcado la cinta de Supergirl para dar luz verde a otra de Superman. Henry Cavill está dispuesto a rebajarse el sueldo para volver a ponerse la capa. El que quizá ya no se ponga el uniforme de Flash es Ezra Miller, después de liarla parda en un equívoco vídeo con una fan. Warner se plantea sustituir a su Barry Allen de La Liga de la Justicia por Wally West, un Flash más joven. Miguel Juan Payán

Gracias!

Quiosco de prensa situado en la calle Mayor en Alcorcón (Madrid)

o primero y más importante, agradecer infinitamente la labor de los quiosqueros por permanecer abiertos estos días en primera línea, arriesgándose al virus como héroes anónimos con la intención de hacernos más llevadero el confinamiento a todos nosotros. También agradeceros a vosotros, los que ahora mismo nos estáis leyendo, que a pesar del confinamiento, habéis aprovechado cualquier excusa –de las permitidas, claro–, para acercaros a un quiosco y comprar ACCIÓN. En esta cadena, todos somos importantes, pero los que sin duda no podéis fallar sois los transportistas, los quiosqueros y por encima de todo, vosotros, amigos lectores. Cuando escribo estas líneas, llevamos más de dos meses en casa, sin poder abrazar a nuestros seres queridos, sin salir a tomar algo con amigos; pero no voy a ser frívola, me niego; mal lo han pasado aquellos que han perdido a un ser querido, que han visto sufrir a los suyos, y mal lo ha pasado el personal sanitario, por soportar día tras día el sufrimiento ajeno y estar en primera línea sin protección adecuada, poniendo en riesgo sus vidas y las de los suyos. Para mí eso es pasarlo mal y tenemos la obligación de hacer que perdure en el tiempo, que se transmita a las generaciones futuras, ojalá esto y la ejemplaridad que ha demostrado la ciudadanía, ayudando desinteresadamente, sirviera de ejemplo para la clase política. En situaciones extremas es cuando hay que estar todos a una, más unidos que nunca. En ACCIÓN, como todos vosotros, también vivimos nuestro momento de desazón, a principios de marzo, cuando los estrenos se

fueron cayendo uno a uno, la duda se apoderó de nosotros: "¿Continuamos o esperamos a ver qué pasa?", creo que no lo dudamos ni un minuto, "rehacemos la revista y tiramos para adelante". Y lo que nos hizo tomar esta decisión, la más acertada de estos días sin duda, fue pensar en todos vosotr@s, en saber que para vosotr@s, esta ración mensual de entretenimiento os iba a ayudar a superar esto, y no podíamos fallaros. El resto ya lo conocéis, hemos ido adaptándonos a la falta de películas, se han creado secciones nuevas, no hay mal que por bien no venga, y hemos querido girar el timón hacia lo importante y lo que todos necesitábamos en ese momento: comedia, risas para llevarlo lo mejor posible y mucho, mucho humor. Con este número, y ya en la desescalada, necesitamos mucha fuerza y optimismo para salir de la mejor manera posible. Espero que os guste. En nuestro canal de YouTube –que es el vuestro–, también hemos querido probar cosas nuevas, hemos enriquecido los directos con invitados como Dani de la Torre y Carlos Santos. Hemos invadido ;) el prime time de las noches con más de 500 amigos conectados al mismo tiempo y todo lo hemos hecho porque sabíamos que siempre estáis ahí, al otro lado, acompañándonos, que contamos con vuestro apoyo y vuestro aliento en todo momento y, sobre todo, que ahora estáis leyendo estas páginas. Por todo esto y por mucho más ¡¡¡GRACIAS, familia!!! Susana Román

NOTICIAS RODAJES • PROYECTOS • RUMORES

NOTICIAS

Hellraiser, relanzada

El reboot de Hellraiser, película de culto dirigida por Clive Barker en 1987, tiene ya guionista y director. David Bruckner, director de La señal (The Signal), el segmento Noche amateur del largometraje V/H/S, El ritual y Night House, será el encargado de poner en pantalla esta nueva versión, que, además, contará con David Goyer en el guion, todo un refuerzo considerando que a él se deben los guiones de propuestas tan interesantes como Dark City, Batman Begins, Blade II, El hombre de acero o El cuervo: ciudad de ángeles. La trama del descuidado individuo que abre una puerta al infierno trasteando con una caja-puzle y trae a los cenobitas a nuestro mundo, liderados por el temible Pinhead, será actualizada, pero pretende ser fiel al original, según afirman los responsables del nuevo largometraje.

¿La nueva Kitty Pryde? Los rumores que circulan por Hollywood afirman que la joven Halle Bailey (no confundir con Halle Berry, quien da vida a Tormenta), protagonista de la versión en imagen real de La sirenita que prepara Disney, podría ser la encargada de interpretar a la mutante Kitty Pryde en la nueva adaptación de los X-Men que ya parecen estar preparando cada vez con más velocidad en Marvel Studios. Kevin Feige está a tope en la productora poniendo a punto versiones de SheHulk y Ms. Marvel.

Más ciencia ficción para el director de Bloodshot David S. F. Wilson, cuya primera película como director, Bloodshot, se ha visto afectada seriamente por la crisis del coronavirus en su explotación comercial en cines, sigue teniendo la confianza de Sony para encargarle un próximo proyecto de ciencia ficción. La cinta se titula Influx y está basada en la novela del mismo título de Daniel Suarez, publicada en 2014. El argumento se centra en un físico encarcelado en una prisión de alta tecnología en un futuro en el que todo es posible, pero solo para una pequeña élite, lo que llevará al protagonista a poner sus conocimientos al servicio de una rebelión en toda regla que comienza en esa prisión del futuro. El guionista de la película es Zak Olkewicz, coproductor de Nunca apagues la luz y guionista de Fear Street, adaptación de una de las historias de intriga publicadas como libro de la colección de terror juvenil de R. L. Stine.

Nuevo proyecto de Ridley Scott Patrizia Reggiani es el próximo personaje, real, que interpretará Lady Gaga en la pantalla grande, en The House of Guccci: a Sentational Story of Murder, Madness, Glamour and Greed. Largo título para la que puede ser la próxima película de Ridley Scott, en una línea similar de suceso criminal real que afecta a gente adinerada como la que ya aplicó en 2017 en Todo el dinero del mundo. Michael De Luca, nuevo jefazo del estudio MGM, ha apostado desde su toma de posesión el pasado mes de enero por darle a este sello mítico de Hollywood nuevos aires, de manera que sea el epicentro de material original novedoso. Esto le ha llevado a levantarle a sus rivales —Netflix, entre otros— los derechos de este proyecto de Ridley Scott, que, además, incorpora negociaciones con Lady Gaga para interpretar el papel principal. El estreno en cines, en lugar de ir a streaming directamente, ha sido un poderoso argumento para poner este largometraje en el seno de MGM. El guion es de Roberto Bentivegna y se basa en el libro del mismo título de Sara Gay Forden, publicado en 2001, que sigue los pasos de la conspiración de la exmujer de Gucci para orquestar la muerte de su marido. La productora será la esposa del director, Giannina Scott, que define la trama criminal de la película como una historia épica. La fecha de estreno inicialmente prevista es el 24 de noviembre de 2021.

El Avispón Verde y Kato: Segunda Oportunidad Por sorprendente que parezca, teniendo en cuenta lo mal que funcionó el anterior intento de llevar el personaje a la pantalla, el Avispón Verde está en camino de regresar a la pantalla grande. El estudio Universal prepara nueva película de este justiciero enmascarado que acompañado de su fiel mayordomo Kato impone la ley con su peculiar estilo. El proyecto responde al título de The Green Hornet and Kato, quizá porque se busca el encaje con la comunidad china y el dinero de aquel país, pero la realidad es que lo más interesante de este personaje ha sido siempre Kato, quizá porque fue el papel que interpretó en la serie la estrella del cine de artes marciales Bruce Lee. Seth Rogen fue el Avispón Verde en la comedia de acción de 2011, acompañado por Jay Chou como Kato, pero no convenció. Ahora, Universal se ha asociado con la productora Amasia Entertainment para rodar una nueva versión que ya está en desarrollo en un intento por crear una franquicia sólida. Más les vale buscarse un buen astro de artes marciales para interpretar a Kato.

NOTICIAS RODAJES • PROYECTOS • RUMORES

El regreso de Cameron Diaz

El regreso de Tyler Rake

La actriz se está planteando volver a la actividad profesional en el cine interrumpiendo su retiro ante las cámaras para incorporarse al reparto de la secuela de La Máscara, película que lanzó su carrera y que podría ponerla otra vez en órbita. Es algo que muchos de los que la vimos en El consejero, de Ridley Scott, agradeceríamos porque a Cameron Diaz le queda todavía mucho que proponer frente a las cámaras. Jim Carrey ya se ha apuntado a aparecer como protagonista de la secuela, cosa esencial porque, en caso contrario, el proyecto sería simplemente una farsa, y ahora el estudio está intentando convencer a la que fuera su colega de reparto en el original de 1994 para que retome el papel de Tina Carlyle, la compañera de La Máscara. Además, hay rumores que señalan a Dwayne Johnson como posible villano de esta nueva aventura.

La secuela de Tyler Rake, también conocida como Extraction, película con la que Netflix ha triunfado en la etapa de confinamiento del coronavirus con una propuesta de acción trepidante, ya está en marcha. Joe Russo ya ha confirmado que volverá a ocuparse del guion de lo que todavía no está claro si será precuela o secuela, según ha explicado el propio Russo. Una de las claves para tirar por uno u otro camino será la participación de Chris Hemsworth, que debe de estar contento con el anuncio porque el papel de Tyler Rake le ha puesto en bandeja al actor la oportunidad de materializar una alternativa a su personificación de Thor sin apartarse del cine de acción, algo que llevaba buscando, sin éxito, hasta el estreno de este largometraje. Russo afirma que no propondrán nada al actor hasta tener el guion terminado, y tampoco está confirmado el retorno del director de la primera, Sam Hargrave.

Secuela de Demolition Man

Nightwing

Los nostálgicos del cine de acción de los noventa están de enhorabuena: vuelve John Spartan, el policía futurista congelado y recuperado en un futuro lejano junto con su principal antagonista, Simon Phoenix. Sylvester Stallone ha anunciado en Instagram que están trabajando en Demolition Man 2 con Warner Bros. y que, naturalmente, retomará el personaje que interpretó en la película de 1993, donde le acompañó Wesley Snipes en el divertido papel de villano. Stallone podría ampliar la visión del mundo futuro de la primera entrega a través de la mirada de un Spartan en la madurez, y no se descarta que Simon Phoenix pueda regresar para amargarle la jubilación y echarse unas risas con él.

Zac Efron, el que fuera protagonista de High School Musical en Disney, podría pasarse a la competencia para interpretar a un personaje clave del universo de superhéroes DC que explota Warner Bros. Efron es el nombre que en el momento de escribir estas líneas suena con más insistencia junto con el de K. J. Apa, el Archie de la serie Riverdale, como candidatos a sacar adelante el personaje de Nightwing. Será en una película en solitario del que en las viñetas fuera anteriormente Robin, compañero de Batman, y evoluciona luego a líder de Los Nuevos Titanes (y en las viñetas incluso sustituto de Bruce Wayne bajo el traje del Hombre Murciélago). Arrecian los rumores que afirman que la película de Flash podría servir, bajo la premisa argumental del fenómeno Flashpoint, como punto de partida para una reconstrucción completa de las versiones cinematográficas de los principales personajes superheroicos del universo DC trasladado al cine. En esa línea trabajaría el filme de Nightwing, con Chris McKay, director de Batman: la LEGO película y su secuela prevista para estreno en 2022, cuyo nombre también suena para la adaptación al cine en imagen real de las aventuras del héroe de animación Jonny Quest. El guion será de Bill Dubuque, creador de la serie Ozark y guionista de El juez, Hombre de familia y El contable.

NOTICIAS RODAJES • PROYECTOS • RUMORES FECHAS ESTRENOS Artemis Fowl Tenet Mulan Padre No Hay Mas Que Uno 2 Empty Man Wonder Woman 1984 Malignant Los nuevos mutantes Un lugar tranquilo 2 Monster Hunter The Beatles: Get Back Expediente Warren: Obligado por el demonio 18/9/20 The King's Man: La primera misión 9/10/20 Muerte en el Nilo 16/10/20 Halloween Kills 23/10/20 The French Dispatch 23/10/20 Snake Eyes 30/10/20 Viuda Negra 12/11/20 007 Sin tiempo para morir 13/11/20 Deep Water 20/11/20 Soul 20/11/20 Godzilla vs. Kong 11/12/20 Free Guy 18/12/20 Dune 18/12/20 El príncipe de Zamunda 2 23/12/20 Top Gun: Maverick 25/12/20 West Side Story 8/1/21 The Last Duel 12/2/21 The Eternals 5/3/21 Cazafantasmas: Más allá 5/3/21 Masters of the Universe 5/3/21 Mortal Kombat 12/3/21 Raya y el último Dragón 12/3/21 The Many Saints of Newark 19/3/21 Jungle Cruise 19/3/21 Tomb Raider 2 2/4/21 Fast and Furious 9 21/5/21 DC SuperPets 21/5/21 John Wick: Chapter 4 28/5/21 Cruella 11/6/21 Jurassic World 3 25/6/21 Venom: Habrá matanza 2/7/21 Jackass 4 16/7/21 Uncharted 29/7/21 Indiana Jones 5 6/8/21 Dungeons & Dragons 6/8/21 Jungle Cruise 6/8/21 Escuadrón Suicida 2 1/10/21 The Batman 15/10/21 Halloween Ends 5/11/21 Elvis 5/11/21 Spider-Man 3 12/11/21 Animales fantásticos 3 19/11/21 Misión: Imposible 7 17/12/21 Avatar 2 22/12/21 Sherlock Holmes 3 28/1/22 Babylon 18/2/22 Thor: Love and Thunder 25/3/22 Doctor Strange in the Multiverse of Madness 24/6/22 Black Panther 2 6/5/22 Black Panther 2 3/6/22 Flash 8/7/22 Capitana Marvel 2 7/10/22 Spider-Man un nuevo universo II 4/11/22 Misión: Imposible 8 4/11/22 Shazam 2 16/12/22 Aquaman 2 22/12/23 Avatar 3 20/12/25 Avatar 4

Biopic de Whitney Houston

12/6/20 17/7/20 24/7/20 7/8/20 7/8/20 14/8/20 14/8/20 28/8/20 4/9/20 4/9/20 4/9/20 11/9/20

Nota de la redacción: Fechas estimadas de estreno de películas que muchas de ellas ni siquiera han comenzado a rodarse y que por lo tanto pueden sufrir cambios de programación.

Pocahontas en imagen real El estudio del ratón Mickey sigue apostando por adaptar al cine en imagen real sus largometrajes de animación, y pretende llevar ahora a la pantalla grande con actores de carne y hueso y protagonista nativa americana el personaje de Pocahontas, que ya abordó en animación en un largometraje de 1995 que tuvo secuelas. La versión en imagen real intentará seguir más de cerca el personaje real y la clave histórica de este, tomándose menos licencias que la versión en dibujos animados, que acabó molestando a la comunidad étnica que supuestamente quería representar. En Mulan prometieron lo mismo, pero por distintas peripecias han acabado teniendo cierto desencuentro con la comunidad China.

El éxito de Bohemian Rhapsody y Rocketman lleva a buscar otras figuras con las que jugar la carta del biopic, y le ha tocado ahora a Whitney Houston, la protagonista de El guardaespaldas y célebre diva de la canción que ahora será carne de biografía cinematográfica en una película. Stella Meghie (Jean the Joneses, El amor lo es todo, todo, The Weekend, The Photograph) está en conversaciones para dirigirla con guion de Anthony McCarten, guionista de La teoría del todo, El instante más oscuro, Bohemian Rhapsody y Los dos papas. La película se titulará I Wanna Dance with Somebody, y es versión autorizada por los herederos de Houston, lo que dará lugar a un biopic maquillado de celebración del éxito y la llegada al estrellado de la protagonista. Todavía no hay actriz elegida para interpretar a Houston.

Transformers animados Paramount produce la segunda precuela cinematográfica de Transformers tras Bumblebee. Eso sí, esta será en animación y estará dirigida por Josh Colley, director de Toy Story 4. El guion es de Andrew Barrer y Gabriel Ferrari, que escribieron Ant-Man y la Avispa, en un tono de aventura y comedia que será el que apliquen a este largometraje que podría ser el comienzo de una franquicia paralela de los robots transformables en dibujos animados.

El regreso de los “Zombis” Velocistas

El regreso de El Santo Ladrón de guante blanco y justiciero a su manera, Simon Templar, alias el Santo, personaje creado por el novelista Leslie Charteris en 1928, ha tenido numerosas encarnaciones en cine y televisión, entre las más célebres de la pequeña pantalla la de Roger Moore, y en el cine tuvo su era de películas clásicas en los años treinta con George Sanders y Hugh Sinclair como protagonistas, además de una versión protagonizada por Val Kilmer y dirigida por Phillip Noyce en 1997. Ahora, Chris Pine ha firmado para interpretar a Simon Templar. Sustituye a otro Chris, Pratt, que fue la opción preferida en una versión anterior del proyecto.

Se prepara la segunda secuela de 28 días después y 28 semanas después, con el título de 28 meses después. La franquicia iniciada por Danny Boyle sobre un virus que pasa de animales a personas contará diez años más tarde con tercera entrega. Y Boyle (el coleccionista de la revista ACCIÓN puede repasar la entrevista que le hicimos cuando pasó por España para presentar la primera entrega para ponerse al día de su origen) podría regresar como director, después de haber sido sustituido por Juan Carlos Fresnadillo en la dirección de la segunda entrega. Se ha escrito un nuevo guion para 28 meses después y retomará el personaje de las dos películas anteriores.

LIBROS DE CINE AL CAER LA NOCHE

TERROR CATÓDICO AMERICANO 1970-1981

D EDA NOV

Ambicioso e innovador estudio sobre el apasionante cine de terror que, entre los años 1970 y 1981, se produjo para la televisión norteamericana. Títulos míticos como El estrangulador de la noche y La oscura noche del espantapájaros, El diablo sobre ruedas, El misterio de Salem’s Lot…

Blanco y negro 404 pags.

P.V.P. 19 €

312 páginas. Blanco y negro

P.V.P. 20 €

DISPARATE NACIONAL

EL FULGOR EFÍMERO

¿Por qué Demons y Demons 2 causaron un impacto tan grande que aun hoy, treinta años después, sigue siendo palpable entre los fans del cine fantástico? Estas y otras cuestiones son las que intenta resolver Pedro José Tena en un libro fruto de la investigación llevada a cabo durante varios años.

Uno de los creadores del fenómeno Yo fui a EGB, Javier Ikaz, se sumerge en la filmografía completa de uno de los grandes genios del humor español donde se repasan, uno a uno, todos y cada uno de los trabajos de Ozores.

Una pequeña colección de películas clásicas de culto. Donde se mezclan dramas intensos con aventuras inmortales, inquietantes obras de suspense con hipnóticas historias de fantasía, westerns, ciencia-ficción.

Blanco y negro 322 pags.

Blanco y negro 330 pags.

xxx xx pags.

P.V.P. 21,50 €

P.V.P. 19 €

P.V.P. 23 € EMPIRE

GOMA 2

El cine de Charles Band I

Goma-2: El cine explosivo de José Antonio de la Loma ofrece un acercamiento honesto y emocionante a un cineasta a reivindicar, guionista de diversos filmes –westerns, cintas de Lucio Fulci y Antonio Margheriti…– y autor de treinta películas, algunas tan populares como Yo, “el vaquilla”, Goma-2, Perros callejeros y Nunca en horas de clase.

Charles Band fue uno de los productores más prolíficos de la cara B de Hollywood. Este libro recoge en papel toda una época de experimentos imposibles, muñecos infernales y alienígenas rumbosos y se explica el cómo, dónde y por qué de una filmografía apasionante y demoledora.

Blanco y negro 420 pags. AD VED

Este primer volumen de la colección La Generación del Videoclub nace para rendir tributo a Golan y Globus, en agradecimiento por todas las horas que placer que nos regalaron con sus películas. .

Tras el fallecimiento de Bruce Lee, las salas de los años 70 recibieron un aluvión de producciones protagonizadas por “clones” del Pequeño Dragón: actores con nombres como Bruce Li, Bruce Lai, Bruce Le, Bronson Lee y Dragon Lee emulaban los gestos de la estrella desaparecida y llenaban los bolsillos de productores sin escrúpulos. En este libro se hace un repaso de “Los clones de Bruce Lee”

DEMONS

CANNON FILMS

Los clones de Bruce Lee

412 páginas. P.V.P. 21 €

P.V.P. 20 €

BRUCEPLOITATION

El cine de acción de los 80 fue una época de mullets, grandes bíceps y memorables frases para los héroes, pero fueron los villanos los que se quedaron en nuestra memoria cuando empezaron Esta es una lectura esencial para todos los fanáticos de las películas de acción. .

B/N 246 pags.15x21 cm.

EDA NOV

BORN TO BE BAD (NACIDOS PARA SER MALOS)

LA GUERRA DE LOS CLONES. Más allá de Star Wars En este libro se analiza y documenta cuarenta películas surgidas de la fascinación por las naves espaciales, los rayos láser, los robots respondones y los estilismos cósmicos. De las galaxias más resultonas a los agujeros negros más ponzoñosos de la exploitation mundial.

288 pags - Color / Blanco y negro P.V.P. 23 €

Este libro valora el interés del cine de Kurosawa en el presente, sin negar la importancia del director japonés en nuestra formación humana y cinéfila.

288 pags - Color / Blanco y negro P.V.P. 21 €

HÉROES DE PAPEL Y CELULOIDE

JOE DANTE Un exhaustivo recorrido por la carrera del responsable de "Piraña", desde sus primeras experiencias como espectador hasta nuestros días: sus aventuras a las órdenes de Roger Corman, el éxito de "Gremlins" y el fracaso comercial de "Looney Tunes. De nuevo en acción", su relación con Steven Spielberg…

Este primer volumen desglosa alfabéticamente las historietas principalmente de DC Cómics que han sido trasladadas al medio audiovisual, relatando los orígenes de cada personaje y analizando todas y cada una de sus adaptaciones en imagen real.

P.V.P. 20 €

P.V.P. 23 €

EL LEGADO DE AKIRA KUROSAWA

700 páginas. Blanco y negro

P.V.P. 23 €

418 pags. - P.V.P. 18 €

LAS PESADILLAS DE STEPHEN KING

MANUAL DE SUPERVIVENCIA CINÉFAGOS

Ensayo acerca de la figura del escritor de Maine, acercándonos en este primer volumen a sus vivencias personales; desde el nacimiento del autor hasta la etapa más moderna de su obra, sin olvidar capítulos tan transcendentales como los duros comienzos como escritor.

El repaso más divertido a la par que sesudo y gamberro de temas de enorme trascendencia, como las 10 mejores películas de slasher, de zombis zombis (no romerianas), casas encantadas, vampiros, hombres lobo...

MÁS CANNON Este volumen profundiza en los nombres que ayudaron a Golan y Globus a fundar su imperio, presentando las biografías de sus actores más representativos y de los directores que trabajaron para ellos.

Blanco y negro 390 pags.

Blanco y negro 266 pags.

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366 pags. - P.V.P. 19 €

MICHAEL JACKSON

NOCHES DE HALLOWEEN

TERMINATOR

UNIVERSO STALLONE

Michael Jackson lo hizo todo en la música. Todo parecía haber sido escrito hasta ahora sobre él. Toni Arias estudioso de la carrera del artista, recoge, por primera vez en un libro, los intentos del icono del pop por atravesar su última frontera: el cine.

Aborda la génesis del clásico de John Carpenter de 1978, así como todos los largometrajes amparados por la franquicia. Incluye declaraciones exclusivas de todo tipo: directores, como John Carpenter, Rick Rosenthal, Dominique Othenin-Girard o Dwight H. Little...

EL IMPERIO DE SKYNET

LA PRIMERA ETAPA DEL MITO (1946-1992)

404 páginas. Blanco y negro

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D EDA NOV

El equipo de la revista digital Ultramundo analiza pormenorizadamente la historia de una de las sagas de ciencia ficción más importantes de la historia del cine, desde sus inicios como una pesadilla de James Cameron hasta la fecha de hoy.

500 páginas. Blanco y negro y Color P.V.P. 25 €

382 pags.

P.V.P. 19 €

E NOV

DAD

Universo Stallone: La primera etapa del mito (1946-1992) es un recorrido exhaustivo por la primera mitad de la biografía de Sylvester Stallone a través de sus películas, pero también es un viaje nostálgico al pasado. Un regreso al género de acción de los 80.

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P.V.P. 25 €

Puedes solicitarlo por correo, email o por teléfono 91 486 20 80 CUPÓN DE PEDIDO Marca con una x los libros que desees AL CAER LA NOCHE (20€) BORN TO BE BAD (21 €) BRUCEPLOITATION (20 €) CANNON FILMS (VOL 1) (19 €) DEMONS (23€) DISPARATE NACIONAL (21,50 €) EL LEGADO DE AKIRA KUROSAWA (21 €) EMPIRE (23 €) GOMA 2 (20 €) HEROES DE PAPEL Y CELULOIDE (18 €) EL FULGOR EFÍMERO (19 €) JOE DANTE (23 €) LA GUERRA DE LOS CLONES (23 €) LAS PESADILLAS DE STEPHEN KING (19 €) MANUAL DE SUPERVIVENCIA (12 €) MAS CANNON (VOL 2) (20 €) MICHAEL JACKSON (20 €) NOCHES DE HALLOWEEN (25 €) TERMINATOR (19 €) UNIVERSO STALLONE (25 €)

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NOTICIAS CINE ORIENTAL

por Iván E. Fernández

Donnie Yen vuelve al Wuxia

Train to Netflix El director de Train to Busan volverá a trabajar con Netflix en su siguiente trabajo tras la esperada Península, la secuela de su éxito de zombis coreanos de 2016. Yeon Sang-ho dirigirá una serie para la plataforma de streaming titulada Hellbound, basada en un webtoon llamado Hell, una historia de supervivencia en un mundo caótico donde aparecen unos seres con poderes sobrenaturales que comenzarán a condenar a la gente al infierno y cuyos actos serán considerados divinos por un grupo religioso. Sin duda, una premisa muy interesante que en manos de un director como Sang-ho, incluyendo la estupenda Psychokinesis (2018) —que también se estrenó en Netflix—, la convierten en una de las series más esperadas de la famosa plataforma. Mientras tanto, toca esperar a ver el regreso al terreno zombi, que en España está previsto para el primer trimestre de 2012, todo dependiendo de si se estrena este mismo mes de junio en su Corea natal.

The Guardian El italiano afincado en Camboya Jimmy Henderson continúa con sus trabajos asiáticos con la producción china The Guardian, un nuevo actioner que se suma a la demostración de que China está encargándose de aportar buenos títulos, o al menos numerosos, de acción, adelantando a Hong Kong, antigua cuna de este cine en los ochenta y parte de los noventa. El protagonista es Gao Ran (Gu Changwei), un boxeador viudo de peleas ilegales que intenta educar a su hija mientras lucha contra su suegro por la custodia de la niña, Coco. Cuando esta desaparece, Gao se verá envuelto en el tráfico de seres humanos. Un guion excusa para ofrecer escenas de acción, lo habitual en su director, más que solvente para conseguir películas entretenidas y con buenas coreografías. Tras Jailbreak (2017) y The Prey (2018), títulos que tienen como nexo, además de al director, a Jean-Paul Ly, protagonista de la primera y director de acción en la segunda y que también participa aquí como actor. El protagonista, Gu Changwei, igualmente ha trabajado con Henderson protagonizando The Prey, por lo que el director juega sobre seguro con gente que conoce, como el coreógrafo Dara Bokator (Jailbreak), que une fuerzas con el chino Du Jinghai. Asimismo, tenemos que sumar la presencia de los grandes Andy On (Special ID), Eric Tsang (Infernal Affairs) o Waise Lee (Una bala en la cabeza). En principio debería estrenarse a finales de este mes de junio en China.

Aunque Donnie Yen (Ip Man) afirmó que no volvería al cine de kung-fu clásico, parece que no va a ser así, ya que forma parte del reparto de Heaven Sword and Dragon Saber, basada en una novela de Louis Cha y que producirá y dirigirá Wong Jing. Junto con Donnie, que no será el protagonista, podremos ver a Louis Koo (Election), Raymond Lam Fung (P Storm) y a Jade Leung (Line Walker), entre otros. Es la tercera novela de la denominada Trilogía Cóndor, que une elementos místicos con sucesos reales de la dinastía Yuan —la cual fue establecida por los mongoles en China—, todo alrededor de dos armas rivales, que dan título a la película e involucra a diversos clanes de artes marciales como Wudang o el Culto del Águila Celestial. Y hasta el momento de escribir esta noticia no se ha desvelado mucho más, excepto algunas fotos de los personajes, completamente caracterizados, y un par de imágenes del rodaje, además de un teaser póster. Parece ser que se estrenará en alguna de las plataformas digitales chinas.

Ciencia Ficción coreana Este verano se estrenará en Corea del Sur Space Sweepers, la —según dicen— primera película de ciencia ficción del país, una superproducción dirigida por Jo Sung-hee (A Werewolf Boy) y protagonizada por el gran Song Joong-ki (Descendants of the Sun) y Kim Tae-ri (Mr. Sunshine), entre otros. La historia gira alrededor de la tripulación de la nave Victory, que trata de escapar de la destrucción de la Tierra. Humor, acción y naves espaciales que intentarán reventar las taquillas, insuflando algo de vida al cine tras la crisis del coronavirus, y el tráiler promete todo esto y más.

Bruce Lee: Be Water Este próximo 7 de junio, a las 21:00 horas (horario de la costa este estadounidense), se estrenará en el canal deportivo norteamericano ESPN el documental sobre Bruce Lee de Bao Nguyen, Be Water, que ya tuvo su première en el pasado Festival de Sundance. Este nuevo documental explora la identidad de Bruce y su doble lucha, en Hollywood y en Hong Kong tras su regreso, a través de nuevas entrevistas, los propios escritos del Pequeño Dragón y material raro y/o inédito, donde se muestra el viaje de Bruce que revolucionó el cine marcial y las propias artes mariales trazando, además, una conexión entre el mundo oriental y el occidental. Esperemos que llegue a España de alguna forma legal cuanto antes.

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CIENCIA FICCIÓN TERROR Y OTRAS FANTASÍAS

CHRISTOPHER NOLAN: DOS VISIONES

Recopilación de artículos sobre películas y libros Fantásticos y por el que se asoman películas míticas de nuestro género favorito como 2001: Una odisea del espacio, El silencio de los corderos, Star Wars, Matrix...; o libros como El hobbit, Las crónicas de Narnia, 1984... Tampoco faltan autores imprescindibles como Philip K. Dick, Isaac Asimov... Autor: Juan Carlos Paredes

Christopher Nolan se ha convertido en un auténtico icono del ocio audiovisual con carácter de fenómeno social y una filmografía que ha conseguido introducir claves de cine de autor en el cine de la era del blockbuster. Este libro propone dos visiones de su obra, dos libros en uno para sumergirse plenamente en los laberintos fabricados por Christopher Nolan. Autores: Miguel Juan Payán y Jesús Usero B/N 184 pags.15x21 cm.

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GRANDES MONSTRUOS DEL CINE En el presente libro nos proponemos repasar la vida y fechorías de algunas de las más destacadas figuras monstruosas del cine, de la etapa muda a las últimas producciones, desde los vampiros Nosferatu y Drácula, el Golem, Frankenstein o Alraune, la Mandrágora, hasta los hombres lobo, las mujeres pantera, Godzilla o las distintas versiones de King Kong. Autor: Miguel Juan Payán B/N 192 pags.15x21 cm.

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Este libro contiene críticas de más de 150 películas estrenadas durante el año 2017 (La La Land, Star Wars: Los últimos Jedi, Dunkerque, Logan, Blade Runner 2049...), que en su mayoría han sido publicadas en la web de AccionCine, convirtiendo este libro en una guía imprescindible de referencia para profesores, estudiantes y buenos aficionados al cine en general. Autores: Miguel Juan Payán, Jesús Usero, Jesús Martín, Alejandro Gómez B/N 400 pags.15x21 cm.

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Vicios, manías, amores, conflictos, muertes y otras curiosidades sobre algunas de las más destacadas estrellas del Hollywood de ayer y de hoy se dan cita en esta colección de anécdotas

Libro ordenado en forma de diccionario, cuyas voces repasan lo más granado del género, incluyendo las películas principales, los creadores más destacados, tanto novelistas como directores o actores, y un buen puñado de anécdotas sobre el miedo en el cine, desde la etapa muda hasta nuestros días Autor: Miguel Juan Payán B/N Y COLOR 192 pags.15x21 cm.

Manual ilustrado para el uso y disfrute de uno de los géneros más apasionantes y con mayor número de producciones en la historia del cine, recorrido desde sus orígenes en la etapa muda hasta las producciones de más reciente estreno en la cartelera. Autor: Miguel Juan Payán

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PROXIMAMENTE...

La nueva película de Christopher Nolan debería llegar, si nada cambia en los próximos días, en julio. No solo será el primer gran blockbuster de este desangelado verano si se confirma su estreno, sino que, además, supondrá el punto de partida para que la gente regrese a los cines después de la pandemia que nos ha mantenido durante varios meses en casa y con las salas de cine cerradas. Tenet no es solo una de las películas más esperadas del año, sino que ahora se ha convertido en una de las más importantes. i todo sale como está previsto o como esperamos la mayoría, cuando leáis este artículo, posiblemente falte un mes o mes y medio para que Tenet —la nueva superproducción de Christopher Nolan— llegue a las salas de cine de todo el mundo. El día señalado es el próximo 17 de julio y es una fecha muy importante. Da igual si algún estreno llega un par de semanas antes. Se supone que Unhinged, con Russell Crowe, se podrá ver en los cines norteamericanos el 1 de julio. Pero la importancia de Tenet reside en el tamaño de la película. Un blockbuster enorme, de más de 200 millones de presupuesto según algunas fuentes, escrito y dirigido por Christopher Nolan, considerado una de las cintas más esperadas del año y convertido ya en un evento. Un evento en mitad de un verano en el que casi todos los estrenos han desaparecido, que determinará si los espectadores están preparados para volver a los cines y si los cines están dispuestos y listos para acogerlos. Con todas las múltiples medidas de higiene y seguridad que serán necesarias debido al coronavirus. Pero los dueños de los cines norteamericanos esperan que el estreno sea un exitazo considerable, con un estreno muy moderado, pero con un mantenimiento y un boca a boca simplemente espectaculares. ¿Es un análisis real de lo que sucederá o un deseo? Porque, en gran medida, para que eso ocurra, Tenet tiene que gustar al público. Y no sabemos casi nada de la película como para imaginar si la misma gustará o no a la audiencia. Por ahora lo más que se ha descubierto es que la historia gira en torno a un agente, interpretado por John David Washington, encargado de detener la Tercera Guerra Mundial. El libro, que saldrá el mismo día que se estrena el filme en los cines de medio mundo, se titula The Secrets of Tenet: Inside Christopher Nolan’s Quantum Cold War, lo que nos hace pensar en una Guerra Fría Cuántica. El aspecto es cercano en estética a lo que vimos en Origen, lo que hizo que muchos pensaran en una secuela de la popularísima película protagonizada por Leonardo DiCaprio, pero no será así. O eso ha dicho. El libro, un making of con declaraciones y secretos contados por todos los implicados, con fotos de producción y detrás de las cámaras, seguro que revelará muchos misterios y debería estar ya en producción… otro motivo para confiar en el estreno en julio.

Junto con Washington, el reparto lo completan nombres como Robert Pattinson, Elizabeth Debicki, Dimple Kapadia, Aaron Taylor-Johnson, Clémence Poésy, Himesh Patel, Denzil Smith, Martin Donovan, Sean Avery y dos que repiten con Nolan, Kenneth Branagh y, por supuesto, Michael Caine. Aunque hay algunos que no repetirán con el director. Hans Zimmer ha decidido decantarse por Dune, de Denis Villeneuve, por lo que Nolan ha recurrido al oscarizado Ludwig Göransson para que sea el responsable de la banda sonora. Jennifer Lame sustituye al editor habitual de las películas de Nolan, Lee Smith, aunque Hoyte van Hoytema sí vuelve como director de fotografía. La cinta se ha rodado en 70 milímetros e IMAX, y el lanzamiento estaba previsto en esos dos formatos: digital y 35 milímetros. Como en otros filmes del cineasta, el rodaje ha recorrido medio mundo. Nolan lo considera su rodaje más internacional. Dinamarca, Estonia, la India, Italia, Noruega, Reino Unido y Estados Unidos para una historia críptica de la que recientemente uno de sus protagonistas, Robert Pattinson, aseguró que sus personajes no eran viajeros en el tiempo, pese a lo que pudiera parecer en el tráiler (“Todavía no ha sucedido”, dice un personaje, mientras vemos en otro momento que un accidente de coche da marcha atrás para no suceder). De hecho, ha garantizado que no hay viajes en el tiempo… Más misterio y más ganas. Jesús Usero

MUNDO FANTÁSTICO

por Santiago de Bernardo

No deberías perdértela:

Matinee Gene Loomis (Simon Fenton) y su hermano pequeño, Dennis, están viendo en un cine de su ciudad, Cayo Hueso (Florida), el tráiler de la nueva producción de Lawrence Woolsey (John Goodman), Mant!, sobre un hombre que muta en hormiga (que se va haciendo gigante) por las radiaciones de una placa de rayos X de su dentista. El público infantil y juvenil está preparado para ver en su localidad, en una première matinal, esta película que mezcla ciencia ficción y terror y que puede suponer la bancarrota o la salvación económica para Woolsey y su pareja, la actriz Ruth Corday (Cathy Moriarty). Y así para atraer más la atención en el estreno, Woolsey, en la entrada del cine (en cuyo exterior advierte de la amenaza que supone para las salas la televisión de pago), cuenta con el apoyo de unos falsos puritanos (cuyas críticas hacen más atractivo el visionado del filme) e incluso de la propia situación política, ya que la primera proyección de Mant! coincide con la Crisis de los Misiles de octubre de 1962, que podría llevar a una guerra nuclear entre los Estados Unidos y la Unión Soviética, y lo más inquietante es que Cuba está cerca de Cayo Hueso… Además, Woolsey prepara sorpresas que serán reveladas durante la proyección y que harán de la experiencia de ver Mant! un acontecimiento realmente inolvidable. Producción en tono de comedia de 1993 que homenajea el cine fantástico norteamericano de serie B de mediados del siglo XX (y especialmente al cineasta William Castle), dirigida por Joe Dante (Piraña) y cuyo reparto encabeza John Goodman (Fallen), al que acompañan el imprescindible Dick Miller (Gremlins), C a t h y M o r i a r t y (T o r o S a l v a j e) , J o h n S a y l e s Kevin (Aullidos), McCarthy (La invasión de los ladrones de cuerp o s ) , J e s s e W h i t e (E l monstruo del armario), Robert Picardo (El chip prodigioso) o Naomi W a t t s (T h e R i n g , L a señal). Los maestros Jerry Goldsmith y Rick Baker aportan, respectivamente, la banda sonora y los efectos especiales de maquillaje.

Adiós a Brian Dennehy y John Lafia Recientemente ha fallecido, con 81 años, el actor Brian Dennehy, que algunos recordarán por su actuación en El vientre de un arquitecto (Peter Greenaway, 1987), aunque la mayoría lo hará por su papel del sheriff William Teasel en Acorralado (Ted Kotcheff, 1982), quien acosaba y se enfrentaba al veterano de la guerra del Vietnam John Rambo, interpretado por Sylvester Stallone, con el que ya había coincidido previamente en FIST: símbolo de fuerza (Norman Jewison, 1978). Aunque Brian Dennehy habitual de dramas, títulos de acción o thrillers, como Best Seller (John Flynn, 1987), la saga de F/X o el remake del clásico de John Carpenter Asalto al distrito 13 (Jean-François Richet, 2005), dentro de la ciencia ficción actuó en Cocoon (Ron Howard, 1985) y su secuela, Cocoon: el retorno (Daniel Petrie, 1988), en las que un grupo de ancianos vive su mayor aventura gracias a una civilización alienígena, así como en Netforce (Robert Lieberman, 1999), que adapta la primera novela de la saga del mismo nombre de Tom Clancy y en la que un poderoso hombre de negoJohn Lafia cios busca hacerse con el control total de internet. También nos ha dejado, a la edad de 63 años, John Lafia, al que conocimos gracias a la comedia de acción Blue Iguana (1988), su primer trabajo como director, que continuaría con Muñeco diabólico 2 (1990), secuela de la saga de Chucky, el muñeco en cuyo interior habita el alma de un asesino en serie y que él mismo creó con Don Mancini y Tom Holland. Otros de sus trabajos tras las cámaras en forma de largometraje fueron El mejor amigo del hombre (1993), con un perro objeto de un experimento que se convierte en un animal asesino; Monster (1999) y un ser que surge de la pantalla para comerse a los espectadores; o Rats (2002) o cómo una plaga de roedores puede arrasar la ciudad de Nueva York. Lafia, además, realizó episodios para las series Las pesadillas de Freddy, Babylon 5 o La zona muerta.

Tesoros audiovisuales on-line II Seguimos dando cuenta de plataformas y servicios bajo demanda con contenidos audiovisuales de cine fantástico, fuera de la habitual (y promocionada) oferta comercial y con acceso gratuito. Y, así, en ARTE (perteneciente al canal de televisión francoalemán del mismo nombre) hay un divertido especial denominado BMovies: las obras maestras del cine cutre, con espacio dedicado a Megaforce (Hal Needham, 1982), Star Crash, choque de galaxias (Luigi Cozzi, 1978) o la española Kárate contra mafia (Ramón Saldías, 1981); y, si entramos en su versión gala, se puede disfrutar de clásicos mudos como Megaforce

FANTASÍA • TERROR • GORE • CIENCIA FICCIÓN como Jack… sé listo (Garth Maxwell, 1993) o Único superviviente (Geoff Murphy, 1985). Mientras que en la plataforma argentina CINE.AR PLAY hay acceso a gran parte de la filmografía de Isabel la Coca Sarli (junto con su inseparable Armando Bo) como Fuego (1969), Éxtasis tropical (1970) o Insaciable (1984), así como a títulos de terror y ciencia ficción, especialmente cortometrajes, formato que comparten Crypt TV (terror) y Viddsee, esta también con terror y ciencia ficción (procedente en su mayoría de Extremo Oriente).

De festivales fantásticos

El fantasma de la ópera 1925

El fantasma de la ópera (Rupert Julian, 1925) o El gabinete del doctor Caligari (Robert Wiene, 1920). Y dedicado completamente al cine mudo está el danés Stumfilm, que da acceso a The Tinderbox (Viggo Larsen, A Trip to Mars 1918 1907), una fantasía que adapta un cuento de Hans Christian Andersen, sobre un soldado que consigue el poder de invocar a tres canes que convierten sus deseos en realidad; The Black Hood (William Augustinus, 1911), un caso de misteMad Max salvajes de la autopista (1979) rio de Sherlock Holmes en busca de un hombre secuestrado; o A Trip to Mars (Holger-Madsen, 1918), cinta de ciencia ficción en la que un oficial de la Marina viaja al espacio y llega a conocer junto con su tripulación a los habitantes de Marte. Por su parte, el National Despertar en el infierno (1971) Film and Sound Archive of Australia (NFSA) permite conocer la más que interesante cinematografía australiana, con monográficos de Mad Max, salvajes de autopista (1979) y sus escenas tras las cámaras o entrevistas a su realizador George Miller; de la restaurada Despertar en el infierno (Ted Kotcheff, 1971), con entrevista al propio realizador; de Picnic en Hanging Rock (Peter Weir, 1975), con escenas no incluidas en el montaje final y entrevistas; y también del cine de terror australiano, con espacio para Patrick (Richard Franklin, 1978), Largo fin de semana (Colin Eggleston, 1978) o Razorback, los colmillos del infierno (Russell Mulcahy, 1984). Algo similar, pero centrada en el cine de Nueva Zelanda, ofrece NZ On Screen con el making of de El delirante mundo de los Feebles (Peter Jackson, 1989) y especiales dedicados al fantástico neozelandés con largometrajes

Sigue la actividad de los festivales de género preparando lo que va a ser la segunda parte de la temporada, eso sí, en un clima de cierta incertidumbre. Algunos, como Nocturna Madrid, Festival Internacional de Cine Fantástico, han cancelado la edición del presente año por la crisis sanitaria, así que esperamos en 2021 su regreso con la octava; lo mismo que el suizo Neuchâtel International Fantastic Film Festival (NIFFF), que pasa a celebrarse del 2 al 10 de julio de 2021 (dejando para este año, del 3 al 11 de julio, actividades on-line); y otros como el bilbaíno FANT esperan momentos mejores para su vigésima sexta edición, que podría ser (o no) en este 2020. Por su parte, la malagueña XXI Semana Internacional de Cine Fantástico de la Costa del Sol se mantiene (al menos de momento) del 6 al 12 de septiembre, prepara un homenaje a Stuart Gordon — cineasta fallecido recientemente— con la proyección de ReAnimator (1985) y Re-Sonator (1986) y recupera, además, El exorcista (1973), de William Friedkin, y Los Goonies (1985), de Richard Donner. También conservan las fechas la XXXI Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, del 31 de octubre al 6 de noviembre; XXX Fancine, Festival de Cine Fantástico Universidad de Málaga, del 11 al 19 de noviembre; o el Festival de Cine de Terror de Molins de Rei, cuya trigésima novena edición tendrá lugar en dicha localidad catalana del 6 al 15 de noviembre. Y el tinerfeño Isla Calavera, Festival de Cine Fantástico de Canarias, será del 13 al 21 de noviembre y actualmente ofrece dentro de su sección on-line Cine de Cuarentena, cortos fantásticos vistos en años previos, como Un chico de portada (David Muñoz, 2012), dedicado al ilustrador de carteles Macario Gómez Mac; El traje de Superman (Juan Manuel Díaz, 2017), acerca de la creación del traje que vistió Christopher Reeve como Superman creado por la diseñadora de vestuario Yvonne Blake; o La proeza (Isaac Berrocal, 2018), con un oscuro secreto que esconde una anciana. Y el LIII Festival de Sitges (cuya celebración y de qué manera se producirá marcarán los eventos fantásticos del tercer trimestre del año) sigue adelante para tener lugar del 8 al 18 de octubre, habiendo creado un espacio propio on-line (que sucede a Sitges Countdown) para mantener un contacto directo con lo más importante del festival, su público (¿qué sería Sitges sin él?), a través de Sitges, Cuaderno de Bitácora.

La desescalada en las salas de cine El confinamiento y la cuarentena debido a la pandemia del coronavirus parece que va llegando a su fin. O por lo menos camino de la desescalada y de una llamada “nueva normalidad” de la que poco sabemos por el momento, porque todavía no nos hemos enfrentado a ella. En nuestro país, ya hay fechas y una serie de fases en las que se incluyen las salas de cine. Quizá para cuando lean estas líneas estén a punto de volver a pisar un cine y disfrutar de una película. Pero en esta nueva normalidad y con estas fases pueden cambiar muchas cosas. Cosas que podrían cambiar cómo vemos películas por completo.

unque el estado de alarma se anunciase de forma oficial el sábado 14 de marzo, las salas de cine ya habían cerrado sus puertas —al menos, la mayoría de ellas— antes. Todas las grandes cadenas ya no proyectaron sus películas el día 13 de marzo, y los pocos cines pequeños de propietarios particulares dejaron de hacerlo apenas unos días después. Eso hace que lleven cerrados ya, cuando lean ustedes este artículo, más de dos meses. De hecho, serán como mínimo dos meses y medio, hasta que pueda plantearse abrirse las salas de nuevo en la llamada “fase 2 de la desescalada”. Y puede sonar frívolo, con todo lo que tenemos por delante, hablar solo de salas de cine, pero hay que tener en cuenta que esto sigue siendo un medio que habla de cine y televisión y a él nos debemos. Entendemos que hay muchos otros sitios donde informarse de todo lo que va a suceder en torno a la nueva normalidad. Nosotros vamos a hablar del camino que queda por delante en las salas de cine, de aquello a lo que se enfrentan y de, sin duda, uno de los mayores retos a los que deben sobreponerse. Por lo tanto, no buscamos ni mucho menos frivolizar, sino ser conscientes del ámbito en el que nos movemos e informar y opinar al

respecto en la medida de lo posible. Porque la recuperación, como en gran parte de las áreas económicas, será lenta y complicada. Quizá cambien muchas muchas cosas por el camino. Incluso puede que lamentemos esos cambios o las pérdidas a las que nos enfrentemos. Por un lado, desde el pasado 4 de mayo ha comenzado oficialmente la desescalada en nuestro país, tras cincuenta días de confinamiento general. La industria del cine y de la exhibición recibió un serio varapalo tras la crisis de 2007, con serias caídas en los millones de espectadores anuales, cines cerrando y muchos puestos de empleo perdidos. Por supuesto esperamos y deseamos que en esta ocasión no suceda algo parecido y que se hayan tomado con el tiempo las medidas oportunas. En ese sentido es imprescindible comprender lo que supone la desescalada y en qué momento podremos acudir a las salas de cine nuevamente. Las fases, a partir de la 0, durarán un mínimo de quince días, los cuales podrían ampliarse según un cierto tipo de marcadores que dependerán de cada región de nuestro país y de cómo evolucione la situación. Dichos marcadores serán determinados, por ejemplo, por las capacidades estratégicas del sistema sanitario de cada comunidad autónoma (atención primaria, camas disponibles en la unidad de cuidados intensivos…), la situación y el estado de la epidemia (como la tasa de contagios), el cumplimiento de las medidas de protección colectiva en distintos ámbitos y otros marcadores socioeconómicos y de movilidad. Con esos datos podríamos evaluar la apertura de las salas de cine en la denominada “fase 2”, es decir, a partir de (como mínimo) el 25 de mayo, dos semanas después de iniciarse la fase 1 y si todo sale bien. La mayoría de los expertos coincide en que sería más bien a partir de primeros de junio, si la situación prosigue como es debido. En este escenario, la situación permitiría abrir los cines a un tercio de su aforo. Parece ser que esta medida es independiente de la que afecta a actividades culturales, que limita a cincuenta personas el número de asistentes estando sentados y bajo techo y a cuatrocientas si se encuentran al aire libre. Eso choca con la norma del tercio del aforo y parece que hace referencia a conciertos y similares. Veremos cómo evoluciona. Por otro lado, desde la redacción de ACCIÓN hemos tenido acceso a un estudio de la Federación de Cines de España (FECE) en el que se analiza la situación de dos formas distintas. Por una parte, para hablar de las necesidades del sector para superar esta nueva crisis, y que implican medidas del Gobierno que apoyen a este colectivo de

forma directa y efectiva. Las pérdidas en el sector se calculan ya supeLos trabajadores contarán con los equipos de protección indiviriores a los cien millones de euros. En China, donde los cines intentaron dual adecuados a cada actividad que realicen. Asimismo, todos ellos reabrirse en marzo pero tuvieron que volver a cerrar hasta junio, las recibirán una formación especial sobre la COVID-19. pérdidas se valoran ya en casi dos mil millones de dólares. Con ese plan inicial se intentará recuperar al público durante la Un sector que el año pasado atrajo a más de cien millones de segunda mitad de 2020, antes de llegar a campañas como la de espectadores a sus salas y que ahora solicita al Gobierno —una vez Navidad, y esperando ante todo que los primeros grandes estrenos, con conocidas las distintas fases— una serie de medidas excepcionales, títulos como Tenet o Mulan, y Wonder Woman 1984 en agosto, sean empezando por una ampliación de los ERTE por causa de fuerza mayor, capaces de relanzar la taquilla, aunque de forma reducida inicialmente, para adecuar las plantillas a las necesidades del colectivo según vaya pero acumulando espectadores a lo largo de las semanas. Esa es la idea recuperándose. También piden la creación de un fondo específico y que tienen, por ejemplo, en Norteamérica desde la NATO (National finalista que esté avalado por la Comisión Europea y que se ajuste al Association of Theatre Owners), la asociación de dueños de cines, que coste de mantener los cines cerrados durante más de dos meses. Ese esperan un lanzamiento moderado de ambas películas en julio, espefondo se sumaría a ayudas directas a la compensación de los costes cialmente de Tenet, pero un mantenimiento espectacular gracias al derivados de la implantación de los nuevos protocolos y a fondos autoboca a boca y a la ausencia casi total de competencia. nómicos de rescate, además de solicitar una reducción de los alquileres Pero hay más problemas. Desde hace unas semanas y posibleen función de la reducción de aforo, y a una exención o reducción de los mente durante un tiempo, ha comenzado una guerra entre ventanas de impuestos como el IBI, IAE o la tasa de residuos. Eso es lo que necesita distribución debido a la situación actual. Universal lanzó su película el sector, pero ¿qué ofrece? Ese es el aspecto realmente importante. Lo Trolls: gira mundial al mercado VOD de alquiler digital debido al cierre que pretenden aportar las salas de cine a los espectadores una vez de las salas. Fue una medida tomada solo en Norteamérica, pero los abran sus puertas como garantía de seguridad. ingresos de la película superaron a la original, generando así una nueva Se fomentará, como vía principal de compra, la venta de entradas política en la compañía, que ha decidido acortar esas ventanas y por internet y se recomendará el pago con tarjeta contactless tanto en estrenar en cines para pocos días después hacerlo en VOD, en lugar de la taquilla como en el bar. con meses de diferencia como ahora. Los cines se han negado rotundaTanto en los cines como en las webs se colocarán carteles informente a esta situación (la diferencia es que en salas comerciales entre mativos sobre las medidas sanitarias y la distancia física que se deben un 30 y un 70 por ciento de la recaudación queda en los cines, mientras respetar en el local según las indicaciones de las autoridades sanitarias. que en VOD solo se pierde el 20 por ciento), motivando que AMC — Instalación de dispensadores de gel hidroalcohólico. principal exhibidora del mundo (compañía dueña de Odeon y Cinesa en Instalación de mamparas en la taquilla. Europa, por ejemplo)— decida no volver a estrenar El corte físico de las entradas dejará de efecen sus salas películas de Universal, algo a lo que se tuarse y se mantendrá un control de lectura visual o ha sumado Regal, segunda de Norteamérica, y que a través de lectores digitales de la entrada. podría afectar internacionalmente a estrenos como Se incrementará la frecuencia de la limpieza y Bond o, el año próximo, a Fast and Furious 9 o Los Control del aforo. desinfección de las instalaciones, con especial atenminions 2. Warner mantiene su calendario, pero ción a las zonas más sensibles. Reducción del aforo de cada desde sus directivos, como John Stankey, jefe de Respeto de la distancia física, teniendo en operaciones, consideran cambiar su sistema y acersala de acuerdo con las cuenta la legislación vigente y/o las directrices de carlo quizá al de Universal. De momento, Scoob! — las autoridades competentes en cada momento, a lo su cinta de animación— se estrenará en VOD indicaciones de las largo de todo el recorrido del espectador. también. Y aunque parezca que los cines pierden Control del aforo. Reducción del aforo de cada grandes estrenos, recordemos que si Trolls 2, por autoridades competentes sala de acuerdo con las indicaciones de las autoriejemplo, ha funcionado tan bien puede tener que ver dades competentes en cada fase. con el hecho de que todo el mundo está obligado a en cada fase. Se facilitará la agrupación de convivientes, estar en casa. ¿Qué sucederá cuando podamos salir manteniendo la debida distancia con el resto de los a la calle? Algo que valorar y que veremos evoluespectadores y de acuerdo con las indicaciones de cionar cuando los cines vuelvan a abrir… las autoridades competentes. Jesús Usero

PRÓXIMOS estrenos

Artemis Fowl La saga Artemis Fowl del papel a la pantalla Aunque no sean excesivamente conocidos para el gran público, la saga de libros de Artemis Fowl tiene una legión de seguidores en todo el mundo, una legión que, además, se ampliaría si la película de Disney se convertía en un éxito de taquilla, algo que no tenía por qué suceder, pero que entraba, por supuesto, entre las posibilidades. Sobre todo cuando se cuenta con tanto material literario en el que apoyarse para crear toda una franquicia cinematográfica. La saga creada por Eoin Colfer nace en 2001 con Artemis Fowl, un libro que ya dejaba entrever el tono y las señas de identidad de su autor, un fino sentido del humor y una ironía siempre a las órdenes de un narrador, la mezcla de lo real y la fantasía, y que en este caso emplea a un antihéroe, un personaje no muy respetado por la sociedad debido a su papel como genio del crimen. La saga de libros se extiende hasta 2012, momento en el que se publicó la octava y última novela, pero es cierto que en Hollywood estaban más que interesados en adaptar los libros desde mucho antes. Miramax se hizo con los derechos y Lawrence Guterman parecía el director elegido. Y, aunque en 2003 parecía que ya había un guion, la película nunca se materializó, hasta que en 2011 Jim Sheridan manifestó interés en rodarla. Nada sucedió nuevamente, por lo que durante otros dos años hubo un silencio, hasta que Disney se puso manos a la obra en 2013, junto con Robert De Niro y Jane Rosenthal, productores ejecutivos. Incluso entonces tardaron otros dos años en encontrar al director, Branagh, y otros cuatro años en terminar un filme que tuvo que retrasar su estreno y ahora llegará a Disney+. Quizá el final de la saga Artemis Fowl en cines…

Finalmente será en Disney+ donde podremos ver Artemis Fowl, la nueva película de Kenneth Branagh, basada en la popular saga de libros infantiles de Eoin Colfer.

a sido, sin lugar a dudas, una de las víctimas del coronavirus. No sabemos hasta qué punto tenía Disney altas las expectativas para Artemis Fowl, pero es cierto que el filme estaba dirigido por un peso pesado como Kenneth Branagh, quien venía de dirigir Cenicienta para Disney, un taquillazo con casi 600 millones recaudados en todo el mundo, que venía de otro éxito como Asesinato en el Orient Express y que contaría con un presupuesto de 125 millones de dólares para adaptar la obra de Eoin Colfer. Pese a que podía haberse convertido en uno de los estrenos familiares de la primavera o el inicio del verano, el covid-19 lo impidió. Aunque es cierto que la película iba a estrenarse en principio en agosto de 2019 y luego el estreno se cambió a finales de mayo. En abril eso se modificó, proponiendo que la cinta llegase finalmente en junio, el día 12, a Disney+. La historia sigue las aventuras de un niño, Artemis Fowl II (Ferdia Shaw), un joven de doce años que es un genio. Ante la desaparición de su padre empieza a descubrir los muchos secretos que este albergaba, una mente criminal al servicio de proteger ciertos secretos que

nos mantienen a salvo. Pero, en realidad, alguien ha secuestrado a su padre (Colin Farrell) y, para liberarlo, Artemis Fowl deberá conocer el mundo de las hadas y, ayudado por Holly Short (Lara McDonnell), Mulch Diggums (Josh Gad) y Domovoi Butler (Nonso Anozie), no solo rescatar a su padre, sino salvar ambos mundos. Judi Dench también aparece en la película, que utiliza una historia atractiva de aventuras, fantasía y ciencia ficción para todos los públicos, pero que tendrá que verse en el servicio de streaming de Disney. Y quizá eso afecte a las posibilidades de una saga o franquicia… Aunque nunca se sabe. Jesús Usero TRÁILER: http://youtu.be/3OA-N_yBnN0

EE UU, 2020 DIRECTOR: KENNETH BRANAGH GUION: EOIN COLFER, MICHAEL GOLDENBERG, ADAM KLINE FOTOGRAFIA: HARIS ZAMBARLOUKOS MUSICA: PATRICK DOYLE INTERPRETES: COLIN FARRELL (ARTEMIS FOWL I), FERDIA SHAW ( ARTEMIS FOWL II), JUDI DENCH (COMMANDER ROOT), JOSH GAD (MULCH DIGGUMS), MIRANDA RAISON (ANGELINE FOWL) DISTRIBUYE: DISNEY

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Por

DESMONTANDO EL CINE

Metacine I parte

Las películas no son islotes perdidos en el océano de las filmotecas, ni se almacenan en nuestra memoria en anaqueles flotantes e independientes. Al contrario, las películas están casi siempre conectadas con otra películas, aunque no siempre podamos apreciarlo. Los autores lo logran mediante alusiones o referencias, por ejemplo, pero existe una manera en la que el creador no solo establece conexiones narrativas o visuales, sino que además reflexiona sobre su ecosistema: el metacine. Si la metaficción se refiere en literatura a la intertextualidad, el metacine es por lo tanto la ficción cinematográfica autorreferencial: es decir, el cine dentro del cine. Los cineastas lo encuentran fascinante porque se sienten modernos, conscientes de su arte y del arte en el que se desenvuelven, pero el asunto requiere un análisis más sutil de lo que a priori parece. Así que, si te apetece revolver conmigo dentro de las tripas de la industria cinematográfica, acompáñame a desmontar el metacine. l metacine es un término íntimamente unido a la metaficción. Para el estructuralismo, la metaficción era cualquier obra de ficción. Por muy corto que fuera el relato era intertextual. Para los postestructuralistas esto cambió y en la segunda mitad del siglo XX, un texto era metaficcional si su vocación era serlo. El estilo idiomático de El guardián entre el centeno no fue lo único por lo que sobresalió la novela de J. D. Salinger; su primer

Barton Fink

J.D. Salinger

párrafo es tan intertextual que sobrepasa la referencia. Arranca con una advertencia a los lectores: Holden nos avisa de que no esperemos “puñetas estilo David Copperfield”. Es decir, si no has leído a Dickens no comprenderás a qué se refiere Salinger. Líneas después el propio Holden afirma que Hollywood está prostituyendo las aptitudes literarias de su hermano. Aunque su novela aparece en 1951, Salinger comienza a redactarla unos años antes, por lo que tiene todavía fresca la frustrante experiencia vivida en Hollywood por algunos autores de la generación perdida a los que admira, sobre todo F. Scott Fitzgerald y William Faulkner, cuyo talento malgastaron por dinero. Esta época dramática para aquellos escritores la revivieron los hermanos Coen en Barton Fink (1991). Aunque el bloqueado Barton era un afamado autor teatral en Nueva York, contratado por una compañía de Hollywood para escribir un filme de lucha libre, se encuentra allí con otro guionista borracho y mordaz llamado W. P. Mayhew. Cuando Barton le pregunta qué hace en Hollywood el novelista más grande de su generación, solo Faulkner hubiera respondido que “todos los escritores no domesticados acabamos aquí…, en el lameWilliam Faulkner dero”. Los Coen glosaron

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Gloria Swanson y William Holden en El crepuğsculo de los dioses

con una bellísima película aquel primer párrafo demoledor de Salinger. Las fuentes más serias dividen el metacine en dos corrientes: la reflexividad cinematográfica, que se ocupa de la creación tanto técnica como narrativa, y la reflexividad fílmica, que trata sobre su propia historia. En ocasiones, ambas se encuentran tan íntimamente relacionadas que establecer la bifurcación es una tarea ardua. En El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard, 1950), Billy Wilder nos muestra el proceso de creación de una película, de diferentes maneras, además: la organización del set donde Cecil B. DeMille rueda en realidad Sansón y Dalila (1949); la escritura y reescritura de un guion, y el talento de un productor en elegir el adecuado. Pero, además, Wilder no duda en criticar abiertamente al Hollywood que machaca a sus antiguos moradores: la generosa autoimitación a la que se presta Gloria Swanson le permite evocar una época fugaz en la que los actores hablaban con el rostro. El público los adoraba, no se perdían ni una sola de sus apariciones en la pantalla, les juraban amor eterno en sus cartas. Con el sonoro, el público se olvidó de sus dioses con una fugacidad escalofriante. Muchos años después, Wilder repetirá reproche más feroz todavía con Fedora (1978), en la que denunciará la pre-

Cantando bajo la lluvia (1952)

Fedora (1978)

Las fuentes más serias dividen el metacine en dos corrientes: la reflexividad cinematográfica, que se ocupa de la creación tanto técnica como narrativa, y la reflexividad fílmica, que trata sobre su propia historia. En ocasiones, ambas se encuentran tan íntimamente relacionadas que establecer la bifurcación es una tarea ardua.

sión a la que se autosometen las estrellas por aparentar una juventud que los años les arrebatan. ¿No posee uno de los fracasos de Wilder una modernidad aterradora? A partir de la obra seminal de Wilder, algunos productores se sintieron culpables. Debieron sentir entonces la necesidad de decirle al mundo que Hollywood no era perfecto. Se originó una especie de “meta-Hollywood” valiente justo en su esplendor, aunque quitándole hierro al asunto. Cantando bajo la lluvia (1952) exponía también el daño que supuso la transición al sonoro para creadores y artistas acostumbrados al mudo, pero con números musicales que desdramatizaban la situación. Solo porque sabemos que Wilder admiraba a Erich von Stroheim entendemos que su escena final entre las cámaras en Sunset Boulevard es un irónico homenaje; Stanley Donen dedicó sin embargo un cruel final a los actores que, imbéciles o no, carecían de una voz apropiada para el nuevo cine que los embistió. El productor de Cautivos del mal (The Bad and the Beautiful, 1952), John Houseman no tuvo reparos en evidenciar la impiedad de la figura del productor/creador que merodeaba entonces por Hollywood. Se pensó que el inescrupuloso Jonathan Shields, interpretado por Kirk Douglas, se inspi-

Cautivos del mal (1952)

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El desprecio (1963)

raba en David O. Selznick, por supuesto, pero en la mente de Houseman se alojaba también su viejo amigo Orson Welles, a quien se la tenía jurada desde el rodaje de Ciudadano Kane (1941). Uno de los propósitos renovadores con los que nace la nouvelle vague es reivindicar el cine de autor. El productor es, por lo tanto, un mal necesario. En El desprecio (Le mepris, 1963), Jean-Luc Godard muestra su desprecio en todos los sentidos imaginables. En el productor que interpreta Jack Palance, Godard personifica ese Hollywood ignorante y caprichoso que detesta. El mítico director Fritz Lang simboliza, sin embargo, las tragaderas que ha de asumir un cineasta al borde de la indignidad. Godard se sirve además del rodaje de una película para exponer los entresijos de una filmación. Pero a su manera. Desde la primera escena, Godard pretende eliminar el glamur del mundo del cine leyendo los créditos, con una austeridad digna del mismísimo Robert Bresson. Cuando concluye el trávelin, cita a André Bazin, el ideólogo de la nouvelle vague: “El cine sustituye nuestra mirada por un mundo que se acomoda a nuestros deseos”. Godard despreciaba el engranaje industrial hollywoodiense precisamente por representar ese mundo de sustitución. Me temo que el desprecio era mutuo.

Un final Made in Hollywood (2002) de Woody Allen

Pero ¿qué sucede cuando alguien que carece de talento ansía hacer películas? El entusiasmo es un excelente carburante cinematográfico, sin embargo, en ocasiones se necesita algo más, aparte de dinero, desde luego. ¿Podía imaginar Tim Burton cuando estrenó Ed Wood (1994) que convertiría al pobre diablo del título en un director de culto? Seguro que no era su intención, pero así fue.

Por regla general, los directores se encuentran con múltiples dificultades para desarrollar sus proyectos, y no siempre el productor es el problema. François Truffaut amaba el cine, los libros y las mujeres; “las suyas y las de los otros”, afirmaba Fernando Trueba. Hasta su tempranísima muerte, homenajeó en sus películas este divino triunvirato. En La noche americana (1973), su rendido homenaje al cine, a ese cine que solo él hacía, nos muestra las egocéntricas circunstancias personales e impedimentos técnicos a los que suele enfrentarse un director. En un momento de la película que filma su Ferrand se pregunta, de hecho, qué es un director de cine: “Alguien a quien todo el mundo le pregunta sin descanso cuestiones sobre cualquier cosa. Algunas veces sabe la respuestas, pero no siempre”. ¡Cuántos directores no habrían deseado encontrar una mesa bajo la que refugiarse como el Guido de Federico Fellini en 8 ½ (1963)! Al pobre Marcello Mastroianni no solo le bombardean en diferentes idiomas, tendrá que sostener también el caos que crece a su alrededor justo cuando menos lo necesita: que su creatividad se bloqueara era lo menos que podía ocurrirle. Al fin y al cabo, ¿no se quedaba Woody Allen ciego en Un final Made in Hollywood (2002)?

Francois Truffaut con Catherine-Deneuve y Jean Paul Belmondo

8 1/2 (1963)

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Nicolas Cage en Adaptation. El ladroğn de orquiğdeas (2002)

Sabemos que la presión que soporta un guionista es incluso mayor. Cierto que una vez que entrega el guion la responsabilidad es de otros, pero los plazos suelen ser acuciantes. Para adaptar un libro sin historia, y sobre flores, como El ladrón de orquídeas, de la periodista Susan Orlean, Charlie Kaufman decidió incluirse en la trama. El título Adaptation: el ladrón de orquídeas (2002) no solo se refiere al hecho de versionar un texto, sino que explica también la capacidad del ser humano para amoldarse a lo que le echen; como las plantas, o más bien como el insecto que se alimenta del néctar de sus flores. En efecto, Kaufman tarda en comprender que un libro de no ficción es inadaptable, pero cuando lo logra decide adaptarse a sus bloqueos, sus hipocondríacas ansiedades y sus nefastas experiencias personales para versionarlo. Y para ocultar su esquizofrenia, acredita además a su hermano imaginario Donald, un compendio de tópicos con la fortuna social que a él le falta, pero sin su talento y su cariño por la originalidad, por supuesto. Adaptation se adentra incluso en el metacine más superficial del término cuando nos cuelan en el set de filmación de Cómo ser John Malkovich (1999), la sorprendente primera conjunción astral entre el director Spike Jonze y Kaufman. Pero ¿qué sucede cuando alguien que carece de talento ansía hacer películas? El entusiasmo es un excelente carburante cinematográfico, sin embargo, en ocasiones se necesita algo más, aparte de dinero, desde luego. ¿Podía imaginar Tim Burton cuando estrenó Ed Wood (1994) que convertiría al pobre diablo del título en un director de culto? Seguro que no era su intención, pero así fue. Lo cierto es que Burton ni ocultó ni exageró nada: su inclinación por la ropa interior de mujer y los jerséis de angora; los platillos volantes de Plan 9 from Outer Space (1959) eran en realidad platos y tapaderas de su cocina colgados de cuerdas y palos, y sus diálogos no podían ser más pueriles. Se inventó el término serie Z para catalogar las películas de Ed Wood Jr. y un año después de su muerte le consideraron el peor director de la historia del cine, pero en la segunda mitad de los noventa el mundo parecía

Ed Wood (1994)

El metacine sirve para reflexionar sobre la manera de hacer cine, reflejar su técnica y analizar sus posibilidades narrativas, pero también nos ofrece la oportunidad de volver la vista atrás y homenajear sus épocas doradas, sus personajes y su historia.

fibrilar con sus disparados filmes. Muchos años después, en 2003, Tommy Wiseau se apropió de tan dudoso honor cuando rodó The Room. Lo de “rodó” es solo una metáfora, claro. La diferencia es que, cuando James Franco se decide a contarlo en The Disaster Artist (2017), aquella tropelía y Wiseau ya son objeto de culto en el circuito freak de Estados Unidos y el Reino Unido. Franco tampoco escatimó metraje en destapar las excentricidades de este personaje grotesco y el caos de aquella filmación, pero su obra es una bellísima composición metacinematográfica sobre los oficios que conforman las películas. Edward D. Wood Jr. sentía un arrebatado amor por el cine; Wisseau solo poseía dinero. Paradójicamente, mientras que ambos pensaban que hacían historia, lo cierto es que acabaron formando parte de ella. Ya hemos comprobado que el metacine sirve para reflexionar sobre la manera de hacer cine, reflejar su técnica y analizar sus posibilidades narrativas, pero también nos ofrece la oportunidad de volver la vista atrás y homenajear sus épocas doradas, sus personajes y su historia. Y a esto, a desmontar el metacine fílmico, dedicaremos la segunda parte de nuestro estudio. Juan Carlos Paredes

The Disaster Artist (2017)

Cine con optimismo ¿Optimismo?, Optimismo, Sí, Optimismo y Coraje, no hay otra manera Disculpen si en lo que resta de escrito se atisba entusiasmo, ingenuidad o leen ustedes de manera descontextualizada frases que bien pudiera escribir cualquier vendehúmos actual. No será mi intención. Culpen a mi pobre prosa o a mi ignorancia, pero no responsabilicen a mis ganas de atender a la petición que cierto director de revista de cine ha tenido a bien o a mal, él sabrá, encomendarme, y que son, ya les anticipo, desmedidas, puesto que me ofrecen la posibilidad de escribir sobre optimismo, tras tantas palabras escuchadas, habladas y escritas en las últimas semanas de dolor, de miedo y de falta de certezas. Siendo honesta, también muchas de esperanza, de coraje y de superación, y son estas las que me permiten no sentirme naíf escribiendo sobre cine y optimismo.

CINE CON OPTIMISMO

algún momento me han permitido robar aire al aire y llenar los pulreo firmemente en la capacidad del ser humano para mones para continuar, o levantarme de la butaca, ahora sofá (nada recomponerse y no se trata de fe ciega. Llevo más de 20 de sillón, los vínculos también están en los detalles), y sentir que “no años acompañando a otros a transitar por el dolor y, sin llueve eternamente” (El cuervo, 1994). No, esta no es la primera de duda, tengo lecciones para varias vidas. Caminamos la lista, tampoco la última, simplemente no está. No es un ejemplo necesariamente por la pérdida y en esos senderos, que de optimismo, ni la cinta ni su fatídico rodaje, solo recojo su frase. pudieran ser los nuestros, he visto cómo las luces vuelven a encenPasen y lean, estas son algunas de mis referencias en cuanto derse, no todas, de acuerdo, incluso algunas nunca más, pero volvea optimismo cinematográfico. Escojan, ignoren, coincidan, hagan lo mos a caminar, y a cansarnos y a rompernos de nuevo, y aún derroque les plazca menos ser indiferentes, pues “si peleamos contra tados la vida nos atrapa, nos impulsa y nos agrede, pero queremos, el mal, peleemos contra el más terrible de todos: la indiferenla mayoría, vivir. Y de eso se trata, de vivir… cia” (Patch Adams, 1998). Mi admirado y adorado Robin Williams Lo que está claro es que aquí estamos, y aun desdichados y encarnando a un médico contra el sistema. Basada en un personaje frágiles ante esta amenaza real y dramática y a riesgo de parecer real, Hunter Doherty, Patch, Adams, quien tras una depresión y un imbécil (decía Voltaire que “el optimismo es la fe de los imbéciles”), ingreso, decide estudiar medicina centrando su asistencia en el pretendo, respetando viejas ideas de otros que sin duda expresaron trato con el paciente y no solo en la enfermedad. “La medicina ha mejor que yo, anclarme en un optimismo que me habla de fortaleza, de servir para mejorar la calidad de vida de la gente y no solo para resistencia, templanza, prudencia, voluntad e integridad, virtudes que quiero para todos, si me permiten. Y estarán y las veremos, pues “nunca una noche ha vencido al amanecer” (Bern Williams). Pero quiero primero un tiempo para llorar, por dentro y por fuera, para enterrar a los nuestros, miles, demasiados, inasumibles, tiempo para contemplar el desastre y así poder asistirlo, sin dejar a nadie fuera. Prefiero, elijo, contemplar la realidad en su totalidad, devastadora y trágica, fausta y generosa también, y moverme, que atender solo a una parte y que el océano me trague mientras grito: “¿Veis? Era imposible vencer a los elementos”. Trato de mirar y juzgar esta realidad desde los aspectos favorables, y uno de ellos es que si bien el ser humano ha sido capaz de tamañas atrocidades contra sí mismo y contra lo que le rodea, también en su maravillosa ambivalencia, ha sido capaz de crear y creer en las artes. Con algunas de ellas me quedo, pues no entendería la vida sin ellas. Literatura, música y cine. Y en este último Robin Williams en Patch Adams (1998) me detengo para compartir algunos títulos que en

CINE CON OPTIMISMO

Optimismo, esperanza y carcajadas en Intocable (2011)

retrasar la muerte”. Mi respeto, admiración y agradecimiento por los y las profesionales sanitarios que de un modo u otro, tanto y tan bueno están haciendo en estas semanas. Siguiente mirada: primera y tercera edad. Nuestro último verano en Escocia (What We Did on our Holiday, 2015). Desencuentros y enredos de una familia numerosa en crisis que viaja a Escocia para celebrar el cumpleaños del abuelo, enfermo de cáncer. Una comedia que se permite hablar de la muerte sin estridencias y con ternura. Una delicia que narra lo esencial, la importancia de los vínculos, “si de algo sirve la muerte es para darnos una patada en el culo y decirnos: ama a los que te rodean”. Esta por los abuelos y abuelas, cuyo recuerdo me evoca olores, sabores, palabras, tanto… Intocable (Intouchables, 2011). Optimismo, esperanza y carcajadas. Guion basado en la autobiografía de Philippe Pozzo di Borgo. Un adinerado empresario queda tetrapléjico tras un accidente en parapente y contrata para sus cuidados

“Nunca dejes que nadie te diga que no puedes hacer algo, ni siquiera yo. Si tienes un sueño, debes protegerlo”.

Matt Damon y Robin Williams en El indomable Will Hunting (1997)

En busca de la felicidad

a un asistente recién salido de la cárcel. Ambos con discapacidad, uno física y otro social, crean una química arrolladora que te atrapa durante dos horas. Omar Sy y François Cluzet hacen creíble esta maravillosa historia de dos realidades separadas por abismos, dos mundos opuestos, opulencia y pobreza, Vivaldi y Earth, Wind & Fire que van a encontrarse y extrañamente entenderse, más si cabe, sanarse y construir una honesta amistad. En busca de la felicidad (2006). Superación y arrojo. Una cinta que se inspira en la historia de Chris Gardner (Will Smith), un paupérrimo padre que, lastrado por el abandono de su mujer, la pérdida de su empleo y serios problemas económicos, se ve obligado a vivir en la calle junto a su hijo. Tomando la paternidad como timón y empuje, acompañamos al personaje en una búsqueda más que de felicidad, de supervivencia, con enormes dosis de tesón, empuje y tremendo coraje. “Nunca dejes que nadie te diga que no puedes hacer algo, ni siquiera yo. Si tienes un sueño, debes protegerlo”. “Pasarás por momentos malos, pero estos siempre te harán ver todas las cosas buenas a las que no les estabas prestando atención”, El indomable Will Hunting (Good Will Hunting, 1997). Un joven de extraordinaria inteligencia e historia traumática y delictiva (Matt Damon), trabaja como limpiador en la universidad. Resolverá en pocos segundos un problema complejo dejado en la pizarra por un prestigioso profesor de matemáticas que no cesará hasta encontrarle. Con la ayuda de un amigo psiquiatra (Robin Williams), y no sin dificultades, abrirán un proceso personal, ambos, con interesantes conversaciones y reflexiones sobre talento, condiciones de vida, relaciones, oportunidades, identidad. No tiene desperdicio. “Tú mueves, chaval”… Vamos con cine carcelario, Cadena perpetua (1994), Brubaker (1980). De nuevo un proceso de lucha y liberación en la primera. Un banquero acusado de un doble asesinato y condenado a cadena perpetua (Tim Robbins), conocerá en su encierro a Red (Morgan Freeman). Una oda a la amistad y a la esperanza con letras mayúsculas. Rescato la segunda, Brubaker, no como ejemplo de optimismo, más bien de resistencia, denuncia, dignidad y justicia, y aunque es cierto que los buenos de esta película son muy buenos y los malos, muy malos, me inspira aquello de “mucha gente pequeña en lugares pequeños, haciendo cosas pequeñas, pueden cambiar el mundo” (maravillosa frase que atribuyen a Eduardo Galeano). Quisiera tenerla muy presente en estos malos tiempos y en los que vendrán. Algunos clásicos y películas de culto. Cantando bajo la lluvia (1952). Alegría, diversión, ingenio, ganas de bailar y cantar. Una gozada ver a la pareja que forman Gene Kelly y Donald O’Connor moviéndose como atletas y con una energía desbordante. Me la vería una y mil veces más, y bailaría bajo la lluvia y cantaría “Moses” o “Good Morning” sin fin. Vacaciones en Roma (1953), innecesario extenderse. Audrey Hepburn, Gregory Peck y Roma. Un día con su noche para

CINE CON OPTIMISMO una princesa que quiere una vida normal (“sentarme en la terraza de un café, mirar escaparates, pasear bajo la lluvia, divertirme y ver cómo vive la gente”, tan ansiado en este confinamiento) y un reportero en busca de la exclusiva entrevista. Encantadora. La princesa prometida (1987) o el arte de contar historias, muchas, aventura, comedia, romance, fantasía. De un buen libro, una estupenda adaptación. El zagal que buscará y rescatará a su amada del malvado villano. Protagonistas y secundarios memorables. Cinema Paradiso (1988), un homenaje al cine, al pasado, a la vida, a los recuerdos. Salvatore, director de cine vuelve a su pueblo natal, donde creció, proyectando películas en el cine local. Otra cinta inspiradora. Y unas cuantas más del tirón, Love Actually (2003), si, todas esas historias de amor y Navidad que no empalagan. Primos (2011), Comillas y tres primos recuperando juventudes. Los becarios (2013), dos cuarentones sin trabajo que aceptan una beca para trabajar en Google, El gran showman (2017), un gran espectáculo musical y un poco de lucha contra la intolerancia, Campeones (2018), segundas oportunidades, valores y humanidad a raudales. No es tan fácil (2009), cursi, pero esa cocina y ese horno de pastelería me permiten oler a través de la pantalla y eso me gana, he de confesarlo. Cadena de favores (2000), un interesante punto de partida, facilona y sencilla, pero si se trata de no cortar la cadena, este es un buen momento. El club de los poetas muertos (1989), de nuevo, Robin Williams, esta vez de vocacional profesor de Literatura. Optimismo, entusiasmo, pasión, entrega, despertares, sin duda una de mis perlas. Carpe Diem. “Porque somos alimentos para gusanos, señores. Porque aunque no lo crean, un día todos los que estamos en esta sala dejaremos de respirar. Nos pondremos fríos y moriremos. Aprovechen el día, muchachos. Hagan que sus vidas sean extraordinarias”. Pónganle música, vamos allá: “Busca lo más vital, no más, lo que es necesidad no más, y olvídate de la preocupación. Tan solo lo muy esencial para vivir sin batallar y la naturaleza te lo da”. Baloo hace la presentación del cine animado. Buscando a Nemo (2003), en mi casa rebautizada como Peces, Saltando (2003), Up! (2009), Toy Story (1995), Fantasía (1940) y Ratatoille (2007), por rescatar solo algunas. Grandes ratos de color y finales con sonrisa y bienestar. Cine con mayúsculas. Permítanme salirme del guion y proponer para cerrar Relatos salvajes (2014), seis relatos de estallidos, impulsos, emociones extremas, rabia y pasiones que nos igualan a todos y que nos pueden servir de catarsis en estos tiempos en los que aunque requerimos de templanza y reflexión para continuar, necesitamos también momentos para rabiar y rugir. “Y ahora sé lo que debemos hacer, seguir respirando, porque mañana volverá amanecer y quién sabe qué traerá la marea”

Aventura, comedia, romance y fantasía en La princesa prometida

“Pasarás por momentos malos, pero estos siempre te harán ver todas las cosas buenas a las que no les estabas prestando atención”

(Náufrago, 2000). Es más, “solo atravesando la noche, llegaremos a la mañana” (El señor de los anillos, 2001). Y créanme, “el destino no está escrito, no hay destino. Solo existe lo que nosotros forjamos” (Terminator 2, 1991). “Necesitamos creer que algo extraordinario es posible” (Una mente maravillosa, 2001) y como “las causas pérdidas son las únicas por las que merece la pena luchar” (Caballero sin espada, 1939), “iremos hasta el infinito y más allá” (Toy Story, 1995). Así que “sigue nadando” (Buscando a Nemo, 2003). Sigamos.

El indomable Will Hunting

Ana Isabel Saz Marín Psicóloga sanitaria anaisabelsaz@accioncine.es

Tim Robbins y Morgan Freeman en Cadena perpetua (1994),

Películas motivadoras para salir de la crisis Este reportaje es el resultado de la selección votada por los lectores de la revista Acción cruzada con el criterio de quien lo firma. Se abre con vuestra campeona, Gladiator, y se cierra con otra de vuestras destacadas, la saga de Rocky. Además la familia Acción quiere rendir en el mismo un homenaje a sus mayores. ¡A mi señal, ira y fuego! “Todos los enigmas de la vida se contestan en las películas”, decía Steve Martin en Grand Canyon (Lawrence Kasdan, 1991). Empezamos el recorrido con vuestra campeona, Gladiator. Su desarrollo está marcado por tres frases que definen tema central y personaje. En su arranque domina la frase del general romano protagonista a sus hombres: “¡A mi señal, ira y fuego!”. Luego, en el circo domina la pregunta clave del superviviente: “¿Quién ha servido en el ejército?”, antes de enfrentarse coordinadamente y con estrategia militar a la horda de los carros de guerra. Y sobre ellas domina el momento central de la película: revelación de la identidad del protagonista al antagonista, el emperador Cómodo, en

la arena del circo: “Me llamo Máximo Décimo Meridio. Comandante de los ejércitos del norte. General de las Legiones Fénix. Leal servidor del verdadero emperador Marco Aurelio. Padre de un hijo asesinado. Marido de una mujer asesinada. Y alcanzaré mi venganza en esta vida o en la otra”.

Los mayores se merecen mucho más Tras rendir tributo a Gladiator, el camino cinematográfico de motivación que propongo prosigue con Grupo salvaje. La pandemia ha clavado garras y colmillos en nuestros mayores, y les debemos un homenaje. Toda una generación que se dejó la piel para sacarnos adelante ha sido segada brutalmente de nuestro mundo, y se merecían algo mejor. Les debemos mucho más que una disculpa. Se acabó esa visión simplista y nauseabunda de la edad como discapacidad que ha prodigado una sociedad entregada a la promoción de la juventud por espurias motivaciones de estímulo del consumismo. Recordad lo que le dice Pike Bishop (William Holden) a uno de sus hombres cuando le falta al respeto al más anciano del grupo salvaje: “¡No vamos a deshacernos de nadie! ¡Vamos a seguir unidos, como solía ser! ¡Cuando cabalgas con un hombre, te quedas con él! Y si no puedes hacer eso, eres como un animal. ¡Estás acabado! ¡Estamos acabados! ¡Todos nosotros!”. Quiero aprovechar aquí para mandar un abrazo de toda la redacción de la revista a nuestros lectores más mayores que nos acompañan

PELÍCULAS MOTIVADORAS PARA SALIR DE LA CRISIS

cada mes en esta cabalgada por el camino de nuestra común afición al cine. Sois imprescindibles.

Trabajo en equipo, zulúes, murciélagos y escualos La segunda película que propongo es La gran evasión, himno al trabajo en equipo y el optimismo mantenido cuando todo está en contra. Los preparativos de la fuga que inspiró la cinta implicaron a seiscientos hombres durante más de un año, y cumplieron con el objetivo de desviar recursos alemanes, obligando a duplicar el número de guardias cuando la Gestapo se hizo cargo del campamento que administraba inicialmente la Luftwaffe. El reparto del filme estaba repleto de veteranos de la Segunda Guerra Mundial y de la guerra de Corea, como James Garner, e incluso algunos, como Donald Pleasence, habían sido prisioneros durante estos conflictos bélicos. Vuelvo a recordar aquí que la experiencia es un grado. Los soldados de Zulú también sobreviven a un enfrentamiento con el ejército más poderoso de las naciones africanas porque trabajan en equipo. Y su gesta de resistencia contra pronóstico también está inspirada en la realidad. Coincidiendo con la derrota aplastante de un prepotente y mal dirigido ejército británico de 16.800 hombres frente al Reino Zulú el 22 de enero de 1879, una minúscula fuerza de 150 soldados británicos que habían quedado aislados en territorio enemigo tuvo que enfrentarse al ataque de más de 3000 guerreros zulúes los días 22 y 23 de enero de 1879 en una estación misionera cercana al río Búfalo en lo que se conoce como la batalla de Rorke´s Drift. Lo tenían todo en contra. El Hombre Murciélago de Gotham City nos ha dejado en la trilogía dirigida por Christopher Nolan numerosas frases que sirven bien como estímulo para salir de la crisis. En Batman Begins vemos cómo el padre de Bruce Wayne le regala a su hijo un lema que más vale que nos apli-

quemos en estos tiempos que nos ha tocado vivir: “¿Por qué caemos? Para aprender a levantarnos”. No obstante, como película motivadora considero mejor aún El caballero oscuro, aunque aprovecho para recordar aquí otro momento mítico de Batman en el cómic de Frank Miller El regreso del señor de la noche. Después de darle una paliza a Superman, un Hombre Murciélago ya totalmente canoso le dice al último hijo del planeta Krypton: “Quiero que recuerdes, Clark… en años futuros… en tus momentos más íntimos… quiero que recuerdes mi mano en la garganta… quiero que recuerdes… al hombre que te venció”. Equivalente a: “¿Que no puedo pararle los pies a Superman? Sujétame el cubata…”. ¿Vamos a necesitar un barco más grande para enfrentarnos al tiburón de la crisis como afirmaba el protagonista de la película de Spielberg? Pues como los protagonistas de la cinta nos apañaremos con lo que tengamos a mano porque lo que realmente vamos a necesitar no es un barco, sino unos principios éticos tan sólidos como los del protagonista de Caballero sin espada, pieza clave del cine sobre tema político que como otro clásico imprescindible, Doce hombres sin piedad, plantea la responsabilidad como ciudadanos que sostienen la civilización sobre sus hombros y con sus decisiones. Además, como nos enseña ¡Qué bello es vivir!, nadie es prescindible, nadie es insignificante en el esfuerzo que nos va a hacer falta emprender para salir de la crisis. Una vez más: esto es un trabajo de grupo y se nos necesita a todos.

El aporte de los lectores las arengas de Máximo Décimo Meridio, alias el Hispano, en Gladiator junto al discurso inspirador de Mel Gibson en Braveheart ha sido elegido por los propios lectores de la revista como uno de los momentos más motivadores del cine de las últimas décadas junto con los diálogos inspiradores de sabiduría popular en Forrest Gump o Náufrago; o con espectáculos épicos de gran pirotecnia visual como Vengadores: Endgame. En lo referido a Mad Max, los lectores proponen la última entrega estrenada en cine, Mad Max: furia en la carretera, con esa fuga desesperada hacia un paraíso inexistente que es casi la última cabalgada contra la barbarie constituida como nueva civilización regida por el déspota Inmortan Joe, pero yo he preferido recuperar en las fichas la entrega más significativa de la saga original, Mad Max II: el guerrero de la carretera. Valorando positivamente todos los aportes de los lectores, a pesar de que no los haya incorporado a la selección (aunque confieso que por muchas vueltas que le he dado me resulta imposible pensar en Joker como película motivadora), creo que la más motivadora de las que habéis propuesto es sin duda la saga de Rocky, y más concretamente Rocky Balboa, donde el célebre personaje le suelta a su hijo un discurso perfecto para cerrar esta propuesta de títulos motivadores para enfrentar la crisis: “El mundo no es todo sol y arcoíris. Es un lugar muy malo y desagradable, y no me importa lo duro que seas te golpeará hasta las rodillas y te mantendrá allí permanentemente si lo dejas. Tú, yo o nadie va a golpear tan duro como la vida. Pero no se trata de lo duro que golpeas. Se trata de lo duro que puedes ser golpeado y seguir adelante. Cuánto puedes tomar y seguir adelante. ¡Así es como se gana! Ahora, si sabes lo que vales, sal y consigue lo que vales. ¡Pero tienes que estar dispuesto a recibir los golpes, y no señalar con los dedos diciendo que no estás donde quieres estar por él, o ella, o cualquiera! ¡Los cobardes hacen eso y ese no eres tú! ¡Eres mejor que eso!”. Miguel Juan Payán

CARTEL-MANÍA PELÍCULAS MOTIVADORAS

LA GRAN EVASIÓN The Great Escape 1963; EE UU; Color; Director: John Sturges; Guion: James Clavell, W. R. Burnett; Música: Elmer Bernstein; Fotografía: Daniel L. Fapp; Intérpretes: Steve McQueen, James Garner, Richard Attenborough, James Donald, Charles Bronson, Donald Pleasence, James Coburn, Hannes Messemer, David McCallum, Gordon Jackson; Duración: 172 minutos.

CARTEL-MANÍA PELÍCULAS MOTIVADORAS

GRUPO SALVAJE The Wild Bunch 1969; EE UU; Color; Director: Sam Peckinpah; Guion: Walon Green, Sam Peckinpah, Roy N. Sickner; Música: Jerry Fielding; Fotografía: Lucien Ballard; Intérpretes: William Holden, Ernest Borgnine, Robert Ryan, Edmond O’Brien, Warren Oates, Jaime Sánchez, Ben Johnson, Emilio Fernández, Strother Martin, L. Q. Jones, Albert Dekker, Bo Hopkins, Dub Taylor, Paul Harper, Jorge Russek, Alfonso Arau, Chano Urueta, Elsa Cárdenas; Duración: 135 minutos.

Dato esencial: trabajo en equipo. Salimos de esta movida juntos. Si hay que cavar un túnel: se cava. Aunque tengas claustrofobia, como el Rey de los Túneles interpretado por Charles Bronson, que había sido minero en la vida real y, de hecho, sufría claustrofobia. Si hay que conseguir cualquier material para falsificar permisos o uniformes: se consigue. Si hay que montar un partido de fútbol o una pelea falsa para esparcir la tierra del túnel por las instalaciones sin que cante “la traviata”: se monta. Se hace todo lo que sea para salir del campo de prisioneros alemán (o de la crisis), que es lo que hicieron muchos prisioneros de ambos bandos durante la Segunda Guerra Mundial, destacando los expertos en fugas aliados de Colditz o los del campo de exterminio nazi de Sobibor. Los políticos y los jefes de Estado de aquí y de allá harían bien en volver a ver esta película para aprender a trabajar en equipo. No queda otra. Además, La gran evasión es la película perfecta para coger fuerzas en el desconfinamiento. Se basa en el libro escrito por Paul Brickhill y tiene la mezcla perfecta de aventura y sentido del humor para servir como trampolín de aliento para reincorporarnos a esa nueva normalidad en crisis que nos ha preparado el coronavirus con tesón, decisión y, si es necesario, incluso un optimismo tan disparatado como el que luce Steve McQueen. Esperemos que no, pero si hubiera otro período de confinamiento más adelante, puntual y más corto que el que hemos vivido, recordad a McQueen y su pelota en “la Nevera”, maquinando todo lo que va a hacer en cuanto vuelvan a soltarle. Aporte esencial de la película, su música: himno perfecto para plantarle cara a esta crisis con optimismo y decisión. M.J.P.

En un metraje que en el montaje del director alcanza los 145 minutos, Sam Peckinpah nos dejó un firme alegato sobre la decisión de apurar hasta el último momento de vida sin rendirse ni dejarse llevar por los estragos del tiempo. Su wéstern era un homenaje a las leyendas en el ocaso, a los finales de camino épicos, una apuesta por viajar hacia adelante hasta el último disparo. La escena en la que los protagonistas están a punto de liarse a tiros cuando ven que el botín del robo al banco son arandelas y terminan todos riéndose de Pike, que en lugar de pasearse por burdeles como sus compañeros ha perdido el tiempo planificando el golpe para nada. Otra escena clave para lo que nos interesa: la que comparte William Holden con el viejo mexicano en la aldea, y este último le dice aquello de que en el fondo todos soñamos con ser niños de nuevo, y los peores de nosotros… los que más. Hasta el antagonista tiene su momento épico en la escena del general Mapache, cuando sus tropas se están retirando de un pueblo en tren y en pleno tiroteo, de pie junto a un niño, sigue imperturbable lanzando desafíos a los villistas y le guiña un ojo al chaval, eso por no hablar de cuando se empeña en usar la metralleta sin trípode, para asombro de los asesores alemanes y, cuando termina de liarla parda disparando a todos lados, les dice a los soldados: “Ponedla en un trípode”. M.J.P.

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EL CABALLERO OSCURO BRAVEHEART 1995; EE UU; Color; Director: Mel Gibson; Guion: Randall Wallace; Música: James Horner; Fotografía: John Toll; Intérpretes: Mel Gibson, Sophie Marceau, Catherine McCormack, James Robinson, Sean Lawlor, Stephen Billington, Sandy Nelson, James Cosmo, Sean McGinley, Alan Tall, Andrew Weir, Gerda Stevenson, Ralph Riach, Brian Cox, Patrick McGoohan, Peter Hanly, Barry McGovern; Duración: 178 minutos.

“Todos morimos. Lo que importa es el cómo y el cuándo”, es la invitación que lanza un William Wallace convenientemente tuneado para el cine por Mel Gibson en este largometraje que se inspira muy libremente y adaptando ocasionalmente la realidad histórica en un líder escocés de las montañas que dirige a su clan en el enfrentamiento con el rey inglés Eduardo I, buscando venganza por la muerte de su esposa. En inferioridad de condiciones contra el enemigo, Wallace dirige a su ejército soltando arengas como la que encabeza este texto, pero la película incluye otras frases que se deben considerar, como la de Malcolm Wallace: “Sé que puedes luchar, pero es la inteligencia lo que nos convierte en hombres”. Algo que se ha de tener muy en cuenta en los tiempos actuales, en los que tampoco podemos pasar por alto lo que afirma el narrador de la película: “Te hablaré de William Wallace. Los historiadores de Inglaterra dirán que soy un mentiroso, pero la historia la escriben aquellos que han colgado héroes…”. En general, toda esta producción, ambientada en Escocia en el siglo XIV y dotada con un presupuesto de 72 millones de dólares que recaudó en todo el mundo más de 213 millones de dólares y ganó el Oscar en las categorías de mejor película, director, fotografía, montaje de efectos de sonido y maquillaje, era un encadenado de arengas y momentos épicos que, no obstante, molestaron a los escoceses por la versión negativa que dieron de uno de sus héroes nacionales, Robert Bruce, lo cual demuestra que nunca llueve a gusto de todos. M.J.P.

The Dark Knight 2008; EE UU, Reino Unido; Color; Director: Christopher Nolan; Guion: Jonathan Nolan, Christopher Nolan, David S. Goyer; Música: James Newton Howard, Hans Zimmer; Fotografía: Wally Pfister; Intérpretes: Christian Bale, Heath Ledger, Aaron Eckhart, Maggie Gyllenhaal, Gary Oldman, Morgan Freeman, Monique Gabriela Curnen, Ron Dean, Cillian Murphy; Duración: 152 minutos.

“Porque es el héroe que Gotham se merece, pero no el que necesita ahora mismo”. Esa reflexión final de James Gordon explicándole a su hijo el sacrificio que hace el Caballero Oscuro haciéndose pasar por culpable para preservar la memoria del fiscal Harvey Dent, el Caballero Blanco al que ha apoyado como alternativa a su papel como vigilante, es una apuesta por la legalidad sobre la vigilancia, o lo que es lo mismo: un sacrificio por mantener el orden frente al caos. Pero, de cara a la salida de la crisis, hay que valorar también otra frase del diálogo de Harvey Dent que debemos recordar si las cosas se ponen difíciles: “La noche es más oscura justo antes del amanecer. Os lo prometo, no tardará en amanecer”. El antagonista al que no tendremos que quitarle ojo en el proceso será el caos, representado en la película por Joker, personaje interpretado por Heath Ledger, que afirma en la cinta: “¿De verdad tengo pinta de tener un plan? ¿Sabes qué soy? Un perro que corre tras los coches. No sabría qué hacer si alcanzara uno. Actúo sin más. La mafia tiene planes. Los polis tienen planes. Gordon tiene planes. Ellos maquinan. Maquinan para controlar sus pequeños mundos. Yo no maquino. Intento enseñarles a los que lo hacen lo patético que es que intenten controlar las cosas”. Por cierto, es curioso que Joker no meta a Batman en el saco de “los que tiene planes”. Otro detalle, para no hacer leña del árbol caído, Alfred oculta la carta en la que Rachel mandaba a tomar viento a Bruce Wayne y le decía que se iba a casar con Dent. Alfred. M.J.P.

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ZULÚ

CABALLERO SIN ESPADA

1964; Reino Unido; Color; Director: Cy Endfield; Guion: John Prebble, Cy Endfield; Música: John Barry; Fotografía: Stephen Dade; Intérpretes: Stanley Baker, Michael Caine, Jack Hawkins, Ulla Jacobsson, James Booth, Nigel Green, Ivor Emmanuel, Paul Daneman, Glynn Edwards, Neil McCarthy, David Kernan, Gary Bond; Duración: 138 minutos.

Mr. Smith goes to Washington 1939; EE UU; Blanco y negro; Director: Frank Capra; Guion: Sidney Buchman, Lewis R. Foster, Myles Connolly; Música: Dimitri Tiomkin; Fotografía: Joseph Walker; Intérpretes: James Stewart, Jean Arthur, Claude Rains, Thomas Mitchell, Eugene Pallette, Beulah Bondi, Harry Carey; Duración: 129 minutos.

Tal y como solemos decir por aquí: “hasta el rabo, todo es toro”. No hay que precipitarse en tirar la toalla. Si hace falta, se pelea contra pronóstico, con casi todo perdido. No en todos los asedios triunfan los atacantes, que conste… Y en todo caso, como dijo Winston Churchill en un discurso que incluyó la banda Iron Maiden en su tema Aces High: “Lucharemos en las playas, lucharemos en los campos de aterrizaje, lucharemos en las calles y en las colinas. Nosotros nunca nos rendiremos”. Los protagonistas de Zulú sobreviven porque se organizan; sus oficiales buscan la manera de pasar por encima de sus ambiciones para respetar la norma del mando más antiguo, aunque no se traguen; eliminan de la ecuación al reverendo iluso y derrotista y a su hija; y consiguen movilizar para sobrevivir a los enfermos convalecientes y hasta a los más reticentes escaqueados, que hay siempre en cualquier agrupación humana de más de dos personas. Se definen por la eficacia y por una tozudez desesperada de los que no están dispuestos a dejarse vencer sin intentar una resistencia hasta el último aliento, aunque no tengan nada claro que vayan a durar más de un ataque bajo la apisonadora del organizado ejército Zulú y su estrategia de los cuernos del búfalo. Zulú era una película de las más vistas en la programación navideña y de otras fiestas en Inglaterra. Fue una batalla personal en clave de superproducción para su protagonista y productor, Stanley Baker, que peleó por rodarla en localizaciones naturales de las montañas de Drakensberg donde se había librado la batalla real, con un presupuesto de superproducción (1.720.000 dólares), y, además, lanzó la carrera de un gigante del cine, Michael Caine. M.J.P.

“Las causas perdidas son las únicas por las que vale la pena luchar”. Frank Capra dirigió uno de los filmes de contenido político más motivadores de su carrera, que fue premiado con el Oscar a la mejor historia original y nominada a ese mismo premio en otras diez categorías incluyendo las de mejor película, actor principal y director. La trama nos pone tras la pista de un hombre ingenuo, Jefferson Smith, que se deja convencer para entrar en la política y en los juegos de poder y corrupción del Senado de los Estados Unidos y acaba siendo víctima de una trama que intenta convertirle en un títere de los grupos de presión en la cámara. James Stewart era el actor perfecto para interpretar este papel en el que tiene abundantes ocasiones de repartir al resto de los personajes diálogos motivadores como: “No te daría dos centavos por todas tus reglas si, detrás de ellas, no tuvieran un poco de amabilidad simple, ordinaria y cotidiana y también un poco de cuidado por el prójimo”. O: “Siempre me gusta mucho esa parte de la Declaración de Independencia. No vas a tener un país donde este tipo de reglas funcionen si no tienes hombres que han aprendido a distinguir los derechos humanos de un puñetazo en la nariz”. La película es un canto al idealismo, pero contiene, además, algunos planos particularmente significativos, con ciertas pinceladas sobre la situación de los afroamericanos y el edificio del Capitolio al fondo. Quizá por eso, paradójicamente, fue criticada virulentamente por los expertos en política de Washington, a los que no les hicieron ninguna gracia las acusaciones de corrupción, y al mismo tiempo fue prohibida por varios países de Europa con gobiernos fascistas que no estaban en absoluto contentos con que el largometraje mostrara que la democracia funciona. M.J.P.

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12 HOMBRES SIN PIEDAD 12 Angry Men 1957; EE UU; Blanco y negro; Director: Sidney Lumet; Guion: Reginald Rose; Música: Kenyon Hopkins; Fotografía: Boris Kaufman; Intérpretes: Martin Balsam, John Fiedler, Lee J. Cobb, E. G. Marshall, Jack Klugman, Edward Binns, Jack Warden, Henry Fonda, Joseph Sweeney, Ed Begley, George Voskovec; Duración: 96 minutos.

Sidney Lumet dirigió uno de los mejores largometrajes de tema judicial y sin duda una de las reflexiones más maduras y sólidas sobre nuestra responsabilidad como ciudadanos integrantes de un sistema que deben hacerse responsables de sus actos. Para los tiempos de crisis que vivimos, me parece que es importante destacar la frase “Donde quiera que se encuentre el prejuicio, siempre nubla la verdad”. Los más optimistas afirman que de esta crisis saldremos siendo mejores personas, yo lo dudo de la misma manera que no confío en la benevolencia de los reptiles, y me conformo con que hagamos el esfuerzo de no ser peores personas de lo que éramos antes de que todo esto empezara. Por eso señalo esa frase. El prejuicio y el racismo suelen basarse en el miedo, como el lado oscuro de las galaxias de George Lucas y tal. El prejuicio, el racismo y la intolerancia se alimentan del miedo y habitan en el seno de la vagancia mental que tiende a meter a la gente en sacos y rediles para separarlos y así usar menos el cerebro. Que yo recuerde, la película ha sido homenajeada en un capítulo de Los Simpson y en otro de Padre de familia, en los que Homer Simpson y Peter Griffin se dedicaron a hacer el gamberro pero a base de bien, desde ponerse gafas con ojos falsos para dormirse en el juicio a llevarse cosas saqueadas del hotel en el que están alojados, pasando por jugar con las persianas de la sala del jurado hasta romperlas y, por supuesto, sacar de quicio al resto de los integrantes del jurado, claro. Valga tanto la cinta como sus parodias para enseñarnos cómo no gestionar nuestro lado más simplón y visceral en esta crisis. M.J.P.

TIBURÓN Jaws 1975; EE UU; Color; Director: Steven Spielberg; Guion: Peter Benchley, Carl Gottlieb; Música: John Williams; Fotografía: Bill Butler; Intérpretes: Roy Scheider, Robert Shaw, Richard Dreyfuss, Lorraine Gary, Murray Hamilton, Carl Gottlieb; Duración: 124 minutos.

Entre otras muchas cosas, incluyendo un ejercicio de hibridación del cine de terror y el género de aventuras que en la cinta nos propone Steven Spielberg, Tiburón es también una crónica interesante de cómo algunas autoridades gestionan los momentos de crisis. Esta película describe cómo suelen pensar y actuar algunos políticos, sean de la ideología que sean, cuando viene un marrón gordo… Algunos gobiernos, en esta crisis del coronavirus, han optado por ocultar o disfrazar la amenaza tras una cortina de humo; luego, han puesto por delante el dinero; y, ya en tercer y lejano lugar, el bienestar de los habitantes, votantes, ciudadanos y demás víctimas de su incompetencia. Ojo a la secuencia de la asamblea en el ayuntamiento de Amity Bay, con el alcalde y los empresarios debatiendo el cierre de las playas: parece sacada de un informativo de esta misma semana. La economía es importante, pero a los muertos no les sirve de nada. Tiburón es, al mismo tiempo, una película sobre la responsabilidad y la superación de los miedos. El sheriff que hace el viaje del héroe en este largometraje se nos muestra desde el primer momento como un pez fuera del agua. Es un hombre de ciudad que se siente francamente incómodo en el mar. Su arco de desarrollo le obligará a hacer frente a ese temor o incomodidad de la misma manera que muchos de los que se han sometido y adaptado al confinamiento durante la crisis del coronavirus van a experimentar cierto reparo a volver a salir a la calle, sobre todo por la dosis masiva de miedo que nos han venido suministrando autoridades y miedos de comunicación para mantenernos en casa durante la crisis. Hay que volver a salir al mar, que para nosotros es la calle. Toca recuperar el control sobre nuestras vidas mejor hoy que mañana, aunque la aleta del escualo siga asomando en el horizonte. M.J.P.

CARTEL-MANÍA PELÍCULAS MOTIVADORAS

EN BUSCA DEL ARCA PERDIDA

¡QUÉ BELLO ES VIVIR!

Raiders of the Lost Ark 1981; EE UU; Color; Director: Steven Spielberg; Guion: Lawrence Kasdan, George Lucas, Philip Kaufman; Música: John Williams; Fotografía: Douglas Slocombe; Intérpretes: Harrison Ford, Karen Allen, Paul Freeman, Ronald Lacey, John Rhys-Davies, Denholm Elliott, Alfred Molina, Wolf Kahler; Duración: 115 minutos.

It’s a Wonderful Life 1946; EE UU; Blanco y negro; Director: Frank Capra; Guion: Frances Goodrich, Albert Hackett, Frank Capra, Jo Swerling, Philip Van Doren Stern, Michael Wilson; Música: Dimitri Tiomkin; Fotografía: Joseph F. Biroc, Joseph Walker, Victor Milner; Intérpretes: James Stewart, Donna Reed, Lionel Barrymore, Thomas Mitchell, Henry Travers, Beulah Bondi, Frank Faylen, Ward Bond, Gloria Grahame, H.B. Warner, Frank Albertson, Todd Karns; Duración: 130 minutos.

Adaptarse a las circunstancias por adversas que estas sean. Ojo a la frase clave que precede a uno de los momentos más trepidantes de En busca del Arca perdida, la persecución del camión donde los alemanes trasladan el objeto mítico buscado por el héroe: “Improviso sobre la marcha”. Algo parecido a lo que decía Clint Eastwood en la escena de las camisetas de El sargento de hierro: “Tienes que improvisar, que vencer, que adaptarte”. Y si hace falta, te acuerdas también de Marko Ramius, el personaje interpretado por Sean Connery en La caza del Octubre Rojo, y haces maniobras de loco Iván con tu submarino. Algunos tiran de cinismo y afirman que, si En busca del Arca perdida transcurriera en la vida real, Belloq ganaría, se ligaría a la protagonista y se retiraría a vivir holgadamente con el dinero que le habrían pagado los nazis por recuperar el Arca de la Alianza mientras las culebras y serpientes se pasean por los huesos de Henry Jones Jr., alias Indiana, y del tipo ese que hizo de enano en El señor de los anillos. Incluso circula la teoría de que el guion de la película tiene un fallo de bulto porque la intervención de Indiana Jones no cambia nada: finalmente, los nazis habrían palmado con la cara convertida en flan caducado al liberar las fuerzas encerradas en el Arca. Conclusión de la que presumen muchos porque la han oído en la serie The Big Bang Theory, no porque la hayan deducido por sí mismos. Olvidan que quizá lo que persigue el héroe en la búsqueda del tesoro no es el tesoro, sino el conocimiento de sí mismo que puede aportarle la búsqueda, y que Indiana sí consigue al final de este viaje. Lo interesante es el viaje, no el destino. M.J.P.

El marine John Rambo explicaba en la segunda película de su saga cinematográfica lo que significa ser prescindible. Lo que nos explica ¡Qué bello es vivir! es precisamente que nadie es prescindible, que el aporte de cualquiera de nosotros, en cualquier momento y lugar, por minúsculo que parezca, puede ser decisivo, puede cambiar las cosas y puede salvar vidas. La pandemia nos ha demostrado claramente que esto no es una frase hecha, sino la cruda realidad. El confinamiento, esto es, la decisión de encerrarnos en casa para protegernos y para proteger del contagio a nuestros semejantes, ha salvado miles de vidas, pero es solo uno de los muchos ejemplos. Multitud de decisiones y acciones individuales han salvado vidas. Otras decisiones y acciones individuales las han puesto en peligro. Lo cierto es que, en esta vida tan perra, el que menos te esperas te puede echar una mano para sacarte del hoyo… Por eso, no se puede despreciar a nadie. Por eso, nadie puede anularse de la ecuación. No podemos borrarnos. El protagonista de la película es, como todos los héroes sociales de la filmografía de Frank Capra, un idealista que en un momento del relato resulta vencido por las circunstancias y está a punto de tirar la toalla. Afortunadamente, siempre cuentan con algo o alguien que acude para aportarles una visión más objetiva de las cosas. En este caso, acude un ángel en prácticas, que impide que el protagonista cometa suicidio en un puente mostrándole cómo había sido la vida en su localidad y entre sus vecinos si él no hubiera nacido, argumento que recuerda Un cuento de Navidad, de Charles Dickens. M.J.P.

CARTEL-MANÍA PELÍCULAS MOTIVADORAS

DOCE DEL PATÍBULO The Dirty Dozen 1967; EE UU, Reino Unido; Color; Director: Robert Aldrich; Guion: Nunnally Johnson, Lukas Heller, E. M. Nathanson; Música: Frank De Vol; Fotografía: Edward Scaife; Intérpretes: Lee Marvin, Ernest Borgnine, Charles Bronson, Jim Brown, John Cassavetes, Richard Jaeckel, George Kennedy, Trini López, Ralph Meeker, Robert Ryan, Telly Savalas, Donald Sutherland; Duración: 150 minutos.

“Se han presentado voluntarios para una misión que les deja tres caminos a seguir: pueden obrar de mala fe, en cuyo caso serán devueltos aquí y ejecutadas sus sentencias; pueden desertar en combate, en cuyo caso yo mismo les volaré los sesos; o pueden hacer lo que se les diga y así seguir adelante”. En el discurso de Brad Pitt para Malditos bastardos, Quentin Tarantino tomó como referencia el discurso del mayor John Reisman al grupo de soldados condenados por distintos delitos que recluta para formar parte de un comando suicida en Doce del patíbulo. Incluso los peores entre nosotros van a tener la posibilidad de aportar algo. No se trata tanto aquí de proporcionarles o de alcanzar la redención. Se trata de encontrar a la gente adecuada para cada trabajo. La clave está en esa fase de entrenamiento que muestra la película, en la que incluso los personajes más diferentes y de partida enfrentados, seres que incluso se odian, encuentran una manera para poder trabajar juntos persiguiendo un mismo objetivo. La clave, como plantea el filme, es el liderazgo. Esto es: la clave es Reisman, el personaje de Lee Marvin. Y, para ejercer ese liderazgo, la clave es devolverles a todos los miembros del comando el orgullo que han perdido y los ha convertido en seres antisociales. El orgullo y la confianza de cada uno edificada sobre el orgullo de pertenecer a un grupo que sirve a un objetivo con el que pueden sentirse identificados. El comando es Reisman. Y la película enfrenta astutamente a este oficial conflictivo con sus superiores para dejar claro que es mejor líder que ellos y que el liderato hay que ganárselo cada día y en cada momento, sobre el terreno y entre tus tropas. M.J.P.

GLADIATOR 2000; EE UU, Reino Unido, Malta, Marruecos; Color; Director: Ridley Scott; Guion: David Franzoni, John Logan, William Nicholson; Música: Lisa Gerrard, Hans Zimmer; Fotografía: John Mathieson; Intérpretes: Russell Crowe, Joaquin Phoenix, Connie Nielsen, Oliver Reed, Richard Harris, Derek Jacobi, Djimon Hounsou, David Schofield, David Hemmings; Duración: 155 minutos.

“Lo que hacemos en esta vida se refleja en la eternidad”. Todo lo malo que le pasa a Máximo Décimo Meridio le pasa por honrado y por no aceptar el puesto de César. No dejarse corromper por el poder engendra una sucesión de calamidades sobre la vida del militar leal y digno. El hijo del emperador, Cómodo, es todo lo contrario a Máximo. Codicia el poder hasta el punto de estar dispuesto a todo para conseguirlo, incluso atacando a su propia familia. Los valores y el propio código del honor van a tener que estar más presentes en nuestras vidas porque, en caso contrario, esto se convertirá en un “sálvese quien pueda”, es decir: el caos. Gladiator es una trama que sigue muchos pasos tras la pista del clásico de cine de romanos Ben-Hur, mezclado con la caída en desgracia del militar romano que proponía otro clásico del asunto, Quo vadis? La diferencia respecto a ambas es que elimina totalmente de la fórmula la presencia de lo sobrenatural y la subtrama religiosa, representada por Cristo en la primera y por los cristianos perseguidos en la segunda. Desaparecido ese factor, crucial en las dos superproducciones mencionadas que le sirven como referente, lo que propone Ridley Scott en esta película es una variante laica de su misma fórmula, en la que los valores del héroe no derivan de su contacto con lo divino, sino de su propio código de honor plenamente humano. La propia frase reseñada al principio de esta ficha, el eco de nuestros actos como humanos en la eternidad, es una reivindicación de lo humano enfrentado en solitario y sin manuales o muletas religiosos a la toma de decisiones y las encrucijadas, haciéndose plenamente responsable de sus actos y de las consecuencias que se derivan de estos. M.J.P.

CARTEL-MANÍA PELÍCULAS MOTIVADORAS

VENGADORES: ENDGAME Avengers: Endgame 2019; EE UU; Color; Directores: Anthony Russo, Joe Russo; Guion: Christopher Markus, Stephen McFeely; Música: Alan Silvestri; Fotografía: Trent Opaloch; Intérpretes: Robert Downey Jr., Chris Evans, Mark Ruffalo, Chris Hemsworth, Scarlett Johansson, Jeremy Renner, Don Cheadle, Paul Rudd, Benedict Cumberbatch, Chadwick Boseman, Brie Larson; Duración: 181 minutos.

CARTEL-MANÍA PELÍCULAS MOTIVADORAS

MAD MAX 2, EL GUERRERO DE LA CARRETERA Mad Max 2 1981; Australia; Color; Director: George Miller; Guion: Terry Hayes, George Miller, Brian Hannant; Música: Brian May; Fotografía: Dean Semler; Intérpretes: Mel Gibson, Bruce Spence, Michael Preston, Max Phipps, Vernon Wells, Kjell Nilsson; Duración: 96 minutos.

“Vengadores, reuníos”. Esa frase adquirió aún más relevancia en el último largometraje de los Vengadores de Marvel estrenado en un cine y sigue siendo un emblemático grito para muchos aficionados al cine que han crecido siguiendo las aventuras de los célebres superhéroes liderados por Tony Stark y el Capitán América. Las salas de cine, repletas precoronavirus, estallaban de emoción, algunas incluso con espontáneos aplausos, cuando en plena batalla con las hordas de Thanos el martillo de Thor encontraba finalmente alguien digno que pudiera empuñarlo con tanta fuerza y decisión como el propio Dios del Trueno. Uno de los momentos míticos del cine de superhéroes más reciente. Hay momentos igualmente épicos en otras entregas de Vengadores, pero es en esta última donde brilla más que en cualquier otra el personaje de Tony Stark, Iron Man, que, a pesar de ser el único entre todos sus compañeros que ha podido crear algo positivo en medio de todo lo negativo, el único que ha formado un hogar y una familia, se deja arrastrar en una misión rocambolesca y suicida en la que no tienen ni idea de lo que van a hacer y van metiéndose de problema en problema y aumentando aún más el peligro. El sacrificio final de Stark, el hombre que reconstruyó su vida, es doble porque renuncia también a su propia familia. Han hecho falta cuatro películas para que escuchemos el famoso “Vengadores, reuníos”, pero como frase motivadora prefiero aquella en la que cuando adivinan en qué planeta está Thanos, el habitualmente equilibrado y contenido Capitán América dice: “Vamos a por él”. M.J.P.

Altruismo frente a egoísmo definido por la frase con la que el protagonista quiere definirse, pero que en el fondo no le define: “Yo estoy aquí por la gasolina”. El antihéroe se engaña vistiendo en falso la capa del cínico mientras suena la música de Brian May, miembro del grupo Queen. Max Rockatansky es un egoísta que muta en altruista cuando ya no le queda más remedio. En el fondo quiere escaparse de “pringar”, pero sabe que no puede. Uno no puede luchar contra sí mismo y vencer. Eres como eres, y punto. Es lo que le pasa por estar en medio, en tierra de nadie, entre los “civilizados” prospectores de gasolina y la salvaje tribu de habitantes del páramo liderada por Humungus. Y es así como al final de la película se confirma que el mejor superviviente es el capitán Gyro, que termina la cinta integrado en un grupo, con una compañera y mientras se lo toma todo a coña limonera, con humor. Frente a él, Max termina solo de nuevo en la carretera, como un Moisés al que se le niega la entrada en la Tierra Prometida a la que se dirigen los civilizados que han sobrevivido a las hordas de Humungus. Cuando quiere ser egoísta, le sale mal la jugada y, cuando se mete a altruista, acaba aún peor. No obstante, tiene pinta de que Max está muy a gusto solo y en todo caso acompañado como mucho de un perro, que al menos no habla… Menos preocupaciones. Quizá está cansado de perder gente por el camino y, si estás solo, ya no tienes a nadie que perder y echar de menos… O se estaba reservando para encontrarse con Imperator Furiosa en la versión de Max que han votado los lectores por delante de la que yo propongo. M.J.P.

CARTEL-MANÍA PELÍCULAS MOTIVADORAS

ROCKY

LA VIDA DE BRIAN Life of Brian

1976; EE UU; Color; Director: John G. Avildsen; Guion: Sylvester Stallone; Música: Bill Conti; Fotografía: James Crabe; Intérpretes: Sylvester Stallone, Talia Shire, Burt Young, Carl Weathers, Burgess Meredith, Thayer David, Joe Spinell, Jimmy Gambina, Bill Baldwin, Al Silvani, George Memmoli, Jodi Letizia, Diana Lewis, George O’Hanlon, Larry Carroll, Stan Shaw, Don Sherman, Billy Sands, Pedro Lovell; Duración: 120 minutos.

1979; Reino Unido; Color; Director: Terry Jones; Guion: Graham Chapman, John Cleese, Terry Gilliam, Eric Idle, Terry Jones, Michael Palin; Música: Geoffrey Burgon; Fotografía: Peter Biziou; Intérpretes: Graham Chapman, John Cleese, Terry Gilliam, Eric Idle, Terry Jones, Michael Palin, Terence Bayler, Carol Cleveland, Kenneth Colley, Neil Innes, Charles McKeown, John Young; Duración: 94 minutos.

Uno de los mejores mensajes del cine contra el miedo lo encontramos precisamente en el diálogo de este largometraje, el primero del ciclo de peripecias cinematográficas del boxeador creado por Sylvester Stallone (el guion era suyo, quiso también dirigirla, pero no le dejaron): “El miedo es como el fuego. Si lo controlas, te calentará y te mantendrá vivo; pero, si te controla a ti, te quemará”. Si queremos salir adelante en esta crisis, el miedo, que es perfectamente humano, lógico, deberá estar controlado y tendremos que hacerlo trabajar a nuestro favor. Este del miedo es uno de los muchos diálogos que ha dejado al cine la saga del boxeador interpretado por Stallone, en la que encontramos otras perlas motivacionales como las siguientes: En Rocky Balboa: “Eres mi hijo y eres mi sangre. Eres lo mejor de mi vida. Pero hasta que empieces a creer en ti mismo, no vas a tener una vida”. En Rocky III: “Nada es real si no crees en quien eres”. En Rocky IV: “Ir a un asalto más cuando no crees que puedas, eso es lo que hace toda la diferencia en tu vida”. O: “Quizás lo único que pueda hacer es aguantar todos sus golpes... pero, para vencerme, tendrá que matarme; para matarme, tiene que tener valor para ponerse delante de mí; y para eso también tendrá que estar dispuesto a morir”. Stallone tenía ya muy claro lo que quería contar cuando protagonizó este lanzamiento de su carrera, en la que, en general y para el tema que nos ocupa, las películas de la saga de Rocky han sido en su conjunto mejores que las de Rambo, el otro personaje clave para su estrellato. M.J.P.

El humor como arma de supervivencia queda en la canción Mira siempre el lado brillante de la vida, que después de pelearse por el lugar que les corresponde según su etnia y delito en el campo de crucificados —el colmo de la estupidez— consigue unir a todos en ese momento de despedida final absolutamente disparatado. El tema musical demostró ser suficientemente motivador como para que el 4 de mayo de 1982, durante la guerra de las Malvinas, los marineros de un destructor británico seriamente dañado por misiles argentinos cantaran ese tema musical de La vida de Brian mientras esperaban que los rescataran. La risa es un síntoma de salud mental, y vamos a necesitar muchas risas para hacer frente a la crisis. Y esta película de los Monty Python es una de las mejores propuestas para cosechar unas cuantas risas. Recordemos aquí las discusiones del Frente Popular de Judea o el Frente Judaico Popular, sus disidencias y discrepancias, el voto feminista y la pregunta de “¿qué han hecho por nosotros los romanos?”. Recordemos a Pijus Magnificus y sus discursos. Recordemos el momento de la lapidación, con todo lo que conlleva de sátira salvaje de los linchamientos públicos, sátira válida tanto para los “vigilantes de balcón” que han surgido con el coronavirus como para los linchamientos desde las redes sociales. Según se ha sabido después, originalmente Brian de Nazareth estaba pensado como el decimotercer apóstol, que llegaba siempre tarde a todos los actos relacionados con Jesucristo e incluso se perdía la última cena. ¿Habría eso evitado la ola de protestas, acusaciones de blasfemia y prohibiciones de proyección que la comedia cosechó en su recorrido comercial? Seguramente no. M.J.P.

CARTEL-MANÍA PELÍCULAS MOTIVADORAS

MILLION DOLLAR BABY

CARTEL-MANÍA PELÍCULAS MOTIVADORAS

NÁUFRAGO Cast Away

2004; EE UU; Color; Director: Clint Eastwood; Guion: Paul Haggis, F. X. Toole; Música: Clint Eastwood; Fotografía: Tom Stern; Intérpretes: Clint Eastwood, Hilary Swank, Morgan Freeman, Jay Baruchel, Anthony Mackie, Michael Peña, Benito Martínez; Duración: 132 minutos.

2000; EE UU; Color; Director: Robert Zemeckis; Guion: William Broyles Jr.; Música: Alan Silvestri; Fotografía: Don Burgess; Intérpretes: Tom Hanks, Helen Hunt, Paul Sanchez, Lari White, Leonid Citer, David Allen Brooks; Duración: 143 minutos.

“Si luchas, puedes perder. Si no luchas, ya has perdido”. Mensaje claro para esta película donde Clint Eastwood abordó el mundo del boxeo como un telón de fondo para hablar de eutanasia, de fe, de convicciones, que son lo más importante de la trama. Definitorias de que esa frase que encabeza este texto encaja con el mundo del boxeo, pero también y principalmente con la propia lucha interior que libra el personaje del entrenador interpretado por Eastwood en el tramo final de la película, son las secuencias que se desarrollan con ese personaje en la iglesia. Por otra parte, ¿quién es el protagonista? El dilema moral lo lleva principalmente el personaje de Eastwood. La parte de acción y superación la conduce claramente el personaje de su pupila a través de su paso por el ring. Por tanto, estamos ante un ejercicio de doble protagonista, en el que, además, se produce un relevo, pero en el que finalmente, por el principio y el final de la cinta, se sobrepone en primer término el personaje del entrenador. Pero junto con esos dos personajes hay una figura destacada en tono de reparto que oficia como testigo y voz del equilibrio objetivo en la historia que une al entrenador y la boxeadora: el personaje interpretado por Morgan Freeman, que a veces pone voz a los pensamientos del entrenador que este no expresa y que tienen también un sentido para conducirnos hacia el tema central de la manera de luchar con las adversidades de la vida, tomando lo que ocurre en el cuadrilátero como una metáfora de la existencia. Por ejemplo, cuando afirma: “A Frankie le gusta decir que el boxeo es un acto antinatural, que todo en el boxeo es al revés: a veces la mejor manera de dar un puñetazo es dar un paso atrás... Pero retrocede demasiado y no estás peleando”. M.J.P.

“Sé lo que tengo que hacer ahora: tengo que seguir respirando porque mañana el sol saldrá. ¿Quién sabe lo que podrá traer la marea?”. Confiar en lo que traerá la marea, y en lo que traerá el día siguiente, es la clave que emplea el protagonista de Náufrago para seguir adelante sin rendirse, a pesar de que su única compañía es un balón roto al que le ha puesto nombre: el señor Wilson (al parecer, escribieron líneas de diálogo para el balón con el fin de facilitar la interacción y que Tom Hanks pudiera contar con alguna clase de “réplica” por parte de su “compañero” de reparto durante la mayor parte del largometraje. Y se usaron tres balones para la película, uno de los cuales llegó a subastarse por 18.400 dólares). El recurso del balón demostró ser eficaz, aunque inicialmente tenían pensado hacer que el dinamismo de la estancia en la isla se instalara sobre la idea de que el protagonista desarrolla varias personalidades que hablan entre sí. Eso habría sido un error, porque el tema de la enajenación mental del personaje de Hanks podría haberse convertido en el epicentro de lo que en definitiva es una odisea de supervivencia que el propio actor veía como una manera de reinventar la fórmula argumental del personaje atrapado en una isla desierta más allá de la consabida fórmula planteada por la novela Robinson Crusoe. La aventura se habría hecho mucho más oscura cruzándola con el desarrollo de la personalidad múltiple. Tom Hanks materializó en esta película el esfuerzo del superviviente en solitario y con ello ganó un Globo de Oro y fue nominado al Oscar. Otra frase clave que define la situación del protagonista en la isla y el papel del tiempo en su odisea de supervivencia: “Vivimos y morimos con el tiempo, y no debemos cometer el pecado de dar la espalda al tiempo”. M.J.P.

CARTEL-MANÍA PELÍCULAS MOTIVADORAS

COMANDO EN EL MAR DE CHINA Too Late The Hero 1970; EE UU; Color; Director: Robert Aldrich; Guion: Robert Aldrich, Robert Sherman, Lukas Heller, George Marzbetuny; Música: Gerald Fried.; Fotografía: Joseph F. Biroc; Intérpretes: Michael Caine, Cliff Robertson, Ian Bannen, Harry Andrews, Ronald Fraser, Denholm Elliott, Ken Takakura; Duración: 133 minutos.

Robert Aldrich es un clásico del cine de acción que en todos los géneros y como constante de su cine redefinió el heroísmo virándolo hacia sus tonos más oscuros, haciendo de sus personajes antihéroes en conflicto, reticentes y poco dispuestos al sacrificio. En definitiva, héroes a la fuerza. Así lo hizo en sus wésterns, Apache, Veracruz, La venganza de Ulzana, y así lo hizo en sus aportes al cine bélico, ¡Ataque!, Comando en el mar de China y, por supuesto, Doce del patíbulo. En esta película demuestra que más vale tarde que nunca y que, aunque seas un escaqueado nivel experto, como los personajes que interpretan Michael Caine y Cliff Robertson, siempre llega el momento en el que tienes que arrimar el hombro incluso si la misión no te importa lo más mínimo. De ahí la frase definitoria del último acto de esta aventura bélica: “Usted hará zig y yo haré zag”. Es lo que le dice el reticente héroe a la fuerza estadounidense al aún más reticente héroe a la fuerza británico cuando se disponen a atravesar el campo que barren a tiros los japoneses para dar el aviso que permitirá salvar miles de vidas de soldados aliados en un convoy. El título original habla del heroísmo tardío, el que muestra el personaje de Cliff Robertson, en muchos aspectos heredero de la actitud de pasotismo bélico que mostraba el personaje de William Holden en El puente sobre el río Kwai. Ninguno de ellos tiene muchas ganas de ir al frente a jugarse el pellejo, pero no les dejan otra opción, y sus relajadas vacaciones playeras en pleno conflicto saltan en pedazos cuando les cae encima una nueva misión de comando que no esperaban. Que sus compañeros sean un grupo de soldados británicos bastante caóticos, desmotivados, cobardes y traicioneros no mejora la situación. M.J.P.

FORREST GUMP 1994; EE UU; Color; Director: Robert Zemeckis; Guion: Eric Roth; Música: Alan Silvestri; Fotografía: Don Burgess; Intérpretes: Tom Hanks, Rebecca Williams, Sally Field, Michael Conner Humphreys, Robin Wright, Mykelti Williamson, Gary Sinise, Michael Burgess, Jeffrey Winner, Steven Griffith; Duración: 142 minutos.

“¡Corre, Forrest, corre!”. Lo de que “la vida es una caja de bombones” siempre me ha parecido filosofía barata, prefiero lo de ver qué trae la marea de Náufrago, también con Tom Hanks como protagonista, pero este grito de correr me parece una de las escenas más emblemáticas del cine de los noventa y mucho más significativo a la hora de formular la manera en la que el protagonista salta por encima de su situación particular para acceder a una vida plena. No hay límites para nadie. Nosotros nos ponemos nuestros límites. Si finalmente rompemos las limitaciones que nos hemos impuesto, nada nos puede impedir ser libres. Además, la película es una especie de puesta en cuestión del sueño americano y la tradición del hombre hecho a sí mismo. El teniente Dan parece tenerlo y hacerlo todo para poder ser un héroe de guerra, pero acaba convertido en un mutilado amargado; mientras que, sin pretenderlo en absoluto, Forrest, que parecía tenerlo todo en contra para sobrevivir, no solo sale adelante en el frente, sino que incluso salva al teniente y luego se convertirá en un apoyo para él en la vida civil, algo que Dan odia porque en el fondo le envidia. Es una película optimista que asegura que el llamado “sueño americano” está a mano de cualquiera, incluso de quien no es consciente de estar avanzando casillas para conseguirlo, como es el caso de este Forrest corredor que sin buscarlo acaba convertido en un icono popular. Algo muy propio del cine de Robert Zemeckis y en general de la cultura americana. M.J.P.

BRIAN DENNEHY (BRIAN MANION DENNEHY) 9 de julio de 1938, Bridgeport, Connecticut (EE. UU.)-15 de abril de 2020, New Haven, Connecticut (EE. UU.)

FILMOGRAFÍA 1977.– Kojak: The Godson (serie televisión), Serpico: Sanctuary (serie televisión), Johnny, We Hardly Knew Ye (película televisión), Lannigan’s Rabbi: Corpse of the Year (serie televisión), La mujer policía: Shadow of a Doubt (serie televisión), MASH: Souvernirs (serie de televisión), Handle with Care (película televisión), Bumpers (película televisión), Lucan: Listen to the Heart Beat (serie televisión), The Fitzpatricks: Superman (serie televisión), Lou Grant: Nazi (serie televisión), Buscando al señor Goodbar, Dos más uno… igual a dos, Hormigas (película televisión); 1978.– Las tribulaciones del juez Franklin: Bobby and Brian (serie televisión), Ruby y Oswald (película televisión), A Death in Canaan (película televisión), FIST, símbolo de fuerza, Dallas: Winds of Vengeance (serie televisión), Juego peligroso, Pearl (miniserie), A Real American Hero (película televisión); 1979.– Silent Victory: The Kitty O’Neil Story (película televisión), Hombre libre (película televisión), Dummy (película televisión), Los primeros golpes de Butch Cassidy y Sundance, 10, la mujer perfecta, Big Shamus, Little Shamus (serie televisión); 1980.– El truhán y su prenda, La señorita Leona (película televisión), Rumores de guerra (miniserie), California: Chance of a Lifetime (serie televisión); 1981.– Lejos de casa (película televisión), Skokie (película televisión), Dinastía (serie televisión), Darkroom: MakeUp (serie televisión), Great Performances: The Girls in Their Summer Dresses and Other Stories (serie televisión); 1982.– BBC2 Playhouse (serie televisión), Capturado, Acorralado, Star of the Family (serie televisión); 1983.– Eligiendo un marido (película televisión), Odio a muerte (película televisión), Los lobos no lloran, Gorky Park; 1984.– Cagney and Lacey: The Bounty Hunter (serie televisión), Quien la sigue la consigue, Pigs vs. Freaks (película televisión), Hunter: Hunter (serie televisión), La barca del infierno, The Ferret (película televisión); 1985.– Cocoon, Silverado, Dos veces en una vida, Grandes cuentos y leyendas: Annie Oakley (serie televisión), The Last Place on Earth (miniserie), Hojas perennes (miniserie); 1986.– F/X, efectos mortales, Aceptable Risks (película televisión), Los nuevos americanos, Peligrosamente juntos; 1987.– Cuentos de hadas: La sirenita (serie televisión), El vientre de un arquitecto, Best Seller, Corrupción en Miami: Amen… Send Money (serie televisión); 1988.– Venganza de padre (película televisión), The Man From Snowy River 2, La maldición del diamante (película televisión), Más allá de la ambición, Cocoon: el retorno; 1989.– Day One (película televisión), Indio, Siete minutos para morir, Testimonio fatal (película televisión), Pride and Extreme Prejudice (película televisión); 1990.– Código azul, Implicación criminal (película televisión), Mi única razón (película televisión), Presunto inocente; 1991.– In Broad Daylight (película televisión), FX2: Ilusiones mortales; 1992.– Atrapar a un asesino (miniserie), El peso de la prueba (miniserie), Gladiator, La piel del diamante (película televisión), El juego del poder (película televisión), Ilusiones rotas (película televisión); 1993.– Un romance inesperado (película televisión), Profeta del mal (película televisión), Apelación final (película televisión), Testigo bajo sospecha (película televisión), Marcado por la rabia (miniserie); 1994.– Birdland (serie televisión), Es tan largo el olvido (película televisión), En busca de la justicia (película televisión), Screen Two: Midnight Movie (serie televisión); 1995.– Tommy Boy, Camino de la fortuna, Jack Reed: One of Our Own (película televisión), La sombra de la duda (película televisión); 1996.– Jack Reed: un asesino entre nosotros (película televisión), La jornada del muerto (miniserie televisión), Excesiva influencia (película televisión), Romeo y Julieta de William Shakespeare, Muerte por venganza (película televisión), Nostromo (miniserie); 1997.– Traición familiar (película televisión); 1998.– La Guerra del Golfo (película televisión), Alarma en alta mar (película televisión), NetForce (película televisión), Dame un respiro (serie televisión); 1999.–La vida secreta de Doris Duke (película televisión), Corazones en guerra, Sirenas de la muerte (película televisión), Acceso ilegal; 2000.– Death of a Salesman (película televisión), American Experience: The Duel (serie televisión), Fail Safe: sin retorno (película televisión), Los friegaplatos (vídeo); 2001.– El guardián de Red Rock (película televisión), The Fighting Fitzgeralds (serie televisión), Gritos en la noche: Quiet Please (serie televisión), ¡Vaya partido!, Tres ratones ciegos (película televisión); 2002.– Stolen Summer, Más allá del juego (película televisión), Great Performances: Making The Misfits (serie televisión); 2003.– La verdad sobre el caso Enron (película televisión), La agencia: Debbie Does Jakarta (serie televisión), La primavera romana de la señora Stone (película televisión), Behind the Camera: The Unaothorized Story of Three’s Company (película televisión); 2004.– Ella me odia, Huracán categoría 6 (película televisión); 2005.– Asalto al distrito 13, The Exonerated (película televisión), El ala oeste de la Casa Blanca: Ninety Miles Away (serie televisión), Secretos de confesión

(película televisión); 2006.– Entre la Décima con Wolf, Los 4400: Blink (serie televisión), El héroe de todos, El último regalo; 2007.– Ley y orden: Unidad de Víctimas Especiales: Scheherezade (serie televisión), Marco Polo (película televisión), Ratatouille, Maestros de la ciencia ficción: The Discarded (serie televisión), Welcome to Paradise, War Eagle, Arkansas; 2008.– Rockefeller Plaza: Sandwich Day (serie televisión), Cat City, Asesinato justo; 2009.– Reglas de compromiso: Dads Visit (serie televisión), Bunker Hill (película televisión); 2010.– Carrie Underwood: Temporary Home (cortometraje), Nolan Knows Best (película televisión), Evey Day, Una stripper en tu vida, Rizzoli & Isles: Boston Strangler Redux (serie televisión), Los próximos tres días, Alleged; 2011.– Expediente misterio: Hitler (serie televisión), El gran año; 2012.– Twelfth Night, The Good Wife: The Art of War, A Defense of Marriage (serie televisión), Kinect Rush: A Disney Pixar Adventure-Snapshot (videojuego); 2013.– El desastre del Challenger (película televisión), Con C mayúscula: The Finale (serie televisión); 2015.– Cocked (película televisión), Knight of Cups, Public Morals (serie televisión); 2016.– El legado absoluto (película televisión), The Blacklist (serie televisión); 2017.– Hap and Leonard (serie televisión), A Very Merry Toy Store (película televisión); 2018.– La gaviota, ¡Tú la llevas!, The Song of Sway Lake; 2019.– Driveways, Master Maggie (cortometraje), 3 Days with Dad; 2020.– Son of the South, Long Day Journey, The Adventures of Buddy Thunder.

MÁS ALLÁ DEL SHERIFF DE ACORRALADO Desde cualquier punto de vista que queramos mirarla, resulta difícil pensar en la amplísima filmografía de Brian Dennehy, incluyendo sus siete trabajos como director en televisión, en todos los cuales participó también como actor, interpretando varias veces el personaje del detective Jack Reed (En busca de la justicia, Jack Reed: One of Our Own, La sombra de la duda, Jack Reed: un asesino entre nosotros, Traición familiar y Gritos en la noche), sin que automáticamente su nombre quede asociado al del sheriff que se enfrentaba al marine John Rambo en la película Acorralado. La película hizo de Stallone el protagonista, convirtiendo al sheriff de Dennehy en antagonista, aunque en la novela el protagonismo estaba más repartido y en algunos capítulos se decantaba más hacia el sheriff, representando el enfrentamiento de dos veteranos de distintas guerras enfrentados en un duelo. A pesar de ese cambio, Dennehy consiguió saltar a la fama con ese papel tras una larga trayectoria en televisión que había comenzado en el año 1977 interpretando un pequeño papel en la popular serie de televisión Kojak. Llama la atención en su filmografía el hecho de que desde esa primera entrada, la actividad del actor fue frenética, acumulando numerosas películas, series, miniseries y películas para televisión por año. Poco tiempo libre tuvo Denney a lo largo de su vida si tenemos en cuenta esa constante ocupación profesional. Pero lo cierto es que su frenética actividad no siempre estaba bien orientada en lo que a interés de los personajes o proyectos se refiere, de manera que su intensa agenda está marcada por la irregularidad en resultados, si bien consiguió ser una figura muy respetada no solo en el audiovisual, sino también en sus trabajos para el teatro. En el medio teatral, destacó por su protagonismo en montajes de la obra Muerte de un viajante, componiendo una interesante versión del personaje de Willy Loman que le llevó a ganar el Premio Tony como Mejor Actor en 1999, galardón que volvió a conseguir en 2003 por su trabajo en la obra Largo viaje del día hacia la noche. Muerte de un viajante también le proporcionó un Globo de Oro como Mejor Actor en la versión para televisión que protagonizó en el año 2001. Sobre los escenarios llegó a ser una estrella de mayor popularidad que en el cine, hasta el punto de que numeroso público quería saludarle tras las representaciones formando acumulaciones de seguidores que incluso llevaron a contratar seguridad extra para poder controlarlas. Tras servir en el cuerpo de Marines, aunque en contra de algunas notas biográficas no llegó a participar en combates, y conseguir una beca como jugador de rugby estudió Historia en la Universidad de Columbia y, posteriormente, pasó a la Universidad de Yale para estudiar arte dramático. Dennehy se casó en dos ocasiones, la primera con Judith Scheff, que fue su esposa entre abril de 1960 y 1974, año de su divorcio. Tuvieron tres hijos. Su segunda esposa fue Jennifer Arnott, con la que contrajo matrimonio en julio de 1988 y a la que ha permanecido unido hasta el momento de su muerte. Adoptó dos hijos, Cormack, nacido en 1993, y Sarah, nacida en 1993. Sus hijas Kathleen Dennehy y Elizabeth Dennehy también se han dedicado a la interpretación. Su hermano menor es agente del FBI y su película favorita era La ley del silencio, protagonizada por Marlon Brando.

STEVE CARELL

JAMES CALLIS

(Steven John Carell)

(James Nicholas Callis)

16 de agosto de 1962, Concord, Massachusetts, EE. UU. Altura: 1,75 metros. Estado civil: Casado con la actriz y guionista Nacy Carell, a la que conoció en el grupo de comedia Second City. La pareja tiene un hijo y una hija. Deportes favoritos: Le gusta el jóquey, deporte que practicaba de niño hasta la universidad. Era portero. También jugaba al lacrosse. Debut profesional: El actor comenzó a interesarse por el teatro en la universidad, en la Denison University, trabajó en obras infantiles y un par de anuncios. Así llegó a Second City, el famoso el grupo cómico teatral donde conoció a su esposa y a Stephen Colbert en 1991. Debutó en 1991 en cine con La pequeña pícara, y en televisión en la TV movie Life as We Know It ese mismo año. Personajes: Su papel más conocido es del de Michael Scott en The Office. Y ahora es Mitch Kessler en The Morning Show. Premios: Nominado al Oscar por Foxcatcher en 2015. Ganador del Globo de Oro por The Office en 2006. Filmografía básica: La pequeña pícara (2001), Como Dios (2003), Watching Ellie (2002-2003), El reportero: la leyenda de Ron Burgundy (2004), Melinda y Melinda (2004), Virgen a los 40 (2005), Pequeña Miss Sunshine (2006), Sigo como Dios (2007), Superagente 86 de película (2008), Noche loca (2010), Crazy, Stupid, Love (2011), Buscando un amigo para el fin del mundo (2012), El camino de vuelta (2013), Los amos de la noticia (2013), Foxcatcher (2014), La gran apuesta (2015), La batalla de los sexos (2017), El vicio del poder (2018). Frases: “Creo que los personajes de una comedia no deberían saber que están en una comedia”. ¿Sabías que…? Fue reportero en el programa de Stephen Colbert durante años, guionista de Virgen a los 40 y creador de la serie Angie Tribeca.

4 de junio de 1971, Hampstead, Londres, Inglaterra, Reino Unido. Altura: 1,73 metros. Estado civil: Casado con Neha Callis desde el 30 de diciembre de 1998. La pareja tiene tres hijos, dos niños y una niña. Deportes favoritos: El rugby, deporte que practicó hasta la universidad. Debut profesional: Pese a algunos rumores que indicaban que era descendiente de la aristocracia, el actor se ha encargado de desmentirlos e indicar que sus orígenes son humildes, descendiente de inmigrantes rusos y polacos. De hecho, su familia regentaba un humilde bed and breakfast frente al museo de Sherlock Holmes. Estudió Literatura Inglesa en la Universidad de York, donde se interesó por el teatro, escribiendo, dirigiendo y protagonizando varias obras. Incluso participó en representaciones de la Universidad de Cambridge y estudió en la London Academy of Music and Dramatic Art, graduándose en 1996 cuando debutó en teatro profesionalmente. Ese año aparece por primera vez en televisión en la serie Murder Most Horrid. En cine lo hace en 2001 en El diario de Bridget Jones. Personajes: Gaius Baltar en Battlestar Galactica. Y la voz de Alucard en Castlevania, por supuesto. Premios: Ganador de un Premio Saturn en 2006 por su papel en Battlestar Galactica. Filmografía básica: El diario de Bridget Jones (2001), Beginner’s Luck (2001), Bridget Jones: sobreviviré (2004), Dead Cool (2004), Una noche con el rey (2006), Battlestar Galactica: Razor (2007), Battlestar Galactica (2004-2009), Reuniting the Rubins (2010), En tierra de Jane Austen (2013), Believe (2013), The Hollow (2016), Bridget Jones’ Baby (2016), House by the Lake (2017), Castlevania (2017-¿?, voz). Frases: “Mi abuela era cantante de ópera; mi madre era actriz y cantante. Y ambas tuvieron que dejar su sueño para dedicarse al hogar”.

JENNA FISCHER

HELEN MCCRORY

(Regina Marie Fischer)

(Helen Elizabeth McCrory)

7 de marzo de 1974, Fort Wayne, Indiana, EE. UU. Altura: 1,68 metros. Estado civil: Casada con el guionista, director y ocasional actor Lee Kirk desde 3 de julio de 2010. La pareja tiene dos hijos. Divorciada de James Gunn, con quien estuvo casada entre 2000 y 2008. Debut profesional: Su madre era profesora de Historia, pero también impartía clases en un taller de teatro donde Jenna empezó a trabajar con apenas seis años, y donde conoció al hermano de su primer marido, Sean Gunn, con quien se crio. Estudió en la Truman State University, licenciándose en Arte Dramático y diplomándose en Periodismo. En esa época empezó a trabajar en teatro, en representaciones de misterio en cenas, y en 1998 se mudó a Hollywood y comenzó a trabajar con la commedia dell’arte con el Zoo District Theatre. Su primer trabajo fue en un vídeo de educación sexual, y en cine debuta en 1998 en un pequeño papel en Channel 493. En 2001 debuta en televisión, en Spin City. Personajes: Por supuesto, Pam Beesly en The Office, pero además ahora es Lena en Splitting Up Together. Premios: Nominada al Emmy en 2007 por su papel en The Office. Filmografía básica: Channel 493 (1998), The Specials (2000), Melvin Goes to Dinner (2003), El empleado del mes (2004), LolliLove (2004), Lucky 13 (2005), Slither: la plaga (2006), Patinazo a la gloria (2007), Los hermanos Solomon (2007), Dewey Cox (2007), Un hombre solitario (2009), Carta blanca (2011), The Office (2005-2013), ¿Estás aquí? (2013), 15.17: tren a París (2018), Splitting Up Together (2018-¿?). Frases: “La verdad, sería genial poder interpretar a Pam durante mucho, mucho tiempo… No tengo aspiraciones de ser una estrella de cine” (sobre su papel en The Office). ¿Sabías que…? Hasta establecerse en Hollywood como actriz, trabajó en un lavadero de coches y adivinaba el futuro por teléfono.

17 de agosto de 1968, Londres, Inglaterra, Reino Unido. Altura: 1,63 metros. Estado civil: Casada desde el 4 de julio de 2007 con el también actor Damian Lewis, más que conocido por todos. La pareja llevaba años junta, se comprometieron en 2006 y tienen un hijo y una hija. Debut profesional: Su padre provenía de Escocia, y era un diplomático destacado en Londres. Su madre era galesa. La actriz terminó sus estudios y se mudó a Italia para conocer mundo y ampliar sus fronteras, antes de regresar a Inglaterra y aprender arte dramático en el Drama Centre de Londres. De ahí pasó a los escenarios y con 25 años, en 1993, ya se reconocía su labor en los escenarios, especialmente en el National Theatre con Trelawny of the Wells. Ese año debuta en televisión con Full Stretch en un episodio, y en cine la vimos un año después en La Tabla de Flandes. Personajes: Con muchos papeles en miniseries, destacó en Penny Dreadful como Madame Kali, y por supuesto es Polly Gray en Peaky Blinders. Premios: Ganadora del Bafta Cymru Award de Gales por su papel en Streetlife en 1996. Filmografía básica: Streetlife (1995), La Tabla de Flandes (1994), La banda de James (1997), Hotel Splendide (2000), La venganza del conde de Montecristo (2002), El intruso (2004), Casanova (2005), La reina (2006), La joven Jane Austen (2007), Harry Potter y el misterio del príncipe (2009), 4.3.2.1. (2010), La invención de Hugo (2011), Skyfall (2012), La mujer de negro: el ángel de la muerte (2014), Penny Dreadful (20142015), Su mejor historia (2016), Peaky Blinders (2013-¿?). Frases: “Si siempre estás asustado por ser infeliz, qué agotador debe ser eso”. ¿Sabías que…? En 2017 recibió el OBE, el título de Oficial de la Orden del Imperio Británico.

SERIES DE TV

THE OFFICE

MADAM SECRETARY

Temporada 1

Reparto: Steve Carell, John Krasinski, Jenna Fischer, Rainn Wilson, B.J. Novak, Melora Hardin, David Denman, Leslie David Baker, Brian Baumgartner, Creed Bratton, Kate Flannery, Angela Kinsey, Oscar Nunez, Phyllis Smith; Emisión en EE UU: 24 de marzo a 26 de abril de 2005, NBC.

Reparto: Téa Leoni, Tim Daly, Erich Bergen, Patina Miller, Geoffrey Arend, Katherine Herzer, Evan Roe, Wallis Currie-Wood, Željko Ivanek, Keith Carradine, Bebe Neuwirth, Sebastian Arcelus, Marin; Emisión en EE UU: 21 de septiembre de 2014-3 de mayo de 2015, CBS.

Señalar ahora, a toro pasado y con el peso de la historia televisiva a nuestras espaldas, que la mayoría nos equivocamos cuando la primera temporada de The Office llegó a NBC es más que justo. Es lo más decente que podemos hacer. Cuando descubrimos que la brillante serie creada por Ricky Gervais y Stephen Merchant iba a ser convertida en un remake americano, nos echamos las manos a la cabeza. Incluso cuando vimos el innegablemente buen primer episodio, seguimos pensando que jamás llegaría a estar a la altura, pese a que incluso los dos responsables del original figuraban como escritores del nuevo guion. No éramos capaces de ver entonces que los cambios eran evidentes, que el tono (pese al arranque similar y a que se tratase de un falso documental) era completamente distinto, y que los personajes tenían personalidad propia, aunque estuviesen basados en los de Gervais, Mackenzie Crook, Martin Freeman o Lucy Davis. The Office, su nueva versión respiraba una energía diferente, y se mostraba desde el aún más brillante segundo episodio, uno de los mejores de la serie, que reflejaba la estupidez que podía alcanzar el jefe de la oficina, Michael Scott, al ser denunciado por comentarios racistas. Una oficina americana y sus peculiares habitantes, liderados por un jefe que se cree más listo que nadie, que se apunta los tantos de otros, que tiene un humor rancio y ridículo, que es ofensivo y no escucha… Y un grupo de trabajadores entre abnegados, obligados por las circunstancias, trepas, odiosos, gente decente, personas a las que todos olvidan… La realidad de una oficina estadounidense mostrada con gracia en apenas seis episodios que tuvo esta primera temporada, con BJ Novak escribiendo un guion y Mindy Kaling otro. Además Amy Adams paseó por la primera temporada como estrella invitada. Aunque comenzó con más de once millones de espectadores, para el segundo episodio tristemente la mitad había decidido ignorar la serie, que se mantuvo sólida pese a ello y fue renovada, creciendo sensacionalmente ese segundo año.

Nunca va a figurar entre las listas de series más queridas o premiadas del año. La crítica no va a recomendarla a todas horas y en cualquier momento posible. Algunos ni siquiera conocen su existencia aunque deberían si les gustan los dramas políticos en la línea de El ala oeste o Señora presidenta, aunque en esta ocasión con un giro que la acercaba a Homeland. El motivo era sencillo, su creadora había pasado por Homeland antes de llegar a esta serie, como guionista, y había elucubrado ya entonces qué sucedería si el personaje protagonista de aquella serie, una analista de la CIA básicamente, llegase a las más altas esferas del poder con un puesto de enorme relevancia en la Casa Blanca. Barbara Hall, responsable de la serie, venía de crear otras tan interesantes como Joan de Arcadia o La juez Amy, y llevaba ya más de treinta años haciendo series, escribiendo guiones para proyectos como Newhart, Enredos de familia o Doctor en Alaska. Quizá esta serie no será su proyecto más popular en el mundo. Pero merced a un excelente reparto y unos sólidos guiones, consiguió no solo que fuese comprada y pasase de su etapa de piloto, sino superar los 100 episodios. Aunque todo comienza aquí, con una analista de la CIA a la que el presidente ha preparado y tras la muerte de su predecesor en un accidente, es ascendida a secretaria de Estado, un puesto similar al de ministra de Exteriores. Tras solucionar un complicado caso de secuestro en Siria, nuestra protagonista descubrirá que quizá el accidente que la ha llevado al cargo no fuese tal, y que se encuentra envuelta en una conspiración que tendrá que descubrir antes de que ella sea la siguiente en morir. Por el camino, se enfrentará a incidentes en el extranjero que reflejaron los problemas de política social estadounidenses de su época, como fue Siria, Irán o incidentes similares a Bengasi. Más de diez millones de espectadores avalaron su éxito en su primer año de emisión.

SERIES DE TV

DOOM PATROL

PARKS AND RECREATION

Temporada 1

Reparto: Diane Guerrero, April Bowlby, Alan Tudyk, Matt Bomer, Brendan Fraser, Timothy Dalton, Joivan Wade, Julie McNiven, Phil Morris, Alec Mapa, Charmin Lee, Alimi Ballard; Emisión en EE UU: 15 de febrero a 24 de mayo de 2019, DC Universe.

Titans demostró que DC Universe era viable. Una plataforma donde DC podría no solo tener en catálogo sus muchos proyectos del pasado, sino también estrenar series nuevas de animación e imagen real que enganchasen al público en todo el mundo. Así nos llegó la mencionada Titans, que escondía entre sus episodios de la primera temporada uno que servía de backdoor pilot (un episodio piloto que está dentro de la serie original y del que la nueva pretendida serie será un spin-off) para Doom Patrol y en el que podíamos conocer a la Patrulla Condenada. La idea y el piloto encantaron en Warner y DC, pero decidieron varios cambios importantes, el primero de ellos que, aunque Brendan Fraser, April Bowlby y Matt Bomer repitiesen los papeles del piloto, la serie estaría ambientada en otro universo distinto al de Titans, en otra Tierra (si hacemos caso al Arrowverso, Titans en Tierra-9 y Doom Patrol en Tierra-21), lo que permitía tener un nuevo actor como jefe, Timothy Dalton, y añadir a un personaje como Ciborg, siempre ligado a los titanes. También se incorporaba el personaje de Diane Guerrero, Jane, una mujer con 64 personalidades distintas, cada una con sus propios dones. Frente a ellos, Alan Tudyk como Mr. Nobody, un tipo que secuestraba al jefe y ponía en jaque a la Patrulla Condenada, unos héroes que nunca quisieron serlo y que se ven forzados a enfrentarse a una situación que, incluso, podrían llegar a empeorar con sus incontrolables poderes, que les convierten en monstruos para los humanos. Cada uno de ellos venía con un gran trauma personal de su pasado, y la situación les obligaba a enfrentarse a ello, pero no crean que esto hacía que tuviesen éxito. El éxito en Doom Patrol siempre es relativo. Su tono adulto, su humor cafre, sus historias descreídas, sus personajes rotos…, todo marcó una excelente primera temporada que alcanzó los 16 episodios de la mano de su creador, Jeremy Carver, guionista de Sobrenatural y creador de la serie Frequency o Casi humanos, ambas algo fallidas, la verdad.

Reparto: Amy Poehler, Rashida Jones, Paul Schneider, Aziz Ansari, Nick Offerman, Aubrey Plaza, Chris Pratt, Jim O’Heir, Retta, Pamela Reed; Emisión en EE UU: 9 de abril al 14 de mayo de 2009, NBC.

Bienvenidos a Pawnee, ciudad del estado de Indiana donde Leslie Knope, nuestra maravillosa protagonista, trabaja en el departamento de Parks and Recreation. La serie es considerada en cierta medida spin-off de The Office, aunque en la primera temporada nada lo indique así. De hecho, el personaje de Rashida Jones es completamente distinto del que acababa de interpretar en The Office y no hay nada que nos haga pensar que ambas conviven en el mismo universo. Pero ambas son falsos documentales que vienen de la mano de Greg Daniels como productor y responsable, aquí junto a otro de los productores de The Office, Michael Schur. A Daniels le habían pedido un spin-off de The Office durante años y se negaba, pero la idea de una serie nueva aunque de estilo similar le llamaba mucho la atención. Una serie nueva que además contaría con un reparto estelar y que tendría entre sus muchos alicientes el cambiar el tema laboral de una oficina por el de la política, pero sin grandiosidades. Una pequeña oficina de un departamento que no parece importar a nadie en una ciudad ficticia de Indiana. Pese a ello, Leslie Knope no conoce el desaliento y no se rinde nunca. A ella llega el personaje de Rashida Jones, Ann, pidiéndole que arreglen un socavón por el que su novio se ha roto las dos piernas. Pero las cosas de palacio van despacio, sobre todo si tienes de jefe a Ron Swanson, un tipo que odia al Gobierno y que está decidido a derribarlo desde dentro. Porque la burocracia no sirve de nada… Estrenada como reemplazo de mitad de temporada, la primera temporada de seis episodios rondó los cinco millones de espectadores, aunque fue atacada duramente por la crítica, especialmente el personaje protagonista, que sufrió varios cambios de camino a la segunda temporada. Menos cambios sufrieron personajes como Swanson o April, el de Aubrey Plaza, quizá los reyes de la función como agentes del caos. Tampoco ayudó la presencia de Paul Schneider, personaje que no encajaba de ninguna manera en la serie y que sería reemplazado con el tiempo.

Ricardo Montalban

R I C A R D O M O N TA L B A N el nombre de Ricardo, donde interpretaba el papel principal, un gigolò Ricardo Gonzalo Pedro Montalbán y Merino era Ricardo Montalbán con guitarra. para los aficionados al cine y el temible Khan para los seguidores de la A finales de ese mismo año, Montalbán regresó a México para serie y la saga de películas de Star Trek, concretamente en el capítulo asistir al entierro de su madre, lo que le llevaría a intentar rencontrarse “Semilla espacial” (1967) y en el largometraje Star Trek 2: la ira de Khan con su país de origen e iniciando allí una incipiente carrera ante las (1982). El mejor antagonista de toda la franquicia, antes de que los borg cámaras en varias películas mexicanas que le convirtieron en estrella en aparecieran en escena y superando –esto es opinión personal de quien su propia tierra. escribe, ojo– a los mismísimos klingon y a los romulanos. Esa etapa de despegue mexicano en el cine se inició con un Dejando de lado los planetas y el universo de ficción explorado por pequeño papel en una comedia protagonizada por el célebre Cantinflas, la nave estelar Enterprise de Star Trek, Ricardo Montalbán ya era una Los tres mosqueteros (1942), dirigida por Miguel M. Delgado, en la que figura destacada de la oferta de ocio audiovisual estadounidense mucho ni siquiera le dieron sitio a su nombre en los créditos. El éxito de esa antes de interpretar el papel de Khan enfrentándose al capitán Kirk película fue arrollador en los cines mexicanos, donde se convirtió en una encarnado por William Shatner. de las más rentables de la década. El siguiente trabajo de Montalbán Nacido en Ciudad de México el 25 de noviembre de 1920 y fallecido para el cine mexicano si le llevó a aparecer en los créditos con el en Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 14 de enero de 2009, nombre de Ricardo Montalbán, interpretando el papel de Jacobito en la Ricardo brillaba con luz propia como ídolo latino en clave de galán sofiscomedia El verdugo de Sevilla (1942), protagonizada y dirigida por Ferticado y elegante. Era hijo de dos emigrantes españoles, Ricarda Merino nando Soler. Su siguiente trabajo ante las cámaras en la película La Jiménez y Jenaro Balbino Montalbán Busano, que trabajaba como virgen que forjó una patria (1942), protagonizada por Ramón Novarro, gerente de una tienda. Tenía tres hermanos, Carlos, Pedro y Carmen. que había hecho carrera en Hollywood durante la etapa muda como Montalbán padecía malformación arteriovenosa cerebral (MAV), galán latino, entre otras protagonizando la versión silente de Ben-Hur patología congénita con arterias anormalmente dilatadas que desemboen 1925, tampoco le dio aparición en can en venas anómalas sin que se créditos a Montalbán, lo mismo que interponga red capilar entre ellas, lo la siguiente producción en la que que provoca que la vena se dilate y apareció, La razón de la culpa (1943), corra el riesgo de romperse, provodirigida por Juan José Ortega. Pero cando dolores de cabeza graves o ese mismo año se iba a poner a tiro agudos, covulsiones que pueden del actor su primera oportunidad llegar a cursar en pérdida de conseria de destacar ante las cámaras ciencia, debilitamiento de la sensibicon un papel más protagonista en la lidad en alguna parte del cuerpo. Se película titulada Santa , titulada calcula que esta patología afecta al 1 alternativamente Sublime sacrificio por ciento de la población. (1943) y dirigida por Norman Foster y Ricardo Montalbán pasó parte Alfredo Gómez de la Vega. de su infancia en Torreón, México, La película estaba basada en la pero no dudó en aprovechar la opornovela Santa, de Federico Gamboa, tunidad que le brindaba la estancia que contaba ya con una versión de su hermano mayor Carlos en Los previa en la etapa muda estrenada Ángeles, California, para trasladarse en 1918 y cuenta con dos versiones a Estados Unidos, donde se formó posteriores a la coprotagonizada por como adolescente estudiando en un Montalbán, la cinematográfica de instutito en Fairfax e integrándose en 1969 y una serie televisiva de 1978. la cultura y la sociedad estadouniEn este drama romántico dense desde su juventud, algo que a sobre una mujer, Santa, enredada la larga facilitaría su posterior incursentimentalmente con un hombre, sión en el mundo del espectáculo y Jarameño, el papel interpretado por que no le habría resultado tan fácil Ricardo Montalbán, que la traiciona partiendo directamente desde Cadetes de la naval , titulada también Dos pasiones, apuntaló la dejándola en una difícil situación que México para buscar acomodo en la figura de Ricardo Montalbán como galán en Méjico. la llevará a ser rechazada por su industria norteamericana del especfamilia, conduciéndola a ganarse la táculo. vida como prostituta, fue el primer paso de Ricardo Montalbán para Estrella de los soundies y estrella en méxico ganarse el estrellato como galán en su país de origen. Fue dirigida por Después de dar sus primeros pasos en Nueva York, ciudad a la que Norman Foster, expatriado estadounidense del cine norteamericano en se trasladó para debutar en los escenarios en la obra Her Cardboard México. Lover en 1940, acompañando a una diva del momento, Tallulah BankEl siguiente proyecto del actor en su país fue Cinco fueron escogihead, estrella sobre todo en el teatro, Ricardo Montalbán participó en dos (1943), película bélica que se rodó en doble versión, en castellano y varios cortometrajes en 1941. Duraban apenas tres minutos y eran en inglés, narrando como tema central el intento de rescate de cinco pequeños musicales producidos para la explotación en las máquinas de ciudadanos yugoslavos retenidos por los nazis. La película se basada en jukebox de la época. Denominados soundies, se produjeron entre 1940 y una historia de Budd Schulberg escrita por Rafael Muñoz y Xavier Villau1947, incluían una canción, número de baile y orquesta. Producidos en rrutia. La versión mexicana fue dirigida por Agustín P. Delgado y la norblanco y negro en 35 milímetros, aunque se imprimían en 16 milímetros. teamericana por Herbert Kline. Ricardo Montalbán, que se había Las películas se proyectaban en los movie jukebox , denominados formado en inglés, pudo aparecer en las dos versiones interpretando el Panoram, que contenían colecciones de ocho soundies, cada uno de los mismo papel. cuales se podía ver pagando diez centavos. La llegada de la televisión A continuación, el actor volvió a ponerse a las órdenes de Norman comercial fue empujando para hacer obsoleta esta curiosa forma de Foster en La fuga (1944), película que le dio el principal papel protagoexplotación del musical en el mercado del entretenimiento en la que nista masculino en el papel de un teniente del Ejército en una diligencia debutaron algunas estrellas que iban a hacer carrera posteriormente en que intenta hacer el peligroso camino de México a Veracruz en los días el cine, como el propio Ricardo Montalbán, o como Doris Day, Alan Ladd, de la invasión francesa, siguiendo la pista en muchos aspectos al clásico Yvonne De Carlo o Dorothy Dandridge. del wéstern La diligencia, de John Ford. Los viajeros de la diligencia, son Ricardo Montalbán ofició primero como extra, luego como pro-Maximiliano, y el papel de Montalbán era el de un oficial del Ejército miembro de los coros que cantaban en algunos números, y finalmente imperial, así que los enemigos eran juaristas. Eso le otorga cierto grado tuvo su oportunidad como protagonista en el soundie titulado He’s a de interés a la producción, ya que normalmente las producciones del Latin of Staten Island, en 1941, citado en los créditos simplemente con cine mexicano se ponían en su mayor parte del lado de Juárez frente a

R I C A R D O M O N TA L B A N dar comienzo a su carrera en Hollywood, cuando en realidad ese lugar debe ocuparlo Pepita Jiménez.

Desembarco en Hollywood vía MGM

Pepita Jiménez, adaptación de la novela de Juan Valera que interpretó junto a la actriz madrileña Rosita Díaz Jimeno.

los imperialistas de Maximiliano. Otra curiosidad de esta producción es que en ella el actor coincidió en el reparto con la que tiempo después iba a ser su cuñada, Sally Blain, hermana de Loretta Young y de Georgina Young, que iba a convertirse en la esposa de Montalbán más tarde. Enfocado ya claramente hacia los papeles protagonistas, Montalbán protagonizó Cadetes de la naval, conocida en algunos países como España con el título de Dos pasiones (1945), seguida por otro trabajo con Norman Foster, La hora de la verdad (1945), el drama romántico Nosotros (1945), el drama La casa de la Zorra (1945), sobre una madre que le oculta a su hijo, al que ha mandado a estudiar en la universidad, que en realidad ella regenta una casa de juego de mala nota, la adaptación de la novela de Juan Valera Pepita Jiménez (1946), donde Montalbán interpretó al galán Luis Vargas, con la madrileña Rosita Díaz Jimeno en el papel del título. Fue galardonada con el Premio Ariel del cine mexicano en la categoría de Mejor Vestuario, y la nominaron a ese mismo galardón también en las categorías de Mejor Actriz Principal, Mejor Coprotagonista Masculino y Mejor Actor de Cuadro. Tras esta producción, el actor siguió sentando las bases de su carrera estadounidense y edificando su figura como estrella en su país de origen cuando ejerció como protagonista masculino de Fantasía ranchera (1947), que había rodado en 1943, pero permaneció sin estrenarse hasta el final de la Segunda Guerra Mundial, y por esta circunstancia accidental está considerada como su última película mexicana antes de

Dirigido por Anthony Mann, Montalbán interpretó en Border incident a un agente federal mejicano infiltrado como bracero en una organización ilegal de tráfico de inmigrantes.

El camino de regreso a Estados Unidos se le ofreció a Ricardo Montalbán merced a una producción del estudio norteamericano Metro Goldwyn Meyer que iba a rodarse en México y para la cual la major del león rugiente necesitaba contar con un actor que pudiera ejercer como torero y fuera mexicano, al tiempo que debía dominar el inglés. No muchos de los candidatos a tal papel podían presumir en primer lugar de una formación de juventud en suelo norteamericano dominando el idioma y además con una probada experiencia ante las cámaras en papeles protagonistas, cosa que Montalbán sí podía aportar a su candidatura. La película en cuestión se titulaba Fiesta, título que en su estreno en España recibió un apellido a modo de subrayado y acabó titulándose Fiesta brava (1947). Era un musical dirigido por el artesano de encargo Richard Thorpe, que había mostrado su rendimiento como tal en películas selváticas de Tarzán y más tarde destacaría como responsable de algunos de los espectáculos más taquilleros del estudio en clave de aventuras, como Ivanhoe, El prisionero de Zenda, Los caballeros del rey Arturo o Las aventuras de Quentin Durward. En esta ocasión, a Thorpe le enchufaron el encargo de sacar partido a la estrella de la natación Esther Williams en un musical exótico de marcado carácter folclórico y totalmente tocado por los tópicos étnicos de tanto predicamento en las producciones de Hollywood. Mary Astor y Cyd Charisse acompañando a los protagonistas como refuerzo del reparto, en un filme cuyo argumento narraba la historia de un torero que abandona su oficio como matador de toros para trabajar como compositor (Montalbán), y es sustituido por su hermana gemela (Esther Williams), papel para el que inicialmente los productores preferían a Rita Hayworth o alternativamente María Móntez. La película fue nominada al Oscar en la categoría de Mejor Música. Este filme se rodó en Puebla, México, y fue el primer trabajo del actor para el cine de Hollywood como protagonista. El buen rendimiento comercial del largomeraje propició que el estudio MGM contratara a Ricardo Montalbán, dando comienzo además a la trilogía de películas que coprotagonizó junto a la célebre nadadora, completada luego con En una isla contigo (1948), nuevamente bajo las órdenes de Thorpe, y La hija de Neptuno (1949), que dirigió Edward Buzzell. Nominada al premio del Sindicato de Guionistas de Hollywood al musical mejor escrito, En una isla contigo contaba con un galán norteamericano interpretado por Peter Lawford para no darle todo el territorio del galanteo del filme a un latino, y además ficharon al cómico Jimmy Durante y la bailarina y estrella del musical Cyd Charisse, que tuvo tiempo de protagonizar dos números musicales de corte romántico con Ricardo Montalbán antes de romperse la pierna y quedar fuera del resto del rodaje. La hija de Neptuno ganó el Oscar en la categoría de Mejor Canción Original precisamente por el tema que Esther Williams y Montalbán interpretaban juntos en pantalla, “Baby, it´s Cold Ouside”, que se convirtió en una de las canciones más populares de los años cuarenta y por su tema invernal incluso era considerada como una canción navideña sin serlo. La fiebre del revisionismo clavó sus garras en el tema en 2009, con varias protestas contra la canción que esgrimían la teoría de que su letra implicaba acoso y abuso sexual, lo que en fecha tan reciente como 2018 la llevó a ser eliminada de la lista de temas musicales del servicio de streaming de la Canadian Broadcasting Corporation…, que luego tuvo que plegar velas y volver a incluirla por las protestas de sus seguidores. Curiosamente, en un principio estaba previsto que Montalbán, al que obligaron a afeitarse completamente el torso para interpretar esta película, y Williams, que estaba embarazada de su primer hijo, cantaran el tema “I’d Love to Get You (On a Slow Boat to China)”, pero los censores de MGM encargados de revisar las letras de los musicales del estudio decidieron que de dicha canción era demasiado sugestiva, identificando get en un sentido sexual, pero sin embargo les pareció perfecto el tema que décadas después iba a ser puesto en cuestión por las hordas de revisionistas de nuestros días.

R I C A R D O M O N TA L B A N

Junto a Sally Forest en La calle del misterio, dirigida por John Sturges y donde Montalbán interpretaba al policía protagonista.

Otra producción en la que MGM aprovechó a su nuevo fichaje fue The Kissing Bandit (1948), comedia musical con envoltorio genérico de wéstern que protagonizó Frank Sinatra, casualmente interpretando en contra de su voluntad (no quería rodar la película porque no se consideraba adecuado para el papel) a un personaje llamado Ricardo. Sinatra no andaba desencaminado. Lo mejor de la película fue el número musical “Dance of Fury”, interpretado por Ricardo Montalbán, Cyd Charisse y Ann Miller, y coreografiado por Robert Alton. Está considerado como uno de los números musicales más destacados de la historia del género entre las producciones del estudio MGM.

Primer papel protagonista en hollywood Tras pasar por esta etapa de papeles de actor de refuerzo o de reparto, Ricardo Montalbán consiguió su primer papel como protagonista en una producción de Hollywood, Border Incident (1949), cine negro dirigido por el maestro de la acción Anthony Mann, cuyo argumento giraba en torno a un grupo de agentes mexicanos y estadounidenses empeñados en combatir las actividades delictivas de una banda dedicada a explotar a los trabajadores ilegales mexicanos en California. El tema la convierte en una de las precursoras en abordar el conflicto fronterizo de inmigrantes ilegales entre Estados Unidos y México, algo

El signo del renegado, aventura de capa y espada junto a Cyd Charisse, compañera de Montalbán en muchos musicales.

que pudo hacer por tratarse de una producción de poco presupuesto (749 000 dólares). Montalbán interpretaba a un policía federal mexicano que se infiltra entre los trabajadores ilegales haciéndose pasar por un bracero, mientras su compañero estadounidense, interpretado por George Murphy, se ocupa de controlar la operación desde el exterior de la organización criminal. Ese papel le otorgó a Ricardo Montalbán el estatus de estrella latina en Hollywood, algo que quedó demostrado cuando ocupó la portada de la revista estadounidense Life en el número publicado el 21 de noviembre de 1949. Tal y como declaró más tarde, en ese momento sintió que la dinámica de su carrera podía cambiar de forma espectacular y que iban a lloverle ofertas de trabajo como protagonista, pero no fue así. Lo más que consiguió fue un papel destacado como uno entre varios soldados que conformaban el reparto coral de una superproducción bélica, Fuego en la nieve (1949), dirigida por William Wellman y basada en los combates reales llevados a cabo durante la Segunda Guerra Mundial por la 101 División Paracaidista que quedó atrapada en el sitio de Bastogne durante lo que se conoció como la batalla de las Ardenas, librada en diciembre de 1944. La película fue un rotundo éxito de taquilla, lo que era beneficioso para potenciar aún más la popularidad de Montalbán entre el público estadounidense, pero lamentablemente su siguiente trabajo, en el que tenía puestas muchas esperanzas, porque era un papel protagonista y en un género muy popular de la época, el cine negro, no resultó en la taquilla como él y los productores esperaban. La película se tituló La calle del misterio (1950), y en ella Montalbán interpretaba a un detective de una pequeña ciudad que es asistido por un profesor de Harvard en la investigación relacionada con el descubrimiento de un cadáver en una playa de Massachusetts. Dirigida por John Sturges, contaba como coguionista con Richard Brooks, dos maestros, y además fue nominada al Oscar a la mejor historia escrita para el cine, de Leonard Spigelgass, pero nada de ello sirvió para que la película se abriera paso en la taquilla como esperaba la Metro, que había invertido 730 000 dólares y solo recaudó 775 000 dólares en la taquilla internacional, 429 000 en cines estadounidenses y 346 000 en el resto del mundo. Esas cifras, según los cálculos de la productora, añadiendo los gastos promocionales, de copias, etc., arrojaban pérdidas por valor de 284 000 dólares. Ni siquiera las críticas de apoyo conseguidas por la película y por su protagonista calmaron a la productora. Un ejemplo: el diario The New York Times destacó: “A pesar de su bajo presupuesto, no tiene bajo ni su buen gusto ni su atención a los detalles técnicos y verosimilitud. La interpretación de Montalbán es natural y modesta”. El director también quedó contento con el trabajo del actor, como demuestra el hecho de que volviera a contar con él para interpretar un papel destacado en su siguiente largometraje, Cruce de derecha (1950), dándole el papel de un boxeador que competía por el afecto del personaje interpretado por June Allyson (aunque inicialmente anunciaron a Ava Gardner en ese papel) con la estrella del cine negro Dick Powell, marido y mujer en la vida real, lo que provocaba cierto embarazo en Montalbán cuando tenía que interpretar escenas de amor con ella. El presupuesto era algo más elevado que el de la película anterior, 873 000 dólares, contaba en el reparto con una joven Marilyn Monroe en un papel muy secundario –el último que interpretó sin que su nombre apareciera en los créditos–, y recaudó 1 302 000 dólares, 955 000 000 dólares en los cines de Estados Unidos y 347 000 dólares en el resto del mundo, lo que generó pérdidas de 64 000 dólares al estudio, contando con la inversión de promoción, copias y demás. Los números rojos seguían persiguiendo a los trabajos como protagonista de Ricardo Montalbán en Estados Unidos. MGM hizo un tercer intento de buscarle acomodo como protagonista probando suerte con otro género, el musical, y asociándolo con una de sus estrellas femeninas, Jane Powell (en un papel en el que inicialmente se anunció a Elizabeth Taylor), además de dotarla de un presupuesto más abultado, 1 405 000 dólares. Afortunadamente, esta producción demostró que Montalbán podía funcionar en taquilla como protagonista siempre que fuera en el género musical, porque el estudio ganó 199 000 dólares con la taquilla conseguida por esta película. Powell siempre dijo que esta era su película favorita entre todas la que había rodado. Tras este largometraje, Ricardo Montalbán fue prestado por MGM al estudio Universal para protagonizar junto a Cyd Charisse una película de

R I C A R D O M O N TA L B A N

Montalbán en uno de sus personajes más recordados en la película Star Trek: la ira de Khan . Ese personaje lo heredó luego Benedict Cumberbatch en Star Trek: en la oscuridad .

piratas, El signo del renegado (1951), dirigida por el argentino Hugo Fregonese, y basada en la novela El signo del Zorro, de Johnston McCulley. Solo que en esta ocasión el espadachín enmascarado se infiltró como pirata para desvelar las conspiraciones y corruptelas del poderoso de turno, interpretado por otra figura mexicana de Hollywood, Gilbert Roland.

Una lesión que le dejó en silla de ruedas De retorno en MGM, la popularidad de Montalbán ganó más puntos apareciendo junto a Clark Gable en el wéstern Más allá del Missouri (1951), dirigido por William Wellman y donde dio vida al jefe indio Chaqueta de Hierro. A título personal, fue la película de mayor coste de toda su filmografía, porque durante el rodaje se cayó de un caballo y fue pisoteado por el animal, dando como resultado una lesión en la espalda cuyos intensos dolores le persiguieron el resto de su vida y empeoraron con la edad, hasta el punto de que en 1993 finalmente tuvo que someterse a una complicada operación de nueve horas y media de quirófano que sin embargo no pudo llegar a corregir la lesión, y por el contrario lo dejó paralizado de cintura para abajo, de manera que tuvo que sortear el dolor con abnegación, trabajando en una silla de ruedas. El tramo final de su etapa dorada en el cine, antes de pasarse a la televisión, quedó sellado con siete largometrajes más y viajes fuera de Hollywood.

Los amantes del desierto, co-producción italo-española que Montalbán protagonizó junto a Carmen Sevilla.

Arrancó con My Man and I (1952), junto a Shelley Winters y nuevamente con William Wellman como director de un drama de tema social sobre los mexicanos que consiguen la nacionalidad estadounidense, y con el romance musical Sombrero (1953), formado por tres historias de amor y en el que lo emparejaron con Pier Angeli, que sustituía a la inicialmente prevista Ava Gardner (hubiera sido un trío épico de divas del Hollywood de la época, porque también formaban el reparto Yvonne De Carlo y Cyd Charisse). Prosiguió con la comedia musical Mi amor brasileño (1953), junto con Lana Turner, cuya expareja sentimental, Fernando Lamas, iba a interpretar el papel masculino coprotagonista, pero quedó fuera del proyecto tras su ruptura con la actriz, lo que abrió paso a la sustitución por Montalbán. Luego llegó una serie B, La espada del sarraceno (1954), basada en la novela de Frank Yerby, donde Montalbán interpretó a un guerrero de las Cruzadas, antes de regresar a México para protagonizar una de las mejores películas de este su último tramo cinematográfico en continuidad, Sombra verde (1954), rodada en El Tajín, Veracruz. Viajó luego a Italia, donde protagonizó junto a Rhonda Fleming el peplum de espada y sandalia en la antigüedad Semíramis, esclava y reina (1954), dirigida por Carlo Ludovico Bragaglia y ambientada en Babilonia en el año 600 antes de Cristo. Y finalmente volvió a México para rodar una película con capital estadounidense, A Life in the Balance (1955), policiaco donde le acompañaron Lee Marvin y Anne Bancroft. A partir de ahí, la carrera de Montalbán se decantó por apariciones en series de televisión y espectáculos en los teatros de Broadway, aunque aún sumaría algún que otro título a sus apariciones cinematográficas, como Los amantes del desierto (1957), coproducción hispanoitaliana que protagonizó junto a Carmen Sevilla, y rodó en Egipto, y Sayonara (1957), donde el prestigioso director Joshua Logan lo eligió para acompañar a Marlon Brando interpretando el papel secundario de un japonés, Nakamura. Su trabajo en los escenarios le dio más alegrías, sobre todo cuando protagonizó el musical Jamaica, junto con Lena Horne, de 1957 a 1959, y le nominaron al codiciado galardón Tony. Otras películas que completan su filmografía son Que nadie escriba mi epitafio (1960), El pirata negro (1961), Cuando se tienen 20 años (1962), El hombre que no quería ser santo (1962), Ese desinteresado amor (1963), El gran combate (1964), dando vida a un guerrero indio a las órdenes de John Ford, La trampa del dinero (1965), La mujer X (1966), Dominique (1966), La espalda contra el muro (1968), Infierno en el río (1968), Noches en la ciudad (1969), La quebrada del diablo (1971), Huida del planeta de los simios (1971), La rebelión de los simios (1972), un wéstern junto a John Wayne, Ladrones de trenes (1973), y Raza indomable (1976). Pero en lo referido a la última etapa de su carrera, sin duda, el papel que más popularidad le proporcionó en los años setenta y ochenta fue el de Mr. Roarke en la serie La isla de la fantasía, que protagonizó entre 1977 y 1984, y para los amigos del formato culebrón su personaje de Zach Powers en las series Dinastía y Los Colby. Además, Robert Rodriguez lo recuperó en el papel del abuelo en la segunda y tercera entrega de la saga Spy Kids, Spy Kids 2: la isla de los sueños perdidos (2002) y Spy Kids: 3-D: Game Over (2003). El director creó el papel específicamente para el actor, e incluso tuvo en cuenta su necesidad de trabajar en silla de ruedas dotando a su personaje de una silla con cohetes propulsores. El sacrificado actor se sentía en cierto modo culpable con algunos de los papeles de latinoamericano tópico que había interpretado y fundó junto con otras estrellas la asociación Nosotros (We), en 1970, con el objetivo de trabajar por la presencia digna de los latinoamericanos en las películas y series de televisión. En un discurso para dicha asociación declaró: “México es mi madre. Estados Unidos es el mejor amigo que he podido tener”. Ricardo Montalbán se casó en una ocasión, con la actriz Georgiana Young. Contrajeron matrimonio en octubre de 1944 y tuvieron cuatro hijos: Laura, nacida en agosto de 1945; Mark, nacido en marzo de 1947; Anita, nacida en marzo de 1949; y Víctor, nacido en abril de 1952. Ricardo quedó viudo de Georgiana en noviembre de 2007. Miguel Juan Payán

Series de T.V.

FICHA TÉCNICA Título original: Lethal Weapon. Creadores: Matt Miller, basado en los personajes creados por Shane Black. Género: Acción/policíaco. Música: Tema principal de Vo Williams. Emisión en EE UU: 21 de septiembre de 2016 a 26 de febrero de 2019, Fox. Emisión en España: 22 de septiembre de 2016 a 27 de febrero de 2019, Movistar +. Reparto: Damon Wayans (Roger Murtaugh), Clayne Crawford (Martin Riggs), Jordana Brewster (Doctora Maureen Cahill), Keesha Sharp (Trish Murtaugh), Kevin Rahm (Capitán Brooks Avery), Johnathan Fernández (Bernard Scorsese), Michelle Mitchenor (Sonya Bailey), Thomas Lennon (Leo Getz), Hilarie Burton (Karen Palmer), Floriana Lima (Miranda Riggs). Sinopsis: Tras la muerte de su esposa, Martin Riggs, un agente de la ley en Texas y antiguo Navy SEAL, se traslada a Los Ángeles. Marcado por el trágico suceso y sin ningún aprecio por su vida y la de quienes le rodean, Riggs comienza a trabajar en la policía de Los Ángeles con el detective Roger Murtaugh, un veterano mucho más sensato, que ve como su juventud ha quedado muy atrás, y que choca frontalmente con Riggs. Pero, poco a poco, una camaradería y profunda amistad surge entre ambos policías.

• Convertida en una de las sagas por excelencia del cine de acción, que con cuatro películas recaudó casi mil millones de taquilla en todo el mundo, y con varios personajes convertidos también en iconos del cine de todos los tiempos, lo que los fans pedían era una quinta entrega de la que se llevaba años hablando, recuperando al reparto original e incluso a su veterano director, Richard Donner, a la luz de los muchos revivals y reboots que vivía el cine actual. Llegó a hablarse de una secuela que serviría de reboot con un joven reparto que tomaría las riendas de la acción, pero con los personajes clásicos. Uno de ellos sería el hijo de Riggs, se decía. Pero nada de eso se hizo realidad. Incluso se hablaba de un remake en cine, y lo que nadie esperaba es que la saga se convirtiese en una serie de televisión… • Matt Miller, creador de la serie, llevaba ligado a la industria desde hacía ya más de quince años cuando esta llegó a sus brazos. Aunque sus proyectos como creador no habían pasado de su primera temporada, con producciones como Adultos y Forever, el guionista había sido el encargado de levantar el proyecto y colocarse como showrunner, debido a su pasado en otros proyectos televisivos que mezclaban comedia y acción, como Chuck o Las Vegas. La serie obtuvo luz verde en mayo de 2016 y recuperaba a los personajes principales de las películas, Riggs y Murtaugh, junto con algunos ligeramente cambiados. Los hijos de Murtaugh y su esposa seguían ahí, aunque en el caso de los hijos variaban algo los nombres, mientras que el capitán Avery estaba inspirado en el capitán Murphy de Steve Kahan, y la doctora Cahill en la doctora Woods de Mary Ellen Trainor, ambos de la saga cinematográfica. • La serie convenció en su primera temporada debido a la química de sus dos protagonistas, porque la fórmula narrativa y la historia

ARMA LETAL

que contaba estaba demasiado vista. Pero es cierto que Wayans y Crawford, una vez superada la barrera de que no eran Mel Gibson y Danny Glover, no solo cumplían, sino que encarnaban perfectamente el espíritu de los dos personajes protagonistas. Es más en la segunda temporada disfrutamos de la llegada de otro personaje muy querido por los fans de Arma letal, Leo Getz, a quien dio vida Joe Pesci a partir de Arma letal 2. Miller, el showrunner y creador de la serie, quería que el personaje, interpretado por Thomas Lennon, pasase a ser parte del reparto regular de la serie, pero nunca pudo cumplir esos planes porque todo acabó descarrilando. • A mediados de la segunda temporada, la más larga de la serie, los problemas en el set de rodaje se multiplicaron. Varios informes y denuncias, llegados ante todo tras el episodio que Crawford dirigió en la segunda temporada, hablaban de mal comportamiento por parte del actor protagonista, de ataques verbales y amenazas en el set que resultaban intolerables. Tras negarlo en un principio, Crawford emitió un comunicado pidiendo disculpas y hablando de lo apasionado que era en el set y lo protector que se sentía por la serie y el personaje. Al mismo tiempo, las peleas habían provocado que Crawford y Wayans apenas se dirigiesen la palabra fuera del set, haciendo la situación insostenible. Por eso, Fox decidió echar de la serie al actor. OJO SPOILER. [Martin Riggs, personaje imprescindible, era asesinado al final de la temporada 2 y el actor abandonaba la producción.] FIN SPOILER. • Los responsables encontraron reemplazo pronto en la piel del actor Seann William Scott, rostro popular que había visto tiempos mejores, y que se ponía al frente de la serie en el papel de Wesley Cole, un antiguo agente de la CIA que había recorrido el mundo y vivido absolutamente todo en esta vida, y que recalaba en la policía de Los Ángeles junto a Murtaugh. El personaje estaba ligeramente inspirado, ojo, en el de Lorna Cole, a quien interpretase Rene Russo en las dos últimas entregas de la saga. • Curiosamente, los informes indicaban que pese al mal comportamiento del actor, adoraba trabajar en la serie y a su personaje, mientras que Wayans lo odiaba y se sentía atrapado en ella, algo que declararon varios miembros del equipo. Por eso, pasase lo que pasase con la serie, anunció que la tercera sería su última temporada en la serie. La bajada de audiencias y la marcha de los dos personajes centrales de Arma letal condenaron la serie a su cancelación tras tres temporadas. • En el piloto, podemos ver a la esposa de Riggs, Miranda, saludando a un vecino que corta el césped. La casa es, claramente, la casa de los Murtaugh en las películas. Para el fan de la serie, los muchos guiños no se escaparán, como lo que sucede en la temporada 2 con cierta pecera con la que Riggs se cruza… J.U.

DESASTRE Y TOTAL: AGENCIA DE DETECTIVES Nº1 Timmy Failure EE UU, 2020; Director: Tom McCarthy; Fotografía: Masanobu Takayanagi; Guion: Tom McCarthy, Stephan Pastis, Stephan Pastis; Música: Rolfe Kent; Intérpretes: Winslow Fegley (Timmy Failure), Ophelia Lovibond (Patty Failure), Wallace Shawn (Mr. Crocus), Craig Robinson (Mr. Jenkins); Duración: 99 min.; Estreno en Disney+: 24-3-2020; Estreno en España: 24-3-2020

SINOPSIS Timmy es un joven de once años con una imaginación desbordante que dirige Total Failure, la mayor agencia de detectives del país, junto con su amigo, un gigantesco oso polar imaginario. PARA RECORDAR Una auténtica oda a la imaginación como refugio de la soledad. Una película necesaria para aquellos niños que sientan que su forma de pensar y de ver el mundo no encaja con la del resto. Porque ser diferente es ser especial, único. Basada en la obra homónima de Stephan Pastis, el director Tom McCarthy (Spotlight) nos sumerge a través de la voz en off en la mente del protagonista. Un personaje bien construido, pues a pesar de su prolífica imaginación, que puede hacer pensar en un chico ingenuo, su comportamiento, pensamientos y lenguaje son maduros para su edad. Se puede observar en su sentido del deber, pero también en la forma de abordar los paréntesis surrealistas que tienen lugar en su cabeza. En esos momentos es fácil sentirse identificado en cómo magnifica sus miedos y su intransigencia ante cambios que todos hemos experimentado, como el salto a la secundaria. La forma de ver el mundo del protagonista y su compañero atrapan la atención en los primeros compases del filme, pero… PARA OLVIDAR Las situaciones que tienen que sortear no gozan de un ingenio especial. Se echa en falta una pizca más de locura y de aventura en escenas como la del banco. Parte de culpa la tiene la poca presencia de personajes secundarios memorables, pues ni siquiera la relación entre Timmy y el oso destila complicidad. La escena de la presa, la más divertida de toda la película, funciona por la relación que el profesor tiene con Timmy. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Alexander y el día terrible, horrible, espantoso, horroroso; La vida secreta de Walter Mitty…

TOGO EE UU, 2019; Director: Ericson Core; Fotografía: Ericson Core; Guion: Tom Flynn; Música: Mark Isham; Intérpretes: Willem Dafoe (Leonhard Seppala), Julianne Nicholson (Constance Seppala), Christopher Heyerdahl (Mayor George Maynard), Richard Dormer (Dr. Curtis Welch), Adrien Dorval (Bill Clark); Duración: 113 min.; Estreno en Disney+: 24-3-2020

SINOPSIS Togo y su dueño, Leonhard Seppala, parten en un viaje de más de mil kilómetros en medio de una tormenta de nieve para llevar hasta Nome la cura de la difteria. PARA RECORDAR La mejor película original de Disney+ hasta la fecha. Toda una superproducción que es una pena que no hayamos podido disfrutar en pantalla grande porque es una buena muestra de cine de aventuras familiar que no descuida el guion. La cinta sorprende visualmente con un cuidado trabajo de fotografía, que contrasta perfectamente la calidez del hogar de los flashbacks con los paisajes fríos y desolados del presente, y de puesta en escena y dirección, con una elaborada construcción de las escenas de supervivencia, especialmente aquellas que acontecen en el mar helado. Esos momentos funcionan porque la relación entre Seppala y Togo se siente real y tiene corazón. La clave está en que el guionista Tom Flynn convierte al perro en el personaje más complejo del filme. No recuerdo haber visto en los últimos años una plasmación tan buena de la lealtad, la entrega y el espíritu de superación de estos animales. Un reflejo que es posible gracias al largo entrenamiento que se ha llevado a cabo con el perro protagonista, pero también por la buena actuación de Willem Dafoe. Por último, destacar la importancia de la película de Ericson Core al reivindicar a Togo como gran héroe de la carrera del suero en detrimento de Balto, que solo hizo el relevo final. PARA OLVIDAR Los flashbacks que explican los inicios de la conexión entre Balto y Seppala son necesarios, pero rompen el ritmo del segundo acto. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Es mejor que otras películas del género con cánidos de por medio como Balto: La leyenda del perro esquimal o Bajo cero.

EN CONCLUSIÓN Una simpática rareza cuya defensa de la imaginación como vía de escape de una triste realidad calará entre los niños. A.G. #####

EN CONCLUSIÓN Togo es una emocionante y emotiva aventura perfecta para los amantes de los animales y para aquellos que conocemos la huella ##### que pueden dejar en sus dueños. A.G.

CODIGO 8

COFFEE & KAREEM

Code 8

EE UU, 2020; Director: Michael Dowse; Fotografía: Brian Burgoyne; Guion: Shane Mack; Música: Joseph Trapanese; Intérpretes: Ed Helms (Coffee), Taraji P. Henson (Vanessa Manning), Terrence Little Gardenhigh (Kareem), Betty Gilpin (Detective Watts); Duración: 88 min.; Estreno en Netflix: 3-4-2020

Canadá, 2019; Director: Jeff Chan; Fotografía: Alex Disenhof; Guion: Chris Pare, Jeff Chan; Música: Ryan Taubert; Intérpretes: Kari Matchett (Mary Reed), Robbie Amell (Connor Reed), Penny Eizenga (Receptionist), Lawrence Bayne (Big Joe); Duración: 98 min.; Estreno en Netflix: 17-4-2020

SINOPSIS Connor Reed es un joven con poderes que se enfrenta a la policía tras cometer un delito menor. PARA RECORDAR El punto de partida, como ocurría en el cortometraje homónimo de 2016, es interesante, con un mundo distópico en el que las personas con poderes ya no son veneradas y son perseguidas por el gobierno. PARA OLVIDAR Todo lo bueno ya estaba en el cortometraje, que por otro lado ya planteaba una problemática similar a la de la saga X-Men. El director Jeff Chan cae en el error de coger recursos narrativos y situaciones manidas de distintos géneros e intentar encajarlos en la película, lo que provoca caídas continuas en el ritmo y que no pueda profundizar en su universo. Primero quiere ser una película de ciencia ficción con apuntes de crítica sociopolítica, luego un drama familiar y después un thriller de atracos… demasiados elementos para una película que apenas llega a la hora y media de duración. Solo vemos pequeños retazos de ese mundo demasiado parecido al nuestro y en el que solo destacan los drones y el diseño de los robots policías. Seguramente sea fruto del escaso presupuesto, que repercute también en el poco uso que hacen los personajes de sus poderes (narrativamente tampoco aportan demasiado a la historia) y en la televisiva puesta en escena y coreografías de las escenas de acción. El camino a seguir era el del personaje de Maddy y su forma de entender los poderes como una maldición, una condición a la que le podían haber sacado más partido si los personajes no fueran tan planos. Una pena, porque con los hermanos Amell de por medio se podría haber montado un entretenido vehículo de acción. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Las series del Arrowverso. El tono recuerda a los thrillers callejeros de David Ayer, pero está muy lejos incluso de películas como Escuadrón Suicida. EN CONCLUSIÓN Una aburrida mezcolanza de géneros que no saca parti##### do al universo propuesto en el cortometraje.. A.G.

SINOPSIS Un chaval descubre que su madre está saliendo con un policía blanco, por lo que busca contratar a un gánster para que acabe con él. La situación se complicará de tal manera que todo un grupo criminal perseguirá a la peculiar pareja, el joven y el policía, para acabar con ellos. PARA RECORDAR Incluso cuando todo sale mal, es difícil no apreciar el talento y el esfuerzo de gente como Ed Helms y Taraji P. Henson, dos actores de nivel que demuestran sus dotes cómicas una vez más. En el caso de Helms es lo habitual, es su género, y pocos intérpretes como él pueden dar vida a un americano medio completamente perdido y algo inútil en su trabajo. Henson es, como siempre, una fuerza de la naturaleza, sea en drama o en comedia. Hay un par de chistes muy salvajes (esa granada explotando…) y efectivos. PARA OLVIDAR Durante el resto del metraje, no es divertida. Y no lo es porque, en gran medida, depende de un joven actor que es excesivo, tópico y cargante en su papel. No él, el papel y cómo lo interpreta. Terrence Little Gardenhigh da vida a un tópico con patas, a un personaje completamente cargante y absurdo que grita mucho y… bueno, ya se imaginan el resto. La película no cumple ni como vehículo de acción ni como comedia, porque los chistes se han hecho una y mil veces. Como una versión con niño de Límite 48 horas, pero sin su guion ni su dirección. Poco funciona en el filme. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Lo dicho, es Límite 48 horas con un personaje infantil y sin el talento de aquella. También recuerda Noche loca. EN CONCLUSIÓN No funciona casi a ningún nivel y solo la salvan sus dos protagonistas y algún chiste suelto. J.U. #####

SERGIO

ASAMBLEA

EE UU, 2020; Director: Greg Barker; Fotografía: Adrian Teijido; Guion: Craig Borten y Samantha Power; Música: Fernando Velázquez; Intérpretes: Wagner Moura (Sergio Vieira de Mello), Ana de Armas (Carolina Larriera), Brían F. O'Byrne (Gil Loescher), Bradley Whitford (Paul Bremer; Duración: 118 min.; Estreno en Netflix: 17-4-2020.

España, 2020; Director: Álex Montoya; Fotografía: Guillem Oliver; Guion: Juli Disla, Jaume Pérez, Juli Disla; Música: Jordi Sapena y Tórtel; Intérpretes: Abdelatif Hwidar, Cristina Plazas, Greta Fernández, Nacho Fresneda; Duración: 75 min.; Estreno en Filmin: 17-4-2020

SINOPSIS Revisión de la biografía del alto cargo de la ONU Sergio Vieira de Mello en los años más importantes de su carrera profesional y personal, desde su paso por Timor Oriental a su llegada a Irak, y su relación con la que sería la mujer de su vida. PARA RECORDAR Los actores, sin duda, son lo mejor de la película. Tanto Wagner Moura como Ana de Armas intentan levantar un guion cargado de tópicos con sus juegos de miradas y sonrisas. Con sus gestos y aprovechando los huecos en los que el drama romántico gira hacia una intriga política, muchísimo más interesante. Bradley Whitford hace lo que puede también con su poco tiempo en pantalla. O Garret Dillahunt. Los momentos de política y resolución de conflictos son muy interesantes. PARA OLVIDAR Es un drama romántico, pero además uno de los más tópicos y reiterativos que conocemos. Cada línea de guion, cada escena romántica, es algo que hemos visto una y mil veces y que resulta ridículo. El momento beso bajo la lluvia es perfecto para definirlo. La historia es derivativa y deja de centrarse en lo verdaderamente interesante (la lucha de poder en Timor, la llegada a Irak) para mostrar el romance entre ellos dos, con una de las escenas de sexo más forzadas que se recuerdan en un tiempo. Visualmente es demasiado televisiva y limitada, y eso redondea ese aroma a telefilme salvado por el reparto que nos deja a todos. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Me recordó a la olvidada Amar peligrosamente, protagonizada por Angelina Jolie. EN CONCLUSIÓN La vida de este hombre, con todos sus logros, merecía algo más que un blando drama romántico que solo le recuerde por eso. El reparto también merecía más. J.U.

SINOPSIS Un grupo de personas se reúne en una asamblea para aprobar un concierto que va a afectarles en su vida diaria, pero lo que parecía un mero procedimiento se convierte en una compleja reunión donde cada cual tiene sus propias dudas, miedos, egos y conflictos que añadir. PARA RECORDAR La sencillez aparente de la propuesta —muy elaborada desde el punto de vista de su creación— se alía con un grupo de actores de gran talento capaces de materializar el tono de sátira aplicable a todo tipo de reuniones. Su universalidad deriva de que en ningún momento se aclara a qué se dedican los reunidos y cuál es el tema para el que se ha redactado el inesperadamente discutido concierto. A partir de las diferencias entre los personajes, cada uno de ellos espejo capaz de suscitar en el espectador el recuerdo de gente que conoce o, si su madurez se lo permite, incluso de sus propias debilidades cuando participa en esta clase de reuniones, se elabora una metáfora de la sociedad actual y su despliegue de asociaciones, agrupaciones y reivindicaciones de toda índole. Las buenas intenciones cuestionadas rápidamente por los otros y finalmente por uno mismo. PARA OLVIDAR Nada. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Salvando todas las distancias, es una propuesta que desde las antípodas del género, objetivos, personajes, conflictos y tema no puedo evitar que me recuerde Doce hombres sin piedad (Sidney Lumet, 1957). EN CONCLUSIÓN Humor inteligente y necesario para medir la temperatura de una sociedad en la que abundan lemas vacíos, palabrería sin sentido, ingenuidad, sospechas conspiranoicas, el juego del ego y otros signos de manifiesta inmadurez generalizada. M.J.P.

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EL INMORTAL UNA PELICULA DE GOMORRA

VIVARIUM Irlanda, 2019; Director: Lorcan Finnegan; Fotografía: MacGregor; Guion: Lorcan Finnegan, Garret Shanley y Garret Shanley; Música: Kristian Eidnes Andersen; Intérpretes: Imogen Poots (Gemma), Danielle Ryan (School Mom), Molly McCann (Molly), Jesse Eisenberg (Tom); Duración: 97 min.; Estreno en Movistar: 8-4-2020

SINOPSIS Una joven pareja se dirige con un vendedor de casas a una nueva urbanización en las afueras, donde quizá esté el hogar que buscan. Pero cuando desaparezca el vendedor y descubran que no pueden salir de la urbanización, se encontrarán ante un problema imposible de resolver. Y no estarán solos. PARA RECORDAR Historia que podría ser parte de una antología como La dimensión desconocida, o incluso más cercana, Black Mirror, al ser una película británica. Y tiene elementos muy inquietantes en la historia y la narración concisa y concreta de Lorcan Finnegan, con su guionista, Garret Shanley, con quien ya trabajó en su debut en el cine, Without Name. Aquí cuenta con dos rostros muy conocidos, Imogen Poots y Jesse Eisenberg, interpretando a la joven pareja. La ambientación es brutal. El niño es sobrecogedor hasta decir basta. Poots destaca enormemente en una metáfora inquietante sobre el paso a la madurez, dejando una sensación de vacío terrible, con detalles de humor muy sutil y negro. PARA OLVIDAR Por muy interesante que sea la premisa inicial y parte del desarrollo, el resultado final es menos satisfactorio. La metáfora sobre la madurez, el hogar y la familia es demasiado obvia. Nos lo señalan demasiado, como si fuésemos muy tontos para darnos cuenta. Además, da la sensación de que está alargado el tema en exceso, que no daba para cien minutos. Y tampoco la resolución final es fallida. No nos sirve ni para dejar mal sabor de boca ni para resolverlo. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Evidentemente, Black Mirror en algunos de sus mejores momentos, pero en ciertas ocasiones es algo fallida.

L'Immortale Italia, 2019; Director: Marco D'Amore; Fotografía: Guido Michelotti; Guion: Leonardo Fasoli, Francesco Ghiaccio, Maddalena Ravagli y Giulia Forgione; Música: Mokadelic; Intérpretes: Marco D'Amore (Ciro Di Marzio), Giuseppe Aiello (Ciro bambino), Salvatore D'Onofrio (Bruno), Gianni Vastarella (Bruno bambino); Duración: 115 min.; Estreno en Sky: 14-4-2020.

SINOPSIS Un personaje clave de la serie Gomorra es exiliado a Letonia, donde tendrá que moverse montando un negocio de drogas entre las bandas de letones y rusos. PARA RECORDAR Mantiene bien el vínculo con la serie Gomorra en las claves principales; justifica plenamente el cambio de paisaje; trabaja bien el flashback; sabe incorporar a tiempo, en la segunda parte del relato, la subtrama sentimental dividiéndola, además, en dos fases: una en el pasado y otra en el presente. Maneja bien la descripción del conflicto del protagonista, que lo ha perdido todo, pero enfrenta una segunda oportunidad nuevamente marcada por la muerte y la pérdida que le persigue desde su pasado. Hay buen equilibrio entre el pasado y el presente con un uso dinámico del flashback que se vincula con la actualidad muy bien trabajando sobre el sonido. El cambio de paisaje no es ocioso, tiene justificación. PARA OLVIDAR Nada. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Gomorra, Suburra, Roma criminal; en definitiva, el estilo italiano de abordar los temas criminales con personalidad propia. También puede enganchar, con todas las diferencias que obviamente hay que tener en cuenta entre ambas propuestas, a los seguidores de la serie Narcos. Y, nuevamente salvando todas las distancias, en lo referido al uso de pasado y presente con los niños, me ha recordado en algún momento la fórmula de uso del flashback en Érase una vez en América. Insisto, salvando todas las distancias.

EN CONCLUSIÓN Premisa y reparto cumplen, visualmente tiene mucho empaque y hay detalles muy inteligentes e inquietantes. Pero la película se alarga en exceso y el final no cumple. J.U.

EN CONCLUSIÓN Una buena película que merece la pena que la juzguemos con objetividad, prescindiendo en lo posible de someterla a obligaciones o comparaciones con la serie Gomorra, de la que forma un aporte digno. M.J.P.

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TYLER RAKE

LOS HERMANOS WILLOUGHBYS

Extraction

The Willoughbys

EE UU, 2020; Director: Sam Hargrave; Fotografía: Newton Thomas Sigel; Guion: Joe Russo, Ande Parks, Ande Parks ; Música: Alex Belcher y Henry Jackman; Intérpretes: Chris Hemsworth (Tyler Rake), Golshifteh Farahani (Nik Khan), Rudhraksh Jaiswal (Ovi Mahajan), Shivam Vichare (Sachin); Duración: 116 min.; Estreno en Netflix: 24-4-2020

Canadá, EE UU, Reino Unido, 2020; Director: Kris Pearn, Cory Evans y Rob Lodermeier; Guion: Kris Pearn, Mark Stanleigh, Kris Pearn; Música: Mark Mothersbaugh; Duración: 90 min.; Estreno en Netflix: 22-4-2018

SINOPSIS Basada en el cómic Ciudad, Tyler Rake sigue la experiencia de un mercenario del mercado negro que recibe el encargo de encontrar a un joven secuestrado por una banda criminal. Pero la misión se complicará y se encontrarán encerrados en la ciudad mientras todos quieren darles caza. PARA RECORDAR De la mano de los hermanos Russo, autores del cómic junto con Ande Parks, nos llega una película de acción de las que por desgracia ya no se ven en las salas de cine. Un viaje cargado de adrenalina que argumentalmente parece sacado de los años ochenta y que hereda mucho también del cine de acción actual, como la saga John Wick o las cintas de acción asiáticas actuales de Corea o Indonesia. Chris Hemsworth lidera el filme como el perfecto héroe de acción con pasado traumático y se entrega a la acción con devoción y tremendo esfuerzo. Una acción coreografiada de forma exquisita por sus responsables y que demuestran que en el debutante Sam Hargrave, antiguo coordinador de especialistas de Marvel, hay un brutal director de cine de acción. El rescate y el plano secuencia pueden ser las dos mejores escenas de acción del año. PARA OLVIDAR La cinta, más allá de un final que no termina de tener sentido (no quiero hacer spoilers, ya lo verán), tiene demasiados tópicos en su guion, que es sencillo, pero poco elaborado. El pasado de Rake o algunos giros son extremadamente previsibles. Y los hemos visto en mil películas. Desaprovecha a David Harbour. Gasta demasiado pronto sus mejores escenas de acción.

SINOPSIS Una familia en la que los padres tienen abandonados casi por completo a sus hijos, a los que ni siquiera dan de comer, verá cómo sus vástagos deciden que es momento de deshacerse de sus progenitores para volver a ser auténticos Willoughby. PARA RECORDAR BRON Studios nos trae una película de animación con un estilo cercano a la animación stop motion, visualmente muy atractivo y distinto a lo que vemos habitualmente, pero sobre todo con unos personajes maravillosamente definidos y atractivos. Son especiales, son bizarros y parecen sacados de La familia Addams, cinta que curiosamente también es producción de BRON. Es divertida, salvaje por momentos, con una imaginería realmente interesante y una historia que atrapa y que presenta una idea de familia que intenta ser poco convencional. Sobre todo tras ese final sensacional e hilarante. Es la muestra de que Netflix está intentando hacer las cosas muy bien en animación. PARA OLVIDAR Tiene demasiados problemas narrativos que parten del hecho de que a veces no sabe qué dirección tomar. Va en un sentido; después, en otro y, luego, en otro. Como si en lugar de un guion de largometraje fuese el de varios cortometrajes unidos, que varían demasiado, aunque conservan los personajes. Pese a que sea atractiva e incluso diferente, no tiene el empaque visual que Klaus, por ejemplo, y acaba teniendo un final demasiado complaciente.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… En la línea de John Wick, El redentor, Redada asesina…

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Está en la línea, como hemos dicho, de La familia Addams, con la que tiene un par de aspectos en común, pero la animación mezcla lo visto en La LEGO película con un filme de Laika Studios.

EN CONCLUSIÓN Es divertida, llena de acción y sencilla. Y con dos secuencias memorables. El guion es su punto débil, sin ser terrible. Buen cine de acción. J.U.

EN CONCLUSIÓN Es buena, divertida, con carisma y un reparto en versión original realmente magnífico. Una excelente película sobre lo diferentes que pueden ser las familias. J.U.

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FUGA DE PRETORIA

MONOS

Escape from Pretoria

Colombia, 2019; Director: Alejandro Landes; Fotografía: Jasper Wolf; Guion: Alejandro Landes, Alexis Dos Santos, Alejandro Landes; Música: Mica Levi; Intérpretes: Sofia Buenaventura (Rambo), Julián Giraldo (Lobo - Wolf), Karen Quintero (Leidi - Lady), Laura Castrillón (Sueca - Swede); Duración: 102 min.; Estreno en plataformas: 28-4-2020

Reino Unido, Australia, 2020; Director: Francis Annan; Fotografía: Geoffrey Hall; Guion: Francis Annan, L.H. Adams, Karol Griffiths; Música: David Hirschfelder; Intérpretes: Daniel Radcliffe (Tim Jenkin), Ian Hart (Denis Goldberg), Daniel Webber (Stephen Lee), Nathan Page (Mongo); Duración: 106 min.; Estreno en plataformas: 8-4-2020

SINOPSIS Dos activistas políticos son detenidos y condenados a prisión durante la época del Apartheid en Sudáfrica, lo que llevará a un intento de fuga en una de las prisiones para blancos más seguras del país, en una carrera contra el tiempo. Basada en hechos reales. PARA RECORDAR El esfuerzo de Daniel Radcliffe por abandonar su imagen de protagonista de saga infantil, continúa, ahora con una película que toma de base hechos reales para mostrar el duro camino a la paz y libertad en Sudáfrica, además de las injusticias de un sistema legal que condenaba a cualquiera que buscase esa libertad. El actor se entrega por completo al papel, acompañado ante todo por Ian Hart y Danel Webber. La película trata un tema más que interesante, y nos devuelve a un género a veces demasiado olvidado, el de las prisiones y los planes para escapar de ellas, pero aquí desde el punto de vista de un hecho real. Escenas como la del registro de la habitación están muy bien narradas y nos mantienen interesados por la historia. PARA OLVIDAR Por otro lado, el interés de la historia depende demasiado de elementos que hemos visto en muchas películas pero mejor realizados. Hay una sensación de gravedad, de ser consciente de su propia importancia que repercute en un guión demasiado plano, en demasiados momentos reiterativos y en un ritmo irregular que se hace cansino en su tramo central, lo que hace que la propuesta no termine de encajar. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Empieza como Munich, para convertirse en El Expreso de Medianoche y acabar como Fuga de Alcatraz. Pero es peor que todas ellas… EN CONCLUSIÓN Radcliffe se echa a sus espaldas la película, salvándola de sus momentos menos interesantes. Podía haber sido mucho mejor. J.U. #####

SINOPSIS Un grupo de adolescentes pertenecientes a una organización guerrillera mantiene secuestrada a una doctora norteamericana, en un refugio aislado en una zona de jungla y montañas. Allí, entre las diferentes peleas de los combatientes revolucionarios y su mayor o menor apego a la disciplina militar, los jóvenes descubren progresivamente la parte más oscura que reside en la pertenencia ciega a una organización armada. PARA RECORDAR La frescura y agilidad con que el brasileño Alejandro Landes compone este retrato coral, de unos chicos perdidos en un ambiente de violencia y desesperación. El cineasta no escatima recursos estilísticos y audiovisuales, para trasladar acertadamente las asfixiantes sensaciones que experimentan los protagonistas de la historia. PARA OLVIDAR La opacidad de los personajes principales y secundarios provoca que se desconozcan aspectos importantes respecto a la psique de los mismos, así como las motivaciones que les han llevado a seguir una lucha que no queda especificada en ninguno de los momentos del largometraje. A esto se suma la dificultad para comprender el contexto en el que transcurren los hechos, lo que finalmente genera una preocupante desconexión e inverosimilitud sobre lo que ocurre en el filme. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… El guion de Monos exhibe bastantes vasos comunicantes, por el lado de la evolución psicológica, con la novela El señor de las moscas, de William Golding. Mientras, por la parte de los misterios que evocan las superficies selváticas, hay un cierto aroma a Apocalypse Now, de Francis Ford Coppola. EN CONCLUSIÓN Impactante obra de Alejandro Landes, que cuenta con un plantel de actores sumamente implicados y creíbles en sus respectivos roles. Un trabajo que ofrece abundante inspiración y eficacia, a la hora de escenificar el infierno que describe el guion. J.U. #####

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ROMMEL, EL ZORRO DEL DESIERTO

PROA AL CIELO

The Desert Fox: The Story of Rommel

Reach For The Sky

1951; EE. UU.; Blanco y negro; Director: Henry Hathaway; Guion: Nunnally Johnson; Música: Daniele Amfitheatrof; Fotografía: Norbert Brodine; Intérpretes: James Mason, Cedric Hardwicke, Jessica Tandy, Luther Adler, Everett Sloane, Leo G. Carroll, George Macready, Richard Boone, Eduard Franz, Desmond Young, Philip Ahlm, John Alderson, Jack Baston, Robert Bohannon, Boyd Cabeen, Roland Carpenter, Mary Carroll, Steve Carruthers, Paul Cavanagh, Pat Coleman, Robert Coote, Eric Corrie, Ashley Cowan, Lawrence Cregar, Fred Dale; Duración: 88 minutos.

1956; Reino Unido; Blanco y negro; Director: Lewis Gilbert; Guion: Lewis Gilbert, Vernon Harris; Música: John Addison; Fotografía: Jack Asher; Intérpretes: Kenneth More, Muriel Pavlow, Lyndon Brook, Lee Patterson, Alexander Knox, Dorothy Alison, Michael Warre, Sydney Tafler, Howard MarionCrawford, Jack Watling, Nigel Green, Anne Leon, Charles Carson, Ronald Adam, Walter Hudd, Basil Appleby, Philip Stainton, Eddie Byrne, Beverley Brooks, Michael Ripper, Derek Blomfield, Avice Landone, Eric Pohlmann, Michael Gough, Harry Locke; Duración: 135 minutos.

El guion se basa en el libro escrito por Desmond Young, Rommell: The Desert Fox. El guionista, Nunnally Johnson, logró comprar los derechos del libro antes de que se publicara y se barajó la posibilidad de que Kirk Douglas o Richard Widmark protagonizaran la película. Finalmente, fue James Mason el encargado de dar vida en la pantalla grande al general alemán y volvería hacerlo en otra película, Las ratas del desierto (1953), dirigida por Robert Wise y protagonizada por Richard Burton, Robert Newton y Robert Douglas. La idea de realizar un largometraje con un general alemán como protagonista fue difícil de aceptar en Estados Unidos, mientras que en Gran Bretaña tenían mayor simpatía por Rommel, sobre todo después de que este se viera envuelto en un complot contra Hitler. Lo cierto es que Rommel no quiso tener tropas de las SS bajo su mando en el teatro del norte de África y el bajo número de civiles afectados en dicha zona dio lugar a la idea de que el conflicto allí era llevado a cabo de forma más caballerosa. Sin embargo, según el reciente trabajo de algunos historiadores, la guerra en el norte de África no fue tan caballerosa y honorable como se ha pensado. Es una de las primeras películas en contar con una escena previa a los créditos. Dato curioso, la esposa del general, Lucie Marie Rommel, fue, según se afirma, consultora de la película e incluso aportó algunos objetos de su marido. En el filme la interpretaba Jessica Tandy. Posteriormente, la viuda de Rommel figuró también como una de las fuentes consultadas para el rodaje de otro clásico del cine bélico, El día más largo. M.J P.

El guion se basa en el libro Reach for the Sky, escrito por Paul Brickhill, autor de otros libros convertidos en grandes títulos del cine bélico como La gran evasión (1963), de John Sturges, o The Dam Busters (1955), de Michael Anderson. Brickhill se alistó en la Royal Australian Air Force en enero de 1941 tras ver cómo Francia caía en manos alemanas y las tropas británicas se retiraban en Dunkerque. Combatió en el norte de África donde fue derribado en marzo de 1943, convirtiéndose en prisionero de los alemanes. Se vio luego envuelto en el intento de fuga masiva de prisioneros aliados narrado en La gran evasión, aunque a causa de la claustrofobia que había contraído al excavar túneles no le dejaron participar finalmente en ella. El as de la aviación Douglas Bader le ofreció a Brickhill escribir su biografía tras leer The Dam Busters. Bader se lamentaba de que en la película habían suavizado algunos de sus hábitos durante el combate, eliminando, por ejemplo, la enorme cantidad de tacos y palabrotas que soltaba durante el mismo. No muy afecto a la corrección política, cuando se estrenó la película estaba metido de lleno en la polémica por sus declaraciones sobre la crisis del Canal de Suez, que fueron consideradas racistas. La película gano el premio Bafta a la Mejor Película británica de 1956. Además recibió nominaciones en las categorías de Mejor Actor británico, Kenneth More, Mejor Actriz británica, Dorothy Alison, Guion y Mejor Película adaptada de cualquier fuente. Su director y guionista, Lewis Gilbert, es recordado también por sus trabajos en la serie de películas de 007, Solo se vive dos veces, La espía que me amó y Moonraker, y también por un clásico del cine de aventuras, Motín en el Defiant. M.J P.

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HERMANOS ANTE EL PELIGRO

EL GRAN SECRETO

The Red Ball Express

Above and Beyond

1952; EE. UU.; Blanco y negro; Director: Budd Boetticher; Guion: John Michael Hayes, William Grady Jr., Mercy Klauber; Fotografía: Maury Gertsman; Intérpretes: Jeff Chandler, Alex Nicol, Charles Drake, Judith Braun, Sidney Poitier, Jacqueline Duval, Bubber Johnson, Davis Roberts, Hugh O’Brian, Frank Chase, Cindy Garner, Gregg Palmer, John Hudson, Jack Kelly, Howard Petrie, Douglas Bank, Nan Boardman, Eugene Borden, Forest Burns; Duración: 83 minutos.

1952; EE. UU.; Blanco y negro; Director: Melvin Frank, Norman Panama; Guion: Melvin Frank, Beirne Lay Jr., Norman Panama; Música: Hugo Friedhofer; Fotografía: Ray June; Intérpretes: Robert Taylor, Eleanor Parker, James Whitmore, Larry Keating, Larry Gates, Marilyn Erskine, Stephen Dunne, Robert Burton, Hayden Rorke, Lawrence Dobkin, Jack Raine, Jonathan Cott, Jeff Richards, Dick Simmons, John McKee, Pat Conway, Christopher Olsen, William F. Leicester, Barbara Ruick, Jim Backus, John Baer, Tom Bernard, Robert Board, John Close, Fred Coby, Dick Cogan; Duración: 122 minutos.

El Red Ball Express del título original (el Expreso de la Bola Roja) es como eran conocidos popularmente por los soldados los convoyes de camiones que llevaban munición y otros pertrechos desde la zona de desembarco de las playas de Normandía hasta las unidades que combatían en el frente. A pesar de lo que algunas películas modernas han mostrado, el papel de los soldados afroamericanos durante la Segunda Guerra Mundial estuvo muy controlado por el Ejército estadounidense, aunque muchos de ellos querían combatir, la mayoría terminaron realizando labores de apoyo, como cocina o en este caso conducir estos peligrosos camiones, en los que el 75 por ciento de conductores eran de raza negra. El propio Budd Boetticher, director de la película, dijo: “El Ejército no nos dejó contar la verdad sobre las tropas negras porque el Gobierno pensaba que eran completamente sacrificables y no quería admitir que los consideraba conductores suicidas”. La realidad de la segregación se unía a la otra realidad de Caza de Brujas perpetrada por el Comité de Actividades Antiamericanas del senador Joseph McCarthy, que generó que James Edwards, uno de los actores encargados de interpretar a uno de los personajes afroamericanos claves de la historia, Robertson, fuera eliminado del reparto cuando se negó a testificar ante el Comité. Lo sustituyó Sidney Poitier. El argumento nos traslada a agosto de 1944, momento en que el avance del ejército de Patton en su progreso por Francia requiere que se forme un canal de abastecimiento adecuado para mantener a sus tropas en combate. Para adornar el argumento, los oficiales encargados de llevar a cabo ese cometido están enfrentados por un suceso del pasado en el que murió el hermano de uno de ellos. M.J P.

Solo Hollywood podía realizar una peripecia biográfica del teniente coronel Paul Warfield Tibbets Jr., comandante del bombardero B-29 Enola Gay y responsable de arrojar una bomba atómica sobre la población civil de Hiroshima con efectos devastadores para la población el 6 de agosto de 1945. Para más inri, dicha peripecia se mezcla con la relación del tal Tibbets con su esposa, que debido a su condición de militar está llena de altibajos. En realidad, la intención de la película era propagandística, con el fin de elevar la moral de las tripulaciones de vuelo, entre las que existía una alta tasa de divorcios. Así que eran los divorcios en el Ejército del Aire de Estados Unidos y no el dilema moral de arrojar una destructiva bomba atómica sobre una desprevenida ciudad japonesa el tema que quería tratar el largometraje. Por cierto, que a Tibbets ningún tribunal internacional le ha juzgado por semejante acto. Y eso que seguía órdenes, como otros. Cuatro meses después del bombardeo de Hiroshima ya habían muerto 166 000 personas de esa ciudad y otras 80 000 de un segundo bombardeo totalmente innecesario en Nagasaki. Hiroshima fue elegida porque estaba rodeada de una serie de montañas que enfocarían la destrucción sobre la ciudad y aumentarían considerablemente el daño causado por la explosión. Pero en la versión Hollywood, nada de eso tenía importancia ante circunstancias relacionadas con la crisis de un matrimonio formado por Robert Taylor y Eleanor Parker. El estudio Metro Goldwyn Mayer invirtió en la película 1 397 000 dólares, y recaudó 2 647 000 dólares en Estados Unidos y Canadá y 1 333 000 en el resto del mundo, de manera que consideraban el filme un producto de éxito que había generado beneficios en torno al millón de dólares. M.J P.

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HISTORIA DE MALTA

TEMPESTAD EN ASIA

Malta Story

Destination Gobi

1953; Reino Unido; Blanco y negro; Director: Brian Desmond Hurst; Guion: William Fairchild, Nigel Balchin, Thorold Dickinson, Peter De Sarigny, Hugh P. Lloyd; Música: William Alwyn; Fotografía: Robert Krasker; Intérpretes: Alec Guinness, Jack Hawkins, Anthony Steel, Muriel Pavlow, Renée Asherson, Hugh Burden, Nigel Stock, Reginald Tate, Ralph Truman, Flora Robson, Ronald Adam, Jack Armstrong, Derek Aylward, Peter Barkworth, Ivor Barnard, Peter Bull, Stuart Burge, Edward Chaffers, Michel Craig, Rosalie Crutchley, Maurice Denham, Jerry Desmonde, Thomas Heathcote, Gordon Jackson; Duración: 103 minutos.

1953; Reino Unido; Color; Director: Robert Wise; Guion: Everett Freeman, Edmund G. Love; Música: Sol Kaplan; Fotografía: Charles G. Clarke; Intérpretes: Richard Widmark, Don Taylor, Max Showalter, Murvyn Vye, Darryl Hickman, Martin Milner, Ross Bagdasarian, Judy Dan, Rodolfo Acosta, Russell Collins, Leonard Strong, Edgar Barrier, Willis Bouchey, James Conaty, Franklyn Farnum, John Hedloe, Earl Holliman, Frank Iwanaga; Duración: 90 minutos.

La película tiene un tono casi de reportaje en algunos momentos y es una recreación muy competente del tema tratado que mete al espectador de lleno en la isla sitiada y atacada desde el primer momento. M.J P.

Titulada en un principio Sixty Saddles for Gobi (60 sillas de montar para Gobi) fue la primera película en color del realizador Robert Wise, quien decidió darle al largometraje un aire documental siguiendo las peripecias de un grupo de meteorólogos de la Marina estadounidense en el desierto de Gobi. Aislados e incomunicados, desempeñan una misión esencial para la Marina, dado que se ocupan de estudiar el clima y reunir datos que pueden contribuir a mejorar el rendimiento de las unidades de la Armada en el conflicto. El problema es que los japoneses se van acercando y los estadounidenses tendrán que llegar a un acuerdo con los nativos del desierto para ganarse su confianza y reclutarlos como tropas para defender la posición, antes de emprender una huida del enemigo a través del desierto camuflados como jinetes del lugar. Las sillas de montar serán la clave para poder convencer a sus reticentes aliados en una trama que navega alternativamente entre claves estéticas y argumentales del wéstern y, en todo momento, sin embargo, forma parte claramente del género bélico. Como curiosidad, la película no está disponible en el mercado estadounidense en DVD y los aficionados de allí recurren a la edición española de la zona 2. Lo cual no deja de ser paradójico, tratándose de una de sus películas de propaganda más significativas de la década de los cincuenta, entre los filmes bélicos protagonizados por Richard Widmark. Tempestad en Asia contó con un presupuesto de 1 340 000 dólares y recaudó en cines estadounidenses 1 200 000. Se rodó en el desierto de Yuma, Arizona, por lo que los indios Paiute, habitantes de la zona, acabaron interpretando el papel de mongoles como extras para el filme, reforzando el tono wéstern del proyecto. M.J P.

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SESENTA SEGUNDOS DE VIDA

MAR CRUEL

The Red Beret

The Cruel Sea

1953; Reino Unido, EE. UU; Color; Director: Terence Young; Guion: Richard Maibaum, Frank S. Nugent, Sy Bartlett; Música: John Addison; Fotografía: John Wilcox; Intérpretes: Alan Ladd, Leo Genn, Susan Stephen, Harry Andrews, Donald Houston, Anthony Bushell, Patric Doonan, Stanley Baker, Lana Morris, Tim Turner, Michael Kelly, Anton Driffing, Thomas; Duración: 88 minutos.

1953; Reino Unido; Blanco y negro; Director: Charles Frend; Guion: Nicholas Monsarrat, Eric Ambler; Música: Alan Rawsthorne; Fotografía: Gordon Dines; Intérpretes: Jack Hawkins, Donald Sinden, John Stratton, Denholm Elliott, John Warner, Stanley Baker, Bruce Seton, Liam Redmond, Virginia McKenna, Moira Lister, June Thorburn, Megs Jenkins, Meredith Edwards, Glyn Houston, Alec McCowen, Leo Phillips, Dafydd Havard, Fred Griffiths, Laurence Hardy, Sam Kydd, John Singer, Barry Steele, Gerard Heinz, Gerik Schjelderup, Gaston Richer; Duración: 126 minutos.

Fue la cuarta película más taquillera en el Reino Unido durante el año 1953 y su origen está en la intención de la Oficina Central de Información del Gobierno de representar la colaboración entre el Ejército, la Aviación y la Marina británicas durante la Segunda Guerra Mundial. El personaje del teniente Peter Ross interpretado por Alec Guinness está basado en el as de la RAF Adrian Warburton, que era experto en localizar convoyes de las fuerzas del Eje en el Mediterráneo y participó en combates en Malta, Egipto y Sicilia. Desapareció en Alemania en 1944 y su destino no quedó aclarado hasta 2002, cuando se encontraron sus restos mortales en una aldea bávara al oeste de Múnich. Los restos de su avión pueden contemplarse en el Museo de la Aviación de Malta. El director Brian Desmond Hurst tuvo que convencer a los productores de la idoneidad de Guinness para el personaje del teniente Ross, ya que estaba encasillado en otro tipo de papeles más cómicos e insignificantes. Cuando el realizador argumentó que la película no era una historia sobre una persona concreta, sino el asedio a Malta, los productores dieron su visto bueno. Es ese carácter de protagonismo coral el que marca el espíritu de resistencia colectiva manejado por los británicos en su enfrentamiento con el Eje desde el momento en que Winston Churchill hiciera el célebre discurso de “lucharemos en las playas…”, etc.

El guion de la película se basa en el libro de Hilary Saint George Saunders The Red Beret: The Story of The Parachute Regiment at war 1940-1945, publicado en 1950 y cuyos derechos adquirió Irving Allen con la intención de situar como protagonistas a Trevor Howard y Leo Genn. Con el fin de que la película tuviera una buena acogida en el mercado de Estados Unidos, Howard fue sustituido por Alan Ladd, que interpreta a Steve MacKendrick un estadounidense que ha abandonado el Ejército americano tras provocar la muerte de un compañero y que para combatir en la Segunda Guerra Mundial se alista en el regimiento de paracaidistas británico haciéndose pasar por ciudadano canadiense. Richard Todd y Ray Milland también fueron considerados para protagonizar la película en su momento. Estrenada en Estados Unidos con el título alternativo Paratrooper, y conocida también como The Red Devils y The Big Jump, parte del rodaje se llevó a cabo en la escuela de paracaidismo de la RAF de Abingdon, en Oxfordshire. A pesar de ser una película británica protagonizada por una estrella estadounidense, solo con lo recaudado en la taquilla inglesa ya recuperó todo su presupuesto. El presupuesto fue relativamente modesto, 700 000 dólares, y la película fue un éxito que recaudó en todo el mundo ocho millones de dólares. Seguramente, el estudio norteamericano RKO se arrepintió de no haber llegado a un acuerdo con los productores para distribuir el largometraje, siendo sustituido para tal menester por el estudio Columbia. Tras el proyecto está Albert R. Broccoli, productor que posteriormente alcanzaría estatus de estrella en su gremio sobre todo por su trabajo con las adaptaciones de las novelas de 007, creando una de las franquicias más dilatadas en títulos y en el tiempo de la historia del cine. M.J P.

El guion se basa en la novela The Cruel Sea escrita por Nicholas Monsarrat, que sirvió en navíos de guerra como corbetas y fragatas dedicadas a proteger convoyes de suministros del ataque de los submarinos alemanes. La novela fue primer trabajo publicado tras la Segunda Guerra Mundial, ya que antes, a finales de los años treinta, ya había publicado otros tres libros. El guion corrió a cargo de Eric Ambler, que será conocido por los aficionados a la novela negra y de espionaje, y que fue autor de títulos como La máscara de Dimitrios, adaptada al cine en 1944 por Jean Negulesco, Epitafio para un espía, Jornada de terror o La luz del día cuya adaptación titulada Topkapi fue dirigida por Jules Dassin en 1964. Una marca de fábrica de Ambler es que sus protagonistas no suelen ser policías, detectives o espías, sino tipos corrientes que de pronto se ven inmersos a su pesar en una trama repleta de criminales y espías. La participación de Ambler en el proyecto cristalizó en el estilo de la película muy similar al documental y siguiendo las claves de las películas de cine negro conocidas como procedurals y que suelen describir el procedimiento habitual de las fuerzas de policía. El escenario en el que se desarrolla el argumento es la batalla del Atlántico librada por los marinos británicos contra los submarinos alemanes, que en las denominadas “manadas de lobos” atacaban a los barcos aliados. El largometraje comienza en el otoño de 1939 y se abre con la muy definitoria frase de introducción a ese escenario pronunciada por el personaje que interpreta Jack Hawkins: “Esta es una historia de la batalla del Atlántico, la historia de un océano, dos barcos y un puñado de hombres. Los hombres son los héroes; las heroínas son las naves. El único villano es el mar, el mar cruel, que el hombre ha hecho más cruel...” M.J P.

Grandes películas de Cine Bélico (XXI) Esta entrega está marcada por nombres propios, y comienza con un clásico del cine británico, Proa al cielo, basado en un personaje y en una historia real, la de un veterano del arma aérea en Inglaterra que fue uno de los pilotos heroicos de la Segunda Guerra Mundial. La película iba a ser interpretada por Richard Burton, pero decidió rechazar el trabajo para irse a interpretar al conquistador en Alejandro Magno, cobrando tres o cuatro veces más, algo que el director de Proa al cielo no se privó de aclarar para que quedara clara la motivación crematística del actor. Alejandro Magno fue sensiblemente inferior y no pasó precisamente a la historia del cine, algo que sí hizo Proa al cielo. El segundo título del mes es atípico, por cuanto fue producido por los vencedores de la Segunda Guerra Mundial para elogiar a uno de sus enemigos, el general Rommel, muy respetado en Inglaterra, por motivos que se comentan en la ficha de la película que acompaña a su cartel. Aderezada con imágenes reales de combates tomadas del documental Desert Victory, de 1943, se rodó en su mayoría en San Diego, California, y curiosamente la película operó como herramienta de propaganda para rehabilitar los logros del Ejército de Alemania Occidental frente a la guerra de Corea y la Guerra Fría. Nominada al Oscar en las categorías de Mejor Historia y Mejor Música en drama o comedia, El gran secreto tomó prestadas las imágenes filmadas para otro largometraje, Principio o fin, dirigido en 1947 por Norman Taurog y protagonizado por Brian Donlevy y Robert Walker, para ilustrar el momento del bombardeo atómico. A pesar de que pretendía ser un alegato en favor del matrimonio, institución en crisis entre los pilotos de la fuerza aérea estadounidense de los años cincuenta, no sirvió de mucho. La ficción y la realidad no encajaron tal como se esperaba y, en la vida real, el matrimonio del protagonista Paul Tibbets, cuya biografía había sido utilizada como base para la película, se saldó en divorcio en 1955. Detalle que tener en cuenta: en la vida real, el avión giró después de soltar la bomba para alejarse de la explosión, de manera que estaba a kilómetros de distancia cuando estalló, y al contrario

que en la película, los miembros de la tripulación no pudieron tener una visión de la deflagración como la que nos propone el largometraje para hacer participar al espectador en ese momento trágico de la historia de la humanidad. El cuarto nombre propio de la selección de fichas que nos ocupa es el de Louis L’Amour, escritor de novelas del Oeste, principalmente, que afirmaba que el argumento de Hermanos ante el peligro se había basado en las anécdotas de su experiencia en el frente, donde ganó dos Estrellas de Bronce por su trabajo como oficial de los convoyes que abastecían al Ejército de Patton en su progresión por Francia después del desembarco de Normandía. Tempestad en Asia (no hay que confundirla con la película del mismo título dirigida por el maestro del cine soviético Pudovkin en 1928, aunque ambas cuentan con los mongoles como elemento clave de sus argumentos) es interesante no tanto por su exótico argumento o hibridación de géneros, que se explica en el texto de la ficha del cartel, como por tratar la misión de las unidades de meteorología destinadas en China para apoyar a la Marina a través del establecimiento de unas estaciones meteorológicas destinadas a ayudar a la flota del Pacífico desde Siberia y el mar de dunas del desierto de Gobi. Esa información meteorológica esencial había dejado de estar disponible desde el momento en que los japoneses ocuparon Filipinas y otros territorios aliados en el Pacífico, lo que convertía la misión de esas unidades de meteorólogos en algo crucial para proseguir las operaciones frente al enemigo en el mar. Aproximadamente 1000 chinos fueron entrenados como observadores meteorológicos por la Armada, estableciéndose más de 300 estaciones meteorológicas. El personaje protagonista de Historia de Malta también se basa en la realidad, concretamente en Adrian Warby Warburton, piloto de la RAF que está considerado como uno de los héroes británicos de la Segunda Guerra Mundial precisamente por su papel en la defensa de Malta. En la película lo interpretó Alec Guinness. Otro veterano, Nicholas Monsarrat, oficial naval, sirvió como punto de arranque para Mar cruel, del mismo modo que el novelista Hilary Saint George Saunders trasladó a la novela que sirvió como base a la película de paracaidistas 60 segundos de vida su propio conocimiento de primera mano de los combates en primera línea derivado de su participación en la Primera Guerra Mundial, recibiendo una medalla por liderar a su pelotón en un ataque bajo fuego enemigo. Miguel Juan Payán

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Con estadísticas de recaudaciones y listas de valoración elaboradas por la prensa especializada de mayor prestigio. Y también con los carteles a color de todas las películas, junto con sus fichas técnicas y artísticas, sinopsis, etc. Autor: Tomás Pérez Niño

Un repaso a las películas protagonizadas por el inspector Clouseau, saga iniciada en 1964 con "La pantera rosa", dirigida por Blake Edwards. Con más de 80 carteles y fotografías a todo color

COLOR 288 pags.15x21 cm.

P.V.P. 27 € ESCENAS DE CINE GUIÓN Y ANÁLISIS Expertos universitarios y guionistas profesionales desvelan los secretos para la construcción narrativa de distintas escenas cinematográficas inolvidables. Autores: Pedro Sangro Colón (y Miguel Ángel Huerta Floriano

B/N 264 pags.15x21 cm.

P.V.P. 18 €

Autores: : José Luis Mena y Tomás Pérez Niño

NOV

D EDA

Color 90 pags.15x21 cm.

P.V.P. 12 €

B/N 384 pags.15x21 cm.

P.V.P. 14,56 €

P.V.P. 23 €

EL CINE SOBRE PIELES ROJAS

EMMANUELLE Repaso a la vida del personaje más importante del cine erótico. En este libro se habla de la creadora del mito (Emmanuelle Arsan), las películas de Sylvia Kristel, los otros títulos oficiales sobre Emmanuelle, la saga de Emmanuelle negra y las imitaciones. Autores: Tomás Pérez Niño y José Luis Mena

Todo un recorrido por la verdadera historia del Oeste Americano a través de los films realizados sobre los auténticos pieles rojas. Autores: Luis Miguel Carmona Barguilla y Luis Rubi Hernansáez

COLOR 120 pags.15x21 cm.

B/N 222 pags.15x21 cm.

P.V.P. 16 €

D EDA NOV

P.V.P. 18 €

HECHOS Y ANÉCDOTAS DEL CINE ERÓTICO

HORROR ORIENTAL. Las mejores películas del cine fantástico asiático

Repaso del cine erótico. Incluye: Breve historia del cine erótico, los films “clave” del cine erótico, los mitos eróticos, las reinas del “destape”, curiosidades y estadísticas, las escenas eróticas más impactantes, el desnudo de las estrellas... Autor: Luis Miguel Carmona

Los mejores ti?tulos de terror, fantasi?a y ciencia-ficcio?n surgidos de cinematografi?as tan apasionantes como las de Japo?n, China, Hong-Kong, Corea del Sur o Tailandia, entre otras.

B/N / COLOR 224 pags.15x21 cm.

P.V.P. 19 €

Págs: 114 Formato: 15x21 cm.

P.V.P. 18 €

Color - B/N Págs: 304 Formato: 15x21 cm.

LA CARTELERÍA DEL CINE ESPAÑOL EN JAPÓN Una curiosa recopilación de más de 200 carteles japoneses diseñados para la promoción de nuestras películas españolas en el país nipón Autor: Ambrosio C. Sánchez Color

P.V.P. 16,50 €

LA CASA BLANCA EN CINE Y TELEVISIÓN

LA CENSURA FRANQUISTA EN EL CINE DE PAPEL

LA LUCHA OBRERA EN EL CINE

LA MÚSICA EN EL CINE ESPAÑOL

Repaso a aquellas películas que han tratado en su argumento la Casa Blanca y sus presidentes: Air Force One, Telefono rojo volamos hacia Moscú, Cortina de humo... Contiene carteles y anecdotarios

Un apasionante recorrido por los carteles, fotos, postales y programas de mano, prohibidos en la España de Franco. En este libro se reproducen centenares de programas de mano con el aliciente de poder comparar los originales. Autor: Luis Miguel Carmona

Desde sus albores, la lucha obrera ha sido objeto de interés por parte del cine, ya sea por motivos militantes o como simple recurso dramático. Este libro propone un exhaustivo análisis sobre este fenómeno.

Este libro analiza lo que ha supuesto la musica en la historia de nuestra cinematografía, realizando un amplio recorrido por los géneros: copla, flamenco, pop, rock, zarzuela, cuplé... así como de las figuras de la música: Imperio Argentina, Estrellita Castro, Massiel, Karina...

Blanco y Negro / Color

Págs: 256 Formato: 15x21 cm.

Color Págs: 134 Formato: 15x21 cm.

Autor: Luis Miguel Carmona

P.V.P. 20 €

B/N 166 pags.15x21 cm.

LA OBRA DE MACARIO EN EL SECTOR VIDEOGRÁFICO

LA OPRESIÓN Y LA REPRESIÓN SOBRE LA MUJER EN EL CINE

LAS 100 GRANDES DIOSAS DEL CINE

Un compendio gráfico de las mejores carátulas que para el sector videográfica realizó el gran ilustrador Mac, Macario Gómez Quibus (1926-2018), uno de los mejores cartelistas de cine de nuestro país. Autor: José Luis Mena, Bienvenido Llopis.

Como los medios audiovisuales han reflejado, a lo largo de su historia, los problemas de las mujeres, a consecuencia del rol que su género ha tenido que ejercer dentro de las diversas culturas que han existido. Autor: Francisco Javier González-Fierro Santos.

COLOR 138 pags.15x21 cm.

B/N 320 pags.15x21 cm.

P.V.P. 19 €

D EDA V O N

B/N 240 pags.15x21 cm. .

P.V.P. 16 €

P.V.P. 24 €

P.V.P. 20 €

Actualización del libro que se editó hace 13 años. Incluye fotos a toda página, filmografías, biografía y anecdotarios sobre las más influyentes mujeres en el cine. Autores: José Luis Mena

B/N Págs: 240 Formato: 15x21 cm.

P.V.P. 16 €

B/N 224 pags.15x21 cm.

P.V.P. 15 €

LAS 100 MEJORES COMEDIAS DE LA HISTORIA DEL CINE Con estadísticas de recaudaciones y listas de valoración elaboradas por la prensa especializada de mayor prestigio. Y también con los carteles a color de todas las películas, junto con sus fichas técnicas y artísticas, sinopsis, etc. Autores: Javier Cuesta y José Luis Mena

COLOR 222 pags.15x21 cm.

P.V.P. 16 €

LAS 100 MEJORES PELÍCULAS BRITANICAS DE LA HISTORIA DEL CINE

LAS 100 MEJORES PELÍCULAS DE ARTES MARCIALES

LAS 100 MEJORES PELÍCULAS DEL CINE DE BOXEO

Con estadísticas de recaudaciones, datos de los Oscar y listas de valoración elaboradas por la prensa especializada de mayor prestigio. Y también con los carteles a color de todas las películas, junto con sus fichas técnicas y artísticas, sinopsis, etc.

COLOR 240 pags.15x21 cm.

P.V.P. 19 €

COLOR 256 pags.15x21 cm.

P.V.P. 19 €

COLOR 224 pags.15x21 cm.

LAS 100 MEJORES PELÍCULAS DE ESPÍAS Repaso del cine de espías. con los carteles a color de todas las películas, junto con sus fichas técnicas y artísticas, sinopsis, etc. Color Autor: Luis Miguel Carmona

B/N COLOR 384 pags.15x21 cm.

P.V.P. 19 €

P.V.P. 25 €

LAS 100 MEJORES PELÍCULAS ESPAÑOLAS DE LA HISTORIA DEL CINE

LAS 100 MEJORES PELÍCULAS FRANCESAS DE LA HISTORIA DEL CINE

LAS 100 MEJORES PELÍCULAS ITALIANAS DE LA HISTORIA DEL CINE

Con estadísticas de recaudaciones y listas de valoración elaboradas por la prensa. Y también con los carteles a color de todas las películas, junto con sus fichas técnicas y artísticas, sinopsis, etc. Autor: Miguel Juan Payán

Con estadísticas de recaudaciones, datos de los Oscar y listas de valoración elaboradas por la prensa. Y también con los carteles a color de todas las películas, junto con sus fichas técnicas y artísticas, sinopsis, etc. Autor: Miguel Ángel Barroso

B/N COLOR 222 pags.15x21 cm.

COLOR 222 pags.15x21 cm.

B/N COLOR 256 pags.15x21 cm.

P.V.P. 15,63 €

P.V.P. 19 €

B/N COLOR 256 pags.15x21 cm.

LAS 100 MEJORES PELÍCULAS POLICÍACAS Y DE GÁNGSTES DE LA HISTORIA DEL CINE

LAS 100 MEJORES PELÍCULAS SOBRE EL RAZISMO

LAS 100 MEJORES PELÍCULAS SOBRE EL NAZISMO

LAS 100 MEJORES PELÍCULAS SOBRE LA GUERRA CIVIL ESPAÑOLA

COLOR 222 pags.15x21 cm.

COLOR Págs: 270 Formato: 15x21 cm.

COLOR 222 pags.15x21 cm.

COLOR Págs: 224 Formato: 15,5x21,5 cm.

LAS 100 MEJORES PELÍCULAS SOBRE LESBIANISMO

LAS 100 MEJORES PELÍCULAS SOBRE OBRAS LITERARIAS ESPAÑOLAS

LAS 100 MEJORES PELÍCULAS SOBRE PERIODISMO

LAS 100 MEJORES PELÍCULAS SOBRE VIAJES EN EL TIEMPO

COLOR 320 pags.15x21 cm.

P.V.P. 19,50 €

LAS 100 MEJORES PELÍCULAS DE PIRATAS Con estadísticas de recaudaciones, datos de los Oscar y listas de valoración elaboradas por la prensa especializada de mayor prestigio. Y también con los carteles a color de todas las películas, junto con sus fichas técnicas y artísticas, sinopsis, etc. Autor: Miguel Juan Payán

P.V.P. 16 €

P.V.P. 15 €

P.V.P. 22 €

P.V.P. 19,50 €

B/N COLOR Págs: 288 Formato: 15x21 cm.

P.V.P. 20 €

Un exhaustivo repaso a los filmes que han tenido como protagonismo o entorno principal de su narración el mundo del periodismo y los medios de comunicación.

B/N COLOR Págs: 288 Formato: 15x21 cm.

P.V.P. 22 €

P.V.P. 19 €

P.V.P. 16 €

Color Págs: 222 Formato: 15x21 cm.

P.V.P. 16,50 €

LAS 200 DIOSAS MENORES DEL CINE

LAS CARAS DE LA MALDAD EN EL CINE

LAS DIOSAS DE LA HISTORIA DEL CINE ESPAÑOL

LAS DIOSAS DEL CINE PARA ADULTOS

Recorrido de 200 actrices que aunque no habían alcanzado la categoría de mito si habían logrado el estrellato en la meca del cine. Podremos encontrar biografía, anecdotario y filmografia entre otras de: Anne Bancroft, Angela Lansbury, Lucille Ball, Joan Collins,etc Autores: Tomás Pérez Niño y José Luis Mena

En este libro se pretende abordar un tema inédito. Tratamos de observar las mil caras de la maldad en el cine. Rara es la cinta que no permite brillar a algún ser pérfido, ya sea como protagonista de primer orden o como personaje secundario. Autor: Francisco Javier Casares Ripol

Contiene, a tavés de 286 páginas la biofilmografía de las 162 actrices más destacables de la historia de nuestra cinematografía, con la reproducción de su fotografia en blanco y negro, cien de ellas a toda página. Autores: Tomás Pérez Niño y José Luis Mena

Incluye fotos a color a toda página, filmografías, biografía y anecdotarios sobre las más influyentes mujeres en el cine pornográfico. Además de los orígenes e historia del cine pornográfico.

B/N Págs: 424 Formato: 15x21 cm. P.V.P. 22 €

B/N Págs: 424 Formato: 15x21 cm. P.V.P. 20 €

B/N Págs: 288 Formato: 15x21 cm.

B/N COLOR 240 pags.15x21 cm.

P.V.P. 22 €

LAS ENCUESTAS SOBRE LAS ACTRICES MAS 'SEXY' DE LA HISTORIA DEL CINE

LAS MEJORES BANDAS SONORAS DE LA HISTORIA DEL CINE

LAS MEJORES FRASES DE PELÍCULAS DE LA HISTORIA DEL CINE

LAS MEJORES INTERPRETACIONES DE LA HISTORIA DEL CINE

Contiene más de 500 fotografías y más de 300 biofilmografías.

Recorrido por la historia de la música en el cine. Incluye premios y diversas encuestas y las cien bandas sonoras originales de todos los tiempos. Autor: Luis Miguel Carmona

Una recopilación de alreredor de 800 frases o diálogos más populares e inolvidables de la Historia del Cine Autores: Tomás Pérez Niño, José Luis Mena, Luis Miguel Carmona y Miguel Juan Payán

Una selección de las mejores interpretaciones de la Historia del Cine.

Autor: José Luis Mena y Tomás Pérez Niño

Color Págs: 248 Formato: 15x21 cm.

P.V.P. 22 €

B/N Color Págs: 192 Formato: 15x21 cm.

P.V.P. 15 €

LAS MEJORES MINISERIES DE LA HISTORIA DE LA TELEVISIÓN

LAS MEJORES SERIES DE LA HISTORIA DE LA TELEVISIÓN

Yo Claudio, Norte y Sur, Raíces, Shogun... En este libro podrán encontrarse éstas y otras muchas miniseries que han triunfado en la pequeña pantalla. Autor: José Luis Mena

Analisis de las mejores series de todos los tiempos, con encuestas, premio... Aborda entre otras: Alias, Mash, El equipo A, El Show de Cosby, El fugitivo, Falcon Crest... Incluye carteles a todo color de las más representativas.

Color Págs: 208 Formato: 15x21 cm.

B/N Color Págs: 480 Formato: 15x21 cm.

P.V.P. 29 €

B/N Págs: 204 Formato: 15x21 cm.

P.V.P. 14,50 €

Autor: José Manuel GonzálezFierro Santos

B/N Págs: 288 Formato: 15x21 cm.

P.V.P. 18 €

LAS PESADILLAS DE WES CRAVEN

LO ESENCIAL DE LA HISTORIA DEL CINE

Este libro bucea en la obra del cineasta norteamericano Wes Craven, nombre clave para entender la Historia del cine fantástico, en especial en las décadas de los 80, 90 y 2000. De hecho fue el creador de dos de las sagas de horror más influyentes y exitosas de dicho periodo: Pesadilla en Elm Street y Scream. Color

Un libro que recoge de una forma muy singular y con ilustraciones excepcionales, en color y blanco y negro, como son las relativas a un “colage” de los personajes ma?s significativos de cada de?cada o tema analizado, toda la historia del cine.

Págs: 302 Formato: 15x21 cm.

P.V.P. 18 €

B/N Color Págs: 121 Formato: 21x30 cm.

P.V.P. 18 €

LOS 100 GRANDES PERSONAJES HISTORICOS EN EL CINE

LOS 100 MEJORES FILMES DE VAMPIROS Análisis del cine de vampiros desde sus orígenes hasta la actualidad. Abarca tanto Bela Lugosi y los clásicos de la Universal o fenómenos tan recientes como Buffy o Van Helsing.

Cleopatra, Juana De Arco, Espartaco, El Cid...hasta llegar a 100 personajes cuyas vidas han sido adaptadas a la pantalla grande. Autor: Luis Miguel Carmona

Autor: Miguel Juan Payán

B/N Págs: 384 Formato: 15x21 cm.

Color Págs: 256 Formato: 15x21 cm.

P.V.P. 20 €

P.V.P. 16,50 €

LOS 100 MEJORES FILMES DEL CINE HISTÓRICO BÍBLICO

LOS 100 MEJORES FILMS ERÓTICOS DE LA HISTORIA DEL CINE

Color Págs: 222 Formato: 15x21 cm.

P.V.P. 16 €

P.V.P. 16€

LOS 100 MEJORES MELODRAMAS DE LA HISTORIA DEL CINE

LOS 100 MEJORES MUSICALES DE LA HISTORIA DEL CINE

LOS 100 MEJORES TÍTULOS SOBRE EL CINE TRANSGÉNERO

LOS 100 MEJORES WESTERN DE LA HISTORIA DEL CINE

Un repaso a las películas que han tratado el tema transgénero en todas sus variantes. Con más de un centenar de ilustraciones y posters en color

Color Págs: 222 Formato: 15x21 cm.

Págs: 222 Formato: 15x21 cm.

Autores: José Luis Mena y Tomás Pérez Niño

COLOR 196 pags.15x21 cm.

P.V.P. 16 €

LOS CARTELES MÁS ERÓTICOS DE LA HISTORIA DEL CINE Un completo recorrido por la Historia del cine a través de los carteles publicitarios de famosos filmes en los que sus creativos han utilizado el erotismo como arma comercial. Más de 400 carteles a todo color Autores: Tomás Pérez Niño y José Luis Mena

Color Págs: 198 Formato: 15x21 cm.

LOS MITOS DEL OESTE EN EL CINE

Tras editar "Las grandes diosas del cine español", editamos este profuso catálogo con algunos de lo más grandes actores de nuestro cine que han protagonizado nuestro género por antonomasia: la comedia Autores: Tomás Pérez Niño y José Luis Mena García

Kirk Douglas, John Wayne, Tom Mix, Jennifer Jones, Burt Lancaster, Dean Martin... todos ellos triunfaron en el wester. En este libro se hace un repaso incluyendo una breve biografía y la filmografía esencial de cada uno de ellos. Autor: Luis Miguel Carmona

Autor: Miguel Juan Payán.

P.V.P. 24 €

MADONNA

La trastienda de una actriz

Este libro es un recorrido históricocinematográfico por las actividades de los principales jefes del crimen organizado, así como una semblanza de atracadores como John Dillinger, Bonnie y Clyde o la banda de "Ma" Barker. Del análisis de las filmografías completas de estos personajes se deducen analogías y discrepancias entro lo contado por el cine y la realidad. Autor: Miguel Juan Payán.

Madonna, la estrella más provocativa del siglo XX, analiza las actividades de la artista en el mundo del cine que, desde luego, en contra de lo que muchas personas pueden en un principio pensar, son abundantes

Actriz intuitiva y de gran belleza, María José Cantudo logró el éxito en el cine gracias a su papel en "La trastienda". Con más de 30 películas, 15 montajes teatrales y numerosas apariciones televisivas en su haber, este libro traza su trayectoria profesional en el mundo del espectáculo con una cuidada selección gráfica. Autor: Tony Aliaga Carratalá

Color 136 pags.15x21 cm.

P.V.P. 16 €

NADIUSKA

PERIODISMO EN TELEVISIÓN Y CINE IBEROAMERICANO

El juguete roto del cine erótico español

Tras publicar "Las mejores peliculas sobre el periodismo", completamos el tema con este libro que incide en el retrato de la profesión en series de televisión y en el cine de habla hispana.

Su llegada a España e inicios artísticos (Los primeros pasos en el cine, su polémica boda, Un pasado misterioso, duras experiencias...), Los años de explendor, decadencia y caída al abismo y sus actuaciones ante las cámaras. Incluye fotos a color y B/N Autor: Tomás Pérez Niño

Color / B/N 110 pags.15x21 cm.

P.V.P. 15 € STEPHEN KING

Autores: José Luis Mena y Tomás Pérez Niño

Color / B/N .15x21 cm.

D EDA NOV

Un repaso a la filmografía de uno de los grandes galanes de la Historia del cine de Hollywood, caracterizado por sus canas primerizas. De origen británico, fue uno de los rostros más habituales del cine de aventuras, histórico y western, en filmes míticos. Profusamente ilustrado. Autor: José Luis Mena y Tomás Pérez Niño. B/N Color

Desarrollar la íntima relación de uno de los escritores más famosos de la historia con el medio audivisual. Las obras del denominado Maestro del Horror, Stephen King, han sido llevadas al cine y a la televisión en numerosas ocasiones. Algunas han inspirado grandes títulos del cine de terror y el fantástico contemporáneo. Autor: Pedro L. López

Color-B/N 240 pags.15x21 cm.

P.V.P. 18 €

TODO AGATHA CHRISTIE Un exhaustivo repaso, literario y gráfico, a las adaptacionesa la gran y pequeña pantalla de las obras de esta popular escritora. Una de las más leídas de la historia de la literatura. Autor: Francisco Javier González-Fierro Santos

B/N Color Págs: 134 Formato: 15x21 cm.

P.V.P. 14 €

D EDA V O N

Color 228 pags.15x21 cm.

P.V.P. 19,50 € REINAS DEL CINE Recorrido por las grandes actrices a través de cautivantes fotografías acompañadas de una breve biografía y filmografía.

Págs: 130 Formato: 15x21 cm.

MONSTRUOS ELÉCTRICOS El horror y la ciencia ficción en la universal Todas las películas de terror y cienciaficción producidas por la companía Universal entre 1931 y 1948 y que conforman una de las páginas más ilustres de la Historia del cine fanta?stico. Autores: Luis L. Rueda y Pau Roig

B/N 344 pags.15x21 cm.

P.V.P. 19 € ROMY SCHNEIDER. UN MITO EUROPEO DE BELLEZA Y TRAGEDIA Más de 100 carteles y fotos en color y bn.

Autor: José Luis Mena

B/N Págs: 224 Formato: 15x21 cm.

P.V.P. 19 €

P.V.P. 19,50 € STEWART GRANGER

En cine y televisión Terror en la colina de Maine

P.V.P. 15 €

P.V.P. 30 € MARÍA JOSÉ CANTUDO

Autores: José Luis Mena y Tomás Pérez Niño.

B/N Págs: 184 Formato: 15x21 cm.

B/N Págs: 544 Formato: 15x21 cm.

Todo el cine de

P.V.P. 15 €

P.V.P. 16 €

LOS INTÉRPRETES DEL WESTERN

LOS VERDADEROS GANGSTER EN EL CINE

B/N 190 pags.15x21 cm.

Color 224 pags.15x21 cm.

LOS GRANDES CÓMICOS DEL CINE ESPAÑOL

Color Págs: 366 Formato: 15x21 cm.

P.V.P. 22 €

P.V.P. 19,50 €

B/N / Color Págs: 196 Formato: 15x21 cm.

P.V.P. 19 € TERRORISMO Y ETA EN EL CINE

TODA LA GUERRA DE VIETNAM

El objetivo de este libro es mostrar como, basándose en casos reales, el cine ha tratado el tema del terrorismo en general, y, centrándose en el caso español, ETA en particular.

Un repaso a las películas que se han basado en la guerra que más ha influido en el cine.

B/N 160 pags.15x21 cm.

P.V.P. 14 €

B/N Color Págs: 134 Formato: 15x21 cm.

P.V.P. 15 €

P.V.P. 19,50 € TODO EL CINE DE ABOGADOS Y JUICIOS

TODO EL CINE DE ALFREDO LANDA

TODO EL CINE DE ELVIS PRESLEY

Un repaso a la extensa filmografía de uno de los cómicos y actores más importantes del cine español Autores: Tomás Pérez Niño y José Luis Mena.

B/N Color 288 pags.15x21 cm.

P.V.P. 16 €

Este libro abarca tanto las películas protagonizadas por el rey del rock, Elvis Presley, así como aquellas en las que aparece como personaje dentro de sus tramas. Más de 120 fotos y carteles a todo color Más de 120 fotos y carteles a todo color Autores: José Luis Mena y Tomás Pérez Niño.

P.V.P. 24,50 €

B/N 140 pags.15x21 cm.

Color 174 pags.15x21 cm.

P.V.P. 19 €

TODO EL CINE DE JESUS FRANCO Éste libro presenta abundante material gráfico en general y carteles en especial: más de 200 carteles y 80 fotos a todo color. Creemos que, aunque los admiradores de Jesús Franco ya dispongan de varios libros sobre el mismo, la peculiar estructura del nuestro les será muy útil.

TODO EL CINE DE LOS GRANDES HÉROES MEDIEVALES Autores: Tomás Pérez Niño y José Luis Mena .

B/N .15x21 cm.

P.V.P. 19,50 €

TODO EL CINE DE JACK LEMMON

TODO EL CINE DE TINTO BRASS

Un repaso a la filmografía de uno de los grandes actores de Hollywood, considerado por muchos comola figura icónica del americano medio.

Un repaso en profundidad a la filmografía de este cineasta italiano, uno de los grandes iconos del cine erótico europeo, a través de su más de una veintena de películas, todo ello profusamente ilustrado con más de 100 fotos y carteles.

Autores: Tomás Pérez Niño y José Luis Mena .

BN y Color. .15x21 cm. B/N Color 196 pags.15x21 cm.

B/N Color Págs: 174 Formato: 15x21 cm.

P.V.P. 19,50 €

P.V.P. 19 €

P.V.P. 18 €

TODO EL CINE SOBRE EL CINE

TODO EL CINE SOBRE EL CIRCO

TODO EL CINE SOBRE EL HOMBRE INVISIBLE

Un repaso a aquellas películas que han tenido como tema el propio mundo del cine y/o de sus profesionales.

Con más de un centenar de carteles y fotos analiza las películas más representativas que han ambientado sus argumentos en el circo.

Un repaso a todo el cine que se ha realizado no solo entorno a la figura del personaje del género fantástico "El hombre invisible", creado por H. G. Wells, sino también por el tema de la invisibilidad llevada a la gran pantalla

Autores: Tomás Pérez Niño, José Luis Mena y Rafael Arias Carrión.

B/N Color Formato: 15x21 cm.

P.V.P. 19,50 € TODO EL CINE SOBRE LARGOMETRAJES ANIMADOS Este libro se centra en la producción de cine de animación en formato de largometraje. Con más de 130 ilustraciones en color. Autores: José Luis Mena y Tomás Pérez Niño.

Color Formato: 15x21 cm.

P.V.P. 19,50 €

Marca con una X los libros que desees: 100 REYES DE 100 AÑOS DE CINE (15 €) AGATHA LYS (17 €) ANECDOTAS SOBRE LA MUERTE EN LA MECA DEL CINE (14 €) AUDREY HEPBURN EN EL RECUERDO (14 €) BARBARA REY (17 €) CINE Y BALONCESTO (18 €) DE LA TV A HOLLYWOOD (14,50 €) DICCIONARIO SERIES ESPAÑOLAS (23 €) EL CINE EROTICO ESPAÑOL. 100 MEJORES (27 €) EL CINE SOBRE EL INSPECTOR CLOUSEAU Y LA PANTERA ROSA (12 €) EL CINE SOBRE PIELES ROJAS (16 €) EMMANUELLE (18€) ESCENAS DE CINE, GUION Y ANÁLISIS (18 €) HECHOS Y ANÉCDOTAS DEL CINE ERÓTICO (18 €) HORROR ORIENTAL (19 €) LA CASA BLANCA EN CINE Y TV (19 €) LA CARTELERÍA DEL CINE ESPAÑOL EN JAPÓN (16,50 €) LA CENSURA FRANQUISTA EN EL CINE DE PAPEL (20 €) LA HISTORIA DE ESPAÑA A TRAVÉS DEL CINE (20 €) LA LUCHA OBRERA EN EL CINE (20 €) LA MÚSICA EN EL CINE ESPAÑOL (15 €) LA OBRA DE MACARIO "MAC" EN EL SECTOR VIDEOGRÁFICO (16 €) LA OPRESIÓN Y LA REPRESIÓN SOBRE LA MUJER EN EL CINE (24 €) LAS 100 GRANDES DIOSAS DEL CINE (ACTUALIZACIÓN) (16 €) LAS 100 MEJORES COMEDIAS (16 €) LAS 100 MEJORES PELÍCULAS BRITÁNICAS (19 €) LAS 100 MEJORES PELÍCULAS DE ARTES MARCIALES (19 €) LAS 100 MEJORES PELÍCULAS DE BOXEO (19 €) LAS 100 MEJORES PELÍCULAS DE ESPÍAS (25 €) LAS 100 MEJORES PELÍCULAS DE PIRATAS (16 €) LAS 100 MEJORES PELÍCULAS ESPAÑOLAS DE LA HISTORIA DEL CINE (15,63 €)

Autores: Tomás Pérez Niño y José Luis Mena .

TODO EL CINE DE HÉRCULES Y OTROS MITOS GRIEGOS Autores: José Luis Mena y Tomás Pérez Niño.

Color 246 pags.15x21 cm.

P.V.P. 19,50 €

Autores: Tomás Pérez Niño y José Luis Mena.

B/N Color - 248 pag Formato: 15x21 cm.

Color Formato: 15x21 cm.

P.V.P. 19,50 €

P.V.P. 14,50 €

TODO EL CINE SOBRE MUJERES PRESAS.

D EDA V O N

TODO EL CINE SOBRE SECTAS

Otra nueva entrega de nuestra colección "Las cien mejores..." en este caso sobre el tema de las mujeres presas, en especial dentro del subgénero WIP del sexploitation, con una selección de títulos significativos sobre el tema acompañados con sus carteles a todo color. Autor: Luis Miguel Carmona

TODO SHERLOCK HOLMES EN CINE Y TV En este libro hacemos un repaso de todas las obras cinematográficas y televisivas que ha protagonizado de alguna u otra forma Sherlock Holmes, que sobrepasan ampliamente el centenar de títulos. Además incluimos un repaso a los actores más destacados que han dado vida a Holmes. Autor: Francisco Javier González-Fierro Santos

Autores: José Luis Mena y

B/N 204 pags.15x21 cm.

P.V.P. 19,50 €

B/N Color 196 pags.15x21 cm.

B/N 224 pags.15x21 cm.

P.V.P. 18 €

P.V.P. 19 €

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nº 804 COLECCIONABLE: Historia del cine 40 E: Dominique Purcell Posters Teaser Indiana Jones 4 y En busca del arca perdida

nº 810 COLECCIONABLE: Historia del cine 46 E: Zack Snyder, Frank Miller Posters El reino prohibido y High School Musical 3

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R.E: REPORTAJE ESPECIAL • P: POSTERES • R: REPORTAJE • A: ALBUM DE FOTOS • E: ENTREVISTA • P.E. PERFIL • C. CARTELMANÍA

nº 909 HISTORIA DEL CINE 57 E. Peter Jackson E. Gerard Butler / K. Heigl R. Claves del cine de Tarantino P. Malditos Bastardos / District 9

nº 1301 COLECCIONABLE: Errol Flynn Entrevistas. Daniel Day Lewis, Sally Field, Rick Baker Cartelmanía. Tom Cruise en el cine Cartelmanía. John Wayne VII Posters Jack Reacher, Lincoln, Wolverine, Doctor Who

nº 1312 COLECCIONABLE: Kim Novak Entrevistas. Benedict Cumberbatch, Ian McKellen, Richard Armitage, Chloë Grace Moretz Cartelmanía. Stephen King Cartelmanía. Cary Grant III Posters Agents of Shields, El Hobbit: La desolación de Smaug, Capitán América: El soldado del invierno, Los Juegos del Hambre: En llamas (IMAX)

nº 1408 COLECCIONABLE: Maureen O Hara Cartelmanía. Luc Besson Cartelmanía. Western V Series Tv. The Leftovers, Flash Posters Transformers 4, Guardianes de la galaxia, Mercenarios 3, Gotham

nº 1502 COLECCIONABLE: James Garner Cartelmanía. Francotiradores Cartelmanía. Western XI Series Tv. Agent Carter, The Walking Dead, Eugene Simon, Hijos de la anarquía Posters Agent Carter, Ant-Man, Into the Woods, Hijos de la Anarquía

nº 1508 COLECCIONABLE: Jane Fonda Cartelmanía. Espías en el cine Cartelmanía. Western XVII Series Tv. The Strain, nuevas series Entrevistas. Jamie Bell Posters 4 fantásticos, Del revés, Sinsajo2, The Strain.

nº 1602 COLECCIONABLE: Ginger Rogers Cartelmanía. Supervivencia cine Cartelmanía. Western XXIII Entrevista. Sylvester Stallone Series Tv. Shadowhunters, Pretty Little Liars, Las crónicas de Shannara Posters Creed, Rocky Balboa, Civil War, Laberinto, Shadowhunters, Pretty Little Liars, Las crónicas de Shannara, Los 100.

nº 1304 COLECCIONABLE: Gene Tierney Cartelmanía. Sam Raimi Cartelmanía. Alfred Hitchcock III Posters Iron Man 3 (Teaser), Star Trek en la oscuridad, Defiance, Juego de tronos (Jon Nieve)

nº 1401 COLECCIONABLE: David Niven Gran avance 2014 Cartelmanía. Películas Boxeo Cartelmanía. Cary Grant IV Posters Noé, Maléfica, Sherlock, Paul Walker

nº 1409 COLECCIONABLE: Gene Kelly Cartelmanía. Fugas en el cine Cartelmanía. Western VI Series Tv. Dinastia, The Strain, Constantine, Doctor Who T8 Posters El Hobbit 3 (Bilbo), Doctor Who T8, Mural Avengers: Age of Ultron (Quicksilver y Thor)

nº 1503 COLECCIONABLE: Deborah Kerr Cartelmanía. Espías Británicos Cartelmanía. Western XII Series Tv. Vikings T3, House of Cards T3, True Detective T2, Better Call Saul, Marie Avgeropoulos Posters Kingsman, House of Cards, Terminator: Genesis, Vikings

nº 1509 COLECCIONABLE: Dean Martin Cartelmanía. Sherlock Holmes Cartelmanía. Western XVIII Series Tv. Fear the Walking Dead Entrevistas. Dylan O’Brien, Kaya Scodelario Posters Sinsajo 2, Las Pruebas, Fear the Walking Dead, Dominion.

nº 1603 COLECCIONABLE: Tony Curtis Cartelmanía. Catástrofes mar Cartelmanía. Western XXIV Entrevista. Henry Cavill Series Tv. Daredevil T2, Expediente X, Legends of Tomorrow Posters Batman v Superman (Batman, Superman y Wonder Woman), Zootrópolis, Leal, Daredevil T2, Expediente X y Legends of Tomorrow.

nº 1002 HISTORIA DEL CINE 62 E. Mario Casas E. William Miller / Maria Cotiello R. El hombre lobo en el cine P. Percy Jackson y el ladrón del rayo P. Alicia en el pais de las maravillas (Teaser)

nº 1305 COLECCIONABLE: Kirk Douglas Entrevistas. Gerard Butler, Cartelmanía. Invasiones EE UU Cartelmanía. Alfred Hitchcock IV Posters Iron Man 3, Lobezno Inmortal (teaser), El gran Gatsby, Juego de tronos (Tyrion)

nº 905 HISTORIA DEL CINE 53 E. Zachary Quinto / Chris Pine E. JJ Abrams / Dominic Monaghan P. Lobezno / Star Trek

nº 907 HISTORIA DEL CINE 55 R. Pixar P. Teaser Luna Nueva P. Harry Potter y el misterio...

nº 1402 COLECCIONABLE: Sofía Loren Cartelmanía. Películas Boxeo Cartelmanía. Cary Grant V Posters El lobo de Wall Street, La gran estafa americana, The Amazing Spiderman 2, Arrow

nº 1410 COLECCIONABLE: Robin Williams Cartelmanía. Miyazaki y Ghibli Cartelmanía. Western VII Series Tv. Arrow T3, Las calles de San Francisco, Dominion Posters Sinsajo (parte I), Arrow T3, Mural Avengers: Age of Ultron (Viuda negra y Hulk)

nº 1504 COLECCIONABLE: William Holden Cartelmanía. Carreteras salvajes Cartelmanía. Western XIII Series Tv. Powers, Juego de Tronos Entrevistas. Kit Harington, Emilia Clarke, Maisie Williams Posters Vengadores 2 (Viuda Negra), Juego de tronos, Jurassic World (teaser), Powers

nº 1510 COLECCIONABLE: Veronica Lake Cartelmanía. Viajes espaciales Cartelmanía. Western XIX Series Tv. Arrow, Scream Queens Posters Pan, Flash, La cumbre escarlata, Arrow.

nº 1604 COLECCIONABLE: Shirley MacLaine Cartelmanía. Zombies en el cine Cartelmanía. Western XXV Posters El cazador y la reina de hielo, Orgullo + Prejuicio + Zombies, Civil War (2), Vikings, The Walking Dead, Juego de tronos (2).

nº 1005 HISTORIA DEL CINE 65 E. Jennifer Lopez / Jake Gyllenhaal R. Prince of Persia / Robin Hood R. Robin Hood en el cine P. Robin Hood / Nausicaä

nº 1308 COLECCIONABLE: Natalie Wood Entrevistas. Lily Collins, Michael Bay, Ron Perlman, Mark Wahlberg, Jamie Campbell Bower Cartelmanía. Zombies en el cine Cartelmanía. Ray Harryhausen I Posters Pacific Rim, El Hobbit: La desolación de Smaug (teaser), El llanero solitario, Cazadores de sombras: Ciudad de hueso

nº 906 HISTORIA DEL CINE 54 E. Megan Fox / Shia LaBeouf E. Audrey Tautou / Michael Bay E. Sam Worthington P. Terminator Salvation P. Transformers

nº 1608 COLECCIONABLE: Lee Marvin Cartelmanía. Fantasmas en el cine Cartelmanía. Cine de terror I Series Tv. Outcast, Peaky Blinders, Person of Interest. Posters Escuadrón suicida, Star Trek: Más allá, Assassins Creed, Stranger Things, Sharknado 4, Frankenstein, Outcast, Peaky Blinders, Person of Interest.

nº 1001 HISTORIA DEL CINE 61 E. Peter Jackson, Saoirse Ronan E. Blanca Suárez / Jordi Mollà E. Miguel Ángel Trigo R. Sherlock Holmes en el cine P. Avatar / Sherlock Holmes

nº 902 HISTORIA DEL CINE 50 E. Tom Cruise E. Aitor Luna / Michelle Jenner P. Gran Torino / Harry el sucio

CAMIS DE ACCETA DE REG IÓN Para p ALO

nº 1404 COLECCIONABLE: Joan Fontaine Cartelmanía. Cine bíblico Cartelmanía. Western I Posters The Amazing Spiderman 2, Juego de tronos (Jaime Lanister), Capitán América 2, Los 100

nº 1411 COLECCIONABLE: Esther Williams Cartelmanía. Detectives Cartelmanía. Western VII Series Tv. Koyak, Amy Acker, Colton Haynes, Erase una Vez T4 Posters Sinsajo (parte I), Érase Una Vez (Frozen), Mural Avengers: Age of Ultron (Iron Man y Capitán América)

nº 1505 COLECCIONABLE: Susan Hayward Cartelmanía. Guerreros apocalípticos Cartelmanía. Western XIV Series Tv. Daredevil, Javier Olivares Entrevistas. Josh Harnett, Olga Kurylenko, Russell Crowe Posters Vengadores 2, Daredevil, Fast 7, Ministerio del tiempo

nº 1511 COLECCIONABLE: Rock Hudson Cartelmanía. Brujas en el cine Cartelmanía. Western XX Series Tv. Gotham, Supergirl, Doctor Who, Heroes Reborn Posters Spectre, Heroes Reborn, Sinsajo (IMAX), Gotham, Star Wars (diseño), Supergirl, Regreso al futuro, Doctor Who.

nº 1605 COLECCIONABLE: Robert Mitchum Cartelmanía. Los otros superhéroes Cartelmanía. Western XXVI Series Tv. Aquarius, Person of Interest Posters El libro de la selva, Civil War, Doctor Strange, House of Cards, X-Men Apocalipsis, Person of Interest, Orange is the New Black, Rogue One.

nº 1609 COLECCIONABLE: Bruce Lee Cartelmanía. Cine de terror II Series Tv. Fear the Walking Dead, Alycia Debnam-Carey, Colman Domingo, Wagner Moura. Posters Animales fantásticos y donde encontrarlos, Operación Dragón, Rogue One, Fear the Walking Dead, Doctor Strange, The Bride of Frankenstein, La historia interminable, Guardianes de la Galaxia.

nº 1610 COLECCIONABLE: Buster Keaton Cartelmanía. Cine de terror III Cartelmanía. Ron Howard Series Tv. Universo DC, Luke Cage, The Walking Dead. Posters Doctor Strange, El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares, El jovencito Frankenstein, Luke Cage, Los Siete Magníficos, Los siete Magníficos (1960), The Walking Dead, Un monstruo viene a verme.

nº 1007 HISTORIA DEL CINE 67 R. Eclipse P. Toy Story 3 P. Pesadilla en Elm Street

nº 1010 HISTORIA DEL CINE 70 E. Jessica Alba - Michelle Rodriguez E. Chloe Moretz / Rodrigo Cortés P. Machete / Buried (Enterrado)

nº 1611 nº 1309 COLECCIONABLE: Anthony Quinn Entrevistas. Logan Lerman, Alexandra Daddario, Daniel Brühl, Chris Hemsworth, Emma Stone, Andre Garfield Cartelmanía. Macarras del futuro Cartelmanía. Ray Harryhausen II Posters Jobs, Clásicos paramount, Riddick, Juegos del hambre: En llamas (teaser)

nº 1406 COLECCIONABLE: Shirley Temple Cartelmanía. Frankenstein Cartelmanía. Western III Series Tv. 24: Vive otro día Posters Transcendence, Maléfica, XMen (Mística), True Detective

nº 1412 COLECCIONABLE: Henry Fonda Cartelmanía. Ridley Scott Cartelmanía. Western IX Series Tv. Starsky y Hutch, The Librarians, Sarah Shahi, Willa Holland Posters Exodus, El Hobbit 3, Mural Avengers: Age of Ultron (Ojo de Halcón, Scarlet Witch)

nº 1506 COLECCIONABLE: Tyrone Power Cartelmanía. Dinosaurios en el cine Cartelmanía. Western XV Series Tv. Defiance T3, Dark Matter, Wayward Pines, Penny Dreadful T2 Entrevistas. Daniel Radcliffe Posters Batman v Superman, Jurassic World, Penny Dreadful

nº 1512 COLECCIONABLE: Jennifer Jones Cartelmanía. Robert Zemeckis (I) Cartelmanía. Western XXI Series Tv. American Horror Story Hotel, Érase Una Vez T5, Jessica Jones Posters Sinsajo P2, Star Wars Ep. VII), Star Wars (1977), Star Wars (Han Solo y Rey), Jessica Jones, Érase Una Vez t5, American Horror Story Hotel.

nº 1606 COLECCIONABLE: Doris Day Cartelmanía. Egipto en el cine Cartelmanía. Western XXVII Series Tv. Bloodline, Penny Dreadful, Juego de tronos Posters Assassins Creed, Ninja Turtles, Dioses de Egipto, Warcraft, Alicia a través del espejo, Bloodline, Penny Dreadful, Juego de tronos (John Nieve)

COLECCIONABLE: Judy Garland Cartelmanía. Cine de terror IV Cartelmanía. Encuentros en la tercera fase Series Tv. Arrow, Gotham, WestWorld. Posters Arrow, John Wick 2, Gotham, Logan, WestWorld, Guardianes de la galaxia 2, Shameless

nº 1612

nº 908

nº 1207

HISTORIA DEL CINE 56 E. Channing Tatum / Sienna Miller E. Matthew Fox R. El cine de Gansteres P. UP / Gi Joe

COLECCIONABLE: Charles Chaplin E. Christian Bale/Robert DeNiro Cartelmanía. Batman en el cine Cartelmanía. John Wayne I Posters Batman: La leyenda renace Posters The Amazing Spiderman

nº 1311 COLECCIONABLE: Frank Sinatra Entrevistas. Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Elijah Wood, Joseph Gordon Lewitt Cartelmanía. Novelas Ciencia Ficción Cartelmanía. Cary Grant II Posters Los juegos del Hambre: En llamas, Thor: Un mundo Oscuro (Loki), Arrow, Doctor Who (David Tennant)

nº 1407 COLECCIONABLE: Boris Karloff Cartelmanía. Fútbol en el cine Cartelmanía. Western IV Series Tv. True Blood, Gotham, Falcon Crest Posters El amanecer del planeta de los simios, Guardianes de la galaxia, Bajo la misma estrella, True Blood

nº 1501 COLECCIONABLE: Olivia de Havilland Cartelmanía. Mike Nichols Cartelmanía. Western X Series Tv. James Cosmo, ArrowFlash, Outlander Posters El Hobbit 3, Interstellar, The Imitation Game, The Flash

nº 1507 COLECCIONABLE: Christopher Lee Cartelmanía. Pixar-Manía Cartelmanía. Western XVI Series Tv. Sense 8, True Detective T2 Entrevistas. Paul Rudd, Arnold Schwarzenegger, Michael Douglas Posters Ant-Man, Christopher Lee, Minions, Terminator Genesis.

nº 1601 COLECCIONABLE: Omar Sharif Cartelmanía. Robert Zemeckis (II) Cartelmanía. Western XXII Series Tv. Los 100, The Magicians, Agents of Shield Posters X-Men Apocalipsis, Star Wars (Kylo, Leia, Finn), Deadpool, Los Ocho Odiosos, The Magicians.

nº 1607 COLECCIONABLE: Richard Widmark Cartelmanía. Magia en el cine Cartelmanía. Western XXVIII Series Tv. Castle, Dark Matter, Bella y bestia, Stranger Things. Posters Independence Day, Stranger Things, Jason Bourne, Castle, Tarzan the Ape Man, Bella y bestia, Mi amigo el gigante, Dark Matter.

COLECCIONABLE: Steve McQueen Cartelmanía. Cine de terror V Cartelmanía. Viajes espaciales Series Tv. The Flash, Black Mirror, Ash vs Evil Dead. Posters Rogue One, Flash, Assassin’s Creed, Ash vs Evil Dead, Passengers, Black Mirror, Piratas del Caribe 5, La invasión de los ladrones de cuerpos (1956).

nº 1701 COLECCIONABLE: Stewart Granger Cartelmanía. Cine de terror VI Cartelmanía. Musicales en el cine Series Tv. Supergirl, Dirk Gently, Legends of Tomorrow. Posters Rogue One (IMAX), Dirk Gently, La bella y la bestia, Supergirl, Kong Skull Island, The OA, Logan, Legends of Tomorrow.

nº 1702 COLECCIONABLE: Carrie Fisher Cartelmanía. Cine de terror VII Cartelmanía. Anime en el cine Series Tv. Taboo, Grimm T6, Sherlock T4, Teen Wolf T6. Posters La La Land, Grimm, Batman, Taboo, Ghost in the Shell, Sherlock, Carrie Fisher, Teen Wolf.

nº 1703 COLECCIONABLE: John Hurt Cartelmanía. Cine de terror VIII Cartelmanía. Terror médico Series Tv. Stranger Things, Los 100 T4, Riverdale, Iron Fist Posters Logan (2), La bella y la bestia (2), Ghost in the Shell, Riverdale, Resident Evil, Los 100.

nº 1704 COLECCIONABLE: Claudette Colbert Cartelmanía. Cine de terror IX Series Tv. Crónicas vampíricas, Legión, Into the Badlands, Nick Frost, Tom Pelphrey. Posters Guardianes de la Galaxia 2, Into the Badlands, La bella y la bestia, Legion, Power Rangers, Crónicas vampíricas, Wonder Woman, Iron Fist.

nº 1706 COLECCIONABLE: Debbie Reynolds Cartelmanía. Cine de terror XI Cartelmanía. Cine de momias Series Tv. Girls, American Gods, Fear the Walking Dead, Sense 8. Posters Piratas del Caribe 5, Fear the Walking Dead, Wonder Woman, Girls, La Torre Oscura, Sense 8, Spider-Man Homecoming, La Momia (1932).

nº 1710 COLECCIONABLE: Jerry Lewis Cartelmanía. Cine de terror XV Cartelmanía. Philip K. Dick Entrevistas. Ryan Gosling, Ana de Armas, Denis Villeneuve, Gerard Butler Series Tv. Midnight Texas, Outlander 3, Stranger Things. Posters Thor Ragnarok, Bates Motel, Kingsman: El círculo de oro, Outlander, Mother, Halt Catch and Fire, Blade Runner 2049, El profesor chiflado.

nº 1802 COLECCIONABLE: Bela Lugosi Cartelmanía. Cine de terror XIX Cartelmanía. Terrorismo en el cine Entrevistas. Margot Robbie Series Tv. Black Lightning, Altered Carbon, X-Files T11, Britannia Posters El corredor del laberinto. La cura mortal, Mazinger Z, Tres anuncios en las afueras, Black Panther, La forma del agua, Altered Carbon, Tríptico Avengers Infinity War 3.

nº 1707 COLECCIONABLE: Roger Moore Cartelmanía. Cine de terror XII Cartelmanía. Cine de Christopher Nolan Series Tv. Pequeñas mentirosas, Juego de Tronos T7, Fargo T3. Posters Spider-Man Homecoming, Juego de Tronos, La guerra del planeta de los simios, Pequeñas mentirosas, Wonder Woman, Fargo, Blade Runner (2017), Tiburón.

nº 1711 COLECCIONABLE: Jeanne Moreau Cartelmanía. Cine de terror XVI Cartelmanía. Agatha Christie Entrevistas. Ezra Miller, Ray Fisher Series Tv. Arrow 6, Gotham 4, American Horror Story Cult, Star Trek Discovery. Posters Liga de la justicia, Arrow 6, Gotham 4, American Horror Story Cult, Star Trek Discovery, Asesinato en el Orient Express, Stranger Things 2, Poltergeist.

nº 1803 COLECCIONABLE: June Allyson Cartelmanía. Cine de terror XX Cartelmanía. Videojuegos en el cine Series Tv. Jessica Jones T2, The Magicians T3 Posters Gorrión rojo, Jessica Jones, Tomb Raider, The Magicians, Pacific Rim. Insurrección, Solo (Solo), Deadpool 2, Solo (Lando).

nº 1807 COLECCIONABLE: Dorothy Malone Cartelmanía. Cine de terror XXIV Cartelmanía. Antihéroes salvando el día Series Tv. Luke Cage, Capa y Puñal. Posters Ant-Man y la Avispa, Capa y puñal, Mision Imposible: Fallout, Hotel Transilvania 3, Mamma Mia: Una y otra vez, Luke Cage, Jurassic World 2, El Padrino.

nº 1808 COLECCIONABLE: Peter Sellers Cartelmanía. Cine de terror XXV Cartelmanía. Leyendas y disparates de terror Series Tv. Stargate SG-1, Krypton, Legion, Érase una vez. Posters Los increíbles 2, Legion, Bumblebee, Krypton, Spider-Man Un nuevo universo, Venom, Glass, Piraña.

nº 1708 COLECCIONABLE: Glenn Ford Cartelmanía. Cine de terror XIII Cartelmanía. Cine del Rey Arturo Series Tv. El Santo, The Defenders, Charlie Cox, Finn Jones, Gypsy, Orphan Black T3. Posters La torre oscura, Juego de tronos (Daenerys), El Rey Arturo, The Defenders, Transformers 5, Orphan Black, Baby Driver, Spider-Man Homecoming

nº 1806 COLECCIONABLE: Peter Ustinov Cartelmanía. Cine de terror XXIII Cartelmanía. Tras las líneas enemigas Series Tv. Por 13 razones T2, Sense 8, Cormoran Strike. Posters Jurassic World, Sense 8, Han Solo, Por 13 razones, Sicario: El día del soldado, Deadpool 2, Campeones, Deadpool (ilustración).

nº 1712 COLECCIONABLE: Fred Astaire Cartelmanía. Cine de terror XVII Cartelmanía. Musicales Entrevistas. Mark Hammill, Nick Jonas, Jack Black Series Tv. The Walking Dead 8, Loch Ness, Punisher. Posters Star Wars: Los últimos Jedi, Punisher, El Gran Showman, Stranger Things 2, Jumanji, Tríptico Avengers Infinity War 1, The Walking Dead 8, Pesadilla en Elm Street.

nº 1811

nº 1903

nº 1907

COLECCIONABLE: Lena Horne Cartelmanía. Cine bélico II Cartelmanía. Guerras Zombis Series Tv. Millennium, Las escalofriantes aventuras de Sabrina, Arrow, Series DC y Marvel. Posters Bohemian Rhapsody, Daredevil, Capitana Marvel, Las escalofriantes aventuras de Sabrina, Millennium: Lo que no te mata te hace más fuerte, Titans, Venom (IMAX), Grupo Salvaje (1974).

COLECCIONABLE: Fay Wray Cartelmanía. Cine bélico VI Cartelmanía. Cine parejas cómicas Series Tv. Juego de Tronos, Ellen Page, Ehe Eney Within, The Walking Dead Posters Capitana Marvel, The Walking Dead, Dumbo, Spiderman: Lejos de casa, La mujer y el monstruo (1954), Hobbs & Shaw, Los locos del aire (1939).

COLECCIONABLE: Yvonne de Carlo Especial. Stranger Things Homenaje. Chico Ibáñez Serrador Cartelmanía. Cine bélico X Cartelmanía. Clasicos animados Disney (II parte) Series Tv. La forense, NOSA42, Doom Patrol, The Twilight Zone Posters SPIDER-MAN Lejos de casa, Stranger Things 3, El rey león, The Big Bang Theory, X-Men Fénix Oscura, Juego de Tronos (Sansa), El rey León (1994), ¿Quién puede matar a un niño?.

nº 1812

nº 1904

COLECCIONABLE: Charles Bronson Cartelmanía. Cine bélico III Cartelmanía. Robin Hood Series Tv. Luke Cage, Midnight Texas T2, Juego de tronos T8, Narcos: México, House of Cards T6. Posters Spider-Man: Un nuevo universo, The Haunted of Hill House, Ralph Rompe Internet, House of Cards T6, El regreso de Mary Poppins, Centauros del desierto (1956), Bumblebee, Mary Poppins (1964).

COLECCIONABLE: Lionel Barrymore Cartelmanía. Cine bélico VII Cartelmanía. Cine de Buñuel Series Tv. The Umbrella Academy, Love, Death & Robots, Punisher Posters Vengadores EndGame, Juego de Tronos (Daenerys), X-Men Fénix Oscura, Juego de Tronos (John Nieve), Érase una vez en Hollywood (Margot Robbie), John Wick 3, The Umbrella Academy, Sensación de vivir.

nº 1908 COLECCIONABLE: Alex Guinness Entrevistas. Kaya Scodelario, Leonardo DiCaprio Cartelmanía. Cine bélico XI Cartelmanía. Tarantino Series Tv. The Boys, Veronica Mars, Cristal Oscuro Posters Érase una vez en Hollywood, Veronica Mars, Hobbs & Shaw, The Boys, Rambo: Last Blood, Cristal Oscuro, Cameron Boyce, Reservoir Dogs

nº 1804 COLECCIONABLE: John Barrymore Cartelmanía. Cine de terror XXI Cartelmanía. Spielberg y la ciencia ficción Series Tv. La casa de papel, The Terror, Lost in Space. Posters Infinity War (ilustración), La casa de papel, Aniquilación, Lost in Space, Solo (Chewacca), The Terror, Solo (Qira), E.T..

nº 1905 nº 1901

nº 1809 COLECCIONABLE: Irene Dunne Cartelmanía. Cine de terror XXVI Cartelmanía. Depredador en el cine Series Tv. Los originales, The Innocents, Jack Ryan, Halt and Catch Fire. Posters Predator, The Innocents, Glass, Jack Ryan, Bublebee, Doctor Who, Venom (Japón), Depredador (1987).

COLECCIONABLE: Linda Darnell Cartelmanía. Cine bélico IV Cartelmanía. M. Night Shyamalan Series Tv. Magnum, Gotham T5, Iron Fist, Teoías sobre series Marvel 7 Disney Posters Avengers Endgame, El rey león (teaser), Glass, Toy Story 4 (teaser), Hellboy, El exorcista (1973), Rocky (1977), Gotham.

COLECCIONABLE: Jean Harlow Cartelmanía. Cine bélico VIII Cartelmanía. Asesinos a sueldo Series Tv. House of Cards, Los 100 T6, Gomorra, Freddie Highmore, Stranger Things T3. Posters Hellboy, Los 100, Vengadores EndGame IMAX, Juego de Tronos, Aladdin, Star Wars El ascenso de Skywalker, Spiderman Lejos de casa, Apoxalipsis Now.

nº 1909 COLECCIONABLE: Mary Pickford Especial. Comic-Con Entrevistas. Luis Tosar Cartelmanía. Cine bélico XII Cartelmanía. Stallone I Series Tv. Lost, Swamp Thing Posters Rambo Last Blood, La casa de papel, Ad astra, Carnival Row, Érase una vez en Hollywood, The Witcher, Acorralado, Lost

nº 1709

nº 1705 COLECCIONABLE: Sean Connery Cartelmanía. Cine de terror X Cartelmanía. Cine de piratas Series Tv. The Defenders, Twin Peaks, The Son, Las chicas del cable, Por 13 razones, The Leftovers. Posters Alien Covenant, Por 13 razones, Star Wars: The Last Jedi, Twin Peaks, Thor Ragnarok, Fast 8, Wonder Woman, Mazinger Z.

COLECCIONABLE: Barbara Stanwick Cartelmanía. Cine de terror XIV Cartelmanía. Cine de Stephen King II Series Tv. Stranger Things 2, Gotham 3, Daniel Sharman, Adam Wingard, Rubén Blades, Kyle Maclachlan, Robert Patrick. Posters Stranger Things 2, Black Panther, Death Note, The Defenders, Juego de Tronos (John Nieve), It (serie), Jurassic World, Night of the Living Dead.

nº 1805 nº 1801 COLECCIONABLE: Loretta Young Cartelmanía. Cine de terror XVIII Cartelmanía. Póker en el cine Entrevistas. Jessica Chastain Series Tv. Black Mirror, Runaways, Vikings. Posters Mazinger Z: Infinity, Black Mirror, Star Wars: Los últimos Jedi (IMAX), Vikingos, Deadpool, Runaways, Tríptico Avengers Infinity War 2, The Fly.

COLECCIONABLE: Eleanor Parker Cartelmanía. Cine de terror XXII Cartelmanía. Tras las líneas enemigas Series Tv. Westworld, El Alienista, Colony, Krypton, Los 100, Jenna Elfman. Posters Deadpool 2, Colony, Vengadores: Infinity War, Los 100, Solo (ilustración), Westworld, Jurassic World, Doce del patíbulo.

nº 1906 nº 1902 nº 1810 COLECCIONABLE: Roddy McDowall Cartelmanía. Cine bélico I Cartelmanía. Rutas suicidas Series Tv. The Bridge, The Outpost, Gigantes, Cóndor, Patrick Melrose. Posters Venom, Patrick Melrose, La noche de Haloween, Arrow, La casa del reloj en la pared, Doctor Who, Halloween (1978), Virtual Hero.

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LAS MEJORES PELÍCULAS QUE NUNCA HEMOS VISTO

DUNE de Alejandro Jodorowsky

Imaginen un universo cuyos emperadores adquieren los rasgos de Orson Welles y Salvador Dalí; una galaxia con Mick Jagger y David Carradine retándose con la mirada; un espacio surcado por naves laberínticas al ritmo de Pink Floyd... Solo un “chamán” como Alejandro Jodorowsky podía ejercer tal obra de alquimia: construir en su cabeza una película mastodóntica, de la cual jamás se rodó ni un mísero fotograma, y, pese a ello, influir en Hollywood hasta el punto de sembrar la semilla de obras maestras venideras y, esta vez sí, materializadas. Hablamos de Dune, su muy particular adaptación de la venerada saga espacial. ¿El mejor filme que jamás verán nuestros ojos? Así está considerado por muchos. Lo que sí resulta innegable es que, de haber visto la luz, los derroteros de la ciencia ficción habrían tomado un rumbo no sabemos si mejor, pero sin duda diferente. El Dune de Jodorowsky podría haberlo cambiado “todo”.

Qué se le perdió al “psicomago” chileno en el planeta Arrakis? Conviene recordar que, en la primera mitad de los años setenta, Jodorowsky —entregado sin ambages al discurso surrealista— ya era considerado un “gurú” de la contracultura. Desde el cómic hasta el teatro, había tocado todos los “palos” artísticos con afán experimental. Tras Fando y Lis (1968), adaptación de la obra homónima de su amigo Fernando Arrabal (y que casi le cuesta un linchamiento en el Festival de Cine de Acapulco), alcanzó notoriedad con su siguiente filme, El topo (1970). Celebridades como John Lennon alabaron públicamente este “wéstern ácido”, en el sentido más lisérgico del término, en el que el artista, también protagonista, tejía un paralelismo entre el Antiguo y Nuevo Testamento y las peripecias de un misterioso pistolero en busca de sí mismo. No en vano el ex beatle le echó una generosa mano para sacar adelante su siguiente cinta, La montaña sagrada (1973), nueva aventura esotérica sobre la búsqueda de la inmortalidad. Ya en 1975, con Jodorowsky afincado en Francia, el productor Michel Seydoux le ofreció financiarle su siguiente proyecto. Tenía carta blanca para rodar lo que quisiera. Su respuesta fue inmediata: Dune. La exitosa novela de Frank Herbert, publicada en 1966, se centraba en la dura pugna entablada por varios “señores feudales” del universo para hacerse con el control del planeta Arrakis, principal exportador de la valiosa especia-droga conocida como melange. La historia entroncaba con las inquietudes de Jodorowsky por sus explícitas interpretaciones religiosas, encarnadas en su personaje principal, Paul, heredero de la Casa Atreides —rival de la familia Harkonnen— y reconvertido en mesías de la humanidad. Como reconocía el propio artista en el documental Jodorowsky’s Dune (2013), su elección fue esta novela como podrían haber sido el Quijote o Hamlet. Ni siquiera la había leído. Sin embargo, las referencias que tenía de ella eran inmejorables: Dune

Dune de Alejandro Jodorowsky era la biblia de la ciencia ficción, algo que nunca antes había sido narrado. A medida que se fue zambullendo en su lectura, hubo aspectos que le cautivaron. Por encima de todos, uno: la melange, la especia que precipitaba la lucha entre los diferentes clanes, era descrita como una droga capaz de expandir la conciencia. Una propiedad que Jodorowsky en particular y el panorama underground en general habían experimentado en primera persona, tal y como correspondía a aquella generación posthippie. De hecho, la meta de Jodorowsky con Dune, aseguraba, era inducir en el espectador los mismos efectos alucinógenos del LSD. El comienzo del filme dejaría embriagado al público: un plano secuencia a través del cosmos que superaría, según sus palabras, al inicio de Sed de mal (1958), de Orson Welles. No era una simple película: era algo “sagrado”. Para su “misión”, necesitaba lo que él llamaba sus “guerreros espirituales”: Salvador Dali y HR Giger personas no solo involucradas en lo profesional, sino que se dejaran parte de su alma. Así como Jodorowsky. Sin embargo, algo de cordura fue como reclutó al francés Jean Giraud, alias se debía de esconder entre todas aquellas aluciMoebius, creador de El teniente Blueberry y con el naciones cuando la Fox escogió a buena parte de que diseñó todo el universo de Dune en un storyDune vio la luz en 1984, los “guerreros” del chileno (Moebius, O’Bannon, board hoy considerado una joya. También mostró el mismo nivel de compromiso Dan O’Bannon, pero financiada por Dino De Fox, Giger...) para alumbrar no solo una de las obras más rompedoras de la década en términos autor de los efectos especiales de Dark Star Laurentiis y con un visuales, sino un clásico instantáneo de la ciencia (1974), muy precaria ópera prima de John Carficción: Alien, el octavo pasajero (1979). penter que maravilló al chileno. A la troupe se unidesubicado David Lynch en Dune vio la luz en 1984, pero financiada por ría Chris Foss, portadista de novelas pulp que Dino De Laurentiis y con un desubicado David Lynch diseñó ostentosos palacios de reminiscencias la dirección. en la dirección. Tampoco fue una producción espeaztecas y egipcias. ¿Y la música? Jodorowsky cialmente plácida: Lynch llegó a rodar ocho horas quería dos bandas: la parte “luminosa” de la mutiladas, hasta llegar a los 136 minutos, incomtrama, protagonizada por la Casa Atreides, correprensibles para la mayoría de los mortales. Jodorowsky reconoce, no ría a cargo de Pink Floyd, ya consagrados con The Dark Side of the sin sentirse culpable, que experimentó cierto alivió cuando vio el filme Moon (1973); la parte “oscura”, perteneciente a la Casa Harkony constató que estaba ante un fiasco artístico. Una sensación que se nen, sería compuesta por Magma, banda francesa “progresiva” que repetiría con la miniserie televisiva Dune, la leyenda (2000), que tamel autor descubrió en un concierto en París. poco consiguió hacer sombra a la obra original. Sin embargo, a finales Pero quedaba el reparto. Su hijo Brontis, entonces de doce de este 2020, Jodorowsky afrontará un nuevo trance: el estreno de años y que ya había actuado en El topo, encarnaría a Paul Atreides, una tercera adaptación por parte de Denis Villeneuve, dividida en dos lo que le obligó a recibir intensas clases de kárate y jiu-jitsu. David partes, y con Timothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac y Carradine, al que admiraba por su papel en la serie Kung Fu (1972Javier Bardem en el reparto. ¿Verá por fin Jodorowsky su sueño cum1975), y Mick Jagger, al que abordó sin complejos en una fiesta, plido por otro o las galaxias de Herbert seguirán siendo inescrutables también aceptaron participar. Mientras, al ya citado Orson Welles le para la comprensión humana? convenció para encarnar al barón Harkonnen tras prometerle, eso sí, Jaime V. Echagüe que el catering del rodaje estaría servido por su chef parisino predilecto. Pero quedaba la joya de la corona: Salvador Dalí, que daría vida al emperador Shaddam IV. Alejandro Jodorowsky quería que Salvador Dalí interpretase al emperador de la galaxia en su afán de adaptar a la gran pantalla la novela de Frank Herbert Entre otras excentricidades, el catalán exigió ser el actor mejor pagado de la historia: cien mil dólares la hora. Jodorowsky y Seydoux aceptaron... porque reducirían su presencia a tres minutos. Fue Dalí, por cierto, quien le presentó a un artista suizo, de imaginación tenebrosa y cuya concepción biomecánica de la naturaleza se ajustaba con precisión a la visión del chileno: H. R. Giger. Toda aquella locura no podía tener otro final: pese al laborioso storyboard que Seydoux y Jodorowsky “vendían” a las productoras y a las promesas de no superar los quince millones de dólares de presupuesto, nadie en Hollywood pensaba seriamente en financiar semejante “monstruo”. Y menos aún si estaba orquestado por un “místico”

MALDICIONES EN EL CINE

Nosferatu e él se dijo que fue contratado porque sus largas uñas, afilados incisivos y puntiagudas orejas no precisaban de artificios; que firmó un pacto con Murnau por el cual podía “alimentarse” del elenco una vez que acabara la función; que durante el rodaje mordió realmente a los protagonistas, con el personaje de Ellen como “plato” más apetecible... Incluso su nombre infundía pavor. ¿Max Schreck? ¿”Miedo Máximo” si traducimos del alemán al castellano? Aparte de ser considerado uno de los hitos del expresionismo germano y de constituir una obra indispensable para entender el género terrorífico, Nosferatu (1922) —primera adaptación apócrifa del Drácula (1897) de Bram Stoker— rebosa “malditismo” por más de una razón. Y, entre ellas, por su protagonista, Max Schreck. Un auténtico vampiro. Parte de la “culpa” de esta leyenda hay que Max Schreck achacársela a otro filme, La sombra del vampiro (2000). Con bastante sorna, aquella cinta británica relataba cómo F. W. Murnau (interpretado por John Malkovich) elegía a Max Schreck (Willem Dafoe, candidato al Oscar por su papel), un “chupasangres” auténtico, para interpretar al conde Orlok. ¿Su objetivo? Dotar a su próxima película, Nosferatu, de un realismo aterrador. Debido al comportamiento poco ortodoxo de Schreck, Murnau se inventa una historia para tranquilizar a su reparto: al tratarse de un actor del método Stanislavski, precisa de un arduo trabajo de introspección psicológica. Como recompensa, el director promete a su protagonista el cuello de Greta Schröder (Catherine McCormack), Ellen en la ficción. Siendo justos, lo único que hizo La sombra del vampiro fue materializar en imágenes aquel gigantesco bulo. Porque ¿quién era Schreck? Prácticamente no existían referencias suyas, biográficas o profesionales. Algunos se preguntaban si Orlok no era sino el propio Murnau, de figura alta y estilizada. Se llegó a pensar que ni siquiera aquel nombre, más parecido a un pseudónimo, era real.

Aquello, unido al aterrador tono del filme y a una interpretación escalofriante que hacía tambalear la cuarta pared, provocó una tormenta perfecta para cimentar un mito. La realidad no superó a la ficción. No fue hasta 2009 cuando el escritor Stefan Eickhoff publicó Max Schreck: Gespenstertheater (“Teatro fantasmal”), primera biografía dedicada al actor. Así, supimos que la intención de Murnau era contar con Conrad Veidt, que había encarnado al personaje de Cesare en otra joya expresionista, El gabinete del doctor Caligari (1920). Sin embargo, ante la negativa de Veidt, acabó fijándose en un versátil intérprete teatral de cuarenta y tres años, muy perfeccionista, y que tenía una innata habilidad para maquillarse a sí mismo: Max Schreck. Efectivamente, existía. El actor, cuyo nombre le costó recurrentes bromas desde su niñez, se había dedicado a las tablas a escondidas de su padre, al que le parecía una profesión “despreciable”, pero siempre con el apoyo anímico y económico de su madre. Antes de Nosferatu venía de alcanzar un gran éxito interpretando a Harpagón en El avaro, de Molière. “Es un demonio de la miseria perfecto”, decían las críticas. El cine no era su medio habitual, pero le entusiasmó la idea de encarnar al vampiro. No en vano le permitía experimentar desde un punto de vista “cosmético”: fabricó su ganchuda nariz, elaboró sus pobladas cejas y prácticamente se inventó la calva postiza que llevó durante toda la producción. ¿Su inspiración para el papel? Un oficial prusiano, aseguraba. Nunca volvió a gozar de una oportunidad como aquella, aunque siguió trabajando regularmente en el cine, siempre en papeles secundarios y, por supuesto, sin un maquillaje tan destacable. Así fue hasta su muerte en 1936, a los 56 años, tras sufrir un ataque al corazón. Y no: jamás se levantó de su tumba. Decíamos antes que Nosferatu era un filme maldito por diferentes motivos. Y es que lo verdaderamente “sobrenatural” es que actualmente podamos verlo. Después de que la viuda de Stoker, Florence Balcombe, se enterara por la prensa de que se iba a estrenar un filme basado en Drácula, con los nombres de los personajes cambiados pero sin su autorización, denunció a los productores por infringir los derechos de autor. Un tribunal ordenó la destrucción de todas las copias. Afortunadamente, muchas circulaban ya por todo el mundo y fueron “escondidas” por sus dueños hasta la muerte de Balcombe. Gracias a ellos, podemos hablar de una obra maestra. Jaime V. Echagüe

sta sería la primera película de la primera película de la franquicia de Albert Broccoli y Harry Saltzman que no sería rodada con un margen de un año respecto a la anterior entrega. El motivo: cada vez costaba más en cuanto a medios y personal, había que movilizar a más personas y la búsqueda de localizaciones era más exigentes. Además, otros miembros del equipo y del reparto, como Sean Connery, quien quería tener tiempo para dedicar a otros proyectos y no quería encasillarse en el personaje que le dio la fama. Este y otros detalles, como veremos más adelante, llevarían al actor escocés a colgar el esmoquin; brevemente, eso sí. La historia de la quinta entrega del agente 007 tendría lugar en casi todo el metraje en el exótico país de Japón, de manera que el director Lewis Gilbert y el diseñador Ken Adams, los productores y parte del equipo estuvieron buscando localizaciones en el País del Sol Naciente en febrero de 1966 y durante tres semanas. Antes de dar paso a la elección de los diferentes personajes, permítanme explicar el motivo por el que Sean Connery acabó muy enfadado con esta película y le indujo a dejar el papel. En Japón, James Bond era todo un héroe y tener al personaje en el país nipón estuvo lleno de inconvenientes para el actor escocés. A saber, en todo momento, a su llegada a Japón, le estuvieron haciendo fotos y se referían a él como James Bond, y no como Sean Connery, algo que enfadó mucho al protagonista. La gota que colmó el vaso fue la ocasión en la que después de salir del baño, un admirador le tomó una foto, esto le hizo cabrearse mucho, de tal manera que los productores le dijeron que al día siguiente tendría catorce guardaespaldas, pero estos guarda-

espaldas también sacaron sus cámaras y empezaron a tomar fotos al actor. Otro problema al que se tuvieron que enfrentar Broccoli y Saltzman fue la cultura japonesa, un par de ejemplos son la pelea de sumo en la que Aki conoce a Bond: los luchadores querían que se hiciera de verdad, pero al saber que estos combates eran gratuitos y que se rodarían para una parte de la película de 007, se formaron colas increíbles y una gran multitud de personas se amontonaban en los alrededores. Otro ejemplo de esta cultura japonesa fue que las chicas japonesas que tenían que nadar en biquini eran reacias a hacer tal cosa con las cámaras grabando. Esto lo solucionó la esposa de Sean Connery (Diane), quien hizo de doble de cuerpo para muchas de las chicas zambulléndose en el agua. Dos grandes elementos que vemos en la película fueron la pequeña Nellie, un Aston Martin DB5 volador, y el interior del volcán, cuya construcción costó lo mismo que toda la primera película Bond, un millón de dólares, obra del diseñador Ken Adams. El encargado de dirigir todo esto sería el director Lewis Gilbert, al que Broccoli telefoneó para proponérselo porque había tenido mucho éxito con su película Alfie y este no se lo pensó dos veces. Para hacer los papeles de Kissie y Aki se hicieron pruebas a más de veinte chicas japonesas, pero ninguna de ellas hablaba inglés fluido. Al final, las seleccionadas fueron Mie Hama y Akiko Wakabayashi. Los productores las llevaron a Londres para mejorar el inglés. Mientras que Akiko progresaba muy bien, Mie, quien optaba al papel de Aki, no. Los productores pensaron que tendría que volver a Japón, a lo que Mie respondió diciendo que si volvía a su país y no

le daban el papel, se quitaría la vida. De manera que cambiaron los roles, Akiko sería Aki, y Mie sería Kissie, que tenía menos diálogos. Para el papel del villano, jefe de la organización de Spectre, a quien solo se había visto entre sombras, fue Jan Werich, un actor checo. El propio Saltzman envió un telegrama al director diciendo que ya tenía al actor para interpretarlo, pero para Gilbert, este parecía un Papá Noel, con cara de bonachón. Pero ya había sido contratado, de manera que tendría que interpretar a Blofeld. Werich se puso enfermo en el momento en el que su personaje tendría más protagonismo y fue sustituido por Donald Pleasence, aunque Werich rodó algunas tomas, en la sala de control y en secuencias en el volcán.

El guion Sydney Boehm entregó un borrador en noviembre de 1965 muy similar a la novela escrita por Fleming. Harold Jack Bloom entregó otro tratamiento del guion que constaba de 139 páginas y en el que no aparecía Blofeld. Casi terminando enero, el propio Bloom entregó otro tratamiento del guion que empezaba con la muerte de Bond en Macao, la difusión mundial de su muerte y el posterior homenaje en el mar para continuar con la resurrección en un submarino y encargándole la nueva misión y el encuentro con el jefe del servicio secreto japonés. También incluía el espionaje industrial. En otro borrador se incluían los programas espaciales de la Unión Soviética y Estados Unidos. Roald Dahl, otro guionista, teniendo en mente que debía haber tres chicas y que dos de ellas debían morir y una tercera acabar con Bond, presentó su primer borrador. Aquí se mostraban el autogiro y el volcán. Con estas y las anteriores ideas, el rodaje comenzó el 4 de julio.

La música Como es muy típico de Barry, utilizó sonidos de los lugares donde tenía lugar el rodaje, sonidos orientales que acompañan a las

secuencias. En cuanto a la canción principal, es una balada romántica, en un tono muy estable en la voz de Nancy Sinatra y escrita por Lewis Gilbert, que hace de esta canción una de mis favoritas.

El estreno La película fue estrenada en Londres, el 12 de junio de 1967, y un día después se estrenó en Estados Unidos compitiendo de este modo con la versión de Casino Royale de Charles F. Feldman. Esta última recaudó 41 millones de dólares, mientras que la película que tratamos recaudó 111 millones, con lo que ganó la que sería la primera “batalla de los Bond”.

Para el lector curioso Dedicado a quien quiere saber un poquito más sobre el rodaje. Las secuencias aéreas del autogiro se hicieron en Málaga. La razón, que la luz y el fondo que buscaba el director no se daba en Japón. Fueron necesarios 85 despegues y aterrizajes del piloto Ken Wallis, que pasó 46 horas en el aire con la pequeña Nellie para aparecer unos siete minutos y medio en pantalla. La actriz que encarnó a la agente japonesa que ayuda a asesinar a Bond en Japón es Tsai Chin, quien saldría en una de las partidas de Casino Royale años más tarde.

Para el lector viajero Bienvenido a Japón, señor Bond: Nakano-Shimbashi, al oeste de Tokio, estación de metro donde Bond conoce a Tanaka (línea Marunou-Chi). New Otami Hotel, sede de la industria Osato en la película y hotel donde se alojó parte del equipo, situado en la zona de Chiyoda. Solo para buenos bolsillos. Castillo de Himeji, en la región de Hyogo, sirve como escuela de artes marciales de Tanaka, donde Bond se convierte en ninja.

Óscar Rubio

ANÁLISIS DE CINE 1

SOLO ANTE EL PELIGRO

l arranque de la película, con Lee Van Cleef, que tiempo después será una de las estrellas del espagueti wéstern de Sergio Leone en Europa, esperando al hombre del caballo que llega como amenaza acompañado del título original, High Noon (foto 1), marca el juego del tiempo que va a ser esencial en toda la película, y viene señalado también por esa canción que vamos a escuchar en todo el largometraje. La expresión high noon señala el mediodía, pero también define el evento o confrontación que va a decidir el desenlace de una situación. Exactamente como ocurre al final de la película con el sheriff luchando contra los pistoleros que pretenden vengarse de él. Es por todo esto por lo que podemos decir que Solo ante el peligro, como la conocemos en España, se presenta ya desde su título original no solo como una obra maestra del wéstern, sino sobre todo como la gran película de duelos en el marco de dicho género. El director elije apostar por la balada “High Noon” compuesta por el maestro Dimitri Tiomkin con letra de Ned Washington y voz de Tex Ritter, en todo momento como guía de la trama, y lo demuestra en el encuentro entre el jinete que llega y Lee Van

Cleef: la música sigue, pero no escuchamos el diálogo entre los dos personajes. Así es el propio espectador el que empieza a armar en su cabeza la trama desde el principio, participando más activamente en la narración. De hecho, la música va a servir en montaje para empalmar en continuidad secuencias, de manera que escuchamos el redoble de campanas en la iglesia del pueblo en el que vive el sheriff Will Kane interpretado por Gary Cooper sobre la imagen de los tres pistoleros que se proponen matarlo. La iglesia es elemento de civilización, representa la vida cotidiana, los forajidos representan la naturaleza salvaje del Oeste. Estamos, pues, una vez más ante el enfrentamiento entre naturaleza y civilización, central en el género wéstern. La civilización es invadida por la naturaleza salvaje en ese plano en el que redoble de campanas, iglesia y forajidos quedan fusionados en un plano posterior (foto 2). Basada en el relato La estrella de latón, título que alude al emblema que luce el sheriff, de John W. Cunningham, la película presenta el matrimonio del sheriff como un elemento de orden que va a ser destruido por el caos introducido por los forajidos (foto 3). No es casualidad que la pareja esté rodeada de gente del pueblo que va a darle la espalda al sheriff para

CLÁSICOS IMPRESCINDIBLES que se enfrente solo al caos. Metáfora sobre una sociedad, la estadounidense de la época (la película es de 1952), que se enfrenta a la devastadora investigación sobre la infiltración comunista en Estados Unidos que puso en marcha el senador Joseph McCarthy con el Comité de Actividades Antiamericanas, la célebre Caza de Brujas. A ese plano le sigue otro de los tres forajidos avanzando hacia la cámara, esto es, hacia el espectador, hasta situarnos en una posición incómoda, entre los caballos, testimoniando la capacidad de estos agentes del caos para hacer pedazos la nueva vida pacífica y de orden cotidiano que intenta forjarse el sheriff con su joven y guapa esposa, quitándose la estrella. Lo previsible y cotidiano frente a lo imprevisible se van a enfrentar reiteradamente en muchos planos de la película, como el de la barbería, donde cliente y barbero hablan del tiempo mientras vemos pasar en el exterior a los forajidos. Sobre los dos hombres aparece un reloj, elemento que va a ser fundamental en toda la película para ir marcando la clave esencial del avance del tiempo hasta el momento en el que se produzca la llegada en tren del otro componente de la banda y el anunciado enfrentamiento a tiros con el sheriff (foto 4). Distintos relojes van marcando el tiempo, por ejemplo el que vemos después tras el empleado de la estación, cuando los forajidos preguntan precisamente: “¿Llegará el tren a su hora?”, en un plano interesante (foto 5). Interesante, porque ese plano es el primero que enfrenta claramente a los agentes del caos con un personaje del orden, y de paso los pone, con la frontera marcada por la ventana, frente al propio espectador, que por construcción del plano está a este lado de la acción, tras el empleado de la estación acosado por ellos en ese medio arco que a la izquierda de la imagen cierra Lee Van Cleef. Esa parte de los tres forajidos esperando en la estación será luego reproducida por Sergio Leone en el espectacular arranque de Hasta que llegó su hora, lógicamente, con numerosos cambios y adaptándola a sus propias inquietudes y preferencias de puesta en escena y dilatación del tiempo. El plano en el que tras la boda el sheriff se quita la estrella y la clava en la cartuchera del revólver, asociándola así a la violencia, nos muestra al héroe

en su primer paso a ser un hombre normal que va a abrir una tienda. Alejándose de la violencia. Pero junto al revólver colgado y abandonado a su espalda a la derecha, vemos el péndulo del reloj a la izquierda (foto 6), marcando el paso del tiempo, recordando la amenaza que llega con el tren de las doce, donde viene Frank Miller, el hombre que quiere vengarse del sheriff. La mirada del protagonista al reloj en el punto de vista subjetivo señala el avance de las agujas hacia ese momento límite del mediodía que anuncia el título de la película. Es ahí donde se le plantea el conflicto al sheriff. Huir con su esposa – cosa que hace en un primer momento, con un curioso plano de detalle del carro que atraviesa las calles del pueblo a toda velocidad y la gente se convierte en borrones, subrayando el momento de vértigo del sheriff abandonando la ciudad a su suerte (foto 7)–, o volver y plantar cara, cosa que finalmente hará, afirmando: “Ellos me están haciendo huir, y yo nunca he huido ante nadie”. Es la elección entre los deseos personales –sobrevivir, cuidar a su esposa, cambiar de vida–, o aceptar su responsabilidad, enfrentarse a la amenaza, cumplir con su obligación. Rápidamente, se va quedando solo. Su mujer lo abandona. El juez sale huyendo e incluso se lleva la bandera, un símbolo demoledor (foto 8), en un plano construido sobre la diagonal de la pared (las diagonales son clave de composición en la película) en la que también vemos uno de los platillos de la balanza de la justicia que se lleva igualmente. Retirada la bandera solo queda la sombra del juez, esto es, de la justicia. La civilización retrocede ante la barbarie. Ese tema central se verá complementado hábilmente con la subtrama sentimental del sheriff entre dos mujeres, su reciente esposa y su anterior amante, que acaban cruzándose en el hotel (foto 9). De paso, eso abre la posibilidad de dar información al espectador sobre el pasado del sheriff. Pero también sobre el pasado de su esposa y el motivo –la muerte de su padre y de su hermano– por el que le abandona. Al final, el sheriff queda solo en una calle vacía mediante un movimiento de grúa (foto 10), que da paso al tercer acto, un clásico de acción del género wéstern. Miguel Juan Payán

ANÁLISIS DE CINE

a obra cumbre de la carrera de Michael Mann, considerada por muchos una de las películas más importantes de su década y del cine de acción, sin lugar a dudas, siempre estará definida por dos escenas en concreto que pasaremos a analizar en unos momentos, y que no estaban en el primer intento del director por llevar esta historia a la pantalla, la TV movie L. A. Takedown de 1989. Para los aficionados al género, será siempre inolvidable el que, de nuevo para muchos, está considerado el mejor tiroteo de la historia del cine, el que sucede a la salida del atraco en el banco, un momento de acción sin freno y sin límites, violento y dentro de la propia película cargado de giros y sorpresas. Pero sobre todo un momento en el que se definen muchas lealtades (foto 1) y por quién cada uno de los personajes está dispuesto a luchar o incluso a morir. Es uno de los momentos a los que nos ha estado dirigiendo elegantemente la película para que, con la tensión creciente, la historia desemboque en un tercer acto presentado por este momento. Ese tema en torno a las lealtades es algo que se define desde el principio, con el atraco inicial, donde un personaje inesperado para todos, el de Waingro interpretado por Kavin

HEAT

1 Gage está a punto de acabar con toda la operación debido a su carácter. Un plan casi perfecto que recuerda en cierta medida a los asaltos a las diligencias del wéstern, pero añadiendo el elemento actual (foto 2). El plan puede acabar en desastre, pero definimos a nuestros atracadores por su reacción. Mejor no dejar testigos, porque el castigo será el mismo. Un atraco a plena luz del día que se contrapone a la investigación sobre este. Si antes conocíamos por sus actos más que por sus rostros a Robert De Niro, Tom Sizemore, Val Kilmer o Danny Trejo, de noche descubrimos a Al Pacino, el detective Hanna, con sus compañeros (algo desequilibrado el reparto en comparación al otro bando, con Wes Studi, Mykelti Williamson y Ted Levine), analizando no solo lo sucedido, sino a quién se están enfrentando realmente y valorando lo que les espera (foto 3). Esa confrontación casi irónica de luz y oscuridad define el resto de la historia, donde Mann nos muestra siempre a los personajes ante distintas luces para crear esa sensación de que, en realidad, no hay luz u oscuridad, sino una gama de grises, una completa penumbra donde los personajes se comportan como humanos, todos capaces de lo mejor y lo peor, todos capaces de matar o sacrificarse. De amar y de odiar. Mann no solo

CLÁSICOS IMPRESCINDIBLES emplea la luz, sino también la ciudad, como un indispensable elemento narrativo. Los Angeles no solo es un personaje más, sino que aporta vida o muerte. Sus colores nunca destacan demasiado, algo elegido con mucha precisión, y la película no se dedica a buscar lugares icónicos, sino lugares que definan la ciudad y a sus personajes. El momento en la terraza entre Eady (Amy Brenneman) y McCauley (De Niro) es buena prueba de ello, cuando las luces de ciudad sustituyen a un cielo estrellado (foto 4). No es el único momento. La idea del siguiente robo, con el personaje de Jon Voight y la autopista jugando al fondo como un mar gris lleno de vida indiferente, o el encuentro en el remoto aparcamiento alejado de todo y casi vacío (foto 5), no solo definen la ciudad de Los Ángeles, sino el desarrollo visual de la película. El director conoce el territorio, su hogar, y nos pasea por las entrañas de la bestia en lugar de hacernos recorrer la ruta turística. Decíamos que visualmente no es el único momento, pero argumentalmente aquella escena con Brenneman también define el peso de los personajes femeninos en una película liderada por personajes masculinos. No son meros adornos, especialmente el personaje de Ashley Judd, cuya relación con Val Kilmer proporciona profundidad a ambos personajes y a la historia que los rodea. Sin olvidarnos de la pareja de Hanna, Diane Venora, y su hija, una jovencísima Natalie Portman, que ya mostraba lo que podía llegar a ofrecer como actriz. Mientras ese juego del gato y el ratón entre policías y ladrones, esa caza continua que parece que no va a dar sus frutos, nos lleva a la escena quizá más recordada de todas, con su propia mitología. Tras un encuentro en la carretera, forzado por Hanna, ambos rivales se sientan a tomar un café, una escena que Mann asegura que sacó de la vida real, de su tío, quien era agente de la ley y acabó con el verdadero McCauley décadas atrás. Y una escena que pese a rodarse con multicámara, finalmente quedó como la recordamos. Un plano/contraplano entre De Niro (foto 6) y Pacino (foto 7), que nos deja un diálogo brillante y deja a los actores separados continuamente, con amplios espacios, forzando el plano de nuevo emulando elementos de wéstern, para marcar esa diferencia. Y sí, ambos actores estuvieron presentes y se daban las répli-

cas, sin ensayos previos, buscando una naturalidad que brilla y donde los dos actores nos convencen de que lo que vendrá a continuación no será una rendición pacífica. Aunque siempre me dejó la impresión de que Hanna gana esa escena… El atraco no es sencillo de describir. De nuevo, Mann emplea esos planos narrativos aéreos incluso en espacios cerrados que definen tan bien lo que estamos viendo y que nos muestran ese empleo del color (esos grises, negros, blancos…, incluso el resto de colores no brillan) y ese tiroteo caótico, desesperado, enfrentando finalmente a cazadores y presas en el centro de Los Ángeles, con bajas significativas para ambos bandos. Y con un empleo del espacio sensacional, como demuestra el inicio del tiroteo por parte de Val Kilmer (foto 8), donde la posición en el plano del actor y los elementos aumentan la sensación de tensión, de presión y de profundidad de campo. Mann se muestra nuevamente como un maestro en el uso del espacio y en el empleo de los elementos narrativos. Pero también en el desarrollo del guion, con esas tramas pequeñas, pero definitivas, como la de los personajes femeninos, que nos llevarán al descubrimiento por parte de Hanna del cuerpo de su “hija” en la bañera llena de agua y sangre (foto 9). De nuevo, si se usa el color, es buscando una revolución visual en la película, como en ese momento, con el rojo enfrentado al color blanco que nos deja un devastador sabor de boca. La sensación de que hay más víctimas de las que creemos. Esos personajes femeninos lo son. Y la finalización de esa otra subtrama que ha ido creciendo a lo largo de la película, la de la caza de Waingro, responsable del fracaso del plan de McCauley. Una venganza que muestra esa necesidad de ajustar cuentas y ser leal a los suyos del personaje de De Niro y que nos traslada a ese duelo final, cambiando de nuevo las reglas, de noche, en lugar de al sol, pero con elementos de wéstern como el resto de la película y que repite (foto 10), resuena, del mismo modo que el tiroteo del banco con un plano muy similar para Hanna. Un final perfecto para una película perfecta. La caza ha llegado a su fin y para el superviviente queda la duda de saber si será capaz de ser más que aquello a lo que persigue. Jesús Usero

GRANDES DIRECTORES 1

JOHN FORD

aestro del wéstern y padre del género en la era dorada del cine del Oeste estadounidense, John Ford fue artífice de la materialización cinematográfica de los mitos de la forja de la patria estadounidense completando en la pantalla grande el viaje de los iconos esenciales de la conquista del Oeste y el enfrentamiento de naturaleza y civilización que se sitúa como epicentro del género. Su propio viaje en el cine se construyó desde una primera etapa de prueba y desarrollo de su propia firma o estilo en los años veinte, en la que brilla en su filmografía un título esencial: El caballo de hierro (1924), respuesta de Fox al éxito de La caravana de Oregón (James Cruze, 1923), producida por Paramount y considerada el primer gran wéstern épico. Luego adquirió la fuerza dramática que iba a prodigar en sus historias y personajes en los años treinta impulsando el viaje del wéstern hacia la madurez psicológica de los personajes con La diligencia (1939), pieza central de la construcción del género, por la que fue nominado al Oscar como Director. Alcanzó el pleno desarrollo de su talento para construir la épica de la forja de la patria y el cumplimiento del destino manifiesto en los años cuarenta, etapa en la que son imprescindibles tres largometrajes complementarios en la creación del tapiz mitológico de Estados Unidos: la recreación del mito del tiroteo en el OK Corral Pasión de los fuertes (1946), el arranque de su ciclo de la caballería con Fort Apache (1948) y la continuación del mismo con La legión invencible (1949). Ese ciclo de la caballería dio paso a la evocación simbólica en los años cincuenta culminada con esa Capilla Sixtina del género wéstern que es Centauros del desierto (1956). Ford se anticipó también a Sam Peckinpah levantando un monumento de cierre de la era dorada del wéstern y sus iconos esenciales con el primer ejemplo de wéstern crepuscular, El hombre que mató a Liberty Valance (1962), dando paso al ocaso del género en los años sesenta.

GRANDES DIRECTORES meros planos y fue expulsado del rodaje e incluso del estudio de sonido en que se filmaba la película. Ford rindió homenaje a Carey dedicándole su película Tres padrinos (1948) y también lo recordó en Centauros del desierto, no solo con la presencia de su esposa, Olive Carey, y su hijo, Harry Carey Jr., interpretando a la madre y el hijo vecinos del rancho de la familia del personaje de John Wayne, sino con la pose final de este recortado en la puerta al final de la película, que era característica de Carey.

Sencillo y directo John Ford durante el rodaje de El hombre que mató a Liberty Valance (1962)

Biografía Nacido en 1894 (aunque en su tumba la fecha de nacimiento es 1895) en Cape Elizabeth, Maine, y fallecido en Palm Desert, California, el 31 de agosto de 1973, víctima del cáncer de estómago, John Ford, nacido como John Martin Feeney, era el décimo hijo de inmigrantes irlandeses llegados a Estados Unidos en 1872, quienes forjaron una familia numerosa de once hijos, de los cuales solo seis sobrevivieron hasta llegar a adultos. Su padre había conocido de primera mano el Oeste que su hijo recrearía en la pantalla años más tarde, cuando trabajaba como guardia encargado de mantener la paz en un saloon y luego ejerció como concejal. Ford inició sus 50 años de carrera en el cine –de mediados de los años veinte a los sesenta–, cuando llegó a Hollywood con 19 años, siguiendo a su hermano mayor, que había hecho de Francis Ford su nombre artístico como actor y también como director. John Ford siguió sus pasos, empezó trabajando como doble de acción y actor con el nombre de Jack Ford e incluso apareció como uno de los miembros del Ku Klux Klan en El nacimiento de una nación (1915), de David Wark Griffith. También escribió guiones y trabajó como asistente de director de su hermano antes de comenzar su propia carrera tras las cámaras dirigiendo cortos y seriales. Su primer trabajo como director fue el cortometraje The Tornado (1917). En su primera etapa, su nombre estuvo asociado a su protagonista, la estrella del wéstern Harry Carey, con el que escribe los guiones sin interferencias del estudio, exigencia que se mantendrá durante casi toda su carrera con pocas excepciones. Se cuenta que durante el rodaje de Huracán sobre la isla (1938), precursora en algunos aspectos del cine de catástrofes, el productor Samuel Goldwyn se personó en el rodaje para pedirle que rodara más priJohn Ford durante el rodaje de Misión de audaces (1959) con John Wayne y Constance Towers

El estilo de John Ford era sencillo y directo, forjado en las claves visuales del cine mudo, donde desarrolló conflictos y personajes que luego trasladó al sonoro, como la llegada del personaje que procede de la violencia e intenta acomodarse a la vida en paz para ser siempre obligado a retomar el camino de la violencia, o el sentido del humor que aparecía como alivio de la carga más dramática de sus historias. Tal como él mismo declaró sobre su filmografía en la etapa muda: “Eran películas de rodaje rápido, historias de personajes que me permitían trabajar muy cerca de los actores”. Trabajó así la espontaneidad de sus actores, que le permitía sacar lo mejor de ellos incluso desde la primera toma. Una de las claves de su cine es el equilibrio entre las historias de carácter más personal de sus protagonistas y los grandes acontecimientos históricos en los que se ven inmersos, algo que había aprendido de David Wark Griffith. Ford era un director con absoluta confianza y seguridad a la hora de aplicar su sentido visual, reflejando un gran talento para la composición y la realización de planos elaborados. El interés por el wéstern le llegó desde su pasión por la historia de Estados Unidos y su fascinación por las tradiciones, de manera que sus wésterns nunca pretendieron reflejar la realidad, sino recrear los mitos, trasladando los valores de la etapa de colonización y expansión en el Oeste a la era moderna.

Otras películas esenciales: mucho más que Wéstern El wéstern es la columna vertebral de su filmografía, pero en esta encontramos otros temas e inquietudes. Temas históricos: levantamiento de las colonias contra Inglaterra en Corazones indomables (1939); Guerra Civil entre el norte y el sur en El joven Lincoln (1939), Misión de audaces (1959), Prisionero del odio (1936), excelente película carcelaria, o el fragmento que dirigió en La conquista del Oeste (1962), la Gran Depresión de los años treinta en Las uvas de la ira (1940), por la que ganó el segundo Oscar de su carrera. Descendiente de irlandeses, se interesa por las tradiciones y los mitos de Irlanda e Inglaterra en La hoja de trébol (1926), El delator (1935), su primer Oscar como Director, El hombre tranquilo (1952), cuarto Oscar como Director tras el que consiguió por otro título básico de su filmografía, ¡Qué verde era mi valle! (1941), ambientada en una localidad minera de Gales, o María Estuardo (1936). Fábulas, guerras, política y otras imprescindibles: El doctor Arrowsmith (1931), su primera película nominada al Oscar, La patrulla perdida (1934), El juez Priest (1934), Hombres intrépidos (1940), La batalla de Midway (1942), documental, Nosotros fuimos los sacrificados (1940), El sol siempre brilla en Kentucky (1953), Mogambo (1953), aventuras en la selva, Cuna de héroes (1955), Escala en Hawái (1955), una gran comedia, Escrito bajo el sol (1957), El último hurra (1958), El sargento negro (1960), híbrido de wéstern y cine de juicios, Dos cabalgan juntos (1961), La taberna del irlandés (1963), El gran combate (1964), Siete mujeres (1966). Miguel Juan Payán

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El cine y la ciencia ficción antes de Star Wars a guerra de las galaxias (1977) marcó un punto de inflexión en la relación entre el séptimo arte y el género de la ciencia ficción. Un cambio que trajo consigo la auténtica explosión de los efectos especiales… El interés por imaginar qué sucede más allá del denominado planeta azul ha estado presente en la mente del hombre, desde el comienzo de las civilizaciones. Una obsesión que se vio pronto reflejada por el invento de los hermanos Lumière, con la primera película de ciencia ficción de la que se tiene constancia: Viaje a la Luna, de Georges Méliès. Esta producción de 1902 causó sensación en su época, con la icónica imagen del satélite terrestre, como un redondo rostro humano con un cohete ubicado en el ojo. Fotograma que popularizó este deslumbrante corto, inspirado en De la Tierra a la Luna, de Julio Verne, y en Los primeros hombres de la Luna, de H. G. Wells, el cual obtuvo el apoyo distribuidor y técnico de la compañía de Thomas Alva Edison. Después del filme de Méliès, el otro gran antecedente artístico del cine de ciencia ficción se puede localizar en la excepcional Metrópolis (Fritz Lang, 1927). La trama del filme tiene lugar siglo XXI, en una urbe dividida entre los privilegiados dirigentes y las clases trabajadoras. Los primeros, residentes en las partes más lujosas de la ciudad, explotan sin medida a los segundos, que esperan la llegada de un salvador. Un ansia de libertad que se encarga de manipular el siniestro científico Rotwang (Rudolf Klein-Rogge), al construir un robot a imagen de la dulce y querida proletaria llamada María (Brigitte Helm).

Metrópolis mostró –con su genial enfoque expresionista– el poder de la ciencia ficción para denunciar los excesos de los sistemas clasistas y dictatoriales, sustentada por una inteligente distopía de naturaleza descorazonadora. Un mensaje que también desarrolló William Cameron Menzies, en La vida futura (1936). Esta adaptación de la novela Esquema de los tiempos futuros, de H. G. Wells, exhibió un universo dominado por una tecnocracia de sentimientos alienados, marcada por una frialdad excesiva. Para el recuerdo quedan las deslumbrantes interpretaciones de Raymond Massey y Ralph Richardson. Los años que siguieron al final de la Segunda Guerra Mundial dieron un aire diferente a la ciencia ficción cinematográfica; nuevos enfoques temáticos propios de la Guerra Fría, que incluían en sus guiones –siempre con sutileza– mensajes contrarios al peligro comunista. Esto inundó las salas de proyección con consignas subliminales, escondidas tras títulos aparentemente carentes de propaganda, y protagonizadas por extraterrestres empeñados en destruir la humanidad; en la mayoría de los casos mediante tácticas de suplantación de la personalidad, que eran en realidad apuntes sobre las supuestas artes de lavado de cerebro provenientes del enemigo “rojo”. Una de las primeras muestras de este cine es El enigma de otro mundo (Christian Nyby, Howard Hawks, 1951): una excelente obra ambientada en la Antártida, inspirada en el relato Who Goes There?, de John W. Campbell. El argumento de esta electrizante cinta es el mismo que el desarrollado por John Carpenter en La

EL CINE Y LA CIENCIA FICCIÓN ANTES DE STAR WARS Cosa, y narra los peligros a los que se enfrentan unos científicos, amenazados por una siniestra criatura procedente de Marte. En una línea semejante se sitúa Ultimátum a la Tierra (Robert Wise, 1951). Esta película basada en el cuento El amo ha muerto, de Harry Bates, presenta la imponente figura del robot de tres metros llamado Gort, como la máquina destinada a acabar con la ciudad de Washington D. C. El filme es todavía en la actualidad uno de los más valorados en el género de la ciencia ficción made in Hollywood, y contribuyó a activar a la población contra ataques tanto procedentes del espacio exterior, como por el bando comandado por la Unión Soviética. El éxito de la película de Wise hizo que surgieran un sinfín de movies de serie B, con agresivos viajeros del planeta rojo como adalides del apocalipsis. Uno de los largos más destacados en este terreno es Invasores de Marte (William Cameron Menzies, 1953), donde un misterioso meteorito siembra el terror entre los incautos terrícolas, al convertirlos en seres privados de decisión y pensamiento. Aunque, si de suplantaciones de personas se trata, la movie de referencia es sin duda La invasión de los ladrones de cuerpos (Don Siegel, 1956). Esta historia, adaptada a partir del relato Los ladrones de cuerpos, de Jack Finney, se ha convertido en una de las más imperecederas del cine de ciencia ficción, en la nación de las barras y estrellas. Hoy en día, y desprendida de sus conexiones políticas, La invasión de los ladrones de cuerpos luce el aura de las obras de culto, merced a su ritmo in crescendo y a su ingeniosa puesta en escena; con un grupo de temibles vainas galácticas, que acaban con los humanos cuando estos duermen. Lejos de semejante escaparate de visiones catastrofistas y bélicas, Planeta prohibido (Fred M. Wilcox, 1956) supuso un cambio significativo. Ambientada en el siglo XXIII, esta fábula inspirada en La tempestad, de William Shakespeare, fue un auténtico descubrimiento para los aficionados y la crítica. El mismo George Lucas nunca ha ocultado su fascinación hacia esta película, emparentada con Star Wars en su dependencia del bardo de Stratford-upon-Avon. La trágica historia del doctor Morbius (Walter Pidgeon) y de su hija (Anne Francis), protegidos por el robot Robby, constituye –con sus decorados psicodélicos de cartón piedra– uno de los

Metrópolis (Fritz Lang, 1927)

El enigma de otro mundo (Christian Nyby, Howard Hawks, 1951)

Ultimátum a la Tierra (Robert Wise, 1951)

Invasores de Marte (1953)

Planeta prohibido (Fred M. Wilcox, 1956)

THX 1138 (1971)

hitos del cine de ciencia ficción de todos los tiempos, además de haber inspirado a los responsables de series tan míticas como Star Trek. El poso literario de Planeta prohibido se extendió a la mayor parte de los títulos desde los cincuenta. Y dio como resultado un conjunto de cintas fantasiosas fundamentadas en conocidos libros, entre las que destacan La guerra de los mundos (adaptación de 1953 de la homónima novela de H. G. Wells, dirigida por Byron Haskin), El tiempo en sus manos (película de 1960 realizada por George Pal, e inspirada en el texto La máquina del tiempo, de H. G. Wells), Farenheit 451 (cinta elaborada por François Truffaut en 1966, según la homónima novela de Ray Bradbury), Solaris (psicológica movie de Andrei Tarkovski creada en 1972, a partir del libro de Stanislaw Lem), El planeta de los simios (una obra maestra del género apocalíptico, dirigida por Franklin J. Shaffner en 1968, inspirada en la novela de Pierre Boulle) y 2001: una odisea en el espacio (obra maestra diseñada por Stanley Kubrick en 1968, según las líneas argumentales expuestas en El centinela, de Arthur C, Clarke). Todos estos filmes compartieron su sitio con otros más enfocados hacia el entretenimiento, sustentados por distopías certeras y enriquecedoras; como las desarrolladas en la generacional La fuga de Logan (Michael Anderson, 1976), o en el wéstern robótico de naturaleza televisiva titulado Westworld / Almas de metal (Michael Crichton, 1973). Las tesis botánicas apocalípticas de Naves misteriosas (Douglas Trumbull, 1972), las violentas corporaciones deportivas de Rollerball (Norman Jewison, 1975), los desfogues eróticos y planetarios de Barbarella (Roger Vadim, 1968), la lucha por la supervivencia de El último hombre vivo (Boris Sagal, 1971), las asfixiantes sociedades de dominación de género de Zardoz (John Boorman, 1974), la locura inmobiliaria y nuclear de La sala de estar con cama (Richard Lester, 1969), o los decorados heredados de Aldous Huxley de THX 1138 (George Lucas, 1971) son solo algunos ejemplos del talento y del ingenio que precedieron al gran despegue del cine de ciencia ficción en el séptimo arte, con Star Wars… Un viaje a las taquillas millonarias, que situó al género de las odiseas galácticas entre los preferidos del público. Jesús Martín

LOS 100 temporada final

La serie de The CW llega a su fin. Tras siete temporadas tocará despedirse del grupo de supervivientes que nos ha acompañado a lo largo de todos estos años en un sinfín de aventuras, de batallas, de sufrimiento y de pérdidas. Es una amarga despedida porque los fans no quieren decirle adiós, pero es lo que toca. No va a ser sencillo, pero cualquiera puede, y creemos que debe, unirse a la fiesta en estos dieciséis episodios finales que llegarán a España de la mano de SYFY a partir del 15 de junio, a las diez de la noche, con capítulo doble.

urante mucho tiempo, desde esta redacción os hemos pedido que le dieseis una oportunidad a Los 100. Basada en la obra escrita de Kass Morgan, la serie fue adaptada a la pequeña pantalla por Jason Rothenberg —su showrunner— y desde el primer episodio, pese a sus concesiones (cada vez menos) de cara a la galería, porque no olvidemos que se trata de una producción de The CW a fin de cuentas, Los 100 sorprendió por la madurez con la que trataba a sus personajes, por su crudeza, por su violencia y por sus imprevisibles giros de guion. En apenas un puñado de capítulos, nos había conquistado y hemos seguido fieles durante todos estos años a la serie. Así que si no la han visto, por favor, adelante. Aprovechen que en algún servicio streaming está gran parte de las temporadas y disfruten de una mezcla de Mad Max, Los Juegos del Hambre y Juego

de tronos que les sorprenderá. Entonces, cuando se descubran seguidores de Clarke (Eliza Taylor), Bellamy (Bob Morley), Octavia (Marie Avgeropoulos) o Raven (Lindsey Morgan), también sentirán que algo les va a faltar cuando este verano, una vez que concluyan los últimos dieciséis episodios, nos despidamos de Los 100. Una de las series más injustamente infravaloradas de la última década, un soplo de aire fresco en un género bastante trillado y una ficción distinta a la mayoría. Los fans nos despedimos con tristeza y con miedo por no saber cómo acabará… pero también con gotas de esperanza. Por supuesto esas gotas de esperanza son las del prometido spin-off de la producción, que, además, será presentado en esta séptima temporada con un backdoor pilot, ya saben, un episodio piloto que forma parte en realidad de la serie principal y que pre-

senta personajes, reparto y premisa argumental. Ese episodio servirá para que The CW decida si quiere apostar por ella o no, si quiere ir adelante con el nuevo proyecto ahora que decimos adiós a Los 100, pero por ahora no se sabe nada más que la premisa argumental porque la serie nos llevará al principio de todo. No al inicio del grupo de Los 100, con nuestros jóvenes visitando la Tierra tras vivir noventa y siete años en el espacio, no. El spin-off nos mostrará el holocausto nuclear que forzó a los humanos a refugiarse en el espacio y también a los supervivientes que quedaron en la Tierra y cómo fue su vida tras la tragedia. Las semillas de lo que se encontrarían nuestros actuales protagonistas casi un siglo después. Y, a partir de aquí, os avisamos de que, si no habéis visto la serie, dejéis de leer porque tomaremos las seis temporadas anteriores como vistas. Quien no sepa lo que ha sucedido que deje de leer. E infor-

mamos de que hay spoilers. Por ejemplo, cuando mencionemos que ya ni siquiera estamos en la Tierra… Tras la quinta temporada y un viaje de ciento veinticinco años, los protagonistas acabaron en un planeta explorado por los humanos mucho tiempo atrás, después de que la Tierra nuevamente se volviese inhabitable. En ese planeta encontraron nuevamente una civilización, los herederos de aquellos primeros humanos. Tras algunos titubeos parecía que podían vivir en paz, pero la paz no es algo que se acerque a nuestros personajes ni siquiera de refilón. El líder de este pueblo, Russell Lightbourne (JR Bourne), era una suerte de tirano que se hacía pasar por un casi dios, mintiendo a la gente para que creyese que compartía cuerpo con anfitriones elegidos por su sangre. No era cierto. Lo que habían descubierto es una especie de inmortalidad, transfiriendo su mente de cuerpo a cuerpo durante generaciones, matando así a los anfitriones y convirtiéndose en esa suerte de dioses, pero engañando al pueblo. Nuestros héroes no iban a dejarse atrapar por la mentira, y Clarke incluso sobrevivía a la consciencia de Josephine, la hija de Russell, para intentar salvar a los suyos y liberar a aquellos sometidos por Russell y su tiránica familia. Eso le costaba finalmente la vida de su madre (Paige Turco, una muerte algo anticlimática, todo sea dicho) y, además, estaba a punto de convertir en parte del enemigo a Madi (Lola Flanery), un personaje imprescindible para Clarke. Tras la batalla final quedaba descubrir si los supervivientes podían vivir juntos o si la guerra los acompañaría. Ahora que la verdad había sido expuesta, los fanáticos habían terminado perdiendo. Pero esto es Los 100, y es su última temporada, así que algo gordo tenemos que estar a punto de ver como despedida… Como no podía ser de otro modo, nos aguarda el caos. Si recordamos los últimos momentos de la temporada, descubrimos lo que significaba en parte el viaje de Octavia a través de la Anomalía, con todos esos símbolos en su espalda. Tras abrir una puerta a lo desconocido usando esos símbolos, una Hope Diyoza adulta aparecía y apuñalaba al personaje que desaparecía entre los brazos de su hermano Bellamy mientras un fulgor verde recorría el planeta. ¿Qué es ese fulgor? ¿Cómo es posible que Hope Diyoza sea una adulta si era solo un feto? Al parecer, vamos a descubrir que la Anomalía es en realidad un portal, un portal a cualquier rincón del universo, lo que hace que las posibilidades sean infinitas. La situación caótica y violenta continuará, por supuesto, mientras Clarke intenta superar la muerte de su madre (han confirmado que Paige Turco no regresará), pero desconocemos si Octavia está viva o no. El responsable de la serie prefiere esperar al estreno porque, aunque la actriz estará en la temporada, quizá solo sean flashbacks o sueños… Aunque podría tener que ver con sus demonios internos. Su hermano la buscará sin descanso mientras otros personajes se incorporan a la ficción… Alaina Huffman se suma a Los 100 como Nikki, ladrona y asesina que ahora tendrá un papel inesperado como líder, o eso dicen los rumores. Rothenberg ha asegurado que tiene el final perfectamente claro y que tiene que ver con el propósito moral de la serie, que ha sido evitado hasta ahora. Que no será, según el responsable, un final amargo que diga que haríamos cualquier cosa por sobrevivir… Un apunte a un propósito mayor… ¿Convencerá a los fans? Nosotros esperamos que sí. Sara Martín

t a e r G e h T El próximo 18 de junio, STARZPLAY estrena en nuestro país The Great, una sátira sobre la llegada al trono de la emperatriz Catalina la Grande tras su matrimonio con Pedro III. Una revisión a la corte rusa con un aire de comedia satírica sobre el poder, la corrupción, los dirigentes esperpénticos y el papel de la mujer, liderada por Elle Fanning y Nicholas Hoult en los papeles principales. En ACCIÓN no solo hemos visto ya la serie, sino que, además, hemos hablado con sus dos protagonistas en exclusiva, y esto es lo que nos han contado de una de las ficciones más divertidas del año.

atalina la Grande —la emperatriz rusa— es un personaje histórico conocido y controvertido a partes iguales, una excelente política y regente, pero con una historia peculiar. Recientemente vimos su versión más madura de la mano de Helen Mirren en Catalina la Grande, pero ahora nos toca volver a su juventud, a una Catalina recién llegada a la corte rusa. De la mano de Tony McNamara, autor del guion de La favorita, la serie nos traslada a la época en la que Catalina se casa con Pedro III y descubre que la vida como esposa del emperador no es precisamente de color de rosa. Elle Fanning y Nicholas Hoult son los responsables de dar vida a los dos personajes centrales y de hacerlo con todo el humor del mundo. Tras aprender que la vida en palacio puede llevar a desear la muerte, a través de una sirvienta descubrirá su verdadero propósito en esta vida: derrocar a Peter, alzarse con el poder y hacer de Rusia un estado moderno, libre y brillante… Claro que la serie, para ello, se aprovecha de continuos momentos anacrónicos, comedia hilarante y muy ácida y personajes extravagantes, bizarros y surrealistas. Desde Pedro, un niño con cuerpo de hombre, egoísta y aparentemente estúpido, a Catalina, una joven romántica y soñadora que, pese a ello, tiene grandes ideas para Rusia. En palabras de la propia Elle Fanning: “Creo que se puede decir que es una sátira política, con mucho humor negro, que cuenta la historia de Catalina la Grande y su ascenso al poder en

Rusia. Nuestra serie muestra a una Catalina muy joven, recién llegada a Rusia, extremadamente optimista, un poco ingenua… que llega para casarse con Pedro III, y le conoce y no es exactamente como había soñado. La realidad le explota en la cara y se da cuenta de que vive en un mundo al revés que se siente destinada a cambiar. Así que vemos su ascenso al liderazgo del imperio, además de explorar a un grupo de personajes fantásticos en la corte por el camino, y descubrimos esta lucha por el poder entre Pedro y Catalina. Su relación evoluciona y es un matrimonio muy disfuncional…” (risas). Una relación disfuncional que parte del intento de quitar del poder a Pedro, de forma efectiva y definitiva, y que supone una lucha de poder entre los dos personajes. Aunque inicialmente Pedro no parece ser consciente de lo que se le viene encima. El carácter del personaje, egoísta, infantil, déspota, violento…, viene determinado por su educación (por favor, no os perdáis los momentos con su “madre” que parecen sacados de Psicosis y son hilarantes). “Creo que, al principio, Pedro no es consciente en absoluto de lo que sucede. Nunca ha conocido a alguien como Catalina, que es muy inteligente y sabe cómo manipular las reglas de la corte y quitarle el poder a Pedro de una forma muy perspicaz. Él está acostumbrado a que otras personas intenten ganar guerras contra él, no a este tipo de ataque desde dentro de su propia corte. Incluso cuando el plan se vuelve obvio y él se da cuenta de que hay gente planeando en su contra, no es del todo

consciente del peligro que esto supone para él. Pero también la relación entre ambos evoluciona de forma en que él empieza a respetar su inteligencia y sus ideas respecto a la libertad, la ciencia, el arte… y la reacción que provoca en los demás con respecto al amor que sienten por él, porque eso es algo que siempre le ha obsesionado: buscar el amor y la aprobación de la gente. Es realmente divertido ver cómo se desarrolla la serie porque tiene muchos giros y sorpresas, y la relación entre estos personajes no siempre va a seguir el camino que esperarías”, dice Nicholas Hoult. Es imposible no hablar de las veces que hemos visto a Catalina en la gran y pequeña pantalla, con nombres como Marlene Dietrich, Jeanne Moreau, Catherine Zeta-Jones o Helen Mirren. La protagonista lo tiene claro: “Honestamente, no es algo en lo que pensase. Por supuesto que, para mí, se trataba de hacerle justicia a los guiones de Tony y el reto estaba en el aspecto de la comedia o hasta en la memorización de las frases, desde un punto de vista técnico incluso. Porque no vi películas o series anteriores, no creo que me fuese de ayuda”. Quizá sea la primera vez que vemos y sabemos tanto de Pedro III, el No Grande, como le define Catalina, y desde el principio parece ser el villano. Un tipo tal vez despreciable. El actor nos habla del personaje: “Definitivamente, la primera vez que le vemos, pensamos que es un imbécil, y su forma de enfrentarse a los problemas y a ser un líder puede ser realmente malvada. Pero tiene su propio

sentido de la inteligencia, y de cuando en cuando es un oponente formidable para Catalina. Y es un personaje que está creciendo, cambiando y aprendiendo durante la serie. Eso es lo que hace que sea divertido de interpretar. Es lo brillante de la forma de escribir de Tony, que puedes esperar que un personaje se comporte de un modo, pero especialmente con Pedro es siempre inesperado. Eso hace que sea muy divertido interpretarlo porque puedes encontrar siempre distintos ángulos”. Aunque uno de los aspectos que ambos mencionan es el trabajo del guionista y showrunner. Hoult trabajó ya con él en La favorita. “Es diferente. Desde el primer momento que leí La favorita, adoré su trabajo porque es diferente, es divertido y es inteligente. La primera vez que leí este guion, me dejó anonadado... Pero, siendo una serie, Tony es creador, guionista y showrunner. En una película, cuando empiezas a rodar el guion, con suerte está en buena forma y el trabajo de guionista casi ha terminado. Aquí, los guiones se escribían según rodábamos y creo que Tony, que estaba en el set, aprovechaba lo que veía para desarrollar las ideas que le surgían. Tienes la ocasión de trabajar con él de forma más cercana a la hora de desarrollar los personajes”. Una serie distinta, con mucho humor y bastante mala uva que trata temas muy actuales, con dos estrellas rutilantes y un tono diferente, a caballo entre la María Antonieta de Sofia Coppola y La favorita… Imprescindible. Jesús Usero

CONDOR

TEMPORADA 2

La serie no era perfecta en su finalización. El uando Cóndor llegó en 2018, nadie espeEl próximo 16 de junio, final era apresurado, las escenas en Europa parecíraba mucho de ella. Sí, tenía nombres muy Calle 13 estrena en excluan una suerte de cierre traído antes de lo previsto y interesantes entre los secundarios, como siva en España la segunda nos dejaba la sensación de que podía crecer mucho William Hurt, Mira Sorvino o Bob Balaban. temporada de la sorprenmucho más. Algo que puede solucionarse en la Además de algún personaje que visitaba la dente Cóndor, el particusegunda temporada. En esta, Joe sigue moviéndose serie de pasada como Brendan Fraser. Pero lar remake de Los tres por Europa, de ciudad en ciudad, sin quedarse su liderazgo recaía en Max Irons, el hijo de Jeremy días del Cóndor y la mucho tiempo en un lugar en concreto para evitar Irons, que se ponía al frente de la serie y con el novela Los seis días del ser encontrado o poner en peligro a otra gente. El que existían ciertas dudas porque esta se basaba Cóndor, que se estrenó aviso de Joubert le hizo pensar. Pero cuando un principalmente en la película Los tres días del agente ruso que dice trabajar para su tío Bob conCóndor, y tratar de emular a Robert Redford no hace dos años y por fin tacte con él, Joe deberá volver a la vida que promeera sencillo ni muchísimo menos. Irons conseguía regresa con nueva tempotió abandonar. Primero, no desea volver a la CIA, ganarse el respeto del espectador por méritos rada, liderada por Max aunque el agente ruso ofrezca la identidad de un propios y la ficción despegaba con una trama de Irons nuevamente en el infiltrado ruso en la inteligencia americana. Pero la espionaje y terrorismo a caballo entre 24 y Homepapel de Joe Turner, aunsituación en Estados Unidos y un peligro mayor le land. Un producto inteligente y bien concebido con que cambiando bastante harán volver. Volver para encontrarse con Reuel un atentado a punto de tener lugar en la otra parte muchas cosas para sorAbbott (Bob Balaban), a quien lleva tiempo espiandel mundo, mientras que en Estados Unidos fuerprender a los espectadodo. Se suman al reparto nombres como Eric Johnson zas poderosas se cernían sobre el protagonista, res. Una serie más que o Constance Zimmer, más que interesantes. Pero si que tenía las claves para que todo cambiase… Aviinteresante que vuelve Cóndor quiere funcionar, necesitamos que William samos, eso sí, de que hay spoilers sobre la primera con diez nuevos episodios. Hurt vuelva. Es la presencia gris, la línea difusa. La temporada, así que, si no la vieron, pónganse al día que definió el gran sacrificio que hizo Joe, aquello de con ella porque, además de estrenar en exclusiva hacer un mal para evitar tener que hacer más tarde la segunda, en Calle 13 van a poner desde el 23 de un mal mayor… Y que sabemos cómo y con quién acabó. Y, aunque mayo en VOD en los diversos operadores la primera temporada. Una será interesante ver cómo evoluciona la situación a su regreso con temporada que concluía con Joe en Europa tras haber evitado el Mae (Kristen Hager), lo que todos pedimos es que Joubert vuelva… Sin atentado terrorista en la Meca que iba a contagiar con la peste a ella, la serie no será lo mismo. ¿Lo hará? Lo descubriremos desde el más de dos millones de peregrinos. Eso sí, gracias a su tío Bob 16 de junio en Calle 13. (William Hurt) y con la ayuda de una asesina a sueldo, Joubert Jesús Usero (Leem Lubany), que le había perseguido durante muchos episodios.

ENTREVISTA

Cuál es la historia detrás de Sí, gracias. Yo creo que con la historia de White Lines y Vis a vis llegó la revolución. Pero por qué ubicarla en las antes lo que sucedía es que éramos islas, en Ibiza? uno de los pocos países del mundo Lo que se esconde detrás es que había resistido a la globalizasu parte subliminal, el calado. La ción norteamericana. Yo siempre parte de arriba es contar de la digo que solo había tres series que forma más divertida posible la funcionaban aquí de los amerihistoria… Una serie sobre Ibiza canos: Ally McBeal, CSI y House. tenía que ser muy hedonista. TeníFuera de esas tres, ninguna fue amos claro que en la parte de líder en España, por lo que se creía arriba, en lo que uno ve, debía ser que ese sistema industrial, en el entretenimiento puro. Pero debajo que hacías ciento treinta, ciento de eso sí que hay cierto calado, cincuenta capítulos por serie, era el entre la identidad que todos correcto. En Los Serrano hicimos tenemos, la parte genuina con la ciento cincuenta; en Los hombres que todos contamos, y en qué nos de Paco, ciento veinte; en Periohemos convertido, cómo hemos distas, ciento veinte también… Eran revertido la parte genuina con algo casi telenovelas. Y rodando encima artificial. Así que como todos veintiséis capítulos al año a veces. hemos hecho un viaje en el que que trabajar de una manera Está considerado uno de los grandes crea- Tenías queríamos ser una cosa y ahora industrial, se hacían como churros. somos otra, creo que eso nos servía dores de la televisión moderna actual, y no Hemos pasado de un sistema induspara hablar de la identidad de solo en España, en todo el mundo, además de trial a uno autoral, en el que cada todos nosotros. Creo que el viaje de figura —desde el director de fotouno de los que revolucionaron el panorama la propia isla, el cambio de idengrafía al director o los guionistas— tidad, es muy interesante para televisivo y cambiaron el paradigma de las tiene una mirada autoral sobre esa contar el cambio de identidad de series españolas. Es el creador de El barco, serie, una mirada creativa. nuestra propia protagonista (Zoe), Es curioso que ese cambio al V i s a v i s o E l e m b a r c a d e r o , t o d a s e l l a s una persona que tenía una vida y de sistema autoral es lo que haya grandes éxitos. Aunque en general siempre pronto llega a la isla y cambia radicreado más industria. Más series, calmente los parámetros de su recordamos La casa de papel, nuestra serie más necesidad de técnicos, de existencia. Y todo lo que no había más internacional, un éxito inconmensurable profesionales… vivido en términos de hedonismo, Es que creo que una cosa va en Netflix. Pero Álex Pina no se detiene con todo lo que no había experimentado ligada a la otra. Antes nos habíamos en una vida confortable pero poco esa ficción y acaba de estrenar, también en especializado y, al hacer todo tan emocional, cambia radicalmente. rápido, éramos muy buenos a la Netflix, White Lines. Estuvimos en Mallorca, Hemos usado la isla para esto hora de enfrentarnos a los porque, además, reúne a varios en el rodaje, con su creador y esto es lo que problemas. Yo llevaré como personajes muy variopintos, muy nos contó. quinientos capítulos de ficción a extravagantes y muy excesivos. Y mis espaldas, y eso te da expecreemos que la serie son sus personajes y, por lo tanto, era cohe- riencia, te da oficio. Eso te permite entrar a la ficción moderna de rente hacerla en Ibiza. una forma mucho más solvente. Yo siempre digo que el mayor ¿Cómo ha cambiado la ficción televisiva en España en los banco de pruebas que he tenido en mi vida es Los hombres de Paco. últimos cinco años? ¿Pasar de hacer episodios que eran casi Porque allí hacíamos comedia, hacíamos terror, hacíamos polipelículas de setenta u ochenta minutos a estas nuevas series cíaco… todo tipo de géneros. Aprendimos haciendo aquella ficción y de cuarenta y cinco o cincuenta? hoy podemos enfrentarnos a esto haciendo una ficción igual que la Ha cambiado muchísimo. Pero no solamente a la hora de que se hace en Los Ángeles. Pero no existiría una cosa sin la otra. escribirlas y de lo visual, sino a la hora de rodarlas. El equipo que De aquello hemos llegado a esto. tenemos en la actualidad es un equipo de cine, absolutamente de Volviendo a la serie, venimos de La casa de papel, donde el cine. El equipo es de cine, la planificación que hacemos es de cine… ritmo quizá lo marcaban las armas; en El embarcadero son las Estamos rodando igual que se hacen las películas, con la misma emociones… ¿Qué marca el ritmo en White Lines? factura. Creo que en el cambio de setenta a cuarenta y cinco Creo que la cadencia que tiene White Lines está centrada minutos en España sí que hemos ganado muchísimo, porque antes siempre en esta vuelta al pasado, a lo que pasó hace años. Hay un teníamos que meter tramas, te diluían la serie… Ahora estamos protagonista en el presente y otro en el pasado, que es Axel. Y esos haciendo a veces incluso cuarenta minutos, y tenemos la sensación personajes se cruzan porque eran hermanos. En el medio se cruza de que era el tiempo que necesitaban las series. Este era el único una línea emocional y vamos contando dos historias en dos niveles país del mundo que hacía ficciones de setenta y cinco minutos, y diferentes. Ese ritmo, esa cadencia constante de saltos al pasado, era algo que tenía que caer por su propio peso, ¿no? Creo que todo es el que hace avanzar la historia. Pero también la predominancia, ha cambiado muchísimo. Las series cambian mucho en un lustro. la predominancia de la música de club, pero también de la de los Cambia la forma de escribirlas, la manera de rodarlas, cómo se años noventa, hace que la serie tenga un ritmo muy poderoso, muy dirigen… Todo. Nos encontramos con que nuestros hijos prefieren musical, y de nuevo hemos vuelto a mezclar el drama con la ver las series en el móvil. Podrían verlas en la tele, pero prefieren comedia… y con la acción. Hemos hecho una mezcla de géneros con hacerlo en el móvil. Nos encontramos con cosas que cambian el un ritmo muy poderoso, aunque la mirada es emocional y es la panorama constantemente. mirada de Zoe (Laura Haddock), pero es una serie ambientada en Pero en España hizo falta más de un lustro. Tuvieron que Ibiza y no puedes tener un ritmo lento (risas). pasar veinte años para que se diera esta revolución, permíteme Jesús Usero que te diga, liderada por ti, que ha cambiado todo.

Alex Pina

White Lines El pasado 15 de mayo se estrenó en todo el mundo la esperadísima White Lines, la nueva colaboración entre Netflix y Álex Pina, coproducción entre España y Reino Unido, con un poco de cada país. Una serie ambientada en Ibiza, en la vida de los clubes nocturnos y los DJ, que ahonda mucho en los personajes que rodeaban a un joven disc jockey que desapareció hace veinte años y que aparece muerto en Almería, lo que lleva a su hermana a la isla a investigar. Estuvimos en Mallorca, en el rodaje, y os contamos de primera mano lo que vimos y lo que nos contaron sus protagonistas.

hite Lines tiene al creador de La casa de papel, entre muchas funciones, como responsable de esta producción. Eso indica que las líneas que definen los géneros se difuminan bastante, como él mismo nos cuenta en la entrevista que llevamos en estas mismas páginas, y que parece ser una serie de misterio, pero quiere ser mucho más. A la hora de escribir estas líneas, antes del estreno, hemos podido ver el resultado del rodaje al que acudimos y así os contamos de primera mano lo que esconde White Lines y lo que nos explicaron sus protagonistas. Una ficción que empieza con la aparición de un cadáver en el desierto de Almería, en tierras de los Calafat, una poderosa familia de Ibiza. El cadáver pertenece a Axel Collins, DJ de Mánchester afincado en la isla que desapareció veinte años atrás. Su hermana Zoe (Laura Haddock), ante lo poco que puede hacer la policía, se dirige a Ibiza para investigar lo sucedido. Allí, los Calafat reinan, con el hijo mayor —interpretado por Juan Diego Botto— al frente de los negocios ahora. Él nos habla de su personaje: “No lo sabéis vosotros ni nosotros, así que… (risas). Va a ser la primera vez que lo digo en voz alta, así que tened paciencia conmigo. Oriol es el hijo mayor de la familia Calafat, es el que lleva de alguna manera los negocios de la familia y el que está aparentemente destinado a heredar el imperio. Y, dentro de la trama de la aparición del cadáver de Axel Collins, de la llegada de su hermana y de la investigación de lo sucedido hace veinte años, uno de los que se postulan como principales sospechosos va a ser mi personaje. Que es un tipo con conflictos, que desearía que su padre le quisiera más… o le quisiera un poco. Tiene una relación un tanto extravagante con su madre, con un elemento edípico muy potente. A lo largo de la serie intentará demostrar que no tiene nada que ver con la muerte de este muchacho y demostrarle a su padre que está capacitado para llevar la empresa”. La llegada de Zoe lo cambia todo, y mezcla la historia de hace veinte años con el presente, donde regresa también Kika (Marta Milans), quien fuese la novia y gran amor de Axel. La propia actriz, uno de nuestros rostros más internacionales, nos contó mucho al respecto: “La historia se centra en torno al personaje de Axel, este DJ de Mánchester que desapareció hace veinte años y cuyo cadáver aparece en las tierras de mi familia cuando comienza la serie. Es entonces cuando la hermana de Axel, que vive en Mánchester, viaja a Ibiza para intentar descubrir qué sucedió, porque él desapareció allí dos décadas atrás y nunca más se supo... Al llegar a la isla, me conoce a mí, que fui el gran amor de la vida de su hermano. Para mi personaje también es un golpe fuerte porque se ha pasado veinte años sin saber qué sucedió con su novio y por qué la abandonó. Así que tras conocerse Zoe y Kika,

mi personaje, se ponen a recorrer la isla como dos aventureras para intentar averiguar qué le pasó”. Nosotros, además de pasear gran parte del día por la casa de los Calafat, pudimos ver cómo rodaban una escena, con toda la familia. Con Pedro Casablanc como el gran patriarca, Belén López como la matriarca, Nuno Lopes como la mano derecha del padre, y los hermanos, Oriol y Kika, de los que ya os hemos hablado. Una escena en la que el padre vuelve a casa en una condición… distinta, ayudado por su asistente. Pero mezclando un momento dramático con ese humor tan peculiar de su creador. La serie combina elementos, momentos en el tiempo, con continuos flashbacks a ese pasado donde un grupo de amigos de Mánchester se mudaron a Ibiza siguiendo a Axel. Nos habla de ello Daniel Mays, quien interpreta a Marcus, otro amigo de la pandilla: “Marcus es parte DJ y parte camello. Es uno de los miembros del grupo de Axel que llegó a Ibiza desde Mánchester veinte años atrás, que estaban ligados a él y vivían con él, con esta especie de estrella, como un David Guetta de la época. Todos llegan con él. Marcus es alguien que se niega a crecer. Todavía cree tener veintiún años”. Daniel también menciona que ese Axel que es un dios para el resto se dedicaba a destrozar la vida de los personajes que le rodeaban, algo que explica Botto, mencionando la mezcla de temas y géneros de White Lines: “Afectó muy directamente la forma de ser de Axel. Es muy difícil de describir el género y el tono de la serie porque es muy particular. Podría parecer un thriller, y por momentos lo es. Casi de Agatha Christie, intentando saber quién es el asesino. Tiene mucha comedia, pero a la vez tiene mucho drama. A veces parece que tiene algo de tragedia griega… Y todos los personajes van revelando algo al personaje de Zoe sobre su hermano y lo que pasó”. La propia Milans nos explica algo más sobre el centro de una ficción difícil de clasificar: “Pero el centro de la serie es el hedonismo… esa historia en torno a las drogas, los clubes, la música… Es curioso porque, aunque yo soy de Madrid, me he criado en Ibiza. Y me da mucha rabia porque el concepto de Ibiza que se tiene fuera es de fiesta, fiesta… Y no quería participar en un proyecto que simplemente glorificase eso. Por supuesto Álex Pina nunca haría algo así”. La serie es hedonismo, pero también es más. Es misterio, intriga, humor (muy muy peculiar. Ojo a ese plátano hinchable… es divertido y trágico a la vez), drama y crimen. La búsqueda de la verdad de Zoe, que puede que encuentre o no al asesino de su hermano. O su vida perdida por el camino. O una verdad que preferiría no haber descubierto y que cambiará quien es para siempre. Para descubrirlo, hay que ver White Lines, que ya está en Netflix. Jesús Usero

ENTREVISTA

JamesBadgeDale Muchos le descubrieron en 24, por supuesto, y como líder de la memorable The Pacific, además de haber estado en películas como Iron Man 3, Guerra Mundial Z, Héroes en el infierno, o por ser uno de los protagonistas de 13 horas, algo que le recordamos al principio, mostrando nuestro cariño por esa cinta. Ahora protagoniza la nueva serie de STARZ, Hightown, que nos llega de la mano de STARZPlay, y nos habla mencionando la terrible situación actual, con mucho cariño hacia nuestro país, pero sobre todo con unas opiniones muy interesantes sobre su trabajo, su personaje y la serie. Y todo… en esta entrevista en exclusiva con ACCIÓN. Empecemos hablando de Hightown. ¿Qué puede contarnos de esta nueva serie de STARZ? Claro… puedo contarte que es una serie sobre un grupo de gente muy complicada en el núcleo de una crisis. Comienza con el asesinato de una mujer joven y trata sobre cómo esa muerte afecta a la vida de todo el mundo implicado y del efecto dominó que causa. Rebecca Cutter y Jerry Bruckheimer han levantado una ficción arriesgada, oscura y cruda. Está muy anclada en la realidad y no sé cómo decirte…, cómo te lo explicaría… Hemos puesto mucha pasión y energía en la serie. Ha sido una excelente experiencia de trabajo y espero que encuentre su audiencia. Como dice, es una ficción arriesgada. No se parece a muchas otras series policiales que encontramos en televisión. Sí. Me alegro de que saques el tema. No es un procedimental, no se trata de un whodunit (término que se refiere a las obras de ficción policíacas o de misterio donde se intenta descubrir quién es el culpable. N. del a.). No estamos intentando resolver un misterio, sabes quién lo hizo desde el principio. Lo mostramos desde el inicio, desde el primer episodio. Es sobre la gente. Es una serie sobre las causas y efectos. Y las repercusiones, ¿sabes? Se ahonda mucho en los daños colaterales. En las cosas que hacemos y cómo estas afectan a otras personas. ¿Y qué podemos saber de su personaje, Ray Abruzzo? ¿Quién es realmente Ray? ¡Todavía estoy intentando descubrir quién es Ray! (risas). Y creo que Ray también está intentando descubrir quién es realmente. Pero eso es algo que es mérito de los guiones, ¿sabes a lo que me refiero? Los seres humanos estamos cambiando continuamente, y Ray es un ser humano lleno de defectos. Es una persona obsesiva, agresiva… a veces soportarle puede ser demasiado complicado, pero también debajo de todo eso, en lo más profundo, hay una cierta ternura en él. Es un tipo solitario que está tan hecho un desastre que es incapaz de arreglarlo y lo único que desea muchas veces es apartarse de su propio camino. Creo que esa soledad de la que habla se refleja muy bien en un par de escenas: cuando está escuchando las llamadas grabadas y cuando está comiendo solo en la oficina. Creo que definen lo solo que está… Sí, y me alegro de que menciones eso porque es imprescindible entender lo solo que está Ray, lo aislado que se encuentra. Lo mucho que se ha aislado a sí mismo de sus amigos y su familia, de sus seres queridos o de sus amantes. Todo por el hecho de ser obsesivo con su trabajo. ¿Vamos a aprender más sobre ello, sobre por qué es así? ¿Vamos a descubrir por qué Ray está tan aislado según avance la serie o será un misterio para nosotros? Sí, se irá desvelando. Con todos estos personajes vamos a aprender mucho más según avanza la serie, y creo que eso es una de las cosas más brillantes de Hightown. Que todos y cada uno de ellos

empiezan a abrirse según avanza la historia e iremos viendo lo dañados que están y, pese a ello, lo hermosos que son todos. Incluso Osito, interpretado por Atkins (Estimond), descubrimos que es un personaje muy humano. Rebecca Cutter ha creado estos personajes, que son muy de carne y hueso, con muchos elementos que poco a poco salen a la luz y que nos muestran que todos ellos están llenos de defectos, que vienen de todas las malas decisiones que han tomado. Sí, aprenderemos más de Ray, sobre Jackie o sobre Renee. Vamos a irlos descubriendo durante el desarrollo de la historia. Ha mencionado en varias ocasiones a la showrunner y guionista Rebecca Cutter. ¿Cuáles fueron sus primeras impresiones al leer este guion, al descubrir Hightown por primera vez? ¿Sabes? Me gusta que me hagas esa pregunta y que antes mencionases 13 horas también (película que protagonizó), porque no soy ese tipo de actor que va buscando hacer ciertos proyectos. No soy de esos intérpretes que van tratando de ir haciendo todas las cosas que se han propuesto de una lista. Nunca he visto mi trabajo como algo así. Yo leo un guion y pienso si tengo algo que aportar. Me planteo qué puedo aportar a esta historia. En 13 horas, cuando lo leí, estaba seguro de que tenía algo que aportar, algo que contar no solo sobre los militares que he conocido a lo largo de mi vida, sino también, de nuevo, sobre estar tan obsesionado con tu trabajo que eres incapaz de volver a casa. Y acabas yendo a los mismos lugares una y otra vez. Y hay una similitud aquí con Ray. Cuando leí Hightown, la sensación que tuve fue de que estaba dentro. Y una vez que me obsesiono con algo siento que tengo que hacerlo. Y Ray es un personaje complicado, así que también hay cierto miedo, pero creo que ese miedo, el miedo a exponer algo que existe en tu propio interior, hace que merezca la pena. ¿Sabes a qué me refiero? Hightown es una serie arriesgada y peligrosa que lidia con problemas reales, y eso hace que merezca la pena. Debido a ese miedo y a ese riesgo, hacen que merezca la pena. Acaba de mencionar que cuando se obsesiona con algo tiene que hacerlo. Y también ha comentado que Ray o su personaje de 13 horas están obsesionados con su trabajo. ¿Es algo con lo que se identifica? Sí, me identifico. Sí, sin duda. Llevo veinte años trabajando en una profesión en la que se pretende ser otra persona. Tengo suerte de haber encontrado papeles con los que obsesionarme. Papeles con los que me siento cómodo yendo a trabajar y obsesionándome con ellos, porque trabajo bien en esas circunstancias. Pero me identifico con Ray, sí. Le veo a él y lo obsesionado que está con su trabajo, el desastre en que ha convertido su vida cotidiana y creo que todos, si echamos la vista atrás, en determinadas circunstancias podemos sentirnos identificados con eso. Todos hemos hecho sacrificios. Ray es un personaje sobre el que sentía que tenía mucho que decir y al que podía aportar algo. Jesús Usero

A C T U A L I D A D

T E L E V I S I Ó N

Nicolas Cage liderará la adaptación a ficción de Tiger King. Convertida en uno de los éxitos del año, pese a ser

Will Ferrell y Paul Rudd tienen nueva serie de televisión. Dos estrellas de la comedia, en el caso de Rudd muy presente

una serie documental, con unas audiencias enormes para Netflix, Tiger King se ha convertido en un fenómeno al contar la historia de Joe Exotic, el muy particular dueño de un zoo con multitud de grandes felinos que acabó en prisión por contratar a alguien para que asesinase a Carole Baskin, activista con un santuario para animales empeñada en acabar con el negocio de Joe y otros como él. La serie será llevada a la ficción, porque la historia es demasiado buena para dejarla pasar, y CBS Television Studios e Imagine Television —productoras de la serie de ocho episodios— han fichado a Nicolas Cage ni más ni menos para dar vida al ya icónico Joe Exotic. Ahora toca buscar actriz para ser Baskin.

con el éxito de Marvel y su papel de Ant-Man; en el de Ferrell, le ha costado encontrar recientemente su sitio en la taquilla. Pero ambos son buenos amigos y los hemos visto juntos en Los amos de la noticia y El reportero. Ahora, ambos actores producirán y protagonizarán una serie basada en un hecho real inquietante, pero divertido a la vez. Una comedia negra en la que Rudd dará vida a un terapeuta que se aprovecha de sus clientes, mientras que Ferrell será uno de esos clientes, uno con el que el terapeuta lleva años trabajando. La vida de ambos cambiará cuando el doctor decida quedarse con la vida de su paciente, mudándose a su casa y haciéndose cargo de su negocio.

Temuera Morrison será Boba Fett en The Mandalorian. La segunda temporada de The Mandalorian terminó su rodaje

J. J. Abrams y sus nuevas series para HBO: Justice League Dark o la precuela de El resplandor. Hace unos meses

bajo un secreto absoluto, antes de que la pandemia del coronavirus se desatase en el mundo y los rodajes se paralizasen. La serie, al parecer, terminó su fotografía principal y tiene reservadas algunas sorpresas en sus episodios. Ya mencionamos que los rumores apuntan a que Rosario Dawson será Ahsoka Tano, pero ahora vamos a otro rumor y otro personaje legendario. Porque parece ser que Temuera Morrison volverá a ponerse el casco y será Boba Fett en la serie. El actor fue Jango Fett en las precuelas, pero todos recordamos que Boba Fett era un clon de Jango, así que es lógico que lo interprete Morrison. Eso sí, aunque algo intuíamos al ver la primera temporada, no se sabe si será cameo, flashback o algo más…

hablamos del nuevo contrato firmado entre HBO/Warner y la productora de J. J. Abrams, Bad Robot, para lanzar proyectos en exclusiva para HBO Max, por ejemplo, el nuevo servicio de streaming de HBO y Warner en Norteamérica. Y ya tenemos las primeras series que llegarán a la plataforma, tres proyectos, dos de ellos realmente populares. Por un lado, Abrams producirá una adaptación a televisión de algunos de los personajes de DC Justice League Dark, un grupo con nombres como Constantine, la Cosa del Pantano, Zatanna… y que ya ha tenido dos excelentes películas animadas. Por otro lado, tendremos una precuela de El resplandor, Overlook, que nos llevará a conocer los trágicos sucesos que fueron definiendo un lugar tan terrible como el hotel Overlook. Y finalmente saldrá Duster, una serie original sobre un conductor experto en huidas que trabaja para un creciente sindicato del crimen.

AC T UA L I DA D T E L E V I S I Ó N La creadora de Russian Doll, al frente de una nueva serie de Star Wars. Una ficción con protagonista femenina de la que se sabe poco más. Durante un tiempo se especuló con la posibilidad de que esta serie existiese, y el nombre de Leslye Headland —creadora de la serie de Netflix Russian Doll— estaba siempre ligado a esta. Ahora es oficial, y así se anunció el Día Internacional de Star Wars. No se sabe todavía dónde se localizará la serie, ni en espacio ni en tiempo, pero hay rumores que apuntan a una línea temporal y un lugar alejado de los eventos que ya conocemos, mientras otros (aumentados por los fans) hablan de personajes como la propia Ahsoka Tano o la cazarrecompensas de Gina Carano. Aunque, de nuevo, suena más a deseo de los fans.

La serie de Star Wars precuela de Rogue One completa su reparto. Han sido momentos extraños y confusos para la ficción que servirá de precuela a Rogue One (que ya era precuela del Episodio IV de Star Wars, no lo olvidemos) y que estará protagonizada por Cassian Andor, el personaje de Diego Luna. La producción ha cambiado de showrunner, con Tony Gilroy al frente, y acompañado a los guiones de Beau Willimon, Dan Gilroy y el creador de la serie Stephen Schiff. Gilroy dirigirá algunos episodios, especialmente el piloto. Y lo hará con un reparto muy interesante al que se han sumado varios nombres como los de Stellan Skarsgård, Kyle Soller, Denise Gough y Genevieve O’Reilly, que volverá a ser Mon Mothma. Junto con ellos, Luna y Alan Tudyk como la voz de K-2SO.

Nueva serie Disney+ basada en Just Beyond, las novelas gráficas del creador de Pesadillas. Hay pocos libros juveniles de terror que tengan el seguimiento que ha tenido la saga Pesadillas. Adaptada a serie de televisión y a dos películas de irregular calidad, ahora su creador, R. L. Stine, vuelve a la pequeña pantalla, pero adaptando otro de sus trabajos: la saga de novelas gráficas de horror y comedia Just Beyond, que contará con ocho episodios para el servicio de streaming de Netflix y que, además, tendrá a Seth GrahameSmith como guionista y showrunner, autor de novelas tan divertidas como Abraham Lincoln: cazador de vampiros u Orgullo y prejuicio y zombis.

The Equalizer vuelve a televisión con Queen Latifah de protagonista. Quizá algunos no lo recuerden, pero durante unos años Queen Latifah fue uno de los nombres más populares de la comedia al aparecer como protagonista de varios títulos de éxito. La actriz ha seguido trabajando con regularidad, especialmente en televisión, donde la hemos visto en Hollywood hace nada. Y ahora vuelve como protagonista del remake televisivo de The Equalizer. La serie ochentera ya se convirtió en dos películas de éxito con Denzel Washington de protagonista, y ahora Latifah devuelve el personaje a televisión como actriz y productora, junto con Chris Noth y Lorraine Toussaint. La ficción seguirá a una mujer que usa un impresionante catálogo de habilidades para ayudar a quien más lo necesita.

Ryan Hurst tiene nueva serie de televisión, The Mysterious Benedict Society. No se sabe cómo afectará esto a su presencia en The Walking Dead, pero en principio no hay que asustarse porque otros actores han combinado su trabajo en más de una producción. Sea como sea, Beta en la serie de los muertos vivientes, y también conocido por los fans por su paso por la sensacional ficción Hijos de la anarquía, ha encontrado una nueva serie de televisión. Es un proyecto para Hulu que tiene por título The Mysterious Benedict Society, basada en la novela de Trenton Lee Stewart del mismo título, que sigue a cuatro reclutados por el misterioso señor Benedict del título, para infiltrarse en un instituto que está regentado por su malvado hermano gemelo. Hurst será Milligan Wetherall, que trabaja para la Benedict Society y que era agente secreto.

Élodie Yung protagonizará la serie The Cleaning Lady. Una nueva producción de FOX que contará como protagonista con nuestra querida Elektra de las series Marvel de Netflix, Élodie Yung, quien da vida a un personaje muy peculiar en una historia tan bizarra que puede funcionar. Yung será una doctora colombiana en Filipinas que descubre que su hijo padece una rara enfermedad autoinmune, lo que la lleva a Estados Unidos para buscar una solución. Pero las cosas no salen como esperaba y debe huir de las autoridades poco después de llegar. Para poder mantenerse y seguir siendo capaz de ayudar a su hijo, mientras se mantiene escondida del FBI, la doctora aceptará un peculiar trabajo, el de limpiar las escenas del crimen para la mafia, lo que hará que poco a poco se labre una carrera en el mundo del crimen.

White Collar, Ladrón de guante blanco, podría regresar. Una serie que, aunque nunca fue un éxito de aquellos que revolucionan la industria, se mantuvo en antena con solidez durante seis temporadas, con un reparto con nombres como Matt Bomer, Tim DeKay, Tiffani Thiessen o Willie Garson. Ahora, White Collar puede regresar, según ha contado su creador, Jeff Eastin, quien ha tenido varias reuniones con Bomer, el protagonista, para relanzar la serie. Ambos parecen confiar en el proyecto, aunque desconocemos lo que sucederá con el resto del reparto. La ficción seguía una peculiar alianza entre un ladrón de guante blanco y estafador, Neal Caffrey (Bomer), y un agente del FBI que siempre seguía las reglas (Peter Burke) y cómo de esa alianza surgía un formidable grupo que atrapaba criminales y una enorme amistad.

PERIODISTA. INVESTIGADORA DE HOMICIDIOS

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J U N I O

MARTES 22:10