accion by David EB

ACCIÓN Tu revista de cine y series

Cine-Video-Tele NOREA

P.V.P.: 3,90€ - Nº 2102

SERIES TV

IT’S A SIN COBRA KAI ENTREVISTAS

JAVIER GUTIÉRREZ ANÁLISIS DE CINE

EXCÁLIBUR

DIRECTOR DEL MES

DAVID W. GRIFFITH 007 JAMES BOND

SOLO PARA TUS OJOS COLECCIONABLE

DOUGLAS FAIRBANKS EL FUTURO DE

4 PÓSTERES

SUMARIO

Nº 2102

ENTREVISTAS 78 Javier Gutiérrez

ESPECIAL

CARTEL-MANÍA

22 Top década 2011-2020

67 Carteles Cine Bélico XXIX

TELEVISIÓN 39 41 65 86 87 88 89 90 92 94 96

COLECCIONABLES

Fichas actores Fichas series TV Ficha serie TV: Ray Donovan Destino la saga Winx Yellowstone Pennyworth. Temporada 2 Coyote It’s a Sin Entrevista Amber Heards Cobra Kai. Temporada 3 Noticias televisión

15 17 19 43 45 57 53 55

007: Solo para tus ojos El director del mes: David Wark Griffith Análisis: Excalibur Que fue de... Coleccionable actor clásico: Douglas Fairbanks Fichas críticas Ficha película mítica: Interstellar Ficha actor clásico: Tanya Roberts

SECCIONES FIJAS 4 6 9 10

REPORTAJES 12 El futuro de Star Wars

Hollywood Noticias Furia oriental Mundo fantástico

DIRECTOR: Héctor Alonso COLABORADORES: Santiago de Bernardo, Nicolás Carrasco, Óscar Costa, Sergio Hardasmal, Miguel Juan Payán, Juan L. Pastor, Clara Martín, Jesús Martín, Sara Martín, Juan Carlos Paredes, Jesús Usero, Jaime V. Echagüe. FOTOGRAFIAS: Disney, EOne Films, Filmax, Hispano FoxFilm, Manga Films, Paramount, Sony Pictures, Tri Pictures, Universal, Vertigo, Warner Bros REDACCION Y ADMINISTRACION: C/ La Higuera, 2-2ºB - 28922 Alcorcón (Madrid) Tel 91 486 20 80 - Fax. 91 643 76 55. e-mail: redaccion@accioncine.es DIRECTORA PUBLICIDAD Y MARKETING: Susana Román PUBLICIDAD: Susana Román C/ La Higuera, 2-2ºB - 28922 Alcorcón (Madrid) Tel 91 279 93 58 - Fax. 91 643 76 55 e-mail: publicidad@accioncine.es SUSCRIPCIONES: C/ La Higuera, 2-2ºB - 28922 Alcorcón (Madrid) Tel 91 486 20 80 - Fax. 91 643 76 55 e-mail: pedidos@accioncine.es www.accioncine.es DISENO Y MAQUETACION: Toralba EDITA: Norea y Aloman Ediciones S.L. IMPRIME: RIVADENEYRA DISTRIBUYE: S.G.E.L. DEPOSITO LEGAL: M-9520-2012. ISSN: 2172-0517 Precio para Canarias y aeropuertos 4,05 € (Incluida Tasa Aérea)

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Acaba de empezar el año y ya me ha quedado tatuada en la retina una imagen para el resto de 2021: un tipo disfrazado de Batman paseándose entre el personal que asaltó el Congreso de Estados Unidos a principios de enero. Viendo el vídeo me preguntaba yo, cínico de mí, en qué estaría pensando ese buen hombre, mientras seguía mirando a la espera de que algún exaltado le arreara un guantazo y lo bajara de la nube. ¿Realmente sigue habiendo gente que se cree las películas? Me temo que para los tiempos duros que vivimos estamos todos –ojo, y yo el primero– muy perdidos. Mala cosa. Y eso sin tener en cuenta que, en esencia y tirando de su propia mitología de ficción, Batman es esencialmente un justiciero, y los justicieros en las películas dan mucho juego, pero en la vida real todo iluminado es un peligro ambulante. La historia de nuestra especie lo ha demostrado en reiteradas ocasiones. ¿O acaso a falta de una fe más tradicional o un referente político sólido que merezca mínimamente la pena estamos ya dispuestos a entregarnos a las alucinaciones y los falsos profetas, en este caso con capas, mallas, pijamas, calzoncillos por fuera y antifaces? Si es así, ruego encarecidamente a todo el personal que esté leyendo esto que corra raudo a ver las dos temporadas de la serie The Boys, en bucle, hasta que se le quite la tontería, y asuma que los problemas reales mejor los arreglamos nosotros mismos sin buscar mesías disfrazados ni iluminados que nos guíen a ningún sitio como el flautista de Hamelín. Lo que hace falta es que todos seamos más responsables y nos hagamos cargo de nuestras acciones, que entendamos que en el seno de todo problema radica siempre su solución si tenemos el talento y el valor para aplicarla, y que el mejor camino para solucionar algo y tomar decisiones es siempre el más incómodo y difícil. Volviendo al justiciero de Gotham, resulta que antes de que se estrene el nuevo montaje de Zack Snyder de La Liga de la Justicia (el director cree que será clasificada R, porque Batman dice “joder” y dice que su versión no tiene escenas poscréditos), tendremos, a modo de prólogo, nuevo montaje de Batman V Superman: el amanecer de la justicia, del que el director ya ha mostrado algunas imágenes en sus redes sociales. En realidad se trata sobre todo de un retoque visual de secuencias en la relación de aspecto, algo que ya comentó el propio

director sobre su Snyder Cut de La Liga de la Justicia, y que comentamos en un artículo sobre el tema en esta misma revista en los números del pasado verano, pero lo curioso es que incide en el afán de revisionismo y mejora con los criterios del director, que parece haber hecho presa en los creadores estadounidenses últimamente. El padrino coda: la muerte de Michael Corleone es solo uno de los ejemplos más significativos. En el huracán general de petición de revisiones llama la atención que Patty Jenkins diga que sus películas de Wonder Woman no necesitan revisiones. Dato curioso (citando a Sheldon Cooper): Zack Snyder ha declarado que si se fuera a trabajar a Marvel Studios lo que le gustaría rodar es el genial trabajo de Frank Miller Elektra Lives Again. De paso, por pedir que no quede, Jenkins dice que quiere que Superman y Batman estén en Wonder Woman 3. Y, claro, eso abre la puerta a pensar que, para ser coherentes, no les queda otra que contar con Henry Cavill y Ben Affleck. Además, a Gal Gadot le han subido sus emolumentos y tendrá más peso en decisiones creativas en la tercera de Wonder Woman. Además va siendo urgente plantearse dedicarle sección fija a Amber Heard y Johnny Depp, dos filones de titulares. Por ejemplo, ahí va uno: las cifras de Amber Heard. Cobrará 33.000 dólares por hablar de la violencia doméstica, y cuando colgó un vídeo en YouTube le cayeron encima casi 280.000 “no me gusta”. Las cifras de Johnny Depp: hay 350.000 firmas que exigen que vuelva a Piratas del Caribe, y el productor Jerry Bruckheimer quería que apareciera, pero en Disney se han negado en redondo. Por su parte, ojo al detalle que puede marcar el futuro de la explotación del audiovisual: Marvel Studios se está planteando redactar nuevos contratos con actores, directores, guionistas y productores que se ajusten a la flexibilidad en el caso de que la pandemia u otros temas lleven a saltarse los cines y explotar sus películas en streaming en Disney +. Finalizo con DC Comics, que ha presentado a su Batman afroamericano: Tim Fox, el hijo de Lucius Fox, en Future State: The Next Batman. Por cierto, en DC Warner igual se han echado unas risas cuando se han enterado de que el estreno de la Capitana Marvel en cable en TNT ha ido acompañado de un especial de películas de superhéroes… ¡de la DC! Miguel Juan Payán

NOTICIAS RODAJES • PROYECTOS • RUMORES Fred Astaire y Ginger Rogers

FECHAS ESTRENOS 29 de enero Crash Palm Springs Uno de nosotros

5 de febrero El chico (100 años) La chica del brazalete Nuevo orden Becly

12 de febrero Inmune La sra Lowry e hijo

19 de febrero 14 días, 12 noches Entre nosotras Este cuerpo me sienta de muerte Todas las Lunas

La biopic que todos los aficionados al cine musical más clásico de Hollywood estaban esperando ya está en marcha. Los fichajes para interpretar a sus protagonistas prometen. Jamie Bell será Fred Astaire, y quizá recuerde lo que pregunté cuando vino a España hace años a presentar su película de lanzamiento, Billy Elliott, sobre si prefería a Gene Kelly o Fred Astaire como modelo de bailarín en el cine. Margaret Qualley, la joven hippy de Érase una vez en… Hollywood, será Ginger Rogers, tirando de su formación como bailarina en la compañía North Carolina Dance Theater. La película se titula Fred and Ginger (no confundir con Ginger y Fred, de Federico Fellini). La película se propone abordar un romance entre estas dos leyendas del cine musical estadounidense que comenzaron su andadura como pareja cinematográfica en 1933 con la película Volando hacia Río de Janeiro. Dirige Jonathan Entwistle, director de la serie The End of the Fucking World, que tiene en agenda también ocuparse de la dirección de la nueva película de los Powers Rangers. El guion es de Arash Amel (La corresponsal).

El regreso de Buck Rogers Multiplataforma parece ser la nueva palabra mágica del audiovisual estadounidense. Ejemplo de ello es el reboot de Buck Rogers, célebre personaje nacido en la literatura de ciencia ficción en 1928 con la publicación de su primera aventura, “Armageddon 2419 A. D.” en la revista Amazing Stories. Los derechos han sido adquiridos por la productora Legendary Pictures con vistas a organizar un despliegue de franquicia en multiplataforma que incluye largometraje y serie de televisión. Ahora se ha anunciado que Brian K. Vaugham, guionista de las series Perdidos, La cúpula y Runaways, será el encargado de escribir la película.

Secuela de El exorcista David Gordon Green, director de La noche de Halloween, Halloween Kills y Halloween Ends, está en conversaciones para hacerse cargo de una secuela de El exorcista producida por Blumhouse que en general seguiría las mismas pautas de continuidad aplicadas por el director y la productora a las secuelas de reencuentro con La noche de Halloween de John Carpenter. Se respetará así el espíritu de la película original dirigida por William Friedkin en 1973 adaptando la novela de William Peter Blatty, y visto lo que hizo David Gordon Green con las secuelas de Halloween, no es arriesgado especular que posiblemente va a eliminar de la ecuación todas las secuelas que ha tenido El exorcista quedándose solo con la primera película como punto de partida de su propuesta, convenientemente actualizada. Tampoco sería ningún disparate que recuperara a Linda Blair en el papel de Regan, tal como hizo en Halloween con Jamie Lee Curtis. Diciembre de 2021 era la fecha prevista para el estreno, pero visto cómo va el tema de la pandemia, difícil que no se retrase. Además, tal como ha ocurrido con Halloween, la película dará lugar a una trilogía. Dicho sea de paso, el estudio Universal y la productora Blumhouse no están dispuestas a dar por terminada la franquicia de Halloween con la trilogía de Green mientras funcione y buscan alternativas para proseguir con ella sin el director, así que podría pasar otro tanto con este revivir de El exorcista si funciona.

Millie Bobby Brown y los hermanos Russo La ambulancia de Michael Bay El director de La roca, Armageddon y Transformers tiene ya protagonistas para su próxima película, Ambulancia. Se trata de Yahya Abdul-Mateen, Jake Gyllenhaal y Eiza González. El trío se pondrá ante las cámaras a las órdenes de Michael Bay para esa adaptación de la novela de intriga danesa publicada en 2005 sobre dos hermanos que secuestran una ambulancia junto con un paramédico y una paciente en estado crítico.

La protagonista de Stranger Things y Enola Holmes, Millie Bobby Brown, tiene nuevo proyecto dirigido por los hermanos Russo (Capitán América: el soldado de invierno, Capitán América: Civil War, Vengadores: Infinity War, Vengadores: Endgame). Se trata de la adaptación de la novela gráfica The Electric State, de Simon Stalenhag, que contará con guion de Christopher Markus y Stephen McFeely, que ya estuvieron en las películas de superhéroes Marvel citadas. El argumento sigue las peripecias de una adolescente de un futuro alternativo que entra en contacto con un robot que le ha mandado su hermano desaparecido, dando comienzo a una búsqueda de este que acaba por revelarle una conspiración.

NOTICIAS RODAJES • PROYECTOS • RUMORES FECHAS ESTRENOS 5/2/21 5/3/21 5/3/21 12/3/21 12/3/21 26/3/21 2/4/21 23/4/21 7/5/21 21/5/21 21/5/21 21/5/21 28/5/21 28/5/21 4/6/21

Cinderella Cazafantasmas: Más allá El príncipe de Zamunda 2 Raya y el último dragón The Kinsgman Monster Hunter Sin tiempo para morir Un lugar tranquilo 2 Viuda Negra Free Guy DC SuperPets Godzilla vs. Kong Fast & Furious 9 Cruella Expediente Warren: Obligado por el demonio 4/6/21 Samaritan 25/6/21 Venom: Let There Be Carnage 2/7/21 Top Gun: Maverick 9/7/21 Shang Chi 17/7/21 Space Jam: A New Legacy 17/7/21 Uncharted 23/7/21 The Tomorrow War 23/7/21 Old 30/7/21 Jungle Cruise 6/8/21 Hotel Transylvania 4 6/8/21 Escuadrón Suicida 2 1/10/21 Dune 8/10/21 Morbius 15/10/21 Halloween Ends 5/11/21 The Eternals 12/11/21 Animales fantásticos 3 19/11/21 Misión: Imposible 7 10/12/21 West Side Story 17/12/21 Spider-Man Homecoming 3 22/12/21 Sherlock Holmes 3 22/12/21 The Matrix 4 28/1/22 Babylon 11/2/22 Thor: Love and Thunder 4/3/22 The Batman 25/3/22 Doctor Strange in the Multiverse of Madness 17/5/22 Dungeons & Dragons 27/5/22 John Wick: Chapter 4 10/6/22 Jurassic World Dominion 24/6/22 Transformers 8/7/22 Black Panther 2 29/7/22 Indiana Jones 5 5/8/22 Misión: Imposible 7 7/10/22 Spider-Man un nuevo universo II 4/11/22 The Flash 4/11/22 Misión: Imposible 8 11/11/22 Captain Marvel 2 16/12/22 Aquaman 2 16/12/22 Avatar 2 16/12/22 Star Wars sin título 3/6/23 Shazam 2 22/12/23 Star Wars: Rogue Squadron 20/12/24 Avatar 3 18/12/26 Avatar 4 22/12/26 Avatar 5 sin fecha Black Adam sin fecha Minecraft Nota de la redacción: Fechas estimadas de estreno de películas que muchas de ellas ni siquiera han comenzado a rodarse y que por lo tanto pueden sufrir cambios de programación.

Nuevo proyecto de Alex Garland Alex Garland, director de Ex Machina y Aniquilación, tiene nueva película entre manos. Se titula Men y estará protagonizada por Jessie Buckley (las series Chernobyl y Fargo), encarnando a una mujer que tras perder a su marido se retira a un solitario lugar de la campiña inglesa, un punto de partida para el comienzo de otra de las propuestas enigmáticas del director.

Reboot de La revancha de los novatos Dirigida por Jeff Kanew en 1984, La revancha de los novatos es un título icónico de las comedias de estudiantes gamberros de los ochenta y ahora va a tener reboot en manos de Seth MacFarlane, creador de la serie Padre de familia. El objetivo de la nueva versión es poner al día el argumento original, que protagonizaron Robert Carradine y Anthony Edwards. El guion será de Alex Rubens, de la serie de animación Rick y Morty, lo que es toda una garantía para echarse unas risas, aunque lo coescribirán los gemelos protagonistas del largometraje, Keith y Kenny Lucas.

Lo nuevo de Florence Pugh La protagonista de Midsommar y coprotagonista de la película Viuda Negra junto a Scarlett Johansson, Florence Pugh, tiene nuevo proyecto. Produce Universal y se titula The Maid. Se trata de la adaptación de la novela de Nita Prose que sigue los pasos de Molly, una doncella del Regency Gran Hotel, quien conoce los secretos de todos los clientes que se hospedan en él, en una clave de intriga que se acerca a los códigos de los relatos de Agatha Christie. Al mismo tiempo, se afirma que Pugh podría ver prolongado su papel como nueva Viuda Negra de la Marvel en la serie de Ojo de Halcón.

Secuela de Ready Player One Ernest Cline, autor de la novela Ready Player One, ha confirmado que se trabaja en una secuela cinematográfica de la película de Steven Spielberg que adaptó su obra consiguiendo una recaudación en todo el mundo de 580 millones de dólares, situándose en el sexto puesto entre las películas más taquilleras del director de Tiburón, lo que no es poca cosa, teniendo en cuenta las recaudaciones manejadas en su filmografía.

Sandra Bullock en la ciudad perdida Sandra Bullock ha encontrado compañero de reparto como socio para viajar con ella a La ciudad perdida de D. Channing Tatum coprotagonizará el largometraje, que se propone como una especie de comedia romántica de aventuras similar a lo que en su momento fueran Tras el Corazón Verde y La joya del Nilo, protagonizadas por Michael Douglas y Kathleen Turner. Argumentalmente casi parece un remake de la primera, con Bullock en el papel de una novelista tímida y que vive aislada temiendo una gira de presentación junto a un modelo, el papel de Tatum, que se tuerce cuando son secuestrados y abandonados en una remota jungla. Seth Gordon, responsable de comedias como Por la cara, Cómo acabar con tu jefe, Baywatch: los vigilantes de la playa, será el director, con un guion de Dana Fox (Cruella).

¿La nueva antorcha humana? Dacre Montgomery (Billy Hargrove en Stranger Things), está en conversaciones con Marvel Studios para interpretar el papel de Johnny Storm, alias la Antorcha Humana, en la nueva película de Los cuatro fantásticos. El personaje ya fue interpretando anteriormente por Jay Underwood en Los cuatro fantásticos (Oley Sassone, 1994), Chris Evans en Los cuatro fantásticos (Tim Story, 2005) y Los cuatro fantásticos y Silver Surfer (Tim Story, 2007), y Michael B. Jordan en Cuatro fantásticos (Josh Trank, 2015). La dirección corre por cuenta de John Watts, responsable de las últimas películas de Spiderman, y siguen sonando los nombres del matrimonio John Krasinski y Emily Blunt como los candidatos mejor posicionados para dar vida a Reed Richards, alias Mr. Fantástico, y Susan Storm, alias la Mujer Invisible.

Arma Letal 5 Richard Donner, director de Superman, Lady Halcón y Arma letal, ha confirmado que será el encargado, a sus 90 años, de cerrar la franquicia en el cine dirigiendo Arma letal 5. El largometraje contará con los dos protagonistas originales de la franquicia, Mel Gibson, de 64 años, y Danny Glover, de 74 años. El argumento se situará en la actualidad, y obviamente contará qué ha sido de Murtaugh y Riggs en su madurez. Parece previsible que Warner se reserva la carta de darle luz verde al proyecto incorporando algún refuerzo más joven en el reparto, algo que le salió bien con Michael B. Jordan en las dos películas de Creed, siendo esta la fórmula que posiblemente maneje para sacar adelante este asunto.

NOTICIAS CINE ORIENTAL

Cine asiático en Netflix en febrero Este mes tendremos tres largometrajes muy diferentes estrenándose en España, en Netflix, el mismo día, el 5 de febrero. La más esperada es Space Sweepers (2020) o Barrenderos espaciales (como aparece en la plataforma), superproducción anunciada como la primera película de ciencia ficción surcoreana. Protagonizada por Song Joong-ki (Descendants of the Sun) y Kim Tae-ri (Mr. Sunshine), entre otros, y dirigida por Jo Sung-hee (A Werewolf Boy). La trama nos sitúa en el 2092, donde conoceremos a los recolectores de basura espacial de la nave The Victory, que se encuentra con un robot humanoide que es un arma de destrucción masiva, que pone en peligro el destino de la Tierra. La segunda es china, The YinYang Master: Dream of Eternity (2020), adaptación de la novela japonesa Onmyoji (este nombre hace referencia a los practicantes de la tradición esotérica mágica y de adivinación onmyodo) de Baku Yumemakura, que ya fue adaptada en su país natal en 2001, con una secuela de 2003, una película para televisión en 2015 y hasta un videojuego en 2018. Dirige Guo Jingming (Tiny Times) y el protagonista en Mark Chao, famoso por ser el joven detective Dee de las películas de Tsui Hark, quien interpreta a un joven maestro que viaja a la capital para una ceremonia y se enfrentará a un demonio con forma de serpiente. Fantasía china con cierta polémica en las redes por algunas similitudes visuales con la película Doctor Strange (2016). Habrá que verla para comprobarlo. El tercer título es Little Big Women (2020), drama taiwanés en el que, en el 70 cumpleaños de Shoying, esta descubrirá que su marido, Bochang, hace tiempo desaparecido, ha fallecido, y conoce a otra mujer, Tsai, que permaneció al lado de Bochand hasta su último momento. El director, Joseph ChenChieh Hsu, quien debuta en el terreno del largo, se adentra en las relaciones familiares con un elenco femenino que incluye a la veterana Chen Shu-Fang (Una historia de Taipéi) y a Vivian Hsu (Espía por accidente).

por Iván E. Fernández

nadas y acaba de comenzar el rodaje de una tercera. Por un lado, tiene ya completada Under the Light, un drama con tintes de thriller que se aleja del estilo habitual del director chino, donde un policía intenta detener a un empresario por sus actividades criminales. La segunda es Impasse, otro thriller que transcurre en los años treinta con un grupo de espías que, durante una misión, caerán en una trampa, y mientras escapan, buscarán al topo. Y mientras esperan a estrenarse, Yimou ha comenzado a rodar Ju Ji Shou, un drama sobre francotiradores chinos durante la guerra de Corea. Pero en esta ocasión comparte la silla de director con su propia hija, Zhang Mo, quien fue asistente de Yimou en Las flores de la guerra (2011) para debutar como directora en 2015 con Suddenly Seventeen.

Tantum No hablamos mucho de cine andorrano, aunque hace tiempo aparecía en esta misma sección Boris Chrestia, andorrano que ha comenzado su carrera como actor tras un par de videoclips de Jon O. Lander y algunos cortos. Boris, experto artista marcial, es el protagonista de Tantum, coproducción entre Andorra y España que no solo se convierte en el primer largometraje de Boris, sino que aportará terror, ciencia ficción y acción al cine patrio. El futuro lejano, donde la mayoría de las grandes ciudades han consumido todos los combustibles fósiles y el cambio climático ha modificado totalmente la atmósfera (ahora irrespirable, debido a los gases tóxicos). Marc y su hija Valeria viven en una estación de radio antigua convertida en una planta meteorológica donde él trabaja de mantenimiento, y cuyo objetivo es conseguir aire limpio para las ciudades más cercanas, con ayuda de NIM, una inteligencia artificial. Pero un incidente en la estación convertirá la estancia de padre e hija en una carrera contra el tiempo para sobrevivir. Según dice su director y guionista Rubén Arnáiz, “pretendemos crear un thriller de terror, que hable de la familia, de las diferencias de clases, de la dependencia de las máquinas sobre el ser humano, y sobre el cambio climático. Todo en un contexto de ciencia ficción donde es imprescindible la localización de la antigua estación de radio. El propio escenario es casi un personaje más, una reflexión sobre el paso del tiempo y los lugares olvidados”. Junto con Boris, Lucía Vargas, Emma Caballero y los hermanos Andrew y Steven Dasz, que ejercen de coreógrafos y coordinadores de especialistas y se encuentra ahora mismo en posproducción. Recordemos que Boris y Rubén Arnáiz tienen más proyectos juntos donde las artes marciales tendrán de nuevo su hueco.

Zhang Yimou no para Ya sabemos que la pandemia ha impedido que se estrenen muchas películas y en algunos casos esto hace que tanto actores y actrices como directores acumulen títulos en espera de su estreno. Es el caso de Zhang Yimou, que tiene dos películas termi-

MUNDO FANTÁSTICO

por Santiago de Bernardo

No deberías perdértela:

Suspiria Una joven bailarina, Suzy Bannion (Jessica Harper) viaja desde Nueva York a la ciudad alemana de Friburgo para perfeccionar sus conocimientos en la disciplina artística de la danza. Su nocturna llegada llega acompañada de viento y lluvia cuando se le deniega la entrada a la academia en la que va a cursar los estudios, a la vez que una de las alumnas sale huyendo de allí, para acabar encontrando trágicamente la muerte junto con una amiga en la casa de esta. A la mañana siguiente, Jessica sí es bien recibida, por Miss Tanner (Alida Valli), una de las más destacadas profesoras, y la responsable del centro, Madame Blanc (Joan Bennett), que informa a la policía sobre la discípula fallecida. A pesar de su empeño, Jessica no comienza bien sus clases y bajo las directrices de un médico se instala en la academia con una dieta especializada para subsanar la debilidad de padece. A partir de ese momento empiezan a sucederse extraños sucesos en el lugar (que aparezcan gusanos en el techo, que las profesoras abandonen la academia sin hacerlo en realidad), cuyo origen podría estar en la propia creación de la academia. Jessica, alentada por su compañera Sara (Stefania Casini), acabará descubriendo todos sus secretos. Imprescindible filme de Dario Argento de 1977 (con remake de 2018 de Luca Guadagnino), visualmente hipnótico su en (más reciente restauración), con música del propio Argento y de Goblin, y protagonizado por Jessica Harper (El fantasma del paraíso), Stefania Casini (Sangre para Drácula), Joan Bennett (La mujer del cuadro), Alida Valli (El tercer hombre), Udo Kier (Brawl in Cell Block 99) o Miguel Bosé (El caballero del dragón).

Adiós a Tanya Roberts El 4 de enero falleció en la ciudad californiana de Los Ángeles, a causa de una infección que se le extendió por diferentes órganos del cuerpo, la actriz Tanya Roberts. Tras haber sido modelo y actriz, estaba retirada de la pantalla y de los escenarios teatrales desde hace años, y pasaba gran parte de su tiempo en la lucha por la defensa del bienestar animal, además de dedicarse a una de sus pasiones, el golf. Una de sus últimas intervenciones fue en la serie Aquellos maravillosos 70, pero en su carrera, aparte de ser la “chica Bond” Stacey Sutton en Panorama para matar (John Glen, 1985) o la miembro de Los Ángeles de Charlie Julie Roberts, participó en unas cuantas producciones de género. Compartió reparto con Nancy Allen (Vestida para matar) en Entrada forzada (Jim Sotos, 1976), en la que se las ha de ver con un asesino psicópata. Tras ponerse a las órdenes de Larry Cohen en la biopic Los archivos secretos de Hoover (1977), participó en Trampa para turistas (David Schmoeller, 1979), donde es una de las víctimas de los manejos de Mr. Lausen (Chuck Connors) y los maniquíes que controla. En 1982 actuó en una de las mejores cintas de espada y brujería, El señor de las bestias de Don Coscarelli y en otra del mismo género como Los paladines (Giacomo Battiato, 1983). Además gracias a la aventurera Sheena (John Guillermin, 1984) pasó medio año en Kenia disfrutando de la convivencia con animales. Posteriormente se convirtió en una de las reinas del thriller erótico, gracias a títulos como Ojos en la noche (Jag Mundhra, 1990), Inner Sanctum (Fred Olen Ray, 1991), Legal Tender (Jag Mundhra, 1991), Sins of Desire (Jim Wynorski, 1993) o Deep Down (John Travers, 1994). Y en el campo de los videojuegos también participó en 1996 en la aventura interactiva de la saga de Tex Murphy The Pandora Directive de Adrian Carr.

The Ladd Company, una productora irrepetible En 2021 se cumple el cuadragésimo aniversario de un filme esencial en la filmografía de Sean Connery y del realizador Peter Hyams, Atmósfera cero (1981), un Solo ante el peligro en el espacio, con un marshall decidido a acabar con el tráfico y consumo de drogas sintéticas en una estación minera. Este filme de ciencia ficción nació de la productora The Ladd Company, que surgió a finales de los años setenta, y que toma el nombre de uno de sus fundadores (hijo del actor Alan Ladd), cuyo logo era un roble verde que se hacía acompañar habitualmente de un tema compuesto por John Williams (Tiburón). En la limitada pero más que interesante filmografía de The Ladd Company hay títulos esenciales en la historia del cine moderno: junto a la mencionada Atmósfera

FANTASÍA • TERROR • GORE • CIENCIA FICCIÓN cero y dentro del mismo género está Blade Runner (Ridley Scott, 1982), y otra obra maestra (que fue una realidad gracias a George Lucas), aunque dentro del cine negro, Fuego en el cuerpo (Lawrence Kasdan, 1981), así como el relato de la carrera espacial estadounidense Elegidos para la gloria (Philip Kaufman, 1983), o la despedida del séptimo arte de Sergio Leone, Érase una vez América (1984); sin embargo, su mayor éxito fue curiosamente la primera entrega de la saga de Loca Academia de Policía (Hugh Wilson, 1984). Y aunque este sello tuvo un efímero resurgimiento a mediados de los años noventa (y asimismo en la primera década del nuevo milenio), en los ochenta fue responsable de la producción del filme de Michael Crichton Ojos asesinos (1981), con unas modelos asesinadas tras participar en campañas publicitarias y su cuerpo empleado para crear una imagen digital, o la animada Twice Upon a Time (John Korty y Charles Swenson, 1983), que bajo la producción de George Lucas combina diferentes tipos de animación y cuenta cómo donde se producen las pesadillas hay un plan para convertirlas en reales.

Fuego en el cuerpo

El fantástico en el Inventario del Cine Español Conservado Poco a poco, aunque a mucha (demasiada) distancia de los países de nuestro entorno, que están digitalizando y poniendo a disposición de espectadores de todo el mundo las obras audiovisuales que conservan, nuestras filmotecas están llevando igualmente a cabo esa misma labor. Así, por ejemplo, y de manera gratuita, en la Filmoteca Española online, podemos contemplar Un perro andaluz (Luis Buñuel, 1929), y en la iniciativa Flores en la sombra de la Filmoteca Española se ofrecen virtualmente por tiempo limitado materiales conservados como Vaya luna de miel (Jesús Franco, 1980) o Arrebato (Iván Zulueta, 1979). Además, recientemente y gracias a la iniciativa Inventario del Cine Español Conservado (ICEC) es posible ir conociendo las obras en custodia por parte de las diferentes filmotecas de nuestro país, incluyendo las autonómicas, provinciales y municipales, con cerca de 6000 títulos hoy en día y 30 000 materiales fotoquímicos. La cuestión es que si estos no se digitalizan (y se ponen en alguna plataforma) no son accesibles al público general, y menos si solo se pueden visualizar en las filmotecas donde se hallan (y si su estado de conservación lo permite). Por otra parte, para este año, para la Filmoteca Española, apenas hay cuatro millones de euros dentro de la partida para digitalizar su fondo documental. Igual sería interesante además no solo llegar a acuerdos con el mayor poseedor de derechos del cine nacional (y que es dueño de gran parte del fantaterror español), Enrique Cerezo, sino buscar (como se hace en otras nacio-

nes) patrocinios, sin olvidar que se podría, a través de la próxima Ley General de Comunicación Audiovisual (que ya debería estar en vigor desde el 19 de septiembre del pasado año), crear un apartado en el que se apoyase la recuperación y digitalización del cine español.

De festivales fantásticos El galo Festival International du Film Fantastique de Gérardmer en 2021 se ha visto obligado a celebrar su vigésima octava edición online (del 27 al 31 de enero) con filmes como Boys from County Hell de Chris Baugh, sobre una pequeña localidad irlandesa en la que podría estar la tumba del vampiro que inspiró el Drácula de Bram Stoker; Anything for Jackson de Justin G. Dyck, en el que una pareja de ancianos seguidores de una secta satánica planean hacer volver a su nieto fallecido por medio de una mujer embarazada; o Teddy de Ludovic Boukherma y Zoran Boukherma, con un chico atacado por un lobo. Por su parte, Fantasporto 2021, XLI Porto International Film Festival, tendrá proyecciones en la gran pantalla en la ciudad portuguesa de Oporto del 23 de febrero al 7 de marzo, recuperando la extraordinaria ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú (Stanley Kubrick, 1964), siempre de actualidad por la eterna y no descartable posibilidad de una guerra nuclear. Y presentará dentro de su faceta fantástica el relato de Neil Marshall sobre la Caza de Brujas The Reckoning, Suicide Forest Village de Takashi Shimizu, acerca de una localidad nipona en la que, cuando se entra, ya no se puede salir; o Marionette de Get the Hell Out Elbert van Strien, en la que una mujer que ve cómo su sino está en manos de un niño. Además programará Get the Hell Out de I.-Fan Wang, que convierte el Parlamento de Taiwán en una horda de congresistas zombies; o Ten Minutes to Midnight de Erik Bloomquist, centrada en una locutora de radio que se convierte en un vampiro. En definitiva, llegan los primeros festivales con títulos novedosos y otros que ya se pudieron ver en Sitges 2020.

The Reckoning

El futuro de

l éxito entre aficionados y críticos de la segunda temporada de The Mandalorian y su espectacular capítulo final, con todos los cambios que eso supone y el futuro con serie propia para el personaje de Boba Fett, han servido como relanzamiento de Star Wars no solo en televisión, sino también en cine. Por ello, en el siguiente texto vamos a repasar algunas de las noticias, rumores y especulaciones que testimonian el resurgir de la franquicia cual ave fénix tras la calamitosa última entrega de la trilogía de secuelas cinematográficas capitaneada por Kathleen Kennedy y J. J. Abrams.

Heredero Del Imperio La noticia de que Robert Downey Jr. está en conversaciones con Lucasfilm para interpretar un personaje que servirá como vínculo a las distintas series que se preparan sobre distintos personajes de Star Wars es solo la punta del iceberg. Hace tiempo comenté en alguno de los directos de la revista ACCIÓN que una estrategia interesante para la saga creada por George Lucas sería seguir la pista a las producciones de Marvel Studios y fichar a Downey Jr. en un rol de vínculo entre las distintas propuestas, similar al que ya sirviera en su papel como Tony Stark/Iron Man en la franquicia de superhéroes. Algo que por otra parte encaja con el trabajo de Jon Favreau, director de Iron Man, productor de las películas de superhéroes, y creador de The Mandalorian, y junto con Dave Filoni, guionista de la serie de animación The Clone Wars y creador de la serie Star Wars Rebels, nuevo factótum de la franquicia, hasta ahora con las cosas más claras en su cabeza que J. J. Abrams.

La pregunta es: ¿en qué tipo de personaje entraría en juego Robert Downey Jr.? Aquí toca especular partiendo del interesante rumor que apunta que Lucasfilm piensa adaptar la novela Heredero del Imperio para dar lugar a un crossover entre las series de Star Wars, algo similar al ciclo del Guantelete del infinito en las producciones de superhéroes de Marvel Studios que finalmente desembocaron en las dos últimas películas de los Vengadores, o en un nivel de rendimiento muy inferior el arco argumental de Crisis en tierras infinitas en las series del Arrowerso televisivo, protagonizadas por Arrow, Flash, Supergirl, Batwoman y los personajes de Legends of Tomorrow. Favreau trasladaría así el concepto de mitología compartida aplicado en Marvel Studios a Star Wars, utilizando Heredero del Imperio como trama de unión de The Mandalorian y los tres spin offs derivados de dicha serie, a saber: El libro de Boba Fett, presentado en la secuencia poscréditos de la segunda temporada de The Mandalorian, con Temuera Morrison en el papel del célebre cazarrecompensas, y Ming-Na Wen como Fennec Shand Ahsoka (Tano), protagonizada por Rosario Dawson, y Rangers de la Nueva República. De paso, mostrando nuevamente su predisposición y habilidad para escuchar a los seguidores de Star Wars, Favreau haría realidad un deseo de estos, que cuando se anunciaron los planes para las secuelas de Star Wars en cine, episodios VII, VIII y IX, pensaron que el material de partida iba a ser el ciclo de Heredero del Imperio. El personaje central de este es el gran almirante Thrawn, que ya apareció en la serie Star Wars Rebels y ha ganado gran popularidad entre los seguidores de la franquicia. Además ya lo mencionaba porque estaba intentando seguirle las huellas Ahsoka Tano en el episodio 13 de The Mandalorian. Mando, Boba Fett, Fennec Shand,

EL FUTURO DE STAR WARS Cuando todo parecía perdido en cine con el Episodio IX: El ascenso de Skywalker, la franquicia creada por George Lucas ha conseguido reinventarse en televisión con The Mandalorian y su futuro pinta mucho más interesante de lo previsto. Aviso: puede contener algún spoiler de la segunda temporada de The Mandalorian.

Además, hay un proyecto dedicado a tratar las mujeres en el universo de Star Wars del que se ocupará la cocreadora de la serie de Netflix Muñeca rusa, Leslye Headland. Se titula El acólito, y es una intriga que narra las conspiraciones de ascenso del poder del lado oscuro en los tiempos de la Alta República. La amenaza fantasma, El ataque de los clones, la serie de animación Las guerras clon y La venganza de los sith se conocen ahora como La caída de los jedi. Después se sitúa el reinado del Imperio, que incluye la película de Han Solo juvenil y la anunciada serie de animación que veremos este año, Star Wars: la remesa mala, protagonizada por una élite de clones experimentales y contará con las voces de Ming-Na Wen. La era de la rebelión engloba la serie Star Wars Rebels, Rogue One, Una nueva esperanza, El Imperio contraataca y El retorno del jedi. La serie The Mandalorian, El libro de Boba Fett, Ahsoka y Rangers de la Nueva República se ubican en la denominada Nueva República. Por último El ascenso de la Primera Orden incluye El despertar de la fuerza, Los últimos jedi y El ascenso de Skywalker, además de la serie de animación Star Wars: la resistencia. Perdidas en el limbo del paréntesis entre el reino del Imperio y la era de la rebelión están la serie de Obi-Wan Kenobi que ya ha empezado a rodarse con Ewan McGregor a principios de enero y la precuela de Rogue One sobre Cassian Andor, el personaje interpretado por Diego Luna.

Las Nuevas Películas

la saltadora Cara Dune (Gina Carano), Greef Karga (Carl Weathers), y algunos personajes célebres de la trilogía clásica de Star Wars, episodios IV, V y VI, como previsiblemente y siguiendo las claves de la novela, Luke Skywalker, ser verían involucrados en una trama que tiene a Thrawn como epicentro, y Robert Downey Jr. parece el actor indicado para interpretarlo. En la novela Heredero del Imperio, publicada en 1991 se aborda la historia de la Nueva República tras la derrota del Imperio. El título alude al propio Thrawn, quien es un coleccionista de arte de distintas culturas perdidas que así ha descubierto entre otras cosas a los ysalamiris, pequeñas criaturas de 50 centímetros, similares a las salamandras que en el universo expandido de Star Wars poseen la capacidad para repeler a la fuerza. Por si eso fuera poco, consigue hacerse con unas gigantescas naves con las que espera poder unificar los restos del Imperio que quedan dispersos por la galaxia.

Poniendo La Galaxia En Orden Pero no solo de Thrawn y Robert Downey Jr. viven las noticas, especulaciones y rumores que rodean las próximas propuestas del universo Star Wars. Lucasfilm ha dado nombre oficial a las distintas etapas de las eras de precuelas, secuelas y el resto de la cronología de la franquicia para ordenar este cambio que se aproxima en las producciones de la franquicia y que el espectador no se pierda por el camino. De ese modo ha quedado nombrado con títulos oficiales, y organizado cronológicamente, todo lo que acontece en la galaxia de George Lucas entre la Alta República, 200 años antes de La amenaza fantasma, hasta Star Wars: el ascenso de Skywalker.

En alguna de esas etapas encajará la película Star Wars: Rogue Squadron, que va a dirigir Patty Jenkins (Wonder Woman), rodada en Escocia y con estreno previsto para diciembre de 2023, cuya sinopsis oficial promete la presentación de una nueva generación de pilotos de cazas estelares metidos de lleno en los conflictos de las galaxias de Lucas. Los adictos al videojuego del mismo nombre esperan que tenga algo que ver con este, pero no está nada claro que así sea, aunque Chris Pine ha declarado que Jenkins ya le ha contado el argumento, aunque dice que él no está implicado en el proyecto. La siguiente película en la lista será la dirigida por Taika Waititi, con estreno previsto para dos fechas alternativas bastante alejadas: 19 de diciembre de 2025 o 17 de diciembre de 2027. El guion será de Kristy Wilson-Cairns (1917). Kathleen Kennedy define el enfoque como “fresco, inesperado y único”, lo que pone a temblar a algunos seguidores de la saga. A las anteriores se suma la permanencia en la agenda de Lucasfilm de una trilogía dirigida por Rian Johnson (Los últimos jedi) que abordará personajes nuevos totalmente ajenos a la tradición que conocemos de Star Wars hasta el momento. Johnson escribe y dirigirá la primera película, con la premisa de “ir a nuevos lugares y conocer gente nueva”. Kevin Feige, factótum de Marvel Studios, hará su propia incursión en el universo Star Wars con un largometraje para el que ya ha hablado con una estrella importante de Hollywood no revelada, según informó la revista The Hollywood Reporter, en un proyecto que podría abrir paso a su desembarco como productor en la franquicia. Además, tendremos la película de Disney Plus Una historia de droides, que promete presentar a un nuevo héroe acompañado por R2-D2 y C-3PO, y hay rumores de serie propia para el Baby Yoda… Muchas cosas se mueven en la galaxia… Miguel Juan Payán

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SOLO PARA TUS OJOS ras el éxito cosechado por la anterior entrega de la franquicia, United Artists, que era la que ponía el dinero, pidió a Albert Broccoli hacer algo parecido, tan grandilocuente como su antecesora. Tras varias reuniones y debates entre Cubby, Dana (esposa del productor) y Michael G. Wilson (hijo de Dana y actual productor de Eon Productions) llegaron a la conclusión de no transigir a esta demanda, ya que creían que podrían caer en la trampa de intentar superarse a ellos mismos cada vez más y podía llegar un momento donde estas películas podrían resultar ridículas. Cubby, Dana y Michael pensaban que Moonraker ya había rebasado el límite de la creatividad, de esta manera, querían centrarse en hacer una nueva historia con elementos que habían funcionado con elementos más humanos, que había funcionado en Desde Rusia con amor. Querían tener una película menos fantasiosa. Esta vez y como ya habían anunciado los créditos finales de La espía que me amó, la próxima película de James Bond, se llamaría Solo para sus ojos, basada, de nuevo, en un relato corto de Ian Fleming, apenas se capta alguna sutiliza de la novela. De nuevo, Roger Moore encarnaría al agente británico con licencia para matar. Como indicamos en el anterior número, su contrato se renovaba de película en película, aunque sí entrevistaron a varios actores para encarnar a 007, Broccoli y Moore estarían juntos muchos años. Para dirigir esta nueva aventura, Alberto Broccoli pidió a John Glen, quien ya había cumplido varias funciones en anteriores entregas del espía, que se encargase de dirigirla. Para interpretar a la chica Bond, fue elegida Carole Bouquet, una jovencísima y bellísima actriz francesa, gracias a la sugerencia

SOLO PARA TUS OJOS

de Jerry Juroc ( director de prensa). Tanto Cubby como Glen quedaron impresionados con ella, y admitieron que lo que más les atrajo fue su larga cabellera. Más curioso fue el fichaje de Topol, quien daría vida al aliado de Bond, Columbus. Estando el actor en una fiesta a la que habían acudido también Alberto Broccoli y su esposa Dana, estos se acercaron al actor, y pasando el brazo por el cuello de Topol, la señora Broccoli exclamó: “¡Topol! ¡Qué gran idea! Cubby, ¿qué opinas de que Topol interprete a Columbus?”. Al final se llegó a un acuerdo económico y Topol estaría en la película. Para interpretar al villano Kritatos, Julian Glover, un reputado y ya afamado actor fue seleccionado por el productor, ya que este le había visto en otros trabajos.

El guion Ronald Hardy entregó un tratamiento del guion de 160 páginas, el 17 de septiembre de 1979. Este tratamiento básicamente se basaba en un thriller convencional, sin gadgets, y contaba con un villano megalómano llamado Krek, el cual estaba obsesionado con Egipto y tenía como meta provocar una catástrofe mundial con residuos nucleares. Aquí se incluían el nombre de los Havelock, cuya hija, Julia, mantenía una relación con 006, los padres de Julia son asesinados por un tal Gonzales y, en este caso, sería asignado a James Bond. Otro tratamiento, de 72 páginas y con fecha del 14 de abril de 1980, en este se plasmaba la idea del MacGuffin, el dispositivo ATAC, cuyo contenido nunca se ve. La hija cuyos padres fueron asesinados se llamaría Melina. Este tratamiento incluía un topo dentro del MI6, algo que se descartó al final, pero que veríamos en varias películas de la saga. Estaba firmado por Richard Maibaum y por Michael G. Wilson, un tándem que duraría varios años.

El estreno Solo para sus ojos se estrenó en el cine Odeon de Londres el 24 de junio de 1981, y dos días más tarde en Estados Unidos, llegando a ser distribuida en 1100 salas y logrando una recaudación

de 195 millones de dólares. Compitió en taquilla con otra gran película, como es En busca del arca perdida y demostró que Bond tenía todavía mucho que aportar.

Para el lector curioso Veamos algunas anécdotas y datos curiosos sobre el rodaje del filme que tratamos. • Cassandra Harris, quien interpretó a la condesa Lisl, estaba casada con el actor Pierce Brosnan, personaje a quien Cubby puso el ojo cuando conoció y más tarde interpretaría al espía británico. • En Solo para sus ojos veríamos por segunda vez otro Lotus Esprit, esta vez era un modelo S1 turbo en rojo, pero apenas pudimos cogerle cariño. • Al principio de la película vemos a un personaje calvo en una silla de ruedas que le hace pasar un mal momento a Bond. Este personaje no es otro que Blofeld, archienemigo de Bond y cuyo nombre no pudieron usar por temas de derechos. En esta escena, Eon está gritando que no les hace falta este personaje para que las películas de Bond sigan estando en lo más alto, prueba de ello es que Bond se deshace de él arrojándolo por una chimenea. • El loro propiedad de Melina era en realidad de la actriz y exchica Bond Diana Rigg. Mientras Rigg rodaba Al servicio secreto de su majestad alguien se lo regaló a ella, y esta lo dejó a un miembro del equipo cuando terminó su trabajo, el director vio bien que el loro fuera el chivato de Melina y decidieron incluirlo. • Sería la primera vez que escuchamos a Bond hablando en español, dado que la escena se centraba en Madrid (aunque fue rodada en Grecia). Bond vuelve a su 2 CV y pide ayuda al público allí presente para que le ayuden a ponerlo sobre sus cuatro ruedas. Un casi imperceptible “empujen” es lo que podemos escuchar.

Óscar Rubio

GRANDES DIRECTORES

DAVID WARK GRIFFITH

os obras maestras sirven para definir la gigantesca aportación al cine de David Llewellyn Wark Griffith, creador del lenguaje cinematográfico cuya influencia fue capital para darle identidad propia al séptimo arte, articulando los descubrimientos sobre el plano, el trabajo de la cámara, el montaje, el tiempo y el movimiento se habían ido descubriendo en la era de los pioneros de este nuevo medio. Hablo, claro está, de El nacimiento de una nación (1915) e Intolerancia (1916). Organizador del lenguaje cinematográfico, Griffith nació el 22 de enero de 1875 en LaGrange, Kentucky, y falleció el 23 de julio de 1948 en Hollywood, víctima de una hemorragia cerebral. Griffith era hijo de un coronel del Ejército sudista durante la Guerra de Secesión librada entre los estados del norte y los estados del sur entre 1861 y 1865, que como toda guerra civil, dejó marcado al país para los restos. Su padre fue elegido gobernador del estado de Kentucky, pero fue su madre, Mary Perkins Oglesby, la que tuvo que sacar adelante a la familia cuando su padre murió contando David diez años de edad. Lo hizo abandonando la granja familiar cuando el futuro director contaba solo catorce años y abriendo una pensión en Louisville, negocio que fracasó, obligando a David Griffith a abandonar los estudios en el instituto para ayudar a mantener a su familia trabajando primero en una tienda y más tarde en una librería. Al mismo tiempo, intentaba abrirse paso como autor teatral, con nulo éxito, lo que le llevó a probar suerte en el cine. Viajó a Nueva York en 1907 para intentar vender un guion a Edwin S. Porter, pionero del cine y productor de los estudios Edison, y aunque el guion fue rechazado, Griffith consiguió trabajo como actor, ocupación a la que se dedicaría en sus primeros tiempos en el negocio de las películas, que poco después él mismo iba a contribuir a transformar y hacer avanzar dramáticamente.

GRANDES DIRECTORES

David Wark Griffith en El nacimiento de una nación

Su carrera como director arrancó posteriormente en el terreno del cortometraje, al que se dedicó durante una temporada tras encontrar al que había de convertirse en su principal colaborador: el director de fotografía Billy Bitzer. Contratado por la productora Biograph, establecida en Nueva York, con un sueldo de 50 dólares por semana más participación en la taquilla, rodó más de 400 cortometrajes entre 1908 y 1914, de todos los géneros. Además, produjo y dirigió la primera película rodada en Hollywood, In Old California (1910), un melodrama situado en la etapa mexicana de dicho territorio. Entusiasmado por las superproducciones del cine épico colosal que se rodaban en Italia, Quo vadis? (1912), de Enrico Guazzoni, y Cabiria (1914), de Giovanni Pastrone, se empeñó en convencer a los productores de que la mayor duración de estas podía aplicarse también en las producciones estadounidenses. Los responsables de Biograph no estaban de acuerdo, pensaban que el espectador no sería capaz de estar más de 20 o 30 minutos viendo cortos en una sala, que no aguantaría películas de dos o tres horas. Así que en 1913 Griffith abandonó Biograph para rodar su primer largometraje, Judith de Bethulia (1914), que resultó ser un éxito.

Éxito, controversia y película irrepetible La mayor duración le permitió explorar los recursos del lenguaje cinematográfico, que le llevarían a ser una poderosa influencia y maestro de directores como S. M. Eisenstein, John Ford y Orson Welles, en películas como La batalla de los sexos (1914), La evasión (1914), Dulce hogar (1914), La conciencia vengadora (1914), en las que fue calibrando cuidadosamente la duración pasando de 50 o 55 minutos a una hora y una hora 18 minutos,

David Wark Griffith fué uno de los fundadores de la United Artist junto a Charles Chaplin, Douglas Fairbanks y Mary Pickford

hasta llegar a la primera de sus dos obras maestras: El nacimiento de una nación, que con sus tres horas y quince minutos de duración inauguró un cambio drástico en la explotación del cine en las salas estadounidenses con el que muchos historiadores del medio califican como el primer blockbuster (es más bien un antecedente remoto de lo que hoy conocemos como tal). Fresco histórico sobre la Guerra de Secesión basado en la novela de Thomas Dixon Jr. The Clansman: A Historical Romance of the Ku Klux Klan, aunque estaba poderosamente inspirado también por las historias sobre la guerra civil que le había contado su padre, El nacimiento de una nación fue un rotundo éxito comercial e impuso el modelo del largometraje de superproducción en la industria estadounidense del cine. Griffith despliega todos los recursos del lenguaje cinematográfico (primer plano, trávelin, flashback, raccord, montaje paralelo, etc.), con pleno uso de las técnicas narrativas y una madurez en la presentación del plano y el montaje que impresionaron a sus contemporáneos y todavía hoy siguen siendo esgrimidos como modelo en las escuelas de cine. Las espectaculares secuencias de batalla se complementaban, la acción en paralelo, el astuto uso del iris para dirigir la atención del espectador en la reconstrucción de la historia, por ejemplo, en el asesinato de Abraham Lincoln, culminan en el tercer acto de la película con la creación del Ku Klux Klan, cuyos integrantes son presentados como héroes de la causa confederada tras la derrota en la guerra civil. Este último asunto, junto a la práctica de poner a actores blancos con el rostro maquillado para interpretar a los principales personajes negros, presentados como villanos, han hecho que a pesar de su éxito comercial la película fuera tan celebrada por los miembros del Ku Klux Klan como criticada y acusada de racista. A pesar de la controversia, el éxito comercial le garantizó a Griffith una creciente influencia en la industria del cine que le permitió entrar a trabajar en la Triangle Film Corporation junto con el padre del cine de comedia estadounidense, Mack Sennett, y el exitoso director de wésterns y aventuras Thomas Harper Ince, en un empeño por crear producciones de prestigio. La inspiración para Intolerancia vino tanto de las críticas contra El nacimiento de una nación como de la película italiana Cabiria, que intentó y logró superar en lo referido a diseño de producción y lenguaje. De hecho, Griffith proyectó para Billy Bitzer y el resto de sus colaboradores la película de Giovanni Pastrone. El rendimiento comercial de Intolerancia, en la que había invertido sus ganancias de El nacimiento de una nación, no fue el esperado. Intolerancia no pudo emular el éxito de El nacimiento de una nación, en parte por su complejo juego con el tiempo y el cruce de las cuatro historias que integraban el ambicioso largometraje. Su mejor parte era la ambientada en Babilonia, en el periodo de su caída en manos persas, con imágenes impresionantes como un mítico plano de grúa de Billy Bitzer para filmar el gigantesco decorado de la ciudad. Pero era difícil seguir esa trama en su cruce con la ambientada en los tiempos de Jesucristo, la matanza de los hugonotes en París en 1572 en el día de San Bartolomé, y los Estados Unidos en el siglo XX. Entre esos fragmentos, aparecía Lillian Gish dando vida a una mujer meciendo la cuna de un niño. En 1919, Griffith fundó la productora independiente United Artists junto con Charles Chaplin, Douglas Fairbanks y Mary Pickford. Entre el resto de su filmografía, destacan el fresco de la Primera Guerra Mundial Corazones del mundo (1918) y sus incursiones en el melodrama en La culpa ajena (1919), Las dos tormentas (1920), Las dos huerfanitas (1922) y Sally, la hija del circo (1925). En la etapa sonora se convirtió en el gran olvidado y acabó casi en la pobreza, trabajando como ayudante de dirección en Lo que el viento se llevó. Miguel Juan Payán

EXCALIBUR

n 1981, apartándose de la corriente dominante del cine del momento, como frecuentemente hizo en su filmografía cuando abordaba un género, John Boorman nos deja una obra maestra del cine de fantasía heroica. Aviso: incluye spoilers. “La espada para sanar, no para tajar y matar”. Así avisa Merlín (Nicol Williamson), el mago, a Uther Pendragón (Gabriel Byrne), el guerrero, de la responsabilidad que contrae al empuñar a la principal protagonista de esta historia: la mítica espada Excalibur (FOTO 1). Surge del agua, representación del inconsciente, empuñada por la Dama del Lago. Es una imagen que Boorman, amigo de repetir elementos visuales de sus obras anteriores, ya había empleado en su película Defensa (1972), del mismo modo que el yelmo máscara que lleva Mordred (Robert Addie) recuerda los que llevaran Sean Connery y sus guerreros en Zardoz (1974). La espada, que da título a la película, está presente como elemento central en este ejemplo perfecto de las claves del viaje del héroe que propuso Joseph Campbell en su libro El héroe de las mil caras; nos guía en el paseo por la mitología constituida en torno al argumento universal de fundación de la patria; luce con protagonismo pleno en el tercer acto, donde lidera la épica del renacer del sueño de la civi-

ANÁLISIS DE CINE

lización que se abrió paso en un mundo de barbarie, con el que arranca la historia: el mundo de Uther, dominado por el fuego, la sangre y la oscuridad, que Boorman deﬁne y resume en una sola imagen en el prólogo que abre la película y tanto recuerda a los nazgûl de El señor de los anillos (FOTO 2). Ese papel de epicentro de la espada se expresará luego visualmente, cuando John Boorman elija resolver el momento en que Uther clava Excalibur en la piedra con un trávelin circular: todo gira en torno a Excalibur. El primer acto de Excalibur está conducido por Merlín, antecedente del Gandalf de la obra de J. R. R. Tolkien, entre cuyas fuentes de inspiración se cuenta el ciclo de las leyendas del rey Arturo y sus caballeros de la mesa redonda. Merlín, representante de la edad de la magia en el relato, es el puente entre lo real y lo fantástico, lo humano y lo sobrehumano, el guía del héroe, el guardián de la puerta que abre paso al héroe Arturo hacia su misión. La fotografía y la luz van a dominar toda la película como herramienta principal para tejer las leyendas artúricas en la pantalla, aliados con un paisaje que proporciona el aliento pictórico a cada plano, como veremos en los planos generales del encuentro de Uther con Cornwall y el encuentro de Arturo (Nigel Terry) con Lancelot (Nicholas Clay).

ANÁLISIS El propio Merlín propicia el nacimiento de Arturo facilitando a Uther el acceso a Ygraine (Katrine Boorman) con el cambio de forma representado en el cambio de yelmo, en primer plano y por montaje (FOTO 3). Uther toma el aspecto de Cornwall (Corin Redgrave) en una secuencia que muestra la habilidad de Boorman para economizar recursos en la introducción de lo fantástico al tiempo que sirve al sentido narrativo; para Ygraine, la esposa sometida, los hombres son solo una máscara. El juego de opuestos reﬂejado en los recursos visuales se abre paso en toda la historia a partir de la secuencia en montaje en la que la cópula de Uther e Ygraine, que dará vida a Arturo, se muestra en paralelo a la muerte de Cornwall. Una vida se extingue mientras otra comienza. En la muy posterior secuencia de alumbramiento de Mordred, hijo de Arturo y su hermanastra Morgana (Helen Mirren), que recuerda el alumbramiento del anticristo (FOTO 4), vemos tras la hechicera el yelmo de Cornwall, materialización de su venganza contra Uther a través de esa otra cópula, incestuosa. La parte medular de la historia abre el protagonismo al héroe Arturo desde el momento en que saca la espada de la piedra y tiene ese signiﬁcativo encuentro en el bosque con Merlín, abierto a una segunda lectura de carácter psicotrópico con el dragón/ droga como elemento central (FOTO 5); somete a su liderazgo a los caballeros en una secuencia que es metáfora del bautismo de Cristo a manos de Juan Bautista, cuando Arturo es ordenado caballero (FOTO 6); encuentra a Ginebra, repitiéndose la clave del baile que vinculó a su padre Uther con su madre Ygraine (aunque el mundo ya no es tan oscuro), y se cruza con Lancelot, rompiendo premonitoriamente la espada, que luego recupera y es besada por Lancelot (FOTO 7), siempre con el agua como elemento clave, en un plano con segunda lectura sexual que abre paso al triángulo Arturo-Lancelot-Ginebra, en el que se forja la tragedia de la caída de Arturo. El rey abandonará la espada clavándola entre los dos amantes en un plano que recuerda a unos nuevos Adán y Eva que están a punto de ser expulsados del paraíso creado por Arturo en Camelot, tras haber cometido su pecado original, y conduce al célebre momento de la frase más recordada de la película, pronunciada por Lancelot: “El rey sin espada. La tierra sin rey” (FOTO 8).

Pero, además, Excalibur nos propone otros dos viajes muy interesantes en un segundo plano. El primero es el de Morgana, vinculada como Arturo a Merlín. Boorman nos ofrece una doble presentación de Morgana, primero niña, detrás de la cortina mientras Arturo es concebido (FOTO 9), cruzando su mirada con Uther, y más tarde como adulta en la boda de Arturo y Ginebra (Cherie Lunghi). Morgana siempre está en segundo plano, tramando su venganza. Mientras Arturo le pregunta a Merlín: “¿Dónde está el mal en mi reino?”, Morgana está ya tejiendo los hilos de la discordia en un segundo plano usando a Gawain (Liam Neeson) como un títere que pone en cuestión la fidelidad de Ginebra a Arturo, detonando lo que desembocará en la infidelidad de la reina con Lancelot. La interpretación de Morgana llevada a cabo por Helen Mirren está entre lo mejor que nos ofrece Excalibur. El otro viaje que domina la película es el de Perceval (Paul Geoffrey), el caballero que encontrará el Santo Grial para dar pie al regreso de Arturo, una forma de resurrección que refuerza la segunda lectura de referentes religiosos entrelazados con la mitología de las leyendas artúricas propuesta en Excalibur. Ese personaje es además el introductor y espejo del público en la revelación de Camelot, donde las armaduras brillan de forma deslumbrante. La entrada de Perceval, el caballero más puro de los que integran a los reunidos en torno a Arturo, en Camelot, lo convierte en nuestro guía en ese reino mítico de una forma fluida y natural que culmina con la revelación de la mesa redonda (FOTO 10), que el público descubre al mismo tiempo que el personaje en un plano interesante en el que Boorman renuncia a jugar la baza de lo mítico en el despliegue visual, como si le quitara importancia frente a la verdadera forja de la alianza entre Arturo y sus caballeros que ha mostrado previamente en la escena de exteriores donde forman el círculo frente a su rey. La secuencia de la mesa redonda propiamente dicha es así un eco de aquel otro momento de reunión del minuto 56.01, en el que se pronuncia el lema “Un rey, una tierra”. Boorman hace que el recién llegado Perceval, que tiene su propio viaje dentro de la trama, descubra la mesa entre otras muchas cosas que forman parte de la vida cotidiana en Camelot. Miguel Juan Payán

Las mejores películas de la

DÉCADA (2011-2020) Dejamos atrás la segunda década del siglo XXI con el funesto año 2020, y en ACCIÓN nos ha parecido el mejor momento para preguntarle a nuestros redactores, críticos y lectores cuáles han sido, en su opinión, las mejores películas del decenio.

ero antes de meterme con el repaso a las películas señaladas por nuestras encuestas y comentar qué ha votado la familia ACCIÓN, creo conveniente dedicar unas palabrejas a modo de resumen a esta segunda década de cine del siglo XXI. La cerramos con la amenaza del fin del formato físico, y por tanto del coleccionismo a nivel individual (los coleccionistas ya están pensando a qué otro producto de ocio dedicarán su dinero), el cierre de cines como consecuencia de la pandemia y la tarea nada fácil, pero en modo alguno imposible, de adaptarse a eso que llaman “la nueva normalidad”. A nuestras espaldas queda una década en la que les confieso que mi natural cinismo ha encontrado motivos más que suficientes para derivar en un pesimismo creciente.

Por un lado, ha aumentado el abismo que separa el cine de evasión, entretenimiento, explotación comercial, o como ustedes prefieran llamarlo, y el cine denominado “de autor”, no narrativo, invisible, o cualquier otra etiqueta y variedad en la propuesta audiovisual que se les pase por la cabeza. Y eso no es bueno. Tampoco es buena la tendencia hacia los monotemas que en esta segunda década del siglo XXI ha confirmado el reinado de los superhéroes que se ha impuesto definitivamente en el cine. Todos los estudios quieren tener su franquicia superheroica, o algo que se le parezca mucho. Tal como ocurriera en su momento en el mundo del cómic, los superhéroes están ahogando todo el resto de propuestas de cine de evasión y entretenimiento. Conteniendo como contienen en su oferta todo tipo de géneros, o al menos un ligero picoteo de estos, y siendo las producciones que consiguen mejores resultados en la taquilla, la temática superheroica es una ola que devora o se lleva por delante cualquier otro género, de manera que en su forma pura y con identidad propia el bélico, el wéstern, la ciencia ficción, la intriga, el policiaco, etc., tienen cada vez menos posibilidades de salir a flote como proyecto en las agendas de los grandes estudios. Se salva de eso el terror, de momento, pero me temo que no será por mucho tiempo. Si las franquicias superheroicas no barren del tablero de propuestas cinematográficas de esos otros géneros, los abducen, de manera que sagas como Fast and Furious copia las estrategias desarro-

LAS MEJORES PELÍCULAS DE LA Década (2011-2020) lladas en Vengadores, o el intento de Universal de construir su propia multifranquicia al estilo de las de los personajes de Marvel y DC, con monstruos clásicos del estudio (Drácula, Frankenstein, el hombre lobo, la momia…), parte de la idea de convertir estos personajes clásicos del terror desvirtuándolos para reinterpretarlos como si de superhéroes oscuros se tratara. ¿Qué podría salir mal? Pues que se lo pregunten a Tom Cruise y su Momia, por ejemplo. O a Luke Evans y su Drácula, la leyenda jamás contada, con ese tonillo a medio camino entre un 300 de Hacendado y un Batman vampiro más perdido que un cerdo en una matanza y preguntándose cómo se llega a Gotham desde Rumanía. Para empeorar las cosas, la táctica comercial de la multifranquicia y el crossover navega viento en popa y a toda vela en el camino hacia la confirmación de los megamonopolios en el ocio audiovisual. Y al mismo tiempo las sagas, secuelas, precuelas, spin-offs, precuelas y películas por entregas en general son una rechifla argumental, un totum revolutum que despersonaliza y descuartiza la identidad diferenciada de los filmes por separado, triturando la posibilidad de que nos encontremos una película, una, y no media docena de secuelas y variantes de refocilándose cual gorrino en el barro de la repetición de la misma fórmula. Pregunta: ¿perderá Joker su identidad de película única e irrepetible con la secuela? Se admiten apuestas, pero aviso ya que Las aventuras de Huckleberry Finn, El padrino, segunda parte, El Imperio contraataca y El caballero oscuro son rara avis, y abundan mucho más los Terminator, destino oscuro, las Wonder Woman 1984… y El ascenso de Skywalker. Si alguien duda de estos rasgos, y para no ocupar aquí más espacio, lo invito a que repase la lista de las películas más vistas en décadas anteriores y observe la tendencia a la exacerbación de estas pinceladas que se manifiestan con mayor insolencia en los últimos diez años. Digamos que la variedad no es un punto fuerte en el cine comercial de nuestros días. Los estudios ya no piensan en películas, sino en franquicias. El otro rasgo dominante que ha marcado la década es la legítima y deseable reivindicación y denuncia de situaciones de desigualdad y abusos que ha tenido consecuencias positivas, cuando está bien aplicada, pero también ha mostrado sus aspectos más negativos cuando se convierte en rehén del oportunismo y la falta de ideas, está mal aplicada, o es simplemente torpe, o al mismo tiempo es torpe, oportunista y falsaria, que también se ha dado el caso. Asociado a los ceremoniales de linchamiento público en las redes sociales, cada vez más poderosas en eso que se llama “poder mediático”, este fenómeno ha sido corrompido y convertido en herramienta castrante, metiendo miedo y convirtiendo algunas películas en producto de púlpito para ajustar cuentas a discreción. Se prescinde así olímpicamente de lo que el público pueda ir a buscar cuando entra en un cine, que la mayoría de las veces es simplemente evasión y entretenimiento, no reeducación y adoctrinamiento. Un ejemplo es la condena y la censura, con efectos retroactivos, aplicada a algunos títulos clásicos en fecha reciente, que como mínimo merece el calificativo de ridícula y en muchos casos no es más que una cortina de humo

LAS MEJORES PELÍCULAS DE LA Década (2011-2020) para ocultar lo poco que están cambiando las cosas en realidad en nuestro mundo. Otro rasgo destacado, este, en mi opinión, sin duda más positivo, ha sido el afianzamiento de la alternativa de ocio presentada por las plataformas, que sin embargo, me apresuro a aclarar, no debe ser considerada en ningún caso una alternativa a la explotación en salas, por mucho que la reciente pandemia se haya utilizado como motivo para seguir ese camino, en mi opinión más destructivo que productivo, y a la larga quizá muy lesivo para los intereses de los propios estudios. Las plataformas son una nueva ventana abierta al ocio audiovisual que ha multiplicado su eficacia y rendimiento en los últimos diez años merced a esta incorporación, dejando claro además que sus películas, independientemente de su origen como producto para difusión en plataforma, es plenamente cinematográfico. No creo que nadie pueda discutirle a El irlandés, proyecto que –dicho sea de paso– Scorsese no pudo levantar en los grandes estudios, pero sí en Netflix, su identidad plenamente cinematográfica.

Las campeonas de la redacción Sea como fuere, las películas incluidas entre las mejores de esta década en nuestra encuesta son un buen bálsamo para hacernos concebir esperanzas por el mantenimiento de un cine interesante y abierto a todas las posibilidades, aunque en algunos casos manifiesten o sean ejemplo de algunas de las líneas generales comentadas previamente. Empezamos con el reinado de Interstellar (2014), como favorita de nuestros redactores y nuestros lectores. Hay ficha en el cartel a página de clásicos, en este mismo número, así que no me extiendo aquí en comentarios sobre ella. Baste con decir que se me ponen los pelos de punta cuando leo algo sobre una secuela de esta obra maestra única e irrepetible. La sigue de cerca Mad Max: Fury Road (2015), plenamente metida en la montaña rusa de las secuelas y precuelas, y ejemplo impecable de lo que debe ser una buena hibridación de géneros y la recuperación de un personaje clásico sin modificar (ya quisiera Luke Skywalker tener esa suerte). El tercer lugar lo ocupa Parásitos (2019), la mejor película de su director hasta el momento e inesperado fenómeno internacional reforzado con los Premios Oscar, que consiguió aunar lo comercial con la reflexión social, demostrando por qué interesa que se reduzca la brecha entre la autoría cinematográfica y la propuesta de cine de evasión. Se puede servir a ambas cosas. En lo referido a autoría, nadie puede discutirle esta a los responsables de Dunkerque (2017), Blade Runner 2049 (2017), Her (2013), Joker (2019), La llegada (2018), La isla mínima (2014), El irlandés (2019), Drive (2011), El hilo invisible (2017), Tres anuncios en las afueras (2017), Amor (2012), 1917 (2019), El caballero oscuro: la leyenda renace (2012), La favorita (2018), No habrá paz para los malvados (2011), El capitán (2017), El lobo de Wall Street (2013), Érase una vez en… Hollywood (2019), La forma del agua (2017), Sicario (2015), La bruja (2015), Roma (2018), Los odiosos ocho (2015), Medianoche en París (2011), Your Name (2016), Trece asesinos (2010), Django desencadenado (2012), El faro (2019), El renacido (2015), The

Héctor Alonso

Santiago de Bernardo

Alejandro Gómez

Interstellar (2014) Mad, Max Fury Road (2015) Parásitos (2019) El lobo de Wall Street (2013) Her (2013) El gran Showman (2017) La llegada (2016) Joker (2019) Tres anuncios en las afueras (2017) Alita (2019)

Drive (2011) Milius (2013) No habrá paz para los malvados (2011) Rock of Ages. La era del rock Bone Tomahawk (2015) Your Name (2016) Brawl in Cell Block 99 (2017) Electric Boogaloo: La loca historia de Cannonball

Interstellar (2014) Mad, Max Fury Road (2015) El caballero oscuro: La leyenda renace (2012) Joker (2019) Parásitos (2019) Vengadores. Infinity War (2018) La habitación (2015) Dunkerque (2017) Del Revés (2015) El lobo de Wall Street (2013)

Sergio Hardasmal

Miguel Juan Payán

Jesús Martín

El hilo invisible (2017) El vicio del poder (2018) La favorita (2018) Her (2013) Tren a Busan (2016) Medianoche en París (2011) Django Desencadenado (2012) La caza (2012) The Disaster Artist (2017) Sin Fin (2018)

Blade Runner 2049 (2017) Dunkerque (2017) 1917 (2019) Sicario (2015) Mad, Max Fury Road (2015) Interstellar (2014) El faro (2019) The Master (2012) La bruja (2015) La noche más oscura (2012)

Jane Eyre (2011) Parásitos (2019) El capitán (2017) La forma del agua (2017) Can feda (2018) Hereditary (2018) La bruja (2015) Joker (2019) Suite francesa (2014) La trinchera infinita (2019)

Juan Carlos Paredes

Jesús Usero

Jaime Vicente

Interstellar (2014) Amor (2012) Tres anuncios en las afueras (2017) Mad, Max Fury Road (2015) Logan (2017) Los odiosos Ocho (2015) El renacido (2015) La llegada (2016) Manchester by the Sea (2016) Vengadores. Infinity War (2018)

La isla mínima (2014) Mad, Max Fury Road (2015) Dunkerque (2017) Blade Runner 2049 (2017) Roma Argo La caza (2012) El irlandés (2019) Parásitos (2019) Joker (2019)

Parásitos (2019) Del Revés (2015) El irlandés (2019) Érase una vez en Hollywood (2019) La llegada (2016) Interstellar (2014) Coherence (2013) Spiderman: Un nuevo Universo (2018) La isla mínima (2014) Her (2013)

Top 50 Interstellar (2014) Mad, Max Fury Road (2015) Parásitos (2019) Dunkerque (2017) Blade Runner 2049 (2017) Her (2013) Joker (2019) La llegada (2016) La isla mínima (2014) El irlandés (2019) Del Revés (2015) Drive (2011) El hilo invisible (2017) Jane Eyre (2011) Tres anuncios en las afueras (2017) Amor (2012) El vicio del poder (2018) Milius (2013) 1917 (2019) El caballero oscuro: La leyenda renace (2012) El capitán (2017) La favorita (2018) No habrá paz para los malvados (2011) El lobo de Wall Street (2013) Érase una vez en Hollywood (2019) La forma del agua (2017) Rock of Ages. La era del rock Sicario (2015) La caza (2012) Roma (2018) Bone Tomahawk (2015) Can feda (2018) La bruja (2015) Logan (2017) Tren a Busan (2016) Vengadores. Infinity War (2018) Argo (2012) Hereditary (2018) Los odiosos Ocho (2015) Medianoche en París (2011) Your Name (2016) El gran Showman (2017) Brawl in Cell Block 99 (2017) Coherence (2013) Django Desencadenado (2012) El faro (2019) El renacido (2015) La habitación (2015) Electric Boogaloo: La loca historia de Cannonball Spiderman: Un nuevo Universo (2018)

Master (2012), El juicio de los siete de Chicago (2020), La noche más oscura (2012) o La trinchera infinita (2019). Cualquiera de ellas posee la calidad y características que las sitúan como piezas destacadas en el cuerpo de la obra global de sus autores. Además hacen honor a esa necesidad de propuestas variadas dentro de sus filmografías, siendo, salvo alguna excepción, como El caballero oscuro: La leyenda renace, por ejemplo, refractarias a las estrategias de conversión en franquicia que predominan en el cine de la última década. Incluso en el caso de esta película, final de la trilogía sobre Batman de Christopher Nolan, cabe decir que, como cada película que la integra, es totalmente distinta de las que la preceden y preserva para sí una identidad propia, distinción que encontramos en todos y cada uno de los títulos citados anteriormente. Cualquiera de ellas demuestra que cuanto más cerca esté la autoría y la personalidad fuerte del director de la propuesta de evasión, más calidad tendrá la película y mejor apreciada será por quienes disfrutan del buen cine. Ninguno de estos títulos es víctima de la producción en cadena anodina y repetitiva de Franquicialandia. Otro detalle común a todas ellas es que hablan de personas, no de personajes – algunas incluso desmontan el personaje para construir a la persona, caso de Blade Runner 2049, Joker, Drive, El caballero oscuro: la leyenda renace, las dirigidas por Quentin Tarantino, y una de ellas, El capitán, incluso reflexiona sobre el camino contrario: la persona, el soldado, que se convierte en personaje: el oficial–. Además, todas ellas cuentan historias, no explotan fórmulas. El trabajo con las fórmulas no tiene per se nada de malo. Es más, distingue positivamente a las otras películas presentes en la lista de la redacción. Del revés (2015) fue criticada por algunos porque “no

LAS MEJORES PELÍCULAS DE LA Década (2011-2020)

Alex (Familia Accioncine)

Alfredo (Familia Accioncine)

Almirante (Familia Accioncine)

Comanchería (2016) Deadpool (2016) El lobo de Wall Street (2013) El último superviviente (2013) Érase una vez en Hollywood (2019) Intocable (2011) John Wick 3 (2019) Joker (2019) La caza (2012) Sicario (2015)

Tres anuncios en las afueras (2017) Érase una vez en Hollywood (2019) Mad, Max Fury Road (2015) Dunkerque (2017) Bone Tomahawk (2015) Corazones de acero Rogue One El sacrificio del ciervo sagrado De Óxido y Hueso Warrior

La la Land (2016) Animales nocturnos (2016) Madre (2017) Interstellar (2014) El lado bueno de las cosas (2012) Un lugar tranquilo (2018) Mad, Max Fury Road (2015) Perdida (2014) Érase una vez en Hollywood (2019) El puente de los espías (2015)

Ángel (Familia Accioncine)

Ángeles (Familia Accioncine)

César (Familia Accioncine)

Joker (2019) Interstellar (2014) Puñales por la espalda (2019) La llegada (2016) El gran Showman (2017) Sicario (2015) La isla mínima (2014) Blade Runner 2049 (2017) Tenet (2020) Animales nocturnos (2016)

Joker (2019) El Hobbit, Un Viaje Inesperado (2012) Mujercitas (2019) Django Desencadenado (2012) Del Revés (2015) Star Wars El Despertar de la Fuerza (2015) Greenbook (2018) La caza (2012) 1917 (2019) Criadas y señoras (2011)

Mad, Max Fury Road (2015) Del Revés (2015) La llegada (2016) El Gran Hotel Budapest (2014) Parásitos (2019) Dunkerque (2017) El lobo de Wall Street (2013) La la Land (2016) La gran belleza (2013) Magical Girl (2014)

Charles Cdz (Familia Accioncine)

Chema (Familia Accioncine)

Chillard 93 (Twitter)

Parásitos (2019) Ready Player One (2018) Isla de perros (2018) Dunkerque (2017) 1917 (2019) La la Land (2016) Deadpool (2016) Midsommar (2019) Hereditary (2018) Vengadores. EndGame (2019)

Joker (2019) Vengadores. EndGame (2019) Greenbook (2018) Hereditary (2018) Drive (2011) 1917 (2019) Madre (2017) El caballero oscuro: La leyenda renace (2012) El Hobbit, Un Viaje Inesperado (2012) Historias de un matrimonio (2019)

Interstellar (2014) John Wick 2 (2017) Al filo del mañana (2014) Hasta el último hombre (2016) Pacific Rim (2013) Mision Imposible: Fallout (2018) 1917 (2019) Dr. Strange (Doctor Extraño) (2016) El lobo de Wall Street (2013) Tarde para la ira (2016)

Chus (Familia Accioncine)

Dani (Familia Accioncine)

Fernando Bote (Familia Accioncine)

1917 (2019) Dunkerque (2017) Interstellar (2014) Érase una vez en Hollywood (2019) Que Dios nos perdone (2016) El reino (2018) La isla mínima (2014) Mientras dure la guerra (2019) Joker (2019) Django Desencadenado (2012)

Historias de un matrimonio (2019) Ha nacido una estrella (2018) La la Land (2016) Ad Astra (2019) Parásitos (2019) Mistress America (2015) Antes del anochecer (2013) Interstellar (2014) Una cuestión de tiempo (2013) Lady Bird (2017)

Red Army (2014) La gran belleza (2013) Mandarinas (2013) Nightcrawler (2014) Parásitos (2019) Macbeth (2015) Custodia compartida (2017) Blancanieves (2012) Loving Vincent (2017) Hasta el último hombre (2016)

Fernando Santiago (Familia Accioncine)

Francesc (Familia Accioncine)

Glouth (Familia Accioncine)

Mision Imposible: Fallout (2018) Mision Imposible: Protocolo fantasma (2011) Skyfall (2012) El lobo de Wall Street (2013) Blade Runner 2049 (2017) Spectre (2015) The Man from U.N.C.L.E. (2015) John Wick 3 (2019) The Gentlemen: Los señores de la mafia (2019) Jason Bourne (2016)

Érase una vez en Hollywood (2019) Coco (2017) El gran Showman (2017) El irlandés (2019) Klaus (2019) Frozen (2019) Django Desencadenado (2012) El padre (2020) Soul (2020) Midsommar (2019)

Tangerines (2013) La isla mínima (2014) Intocable (2011) Whiplash (2014) Wolfwalkers (2020) The insult (2017) El capitán (2017) El techo del mundo (2015) Mad, Max Fury Road (2015) El lobo de Wall Street (2013)

Guille (Familia Accioncine)

Harlock (Familia Accioncine)

Ignis (Familia Accioncine)

Prisioneros (2013) Antes del anochecer (2013) Enemy (2013) Whiplash (2014) La la Land (2016) Érase una vez en Hollywood (2019) Del Revés (2015) Sound of Metal (2019) Vengadores. EndGame (2019) Birdman (2014)

Logan (2017) Vengadores. EndGame (2019) What Happened to Monday (2017) Whiplash (2014) Only Lovers left Alive (2013) Kenshin, el guerrero samurái 2 (2014) El hilo invisible (2017) El francotirador (2012) Batman: The Dark Knight Returns (2012) Rocketman (2019)

La llegada (2016) Mad, Max Fury Road (2015) La la Land (2016) Parásitos (2019) Inside Out (2015) La bruja (2015) Her (2013) Interstellar (2014) La isla mínima (2014) Drive (2011)

Ivan (Familia Accioncine)

Ivan CV (Familia Accioncine)

Javi (Familia Accioncine)

Interstellar (2014) Blade Runner 2049 (2017) Mad, Max Fury Road (2015) Prisioneros (2013) Érase una vez en Hollywood (2019) Whiplash (2014) Dunkerque (2017) Logan (2017) Quién a hierro mata (2019) Vengadores. Infinity War (2018)

Joker (2019) Érase una vez en Hollywood (2019) Mad, Max Fury Road (2015) El faro (2019) La isla mínima (2014) Sicario (2015) Interstellar (2014) Blade Runner 2049 (2017) Capitán América: El Soldado de Invierno (2014) John Wick 3 (2019)

La la Land (2016) La vida de Pi (2012) Interstellar (2014) Parásitos (2019) La llegada (2016) Vengadores. Infinity War (2018) Inside Out (2015) Mad, Max Fury Road (2015) Prisioneros (2013) Frozen (2019)

era una película para niños”, y para nuestra fortuna era sagazmente inclasificable dentro de la fórmula en la que trabajaba. Sin embargo, el acierto de Jane Eyre (2011) era honrar con calidad a la fórmula en la que había decidido habitar. En una u otra de estas dos posibilidades funcionan y se expresan con eficacia y con comodidad El vicio del poder (2018), Milius (2013), Rock of Ages. La era del rock (2012), Bone Tomahawk (2015), Can Feda (2018), Logan (2017), Tren a Busan (2016), Vengadores. Infinity War (2018), Argo (2012), Hereditary (2018), El gran showman (2017), Brawl in Cell Block 99 (2017), Coherence (2013), La habitación (2015), Electric Boogaloo: la loca historia de Cannon Films (2014), La caza

LAS MEJORES PELÍCULAS DE LA Década (2011-2020)

(2012), Spiderman: un nuevo universo (2018), Golpe de Estado (2015), Manchester by the Sea (2016), Suite francesa (2014), The Disaster Artist (2017), Elle (2016), Sin fin (2018) o Greenbook (2018). Y, nuevamente, en todas ellas observamos esa capacidad para no dejarse arrastrar a lo producido en cadena, lo que por ejemplo le permite ser a Spiderman: un nuevo universo, una película que sorprende como cine de animación y además funciona como la mejor versión de Spiderman en el cine, o por lo menos la más fiel al espíritu y al dinamismo de las propuestas del personaje de la Marvel en las viñetas, aunque su Spiderman no sea el titular Peter Parker, implicado también en la trama, sino el de la línea de cómics Ultimate: Miles Morales.

Jesús (Familia Accioncine)

John Galloway (Familia Accioncine)

Drive (2011) La la Land (2016) Interstellar (2014) Cuestión de tiempo (2013) La llegada (2016) Blade Runner 2049 (2017) Vengadores. Infinity War (2018) Los odiosos Ocho (2015) La bruja (2015) La vida de Pi (2012)

Drive (2011) La la Land (2016) Blade Runner 2049 (2017) Parásitos (2019) Mad, Max Fury Road (2015) Whiplash (2014) Django Desencadenado (2012) Her (2013) Tenet (2020) BlacKkKlansman (2018)

Juan (Familia Accioncine) Django Desencadenado (2012) 1917 (2019) Tres anuncios en las afueras (2017) Prisioneros (2013) La llegada (2016) Un día más con vida (2018) Nightcrawler (2014) Mad, Max Fury Road (2015) Animales nocturnos (2016) Her (2013)

Juanchitomadrid (Familia Accioncine) Cerrando ya el tema Estos son los que tengo A ver los rezagados... Max Suso Alex Charles Cdz Rod Sonia Ricardo

Lady Rockatansky (Familia Accioncine) Mad, Max Fury Road (2015) 1917 (2019) Midsommar (2019) Érase una vez en Hollywood (2019) Vengadores. EndGame (2019) Invencible (2014) Gravity (2013) El despertar del planeta de los simios (2014) La llegada (2016) 13 Horas (2016)

Luciano (Familia Accioncine) Interstellar (2014) Intocable (2011) El caballero oscuro: La leyenda renace (2012) Figuras ocultas (2916) Ad Astra (2019) Marte (2015) Her (2013) Salyut 7 (2017) Captain Phillips (2013) Sully (2016)

Max (Familia Accioncine)

Miguel Ángel (Familia Accioncine)

Interstellar (2014) Érase una vez en Hollywood (2019) La la Land (2016) Boyhood (2014) Intocable (2011) Comanchería (2016) Call Me By Your Name (2017) El hilo invisible (2017) La gran belleza (2013) Los miserables (2012)

The Master (2012) El arbol de la vida (2011) Blade Runner 2049 (2017) A proposito de Llewyn Davis (2013) Érase una vez en Hollywood (2019) El irlandés (2019) Dunkerque (2017) Mad, Max Fury Road (2015) La gran belleza (2013) Magical Girl (2014)

Morgan86 (Familia Accioncine) Érase una vez en Hollywood (2019) La la Land (2016) Vengadores. Infinity War (2018) Joker (2019) Parásitos (2019) El lobo de Wall Street (2013) Spiderman: Un nuevo Universo (2018) Coco (2017) 1917 (2019) Django Desencadenado (2012)

Pablo Espectro (Familia Accioncine)

Pedro José (Familia Accioncine)

Quique (Familia Accioncine)

La doncella (2016) La vida de Adèle (2013) El irlandés (2019) La llegada (2016) El reino (2018) 1917 (2019) La isla mínima (2014) La bruja (2015) Her (2013) Mad, Max Fury Road (2015)

Interstellar (2014) La llegada (2016) Mad, Max Fury Road (2015) El lobo de Wall Street (2013) Vengadores. Infinity War (2018) Coco (2017) La isla mínima (2014) El gran Showman (2017) Joker (2019) Spiderman: Un nuevo Universo (2018)

Interstellar (2014) Parásitos (2019) Your Name (2016) Érase una vez en Hollywood (2019) Intocable (2011) Tres anuncios en las afueras (2017) Spotlight (2015) Inside Out (2015) La isla mínima (2014) El reino (2018)

Rafa (Familia Accioncine)

Raquel (Familia Accioncine)

Ricardo (Familia Accioncine)

Interstellar (2014) Parásitos (2019) 1917 (2019) La llegada (2016) Historias de un matrimonio (2019) Sicario (2015) Tarde para la ira (2016) La isla mínima (2014) Blade Runner 2049 (2017) La vida de Adèle (2013)

Midsommar (2019) Coherence (2013) Hush (2016) No respires (2016) La autopsia de Jane Doe (2016) Déjame salir (2017) La invitación (2015) Krampus (2015) Expediente Warren (2013) Life (2017)

El topo (2011) Interstellar (2014) John Wick (2014) El puente de los espías (2015) Sicario (2015) Mad, Max Fury Road (2015) Silencio (2016) La llegada (2016) Dunkerque (2017) 1917 (2019)

Rod (Familia Accioncine)

Sonia (Familia Accioncine) Capitán América: El Soldado de Invierno (2014) Dr. Strange (Doctor Extraño) (2016) Thor Ragnarok (2017) Thor: El mundo oscuro (2013) Capitán América: Civil War Vengadores. EndGame (2019) La llegada (2016) Dunkerque (2017) Deadpool (2016) El faro (2019)

Suso (Familia Accioncine)

El faro (2019) Parásitos (2019) Enemy (2013) Under the Skin (2013) Baby Driver (2017) Birdman (2014) Call Me By Your Name (2017) La llegada (2016) Mad, Max Fury Road (2015) Érase una vez en Hollywood (2019)

Tony (Familia Accioncine)

Vicesteb (Familia Accioncine)

Victor (Familia Accioncine)

Tres anuncios en las afueras (2017) Joker (2019) La la Land (2016) Tarde para la ira (2016) Inside Out (2015) Parásitos (2019) Relatos Salvajes (2014) Los miserables (2019) La isla mínima (2014) Vengadores. EndGame (2019)

Joker (2019) La invitación (2015) Ida (2013) Regreso a Hope Gap (2020) Her (2013) Miss Violence (2013) La la Land (2016) Corpus Christi (2020) Musarañas (2014) La gran belleza (2013)

La isla mínima (2014) Mad, Max Fury Road (2015) Interstellar (2014) Érase una vez en Hollywood (2019) Parásitos (2019) El irlandés (2019) Ex-Machina (2014) El reino (2018) Dunkerque (2017) Klaus (2019)

Joker (2019) Valerian (2017) Drive (2011) Interstellar (2014) Mad, Max Fury Road (2015) La llegada (2016) Érase una vez en Hollywood (2019) El irlandés (2019) Blade Runner 2049 (2017) Prometheus (2012)

LAS MEJORES PELÍCULAS DE LA Década (2011-2020) Top 50

(Familia Accioncine)

Interstellar (2014) Mad, Max Fury Road (2015) Érase una vez en Hollywood (2019) La la Land (2016) Parásitos (2019) Joker (2019) La llegada (2016) 1917 (2019) La isla mínima (2014) Blade Runner 2049 (2017) Dunkerque (2017) Intocable (2011) Tres anuncios en las afueras (2017) Vengadores. EndGame (2019) El lobo de Wall Street (2013) Whiplash (2014) Drive (2011) El irlandés (2019) Django Desencadenado (2012) Sicario (2015) Prisioneros (2013) Vengadores. Infinity War (2018) El gran Showman (2017) Her (2013) Midsommar (2019) Inside Out (2015) Del Revés (2015) El faro (2019) Historias de un matrimonio (2019) Coco (2017) La gran belleza (2013) Enemy (2013) El reino (2018) Birdman (2014) Mision Imposible: Fallout (2018) La invitación (2015) Ad Astra (2019) Logan (2017) Antes del anochecer (2013) Tarde para la ira (2016) Capitán América: El Soldado de Invierno (2014) Dr. Strange (Doctor Extraño) (2016) Animales nocturnos (2016) Greenbook (2018) Madre (2017) Deadpool (2016) El caballero oscuro: La leyenda renace (2012) Nightcrawler (2014) El Hobbit, Un Viaje Inesperado (2012) El topo (2011) La vida de Adèle (2013) La doncella (2016) The Master (2012) Comanchería (2016) Tangerines (2013) Red Army (2014) Valerian (2017) Coherence (2013) La bruja (2015) El arbol de la vida (2011) La vida de Pi (2012) John Wick 3 (2019) Mision Imposible: Protocolo fantasma (2011) Ha nacido una estrella (2018) Hereditary (2018) Ready Player One (2018) La caza (2012) John Wick 2 (2017) Ida (2013) Thor Raknarok (2017) Call Me By Your Name (2017) John Wick (2014) El puente de los espías (2015) Hush( 2016) Your Name (2016) What Happened to Monday (2017) Skyfall (2012) Mandarinas (2013) Hasta el último hombre (2016) Isla de perros (2018) Mujercitas (2019) Puñales por la espalda (2019) Al filo del mañana (2014) Klaus (2019) Regreso a Hope Gap (2020) Thor: El mundo oscuro (2013) Under the Skin (2013) No respires (2016) A proposito de Llewyn Davis (2013) Boyhood (2014) El hilo invisible (2017) Figuras ocultas (2916) Tenet (2020) Cuestión de tiempo (2013) El Gran Hotel Budapest (2014) Richard Jewell (2019) Capitán América: Civil War La autopsia de Jane Doe (2016) Gravity (2013) Frozen (2019)

Las campeonas de los lectores Los lectores repiten en la cabecera de la lista Interstellar y Mad Max: Fury Road. Sitúan luego en tercer lugar Érase un vez en… Hollywood, seguida por La La Land (2016), Parásitos, Joker, La llegada, 1917, Blade Runner 2049, La isla mínima y Dunkerque. Curiosamente la bélica de Nolan pierde puestos y baja por detrás de la de ciencia ficción de Villeneuve y la bélica de Sam Mendes. Y otra nota que destaca es que la elección de los lectores entre las dos últimas entregas de Vengadores eligen Vengadores: Endgame (2019), frente a Infinity War, elegida por los críticos y que en su lista aparece por detrás. Coinciden en muchos otros títulos que se pueden comprobar en el listado que acompaña este texto, pero creo más interesante destacar aquí sus aportes a la lista de críticos y redactores, que bajo mi punto de vista son un poderoso recuerdo de la otra parte del abismo que he señalado más arriba: el cine concebido como evasión, evasión de calidad, ojo, porque el 90 por ciento de los títulos incluidos en la lista de lectores son, como mínimo, buenos, y muchos son muy buenos, con la salvedad, lo siento, de Life (2017), que es una floja copia, demasiado descarada, de Alien, y acaba cuando debería haber empezado, entre otros. En la lista de los lectores encontramos numerosos ejemplos de ese cine de franquicia del que hablaba más arriba, pero los lectores demuestran un criterio que les aplaudo incluso cuando eligen franquicia, y, con algunas excepciones, les vale lo bueno. Además, respaldan propuestas en la línea de las que podemos encontrar más arriba, e incluso añaden películas imprescindibles en la década, como Prisioneros (2013), Whiplash (2014), Enemy (2013), La gran belleza (2013), Birdman (2014), El reino (2018), Ad Astra (2019), La invitación (2015), Animales nocturnos (2016), Capitán América: el soldado de invierno (2014), Nightcrawler (2014), Tarde para la ira (2016), Comanchería (2016), El topo (2011), La doncella (2016), todos los John Wick, las dos últimas de Misión: Imposible, Call Me By Your Name (2017), El puente de los espías (2015), Boyhood (2014), El Gran Hotel Budapest (2014), Under the Skin (2013), Capitán América: Civil War (2016), Solo los amantes sobreviven (2013), Que Dios nos perdone (2016), Infiltrado en el KK Klan (2018), Ex-Machina (2014), Spotlight (2015), Doce años de esclavitud (2013), El francotirador (2012), El padre (2020), Mientras dure la guerra (2019), Perdida (2014), Sound of Metal (2019), Lady Bird (2017), Loving Vincent (2017), Quien a hierro mata (2019), The Gentlemen: los señores de la mafia (2019), Trece horas: los soldados secretos de Bengasi (2016), Criadas y señoras (2011), Hasta el último hombre (2016), Jason Bourne (2016), Prometheus (2012) y Rocketman (2019). Pero no quiero dejar pasar la ocasión sin recordar otros títulos que no están en las listas, como Silencio (2017), de Scorsese, Nebraska (2013), Tenemos que hablar de Kevin (2011), Gangs of Wasseypur (2012), Anomalisa (2015), Sombra (2018), Redada asesina 2 (2014), Stoker (2013) o Retrato de una mujer en llamas (2019). Miguel Juan Payán

CARTEL-MANÍA TOP DECADA 2011-2020

MAD MAX: FURIA EN LA CARRETERA (Mad Max: Fury Road) 2015; Australia; color; Director: George Miller; Guion: George Miller, Brendan McCarthy y Nick Lathouris; Música: Junkie XL; Fotografía: John Seale; Intérpretes: Tom Hardy (Max Rockatansky), Charlize Theron (Imperator Furiosa), Nicholas Hoult (Nux), Hugh Keays-Byrne (Immortan Joe); Duración: 120 minutos.

En 2015, a la tierna edad de 70 años, George Miller iba a dar una de las campanadas del siglo cinematográficamente hablando con Furia en la carretera. Pese al aviso de muchos que pretendían que el cineasta no tocase la trilogía original con uno de los personajes más icónicos de la historia del cine, que además lanzó la carrera de Mel Gibson, Miller se lanzó a la piscina para reinventarlo todo y, de paso, demostrar a cualquier director que quisiera intentarlo, cómo debe dirigirse una película de acción, y cómo debe ser una secuela. Reinventando la rueda prácticamente, Miller hizo de esta película una secuela y un reboot de la saga, con Tom Hardy como excelente relevo de Gibson, y con el personaje de Imperator Furiosa a cargo de una maravillosa Charlize Theron. La película era una suerte de La diligencia elevada a la enésima potencia. Un viaje sin límites de ida y vuelta que era un prodigio visual, por supuesto, pero al mismo tiempo un guion brillante que nos mostró que no hacen falta diálogos explicativos enormes para que el espectador comprenda lo que está sucediendo. Miller presenta un mundo y lo introduce como si ya lo conociésemos, por lo que los detalles los comprendemos según suceden. Nadie nos explica la religión de este asentamiento, pero enseguida la comprendemos gracias a lo que vemos. Es un ejemplo de guion que mide mucho sus diálogos, y que no se regodea con ellos. La imagen como narradora. Una imagen cuidada a todos los niveles que nos transporta a un mundo postapocalíptico, superando no solo las tres entregas anteriores, sino seguramente a la mayoría de películas de acción de la historia. Ganó seis Oscar, pero no los dos que más merecía, Mejor Director y Mejor Película. J U.

CARTEL-MANÍA TOP DECADA 2011-2020

PARÁSITOS (Gisaengchung) 2019; Corea del Sur; color; Director: Bong Joon Ho; Guion: Bong Joon Ho y Han Jin-won; Música: Jaeil Jung; Fotografía: Hong Kyung-pyo; Intérpretes: Song Kang-Ho (Ki Taek), Lee Sun-kyun (Dong Ik), Cho Yeo-jeong (Yeon Kyo), Choi Woo-sik (Ki Woo); Duración: 132 minutos.

La parábola social de Bong Joon-ho, de 2019, nos ha arrojado a la cara más de una verdad incómoda. ¿Quiénes son (somos) los parásitos? ¿Los de arriba o los de abajo? ¿O son quizá los que se esconden en la entreplanta? El cineasta asegura que su meta es hacernos sufrir, pero aquí se anota un logro mucho más meritorio, nadando además a contracorriente de la industria: hacernos pensar. Nadie sale indemne de la implacable obra del director surcoreano, más que un filme, toda una experiencia que nos obliga a involucrarnos con lo que vemos en pantalla: observamos, juzgamos y, cuando vamos a dictar sentencia, el realizador se nos adelanta, forzándonos a cambiar el veredicto a última hora. Todo ello no exento de riesgo, jugando sabiamente con la mixtura de géneros, cambiando el tono de forma natural, pasando del costumbrismo al humor negro, del thriller psicológico al terror en su concepción más primaria. Y muy importante: sin permitirnos bajar la guardia. Porque Parásitos nos divierte y nos aterra. La carcajada brota en una secuencia para, inmediatamente después, tener que reprimirla. Su grandeza es precisamente esa: una vez finalizada, cuesta definir lo que acabamos de presenciar. Independientemente de que haya hecho historia al ser la primera cinta de habla no inglesa oscarizada como mejor filme, lo cierto es que Parásitos supone la consagración de su autor, valga aquí el término más como un adjetivo que como un sustantivo. Porque Bong Joon-ho es un cineasta de mirada y mensajes únicos, muy reconocibles, con alergia al maniqueísmo, y poseedor de una filmografía repleta de monstruos mitológicos y terrenales. En resumen, una obra imprescindible para identificar los males que nos acechan y los que, a buen seguro, están por venir. Pero, ante todo, una película para conocernos mejor a nosotros mismos. Nos guste o no. J.V.E.

CARTEL-MANÍA TOP DECADA 2011-2020

DUNKERQUE

BLADE RUNNER 2049

(Dunkirk) 2017; Reino Unido; color; Director: Christopher Nolan; Guion: Christopher Nolan; Música: Hans Zimmer; Fotografía: Hoyte Van Hoytema; Intérpretes: Fionn Whitehead (Tommy), Kenneth Branagh (Commander Bolton), Tom Hardy (Farrier), Mark Rylance (Mr. Dawson); Duración: 106 minutos.

Nolan contó con cien millones de dólares para el blockbuster más corto de su filmografía, y la segunda película más corta de las que ha dirigido, superada en eso solo por su primer largometraje, Following. Recaudó en taquilla en todo el mundo 526 millones de dólares. Y aunque hay discrepancias entre sus seguidores, sobre si este caleidoscopio bélico es mejor o no que Interstellar, en mi lista entra en el segundo puesto de lo mejor del director tras El caballero oscuro, quedando Interstellar en el tercer puesto. Más allá de las pequeñas diferencias entre crítica y público, nadie puede negarle, ni en la encuesta de unos ni en la de otros, un puesto de honor a Dunkerque entre lo mejor de la década que acabamos de dejar atrás. Uno de los logros de Christopher Nolan en este largometraje reside en que reinventa el cine bélico de gran presupuesto partiendo de lo que en toda regla fue una derrota, por mucho que la propaganda aliada lo haya vendido, lógicamente, como alguna forma de victoria, explicando que sin poder contar con los efectivos rescatados en esa operación, Inglaterra no habría podido proseguir la guerra contra Alemania y sus aliados que posteriormente acabó llevando a la derrota de Hitler. La reinvención de Nolan de la fórmula le lleva a someter todas las claves habituales del género bélico, Segunda Guerra Mundial, gran presupuesto, masas en pantalla, etc., a sus propios intereses y preocupaciones como autor. En ese sentido, opera de la misma manera, y en el mismo año, en que operó Denis Villeneuve en Blade Runner 2049: sus intereses personales como autor persisten y las claves del género se adaptan a ellos. El tema del juego con el tiempo y la construcción del laberinto de información que debe desentrañar el espectador siguen presentes. Nolan también reinventa la épica desde la derrota y en una historia de supervivencia. M.J.P.

2017; EE UU; color; Director: Denis Villeneuve; Guion: Hampton Fancher, Michael Green y Philip K. Dick; Música: Benjamin Wallfisch y Hans Zimmer; Fotografía: Roger Deakins; Intérpretes: Ryan Gosling ('K'), Harrison Ford (Rick Deckard), Ana de Armas (Joi), Robin Wright (Lieutenant Joshi); Duración: 164 minutos.

La inversión de 150 millones de dólares en la película acabó recaudando en todo el mundo más de 259 millones, y nos alegramos, porque ciertamente merecía mayor éxito y más respaldo en su estreno. Villeneuve nos da una de sus mejores películas, y además se confirmó, si acaso lo necesitaba, que no creo, como uno de los directores esenciales en el paisaje del cine de nuestros días. Lo que le ha ganado el voto de público y crítica en nuestra encuesta de la revista ACCIÓN es, entre otras cosas, su talento para revisitar un título mítico de la ciencia ficción, como es Blade Runner, de Ridley Scott, y conseguir incrementar la mitología que lo rodea, su universo de ficción, siendo al mismo tiempo capaz de mantener su independencia y personalidad frente al precedente, pero sin atentar por ello contra él. Es algo que por ejemplo se ha demostrado que fue imposible para los gestores de la última trilogía de Star Wars, por poner un ejemplo cercano tanto en el tiempo como en las aficiones de los lectores de esta revista. Villeneuve no se limita a replicar lo que ya vimos en Blade Runner, sino que profundiza en sus claves y avanza en su abordaje. Su dibujo de esa sociedad del futuro se mantiene además cercana y afín a sus inquietudes como autor, retiene las claves de las preocupaciones, intereses y opiniones personales que lo califican como tal. La que nos propone Villeneuve es una visión más oscura de la que nos propuso Scott, la clave está en el tratamiento de los ojos, la mirada. Cómo se mira y quién mira son temas centrales en la profundización del viaje de los replicantes. M.J.P.

CARTEL-MANÍA TOP DECADA 2011-2020

HER

JOKER

2013; EE UU; color; Director: Spike Jonze; Guion: Spike Jonze; Música: Arcade Fire; Fotografía: Hoyte Van Hoytema; Intérpretes: Joaquin Phoenix (Theodore), Amy Adams (Amy), Rooney Mara (Catherine), Olivia Wilde (Blind Date); Duración: 126 minutos.

2019; EE UU; color; Director: Todd Phillips; Guion: Todd Phillips, Scott Silver y Bob Kane; Música: Hildur Guðnadóttir; Fotografía: Lawrence Sher; Intérpretes: Joaquin Phoenix (Arthur Fleck), Robert De Niro (Murray Franklin), Zazie Beetz (Sophie Dumond), Frances Conroy (Penny Fleck); Duración: 122 minutos.

El enamoramiento es una forma de locura transitoria socialmente aceptada. Esto es algo de lo que trata Her (Spike Jonze, 2013), uno de los filmes más sorprendentes y estimulantes que recuerdo. Spike Jonze logra acertar con sus insólitas propuestas. Otras son Cómo ser John Malkovich (Being John Malkovich, 1999) o El ladrón de orquídeas (Adaptation, 2002). Esta vez, Jonze plantea ese asunto tan peliagudo del enamoramiento desde un punto de vista totalmente especial: el del uso de la inteligencia artificial o cómo alguien puede enamorarse de una simple voz. Esta es una idea que de partida puede resultar muy poco creíble, a pesar de que tal sonido provenga de Scarlett Johansson. Pero en el filme de Jonze, que de comedia tiene poco, esa idea se percibe como algo totalmente verosímil. Y lo es porque se plantea con inteligencia mediante una propuesta de deslumbrante factura y color, nunca exenta de una enorme carga emotiva. Theodore (Joaquin Phoenix), domina el arte escribir cartas sentimentales para otras personas y sabe mucho sobre los sentimientos, pero su vida no es precisamente ningún ejemplo de estabilidad anímica. El actor ofrece un portentoso retrato humano sobre el mal de amores. Y lo hace con un aspecto muy calculado respecto a las intenciones estéticas y al mensaje del filme. El director, muy frecuente en el terreno de los vídeos musicales, cuida al máximo lo que transmiten los actores y la estética de la película, aquí apasionante en sus luces y colores, acordes a diferentes estados anímicos, como la nostalgia, la soledad o la alienación tecnológica. El uso que se da a los flashbacks es perfecto y la elegancia visual y de la puesta en escena me resultan apasionantes. Algo que junto a la propuesta musical de la formación Arcade Fire hacen de Her un drama especialmente inolvidable. S.H.

La película de Todd Phillips merece un hueco entre las mejores de la década, aunque solo sea por su osadía. Por huir de lo formulario, de lo reiterativo, y entregarnos una nueva visión del mítico villano de Batman. Ni mejor ni peor que la de Heath Ledger o Jack Nicholson, simplemente distinta. Lo “sencillo” habría sido volver al anárquico universo de gánsteres y esquizofrenia nihilista de El caballero oscuro, con el clásico enfrentamiento del Joker contra Batman, pero en esta ocasión, su mayor enemigo es él mismo: Arthur Fleck. Lejos de los fuegos de artificio que rodean al cine de superhéroes en los últimos años, Phillips apuesta por contar el nacimiento del Príncipe Payaso del Crimen en forma de un espléndido estudio de personaje que convierte el relato en un drama psicológico cargado de sordidez humana y crítica sociopolítica. Muchos confundieron su mensaje, tachándolo de incendiario, cuando en realidad la película no justifica los actos del protagonista ni hace una llamada a la rebelión, sino que nos invita a ser más tolerantes, pues la sociedad deshumanizada e individualista que retrata es la que se encarga de despertar al monstruo. Esa personalidad siempre había estado ahí, dormida, pero cada ser humano afronta los problemas de una determinada manera, y en el caso de una persona tan inestable como esta, su comportamiento puede ser imprevisible. Por lo tanto, se trata de un guion con una gran carga psicológica que Joaquin Phoenix ha sabido exprimir, dando vida a un Joker taciturno y personalísimo, en el que es el mejor papel de su carrera. Sumémosle a todo esto una banda sonora que nos sumerge perfectamente en su pesadilla existencial y unos estallidos de violencia, breves y contundentes, que impactan más que cualquier gran batalla superheroica. La entrevista con Murray o el baile liberador sobre el capó del coche son ya imágenes icónicas que se recordarán de esta prolífica década cinematográfica. A.G.

CARTEL-MANÍA TOP DECADA 2011-2020

LA LLEGADA

LA ISLA MÍNIMA

(Arrival)

2014; España; color; Director: Alberto Rodríguez; Guion: Rafael Cobos y Alberto Rodríguez; Música: Julio de la Rosa; Fotografía: Alex Catalán; Intérpretes: Raúl Arévalo (Pedro Suárez), Javier Gutiérrez (Juan Robles), Nerea Barros (Rocío), Antonio de la Torre (Rodrigo); Duración: 105 minutos.

2016; EE UU; color; Director: Denis Villeneuve; Guion: Eric Heisserer y Ted Chiang; Música: Jóhann Jóhannsson; Fotografía: Bradford Young; Intérpretes: Amy Adams (Louise Banks, Jeremy Renner (Ian Donnelly), Forest Whitaker (Colonel Weber), Michael Stuhlbarg (Agent Halpern); Duración: 116 minutos.

Son varias las películas de Denis Villeneuve que podrían figurar en este ranking. Ahora bien, ¿por qué La llegada (2016)? Quizá es la constatación definitiva del cineasta canadiense como “autor comercial”, dos términos que, por desgracia, rara vez se asocian. Junto con Christopher Nolan y David Fincher, estamos ante uno de los principales beneficiarios de la herencia de Steven Spielberg o de aquel primer y deslumbrante Ridley Scott. Un cineasta con visión e identidad propias y un paladar visual impecable. Pero, por encima de todo, tenemos a un narrador nato. Un contador de historias, siempre interesantes, complejas y en último término fascinantes. En ese sentido, es de los realizadores que en mejor consideración tiene al público. Siempre lo trata con el mayor de los respetos. El filme que nos ocupa es prueba de ello. Era difícil de prever y más aún de lograr, pero La llegada supone un giro adulto al tópico de la invasión extraterrestre. Un subgénero del cual parece haberse dicho ya todo, con algunas obras maestras en su haber, pero que inevitablemente acaba hincando la rodilla ante el reduccionismo más pueril. Siguiendo con los paralelismos, un primer visionado podría darnos a entender que Villeneuve ha construido aquí el Encuentros en la tercera fase del siglo XXI: un entendimiento entre especies en el que la música deja paso a los símbolos como lengua universal. También podríamos pensar que estamos ante una reedición de Ultimátum a la Tierra, con unos visitantes que aterrizan solo para avisarnos de que algo no estamos haciendo bien. Algo de todo eso hay, sí. Pero la propuesta, tanto la de Villeneuve como la de los propios alienígenas, va mucho más allá: el tiempo, en su concepción física, como “alfabeto”, como vía de comprensión entre nuestro mundo y los que puede haber. ¿El resultado? Una obra cumbre de la ciencia ficción. J.V.E.

La isla mínima (2014) no solo merece encontrarse entre las mejores películas de la década, es además una de las mejores películas de la historia hechas en nuestro país. Un tipo de cine que no se estila mucho, a caballo entre el thriller y el policiaco de los años setenta, con un tono que servía para hablar de una época y de unos cambios que en cierta medida nos traerían hasta nuestros días, como fue la transición. Alberto Rodríguez daba un paso más adelante tras la excelente Grupo 7, y nos trasladaba a una región al sur de España para investigar la desaparición de dos niñas junto a dos inspectores de policía que no podían ser más distintos, pero que habían sido llevados a investigar ese caso porque no tenían muchos aliados en Madrid, precisamente. Quieren deshacerse de ellos, alejarlos del centro. Junto a su guionista habitual, Rafael Cobos, Rodríguez compone un fresco donde destacan unos personajes tan nuestros y tan llenos de vida que todos podrían tener su propia película. Por supuesto que, en este caso, el reparto ayuda muchísimo. Desde los dos brillantes protagonistas, Javier Gutiérrez y Raúl Arévalo, a nombres como Antonio de la Torre, Nerea Barros, Jesús Carroza, Manolo Solo, Salva Reina (inolvidable la caldereta de Bambi) o uno de los primeros papeles de Jesús Castro. La historia es como una bruma que envuelve al espectador y le lleva a seguir el rastro de migas del misterio sin poder despegarse de la pantalla. Pero además, a nivel visual, Rodríguez da un paso de gigante componiendo unos planos de una belleza sobrecogedora, ya sean esos planos cenitales o la mirada a las marismas en el atardecer. El territorio como personaje, una de las claves de la película, que la convierten en un prodigio a todos los niveles y una película que nunca me cansaré de ver. Sus diez Goyas, más que merecidos, saben a poco, y nunca entenderemos por qué no la enviamos a los Oscar… J U.

CARTEL-MANÍA TOP DECADA 2011-2020

DEL REVÉS

EL IRLANDÉS

(Inside Out) 2015; EE UU; color; Director: Pete Docter; Guion: Pete Docter, Ronnie Del Carmen y Meg LeFauve; Música: Michael Giacchino; Duración: 95 minutos.

(The Irishman) 2019; EE UU; color; Director: Martin Scorsese; Guion: Steven Zaillian y Charles Brandt; Música: Robbie Robertson; Fotografía: Rodrigo Prieto; Intérpretes: Robert De Niro (Frank Sheeran), Al Pacino (Jimmy Hoffa), Joe Pesci (Russell Bufalino), Harvey Keitel (Angelo Bruno); Duración: 209 minutos.

Del revés (Pete Docter y Ronaldo del Carmen, 2015) es un filme temerario por dos motivos. El primero y principal está en su mensaje, que no moralina, inevitable en toda producción de Pixar. Un mensaje que hoy, entre animosos «estados» de redes sociales, emoticonos sonrientes y fotos perfectamente editadas y filtradas como pruebas palpables de una vida plena, solo puede calificarse de revolucionario: cuando así lo sientas, deja que la tristeza, al menos de vez en cuando, tome los mandos de tu vida. Y permite que los demás lo sepan. Reserva tu alegría para aquellos momentos en los que de verdad lo merezca. Porque sin duda los habrá.

El irlandés (Martin Scorsese, 2019) es la obra de un maestro, o, directamente, una obra maestra. El director más influyente de las últimas décadas se dedica un autohomenaje. Más allá de que pueda sonar autoindulgente por su parte, cosa que no es, tal honor estaría más que justificado. Porque, independientemente de los años de espera ante un proyecto imposible, del reparto estelar, de los (discutidos) rejuvenecimientos digitales y de su sorprendente (por aquel entonces) lanzamiento vía Netflix, el casi octogenario Scorsese nos brinda la sabiduría del superviviente. Un último vals con el que echa la mirada atrás, hacia todo aquello que le hizo grande.

El segundo y muy meritorio motivo descansa en el hecho de que se desvía de forma consciente de su target potencial, con todo el riesgo que eso entraña para el estudio. Es posible que los más pequeños la disfruten. Pero parece necesario haber superado la niñez y la adolescencia, si es que alguna vez ambas fases se superan, para entender la obra en toda su complejidad. Saber de antemano que ese torrente de coloridas emociones que rige nuestros impulsos nos va a deparar varias etapas, y que Del revés nos está relatando la primera de todas, la más importante, la que nos pondrá a prueba: ese pequeño gran paso en el que descubrimos que la pérdida forma parte de la vida. En más de un sentido, el filme resulta emocionante, nos hace testigos y partícipes de la evolución de esa esencia intangible, que todos atesoramos, sometida a multitud de factores internos y externos, y que conocemos como “personalidad”.

El viaje que emprende Frank Sheeran y sobre el que se articula El irlandés tiene un aire de final de trayecto, de fin de fiesta, de despedida. Es muy posible que no sea la última película de Scorsese. Da la impresión de que solo el tiempo biológico puede frenarle, apagar una voz que todavía tiene muchas cosas que contar y que enseñar. No en vano, el tiempo es aquí protagonista, el principal «robaplanos» de un elenco irrepetible. Sobre su paso inexorable, conceptos como lealtad y traición, culpa y redención, tan caros a su filmografía, cobran un significado existencial. Pocas veces ha tratado el cineasta a sus personajes con tanta humanidad. Sus “chicos listos” se han hecho mayores. Y Scorsese con ellos.

Pixar nos lo pone difícil con cada estreno. Pero, para quien escribe estas líneas, Del revés no solo es la obra magna de una factoría inagotable en su imaginación e ingenio; es, también, uno de los filmes de la década. De cualquier década. J.V.E.

El reencuentro de De Niro, Pesci y Keitel con el cineasta, sumando por primera vez a la troupe a Al Pacino, nos hacía presagiar un filme enérgico: la neurosis de Uno de los nuestros, la furia de Casino y, por qué no, los aires shakesperianos de su amigo Coppola. Esperábamos rock and roll, pero nos equivocamos. En su lugar, escuchamos un doowop melancólico y sorprendentemente romántico. Que a nadie le sorprenda: Scorsese nunca nos ha dado la película que esperábamos; solo la que él quería. J.V.E.

CARTEL-MANÍA TOP DECADA 2011-2020

DRIVE

EL HILO INVISIBLE

2011; EE UU; color; Director: Nicolas Winding Refn; Guion: Hossein Amini y James Sallis; Música: Cliff Martinez; Fotografía: Newton Thomas Sigel; Intérpretes: Ryan Gosling (Driver), Carey Mulligan (Irene), Bryan Cranston (Shannon), Oscar Isaac (Standard); Duración: 100 minutos.

(Phantom Thread)

La década de los años diez de este siglo se inició con Drive (Nicolas Winding Refn, 2011), un filme de culto inmediato que convirtió en una auténtica estrella (si no lo era ya) a Ryan Gosling, cuyo personaje taciturno y de pocas palabras se expresa con la mirada y sus actos. Drive es la historia de un hombre sin nombre, un mecánico y especialista de cine de Los Ángeles, que ejerce asimismo de conductor para atracadores y que como muchos héroes del wéstern (en este caso del asfalto), tiene sus propias reglas y código de honor, y también como muchos de ellos ejerce la violencia (incluso extrema) si es necesario, porque su amor por su vecina Irene y su hijo Benicio es puro y sincero, y está dispuesto a sacrificarse por ellos. Del largometraje del director Nicolas Winding Refn destaca su magnífico reparto, con un malvado Albert Brooks (tan alejado de la comedia que tanta fama le ha dado en su carrera) o con Carey Mulligan y Gosling, cuya química en pantalla es indiscutible. Otro de los grandes aciertos es la estética ochentera (tipo Corrupción en Miami), incluyendo el uso de la fuente Mistral en los créditos y la imprescindible inspiración en Michael Mann, en cuya filmografía hay asimismo héroes solitarios cuyo inevitable destino está escrito, es el caso de Frank de Ladrón (1981) o Neil McCauley de Heat (1995). Drive rinde asimismo tributo a los años ochenta del siglo pasado con temas retrowave de Kavinsky y Gollege & Electric Youth, sin olvidar la recuperación de la canción “Oh My Love” de Riz Ortolani y Katyna Ranieri, perteneciente al brutal drama sobre la esclavitud Adiós, tío Tom (Gualtiero Jacopetti y Franco Prosperi, 1971), uno de los títulos favoritos del realizador danés. El Premio al Mejor Director en la edición de Cannes de ese año y una buena acogida en taquilla avalaron a la mejor película de los últimos dos lustros. S.B.

2017; EE UU; color; Director: Paul Thomas Anderson; Guion: Paul Thomas Anderson; Música: Jonny Greenwood; Fotografía: Paul Thomas Anderson; Intérpretes: Daniel Day-Lewis (Reynolds Woodcock), Lesley Manville (Cyril), Vicky Krieps (Alma), Julie Vollono (London Housekeeper); Duración: 130 minutos.

Reconozco que me sentía distante de Paul Thomas Anderson desde Pozos de ambición (There Will Be Blood, 2007). Tanto The Master (Idem, 2012), como Puro vicio (Inherent Vice, 2014), habían despertado en mí sorpresa y atracción, pero también un innegable componente de decepción. Con El hilo invisible (2017) regresó el genio único de este director, tal como yo deseaba y ansiaba egoístamente desde hacía tanto tiempo. La factura del filme es tan perfecta y cuidada hasta el más mínimo de los detalles como lo son las creaciones de su protagonista, un insólito y carismático modisto de alto standing encarnado por Daniel Day-Lewis. El recital interpretativo del actor resulta ser merecedor de todos los premios y reconocimientos posibles. La realidad de los galardones, por desgracia, suele ser otra. Y es que Day-Lewis se reafirma aquí, sin lugar a dudas, como uno de los mejores actores de la historia del cine. Su creación, Reynolds Woodcock, alcanza la perfección con el guion, dando vida a una persona enfermiza, atormentada y obsesiva, pero admirable a ratos y criticable en no escasas ocasiones. Frente a él no desmerecen las actrices Lesley Manville y Vicky Krieps, en una película claramente femenina en la que el celo por lo perfecto y por alcanzar lo sublime, traumas de por medio, se enfrentan de manera directa al amor, los instintos humanos y las manipulaciones, en un curioso triángulo pasional que para el espectador se materializa en una poética obra de arte que supera las dos horas de puro deleite cinematográfico. No hay peros posibles en la perfección y exquisitez que nos ofrece el director. Un filme donde la sorprendentemente bella y delicada música de Jonny Greenwood, miembro del grupo Radiohead, supone una certera serie de puntadas realizadas con hilo inteligente sobre un bordado digno de los mejores halagos. S.H.

CARTEL-MANÍA TOP DECADA 2011-2020

JANE EYRE 2011; Reino Unido; color; Director: Cary Joji Fukunaga; Guion: Charlotte Brontë y Moira Buffini; Música: Dario Marianelli; Fotografía: Adriano Goldman; Intérpretes: Mia Wasikowska (Jane Eyre), Michael Fassbender (Rochester), Jamie Bell (St John Rivers), Judi Dench (Mrs. Fairfax); Duración: 120 minutos.

Resulta sorprendente que, después de las numerosas y normalmente brillantes adaptaciones cinematográficas y televisivas de la novela de Charlotte Brontë, el californiano Cary Joji Fukunaga consiguiera aportar un punto de vista diferente y estimulante, para contar la historia de la joven huérfana nominada Jane Eyre. Con un hipnótico minimalismo escénico, Fukunaga juega de manera inteligente con los elementos incluidos en el libro de Brontë; ingredientes dramáticos que el director potencia con el interés puesto en la introspección paisajística, y en las contradicciones y miedos humanos. Esta fórmula le permite sublimar el retrato de la pareja protagonista, dos seres marcados por cicatrices invisibles, que les hacen esquivos y desconfiados. Fukunaga entiende a la perfección el agreste romanticismo que viven Jane Eyre y Edward Rochester, encerrados en las oscuras y desangeladas estancias de Thornfield: una mansión plagada de secretos, que acerca el relato de Charlotte Brontë a los terrenos del terror gótico. Dentro de semejante esquema artístico, el guion de Moira Buffini engrandece su discurso, con las acertadas y seguras interpretaciones de Mia Wasikowska (como Jane Eyre) y Michael Fassbender, quien apuntaló sus opciones estelares a nivel internacional, con su esforzada y verosímil caracterización de Edward Rochester. Cada una de las adaptaciones de Jane Eyre exhibe algo en su ADN audiovisual, que la destaca como digna representante de la genial obra de Charlotte Brontë; y esta aproximación de Cary Joji Fukunaga se distingue por la sobria puesta en escena, que sincroniza de manera magistral los decorados en los que transcurren la acción y la evolución de los personajes. El inspirado ejercicio de ambientación hunde sus raíces en el poder de fascinación que despliega la novela original, y que ayuda a diseñar el conjunto de individuos desgraciados que alimentan las secuencias, los cuales se encuentran torturados por una sociedad preocupada únicamente por mantener las apariencias. J M.

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TRES ANUNCIOS EN LAS AFUERAS (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri) 2017; Reino Unido; color; Director: Martin McDonagh; Guion: Martin McDonagh; Música: Carter Burwell; Fotografía: Ben Davis; Intérpretes: Frances McDormand (Mildred), Woody Harrelson (Willoughby), Sam Rockwell (Dixon), John Hawkes (Charlie); Duración: 115 minutos.

Existen directores a los que les encanta que su puesta en escena sea visible, que se vea cómo se expresan con el lenguaje cinematográfico. Muy pocos prefieren cimentar su propuesta en un guion sobrio, en un montaje clásico con un tono fluctuante y confiar en la habilidad de sus actores. Este es el peculiar estilo de los hermanos Coen, por ejemplo. Aunque en los últimos años, el angloirlandés Martin McDonagh ha elegido adoptar también este modelo. Casualmente, como los Coen, McDonagh también escribe sus películas. Los personajes de Tres anuncios en las afueras albergan tanta solidez que les bastan apenas dos horas para lograr una más que evidente evolución. Ayudan bastante los talentos de Woody Harrelson, Frances McDormand, y el siempre subestimado Sam Rockwell, por supuesto, pero sin la humildad de su director para echarse a un lado, la cinta sería solo una más. El McDonagh guionista elige profundizar en el alma de sus personajes para entender cómo se comportan, qué les ha llevado a ser de esa manera y cómo el final de uno de ellos cambia la perspectiva de los otros dos: mientras que uno comprará billete directo hacia la redención, la otra tomará un desvío para apagar la amargura. El McDonagh director se centra en montarnos en una montaña rusa de emociones; y lo hace con crueldad y sin reparos en trasgredir el buen gusto, o incluso la justicia. Desea incomodarnos y lo logra con sencillez: cuando la comedia negra domina y parece que nos vamos a divertir, nos golpea con escenas impactantes, con giros inesperados, para recordarnos que la vida de algunos es una tragedia. Por cierto, es verdad que los tres anuncios en las afueras representan un arranque impactante, pero lo que en realidad incendia la historia son tres cartas escritas desde muy adentro. J C.P.

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AMOR

EL VICIO DEL PODER

(Liebe)

(Vice)

2012; Austria; color; Director: Michael Haneke; Guion: Michael Haneke; Fotografía: Darius Khondji; Intérpretes: Jean-Louis Trintignant (Georges), Emmanuelle Riva (Anne), Isabelle Huppert (Eva), William Shimell (Geoff); Duración: 127 minutos.

2018; EE UU; color; Director: Adam McKay; Guion: Adam McKay; Música: Nicholas Britell; Fotografía: Greig Fraser; Intérpretes: Christian Bale (Dick Cheney), Amy Adams (Lynne Cheney), Steve Carell (Donald Rumsfeld), Sam Rockwell (George W. Bush); Duración: 132 minutos.

Amor es una declaración de amor al cine de Michael Haneke. Pero no a todo el cine, sino al cine clásico, el de John Ford, Hawks, Capra…, el de los dioses que emplazaban la cámara en una posición fija y creaban vida delante de ella. Lo declara también desde la elección de su pareja protagonista: Jean-Louis Trintignant es uno de los actores fetiches de la nouvelle vague que tanto admira su director, y Emmanuelle Riva era la intérprete de la Hiroshima, mon amour, de Alain Resnais, uno de los filmes fundacionales del movimiento. Ambos aparecen por cierto en algunos de los Tres colores –Riva en Azul y Trintignant en Rojo– de Krzysztof Kieślowski, el gran moralista del cine polaco y europeo cuyo testigo recogió el austriaco Michael Haneke para su Amor. Amor no será el mejor largometraje de su año, en el que obtuvo todos los premios que se podían alcanzar, pero qué importa. Seguro que no es la mejor película de esta década, tampoco lo pretendía; ni siquiera la mejor de su director, lo que dice mucho de su carrera. Amor es, sin embargo, mi película, porque no conozco una mejor manera de definir la palabra amor. Y no me refiero al endless love romántico, sino al amor real, el que podría incluso demandar un terrible sacrificio. En el momento de redactar estas líneas, a finales de este apocalíptico 2020, Riva ya no camina entre nosotros. Nos dejó en 2017. Trintignant acaba de cumplir por su parte noventa años. Batalla contra el cáncer y el tormento que lo retiró del cine en 2003: el asesinato de su hija Marie a puños de su entonces pareja. Solo Haneke ha logrado desde entonces sacarlo de su recogimiento. Así que por esto y por su valentía, y por un cine que únicamente hace usted, danke, herr Haneke. J C P.

No tengo reparo alguno a la hora de confesar que consumo todo tipo de cine y por eso aprecio de forma especial determinadas gamberradas de directores como los hermanos Farrelly o Adam McKay, responsable, en esta ocasión, de El vicio del poder (2018). Los filmes del director, pensados para mayor gloria de Will Ferrell (aquí productor), podrán ser denostados por algunos críticos, pero yo siempre los defenderé como una sana diversión donde muchos no saben encontrar una innegable inteligencia. Es por esto que el éxito crítico de La gran apuesta (The Big Short, 2015) no hizo más que confirmar el talento de ese tipo de artesanos del entretenimiento, poseedores de una mala leche y acidez crítica de las que siempre carecerán otros autores más reputados. En El vicio del poder, McKay no hace más que superarse respecto a su anterior hito, beneficiado de una serie de interpretaciones sublimes, tanto por parte de Christian Bale, Steve Carell o Sam Rockwell, sin ignorar la calidad actoral de todo el reparto y la siempre genial Amy Adams. Este fascinante filme logra que una suerte de biopic política de más de dos horas de duración, algo en principio abocado al tedio, deslumbre al espectador contra pronóstico. De un montaje excepcional, esta interesantísima maraña política de corrupción hábilmente tejida, revela los males que para el ser humano supone ostentar el exceso de poder. Y lo que en principio puede venderse como una comedia ácida, supone luego la revelación de una escalofriante historia de terror que afecta a toda la humanidad. Dick Cheney, inteligentemente parapetado en su marioneta George W. Bush, resulta ser uno de los más diabólicos seres que han ocupado la Casa Blanca, encarnando una verdadera desgracia de nuestro tiempo. Excelente empleo de la música y sensacional partitura de Nicholas Britell. Un filme admirable. S.H.

CARTEL-MANÍA TOP DECADA 2011-2020

MILIUS

1917

2013; EE UU; color; Director: Joey Figueroa y Zak Knutson; Música: Daniel Sternbaum; Fotografía: Joey Figueroa y Zak Knutson; Duración: 103 minutos.

2019; Reino Unido; color; Director: Sam Mendes; Guion: Sam Mendes y Krysty Wilson-Cairns; Música: Thomas Newman; Fotografía: Roger Deakins; Intérpretes: George MacKay (Lance Corporal Schofield), Dean-Charles Chapman (Lance Corporal Blake), Mark Strong (Captain Smith), Colin Firth (General Erinmore); Duración: 119 minutos.

Hombre, mito, legenda…, el más grande creador de historias del cine moderno tiene un nombre, John Milius, y este magnífico documental de Joey Figueroa y Zak Knutson de 2013, Milius, reivindica y anima a redescubrir a este outsider de Hollywood, un anarquista zen que escribió los mejores guiones de los años setenta, después de ser rechazado para ir al Vietnam a causa de su asma. En esta película se cuenta cómo llegó a ser uno de los guionistas mejor pagados del séptimo arte estadounidense, formando un grupo de amigos, de estudio y de trabajo, con otros grandes como Steven Spielberg, George Lucas o Francis Ford Coppola, aunque también cómo no se quiso adaptar a la industria, buscando siempre sacar adelante sus proyectos tal y como los había concebido (como su filme El gran miércoles). Aunque muchos le conocen especialmente por la película de propaganda anticomunista Amanecer rojo (1984), que le llevó prácticamente al ostracismo, es necesario exaltar la figura de quien, tras ese personaje aparentemente duro y que gusta de empuñar armas de fuego, es una de las personas claves del celuloide de las últimas décadas, creador de las frases más emblemáticas de Harry Callahan en Harry, el sucio, y del teniente coronel Bill Kilgore en Apocalypse Now, del monólogo de Quint acerca del USS Indianapolis en Tiburón o de los diálogos del capitán Marko Ramius en La caza del Octubre Rojo. Esta producción repasa su vida y obra, permitiendo conocer al auténtico John Milius por boca de él mismo, de Lucas, Coppola, Oliver Stone, Michael Mann, Arnold Schwarzenegger (al que convirtió en actor en Conan, el bárbaro) o de Spielberg (que consideraba que el ictus acontecido a Milius era lo peor que le había pasado a un amigo suyo). En verdad, un hombre con una desbordante imaginación (creador además de la lucha UFC), que espera que guiones suyos, como el de Genghis Khan, sean trasladados por fin a la pantalla. S.B.

Regreso a la Primera Guerra Mundial para abordar la contraépica ética, que llena su historia de contenido, llegando en ese sentido aún más lejos y más profundo de lo que en su momento nos propuso Mel Gibson en su película Hasta el último hombre. Así consigue una de las mejores películas que ilustran ese conflicto que abrió el ciclo bélico mundial dominante en la primera mitad del siglo XX, completando la lista de las cinco grandes inmersiones del cine en la Primera Guerra Mundial: Cuatro de infantería (G. W. Pabst, 1930), Sin novedad en el frente (Lewis Milestone, 1930), La gran ilusión (Jean Renoir, 1937) y Senderos de gloria (Stanley Kubrick, 1957). En todas ellas se registran las claves de esa subcategoría del género bélico que he denominado contraépica ética, muy propia en un conflicto de devastadoras consecuencias para varias generaciones y que carece de la motivación de “guerra justa” que sirvió como excusa propagandística a ambos bandos en la Segunda Guerra Mundial. Mendes explora su incursión en el conflicto conociendo estos y otros ilustres antecedentes. El momento de contraépica ética lo encontramos en la carrera final del protagonista en paralelo a la trinchera de la que salen sus compañeros para lanzarse al ataque. Su misión es una misión de vida, no de muerte. Mirada antibelicista a la épica del género. Está dotada de una elección de narración y composición visual sobre el plano secuencia que nos lleva a vivir una experiencia totalmente envolvente ante lo que ocurre en la pantalla. Pero recuerda como referencia otro título esencial de Kubrick, sobre todo en el abordaje visual de sus secuencias nocturnas y en un momento en que los protagonistas de ambas secuencias se ven enfrentados a la encrucijada de la violencia: el desenlace en la noche incendiada de La chaqueta metálica. M.J.P.

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EL CABALLERO OSCURO: LA LEYENDA RENACE

LA FAVORITA

(The Dark Knight Rises) 2012; EE UU; color; Director: Christopher Nolan; Guion: Jonathan Nolan, Christopher Nolan y David S. Goyer; Música: Hans Zimmer; Fotografía: Wally Pfister; Intérpretes: Christian Bale (Bruce Wayne), Gary Oldman (Commissioner Gordon), Tom Hardy (Bane), Anne Hathaway (Selina); Duración: 164 minutos.

El cierre de una de las trilogías más importantes e influyentes de la historia del cine debía de estar sí o sí en este top. El caballero oscuro: la leyenda renace no es la mejor de las tres, pues el listón que puso la segunda entrega era prácticamente inalcanzable, pero es un broche final casi perfecto y una película que hubiera sido la gran obra maestra de la mayoría de realizadores contemporáneos. Christopher Nolan cogió a un personaje herido de muerte en 2005 y lo elevó a los altares cinematográficos, dándole una profundidad humana a los personajes, un cuidado a la trama y una carga trágica al mito que pocas veces se ha visto en una traslación de las viñetas al audiovisual. Esta vara de medir ha sido una losa para el resto de producciones superheroicas, y dentro de unas décadas se recordará esta trilogía como un referente de culto, tal y como lo son ahora la de El Padrino o la clásica de Star Wars. En la tercera entrega, Nolan cierra a la perfección el arco de Bruce Wayne/Batman, convirtiéndose así en la persona que ansía ser y en el héroe que Gotham necesita en unos tiempos especialmente convulsos, que consiguen que la película tenga su propia personalidad dentro de la trilogía. La trágica ausencia de Heath Ledger quizás le vino bien para encontrarla, pues el ascenso al poder del imponente Bane, que se sirve esta vez de la anarquía para tomar el control, entronca directamente con la crisis socioeconómica que nos asola y, más atrás en el tiempo, con la Revolución francesa. Cambio de contexto y también de naturaleza del enemigo, lo que da lugar a la película más épica, violenta y decadente de las tres. Además, tiene un cierre perfecto en forma de materialización de los deseos de Alfred que posee una humanidad y emoción que Nolan extrañamente consigue encontrar cuando no coescribe con su hermano Jonathan. A.G.

(The Favourite) 2018; Reino Unido; color; Director: Yorgos Lanthimos; Guion: Deborah Davis y Tony McNamara; Fotografía: Robbie Ryan; Intérpretes: Olivia Colman (Queen Anne), Rachel Weisz (Lady Sarah), Emma Stone (Abigail), Nicholas Hoult (Harley); Duración: 119 minutos.

Puede que yo sea uno de los pocos a los que aburrió y exasperó Langosta (The Lobster, 2015). Nunca le encontré la gracia a ese éxito crítico de Yorgos Lanthimos, al menos no en su conjunto. Más me satisfizo El sacrificio de un ciervo sagrado (The Killing of a Sacred Deer, 2017), si bien seguía dejándome frío por momentos. No sospechaba que La favorita (2018) fuese a convertirse poco después en uno de mis filmes de cabecera. Independientemente de la interpretación de Olivia Colman, motivo de gran parte del atractivo y del éxito del proyecto, La favorita es un todo admirable, formado por una enorme cantidad de piezas ensambladas con acierto. Y aunque todos los premios concedidos a la actriz jamás serán suficientes, no se debe olvidar el trabajo de sus compañeras, con las que forma uno de enfrentamientos a tres más importantes vistos en pantalla. Emma Stone y Rachel Weisz lo bordan en su cometido, batiéndose ambas en una batalla que trasciende el filme en la posterior batalla hacia el Oscar. La favorita ejerce un enorme poder de fascinación sobre mí. Ello es debido en parte a una puesta en escena deslumbrante, de composiciones bellas y sugerentes, bajo un trabajo de sugerente montaje e iluminación formidable. Y podrá chocar el lenguaje cinematográfico de un director tan poco convencional como Lanthimos en un filme de época, por otro lado, nada típico, ya que se salta muchos convencionalismos formales. La trama de traiciones y estrategias de palacio alcanzan el verdadero delirio. Un triángulo de vanidades, un juego cruel que divierte y fascina, dejando frente a frente a seres humanos y animales. Los primeros, incluso situados en la más alta de las posiciones sociales, pueden llegar a ser más salvajes que los segundos, destrozando la distancia que separa la corte de un corral. S.H.

LINA ESCO 14 de mayo de 1985, Miami, Florida, EE. UU. Altura: 1,70 metros. Estado civil: Soltera. La actriz ha mantenido su situación sentimental lejos del público por el momento. Debut profesional: Enamorada desde niña de la interpretación, hija de inmigrantes en Miami, la joven empezó a acudir a diversos castings con la mayoría de edad recién cumplida y no paró hasta conseguir su primer papel, que la llevó a mantener diversos trabajos en el medio. Debuta en 2005 con London: oscura obsesión, y un año después lo hace en televisión con CSI: NY. Personajes: Katie Vega en la fallida Cane, Ava Flores en Kingdom, y ahora la brillante agente de SWAT Christina Alonso, Chris, en el remake de Los hombres de Harrelson. Premios: No ha sido nominada a ningún premio todavía. Filmografía: London: oscura obsesión (2005), Cane (2007), Kingshighway (2010), Low Fidelity (2010), Where the Roads Meet the Sun (2011), LOL (2012), Free the Nipple (2014, también directora), Kingdom (2016), Can’t Have You (2018), Full-Dress (2019), SWAT (2017-¿?). Frases: “Siempre he sido una enorme fan del arte cinematográfico, y expresarme a través de él me excita más que nada en este mundo”. “Me gusta despertar a la gente, sacarla de su paradigma. Los robots han suplantado a los humanos. Robopatología”. ¿Sabías que…? Es la fundadora del movimiento Free the Nipple, y directora, productora, guionista y protagonista de la película del mismo título que trataba sobre la equidad entre hombres y mujeres, usando el tema del pezón como caballo de Troya para iniciar un debate al respecto. También dirigió varios anuncios para el documental The Cove, que denunciaba la matanza anual de delfines en Taiji. A raíz de ello, dirigió otra serie de anuncios para acabar con la situación de cautividad de los delfines en acuarios en todo el mundo.

KENNY JOHNSON (Kenneth Allen Johnson) 13 de julio de 1963, New Haven, Connecticut, EE. UU. Altura: 1,85 metros. Estado civil: Casado con Cathleen Oveson desde el 21 de diciembre de 2005, con la que llevaba años saliendo. La pareja tiene un hija. Apodos: K. J. y Kenny-Ham. Deportes favoritos: Jugó al fútbol americano y al béisbol en la universidad, hasta que se fracturó una vértebra. Era un luchador de pulso profesional hasta 1995. Debut profesional: Tras su paso por la universidad, y con su trabajo como competidor profesional en torneos de pulsos, el actor pasó un tiempo como modelo, especialmente en anuncios de televisión. Incluso compartió uno con Brad Pitt. Su experiencia en aquellos torneos también le llevó a cameos en muchas series y, finalmente, a dar el salto a la interpretación. Debutó en cine en 1990 con Lambada y en televisión un par de años después en la mítica Santa Bárbara. Personajes: Fue Burner en la serie de pilotos militares Pensacola, y destacó como Curtis Lemansky en The Shield, más tarde como Ham Dewey en Salvando a Grace, Caleb Calhoun en Bates Motel y, finalmente Dominique Luca en SWAT. Premios: No ha sido nominado a ningún premio de relevancia. Filmografía básica: Lambada (1990), Blade (1998), Pensacola: alas de oro (1998-2000), Vuelta al infierno (2001), The Shield (2002-2006), Salvando a Grace (2007-2010), Few Options (2011), Hijos de la anarquía (2009-2011), Principal sospechoso (2011-2012), Premonición (2015), Bates Motel (2014-2017), SWAT (2017-¿?), Secretos y mentiras (2016), Check Point (2017). Frases: “Me alegro de tener a cualquier fan que pueda haber, y normalmente no soy consciente de ello. Me gusta agradecer a cualquiera que sigue mi trabajo”.

EDDIE MARSAN (Edward Maurice Charles Marsan) 9 de junio de 1968, Stepney, Londres, Inglaterra, Reino Unido. Altura: 1,74 metros. Estado civil: Casado desde el 1 de junio de 2002 con Janine Schneider, responsable de maquillaje y peluquería a la que conoció en el rodaje de la miniserie El rey mono. La pareja tiene cuatro hijos. Debut profesional: De familia humilde, el actor no tuvo fácil estudiar teatro y, de hecho, antes de ello, dejó el instituto con 16 años para dedicarse a ser aprendiz en una imprenta. No terminó de cuajar, por lo que cedió a lo que realmente ansiaba y comenzó a estudiar teatro, primero en la Mountview Academy of Theatre Arts, y posteriormente en la Kogan Academy of Dramatic Arts de Sam Kogan. Con apenas 20 años, en 1988, debuta como extra en The Comic Strip Presents… en televisión, y también como extra debutó en cine en 1987 en Empire State. Personajes: Ha sido Terry Donovan en Ray Donovan, y además Thomas Cream en la miniserie River y Mr. Norrell en la miniserie Jonathan Strange y el señor Norrell. Premios: No ha sido nominado a ningún premio de relevancia. Filmografía básica: Get Well Soon (1997, TV), El amor de este año (1999), Gangs of New York (2002), 21 gramos (2003), El secreto de Vera Drake (2004), V de vendetta (2005), El ilusionista (2006), Misión: Imposible 3 (2006), Corrupción en Miami (2006), Happy, un cuento sobre la felicidad (2008), Hancock (2008), Sherlock Holmes (2009), London Boulevard (2010), Blancanieves y la leyenda del cazador (2012), Bienvenidos al fin del mundo (2013), Atómica (2017), Ray Donovan (2013-2020), El vicio del poder (2018), The Gentlemen (2019). Frases: “Solía hacer mucha comedia, no sé por qué. Será mi cara”. ¿Sabías que…? Pese a ser más joven que Liev Schreiber, interpretaba a su hermano mayor en Ray Donovan.

CHARLOTTE SULLIVAN 21 de octubre de 1983, Toronto, Ontario, Canadá. Altura: 1,74 metros. Estado civil: Casada con el actor Peter Stebbings, quien aparecía en The Listener, por ejemplo, y con una hija en común. Se desconoce la fecha del enlace. Apodo: Charlie. Debut profesional: Era una niña que llamaba la atención y que siempre soñó con ponerse delante de una cámara, lo que hizo que desde pequeña empezase a presentarse a diversos castings, consiguiendo debutar en un videoclip de Liza Minnelli antes de lanzarse al mundo del cine y la televisión, algo que llegó a compaginar con campañas comerciales. En televisión debuta en 1996 con El último explorador, una TV movie. En cine debutó ese mismo año con Harriet, la espía. Personajes: Fue Camilla Gorik en la fallida The New Ghostwriter Mysteries, pero su primer papel protagonista como actriz adulta lo vimos en Rookie Blue, como Gail Peck. Ha sido Anna Turner en Chicago Fire y Nicole Mitchell en Mary me mata. Premios: No ha sido nominada a ningún premio de relevancia. Filmografía básica: Harriet, la espía (1996), El último explorador (1996), Shadowbuilder (1998), Enamórate (2003), Marcado por el odio (2002, TV), Trágica influencia (1999, TV), Amor en juego (2005), Ciudad maldita 436 (2006), La casa misteriosa (2006, TV), The Cry of the Owl (2009), Defendor (2009), El gánster (2009), Última voluntad y testamento de Rosalind Leigh (2012), Colonia V (2013), Rookie Blue (2010-2015), Chicago Fire (2016-2017), Mary me mata (2017-2019). Frases: “Unicef es una organización muy especial, y difundir su palabra me hace muy feliz” (sobre su papel como portavoz de Unicef). ¿Sabías que…? Estudió fotografía y parte de su trabajo está publicado en la revista Stain.

SERIES DE TV

THE LAST KINGDOM

ROOKIE BLUE

Temporada 1

Emisión EE. UU.: 10 de octubre-28 de noviembre de 2015, BBC America; Reparto: Alexander Dreymon, David Dawson, Emily Cox, Tobias Santelmann, Adrian Bower, Thomas W. Gabrielsson, Simon Kunz, Harry McEntire, Rune Temte, Joseph Millson, Brian Vernel, Amy Wren, Charlie Murphy, Ian Hart, Jason Flemyng, Rutger Hauer, Matthew Macfayden.

Emisión Canadá: 24 de junio-9 de septiembre de 2010, Global; Reparto: Missy Peregrym, Gregory Smith, Eric Johnson, Enuka Okuma, Charlotte Sullivan, Noam Jenkins, Matt Gordon, Lyriq Bent, Ben Bass.

A la sombra de Juego de tronos, cuando con algo de prisas todo el mundo intentaba sacar partido del éxito de la serie de HBO, nació Vikingos, que en realidad pretendía ser más un producto histórico y estaba basada en hechos reales, aunque la simple temática y aspecto ya hizo pensar en la otra serie. Y a la sombra de Vikingos, nació The Last Kingdom. Una serie con muchos menos medios que las dos anteriores, de la mano de BBC, que sin embargo conquistó a la audiencia porque su intención era, simplemente, la de entretener con una historia basada en hechos reales también, pero sin las aspiraciones de Vikingos. De hecho, el protagonista central, Uthred, no existió, y aunque la historia habla de un conde de nombre similar, este vivió un siglo después de que la historia comience. Una historia en la que, en esta primera temporada, nos trasladamos al año 866, cuando los vikingos daneses y su gran ejército, se trasladaron a invadir tierras inglesas, redefiniendo las relaciones posteriores entre anglosajones y vikingos. La invasión danesa sitúa su reino en Estanglia, y la serie narra cómo el reino de Wessex se defiende de ese intento de conquista y de las posteriores invasiones danesas, además de todas las diversas luchas de poder dentro del propio reino. La primera temporada abarca doce años, hasta el 878 d. C. y se basa en la serie de novelas de Bernard Cornwell, y en esta historia vemos al joven Uthred tras la muerte de su familia a manos de los daneses, ser criado por el conde Ragnar, aunque como esclavo. La muerte de Ragnar y su fuga le coloca ante la doble tarea de recuperar sus tierras sajonas de manos de su tío, y vengar a quien se convirtió en su padre adoptivo, aunque fuese danés como quienes asesinaron a su familia. La primera temporada se emitió en BBC America, antes que en BBC Two, que la estrenó doce días después, pese a su ambientación y propuesta.

Siempre que pensamos en series norteamericanas, asumimos (y aunque lo intentemos lo seguimos haciendo) que todas son estadounidenses, cuando en Canadá, que también es Norteamérica, se producen y se ruedan muchísimas, algunas sin que lo sepamos, y otras –como es el caso de esta–, orgullosas de serlo. Porque si hemos visto trabajar a la policía de Nueva York, Boston, Los Ángeles o Chicago, ¿por qué no acudir a una ciudad canadiense importante, donde la vida en las calles está llena de peligros también? Un tipo de serie que se llevaba años haciendo en el país del norte, pero que no lograba tener proyección internacional, algo que encontró solución con Rookie Blue. Encontrar a un grupo de actores canadienses que fuesen parte de la zona, por supuesto, pero que hubiesen participado en suficientes series y películas estadounidenses como para ser rostros muy populares entre el público mundial, haciendo el proyecto más fácilmente exportable. Además, como creadoras de la serie encontramos tres nombres que no habían colaborado en equipo, Morwyn Brebner, Tassie Cameron y Ellen Vanstone, que pese a todo no escribieron el piloto juntas, del que se encargó Cameron, pero sí varios episodios de la serie. Cameron serviría como showrunner también (hay que recordar que con esta serie y Saving Hope, Brebner se convertiría en una de las guionistas más importantes de Canadá, pese a ser galesa). Aunque, no olvidemos que el primer guion venía de Ilana Frank, quien concibió la serie, aunque la reescritura fue tan severa que no recibió créditos por su aportación. Estaba ambientada en Toronto, y como indica su título, la primera temporada seguía a un grupo de novatos de la policía de la ciudad, que no solo tenían que aprender muchos de los trucos del oficio sobre la marcha, sino también sobrevivir a sus peligros. Pese al reparto coral, la protagonista era sin duda Missy Peregrym con su personaje, que en la primera temporada encontraba más sencillo equilibrar su vida laboral como novata en la policía, que la personal, donde su historial romántico ponía en peligro hasta su carrera.

SERIES DE TV

MODERN FAMILY

COPPER

Temporada 1

Emisión EE. UU.: 23 de septiembre de 2009-19 de mayo de 2010, ABC; Reparto: Ed O’Neill, Sofia Vergara, Julie Bowen, Ty Burrell, Jesse Tyler Ferguson, Eric Stonestreet, Sarah Hyland, Ariel Winter, Nestor Gould, Rico Rodríguez.

Emisión EE. UU.: 19 de agosto-21 de octubre de 2012, BBC America; Reparto: Tom Weston-Jones, Kyle Schmid, Ato Essandoh, Anastasia Griffith, Franka Potente, Kevin Ryan, Dylan Taylor, Kiara Glasco, Tessa Thompson, Alex Paxton Beesley, Ron White, Geordie Johnson, Adrian Griffin.

La historia de Modern Family nace con sus dos creadores, Christopher Lloyd (el guionista) y Steven Levitan, quienes llevan muchos años trabajando juntos y compartiendo oficina (suyos son algunos de los mejores momentos de la brillante Fraser). En esa misma oficina, los dos compartían historias sobre sus familias en su juventud e infancia, y ese germen llevó a trabajar en la idea de una serie que revisase lo que sucedía en una familia real americana, o al menos una actual. A través de los ojos de tres familias podríamos descubrir qué se escondía en la sociedad americana burguesa actual. Que, quizá, sea una de las grandes quejas que se hicieron a la serie, que se centrase en tres familias acomodadas. Unas historias que parecen inconexas en el piloto hasta que se descubre la verdad, y es que las tres familias están mucho más relacionadas de lo que podríamos imaginar. Se trata de un padre y sus hijos, y sus respectivas parejas y descendencia. Cada uno de ellos con sus problemas y sus complejidades, porque cada uno se encuentra en un momento distinto de su vida, desde la pareja gay que quiere empezar una familia, al patriarca recién casado con una mujer mucho más joven que él, al matrimonio convencional y con tres hijos que en realidad no son tan convencionales como parece. La serie iba a llamarse My American Family, e iba a incluir en su estilo mockumentary la presencia de la tropa de rodaje que entrevistaba a los protagonistas, y que estaba liderada por un cineasta holandés que de adolescente había convivido con ellos como cineasta de intercambio. CBS y NBC dejaron pasar la serie, sobre la que se abalanzó ABC tras ver cómo reaccionaban a ella los test groups a los que se mostraba el piloto. Eso llevó a un éxito increíble, tanto de público, con más de diez millones de espectadores de media, como de crítica y premios, ya que ganó en 2010 el Emmy a Mejor Comedia (en su primer año) y fue, por supuesto, renovada para una segunda temporada.

BBC America llevaba años trabajando en Estados Unidos casi como una filial de la BBC británica, emitiendo productos de aquella y en algunas ocasiones, coproducciones. Por eso era tan importante el anuncio, en julio de 2011, de la que iba a ser la primera serie de producción propia en exclusiva del canal, Copper. Una apuesta por el contenido original, por una producción arriesgada, pero que los responsables de la cadena sentían que eran perfectos para el canal. Una serie que devolvía a la audiencia a la época posterior a la Guerra Civil americana, ambientada en el Nueva York del barrio de los Five Points, y con un aire cercano, en su presentación, a Gangs of New York, la película de Martin Scorsese. No era sencillo y la serie se enfrentaba a muchos retos, pero de la mano de Barry Levinson como productor, y de dos guionistas de prestigio, Tom Fontana y Will Rokos, la serie era un caballo de batalla para BBC America. Rokos, pese a no ser muy conocido, había sido nominado al Oscar por Monster’s Ball, mientras que Fontana era guionista desde los tiempos de Hospital, ganador de tres Emmy, y parte del equipo de escritores de la brillante Homicido, sin olvidarnos de que es el ganador de la maravillosa Oz. Así que talento había a raudales al frente de una serie que contaba la historia de un policía de origen irlandés que se movía entre las tripas de la ciudad mientras intenta mantener la paz en la zona, algo nada sencillo en un barrio como ese, y con los personajes que lo habitan. Además, es un veterano de guerra que intenta descubrir qué sucedió con su desaparecida esposa y con la muerte de su hija. La serie analizaba en la época la división en Nueva York y los efectos de la Guerra Civil, además del papel de los afroamericanos en el norte tras la guerra. Pese a un buen arranque, la audiencia empezó a abandonar la serie, que aun así fue renovada para una segunda temporada que llegaría un año después.

QUE FUE DE...

KIM CATTRALL BIOGRAFIA Nacida el 21 de agosto de 1956 en la ciudad británica de Liverpool, durante su último año en la Escuela de Arte Dramático de Nueva York consiguió un papel con el que iniciaría su larga carrera como actriz. Era el año 1975 y esa primera aparición en la pantalla sería en Rosebud de Otto Preminger, a la que seguirían participaciones en producciones televisivas como La fuga de Logan, Colombo, Wild Palms o Más allá del límite, que compatibilizaría hasta hoy con papeles cinematográficos (ha actuado en filmes como Porky’s, Mascarada para un crimen, La hoguera de las vanidades, Star Trek VI: aquel país desconocido o El escritor). FILMOGRAFIA DESTACADA: Loca academia de policía (Hugh Wilson, 1984), en la que es la recluta cadete Karen Thompson. Golpe en la Pequeña China (John Carpenter, 1986), como la periodista Gracie Law, que tras ser secuestrada deberá ser liberada por el indómito Jack Burton (Kurt Russell) antes de ser sacrificada. Maniquí (Michael Gottlieb, 1987), en el rol del maniquí Emmy que cobra vida solo delante de su amado Jonathan (Andrew McCarthy). SU PAPEL MAS DESTACADO El de Samantha Jones tanto en las dos películas como en la serie Sexo en Nueva York (1998-2004), por el que ganó un Globo de Oro en 2003, y que muestra el día a día de cuatro amigas en la Gran Manzana. SU ULTIMO TRABAJO Su participación en la serie dramática Asquerosamente ricos en el personaje de Colleen y en la serie de fantasía Tell Me a Story, donde cobran vida cuentos clásicos como Los tres cerditos, El Patito Feo o Caperucita Roja. Además de la comedia sobre el mundo romano Horrible Histories: The Movie-Rotten Romans de Dominic Brigstocke.

QUE FUE DE...

LORENZO LAMAS BIOGRAFIA Nacido el 20 de enero de 1958 en Santa Mónica (California), hijo de los actores Arlene Dahl y Fernando Lamas (La viuda alegre), su primer papel destacado fue en Grease (Randal Kleiser, 1978); no obstante, se hizo mundialmente famoso por encarnar a Lance Cumson en la serie Falcon Crest. Tras ello, se sucedieron trabajos televisivos y cintas (habitualmente) de acción (donde mostraba sus conocimientos de taekwondo). En la actualidad compatibiliza su labor como piloto de helicóptero para vuelos turísticos (asimismo con fines humanitarios) con actuaciones en filmes de bajo presupuesto. FILMOGRAFIA DESTACADA Snake Eater (1989) y sus dos secuelas, todas realizadas por George Erschbamer, en las que es Jack Soldier Kelly, un veterano del Vietnam convertido en justiciero. La serie de finales de los noventa Air America, donde es Rio Arnett, un agente secreto que tiene como tapadera una línea aérea, papel que se tomó tan en serio que Lamas acabó convirtiéndose en piloto de aviones y helicópteros. SU PAPEL MAS DESTACADO Reno, acusado falsamente de asesinato, que busca limpiar su nombre a la vez que ejerce como cazarrecompensas, en la serie noventera Renegado, en la que podía dar rienda suelta a una de sus grandes pasiones, las motos, además de colaborar con la que fue su esposa, Kathleen Kinmont (La novia de Re-Animator). SU ULTIMO TRABAJO La cinta de acción BorderCross (Chuck Walker, 2017), el thriller sobrenatural Unwritten (Dale Neven, 2018), el drama Las Vegas Vietnam: The Movie de Ron Becks, el filme de acción (nacido de la serie Scorpion Girl) Scorpion Girl: The Awakening de Fito Rivera y Christian Rodrigo, la película de horror Real Blood: The True Beginning de Phillip Penza, y próximamente la asimismo terrorífica Bleach de Michael Edmonds.

QUE FUE DE...

TIMOTHY HUTTON

KATE CAPSHAW

BIOGRAFIA Nacido el 16 de agosto de 1960 en Malibú (California), hijo del también actor Jim Hutton (Mayor Dundee), en 1980, gracias al drama Gente corriente de Robert Redford, obtuvo un Oscar y un Globo de Oro al Mejor Actor de Reparto, lo que le permitió trabajar posteriormente con realizadores de la talla de Sidney Lumet, Fred Schepisi, John Schlesinger, Alan Rudolph o Taylor Hackford. Estuvo casado con la actriz Debra Winger y como realizador es suyo el drama con Kevin Bacon Mi amigo Ricky (1997). En la actualidad es un habitual en series o secundario en películas (como en lo nuevo de James Franco, The Long Home). FILMOGRAFIA DESTACADA La mitad oscura (1993) de George A. Romero, adoptando el rol de Thad Beaumont, un novelista que escribe exitosas novelas de crímenes bajo el seudónimo de George Stark, que se convierte en su alter ego real. La hija del general (Simon West, 1999), interpretando al coronel William Kent, que esconde un oscuro secreto tras esa fachada de perfecto militar dispuesto a que se saque a la luz un brutal asesinato cometido en su base. SU PAPEL MAS DESTACADO Daniel, en el largometraje homónimo de 1983 de Sidney Lumet, que quiere saber la verdad sobre sus padres, que fueron ejecutados por espías que filtraron secretos nucleares estadounidenses a la Unión Soviética. SU ULTIMO TRABAJO Las series Jack Ryan, La maldición de Hill House, Cómo defender a un asesino o Almost Family, así como el drama basado en hechos reales de Felix Van Groeningen, Beautiful Boy, una historia de redención de un muchacho que ha caído en el infierno de las drogas sintéticas, o la biopic de la activista feminista Gloria Steinem, The Glorias de Julie Taymor.

BIOGRAFIA Nacida el 3 de noviembre de 1953 en Fort Worth (Texas), logró su primer papel en la comedia romántica Un poquito de sexo (Bruce Paltrow, 1982), sobre un hombre con serias dificultades para ser fiel a su pareja. A este largometraje le siguieron otros, como La mejor defensa… ¡el ataque! (Willard Huyck, 1984), Poder (Sidney Lumet, 1986), SOS Equipo Azul (Harry Winer, 1986) o Causa justa (Arne Glimcher, 1995). En 1991 se casó con el cineasta Steven Spielberg y desde 2002 se ha retirado del mundo de la interpretación y se dedica en exclusiva a su familia. FILMOGRAFIA DESTACADA La gran huida (1984) de Joseph Ruben, donde interpreta a la doctora Jane DeVries, que trabaja en una clínica que estudia los sueños para que las pesadillas desaparezcan de las horas de descanso de sus pacientes, incluido el mismísimo presidente de Estados Unidos. Black Rain (Ridley Scott, 1989), en el papel de Joyce, la encargada de un establecimiento de copas en Tokio que traba amistad con un detective de la policía de Nueva York, Nick Conklin (Michael Douglas), en un caso de falsificación de dólares por parte de la Yakuza. SU PAPEL MAS DESTACADO El de la pizpireta cantante Willie Scott de Indiana Jones y el templo maldito (Steven Spielberg, 1984), convirtiéndose por azar en compañera (también sentimentalmente) de Indy en su aventura más dinámica y a la vez más oscura, y en la que Capshaw interpreta además el tema musical “Anything Goes”. SU ULTIMO TRABAJO En 2002, en el telefilme Difícil decisión de la también actriz Helen Shaver, sobre una buena estudiante camino de la universidad cuyo novio muere en accidente de tráfico tras haberla dejado embarazada, con Capshaw en el papel de Becky.

Douglas Fairbanks

D O U G L A S FA I R B A N K S En la entrega de este mes vamos a repasar brevemente la vida y logros del que no es exagerado calificar como el primer héroe de acción de la historia del cine en su forma completa. Douglas Fairbanks es el molde sobre el que se forjan las posteriores propuestas que nos manda la pantalla grande de las características del héroe del cine, que en mucho, y de mucha enjundia, se diferencia de las figuras heroicas elaboradas para lucir sus intrépidas hazañas en las páginas de los libros.

El nuevo héroe cinemático

El nuevo héroe del cine de acción creado por Fairbanks era un héroe cinemático inevitablemente abocado a hacer del movimiento y su trayectoria en función del tiempo figura trepidante que captaba todo el potencial del cine como sinfonía visual. Imprescindible era para ello que él mismo se ocupara de reinventar la coreografía de la aventura para el cine viviéndola en carne propia a base de materializar las hazañas de los héroes literarios interpretando él mismo las más arriesgadas secuencias de acción. Las criaturas heroicas habitantes de las aventuras literarias en negro sobre blanco cobraban en sus manos vida de héroe en carne y hueso prestando una imprescindible dosis de verosimilitud a las hazañas aparentemente imposibles que el espectador iba a ver en la pantalla.

No es menos cierto por otra parte que Douglas Fairbanks oficia además como el puente entre esos héroes de la ficción literaria y su traducción al cine a través de la cámara. La cámara oficia Emuladorese e Imitadores como herramienta intermediaria entre el héroe propiamente dicho y Tom Cruise sigue esa misma filosofía de Fairbanks, como antes su público. Llegados a este punto, preciso es aclarar que en el que él la siguieron otras estrellas del cine de acción como el acrobámomento en que Fairbanks se convierte en estrella, en los primeros tico Burt Lancaster, el astro del cine de acción galo Jean-Paul Beltiempos de un cine que todavía no habla más que a través de sus mondo, o el icono del cine de artes marciales Jackie Chan. A ellos imágenes y de las pocas palabras desgranadas casi con prisa en los hay que añadir a un cómico genial, contemporáneo de Fairbanks y textos de los intertítulos para no robar espacio a lo visual, quienes que además lo superaba, porque había aprendido a caerse por las antes fueron lectores se transforman en un tipo de interlocutor disescaleras para ordeñar las tinto para el héroe. risas del público en su más Donde la imaginación tierna infancia cuando, con que aplicaran los lectores tan solo tres años de edad, para pintar las galas del empezó a subirse a los héroe, cooperando con el escenarios acompañando a mayor o menor talento dessus padres, que con él se criptivo de quien lo creara a presentaban al público base de palabras, encontracomo Los Tres Keaton: mos ahora a un espectador Myra, Joseph y su hijo, el cinematográfico cuya forma gran e inimitable Buster. de interactuar con la pelíLa parcela de fisicidad cula es más pasiva, pero arriesgada de Douglas dio donde la imaginación para lugar a esta ilustre estirpe devorar las ficciones no ha de emuladores que consdesaparecido: solo se ha ciente o inconscientemente transformado. siguieron su mismo camino Douglas Fairbanks, y tomaron la antorcha de su que ejercía también como propuesta, excepción hecha productor de las películas de Buster Keaton que que protagonizaba, anticimerece reconocimiento pando la estrategia de propio por sus hallazgos de estrella de la que en el cine la fisicidad arriesgada en el actual su más señalado cine de comedia, siendo heredero es Tom Cruise, ellos mismos también supo valorar desde el héroes de acción de primera primer momento en que se línea, cada cual según sus puso delante de una cámara objetivos y personalidad. para construir a su primer Frente a los emuladohéroe cinematográfico que res, y valga esto como aviso el proceso de retroalimenLa marca del Zorro fue supuso el cambio decisivo en la carrera de Fairbanks, de la equivocada tendencia tación que anima la relación convirtiéndole en la primera estrella del cine de aventuras y acción. a pensar que emular es del héroe literario con el sinónimo de imitar, la cohalector no debía ser más que bitación del galán y el aventurero propuesta por Douglas Fairbanks una inspiración o punto de partida para construir la retroalimentadio lugar a otra línea de herederos de su ejemplo, interesados más ción de héroe y público cinematográfico. por esta otra faceta de la galería de personajes del intrépido actor. Fairbanks supo articular su propuesta heroica como actor Sin desmerecer sus propios logros en lo referido a su papel como desde la premisa central de que los espectadores no son lectores. estrellas icónicas, constituyen una estirpe de imitadores que repiten Algo que puede parecer muy básico, incluso insultantemente obvio de manera más superficial, y sin duda menos arriesgada y esforzada en nuestros días, pero que en el momento en que Fairbanks empezó que la de los emuladores, claves propuestas por Douglas Fairbanks. a construir su filmografía –habitada por una rica y variopinta cantiEn esa lista encontramos a estrellas como Errol Flynn, Clark Gable, dad de héroes heredados de la literatura, como el Zorro, Robin Tyrone Power, e incluso Kirk Douglas, que entre todos los anteriores Hood, D’Artagnan, el ladrón de Bagdad o el Pirata Negro–, era neceera la decantación más pura de la faceta de galán aventurero en la sario formular y articular para que funcionara frente a la cámara, y que fuera pionero Douglas Fairbanks. desde allí hacia la pantalla, y desde la pantalla hacia el espectador, Y por si todo lo anterior no hubiera dejado claro el carácter de más pasivo en la coparticipación en la creación del relato que el pionero del protagonista de estas páginas, propongo al lector o lectora lector, pero por otra parte sometido a un bombardeo de información que juegue la baza de comparar la propuesta esgrimida, nunca mejor visual que reformulaba sus relaciones con el héroe agigantado en la dicho por ese hábil esgrimidor de espadas que fue Douglas Fairbanks, gran sábana blanca de la sala oscura tejida con muchos hilos que con uno de sus contemporáneos: Rodolfo Valentino. remiten a la experiencia onírica.

D O U G L A S FA I R B A N K S nes de azúcar en Nueva Orleans, con el que había tenido dos hijos. El primer marido de su madre murió víctima de la tuberculosis y los socios de este estafaron a la viuda y la dejaron arruinada. El futuro padre del actor ofició como abogado de la viuda, pero no pudo impedir que la desplumaran los desaprensivos. La pobre mujer no tuvo mucha suerte en su siguiente relación sentimental: su segundo marido y padre de su segundo hijo, también hermanastro de Douglas Fairbanks, fue Edward Wilcox, alcohólico del que se divorció nuevamente contando con el padre de Douglas Fairbanks como abogado. Así las cosas, a la tercera fue la vencida y acabó casándose con el abogado que había estado presente y echándole una mano a la viuda y divorciada en los dos desastres previos. El hijo de su primer marido acompañó a la pareja en su intento de buscar una nueva vida y un futuro en las inversiones mineras, mientras dejaba a su segundo hijo con unos familiares y prácticamente se desentendía de él; víctima inocente fue el muchacho de los errores de sus padres. Pero el tercer marido tampoco le salió muy fiable a Fairbanks interpretó a D´Artagnan en Los tres mosqueteros y La máscara de la madre de Douglas. Tras tener con él otros dos hijos y hierro . después de que él invirtiera en unas propiedades mineras El máximo potencial de Valentino se volcaba en lo romántico, además de reemprender su carrera como abogado, abandonó a su sin por ello renunciar a cubrirse con una capa de aventura. Frente a mujer y a sus dos hijos, que fueron educados por su madre. eso, el héroe cinemático por antonomasia, Douglas Fairbanks, se No es extraño que Ella Adelaide eligiera ponerle a sus hijos el volcaba en lo físico y trabajaba con habilidad el sentido del humor, apellido de su primer marido, Fairbanks. Douglas tenía cinco años armado con la perpetua sonrisa del temerario que desafía al peligro cuando su padre los abandonó. en su intrépida persecución de la aventura, dejando lo romántico Su infancia, según la describió el propio actor en su autobiocomo una capa de brevedad y ligereza ciertamente diferenciada del grafía, fue “muy arriesgada”. Empezó su formación en una exclusiva alarde romántico hipertrofiado que manejaba como herramienta de escuela para hijos de gente adinerada de Los Ángeles, pero cuando seducción el mitificado Rodolfo Valentino. sus progenitores se divorciaron eso cambió rápidamente y su madre se trasladó junto con los hijos a Nueva York, iniciando un paréntesis Descendiente de judíos alemanes en el que no recibió educación en escuela alguna, iniciando posteDouglas Elton Thomas Ullman no era un nombre muy propio riormente un ciclo intermitente de entradas y salidas de varios para una estrella del cine de Hollywood, pero es con el que fue baucentros, incluyendo una escuela exclusiva de gramática para niños y tizado nuestro protagonista, nacido el 23 de mayo de 1883 en una escuela militar en la que además de estar más cerca de su Denver, Colorado, y fallecido el 12 de diciembre de 1939 en Santa padre pudo iniciarse en representaciones teatrales de aficionados. Mónica, California, víctima de un ataque al corazón. Su carrera como actor comenzó en el circuito amateur y a temprana edad, doce años, apareciendo en el repertorio de repreEra hijo de Hezekiah Charles Ullman y Ella Adelaide Marsh, y sentaciones de verano de una compañía de Denver, Elitch Garden tenía un hermano mayor, Robert Payne Ullman, y dos hermanastros Theatre, que financiaba la directora de una escuela de interpretatambién mayores que él, John Fairbanks Jr. y Norris Wilcox. ción para jóvenes. Sus trabajos teatrales le iban mejor que sus Su padre era hijo de emigrantes judíos alemanes que clases en el instituto, donde fue expulsado por cortar las cuerdas de habían llegado a Estados Unidos en 1839 procedentes de la locaun piano, lo cual le dejó en la calle y otra vez sin escolarización lidad germana de Baden. El padre de Douglas había trabajado en cuando contaba quince años. Esa irregularidad en su formación publicidad y estudiado leyes. Su madre, heredera de una adinesería luego maquillada en algunas de sus reflexiones autobiográfirada familia católica del sur de Estados Unidos, era la esposa de cas, donde añadió centros y formación universitaria que no llegó a un amigo de su padre, John Fairbanks, propietario de plantaciocursar. Lo que sí hizo fue seguir adelante con su carrera como actor, iniciando una gira por Estados Unidos con la compañía de Frederick Warde, actor británico especializado en Shakespeare que se reubicó en Estados Unidos. Fairbanks pasó dos años con dicha compañía, oficiando el doble papel de actor y ayudante de dirección de escena. Fue su última etapa de formación antes de lanzarse de lleno a desarrollar su carrera sobre los escenarios de Broadway trasladándose a Nueva York, donde debutó con la obra The Lord and the Master en febrero de 1902. Pero los trabajos como actor no eran suficientes para proporcionarle los emolumentos que requería para sobrevivir, así que complementaba sus ingresos trabajando como dependiente de una ferretería y como conserje en una oficina de la financiera calle de Wall Street.

Un suegro, un padre y un hijo Para Robín de los bosques , la película más cara de su tiempo, se construyó un castillo que presumía de ser el decorado más grande del cine mudo

Fairbanks pasó una larga temporada intentando conseguir el papel que pudiera lanzar su carrera sobre los escenarios, pero tuvo que echarle paciencia al asunto

D O U G L A S FA I R B A N K S seguir un éxito sobre los escenarios fue capital para sacarle de ese laberinto profesional en el que se había metido contar su voluntad. Mensaje para quienes buscan la seguridad en consejo ajeno en lugar de persistir aquello que se han propuesto hasta que sus propias tripas, y no las opiniones ajenas, les indiquen que ha llegado el momento de hacer otra cosa: la compañía jabonera del suegro de Fairbanks acabó cerrando poco después de que él dejara el negocio. Pero no lancemos campanas al vuelo antes de tiempo. Los papeles protagonistas y el estrellato aún se hicieron esperar en lo que fue una temporada particularmente convulsa para el matrimonio formado por una rica heredera poco acostumbrada a vivir con lo justo y mirando de reojo el estado de pobreza y un joven actor empeñado en abrirse camino en el teatro, pero sin ingresos continuados que respaldaran esas aspiraciones. Para redondear la jugada tuvieron que hacer frente además a la llegada de un hijo, el único que tendría el actor a lo largo de su vida. ¿Qué podría salir mal? Pues en el caso que nos ocupa las cosas fueron mal El ladrón de Bagdad era una fantasía basada en Las mil y una noches e inspirada y tirando a peor. El matrimonio acabó con fecha oficial de por la película Las tres luces, de Fritz Lang. divorcio del 30 de noviembre de 1919, pero antes tuvieron a su hijo, Douglas Fairbanks Jr., nacido el 9 de diciembre de 1909 porque la oportunidad no llegó hasta que en 1908 apareció en la obra y que además de llegar a los noventa años de edad, siguió la Un caballero del Mississippi, comedia que llegó a las 407 representacarrera de su padre, sin alcanzar su estrellato, y se abrió paso ciones y donde Fairbanks interpretó el papel protagonista, Budd como actor construyendo una carrera de más de 101 trabajos ante Haines, que fue el punto de partida de su carrera profesional. las cámaras del cine y la televisión. Y eso a pesar de que inicialDouglas Fairbanks necesitaba ese empujón en su carrera mente no pensaba seguir los pasos de su famoso padre. Además, porque a esas alturas de su vida había contraído ya matrimonio con destacó como miembro de la Marina de Estados Unidos durante la su primera esposa, Anna Beth Sully, con la que pasó por el altar el Segunda Guerra Mundial, lo que le llevaría a ser condecorado con 11 de julio de 1907. Ella era la heredera de una adinerada familia la Cruz de Servicios Distinguidos y con la Orden del Imperio britápropietaria de la compañía de jabón Buchannan, y su suegro no nico. Tras el divorcio de sus padres cuando él contaba nueve años dejaba de presionar al actor para que dejara su irregular carrera de edad, se quedó a vivir y fue criado por su madre. Físicamente, sobre los escenarios para entrar a trabajar en la empresa al servicio era la viva imagen de su padre. del legado familiar de su esposa. Es fácil entender que el éxito de Un caballero del Mississippi Hollywood, Griffith y ¡Mary Pickford! fue para Douglas Fairbanks un balón de oxígeno para escapar a las En 1915, Douglas Fairbanks padre y la madre del futuro héroe propuestas de su suegro y mantenerse en el camino que él había bélico se trasladaron a Los Ángeles, donde la incipiente industria del elegido para su propia vida. Después de haber pasado seis meses cine le proporcionó a nuestro protagonista la oportunidad de firmar trabajando en la empresa jabonera por el bien de la concordia famicontrato con una de las compañías más destacadas del momento, la liar, sin llegar a entusiasmarse por el asunto, la oportunidad de conproductora Triangle Pictures, fundada por tres figuras esenciales del cine en esa etapa: Mack Sennett, pionero del género de comedia con Keystone, Thomas Harper Ince, director de éxito en los wésterns y el cine de acción, y David Wark Griffith, que aportaba las propuestas artísticas al proyecto. Lo cierto es que inicialmente Faribanks no estaba del todo convencido de darle la espalda a los escenarios para irse a trabajar en lo que en aquel momento la aristocracia teatral de los escenarios de Broadway denominaba flickers (“parpadeos”), es decir, películas. Pero la propuesta que le hicieron desde Hollywood le ofrecía cobrar más de cien mil dólares durante un año. Difícil resistirse en su situación. Douglas Fairbanks estaba así en el lugar más adecuado para comenzar una carrera ante las cámaras como alternativa a sus tentativas por conseguir el éxito sobre los escenarios. Griffith, director de dos obras maestras con las que le dio un potente empujón al lenguaje cinematográfico, El nacimiento de una nación e Intolerancia, fue el encargado de supervisar los primeros pasos del actor ante las cámaras. Según palabras del propio Fairbanks, a Griffith, padre del lenguaje cinematográfico, “no le gustaban ni mis tendencias atléticas ni mi espontánea costumbre de saltar una valla o escalar el muro de una iglesia inesperadamente cuando eso no estaba en el guion. Así que me recomendó El pirata negro fue la primera película en Technicolor de dos tonos que se distribuyó comercialmente que buscara trabajo en las comedias de Keystone”. 6

D O U G L A S FA I R B A N K S Fairbanks alcanzó suficiente popularidad como para fundar su propia compañía productora en 1916, Douglas Fairbanks Film Corporation, y comenzó a trabajar para el estudio Paramount, escribiendo y produciendo sus propias películas. En 1917 conoció a la que iba a convertirse en su segunda esposa, la actriz Mary Pickford, una de las estrellas femeninas más importantes del momento. Coincidieron en una gira para vender bonos de guerra, y rápidamente iniciaron una relación sentimental que hubieron de mantener en secreto porque ambos estaban casados. Fueron tres años de relaciones extramatrimoniales que culminaron cuando ambos finalmente contrajeron matrimonio el 28 de marzo de 1920. Automáticamente se convirtieron en la pareja más famosa de Hollywood, la primera pareja de celebridades del cine, como demostró el hecho de que en su luna de miel europea llegaran a reunirse multitudes de seguidores en ciudades como Londres y París. De paso, participaron en la fundación del estudio United Artists junto con Charlie Chaplin y El encuentro de Fairbanks con su pareja en la vida real, Mary Pickford en David Wark Griffith en 1919. El objetivo era propiciar un La fierecilla domada hizo que saltaran chispas haciéndose eco de sus canal independiente de distribución para los artistas que enfrentamientos en la vida real. producían sus propias películas, y de paso ahorrarse Y, efectivamente, la comedia fue el primer género en el que se algunos impuestos. acomodó Fairbanks cuando saltó, nunca mejor dicho, al cine, paso Un año más tarde, Douglas Fairbanks estrenó la película que previo a sus alardes acrobáticos en el género de aventuras que en iba a convertirle en rey del cine silente de aventuras: La marca del Zorro (1920). Nota para aficionados al cómic: es la película que vio todo caso siempre se tomó con mucho humor. un todavía infante Bruce Wayne con sus padres antes de que los El primer largometraje del actor fue El cordero (1915), donde con la dirección de Griffith, Fairbanks cató la comedia, las aventuras mataran, sirviendo como inspiración a su transformación en y el wéstern interpretando al pardillo frágil hijo de una rica familia Batman. Además, Fairbanks fue el modelo elegido por los creadores neoyorquina que se recicla en atribulado héroe en el Oeste. La de Superman en su modelo de superhéroe, mientras que el cómico opinión de Griffith sobre su actor protagonista: “Tiene la cabeza Harold Lloyd servía como inspiración para Clark Kent. como un melón y no puede actuar”. Fairbanks concibió este largometraje como su salida de emerActuar sí podía, lo que ocurría es que tenía que hacer el lógico gencia para escapar a las comedias románticas en las que se sentía tránsito del abismo que en aquel momento separaba la interpretaencasillado, y su éxito propició que pudiera continuar en ese mismo ción en el teatro y la interpretación ante la cámara, que por otra registro cosechando éxitos con Los tres mosqueteros (1921) (las malas críticas que recibió de los galos por su interpretación de D’Arparte era terra incógnita apenas hoyada por los pioneros que pasaron de un medio a otro y todavía no habían explorado y articutagnan le llevaron a prometer que nunca más pondría un pie en lado plenamente la necesaria adaptación de los recursos interpretaFrancia), Robín de los Bosques (1922), El ladrón de Bagdad (1924), inspirada en el diseño de producción por los fragmentos orientales tivos de un medio a otro. de la película de Fritz Lang Las tres luces (1921), Don Q, hijo del En su etapa de adaptación, Fairbanks fue cobrando mayor Zorro (1925), El pirata negro (1926), El gaucho (1927), La máscara de confianza y seguridad ante las cámaras apareciendo en más de hierro (1929), y una versión de La fierecilla domada (1929), que prouna veintena de películas que iban de la comedia al romance en tagonizó junto a su esposa Mary Pickford. paisajes de wéstern y tirando de la sátira. Aunque esos primeros Posteriormente, ella reconoció que el trabajo de Fairbanks en trabajos no eran los que iban a convertirle en el rey de Hollywood, ese largometraje había sido uno de los mejores en la carrera del actor, quizá porque la realidad se había filtrado en la ficción. Cuando rodaron la película su matrimonio se había deteriorado bastante y Fairbanks encontró en los choques de su personaje con el que interpretaba su esposa la excusa perfecta para dejar salir sus desacuerdos con Pickford. Consiguieron el divorcio el 10 de enero de 1936. Y Fairbanks aún se casó en una tercera ocasión con Edith Louise Sylvia Hawkes, con la que contrajo nupcias el 7 de marzo de 1936, y a la que permaneció unido hasta el momento de su muerte. Fairbanks fue además director de dos películas: Arizona (1918), que codirigió con Albert Parker, y el documental Alrededor del mundo con Douglas Fairbanks (1931), que codirigió con Victor Fleming. La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood le dio un premio honorario en 1940 como reconocimiento al que había sido su primer presidente por su contribución al desarrollo internacional de las películas.

Fairbanks utilizó La máscara de hierro y el destino de su personaje, D´Artagnan, para simbolizar su adiós como estrella del cine mudo.

Miguel Juan Payán

INTERSTELLAR

Otro aspecto que destaca a la hora Ya lo decía Dylan Thomas: “No enFICHA TÉCNICA de valorar qué ha llevado a Interstellar a tres dócilmente a esa buena noche”. Director: Christopher Nolan; Intérpretes: Matthew ser la película más votada en las encuestas Y ya lo dice el protagonista de IntersMcConaughey, Jessica Chastain, Anne Hathaway, Michael de la revista ACCIÓN es su capacidad para tellar: “La humanidad nació en la Tierra, Cane, Matt Damon, Casey Affleck, David Oyelowo, Wes Bentley, John Lithgow, MacKenzie Foy, Timothee Chalamet, dar lugar a todo tipo de debates y especununca estuvo destinada a morir aquí”. Ellen Burstyn; Año de producción: 2014; Nacionalidad: laciones sobre su contenido, tanto desde el Una frase que seguramente le habría EE. UU., Reino Unido, Canadá.; Guion: Jonathan Nolan, Christopher Nolan; Música: Hans Zimmer; Fotografía: Hoyte punto de la filosofía como de la ciencia. encantado a uno de los grandes escritores de Van Hoytema; Color; Duración: 169 minutos. En ambos campos se abordó el larciencia ficción, Isaac Asimov, y que nos entugometraje con opiniones a favor y en consiasma especialmente a los aficionados al gétra, pero por lo referido a la ciencia, el prestigioso astrofísico Neil nero que tanto hemos disfrutado con sagas literarias como Fundación. deGrasse Tyson afirmó que, al contrario que otro título destacado La pelea épica del protagonista de Interstellar, Cooper, por redel género en la década, Gravity, al que le arreó una cumplida sosistir a esa buena noche que es la muerte se ganó el corazón y las manta de palos en forma de crítica sobre su verosimilitud científica, mentes de los espectadores de todo el mundo, con una recaudaInterstellar estaba bien fundamentada y contenía propuestas plausición en todo el mundo que superó los 700 millones de dólares (desbles que se mantenían cercanas a los conocimientos y teorías ciende un presupuesto de 165 millones en esa misma moneda), y se ha tíficas sobre los agujeros de gusano, los agujeros negros, los viajes ganado también a los redactores y lectores de nuestra revista ACen el tiempo y las dimensiones paralelas. CIÓN, tal como demuestra la encuesta realizada para elegir las meEs eso lo que ha convertido a esta historia en una especie de jores películas de la década que dejamos atrás en el año 2020. embajadora de buena voluntad de la cosmología en el territorio de la Entre 2011 y 2020, esta película es la más votada sumando los cultura popular, aunque haya quien destaca errores que suelen servir resultados de la encuesta a redactores y críticos y la encuesta a los para poner más fuego en el caldero de los debates sobre la película. lectores, lo que demuestra que en ACCIÓN nos ponemos de acuerdo El libro La ciencia de Interstellar, publicado por Kip Thorne, es cuando la ocasión lo merece. Y sin duda Interstellar lo merece. una interesante prueba de eso, y la explicación de Neil deGrasse Esa pelea contra la muerte de Cooper junto con su relación Tyson sobre cómo la idea de las cinco dimensiones es clave en la desgarradora de amor paternofilial roto con su hija Coop, que pone película, puede servir como ejemplo de por qué esta película de Cha prueba el talento de los cuatro actores implicados, Matthew Mcristopher Nolan sigue dando lugar a todo tipo de estudios, especuConaughey, MacKenzie Foy, Jessica Chastain y Ellen Burstyn en las laciones y teorías. Un aspecto que, por cierto, abunda en la propia diferentes etapas, es el motor emocional de este laberinto, que briapuesta de la historia que nos cuenta y la opinión de su protagonislla por sí solo como uno de los mejores construidos por Nolan para ta cuando Cooper dice: “Solíamos mirar hacia el cielo y preguntarcontarnos sus fábulas sobre la verdad y la mentira, dualidad que se nos por nuestro lugar en las estrellas. Ahora solo miramos hacia constituye en columna vertebral de su filmografía. Tal como afirma abajo y nos preocupamos por nuestro lugar en la Tierra”. uno de los diálogos de la película: “El amor es la única cosa que soLa película plantea también interesantes dilemas éticos. La somos capaces de percibir que trasciende el tiempo y el espacio”. ciedad que nos pinta Nolan al principio de su película es el paisaje de Rodada en Islandia, Canadá y Estados Unidos, esta odisea esuna civilización humana que ha tirado la toalla, se ha rendido, después pacial fue comparada con la de Stanley Kubrick, aunque no podría de destruir la ecología de su propio planeta, la Tierra. Eso plantea la estar más lejos de 2001, incluso considerando esta última como misión para salvar a la humanidad que se asienta sobre una mentira – una influencia para el director de Interstellar. ¿el fin justifica los medios?–, y aspira a encontrar otro planeta capaz Nolan, como siempre, nos propone un laberinto espaciotemde albergar a los supervivientes, lo que, entre otros debates, conduce poral en el que convierte al espectador en cobaya en clave hitcha dudas éticas sobre si la humanidad se ha ganado, tiene o no, el decockiana, esto es, a través de la información que nos va suminisrecho a terraformar otro planeta y apropiarse de él… ¿Quizá para trando durante la película. Somos nuevamente sus títeres, y acabar destruyéndolo también en un futuro? Además, presenta la estamos una vez más sometidos, con voluntarioso placer por nuesdualidad de inmovilismo y ceguera social, científica y cultural –el castra parte, a uno de sus esquemas argumentales milimétricamente tigo a la hija del protagonista por hablar de la salida al espacio en claconstruidos, repletos de cebos y giros argumentales que nuevase–, frente a la idea de curiosidad, imaginación y progreso. mente están marcados por la música de Hans Zimmer y, tratándose Es interesante destacar también cómo desde el punto de vista el tema que se trata, que no es otro que la supervivencia de la hude las fórmulas de viaje del héroe y los argumentos universales, el manidad, nada más y nada menos, está marcado por un tono apoprotagonista de la película consigue ser a la vez –y esto encaja muy calíptico general que estalla en el momento del incendio de la granbien con el tema de la relatividad y el tiempo que propone el arguja, un momento de dies irae ejemplar que tritura emocionalmente al mento– un modelo de dos de los argumentos universales más imespectador con la asociación de imágenes y música. Baste como portantes. Es un Jasón a la caza del tesoro y al mismo tiempo un ejemplo el tema “No Time for Caution”, redefinición magistral de la Ulises que intenta el regreso a la patria en su propia versión de la épica en el cine. O el trabajo con el silencio y la música en la resoIlíada de Homero. Cooper empieza como Jasón, pero es al mismo lución espectacular del personaje interpretado por Matt Damon, que tiempo, desde el principio, Ulises, es decir, anda detrás de su verni siquiera, con ese mismo actor, pudo llegar a igualar Ridley Scott sión del vellocino de oro y al mismo tiempo busca el camino de en Marte, otra gran protagonista del cine de ciencia ficción de la úlvuelta a su versión de Ítaca. tima década.

TANYA ROBERTS (VICTORIA LEIGH BLUM) 15 de octubre de 1955, El Bronx, Nueva York (EE. UU.)-4 de enero de 2021, Los Ángeles, California (EE. UU.)

FILMOGRAFÍA 1976.– Entrada forzada, The Yum Yum Girls; 1977.– Los archivos privados de Hoover; 1978.– Melodía para un asesinato, Playa Zuma (película para televisión); 1979.– Pleasure Cove (película para televisión), Trampa para turistas, Greatest Heroes of the Bibble: Jacob’s Challenge (serie televisión), Sueños de California, Racquet; 1980.– Las Vegas: Golden Gate Cop Killer (serie televisión), Waikiki (película para televisión), Los ángeles de Charlie (serie televisión); 1982.– Vacaciones en el mar: Green But Not Jolly/Past Perfect Love/Instant Family (serie televisión), La isla de la fantasía: The Ghost’s Story/The Spoilers (serie televisión), El señor de las bestias; 1983.– Murder Me, Murder You (película para televisión), Los paladines; 1984.– Sheena, reina de la selva; Panorama para matar; 1986.– Body Slam; 1988.– Purgatory; 1990.– Justicia implacable, Ojos en la noche; 1991.– Inner Sanctum, Legal Tender; 1992.– Estoy preñadísima; 1993.– Sins of Desire; 1994.– La ley de Burke: Who Killed Nick Hazard? (serie televisión), Deep Down, Hot Line (serie televisión); 1995.– Medias de seda: Till Death Do Us Part (serie televisión); 1996.– The Pandora Directive (videojuego); 1997.– Marea alta: Girl on the Run (serie televisión), The Blues Brothers Animated Series (serie televisión); 1998.– Los castores cascarrabias: Same Time Last Week/Beaver Fever (serie televisión), Aquellos maravillosos años (serie televisión); 2002.– Apartamento de soltero: Mike y Liz y Chau y Jordan (serie televisión); 2003.– Fillmore: The Unseen Reflection (serie televisión); 2002.– Eve: Kung Fu Divas (serie televisión), Barbershop: Family Business, Debates and Dead People (serie televisión).

MUERTE Y RESURRECCIÓN DE UNA REINA DE LA SELVA Tremendo lío el provocado por el anuncio prematuro el día 3 de enero de la inesperada muerte de Tanya Roberts, que ha marcado el comienzo de año. Horas después de que varios medios en todo el mundo se hicieran eco del supuesto fallecimiento, su publicista desde hace años, Mike Pingel, hizo pública una corrección de la noticia anunciando que la actriz seguía viva, aunque se encontraba en condición crítica. El origen de la confusión fue el compañero sentimental de la actriz en los últimos veinte años, Lance O’Brien, quien creyó haberla visto morir en el hospital Cedars-Sinai horas antes y así se lo comunicó a Pingel, que a su vez pasó la noticia a los medios. Sin embargo, horas después Pingel tuvo que publicar un desmentido afirmando que la actriz seguía viva, si bien en extrema gravedad. Lamentablemente, 24 horas después de que se publicara esa especie de resurrección, Tanya Roberts falleció a las 9 de la noche del día 4 de enero. Había sido ingresada en el hospital el 24 de diciembre tras desmayarse cuando paseaba a sus perros. De paso fulgurante, pero al mismo tiempo contundente por el cine en los años ochenta, Tanya Roberts repartió su éxito como fémina popular entre la pantalla grande y la pequeña, aunque los aficionados al cine la recordaremos siempre y sobre todo por haber interpretado a Kiri, la fémina que acompañaba al héroe (Marc Singer) en El señor de las bestias, una sencilla película de bárbaros, brujos y mascotas más o menos feroces, cuyo protagonista era una mezcla de Tarzán de los Monos y Conan el Bárbaro. Tanya estuvo a punto de perder el papel de coprotagonista femenina en El señor de las bestias frente a una insistente Demi Moore que hizo varias pruebas para interpretar a Kiri con sus dieciocho años de edad. Finalmente, ganó Tanya, aunque al final la que acabó siendo una estrella con mayor recorrido ante las cámaras fue Demi Moore. Y eso a pesar de que en principio el recorrido profesional de Tanya parecía trazado más claramente, porque el papel de Kiri le sirvió como tarjeta de visita para ser la compañera de Roger Moore en la película de James Bond Panorama para matar (papel para el que los productores habían pensado en Priscilla Presley y Sharon Stone), mientras que Demi Moore se comía papeles secundarios en un terror de serie B, Parasite (1982), o pasaba casi invisible por la comedia de Stanley Donen Lío en Río (1984), y tenía que esperar a casarse con Bruce Willis en 1987 y rodar Ghost en 1990 para alcanzar el estrellato. Pero luego las cosas fueron de otro modo. Sí, es cierto, Tanya fue “chica Bond” (por cierto, una de las más sosas de la franquicia, todo hay que decirlo), en Panorama para matar, pero la verdadera popularidad de la película se la llevó Grace Jones ejerciendo como antagonista, May Day. Además, a Moore no le cayeron bien ni Tanya ni Grace. Según explicó el

actor en su biografía, no le gustaba la segunda y no tenía química alguna con la primera. Y además se sentía ya demasiado mayor con sus 57 años para compartir romance con Roberts. De hecho, tomó la decisión de dejar de interpretar a 007 cuando constató que la madre de Tanya Roberts era más joven que él. El director de la película, John Glenn, tuvo varios desencuentros con la actriz durante el rodaje, por sus exigencias de vestuario y otros asuntos que en el fondo derivaban de su inseguridad en el que consideraba un momento y un trabajo claves para su carrera. Tanya estaba convencida de que estar en una película de 007 iba a abrirle las puertas de los grandes proyectos. Se basaba en que Kim Basinger había hecho Nunca digas nunca jamás, con Sean Connery, y luego le habían ofrecido rodar El mejor, y de ahí al estrellato. Pero sus cálculos no salieron como esperaba, y lo más lejos que llegó fue a ser Shena, la reina de la selva, una especie de Tarzán en femenino, basada en un personaje creado en 1937 para los cómics por Will Eisner, Jery Iger y Mort Meskin, historieta publicada por el periódico británico Wags y firmadas por W. Morgan Thomas. En 1955 Sheena había tenido su propia serie de televisión protagonizada por la espectacular Irish McCalla, y posteriormente, entre 2000 y 2002, volvió a ser material para una serie de la pequeña pantalla con una de las protagonistas de Los vigilantes de la playa, Gena Lee Nolin, en el papel principal. Según Tanya Roberts, esta fue la película más difícil de su carrera, al mismo tiempo que la más gratificante a nivel personal, porque había podido conocer África (rodaron en Kenia). De hecho, este largometraje de Sheena estuvo a punto de rodarse con Raquel Welch como protagonista en 1975, proyecto que fue el que finalmente acabó siendo desarrollado primero para Bo Derek y alternativamente Jodie Foster como protagonistas en una versión que contaba con Harrison Ford en el papel masculino. Todo eso acabó finalmente con Roberts y Ted Wass en los papeles principales.

EL ÚLTIMO ÁNGEL DE CHARLIE Tanya era hija de Dorothy Leigh Smith y Oscar Maximilian Blum, vendedor de estilográficas. Ambos descendían de emigrantes judíos, austriacos por parte de padre, y húngaros por el lado de su madre. Su madre, sin embargo, era británica, se había casado con Oscar durante la Segunda Guerra Mundial, trasladándose a Estados Unidos. La pareja se divorció antes de que Tanya acabara sus estudios en el instituto, y la futura actriz no llevó bien esa ruptura del matrimonio, asumiendo una conducta que la llevaría a ser expulsada del centro en el que estudiaba cuando contaba quince años. Se casó en 1971, en plena adolescencia, pero la madre de su esposo, con el que había escapado, consiguió que se anulara el matrimonio. Después conoció en Nueva York a un estudiante de Psicología, Barry Roberts, con el que contrajo matrimonio en 1974 y al que permaneció unida hasta el fallecimiento de él en junio de 2006. Su hermana, Barbara Chase, también tuvo una carrera más breve como actriz en cine y televisión. Mientras se formaba como actriz, Tanya trabajó como modelo y profesora de baile, iniciándose profesionalmente en el teatro en montajes del circuito paralelo a los grandes montajes de Broadway en obras como Antígona y Pícnic, además de protagonizar anuncios de gafas de sol y cosméticos para ganarse la vida. En 1977, ella y su marido, reconvertido en guionista, dejaron Nueva York para probar suerte en California, y Tanya empezó a aparecer como actriz de reparto en películas y series de televisión, ganando finalmente mayor protagonismo interpretando a la que había de ser la última incorporación en la quinta temporada, final, de la serie Los ángeles de Charlie en 1976, cobrando 12.000 dólares por episodio y donde ejerció funciones de protagonista con Cheryl Ladd y Jaclyn Smith, ángeles más veteranos, en segundo término. Eso le permitió conseguir portada en la revista People, y le franqueó el paso para su primer papel relevante en el cine en El señor de las bestias, aprovechando para ganarse unas páginas y postularse como nuevo sex symbol del cine en las páginas de la revista Playboy. Después de aparecer en la última película de Roger Moore como 007, las ofertas que le llegaron fueron de poco calado, aunque finalmente ganó cierta estabilidad profesional consiguiendo papel fijo en la serie Aquellos maravillosos 70. Un detalle que tener en cuenta: sus ojos azules, señal distintiva de su belleza, fueron durante la mayor parte de sus trabajos fruto del uso de lentes de contacto.

MADAME CURIE (Radioactive) Reino Unido, 2019; Dirección: Marjane Satrapi; Fotografía: Anthony Dod Mantle; Guion: Jack Thorne; Música: Evgueni Galperine y Sacha Galperine; Intérpretes: Rosamund Pike (Marie Curie), Sam Riley (Pierre Curie), Aneurin Barnard (Paul Langevin), Anya Taylor-Joy (Irène Aged 18); Duración: 109 min.; Estreno en Reino Unido: 15-6-2020; Estreno en España: 4-12-2020; Distribuye: A Contracorriente;

SINOPSIS Basada en la novela gráfica Radioactive de Lauren Redniss, la película se centra en la figura de Marie Curie, la legendaria científica que consiguió el Premio Nobel en dos ocasiones, y la primera mujer en ganarlo. PARA RECORDAR La directora Marjane Satrapi, sin duda, sabe aprovechar los medios que tiene para disponer de forma más que interesante la historia que va a contar. La directora de Persépolis muestra que no hace falta un enorme presupuesto para hacer cine de época. Además, cuenta con la inestimable ayuda de su actriz protagonista, Rosamund Pike, quien dota de una personalidad única a la protagonista, además de crear un halo de misterio en torno a qué la convertía en un genio. Sus traumas, su estilo directo y a veces insultante, su forma de tratar las relaciones… El personaje es más que interesante, y en manos de Pike es mucho más interesante todavía. La película mantiene el ritmo casi todo el metraje, siendo interesante en momentos en los que parece que no tiene por qué serlo. Los nombres secundarios del reparto añaden mucho poso a la historia.

EL PADRINO, EPÍLOGO: LA MUERTE DE MICHAEL CORLEONE (The Godfather Coda: The Death of Michael Corleone) EE UU, 1990; Dirección: Francis Ford Coppola; Fotografía: Gordon Willis; Guion: Mario Puzo y Francis Ford Coppola; Música: Carmine Coppola; Intérpretes: Al Pacino (Don Michael Corleone), Diane Keaton (Kay Adams Michelson), Talia Shire (Connie Corleone Rizzi), Andy Garcia (Vincent Mancini); Duración: 162 min.; Estreno en España: 4-12-2020; Distribuye: Paramount

SINOPSIS Michael Corleone busca entrar en negocios legales y poner fin a sus actividades criminales. Nadie se lo va a poner fácil. PARA RECORDAR Un acierto por parte de Coppola corregir los puntos flacos de la versión anterior, mejorar la fluidez del conjunto mediante el montaje, suprimiendo secuencias como la cansina voz en off del principio para entrar directamente en materia e ir más al grano en esta nueva versión. La recuperación de planos de la segunda parte de El padrino, en el arranque de la versión anterior, transmitía una especie de complejo de El padrino 3 frente a sus predecesoras que ahora ha desaparecido. Se pone más al nivel de estas, se gana el puesto junto a ellas en la trilogía, y muestra tener más identidad precisamente por no estar tan a la sombra de las dos primeras entregas de la saga. Pacino y Eli Wallach brillan junto con Talia Shire como lo mejor de la película, en la que Andy García se gana un puesto entre los grandes.

PARA OLVIDAR Añaden poso, pero no el suficiente. El reparto parece algo desaprovechado, especialmente Anya Taylor Joy, cuya presencia es demasiado breve. La película se vuelca demasiado en un romance tópico, en lugar de lo interesante, la ciencia, la mujer detrás del mito… Los flashforward no funcionan como el resto de la historia, y te hacen desconectar por momentos de la trama.

PARA OLVIDAR El papel de Diane Keaton me sigue pareciendo de lo más flojo de la película. Creo que las partes románticas, tanto la de Michael con Kay y como la de los dos primos son las partes más flojas de la propuesta. No obstante, considero que con esta nueva versión, el propio Coppola ha reconocido y mostrado la fragilidad de la versión anterior, asumiendo las responsabilidades y exonerando completamente a su hija de culpa en el resultado.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Está muy alejada de Persépolis o Pollo con ciruelas. Demasiado cerca de La guerra de las corrientes o Tesla, por ejemplo.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… El padrino y El padrino, segunda parte.

EN CONCLUSIÓN Es una buena película, sin duda, pero será olvidada tan pronto como sea vista. Prometía muchísimo más con los nombres tras la película. J.U.

EN CONCLUSIÓN Ahora sí tenemos por fin una trilogía de El padrino. M.J.P. #####

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LA DECISIÓN

AVA

(Blackbird)

EE UU, 2020; Dirección: Tate Taylor; Fotografía: Stephen Goldblatt; Guion: Matthew Newton; Música: Bear McCreary; Intérpretes: Jessica Chastain (Ava), John Malkovich (Duke), Common (Michael), Colin Farrell (Simon); Duración: 96 min.; Estreno en EE UU: 25-9-2020; Estreno en España: 11-12-2020; Distribuye: eOne.

EE UU y Reino Unido, 2019; Dirección: Roger Michell; Fotografía: Mike Eley; Guion: Christian Torpe; Música: Peter Gregson; Intérpretes: Susan Sarandon (Lily), Kate Winslet (Jennifer), Mia Wasikowska (Anna), Sam Neill (Paul); Duración: 97 min.; Estreno en EE UU: 18-9-2020; Estreno en España: 5-122020; Distribuye: DeAPlaneta.

SINOPSIS Una mujer con ELA toma una gran decisión junto con su marido, e invita a toda su familia para poder verse una vez más y disfrutar de un fin de semana juntos antes de que la enfermedad llegue a sus últimas consecuencias. PARA RECORDAR Basada en la película Corazón silencioso dirigida por Bille August en Dinamarca, su guionista, Christian Torpe, repite su labor en la versión anglosajona que mejora el aspecto del reparto (no porque el de la danesa no fuese bueno, es que este es brillante), pero empeora un poco el propio guion. El remake está dirigido por Roger Michell, quien le da un toque elegante y honesto a la historia, incluso en sus momentos más melodramáticos, que los tiene. La película no llega ni a 100 minutos de sólido drama, con gotas de humor, y con un reparto liderado por Susan Sarandon, acompañada de Sam Neill, Kate Winslet, Mia Wasikowska, Rainn Wilson, Lindsay Duncan, Bex Taylor-Klaus y Anson Boon. Y nadie más. No hay más personajes en la historia, lo que ayuda a concretar todo y a que los actores que sí aparecen brillen. Y todos lo hacen. Todos tienen ocasión de hacerlo y la aprovechan sin dudarlo. PARA OLVIDAR Es por momentos demasiado melodramática. Abusa de ese drama casi de telefilme, sobre todo en la parte final. No se separa casi nunca de la original danesa, lo que hace que sea reiterativa sin necesidad, aunque algunos giros parezcan incluso excesivos y no funcionen. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Además de Corazón silencioso, la película recuerda a producciones como Siempre estaré contigo, con la que comparte muchísimas cosas. EN CONCLUSIÓN Una buena película dramática sobre la enfermedad y las despedidas, con un reparto soberbio, y pese a ello, tiene indiscutibles pecados. J.U. #####

SINOPSIS Ava es una asesina de una organización de operaciones secretas que, tras una misión fallida, decide regresar a casa y recuperar la relación con su madre y su hermana. PARA RECORDAR La sola presencia de Jessica Chastain ya eleva cualquier propuesta, por muy floja y previsible que esta sea. Entre el inoperante entramado de intriga, la película encuentra sus escasos buenos momentos en el terreno dramático, con la relación de su personaje con su madre y el oscuro secreto que la espía ha tenido que cargar durante años. PARA OLVIDAR Tate Taylor se zambulle por primera vez en el género de acción, y aunque cuenta con Jessica Chastain como protagonista junto con actores de la talla de John Malkovich o Colin Farrell, lo cierto es que el director no se siente cómodo fuera del drama. Las escenas de acción resultan monótonas y poco ambiciosas, mientras que la trama de espionaje rezuma aroma televisivo y está repleta de los clichés más manidos. La resolución de esta evidencia, la vaga caracterización de los personajes (no se comprende la decisión del villano, porque no cuadra con su comportamiento a lo largo de la película) y la errónea decisión del director de enredar emocionalmente la historia con innecesarias subtramas. Se nota que a Taylor lo que realmente le interesa es el drama de esta espía con tendencia a la autodestrucción que quiere reencontrar su sitio en la familia, pero necesitado de hacer una propuesta más comercial acaba navegando entre dos aguas en apenas hora y media, con un material dramático poco desarrollado y una parte de acción en la que se intenta convertir a Jessica Chastain en la nueva Atómica, pero no olvidemos que detrás de las cámaras de aquella se encontraba todo un especialista del género como David Leitch. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Thrillers de espionaje de serie B como Caza al asesino o La protectora. EN CONCLUSIÓN Un vehículo de acción para Jessica Chastain que hibri##### da sin suerte John Wick y Atómica con el drama familiar. A.G.

DÉJALES HABLAR (Let Them All Talk)

AKIRA

EE UU, 2020; Dirección: Steven Soderbergh; Fotografía: Steven Soderbergh; Guion: Deborah Eisenberg; Música: Thomas Newman; Intérpretes: Meryl Streep (Alice), Dianne Wiest (Susan), Candice Bergen (Roberta), Lucas Hedges (Tyler); Duración: 113 min.; Estreno en EE UU: 10-12-2020; Estreno en España: 10-12-2020.

Japón, 1988; Dirección: Katsuhiro Ôtomo; Fotografía: Katsuji Misawa; Guion: Katsuhiro Ôtomo e Izô Hashimoto; Música: Shôji Yamashiro; Duración: 124 min.; Estreno en España: 11-12-2020; Distribuye: Manga / Oro Films.

SINOPSIS Una prestigiosa escritora decide hacer un viaje acompañada de sus dos amigas más antiguas y su sobrino, para visitar la tumba de una escritora memorable. En el camino, intentarán descubrir cómo han cambiado las cosas y quizá incluso cerrar viejas heridas. PARA RECORDAR Tres nombres que son capaces de llamar la atención de cualquiera que disfrute de buenas interpretaciones. Meryl Streep, Candice Bergen y Dianne Wiest. Las tres se convierten en las reinas indiscutibles de un proyecto realmente peculiar, de la mano del director Steven Soderbergh, quien sigue interesado en explorar los procesos creativos y narrativos con un guion aquí presentado sin diálogos. Se daban unas guías, un desarrollo de escenas y personajes, y el reparto improvisaba los diálogos para que todo fuese más natural y realista. Y con esas tres mujeres cualquier cosa brilla todavía más. Incluso con personajes realmente no muy interesantes o una historia discreta. Además, la presencia de Gemma Chan ayuda mucho a la historia. Soderbergh sabe cómo narrar y lo demuestra en cada plano con elegancia y una fotografía maravillosa. Eso hace la historia más interesante, sin duda. PARA OLVIDAR Si pasamos por alto que Lucas Hedges no está a la altura del resto del reparto, el invento de improvisar los diálogos no termina de funcionar. Es caótico, distrae muchísimo y no consigue realmente lo que pretende. Se repiten líneas continuamente, se anda en círculos, no se avanza en la historia y los actores hablan a la vez. Fallido el proceso, lo salvan los actores. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Tiene el tono visual del cine de su director, algo evidente desde el primer minuto. Pero es algo experimental como Perturbada o The Girlfriend Experience. EN CONCLUSIÓN Es entretenida e interesante, pero lo que la hace destacar es el reparto, sin duda. J.U.

SINOPSIS Neo-Tokio, 2019, después de la Tercera Guerra Mundial. Tetsuo, miembro de la banda de motoristas de Kaneda, recibe un poder que procede del mítico Akira, un misterio del pasado que reposa como amenaza en la ciudad, a punto de estallar por una situación social convulsa. PARA RECORDAR Oportunidad de ver en cines, en pantalla grande y en 4K, este clásico del cine de ciencia ficción en las mejores condiciones posibles para que luzca plenamente su riqueza visual. Una interesante mezcla de géneros en la que domina la ciencia ficción y que plantea las relaciones protagonista-antagonista con más madurez y menos maniqueísmo de lo que suele ser habitual en el cine occidental. Un interesante viaje del personaje de Tetsuo, una excelente respuesta visual a las exigencias de localización y despliegue de las secuencias de acción trepidante. Una elaborada y sólida construcción de argumento en capas que se van dando el relevo para garantizar un mejor ritmo final del conjunto. Personajes y sus relaciones y conflictos explicados con el mínimo metraje y siempre sin frenar el desarrollo del asunto principal. El juego con la dualidad y los contrarios. PARA OLVIDAR Nada. Es una película de cinco estrellas. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… En general, el anime japonés, del mismo autor Steamboy (2004), Metrópolis (2001), de Rintaro y Tezuka, Jin-Roh (1999), de Hiroyuki Okiura, o Stray Dog: Kerberos Panzer Cops (1991) y Ghost in the Shell (1995), las dos de Mamoru Oshii. EN CONCLUSIÓN Obra maestra de la ciencia ficción y de la animación, y título clave que recibe tantas influencias como luego prodiga sus propios aportes y ecos a otras producciones. Un clásico imprescindible. M.J.P. #####

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CIELO DE MEDIANOCHE

PROM

(The Midnight Sky)

EE UU, 2020; Direcciónr: Ryan Murphy; Fotografía: Matthew Libatique; Guion: Bob Martin, Chad Beguelin y Matthew Sklar; Música: David Klotz y Matthew Sklar; Intérpretes: Meryl Streep (Dee Dee Allen), Nicole Kidman (Angie Dickinson), James Corden (Barry Glickman), Andrew Rannells (Trent Oliver); Duración: 130 min.; Disponible en Netflix desde el 11-12-2020.

EE UU, 2020; Dirección: George Clooney; Fotografía: Martin Ruhe; Guion: Lily Brooks-Dalton y Mark L. Smith; Música: Alexandre Desplat; Intérpretes: George Clooney (Augustine), Felicity Jones (Sully), David Oyelowo (Adewole), Demián Bichir (Sánchez); Duración: 118 min.; Estreno en EE UU: 23-122020; Disponible en Netflix desde el 11-12-2020.

SINOPSIS Un grupo de actores de Broadway, narcisistas y pagados de sí mismos, quieren lavar su imagen a toda costa, por lo que deciden trasladarse a un pequeño pueblo para ayudar a una joven a la que no se le permite ir al baile de graduación con su pareja por ser lesbiana. Un caso con visibilidad para convertirse en héroes.

SINOPSIS Tras un evento que condena a la Tierra, un superviviente intenta contactar con una estación espacial que se acerca a nuestro planeta, intentando evitar que cometan el error de regresar a casa. Basado en la novela de Lily Brooks-Dalton.

PARA RECORDAR Ryan Murphy sabe casi siempre elaborar algunos de los mejores repartos que se pueden ver en televisión, y en esta película musical hace exactamente eso. Meryl Streep, Nicole Kidman, Kerry Washington, Keegan-Michael Key… Mención especial para James Corden, sorprendente y quien mejor aprovecha el drama de su personaje, y para Jo Ellen Pellman, quien lleva gran parte del peso de la película. Es brillante y colorida, y en su arranque tiene muchísimo humor, hasta el punto de ser casi descabellada. Ciertos números musicales, como el arranque en Broadway o el número en el centro comercial tratando de convencer a los jóvenes, son poderosos y divertidos. Entretiene y tiene detalles más que interesantes. Crece respecto al musical en el que se basa en el aspecto visual, y eso ayuda con la película. PARA OLVIDAR Personajes como el de Nicole Kidman son un mero adorno y es una lástima que no se aproveche su presencia. Algo parecido sucede con Kerry Washington. La película arranca como un torbellino y poco a poco se convierte en una brisa. Cada vez más edulcorada y menos ingeniosa. Varias canciones y números musicales sobran y solo alargan el metraje. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Un cruce entre dos de las series Murphy, Glee y Popular. Debería ser más como la última. EN CONCLUSIÓN Es divertida y entretenida, pero alarga su duración y no termina de ser grandiosa. Cumple, sin más. J.U. #####

PARA RECORDAR George Clooney se une a Netflix para dirigir su nueva película, que también protagoniza. Un trabajo casi redondo en el que el actor y director nos narra un relato de aventuras en dos localizaciones distintas, pero también un análisis sobre el alma humana, sobre cómo somos y quiénes somos realmente. Al mismo tiempo, la historia nos narra lo que sucede en la Tierra y en el espacio, con algún peculiar flashback que nos cuenta quién o cómo es realmente un personaje. El viaje terrestre es un relato de supervivencia y superación en el que nos encontramos los mejores momentos de la película. La historia está rodada en 65 mm. Y sí, es cierto que en una televisión no se nota, pero el espectáculo visual es digno de mención en toda la película. Clooney está magnífico, y Felicity Jones también. El reparto incluye nombres más que apetecibles como Kyle Chandler, David Oyelowo o Demián Bichir. Pero quien arrasa es la niña, Caoilinn Springall, un pequeño prodigio que aguanta el tipo como nadie y que tiene momentos maravillosos. Emotiva sin abusar del espectador. PARA OLVIDAR La película está descompensada. La historia de los astronautas es menos emocionante, aunque sea tan espectacular o más. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Por un lado Ártico o El renacido (con la que comparte guionista), y por otro la propia Gravity, en la que trabajó Clooney como actor. EN CONCLUSIÓN Uno de los mejores trabajos de George Clooney delante y detrás de las cámaras. Un relato de aventuras y ciencia ficción más que interesante. J.U. #####

LA MADRE DEL BLUES

RENACERES

(Ma Rainey's Black Bottom)

España, 2020; Dirección: Lucas Figueroa; Fotografía: Emily Marley; Guion: Lucas Figueroa; Duración: 72 min.; Estreno en España: 18-12-2020.

SINOPSIS Rodada en cámaras 8K durante el confinamiento, la película a la vez documenta en imágenes la transformación de Madrid en una ciudad casi fantasma, y cómo eso nos afectó a todos a un nivel más emocional e íntimo. PARA RECORDAR La nueva propuesta de Lucas Figueroa no es ni un documental ni un relato lírico. Es ambas cosas y ninguna a la vez. Es una sucesión de cuadros, de lienzos en movimiento que quedarán para el recuerdo, mostrando lo que fue la ciudad de Madrid casi vacía durante el confinamiento. Pero también es, a través de una serie de poemas narrados por voces más que conocidas, una revisión de qué y quiénes somos, hemos sido y seremos debido a ese confinamiento. No quiere recabar historias de la pandemia o ser un documental sobre ella. Quiere recabar miradas, emociones e imágenes que nos llevan de la ciudad a rincones muchas veces olvidados y desconocidos. Desde un supermercado a un matadero, pasando por una plantación agrícola o una granja de paneles solares. El paso del tiempo, la humanidad, el renacer… todo en apenas 70 minutos.

EE UU, 2020; Dirección: George C. Wolfe; Fotografía: Tobias A. Schliessler; Guion: Ruben SantiagoHudson y August Wilson; Música: Branford Marsalis; Intérpretes: Viola Davis (Ma Rainey), Chadwick Boseman (Levee), Glynn Turman (Toledo), Colman Domingo (Cutler); Duración: 94 min.; Disponible en Netflix desde el 18-12-2020.

SINOPSIS Se basa en la obra de teatro de August Wilson. Durante una calurosa sesión de grabación en 1927, Ma Rainey, la Madre del Blues, debe enfrentarse a los miembros de la discográfica, a su mánager e incluso a uno de sus músicos, que quieren cambiar la música que define quién es.

PARA OLVIDAR Esa indefinición entre poesía y documental a veces no ayuda. Como si las piezas no encajasen. Lo mismo vale para el uso de la cámara lenta, que hace que sea complicado a veces entrar en lo que quieren contarnos, porque alarga demasiado esos momentos. O el uso de rostros anónimos, algo que se repite en varios momentos.

PARA RECORDAR La obra de August Wilson no solo refleja perfectamente a un grupo de personajes en un momento concreto, sino que revisa la vida de la población afroamericana a lo largo del siglo XX, sus luchas, sus tribulaciones, sus problemas. Desde internos a externos, desde el racismo a su propia imagen y lo que ellos sentían. La película triunfa en ese sentido y, es más, nos lleva a conocer a una mujer que fue capaz de enfrentarse a todo y vencer gracias a su talento. La película cuenta para ello con dos de los candidatos a cualquier premio de interpretación del año, como son Viola Davis, simplemente impresionante, y Chadwick Boseman en el último papel de su carrera. Es una gozada ver a ambos en pantalla y cómo llevan a sus personajes a los extremos, gracias a momentos muy íntimos. Junto a ellos, nombres únicos, como Colman Domingo, Glynn Turman y Michael Potts. El director George C. Wolfe saca lo mejor de todos ellos, y le añade esa música tan especial que es el blues.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Es complejo compararla, porque es única. Pero el documental Human, de Yann Arthus-Bertrand podría servir, aunque de forma muy tangencial.

PARA OLVIDAR Un director que no es capaz de escapar casi nunca de las limitaciones de espacio, ni pone suficientes veces a Davis cara a cara con Boseman.

EN CONCLUSIÓN Es una propuesta única. Y su rodaje en 8K hará que perviva en el tiempo como un fresco de lo que parecía imposible pero un día sucedió. J.U.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Tiene mucho de los diálogos de Fences, y de la TV movie Bessie, por ejemplo.

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EN CONCLUSIÓN Es una película poderosa y con dos intérpretes fuera de serie. Seguramente será nominada a varios premios importantes. J.U. #####

HASTA EL CIELO

THE GLORIAS

España, 2020; Dirección: Daniel Calparsoro; Fotografía: Josu Inchaustegui; Guion: Jorge Guerricaechevarría; Música: Carlos Jean; Intérpretes: Miguel Herrán (Ángel), Carolina Yuste (Estrella), Luis Tosar (Rogelio), Asia Ortega (Sole); Duración: 121 min.; Estreno en España: 18-12-2020; Distribuye: Universal.

EE UU, 2020; Dirección: Julie Taymor; Fotografía: Rodrigo Prieto; Guion: Julie Taymor, Sarah Ruhl y Gloria Steinem; Música: Elliot Goldenthal; Intérpretes: Julianne Moore (Gloria), Alicia Vikander (Gloria), Lulu Wilson (Gloria), Ryan Kiera Armstrong (Gloria); Duración: 139 min.; Estreno en EE UU: 30-9-2020; Estreno en España: 18-12-2020; Distribuye: DeAPlaneta.

SINOPSIS Un joven que vive en un barrio de los más pobres de Madrid ve una gran oportunidad cuando conoce a la mujer de su vida y, a través de su novio, entre a formar parte de una de las bandas de aluniceros más importantes de la ciudad.

SINOPSIS La cineasta Julie Taymor (Frida) se acerca a la vida de la periodista, escritora y líder feminista Gloria Steinem, a través de cuatro actrices: Julianne Moore, Alicia Vikander, Ryan Kiera Armstrong y Lulu Wilson. De la América de los cincuenta y sesenta a los años de las luchas por los derechos sociales, la película recorre la trayectoria de la famosa autora del libro My Life on the Road.

PARA RECORDAR Si algo destaca de la película es su ritmo y sus escenas de puro thriller con elementos de acción. Esos golpes tan bien planeados y ejecutados que nos quitan el aliento y nos transportan junto al protagonista y su grupo de compañeros en el arte del robo. Algunos, como el atraco a plena luz del día, son simplemente sensacionales. Ese ritmo nos lleva de un momento a otro de la película sin plantearnos muchas cosas y de la mano de un muy buen reparto liderado por el joven Miguel Herrán, quien se apoya en nombres como Fernando Cayo, Luis Tosar o Patricia Vico, pero también en dos jóvenes actrices, Carolina Yuste, todo pasión y desbordante fuerza, y Asia Ortega que cautiva con cada mirada y con un personaje que crece secuencia a secuencia. PARA OLVIDAR El guion tiene demasiadas lagunas. No explica muchas veces lo que ha sucedido, lo cuenta en lugar de mostrarlo (la primera detención) o nos presenta situaciones casi inverosímiles, como la entrada en la banda del protagonista. A veces tiene demasiada prisa por llegar a un determinado punto, lo que deja, por ejemplo, un final extraño. La crítica social se diluye con el thriller.

PARA RECORDAR Taymor no filma una biopic plana y cronológica, sino que la enriquece con constantes saltos en el tiempo, y rupturas narrativas realmente imaginativas y atrayentes. En manos de la responsable de Frida, la pasión que desplegó en su lucha Gloria Steinem queda ampliamente registrada por el vertiginoso guion y la brillante sucesión de escenas. PARA OLVIDAR En algunos momentos, con los continuos flashbacks, puede parecer que la acción de la película queda perdida en medio de ninguna parte. Esto se observa sobre todo en los episodios de la niñez de Steinem, extrañamente alargados, pese a que lo más interesante se desvela desde el instante en que la protagonista llega a la etapa adulta. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Las obras de Julie Taymor, cuyos componentes artísticos parecen coincidir en todos los títulos que la creadora ha grabado. Titus, Frida, El sueño de una noche de verano y Across the Universe.

EN CONCLUSIÓN Es honesta, entretenida, y funciona a las mil maravillas como escapismo. J.U.

EN CONCLUSIÓN La película transmite con precisión y efectividad la impactante vida de Gloria Steinem, a la que interpretan con convicción y sobresalientes resultados Julianne Moore, Alicia Vikander, Ryan Kiera Armstrong y Lulu Wilson. Taymor consigue reproducir con convicción las diferentes épocas en las que la protagonista tuvo que defender la condición de las mujeres, en un mundo dominado por el machismo social. J.M.

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TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Tiene elementos de homenaje a películas como Heat, pero anda a caballo entre A golpes o Alacrán enamorado. A veces, se parece a Combustión, del mismo director.

Series de T.V. RAY DONOVAN

FICHA TÉCNICA Creadora: Ann Biderman. Género: Negro/drama criminal. Música: Marcelo Zarvos. Emisión en EE UU: 30 de junio de 2013-19 de enero de 2020, Showtime Emisión en España: 30 de junio de 2013-22 de enero de 2020, Movistar +. Reparto: Liev Schreiber (Raymond Donovan, Ray), Paula Malcomson (Abby Donovan), Eddie Marsan (Terry Donovan), Dash Mihok (Bunchy Donovan), Jon Voight (Mickey Donovan), Pooch Hall (Darryl Donovan), Steven Bauer (Avi Rudin), Katherine Moennig (Lena Burnham), Kerris Dorsey (Bridget Donovan), Devon Bagby (Conor Donovan), Susan Sarandon (Samantha Winslow), Graham Rogers (Jacob Smith). Sinopsis: Ray Donovan es lo que en ciertos círculos se llama un “arreglador” o fixer, un tipo que se encarga de solucionar problemas eventuales de los ricos, famosos y poderosos, con discreción, eficacia y sin dejar que estos salgan a la luz. Pero su vida personal dista mucho de encajar con su profesionalidad. A sus problemas maritales, se suman la complicada relación con sus hermanos y, sobre todo, con su padre, que acaba de salir de prisión. Y con un pasado que sigue queriendo salir a la luz.

• Pero ese mundo de Boston no tenía todos los elementos que buscaba la creadora, lo he hizo que se plantease la idea de llevar a los personajes a un mundo donde estuviesen fuera de su medio. De ahí su traslado de Boston a California, donde además pondrían a Ray a vivir en un barrio como Calabasas, donde habitan muchas estrellas de Hollywood, como Will Smith o Jennifer López, lo que seguiría mostrando al personaje más fuera de su ambiente. Pero en su trabajo seguía siendo excelente, porque en una u otra ciudad, él sabía cómo resolver sus problemas. Otra idea de Biderman fue la de crear una nómina de personajes secundarios tan coloridos como únicos. Empezando por la esposa de Ray, con la que choca continuamente (y a la que tiene muchas veces abandonada, además de serle infiel), y también por los hermanos del protagonista, el infantil Bunchy y el exboxeador con párkinson Terry. Pero el rey de la función acababa siendo su padre, interpretado por Jon Voight, que desde los primeros capítulos ya creó algunos de los momentos más memorables de la serie, y frases que todos los fans recuerdan. • Pese al éxito de la serie desde su arranque, con Biderman como showrunner –se convirtió en el primer episodio más visto en la historia de Showtime hasta la fecha–, pronto surgieron algunos problemas, y al terminar la temporada 2, Biderman fue despedida, quedando al mando David Hollander. El problema que motivó su marcha fue, según todas las fuentes, puramente de presupuesto. Con Biderman al frente, los rodajes se extendían más de lo necesario, los guiones llegaban tarde y el presupuesto se disparaba, lo que hizo a Showtime considerar que necesitaba un cambio de rumbo en la producción. Hay que recordar que los showrunners no solo se encargan de liderar la sala de guionistas, sino que como productores ejecutivos principales, están al frente de la planificación, los rodajes… Por ese motivo, la creadora de la serie tuvo que abandonar su puesto y dejar a Hollander liderando la serie, aunque Biderman se mantuvo como productora ejecutiva en un puesto nominal prácticamente. • Una de las claves de Ray Donovan es sin duda la localización, como mencionábamos, y centrarse en California en lugar de en Boston. Pero a partir de la temporada 6, la serie volvió a mudarse y se trasladó a Nueva York. Eso supuso un cambio hasta en el estreno de las temporadas. Las cinco primeras se estrenaron en meses cálidos, como cálida es California, mientras que con la llegada del frío se estrenaron las temporadas 6 y 7, como más fría es la ciudad de Nueva York.

• Ann Biderman es una de las veteranas guionistas de televisión que contaba con una carrera más que interesante, en la que había conseguido imponerse a los estereotipos de Hollywood sobre la temática y los géneros que podría tratar. Policías de NY, Copycat, Enemigos públicos o la excelente serie policiaca Southland, que también creó ella misma, llevaron a Biderman a romper moldes, nuevamente, contra todo pronóstico, cuando en Hollywood buscaban nuevos talentos. Ella, con 62 años, creó la trama más llena de testosterona de la parrilla televisiva, sin hacer prisioneros y teniendo en cuenta que la historia que contaba no era sencilla de narrar. Y que viene de la obsesión de la autora con el mundo del crimen organizado irlandés en Boston, además de los escándalos de la Iglesia católica con el abuso de niños que surgieron en los pasados años. La guionista tenía claro que, como ha contado, mientras otras veían en la figura del crimen de Boston Whitey Bulger a un héroe casi romántico, para ella era un puzle que descubrir y analizar.

• La serie fue cancelada completamente al acabar la temporada 7, que además contó con dos episodios menos que las anteriores. Eso pilló totalmente desprevenidos a sus responsables y al reparto. Hollander declaró por activa y por pasiva que el anuncio de la cancelación llegó antes de tiempo y que ya tenían mapeado el plan de desarrollo de la octava temporada, que además sería la última. Sería la que cerraría todos los arcos argumentales que quedaron sin concluir. Hollander hablaba haciendo referencia a que la falta de aviso hizo que no pudieran cerrar esas historias a tiempo en la temporada séptima. • Aunque la serie fuese cancelada, sus responsables han seguido luchando por ella, con Liev Schreiber a la cabeza. El actor ha sido el primero en manifestar que iban a intentar buscar la forma de rodar la última temporada, en Showtime o en otro hogar, pero sin éxito. Muchos actores creen que no será posible, y la pandemia no ha ayudado. Pese a todo, el protagonista cree que podrán realizar una película, seguramente para televisión, que concluya la historia. Nada se ha concretado por ahora. J. U.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

LOS CAÑONES DE NAVARONE The Guns Of Navarone 1961; Reino Unido, EE. UU; Director: J. Lee Thompson; Guion: Carl Foreman; Música: Dimitri Tiomkin; Fotografía: Oswald Morris; Intérpretes: Gregory Peck, David Niven, Anthony Quinn, Stanley Baker, Anthony Quayle, James Darren, Irene Papas, Gia Scala, James Robertson Justice, Richard Harris, Bryan Forbes, Allan Cuthbertson, Michael Trubshawe, Percy Herbert, Walter Gotell, Tutte Lemkow, Norman Wooland; Duración: 158 minutos.

Esta película es el máximo exponente del giro del género bélico hacia la épica espectacular en el código del género de aventuras. Se basa en la novela del mismo título escrita por Alistair MacLean y publicada en 1957. La historia está asentada en hechos reales ocurridos durante la Segunda Guerra Mundial en la batalla de Leros, una base aérea y naval fuertemente defendida por cañones y que cayó en manos aliadas tras firmar el armisticio Italia desvinculándose de su alianza con Alemania. Tropas británicas reforzaron al contigente italiano de la base, pero les sirvió de poco. Finalmente fue capturada de nuevo por las fuerzas alemanas en lo que acabó siendo conocido como un nuevo Galípoli. Navarone es una invención de la novela y no existe ninguna localidad griega con dicho nombre. El éxito obtenido por la película llevó a Alistair MacLean a escribir una secuela de la película, no del libro, titulada Fuerza 10 de Navarone que fue publicada en 1968. Diez años después fue llevada al cine y contó con Guy Hamilton como director y Robert Shaw, Harrison Ford, Edward Fox y Carl Weathers como protagonistas. El resultado fue muy inferior al de la película original, en parte porque eran otros los tiempos y el público en el que se facturó esta secuela por otra parte entretenida pero absolutamente innecesaria. Los cañones de Navarone ganó el premio a los mejores efectos especiales y el Globo de Oro a la Mejor Película y Música original. Presupuestada en seis millones de dólares de su época, fue el ejemplo que se instaló en el cine bélico en la década de competencia con la televisión, y es ejemplar en su uso de la relación de aspecto no solo para dar espectáculo, sino para definir conflicto y personajes. M.J.P.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

LOS HÉROES DE TELEMARK The Heroes Of Telemark 1965; Reino Unido; Color; Director: Anthony Mann; Guion: Ivan Moffat, Ben Barzman; Música: Malcolm Arnold; Fotografía: Robert Krasker; Intérpretes: Kirk Douglas, Richard Harris, Ulla Jacobsson, Michael Redgrave, David Weston, Sebastian Breaks, John Golightly, Alan Howard, Patrick Jordan, William Marlowe, Brook Williams, Roy Dotrice, Anton Diffring, Ralph Michael, Eric Porter, Wolf Frees, Karel Stepanek, Mervyn Johns; Duración: 131 minutos.

Dos novelas sirvieron como base a esta superproducción cuyo guion se basa oficialmente en el libro de 1954 Skis Against the Atom de Knut Haukelid, en el que narra sus experiencias reales durante la Segunda Guerra Mundial, cuando participó en el sabotaje de la planta de energía en Vemork, Noruega, controlada por los alemanes. Dicha planta era la única en el mundo en aquel momento capaz de fabricar agua pesada, lo que habría propiciado la creación de una bomba atómica nazi, aunque según afirman numerosas fuentes, Adolf Hitler no estaba convencido de emplear esa arma tan destructiva preocupado por las consecuencias que pudiera derivar en contra de sus propias fuerzas. Además, el consenso general es que esta misión no cambió realmente el curso del conflicto, porque los alemanes estaban muy lejos de poder conseguir armamento nuclear, incluso si la planta no hubiera sido destruida y el agua pesada estuviera a su disposición. De hecho, Hitler apostaba más por las V1 y las V2. Pero, además, la película se inspiró en la novela de John Drummond But For These Men publicada en 1962. El proyecto atravesó por distintas fases antes de materializarse tal como lo conocemos, cambiando de alternativas de reparto, en el que inicialmente se barajaron los nombres de Stephen Boyd, Anthony Perkins y Cliff Robertson como posibles protagonistas en el papel que acabaría interpretando finalmente Richard Harris. Tanto este como Douglas eran considerados demasiado anglosajones para interpretar a los héroes noruegos del título. El mismo asunto sirvió además a parte del argumento de la miniserie Un hombre llamado intrépido (1979), estrenada como largometraje en algunos países, producida por Reino Unido y Canadá y protagonizada por David Niven y Michael York. M.J.P.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

LA BATALLA DE INGLATERRA Battle Of Britain 1969; Reino Unido; Color; Director: Guy Hamilton; Guion: James Kennaway, Wilfred Greatorex; Música: Ron Goodwin; Fotografía: Freddie Young; Intérpretes: Harry Andrews, Michael Caine, Trevor Howard, Curd Jürgens, Ian McShane, Kenneth More, Laurence Olivier; Duración: 132 minutos.

Esta película tiene un curioso vínculo con España. La mayor parte de los aviones empleados para representar a la Luftwaffe provenían del Ejército del Aire español, que todavía utilizaba Messerschmitt Bf.109s y Heinkel 111s. Construidos en España utilizando la licencia alemana, recibieron, respectivamente, el nombre de Hispano HA.1112-M1L y CASA 2-111D. La productora compró 28 Messerschmitt que iban a ser decomisados, 17 de ellos capaces de volar, y recibió en préstamo 30 Heinkel. A cambio la United Artists donó mil libras al fondo de viudas del Ejército del Aire. El guion se basa en el libro The Narrow Margin: The Battle of Britain and the Rise of Air Power 1930-40, escrito por Derek Dempster y Derek Wood y publicado en 1961. Ambos autores eran expertos en aviación; de hecho, Wood trabajó en la película como asesor, y en el libro llevan a cabo un detallado repaso de la batalla de Inglaterra, casi de día en día, describiendo el estado de las dos fuerzas en conflicto antes de la batalla y destacando la gran ventaja que supuso el Radar para la defensa de las islas Británicas. En un primer visionado, la decidida apuesta por un protagonismo coral desconcierta al espectador, que se ve sometido a un desfile de estrellas y rostros conocidos en apariciones intermitentes que en algunos casos se aproximan peligrosamente a las dimensiones del cameo. Pero, en un segundo visionado, conociendo ya el material al que nos enfrentamos, es un título más disfrutable, en el que, no obstante, encaja mal ese empeño por buscar una subtrama romántica puramente episódica y metida con calzador, además de víctima del tópico, y mayor despliegue de protagonismo alemán en la trama, que habría operado en beneficio de un mayor equilibrio entre las fuerzas enfrentadas. M.J.P.

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LA GRAN EVASIÓN The Great Escape 1963; EE. UU. Color; Director: John Sturges; Guion: James Clavell, W. R. Burnett; Música: Elmer Bernstein; Fotografía: Daniel L. Fapp; Intérpretes: Steve McQueen, James Garner, Richard Attenborough, James Donald, Charles Bronson, Donald Pleasence, James Coburn, Hannes Messemer, David McCallum, Gordon Jackson; Duración: 172 minutos.

La película es en realidad una especie de monstruo de Frankenstein de las circunstancias que rodearon los intentos de fuga de los campos de prisioneros en distintos momentos de la Segunda Guerra Mundial, aunque el guion tomó como principal referencia el libro escrito por Paul Brickhill, publicado en 1950, en el que narra la evasión de unos prisioneros de guerra aliados internados en el Stalag Luft III situado en Sagan, Polonia. Eso sí, se hicieron varios retoques en la versión de este libro para la película. Se incrementó artificialmente la participación de prisioneros estadounidenses en la fuga. En la vida real solo participó un estadounidense y además tenía esa nacionalidad por haber contraído matrimonio con una ciudadana de dicho país, porque en realidad había nacido en el Reino Unido. Aunque hubo prisioneros americanos que participaron en la construcción del túnel, fueron trasladados por los alemanes siete meses antes de la fuga. Otro hito más en la “exactitud histórica” desplegada por Hollywood a lo largo de su historia. Pero no se vayan, que todavía hay más, como decía cierto ratón con superpoderes. La película también omite la participación de algunos alemanes contrarios al nazismo en la fuga y que ayudaron a los falsificadores que se encargaban de crear los pasaportes y salvoconductos falsos para los evadidos. Se elimina también así la asistencia de algunos guardianes alemanes que prestaron material a los prisioneros y facilitaron la huida de estos en la medida de sus posibilidades. Uno de los guionistas que trasladaron la obra de Brickhill al cine, James Clavell, autor de la novela El rey de las ratas (de cuya adaptación al cine ya hemos dado cuenta en una entrega anterior de este mismo coleccionable), tenía experiencia propia como prisionero en campos de japoneses, experiencia que aplicó a sus novelas Shogun y Tai-Pan, sobre el choque de Occidente con Oriente. M.J.P.

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DOCE DEL PATÍBULO

LAS ÁGUILAS AZULES

The Dirty Dozen

The Blue Max

1967; Reino Unido, EE. UU; Color; Director: Robert Aldrich; Guion: Nunnally Johnson, Lukas Heller; Música: Frank De Vol; Fotografía: Edward Scaife; Intérpretes: Lee Marvin, Charles Bronson, Jim Brown, Telly Savalas, John Cassavetes, Clint Walker, Donald Sutherland, Ernest Borgnine, Richard Jaeckel, George Kennedy, Trini López, Ralph Meeker, Robert Ryan, Robert Webber, Tom Busby, Ben Carruthers, Stuart Cooper, Al Mancini, George Roubice, Colin Maitland; Duración: 150 minutos.

1966; Reino Unido; Color; Director: John Guillermin; Guion: David Pursall, Jack Seddon, Gerald Hanley, Ben Barzman, Basilio Franchina; Música: Jerry Goldsmith; Fotografía: Douglas Slocombe; Intérpretes: George Peppard, James Mason, Ursula Andress, Jeremy Kemp, Karl Michael Vogler, Anton Diffring, Harry Towb, Peter Woodthorpe, Derek Newark, Derren Nesbitt, Loni von Friedl, Friedrich von Ledebur, Carl Schell; Duración: 156 minutos.

El título original tiene su propia historia. El largometraje se basa en el libro The Dirty Dozen, escrito por E. M. Nathanson y publicado en 1964. Supuestamente, la historia se basa en un caso real ocurrido durante la Segunda Guerra Mundial en el que un grupo de soldados convictos son enviados a una misión y durante el entrenamiento se niegan a lavarse, lo que les gana el apelativo de “Doce Sucios” al que hace referencia el título original. La historia se la contó a Nathanson su amigo el director y productor Russ Meyer, pero el autor fue incapaz de localizar ningún documento oficial de dicha historia.

La novela The Blue Max, escrita por Jack D. Hunter y publicada en 1964, prestó la base para esta producción que nos lleva de vuelta a la Primera Guerra Mundial y a los pioneros en los combates aéreos desplegados en los cielos de Europa, por encima de la pesadilla de la guerra de trincheras.

Nathanson encontró por fin el origen del mote y de la historia en la revista Stars and Stripes publicada en 1944. En un artículo se hablaba del mote que recibían varios soldados del regimiento 506 de Paracaidistas de la División 101 Aerotransportada conocidos como los Filthy Thirteen que podría traducirrse como “Trece Sucios” y cuyo cometido era provocar actos de sabotaje y demolición tras las líneas enemigas. Dichos soldados, todos ellos descendientes de nativos americanos, se negaban a lavarse hasta que no hubieran entrado en combate y obligaron al teniente que les mandaba a pelear con ellos de uno en uno para ganar el respeto del grupo, lo que cambió su nombre de los Doce Sucios a los Trece Sucios, con la incorporación del teniente, quien por lo visto terminó ganando el respeto requerido. La única diferencia con la película es que ninguno de ellos era convicto, más allá de pasar algún tiempo en el calabozo por provocar altercados o beber más de la cuenta. M.J.P.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

A pesar de ser incapaz de distinguir el rojo del verde, Hunter era experto en acuarelas y se encargó de crear la ilustración de la portada del libro, el primero de una larga lista de novelas. El escritor metido a ilustrador volvería a tratar el tema del combate aéreo durante la Primera Guerra Mundial con la novela The Ace, publicada en 2008 y en la que narra las dificultades en la creación del Ejército del Aire estadounidense. Los combates en la película son muy realistas e incluso George Peppard realizó un curso para obtener la licencia de piloto y llegó a rodar algunas escenas manejando él mismo el avión en el que vuela su personaje, aunque para las escenas de riesgo o más complejas de pilotaje contaba con un doble, el piloto civil Derek Piggott, que fue quién se encargó de la escena en la que el aparato pasa debajo de un puente. La película también contó con la participación de pilotos del Ejército del Aire de Irlanda, que se dedicaron a recrear las escenas de combate aéreo para dar al largometraje las secuencias de acción que constituyen su punto fuerte. El largometraje fue galardonado con el Premio Bafta del cine británico a la Mejor Dirección de Arte en color, y fue nominado en esos mismos galardones en las categorías de Fotografía en Color, Diseño de Vestuario y Mejor Actor Promesa, Jeremy Kemp. M.J.P.

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MERCENARIOS SIN GLORIA Play Dirty

EL DESAFÍO DE LAS ÁGUILAS

1969; Reino Unido; Color; Director: André De Toth; Guion: Melvyn Bragg, Lotte Colin, André De Toth, George Marton; Música: Michel Legrand; Fotografía: Edward Scaife; Intérpretes: Michael Caine, Nigel Davenport, Nigel Green, Harry Andrews, Patrick Jordan, Daniel Pilon, Martin Burland, George McKeenan, Bridget Espeet, Bernard Archard, Aly Ben Ayed, Enrique Ávila, Mohsen Ben Abdallah; Duración: 118 minutos.

Where Eagles Dare

Fue la última película de André De Toth que se quejaba de que Lotte Colin hubiera sido acreditada en la escritura del guion, ya que no hizo nada en él y apareció en los créditos únicamente por ser la suegra del productor Harry Saltzman. Aunque la idea original era llevar a cabo el rodaje en Israel, finalmente la producción se dirigió al desierto de Tabernas, en Almería, donde coincidió con otro rodaje, el del wéstern Shalako, dirigido por Edward Dmytryk y protagonizado por Sean Connery, Brigitte Bardot y Stephen Boyd. Según recordaba Michael Caine, el equipo de rodaje de la película del Oeste se pasaba el día borrando las huellas de los jeeps y los tanques de Mercenarios sin gloria, mientras que ellos se dedicaban a quitar las mierdas de caballo que habían dejado los de Shalako. Caine acabó tan disgustado con el rodaje en Almería que llegó a incluir en sus contratos a partir de entonces una cláusula que impedía rodar en esa provincia. Al rodarse en España se emplearon algunas armas españolas, como la pistola Llama II, la ametralladora Star Modelo Z45, el máuser español M43 o el mortero de 81 milímetros Valero modelo 1933. El tema de la competencia por el liderato está presente entre los conflictos que enfrentan a los dos protagonistas, el segundo de los cuales junto a Caine acabó siendo Nigel Davenport, cuando el actor elegido inicialmente para el papel, Richard Harris, fue despedido por el productor por discrepancias sobre el tratamiento de su personaje. La salida de Harris hizo que el director previsto inicialmente, René Clément, también dejara el proyecto. Una pena, porque habría sido interesante ver al dúo Harris-Caine en pantalla. M.J.P.

1968; Reino Unido; Color; Director: Brian G. Hutton; Guion: Alistair MacLean; Música: Ron Goodwin; Fotografía: Arthur Ibbetson; Intérpretes: Richard Burton, Clint Eastwood, Mary Ure, Patrick Wymark, Michael Holden, Donald Houston, Peter Barkworth, Anton Diffring, Ingrid Pitt, William Squire, Robert Beatty, Brook Williams, Neil McCarthy; Duración: 158 minutos.

Siguiendo la pista a Los cañones de Navarone, este largometraje fue el primer guion cinematográfico que escribió Alistair MacLean, autor de la novela que había inspirado aquel otro largbometraje. El primer título original era Castle of Eagles. El autor aprovechó para escribir después de la película una novela que curiosamente fue publicada en 1967, un año antes de que se estrenara el fime. Sin embargo el guion le gustó tan poco a Clint Eastwood que pidió que redujeran algunas líneas de su personaje. Los productores le hicieron caso y trasladaron algunos de esos diálogos al personaje interpretado por Richard Burton, convirtiendo así al personaje de Eastwood en una especie de asesino despiadado que se dedica únicamente a matar a todo alemán que se le pone por delante, constituyéndose este personaje en el que más gente mata entre la amplia galería de todos los que ha interpretado a lo largo de su carrera como actor. De ese modo perdió peso de protagonista en el conjunto, pasando a un lugar de carácter más secundario frente al personaje de líder del comando que interpreta Burton, en un papel que le ofrecieron a Lee Marvin, pero este rechazó porque había acabado muy descontento de su trabajo en Doce del patíbulo y no quería repetir ese tipo de personaje. Además, Eastwood se negó a cortarse el pelo para la película, dando lugar a un aspecto demasiado moderno para un combatiente de la Segunda Guerra Mundial que le restaba aún más credibilidad a un filme ya marcado por notables inconsistencias y retos a la credulidad del espectador. M.J.P.

Grandes películas de Cine Bélico (XXIX) El cine bélico sufrió una curiosa mutación que lo convirtió en precursor de las claves del blockbuster a través de varias películas que incorporamos en la selección de este mes, comenzando por Los cañones de Navarone. La realidad se vuelve a filtrar en este largometraje, basado en la novela homónima de Alistair MacLean, que sirvió en la Marina Real británica desde 1941 hasta 1946 y participó en la Segunda Guerra Mundial formando parte de la tripulación de los navíos Bournemouth Queen y Royalist. Maclean combatió en el Atlántico, el Mediterráneo y en el Pacífico, lo que le daba sobrada experiencia para abordar el género bélico con solvencia. Otro tanto puede decirse de David Niven, que había servido en la guerra formando parte de la Infantería Ligera británica y participando en misiones de comando, de lo que llevaba un recordatorio en una insignia de su boina en la película. Otro veterano de operaciones de comando era Anthony Quayle, el líder de la incursión, quien había servido organizando guerrillas en Albania con el mismo rango que su personaje de ficción: mayor. Los integrantes de la otra gran superproducción de acción bélica de los sesenta, Doce del patíbulo, que John Wayne estuvo a punto de protagonizar, también tenían experiencia bélica real en la Segunda Guerra Mundial: Lee Marvin, Robert Webber y Robert Ryan habían servido en los Marines, Telly Savalas y George Kennedy en el Ejército, Charles Bronson en la Fuerza Aérea, Ernest Borgnine en la Marina. También había conocido la Segunda Guerra Mundial, aunque como prisionera superviviente de un campo de concentración alemán, la actriz polaca Ingrid Pitt, que interpretaba el papel de Heidi en El desafío de las águilas, emuladora de Los cañones de Navarone. La actriz lo pasó muy mal en el rodaje rodeada de tanto figurante y protagonista vestido con el uniforme alemán. Los sesenta estrenaron también La gran evasión, variante espectacular del tema de las fugas en campos de prisioneros

durante la Segunda Guerra Mundial que conviene comparar con otra recomendable producción de esta variante argumental dentro del cine bélico que cuenta la trama desde el punto de vista de los prisioneros alemanes retenidos por los británicos, titulada en España El único evadido (The One That Got Away, 1957), en la que el actor alemán Hardy Krüger interpreta un claro antecedente de personaje de Steve McQueen en La gran evasión. Curiosamente, era una producción británica dirigida por Roy Ward Baker protagonizada por un piloto alemán derribado en territorio británico en 1940 que lleva a cabo varios intentos de fuga. Respecto a la tercera película seleccionada para la entrega de este mes, Los héroes de Telemark, también tengo una recomendación alternativa para los interesados en su argumento sobre una misión real para destruir las posibilidades de que los alemanes hubieran llegado a conseguir una bomba atómica. Se trata del documental The Real Heroes of Telemark, dirigido por Martin Pailthorpe y estrenado en 2003, en el que se pasa revista a los datos y acontecimientos reales que sirvieron como excusa para la película, descartando las inexactitudes y libertades que se tomó con el asunto histórico que aborda. En lo referido a este tema, el lector interesado puede apuntar también la coproducción entre Noruega y Francia Kampen om tungtvannet, dirigida en 1948 por Jean Dréville y Titus Vibe-Müller, que reconstruye el mismo asunto abordando las dos acciones de sabotaje con personajes reales que participaron en ellas como protagonistas. La lista de este mes incluye un regreso a la Primera Guerra Mundial y los enfrentamientos aéreos, con Peppard interpretando a un as del aire germano cuyas estrategias ofenden a sus compañeros en los combates aéreos de 1918, por considerarlas poco caballerosas. Además le reprochan su baja extracción social, algo muy propio de los junkers, la casta militar germana, lo que no impide que sus éxitos abatiendo aparatos enemigos le conviertan en uno de los combatientes aéreos más eficaces del momento y le lleven a ser utilizado como herramienta de propaganda por sus superiores, mientras intenta conseguir una condecoración compitiendo incluso contra el mismísimo Barón Rojo. Miguel Juan Payán

las mejores películas que nunca hemos visto

El corazón de las tinieblas

de Orson Welles

teratura universal, con la mente puesta en el colonialismo europeo y la degradación moral que trajo consigo tanto para los conquistadores como para los conquistados. Sin embargo, aquel viaje que emprendía el marinero Marlow en busca de Kurtz, un traficante de marfil erigido en una deidad por la comunidad indígena, le abría al cineasta la posibilidad de trazar analogías muy pertinentes. Estábamos a finales de los años treinta, el fascismo se afianzaba como una amenaza para Europa y Kurtz era visto por Welles como un dictador. Como relataba en su libro de conversaciones con Peter Bogdanovich, Ciudadano Welles, tenía ya el guion bajo el brazo. Y, como no podía ser de otro modo, no se limitaría a ser una adaptación teatral. Pretendía narrar buena parte de la acción con cámara subjetiva: los espectadores verían en pantalla lo que veía el personaje de Marlow. Se trataría de una cinta rodada en “primera persona”, con Welles en el papel del marinero, cuyo rostro solo se vería reflejado en ventanas de manera ocasional. ¿Y Kurtz? Si bien el cineasta barajó la opción de ponerse en la piel de aquel traficante enloquecido, acabó desechando la opción. “El intérprete debía tener un tipo de personalidad más romántica”, aseguraba. El realizador confesaba que nunca trabajaría tanto en la preproducción de un filme. Además de preparar una ingeniosa estructura de cámaras que permitía aquella estructura narrativa tan peculiar, realizó una intensa investigación sobre las culturas aborígenes de la Edad de Piedra. Su objetivo, plasmar en imágenes, con realismo y sin clichés, a aquellos nativos sometidos por Kurtz. Sin embargo, El corazón de las tinieblas jamás saldría adelante por una cifra casi irrisoria para la industria: 50 000 dólares. La RKO quería reducir el presupuesto en esa cantidad, a lo que Welles respondió que, sin aquel dinero, sería imposible acoHollywood no estaba destinado a nacer con la enigmática palabra meter la producción. Fue así como el proyecto quedó en barbecho, Rosebud en los labios. Tendría que haber sido a bordo de una barcomo tantos otros del cineasta, hasta que vio la posibilidad de decaza, surcando un río congoleño y con otro nombre en su boca no butar en la industria con una biopic apócrifa del magnate de la menos misterioso: Kurtz. prensa William Randolph Hearst. Quien sí acabó adaptando el relaWelles era un profundo conocedor de El corazón de las tinieto, cuatro décadas después, fue Francis Ford Coppola con blas (1899) de Joseph Conrad, obra que había representado con su Apocalypse Now (1979). Pero esa es otra historia. compañía, el Mercury Theater, en una emisión radiofónica para la Aunque Welles jamás retomó la idea, es cierto que para CBS en 1938. Cuando la industria, en general, y la RKO, en particuCiudadano Kane rescató una premisa que le interesaba especiallar, echaron sus redes sobre Welles, convertido en un hombre esmente: la búsqueda de una clave, un misterio por descubrir que docándalo por su legendaria representación de La guerra de los munte a la película de nuevos significados. Si el nombre de Kurtz escondos, su contrato estipulaba que su primera cinta adaptaría la novela día un enigma, igual ocurría con aquel Rosebud sobre el que se de Conrad. El escritor acometió aquel relato, hoy un clásico de la liconstruía su ópera prima. A partir de ahí, solo cabe especular sobre cuál habría sido el devenir de este arte Aunque Welles jamás retomó la idea, es cierto que para Ciudadano Kane rescató si El corazón de las tinieblas hubiera llegado a buen puerto. una premisa que le interesaba especialmente: la búsqueda de una clave, un Hay un antes y un después de…”. Con frecuencia, abusamos de esta frase hecha, manoseada hasta reducirla al tópico. Sin embargo, nadie duda de que en 1941, el cine, tal y como se había concebido hasta entonces, cambiaría para siempre. Fue en aquel año cuando, tras superar innumerables problemas de producción y sortear serias amenazas legales, un joven de 25 años, advenedizo en el oficio, estrenó una obra gracias a la cual el arte cinematográfico abrazó la modernidad. Ciudadano Kane, la cinta que encabeza los top de la crítica especializada, no solo aglutinaba los logros narrativos de sus antecesores; pese a su juventud e inexperiencia, el propio Orson Welles aportó innovaciones técnicas que acabaron sentando las bases de la caligrafía del cine contemporáneo. Sin embargo, el desembarco de Welles en

“

misterio por descubrir que dote a la película de nuevos significados.

Jaime V. Echagüe

MALDICIONES EN EL CINE

Holocausto caníbal

(1980) de Ruggero Deodato

e puede acusar de muchas cosas a Holocausto caníbal (1980). De su violencia gratuita y repulsiva, de sus pobres actuaciones, de su retrato cuando menos degradante de las comunidades indígenas, de la crueldad que supuso su rodaje para ciertas especies animales... Pero hay que reconocer que a Ruggero Deodato le salió bien la jugada. Demasiado bien. Si su intención era que el mundo creyera que lo que veía en pantalla era cierto, esto es, que cuatro documentalistas habían sido devorados por una tribu amazónica, misión más que cumplida. Genio visionario para unos, provocador barato para otros, lo cierto es que el realizador italiano partió del conocido como género mondo (documentales sensacionalistas sobre la vida de culturas primitivas) y acabó pergeñando todo un subgénero terrorífico: el found footage o metraje encontrado, popularizado después a raíz del éxito de El proyecto de la bruja de Blair (1999). Porque lo que se mostraba en Holocausto caníbal no era una recreación: eran las muertes reales de los protagonistas, filmadas con sus propias cámaras. O al menos así vendió Deodato su filme. ¿Conclusión? Una de las películas más controvertidas de la historia, prohibida en al menos cincuenta países. Apenas diez días después de su estreno en Milán, las quejas ciudadanas no se hicieron esperar. La salvajada que acababan de presenciar no podía quedar impune. La justicia puso en marcha su maquinaria. No solo retiró el filme de la cartelera: Deodato fue detenido bajo los cargos de obscenidad primero y de asesinato después. Era (o habría sido) el primer caso constatado de una snuff movie. El realizador se enfrentaba a la cadena perpetua. Poner fin a este entuerto no habría sido difícil. Bastaba con demostrar que los actores seguían vivos. ¿Problema? Tanto empeño pusieron los responsables de la producción en hacer creer al público que las imágenes eran reales, que los intérpretes principales firmaron un contrato por el cual debían “desaparecer” hasta un año después del estreno. La publicidad del filme aseguraba que todo lo que se veía en Holocausto caníbal era real; por tanto, los actores estaban “muertos” y no debían exponerse y menos aún ser identificados. El realizador tuvo suerte: localizó a uno de ellos, Luca Barbareschi, que a su vez contactó con los otros tres. Con todo, Deodato todavía tenía que dar explicaciones por la imagen más icónica del filme: una joven indígena empalada y ensangrentada, de un realismo escalofriante. Durante el juicio, se vio obligado a revelar el “truco”, bastante sencillo, por otro lado: la actriz permanecía sentada en un sillín de bicicleta situado en la parte inferior del poste, mientras que con la boca sostenía el trozo puntiagudo que sobresalía de su cuerpo. Deodato aportó fotografías de la joven después de rodar la escena, confraternizando con el equipo y, por supuesto, sana y salva. De acuerdo, ningún ser humano resultó herido durante la filmación y Deodato, consecuentemente, fue absuelto. Pero no se puede decir lo mismo de otras especies que, para más inri, fueron asesinadas ante las cámaras con propósitos dramáticos. Murieron un coatí, un mono, una boa constríctor, una tarántula, un cerdo y una tortuga de río, todos ellos habitantes de la selva colombiana donde se rodó la cinta. Esta última fue despedazada, protagonizando posi-

blemente la escena más desagradable del filme. Los actores eran conscientes de que aquello iba más allá de una mera película. Perry Pirkanen, intérprete que daba vida a uno de los malogrados exploradores, no pudo evitar las lágrimas después de aquel martirio. Algunos de los restos de los animales fueron entregados a varios de los actores que encarnaban a los indígenas, que los aprovecharon como sustento. Fue este despliegue de crueldad animal lo que pocos han perdonado a Deodato. Ninguna entrevista desde entonces evade la gran pregunta: “¿Se arrepiente de haber grabado esas escenas?”. Algo a lo que el realizador suele responder con cierta ambivalencia: hoy no lo repetiría, pero, hace cuarenta años, ni siquiera se lo preguntó. De lo que sí está orgulloso es de las palabras que le dedicó uno de sus ídolos tras ver su filme: “¡Qué película, Ruggero! La segunda parte es una obra maestra del realismo cinematográfico. Pero todo parece tan real que te vas a meter en problemas...”. Palabra de Sergio Leone. Jaime V. Echagüe

LIBROS DE CINE

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AL CAER LA NOCHE

BORN TO BE BAD

BRUCEPLOITATION

Terror catódico americano 1970-1981

Nacidos para ser malos

Los clones de Bruce Lee

El cine de acción de los 80 fue una época de mullets, grandes bíceps y memorables frases para los héroes, pero fueron los villanos los que se quedaron en nuestra memoria cuando empezaron Esta es una lectura esencial para todos los fanáticos de las películas de acción.

Tras el fallecimiento de Bruce Lee, las salas de los años 70 recibieron un aluvión de producciones protagonizadas por “clones” del Pequeño Dragón: actores con nombres como Bruce Li, Bruce Lai, Bruce Le, Bronson Lee y Dragon Lee emulaban los gestos de la estrella desaparecida y llenaban los bolsillos de productores sin escrúpulos.

Ambicioso e innovador estudio sobre el apasionante cine de terror que, entre los años 1970 y 1981, se produjo para la televisión norteamericana. Títulos míticos como El estrangulador de la noche y La oscura noche del espantapájaros, El diablo sobre ruedas, El misterio de Salem’s Lot…

B/N 412 pags.15x21 cm.

P.V.P. 21 €

B/N 246 pags.15x21 cm.

CANNONWOOD

DEMONS

DISPARATE NACIONAL

Cómo (casi) conquistar Hollywood

La pesadilla retorna

El cine de Mariano Ozores

¿Por qué Demons y Demons 2 causaron un impacto tan grande que aun hoy, treinta años después, sigue siendo palpable entre los fans del cine fantástico? ¿Cómo surgieron? ¿Cómo se hicieron? Estas y otras cuestiones son las que intenta resolver Pedro José Tena en un libro fruto de la investigación llevada a cabo durante varios años, profuso en información y declaraciones inéditas, que ha contado con la participación de muchos de los que hicieron posibles estos hitos del horror transalpino.

Uno de los creadores del fenómeno Yo fui a EGB, Javier Ikaz, se sumerge en la filmografía completa de uno de los grandes genios del humor español y el resultado es un volumen de 300 páginas en el que se repasan, uno a uno, todos y cada uno de los trabajos de Ozores, tanto para cine como para televisión.

Color 205 pags.15x21 cm.

EMPIRE

ESTÁ VIVO

El cine de Charles Band Vol1

La saga mutante de Larry Cohen

Este libro valora el interés del cine de Kurosawa en el presente, sin negar la importancia del director japonés en nuestra formación humana y cinéfila: ha llegado el momento de superar clichés, para evaluar la trascendencia de Kurosawa en nuestro tiempo.

Charles Band fue uno de los productores más prolíficos de la cara B de Hollywood durante los años 80 y 90. Títulos como ReAnimator, Ghoulies, Robot Jox o Dolls hicieron las delicias de los gourmets del cine radioactivo y siguen siendo hoy admiradas por los espectadores más desprejuiciados y temerarios.

“¡Está vivo! La saga mutante de Larry Cohen” recoge la gestación de todas y cada una de las entregas protagonizadas por estos engendros asesinos, incluyendo una rica y esclarecedora entrevista concedida en exclusiva por el mismísimo Cohen en 2017 para este libro. Junto al director aparecen otras declaraciones inéditas de miembros del equipo técnico y artístico de toda la saga.

B/N 420 pags.15x21 cm.

P.V.P. 22 €

Color B/N 422 pags.15x21 cm.

NOV GOMA 2 El cine explosivo de José Antonio de la Loma

D EDA

P.V.P. 25 €

GUERREROS DEL MAÑANA

HÉROES DE PAPEL Y CELULOIDE. VOL. 1

Historia del cine apocalíptico

DC Cómics y sus adaptaciones al cine y televisión

Javier Ikaz, uno de los creadores del fenómeno Yo fui a EGB, nos entrega el primer libro dedicado a José Antonio de la Loma, conocido como el padre del cine “quinqui”, de la Loma cultivó el thriller y el cine de acción, trabajó con estrellas internacionales y retrató las miserias de la España posfranquista.

«Guerreros del Mañana» ofrece un vasto y apasionante viaje por los páramos inmortales y casi infinitos del cine post-apocalíptico, a través de más de 250 películas, procedentes de los cinco continentes y de todas las épocas, desde casi los orígenes del propio cine hasta la actualidad.

En esta primera parte, el autor se centra principalmente en DC Comics, casa de la que han emergido titanes como Batman, Superman, The Flash o Wonder Woman, repasando desde los primeros seriales que daban vida a esos personajes hasta las más recientes producciones cinematográficas y televisivas.

Color 174 pags.15x21 cm.

Color B/N 272 pags.15x21 cm.

B/N 418 pags.15x21 cm.

D EDA NOV

P.V.P. 23 €

LA GUERRA DE LOS CLONES.

LA OTRA DISNEY

Más allá de Star Wars

Con un pie en la actualidad y otro en la nostalgia, las conclusiones del autor tienden un puente hacia la situación contemporánea de Walt Disney Pictures, ayudándonos a entender un poco mejor cómo hemos llegado aquí, y cómo esta compañía se las ha apañado para mantener su relevancia cultural durante cerca de un siglo.

P.V.P. 22 €

MANUAL DE SUPERVIVENCIA CINÉFAGOS El repaso más divertido a la par que sesudo y gamberro de temas de enorme trascendencia, como las 10 mejores películas de slasher, de zombis zombis (no romerianas), casas encantadas, vampiros, hombres lobo...

Blanco y negro 266 pags.

P.V.P. 12 €

COLOR 330 pags.15x21 cm.

P.V.P. 18 €

D ED A NOV

GOLDEN NINJA OPERATION Los secretos de la IFD y la Filmark Este libro, viene a descubrirnos qué se escondía detrás de aquellas producciones inenarrables de la IFD y la Filmark, dos sellos que inundaron los videoclubes y los cines más costrosos de los años 80 con títulos como Proyecto: Ninjas del Infierno, Scorpion Thunderbolt, Robovamp o Ninja, Condors 13.

D EDA V O N

Color 496 pags.15x21 cm.

Un exhaustivo recorrido por la carrera del responsable de "Piraña", desde sus primeras experiencias como espectador hasta nuestros días: sus aventuras a las órdenes de Roger Corman, el éxito de "Gremlins" y el fracaso comercial de "Looney Tunes. De nuevo en acción", su relación con Steven Spielberg…

700 páginas. Blanco y negro

P.V.P. 22 €

MAGNÍFICO DÍA PARA UN EXORCISMO

Ensayo acerca de la figura del escritor de Maine, acercándonos en este primer volumen a sus vivencias personales; desde el nacimiento del autor hasta la etapa más moderna de su obra, sin olvidar capítulos tan transcendentales como los duros comienzos como escritor.

La saga completa de El Exorcista

MÁS CANNON

MÁS FUERTE MUCHACHOS

Este volumen profundiza en los nombres que ayudaron a Golan y Globus a fundar su imperio, presentando las biografías de sus actores más representativos y de los directores que trabajaron para ellos.

El cine de Bud Spencer & Terence Hill

Por primera vez en español, un solo volumen explora el caso real que inspiró el argumento, la redacción del best seller, el tortuoso proceso de producción de su aclamada adaptación cinematográfica, las reacciones del público, el fenómeno sociológico, las mentiras y verdades acerca de la leyenda negra de toda la saga...

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P.V.P. 25 € La historia de la saga Evil Dead Se explorna los orígenes de Ash, los deadites y el Necronomicón y explica cómo se dio inicio a esta aventura multimedia, cómo se desarrolló y amplió durante décadas y por qué se ha convertido en un objeto de culto para millones de espectadores, generando su propia mitología y un particular universo mutante lleno de tétricas cabañas, oscuros bosques y viajes en el tiempo.

Color B/N 268 pags.15x21 cm.

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ME TRAGARÉ TU ALMA

El primer ensayo en castellano sobre la vida y la obra de los intérpretes más taquilleros del cine europeo durante dos décadas consecutivas y unos verdaderos héroes del cine de barrio y los videoclubes. El western cómico y la buddy movie contemporánea probablemente no existirían sin su trabajo conjunto.

Blanco y negro 390 pags.

P.V.P. 23 €

LAS PESADILLAS DE STEPHEN KING

366 pags. - P.V.P. 18 €

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Color B/N 528 pags.15x21 cm.

JOE DANTE

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vol. 1 (1946 – 1967)

En este libro se analiza y documenta cuarenta películas surgidas de la fascinación por las naves espaciales, los rayos láser, los robots respondones y los estilismos cósmicos. De las galaxias más resultonas a los agujeros negros más ponzoñosos de la exploitation mundial.

288 pags - Color / Blanco y negro

Una pequeña colección de películas clásicas de culto. Películas de culto: algunas desconocidas, otras ignoradas en su fama y su oropel y que han sido desvirtuadas y maltratadas precisamente por su popularidad, otras extrañas y escondidas, algunas más disfrazadas en trajes de honesta ingenuidad. Clásicos que, como todo lo hermoso, refulgieron sólo un instante, pero cuyo brillo efímero intentaremos rescatar en este libro.

P.V.P. 21 €

EL LEGADO DE AKIRA KUROSAWA

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EL FULGOR EFÍMERO

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Color 322 pags.15x21 cm.

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B/N 398 pags.15x21 cm.

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Esta es una novela irreal basada en hechos verídicos. Conoce a dos hombres que llegaron a la colina de los sueños y se codearon con la élite de Hollywood; que consiguieron millones de dólares gracias a carteles de películas que nunca se hicieron, se adueñaron de los videoclubes y fueron despreciados por la crítica.

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Este volumen nace para rendir tributo a Golan y Globus, en agradecimiento por todas las horas que placer que nos regalaron con sus películas. Una decena de críticos desgranan los títulos más importantes de la compañía, explicar sus orígenes y narrar una fascinante historia llena de músculos, sudor y pólvora.

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CANNON FILMS

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MICHAEL JACKSON

NOCHES DE HALLOWEEN

NON GRATO

El bueno, el feo y el creyente

Michael Jackson lo hizo todo en la música. Todo parecía haber sido escrito hasta ahora sobre él. Toni Arias estudioso de la carrera del artista, recoge, por primera vez en un libro, los intentos del icono del pop por atravesar su última frontera: el cine.

Aborda la génesis del clásico de John Carpenter de 1978, así como todos los largometrajes amparados por la franquicia. Incluye declaraciones exclusivas de todo tipo: directores, como John Carpenter, Rick Rosenthal, Dominique Othenin-Girard o Dwight H. Little...

Una aproximación al cine de Jesús Franco

El viaje personal de Mel Gibson es increíble, porque este devoto católico imitó, de cierta manera, el viaje cristiano (éxito, pasión, resurrección). Por lo tanto, en este trabajo analizaremos su filmografía como actor antes de detenernos en sus largometrajes como cineasta. Todo esto permite mostrar la gran coherencia, temática y estética, de su trabajo desde “Mad Max” (1979) hasta sus trabajos más recientes.

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Color B/N 166 pags.15x21 cm.

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500 páginas. Blanco y negro y Color P.V.P. 25 €

P.V.P. 20 €

Este libro es un acercamiento personal a la obra de un cineasta, y un hombre, controvertido e irrepetible. Lejos de la apología, sin intención tampoco de derrotismo, este libro expone algunas claves para entender su cine y su personalidad, y destaca aquello que su autor considera más plausible de la vasta filmografía del director.

D ED A V O N

Color B/N 218 pags.15x21 cm.

P.V.P. 21,50 €

SHO KOSUGUI

TERMINATOR

TODOS FLOTAN

UNIVERSO STALLONE

El rey Ninja

EL IMPERIO DE SKYNET

Iván E. Fernández Fojón se sumerge en el mundo del ninja más famoso de la cultura popular para ahondar en su vida y obra. “Sho Kosugi: El rey ninja”, es un documento necesario para conocer en profundidad a una de las mayores estrellas del cine marcial, con apuntes biográficos, reseñas de sus películas y entrevistas a gente íntimamente relacionada con Kosugi, como Fumio Demura, Sam Firstenberg, Ketih Vitali o Jordan Bennett.

El equipo de la revista digital Ultramundo analiza pormenorizadamente la historia de una de las sagas de ciencia ficción más importantes de la historia del cine, desde sus inicios como una pesadilla de James Cameron hasta la fecha de hoy.

Las pesadillas de Stephen King Vol. II (1990-2019)

LA PRIMERA ETAPA DEL MITO (1946-1992)

Color B/N 278 pags.15x21 cm.

382 pags.

Este libro analiza todas las publicaciones de este autor desde la antología “Las cuatro después de medianoche” hasta su novela más reciente, “Elevation”. Asimismo, Jiménez desglosa las adaptaciones a otros medios que se han realizado de todas ellas (en cine, cómics y videojuegos).

P.V.P. 19 €

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Marca con una X los libros que desees:

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CUPÓN DE PEDIDO

AL CAER LA NOCHE (20€) BORN TO BE BAD - VILLANOS DEL CINE DE ACCIÓN (21€) BRUCEPLOITATION (20€) CANNON FILMS (18€) CANNONWOOD (18€) DEMONS (22€) DISPARATE NACIONAL (21€) EL FULGOR EFÍMERO (18€) EL LEGADO DE AKIRA KUROSAWA (21€) EMPIRE (22€) ESTÁ VIVO (25€) GOLDEN NINJA OPERATION (23€) GOMA 2 (19€) GUERREROS DEL MAÑANA (23€) HEROES DE PAPEL Y CELULOIDE (18€) JOE DANTE (22€) LA GUERRA DE LOS CLONES (22€)

Universo Stallone: La primera etapa del mito (1946-1992) es un recorrido exhaustivo por la primera mitad de la biografía de Sylvester Stallone a través de sus películas, pero también es un viaje nostálgico al pasado. Un regreso al género de acción de los 80.

450 pags.

P.V.P. 24 €

Precios válidos hasta 30/6/21 (más adelante consultar).

LA OTRA DISNEYE (24€) LAS PESADILLAS DE STEPHEN KINGE (18€) MAGNÍFICO DÍA PARA UN EXORCISMOE (25€) MANUAL DE SUPERVIVENCIA CINEFAGOSE (12€) MAS CANNONE (19€) MÁS FUERTE MUCHACHOSE (23€) ME TRAGARÉ TU ALMA. EVIL DEADE (24€) MEL GIBSON. EL BUENO, EL FEO Y EL CREYENTEE (20€) MICHAEL JACKSONE (20€) NOCHES DE HALLOWEENE (25€) NON GRATO (JESÚS FRANCO)E (21,250€) SHO KOSUGIE (23€) TERMINATORE (19€) TODOS FLOTANE (23€) UNIVERSO STALLONE (24€)

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LIBROS DE CINE AZUCAR, CANELA Y CLAVO. MIS DIVAS FOLCLORICAS

BETTE & JOAN: AMBICION CIEGA

CASABLANCA 75 años de leyenda

CON FALDAS Y A LO LOCO

Un repaso visual y ameno, cargado de anécdotas, recuerdos y declaraciones exclusivas de las 16 folclóricas más destacadas y famosas de nuestra historia cinematográfIca

Bette Davis y Joan Crawford protagonizaron el mayor duelo de divas de la historia del cine. Este libro ahonda en las causas y circunstancias que forjaron aquella legendaria enemistad a lo largo de décadas.

En el 75 aniversario del film Casablanca, varios autores de prestigio analizan los diferentes aspectos de la película. El rodaje, los actores, los personajes, la música, el entorno sociopolítico, las influencias, los Oscar... Todo ello acompañado por un gran despliegue gráfico.

Varios autores de prestigio analizan los diferentes aspectos de la película. El rodaje, los logros técnicos, los personajes, la música, la estética, las influencias, los simbolismos... Todo ello acompañado por un gran despliegue gráfico.

Autor: José Aguilar B/N 200 pags. 24x31 cm.

Autor: Guillermo Balmori B/N 200 pags. 16x23 cm.

Tapa dura - B/N 256 pags. 19x25 cm.

Tapa dura - B/N 208 pags. 19x25 cm.

P.V.P. 30€

P.V.P. 28 € CON LA MUERTE EN LOS TALONES

COPPOLA

El libro del 60 aniv.

Profundo estudio sobre el cine del gran maestro Francis Ford Coppola en el que se analizan sus películas una a una. El libro cuenta con abundante material gráfico.

El propio Cary Grant nos cuenta en este libro su apasionante vida, sus películas, sus matrimonios… Muchos amigos, como Grace Kelly, Audrey Hepburn, Katharine Hepburn, Stanley Donen… cuentan sus recuerdos sobre el galán más importante de la Historia del Cine.

Tapa dura - B/N 208 pags. 19x25 cm.

Autor: José Luis López García B/N 168 pags. 20,8x29,5 cm.

Autor: Nancy Nelson B/N 344 pags. 17x24 cm.

P.V.P. 30€

P.V.P. 20€

P.V.P. 22 €

Varios autores de prestigio analizan los diferentes aspectos de la película. El rodaje, el tema del falso culpable, el film en la obra de Hitchcock, el paisaje y la arquitectura... Todo ello acompañado por un gran despliegue gráfico con fotografías de la película.

E NOV

DA D

P.V.P. 21 €

Un hombre y un destino

EL CARTEL DE CINE EN EL WESTERN EUROPEO

EL CINE DE AVENTURAS

El Spaghetti Western

Este libro es una puerta abierta al fascinante mundo de aventuras. Recorrido por las películas y personajes que han marcado el género. El libro cuenta con abundante y exclusivo material gráfico

Análisis del Western europeo a traves de los carteles de todas aquellas películas del género estrenadas en España. En este libro se reunen, por primera vez en la historia, todos los carteles de las películas del western europeo estrenadas en España.

Autor: Bienvenido Llopis COLOR 205 pags. 21x29 cm.

P.V.P. 30 €

Autores: Ramón Freixas y Joan Bassa B/N-COLOR 382 pags. 20x25 cm.

P.V.P. 40 €

EL CINE NEGRO 2

EL MELODRAMA

Continuación de "El cine negro" en el que el autor analiza 60 nuevas películas del género comprendidas entre los años 1930 y 1956. Un abundante y exclusivo material gráfico adorna la obra.

El libro se centra en la edad de oro del melodrama hollywoodiense, de 1931 a 1966, a través de 62 películas de las que se cuenta su creación, rodaje y circunstancias centrándose también en las figuras de sus creadores e intérpretes. Un abundante y exclusivo material gráfico adorna la obra.

Autor: Víctor Arribas B/N-COLOR 432 pags. 20x25 cm.

Autor: Guillermo Balmori B/N-COLOR 440 pags. 20x25 cm.

P.V.P. 40 €

CONVERSACIONES DE CARY GRANT

El libro del 60 aniv.

DICCIONARIO DEL PERIODISTA EN EL CINE ESPAÑOL A través de estas páginas descubriremos cómo es la imagen del periodista de ficción en el cine español desde 1896 a 2010; cuáles son sus cualidades, sus vicios y cómo se ha forjado la leyenda indomable del periodista en el cine español.

Autor: Lucía Tello Díaz B/N 210 pags. 16x23 cm.

P.V.P. 14 €

EL CINE DE TERROR

EL CINE NEGRO

Desde los clásicos mudos del expresionismo alemán al cine sangriento de los ochenta, este libro estudia, a través de 65 películas, los puntos álgidos del género de terror. Sus actores, directores, corrintes, estilos...

El libro se centra en la edad de oro del género negro de 1930 a 1958, a través de 60 películas de las que se cuenta su creación, rodaje y circunstancias centrándonos también en las figuras de sus creadores e intérpretes. Un abundante y exclusivo material gráfico adorna la obra.

Autor: Joaquín Vallet B/N-COLOR 440 pags. 19X25 cm.

Autor: Víctor Arribas B/N-COLOR 432 pags. 20x25 cm.

P.V.P. 40 €

EL UNIVERSO DE ALFRED HITCHCOCK

EL UNIVERSO DE BILLY WILDER

Un selecto grupo de críticos y estudiosos del cine dan una visión plural de la trayectoria de estos maestros, cuya obra se desmenuza alfabéticamente a través de películas, actores, colaboradores y términos de diversa índole. El libro cuenta con abundante y exclusivo material gráfico.

Un selecto grupo de críticos y estudiosos del cine dan una visión plural de la trayectoria de Billy Wilder, cuya obra se desmenuza alfabéticamente a través de películas, actores, colaboradores y términos de diversa índole. El libro cuenta con abundante y exclusivo material gráfico.

Autores: Varios Color-B/N 392 pags. 21x29 cm.

Autores: Varios Color-B/N 456 pags. 20x25 cm.

P.V.P. 40 €

EL UNIVERSO DE CLINT EASTWOOD

EL UNIVERSO DE HOWARD HAWKS

EL UNIVERSO DE JOHN FORD

EL UNIVERSO DE ORSON WELLES

El libro definitivo sobre uno de los directores de cine más aclamados. Una enciclopedia sobre su vida y obra, con un impresionante despliegue fotográfico.

Un selecto grupo de críticos y estudiosos del cine dan una visión plural de la trayectoria de Orson Welles, cuya obra se desmenuza alfabéticamente a través de películas, actores, colaboradores y términos de diversa índole. El libro cuenta con abundante y exclusivo material gráfico.

Autores: Varios Color-B/N 408 pags. 21x29 cm.

Autores: Varios Color-B/N 408 pags. 19x25 cm.

P.V.P. 40 €

EL UNIVERSO DE RITA HAYWORTH

EL UNIVERSO DE WOODY ALLEN

FRITZ LANG UNIVERSVM

José Luis Garci coordina este completo volumen en el que 40 prestigiosos autores desgranan la filmografía íntegra de Fritz Lang. El despliegue fotográfico es espléndido.

Autores: Varios Color-B/N 432 pags. 20x25 cm.

Autores: Varios Color-B/N 344 pags. 21x29 cm.

Autores: Garci Marías B/N 372 pags. 19x25 cm.

P.V.P. 40 €

Autor: Víctor Arribas Color-B/N 504 pags. 19x25 cm.

P.V.P. 45 €

Autores: Varios Color-B/N 432 pags. 20x25 cm.

P.V.P. 40 € GRANDES FILMOGRAFÍAS ILUSTRADAS DE LOS AÑOS 40 Por fin, las filmografías completas de los grandes actores de Hollywood ilustradas con el cartel original de cada título.

Autor: Guillermo Balmori / Enrique Alegrete Color 168 pags. 21x29 cm.

P.V.P. 30 €

NOV

D E DA

GRUPO SALVAJE El libro del 50 aniv.

HEDY LAMARR. EXTASIS Y YO

EL UNIVERSO DE LOS HERMANOS MARX

Varios autores de prestigio analizan los diferentes aspectos de la película. El rodaje en México, los personajes, el reparto, las localizaciones, el uso de la violencia, las influencias, el inicio del western moderno...

Autobiografía de la estrella de Hollywood. De vida apasionante, fue la 1ª actriz en aparecer desnuda. Inventó un sistema de encriptación de misiles que dió lugar al WI-FI

Veintiún prestigiosos críticos analizan en “El universo de los Hermanos Marx” todas sus películas, sus colaboradores, directores, actores y actrices, libros, sus obras teatrales, programas televisivos y radiofónicos, cartoons… todo ello presentado alfabéticamente a modo de enciclopedia.

Autor: Autobiografía B/N 336 pags. 17x24 cm.

Autor: AA VV B/N 360 pags. 19x25 cm.

P.V.P. 22 €

P.V.P. 40 €

Autor: Quim Casas y Marias Miguel Color 208 pags. 21x29 cm.

P.V.P. 30 € HOLLYWOOD LOBBY CARDS

JINETES EN EL CIELO

LA DILIGENCIA El libro del 80 aniversario En el 80 aniversario del film La diligencia, varios autores de prestigio analizan los diferentes aspectos de la película. El rodaje, los logros técnicos, los personajes, la música, la estética, las influencias, los simbolismos... Todo ello acompañado por un gran despliegue gráfico ...

Tapa dura - B/N 208 pags. 19x25 cm.

P.V.P. 30 €

NOV

DA D

P.V.P. 23 € PERDICIÓN El libro del 75 aniv. Varios autores de prestigio analizan los diferentes aspectos de la película. El rodaje, los conflictos con el guion, los personajes, las localizaciones, el final cortado... Todo ello acompañado por un gran despliegue gráfico con fotografías de la película.

DA OVE

Autor: Víctor Arribas y Miguel Ángel Fidalgo 208 pags. 19,5x25cm.

P.V.P. 30 €

NOV

DA D

Autor: Guillermo Balmori Color-B/N 213 pags. 21x29 cm.

P.V.P. 40 €

P.V.P. 35 €

MAGO DE OZ El libro del 80 aniv.

Continuación del libro Diccionario de la Caza de Brujas. En esta analiza "tanto las películas censuradas por su "izquierdismo", "acusadas de propaganda soviética" o juzgadas como "antiamericanas", como las producidas en el exilio o las que tuvieron guionistas encubiertos.

Este libro quiere reivindicar al doctor Mabuse como el archivillano definitivo. Estas páginas analizan el personaje literario y cinematográfico, concentrándose en la magnífica e incomparable trilogía de Fritz Lang, para finalizar con una breve aproximación a todas sus secuelas y remakes.

Varios autores de prestigio analizan los diferentes aspectos de la película. El original literario, el rodaje, los personajes, la dirección artística, las canciones, el technicolor, los efectos especiales, las influencias.... Gran despliegue gráfico con fotografías.

Autor: Javier Coma B/N 228 pags. 17x24 cm.

Autor: Noemí Guillermo B/N 208 pags. 16x23 cm.

DA E V O

He aquí un libro que alumbra con luz viva, quirúrgica, porciones inmensas de geología cinematográfica. Me parece que esto se debe, aparte de a su inteligencia, a que Garci alude alguna forma de ver cine que era una forma de ser, una forma de creer y de salvarse.

Autor: José Ramón Sánchez B/N 350 pags. 17X23 cm.

El libro se centra en la edad de oro de la comedia hollywoodiense, de 1933 a 1967, a través de 70 películas, cinco de ellas nuevas y exclusivas en esta edición, de las que se cuenta su creación, rodaje y circunstancias centrándose también en las figuras de sus creadores e intérpretes. El libro cuenta con abundante y exclusivo material gráfico

MABUSE. El eterno retorno

MORIR DE CINE

La vida de Lon Chaney es una de las más apasionantes de todas las que ha dado el séptimo arte. Hijo de padres sordomudos y con una prodigiosa capacidad para el maquillaje y la caracterización,

LA COMEDIA

LAS PELÍCULAS DE CAZA DE BRUJAS

P.V.P. 22 €

ME ENAMORE DE UNA MASCARA. BIOGRAFIA DE LON CHANEY

P.V.P. 30 €

Autor: Bienvenido Llopis Color-B/N 440 pags. 20x25 cm.

P.V.P. 16 €

P.V.P. 30 €

Autor: Enrique Alegrete Color 162 pags. 29x21 cm.

Centenares de carteles y fotografías componen un libro en el que podemos ver siempre la imagen previa a la censura y la resultante de la misma. Todo un disfrute para los amantes del cine, para los curiosos.

Autor: Eduardo Torres-Dulce B/N 218 pags. 17x24 cm.

Autor: Guillermo Balmori Color 162 pags. 29x21 cm.

Los Lobby Cards son los carteles horizontales que muestran secuencias de la película en los cines acompañando al gran cartel principal. Estos libros muestran una selección de los mejores Lobby Cards de la edad dorada de Hollywood

LA CENSURA FRANQUISTA EN EL CARTEL DE CINE

Es un profundo estudio de la \"Trilogía de la Caballería\" del director americano John Ford. A través de las 3 películas que componen esta trilogía, el autor hace un estudio sobre los westerns de John Ford

HOLLYWOOD 50s LOBBY CARDS

Brillante homenaje de José Luis Garci al cine negro a través de varios artículos, dos relatos negros inéditos y un exhaustivo diccionario de directores de cine negro, todo ello con el inigualable estilo y la sapiencia de tan insigne autor.

Autor: José Aguilar B/N 304 pags. 20x25 cm.

P.V.P. 24 €

P.V.P. 21 €

P.V.P. 19 € NUESTROS GALANES DE CINE Concebido esencialmente como homenaje al cine español de todos los tiempos a través de una parte esencial pocas veces analizada en exclusiva. El libro se centra en la semblanza de treinta actores que por su impacto social en cada época han sido considerados como ideales masculinos.

Autor: José Luis Garci B/N 475 pags. 15x21 cm.

Autor: José Luis Garci B/N 208 pags. 16X23 cm.

P.V.P. 28 €

PLACERES OCULTOS

Trece terceras de ABC

QUERIDÍSIMA MAMA. EDICIÓN ESPECIAL

Gays y lesbianas en el cine español de la transición

Este libro recopila, por primera vez, los trece prestigiosos artículos escritos por José Luis Garci para el diario ABC en la conocida columna La tercera de ABC. Incluye el artículo Hollywood Gil, con el que el autor fue galardonado con el premio Mariano de Cavia.

Por fin se publica en España este éxito literario internacional que dio lugar a la famosa película del mismo título. Christina Crawford, hija adoptiva de Joan Crawford, fue presentada al mundo como una idílica princesa de Hollywood. La realidad que cuenta este libro fue bien distinta.

Revisa el cine de esta época para dar con lesbianas vampiresas, mariquitas de chiste, mujeres hipererotizadas que disfrutan de su cuerpo y del de otras mujeres, homosexuales solitarios..

Autor: Alejandro Melero Color-B/N 288 pags. 17x24 cm.

P.V.P. 19 €

P.V.P. 19 € NOIR

ED NOV

Autor: Quim Casas y Gerardo Sánchez B/N 240 pags. 19x25 cm.

DA OVE

Autor: Christina Crawford 400 pags. 17x24 cm.

P.V.P. 24 €

E NOV

DA D

Autor: José Luis Garci 180 pags. 15x21 cm.

P.V.P. 15 €

CUPÓN DE PEDIDO (Gastos de envío gratuitos para pedidos superiores a 30€ excepto contrareembolso) Marca con una X los libros que desees: AZUCAR, CANELA Y CLAVO. MIS DIVAS FOLCLORICAS (28€) ARMAS, MUJERES Y RELOJES SUIZOS (14€) BEBER DE CINE (16€) BETTE & JOAN: AMBICION CIEGA (21€) CONVERSACIONES DE CARY GRANT (22€) CASABLANCA (30€) CON FALDAS Y A LO LOCO (30€) CON LA MUERTE EN LOS TALONES (30€) CONVERSACIONES CON CARY GRANT (22€) COPPOLA (20€) DICCIONARIO DEL PERIODISTA EN EL CINE ESPAÑOL (14€) DOCTOR LIBRO Y MISTER FILM (22€) EL CARTEL DE CINE EN EL WESTERN EUROPEO (30€) EL CINE DE AVENTURAS (40€) EL CINE DE TERROR (40€) EL CINE DEL III REICH (19€) EL CINE NEGRO (40€) EL CINE NEGRO 2 (40€) EL MELODRAMA (40€) EL UNIVERSO DE ALFRED HITCHCOCK (40€) EL UNIVERSO DE BILLY WILDER (40€) EL UNIVERSO DE CLINT EASTWOOD (40€) EL UNIVERSO JOHN FORD (45€) EL UNIVERSO DE LOS HERMANOS MARX (40€) EL UNIVERSO DE HOWARD HAWKS (40€) EL UNIVERSO DE ORSON WELLES (40€) EL UNIVERSO DE RITA HAYWORTH (40€) EL UNIVERSO DE WOODY ALLEN (40€) ENCICLOPEDIA ILUSTRADA DE LOS OSCAR (45€) FRITZ LANG UNIVERSO (40€) GRANDES FILMOGRAFÍAS ILUSTRADAS DE LOS AÑOS 40 (30€)

Precios válidos hasta 30/6/21 (más adelante consultar).

GRUPO SALVAJE (30€) HEDY LAMARR. EXTASIS Y YO (22€) HOLLYWOOD 50S LOBBY CARDS (30€) HOLLYWOOD LOBBY CARDS (30€) JINETES EN EL CIELO (16€) JOSÉ LUIS GARCÍA SÁNCHEZ, EL HUMOR COMO BICARBONATO (14€) LA CENSURA FRANQUISTA EN EL CARTEL DE CINE (35€) LA COMEDIA (40€) LA DILIGENCIA (30€) LAS 7 MARAVILLAS DEL CINE (25€) LAS MEJORES PELÍCULAS DE NUESTRA VIDA (15€) LAS PELICULAS DE CAZA DE BRUJAS (22€) MABUSE EL ETERNO RETORNO (19€) MAGO DE OZ. EL Libro del 80 aniv. (19€) ME ENAMORÉ DE UNA MÁCARA. LON CHANEY (23€) MORIR DE CINE (21€) NICKELODEON: EL WESTERN (28€) NICKEL ODEON: SCREWBALL COMEDIES (24€) NOIR (24€) NUESTROS GALANES DE CINE (28€) PERDICIÓN (30€) PLACERES OCULTOS GAYS Y LESBIANAS (19€) QUERIDÍSIMA MAMÁ (24€) TRECE TERCERAS DE ABC (15€) VENUSPASIÓN (24€) VIAJE ALUCINANTE (40€) VIOLETAS DE ESPAÑA (22€)

EN CUMPLIMIENTO DE LA LEY ORGANICA DE PROTECCION DE DATOS: Consentimiento expreso para el tratamiento de datos de carácter personal. Nombre: ...................... Apellidos: ...................................... DNI: ............................................. En nombre y representación de (menor o incapaz, si fuera necesario): ............................................. En cumplimiento de lo establecido en la Ley Orgánica 15/1999, de 13 de diciembre, de Protección de Datos de Carácter Personal, y de la posterior entrada en vigor del Reglamento General de Protección de Datos le comunicamos que los datos que usted nos facilite quedarán incorporados y serán tratados en los ficheros titularidad de NOREA Y ALOMAN EDICIONES, S.L.. usted autoriza expresamente a su tratamiento con el fin de poderle prestarle los servicios de suscripción de periódicos, revistas o cualquier tipo de publicación, al envío de comunicaciones comerciales por cualquier tipo de vía, bien sea por correo postal o por correo electrónico a la dirección facilitada por usted a tal efecto. Mediante la firma del presente documento usted da su consentimiento expreso para que NOREA Y ALOMAN EDICIONES, S.L. pueda utilizar con este fin concreto los datos facilitados por usted, comprometiéndose a tratar de forma confidencial los datos de carácter personal facilitados y a no comunicar o ceder dicha información a terceros, adoptando las medidas de seguridad que establece la normativa sobre protección de datos.

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ENTREVISTA

JavierGutiérrez habla de Bajo Cero

Javier Gutiérrez es uno de los grandes nombres de nuestro cine, y tras el éxito de Hogar, ahora estrena en Netflix Bajo Cero. En ACCIÓN hemos tenido la oportunidad de charlar con él sobre este thriller de acción que ha supuesto el mayor reto de su carrera. En Bajocero interpretas a Martín, un policía con férreos principios morales que está en las antípodas de los personajes que has interpretado en otros thrillers. ¿Disfrutas más como actor con esta clase de personajes negativos? Yo no diría que son negativos, simplemente que están en una situación muy límite y que no son de una sola pieza. En el caso de Martín, es un policía al que sobrepasa un traslado de presos peligrosos en la estepa manchega, porque quizá no está llamado a asumir ese rol de héroe. Me interesaba como actor, primero porque es una película de acción, que es un género que he transitado poquísimo, y porque el personaje empieza de una forma muy diferente a como acaba. Como bien dices, es un personaje con unos principios férreos, inquebrantables casi, pero durante la película le suceden unos hechos tan brutales que hacen que esa forma de ver el mundo, la justicia o la ley se desmorone, y por eso nos resulta tan chocante verle hacer lo que hace. Viéndola, he notado la influencia del cine de John Carpenter, especialmente de Asalto a la comisaría del distrito 13. ¿El director os transmitió esa intención? Creo que está claro que Lluís Quílez es un amante del cine, del cine clásico puro y duro, además. No trabajó solo con esa referencia, sino también con El diablo sobre ruedas o quizá el contar con un actor de mis características físicas para el personaje de Martín remite un poco al Dustin Hoffman en Perros de paja. Lluís es un director que tiene muy claro lo que quiere, cómo lo quiere y que da una libertad absoluta a los actores a la hora de trabajar. Eso es muy de agradecer. Es una película de entretenimiento, pero que no renuncia a un mensaje comprometido. En ese sentido, me recuerda a El desconocido. Es un thriller que te hace pasar un buen mal rato, pero que no renuncia a una reflexión que hace que como espectador y ciudadano se establezca un debate muy interesante de hasta qué punto podemos admitir la violencia o qué leyes estamos dispuestos a traspasar para impartir una justicia que está más allá de estas. En Bajocero funciona muy bien la interacción entre los presos y los policías. ¿Estaba ya todo en el guion o se improvisó mucho durante el rodaje? El guion para Lluís es como un mapa, pero luego él es generoso a la hora de darnos libertad. Recuerdo que en los ensayos había mucha improvisación. Todo eso fue creando otro guion paralelo y luego hubo otra reescritura que hizo que el guion fuera todavía mucho más rico y que los actores tuviéramos más libertad todavía a la hora de interpretar. Hay directores que se ciñen más al guion y hay otros como Lluís que priman la libertad del actor. La mayor parte de la película tiene lugar dentro del furgón. A nivel interpretativo, ¿lo sentiste como una ventaja o como una limitación? No, todo jugó a favor de obra. En el caso del furgón, las limitaciones a la hora de trabajar, con ocho o diez actores más el equipo técnico, que hacían del cubículo de presos un lugar muy opresivo. Es una cosa que tenía muy clara Lluís, la llevaba muy preparada y sabía que iba a ser determinante a la hora de ayudarnos en la interpretación. El director tiene la inteligencia y el buen hacer para, una vez que se agota todo eso, sacar

la historia fuera y descubrirnos una película absolutamente salvaje, fascinante y llena de sorpresas. Da la sensación de que tuvo que ser un rodaje exigente… Fue una película extremadamente dura, quizá el trabajo más duro que he hecho hasta la fecha. Como el propio título indica, rodábamos a temperaturas de cuatro y cinco grados bajo cero en lugares como Navacerrada, Segovia…, y a eso súmale la noche y que es una película muy áspera de rodar, con muchos tiros, muchas carreras y muchísima adrenalina, no solo para el espectador, sino también para los actores. Una de las cosas que más me llamaron la atención de la película fue su ambientación, más propia del nordic noir. Parece que el cine español poco a poco va descubriendo lugares con una naturaleza y un clima diferentes para localizar una historia. Bueno, simplemente hay que apostar. Aquí hay escenarios privilegiados y muchísimas producciones vienen de fuera a rodar a España. Yo creo que, si las leyes fuesen un poquito más favorables, se rodaría mucho más. Como bien dices, el paisaje y las localizaciones de una película como Bajocero son otro personaje más. En este país, no solo por aspectos técnicos o artísticos, sino por parajes, localizaciones, por lo que te brinda climatológicamente, se puede trabajar desde una comedia luminosa a una bajada a los infiernos como puede ser una película de género como Bajocero. En una reciente entrevista a Tom Hanks, el actor decía que su Noticias del gran mundo podría tratarse de una de las últimas películas para adultos en llegar a cines, porque después solo nos quedarán los superhéroes. ¿Estás de acuerdo con él, o piensas que los estrenos volverán a su hábitat natural? Es un terreno pantanoso este… Yo creo que con la pandemia se ha acelerado mucho lo que iba a pasar dentro de unos años. Soy un romántico del cine y me gusta disfrutarlo en una sala oscura, pero al igual que los cines van desapareciendo, la gran mayoría de películas pasarán de estrenarse en salas a hacerlo en plataformas. Bueno, pues bienvenido sea, yo creo que las plataformas también dan una necesaria visibilidad a las películas, porque las hacemos para que los espectadores las vean y las disfruten. Es cierto que a mí me provoca desazón ver la lista de estrenos del año que viene, en la que todo son superhéroes o películas perfectamente olvidables. Próximamente te veremos en la serie Reyes de la noche y en la película La hija. ¿Qué nos puedes adelantar de ambos proyectos? Reyes de la noche es una serie para Movistar que habla de la lucha radiofónica de dos estrellas de la radio deportiva de nuestro país de finales de los ochenta y principios de los noventa. Es una suerte de comedia muy inteligente que viene de la mano de Cristóbal Garrido, Adolfo Valor y Carlos Therón, que he disfrutado mucho y tiene un grandísimo reparto. La hija creo que es la mejor película de Manuel Martín Cuenca hasta la fecha, y es mucho decir. Cuando la vi por primera vez me dejó muy tocado y creo que es un filme del que nos vamos a sentir muy orgullosos todos los que hemos formado parte de él. No me puedo olvidar tampoco de Principiantes, una obra de teatro basada en unos textos de Raymond Carver, ni de la cuarta temporada de Estoy vivo. Alejandro Gómez

PRÓXIMOS ESTRENOS Por Jesús Martín

Palm Springs

EE UU; 2020; Título original: Let Him Go; Dirección: Thomas Bezucha; Guión: Thomas Bezucha y Larry Watson; Fotografía: Guy Godfree; Música: Michael Giacchino; Intérpretes: Diane Lane, Kevin Costner, Kayli Carter, Ryan Bruce; 113 mins; Distribuye: Universal.

EE UU; 2020; Dirección: Max Barbakow; Guión: Andy Siara; Fotografía: Quyen Tran; Música: Matthew Compton; Intérpretes: Andy Samberg, Cristin Milioti, J.K. Simmons, Peter Gallagher; 90 mins; Distribuye: Movistar.

Blumhouse, la factoría del terror independiente que ha hecho posible las sagas de Insidious y Paranormal Activity, apadrina esta ingeniosa obra, que mezcla humor y terror slasher de manera existencialista. La trama cuenta cómo una adolescente de 17 años, llamada Millie Kessler (Kathryn Newton), se mete por arte de magia en el cuerpo de un asesino en serie, apodado el Carnicero (Vince Vaughn). Un viaje plagado de situaciones hilarantes, en las que no faltan los accesos psicóticos. “Se pasa mucho miedo, pero también hay muchas risas. Mis dos cosas favoritas en el mundo”, afirma Christopher Landon (Feliz día de tu muerte), director del filme.

Kevin Costner (El guardaespaldas) y Diane Lane (Calles de fuego) vuelven a trabajar juntos, después de ser los padres adoptivos de Superman en El hombre de acero (Zack Snyder, 2013), en esta agitada película, basada en la homónima novela de Larry Watson. La acción arranca en un rancho de Montana, en 1963, donde reside el sheriff jubilado George Blackledge (Kevin Costner) y su esposa Margaret. La muerte de su único hijo anima a la pareja a abandonar su hogar para viajar a Dakota, con el objetivo de reclamar la custodia de su nieto. Thomas Bezucha (Monte Carlo) es quien filma la nueva aventura del tándem Costner-Lane.

Una boda un tanto peculiar sirve de contexto situacional a Max Barbakow para firmar su ópera prima como director de largometrajes. Andy Samberg (Brooklyn NineNine) y Cristin Milioti (Cómo conocí a vuestra madre) protagonizan esta entretenida historia, en la que dos personas, consideradas un tanto singulares, encuentran el amor en medio de una celebración en Palm Springs. Ellos son el despreocupado Nyles (Samberg) y la oveja negra de la familia anfitriona del casamiento y dama de honor a la fuerza, llamada Sarah (Milioti). La relación entre ambos marca el argumento de esta humorística comedia romántica, cuyo estreno está previsto en la plataforma de Movistar +.

Inmune

La Sra. Lowry e hijo

Entre nosotras

14 Días, 12 noches

EE UU; 2020; Título original: Songbird; Dirección: Adam Mason; Guión: Adam Mason y Simon Boyes; Fotografía: Jacques Jouffret; Música: Lorne Balfe; Intérpretes: K.J. Apa, Sofia Carson, Craig Robinson, Bradley Whitford; 84 mins; Distribuye: Diamond.

Reino Unido; 2019; Título original: Mrs. Lowry and Son; Dirección: Adrian Noble; Guión: Martyn Hesford; Fotografía: Josep M. Civit; Música: Craig Armstrong; Intérpretes: Vanessa Redgrave, Timothy Spall, Wendy Morgan; 91 mins; Distribuye: Vercine.

Los oscuros tiempos que vive actualmente la humanidad, con las trágicas cifras de contagios y fallecimientos por culpa del coronavirus, inspiraron al cineasta Adam Mason (Blood River) para imaginar un futuro terrorífico, dominado por una ficticia variante de la COVID-19, conocida como COVID-23. Rodada en Los Ángeles, en plena época del confinamiento poblacional, la película narra la historia de amor entre un repartidor inmune a la enfermedad, llamado Nico (KJ Apa), y la mujer a la que desea salvar (Sofia Carson). Frente a un sistema corrupto, estos jóvenes intentan hacer todo lo posible para estar juntos y escapar del internamiento en las zonas Q.

El pintor y dibujante Laurence Stephen Lowry fue un hombre atormentado por su madre, quien no entendía la pasión artística de su vástago. Esta relación tóxica y autodestructiva es lo que escenifica el filme que dirige Adrian Noble (Un sueño de una noche de verano), que reproduce el intenso guion elaborado por Martyn Hesford. Timothy Spall (quien ya sabe muy bien lo que supone encarnar a un creador plástico, desde su experiencia en Turner) y Vanessa Redgrave (Camelot) encabezan el elenco dramático de esta obra biográfica, en la que se pone de manifiesto el ansia de valoración y apoyo que los hijos necesitan de sus progenitores.

Francia; 2019; Título original: Deux; Dirección: Filippo Meneghetti; Guión: Malysone Bovorasmy, Filippo Meneghetti y Florence Vignon; Fotografía: Aurélien Marra; Música: Michele Menini; Intérpretes: Barbara Sukowa, Martine Chevallier, Léa Drucker, Muriel Bénazéraf; 99 mins; Distribuye: Karma.

Canadá; 2019; Título original: 14 Days, 12 Nights; Dirección: Jean-Philippe Duval; Guión: Marie Vien; Fotografía: Yves Bélanger; Música: Bertrand Chénier; Intérpretes: Anne Dorval, Leanna Chea, François Papineau, Hiep Tran Nghiax; 99 mins; Distribuye: Adso Films.

En los ochenta, Mecano compuso el hit “Mujer contra mujer”, cuya letra giraba en torno al amor secreto y prohibido entre dos personas del mismo sexo. Este argumento sirve a la perfección para describir la trama de la ópera prima del italiano Filippo Meneghetti: un filme que retrata a un par de mujeres silenciosas y enamoradas, mientras quienes las rodean piensan que son simples vecinas, residentes en el edificio en el que ambas habitan. “Creo que es ante todo una película sobre la mirada de los demás, y sobre la autocensura”, explica Meneghetti. Martine Chevallie (Mozart) y Barbara Sukova (Las hermanas alemanas) encarnan a las dos amantes clandestinas.

El francocanadiense Jean-Philippe Duval (Chasse-Galerie) viaja a los paisajes selváticos de Vietnam, para narrar este drama sobre las raíces familiares y los sentimientos reencontrados. Al lado de la actriz Anne Dorval (Mommy), Duval pasea su cámara, con el fin de mostrar el doloroso trayecto de Isabelle Brodeur: una madre adoptiva que va a la tierra natal de su hija Clara, recientemente fallecida. Allí, entre las húmedas calles de Hanói, la mujer traba amistad con Thuy Neuyen (la madre biológica de la pequeña), y juntas emprenden una odisea por el país asiático, cuya meta está en la paz que ambas necesitan para enfrentarse a la realidad.

Este cuerpo me sienta de muerte EE UU; 2020; Título original: Freaky; Dirección: Christopher Landon; Guión: Michael Kennedy y Christopher Landon; Fotografía: Laurie Rose; Música: Bear McCreary; Intérpretes: Vince Vaughn, Kathryn Newton, Celeste O'Connor, Misha Osherovich; 102 mins; Distribuye: Universal.

Uno de nosotros

PRÓXIMOS ESTRENOS Por Jesús Martín

El chico (100 años)

Nuevo orden

La chica del brazalete

Becky

EE UU; 1921; Título original: The Kid; Dirección: Charles Chaplin; Guión: Charles Chaplin; Fotografía: Roland Totheroh; Música: Charles Chaplin; Intérpretes: Charles Chaplin, Jackie Coogan, Edna Purviance, Carl Miller; 68 mins; Distribuye: A Contracorriente.

México; 2020; Dirección: Michel Franco; Guión: Michel Franco; Fotografía: Yves Cape; Música: Cormac Roth; Intérpretes: Naian González Norvind, Diego Boneta, Mónica Del Carmen, Dario Yazbek Bernal; 88 mins; Distribuye: A Contracorriente.

Francia; 2019; Título original: La fille au bracelet; Dirección: Stéphane Demoustier; Guión: Stéphane Demoustier, Ulises Porra y Gonzalo Tobal; Fotografía: Sylvain Verdet; Música: Carla Pallone; Intérpretes: Roschdy Zem, Melissa Guers, Anaïs Demoustier, Chiara Mastroianni; 95 mins; Distribuye: Surtsey.

EE UU; 2020; Dirección: Jonathan Milott y Cary Murnion; Guión: Nick Morris, Ruckus Skye y Lane Skye; Fotografía: Greta Zozula; Música: Nima Fakhrara; Intérpretes: Lulu Wilson, Kevin James, Joel McHale, Amanda Brugel; 93 mins; Distribuye: Movistar.

Esta famosa y admirada película de Charles Chaplin regresa a las salas, remasterizada con la tecnología 4K. Tras cien años de su estreno original en Estados Unidos, la inmortal obra presenta algunas de las secuencias más laureadas de Chaplin como Charlot, en lo que supuso el comienzo de la carrera del cómico británico en el terreno de los largometrajes. Las aventuras en pos de la supervivencia callejera de Chaplin y del niño Jackie Coogan siguen plenamente vigentes, con sus persecuciones y ocurrencias irrepetibles. Una muestra del carácter imperecedero de la movie está en las apasionantes escapadas de Charlot y el pequeño huérfano, cuando intenta atraparlos un orondo policía.

El director mexicano Michel Franco (Después de Lucía) imagina un universo violento y caótico, visto a través de los ojos de una joven de clase acomodada, y de los sirvientes que trabajan para su acaudalada familia. La historia arranca con una lujosa boda en una casa de ensueño, en la que se dirimen numerosas contradicciones sociales. En medio de la celebración, se produce un golpe de Estado que saca a relucir las rencillas y los comportamientos ocultos de los asistentes al enlace. Diego Boneta (Terminator: destino oscuro), Dario Yazbek (La casa de las flores) y Nalán González Norvind protagonizan esta imaginativa película.

Todas las Lunas

Crash

España; 2021; Dirección: Igor Legarreta; Guión: Igor Legarreta y Jon Sagalá; Fotografía: Imanol Nabea; Música: Pascal Gaigne; Intérpretes: Itziar Ituño, Haizea Carneros, Josean Bengoetxea, Zorion Eguileor; Distribuye: Filmax.

Canadá; 1996; Dirección: David Cronenberg; Guión: J.G. Ballard y David Cronenberg; Fotografía: Peter Suschitzky; Música: Howard Shore; Intérpretes: James Spader, Holly Hunter, Elias Koteas, Deborah Kara Unger; 100 mins; Distribuye: A Contracorriente.

Pese a que normalmente los cuentos se asocian con el mundo infantil y colorista, la mayoría de ellos tienen un componente tenebroso que, sin los habituales finales felices, puede causar pesadillas. Igor Legarreta (Cuando dejes de quererme) sitúa esta imaginativa película dentro de las tesis sobrenaturales de las fábulas, a través de seres inmortales y bosques encantados. “Es la historia de una condena. La condena de vivir para siempre, ese viejo anhelo de la humanidad que parece ir en contra de su esencia misma”, afirma Legarreta, quien también precisa que su obra está entre las obsesiones de Déjame entrar y el universo de Vacas.

Más de tres décadas después de su estreno original, Crash vuelve a las salas de exhibición restaurada fotograma a fotograma, para ser proyectada bajo la tecnología 4K. La película, premiada con el galardón especial del jurado en el Festival de Cannes de 1996, muestra la extraña unión entre erotismo y accidentes automovilísticos, basada en la inquietante novela de J. G. Ballard. “Es una futurista historia de amor, ambientada en el presente”, explica el director del filme (David Cronenberg), para describir la relación entre James Ballard (James Spader) y la doctora Helen Remington (Holly Hunter): dos seres a los que excita la velocidad y el asfalto.

Un juicio, una adolescente supuestamente asesinada por su mejor amiga, unos padres aterrorizados, y una fiscal en busca de respuestas. Estos son los elementos en los que se sustenta el guion del nuevo largometraje del francés Stéphane Demoustier (Cleo & Paul). “La película exacerba esta tensión natural preguntando hasta qué punto podemos conocer a nuestros propios hijos, cuánto los entendemos realmente, si hay límites para el amor que podemos sentir o es incondicional el amor de los padres”, explica el cineasta. La joven Melissa Guers debuta con el personaje de la joven juzgada: una chica misteriosa que se sienta, callada y equidistante, en el banquillo de los acusados.

Más cañera que Macaulay Culkin en Solo en casa, menos infernal que Michael Oliver en Este chico es un demonio, y algo rebajada en conocimientos con respecto a Iain Armitage en El joven Sheldon; la treceañera protagonista de Becky tiene que someter a un grupo de peligrosos convictos, encabezados por Kevin James (en este caso, interpreta a un reo de ideología neonazi, alejado de los tipos simpáticos que suele encarnar). La enérgica Lulu Wilson (The Glorias) es quien se mete en la piel de la peleona Becky en esta película de acción, dirigida por la pareja profesional formada por Cary Murnion y Jonathan Milott (Dulces criaturas).

Nadie EE UU; 2021; Título original: Nobody; Dirección: Ilya Naishuller; Guión: Derek Kolstad; Fotografía: Pawel Pogorzelski; Música: David Buckley; Intérpretes: Bob Odenkirk, Connie Nielsen, RZA, Aleksey Serebryakov; 92 mins; Distribuye: Universal.

Bob Odenkirk (Better Call Saul) encabeza el elenco en esta película de acción reflexiva, en la que encarna a un padre de familia que abandona su apacible refugio de paz y urbanidad para vengar el ataque a su esposa y a su hija adolescente. Como si fuera una especie de reivindicación del espíritu del justiciero Paul Kersey, el cineasta Ilya Naishuller (Hardcore Henry) y el guionista de la saga de John Wick (Derek Kolstad) montan el armazón de Hutch Mansell: un tipo anodino, que descubre en su interior habilidades de lucha que creía inexistentes en él. Connie Nielsen (Gladiator) y RZA (American Gangster) acompañan a Odenkirk.

Correo del lector Por Miguel Juan Payán

José Luis Merino Pablo (Madrid). o primero daros las gracias a todos por seguir la revista en los quioscos. Y un abrazo fuerte a los más veteranos. Sobre las secciones que me comentas, a favor o en contra, solo puedo decirte que, como tú mismo me dices, entendéis que cada una tiene su público. Pero puedo decirte que lo interesante es que estamos consiguiendo que muchos jóvenes sientan curiosidad por los clásicos porque, si te gusta el cine, toda película puede darte una grata sorpresa, independientemente del género o época a la que pertenezca. Respecto a poner Bob Hope y seguir con Dorothy Lamour en los reportajes de actor clásico, preferimos que cada número sea una sorpresa para el lector y, a decir verdad, eso habría sido bastante previsible. No obstante, está en nuestra lista, como muchos otros que mencionas en tu carta. Eso sí, no todos saldrán en reportaje; algunos son más propicios para la ficha grande de actor de cada mes, por ejemplo el gran James Drury, protagonista de la serie El virginiano, que disfruté mucho cuando era niño, dicho sea de paso, aunque como muchos chavalillos de entonces nuestro personaje favorito de esta era Trampas, interpretado por Doug McClure, otro que bien merece ficha, ciertamente. Son de las secciones más apreciadas por muchos lectores de ACCIÓN. En cuanto a José Luis Merino, también aprecio muchas de sus películas, que, además, he podido ver siendo chaval en cines de programa doble y ahora tengo en mi colección. Trataba todos los géneros y era un todoterreno eficaz tanto en su faceta de director como en la de guionista. Un veterano imprescindible del cine español nacido el 10 de junio de 1925 en Madrid y fallecido a los 92 años, el 2 de julio de 2019, en esa misma ciudad. Su carrera como director cuenta con los títulos: Aquellos tiempos del cuplé (1958), El vagabundo y la estrella (1960), Alféreces provisionales (1964), Por un puñado de canciones (1966), Frontera al sur (1967), Réquiem para el gringo (1968), Colpo sensazionale al servicio del Sifar (1968), La batalla del último Panzer (1969), Comando al infierno (1969), La última aventura del Zorro (1969), Las cinco advertencias de Satanás (1969), El tigre del Kyber (1970), Robin Hood, el arquero invencible (1970), La muerte busca un hombre (1970), Ivanna (1970), Consigna: matar al

Podéis despejar vuestras dudas enviando una carta a: REVISTA ACCIÓN (Correo) C/ La Higuera, 2-2ºB, 28922 Alcorcón (Madrid) O bien por e-mail (asunto: correo) a: redaccion@accioncine.es Y también por WhatsApp: 672 015 018 O telegram: @AccionCineSeries

comandante en jefe (1970), El Zorro, caballero de la justicia (1971), El Zorro de Monterrey (1971), La rebelión de los bucaneros (1972), La orgía de los muertos (1973), Tarzán en las minas del rey Salomón (1973), Juegos de sociedad (1974), Juan Ciudad: ese desconocido (1974), Sábado, chica, motel, ¡qué lío aquel! (1976), Marcada por los hombres (1977), Siete cabalgan hacia la muerte (1979), Dejadme vivir (1982), USA, violación y venganza (1983), La avispita Ruinasa (1983), Gritos de ansiedad (1984) y Superagentes en Mallorca (1990). Además, era un actor habitual en trabajos de José Luis Garci, de manera que hemos podido verle en esa función interpretando a Meri en El Crack y El Crack 2, La herida luminosa, El abuelo, You´re the One (Una historia de entonces) y Tiovivo c. 1950. Marge Champion era una de las bailarinas y coreógrafas más destacada tanto en el cine como en los musicales de Broadway. Trabajó para Disney como modelo de movimiento en Blancanieves y los siete enanitos, interpretando a Blancanieves, como el Hada Azul de Pinocho y también en Fantasía. Ese es el mismo trabajo que hizo Margaret Kerry, ejerciendo como modelo de movimiento para la sirena y Campanilla en Peter Pan. Mercedes Prendes hizo mucha televisión después de rodar esas películas que ya te comenté en una respuesta anterior. Fechas de nacimiento que pides: Pete Docter, 9 de octubre de 1968, Bloomington, Minnesota (Estados Unidos). Andrew Stanton, 3 de diciembre de 1965, Boston, Massachusetts (Estados Unidos). Rob Minkoff, 11 de agosto de 1962, Palo Alto, California (Estados Unidos). Kevin Lima, 12 de junio de 1962, Pawtucket, Rhode Island (Estados Unidos). Bob Peterson, 9 de enero de 1961, Wooster, Ohio (Estados Unidos). Peter Lord, 4 de noviembre de 1953, Bristol (Inglaterra). Nick Park, 6 de diciembre de 1958, Preston, Lancashire (Inglaterra). Chris Wedge, 20 de marzo de 1957, Binghamton, Nueva York (Estados Unidos). Anna Todd, 20 de marzo de 1989, Dayton, Ohio (Estados Unidos). E. L. James, 7 de marzo de 1963, Londres (Inglaterra). P. L. Travers, 9 de agosto de 1899, Maryborough, Queensland (Australia).

Mangalores de El Quinto Elemento y otros Aliens del cine Saúl (correo electrónico). ver, no me das muchos datos para poder identificar la película a la que te refieres, pero sí puedo decirte que el mecanismo animatrónico de las máscaras que se utilizaron en El quinto elemento (1997), de Luc Besson, para los mangalores, fueron reciclados para los nemoidianos de Star Wars, Episodio I: la amenaza fantasma (1999). Antes de ellos había una imagen icónica de alienígena armado, los de Mal gusto (1987), dirigida por Peter Jackson. También están los judon de la serie Doctor Who, por ejemplo en el episodio 5 de la temporada número 12, titulado “Fugitivo de los judon”, emitido en enero de 2020, pero creo que es muy reciente para que sea aquel al que te refieres.

CORREO DEL LECTOR Desaparición del soporte físico y remakes Joaquín (Daganzo de Arriba, Madrid). ues sí, amigo, todo indica que van a cargarse el soporte físico. Algunas grandes superficies ya han empezado a eliminar o reducir la superficie dedicada a DVD, blu-ray, 4K y compañía. Incluso hay rebajas en esos materiales. Indica lo peor. Me parece que están cometiendo un error importante, que en su momento les va a traer funestas consecuencias a las compañías porque, y contesto así a tu pregunta sobre qué vamos a hacer los coleccionistas, lo que haremos la mayoría es coleccionar otra cosa. Si yo dispongo de una cantidad para invertir en vicios coleccionistas variados, simplemente retiraré mi inversión de esa parcela de soporte físico de audiovisual para incrementar la de otra de las cosas que me hacen disfrutar en mi tiempo de ocio, esto es: libros, cómics, música, conciertos en directo cuando los haya… Tengo unas cuantas más de 5000 películas, así que puedo dar por concluida mi colección de audiovisual tranquilamente. Si lo que quieren es que dejemos de comprar, pues nada: dejo de comprar. De hecho, ya he dejado de comprar. Eso sí, según me comentan mis alumnos de la escuela de cine en la que trabajo, se está produciendo un fenómeno curioso: se está produciendo una corriente que acapara copias en DVD y resto de formatos físicos para especular con ellos. Y por ejemplo, según me comentaba el otro día una alumna, su padre quiso comprarse una copia en DVD de una película del cómico galo Louis de Funès y le

¿Relevo en el audiovisual de acción? Diego (correo electrónico). ema interesante este que planteas. Lo que ocurre es que no suscribo la etiqueta de cine de acción como género. Porque acción hay en bélico, wéstern, ciencia ficción, terror, musical, comedia… Entonces se nos escapa el gato por las esquinas. Pero entiendo lo que quieres decir y a qué tipo de películas te refieres. Por ejemplo, Fast and Furious es cine de aventuras, lo mismo que Mercenarios, mientras la saga de John Wick está en sus dos primeras entregas en el territorio del cine policiaco, con toques del subgénero de cine negro y en la tercera juega con elementos del cine de aventuras – toda la parte de Halle Berry y el desierto–, volviendo luego al territorio primario de la saga, el policiaco. Redada asesina 1 es policiaco, subgénero de cine carcelario, mientras que su continuación, Redada asesina 2, se inscribe más claramente en el cine de gánsteres. Misión: Imposible o la saga de 007 son películas de espionaje. En todo caso, vengan de donde vengan los directores –Ridley Scott, su hermano Tony, Sofia Coppola y otros muchos, llegaron al cine desde la publicidad, y David Fincher y muchos otros desde el videoclip musical–, finalmente los creadores del audiovisual de nuestro tiempo cuando pasan al medio televisivo o cinematográfico tienen que hacer frente al mismo reto: hacer progresar el lenguaje del medio cinematográfico y televisivo. Traigan lo que traigan tras de sí como bagaje profesional en otro medio, tiene que incorporarse a las claves que definen la idiosincrasia del lenguaje del cine si quieren hacer su trabajo, y de la televisión, si quieren hacer su lenguaje en este medio. Aportarán a ambos medios recursos, descubrimientos, fórmulas, que han aprendido en su desempeño en otros medios, pero finalmente el cine y la televisión tienen detrás una historia que garantiza la continuidad de lo esencial frente a las distintas modas y actualizaciones de propuestas que puedan producirse en cada era o generación de nuevos creadores. Nuestra época no es distinta. Mi

pidieron 100 euros del ala. Lo que buscan es que nos demos de alta en las plataformas. Problema: ¿en cuántas plataformas hay que darse de alta para poder ver todo lo que te interesa? Segundo problema, hasta el momento algunos títulos pueden desaparecer de esas plataformas transcurrido un tiempo, ¿van a modificar eso para incorporar disponibilidad perpetua de las películas? En caso contrario, algún día querremos ver algo –le ha pasado a alguno de mis compañeros– y nos llevaremos el chasco de que ya no está. Otra pregunta: ¿qué pasa si se produce un efecto de eco de las reivindicaciones sociales que conduzca a la eliminación del catálogo o la censura de escenas de títulos como Lo que el viento se llevó? Por cierto, se disparó la venta de las copias en físico de la película para tenerla tal cual fue concebida originalmente, sin cortes ni componendas de carácter revisionista retroactivo. Son muchos los inconvenientes, pero sí, entramos en territorio comanche. Nosotros, como consumidores, y ellos, como vendedores del producto. Yo solo puedo decirte que tengo suficientes películas para que no me falte material que ver en las próximas tres vidas. Y además me gusta mucho leer. Así que si me tocan los soportes creo que podré soportarlo sin parpadear. Y de paso ahorro. La buena noticia es que la revista ACCIÓN la podrás tener en físico, como cada mes. Y además siempre nos quedará el mercado de segunda mano. Cuando se cierra una puerta, se abre una ventana. En cuanto a tu segunda pregunta, sobre remakes, ya hay proyecto del de Starman, de John Carpenter. En 2016 se dijo que iba a dirigirla Shawn Levy, director de Noche en el museo, con guion de Arash Amel, guionista de Grace de Mónaco y La corresponsal. También está en marcha, con estreno previsto en 2023, un remake de El Trueno Azul, dirigida por John Badham en 1983. Se anunció en 2015, y se dijo que iba a versar sobre drones. Detrás está el productor Dana Brunetti (La red social, House of Cards, Capitán Phillips, 50 sombras de Grey). opinión es que, salvo honrosas excepciones, hay cierto empobrecimiento del cine de acción en nuestros días por abuso de la pirotecnia del más difícil todavía, abusando de efectos visuales, y de paisajes y secuencias de acción generados por ordenador. No veo tanto relevo, más bien veo repetición de la misma fórmula, cada vez peor pertrechada de guion, diálogos y creación de personajes sólidos. En cuanto a tu reflexión sobre “en qué fallan el Batman de Nolan y todas las películas de género”, según tus propias palabras, discrepo totalmente. Dices: “El único voto negativo es que el traje de Batman como alter ego del hombre de negocios no está explotado lo suficiente, la psicología del personaje como integrante de un film noir, que en definitiva es la historia principal, un policial al uso (algo que define las películas de este director), no está, porque siempre es la misma persona. Se vista como se vista, piensa lo mismo, o sea, da lo mismo que se disfrace de payaso o de oso, ya que argumentalmente ese traje no tiene peso propio, no lo hace mejor ni peor persona (esa entidad corporizada y reforzada desde la gráfica) no lo define de modo alguno, solo le sirve como una máscara de carnaval, nada más… Una idea que hubiera servido, para darle el toque final a la historia a modo de ejemplo, sería que Batman, a diferencia de Bruce Wayne, tenga un sentido de justicia desarrollado, hasta el pragmatismo más puro y directo, que como ciudadano común (Bruce Wayne) no tiene. Uno como entidad civil vota por una democracia ejercida y quiere una justicia justa para todos, esa dicotomía en este escenario planteado, la hubiese hecho perfecta, porque le daría la relevancia a ese alter ego comiquero que le faltaba a la cinta y que dicho sea de paso le pasa a todas las películas del género”. A ver, creo que lo mejor de la figura de Batman, o al menos lo que ha dado el mejor juego a los guionistas de cómic y al propio Nolan en sus películas, que en mi opinión es lo mejor que se ha hecho con el personaje en el cine, es precisamente que el protagonista de todo esto es Bruce Wayne, al que no podemos calificar como “ciudadano común” en ningún caso. Lo interesante es Bruce Wayne, no su traje de vigilante. La identidad, la ética, el conflicto del personaje…, todo es Bruce Wayne. Si me apuras, el traje es una anécdota. Y en esa clave, Nolan dio en el blanco.

ENTREVISTA Es un placer volver a encontrarse con grandes artistas como Christopher Young. Además de ser un buen amigo es una persona de enorme calidez humana. En el marco del XIII Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife tuve el placer de mantener largas conversaciones con el compositor de Hellraiser. Recordamos encuentros anteriores y compartimos una buena cantidad de momentos memorables. Young es muy querido allá donde va y España no es una excepción. (Contiene Spoilers)

Christopher Young Te encanta España y has acudido a numerosos festivales e impartido cursos de composición. Es un placer para mí charlar contigo. Me encanta porque España y sus festivales me han dado la oportunidad de conocer a muchas personas que aman la música de cine. Es algo que solo ocurre aquí y comprobé que existen muchos fans que sabían sobre mi trabajo y se mostraron muy emocionados. Te confirman que no lo estás haciendo mal como compositor y es un ambiente distinto al de los Estados Unidos, donde la comunicación es complicada, así como lo es ese trato tan directo. ¿Cómo te hace sentir la fantástica reacción del público tras las interpretaciones de tus piezas en concierto? Antes de los conciertos, siempre estoy preocupado por cómo irá todo. Luego comienza a sonar mi música y todo cobra vida (entona notas de Arrástrame al infierno). Es sorprendente cuando comienzas a sentir las reacciones y escuchas los aplausos. En el Festival de Tenerife, la interpretación fue perfecta, explosión de energía, un momento ideal y jamás podría haber sentido nada mejor que cuando la gente aplaudió mi pieza en pie durante tanto tiempo. Tus inicios tienen mucho que ver con el jazz y, de hecho, muchos de tus trabajos están pensados en ese estilo. ¿Cómo es de importante el jazz en tu carrera? Por un tiempo pensé que pasaría mi vida tocando en bandas de jazz y me encanta la percusión (tararea y emula percusiones de jazz). Me gusta mucho la música de big band; en especial, la de Stan Kenton. Ese sentido del ritmo, esa energía de las percusiones... siempre me he sentido cómodo componiendo música con esa influencia porque es algo que ya tenía en mi cabeza. Cuentas con otros muchos trabajos con influencias de jazz como El hombre que no sabía

nada, Rounders… y en especial recuerdo lo bien que lo pasaste con Los diarios del ron. Incluso organizaste conciertos de tu música para ese ﬁlme en algún club. Sí. Fue una época muy divertida. Lo pasé muy bien con Los diarios del ron en directo. Fue algo novedoso para mí. Si la película hubiese funcionado mejor en taquilla, quién sabe si habría dado para una gira con mi música... Me gusta especialmente El hombre que no sabía nada. Algunos temas de esta banda sonora me han inspirado mucho, si me permites la observación. ¿El tema romántico quizá? Ahora mismo no lo recuerdo. ¿Me permites que te lo tararee? ¡Ah, sí! Me encanta ese tema (Wandering Heart). Vamos a tararearlo juntos... (“canturreamos” los dos). ¡Gracias por recordármelo! Te mantienes muy involucrado con la educación y formación musical de compositores jóvenes en la Universidad de California. ¿Piensas que lograr un trabajo en este oficio de compositor de cine es ahora más complicado que cuando comenzaste tú? No porque, aunque hay más gente tratando de hacerse una carrera en esto, también hay más trabajo. Cada compositor tiene su estudio y necesita un asistente, por ejemplo. Cuando comencé en Los Ángeles, fue como asistente y así se aprende mucho. El cincuenta o sesenta por ciento de lo que aprendes en el primer año es como apoyo a un compositor. Y la música para juegos, además, ha creado nuevas necesidades y se puede ganar un sueldo muy respetable. Hay nuevas oportunidades de trabajo. Antiguamente tenías que saber componer grandes melodías y cómo componer para orquesta. Seguí el ejemplo de maestros como Max Steiner, David Raksin, Korngold, Alex North, Elmer Bernstein,

ENTREVISTA Jerry Goldsmith, John Williams e incluso después gente como Basil Poledouris. Pero, en el momento en que cada músico comenzó a tener su propio estudio y sus sintetizadores, todo empezó a cambiar profundamente. Ahora puedes ser una estrella del rock o un maestro de los teclados y lograr hacer una carrera en música de cine. Comenzaste en largometrajes en los ochenta con filmes discretos como Angel 2, Def-Con 4, The Power o Pesadilla en Elm Street 2, e hiciste mucho fantástico y terror, con clásicos como Invasores de Marte, Hellraiser, La mosca 2 o Flores en el ático. ¿Temías quedar encasillado en ese tipo de cine? Todos los compositores se encasillan. Y me pasó con películas terroríficas porque realmente me fue bien en ese género. Casualmente, esas películas han funcionado mejor en la taquilla que algunas comedias o dramas que hice. Orson Welles dijo que una carrera se forma no con las pelis que uno hace, sino con las que decide no hacer. Alguna vez pensé que debía dejar de hacer pelis de terror si quería ser tomado en serio como compositor. Hacer dramas. Pero me daba miedo decir que no a ofertas de trabajo y siempre acepté pelis de terror. Me habría gustado hacer trabajos más diversos (canta el tema de El hombre que no sabía nada). Pero has compuesto mucha música melódica que se puede cantar. También romántica y con temas muy bellos, como Noviembre dulce, Love Happens, Atando cabos... Es cierto, alejados del terror. ¿Has tenido que adaptarte en tu modo de trabajar desde que comenzaste debido a los cambios de la industria? Tuve que incluir electrónica y ordenadores como parte del proceso. De no haberlo hecho, mi carrera se habría ido al traste. Me encanta la orquesta, pero tienes que abrazar la tecnología. Es una de las razones por las que gente como Jerry Goldsmith trabajaron tanto: estaban abiertos a la tecnología. En Cementerio de animales comienzas con una pieza bella y melódica para la familia, pero luego todo cambia radicalmente y pasas al sintetizador. ¿Fue decisión tuya o de los productores? Yo pensé que sería interesante hacer la partitura para orquesta y por eso el director me contrató. Entraron en juego los productores y rechazaron esa idea y tuve que cambiar de orientación. No hay orquesta realmente en ese filme. Mi primer score completamente electrónico fue Sinister. Pasé meses ensayando y adaptando capas de sonido a la imagen. ¿Piensas que las tendencias actuales del uso de la electrónica y el diseño de sonidos en detrimento de la melodía es algo que puede cambiar en el futuro? No es algo que me quite el sueño, aunque supongo que si las cosas deben cambiar, por mí estará bien. Es cierto que echo de menos los tiempos en que se imponía la orquesta y la melodía. Sabes que trabajé con DJ Paul Oakenfold en Operacion Swordfish. Me llamaron posteriormente para aportar mi visión orquestal. Tu música es muy variada de una película a otra. ¿Cómo eres capaz de “cambiar el chip” desde obras donde experimentas con sonidos y ambientes tipo Psicosis mortal a otras melódicas o sinfónicas como Homicidio en primer grado, que es una de las músicas más emotivas y conmovedoras que he podido escuchar en toda mi vida?

¡Gracias! Para mí no es un problema. Lo tengo todo en mi cabeza y no me cuesta adaptarme a melodías pegadizas, jazz o temas de otro tipo completamente distinto en cuanto a estilo. Es algo normal en mí. En muchas ocasiones has escrito grandes partituras para películas que no son demasiado buenas. El sicario de Dios, El motorista fantasma o La bendición, por ejemplo. Yo trato de ayudar al filme. David Raksin dijo una vez que uno debe acometer cada trabajo como si fuese Lo que el viento se llevó. Yo trato de hacer mi trabajo lo mejor posible. Atando cabos es una de tus mejores bandas sonoras y fuiste nominado al Globo de Oro. Merecías también el Oscar. Gracias. Es lo más cerca que he estado del Oscar, pero nunca he sido nominado. En Hollywood dan mucha importancia a estos premios. Pensé que con Diarios del ron podría haber tenido alguna posibilidad, pero la película no funcionó y desde entonces no me ilusiono demasiado con los Oscar ni mando candidaturas de mis músicas, ya que sé que son películas con pocas posibilidades. Te rechazaron Una vida por delante. Era una excelente composición. ¿Qué ocurrió? Era para Miramax, y Harvey Weinstein odiaba la película y no quería a Jennifer Lopez. Cuando entré al proyecto, todo estaba muy viciado. Weinstein luego decidió que la música tenía que ser cercana al wéstern y la cambiaron. Yo había firmado para tres proyectos con ellos: Rounders, Atando cabos y esta. Pero pasar por los antojos de Weinstein es un problema y por extensión he tenido problemas con los directores de Miramax, con los que no he repetido. ¿Cómo trabajaste en las películas de The Monkey King? Son músicas muy bien valoradas. Son chinas, pero se grabaron en Bratislava. Buscaban un músico americano y me recomendaron a mí. El director apoyaba esa idea y tenían presupuesto suficiente. Estoy muy contento con esos trabajos. Ahora he acabado The Empty Man, donde he empleado electrónica de un modo diferente y estoy muy contento con el componente psicológico. Sobre tu relación con Sam Raimi: es curioso que Danny Elfman tuviese un papel en Premonición, cuya banda sonora es maravillosa. Eso es porque Danny iba a componer esa música, pero al final la declinó. Me vino genial porque a raíz de ese trabajo establecí una relación provisional con Sam. Pusiste música adicional a Spider-Man 2, hiciste Spider-Man 3, Arrástrame al infierno... En la 2 me llamaron para reemplazar música de Danny. No llegué a tratar con él. En la tercera tuve que usar algunos temas de Danny y me dieron un papelito como actor. A Sam le gusta tener a músicos en sus repartos y me tocó. Pienso que tienes un gran don para la melodía y compones, además, buenas canciones. ¿Nunca has pensado en editar un recopilatorio de tus temas melódicos en formato de canción? Me encantaría componer más canciones e incluso musicales. Tengo en mi mente cientos de melodías que son canciones potenciales para proyectos así. Estoy de acuerdo contigo. Es algo que me encantaría para el futuro. Sergio Hardasmal

DESTINO LA SAGA WINX

Brian Young es el responsable de traer de s posible que cuando Iginio Straffi La reinvención de La vuelta a los personajes ya míticos para sus creó Winx Club allá por 2004, nadie saga Winx está a la fans, y lo hace con Straffi a su lado como proesperase el éxito arrollador que tuvo la serie en todo el mundo. Debido a vuelta de la esquina de ductor. Young viene de ser guionista y producsu mayor relevancia temporada tras la mano de Netflix. Una tor de Crónicas vampíricas y está trabajando en relanzar Witchblade en televisión. El createmporada en Italia y parte de serie de animación que dor de la serie original en Italia llevaba intenEuropa, Nickelodeon le echó el ojo a la serie y se convirtió en coproductora y desarrollapasa a formato de tando levantar un proyecto en imagen real desde 2011, e incluso estuvo trabajando en la dora de esta junto con Straffi y su gente, acción real y que tiene producción de Club 57 para preparar un proapostando con una enorme campaña de mara los millones de fans yecto como este, que fue anunciado por Netflix keting por la serie y convirtiéndola de paso en un fenómeno a escala mundial que tiene de la serie original en 2018 y comenzó su rodaje en Irlanda en 2019. Pero el secretismo ha sido enorme poca comparación posible. Es más, en esta completamente intrihasta la fecha. Pese al estreno el 22 de enero transformación realmente radical que ha gados. en la plataforma, no teníamos muchos datos sufrido o que va a sufrir Winx, lo más cersobre la serie, que supone una reinvención cano podría ser Sabrina, que pasó de ser una aunque mantiene las claves esenciales. Bloom sitcom de humor blanco e inofensivo a una (Abigail Cowen), Stella (Hannah van der Westhuysen), Aisha serie oscura y siniestra completamente alejada de la pro(Precious Mustapha), Terra (Eliot Salt), Musa (Elisha puesta original. Destino: la saga Winx, es la apuesta de NetApplebaum), Beatrix (Sadie Soverall), Riven (Freddie Thorp), flix para devolver la vida a este grupo de personajes tan Sky (Danny Griffin), Dane (Theo Graham) y Sam (Jacob queridos por millones de fans, pero contando con el hecho Dudman) forman el reparto principal de esta historia en la que de que desde 2004 han pasado 17 años, y quienes entonces un grupo de jóvenes que acuden a una peculiar escuela y que eran los pequeños de la casa, ahora son jóvenes o adultos. son hadas, con poderes muy particulares ligados a los elemenPor eso la idea de convertir la serie en acción real y a los tos, emplean estos para luchar contra diversos villanos. Quizá personajes en una versión algo más adulta de la que vimos el rostro más popular sea el de Cowen, en la piel de la líder del originalmente en la serie de animación de Straffi. Y, por grupo de hadas protagonistas, a la que conocemos bien por su supuesto, con un tono distinto, con nuevos personajes y paso por Sabrina, donde tenía un considerable papel. ¿Estará a aventuras, con nuevas sendas que seguir y un aspecto visual la altura de lo que esperan los fans? Pronto lo sabremos. y narrativo que la acerca a Sabrina, pero también a Buffy, Sara Martín The Magicians, Crónicas vampíricas o Legacies.

YELLOWSTONE

Y se ve, porque mientras que otros grandes os años y medio. Eso es lo que ha tarDesde el pasado 18 nombres habrían dejado la serie en manos de otros dado Paramount Network en traer de enero por fin productores ejecutivos y showrunners, Sheridan Yellowstone a España. La cadena es la responsable de la serie también en Estapodemos disfrutar en sigue ligado a ella como el primer día. Dirigió y escribió toda la primera temporada, y posteriordos Unidos, pero que no la había estreEspaña de Yellowsmente todos los episodios son coescritos o escrinado hasta ahora en nuestro país, pese a tone, la serie de Taytos por él. La primera y tercera temporadas son contar con tres temporadas, con un reparto sensacional, con una producción más que holgada, lor Sheridan con cien por cien suyas, aunque ya no dirija episodios. La historia, un wéstern moderno como no podía ser con el respaldo de la audiencia y de la crítica, y Kevin Costner de de otra forma, nos presenta a los Dutton, una con uno de los guionistas y directores más inteprotagonista que ha familia de Montana que posee el mayor rancho de resantes de la actualidad, sobre todo cuando hablamos de un género como el wéstern. Nos causado sensación ganado de Estados Unidos. Una gema que muchos ansían, por lo que la familia luchará con uñas y referimos a Taylor Sheridan, guionista de pelícuen medio mundo y dientes para salvar su territorio, ya sea de nativos las como Sicario y su secuela, Comanchería, o Wind River, que también dirigió él mismo con que ahora Para- americanos y su deseo de recuperar la tierra, o de excelentes resultados. Sheridan es la voz del mount Network pre- billonarios que desean convertir la zona en otra cosa. Kevin Costner es el líder, en la piel del estricnuevo wéstern, un wéstern de raíces clásicas senta en España. to, pero honesto, John Dutton, patriarca de la famipero ambientado en la actualidad con todo lo que lia, acompañado de sus hijos, Beth (Kelly Reilly), eso implica para personajes que están fuera de Kayce (Luke Grimes) y Jamie (Wes Bentley), con lugar, a los que el tiempo ha dejado atrás. Algo distintas motivaciones e intereses. También está el capataz y mano siempre clave en el wéstern crepuscular. Sheridan abandonó de derecha, Rip Wheeler (Cole Hauser) o Monica, la esposa de Kayce hecho su carrera como actor, sólida pero nada memorable, para (Kelsey Asbille), mientras Danny Huston da vida el billonario Dan escribir sus propios guiones y sentarse con el tiempo en la silla de Jenkins, que planea convertir la zona en otra cosa bien distinta, y Gil director. Su primera idea fue la de esta serie, Yellowstone, cuando Birmingham a Thomas Rainwater, jefe de la tribu cercana. Violencia, en 2013 comenzó a escribir y usó sus propias experiencias crelealtad, pasión, traiciones, personajes complejos y un uso del paisaje ciendo en Texas y Wyoming. La idea de desarrollar la trama en sensacional son algunos de los puntos a favor de esta fantástica Montana le llevó a escribir varios guiones en Livingston. Aunque serie, que por fin podemos disfrutar en España. No os la perdáis u os finalmente comparte nombre como cocreador junto con John Linarrepentiréis. son, el productor principal. Da igual, Yellowstone es hija de su Jesús Usero padre y eso es algo que se ve desde el primer momento.

PENNYWORTH TEMPORADA 2

Como siempre, avisamos que vamos a dar na de las cosas que más valoramos de El más que interepor vistos los sucesos de la temporada 1, y si no Pennyworth es su equipo creativo, porsante spin off de han disfrutado de ella, lo mejor es parar de leer que en cierta medida es el mismo que Batman basado en la en estos momentos y volver cuando los conozestaba detrás de Gotham. Y ambas can. La primera temporada dejó a los personajes series comparten algo muy interesante, juventud de Alfred en una situación realmente límite, con la Raven ser una versión de lo que en cómics de Pennyworth estrena Union alzándose y comenzando una guerra civil DC se llama Elseworlds, otros mundos donde las segunda temporada en Inglaterra, con el atentando que casi se lleva cosas no son como las conocemos aunque el por delante a todo el Gobierno y la realeza (perresultado final se acerca bastante en estos a partir del 28 de casos. Pero el camino no coincide en absoluto. febrero en STARZ- petrado por ya saben quién y obligando a nuestro protagonista a tomar una decisión imposible, Eso nos permite revisitar la historia de los persoPLAY y es momento pero intentando hacer lo correcto… algo que no najes y sorprendernos con nuevos enfoques, hisde revisar lo que nos tiene por qué seguir siendo así). En este nuevo torias y resultados. Es lo que Bruno Geller consiguió con Gotham y es lo que parece que está espera en la nueva año, la situación está al límite. OJO SPOILER. [Los Raven a punto de dominar toda Inglaterra, consiguiendo con Pennyworth, donde goza de temporada. y Estados Unidos neutrales, devolviendo a más libertad y menos presiones que en una serie Thomas a Inglaterra como jefe de la estación de network como Gotham, pero eso no hace el la CIA, mientras Martha tiene su propia unidad en la Liga Sin camino más sencillo para sus responsables. Jack Bannon como el Nombre. Aunque no podrán estar juntos, Thomas está prometido. protagonista Alfred Pennyworth y Ben Aldridge como Thomas Alfred se ha endurecido, es más frío y lleva un club junto con sus Wayne son los protagonistas de la serie, en la que encontramos socios aceptando encargos de ambos bandos, ya sin ideales, solo nombres como Emma Paetz como Martha Kane, Hainsley Lloyd por dinero (incluso tras su relación con la reina, ahora no le hace Bennett como Bazza Bashford, Ryan Fletcher como Dave Boy caso). Pero un encargo de la Liga le llevará a reencontrarse con McDougal o Dorothy Atkinson y Ian Puleston-Davies como los viejos camaradas de ambas y con Thomas y Martha, y a tener que Pennyworth, los padres de Alfred. Sin olvidarnos, jamás, de la pretomar decisiones que pueden cambiar el curso de esta guerra]. sencia de Paloma Faith, como no podía ser de otro modo, como la FIN SPOILER. Desde el 28 de febrero podremos seguir descusociópata Bet Sykes. Un personaje que es terrible y fascinante a briendo qué va a pasar en STARZPLAY. la vez y que la cantante y actriz ha convertido en uno de los grandes alicientes de la serie. Una serie que además incorpora en la temporada dos nombres como los de Edward Hogg, Jessye Romeo, Sara Martín Jessica De Gouw y, por supuesto, James Purefoy.

COYOTE

unque ya tuvo una serie anterior Desde el 25 de enero ziano, interesante guionista de series como Jack Ryan o American Gods, y la dupla Michael muy popular, también interpretando tendremos en AXN Carnes y Josh Gilbert, que vienen de comedias a un policía, la mayor parte del público, especialmente en nuestro Coyote, la nueva como Cuestión de pelotas. Tras descubrir un túnel secreto que pasa por país, le descubrió con la maraviserie protagonizada debajo de la frontera, Ben Clemens se retira. llosa serie The Shield, donde interpor Michael Chiklis, Divorciado, con una hija con la que no está muy pretaba al policía Vic Mackey, un tipo muy particular al frente de un grupo de agentes muy quien vuelve a encar- conectado y que acaba de graduarse, Clemens decide ayudar a la esposa de un difunto compañeespeciales y algo corruptos, en Los Ángeles. La nar a un agente de la ro. Para ello emprende un viaje a Tijuana para terserie fue un éxito incontestable y reafirmó a ley, aunque algo dis- minar la casa que aquel no pudo hacer y venderla, Chiklis como estrella televisiva. Aunque no siempre con el éxito de The Shield. De hecho, tinto en esta ocasión, aliviando así los problemas económicos de su viuda. Allí, indagando un poco sobre la vida de su hasta que no interpretó a otro policía en que le llevará a una compañero, acaba envuelto en un caso que puede Gotham, sus series nuevas desaparecieron pronto (en American Horror Story, que sigue en situación límite costarle su vida y la de su familia cuando decide ayudar a una joven pareja frente a un narcotrafipie, solo estuvo una temporada). Y ahora le toca como no conocía. cante local, a escapar de su particular infierno. La el turno a Coyote, su más reciente proyecto, serie tiene sus dos primeros episodios dirigidos que nos llega a España de la mano de AXN y que por la prestigiosa Michelle MacLaren y tiene en su tiene al actor como líder de un proyecto más reparto nombres como Juan Pablo Raba, Adriana Paz, Krystian que interesante. Uno que nació como serie para Paramount NetFerrer, Octavio Pisano, Cynthia McWilliams, Julio César Cedillo y la work en 2019, pero que cambió de manos cuando desde la casi debutante Emy Mena, quien interpreta a la joven embarazada cadena se decidió que encajaría mejor en el cada vez más que complica la existencia de Clemens, y cuya relación con el protaimportante servicio de streaming CBS All Access, que es quien gonista (con mucho humor debido a que ninguno habla el idioma del la estrenó el pasado 7 de enero. Inicialmente prevista su tempootro) da vida a la serie. Coyote es una apuesta por el wéstern moderrada con diez episodios, se cambió a seis y ahora nos toca espeno, con aires de Sicario y con mucho que ofrecer aparentemente, y rar para saber si tendrá continuidad. La serie se centra en un no podemos tener más ganas de verla ya en nuestro país, apenas agente de la patrulla fronteriza norteamericana, interpretado unas semanas después de su estreno en Estados Unidos. por Chiklis, que se retira tras 32 años de servicio intentando evitar que cualquiera cruce la frontera, sean inmigrantes, narcoJesús Usero traficantes o supervivientes. La serie está creada por David Gra-

Desde el 25 de enero podemos disfrutar, a través de HBO, de la nueva serie de Russell T. Davies, un proyecto muy personal y ligado a su propia experiencia personal, que nos llega apenas unos días después de su estreno en Estados Unidos en HBO Max y en el Reino Unido en Channel 4. La esperada serie, que está entre los proyectos más interesantes de 2021, es un honesto relato sobre la vida de tres jóvenes homosexuales que no se conocen de nada, pero comienzan una nueva vida en Londres a inicios de los ochenta, junto con su mejor amiga.

l nombre de Russell T. Davies está escrito con letras de oro en la historia de la televisión. Por supuesto, siempre tendrá un lugar en nuestros corazones como el hombre que resucitó Doctor Who. Tras demasiados años en el olvido, Davies fue quien resucitó la serie en 2005 con Christopher Eccleston como protagonista, y con Billie Piper como Rose, su acompañante. Posteriormente, Tennant heredaría el papel y posiblemente esa época, la de Davies al frente de la serie entre 2005 y 2010, sea la más brillante que ha vivido el personaje, al menos en su versión actual. Suya es la creación del capitán Jack Harkness, interpretado por el maravilloso John Barrowman, y que tuvo su propio spin off creado por el guionista, Torchwood. Un personaje que era abiertamente bisexual, algo que en la televisión en abierto en 2005 no era realmente común, aunque hubiese habido ciertos avances. Pero en ese mencionado año 2010, Russell T. Davies decidió abandonar Doctor Who para centrarse en proyectos que contasen historias sobre homosexuales. Historias con las que él pudiese sentirse identificado y, seguramente, con las que contar parte de su propia historia personal. Muchos no sabían si le permitirían lanzarse de lleno a esos proyectos, pero demostró que pensaba seguir su plan palabra por palabra,

y así llegaron proyectos incluso más relevantes que el regreso del doctor, como Cucumber, Tofu o Banana, una peculiar trilogía que analizaba diversos aspectos de la comunidad gay. La primera era una revisión de la vida romántica en la mediana edad, la segunda una serie documental sobre la cultura sexual moderna, y la tercera una serie que a modo de antología analizaba varias relaciones LGTBI. Por supuesto, eran tres proyectos totalmente interconectados pero no fueron los únicos. La miniserie Un escándalo muy inglés también apostaba por ello, lo mismo que Years and Years, su serie sobre un futuro distópico que, poco a poco, cada vez se parece más a la realidad. De hecho, hay cosas que hacen pensar que este señor tiene el don de ver el futuro. O que es muy inteligente y por eso sabe que todo esto va a pasar. En cualquier caso, Davies solo ha vuelto a sus orígenes o a parte de ellos, porque fue el creador, ya en 1999 de Queer as Folk, una serie que revolucionó el panorama televisivo por su forma honesta y directa de hablar de un grupo de personajes homosexuales y que posteriormente fue adaptada en Estados Unidos. Sin olvidarnos de que es la serie que nos descubrió, en gran medida, a Charlie Hunnam. Por eso cada proyecto de Davies es tan importante y por eso se esperaba como agua de mayo esta

nueva serie, It’s a Sin, que quizá no parezca revolucionaria, al volver sobre los mismos temas que obsesionan al autor, pero que lo es por su honestidad y profundidad a la hora de hablar de un grupo de personajes y sus problemas en un mundo que iba a ser devastado, en gran medida, por el impacto de una enfermedad terrible, el sida. El guionista ha dicho en varias ocasiones que jamás había hecho una investigación tan exhaustiva como la que ha tenido que hacer para crear It’s a Sin, y eso que es una serie que le toca muy de cerca porque el arranque de la historia, los personajes, la época…, todo es parte de la historia del propio autor, quien en 1981 (nació en 1963) cumplía 18 años, la edad que tienen los personajes protagonistas de la serie. Tres personajes que no se conocen, pero que se vuelven amigos inseparables y se enfrentan al amor, las relaciones, el trabajo y su identidad sexual en el Londres de inicios de los ochenta. Los tres jóvenes protagonistas son Ritchie (Olly Alexander), Roscoe (Omari Douglas) y Colin (Callum Scott Howells), acompañados de su amiga Jill (Lydia West). Cada uno de ellos vive su sexualidad de una forma muy distinta. Ritchie y Roscoe son más abiertos y mantienen relaciones siempre que quieren (incluso por motivos discutibles), pero Colin es tímido e inexperto, no sabe cómo asumir quién es. Ritchie se siente bisexual, mientras Roscoe ha dejado atrás una vida muy difícil en la que su familia, al descubrir que es gay, quería mandarle de vuelta a Nigeria con su tío, lo que hubiese supuesto su muerte seguramente. Y Jill tiene un papel casi maternal para todos ellos, cuidándolos y preocupándose por ellos más que ellos mismos cada vez que las cosas que complican, que, debido a la situación, se convierte cada día en algo más difícil. Hay un elemento que destaca enormemente de It’s a Sin (hemos podido ver sus cinco episodios) y es lo bien que describe a sus personajes. No solo se definen por quienes son sexualmente o a quién aman o no. Sus problemas laborales, personales, económicos, estudiantiles…, con el paso de los años podemos ver todo eso con un tono jovial y sincero. Divertido y lleno de energía y color (Ritchie rompiendo la cuarta pared para burlarse del sida…, seguro que les recuerda a algo). Y lo hace porque son jóvenes y viven sus vidas con energía y un enorme potencial. Pero el tiempo deja claro el peso y el poso de la maldita enfermedad en el grupo y quienes lo rodean. El sida se convierte en un telón de fondo que, de golpe, destroza las vidas (el final del segundo episodio es impresionante, no se lo pierdan). La serie refleja el miedo, el desconocimiento, el creerse inmortal…, todo, de nuevo, perfectamente extrapolable a nuestros días. Porque en el fondo habla de algo que siempre ha sucedido, pero que en los ochenta se centró en una comunidad debido a lo poco que se sabía sobre la enfermedad, creando además un estigma sobre ella que todavía hay que eliminar hoy en día. It’s a Sin es un éxito en muchos sentidos y su responsable, Russell T. Davies, tiene gran culpa de ello. Es una serie hecha con el alma y con mucha cabeza que todo el mundo, sin importar quién, debería ver y disfrutar. Sara Martín

Algunos de los locales más emblemáticos de los ochenta han sido recreados para dar mayor realismo a la serie.

La sombra del SIDA será uno de los aspectos más importantes de la serie y cómo los personajes se enfrentan a la situación. Para algunos de los personajes, el viaje y el encuentro, supuso descubrirse, aceptarse y comprenderse a uno mismo.

La serie sabe reflejar los aspectos más festivos, pero también los más comunes y triviales de la vida de los protagonistas.

ENTREVISTA

AmberHeard

Apocalipsis (Th T e Stand) d

Pese a que lleva muchísimos años trabajando en Hollywood, muchos solo la conocen por su papel en Aquaman, donde ha dado vida a Mera. Ahora la actriz regresa a televisión, donde la vimos en series fallidas como The Playboy Club o Hidden Palms, para dar vida a uno de los icónicos personajes de la novela de Stephen King The Stand, Apocalipsis en castellano. Un personaje que camina en una delgada línea entre el bien y el mal en un mundo que ha sido arrasado por una pandemia, y cuyas acciones podrían determinar el destino de los supervivientes. La actriz nos habló de la serie y de su personaje en esta entrevista. Me conmovió mucho una escena en la que tu personaje llora, creo que al inicio del episodio 3. ¿Crees que marca la dualidad de Nadine, tu personaje, como seductora y mujer frágil a la vez? Bueno, creo que lo interesante de Nadine, gracias a Stephen King y a su talento creando personajes con historias de trasfondo reales, es que es compleja e interesante y está equilibrada, gracias a eso, a ese pasado y a esa plataforma que proporciona, yo intenté hacer justicia a Nadine y mostrar su humanidad, que creo que reside en el hecho de que una seductora también puede ser vulnerable. La seducción y la vulnerabilidad no son excluyentes. Soy una mujer que siente que no tiene que pedir disculpas por una cosa para poder justificar la otra. No creo que Nadine sea una seductora, creo que es una superviviente que usa las herramientas que tiene para poder sobrevivir en un mundo que espera ciertas cosas de ella, y el mundo de Nadine, su historia, le ha dado las pruebas para saber que eso es cierto. El mundo la ha tratado de una cierta forma y ella no llega a la Zona Libre de Boulder, o a nuestra historia, confiando en la gente o dejándose llevar por su habilidad para confiar en la gente. No puede permitirse ese lujo. Hay mucha ambigüedad en ella porque es humana. Y está rota. Por primera vez, vive en un ambiente, entre una gente, que la introduce en el amor y en la compasión. En la empatía. Y es la primera vez que Nadine encuentra eso en su vida. El mundo no ha sido amable con ella. Así que se debate entre la soledad y alienación que conoce tan bien, la misión a la que se ve forzada debido a su historia, y también el potencial, la posibilidad del amor, la esperanza, la caridad y la cooperación que se ve tan representada en la Zona Libre de Boulder. Hay mucha ambigüedad en ella, y mucho dolor. Al final es el personaje quien siempre toma la peor decisión posible. Nos encontramos en medio de una pandemia mundial. ¿En qué forma la serie se relaciona con la situación mundial actual? Es, de hecho, una sincronización muy interesante. Nosotros hemos rodado una historia que es muy diferente a lo que está sucediendo ahora, pero sí es cierto que nuestra historia se centra en una pandemia que acaba con la mayoría de la población de la Tierra. Y con ello sale a relucir lo mejor y lo peor de la humanidad, lo simplifica todo, en la búsqueda de los mejores supervivientes de nuestra especie. No solo sobrevivimos, sino que prosperamos y nos unimos para conseguirlo. Así que, como decía, la sincronización entre ambos momentos es muy interesante. ¿Cómo ha sido trabajar con Alexander Skarsgård y su personaje Randall Flagg, al que tan ligada está Nadine? Porque parece un seductor encantador y muy peligroso.

Creo que eso es lo que le hace perfecto para el papel. Una vez visto, estoy convencida de que nadie más podría interpretar este papel, porque no tiene ningún sentido darle otra forma a este personaje. Lo que hace Flagg es servir al demonio que hay dentro de todos nosotros. El que controla nuestros impulsos, el que nace no del cariño, sino del egoísmo. Menos empatía y más crueldad. Se supone que debe ser un personaje con el que todos podamos identificarnos, o al menos sentir que existe dentro de nosotros. Todo el libro es una gran batalla entre lo mejor y lo peor de nosotros mismos. Y centrándose en eso último, en lo peor, Alexander no sería capaz de encarnar ese personaje si no fuese en cierta medida tentador. Si fuese un monstruo o dejase claro que lo es, entonces sería terrible si le acompañases o te entregases a él. Y sería muy aburrido, no sería interesante. A nadie le importaría, porque no es así como funcionan las cosas en la vida real. Se trata de algo que siempre es justificable para nosotros, en nuestro interior. Y nadie hace eso mejor que Alex, porque es encantador y lleva ese encanto con total naturalidad. No es algo que sea una pose. Hay algo en la forma en que se mueve, en cómo habla, cómo interactúa…, que lo hace muy fácil. Tan fácil que para nosotros resulta natural querer seguir a su personaje y escucharle. Y por eso es el mejor demonio de todos los tiempos. Pero, tras lo que le vemos hacer a Nadine, ¿puede redimirse? ¿Puede encontrar un camino a la redención o es imposible para ella? Creo que esa es la clave. Nadie está más allá de la redención. Todo el mundo, todos los personajes, tienen la posibilidad de tomar una u otra opción siempre. Creo que con Nadine, parte de la tragedia del personaje es que sus decisiones son siempre mucho, mucho más difíciles. Desde muy joven ha sido criada para seguir cierto camino. Y ha cumplido su misión, sin dudarlo. Pero ha sido capaz de hacerlo porque nunca ha sido tentada para elegir otro camino. Esa es una de las claves de todos nuestros personajes en nuestros arcos dramáticos, su encuentro con la tentación. Una tentación que para Nadine no existe hasta que conoce el amor. Hasta que ve en Larry (Jovan Adepo) y en la comunidad de Boulder el potencial de algo que nunca había tenido antes. Considerando sus circunstancias, eso es lo que hace especialmente para Nadine su viaje tan doloroso. Esa elección. Al final sí tiene elección, una oportunidad. Se trata de saber si la tomará o no. Tendremos que esperar para descubrir si puede redimirse o no.

Jesús Usero

COBRA KAI Temporada 3 Tras su marcha de YouTube Premium, la serie que continua la historia de la saga Karate Kid original llega a Netflix con su primera temporada producida por el servicio de streaming, la tercera de la serie, que sigue con su historia protagonizada por William Zabka y Ralph Macchio, y los alumnos que tienen en sus dos dojos de karate que continúan con una rivalidad comenzada en los ochenta. Tras el cliffhanger de la temporada anterior, los fans están como locos por saber cómo continúa la historia. Algo que saben desde el pasado 8 de enero en Netflix. Puede ser el momento de aceptar que Kreese es el verdadero enemigo de ambos dojos y ambos senseis.

Para Daniel, la relación con su hija tendrá que evolucionar tras lo vivido al final de la temporada 2.

unque muchos parece ser que no lo recuerden, Cobra Kai está viviendo una segunda juventud. Cuando la serie fue lanzada en 2018 con el servicio Premium de YouTube, entonces todavía Youtube Red (aunque dos semanas después del estreno de la primera temporada empezaría a ser YouTube Premium) cuando la compañía quería competir con servicios como Netflix ofreciendo además de los contenidos de otros usuarios, de forma gratuita, material de creación propia que pudiese ser de interés para potenciales espectadores que pagarían por verlo. Tras disfrutar de los primeros episodios gratis, para poder ver la temporada completa se necesitaba pagar la cuota mensual, que incluía otros servicios asociados a ese pago. Así nació Impulse, por ejemplo, la serie basada en la novela que dio lugar a la película Jumper también. Y así nació Cobra Kai, un proyecto que estaba escrito por tres guionistas de comedia, Josh Heald, Jon Hurwitz y Hayden Schlossberg, pero que desarrolló en sus dos primeras temporadas una enorme personalidad. Además siendo muy bien acogida por los seguidores de Karate Kid, la saga de películas de los ochenta a la que servía como continuación treinta años después de lo vivido allí. En un momento totalmente distinto en la vida de unos protagonistas que repetían en sus papeles, algo que nadie esperaba. Eso sí, sin la presencia de Pat Morita, fallecido en 2005. Aunque su presencia se dejaba notar en la serie que lideraban William Zabka (Johnny Lawrence) y Ralph Macchio (Daniel LaRusso) como una sombra del pasado para ambos. Incluso con algún momento recuperado de las películas originales. Por supuesto, este artículo está escrito con la mente puesta en aquellos que ya han visto las dos primeras temporadas, porque llega el estreno de la tercera temporada, así que si todavía no se han puesto al día con la serie, es el momento de hacerlo antes de seguir leyendo, para evitar cualquier posible spoiler. Aunque ahora será más fácil ver la serie, ya que nuestros lectores pueden acudir a Netflix para disfrutarla y también su nueva temporada, que se estrena en unos días, el 8 de enero. Pero siempre avisándoles, a partir de este momento, de que entendemos que se han visto esas dos temporadas. Por lo tanto, saben de la historia inicial, de esa mezcla de comedia y drama en la que Johnny ha acabado viviendo una vida que odia, con un hijo, Tanner (Robby Keene) al que apenas conoce, viviendo en un cuchitril y fracasado laboral y personalmente. Mientras su competidor en el campeonato de karate cuando eran adolescentes, LaRusso, es un hombre de éxito, con una mujer preciosa a la que adora (Courtney Henggeler) y con dos hijos maravillosos, aunque con su hija adolescente, Samantha (Mary Mouser) ha perdido la relación que tenían cuando eran más jóvenes y la chica aprendía karate a su lado. Para Daniel el karate sigue siendo importante como forma de vida, y para Johnny un recuerdo de sus fracasos, aunque eso puede cambiar si logar levantar de nuevo el gimnasio Cobra Kai, cambiando un poco las cosas, y conseguir un nuevo grupo de alumnos, LaRusso verá cómo muchos rostros del pasado ligados a Okinawa, regresan, quizá para recordarle quién fue.

esta vez liderado por Miguel (Xolo Maridueña), un aparente perdedor, como lo era Daniel cuando Miyagi aceptó entrenarle de joven… La idea es cambiar las tornas, convertirse en alguien. Ser respetado y respetable. Enseñar a sus alumnos, aunque a veces deje algo que desear en lo que respecta a empatía. Daniel espera lo peor y monta el Miyagi-do dojo para enseñar karate, con su hija y el hijo de Johnny. Una rivalidad creciente que lleva al campeonato del Valle, ganado por Miguel, y al regreso de John Kreese (Martin Kove), el despiadado sensei de Johnny cuando era joven. Pese a intentar dejar atrás esa figura y sus métodos, siempre acaba cerca de él, que ahora dice haberse reformado. La presencia de una nueva alumna en el dojo Cobra Kai, Tory (Peyton List) hace que las tensiones y rivalidades crezcan, lo que nos dejó un final en el que había una batalla campal que terminaba con Miguel cayendo y quedando gravemente herido. La vida de todos ellos estaba destrozada. Johnny perdía el dojo, que quedaba a cargo de Kreese. LaRusso estaba obligado a dejar de enseñar. Miguel estaba grave, y Tanner era el culpable… Y Johnny no se daba cuenta de que su novia de la juventud, aquella por la que su rivalidad con Daniel comenzó, Ali, quería contactar con él ¿Cómo cambiará la vida de todos ellos ahora? La tercera temporada promete mucho. Y lo que hemos visto hasta el momento así lo asegura. Lo que parece imposible sucederá. OJO SPOILER Ahora todo ha quedado claro y la cuarta temporada presenta unos matices muy interesantes. Con Robby a la fuga y Daniel y Johnny buscándole, Miguel ha pasado tiempo en el hospital y su apoyo en su sensei le ha hecho levantarse poco a poco y recuperar la habilidad de andar y pelear. Sam lo ha pasado mal. Pese a buscar vengarse de Cobra Kai, el miedo que tiene a Tory, le hace perder una pelea escondiéndose. Su padre y la ayuda de sus amigos la llevarán a recuperarse, como hemos visto, y a vencer sus demonios. Incluso la esposa de LaRusso cambia de parecer cuando conoce a Kreese (del que descubriremos su trágico pasado y su viaje a Vietnam como soldado). Pero los problemas de los LaRusso no acaban en lo personal porque en lo profesional un competidor no sólo intenta comprar el concesionario, sino borrar del mapa la empresa quedándose con el mercado de coches japoneses que los protagonistas tenían en exclusiva. Un viaje que llevará a Daniel a descubrir, de la mano de viejos conocidos como Tamlyn Tomita que vuelve como Kumiko, y Yuji Okumoto como Chozen Toguchi. Ella recordándole el amor que sentía Miyagi por él. Y él mostrándole una nueva técnica que su sensei, de su misma escuela de karate, no le enseñó. Johnny no sólo salva a Miguel, sino que se levanta y crea su propio Dojo nuevo, con los rechazados por Kreese. Y además se reencuentra con Ali, Elizabeth Shue, quien regresa a la serie. En un nuevo enfrentamiento entre los jóvenes en la casa de los LaRusso hay más heridos, pero muchas heridas se cierran. Tras un enfrentamiento con Kreese y con Robby dando la espalda a su sensei y su padre. El campeonato de karate decidirá quién sobrevive, ahora con Daniel y Johnny unidos. FIN SPOILER Y todo se resolverá en la temporada cuatro… Sara Martín TRÁILER: http://youtu.be/UzQGVBMkNaI Por lo que hemos visto, Johnny y Daniel tendrán que unir fuerzas para arreglar el desastre que dejaron. ¿Será definitivo?

A C T U A L I D A D

T E L E V I S I Ó N

NBC prepara una secuela de la mítica sitcom Juzgado de guardia. Estrenada en Estados Unidos en 1984 y con un reparto liderado por Harry Anderson, fallecido en 2018, y Richard Moll, John Larroquette o Markie Post, la serie que se mantuvo ocho temporadas en antena, con casi 200 episodios. Ahora NBC planea su regreso, pero no como una reinvención, sino como una secuela liderada por el personaje de John Larroquette, odiado por muchos y siempre uno de los alivios cómicos de la serie. Junto a su personaje veremos a Abby Stone, hija del juez Stone que interpretó Anderson, y que ha seguido los pasos de su padre, como jueza del juzgado de guardia. Melissa Rauch producirá la serie.

El reparto de Peacemaker empieza a tomar forma. Desde hace ya un tiempo sabemos que The Suicide Squad, la segunda película del Escuadrón Suicida que dirige en esta ocasión James Gunn, tendrá un spin off en forma de serie de televisión creada por el propio Gunn, que tendrá como protagonista al personaje interpretado por John Cena en la película, Peacemaker. La serie, que ha comenzado a rodarse en Vancouver este mes de enero, contará con varios rostros conocidos entre sus personajes centrales, con nombres como Danielle Brooks, Robert Patrick, Jennifer Holland y Chris Conrad, a los que ahora se suman Lochlyn Munro, Chukwudi Iwuji, Annie Chang y Christopher Heyerdahl. Un reparto más que interesante para la serie de HBO Max.

Catherine Zeta-Jones es el gran fichaje de Prodigal Son. Una serie que sorprendió a todo el mundo con su primera temporada en Fox y que ahora, liderada por Tom Payne y con nombres como Lou Diamond Phillips o Michael Sheen, se encamina a su segunda temporada. La serie estrenará la nueva temporada en breve, siguiendo a Malcolm Bright un brillante psicólogo criminal que ayuda a la policía de Nueva York a resolver casos. En la nueva temporada Catherine Zeta-Jones se suma a la serie con un personaje fijo, no como estrella invitada. La actriz dará vida a la doctora Vivian Capshaw, quien trabaja en la institución mental en la que el personaje de Sheen, Martin Whitly, está siendo recluido. La relación entre los personajes lleva a Capshaw a confiar en Martin, algo que no será una buena idea…

Samuel L. Jackson tiene nueva serie de televisión en Apple. No ha sido un medio en el que se haya prodigado el popular actor, pero justo un mes después de que se confirmase que le veremos en la serie de Marvel, Secret Invasion, sabemos que el actor tiene un nuevo proyecto televisivo y en esta ocasión será de la mano de Apple. La serie no solo estará protagonizada por el actor, sino que además también será producida por él. Basada en la novela de Walter Mosley, la miniserie de título The Last Days of Ptolemy Grey sigue al personaje protagonista, un hombre de 91 años olvidado por su familia, sus amigos e incluso por sí mismo, que sufre demencia. Pero Grey aprovecha sus pocos momentos de lucidez para intentar descubrir qué sucedió realmente con la muerte de su sobrino años atrás.

AC T UA L I DA D T E L E V I S I Ó N Alien y los Rolling Stones, las nuevas series de FX. Lo tratamos de pasada el número anterior, pero conviene dejar la noticia confirmada. La cadena por cable FX, una de las que pasaron a formar parte de Disney tras la compra de Fox por parte de la empresa del ratón Mickey, tiene dos series en marcha que fueron anunciadas en el Investors Day de Disney. La primera de ellas se basa en el universo de Alien, y será creada por Noah Hawley en colaboración con Ridley Scott, y no se sabe nada más de ella por ahora. La otra quiere contar la formación de la legendaria banda de rock The Rolling Stones, y pretende sumar dos temporadas inicialmente; cuenta con el escritor y guionista Nick Hornby como responsable.

Greg Berlanti producirá una nueva serie de ciencia ficción. Berlanti es uno de los productores televisivos más importantes del momento, y su trabajo con las series de DC Comics es realmente remarcable, con sus puntos fuertes y débiles. En esta ocasión, el productor, director y guionista, vuelve a unir fuerzas con Derek Simon, veterano guionista de Supergirl, para llevar a la pequeña pantalla The Disasters para The CW. La serie tiene orden de piloto en estos momentos, aunque la situación de la temporada de pilotos va a ser complicada. Basada en la novela de M. K. England, la trama seguirá a un grupo de personajes rechazados por una prestigiosa academia militar en la Tierra, que serán acusados falsamente, y deberán viajar por los planetas colonia para limpiar sus nombres.

Michael Douglas y Christoph Waltz serán Reagan y Gorbachov en una miniserie. Todavía no tiene hogar, pero la serie será producida por Paramount TV Studio y desde el estudio buscarán quien quiera comprar la miniserie sobre el final de la Guerra Fría. Por lo que parece, muchos estarían encantados de hacerse con la miniserie, que contará con dos nombres realmente importantes como protagonistas. Michael Douglas será Ronald Reagan, mientras que Christoph Waltz dará vida a Mijail Gorbachov. Estará basada en el libro de Ken Adelman, Reagan at Reykjavik: Forty-Eight Hours That Ended the Cold War. Para completar la historia, el prestigioso director James Foley, responsable de Ad Astra, entre otras. Por supuesto, la serie se centrará en la cumbre de Reikiavik de 1986.

Alicia Vikander protagonizará la miniserie de HBO Irma Vep. En 1996 Olivier Assayas estrenaba Irma Vep, una fantástica película en la que Maggie Cheung se interpretaba a sí misma trabajando en una película francesa que era un remake de Los vampiros, a las órdenes de un director muy peculiar. Ahora HBO prepara una serie basada ligeramente en aquella película, que cuenta con Assayas como productor, junto con Sam Levinson, creador de Euphoria. Y como protagonista tienen una estrella de Hollywood como Alicia Vikander. Se espera que Assayas también dirija y escriba la serie en la que Vikander interpretará a una estrella de Hollywood con una carrera tambaleante, que sale de una ruptura y viaja a Francia para liderar un remake de la película Los vampiros de 1915, para descubrir que las líneas entre su personaje y la realidad se vuelven confusas.

Vin Diesel será parte de la serie de animación del juego Ark II junto con un enorme reparto. Mostrado en los Game Awards, el juego Ark II contó como gran aliciente con la presencia de Vin Diesel en el tráiler de presentación, como un personaje animado dentro del juego. Aunque no sabemos hasta qué punto participará en el juego, sí será productor ejecutivo de la serie de animación y uno de sus protagonistas, poniendo voz y cara al personaje de Santiago en ambos medios, juego y serie, y coproduciendo la segunda. La serie la dirigirá Jay Oliva y junto con Diesel, veremos y oiremos a Gerard Butler, David Tennant, Elliot Page, Russell Crowe, Michelle Yeoh y Malcolm McDowell. Un reparto espectacular.

Naomi Scott, el último nombre en llegar a Anatomy of a Scandal. Desde hace un tiempo os hemos hablado de la serie Anatomy of a Scandal, de David E. Kelley, una serie basada en el consentimiento sexual y los privilegios, y pretende ser antológica, con cada temporada centrándose en nuevos personajes, apoyándose en la novela de Sarah Vaughan. La serie contaba con nombres tan interesantes como Rupert Friend, Michelle Dockery y Sienna Miller que será la protagonista. Y ahora suma un nombre joven y con mucho futuro, el de la actriz Naomi Scott, protagonista de Aladdin y de su posible secuela. La actriz llega al proyecto en la piel de una investigadora parlamentaria con un brillante futuro, enfrentada a un terrible adversario.

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