ACCION

LIBROS DE CINE AL CAER LA NOCHE TERROR CATÓDICO AMERICANO 1970-1981

D EDA NOV

BORN TO BE BAD (NACIDOS PARA SER MALOS)

Ambicioso e innovador estudio El cine de acción de los 80 fue sobre el apasionante cine de una época de mullets, grandes terror que, entre los años 1970 bíceps y memorables frases para y 1981, se produjo para la telelos héroes, pero fueron los villavisión norteamericana. Títulos nos los que se quedaron en nuesmíticos como El estrangulador tra memoria cuando empezaron de la noche y La oscura noche Con entrevistas a Vernon Wells del espantapájaros —que en (“Commando”), Ronny Cox España conocimos en las emi(“Desafío Total”, “Robocop”), siones de Estrenos Tv—, El diaMartin Kove (“The Karate Kid”), blo sobre ruedas, El misterio de David Patrick Kelly (“The Salem’s Lot… Un viaje que tamWarriors”), Bob Wall (“Operación bién recupera películas menos Dragón”), Steven Berkoff (“Rambo populares, pero que, durante los años 80, seguramente disfrutamos 2”) y muchos otros, esta es una lectura esencial para todos los fanáticos en sus pases de fin de semana o incluso en ediciones en vídeo que de las películas de acción. . podíamos encontrar en el videoclub.

B/N 246 pags.15x21 cm.

BRUCEPLOITATION

CANNON FILMS

Tras el fallecimiento de Bruce Lee, las salas de los años 70 recibieron un aluvión de producciones protagonizadas por “clones” del Pequeño Dragón: actores con nombres como Bruce Li, Bruce Lai, Bruce Le, Bronson Lee y Dragon Lee emulaban los gestos de la estrella desaparecida y llenaban los bolsillos de productores sin escrúpulos. Alguna de estas películas rehacían los argumentos de la filmografía del astro de Hong Kong o bien explotaban su biografía. Otras abrazaban directamente el delirio: en El dragón ataca, por

Este primer volumen de la colección La Generación del Videoclub nace para rendir tributo a Golan y Globus, en agradecimiento por todas las horas que placer que nos regalaron con sus películas. .

EL LEGADO DE AKIRA KUROSAWA

GOMA 2

Blanco y negro 404 pags.

P.V.P. 19€

412 páginas. P.V.P. 21 €

P.V.P. 20 €

DISPARATE NACIONAL

EL FULGOR EFÍMERO

Uno de los creadores del fenómeno Yo fui a EGB, Javier Ikaz, se sumerge en la filmografía completa de uno de los grandes genios del humor español donde se repasan, uno a uno, todos y cada uno de los trabajos de Ozores.

Una pequeña colección de películas clásicas de culto.

Donde se mezclan dramas intensos con aventuras inmortales, inquietantes obras de suspense con hipnóticas historias de fantasía, westerns, ciencia-ficción. Con un denominador común: todas ellas son películas brillantes, aunque su fulgor fuera efímero.

Blanco y negro 322 pags.

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Blanco y negro 330 pags.

P.V.P. 19 €

comprender el presente.

Goma-2: El cine explosivo de José Antonio de la Loma ofrece Este libro valora el interés del un acercamiento honesto y cine de Kurosawa en el preemocionante a un cineasta a sente, sin negar la importancia reivindicar, guionista de diversos filmes –westerns, cintas de del director japonés en nuestra Lucio Fulci y Antonio formación humana y cinéfila. El Margheriti…– y autor de treinta legado de Akira Kurosawa respelículas, algunas tan populares cata al cineasta de los confines como Yo, “el vaquilla”, Goma-2, académicos y mitómanos y lo Perros callejeros y Nunca en horas de clase. Todas ellas son confronta a nuestra manera de reseñadas en un volumen indisinterpretar la realidad, para que pensable para los interesados podamos incorporar su obra a en el cine popular producido en nuestras herramientas para España, publicado por la editorial Applehead Team dentro de su colección Made in Spain.

288 pags - Color / Blanco y negro

HÉROES DE PAPEL Y CELULOIDE Este primer volumen desglosa alfabéticamente las historietas principalmente de DC Cómics que han sido trasladadas al medio audiovisual, relatando los orígenes de cada personaje y analizando todas y cada una de sus adaptaciones en imagen real.

418 pags.

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JOE DANTE

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LA GUERRA DE LOS CLONES

LAS PESADILLAS DE STEPHEN KING

Un exhaustivo recorrido por la carrera del responsable de El estreno de La guerra de las "PIraña", desde sus primeras galaxias en 1977 provocó una experiencias como espectador onda cultural expansiva que ha hasta nuestros días: sus avenacabado llegando hasta nuesturas a las órdenes de Roger tros días.

Corman, el éxito de "Gremlins" En este libro se analiza y docuy el fracaso comercial de menta cuarenta películas sur"Looney Tunes. De nuevo en gidas de toda esa fascinación acción", su relación con Steven por las naves espaciales, los Spielberg, los proyectos no rayos láser, los robots responmaterializados, las luchas con dones y los estilismos cósmilos estudios en producciones cos. De las galaxias más resulcomo "Exploradores" y "Pequeños guerreros", la presencia de un tonas a los agujeros negros más ponzoñosos de la exploitation mismo grupo de actores secundarios en todos sus filmes, sus cola- mundial. boraciones para televisión…

700 páginas. Blanco y negro

MANUAL DE SUPERVIVENCIA CINÉFAGOS El repaso más divertido a la par que sesudo y gamberro de temas de enorme trascendencia, como las 10 mejores películas de slasher, de zombis zombis (no romerianas), casas encantadas, vampiros, hombres lobo...

Blanco y negro 266 pags.

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MÁS CANNON Este volumen profundiza en los nombres que ayudaron a Golan y Globus a fundar su imperio, presentando las biografías de sus actores más representativos y de los directores que trabajaron para ellos.

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Ensayo acerca de la figura del escritor de Maine, acercándonos en este primer volumen a sus vivencias personales; desde el nacimiento del autor hasta la etapa más moderna de su obra, sin olvidar capítulos tan transcendentales como los duros comienzos como escritor.

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MICHAEL JACKSON

TERMINATOR

EL IMPERIO DE SKYNET Michael Jackson lo hizo todo en la música. Dotó a sus canEl equipo de la revista digital ciones de imágenes imborraUltramundo analiza pormenoribles en la memoria colectiva y zadamente la historia de una redefinió las bases del mundo de las sagas de ciencia ficción del espectáculo. Su humilde más importantes de la historia infancia, el ascenso al trono del cine, desde sus inicios del estrellato y los escándalos como una pesadilla de James que intentaron derribarle, hicieCameron hasta la fecha de ron que su vida artística y perhoy, con el estreno de una sonal se convirtiera en un D nueva entrega de la serie proA ED manantial incesante de ríos de tagonizada por Arnold NOV tinta. Todo parecía haber sido Schwarzenegger. A estos texescrito hasta ahora sobre él. Toni Arias estudioso de la carrera del tos de Ultramundo se suman los del experto en videojuegos John artista, recoge, por primera vez en un libro, los intentos del icono Tones y de Pedro José Tena del pop por atravesar su última frontera: el cine.

382 pags.

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Puedes solicitarlo por correo, email o por teléfono 91 486 20 80 CUPÓN DE PEDIDO Marca con una x los libros que desees AL CAER LA NOCHE (20€) NACIDOS PARA SER MALOS (21 €) BRUCEPLOITATION (20 €) CANNON FILMS (VOL 1) (19 €) CANNON FILMS (VOL 2) (20 €) MANUAL DE SUPERVIVENCIA (12 €) DISPARATE NACIONAL (21,50 €) EL FULGOR EFÍMERO (19 €) EL LEGADO DE AKIRA KUROSAWA (21 €) GOMA 2 (20 €) HEROES DE PAPEL Y CELULOIDE (18 €) LA GUERRA DE LOS CLONES (23 €) LAS PESADILLAS DE STEPHEN KING (19 €) TERMINATOR (19 €) MICHAEL JACKSON (20 €) JOE DANTE (23 €)

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Algunas sagas siguen ahí, metiendo leña al fuego de la pelea por las taquillas como si no hubiera un mañana y reproduciéndose cual horda de conejos saltarines dopados con viagra (o “vinagra”, como dicen algunos). Y no me refiero al proyecto de precuela de la saga Crepúsculo, sino a Hobbs y Shaw, spin-off de la saga de Fast and Furious que según Dwayne Johnson va a tener secuela, en la que ya se trabaja sobre la base de los 750 millones de dólares que ha recaudado en todo el mundo.

Está claro que Fast and Furious está terminando como saga, y Hobbs y Shaw 2 se postula como relevo. Imagino lo contento que debe estar Vin Diesel con lo “bien” que se lleva con Dwayne Johnson.

Su apuesta para progresar es el cameo.

Hicieron un par en la primera entrega y ahora quieren repetir con Tom Cruise presentando un personaje que se incorporará como fijo a las entregas posteriores. Juegan la misma baza de Fast and Furious incorporando a Dwayne Johnson, Statham y Charlize Theron. La misma fórmula de acumulación de estrellas que practicara el cine de catástrofes de los años setenta y que replicó Stallone en Mercenarios. Hollywood colecciona cromos. Y también cambia cromos. Nada nuevo bajo el sol. Acumulas estrellas y así maquillas la debilidad de guion.

Tom Cruise convertido en fuegos artificiales sustituyendo en el papel de director de Eteon a Keanu Reeves, al que no le da la agenda para seguir añadiendo futuros trabajos, aunque fans de Marvel hacen campaña para que sea el Motorista Fantasma.

Hablando de Marvel, ahí van un puñado de perlas que nos ha dejado la actualidad del cine a lo loco en las últimas semanas.

Disney se está pensando que Galactus, el devorador de mundos, sea una mujer. Y todo indica que con Deadpool van a hacer borrón y cuenta nueva y será una versión y una visión distinta del personaje de la que hemos conocido con las dos películas de Ryan Reynolds en Fox. No puedo decir que me sorprenda. Es la crónica de una muerte anunciada. Ese Deadpool no encajaba en el mundo Disney ni de coña. Además circula por Hollywood el rumor de que Henry Cavil será Lobezno en la segunda película de la Capitana Marvel.

Y pensar que hubo un tiempo en que Quentin Tarantino, mientras preparaba Pulp Fiction, tenía un proyecto para llevar al cine a Luke Cage, alias Powerman, con Laurence Fishburne como protagonista.

Aunque sus amigos se empeñaban en venderle a Wesley Snipes como protagonista,

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él estaba convencido de que Fishburne es prácticamente como Marlon Brando. Dejan que me entretenga pensando que en alguna tierra paralela del multiverso de Marvel, Tarantino rodó esa película en lugar de Jackie Brown…

A modo de premio de consolación, parece que Tarantino es el principal candidato para escribir el guion del relanzamiento de la saga de Depredador en Disney. El estudio también prepara una relanzamiento de la franquicia Alien, con Ridley Scott como productor. Esperemos que hayan tomado buena nota de todo lo que falló en Alien: Covenant y no le dejen repetir la jugada en plan bucle.

La competencia de Marvel, DC, también tiene sus proyectos nunca realizados, como la versión de La Liga de la Justicia que a mediados del año 2000 preparó George Miller, director de la saga Mad Max. El proyecto llegó a las pruebas de vestuario y primeras fases de preproducción, con un reparto que integraban Armie Hammer (Batman), D. J. Cotrona (Superman), Common (Green Lantern), Adam Brody (The Flash), Santiago Cabrera (Aquaman), Hugh Keays-Byrne (Detective Marciano), Teresa Palmer (Talia Al Ghul) y Megan Gale (Wonder Woman). El documental George Miller’s Justice League Mortal, de Ryan Unicomb, ha hecho públicas algunas fotografías del proyecto. ¿Cambiamos los cromos?

Hablando de La Liga de la Justicia, aunque parezca mentira y en plena movida tocha del coronavirus, sigue la polémica por la versión Snyder. Connie Nielsen, reina de las amazonas, afirma que la escena más épica de su personaje fue cortada. Zack Snyder ha revelado que había una secuencia de viaje en el tiempo en sus planes para la secuela de La Liga de la Justicia. El director lo explica así: cuando están hablando de enviar a Flash de vuelta para advertir a Bruce Wayne, Cyborg afirmaba: “Tengo dos momentos para enviar a Flash de vuelta en el tiempo”. Snyder quería así explorar universos paralelos en la segunda entrega que nunca veremos… O quizá sí, porque Warner Bros. puede cambiar de opinión en cualquier momento a juzgar por los rumores que afirman que quieren que Will Smith vuelva a ser Deadshot. Además, Snyder asegura que todavía puede rodarse una adaptación al cine del cómic de Frank Miller El regreso del señor de la noche, con Batman y Superman más maduros…

Todo puede suceder.

Miguel Juan Payán

NOTICIAS RODAJES • PROYECTOS • RUMORES

NOTICIAS

Protagonistas de Peter Pan

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Secuela de El último cazador de brujas Vin Diesel confirma que habrá secuela de El último cazador de brujas, la película que estrenó en 2015. La primera entrega costó unos 90 millones de dólares y no llegó a recaudar en todo el mundo los 150 millones de dólares necesarios para convertirla en un proyecto interesante para secuela, pero Diesel, el actor que declaró que no iba a dejar que el coronavirus perjudicara el estreno de Bloodshot (sobre la que, por otro lado, ha declarado que abre la puerta a un universo cinematográfico basado en los personajes de la editorial Valiant, aunque circula el rumor de que será sustituido en la secuela por otro actor), está empeñado en que su cazador de brujas tenga continuidad. Se basa en que a pesar de que no fue un éxito, no deja de encontrarse aficionados que le confiesan lo mucho que les gustó la película y ver a Michael Caine en ella, y quieren más. La productora Lionsgate ya ha puesto en marcha la secuela y busca guionista para ocuparse de llevarla a efecto, al parecer con claves narrativas distintas y puliendo todo aquello que se criticó en la primera entrega para mandar el asunto por otro camino. Todo indica que Caine repetirá.

Más mercenarios Randy Couture ha confirmado que le han mandado un guion de la cuarta entrega de la saga Mercenarios de Sylvester Stallone, después de que este acordara que sus diferencias con el productor Avi Lerner no van a impedir que pueda cerrar la saga con una cuarta y última misión en la que, sin embargo, precisamente por sus diferencias con Lerner, no veremos a Terry Crews, quien ya anunció que se borraba de la siguiente secuela. Posibles elementos que tener en cuenta en la cuarta entrega: mayor protagonismo de los personajes de Antonio Banderas y Wesley Snipes, eliminación de jovenzuelos en el asunto –no es por eso por lo que vamos a ver una película de la saga–, y convendría que recuperaran a Bruce Willis, aunque solo sea por cerrar el asunto con coherencia frente a la primera entrega.

Disney sigue adelante con su agenda de adaptaciones de sus clásicos animados a las películas de imagen real. Ya ha elegido protagonistas para Peter Pan. Alexander Molony, actor que ha destacado en televisión por su papel en la serie británica The Reluctant Landlord, dando vida al personaje de Charlie, será Peter Pan, un Peter Pan jovencillo, toda vez que la agencia que representa al actor aclara que el actor puede interpretar personajes en un rango de edad de 11 a 13 años. El papel de Wendy será interpretado por Ever Anderson, la hija de Milla Jovovich y el director Paul W. S. Anderson, los creadores de la saga cinematográfica de Resident Evil. La hemos visto ya en la última entrega de dicha saga interpretando a la versión infantil de Alice, el personaje de Jovovich, y por derivación a la Reina Roja, pero, además, está en el reparto de la película Viuda Negra interpretando la versión joven del papel de Scarlett Johansson. El director del largometraje será David Lowery, formado en el montaje y que como director cuenta ya con películas interesantes, como En un lugar sin ley (2013), el remake Peter y el dragón (2016), A Ghost Story (2017), y The Old Mand and the Gun (2018). Hay calidad tras la cámara. La revista Variety apunta que la intención del estudio es estrenarla en cines.

Mark Wahlberg, G. I. Joe El relanzamiento de la franquicia de G. I. Joe podría tener ya su protagonista principal: Mark Wahlberg.

Papel: Duke, el mismo que interpretó Channing Tatum en la primera y segunda película de la saga original, G. I. Joe (2009) y G. I. Joe: la venganza (2013). El título de la secuela originalmente prevista para continuar la serie original era G. I. Joe: Ever Vigilant, pero ahora se impone en Paramount el concepto de reboot. No obstante, cuesta pensar que vayan a prescindir de la colaboración de Dwayne Johnson, protagonista de la segunda entrega, si pueden convencerle para que vuelva y le encuentran hueco en su apretada agenda para que ruede sus escenas.

Remake de Van Helsing Universal quiere hacer un remake de la película Van Helsing que protagonizaran en 2004 Hugh Jackman y Kate Beckinsale. Para ello, el estudio busca a un actor más joven de lo que era Jackman cuando interpretó al personaje a las órdenes de Stephen Sommers.

NOTICIAS RODAJES • PROYECTOS • RUMORES

Dos villanos para Benedict Cumberbatch

Karen Gillan, pirata

El protagonista de Sherlock y Doctor Extraño suena para dos personajes de villano particularmente jugosos. Por un lado es el principal candidato para dar vida a Hades, el soberano del inframundo en la adaptación a imagen real del dibujo animado de Disney, Hércules. Por otro, se le señala como el actor elegido para dar vida a una versión de Drácula muy peculiar en la película Renfield, que prepara el estudio Universal, centrándose en el personaje del lunático que cae en las redes del conde vampírico, que será el verdadero protagonista de esta aproximación en clave de comedia a la obra de Bram Stoker.

El relanzamiento de la franquicia de Piratas del Caribe que prepara Disney podría tener un nombre femenino como principal protagonista. Suena el de Karen Gillan, la Amy Pond de la serie Doctor Who, a la que hemos visto luego abriéndose paso en el cine tanto en los universos de superhéroes de Marvel, con sus apariciones en Guardianes de la Galaxia y las dos últimas películas de Vengadores, como cosechando éxitos de taquilla en Jumanji: bienvenidos a la jungla y Jumanji: el siguiente nivel. Gillan será la protagonista de una renovación de la franquicia en clave femenina escrita por los guionistas de Deadpool y Zombieland, Rhett Reese y Paul Wernick. Gillan interpretará a una pirata que responde por el nombre de Red.

Scream 5 La quinta entrega de la saga Scream está en desarrollo y tiene ya directores elegidos. Se trata de Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, directores de la comedia de terror Noche de bodas. El poco rendimiento comercial de la cuarta entrega dirigida por Wes Craven hizo que el director no encontrara financiación para poner en pie una quinta parte dirigida por él mismo, pero ahora, cuando han pasado casi diez años y Craven ya no está entre nosotros, su saga regresará a las salas, aunque el coronavirus haya retrasado el comienzo del rodaje previsto para el mes de mayo. El guionista de la saga original, Kevin Williamson, estará en el proyecto como productor. Lo que se sabe del argumento es que gira en torno a una mujer que regresa a la localidad para investigar quién cometió la serie de sangrientos crímenes de la saga. El proyecto parece claramente inspirado en su planteamiento por el éxito del relanzamiento de la saga de La noche de Halloween de John Carpenter.

The Beast and the Bethany Warner Bros. se ha hecho con los derechos de la novela The Beast and the Bethany, de Jack Meggitt-Phillips, que no llegará a las estanterías de las librerías hasta el año 2021, pero ha despertado mucho interés en la feria del libro de Fráncfort, bajo una premisa argumental que la revista Variety ha calificado como un cruce de Una serie de catastróficas desdichas de Lemony Snicket y El retrato de Dorian Gray. La novela sigue los pasos de Ebenezer Tweezer y de una joven, Bethany, con la advertencia de que uno de ellos podría ser devorado por una bestia. Esa intriga quedará desvelada en el cine en un largometraje que producirá David Heyman (la saga de Harry Potter, Gravity, Historia de un matrimonio, Érase una vez en Hollywood).

Vuelve Imperator Furiosa Remake de ¡Marte Ataca!

Se prepara un remake de ¡Marte ataca!, película de 1996 dirigida por Tim Burton, que es el director con el que el estudio Warner Bros. quisiera contar para realizar esta nueva versión destinada a actualizar la película anterior, lo cual, sin duda, tendrá que incluir la crisis del coronavirus que estamos sufriendo en algún momento del argumento, además de la llegada de Donald Trump a la Casa Blanca y otros acontecimientos que han marcado diferencias respecto al paisaje de sátira desplegado por la película anterior.

El spin-off de Mad Max: furia en la carretera, titulado Furiosa, tiene ya un fichaje de reparto significativo, Anya Taylor-Joy, protagonista de La bruja, Múltiple y Glass. Ha sido elegida para un papel en el largometraje por George Miller en un proceso de casting a través de entrevistas por Skype. El argumento de la película, que Miller confía poder empezar a rodar el próximo año si lo permite la crisis del coronavirus, mostrará al personaje al que dio vida en la película anterior Charlize Theron en una fase juvenil.

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NOTICIAS RODAJES • PROYECTOS • RUMORES FECHAS ESTRENOS 17/7/20 24/7/20 7/8/20 14/8/20 14/8/20 4/9/20 4/9/20 4/9/20 11/9/20

Padre No Hay Mas Que Uno 2 Mulan Empty Man Wonder Woman 1984 Malignant Un lugar tranquilo 2 Monster Hunter The Beatles: Get Back Expediente Warren: Obligado por el demonio 18/9/20 Tenet 18/9/20 The King's Man: La primera misión 9/10/20 Muerte en el Nilo 16/10/20 Halloween Kills 23/10/20 The French Dispatch 23/10/20 Snake Eyes 30/10/20 Viuda Negra 12/11/20 007 Sin tiempo para morir 13/11/20 Deep Water 20/11/20 Soul 20/11/20 Godzilla vs. Kong 11/12/20 Free Guy 18/12/20 Uncharted 18/12/20 Dune 18/12/20 El príncipe de Zamunda 2 23/12/20 Top Gun: Maverick 25/12/20 West Side Story 8/1/21 The Last Duel 12/2/21 The Eternals 5/3/21 Cazafantasmas: Más allá 5/3/21 Masters of the Universe 5/3/21 Mortal Kombat 12/3/21 Raya y el último Dragón 19/3/21 Jungle Cruise 19/3/21 Tomb Raider 2 2/4/21 Fast and Furious 9 21/5/21 DC SuperPets 21/5/21 John Wick: Chapter 4 28/5/21 Cruella 11/6/21 Jurassic World 3 25/6/21 The Batman 23/7/21 Misión: Imposible 7 29/7/21 Indiana Jones 5 6/8/21 Dungeons & Dragons 6/8/21 Jungle Cruise 6/8/21 Escuadrón Suicida 2 15/10/21 Halloween Ends 5/11/21 Doctor Strange in the Multiverse of Madness 12/11/21 Animales fantásticos 3 17/12/21 Avatar 2 22/12/21 Sherlock Holmes 3 28/1/22 Babylon 18/2/22 Thor: Love and Thunder 2/4/22 Shazam 2 16/4/22 Spider-Man un nuevo universo II 6/5/22 Black Panther 2 8/7/22 Capitana Marvel 2 5/8/22 Misión: Imposible 7 16/12/22 Aquaman 2 22/12/23 Avatar 3 20/12/25 Avatar 4 Nota de la redacción: Fechas estimadas de estreno de películas que muchas de ellas ni siquiera han comenzado a rodarse y que por lo tanto pueden sufrir cambios de programación.

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Jim Carrey se pone otra vez la máscara El regreso de Jim Carrey a uno de los personajes de más éxito de su carrera, la Máscara, se dará en la película Space Jam 2, que mezcla animación e imagen real. Warner Bros. quiere llenar el largometraje de tantos cameos de su galería de personajes como pueda reclutar, buscando un efecto de eco que incluso sirva para testar la popularidad de algunos personajes. Así, por ejemplo, se cita a Joker, Batman y Superman como otras destacadas creaciones propiedad del estudio que podrían sumarse a este largometraje. La fórmula no es nueva, pero sí ha probado su eficacia en La LEGOpelícula, en cuya primera parte lo mejor era las aportaciones cómicas de Batman, que no por casualidad consiguió luego su propio largometraje en forma LEGO.

Drácula vuelve al cine Blumhouse, propulsada por el éxito de su versión de El hombre invisible, prepara el regreso de Drácula a la pantalla grande en una propuesta similar. La directora de esta nueva versión será Karyn Kusama, responsable de Girlfight, Aeon Flux, Jennifer’s Body, La invitación y Destroyer, una mujer herida. Los guionistas serán Matt Manfredi y Phil Hay (El esmoquin, Aeon Flux, Furia de titanes, RIPD: Departamento de Policía Mortal, La invitación, Infiltrados en Miami, Destroyer, una mujer herida). Universal parece ser el estudio mejor posicionado para distribuir el largometraje cuando llegue a las salas.

Star Trek, Spin-Off La saga de películas que forman parte del reboot de la serie Star Trek inic i a d o p o r J . J. A b r a m s parece encontrar otro camino por el que desarrollarse en pantalla grande: el spin-off. El personaje elegido como protagonista del primer largometraje que pondrá en marcha el estudio Paramount es el señor Spock interpretado por Zachary Quinto, que sería el protagonista del proyecto. El mestizo vulcaniano y humano de las orejas puntiagudas que en su versión original interpretara Leonard Nimoy, estaría acompañado en esta aventura por la oficial de comunicaciones Uhura, interpretada por Zoe Saldana. El argumento girará sobre un viaje en el tiempo de Spock para intentar salvar a su madre, interpretada en la primera película de J. J. Abrams por Winona Ryder.

Otra de Spiderman Sony prepara otra película de Spiderman y ha fichado a Roberto Orci, guionista de The Amazing Spiderman 2: el poder de Electro, para escribir el guion. La película no estará incluida en el universo Marvel, al que sí pertenecen los dos últimos largometrajes en imagen real, aunque sí estará conectada con el propio universo de Spiderman de Sony, del que forman parte películas como las de Venom, Morbius, Spiderwoman, Los seis siniestros, Madame Web…, esto es, todos los proyectos que desarrolla el estudio al margen del universo Marvel. De hecho, Sony ha confirmado que tiene planes para que Veneno, Morbius y Spiderman aparezcan juntos en un largometraje.

El planeta del tesoro en imagen real Disney prepara un remake en imagen real de El planeta del tesoro, largometraje de animación en el que adaptó al género de ciencia ficción la premisa argumental del clásico del cine de venturas La isla del tesoro, de Robert Louis Stevenson en 2002, consiguiendo buenas críticas, pero recaudaciones no tan buenas. El proyecto para trasladar sus personajes y su universo a los actores de carne y hueso está en las primeras fases de desarrollo, todavía lejos de la cartelera, y lejos de elegir reparto.

El origen de Voldemort El gran antagonista de Harry Potter, Voldemort, bien merece su propia película de orígenes.

Si ha funcionado con Joker, ¿por qué no probar suerte con este otro archivillano? Eso es lo que deben haber pensado en Warner Bros., estudio en el que al parecer incluso tienen ya echado el ojo a un posible protagonista: Noah Schnapp, alias Will, el niño perdido, en la serie Stranger Things.

Le pega para ser el protagonista de esta precuela en la que se abre ahora todo tipo de especulación sobre candidatos a interpretar los papeles de los padres de Harry Potter y otros personajes clave de la saga.

NOTICIAS CINE ORIENTAL

por Iván E. Fernández

Zhang Yimou y el thriller

Blood Rush Detrás de este título se esconde una película que podría ser de las más esperadas para este año, o para el 2021. El director, Ranjeet S. Marwa, es quien está detrás de este proyecto, que también guioniza y produce, y que tiene un reparto con nombres como los de Sunny Pang (Headshot), Yayan Ruhian (The Raid), Zack Lee (The Night Comes for Us), Cecep Arif Rahman (The Raid 2), Nathan Jones (Fearless) y, posiblemente, Oka Antara (The Raid 2), Andrew Suleiman (Gundala) e incluso Tony Todd (Candyman), algo que en breve se terminará de confirmar. Zack Lee es quien la protagoniza, interpretando a Max Wayan, que, tras perder a su mujer, tendrá que luchar (según indica la sinopsis oficial) contra sus demonios internos para salir de un peligroso culto. Se iba a filmar en Inglaterra, pero finalmente será Indonesia el país que acoja este rodaje, en cuanto se pueda. El propio Marwa ha estado reunido con Timo Tjahanto, d i r e c t o r d e T h e N i g h t C o m e s f o r U s, s i e n d o e s t e f i l m e , Headshot, y las dos entregas de The Raid las que han inspirado al realizador para poner en marcha este Blood Rush que promete mucha y buena acción.

The White Storm 3 Tras el éxito de las dos anteriores entregas, de 2013 y 2019, ambas, por cierto, disponibles en España en Netflix, se confirma una tercera parte que tendrá a Lau Ching-wang, Louis Koo y Andy Lau, además de rumorearse que podría sumarse Aaron Kwok. La primera fue digirida por Benny Chan, con policías encubiertos detrás de un mafioso, mientras que la secuela, The White Storm 2: Drug Lords, tuvo a Herman Yau en dicha silla, con otro caso contra el narcotráfico. Esta anunciada tercera parte aún no tiene director, que esperemos anuncien en breve.

Tampoco se ha desvelado nada de la historia, pero seguirá la línea de las dos primeras tormentas blancas, convirtiéndose en una gran trilogía policiaca. Solo falta que termine esta horrible pandemia para que tengamos más datos, incluyendo la fecha de rodaje. Mientras tanto, no es mala idea aprovechar para ver de nuevo, o por primera vez, las dos películas para ir refrescando.

Otro de los nombres que ha visto parado su trabajo por la actual crisis sanitaria es el chino Zhang Yimou, que había comenzado la producción del thriller de espías Impasse, del que se mantiene todo en secreto. El parón obligado tiene su parte positiva y es que Yimou se ha puesto a trabajar en otro filme del mismo género, Rock Solid, descrita por el director en una entrevista de la revista Variety como muy urbana, con un estilo realista y muy serio, con unas imágenes únicas. Sabiendo de quién vienen estas palabras, nos lo creemos, ya que como pudimos ver en Sombra (2018) y en su larga filmografía, es un maestro visual, y cuando ha salido del drama puro, ha demostrado tener lo que se necesita para ser uno de los grandes cineastas chinos de todos los tiempos. Y otra buena noticia referente al director es que One Second, tras ser retirada del Festival de Berlín del 2019 por problemas técnicos, verá por fin la luz este 2020.

Esta película es la carta de amor del director hacia el cine, con un preso fugado durante la Revolución Cultural para poder ver una película.

El regreso de french: Debt Collectors Scott Adkins ha vuelto a interpretar a French en Debt Collectors, secuela de The Debt Collector (2018), aquella estupenda película donde el británico unía fuerzas con Louis Mandylor a las órdenes de Jesse Johnson. A pesar del final de esta, podremos volver a ver a estos dos actores en acción en una trama donde viajarán a Las Vegas para recaudar una deuda del dueño de un casino, mientras son perseguidos por un narcotraficante en busca de venganza. Con guion del propio Johnson junto con Stu Small, que ha firmado los libretos de la primera entrega, Accident Man (2018) y Avengement (2019), todas con Adkins, el reparto suma a Mayling Ng, estupenda artista marcial, especialista y actriz. Luke LaFontaine regresa igualmente como coordinador de especialistas y la fecha de estreno en VOD es este 15 de mayo. Recordemos que Adkins tiene pendiente el estreno de Seized, con Isaac Florentine como director, el thriller de espías Legacy of Lies, la comedia de ciencia ficción The Intergalactic Adventures of Max Cloud, y debería comenzar a rodar, una vez que se normalice todo, Castle Falls, con Dolph Lundgren. Por su parte, el director que más provecho está sacando de Adkins, Jesse Johnson, tiene pendiente comenzar el rodaje de otro thriller, Lion’s Den, aunque de momento no se ha anunciado el reparto. Sin duda, la estrella del cine marcial occidental y Jesse Johnson se han convertido en sinónimos de solvencia en el actual cine de acción.

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ÉCHALE UN OJO

En el mar de dudas en el que nos movemos, parece claro que muchas películas no las veremos cuando pensábamos. No parece el caso de Dune, la epopeya épica de Denis Villeneuve que se ha presentado en sociedad y que sigue teniendo previsto su estreno para el 18 de diciembre de 2020. Quizá la receta perfecta para volver a los cines.

Puede que muchos piensen que, al estrenarse en diciembre, todo es un camino de rosas para Dune. La cinta que ha dirigido Denis Villeneuve llegará cuando se espera que la normalidad empiece a instalarse en nuestras vidas, con un reparto de lujo, con los Oscar a la vuelta de la esquina y, además, con muchos rivales habiendo cambiado sus planes de estreno para 2021 debido a la situación que rodea a la pandemia del coronavirus. Pero no todo es de color de rosa para la superproducción de ciencia ficción, sino que hay más de un problema al que debe enfrentarse y que tanto las primeras imágenes como el tráiler nos han hecho pensar que no supondrán un obstáculo real. El miedo de los fans viene por el hecho de que una película como esta, que aparte se supone que será la primera de dos, basada en la obra literaria de Frank Herbert, es tan enorme que necesita una extensísima posproducción y nadie sabe en qué estado se encuentra esta. Por supuesto, la edición y los efectos visuales se avanzarán mediante teletrabajo, como tanta otra gente, pero… se necesitará rematar en las oficinas. Y, además, ¿estaremos dispuestos a regresar a las salas de cine en diciembre? ¿O será demasiado pronto y el miedo primará sobre la normalización de la situación?

Sea como sea, Villeneuve sigue en curso de hacernos llegar su epopeya de ciencia ficción en la que tiene uno de los repartos más importantes del año, como decíamos. Timothée Chalamet es el protagonista en la piel de Paul Atreides, y así lo hemos visto en la primera foto oficial de la película, su carta de presentación, con el joven personaje paseando por una playa. Además de Chalamet, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac, Jason Momoa, Zendaya, Javier Bardem, Josh Brolin, Stellan Skarsgard, Dave Bautista o Charlotte Rampling pueblan el universo de Dune, que ha trasladado el director a la gran pantalla después de un extenso rodaje en Noruega, Jordania, Austria, Emiratos Árabes, Eslovaquia y Hungría, donde estaban los estudios Origo Film, base principal de la filmación.

Algunos seguidores de Villeneuve estaban realmente preocupados porque, en dicho rodaje, Roger Deakins no era el responsable de la fotografía, debido a otros compromisos, por lo que se ha tenido que encargar de un aspecto tan importante de la cinta a Greig Fraser, responsable de la fotografía de Zero Dark Thirty o Rogue One, lo que da a entender que talento tiene de sobra. Pero la sombra de Deakins es alargada y llevaba tres películas y nominaciones con Villeneuve. Eso sí, la presencia de Fraser confirma que el filme terminó de rodarse hace tiempo. El director de fotografía estaba ocupado rodando The Batman antes de la pandemia.

La historia es más que conocida por los seguidores de las novelas, con Paul Atreides en el planeta más peligroso de la galaxia, donde se extrae la especia, el recurso más deseado y codiciado del lugar, con diversas familias intentando hacerse con el control de esta y aumentando enormemente su poder en la galaxia. Traicionado y perseguido, Paul descubrirá sus dones y su destino. Un viaje del héroe nada común que ya intentó llevar al cine en los ochenta David Lynch con un resultado irregular, además de alguna serie de televisión nada brillante. Ahora, Villeneuve retoma esta historia con la intención de crear una saga galáctica que se convierta en referente. Cuenta también con Hans Zimmer como compositor y con Patrice Vermette diseñando el vestuario. Aunque el mayor miedo sea, al final, el guion. En Villeneuve confiamos, y en Eric Roth (Múnich, Forrest Gump, El dilema…), pero Jon Spaihts (La momia, Passengers, Prometheus…) da algo de miedo. Esperemos salir de dudas en diciembre.

Sara Martín

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MUNDO FANTÁSTICO

por Santiago de Bernardo

En recuerdo de Stuart Gordon

No deberías perdértela:

FantastiCozzi Año 1980. Tenemos al director y guionista Luigi Cozzi en una máquina de escribir con una máscara antigás y una mano que parece todo menos humana. Así comienza el estupendo documental grabado entre 2010 y 2016 FantastiCozzi (Felipe M. Guerra, 2016), sobre este realizador, guionista y escritor italiano que desde hace tiempo regenta la tienda romana Profondo Rosso Store, montada por su amigo Dario Argento, y en la que puede seguir activo en su pasión por el cine fantástico, además de permitirle escribir, que es con lo que inició su carrera y le facilitó conocer a grandes del fantástico italiano, pero también de la literatura de ciencia ficción norteamericana como Arthur C. Clarke o Ray Bradbury. Por las propias palabras de Cozzi podemos saber que trabajó en los fumetti de Diabolik, con cuyos beneficios compró película para su primer largometraje, Il tunnel sotto il mondo (1969); cómo empezó a colaborar a principios de los setenta con Dario Argento; que tuvo que utilizar el seudónimo de Lewis Coates porque en Italia no eran precisamente seguidores de los realizadores nacionales; en qué momento se dedicó a labores de distribución e hizo su propia versión de Godzilla (1954), coloreándola y añadiéndole metraje; cómo pudo trabajar por fin con la actriz Caroline Munro en Star Crash, choque de galaxias (1978); o la artimaña a la que sometió al actor Lou Ferrigno para rodar la segunda entrega de Hércules para la Cannon (para la que estuvo a punto de dirigir Lifeforce —Fuerza vital—), sin que este lo supiera. Anécdotas, curiosidades y mucha información completan este filme que muestra, asimismo, la evolución del cine de exploitation y serie B italiano (que ya no volvió a ser el mismo tras la crisis de mediados de los ochenta) y del propio Cozzi, quien pasó de escritor a guionista y cineasta para volver a la literatura fantástica, a la que se dedica actualmente, salvo excepciones como su tributo cinematográfico al fantástico Blood on Méliès’ Moon (2016).

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Con el fallecimiento de Stuart Gordon a los 72 años, desaparece un realizador fundamental del fantástico de las últicontando que décadas, mas habitualmente con limitados presupuestos fue capaz de rodar películas donde no faltaban nunca sus buenas dosis de humor, se tratara de cine de terror, ciencia ficción o thriller. Si bien su mayor éxito fue la historia, creada junto con Brian Yuzna, de Cariño, he encogido a los niños (1989), que finalmente rodó Joe Johnston, son recordadas otras colaboraciones con este, como la magistral Re-Animator (1985) —adaptación de un texto de H. P. Lovecraft en la que un científico descubre un suero para devolver a la vida a los muertos—, que fue premiada en Sitges y Avoriaz y se convirtió en el mayor éxito de la productora Empire de Charles Band. Otros trabajos con Brian Yuzna fueron Re-Sonator (1986), de nuevo sobre un relato de Lovecraft, o sus guiones para El dentista (1998) o El embrión (1998), además de participar en su proyecto para la Fantastic Factory de Filmax con Dagon: la secta del mar (2001). Entre sus producciones dirigidas para Charles Band destacan, además, Dolls (1987), con unos muñecos que tienen vida; la futurista Robot Jox (1989); la adaptación de una obra de Edgar Allan Poe, El péndulo de la muerte (1991); o Castle Freak (1995), de nuevo con Lovecraft como fuente desde su relato El extraño. Gordon manejó sus mayores presupuestos en cintas de ciencia ficción como Fortaleza infernal (1992), sobre un futuro dictatorial, o Space Truckers (1996), una de aventuras espaciales, y su última película fue el thriller Stuck (2007), puesto que el proyecto House of Re-Animator nunca se llegó a materializar. Posteriormente se responsabilizó de Re-Animator: The Musical, con la garantía de tener una amplia experiencia en el mundo de la escena, ya que mucho antes de dedicarse al cine fundó la compañía de teatro Organic Theater Company junto con su esposa, la actriz Carolyn Purdy-Gordon. Nos deja uno de los grandes de la serie B, cuya obra, tanto para cine como para televisión, hay que reivindicar.

Tesoros audiovisuales on-line Actualmente, la oferta audiovisual on-line disponible para nuestro país es amplísima en lo que se refiere a películas y series de fantástico, entre otros contenidos, pero los hay también muy interesantes (y gratis) fuera de la oferta comercial: byNWR, la plataforma de cine “raro, olvidado y desconocido” del director Nicolas Winding Refn (Drive), ofrece la posibilidad, a través de diferentes “volúmenes”, de ver entre otras (en versiones restauradas) Marea nocturna (Curtis Harrington, 1961), acerca del encuentro de un marinero con una muchacha que podría ser una sirena; o el thriller Stark Fear (Ned Hockman, 1962), con una mujer que sufre violencia de género y planea eliminar a

FANTASÍA • TERROR • GORE • CIENCIA FICCIÓN su esposo, siempre acompañados de abundante información y artículos relacionados con su temática y contexto creativo.

En IFI Player, perteneciente al irlandés IFI (Irish Film Archive), se puede conocer la curiosa filmografía del cineasta Roy Stark Fear Spence, seguidor del cine de serie B de ciencia ficción norteamericano de los cincuenta, con títulos como The Tomb of Frankenstein (1964), sobre un ermitaño que resucita mediante la brujería a Frankenstein (el monstruo) para vengarse de los The Tomb of Frankenstein (1964) que antes le hicieron daño. Por su parte, en la italiana Cineteca Nazionale está disponible la primera película sobre el personaje de Pinocho, Pinocchio (Giulio Antamoro, 1911); también se puede realizar un paseo por la primera animación nipona, educativa y de Pinocchio (Giulio Antamoro, 1911 entretenimiento, pero también de propaganda militar, desde la plataforma Japanese Animated Film Classics; es posible disfrutar de lecciones de cine de realizadores como Brian De Palma, Joe Dante o Paul Verhoeven en La Cinémathèque Française; Snow White (J. Searle Dawley, 1916) o ver contenidos de linterna mágica en Linternauta. También visionar Snow White (J. Searle Dawley, 1916) —una versión muda de Blancanieves— desde la web de NFPF (National Film Preservation Foundation) o ver en el Texas Archive of The Best Damn Fiddler from Calabogie to Kaladar the Moving Image entre(Peter Pearson, 1968) vistas (realizadas en su momento con motivo del estreno de sus respectivas películas) a actores como Dennis Quaid por El chip prodigioso, William Shatner y Leonard Nimoy por Star Trek IV: misión Salvar la Tierra, Arnold Schwarzenegger por Depredador o Christopher Reeve y Margot Kidder por Superman IV: en busca de la paz. Y precisamente de Margot Kidder se puede acceder a su primer filme, el drama en blanco y negro The Best Damn Fiddler from Calabogie to Kaladar (Peter Pearson, 1968), acerca de la vida de una familia que se dedica de manera itinerante a trabajar en explotaciones forestales, desde NFB (National Film Board of Canada).

Novedades en vídeo Muchos lanzamientos en vídeo en formato físico (blu-ray, DVD) se han aplazado a fechas más adecuadas; no obstante, hay algunas novedades recientes de interés: una de ellas, aunque sin extras como en ediciones foráneas, es la adaptación de Matadero cinco, de Kurt Vonnegut Jr., dirigida en 1972 por George Roy Hill y que cuenta cómo un soldado estadounidense apresado por las fuerzas de Tercer Reich y prisionero en la ciudad germana de Dresde, espectador del brutal bombardeo por parte de los aliados de dicha ciudad, vive también en una realidad paralela. Además, se puede disfrutar (en DVD y con abundantes extras) de títulos orientales de la mano de Trashorama, como la nueva entrega del personaje Detective Dee en Detective Dee y el sendero del infierno (River Huang, 2018), o del clásico con Sonny Chiba Golden Bat (Hajime Sato, 1966), con dicho héroe que surge para salvar la Tierra. Asimismo, del mismo sello son las dos entregas de The Haunted Cop Shop de 1987 y 1988, de Jeffrey Lau, sobre sucesos extraordinarios que complican la vida de unos policías cuya comisaría se construyó sobre un antiguo prostíbulo y que en la segunda entrega encuentran nuevos problemas en una base militar; o El Hombre Invisible contra la Mosca (Mitsuo Murayama, 1957), presentada junto con Las aventuras eróticas del Hombre Invisible (Masakazu Migita, 2010), con un joven capaz de hacerse invisible y meterse en situaciones complicadas con chicas.

De festivales fantásticos Los festivales de género (como todo el mundo) están sufriendo las consecuencias de la aparición del COVID-19 en nuestras vidas. Y, así, se ha cancelado la trigésima octava edición del belga BIFFF, Brussels International Fantastic Film Festival 2020, mientras que el holandés Imagine Film Festival 2020 busca nuevas fechas para que pueda celebrarse este año quizá en otro formato, y el brasileño Fantaspoa se ha centrado en la red para ofrecer algunos títulos recientes para ser disfrutados on-line. Por su parte, el vizcaíno FANT, Festival de Cine Fantástico de Bilbao, es imposible que pueda realizarse en sus fechas de mayo, por lo que su vigésima sexta edición se celebrará “próximamente”; y lo tiene, asimismo, muy complicado el suizo NIFFF, Neuchâtel International Fantastic Film Festival, para poder mantenerse en el mes de julio. Aunque tal vez podrían salvarse los festivales programados tras el verano, todo depende de las medidas de “distanciamiento social” vigentes en ese momento, de la propagación del virus y principalmente de que haya una vacuna para entonces (algo realmente complicado). En todo caso, festivales como el de Sitges siguen trabajando en la programación de 2020, a la espera de los acontecimientos y medidas que se deban tomar para su próxima quincuagésima tercera edición, del 8 al 18 de octubre.

Mientras tanto, para que la espera sea más breve, tiene en marcha la campaña Sitges Countdown, donde ofrece diariamente cortos de fantástico con acceso gratuito.

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Cine en tiempos de Coronavirus Repasamos cómo va a afectar al futuro inmediato de estrenos y rodajes la pandemia del coronavirus. Este artículo está escrito desde la inmediatez de un proceso en activo y, por tanto, pueden cambiar algunos datos.

Tom Hanks y su esposa, la actriz Rita Wilson, mantuvieron su cuarentena en Australia

H

ace unas semanas, en internet se difundió que Chuck Norris había contraído el virus. En el momento en que escribo estas líneas no ha vuelto a saberse nada del asunto. Lo que sí han aparecido son los inevitables chistes, dejando dos titulares:

“Chuck Norris ha estado expuesto al COVID-19. El virus estará en cuarentena durante catorce días” “Los científicos descubren que las lágrimas de Chuck Norris curan el COVID-19… Lo malo es que él nunca llora”.

Víctimas del Covid-19 Poniéndonos serios, el 14 de febrero, la revista china Caixin informó de la muerte de Chang Kai, director de Hubei Film Studio, víctima de neumonía causada por el coronavirus en Wuhan.

La pesadilla se extendió luego a todo el mundo, cobrándose, entre muchísimas otras, las vidas de la actriz italiana Lucia Bosè, a la que le rendimos homenaje en la ficha coleccionable de este mismo número; Lee Fierro, la actriz que interpretó a la madre indig-

CINE EN TIEMPOS DE CORONAVIRUS nada del niño devorado por el escualo en Tiburón; el dramaturgo y guionista Terrence McNally (Frankie y Johnny, Con plumas y a lo loco); Mark Blum (Buscando a Susan desesperadamente, Cocodrilo Dundee); Forrest Compton (Dimensión desconocida, Mannix, FBI); Josep Maria Benet i Jornet (guionista de Amigo/amado y Actrices); Andrew Jack (el mayor Caluan Emmat de Star Wars VII y VIII, que además creó las pronunciaciones de la Tierra Media en El señor de los anillos); y Jay Benedict (el padre de Newt en Aliens: el regreso).

Muchos contagiados se recuperaron, como Tom Hanks y su esposa, la actriz Rita Wilson, Idris Elba, el actor español Tristán Ulloa, Itziar Ituño de La casa de papel, Olga Kurylenko, Debi Mazar, Danna García y Harvey Weinstein.

Estrenos: Desvíos hacia televisión y aplazamientos Consecuencia de la pandemia asociada al cierre de los cines –en China, reabrieron con un programa de reestreno de películas taquilleras, pero han vuelto a cerrar, y a principios de año la taquiMulan, cuyo estreno estaba previsto para el 27 de marzo ha cambiado lla del mercado de Asia-Pacífico ya había caído un 85 por ciento– su fecha de estreno al 24 de julio es el retraso de estrenos y el desvío hacia otras ventanas de exploEight, de Lin-Manuel Miranda, The Tomorrow War, la película de tación. ciencia ficción de Chris Pratt, el reboot de Candyman, The Woman Entre las producciones que van a cambiar de ventana de exhiin the Window, con Amy Adams, y Malignant, de James Wan, que bición, Bob Iger, jefazo de Disney (que ha renunciado a su sueldo inicialmente tenía la fecha que ahora tiene Wonder Woman. mientras otros directivos de la compañía se han recortado también el salario) ha anunciado que Artemis Fowl, dirigida por Kenneth Parón de rodajes Branagh irá directamente a emisión en Disney+. Se rumorea que Los nuevos mutantes también se aleja de los cines.

Las dos próximas películas de M. Night Shyamalan, todavía sin Sin hay tiempo para morir, la última película de Daniel Craig títulos, pero en las que el director ha afirmado que piensa explorar como James Bond, fue el primer blockbuster que anunció retraso de la fórmula de La visita, son solo dos más entre todos los rodajes que estreno a consecuencia de la pandemia. Está terminada y no tendrá se han aplazado como consecuencia del parón de la industria del ningún cambio cuando se estrene en noviembre de 2020. Antes audiovisual estadounidense derivado de la pandemia. La primera iba están previstos los estrenos de La a estrenarse el 26 de febrero de película de Bob Esponja (31 de julio), 2021 y la segunda el 17 de febrero Wonder Woman (14 de agosto), de 2023. Ahora la dos están aplazaMulan (24 de julio), Un lugar trandas hasta que se pueda retomar la quilo 2 (4 de septiembre), Free Guy, actividad, con el mismo destino que con Ryan Reynolds (11 de diciembre) le espera a la secuela de Shazam, y Top Gun: Maverick (23 de diciemque iba a comenzar a filmarse este bre). Viuda Negra también ha sido año. retrasada, como Tenet, de ChristoShang-Chi, la leyenda de los pher Nolan, sin fecha concreta en el diez anillos, suspendió a mitad de momento de escribir estas líneas. rodaje por sospecha de que su direcEn general, los estudios han tor tenía coronavirus, luego descaroptado por retrasar un año entero tada, y sigue de parón, aunque manOtra de las que debería haberse estrenado ya Un lugar tranquilo 2, sus estrenos, de 2020 a 2021. Juntiene estreno en mayo de 2021, ha cambiado su fecha de estreno al 4 de septiembre gle Cruise (julio 2021), Morbius (19 fecha inicialmente prevista para la marzo 2021) Tomb Raider 2 (19 de marzo 2021), Fast and Furious secuela de Doctor Extraño, que empezaba a rodarse el 7 de mayo y 9 (2 de abril de 2021), Peter Rabbit 2 (enero de 2021), Mortal ahora se estrenará el 5 de noviembre de 2021, que era la fecha Kombat, producida por James Wan (enero de 2021), Cazafantasanterior de Thor: Love and Thunder, movida al 18 de febrero de mas: Afterlife (5 de marzo de 2021), Eternals (12 de febrero de 2022. Black Panther 2 mantiene fecha de 8 de mayo de 2022, 2021), las secuelas Minions: The Rise of Gru (2 de julio de 2021) y pero Capitana Marvel 2 pasa al 8 de julio de 2022. ¡Canta 2! (diciembre de 2021), ocupando la fecha prevista de WicTambién han parado los rodajes de Misión: Imposible 7, The ked, ahora con estreno por determinar, como Greyhound, la película Matrix 4, lo que afectará al comienzo de John Wick 4, Jurassic de la Segunda Guerra Mundial con Tom Hanks, el musical In the World: Dominion, The Batman, La sirenita, Peter Pan y Wendy, The Last Duel, de Ridley Scott, Nightmare Alley, de Guillermo del Toro, Sin tiempo a morir fue la primera en cambiar su fecha de estreno al 12 de Uncharted, que paró el mismo día que Tom Holland anunciaba en noviembre Instagram el comienzo del rodaje, a pesar de lo cual, optimista, Holland afirma que el rodaje de Spider-Man 3 empezará en julio (difícil con Uncharted pendiente). Otros títulos con rodaje aplazado son Animales fantásticos 3 las escenas de imagen real de Avatar 2 y el resto de secuelas, aunque la producción virtual continúa, Black Adam o Indiana Jones V, que se va a 29 de julio de 2022.

Al menos, The Suicide Squad terminó de rodarse y está en proceso de posproducción con el director trabajando desde casa para llegar a estreno el 6 de agosto de 2021.

Miguel Juan Payán

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Series de televisión En tiempos de Coronavirus La situación mundial ha cambiado muchas cosas. Los cines están cerrados, y eso no sorprende a nadie en el estado de cuarentena. Pero aunque pudiese parecer de otro modo, ya que seguimos teniendo televisión, las series también han sufrido un golpe que en muchos casos va a ser difícil de recuperar por los responsables de las distintas cadenas. No es un panorama sencillo al que se enfrentan, porque no solo se trata de las series detenidas, sin continuidad; se trata de saber cuándo podrán volver y cuándo se reanudará la producción de muchas de ellas. se es uno de los mayores conflictos a los que se enfrenta Hollywood ahora mismo. No solo Hollywood, la industria del entretenimiento mundial. Cualquier evento que suponga la reunión de más de un determinado número de personas es imposible en estas circunstancias, lo que no solo impide que acudamos a cines, teatros o conciertos.

Impide que se rueden películas y que se sigan produciendo series de televisión. El cine tiene complicado estrenar sin las salas comerciales, pero aunque la televisión nos rodee continuamente, debemos entender que otros males aquejan a nuestras series más seguidas.

Y no solo es el hecho de que no se puedan rodar más episodios. El final de la cuarentena no está a la vista y tenemos que intentar entender lo que ha sucedido y lo que va a suceder a continuación. Y

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comprender también que existen dos tipos de sistemas de producción que van a marcar el devenir de nuestras series favoritas. Existe el formato tradicional, el que emplean las networks, que rueda los episodios según los va emitiendo y que ha sido el más afectado por toda esta situación, porque la producción se ha cortado en mitad de las temporadas que ya se estaban emitiendo, afectando incluso a futuros proyectos. Y luego tenemos el sistema más actual, empleado por Netflix, el resto de servicios streaming o incluso televisiones por cable. Producir toda la temporada del tirón para poder estrenarla a voluntad, episodio a episodio o de golpe. Este sistema permite que las cadenas hayan tenido varios proyectos en cartera esperando ser estrenados, pero no las libra de esa situación en la que, tarde o temprano, se acabará el material.

SERIES DE TELEVISIÓN EN TIEMPOS DE CORONAVIRUS En el sistema tradicional las televisiones se han quedado sin episodios que emitir. Todas las series que seguíamos han parado su producción en todas las cadenas. NBC, ABC, CBS, Fox y The CW se han quedado sin series que emitir, porque las productoras, muchas veces asociadas a ellas, han parado los trabajos desde mediados de marzo.

Franquicias como NCIS o Chicago, series con audiencias millonarias en todo el mundo, como Anatomía de Grey o el Arrowverso de The CW han suspendido su producción. Algunas, como la mencionada protagonizada por Ellen Pompeo, han visto recortada su temporada y han terminado su singladura antes de tiempo. Hasta The Walking Dead ha sufrido este parón. La serie emitirá su episodio 15 de la nueva temporada, pero debido al coronavirus no puede terminar el episodio 16, dejando la temporada sin concluir. El episodio se emitirá en algún momento de 2020, pero el problema es que la preproducción de la nueva temporada no puede tener lugar, por lo que el inicio de la temporada 11 podría verse afectado también.

Sobrenatural, por ejemplo, va a rodar más tarde el final de la serie, pero dicho parón obliga a que la nueva serie de uno de sus protagonistas, Jared Padalecki –que va a protagonizar el remake de Walker: Texas Ranger–, tenga que posponerse indefinidamente hasta que la serie anterior termine. Algo que no puede dejarse para otro momento porque es el final definitivo. Además, es posible que más de una serie no regrese tras este parón y sea cancelada definitivamente.

En sistemas que ruedan las temporadas completas como si se tratase de una película, no es más sencillo el camino, aunque por ahora Netflix, Amazon o HBO tienen material de sobra para seguir estrenando títulos durante un tiempo. Pero todo material es finito. Aunque series como Killing Eve, La casa de papel o Tales from the Loop lleguen, el material tendrá que seguir creándose o nos quedaremos pronto sin tramas nuevas. Y películas, porque SKY nos trae el filme El inmortal: una película de Gomorra, mientras Netflix estrena Tyler Rake, vehículo de acción con Chris Hemsworth. Por supuesto, dos series que estaban rodándose en Praga han detenido su producción, como son Carnival Row

Anatomia de Grey

The Walking Dead, World Beyond

–que rodaba su segunda temporada– y The Falcon and the Winter Soldier, de Disney +, cuyas producciones de Loki y WandaVision se han pospuesto también. El ambicioso proyecto de Amazon, El señor de los anillos, que andaba de preproducción en Nueva Zelanda con J. A. Bayona preparado para rodar el piloto, se ha detenido y no sabemos cuándo regresarán al trabajo. Hasta la poderosa Apple ha tenido que detener toda la producción de sus series para Apple TV+, empezando por la segunda temporada de The Morning Show, que se ha suspendido. Y otros dos proyectos de DC para distintas plataformas, Pennyworth y Doom Patrol, han paralizado sus rodajes. Existe preocupación en torno a Doom Patrol, porque cuando hubo problemas el pasado año con Swamp Thing, DC canceló la serie a las primeras de cambio…

Y ya hay estrenos que han tenido que alterar el rumbo previsto.

AMC planeaba estrenar en todo el mundo el nuevo spin-off de The Walking Dead, World Beyond, un estreno que se ha pospuesto indefinidamente. En España, la situación es la misma, pese a que ya tengamos La casa de papel o Élite. Pese a que El Ministerio del Tiempo esté a punto de llegar o haya llegado a la hora de leer estas líneas. El Cid, la serie española de Amazon con Jaime Lorente al frente, se ha quedado a las puertas de rodar el último episodio de su segunda temporada (se rodaron dos temporadas a la vez), mientras que Patria, la esperadísima adaptación de la novela de Fernando Aramburu, ha retrasado su estreno en HBO –previsto para el 17 de mayo– para evitar el riesgo en los equipos de posproducción. Por supuesto, además, en nuestro país tendremos que dejar de consumir series dobladas. Algo que muchos olvidan. Pasaremos a versión original subtitulada por el momento, porque todas las empresas han suspendido los doblajes hasta que pase el temporal. Y si miramos a Reino Unido, el esperadísimo regreso de Peaky Blinders, que estaba ya en producción, se ha detenido esperando tiempos mejores. Estamos funcionando en la reserva, y hay que entender que el panorama está paralizado, algo que tarde o temprano (más bien temprano) alcanzará al espectador en sus hogares.

Sara Martín

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Las mejores comedias de la historia del cine En tiempos difíciles, el humor es un arma, así que ahí os dejamos 20 comedias esenciales.

Aviso: cuando le demos la suya y la del pulpo al COVID-19, toca organizar una fiesta toga al grito de Blutarsky en Desmadre a la americana: ¡¡¡Toga, toga, toga!!! Yo ya tengo la sábana lista.

Comenzó en marzo Conviene no olvidar que la comedia como género arranca en la Grecia clásica, con las dionisias, jornadas festivas populares que precisamente se celebraban el mismo mes en el que comenzó nuestro encierro para combatir en la guerra contra el coronavirus.

Estas festividades trazan además un vínculo del género que nos ocupa con el terror a través de la figura de Dionisio, el dios de las baca-

nales, factor del caos que se enfrenta en la raíz del terror a Apolo como representación del orden, mutándose en ese otro género como en el que nos ocupa en agente de lo inesperado, que rompe lo cotidiano, lo previsible.

En estas festividades predominaba la danza con motivos burlescos, lo cual traza otro importante nexo con otro género cinematográfico esencial, el musical, que llevará, de hecho, en muchos casos el término comedia como nombre de pila, convirtiéndose así en lo que conocemos como comedia musical.

En los inicios de la comedia en Grecia, según Aristóteles, encontramos las hordas de festejantes portando máscaras y falos rituales e improvisando tras un líder, una fórmula que los agraviados de las aldeas, kome, utilizaban para provocar y denunciar a quienes los habían ofendido en la ciudad de Atenas. Otras fuentes afirman que el término komoidia, que dará lugar a comedia, no deriva de kome, “aldea”, como creía Aristóteles, sino de komos, la procesión de comparsas que cantaban y bailaban.

En cualquier caso, es en Grecia donde se hunden las raíces de la comedia en Occidente. Allí encontramos muestras de comedia desde la

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LAS MEJORES COMEDIAS DE LA HISTORIA DEL CINE la comedia como en ese otro género que le es casi paralelo, que es el terror. Tanto comedia como terror funcionan muy bien como termómetros de la sociedad y el momento en el que se cuecen sus propuestas, si bien para perdurar en el tiempo deben siempre tener en cuenta la necesidad de trascender los problemas de esa sociedad y ese momento para acceder a lo universal y a lo intemporal.

Lo visual siempre supera a lo verbal

primera mitad del siglo V a. C., con obras en las que se aprecia la gran libertad de la comedia de esa etapa para incorporar la crítica y el reírse de todo sin censuras ni tabús. Todos los asuntos, todas las personas, poderosas o no, podían ser blanco de la comedia, cuyo objetivo era provocar el debate social y político con participación del público no solo riendo, sino también increpando o abucheando a personajes.

El peor enemigo de la comedia Ya en esos primeros tiempos, la comedia se enfrenta con su principal enemigo, el localismo, ese chiste que solo entienden las personas de un lugar concreto y a las del resto del planeta les pasa totalmente desapercibido, porque no tienen referencia de los temas o personajes que aborda. Romper la burbuja de lo local y pasar a lo general será el reto de la comedia, que también en esto se acerca al terror, donde las fobias serían el equivalente a lo local y los grandes miedos o inquietudes colectivas equivalen al chiste que puede entender todo el mundo y es, por tanto, eficaz en cualquier lugar del planeta, independientemente de las claves culturales que allí se manejen.

La clave, como siempre, es el público, y su conocimiento, empatía o complicidad con aquello que se le cuenta. El reto: ganarse esa empatía o complicidad precisamente teniendo en cuenta aquello que interesa o conmueve al espectador. Quien no respeta esa regla, se pierde, tanto en

En esa batalla por escapar al localismo, el humor visual, esto es, por lo que se refiere al cine, las comedias mudas siempre tienen ventaja frente a las comedias de la etapa sonora, donde entra el humor verbal, que si bien cuenta con sus propios ejemplos de perfección asentados en los diálogos chispeantes, raramente puede prescindir de lo visual como guardaespaldas de su eficacia a la hora de provocar ese acto de suprema humanidad y máxima rebeldía que es la risa.

Nada supera un tartazo en la cara, una caída, un gesto, y para confirmarlo basta con ver algunas de las comedias que incluimos en esta selección.

Luego, cada país adaptará las claves de la comedia, visuales o verbales, a su propia idiosincrasia cultural, y así podremos decir que países distintos dan a luz una distinta manera de entender y poner en pantalla sus comedias. En Italia, por ejemplo, veremos nacer el neorrealismo rosa, que toma prestadas las claves visuales y de costumbrismo trágico del neorrealismo para adaptarlas a la búsqueda de resortes de humor en el que domina la comedia de la calle, protagonizada por figuras de la clase trabajadora, una visión poética de la vida y una crítica social amable en la que brillarán algunos momentos de Fellini, De Sica, Totó… y así hasta Roberto Benigni.

En el cine italiano, lo cómico siempre incluye una pincelada trágica, como en la explicación del juego de puntos para conseguir el tanque de Benigni a su hijo en el campo de concentración de La vida es bella, o en la escena de Charlot comiéndose la bota en La quimera del oro, dos comedias que no están en esta selección, pero no porque no considere que sean obras maestras, que lo son, sino porque el número se limita a 20 títulos, y aunque son muy buenas todas las que están, no pueden estar todas las que son buenas. Valga esto como sincera disculpa por todas esas comedias que tanto nos han hecho reír y que no han llegado a encontrar hueco en este reportaje. Confieso aquí que La quimera del oro me gusta más como obra de Chaplin que El chico, pero siendo objetivo, El chico es mejor, lo mismo que la otra comedia de Chaplin incluida, Tiempos modernos. De hecho, solo con Chaplin, la Capilla Sixtina de la comedia en el cine, ya tendríamos 20 comedias imprescindibles.

La comedia en Inglaterra la dominan durante varias décadas los estudios Ealing (1945-1955) y su serie Carry On…, de Gerald Thomas y Peter Rogers, mezcla de parodia, farsa, slapstick y dobles sentidos (29 entre 58 y 78), con un costumbrismo que maneja menos poesía y más sátira, mucho más cínico que el de los italianos.

En Francia, son creadores de la comedia de carrera y persecución, tienen a la primera estrella del género, Max Linder, inspirador de Chaplin, y al gran maestro Jacques Tati, un caso aparte que recupera el mimo del cine mudo mezclándolo con colores, sonido y uso del espacio magistral.

En España, influida por la novela picaresca del Siglo de Oro y por el folclore, encontramos el humor negro en el que dominan los maestros Rafael Azcona y Luis García Berlanga, en cuyas obras habla la calle.

Y en Estados Unidos, la comedia muda, el slapstick heredero del vodevil, los mimos, el circo y las tiras cómicas de periódicos, con peleas salvajes, persecuciones y acrobacias, tiene un padre, el productor Mack Sennett, de Keystone Company, que propone una fuga de la realidad hacia un mundo de fantasía visual en el que las leyes naturales quedan suspendidas temporalmente. Todo eso antes de que se imponga la palabra en el cine sonoro, dando lugar a las screwball comedies, producto escapista para la época de la Gran Depresión en la economía habitada por figuras excéntricas, sátiras sociales amables, propensión al caos y guerra de sexos.

Miguel Juan Payán

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EL MAQUINISTA DE LA GENERAL The General 1926. EE. UU. Blanco y negro; Director: Clyde Bruckman, Buster Keaton; Guion: Al Boasberg, Charles Henry Smith, Clyde Bruckman, Paul Gerard Smith; Fotografía: Bert Haines, Deveraux Jennings.

Montaje: Buster Keaton, Sherman Kell; Intérpretes: Buster Keaton, Marion Mack, Glen Cavender, Jim Farley, Frederick Vroom, Charles Henry Smith, Frank Barnes, Joe Keaton, Mike Donlin, Tom Nawn, Henry Baird, Joe Bricher, Jimmy Bryant, Sergeant Bukowski, C. C. Cruson, Jack Dempster, Keith Fennell; Duración: 67 minutos.

Algo muy común en el cine mudo es que nos encontremos con distintas partituras musicales en distintas épocas para acompañar las imágenes. En el caso de El maquinista de La General, como en el de otras muchas películas mudas, eso produce que cambie con cada versión. En este largometraje, las distintas versiones van a estar compuestas por Carl Davis, Robert Israel, Konrad Elfers, Joe Hisaishi y The Alloy Orchestra.

El guion de la película, para la que Keaton contó con un ambicioso presupuesto de 400 000 dólares, se basa en un hecho real de la Guerra Civil entre los estados del norte y los del sur que fue recreado en el libro de memorias de William Pittenger The Great Locomotive Chase, punto de partida del que partió Buster Keaton. En 1956, ese mismo libro dio lugar a una película de aventuras en clave de wéstern, Héroes de hierro, dirigida por Francis D. Lyon con Fess Parker (el Daniel Boone televisivo) como protagonista.

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THE KID 1921. EE. UU. Blanco y negro; Director: Charles Chaplin; Guion: Charles Chaplin; Fotografía: Roland Totheroh; Música: Charles Chaplin; Intérpretes: Charles Chaplin, Carl Miller, Edna Purviance, Jackie Coogan, Albert Austin, Beulah Bains, Nellie Bly Baker, Henry Bergman, Edward Biby, F. Blinn, Kitty Bradbury, Frank Campeu, Bliss Chevalier, Frances Cochran, Elsie Codd, Jack Coogan Sr., Estelle Cook, Lillian Crane, Philip D’Oench, Dan Dillon, Robert Dunbar; Duración: 68 minutos.

La duración del montaje que contaba con una nueva música de Chaplin era de 50 minutos. La versión en DVD cuenta con una duración de 51 minutos y la del reestreno con 53. Cualquiera de estas versiones pone de manifiesto el talento de Chaplin como máximo exponente de los padres de la comedia cinematográfica que por sí mismo ya nos daría para un coleccionable él solo. En este, su primer largometraje, un Chaplin que venía del corto demuestra que puede seguir reinando en esta otra duración.

Para ello, le bastó con tomar como referencia su propia vida, su propio pasado en la pobreza durante su infancia en Londres, haciendo de los más desfavorecidos protagonistas recurrentes de la mayor parte de su filmografía.

Además, Chaplin batió el récord de tiempo de rodaje de una producción de estas características con cinco meses y medio de filmación en el que puso de manifiesto su perfeccionismo y de paso ejerció como pionero de una nueva forma de entender la realización de largometrajes en un cine que comenzaba a digerir el cambio de formato del corto al largo.

Es la película más vista y recordada de toda la filmografía de su actor y director, y la más significativa por su cruce de claves de comedia habituales en el cine de Buster Keaton, y claves del cine épico, de acción trepidante. En lo referido a su circulación masiva, a lo anterior se añade el hecho de que se cometiera un error en la renovación de derechos que dejó a la película en el territorio del dominio público, facilitando que cualquiera pueda duplicar y comercializar copias de este filme, algunas de las cuales son incompletas y de pobre calidad. M.J.P.

Mi escena favorita es la de la pelea de los niños que acaba siendo la pelea de los adultos, en la que Chaplin aborda un momento recurrente de sus comedias: el vapuleo del abusón por el más débil, una reivindicación casi bíblica de David contra Goliat que siempre resolvía con gran sentido del humor, por ejemplo, introduciendo aquí la incorporación de la fémina que “dulcifica” al matón proponiéndole que ponga la otra mejilla mientras el siempre pícaro Chaplin aprovecha la ocasión para cobrarse la revancha ladrillo en ristre. Una joya de la comedia por un coste aproximado de 250 000 dólares. M.J.P.

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TIEMPOS MODERNOS

UNA NOCHE EN LA ÓPERA

Modern Times

A Night at the Opera

1936. EE. UU. Blanco y negro; Director: Charles Chaplin; Guion: Charles Chaplin; Fotografía: Ira H. Morgan, Roland Totheroh; Música: Charles Chaplin; Intérpretes: Charles Chaplin, Paulette Goddard, Henry Bergman, Tiny Sandford, Chester Conklin, Hank Mann, Stanley Blystone, Al Ernest Garcia, Richard Alexander, Cecil Reynolds, Mira McKinney, Murdock MacQuarrie, Wilfred Lucas, Edward LeSaint, Fred Malatesta, Sammy Stein; Duración: 87 minutos.

1935. EE. UU. Blanco y negro; Director: Sam Wood, Edmund Goulding; Guion: George S. Kaufman, Morrie Ryskind, James Kevin McGuinness, Buster Keaton, Al Boasberg, Bert Kalmar, George Oppenheimer, Robert Pirosh, Harry Ruby, George Seaton, Carey Wilson; Fotografía: Merritt B. Gerstad; Música: Herbert Stothart; Intérpretes: Groucho Marx, Chico Marx, Harpo Marx, Kitty Carlisle, Allan Jones, Walter Woolf King, Sig Ruman; Duración: 96 minutos.

Fue el último largometraje “mudo” de Charles Chaplin, si bien ya incorporó a este el sonido en la escena de la actuación final, donde Charlot se inventa un idioma para salir del paso. Chaplin demostró en esa parte final de su película su capacidad para satirizar lo que podía suponer la incorporación de la palabra al cine. Paradójicamente, lo hizo aplicando la herramienta –el sonido– que al mismo tiempo miraba con cierta prevención como creador forjado en el cine silente.

Otro momento clave de la película se asienta también sobre una visión satírica: cuando recoge un paño rojo del suelo que ha caído de un camión y, corriendo tras el vehículo para intentar devolverlo, se convierte accidentalmente en una especie de líder de la masa que protesta y se manifiesta, poniendo en cuestión la facilidad con la que las masas pueden ser manipuladas por cualquiera que muestre una mínima capacidad para liderarlas. Esas mismas masas de trabajadores que salen del metro para iniciar sus jornadas laborales son comparadas, aplicando la “versión Chaplin” del montaje de atracciones del maestro S. M. Eisenstein, con ganado, en el primer acto de la historia.

Más adelante, encontramos una de las mejores secuencias de Chaplin con el tema central de la deshumanización del hombre, convertido en pieza de la máquina en la cadena de producción capitalista, primero en la cadena de montaje, después en el sometimiento forzoso a ejercer como conejillo de Indias en un experimento con tecnología que intenta reducir el tiempo que tarda un trabajador en almorzar. Todo un alegato contra el sometimiento a la máquina que encadena bien con las secuencias de la máquina convertida en el dios Moloch donde son sacrificados los obreros en Metrópolis, de Fritz Lang. M.J.P.

Exportados al cine desde el teatro, los Marx adaptaban las claves de sus éxitos sobre los escenarios al cine, encontrando así el camino para convertirse en eficaz puente entre la comedia muda y el cine sonoro en un momento clave de la evolución del género. En la agrupación principal de los tres hermanos Marx, encontramos a Harpo explotando los recursos de la comedia muda, pero al mismo tiempo tirando de un elemento sonoro, su bocina, para generar chistes a caballo entre los dos mundos que encajan en la verborrea disparatada y surrealista de Groucho, quien curiosamente tiene como arma principal la palabra, pero no por ello renuncia al gesto, el bigote pintado, las cejas y las gafas, el puro y los andares propios de una caricatura del cine mudo. Entre ambos, ejerciendo como figura de equilibrio, fiel de la balanza entre los platillos del mudo y del sonoro representados por Harpo y Groucho, encontramos a Chico, que puede interactuar con los dos anteriores, tanto en clave de cine mudo como en clave del cine sonoro, ejerciendo además como la voz más sensata del trío.

El reestreno de 1948 cuenta con una duración de 91 minutos y en lo referido a inversión fue una de las películas con mejor resolución en taquilla del grupo: una inversión de 1 057 000 dólares que alcanzó una recaudación de 1 815 000 dólares en todo el mundo.

Cuenta además con una escena memorable: el célebre camarote de los hermanos Marx, repleto hasta los topes de gente que acude a limpiar, llevar cosas pedidas por los disparatados protagonistas, con la célebre frase emblema de Groucho: “… Y también dos huevos duros”. M.J.P.

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LUNA NUEVA

LA FIERA DE MI NIÑA

His Girl Friday

Bringing Up Baby

1940. EE. UU. Blanco y negro; Director: Howard Hawks; Guion: Charles Lederer, Ben Hecht, Charles MacArthur, Morrie Ryskind; Fotografía: Joseph Walker; Música: Sidney Cutner, Felix Mills; Intérpretes: Cary Grant, Rosalind Russell, Ralph Bellamy, Gene Lockhart, Porter Hall, Ernest Truex, Cliff Edwards, Clarence Kolb, Roscoe Karns, Frank Jenks, Regis Toomey, Abner Biberman, Frank Orth, John Qualen, Helen Mack, Alma Kruger; Duración: 92 minutos.

1938. EE. UU. Blanco y negro; Director: Howard Hawks; Guion: Dudley Nichols, Hagar Wilde; Fotografía: Russell Metty; Música: Roy Webb; Intérpretes: Katharine Hepburn, Cary Grant, Charles Ruggles, Walter Catlett, Barry Fitzgerald, May Robson, Fritz Feld, Leona Roberts, George Irving, Tala Birell; Duración: 102 minutos.

Otra muestra esencial de screwball, con diálogos aún mas rápidos que los de La fiera de mi niña. Ni siquiera el maestro Billy Wilder pudo superar a este clásico adaptando la misma obra de teatro, sátira del periodismo, en Primera plana, estrenada en 1974, con Jack Lemmon y Walter Matthau en los papeles que en la versión que aquí nos ocupa interpretaron Rosalind Russell y Cary Grant. Cambiar el sexo del personaje de Hildy Johsnon convirtiéndola en mujer frente al personaje masculino que era inicialmente es un acierto que suma puntos para esta versión de los años cuarenta, introduciendo la guerra de sexos y sacando el máximo partido a la química de los dos protagonistas, convirtiendo esta película en la comedia romántica de diálogo más trepidante de la historia del género.

Se la considera la principal muestra de las características de las screwball comedies, variante del género de comedia en la que reina como una de las películas más divertidas y disparatadas con un ritmo endiablado. Edificada sobre las situaciones absurdas y los malentendidos, dotada con un control absoluto del “tiempo” cómico, y manejando la guerra de sexos en su faceta de comedia romántica, está habitada por personajes lunáticos y un leopardo que da título original al largometraje.

Grant y Russell se intercambian pullas y sarcasmo a velocidad de vértigo, compitiendo por llegar a la meta, que es la risa del espectador. La media de palabras en los diálogos de la época era de 90 por minuto. En Luna nueva batieron el récord con 240.

La metáfora de los ricos despreocupados constituye una crítica amable que se materializa en las dificultades que experimenta el protagonista interpretado por Cary Grant para conseguir el apoyo económico que le permita adquirir la última pieza de su dinosaurio puzle, un hueso que provocará todos los enredos derivados de su encuentro en un campo de golf con el personaje interpretado por Katharine Hepburn. La química entre Grant y Hepburn intentó reproducirla el director Peter Bogdanovich años más tarde en su comedia ¿Qué me pasa, doctor?, remake de la propuesta que aquí nos ocupa que en 1972 propuso el dúo formado por Barbra Streisand y Ryan O’Neal.

Hay otras tres versiones de la misma pieza en el cine, la ya citada de Wilder, una anterior a la que nos ocupa, titulada Un gran reportaje y dirigida por Lewis Milestone con Adolphe Menjou en el papel de Grant y Pat O’Brien en el papel de Russell, y finalmente la titulada Interferencias, protagonizada por Kathleen Turner, que recupera el cambio de sexo de Hildy Johnson, acompañada por Burt Reynolds en el papel de Grant. Es un fallido intento de modernización de la propuesta trasladándola al mundo de la televisión. M.J.P.

En el momento de su estreno, los 1 073 000 dólares invertidos en ella se saldaron en la taquilla con una recaudación de 1 109 000 dólares bastante escasa para lo que esperaban los productores, que vieron cómo era retirada de la cartelera rápidamente para ser sustituida por el melodrama Jezabel protagonizado por Bette Davis y Henry Fonda. Su reestreno a principios de los años cuarenta le proporcionó otros 163 000 dólares de recaudación en todo el mundo. Fue mejor recibida por la crítica que por el público. M.J.P.

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¡BIENVENIDO, MÍSTER MARSHALL!

SER O NO SER

1953. España. Blanco y negro; Director: Luis García Berlanga; Guion: Juan Antonio Bardem, Luis García Berlanga, Miguel Mihura; Fotografía: Manuel Berenguer; Música: Jesús García Leoz; Intérpretes: Lolita Sevilla, Manolo Morán, José Isbert, Alberto Romea, Elvira Quintillá, Luis Pérez de León, Félix Fernández, Fernando Aguirre, Joaquín Roa, Nicolás D. Perchicot, José Franco, Rafael Alonso; Duración: 78 minutos.

Forma parte de la imprescindible filmografía del director español de comedia más grande, Luis García Berlanga. Asociado al guionista Rafael Azcona, la otra gran figura del género, Berlanga rodó algunos títulos claves del género, tanto en su variante más de humor negro, como Plácido (1961) y El verdugo (1963), y además prosiguió con su crónica de la España de cada etapa del franquismo y la Transición, dando lugar a clásicos como la provocadora Tamaño natural (1974), el brillante ciclo iniciado con La escopeta nacional (1978), completado con Patrimonio nacional (1981) y Nacional III (1982), y La vaquilla (1985).

El mejor cronista de la sociedad española, sumida en la ilusión de recibir un pequeño mordisco de la ayuda estadounidense repartida por los países europeos que finalmente pasaba de largo por las calles del pueblo protagonista, Villar del Río. Cada uno de los habitantes del lugar tiene su propio sueño que cumplir con esa ayuda en dólares, vendiendo la piel del oso antes de haberlo cazado. Todos, salvo la maestra, cuyo “sueño” fue censurado y tuvo que esperar hasta el año 2002 para llegar a la pantalla en forma de cortometraje dirigido por el propio Berlanga, con Luisa Martín y Santiago Segura como protagonistas.

La película fue votada como la quinta mejor del cine español en la lista elaborada por críticos y profesionales del medio audiovisual en 1996, conmemorando el centenario de nuestra cinematografía.

Lo mejor: los discursos del alcalde interpretado por el gran José Isbert y el papel de otro monstruo del cine cómico español: Manolo Morán, que intenta poner orden en el caos… sin conseguirlo. M.J.P.

To Be Or Not To Be 1942. EE. UU. Blanco y negro; Director: Ernst Lubitsch; Guion: Melchior Lengyel, Edwin Justus Mayer, Ernst Lubitsch; Fotografía: Rudolph Maté; Música: Werner R. Heymann; Intérpretes: Carole Lombard, Jack Benny, Robert Stack, Felix Bressart, Lionel Atwill, Stanley Ridges, Sig Ruman, Tom Dugan, Charles Halton, George Lynn, Henry Victor, Maude Eburne, Halliwell Hobbes; Duración: 99 minutos.

Imposible hacer un ranking de comedias del cine sin contar con uno de los maestros del género, inspiración de directores como Billy Wilder o Woody Allen. Ernst Lubitsch, nacido en Berlín en 1892, que comenzó como actor precisamente de comedia ejerciendo como discípulo de Max Reinhardt y emigró a Estados Unidos en 1922, reclamado por la estrella Mary Pickford para que la dirigiera en Rosita, la cantante callejera.

Fichado por el cine estadounidense, donde llegaría a ocupar el puesto de director de producción del estudio más destacado entre las majors de Hollywood, Paramount, en 1935, triunfó con el denominado “toque Lubitsch”, definido por Richard Christiansen en el diario The Chicago Tribune como “una breve descripción que abarca una larga lista de virtudes: la sofisticación, el estilo, la sutileza, el ingenio, el encanto, la elegancia, la suavidad, la indiferencia y matices sexuales audaces”.

De todo ello hay una abundante ración en Ser o no ser, sátira desinhibida del nazismo en expansión por toda Europa en el momento en que se rodó y estrenó la película. El ingenio visual, y lo que el crítico Andrew Sarris definió como “la tristeza punzante en los momentos más alegres de una comedia”, están también presentes en este largometraje, que sigue la pista a una compañía teatral cuyos integrantes se ven implicados en un plan para combatir a los nazis en una Polonia ocupada a base de hacerse pasar por jerarcas del III Reich. Para ponerle más interés al tema, se forja un triángulo sentimental entre un militar, la actriz principal de la compañía y su esposo, actor protagonista de la misma. M.J.P.

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¿TELÉFONO ROJO? VOLAMOS HACIA MOSCÚ

CON FALDAS Y A LO LOCO

Dr. Strangelove Or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb

Some Like It Hot

1964. Reino Unido, EE. UU. Blanco y negro; Director: Stanley Kubrick; Guion: Stanley Kubrick, Terry Southern, Peter George; Fotografía: Gilbert Taylor; Música: Laurie Johnson; Intérpretes: Peter Sellers, George C. Scott, Sterling Hayden, Keenan Wynn, Slim Pickens, Peter Bull, James Earl Jones; Duración: 95 minutos.

1959. EE. UU. Blanco y negro; Director: Billy Wilder; Guion: Billy Wilder, I. A. L. Diamond, Robert Thoeren, Michael Logan; Fotografía: Charles Lang; Música: Adolph Deutsch; Intérpretes: Marilyn Monroe, Tony Curtis, Jack Lemmon, George Raft, Pat O’Brien, Joe E. Brown, Nehemiah Persoff, Mike Mazurki; Duración: 121 minutos.

El diseñador de producción, Ken Adam, contaba la anécdota de que cuando Ronald Reagan fue elegido presidente de Estados Unidos, preguntó por la sala de guerra que aparece en la película que él había diseñado. Mejor no pensamos en lo que haya podido pedir Donald Trump cuando entró en la Casa Blanca. Pero, en todo caso, está claro que la verosimilitud alcanzada por el meticuloso y detallista Kubrick en este largometraje, como en todo el resto de su carrera, hace que su incursión en el territorio de la comedia sea, como casi todas las películas que integran su filmografía, una obra maestra.

Kubrick impone además en la comedia un estilo propio, personal e intransferible, haciendo de la catástrofe nuclear un circo de tres pistas para que brille un genial Peter Sellers interpretando varios personajes.

Entre ellos, el más brillante es el doctor Strangelove que da título a la película en el original. Un puro disparate, la caricatura genial de un mad doctor capaz de inspirar al mismo tiempo miedo e hilaridad en el espectador de una forma retorcida.

El truculento desenlace con el monólogo de Strangelove alzándose casi en una erección de poder absoluto, hablando de como repoblar el planeta después de destruirlo, ha pasado a ser una de las mejores escenas de comedia de la historia del cine, y como no podía ser de otro modo tratándose de Kubrick, también una de las más inquietantes.

Costó 1 800 000 dólares y recaudó en todo el mundo casi 9,5 millones de dólares. Su abordaje del peligro de una guerra nuclear se estrenó tan solo dos años después de que se produjera la crisis de los misiles soviéticos de Cuba en octubre de 1962. M.J.P.

“Nadie es perfecto”, la frase que es el broche de oro de esta comedia podría servir para describir todo el cine, los personajes y conflictos temáticos que planteó ese maestro del cine de comedia que fue Billy Wilder a lo largo de su filmografía, en la que podemos encontrar joyas del género que nos ocupa, como El mayor y la menor (1942), La tentación vive arriba (1955), El apartamento (1960), Uno, dos, tres (1961), Irma, la dulce (1963), En bandeja de plata (1966), Primera plana (1974) o Aquí, un amigo (1981).

Ganadora del Oscar en la categoría de Mejor Diseño de Vestuario en blanco y negro, de Orri-Kelly, Con faldas y a lo loco fue nominada al premio de la Academia de Hollywood en las categorías de Mejor Actor, Lemmon, Director, Guion Adaptado, Fotografía en blanco y negro y Dirección Artística en blanco y negro, ganando además el Globo de Oro en las categorías de Mejor Comedia, Mejor Actriz de comedia para Marilyn Monroe, y Mejor Actor, Lemmon, que ganó también el premio Bafta del cine británico como Mejor Actor extranjero.

Lo del premio de Marilyn resulta paradójico, porque durante el rodaje consiguió exasperar al propio Tony Curtis, porque no se sabía sus frases de diálogo, aunque se las escribieran en las puertas para recordárselas. Y encima estaba empeñada en que la película fuera en color, tal como tenía estipulado en su contrato, y Wilder tuvo que convencerla de rodar en blanco y negro porque así se mantenía mejor el tono y la verosimilitud de los maquillajes femeninos de Curtis y Lemmon.

La película es uno de los éxitos más rotundos de la filmografía del director. Contando con un presupuesto de 2 883 848 dólares, recaudó en todo el mundo 83 169 282 dólares. M.J.P.

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EL GUATEQUE The Party 1968. EE. UU. Color; Director: Blake Edwards; Guion: Blake Edwards, Tom Waldman, Frank Waldman; Fotografía: Lucien Ballard; Música: Henry Mancini; Intérpretes: Peter Sellers, Claudine Longet, Natalia Borisova, Jean Carson, Marge Champion, Al Checco, Corinne Cole, Dick Crockett, Frances Davis, Danielle De Metz, Herbert Ellis, Paul Ferrara, Steve Franken, Kathe Green; Duración: 99 minutos.

Director de la saga cómica de La Pantera Rosa, Blake Edwards tiene en su haber varios títulos del género destacables, pero entre todos ellos adquiere la mayor relevancia El guateque, donde realmente tocó el techo en lo referido a su talento para incorporar las claves del género en su etapa muda, con la mímica y los gags visuales dominando al personaje protagonista, encarnado por Peter Sellers, el inspector Clouseau de su ciclo de La Pantera Rosa, en una comedia que por su trabajo de puesta en escena y diseño de producción era totalmente contemporánea a la era de la psicodelia. Es más, podemos decir que El guateque es la más significativa entre las películas que jugaron la baza del revival del cine clásico en los años sesenta y setenta, especialmente por lo referido a la comedia de la etapa muda.

La película fue un éxito de taquilla que con un presupuesto de millón y medio de dólares consiguió recaudar en todo el mundo la nada despreciable cifra de 10,5 millones de dólares.

Está repleta de grandes momentos de comedia, arrancando con una parodia de las películas de aventuras tipo Gunga Din en la que se presenta al protagonista, un actor indio en una superproducción de Hollywood ambientada en la India, pero rodada en California. La torpeza del protagonista revienta el rodaje, dejando establecido el carácter de pez fuera del agua del personaje interpretado por Peter Sellers, que va a ser el caballo de batalla en el conflicto del resto del largometraje.

Entre los momentos más divertidos, la entrada en la fiesta y la persecución del zapato, la cena con el camarero borracho –tiene una película para él solo ese personaje– y la pelea con el papel higiénico y la cisterna.

M.J.P.

PLAYTIME 1967. Francia, Italia. Color; Director: Jacques Tati; Guion: Jacques Tati, Jacques Lagrange, Art Buchwald; Fotografía: Jean Badal, Andreas Winding; Música: Francis Lemarque; Intérpretes: Jacques Tati, Barbara Dennek, Rita Maiden, France Rumilly, France Delahalle, Valérie Camille, Erika Dentzler, Nicole Ray, Yvette Ducreux, Nathalie Jem, Jacqueline Lecomte, Oliva Poll, Alice Field, Sophie Wenneck, Evy Cavallaro, Collette Proust, Luce Bonifassy, Ketty France, Yves Barsacq, André Fouché, Reinhard Kolldehoff, Georges Faye, John Abbey; Duración: 155 minutos.

Maestro del humor galo y recuperador de claves del cine mudo en el cine sonoro, Jacques Tati fue, además, como demuestra esta su mejor película, un talento sobresaliente en la utilización del espacio arquitectónico y el dibujo de las cómicas desventuras del hombre arrasado por la modernidad en las junglas urbanitas modernas.

Premiado como mejor director en el Festival de Cine de Moscú por su trabajo en este largometraje, Tati articuló su filmografía en torno al personaje del señor Hulot que interpreta en este filme. Cualquiera de sus películas es una pequeña joya del cine de comedia: Día de fiesta (1949), Las vacaciones del señor Hulot (1953), Mi tío (1958), Tráfico (1971), constituyen, junto a Zafarrancho en el circo, que dirigió para televisión en 1974, ejemplos de su talento detallista, que brilla especialmente en Playtime, donde hizo de su meticuloso dibujo de la sociedad moderna un alegato contra la complejidad innecesaria y la vaciedad de los sueños tecnológicos que acercan al ser humano a convertirse en piezas de un rompecabezas sumido en frenético movimiento, pero en definitiva disparatadamente absurdo, como muestra el tráfico de la rotonda en la película.

Secuencias claves del filme son el comienzo de la visita del señor Hulot al edificio quizá demasiado inteligente, cuya maquinaria vuelve loco incluso al propio conserje, hombre de avanzada edad, y donde Tati juega con el tiempo, el espacio y el sonido, mientras se acerca el ejecutivo al que espera el protagonista por un pasillo aparentemente interminable.

Destaca también el plano de Hulot contemplando la oficina laberíntica con los empleados encerrados en nichos, algo que en 1960 ya había mostrado Billy Wilder en El apartamento. M.J.P.

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EL JOVENCITO FRANKENSTEIN

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Young Frankenstein

AMARCORD

1974. EE. UU. Blanco y negro; Director: Mel Brooks; Guion: Gene Wilder, Mel Brooks; Fotografía: Gerald Hirschfeld; Música: John Morris; Intérpretes: Gene Wilder, Peter Boyle, Marty Feldman, Madeline Kahn, Cloris Leachman, Teri Garr, Kenneth Mars, Richard Haydn, Liam Dunn, Danny Goldman, Gene Hackman, Clement von Frankenstein; Duración: 106 minutos.

1973. Italia, Francia. Color; Director: Federico Fellini; Guion: Federico Fellini, Tonino Guerra; Fotografía: Giuseppe Rotunno; Música: Nino Rota; Intérpretes: Pupella Maggio, Armando Brancia, Magali Noël, Alvaro Vitali, Ciccio Ingrassia, Luigi Rossi, Nando Orfei, Luigi Rossi, Bruno Zanin, Josiane Tanzilli, Giuseppe Ianigro, Maria Antonietta Beluzzi; Duración: 123 minutos.

Mel Brooks aplicó una práctica del cine mudo, en la que la primera estrella del género, el francés Max Linder, había sido pionero: hacer parodias de las películas de éxito, al mismo tiempo que les rendía homenaje.

En esa línea, Los productores (1967) era un homenaje a los montajes teatrales, El misterio de las doce sillas (1970) fue una parodia del género de intriga, Sillas de montar calientes (1974) era una sátira del wéstern, La última locura (1976) se concibió como homenaje al cine mudo, Máxima ansiedad (1977) era un guiño al cine de suspense en general y a la filmografía de Alfred Hitchcock en particular, La loca historia del mundo (1981) fue un guiño al cine épico, La loca historia de las galaxias (1987) era una parodia de La guerra de las galaxias y de Alien, con números musicales incluidos, Las locas, locas aventuras de Robin Hood (1993) era una parodia del cine de capa y espada, y Drácula, un muerto muy contento y feliz (1995), era un homenaje y parodia del célebre vampiro del cine clásico de la Universal.

Nominada al Oscar al Mejor Director y Mejor Guion original, ganó la estatuilla de la Academia de Hollywood en la categoría de Mejor Película en lengua no inglesa, en la que también fue nominada al Globo de Oro, además de conseguir los premios David Di Donatello italianos correspondientes a Mejor Película y Mejor Director, a los que se unieron muchos otros galardones internacionales. Es uno de los trabajos más populares de toda la filmografía de su director.

Esta última, como algunas otras de su etapa final, no le salió tan divertida como la mejor película de su cosecha, que es El jovencito Frankenstein, un homenaje mucho más sólido al cine de terror de la productora Universal estrenado en los años treinta y cuarenta.

A pesar de su título, una referencia directa a lo que se traduciría como “Me acuerdo”, constituyéndose así como una especie de memorias, Fellini negó reiteradamente que fuera una película autobiográfica, si bien reconocía que se alimentaba de muchas anécdotas muy cercanas a su propia experiencia como adolescente.

El argumento sigue la pista de un año en la vida de una pequeña localidad de la costa italiana a finales de los años treinta. Tejida con los hilos de la nostalgia, es una de las películas más sencillas y entrañables de su director y define cómo afecta la etapa del fascismo de Mussolini, el nacionalismo militante y el catolicismo a las vidas de un puñado de adolescentes que están empezando a madurar y empiezan a enfrentarse con los primeros intereses y encuentros sexuales.

Fue nominada al Oscar al Mejor Guion adaptado y al Mejor Sonido, y al Globo de Oro en las categorías de Mejor Actriz en comedia o musical, para Cloris Leachman, y a la Mejor Actriz de reparto, Madeline Kahn. Su presupuesto fue de 2 800 000 dólares y recaudó en todo el mundo 86 273 333 dólares, convirtiéndose así en una de las más taquilleras de su director. M.J.P.

Es un punto de inflexión en la filmografía de Fellini, y contiene algunas de las escenas más hilarantes de esta, como la materialización de los miedos masculinos ante las mujeres opulentas que vive el joven que va a comprar tabaco con la dependienta que intenta estrujarle entre sus senos. M.J.P.

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ANNIE HALL

LOS CABALLEROS DE LA MESA CUADRADA Y SUS LOCOS SEGUIDORES

1977. EE. UU. Color; Director: Woody Allen; Guion: Woody Allen, Marshall Brickman; Fotografía: Gordon Lewis. Montaje: Wendy Greene Bricmont, Ralph Rosenblum; Intérpretes: Woody Allen, Diane Keaton, Tony Roberts, Carol Kane, Paul Simon, Shelley Duvall, Janet Margolin, Colleen Dewhurst, Christopher Walken, Donald Symington, Helen Ludlam, Mordecai Lawner; Duración: 93 minutos.

Puestos a elegir una de las muchas aportaciones de Woody Allen a la comedia, incluyendo una etapa de arranque en el cine particularmente gamberra con películas como Bananas, La última noche de Boris Grushenko, El dormilón o la aún más brillante Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo, pero nunca se atrevió a preguntar, he preferido elegir Annie Hall, que me parece clave, incluso por delante de la superior y posterior Manhattan, porque es un punto de inflexión en su filmografía.

Annie Hall se reviste con los abalorios de la comedia romántica para constituirse en ese paso esencial desde la primera etapa gamberra al cine más maduro y sólido de Allen como director y como actor. Es la puerta que conducirá a Manhattan y a todo el resto de sus propuestas, y como película es quizá la más influyente en los planteamientos de otros cineastas entre las que ha dirigido, por mucho que más adelante encontremos entre sus títulos propuestas más elaboradas e incluso interesantes, como Interiores, Recuerdos, La comedia sexual de una noche de verano, Zelig, Broadway Danny Rose, La rosa púrpura de El Cairo o Días de radio.

La película ganó el Oscar en las categorías de Mejor Película, Actriz Principal –Diane Keaton, la inspiración de la etapa más festiva del director–, Director, y Guion original. Además, el propio Allen fue nominado como Mejor Actor principal. En los Globos de Oro, Keaton también ganó como Mejor Actriz de comedia o musical, y Annie Hall recibió nominaciones en las categorías de Película, Director, Actor y Guion.

Lo mejor: el monólogo de Woody Allen rompiendo la cuarta pared y hablando con el espectador. M.J.P.

Monty Python and The Holy Grail 1975. Reino Unido. Color; Director: Terry Gilliam, Terry Jones; Guion: Graham Chapman, John Cleese, Eric Idle, Terry Gilliam, Terry Jones, Michael Palin; Fotografía: Terry Bedford. Montaje: John Hackney; Intérpretes: Graham Chapman, John Cleese, Eric Idle, Terry Gilliam, Terry Jones, Michael Palin, Connie Booth, Carol Cleveland, Neil Innes, Bee Duffell, John Young, Rita Davies, Avril Stewart, Sally Kinghorn, Mark Zycon, Elspeth Cameron, Mitsuko Forstater, Sandy Johnson, Sandy Rose; Duración: 91 minutos.

Por elección propia, habría incluido en esta lista La vida de Brian, que me gusta más que esta película, pero atendiendo a la lógica cronológica, lo cierto es que sin Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores no existiría La vida de Brian, y que este título que aquí nos ocupa es el trampolín del comienzo de la mejor etapa y de los mejores logros de los Monty Python en el largometraje de comedia.

Y, además, entre sus muchos momentos hilarantes –cómo identificar a una bruja, el dragón, etc.–, está uno de los mejores gags visuales y al mismo tiempo sonoros de la historia del cine, el equilibrio perfecto de ambos mundos: el sonido de los cocos, y la conversación sobre cocos y aves con el guardián de la muralla. Pura genialidad. Talento provocador desbordante. Máximo rendimiento en la parodia de los mitos de la caballería en las naciones europeas.

El presupuesto de la película fue de 400 000 dólares y recaudó en todo el mundo cinco millones. La financiación corrió en parte por cuenta de grupos musicales como Led Zeppelin, Pink Floyd y Genesis. De hecho, se dice que el álbum de Pink Floyd, The Dark Side of the Moon, de notable éxito, aportó parte del dinero para financiar el largometraje. Los integrantes de la banda eran fieles seguidores de los programas televisivos de los Monty Python. M.J.P.

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ATERRIZA COMO PUEDAS Airplane!

1980. EE. UU. Color; Director: Jim Abrahams, David Zucker, Jerry Zucker; Guion: Jim Abrahams, David Zucker, Jerry Zucker, Hal Bartlett, John C. Champion, Arthur Hailey; Fotografía: Joseph F. Biroc; Música: Elmer Bernstein; Intérpretes: Lloyd Bridges, Peter Graves, Julie Hagerty, Robert Hays, Kareem Abdul-Jabbar, Leslie Nielsen, Robert Stack, Stephen Stucker, Jim Abrahams, Frank Ashmore; Duración: 88 minutos.

Frases como “¡todas la luces sobre la pista!”, “¡elegí un mal día para dejar de fumar!”, o la pregunta de si te gustan las películas de gladiadores adquirieron patente de icono de la comedia en los años ochenta merced a esta desternillante película cuyo éxito (Aterriza como puedas costó 3,5 millones de dólares y recaudó en todo el mundo 83,5 millones de dólares), propició una secuela, Aterriza como puedas 2, en 1982. Por tratarse de una película estrenada en 1980 podemos decir que, en realidad, Aterriza como puedas es una película encuadrada en las producciones de la década de los setenta, pero sin duda tuvo una influencia esencial en toda la saga de parodias de géneros que la siguieron, como la saga Agárralo como puedas, que arrancó en 1988. Es también la “madre” espiritual de todas las propuestas de parodia de éxitos del año tipo Scary Movie y similares propuestas que hemos visto en el cine de los noventa en adelante.

El blanco de la parodia era el cine de catástrofes y Aeropuerto 75, protagonizada por Charlton Heston en 1974. La azafata que en esta interpretara Karen Black sirvió como base a la que encarna Julie Hagerty en Aterriza como puedas.

La otra fuente de inspiración de la película eran la series de televisión, partiendo de su reparto de rostros televisivos populares que habían alcanzado el estrellato en la pequeña pantalla, como Peter Graves, protagonista de Misión: Imposible, Lloyd Bridges (padre de Jeff Bridges), protagonista de la serie San Francisco International Airport, otra nutritiva fuente de parodia de la película, Robert Stack, protagonista de Los intocables, o Leslie Nielsen, protagonista de Los protectores y la estrella del porno y actriz fetiche de Russ Meyer: Francesca Kitten Natividad. M.J.P.

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EL GRAN LEBOWSKI 1998. EE. UU. Color; Director: Joel Coen, Ethan Coen; Guion: Joel Coen, Ethan Coen; Fotografía: Roger Deakins; Música: Carter Burwell; Intérpretes: Jeff Bridges, John Goodman, Julianne Moore, Steve Buscemi, Philip Seymour Hoffman, Tara Reid, Peter Stormare, John Turturro, David Thewlis, Sam Elliott; Duración: 117 minutos.

El personaje de Walter Sobchak interpretado por John Goodman se inspira en el director y guionista John Milius, el hombre que trasladó a la pantalla a Conan el bárbaro con Arnold Schwarzenegger como protagonista, originó y escribió el guion de Apocalypse Now y luego dirigió Amanecer rojo.

El gran Lebowski se convirtió en película de culto casi desde su estreno, y es la mejor comedia del repertorio de visitas al humor que nos ha ofrecido hasta el momento la carrera de los hermanos Coen.

Gags como el de la puerta atrancada que se abre hacia afuera, personajes como el de Sobchak, que tiene suficiente materia prima como para que los Coen le dedicaran una película a él solo con el personaje del Notas de Jeff Bridges como secundario (¡maldita sea, a qué están esperando!, urge), o icónicas interpretaciones, como el campeón de bolos Jesús Quintana interpretado por John Turturro, figuran entre lo mejor de la galería de tipos raros reclutados por los Coen para sus disparates, y eso es mucho decir teniendo en cuenta que en ella encontramos títulos como Arizona Baby, Barton Fink, El gran salto, Fargo, Oh, Brother, Crueldad intolerable, No es país para viejos o Quemar después de leer, por poner solo algunos ejemplos de sus disparates más hilarantes.

Entre todos ellos, el argumento de la alfombra perdida tejido como una especie de parodia del cine negro clásico de Hollywood (los Coen empezaron con un revival en serio de esa fórmula con alguna pincelada de humor en Sangre fácil y en El gran Lebowski encontramos referencias al clásico El sueño eterno, protagonizado por Bogart y dirigido por Howard Hawks), es el más sólido. Costó 15 millones de dólares y recaudó en todo el mundo casi 47 millones en esa misma moneda. M.J.P.

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DESMADRE A LA AMERICANA Animal House 1978. EE. UU. Color; Director: John Landis; Guion: Harold Ramis, Douglas Kenney, Chris Miller; Fotografía: Charles Correll; Música: Elmer Bernstein; Intérpretes: Tom Hulce, John Belushi, Stephen Furst, Mark Metcalf, Mary Louise Weller, Martha Smith, James Daughton, Kevin Bacon, Karen Allen, Tim Matheson, Peter Riegert, Bruce McGill, Donald Sutherland, John Vernon, Verna Bloom, Otis Day; Duración: 109 minutos.

En 1962, el decano de una universidad norteamericana ha perdido la paciencia y piensa expulsar a toda la fraternidad Delta del campus. Los más gamberros del lugar empiezan a tomar medidas para impedirlo, dando lugar a un soplo de aire fresco en la comedia estadounidense que incorpora el tono desafiante y rebelde de las gamberradas de las viñetas de la revista cómica Mad a la pantalla grande, creando escuela y trazando una línea que luego seguirán otras producciones como la divertida Despedida de soltero protagonizada por Tom Hanks o la saga de Porkys.

Además, la película lanzó la breve carrera de un fenómeno de la comedia, John Belushi, fallecido prematuramente víctima de sus adicciones, y que era una máquina de fabricar risas en su papel como Blutarsky, ese amigo que todo buen fiestero siempre quiere tener cerca cuando llega una ¡¡Fiesta toga!!!

Blutarsky es un líder nato que arenga a sus compañeros de fraternidad recordando el día que los alemanes bombardearon Pearl Harbor, y eso es impagable amigos.

Y luego está Eric Stratton, alias Nutria, expresidente de la fraternidad y playboy gamberro del campus, organizador del caos final de la película y dispuesto a subvertir todas las normas y tabúes sexuales de la comunidad universitaria.

Y Karen Allen, a la que luego veríamos como la socia de aventuras más completa y divertida de Indiana Jones, ligando con el porrero profesor al que da vida Donald Sutherland. El mejor momento: Blutarsky explicándole al plasta de la guitarrita por qué no es buena idea meterse a ejercer de cantautor cansino y llorón en una fiesta toga. ¡¡¡Toga, toga, toga!!!

Tres millones de dólares de presupuesto y 141,5 millones de recaudación en todo el mundo. M.J.P.

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CUANDO HARRY ENCONTRÓ A SALLY… When Harry met Sally…

1989. EE. UU. Color; Director: Rob Reiner; Guion: Nora Ephron; Fotografía: Barry Sonnenfeld. Montaje: Robert Leighton; Intérpretes: Billy Crystal, Meg Ryan, Carrie Fisher, Bruno Kirby, Steven Ford, Lisa Jane Persky, Michelle Nicastro, Gretchen Palmer, Robert Alan Beuth, David Burdick, Joe Viviani, Harley Jane Kozak, Joseph Hunt, Kevin Rooney, Franc Luz; Duración: 95 minutos.

Posee uno de los grandes momentos de la comedia romántica en su fase más avanzada, parodiado y calcado en otras producciones (como por ejemplo La cruda realidad, donde también copiaron prácticamente la clave del cartel promocional): el del orgasmo fingido de Meg Ryan, que se coronó como reina de la comedia romántica con esta película.

La clave esencial de la propuesta es la química de Ryan con Billy Crystal, que también se abrió paso en el cine de comedia con este largometraje tras haberse ganado la popularidad en la televisión con la serie de comedia Enredo, donde interpretaba uno de los personajes más disparatados del reparto coral de esta. Luego esa misma química intentaron reproducirla emparejando a la actriz y al actor con otros actores y actrices, pero la magia no volvió a repetirse. En parte porque la magia estaba en el propio guion y los diálogos que servían como motor de Cuando Harry encontró a Sally, obra de la genial Nora Ephron, que le puso en bandeja de plata al director todo lo que necesitaba para lucirse.

De hecho, el guion de Ephron fue nominado al Oscar y al Globo de Oro, galardón en el que la película resultó también nominada en las categorías de Mejor Comedia o Musical, Director y Actriz Principal y Actor Principal de comedia o musical.

Un presupuesto ciertamente modesto, 16 millones de dólares, fabricó un éxito comercial que recaudó en todo el mundo casi 100 millones de dólares. M.J.P.

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Novelas

H.G. Wells adaptadas en el cine IV parte

Concluimos con esta entrega el paseo que hemos hecho en las páginas de “Cartelmanía” por la filmografía de las principales adaptaciones de H. G. Wells en el cine.

La primera película que contemplamos en esta selección es una exótica versión japonesa de El hombre invisible, obra de la que también existe una adaptación rusa titulada Chelovek nevidimka (1984), de Aleksandr Zakharov, en la que curiosamente se respetaron los nombres ingleses de los protagonistas.

En el apartado de rarezas dentro del marco de adaptaciones cinematográficas de las obras de Wells hay que apuntar también la película War of the Servers (2007), dirigida por Robert Stoneman, que traslada la premisa argumental de La guerra de los mundos al entorno de los videojuegos. El juego es invadido, en lugar del planeta. Es una producción de animación para explotación online y han usado el motor de un videojuego y el disco para La guerra de los mundos que realizó Jeff Wayne. Dicho sea de paso, el disco de Wayne es mejor que algunas de las adaptaciones de la novela de Wells que nos ha propuesto el cine. En War of the Servers también usaron partes de las bandas sonoras de Batman Begins y Piratas del Caribe: en el fin del mundo, para completar el acompañamiento musical del asunto.

En esta colección de variantes de los argumentos de H. G. Wells volvemos a encontrarnos con una propuesta alternativa de hombre invisible de la mano del maestro del terror John Carpenter y su largometraje Memorias de un hombre invisible, producción que contó con un presupuesto de 40 millones de dólares y fue un fracaso, con un ingreso que apenas llegó a los 15 millones de dólares. Ganador de un Oscar por Dos hombres y un destino y Todos los hombres del presidente, William Goldman era el guionista, pero su version del guion no le gustaba al protagonista de la película, Chevy Chase, que a pesar de haber desarrollado su

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carrera en el campo de la comedia consideraba que era una versión demasiado cómica de la trama. Así fue como Goldman y el director Ivan Reitman, acabaron fuera del proyecto… para peor.

El tema de la invisibilidad propuesto por Wells sirvió también de base a otra variante de la novela El hombre invisible dirigida por Paul Verhoeven, que ya había destacado como director de ciencia ficción en títulos como RoboCop y Desafío total. El montaje del director tiene una duración de 119 minutos y fue nominada al Oscar a los Mejores Efectos Visuales.

Lejos del mundo del blockbuster, la versión de La guerra de los mundos producida por la compañía independiente Pendragon en Inglaterra, respetando al máximo las propuestas esenciales de la novela de H. G. Wells, no llegó a estrenarse en cines en Estados Unidos, donde se explotó directamente en el mercado de DVD. A pesar de ser la adaptación más fiel, es también una de las más criticadas, hasta el punto de que se la ha comparado a las películas de serie Z dirigidas por Ed Wood. La versión del director alcanzaba tres horas de duración.

Mejor acogida por parte de la crítica recibió la producción de la BBC Los primeros hombres en la Luna estrenada en 2010, que batió récords en su pase de estreno con una audiencia de 830 000 personas, situándose en el tercer puesto entre los programas multicanal más vistos de esa noche.

Por su parte, Morlocks es lo que se califica como un spin off, tan disparatado como suele ser habitual en las producciones de SyFy, con una trama que recordará algunas de las peripecias de traslado y cruce con bestias de otras eras propias de la serie británica Primeval, pero con menos gracia.

Más interesante son dos derivados de La guerra de los mundos, la secuela de animación Guerra de los mundos: Goliath y el falso documental War of the Worlds: The True Story, con las que cerramos este minicoleccionable dedicado a la huella de H. G. Wells en el cine.

Miguel Juan Payán

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MEMORIAS DE UN HOMBRE INVISIBLE Memoirs of an Invisible Man 1992; EE. UU., Francia; Color; Director: John Carpenter; Guion: Robert Collector, Dana Olsen, William Goldman; Música: Shirley Walker; Fotografía: William A. Fraker; Intérpretes: Chevy Chase, Daryl Hannah, Sam Neill, Michael McKean, Stephen Tobolowsky, Jim Norton, Pat Skipper, Paul Perri, Richard Epcar, Steven Barr, Gregory Paul Martin, Patricia Heaton, Barry Kivel, Donald Li, Rosalind Chao, Jay Gerber, Shay Duffin, Edmund L. Shaff, Sam Anderson; Duración: 99 minutos.

El libro de Harry F. Saint Memoirs of an Invisible Man publicado en 1987 sirve como base para el guion de este largometraje dirigido por el maestro del género de terror John Carpenter. Saint era un ejecutivo de Wall Street que solo había escrito alguna historia corta hasta que se decidió a probar suerte con este libro protagonizado por un hombre invisible. Cuando le preguntaron de dónde había sacado la idea no dudó en confesar con mucha retranca que se había acordado de H. G. Wells.

Blanco y en botella. Fue la única novela escrita por Saint, ya que lo ganado con el libro y la venta de los derechos cinematográficos le permitieron retirarse, y al parecer tampoco tenía mucha vocación para prolongar su trayectoria como fabulador literario.

A diferencia del personaje de Wells, el protagonista de la novela de Saint, Nicholas Halloway, se hace invisible a causa de un accidente en un laboratorio nuclear provocado por las protestas de un grupo de estudiantes.

En la película, el incidente que provoca la catástrofe es provocado por un técnico de laboratorio algo torpe que derrama el café sobre una consola.

Un agente le pasó parte de la novela de Saint a Chevy Chase, que interesado en adquirir los derechos desató una guerra de pujas entre varios estudios, siendo finalmente Warner quien se llevó el gato al agua por una cifra de algo más de un millón de dólares. Chase también tuvo que convencer al estudio de que John Carpenter era el director adecuado para sustituir a Ivan Reitman, realizador inicialmente previsto para el proyecto, que había abandonado el mismo tras ocho meses de trabajo y varias discusiones con el actor sobre el tono que debía tener la versión cinematográfica de la novela. M.J.P.

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H. G. WELLS’ WAR OF THE WORLDS 2005; EE. UU.; Color; Director: Timothy Hines; Guion: Timothy Hines, Susan Goforth; Música: Jamie Hall; Fotografía: Timothy Hines; Intérpretes: Anthony Piana, Jack Clay, James Lathrop, Darlene Sellers, John Kaufmann, Susan Goforth, Jamie Lynn Sease, W. Bernard Bauman, Edwin Stone, Tom Fouche, Mark Wilt, Erik Barzdukas, E. Leonard Helland, Barbara Bauman, Daniel Somerfield, Donovan Le, Andy Clawson, Eric Rands, Cherelle Ashby, John Sabota, Dale Offerman, Ezra Hamill, Kenzie Kupyn, Katrina Morgan; Duración: 179 minutos.

Conocida también como The Classic War of the Worlds para diferenciarla del proyecto de la oportunista productora Asylum dirigido por David Michael Latt, es el resultado del interés de Timothy Hines, Susan Goforth y Donovan Le en realizar una adaptación cinematográfica mucho más fiel a la novela original que el resto de producciones que se habían realizado hasta entonces.

Respetaron el lugar y el tiempo en el que transcurre la acción de la novela, la Inglaterra de principios del siglo XX. De hecho, el aspecto de los marcianos invasores es el más parecido al que se describe en la novela de Wells.

En un principio contaba con un presupesto de 42 millones de dólares y, para el reparto, se había hablado con los representantes de estrellas como Charlize Theron o Michael Caine como posibles protagonistas. Sin embargo, el ataque a las Torres Gemelas de Nueva York el 11 de septiembre de 2001 paralizó el proyecto al perder el público el gusto y el interés por ver catástrofes similares en la pantalla grande. Así fue como el presupuesto descendió a unos 25 millones de dólares.

Hines pudo llevar a cabo finalmente la película en 2005, y fue estrenada directamente en DVD con el título H. G. Wells’ The War of the Worlds. A pesar de recaudar siete millones, no acabó de convencer al director, que la consideraba algo apresurado e inacabado. Años después, Hines, Goforth y Le podrían sacarse la espina con el falso documental War of the Worlds the True Story (2012). El rodaje de la película había terminado un mes antes de que comenzara a rodarse la versión modo blockbuster dirigida por Steven Spielberg con Tom Cruise como protagonista. M.J.P.

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TOMEI NINGEN 1954; Japón; Blanco y negro; Director: Motoyoshi Oda; Guion: Shigeaki Hidaka, Kei Beppu; Música: Kyôsuke Kami; Fotografía: Eiji Tsuburaya; Intérpretes: Seizaburô Kawazu, Miki Sanjô, Minoru Takada, Yoshio Tsuchiya, Kenjirô Uemura, Kamatari Fujiwara, Fuyuki Murakami, Yô Shiomi, Sônosuke Sawamura, Seijirô Onda, Shin Ôtomo, Noriko Shigeyama, Keiko Kondo, Fumindo Matsuo, Yutaka Kakayama, Shin Yoshida, Sanpei Mine; Duración: 70 minutos.

Un automóvil choca contra un objeto invisible que de repente estalla en una explosión de sangre. Es el comienzo de esta exótica adaptación japonesa inspirada en el libro de H. G. Wells El hombre invisible, conocida en Estados Unidos como The Invisible Avenger (El vengador invisible). No es el primer hombre invisible en el cine japonés. Cinco años antes se estrenó Tômei ningen arawaru, dirigida por Shinsei Adachi y Shigehiro Fukushima, cuyo título podría traducirse como El Hombre Transparente aparece y en la que unos ladrones de joyas roban una fórmula de invisibilidad inventada por el profesor Nakazato. Tômei Ningen tuvo además la mala suerte de ser estrenada en Japón el mismo año que Japón bajo el terror del monstruo, de Ishirô Honda, por lo que esa primera aparición de Godzilla, el famoso monstruo radiactivo nipón, acabó eclipsando el éxito del hombre invisible japonés en taquilla. Para más inri, también terminó compartiendo título en Estados Unidos con Invisible Avenger (1958) de James Wong Howe, Ben Parker y John Sledge, que no era más que la recopilación de algunos capítulos de un serial de La Sombra producido por la Republic Pictures. Japón llevó incluso más lejos la idea del hombre invisible con Tômei ningen to hae otoko (1957) de Mitsuo Murayama, en la que el doctor Tusioka utiliza el rayo de invisibilidad que ha inventado para enfrentarse a un asesino que aprovecha un gas reductor con el que disminuye de tamaño para huir de la escena del crimen y que acaba siendo conocido como el Hombre Mosca. De ahí que la película podría traducirse como El Hombre Transparente contra el Hombre Mosca.

Está considerada por algunos estudiosos del género como la primera película de ciencia ficción producida en el cine japonés. M.J.P.

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EL HOMBRE SIN SOMBRA Hollow Man 2000; EE. UU., Alemania; Color; Director: Paul Verhoeven; Guion: Gary Scott Thompson, Andrew W. Marlowe; Música: Jerry Goldsmith; Fotografía: Jost Vacano; Intérpretes: Elisabeth Shue, Kevin Bacon, Josh Brolin, Kim Dickens, Greg Grunberg, Joey Slotnick, Mary Randle, William Devane, Rhona Mitra, Pablo Espinosa, Margot Rose, Jimmie F. Skaggs, Jeffrey Scaperrotta; Duración: 112 minutos.

Entre los actores que podrían haber interpretado al protagonista se encuentran Guy Pearce y Edward Norton, aunque se eligió finalmente a Kevin Bacon por su capacidad de ser simpático y malvado al mismo tiempo.

Dotada con un presupuesto de 95 millones de dólares, recaudó en todo el mundo más de 190 millones de dólares, aunque en Estados Unidos su recaudación se quedó por debajo de su presupuesto, no pasando en los cines norteamericanos de un ingreso de algo más de 73 millones de dólares.

Casi la mitad de ese presupuesto se gastó en efectos especiales para simular el estado de invisibilidad del personaje de Bacon, quien tuvo que asistir al rodaje de las escenas para dar la réplica a sus compañeros de reparto ya que las primeras veces en las que no participó la interpretación de estos era menos realista.

El rodaje fue complicado para el actor ya que tuvo que rodar algunas escenas dos veces, vestir un traje de látex que le cubría todo el cuerpo, así como una máscara, lentes de contacto y una placa para los dientes. También escanearon todo su cuerpo, incluyendo los genitales, para crear un clon digital del actor que incluso llegó a escribir un diario durante el rodaje para reflejar en él los sentimientos de aislamiento, ira y sufrimiento que tuvo durante este.

La película contó con una secuela en 2006, El hombre sin sombra 2 (The Hollow Man 2) dirigida por Claudio Fäh y protagonizada por Christian Slater, Laura Regan, Peter Facinelli y Jessica Harmon. Estrenada directamente en vídeo, en ella el personaje interpretado por Slater se llama Michael Griffin recuperando así el apellido del hombre invisible original M.J.P. imaginado por H. G. Wells.

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MORLOCKS 2011; EE. UU.; Color; Director: Matt Codd; Guion: Adam J. Karp, Royal McGraw; Música: Claude Foisy; Fotografía: Martin Chichov; Intérpretes: David Hewlett, Daniel Caltagirone, Christina Cole, Jim Fyfe, Hamish Clark, Ray Faron, Iain McKee, Marem Hassler, Robert Picardo, Shelly Varod, Vlado Mihailov, Lincoln Frager, Jesse Steele; Duración: 84 minutos.

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THE FIRST MEN IN THE MOON 2010; Reino Unido; Color; Director: Damon Thomas; Guion: Mark Gatiss; Música: Michael Price; Fotografía: Graham Frake; Intérpretes: Rory Kinnear, Mark Gatiss, Alex Riddell, Peter Forbes, Katherine Jakeways, Julia Deakin, Lee Ingleby, Philip Jackson, Ian Hallard, Reece Shearsmith, Steve Pemberton, Jayne Dickinson, Vanessa Havell; Duración: 88 minutos.

Reinvención chusca perpetrada por SyFy de La máquina del tiempo de H. G. Wells. En lugar de un solo inventor, la máquina del tiempo ha sido creada por una organización militar llamada Proyecto ELOI y se trata de un portal temporal no demasiado potente ya que solo llega hasta el año 2080, de llegar al año 802701 de la novela, ni hablamos. A pesar de lo cercano de la fecha ya existen los morlocks, que son amos del planeta y aprovechan el portal para atacar a los humanos del presente. Tampoco es un portal demasiado efectivo, ya que ha dejado atrapados en el futuro a un grupo de marines, inevitables en cualquier película de ciencia ficción bélica desde Aliens, el regreso (1986) de James Cameron. Un grupo de humanos tendrá que viajar a dicho futuro para rescatarlos y recuperar un artefacto que ha dejado abierto el portal, lo que está provocando la infestación de morlocks en el presente. Como en toda producción de SyFy, los efectos especiales dejan bastante que desear y en esta ocasión han convertido a los morlocks en un engendro cheposo similar al Gollum/Sméagol de El señor de los anillos si consiguiera ligar con uno de los xenomorfos de la mencionada Aliens, el regreso, sin duda alguna una de las películas favoritas del director Matt Codd. Como actores de reclamo para tentar a algún fan incauto de las películas y series de ciencia ficción, tenemos a David Hewlett que apareció en la serie Stargate Atlantis y a Robert Picardo que interpretó al médico holograma de Star Trek: Voyager.

Los morlocks del título no tienen nada que ver con los personajes de carácter más humanoide y tribal que definió Wells en su novela y que hemos visto en otras adaptaciones de La máquina del tiempo .

Juegan más en la baza de las criaturas depredadoras de la serie Primeval. M.J.P.

Segunda adaptación de la novela de H. G. Wells Los primeros hombres en la Luna tras La gran sorpresa (1964), de Nathan Juran. Mark Gatiss, actor y guionista de la película, se reservó el papel del profesor Cavor, inventor de la sustancia antigravedad conocida como Cavorita y creada a partir la amalgama de varios metales con helio. De hecho, esta película está dedicada precisamente al actor que interpretó a Cavor en el largometraje de Juran, Lionel Jeffries, quien falleció precisamente en 2010.

Producida por la BBC, la película se emitió por primera vez en el canal BBC Four el 19 de octubre de 2010. No era la primera vez que la BBC tomaba contacto con la obra de Wells. En 2006 realizaron un docudrama protagonizado por Michael Sheen encarnando al escritor titulado H. G. Wells: War with the World, dirigido por James Kent y en el que realizaban un repaso a su vida empleando parte de sus escritos biográficos.

Gatiss ya había participado junto con Steven Moffat en la adaptación de otro clásico de la literatura inglesa, las aventuras de Sherlock Holmes escritas por Arthur Conan Doyle y convertidas en una exitosa serie de la BBC protagonizada por Benedict Cumberbatch y Martin Freeman.

El argumento sigue las peripecias de Cavor, que desafía a la gravedad de la Tierra para viajar hasta la Luna, con un despliegue de efectos especiales de baja intensidad, modestos, y no tiene el sentido del humor presente en la versión cinematográfica anterior. No obstante, el diario The Guardian calificó esta versión como “brillante”, sobre todo por el trabajo de sus dos actores protagonistas, no tanto por el despliegue visual, poco convincente en el retrato de los selenitas. Según explica el guionista y actor Mark Gatiss: “Hay algo realmente desafiante para la imaginación en la asociación de los viajes espaciales y el periodo eduardiano”. M.J.P.

CARTEL-MANÍA H. G. WELLS

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WAR OF THE WORLDS THE TRUE STORY

GUERRA DE LOS MUNDOS: GOLIATH

2012; EE. UU.; Color; Director: Timothy Hines; Guion: H. G. Welles; Música: Jamie Hall; Fotografía: Timothy Hines; Intérpretes: Jack Clay, Jim Cissell, Susan Goforth, Anthony Piana, Darlene Sellers, Floyd Reichman, James Lathrop, John Kaufmann, Jamie Lynn Sease; Duración: 102 minutos.

La película toma como base e inspiración el famoso programa de radio emitido el domingo 30 de octubre de 1938 en el que Orson Welles llevó a cabo una lectura demasiado realista de la novela escrita por H. G. Wells, troceada en lo que parecían boletines informativos, lo que provocó el pánico cuando muchos de los oyentes lo tomaron como algo real y algunos incluso llegaron tan lejos como cargar la furgoneta y huir a las montañas convencidos de que los marcianos estaban atacando la Tierra.

Timothy Hines llevó a cabo este proyecto con el mismo espíritu y lo trató como si fuera un documental real sobre una invasión marciana a principios del siglo XX. Con un presupuesto de apenas 10 millones de dólares y utilizando material de archivo de la Primera Guerra Mundial, mapas históricos y fotos de archivo, Hines consiguió darle una apariencia realista al falso documental, además de llevar a cabo un diseño de los trípodes y de los marcianos mucho más cercano a la novela que el resto de producciones cinematográficas que la habían adaptado hasta la fecha.

El técnico de efectos especiales, conocido como Ultrakarl, se encargó de recrear el aspecto de los gigantescos marcianos cuya marioneta era manejada por 19 personas. Ezra Hamill fue el encargado de diseñar los trípodes marcianos con la intención de que parecieran máquinas propias del steampunk y no algo orgánico parecido a un ser vivo como había ocurrido con los vehículos marcianos de La guerra de los mundos (1953) de Byron Haskin, más parecidos a una mantarraya.

Otra película que se aproxima a la novela de H. G. Wells tomando forma de documental es The Great Martian War 1913-1917 (2013) dirigida por Mike Slee y coprotagonizada por Hazel Douglas, Jock Donnelly, Joan Gregson, Ian Downie y cuya narración corre a cargo de Mark Strong. Película para televisión donde se aprovecha material de la Primera Guerra Mundial que se hace pasar por filmaciones realizadas durante un supuesto ataque marciano a la Tierra a principios del siglo XX. M.J.P.

War of the Worlds: Goliath 2012; Japón, EE. UU., Malasia; Color; Director: Joe Pearson; Guion: David Abramowitz, Joe Pearson, Leon Tan; Música: Luka Kuncevic; Fotografía: Young Hwan Sang; Intérpretes: Adam Baldwin, Beau Billingslea, Kim Buckingham, Jim Byrnes, Joey D’Auria, Kennie Dowle, Tony Eusoff, Elizabeth Gracen, Alexander Henderson, Amelia Henderson, Susan Lankester; Duración: 85 minutos.

Secuela de animación de La guerra de los mundos de H. G. Wells, en la que los humanos han progresado científicamente gracias a los trípodes que dejaron los marcianos en su primer ataque a la Tierra.

Ambientada en el año 1914 en una historia alternativa inscrita en el subgénero steampunk, en clave retrofuturista, cuenta con la aparición de algunos personajes históricos, como Theodore Roosevelt, Nikola Tesla o el Barón Rojo –Manfred von Richtofen– que militan en una organización internacional destinada a proteger a la humanidad de los marcianos y llamada ARES (Allied Resistance Earth Squadron) una organización muy parecida al SHIELD de los cómics de Marvel, que cuenta incluso con su propio helitransporte, bautizado como Leviatán.

El Goliath del título hace referencia al robot de tres patas que pilota el protagonista Eric Wells, homenaje claro al autor de la novela. Quizá lo bautizaron así para dar reconocimiento a obra y autor, que curiosamente no aparecen en los créditos de la película. Joe Pearson tuvo que luchar durante mucho tiempo para llevar a cabo un proyecto en el que había trabajado durante diez años hasta que pudo iniciar la fase de producción en 2009; aún tardaría tres años más para poder estrenarla en 2012.

El productor ejecutivo de la película fue Kevin Eastman, creador junto a Peter Laird de las famosas Tortugas Ninja de Mirage Studios en 1984 y que han dado lugar a multitud de películas, comic-books y series de televisión.

En su conjunto, este largometraje es la mejor prueba de que las imaginativas propuestas de H. G. Wells siguen siendo potencialmente un gran caldo de cultivo para sacar adelante producciones audiovisuales de calidad, capaces de ampliar los paisajes trazados por el escritor en sus universos de ficción. M.J.P.

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LA GUERRA DE LOS MUNDOS

FICHA

TÉCNICA

Las expectativas estaban muy altas, La película tiene varias diferencias Director: Steven Spielberg; Intérpretes: Tom Cruise, Dakota y lo cierto es que la película no consiguió con respecto a la novela original. Una vez Fanning, Miranda Otto, Justin Chatwin, Tim Robbins, Rick colmarlas tal como esperaban muchos más, la acción ha sido trasladada de la González, Yul Vázquez, Lenny Venito, Lisa Ann Walter, Ann espectadores.

Inglaterra victoriana a los Estados Unidos Robinson, Gene Barry, David Alan Basche, Roz Abrams; Año No obstante, en lo referido al plantedel siglo XXI. Otro cambio importante con de producción: 2005; Nacionalidad: EE. UU.; Guion: Josh Friedman, David Koepp. Fotografía: Janusz Kaminski; amiento visual, resulta imposible encontrar respecto a la novela radica en la llegada de Música: John Williams; Color; Duración: 116 minutos. una propuesta de adaptación de la novela los marcianos a la Tierra que en esta ocade Wells que supere lo conseguido por sión no es a través de proyectiles cilíndriSpielberg en este largometraje. cos, sino a través de un rayo.

Es lógico, porque, para empezar, es la adaptación que ha Los proyectiles cilíndricos con los trípodes en su interior ya contado con un apoyo económico más potente. Se calcula que la habían llegado antes a la Tierra en tiempos prehistóricos y los marpelícula dispuso de un presupuesto de 132 millones de dólares. cianos se limitan a teletransportarse a través de ese rayo hasta Ciertamente, no fue un mal negocio si tenemos en cuenta que solo ellos. Esto último fue un añadido de Spielberg al guion ya que no en los cines estadounidenses llegó a recaudar 234 280 354 dólares, quería mostrar la típica llegada de las naves invasoras a la Tierra. cifra que sumada a la recaudada en mercados exteriores suma un Esta forma de actuar de los marcianos no tiene mucha lógica a no total de recaudación en todo el mundo que asciende a 603 873 119 ser que consideren la Tierra como una especie de granja en la que dólares. recolectar humanos cuando estos llegan a cierto número de poblaEn el reparto de premios fue nominada al Oscar en las cateción. gorías de Mezcla de Sonido, Montaje de Sonido y Efectos Visuales, Además, algunos personajes de la novela han desaparecido, lo que de alguna manera define sus puntos más fuertes en la precomo por ejemplo el hermano del protagonista o el matrimonio sentación de la novela de H. G. Wells en la pantalla grande.

Elphinstone mientras que se han creado otros nuevos como los La mejor parte es la presentación, el primer acto, cuando hijos del protagonista, algo cargantes ambos, la verdad. El personase materializa la amenaza de la invasión, incluso con la pega je que interpreta Tim Robbins es una combinación de dos personaargumental ya señalada de ser una invasión aplazada, y la parte jes de la novela en uno solo y toma su nombre de un tercero, el del nudo, segundo acto, hasta el momento en que padre e hija astrónomo Harlan Ogilvy. El arma más terrible de los marcianos en buscan refugio en la casa y son acosados por el ingenio alieníla novela, el humo negro asesino, precursor de la guerra bacteriológena. De ahí en adelante, con ese momento clave como punto gica, no aparece en la película. de inflexión, es cuando la película empieza a agotarse, pierde Pero, sobre todo, el gran lastre del planteamiento argumental interés, cae en reiteración de lo ya contado y finalmente fuerza de la película frente a la novela lo encontramos principalmente en la credibilidad del espectador buscando una conclusión de el empeño por convertir la obra de Wells en otra fábula sobre las reencuentro y final feliz que pone a prueba la paciencia del familias incompletas que abundan en la filmografía del director. público.

Una vez más, Spielberg, apoyado en el estrellato de Tom No obstante, siendo objetivos, es cierto que estos defectos Cruise, elabora una fábula de divorcio y padre que quiere recuperar han sido sublimados en exceso, por lo que algunos seguidores y a sus hijos en un escenario apocalíptico, lo que impone una tensión analistas de la obra de Spielberg afirman que es la película mas argumental de incredulidad en todo lo que se refiere a la desapariinjustamente sobrestimada de la filmografía del director. ción y reencuentro del hijo en un desarrollo que nos aparta drástiPor ejemplo, un factor que conviene no pasar por alto es su camente de todo el potencial que posee la novela en lo referido a cualidad como película de espejo y eco frente a los atentados terromostrar la invasión alienígena y sus consecuencias. En la película, ristas que se produjeron en Estados Unidos el 11 de septiembre de tras un arranque ciertamente espectacular y una resolución visual 2001, especialmente con algunos momentos, como el de las cenien la que evidentemente no se puede negar el talento de Spielberg zas, que tomaron como referencia y al mismo tiempo reflejaban como director, el talón de Aquiles es un guion que hace aguas en su algunas de las escenas de horror derivadas de los atentados contra empeño por convertir la invasión en un telón de fondo para un las Torres Gemelas. melodrama de corte familiar que en algunas de sus fases adquiere Ese es el aspecto más interesante de esta versión de La gueun tono de telefilme. rra de los mundos que nos propuso Spielberg y funciona como tes¿Habria cambiado eso reforzando el resultado final si tal tigo de su tiempo. Curiosamente, esa circunstancia no estaba en la como pretendían Spielberg y Cruise el guion hubiera sido escrito mente de Spielberg, quien llevaba pensando en hacer una adaptapor J. J. Abrams, quien rechazó el trabajo porque en ese momento ción de la novela mucho antes de que se produjeran los atentados, estaba liado con la serie Perdidos, que iba a convertirse en un fenóconcretamente desde 1995. Gran aficionado a la obra de Wells, meno televisivo? Es casi seguro que sí. incluso se había conseguido en una subasta el guion original de la Dicho de otro modo, Spielberg se queda corto con la invasión célebre adaptación para la radio que había llevado a cabo Orson alienígena, es un tanto desilusionante porque es un director de proWelles para el programa The Mercury Theater on the Air el 30 de bada eficacia en el género de ciencia ficción y además uno de los octubre de 1938. Spielberg descartó sacar adelante su versión en precursores de cambios esenciales en el subgénero de contactos los noventa precisamente porque otras dos películas ya habían extraterrestres si tenemos en cuenta Encuentros en la tercera fase, establecido sus propias visiones de invasión alienígena, pero aún mucho más si consideramos que su acercamiento a otro Independence Day, de Roland Emmerich, estrenada en 1996, y clásico del género, Philip K. Dick, en Minority Report, resulta mucho Marte Ataca, de Tim Burton, que llegó ese mismo año a la cartelera más satisfactorio e interesante que lo conseguido en su incursión configurándose como una visión satírica del asunto que definía en el rico universo literario de ciencia ficción propuesto por uno de además a la propia sociedad estadunidense, como suele ser habilos padres del género, H. G. Wells, en una obra capital de este, tual en su director. como es La guerra de los mundos.

LUCIA BOSÈ (LUCIA BORLANI) 28 de enero de 1931, Milán, Lombardía (Italia)-23 de marzo de 2020, Brieva, Segovia (España)

FILMOGRAFÍA 1948.– 1848 (cortometraje); 1950.– No hay paz entre los olivos, Crónica de un amor; 1951.– È l’amor che mi rovina, París, siempre París; 1952.– Tres enamoradas, Roma ore 11, Le due verità; 1953.– Las señora de las camelias, Era lei che lo voleva!; 1954.– Questa è la vita, Traicionada, Accadde al commissarriato; 1955.– Le village magique, Muerte de un ciclista, Gli sbandati; 1956.– Sinfonía de amor, Así es la aurora; 1960.– El testamento de Orfeo; 1966.– Por los caminos de España (serie de televisión); 1968.– No somos de piedra, Nocturno 29; 1969.– Sotto il segno dello scorpione, Fellini Satiricon, Del amor y otras soledades, Jutrzenka, Un invierno en Mallorca, El verano de Picasso; 1970.– Metello, Ciao Gulliver; 1971.– Qualcosa striscia nel buio, La controfigura, L’ospite; 1972.–La casa de las palomas, Arcana, Nathalir Granger, La colonna infame; 1973.– Los héroes millonarios, Ceremonia sangrienta; 1975.– Manchas de sangre en un coche nuevo, La orgía del sexo, Por las antiguas escaleras; 1976.– Lumière, Los viajes escolares, La señora García se confiesa (serie de televisión); 1977.– Violanta; 1981.– Mon enfant, ma mère (película televisión), La perdiz (cortometraje); 1982.– La cartuja de Parma (miniserie televisión); 1987.– Crónica de una muerte anunciada; 1988.– Brumal; 1989.–El niño de la luna; 1990.– Volevo i pantaloni, El avaro, Le gorille: le gorille dans le pot-au-noir; 1992.– Il coraggio di Anna (película para televisión), Alta società (miniserie televisión); 1999.– El último harén; 2007.– I viceré; 2010.– Capri (serie televisión); 2013.– Alfonsina y el mar.

DE CAMPESINA A “ANIMAL CINEMATOGRÁFICO” DEL NEORREALISMO En noviembre del pasado año, Lucia Bosè aparecía en la pequeña pantalla como protagonista de un programa de celebridades que intercambian experiencias culinarias en clave reality show, titulado Ven a cenar conmigo. Y nuevamente consiguió conquistar al público con su optimismo y sinceridad de veterana del mundo del espectáculo que además aprovechaba la ocasión para presentar su biografía, titulada Fragmentos de Lucia Bosè, firmada por Roberto Liberatori a modo de colección de recuerdos y anécdotas de sus experiencias profesionales a lo largo de varias décadas, varios matrimonios, una familia de famosos descendientes y numerosas fases de actividad e inactividad en el mundo del cine.

Lucia Bosè procedía de una familia campesina, era hija de Domenico Borloni y Francesca Bosè y tenía dos hermanos, Aldo y Giovanni. Su vida empezó a cambiar cuando ganó el certamen de belleza de Miss Italia en 1947, en su segunda edición. Ese premio le permitió acercarse al cine, aunque ella misma contaba en las citadas memorias que su descubridor había sido el director Luchino Visconti, figura del neorrealismo italiano con La tierra tiembla y Bellisima, y director de joyas del cine como Senso, El gatopardo, El extranjero, La caída de los dioses, Muerte en Venecia, Luis II de Baviera, Confidencias o El inocente. Según Lucia, Visconti la había visto cuando trabajaba en una pastelería de Milán, Galli, cuando la futura actriz tenía 16 años y preparaba una caja de castañas confitadas, y le dijo: “Tú eres un animal cinematográfico”.

El piropo del maestro del cine se le quedó grabado a ella y ofició como una especie de mensaje premonitorio y el comienzo de un afecto que unió al director con la actriz, que, sin embargo, nunca se dejó convencer por el director para subirse a un escenario y trabajar en el teatro, como él pretendía.

En cine sí comenzó a trabajar desde 1948, punto de arranque de su filmografía, en un cortometraje documental a las órdenes de Dino Risi titulado 1848, pero no inició su recorrido en largometrajes hasta que protagonizó a las órdenes de Giuseppe De Santis, el más izquierdista de los maestros del neorrealismo italiano, No hay paz entre los olivos. El papel que interpretó en ese largometraje había sido pensado inicialmente para Silvana Mangano, actriz que había protagonizado uno de los mayores éxitos comerciales del movimiento neorrealista precisamente a las órdenes de ese mismo director, Arroz amargo, tan solo un año antes, inaugurando la figura erótica de la maggiorata del cine italiano, pero fue obligada a abandonar la película por encontrarse embarazada. Eso abrió hueco a Bosè para que pudiera arrancar su carrera como actriz del neorrealismo en la película que completaba la trilogía campesina de De Santis formada por Caza trágica, Arroz amargo y No hay paz entre los olivos.

Es significativo que desde ese primer momento Lucia comenzara a exhibir su propia personalidad diferenciada de otras féminas que despun-

taban entre la nueva cosecha de actrices italianas del neorrealismo. Por ejemplo, mientras Mangano era la carnal icónica que arrancó la moda de las maggiorate, Bosè proponía una belleza más etérea y estilizada, dotada de una elegancia que iba a ir creciendo en cada uno de sus trabajos posteriores ante las cámaras.

En eso tuvo que ver su siguiente trabajo en el cine, a las órdenes de un debutante Michelangelo Antonioni en Crónica de un amor. Antes de Mónica Vitti, la actriz fetiche del director, Bosè marcó muchas de las características que iban a definir la presencia de lo femenino en la filmografía de este otro maestro del cine que se apartaba radicalmente de la corriente neorrealista para proponer un cine italiano de autor de códigos diferentes, enfocados lejos del interés por las clases más populares de dicho movimiento para zambullirse en el dibujo de la burguesía.

La película, una de las favoritas de Martin Scorsese, había sido concebida por el director con la estrella norteamericana Gene Tierney como protagonista, pero sin duda salió mucho mejor parada con la sustitución de esta –poco interesada en el asunto porque Antonioni era un director italiano desconocido–, por Lucia Bosè, que aportó una belleza distante a la mujer víctima de los celos que dibujaba Antonioni.

El director volvió a contar con ella en otras de las películas destacadas en la filmografía de la actriz, La señora sin camelias, drama sobre la carrera súbita y ascendente de una dependienta al estrellato como actriz, y su caída en el terreno personal y profesional.

Junto a esos trabajos más serios y de drama, Lucia Bosè no duda en aceptar papeles que le permitían brillar en el género de moda y más comercial del cine italiano del momento, el denominado “neorrealismo rosa”, que recoge la estética del neorrealismo y la traslada, desprovista de su carga de análisis y crítica social y política, al territorio de la comedia romántica popular. Es así como podemos encontrarla en las películas París, siempre París y Tres enamoradas, dirigidas ambas por Luciano Emmer.

DE ITALIA A ESPAÑA A mediados de los años cincuenta Lucia Bosè no solo protagonizó dos películas claves de su filmografía que la instalaron definitivamente como estrella del cine europeo, sino que además protagonizó un cambio radical en su vida privada.

Muerte de un ciclista, dirigida por el español Juan Antonio Bardem, la trajo a España, y luego trabajó para otro director español, el maestro Luis Buñuel, pero en una coproducción entre Italia y Francia rodada en Francia: Así es la aurora.

En marzo de 1955 se casó con el torero Luis Miguel Dominguín en Las Vegas en una ceremonia civil, y posteriormente en octubre de ese mismo año pasó por el altar en España. Estuvo unida en matrimonio con el diestro hasta el año 1967. Tuvieron tres hijos que iban a alcanzar su propia parcela en distintas actividades relacionadas con el mundo del espectáculo. Miguel Bosé, nacido en 1956 en Panamá, ha conseguido su máximo éxito en el mundo de la música, pero además cuenta con una amplia filmografía como actor, iniciada en 1973, que le ha llevado a trabajar en títulos claves como Suspiria de Dario Argento, Tacones lejanos de Pedro Almodóvar, La reina Margot de Patrice Chéreau, Libertarias, de Vicente Aranda o La mirada del otro, de Vicente Aranda. En agosto de 1957 nació su hija Lucía Dominguín, quien coincidió con su hermano Miguel en el reparto de Vera, un cuento cruel, dirigida por Josefina Molina. Paola Dominguín nació en noviembre de 1960 y tuvo una carrera algo más dilatada ante las cámaras, debutando con el nombre de Paola Bosé en la serie de televisión Los libros, en el capítulo titulado “El mundo no es como es”, coincidió con su hermano Miguel en el espagueti wéstern Le llamaban California, y prosiguió su trayectoria ante las cámaras en películas como Bésame, tonta, Identificación de una mujer, Brumal, Estación Central, Retrato de familia, y la serie televisiva de comedia Todos los hombres sois iguales.

Además de ese matrimonio con Dominguín, Lucia Bosè tuvo un cuarto hijo, Juan Lucas, que falleció cuando contaba solo un mes de vida.

Además tenía diez nietos.

La fama que había ganado como actriz trabajando para los maestros citados y para otros genios del cine como Federico Fellini en Satiricon, Jean Cocteau en El testamento de Orfeo o Francesco Rosi en Crónica de una muerte anunciada, la convirtió en estrella del cine europeo y su divorcio a finales de los sesenta en la España de Franco la llevó a ocupar portadas de prensa del corazón en medios que fijaron sobre ella sus objetivos y titulares convirtiéndola en una celebridad de este tipo de entretenimiento que hoy conocemos como “prensa del corazón”.

Lucia Bosè ha fallecido víctima de una neumonía.

ERIN RICHARDS 17 de mayo de 1986, Penarth, Vale of Glamorgan, Gales, Reino Uni-

CILLIAN MURPHY

Altura: 1,65 metros.

Estado civil: Soltera, sin pareja conocida hasta la fecha.

Debut profesional: Una de las jóvenes promesas de la interpretación galesa, la joven actriz acabó estudiando arte dramático en el prestigioso Royal Welsh College of Music and Drama, donde se graduó, pero no destacó en sus primeros trabajos, sino como presentadora de un programa para adolescentes en galés, Mosguito, en S4C en 2009. Antes ya había debutado sin demasiado éxito en cine en un papel secundario en la comedia independiente Expiry Date en 2005. En 2010 hizo su debut en televisión en un episodio de la serie Crash.

Personajes: Fue Molly Hughes en la tristemente fallida Breaking In, antes de interpretar a Barbara Kean en la serie Gotham, papel por el que la recordaremos mucho tiempo.

Premios: No ha sido nominada a ningún premio todavía.

Filmografía básica: Expiry Date (2005), Abraham’s Point (2008), Open Grave (2013), Breaking In (2012), El estigma del mal (2014), That Good Night (2017), Y nadie más que tú (2018), Gotham (2014-2019), The Return of the Yuletide Kid (2019), Quantum Break (2016, videojuego).

Frases: “Tengo una voz algo grave, sí. La gente me dice habitualmente que tengo voz para hacer radio”.

“En la vida real no sabes lo que va a pasarte, así que, ¿por qué debería saberlo tu personaje? Es liberador interpretar la emoción del personaje según la estás sintiendo y no saber qué es lo que viene a continuación. Me gusta”. ¿Sabías que…? Es directora y guionista también. Ha lanzado su propio cortometraje, Hot Girl, y además ha dirigido en Gotham, la serie por la que la conocemos. Su último trabajo fue dirigir un episodio de la serie God Friended Me.

25 de mayo de 1976, Douglas, Cork, Irlanda.

Altura: 1,75 metros.

Estado civil: Casado con la artista Yvonne McGuinness desde el 1 de agosto de 2004, con quien ha tenido dos hijos. Ambos hijos nacieron en Suecia.

Debut profesional: Desde niño interesado en la música, con diez años tocaba y componía, y formó parte de un par de bandas, incluyendo Sons of Mr. Greengenes junto con su hermano Páidi, y llegaron a recibir una oferta para hacer cinco discos, pero no lo firmaron. Empezó a estudiar Derecho y tras suspender en primero, se interesó por el teatro tras ver en Corcadorca una representación de La naranja mecánica. Primero para conocer mujeres, pero empezó a trabajar en obras en University College Cork, y luego en 1996 consiguió una audición y trabajo en Corcadorca, debutando en teatro. En 1998 debuta en cine en un minúsculo papel en The Tale of Sweety Barrett y en televisión en 2001 en la miniserie The Way We Live Now. Personajes: Es Tommy Shelby en la sensacional Peaky Blinders.

Premios: Nominado al Globo de Oro en 2005 por su papel en Desayuno en Plutón.

Filmografía básica: Un verano diferente (1999), Disco Pigs (2001), Al límite (2001), 28 días después (2002), La joven de la perla (2003), Cold Mountain (2003), Batman Begins (2005), Vuelo nocturno (2005), Desayuno en Plutón (2005), El viento que agita la cebada (2006), Sunshine (2007), El caballero oscuro (2008), Origen (2010), In Time (2011), Luces rojas (2012), El caballero oscuro: la leyenda renace (2012), Peaky Blinders (2013-¿?), Trascendence (2014), Free Fire (2016), Dunkerque (2017), Anna (2019).

Frases: “Al haber cumplido 40 espero haber alcanzado algo de sabiduría o paciencia”. ¿Sabías que…? Es fan de Doctor Who y de Tron, por lo que apareció en un cameo en Tron: Legacy sin acreditar.

Habla inglés, gaélico, irlandés y francés.

ROBIN LORD TAYLOR

ANYA TAYLOR-JOY

do.

4 de junio de 1978, Shueyville, Iowa, EE. UU. Altura: 1,68 metros.

Estado civil: Casado con el diseñador de producción Richard DiBella desde el 18 de junio de 2011, al que conoció en una audición para un anuncio. La pareja lleva junta desde 2004. Pese a ello, hasta 2015 no pudo decir públicamente que era gay y estaba casado con otro hombre.

Apodo: RLT. Debut profesional: Enamorado de las artes escénicas, desde joven tenía claro que quería estudiar teatro, por lo que al acabar el instituto se matriculó en Northwestern University’s School of Speech, donde acabaría graduándose en teatro. Allí además compartiría habitación con Billy Eichner, cómico con el que crearía el talk show Creation Nation. De ahí pasó al mundo del cortometraje, debutando finalmente en cine en 2006 con The House is Burning, y en televisión en 2008, en un episodio de Life on Mars.

Pesonajes: Por supuesto, le vamos a recordar por ser Oswald Cobblepot, el Pingüino, en Gotham, pero recientemente le vimos como Will en You. Premios: No ha sido nominado a ningún premio todavía.

Filmografía básica: The House Is Burning (2006), Admitido (2006), La conspiración (2008), August (2008), Last Day of Summer (2009), Step Up 3D (2010), Return (2011), Otra tierra (2011), The Melancholy Fantastic (2011), Would You Rather (2012), En el frío de la noche (2013), Doll in the Dark (2016), Gotham (2014-2019), John Wick: capítulo 3 – Parabellum (2019), Full-Dress (2019), The Mandela Effect (2019), You (2019-¿?), The Long Home (2019).

Frases: “Soy muy leal, sociable hasta cierto punto. Neurótico, también”.

“No soy tan aficionado como alguno de mis amigos, pero te aseguro que tenía cómics de Batman”. ¿Sabías que…? Asegura que de niño bromeaban con su segundo nombre, Robin, empleando frases de la serie de televisión de los sesenta, Batman, algo que tuvo que soportar durante años.

(Anya Josephine Marie Taylor-Joy) 16 de abril de 1996, Miami, Florida, EE. UU. Altura: 1,73 metros.

Estado civil: Soltera. La actriz está comprometida con el actor Eoin Macken, pese a la diferencia de edad, desde 2017.

Debut profesional: Nacida en Estados Unidos, pero de doble nacionalidad británica y argentina, nada más nacer su familia se traslada a Argentina, de donde es su padre. Con seis años se muda a Londres aunque hasta los ocho solo habla español. A los 16 años y de forma poco habitual, una agencia de modelos le ofrece trabajo, y firma el día siguiente (el agente la sigue en coche y la invita a subir en él, una idea poco afortunada que asustó a la joven). Poco después consigue un agente como actriz también. Debuta en 2014 en un papel sin acreditar en Vampire Academy.

Ese mismo año debuta en televisión con Endeavour.

Personajes: La vimos brevemente en la serie Atlantis, como Cassandra, y ha puesto voz a un personaje de Cristal oscuro: la era de la resistencia, Brea. Pero ahora es Gina Gray en Peaky Blinders.

Premios: Ganadora de premio a la actriz revelación de Cannes en 2017.

Filmografía básica: La bruja (2015), Atlantis (2015, TV), Morgan (2016), Barry (2016), Múltiple (2016), Purasangre (2017), El secreto de Marrowbone (2017), Glass (Cristal) (2019), Cristal oscuro: la era de la resistencia (2019-¿?), Radioactive (2019), Peaky Blinders (2019-¿?), Emma (2020), Los nuevos mutantes (2020).

Frases: “Sé que es un cliché increíble, pero soy increíblemente afortunada de poder hacer lo que amo”.

“Por extraño que suene, y para bien o para mal, suelo olvidar mis éxitos tan pronto como suceden”. ¿Sabías que…? Sigue hablando español con fluidez. Además, toca la guitarra y el ukelele, además de haber estudiado danza y ballet desde niña.

SERIES DE TV

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KINGDOM

COMO CONOCI A VUESTRA MADRE

Temporada 1

(How I Met Your Mother) Temporada 1

Reparto: Jun Ji-Hoon, Doona Bae, Ryu Seung-ryong, Kim Sung-kyu, Kim Sang-ho, Heo Joon-ho, Jeon Seok-ho, Kim Hye-jun, Jung Suk-won; Emisión en todo el mundo: 25 de enero de 2019, Netflix.

Reparto: Josh Radnor, Jason Segel, Cobie Smulders, Neil Patrick Harris, Alyson Hannigan, Bob Saget (voz), Lyndsy Fonseca, David Henrie; Emisión EE. UU.: 19 de septiembre de 2005-15 de mayo de 2006, CBS.

Kingdom ha conseguido convertirse en uno de esos productos que se instalan en la mente de los espectadores y consiguen arrastrar millones de espectadores en todo el mundo sin que nadie sepa muy bien de dónde han salido. Las series coreanas son muy populares en todo el mundo, con millones de fans enganchados a los llamados doramas, que incluyen todos los géneros posibles, grandes valores de producción y un estilo muy peculiar y distinto a Hollywood, a los dramas televisivos que todos conocemos. Un ritmo distinto que ha enganchado a gente en todo el mundo, algo que Netflix no iba a dejar pasar, produciendo aquí su primera serie coreana, capaz de competir con cualquier producto del mundo, con un tono a caballo entre la épica, la fantasía, el terror y el drama, que unía los elementos tradicionales narrativos y temáticos de Corea del Sur con un estilo más internacional si cabe, convirtiéndose en un éxito instantáneo en todo el mundo. La primera temporada, con apenas seis episodios, se convirtió al instante en un fenómeno. La serie aprovechaba la presencia de un nombre conocido por la audiencia especialmente de Netflix, el de Bae Doona, actriz protagonista de Sense8. Y no solo colaboró con otras producciones de las hermanas Wachowski, como El destino de Júpiter o El atlas de las nubes. También la vimos en joyas como Un monstruo en mi puerta o The Drug King. La serie está ambientada en la Corea posterior a las invasiones japonesas de 1592 a 1598. En la trama, el joven príncipe heredero del trono, debe hacer frente a una situación sin precedentes, en la que una misteriosa plaga de muertos vivientes asola las provincias del sur y al propio rey. Un viaje épico que le llevará a intentar descubrir lo que está sucediendo en el reino, dividido entre quienes creen que el rey está muerto y él debe heredar ya el trono, y un dirigente que junto a su familia planea un golpe de Estado que les dé el poder. Una de las mejores primeras temporadas que podemos recordar.

La heredera de Friends. Así sería por mucho tiempo conocida la serie creada por Carter Bays y Craig Thomas, dos estudiantes universitarios que antes de salir de la universidad entraron a trabajar en la MTV como becarios, lo que acabaría marcando su carrera, por ejemplo, con la gala de los MTV Awards de 2002. Desde entonces la mayoría de su trabajo ha sido en equipo entre Bays y Thomas, quienes además forman parte del grupo The Solids, los responsables de la canción “Hey, Beautiful”, con la que se abren los títulos de crédito. Esta serie es la primera que crearon juntos y, sin duda, el éxito por el que serían medidos a partir de ese momento. Llegó a CBS al tiempo que NBC terminaba la emisión de Friends, apenas un año después, lo que hizo inevitables las miles de comparaciones entre ambas, que narraban la historia de un grupo de amigos que vivían en Nueva York y compartían piso, problemas, romances… La serie también giraba en torno a uno de los apartamentos especialmente, y a la visita regular del grupo a un local donde compartían sus historias. En lugar de una cafetería, era un pub, Maclaren’s, uno de los iconos de la serie, que, como novedad, nos era contada desde el futuro, donde el personaje de Josh Radnor, Ted, ya adulto y con la voz de Bob Saget, le contaba a sus hijos la historia de cómo conoció a su madre. O en realidad, un muy largo relato de sus vivencias en Nueva York con sus amigos hasta que conoció a la madre de ambos. En esta primera temporada conocíamos a la pareja formada por Marshall y Lily, que llevaban años juntos, aunque con sueños quizá distintos, y a Barney, un ligón empedernido capaz de vender a su madre por una noche de sexo con una mujer guapa. Y a Ted, el arquitecto romántico que conocía a Robin, quien pasaría a ser parte del grupo. La serie ganó dos Emmy técnicos en esta temporada.

SERIES DE TV

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LA CASA DE LA PRADERA (Little House on the Prairie) Temporada 1 Emisión EE. UU.: 11 de septiembre de 1974-7 de mayo de 1975, NBC. Precedido de la TV movie emitida el 30 de marzo de 1974, también en NBC; Reparto: Michael Landon, Karen Grassle, Melissa Gilbert, Melissa Sue Anderson, Lindsay y Sidney Greenbush, Richard Bull, Katherine MacGregor, Alison Arngrim, Jonathan Gilbert, Victor French, Bonnie Bartlett, Kevin Hagen, Dabbs Greer, Charlotte Stewart, Karl Swenson.

Posiblemente, sea una de las series más importantes de la historia de la televisión en nuestro país. Un fenómeno de masas que no tuvo parangón en los setenta y al que solo pudieron emular los grandes culebrones de los ochenta, como Dinastía, Dallas o Falcon Crest. El punto del éxito de la serie en nuestro país es tal, que tiene su propio apartado en la página en inglés dedicada a la serie en una muy conocida web de información. La serie nació en una época distinta, por supuesto, y con una temática que hoy puede parecernos simplemente demasiado ingenua (aunque ahí tenemos la serie Siete en el paraíso para imaginarnos algo realmente parecido a lo que tenemos aquí). Basada en los libros de Laura Elizabeth Ingalls Wilder, que estaban basados en su propia historia personal, la serie nació por el interés que tomó en los libros Ed Friendly, productor de televisión y ejecutivo de NBC, quien entró en contacto con los libros a inicios de los setenta y ofreció el proyecto como director a Michael Landon, quien aceptó ponerse detrás de las cámaras en el piloto y la TV movie, si podía interpretar al padre de la familia, Charles Ingalls. Así fue, y se fichó a una reputada guionista de televisión, Blanche Hanalis, quien desarrolló la TV movie que daría inicio a la serie meses después, gracias a su enorme éxito. La TV movie seguía a la familia Ingalls que se mudaba a Kansas, un territorio remoto donde junto a sus vecinos intentaban superar demasiadas adversidades, hasta que eran expulsados de las tierras y debían partir hacia el territorio donde la serie tendría lugar, Plum Creek, en Minnesota. En la primera temporada, además de las aventuras de la familia, vimos pasar por allí actores como Ernest Borgnine o Anne Archer. La serie se coló como la número 13 entre los programas más vistos en Estados Unidos.

KINGDOM Temporada 1 Reparto: Frank Grillo, Kiele Sánchez, Matt Lauria, Jonathan Tucker, Nick Jonas, Joanna Going, Juliette Jackson, Paul Walter Hauser, Joe Stevenson, Mac Brandt; Emisión EE. UU.: 8 de octubre-10 de diciembre de 2014, Audience Network.

Una serie que solo por los nombres asociados a ella tendría que ser mucho más popular de lo que terminó siendo, especialmente con un reparto lleno de nombres importantes liderado por Frank Grillo, en el que brillaron estrellas invitadas en los siguientes años también. Además, la trama giraba en torno a un tema interesante, las artes marciales mixtas y contaba con un creador y guionista principal (posteriormente también director) que llevaba casi diez años trabajando con algunas de las series más importantes estadounidenses, en títulos como Sin rastro, Huff o FlashForward, el escritor Byron Balasco. Un año antes ya había creado la serie Westside, con Odette Annable y Jennifer Beals, pero no pasó del piloto, mientras que Kingdom consiguió llegar a una cadena poco conocida por cable. Tanto que está a punto de desaparecer. Propiedad de DirectTV, Audience Network pensaba que se apuntaría un enorme tanto con la serie, que entonces se llamaba originalmente Navy St., como el gimnasio en torno al que giran las historias de la serie. No terminó de funcionar, pese a que la segunda temporada tuvo el doble de episodios que esta primera. Pero eso es otra historia. La serie contaba la vida de un exluchador de artes marciales mixtas o MMA, que tenía un gimnasio e intentaba equilibrar su vida familiar, con su novia y sus hijos, con el trabajo en un gimnasio que iba a la deriva económica y que intentaban mantener a flote. Incorporaba también a otros personajes entre los principales, como la propia exmujer del protagonista, quien tenía una muy complicada vida que no entraba en los planes de su ex y sus hijos. Quizá decir vida complicada sea quedarse corto, pero era un personaje que los seguidores de la serie adoraban porque nadie sabía nunca qué iba a pasar con ella. Grillo había interpretado años antes a un entrenador de MMA en la fascinante Warrior, y ahora retomaba un papel bastante cercano, pero con suficientes cambios, aunque no cabe duda de dónde fueron a mirar los productores cuando pensaron en él para liderar la serie.

Louise Brooks

LOUISE BROOKS

En Rolled Stockings, junto a Richard Arlen, de cuyo director, Richard Rosson, Louise afirmó que no quería hacer la película, y de hecho ni siquiera quería dirigir.

Mary Louise Brooks, conocida como Brooksie, nació el 14 de noviembre de 1906 en Cherryvale, Kansas, y falleció víctima de un ataque al corazón el 8 de agosto de 1985 en Rochester, Nueva York. Actriz y bailarina, fue una de las estrellas femeninas más destacadas de la era del cine mudo, con una carrera que arrancó con el largometraje La calle del olvido (1925) y finalizó con Overland Stage Raiders (1938). Pero, paradójicamente, nunca fue considerada una estrella en el momento en que más brilló en su carrera. Fue a posteriori cuando se la reconoció como tal por generaciones de cinéfilos más jóvenes. Lamentablemente, parece ser que ella siempre consideró su vida como un fracaso.

Entre esos dos títulos, Brooks reunió una relativamente corta filmografía, de tan solo 24 títulos, que no hace honor al eco que tuvo su aparición en la pantalla grande en los años veinte, momento en el que propuso una renovación de las divas que dominaban las fantasías de Hollywood en los años precedentes, marcando además una tendencia creciente de figura femenina más moderna entre sus seguidoras y seguidores.

La actriz, que escribió en su biografía, Lulú en Hollywood, esta frase lapidaria: “No hay otra profesión en el mundo tan cercana a la esclavitud como la de la estrella de cine”, hubo de medirse en su época de mayor gloria profesional con una nutrida competencia en la que encontramos a la australiana Mae Busch, una de las más versátiles divas de la pantalla grande del momento, que lo mismo podía aparecer

en un drama dirigido por Erich von Stroheim que oficiar como compañera de aventuras cómicas de Oliver Hardy, la consagrada Mary Pickford, canadiense como Marie Prevost tras haber debutado como una de las bellezas bañistas de Mack Sennett, las germanas Lil Dagover y Brigitte Helm, la húngara Vilma Banky, que era una de las estrellas más rentables del estudio dirigido por Samuel Goldwyn a finales de los años veinte, o las estadounidenses Clara Bow, conocida como “la chica Ello” por el título de una de sus películas y prototipo de la flapper, Bebe Daniels, Mildred Davis, Julia Faye, Bessie Love, Colleen Moore, las hermanas Constance y Norma Talmadge, una joven Janet Gaynor, la rubia Laura LaPlante, la primera estrella chinoestadounidense de Hollywood, Anna May Wong, o dos pesos pesados del nivel de Mary Pickford como eran Lillian Gish y Gloria Swanson, que había sido la actriz favorita de Louise cuando iba al cine en la infancia.

Brooks alcanzó el grado de icono de una tendencia que quedó bautizada con el término flapper, una forma de ejercer como sex symbol femenino en la era del jazz, siendo además la principal propagadora de la moda del corte de pelo denominado bob , que todavía hoy sigue haciendo furor en las clientas de peluquerías de todo el planeta.

Conviene tener en cuenta que la futura estrella llevaba ya un corte de pelo similar a aquel con el que iba a hacerse famosa cuando era niña y también como adolescente, así que lo suyo con el pelo era más bien una seña de identidad que la había acompañado toda su vida y ella aportó al cine como característica definitoria para el tipo de personajes y de películas que iba a interpretar en la pantalla grande. En todo caso, ella no “inventó” ese tipo de peinado, aunque fuera una de las claves para promocionarlo desde el cine. A título de prueba suele citarse el cuento de F. Scott Fitzgerald Berenice se corta el pelo, escrito en 1920 y publicado por primera vez en mayo de ese mismo año en el diario Saturday Evening Post y publicado más tarde, el 10 de septiembre de 1920, en la antología Flappers and Philosophers.

Avanzada a su tiempo, Brooks impuso la fórmula de las flappers en la pantalla grande. Estas eran jóvenes descaradas y seguras de sí mismas que vestían con faldas más cortas y en general se rebelaban contra las normas sociales más aceptadas y la imagen de la mujer sumisa o alternativamente perversa y destructora de hombres que habían puesto en funcionamiento una década antes figuras como Pola Negri, de la que ya hemos hablado en este mismo coleccionable.

Más liberadas y sin complejos en lo referido al sexo, estas flappers que capitaneaba Louise Brooks, buscaban un reflejo de esa actitud más descarada y desafiante en las propias películas que interpretaban, cuyos argumentos reflejaban el mismo cambio de estilo que manejaban en su imagen.

En ese sentido, la aparición de Louise Brooks supuso un saludable soplo de aire fresco para ventilar las propuestas más convencionales de las figuras femeninas en el cine y rompieron una primera lanza por abordar lo femenino en Hollywood con una mirada más amplia y liberada de prejuicios de la que perseguía a otras estrellas del momento.

Brooks tuvo además que sortear profesionalmente una de las etapas más convulsas y con más cambios vividas por el cine estadounidense, el paso del cine mudo al sonoro, con todos los cambios y retos para actores y actrices que ello planteaba, además de la crisis económica de 1929 que dio lugar a la Gran Depresión, modificando drásticamente el paisaje y las propuestas del cine de esa etapa.

Demostró así ser capaz de sobrevivir de una fase a otra sin modificar en lo esencial su manera de entender su trabajo y de desarrollarlo ante las cámaras, que era lo que la había convertido no solo en estrella, sino en algunos aspectos en un modelo para el público de su época.

La llegada de Lulú, víctima de la censura

Junto a Victor MgLaglen en Una novia en cada puerto, dirigida por Howard Hawks, la película que decidió al director Pabst darle a Louise el papel de Lulú en La caja de Pandora.

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El mayor punto de su estrellato lo encontramos en las postrimerías del cine mudo, cuando protagonizó la película más destacada de toda su filmografía y con la que dejó huella en la historia del cine: La caja de Pandora (1929).

Película enigmática, esta producción germana de los estudios Nero fue, sin duda, el punto álgido de su trayectoria profesional, y la catapultó automáticamente al estrellato en todo el mundo, llegando a recaudar en una cifra muy respetable para la época: casi 63 000 dólares.

Los aficionados a imaginar repartos alternativos pueden jugar a montarse su propia versión de la película imaginando cómo habría quedado en el caso de que el director hubiera fichado a Marlene Dietrich para el papel protagonista, aunque ya en aquel momento tenía claro que

LOUISE BROOKS

Mendigos de vida, junto a Richard Arlen, donde Louise se disfrazaba de muchacho para recorrer Estados Unidos en una huida con los sin techo.

prefería a Louise Brooks, porque consideraba a su alternativa germana demasiado vieja para el papel a sus 27 años de edad.

Dietrich estaba ya en su despacho esperando para firmar el contrato cuando llegó un telegrama de la productora estadounidense Paramount anunciando que Brooks, en aquel momento bajo contrato con dicho estudio, quedaba disponible para rodar La caja de Pandora. Fue una sorpresa para el director, porque en principio el estudio estadounidense se había negado a cederle a la actriz. Afortunadamente para el proyecto, en ese momento Brooks mantenía una disputa con la productora por cuestiones salariales que le permitió liberarse de sus obligaciones contractuales cuando se reveló que Paramount no podía satisfacer el aumento de sueldo que pedía para seguir trabajando con dicho sello.

Seguramente, a Dietrich no le hizo gracia darse el viaje en balde, aunque quedarse libre de ser Lulú en esta película le viniera bien para interpretar otro papel muy popular y carismático en el cine de la época, que además lanzó su carrera a nivel internacional, el de la cantante de cabaret Lola Lola de la película El ángel azul, dirigida por Josef von Sternberg.

Varios aspectos señalan La caja de Pandora como una de las primeras películas que ejerció como pionera del cine sonoro, al incorporar sonido a los anuncios del estreno, y además se la cita como la primera producción cinematográfica que incluyó un personaje de lesbiana en su argumento, la condesa Anna Geschwitz, interpretada por la actriz belga Alice Roberts, que protagonizaba un baile con Brooks. Según explicó pos-

El momento del baile entre las dos mujeres de La caja de Pandora, la película más célebre de la filmografía de Louise Brooks, que estuvo a punto de ser interpretada por Marlene Dietrich.

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teriormente Brooks en su biografía, Roberts no había sido consciente de que su personaje era lesbiana cuando leyó el guion, pero poco antes de empezar el rodaje de sus escenas se percató de ello y se negó a interpretar su papel como si se sintiera atraída por Lulú. El director tuvo que convencerla de que en lugar de pensar en Louise Brooks cuando le dirigía sus miradas para seducirla le mirara a él, que estaba detrás de la cámara.

Son solo dos pinceladas que testimonian cómo La caja de Pandora era en algunos de sus aspectos y propuestas una película claramente adelantada a su época y que todavía hoy se mantiene joven y actual, aunque en el momento de su estreno y tras conseguir el respaldo de la crítica, la película fuera paulatinamente olvidada por las generaciones posteriores. Hizo falta que a finales de los años setenta se publicara un artículo en la revista The New Yorker en torno al estrellato de Louise Brooks, titulado La chica con el casco negro, para que el largometraje viviera una renovada etapa de popularidad que acabó por convertir La caja de Pandora en título de culto.

El argumento sigue la pista a Lulú, la amante de un editor de periódicos de mediana edad, cuya vida va cambiando desde esa situación inicial acomodada e indolente tras una sucesión de caídas que la llevarán hasta las manos de Jack el Destripador. Interpretando ese personaje, Louise Brooks seguía los pasos de Asta Nielsen, la diva del cine danés que trasladada al cine alemán había interpretado una versión anterior de esta misma historia en una película de 1921, lo que hizo que parte de la crítica y del público germano criticaran inicialmente la elección de una actriz estadounidense en lugar de una estrella europea para protagonizar esta nueva versión de La caja de Pandora.

La leyenda de la película creció a medida que pasaba el tiempo, en parte por las distintas versiones que llegaron a exhibirse en diferentes países y su lidia con la censura de cada época y lugar. Actualmente, se conocen cinco versiones del filme: la original, de 131 minutos de duración, una versión restaurada de 133 minutos, otra para la explotación en vídeo de 110 minutos, una copia con subtítulos en francés que pertenece al Museo del Cine de Bruselas y dura 152 minutos y la versión restaurada más reciente, de 1918, que tiene 135 minutos de duración.

Ya en el momento de su estreno, el largometraje sufrió cortes y cambios, siendo remontado tras su estreno alemán para la explotación en Francia, en uno de los ejemplos de censura más disparatados que recuerda la historia del cine. La copia que se recortó para exhibir en cines galos desarticulaba la historia de amor lésbico de la condesa hacia Lulú, convirtiéndolas en amigas desde la infancia, y cambiaba el final por uno feliz, en el que la protagonista no es condenada en el juicio, no aparece Jack el Destripador y finalmente Lulú se alista en el Ejército de Salvación para sanear su torturada alma y redimirse. Patético todo ello. Pero no fue la versión más mutilada. Tal como cabía esperar, la puritana sociedad estadounidense estaba dispuesta a meterle más tijera a la película, así que la copia que finalmente se estrenó en Nueva York duraba solo 66 minutos, de manera que cualquier parecido con el original concebido por sus artífices germanos era mera coincidencia. Además, era tal el desbarajuste de las distintas censuras estadounidenses que se dio el caso de que en la misma ciudad de Nueva York, en Manhattan, se exhibiera una copia más larga de 85 minutos de duración, aunque las estúpidas correcciones del argumento para buscar el final feliz eran las mismas.

Los propios críticos estadounidenses reconocieron que la película había sido destripada por la censura. Hablaban de un final dulce pegado artificialmente para satisfacer a los censores y de numerosos cortes que hacían del argumento una mezcla incoherente en la que incluso el talento entrevisto en la dirección también había sido salvajemente mutilado. De hecho, opinaban que la fotografía y la dirección estaban por encima del argumento, algo lógico, teniendo en cuenta que el argumento había sido literalmente destrozado por la censura.

Junto con el de Louise Brooks, otros dos nombres destacan en la película, el del guionista, Ladislao Vajda, que escribió además en 1932 una adaptación de la novela La Atlántida, de Pierre Benoît, protagonizada por la estrella del cine alemán Brigitte Helm, protagonista de Metrópolis, y sobre todo el del realizador austro-húngaro, Georg Wilhelm Pabst, que muchos consideran el mejor director de su generación en el cine alemán, y en cuya filmografía además destacan otros títulos como Tres páginas de un diario, Cuatro de infantería, La comedia de la vida, La Atlántida, Don Quijote y El proceso.

LOUISE BROOKS

Tres páginas de un diario, volvió a poner a Louise a las órdenes de George W. Pabst, director de La caja de Pandora, que sacó mucho partido a la experiencia de la actriz como bailarina.

Pabst sería el director que más partido sacó al trabajo de Louise Brooks ante las cámaras y quizá el que mejor supo entender el aporte que podía hacer la actriz a los modelos femeninos que se habían prodigado en el cine previamente. Volvió a dirigirla en Tres páginas de un diario (1929), abundando en el método de dirección de la actriz que había aplicado en La caja de Pandora, donde partió de la experiencia como bailarina de Louise Brooks para coreografiar sus movimientos en pantalla, de manera que expresara una sola emoción por cada plano filmado.

Para facilitar ese planteamiento, contrató a varios músicos que interpretaban tangos entre las tomas.

Pabst había decidido darle el papel de Lulú a Louise después de verla en el largometraje estadounidense Una novia en cada puerto (1928), dirigida por Howard Hawks, una comedia de acción y aventuras que volvió a rodarse en 1931 con el título de Goldie, con la rubia platino Jean Harlow interpretando el papel de la morena Louise Brooks.

Por tanto, podríamos decir que estas tres películas son títulos claves en la filmografía de Louise Brooks, ya que contribuyeron a definir su personalidad singular como estrella en un momento en que no le faltaba la competencia en la pantalla grande ni en Estados Unidos ni en Europa, y encontrar claves para mantener cierta originalidad frente a sus alternativas era esencial para seguir recibiendo ofertas de trabajo.

Algo debió de hacer muy bien en esta etapa y las que le siguieron, porque esa modernidad de sus personajes la puso muchos años

Junto a Gustav von Seyffertitz en ¿Quién la mató?, una intriga del célebre detective Philo Vance, interpretado por William Powell.

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más tarde en el punto de mira de los responsables de la Cinemateca Francesa, que la eligieron para ser el motivo principal de su cartel dedicado a conmemorar los primeros 60 años de vida del cine, superando a cualquier otro competidor o competidora que pudiera salirle al paso. Y eso a pesar de que el núcleo esencial de su estrellato había brotado a finales de los años veinte y primeros años treinta, y llevaba más de 30 años fuera de juego en lo referido a su trabajo ante las cámaras.

El motivo de esa elección fue que el grupo de aficionados al cine encargados de hacer la selección consideraron a Louise Brooks la actriz más importante de la historia de Hollywood, y el propio Henri Langlois, fundador de la Cinemateca Francesa, la juzgaba incluso más grande que Greta Garbo y Marlene Dietrich. Su secreto: una fotogenia que podía traspasar todas las barreras impuestas por el tiempo y era tan moderna en los años veinte y treinta como en los años sesenta o setenta.

Prueba de su persistencia como icono en la cultura popular es que tres figuras del jazz, el saxofonista John Zorn, el trombonista George Lewis y el guitarrista Bill Frisell, le dedicaron al personaje más destacado de la carrera de Louise Brooks el disco de hard bop titulado News for Lulu, editado en 1988, y el grupo Orchestral Manoeuvres in the Dark estrenó 1991 como segundo single de su álbum Sugar Tax el tema titulado “Pandora’s Box (It’s a Long, Long Way)” , inspirado en Louise Brooks y dedicado a reflejar el lado más oscuro y más lejano al glamur del estrellato cinematográfico.

Víctima De Abuso Infantil Pero ¿dónde y cómo se había forjado ese fenómeno que escapaba a todo tipo de comparación con otras divas del cine de su tiempo y parecía totalmente incombustible al paso de los días en lo que se refiere a su imagen cinematográfica?

Louise Brooks era hija del entorno rural del Medio Oeste de Estados Unidos, de una madre concertista de piano, Myrna Rude, y de un padre, Leonard Porter Brooks, que ejercía como abogado. Tenía tres hermanos que recibieron el mismo trato de desapego por parte de sus padres. El padre, volcado en su carrera, parece que les hacía poco o ningún caso. La madre consideraba que su talento como pianista estaba por delante de sus obligaciones como madre y que sus hijos tenían que aprender a valerse por sí mismos más pronto que tarde, aunque, eso sí, les inspiró con sus interpretaciones al piano y su afición por la literatura para que desarrollaran una curiosidad cultural. Lástima que eso no fuera aparejado con la empatía hacia sus hijos, como demuestra el hecho de que cuando años después de haber sido agredida sexualmente por un vecino cuando contaba nueve años, Louise le comentara el hecho a su madre, esta se limitara a regañarle por haberle provocado para que la agrediera.

El consuelo en aquellos años de infancia lo encontraba más bien en su amiga Vivian Vance, que también hizo carrera como actriz, alcanzando el estrellato muchos años más tarde que Louise y en la pequeña pantalla con su papel en la serie televisiva Te quiero, Lucy.

El efecto de esos abusos a los nueve años fue devastador para la psicología de la niña y la dejó marcada incluso en su vida como adulta, en la que, recordando aquel asunto, no se privó de definir a su madre afirmando que “tenía el mismo instinto maternal que un caimán”.

Dadas esas condiciones hogareñas, no es extraño que Louise aprovechara el interés de su madre por potenciar su talento como bailarina apuntándola a clases de ballet que le permitieron aprovechar el paso de la prestigiosa compañía de danza Denishawn por los alrededores para conseguir un hueco y con tan solo quince años sumarse a su gira camino de Nueva York. Fue así como conoció y bailó con una de las más célebres y respetadas bailarinas del momento, Martha Graham, dando comienzo a su carrera en el mundo del espectáculo. En los dos años que permaneció en la compañía antes de abandonarla por discrepancias con su dirección –Louise fue siempre rebelde y respondona, poco dispuesta a dejarse domesticar por normas ajenas–, se cruzó con otras dos actrices que también alcanzaron el estrellato, Lillian Gish y Myrna Loy, además de trabar amistad con Barbara Bennett, hermana de otras dos actrices que se abrieron paso en Hollywood, Constance y Joan Bennett.

Posteriormente, Louise declaró que había aprendido a actuar viendo bailar a Martha Graham y había aprendido a actuar viendo a Charles Chaplin, con el que mantuvo una relación sentimental.

LOUISE BROOKS Del vodevil al cine El contacto con Barbara la llevó a ser acogida en la casa de su adinerada familia, una de las más prestigiosas de Nueva York, ciudad en la que pasó altibajos profesionales y personales mientras entraba y salía despedida de varios trabajos en compañías de vodevil. Un periodo de viaje a Londres la llevó a ser la primera mujer que bailó el popular charlestón en Inglaterra, y además consiguió formar parte de las célebres Ziegfeld Follies, donde trabajó junto a dos de los astros masculinos del momento en el mundo de la comedia, W. C. Fields y Will Rogers.

Fue en ese trabajo donde llamó la atención del productor Walter Wanger, del estudio Paramount, uno de los más poderosos entre las grandes compañías de Hollywood. Wanger no solo le consiguió un contrato de cinco años con la productora, sino que mantuvo con ella una relación sentimental intermitente durante varios años.

Llegó así su primera película, La calle del olvido, en la que interpretó un pequeño papel a modo de prueba de cámara que rápidamente la llevó hasta su segundo trabajo en el cine, la comedia La Venus americana (1926), donde daba vida a una miss en un concurso de belleza playero que incluyó algunas secuencias en un tecnicolor primitivo a modo de prueba.

Su primer papel protagonista lo consiguió en su tercera película, Love ‘Em and Leave ‘Em (1926), en tiempo récord para el progreso de una carrera que iba a ser breve, pero vertiginosa. Comedia, drama y romance se daban la mano en esta historia de dos hermanas y sus peripecias sentimentales dirigida por Frank Tuttle, donde la acompañaba Evelyn Brent y que se basaba en una obra de teatro representada en los escenarios de Broadway.

Su siguiente película, Fígaro en sociedad (1926), estaba prevista inicialmente para contar como protagonista con la actriz noruega Greta Nissen, mientras que Louise iba a interpretar solo un pequeño papel secundario como manicura, pero la salida del proyecto de aquella propició que el papel principal pasara a la norteamericana. A partir de ese momento, empezó a recibir papeles de protagonismo creciente en las películas It’s the Old Army Game (1926), junto a W. C. Fields, The ShowOff (1926), Just Another Blonde (1926) y El vestido de etiqueta (1927). Sus primeros papeles como protagonista llegaron con Rolled Stockings (1927) y Reclutas por los aires (1927), antes de brillar por primera vez como actriz en un papel dramático, una película de gánsteres pionera del género que hoy se considera perdida y que dirigió James Cruze, justo antes de que Howard Hawks la fichara para la ya citada Una novia en cada puerto y William Wellman contara con ella en su película Mendigos de vida (1928), donde Louise brilló en el papel de una joven que mata a su padrastro en defensa propia y luego intenta huir del país acompañada por un vagabundo y disfrazada de muchacho, uno de sus mejores papeles. Antes de romper con Paramount y viajar a Europa para protagonizar La caja de Pandora, Louise apareció en ¿Quién la mató? (1929), una intriga en la que dio vida a una cantante de vodevil que aparece vestida en sus números como un canario amarillo y dará lugar a un caso criminal investigado por el célebre detective Philo Vance, interpretado por William Powell. Jean Arthur le hacía la competencia a Louise en el

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reparto como coprotagonista femenina. La película se rodó como producción muda, y cuando Louise fue reclamada por Paramount para regresar a Estados Unidos desde Europa para doblar una versión sonora se negó. Eso la llevó a ser víctima de una venganza de la productora, que hizo circular el falso rumor de que su voz era tan mala que no valía para el cine sonoro.

Eso quedó rápidamente desmentido cuando ella apareció en sus películas sonoras de los años treinta dejando en evidencia las malas artes del estudio en contra de su imagen como estrella. Rodó ya en el sonoro Premio de belleza (1930), It Pays to Advertise (1931), God’s Gift to Women (1931), Empty Saddles (1936), Preludio de amor (1937), King of Gamblers (1937) y Overland Stage Raiders (1938), un wéstern de serie B protagonizado por John Wayne. Pero ninguna de ellas llegó a tener la relevancia de los títulos que la habían señalado como estrella en la última etapa del cine mudo. Pero su gran error fue rechazar el papel de amante del personaje del gánster de James Cagney en El enemigo público, clásico del género rodado en 1931 que habría podido relanzar su carrera en Hollywood en el momento más propicio para recuperar su estrellato y la confianza de los grandes estudios. En su lugar, el personaje que le ofrecían a ella lo interpretó Jean Harlow, que salió de él convertida en estrella.

En 1932 Louise se declaró en bancarrota y volvió a trabajar como bailarina montando en 1933 una compañía que abandonó solo cinco meses más tarde. A mediados de los años treinta se ganaba la vida como bailarina profesional de salones de baile, actuando en clubes nocturnos y en teatros, luego abrió un estudio de baile en Los Ángeles, y en los cuarenta autopublicó su propio manual de baile, The Fundamentals of Good Ballroom Dancing.

El motivo de su declive no fue solo su enfrentamiento con Paramount o el alejamiento de Hollywood para trabajar en Europa, sino principalmente su adicción al alcohol, con predilección por la ginebra, y alguna que otra sustancia prohibida, además de su carácter rebelde contra el sistema de estudios, su poca predisposición a dejarse manipular y una vida nutrida de escándalos e inconformismo que comenzaron a producirse incluso antes de que alcanzara la fama en el cine. Por ejemplo, llegó a posar desnuda en fotos de carácter erótico junto con otras bailarinas para ganar algún dinero extra, justo en la época en que inició su relación sentimental con Charles Chaplin tras conocerlo en la presentación en Nueva York de La quimera del oro. Otros romances destacados de su juventud fueron el músico George Gershwin y el fundador de la cadena CBS William S. Paley. También hubo rumores relacionados con su bisexualidad y una posible relación con Greta Garbo.

Se casó en dos ocasiones. La primera con el director y productor A. Edward Sutherland, que fue su marido entre julio de 1926 y junio de 1928, mes de su divorcio tras un alejamiento sentimental en el que ella había mantenido relaciones extramatrimoniales con el millonario George Preston Marshall. Su segundo marido fue el playboy de Chicago William Deering Davis, con el que contrajo matrimonio en octubre de 1933 y del que se divorció en diciembre de 1937.

Miguel Juan Payán

QUE FUE DE...

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ALEXANDRA PAUL BIOGRAFIA Nacida el 29 de julio de 1963 en la ciudad de Nueva York, es una conocida actriz (especialmente en el medio televisivo), vegana convencida, famosa asimismo por su activismo en defensa de la naturaleza o la igualdad, acerca de los problemas de las superpoblación del planeta o en contra de la guerra, en acciones públicas que le han llevado a ser detenida en numerosas ocasiones, algo que la enorgullece.

FILMOGRAFIA DESTACADA Muñecas de papel (Edward Zwick, 1982), en la que es Laurie, una joven modelo dominada por su madre, que busca su éxito a cualquier precio. Christine (John Carpenter, 1983), en el papel de Leigh Cabot, la novia de Arnie (Keith Gordon), propietario del Plymouth Fury que da título al filme. Ocho millones de maneras de morir (Hal Ashby, 1986), en la que interpreta a Sunny, una joven prostituta que pide protección y ayuda al expolicía alcohólico Matthew Scudder (Jeff Bridges) para poder dejar al narcotraficante que la controla.

SU PAPEL MAS DESTACADO El de la teniente Stephanie Holden en la exitosa serie de televisión de David Hasselhoff Los vigilantes de la playa, y también brevemente en su spin-off Los vigilantes de la noche. Volvió con el reparto original para el telefilme Los vigilantes de la playa: misión en Hawái (Douglas Schwartz, 2003), aunque en un papel diferente al de la socorrista, debido al trágico final de Holden en la popular saga playera.

SU ULTIMO TRABAJO Los dramas Escaping My Stalker de Linden Ashby, en el que encarna a una mujer que adopta a una chica de las calles; Pink Skies Ahead de Kelly Oxford (2020), y próximamente también Wood Floors de Mike Gutridge (2017) y Final 48 de Lisa Sanow.

QUE FUE DE...

CHRISTOPHER WALKEN BIOGRAFIA Nacido el 31 de marzo de 1943 en Astoria, en el distrito de Queens de la ciudad de Nueva York, ganó el Oscar al Mejor Actor de Reparto por El cazador de Michael Cimino, con el que volvió a colaborar en La puerta del cielo, además de con otros realizadores como Jonathan Demme, Abel Ferrara, Tony Scott, Quentin Tarantino o Walter Hill.

FILMOGRAFIA DESTACADA El cazador (Michael Cimino, 1978), en la que es Nick, un joven que queda traumatizado por su experiencia en la guerra de Vietnam. Los perros de la guerra (John Irvin, 1980), interpretando a Jamie Shannon, un mercenario en misión en la nación africana imaginaria de Zangaro. Proyecto Brainstorm (Douglas Trumbull, 1983), donde es Michael Brace, que trabaja en un experimento que permite grabar las experiencias de las personas y que puedan vivirlas otras.

SU PAPEL MAS DESTACADO El de Johnny Smith en la adaptación del relato de Stephen King, La zona muerta (David Cronenberg, 1983), un profesor que tras sufrir un grave accidente automovilístico queda en coma durante cinco años, para despertarse y descubrir que su amada Sarah (Brooke Adams) se ha casado con otro y que él tiene el don de ver tanto el pasado como el futuro de las personas.

SU ULTIMO TRABAJO El drama romántico Y nadie más que tú de Stephanie Laing (2018), con una pareja que se jura amor eterno; el spin-off de El gran Lebowski, The Jesus Rolls de John Turturro (2019), centrado en el personaje que interpretaba este, Jesus Quintana; el reencuentro con De Niro en la comedia War with Grandpa de Tim Hill (2020) y se le verá en la romántica Wild Mountain Thyme, de John Patrick Shanley.

QUE FUE DE...

TOMMY LEE JONES BIOGRAFIA Nacido el 15 de septiembre de 1946 en San Saba (Texas), lleva durante seis décadas en activo y ha obtenido el Oscar al Mejor Actor de Reparto por El fugitivo, de Andrew Davis (1993), tras iniciarse en el mundo del celuloide en películas como Love Story (Arthur Hiller, 1970) y en series como Baretta o Los Ángeles de Charlie.

FILMOGRAFIA DESTACADA La celda de la violación (Michael Miller, 1976), en la que encarna a Coley Blake, compañero de encierro de Dinah (Yvette Mimieux), una mujer ultrajada por la policía. Zona de guerra: el parque (Steven Hilliard Stern, 1986), donde da vida a Mitch, un veterano de la guerra de Vietnam que se hace dueño del popular Central Park neoyorquino por la fuerza de las armas. A la caza del lobo rojo (Andrew Davis, 1989), en la que es un militar implicado en una conspiración que busca impedir la distensión durante la Guerra Fría.

SU PAPEL MAS DESTACADO El del detective privado Eddie Mallard en La muerte no miente (Lloyd Fonvielle, 1988), que se enfrenta al caso más complicado de su carrera como investigador, conseguir que una mujer deje en paz a su marido, algo que no debería ser demasiado complicado, salvo por un pequeño matiz, Rachel (Virginia Madsen), la esposa, está muerta.

SU ULTIMO TRABAJO El largometraje de ciencia ficción Ad Astra de James Gray (2019), en el que encarna al astronauta H. Clifford McBride, desaparecido en una misión espacial. Y tiene por estrenar el thriller de April Mullen Wander (2020) y el remake de la comedia de 1982 The Comeback Trail, ahora bajo la dirección de George Gallo, con dos productores metidos en serios problemas.

LINDA HAMILTON BIOGRAFIA Nacida el 26 de septiembre de 1956 en Salisbury (Maryland), tiene una hermana gemela, Leslie, que también apareció en Terminator 2: el juicio final, de cuyo realizador, James Cameron, Linda fue esposa. Se inició en el teatro, medio del que nunca ha llegado a desvincularse, y ha trabajado asimismo para la pequeña pantalla en series como Canción triste de Hill Street, Chuck o Defiance.

FILMOGRAFIA DESTACADA El telefilme Violación matrimonial (Peter Levin, 1980), inspirado en hechos reales y en el que la Hamilton se convierte en Greta, una mujer violada por su propio marido, John (Mickey Rourke). Luna negra (Harley Cokeliss, 1986), en la que encarna a una ladrona de coches que roba un innovador prototipo. La serie televisiva de finales de los ochenta La Bella y la Bestia, como la ayudante del fiscal Catherine Chandler, enamorada de Vincent (Ron Perlman).

SU PAPEL MAS DESTACADO El de Sarah Connor en la saga de Terminator, la madre de John Connor, el héroe de la resistencia frente a las máquinas y su plan para dominar el planeta. Pasó de ser una humilde camarera que no comprendía por qué la querían matar en Terminator (James Cameron, 1984), a una heroína capaz de cambiar el sino de la humanidad en Terminator 2: el juicio final (James Cameron, 1991) y Terminator: destino oscuro (Tim Miller, 2019).

SU ULTIMO TRABAJO Además de retomar el papel de Sarah Connor en Terminator: destino oscuro, ha participado en la cinta sobre viajes en el tiempo Curvature de Diego Hallivis (2017) y en el videojuego de acción y disparos Gears 5. Además, se la podrá ver en la serie de ciencia ficción Resident Alien interpretando a la general McCallister.

Series de T.V.

FICHA TÉCNICA Creador: Aaron Korsh.

SUITS

y los personajes, y USA Network compró el proyecto desde el primer momento. Korsh no presentó la idea a ninguna otra cadena, y Universal Cable Productions seguiría como productora de la serie.

Género: Drama judicial.

Música: “Greenback Boogie” de Ima Robot, tema de los títulos de crédito.

Emisión en EE UU: 23 de junio de 2011-25 de septiembre de 2019, USA Network.

Emisión en España: 17 de febrero de 2012, Calle 13-30 de octubre de 2019, Netflix.

Reparto: Gabriel Macht (Harvey Specter), Patrick J. Adams (Mike Ross), Sarah Rafferty (Donna Paulsen), Rick Hoffman (Louis Litt), Gina Torres (Jessica Pearson), Meghan Markle (Rachel Zane), Amanda Schull (Katrina Bennett), Wendell Pierce (Robert Zane), Dulé Hill (Alex Williams), Aloma Wright (Gretchen), Rachael Harris (Sheila Sazs), Katherine Heigl (Samantha Wheeler).

Sinopsis: Mike Ross es un joven tremendamente inteligente, un genio a todos los niveles, que se gana la vida pasando exámenes por estudiantes ricos. Por accidente acaba en la prueba de selección de un bufete de abogados donde Harvey Specter decide arriesgarlo todo por él y hacerle pasar por abogado. Juntos se convertirán en un dúo imparable, aunque el peligro de que descubran el engaño siempre penda sobre sus cabezas. Un riesgo que entre los abogados de los ricos y poderosos se puede pagar muy caro.

• Aaron Korsh era un guionista que trabajaba en distintas series, incluyendo la sitcom Notes from the Underbelly, comedia que fue cancelada debido a la huelga de guionistas de 2008, por lo que necesitaba un nuevo trabajo.

Mientras desarrollaba la historia de su siguiente proyecto, trabajó también en la serie El bufete, que sirvió para dar forma a lo que sería Suits.

Korsh llegó al medio audiovisual tarde en su vida, después de pasar años trabajando en Wall Street como inversor bancario, lo que fue el germen de la serie. Al principio, su intención era reflejar en una sitcom su paso por Wall Street, definiendo en episodios de 30 minutos lo que vivían los personajes, y aprovechando para destripar Wall Street y el mundo de las finanzas de forma muy acerada. Pero según avanzaba en el desarrollo del piloto y empezaba a trabajar en El bufete se dio cuenta de que el tono de sitcom debía desaparecer y que la serie debía ser de una hora de duración.

Manteniendo elementos cómicos, pero sobre todo como un drama sobre el mundo de las grandes empresas en Nueva York desde el punto de vista de un bufete de abogados que trabaja para corporaciones, grandes empresas, famosos…, los ricos y poderosos. ¿Qué hacer cuando una persona decente, pero no honesta, entra en ese engranaje?

• Korsh y sus agentes presentaron la serie a Universal, que extrañamente no quiso ofrecer el proyecto a NBC, su cadena principal.

Parecía que Universal no estaba del todo convencida de la viabilidad del proyecto, por lo que el agente de Korsh presentó el proyecto a USA Network hablándole de la situación del proyecto y ofreciéndole al director de la cadena la idea. Pese a que se alejaba de todo lo que la cadena ofertaba y parecía su sello, como los procedimentales, el agente pensaba que en la cadena adorarían a los personajes. Korsh presentó el proyecto con un simple pitch, una idea general de la serie

• Pese a todo, Korsh tenía que cambiar varias cosas del guion original, pero no fue mucho además de ampliarlo de media hora a una hora de duración. Especialmente, modificó la vida de Mike, quien pasaría a hacer exámenes para otros alumnos, y que en el guion original solo pretendía haber ido a la Facultad de Derecho de Harvard. El personaje de Mike entonces pasaría a ser un “abogado” pero para ello tenía que fingir también que había pasado el examen que permite ejercer derecho en los distintos estados. Con ese cambio, la presión y la situación de Mike y Harvey cambiaba radicalmente en el bufete, metiéndoles en un embrollo legal del que sería difícil escapar. Esa espada de Damocles estaría pendiendo sobre la cabeza de los personajes durante gran parte de la serie.

• Las dos estrellas principales de la serie, Macht y Adams, se involucraron tanto como pudieron, llegando a dirigir cuatro episodios cada uno, y a convertirse en productores de la serie, lo que les aseguraba cierto control creativo, por ejemplo en casting y desarrollo de las historias. Pese a todo, en la séptima temporada Adams abandonó la serie. Junto con él, Gina Torres y Meghan Markle. El destino del personaje de Torres estaría explicado en el spin off Pearson, que se emitió en 2019 también, y que veía al personaje mudarse a Chicago a trabajar en política. El de los personajes de Markle y Adams podría estar unido, coincidiendo con la necesidad de Adams de dejar la serie con el matrimonio de Markle con el príncipe Harry, como todos sabemos. Adams regresó para el final, mientras que Markle, debido a sus obligaciones y su nuevo papel en la realeza británica, no pudo hacerlo. Quizá ahora que han anunciado que abandonan sus funciones dentro de la familia real, podría haber regresado al papel que le dio fama.

• El piloto se rodó en Nueva York, pero, como muchas otras series, el rodaje del resto de episodios tuvo lugar en Toronto, que hacía las veces de la ciudad estadounidense, como en tantas otras ocasiones, con viajes a Nueva York de cuando en cuando para rodar exteriores en lugares icónicos tanto de la ciudad como de la serie.

• Otra de las grandes historias de la trama es la que sucede, o no sucede, entre los personajes de Macht y Sarah Rafferty. En la vida real, ambos son amigos desde hace más de 20 años y de hecho fue Macht quien sugirió a Rafferty para el papel a los productores, pensando que la dinámica de confianza en la vida real que tenían se trasladaría a la relación que tenían sus personajes. Evidentemente, no solo funcionó, sino que fue uno de los grandes motores de Suits.

J.U.

SPENSER: CONFIDENCIAL

LA DAMA Y EL VAGABUNDO

Spenser Confidential

Lady and the Tramp EE UU, 2020; Director: Charlie Bean; Guion: Andrew Bujalski y Kari Granlund; Duración: 103 min.; Estreno en Disney: 24-3-2020.

SINOPSIS Reina, una inteligente cocker spaniel, y Golfo, un perro callejero, emprenden una aventura que los llevará a comprender el valor del hogar.

PARA RECORDAR Es entretenida para los más pequeños, que disfrutarán especialmente de escenas como el divertido número musical de los siniestros gatos de la tía o la mítica cena italiana. Ellos serán quienes descubran la importancia del hogar, los sentimientos de libertad o de abandono, y el rechazo del maltrato animal.

PARA OLVIDAR La ausencia de subtexto debido a la escasa expresividad de los caninos fruto de la mezcla de CGI e imagen real provoca que se subrayen en exceso estos mensajes. El director Charlie Bean (La LEGO-Ninjago película) coge la sencilla y emotiva historia original de 1955 y estira la duración del filme sin aportar narrativamente nada significativo ni en la aventura ni en la historia de amor entre Reina y Golfo, que nunca llega a alcanzar la magia del original. Tampoco lo hace con los secundarios caninos ni con el reparto de carne y hueso, excesivamente caricaturizado (el villano de la perrera y el matrimonio dueño de Reina son más propios de los remakes de Disney de los años noventa) y con cambios que resultan incongruentes en la Nueva Orleans de principios del siglo XX. El remake live action de La dama y el vagabundo era uno de los grandes reclamos de la llegada de Disney+, pero una vez visto se entiende la poca confianza de Disney para estrenarla en la pantalla grande: los niños encontrarán mucho más divertida y entrañable la versión animada y no tiene un despliegue visual que pueda atraer a los adultos, como ocurrió con El rey león o Aladdin.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Garfield, Un chihuahua en Beverly Hills…

EN CONCLUSIÓN Una de las versiones en imagen real de clásicos Disney más flojas. No tardará mucho en perderse entre el infinito catálogo de originals de la plataforma. A.G. #####

STAR GIRL EE UU, 2020; Directora: Julia Hart; Fotografía: Bryce Fortner; Guion: Kristin Hahn, Julia Hart y Jordan Horowitz; Música: Rob Simonsen; Intérpretes: Grace VanderWaal (Stargirl Caraway), Graham Verchere (Leo Borlock), Giancarlo Esposito (Archie), Maximiliano Hernández (Mr. Robineau (as Maximiliano Hernandez); Duración: 107 min.; Estreno en Disney+: 24-3-2020.

SINOPSIS La vida de Leo Borlock cambia por completo con la llegada al instituto de Stargirl, una chica extravagante y carismática que se fija en él.

PARA RECORDAR Tras dirigir Miss Steve y demostrar su capacidad para entender los sentimientos adolescentes, Julia Hart se vuelve a poner tras las cámaras para adaptar el libro homónimo de Jerry Spinelli. Stargirl se trata de una de las primeras películas originales de Disney+ y supone una grata sorpresa comprobar que consigue alejarse de las clásicas TV movies de Disney Channel y tener personalidad. Una trama que a priori podría resultar manida, consigue ser interesante al tratar temas como la soledad, la necesidad de encajar en el instituto, la complicada decisión de pasar tiempo con los amigos o con el primer amor y la frustración que supone no poder contentar a todo el mundo. Toda esa amalgama de emociones es interpretada con convicción y naturalidad por el joven Graham Verchere, pero quien se convierte en el gran descubrimiento de la película es Grace Vanderwaal, que demuestra que además de saber cantar y tocar el ukelele puede tener futuro en el terreno de la actuación. Su personaje vitalista y encantador es el protagonista de unos sencillos números musicales que dejan patente la pasión de sus creadores por la buena música y el esmerado trabajo de puesta en escena.

PARA OLVIDAR A pesar de que los temas que trata gozan de profundidad y los actores defienden bien sus papeles, los personajes y las situaciones que propone el guion no dejan de ser un compendio de clichés de las dramedias de instituto. Por otra parte, la película es víctima de la personalidad arrolladora de la joven, que hace que el interés por la relación y por el protagonista se vaya apagando con el paso de los minutos.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Miss Steve, Las ventajas de ser un marginado, Aquí y ahora...

EN CONCLUSIÓN Está más cerca de un buen drama indie coming of age ##### que de las comedias de instituto de Disney Channel. A.G.

EE UU, 2020; Director: Peter Berg; Fotografía: Tobias A. Schliessler; Guion: Sean O'Keefe, Brian Helgeland y Robert B. Parker; Música: Steve Jablonsky; Intérpretes: Mark Wahlberg (Spenser), Winston Duke (Hawk), Alan Arkin (Henry), Iliza Shlesinger (Cissy Davis), Michael Gaston (Captain Boylan); Duración: 111 min.; Estreno en Netflix: 6-3-2020; Distribuye: Netflix Reportaje en Nº 2003

SINOPSIS Un policía que acaba de salir de prisión quiere dejar atrás su pasado y abandonar Boston para empezar de nuevo. Pero algunos flecos del caso que le llevó a la cárcel hacen que se ponga a investigar y descubra que hay mucho más de lo que él pensaba ligado a su encarcelamiento.

PARA RECORDAR El personaje literario creado por Robert B. Parker vuelve en este caso a Netflix, con una película divertida, gamberra y en cierta medida convencional, pero un éxito sin duda. Podría ser el inicio de una saga con el personaje de Spenser de protagonista, muy bien encarnado por Mark Wahlberg, de nuevo bajo las órdenes de su amigo Peter Berg, quien rueda aquí de una forma más contenida que en otras ocasiones, por lo que la acción se disfruta todavía más. Hay muchísimo humor, pero no funcionaría sin la presencia de Winston Duke y Alan Arkin, especialmente el segundo. Y por encima de todos, la magnífica Iliza Shlesinger robando cada plano.

PARA OLVIDAR Es un entretenimiento efectivo y funcional, pero visto una y mil veces. Si no es por el reparto y la dirección, a ratos, podría parecer un telefilme. Es una película sin pretensiones, lo que está muy bien, pero con los mimbres que tenía podía haber apostado por algo más. Hay personajes sin desarrollar y apenas esbozados, como es el caso de los villanos, o incluso del personaje de Duke.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… La serie de televisión de los ochenta sobre el personaje, y el cine de acción de los ochenta y noventa, que es al que más se asemeja. A ratos recuerda a 2 Guns.

EN CONCLUSIÓN Sin pretensiones, directa y sin complejos. Así es Spenser, la nueva película de acción de Netflix. Disfrutable y olvidable. J.U. #####

JAY Y BOB EL SILENCIOSO: EL REBOOT Jay and Silent Bob Reboot EE UU, 2020; Director: Kevin Smith; Fotografía: Yaron Levy; Guion: Kevin Smith; Música: James L. Venable; Intérpretes: Kevin Smith (Silent Bob / Kevin Smith), Jason Mewes (Jay), Jason Lee (Brodie Bruce), Chris Hemsworth; Duración: 105 min.; Estreno en Movistar: 29-2-2018

SINOPSIS Con problemas con la justicia de nuevo, Jay y Bob el Silencioso volverán a ponerse en marcha recorriendo el país para intentar evitar que un reboot de la película basada en sus personajes de cómic, Bluntman y Chronic, suceda.

PARA RECORDAR Hay elementos que siguen funcionando en la película, con unos personajes quince años más viejos que la última vez que los vimos en Clerks 2. La química entre ambos, cierto sentido del humor irreverente y cafre, su intento de crítica a Hollywood y la cantidad de remakes y reboots que nos llegan cada día. Hay cameos o reencuentros que funcionan a las mil maravillas, especialmente los de Jason Lee y Ben Affleck. También hay ganas de reírse de sí mismos y otro cameo hilarante en los créditos. Visualmente es más atractiva que la mayoría de películas de Smith.

PARA OLVIDAR Es un chiste que lleva demasiado tiempo repitiéndose y que ha perdido gracia. Como secuela, y a la vez reboot de Jay y Bob el Silencioso contraatacan, peca de no darse cuenta de que esos personajes funcionan como secundarios, pero no igual como protagonistas, y que con una película con ellos al frente ya teníamos más que suficiente. Hay un enorme agotamiento de la fórmula que hace que lo que pretende ser sátira se convierta en parodia de sí misma, y nunca encuentre el tono ni sepa avanzar. Peca de aquello que critica, quedarse a vivir en el pasado y no ser capaz de evolucionar. Y encima pierde toda la mala uva e incorrección política original.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… El cine de Kevin Smith, pero Jay y Bob el Silencioso contraatacan, que es a la cual emula paso a paso.

EN CONCLUSIÓN Fórmula agotada, película fallida… Kevin Smith no logra volver a ser el que fue. J.U. #####

HOGAR

EL HOYO

España, 2020; Director: David Pastor y Àlex Pastor; Fotografía: Pau Castejón; Guion: Àlex Pastor y David Pastor; Música: Lucas Vidal; Intérpretes: Javier Gutiérrez (Javier Muñoz), Mario Casas (Tomás), Bruna Cusí (Lara), Ruth Díaz (Marga); Duración: 103 min.; Estreno en Netflix: 20-3-2018; Distribuye: Netflix Reportaje en Nº 2003

España, 2020; Director: Galder Gaztelu-Urrutia; Fotografía: Jon D. Domínguez; Guion: David Desola, David Desola y Pedro Rivero; Música: Aránzazu Calleja; Intérpretes: Ivan Massagué (Goreng), Zorion Eguileor (Trimagasi), Antonia San Juan (Imoguiri); Duración: 94 min.; Emisión en Netflix: 20-3-2020.

SINOPSIS Javier es un tipo que lo ha perdido casi todo. En paro desde hace tiempo, con los ahorros agotándose, debe dejar junto a su familia su antiguo y lujoso apartamento por un modesto piso. Cuando descubra que posee las llaves de su antiguo hogar y empiece a espiar a los nuevos inquilinos, todo cambiará…

PARA RECORDAR Los hermanos Álex y David Pastor vuelven a trabajar en nuestro país con una película liderada por uno de los mejores actores de nuestro país, Javier Gutiérrez, un portento interpretativo que se echa sobre sus espaldas el peso de la película con un personaje protagonista que no es nada favorecedor. Pero él lo humaniza y se encuentra respaldado siempre por la labor de Mario Casas, el objeto principal de la obsesión del protagonista, además de los personajes femeninos de Bruna Cusí y Ruth Díaz que aprovechan cada segundo en pantalla. El giro de guion principal funciona y nos define como sociedad. Algo que la película hace muy bien, como el tono de suspense y la imagen de la ciudad.

PARA OLVIDAR El guion tiene muchos aciertos, pero también algunos errores, quizá demasiados. Es tramposo y eso le lleva a cometer pecados para convencernos de que la historia no solo es posible, sino que es el devenir correcto de lo que nos han planteado. Así se dejan demasiados cabos sueltos, demasiados callejones sin salida. Además de no aprovechar ni a Cusí ni a Díaz como se merecen ambas.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Muy heredera de Hitchcock, la película camina entre La ventana indiscreta y parte del Michael Haneke de Funny Games, pero sin llegar a lo que proponían aquellas dos películas.

SINOPSIS Goreng despierta en el hoyo, un lugar conformado por un número desconocido de niveles por los que desciende una plataforma con comida para todos los reclusos.

PARA RECORDAR Los monstruos más peligrosos son los que habitan dentro de nosotros. A partir de esta reflexión, el director Galder Gaztelu-Urrutia construye en su ópera prima, El hoyo, una intrigante y tensa distopía sobre la corrupción moral y la insolidaridad. Los niveles y la plataforma con comida funcionan como una alegoría sociopolítica que representa la desigualdad de clases y el egoísmo y la podredumbre moral del ser humano. Todo ello queda patente cuando Trimagasi prefiere estropear los suculentos platos de comida y tirar el vino antes de que sean degustados por los reclusos de niveles inferiores, pero también en los pensamientos que sobrevuelan la mente de los personajes según el nivel en el que se encuentran: ¿matar para sobrevivir o ayudar para favorecer la supervivencia del resto? Su desarrollo y ambientes claustrofóbicos pueden recordar a otras películas como Cube y Saw, pero los guionistas David Desola y Pedro Rivero consiguen imprimirle personalidad propia. Prefieren poner el foco en los personajes antes que en un enigma, sin dejar por ello de llegar a unas conclusiones similares a las de la película de Vincenzo Natali, lo que permite desarrollar plenamente personajes memorables como el de Trimagasi.

PARA OLVIDAR Empieza mejor de lo que termina, ya que su estructura argumental se acaba antojando un poco repetitiva. Por otro lado, da pocas respuestas, y las que da puede que no satisfagan a todo el mundo o resulten demasiado ambiguas.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Universos distópicos como los de Cube o High Rise.

EN CONCLUSIÓN Competente propuesta de cine de género en España, bien en todos sus apartados, aunque podía haber brillado más. Tenía medios para haberlo conseguido. J.U.

EN CONCLUSIÓN Una de las películas más interesantes del año. GazteluUrrutia construye una metáfora sociopolítica disfrazada de thriller de supervivencia. A.G.

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HARRIET: EN BUSCA DE LA LIBERTAD Harriet EE UU, 2020; Director: Kasi Lemmons; Fotografía: John Toll; Guion: Gregory Allen Howard, Kasi Lemmons y Gregory Allen Howard; Música: Terence Blanchard; Intérpretes: Cynthia Erivo (Harriet / Minty), Leslie Odom Jr. (William Still), Joe Alwyn (Gideon Brodess), Clarke Peters (Ben Ross); Duración: 125 min.; Estreno en EE UU: 1-11-2019; Estreno en España: 6-3-2020

SINOPSIS Tras una vida de esclavitud, Minty escapa de la plantación donde es explotada, cuando descubre que va a ser vendida. La joven consigue llegar a Filadelfia, donde recibe ayuda de una asociación dedicada a promover la huida de todas las personas privadas de libertad en el sur de Estados Unidos. Con su apoyo, la protagonista (llamada Harriet Tubman, como ciudadana libre) participa activamente en el llamado ferrocarril subterráneo de acompañamiento a los esclavos, que anhelan ir a lugares donde alcanzar la dignidad como seres humanos.

PARA RECORDAR La brillante interpretación de Cynthia Erivo, como la aguerrida Harriet. Ella es el mejor aval de esta cinta emotiva, dirigida por Kasi Lemmons. La capacidad de esta actriz británica, para reflejar el miedo y la rabia que transmiten su personaje, se sobrepone a la insolvencia de un guion algo plano, y con desconexiones preocupantes.

PARA OLVIDAR La existencia de subtramas simplemente esbozadas en la historia, y que se perciben como poco claras o escasamente convincentes.

Uno de estos flecos, quizá el más llamativo, es el de las supuestas visiones de Harriet, que le permiten salvarse del peligro. Estos episodios sobrenaturales gozan de una escenificación extraña y discordante, lo que genera una cierta inverosimilitud en el argumento.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… El primer referente de producciones como Harriet suele ser la excelente serie Raíces (mejor la antigua que el remake).

Aunque también es posible encontrar puntos en común con filmes de reciente estreno, como Doce años de esclavitud.

GUNS AKIMBO EE UU, 2020; Director: Jason Lei Howden; Fotografía: Stefan Ciupek; Guion: Jason Lei Howden; Música: Enis Rotthoff; Intérpretes: Daniel Radcliffe (Miles), Samara Weaving (Nix), Rhys Darby (Glenjamin), Ned Dennehy (Riktor); Duración: 95 min.; Estreno en Movistar: 23-3-2020

SINOPSIS Un trabajador de una empresa de videojuegos lleva una vida anodina y aburrida, donde no pinta nada en su trabajo, ni tiene una vida social memorable. Pero un juego macabro online está a punto de cambiar eso cuando le incrusten armas en las manos y le obliguen a matar o morir por el juego.

PARA RECORDAR Una simpática muestra de cine gamberro con un punto de serie B y de crítica a nuestra moderna sociedad, siempre pegados al teléfono, siempre enganchados a la nueva moda que aparezca en las redes… Un mundo que deja de lado la humanidad para dejarse llevar y en el que el protagonista es un don nadie, un papel en el que Daniel Radcliffe, empeñado en tener una carrera lo más variada posible, se encuentra como pez en el agua. Aquí, eso sí, quien arrasa con todo es el personaje de Samara Weaving, la rival a la que Radcliffe debe dar caza o quien le cazará, si no. Además, la película tiene un tono visual muy interesante y una narrativa que hace más apetecible la historia, con sus disparatadas escenas de acción y su humor.

PARA OLVIDAR El guion merecía que le diesen un repaso más porque hay cosas muy mejorables. El personaje de Weaving es muchísimo más interesante que el de Radcliffe, haciendo que tengamos la sensación de que de ser ella la líder de la película, sería mejor. Además, apenas rasca la superficie de las ideas que plantea, y tiene un par de cambios… Como Weaving que no es capaz de acabar con Radcliffe.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… A caballo entre un videojuego y una película de cómic, algo tipo Deadpool, por ejemplo.

EN CONCLUSIÓN Aunque solo sea por ello, es bueno acercarse a la existencia de alguien tan imprescindible en la lucha por la dignidad humana como fue Harriet Tubman. A esto se suma el placer de degustar el sobresaliente trabajo de Cynthia Erivo. J.M.

EN CONCLUSIÓN Divertida, con buenas escenas de acción, gamberra… Lástima que el guion sea demasiado previsible. J.U.

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CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

LA ÚLTIMA AVANZADA

EL ÁGUILA Y EL HALCÓN

The Last Outpost

The Eagle and the Hawk

1935; EE. UU.; Blanco y negro; Director: Charles Barton, Louis J. Gasnier; Guion: Charles Brackett, Frank Partos, Philip MacDonald; Música: Bernhard Kaun, William E. Lynch, Milan Roder, Heinz Roemheld; Fotografía: Theodor Sparkuhl; Intérpretes: Cary Grant, Gertrude Michael, Claude Rains, Margaret Swope, Jameson Thomas, Nick Shaid, Kathleen Burke, Colin Tapley, Billy Bevan, Claude King, Frazer Acosta, Robert Adair, William Brown, Malay Clu, Frank Dawson; Duración: 76 minutos.

1933; EE. UU.; Blanco y negro; Director: Stuart Walker; Guion: Seton I. Miller, Bogart Rogers; Música: John Leipold; Fotografía: Harry Fischbeck; Intérpretes: Fredric March, Cary Grant, Jack Oakie, Carole Lombard, Guy Standing, Forrester Harvey, Kenneth Howell, Leyland Hodgson, Virginia Hammond, Douglas Scott, Robert Seiter, Adrienne D’Ambricourt, Ted Billings, Lane Chandler, Paul Cremonesi, Olaf Hytten, Jacques Jou-Jerville; Duración: 73 minutos.

Catalogada en muchos ficheros como cine de aventuras simplemente por el entorno en el que se desarrolla, Kurdistán durante la Primera Guerra Mundial, la película entra en el cine bélico con un argumento que gira en torno a un oficial británico (Cary Grant), capturado por los kurdos, que espera ser ejecutado. Rescatado por un comandante turco (Claude Rains), con el que, desvelada la verdadera identidad de este último, inicia una aventura que derivará en triángulo sentimental de una manera particularmente tortuosa, implicando a una enfermera. Ese toque “romántico” para la trama era un recurso muy habitual en las ficciones cinematográficas de entorno bélico de la época, para garantizar el interés del público femenino, menos proclive al consumo de cine de guerra, incluso con la presencia de Grant en clave de galán.

Mitchell Leisen se encargó de la mayor parte de las escenas aéreas, aunque algunas de ellas eran secuencias tomadas de otras películas, concretamente de Alas, Lilac Time (1928) de George Fitzmaurice y Frank Lloyd; Aguiluchos (1930), de William A. Wellman, y La escuadrilla del amanecer (1930), de Howard Hawks, esta última basada también en una obra de John Monk Saunders. Esto se realizó con la intención de abaratar costes y reducir el tiempo de rodaje e incluso se llegó a pintar los aviones como los de las otras películas para que el material encajara mucho mejor. Leisen aseguró que la mayor parte de la dirección de la película es obra suya, pero que no figuró como tal porque en el contrato de Stuart Walker se le garantizaba aparecer en los créditos como director.

La rebuscada historia que refleja el guion se basa en la novela The Drum escrita por F. Britten Austin.

También hubo curiosos movimientos en el reparto. En un momento dado, Gary Cooper y George Raft eran los actores protagonistas e incluso se llegó a retrasar el rodaje para que el primero pudiera participar en él.

Charles Barton trabajó muchos años como ayudante del director y participó como tal en el rodaje de Alas (1927), de William A. Wellman y Harry d’Abbadie d’Arrast. Louis J. Gasnier tuvo que capear la llegada del cine sonoro como director de la Paramount y su poco dominio del inglés propició que fuera el encargado de las versiones en otros idiomas de los títulos más exitosos de la productora. Con el fin de simular un presupuesto mayor, se utilizaron escenas del documental de los directores de King Kong, Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack, Hierba (1925). Además se utilizaron imágenes de la versión cinematográfica de Las cuatro plumas, rodada en 1929 y dirigida también por Schoedsack y Merian C. Cooper con Richard Arlen y Fay Wray como protagonistas. M.J.P.

El guion se basa en una historia original Death in the Morning escrita por John Monk Saunders que sirvió en el Servicio del Aire estadounidense durante la Primera Guerra Mundial como instructor de vuelo en Florida. Fue incapaz de conseguir que le destinaran al frente en Francia, circunstancia que supondría una decepción para él durante toda su vida. Logró vender por primera vez los derechos de una de sus historias en 1924. Dos años después cobró 39 000 dólares por la venta de una novela sobre pilotos en la Primera Guerra Mundial que acabaría convirtiéndose en la película Alas (1927), de William A. Wellman y Harry d’Abbadie d’Arrast, la primera en ganar el Oscar a la Mejor Película. M.J.P.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

EL LEÓN TIENE ALAS

NIDO DE ÁGUILAS

The Lion has Wings

West Point of the Air

1939; Reino Unido; Blanco y negro; Director: Adrian Brunel, Brian Desmond Hurst, Michael Powell; Guion: Ian Dalrymple, Adrian Brunel, E. V. H. Emmett; Música: Richard Addinsell; Fotografía: Osmond Borradaile, Bernard Browne, Harry Stradling Sr; Intérpretes: Merle Oberon, Ralph Richardson, June Duprez, Flora Robson, Robert Douglas, Anthony Bushell, Brian Worth, Austin Trevor, Ivan Brandt, G. H. Mulcaster, Herbert Lomas, Milton Rosmer, Ronald Adam, Robert Rendel, John Longden, Archibald Batty, Ian Fleming, Charles Carson, John Penrose; Duración: 76 minutos.

1935; EE. UU.; Blanco y negro; Director: Richard Rosson; Guion: Frank Wead, Arthur J. Beckhard, Harold Buckley, Joe Cunningham, Ralph Spence; Música: Charles Maxwell; Fotografía: Clyde De Vinna; Intérpretes: Wallace Beery, Robert Young, Lewis Stone, Maureen O’Sullivan, Russell Hardie, Rosalind Russell, James Gleason, Henry Wadsworth, Robert Taylor, Robert Livingston, Frank Conroy, G. Pat Collins, Ronnie Cosby, Bobby Caldwell, Marilyn Spinner, Herman Bing, Mickey Rooney; Duración: 89 minutos.

Alexander Korda también participó en la dirección de la película, si bien no fue finalmente acreditado. Era lógico, porque la película surgió de la promesa que Korda le hizo a Winston Churchill de tener lista una película propagandística al mes de iniciarse el conflicto con Alemania. De ahí que tenga tres directores, ya que fue rodada simultáneamente en diferentes localizaciones para agilizar el proceso y lograr terminar el largometraje en solo cinco semanas.

El final del periodo de entreguerras a principios de los años treinta incorpora esta película de entrenamiento de pilotos que fue uno de los primeros trabajos de Rosalind Russell y Robert Taylor, dos de las estrellas que iban a dominar el cine de Hollywood en los años treinta y cuarenta. Aquí debutan en una trama basada en una historia escrita por James K. McGuinness y John Monk Saunders, en la que un sargento mayor, interpretado por Wallace Beery, estrella masculina del momento en clave de tipo duro, tiene aspiraciones muy altas para la carrera militar de su hijo, interpretado por Robert Young. Conocidos ambos respectivamente como Gran Mike y Pequeño Mike, son el epicentro de una trama claramente incluida en el cine de reclutamiento para llenar cuarteles, donde se traslada al espectador la imagen del Ejército como una familia. Los dos jóvenes amigos que se entrenan para ser pilotos no solo lo hacen bajo la sombra del padre del primero, sino que además están a las órdenes del comandante del campo de instrucción de vuelo que resulta ser padre del segundo.

Sin embargo, como documento gráfico de la Segunda Guerra Mundial pierde algunos puntos debido también a la inmediatez con que fue realizada.

Los aviones de la RAF que aparecen son obsoletos –algunos incluso son biplanos–, los bombarderos alemanes son en realidad de pasajeros y se vieron obligados a recurrir a material de archivo y escenas de otras películas como The Gap (1937) de Donald Carter.

También describe cómo los globos de defensa impiden a los bombarderos de la Luftwaffe atacar Londres, algo que no ocurrió en realidad, pues dichos globos no servían para mucho. Cuando se hizo la película, el Ministerio de Información británico todavía no estaba financiando la producción cinematográfica así que para cumplir con su promesa Korda tuvo que emplear dinero de su póliza de seguro de vida. Gracias a su esfuerzo, Korda logró un puesto como asesor en el Ministerio de Información.

Es una película curiosa, porque mezcla la clave de documental al mismo tiempo que incorpora secuencias de ficción interpretadas por actores, en un esfuerzo por servir a su objetivo primordial de propaganda destinada a convencer al público británico de que la aviación del país estaba preparada para contrarrestar la amenaza del Ejército alemán manteniendo el dominio aéreo. M.J.P.

La película se rodó en el campo de entrenamiento tejano para pilotos de Randolph Field, donde transcurre la acción, y su coste fue de 591.000 dólares que funcionaron bien cosechando en taquilla una recaudación de 1.317.000 dólares.

Para llevar a cabo las escenas aéreas se emplearon tres tipos de material: el filmado por el fotógrafo aéreo Elmer Dyer y el piloto Paul Mantz, las secuencias rodadas con los actores principales a bordo de reproducciones de las cabinas de los diferentes modelos de aviones que aparecen en la película y, por último, el obtenido utilizando maquetas a escala de dichos aviones. M.J.P.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

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LA ISLA DE LA VENGANZA VIGILANCIA EN EL RIN Watch on the Rhine 1943; EE. UU.; Blanco y negro; Director: Herman Shumlin, Hal Mohr; Guion: Dashiell Hammett, Lillian Hellman; Música: Max Steiner; Fotografía: Merritt B. Gerstad, Hal Mohr; Intérpretes: Bette Davis, Paul Lukas, Geraldine Fitzgerald, Lucile Watson, Beulah Bondi, George Coulouris, Donald Woods, Henry Daniell, Eric Roberts, Donald Buka, Anthony Caruso, Helmut Dantine, Clyde Fillmore, Erwin Kalser, Kurt Katch, Clarence Muse, Frank L. Wilson, Janis Wilson, Mary Young, Rudolph Anders, Leah Baird, Josep E. Bernard, Paul Bradley, George Calliga, Glen Cavender; Duración: 114 minutos.

El guion es obra de Dashiell Hammett, creador de iconos de la novela negra como Sam Spade, el agente de la Continental, o la pareja de detectives formada por Nick y Nora Charles. Se trata de una adaptación de la obra de teatro Watch on the Rhine de Lillian Hellman, dramaturga con la que Hammett mantuvo una relación romántica. Ambos serían más tarde víctimas de la Caza de Brujas del Comité de Actividades Antiamericanas. El productor Jack L. Warner pagó 150 000 dólares por los derechos de la exitosa obra de teatro, que permaneció en cartel en Broadway durante 378 representaciones.

Charles Boyer era el actor elegido por los productores para interpretar al protagonista, sin embargo, su cerrado acento francés lo hacía poco adecuado para dar vida a un alemán, así que el papel acabó en manos de Paul Lukas, que ganó el Oscar como Mejor Actor. Las otras categorías a ese mismo premio en las que este largometraje fue reconocido con una nominación fueron Mejor Película, Actriz de Reparto (Lucile Watson) y Guion (Hammett). Lukas ganó también el Globo de Oro, y tanto él como el largometraje ganaron los premios del Círculo de Críticos de Nueva York.

El argumento arranca en 1940, antes de que Estados Unidos entre en la Segunda Guerra Mundial, cuando un alemán casado con una estadounidense y sus tres hijos visitan a la madre acomodada de la esposa en Washington después de haber pasado 17 años viviendo en Europa.

Wake Island 1942; EE. UU.; Blanco y negro; Director: John Farrow; Guion: W. R. Burnett, Frank Butler, Lawrence Hazar, Slan Nibley; Música: David Buttolph; Fotografía: William C. Mellor, Theodor Sparkuhl; Intérpretes: Brian Donlevy, Macdonald Carey, Robert Preston, William Bendix, Albert Dekker, Walter Abel, Mihail Rasumny, Rod Cameron, Bill Goodwin, Damian O’Flynn, Frank Albertson, Hugh Beaumont, Barbara Britton, Hillary Brooke; Duración: 88 minutos.

William Riley Burnett y Frank Butler, dos maestros de la novela negra, escribieron el guion de la película basándose en los archivos oficiales del cuerpo de Marines de Estados Unidos. Expertos de dicho cuerpo dieron el visto bueno al guion que se filmó finalmente. A pesar de ello, Burnett y Butler tuvieron que imaginar una heroica y propagandística resistencia en la isla de Wake frente al Ejército japonés que terminó de forma diferente en la realidad.

Aunque los miembros de los Marines, personal de la Armada estadounidense y civiles que vivían en la isla fueron capaces de repeler el ataque japonés e incluso hundir dos destructores y un transporte enemigos, la isla cayó finalmente doce días después en un segundo embate japonés y los refuerzos estadounidenses fueron incapaces de alcanzar la isla a tiempo debido al clima adverso. Los heroicos resistentes terminaron internados en campos y la isla de Wake permaneció en manos niponas hasta septiembre de 1945.

Rodada en San Diego, Utah y el desierto de California durante el conflicto, los soldados japoneses tuvieron que ser interpretados por un grupo de actores filipinos.

El presupuesto de la película fue de 826.000 dólares, y recaudó solo en cines estadounidense la cifra de 3,5 millones de dólares, éxito que facilitó que el director, John Farrow, que había regresado a Estados Unidos para proseguir su carrera como cineasta tras ser rechazado por la Marina de Canadá para participar en la guerra, firmara contrato de varios años de duración con el estudio Paramount.

Presupuestada en algo más de un millón de dólares, la película recaudó en total unos 3392 millones de dólares en todo el mundo, de los cuales 2,5 millones los ingresó en la taquilla estadounidense. M.J.P.

La película fue nominada a cuatro Oscar en las categorías de Mejor Película, Director, Actor de reparto (Bendix) y Guion original. Además Farrow ganó el Premio al Mejor Director otorgado por el Círculo de Críticos de Nueva York.

M.J.P.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

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PARALELO 38 Retreat, Hell!

1952; EE. UU.; Blanco y negro; Director: Joseph H. Lewis; Guion: Milton Sperling, Ted Sherdeman; Música: William Lava; Fotografía: Warren Lynch; Intérpretes: Frank Lovejoy, Richard Carlson, Anita Louise, Russ Tamblyn, Nedrick Young, Lamont Johnson, Robert Ellis, Paul Smith, Peter Ortiz, Dorothy Patrick, Morton C. Thompson, Joseph Keane, Rudy Albachten; Duración: 95 minutos.

Milton Sperling trabajó en colaboración con el Cuerpo de Marines de Estados Unidos, al que la Warner había propuesto realizar una película sobre la batalla del embalse de Chosin, conocida también como la batalla del lago Jhangjin. En ella, soldados de Estados Unidos, Corea del Sur y el Reino Unido se vieron cercados por 120.000 efectivos de China y Corea del Norte al mando del general Song Shilun. Las fuerzas aliadas fueron capaces de romper el cerco y retirarse al puerto de Hungnam. La colaboración del Cuerpo de Marines en la realización de la película fue tan estrecha, que el comandante Lemuel Shepherd llegó a decir que estimaba su valor en cerca del millón de dólares. Rodada en Camp Pendleton, los marines recrearon varios pueblos coreanos, construyeron una carretera e incluso llegaron a simular nieve.

Detalle interesante es su protagonista, un oficial en la reserva ya maduro y con dos hijos, reticente a volver al servicio activo y dejar atrás a su familia. La presentación del protagonista vestido de civil y rodeado de hombres con uniforme basta para presentar su conflicto. A pesar de todo, la película es un vehículo de reclutamiento con el himno de los Marines sonando en el principio y mostrando la evolución de ese soldado oxidado hasta el compromiso con el servicio y con sus hombres, su “familia” en el campo de batalla, con un joven soldado que procede de una familia entera de Marines como epicentro argumental de la fase de entrenamiento y en los primeros combates en Corea, y la aparición final de Marines británicos como hermanos en el combate contra los chinos. La retirada final bajo fuego enemigo es lo mejor de la película. M.J.P.

GUADALCANAL Guadalcanal Diary 1943; EE. UU.; Blanco y negro; Director: Lewis Seiler; Guion: Lamar Trotti, Jerome Cady; Música: David Buttolph; Fotografía: Charles G. Clarke; Intérpretes: Preston Foster, Lloyd Nolan, William Bendix, Richard Conte, Anthony Quinn, Richard Jaeckel, Roy Roberts, Minor Watson, Ralph Byrd, Lionel Stander, Reed Hadley, John Archer, Eddie Acuff, Warren Ashe, Martin Black, Marion Carl, Harry Carter, Tom Dawson, Jason Evers; Duración: 93 minutos.

El guion se basa en el libro Guadalcanal Diary, escrito por Richard Tregaskis, en el que el autor narra el ataque a Guadalcanal en las islas Salomón llevado a cabo por el Cuerpo de Marines de Estados Unidos de agosto a septiembre de 1942. Tregaskis era corresponsal de guerra para el International News Service y después de Guadalcanal pasó a cubrir el teatro europeo.

Tras finalizar la Segunda Guerra Mundial, Tregaskis cubrió otros conflictos como la guerra de Corea o de Vietnam, donde también siguió las operaciones de los Marines.

La película supuso el debut en pantalla grande de Richard Jaeckel, un habitual del cine bélico y el wéstern y al que los aficionados recordarán como uno de los policías militares que acompaña al mayor Reisman interpretado por Lee Marvin en Doce del patíbulo (1967), de Robert Aldrich. Tenía solo 17 años y trabajaba como mensajero en el estudio 20th Century Fox cuando lo ficharon para interpretar este primer papel.

Fue uno de los éxitos del cine bélico de los años cuarenta, recaudando en la taquilla estadounidense 2,7 millones de dólares que subieron a los tres millones de dólares sumando la taquilla del resto del mundo.

La crítica del momento saludó la película como una inspiradora propuesta. Según The New York Times, en algunos momentos, “casi tan real como un documental”. Variety también destacó su capacidad para ser una película de propaganda “entretenida y honesta”.

En esa clave, marines auténticos ejercieron como extras y figurantes de la película, que se rodó en 1943, menos de un año después de que se librara la batalla real en la que se ambienta el argumento, del 7 de agosto de 1942 al 9 de febrero de 1943. M.J.P.

Grandes películas de Cine Bélico (XX) Esta entrega repasa algunas películas sobre el antes, el durante y el después de la Segunda Guerra Mundial antes de zambullirnos de lleno en el nuevo conflicto de Corea que marcó el cine bélico en los años cincuenta.

Una de las más curiosas películas de combates aéreos en la Primera Guerra Mundial encabeza la lista de carteles bélicos de este mes con Cary Grant como protagonista. Se trata de El águila y el halcón. Comparada por la crítica en el momento de su estreno con Sin novedad en el frente, narra las vivencias de los pilotos de la RAF en sus enfrentamientos con los ases germanos del aire en la que también se denominó la Gran Guerra. El final de la película se cambió porque contenía un mensaje antibelicista que fue considerado por el estudio demasiado deprimente, por muy aislacionista que fuera la opinión pública estadounidense en ese momento. La película se estrenó el 6 de mayo de 1933. Hitler había sido nombrado canciller de Alemania el 30 de enero de ese mismo año…

Aporte más exótico para la lista de filmes bélicos de este mes es otro que, como el anterior, podríamos calificar de “Frankenstein”, ya que incluye en su metraje imágenes tomadas de otras producciones anteriores. Tiene, además, el mismo protagonista, un joven Cary Grant, y su título es La última avanzada, ambientada también, como El águila y el halcón, en la Primera Guerra Mundial, pero en un frente poco habitual en el cine bélico: Irán. De hecho, incluye unas espectaculares escenas documentales de las emigraciones bajtiaris en esa zona. Ejerciendo como crítico de cine, Graham Greene, autor de la novela El tercer hombre, afirmó que la primera parte de la película era muy buena, y la segunda, muy mala. Se estropea con la innecesaria subtrama sentimental.

La tercera de la lista es una producción estadounidense cuyo título original, West Point of the Air, la define ya claramente como una película de reclutamiento de aspirantes a pilotos, una especie de Top Gun del periodo de entreguerras, estrenada en un momento en que los espectadores mantenían en general una postura antibelicista donde se elogiaba el

servicio militar y la disciplina como valores positivos, intentando al mismo tiempo mejorar la deteriorada imagen del Cuerpo Aéreo del Ejército por su implicación en un escándalo de corrupción relacionado con el reparto del correo que la prensa de la época denominó “el fiasco del correo aéreo”, en el que una investigación del Congreso de Estados Unidos había revelado que algunas compañías aéreas cobraban por trasladar correo utilizando aparatos de la fuerza aérea del Ejército en lugar de los suyos propios para ese cometido.

La propaganda y las alas siguen dominando en el documental El león tiene alas, película de propaganda de la Real Fuerza Aérea británica que no fue muy bien recibida por la crítica de la época, y que fue acusada por la revista de cine Documentary Newsletter de ser pueril, en su esfuerzo por afirmar: “Todos los éxitos están de nuestro lado, que los pilotos nazis son unos idiotas cobardes y que el comando aéreo nazi ignora que tenemos una barrera de globos”. El propio Ministerio de Información reconoció que la película era poco más que tres documentales juntos, aunque destaca en el género que nos ocupa por ser la primera película de propaganda que se estrenó en Inglaterra durante la Segunda Guerra Mundial.

“Aquí hay una película que seguramente debería traer una oleada de orgullo al pecho de cada patriota. Y aquí hay una película por la que sus creadores merecen un saludo sincero”.

Así celebraba el crítico del diario The New York Times Bosley Crowther el estreno de La isla de la venganza, que se cuenta entre los mayores éxitos comerciales del cine bélico en la década de los años cuarenta, en la que el cine de Hollywood convivía con la guerra real.

Los marines son también los protagonistas de otros dos títulos destacados situados en batallas reales en la selección de este mes: Guadalcanal y Paralelo 38.

Por su parte, Vigilancia en el Rin se centra en una clave de intriga y espionaje con un protagonista alemán desplazado a Estados Unidos que esconde un secreto: trabaja para la resistencia antinazi, lo que le llevará a ser chantajeado por un conde rumano, Teck de Brancovis, que piensa revelar esa información a sus contactos en la embajada de Alemania.

Miguel Juan Payán

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Posters La torre oscura, Juego de tronos (Daenerys), El Rey Arturo, The Defenders, Transformers 5, Orphan Black, Baby Driver, Spider-Man Homecoming

nº 1806 COLECCIONABLE: Peter Ustinov Cartelmanía. Cine de terror XXIII Cartelmanía. Tras las líneas enemigas Series Tv. Por 13 razones T2, Sense 8, Cormoran Strike.

Posters Jurassic World, Sense 8, Han Solo, Por 13 razones, Sicario: El día del soldado, Deadpool 2, Campeones, Deadpool (ilustración).

nº 1712 COLECCIONABLE: Fred Astaire Cartelmanía. Cine de terror XVII Cartelmanía. Musicales Entrevistas. Mark Hammill, Nick Jonas, Jack Black Series Tv. The Walking Dead 8, Loch Ness, Punisher.

Posters Star Wars: Los últimos Jedi, Punisher, El Gran Showman, Stranger Things 2, Jumanji, Tríptico Avengers Infinity War 1, The Walking Dead 8, Pesadilla en Elm Street.

nº 1811

nº 1903

nº 1907

COLECCIONABLE: Lena Horne Cartelmanía. Cine bélico II Cartelmanía. Guerras Zombis Series Tv. Millennium, Las escalofriantes aventuras de Sabrina, Arrow, Series DC y Marvel.

Posters Bohemian Rhapsody, Daredevil, Capitana Marvel, Las escalofriantes aventuras de Sabrina, Millennium: Lo que no te mata te hace más fuerte, Titans, Venom (IMAX), Grupo Salvaje (1974).

COLECCIONABLE: Fay Wray Cartelmanía. Cine bélico VI Cartelmanía. Cine parejas cómicas Series Tv. Juego de Tronos, Ellen Page, Ehe Eney Within, The Walking Dead Posters Capitana Marvel, The Walking Dead, Dumbo, Spiderman: Lejos de casa, La mujer y el monstruo (1954), Hobbs & Shaw, Los locos del aire (1939).

COLECCIONABLE: Yvonne de Carlo Especial. Stranger Things Homenaje. Chico Ibáñez Serrador Cartelmanía. Cine bélico X Cartelmanía. Clasicos animados Disney (II parte) Series Tv. La forense, NOSA42, Doom Patrol, The Twilight Zone Posters SPIDER-MAN Lejos de casa, Stranger Things 3, El rey león, The Big Bang Theory, X-Men Fénix Oscura, Juego de Tronos (Sansa), El rey León (1994), ¿Quién puede matar a un niño?.

nº 1812

nº 1904

COLECCIONABLE: Charles Bronson Cartelmanía. Cine bélico III Cartelmanía. Robin Hood Series Tv. Luke Cage, Midnight Texas T2, Juego de tronos T8, Narcos: México, House of Cards T6.

Posters Spider-Man: Un nuevo universo, The Haunted of Hill House, Ralph Rompe Internet, House of Cards T6, El regreso de Mary Poppins, Centauros del desierto (1956), Bumblebee, Mary Poppins (1964).

COLECCIONABLE: Lionel Barrymore Cartelmanía. Cine bélico VII Cartelmanía. Cine de Buñuel Series Tv. The Umbrella Academy, Love, Death & Robots, Punisher Posters Vengadores EndGame, Juego de Tronos (Daenerys), X-Men Fénix Oscura, Juego de Tronos (John Nieve), Érase una vez en Hollywood (Margot Robbie), John Wick 3, The Umbrella Academy, Sensación de vivir.

nº 1908 COLECCIONABLE: Alex Guinness Entrevistas. Kaya Scodelario, Leonardo DiCaprio Cartelmanía. Cine bélico XI Cartelmanía. Tarantino Series Tv. The Boys, Veronica Mars, Cristal Oscuro Posters Érase una vez en Hollywood, Veronica Mars, Hobbs & Shaw, The Boys, Rambo: Last Blood, Cristal Oscuro, Cameron Boyce, Reservoir Dogs

nº 1804 COLECCIONABLE: John Barrymore Cartelmanía. Cine de terror XXI Cartelmanía. Spielberg y la ciencia ficción Series Tv. La casa de papel, The Terror, Lost in Space.

Posters Infinity War (ilustración), La casa de papel, Aniquilación, Lost in Space, Solo (Chewacca), The Terror, Solo (Qira), E.T..

nº 1905 nº 1901

nº 1809 COLECCIONABLE: Irene Dunne Cartelmanía. Cine de terror XXVI Cartelmanía. Depredador en el cine Series Tv. Los originales, The Innocents, Jack Ryan, Halt and Catch Fire.

Posters Predator, The Innocents, Glass, Jack Ryan, Bublebee, Doctor Who, Venom (Japón), Depredador (1987).

COLECCIONABLE: Linda Darnell Cartelmanía. Cine bélico IV Cartelmanía. M. Night Shyamalan Series Tv. Magnum, Gotham T5, Iron Fist, Teoías sobre series Marvel 7 Disney Posters Avengers Endgame, El rey león (teaser), Glass, Toy Story 4 (teaser), Hellboy, El exorcista (1973), Rocky (1977), Gotham.

COLECCIONABLE: Jean Harlow Cartelmanía. Cine bélico VIII Cartelmanía. Asesinos a sueldo Series Tv. House of Cards, Los 100 T6, Gomorra, Freddie Highmore, Stranger Things T3.

Posters Hellboy, Los 100, Vengadores EndGame IMAX, Juego de Tronos, Aladdin, Star Wars El ascenso de Skywalker, Spiderman Lejos de casa, Apoxalipsis Now.

nº 1909 COLECCIONABLE: Mary Pickford Especial. Comic-Con Entrevistas. Luis Tosar Cartelmanía. Cine bélico XII Cartelmanía. Stallone I Series Tv. Lost, Swamp Thing Posters Rambo Last Blood, La casa de papel, Ad astra, Carnival Row, Érase una vez en Hollywood, The Witcher, Acorralado, Lost

nº 1709

nº 1705 COLECCIONABLE: Sean Connery Cartelmanía. Cine de terror X Cartelmanía. Cine de piratas Series Tv. The Defenders, Twin Peaks, The Son, Las chicas del cable, Por 13 razones, The Leftovers.

Posters Alien Covenant, Por 13 razones, Star Wars: The Last Jedi, Twin Peaks, Thor Ragnarok, Fast 8, Wonder Woman, Mazinger Z.

COLECCIONABLE: Barbara Stanwick Cartelmanía. Cine de terror XIV Cartelmanía. Cine de Stephen King II Series Tv. Stranger Things 2, Gotham 3, Daniel Sharman, Adam Wingard, Rubén Blades, Kyle Maclachlan, Robert Patrick.

Posters Stranger Things 2, Black Panther, Death Note, The Defenders, Juego de Tronos (John Nieve), It (serie), Jurassic World, Night of the Living Dead.

nº 1805 nº 1801 COLECCIONABLE: Loretta Young Cartelmanía. Cine de terror XVIII Cartelmanía. Póker en el cine Entrevistas. Jessica Chastain Series Tv. Black Mirror, Runaways, Vikings.

Posters Mazinger Z: Infinity, Black Mirror, Star Wars: Los últimos Jedi (IMAX), Vikingos, Deadpool, Runaways, Tríptico Avengers Infinity War 2, The Fly.

COLECCIONABLE: Eleanor Parker Cartelmanía. Cine de terror XXII Cartelmanía. Tras las líneas enemigas Series Tv. Westworld, El Alienista, Colony, Krypton, Los 100, Jenna Elfman.

Posters Deadpool 2, Colony, Vengadores: Infinity War, Los 100, Solo (ilustración), Westworld, Jurassic World, Doce del patíbulo.

nº 1906 nº 1902 nº 1810 COLECCIONABLE: Roddy McDowall Cartelmanía. Cine bélico I Cartelmanía. Rutas suicidas Series Tv. The Bridge, The Outpost, Gigantes, Cóndor, Patrick Melrose.

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COLECCIONABLE: Burt Reynolds Cartelmanía. Cine bélico V Cartelmanía. Cine político Series Tv. Daredevil, Titans, Das Boot, Punisher T2, Penn Badley Posters Alita, Punisher, Como entrenar a tu dragón 3, Titans, Dragon Ball Super Broly, Capitana Marvel, Capitana Marvel (Goose), La lista de Schindler (25 anv).

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PRÓXIMOS estrenos

Tyler Rake

Netflix nos trae la nueva película de Chris Hemsworth, de la mano de los hermanos Russo y dirigida por Sam Hargrave. Un thriller de acción que se estrena el 24 de abril.

E

l mundo del cine se ha paralizado y las salas no están abiertas, pero Netflix sigue estrenando proyectos, que además tienen una acogida enorme entre la audiencia. En este caso, no tendrá que ver con la situación, porque seguramente Tyler Rake sería un éxito en el momento en el que se estrenase. El debut en la dirección de Sam Hargrave viene acompañado del nombre de los hermanos Joe y Anthony Russo para darle mayor empaque a la película. Y con Chris Hemsworth de protagonista. Una historia de acción que está además basada en la novela

gráfica de Ande Parks con arte de Fernando León González, basada en una historia de los hermanos Russo y que el propio Joe Russo ha adaptado para el cine. Una historia que, según él mismo, nace de su amor por el cine de acción de los setenta, género con el que tiene una fuerte conexión emocional.

Sam Hargrave no es nuevo en el mundo del cine, aunque sea su primera película como director.

Doble de escenas de acción de Chris Evans durante años, se ha convertido en el coordinador de especialistas y coreógrafo de películas como Atómica, Wolf Warrior 2 o las dos últimas entregas de Vengadores. Puede que eso sirva para entender el tipo de acción que vamos a encontrarnos en esta película, donde Hemsworth interpreta a un mercenario del mercado negro que recibe un peligroso encargo, el más peligros de su carrera. Una extracción, la de un niño que está secuestrado y es un peón en un juego entre bandas de señores de la guerra que ansían el poder.

Con toda la ciudad en su contra, sobrevivir será una tarea casi imposible. Junto a Hemsworth, un reparto internacional, con nombres como David Harbour, Rudraksh Jaiswal, Randeep Hooda, Golshifteh Farahani, Priyanshu Painyuli y Pankaj Tripathi en una película llena de acción espectacular rodada entre Tailandia y la India.

Jesús Usero

EE UU, 2020 DIRECTOR: SAM HARGRAVE GUION: ANTHONY RUSSO Y JOE RUSSO FOTOGRAFIA: NEWTON THOMAS SIGEL MUSICA: ALEX BELCHER Y HENRY JACKMAN INTERPRETES: CHRIS HEMSWORTH (TYLER RAKE), DAVID HARBOUR, GOLSHIFTEH FARAHANI (NIK KHAN) PANKAJ TRIPATHI DURACION: 116 MIN. DISTRIBUYE: NETFLIX

Chris Hemsworth, la vida después de Vengadores Aunque tenemos claro que Hemsworth sigue ligado a Marvel y le veremos repetir su papel de Thor en varias ocasiones, no es menos cierto que el actor también intenta buscar su propio nombre alejado de la franquicia que le ha dado fama internacional, pero no del cine de género, por ahora. Aunque tiene proyectos interesantes en el horizonte, sin duda Tyler Rake ha llamado la atención por haber surgido casi de la nada. Hasta hace poco más de un mes, era una sombra, de la que el público no había visto prácticamente nada. Hemsworth, oriundo de Australia, de Melbourne, donde nació en 1983, ha buscado seguir ligado a nombres de su completa confianza en el proyecto, con los hermanos Russo, sus directores en las dos últimas películas de Vengadores como productores, con Sam Hargrave al frente de la película y con él mismo produciendo también. La primera vez que produce una de las películas en las que trabaja. Una historia que los propios Russo le ofrecieron y que le “vendieron” cuando le dijeron que era un regreso a un filme de acción a lo Steve McQueen. Pero con un entrenamiento y una preparación extremos, porque Tyler Rake apuesta por un estilo visual y unas escenas de acción que recuerdan al cine que nos llega de Indonesia liderado por Iko Uwais y el director Gareth Evans. Pero, además, el actor tiene dos proyectos muy interesantes. Por supuesto, Thor: Love and Thunder, la película que supone su regreso al papel de Marvel, y que no será la última del personaje. Pero también tiene el biopic de Hulk Hogan, el mítico personaje de lucha libre profesional, con una vida tan impactante como su carrera. Hemsworth también tendrá un papel como productor en la película, pero por supuesto la producción ha sido retrasada, como la nueva entrega de Thor, debido a la pandemia. Pero volverá con más de un proyecto. Quizá incluso una nueva entrega de Tyler Rake.

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Contagio y El Hoyo Dos películas para la pandemia El filme de Soderbergh, de 2011, se sitúa como una de las películas más demandadas en las plataformas, mientras que la obra de Gaztelu-Urrutia, de 2019, es la más vista en el Netflix de Estados Unidos. Ambas cintas, tan diferentes como premonitorias, provocan nuestra reflexión en plena crisis del coronavirus. na se estrenó en 2011; la otra, a finales de 2019. Una es una producción norteamericana repleta de estrellas; la otra, de nacionalidad española y sin apenas nombres conocidos en su elenco. Una nos cuenta lo que está ocurriendo; la otra, lo que podría ocurrir. A falta de estrenos, Contagio (2011), de Steven Soderbergh, y El hoyo (2019), de Galder Gaztelu-Urrutia, se han convertido en inesperados taquillazos caseros durante estos tiempos de confinamiento.

La primera, acogida en su día con moderado entusiasmo, pasó a ocupar a comienzos de año los primeros puestos de descargas en iTunes, se ha situado en el segundo lugar de las películas más soli-

U

Contagio (2011) dirigida por Steven Soderbergh se ha situado en los primeros puestos de descargas digitales en plataformas en estos momentos de confinamiento.

citadas del catálogo de Warner y ha sido relanzada recientemente por HBO. La segunda, multipremiada en Sitges, pero con una muy modesta recaudación en taquilla, está liderando el ranking de Netflix en Estados Unidos y varios países latinoamericanos. Muy a su pesar, Contagio y El hoyo se han convertido en las películas de la pandemia: sus predicciones y paralelismos con la actualidad han provocado que dos filmes tan diferentes como complementarias sean objeto de nuevas lecturas. ¿Curiosidad morbosa por parte del público o búsqueda de respuestas ante la crisis que estamos padeciendo? A continuación, analizamos las claves del éxito de dos filmes que hoy gozan de una segunda vida.

Soderbergh, el oráculo Un virus respiratorio procedente de China, cuyos primeros síntomas son tos y fiebre, que se transmite por secreciones respiratorias, poseedor de un ADN que esconde restos biológicos de murciélago y que no tarda en dar el salto al resto del planeta, provocando una crisis sanitaria sin precedentes. Gente recluida en sus casas, supermercados desabastecidos, estadios deportivos reconvertidos en UCI ante unos hospitales desbordados... IMDB, la web cinéfila de referencia, ha retirado la categoría de “ciencia ficción” en la ficha técnica de Contagio. ¿El motivo? Se había quedado obsoleta. La realidad, si no superaba a la ficción, la acechaba peligrosamente. Y eso a pesar de que el MEV-1, la infección que protagoniza el filme, guarda importantes distancias respecto al coronavirus: su letalidad alcanza el 25 por ciento y no

Estallido (1995) dirigida por Wolfgang Petersen con Dustin Hoffman, René Russo, Morgan Freeman y Kevin Spacey

El Hoyo (2020) se centra en una cárcel vertical en la cual los presos confinados pugnarán por la comida distribuída de forma irregular.

fondo, la cinta de Gaztelu-Urrutia se centra en los reclusos que conforman una cárcel de estructura ¿Fueron Soderbergh y su vertical, de centenares de plantas, sin guardianes, cada una de ellas con dos ocupantes, y regida por guionista Scott Z. Burns una institución conocida como la Administración. más listos que nadie?

Su funcionamiento es el siguiente: sus huéspedes se alimentan de la comida, exquisitamente elaboEn realidad, se limitaron a rada, que desciende a través de una plataforma, desde la planta más alta hacia la más baja. Así, si basarse en hechos los reos de las plantas superiores comen más de lo que necesitan, dejarán sin sustento a los inquilinos consumados. Primero, de las plantas inferiores, que se verán obligados a alimentarse de lo que tengan más a mano... Para tomaron buena nota de mantener el equilibrio, los reclusos cambian cada precedentes tales como el mes de nivel, de forma que en ocasiones se verán favorecidos al estar en las cotas más altas, y en virus Nipah, aislado en otras, perjudicados al estar en los vagones de cola.

Ya solo por el hecho de mostrarnos a sus Malasia en 1998, y la protagonistas encerrados bastaría para que el espectador se sintiera identificado (de más) con epidemia de gripe aviar de los personajes. Sin embargo, El hoyo nos plantea preguntas que hoy rondan por nuestra mente: en mediados de la pasada una crisis como la actual, ¿podemos abordar década. Y segundo, hicieron todos un confinamiento en igualdad de condiciones? ¿Quiénes están en las plantas mas Escuchar a los científicos lo que todos, Gobiernos elevadas (la clase privilegiada) y quiénes en las más bajas (la clase trabajadora)? ¿Los primeros ¿Fueron Soderbergh y su guionista Scott Z. incluidos, debemos hacer son capaces de renunciar a parte de lo que tienen Burns más listos que nadie? En realidad, se limipor los segundos? La Administración (los taron a basarse en hechos consumados. Primero, ahora: escuchar a los Gobiernos) distribuye la riqueza: ¿ignora que no tomaron buena nota de precedentes tales como el llega a los estratos más desfavorecidos? De virus Nipah, aislado en Malasia en 1998, y la científicos. hecho, el filme se centra en la lucha que epidemia de gripe aviar de mediados de la pasada emprende su protagonista, Goreng (Iván década. Y segundo, hicieron lo que todos, Gobiernos incluidos, debemos hacer ahora: escuchar a los cientí- Massagué), para despertar la solidaridad de los ocupantes de El ficos. Burns fue asesorado por Larry Brilliant, epidemiólogo que hoyo: si solo comen lo indispensable, quizá todos puedan sobrevivir. ayudó a la OMS a erradicar la viruela, y Ian Lipkin, profesor de la “Si en vez de comida, en nuestra plataforma hubiéramos puesto misma especialidad en la Universidad de Columbia. Y entre otros papel higiénico o mascarillas, estaríamos hablando de lo mismo: del muchos aspectos, le aseguraron que la sanidad podría verse sobre- egoísmo que subyace en lo más profundo de nuestros corazones”, pasada en caso de una crisis similar. “Todas las personas con las que admitió hace pocas fechas Gaztelu-Urrutia en una entrevista a BBC hablamos coincidieron en una cosa: nos espera algo así de grande”, Mundo. afirmó Soderbergh en una entrevista en el portal Uproxx con motivo del lanzamiento del filme. Por su parte, Tracy McNamara, patóloga Final feliz veterinaria que también orientó a los responsables de Contagio, fue Entramos en ZONA SPOILER. En Contagio, los científicos, tajante sobre su valor premonitorio. “Se le debería haber prestado haciendo gala del heroísmo que están desplegando estas semanas, más atención durante su estreno. Fue una advertencia para las insti- hallan una vacuna para el MEV-1, cuyo orden de distribución es a tuciones sobre lo que podría suceder y hubiera servido para crear un través de un sorteo, con las fechas de nacimiento de la población plan de prevención”, aseguró recientemente a BuzzFeedNews. como “bolas” dentro de un bombo. En El hoyo, en un final ambiguo que está siendo objeto de intrincados debates, Goreng fracasa en su Encierro y solidaridad propósito solidario, pero consigue enviar un mensaje a la AdminisPoco o nada tiene que ver El hoyo con Contagio: una muy tración que, quizá, pueda cambiar las cosas. Ojalá ambas películas oscura fantasía distópica, que, entre otros referentes, se inspira en sean tan premonitorias en sus desenlaces como en sus premisas.

Cube (1997), de Vincenzo Natali, director que ha aplaudido con entu- Ojalá el happy ending esté cada vez más cerca. siasmo al filme español. En esencia, y sin mayores explicaciones de Jaime V. Echagüe discrimina por edades o patologías respiratorias previas.

Con todo, visto hoy, el filme es terror puro. Al contrario que en otras cintas virales como Estallido (1995), obra que también ha escalado hasta el top 10 de Netflix, no encontramos pirotecnia, ni grandes escenas de masas, ni militares descontrolados que tratan de encubrir un arma bacteriológica. Pese a su deslumbrante reparto (Matt Damon, Kate Winslet, Jude Law, Marion Cotillard, Gwyneth Paltrow...), se trata de un trabajo indie en su envoltorio, casi minimalista, carente de una banda sonora enfática y dotado de una frialdad más que estudiada. Soderbergh imprimió al filme un sello hiperrealista que, especialmente hoy, hace que lo sintamos dolorosamente cercano. En Contagio, el realizador se acercó a una pandemia del mismo modo que abordó el narcotráfico en Traffic (2000): una historia coral, en su caso un thriller sanitario, cuyos múltiples puntos de vista (un padre de familia, una epidemióloga de la OMS, un equipo científico de los centros para el control y la prevención de enfemedades, un periodista freelance...) nos facilita una comprensión global del problema.

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Correo del lector Por Miguel Juan Payán

Jack Lemmon… Nos Lees La Mente Juan Manuel (correo electrónico). ueno, como ya habrás comprobado cuando tengas este número en la mano y leas esta respuesta, podríamos decir que nos has leído la mente. El coleccionable dedicado a Jack Lemmon que nos pedías estaba ya en imprenta cuando nos llegó tu misiva, así que puede decirse que nos hemos leído la mente mutuamente, o que simplemente tenemos buena sintonía con nuestros lectores, y nuestros lectores con nosotros. Me alegra que te gusten las incorporaciones de astros del cine mudo que hemos ido haciendo en el coleccionable de estrellas en los últimos meses. No te preocupes, que no nos vamos a quedar en esos. Tenemos más figuras de la pantalla silen-

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Stallone y Lucinda Dickey Fran (Málaga).

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o todo el material rodado acaba en el montaje final de las películas. Eso hace que no se consideren las apariciones que hizo Sylvester Stallone antes de alcanzar la fama y en calidad, ojo, no de cameo, como he leído en algún sitio, sino de simple figurante. Ocurrió en varias películas en las que, además, las escenas en las que participó acabaron cortadas del montaje final exhibido comercialmente. Si ahora han podido recuperarse es simplemente porque los nuevos productos de explotación de las películas Alfredo Landa en cuestión, ya sea en DVD o blu-ray incluyen esas escenas cortadas y se puede congelar y acercar imagen, recuperando así esos momentos en los que Stallone, con carácter alimenticio, aparecía muy brevemente y casi sin ser visto, en uno o varios planos de un largometraje. Insisto, esto no puede considerarse cameo, ni siquiera a posteriori. Son trabajos de figurante y por eso no figuran en su filmografía. Hay que diferenciarlo de sus trabajos como actor secundario en películas como Pigeons, Bananas, donde era un macarrilla que acosaba en el metro a Woody Allen, No hay lugar para esconderse, Días felices o El prisionero de la segunda avenida, donde le robaba la cartera y era perseguido por Jack Lemmon. Lo cierto es que, como a tantas otras figuras del cine estadounidense que empezaron a pegar en los setenta, su primera oportunidad seria se la proporcionó el productor independiente Roger Corman. Así que podemos considerar a Stallone una criatura de eso que se llamó la “Factoría Corman”, en la que también comenzaron su carrera gentes como Jack Nicholson, Martin Scorsese, Francis Coppola o James Cameron. Corman le dio nada menos que el papel de Frank Nitti, el matón de Al Capone en Capone, una película que produjo en 1975 sobre el célebre gánster con Steve Carver como director. Buscando pagar facturas, Stallone pilló al vuelo trabajos como figurante sin diálogo ni plano en Mandingo, en 1975. Concretamente, en una escena de ahorcamiento que acabó siendo cortada de la copia exhibida comercialmente. Concre-

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Podéis despejar vuestras dudas enviando una carta a: REVISTA ACCIÓN (Correo) C/ La Higuera, 2-2ºB, 28922 Alcorcón (Madrid) O bien por e-mail (asunto: correo) a: redaccion@accioncine.es Y también por WhatsApp: 672 015 018 O telegram: @AccionCineSeries

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te para seguir añadiendo a la colección. Es una etapa muy interesante del cine en general y para el fenómeno de las estrellas en particular. Me ha gustado la definición que haces de Lemmon en tu mensaje, así que, con tu permiso, me tomo la libertad de compartirla con el resto de nuestros amigos lectores: “[…] Un álbum a un actor, el gran Jack Lemmon, el americano corriente, el ciudadano de a pie capaz de representar a una sociedad cotidiana sin que por ello desatine, hábil para la comedia trabajando con directores que supieron extraer de él toda la sustancia, como el gran Billy Wilder, pero nunca quiso que lo encasillaran. Y cuando las majors colocaban en cada género a sus actores como en una cadena de montaje, él supo decir ‘no’ y se atrevió con el drama, donde supo demostrar que Lemmon era mucho Lemmon. La gran Días de vino y rosas, junto a Lee Remick. Cuesta colocarlo al lado de actores de su generación porque está Lemmon y los demás”. Apunto tus sugerencias de nombres para incorporar en esas páginas. Gracias por tus palabras y gracias por seguir leyéndonos.

tamente, está en segundo término sobre un caballo, con sombrero. Más difícil de confirmar, y por ello no puedo poner la mano en el fuego viendo las imágenes disponibles, es su aparición como un pinchadiscos que baila en el fondo de una escena cortada en una discoteca en la película Klute, protagonizada por Jane Fonda y Donald Sutherland en 1971. Está tan lejos y tan pixelado el tema que no pondría la mano en el fuego, pero igualmente lo veo viable, dado que el hombre andaba justo de efectivo en aquel momento y la fama no había llamado a su puerta todavía.

En cuanto a Lucinda Dickey, nacida en 1960 en Kansas, y que alcanzó breve y relativa popularidad entre los aficionados a las películas de ninjas (no, no es un club tan reducido como parece) protagonizando Ninja 3: la dominación, en 1984, donde tenía incluso su momento “niña de El exorcista”. Alcanzó cierta relevancia en televisión como bailarina de la tercera temporada del programa Solid Gold, y luego pasó al cine, rodando solo seis películas: Grease 2 (1982), Breakdance (1984), Ninja 3: la dominación (1984), Electric Bogaloo (1984), Animadoras asesinas (1988), y la película para televisión Perry Manson: The Case of Defiant Daughter (1990). En la de las animadoras incluso se arrancó a cantar un tema, “Cheerleading”. Su verdadero nombre es Lucinda Marie Henninger. Luego se retiró para vivir con su segundo marido, Craig Pilligian, coproductor ejecutivo de la serie de televisión Survivor, y sus dos hijos, Joseph Michael, nacido en 1986, y Amanda Marie, nacida en 1989. Su último trabajo en televisión fue ejercer como juez de un concurso de baile Master of Dance, en 2008.

CORREO DEL LECTOR Donnie Yen, Darryl Chan, Van Damme y Bolo Yeung Fernando (Narón, A Coruña).

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migo, Donnie Yen tiene que estar ya hasta el gorro de la saga de Ip Man, porque lleva cuatro entregas y con muy buen criterio habrá pensado el hombre que ya está todo contado y que no hay nada más que contar ni que rascar. Además, encarnó una variante de comedia de ese mismo personaje en la película Gam Gai 2 (Golden Chicken 2). Yo le aplaudo. Nada mejor que dejar a tiempo algo cuando ya no da más de sí. Todos deberíamos apuntarnos a esa estrategia y mejor nos iría. La película se ha estrenado en países anglosajones con el título de Ip Man 4: The Finale, así que sí, todo indica que al menos en lo que se refiere al ciclo protagonizado por Donnie Yen la cosa llega hasta aquí y ya.

Aunque poderoso caballero es don Dinero, y con una inversión de 52 millones de dólares la película lleva recaudados en todo el mundo algo más de 174 millones, lo que hace pensar que los productores no van a dejar el menor atisbo de posibilidad de seguir ordeñando la ubre de esta vaca convenciendo a Donnie Yen de que siga subido al barco. La película se estrenó en cines chinos el mismo día que Star Wars: el ascenso de Skywalker, y batió a la producción estadounidense de largo. Yen afirma que su hijo, que tiene doce años, la misma edad que la saga de Ip Man que él protagoniza, y que aunque ha crecido viendo a su padre repartiendo estopa en las películas y está formado en artes marciales mixtas y es cinturón negro en taekwondo, se está volviendo perezoso y se piensa lo de seguir estudiando artes marciales. Pero el propio Donnie Yen no es tan perezoso como su hijo y ha desmentido las noticias que han circulado sobre su retirada del cine de acción. Así que aunque en alguna otra entrevista de presentación de esta última entrega de Ip Man ha dicho que a pesar de que desde el público el trabajo de actor de cine de artes marciales puede parecer glorioso, no es fácil y hay que hacer frente a muchas lesiones y en esta última ha resultado herido casi en cada escena de acción, aunque no se ha roto nada, seguirá trabajando en cine de este género. Lo que sí está pensando en tomarse un descanso de las escenas de artes marciales. Yen afirma que sus tendones están sobreutilizados, y que la edad empieza a hacerse notar, lo que le obliga a mantener una preparación física y terapia para mantener el ritmo de un rodaje de este tipo de película que es muy exigente.

En cuanto a Darryl Chan, nacido en San Francisco y practicante de artes marciales además de músico de bandas homenajeado, actividad que realizó en paralelo con su actividad en el cine como doble de acción, es uno de los más respetados especialistas de Hollywood, con nominaciones en los premios del gremio por sus trabajos en Piratas del Caribe, la serie Héroes y El planeta de los simios en la versión de 2001 dirigida por Tim Burton. Entre sus trabajos como actor destacan sus contribuciones en Jade (1995), El puño de la estrella del norte (1995), White Cargo (1996), la serie Martial Law (1998-2000), Los amos de la noche (2001), Hora punta 3 (2007), Crank: alto voltaje (2009). Como doble de acción ha trabajado con máquinas del cine de acción, como Chuck Norris en Golpe por golpe (1981), Martin Kove en Justicia de acero (1987), Jean-Claude Van Damme en Doble impacto (1991), Dolph Lundgren y Brandon Lee en Little Tokyo: ataque frontal (1991), otra vez Brandon Lee en Rapid Fire (1992), participó en Dragón, la vida de Bruce Lee (1993), y ha trabajado varias veces como doble de Lou Diamond

Phillips, actor con el que guarda una notable semejanza física. Fue uno de los portadores del féretro en el funeral de su amigo Brandon Lee. Por cierto, en la carrera de Van Damme, tal como apuntas, Doble impacto fue su mejor oportunidad de estrellato, aunque luego la trayectoria quedara truncada por una mala elección de guiones. Entre las películas protagonizadas por el actor es de las mejores, junto con la siguiente, que protagonizó ya disfrutando de su nuevo estatus de estrella del cine de acción de los noventa, Soldado universal (1992), y una anterior, Libertad para morir (1990). Son buenas, porque estaban en la banda de explotación que podía sacarle el máximo partido a Van Damme como icono. Luego saltó a proyectos más ambiciosos en los que se fue perdiendo su esencia para intentar acoplarse a producciones más ambiciosas.

Se perdió en el laberinto y las exigencias de los grandes estudios, coincidiendo además con una etapa en la que no solo él, sino superestrellas de la época como Arnold Schwarzenegger o Sylvester Stallone, también empezaban a comprobar que el producto de cine de acción estaba cambiando y sus propuestas iban perdiendo puntos en la taquilla y el interés del público mayoritario en la segunda mitad de los años noventa. Todo ello junto hace que sí, efectivamente, Doble impacto sea una película clave en la filmografía de Van Damme y además un punto y a parte de despedida de su primera fase en cine más modesto pero muy resolutivo. Ojo, en su filmografía esperaban todavía títulos capaces de ganar 74 millones de dólares en la taquilla internacional como Blanco humano (1993), Time Cop (1994), que recaudó casi 102 millones de dólares en todo el mundo, o Streetfighter (1994), que recaudó más de 99 millones de dólares en todo el mundo. La caída empezó con Muerte súbita (1995), que recaudó 64 millones de dólares en todo el mundo, y su ambicioso proyecto como director, The Quest (En busca de la ciudad perdida) (1996), que costando 30 millones de dólares, recaudó en todo el mundo solo 57 millones y en cines estadounidenses poco más de 21 millones. Estaba claro que el interés del público mainstream por Van Damme habían decrecido y su filmografía empezó a marcar un perfil de caída de recaudación en taquilla de sus películas hasta que finalmente ha acabado en las películas para explotación en copia doméstica en la actualidad.

Para concluir con la respuesta a tus diferentes mensajes, Bolo Yeung, cuyo verdadero nombre es Yang Sze, es ante todo un campeón del culturismo que ganó el título de Mr. Hong Kong y retuvo el título durante diez años, siendo conocido como el Hércules Chino, título que pasó a una de sus películas, The Chinese Hercules (1973). Así que, curiosamente, su origen lo sitúa más cerca del tipo de carrera desarrollada por Arnold Schwarzenegger que de las artes marciales. Esa trayectoria como culturista le hizo acreedor de numerosos papeles como villano entre los cuales sin duda el que lo lanzó fue el de Operación Dragón con el rey, Bruce Lee. Y, por cierto, contestando aquí a tu duda, sí, fue Van Damme el que se empeñó en contar con Bolo Yeung como compañero de reparto en Doble impacto. Ambos habían forjado una estrecha amistad desde que coincidieron rodando Contacto sangriento en 1988. De hecho, Van Damme declaró en una demostración de artes marciales en 2010 que hizo junto a Yeung que había un proyecto para una secuela, Doble impacto 2, en la que Bolo interpretaría a un aliado de su personaje, en lugar de a un antagonista, como en el original.

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MALDICIONES EN EL CINE

odos los malos augurios que rodeaban a El conquistador de Mongolia (1956), muy libre visión del ascenso al poder de Gengis Kan, se cumplieron: John Wayne, con bigotitos lacios, dando vida a un guerrero asiático; Susan Hayward encarnando a un improbable cruce entre Helena de Troya y una Gilda bárbara; Dick Powell, excrooner remedado en director, llevando las riendas de una producción mastodóntica; y como guinda, Howard Hughes, ya dominado por sus conocidos trastornos obsesivos, poniendo en pie la obra por la que, creía, sería recordado.

El hecho de que su guionista, Oscar Millard, reconociera que su único contacto con la figura del gran Kan fue cuando buscó su nombre en la enciclopedia (y con dificultades, porque no sabía deletrearlo) media hora antes de reunirse con el estudio, evidenciaba la endeblez del proyecto: una historia que se asemejaba más a un wéstern de serie B que al drama épico que su protagonista demandaba. Crítica y público dieron la espalda a una producción con la que Hughes quería regresar (y quizá decir adiós) al cine por la puerta grande. Y el filme se habría quedado en eso, en un simple fracaso, si no fuera porque es considerado unánimemente como el más letal de la historia: 46 personas podrían haber fallecido a causa del rodaje. Efectivamente, Hughes sería recordado por su película, la más maldita entre las malditas.

Pasaron casi 20 años hasta que el filme empezó a cargar con esta cruz. Fue en 1974, cuando a Agnes Moorehead, que interpretaba a la madre de Gengis, se le diagnosticó un cáncer de útero. La actriz pereció poco después, no sin antes confesar a sus amistades que nunca debió aceptar aquel papel: todos los que participaron en el filme se estaban muriendo. Dick Powell falleció en 1963 a causa de un linfoma; Pedro Armendáriz, que encarnaba a Jamuga, hermano de Gengis, se pegó un disparo en el corazón aquel mismo año

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cuando le informaron de un cáncer terminal en el sistema linfático; Susan Hayward expiró en 1975, después de una neumonía que se complicó debido a un cáncer cerebral, y John Wayne se despidió en 1979, tras quince años luchando contra un tumor en el pulmón. Y esto solo en lo que respecta a los nombres conocidos. Además de fallecer casi medio centenar de implicados, otros 91 contrajeron algún tipo de cáncer: el 41 por ciento de un equipo de 220 personas.

Tres años antes del estreno, la llanura de Yucca, en Utah, a unos 200 kilómetros de los sets, fue un recurrente campo de pruebas atómicas del Gobierno estadounidense. Se llegaron a detonar once bombas, las más destructiva de 51 kilotones, casi cuatro veces más potente que la lanzada sobre Hiroshima.

Localizaciones como el parque de Snow Canyon o la ciudad de Saint George, en las que Wayne y el resto del equipo trabajaban y convivían, podrían haberse visto contaminadas por partículas radiactivas, transportadas silenciosamente por el viento durante trece semanas de rodaje. Todos lo sabían, pero no pensaban que entrañara peligro.

El Gobierno había tranquilizado previamente a los residentes locales insistiendo en la ausencia de toxicidad. De hecho, Hughes no tuvo reparos en exportar toneladas de tierra y piedras a Hollywood para recrear en el estudio varias escenas.

Robert C. Pendleton, experto en radiología de la Universidad de Utah, estimó que 30 casos, dos tercios menos de los que se produjeron, hubieran constituido una tasa razonable. Con todo, las cifras podrían ser aún más dramáticas: a los diagnósticos dentro del elenco hubo que sumar los de poblaciones como Saint George: un estudio publicado en 1984 en el prestigioso Journal of the American Medical Association alertaba del aumento de casos de melanoma, así como de tumores cerebrales y óseos.

Cada mota de polvo avivada por los cascos de los caballos cobraba ahora ante los ojos del espectador un nuevo y siniestro significado. Dicen que Hughes nunca se perdonó lo ocurrido. Tras vender su productora, RKO, el magnate compró por doce millones de dólares dos títulos del catálogo: Amor a reacción (1957) y El conquistador de Mongolia. ¿Su objetivo? Que nadie, salvo él, pudiera ver aquel filme. Al final no lo logró: Universal adquirió y rescató una cinta tildada hoy de terrorífica por más de una razón.

Jaime V. Echagüe

Susan Hayward y John Wayne

a historia de la producción de esta película es, en sí misma, digna de ser llevada a la gran pantalla, cosa que sé de primera mano que ocurrirá. La historia de Operación Trueno comienza en 1959, cuando Ian Fleming (autor de las novelas de James Bond), Ivar Bryce (amigo de Fleming) y Kevin McGlory (productor de cine), deciden producir una película de James Bond. Primero pidieron al guionista Ernest Cuneo, quien entregó un primer borrador que no llegó a convencer. Más tarde contratarían a Jack Whittingham, un escritor y guionista británico que empezaría a escribir un guion para esa futura película.

McGlory se encontraba buscando localizaciones para la película, Whittingham escribiendo el guion y Fleming, agobiado por su editorial, cogió algunas de las ideas que sus compañeros habían aportado y escribió Operación Trueno. McGlory y Whittingham se enteraron de esta noticia a pocas semanas de que esta novela viera la luz, por lo que Fleming fue llevado a los tribunales por el productor y por el guionista, alegando que parte de las ideas que se ven en la novela fueron aportadas por ellos. Este primer juicio terminó con una orden de incluir el nombre de los tres en futuras ediciones y a la primera, dado que ya había gran cantidad de unidades repartidas en las librerías, se le debía incluir una hoja en que figurasen como coautores. McGlory volvió a llevar a Fleming ante los tribunales, hecho en el que Whittingham se negó a participar. Esto terminó con un fallo a favor del produc-

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tor, según el cual podía producir sus propias películas siempre que estuvieran relacionadas con la organización Spectre. Ante esto, Albert Broccoli y Harry Saltzman le propusieron un acuerdo, por miedo a que hubiera competencia a su saga. En este acuerdo se incluía a Kevin McGlory como productor en solitario de Operación Trueno, mientras que estos solo serían los presentadores de la película.

Kevin McGlory no quedó satisfecho con esto y más tarde ejecutaría su derecho de producir una película Bond.

Tocaba saber quién acompañaría a Bond.

Volvería el director Terence Young.

Para el papel de Dominó, la chica Bond principal, eligieron a Claudine Auger, quien había participado en un concurso de belleza. Otro motivo para que esta actriz estuviera en el reparto es que Rachel Welch, que había firmado un contrato, tuvo que abandonar. Pero una llamada de Dick Zanuck, jefe de producción de la 20th Century Fox, hizo que Broccoli rompiera el contrato. El motivo de seleccionar a Claudine Auger suena un poco machista, pero quizá nos debamos remontar a los años sesenta, ya que la elección de Auger se debía a sus medidas corporales (93-69-93), que se acercaban a lo que buscaban los productores. Auger se quedó con el papel ante actrices como Faye Dunaway, Julie Christie e Yvonne Monlaur.

Al villano de la película lo interpretaría el conocido actor italiano Adolfo Celi, con grandes producciones en su haber, por su físico imponente y su carácter latino.

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Para interpretar a Fiona Volpe, la mala de la película, la elección recayó en Luciana Paluzzi, elegida por Young para hacer de femme fatale, curiosamente, tras ver su película No hay tiempo para morir.

El rodaje empezaría el 16 de febrero de 1965.

El guion En 1959, Ernest Cuneo envió un esbozo para la película. Se centraba en la historia de una espía rusa infiltrada en una tropa militar que planea hacer estallar unas bombas atómicas.

Esta idea no pareció gustar a Fleming, porque no había una chica Bond y porque la amenaza debería de venir de Spectre, en lugar de los rusos.

Otro borrador sería entregado por el propio Fleming a finales de julio de 1959, titulado James Bond, del servicio secreto, y contaba a grandes rasgos lo que vemos en el resultado final.

En el tercer borrador escrito por Whittingham y McGlory ambos aportaron ideas como que Dominó sería la novia de Largo y la hermana de Petachi, el oficial de la OTAN asesinado tras conseguir robar las bombas.

Otro proyecto, antes de ocurrir todos los problemas a los que nos hemos referido al principio del artículo, fue el fechado el 3 de febrero de 1960 y titulado Longitud 78 Oeste, firmado por Jack Whittingham. En este borrador, el escritor quitaría la relación consanguínea entre Dominó y Petachi. La chica haría explotar la bomba atómica en el avión de Largo en pleno vuelo. Fleming tachó el título y escribió: Operación Trueno.

El 18 de agosto de 1961, Richard Maibaum estaría trabajando en un guion para Eon Productions, este se basaba casi por completo en la novela original y, dado que seguían los juicios por los derechos de la novela, se descartó.

El 23 de octubre de 1964, ya con la pista despejada para empezar el rodaje, Maibaum escribiría un proyecto añadiendo a Fiona Kelly, una pelirroja asesina al servicio de Spectre. Fiona se suicidaría donde se encontraban las bombas.

El 22 de marzo sería John Hopkins quien terminaría de dar forma al libreto.

La música Los sonidos acuáticos de Norman Wanstall se perdían bajo la música de John Barry, pero el compositor tenía otro problema, no sabía que querían decir con la palabra Thunderball, así que Barry

pidió a los productores que le dejasen componer una canción sin el título de la película, Broccoli aceptó a regañadientes. El compositor creó “Mr. Kiss Kiss Bang Bang”. Pero a diez días del estreno, Cubby telefoneó a Barry diciéndole que debía componer una canción con el título del filme. De esta manera, junto a Don Blade (encargado de la letra) y Tom Jones, este tema cobró forma.

El estreno Esta fue la primera película de la saga en ser estrenada antes en otro país que no fuera el Reino Unido: el 9 de diciembre de 1965 fue estrenada en Tokio, veinte días después lo haría en Londres con el cartel de “no hay entradas”, alfombra roja y Connery paseando con el Aston Martin por las calles de Londres.

Para el lector curioso Algunos datos para los lectores que quieran disfrutar de anécdotas de la película.

• Operación Trueno fue la primera película ganadora de un Premio Oscar de la Academia por los Efectos Especiales.

• Martine Beswick, alias Paula, estuvo tomando el sol durante dos semanas para coger el tono moreno típico de los isleños. Beswick comentaba con los miembros de la producción: “¿ A esto lo llaman trabajar?”.

• En la secuencia de la piscina en Palmyra podemos ver cómo Bond escapa por un túnel por donde se desplazan los tiburones, esta escena se resolvía con un cristal que separaba a Connery de los escualos, pero con el último tiburón no contaron, y el actor lo pasó bastante mal.

Para el lector viajero Muchos son los lugares donde se filmó esta película. Vamos a intentar comentar alguno de ellos.

• Chateau d’Anet. Un castillo renacentista al oeste de París.

Bond huye del lugar con el famoso Jet Pack.

• Emilio Largo entra en el edificio del número 35 de Avenue d’Eylau, con la Torre Eiffel de fondo. Este sería el cuartel general de Spectre en París.

• Love Beach, situada al oeste de New Providence, en Nassau, la capital de las Bahamas. Bond y Dominó disfrutan de un bonito chapuzón en sus playas. Óscar Rubio

ANÁLISIS DE CINE 1

viso: este texto incluye spoilers. Sicario nos plantea tres viajes de revelación en torno a la frontera con México. El viaje principal lo realiza la protagonista, que cree conocerse a sí misma a través de unos valores de orden y justicia que van a ser sometidos a las tensiones de una realidad que revela la debilidad de estos.

Sicario adquiere naturaleza de metáfora sobre la deriva social y política de un país entregado a la venganza, tema que reaparece como motivo de arranque argumental y elemento de continuidad entre ambas películas en la secuela: Sicario: el día del soldado (Stefano Sollima, 2018).

La presentación de la protagonista, Kate (Emily Blunt), en el interior del vehículo del SWAT, con las luces y las sombras proyectándose sobre el primer plano de su rostro, prosigue con la imagen que tapa su rostro entre el polvo después de la explosión, el premonitorio plano de su rostro cubierto de sangre bajo la ducha y, finalmente, introducido por un trávelin vertical, el plano ante el espejo con los rasgos “borrados” por el vaho (foto 2). Todo ello define ese viaje de descubrimiento. Significativamente, el motivo de Kate ante el espejo reaparecerá tras el ataque contra ella perpetrado por Ted (Jon Bernthal).

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SICARIO

Esa primera imagen ante el espejo es casi una pincelada de terror que se asocia muy bien por tema con lo que nos propone previamente la imagen de los cadáveres entre las paredes (foto 1). En el modelo de las cuatro estaciones del horror propuesto por John Clute habría sido un atisbo acercándose a la fase de espesamiento y en el argumento de Sicario es una llamada de atención sobre el camino de revelaciones siniestras que nos invitan a recorrer junto a Kate.

El protagonismo de Kate queda claro no solo por el tratamiento visual que le proporciona el director. Aunque incluye secuencias de acción brillantes, estamos en una película de actores, donde los primeros planos y los planos más cerrados ganan a los espectaculares planos generales. A Kate la vemos en primeros planos, o en planos de dos o de conjunto, donde siempre es ella la que define al personaje o a los personajes que la acompañan.

Un ejemplo lo encontramos en la secuencia del reclutamiento (foto 3), que arranca con una imagen del lugar en el que se han descubierto los cuerpos en un informativo de televisión (elemento de verosimilitud genérica) y luego nos muestra a Kate en escorzo, para, jugando con el sonido diegético de la pieza informativa y luego con la falta de este, establecer la imagen de

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CLÁSICOS IMPRESCINDIBLES Kate al otro lado del cristal, ignorando lo que hablan sobre ella, el repaso a su historial, que es una excelente manera de facilitarle información al espectador sobre el personaje, pero significativamente mantiene al propio personaje presente y al mismo tiempo ajeno a esa información. Se anticipa ese papel de títere que va a marcar a Kate en toda la historia: es un instrumento en manos de Matt (Josh Brolin) y Alejandro (Benicio del Toro).

Al fondo de la imagen vemos la bandera y el escudo, como referentes visuales del mundo al que pertenece la protagonista, supuestamente ordenado, pero en el que, entre paredes transparentes, se ocultan secretos desde el principio. Un juego de contrarios interesante donde también tiene un papel destacado el color, dominando tonos azules en el mundo “oficial”, en contraste con el color que define el mundo de operaciones encubiertas de Brolin y Del Toro. Kate se destacará por mantener ese tono “oficial” en su vestuario, resaltando entre sus compañeros hasta que se completa la primera fase de su viaje de descubrimiento en una escena nocturna, a la salida del interrogatorio/tortura, y entra en el coche, quedando engullida en la esfera de color de los personajes de Brolin y Del Toro (foto 4).

Es interesante que eso ocurra después de la secuencia en la que, al regreso de la recogida en México y a las puertas de esas mismas instalaciones, Villeneuve nos propone un plano general de Kate y Matt. Él esquiva y se cuida de no entrar en el espacio marcado por la bandera de Estados Unidos, mientras ella entra y sale nerviosamente de esa zona sumida en dudas (foto 5).

Caerá en la esfera de Matt en la posterior secuencia del interior del coche, ante la mirada de su compañero del FBI, Reggie (Daniel Kaluuya) que desde el principio, con la mirada que se cruzan ambos en el vehículo del SWAT, oficia como conciencia de la protagonista.

Es significativo que Reggie sea rechazado como recluta por Matt, que anticipa que le pondría más obstáculos para ser “abducido” para sus planes que Kate, en la escena donde se nos presenta al personaje de Brolin con un plano que testimonia el poder y la libertad de acción que tiene al margen del sistema (foto 6). La presentación de Matt acabará con un movimiento de

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cámara que muestra sus pies, calzados con sandalias.

Si Kate es la protagonista, Alejandro, el sicario del título, es el antagonista, camuflado de aliado, pero que finalmente impide que ella complete los objetivos de su viaje y además en el desenlace la obliga a aceptar su papel de títere (foto 7), con el color sometiendo y arrinconando a Kate contra la pared en su propia casa.

Alejandro sí completa su viaje con éxito: se cobra la venganza que buscaba en México, al otro lado del túnel. Alejandro va cobrando mayor protagonismo en la trama, pero incluso en el momento clave en que se hace pasar por aliado, rescatando a Kate del ataque que se produce tras esa radicalización de los colores en el local de copas (foto 8) que anticipa lo que va a ocurrir, siempre está definido por ella, no llega a robarle el protagonismo. Ejemplo: Kate cabeza abajo durante el ataque, el giro completo para pasar al otro lado e implicarse en esa operación policial poco clara (recordemos que no estamos solo ante una historia de fronteras geográficas), al mismo tiempo que se le revela que ha sido utilizada como cebo, en la que el punto de vista subjetivo, en el que nosotros vemos nuevamente a través de sus ojos, introduce en la acción a Alejandro (foto 8), primero desenfocado y cabeza abajo, y luego enfocado y contrapicado cuando apunta al agresor, no por casualidad tapando la lámpara con su cabeza, reforzando esa naturaleza de personaje que vive en el secreto y la ocultación.

El tercer viaje de la película lo realiza el niño mexicano, hijo del policía corrupto que trabaja para el cártel y cuya vida se nos muestra con colores vivos, propios de la mirada de un niño que idealiza a su padre, en ese plano de la cocina llena de colores de vida cotidiana, por contraste con las oficinas frías del FBI y los lugares en que se mueven Matt y Alejandro. El niño juega con una naranja furiosamente amarilla. El plano de arranque del niño despertando a su padre para que lo lleve al fútbol quedará completado, como su viaje, con el plano del pequeño en la misma habitación, contemplando la cama vacía en la que dormía su padre, asesinado fríamente por Alejandro (foto 9).

Villeneuve reserva el final para ese niño que sigue jugando al fútbol, a pesar de escuchar los disparos en la ciudad.

Miguel Juan Payán

ANÁLISIS DE CINE 1

2001. UNA ODISEA DEL ESPACIO

o es sencillo analizar visualmente una de las obras cumbres de un genio como Stanley Kubrick, no solo por su complejidad y por ese arduo trasfondo que plantea la película, sino por la enormidad de escenas icónicas que plantea en ese camino en la búsqueda de dios o dioses (un dios tecnológico, no un dios metafísico tal y como lo entendemos; una raza tan evolucionada que a nuestro lado parecen dioses) y al mismo tiempo del miedo a la tecnología y las máquinas que podían eliminarnos de la ecuación para completar su misión, sea esta la que sea. Esa lucha máquina contra hombre queda perfectamente definida en una de las imágenes más icónicas de la película, con Dave paseando con su traje espacial rojo, a través de uno de los pasillos octogonales de la nave, en un contraste de colores, rojo contra blanco, que sería una seña de identidad de la misma película (foto1) y que definiría ese enfrentamiento.

Ya desde su arranque, la película define lo que va a ser su poderío visual y musical, con ese alineamiento entre Tierra, Luna y Sol que precede al título de la película, pero que además nos enseña cómo va a ser el ritmo del filme, pausado, sosegado, dándonos tiempo a la reflexión

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y la meditación de lo que se despliega ante nuestros ojos. No hay prisa, porque Kubrick no quiere que la haya. Toda su primera parte, toda su presentación, es casi una película de cine mudo y nos lleva a otro tipo de ciencia ficción. Antes de llegar a 2001, tenemos que pasear por el pasado, por el origen de la humanidad. Esos simios, esos antecesores del hombre, saliendo de las cuevas, buscando comida. Pero también siendo cazados, presas, incapaces de defenderse… Es entonces cuando el monolito llega y entendemos que se trata del amanecer de la humanidad, con el sol surgiendo por encima de la piedra negra (foto 2) y tocándolo. Al contacto con el sol sucede todo. Una piedra que va a cambiar el devenir de las cosas, convirtiéndonos en cazadores y, lo más importante, capaces de asesinar. Los siguientes conflictos se resolverán con violencia, con ese simio destrozando unos huesos con otros (foto 3).

Kubrick aprovecha para dar el salto al futuro, una contraposición enorme entre lo que acabamos de ver y lo que para él será el futuro, con ese viaje a las estrellas que en muchos sentidos supo adelantarse a lo que estaba por venir. No solo por la estación espacial, sino también por detalles tan pequeños como las televisiones individuales en los aviones.

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CLÁSICOS IMPRESCINDIBLES La pequeña nave se dirige a la estación en un momento icónico de la película que además mostraba hasta dónde eran capaces de llegar los efectos visuales de la época, perfectamente vigentes a día de hoy. El alcance de la película visualmente es inmenso. Vamos a emprender un viaje nunca antes visto de este modo.

La pequeña nave se adentra en las entrañas de la bestia, y todo en un detalle que posteriormente no volveremos a ver en la historia (foto 4).

Pero sirve para descubrir el mundo al que nos lleva el director de la mano. Ese universo algo frío y distante, donde hay un poderoso choque de colores, con ese interior de la estación donde predominan rojos y blancos en lucha constante. Pero es solo un paso que nos lleva a donde realmente nos traslada el director, la llegada a la Luna y la explicación de lo que está sucediendo. Es un camino, como en la estación, y como veremos más adelante, en el que lo cotidiano se mezcla con lo futurístico, como ese momento en el que eligen los sándwiches que van a tomar en el viaje a la Luna. Allí les espera lo desconocido. Ese nuevo monolito y ese equipo que, como si descubridores de tumbas se tratasen, se hace una foto frente a él, sin saber lo que sucederá a continuación. Somos capaces de llegar a la Luna. Hemos alcanzado esa meta. ¿Qué será lo siguiente? ¿Suponemos una amenaza? Una potente señal acústica daña la expedición. Lo interesante es ver cómo el monolito actúa al tocar sobre él la superficie del Sol, como en el origen del hombre, pero lo asociamos también al contacto con él, como nos deja claro el cineasta (foto 5).

Ha pasado una hora de metraje, más o menos, y por fin entramos en la Discovery, a punto de conocer a HAL 9000 y a la tripulación de una nave que vemos en toda su envergadura. Una imagen casi de estilete, que aparece desde todos los ángulos posibles y que sirvió de inspiración a muchos cineastas posteriormente (foto 6). Han pasado 18 meses y una expedición viaja a Júpiter sin que sepamos muy bien cuál es su misión real. Frank y Dave son los dos tripulantes que no están hibernando y podemos contemplarlos mientras hacen sus actividades diarias. Ejercicio, lectura, charlas con la familia (se anticipan las tablets en esas imágenes). El uso de brillantes trucajes

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visuales permite que veamos el entrenamiento físico en el núcleo de la nave. Kubrick nos anticipa nuevamente con sus imágenes cotidianas lo que está por venir.

De nuevo los rojos se cruzan con los tonos blancos, en esa imagen que es quizá la más icónica de la película, las entrañas de la bestia en la que Dave es la sangre, la vida que la recorre. Pero es una vida que puede interferir con la misión. ¿Es HAL capaz de sentir? ¿Supone un peligro para ellos o ellos un peligro para la misión? Un supuesto error del ordenador lleva a Dave y Frank a decidir que quizá haya que acabar con el ordenador de a bordo. Esa charla mantenida en silencio, mientras el ojo de HAL observa y estudia.

Rojo, como todo lo que pueda suponer una amenaza. No sorprende entonces que HAL cometa asesinato y acabe con Frank en un momento de tensión en el que la máquina acaba con sus creadores, nosotros. El traje amarillo flotando descontrolado supone el primer asesinato real de HAL 9000, que posteriormente acaba con los hibernados (Foto 7).

Todos los recursos de Dave son puestos en marcha para regresar a la nave y acabar con HAL. El regreso a la nave es traumático, y debe adentrarse en el corazón de la bestia, en su cerebro, donde el rojo de nuevo predomina y donde Dave comete un asesinato. Las súplicas lastimeras de HAL no detienen a Dave, que borra la memoria por supervivencia y venganza, aprendiendo por el camino la verdad sobre el monolito y la misión de la Discovery (foto 8). La llegada a Júpiter y el cruce con el monolito llevan a la nave a un viaje psicodélico de luces, formas y colores. Un recorrido por el tiempo y el espacio, casi una alucinación a la que los creadores del monolito someten a Dave para colocarle luego en esa casa, esa jaula dorada donde existen todos los momentos y ninguno. Donde su vida pasa en un instante y en todos. Y donde cerca del lecho de muerte el monolito vuelve a por él (foto 9), para devolverle renacido a casa, a la Tierra, en ese plano final en el que Dave renace, convertido en un superhombre enfrentado al planeta que le aguarda, cerrando así el círculo de nuestra propia historia y de nuestra confrontación con Dios y la máquina (foto 10).

Jesús Usero

GRANDES DIRECTORES 1

JOHN HOUSTON

n el año 1948, John Huston estrenó una de sus mejores películas, El tesoro de Sierra Madre, y de paso dejaba su huella en la historia de los premios Oscar: su padre, el actor Walter Huston, ganó por esa película el Oscar al Mejor Actor de Reparto. John ganó como Mejor Director y Mejor Guion. Ambos habían recibido Globos de Oro por esa película.

Años después, John Huston estrenó la penúltima película: El honor de los Prizzi (1985), por la que ganó el Globo de Oro como Mejor Director, que recogió su hija, la actriz Anjelica Huston. No ganó el Oscar como Mejor Director, al que estaba nominado, pero Anjelica sí subió a recoger el Oscar a la Mejor Actriz de Reparto por su trabajo en esa película.

En el clan de abuelos, hijos y nietos que iniciara el patriarca Walter Huston, el director –y no olvidemos que también actor, ejerciendo como antagonista en Chinatown, por ejemplo– John Huston brilla como epicentro de la saga familiar. En el numeroso clan Huston encontramos otras figuras destacables, fruto de dos de los cinco matrimonios del director, como Tony Huston, guionista de Dublineses (Los muertos), obra maestra que cierra la filmografía de su padre, protagonizada por su hermana, Anjelica. Ambos son hijos de Huston y de la bailarina Enrica Soma, Ricki. Además el actor y director Danny Huston (Ludendorff en Wonder Woman) es hijo de John Huston y de la actriz Zoe Sallis. Su nieto, Jack Huston (el último Ben-Hur) es hijo de Tony Huston y lady Margot Lavinia Cholmondeley.

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Biografía Nacido el 5 de agosto de 1906 en Nevada, Misuri, Estados Unidos, y fallecido el 28 de agosto de 1987 en Middletown, Rhode Island, víctima de enfisema, John Marcellus Huston cuenta en su amplio árbol genealógico con ancestros ingleses, escoceses, irlandeses, alemanes y portugueses, y la leyenda familiar del clan Huston afirma que nació en una pequeña localidad que su abuelo había ganado al póquer. Era hijo único de la pareja formada por el actor Walter Huston y la periodista Rhea Gore. La intrepidez de ambos acabó filtrándose a su hijo, que desde los tres años trabajaba como

John Huston y Humphrey Bogart en La reina de Africa

GRANDES DIRECTORES

Sylvester Stallone, Michael Caine, Peleğ y John Huston en una pausa de rodaje de Evasión o victoria

actor junto a su padre en los escenarios. El divorcio de sus progenitores cuando él contaba siete años lo convirtió en un niño aún más viajero, porque cuando no estaba de gira con su padre acompañaba a su madre en los desplazamientos de esta para cubrir noticias y reportajes.

En su juventud y antes de entrar a trabajar para el cine, Huston estudió y trabajó como pintor, fue boxeador, campeón de peso ligero amateur de California, oficial de la caballería en México y escritor.

Estilo: Gran Traductor de la literatura a cine Ese tipo de vida errante en la que conoció más lugares y a más gente pintoresca de la que cualquier niño puede tropezarse en su infancia, sirvió como alimento primordial de su talento como narrador, configurando las peculiaridades de su filmografía como actor y director, marcada por su gran aporte al cine, primero como guionista (nominado al Oscar por sus guiones para La bala mágica, Sargento York, y algunas de sus mejores películas, El Halcón Maltés, El tesoro de Sierra Madre, La jungla de asfalto, La Reina de África, Solo Dios lo sabe y El hombre que pudo reinar) y como director (con cinco nominaciones al Oscar por El tesoro de Sierra Madre, La jungla de asfalto, La Reina de África, Moulin Rouge y El honor de los Prizzi).

Esa aportación es la traducción fiel del texto literario a las necesidades del lenguaje visual del cine. Tal como demostró en todas sus películas como director, desde la primera, la mejor adaptación al cine de la pieza clave de la novela negra, El Halcón Maltés Clark Gable, Marilyn Monroe, Montgomery Clift, John Huston y Eli Wallach en Vidas rebeldes

(1941), de Dashiell Hammett, con la que Huston dio el pistoletazo de salida al cine negro, la lucidez y astucia para pilotar la transición de la literatura al cine son el principal aporte que hacen del director el principal puente entre ambos mundos.

Maestro de la adaptación, John Huston forjó todas las claves esenciales para trasladar una historia de lo literario a lo cinematográfico sin que pierda su verdadera esencia. Huston definía el estilo cinematográfico como la adaptación de la palabra a la acción o la idea, y su estrategia de adaptación partía siempre de un objetivo: “No busco interpretar, poner mi sello en el material. Intento ser lo más fiel posible al original. Esto se aplica tanto a Melville como a la Biblia, por ejemplo. En realidad, es la fascinación que siento por el original lo que me hace querer llevarlo al cine”.

Además de su talento para la adaptación, o como parte esencial de este, era por su propia experiencia y antecedente familiar, un gran conocedor de los actores y su trabajo, y ahí, en el trabajo con los actores, tenía uno de los puntos fuertes de su filmografía.

A estos aspectos hay que añadir su agudeza formal y el refinado estilo visual en la composición del plano, quizá adquiridos de su pasado como pintor. Huston es uno de los más inteligentes diseñadores del espacio en el plano y el trabajo con la cámara para marcar el recorrido del espectador por sus universos de ficción. Su cámara puede explorar los espacios para devolverles toda la amplitud en una secuencia de acción, por el contrario puede estrechar el campo de lo visible obligando al espectador a centrar su atención y su mirada en detalles, matices, juegos de luz y oscuridad sobre los rostros de los actores. Es algo que encontramos en todas sus películas, pero de lo que puede ser un buen ejemplo el uso de exteriores e interiores en dos de sus películas más recomendables: el wéstern Los que no perdonan (1960) y El hombre que pudo reinar (1975).

En lo referido a sus temas, Huston destaca por su mirada irónica hacia la realidad y un punto de cinismo desesperado que marca los quijotescos empeños de sus personajes, habituados a perseguir lo imposible o metas que claramente los superan. Esto estará en sus mejores películas, habitadas por perdedores, lo que el director explicaba afirmando: “Confieso que determinados temas despiertan un interés personal más profundo que otros, y que las historias de triunfadores, por sí mismas, no tienen mucho interés para mí. Estoy convencido de que entre nosotros hay muchos más fracasados que hombres realizados. Más aun, los mejores hombres suelen pensar de sí mismos que son unos fracasados”.

Películas esenciales Cine negro: El Halcón Maltés (1941), A través del Pacífico (1942), Cayo Largo (1948), Éramos desconocidos (1949), La jungla de asfalto (1950), La burla del diablo (1953) y El honor de los Prizzi (1985).

Espionaje: La carta del Kremlin (1970) y El hombre de Mackintosh (1973).

Aventuras: El tesoro de Sierra Madre (1948), Medalla roja al valor (1951), La Reina de África (1951), Moby Dick (1956), Solo Dios lo sabe (1957), Las raíces del cielo (1958), La horca puede esperar (1969), El hombre que pudo reinar (1975).

Wésterns: Los que no perdonan (1960), Vidas rebeldes (1961) y El juez de la horca (1972).

El mejor adaptador de Tennessee Williams en La noche de la iguana (1964); de Carson McCullers, en Reflejos en un ojo dorado (1967); de Malcolm Lowry, en Bajo el volcán (1984); y de James Joyce, en Dublineses (Los muertos) (1987).

Drama cínico de perdedores: Fat City, ciudad dorada (1972) y Sangre sabia (1979).

Miguel Juan Payán

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las mejores películas que nunca hemos visto

THE SHORT NIGHT

abría sido su película número 54. Un regreso a sus esencias más clásicas sin dejar de lado sus inconfundibles juegos con el espectador. Un proyecto largamente acariciado y estudiado, interrumpido por otras producciones que no colmaron sus exigencias. Y, sobre todo, habría sido su anhelada despedida, que ya sabía próxima. La que realmente quería. Hablamos de The Short Night, la que pudo haber sido la obra póstuma de Alfred Hitchcock.

Al cineasta le entusiasmaba su punto de partida. Un agente doble de nacionalidad británica que trabaja para la Unión Soviética, se fuga de la prisión de Londres en la que se encuentra recluido. Los servicios secretos de Estados Unidos saben que, antes de desaparecer, viajará hasta una isla finlandesa en la que se encuentran su mujer y su hijo para llevarlos consigo en su huida. Así, un agente americano se desplaza hasta el lugar con el objetivo de asesinarle a su llegada..., pero acaba enamorándose apasionadamente de la esposa del fugitivo.

Después de la tibieza con la que fue acogida La trama (1976), filme endiabladamente “travieso”, pero sin la hondura de sus obras previas, Hitchcock buscaba desesperadamente un trabajo que le situara de nuevo bajo el foco principal. Cuando estaba a punto de adaptar una novela de Elmore Leonard, Hombre desconocido 28 (1977), echó la vista atrás a otros dos textos sobre un mismo tema: The Springing of George Blake (1970), reportaje escrito por Sean Bourke, y la novela The Short Night de Ronald Kirkbride, cuyos derechos había adquirido en 1968. Ambas se basaban en las andanzas reales de George Blake, un inglés condenado a dos años de prisión por espiar a favor de los soviéticos y que logró fugarse gracias a otros británicos que, como él, habían sido reclutados por la KGB. La primera vez que Hitchcock se planteó adaptar la historia, en 1970, quería a Walter Matthau y Catherine Deneuve como protagonistas. Sin embargo, para este nuevo intento los elegidos fueron Sean Connery, con quien ya había trabajado en Marnie, la ladrona (1964), y Liv Ullmann, entonces musa de Ingmar Bergman.

Como relata François Truffaut en El cine según Hitchcock (1983),

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su imprescindible libro de conversaciones con el cineasta, su modelo sería Encadenados (1946). No en vano, era su obra de referencia siempre que acometía un nuevo proyecto: un equilibrio armónico entre la trama de espionaje y el drama romántico. Para ello, contó con los servicios del guionista Ernest Lehman, el mismo que escribió La trama y Con la muerte en los talones (1959). A su vez, envió a Finlandia a Norman Lloyd, uno de sus más estrechos colaboradores, en busca de localizaciones.

Sin embargo, tanto el estado de salud de Hitchcock, que desde hacía años llevaba marcapasos y estaba castigado por una artritis, como el de su mujer, Alma, empezó a ser precario. Después de que su esposa sufriera un nuevo ataque y un grupo de enfermeras tuviera que cuidarla día y noche, el realizador no se vio con fuerzas para ir a rodar a tierras nórdicas. Por la propia estructura del guion, parecía muy complicado dividir el equipo, con una segunda unidad rodando los exteriores en Finlandia y Hitchcock haciéndose cargo de los interiores en los estudios de Universal. Además, los borradores del libreto no le acababan de dejar satisfecho, retrasando aún más el proyecto. De ahí que contara con un joven guionista, David Freeman, para una nueva versión. Un autor que dejó constancia tanto de su guion como de sus experiencias con el maestro en The Last Days of Alfred Hitchcock (1984).

Poco después de recibir el homenaje del American Filme Institute en marzo de 1979, el realizador era consciente de que ya no rodaría su película.

La Universal canceló el proyecto y, en mayo, Hitchcock cerró su oficina, se despidió de su personal y se fue a su casa de Bel Air (Los Ángeles). Allí falleció de un fallo renal en abril de 1980, no sin antes recibir el título de sir por parte de la reina de Inglaterra. Un honor con el que poco antes había sido distinguido Charles Chaplin y que el realizador también deseaba. No fue como lo había planeado, pero Hitch, finalmente, tuvo una despedida a la altura de su talento.

Jaime V. Echagüe

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Horror en el pasaje

A los amantes del cine de terror suele entusiasmarnos todo aquello que esté relacionado con el miedo, ya sean cómics y novelas, ya merchandising o ya museos y atracciones de feria, como los pasajes del terror, por ejemplo, tanto en su versión más realista —con actores dando vida a personajes icónicos— como los más cercanos a aquellas antiguas casas o mansiones con autómatas que tanto nos divertían en los ochenta. ¿Quién no se ha subido en un carricoche para recorrer uno de estos túneles en penumbra repletos de brujas, calaveras u hombres lobo, humo y luces centelleantes, alaridos y risas desencajadas? Personalmente guardo un grato recuerdo del que visité en mi primer viaje a Madrid, en 1985. En el Parque de Atracciones se levantaba una montaña coronada con una bandera pirata y, montado en un tonel, recorrí su interior, a cuyo paso fueron saliéndome fantasmas, proyecciones muy realistas. Era una auténtica pasada, o al menos así lo retengo en mi memoria. l cine de terror ha recurrido con éxito a los museos de cera y sus galerías de los horrores, caso de la imprescindible Los crímenes del museo de cera (House of Wax, André de Toth, 1953), pero pocas veces, y casi siempre de manera poco satisfactoria, se ha servido del contexto de los caserones del horror, tan sugerentes como poco aprovechados. Aunque normalmente estas atracciones de feria se inspiren en el cine, sin dejar de tener la mirada puesta en el Grand Guignol francés, ese espectáculo macabro y tétrico donde hacer partícipe al espectador, presumo que también ha sucedido a la inversa: para algunos de sus escenarios dantescos, las películas han buscado inspiración en estos divertimentos. En ellos han podido basarse contextos tan delirantes como la guarida subterránea de la perversa familia de Masacre en Texas 2 (The Texas Chainsaw Massacre Part 2, Tobe Hooper, 1986) o la de su homóloga en La casa de los 1000 cadáveres (House of 1000 Corpses, Rob Zombie, 2003). También los gimmicks de William Castle bebían del espíritu de la feria. Nos detendremos aquí, no obstante, en aquellos títulos que se desarro-

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llan realmente en pasajes y casas del terror. Tobe Hooper, al que le encantaban este tipo de lugares donde flirtear con la vida y la muerte, la realidad y la ficción, ha sido quizá quien más partido ha sacado de ellos en La casa de los horrores, como veremos en este somero repaso. Eso sí, tanto esta película como prácticamente todas las que se comentan no suponen un dechado de originalidad: giran alrededor de unos jóvenes atrapados en la atracción de turno y perseguidos por el asesino o los asesinos. Montaos en el cochecito que vamos a arrancar…

La casa de los horrores (The Funhouse, Tobe Hooper, 1981)

Una delicia para los fans del cine de terror ochentero, con múltiples referencias al género ya desde sus primeros minutos. Para quien esto escribe, se trata del segundo mejor largometraje de Hooper después de La matanza de Texas (The Texas Chainsaw Massacre, 1974). A la feria no le falta detalle y la capacidad del director para mostrarnos cada recoveco, de una manera harto sugerente, es extraordinaria. Tanto la maquinaria como los feriantes están plasmados desde su

Horror en el pasaje. presentación de una manera casi sobrenatural y ciertamente amenazante. Gente de poco fiar y cacharros que desprenden maldad —caso de ese autómata de la mujer obesa que no cesa de reír— conforman un universo de pesadilla. La atracción Funhouse es el marco de buena parte de la acción, el laberinto en el que los protagonistas se quedan atrapados y asisten a un espectáculo compuesto de horribles muñecos mecánicos y “monstruos reales”. Hooper desdibuja la frontera entre lo real y lo ficticio, y reflexiona, como no suele hacerse, sobre asuntos tan tentadores como la débil franja entre maldad/bondad, con un villano desdichado (no es casual que se esconda tras la máscara del monstruo de Frankenstein) y unas víctimas no tan pulcras en sus maneras.

Ghoulies II (Ghoulies II, Albert Band, 1988)

Esta hilarante saga centra su segunda parte en una feria y, especialmente, en una galería de la casa del terror: La Guarida de Satán, donde guillotinas, péndulos y otros objetos de muerte y tortura hacen de las suyas por intermediación de las hediondas criaturitas. La recreación de la entrada al castillo tiene todo el sabor de los ochenta, con dibujos de monstruos en la fachada (demonios, fantasmas, la Criatura de la Laguna Negra…) intentando meter miedo a los visitantes ya desde el principio. La película no lo consigue tanto, aunque tampoco es su intención, pues los ghoulies están en la línea hilarante de otros monstruitos similares: gremlins, critters, munchies… O sea, comedia de terror repleta de gamberradas sangrientas.

La casa del terror (Dark Ride, Craig Singer, 2006)

Nos encontramos con la típica atracción de terror que se recorre en cochecito y está repleta de figuras mecanizadas que se accionan al paso, aunque esto lo podremos ver solo al principio, en el preámbulo, lo mejor quizá de toda la película.

Un prólogo que narra un suceso trágico, el asesinato en 1980 de dos niñas en el interior de la casa, para avanzar luego la historia varios años, cuando un grupo de jóvenes se ve atrapado en la atracción y va siendo mermado por el psicópata enmascarado de rigor. Refrito de títulos conocidos, no ofrece demasiado y los protagonistas son tan inanes que no se los echa de menos en ningún momento.

Scare Zone (Jon Binkowski, 2009)

S u b p r o d u c t o sangriento ambientado en un pasaje del terror que reabre sus puertas para un grupo reducido que, como es lógico, se irá reduciendo aún más. Para paladares poco exigentes y completistas. Hachas, motosierras, machetes, sangre por doquier, referencias en los personajes a iconos del género,

jóvenes más bien estúpidos, todos los ingredientes de esta modalidad de slasher…

Hell House LLC (Stephen Cognetti, 2015)

Siguiendo los parámetros de El proyecto de la Bruja de Blair (The Blair Witch Project, Daniel Myrick y Eduardo Sánchez, 1999), que a su vez se miraba en cintas como Holocausto caníbal (Cannibal Holocaust, Ruggero Deodato, 1980), este Hell House LLC está rodado como si de un documental se tratase, cámara en mano incluida, con la intención, como las anteriores, de darle veracidad al relato. Y no lo hace mal del todo.

Buscando la verdad de un asesinato múltiple ocurrido en un caserón del terror abierto en el Halloween de 2009, un grupo de entusiastas viaja a la casa, ya abandonada, y, como es de esperar, se encuentra con algo maligno en ella.

Hell Fest (Hell Fest, Gregory Plotkin, 2018)

Nada nuevo en el horizonte (loco con máscara inexpresiva asesinando a jóvenes en Halloween) en una película que causa cierta frustración porque, muy al contrario de lo que promete, no alcanza a crear la atmósfera adecuada, pese al potencial que ofrece una completísima feria de los horrores con sus distintas y variadas atracciones. No decae del todo, no obstante, y contiene algunos sobresaltos, amén de usar un recurso facilón, pero eficaz, como es confundir al espectador con un psicópata que usa el mismo disfraz que otros trabajadores de la feria. Su director, Plotkin, que no es Tobe Hooper, quiere volver a intentarlo con una secuela, buena oportunidad para limar obviedades y crear nuevos puntos de interés.

Veremos.

La casa del terror (Haunt, Scott Beck y Bryan Woods, 2019)

A pesar de contener casi todos los tópicos de una slasher movie y de no ofrecer mucho más respecto a las propuestas ya comentadas, esta producción de Eli Roth sorprende por su capacidad para crear atmósfera y mantener la tensión desde el comienzo, entre otros aciertos, como supone la galería de malvados, una extraordinaria puesta en escena y la apuesta por una tajante final girl. Este enorme caserón del terror perdido en las afueras, al que llegan unos jóvenes ávidos de emociones fuertes, asusta con sus múltiples salas, donde destaca un peligroso escape room, y sobrecoge con algunos momentos gore de impacto. Entusiasma saber que aún hay cineastas capaces de acogerse al género sin prejuicios y con un carácter lúdico total.

José Manuel Serrano Cueto

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CINE EN CASA por Santiago de Bernardo

El faro

Las aventuras del doctor Dolittle

Dos hombres y un destino Duelo interpretativo entre Willem Dafoe y Robert Pattinson en un filme en blanco y negro que nos traslada a finales o y a m del siglo XIX, a una isla 8 perdida de la estadounidense Nueva Inglaterra, donde un farero y su ayudante están esperando el relevo que les permita volver al continente, en una convivencia cada vez más complicada.

Los extras son comentarios en audio del realizador Robert Eggers, escenas eliminadas y el cómo se hizo “Un cuento oscuro y tormentoso”.

Grandes actuaciones y una estupenda ambientación.

EXTRAS:

Los chicos están de vuelta en la ciudad Tercera entrega de la saga de acción protagonizada por Will Smith y Martin Lawrence, ahora sin Michael Bay tras las cámaras, en la que los veteranos policías de Miami tendrán que trabajar con agentes más jóvenes, a los que demostrarán que aún tienen mucho que decir y hacer.

Se comercializa con tomas falsas, escenas eliminadas, extendidas y alternativas, imágenes del rodaje, un viaje por la historia de la trilogía o el cómo se hizo.

EXTRAS:

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Mi amigo el dictador genocida

Lenguaje animal El doctor Dolittle es el protagonista de varios libros infantiles de Hugh o y a m Lofting, y en esta nueva 22 adaptación lo encarna Robert Downey Jr., que vive en su mansión junto a sus animales, hasta que para obtener el remedio para su joven reina enferma viaja a una lejana isla.

Se edita con extras sobre la casa del doctor, los personajes de Antonio Banderas y Michael Sheen o los actores Robert Downey Jr. y Harry Collet.

Lo mejor, los numerosos efectos visuales.

Entre la comedia y el drama, ha ganado el Oscar al Mejor Guion o y a m Adaptado 2020. Y es que 20 esta producción del 2019 ha sido capaz de introducir al propio Adolf Hitler en una simpática trama sobre un niño alemán, que en la Alemania nazi, durante la Segunda Guerra Mundial, tiene a dicho genocida como amigo imaginario.

Presenta escenas eliminadas, tomas falsas, el tráiler, el teaser, un cómo se hizo y comentarios en audio del director Taika Waititi.

Original y divertida, hay que tenerla.

EXTRAS:

EXTRAS:

8 may

Bad Boys: Bad Boys for Life

Jojo Rabbit

ayo 19 m

o

ayo 22 m

ayo 20 m

1917

Domino

Espías con disfraz

Cats

La carrera de su vida

Mi nombre es venganza

Juntos son invencibles

Ganadora de tres Oscar en 2020, entre ellos el de Mejores Efectos Visuales, está rodada aparentemente en un (falso) plano secuencia y muestra cómo, en la Primera Guerra Mundial, dos soldados británicos deberán vencer una carrera contra el tiempo para llevar un mensaje que puede salvar la vida a cientos de sus compañeros.

Tiene audiocomentarios del director Sam Mendes y del director de fotografía Roger Deakins, así como reportajes sobre cómo se hizo.

EXTRAS:

Lo más reciente del maestro Brian De Palma ha tenido, por desgracia, una limitada distribución en salas, y, por fortuna, el formato físico puede ayudar a recuperar este thriller sobre un policía en busca de venganza metido en una compleja operación antiterrorista.

Rodada parcialmente en España incluye el tráiler y un genial documental sobre el director, De Palma, fundamental para comprender su obra en palabras del propio cineasta.

EXTRAS:

Producción animada con las voces de Will Smith y Tom Holland sobre un superagente secreto y un científico de caracteres muy diferentes, pero que cuando unen fuerzas son invencibles.

Hay videoclips musicales de los temas “Then There Were Two” de Mark Ronson y Anderson Paak y “Freak of Nature” de Mark Ronson y The Last Artful, Dodgr, y su correspondiente cómo se hizo, así como reportajes sobre los gadgets y un paseo por los Blue Sky Studios.

EXTRAS:

Todos los gatos van al cielo La adaptación del exitoso musical de Andrew Lloyd Webber se ha convertido en uno de los mayores desastres de taquilla de los últimos tiempos y a la vez en una película de culto inmediato. Cuenta cómo unos gatos decidirán cuál es el minino que abandonará este mundo para retornar con una nueva vida.

Los extras consisten en audiocomentarios del realizador Tom Hooper y reportajes sobre el casting, el baile o las canciones.

EXTRAS:

EL ÚLTIMO SHOW

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Fotografías ©Gianni Fiorito

La historia nos presenta a Miguel Ángel tralex Rodrigo es un guionista y director Aragón TV sorprendió a bajando en salas de conciertos, en clubs pequebastante reputado en nuestro país, y ha todo el mundo cuando ños, con una carrera casi desaparecida. Su mánasido parte del equipo creativo de series hace no mucho anunció ger, Chusé (José Luis Esteban) está empeñado en como El embarcadero o La casa de El último show, serie prodevolverle a la fama a cualquier coste, incluso papel. Pero nadie esperaba El último tagonizada por Miguel aunque tenga que endeudarse o llevar a Miguel show, una serie que viene de la mano de Ángel Tirado, conocido Ángel a pasar un mal trago a una radio de moda.

Aragón TV, su primer proyecto de ficción original, y como Marianico el Corto, Su hija Marisa (Itziar Miranda) está divorciada y que nos trae de vuelta a un personaje que fue icono y creada por Álex tiene la oportunidad de ir a buscar trabajo a Londel humor durante décadas, pero al que abandonaRodrigo. La serie era el dres, aunque nadie tenga muy claro si puede conmos en el olvido como a tantos y tantos otros. Se seguirlo, mientras que su nieta, la hija de Marisa, trata de Miguel Ángel Tirado, la figura de Marianico primer proyecto original Claudia (Laura Boudet) decide quedarse a vivir el Corto, el personaje cómico que creó para contar de ficción del canal, y con su abuelo, algo que nadie entiende. Aunque la chistes y que desapareció casi por completo cuando tenía una premisa de lo joven rebelde construirá con Miguel Ángel una el tipo de programas en los que participaba asiduamás interesante, aunque relación maravillosa de confianza y respeto. El mente desaparecieron de la televisión. Como tantas corría el riesgo de pasar plan de nuestro protagonista es sencillo. Ya no veces, un ídolo desaparecido del que hoy nos mofadesapercibida. No va a siente pasión por lo que hace. Sus chistes no le mos y burlamos. Lo ignoramos y despreciamos porser así.

HBO la ha adquihacen gracia, y cree que dejó pasar el tren de su que ya no está entre lo divertido o lo actual. Pese a rido y la estrena nuevagran sueño: rodar una película. Eso y recuperar a los buenos ratos que nos hizo pasar. Y de eso quiere mente, dándole mucho su exmujer, Pilar (Luisa Gavasa), actriz a la que hablar Álex Rodrigo en una serie que parece una resmayor alcance y permiMiguel Ángel quiere como protagonista de su puesta patria a Érase una vez en… Hollywood o Birdtiendo que más gente película, un homenaje al cine surrealista de Luis man. Algo que es mucho, mucho más cercano a nosBuñuel, su ídolo. Aunque, claro, si además recuotros. Algo que nos hará reír, por supuesto, pero que disfrute de uno de los pera el amor de su mujer, que sale con un hombre nos dejará muchas veces la sonrisa congelada, porproyectos más frescos y mucho más joven (Armando del Río), todo sería que nos estamos riendo de una tragedia. Y de algo maravillosos del año. perfecto… El último show es divertida y ácida, tan real como doloroso. El último show es una sorpero también tierna e inteligente. Sabe emocionarnos con sus perpresa, una serie refrescante, diferente y única que hemos visto este sonajes y con su pequeña pero gran historia de un hombre olvidado año y en bastante tiempo a la redonda. La serie juega con el humor, sin por los demás que debe encontrarse a sí mismo a sus 70 años. duda, y hace que su personaje central sea el foco, pero siempre con Jesús Usero una dignidad única.

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El 27 de abril llega a Movistar + Penny Dreadful: City of Angels, secuela o spin-off de la serie original que ha lanzado Showtime y que nos lleva a un nuevo espacio y tiempo para contar una historia ambientada en la ciudad de Los Ángeles, con un reparto liderado por Natalie Dormer y con John Logan otra vez como responsable a los mandos de la serie. Otra entrega de Penny Dreadful que no responderá quizá a las dudas que nos quedaron de la serie original, pero que trae de nuevo uno de los productos más interesantes del género fantástico en televisión.

Penny Dreadful: City of Angels

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l 27 de abril llega a Movistar + Penny Dreadful: City of Angels, secuela o spin-off de la serie original que ha lanzado Showtime y que nos lleva a un nuevo espacio y tiempo para contar una historia ambientada en la ciudad de Los Ángeles, con un reparto liderado por Natalie Dormer y con John Logan otra vez como responsable a los mandos de la serie. Otra entrega de Penny Dreadful que no responderá quizá a las dudas que nos quedaron de la serie original, pero que trae de nuevo uno de los productos más interesantes del género fantástico en televisión.

No quedamos muy convencidos, la verdad, cuando hace cuatro años más o menos, nos despedimos de Penny Dreadful. La serie creada por John Logan, guionista de títulos como Gladiator, Un domingo cualquiera, Skyfall, La invención de Hugo o El aviador (aunque también de otros mucho peores como Bats, Spectre, Star Trek: Nemesis o Alien: Coventant), que supuso un nuevo paradigma en lo que a género fantástico se refiere en televisión situando el listón muy alto para cualquiera que viniese después. No solo las historias eran atractivas; los personajes, complejos; y el tono, adulto y maduro. Además, visualmente la serie tenía todos los mimbres de un producto cinematográfico desde los dos primeros episodios, dirigidos por Juan Antonio Bayona.

Eso daba todavía más fuerza a una serie que tomaba todos los monstruos de terror clásicos y algún invitado de la literatura de la época —de Drácula al Hombre Lobo, pasando por el monstruo de Frankenstein, Dorian Grey o el Doctor Jekyll— y les daba una nueva vuelta de tuerca. Como hacían, en gran medida, los Penny Dreadful originales, aquellos panfletos que costaban un penique y en los que se contaba una historia macabra, truculenta, fantástica o terrorífica. O todo a la vez. Una forma de literatura barata, sencilla y muy directa que funcionó de maravilla en el Londres victoriano. Penny Dreadful, la serie, tomaba mucho de ese universo literario y de ese estilo. Era sangrienta, sexual, violenta y buscaba impactarnos, pero también tenía unos maravillosos personajes que vivían un viaje completamente fascinante, con una profundidad psicológica enorme. Y todo terminó.

Además de una forma algo extraña, porque hasta sus responsables nos contaban que había futuro, que sucederían más cosas si los renovaban… Nada de eso sucedió. John Logan anunció el final de la serie diciendo que siempre se había previsto como una trilogía, un viaje en tres temporadas que llegaba a su fin en un impactante último episodio que no dejó contento a casi nadie porque daba la sensación de que aquello no podía ser el final. Con un reparto sensacional con nombres como Eva Green, Josh Hartnett, Timothy Dalton, Rory Kinnear, Billie Piper o Harry Treadaway, nos quedamos pensando que quedaban historias que relatar. Personajes que no habían terminado de contarlo todo. Por mucho que el propio Logan asegure que estaba previsto que la historia terminase en esa tercera temporada, quedaron demasiados cabos sueltos y puertas al futuro como para terminar de creérnoslo, como lo que sucedía con el personaje de Piper. No importaba, la serie quedaba cancelada y nosotros, compuestos y sin novia.

Aunque llegaron cómics que narraban algunas de esas historias que nos dejaron preguntándonos por el futuro, lo que de verdad nos aguardaba era ese mismo futuro.

Uno muy lejano en la historia original de la serie y que servía para cambiar de continente, de reparto, de personajes y de historia. No, no tendríamos respuestas, pero tendríamos una serie que continuaba con el espíritu de la original para mostrarnos una historia con un giro sobrenatural. No sabemos si realmente es una secuela, un spin-off o, en realidad, podemos tomarlo como una serie antológica, en la línea de American Horror Story.

Penny Dreadful: City of Angels obtuvo luz verde en noviembre de 2018, cuando se encargaron los ocho episodios de la nueva temporada. Muchos de ellos serán dirigidos por Paco Cabezas, quien ya estuvo detrás de las cámaras de varios capítulos de la serie original y que, además, fue quien dirigió el último de los episodios, ni más ni menos. La ficción contaría con Logan como creador y guionista de casi todos los capítulos, con Sam Mendes como productor ejecutivo, con el regreso de Paco Cabezas y con la aparición también de Rory Kinnear, quien fuese uno de los protagonistas de la serie original y que tiene aquí un papel completamente distinto. La ambientación nos llevaría a Los Ángeles, en 1938, con el Hollywood dorado de telón de fondo, con la Segunda Guerra Mundial casi iniciándose y con las tensiones raciales entre la comunidad blanca y la mexicana a punto de explotar. Natalie Dormer, Daniel Zovatto, Nathan Lane, Kerry Bishé, Adriana Barraza, Jessica Garza, Michael Gladis, Johnathan Nieves, Brent Spiner, Piper Perabo, Lin Shaye, Thomas Kretschmann y Lorenza Izzo son algunos de los nombres que forman parte del reparto. La idea, hablar de una historia con un giro sobrenatural. Usar monstruos, como contaba Lane, para hablar de los verdaderos monstruos, que no son otros que los que habitan en el corazón de cada hombre. Y de una historia que se puede trasladar perfectamente a nuestros días porque sigue tan vigente como en 1938.

El spin-off nos presenta a Tiago Vega (Zovatto), el primer detective de policía chicano de Los Ángeles, quien comienza a trabajar junto con el detective Michener (Lane), un policía judío y veterano que es el único que acepta trabajar con él. La ciudad de Los Ángeles está al borde de una lucha racial en las calles entre los mexicanos y los estadounidenses, muchos movidos por un nuevo movimiento en auge del que es defensor Peter Craft (Kinnear), pediatra líder del German American Bund, una sociedad que en realidad es un movimiento pronazi de la época. Con un carácter claramente inspirado en el folclore mexicano, la serie enfrentará a los detectives a una cadena de asesinatos complicados de resolver, relacionados quizá con una suerte de deidad: Santa Muerte (Izzo). Y aquí llegará el giro sobrenatural, cuando los defensores de esa deidad se enfrenten a los de un demonio, Magda (Dormer), quien es capaz de adoptar cualquier forma que desee. La lucha enfrentará a Magda y Santa Muerte por el alma de la ciudad, y los detectives serán solo parte de los peones que se encuentren en mitad de esta guerra. Con una cuidadísima producción, como siempre, con un reparto de primera (aunque no con el nivel de los nombres de la serie original) y con un gran equipo creativo y John Logan al frente de este, City of Angels nos devuelve a Penny Dreadful, aunque sea distinta, remodelada y sorprendente.

Quizá sea mejor así. Y, además, la podremos disfrutar en Movistar + solo un día después de su emisión en Estados Unidos.

Jesús Usero

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La Unidad Movistar Series se refuerza aún más en mayo con el estreno de una de sus series más ambiciosas: La Unidad. Una manera diferente de trasladar a la ficción televisiva el género policíaco.

Marian Álvarez Luis Zahera y Natalie Poza

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na larga y compleja investigación policial desemboca en una serie de detenciones simultáneas en distintos lugares del mundo que llevará a la Policía Nacional española a capturar a uno de los más buscados y peligrosos terroristas yihadistas en Melilla. Pero esa es solo la punta del iceberg y el comienzo de una complicada y peligrosa investigación que lleva a los responsables de esas detenciones a preguntarse qué hacía en España el terrorista y cuáles eran sus planes mientras intentan desarticular la célula terrorista que había puesto en marcha antes de que pueda perpetrar nuevos atentados.

La realidad como aliada de la ficción

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La realidad pisa fuerte en la nueva propuesta de serie de acción e intriga de Movistar: La Unidad, creada por Dani de la Torre (nominado al premio Goya como mejor director novel por El desconocido y director de La sombra de la ley) y Alberto Marini (nominado al Goya por el guion de El desconocido y creador de la serie Hierro).

El argumento sigue los pasos de los acontecimientos que en la última década han marcado las operaciones de la Policía española contra el azote del terrorismo yihadista y se basa en testimonios reales e inéditos de los propios profesionales que han participado en la lucha contra el terrorismo.

El primer capítulo ya deja claro en su arranque cuáles son las raíces de La Unidad y cómo bebe esta serie de la realidad y encuentra su origen en los atentados del 11 de marzo de 2004 en cuatro trenes de cercanías de Madrid que provocaron 193 muertos. Tal como explica el texto que sirve como introducción a La Unidad, es el mayor atentado perpetrado por una célula yihadista en España, y desde entonces nuestro país se ha convertido en la nación del mundo donde se llevan a cabo, cada año, el mayor número de operaciones contra el terrorismo yihadista internacional.

La mayoría de esas operaciones son efectuadas por la Comisaría General de Información de la Policía Nacional, también conocida como “la Unidad”.

La serie se compone de seis capítulos, cada uno de cincuenta minutos de duración, en los que un impresionante despliegue de medios ha permitido el rodaje de un producto ambicioso que nada tiene que envidiar a las propuestas audiovisuales que dominan el paisaje de la ficción televisiva en todo el mundo.

La trama principal se centra en las investigaciones de la Policía Nacional española en colaboración con la Policía y las agencias de información de varios países. Eso impone la exigencia de un despliegue internacional en el propio rodaje, lo que a su vez permite conseguir en cada capítulo un ritmo trepidante y creciente de intriga en el que los acontecimientos se desarrollan en varios lugares a la vez y en torno a varias subtramas interconectadas.

Rodaje internacional La serie abarca un amplio abanico de localizaciones en distintos países —con unas secuencias en Lagos (Nigeria) particularmente espectaculares— y personajes cuyos dramas privados se entretejen con la intriga policial mientras la acción se cruza con las tramas de conspiración.

Todo ello da lugar a planos visualmente espectaculares y visiones aéreas del laberinto urbano que define conflictos y personajes en la línea de estilo de Dani de la Torre, e impone un pulso diabólico marcado por un notable trabajo de montaje esencial para crear la tensión creciente de cada capítulo en una de las mejores series de policías de la última década que puede marcar un nuevo estilo en la ficción policíaca de las series españolas.

La Unidad se ha rodado en Tánger, Perpiñán, Gerona, Madrid, Galicia, Melilla, Nigeria y Toulouse, y sus argumentos se asientan sobre un trabajo de documentación cuyo objetivo era ser fiel a la realidad de la lucha antiterrorista en todos los niveles en que se desarrolla esta.

Articulada argumentalmente en torno al personaje central de Carla (Nathalie Poza), jefa de la Unidad sometida a las presiones y maniobras de poder de sus superiores al mismo tiempo que a sus propios problemas personales, la serie hace un seguimiento de todos los integrantes de la cadena de la lucha contra el terrorismo sin descuidar ninguno de los eslabones que la integran, por pequeño que sea.

Reparto y personajes El argumento sigue las actividades de los policías integrantes de la Unidad, cuyas investigaciones, vidas privadas y encrucijadas morales a las que se enfrentan se entremezclan con las de los informadores e infiltrados en las células terroristas, las organizaciones del tráfico de armas y las cárceles, que se juegan la vida cada día para pasarles información.

Mientras el grupo de terroristas a los que investigan sigue avanzando a golpe de atentados, secuestros y violencia hacia su objetivo: perpetrar un nuevo atentado sangriento de grandes proporciones con numerosas víctimas.

Junto con Nathalie Poza (Goya a la mejor actriz principal por su trabajo en No sé decir adiós y nominada al mismo en otras cuatro ocasiones), encontramos en un papel de coprotagonista al actor argentino Michel Noher, vinculado con una química muy peculiar y eficaz al personaje de Nathalie Poza. Ambos están respaldados por Luis Zahera (Goya como actor de reparto por El reino y presencia siempre brillante en películas y series como Que Dios nos perdone, La zona, Torre de narcos, Mientras dure la guerra o Vivir sin permiso); Marian Álvarez (Goya como mejor actriz protagonista por La herida); Fele Martínez (Goya como mejor actor revelación por Tesis), en un personaje clave para la subtrama de manipulación en las altas instancias de clave más “política” de las fuerzas policiales; Hamid Krim, en un notable e inquietante trabajo como antagonista; Raúl Fernández de Pablo, en un personaje con protagonismo creciente en una de las subtramas claves de la segunda mitad de la temporada; Francesc Orella, en un breve pero contundente papel como miembro del Centro Nacional de Inteligencia; y Carlos Blanco, como el policía más veterano de la Unidad, llamado a ser la voz del equilibrio y la razón entre sus compañeros en los momentos más difíciles.

Ojo al último plano que cierra la temporada. Es uno de los mejores finales de serie de la ficción televisiva de este año.

Miguel Juan Payán

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ENTREVISTA

NathaliePoza Nosotros hemos podido ver ya la serie, pero la audiencia no. ¿Qué se van a encontrar en La Unidad?

Se van a encontrar un thriller muy distinto a lo que puede verse hoy día en la ficción española. Es un thriller, pero con mucha verdad.

Hay algo en La Unidad que para mí es muy nuevo, que es cómo abordar un tema sin darles importancia a estos héroes, ahora que estamos viviendo esta situación con los sanitarios, por ejemplo, en España con esta pandemia. Que los auténticos héroes de la sociedad son personas que no conocemos y que no se dan importancia en lo que hacen. Y hay un paralelismo creo con esta serie. Esta Policía cuyo éxito reside en que nadie sepa lo que han hecho ni si han llegado a tiempo para salvar a otros. Que se juegan la vida continuamente y que tienen que bucear en el lado más oscuro de nuestra sociedad. Esta producción bucea en ese lado que, claramente, para mí es el más oscuro y terrorífico de esta sociedad en la que vivimos.

Es interesante el tema de la verdad en la serie porque, aunque no lo parezca, lo que se cuenta en ella es real, ha sucedido.

Sí… Primero, que lo dirija Dani (de la Torre), que es un gran ser humano, es muy importante. Para mí, el capitán del barco tiene que ser alguien que pueda abordar esta oscuridad desde lo humano.

Y yo creo que toca muchos palos la serie porque no se centra solo en la Policía, sino en el otro lado también, y la parte del terrorismo está tratada con una sutileza y una empatía muy necesarias. Y, segundo, que todo está basado en hechos reales. Ellos han trabajado codo con codo con la auténtica Unidad. Yo tuve el honor y la suerte de poder estar mano a mano con la agente que sería mi personaje en la vida real: me llevó con ella varios días, me contó muchas intimidades y la vi trabajar. Todo lo que se cuenta en La Unidad está sacado de la realidad, y creo que eso es muy atractivo de ver. A pesar de que lo que muestra es doloroso, no deja de ser una realidad no inventada, existe. Y esta gente aparentemente es muy normal, pero la labor que hace es extraordinaria, hasta el punto, además, de que nadie sabe quiénes son. Muchas veces ni siquiera sus personas más cercanas. Es un trabajo muy ingrato y te ha de gustar mucho lo que haces… Tienen un sentido del deber que raya en la locura (risas). Es muy admirable porque hay que ser muy valiente para dedicarte a esto.

Una de las relaciones que más me ha llamado la atención, quizá porque parece una declaración de intenciones de la serie, es la de Carla —a quien interpretas— con el personaje de Fele Martínez. La burocracia poniendo trabas a estos agentes que se juegan la vida día a día.

Sí, sí. Es maravillosa. Totalmente. La burocracia, las instituciones… Es fascinante. Una de las personas que me ayudaron y que forma parte de la Unidad, un tipo maravilloso y muy particular… ningún actor supera a veces la particularidad de la realidad. Y recuerdo que me hizo hasta un esquema y me dibujó: “Tú estás aquí en medio, abajo está la Unidad, tu gente, los de la calle. Tú vienes

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de ahí. Pero ahora has subido en el escalafón y tienes que lidiar con los de arriba”. Y no te voy a poner el calificativo que escribió (risas). Hay algo… ella tiene que estar en esa posición tan compleja.

Protegiendo a los de abajo y, al mismo tiempo, combatir con la parte complicada, que es la política, la burocracia, lo institucional, el poder… Eso es agotador, muy agotador. Una parte muy importante de mi trabajo era reflejar el cansancio, el agotamiento, que es algo que les vi yo a ellos. Gente que no duerme, que trabaja a destajo durante muchas horas, sin descanso… y cómo llevan eso, pero no dejan que los hunda. Carla, con ese peso de responsabilidad, se agota mucho. Con el jefe, con Sanabria (Fele Martínez).

Nos reímos mucho, yo me lo pasé muy bien con Fele porque él usaba esa cualidad que tienen muchos políticos y que es tan fea. La complacencia, la hipocresía. El vendido. Además, cogieron a un tipo que no tiene nada que ver con eso como es Fele.

Imagino que, aparte, trabajar con la persona real, por un lado, ayuda, pero, por otro, añade más responsabilidad porque hay que hacerle justicia a esa persona, ¿no?

Sí. Aunque el personaje no tiene nada que ver con la persona real en cuanto a que tiene otros conflictos. Yo, cuando conocí a la mujer en la que está inspirado mi personaje, esa mujer a la que admiro tanto, pensé: “No es ella”. Por su alegría, por la forma en que iba vestida… nunca hubiera sospechado que este era su trabajo. Eso es maravilloso. Ella era una mujer muy poderosa, con mucha alegría… y la procesión va por dentro luego. Porque, cuando terminó todo, ella pudo ver la serie, y yo estaba esperando que me escribiera con los dedos cruzados, medio rotos, y me contó que se había emocionado, que le gustó mucho. Y me contó lo orgullosos que estaban de que se hubiese podido contar con tanta verdad lo que pasa en la realidad. Ahí me di cuenta de que, detrás de esa alegría y esa fuerza que ella transmite, hay una mujer que también sufre. Sufre por su trabajo, por las cosas que no salen bien, por su familia, por los que pierden… Pero, alguna vez que yo le hacía preguntas algo retorcidas o demagógicas incluso, me decía: “No puedo tener pensamientos tan elevados, Nathalie, tengo que estar en la acción”. Eso aprendí también. Ellos no pueden perder el tiempo. Tiran para adelante y son personas que sostienen el mundo. Como los sanitarios ahora mismo.

Hay una escena hacia el final de la serie, no queremos contar demasiado, pero hay un momento increíble en el que el personaje parece que no puede más, pero se levanta y sigue…

Es muy emotiva. ¿Te refieres a la escena de la Puerta del Sol? Sí… Es una de las escenas que más me ha costado hacer. La hicimos muchas veces, imagínate la que había liada allí. Era como… la responsabilidad me pudo ahí y era complicado. Pero, me alegra que me lo digas, porque nunca sabes si eso llega o no llega. Creo que esa escena es la catarsis. Hay un antes y un después de eso. Creo que también todo lo que lleva ocultando tanto tiempo, ahí sale. Porque ella tapa mucho.

Jesús Usero

Fotografía José Haro

Ganadora de un Goya por No sé decir adiós, Nathalie Poza es una de las actrices que mejor definen el talento que hay en la interpretación en nuestro país. Una de las protagonistas de la nueva serie de Movistar +, La Unidad, la intérprete da vida a Carla, líder del equipo que intenta prevenir ataques terroristas en España. Una ficción basada en hechos reales de la que la actriz nos habla en profundidad en esta entrevista en exclusiva con ACCIÓN. Y, además, lo hace con una humildad, una presencia y un carisma impresionantes.

Series de comedia para tiempos de crisis Seguramente pueda parecer lo contrario, pero dudo que haya mejor momento para ver comedia que estos tiempos que nos han tocado vivir. La realidad, la cuarentena, la pandemia y algunas malas noticias más nos tienen demasiado decaídos. Y es cierto que nunca vamos a renegar de un buen drama o a rechazarlo, pero en esta ocasión vamos a recomendaros un buen puñado de series, que podéis encontrar en streaming o que muchos ya tendréis en formato físico, y que son perfectas para sobrellevar estos tiempos de crisis y, al menos durante unos minutos, hacernos reír a carcajadas.

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l mal tiempo buena cara. Y hasta ahí llega el intento de chiste por parte de un servidor a la hora de enfocar este artículo. Son tiempos aciagos, por lo tanto, son tiempos de comedia, tiempos de humor, tiempo para reír mientras estamos encerrados en casa. Manteniéndonos a salvo y manteniendo a los nuestros también a salvo. Por supuesto, la clave es compaginar ambos registros, y poder disfrutar en todos los sentidos de comedia y drama. Pero para animar las cosas, vamos a revisar varias comedias que podemos ver estos días. Quizá cuando lean nuestros seguidores estas líneas, el confinamiento haya terminado, y entonces, con más motivo, estas series sirvan para festejar la luz al final del túnel, y lo que está por venir. Por supuesto, no están todas las que son; de

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hecho, nos hemos dejado fuera series muy, muy importantes, comedias imprescindibles. Pero hemos querido, sobre todo, que fuesen productos al alcance de la mano. Series en servicios de streaming españoles, o en formato doméstico, que muchos tengáis a mano…

Así que tranquilos, no será complicado que las veáis todas o solo unas pocas. Y disculpad las que hemos debido dejar fuera.

Me siento obligado, antes de empezar, a mencionar algunas de las que vinieron antes que estas. Por ejemplo, Te quiero, Lucy, considerada la madre de todas las sitcoms, que se emitió en los albores de la televisión tal y como la conocemos (ya existía antes, mucho antes, pero empezó a despegar entonces) entre 1951-1957. O Los héroes de Hogan, la sitcom bélica del polémico Bob Crane, que se emitió entre 1965 a 1971. O La chica de la tele, The Mary Tyler

SERIES DE COMEDIA PARA TIEMPOS DE CRISIS Moore Show, que estuvo en antena entre 1970 y 1977 y que dio pie a uno de los spin-off más famosos de la historia, Lou Grant, aunque en clave de drama y no comedia…

Por supuesto, ninguna lista de sitcoms para ver en casa en estos días estaría completa si no hablamos de Friends, la más popular de todas ellas, emitida entre 1994 y 2004, la más seguida, la más querida y la más repetida. Las compañías de streaming pagan millonadas por mantener la serie en su catálogo, y eso responde a la petición de la audiencia. Ahora mismo, está en los grandes servicios de streaming españoles, así que elegid uno y disfrutad de las aventuras de todos ellos… Pero si ya tenéis demasiado vistos a Rachel, Chandler y compañía, es quizá momento de retomar algo nuevo y realmente bueno. The Good Place, con cuatro temporadas en Netflix y que acaba de concluir hace pocos meses. Kristen Bell y Ted Danson lideran una historia sobre el más allá con mucho cinismo y humor negro, en el que un alma condenada al infierno se cuela en el paraíso e intenta pasar desapercibida… Aunque es una comedia muy particular y no gustará a todo el mundo. Algo parecido sucede con El show de Larry David, o Curb Your Enthusiasm, la serie de uno de los padres de Seinfeld que analiza su propia vida desde un punto de vista realmente divertido. David se interpreta a sí mismo, pero lo hace sin ningún tipo de ego. Pese al éxito, la familia, sus amigos…, la vida del creador se analiza desde un punto de vista casi de desprecio por uno mismo, único, y todas sus temporadas están en HBO. Un dato muy interesante es que en estos días de aislamiento y confinamiento, desde Amazon han anunciado que uno de sus productos más demandados es The Office, emitida entre 2005 y 2013, que se ha visto revalorizada en estos días y que ha conquistado a nuevas generaciones de espectadores y también a las antiguas, que han vuelto a ver esta producción liderada por Steve Carell con John Krasinski o Jenna Fischer. Nadie daba un duro por el remake de la serie británica de Ricky Gervais (si podéis, recuperadla, que apenas son un par de temporadas y algún especial…). También puede ser momento perfecto para recuperar Arrested Development en Netflix, con sus nuevas temporadas tras un revival que nadie esperaba, pero que nos dio algunos de los mejores momentos de la serie liderada por Jason Bateman y con un reparto simplemente sensacional.

Una familia poco convencional que intenta recuperarse cuando el cabeza de familia acaba en prisión y deja a todo el mundo en bancarrota. Convertida en un título más que de culto y además con otro reparto de esos que no se olvidan, Community, que estuvo en antena de 2009 a 2015. Quizá su tono no sea tampoco para todo tipo de audiencias, pero a quien atrape, le dejará completamente enganchado durante todos sus episodios. Y está en todos los servicios de streaming...

Si os gustan las series británicas, los anglosajones nos han dado desde los insuperables Monty Python hasta el gamberro Benny Hill, no os perdáis The IT Crowd (Los informáticos), que tenéis en Netflix y es una comedia realmente única. Solo tiene 25 episodios y es capaz de repasar la vida de un grupo de informáticos del servicio técnico de una empresa. Más de uno se ha sentido identificado, y mucho, con los personajes. Si seguimos en el popular servicio, no puedo dejar de recomendaros una serie que se mantuvo muchos años en antena y que nos dio a un grupo de actores convertidos en estrellas en muchos casos. Aquellos maravillosos 70, donde nos encontramos a Topher Grace, Ashton Kutcher, Laura Prepon, Mila Kunis o Wilmer Valderrama. Un repaso a la década nada convencional, que sirvió de inspiración en ciertas cosas a The Big Bang Theory. No quiero dejar pasar la oportunidad de mostrar lo que sabemos hacer en nuestro país y vamos a volver a los años ochenta, donde tuvimos series magistrales. Como comedia, con un punto de drama, les recomiendo Tristeza de amor. Protagonizada por Alfredo Landa, Carlos Larrañaga y Concha Cuetos, está en DVD y en TVE a la carta. Un programa de radio realmente imprevisible

The Good Place

Arrested Development

The Office

con unos personajes únicos. Y para terminar, en ráfaga rápida, si todavía les queda tiempo, Matrimonio con hijos, con todo su ácido repaso al matrimonio americano medio (y bastante estúpido) en los noventa, la serie policíaca Brooklyn Nine-Nine (tiene millones de fans que adoran a sus personajes) o Glow, la comedia ochentera de Netflix con un reparto femenino único. Creo que tienen para pasar un buen rato…

Jesús Usero

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A C T U A L I D A D

T E L E V I S I Ó N

La nueva temporada de Titans traerá a un personaje muy importante a la serie… DC Universe se ha asentado con Titans a la cabeza de sus productos. Aunque criticada en su segunda temporada, la serie sigue siendo un éxito y ya prepara nueva temporada, que puede que se estrene a la par en DC Universe y HBO Max. Y para que la temporada tenga todavía más alicientes para los seguidores de la serie, nos encontraremos de vuelta en Gotham, con un personaje realmente mítico y muy ligado a la vida del líder del grupo, Nightwing. Hablamos de Barbara Gordon, hija de James Gordon y conocida superheroína como Batgirl, aunque su papel cambió radicalmente tras La broma asesina, convirtiéndose en Oráculo. No sabemos qué versión veremos en la serie, ni hay actriz confirmada, pero puede ser una maravillosa incorporación a la serie.

Jon Bernthal el protagonista de la serie American Gigolo. Si tras la cancelación prematura de The Punisher nos preguntábamos cuándo volvería el actor Jon Bernthal a televisión, esa pregunta ya tiene respuesta y será antes de lo previsto. Conjugando como hasta ahora ambas carreras, en cine y televisión, Bernthal es un favorito de la audiencia gracias a su papel de Frank Castle entre muchos otros, y ahora dará vida a quien fue un icono en el cine y al que dio vida Richard Gere. Una reimaginación de la película de 1980 que dio inicio a la carrera de Gere como estrella, con Bernthal ahora dando vida al papel de Julian Kaye, en esta serie de Showtime. American Gigolo seguirá a Julian mientras intenta abrirse paso en la industria del sexo en Los Ángeles, recuperando su vida tras ser arrestado por asesinato cuando tenía 18 años, e intentando reencontrarse con un amor de juventud.

Tendremos secuela de Tiger King… sobre Carole Baskin.

Normalmente, solemos hablar de series de ficción en esta sección, pero Tiger King se ha convertido en un fenómeno tal que hasta ha igualado el estreno de Stranger Things en unos días, pese a ser documental. La historia de Joe Exotic y su zoo con grandes felinos, Carole Baskin y todos los personajes que los rodean es maravillosa y tan bizarra que parece ficción. Y ha enamorado al público en todo el mundo. Algo que pretenden aprovechar creando una secuela de la serie documental. Aunque en esta ocasión no será Netflix. Se les han adelantado y será el canal Investigation Discovery quien se encargue de esta secuela/spin-off centrada en el personaje de Carole Baskin y en un suceso muy importante en la serie, la desaparición de su marido Don Lewis, tema controvertido y realmente fascinante. La serie documental ya está en preproducción en la cadena.

Rosario Dawson se suma al reparto de The Mandalorian. Convertida en el buque insignia de Disney+, The Mandalorian preparaba su segunda temporada justo cuando la pandemia del coronavirus obligó a paralizarlo todo. Pero la serie sigue en marcha y se trabaja desde sus oficinas para preparar la segunda temporada, que debería llegar en octubre, aunque nos tememos que esa fecha tendrá que ser atrasada debido a dicha paralización. Eso sí, para alegrar a los fans, se ha revelado que el personaje de Ahsoka Tano estará en la nueva temporada. Es más, lo estará con los rasgos de la actriz Rosario Dawson ni más ni menos, quien se suma así a las aventuras galácticas, algo que muchos fans pedían desde hace años, cuando llegaron a preguntar a la actriz si le gustaría dar vida al personaje, que sabemos es una padawan de Anakin Skywalker y fue presentada en la serie Clone Wars como una de sus protagonistas.

AC T UA L I DA D T E L E V I S I Ó N Podría estar preparándose un reboot de Teen Wolf, con parte de su reparto original. Así lo ha dejado entrever uno de sus protagonistas. Teen Wolf fue una reinterpretación de la película de Michael J. Fox en clave de terror y acción, donde Tyler Posey daba vida a un joven convertido en hombre lobo, que tenía que defender su pueblo de fuerzas sobrenaturales y humanas que amenazaban a la población y a la manada. Una especie de variante de Buffy que terminó en MTV hace ya tres años. Y ha sido el propio Posey quien ha usado redes sociales para hablar de un posible reboot, lo que ha vuelto locos a los fans de la serie. Otros nombres, como Colton Haynes o Cody Christian, se suman a la idea, mientras que el creador de la serie, Jeff Davis, ya quiso hacer un reboot al acabar, pero no fue posible.

STARZ da luz verde a la nueva serie de 50 Cent. Convertido en productor de éxito en televisión, el rapero 50 Cent, de nombre real Curtis Jackson, es conocido en el mundo de la música y algo menos en el de la interpretación. Pero en televisión las cosas han cambiado con su papel como productor de la serie Power, uno de los mayores éxitos de la historia de STARZ, que además ha generado cuatro spin-offs que se encuentran en diversos estados de producción. Jackson también tenía un papel secundario en la serie, pero todos le reconocen su trabajo como motor de esta detrás de las cámaras, y por eso STARZ ha confiado en él y dado luz verde a su siguiente proyecto, la serie Black Mafia Family, basada en la historia real de dos hermanos, Demetrius Big Meech y Terry Flenory, apodado Southwest T, y su ascenso en el mundo del crimen hasta convertirse en dos de las figuras más poderosas del Detroit de los ochenta.

Disney+ prepara un reboot de Un médico precoz. O Doogie Howser MD, la serie que dio fama inicialmente a Neil Patrick Harris, creada por el mítico Steven Bochco junto al no menos mítico David E. Kelley, y que se emitió entre 1989 y 1993. Ahora Disney+ prepara un reboot de la mano de Kourtney Kang, guionista de Cómo conocí a vuestra madre. La nueva serie se centrará en una joven de 16 años, mitad asiática mitad caucásica, que es doctora pese a su juventud. El título provisional es Doogie Kealoha MD, aunque todavía no hay nada en firme al estar empezando a trabajarse en el proyecto. Dayna y Jesse Bochco, junto a Jake Kasdan, son sus productores. Lo que ha entusiasmado a los fans es que siendo un reboot existe, existe la posibilidad de que alguno de los personajes originales regrese…

Superman & Lois ficha a Dylan Walsh. El Arrowverso sigue creciendo año a año, aunque en 2020 haya tocado despedirse de la serie que dio origen a todo, Arrow, pero el resto sigue en pie y además no parece que vaya a detenerse en ningún momento. Así nació el spin-off de Supergirl centrado en la figura de su famoso primo, Superman, y su no menos famosa esposa, Lois Lane, personajes recurrentes en la serie original, interpretados por Tyler Hoechlin y Elizabeth Tulloch, respectivamente. La serie, al parecer, se centrará más en la vida en pareja de ambos y en cómo se compagina la vida de periodismo con la de superhéroe. Y además han fichado a un actor tan popular como Dylan Walsh, al que recordamos de Nip7Tuck, entre muchas otras, como padre de Lois Lane. El actor será el general Sam Lane en un papel regular en la serie.

Lisa Kudrow estará en la nueva serie de Steve Carell. Determinado a ser una de las mayores estrellas de la televisión de nuevo, Steve Carell compagina proyectos como The Morning Show con esta nueva serie de Netflix, de la que ya hemos hablado, que ha creado junto al responsable de The Office, Greg Daniels, y que se llama Space Force. Una disparatada comedia centrada en la gente que debe crear una nueva rama del Ejército, la Fuerza Espacial del título. La serie se estrena a finales de mayo y ahora sabemos que Lisa Kudrow será parte de su reparto. La actriz dará vida a la esposa del personaje de Carell, coprotagonista junto a este, y será un personaje recurrente en un reparto en el que encontramos a Ben Schwartz o John Malkovich también.

Christopher Meloni regresa al universo de Ley y orden en un nuevo spin-off. Creíamos que era imposible, pero parece ser que el agente Stabler ha vuelto. Christopher Meloni dio vida al personaje de Elliot Stabler en Ley y orden: Unidad de Víctimas Especiales, durante 12 temporadas, y dejó la serie creada por Dick Wolf en 2011 con Mariska Hargitay al frente. El actor se negaba a volver ni siquiera para cameos, pese a la amistad que le une con muchos de sus miembros, pero ahora parece confirmarse que vuelve. Meloni será de nuevo Elliot Stabler en un spin-off que NBC prepara de la mano de Dick Wolf.

Se han encargado ya trece episodios y la trama girará en torno a una unidad que lucha contra el crimen organizado en Nueva York. Sí, eso supone que podría haber crossovers con su antigua serie…

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