accion

SUMARIO Nº 2101

ENTREVISTAS 14 16 17 24

Milla Jovovich Paul W. Anderson Tony Jaa George Clooney

ESTRENOS 12 Monster Hunter

ESPECIAL

CARTEL-MANÍA

26 Avance 2021

67 Carteles Cine Bélico XXVIII

TELEVISIÓN 39 41 65 82 86 88 90 92 94 96

COLECCIONABLES

Fichas actores Fichas series TV Ficha serie TV: Altered Carbon Avance 2021 The Stand Entrevista: James Marsden Entrevista Alicia Sanz Entrevista Jaime Lorente El Cid Noticias televisión

19 21 23 43 45 57 53 55

Análisis: Mystic River El director del mes: Orson Welles 007: Moonraker Que fue de...

Coleccionable actor clásico: Jane Russell Fichas críticas Ficha película mítica: Akira Ficha actor clásico: Ray Milland

SECCIONES FIJAS

REPORTAJES

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10 Disney Investors Day 80 Películas sobre la pandemia

Hollywood Noticias Furia oriental Mundo fantástico

DIRECTOR: Héctor Alonso COLABORADORES: Santiago de Bernardo, Nicolás Carrasco, Óscar Costa, Sergio Hardasmal, Miguel Juan Payán, Juan L. Pastor, Clara Martín, Jesús Martín, Sara Martín, Juan Carlos Paredes, Jesús Usero, Jaime V. Echagüe.

FOTOGRAFIAS: Disney, EOne Films, Filmax, Hispano FoxFilm, Manga Films, Paramount, Sony Pictures, Tri Pictures, Universal, Vertigo, Warner Bros REDACCION Y ADMINISTRACION: C/ La Higuera, 2-2ºB - 28922 Alcorcón (Madrid) Tel 91 486 20 80 - Fax. 91 643 76 55. e-mail: redaccion@accioncine.es DIRECTORA PUBLICIDAD Y MARKETING: Susana Román PUBLICIDAD: Susana Román C/ La Higuera, 2-2ºB - 28922 Alcorcón (Madrid) Tel 91 279 93 58 - Fax. 91 643 76 55 e-mail: publicidad@accioncine.es SUSCRIPCIONES: C/ La Higuera, 2-2ºB - 28922 Alcorcón (Madrid) Tel 91 486 20 80 - Fax. 91 643 76 55 e-mail: pedidos@accioncine.es www.accioncine.es DISENO Y MAQUETACION: Toralba EDITA: Norea y Aloman Ediciones S.L. IMPRIME: RIVADENEYRA DISTRIBUYE: S.G.E.L. DEPOSITO LEGAL: M-9520-2012. ISSN: 2172-0517 Precio para Canarias y aeropuertos 4,05 € (Incluida Tasa Aérea)

Impreso en España

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SOBRE LOS COLECCIONABLES Encontraréis al centro de la revista los pósters. Si arrancáis éstos os encontraréis con las fichas en papel más grueso que está distribuido para que también se pueda separar de la revista. Lo mismo sucede con el coleccionable de ACTORES, se puede separar sin afectar al resto de la revista. Aunque para algunos pueda resultar liosa esta distribución, está pensada para poder coleccionar diferentes partes de la revista.

A ver: o Ryan Reynolds es el mejor tipo de todo el planeta Hollywood o es un monstruo siniestro que está engañando a todo el mundo con cortinas de humo.

El tipo le ha comprado un equipamiento completo de invierno a los 329 chavales de una escuela de Arctic Bay después de que la cantante Inuk Becky Han pusiera en sus redes sociales una petición de donaciones para esos chavales que tienen que ir a estudiar atravesando unos 38 grados bajo cero. Y eso no es todo. También se molestó en grabar 400 vídeos personalizados agradeciendo su trabajo a todos los miembros del equipo de Red Notice, la película que protagoniza junto a Gal Gadot y Dwayne Johnson, para levantarles la moral durante el aislamiento en grupo burbuja en el que permanecieron para rodar la película sin riesgo de parones por COVID19, sacrificio que, según Reynolds, no solo hicieron ellos sino también sus familias, amigos y seres queridos.

Reynolds insulta mi mirada nihilista a la vida y además estropea mi frase favorita para hacerme una camiseta: “Ninguna buena obra quedará sin castigo”.

Y parece que el karma le funciona. Afirman que Kevin Feige confía tanto en él que tendrá el control absoluto de todo el proyecto de Deadpool 3 en Marvel, así como en sus futuras apariciones como el mercenario bocazas en otras películas del estudio. Algo sin precedentes (Ryan, tío, desconfía de los regalos de los griegos, que luego arde Troya).

Ahora solo falta que le den a Reynolds su declarado capricho de volver a aparecer como Green Lantern en Justice League 2. No sería una locura teniendo en cuenta cómo reflotó el insalvable personaje de Deadpool como “mercenario bocazas” mudo (¿qué se habrían fumado los que se inventaron ese chiste con tan poca chispa?) en la película Lobezno: orígenes. Igual les repite a los de Warner el mismo “milagro de la resurrección del superhéroe” con Linterna Verde y tenemos que ir vendiendo estampitas piadosas de Ryan Reynolds por las esquinas. San Ryan Reynolds, ora por nosotros. Cosas más raras se han visto.

Lo mismo yo debería pensarme lo de estar todo el día más cabreado que Michael Douglas de Un día de furia, aparcar mi cinismo, dejar de ser saduceo, filisteo y gamorreano, y escribirle una carta a Ryan Reynolds, a ver si me regala una parka pija de marca para pasearme por esta escombrera de Covidlandia como un caballero andante a la caza del Santo Grial.

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Va a ser que no. Prefiero ser Sancho Panza que Quijote a la caza de gigantes, así que completo los disparates de este mes con un puñado de ráfagas edificantes: 1. Se ha reanudado el rodaje de la serie Tokyo Vice, lo próximo de Michael Mann. Corro, pues, raudo a poner una vela en el altar de san Ryan Reynolds para que no sea tan floja como la película de Corrupción en Miami.

2. Matthew Vaughn tiene pensadas siete películas de Kingsman. Y una serie de televisión. En la Real Academia de la Lengua se piensa borrar del diccionario la definición de saturación para poner una foto de Vaughn.

3. Han pagado 50 000 dólares por el sombrero que llevó Jack Nicholson cuando interpretó al Joker. Nota: empezar a ponerme mi gorra de visera más mugrosa para grabar vídeos a la carta y anunciar ya futura subasta en internet. Pueden empezar la puja…

4. Los cines estadounidenses no están contentos con Warner por estrenar sus películas en HBO Max en 2021 (acusan a Tenet de ser la culpable por no hacer pasta allí). Aprovechen, que en España las tendremos en el cine.

5. Julius Avery será el director del remake de Van Helsing que produce James Wan. No es difícil que sea mejor que la primera.

6. Afirman que Lucasfilm quiere redimir a Jar Jar Binks. A la vista del Episodio IX de Star Wars imaginaba que tenían problemas más serios que solucionar. Los veo muy perdidos.

7. Clive Barker recupera los derechos de Hellraiser en Estados Unidos tras larga y dura batalla legal. El creador de algunas de las mejores pesadillas de la literatura de terror se tropezó con la peor pesadilla de un escritor: intentar que todos aquellos que se nutren de su talento lo respeten.

8. George Lucas ha querido explicar públicamente por qué vendió Lucasfilm. No era necesario: obviamente por dinero.

9. Jim Carrey está interesado en hacer Dos tontos muy tontos 3. Una parte importante de la población de este planeta no comparte ese interés con él.

10. Natalie Portman afirma que siente mucha presión por su protagonismo en Thor: Love and Thunder. Portman: intenta conseguir cita en el SEPE y verás lo que es presión.

11. Stephenie Meyer amenaza con escribir dos libros más de Crepúsculo. Sí, yo también me he preguntado por qué… Y luego he releído el punto 8 de esta lista.

Miguel Juan Payán

NOTICIAS RODAJES • PROYECTOS • RUMORES El retorno de El Rey Escorpión ¿Recuerdan aquel personaje que apareció como villano en la segunda entrega de la trilogía de La momia, El regreso de la momia, protagonizada por Brendan Fraser, luego tuvo su propia película en solitario, fue plataforma de lanzamiento en el cine de Dwayne la Roca Johnson y además contó con su propia saga de secuelas? Pues ese. El rey escorpión.

Ahora vuelve en un remake y se anuncia que Dwayne Johnson estará en él. El guionista es Jonathan Herman (nominado al Oscar por Straight Outta Compton).

FECHAS ESTRENOS 25 de diciembre Cielo de medianoche I Am Woman Los Croods: una nueva era Rompiendo las normas

1 de enero El padre La increíble historia de David Copperfield

8 de enero La última gran estafa Mandíbulas Manual de la buena esposa Salvaje

15 de enero 23 Paseos El poeta y el espia Fellini de los espiritus La chica del brazalete Música a bordo (Fisherman's Friends) Relic

22 de enero Hope Mamá te quiere

22 de enero Crash Foto de familia Palm Springs Uno de nosotros

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Secuela de Bloodshot La editorial Valiant y el estudio Sony siguen confiando en Vin Diesel para dar vida al superhéroe Bloodshot, del que realmente no pudieron tener una medida completa de rendimiento en la primera película porque su estreno quedó marcado por el estallido de la pandemia de COVID-19 y el confinamiento. Sin embargo, los planes de construir un universo al estilo Marvel con personajes Valiant se pone difícil con la venta de derechos de Harbinger a Paramount Pictures.

Batman contra Thor Lo próximo de Juan Carlos Fresnadillo Español internacional, Juan Carlos Fresnadillo tiene ya próximo encargo y lo protagonizará la actriz Millie Bobby Brown (Stranger Things). Se titula Damsel, es una producción para Netflix y va de una princesa, Elodie, obligada a casarse con el rey de un reino rival del que descubre un secreto que puede ponerla en una situación bastante peligrosa: dicho reino tiene por costumbre celebrar la cosecha sacrificando a su princesa a un dragón.

Confirmaciones en las galaxias Tras las dos películas de Wonder Woman, Patty Jenkins se enfrentará al reto de dirigir una de las próximas películas de la franquicia Star Wars: Rogue Squadron. No está confirmado si se basará o no en el videojuego del mismo nombre, pero el estreno está previsto para el 25 de diciembre de 2023. Taika Waititi también ha confirmado que él se ocupará de escribir y dirigir otra película del universo Star Wars con Krysty Wilson-Cairns (1917) como coguionista.

Sátira política Tal y como le van las cosas en los últimos meses, quizá la sociedad estadounidense necesita una sátira política para mirarse al espejo, o eso es lo que deben pensar los responsables de The Fence, que protagonizan Shailene Woodley (Big Little Lies), Miles Teller (Whiplash) y William Hurt (ganador del Oscar por El beso de la mujer araña, nominado por Hijos de un dios menor, Al filo de la noticia y Una historia de violencia).

Un matrimonio de recién casados se complica cuando empiezan a enfrentarse con su vecino, ultraconservador que ha erigido una valla para protegerse de ataques terroristas. Dirige el islandés Grímur Hákonarson (Ram, el valle de los carneros, Oro blanco).

“Mi nombre es Gorr, hijo de un padre sin nombre, marginado de un mundo olvidado.

He asesinado a multitudes para hacer mi camino hasta aquí y estar en la génesis de todas las cosas, ennegrecido por la venganza, mojado de sangre santa, con un simple sueño latiendo todavía fuerte en mi corazón..., el sueño de una era sin Dios”. Confirmado: Christian Bale estará en Thor: Love and Thunder, camino de ser el mejor villano de las películas Marvel.

Rumores alienígenas y mutantes en Disney Se rumorea que Disney no solo está en la primera fase de desarrollo ese nuevo proyecto de Alien del que ya ha comentado algo Ridley Scott, y que saldrá con el sello 20th Century, sino que además barajan rodar un largometraje a modo de precuela spin off protagonizado por una joven Ripley, personaje al que dio vida Sigourney Weaver.

Por lo que se ve no han aprendido nada de la Han Solo movie. Es posible que eso esté relacionado con las conversaciones que han mantenido con James Cameron para que dirija una película de Alien. Además Dafne Keen, coprotagonista infantil de Logan, ha anunciado que está en preparación una película protagonizada por su personaje, X-23, como heredera de Lobezno. Y dicen que la Bestia podría ser el primer personaje mutante que aparezca en las producciones de cine o televisión de Marvel Studios asociado a la organización SWORD, que aparecerá en la serie Wanda Vision.

Indiana Jones 5 será la última película de la franquicia James Mangold (Logan), será el encargado de poner fin a la saga de Harrison Ford como Indiana Jones en una quinta aventura que llegará a la cartelera en julio de 2022. Kathleen Kennedy, presidenta de Lucasfilm, ha confirmado que será la última entrega de la franquicia de Indiana Jones, al menos tal como la conocemos en cine. Spielberg ha dejado la dirección por desacuerdos con el guion, de David Koepp.

NOTICIAS RODAJES • PROYECTOS • RUMORES FECHAS ESTRENOS 5/2/21 5/3/21 5/3/21 12/3/21 12/3/21 19/3/21 2/4/21 23/4/21 7/5/21 21/5/21 21/5/21 21/5/21 28/5/21 28/5/21 4/6/21

Cinderella Cazafantasmas: Más allá El príncipe de Zamunda 2 Raya y el último dragón The Kinsgman Morbius Sin tiempo para morir Un lugar tranquilo 2 Viuda Negra Free Guy DC SuperPets Godzilla vs. Kong Fast & Furious 9 Cruella Expediente Warren: Obligado por el demonio 4/6/21 Samaritan 25/6/21 Venom: Let There Be Carnage 2/7/21 Top Gun: Maverick 9/7/21 Shang Chi 17/7/21 Space Jam: A New Legacy 17/7/21 Uncharted 23/7/21 The Tomorrow War 23/7/21 Old 30/7/21 Jungle Cruise 6/8/21 Hotel Transylvania 4 6/8/21 Escuadrón Suicida 2 1/10/21 Dune 15/10/21 Halloween Ends 5/11/21 The Eternals 12/11/21 Animales fantásticos 3 19/11/21 Misión: Imposible 7 10/12/21 West Side Story 17/12/21 Spider-Man Homecoming 3 22/12/21 Sherlock Holmes 3 22/12/21 The Matrix 4 28/1/22 Babylon 11/2/22 Thor: Love and Thunder 4/3/22 The Batman 25/3/22 Doctor Strange in the Multiverse of Madness 17/5/22 Dungeons & Dragons 27/5/22 John Wick: Chapter 4 10/6/22 Jurassic World Dominion 24/6/22 Transformers 8/7/22 Black Panther 2 29/7/22 Indiana Jones 5 5/8/22 Misión: Imposible 7 7/10/22 Spider-Man un nuevo universo II 4/11/22 The Flash 4/11/22 Misión: Imposible 8 11/11/22 Captain Marvel 2 16/12/22 Aquaman 2 16/12/22 Avatar 2 16/12/22 Star Wars sin título 3/6/23 Shazam 2 22/12/23 Star Wars: Rogue Squadron 20/12/24 Avatar 3 18/12/26 Avatar 4 22/12/26 Avatar 5 sin fecha Black Adam sin fecha Minecraft Nota de la redacción: Fechas estimadas de estreno de películas que muchas de ellas ni siquiera han comenzado a rodarse y que por lo tanto pueden sufrir cambios de programación.

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Dos Batman por el precio de uno Ben Affleck protagonizará el próximo proyecto de George Clooney como director, The Tender Bar, producido por Amazon Studios. El largometraje se basa en las memorias del periodista y escritor J. R. Moehringer sobre cómo creció en Long Island buscando figuras paternas en los tipos que frecuentaban el bar de su tío.

Los Cuatro Fantásticos ya tienen director El director de Spider-Man: Home Coming y Spider-Man: lejos de casa, John Watts, será el encargado de dirigir la película de los Cuatro Fantásticos en Marvel Studios, según ha anunciado Kevin Feige.

Esto marca además el tono que la productora quiere darle a la primera aparición del primer grupo que creara Stan Lee para empezar a edificar su universo de superhéroes en Marvel.

Más viajeros para el tren bala The Bullet Train, película basada en la novela Maria Beetle, del japonés Kotaro Isaka y dirigida por David Leitch (John Wick, Deadpool 2, Atomic Blonde, Hobbs y Shaw), sigue incorporando nombres a su reparto en una historia de asesinos a sueldo reunidos en un mismo tren cuyos vagones ya están ocupados por Brad Pitt, Aaron-Taylor Johnson, Andrew Koji y Joey King. Las nuevas incorporaciones son las de Michael Shannon (el general Zod de El hombre de acero y perseguidor del hombre pez de La forma del agua), Zazie Beeetz (Dominó en Deadpool 2), Lady Gaga (Ha nacido una estrella) y Masi Oka de la serie Héroes.

Confirmadas las secuelas de Tyler Rake Chris Hemsworth, protagonista de Tyler Rake (Extraction, en el original), la película más vista entre las producidas por Netflix hasta el momento (99 millones de visionados en las primeras cuatro semanas), ha confirmado que se están preparando no una, sino varias secuelas. La exitosa adaptación de la novela gráfica Ciudad, de Ande Parks y Fernando León González, no solo tendrá la segunda película de la que se ha venido hablando desde hace meses, sino que Netflix está pensando además en producir varios proyectos relacionados con Tyler Rake. Joe Russo ha confirmado que el rodaje de la segunda película empezará en 2021, con Hemsworth regresando al papel principal.

Hasta el infinito… y más allá Pixar rodará Lightyear.

Dirige Pete Docter (Monsters, Up, Del revés), con Chris Evans poniéndole la voz al personaje. No será Tim Allen, porque no es el personaje del muñeco que este interpretó en Toy Story, sino la peripecia de un astronauta real, eso sí, de animación, y posiblemente a modo de spin off y precuela del personaje que inspiró al juguete.

Angelina Jolie vuelve a la dirección Angelina Jolie tiene ya nuevo proyecto que añadir a su filmografía como directora (En tierra de sangre y miel, Invencible, Frente al mar, Se lo llevaron: recuerdos de una niña que Camboya). Su próxima película tras las cámaras se titula Unreasonable Behaviour. Se trata de un biopic de Don McCullin, célebre reportero gráfico de guerra británico.

Más trabajo para Ryan Reynolds The Adam Project es el nuevo título que entra en la apretada agenda de Ryan Reynolds. Se trata de una película dirigida para Netflix por Shawn Levy, director de uno de los últimos trabajos del actor, Free Guy. Reynolds interpreta a un piloto de combate y viajero del tiempo que tiene que convencer a su versión de trece años del pasado de que le ayude, al mismo tiempo que se reencuentra con su padre, que tiene la misma edad que él adulto en ese momento. Jennifer Garner interpretará a la madre del protagonista cuando tiene trece años y Zoe Saldana a la esposa del personaje de Reynolds como adulto. Definida como aventura de ciencia ficción, la película tiene toda la pinta de ser una variante de Regreso al futuro con pinceladas de comedia. En el reparto estarán también Mark Ruffalo y Catherine Keener, y aunque parezca algo prematuro, ya se baraja la posibilidad de que The Adam Project tenga secuela.

Enésimo retorno de la Pantera Rosa El director de Sonic: la película, Jeff Fowler, tiene entre manos el reboot de la saga de la Pantera Rosa en el cine. El guion es de Chris Bremner (Bad Boys for Life). El proyecto será un híbrido de personajes de dibujos animados con gráficos de ordenador con actores de carne y hueso. Su argumento está protagonizado por un inspector de policía que después de sufrir un trauma tiene un amigo imaginario poco común: una pantera rosa que no habla, pero le ayuda a resolver casos, premisa que estaba ya presente en la serie de dibujos animados de La Pantera Rosa en televisión.

NOTICIAS CINE ORIENTAL

por Iván E. Fernández

Infernal Battlefield), además de tener al premiadísimo Peter Pau (Tigre y dragón) como director de fotografía. Dos horas y veinte minutos de duración para el regreso de uno de los grandes directores del género, ya cómodo en superproducciones como esta.

The White Storm 3

Balas y Katanas El CEO de Dragonz, el campeón Nacho Serapio, junto con sus socios José A. Marín y Víctor Hugo Antón, ha puesto en marcha Balas y katanas, un ambicioso largometraje de acción, artes marciales y humor de sabor patrio, para demostrar, junto a la esperada Xtremo de Teo García, que se puede hacer cine marcial en España.

Nacho, con una larga trayectoria como especialista y actor, se ha tirado a la piscina en este proyecto independiente como director con una pregunta como eje central: «¿Cómo reaccionarías si fueras un experto en artes marciales, tuvieras una catana en tus manos… y acabaran de secuestrar a tu hija?». Con esta premisa, el sensei Marín se lanza a una carrera contra el reloj, que los espectadores seguirán en streaming a través del canal YouTube de Nacho, su mejor amigo, que junto a un cámara y un ayudante un poco “especial”, le seguirán en esta loca aventura, tratando (en vano) de evitar que cometa cualquier locura. Persecuciones, peleas, tiros, prostitutas, sangre y catanazos en un disparatado rescate, que meterá a los protagonistas de cabeza en una trama de trata de blancas, mientras huyen de la policía e intentan trazar un plan de rescate. Un rodaje muy duro y complicado, pero sumamente satisfactorio y divertido, con varios planos secuencia que darán a la película un realismo especial. Muchas ganas de ver el resultado, y la mejor de las suertes a Nacho Serapio y a su equipo.

The Rescue A partir del 18 de diciembre comenzaba a estrenarse en diferentes zonas de China, llegando a algunas regiones a principios de enero, The Rescue, lo último de Dante Lam (Operation Red Sea), con Eddie Peng (Rise of the Legend) como protagonista, en el epicentro de una crisis que pondrá en jaque a la Guardia Costera, que tendrá que lidiar tanto con la crisis, como con las diferencias personales de algunos de sus miembros. El habitual espectáculo visual de su director cambiando el género bélico por el de desastres, que completa su reparto con Wang Yang-Lin (Operation Red Sea) y Xin Zhilei (Brotherhood of Blades 2: The

Sí, tendremos tercera entrega de esta saga que inició en el 2013 el director Benny Chan, tristemente fallecido el pasado 23 de agosto de 2020, y que continuó Herman Yau en 2019. De momento se desconoce quién la dirigirá, aunque viendo la carrera actual de Herman Yau, cogiendo las riendas de numerosas sagas, ya sean propias como de rebote, apostaría a que será quien dirija esta tercera entrega que recupera a Lau Ching-Wan, que participó en la primera entrega, además de repetir Louis Koo con la adición de Aaron Kwok (Cold War) Tampoco se ha desvelado la trama, pero teniendo a Koo como detective de narcóticos en Hong Kong, seguro que tenemos una buena guerra contra el narcotráfico y sus líderes, además de buenas escenas de acción. Tendremos que esperar a que avance algo el año para ir conociendo más detalles.

El Puño del Cóndor Este es el título de un ambicioso proyecto de serie digital de origen chileno que vuelve a unir a Marko Zaror (Invicto 3: redención) con el director Ernesto Díaz Espinoza, que fue el encargado de dirigir los primeros proyectos de Zaror, como Kiltro (2006), Mirageman (2007), Mandrill (2009) y Redentor (2014). Una unión que suele sacar lo mejor de Marko, y en esta ocasión narrará la búsqueda de un importante libro para el mundo de las artes marciales que protege el personaje que interpreta Marko Zaror, y que ofrecerá un buen número de combates entre estupendos especialistas, como demuestra uno de los actores que aparecerá, José Manuel (The Man from Kathmandu), quien sigue cimentando su carrera en el género con paso firme y constante. De momento, no hay fecha de estreno ni de plataforma donde se pueda ver, pero al estar en estos momentos terminando de rodarse, o iniciando la posproducción, tendremos que esperar unos meses para ello.

Wu Jing El actor regresa a la ciencia ficción con La Tierra errante 2, que ya tiene fecha de estreno, el año nuevo chino de 2023, es decir, el 22 de enero. Tras convertirse su primera entrega en la película más taquillera de la historia del cine en China, se ha dado luz verde a una secuela que intentará reventar de nuevo los récords. El uso de nuevas tecnologías en el rodaje es una de las prioridades, con el uso de cámaras 4DX y su estreno en IMAX, repitiendo con el protagonista, por Wu Jing (Wolf Warrior). Mientras este proyecto comienza a moverse, Jing se encuentra terminando de rodar The Battle at Lake Changjin, drama histórico y bélico codirigido por Chen Kaige, Dante Lam y Tsui Hark.

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MUNDO FANTÁSTICO

por Santiago de Bernardo

No deberías perdértela:

Al interior Sarah (Alysson Paradis) sufre un accidente de coche en compañía de su pareja, que muere, aunque el niño que lleva en su interior sale ileso. Ella, meses después, está preparada, sin demasiada ilusión, para que nazca su hijo, sabiendo que cuenta con el apoyo de su madre Louise (Nathalie Roussel) y de su jefe y amigo Jean-Pierre (François-Régis Marchasson), que será el encargado de llevarla al hospital en pleno día de Navidad para que pueda dar a luz. Sin embargo, durante la Nochebuena, Sarah recibe la extraña visita de una mujer (Béatrice Dalle), que curiosamente sabe mucho sobre ella, del fallecimiento del padre de su hijo o de que va a parir de manera inminente, y que desaparece cuando llega una patrulla de la policía. Sin embargo, no tarda en regresar para obtener lo que considera que es suyo, un bebé a punto de nacer y que podría haber sido el que hubiera salido de su vientre y que va a arrancar del de Sarah, a cualquier precio. Y si para conseguirlo tiene que matar a Jean-Pierre, a dos policías o a un detenido por estos, lo hará sin problema y además con extrema violencia. Eso sí, seguramente no imaginaba a una Sarah tan combativa que vende su piel y la de su próximo retoño tan cara. À l'intérieur (2007) es una buena (y sanguinolenta) muestra del nuevo cine francés de terror con títulos tan emblemáticos como Alta tensión (Alexandre Aja, 2003), Frontières (Xavier Gens, 2007) o Martyrs (Pascal Laugier), y que fue dirigida al alimón por Alexandre Bustillo y Julien Maury (De entre los vivos). Contiene una destacada actuación de Beátrice Dalle (Betty Blue) y Alysson Paradis (Survivant[s]) y ganó el Premio a los Mejores Efectos de Maquillaje en Sitges 2007. En 2016 fue objeto de un remake, Inside, con guion de Jaume Balagueró (Los sin nombre) y dirección de Miguel Ángel Vivas (Secuestrados).

Charles Bronson, reivindicado Los crímenes del Museo de Cera (André De Toth, 1953), en el papel de Igor, ayudante del profesor Jarrod, artífice de las figuras del museo, la fantasía inspirada por la obra de Julio Verne El amo del mundo (William Witney, 1961), en la que es John Strock, piloto del ingenio volador, o uno de los pocos supervivientes tras una guerra total en el episodio Dos (Montgomery Pittman, 1961) de The Twilight Zone. Estos son de los escasos papeles en los que Charles Bronson (nombre que adoptó sustituyendo al de Charles Buchinsky) intervino dentro del cine fantástico, aunque no hay que olvidar su protagonismo en el escalofriante thriller Al filo de la medianoche (J. Lee Thompson, 1983), como un policía enfrentado a un asesino en serie que mata a mujeres siempre desnudo. En todo caso, el aficionado al cine de género conoce a este actor (del que a menudo se pasan sus filmes por la pequeña pantalla), de inolvidable rostro pétreo y con su habitual bigote, y que falleció en 2003.

Ahora gracias al documental galo Charles Bronson, The Spirit of Masculinity / Le génie du mâle, de Jean Lauritano, podemos conocer un poco más a este artista, desde sus comienzos a cómo triunfó en la taquilla cuando se vino como muchos otros actores a Europa, donde le ofrecían papeles más interesantes y de protagonista, tras haber tenido una presencia destacada en títulos como La gran evasión (John Sturges, 1963), La batalla de las Ardenas (Ken Annakin, 1965) o Doce del patíbulo (Robert Aldrich, 1967).

Fueron filmes como Hasta que llegó su hora (Sergio Leone, 1968), Adiós, amigo (Jean Herman, 1968), Ciudad violenta (Sergio Sollima, 1970) o Los secretos de la Cosa Nostra (Terence Young, 1972) los que le permitieron regresar a Estados Unidos como estrella, colaborando habitualmente con el realizador Michael Winner en producciones como Chato el apache (1972), Friamente… sin motivos personales (1972), América violenta (1973) o El justiciero de la ciudad (1974), que abrió la veda para las películas con justiciero de por medio, gracias a un personaje que marcó su posterior carrera, especialmente en los años ochenta. Entonces trabajó habitualmente para la Cannon, en la saga del vigilante Paul Kersey o en El guardaespaldas de la primera dama (Peter R. Hunt, 1987), su último filme con su esposa Jill Ireland, a la que acompañó, dejando el mundo de la interpretación para cuidarla, hasta que esta murió de cáncer en 1990. Un documental imprescindible que revela a las nuevas generaciones quién ha sido Charles Bronson y su importancia en el cine durante varias décadas.

Novedades en vídeo de alta definición Se edita por primera vez en alta definición una película esencial de Joe Dante, si bien infravalorada en su momento, No matarás… al vecino (1989) con Tom Hanks, Carrie Fisher, Bruce Dern y

FANTASÍA • TERROR • GORE • CIENCIA FICCIÓN

cómo no, con Dick Miller. En ella Hanks encarna a un hombre decidido a pasar unos días tranquilo en su casa, pero unos nuevos vecinos han llegado para acabar con la paz que tanto anhela. Contiene la versión cinematográfica, la versión de trabajo con escenas extendidas o alternativas, audiocomentarios, una entrevista a Dante para esta edición, una comparativa entre las dos versiones incluidas, el tráiler, un libreto exclusivo o un final alternativo. Y el hijo de Peter Hyams (Atmósfera cero), uno de los grandes artesanos del Hollywood de las últimas décadas, John Hyams, estrena el excelente thriller Alone, que se pudo ver en el último Fancine–Festival de Cine Fantástico Universidad de Málaga, y que narra cómo una mujer que acaba de perder a su marido es secuestrada y encerrada en una cabaña en medio de un bosque, pero logra escapar para convertirse en buscada pieza de caza por parte de su captor, comercializándose junto al tráiler cinematográfico o el cómo se hizo. También entre las novedades está Archive de Gavin Rothery, que tras pasar por Sitges llega al formato físico incluyendo sesiones de preguntas y respuestas al realizador, así como a los actores Theo James y Stacy Martin, para contar la labor incansable de un ingeniero obsesionado con crear un androide igual a su mujer muerta, sin embargo, no todo es lo que parece. Y también regresa en blu-ray (en edición libro) Metrópolis (Fritz Lang, 1927), con reportajes sobre la restauración de 2020 y un libro repleto de información e imágenes, y asimismo lo hace otro clásico, pero más moderno, la animada El gigante de hierro (Brad Bird, 1999), sobre un robot gigante alienígena que fragua una amistad con un niño, incluyendo reportajes sobre cómo se hizo, audiocomentarios o escenas eliminadas.

De festivales fantásticos Ya se anuncian los primeros festivales para 2021, a la espera de acontecimientos para celebrarlos físicamente, de

forma híbrida o únicamente de manera virtual: abre la temporada de la nueva década de los veinte el sucesor del inolvidable Avoriaz, el galo Festival International du Film Fantastique de Gérardmer, que alcanza su vigésima octava edición del 27 al 31 de enero y que será íntegramente online, el portugués XLI Fantasporto-Porto International Film Festival tendrá lugar del 26 de febrero al 6 de marzo, lo mismo que el FANT-Festival de Cine Fantástico de Bilbao, cuya vigésima séptima edición será del 7 al 14 de mayo, poco más de medio año desde la anterior, o la Semana Internacional de Cine Fantástico de la Costa del Sol, cuya vigésima segunda edición, del 5 al 11 de septiembre, estará dedicada al wéstern y la fantasía. Y para octubre se anuncian las fechas definitivas de Sitges, Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, que será del 7 al 17 de octubre, que después de obtener (a pesar de todos los inconvenientes relacionados de la pandemia) en 2020 una considerable cifra de espectadores (en persona o a través de dispositivos electrónicos), presenta el tema principal de su quincuagésima cuarta edición, el hombre lobo, como icono de la bestia interior y la dualidad del ser humano (que se hará acompañar de un libro sobre el doctor Jekyll y míster Hyde y otros ejemplos de la doble cara del hombre). Y es que algunas producciones emblemáticas sobre este símbolo del cine de horror precisamente celebran su aniversario en 2021, ochenta años en el caso de El hombre lobo (George Waggner, 1941), cincuenta en el de La noche de Walpurgis (León Klimovsky, 1971) y cuarenta en el de Un hombre lobo americano en Londres (John Landis, 1981) o Aullidos (Joe Dante, 1981). Y como Sitges 2021 ha tomado la leyenda del hombre lobo como leitmotiv, desde aquí proponemos algunas curiosas cintas con la variante de que las protagonistas son mujeres. Y así, tenemos a Sybil Danning como Stirba, la líder de un círculo de hombres lobo en Aullidos 2 (Philippe Mora, 1985). En Mi madre es una mujer lobo (Michael Fischa, 1989) Leslie Shaber (Susan Blakely) es una mujer la que se transforma en licántropa tras ser mordida en el pie, y lo complicado es ahora cómo contárselo a la familia. Mientras que en An Erotic Werewolf in London (William Hellfire, 2006) Misty Mundae (Erin Brown) se convierte en mujer lobo al ser mordida por otra que sufre esta maldición.

Disney Investors Day En un año en el que no estuvieron en la Comic-Con ni tampoco tuvieron su reunión bienal con los fans en la D23, Disney ha soltado una miríada de proyectos en su día del accionista, con muchas sorpresas y un par de declaraciones de intenciones que han dejado a la competencia algo descolocada. Con todo por decidirse y nada claro en torno a 2021, Disney ha mostrado algunas de sus cartas, con Star Wars y Marvel a la cabeza de los proyectos. Especialmente con un grupo de series de televisión que pueden cambiar las cosas en Disney +. Y con la llegada de STAR.

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uando desde hace mucho tiempo se hablaba de Hulu y su posible fusión con Dinsey +, en el pasado Investors Day de la compañía, que iba a estar sobre todo centrado en el futuro del streaming para Disney, se presentó una nueva forma de entender esa fusión que será Star, un proyecto que llega en febrero a Europa, y que se integrará dentro de la plataforma Disney +, aumentando un poco el coste de esta, pero aportando una serie de contenidos de corte adulto que incluyen proyectos originales de Hulu, ABC, Freeform, Fox, FX y producciones originales locales, lo que también supuso una sorpresa. Star hará que Disney + pueda competir cara a cara con todos los servicios de streaming sin estar limitados por la edad en la censura que sí obliga a Disney +. Se avisará de cuándo el contenido es adulto, pero nos permitirá ver series de Hulu, algunas sin hogar en España, o películas del enorme catálogo de Fox que no entraban en la plataforma actual de Disney, y toco con un coste de 8,99 €/mes o 89,99 €/año. Eso fue un primer plato al que se le sumó el anuncio de que, al contrario de lo que Warner pretende con su estreno en

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cines y plataforma streaming a la vez, eso solo sucederá con algunos estrenos como Raya y el último dragón. Las grandes franquicias de Disney, empezando por Marvel, seguirán siendo estrenos exclusivos de los cines, confiando por el momento en que Viuda Negra llegará a cines en mayo, si todo sale como esperan. Aunque en estos tiempos ninguna fecha esté totalmente confirmada.

Con esa apuesta por una mezcla de streaming y cines, pero apoyando a las salas comerciales mucho más que Warner Bros., que esperaba otro tipo de estrategia, tocaba mostrar los ases en la manga y se hizo a través de las distintas compañías o estudios que viven bajo el manto de Disney. La idea es crear más de cien productos anuales para la plataforma (a razón de dos estrenos semanales, básicamente) que aunque lejos de lo que ofrecen otras compañías por ahora, servirá para mantener a sus más de 85 millones de suscriptores actuales y ampliarlo a entre 300 y 350 millones en 2024. Para ello, de la mano de Disney llegarán por ejemplo el proyecto Beauty and the Beast, título provisional para un proyecto con Josh Gad y Luke Evans, y nueva música de Alan Menken, y Swiss

Disney Investors Day Family Robinson, con Ron Moore y Jon M. Chu al frente del proyecto. A eso hay que sumar los ya confirmados para 2021, The Mighty Ducks: Game Changers, Big Shot, The Mysterious Benedict Society y Turner & Hooch. Para qué engañarnos, a los Mighty Ducks (la saga Somos los mejores en castellano) les tenemos ganas.

Como proyectos para Disney + no están nada mal. Y ya hemos hablado en otras páginas de lo que nos espera de gran interés en FX y Hulu. Pero hay mucho más. Por ejemplo, Lucasfilm, que dio a conocer una larga lista de series y dos películas ya confirmadas. La primera, que llegará en 2023, la dirige Patty Jenkins, conocida por Wonder Woman, y se llamará Rogue Squadron. La segunda estará dirigida y escrita por Taika Waititi. Además se confirma, por enésima vez, la quinta y última entrega de Indiana Jones, con Harrison Ford y James Mangold dirigiendo. Y tendremos adaptación de Children of Blood and Bone, el bestseller de Tomi Adeyemi. Pero si miramos las series, es mareante. Además de Willow con Ron Howard produciendo, tendremos Obi-Wan y Andor, ya confirmadas anteriormente. Con Hayden Christensen regresando como Vader y

un nuevo enfrentamiento previsto entre Vader y Obi-Wan. Dos series se suman al universo The Mandalorian, como son Ahsoka (llevaba meses rumoreándose) y Rangers of the New Republic. La serie de animación spin off de Clone Wars, The Bad Batch también nos espera este año, pero además se anunciaron Lando, A Droid Story, Star Wars: Visions y The Acolyte, todas para Disney +.

Casi nada.

De Walt Disney Pictures tendremos secuela de El retorno de las brujas, y Whoopi Goldberg tendrá tercera entrega de Sister Act. Se confirmó también que Amy Adams regresa para la secuela de Encantada, con el título de Disenchanted. Hay un remake en marcha de Tres solteros y un biberón con Zac Efron, y adaptaciones de Pinocho a cargo de Robert Zemeckis, y Peter y Wendy, con Jude Law como Garfio. La sirenita sigue en mar-

cha, como lo sigue la precuela de El rey león dirigida por Barry Jenkins. Además de series de animación para Baymax, Zootopia +, Moana: The Series o Tiana. Pixar también contará con su primera serie de animación en formato largo Win or Loose, más los estrenos de Luca en 2021, Turning Red y Lightyear, esta última con voz de Chris Evans, en 2022. Y los tres estrenos en cines…

Marvel no se quedó precisamente atrás. Se vieron adelantos de Loki y The Falcon and the Winter Soldier, que ya tiene fecha de estreno, 19 de marzo (más en el avance de series de 2021). Siguen adelante proyectos como Ms. Marvel, She Hulk, Hawkeye, Moon Knight o la serie de animación What if…? (que aparenta ser espectacular), y se anunciaron tres nuevos proyectos para Disney + de gran envergadura, como fueron Secret Invasion, protagonizada por Samuel L. Jackson y Ben Mendelsohn, Ironheart con Dominique Thorne en el papel de Riri Williams, inventora de una armadura que puede competir con Iron Man, y Armor Wars, protagonizada por Don Cheadle como Máquina de Guerra. Habrá un Guardians of the Galaxy Holiday Special dirigido por James Gunn, y una serie de cor-

Se vieron adelantos de Loki y The Falcon and the Winter Soldier, que ya tiene fecha de estreno, 19 de marzo (más en el avance de series de 2021). Siguen adelante proyectos como Ms. Marvel, She Hulk, Hawkeye, Moon Knight o la serie de animación What if…?

tos animados de Baby Groot, I Am Groot. Se confirmó la tercera entrega de Ant-Man, Ant-Man and the Wasp: Quantumania, y todos los títulos ya conocidos como Thor: Love and Thunder, Capitana Marvel 2 (con Ms. Marvel y Monica Rambeau en el proyecto) o Black Panther 2, que no se plantea buscar nuevo actor para reemplazar al tristemente fallecido Chadwick Boseman, sino que otra persona herede el manto. Y la gran noticia. Jon Watts, director de la trilogía de Spider-Man con Tom Holland, se encargará de la película de los Cuatro Fantásticos, proyecto largo tiempo esperado…

Suficiente todo ello para dejar helada a la competencia. Y, de regalo, serie de Alien de la mano de Noah Hawley. No se puede pedir más Sara Martín

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MONSTER HUNTER Milla Jovovich vuelve junto a Paul W. S. Anderson a protagonizar y dirigir, respectivamente, una adaptación de un videojuego, aunque en esta ocasión se trata de algo completamente distinto (aunque de la misma compañía), Monster Hunter, que pasó de fenómeno en Japón a todo el mundo, y que ahora salta al cine con ellos dos al frente, más la presencia de Tony Jaa como coprotagonista de esta historia que nos lleva a un mundo distinto, nuevo y lleno de criaturas legendarias.

Y además, arriesgándose estrenando la película antes de lo previsto en estos tiempos tan complicados…

A

l menos, eso han prometido. Es un esfuerzo considerable, sin duda, la película Monster Hunter, que llega de la mano de SONY, ha cambiado varias veces de fecha de estreno, por el momento, claro. La película tenía previsto su estreno en Estados Unidos el primer fin de semana de septiembre, con llegada a países como Japón en agosto. Pero evidentemente con el coronavirus y la pandemia, todo cambió por completo y como tantas otras producciones, su fecha de estreno cambió a abril de 2021. Su fecha, de hecho, fue aprovechada por Tenet para lanzarse en Estados Unidos. Mientras, según avanzaban las fechas y pese a los muchos problemas que sigue causando la terrible pandemia de la COVID-19, la película pasó a estrenarse de nuevo en 2020, de vuelta a este año, en diciembre. En Estados Unidos, el 30 de diciembre, pero en nuestro país la película llegará a España el 4 de diciembre, ni más ni menos.

De momento, es la primera producción que hace algo así y se arriesga, aunque nada es fijo en estos tiempos. Pero esperamos con ganas una de las películas que pueden animar la taquilla, sobre todo con una fórmula de probada eficacia en salas comerciales. Paul W. S. Anderson, director de cuatro de las seis entregas de la franquicia cinematográfica de Resident Evil, vuelve a adaptar un videojuego que llevaba diez años intentando llevar a la gran pantalla. Un juego que comenzó en Japón como un fenómeno y que posteriormente saltó a un mercado más internacional. A Anderson, la idea de esta historia le rondaba la cabeza desde hace muchos años. Solo cuando decidió incorporar una serie de nuevos personajes al universo de Monster Hunter encontró la fórmula adecuada para adaptar el juego. Eso, y ofrecerle el papel protagonista a su compañera en estas batallas, Milla Jovovich, quien no estaba del todo convencida de aceptar el proyecto. Tras tantas películas juntos, no sabía si el público no iba a estar cansado y pensar que de cazar zombis a cazar monstruos no había ninguna diferencia. El personaje finalmente era demasiado interesante como para decir que no…

La historia nos lleva a seguir a un grupo de militares liderados por Milla Jovovich, que acaban cruzando un portal que hace que acaben en un nuevo mundo, uno lleno de monstruos y portentosas criaturas. Junto con un cazador, al que da vida Tony Jaa, aprenderán a cazar a esos monstruos y a intentar cerrar el portal entre los dos mundos, para que los monstruos no lleguen a nuestro mundo. Junto a ellos, Diego Boneta, T. I., Ron Perlman, Meagan Good o Jin Au-Yeung com-

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pletan el reparto de esta película en la que Anderson ha colaborado con los responsables del videojuego, a los que ha mostrado los resultados del filme y que le han elogiado el haber llevado un paso más allá lo que el juego presentaba en sus inicios. Una película para disfrutar al final de este año tan bizarro que nos ha dejado casi sin estrenos. Monster Hunter llega al rescate.

I, el juego que dio inicio a todo Para poder llevar a la gran pantalla esta película, hay que partir de un videojuego, de uno que ha tenido ventas espectaculares, pero que, al contrario que con Resident Evil, la anterior saga de videojuegos adaptada por el guionista y director Paul W. S. Anderson, no llegó a ser un exitazo internacional desde el inicio, pero sí se convirtió en un fenómeno en Japón sobre todo a partir de su salto a la PSP, la consola portátil de PlayStation. El primer juego, el que da nombre a la película, es Monster Hunter, lanzado en 2004 para la PlayStation 2, como una forma de Capcom para demostrar que la consola de SONY podía competir definitivamente con las capacidades de una máquina recreativa.

Algo en lo que estuvo Resident Evil Outbreak, por ejemplo. Ryozo Tsujimoto fue el productor de la serie de juegos desde Monster Hunter Freedom y su secuela, el auténtico bum de la franquicia que comenzó el director de los juegos, Kaname Fujioka. De hecho, ellos han sido los que han dado el visto bueno a los diseños y a los cambios que Anderson ha incorporado a la película, con ambos elogiando haber llevado la franquicia un paso más allá, aunque en algunos momentos hayan asegurado que simplemente vendieron los derechos para adaptar el juego y no saben nada más de la película. El juego es un juego de rol y acción, donde originalmente damos vida a un cazador empeñado en proteger la región, que suele ser bastante grande para descubrirla y explorarla, de las criaturas y monstruos que la acechan. Su universo está creado en un mundo de fantasía con un nivel de tecnología de inicios de la industrialización, con un punto steampunk, pero que estudia las ruinas de una de antigua civilización que fue muy avanzada. Seis videojuegos principales componen la saga creada por Fujioka, pero el último está ahora mismo en proceso de desarrollo, con estreno previsto para 2021. El más popular en todo el mundo ha acabado siendo Monster Hunter World, el juego de 2018. El juego ha vendido más de 16 millones de unidades en todo el mundo (esta última entrega), pero hay que añadirle la versión con DLC Monster Hunter World: Iceborne, que vendió casi seis millones de copias. Un juego que en anteriores entregas no alcanzó los 5 millones de copias y que ahora es un fenómeno global. La película no puede llegar en mejor momento.

Jesús Usero TRÁILER: http://youtu.be/vszKTDSdH_I NACIONALIDAD, 2020 DIRECTOR: PAUL W.S. ANDERSON GUION: PAUL W.S. ANDERSON, KANAME FUJIOKA FOTOGRAFIA: GLEN MACPHERSON MUSICA: PAUL HASLINGER INTERPRETES: MILLA JOVOVICH (ARTEMIS), TONY JAA (THE HUNTER), T.I. (LINK), MEAGAN GOOD, DIEGO BONETA DISTRIBUYE: SONY PICTURES

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ENTREVISTA

MillaJovovich

Monster Hunter

Sigue siendo una de las grandes estrellas femeninas del cine de acción, porque fue pionera cuando en Hollywood no querían atreverse a hacer películas así. Otras llegaron antes, pero ella lideró a toda una nueva generación que ahora nos ofrece productos sensacionales en cine. Y lo hizo entre otras con la saga Resident Evil, de la mano de su marido Paul W. S. Anderson. Ahora ambos vuelven a la carga con Monster Hunter, otra adaptación de un juego que ella protagoniza y de la que la actriz nos habla, además de repasar su carrera, en esta entrevista. ¿Qué la motiva a hacer cine de acción después de todo este tiempo? Cuando empezó no había muchas mujeres que se dedicasen al género, comparado con hoy. Y usted y Charlize Theron han hecho un trabajo excelente en el género. ¿Cree que se le ha negado la prensa que merecía, al contrario que a ella? ¿Negárseme? Yo no diría negárseme. He tenido mucha prensa en mi carrera. Tengo muchos fans a los que les encanta mi trabajo. No soy el tipo de persona que va por la vida diciendo: “¡No me han dado suficiente promoción!” (risas). Es lo que es. Hago películas divertidas, a la gente le encanta verme patear traseros, y luego hago un montón de películas independientes. Pero al final, ey, son las grandes películas de acción las que me han dado los fans que tengo hoy en día. Así que me siento superafortunada.

Respecto a la primera pregunta, cuando estaba creciendo en los ochenta, estaba Sigourney Weaver, y eso era básicamente todo en lo que respecta a grandes heroínas de acción. Vi las películas de Alien cuando era muy pequeña, porque las echaban por HBO y, si las echaban, las veía, aunque tuviese solo diez años y fuesen aterradoras.

Pero también veía los dibujos de She-Ra, los Thundercats… Mi padre y yo veíamos Kung Fu Theatre los fines de semana… Había dibujos animados con mujeres que pateaban culos, pero si miraba al cine, no había mucho que me representase. Sobre todo en lo que eran superheroínas. Sí, antes habíamos tenido Wonder Woman y la Mujer Biónica, pero me refiero de un modo realista. Teníamos a Sigourney Weaver y Linda Hamilton. Eran realistas, no usaban el sexo…, eran sexis, pero no por las razones más obvias. Siempre me pregunté, obviamente, por qué no había más mujeres en la pantalla. Creo que cuando hice El quinto elemento fue un momento revelador para mí. Me di cuenta de que me sentía cómoda trabajando en aquel tipo de ambiente, adoro la ciencia ficción y la fantasía, me encanta entrenar… Siempre he dicho que si no fuese actriz, habría probado suerte en el Ejército, porque me muevo bien en condiciones de estrés. Me encantan las armas, soy una jugadora de equipo, acepto que me dirijan… Una vez hice una película de acción, descubrí una pasión para mí. Me encantan las artes marciales…, es algo que sentía que podía ofrecerle a la audiencia.

Hablando de hacer cine de acción, ¿cómo se siente después de más de 20 años haciéndolo? ¿Empieza a sentir que el tiempo ha pasado por su cuerpo? ¿Sabes? Es mucho más fácil hacer cine de acción que estar embarazada y dar a luz (risas). He tenido tres niños hasta este momento, y puedo hacer películas de acción durante todo el día. Lo que no voy a hacer otra vez, fisiológicamente, es tener otro hijo. No voy a volver a quedarme embarazada. Esa es la parte aterradora de verdad. Eso es lo que es realmente duro para tu cuerpo. Las películas de acción están bien. Haces ejercicio, te metes de lleno en estos mundos fantásticos donde haces cosas increíbles… Escalar el edificio más alto, volar…

Siempre es divertido verte de ese modo. Me encanta hacer películas así.

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¿Por qué arriesgarse a estrenar la película ahora, en diciembre?

Bueno, he leído un artículo –de hecho, he leído varios artículos– que decía que los únicos lugares en los que todavía no se ha producido un brote de COVID son las salas de cine. Han mejorado sus aires acondicionados, hay purificadores de aire, la gente se sienta con tres butacas de separación… es probablemente uno de los sitios más seguros al que ir si vas a salir a alguna parte. Todo el mundo lleva máscaras…

Volviendo la vista atrás, ¿cómo recuerda sus primeras películas como Regreso al lago azul, Kuffs o Movida del 76? ¿Se sentía perdida con 15 o 16 años en Hollywood?

Mira, crecí con la atención del público. ¿Debería haber participado en esas películas? Volviendo la vista atrás, probablemente, no.

Estoy segura de que cualquiera de esas películas hubiera sido mejor sin mi presencia. Pero es lo que es, así es como mi carrera empezó.

Cometí muchos errores y lo pagué con creces, con mi confianza en mí misma, siendo despedazada por la prensa… Fueron buenos tiempos (risas). Pero esa es la vida de los niños actores, acabas cometiendo la mayoría de tus errores en pantalla, supongo. A no ser que seas un actor increíble ya de niño. Y entonces, en nueve de cada diez ocasiones, no acabas siendo un actor adulto increíble, porque la mayoría de la gente quiere conservarte como niño. Es complicado. Este negocio es complicado. Y te rompe el corazón, y es maravilloso, y es resbaladizo y muy interesante… es como es. ¿Qué le atrajo de este proyecto? ¿Por qué volver a adaptar un videojuego?

Bueno, definitivamente, al principio, no tenía claro de si era una buena idea. El hecho de pasar de matar zombis a matar monstruos…

Pero cuando leí el guion… Bueno, Paul me conoce demasiado bien. Él sabe lo mucho que me encanta todo el tema militar y el Ejército, e interpretar a una soldado era demasiado bueno, no podía negarme.

Mira, me encantan las mujeres fuertes, y especialmente poder interpretar a una que es una ranger del Ejército, es algo fascinante.

Siempre he estado obsesionada con el Ejército, siempre me he llevado muy bien con gente que pertenece al Ejército, así que sentía que era un proyecto muy cercano a mi corazón. Y algo que sentía que podía hacer. Sentía que podía interpretar ese papel y hacerle justicia. Por supuesto, intenté convencerle de que trabajase con alguna otra actriz.

Le dije que se lo ofreciese a Kate Beckinsale, a Charlize Theron… Me representa CAA, ¡por Dios!, seguro que puede abrir un poco su círculo y no trabajar siempre conmigo… No sé (risas). ¿Podríamos tener una secuela o un spin off de la película?

Eso espero… Es una película muy divertida, y obviamente disfruto muchísimo trabajando con Paul después de todos estos años. Y sé que se muere por hacer una secuela. Ya ha estado tomando notas para una secuela. Sé que no va a empezar a escribirla aún, porque eso trae mala suerte, pero…

Jesús Usero

ENTREVISTA demás, el director ha trabamismo mensaje del juego, es jado en algunas películas imprescindible para la gente de más que interesantes como otros mundos, otras culturas, Horizonte final. Ahora cooperar para sobrevivir. Creo que regresa, en plena pandemia, con un es un gran mensaje, especialmente estreno dispuesto a llevar a la gente en el mundo actual, cuando todo el al cine, otra adaptación de un videomundo se encierra en sí mismo, se juego junto a Jovovich, Monster convierte en una isla y el mundo Hunter, de la que nos habló en esta cada vez está más dividido. Tener entrevista. una película en la que la coopera¿Cuáles son los retos a los ción y la amistad son el mensaje… que se ha enfrentado junto con es la película adecuada justo en Milla Jovovich en su carrera cineeste momento. matográfica desde que comenViene de la franquicia de zaron a trabajar juntos en 2002, Resident Evil. ¿Por qué decidió en Resident Evil? adaptar este videojuego? ¿Por Yo intento hacer que cada qué decidió que Monster Hunter película suponga cada vez un reto fuese su siguiente proyecto? mayor para Milla (recordemos que Para mí todo viene de mi amor son pareja en la vida real desde por el videojuego, es lo que me hace casi 20 años). Y, definitivamotivó. Jugué al videojuego hace mente, he subido las apuestas en once años en Japón, cuando casi esta película, en Monster Hunter. En nadie fuera de allí sabía lo que era un momento determinado se giró realmente Monster Hunter World. hacia mí y me dijo: “Esto es lo peor Era un fenómeno japonés, en que me has hecho jamás” (risas). Aunque tiene a la gente dividida, todos cono- realidad. Y me enamoré del mundo Porque es lo más incómodo que que Haruhiro Tsujimoto y Kaname cemos ya su trabajo en la saga Resident Evil, había hecho o se había encontrado.

Fujioka (él añade el sufijo honorífico Esta película fue muy diferente para posiblemente la más conocida adaptación de a ambos, Tsujimoto-san y Fujiokanosotros, porque aunque teníamos u n v i d e o j u e g o a l c i n e g r a c i a s a s u s s e i s san) habían creado. Era increíble. un estudio base, rodamos casi todo Los paisajes, las criaturas, el hecho en exteriores. Y casi todas esas entregas protagonizadas por su esposa Milla de que fuese un mundo en perfecto localizaciones en exteriores están Jovovich y de las que Anderson dirigió cuatro equilibrio, en el que si matabas a en mitad de ninguna parte, en Sudá- entregas. una criatura utilizabas todo lo que frica o Namibia. El videojuego tiene provenía de ella… Era un mundo en estos paisajes increíbles y queríamos reproducirlos de la forma más el que la importancia de la cooperación se remarca continuamente. realista posible. Así que nos fuimos a esos lugares inhóspitos del Creo que era un mundo que tenía varias lecciones para el nuestro. mundo que estaban a 200 o 250 kilómetros de la población más En muchos aspectos, era un mundo mejor que el nuestro. Y me cercana. Y te dabas cuenta de por qué nadie vive en esa parte del obsesioné con poder llevarlo a la gran pantalla. Y además, para mí, mundo. Había temperaturas bajo cero o temperaturas abrasadoras, tiene todos los elementos para ser un evento cinematográfico vientos huracanados en un poblado de tiendas de campaña… Así impactante. Eso es lo que hizo que me obsesionase. Pasé mucho que, físicamente, para los actores fue todo un reto rodar la película. tiempo desarrollando el guion, escribí muchas versiones, y entonces Milla acabó con quemaduras en los ojos. El blanco de los ojos estaba elaboré una versión con Milla en mente. Entonces es cuando todo rojo por las quemaduras, porque su personaje en la película no encajó para mí. Cuando encontré la idea de una extraña llegando a puede llevar gafas de sol. Lo mismo vale para Tony Jaa. Y fue algo este mundo y posando sus ojos por primera vez en él…, entonces nuevo para mí. Nunca he hecho una película que fuese tan exigente todo tuvo sentido. Esa era la película que quería hacer, porque en física y logísticamente. Creo que a los actores les ayudaba a verse cierto sentido, emulaba lo que sentí la primera vez que jugué al inmersos en la película y era perfecto para el look de esta. Las cria- juego. El sentido de la maravilla que descubrí cuando vi este mundo turas son los únicos efectos CGI de la película, el resto es muy real. por primera vez. Y además es un mundo muy natural. Resident Evil Así que nos alejamos de ese look del blockbuster moderno donde era muy urbano, muy postapocalíptico. El mundo de Monster Hunter todo se rueda frente a una pantalla verde. es exuberante. Junglas, grandes zonas acuáticas, preciosos Cuando todo el mundo está huyendo de 2020 a la hora de desiertos… Y la oportunidad de rodar en todos estos paisajes… era estrenar sus películas, ¿por qué arriesgarse y hacerlo ahora, en un cambio de ritmo para nosotros. Era una película que tenía que diciembre? hacer.

Bueno, nuestro plan de estreno inicial era en septiembre de ¿Tendremos una secuela? este año, el fin de semana del Día del Trabajo en Estados Unidos. Y Todo depende de la primera película. Es un mundo fantástico la hubiésemos estrenado antes en algunos lugares del mundo, como con el que he estado obsesionado más de una década. Y puedo Japón. Así que si íbamos a estrenar en agosto y septiembre, ya decirte que en mis más de 25 años haciendo películas, Monster llegamos tarde. Luego tuvimos que mover el estreno, y al principio Hunter es mi favorita en lo que respecta a hacerla. Es la película de creo que fue más para guardar la fecha, en realidad, para conservar la que estoy más orgulloso y la que, pese a todos los retos físicos la fecha de 2021. Pero lo que siempre pensamos fue que en estos que ha supuesto, es la película que más he disfrutado haciendo. Y el tiempos…, esta es la película perfecta para estos tiempos. Es puro reparto estuvo sensacional. Diego Boneta, T. I., Milla, Ron Perlman, escapismo, una película en la que puedes viajar a un mundo comple- Tony Jaa… Todos estuvieron genial y comprometidos, apasionados tamente nuevo, un mundo con muchos retos y pensamos que era el por el proyecto… Poder pasar más tiempo con esta gente, sería un momento ideal para dejar que la gente se pierda en él. Un entreteni- regalo. Pero yo no tomo esas decisiones… miento que los lleva a un lugar nuevo por un par de horas. Y para mí, yo siempre estoy a favor de una película palomitera, pero creo que esta, en el fondo, tiene un mensaje muy importante. Que es el Jesús Usero

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Paul WS Anderson

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Fotografía: © Pablo Paniagua

Nos habla de Monster Hunter

ENTREVISTA l actor se ganó el corazón de ejemplo, por el lenguaje. El personaje los seguidores y llamó la atenhabla esperanto, algo parecido al ción de Hollywood, donde lenguaje de Avatar (risas). Pero fue empezó a trabajar en papeles muy divertido. Una gran experiencia cada vez más importantes. Quizá el para mí. más importante hasta la fecha sea en ¿Cuántas horas al día Monster Hunter, la adaptación del entrena para mantenerse en videojuego que ha preparado Paul forma? ¿Qué tipo de entrenaW. S. Anderson, coprotagonizada por miento sigue?

Milla Jovovich y de la que el actor nos Entreno cuatro horas al día. ¡No habla aquí. todos los días! Pero, habitualmente, Con una carrera de tanto suelen ser cuatro horas al día. Dos éxito y ahora esta película, ¿ha horas por la mañana y otras dos pensado en mudarse a Hollywood a horas por la noche. Cuando empiezo, tiempo completo? practico cómo boxear, cómo golpear, No, no a tiempo completo, eso dar puñetazos, patadas… La precino. En Hollywood comenzamos ¿hace sión. Y luego gimnasia, acrobacias, cuánto?, ¿seis años? No, hace siete para mantener la flexibilidad y el años comenzamos a hacer películas equilibrio. Practicar una y otra vez en Hollywood. 50/50 entre Hollypara aprender el nuevo movimiento wood y Asia (risas). Algo así será. para una escena de acción. Y luego Hablando de trabajar en meditación.

Hollywood, ¿qué te aporta que no ¿Cuál fue el momento más puedas conseguir trabajando en difícil de rodar? Porque Milla y Asia o en Tailandia en concreto?

Con apenas un par de películas como Ong Bak Paul nos contaron lo extremas que Porque, como sabes, las pelíeran las temperaturas en Sudáculas de Hollywood son diferentes. Es y Thai Dragon, Tony Jaa se convirtió en uno de frica, por ejemplo. diferente cómo las hacen. Las pelí- los referentes del cine de artes marciales, Sí, muchas escenas fueron muy culas de Hollywood son grandes, con viniendo desde Tailandia y renovando muchos difíciles. El tiempo era muy diferente, grandes presupuestos. Usan la tecnopor ejemplo, en Namibia. Pero la c o n c e p t o s d e l g é n e r o .

M á s b r u t a l , m á s logía para crear la película, la mejor escena más complicada y peligrosa película posible. Una película interna- violento y más complejo incluso. de rodar fue la que hicimos sobre la cional. Las películas tailandesas son arena blanca. Es una escena en la que de presupuesto pequeño y solo nos centramos en los combates. Es usábamos un dron que pretendía ser un monstruo que corría hacia mí diferente, también en lo cultural. La cultura es diferente. Pero es diver- para matarme y yo corría también. Me hizo casi caer. Lo intenté tido para mí y es una gran oportunidad para mí trabajar en una película muchas veces, pero el traje, el pantalón…, eran muy pesados. Hicimos de Hollywood. Solo la experiencia, para mí es como si fuese un estu- además 20 tomas por lo menos. Solo oía: “Listos y… ¡acción!”, y a diante que va a la escuela o a la universidad. correr hacia el dron una y otra vez… Tenía que imaginarme que era un ¿Cómo ha sido trabajar con Milla Jovovich y Paul W. S. monstruo lo que tenía delante, pero no podía… Estaba tan cansado Anderson, dos de las personas con más experiencia a la hora de (risas). Y luego decían: “Corten, todo bien, todo perfecto… Vamos a adaptar videojuegos al cine? ¿Era fan de Resident Evil, por hacerlo una vez más”. La arena blanca es un lugar precioso, como un ejemplo? mundo nuevo y distinto. Pero estábamos a 45 grados, hacía mucho Era muy, muy fan de Paul W. S. Anderson y Milla Jovovich. Es mi calor y el equipo pesaba mucho, corriendo todo el rato. primera película con Anderson y para mí es como un sueño hecho Acaba de hablarnos de una escena de acción de la película y realidad. Es un gran papel y el personaje es muy importante en la pelí- le conocemos por sus espectaculares escenas de acción. ¿En qué cula. Paul me dijo que quería trabajar conmigo porque quería hacer se diferencian estas de las que ha hecho antes en su carrera? algo nuevo, ver a Tony Jaa luchar contra un monstruo (risas). Eso sí que ¿Qué escenas de acción vamos a encontrar en la película? es algo nuevo para mí, y fue muy divertido trabajar con ellos.

Diferentes, muy diferentes (risas). Antes siempre me enfrentaba Ahora que lo menciona, ¿qué nos puede contar de su perso- a humanos, ya sabes, una pelea, de cuatro minutos quizá (empieza a naje en la película? Es el único que pertenece a este mundo imitar los golpes y los sonidos), como en Ong Bak o en Thai Dragon. nuevo.

Luchábamos y seguíamos luchando. Ahora todo es diferente, en esta Sí. Mi personaje es como un gran cazador. Sabe todo sobre los película todo es diferente. Luchamos contra monstruos. Todo hay que monstruos y cómo usar las armas para matarlos. Se ha convertido en un imaginárselo. Te dicen que el monstruo está ahí, pero no puedes verlo, profesional de ello, de saberlo todo. Cómo obtener el veneno de un tienes que imaginarlo, todo es una pantalla verde. Como enfrentarse a monstruo para matar a otro monstruo. Tiene la técnica y las habilidades. un elefante, un elefante sería como un monstruo. Un elefante muy, Todo. Es el hombre al que buscar en este nuevo mundo (risas). muy grande. Todo es grande, más grande. Y todo viene de creer desde Sabemos que en la película tiene muchos momentos de el interior. Imaginación. E instinto, muy importante. comedia. Y que se inspiró en las comedias de acción de Jackie ¿Qué nos puede contar de Paul W. S. Anderson como Chan para empezar su carrera. ¿Es algo que quería hacer en esta director? película, sacar a relucir a su Jackie Chan interior?

Paul es un gran director… Muy guapo, también (risas). Era muy fan Cuando era niño, me inspiraba en las películas de Jackie Chan de él por su trabajo en Resident Evil y el resto de películas de la franporque me encanta la comedia. Me encantan las comedias de acción. quicia. Es alguien que sabe hacer una película como esta. Él me dijo que Cómo cogía a los personajes y los ponía en las películas haciendo a la esta película era su sueño, que llevaba preparándola durante dos años. gente emocionarse, reír…, haciendo a la gente feliz. Y en esta película, Que quería que fuese algo nuevo, no como Resident Evil. Pero viene del mi personaje es algo así, quiero hacer reír a la gente, quiero que haya rey de las adaptaciones de videojuegos. Lo tenía todo preparado desde comedia. Que la gente se divierta. Este personaje, en esta película, es que llegué, de los storyboards al CGI o los lugares de rodaje… Creo que la una gran oportunidad para mí. Es el Cazador, un gran personaje que gente va a adorar esta película porque todo es nuevo. debe representar al nuevo mundo. Y fue muy difícil para mí, por Jesús Usero

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Tony Jaa

Nos habla de Monster Hunter

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MYSTIC RIVER

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os tragedias marcan a los personajes de esta obra maestra dirigida por Clint Eastwood.

Aviso: puede haber

spoilers.

La música vuelve a marcar el tempo emocional del relato, una constante del cine del director, que abraza aquí plenamente el clasicismo con el plano general del pasado en los setenta con el río y el puente como protagonistas sobre una ciudad convertida en laberinto urbano para los personajes, como propusiera en su explicación del género policíaco el maestro del mismo en su variante literaria G. K. Chesterton. Y en ese paisaje, el río que da título a la historia, al que todos los personajes parecen estar atados de una u otra forma.

El plano contrapicado a los padres en la terraza inicia el recorrido por el subtema de la confianza y la desconfianza que recorre toda la película ya desde esa etapa de prólogo que es el secuestro de Dave (Tim Robbins en fase adulta), símbolo de la inocencia rota y la confianza definitivamente perdida en una historia de vidas rotas en el pasado y en el presente. Diálogo a modo de conclusión en el tercer acto: “A veces creo que los tres subimos a aquel coche”.

En ese prólogo, con máxima economía de metraje y planos, Eastwood define perfectamente a sus

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ANÁLISIS DE CINE

tres protagonistas y presenta la personalidad que van a desarrollar como adultos (FOTO 1). Sean (Kevin Bacon en adulto) dice que le gustaría darse un paseo en coche y Jimmy (Sean Penn años después) propone robar uno.

Mientras, Dave es el elemento pasivo y, finalmente, la víctima en el pasado y en el presente. El peso del pasado que vuelve para atrapar a los personajes es otro elemento del cine negro.

Un majestuoso plano de grúa (FOTO 2) nos lleva de vuelta a las calles del barrio y hasta la fase adulta de los personajes. Dave y su hijo volviendo de la escuela y hablando precisamente de la inseguridad y la falta del niño por su fracaso en el deporte, espejo de lo que le ocurre a su padre ya adulto. El puente al fondo como referencia de los límites del laberinto.

El movimiento de la cámara con grúa sirve para marcar el tempo en la elipsis temporal, del mismo modo que conduce desde el plano del coche de la hija de Jimmy hacia el fundido encadenado con el plano del puente y el policía en que se ha convertido Sean (FOTO 3). Sirve para volver a marcar la frontera de ese laberinto urbano que atrapa a los personajes. Sean le dice a su compañero (Laurence Fishburne) que está mirando su barrio. Eastwood sigue dando lección de economía narrativa en la información sobre la extraña situación de Sean con su esposa, pincelada de intriga

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CLÁSICOS IMPRESCINDIBLES en segundo término que enriquece el conjunto y será el único atisbo de optimismo en un desenlace trágico y pesimista.

Las dudas sembradas en el espectador sobre la culpabilidad o no de Dave son el motor de nuestra implicación en la trama y encuentran un personaje-espejo del espectador en su esposa, Celeste (Marcia Gay Harden), como subraya el plano subjetivo hacia las manos manchadas de sangre del marido. De ese modo, nos convertimos en cómplices del crimen de Jimmy en su búsqueda de venganza y, al mismo tiempo, somos cómplices de ella, en contra de nuestra voluntad, puesto que hábilmente se nos pasa información de la que carecen los personajes para reforzar el suspense haciéndonos saber que hemos sido prejuiciosos con Dave, y que el origen de sus mentiras no es su participación en la muerte de la hija de su amigo, sino algo que está conectado con su pasado y, por tanto, asienta ese peso de la tragedia del presente en el desenlace y revelación final de las dudas que plantea la película.

Es interesante, por otro lado, el papel de las tres esposas en la trama, porque como ocurre en la Odisea, de Homero, no debemos caer en la trampa de pensar que el único viaje que se produce en la trama es el de los personajes masculinos, del mismo modo que, junto con el viaje de Odiseo/Ulises, existe el viaje de Penélope, en círculo, tejiendo durante el día lo que desteje durante la noche para mantener a raya a los pretendientes mientras continúa siendo fiel a su marido.

En Mystic River, la esposa ausente y enigmática de Sean, la esposa débil que carece de confianza —otra vez el tema de la confianza— de Dave, y Annabeth (Laura Linney), la esposa de Jimmy. Aparece poco en la película pero es decisiva en el desenlace, revelándose como una Lady Macbeth.

Todas ellas hacen un viaje en la trastienda del relato como el de Penélope en la Odisea (FOTO 4). “Su padre es un rey. Su padre hará lo que sea por su familia”, le dice Annabeth a Jimmy.

La secuencia en la que Dave llega a casa manchado de sangre, con su esposa en la escalera mirando en picado, ella pasa de la derecha del plano con Dave a la izquierda a ocupar la izquierda del plano con Dave a la derecha, espacios intercambiados, después del plano subjetivo (FOTO 5). Ejemplo de la

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curiosa coreografía con la que Eastwood define la relación entre los cónyuges en esos matrimonios.

La grúa que se aplica al plano de Dave será el elemento que se aplique también a otro momento en que está presente el tema de la paternidad, cuando Jimmy descubre que han encontrado el cadáver de su hija y estalla (FOTO 6). Se introduce así una especie de mirada superior por encima de los personajes que se completa con ese plano que asciende desde el cadáver de la muchacha hacia el cielo. Ella ha conseguido escapar finalmente del barrio y termina el primer acto. Picado y contrapicado serán herramientas de Eastwood para sacar adelante muchos planos claves.

Es brillante y muy inteligente el modo en el que Sean Penn administra ese estallido de dolor en esa secuencia y luego, cuando acude al depósito a identificar el cadáver, aplica máxima contención. Muestra que ha iniciado el camino de retorno a ese pasado violento que creía haber dejado atrás por su hija ya perdida. Los guantes de Jimmy cuando brinda con Dave en el bar antes de llevarlo al borde del río en el tercer acto testimonian que ese retorno al pasado se ha completado (FOTO 7). Las manos manchadas de sangre de Dave se unen así a las manos enguantadas de Jimmy, que se van a cubrir de sangre.

Fishburne es el personaje ajeno al pasado de esos personajes y al barrio y por ello aporta una objetividad que le permite ser representante del espectador dentro de la trama. Así lo expresa cómo queda en segundo plano cuando habla con Jimmy y su esposa en la cafetería (FOTO 8), aunque ocupa el lugar más elevado en el centro del plano para subrayar la importancia de su presencia como testigo en el drama.

Interesante la posición que ocupa Fishburne en ese curioso plano del falso espejo (FOTO 9), el espejo en el interrogatorio de Dave, con la temperatura fría del color azul dominando como en la morgue y en la madera de la terraza en la que Jimmy se confiesa a Dave (FOTO 10). La secuencia anticipa ese otro encuentro de ambos al final de la película, pero en ambas secuencias, como en toda la cinta, Dave, “el niño que escapó de los lobos”, se revela como el eje sobre el que gira toda la película.

Miguel Juan Payán

GRANDES DIRECTORES

ORSON WELLES

aestro entre maestros, George Orson Welles nació en Kenosha, Wisconsin, Estados Unidos, el 6 de mayo de 1915 y falleció en Los Ángeles, California, el 10 de octubre de 1985 después de setenta intensos años de vida que le llevaron a convertirse en renovador del lenguaje cinematográfico y pieza fundamental de la historia del cine desde el momento en que dirigió su primer largometraje: Ciudadano Kane (1941).

Obra maestra de la ruptura del relato lineal, la película jugó con la incorporación de distintas voces al relato, se nutrió copiosamente de la precedente experiencia de su creador en el teatro y la radio, dando lugar a un puzle de registros secuenciales contradictorios para abordar varias versiones de la vida de Charles Foster Kane, inspirado en el magnate de la prensa estadounidense William Randolph Hearst.

La revolución del lenguaje cinematográfico marcó a cineastas y películas posteriores. Revolucionando el lenguaje, Welles hizo evolucionar no solo la forma de mostrar el mundo en la pantalla a través de los ojos de un caleidoscopio de personajes, sino que sustentó un cambio en la forma de mirar la obra cinematográfica del propio espectador, dando un paso de gigante hacia la madurez en la relación del cine y el público.

En Ciudadano Kane, Welles se propone recrear la realidad compleja oculta bajo el realismo utilizando para ello el símbolo y lo no dicho, un objetivo al que no es ajena su afición por la magia.

Años después, Welles pagaría el tributo debido en ese progreso del lenguaje al que consideraba uno de sus maestros, David Wark Griffith, protagonizando un prólogo introductorio en una edición de la obra maestra de dicho director, Intolerancia (1916), película adelantada a su tiempo que también había jugado con la cronología alterada del relato sirviendo como fuente de inspiración para el director de Ciu-

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Paul Winfield y Samuel Fuller en el rodaje de Perro blanco

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GRANDES DIRECTORES

Joseph Cotten y Orson Welles en El tercer hombre

dadano Kane. Welles consideraba con justicia a Griffith como el creador que había articulado y dado sentido al lenguaje cinematográfico. Welles apreciaba a Griffith como maestro tanto como valoraba a John Ford. Welles se confesaba inspirado por La diligencia (1939), obra maestra de Ford que repasaba como ejemplo del que seguir aprendiendo cuando preparaba Ciudadano Kane. Cuando a Welles le preguntaron quiénes eran sus tres directores favoritos, contestó: “John Ford, John Ford y John Ford”.

También le preguntaron cuáles eran en su opinión las mejores películas de la historia del cine, con motivo de su paso por el Festival de Bruselas en 1952. Ante esta cuestión, una de las más incómodas que se le pueden plantear a un cineasta, cinéfilo o aficionado al séptimo arte, lógicamente deslumbrado ante toda la riqueza producida por la pantalla grande en sus más de cien años de existencia, Welles solventó la situación con una lista que es también una pista sobre sus inquietudes y estilo como director. En la misma figuraban Luces de la ciudad (1931), de Charles Chaplin; Avaricia (1924), de Erich von Stroheim; Intolerancia, de Griffith; Nanook, el esquimal (1922), de Robert Flaherty; El limpiabotas (1946), de Vittorio De Sica; El acorazado Potemkin (1925), de S. M. Eisenstein; El pan y el perdón (1938), de Marcel Pagnol; La gran ilusión (1937), de Jean Renoir; La diligencia (1939), de John Ford; Ninotchka (1939), de Ernst Lubitsch; Los mejores años de nuestra vida (1946), de William Wyler; y Ladrón de bicicletas (1948), de Vittorio De Sica.

Talento Precoz Enfrentado A Hollywood Si indudablemente la carrera posterior de Orson Welles quedó marcada por su ópera prima y obra maestra, no exenta de polémicas sobre sus créditos con el guionista Herman Mankiewicz, no La retransmisión radiofónica de La guerra de los mundos por parte de Orson Welles sembró el pánico en la población estadounidense

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cabe duda de que la vida del director quedó marcada ya desde la infancia por un desgarro emocional motivado por la muerte de su madre que luego aprovecharía en la infancia del protagonista de Ciudadano Kane, en la que siempre me pregunto hasta qué punto esas secuencias en la nieve son un guiño a otra posible influencia de la escena de batalla brillantemente desplegada por Abel Gance en la etapa infantil de su héroe en Napoleón (1927).

Hijo de padre inventor que cayó en el alcoholismo y se separó de su madre, concertista de piano, Welles tuvo que afrontar primero la separación de sus padres cuando contaba seis años y luego la muerte de su madre cuando él acababa de cumplir los nueve. Eso le dejó al cargo de su padre, con el que inició un periplo viajero alrededor del mundo antes de dejar también huérfano al futuro director cuando este tenía quince años. Welles demostró gran talento desde la infancia, con un talento precoz como pintor, escritor e incluso mago amateur.

Todas esas experiencias y sus talentos precoces llevaron a Welles a crecer rápido o quizá, como señaló uno de sus profesores, Roger Hill, que sería su amigo durante años, nunca fue realmente un niño en algunos aspectos. Debutó como actor en un teatro de Dublín, ciudad a la que había llegado en un viaje por Europa financiado con la herencia de su padre, que también le traería a España.

Más tarde, su carrera teatral le llevaría a trabajar en teatro en Nueva York y a conseguir su primer trabajo en la radio en 1934, fundando tres años más tarde la compañía teatral Mercury Theatre con el actor John Houseman. Sería con esa compañía con la que representaría la adaptación radiofónica de la novela La guerra de los mundos en la noche de Halloween de 1938, convertida en un fenómeno que provocó alarma social y caos en algunas localidades estadounidenses donde la fórmula de noticiario aplicada por Welles a su adaptación provocó que algunos oyentes pensaran que realmente los Estados Unidos estaban siendo invadidos por los marcianos.

Hollywood no tardó en interesarse por el responsable de ese fenómeno y, aunque la productora que lo había fichado, RKO, rechazó su primera propuesta de adaptar El corazón de las tinieblas, de Joseph Conrad, narrada en plano subjetivo, le proporcionó los medios para rodar Ciudadano Kane, que según pretextaba luego el estudio fue un fracaso que le genero pérdidas por valor de 150.000 dólares.

Su siguiente largometraje, El cuarto mandamiento (1942), volvió a mostrar su talento, a pesar de ser severamente mutilada por el estudio con un montaje recortado sin contar con el director.

Welles afirmaría luego: “Nadie puede pretender ser un director de cine hasta que también hace su propio montaje de la película”.

El mayor éxito comercial de su carrera lo consiguió Welles con El extraño (1946), intriga en la que interpretó a un criminal nazi, a la que siguió una recomendable muestra de cine negro, La dama de Shanghái (1947), protagonizada por la que fuera su esposa, Rita Hayworth, cuya imagen como estrella cambió radicalmente para la ocasión. Su adaptación de Macbeth (1948) fue el principio de sus brillantes trabajos, con obras de William Shakespeare en el cine, proseguidos con Otelo (1951), otra obra maestra filmada a lo largo de varios años con interrupciones para conseguir financiación, y otra de sus películas imprescindibles y Campanadas a medianoche (1965), rodada en España.

Welles también brilló como adaptador de Franz Kafka en El proceso (1962) y arrancó con uno de los más famosos planos secuencia del cine su brillante muestra del cine negro Sed de mal (1958), interpretando en la misma al mejor personaje de su repertorio como actor, el policía corrupto Quinlan. Además, completó otro título recomendable de su filmografía con Mr. Arkadin (1955) y jugó hábilmente con el documental en Fraude (1973). Lamentablemente no pudo completar su adaptación de Don Quijote.

Miguel Juan Payán

ENTREVISTA

GeorgeClooney habla de Cielo de Medianoche

El próximo 23 de diciembre, Netflix estrenará en todo el mundo la nueva película de George Clooney como director y protagonista. Cielo de medianoche es una historia de ciencia ficción y supervivencia en la que el cineasta se ha involucrado y que puede sonar para la temporada de premios. Clooney pasó por el BFI Festival y habló para nosotros sobre la película y lo complejo de rodar una historia como esta, desde las localizaciones hasta los imprevistos que surgen en el rodaje. Esto es lo que George Clooney tenía que contar sobre Cielo de medianoche.

George Clooney ha elegido adaptar la novela de Lily BrooksDalton para que sea su siguiente proyecto delante y detrás de las cámaras. Una adaptación que viene de la mano de Mark L. Smith, quien es un guionista reputado por su trabajo en El renacido, pero que también tiene una serie de películas no muy memorables a sus espaldas, como Habitación sin salida, su secuela, Miedos 3D, o el horrible remake americano de Martyrs. Pero aquí se sale de su habitual género de terror, como en El renacido, así que esperamos un trabajo impecable en esta cinta que promete una historia de redención y superación sobre un científico que vive prácticamente solo en el Ártico, interpretado por Clooney, quien tiene que impedir que un grupo de astronautas regresen a la Tierra, que ha sido asolada por un misterioso evento apocalíptico. Junto con Clooney, la niña Caoilinn Springall, y en el espacio Felicity Jones, Kyle Chandler, David Oyelowo o Demián Bichir componen el más que interesante reparto de esta historia de ciencia ficción, drama y aventuras que podremos ver este mes de diciembre en Netflix.

Una historia que el propio Clooney contaba cómo había llegado hasta él. “No había leído el libro, me lo envió la gente de Netflix para que interpretase un papel en la película que iban a preparar. Era un papel muy bueno, muy bueno para mí. Y decidí que quería probar a dirigirla, así que me ofrecí a hacerlo. He rodado un par de cintas ambientadas en el espacio, una con Alfonso (Cuarón, Gravity) y otra con Steve (Soderbergh, Solaris), así que sabía perfectamente lo duro que iba a ser rodar las escenas en el espacio.

Pero esta película me parecía que en el fondo era una historia muy íntima respecto a lo que la humanidad es capaz de hacerle a la propia humanidad, contada de una forma muy personal. Y también me gustaba la idea de contar una historia sobre la redención, y creo que esta era la historia definitiva sobre la redención. Así que convencí a esta gente para hacerla, la rodamos en 65 milímetros, para poder llevarla a salas IMAX y mostrarla en pantallas gigantes, y ahora la vais a ver en la pantalla de un ordenador…”. Además, añadió cómo había sido la cooperación con el servicio de streaming: “Fueron lo suficientemente amables en Netflix para dejarnos hacer la película que queríamos hacer, algo que no es muy sencillo. Estas películas no son sencillas de hacer, de lograr que se hagan, como puedes imaginarte”.

Un aspecto muy interesante del filme es esa doble localización de la historia que da la sensación de enfrentarnos a dos películas en lugar de a una. “Más o menos tuve que hacerlo. Primero rodé toda mi parte, con esa enorme barba a lo David Letterman y mi cabeza afeitada. Mi mujer se alegró mucho cuando terminamos la producción… Empezamos rodando en Islandia, que es bastante duro. Son cuarenta grados bajo cero, vientos de más de cien kilómetros por hora que se pueden ver… fue muy difícil rodar, físicamente difícil rodar. Y luego fuimos a los estudios Shepperton y

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empezamos a rodar mis escenas en estudio. Comenzamos el rodaje en octubre y lo terminamos a primeros de año. Y entonces rodamos el resto. Nos dio la oportunidad de acabar los sets del resto de la historia, que habíamos empezado a construir, y que son los sets de las escenas del espacio. Eran sets mucho más complicados de construir. En mitad de todo ello, Felicity (Jones) me llamó. Estábamos en mitad de Islandia, creo recordar, y yo me sentía realmente desgraciado. Me llamó para darme la noticia. Estaba embarazada, y eso complicaba las cosas. Ella quería rodar todas sus escenas de riesgo, todas las escenas con cables, y me tuve que negar. No íbamos a poner a una persona embarazada suspendida por cables. Al principio probamos a poner a una doble de cuerpo y la cara de la actriz encima, pero quedaba raro. Así que nos reunimos y lo hablamos. La decisión era sencilla, la gente se va a una misión al espacio durante años y pueden pasar cosas. Tienen sexo. Así que su personaje estaba embarazada. Creo que eso, además, le da algo sobre lo que apoyarse a la película, por lo que supuso un extra para nosotros”, contaba el director sobre cómo enfocar esa doble vertiente de la historia a la hora de rodarla y, sobre todo, la sorpresa que supuso el embarazo de su actriz protagonista y cómo lo aprovecharon.

Para utilizarlo, Clooney hablaba de cómo ante los cambios hay que saber adaptarse, convertirlos en algo bueno, hacer que giren a tu favor. Nunca cerrarse en banda, siempre esperar ese cambio que llega, desde la novela, al guion, a la película finalizada. Y nos sirvió también ver una pequeña parte de la película, que circulaba en torno al aislamiento del personaje y a los riesgos de ese viaje que emprende para intentar avisar a los astronautas. “Es extraño porque había muchas más líneas de diálogo de las que acabamos usando, porque sentíamos que era más bien una película muda. Hay una cinta de Jackie Gleason llamada Gigot que tiene ese tono, la verdad. Interpreté a un pediatra en Urgencias y era un borracho, un ligón… pero al final de cada capítulo se jugaba el cuello por un niño.

Puedo representar cualquier personaje, incluso con las peores cualidades, siempre que finalmente tenga un buen trato con los niños. Contar con Caoilinn (Springall) allí junto a mí me permitía interpretar esas escenas de soledad e ira de una forma más comprensible, totalmente diferente a como habría sido si ella no hubiera estado allí. Y, creedme, es una actriz de los pies a la cabeza, aunque sea su primer papel profesional. Creo que hice más de una toma con ella quizá… tres veces”. Pronto podremos ver Cielo de medianoche y comprobar si todo ese esfuerzo y ese complejo rodaje han merecido la pena, pero cuando dirige George Clooney podemos confiar muchas veces en un buen resultado final, aunque haya tenido algún resbalón por el camino. Por ahora, la esperamos con ganas.

Jesús Usero

El cine que veremos en

2021 Empezamos 2021 agradeciendo que sigamos todos aquí y con la ilusión de poder volver a los cines con el cien por cien de los estrenos aplazados por la pandemia. Y para abrir este año, os hemos preparado un gran reportaje de avance de estrenos con “Cartelmanía” incluida.

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mprescindible aviso: las fechas previstas de estreno podrían verse alteradas puntualmente por alguno de los coletazos de esa enemiga vil que nos ha estado confrontando en los últimos meses, la COVID-19, por retrasos en rodajes decisiones de los estudios u otro tipo de circunstancias similares totalmente ajenas a esta revista. Confiemos en que eso no ocurra.

Del videojuego al cine Tras una larga espera y muchos cambios de concepto y reparto, la adaptación de Uncharted protagonizada por Tom Holland como un Nathan Drake rejuvenecido llega el 17 de julio de 2021, con Ruben Fleischer (las dos de Zombieland, Gangster Squad, Venom), como director, Mark Wahlberg en el papel de Victor Sullivan y Antonio

Banderas en el reparto. Holland se confiesa seguidor y jugador del juego y asegura que la película va bien y es todo lo que soñó que sería, aunque algunos fans del asunto no acaban de estar convencidos. A Wahlberg le recuerda a Indiana Jones. Veremos.

Comedias, cuentos y animación ¿Necesitamos otra versión de Cenicienta? La cantante cubana Camila Cabello está convencida de que sí, y así lo afirma protagonizando esta variante en clave de comedia musical del cuento que llegará a las pantallas el 5 de febrero de 2021, con Billy Porter como hada madrina, Nicholas Galitzine como príncipe perseguidor de zapatos y Minnie Driver como la reina Beatrice. Pierce Brosnan le pone elegancia al asunto en el que puede ser uno de los musicales de éxito del año.

Dirige Kay Cannon, actriz que se pasó al otro lado de la cámara por primera vez con #SexPact.

Otro título musical llega a final del año, el 10 de diciembre de 2021, estreno de la nueva versión del clásico de Broadway de 1957 West Side Story, adaptado al cine en otro clásico dirigido en 1961 por Robert Wise. Dirige Steven Spielberg y encabezan el reparto el protagonista de Baby Driver, Ansel Elgort, y Rachel Zegler, que aquí puede saltar al estrellato. Interesa ver qué tal se desenvuelve Spielberg en este género y cómo ha recuperado a Rita Moreno, Oscar de reparto por la película de 1961, con un papel nuevo especialmente concebido para ella.

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EL CINE QUE VEREMOS EN 2021 Otra secuela de animación, la cuarta entrega de una saga comenzada en 2012: Hotel Transilvania 4 estará en la cartelera el 6 de agosto, buena propuesta para llevar a los más pequeños al cine en vacaciones veraniegas. Reto: superar a su predecesora, Hotel Transilvania 3: unas vacaciones monstruosas, que ingresó más de 500 millones en todo el mundo en 2018. Adam Sandler, Selena Gómez y el resto del reparto de voces repiten.

Pero, sin duda, la película de animación más esperada de los próximos meses es la versión más oscura de Pinocho que nos propone Guillermo del Toro junto a Mark Gustafson, con reparto de voces de lujo encabezado por Ewan McGregor, Cate Blanchett, Tilda Swinton, Ron Perlman, Burn Gorman, Finn Wolfhard, John Turturro, David Bradley, organizador de la Boda Roja en Juego de tronos, como Gepetto, Christoph Waltz y Gregory Mann como Pinocho.

Viñetas, celuloide y superhéroes

Pinocho de Guillermo del Toro

Antes de Pantera Negra otro monarca africano ya se hizo famoso en el cine visitando Estados Unidos. Vuelve Eddie Murphy como Akeem, alias Randy, en la secuela de El príncipe de Zamunda, titulada originalmente Coming 2 America. Akeem regresa para encontrar a un hijo que no sabía que tenía en Estados Unidos y revelarle su destino a este legítimo heredero del trono de Zamunda. Será el 5 de marzo de 2021. Su estreno se retrasó por la pandemia y Paramount ha vendido los derechos de explotación en Estados Unidos a Amazon, reteniendo la distribución en el resto del mundo.

La tercera entrega de Space Jam llegará el 17 de julio con el título de Space Jam: A New Legacy, con la estrella de la NBA Lebron James y Don Cheadle ejerciendo de villano, además del conejo Bugs, el Pato Lucas y todos los disparatados personajes animados de Looney Tunes. El astro del baloncesto viaja con su hijo al estudio Warner y queda atrapado en un mundo que contiene todas las historias y personajes de Warner Bros., lo que le obligará a interactuar en escenas de célebres películas de la productora y ganar un partido de baloncesto.

Jared Leto en Morbius

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La película de animación más esperada de los próximos meses es la versión más oscura de Pinocho que nos propone Guillermo del Toro junto a Mark Gustafson, con reparto de voces de lujo encabezado por Ewan McGregor, Cate Blanchett, Tilda Swinton, Ron Perlman, Burn Gorman...

El 12 de marzo de 2021 llega The King’s Man: la primera misión. Es exactamente lo que promete su título: precuela de la saga Kingsman retrocediendo a principios del siglo XX, cuando se forja la agencia de espías. Matthew Vaughn dirige con Daniel Brühl interpretando a Hanussen, el adivino de Hitler, y Rhys Ifans como Rasputín, para dar una idea del entorno de conspiración histórica que marca esta aventura. Protagonizan Ralph Fiennes, Matthew Goode y Gemma Arterton. Ampliar el universo de ficción de la franquicia inspirada en el cómic es el objetivo.

El 19 de marzo viviremos el aplazado primer encuentro cinematográfico con Morbius, el vampiro viviente de los cómics Marvel, interpretado por Jared Leto bajo al dirección de Daniel Espinosa (Dinero fácil, Life, El invitado, El niño 44), que se enfrenta a la hibridación de aventuras y terror condimentada con superpoderes. Matt Smith, Jared Harris, Michael Keaton y Tyrese Gibson son un buen refuerzo para el debut de este personaje con el que Leto puede dar la campanada. La productora tiene planes para reunir a Morbius, Veneno y Spiderman en una película más adelante.

Hablando de Veneno, el 25 de junio de 2021 llegará la secuela Venom, habrá Matanza, promete ser mejor que su antecesora por varios motivos, y uno de ellos ya está en el propio título: la entrada en juego del personaje interpretado por Woody Harrelson, Matanza, al que ya vimos en el desenlace de la primera entrega. Andy Serkis puede ser además una muy buena opción para darle giro a este personaje en el cine, y se afirma que Marvel habría encontrado la manera de introducirlo en su universo cinematográfico.

Sylvester Stallone confesó después de ver al Batman de Michael Keaton, y seguramente reconocer en los superhéroes del cómic una clara competencia, que de haber sabido que podía ponerse un traje con pectorales de plástico no se habría dado tantas palizas en el gimnasio, pero ahora finalmente él es un superhéroe, o así lo insinúa el argumento de Samaritan, un drama de acción con clave fantástica en el que un joven descubre que un superhéroe que creía desaparecido en realidad podría estar viviendo en su vecindario. Estreno el 4 de junio de 2021.

Ni un mes sin superhéroe, y algunos con varios, eso es lo que parece proponer la cartelera del año que viene, en la que encontraremos también, el 9 de

EL CINE QUE VEREMOS EN 2021 julio, con Shang-Chi, maestro del kungfú nacido en las viñetas Marvel en los setenta al abrigo del éxito Operación Dragón y el estrellato internacional de Bruce Lee. Cruzado en los cómics con la mitología literaria de Fu-Manchú, creado por Sax Rohmer, cuenta con Akwafina en un papel que podría servir para la presentación de los extraterrestres tipo alien del Nido, villanos de los X-Men. Agosto es el mes de El escuadrón suicida. El 6 de agosto se estrena la versión del disparatado grupo de supervillanos de DC reciclados en misiones heroicas que nos propone el máximo responsable de las películas de Guardianes de la Galaxia en Marvel, James Gunn. Margot Robbie repite como epicentro del asunto, pero esto es una película de grupo, y Gunn se ha traído a unos compinches que van a dar mucho juego: Sylvester Stallone, Idris Elba, Michael Rooker, Sean Gunn, John Cena y Nathan Fillion animarán la fiesta, más gamberra que la anterior.

Más en serio, más galácticos y con mas incógnitas a su alrededor, Los Eternos, de Marvel, debutan en la cartelera el 5 de noviembre de 2021, precisamente como apuesta diferenciada de la space opera más burlona que son las películas de Guardianes de la Galaxia de Gunn. El antagonista será Kro, un miembro de la raza de los Eternos que lidera a los Desviantes.

Kroo cambia en el cine el aspecto que luce en las viñetas, e impone un tono más oscuro y siniestro a la película de estos superhéroes cósmicos.

El ciclo de superhéroes lo cierra el 17 de diciembre de 2021 la tercera película de Spiderman con Tom Holland. Un vídeo de la propia productora, Sony, confirma los rumores de spiderverso en imagen real, con Tobey Maguire y Andrew Garfield ejerciendo de trepamuros en sus realidades paralelas, Jamie Foxx regresando como el supervillano Electro (esperemos que con mejores efectos especiales), y Benedict Cumberbatch como Doctor Extraño en un papel de mentor similar al de Tony Stark en la primera película con Holland.

Monstruos para todos los gustos Sigue la saga de los monstruos gigantes de Legendary y Warner Bros. con Godzilla versus Kong. La lagartija japonesa y el gorila de la isla del Cráneo se verán las caras en la cartelera el 21 de mayo de 2021. Clasificada para mayores de trece años, irá a HBO Max en Estados Unidos durante un mes, como todos los estrenos Warner del año, lo que ha mosqueado, y mucho, a los cines del país. En países donde todavía no haya arrancado la plataforma iremos a verla al cine. Dirige Adam Wingard (Tú eres el siguiente, Blair Witch, Death Note).

Sylvester Stallone en Samaritan

El ciclo de superhéroes lo cierra el 17 de diciembre de 2021 la tercera película de Spiderman con Tom Holland.

Un vídeo de la propia productora, Sony, confirma los rumores de spiderverso en imagen real, con Tobey Maguire y Andrew Garfield ejerciendo de trepamuros en sus realidades paralelas, Jamie Foxx regresando como el supervillano Electro.

llegará a la cartelera un año después, el 4 de noviembre de 2022.

Robert Downey Jr. como Sherlock Holmes toma el relevo de la trepidación en su tercera peripecia como el icónico detective el 22 de diciembre de 2021. La gran duda es cómo puede afectar a esta secuela la ausencia de Guy Ritchie como director. Le sustituye en Sherlock Holmes 3 Dexter Fletcher, director de Eddie el Águila y Rocketman, que, no obstante, con estos títulos, inspira confianza.

Además el reparto recupera a Rachel McAdams, lo que siempre es buena noticia, y a Jude Law como Watson, Jared Harris como Moriarty y Eddie Marsan como Lestrade. Robert Downey ha ido diciendo por ahí que quiere que el ciclo de Holmes forme su propio universo de ficción en el cine, al estilo Marvel.

Hoy todo el mundo quiere ser Marvel, incluso cuando se va de Marvel. O quizá precisamente por ello…

The Matrix 4, el regreso de la taquillera saga futurista y postapocalíptica de las hermanas Wachowski, pone el punto final a la acción trepidante del intenso año que viene el 22 de diciembre de 2021. Una teoría especula con que el retorno de Neo, Keanu Reeves, y Trinity, Carrie-Anne Moss, podría

Acción aún más trepidante Eso es lo que nos propone el tramo final de la cartelera, comenzando el 19 de noviembre de 2021 con la séptima aventura del espía Ethan Hunt encarnado por Tom Cruise en Misión: Imposible, que recupera a Angela Bassett como directora de la CIA y Vanessa Kirby como la Reina Blanca. Simon Pegg afirma que tendrá finalmente su arco argumental propio en las entregas 7 y 8, y se incorporan al reparto Hayley Atwell, Pom Klementieff y Esai Morales. Regresa Henry Czerny en el papel de Kittridge, jefe de Hunt en la primera película.

Venecia será paisaje central. Dicho sea de paso, hay continuidad entre una y otra y Misión: Imposible 8

Jude Law y Robert Downey Jr. vuelven con una entrega más de Sherlock Holmes

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EL CINE QUE VEREMOS EN 2021

Godzilla v Kong

derivarse de una carga de sus identidades en la red, lo que le daría otro giro al enfrentamiento del hombre contra la máquina que sirve como epicentro de la saga. En cualquier caso, el tema de las generaciones y el paso del tiempo estará también presente con el paso del testigo a la generación de relevo representada por las nuevas incorporaciones al reparto, Yahya Abdul-Mateen II, Jonathan Groff y Jessica Henwick.

Junto a estos títulos, el año que viene recupera para el cine de intriga intensa La mujer en la ventana, un proyecto que lleva dando vueltas por los estudios desde que en 2000 Fox adquirió los derechos de la novela en la que se basa, pero ahora su argumento ha adquirido renovada actualidad con el confinamiento y la pandemia del coronavirus. Una mujer agorafóbica (Amy Adams), que vive sola en Nueva York, espía a sus nuevos vecinos y descubre un terrible acto de violencia. Imposible no pensar en La ventana indiscreta de Alfred Hitchcock. El reparto incluye a Gary Oldman y Julianne Moore.

2022: Año del regreso En enero llega Babylon, lo próximo de Damien Chazelle (La ciudad de las estrellas), con Margot

Matrix 4

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Connery debutó en el papel de agente británico con licencia para matar en la primera película de la saga que todavía hoy sigue entregando títulos a la cartelera, Agente 007 contra el doctor No (1962), que llevó al actor hasta el estrellato y que llegó a convertirse en una alargada sombra y un lastre para su progreso como actor del que acabó deseando escapar a toda costa para construir una carrera más sólida y variada como intérprete.

Robbie, Brad Pitt y Tobey Maguire en el Hollywood de la era dorada. El 15 de julio, otra muy esperada: Animales fantásticos 3, ecuador de una saga que se completara con cinco películas marcada por la salida del reparto de Johnny Depp, víctima de la alargada sombra de sus escándalos judiciales con Amber Heard. El nuevo Grindelwald es Mads Mikkelsen. Salimos ganando.

Otro mago destacado: Benedict Cumberbatch como El Doctor Extraño en el multiverso de la locura, el 25 de marzo. Será capital para el despliegue del nuevo universo cinematográfico Marvel en realidades paralelas.

El 8 de julio llega la nueva Pantera Negra, ya sin Chadwick Boseman, que contará con nuevo protagonista porque el productor ya ha dicho que no sustituirán digitalmente al fallecido Chadwick Boseman. Incógnitas y relevos se asocian también a Thor: Love and Thunder, el 6 de mayo, con Natalie Portman como nueva diosa del trueno y aparición de Chris Pratt como Starlord.

La galería de personajes Marvel se completará con la segunda película de Capitana Marvel el 11 de noviembre, que tendrá un tono al estilo de Star Wars, y la segunda película de animación del Spiderman Miles Morales, el 7 de octubre.

La competencia de los superhéroes de la DC no estará ociosa. Además del nuevo Batman, The Batman, con Robert Pattinson, asediada por parones en el rodaje pero sin rendirse para llegar a la cartelera en su fecha del 4 de marzo, estallará el multiverso de los héroes DC en el argumento del arco de cómics Flashpoint con la película The Flash, que puede ser el mayor desfile de héroes de tierras paralelas nunca visto, en cines el 4 de noviembre.

Poco más de un mes después, el 16 de diciembre, llega la segunda película de Aquaman, con incorporación de varios personajes femeninos para descargar de protagonismo a una Amber Heard de la que se rumoreó que Sony pensaba en ella para interpretar a la Gata Negra junto a Spiderman, pero que por sus líos judiciales tiene complicado seguir teniendo peso como Mera.

La galería de superhéroes de la DC se completa en 2022 con la segunda entrega de Shazam, prevista para el 3 de junio, y de la película de su archienemigo, Black Adam, interpretado por Dwayne Johnson y todavía sin fecha de estreno.

Más retornos: la cuarta entrega de John Wick en cines el 27 de mayo, los dinosaurios de Jurassic World Dominion, el 10 de junio, los nuevos Transformers el 24 de ese mismo mes y la quinta aventura de Indiana Jones en la cartelera veraniega desde el 29 de julio.

Minecraft, la adaptación del célebre videojuego en clave de película familiar también llegará en 2022, aunque no tiene fecha concreta de estreno, al contrario que la nueva versión de Dragones y Mazmorras, que podremos ver a partir del 17 de mayo.

Pero el cierre del año será dominado por la ciencia ficción, con el regreso de dos ciclos del género: Avatar 2 el 16 de diciembre y un nuevo título del universo Star Wars, que si se cumplen las previsiones llegará ese mismo mes a la cartelera.

Miguel Juan Payán

CARTEL-MANÍA AVANCE 2021

CARTEL-MANÍA AVANCE 2021

CAZAFANTASMAS: MÁS ALLÁ

FREE GUY

Ghostbusters: Afterlife

2020; EE. UU., Canadá, Japón; Color; Director: Shawn Levy; Guion: Matt Lieberman, Zak Penn; Música: Christophe Beck; Fotografía: George Richmond; Intérpretes: Ryan Reynolds, Taika Waititi, Jodie Comer, Joe Keery, Alex Trebek; Estreno previsto para: 12-5-2021

2020; Canadá, EE. UU.; Color; Director: Jason Reitman; Guion: Gil Kenan, Jason Reitman; Música: Rob Simonsen; Fotografía: Eric Steelberg; Intérpretes: Paul Rudd, Finn Wolfhard, McKenna Grace, Carrie Coon, Sigourney Weaver, Bill Murray, Dan Aykroyd, Ernie Hudson, Logan Kim, Bokeem Woodbine; Estreno previsto para: 5-3-2021.

Después de la versión femenina de la franquicia que llegó a la cartelera en el año 2016 dando lugar a discrepancia de opiniones entre los espectadores, pero sin duda quedándose por debajo de las dos películas originales, el paso más lógico era darles a los espectadores lo que venían reclamando desde hace años, y conseguir que regresaran los protagonistas originales. Eso es lo que propone este nuevo largometraje cuyo principal anzuelo coincide con el que se planteara en la última trilogía de Star Wars: el regreso del equipo titular. Esperemos que les vaya mejor que a los galácticos hijos de Lucas.

Regresan los principales, salvo Harold Ramis, el doctor Egon Spengler, ya fallecido, y se hace cargo de la dirección Jason Reitman, que vuelve aquí sobre su tema recurrente: las relaciones entre miembros de distintas generaciones. Esperemos que mantenga lo más interesante de sus películas, que es explorar temas serios desde el punto de vista de la comedia. En todo caso, hijo de Ivan Reitman, director de las dos películas originales de los Cazafantasmas, conoce bien el terreno que pisa.

El argumento ya apunta en ese sentido y coincide con las preocupaciones habituales de Jason Reitman. Es una secuela directa de los dos filmes originales, y sigue la pista a una madre soltera y sus dos hijos que llegan a una pequeña localidad y empiezan a desentrañar su conexión con los Cazafantasmas originales y el legado secreto que su abuelo les ha dejado.

Empezamos recuperando para nuestra lista de avances una de las películas que cierra el año 2020 y puede situarse entre las más taquilleras del año tal como han ido las cosas.

NPC. Los espectadores tendrán que familiarizarse con ese término del mundo de los videojuegos y los juegos de rol para ponerse al día con el argumento de la película. Las siglas aluden al non player character, es decir, al personaje no jugador. El personaje interpretado por Reynolds en la película es precisamente eso, el cajero de un banco que descubre que en realidad es un personaje no jugador en el interior de un videojuego brutal de alcance global.

Quedan abiertas a partir de ese momento todas las especulaciones filosóficas que puede suscitar ese punto de partida argumental y que prometen darle más entidad a este largometraje que los aficionados en general, y los jugadores de videojuegos en particular, llevan meses deseando ver materializado en la pantalla de su cine favorito.

El acierto de esta partida, nunca mejor dicho, será saber mezclar ese poso de reflexión existencial del personaje central en lo que básicamente es una comedia de acción trepidante que en otros aspectos recuerda éxitos de probada eficacia para todos los públicos como Jumanji o Noche en el museo, sin perder de vista el referente en animación Rompe Ralph.

Ernie Hudson afirma que esta es la secuela que han estado esperando los fans de la franquicia, y de momento, y Dan Aykroyd, protagonista y coguionista de las dos películas originales junto a su compañero ya fallecido, Harold Ramis, afirma que la película rendirá homenaje a este último, lo cual es una pista sobre por dónde van a ir los tiros en ese legado. M.J.P.

Es una de las producciones de 20th Century Studio en el seno de Disney, y Ryan Reynolds, quien dicho sea de paso es con diferencia la mejor opción para poner al frente de una mezcla de comedia y acción, afirma que es la mejor película en la que ha trabajado y una de sus mejores experiencias ante la cámara. Incluso la compara con Deadpool y señala que Free Guy propone una reflexión más amplia sobre en qué momento estamos en el mundo. Ciertamente, la crisis mundial del coronavirus le ha aportado un significado inesperado al argumento. M.J.P.

CARTEL-MANÍA AVANCE 2021

CARTEL-MANÍA AVANCE 2021

UN LUGAR TRANQUILO 2

SIN TIEMPO PARA MORIR

A Quiet Place 2 2020; EE. UU.; Color; Director: John Krasinski; Guion: Scott Beck, John Krasinski, Bryan Woods; Música: Marco Beltrami; Fotografía: Polly Morgan; Intérpretes: Emily Blunt, Cillian Murphy, Millicent Simmonds, Djimon Hounsou, Noah Jupe, John Krasinski, Lauren-Ashley Cristiano, Zachary Golinger, Okieriete Onaodowan, Barbara Singer, Gary Sundown, Ashley Dyke; Estreno previsto para: 23-4-2021 minutos.

Estuvimos a punto de llegar a ver el estreno de esta segunda entrega de la saga de Krasinski cuando la pandemia de COVID-19 hizo que se paralizara el planeta (la première de la película llegó a celebrarse el 8 de marzo en Nueva York) así que está entre los títulos a los que les tenemos más ganas para la cartelera de 2021. De hecho, el retraso en el estreno no ha enfriado las expectativas de los propios productores considerando que el pasado mes de noviembre Paramount anunció que prepara un spin off de Un lugar tranquilo e incluso tiene ya elegido guionista y director: Jeff Nichols, director de Take Shelter, Mud y Midnight Special, que se basará en una idea original de John Krasinski, que también estará en el proyecto como productor junto a Michael Bay y con un estreno previsto para el año 2022.

Estos aires de franquicia tendrán su prueba de fuego cuando llegue finalmente a la cartelera Un lugar tranquilo 2, que reposa sobre la incorporación de personajes nuevos y la salida de la situación de localización de la primera entrega. El reto, no solo de los personajes protagonistas, sino también de los propios artífices de la película, es salir al exterior, ampliar el paisaje, ampliar el universo de ficción más allá de lo propuesto con éxito en la primera entrega.

Y la mayor parte de todo eso reposa sobre la aportación que puede hacer el personaje de Cillian Murphy, junto con las nuevas amenazas que van más allá de los antagonistas presentados en Un lugar tranquilo y, como suele suceder en este tipo de fórmulas de supervivencias postapocalíptica, están relacionadas con el resto de los humanos que andan circulando por ahí. M.J.P.

No Time To Die 2020; Reino Unido, EE. UU.; Color; Director: Cary Joji Fukunaga; Guion: Neal Purvis, Robert Wade, Cary Joji Fukunaga, Phoebe Waller-Bridge; Música: Hans Zimmer; Fotografía: Linus Sandgren; Intérpretes: Daniel Craig, Ana de Armas, Léa Seydoux, Ralph Fiennes, Rami Malek, Ben Whishaw, Christoph Waltz, Naomie Harris, Lashana Lynch, Jeffrey Wright; Estreno previsto para: 2-4-2021.

Forjado en la dirección en las series True Detective y Maniac, el responsable de poner en pantalla el último saludo en el escenario del James Bond interpretado por Daniel Craig promete ser al menos un revulsivo respecto a las dos anteriores películas propuestas del personaje de 007 hechas por Sam Mendes, la primera de las cuales, Skyfall, está entre lo mejor de toda la saga de Bond en el cine, y la segunda, Spectre, digamos que no tanto.

Hablando del villano, el propio Fukunaga afirma que el de Malek para su película será el mejor villano de la saga cinematográfica de 007, porque con él peligra no solo Bond, sino el mundo entero.

Rami Malek como relevo del villano principal, del que se ha rumoreado que podría ser el Doctor No, cosa que el propio actor no confirma ni niega, promete que va a ser una sorpresa para los fans. La contribución de Waltz como antagonista, que por cierto regresa en esta película, se quedó corta en Spectre, especialmente después del gran trabajo hecho por Javier Bardem en Skyfall. El personaje de Malek, presentado como Safin, es un asesino de la organización Spectre, y más allá de las especulaciones Malek, que ha declarado que para él el mejor villano de toda la saga de 007 en el cine ha sido siempre el Doctor No de la primera película de Sean Connery, afirma: “No importa lo que esperes de la película, te sorprenderás cuando la veas”.

El argumento transcurre varios años después del arresto de Blofeld, el personaje de Waltz, con Bond jubilado del servicio activo pero volviendo a trabajar tras el secuestro de un científico para conjurar una amenaza que puede acabar con la vida de millones de personas. M.J.P.

CARTEL-MANÍA AVANCE 2021

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FAST AND FURIOUS 9

VIUDA NEGRA

F9

Black Widow

2020 ; EE. UU.; Color; Director: Justin Lin; Guion: Daniel Casey; Música: Brian Tyler; Fotografía: Stephen F. Windon; Intérpretes: Vin Diesel, Charlize Theron, John Cena, Helen Mirren, Tyrese Gibson, Finn Cole, Michelle Rodríguez, Lucas Black, Jordana Brewster, Michael Rooker, Nathalie Emmanuel, Sung Kang, Amber Sienna, Ludacris, Jim Parrack, Jason Tobin, Cardi B, Anna Sawai, Miraj Grbic, Ella Walker, Thue Ersted Rasmussen, Jimmy Star; Estreno previsto para: 28-5-2021.

La familia de Fast and Furious se amplía con la incorporación de John Cena como alternativa a Vin Diesel, y manteniendo a Charlize Theron y Helen Mirren como invitadas al festejo heredadas de entregas anteriores.

Al mismo tiempo se ha confirmado que en esta película se inicia el camino hacia el final de la saga en cines, que llegará con la entrega número 11 como línea de meta. Las número 10 y 11 también estarán dirigidas por Justin Lin, que finalmente se ha convertido en esta franquicia en algo parecido a lo que han sido en Marvel los hermanos Russo en las películas de Vengadores, cuya fórmula tanto ha inspirado al juego de protagonismo en grupo practicado por las películas de Fast and Furious. Lin ha estado como director hasta el momento en las entregas 3, 4, 5, 6 y 9. Además, del mismo modo que en Vengadores: Infinity War y Vengadores: Endgame, el arco argumental de la entrega número 10 concluirá en la número 11.

Quedan por tanto después de esta novena entrega otros dos largometrajes que cerrarán la serie, pero no así la franquicia. Junto al spin off Hobbs y Shaw, que de momento tiene previsto continuar con un segundo largometraje, y los anuncios sobre una versión femenina del asunto, los rumores apuntan que Vin Diesel está desarrollando una miniserie que continuará las aventuras de su personaje, Dominic Toretto, en televisión, una vez que el ciclo cinematográfico haya concluido con la undécima película. Sera producto para servicio de streaming de NBC Universal como anzuelo para pescar suscriptores, como están haciendo Disney + y HBO Max.

2020; EE. UU.; Color; Directora: Cate Shortland; Guion: Jack Schaeffer, Ned Benson, Eric Pearson; Música: Lorne Balfe; Fotografía: Gabriel Beristain; Intérpretes: Scarlett Johansson, Florence Pugh, Rachel Weisz, David Harbour, William Hurt, Ray Winstone; Estreno previsto para: 7-5-2021.

Película más clave de lo que puede parecer para el futuro del universo Marvel en el cine. ¿Va a ser un recuerdo de cómo era todo antes de Vengadores: Endgame en cuanto a tono? Antes de ver la película y partiendo de lo que sabemos y hemos podido ver hasta ahora, el tono sigue pareciéndome muy cercano al de las dos últimas películas de Capitán América en solitario, Soldado de invierno y Civil War, o por el contrario va a entregarse a la dinámica de la Capitana Marvel?

No se trata de una duda baladí. Ni mucho menos, sobre todo ahora que la pandemia puede haber cambiado las reglas del juego en algunas franquicias de supertaquillazos, según cómo vaya a responder el mercado a todos estos proyectos atrasados más de un año en su estreno.

Todo indica que el parón hará que los espectadores respondan porque si algo ha dejado el dominó de aplazamientos derivados del coronavirus son expectativas frustradas en el público. Pero también ha dejado un año perdido, con producciones de futuro que han seguido más o menos en marcha en sus rodajes y en el cual las compañías no han podido tomarle el pulso al mercado y preferencias del público con cada estreno, porque no ha habido estreno.

De momento, la comercialización de figuras de acción de la película ha traído a las estanterías de las grandes superficies la variante de uniforme blanco de la Viuda Negra y al personaje del Supervisor, que sigue siendo una incógnita en cuanto a su participación como antagonista o aliado en el largometraje.

De momento, la novena entrega promete 145 minutos trepidantes con el hermano de Toretto aliado con la antagonista de la película anterior para facilitarle su venganza. M.J.P.

Además, David Harbour ha dado una pista sobre lo que une a los principales personajes de la película, afirmando que todos estuvieron infiltrados como una familia en Estados Unidos en los años noventa. Su reencuentro después de veinte años sin mantener contacto promete ser interesante.

M.J.P.

CARTEL-MANÍA AVANCE 2021

CARTEL-MANÍA AVANCE 2021

EXPEDIENTE WARREN: OBLIGADO POR EL DEMONIO The Conjuring: The Devil Made Me Do It 2021; EE. UU.; Color; Director: Michael Chaves; Guion: David Leslie Johnson McGoldrick, James Wan; Música: Joseph Bishara; Fotografía: Michael Burgess; Intérpretes: Vera Farmiga, Patrick Wilson, Julian Hilliard, Mitchell Hoog, Ruairi O’Connor, Ashley LeConte Campbell, Charlene Amola; Estreno previsto para: 4-6-2021.

La incógnita esencial es cómo puede afectar a esta tercera entrega la ausencia de James Wan tras las cámaras, toda vez que ha sido el encargado de definir el estilo visual y la identidad de la franquicia. A Michael Chaves no se le dio mal sacar adelante otra pieza del universo de terror que gira en torno a Expediente Warren, La llorona, pero ciertamente aquí enfrenta el reto de embarcarse en la tercera visita a un territorio ya explorado por Wan, algo nada fácil.

A su favor tiene la continuidad en el reparto de los dos protagonistas principales de las dos películas anteriores, Vera Farmiga y Patrick Wilson, que son el punto de unión esencial con los dos largometrajes precedentes.

El argumento promete abordar uno de los casos más sensacionales de los archivos de Ed y Lorraine Warren, capaz de aterrorizar incluso a los dos curtidos investigadores de lo paranormal, y que comienza con el intento de salvar el alma de un joven, lo que les llevará a participar en el primer caso en Estados Unidos en el que un sospechoso de asesinato alegó posesión diabólica en su defensa, negando toda responsabilidad en los asesinatos que había cometido.

Pero además la realidad se ha colado en la ficción por una puerta que no le hace gracia a los productores. Los casos reales investigados por los Warren han dado lugar a que la franquicia de The Conjuring se vea asediada por demandas entre las cuales la más seria fue la reclamación de 900 millones de dólares en concepto de reparación de daños que interpuso Gerald Brittle, afirmando que las dos películas anteriores y Annabelle vulneraban los derechos de su libro The Demonologist, publicado en 1980, donde narraba las historias de los investigadores paranormales interpretados por Farmiga y Wilson.

M.J.P.

CRUELLA 2021; EE. UU.; Color; Director: Craig Gillespie; Guion: Aline Brosh McKenna, Jez Butterworth, Dana Fox, Kelly Marcel, Tony McNamara, Steve Zissis; Música: Nicolas Karakatsanis; Fotografía: Tatiana S. Riegel; Intérpretes: Emma Stone, Emma Thompson, Mark Strong, Paul Walter Hauser, Emily Beecham, Jamie Demetriou, Kirby Howell-Baptiste, Joel Fry, Gianni Calchetti, Abraham Popoola, John McCrea, Haruka Abe, Michelle Greenidse, Sid Sagar; Estreno previsto para: 28-5-2021.

Pues bien pensado, de todas las secuelas y adaptaciones al cine en imagen real de los personajes clásicos de su cine de animación que ha venido proponiendo Disney en los últimos tiempos, me inclino a pensar que esta precuela en imagen real del personaje de Cruella de Vil, que ya interpretara en carne y hueso, y muy bien, Glenn Close en los años noventa para 101 dálmatas (¡más vivos que nunca!), de 1996, y 102 dálmatas, de 2000, está entre los más interesantes. Motivo: Emma Stone dando vida a una versión rejuvenecida de Cruella de Vil puede ser una divertida propuesta. Y con Mark Strong y Emma Thompson de refuerzo como actores de reparto a priori la cosa pinta curiosa. Además, Glenn Close ejerce como productora ejecutiva para esta película, lo que deja clara la continuidad de las dos películas que ella protagonizara con la visión del personaje que nos propone esta otra.

Para el papel de Emma Thompson, la baronesa, estuvieron también como candidatas Nicole Kidman, Charlize Theron, Julianne Moore y Demi Moore, pero la elección de la actriz que finalmente lo interpreta es toda una apuesta por potenciar la clave de comedia que puede dar de sí Emma Stone mejor que cualquiera de esas otras posibilidades.

Emma Stone ha tenido que someterse a la transformación de maquillaje espectacular que la convierte en la joven Cruella, de quien la actriz dice que es un personaje más grande que la vida (se ha pasado un poco, me temo, ni que interpretara a Lady Macbeth), en el que busca descubrir a la antagonista que era en 101 dálmatas. A ver, tampoco es nada nuevo, es la repetición de la fórmula de Maléfica, con Angelina Jolie. M.J.P.

CARTEL-MANÍA AVANCE 2021

CARTEL-MANÍA AVANCE 2021

THE TOMORROW WAR

TOP GUN: MAVERICK

2020; EE. UU.; Color; Director: Chris McKay; Guion: Zach Dean; Música: Lorne Balfe; Fotografía: Larry Fong; Intérpretes: Chris Pratt, J. K. Simmons, Betty Gilpin, Yvonne Strahovski, Mary Lynn Rajksub, Seychelle Gabriel, Sam Richardson, Felisha Terrell, Edwin Hodge, Kiley Casciano Davis; Estreno previsto para: 23-7-2021.

2021; EE. UU.; China; Director: Joseph Kosinski; Guion: Ehren Kruger, Erlc Warren Singer, Christopher McQuarrie, Justin Marks, Peter Craig; Música: Harold Faltermeyer, Hans Zimmer; Fotografía: Claudio Miranda; Intérpretes: Tom Cruise, Jennifer Connelly, Val Kilmer, Ed Harris, John Hamm, Miles Teller, Jean Louisa Kelly, Glen Powell, Manny Jacinto, Monica Barbaro, Lewis Pullman; Estreno previsto para: 2-7-2021.

Chris Pratt confió tanto en el proyecto que se metió en él no solo como actor, sino también como productor ejecutivo, parcela en la que solo había incursionado previamente en su filmografía en el documental On the Mat, sobre la lucha libre en los institutos estadounidenses que protagonizó y produjo en 2012. Esta es su primera producción ejecutiva en el cine de ficción.

El argumento de la película se ambienta en un futuro próximo en el que la humanidad está en guerra con una civilización alienígena empeñada en dominar la Tierra. Dicho así no parece nada nuevo, pero el asunto se complica cuando la posibilidad de ganar esa guerra del futuro gira en torno a un individuo que es reclutado con la premisa de que el destino de la humanidad se basa en su capacidad para hacer frente a su pasado, lo que a priori pone este largometraje más en la línea de Al filo del mañana más que de Invasión a la Tierra.

The Tomorrow War debería haber llegado a la cartelera en diciembre de 2020 pero fue retrasada por el coronavirus y ahora la veremos como producto de cine de verano taquillero. Tanto monta, monta tanto Navidades como verano, parece pensar el estudio Paramount, que tiene puestas muchas esperanzas en esta mezcla de cine bélico y ciencia ficción desde que comenzó su rodaje el 1 de septiembre de 2019 en Atlanta e Islandia.

Si Stallone encontró camino para seguir prolongando la saga de Rocky y su presencia en esta con Creed, ¿por qué no iba a poder Tom Cruise hacer lo mismo con el personaje del intrépido piloto de combate Maverick en la saga Top Gun? Nada como tirar argumentalmente del hijo de un personaje fallecido en la primera entrega para renovar el parque de protagonistas del invento, actualizarlo a público juvenil y de paso retener sobre sus espaldas el protagonismo principal del asunto pasando de ser héroe juvenil a héroe de madurez mentor de las nuevas generaciones.

Afirman algunas fuentes que cuando se estrenó en 1986 la película original de la que esta otra es secuela, Top Gun (Ídolos del aire), dirigida por Tony Scott, los alistamientos en la Fuerza Aérea de Estados Unidos experimentaron un incremento que también se produjo en 1982 después de que se estrenara Oficial y caballero con Richard Gere como protagonista. Así, no es extraño que se diga que Hollywood es una de las herramientas de reclutamiento más fieles para las Fuerzas Armadas estadounidenses. Esta secuela tendrá la oportunidad de confirmarlo. O no. Sea como fuere, todo está dispuesto para que sea un espectáculo visual inmersivo para el espectador que supera lo propuesto en la primera película.

El director, Chris McKay, tiene en su filmografía como tal Batman: la LEGO película (2017) y su secuela, con estreno previsto para 2022, pero además después de The Tomorrow War tiene entre manos la película de Nightwing en el universo de superhéroes de la DC y la adaptación a imagen real de la icónica serie televisiva de dibujos animados de los sesenta Johnny Quest.

M.J.P.

El argumento nos sitúa treinta años después de lo narrado en la película anterior, cuando repleto de medallas y citaciones por valor en combate y siendo el único piloto que ha derribado tres aviones enemigos en los últimos cuarenta años, Pete Mitchell, nombre de guerra Maverick, ha conseguido esquivar todas las promociones que podrían haberle llevado a retirarse como almirante de dos estrellas para seguir haciendo lo que más le gusta sin perder la vida en el intento. M.J.P.

CARTEL-MANÍA AVANCE 2021

CARTEL-MANÍA AVANCE 2021

JUNGLE CRUISE

OLD

2021; EE. UU.; Color; Director: Jaume Collet-Serra; Guion: Glenn Ficarra, Josh Goldstein, Michael Green, John Norville, John Requa; Música: James Newton Howard; Fotografía: Flavio Martínez Labiano; Intérpretes: Dwayne Johnson, Emily Blunt, Edgar Ramírez, Quim Gutiérrez, Jesse Plemons, Paul Giamatti; Estreno previsto para: 30-7-2021 minutos.

2021; EE. UU.; Color; Director: M. Night Shyamalan; Guion: M. Night Shyamalan; Fotografía: Mike Gioulakis; Intérpretes: Thomasin McKenzie, Abbey Lee, Rufus Sewell, Embeth Davidtz, Eliza Scanlen, Ken Leung, Alex Wolff, Gael Garía Bernal; Estreno previsto para: 23-7-2021.

El crucero de la jungla de Disney tuvo que aplazar su fecha para zarpar, pero eso no parece haber hecho perder la confianza sobre su previsible éxito en la taquilla. Buena prueba de ello es que el dúo protagonista tiene ya entre manos otro proyecto juntos, en Netflix, la adaptación del cómic de los noventa Ball and Chain, una especie de versión en clave superheroica de Señor y señora Smith, la película que protagonizaran Angelina Jolie y Brad Pitt.

Johnson y Blunt interpretaran a un matrimonio con problemas que está obligado a trabajar junto precisamente por sus superpoderes, dando lugar a una comedia de acción.

El misterioso nuevo proyecto de M. Night Shyamalan, que se ha rodado en República Dominicana, sigue vinculando el director a la intriga con pincelada de terror, un clásico en su filmografía desde que dirigió El sexto sentido.

Aunque todavía no se ha revelado oficialmente la sinopsis, el argumento queda al descubierto desde el momento en que se ha divulgado que el largometraje se basa en la novela gráfica Sandcastle, de Pierre Oscar Levy y Frederik Peeters. Está ambientada en una playa con una cala aislada que esconde un oscuro secreto cuya más truculenta naturaleza empieza a revelarse con la aparición del cadáver de una mujer en el agua y el envejecimiento acelerado que sufren los personajes, atrapados en el lugar.

La apuesta de Jungle Cruise es bastante segura: acción y comedia en el argumento con una fórmula de adaptación de la atracción de los parques de Disneyworld que intenta conseguir lo que en su momento lograra Piratas del Caribe, pero sin duda con un ojo puesto en el máximo rendimiento de taquilla que ha conseguido otra producción similar protagonizada por Johnson, la secuela de Jumanji. Añadan a eso un argumento que en lo referido a la relación de guerra de sexos de la comedia loca del Hollywood de los años treinta y cuarenta, parece inspirada por el clásico de John Huston La Reina de África, con Johnson en el papel que interpretara Bogart y Hepburn retomada por el papel al que da vida Blunt.

El capitán de un crucero de río y la científica que lo contrata para localizar y árbol místico en la selva amazónica brasileña donde, como dice el personaje de Johnson a sus pasajeros: “Todo lo que ven quiere matarlos, y además puede matarlos”. Es parte de su farsa para engañar incautos prometiendo una intensa experiencia selvática que en su nuevo viaje van a convertir todos esos riesgos en realidad mientras se enfrenta incluso con amenazas sobrenaturales. M.J.P.

El argumento nos acerca a las propuestas de series como La dimensión desconocida, que tiene como herederos en las parrillas televisivas de nuestros días series como Black Mirror, Euphoria o la actualización de The Twiligt Zone de Jordan Peele, director que ha dejado además en el cine dos propuestas de similares características como son Déjame salir y Nosotros. El propio Shymalan ya jugó con esa baza de algún modo en El bosque y en una clave distinta con La visita, pero en general podríamos decir que está presente de un modo u otro en toda su filmografía. No obstante, la foto que el propio director compartió en sus redes sociales para celebrar el final del rodaje del proyecto me lleva a pensar también en Cocoon…

Después de que su secuela de El protegido y Múltiple, Glass, fuera peor acogida de lo que él esperaba, cosa que le afectó notablemente, según dijo, Shyamalan necesita retomar su carrera con un éxito, y según dice, para ello en este caso se ha vuelto a dedicar a un enfoque minimalista, según él mismo afirma como el de La visita, jugando con el absurdo, el humor negro, para conseguir incomodar al espectador. M.J.P.

CARTEL-MANÍA AVANCE 2021

HALLOWEEN KILLS 2021; EE. UU.; Color; Director: David Gordon Green; Guion: David Gordon Green, Danny McBride, Scott Teems; Música: John Carpenter; Fotografía: Michael Simmonds; Intérpretes: Jamie Lee Curtis, Judy Greer, Nick Castle, Andi Matichak; Estreno previsto para: 15-10-2021.

Segunda entrega de la trilogía con la que David Gordon Green ha querido poner fin al ciclo de enfrentamientos de Laurie Strode, la reina del slasher interpretada por Jamie Lee Curtis. Hay quien sueña que podría ser el equivalente a lo que fuera El Imperio contraataca para la saga de Star Wars o El Padrino, segunda parte, en la saga mafiosa de Coppola: una segunda entrega de la trilogía que incluso mejora la primera. Tiene pinta interesante, así que crucemos los dedos.

Esta trilogía de David Gordon Green la cerrará Halloween Kills, en la que por enésima vez nos anuncian que este es el final, pero no hay que tomárselo demasiado en serio, es como cuando dicen lo mismo en la serie de anime japonés Gintama. No obstante, todo indica que Jamie Lee Curtis tiene claro que su ciclo como Laurie Strode está llegando al final, por mucho que disfrutara retomando el personaje para darle un aire de Sarah Connor en Terminator que era más sólido de lo que luego hizo la propia Linda Hamilton en Terminator: destino oscuro. Paradojas de la vida. El guion de Halloween Kills, que podrá verse en octubre de 2021, es de Chris Bernier, David Gordon Green, Paul Brad Logan, Danny McBride. Y Gordon Green vuelve a ser el director, garantizando así la continuidad en todo este arco final de la saga que iniciara en los años setenta John Carpenter con La noche de Halloween.

Sobre las dos películas y sus creadores, Jamie Lee Curtis, indiscutible protagonista de la saga, afirma que lo que más le gusta del trabajo de Green y McBride al retomar el trabajo de Carpenter es su habilidad para unir los puntos de todos los temas y personajes claves de La noche de Halloween a lo largo de los cuarenta años que han transcurrido desde la primera película. M.J.P.

CARTEL-MANÍA AVANCE 2021

CAOS: EL INICIO Chaos Walking 2021; EE. UU., Canadá; Color; Director: Doug Liman; Guion: Patrick Ness, Christopher Ford; Música: Marco Beltrami, Brandon Roberts; Fotografía: Ben Seresin; Intérpretes: Mads Mikkelsen, Tom Holland, Ray McKinnon, Daisy Ridley, Nick Jonas, Kurt Sutter, David Oyelowo, Cynthia Erivo, Demián Bichir, Óscar Jaenada, Bethany Anne Lind; Estreno previsto para: 2021.

Ciencia ficción con presupuesto abultado de superproducción, 125 millones de dólares, reparto muy interesante con presencia multinacional y pincelada española capitaneada por Óscar Jaenada, y argumento que se sitúa en un futuro no muy lejano en el que el personaje de Tom Holland encuentra al interpretado por Daisy Ridley, a la caza y captura de quitarse el sabor amargo de su última aventura en el episodio 9 de Star Wars. Ella encarna a una misteriosa muchacha que ha aterrizado en el planeta del joven, donde todas las mujeres han desaparecido y los hombres supervivientes están torturados por lo que denominan “el ruido”, una fuerza que revela todos sus pensamientos.

La premisa argumental se basa en la novela del propio Patrick Ness, guionista del largometraje, y articula este viaje a un peligroso mundo en el que la vida del personaje interpretado por Daisy Ridley está continuamente en peligro.

Igualmente interesante es que con este argumento el encargado de dirigir la adaptación al cine sea el director de Al filo del mañana y su secuela, que ha demostrado manejar muy bien el género de ciencia ficción y acción, y de hecho está haciendo ya las maletas para irse al espacio con Tom Cruise a rodar las primeras secuencias de una película de ficción en el espacio exterior.

Cuestión de romper fronteras y tal.

Finalmente, redondea la jugada la participación en un papel destacado de Mads Mikkelsen, una inversión segura de calidad ante la cámara en cualquier película que según parece ha sido convocado para sustituir a Johnny Depp en el papel de Grindelwald en las precuelas de la saga de Harry Potter.

Muchos puntos de interés en este largometraje cuyo reparto recoge además la contribución de dos clásicos de la serie de televisión Hijos de la anarquía, el creador de esta, Kurt Sutter, y Ray McKinnon. M.J.P.

CARTEL-MANÍA AVANCE 2021

DUNE 2021; Canadá, Hungría, EE. UU.; Color; Director: Denis Villeneuve; Guion: John Spaiths, Denis Villeneuve, Eric Roth; Música: Hans Zimmer; Fotografía: Greig Fraser; Intérpretes: Timothée Chalamet, Jason Momoa, Josh Brolin, Oscar Isaac, Dave Bautista, Javier Bardem, Stellan Skarsgard, Rebecca Ferguson, Zendaya, Charlotte Rampling; Estreno previsto para: 1-10-2021.

Denis Villeneuve se enfrenta a la adaptación al cine de la novela de Frank Herbert que ya dio lugar en 1984 a la versión dirigida por David Lynch, discutida por unos y elevada al nivel de título de culto por otros.

Está claro que Lynch llevó la novela a donde más le convenía, tomándose muchas libertades para acercarla a sus propias inquietudes, y en el camino se perdió un poco, pero eso no parece haber ocurrido en el caso de Villeneuve, que tiene muy claro por dónde y cómo iba a abordar este proyecto faraónico de superproducción, en el que es muy probable que haya vuelto a imponerse como autor a las claves del blockbuster, tal como ya hiciera con Blade Runner.

La filmografía previa del director es la mejor garantía para convertir a su visión de Dune en uno de los títulos más esperados de 2021, pero además el proyecto viene calentando motores desde hace meses en lo que se refiere a sembrar expectativas a base de declaraciones, entre las cuales las del propio director comentando que faltan más personajes femeninos en la historia original y su decisión de cambiar la muerte y otras cosas en el personaje de Liet Kynes, el juez del cambio interpretado por Max von Sydow en la película de David Lynch.

Villeneuve no ha dudado en adaptar lo que le parecía oportuno del original de Herbert para acercarlo a claves que le parecen más cercanas a su manera de entender el cine y la manera de contar historias en la pantalla grande, pero igualmente tiene entre manos levantar una de las mayores tramas épicas de la ciencia ficción literaria en imágenes, con guerras entre clanes, conspiraciones galácticas, mensaje ecológico, planetas desérticos, criaturas místicas, en uno de los universos de ficción más ricos de dicho género. M.J.P.

CARTEL-MANÍA AVANCE 2021

SNAKE EYES: EL ORIGEN Snake Eyes: G. I. Joe Origins 2021; EE. UU., Canadá; Color; Director: Robert Schwentke; Guion: Evan Spiliotopoulos; Música: Martin Todsharow; Bojan Bazelli; Intérpretes: Samara Weaving, Henry Golding, Úrsula Corberó, Iko Uwais, Andrew Koji, Peter Mensah, Takehiro Hira, Simo Chin, Steven Alerick, Haruka Abe, Samuel Finzi, Eri Ishida, Nicholas Dohy; Estreno previsto para: 22-10-2021.

El ninja de los G. I. Joe vuelve a la pantalla muy bien acompañado, con presencia española en el reparto, Úrsula Corberó interpretando a la Baronesa, el papel al que diera vida en la primera película de G. I. Joe de 2009 Sienna Miller, con un repartidor de leña de primera magnitud, el gran Iko Uwais, ejerciendo como maestro del héroe, y con Samara Weaving, icónica fémina del cine fantástico más reciente, dando vida a Scarlett, el personaje que en la primera película de la saga interpretó Rachel Nichols.

A ver, ya a priori, basándome en el personaje protagonista, en los elementos mencionados más arriba y en el planteamiento general del asunto, me interesa más que la secuela de G. I. Joe que protagonizó Dwayne Johnson con Bruce Willis de secundario estrella, G. I. Joe: la venganza, de 2013. Dicho sea de paso, en esta lo mejor era la adaptación del cómic Silencio, precisamente protagonizada por el elemento ninja del asunto, así que todo queda explicado.

De manera que, sea por la sequía de estrenos cañeros del coronavirus, o bien porque en general me interesa más lo que pueda proponer el personaje central, tengo un fuerte pálpito de que esta película tiene muy fácil ser mejor y gustarme más que las dos anteriores de los G. I. Joe. Imagino que les pasa lo mismo a los productores, que andan haciendo cuentas de si les servirá para reedificar la franquicia haciendo borrón y cuenta nueva y partiendo de Snake Eyes para volver a iniciar un ciclo de filmes capaces de llevar a la pantalla con más eficacia las horas de entretenimiento en juegos, cómics y dibujos animados de televisión que le han proporcionado a los aficionados a las figuras de acción los G. I. Joe en otros medios. M.J.P.

ANNA FARIS

WILLIAM ZABKA

(Anna Kay Faris)

(William Michael Zabka)

29 de noviembre de 1976, Baltimore, Maryland, EE. UU. Altura: 1,63 metros.

Estado civil: Prometida con el director de fotografía Michael Barrett.

Divorciada de Ben Indra, con quien estuvo casada entre 2004 y 2008, y también de Chris Pratt, con quien estuvo casada del 9 de julio de 2009 al 16 de febrero de 2018. La pareja tuvo un hijo.

Apodo: Baltimore’s-Best-Beautiful-Blonde.

Debut profesional: Hija de padres profesores, desde niña la invitaron a actuar, y la apuntaron a clases de interpretación comunitarias con solo seis años, en las que ella empezó a desarrollar su pasión y a escribir sus propias obras, que interpretaba con amigos en casa. En el instituto participó en más teatro con una compañía de Seattle, y estudió Literatura en la universidad. Pese a su amor por la interpretación, la idea era ser novelista… Finalmente se mudó a Los Ángeles, compaginando trabajos y debutando en el telefilme No me mientas en 1991, y en cine en Eden en 1996.

Personajes: Su primer papel importante en televisión ha sido Christy en Mom. Premios: No ha sido nominada a ningún premio relevante todavía.

Filmografía básica: Scary Movie (2000), Eden (1996), Scary Movie 2 (2001), May (2002), ¡Este cuerpo no es el mío! (2002), Lost in Translation (2003), Scary Movie 3 (2003), Brokeback Mountain (2005), Solo amigos (2005), Scary Movie 4 (2006), Mi superexnovia (2006), Una conejita en el campus (2008), Dime con cuántos (2011), El dictador (2012), Les doy un año (2013), Un mar de enredos (2018), Mom (2013-2020).

Frases: “Nunca imaginé que era posible ganar dinero actuando, y ahora puedo hacerlo”. ¿Sabías que…? Poseía una colección de insectos muertos, igual que su exmarido Chris Pratt. Al casarse combinaron ambas colecciones.

20 de octubre de 1965, Ciudad de Nueva York, Nueva York, EE. UU. Altura: 1,84 metros.

Estado civil: Casado desde 2008 con Stephanie Zabka, con quien tiene dos hijos.

Deportes favoritos: Antes de Karate Kid hacía lucha en el instituto, y tras la película estudió artes marciales y es cinturón negro en tang soo do.

Debut profesional: Su padre es el director y guionista Stanley William Zabka, y su madre es productora. Sus hermanos son cantantes y compositores. Él empezó a interesarse por la interpretación y la música desde niño, cuando participaba en obras de la escuela. Eso le llevó posteriormente a trabajar en multitud de anuncios para televisión, donde dice que le contrataban como la imagen del niño bueno ideal americano. De ahí da el salto a la interpretación primero en televisión en 1983 en un episodio de El gran héroe americano, y posteriormente, en 1984, en Karate Kid. Personajes: Fue el personaje recurrente Scott McCall en El ecualizador, mientras en la miniserie To Appomattox fue John Rawlins, sin olvidar su papel en Cobra Kai como Johnny Lawrence.

Premios: Nominado al Oscar al Mejor Cortometraje por Most, que guionizó y produjo, en 2004.

Filmografía básica: Karate Kid (1984), El ecualizador (1985-1989), Un chico como todos (1985), Las vacaciones europeas de una chiflada familia americana (1985), Regreso a la escuela (1986), Un tigre en la almohada (1987), Shootfighter (1993), Shootfighter 2 (1996), Fuerza de choque (1999), Tormenta de fuego (2001), Máxima velocidad (2002), Jacuzzi al pasado (2010), El poder de la esperanza (2014), To Appomattox (2015), Cobra Kai (2018-¿?).

Frases: “Algunas veces te conviertes en el personaje, y otras veces el personaje se convierte en ti”.

RALPH MACCHIO

TERESA PALMER

(Ralph George Macchio)

(Teresa Mary Palmer)

4 de noviembre de 1961, Huntington, Long Island, Nueva York, EE. UU. Altura: 1,75 metros.

Estado civil: Casado desde el 5 de abril de 1987 con Phyllis Fierro, su novia desde la adolescencia. Su abuela les presentó con quince años.

La pareja tiene un hijo y una hija.

Deportes favoritos: Es un conocido seguidor del equipo de jóquey New York Islanders.

Debut profesional: Como tantos otros actores que comienzan su carrera siendo jóvenes, el camino de Macchio estuvo marcado por la publicidad. Tomó clases de baile desde los tres años, para pasar por la publicidad durante los años setenta, lo que le llevó a ser descubierto para su primera serie de televisión, y además su primera película y todo el mismo año. En 1980 debuta en cine con Viva la academia y en televisión con la popular Con ocho basta.

Personajes: Fue Jimmy Andretti en la última temporada de Con ocho basta, y posteriormente Archie Rodriguez en Betty, el oficial Haddix en Deuce y, finalmente, Daniel LaRusso de nuevo en Cobra Kai. Premios: Nominado al Razzie a Peor Actor por Karate Kid 3.

Filmografía básica: Viva la academia (1980), Rebeldes (1983), Karate Kid (1984), Cruce de caminos (1986), Karate Kid 2 (1986), Ecos de guerra (1988), Karate Kid 3 (1989), Mi primo Vinny (1992), No puede ser el cielo (1989), Con ocho basta (1980-1981), Una buena noche para morir (2003), Betty (2008-2009), Hitchcock (2012), El camino para ser famosa (2013), The Deuce (2017-2019), Cobra Kai (2018-¿?).

Frases: “Vengo del mundo de las historias con guiones, y desearía que hubiese más espacios en televisión para contar historias atractivas de ficción, y no llenar las ondas con entretenimiento de tabloides”. ¿Sabías que…? Pat Morita le tomó como su protegido. Macchio leyó una elegía en el funeral de Morita que terminaba con “siempre mi sensei”.

26 de febrero de 1986, Adelaida, Australia Meridional, Australia.

Altura: 1,64 metros.

Estado civil: Casada desde el 21 de diciembre de 2013 con el actor y cineasta Mark Webber, con el que tiene tres hijos, dos niños y una niña.

Apodo: Tez o Tezza.

Deportes favoritos: Seguidora desde niña del Port Adelaide de fútbol australiano, cercano al rugby.

Debut profesional: Estudiaba en el colegio cuando ganó una competición para un casting. Fue a clases de interpretación un par de años y participó en algún anuncio de televisión. Al acabar el instituto, un agente la llamó para aparecer en una película de estudiantes, 2:37. Aunque antes ya había aparecido como extra en Wolf Creek, en 2005. Hasta 2018 no ha debutado en televisión con El descubrimiento de las brujas.

Personajes: Diana Bishop en El descubrimiento de las brujas, su primera serie.

Premios: Nominada en tres ocasiones a un Australian Academy of Cinema and Television Arts Award, los Oscar australianos, en 2016, 2017 y 2019.

Filmografía básica: 2:37 (2006), El grito 2 (2006), Los chicos de diciembre (2007), Más allá de los sueños (2008), El aprendiz de brujo (2010), Soy el número 4 (2011), Memorias de un zombi adolescente (2013), Amor y honor (2013), Knight of Cups (2015), Point Break (2015), La decisión (2016), Triple 9 (2016), Nunca apagues la luz (2016), Hasta el último hombre (2016), Berlin Syndrome (2017), La hora señalada (2017), Corre como una chica (2019), El descubrimiento de las brujas (2018-¿?).

Frases: “Nunca sabes cuándo llegarán los siguientes actores que llaman la atención y estarán bajo los focos haciendo que la gente te olvide. No hay garantías en este trabajo”.

SERIES DE TV

SERIES DE TV

THE ROOKIE

COBRA KAI

Temporada 1

Temporada 1

Emisión EE. UU.: 16 de octubre de 2018-19 de abril de 2019, NBC; Reparto: Nathan Fillion, Alyssa Diaz, Richard T. Jones, Titus Makin, Mercedes Mason, Melissa O’Neil, Afton Williamson, Eric Winter, Mircea Monroe, Sara Rue, Currie Graham, Shawn Ashmore.

Emisión EE. UU.: 2 de mayo de 2018, temporada completa, YouTube Premium; Reparto: William Zabka, Ralph Macchio, Mary Mouser, Tanner Buchanan, Jacob Bertrand, Xolo Maridueña, Courtney Henggeler, Gianni Decenzo, Nichole Brown.

Nathan Fillion ha conseguido finalmente convertirse en estrella de la televisión, tras muchos años a punto de conseguirlo, pero sin que su carrera despegase finalmente. Algunos incluso empezaban a considerarle malo para las series en las que aparecía, ya que solía garantizar que si era uno de los protagonistas, la serie sería cancelada. Pero su presencia en varios proyectos de culto, alguna película importante y su carisma y trabajo, le llevaron a arrasar con Castle, serie que se estrenó como reemplazo de mitad de temporada pero que se mantuvo en antena durante ocho temporadas, con el actor ya como productor también y con un peso en la parrilla televisiva importante. Ese impacto quiso aprovecharse nada más acabar Castle, por lo que NBC ordenó directamente la serie The Rookie, sin pasar por la etapa de piloto. Directa a serie, la idea venía de Alexi Hawley, guionista y productor de Castle, además de uno de los showrunners durante las últimas temporadas de la serie, quien tenía una estrecha relación con Fillion y junto con quien podría producir la nueva serie, The Rookie, con una de esas disparatadas premisas que parece que no pueden funcionar inicialmente, pero que lo hacen sin lugar a dudas, siempre que uno no se tome nada en serio realmente. Porque The Rookie no es Canción triste de Hill Street. Es un relato casi superheroico de un grupo de nuevos reclutas de la policía de Los Ángeles, entre los que figura John Nolan, un cuarentón divorciado que, tras sufrir un atraco en un banco, cree que su verdadera vocación es ser policía, por lo que deja todo atrás y comienza de cero en Los Ángeles. Cada episodio suele estar plagado de acción, tiroteos, persecuciones, asaltos… Seguramente, lejos de lo que es realmente la vida de una patrulla policial, especialmente cuando te enfrentas a un tiroteo cada día, pero es tremendamente efectiva y entretenida, con problemas e historias personales que hacen a los secundarios muy atractivos para el espectador, y tuvo en su primera temporada un final realmente impactante.

Karate Kid sigue siendo una de esas sagas de los ochenta que dejaron una impronta en los seguidores y se convirtieron en leyenda cinematográfica, incorporando a dos iconos del cine, como el Daniel Larusso de Ralph Macchio y el señor Miyagi del tristemente desaparecido Pat Morita. La saga tuvo un remake producido por Will Smith y con su hijo Jaden como protagonista, de enorme éxito en taquilla, pero sin continuidad. La serie surgía de varios elementos que habían traído a la memoria de los fans la saga original, como la aparición de los protagonistas en la sitcom Como conocí a vuestra madre.

Posteriormente, Josh Heald, Jon Hurwitz y Hayden Schlossberg (estos dos últimos colaboradores y socios desde el inicio de sus carreras), desarrollaron el concepto de lo que sería una serie de diez episodios de media hora de duración, con un tono de comedia a veces, pero intentando dar un poso serio y dramático a los personajes, especialmente a Johnny Lawrence, interpretado por Zabka, y que pasaba a ser coprotagonista después de ser el “villano” en la primera película. Aunque hubo diversas pujas por la serie, con casi cualquier servicio de streaming interesado en ella, fue YouTube Premium quien se llevó el gato al agua y presentó esta primera temporada y la siguiente, con cierta repercusión, aunque es cierto que el auténtico boom de la serie ha sucedido con su llegada a Netflix. La primera temporada se centraba en un Lawrence acabado, con un hijo del que no sabía casi nada, en la ruina, sin futuro…, mientras que Daniel Larusso vivía una vida de ensueño, la que él hubiese deseado. Empresario de éxito, con una preciosa mujer y dos hijos…

Pero quizá resucitar el dojo Cobra Kai pueda cambiar eso y dar propósito a su vida, si encuentra a los alumnos adecuados. Dispuesto a ser mejor, pero manteniendo la esencia Cobra Kai. Aunque seguramente Larusso no vaya a permitirlo. Dos viejos rivales y una nueva generación compitiendo por el título de mejor luchador de karate del valle. Nostalgia y nuevas ideas de la mano.

SERIES DE TV

SERIES DE TV

DARK Temporada 1 Emisión en todo el mundo: 1 de diciembre de 2017, Netflix; Reparto: Louis Hofmann, Andreas Pietschmann, Ella Lee, Maja Schöne, Anne Ratte-Polle, Angela Winkler, Florian Panzner, Lisa Vicari, Moritz Jahn, Daan Lennard Liebrenz, Sebastian Rudolph, Ludger Bökelmann, Oliver Masucci, Nele Trebs, Walter Kreye, Anne Lebinsky, Tatja Seibt, Antje Traue, Gina Alice Stiebitz, Carlotta von Falkenhayn, Stephan Kampwirth, Stephanie Amarell, Karoline Eichhorn, Tom Philipp, Peter Schneider, Hermann Beyer, Anatole Taubman, Cordelia Wege, Arnd Klawitter, Christian Steyer, Paul Lux, Lydia Makrides, Deborah Kaufmann, Peter Benedict, Gwendolyn Göbel, Julika Jenkins, Sebastian Hulk, Christian Pätzold, Luise Heyer, Mark Waschke.

Si la lista de actores de esta serie les parece larga, no se asusten.

Tiene lógica al menos desde el aspecto de la producción. Luego habrá que ver si esa lógica se aplica al campo de la narrativa cuando Dark nos cuente su historia, que suele hacerlo, la verdad. La serie supuso un hito en Netflix al ser la primera serie de habla germana de la compañía, y uno de sus éxitos internacionales, que ha creado un culto en torno a la serie.

Porque para ser audiencia de la serie no vale cualquiera. La idea de Baran bo Odar y Jantje Friese era la de crear un complejo mundo dentro de Dark, que comenzase aparentando ser una cosa para dar el salto a algo mucho más complejo que en realidad tenía que ver con viajes en el tiempo y con complejas conspiraciones temporales. Baran bo Odar pasaría a dirigir todos los episodios de la temporada, lo mismo que Friese escribiría, con o sin compañía, los guiones. Una temporada que nos llevaba al remoto y ficticio pueblo de Winden, donde una serie de niños desaparecen en misteriosas circunstancias en 2019. Lo que se descubre poco a poco es que hay muchos secretos y mentiras, relaciones rotas, dobles vidas y pasados misteriosos en torno a las cuatro familias protagonistas, ligadas también al viaje en el tiempo, posible a través de un agujero de gusano situado en las cuevas que hay bajo la central nuclear, lo que nos llevará a visitar otras épocas. Por eso el reparto tan extenso, porque muchos personajes tendrán sus versiones jóvenes en la primera temporada, que en realidad solo sería un aperitivo de lo que estaba por venir en la serie.

UN LUGAR PARA SONAR (Virgin River) Temporada 1 Emisión en todo el mundo: 6 de diciembre de 2019, Netflix; Reparto: Alexandra Breckenridge, Martin Henderson, Annette O’Toole, Tim Matheson, Colin Lawrence, Jenny Cooper, Lauren Hammersley, Benjamin Hollingsworth, Grayson Gurnsey, Sarah Dugdale, Daniel Gillies, Lexa Doig.

Un lugar para soñar es la serie que llegó de ninguna parte y se convirtió en un éxito inesperado. Inesperado, porque fuera de la comunidad anglosajona, las novelas en las que se basa, obra Robyn Carr, no son particularmente conocidas, pero sí lo son en el mercado anglosajón, o al menos sí lo suficiente como para que Netflix pusiera su vista en ellas y además lo hiciese con una interesante inversión, ya que el reparto no es precisamente desconocido. Ni mucho menos. Y además, la serie tuvo el suficiente éxito como para que Netflix anunciase la segunda temporada apenas dos semanas después del estreno de la primera, algo que no sucede muchas veces con series de enorme envergadura como The Umbrella Academy. La encargada de levantar la serie sería Sue Tenney, principal guionista, creadora de la serie y showrunner, una veterana del medio que llamó la atención en Siete en el paraíso, una serie con la que Virgin River comparte más de una idea. La historia no es nada original, una enfermera se muda de la gran ciudad a un pequeño pueblo donde tendrá que ganarse la confianza de todo el mundo, empezando por el doctor de la comunidad, un viejo cascarrabias incapaz de aceptar que necesita ayuda. La alcaldesa metomentodo se encargará de intentar limar asperezas, mientras el dueño del bar local, un exsoldado con muchos traumas, será una de las claves para quedarse. Porque nuestra protagonista está más que dispuesta a quedarse. Ya no puede ni quiere volver atrás, porque el pasado que abandona es demasiado doloroso como para soportarlo. Necesita una vida nueva, empezar de cero. Y la pequeña comunidad de Virgin River parece ideal pese a los tropiezos varios. No será un camino fácil, pero puede ser el único camino para curar sus heridas. Cuando uno lee una trama así, inicialmente puede pensar en series como Hart of Dixie o Everwood. Nada que ver. Ni la presencia de Tim Matheson como médico local acerca las series. Es mucho más dramática, menos ligera. No es tan caótica o surrealista como aquellas.

QUE FUE DE...

QUE FUE DE...

CANDICE BERGEN

KATHY BATES

BIOGRAFIA Nacida el 9 de mayo de 1946 en Los Ángeles (California). Fue esposa del cineasta francés Louis Malle y ha actuado con Steve McQueen, Yves Montand, Michael Caine, Jack Nicholson, James Mason, Gene Hackman o Jacqueline Bisset. Aunque sigue en cine y televisión, dedica parte de su tiempo a sus diseños de camisetas, cojines o tazas inspirados en sus ilustraciones, así como a la defensa de los animales y la naturaleza.

FILMOGRAFIA DESTACADA Soldado azul (Ralph Nelson, 1970), en la que es Cresta, una superviviente de un ataque de nativos norteamericanos, testigo de un brutal asalto del Ejército estadounidense (inspirado en la masacre india de Sand Creek de noviembre de 1868).

El viento y el león (John Milius, 1975), interpretando a Eden Pedecaris, una rica estadounidense secuestrada por el líder árabe Raisuli (Sean Connery) en Marruecos, lo que servirá de excusa para la intervención de potencias invasoras extranjeras en dicha nación africana.

SU PAPEL MAS DESTACADO El de la periodista televisiva Murphy Brown en la comedia para la pequeña pantalla del mismo título, que le proporcionó varios Globos de Oro y Emmy. Bergen interpretó a esta exalcohólica durante los ochenta y los noventa, y en su retorno en la presente década, siendo capaz de poner en aprietos al propio vicepresidente de Estados Unidos, Dan Quayle, al ser este incapaz de distinguir ficción y realidad.

SU ULTIMO TRABAJO Su reincorporación en 2018 a su serie Murphy Brown, su presencia en la comedia coral Book Club de Bill Holderman y próximamente se la verá en la comedia de Steven Soderbergh Let Them All Talk y en el drama As Sick as They Made Us de Mayim Bialik.

BIOGRAFIA. Nacida el 28 de junio de 1948 en Memphis (Tennessee), Kathy Bates es una gran activista por los derechos humanos, actividad que compagina con su labor como artista desde principios de los años setenta, habiendo actuado en la serie Vacaciones en el mar y en filmes como A la mañana siguiente, Jugando en los campos del señor, Primary Colors o Ultimátum a la Tierra, dirigiendo además capítulos de series como Policías de Nueva York o A dos metros bajo tierra.

FILMOGRAFIA DESTACADA Tomates verdes fritos (Jon Avnet, 1991), en el papel de Evelyn Couch, una mujer que entabla amistad con una anciana, Ninny (Jessica Tandy), que le cuenta una conmovedora y reveladora historia. Eclipse total (Dolores Claiborne) (Taylor Hackford, 1995), en la que interpreta a Dolores, una mujer acusada del asesinato de la mujer a la que cuidaba, Vera Donovan (Judy Parfitt). Titanic (James Cameron, 1997), en la que es “la insumergible” Molly Brown.

SU PAPEL MAS DESTACADO El de Annie Wilkies, la fan fatal de Misery, en la película del mismo nombre de 1990 de Rob Reiner inspirada en una obra del maestro Stephen King, por la que recibió el Oscar y el Globo de Oro a la Mejor Actriz por convertirse en una seguidora acérrima de una protagonista de novelas románticas que rescata de un accidente al autor de estas, Paul Sheldon (James Caan).

SU ULTIMO TRABAJO El biopic sobre los detectives que perseguían a Bonnie y Clyde, Emboscada final, de John Lee Hancock, Richard Jewell de Clint Eastwood y la serie American Horror Story, a la espera del estreno del drama Home de la actriz y directora Franka Potente, y de la comedia The Miracle Club de Thaddeus O’Sullivan.

QUE FUE DE...

QUE FUE DE...

SCOTT GLENN

DANNY DEVITO

BIOGRAFIA Nacido el 26 de enero de 1939 en Pittsburgh (Pensilvania), ha colaborado con su amigo, el también actor Gary Busey, en tres ocasiones, ha estado a las órdenes de realizadores como Jonathan Demme, Robert Altman, Francis Ford Coppola, Ken Loach o Antoine Fuqua, y continúa en activo en cine y televisión.

FILMOGRAFIA DESTACADA El torreón (Michael Mann, 1983), en la que es Glaeken, el encargado de detener a una criatura demoníaca liberada por los nazis durante la Segunda Guerra Mundial. El wéstern Silverado (Lawrence Kasdan, 1985), donde da vida a Emmett, que junto con su hermano Jake (Kevin Costner) y otros héroes, se enfrenta al cacique del lugar. Saigón, el infierno del silencio (Christopher Crowe, 1988), interpretando al coronel Dexter Armstrong, sospechoso de ser un asesino en serie en plena guerra del Vietnam. La caza del Octubre Rojo (John McTiernan, 1990), en la que es el capitán Bart Mancuso, que comanda un submarino estadounidense tras la pista de otro soviético que gobierna Marko Ramius (Sean Connery). Llamaradas (Ron Howard, 1991), encarnando al veterano bombero John Adcox.

SU PAPEL MAS DESTACADO El de John Creasy, que pasa de ser agente secreto a proteger a una niña que pertenece a una adinerada familia italiana en Bala blindada (Élie Chouraqui, 1987), basada en la novela de A. J. Quinnell Man on Fire (con nueva versión cinematográfica en 2004). Pero cuando esta es secuestrada, en su búsqueda desata tras de sí una espiral de violencia y muerte.

SU ULTIMO TRABAJO Las series basadas en personajes de Marvel Daredevil y The Defenders, así como la inspirada por la obra de Stephen King, Castle Rock. Acaba de estrenar recientemente la película catastrófica Greenland: el último refugio de Ric Roman Waugh.

BIOGRAFIA Nacido el 17 de noviembre de 1944 en Asbury Park (Nueva Jersey), ha sido durante largo tiempo pareja de la también cómica Rhea Perlman (Cheers) y gracias a la serie Taxi y su papel de Louie De Palma ganó un Globo de Oro y un Emmy. En su larga carrera (también como realizador) ha trabajado desde los años setenta, habitualmente en comedia, con directores como James L. Brooks, Robert Zemeckis, Brian De Palma, Jim Abrahams o Barry Sonnenfeld.

FILMOGRAFIA DESTACADA Alguien voló sobre el nido del cuco (Milos Forman, 1975), en la que se transforma en Martini, uno de los compañeros de psiquiátrico de Randle McMurphy (Jack Nicholson). Tira a mamá del tren, dirigida por el propio DeVito en 1987, que encarna a Owen, que desea acabar con su progenitora en esta suerte de versión cómica de Extraños en un tren de Alfred Hitchcock.

SU PAPEL MAS DESTACADO Los que ha interpretado junto a los también actores Kathleen Turner y Michael Douglas; Ralph en las aventureras Tras el Corazón Verde (Robert Zemeckis, 1984) y La joya del Nilo (Lewis Teague, 1985), y el abogado Gavin D’Amato en la comedia negra La guerra de los Rose (1989), que él mismo dirigió. Sin olvidar su participación junto a Turner y Douglas en el videoclip de Billy Ocean del tema “When the Going Gets Tough, the Tough Get Going” para La joya del Nilo.

SU ULTIMO TRABAJO Sus papeles en las series El método Kominsky y Colgados en Filadelfia, la fantasía familiar Dumbo de Tim Burton o la aventurera Jumanji: siguiente nivel de Jake Kasdan, a la espera del estreno del biopic del boxeador Harry Haft, cuyos puños le permitieron sobrevivir en el campo de concentración nazi de Auschwitz.

Jane Russell

JANE RUSSELL en emblemático sistema de construcción del personaje aplicado Ernestine Jane Geraldine Russell nació en Bemidji, Minnesota, entre otros astros de Hollywood en fechas posteriores por Marlon Estados Unidos, el 21 de junio de 1921 y falleció en Santa María, Brando, Robert De Niro, Al Pacino o Daniel Day-Lewis.

California, víctima de un fallo respiratorio el 28 de febrero de 2011.

Medía 1,70, aunque las cámaras siempre supieron cómo proBusto polémico en el lejano y salvaje oeste porcionarle una impresión de mayor altura en casi todas sus películas. Su opulenta figura requería y permitía ese artificio visual para Si el lector de estas líneas ha visto la película El aviador, dirihacerla pasar por una de las féminas más empoderadas de las ficgida por Martin Scorsese y protagonizada por Leonardo DiCaprio, ciones del cine clásico, la cual, dicho sea de paso, habría sido una recordará la escena en la que el millonario y emprendedor productor excelente candidata para interpretar el papel de Wonder Woman en cinematográfico defiende la publicidad de marcado talante sexual de la era dorada de Hollywood. un filme ante los responsables de la organización censora que Jane era la única hija fruto del matrimonio formado por Roy imponía su ley en Hollywood en esa época. El debate sobre el tamaño William Russell, fallecido en julio de 1937, y Geraldine Jacobi, quien de los senos de la protagonista de dicha película no tenía por protamurió en diciembre de 1968. La pareja tuvo, además, cuatro hijos: gonista a otra más que a Jane Russell, a la que Hughes pretendía y Thomas Ferris Russell, nacido en abril de 1924; Kenneth Steven consiguió lanzar como símbolo sexual en la pantalla grande.

Russell, que vino al mundo en septiembre de 1925; James Hyatt La cinta en cuestión se titulaba El forajido (1943), en la cual Russell, el cual nació en febrero de 1927; y Jay Russell, el más Russell representaba el papel de Río McDonald, belleza del lejano y joven, que llegó al mundo en enero de 1929. salvaje Oeste por cuyos afectos porfían y se enfrentan los míticos Por lo referido a sus antecedentes familiares, los padres de Pat Garrett, Doc Holliday y Billy el Niño. Teniendo en cuenta que Jane se habían casado en 1917 y en su árbol genealógico la estrella Garrett estaba interpretado por Thomas Mitchell, el médico borracontaba con tres abuelos nacidos en Canadá y con la abuela materna, chín de La diligencia, de John Ford, con la cual el actor ganó un nacida en Alemania.

Oscar como secundario, y La profesión de su Doc Holliday era encarnado padre, teniente del ejército por Walter Huston, padre de de Estados Unidos, llevó a John Huston y prestigioso Jane a cambiar de domicilio actor, no cabe duda de que en varias ocasiones cuando el bautismo de fuego ante era niña, de manera que las cámaras de la protagopasó la infancia en Canadá nista de este artículo fue antes de mudarse con la todo un reto para ella. familia al Valle San FerJane era una novata en nando, en California, estaun territorio dominado por bleciéndose en Burbank en veteranos y, además, había 1930, momento en que su conseguido el papel presenpadre empezó a trabajar tándose a un casting de nivel como gerente de una fábrica nacional en el que Howard de jabón de la zona. Pero el Hughes convocaba a actrigusanillo del espectáculo le ces, modelos y aspirantes llegó a Jane desde su que tuvieran un busto promimadre, que había trabajado nente, elemento que el procomo actriz en una compaductor y director de este ñía itinerante. Fue su progewéstern confiaba en convernitora la que la inscribió en tir en poderoso reclamo para clases de piano y ella misma el público del momento. la que se apuntó a participar obsesionado Tan en las representaciones teaestaba con el tema que trales del instituto en el que incluso puso a los ingenieestudiaba. ros aeronáuticos de su A pesar de esta incliempresa a diseñar un sujenación por la interpretación, tador especial para realzar inicialmente sus planes el busto de la joven actriz, para el futuro estaban cenaunque finalmente Russell trados en desempeñar el no llegó a utilizarlo porque, trabajo de diseñadora. Pero según escribió en su biograla temprana muerte de su fía, titulada My Path and my El forajido, la película que lanzó a Jane Russell y en la que consiguió el papel padre con 47 años la obligó presentándose a un casting en el que Howard Hughes buscaba féminas de busto Detours , Mi camino y mis a aportar soporte econódesvíos, publicada en 1985, abundante. mico a la familia trabajando era muy incómodo. Así que, como recepcionista de un médico y completando sus ingresos a sin decírselo a nadie, lo dejó aparcado y utilizó su propio sujetador base de servir como modelo en sesiones fotográficas. Su impactante con las copas rellenas y retocando la caída de las correas. físico hizo que no le faltara trabajo, pero su madre decidió enfocar El arranque de la carrera de Russell en el cine no pudo ser esos primeros pasos hacia un camino más claro, mostrándose más accidentado. A la polémica con la censura por el tema del busto incluso insistente en convencer a su hija de que estudiara teatro. y la propuesta de sexualización de su personaje se unió el hecho de Finalmente, eso llevó a Jane a matricularse en la escuela de interque Hughes tuvo finalmente que ocuparse de la dirección de la pelípretación de Max Reinhardt, que incluía en su plantilla de profesores cula, cuando el encargado inicialmente de esa función, Howard a la respetada actriz rusa María Ouspénskaya, miembro del Teatro Hawks, dejó el proyecto tras dos semanas de rodaje para irse a del Arte de Moscú y practicante y defensora del sistema de interprefilmar otro clásico del cine, Sargento York, protagonizada por Gary tación de Konstantín Stanislavski, que iba a dar lugar en Estados Cooper. Otras fuentes afirman que en realidad Hughes le puso Unidos al denominado “Método”. Fue así Russell una pionera en puente de plata a Hawks para que se largara del proyecto porque recibir lecciones del sistema de interpretación que iba a convertirse había visto el material rodado hasta entonces y no le convencían los

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JANE RUSSELL tribunales reclamando una indemnización de un millón de dólares a la Oficina Hays por daños y prejuicios, lo que no impidió que el estudio Universal siguiera distribuyendo la película y que El forajido fuera éxito de taquilla en todos los lugares donde se proyectaba, en buena medida por el excelente huracán promocional que había desatado su porfía con los censores. En todo ese tormentoso periplo, el propietario de un cine fue arrestado acusado de proyectar una película que ofendía a la decencia y la cinta fue prohibida en Nueva York, donde no pudo estrenarse hasta septiembre de 1947.

El pintoresco arranque de la carrera de la actriz acabó por convertirse en un motivo de bromas recurrentes entre sus compañeros de oficio e incluso el propio Hughes afirmaba que contaba con dos poderosas razones por las que los hombres querían ir al cine a ver sus películas, y ambas eran más que suficientes.

No es extraño que, acompañada de todo este lanzamiento como figura sexual, Russell fuera una de las féminas cuyas fotos se contaban entre las preferidas de los soldados estadounidenses durante la Segunda Guerra Mundial, junto con las de Rita Hayworth y Lana Turner. El tema de los senos y sus curvas acompañó a la actriz durante toda su carrera, hasta el punto de que el cómico Las fronteras del crimen , junto a Robert Mitchum, fue una de las incursiones de Bob Hope, que fue su compañero de reparto en las paroRussell en el cine negro. dias de wéstern Rostro Pálido (1948) y la secuela El hijo de resultados. Lo primero que hizo Hughes cuando ocupó la silla del Rostro Pálido (1952), interpretando a la mítica francotiradora del director fue rodar otra vez todas las escenas filmadas hasta el lejano Oeste Juanita Calamidad, la convertía en blanco de chistes momento, con Gregg Toland, el prestigioso colaborador de Orson que seguramente hoy serían considerados políticamente incorrecWelles en Ciudadano Kane, como director de fotografía. Para acabar tos. Hope la presentaba como “The Two and Only Jane Russell” o de complicar las cosas, el ocupado Hughes no fue demasiado consafirmaba que “cultura era la habilidad de saber describir a Jane tante como director, lo que finalmente llevaría al guionista Jules Russell sin mover las manos”.

Furthman a reemplazarlo.

Incluso algún título de la filmografía de la actriz jugó esa baza El remate de la faena fue que Hughes decidió enfrentarse a los de recordar la polémica del busto en sus inicios, caso de lo que en censores y El forajido se convirtió en la primera película que desafió España se estrenó como Don Dólar (1951), pero en el original se el Código de Producción de la Oficina Hays, que imperaba en el cine titulaba Doble Dinamita, y se promocionaba con un póster en el que el coprotagonista de la película, Groucho Marx, aparecía junto con la estadounidense decidiendo lo que podía y no podía mostrarse en la actriz en dos fotogramas: en el primero, mirándola de reojo; y en el pantalla grande. segundo, con ojos saltones como los de un acosador con puro Estos y otros inconvenientes acabaron por retrasar la fecha de víctima de una sobredosis de Viagra. estreno de la película un par de años. Terminada en febrero de 1941, El hecho de que este largometraje siguiera explotando los el Código de Producción le dio su aprobación en mayo de ese mismo senos de la actriz como reclamo publicitario obedecía simplemente año con la condición de que se practicaran en la película cortes que a que todavía seguía circulando la polémica de El forajido, dado que Hughes consideró excesivos, decidiendo en consecuencia negarse a Don Dólar se rodó entre noviembre y mediados de diciembre de hacerlos y aplazando su estreno hasta febrero de 1943, fecha en la 1948, aunque luego tardara tres años en estrenarse. Lo de retrasar que se proyectó en San Francisco una copia de 115 minutos. Pero la estrenos de sus películas era casi una costumbre en la carrera de polémica prosiguió y el enfrentamiento de Hughes con la censura en Hughes como productor.

Otra costumbre era mantener relaciones con las actrices de sus películas, y así lo hizo también con Jane Russell, a la que le firmó un contrato para mantenerla en su compañía confiando en su capacidad como estrella de reclamo en la taquilla.

Lejos de escandalizarse o sentirse utilizada por todo esto, Russell jugaba sus cartas con habilidad y sabía tomarse todo el asunto con humor, afirmando: “El atractivo sexual es bueno, siempre que no sea de mal gusto, en cuyo caso acaba siendo feo. No creo que ninguna estrella consiga progresar posando de manera vulgar. He visto muchas fotos que tienen atractivo sexual, interés, incluso encanto, pero no son vulgares. Tienen incluso un poco de arte. Por ejemplo, el calendario en el que Marilyn Monroe posó desnuda era artístico”.

Los caballeros se casan con las morenas

Junto a Brad Dexter en Una aventura en Macao , donde también estaban Gloria Grahame y Robert Mitchum.

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Precisamente, Marilyn Monroe fue la compañera ideal para Jane Russell en otra de las películas esenciales tras el espectacular arranque de carrera que protagonizó con El forajido: Los caballeros las prefieren rubias (1953), que años después serviría a Madonna para replicar en uno

JANE RUSSELL hermana mayor, algo en lo que tenía sobrada experiencia porque había sido la mayor de los cinco hijos que tuvieron sus padres. Esa amistad sería luego recordada por Marilyn en una de las últimas entrevistas que concedió antes de morir, cuando declaró: “Jane Russell era la morena y yo era la rubia. Ella cobró 200.000 dólares por la película y yo mis 500 dólares por semana, lo que para mí era una cantidad considerable, pero ella estuvo maravillosa conmigo durante el rodaje”.

En ese momento, Monroe cobraba 18.000 dólares por película, frente a la primera elegida para ese papel, Betty Grable, que cobraba 150.000 dólares, así que los productores no dudaron mucho en hacer el cambio, y dieron en el blanco porque la química entre Monroe y Russell no se habría dado entre Grable y Russell. Curiosamente, el proyecto en el que el estudio Fox se propuso volver a reunir a Monroe y Russell visto el éxito de Los caballeros las prefieren rubias, titulado Cómo ser muy muy popular (1955), acabó siendo interpretado por Sheree North en el papel de Marilyn y por Grable en el papel inicialmente pensado para Russell. Marilyn se borró del asunto porque no le gustaba el guion y Russell hizo otro tanto.

Volviendo sobre el título de la secuela de Los caballeros las prefieren rubias, los caballeros que se casaron con La bella de Montana , uno de sus mejores trabajos en el western, interpretando a la morena Jane Russell fueron tres. Su primer marido fue una reina de los forajidos del salvaje oeste. su novio del instituto, el actor y productor Robert Waterfield, con el que contrajo matrimonio en abril de 1943 y del que se de sus vídeos el número musical de Marilyn hablando sobre diamandivorció en julio de 1968. En el curso de sus más de dos décadas de tes. Casualmente también tras ese filme, como en las primeras dos matrimonio adoptaron a Tracy, en febrero de 1952, y a Tommy, un semanas de rodaje de El forajido, Russell trabajó a las órdenes de niño nacido en Inglaterra, en diciembre de ese mismo año. Russell Howard Hawks, pero, a esas alturas de su carrera y a pesar de sería, además, la creadora de la organización World Adoption Intercontar con pocos títulos en su haber, ya no era la misma Russell national Fund, que llevó 51.000 niños a sus familias de adopción. debutante que el director había conocido en aquel wéstern, sino una Asimismo, crearon la productora Russ-Field Productions, sello estrella muy taquillera y popular que supo hacerle frente y medirse bajo el que ella protagonizó Los caballeros se casan con las en igualdad de condiciones, e incluso llevando todo el liderato en lo morenas (1955), junto con Jeanne Crain y bajo la dirección de referido a recursos de comedia e interpretación, frente a la mítica Richard Sale, con resultados muy inferiores a los de la película con Marilyn.

Marilyn, de la que era una secuela disfrazada con cambio de persoLa película se basaba en la novela récord de ventas Los cabanajes. Además, la firma produjo el wéstern en clave de comedia lleros las prefieren rubias (1925), de Anita Loos, que contó con su romántica Un rey para cuatro reinas (1956), protagonizado por Clark propia secuela, Pero se casan con las morenas (1928), y durante el Gable, un remake de El malvado Zaroff titulado Huida hacia el sol rodaje se forjó una amistad entre ambas actrices hasta el punto de (1956), cuyo personaje principal era Richard Widmark; y la comedia que Russell, que llamaba a Monroe “Rubita”, era la única que podía criminal The Fuzzy Pink Nightgown (1957), que protagonizó la propia convencer a su compañera de reparto de su caravana para empezar Jane Russell con Norman Taurog como director y teñida de rubia el rodaje cuando Marilyn pasaba por sus momentos de inseguridad, platino como una Marilyn de relevo. Russell solicitó el divorcio de de manera que se pasó toda la producción ejerciendo como la Waterfield en 1947, el mismo año en el que decidió probar suerte embarcándose también en una carrera musical que la llevó a grabar un disco con la orquesta de Kay Kyser titulado As Long as I Live. Su carrera musical incluye un álbum para Columbia Records titulado Let´s Put Out the Lights , grabado en 1950, además de un dúo con Frank Sinatra en el tema Kisses and Tears, que interpretó para la película Don Dólar . Esa carrera como cantante proseguiría en directo cuando en 1957 debutó en el hotel Sands de Las Vegas, consiguiendo un éxito como cantante solista. En esa otra faceta profesional llegó a hacer giras por Estados Unidos, Canadá, México y Europa. Además, en 1959 grabó un álbum en solitario con MGM. Su segundo marido fue Roger Barrett, con el que contrajo matrimonio en agosto de 1968 y del que quedó viuda en noviembre de ese mismo año. Su tercer marido también la dejó viuda: se casaron en enero de 1974 y él falleció en abril de 1999.

En su filmografía se cuentan otros títulos, como Esclava de un recuerdo (1946), dirigida por Edwin L. Marin, aunque en esta trabajaron también los directores William Dieterle y André De Toth, sin aparecer en los créditos, y que como El forajido estuvo afectada también por retrasos En Los caballeros las prefieren rubias , junto a Marilyn Monroe, a la que ayudó y cambios de reparto que la convirtieron en un fracaso para durante el rodaje ejerciendo como protectora ante los ataques de inseguridad de su compañera.

United Artist.

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JANE RUSSELL de Las Vegas, los cónyuges protagonizaron una monumental pelea en el transcurso de la cual él la golpeó a ella varias veces en el rostro, dejándoselo severamente afectado más allá de lo que pudiera cubrir el maquillaje, así que, cuando el estudio se negó a atrasar la sesión de estreno, Russell tuvo que aparecer ante el público y la prensa pretextando que se había golpeado con la puerta de un coche como consecuencia del viento que había soplado en la tormenta de la noche anterior. Nadie se lo creyó, pero así era Hollywood.

El wéstern volvió a proporcionarle un papel inspirado en una figura real, Belle Starr, que regentó un refugio para forajidos y estuvo enredada con los temibles hermanos Dalton, luego reclutados para los cómics de Lucky Luke, en la película La bella de Montana (1952), dirigida por Allan Dwan. Inicialmente la actriz elegida para ese trabajo era Ann Sheridan, pero la película salió ganando con el cambio de reparto porque en general Russell es lo único interesante de esta.

Otro tanto puede decirse de la comedia musical La línea francesa (1953), dirigida por Lloyd Bacon, con Gilbert Roland como flojo protagonista masculino frente a la arrolladora Russell. La Liga Católica de la Decencia la atacó La línea francesa , comedia musical que se anunció con la frase Jane Russell en 3D. por este trabajo. Nada nuevo bajo el sol teniendo en cuenta su arranque con El forajido.

Tampoco tuvo mucha suerte con la aventura La sirena de las Cine negro y maltrato aguas verdes (1955), dirigida por John Sturges, nuevamente con Gilbert Roland como compañero de reparto. El desinterés de la actriz Mejor suerte corrieron sus dos películas de cine negro junto por el proyecto se manifestaba con sus continuos retrasos en llegar con Robert Mitchum, con el que formó una pareja interesante y con al rodaje, que acabaron exasperando al director y a sus compañeros. buena química en Las fronteras del crimen (1951), dirigida por John Mejores resultados obtuvo acompañada por Jeff Chandler en Farrow y Richard Fleischer, y Una aventurera en Macao (1952), una película de acción con romance, El calor del amor (1955), horrifirmada por Josef von Sternberg pero que también codirigieron sin ble título en castellano para algo que originalmente respondía por el aparecer en los créditos Mel Ferrer, Nicholas Ray y Robert Stevennombre de Foxfire. Dirigida por Joseph Pevney, abordaba el tema de relaciones interraciales, con Russell interpretando a una mujer son. Ambos proyectos eran cosecha del disparatado sistema de problanca casada con un mestizo con sangre apache que dirige las ducción aplicado por Howard Hughes a sus cintas, que hizo que el excavaciones para desenterrar un mítico tesoro de esa cultura. célebre millonario fuera al mismo tiempo el encargado de lanzar al El wéstern volvió a traerle buenos resultados en Los implacaestrellato a Russell, pero al mismo tiempo un lastre en la primera bles (1955), que protagonizó junto con Clark Gable y Robert Ryan y etapa de la carrera de la actriz. bajo la dirección de un maestro como Raoul Walsh. Inicialmente el Russell funcionaba bien como fémina del cine negro, como papel de Ryan estaba pensado para John Wayne. Es interesante que volvió a demostrar en otra película que estaba por debajo de sus en Hollywood la prensa e incluso los productores consideraran que méritos, Las Vegas (1952), dirigida por Robert Stevenson, con Victor Mature y Vincent Price en los principales papeles masculinos. El los tres actores eran ya demasiado mayores para los papeles que filme, producido por el sello RKO, se convirtió accidentalmente en un interpretaban, muestra de lo rápido que se queman las estrellas en escaparate de los problemas de su matrimonio con Waterfield. La la industria, con riesgo de convertirse en juguetes rotos. noche antes del estreno del largometraje precisamente en la ciudad Russell entraba en la fase final de su carrera cuando rodó con Cornel Wilde Sangre caliente (1956), drama musical dirigido por Nicholas Ray, que volvió a dirigirla en La rebeldía de la señora Stover (1956), un drama donde ambos consiguieron mejores resultados. Su interpretación de una prostituta que intenta empezar de cero en otro lugar permitió a Russell probar un papel más exigente de los que habitualmente le proponía la industria, dando vida a un personaje que había sido pensado para que lo encarnara Lana Turner.

En los años sesenta, Russell se dedicó sobre todo a hacer apariciones en capítulos de series de televisión, antes de regresar a la pantalla grande con el largometraje de intriga Los pasos del destino (1964), dirigido por Ralph Nelson, con Glenn Ford como protagonista.

El cine del Oeste volvió a reclamarla para interpretar Johnny Reno (1966), junto con Dana Andrews, y Waco (1966), con Howard Keel, ambas dirigidas por el mismo realizador, el artesano R. G. Springsteen. Después se fue despidiendo de su carrera en el cine con Nacidos para perder (1967), y el vehículo policíaco para lucimiento de Rod Taylor Más oscuro que el ámbar (1970), donde interpretó el curioso papel de la Tigresa de Alabama. La televisión le daría la última oportunidad de brillar algo más en la serie de wéstern modernizado La rosa amarilla (1984).

Los caballeros se casan con las morenas , era un intento de rentabilizar el éxito de su anterior encuentro con Marilyn… pero sin Marilyn, sustituida por Jeanne Crain.

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Miguel Juan Payán

PELÍCULAS

MÍTICAS

FICHA TÉCNICA bandas de jóvenes motoristas se enfrentan a El reestreno en 4K en cines nos ha velocidad de vértigo, con la moto del protagodado recientemente la oportunidad de reenDirector: Katsuhiro Ôtomo; Año de producción: 1988; nista, Kaneda, como referente visual de toda contrarnos con este clásico del cine de cienNacionalidad: Japón; Guion: Katsuhiro Ôtomo, Izô Hashimoto; Música: Shôji Yamashiro; Color; Duración: 124 minutos. la película, mientras en las altas esferas hacia ficción y título capital en la difusión del bita la corrupción y se cuece una conspiraanime japonés en las pantallas occidentales ción que acabará en un golpe de Estado y nos habla del enfrentamiento que si bien en su país de origen se estrenó a finales de los años ochende contrarios sobre el que se construyen los temas de la película: la vita no llegó a los cines españoles hasta 1992. da y la muerte, los niños con aspecto de anciano, la sociedad civil conAdemás, en el momento que vivimos el regreso de este título de tra la fuerza militar, el pasado y el presente… todo ello girando en torculto se reviste de un significado muy especial de carácter casi premono al personaje de Tetsuo, que hábilmente es manejado al mismo nitorio, por la participación en su argumento de una localización de tiempo por el argumento, en sus distintas fases, como una víctima, gran protagonismo: el nuevo estadio olímpico que se construye en la luego como un antihéroe que se convierte en monstruo y finalmente ficción de Akira para alojar los Juegos Olímpicos de Tokio en 2020, que como una amenaza de antagonista que refleja hábilmente en un puñano han podido celebrarse finalmente por la pandemia de COVID-19, do de planos del tercer acto un homenaje al personaje de Superman, siendo trasladados a 2021. en el que encontramos una de las claves del largometraje con una caLa copia editada en el clásico formato de cinta de vídeo VHS en pa roja significativamente arrancadas de un trozo de tela entre los esEspaña por Record Visión se anunciaba de forma exultante como, cito combros: la visión siniestra de los superpoderes. textualmente de la copia que tengo a mano en casa: “La película de diOtro aspecto interesante es el aire alucinado de algunas secuenbujos más cara de la historia. Akira es al dibujo animado lo que Ciudacias, como la pesadillas de Tetsuo con los juguetes que cobran vida y dano Kane o Blade Runner han sido para el cine ‘real’”. Ciertamente, la inundación de leche, que se sitúan, desde un puzle de guiño en neAkira fue la película más cara del cine japonés hasta ese momento, gativo, en las antípodas de las figuras de cuentos infantiles de la anicon un presupuesto de diez millones de dólares. mación occidental, explorando ciertos arquetipos con una madurez insBueno, dejando al margen las exageraciones promocionales, lo piradora que bucea en el lado siniestro y terrorífico de estos, cierto es que la película era una de las más importantes incorporaciones destacando en ese paisaje el guiño a Blancanieves y los siete enanitos a la historia del cine en general y de las producciones de dibujos animade Walt Disney, título capital en la historia de los largometrajes de anidos en particular, y sin duda es una de las obras maestras de las tramación. En ese territorio, la película se despliega como una especie de ducciones del manga, el cómic japonés, al anime. Además abrió mucanto funeral por la infancia y la inocencia perdida con un despliegue chas puertas a este tipo de producto, que estaba ya en aquel momento casi psicotrópico de las imágenes. presente en las librerías españolas de cómics, pero no en los cines.

En el aspecto técnico, Akira es también un logro notable. ConstiEl cine de animación japonés era identificado por el público en tuida por 2212 tomas y 160 000 imágenes individuales, lo que triplica la general como un tipo de entretenimiento televisivo de sobremesa, que media para este tipo de producto, Akira definió además un uso de la luz disfrutaba toda la familia pero iba supuestamente dirigido en esencia a y del color que luego ha influido mucho en la manera en que se han trapúblico infantil. Así lo habían popularizado series como Mazinger Z, bajado esos mismos elementos en producciones posteriores, con el roHeidi o Marco. jo, el verde y el amarillo dominando en puntos clave del relato, aunque Akira era claramente otra propuesta que amplió las expectativas en su conjunto todo el largometraje utiliza 327 colores diferentes: récord de toda una nueva generación de aficionados y consumidores de manpara una película de animación que además contó con 50 colores creaga y anime, y abrió fronteras cinematográficas en Occidente que postedos exclusivamente para el filme. Todo ello en el territorio de la noche, riormente pudieron aprovechar directores como Hayao Miyazaki o Saque es siempre cuidadosamente esquivada por los animadores por las toshi Kon. dificultades que entraña trabajar para recrearla en relación con el color.

El argumento nos sitúa en el año 2019, en Neo-Tokyo, ciudad Otra particularidad que destaca de Akira está relacionada con el construida sobre las ruinas de Tokio tras la destrucción de la Tercera trabajo de los actores que prestan sus voces a los personajes, romGuerra Mundial. Imágenes de catástrofe inician el despliegue visual de piendo la tendencia de la animación japonesa en ese momento, en la la película como un eco de actualización de la catástrofe atómica de que primero se desarrollaba la animación y luego se grababan las voHiroshima y Nagasaki al final de la Segunda Guerra Mundial. ces. Este detalle da una idea del carácter pionero de esta producción Luego pasamos al plano cenital de la ciudad, donde rápidamente que estableció una tendencia más cercana a las prácticas de animanos internamos en un laberinto de neón que recuerda el que nos dibución en Occidente. jara la película Blade Runner, una de las fuentes de inspiración más En cuanto a la música, los compositores la completaron sin haclaras para este largometraje que habita en parte en el territorio de la ber visto la película ni leer el guion. variante ciberpunk de la literatura de ciencia ficción que aquella pelícuTodo lo anterior convirtió Akira en una embajadora del cine japola de Ridley Scott contribuyera a inspirar también. El desenlace y la nés en los mercados internacionales, abriendo fronteras al anime en transformación de Tetsuo y su brazo mecánico serán a su vez elemenlos cines de todo el mundo, un papel que la sitúa al mismo nivel de lo tos que posteriormente servirán como inspiración para otras muchas que fue en los años cincuenta la película Rashomon, de Akira Kurosapropuestas del anime japonés en ese mismo terreno del encuentro en wa, que con su circulación y éxito en los festivales internacionales perla tercera fase con la destrucción o mutación de la carne en metal. mitió a las producciones japonesas romper sus fronteras y alcanzar Sobresalen especialmente esos planos en los que la ciudad se una distribución internacional. despliega en varias capas, casi como un ser vivo, latiendo, donde las

RAY MILLAND (REGINALD ALFRED JOHN TRUSCOTT-JONES) 3 de enero de 1907, Neath, Glamorgan, Gales (Reino Unido)-10 de marzo de 1986 en Torrance, California (EE. UU.)

sión; 1984.–Sherlock Holmes y la máscara de la muerte (película televisión); 1985.–Serpiente de mar, The Gold Key.

FILMOGRAFÍA

EL JINETE ESTRELLA

1928.– Moulin Rouge; 1929.– Piccadilly, The Lady from the Sea, The Flying Scotsman, The Plaything, El delator; 1930.–Way for a Sailor, Flor de pasión; 1931.– Papá solterón, Besos al pasar, Nada mas que gigoló, Bought!, Embajador sin cartera, Gente viva; 1932.– La oculta providencia, Polly, la chica del circo, El conquistador irresistible, Payment Deferred; 1933.– Orders Is Orders, This Is the Life; 1934.– Bolero, Música sobre las olas, Many Happy Returns, La huella digital, Menace, One Hour Late; 1935.– El lirio dorado, Compas de espera, La hija del barrio, La llave de cristal; 1936.– Cuando volvamos a amarnos, The Return of Sophie Lang, The Big Broadcast of 1937, The Jungle Princess, Tres diablillos; 1937.– Bulldog Drummond Escapes, La escuadrilla del Pacífico, Una chica afortunada, Ebb Tide, Una chica rubia; 1938.– Her Jungle Love, Tropic Holiday, Men With Wings, Say It in French; 1939.– Hotel Imperial, Beau Geste, Everything Happens at Night; 1940.– Coqueta hasta el fin, Irene, El doctor se casa, Untamed, Adelante mi amor; 1941.– Vuelo de águilas, Alondra del cielo, Los viajes de Sullivan; 1942.– The Lady Has Plans, Piratas del mar Caribe, Conflicto matrimonial, El mayor y la menor, Fantasía de estrellas; 1943.– Siempre y un día, La pitonisa, Una mujer en la penumbra, Los intrusos, El ministerio del miedo, Till We Meet Again; 1945.– Días sin huella, La bribona, The Well Groomed Bride, Casi una señora; 1947.– California, The Trouble with Women, En las rayas de la mano, Variety Girl; 1948.– So Evil My Love, El reloj asesino, Sealed Verdict, Miss Tatlock’s Millions; 1949.– Alias Nick Beal, Sucede todas las primaveras; 1950.– El desfiladero del cobre, Los escándalos de la profesora, A Life of Her Own; 1951.– Círculo de peligro, Night Into Morning, Rhubarb, Cerca de mi corazón; 1952.– El último baluarte, Una razón para vivir, El espía; 1953.– La casa grande de Jamaica, Amor a medianoche, Meet Mr. McNutley (serie televisión); 1954.– Crimen perfecto; 1955.– La muchacha del trapecio rojo, Un hombre solo; 1956.– Antología: Markheim (serie televisión), Lisboa, The Ford Television Theatre: Catch at Straws (serie televisión), Three Brave Men; 1957.– Schlitz Playhouse of Stars: The Girl in the Grass (serie televisión), Al borde del río, Ángeles de acero; 1958.– Ladrón de manos de seda, Suspenso: Eye for Eye (serie televisión), Expectación: That’s the Man, Never Turn Back, Angel of Wrath, Battle for a Soul (serie televisión); 1959.– Premios de teatro: London Affair (serie televisión), Markham (serie televisión); 1961.– Rey de reyes; 1962.– Fred Astaire: Pattern of Guilt (serie televisión), La obsesión, Pánico infinito; 1963.– El hombre con rayos X en los ojos, La hora de Alfred Hitchcock: A Home Away from Home (serie televisión), The Silver Burro (película televisión); 1964.– The Confession; 1969.– Testigo hostil, El precio de la fama: Dont You Cry for Sussannah (serie televisión), Fruto de la imaginación (película televisión); 1970.– Compañía de asesinos (película televisión), Audacia es el juego: A Love to Remember (serie televisión), Love Story; 1971.– El río de oro (película televisión), Galería nocturna: The Boy Who Predicted Earthquakes (serie televisión), Melodía fatal (película televisión); 1972.– El caso Gorenko, Ranas, Experimento diabólico, Colombo: The Greenhouse Jungle, Death Lends a Hand (serie televisión), Cool Million: Hunt for a Lonely Girl (serie televisión); 1973.– La mansión embrujada, Rapto en Oriente, Terror en el Museo de Cera; 1974.– Un par de zapatos del 32, Oro; 1975.– The Dead Don’t Die (película televisión), La montaña embrujada, Ellery Queen: Too Many Suspects (serie televisión); 1976.– Hombre rico, hombre pobre (serie televisión), Conspiración en Suiza, Ases del cielo, Hombre rico, hombre pobre 2 (serie televisión), ¿Qué paso con el bebé de Rosemary? (película televisión), Pánico a 40 000 pies (película televisión), El último magnate; 1977.– Séptima avenida (serie televisión), Cuibul Salamandelor, Testimonio de dos hombres (miniserie televisión), Las garras del infierno, Negreros; 1978.– La chica del pijama amarillo, Crucero infernal (película televisión), The Hardy Boys/Nancy Drew Mysteries: Vodoo Doll (serie televisión), Apagón en Nueva York, Galáctica, Galáctica: estrella de combate: Saga of a Star World (serie de televisión), La isla de la fantasía: Let the Goodtimes Roll (serie televisión), Historia de Oliver; 1979.– Culto prohibido (película televisión), Spree, Juego de buitres, Vacaciones en el mar: Alaska Wedding Cruise (serie televisión); 1980.– Los ángeles de Charlie: One Love… Two Angels: Part I (serie televisión), El desván, Traficantes de sueños (miniserie televisión); 1981.– Negocios de familia (película televisión), El romance real de Carlos y Diana (película televisión); 1983.– Vuelo a las estrellas (película televisión), Hart y Hart: Long Lost Love, My Hart Belongs to Daddy (serie televisión), Cave In! (película televi-

Protagonista de una dilatada filmografía que se inicia en la etapa de cine mudo en el Reino Unido y prosigue camino del estrellato en Hollywood, Ray Milland fue una presencia familiar en el cine y la televisión durante casi seis décadas, transitando por todos los géneros, ejerciendo como galán, héroe, antihéroe y, sobre todo en la última etapa de su recorrido profesional, como villano. El cine y más tarde la televisión le permitieron llegar a distintas generaciones en una de las trayectorias profesionales más amplias que se recuerdan en el audiovisual.

No obstante, nada indicaba que la interpretación iba a ser finalmente su ocupación durante casi sesenta años. Sus primeros intentos de abrirse paso profesionalmente estaban vinculados más a su habilidad como jinete, que había adquirido trabajando para su tío, criador de caballos. Su pericia era tal en esos menesteres que cuando contaba 21 años entró a formar parte de la Household Cavalry de la Guardia de la Familia Real. Además, era un deportista nato, experto en esgrima, boxeo y tiro con rifle. Pero después de que su padrastro le privara de los ingresos que necesitaba para mantener esa trayectoria tuvo que buscarse trabajo como actor en los escenarios teatrales de Londres, dando comienzo a la que había de convertirse en su verdadera carrera, en la que debutó primero con el nombre artístico de Spike Milland y más tarde como Raymond Milland.

Su entrada en el cine se produjo merced a su amistad con una popular actriz de los años veinte, Estelle Brody, que le presentó al productor cinematográfico que le dio su primera oportunidad ante las cámaras junto a ella. Milland no dudó en aceptar la oferta y tras varias películas en las que no consiguió ni siquiera aparecer en los créditos consiguió su primer papel protagonista en tiempo récord en su tercera película: The Lady From the Sea, un romance, manteniendo todavía el nombre artístico de Raymond Milland. No necesitó más para destacar lo suficiente en el cine británico para que le llegara una oferta del estudio de Hollywood Metro Goldwyn Mayer, que le firmó contrato aunque no llegó a proporcionarle demasiadas oportunidades de lucir su talento ante las cámaras, más allá de un trabajo junto a Charles Laughton y Maureen O’Sullivan en la intriga criminal Payment Deferred, dirigida por Lothar Mendes. Insatisfecho con su trabajo en Estados Unidos, Milland regresó a su país natal, antes de regresar a Hollywood con un contrato firmado con el estudio para el que iba a trabajar durante casi todo el resto de su trayectoria profesional, Paramount.

Milland fue estrella de dicha compañía entre 1934 y 1948, y además destacó como uno de los actores más fiables de la misma de cara a su rendimiento en taquilla, tras un inicio como secundario que le ocupó una década antes de empezar con su trayectoria como protagonista.

Fichado habitualmente como tipo elegante, galán aristocrático, y similar, de esa primera etapa destacan sus trabajos como el detective Bulldog Drummond en Bulldog Drummond Escapes, y sobre todo su papel de hermano de Gary Cooper en el clásico del género de aventuras sobre la legión extranjera francesa Beau Geste, además del drama romántico Hotel Imperial, que reforzó su imagen de galán protagonista.

CONSAGRACIÓN Y PREMIOS En los años cuarenta siguió ganando creciente protagonismo, por ejemplo acompañando a John Wayne en calidad de coprotagonista en Piratas del Caribe, superproducción de aventuras en la que trabajó a las órdenes de Cecil B. DeMille. Pero la verdadera consagración como actor le llegó en 1946, cuando ganó el Oscar al Mejor Actor por su trabajo para Billy Wilder en Días sin huella, interpretando a un alcohólico.

Por esa misma película sería ganador también como mejor actor en el Festival de Cannes y consiguió además un Globo de Oro en la misma categoría, siendo nominado a este último premio también en 1953 por su trabajo en El espía.

Su vida privada estuvo marcada por uno de los matrimonios más largos de la historia de Hollywood, con Muriel Frances Weber. Se casaron en septiembre de 1932 y permanecieron juntos hasta el momento de la muerte del actor, víctima del cáncer de pulmón. Tuvieron un hijo, Dan Milland, nacido en marzo de 1940 y que intentó seguir la carrera de su padre ante las cámaras con un par de papeles como actor y luego tuvo serios problemas de abuso de drogas, antes de suicidarse en 1981 cuando contaba solo 41, años, y una hija adoptiva, Victoria Milland.

EL AÑO QUE DEJAMOS DE JUGAR

LA LLORONA

(Als Hitler das rosa Kaninchen stahl)

Guatemala y Francia, 2019; Dirección: Jayro Bustamante; Producción: Jayro Bustamante y Gustavo Matheu; Fotografía: Nicolás Wong; Guion: Jayro Bustamante y Lisandro Sánchez; Música: Pascual Reyes; Intérpretes: María Mercedes Coroy (Alma), Sabrina De La Hoz (Natalia), Margarita Kenéfic (Carmen), Julio Diaz (Enrique); Duración: 97 min.; Estreno en Francia: 22-1-2020; Estreno en España: 13-11-2020; Distribuye: Atera Films

Alemania y Suiza, 2019; Dirección: Caroline Link; Producción: Jochen Laube y Fabian Maubach; Fotografía: Bella Halben; Guion: Anna Brüggemann, Judith Kerr y Caroline Link; Música: Volker Bertelmann; Intérpretes: Riva Krymalowski (Anna Kemper), Oliver Masucci (Arthur Kemper), Carla Juri (Dorothea Kemper), Justus von Dohnányi (Onkel Julius); Duración: 119 min.; Estreno en Alemania: 25-12-2019; Estreno en España: 13-11-2020; Distribuye: A Contracorriente.

SINOPSIS Anna es una niña a punto de cumplir diez años, que vive con su familia en Berlín. Su padre es un conocido intelectual, el cual se opone públicamente a las tesis de Hitler. Cuando se producen las elecciones de 1933; Anna, su hermano Max y sus progenitores se ven obligados a huir a Suiza. Allí empieza una odisea que llevará a los Kemper por distintos países de Europa; todo para escapar del terror de los defensores de la esvástica.

PARA RECORDAR La posibilidad de acceder al relato esperanzador de Judith Kerr (autora de Cuando Hitler robó el conejo rosa, novela en la que se basa el filme de Caroline Link), a través de una cuidada puesta en escena, y de un guion eficaz en sus propósitos dramáticos. Con este objetivo en mente, la directora recurre a la sorprendente empatía que despliega la pequeña Riva Krymalowski, en la piel de la observadora protagonista del filme.

PARA OLVIDAR La sensación de que la película se queda en la superficie de una época tan trágica como la de la Alemania nazi. Los conflictos simplemente se intuyen, y los seguidores de Hitler únicamente aparecen de manera circunstancial. Aunque el mayor problema del largometraje estriba en el cansancio que provocan los constantes movimientos geográficos de los Kemper, lo que genera una cierta desatención hacia la evolución de la trama.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… El año que dejamos de jugar recuerda vagamente al posicionamiento de La vida es bella y Una bolsa de canicas.

EN CONCLUSIÓN Visión un tanto ligera de la época en que las hordas nazis comenzaron a mostrar sus garras al mundo. La película solo consigue triunfar en el retrato de la locuaz Anna Kemper. J.M. #####

PARA SAMA (For Sama) Reino Unido, 2019; Dirección: Waad Al-Kateab y Edward Watts; Producción: Waad Al-Kateab; Fotografía: Waad Al-Kateab; Música: Nainita Desai; Duración: 100 min.; Estreno en Reino Unido: 139-2019; Estreno en España: 13-11-2020; Distribuye: Surtsey Films

SINOPSIS Waad al-Kateab, una joven periodista, intenta sobrevivir junto a su marido y su hija en el contexto de la guerra civil siria.

PARA RECORDAR Desde el estallido de la guerra en 2011 con la rebelión de parte del pueblo y una fracción del ejercito contra el gobierno de al-Assad diversos medios se han hecho eco del conflicto mediante noticias, reportajes y documentales. La mayoría han puesto el foco en aspectos políticos, por lo que la directora Waad al-Kateab decide centrarse en el lado más humano y emocional. La joven siria pasó meses refugiándose de las bombas junto a su hija recién nacida en el hospital donde trabajaba su marido, y para que la catástrofe no cayera en el olvido decidió grabar todo lo que acontecía. En forma de diario y con su propia voz en off, Para Sama nos sumerge, sin ningún tipo de censura y con un temple admirable, en el terror, la incertidumbre y la impotencia con la que los ciudadanos vivían los ataques. No es un documental indicado para personas especialmente sensibles, ya que al-Kateab no se corta a la hora de mostrar los terribles efectos de la violencia, aunque no la utiliza como cebo para el espectador más morboso sino como grito de auxilio ante una realidad que es ignorada por el resto del mundo. Estas escenas hacen que aquellas más emocionales, como la boda de los protagonistas, se sientan como un oasis de felicidad en medio del horror.

PARA OLVIDAR Mientras que algunos recursos ficcionales como los saltos temporales se integran bien en la historia, otros resultan efectistas. Es el caso de la voz en off, que subraya en exceso lo que vemos en pantalla, o la elipsis en la escena de la aduana, que en lugar de acrecentar la tensión juega en contra de la naturalidad de la obra y la acerca al mockumentary.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Los últimos hombres de Aleppo y Siria: una historia de amor.

EN CONCLUSIÓN La veracidad y el horror que emanan de sus imáge##### nes agitará conciencias. A.G.

SINOPSIS Tras el fallo de un juicio en el que está acusado de genocidio, un general guatemalteco con principio de Alzheimer, empieza a sentir que una presencia le acosa, oyéndola llorar en su casa y persiguiéndole para cobrarse su terrible venganza.

PARA RECORDAR Jayro Bustamante termina aquí su tríptico del insulto con un relato sobre la miseria humana, sobre la memoria y sobre la guerra, contado mucho tiempo después de que el conflicto acabe. Es un relato centrado en las consecuencias y en los fantasmas del pasado, con un componente sobrenatural en apariencia (vean la película y descúbranlo) que hace que sea todavía más sencillo disfrutar del viaje. Ese componente de cine de terror hace más accesible la historia y proporciona alguno de los mejores momentos del género del año, como la escena de apertura o la litera. La película mueve a los personajes con mucha elegancia incluso a través de los flashbacks que llenan la historia a modo de pesadillas. Hay que disfrutar también de una fuerza de la naturaleza como María Mercedes Coroy, quien hace parecer fácil algo realmente difícil en su forma de interpretar con frialdad y un silencio casi perpetuo a Alma. La película produce escalofríos y no sustos, y tiene un motivo claro al hacerlo. No quiere asustar, quiere dar miedo de verdad. Y lo consigue con sutileza y mucho talento narrativo.

PARA OLVIDAR El final parece algo precipitado y no es capaz de llenar como el resto de la película, quizá al revelar demasiado.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Tiene algo de Desaparecido, y da un nuevo aspecto, sin duda, a la leyenda de La Llorona.

EN CONCLUSIÓN Una pequeña joya que merece que el público le preste atención en salas de cine, antes de desaparecer. Inquietante y podero##### sa. J.U.

HILLBILLY, UNA ELEGÍA RURAL (Hillbilly Elegy) EE UU, 2020; Dirección: Ron Howard; Producción: Brian Grazer, Ron Howard y Karen Lunder; Fotografía: Maryse Alberti; Guion: J.D. Vance y Vanessa Taylor; Música: David Fleming y Hans Zimmer; Intérpretes: Amy Adams (Bev), Glenn Close (Mamaw), Gabriel Basso (J.D. Vance), Haley Bennett (Lindsay); Duración: 116 min.; Estreno en Netflix: 24-11-2020.

SINOPSIS Basada en el libro autobiográfico de J. D. Vance, la película narra la historia del joven justo en un momento crítico de su vida, mientras recuerda su infancia y adolescencia, y la relación con su familia, especialmente su problemática madre y su peculiar abuela.

PARA RECORDAR Puede ser, tranquilamente, una de las mejores películas de Ron Howard, especialmente en los últimos años. El cineasta toma aquí esta historia real y evita en gran medida caer en el relato melodramático, jugando la baza de emplear una narrativa donde el flashback es capital. La película se mueve con elegancia y con un estilo conciso y poderoso. Es emotiva sin ser evidente o cargante durante gran parte del metraje. Tiene un sentido del humor bastante negro muchas veces, y sobre todo tiene carisma, en su historia y en sus personajes. De hecho, cabe preguntarse por qué Howard no hace más películas así. Te interese o no el tema, la historia es fascinante porque el guion de Vanessa Taylor y la forma en que Howard lo cuenta la convierten en eso. El reparto está fantástico, evidentemente, con un gran trabajo en su versión adulta y juvenil de J. D., para los actores Gabriel Basso y Owen Asztalos. Aunque las posibles candidatas a premios sean Amy Adams, maravillosa, y, sobre todo, Glenn Close, en uno de esos papeles que no se olvidan.

PARA OLVIDAR A veces sí cae en el melodrama, y otras el salto temporal es algo caótico. Nada grave.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… El arranque quiere homenajear a Matar a un ruiseñor, y luego se mueve entre cosas como Esperanza y gloria o incluso Pequeña Miss Sunshine.

EN CONCLUSIÓN Sus actrices son candidatas a todo, en una cinta que recupera el mejor cine de su director. Realmente buena. J.U. #####

DE GAULLE

MANK EE UU, 2020; Dirección: David Fincher; Producción: Ceán Chaffin, Eric Roth y Douglas Urbanski; Fotografía: Erik Messerschmidt; Guion: Jack Fincher; Música: Trent Reznor y Atticus Ross; Intérpretes: Gary Oldman (Herman Mankiewicz), Amanda Seyfried (Marion Davies), Lily Collins (Rita Alexander), Tom Pelphrey (Joseph Mankiewicz); Duración: 131 min.; Estreno en Netflix: 20-11-2020.

SINOPSIS El guionista Herman Mankiewicz, Mank, se prepara para escribir el guion que será parte de una de las películas más importantes de la historia del cine, Ciudadano Kane, postrado en una cama y medio alcoholizado, mientras recuerda su vida en Hollywood hasta la fecha.

PARA RECORDAR David Fincher sigue siendo uno de los directores más importantes de nuestros tiempos y lo demuestra con esta maravillosa carta de amor al cine en la que descubrimos una visión que mitifica al mismo tiempo que desmitifica. Nos muestra a los titanes que hicieron crecer la industria, que nos dieron joyas intemporales. Que nos mostraron un Hollywood increíble. Pero al tiempo nos enseña sus errores, sus miserias, su humanidad. Con el espíritu de la propia Ciudadano Kane, pero en su mayor parte algo más humilde.

Visualmente es un portento, con su uso del blanco y negro, de las luces y sombras del cine negro, con sus encuadres elegantes de cine clásico, mezclados con el toque del director. Y con un reparto de ensueño de grandes actores y actrices, liderados por un Gary Oldman maravilloso, aunque quizá recordemos incluso más a sus secundarios de lujo. Empezando por una Amanda Seyfried que se bebe el personaje de Marion Davies, pero sin olvidar nombres como Tom Pelphrey, Charles Dance, Leven Rambin, Lily Collins, Tuppence Middleton o Arliss Howard. No son los nombres más famosos de Hollywood, pero son de los mejores repartos corales que pueden recordarse.

PARA OLVIDAR Nada.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Hay que querer el cine clásico. Sí, recuerda en historia a RKO 281, pero visualmente es amor a las películas de la RKO y a títulos como Ciudadano Kane o El crepúsculo de los dioses.

EN CONCLUSIÓN Una pequeña maravilla. Ojalá David Fincher dirigiese películas más a menudo. J.U. #####

FINALES, PRINCIPIOS

(Libres) Francia, 2020; Dirección: Gabriel Le Bomin; Producción: Aïssa Djabri y Farid Lahouassa; Fotografía: Jean-Marie Dreujou; Guion: Gabriel Le Bomin y Valérie Ranson-Enguiale; Música: Romain Trouillet; Intérpretes: Lambert Wilson (Charles de Gaulle), Isabelle Carré (Yvonne de Gaulle), Olivier Gourmet (Paul Reynaud), Catherine Mouchet (Marguerite Potel); Duración: 108 min.; Estreno en Francia: 4-32020; Estreno en España: 20-11-2020; Distribuye: A Contracorriente.

SINOPSIS 1940 fue un año especialmente determinante en la situación de Francia durante la Segunda Guerra Mundial. Asediada por las tropas del Tercer Reich, la nación de La marsellesa se precipitaba al abismo. Mientras los seguidores del mariscal Pétain abogaban por las negociaciones de paz, Charles de Gaulle intentaba mantener el espíritu de lucha, apoyado en el ejército de las colonias.

PARA RECORDAR La convincente caracterización de Lambert Wilson como un Charles de Gaulle inflexible en sus tácticas bélicas. El protagonista de Jacques transmite la adecuada verosimilitud, en un personaje icónico y controvertido. Junto a él, también brilla especialmente Isabelle Carré, quien se mete en la piel de Yvonne de Gaulle (la esposa del legendario militar).

PARA OLVIDAR La impresión de estar ante un retrato demasiado idealizado. Gabriel Le Bomin presenta un De Gaulle sin fisuras, como si fuera un Héroe en mayúsculas, constantemente animado por relanzar el espíritu guerrero de sus compatriotas. El protagonismo del general se lleva todo el foco de atención en el filme, y solo la historia paralela de la huida de su esposa y tres hijos consigue despejar un poco la omnipresencia del rol encarnado por Lambert Wilson.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Resulta especialmente interesante visionar De Gaulle en oposición a El instante más oscuro (Joe Wright, 2017); ya que esta parece una respuesta cinematográfica al retrato de Churchill, llevado a cabo por la cinta de Wright.

EN CONCLUSIÓN Aproximación poco inspirada hacia la figura de uno de los oficiales más legendarios de la Segunda Guerra Mundial. Sin embargo, el guion es incapaz de recrear el contexto situacional que experimentaba Francia en 1940; en parte por ofrecer simples caricaturas de personajes tan importan##### tes como el mariscal Pétain y el presidente Paul Reynaud. J.M.

HISTORIAS LAMENTABLES

(Endings, Beginnings) EE UU, 2019; Dirección: Drake Doremus; Producción: Francis Chung, Drake Doremus y Robert George; Fotografía: Marianne Bakke; Guion: Jardine Libaire y Drake Doremus; Música: Philip Ekström; Intérpretes: Shailene Woodley (Daphne), Jamie Dornan (Jack), Sebastian Stan (Frank); Duración: 110 min.; Estreno en video bajo demanda: 5-11-2020; Distribuye: Vertigo Films.

SINOPSIS Daphne, una treintañera inestable que trata de superar una ruptura sentimental, conoce a dos amigos que le cambiarán por completo la vida.

PARA RECORDAR La interpretación de su protagonista, Shailene Woodley, que está muy por encima del nivel de un drama romántico que solo satisfará a las legiones de seguidores de Jamie Dornan y Sebastian Stan.

PARA OLVIDAR La alargada sombra de su ópera prima, Como locos, todavía se cierne sobre Drake Doremus. Aquí no hay rastro de la naturalidad y frescura que desprendía esa relación a distancia, ni de la forma en la que el director abordaba los miedos y los sueños del primer amor, y menos aún de la química que desprendían Felicity Jones y Anton Yelchin. Si la parte más floja de aquella película eran las eternas dudas de los protagonistas y sus escarceos amorosos, el centro de la historia de Finales, principios es un triángulo amoroso con el que el director pretende construir el viaje hacia la madurez de Daphne. Sin embargo, este resulta muy poco estimulante por los planos que son los pretendientes y la nula química que tienen en sus encuentros sexuales y las repetitivas fiestas. Lo interesante, que es la crisis vital de Daphne, apenas está contado en un par de retazos. No habría problema con ello si el director fuera honesto con el material que tiene entre manos, pero cierto amaneramiento en el trabajo de dirección y fotografía cubre el relato de una impostada solemnidad y profundidad en la que nunca llega a estar a la altura el guion.

España, 2020; Dirección: Javier Fesser; Producción: Javier Fesser, Álvaro Longoria y Luis Manso; Fotografía: Alex Catalán; Guion: Javier Fesser y Claro García; Música: Rafael Arnau; Intérpretes: Pol López (Ramón), Chani Martín (Bermejo), Laura Gómez-Lacueva (Tina), Matías Janick (Ayoub); Duración: 129 min.; Estreno en España: 20-11-2020; Distribuye: Universal

SINOPSIS Una recopilación de pequeñas historias entrelazadas entre sí, o no, que pasa de lo bizarro a lo patético, pasando por lo esperpéntico. Desde peculiares herencias familiares, a empresas no del todo limpias, a personas que no son precisamente buenas con aquellos que los rodean. O son injustamente tratadas por el resto.

PARA RECORDAR Dos elementos claves en Historias lamentables hacen que la película brille por encima de la media de muchas producciones de cine y televisión (recordemos que se ha visto primero en Amazon antes de llegar a cines). Lo primero, el aspecto visual realmente único de Javier Fesser, su director, que ha conseguido hacer algunas de las películas de más éxito recientes de nuestro país, incluyendo Campeones. Una película que curiosamente no tenía ese toque visual tan peculiar y personal. Esta sí lo tiene. El segundo punto a su favor es su fantástico reparto, lleno de grandísimos actores y actrices.

Incluso en los papeles más reducidos, encontramos interpretaciones fantásticas, divertidas. La película entretiene y divierte sin problemas durante sus casi 130 minutos.

PARA OLVIDAR Entretiene y divierte, sí, pero no tiene ni el punto de locura necesario, ni el sentido del humor arrollador de Fesser, que aparece incluso cuando es más comedido en lo visual. Aquí el guion cumple pero no brilla.

Quizá el efecto sea debido a que las historias están demasiado troceadas, o quizá porque no es capaz de apretar el acelerador y llegar a ese punto de esperpento habitual en su cine. Y que se echa mucho de menos.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… La filmografía del director: Como locos, The Beauty Inside, Pasión inocente, Equals, Newness y Zoe.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Más cerca de los cortos de Fesser o de El milagro de P. Tinto que de Campeones, pero menos hilarante.

EN CONCLUSIÓN Doremus manifiesta unos síntomas de agotamiento narrativo y estilístico en el territorio del drama romántico que se pueden aliviar explorando otros géneros. A.G.

EN CONCLUSIÓN La película cumple, maravilla por su factura y su reparto, entretiene, pero no hace reír. J.U.

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LOS PAPELES DE ASPERN

MATAR A SANTA

(The Aspern Papers)

(Fatman) EE UU, 2020; Dirección: Ian Nelms y Eshom Nelms; Producción: Todd Courtney, Nadine de Barros y Michelle Lang; Fotografía: Johnny Derango; Guion: Ian Nelms y Eshom Nelms; Música: Mondo Boys; Intérpretes: Mel Gibson (Chris), Walton Goggins (Skinny Man), Marianne Jean-Baptiste (Ruth), Chance Hurstfield (Billy Wenan); Duración: 100 min.; Estreno en video bajo demanda: 20-11-2020.

SINOPSIS Un niño realmente molesto con los regalos recibidos en Navidad, contrata a un asesino a sueldo con sus propios traumas infantiles, para acabar con Papá Noel, que es un hombre mucho más mundano de lo que pensamos, con problemas muy reales que resolver.

PARA RECORDAR En este caso, el reparto, liderado por Mel Gibson con su aplomo habitual para este tipo de papeles y con un toque entre patético y dramático para su versión de Papá Noel, sin mucho artificio ni esfuerzo. Por supuesto, ayuda contar con un tipo con tanta personalidad como Walton Goggins, ayuda a mantener el tipo, especialmente en los tramos menos agradecidos de la película, que son muchos. El tramo final es capaz de aprovechar mínimamente la idea original, que era curiosa.

PARA OLVIDAR La película fracasa en sus pretensiones de principio a casi fin debido a un guion que es pura fórmula y que no es capaz de aprovechar su premisa. Por un lado, se toma muy en serio y de forma muy dramática unas cosas (la situación de Santa Claus y sus problemas) y otras demasiado a la ligera, pero sin caer en el ridículo necesario para que la comedia, o al menos una como esta, funcione. Nunca llega a lanzarse al vacío, a ridiculizar la situación y las películas navideñas, y ese tono de parodia o sátira desaparece casi todo el metraje. El tramo final es divertido, y algún chiste funciona, pero tarda mucho, muchísimo en llegar. El resto es dar vueltas en torno a lo mismo sin avanzar realmente durante demasiados minutos.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… La versión descafeinada de Bad Santa o Rare Exports.

EN CONCLUSIÓN Fallida pese a tener casi todo para funcionar. Desaprovecha demasiado a sus actores que pese a todo, lo intentan. J.U. #####

Reino Unido y Alemania, 2018; Dirección: Julien Landais; Producción: Gabriela Bacher y Julien Landais; Fotografía: Philippe Guilbert; Guion: Jean Pavans, Julien Landais y Hannah Bhuiya; Música: Vincent Carlo; Intérpretes: Jonathan Rhys Meyers (Morton Vint), Vanessa Redgrave (Juliana Bordereau), Joely Richardson (Miss Tina), Lois Robbins (Mrs. Prest); Duración: 90 min.; Estreno en España: 27-11-2020; Distribuye: Adso Films.

SINOPSIS La admiración del editor Morton Vint hacia el poeta Jeffrey Aspern le lleva a realizar un viaje a Venecia con la intención de acercarse a su amante de aquellos años, quien guarda unas cartas que esconden todos sus secretos.

PARA RECORDAR Tiene mejor reparto que anteriores adaptaciones y la trama llama la atención en los primeros compases…

PARA OLVIDAR Pero la lentitud de su desarrollo y la puesta en escena y dirección televisiva consiguen que se acabe perdiendo. Son muy pocos los diálogos que capturan la brillantez e ironía de la obra de Henry James y las frases suenan vacías en boca de los personajes. A la pretendida solemnidad y al lirismo que quiere destilar la película no les acompañan las formas, con unos flashbacks poco sutiles y un estilo visual ramplón y muy teatral, motivado seguramente por su bajo presupuesto. La película se encierra continuamente en la búsqueda de las cartas, sin llegar a explorar realmente los demonios que encierra el protagonista ni la pasión de la que tanto habla. Difícil encender esa llama cuando se cuenta con una interpretación tan floja por parte de un hierático Jonathan Rhys-Meyers, que se ve superado por la veteranía de Vanessa Redgrave. La película hubiera ganado explorando la relación de esta con Aspern, habiendo podido así establecer un paralelismo con la pasión prohibida del personaje de Joely Richardson en el presente.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Las dos adaptaciones previas de la obra de Henry James: la española de 1991 a cargo de Jordi Cadena y la americana de 2010, dirigida por Mariana Hellmund. Son tan poco ambiciosas como esta, y sorprende teniendo en cuenta la cantidad de exitosas adaptaciones de novelas del autor: La heredera, Suspense…

EN CONCLUSIÓN Los amantes de la literatura de James no encontrarán ni un atisbo de la elegancia, sutileza y emoción de su prosa en esta anodina ##### adaptación. A.G.

CONTAGIO EN ALTA MAR (Sea Fever) Irlanda, 2019; Dirección: Neasa Hardiman; Producción: Brendan McCarthy y John McDonnell; Fotografía: Ruairí O'Brien; Guion: Neasa Hardiman; Música: Christoffer Franzén; Intérpretes: Hermione Corfield (Siobhán), Dag Malmberg (Professor), Jack Hickey (Johnny), Olwen Fouéré (Ciara); Duración: 95 min.; Estreno en Irlanda: 29-6-2020; Estreno en España: 27-11-2020; Distribuye: A Contracorriente.

SINOPSIS Un barco pesquero zarpa de un puerto irlandés, con una estudiante de doctorado a bordo. La joven viaja con la intención de estudiar las posibles anomalías en las piezas que los marineros capturen. Sin embargo, lo que se encuentra es una extraña y mortífera criatura, que amenaza con acabar con la vida de todos los tripulantes de la nave.

PARA RECORDAR La interesante manera en que la cineasta Neasa Hardiman trata el misterio. La directora deja que la acción se condense poco a poco, y evolucione sin demasiados efectos estrambóticos y fuera de lugar. Asimismo, aprovecha perfectamente el limitado espacio en el que transcurre la historia.

PARA OLVIDAR La factura final deja bastante que desear. La película parece un episodio deslucido de la serie Expediente X, alargado de forma artificial y sin los necesarios giros argumentales, como para inquietar a los espectadores. Tampoco queda muy claro el sutil juego entre realidad y alucinación que sugiere el título original del filme (Sea Fever/Fiebre del mar).

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Las obras sobre invasores desconocidos, normalmente depredadores, que guardan relación con Contagio en alta mar.

De La Cosa a The Abyss, pasando por Leviathan: el demonio del abismo y Undewater.

EN CONCLUSIÓN Acertada puesta en escena, para una película que pierde peso específico a la hora de adentrarse en el género del terror submarino.

Los pobres efectos especiales, y la inoperancia a la hora de definir mínimamente el peligro al que se enfrentan los protagonistas, lastran un largometraje que promete mucho más de lo que ofrece. También resulta una lástima que Neasa Hardiman desaproveche la presencia de actores de la solvencia de Dougray Scott y Connie Nielsen, ambos en papeles muy desdibujados. J.M. #####

DIEGO MARADONA Reino Unido, 2019; Dirección: Asif Kapadia; Producción: James Gay-Rees y Paul Martin; Música: Antonio Pinto; Duración: 130 min.; Estreno en Reino Unido: 14-6-2019; Estreno en España: 11-72019; Distribuye: Avalon

SINOPSIS Documental que relata la vida de Maradona en un espacio relativamente concreto de su carrera, sus años en Nápoles, que le llevaron a conquistar la gloria con el club italiano, y el Mundial de Fútbol de México 86, que contribuyó a crear su leyenda, de la gloria a la tragedia.

PARA RECORDAR Magnífico documental el creado por Asif Kapadia en el que a través de cientos de horas de material inédito y no tan inédito, de declaraciones y entrevistas con los protagonistas, desde Maradona a sus compañeros, conocidos, familiares, parejas, periodistas, seguidores, técnicos, directivos… Entre todos cuentan cómo fue ese viaje desde que abandona Barcelona (sus orígenes y época en Barcelona apenas se reflejan) a su llegada a Nápoles y toda su carrera en el club italiano. La película no duda en hablar de la droga, del hedonismo y del narcisismo, de la camorra, de sus problemas con la paternidad no reconocida, de los escándalos y su suspensión por consumo de cocaína. Y por supuesto del talento, de la gloria de un jugador único que consiguió lo más grande y convirtió a su club en un club grande, además de llevar a Argentina a ganar el Mundial. Todo eso es maravilloso en el documental.

PARA OLVIDAR La película no termina de meterse de lleno (y mira que es valiente) en algunos de los aspectos más oscuros. Y te deja deseando ver más sobre lo que fue el pasado del jugador y su futuro tras la marcha de Nápoles.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Más cerca del Senna del propio Kapadia (también muy bueno), que del Maradona de Kusturica, mucho más simple.

EN CONCLUSIÓN Pese a sus pequeños defectos, sigue siendo un excelente documental sobre la figura de uno de los mejores y más controvertidos deportistas de la historia. J.U. #####

RESISTENCIA

SUPERINTELLIGENCE

(Resistance)

EE UU, 2020; Dirección: Ben Falcone; Producción: Rob Cowan, Ben Falcone y Melissa McCarthy; Fotografía: Barry Peterson; Guion: Steve Mallory; Música: Fil Eisler; Intérpretes: Melissa McCarthy (Carol), James Corden (Voice of Superintelligence), Bobby Cannavale (George), Brian Tyree Henry (Dennis); Duración: 106 min.; Estreno en HBO: 26-11-2020.

SINOPSIS Una mujer que no tiene nada claro en la vida, ni familia, ni trabajo, ni amor, debe lidiar con una inteligencia artificial capaz de acabar con la vida en el planeta, y en tres días convencerla para que nos permita seguir existiendo.

PARA RECORDAR Melissa McCarthy tiene mucho más talento del que algunos o muchos de sus trabajos demuestran. Hay una gran actriz en su piel que sabe dar vida a papeles complejos y únicos, pero que a veces se dedica a ser excesivamente histriónica o dar vida a personajes insoportables. Aquí rebaja ese tono de sus primeros pasos al estrellato, con una película que se convierte en una correcta comedia romántica, y donde la actriz destaca junto al resto del reparto. Sobre todo la voz de James Corden, compañero inseparable de McCarthy en esta historia. El ritmo, el estilo sencillo y cercano, el humor que no decae…, todo ello hace apreciable la película y sus 105 minutos de duración que se pasan en un suspiro.

PARA OLVIDAR Cuando lo tiene todo de cara para hacer un repaso de los vicios y virtudes de la humanidad en una sátira destructiva que nos haga reír a carcajadas de nosotros mismos, la película se acobarda y se va a lo seguro y sin sustancia, la historia romántica de la protagonista, que no cuenta nada que no sepamos, ni aporta ni se convierte en parte importante de la trama. De hecho es más interesante lo que ocurre en el gabinete con la presidenta, que en el mundo real.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Más cerca de Espías que de Tammy, tiene el toque de la actriz, aunque quizá no el de sus trabajos más maduros.

EN CONCLUSIÓN Interesante y divertida. Skynet se replantea si acabar con todos nosotros. J.U. #####

BLACK BEAUTY

16

EE UU, 2020; Dirección: Ashley Avis; Producción: Jeremy Bolt, Genevieve Hofmeyr y Robert Kulzer; Fotografía: David Procter; Guion: Ashley Avis y Anna Sewell; Música: Guillaume Roussel; Intérpretes: Kate Winslet (Black Beauty-voice), Mackenzie Foy (Jo Green), Iain Glen (John Manly), Calam Lynch (George Winthorp); Duración: 110 min.; Estreno en Disney+: 27-11-2020.

SINOPSIS Jo, una adolescente afligida por haber perdido a sus padres, comienza a tener un vínculo muy especial con un caballo que ha sido alejado de su familia.

PARA RECORDAR Ashley Avis dirige y escribe este nuevo acercamiento a la historia de Black Beauty, que corrige algunos errores de adaptaciones previas, aunque el alma del relato y el punto de vista narrativo no han cambiado.

El periplo de este caballo que es capturado, separado de su familia y condenado a sufrir unas penalidades que entierran sus escasas alegrías, se diferencia respecto a otras gestas cinematográficas protagonizadas por animales por su punto de vista narrativo. El caballo (a quien presta sus cuerdas vocales Kate Winslet) es quien narra la historia a través de una voz en off y reflexiona sobre las relaciones entre humanos y animales, la crueldad o la soledad. Ese sentimiento de soledad le permite conectar con Jo, que le acompaña en su viaje emocional que esta vez genera una mayor empatía en el espectador, ya que en versiones anteriores se sucedían los cambios de dueño.

PARA OLVIDAR La primera mitad de la película en la granja funciona mejor que la segunda, cuando comienzan los viaje de Beauty, debido a que el corazón de la película está en su relación de amistad con Jo. A la película le falta ambición visual y narrativa, y aunque es un salto de calidad respecto a las demás adaptaciones, continúa siendo demasiado ligera e infantil en determinados momentos. El protagonismo del caballo es su mayor virtud, pero con el tiempo esa voz en off que remarca lo que ya vemos en la imagen se acaba haciendo repetitiva.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… De anteriores adaptaciones, Belleza negra (un caballo llamado Furia), y del catálogo de Disney +, Togo.

EN CONCLUSIÓN Tras varias TV movies y miniseries, por fin la obra de Anna Sewell goza de una adaptación a la altura. A.G. #####

Reino Unido, 2020; Dirección: Jonathan Jakubowicz; Producción: Marco Beckmann, Carlos Garcia de Paredes y Jonathan Jakubowicz; Fotografía: M.I. Littin-Menz; Guion: Jonathan Jakubowicz; Música: Angelo Milli; Intérpretes: Jesse Eisenberg (Marcel Marceau), Clémence Poésy (Emma), Félix Moati (Alain), Vica Kerekes (Mila); Duración: 120 min.; Estreno en video bajo demanda: 27-11-2020.

SINOPSIS Un joven judío ayuda a un grupo de niños franceses a sobrevivir a la persecución de los nazis.

PARA RECORDAR Difícil agarrarse a algo que resulte realmente convincente en este producto. Si acaso, la ambientación en algunas secuencias y el trabajo titánico de Clémence Poésy para sostener un papel que es puro tópico de la cabeza a los pies y al que con una mirada y una sonrisa le da lo que no tiene.

PARA OLVIDAR Jesse Eisenberg en otro papel que requiere una capacidad para generar simpatía de la que él carece, y con la edad en contra: no está ya para seguir interpretando jóvenes rebeldes. Mejor habría sido que ficharan a Jamie Bell.

Mal ritmo y nada de nervio a consecuencia de lo previsible que es la película en cada una de sus fases y pasos, abordando además superficialmente y como excusa oportunista un tema serio como el del genocidio, al que no aporta nada nuevo.

Un antagonista nazi que es pura caricatura. Recuerda más al tipo de las gafitas de En busca del arca perdida que al Amon Göth de La lista de Schindler.

El cameo de Ed Harris como Patton en clave maestro de ceremonias para arrancar la historia, la secuencia esteticista de la piscina azul montada en paralelo con el coro de niños que cantan, la pincelada simplona y superficial del conflicto padre-hijo, la conversación sobre los pintores, la épica de los judíos y la emancipación de los esclavos. Todo suena tan superficial que agota.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… La casa de la esperanza (Niki Caro, 2017) era más sólida.

EN CONCLUSIÓN Superficialidad de telefilme rebuscando en el tópico para un biopic fallido de Marcel Marceau. M.J.P. #####

EN GUERRA CON MI ABUELO (The War with Grandpa) EE UU, 2020; Dirección: Tim Hill; Producción: Phillip Glasser, Marvin Peart y Rosa Morris Peart; Fotografía: Greg Gardiner; Guion: Tom J. Astle, Matt Ember y Robert Kimmel Smith; Música: Aaron Zigman; Intérpretes: Robert De Niro (Ed), Uma Thurman (Sally), Rob Riggle (Arthur), Oakes Fegley (Peter); Duración: 94 min.; Estreno en EE UU: 9-10-2020; Estreno en España: 4-12-2020; Distribuye: Diamond Films.

SINOPSIS El abuelo Ed regresa al hogar familiar y ocupa la habitación de su nieto, lo que provoca una guerra abierta entre ambos de consecuencias imprevisibles.

PARA RECORDAR Plagada de gags que beben del slapstick, la película resultará entretenida para los más pequeños. Disfrutarán de las aventuras del intrépido niño protagonista y de su química con Robert De Niro, que consigue con muy poco convertir un par de instantes, curiosamente dramáticos, en lo mejor de la película.

PARA OLVIDAR Tras un 2019 con películas como Joker o El irlandés, De Niro regresa al territorio de la comedia con una propuesta insulsa e infantil que está en las antípodas de sus mejores papeles en el género, como Una terapia peligrosa o Los padres de él. Más en la línea de las comedias familiares del 2000 de Steve Martin, la película se limita a concatenar situaciones cómicas repetitivas (las caídas y golpes no cesan), sin gracia y sin un sólido hilo conductor. La mayoría de bromas se pasan de la raya y milagrosamente el abuelo sale ileso de ellas; en ocasiones, da vergüenza ajena ver a actores del calibre de Uma Thurman en gags como el que comparte con el policía o a De Niro en los desnudos frente a su yerno. Quedan como personajes planos y estereotipados hasta el ridículo (la madre preocupada por los ligues de su hija, el padre y el abusón estúpidos…) que parecen escritos por un niño pequeño que intenta retratar de forma perezosa y exagerada el mundo de los adultos.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Las secuelas directas a vídeo de Solo en casa o las películas anteriores del director Tim Hill (Garfield 2, Alvin y las ardillas…).

EN CONCLUSIÓN Sin los nombres que En guerra con mi abuelo tiene en su reparto habría pasado desapercibida como un telefilme de cualquier canal ##### infantil. A.G.

Series de T.V. ALTERED CARBON

FICHA TÉCNICA Creadora: Laeta Kalogridis, basada en las novelas de Richard K. Morgan.

Género: Ciencia ficción/cine negro.

Música: Banda sonora de Johan Söderqvist, Patrik Andrén y Uno Helmersson.

Emisión en todo el mundo: 2 de febrero de 2018-27 de febrero de 2020, Netflix.

Reparto: Joel Kinnaman, Anthony Mackie y Will Yun Lee (Takeshi Kovacs, Tak), Chris Conner (Poe), Renée Elise Goldsberry (Quellcrist Falconer), Dichen Lachman (Reileen Kawahara), Martha Higareda (Kristin Ortega), Ato Essandoh (Vernon Elliot), James Purefoy (Laurens Bancroft), Kristin Lehman (Miriam Bancroft), Trieu Tran (Mr. Leung), Hayley law (Lizzie Elliot), Lela Loren (Danica Harlan), Simone Missick (Trepp), Dina Shihabi (Dig 301), Hiro Kanagawa (capitán Tanaka).

Sinopsis: En un mundo en el que los humanos han descubierto cómo trasladar la conciencia humana a distintos cuerpos, un mercenario condenado a cientos de años de prisión criogénica, es devuelto a un cuerpo en la Tierra para intentar descubrir a un asesino, lo que le lleva a desenmarañar una conspiración que llega hasta los más poderosos del mundo, gente que debido a esta tecnología y a la clonación, son capaces de vivir eternamente.

a ser la showrunner de la serie, junto a otro nombre que seguro será familiar a los lectores, Steve Blackman, quien ahora lidera The Umbrella Academy también en Netflix, como showrunner. Ambos lideraron el paso de la serie a televisión. Netflix dio luz verde al piloto que dirigiría ni más ni menos que Miguel Sapochnik, el conocido director de Juego de tronos, responsable de La batalla de los bastardos.

• En la segunda temporada, a Blackman lo sustituiría la guionista Alison Schapker, quien inicialmente iba a liderar la serie junto a Kalogridis, pero el volumen de trabajo de la creadora haría que finalmente Schapker la sustituyese completamente como showrunner, ocupándose ella de la labor en solitario en la nueva temporada. Kalogridis seguiría siendo productora, y escribiría el primer episodio de la temporada. Schapker venía de la factoría de J. J. Abrams, y fue guionista en series como Alias, Perdidos, Fringe o Almot Human, antes de pasar por The Flash y, finalmente, por Altered Carbon.

• La serie se consideró en el momento de su producción, que tenía lugar en Vancouver, la más cara de la historia de Netflix hasta la fecha, incluso por encima de The Crown. Según su estrella protagonista, el presupuesto de la serie y su escala eran mayores que las tres primeras temporadas de Juego de tronos, algo que se sabía al parecer por lo que contaba Sapochnik, aunque nunca se supo el presupuesto real de su primera temporada, pero formaba parte del plan de Netflix de gastar más de 5000 millones de dólares en producción original. Algo que finalmente subiría en los años siguientes hasta la actualidad, cuando Netflix lidera el gasto en producción original en streaming en todo el mundo.

• Laeta Kalogridis es una de las guionistas de mayor importancia y reconocimiento de Hollywood. No indica que sea una de las mejores, tiene muchas luces y sombras en su carrera, pero su trabajo está ligado a producciones de mucho peso e importancia, y además es una de las productoras más importantes que hay en el medio. Guardianes de la noche, Shutter Island, Alejandro Magno, El guía del desfiladero o Terminator: Génesis, son algunos de sus guiones para cine, como la serie Birds of Prey. Ha sido productora en Avatar, por ejemplo, y ha revisado guiones como los de Noche y día, Catwoman y Lara Croft: Tomb Raider. Por eso, cuando la serie fue anunciada, se sabía que la presencia de Kalogridis era un impulso enorme para la serie. Netflix apostaba por un producto de calidad, claro, de gran presupuesto y con una productora y guionista considerada de las más importantes de Hollywood y que llevaba más de quince años sin comprometerse con una serie de televisión.

• Kalogridis había comprado los derechos de la obra de Richard K. Morgan en 2001, con la intención de llevarla al cine, pero nadie se animaba a hacerlo. Con un marcado carácter adulto, violento y sangriento, lleno de sexo y enmarcado en un género como el ciberpunk, el trabajo de Morgan no parecía el tipo de obra por la que los estudios de Hollywood se vuelven locos en estos tiempos, por lo que la guionista no encontraba a nadie interesado en el proyecto, hasta que Netflix compró la idea, pero como serie de televisión, en 2016, quince años después. Kalogridis escribió el piloto y se dispuso

• Además de las dos temporadas, la serie contó con una película anime que servía como precuela de las dos temporadas, dirigida por Takeru Nakajima y Yoshiyuki Okada, y escrita por Dai Sato y Tsukasa Kondo (por cierto, Sato ha estado muy ligado a las series de animación de Ghost in the Shell, además de películas de ciencia ficción como Casshern). La película tenía a Kovacs como protagonista, mientras intentaba proteger a una joven tatuadora e intentaba descubrir qué había llevado a la muerte de un líder de la yakuza.

• Casi todos los episodios de la serie tienen por título el de una película clásica de cine negro, de los años cuarenta o los cincuenta.

Desde Un lugar solitario a Retorno al pasado, El callejón de las almas perdidas, La sombra de una duda, ¿Ángel o diablo?... El único episodio que no cumple la regla es el final de la segunda temporada (y de la serie) llamado “Broken Angels”, como el segundo libro de la saga.

La serie también incluía referencias a múltiples fuentes literarias y cinematográficas, incluyendo Blade Runner, Ghost in the Shell o a Edgar Allan Poe. Todo ello compone la mezcla de géneros, especialmente ciberpunk y cine negro, que son la base de la serie. La serie fue cancelada en primavera de 2020 debido a los altos costes de producción.

• Joel Kinnaman sufrían una condición congénita que hacía que su pecho tuviese una apariencia hundida, llamada pectus excavatum. El actor se avergonzaba de su físico y se negaba a aparecer sin camiseta, hasta que antes de la serie pasó por el quirófano para corregir el problema. Acabó apareciendo sin camiseta en casi cada episodio.

J. U.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

UNA TUMBA AL AMANECER

PLAYA ROJA

Counterpoint

Beach Red

1968; EE. UU.; Color; Director: Ralph Nelson; Guion: James Lee, Joel Oliansky; Música: Bronislau Kaper; Fotografía: Russell Metty; Intérpretes: Charlton Heston, Maximilian Schell, Kathryn Hays, Leslie Nielsen, Anton Diffring, Linden Chiles, Peter Masterson, Curt Lowens, Neva Patterson, Cyril Delevanti, Gregory Morton, Parley Baer; Duración: 107 minutos.

1967; EE. UU.; Color; Director: Cornel Wilde; Guion: Clint Johnson, Don Peters, Cornel Wilde; Fotografía: Cecil Cooney; Intérpretes: Cornel Wilde, Rip Torn, Burr DeBenning, Patrick Wolfe, Jean Wallace, Jaime Sánchez, Dale Ishimoto, Genki Koyama, Gene Blakely, Michael Parsons, Norman Pak, Dewey Stringer, Fred Galang, Hiroshi Kiyama, Michio Hazama, Linda Albertano, Masako Ohtsuki, Jan Garrison; Duración: 105 minutos.

La novela The General, escrita por Alan Sillitoe, presta la base argumental para este largometraje que se nutre así, además, de las experiencias bélicas reales de su autor. Sillitoe se unió en 1942 al Air Training Corps, una organización juvenil de voluntarios británicos. Posteriormente se alistó en la RAF, pero no llegó a combatir en la Segunda Guerra Mundial. Sin embargo, llegó a servir en Malasia durante una guerra de guerrillas librada contra las fuerzas de la Commonwealth por el Ejército Nacional de Liberación Malayo que se prolongó desde 1948 hasta 1960. Al volver a Inglaterra, se le diagnosticó tuberculosis y pasó más de un año ingresado en un hospital militar.

La enfermedad truncó sus planes de alistarse en la Royal Canadian Air Force y tras ser licenciado vivió algún tiempo en Francia y en España, donde se casó a finales de los años cincuenta con la poeta Ruth Fainlight. En 1960 publicó The General, en la que curiosamente no aclara durante qué guerra transcurre la historia. El guion de la película optó por situarla en las postrimerías de la Segunda Guerra Mundial. El título empleado durante el rodaje fue Battle Horns.

A Heston le costó meterse en la piel del protagonista, un director de orquesta prestigioso que en una gira por Europa para entretener a las tropas estadounidenses, que se sienten ya ganadoras de la guerra, queda atrapado junto con sus músicos en una ciudad recuperada por las tropas alemanas, que lo detienen junto con su orquesta y con la amenaza de ser ejecutados. Se convierten así en rehenes de la afición por la música del general Schiller, que les encarga interpretar un concierto para los altos jerarcas nazis, tras el cual serán ejecutados. El asunto se complica con las relaciones sentimentales que el director mantuvo con una violonchelista que decidió casarse con el segundo director de la orquesta, y empeora cuando dos soldados estadounidenses han buscado refugio haciéndose pasar por miembros de la orquesta. M.J.P.

El actor y director Cornel Wilde volvió a demostrar su solidez como narrador tras las cámaras con personalidad propia en este largometraje que se basa en la novela escrita por Peter Bowman. Publicada en 1945, Bowman la escribió mientras servía como corresponsal de la revista oficial de las Fuerzas Aéreas estadounidenses Air Force. Antes de alistarse trabajaba como editor asociado en la revista Popular Science Monthly y debido a sus estudios como ingeniero una vez en el Ejército recibió un entrenamiento exhaustivo sobre desembarcos anfibios.

Nominada al Oscar en la categoría de Mejor Montaje, es un antecedente claro de las propuestas de Steven Spielberg en Salvar al soldado Ryan y Mel Gibson en Hasta el último hombre. Es precursora del tratamiento crudo de los aspectos más brutales de la guerra aplicado en esos dos largometrajes en fecha muy posterior, lo que en el momento de su estreno la destacaba del resto de producciones en su empeño por mostrar la guerra como un infierno, no como una aventura.

Además, es una de las películas que ha reflejado los hechos de manera más convincente, al menos en lo que se refiere al tema central del asalto a las islas fuertemente defendidas por los japoneses y el costoso progreso de los aliados en esos campos de batalla particularmente brutales y sangrientos.

Sobre el montaje de la película, Cornel Wilde explicó en una entrevista a la revista Films and Filming, que para él cada corte de la película debía tener un impacto capaz de implicar emocionalmente al espectador, lo que le lleva a buscar un motivo de choque casi en cada fotograma del largometraje.

El largometraje se rodó en Filipinas simulando la isla japonesa asaltada por los marines estadounidenses, con soldados filipinos interpretando a las tropas niponas. M.J.P.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

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TOBRUK

LA NOCHE DE LOS GENERALES

1967; EE. UU.; Color; Director: Arthur Hiller; Guion: Leo Gordon; Música: Bronislau Kaper; Fotografía: Russell Harlan; Intérpretes: Rock Hudson, George Peppard, Nigel Green, Guy Stockwell, Jack Watson; Duración: 107 minutos.

The Night of the Generals

Comparte un curioso vínculo con la película Comando en el desierto (Raid on Rommel, 1971), dirigida por Henry Hathaway y protagonizada por Richard Burton y John Colicos. Parte del material rodado por la segunda unidad para este largometraje fue reutilizado. Ambos títulos tenían como argumento la infiltración de un comando británico tras las líneas alemanas en el teatro norteafricano y se aprovecharon escenas en las que aparecía un avión y un convoy de camiones, así como secuencias de combate hacia el final del filme.

Una vez más, los tanques estadounidenses M48 Patton fueron utilizados para recrear los carros de combate alemanes. Clásico recurso del cine bélico de la época. También se emplearon carros ligeros como el M41 Walker Bulldog y el semioruga M2 americano, utilizado habitualmente para representar al Sd.Kfz. 251 alemán, conocido popularmente tanto por los soldados aliados como por las fuerzas del eje como “Hanomags” por la empresa que los fabricaba.

El argumento se sitúa en el norte de África durante la Segunda Guerra Mundial y tiene como asunto central la operación de comando destinada a destruir los depósitos de combustible que el general Rommel necesita para conseguir el éxito de sus operaciones con los Panzer germanos.

El largometraje, presupuestado en seis millones de dólares, era un intento de replicar la fórmula aplicada en Los cañones de Navarone y tenía como epicentro dramático el duelo entre los personajes interpretados por Rock Hudson y George Peppard. El primero interpreta a un mayor del ejército canadiense que concibe un plan disparatado de sabotaje casi imposible; y el segundo da vida al cínico oficial al mando de un grupo de comandos alemanes judíos dispuestos a jugarse el pellejo en el intento mientras maduran la posibilidad de que, una vez vencido Hitler, tendrán que enfrentarse con los británicos para levantar el estado de Israel. M.J.P.

1967; Reino Unido, Francia; Color; Director: Anatole Litvak; Guion: John Kessel, Paul Dehn; Música: Maurice Jarre; Fotografía: Henri Decaë; Intérpretes: Peter O’Toole, Omar Sharif, Christopher Plummer, Tom Courtenay, Donald Pleasence, Joanna Pettet, Philippe Noiret; Duración: 148 minutos.

Peter O Toole (en un papel rechazado por Marlon Brando) ganó el premio David Di Donatello del cine italiano en la categoría de mejor actor extranjero por su trabajo en este largometraje que arranca en Polonia en 1942, cuando una prostituta es asesinada por un sádico criminal al que se dedica a perseguir el mayor Grau, agente de la inteligencia alemana, interpretado por Omar Sharif. O Toole daba vida a uno de los tres generales sospechosos de haber cometido el asesinato.

El guion se basa en la novela Die Nacht der Generale, escrita por Hans Hellmut Kirst y publicada en 1962. Kirst se alistó en el ejército alemán en 1933 con apenas 19 años. Durante la Segunda Guerra Mundial sirvió como oficial y al final de esta llegó hasta el rango de primer teniente. Renegó de su pertenencia al Partido Nazi alegando que lo había confundido con la propia Alemania. Kirst escribió más de sesenta de novelas ambientadas en la Segunda Guerra Mundial. Die Nacht der Generale fue nominada en 1965 al premio Edgar, que conceden los escritores de misterio de Estados Unidos.

La película se vio envuelta en cierta polémica vinculada a la novela, Kirst fue acusado de plagiar The Wary Transgressor, una novela escrita por James Hadley Chase y publicada en 1952. En ella el sexto capítulo se centraba en un flashback en el que el protagonista recuerda lo ocurrido cuando era sargento durante la Segunda Guerra Mundial y tuvo que servir como guía a un general estadounidense, mostrándole los tesoros artísticos y otras “diversiones” de Florencia. Al final, el general resulta ser un psicópata obsesionado con la limpieza que asesina a una prostituta local y acusa al sargento del crimen. Los productores de la cinta solucionaron cualquier problema incluyendo en los créditos la frase: “Guion basado en la novela escrita por Hans Hellmut Kirst y en un incidente escrito por James Hadley Chase”. M.J.P.

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LA ÚLTIMA CARGA The Charge of the Light Brigade 1968; Reino Unido; Color; Director: Tony Richardson; Guion: Charles Wood, John Osborne; Música: John Addison; Fotografía: David Watkin; Intérpretes: David Hemmings, Trevor Howard, Vanessa Redgrave, John Gielgud, Harry Andrews, Jill Bennett, Ben Aris; Duración: 139 minutos.

En dos ocasiones notables se ha acercado el cine a lo ocurrido en la batalla de Balaclava, según los británicos, o de Kadikoi, según los rusos. La primera fue en 1936 con el título de La carga de la brigada ligera, dirección de Michael Curtiz, y Errol Flynn y Olivia de Havilland como protagonistas. La segunda es la que incorporamos a la selección de este mes, que llegó a España con el título de La última carga, aunque su título original era el mismo de la citada previamente.

El guion de esta segunda versión de esta batalla enmarcada en la guerra de Crimea se basa en parte en el libro The Reason Why, de la historiadora británica Cecil Woodham-Smith, publicado en 1953. Laurence Harvey había conseguido los derechos del libro y tras una larga negociación con la productora los cedió a cambio de contar con un papel en la película.

Aunque interpretó a un oficial polaco, finalmente todas sus escenas se quedaron en la sala de montaje. John Osborne también tuvo problemas al negarse a cambiar su guion, demasiado fiel al libro original según el director Tony Richardson. Richardson encargó una nueva escritura del guion a Charles Wood, pero años después Osborne tuvo la oportunidad de que su guion original fuera utilizado en una obra teatral de radio para la BBC que contó con Charles Dance y Joseph Fiennes como protagonistas.

La película recibió nominaciones al premio Bafta del cine británico en las categorías de actor (Howard), dirección artística, fotografía, diseño de vestuario, montaje y sonido. Su rodaje estuvo marcado por distintas dificultades y por el empeño perfeccionista hasta el mínimo detalle, mezclado con el carácter volcánico y exigente del director, Tony Richardson, y del protagonista, David Hemmings, que interpretaba un personaje para el que se habían barajado los nombres de Peter O Toole y Laurence Harvey. M.J.P.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

INFIERNO EN EL PACÍFICO Hell in the Pacific 1968; EE. UU.; Color; Director: John Boorman; Guion: Alexander Jacobs, Eric Bercovici, Reuben Bercovitch, Shinobu Hashimoto; Música: Lalo Schifrin; Fotografía: Conrad L. Hall; Intérpretes: Lee Marvin, Toshiro Mifune; Duración: 103 minutos.

Dos veteranos de la Segunda Guerra Mundial se encuentran en este largometraje. Lee Marvin sirvió en la cuarta división de Marines durante la Segunda Guerra Mundial en el teatro del Pacífico. Fue herido durante la batalla de Saipán el 18 de junio de 1944 y llegó a recibir siete condecoraciones, entre las que destaca el Corazón Púrpura. Toshir Mifune también combatió en la Segunda Guerra Mundial. Reclutado por la división aérea del Ejército Imperial japonés sirvió en una unidad de fotografía aérea durante el conflicto llegando a alcanzar el rango de sargento. Marvin consiguió el rango de cabo, pero fue degradado debido a un altercado.

La película contó con una especie de nueva versión en clave de ciencia ficción con Enemigo mío (Enemy Mine, 1985), dirigida por Wolfgang Petersen y protagonizada por Dennis Quaid y Louis Gossett Jr. Basada en la novela corta del mismo título, escrita por Barry B. Longyear, en ella un piloto humano y su enemigo de la raza Drac naufragan en un planeta y deben colaborar para sobrevivir.

Además, en la serie Star Trek: La nueva generación, David Kemper y Michael Piller utilizaron un argumento similar en el guion del séptimo episodio de la tercera temporada, titulado El enemigo, en el que el teniente La Forge queda varado en un planeta inhóspito con la única compañía de un romulano.

Es un argumento que suelen utilizar en la franquicia, ya que volvieron a hacerlo en Amanecer, el decimotercer episodio de la segunda temporada de Enterprise, escrito por John Shiban. En esta ocasión, era el ingeniero de la nave, el comandante Tucker, el que se quedaba abandonado en una luna desértica con la única compañía del piloto arkoniano que había derribado su lanzadera.

Otra huella de esta fórmula la encontramos en el argumento de Kong, Skull Island, con los pilotos japonés y estadounidense que van a parar a la isla del gorila gigante. M.J.P.

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BOINAS VERDES

LA BRIGADA DEL DIABLO

The Green Berets

The Devil’s Brigade

1968; EE. UU.; Color; Directores: Ray Kellogg, John Wayne, Mervyn LeRoy; Guion: James Lee Barrett; Música: Miklós Rózsa; Fotografía: Winton C. Hoch; Intérpretes: John Wayne, David Janssen, Jim Hutton, Aldo Ray, Raymond St. Jacques, Bruce Cabot, Jack Soo, George Takei, Patrick Wayne, Luke Askew; Duración: 142 minutos.

1968; EE. UU.; Color; Director: William Roberts; Guion: William Roberts; Fotografía: William H. Clothier; Intérpretes: William Holden, Cliff Robertson, Vince Edwards, Andrew Prine, Jeremy Slate, Claude Akins, Jack Watson, Richard Jaeckel; Duración: 130 minutos.

Esta película es el ejemplo de cómo un largometraje puede llegar a apartarse mucho en beneficio del espectáculo del original en el que se basa. El libro de Robin Moore es una recomendable lectura para todos aquellos que estén interesados en la guerra de Vietnam, pero la película solo toma de este una parte que, además, la ha convertido en una de las visiones cinematográficas de dicho conflicto más discutidas y polémicas.

El libro tiene las mejores características del reportaje y la experiencia directa de su autor, la película acaba siendo presa de un acercamiento al conflicto más propio de las producciones de cine bélico aplicadas en los años cuarenta a la Segunda Guerra Mundial y en los cincuenta a la guerra de Corea.

Y es sabido que cada guerra, desde sus propias características y circunstancias, debe dar como resultado distinto tipo de película.

Boinas verdes se basa en el libro escrito por Robin Moore, que fue el primer civil en superar un curso intensivo de entrenamiento de las fuerzas especiales conocido como “Curso Q”. Moore había participado en la Segunda Guerra Mundial como artillero de las fuerzas aéreas estadounidenses y llegó a realizar varias misiones de combate sobre los cielos de Europa. Su intención era escribir sobre las fuerzas especiales y durante la guerra de Vietnam fue asignado al quinto cuerpo de fuerzas especiales. Sus experiencias durante dicho conflicto sirvieron de base para su libro sobre los Boinas Verdes. Esto le provocó ciertos problemas con el Pentágono, que le acusaba de revelar información sensible, un apuro del que le sacó John Wayne, quien tenía el apoyo total del ejército gracias al presidente Lyndon B. Johnson para llevar a cabo la película y que logró incluir a Moore en esta a cambio de un sueldo de 35.000 dólares y el cinco por ciento de los beneficios en taquilla. M.J.P.

El duelo entre William Holden y Cliff Robertson, el oficial estadounidense y el oficial canadiense obligados a trabajar juntos para montar un comando mixto destinado a desarrollar operaciones de comando en territorio enemigo, contiene momentos que forman parte también del ADN de ese clásico del cine bélico que es Doce del patíbulo. Sin embargo, basta repasar sus fuentes originales de inspiración para entender que La brigada del diablo, más allá de su naturaleza como producto cinematográfico, tiene elementos para desarrollar su propia personalidad al margen de Doce del patíbulo.

El guion se basa en el libro The Devil’s Brigade, publicado en 1966 y escrito por Robert H. Adleman y George Walton. Adleman combatió en la Segunda Guerra Mundial como artillero en el ejército del aire estadounidense.

Walton era coronel del ejército de Estados Unidos y sirvió en la Primera Fuerza de Servicios Especiales, que combinaba soldados estadounidenses y canadienses y que fue conocida popularmente como “la Brigada del Diablo”.

Adleman y Walton colaboraron en otros dos libros sobre la Segunda Guerra Mundial: Rome Fell Today, publicado en 1968; y The Champagne Campaign, que apareció en las librerías al año siguiente.

El principal problema que encontramos en la película es que, frente al maestro del cine de acción que demostró ser Robert Aldrich en numerosas ocasiones y sobre todo en Doce del patíbulo, el director de La brigada del diablo nunca pasó de ser un artesano, eso sí, muy competente, de estilo más plano y carente del vigor visual de su colega. El trabajo con los actores tampoco era su fuerte, lo que hace que Holden —en la misma etapa en la que hizo una de las mejores interpretaciones de su carrera en Grupo Salvaje, a las órdenes del mejor Sam Peckinpah— quede aquí desperdiciado y por debajo de las expectativas. M.J.P.

Grandes películas de Cine Bélico (XXVIII) El comienzo del fin para la Alemania de Hitler sirve como paisaje argumental en el que se sitúan las dos películas que encabezan nuestro coleccionable de cine bélico de este mes.

Un duelo entre el arte y la guerra es lo que se plantea en el primer título que destacamos este mes. El argumento de Una tumba al amanecer se sitúa en el momento en que los alemanes ejecutan la contraofensiva que condujo a la batalla de las Ardenas, que sorprendió a los aliados y pudo cambiar el curso de la Segunda Guerra Mundial cuando todo parecía ya perdido para el Reich germano. Eso propicia que en pleno bombardeo alemán los setenta músicos de la orquesta reclutada para entretener a los demasiado confiados soldados estadounidenses queden atrapados en el autobús donde intentan escapar del avance alemán.

Charlton Heston afirmaba que le había costado más entrenarse para dirigir la Quinta sinfonía de Beethoven durante cinco horas diarias que cualquier otra gesta de las que hubiera realizado para el cine.

La noche de los generales es una interesante mezcla de género policíaco dominante con el cine bélico, que presta el paisaje de este largometraje que fue uno de los últimos censurados por el código de producción y autocensura elaborado por los propios estudios estadounidenses, inmediatamente después sustituido por la clasificación por edades. El peso de las prácticas sexuales en el argumento fue un duro escollo que tuvieron que sortear los productores del largometraje para poder sacar adelante una trama con un alto oficial alemán que, además, es un sádico asesino en serie.

Detalle importante que destacar: Christopher Plummer interpretando a un Erwin Rommel que nos habría gustado ver más tiempo en pantalla y que compite en igualdad de condiciones con el otro gran Rommel del cine, James Mason. Mención especial merecen los títulos de crédito, en los que Robert Brownjohn aborda el tema de la película descomponiendo la iconografía relacionada con el general sospechoso de los asesinatos.

Tobruk, la tercera película de la selección de este mes, también tenía a Rommel en su propuesta argumental, ya que se

basa en la denominada Operation Agreement, llevada a cabo en clave terrestre y anfibia por fuerzas aliadas de Rhodesia, Gran Bretaña y Nueva Zelanda en la plaza que da título a la película entre el 13 y el 14 de septiembre de 1942. Un comando capaz de hablar alemán de forma fluida se infiltró tras las líneas enemigas para realizar operaciones de sabotaje y distracción. El intento se saldó con un sonoro fracaso que acarreó, además, varios ciento de bajas y prisioneros entre los comandos y la pérdida de un crucero, dos destructores, seis torpederas y más de veinte naves anfibias. Obviamente, la película lo cuenta de otro modo y hace un saldo final del asunto más positivo.

El argumento de Infierno en el Pacífico, que junto con A quemarropa, Defensa y Excalibur completa el cuarteto de mejores películas de su director, John Boorman, gira en torno a dos soldados enemigos, uno estadounidense y el otro japonés, que primero se enfrentan a muerte y finalmente encuentran argumentos para comunicarse pacíficamente tras convertirse en náufragos en una isla desierta. La película costó algo más de cuatro millones de dólares y es, con diferencia, la mejor cinta en la filmografía de Toshirō Mifune fuera de Japón. El hecho de que no hubiera diálogos facilitó el trabajo a Mifune, que para soslayar sus dificultades con el inglés solía aprenderse los diálogos de memoria siguiendo el sonido. El encuentro de Marvin y Mifune forma parte de los duelos míticos del género bélico en particular y del cine en general en una película imprescindible. El significativo título inicial del proyecto era El enemigo es la guerra. Al final del largometraje hay un mensaje más cercano a las generaciones de los años sesenta que a las que participaron en la Segunda Guerra Mundial, aludiendo al nuevo enfrentamiento de Guerra Fría entre los bloques estadounidense y soviético.

La propuesta de este mes incluye una incursión en la batalla de Balaclava, librada durante el asedio de Sebastopol en la guerra de Crimea, con los aliados turcos, franceses y británicos enfrentados a los rusos, La última carga, las operaciones de comando de La brigada del diablo, casi un eco de Doce del patíbulo, estrenada un año antes, la polémica y criticada incursión en la guerra de Vietnam de John Wayne codirigiendo Boinas verdes.

Miguel Juan Payán

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las mejores películas que nunca hemos visto

Batman: año 1

de Darren Aronofsky

cano a algunos clásicos de los setenta, con The French Connection (1971) como principal inspiración. Miller, por su parte, no tenía en mente rebajar la oscuridad del original. Es más, la incrementó, dentro de una estética decadente, acorde al espíritu de la corrupta Gotham: el filme se abriría con las pesadillas de Bruce Wayne, recreando la noche que asesinaron a sus padres; los fantasmas de sus progenitores harían acto de presencia en varias escenas; el héroe, más que obligado a usar la violencia, la disfrutaría, “llorando con la misma alegría que un niño en Navidad”, decía un libreto que incluía expresiones como “traqueotomía instantánea” a la hora de describir el daño que infligía a sus enemigos; no obviaría tampoco el origen como prostituta de Selina Kyle, alias Catwoman, dispuesta a emplearse con contundencia gracias a sus afiladas garras...

Las referencias a Batman como “terrorista”, en boca del personaje de Gordon, no hacían sino complicar la recepción del guion, teniendo en cuenta la cercanía de los atentados del 11S. Y es que, sumando las ideas del director y del guionista, su protagonista estaba más cercano al Travis Bickle de Taxi Diver (1977) que a cualquier otra encarnación anterior: la ira de un hombre ante un mundo que progresivamente se desmoronaba.

Si esto último les resulta familiar, especialmente por una reciente y muy aplaudida película de DC con un villano como protagonista, no andan desencaminados. En una entrevista concedida el pasado abril a Empire, Aronofsky soltó la bomba: su elegido para encarnar a Batman no era ni más ni menos que el futuro Joker, Joaquin Phoenix. Sin embargo, Warner no lo veía: su opción era la entonces estrella adolescente Freddie Prinze Jr. “Estamos haciendo dos películas diferentes”, pensó el realizador. El estudio, inquieto ante un filme que pintaba demasiado siniestro como para que los niños pagaran entrada, canceló el proyecto.

Más suerte tuvo apenas dos años después otro joven realizador, de origen inglés, con un guion que retomaba varias ideas del Batman: año 1 de Miller y que, esta vez sí convenció a la Warner. Así es: de haber visto la luz el filme de El pasado abril a Empire, Aronofsky soltó la bomba: su elegido para encarnar a Aronofsky, quizá la hoy intocable trilogía de El caballero oscuro de Christopher Nolan solo existiría en uno de Batman no era ni más ni menos que el futuro Joker, Joaquin Phoenix. Sin embargo, sus múltiples universos paralelos.

Warner no lo veía: su opción era la entonces estrella adolescente Freddie Prinze Jr. Jaime V. Echagüe Será el más grande luchador contra el crimen que el mundo haya conocido... Pero no será fácil”. Así comenzaba el mejor reboot del hombre murciélago en formato papel.

Para Batman: año 1 (1988), DC Comics reclutó a una dupla de ensueño: Frank Miller en el guion y David Mazzucchelli en la ilustración. Sus orígenes, sus primeros gadgets, su difícil relación con un entonces joven comisario Gordon, la irrupción de Catwoman, la aceptación de un mandato casi divino y, sobre todo, el difícil equilibrio psicológico de un hombre traumado, capaz de sortear el bien para neutralizar el mal. Todo aquello se concentraba en aquel escaso centenar de páginas que hoy constituyen un clásico. Casi una década después de su publicación, Warner, propietaria de los derechos fílmicos del superhéroe, tomó la decisión de contar en imágenes el bautismo de su más célebre (y taquillero) enmascarado.

No era el primer intento de acercarse al cómic. Justo cuando tomó el testigo de Tim Burton para dirigir la tercera película de la saga, Joel Schumacher tenía en mente recrear sus páginas. Sin embargo, el estudio no estaba interesado en precuelas; las andanzas del héroe de Gotham debían continuar de manera cronológica. Batman Forever (1995) y Batman y Robin (1997) funcionaron en taquilla, pero cuando Warner decidió al fin bucear en los orígenes del murciélago buscaron a alguien, digamos, menos luminoso. ¿El elegido? Darren Aronofsky, que con poco más de 30 años ya había despuntado con su inclasificable debut, Pi (1998), y, sobre todo, con Réquiem por un sueño (2000). Su implacable descenso a las profundidades de nuestra naturaleza y su impactante impronta visual le acreditaban de sobra. Y más aún si estaba acompañado por el padre de la criatura, Frank Miller, que se encargaría de la adaptación. Para Aronofsky, que seguía al autor desde la high school, era una fantasía convertida en realidad.

Curiosamente, las diferencias en sus visiones supusieron el primer escollo. La intención de Aronofsky era adoptar un look cer-

“

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MOONRAKER penas unas semanas después del estreno de La espía que me amó, Lewis Gilbert comenzó a trabajar en la siguiente producción. Titulada inicialmente Solo para sus ojos cambió finalmente a Moonraker por una serie de transformaciones en la historia final del guion, por culpa, en gran parte, a la fiebre desatada por recientes estrenos como Encuentros en la tercera fase o Star Wars. Este título también está tomado de una de las obras de Ian Fleming, pero como viene siendo costumbre, poco o nada toman de la historia original del escritor británico, aunque veremos algunas cosas de ella, en esta novela aparecen cohetes que no salen de la Tierra y se usan para intentar destruir Londres con ellos. Otro punto de la historia de la película, es la de hacer crear o dejar en la Tierra a las personas más perfectas, tal y como quería hacer el partido Nazi.

El productor Albert Broccoli tuvo que lidiar con una gran cantidad de problemas para poder rodar la película, lo primero, conseguir el dinero que se necesitaba en unos años en los que la inflación variaba con mucha rapidez.

En un principio, la película se presupuestó en 20 millones de dólares, algo que se solucionó con una financiación por parte de United Artists de 30 milones.

Tras las tres primeras películas de Moore como Bond, el contrato del actor se renovaba de película en película, de manera que el dilema era si dejar continuar a Moore o buscar a otro. Como vemos, se quedaron con la segunda opción.

Los rodajes en Francia, Brasil y Venecia se lo pusieron complicado al equipo, debido a que la pro-

A

ducción ocupó todos los estudios de rodaje en París y los trabajadores de la industria del cine del país vecino no hacían horas extras. Al final, hicieron todas las horas extras que se necesitaron e incluso trabajaron los fines de semana.

En Venecia era imposible conducir una góndola por la plaza de San Marcos con esta atestada de viajeros y curiosos, algo que se solucionó con un claxon que sonaba para que dejaran paso al vehículo.

En Brasil, la aduana les quitó las lanchas para la escena en la que caen por las cataratas, quería que se declarasen como material fungible, lo cual no iba a ser así, porque las lanchas serían destrozadas durante las secuencias. Por medio del embajador en el país se pudo solucionar.

El encargado de llevar todo esto a buen puerto fue Lewis Gilbert, un viejo conocido de Eon, ya que había trabajado con ellos en otros filmes.

Para interpretar a la hermosa e inteligente doctora Goodhead, la actriz sería Lois Chiles, Chiles dejó con la boca abierta al productor al verla.

El regreso del esbirro Tiburón se debió a las numerosas cartas recibidas en las oficinas de Eon preguntando por qué este personaje no podía ser bueno.

El director eligió a Michael Lonsdale para interpretar Hugo Drax, ese ser que odia a Gran Bretaña, por una cierta amistad que parece que había entre ellos, Gilbert vio en Lonsdale inmediatamente al malo de la peli.

El rodaje daría comienzo el 11 de agosto de 1978.

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MOONRAKER

El guion

Para el lector curioso

El primer tratamiento de guion sin fechar y aún con el título Solo para sus ojos, se basaba vagamente en la novela, aunque se plasmó el personaje de Drax y la idea de crear una raza de seres humanos perfectos. Moonraker sería una bomba. Este tratamiento estaba firmado por Gery Anderson y Tony Bar Wick.

Tras algunos viajes al centro al centro de la NASA en California, el guionista Tom Mankiewicz entregó su tratamiento con el título definitivo el 20 de marzo de 1978. Aquí podíamos leer cosas como que Bond viajaba a la India y al Himalaya, y se incluyeron la torre Eiffel y aBond usando un minijet, en otras revisiones. También se incluía una escena en la que Bond y Holly eran arrastrados por un barco a través de una superficie de coral (algo que veríamos en otra película más adelante).

En el guion del propio Mankiewicz, con fecha de 8 de mayo, ya se incluía una nota indicando que todas las naves se llamarían Moonraker.

El guion de rodaje fue entregado por Christopher Woo y revisado por Vernon Harris el 19 de mayo.

Vamos a dar algunos datos más, para aquel que quiera conocer mejor el rodaje de esta película.

• El avión Concorde que vemos aterrizar en el aeropuerto traía a Roger Moore, al cual le tocó bajarse del avión como Moore, cambiarse y maquillarse, subirse de nuevo al avión y hacer la salida como James Bond. Ya que el actor sufrió un colico nefrítico, algo que retrasó su llegada varios días. Ese Concorde transportó a Moore con unos fuertes dolores, pero a quien vimos salir es a Bond con su estilo.

• 83 saltos fueron necesarios para la secuencia completa de la escena precréditos en la que vemos cómo varios personajes saltan desde un avión, uno de ellos con un paracaídas escondido bajo la ropa.

• Para lograr los efectos de la gravedad en el rostro de Moore, mientras este gira en un simulador que da vueltas y vueltas a gran velocidad, enfocaron varios chorros de aire a presión a su rostro, lo que retrasó el inicio de rodaje varios días, al afetar a cara, nariz, oídos, mejillas, etc.

La música Ya que gran parte de la historia sucede en el espacio y aquí no hay sonido alguno, John Barry, que volvía de nuevo a la saga, ambientó estas escenas con música de ballet, además de sus notas utilizando instrumentos de los lugares donde suceden las diferentes escenas. La canción principal, con la voz de nuevo de Shirley Bassey y con letra de Hal David es una de las más recordadas por el público, utilizándose por primera vez el tema de 007.

El estreno Moonraker batió todos los récords de las películas Bond, alcanzando los 210 millones de beneficios y una candidatura a los Premios Oscar de la Academia por sus efectos visuales, algo que alegró a todo el equipo. Se estrenó el 26 de junio de 1979 en el Reino Unido.

Para el lector viajero En esta entrega, el planeta Tierra no es suficiente para Bond, que se marcha al espacio.

• Chateau de Vaux-le-Vicomte, ubicado cerca de la ciudad de Maincy, en el sureste de París, su gran salón y su antecámara del rey fueron utilizados para la película, así como sus jardines fueron empleados para entrenar a las personas elegidas por Drax para llevar a cabo su plan.

No hay ninguna estancia cerrada para quien quiera visitar este castillo.

• El museo Venini, visto en la película, se puede visitar actualmente, tiene su entrada en la plazoleta de los Leoncitos, al este de la plaza de San Marcos, podemos ver a Bond visitándolo y más adelante en la cinta, arrasando todo el museo.

• Si visitamos Venecia, no podemos dejar de ver su plaza de San Marcos, repleta de turistas todo el año.

• Largo do Boticário, una plazoleta de estilo colonial, situada en el barrio de Velho, en Río de Janeiro, donde podemos ver a Bond sobre un caballo, sirve como base secreta del MI6. Óscar Rubio

MALDICIONES EN EL CINE

La semilla del diablo

(1968) de Roman Polanski

n edificio, casi un personaje más, en cuyas puertas se cometería uno de los magnicidios más incomprensibles del siglo XX; una joven actriz, con más de una similitud con la protagonista, víctima de un asesinato inexplicable y atroz, similar a un ritual; un líder satánico en la sombra y bautizado en el guion con el mismo nombre que el director: Roman... Pocas películas pueden presumir, a cincuenta años vista, de seguir siendo tan aterradoras como La semilla del diablo (1968). Y todavía menos son capaces de esconder tan tétricas casualidades. Polanski, en su indiscutible obra maestra, relató con escalofriante costumbrismo y claustrofóbica paranoia el nacimiento del anticristo en un apartamento de Manhattan. Quizá, su intención no era tanto centrarse en las andanzas de un puñado de adoradores de Satán, sino servirse de las mismas para trazar una serie de analogías: el miedo por alumbrar una nueva vida, el sometimiento de la mujer en el hogar, el peso de la religión... Sin embargo, en su día, todos aquellos puntos quedaJohn Cassavetes, Mia Farrow y el director Roman Polanski en el set de La semilla del diablo ron injustamente arrinconados en un segundo plano. desde entonces con otros ojos. Por cierto: Steve McQueen, Quincy Las muertes y enfermedades antes, durante y después del Jones y el propio Polanski fueron algunos de los que, gracias a rodaje no suponen una circunstancia extraordinaria. La probabilidad motivos personales o profesionales, evitaron, en el último suspiro, de que se produzcan accidentes y fatalidades durante los meses acompañar a las víctimas aquella fatídica noche. que abarca una producción es infinitamente más alta de lo que Una última tragedia terminaría por apuntalar el malditismo de podamos pensar. Sin embargo, la naturaleza sobrenatural de un la cinta. Con más de cien años de historia y con Lauren Bacall, Boris filme como el que nos ocupa acaba provocando su magnificación.

Karloff y la propia Farrow entre sus inquilinos más célebres, el ediKrzysztof Komeda, compositor de la banda sonora, incluida la inolvificio Dakota, en Central Park, posee un peso capital en una película dable nana entonada por Mia Farrow, murió al año de estrenarse el donde todos sus propietarios abrazan con entusiasmo la brujería. filme tras caer por un barranco y pasar varios meses en coma. Por Otra triste fecha que anotar: a las 10.50 horas del 8 de diciembre su parte, John Cassavetes, al poco de finalizar su trabajo, empezó a de 1980, John Lennon, vecino del Dakota, recibió cinco impactos de notar los primeros síntomas de una hepatitis contraída apenas un bala justo a la entrada del inmueble, falleciendo diez minutos desaño antes y que deterioraría irreversiblemente su salud. pués. Su asesino, Mark David Chapman, de 25 años, esperó la lleTampoco resulta insólita la acogida hostil por una parte del gada de las autoridades mientras leía tranquilamente un ejemplar público al que la presencia de Mefistófeles en celuloide podía resulde El guardián entre el centeno, de J. D. Salinger. Un lamentable tar incómoda. William Castle, el “Hitchcock de la serie B” y proepílogo que afianzó el carácter siniestro y perverso de un filme al ductor de La semilla del diablo, recibió varios anónimos amenazanque, si algo no le hacía falta, era precisamente eso. tes. El más agresivo rezaba así: “Predigo que te pudrirás Jaime V. Echagüe lentamente tras una enfermedad larga y dolorosa. Tu alma inmortal arderá para siempre en el infierno”. No acertó: Castle moriría nueve años después, a los 63, después de sufrir un ataque al corazón. Sobre el resto de la predicción, obviamente, nada podemos saber.

Pero al final, todos estos hechos solo sirvieron para engordar una leyenda negra que tardaría un año en consolidarse. Concretamente, el 9 de agosto de 1969. Ojalá fuera posible reescribir la historia como hizo Quentin Tarantino en Érase una vez en… Hollywood (2019). Por desgracia, ningún héroe con lanzallamas salvó las vidas de Abigail Folger, Wojciech Frykowski, Steven Parent, Jay Sebring y Sharon Tate, esposa del realizador, a manos de la Familia Manson. Al igual que el personaje de Farrow en el filme, Tate, de 26 años, estaba ilusionada ante el nacimiento de su primogénito. Su embarazo sumaba ya ocho meses y medio.

Por supuesto, la impresionante concepción de aquellos crímenes, sin un móvil aparente, más cercanos a un sacrificio en términos esotéricos y con sangrientos guiños al satanismo, provocaron que La semilla del diablo fuera vista

U

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PRÓXIMOS ESTRENOS Por Jesús Martín

Mandíbulas

23 paseos

Hope

La última gran estafa

Francia, Bélgica; 2020; Título original: Mandibules; Dirección: Quentin Dupieux; Guión: Quentin Dupieux; Fotografía: Quentin Dupieux; Música: Metronomy; Intérpretes: David Marsais, Grégoire Ludig, Adèle Exarchopoulos; 77 mins; Distribuye: Karma.

Reino Unido; 2020; Título original: 23 Walks; Dirección: Paul Morrison; Guión: Paul Morrison; Fotografía: David Katznelson; Música: Gary Yershon; Intérpretes: Dave Johns, Alison Steadman, Rakhee Thakrar; 102 mins; Distribuye: Caramel.

Noruega, Suecia; 2019; Título original: Håp; Dirección: Maria Sødahl; Fotografía: Manuel Alberto Claro; Intérpretes: Andrea Bræin Hovig, Stellan Skarsgård, Terje Auli; 130 mins; Distribuye: Adso Films.

EE UU; 2020; Título original: The Comeback Trail; Dirección: George Gallo; Guión: George Gallo, Josh Posner y Harry Hurwitz; Fotografía: Lucas Bielan; Música: Aldo Shllaku; Intérpretes: Robert De Niro, Tommy Lee Jones, Morgan Freeman; 104 mins; Distribuye: Vértice.

¿Qué harías si te encontraras una enorme mosca encerrada en el maletero de tu coche? Tal vez, la primera idea sería la de despacharle una cantidad ingente de insecticida; pero a JeanGab (David Marsais) y Manu (Grégoire Ludig) se les ocurre un plan distinto: entrenar al gigantesco díptero, para ganar dinero con sus números.

“Con Mandíbulas he conseguido abandonar el tema de la muerte para centrarme en la vida. Con ella quiero glorificar a la pareja cómica Grégoire Ludig y David Marsais, para quienes escribí el guion, filmando su complicidad y su alegre jugueteo, con absoluta benevolencia”, explica Quentin Dupieux (Rubber), director de la cinta.

A veces, sacar a los perros a que hagan un poco de ejercicio y sus necesidades puede desembocar en una relación amorosa. Eso es lo que pensó el cineasta Paul Morrison (Solomon & Gaenor), cuando diseñó el guion de esta película, destinada a rendir homenaje a su golden retriever, llamado Benji.

“Quería contar una historia sobre gente entrada en años; porque quería hacer una historia que reflejara la riqueza y complejidad de la vida de las personas mayores, en contraposición con la mayoría de las representaciones en las que son invisibles”, puntualiza Morrison.

Stellan Skarsgård (Piratas del Caribe) y Andrea Bræin Hovig (The Lady from the Sea) protagonizan esta dramática cinta noruega, que dirige la cineasta Maria Sødahl. Una historia de inspiración en la propia vida de la directora nórdica, que relata cómo una pareja se enfrenta a la terrible noticia de la inminente muerte de uno de ellos.

Skarsgård encarna a Tomas (un hombre de 54 años, poco habituado a prestar atención a su faceta más sentimental), y Bræin Hovig hace lo propio con Anja, la esposa de Tomas, a la que le diagnostican un cáncer cerebral en las vísperas de Navidad.

Semejante situación fortalece la unión entre ambos.

Música a bordo Reino Unido; 2019; Título original: Fisherman's Friends; Dirección: Chris Foggin; Guión: Piers Ashworth, Meg Leonard y Nick Moorcroft; Fotografía: Simon Tindall; Música: Rupert Christie; Intérpretes: James Purefoy, Meadow Nobrega, David Hayman; 112 mins; Distribuye: Diamond Films.

Salvaje EE UU; 2020; Título original: Unhinged; Dirección: Derrick Borte; Guión: Carl Ellsworth; Fotografía: Brendan Galvin; Música: David Buckley; Intérpretes: Russell Crowe, Caren Pistorius, Gabriel Bateman; 90 mins; Distribuye: DeAPlaneta.

Si Michael Douglas tuvo la oportunidad de sacar afuera toda su ira, en Un día de furia (Joel Schumacher, 1993), Russell Crowe (Gladiator) no iba ser menos; e incluso supera con creces el enfado del hijo de Kirk; en esta pesadilla sobre el asfalto, que dirige el alemán Derrick Borte (La familia Jones).

El argumento de Salvaje arranca con una imprudencia automovilística, protagonizada por Rachel (Caren Pistorius, de Slow West). El otro involucrado en el asunto es un tipo agresivo (Crowe), quien no duda en perseguir a la mujer y a sus allegados; todo para vengar lo que él cree una falta grave contra su honor.

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Cualquier persona que sepa entonar puede convertirse en estrella de la música. Semejante espíritu, muy de moda en los realities televisivos, es el pilar argumental de esta comedia costumbrista, dirigida por Chris Foggin (Kids in Love).

Ambientada en Cornwall (el área del sur de Inglaterra donde residía Ross Poldark), la acción de la película narra el sueño de diez toscos pescadores, cuando son contratados para grabar un álbum en los estudios de Universal Music. Una oportunidad que sacará a flote rencillas e historias que permanecían ocultas.

George Gallo (The Poison Rose) reúne a Robert De Niro, Morgan Freeman y Tommy Lee Jones, para protagonizar esta alocada comedia, heredera del humor de Mel Brooks.

Ambientada en los años setenta, la trama sigue a Max Barber (De Niro): un productor en horas bajas, al que le reclama una cantidad de dinero un mafioso (Morgan Freeman). Ante la imposibilidad de pagar, Barber planea un falso rodaje, en el que morirá el actor principal (Tommy Lee Jones), y así cobrar el seguro.

El filme está basado en la homónima movie dirigida por Harry Hurwitz, en 1982.

La increíble historia de David Copperfield Reino Unido, EE UU; 2019; Título original: The Personal History of David Copperfield; Dirección: Armando Lannucci; Guión: Simon Blackwell, Charles Dickens y Armando Lannucci; Fotografía: Zac Nicholson; Música: Christopher Willis; Intérpretes: Dev Patel, Tilda Swinton, Hugh Laurie; 119 mins; Distribuye: Vértigo Films.

La inmortal novela de Charles Dickens, sobre las desventuras en la Inglaterra victoriana de un joven maltratado por su siniestro padrastro, vuelve a ser objeto de una versión cinematográfica; esta vez a cargo del escocés Armando Iannucci (La muerte de Stalin).

El londinense de ascendencia india Dev Patel (Lion) toma el testigo de Frank Lawton, Ciarán McMenamin y Hugh Dancy, entre otros, para meterse en el personaje del curioso Copperfield, quien acaba saliendo a flote a través de la práctica del derecho.

CINE EN CASA

3 dic

18 dic

La novia ensangrentada

Las tres noches de Eva

El secreto de una obsesión

El amor todo lo puede

Se edita este título de 1972 de Vicente Aranda inspirado por Carmilla de Sheridan Le Fanu, que narra cómo una joven recién casada en luna de miel teme el momento de tener relaciones con su esposo, con el que se dirige a una antigua mansión de la familia de este.

Se presenta con la versión íntegra restaurada, escenas eliminadas, un final alternativo o tráileres.

Estupendos los actores Maribel Martín y Simón Andreu.

EXTRAS:

La recuperación de los clásicos es siempre una alegría, y más cuando lo hacen en alta definición, como esta comedia romántica de 1941 protagonizada por Barbara Stanwyck y Henry Fonda y dirigida por Preston Sturges, en la que una pareja aunque enamorada se ve obligada a separarse… de momento. Se echan en falta los audiocomentarios, la adaptación radiofónica de 1942 o los reportajes de ediciones foráneas.

Obra maestra con dos actores irrepetibles al frente.

EXTRAS:

Pack El gran circo de TVE. Los Payasos de la Tele ¿Cómo están ustedes…?

Se edita en un pack con cuatro postales y seis discos DVD con 20 horas de contenido una recopilación del programa El gran circo de TVE, protagonizado por los Payasos de la Tele y el público que asistía a las emisiones. Además de números circenses había actuaciones y canciones de Gaby, Fofó y Miliki, además de los que se fueron incorporando posteriormente, Fofito, Milikito, Rody o Rita Irasema.

Marcaron a una generación, que no les olvida.

EXTRAS:

After: en mil pedazos La segunda oportunidad Segunda entrega cinematográfica de la exitosa saga literaria de la escritora Anna Todd, 2 dic After, en la que Tessa desea alejarse de Hardin, aunque le cuesta hacerlo.

No obstante, el amor le concede una nueva oportunidad con Trevor, un compañero en su nuevo trabajo, si bien Hardin luchará por ella. Se comercializa únicamente en DVD y con el tráiler, sin extras foráneos, como entrevistas al equipo artístico y técnico.

Para los fans de la obra de Anna Todd.

EXTRAS:

Pack John Carpenter

La boda de Rosa

Resistencia

Clásicos del fantástico moderno

Toma las riendas de su vida

Un héroe sin igual

Salen (y a un buen precio) cuatro títulos de la filmografía del maestro ta n e v a John Carpenter en un pack Al con las magistrales 1997: rescate en Nueva York (1981), La niebla (1980) y Están vivos (1988), y una joya que hay que reivindicar, El príncipe de las tinieblas (1987), esta con un nuevo máster que mejora el de su previa edición en solitario.

Eso sí, esta colección en blu-ray obvia la mayoría de los numerosos extras de ediciones foráneas.

El mejor fantástico y su mejor director.

EXTRAS:

Rosa es una mujer de mediana edad, que al repasar su vida se da cuenta que no ha hecho lo que ella ha querido, sino que siempre se ha sacrificado por los demás. Ahora es el momento de que tome las riendas de su existencia y luche por lo que anhela.

Este filme de Iciar Bollain se edita solo con el tráiler cinematográfico y una galería de imágenes.

Una reflexión sobre cómo pasa la vida.

EXTRAS:

Biopic sobre la etapa de juventud del popular mimo Marcel Marceau (fallecido en 2007), que narra una época de su 2 dic vida quizá no demasiado conocida, cuando de joven tuvo que cambiar su nombre para que no sospecharan de su origen judío y se unió al movimiento de la resistencia gala, donde arriesgó su vida y puso su arte para salvar a muchos niños, también judíos, que eran huérfanos.

Estupenda la interpretación de Jesse Eisenberg.

EXTRAS:

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LAS PELÍCULAS QUE TRAE LA PANDEMIA

H

ace poco, Charlie Brooker, creador de Black Mirror, anunciaba que iba a conceder un descanso a su mayor éxito. De momento, la sexta temporada de la serie antológica tendrá que esperar. No será por cuestiones sanitarias ni por posibles repercusiones económicas. Brooker confesaba que estos tiempos de pandemia no le parecían los más adecuados para agarrar a los espectadores, zarandearlos y hacerles tragar a la fuerza esas amargas píldoras distópicas que nos ponían frente al espejo de un futuro de dudosa humanidad. Si el gurú más lúcido en lo que se refiere a predicciones catastrofistas pone en duda nuestra capacidad de resiliencia, hay que tomárselo en serio. ¿De verdad estamos preparados para acudir a una sala de cine y enfrentarnos cara a cara con la pesadilla que nos atormenta desde hace casi un año? El sentido común nos llevaría a responder con un no rotundo.

Sin embargo, el inesperado éxito en plataformas digitales de tramas víricas e infecciosas, cuando no de sociedades deshumanizadas

El tráiler de Songbird, cinta producida por Michael Bay, avanza una serie de obras que tendrán a la COVID-19 como protagonista.

El oscarizado guionista Charles Randolph y el realizador Michael Winterbottom también preparan proyectos que girarán en torno a la crisis sanitaria.

Corona Zombies

o apocalípticas, nos hace, por lo menos, replantearnos la cuestión. No en vano, la crisis sanitaria que atravesamos no cuenta con precedentes en nuestra historia reciente.

Nuestro comportamiento, nuestras relaciones sociales, nuestro ocio, nuestra indumentaria…, incluso el paisaje urbano ha cambiado. Ningún guionista que se ponga a trabajar en una trama ambientada en la actualidad podría obviarlo. Un ejemplo reciente lo tenemos en la polémica secuela de Borat (2020): ya desde el cartel, vemos a Sacha Baron Cohen ataviado con mascarillas, si bien no en los apéndices corporales que corresponden.

Así, más allá de Corona Zombies (2020) y demás artimañas, Hollywood comienza a incorporar el coronavirus en sus agendas de forma seria. Y uno de los primeros proyectos que veremos materializados vendrá de la mano de Michael Bay en la producción y Adam Mason en la dirección. Los dos minutos que abarca el tráiler de Songbird (2021) bastan para ponernos en situación: la COVID-19 es historia…, porque la nueva amenaza es la COVID-23, un virus mutado cuya letalidad alcanza un escalofriante 50 por ciento. La cinta tendrá como protagonista a un repartidor (KJ Apa), inmune a la nueva cepa, que se verá separado de su novia (Sofia Carson). La distancia entre ambos no solo será interpuesta por el confinamiento; también por una ley marcial implacable. En definitiva, thriller, romance y algunos visos de denuncia social son los ingredientes que promete el filme, en cuyo reparto podemos ver rostros populares, como los de Demi Moore y Peter Stormare.

Con todo, lo directo de la propuesta, con esa mención explícita a la COVID, solo podía acabar en controversia. ¿Hasta qué punto es lícito hacer un espectáculo de una epidemia

PELÍCULAS SOBRE LA PANDEMIA que ya es responsable de un millón de muertes? ¿No se está comercializando el dolor derivado de una tragedia que ni siquiera hoy tiene fecha de caducidad? ¿Puede estrenarse una cinta así, con ánimo de lucro, mientras la población mundial todavía llora a las víctimas? Un debate ético que se ha ido encarnizando desde que el tráiler de Songbird vio la luz, y en cuyas imágenes se nota la mano del productor de The Purgue (2013).

La gestación de la cinta encierra además una ironía: una película sobre la COVID… que podría haber incumplido los protocolos anti-COVID. Y es que, el pasado mes de julio, el Sindicato de Actores emitió una orden para que sus miembros no participaran en la producción, una de las primeras rodadas en Los Ángeles tras el estallido de la crisis, debido a que no se estarían siguiendo las medidas sanitarias de forma escrupulosa.

Un thriller médico en Wuhan Mucho más ambicioso podría ser el proyecto en el que ya está trabajando Charles Randolph. Tal y como adelantó Variety, el guionista, ganador del Oscar por su coautoría en La gran apuesta (2015), se pondrá por primera vez tras las cámaras para trasladarse directamente al epicentro de la pandemia: Wuhan. Poco se sabe aún de un largometraje que ni siquiera cuenta con título ni actores confirmados. Sin embargo, y según avanzaron sus responsables, todo hace presagiar que se tratará de un riguroso thriller médico, centrado en aquellas primeras semanas de diciembre de 2019 en China, retratando a una comunidad científica desconcertada mientras intenta contener el avance de un virus potencialmente mortal.

Otro de los nombres consagrados que aportará su visión al respecto será el de Michael Winterbottom. El realizador de 9 Songs (2004), que pocas veces ha ocultado su activismo político, dirigirá para la televisión una serie sobre la gestión de la pandemia en Reino Unido, liderada por el premier británico, Boris Johnson. Un proyecto que, al igual que el de Randolph, aún está en proceso de preproducción. Sin embargo, teniendo en cuenta la controvertida figura del político, muy criticado por minimizar en un principio el alcance del virus y que acabó finalmente hospitalizado por contraerlo, podríamos estar ante una de las obras más polémicas del año.

Mientras, España, uno de los países más castigados por la pandemia, ya ha dejado testimonio de lo ocurrido. Y lo ha hecho sirviéndose del género más terrorífico: el documental. Es el caso de 2020, documental de Hernán Zin, estrenado recientemente, y en el que ha dado voz a los rostros anónimos de la tragedia: un trabajador de UCI, la gerente de un hospital, un sin techo, un trabajador de servicios funerarios...

2020, documental de Hernán Zin

¿Hasta qué punto es lícito hacer un espectáculo de una epidemia que ya es responsable de un millón de muertes? ¿No se está comercializando el dolor derivado de una tragedia que ni siquiera hoy tiene fecha de caducidad? ¿Puede estrenarse una cinta así, con ánimo de lucro, mientras la población mundial todavía llora a las víctimas? Un debate ético que se ha ido encarnizando desde que el tráiler de Songbird vio la luz Renaceres de Lucas Figueroa

No faltarán propuestas más pequeñas e intimistas. Es el caso de Before the World Set on Fire (2021), obra dirigida por Jaclyn Bethany que explorará cómo afectan las medidas de aislamiento a los jóvenes, concretamente a un grupo de universitarios que celebran un seminario de posgrado. La peculiaridad de la cinta es que su rodaje se ha llevado a cabo a través de Zoom, una herramienta de reuniones virtuales incorporada de forma forzosa a nuestros móviles y cuyo funcionamiento es solo una de las muchas lecciones que nos ha dejado este 2020.

Este nuevo contexto histórico también ha disparado la creatividad. Desde España llega Renaceres, de Lucas Figueroa, autor, entre otras, de Despido procedente (2017). Un documento único. No solo por la resolución de sus imágenes en 8K: además, fue de los pocos proyectos que contó con autorización para su grabación en aquellas primeras y difíciles semanas de primavera. El escenario, esperemos, es irrepetible: las calles de Madrid desiertas. Sus responsables aseguran que no es un simple documental. No hay entrevistas, ni discursos ni juicios. Se trata de un poema visual, una reflexión sobre nuestra condición en una sociedad que, más que nunca, se mostró vulnerable. No hay reparto como tal, pero su elenco es de lujo: Imanol Arias, Alejandro Sanz, Pedro Casablanc, Blanca Portillo, José Sacristán y Esther Expósito, entre otros, han prestado sus voces para un trabajo personal y diferente.

Jaime V. Echagüe

Las series más esperadas de

2021

Tras un año en el que, debido a la pandemia, se ha consumido más televisión y más streaming que nunca, los espectadores han subido las apuestas y no todo lo que se estrene les sirve. Hay que elegir, y elegir bien, entre una oferta casi interminable de series en diversos medios. Y por lo que se refiere a nombres y títulos, 2021 promete ser uno de los años más importantes en lo que a estrenos se refiere. Un momento en el tiempo en el que muchos grandes nombres se asoman a la televisión y lo hacen con historias que algunos llevan mucho tiempo esperando.

Vamos a repasar algunos de los más importantes títulos televisivos para 2021.

The Witcher regresará, seguramente a finales de año, tras el éxito espectacular de la primera temporada en Netflix.

E

speramos que el lector entienda que no están todas las que son, que hemos dejado algunas grandes franquicias ya establecidas fuera, porque seguro que tendrán su espacio en su momento (como The Walking Dead o Star Trek), y que hemos intentado centrarnos en títulos nuevos y en algunos de los regresos más esperados por los fans. Y, aunque en la mayoría de casos está confirmado el estreno en 2021, no sabemos si habrá algún cambio de última hora o retrasos imprevistos.

Netflix intenta seguir liderando el medio Netflix es sin duda la reina del medio del streaming porque es la que más tiempo lleva entre nosotros, lo que ha permitido que tenga el mayor número de suscriptores. Pero además es la plataforma de streaming que más dinero gasta anualmente en nuevos contenidos, duplicando a la competencia más cercana. Eso supone que el volumen de estrenos y la posibilidad de llegar a más personas por tocar más géneros son considerables. Además, en 2021 la compañía tiene dos estrenos de esos que llevan tiempo esperándose, como son el regreso

Convertida ya en la serie insignia de Amazon Prime Video, The Boys no tendrá fácil igualar lo visto en su anterior temporada.

Prime Video, muchos grandes estrenos y proyectos que empiezan a cuajar

de Stranger Things, con su cuarta temporada, y la segunda entrega de The Witcher, que además prepara spin off en no mucho tiempo.

Los regresos más esperados de la plataforma además incluyen títulos tan impresionantes como Peaky Blinders, que debería regresar en 2021 de la mano de BBC y Netflix, con una sexta temporada que seguro que estará llena de sorpresas, como las anteriores. Sex Education y Titans (que en España lleva Netflix), la maravillosamente alocada Warrior Nun que se rueda en nuestro país, o Élite también regresan este año. Además, por encima de todas, está el final de La casa de papel, que posiblemente veamos en 2021 ya que se rueda en estos momentos. Junto con todo eso, que es solo una muestra de lo que tienen para nosotros, tenemos la serie de superhéroes Jupiter’s Legacy, que está basada en el cómic del mismo título de 2013. Liderada por Josh Duhamel, la serie se centrará en los hijos de la primera generación de superhéroes, y lo que estos jóvenes irresponsables hacen con sus poderes. En breve se estrena también, por ejemplo, Lupin. La nueva versión de las aventuras del mítico ladrón está protagonizada por el internacional Omar Sy en la piel del brillante ratero, aunque en esta versión estará bastante cambiado…

Y no, tampoco nos olvidamos de que Cobra Kai regresa con tercera temporada en unos días y que, además, tiene pendiente ya una cuarta temporada… Ni The Umbrella Academy o la nueva serie de animación Resident Evil: Infinite Darkness, basada en el videojuego.

Prime Video está dispuesta a hacer saltar la banca pase lo que pase. Contar con el potencial de Amazon y sus casi ilimitados bolsillos ayuda bastante, la verdad, por lo que pudimos ver en la cadena series como Carnival Row, con Orlando Bloom y Cara Delevingne, o la más que conocida The Boys, uno de los mayores éxitos de los dos últimos años. Ambas vuelven con una segunda y tercera temporada respectivamente, y en el caso de The Boys se trata de una de las más esperadas del año… De las más esperadas hasta que oímos hablar de El señor de los anillos. La serie de Amazon Prime Video es posiblemente la más esperada de 2021 y casi de la década, y eso contando con producciones ambientadas en Marvel o con Star Wars. J. A. Bayona dirige los primeros episodios que, por supuesto, se han rodado en Nueva Zelanda, con Robert Aramayo como líder del reparto, con nombres jóvenes con enorme potencial: 250 millones costaron los derechos y un compromiso para hacer cinco temporadas al menos que elevan el coste a 1000 millones de dólares…

Pero además está The Wheel of Time, basada en La rueda del tiempo, la saga de catorce novelas creada por Robert Jordan y que algunos ya califican como la nueva Juego de tronos. Un presupuesto enorme y un reparto liderado por Rosamund Pike sirven para contar la historia de un elegido que es el Dragón renacido y que es perseguido por las huestes de un ancestral villano. Su presencia puede suponer la salvación o la destrucción del mundo. Un proyecto enorme sin duda, aunque no sé si rivalizará en nuestro país con una de las llegadas más esperadas del año, el regreso de El internado.

La nueva serie, El internado: Las Cumbres contará un misterio nuevo en un nuevo centro, pero los fans están deseando descubrir cuánto encaja en el propio universo de la serie y qué sorpresas nos depara esta nueva historia.

El Internado vuelve con Las Cumbres, producción de Prime Video que relanza la serie con nuevo colegio y nuevo reparto.

LAS SERIES DEL 2021

HBO, televisión de calidad y la llegada de HBO Max

Zendaya lidera el reparto de la muy querida Euphoria, en HBO, que tendrá nueva temporada en 2021.

DC Comics sigue confiando en sus series más rompedoras, como Doom Patrol, que tendrá nueva temporada este año.

The Morning Show ha sido uno de los títulos más reconocidos de Apple TV+, y quieren aprovechar su tirón.

Para HBO en nuestro país, y en gran parte del mundo, la clave va a estar en el reciente anuncio que indica que desde mediados de 2021, más o menos, todos los contenidos de HBO Max se fusionarán con las distintas plataformas HBO que hay en Europa, incluyendo la nuestra. Habrá excepciones, debido a derechos ya vendidos a otras plataformas, y no sabemos muy bien cómo afectará a los estrenos de cine. Pero además de las series, podemos imaginar que los estrenos HBO Max también llegarán directamente a nuestra plataforma en cuanto se fusionen. Eso incluye uno de los títulos que más expectativas ha levantado entre los fans, el regreso de Gossip Girl, un reboot spin off, con Kristen Bell repitiendo como la voz narradora y que nos devuelve a las vidas de los ricos y poderosos que viven en el Upper East Side de Nueva York. Se esperan sorpresas. Aunque no sabemos si podrá rivalizar con uno de los fenómenos de la temporada pasada en HBO, Euphoria, que tras el lanzamiento de su especial hace un mes, ahora prepara a fondo una segunda temporada que ya es una de las imprescindibles del año. Doom Patrol y su tercera temporada darán algo de lo que hablar a los fans de DC Comics, sin duda. Pero los más sibaritas tienen una meta clara en 2021. Poder ver la tercera temporada de Succession, la serie que, sin hacer mucho ruido, se ha convertido en una de las más imprescindibles de la parrilla televisiva. Posiblemente la acompañen los premios. Entre las novedades, que no sabemos si llegarán a través de la plataforma a España pero que se estrenarán en el canal HBO, dos títulos destacan. Mare of Easttown, la miniserie protagonizada por Kate Winslet junto con Evan Peters o Jean Smart, sobre una detective que investiga un asesinato en una pequeña localidad norteamericana. Y por supuesto The Nevers, la nueva serie de Joss Whedon, sobre un grupo de mujeres en el Londres victoriano que de repente descubren tener habilidades increíbles y una misión para cambiar el mundo.

Apple TV + intenta contar con los nombres más importantes Apple TV + ha sabido hacerse con un pequeño rincón del mercado, con series como Dickinson, Servant o The Morning Show.

Pese a sus grandes nombres y estrellas ligadas a sus series, no han despegado por completo. Es decir, sus series han recibido el apoyo en algunos momentos de la crítica o los premios, pero no son aquellas que los aficionados mencionan y esperan con ganas. Tienen una buena cantidad de seguidores, sin duda, pero todavía necesitan el espaldarazo definitivo que les ponga en el mapa para aquellos que devoran series de televisión. Y hay tres proyectos que pueden hacer que eso suceda este año. El primero de ellos es Foundation, La Fundación, basada en las novelas de Isaac Asimov que siguen a un grupo de exiliados humanos que intentan volver a levantar nuestra civilización tras la caída de un imperio galáctico. Jared Harris y Lee Pace lideran el reparto del que apunta a ser uno de los estrenos más espectaculares del año, capaz de enfrentarse a cualquier gran producción.

Además, corre a cargo de David S. Goyer. Otra serie que dará bastante que hablar es Time Bandits, la nueva versión de Los héroes del tiempo cuyo piloto dirige Taika Waititi, y que sigue la historia de un niño que descubre que tiene un túnel del tiempo en su armario cuando seis enanos salen de él. Terry Gilliam en estado puro. Por último, no podemos olvidarnos de destacar Lisey’s Story, basada en la novela del mismo título y con Julianne Moore y Clive Owen. La miniserie, escrita por completo por Stephen King, sigue a una viuda que es acosada por un hombre fanático del trabajo de su difunto esposo.

Disney +, Star Wars y Marvel lideran los estrenos Por supuesto, para Disney + las cosas empiezan en enero con WandaVision, la serie que se ha retrasado a enero de 2021 desde diciembre, y que seguirá al enorme éxito de The Mandalorian, que por supuesto también regresa el año próximo y cuya nueva temporada ya ha comenzado su producción, así que deberíamos disfrutar de la tercera temporada a finales de año. Pero por el camino tenemos tres estrenos de Marvel a los que hincarles el diente a lo largo del año. Por un lado, Hawkeye, con Jeremy Renner y Hailee Steinfeld, que además suma a Vera Farmiga y a Florence Pugh como Yelena Belova, su personaje presentado en Black Widow. Loki se supone que llegará a mediados de 2021 y tiene como protagonista absoluto a Tom Hiddleston y su personaje presentado ya en Thor. Es una de las series más esperadas incluso dentro de Marvel, por el enorme cariño que tienen los seguidores por el personaje protagonista y su actor. Y no nos olvidamos de The Falcon and the Winter Soldier, con Anthony Mackie y Sebastian Stan volviendo a sus papeles como protagonistas, mientras que los acompañarán, también repitiendo papeles, Emily VanCamp y Daniel Brühl, sin olvidarnos de Wyatt Russell, que llega en un papel muy especial. No es lo único que tiene Disney + esperando, porque la serie de animación What If… promete no solo el regreso de muchos actores a poner voz a sus personajes, sino una mirada distinta a Marvel con historias que difieren de cómo las conocemos. Y por supuesto está Star Wars: The Bad Batch, la serie de animación spin off de The Clone Wars que promete más aventuras en este universo con unos soldados muy peculiares. Junto a todo ello, dos series más de animación, Monsters at Work, basada en el universo de Monstruos S. A., y Gremlins.

Suficiente para mantener a la gente enganchada a la plataforma un tiempo. Sobre todo si acaba uniendo sus contenidos a los de Hulu.

Loki no tiene fecha de estreno, pero se espera que llegue este año. Posiblemente sea la serie Marvel más esperada.

The Falcon and the Winter Soldier también llega en 2021 y debería ser la segunda serie Marvel en estrenarse en Disney+.

Otros lanzamientos en diversas plataformas No va a ser sencillo hacer hueco entre tanta superproducción para series a veces más modestas o con menos presupuesto que algunos de los mastodontes que nos esperan en 2021. Aunque un nombre realmente destaca por encima de todos los demás. Dexter está de vuelta en televisión, y seguramente a finales de año veremos una nueva temporada que ya han descrito como una novena temporada más que una nueva serie. Una continuación de nuevo con Michael C. Hall que ya está haciendo soñar con ella a los fans. En este grupo está la nueva serie de DC Comics en The CW, que se suma a The Flash, Supergirl, Black Lightning, Legends of Tomorrow o Stargirl. Es el momento de Superman y Lois, el spin off de Supergirl, que se enfrenta a su última temporada. Y: The Last Man es una de las series basadas en cómic más esperadas desde hace años, que llevan quizá demasiado en preparación pero que por fin son una realidad que está a la vuelta de la esquina con Ben Schnetzer y Olivia Thirlby de protagonistas. La fortuna, la serie de Movistar + con Karra Elejalde, Stanley Tucci o Ana Polvorosa entre muchos otros. Además hay dos proyectos de Hulu destacan y puede que lleguen por otras plataformas o que podrían aparecer en Disney + si finalmente se une a Hulu. Se trata de la serie con Steve Martin, Selena Gomez y Martin Short, Only Murders in the Building, sobre un grupo de aficionados a los crímenes y a estudiarlos que se ven envueltos en un crimen real. Y la otra esperadísima en Hulu, Nine Strangers. Nicole Kidman lidera al reparto que incluye nombres como Melissa McCarthy, Regina Hall o Luke Evans, con un resort de vacaciones muy peculiar con una directora del lugar que va a sorprender a todos los que se alojen allí. Y solo estamos empezando… Nos espera un 2021 de infarto en televisión.

Jesús Usero

Una de las sorpresas que hemos tenido hace poco fue el anuncio del reboot de Dexter, que debe estrenarse a finales de 2021.

Superman & Lois es la nueva serie del superhéroe de DC Comics, integrada dentro del Arrowverso.

THE STAND según sus responsables, Benjamin Cavell y Taylor Elmore Es una de las series más esperadas del año y se estrena en nuestro país recién comenzado 2021.

Desde el 3 de enero, STARZPLAY nos trae la nueva adaptación televisiva de The Stand, la mítica novela de Stephen King aquí llamada Apocalipsis, que tiene un reparto con nombres impresionantes y que cuenta con Josh Boone dirigiendo algún episodio, además de ser cocreador de la serie.

Visualmente impresionante, llega en un momento controvertido, incluso, ya que habla de una pandemia creada por un virus de la gripe que mata a casi toda la población del mundo…

Benjamin Cavell y Taylor Elmore nos hablan de la serie.

Y

aunque los parecidos acaban ahí en lo que se refiere al argumento, es cierto que la serie refleja un hecho que podemos ver en el mundo actual, tal y como lo conocemos por la pandemia. Cómo nos comportamos en determinadas situaciones. Aunque de un modo menos extremo, nuestro mundo ha reflejado también esa situación donde lo mejor y lo peor de cada uno de nosotros brilla. Apocalipsis sólo lo lleva algunos pasos más allá, cuando el fin del mundo se acerca. Una novela de 1978 que ya tuvo una adaptación televisiva en 1994.

Muchos la consideran una de las obras más importantes de la carrera como escritor de Stephen King, y la miniserie de los noventa, en un mundo en el que la televisión era completamente distinta a nuestros días, lo mostraba con un reparto lleno de nombres importantes, como Gary Sinise, Molly Ringwald o Rob Lowe. Algo que repite esta nueva serie y lo lleva un paso más allá, para mostrarnos la lucha de poder entre los elegidos entre los supervivientes por Madre Abigail (Whoopi Goldberg) para salvar nuestro mundo y reconstruirlo, y aquellos del lado de Randall Flagg (Alexander Skarsgård), dispuestos a ver arder hasta las cenizas lo poco que queda de este mundo después de que un virus borre casi por completo de la existencia a la humanidad. James Marsden, Greg Kinnear, Odessa Youg, Amber Heard, Nat Wolff, Katherine McNamara, Jovan Adepo, Owen Teague, Henry Zaga, Brad William Henke o Ezra Miller completan el reparto.

Benjamin Cavell y Taylor Elmore son los principales responsables de la serie. Cavell es su cocreador, junto con Josh Boone (director de Los Nuevos Mutantes) y Elmore es productor. Y Cavell tenía clara la titánica tarea que suponía adaptar la novela de King: “Una novela de este calibre se adapta en nueve horas de televisión con mucho cuidado y pensando mucho las cosas. Cualquier desviación del libro original se hizo deliberadamente tras muchas consideraciones. Ninguna decisión se tomó a la ligera. Y no importa lo que cualquiera

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diga, piense o sienta respecto a la serie, lo único que no podrá decir es que no está pensada a fondo. Hemos estado agonizando en torno a cualquier pequeño detalle y si podíamos incluirlo o no. Al final se trata de saber cuál es tu historia, qué quieres contar y qué puedes dramatizar, porque hay una gran parte del libro que es interna a los personajes. Ese es uno de los procesos de escritura de Stephen King y una de las cosas que más disfrutas. Tienes acceso a los pensamientos más profundos de cada personaje. Nuestro trabajo como escritores y showrunners consiste en hacer que ese trabajo se vea en la pantalla, en los rostros de los actores”.

La serie brilla en su narrativa con un tono cinematográfico que va más allá del reparto. La fotografía, o incluso la relación de aspecto de 2.39:1 habitual del cine, lo demuestran y es algo de lo que sus responsables están orgullosos: “Es una sensación maravillosa, porque creemos que hemos hecho una película de nueve horas adaptando este libro. Por supuesto, los episodios se mantienen como partes individuales, no es realmente una película, y tienen finales satisfactorios para los espectadores y todo eso. Pero sí, es cierto, y somos conscientes de que teníamos que rodar con esta enorme relación de aspecto anamórfica. En parte porque Apocalipsis es un libro de paisajes, que puede sonar raro hablando de la palabra escrita, pero teníamos claro que queríamos mostrar estos enormes paisajes, y gente viajando a través de unos Estados Unidos vacíos. Y la forma de poder hacer eso era con este tamaño tipo cinemascope. Pero sí, estoy de acuerdo, las líneas entre cine y televisión ya no existen. O, al menos, no existen en esta serie”, decía Benjamin Cavell al respecto.

El productor Taylor Elmore profundizaba en una de las claves de la serie: “Se está convirtiendo en un proceso más colaborativo entre directores. En parte también porque cada vez más directores de cien están decidiendo hacer televisión.

Y el proceso es distinto. Porque en cine el director trabaja directamente con los actores para realizar una película de dos

horas. La ventana es mucho menor. Esta serie es, como decías, una experiencia de nueve horas, y alguien tiene que ser su guardián. Cada director no puede permanecer encima del proyecto durante todo ese espacio de tiempo. Esa responsabilidad recae en nosotros”, a lo que su compañero añadía que ha sido un reto mantener ese tono y ese aspecto visual durante las nueve horas, pero un reto maravilloso.

Y tiene personajes icónicos. Elmore nos habló de la presencia de Flagg en la piel de Skarsgård: “Alexander Skarsgård es un bellísimo espécimen de ser humano, y añadirle el tono autoritario y seductor a esa presencia, simplemente lo convierte en algo aterrador. Según avanza la serie, le vemos hablar con algunas personas y es… es aterrador. Trajo la sensación de amenaza, de una amenaza callada y nórdica, pero también la credibilidad del personaje”, mientras que Cavell hablaba de quien lidera el otro bando, Abagail, interpretada por Goldberg. “Whoopi (Goldberg) trae su presencia y su dignidad al personaje. Su humor y su humanidad. Quería interpretar el papel, creo, desde que leyó el libro por primera vez.

Quería haber aparecido en la miniserie original, pero no pudo

ser. Incluso teniendo solo cuarenta años. Hablamos mucho, muchas horas, y ella siempre dijo que no quería ser ‘la negra mágica’, una figura que aparece en muchas series de televisión y que solo es un adorno. La forma de hacerlo es que interprete a una mujer real, antes de que se convirtiese en quién es cuando empieza la serie”.

El resultado tras ver los primeros episodios que nos han permitido analizar, es el de un producto adulto y serio, menos acartonado que la magnífica adaptación original que, sin embargo, no envejeció del todo bien. Más oscuro y siniestro, con un despliegue de medios sensacional y con muchos personajes memorables, retorcidos, intrigantes, desconcertantes o simplemente psicóticos (ojo a McNamara y Wolff). Una magnífica serie para abrir el año de la mano de STARZPLAY, que además incluye un final inédito, escrito por el propio King, como contaba Cavell: “Stephen King escribió un epílogo nuevo, en el que lleva trabajando un tiempo y que quería mostrar. No sabéis las ganas que tenemos de que la audiencia lo vea”.

Jesús Usero TRÁILER: http://youtu.be/0hqS2gnPX20

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ENTREVISTA

JamesMarsden

Apocalipsis (Th T e Stand) d

Han pasado muchos años desde que le descubriésemos como Cíclope en la primera película de XMen: 20, para ser exactos, desde que la carrera del actor despegase con aquella trilogía original.

Aunque siempre parecía que podía aspirar a proyectos mayores, tiene una carrera más que interesante que ahora completa con The Stand/Apocalipsis, la miniserie basada en la novela de Stephen King, en la que da vida a Stu. Con motivo del lanzamiento de la serie en STARZPLAY, el actor nos habla de su personaje y su importancia dentro de la historia.

Su personaje pasa de ser alguien indefenso al héroe de la historia y es uno de los personajes favoritos del libro. ¿Cómo consiguió trasladarlo tan bien de la novela y del guion a la pantalla?

Es una gran pregunta. Creo que puedo reconocer, como el resto del reparto y los showrunners, la importancia que tiene para los fans de la novela de Stephen King de 1978, que muchos consideran una de sus obras maestras, trasladar bien las cosas. Siempre es complicado conseguir una traducción o una interpretación correcta cuando partes de un libro y lo adaptas a la pantalla. He sido fan de King toda mi vida. Estaba muy familiarizado con Stu (su personaje) y sabía lo icónico que era dentro del universo de Stephen King. Para mí era muy importante hacerlo bien. Crecí en Oklahoma, a las afueras de la ciudad. Y Stu viene de un lugar muy similar, seguro que incluso su ciudad era más pequeña. Es de Texas y es un hombre ordinario que se encuentra en una situación extraordinaria.

Lo que me atrajo de él…, bueno, personajes como Randall Flagg y los villanos en la ficción son más divertidos de interpretar, y muchas veces incluso de ver. Pero creo que el estricto código moral que aporta Stu, que le viene de cómo fue educado en su pequeña ciudad, lo convierten en un buen líder cuando llega a Boulder. Tiene una opinión muy marcada sobre lo que está bien y mal. Y al enfrentarse a esta crisis se convierte en uno de esos héroes reacios a serlo. Creo que podría parecerme más a él (risas). No es un hombre virtuoso, no habla mucho, pero escucha siempre, es muy inteligente y quiere hacer lo correcto. Pero tiene flaquezas, por supuesto. Todo eso resonó en mí cuando leí el libro, y creo que ha sido una fantástica oportunidad no solo de estar en el universo de Stephen King, sino de interpretar a uno de sus personajes más icónicos.

El personaje choca continuamente con Harold (Owen Teague), en parte debido a su relación con Frannie (Odessa Young), pero también a la lucha entre el bien y el mal que es el alma de la serie…

Sí, creo que esa es la parte central de toda la serie. Es fácil ver la serie y pensar que Apocalipsis va sobre una pandemia. Nunca he visto el libro de esa manera. El virus es un catalizador para contar una historia mucho más grande, que es qué sucede cuando se resetea el mundo y no queda nada, y tienes que reconstruir la sociedad y restaurar una comunidad. Y lo que surge de eso es la batalla esencial entre el bien y el mal, y todo lo que se encuentra en mitad de ellos. Una de las cosas que me resultan más interesantes es que nada es nunca blanco o negro en el mundo de Stephen King.

Suena demasiado bidimensional, de ese modo. Los malos tienen sus cualidades redentoras. Es mucho más complejo que ser solo malos.

Y hay muchas flaquezas en los buenos. Creo que Stu ve a Harold como a un joven que está luchando para descubrir quién es, aferrándose a sus sentimientos por Frannie y se siente amenazado

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por Stu. Pero, al final, todos los personajes ven a Randall Flagg en sus sueños, la seducción que ofrece, la embriaguez, y a Madre Abagail. Tienes a estas dos entidades tirando de cada uno de ellos, y eso revela quién es cada uno individualmente.

Mencionaba antes que Stu siempre intenta hacer lo correcto, pero le vemos con continuas dudas sobre qué es lo correcto. ¿Es algo que hacía al personaje más interesante para usted?

Por supuesto. Probablemente, sea lo más interesante sobre él.

No hay nada de perfección en Stu. Cuando se mira al espejo simplemente quiere decidir qué es lo correcto para él y para aquellos que siente que están a su cargo. Eso no es algo que se dé sin dudar de uno mismo. Siempre se cuestiona a sí mismo. Quizá no lo haga delante de otras personas, pero es un hombre con una gran apetencia por una estructura y un orden, y un gran respeto por la autoridad y la lealtad. Pero eso no significa que no tenga flaquezas.

Es un hombre que está roto en cierta medida, y que se cuestiona continuamente. Pero es un hombre muy comedido, sobre todo cuando habla. Escucha más que habla, como decía, y cuando toma una decisión se compromete con ella incluso cuando, a la larga, se da cuenta de que no era la correcta. Pero entiende el porqué de ese compromiso, porque le aporta un sentimiento de estabilidad. Pero sí, claro que lo hizo más interesante. Es lo que hace a estos personajes, humanos. Podemos vernos a nosotros mismos en estos personajes.

Y ahí es donde la brillantez de la historia reside. ¿Quiénes seríamos en una situación así? ¿Qué clase de personaje se revelaría que somos? Con flaquezas y todo. Es lo que hace que podamos identificarnos con estos personajes y les hace interesantes. ¿Qué ha supuesto un mayor reto: para Stu, ser uno de los supervivientes, o para usted, tomar el papel que Gary Sinise hizo en la miniserie de 1994?

Stu empieza la serie con muy pocas aspiraciones, no tiene ningún propósito. Siente que no le han dejado perseguir sus sueños y vive en esta burbuja en torno a su pequeño pueblo. Ha perdido a su esposa, y de repente la gente que le preocupa de su ciudad empieza a desvanecerse. Fue difícil para Stu descubrir por qué él era uno de los supervivientes. Por qué era inmune, qué había hecho para merecerlo. Para mí, específicamente… Coger algo tan querido como Apocalipsis… simplemente quieres hacerlo bien. Y Gary Sinise lo bordó. Caminó a la perfección por esa delgada línea entre ser un hombre bueno y decente, y tener sus propios demonios. Cuando tienes un personaje así, que tiene fallos, pero que sigue queriendo encaminarse hacia la luz, eso puede resultar algo hasta aburrido de ver (risas), siempre es más divertido ver lo que pasa en Vegas con Flagg. Pero creo que Gary entendió el poder del personaje. Es un honor y un privilegio dar vida al personaje para una nueva generación, y es un reto enorme.

Jesús Usero

ENTREVISTA

AliciaSanz

Doña Urraca en El Cid

Aunque puede que no os suene el nombre, si revisáis un poco su carrera, seguro que la habéis visto en más de una serie o película de Hollywood, porque Alicia Sanz es una de esas jóvenes actrices que llevan años trabajando en Los Ángeles de forma continuada, aunque a veces aquí nos olvidemos de ella. Ha pasado por Fuego abierto, Abierto hasta el amanecer o #realityhigh, antes de volver a casa para ser doña Urraca en El Cid. Uno de los mejores motivos para ver la serie, sin duda. La actriz planea mantener su carrera a ambos lados del charco, y nos habla de su nueva serie en esta entrevista en exclusiva con ACCIÓN. Bueno, la serie cuenta cómo El Cid Campeador se convirtió en quien conocemos, pero a la vez lo que estaba pasando en los diferentes tronos, qué estaba pasando en ese momento en los Reinos de Castilla y León, o en Zaragoza, y cómo se disputaban las coronas. En mi caso, Urraca, hija de Sancha, era la primogénita, y mi personaje va a luchar por conseguir el trono, y no permitir que por el hecho de ser mujer no pueda estar en el poder. ¿Y cómo te llega este personaje?

Yo estaba viviendo en Los Ángeles y venía por Navidad a casa, hace dos años ya, y recuerdo que estaban haciendo la prueba para mi personaje. Y fue la primera vez que en España me hacían una prueba ya completa, con vestuario, maquillaje…, como si realmente estuviéramos rodando la secuencia. Estaban los productores y directores allí. Parecía que ya estaban rodando. Y allí estábamos todas las chicas, cambiándonos el vestido para hacer la prueba, que hice con mucha ilusión y me dejó muy buen sabor de boca, pero he hecho tantas audiciones que hago la prueba y me olvido. En marzo del año pasado me dijeron que estaba entre una chica y yo, pero hasta que no me veo en el set grabando, no me hago a la idea. No era sencillo, porque tenía que hacer un cambio de residencia de vuelta a España, así que me informaron en mayo y en septiembre ya estaba rodando. ¿Qué tenía de especial Urraca, tu personaje, para dejar por el momento una carrera de muchos años en Los Ángeles y volver a España?

Yo tenía muchas ganas de volver a España con un personaje que no fuera el típico de chica mona. Quería un personaje que tuviera muchas capas y que fuera interesante de contar. Lo que cuenta este personaje, la fuerza de la mujer…, creo que se alinearon los astros porque es el personaje con el que toda actriz, o al menos yo, sueña.

Tiene tantos matices y tantas vueltas que puedes jugar muchísimo.

Yo me lo he pasado muy bien interpretando a Urraca y creo que eso fue lo que me hizo apostar y venir aquí otra vez.

Hablando con el creador de la serie, José Velasco, me decía que si ellos habían disfrutado escribiendo tu personaje, tú, interpretándolo, todavía más.

Totalmente. ¡Y ya en la segunda temporada ni te cuento! Es mucho más. El otro día fui a hacer el doblaje (ADR) de la serie y me enseñaron muchas escenas, y la verdad es que es aún más alucinante. No me dejan contarte nada, pero si hurgas un poco en la historia sabrás qué es lo que pasa. Es un placer. Es un placer poder interpretar a una mujer con esa fuerza, con esa ambición. Parece que si es una mujer no puede ser ambiciosa, y es algo que se juzga. Creo que hay que hacer justicia a esas mujeres que también lo hacían como podían, en un mundo de hombres.

Justo eso quería preguntarte. No sé si tienes la sensación de que otros personajes van a estar más justificados y aceptados

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como antagonistas, y con Urraca, por ser mujer, se va a ser más injusto con ella y considerarla una villana.

Exacto, exacto. Yo lo que intenté es hacerle justicia, intentando que el espectador empatizase con ella y comprendiese por qué ella hace lo que hace. En la primera temporada eso es algo que se deja ver un poco, pero en la segunda queda completamente claro que tiene corazón y que hace las cosas lo mejor que puede, como le sale, y por las circunstancias en las que ha vivido le sale hacerlo así. Pero todo tiene un porqué. ¿Qué es lo que más te ha sorprendido como personaje de Urraca después de interpretarla?

Lo que más me ha sorprendido… Yo creo que al principio, cuando lees en papel quién era Urraca, te da un poco de miedo, por lo que hace, porque dices… ¡hostias! ¡Y eso que no has visto todavía cómo arranca la segunda temporada, porque es que es brutal lo que pasa en la segunda temporada en el primer capítulo! Cuando lo lees piensas: “Joder, esta tía, ¿cómo puede hacer todo esto?”. Yo creo que lo que más me ha sorprendido es el corazón tan grande que tiene.

Desde dónde hace todo lo que hace, que es desde el amor. Aunque parezca otra cosa, pero es que ella no sabe hacerlo de otra forma.

Metiéndome en su piel es algo que me decía a mí misma, que ella no sabe hacerlo de otra forma. A lo mejor te dice te quiero y te lo dice como puede, con un mal gesto, pero en realidad está intentando llegar a esa persona, ¿sabes?

Quizá sea que no podemos juzgar a estos personajes a través de nuestra óptica, sino a través de la época en la que vivieron.

Totalmente… Aunque realmente tampoco ha cambiado mucho (risas) en los intereses de poder. Lo podemos ver ahora en todo lo que estamos viviendo en nuestro país y en el mundo. Es algo que todavía está muy latente.

Vienes de trabajar en Hollywood en series tan conocidas como Abierto hasta el amanecer. ¿Estamos ya a la altura de lo que se hace fuera en la televisión en España?

Por supuesto. Esta serie está a la altura o más de lo que se hace allí. Yo vengo de rodar allí Fuego abierto, una serie que se hizo para Fox con Jonathan Demme [en cuyo reparto estaban Sanaa Lathan, Stephen Moyer, Will Patton, Helen Hunt o Richard Dreyfuss] y esta serie no tiene nada que envidiarle a aquella o a nada de lo que se hace allí. He estado en varios sets allí y aquí, y no hay nada que envidiar. La industria está cambiando de forma muy rápida. Ahora todo es algo muy internacional, da igual dónde estés, porque haces una serie en España y pueden verte en todo el mundo. Es algo increíble a lo que estamos llegando.

Jesús Usero

ENTREVISTA

JaimeLorente

El Cid

Ha saltado a la fama con sus papeles en Élite o La casa de papel (de la que rueda su temporada final y asegura que está amenazado por los responsables para no contar nada…), pero aquí se pone al frente de esta serie dando vida ni más ni menos que a Rodrigo Díaz de Vivar, el Cid. El actor se ha enfrentado a uno de los mayores retos de su carrera, físico y emocional, pero se nota en sus palabras que es un papel que le acompañará por siempre. Y de ello y todo lo que ha rodeado la creación de esta superproducción de Amazon Prime Video, nos habla en esta entrevista en exclusiva con ACCIÓN. ¿Cómo te llega el proyecto de El Cid? Porque nos contó José Velasco, creador de la serie, que te implicaste mucho y que hiciste una prueba perfecta.

Lo recuerdo perfectamente. Había quedado con mi representante en su despacho, para reunirnos y hablar de proyectos, y me dijo que ya se estaba trabajando en una propuesta para llevar el Cid a lo que sería esta serie. Y en ese mismo momento le dije que me consiguiese una prueba para el personaje, pasara lo que pasase, porque quería hacerla.

Conseguí hacer la prueba y allí que fui a darlo todo (risas). ¿Qué tenía el Cid, tanto el proyecto como el personaje, que te hizo decir eso, para que quisieras hacer la prueba pasase lo que pasase?

Pues mira, ahora sé más que antes, conocía poco de él. Pero el concepto de héroe, el concepto supermanido que teníamos todos de él, que todo el mundo lo conoce sin conocerlo de verdad, yo tenía muchas ganas de contar el punto de vista de ese héroe desde otro sitio. Desde un lugar más humano que ahora, que tenemos el concepto de héroe muy pegado a Marvel, por ejemplo, donde aquel que es un héroe es el que tiene motivos supernaturales, la mayor parte del tiempo. Aquí tenemos un personaje muy humano que se convirtió en héroe por las decisiones que tomaba y cómo las tomaba. Y siempre, desde pequeño, me había llamado mucho la atención su historia. Tuve muy claro que quería hacerlo.

Pero cuando empieza la serie, no es nadie, apenas va a ser nombrado escudero… ¿Cómo has vivido desde dentro esa transformación del personaje hasta ser el héroe del que hablan las leyendas?

Para mí ha sido un viaje maravilloso. Además, creo que tenía entre manos un reto muy difícil, porque partes de un lugar muy anterior a lo que todo el mundo conoce del Cid. Pero también es un regalo, porque tienes un arco muy grande. En lo que yo intenté trabajar al menos desde dentro y en lo que más me apoyé fue en los valores, que son los pilares en los que este personaje se apoya moralmente para nunca perder el pie, para saber siempre qué es la libertad y hacer el bien para su rey y para los demás. Intenta ser un hombre honesto. Yo he intentado desde dentro guiarme por eso para acabar construyendo la figura del héroe.

Me interesa eso que cuentas del personaje, porque más allá del bien, las cualidades que definen al personaje son la honestidad y la lealtad, ¿no?

Sí, totalmente. Yo creo que son dos elementos que en aquella época valían mucho, pero que se ejercían poco (risas). Estaban siempre en la boca de todo el mundo, pero poca gente los practicaba. Yo quería interpretar a un hombre normal, con la dificultad de ser el protagonista y que casi todos los demás personajes estén un escalafón al menos por encima del tuyo. Tienes que ser el protagonista, pero todo el mundo está por encima de ti. Al final, su vida es entregarse al rey, entregarse a la

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corte. Entregarse a los ideales que le ha contado su padre. Entregarse al sentido de la lealtad que tiene.

La primera escena que vemos del personaje es ya cubierto de sangre y barro, tras haber ganado una batalla. ¿Cómo fue para ti verte y encontrarte con ese Cid ya completamente formado?

Aquello fue maravilloso. La secuencia de inicio de la serie fue una secuencia que rodamos casi al finalizar el rodaje de la serie. Es un flashforward en realidad, un salto adelante en el tiempo que nos muestra la batalla de Graus, que nosotros rodamos para el episodio 4, si no recuerdo mal. En ese momento, el Cid llega de tener cuatro trapos, de ser un infantón, que es como llegó a la corte. Empezó en lo más bajo y, de repente, te transformas en esa figura, en lo que significa, la gente se arrodilla delante del personaje… me parece muy bonito.

Si rodasteis eso hacia el final, ¿cómo ha sido ver crecer al personaje desde dentro como actor?

Ha sido un trabajo difícil, porque tuve casi que infantilizar algunos comportamientos del principio, porque yo quería contar esa transformación de la que te hablaba, y el personaje llega a la ciudad sin haber matado nunca a nadie. No sabe lo que es una batalla, no sabe lo que es una guerra. Le han enseñado a luchar y es muy bueno luchando, pero no ha ejecutado nada todavía. Una cosa en la que me he centrado mucho es que yo tenía mi protagonista en la serie, que para mí era el infante Sancho (Francisco Ortiz), entonces yo tengo que tratar a ese personaje como el protagonista, porque es mi rey. Todo lo que hago es por él y para con él. Creo que ese trabajo de humildad ha sido muy importante, porque yo estoy intentando servir a todo el mundo. Como compañero y como personaje, porque creo que el personaje lo hace. Creo que ahí se confunden el personaje y el actor, lo que pasa en el rodaje y lo que está escrito en el texto, que es algo muy bonito. Te vas apoyando en la forma de moverte, de comportarte, de hablar… hablar con más confianza, más autoridad, empezar a moverte de forma diferente… Creo que ese trabajo me ha ayudado mucho para la evolución del personaje.

Evidentemente, es un personaje muy físico. ¿Cómo ha sido ese proceso de preparación y entrenamiento?

Ha sido un proceso muy intenso. Yo quería llegar con una forma física determinada para que la gente se creyese que alguien como yo puede hacer del Cid y ser un guerrero. Tampoco quería aparecer con un físico típico de gimnasio. Dudo mucho que en la época tuviesen press de banca y esas cosas (risas). Pero sí quería llegar con un estado físico determinado. Yo soy muy delgado. Me he metido muchas horas de entrenamiento, mucho trabajo de caballo, muchas horas de espada… Teníamos un vestuario de 25 kilos, que es la leche. Y llevando eso había que luchar. Al final, o te preparas o es imposible de aguantar. Es muy exigente. Además hemos rodado muchas escenas en Soria. Yo soy de Murcia y un murciano en Soria pasa mucho frío (risas).

Jesús Usero

José Velasco (co-creador) nos habla de la primera temporada de

EL CID

A

cemos. Pero no todo es cuestión de presupuesto. El motivo de hacer mazon Prime apostó a lo grande por las series en esta serie es también narrativo: “Es uno de los mayores héroes de la España produciendo El Cid, la apuesta de Zebra Prohistoria del mundo, probablemente. El personaje está entre los diez ducciones por contar la historia del legendario Rodrigo más conocidos españoles, incluyendo deportistas actuales, de la hisDíaz de Vivar, el Cid Campeador, aquel hombre que fue toria. Dices ‘el Cid’ y, entre que hay una estatua en San Francisco, capaz de ganar batallas una vez ya fallecido. Parte de otra en Los Ángeles y otra en México, creo, y todo el mundo le nuestra historia, teníamos aquella versión de Anthony conoce. Es el protagonista del primer libro en lengua castellana, lo Mann protagonizada por Charlton Heston y esa otra versión de anique ya sería motivo más que suficiente. Y además es el héroe por mación más reciente. Pero en líneas generales, la figura y la excelencia, además un héroe que tiene una difeleyenda no llegaban al gran público con una prorencia enorme con otros héroes de Europa cercaducción como el personaje merecía. Hasta ahora, El Cid tiene muchos nos, como Rolando o el rey Arturo, y es que este cuando Amazon y Zebra se han unido para lanzar héroe no solo existió, sino que su existencia está esta visión de la historia. ¿Por qué contar la histonombres importantes y documentada hasta extremos muy elevados. Es un ria del Cid? Hablamos en exclusiva con su cocreaconocidos.

Desde jóvenes héroe real, que de verdad jamás perdió una batalla dor, José Velasco, y nos dio algunas de las claves que cambió la percepción social, militar y de al respecto. “Lo que me parece increíble es que estrellas a grandes talentos ypoder de su época. La pregunta es: ¿por qué no?”. esta serie no se haya hecho hace quince años.

Una serie así debe tener un reparto a la altura, Probablemente la razón por la que no se ha hecho consagrados que nos llevan y El Cid tiene muchos nombres importantes y conoantes es porque los medios y la escala necesarios de Elia Galera a Jaime Elías, cidos. Desde jóvenes estrellas a grandes talentos no eran fáciles de conseguir cuando el escenario eran televisiones nacionales, pero ahora que el pasando por Carlos Bardem, consagrados que nos llevan de Elia Galera a Jaime Elías, pasando por Carlos Bardem, Juan Echanove, escenario es mundial y global, claramente es el José Luis García Pérez, Alicia Sanz, Ginés García momento de El Cid”.

Juan Echanove, José Luis Millán, Lucía Guerrero, Francisco Ortiz o Emilio Evidentemente, contar la historia de Rodrigo García Pérez, Alicia Sanz, Buale. Pero sobre todo, el protagonista, Jaime no es algo barato, si quiere hacerse con la especLorente. “Hicimos mucho casting, pero porque hicitacularidad necesaria para que los espectadores Ginés García Millán, Lucía mos mucho casting para todos los personajes. Como acepten el reto de disfrutar de una serie así en Guerrero, Francisco Ortiz o habrás visto en la serie, hay una mezcla entre actonuestro país. De una factura impecable y a la res con nombre y una calidad enorme, y actores con altura de cualquier producción televisiva del Emilio Buale. una calidad enorme que todavía no son conocidos, mundo, exceptuando los gigantes que todos cono-

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La serie de Amazon estrenada el 18 de diciembre pasa por ser la producción televisiva española más cara de la historia, y una de las más caras de Europa.

Una serie ambiciosa que quiere reflejar la vida de Rodrigo Díaz de Vivar, interpretado por Jaime Lorente, desde su llegada a la corte en León, hasta convertirse en leyenda. Un reparto enorme, un rodaje en exteriores y una holgada producción son los mimbres de los que ha gozado historia de José Velasco y Luis Arranz, sus creadores.

El primero, productor también de la serie, nos habla en exclusiva del proyecto.

pero que me atrevo a pronosticar que serán probablemente actores de una trayectoria internacional si la serie funciona. Hay algunos miembros del reparto que es increíble lo que han hecho. En el caso de Jaime [Lorente] habíamos visto a mucha gente, pero en cuanto le vimos a él cuando hizo la prueba, en cuanto terminó dijimos: ‘Es él.

Jaime es el Cid’. Sobre todo también por la historia de un chaval de Burgos que va a León, el Nueva York de la época, y triunfa. Ese punto que tiene Jaime de calle, en este caso de calle medieval —se ríe—, este punto de un chaval que viene de abajo y llega arriba, él lo tiene y lo transmite. Incluso su propia imagen nos permite trasladar ese personaje de la forma correcta. No queremos un Cid ya subido en un caballo y posando en una estatua. Queremos un Cid que arranca desde abajo y con una historia en la que él tiene que luchar para pasar de ser el hijo de un infantón a convertirse en el personaje más importante de su época. Y a generar entre los poderosos la inquietud del poder que emana del pueblo”, nos cuenta Velasco.

Y, además, con un elemento que es clave en la serie y que no muchas producciones pueden presumir de tener. El rodaje en exteriores, algo complejo, complicado y costoso, de lo que están muy orgullosos sus responsables. “Nos ha costado mucho esfuerzo y muchísimas horas.

Pero sobre todo nos ha costado parte del presupuesto, porque eso es lo que encarece muchas series y por lo que no se ruedan tantas en exteriores en España, y es que el 70 por ciento de la serie está rodada en exteriores. Eso es una barbaridad. Estamos hablando de que el estándar en España es que se no llegue ni al 30 o 40 por ciento. Duplicar ese porcentaje, no solo eso, sino además que esos exteriores estén repartidos por toda la geografía nacional, como es necesario, pues eso complica la producción. E implica desplazar 200 o 300 personas cuando tienes un rodaje. Es algo muy complejo, sobre todo porque se hizo con dos unidades, e imagina que una está en Zamora y otra en Burgos. Y si en un lado llueve o se tuerce un tobillo un actor… toca rehacer todo el plan de rodaje y mover esas dos unidades y toda la gente”.

El hecho de que la serie tome de punto de partida una edad tan temprana del personaje, y relativamente poco conocida, nos hace pensar qué más secretos esconderá y el recorrido que puede tener un proyecto así, algo de lo que nos habla su creador: “Siempre estás sujeto a la necesaria bendición de la audiencia. ¿Tenemos Cid para rato? Pues si la serie lo merece, y obviamente debido a su presupuesto tiene que ser un gran éxito, tenemos historia para rato. De hecho, lo que ya hemos rodado acaba cuando empieza El cantar del mío Cid. Nos quedaría todavía una gran parte de la vida del Cid”. Una serie que acaba de despegar y que tiene mucho por ofrecer (las batallas son de órdago, los personajes femeninos imponen y es el arranque, hay que dejarlo crecer y florecer), en Amazon Prime desde el 18 de diciembre.

Jesús Usero TRÁILER: http://youtu.be/XURaNNDxGgo

Sancho es el señor de Rodrigo, quien le ha enseñado mucho de lo que sabe y a quien debe lealtad.

La batalla que definirá en gran medida quién es Rodrigo y la figura en la que se va a convertir.

La serie ha contado con un presupuesto holgado, imprescindible para contar esta historia con la envergadura necesaria.

El rey, a quien sirvió el padre de Rodrigo, cuya mayor enseñanza fue esa, hay que servir al rey. Siempre.

Rodrigo no tendrá problemas en aprender de todos para convertirse en la legendaria figura que cuenta el cantar.

Jimena, interpretada por Lucía Guerrero, es el gran amor de Rodrigo, aunque las circunstancias no parezcan permitirlo.

A C T U A L I D A D

T E L E V I S I Ó N

HBO está trabajando en un reboot de True Blood. Hasta

Ava DuVernay prepara una serie de DC. Será para el canal The

la llegada de Juego de tronos y sus números sobrehumanos, la serie de mayor éxito de la historia en HBO había sido True Blood, por encima de otras series como Los Soprano. La serie se terminó en 2014, estaba basada en la saga de novelas vampíricas de Charlaine Harris, y la coprotagonizaron Stephen Moyer y Anna Paquin entre otros. Ahora, según los últimos rumores, HBO planea el regreso de la serie, aunque se desconoce si con un reparto nuevo, si con el reparto original o si será una mezcla de ambas ideas. Roberto Aguirre-Sacasa, creador de Sabrina y Riverdale, será el encargado de hacerlo, mientras que el responsable de la serie original, Alan Ball, sería productor de la nueva.

CW, por lo que la relación con el Arrowverso podría estar a la orden del día. La directora de Un pliegue en el tiempo ha unido fuerzas con la guionista de Arrow, Jill Blankenship, para llevar a la pequeña pantalla Naomi, el cómic escrito por Brian Michael Bendis. La serie sigue el viaje de una joven adolescente desde su pequeño pueblo en el noroeste hasta los confines del multiverso, cuando un evento sobrenatural sacuda su ciudad natal, la joven emprenderá un viaje lleno de sorpresas que hará que Naomi descubra una verdad que sacudirá los cimientos de lo que la gente cree saber sobre superhéroes. La serie ha recibido orden de piloto, con DuVernay dispuesta a dirigirlo también, y se espera que, de recibir luz verde, sustituya el hueco que van a dejar dos series que acaban este año, Supergirl y Black Lightning, aunque una ya tiene spin off y la otra lo tiene en marcha.

Netflix producirá el remake coreano de La casa de papel. 65 millones. Ese es el número de “vistas” que tuvo la serie La casa de papel en el estreno de la cuarta parte de la serie en Netflix en sus primeras cuatro semanas. Con esas cifras tarde o temprano tenía que ocurrir. Y ha sido más bien temprano. Cuando se rueda la quinta y última parte de la serie, que se estrenará en 2021, Netflix ha dado luz verde a la versión coreana, que contará con doce episodios y que se producirá el año que viene. La idea es que la serie alcance al público asiático, y según la propia Netflix, insufle nueva vida a personajes e historias que ya conocemos. Ryu Yongjae es el guionista elegido, y se desconoce si habrá participación española en la producción.

Kevin Hart y Wesley Snipes tendrán una nueva miniseries en Netflix. Tras unos años en los que la taquilla ha sido muy generosa con Hart, el actor ha decidido volver su vista a la televisión y ya tiene un proyecto con Netflix que le pondrá cara a cara con otro rostro más que conocido, el de Wesley Snipes. True Story es el nombre de la serie, de la que es responsable el showrunner de Narcos: México, Eric Newman. En ella, un cómico intentará reconectar con su hermano (respectivamente los papeles de Hart y Snipes) en una parada de su tour nacional en Filadelfia. Allí una noche perdida podría causar la caída de la incipiente carrera del cómico.

AC T UA L I DA D T E L E V I S I Ó N Julia Roberts tendrá nueva miniserie en Apple TV +. Tras un tiempo siendo el objeto de deseo de muchos pretendientes, Apple TV + se ha hecho finalmente con la nueva miniserie que protagonizará Julia Roberts, producida por Reese Witherspoon y basada en la novela The Last Thing He Told Me, que se publicará el próximo mes de mayo, de Laura Dave. Dave escribirá la serie con su marido Josh Singer. La historia se centra en una mujer que desarrolla una inesperada relación con la hija adolescente de su marido, mientras intentan descubrir que sucedió realmente en la misteriosa desaparición del marido.

Matthew Vaughn, Doug Ellin y Thierry Henry preparan una serie sobre fútbol. Son tres nombres a tener más que en cuenta. Henry es el exjugador y entrenador que ha pasado con éxito por equipos como Arsenal o Barcelona. Doug Ellin es el creador de Entourage, mientras que Vaughn es el director de películas como Kingsman. Y entre los tres preparan una serie que se llama Day 1, centrada en el fútbol inglés. En ella seguiremos la carrera de un joven futbolista que comienza su carrera de éxitos y fracasos en un club inglés. El tono y estilo quiere ser cercano a Entourage, y la presencia de Henry quiere darle credibilidad al producto.

Brian K. Vaughan al frente de la nueva versión de Buck Rogers. E l popular guionista de cómics Brian K. Vaughan será el responsable de llevar a la televisión una vez más las aventuras de Buck Rogers. Conocido por su trabajo en cómics como Y: The Last Man, Vaughan unirá fuerzas a Flint Dille, nieto del creador del personaje. Legendary produce la serie, que ahora mismo estaría buscando hogar entre los distintos servicios de streaming y cadenas de televisión. Buck Rogers es un personaje que apareció en una trama de Amazing Stories de 1928, en la que el personaje central quedaba atrapado en una mina, en animación suspendida, hasta despertar cinco siglos después para luchar en una guerra entre bandas.

Jon Bernthal llevará su proyecto soñado a Amazon Prime Video. El actor Jon Bernthal lleva más de una década trabajando en secreto, casi, en The Bottoms, una serie que ha coescrito y de la que será protagonista, y que es su proyecto soñado desde hace mucho tiempo. Ben Watkins es el cocreador de esta serie ambientada en un pequeño pueblo de Luisiana, cuyo guion ha adquirido Amazon Prime Video. La serie sigue a un grupo de personas a mediados de los años noventa, y analizará las interconexiones entre amigos, familia y vecinos, fuerzas de la ley y criminales, en un pequeño rincón del sur profundo norteamericano. Ahora que han comprado el guion, Amazon debe decidir si seguir adelante con la serie o no.

Julianna Margulies se suma al reparto de The Morning Show. Aunque con proyectos tan interesantes como Servant o Dickinson, la serie de Apple TV + que más impacto ha causado ha sido, sin duda, The Morning Show. En ella tenemos a un grupo de personas asociadas en distintas facetas a un programa matinal televisivo, con nombres tan importantes en su reparto como Jennifer Aniston, Reese Witherspoon o Steve Carell. Ahora otro nombre se incorpora a la serie, el de la actriz Julianna Margulies, a la que conocemos de sobra por sus papeles en Urgencias o The Good Wife. La actriz dará vida en la serie a una presentadora de las noticias. Billy Crudup, Mark Duplass, Nestor Carbonell, Bel Powley, Karen Pittman y Desean Terry también vuelven en la nueva temporada.

Helen Hunt tiene nueva serie de televisión, Blindspotting. La actriz, que también estará en el revival de Loco por ti, se pone ahora al frente de Blindspotting, serie que continua la historia de la película independiente del mismo título escrita y protagonizada por Daveed Diggs y Rafael Casal, que aquí ejercerán como productores y showrunners. La serie se centrará en el personaje de Jasmine Cephas Jones, que era la pareja del personaje de Casal en la película. Cuando él sea encarcelado, ella deberá mudarse a la casa de su suegra, interpretada por Hunt. Una mujer que tiene las ideas muy claras y que considera que la familia está por encima de todo. STARZ emitirá esta poducción, que acaba de empezar su rodaje.

Armie Hammer protagonizará la serie que explica cómo se hizo El Padrino. Llevamos un tiempo oyendo hablar de The Offer, una serie que planea ser el primer gran proyecto de Paramount +, el servicio de streaming de Viacom CBS que anteriormente se conocía como CBS All Access, pero que en 2021 tendrá un cambio de nombre e incluirá más material de todas las plataformas Paramount, no solo CBS. The Offer es una serie basada en la experiencia del productor Al Ruddy a la hora de realizar El Padrino junto a Francis Ford Coppola. Algo que llevó a muchos enfrentamientos. El actor Armie Hammer interpretará a Ruddy, aunque no se sabe cuándo podremos ver la serie.

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