accion

Para empezar, un poco de cordura.

Me extraña que, como se ha publicado, Denis Villeneuve, gran director y tipo inteligente, opine que hay pocos personajes femeninos en Dune, la novela de Frank Herbert, y por eso le haya cambiado el sexo a Lyet-Kynes. Villeneuve, cuidado, a ver si por querer volver a inventar la rueda nos vamos a cargar el carro, como dije el otro día en un directo que podéis ver en la página web de esta revista, aludiendo a la cobra que le ha hecho Mulán a los cines.

Mi compinche Telly Chavalas me ha ayudado a pasar lista a personajes femeninos presentes en Dune: toda la orden de Bene Gesserit, la reverenda madre Gaius Helen Mohiam, Chani, la anciana fremen Shadout Mapes, Dama Jessica, la princesa Irulan… ¡y la mismísima SANTA ALIA DEL CUCHILLO! Igual lo que hay que hacer es desarrollar esos personajes originales y darles todo el peso que se considere oportuno.

Eso me recuerda el tono cada vez más raruno que está adquiriendo la película de los Eternos si hacemos caso a algunos de sus responsables. La directora, Chloé Zhao, afirma que el largometraje tendrá influencias del manga. Afirma que ella tiene unas raíces muy fuertes y profundas en el manga y que ha querido traer esa influencia a los Eternos para forjar lo que denomina: “Un matrimonio entre Oriente y Occidente”. Por si fuera poco, todo lo que está ya dentro del saco de este proyecto que quizá va ya demasiado cargado de anhelos vanguardistas y un empeño quizá excesivo por ser lo nunca visto en las películas de Marvel Studios. Vistos los resultados en otros casos, me echo a temblar cuando un director afirma que no es solo director, sino además un fan del tema. Es exactamente lo que ha dicho Zhao. Confiemos en que todo eso no acabe alejando excesivamente la película de lo que realmente interesa, que son los personajes creados por el maestro Jack Kirby. Más inquietante: Zhao no se corta y afirma que Marvel quiere ir más lejos y “más a lo grande” que en Vengadores: Endgame, con esta película… ¿Se estarán viniendo tan arriba como cuando el director de la película de Juez Dreed protagonizada por Stallone dijo que iba a ser como Ben-Hur, pero en ciencia ficción, o a alguien se le ocurrió la brillante idea de promocionar Armaggedon como “Doce del patíbulo en el espacio”?

Nunca está de más recordar que en boca cerrada no entran moscas.

Seguimos para bingo. Brie Larson, que dice que casi dejó el papel de Capi-

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tana Marvel porque le producía crisis de ansiedad también ha revelado en su canal de YouTube algunas de las películas para las que fue rechazada: Iron Man, Iron Man 2, Thor, Avatar, Sucker Punch, The Big Bang Theory… Imagino un mundo donde Brie Larson es la protagonista de todas las películas Marvel y DC, interpretando al mismo tiempo a todos los superhéroes masculinos y femeninos…, y me dan ganas de hacer las maletas y trasladar mi residencia a cualquier otro planeta o realidad paralela.

Ahí va un entremés de récord para coger aire: Danny Trejo le ha quitado el título de actor más veces asesinado en el cine a Christopher Lee. Tiene mérito, porque él no ha interpretado tantas veces a Drácula. Y dos tapas de obviedades rebozadas: 1) Scarlett Johansson ha declarado que la Viuda Negra es “obviamente feminista”.

Llega tarde con esa poco sorprendente revelación y no se puede decir que haya descubierto la pólvora. 2) Mark Rylance defiende a Johnny Depp. Otro que llega tarde. Ahora es fácil. Había que defenderle cuando lo estaba linchando la mayoría de la población de este planeta y quizá alguna especie alienígena fuera de la Vía Láctea. Mickey Rourke ha sido más contundente en un mensaje en Instagram. Cito textualmente: “Acabo de leer que ELON MUSK ha desafiado a Johnny Depp a una pelea. Tengo una idea mejor. Si está de humor, puede luchar contra alguien de su tamaño, con mucho gusto me encantaría tener la oportunidad de llevarte a la escuela, señor Tipoduro Elon Musk. Puños desnudos, codos y rodillas, y solo usaré mi mano izquierda. Podemos poner 200 000 por cabeza, el ganador se lo lleva todo, sin reglas…”. Firma: Mickey “Marielito” Rourke. Un grande este hombre.

Cierro este paseo con otro grande: William Friedkin (The French Connection, El exorcista, Carga maldita, Vivir y morir en Los Ángeles…), que estuvo a punto de rodar una película con Sylvester Stallone y Cynthia Rothrock, reina de la tollina del cine de artes marciales rodado en Hong Kong. Se titulaba The Executioner. Lástima que no llegó a producirse, porque se basaba en el personaje de Mack Bolan creado por Don Pendleton para 37 novelas escritas por él mismo y unas 600 escritas por otros autores. Más de 200 millones de ejemplares vendidos. Bolan es un precursor del Punisher de Marvel desde su primera novela de Pendleton, Guerra contra la mafia (1969).

Miguel Juan Payán

NOTICIAS RODAJES • PROYECTOS • RUMORES Secuela para Mark Wahlberg

FECHAS ESTRENOS 25 de septiembre Greenland. El último refugio

2 de octubre Akelarre Explota explota Falling Rifkin's Festival Una ventana al mar

9 de octubre Bajocero Mi niña Nación cautiva Regreso a Hope Gap Verano del 85

16 de octubre Black Beach No matarás

23 de octubre El club de los divorciados

30 de octubre Viuda negra

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Spenser Confidential, la película de Netflix sobre el personaje del detective privado creado por Robert B. Parker, tendrá secuela contando con el mismo protagonista y el mismo director que la primera entrega: Mark Wahlberg y Peter Berg. El servicio de streaming consiguió buenos resultados con el largometraje (se afirma que la vieron en 85 millones de hogares en Estados Unidos en sus primeras cuatro semanas de emisión) y prepara ahora segunda entrega que también estará escrita –y eso es muy buena noticia– por Brian Helgeland, al que se deben joyas del cine policiaco como L. A. Confidential y Mystic River.

Helgeland ya ha entregado el primer borrador del guion de esta continuación que tiene el honor de ser la tercera película más vista entre las originales de Netflix.

Chloë Grace Moretz, androide El guionista de Proyecto Power, Mattson Tomlin, prepara su debut en la dirección con una propuesta de ciencia ficción titulada Madre/Androide. El director de The Batman, Matt Reeves, será el encargado de la producción y la protagonista será Chloë Grace Moretz, que interpreta el papel de Georgia, una mujer que intenta escapar de su país, inmerso en una guerra de inteligencia artificial, cuando se acerca el nacimiento de su primer hijo. Tomlin ha explicado que a pesar de tratarse de un argumento asentado en el género de ciencia ficción, la película tiene cierto tinte autobiográfico que sigue los pasos de sus padres por traerle a este mundo en el marco de la revolución rumana.

Comedia romántica en tiempos de pandemia Anne Hathaway es la protagonista de Lockdown, la nueva película que dirigirá Doug Liman (Al filo del mañana, Barry Seal, el traficante), antes de irse al espacio con Tom Cruise para rodar un largometraje de acción en microgravedad. Se trata de una comedia romántica que se cruza con el género de atracos perpetrados aprovechando el confinamiento de la pandemia. Cillian Murphy podría ser el protagonista masculino, lo cual es lógico teniendo en cuenta que el guion del largometraje es del creador de la serie que protagoniza, Peaky Blinders, Steven Knight. El proyecto es modesto, menos de diez millones de dólares.

Johnny Depp y Marvel Johnny Depp se ha reunido con Marvel Studios para interpretar varios papeles y además ha recibido una oferta del propio Robert Downey Jr. para estar en la tercera entrega de sus aventuras como Sherlock Holmes. Según rumores, sus conversaciones con Marvel giran en torno a la posibilidad de que interprete a Corsario, el líder de los Starjammers, grupo de piratas espaciales de los cómics de la editorial, que además en los cómics es el padre perdido de los mutantes Cíclope y Caos. También está sobre la mesa la posibilidad de que Depp se ocupe de interpretar a Korvac en la segunda película de Capitán Marvel.

Mujeres en la segunda guerra mundial Daisy Ridley, Nina Hoss (la agente del servicio secreto germano Astrid en la serie Homeland) y Kristin Scott Thomas son las protagonistas de la adaptación de la novela The Women in the Castle, de Jessica Shattuck, publicada en 2017 y que será adaptada al cine por la guionista Jane Anderson (Te puede pasar a ti, La buena esposa). El argumento sigue a tres viudas implicadas en una conspiración para matar a Adolf Hitler durante la Segunda Guerra Mundial.

Gerard Butler vuelve al policíaco Tras el paseo por el cine de catástrofes que se ha dado en Greenland, recientemente estrenada en los cines, Gerard Butler vuelve al género policiaco con Copshop, dirigida por Joe Carnahan (Narc, Ases calientes, El equipo A: infierno blanco, Giro inesperado). En el reparto tendrá como compañero a Frank Grillo (Capitán América: el soldado de invierno, Capitán América: Civil War, Anarchy: la noche de las bestias, Election: la noche de las bestias). El argumento suena casi a remake de Asalto a la comisaría del distrito 13 de John Carpenter. Butler interpreta a un asesino a sueldo atrapado en una comisaría de una pequeña localidad con una astuta agente de policía y un estafador al que da vida Grillo. El rodaje tiene comienzo previsto para el mes de octubre con Carnahan, Grillo y Butler ejerciendo también como productores.

NOTICIAS RODAJES • PROYECTOS • RUMORES

Más Alien confirmado por Ridley Scott El director de Alien, Prometheus y Alien: Covenant, Ridley Scott, ha confirmado que está desarrollándose un proyecto para una nueva entrega de la franquicia en la que, según dice, no es probable que vuelvan por el camino de Prometheus y Alien: Covenant.

Según dice Scott, les ha quedado claro que el camino de esas películas ya está recorrido y quizá no sea el más adecuado para mantener viva la saga. El propio director ha dejado entrever que van a tirar por otro camino porque hay muchas posibilidades de desarrollo del concepto Alien que pueden explotarse, aunque según apunta la franquicia va a tener que volver a enfrentarse a una evolución en la que la base será quién y por qué puso esos huevos en una nave para usarlos como un arma.

Pantera negra sin Chadwick Boseman Aunque las especulaciones están disparadas entre los fans en lo referido a cómo continuar la saga de Black Panther tras la muerte de Chadwick Boseman (ver artículo en este mismo número), todo indica que Marvel Studios ya ha tomado la decisión de no buscar otros actores para reemplazar al admirado protagonista de la primera entrega, y seguir adelante jugando la baza de paso del legado a su hermana Shuri, interpretada por Letitia Wright. Es lo que ocurrió ya en los cómics hace tiempo, la propia Shuri ocupó el papel de reina y Pantera Negra en Wakanda y hasta hay una miniserie en viñetas sobre ella. Era la intención del estudio que así sucediera incluso antes de que se produjera la muerte de Boseman, el camino del legado del hermano a la hermana, y ahora todo indica que se cumplirá en el siguiente largometraje, manteniendo el homenaje al actor protagonista de la primera película.

Pierce Brosnan, veterano de guerra Pierce Brosnan será el protagonista de una película sobre veteranos de la Segunda Guerra Mundial. El largometraje se titula The Last Rifleman y Brosnan dará vida a un veterano que ha perdido a su esposa y decide escapar del asilo de Irlanda en el que está para celebrar el 75 aniversario del desembarco de Normandía viajando a Francia para presentar sus respetos a los caídos. Dejen que ponga la mano en el fuego y me arriesgue a decir que podría ser un papel de Oscar para Brosnan a poco que se ponga a ello. El guion es de Kevin Fitzpatrick y Terry Loane (Agatha Christie y la verdad del crimen), ambos colaboraron como director –Loane– y guionista – Fitzpatrick– en un cortometraje de temática bélica similar, The Last Letter. El proyecto tiene muy buena pinta y empezará a rodarse en invierno en Irlanda.

Adam Driver vuelve a la ciencia ficción El que fuera Kylo Ren en Star Wars, Adam Driver, parece que no ha quedado suficientemente saciado de ciencia ficción y piensa repetir en el género, eso sí, en otra clave completamente distinta, en la próxima película producida por Sam Raimi. Bajo el título de 65 y con guion de Scott Beck y Bryan Woods, responsables de esa misma parcela en Un lugar tranquilo. La película gira en torno a un adicto al opio que se ve envuelto en un accidente al que sobrevive junto con una niña de nueve años que no habla su idioma.

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NOTICIAS RODAJES • PROYECTOS • RUMORES FECHAS ESTRENOS 13/11/20 Deep Water 25/11/20 Sin tiempo para morir 11/12/20 Free Guy 18/12/20 West Side Story 18/12/20 Dune 18/12/20 El príncipe de Zamunda 2 25/12/20 Sherlock Holmes 3 30/12/20 Escape Room 2 15/1/21 Mortal Kombat 15/1/21 Peter Rabbit 2 5/2/21 Cinderella 12/2/21 The Eternals 26/2/21 The Kingsman 5/3/21 Cazafantasmas: Más allá 12/3/21 Raya y el último dragón 19/3/21 Morbius 19/3/21 Tomb Raider 2 2/4/21 Fast & Furious 9 23/4/21 Un lugar tranquilo 2 23/4/21 Monster Hunter 7/5/21 Shang Chi 21/5/21 DC SuperPets 21/5/21 Godzilla vs. Kong 28/5/21 Cruella 4/6/21 Expediente Warren: Obligado por el demonio 11/6/21 Jurassic World Dominion 25/6/21 Venom: Let There Be Carnage 2/7/21 Top Gun: Maverick 17/7/21 Space Jam: A New Legacy 17/7/21 Uncharted 23/7/21 The Tomorrow War 30/7/21 Jungle Cruise 6/8/21 Hotel Transylvania 4 6/8/21 Escuadrón Suicida 2 1/10/21 The Batman 15/10/21 Halloween Ends 12/11/21 Animales fantásticos 3 19/11/21 Misión: Imposible 7 17/12/21 Spider-Man 3 22/12/21 Black Adam 22/12/21 Sherlock Holmes 3 28/1/22 Babylon 11/2/22 Thor: Love and Thunder 25/3/22 Doctor Strange in the Multiverse of Madness 1/4/22 The Matrix 4 4/3/22 Minecraft 8/5/22 Black Panther 2 17/5/22 Dungeons & Dragons 27/5/22 John Wick: Chapter 4 24/6/22 Flash 24/6/22 Transformers 8/7/22 Captain Marvel 2 29/7/22 Indiana Jones 5 5/8/22 Misión: Imposible 7 7/10/22 Spider-Man un nuevo universo II 4/11/22 Shazam 2 4/11/22 Misión: Imposible 8 16/12/22 Aquaman 2 16/12/22 Avatar 2 16/12/22 Star Wars sin título 20/12/24 Avatar 3 18/12/26 Avatar 4 22/12/26 Avatar 5 Nota de la redacción: Fechas estimadas de estreno de películas que muchas de ellas ni siquiera han comenzado a rodarse y que por lo tanto pueden sufrir cambios de programación.

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Joel Edgerton, arquitecto El próximo papel de Joel Edgerton será el de un arquitecto europeo emigrado a Estados Unidos junto a su esposa, interpretada por Marion Cotillard, que recibe un encargo de un misterioso cliente al que da vida Mark Rylance. El trabajo podría cambia sus vidas en una historia que cuenta en su reparto también con Sebastian Stan, Vanessa Kirby, Raffey Cassidy, Alessandro Nivola e Isaach De Bankole. El director de la película, titulada The Brutalist, es Brady Corbet, actor en Melancolía y en la versión estadounidense de Funny Games que cuenta con varios trabajos tras las cámaras, como La infancia de un líder y Vox Lux: el precio de la fama, coprotagonizada por Natalie Portman y Jude Law.

Keanu Reeves en Misión: Imposible Uno de los rumores más jugosos del mes es el que sitúa a Keanu Reeves en el punto de mira de los productores para incorporarse a la saga de Misión: Imposible, bien sea como sustituto de Tom Cruise, si como afirman algunos el actor se estaría planteando dejar la serie tras dos películas más, o como antagonista.

Emboscada en Vietnam Ambush es el título de la próxima película de Aaron Eckhart como protagonista. El actor que interpretara a Dos Caras en El caballero oscuro se une al reparto en el que ya están Dermot Mulroney (La boda de mi mejor amigo), Jason Genao (Rictor en Logan) y Cody Christian (la serie Teen Wolf). El director es Mark Earl Burman, director de documentales que debuta en el largometraje de ficción con este proyecto. La película se basa en hechos reales y sigue los pasos a un comando de élite estadounidense liderado por el capitán Drummond (Eckhart) al que se le ordena hacer una incursión para recabar información clasificada que puede cambiar el curso de la guerra en Vietnam, pero es atacado y obligado a combatir en los túneles de Cu Chi, repletos de trampas y soldados del Vietcong. La película comenzará su rodaje este otoño en Colombia.

Más Shazam La secuela de Shazam no solo tiene ya título, Shazam!

Fury of the Gods, sino también fecha prevista de estreno, noviembre de 2022.

Sin embargo, oficialmente no se ha confirmado cuando comenzará el rodaje, aunque Zachary Levy, su protagonista, ha indicado que podría arrancar en los primeros meses de 2021 porque, según ha explicado, deben tener en cuenta lo rápido que pueden crecer los actores más jóvenes del reparto, confirmando así que todos ellos volverán para la secuela.

Doctor Extraño, a por la trilogía Algunos planes de Marvel Studios para el futuro de los superhéroes de la firma empiezan a cambiar debido a la pandemia principalmente. El caso es que la idea de dos películas solo con Benedict Cumberbatch como Doctor Extraño para hacer que la tercera la protagonice una heredera femenina parecen haber saltado por los aires. Los rumores indican que Doctor Extraño 2: el multiverso de la locura, ya no será la última ocasión en que veremos a Cumberbatch vistiendo su capa de hechicero supremo. Ahora se impone la idea de hacer una trilogía protagonizada por el mismo actor antes de que se produzca el relevo de protagonista en la persona de Clea. En el momento de escribir estas líneas, Cumberbatch amplía su contrato con Marvel Studios para el papel de cara a un tercer largometraje. El plazo de tiempo entre la segunda entrega dirigida por Sam Raimi y Doctor Extraño 3 será mucho más breve que el que ha mediado entre la primera película y la segunda.

Paula Ortiz, Hemingway y Liev Schreiber El próximo mes empieza a rodar en Venecia la adaptación al cine de la novela de Ernest Hemingway Al otro lado del río y entre los árboles, con Liev Schreiber (Ray Donovan) interpretando el papel protagonista, el coronel Richard Cantwell. El personaje tiene muchos rasgos autobiográficos de Hemingway, que tras haber servido en Italia durante la guerra intenta salir adelante con estoicismo de la noticia de que padece una enfermedad mortal, hasta que las circunstancias ponen en su camino un encuentro inesperado con una mujer. El reparto de la película se completa con Matilda de Angelis, Laura Morante, Javier Cámara y Giancarlo Giannini. La dirección es de la española Paula Ortiz (De tu ventana a la mía, En casa). La fotografía es de Javier Aguirresarobe. Ojo, porque conocida la obra anterior de la directora tiene todos los elementos para estar entre lo más interesante de su año.

NOTICIAS CINE ORIENTAL

por Iván E. Fernández

Kitamura en Usa El director japonés Ryuhei Kitamura (Azumi), continúa su carrera en Estados Unidos con The Doorman, con Ruby Rose (Batgirl) y Jean Reno (Los Ríos de Color Púrpura) como estrellas de este film de acción donde Rose interpreta a Ali, una ex-militar que tras volver del frente, comenzará a trabajar como portera de un lujoso edificio que será el objetivo de una banda de criminales, y Ali será la única que se interponga entre ellos. El tráiler promete mucha acción, con Ruby Rose repartiendo justicia coreografiada por el mítico Simon Rhee (Campeón de Campeones) Pero por desgracia no verá la luz en pantalla grande, estrenándose en VOD el 9 de octubre para su posterior salida en DVD y BR el día 13 de éste mismo mes, al menos en Estados Unidos, aunque podemos confirmar que se estrenará en España seguro.

Superhéroes indonesios

Estupendo rearranque en la taquilla China

El cine de superhéroes es, sin duda, el que domina los cines de todo el mundo, con Marvel y DC a la cabeza, pero con hueco para producciones de otras editoriales norteamericanas. Pero en otros países también existen superhéroes, como es el caso de Indonesia, país que nos trae la, en teoría, primera película de ocho que usará el folklore local para presentarnos a nuevos héroes. Satria Dewa: Gatotkaca es el primero de ellos, con dos actores y artistas marciales como protagonistas, Yayan Ruhian y Cecep-Arif Rahman, ambos conocidos por su aparición en la franquicia Redada Asesina (2011) La película unirá ese folklore ancestral con nuestra época actual, reinventando así a estos héroes. Junto a los actores mencionados está Rizky Nazar, quien interpreta a Yuda, un hombre sin mucha confianza en sí mismo pero que obtendrá poderes para usarlos contra unos mafiosos que quieren hundir el mundo en el caos. El gran Mike Leeder, británico afincado en Hong Kong y toda una enciclopedia del cine hongkonés y asiático, es uno de los productores y la fecha de estreno está prevista para el verano del 2021.

Los estrenos en cines comienzan a llegar en todos los países, y tras la pandemia, la reapertura en China ha comenzado con una película bélica, The Eight Hundred, drama histórico sobre 800 soldados chinos que defendieron un almacén de los japoneses en 1937 durante la Batalla de Shanghai. Literalmente ha reventado la taquilla, siendo además la primera película china rodada íntegramente con cámaras IMAX. Dirigida por Guan Hu (Mr. Six) recaudó en los cuatro días posteriores a su estreno, el pasado 21 de agosto, alrededor de 800 millones de yuanes, es decir, unos 116 millones de dólares, contribuyendo al 80 por ciento de las taquillas chinas. Esto, unido a las buenas críticas recibidas en los pases previos a su estreno, ha conseguido que ya se haya estrenado en diversos países, como Estados Unidos, Canadá, Malasia o Singapur en septiembre.

El regreso de Jackie Chan en pantalla grande A pesar de la pandemia, y dado que ha mejorado algo la cosa, comienzan a estrenarse películas esperadas, como Vanguard, de Jackie Chan, de nuevo a las órdenes de Stanley Tong, siendo su séptima colaboración, que se ha estrenado este pasado 30 de septiembre en China. La trama nos presenta a Tang Huating (Jackie Chan), que, junto a su equipo de seguridad, deberán proteger a un hombre y a su hija de unos terroristas. Con guion del propio Tong, el reparto se completa con las habituales caras jóvenes, como Yang Yang (Once Upon a Time) o Miya Muqi (Kung Fu Yoga), además de contar con Can Aydin (Plan B), Brahim Chab (Invicto: Boyka) o Temur Mamisashvilli (Bleeding Steel), éstos dos últimos, de las últimas incorporaciones temporales del grupo de especialistas de Jackie. La coordinación de especialistas es del propio Stanley Tong, mientras que el miembro del equipo de Jackie, Han Guanhua se encarga de coreografiar las escenas de lucha. Un rodaje internacional, en Taiwán, Londres, Zambia, India y Dubai, nos intentará devolver al Jackie más espectacular.

DEP Benny Chan El pasado 23 de agosto fallecía por un cáncer de laringe el director Benny Chan, uno de los mejores directores de acción de Hong Kong, y aunque estamos en octubre, tengo que rendirle tributo en agradecimiento de su estupenda filmografía. Comenzó su carrera en televisión en el departamento de continuidad en 1981, pasando posteriormente a asistente de producción y a director ejecutivo en algunas series y películas, escribiendo también guiones.

Esta experiencia televisiva le llevó a dar el salto al cine en 1988, tanto como director, como guionista y productor. A Moment of Romance con Andy Lau, ¿Quién soy?, New Police Story o 2 Ladrones y Medio con Jackie Chan, o Shaolin, Gen X-Cops, Invisible Target, The White Storm o Call of Heroes son muestra de su talento. Su última película será Raging Fire, que se estenará en 2021 con Donnie Yen y Nicholas Tse. Una triste pérdida.

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MUNDO FANTÁSTICO

por Santiago de Bernardo

No deberías perdértela:

Desafío total Desafío total (Total Recall) es una superproducción de 1990 del sello Carolco con Arnold Schwarzenegger (en el mejor papel de su carrera), antes de embarcarse en otro clásico de la ciencia ficción, Terminator 2: el juicio final (James Cameron, 1991).

Cuenta con una inolvidable partitura del maestro Jerry Goldsmith (que en parte rendía tributo a la música de Conan, el bárbaro, de Basil Poledouris), un reparto perfecto con Ronny Cox (RoboCop), Michael Ironside (Scanners), Rachel Ticotin (Un día de furia) y Sharon Stone (Instinto básico), acción y violencia sin fin, rodaje en los mexicanos Estudios Churubusco y una historia (inspirada por un relato de Philip K. Dick), con guion de Dan O’Bannon y Ronald Shusett (Alien, el octavo pasajero) sobre los sueños de un hombre: Douglas Quaid (Arnold Schwarzenegger) es un sencillo obrero de la construcción casado felizmente con Lori (Sharon Stone), que cada noche sueña con Marte y otra mujer. Para hacer realidad fantasías sus decide embarcarse en un viaje virtual gracias a Memory Call, una que empresa implanta falsos pero realistas recuerdos. Su deseo es ser un agente secreto, que lucha contra un dictador que finalmente vence, que al y Marte hierro de mano con gobierna aparte de salvar al planeta y quedarse con la chica. Los problemas empiezan cuando durante la inserción de recuerdos se revela la auténtica personalidad de Quaid, que se ve obligado a viajar al planeta rojo, mientras va descubriendo que toda su vida anterior es una completa mentira. Magistral largometraje (ganador de un Oscar por sus efectos especiales visuales) de Paul Verhoeven, que en 1997 volvería a rodar otra obra maestra de la ciencia ficción, Starship Troopers: las brigadas del espacio, y que será objeto de homenaje con su proyección en Sitges 2020 conmemorando su trigésimo aniversario.

Sitges 2020: este año no puedes faltar Hace menos de un año, en la pasada edición del Festival de Sitges, se avanzaba que la del presente 2020 tendría como una de sus referencias La noche del cazador (1955), la única película como director del actor Charles Laughton, así como La máscara del demonio (Mario Bava, 1960). No obstante, en la actual situación, el motivo principal de Sitges 2020, LIII Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, es El gabinete del doctor Caligari (Robert Wiene, 1920), que cumple cien años y es considerada una de las primeras muestras del cine de horror, y cuya amplia influencia posterior (por ejemplo, en el videoclip del inolvidable tema “Can’t Let You Go” del álbum Bent Out of Shape de 1983 del grupo del maestro de la guitarra Ritchie Blackmore, Rainbow) es palpable en títulos como El testamento del doctor Mabuse (Fritz Lang, 1933), The Gabinet of Caligari (Roger Kay, 1962) o El proceso (Orson Wells, 1962), que se ofrecerán dentro de la retrospectiva “Sombras de Caligari” junto al filme de Wiene. También entran en la categoría de clásicas películas más modernas como Desafío total (Paul Verhoeven, 1990) o El Imperio contraataca (Irvin Kershner, 1980), que junto a Flash Gordon (Mike Hodges, 1980) o Furia oriental (Wei Lo, 1972), se podrán contemplar en Sitges, lo mismo que El hombre elefante (1982), que cerrará el festival en compañía de su realizador David Lynch, que recibirá (virtualmente) el Gran Premio Honorífico del Festival de Sitges. En esta edición, que se celebrará del 8 al 18 de octubre, parte de los invitados estarán también de manera digital, especialmente los extranjeros, mientras que la presencia nacional (en persona) será muy nutrida. Entre los filmes recuperados se encuentran El huerto del francés (1978), una de las mejores producciones de Paul Naschy, inspirada por unos asesinatos sucedidos a principios del siglo XX y que se mostrará en versión restaurada, la también española Manos torpes (1970), de Rafael Romero Marchent, una del Oeste con el premiado Manuel de Blas, o la soviética Viy (Konstantin Ershov y Georgiy Kropachyov, 1967), un relato con brujas de por medio. En el apartado de documentales, imprescindible Citizen K. de Yves Montmayeur, dedicado al artista Takeshi Kitano, y para el que guste del formato de corta duración tiene, procedente de los Premios Bonobo, una sesión especial, El planeta de los bonobos.

Parte de la programación (especialmente los títulos más novedosos) estará disponible para

FANTASÍA • TERROR • GORE • CIENCIA FICCIÓN visionarse a través de una plataforma digital creada para la ocasión, una buena opción para todos aquellos que no quieran y que sobre todo no puedan (por las circunstancias actuales) desplazarse a esta localidad barcelonesa, y que en caso de necesidad será la alternativa a la opción presencial. Así que de una manera u otra, este año no hay excusa para faltar a Sitges 2020.

Semana de Terror de Donostia, el regreso Y otro festival, este con más de tres décadas a sus espaldas, es la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, cuya trigésima primera edición tendrá lugar (de manera presencial) en la capital guipuzcoana del 30 octubre al 6 de noviembre. Su cartel lo protagoniza nuestro actor más internacional (con permiso de Antonio Banderas), Javier Botet ([REC], Mamá), un artista imprescindible en toda producción de fantástico nacional e internacional que se precie y que recientemente ha aparecido en las películas españolas Malasaña 32 y Voces. Y en cuanto a la programación de este año, cuyo tema central, como muestra el cartel, es un homenaje a los muñecos del cine de horror (sobre los que se proyectarán varios filmes), habrá una exposición (que se mantendrá abierta del 25 de septiembre al 9 de noviembre) denominada “Seres fantásticos”, que incluirá una selección de ochenta marionetas provenientes de los fondos del museo TOPIC (Centro Internacional del Títere de Tolosa), el único de toda Europa dedicado a la por Y, marioneta.

Península supuesto, no faltarán las proyecciones en sala (con aforo limitado, medidas de higiene, distanciamiento social, más sesiones, menos títulos, más tiempo entre pase y pase, lo habitual en los festivales de hoy). Inaugurará la secuela de Tren a Busan, Península de Yeon Sang-ho, que nos cuenta cómo Corea, cuatro años después de los sucesos que relata la primera entrega, está dominada por los muertos vivientes, quedando solo unos pocos no infectados en busca de su salvación. Asimismo, se proyectarán otros largometrajes que ya se habrán disfrutado previamente en Sitges 2020: es el caso de Meander, de Mathieu Turi, sobre una mujer que tras ser recogida por el coche de un desconocido se enfrenta a un reto claustrofóbico contra el tiempo para salvar su vida. Benny Loves You, de Karl Holt, con Benny, un osito de peluche un tanto grotesco, que tras ser desechado por su dueño cobra vida para así volver a estar con él, para siempre. Sea Fever (Contagio en el mar), de Neasa Hardiman,, en la que una estudiante de biología junto a la tripulación de un pesquero se las

PG: Psycho Goreman

verá con una infección de origen marino en pleno océano Atlántico. La nube, de Just Philippot, cuya protagonista, una madre soltera, para salvar su granja y a su familia se dedica a criar saltamontes como alimento, pero lo que parecía una manera de salir adelante se convierte en una obsesión que no está bien vista por sus vecinos. PG: Psycho Goreman, de Steven Kostanski, trata acerca de dos hermanos que reviven a un poderoso extraterrestre que si bien debe servir a todos sus deseos, se convertirá en un peligro conforme aparezcan sus asimismo temibles enemigos que buscan darle caza. O Tailgate, de Lodewijk Crijns, sobre un conductor que tras un incidente con otro en la carretera contempla cómo este le sigue a él (y a su familia) para darle una lección de urbanidad al volante.

Novedades videográficas en blu-ray Se reedita nuevamente en blu-ray, coincidiendo con que es el tema central del Festival de Sitges, el clásico del expresionismo alemán El gabinete del Caligari doctor (1920), con una galería de imágenes, fichas, biofilmografías o el documental de 2014, Doctor Caligari: el nacimiento del horror en la Primera Guerra Mundial, de Rüdiger Suchsland, además de un libro con información e imágenes sobre la película y su restauración. De la Hammer y bajo la dirección de Terence Fisher en 1961, se edita por primera vez en nuestro mercado en alta definición La maldición del hombre lobo, con un joven, Leon (Oliver Reed), que muy a su pesar se convierte en las noches de luna llena en una bestia ansiosa de sangre, en una edición que se completa con el tráiler y una galería de imágenes. Se recupera igualmente el biopic sobre el actor Lon Chaney, El hombre de las mil caras (Joseph Pevney, 1957) protagonizado por James Cagney, aunque sin los audiocomentarios, el tráiler o un reportaje de otras ediciones. También llega, basándose en la obra de Lewis Carroll, Alicia en el País de las Maravillas, la versión de 1933 de Norman Z. McLeod con Gary Cooper y Cary Grant en el reparto, obviando los comentarios en audio y el tráiler cinematográfico. Y Acción mutante, el primer largometraje de Álex de la Iglesia (tras su fascinante cortometraje Mirindas asesinas), por fin se comercializa en blu-ray, incluyendo el tráiler cinematográfico, un videoclip musical, el cómo se hizo, imágenes del rodaje o el storyboard.

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DC FANDOME

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Tras una primera parte sucedida a finales de agosto llegó la hora, el pasado 12 de septiembre, de continuar con un nuevo repaso a lo que está por venir en el universo DC, en cómics, cine, televisión y videojuegos. Con un aspecto distinto y con opiniones divididas por parte de la comunidad, quienes pedían más por parte de Warner, el evento presentó algunas cosas más que curiosas y nos mostró que DC, pese a todos los reveses, especialmente en cines, sigue con fuerza y con ganas de atraer al público de vuelta. Personajes tienen. ¿Serán suficientes los proyectos que nos han presentado?

na cosa está clara, antes de empezar, y es que esta parte 2 de la DC FanDome ha sabido a poco, pese a la inventiva en la forma de presentarla, que era con una serie de accesos a diversos materiales que nosotros elegíamos desde la zona central. Pero que nuevamente no justificaba, para muchos, todo el esfuerzo depositado. Muchos parecen ser los motivos de la decepción, aunque hubo presentaciones interesantes e ideas que seguramente pueden dar lugar a nuevas direcciones en DC. Pero faltaron grandes presentaciones o novedades. Faltó dar un verdadero giro, un puñetazo en la mesa con un proyecto que nadie esperase. Aunque, como ya pasó en

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agosto, luego la taquilla parece no responder, sí es cierto que da la sensación de que DC ha tomado la delantera en lo que a ruido entre la audiencia se refiere. Es algo que tiene que demostrarse en recaudaciones, por ejemplo, posteriormente, pero el camino parece interesante y sin duda el público está hablando de los proyectos de la compañía, aunque algunos no se hayan hecho todavía realidad. Quizá por ese ruido mediático generado, también se esperaba más de la DC FanDome en esta segunda entrega. Pero repasemos lo más interesante…

Proyectos cinematográficos Gran parte, por supuesto, del ruido generado por DC en los últimos meses en redes sociales y medios, se debe al Snyder Cut de Zack Snyder, a la decisión de Warner de lanzarlo

DC FANDOME 2.0 finalmente en HBO Max y a los rumores de más proyectos que se han ido asomando en estos meses. En julio parecía que la DC FanDome, según la propia Deborah Snyder, sería el lugar para presentar esos proyectos…, pero nada ha sucedido. Tuvimos un nuevo póster, con el título definitivo de la película, Justice League Director’s Cut, además de un clip de sonido de la banda sonora de Junkie XL, la que originalmente iba a aparecer en la película. Pinta muy, muy bien. Junto a ello hubo más rumores, de HBO Max ofreciendo a Ben Affleck volver a ser Batman en un proyecto a su elección. Pero nada confirmado. Lo que sí se confirmó fue el nuevo póster de The Batman, en tonos rojos y negros. Muy, muy bonito. Pero no hizo que la gente olvidase lo que llevaban tanto, tanto tiempo esperando y que no sucedió. Nuevamente, no hubo anuncios respecto a Man of Steel, Henry Cavill, una secuela o una aparición en una de las próximas películas DC, pese a lo que en la presentación de Black Adam se dejó entrever…

Por supuesto, pese al cambio de fechas de estreno de octubre a Navidades, se habló de Wonder Woman 1984 y se presentaron nuevas imágenes de las amazonas, además de una serie de posibilidades que podrían llevar a una película sobre estas o una serie de televisión. También tuvimos a Margot Robbie hablando de Harley Quinn, de lo mucho que significa el personaje para ella y que la echa de menos cuando no la está interpretando. El plato fuerte, lo que hizo que todo mereciese la pena, fue la presentación de la película The Flash, con Andy y Barbara Muschietti hablando de un proyecto en el que finalmente tendremos el multiverso de DC y que explicará todo y lo conectará todo. En sus palabras será un viaje fantástico en el que Flash es el héroe central porque es el personaje que puede viajar entre estos mundos y unir todos los hilos del multiverso.

Veremos a muchos personajes, muchos héroes y villanos (de ahí varias presencias esperadas) y además en cierta medida, será un reinicio para el universo DC en cine. Debido al cameo de su protagonista en la serie Flash, se espera que se repita a la inversa en la película en la que han asegurado que no se olvidarán de nadie y harán justicia a todo el mundo…

Proyectos televisivos Una noticia que sigue preocupando a los fans es la falta de noticias sobre la renovación de la serie de animación Harley Quinn por una temporada 3. De hecho, pasada la FanDome

seguimos ante un silencio por parte de los responsables de HBO Max, lugar donde es más que posible que acabase la serie, después de descubrir que Doom Patrol era renovada para una tercera temporada que la convertiría en un proyecto exclusivo del servicio de streaming de HBO Max. Incluso con Jim Lee asegurando que DC Universe tiene futuro, muchos no lo ven claro.

Y con Harley Quinn seguimos en las sombras, aunque aseguran que las cosas pintan bien para la serie. Además, tuvimos la posibilidad de conocer algo más de la serie Pennyworth y lo que puede ofrecernos este mundo tan particular de espías y conspiraciones, que además presentará a Bruce Wayne esta temporada…, bueno, en realidad, veremos finalmente a Martha Wayne embarazada, lo que nos llevará al nacimiento de Bruce Wayne. Además, aseguraron que el personaje de Alfred podría acabar con Bruce, al ser quien le enseñó casi todo lo que sabe. Y no olvidemos que por fin se confirmó la cuarta temporada de la serie de animación Young Justice, con el título de Phantoms…

En el universo de The CW pudimos ver un par de detalles interesantes, sobre todo empezando con su serie estrella tras la desaparición de Arrow, Flash. Ya hemos mencionado los rumores que sitúan al personaje interpretado por Grant Gustin, además de por Ezra Miller, en una visita al cine en la película, pero se habló también bastante de las botas del personaje. Del traje con las míticas botas doradas y desde la producción aseguran que, para llevar esas botas, tiene que ganárselas. También descubriremos una nueva heroína en la serie DC’s Legends of Tomorrow. Un personaje llamado Esperanza Spooner Cruz, y cuyo poder es el de comunicarse con una raza alienígena que pretende invadir la Tierra. La actriz Lisseth Chavez es la responsable de dar vida al personaje en la serie. No podía faltar la presentación de Superman & Lois, una serie que mantendrá el equilibrio entre la historia de una familia realmente peculiar, y espectaculares enfrentamientos con supervillanos. Superman, interpretado por Tyler Hoechlin, estrenará un nuevo traje del que no sabemos nada.

Lois es Elizabeth Tulloch, como en Supergirl. Respecto al antiguo Arrowverso (ya buscan nuevo nombre) quedaron varias dudas, eso sí… Y tendremos que ver si Stargirl encaja en ese mundo o no. Parece ser que por ahora, pretenden mantenerla fuera aunque ahora la serie sea de The CW. Sara Martín

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WONDER WOMAN 1984 Una película grande para la pantalla grande.

Eso es lo que ha prometido Patty Jenkins, directora de Wonder Woman 1984, con un metraje que supera en diez minutos el de la primera película y se acerca a la duración de Batman v Superman. nicialmente, el interés despertado entre los aficionados por este nuevo largometraje tenía como epicentro el regreso de Chris Pine como Steve Trevor, el interés sentimental de la protagonista en la primera película. Gadot, productora junto con Jenkins, ha confirmado que las dos estaban empeñadas en traer a Pine de vuelta porque consideraban que fue parte esencial del éxito de Wonder Woman, pero si regresaba debía ser como aporte interesante para la historia.

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Pero junto al regreso de Trevor, spoiler desvelado accidentalmente por Pedro Pascal en sus redes sociales con una foto de grupo de reparto y directora homenajeando el cartel de la película El club de los cinco (John Hughes, 1985), las expectativas del público se centran también en los dos villanos de esta segunda entrega.

En la primera película, los villanos estuvieron bien defendidos por los actores, una estupenda Elena Anaya como la doctora Maru y un sólido Danny Huston como Ludendorff. Pero incluso con el pirotécnico giro final para subir las apuestas a “nivel dios” en el tercer acto de la película, los villanos no eran fuertes en el guion ni tenían tanto peso frente a la protagonista como parecen disfrutar los antagonistas de Wonder Woman 1984.

La mayoría de los aficionados al cómic, incluyendo a quien esto escribe, opina que la galería de antagonistas de Batman siempre ha sido mejor que la de Superman. Para asegurar la jugada, Wonder Woman 1984 tiene un villano de cada variable. Maxwell

Cheetah: Una antagonista a la Altura de Wonder Woman Presente en la fauna africana e iraní, el felino conocido como cheetah (guepardo) está considerado como al animal más rápido de la tierra, capaz de correr a 128 kilómetros por hora, pero además este velocista de la selva da nombre a la archienemiga de los cómics de Wonder Woman. Cheetah es la criatura en la que se convierte la doctora Barbara Minerva interpretada por Kristen Wiig, que como antagonista toma mayor peso en las secuencias de acción de la película del que tuviera la doctora Maru de Elena Anaya en el primer largometraje.

La amenaza de Cheetah es tan seria que Wonder Woman tendrá que vestir la armadura de combate con alas y el yelmo para poder enfrentarse a ella. El diseño de la antagonista ha sido uno de los retos del segundo largometraje, según afirma la propia directora. La versión final es una mezcla del talento de Wiig asociado a un cóctel de maquillaje, prótesis y efectos visuales por ordenador. El arco del personaje de Barbara Minerva para convertirse en Cheetah es una de las propuestas a priori más interesantes de la película. Es un viaje destinado a poner el personaje a la misma altura de Wonder Woman en su enfrentamiento final.

Kristen Wiig ha confesado que apenas conocía el personaje antes de interpretarlo, pero siempre tuvo claro que debía interpretar a Barbara y a Cheetah como dos personajes distintos. Al principio, Barbara se muestra como un ser humano inseguro y que se desprecia a sí misma. Por eso, la actriz buscó que Barbara no estuviera en el personaje de Cheetah.

Jenkins ha definido la relación de la heroína y su antagonista señalando que Cheetah es al mismo tiempo esa amiga interesante y divertida que puede convertirse en algo completamente diferente. La actriz cita la versión de Lex Luthor interpretada por Gene Hackman en Superman: The Movie como uno de los referentes del antagonista perfecto en el cine de superhéroes, y apunta que no cree que Cheetah sea una supervillana, aunque tenga ese rol en la película. Incluso se identifica con lo que Barbara Minerva puede llegar a sentir ante el modelo de mujer que es Diana/Wonder Woman.

La directora valoró la posibilidad de introducir a Cheetah en la primera película como una consecuencia de la manera en que los poderes de Wonder Woman influyen en la humanidad, pero finalmente aparece en la segunda, que Jenkins afirma que está más influenciada por el género de horror, en el que el personaje de Wiig es un factor determinante en la mezcla de aventura, fantasía y terror que propone Wonder Woman 1984.

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Lord es más cercano a los antagonistas de Superman y Cheetah a los de Batman.

La fórmula aplicada a los villanos es similar en los dos largometrajes de Wonder Woman, pero según ha declarado la directora de ambas películas, en Wonder Woman 1984 es la historia lo que ha dado origen a la necesidad de ambos villanos, y no al revés. Esa diferencia entre Wonder Woman y Wonder Woman 1984 queda reflejada en las imágenes de acción que hemos visto ya en los avances, con protagonismo de Cheetah frente a Wonder Woman. Además, ambos antagonistas forman parte integrante esencial del folclore que rodea al personaje de Wonder Woman en los cómics, destacándose entre los antagonistas del personaje ya desde las viñetas.

Pedro Pascal, protagonista de la serie The Mandalorian, interpreta a Maxwell Lord con un estilo que la propia Patty Jenkins ha reconocido que cuenta entre sus influencias con el actual inquilino de la Casa Blanca, Donald Trump, pero en su fase como empresario en los años ochenta.

La directora, que no obstante afirma que no ha querido entrar en temas políticos con la película, afirma que la manera en la que los trajes caros que Lord lleva no encajan con la verborrea histriónica y el pelo revuelto del personaje interpretado por Pedro Pascal a propósito, expresan la contradicción del personaje, hombre de negocios un tanto sórdido en el que algo no encaja.

La otra influencia presente en su versión de Lord para Wonder Woman 1984, según Jenkins, es el empresario Bernie Madoff en su juventud, antes de convertirse en el gurú de las inversiones en bolsa que montó un fraude piramidal durante más de dos décadas generando una estafa que alcanzó los 64 800 millones de dólares y, como

Wonder Woman 1984 es la tercera versión del personaje en los dice Jenkins, de repente acabó convertido en un villano investigado cómics, una arqueóloga británica que tropieza en África con la posipor el FBI. bilidad de transformarse en una mítica figura humanoide de felino En los cómics, Maxwell Lord es un personaje creado por Keith poseída por la diosa de la caza y poderes sobrehumanos.

Giffen, J. M. DeMatteis y Kevin Maguire, que apareció por primera Jenkins ha definido a Minerva como una mujer celosa de los vez en el número 1 de la colección de La Liga de la Justicia, publimetahumanos y que desea ser como ellos, centrando así el tema cado en mayo de 1987. Aunque hay muchas cosas que diferencian que domina en esta segunda película frente al que a ambos personajes, no es ocioso pensar que es proponía la primera. En Wonder Woman abordó la una especie de equivalente en la mitología de influencia de los dioses en el mundo de los homWonder Woman de lo que representa Lex Luthor bres, y en Wonder Woman 1984 desarrolla la hispara Superman. Entre otras cosas, Lord comparte toria sobre seres humanos que quieren ser como con Luthor la obsesión de que los superhéroes son dioses o superhéroes. una amenaza para la humanidad, y él es el hombre En cuanto a la Wonder Woman que vamos a que debe proteger al mundo de esa amenaza. encontrar en este segundo largometraje, Gal Hombre de negocios poderoso, Lord tiene La primera película fue para Gadot ha dado como clave central del viaje del los medios y la astucia para convertirse en una personaje entre una película y otra la evolución sólida amenaza para el mundo de los superhéroes. el personaje un progreso hacia la madurez. La primera película fue para el En los cómics aparece asociado a conspiraciones personaje un progreso hacia la mayoría de edad, para poner a los metahumanos del universo DC hacia la mayoría de edad, según explica la actriz, y por eso jugó argumentalbajo su control, lo que llegado el momento le persegún explica la actriz, y por mente la fórmula del pez fuera del agua, el indivimitirá incluso dominar a Superman como un duo fuera de su entorno que se muestra ingenuo títere. eso jugó argumentalmente en el mundo de los hombres. Eso desaparece en La de Pascal es la primera aparición de Lord este nuevo largometraje que muestra una Diana en un largometraje, pero el personaje cuenta con la fórmula del pez fuera del más madura y más sabia, pero también se siente encarnaciones anteriores en el audiovisual, interagua, el individuo fuera de más sola después de perder a todos los amigos pretado por Tim Matheson (Nutria en la película que hizo en el primer largometraje. Ahora, el pez Desmadre a la americana) en el episodio “Ultimásu entorno que se muestra fuera del agua es Steve Trevor. tum” de la serie de animación La Liga de la justicia, encarnado por Gil Bellows en la serie Smallviingenuo en el mundo de los lle en el episodio “Charada”, de la temporada 9, y Miguel Juan Payán hombres. retomado por Peter Facinelli en la serie Supergirl.

TRÁILER: La otra antagonista de la película, Cheetah http://youtu.be/gOfmwQijKFg (ver recuadro), fue creada para los cómics por el mismo padre de Wonder Woman, William Moulton EE UU, 2020 DIRECTOR: PATTY JENKINS GUION: GEOFF JOHNS, PATTY JENKINS Y DAVE CALLAHAM Marston, como una representación en las viñetas FOTOGRAFIA: MATTHEW JENSEN MUSICA: HANS ZIMMER INTERPRETES: PEDRO PASCAL (MAX LORD), de los celos, y apareció en el número 6 de la GAL GADOT (DIANA PRINCE / WONDER WOMAN), ROBIN WRIGHT (ANTIOPE), CHRIS PINE (STEVE TREVOR), colección de Wonder Woman, publicado en otoño CONNIE NIELSEN (HIPPOLYTA) DURACION: 151 MIN. DISTRIBUYE: WARNER BROS de 1943. La de Barbara Minerva que veremos en

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PRÓXIMOS ESTRENOS Por Jesús Martín

Black Beach

Explota explota

Falling

Greenland. El último refugio

España; 2020; Director: Esteban Crespo; Guión: Esteban Crespo y David Moreno; Fotografía: Ángel Amorós; Música: Arturo Cardelús; Intérpretes: Melina Matthews, Candela Peña, Raúl Arévalo y Paulina García; Distribuye: Eone.

España; 2020; Título original: My Heart Goes Boom!; Director: Nacho Álvarez; Guión: Eduardo Navarro, David Esteban Cubero y Nacho Álvarez; Fotografía: Juan Carlos Gómez; Música: Roque Baños; Intérpretes: Ingrid García Jonsson, Verónica Echegui, Fernando Guallar y Giuseppe Maggio; 116 mins; Distribuye: Universal.

EEUU; 2020; Director: Viggo Mortensen; Guión: Viggo Mortensen; Fotografía: Marcel Zyskind; Música: Viggo Mortensen; Intérpretes: Viggo Mortensen, Lance Henriksen, Sverrir Gudnason y Laura Linney; 112 mins; Distribuye: GEM Entertainment.

EEUU; 2020; Título original: Greenland; Director: Ric Roman Waugh; Guión: Chris Sparling; Fotografía: Dana Gonzales; Música: David Buckley; Intérpretes: Gerard Butler, Morena Baccarin, Roger Dale Floyd y Scott Glenn; 119 mins; Distribuye: Diamond Films.

El madrileño Esteban Crespo (Nadie tiene la culpa) se adentra en el continente africano, para narrar los problemas de un ejecutivo español, que debe mediar en el secuestro de un ingeniero de una petrolera americana.

Raúl Arévalo (Tarde para la ira) encabeza el elenco interpretativo de esta movida película, en la piel del sorprendido y arriesgado Carlos: el hombre de negocios, futuro socio de una multinacional, que se ve obligado a mediar en un asunto que pone sobre el tapete las injusticias sociales de un sistema corrupto y violento.

Los éxitos de la cantante italiana Rafaella Carrà y sus sensuales bailes han inspirado a Nacho Álvarez para diseñar su ópera prima como director: una comedia musical que recrea la España de los años setenta, anticipo del fin de las represiones censoras propiciadas por la dictadura franquista.

La trama de la película muestra los anhelos de María (Ingrid GarcíaJonsson): una aspirante a bailarina, que desea poder ganarse la vida con su pasión por el ritmo. La joven consigue un trabajo en el programa televisivo Las noches de Rosa, donde conoce el amor y se abandona a sus sueños de naturaleza estelar.

Viggo Mortensen (El señor de los anillos) debuta como director y guionista con este drama de naturaleza familiar, donde un hombre homosexual tiene que hacerse cargo de su anciano padre, aquejado de demencia. Un progenitor que siempre ha mantenido posturas altamente homófobas.

Mortensen encabeza también el elenco interpretativo, como el sensible John Peterson; quien se plantea su existencia a lo largo de varias etapas, a través de continuos flashbacks. Un esforzado trabajo de caracterización, en el que recibe la réplica de Lance Henriksen, Terry Chen y Laura Linney, entre otros.

Gerard Butler vuelve a enfrentarse al fin del mundo, después de haber salvado al planeta en Geostorm. En esta ocasión, el peligro viene de parte de un cometa, que amenaza con provocar el apocalipsis en la Tierra.

Ric Roman Waugh cuenta de nuevo con el protagonista de 300, para montar esta odisea de índole familiar; en la que un tipo llamado John Garrity (papel que encarna Butler) hace todo lo posible para proteger a los suyos y llevarles a un lugar seguro, antes de la extinción.

Morena Baccarin (Deadpool) y Scott Glenn (Llamaradas) acompañan al actor escocés.

Nación Cautiva

No matarás

Rifkin's Festival

Verano del 85

EEUU; 2019; Título original: Captive State; Director: Rupert Wyatt; Guión: Erica Beeney y Rupert Wyatt; Fotografía: Alex Disenhof; Música: Rob Simonsen; Intérpretes: John Goodman, Ashton Sanders, Jonathan Majors y Vera Farmiga; 109 mins; Distribuye: Eone.

España; 2020; Título original: Cross the Line; Director: David Victori; Guión: David Victori, Jordi Vallejo y Clara Viola; Fotografía: Elías M. Félix; Música: Adrian Foulkes y Federico Jusid; Intérpretes: Mario Casas, Elisabeth Larena, Victor Solé y Albert Green; Distribuye: Filmax.

EEUU; 2020; Director: Woody Allen; Guión: Woody Allen; Fotografía: Vittorio Storaro; Intérpretes: Christoph Waltz, Gina Gershon, Wallace Shawn y Elena Anaya; 92 mins; Distribuye: Tripictures.

Francia; 2020; Título original: Summer of 85; Director: François Ozon; Guión: François Ozon basado en la novela "Dance on my grave" de Aidan Chambers; Fotografía: Hichame Alaouie; Música: Jean-Benoît Dunckel; Intérpretes: Félix Lefebvre, Benjamin Voisin, Philippine Velge; 100 mins; Distribuye: Golem.

Los alienígenas han ocupado la Tierra en numerosas ocasiones, y siempre la resistencia de los vencidos ha sido esforzada y heroica.

Rupert Wyatt propone un nuevo enfrentamiento, entre los humanos y los seres provenientes del espacio; en esta cinta de ciencia ficción, protagonizada por Ashton Sanders (Moonlight) y John Goodman (El jugador).

Ambientada en un Chicago dominado por los extraterrestres, la trama sigue las vicisitudes de un joven huérfano llamado Gabriel Dummond (Ashton Sanders), quien se infiltra en un grupo de luchadores por la libertad.

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El actor coruñés Mario Casas (Tres metros sobre el cielo) experimenta una auténtica pesadilla de naturaleza afectiva, en esta película dirigida por David Victori (El pacto).

El argumento gira en torno a un joven llamado Dani, cuyos últimos años de vida se los ha pasado al cuidado de su padre enfermo. Cuando muere su progenitor, el muchacho siente un vacío inmenso; lo que le lleva a intentar romper con un pasado demasiado doloroso. En su nueva existencia, el protagonista conoce a Mila (Milena Smit): una chica inestable e impredecible, que embarca a Dani en un viaje hacia mundos que él desconocía.

Woody Allen regresa a España para dirigir una película, después de su experiencia con Vicky Cristina Barcelona (2008). En este caso, se trata de una cinta que transcurre durante el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, lo que le inspira constantes juegos sobre las conexiones entre el séptimo arte y la vida real.

El argumento arranca con una pareja de americanos (Wallace Shawn y Gina Gershon), que recalan en la ciudad donostiarra para disfrutar de su festival cinematográfico.

En una rueda de prensa, la mujer conoce a un joven director francés (Louis Garrel), con el que comienza un apasionado affaire.

Las pasiones adolescentes suelen quedar marcadas a lo largo de la vida, como apuntaba la cantante Mari Trini en una célebre canción de los setenta. Algo semejante es lo que plasma el cineasta François Ozon (En la casa) en esta aventura amorosa, protagonizada por dos teenagers, durante unas vacaciones ochenteras en un resort de Normandía.

Con un guion basado ligeramente en la novela Dance on my Grave, del británico Aidan Chambers, la historia del filme explora los sentimientos compartidos entre Alexis Robin (Félix Lefevre) y David Gorman (Benjamin Voisie).

ANÁLISIS DE CINE 1

l artículo que sigue es un repaso a algunas de las claves del clásico del cine negro Perdición, dirigido por Billy Wilder en 1944. Aviso: incluye spoilers.

El agente de seguros Walter Neff (Fred MacMurray) quiere ser atrapado. Su confesión es el punto de arranque y columna vertebral de todo el relato, dando pie a un flashback intermitente que marca el ritmo del relato y añade intriga al mismo. Perdición resume todas las características del cine negro y en ella encontramos mejor representado que nunca el peso del pasado sobre los personajes, herramienta que restaura el orden. El corazón que late en el relato policial es el enfrentamiento del orden pugnando por imponerse al caos empuñando la afilada espada de la verdad.

Walter Neff es un asesino que busca cumplir su destino desde el principio de la película. Ese destino no es conseguir a la mujer, ni el dinero (como subraya el diálogo que da comienzo a su confesión), sino pagar el precio por haber intentado romper ese orden frente al caos. Se redime así frente a su amigo y figura paternal en clave de mentor, el investigador de siniestros Barton Keyes (Edward G. Robinson).

Keyes está presente a través del cigarro y el fósforo, que une a ambos

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PERDICIÓN

personajes durante toda la película, en el plano picado que nos muestra a Neff en su despacho, encendiendo el cigarro, con el armario de las pólizas que define su trabajo y su estatus encuadrándole a su espalda. Pierde ese apoyo visual cuando mueve su silla para acercarse a la grabadora, dejando significativamente el cigarro sobre la mesa, fuera del plano, cuando comienza su confesión y Wilder nos saca del plano picado para darnos un primer plano de Neff (foto 1). La pérdida del lugar que tenía Neff dentro del orden está subrayada por el movimiento de cámara que sigue al movimiento de la silla.

Desde su entrada nocturna en el edificio y cada vez que Neff entre o salga de su despacho, se hace notar esa especie de abismo del piso inferior de la compañía. Recuerda la importancia que tiene el espacio en otra película de Wilder: El apartamento. En Perdición ese espacio de vértigo deja claro que Neff trabaja en la parte superior, pero también materializa el riesgo de caer a lo inferior, subrayado por el movimiento de cámara que sigue al protagonista (foto 2).

Neff se redime haciendo lo que no pudo hacer Keyes: descifrar el enigma y poner punto final a la trama eliminando a su cómplice y delatándose a sí mismo, curiosamente desde

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CLÁSICOS IMPRESCINDIBLES el principio de la película, lo que acerca Perdición a otra obra maestra del director, El crepúsculo de los dioses. Los movimientos de cámara zoom in y zoom out sobre Neff durante la confesión subrayan los desplazamientos del relato del presente al pasado y pautan la ambigüedad de la empatía del público hacia él.

El relato de intriga deja de ser así una búsqueda del culpable, al que ya conocemos, para convertirse en la paulatina revelación de cómo ha llegado a esa situación. Eso le otorga a la película un valor añadido si la valoramos desde el punto de vista histórico: anticipa la evolución del género que se producirá tras la Segunda Guerra Mundial, cuando el género de detectives empiece a pasar de moda dejando una vacante que ocuparán autores como Patricia Highsmith, con una nueva intriga psicológica de crímenes. Así, por ejemplo, en las novelas de Highsmith sobre su personaje Ripley, la identidad del culpable se revela desde el principio, dando lugar a una fórmula de historia invertida de detectives en la que las micropreguntas ayudan a responder las macropreguntas que plantea la historia al profundizar en la psicología de los personajes.

No es casualidad que Perdición y El crepúsculo de los dioses recuerden lo que Sigmund Freud denominaba la pugna entre el placer y el principio de muerte.

La elegancia a la hora de dar información al espectador con un mínimo de metraje y de forma sencilla se materializa en el plano en el que Neff se encuentra por primera vez con la víctima y con su hija (foto 3). La víctima será el principio de su caída y la hija ejercerá como conciencia de Neff que desata el desenlace con el enfrentamiento con Phyllis. Todo el camino, de principio a fin, está ya resumido en ese plano donde el protagonista parece mirar su destino, envuelto en la sombra de la persiana a modo de rejas, continuada anticipación y amenaza del laberinto criminal en el que queda atrapado Neff en el interior de una casa donde todo está sumido en sombras, aislada de la luz del exterior, que se filtra por las ventanas (algo que veremos años después en el tratamiento de la luz de interiores en Blade Runner, de Ridley Scott).

En la presentación de Phyllis, el poder de ella sobre él queda establecido visualmente. Ella está sentada en

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la esquina de un gran sillón, dejando un vacío que parece invitarle a él a sentarse con ella, esto es, unirse a ella en el crimen (foto 4). Él está incómodamente sentado en el brazo del sofá. Ella, en la derecha, de frente, con el vestido blanco que atrae toda la luz. Él casi de espaldas, no le vemos la cara. La pulsera del tobillo de ella es el anzuelo. En el desenlace esa construcción reaparece, pero con otra posición de cámara que le da a él todo el peso.

El uso del decorado es clave. Primer encuentro en el apartamento de él. Phyllis y Neff cierran su pacto para matar. Ella se sienta en el sofá sobre el que hay tres cuadros de boxeadores, subrayando el entorno de masculinidad. Sin embargo, ella, esta vez en la izquierda (no está en su casa, sino en la de él), sigue dominando totalmente el plano. Significativamente la luz de las dos lámparas ya no puede impedir que sus rostros estén sumidos en sombras (foto 5). Más adelante, en un plano similar, cuadros de estadísticas, la herramienta de Keyes para descubrir las trampas, definen al investigador y dominan el encuentro entre este y Neff, con sombras de rejas sobre el hombre atrapado y desdoblado a su vez en sombra (foto 6).

En la firma del seguro (foto 7), ella cambia el blanco de sus primeras apariciones por un negro premonitorio de luto y domina totalmente el plano con Neff y el marido desenfocados.

En el primer encuentro del supermercado, Stanwyck descubre su falsedad con el cambio de mirada. En el segundo, ella oculta con unas gafas de sol esa mirada que la descubrió al espectador, y la cámara se mueve como si los acechara. Están ya separados y enfrentados (foto 8).

Wilder trabaja cada detalle para producir tensión, dando siempre posición de poder en el plano a Phyllis y debilidad a Neff. En el encuentro con el presidente de la aseguradora, la sombra de las rejas no deja de estar sobre Neff, y le apunta un cañón en miniatura asociado por posición en el plano a Keyes (foto 9).

La secuencia paradigmática de la película es en el pasillo del apartamento de Neff, está entre Keyes y su cómplice Phyllis. Es uno de los mejores momentos de suspense del cine negro, construido sobre la composición del plano (foto 10).

Miguel Juan Payán

GRANDES DIRECTORES

WILLIAM WYLER

acido en Mulhouse, Alsacia (Alemania entonces y ahora Francia) el 1 de julio de 1902, y fallecido víctima de una ataque al corazón el 27 de julio en Los Ángeles, California (EE. UU.), se educó en Suiza y a los veinte años fue a estudiar violín a París. Allí fue a visitarle un primo lejano, Carl Laemmle, jefe del estudio Universal, que lo reclutó para su empresa, primero como miembro del departamento de publicidad, en 1922, y más tarde, en 1924, como asistente de dirección en los wésterns de dos rollos que hacían furor en ese momento.

Además fue asistente de Fred Niblo en la primera versión de Ben-Hur, título que iba a ser muy significativo en su posterior carrera como director, que arrancó dirigiendo un par de docenas de wésterns mudos entre 1925 y 1928.

Wyler llegó a ser considerado en el momento de su muerte como el segundo mejor maestro artesano del cine norteamericano, después de John Ford.

Se coincida o no con esa etiqueta y clasificación, lo que nadie puede negarle a este director es que era uno de los más destacados maestros del cine en Estados Unidos, también uno de los más taquilleros e igualmente uno de los que más reconocimientos recibió a lo largo de su carrera. Nominado en nada menos que doce ocasiones al Oscar, logró tres estatuillas. También era uno de los más perfeccionistas, entregado al mínimo detalle en sus películas.

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El artista minucioso En Hollywood, William Wyler era conocido con el apodo de Noventa Tomas Wyler, y en varias ocasiones puso en su contra a actores y directores a los que su carácter minucioso les resultaba crispante.

Ejemplo de ello, su primera nominación al Oscar llegó con Desengaño (1936), donde se pasó toda una tarde empeñado en filmar la carta que quema la protagonista para que

GRANDES DIRECTORES manera, y el cielo sabe que funcionó muy bien, pero sigo pensando que yo llevaba razón. Perdí, pero perdí con un artista”.

Algunas claves de su cine

Dead End

revoloteara por el aire hasta desaparecer, a modo de metáfora sobre el fracaso de un matrimonio.

A esta película siguieron las nominaciones al Mejor Director por Cumbres borrascosas (1939), la mejor adaptación de la obra de Emily Brontë, en la que también echó una mano en el guion John Huston. Sirve como ejemplo de los enfrentamientos que tenía el director con sus actores. Laurence Olivier recordaba su trabajo con Wyler en Cumbres borrascosas como algo agotador, y en la filmación de una escena cuya toma se repetía llegó a plantar cara al director diciéndole: “Por el amor de Dios, lo he hecho sentado, con una sonrisa, sin sonrisa, rascándome la oreja, de espaldas a la cámara. ¿Cómo quieres que lo haga?”. A lo que Wyler contestó: “Quiero que lo hagas mejor”. Posteriormente, el actor y también director acabó reconociendo que todas aquellas tomas le ayudaron a aprender a alcanzar el éxito como intérprete ante las cámaras.

Wyler también tuvo sus más y sus menos con la que durante una temporada fue su actriz fetiche y compañera sentimental, Bette Davis, a la que dirigió en otros dos títulos por los que recibió nominación al premio de la Academia de Hollywood: La carta (1940) y La loba (1941). Director y actriz tuvieron una bronca épica en el rodaje de la escena clave de la película, en la que ella le dice a su marido: “Con todo mi corazón, todavía amo al hombre que maté”. Wyler quería que ella mirada a los ojos a su marido de ficción en ese momento de cuchillada verbal. Davis opinaba lo contrario, porque, según recordaría luego la actriz en su libro de memorias: “Era algo muy cruel y sentí que no podía decírselo a la cara. No podía concebir que ninguna mujer hiciera eso. Sentí que saldría de ella sin darse cuenta, y por lo tanto, no lo miraría. Willy no pensaba lo mismo, así que salí del set. Más tarde regresé y lo hice a su Durante el rodaje de Los mejores años de nuestra vida

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A lo largo de todas sus películas, pero sobre todo en las más destacadas y premiadas, Wyler demostró ser un maestro versátil que podía adaptarse con el mismo éxito a cualquier género, buscándole siempre otra vuelta de tuerca a las fórmulas para elevarlo a un nivel de madurez superior al de la mayoría de la cosecha cinematográfica. Podríamos decir que cambió y elevó de nivel cada género que tocó con dinámicas narrativas que han influido de manera decisiva en producciones posteriores.

La señora Miniver (1942) le permitió a Wyler darle otra vuelta de tuerca al cine de propaganda bélica, centrándose en los esfuerzos del frente doméstico y la huella que estaba dejando la Segunda Guerra Mundial en la retaguardia. Ganó con ella su primer Oscar.

Los mejores años de nuestra vida (1946) era otra reflexión sobre la guerra centrada en el regreso a casa de los veteranos que no encontraban un lugar al que volver en lo que ellos denominan “mundo real” después de haber pasado por el infierno del frente.

Sin duda, es una de las mejores muestras del argumento universal de regreso a la patria ejemplarizado por la historia de Odiseo/Ulises. Consiguió así su segundo Oscar.

La heredera (1949) fue muy novedosa en la exploración de lo femenino como elemento protagonista del melodrama y los roles sexuales en este tipo de relatos (y de paso, el perfeccionista Wyler cargó de libros las maletas que sube por la escalera la protagonista después de haber sido rechazada para que apareciera más cansada y hundida).

Brigada 21 (1951) inauguró una nueva manera de abordar el policiaco y a los personajes de los policías como seres más humanos y menos perfectos, señalando el principio de un camino que iba a influir en ese género en décadas posteriores, desembocando en series como Canción triste de Hill Street (y afortunadamente no optaron por la primera opción de Alan Ladd como protagonista, eligiendo en su lugar a Kirk Douglas).

Vacaciones en Roma (1953) es la gran comedia romántica por excelencia, el molde en el que se mira el género incluso en nuestros días, servida además por dos grandes actores, absolutamente inimitables, Audrey Hepburn y Gregory Peck, cuya química en pantalla siguen buscando como el Santo Grial del género los actores y directores que se acercan a él.

La gran prueba (1956) es el mejor antiwéstern de la historia del cine, en el que además reclutó a un icono del género, Gary Cooper, para interpretar el papel de un pacifista cuáquero que inevitablemente navega entre las aguas de la violencia y el amor al prójimo, mientras a su alrededor va ganando terreno la guerra civil.

Ben-Hur (1959), con la que a Wyler consiguió su tercer Oscar, es una película que batió récords en los premios, ganando once estatuillas. Molde esencial para edificar el cine épico sobre la antigüedad, digna heredera de esfuerzos anteriores en ese mismo sentido llevados a cabo por Giovanni Pastrone en Cabiria o D.W. Griffith en Intolerancia, y tomada como referencia esencial en películas como Gladiator, de Ridley Scott. Cumbre del cine, sigue siendo hoy insuperable en su género por ninguna producción posterior.

Y por si todo lo anterior fuera poco, que no lo es, Wyler también ejerció como pionero de un subgénero dentro de las múltiples variantes del cine de intriga que iba a desarrollarse posteriormente con especial intensidad tras el estreno de El silencio de los corderos. El coleccionista (1965) sigue siendo una de las más truculentas e inquietantes incursiones del cine en el territorio de los psicópatas.

Miguel Juan Payán

VIVE Y DEJA MORIR Tras una década haciendo películas sobre James Bond, Cubby conocía a la perfección la sensibilidad de su público y que le seducía”. Con estas palabras, el magnate Howard Hughes describía el trabajo del productor Albert Broccoli en la franquicia de James Bond, unas grandes palabras hacia un gran amigo y que justificaban la implicación de Hughes en esta película.

Corría el año 1972 y la próxima película de James Bond ya estaba en camino, y los productores, una vez más, se encontraron con el hecho de que no tenían actor para interpretar al espía inglés.

Tom Mankiewicz había querido tantear de nuevo a Connery para volver al personaje, pero este se había negado diciendo que solo había dos cosas que desease: un campo de golf y un banco, lo primero ya lo tenía, y el banco estaba en camino.

Con esta negativa definitiva por parte del actor, los productores se pusieron manos a la obra para buscar a otro actor que diera vida a su personaje cinematográfico. Entre el 5 y el 7 de junio de 1972, Jeremy Brett, Julian Glover y David Warbeck hicieron sus pruebas para interpretar al espía creado por Ian Fleming. Pero otro actor estaba en la mente de los productores, Roger Moore, quien ya había estado en algún que otro comentario en la época de Diamantes para la eternidad, no paraba de rondar en la mente de estos dos productores. De manera que como se había quedado libre, ya que Moore había renunciado a salir en una segunda temporada de Los persuasores, se quedó con el papel. Moore era el candidato perfecto para Fleming, mucho menos rudo y con más clase que Con-

“

nery. Cubby definía a Moore como alguien que podía haber abandonado los estudios en una escuela privada, guapo y con el toque añadido del humor de David Niven.

Una vez solventado el asunto de tener a la estrella principal, faltaban los otros dos actores principales, la chica Bond y el villano.

Para el rol de chica Bond, la vidente y pitonisa del villano de nombre Solitaire, Broccoli y Saltzman pensaron en la actriz Diana Ross, aunque después de ver a Jane Seymour en el papel de Emma Callon en la serie The Onedin Line, la actriz les pareció electrizante.

Tanto que Broccoli y Saltzman contactaron con ella por separado y sin que el otro lo supiera. Seymour terminó de convencer cuando se quitó el gorro en la reunión con los productores y dejó caer su cabellera sobre sus hombros. Saltzman exclamó: “Queremos darte el papel protagonista”.

Para preparar su personaje como tarotista, Jane Seymour hizo que le tirase las cartas una tarotista profesional.

El papel de villano en esta película fue a parar en manos del joven actor Yaphet Kotto. Su casting fue el más curioso de todos los actores que han aparecido en las películas Bond, no hizo ningún tipo de prueba, ni siquiera sabía que buscaban a un actor para una de Bond. Kotto se encontraba trabajando en el filme Pánico en la calle 110, cuando un hombre se le acercó y le preguntó qué haría cuando terminara la película, a lo que el actor afroamericano respondió que no sabía, que se iría a casa a descansar seguramente. El desconocido le dijo que se olvidara de descansar, que se reuniera con Guy Hamilton y Harry Saltzman en Nueva York y que más tarde viajaría a Inglaterra. Ese desconocido era David Picker, presidente en aquella época de United Artists y Kotto interpretaría a Mr. Big.

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Vive y deja morir

El guion Tom Mankiewicz presentó un primer borrador el 5 de mayo del 72, de 116 páginas, en el que había escenas como en las que el Barón Samedi asesinaba a un hombre blanco con un machete y una persecución de este, y el final mostraba a Bond y a Solitaire cayendo por un arrecife mientras unos tiburones atacaban a Mr. Big en su lancha.

Un segundo borrador firmado también por Mankiewicz se presentó el 9 de junio de ese año, seguía incluyendo ese final con la lancha, pero Mr. Big no moría por los tiburones, sino inflado como un globo después de tragarse un perdigón de gas presurizado.

En el guion del rodaje, entregado en octubre de 1972 y con 120 páginas, se incluía a Bond y a Kananga luchando en una gruta submarina.

El equipo empezó a rodar el 9 de octubre de 1972 en Luisiana.

La música Paul McCartney, excomponente de Los Beattles hizo las paces con la franquicia Bond trascurridos casi diez años desde que en la película de James Bond contra Goldfinger, Bond hiciera ese chiste sobre beber Dom Perignon a cierta temperatura y escuchar a los Beattles sin taparse los oídos.

MacCartney le envió una canción de prueba al productor Harry Saltzman, la cual, en un principio, no le gustó, pero entre Guy Hamilton y George Martin le hicieron ver que McCartney era una gran apuesta para la película. De esta manera, Paul y Linda McCartney compusieron la canción principal, Paul la interpretó con su grupo Wings y George Martin se encargaría de la música que acompañaría al filme. Martin incluyó algunas estrofas del tema principal a lo largo de toda la película. Un resultado bastante bueno.

El estreno La película fue estrenada en primer lugar en Estados Unidos, el 27 de junio de 1973, con un gran éxito de público y taquilla, un

evento que contó, como maestro de ceremonias y presentador a Sammy Davis Jr., quien hizo aún más divertida la velada.

Lector curioso Si aún, amigo lector, se ha quedado con ganas de saber más sobre este filme, aquí van algunas anécdotas.

• En los primeros borradores del guion, el personaje del villano se llamaría Jakaja, nombre que al final se cambió por Kananga, como agradecimiento a Ross Kananga, quien hizo de doble de Moore en la granja de cocodrilos y dueño de ella.

• Los productores contrataron a un guardaespaldas para que los acompañase al barrio de Harlem, muy conflictivo y peligroso, este no se presentó en el lugar señalado, de manera que visitaron el barrio solos y al volver a su hotel se encontraron con un mensaje de dicho guardaespaldas pidiendo perdón por no asistir y comunicando que había sido atracado cuando iba de camino a su cita con ellos.

• La baraja de tarot que vemos en la película fue diseñada por Fergus Hall y se puso a la venta el mismo año del estreno. Desde 1982 se vende como el “tarot de las brujas”.

Lector viajero Una gran oportunidad para visitar parajes exóticos que nos ofrece esta película.

• Tienda de vudú, en el número 33 de East de 65th Street, en el sudeste de Nueva York, cerca de Central Park, donde Bond descubre una de las tapaderas de Mr. Big. • Barrio francés, la zona más emblemática de Nueva Orleans, donde muere uno de los dos agentes del MI6 y en el que Bond y Leiter entran en uno de los restaurantes Fillet of Soul.

• Jamaica Swamp Safari Village, la granja de cocodrilos de la que Bond se escapa saltando sobre sus lomos y fábrica de drogas de Mr. Big. Lo podemos ver a las afueras de Falmouth, cerca de Ocho Ríos.

Óscar Rubio

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Chadwick Boseman B

Otros título de su filmografía como Decisión final oseman tenía 43 años cuando falleció Siempre es injusto (2014), Message from the King (2016), Manhattan sin el 28 de agosto en Los Angeles, Califoridentificar a un actor con un salida (2019) y Da 5 Bloods: hermanos de armas nia, después de luchar durante cuatro (2020), la última película de Spike Lee, que debería ser años contra un cáncer de colon. La notisolo personaje o trabajo de una firme candidata a los premios cinematográficos de cia fue una sorpresa para los espectasu carrera.

En el caso de este año, le permitieron mostrar su talento y su flexibidores que habían visto al actor triunfar convirtiénChadwick Boseman, nacido lidad como actor todoterreno más allá de sus intervendose en uno de los iconos socialmente más relevantes de la galería de personajes de las pelícuel 29 de noviembre de 1976 ciones en las peripecias superheróicas de Pantera Negra que inició con su aparición en Capitán America: las de superhéroes de Marvel Studios. El éxito arroen Anderson, Carolina del Civil War (2016) y prosiguió, convirtiéndose en uno de llador de Black Panther (2018) le llevó al estrellato Sur, Estados Unidos, no cabe los personajes más populares de Marvel en el cine, con cuando ya acumulaba en su carrera ante las cámaBlack Panther (2018), Vengadores: Infinity War ras, iniciada en televisión en 2003, una trayectoria duda que su filmografía ha (2018) y Vengadores: Endgame (2019). que incluía papeles fijos en las series Lincoln quedado marcada por el Antes de morir había tenido tiempo de completar Heights y Persons Unknow, creada por Christopher McQuarrie, ambas recomendables. personaje de T´Challa, rey de su trabajo en otro largometraje, Ma Raney´s Black BotJunto con su personificación del héroe de ficWakanda, conocido también tom (2020), sobre el blues de finales de los años veinte. Además tenía entre manos el papel protagonista ción Pantera Negra, Boseman había tenido la oporcon su alias como de un proyecto que le ilusionaba tanto como a sus tunidad de comenzar su camino para convertirse en seguidores: Yasuke, la historia de un samurái negro en figura simbólica de los afroamericanos en Estados superhéroe, Pantera Negra. el Japón del siglo XVI, que lamentablemente ahora tenUnidos interpretando a dos figuras destacadas de la drá que interpretar otro actor. comunidad negra estadounidense. En 42: la verdadera historia de una Boseman mantuvo en secreto su lucha con el cáncer que lo estaba leyenda del deporte (2013), escrita y dirigida por Brian Helgeland, matando. Ahora todas esas sonrisas que siempre desenfundaba en las guionista de L.A. Confidential y Mystic River, dio vida a Jackie Robinsesiones fotográficas asociadas a una casi perturbadora mirada de inoson, el primer afroamericano que jugó en la liga de béisbol profesional cencia y buena gente adquieren un nuevo significado. Nos hablan de una de Estados Unidos haciendo frente al racismo de la sociedad de la pelea a brazo partido con la enfermedad sin dejar de trabajar, lo que en época. Después dio vida a James Brown, una institución en el mundo mi opinión le convierte en un ejemplo de conducta para los difíciles tiemde la música del siglo XX, en I Feel Good: la historia de James Brown pos que vivimos.

(2014).

Boseman no tiró la toalla durante cuatro años. Siguió rodando Tras ser fichado como el rey de Wakanda para las ficciones superdurante la quimioterapia y entre las intervenciones quirúrgicas. No dejó heroicas de Marvel Studios encarnó en Marshall (2017) a Thurgood Marsque la enfermedad le robara lo que le quedaba de vida. hall, que en 1967 se convirtió en el primer afroamericano en ocupar un Miguel Juan Payán asiento en la Corte Suprema de Justicia de Estados Unidos.

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Natasha Romanoff Scarlett Johansson Scarlett Johansson ha confesado que rodando esta película de la Viuda Negra en solitario se había quitado un peso de encima. Además, como actriz, este largometraje, que se sale de las características habituales de las películas Marvel incorporando muchas más líneas de diálogo y puede batir un récord en cuanto a número de palabras que emplean los personajes, le ha permitido lucirse dramáticamente en la interpretación, además de ponerla a prueba desde un punto de vista físico.

Es una forma de pasar página para la actriz, que ha estado unida a este personaje toda una década, desde su aparición en Iron Man 2 en 2010, donde fue, con diferencia, lo más sobresaliente, junto con el vídeo de la película con música de AC/DC. Johansson no fue la primera elección para el papel, que le ofrecieron a Emily Blunt, pero dicha actriz tuvo que rechazarlo para ir a rodar Los viajes de Gulliver (grave error por su parte, dicho sea de paso). Antes de eso, la productora manejaba una lista de candidatas en la que estuvieron Natalie Portman, Jessica Alba, Angelina Jolie, Gemma Arterton y Jessica Biel, aunque la que más campaña hizo para que le dieran el papel fue Eliza Dushku.

Incluso Brie Larson hizo una prueba para el papel.

Johansson promete que en esta película vamos a conocer realmente lo que le da miedo a la Viuda Negra, que aquí muestra la versión más compleja del personaje, lo que la hace vulnerable, hasta poner a Natasha en una posición realmente incómoda que la aleja de la invulnerabilidad emocional y el control que ha demostrado en sus anteriores apariciones en las películas de Marvel Studios.

Tras pasar página como la Viuda Negra, el nombre de Johansson suena como la encargada de poner voz a Audrey en la nueva versión del clásico de Roger Corman La pequeña tienda de los horrores, que dirige Greg Berlanti, donde podría reencontrarse con el Capitán América, Chris Evans.

El pasado de Natasha Romanoff, la Viuda Negra, vuelve para arrastrarla a su aventura en solitario en esta primera película del personaje que nos trae el aroma de la era clásica de Marvel Studios culminada con Vengadores: Endgame.

M

ientras Scarlett Johansson sigue apoyando públicamente la idea de una película de grupo de heroínas de Marvel sin héroes masculinos, aunque ella no pueda participar (teniendo en cuenta la permeabilidad de la continuidad del universo de ficción que se ha planteado en Vengadores: Endgame, no es imposible que pudiera aparecer), su primera aventura en solitario (recuerden: la permeabilidad máxima: no tiene por qué ser la última si la película hace dinero, y en todo caso, hay otras viudas) sigue adelante hacia la cartelera tras haber sido zarandeada en su fecha de estreno por la tormenta de aplazamiento derivada de la pandemia.

Pienso que curiosamente es posible que el retraso en el estreno y el tiempo de espera para poder ver la película, junto con las ganas de regresar al cine a disfrutar de aventuras superheróicas en pantalla grande, puede haberse convertido en el mejor aliado para que Viuda negra despierte aún más interés entre los aficionados.

Dependiendo de su fecha de estreno, incluso es posible que encuentre un empuje suplementario siendo precedida por el previsible éxito del estreno de Wonder Woman.

En cualquier caso, lo que está claro es que el tono de este largometraje va a ser un esperado

reencuentro con el tono de las películas de Vengadores que hemos conocido hasta el momento. Tras llamar la atención poderosamente con su primera incursión en el universo cinematográfico de Marvel en Iron Man 2, Viuda Negra se ganó a pulso la máxima popularidad como la primera y gran heroína de las películas de superhéroes de Marvel Studios manteniendo el cara a cara con los pesos pesados en Los Vengadores, la película que lo cambió todo en lo que a superhéroes en el cine se refiere. Inmediatamente después de su estreno, el público ya estaba pidiendo un largometraje del personaje de Scarlett Johansson en solitario que, según explica la propia actriz, habría sido bastante diferente en caso de ser producido hace casi una década de lo que es en la versión que vamos a tener la oportunidad de disfrutar en breve.

Viuda Negra es la primera película de Marvel después del arrollador paso por las taquillas de todo el mundo de Vengadores: Endgame, supuestamente dando el primer paso en la llamada fase 4, pero sobre todo convertida en un puente entre las primeras 22 películas del ciclo de superhéroes de Marvel Studios y esa nueva era que con los problemas derivados de la pandemia, la muerte de Chadwick Boseman, el retraso de estrenos, etc., está algo revuelta.

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Yelena Belova Florence Pugh ¿Será la nueva Viuda Negra de las películas de superhéroes de la Marvel?

Eso es lo que se preguntan los aficionados tras la entrada en escena del personaje de Yelena Belova, interpretada por la británica Florence Pugh, que además de protagonizar Midsommar en 2019, tuvo contacto con el género de espionaje en 2018 con la miniserie La chica del tambor, adaptación de la novela de John le Carré.

Johansson, que claramente se ha tomado ese encuentro como actriz con Pugh como una ceremonia de entrega del legado, diferencia a su personaje del de su hermana de ficción afirmando que Natasha es más pragmática, mientras que las emociones dominan en Yelena.

Por su parte, Pugh define a su personaje como una mujer compleja y rota, aunque en el exterior se muestre muy segura de sí misma y pueda resolver todos los retos que se le plantean aplicando el entrenamiento que ha recibido. Eficaz como Viuda, tiene serias dificultades para aprender a vivir como una persona adulta.

Ese planteamiento argumental pone todo el peso del buen funcionamiento de lo que en el fondo es una historia de dos hermanas que se ayudan en la buena química que Plugh desarrolla con Johansson ante las cámaras.

En los cómics, Yelena Belova debutó en el número 5 de la colección de los Inhumanos (marzo, 1999) y es una creación del guionista Devin Grayson y del dibujante J. G. Jones. Entrenada como espía y asesina en la Habitación Roja, es enviada a matar a Natasha Romanoff, con la que acaba aliándose, tuvo su propia miniserie en clave de precuela anterior a su primera aparición, titulada Black Widow: Pale Little Spider, en la línea Marvel MAX, destinada a lectores adultos, con guion de Greg Rucka y dibujos de Igor Kordey. Es el mejor cómic del personaje hasta el momento.

La película llega en el que podría ser un momento clave de cambio y desarrollo de los próximos proyectos que podrían verse condicionados por cómo funcione este largometraje entre el público. Son crecientes los rumores que apuntan a que, como consecuencia de la situación de crisis derivada de la pandemia, podría estar sobre la mesa la rebaja de las propuestas argumentales del “despertar” y la política de la identidad para acentuar la atención a lo que piden los fans de sus próximos proyectos propiciando un mayor respeto a la idiosincrasia original de los personajes y franquicias.

En lo referido a féminas protagonistas, y más allá de sus cifras de recaudación, la Capitana Marvel de Brie Larson (que ha cambiado equipo de guionista y director para su segunda película), parece estar perdiendo la batalla por la corona de reina de la fase 4 del universo cinematográfico de Marvel frente a Elizabeth Olsen y su Bruja Escarla-

ta. La serie Wanda Vision y su participación clave en la segunda película de El Doctor Extraño pueden reforzar a Wanda/Olsen, quien no deja de ganar seguidores cada día frente a Carol Danvers/Larson.

En todo caso, la corona de reina marvelita en el cine la sigue ostentando de momento la Viuda Negra de Scarlett Johansson, que paradójicamente está lejos de haber salido de escena tras su misión para conseguir la Piedra del Alma en Vormir en Vengadores: Endgame, y con esta precuela en solitario va a prolongar su reinado.

El argumento de Viuda Negra transcurre entre lo narrado en Capitán América: Civil War, y las dos últimas películas de Vengadores, Infinity War y Black Widow. La historia profundiza en el pasado de formación como espía de Natasha en la Habitación Roja como parte del programa Viuda, así como las cuentas pendientes que tiene que cerrar por lo que le ocurrió en Budapest.

De villana a heroína Desde el otro lado del Telón de Acero y propulsada por las fantasías de la Guerra Fría que inundaron la cultura popular durante varias décadas. Así es como llegó al universo Marvel el personaje que hoy conocemos como la Viuda Negra. Curiosamente, su camino de antagonista a protagonista fue largo en el cómic, pero no tan largo como los diez años que ha tardado en conseguir su primera película en solitario en el cine.

A las viñetas llega Natasha Alianovna Romanova como una nueva amenaza cuyo carácter y personalidad propia la lleva a destacarse desde el primer momento en la galería de personajes femeninos de la Marvel. Enigmática ladrona con argumento de Stan Lee con guion de Don Rico (firmando como N. Korok), con las claves de una mujer fatal de cine negro, de vestuario muy camp, con sombrero de redecilla incluido, según los dibujos de Don Heck.

El personaje debutó como espía rusa asociada al supervillano Dínamo Carmesí y enfrentada a Iron Man en el número 52 de la colección Tales of Suspense (abril, 1964). Poco después, se asoció con Ojo de Halcón, todavía supervillano camino de convertirse en héroe, para volver a combatir a Iron Man. Completó su cambio de vestuario y mutación hasta el personaje que conocemos actualmente en el número 86 de Amazing Spiderman (julio, 1970), con guion de Stan Lee y dibujos de John Romita y Jim Mooney, y posteriormente destacó como socia profesional y compañera sentimental de Daredevil y hasta tuvo su propia colección compartida con Los inhumanos.

De todo ese equipaje en las viñetas, el cómic que marca más el tono y naturaleza de la película es el titulado Viuda Negra: los delicados hilos de la telaraña, publicado en con guion de de Nathan Edmonson y dibujos de Phil Noto y el encuentro de Natasha con Yelena Belova en la miniserie de tres números Black Widow, vol. 1 (mayo, 1999), con guion de Devin Grayson y dibujos de J. G. Jones.

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Guardián Rojo David Harbour Definido en los cómics como la respuesta rusa al Capitán América, el Guardián Rojo debuta en el cine interpretado por el último Hellboy que ha producido la pantalla grande, David Harbour, actor al que hasta el momento le va mejor la carrera televisiva, interpretando al sheriff humanizado de la serie Stranger Things, en cuya tercera temporada, a la vista del final de la segunda y los avances de la tercera, va a tener incluso un papel más destacado que en las dos anteriores.

Tal y como suele suceder con los personajes del cómic, Guardián Rojo tiene varias encarnaciones o versiones en las viñetas, pero el que interpreta Harbour en la película es el personaje creado por los maestros de las viñetas Roy Thomas (guion) y John Buscema (dibujo) para el número 43 de la colección de Los Vengadores, publicado en agosto de 1967.

Esa primera aparición del personaje presentó al moscovita Aleksei Alanovich Shostakov como uno de los pilotos más efectivos de la fuerza aérea soviética durante la Segunda Guerra Mundial. Tras el conflicto se casó con una joven Natasha Romanoff, y se pasó a las misiones de espionaje como agente soviético, lo que finalmente le llevó a ser elegido para el programa de creación de un supersoldado soviético similar al Capitán América. Eso lo convirtió en los años sesenta en un personaje asociado a los cómics de la Viuda Negra, el Capitán América y Ojo de Halcón.

Marvel recuperó al personaje después de matarlo con el típico recurso de muerte en falso que caracteriza las líneas argumentales del cómic de superhéroes, y Guardián Rojo volvió a aparecer en 2010 en la miniserie Widowmaker, donde además tomó la identidad de Ronin, que también usó Ojo de Halcón, tal como vimos en el inicio de Vengadores: Endgame.

El personaje ha viajado así desde su rol como supervillano al de superhéroe alternativamente en las viñetas, pasando a un lado y otro de la línea, pero tal como lo interpreta Harbour en la película es un antiguo superhéroe soviético vinculado al pasado de la Viuda Negra.

El objetivo de los responsables de la película es hacer esa exploración de regreso al pasado desde un punto de vista diferente al clásico argumento de orígenes, y pretende completar y dar respuestas a los flecos y enigmas que han ido sembrándose sobre la Viuda Negra en todas sus apariciones hasta el momento. Se saca así el máximo partido a todo lo que ha estado haciendo el personaje en los paréntesis entre sus misiones con los Vengadores.

Es así como en Viuda Negra se revela otra realidad en la que el seguidor de la espía interpretada por Johansson va a encontrarse con muchas sorpresas. Por ejemplo, la tradicionalmente solitaria e independiente Viuda Negra se reencuentra con su familia, y la familia es uno de los temas centrales la película.

La actriz ha afirmado que en el epicentro de Viuda Negra está una historia de mujeres ayudando a mujeres, algo que era especialmente buscado por Johansson para su despedida del icónico personaje. Inesperadamente, Natasha

tendrá que hacer frente a un drama familiar, lo cual es algo totalmente nuevo para el personaje tal y como lo conoce el público hasta el momento.

Pero como no podía ser menos tratándose de la familia de la Viuda Negra, ese drama familiar alcanza proporciones épicas, porque su familia es un nido de espías, empezando por su hermana, Yelena Belova (Florence Pugh), y siguiendo la figura materna de Melina Vostokoff (Rachel Weisz) o la figura paterna que representa Alexei, el Guardián Rojo (David Harbour), al que la une una relación de tutor-alumna en la que él se muestra muy exigente a la hora de ponerle retos, quizá porque se ve a sí mismo como un héroe patriótico fallido.

A pesar de sus diferencias, tendrán que unirse para hacer frente a un peligro que los amenaza a todos. Además de medirse con una horda de viudas entrenadas en el mismo lugar del que salió ella, la Sala Roja, Natasha y su familia tendrán que enfrentarse al temible Supervisor.

El antagonista puzle: Supervisor Creado por el guionista David Michelinie y el dibujante George Pérez y aparecido por primera vez en el número 195 de la colección de Los Vengadores (mayo, 1980), Taskmaster, en España conocido como el Supervisor puede presumir de haber protagonizado una de las portadas más espectaculares de las colecciones Marvel en solitario en el número 196 de Los Vengadores (junio, 1980). George Pérez recreó al singular personaje con toda su parafernalia dejando clara su naturaleza de antagonista puzle que acumula las habilidades de algunos Vengadores, como el Capitán América u Ojo de Halcón.

George Pérez quedó tan contento con el resultado que no dudó en canibalizar su propia creación. Así es como, en lo referido a su influencia en otros personajes, el Supervisor protagoniza un curioso viaje de ida y vuelta al universo Marvel pasando por el universo DC. El personaje fue la base para que Pérez concibiera para la editorial DC otro de sus personajes que hasta el momento ha conocido mayor protagonismo que el Supervisor: Deathstroke. Pérez puso el dibujo y Marv Wolfman el guion para su debut en el número 2 de la colección de Los Nuevos Titanes (diciembre, 1980). A su vez, Deathstroke inspiró el diseño de un personaje de Marvel que ha batido en popularidad a sus dos predecesores, Deadpool (en España, Masacre), creación del guionista Fabian Nicieza y del dibujante Rob Liefeld y aparecido por primera vez en el número 98 de la colección Los Nuevos Mutantes (febrero, 1991).

En las viñetas, el Supervisor tiene la capacidad para mimetizar de inmediato los movimientos y la forma de combatir de cualquier oponente que le salga al paso. En la película es un temible asesino enmascarado conectado con el programa Viuda y capaz de reclutar un ejército de luchadoras entrenadas para que le respalden que sirve como amenaza común para que se reúna la “familia” de la Viuda Negra. Así que cuando Natasha lucha con él es como si combatiera al mismo tiempo contra el Capitán América, Ojo de Halcón e incluso contra ella misma.

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Melina Vostokoff Rachel Weisz A Rachel Weisz, actriz que en su momento (cuando protagonizó las dos primeras entregas de La momia), habría sido también una buena opción para dar vida a la Viuda Negra, le toca interpretar ahora la figura maternal de esa especie de familia disfuncional que se revela y trae de vuelta el pasado de Natasha en Viuda Negra.

Melina Vostokoff es una veterana de las conspiraciones, el espionaje y la creación de jóvenes asesinas vinculada estrechamente con la Habitación Roja y al programa de Viudas Negras desarrollado por Rusia. Ella misma fue una viuda pionera, la primera generación del tipo de arma letal en que se ha transformado Natasha.

Se convierte así en una especie de punto de referencia esencial para entender el oscuro mundo del que procede el personaje que interpreta Scarlett Johansson. Melina ha pasado por el mismo proceso de deshumanización que caracteriza la formación de las Viudas Negras y que Natasha pudo reconducir de un modo diferente que la llevó finalmente a convertirse en miembro de los Vengadores.

En los cómics, Melina Vostokoff es conocida con el apodo de Iron Maiden, la Doncella de Hierro, que aparece en las viñetas recubierta de una armadura de metal flexible que la protege de todo impacto o ataque energético y dobla su fuerza. En su momento fue una de las agentes enviadas a asesinar a la Viuda Negra. Quedó así definida como una asesina mercenaria.

En la película, tal como explica la propia Rachel Weisz, Melina ha pasado cinco veces por el programa de la Habitación Roja para crear Viudas Negras. Y ese ciclo lo comenzó cuando todavía era una niña, así que es una profunda conocedora del origen que creó a la espía en la que se ha convertido Natasha en todos estos años, de la que es una especie de antecedente.

Un dato que tener en cuenta son los antecedentes de la directora, la australiana Cate Shortland, que llegó a Viuda Negra después de dirigir tres dramas intimistas de bajo presupuesto protagonizados por mujeres, Somersault (2004), Lore (2012) y Berlin Syndrome (2017). Junto a estos trabajos mostró su habilidad en el cine de intriga y acción en la película para televisión The Silence (2006).

Eso le permite a Shortland dar a la Viuda Negra un contexto más sólido en la parte de historia más personal e íntima del personaje, pero sin renunciar a una acción trepidante con todo tipo de secuencias de riesgo en localizaciones internacionales que recuerda las películas de 007. Viuda Negra se ha rodado a lo largo de 87 días en Budapest, Noruega, Reino Unido, Marruecos y Atlanta. Al mismo tiempo, según afirma Scarlett Johansson, puede ser una de las películas Marvel con más diálogo.

El rodaje ha puesto a prueba a Johansson, porque al contrario que en el resto de sus intervenciones en las películas, aquí la mayor parte de la acción recae sobre sus hombros, e incluye persecuciones, saltos en paracaídas, combates cuer-

po a cuerpo, en un filme que intenta explicar no solo el pasado del personaje, sino también cómo todo eso que la formó la preparó para hacer lo que hace en Vengadores: Endgame. Según la directora, tanto ella como el productor Kevin Feige sabían que los espectadores esperaban una historia de origen del personaje, así que decidieron ir justo en dirección contraria, dando paso además a lo que puede ser también una historia de relevo generacional mediante el personaje interpretado por Florence Pugh.

El otro objetivo de Cate Shortland en la película es darle a Natasha el cierre que Vengadores: Endgame no le dio, llenando un hueco que algunos seguidores habían notado en el desenlace de un personaje tan destacado en las fases 2 y 3 de las películas Marvel como ha sido la Viuda Negra, tan diferente al de otras figuras centrales que sí encontraron su secuencia de fin de ciclo en esa película.

Miguel Juan Payán

TRÁILER: http://youtu.be/2zHzRBDlWxk

TÍTULO ORIGINAL: BLACK WIDOW EE UU, 2020 DIRECTOR: CATE SHORTLAND GUION: JAC SCHAEFFER, NED BENSON Y ERIC PEARSON BASADO EN LOS COMICS DE STAN LEE, DON HECK Y DON RICO FOTOGRAFIA: GABRIEL BERISTAIN MUSICA: LORNE BALFE INTERPRETES: SCARLETT JOHANSSON (NATASHA ROMANOFF / BLACK WIDOW), FLORENCE PUGH (YELENA BELOVA), ROBERT DOWNEY JR. (TONY STARK (RUMOR)), DAVID HARBOUR (ALEXEI SHOSTAKOV / RED GUARDIAN), RACHEL WEISZ (MELINA VOSTOKOFF), WILLIAM HURT (THADDEUS ROSS) DISTRIBUYE: DISNEY

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LOS NUEVOS MUTANTES

TENET EEUU, 2020; Director: Christopher Nolan; Productores: Christopher Nolan y Emma Thomas; Fotografía: Hoyte Van Hoytema; Guion: Christopher Nolan; Música: Ludwig Göransson; Intérpretes: Elizabeth Debicki (Kat), Robert Pattinson (Neil), John David Washington (The Protagonist) y Aaron Taylor-Johnson (Ives); Duración: 150 min.; Estreno en EE UU: 3-9-2020; Estreno en España: 26-82020 Distribuye: Warner Bros Reportaje en Nº 2007

SINOPSIS Un operativo de la CIA es reclutado para una misión destinada a impedir una catástrofe mayor que una guerra nuclear.

PARA RECORDAR Lo mejor de la película son Kenneth Branagh y Elizabeth Debicki. Y otro tanto puede decirse de la subtrama que ambos protagonizan, el mejor aporte de la película a la filmografía del director abundando y dando un tono más oscuro a las tramas sentimentales tóxicas que lo caracterizan desde Following y Memento en adelante. También está entre lo mejor de la película, y con evidencias de todoterreno dúctil en distintos registros de John David Washington. Y la aportación de Robert Pattinson es irreprochable.

Ritmo trepidante desde la primera escena que hace que no se noten las dos horas y media que dura.

PARA OLVIDAR Hay cierta propensión a reiterar propuestas y recursos que ya hemos visto en películas de Nolan anteriormente, y realmente es llamativo que la acción acabe siendo menos interesante que la trama de amor odio de Debicki y Branagh. La acción es trepidante y eficaz, pero la paulatina revelación de las claves de la intriga engancha menos de lo previsto. Es más interesante por los flecos que deja en el aire que por lo que realmente muestra y explica.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Forma una tetralogía sobre el tiempo y la duda existencial sobre la realidad junto con Memento, Origen e Interstellar, pero la más cercana es Origen, aunque enganche menos que la protagonizada por DiCaprio. Su propuesta argumental no la ayuda.

(The New Mutants) EEUU, 2020; Director: Josh Boone; Productores: Simon Kinberg, Karen Rosenfelt y Lauren Shuler Donner; Fotografía: Peter Deming; Guion: Josh Boone y Knate Lee; Música: Mark Snow; Intérpretes: Maisie Williams (Rahne Sinclair), Anya Taylor-Joy (Illyana Rasputin), Charlie Heaton (Sam Guthrie) y Alice Braga (Dr. Reyes); Duración: 94 min.; Estreno en EE UU: 28-8-2020; Estreno en España: 26-82020 Distribuye: Walt Disney Reportaje en Nº 2004

SINOPSIS Una joven mutante llega a un centro donde otros jóvenes como ella son apartados del mundo para intentar ser curados por una peculiar doctora. Todos tienen un trágico pasado. ¿Pero qué esconde realmente este centro y cuál es el secreto que guarda cada uno de ellos?

PARA RECORDAR Tras un calvario de idas y venidas, de cambios en la fecha de estreno con más de dos años de retraso, desde problemas con la película a la compra de Fox por parte de Disney, incluyendo la pandemia de 2020… Todo ello causó que la película se convirtiese en un proyecto casi maldito que justo ahora puede ver la luz. Un producto entretenido, honesto, directo y a ratos valiente, que aprovecha perfectamente a su reparto protagonista, especialmente Maisie Williams, Charlie Heaton y, por supuesto, Anya Taylor-Joy, que sin ser la protagonista total de la historia, roba la película con sencillez. El punto de cine de terror es interesante y aporta algo distinto a la saga mutante, aunque se quede a medio camino. Hay una semilla más que interesante de lo que podría llegar a ser si la dejan crecer. Que no lo harán.

PARA OLVIDAR Las escenas de acción son un caos impresionante. Casi no logra verse nada. Es discreta en su presupuesto y se nota que ha sido muy, muy editada. Casi todo el metraje de terror que prometieron está ausente de esta versión final. Han dejado el esqueleto y poco más.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… La serie Buffy, Pesadilla en Elm Street 3, Jóvenes ocultos, Una pandilla alucinante… De todas saca algo.

EN CONCLUSIÓN Nolan ha construido otro de sus eficaces puzles, pero muestra cierto agotamiento de recursos y propuestas ya vistos en otras de sus películas. M.J.P.

EN CONCLUSIÓN Tenía material para ofrecer algo mayor, sin duda. Especialmente, en el tema del terror. Pero lo que ha quedado es un proyecto entretenido, con alma y sin pretensiones. J.U.

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PINOCHO

MULÁN

(Pinocchio)

EEUU, 2020; Director: Niki Caro; Productores: Chris Bender, Tendo Nagenda, Jason Reed y Jake Weiner; Fotografía: Mandy Walker; Guion: Rick Jaffa, Amanda Silver, Elizabeth Martin y Lauren Hynek; Música: Harry Gregson-Williams; Intérpretes: Yifei Liu (Mulan), Donnie Yen (Commander Tung), Li Gong (Xianniang) y Jet Li (Emperor); Duración: 115 min.; Estreno en EE UU: 4-9-2020; Estreno en España: 4-9-2020 Distribuye: Disney+ Reportaje en Nº 2008

SINOPSIS Una joven distinta a las demás, Mulán, decide hacerse pasar por hombre para evitar que su padre, anciano e incapaz de mantenerse en pie sin ayuda, vaya en nombre de su familia y muera en combate. Un acto de rebeldía que lo cambiará todo.

PARA RECORDAR Mucho se ha hablado del remake en acción real de Mulán desde hace tiempo, y no siempre por motivos cinematográficos. No, no es una película que dependa de que aparezca o no aparezca el dragón Mushu.

Es una película que depende de su sentido de la aventura, de ser visualmente atractiva, y de tener un buen reparto. En los primeros aspectos, su directora, Niki Caro, excede con varias muestras de talento, con esa fotografía colorida, con sus homenajes a la animación y unas muy buenas escenas de acción, la mayor parte del tiempo, que hace de este un relato épico. Uno que además se sustenta sobre una magnífica elección como Mulán de Yifei Liu, y un grupo de secundarios como Gong Li, Jet Li, Rosalind Chao, Jason Scott Lee o Tzi Ma que dan mucha fuerza al proyecto. Es, sin duda, el live action más violento y adulto de Disney.

PARA OLVIDAR La película desaprovecha a Donnie Yen con un papel sin carisma que no saca partido ni de sus dotes como actor ni como artista marcial. Hay errores de montaje brutales que hacen que muchos momentos pierdan sentido (el combate final, el camino a la nieve…), posiblemente debido a una reducción de metraje. La película ha perdido magia respecto a la original.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… El live action de Aladdin, por ejemplo.

EN CONCLUSIÓN Sustituye la magia por la épica, y el corazón por la acción. Entretenida, efectiva, con muchos homenajes…, pero con fallos enormes, también. J.U. #####

Italia, 2019; Director: Matteo Garrone; Productores: Paolo Del Brocco, Matteo Garrone, Anne-Laure Labadie, Jean Labadie y Jeremy Thomas; Fotografía: Nicolai Brüel; Guion: Matteo Garrone y Massimo Ceccherini basados en la novela de Carlo Collodi; Música: Dario Marianelli; Intérpretes: Federico Ielapi (Pinocchio), Roberto Benigni (Geppetto), Rocco Papaleo (Gatto) y Massimo Ceccherini (Volpe); Duración: 125 min.; Estreno en Italia: 19-12-2019; Estreno en España: 18-9-2020 Distribuye: Warner Bros

SINOPSIS Basada en el libro de Carlo Collodi, la película es un viaje a través de la Italia de hace más de cien años donde el carpintero Geppetto consigue que uno de sus muñecos cobre vida. Pero el niño de madera desea conocer mundo más que ser hijo de un carpintero.

PARA RECORDAR Con Mateo Garrone uno sabe que va a encontrarse con un producto lleno de personalidad, de vida, de fuerza narrativa, incluso cuando es incompleto o incluso fallido por momentos como este. La película evita dar protagonismo a Roberto Benigni y se lanza a la aventura de Pinocho, llena de lucha social, de pobreza, de tristeza a veces…, pero también de esperanza.

Tiene muchas pequeñas historias, algunas de las cuales son excesivamente crueles y adultas (también son mucho más interesantes que en otras adaptaciones de Pinocho) llegando a momentos en los que la película puede dar miedo a los niños, y se supone que a ellos va dirigida. O no, con Garrone nunca se sabe. La mezcla visual de lo teatral y lo tradicional es muy efectiva.

PARA OLVIDAR Es cine complejo, sí, pero fallido. Indefinido. No sabe si quiere ser una película para todos los públicos o para los más pequeños. Esos momentos duros, crueles y siniestros se acompañan de otros bobalicones, infantiles, completamente sin sentido y que sonrojan al espectador. Es como si la película no supiese qué quiere ser realmente. O como si tuviese que cumplir con unas cuotas antes de lanzarse a lo más oscuro y adulto...

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Tiene cosas adultas de Guillermo del Toro y El laberinto del fauno, y otras completamente infantiles que parecen salir del Pinocho de Benigni.

EN CONCLUSIÓN Poderosa visualmente, con elementos brillantes y otros ridículos, la película no termina de ser lo que pudo ser. J.U. #####

LA BODA DE ROSA NEKROTRONIC EEUU, 2018; Director: Kiah Roache-Turner; Productores: Troy Lum, Andrew Mason y Tristan RoacheTurner; Fotografía: Tim Nagle; Guion: Kiah Roache-Turner y Tristan Roache-Turner; Música: Michael Lira; Intérpretes: Ben O'Toole (Howard North), Monica Bellucci (Finnegan), Caroline Ford (Molly) y Tess Haubrich (Torquel); Duración: 99 min.; Estreno en EE UU: 9-8-2019; Estreno en España: 14-8-2020

SINOPSIS Un dúo de torpes limpiadores de fosas sépticas acaba metido en una conspiración sobrenatural de un ente demoníaco para hacerse con un puñado de almas que le permitirán traer el infierno a la Tierra… o algo así.

PARA RECORDAR La primera parte de presentación y desarrollo es entretenida y tiene algunos golpes graciosos, con un juego de guiños constante a distintas película que fácilmente reconocerá el espectador, así como manejando un tono de autoparodia que funciona por complicidad con el público saqueando las claves más tópicas del género.

PARA OLVIDAR El problema es que cuando se acaban los guiños y baja el tono de comedia del disparate para empezar a tomarse en serio el tema, la propuesta deja de funcionar, no solo por falta de medios, sino sobre todo porque no sabe aprovechar los recursos propios que tiene en su argumento, y por ejemplo desperdicia las posibilidades del personaje de Bellucci y otros factores. Es un problema de guion en principio, pero tampoco sabe salir delante de las limitaciones de presupuesto con la gracia aplicada en algunos de los títulos que toma como referencia. Se encierra en interiores y planos de pelea en pasillos y efectos visuales de homenaje a los trucos de artesanía.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Intenta seguirle la pista a la fórmula de mezcla de géneros y autoparodia de Posesión infernal, pero los directores no parecen entender las claves de parodia que aplicó Sam Raimi en esa película.

Le basta con hacer guiños a esta y a otros títulos, como Un hombre lobo americano en Londres, otro ejemplo de mezcla de géneros muy superior.

EN CONCLUSIÓN Más entretenida al principio que al final.

M.J.P. #####

España, 2020; Director: Icíar Bollaín; Fotografía: Sergi Gallardo y Beatriz Sastre; Guion: Icíar Bollaín y Alicia Luna; Música: Vanessa Garde; Intérpretes: Sergi López (Armando), Candela Peña (Rosa), Nathalie Poza (Violeta) y Paula Usero (Actriz); Estreno en España: 21-8-2020 Distribuye: Filmax

SINOPSIS Cuando cumple 45 años, Rosa quiere dar un giro a una vida donde todos dependen de ella pero nadie la deja vivir sus propios sueños. Por eso Rosa decide casarse, pero consigo misma, comprometerse y montar su propio negocio. Algo nada sencillo con su familia pendiente de la boda.

PARA RECORDAR La última película de Iciar Bollain es un relato fantástico sobre la familia y sobre cómo nos comportamos con los nuestros. Ácida, divertida, surrealista por momentos, la película juega la baza de hacernos sentir identificados con alguno de los personajes y sus pequeñas miserias. De ahí nace un humor cercano, costumbrista, demoledor por momentos, que nos lleva todo el tiempo de la sonrisa a la carcajada. El guion controla perfectamente ese humor como lo hace con el drama, ajustado, nada empalagoso y realmente emotivo. La cercanía de todo el conjunto hace que funcione incluso más de lo que puede parecer. No podía ser de otro modo, el reparto es la clave. Candela Peña, al frente, lidera con una fuerza demoledora, rodeada de Sergi López, Nathalie Poza, Paula Usero o Ramón Barea, conforman una familia que nos recordará a la nuestra. Todo es muy humano e incluso la propuesta argumental, que puede sonar una locura, funciona a las mil maravillas. La película tiene un metraje ajustadísimo, y además Bollain aprovecha maravillosamente los espacios interiores.

PARA OLVIDAR Un par de tramas secundarias quedan algo descolgadas al final y sin resolver.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Tiene mucho de El olivo, y es lógico, pero me parece todavía más interesante que aquella. También toma cosas del costumbrismo de Berlanga y su humor.

EN CONCLUSIÓN Humana y tremendamente divertida, la película es un buen reflejo de la familia, de los sueños rotos y nuestros egoísmos. Muy buena. J.U. #####

UN PLAN IRRESISTIBLE

GRETEL Y HANSEL

(Irresistible)

(Gretel & Hansel )

EEUU, 2020; Director: Jon Stewart; Productores: Dede Gardner, Jeremy Kleiner, Jon Stewart y Lila Yacoub; Fotografía: Bobby Bukowski; Guion: Jon Stewart; Música: Bryce Dessner; Intérpretes: Steve Carell (Gary Zimmer), Rose Byrne (Faith Brewster), Chris Cooper (Jack Hastings); Duración: 101 min.; Estreno en EE UU: 26-6-2020; Estreno en España: 21-8-2020 Distribuye: Universal

EEUU, 2020; Director: Oz Perkins; Productores: Fred Berger y Brian Kavanaugh-Jones; Fotografía: Galo Olivares; Guion: Rob Hayes; Música: Robin Coudert; Intérpretes: Sophia Lillis (Gretel), Samuel Leakey (Hansel), Alice Krige (Witch) y Jessica De Gouw (Witch); Duración: 87 min.; Estreno en EE UU: 31-1-2020; Estreno en España: 24-7-2020 Distribuye: Vertice

SINOPSIS Un estratega político del Partido Demócrata descubre en un pequeño pueblo de Wisconsin a un posible candidato a alcalde que puede cambiar las cosas, y decide llevar personalmente su campaña política, sin importar el coste.

SINOPSIS Empujados por el hambre y su madre, la adolescente Gretel y su pequeño hermano Hansel viajan por el bosque buscando comida y un lugar donde quedarse. Así encuentran una casa en el bosque con una anciana…, aunque quizá sea el hogar de un mal ancestral.

PARA RECORDAR De la mano de Jon Stewart, director y guionista de la película, Steve Carell (amigo personal de Stewart y colaborador de su programa durante muchos años) nos proporciona una de esas interpretaciones que parecen fáciles, pero que son una auténtica delicia. Un tipo arrogante, prepotente y manipulador, un estratega político, metido en uno de los problemas más importantes de su carrera, hacer alcalde a un no menos brillante Chris Cooper. Stewart satiriza sobre las campañas políticas y el bipartidismo, metiendo el dedo en la llaga sobre los costes de las campañas y los personajes que las lideran, olvidándose tantas y tantas veces de las personas, de aquellos que luchan por sacar adelante a sus familias, como es el caso de los habitantes del pequeño pueblo.

Si conocen cómo funciona la política estadounidense se van a reír mucho.

PARA RECORDAR El tono visual y adulto de las historias escritas y rodadas por Osgood Perkins es una de las apuestas más interesantes del terror americano independiente actual, aunque no sea tan conocido quizá como Ari Aster o Robert Eggers. Su estilo sobrio y elegante ayuda en una historia de terror que no pretende llevarnos de susto en susto, de set piece en set piece, sino transmitir el terror del viaje de una joven hasta que se convierte en adulta y acepta quién es, además de los terrores del bosque, que no son pocos. Todos quieren algo, nada es gratis. Sophia Lillis es ya una actriz a la que tener muy en cuenta para liderar en solitario una película, y Alice Krige es perfecta como la bruja del cuento.

PARA OLVIDAR No entra a matar. Nos deja ideas o temas que son donde está la enjundia (el elitismo de las grandes ciudades, las donaciones, el papel de los medios…) y no explota ninguno de ellos, porque prefiere hablar de cosas simpáticas, no hacer verdadera sangre sobre un sistema aparentemente fallido y corrupto. Que un personaje deba explicar lo que ha sucedido (no hablo de los créditos, antes, durante la película) no es buena señal. Ni confías en tu guion ni en el público.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… La cortina de humo, El último voto, El ala oeste de la Casa Blanca…

EN CONCLUSIÓN Divertida y ácida, por desgracia se queda en la superficie de los temas que trata. J.U. #####

PARA OLVIDAR Tiene un tono excesivamente solemne y hasta pretencioso por momentos. Quiere llegar más lejos de lo que puede hacerlo el cuento, pero es complicado con un guion tan esquemático y tan apoyado solo en lo visual, muy bien resuelto, pero vacío al final. La película necesita de un mejor guion, en lugar de dar vueltas en torno a lo mismo. Sus noventa minutos a veces se pueden hacer cuesta arriba con su tono onírico.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Está a medio camino entre La bruja y Midsommar, con más de la primera afortunadamente.

EN CONCLUSIÓN Buena película, un nuevo punto de vista del cuento clásico, adaptado a un viaje iniciático de una joven en un mundo de pesadilla.

J.U. #####

ORIGENES SECRETOS

LITTLE MONSTERS Australia, 2019; Director: Abe Forsythe; Productores: Jessica Calder, Keith Calder, Steve Hutensky, Jodi Matterson y Bruna Papandrea; Fotografía: Lachlan Milne; Guion: Abe Forsythe; Música: Piers Burbrook de Vere; Intérpretes: Lupita Nyong'o (Miss Caroline), Alexander England (Dave), Josh Gad (Teddy McGiggle) y Kat Stewart (Tess); Duración: 93 min.; Estreno en EE UU: 11-10-2019; Estreno en España: 31-7-2020

SINOPSIS Un inmaduro pierde a su pareja y acaba viviendo en casa de su hermana, donde tendrá que hacerse cargo de su sobrino de cinco años en un suceso con zombis.

PARA RECORDAR Lupita Nyong’o mantiene los momentos más tópicos de esta comedia romántica camuflada de película de zombis. En el arranque y hasta la mitad de la película, está bien manejada como mezcla de temas y géneros en clave de humor. Los actores defienden bien la parodia en los momentos de comedia y aguantan los más tópicos momentos de romance, que afortunadamente, punto a favor, son mínimos, aunque acaben dominando la propuesta en lo que a género se refiere.

Es entretenida, tiene un mensaje optimista y con la que está cayendo es un saludable pasarratos.

Se han currado los zombis. Y tiene una dirección muy sólida.

PARA OLVIDAR Se le ve la intención de ser comedia romántica camuflada bajo el reclamo de película de zombis desde el principio, y por eso etiquetarla como película de terror me parece un disparate. Hay que llamar a las cosas como lo que realmente son, y no hay problema. Como comedia romántica es curiosa y exótica, aunque totalmente tópica en el mensaje de “hombres inmaduros mujeres capaces” que se repite una y otra vez en el género, total para que al final no lleguen hasta las últimas consecuencias y acaben apostando por la pareja y el mensaje positivo.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Zombieland, Zombieland 2, Zombies Party, Zombie Camp, Memorias de un zombi adolescente, Muertos antes del amanecer.

(Unknown Origins ) España, 2020; Director: David Galán Galindo; Productores: Alberto Aranda, Ricardo Marco Budé, Kiko Martínez e Ignacio Salazar-Simpson; Fotografía: Rita Noriega; Guion: Fernando Navarro basado en la novela de David Galán Galindo; Música: Federico Jusid; Intérpretes: Javier Rey (David Valentín), Verónica Echegui (Norma), Brays Efe (Jorge Elias) y Antonio Resines (Cosme); Duración: 96 min.; Estreno en EE UU: 28-8-2020; Estreno en España: 26-8-2020 Distribuye: Netflix

SINOPSIS Basada en la novela de David Galán Galindo, Orígenes secretos es la historia de un policía recién llegado a Madrid que investiga una serie de horribles asesinatos que están aparentemente relacionados con los cómics que narran el origen de muchos superhéroes.

PARA RECORDAR David Galán Galindo adapta su propia novela y nos ofrece un fascinante relato visual que arranca con homenaje a Seven y continúa por un camino pocas veces visto en nuestro cine. El empaque visual de la película es maravilloso para un thriller o una película de cómic, y el autor tiene muy claras sus referencias visuales. Y a lo que aspira con la historia. Además, si no fuese suficiente con el impacto visual tan apreciable que consigue la película, se rodea de un reparto sensacional que juega en otra liga. Brays Efe, Verónica Echegui o Antonio Resines son los perfectos acompañantes de Javier Rey, y hay muchos personajes secundarios o cameos que están pidiendo a gritos más tiempo en pantalla, como Carlos Areces o Leonardo Sbaraglia. El ritmo nunca decae en sus poco más de 90 minutos de metraje, por lo que resulta imposible aburrirse con la película y su historia.

PARA OLVIDAR No es que el giro final no sorprenda, que no lo hace, es que esa parte final de la película es anticlimática. Y más en este tipo de historias. Hay tramas poco exploradas o explicadas, personajes, como el protagonista, demasiado unidimensionales, y problemas de guion que quitan lustre al asunto. A veces sobra humor.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Como si Seven tuviese un hijo con el Batman de Burton. Pero en España.

EN CONCLUSIÓN Lo de la mujer maestra y protectora con clave maternal se les va un poco de las manos, como Taylor Swift. M.J.P.

EN CONCLUSIÓN Buena película, entretenida y sobre todo única en nuestro país. Dadle una oportunidad. J.U.

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ANTEBELLUM EEUU, 2020; Director: Gerard Bush y Christopher Renz; Productores: Gerard Bush, Zev Foreman, Raymond Mansfield y Sean McKittrick; Fotografía: Pedro Luque; Guion: Gerard Bush y Christopher Renz; Música: Roman GianArthur Irvin y Nate 'Rocket' Wonder; Intérpretes: Arabella Landrum (Little Blonde Girl), Jena Malone (Elizabeth), Eric Lange (Him / Senator Denton); Duración: 105 min.; Estreno en EE UU: 18-9-2020; Estreno en España: 2-9-2020 Distribuye: DeaPlaneta

SINOPSIS Una brillante y reputada autora es secuestrada y despierta en una realidad alternativa, un mundo en el que es una esclava que trabaja para una plantación de algodón justo al borde del inicio de la Guerra Civil Estadounidense. En ese punto deberá buscar la forma de escapar y regresar a su propio tiempo.

PARA RECORDAR Hay que reconocer que Antebellum tiene una idea inicial más que interesante plasmada en un punto de partida tan bizarro como absorbente. Es ingenioso en cierta medida y permite a su excelente actriz protagonista, Janelle Monae, jugar con dos personajes al mismo tiempo, con lo que ello implica. Además siempre es magnífico ver a actores y actrices a veces olvidados, como Jena Malone, y nombres más que interesantes como Kiersey Clemons o Gabourey Sidibe. Hay imágenes que son memorables, como las del hotel o la surrealista cabalgada final…

PARA OLVIDAR El segundo y tercer actos caen de forma estrepitosa. El guión se vuelve caótico, la película anda más interesada en ocultarnos la realidad para sorprendernos que en asustarnos y hacernos sentir algo. Hay una desconexión enorme entre lo que se supone que debemos sentir y lo que la película hace que sintamos, siendo demasiado fría y calculadora.

Quiere que la imagen de la película defina lo que es realmente la historia, y se olvida del guión. La resolución final es algo ridícula y la música a veces es estridente y está mal colocada. Pierde el fondo con la forma.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Una mezcla de Nosotros de Jordan Peele, con la que comparte algunos productores, con El Bosque. Más cercana a la segunda.

EN CONCLUSIÓN Más cercana a una lección de historia que a una película de terror, un arranque brillante y un desarrollo mediocre lastran la cinta. J.U. #####

AFTER EN MIL PEDAZOS

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(After We Collided) EEUU, 2020; Director: Roger Kumble; Productores: Mark Canton, Nicolas Chartier, Jennifer Gibgot y Brian Pitt; Fotografía: Larry Reibman; Guion: Mario Celaya basado en la novela de Anna Todd; Música: Justin Caine Burnett; Intérpretes: Josephine Langford (Tessa Young), Hero Fiennes Tiffin (Hardin Scott), Louise Lombard (Trish Daniels) y Dylan Sprouse (Trevor Matthews); Duración: 105 min.; Estreno en EE UU: 2-10-2020; Estreno en España: 4-9-2020 Distribuye: Diamond Films

SINOPSIS Tras los eventos de la primera película, la joven pareja protagonista se encuentra apartada. Ella consigue un trabajo de becaria en una editorial, donde conoce a un joven compañero. Mientras, él trata de recuperar a la persona que cree que es el amor de su vida.

PARA RECORDAR Con todo el dolor de mi corazón, nada en absoluto. La belleza de los actores. Y que los fans quizá la disfruten.

PARA OLVIDAR Una de las peores películas del año. Anna Todd, autora de las novelas, ha pasado a guionista de la película haciéndola aún más insufrible que la primera. El guion es sencillamente espantoso. Una serie de momentos sin sentido uno detrás de otro, en los que a nadie le importa nada de lo pasado si pueden arreglarlo en la cama. Diálogos terribles, una química entre los protagonistas completamente nula y un talento ausente en su interpretación durante todo el metraje. La dirección es plana y produce sonrojo en momentos eróticos, mientras que lo que propone la película es la relación más tóxica que puede imaginarse y que convierte la relación de 50 sombras de Grey en sana y saludable. La fotografía es almibarada y fallida, como el resto de la película. Ni un solo fotograma es rescatable. Durante sus poco más de cien minutos sientes que estás viendo un tren a punto de descarrilar y que lo hace una y otra vez. Sustituir a los actores adultos con más caché y talento de la primera película, exceptuando a Selma Blair, es un detalle de genios. Acaba siendo una comedia involuntaria.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… La anterior After y cualquier historia de amores tóxicos que pase por el cine…

EN CONCLUSIÓN Es mala. Es muy, muy mala. J.U. #####

COLOR OUT OF SPACE

UN MUNDO NORMAL

EEUU, 2019; Director: Richard Stanley; Productor: Daniel Noah, Josh C. Waller, Lisa Whalen Y Elijah Wood; Fotografía: Steve Annis; Guion: Richard Stanley y Scarlett Amaris basados en la historia corta de H.P. Lovecraft; Música: Colin Stetson; Intérpretes: Nicolas Cage (Nathan), Joely Richardson (Theresa), Madeleine Arthur (Lavinia) y Elliot Knight (Ward); Duración: 111 min.; Estreno en EE UU: 209-2019; Estreno en España: 7-8-2020 Distribuye: A Contracorriente

España, 2020; Director: Achero Mañas; Productores: Gerardo Herrero y Pedro Pastor; Fotografía: David Omedes; Música: Vanessa Garde; Intérpretes: Ernesto Alterio (Ernesto), Gala Amyach (Cloe), Ruth Díaz (Julia) y Pau Durà (Max); Estreno en España: 11-9-2020 Distribuye: DeaPlaneta

SINOPSIS Un meteorito cae y empieza a provocar truculentos cambios en el paisaje, la fauna y la gente.

SINOPSIS A la muerte de su madre, un director de teatro en plena crisis vital, decide cumplir el último deseo de su madre, que lancen su cadáver al mar. Acompañado de su hija que ve el peligro al que se expone su padre, roba el cadáver y emprende la aventura.

PARA RECORDAR H. P. Lovecraft es maestro de un terror tan singular que no es fácil de adaptar. Puede que incluso sea inadaptable, considerando la cantidad de veces que el cine lo ha intentado normalmente, fracasando. Sin embargo, esta película consigue al menos ser un vehículo de terror sólido, entretenido, que sin levantar la tapa de los sesos al género ni renovarlo especialmente, resulta muy funcional y tiene un ritmo de narración capaz de soportar las casi dos horas de metraje que dura.

Además, administra con astucia su limitado presupuesto, que no pasa de seis millones de dólares, sacándoles el máximo partido. Justo es reconocer que películas con más presupuesto no consiguen ser tan intrigantes como esta, y estoy pensando por ejemplo en la nueva versión de Cementerio viviente, que tenía 21 millones de dólares a su disposición.

PARA OLVIDAR Le sobra algo de metraje, tarda más de lo debido en arrancar, y es demasiado básica en algunos elementos, como el subrayado visual del agua como amenaza.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… A ver, John Carpenter ya tomó prestado mucho de El color que vino del espacio, y algo de En las montañas de la locura, dos clásicos de Lovecraft, en La Cosa (1982), y hay una variante muy curiosa de esta historia pasada por el filtro de Stephen King como guionista y protagonista del fragmento en la película Creepshow (1982). Por otro lado, En la boca del miedo (1995) de John Carpenter también es un buen homenaje a Lovecraft.

PARA RECORDAR Achero Mañas vuelve a ponerse detrás de las cámaras en un largometraje de ficción, algo que no sucedía desde hace diez años. Lo hace para contar una emotiva historia de amor entre padres e hijos. De un hijo por su madre y de una hija por su padre, en una película que puede parecer una road movie, pero es mucho, mucho más, sobre todo dado que el elemento road movie no llega hasta bien entrada la película, dejando que nos zambullamos con mucho humor y carisma en el mundo de estos personajes tan peculiares y tan humanos. Ernesto Alterio está soberbio, y su relación con Gala Amyach, quien hace de su hija, funciona como alma de esta película. Un viaje sanador y lleno de sentido, aunque no lo parezca. El humor es magnífico, y luego tiene un par de momentos realmente hipnóticos que pueden pillarte con la guardia baja por ser más cercanos a Lynch (la dueña del hostal de carretera). Y unas funcionan mejor que otras.

PARA OLVIDAR A veces es demasiado… prepotente, insultante incluso con un medio como la televisión y sus series, como si no hubiese enormes series de televisión en España o películas mediocres. Le sobra ese tono de superioridad. Y esos momentos que no funcionan tanto.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ…

Daniel Sánchez Arévalo.

Me ha recordado mucho a Diecisiete de

EN CONCLUSIÓN Humana y divertida, quizá algo elitista, pero emotiva y cercana. J.U.

EN CONCLUSIÓN Me vale como muestra de terror de serie B. M.J.P.

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THE WAY BACK

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BLACK BEACH

EEUU, 2020; Director: Gavin O'Connor; Productores: Gordon Gray, Ravi D. Mehta, Gavin O'Connor y Jennifer Todd; Fotografía: Eduard Grau; Guion: Brad Ingelsby; Música: Rob Simonsen; Intérpretes: Ben Affleck (Jack), Al Madrigal (Dan), Janina Gavankar (Angela) y Michaela Watkins (Beth); Duración: 108 min.; Estreno en EE UU: 6-3-2020; Estreno en España: 7-8-2020 Distribuye: Warner Bros

España, 2020; Director: Esteban Crespo; Productor: David Naranjo; Fotografía: Ángel Amorós; Guion: Esteban Crespo y David Moreno; Música: Arturo Cardelús; Intérpretes: Melina Matthews (Susan), Candela Peña (Ale), Raúl Arévalo (Carlos) y Luka Peros (El Negociador- Leo Babich); Estreno en España: 25-9-2020 Distribuye: EOne

SINOPSIS Jack Cunningham (Ben Affleck) vivió los mejores días de su existencia cuando se convirtió en una estrella del baloncesto estudiantil. La temporada en la que explotó su talento en la cancha marcó la evolución sentimental de este hombre, ahora sumido en el alcohol y retirado del deporte que le dio todo. Sin embargo, cuando está a punto de tocar fondo, la oportunidad de entrenar a su antiguo equipo le devolverá la ilusión, que pensaba perdida en un pretérito imposible de recuperar.

SINOPSIS Buscando crecer en su empresa, Carlos recibe el encargo de lidiar con el secuestro de un ingeniero de una petrolera asociada en un país africano en el que Carlos estuvo trabajando hace muchos años como parte de una ONG. El secuestro está poniendo en jaque la firma de un contrato multimillonario.

PARA RECORDAR La inteligente y oscura puesta en escena, confeccionada por el cineasta Gavin O’Connor. El minimalismo en el que se desarrolla la acción contribuye a fortalecer la sensación constante de zozobra, que transmite el personaje central del filme. Un tipo al que encarna de manera convincente un sobrio y pétreo Ben Affleck.

PARA OLVIDAR La manía de la mayoría de los largometrajes estadounidenses a la hora de acogerse a los desenlaces felices, aunque la historia indique lo contrario. Ese artificial mecanismo de superación personal en el que se embarca el guion hace que la movie se quede en tierra de nadie, y malgaste, con moralejas gratuitas, las excelentes vibraciones transmitidas en el desangelado arranque del argumento.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Las obras relativas a equipos desastrados, levantados por entrenadores peculiares. Dentro de este género, uno de los títulos más relevantes es, sin duda, El castañazo.

PARA RECORDAR Quizá no sea el thriller más complejo ni mejor escrito del año, pero sin duda es un producto competente que juega muy bien sus bazas. Una producción cuidada, un guion que no se excede en la parte melodramática y un reparto que sabe muy bien cómo echarse la película a sus espaldas. Especialmente Raúl Arévalo, excelente como líder de la historia, y Candela Peña, quien es una actriz todoterreno, de talento arrollador, que sabe dar vida a cualquier secuencia con una mirada. La película podía haber empezado a dar sermones sobre el colonialismo y el capitalismo, pero prefiere ser mucho más sutil a través de sus personajes y de su historia, que va creciendo durante el camino en África y aumentando la tensión poco a poco.

PARA OLVIDAR No sabe cómo resolver la película en su tercio final. La última media hora alarga innecesariamente toda la historia, dando tumbos de un lado a otro, buscando un final que cree que va a complacer al espectador, lo que no es cierto. El final desmonta el viaje, por desgracia. Además no termina de aportar nada nuevo, ni su declaración política es suficientemente firme, debido a ese final.

EN CONCLUSIÓN Esta nueva colaboración profesional entre O’Connor y Affleck, después de El contable, resulta mucho más efectiva y notable que la primera. Los tonos melancólicos y la pesadilla individual del papel que encarna la actual pareja de Ana de Armas hacen que la trama se perciba como sincera y verosímil. J.M.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Tiene cosas de El cuaderno de Sara, por ejemplo, pero esta es menos edulcorada y melodramática… a veces.

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EN CONCLUSIÓN Un thriller competente, entretenido, con un magnífico Raúl Arévalo que describe a la perfección el viaje de su personaje, pero alargado innecesariamente y demasiado vacío al final. J.U.

Series de T.V.

FICHA TÉCNICA Título original: The 100.

Creador: Jason Rothenberg, basado en la serie de novelas de Kass Morgan.

Género: ciencia ficción posapocalíptica.

Música: tema principal, de Evan Frankfort y Liz Phair.

Emisión en EE UU: 20 de mayo a 30 de septiembre de 2020, The CW. Emisión en España: 3 de abril de 2014 a 12 de octubre de 2020.

Reparto: Eliza Taylor (Clarke Griffin), Bob Morley (Bellamy Blake), Marie Avgeropoulos (Octavia Blake), Lindsey Morgan (Raven Reyes), Richard Harmon (John Murphy), Paige Turco (doctora Abigail Griffin), Christopher Larkin (Monty Green), Henry Ian Cusick (Marcus Kane), Jarod Joseph (Nathan Miller), Isaiah Washington (Thelonious Jaha), Devon Bostick (Jasper Jordan), Tasya Teles (Echo), Luisa d’Oliveira (Emori).

Sinopsis: Tras sucumbir a un holocausto nuclear, la Tierra se convirtió en un páramo inhabitable. Los supervivientes de aquel evento viven en el Arca, una estación espacial que orbita alrededor del planeta y que debe esperar cien años para poder volver a casa.

Pero el tiempo se les agota, así que deciden mandar a 100 delincuentes adolescentes al planeta para comprobar si es seguro y habitable. Una misión suicida y llena de peligros en la que nada es lo que parece.

• Cuando The CW estrenó Los 100, nadie apostaba por la serie. La cadena es conocida por sus ficciones de superhéroes de DC (el llamado Arrowverso) y por su apuesta por productos para jóvenes y adolescentes, que no siempre brillan por su calidad. De hecho, en muchos casos son despreciados por la crítica debido a la falta de esta. Con un excelente mercado internacional, que la quinta network de Estados Unidos no arrolle en las audiencias no sorprende a nadie, porque arrasan en el demográfico que les interesa y su producto es muy exportable. Eso se esperaba de Los 100. Otra adaptación con un tono juvenil, disparatado, simpático. Una historia de aventuras y ciencia ficción llena de chicos guapos y chicas preciosas que deleitase a su audiencia. Y sí, sin duda había de ambas cosas, en cantidades más que suficientes. Pero Los 100 al mismo tiempo era más. Era mucho más. Al final, la serie tenía más que ver con Mad Max o Juego de tronos que con Arrow o Riverdale (aunque esta última también fue una pequeña sorpresa).

• Jason Rothenberg, el responsable de adaptar la serie, había permanecido en la sombra durante mucho tiempo, trabajando como asistente a diversos niveles, pero sin conseguir vender ninguno de sus guiones, hasta ya comenzado el nuevo siglo, cuando varios de sus trabajos acabaron siendo vendidos como posibles proyectos; entre ellos, un drama y un thriller de ciencia ficción que New Line adquirió. Ello le llevó a su primer proyecto, una película para televisión llamada Body Politic y a adaptar ni más ni menos que Los 100, un proyecto ambicioso, su primera serie como creador, y algo que marcaría su carrera. De salir bien, haría que muchos otros trabajos llegasen hasta él. De salir mal, supondría posiblemente el final de su carrera en Hollywood antes incluso de haber empezado. Pero Rothenberg supo aprovechar la oportunidad y

LOS 100

darle un aire nuevo y diferente a Los 100. No solo para separarla del libro, sino para convertirla en algo especial dentro de la cadena. Algo que no habían visto con anterioridad en esta. Mucho más adulto y oscuro. La prueba, que en los primeros cuatro episodios las reglas cambiaron varias veces y la lista de cadáveres empezó a crecer…

• Por esos motivos, la serie fue muy bien recibida por la crítica, que elogió su tono y su capacidad para sorprender al espectador, pese a ciertas concesiones de cara a la galería. De hecho, en Rotten Tomatoes, cada temporada fue mejor que la primera, con un leve descenso en la aprobación en la tercera temporada, pero haciendo que las tres últimas tengan la aprobación unánime de los críticos. Tres temporadas, la quinta, sexta y séptima que OJO SPOILER [han visto cómo el grupo, de guerra en guerra, acababa con la vida en la Tierra y debía viajar a otro mundo a años luz de distancia, donde se cree existía una colonia humana, y cómo esa colonia y ese nuevo mundo acaban siendo arrasados por las luchas de poder. La metáfora de lo que somos y de lo que arrastramos con nosotros]. FIN SPOILER. • Los 100 comenzó a rodarse incluso antes de que el primer libro fuese lanzado al mercado, por lo que pudieron permitirse la ventaja de crear nuevos personajes sin depender de lo que el fandom de los libros pensaría.

Cuando ambos llegasen al mercado, cada uno encontraría su público.

Así, personajes como Jasper, Raven o Murphy no existen en los libros. Tampoco Finn, interpretado por Thomas McDonnell. Los personajes que sí aparecen en el libro suelen tomar su nombre de autores imprescindibles de la ciencia ficción. Clarke, de Arthur C. Clarke; Wells, de H. G. Wells; Bellamy, de Edward Bellamy; Octavia, de Octavia Butler…

• Una de las grandes sorpresas para los fans fue la relación entre Eliza Taylor y Bob Morley en la vida real. Durante años, muchos fans eran seguidores de una posible relación entre sus personajes, un posible (o no, quién sabe. Vean la serie y lo entenderán y descubrirán) romance que en la vida real se mantuvo en secreto y terminó el pasado año con el anuncio de la boda entre ambos. Pero algunos fans no reaccionaron nada bien e incluso hubo una campaña de acoso sobre la protagonista de la producción por haberse casado con su compañero.

• Tras siete temporadas y, sí, justo cien episodios, la serie se despide en estos días de nosotros, pero la despedida es solo una forma de dar la bienvenida a una nueva: un spin-off de Los 100 que se presentó en la séptima temporada con un backdoor pilot. Esta ficción, de tener luz verde por parte de The CW, será una precuela sobre lo sucedido tras el holocausto nuclear y estará liderada por Iola Evans, Adain Bradley, Leo Howard, Crystal Balint, John Pyper-Ferguson, Erica Cerra y Craig Arnold por el momento.

J.U.

Fredric March

FREDRIC MARCH Alternativa de John Barrymore y Spencer Tracy… con premio

March fue nominado al Oscar como mejor actor principal por The Royal Family of Broadway, donde hacía parodia de un célebre astro del teatro y el cine.

Nacido el 31 de agosto de 1897 en Racine, Wisconsin, Estados Unidos, y fallecido víctima del cáncer de próstata en Los Ángeles, California, el 14 de abril de 1975, Ernest Frederick McIntyre Bickel destacó entre las estrellas masculinas de Hollywood en los años treinta y cuarenta del siglo pasado ganándose a pulso el estrellato por su versatilidad tanto en la construcción de personajes como en la frecuentación de distintos géneros.

A March se le podía encontrar igualmente resolutivo y sólido en el territorio del drama, en el de la comedia o incluso en el del cine fantástico. Y así lo demuestra su palmarés de galardones, en el que brilla por lo poco habitual que es la concesión de este tipo de premios a actores del cine de terror el Oscar al Mejor Actor que ganó, ex aequo con Wallace Beery por su trabajo en la película El campeón, por su personificación de uno de los personajes esenciales del género de terror, o mejor dicho, de dos personajes: el doctor Jekyll y su variante brutal míster Hyde, en El hombre y el monstruo (1931), donde sustituyó como segunda opción a John Barrymore, protagonista de la versión muda estadounidense de la historia, pero que finalmente declinó la oferta de repetir en esta primera versión sonora.

El hombre y el monstruo puso a prueba el talento de March con las prótesis de maquillaje. Ganó el Oscar como mejor actor principal.

Dirigida por Rouben Mamoulian, esta tercera versión en largometraje (se habían rodado además ocho cortos del tema entre 1908 y 1932) de la novela de Robert Louis Stevenson llevó a March a ganar también el premio del público en el Festival de Cine de Venecia, en el que fue la primera edición del primer festival de cine europeo, celebrada en agosto de 1932.

El doble papel de Jekyll y Hyde fue un trabajo que enfrentó a March con el maquillaje, que cambiaba de color mediante un sistema de filtros puestos delante de la lente de la cámara, pero igualmente exigía al actor permanecer varias horas con las prótesis para deformar su rostro cuando interpretaba a Hyde. Ese maquillaje, inspirado en la apariencia que se le atribuye al hombre de Neandertal, estuvo a punto de destrozar el rostro de March, que al terminar el rodaje acabó hospitalizado.

El segundo Oscar le llegó a March ya en la madurez, también como actor protagonista y en un tema dramático –el regreso de los veteranos de guerra a casa–, que sigue siendo recurrente en el cine estadounidense y aún es plenamente actual, a pesar de los años transcurridos desde el estreno de la película: Los mejores años de nuestra vida (1946). El actor no acudió a la ceremonia a recoger el premio, que en su nombre recogió su joven compañera de reparto Cathy O’Donnell.

En la película March representaba a un ciudadano norteamericano, un banquero, que se alista para servir en la guerra, y al regresar a casa encuentra complicado volver a adaptarse a la vida civil.

March fue además nominado al Oscar en otras tres ocasiones, todas como Actor Principal, por sus trabajos en una comedia, The Royal Family of Broadway (1930), el drama romántico Ha nacido una estrella (1937), donde March volvió a ser la alternativa de John Barrymore, que tuvo que rechazar el papel a consecuencia de las pérdidas de memoria derivadas de su alcoholismo, y La muerte de un viajante (1951), otro drama bien considerado por la crítica, aunque al autor de la célebre obra en que se basa no le gustara esta versión cinematográfica de su escrito.

March ganó un Globo de Oro como mejor actor en dama por su trabajo en Muerte de un viajante y fue nominado en otras dos ocasiones por sus intervenciones en otros dos títulos muy destacados de su filmografía: En la mitad de la noche (1959), interpretando un papel que en los escenarios había encarnado Edward G. Robinson y para el cual el estudio había pensado antes en Spencer Tracy, Ernest Borgnine y James Cagney, y Siete días de mayo (1964), la intriga política sobre un golpe de Estado contra el presidente que él interpretaba (nuevamente como segunda opción tras Spencer Tracy), en la que era coprotagonista de la trama junto a Kirk Douglas y Burt Lancaster.

La popularidad del actor no conocía fronteras. Fredric March ganó el Premio David Di Donatello del cine italiano como Mejor Actor Extranjero, y en el cine británico los premios del lugar, Bafta, reconocieron su labor nominándole en tres ocasiones como mejor actor extranjero por sus trabajos en Muerte de un viajante, La torre de los ambiciosos (1954) y La herencia del viento (1960), una de sus mejores interpretaciones como defensor del creacionismo frente a un igualmente brillante Spencer Tracy. Tan notables eran sus trabajos que en el rodaje del duelo verbal de sus personajes se reunieron en el set una multitud de extras que querían ver a los dos veteranos en acción, e incluso aplaudían estropeando alguna de las tomas antes de que se diera la orden de «¡corten!».

A March se le conoce además por ser uno de los dos únicos actores que ha conseguido ganar dos premios Oscar y dos premios Tony, el máximo galardón de teatro. La otra es la actriz Helen Hayes.

Eso demuestra que no solo en el cine, sino también en los escenarios, su carrera fue tan prolongada como prestigiosa. Los dos premios Tony los consiguió March como mejor actor dramático en 1947 por su trabajo en la obra de Ruth Gordon Hace años, y en 1957 por su trabajo en la obra de Eugene O’Neill El largo viaje del día hacia la noche. Le nominaron a ese mismo premio en 1962 por su trabajo en el montaje de Gideon, de Paddy Chayefsky.

FREDRIC MARCH rostros de Hollywood, más sometidos a altibajos en su dedicación a la pantalla grande.

El astro que iba para banquero

Los mejores años de nuestra vida , con la que March ganó otro Oscar como actor principal.

Estas películas testimonian la extensión de la carrera de Fredric March y su capacidad para adaptarse y sobrevivir a base de talento en una industria que había atravesado muchos cambios desde el momento en que March empezó a trabajar ante las cámaras en el cine mudo a principios de los años veinte del siglo pasado. Disfrutó luego de su máximo estrellato en el Hollywood de los treinta y cuarenta. Pero además gestionó de lujo su carrera en la madurez, conviviendo con el nuevo lenguaje que en los años cincuenta llegaba al cine junto con guionistas y directores procedentes de la televisión en unos Estados Unidos que atravesaron la Caza de Brujas del Comité de Actividades Antiamericanas. Y entró en los sesenta con un cine interesado por abordar temas social y políticamente más comprometidos.

A finales de su carrera, casi en la frontera con los años setenta, aún pudo dejar March tres papeles memorables en el wéstern de crítica al racismo contra los nativos americanos Un hombre (1967), protagonizado por Paul Newman, y una película de acción denunciando el racismo, Tic, tic, tic (1970), que coprotagonizó junto con Jim Brown y George Kennedy.

Una de las trayectorias más largas y con títulos más interesantes de la que no pueden presumir muchos de los grandes

Todo tipo de problemas de salud y rodaje persiguieron al actor cuando interpretó a Cristóbal Colón.

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Fredric March era hijo de una maestra nacida en Inglaterra, Cora Brown Marcher, y de un vendedor mayorista de ferretería presbiteriano, John F. Bickel. En su juventud y durante la etapa de estudiante universitario, todo en su futuro parecía enfocado a ejercer en la banca. Graduado en el Instituto Racine, sirvió con el grado de teniente de artillería en el Ejército de Estados Unidos en la Primera Guerra Mundial.

Matriculado en la Universidad de Wisconsin, estudió Económicas y una vez licenciado trabajó en el First National City Bank, hasta que cayó enfermo y tras sufrir una operación de apéndice de urgencia que le proporcionó un susto notable, acabó replanteándose su existencia y su futuro. Había empezado a interesarse por la interpretación en su etapa estudiantil, así que al salir de la convalecencia decidió darle un giro radical a su vida y marchó a Nueva York para intentar abrirse paso como actor.

Eran los años veinte, tiempos en los que la industria del cine operaba en esa ciudad, y March no tuvo mucho problema en conseguir algunos trabajos en el sector financiero, al tiempo que conseguía pequeños papeles como extra, figurante y actor de reparto.

Para ello, tomó el apellido de su madre, recortado como nombre artístico. Se abrió así paso ante las cámaras en primer lugar con pequeños trabajos por espacio de seis años, y luego ese camino le llevaría a continuar su carrera como actor debutando en los escenarios de Broadway en 1926, con el papel protagonista en la obra The Devil in the Cheese.

Dos matrimonios, Colón y el General Franco Fue en esa época cuando conoció a la que iba a convertirse en su segunda esposa, Florence Eldridge, actriz con la que coincidió en una de las compañías de teatro para las que trabajaba.

March se casó en dos ocasiones. Su primera esposa fue también una actriz, Ellis Baker, hija de la célebre intérprete Edith Ellis, muy popular en los escenarios de Londres y Estados Unidos en la primera mitad de los años veinte. Se casó con March el 3 de mayo de 1925 y se divorciaron el 27 de enero de 1927.

Significativamente, el actor no permaneció mucho tiempo soltero, porque el 30 de mayo de 1927 ya contrajo matrimonio con Florence Eldridge. Fue un largo matrimonio que duró hasta la muerte de Fredric March en 1975. No tuvieron hijos naturales, pero adoptaron a una niña, Penélope, nacida en 1932, y a un niño, Anthony, nacido en 1934.

Además, la pareja apareció con frecuencia junta en los repartos de obras de teatro y películas, desde el principio de la carrera de March en Hollywood. Compartieron las cámaras en siete ocasiones.

La primera fue The Studio Murder Mystery (1929), pero es más interesante la segunda, Los miserables (1935), donde él fue Jean Valjean y ella interpretó el papel de Fantine. Luego les dirigió John Ford en María Estuardo (1936), en la que ella interpretó el papel de Isabel Tudor con él ejerciendo el principal papel masculino como el conde de Borthwell y Katharine Hepburn protagonizando el largometraje como el personaje que da título a la película.

El papel de Eldridge estaba muy solicitado. Se postularon para él Ginger Rogers y Bette Davis, y la favorita de John Ford para interpretarlo era Tallulah Bankhead. Incluso la propia Hepburn quería interpretar a la reina Isabel de Inglaterra.

El matrimonio March-Eldridge volvió a trabajar junto en Another Part of the Forest (1948), basada en una obra de Lillian Hellman, donde ella interpretó el papel de esposa del personaje de su marido también en la ficción.

Ese mismo año volvieron a formar pareja en Vive hoy para mañana (1948), basada en la novela de Ernst Lothar y nuevamente con Eldridge ejerciendo como esposa de su marido también en la ficción.

Vista esta trayectoria, era previsible a quién iba a caerle el papel principal femenino de Christopher Columbus (1949), película en la que el hoy vilipendiado, y en estatua defenestrado “descubridor

FREDRIC MARCH

La muerte de un viajante, basada en la célebre obra de Arthur Miller, por la que March fue nominado al Oscar como mejor actor principal.

de América” fue interpretado por March (aunque el primer candidato al papel fue James Mason y también barajaron darle el encargo a Stewart Granger), donde Eldridge pudo dar vida a otra reina, esta española, Isabel de Castilla, la del “tanto monta, monta tanto” con Fernando de Aragón. La película se basaba en una novela de Rafael Sabatini, novelista del género de aventura en tono popular de perfil más bajo que el de Emilio Salgari, así que yo no buscaría ninguna información histórica realmente fiable en ella.

Dicho sea de paso, a Francisco Franco tampoco le hizo mucha gracia el largometraje, así que España rodó su propia versión de la peripecia colombina bajo el sello de Cifesa, la antorcha de los éxitos, que se decía entonces, y dirigida por Juan de Orduña, especialista en gestas históricas del cine ibérico en ese momento. Se estrenó en 1951 con el título de Alba de América, con Antonio Vilar como Cristóbal Colón y Amparo Rivelles como la reina Isabel la Católica. Olé ellos.

Lo cierto es que a Fredric March lo de ser un Colón algo

pasado de fecha como los yogures (el original tenía 41 años cuando salió a navegar con La Pinta, La Niña y La Santa María y el actor calzaba ya 52 cuando rodó la película), se le atragantó bastante.

Primero sufrió un golpe de calor cuando rodaban en Barbados y se cayó redondo al suelo. Mala cosa para darle a lo de descubrir un “Nuevo Mundo”. Luego hubo que parar el rodaje a consecuencia de una nueva indisposición del actor, que se había operado recientemente y todavía arrastraba molestias derivadas de la intervención.

Luego las dos réplicas de las carabelas construidas para la película también sufrieron contratiempos: una se quemó y tuvieron que reconstruirla, y la otra casi se pierde cuando se soltaron sus amarres durante una tormenta.

Muy navegantes no se les veía a estos de Hollywood, la verdad.

El caso es que como consecuencia de todo lo anterior, March tenía algo en común con Franco: a ninguno de los dos les gustaba la película. Y cada uno desde su rincón hizo lo posible para que circulara lo menos posible. En España no se estrenó y March hizo todo lo que estaba en sus manos para que la distribución en el resto del planeta se limitara al máximo.

El último largometraje en el que el matrimonio trabajó, interpretando además a otra pareja, fue la ya mencionada La herencia del viento que, además de varias nominaciones, le proporcionó a Fredric March el Premio al Mejor Actor en el Festival de Berlín.

Parodiando a John Barrymore

La ductilidad de Fredric March para adaptarse tanto al drama como a la comedia fue uno de sus sellos personales que encontró máximo rendimiento en su papel como el visceral, pero elocuente, creacionista de La herencia del viento, esa película que pasa por momentos agridulces, ante la que resulta imposible no sonreír con algunos argumentos de los dos contendientes enfrentados, independientemente de lo que la cordura de cada cual le indique sobre el muy serio tema que allí se debate.

Ese rasgo característico del actor estaba ya presente en el trabajo teatral que finalmente le condujo hasta Hollywood: la obra The Royal Family of Broadway, que representaba en una gira por Estados Unidos en 1928. En ella, March le sacaba todo el jugo a una parodia del galán John Barrymore, perteneciente a lo que se consideraba realmente una agrupación familiar aristocrática en los escenarios del país, los Barrymore. Los responsables del estudio Paramount no dudaron en ficharle para el cine después de verle y le firmaron un contrato de cinco años con la compañía.

Todo un éxito tras su anterior intento de pasarse al cine como actor en Nueva York.

Además, Paramount le propuso su primer papel protagonista, precisamente en la parodia de Barrymore que había bordado en los escenarios, y tal como hemos comentado unas líneas antes, cuando The Royal Family of Broadway se estrenó como película en 1930, March recibió su primera nominación al Oscar.

Así que digamos que parodiar a una institución como John Barrymore le vino muy bien a Fredric March para iniciarse como actor de comedia, pero le vino aún mejor demostrar que era viable como galán en eso que hoy algunos llaman “dramedia” en plan enterado y como si hubieran inventado algo nuevo, pero que es más viejo que la tos. La suma de drama y comedia estaba ya presente desde los primeros tiempos del cine mudo y también en uno de los primeros papeles como coprotagonista del actor que aquí repasamos: La fascinación del bárbaro (1930).

Su argumento es interesante por ser uno de los primeros ejemplos, si bien no el único, de tratamiento en el cine de la hibristofilia, un tipo de parafilia que señala la atracción por mantener March (izquierda) junto a William Holden (centro) y Walter Pidgeon (derecha) en La torre de relaciones con asesinos, violadores, maltratadolos ambiciosos, excelente fábula sobre el poder.

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FREDRIC MARCH La siguiente coprotagonista de March fue Claudette Colbert en Manslaughter (1930). A ver, toca aclarar que en esta época del cine y en estas producciones la figura más importante del reparto eran las actrices más que sus compañeros masculinos, fichados a título de consortes. El guion, como en el caso de este largometraje, estaba escrito para ellas, ellas eran el epicentro de la historia y ellos andaban por ahí revoloteando a su alrededor. Otro tanto puede decirse de Falsa personalidad (1930), en el que la protagonista era Nancy Carroll. Y lo mismo vale para el reencuentro de March con Colbert en Honor entre amantes (1931), el reencuentro de March con Carroll en El ángel de la noche (1931), la intriga de mujer acusada de asesinato que en el original se titulaba My Sin (Mi pecado), pero en la traducción para el estreno español cambió el título para meter un spoiler en plan órdago pasando a denominarse Redimida (1931), con Tallulah Bankhead como protagonista.

A partir de ahí, y en la medida en que March se había ganado ya la posición como galán masculino del momento, se equilibró el tema de ser anzuelo para la taquilla junto a sus compañeras femeninas, al tiempo que mejoraban las hechuras de las películas para las que era reclutado y el calibre de sus compañeras de reparto como El duelo interpretativo entre Spencer Tracy (izquierda) y March estrellas. Fue el caso de Strangers in Love (1932), junto a Kay (derecha) en La herencia del viento fue uno de los momentos más Tuya para siempre (1932), junto a Silvia Sidney, La llama Francis, destacados de la carrera del actor. eterna (1932), junto a Norma Shearer, Reina el amor (1933), nuevares. El psicólogo John Money fue el encargado de poner el asunto en mente con Claudette Colbert, y así hasta llegar a la primera de las la pila de bautismo y echarle el agua, como aquel que dice, para que imprescindibles para todo buen cinéfilo entre las películas de arranquedara convenientemente bautizado. La probada atracción sexual que del estrellato del actor. Si no se es un fanático desatado de este que sienten algunas mujeres por entrar en contacto con psicópatas señor, las otras se las pueden ahorrar, así en bloque, e ir a la que encarcelados por cometer asesinatos en serie recibe el nombre de realmente tiene enjundia y reúne la mejor versión de las caracterísenclitofilia, término aplicado a dicha situación por psiquiatras y psicóticas generales de todas ellas, más el talento para la comedia de su logos criminalistas desde que a principios del siglo XX el criminalista director, Ernst Lubitsch. francés Edmond Locard lo aplicó.

Me refiero, claro está, a Una mujer para dos (1933), donde Fredric March se midió cara a cara con ese fenómeno del cine de Dicho sea de paso, el personaje de Harley Quinn, tan popular en varias décadas que era Gary Cooper, y mantuvo el tipo merced a su estos días en los cómics, el cine y las series de televisión merced a la talento como actor, compitiendo con este peso pesado entre los encarnación que han hecho Margot Robbie y Kaley Cuoco, entre otras, galanes por ganarse el afecto del personaje interpretado por Miriam es una sátira de estos asuntos construida desde su obsesión por Joker.

Hopkins. Todo eso en una comedia que además apuesta por tratar el El bárbaro de la película que nos ocupa lo interpretaba George espinoso tema del trío muchos años antes de que se le ocurriera tal Bancroft, que atraía al personaje de Mary Astor, ante la mirada del cosa a François Truffaut en Jules et Jim (1962), que sin duda estaba tercero en discordia, March, quien ese mismo año se reencontró con influida por este otro largometraje del maestro de la comedia.

Clara Bow en papel protagonista y vestido de marinero bajo el signiA esas alturas, Fredric March ya había demostrado que era un ficativo título Fiel a la marina (1930). Bow y March habían sido pareja de ficción un año antes en La loca orgía (1929), pero no se me emotodoterreno, sirviendo en las hazañas bélicas El águila y el halcón (1933), junto a Cary Grant, y bajo una de las frases promocionales cionen que la cosa no era ni tan loca ni tan orgía. más estúpidas de la historia del cine: “Ellos dedicaron sus vidas a la muerte”.

Y también había interpretado al romano de nombre más estúpido de la historia del cine antes del célebre Pijus Magníficus de La vida de Brian, siendo Marcus Superbus en un embolado de Cecil B. DeMille sobre los primeros tiempos del cristianismo: El signo de la cruz (1932), donde por cierto también estaba Claudette Colbert interpretando a Popea y Charles Laughton ejerciendo de Nerón.

Así que, efectivamente, el hombre era una estrella en toda regla, y lo siguió demostrando en otros títulos esenciales de su filmografía como La muerte de vacaciones (1934), Ana Karenina (1935), junto a Greta Garbo, El caballero Adverse (1936), La reina de Nueva York (1937), con Carole Lombard, Corsarios de Florida (1938), Me casé con una bruja (1942), junto a Veronica Lake, Fugitivos del terror rojo (1953), a las órdenes de Elia Kazan y Horas desesperadas (1955), frente a Humphrey Bogart y a las órdenes de William Wyler.

Frederich March como el presidente, Burt Lancaster como el militar golpista en Siete días de mayo, obra maestra de John Frankenheimer.

Miguel Juan Payán 8

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HEAVY METAL

FICHA TÉCNICA Título básico de la animación para momento en que finalmente salió a la venta adultos, un concepto que hizo evolucionar el en VHS y Laser Disc en 1996 vendió un millón Directores: Gerald Poterton, John Bruno, John Halas, Julian mercado de los dibujos animados, en parte de unidades.

Harris, Jimmy T. Murakami, Barri Nelson, Paul Sabela, Jack importante merced a este largometraje proEl presupuesto del largometraje fue de Stokes, Pino Van Lamsweerde, Harold Withaker; Intérpretes: Don Francis, Carolyn Semple, Richard Romanus, Susan ducido por Ivan Reitman y Leonard Mogel, 9.300.000 dólares, consiguiendo una recaudaRoman, Harvey Atkin, Al Waxman, John Candy, Marilyn editor de la revista que sirvió como base e ción de algo más de 20 millones y el inmediato Lighstone, Glenis Wotton Gross, Jackie Burroughs; Año de inspiración para el proyecto. estatus de título de culto, a pesar de que las producción: 1981; Nacionalidad: Canadá; Guion: Danield Goldberg, Len Blum, Dan O Bannon, Richard Corben, Bernie Heavy Metal es una revista de ciencia opiniones críticas más miopes de la época no Wrightson, Richard Corben, Angus McKie, Jean Giraud. ficción, fantasía oscura y pinceladas eróticas salieran de su espanto cuando se encontraron Música: Elmer Bernstein; Color; Duración: 86 minutos. publicada en Estados Unidos desde 1977 cocon una película de dibujos animados que no mo traducción con licencia de la revista franno iba a dirigida a público infantil y que claracesa Métal hurlant, creada en diciembre de 1974 por los maestros del mente no defendía e incluso criticaba el tipo de sociedad, valores famicómic europeo Jean Giraud (Moebius) y Philippe Druillet junto al perioliares y discursos bienpensantes habituales en las fantasías Disney. dista Jean-Pierre Dionnet y el empresario Bernard Farkas, agrupados Por cierto, si les gusta Heavy Metal aprovecho para recomendar bajo el sello de Los humanoides asociados, nombre de la editorial. Contó que repasen la filmografía de trabajos de animación de otro gran maestambién con traducción alemana bajo el título de Schwermetall. tro ninguneado del cine de dibujos animados para adultos: Ralph Bakshi.

Las páginas de la revista incorporaron a su galería de propuestas Otro detalle: afirman que entre todos los relatos que integran la también el retrofuturismo y presentaban en sus historietas un aire conpelícula, el magnate Elon Musk, declarado fan de la misma, podría hatestatario de desafío al sistema y cuestionamiento de la autoridad junto ber tomado automóvil Corvette que conduce el astronauta que protagoa contenido explícito. En la edición estadounidense, a cargo de los ediniza la apertura de la Heavy Metal, titulado Soft Landing, como una de tores de la revista humorística National Lampoon, eso significaba desalas fuentes de inspiración para su Tesla. fiar a la Comics Code Authority, el organismo autocensor que las editoLa antología de historias que propone Heavy Metal juega desde el riales de comics, siguiendo el modelo del cine estadounidense y el principio la baza de la fusión de distintos géneros, de manera que en un Código Hays, habían establecido después de que en 1954 el psiquiatra entorno de ciencia ficción nos propone una trama de cine negro estilo Frederic Wertham encontrara un filón para hacerse famoso por la vía de Blade Runner para saltar luego a un despliegue de fantasía oscura en la polémica y la invitación al linchamiento de los comics. clave de espada y brujería digna o trabaja las claves de la comedia picaLas teorías de Wertham sobre la mala influencia de este tipo de resca más disparatada y psicotrópica. publicaciones en la infancia y juventud estadounidense se agruparon en En su variopinta galería de ocho historias destacaba por su papel su libro La seducción de los inocentes, una de las más repulsivas teorías como precursora en el tono de las series de animación televisivas para conspiranoicas publicadas en el siglo XX, que incluso indujo a que se adultos posteriores el trabajo del maestro Bernie Wrightson en la historia produjeran quemas de comics en algunas ciudades estadounidenses, del Capitán Stern, la historia B-17 de Dan O Bannon, guionista de Alien, el recordando las quemas de libros de la Alemania nazi. De forma torticeoctavo pasajero, El trueno azul, Lifeforce: fuerza vital y Desafío total o la ra, Wertham buscaba, y encontró, sus 15 segundos de fama, desatando historia protagonizada por Den, personaje emblemático de la galería de una estúpida caza de brujas contra los comics que acabó con varias creaciones de Richard Corben, en el que además se hace un guiño a las empresas, como EC Comics, teniendo que cerrar sus colecciones y mancreaciones de horror de H.P. Lovecraft en la entidad convocada por los dando al paro a sus trabajadores. brujos, que es el nombre de Uhluthc, es decir, Chtulhu al revés.

Heavy Metal pasaba olímpicamente de conseguir el sello de “proPero sobre todos ellos, y formando parte de la ilustración central ducto seguro” del Comics Code y en un uso pleno de libertad, proponía a del poster de la película, diseñado por Chris Achilléos, la amazona Taarna, sus lectores adultos todo tipo de historias sin trabas censoras que coarla última de los Taarakinas, es la reina absoluta de la película. La guerretaban los comics para todo tipo de públicos. Fue además una puerta de ra, ilustrada por el maestro Jean Giraud (Moebius) con algunos diseños entrada a la publicación en Estados Unidos de artistas europeos como aportados por Achilléos, tiene para sí el honor de poner fin en el último reH.R. Giger, que elaboraría diseños para la película Alien, el octavo pasalato al recorrido argumental de Heavy Metal siguiendo la pista de la pincejero, o el maestro español Esteban Maroto. lada de continuidad entre todas las historias representada por el Loc-Nar. El largometraje Heavy Metal adaptó historias publicadas en la reDesde el primer momento que aparece en pantalla, Taarna se gavista homónima y añadió otras originales que respetaban el mismo espína el derecho a tener su propio largometraje para ella sola. El compositor ritu de la publicación, incorporando así elementos que no se veían nunElmer Bernstein arropó musicalmente al personaje con un tema que haca en la animación para todos los públicos y desde luego no aparecerían bía compuesto originalmente para acompañar al personaje de Farrah en una película Disney, a saber: violencia gráfica, sexo, desnudos… y Fawcett en la película Saturno 3. El personaje y su espectacular vuelo se una banda sonora donde se daban cita temas cuyas letras, música e ininspiran en el ciclo de Arzach, creado por Moebius. Además, el epílogo térpretes ponían los pelos de punta a los padres de los adolescentes de revela el papel protagonista de Taarna en el ciclo completo de la película.

La secuela Heavy Metal 2 se estrenó en el año 2000 con una la época, entregados al saludable disfrute de una vida sin complejos, aportación destacada del maestro del comic Simon Bisley y Julie Strain censuras o miedos impuestos por las capas más pacatas de la sociedad. como la nueva amazona de la secuela. Por cierto, Strain bien podría haEn la banda sonora de la película suenan temas de Black Sabber materializado una encarnación en imagen real de Wonder Woman bath, Nazareth, Cheap Trick, Devo, Journey, Grand Funk Railroad, Stevie heavymetalera.

Nicks, Blue Öyster Cult, Donald Fagen, Trust, Sammy Hagar… y KrzyszEl remake anunciado desde 2008 se materializó finalmente en tof Penderecki. Precisamente es rica banda sonora sería uno de los pro2019 en forma de serie de la cadena Netflix con el título de Love, Death blemas que hizo que, por temas de derechos, la película no pudiera cirand Robots con David Fincher entre sus productores ejecutivos. cular en el mercado de ocio en vídeo durante varios años. En el

KELLY PRESTON (KELLY KAMALELEHUA SMITH) 13 de octubre de 1962, Honolulu, Hawái (EE. UU.)-12 de julio de 2020, Clearwater, Florida (EE. UU.)

FILMOGRAFÍA 1980.– Hawái 5-0: For Old Times Sake (serie televisión); 1982.– Capitolio: episodio piloto (serie televisión); 1983.– Quincy: On Dying High (serie televisión), The Renegades: Back to School (serie televisión), Al filo de la media noche, Chips: Things That Go Creep in the Night (serie televisión), Metalstorm: For Love and Honor (película y serie televisión), Christine, Lone Star (película televisión); 1984.– Riptide: The Hardcase (serie televisión), El trueno azul: The Long Flight (serie televisión); 1985.– Sin vergüenza, Admiradora secreta; 1986.– SOS: equipo azul, 52 vive o muere; 1987.– Amor en la hoguera, Un tigre en la almohada, Amazonas en la Luna; 1988.–La trampa de la araña, Los gemelos golpean dos veces; 1989.– Los expertos; 1990.– Historias de la cripta: The Switch (serie televisión); 1991.– Run, perseguido por todos, The Perfect Bride (película televisión); 1992.– Only You; 1993.–El reloj americano (película televisión); 1994.– Asesino a sangre fría, Guerrero cheyenne (película televisión), El amor es un tiro; 1995.– La señora Munck, Esperando un respiro; 1996.– Abierto hasta el amanecer, Citizen Ruth, Tú asesina, que nosotras limpiamos la sangre, Little Surprises (cortometraje), Jerry Maguire; 1997.– Adictos al amor, Nada que perder; 1998.– El gurú: una incontrolable tentación, Welcome to Hollywood, Jack Frost; 1999.– Entre el amor y el juego; 2000.– Campo de batalla: la Tierra, Bar Hopping (película televisión); 2001.– Daddy and Them; 2003.– Amor en el aire, Un sueño para ella, El gato; 2004.– Maroon 5: She Will Be Loved (vídeo musical), Enredos de familia, Sentencia de muerte, Joey: Joey and the Dream Girl (serie televisión); 2005.–Fat Actess (serie televisión), Sky High: una escuela de altos vuelos; 2006: Broken Bridges; 2007.– Sentencia de muerte; 2008.– Struck (cortometraje), Médium (serie televisión), The Tenth Circle (película televisión), Suburban Shootout (serie televisión); 2009.– Dos canguros muy maduros; 2010.– Desde París con amor, La última canción, Corrupción en el poder; 2013.– The Stafford Project: White Secret (serie televisión), Keep Calm and Karey On (película televisión); 2014.– Dissonance (cortometraje); 2016.– CSI: Cyber. Going Viral, Flash Squad, Legacy (serie televisión); 2018.– Gotti; 2020.– Off the Rails.

DEL LAGO AZUL A JOHN TRAVOLTA El pasado mes de julio Kelly Preston fallecía víctima del cáncer de mama después de dos años de pelear contra la enfermedad sin hacerla pública. Muchos noticiarios la identificaron por la vía más fácil como la esposa de John Travolta, lo que además daba pie a reparar en las tragedias en la vida privada del protagonista de Fiebre del sábado noche, que no solo había perdido once años antes, cuando el joven tenía solo 16 años, a Jett, el hijo mayor que había tenido con Kelly.

Además se daba el caso de que había perdido también, víctima del cáncer de mama, a su primera pareja, la actriz Diana Hyland, a la que había conocido cuando ambos rodaban el primer papel protagonista del actor en la película para televisión El chico de la burbuja de plástico, allá por 1977.

Pero, aún sin ser tan popular como estrella al nivel de su marido, Kelly Preston contaba con una filmografía propia y una presencia en el cine desde los años ochenta en adelante como para haberse ganado a pulso un recuerdo según sus propios méritos ante las cámaras del cine y la televisión. Preston fue una habitual de series de televisión en la primera etapa de su carrera, aunque en el cine se la recuerda sobre todo por su papel junto a Arnold Schwarzenegger y Danny DeVito en Los gemelos golpean dos veces, su trabajo junto a Tom Cruise y Cuba Gooding Jr. en Jerry Maguire, donde, no obstante, el papel de principal personaje femenino se lo llevó Renée Zellweger, el principal papel femenino de Jack Frost, junto a Michael Keaton convertido en muñeco de nieve, y emparejada con Kevin Costner en el drama romántico con trasfondo deportivo Entre el amor y el juego, o la comedia romántica a cuatro bandas de Adictos al amor que compartió junto con Meg Ryan, Matthew Broderick y Tcheky Karyo. Además, compartió reparto con su marido en Campo de batalla: la Tierra, experiencia que se podría haber ahorrado porque es una de la peores películas de ciencia ficción de la historia del cine.

Todo ello en una carrera cinematográfica que estuvo a punto de comenzar con su fichaje para protagonizar El lago azul. Finalmente, esa película lanzaría a un estrellato ciertamente efímero y poco interesante a Brooke Shields, pero Preston hizo el casting y fue una de las finalistas más firmes para quedarse con el trabajo.

Kelly Preston nació y fue criada en Hawái, excepto por unos periodos que pasó en Irak y Australia. Su madre, Linda Carlson, era la administradora de un centro de salud mental, y su padre, que trabajaba en agricultura, se ahogó cuando ella tenía tres años. Su madre volvió a casarse con Peter Palzis, director de personal, que adoptó a Kelly. De hecho, los primeros trabajos de su carrera ante las cámaras los llevó a cabo la actriz con el apellido de su padrastro, que luego cambiaría por Preston. Fruto de la pareja formada por su madre y Palzis, Kelly tenía un hermanastro, Chris Palzis. El trabajo de su padrastro llevó a la familia a trasladarse a Irak y Australia, y fue durante su estancia en este segundo país cuando Kelly fue descubierta a los 16 años por un fotógrafo que impulsó el comienzo de su carrera como modelo en el campo publicitario. Además, le facilitó su primera prueba ante las cámaras para un papel en el cine en El lago azul.

Tras interpretar varios pequeños papeles en series televisivas, Kelly consiguió el primer personaje destacado de su filmografía en la pantalla grande en la comedia romántica juvenil Sin vergüenza, después de haber aparecido en la adaptación de la novela de Stephen King, Christine, dirigida por John Carpenter, y haber contado con papel fijo en la serie For Love and Honor.

BLANCO DE LAS CRÍTICAS Ambos títulos contribuyeron a regularizar sus apariciones en el cine a partir de ese momento, destacando entre sus siguientes trabajos la película de intriga 52 vive o muere, adaptación de la novela de Elmore Leonard dirigida por John Frankenheimer en la que acompañó como secundaria a Roy Scheider y Ann-Margret, con la que volvió a coincidir en la comedia romántica Un tigre en la almohada.

Por otra parte, Kelly Preston se convirtió en blanco habitual de los premios Razzies, que en clave de anti-Oscar galardonan los peores trabajos de cada año. Estuvo nominada en cinco ocasiones. Ganó como peor actriz de reparto por su trabajo en Campo de batalla: la Tierra. Luego fue nominada siempre como actriz de reparto por sus trabajos en El gato y Dos canguros muy maduros, otra con su marido, al que la unió una nominación como peor dúo cinematográfico y otra como peor actriz de reparto por su trabajo en Gotti.

Preston se casó en dos ocasiones. La primera con Kevin Gage, actor, productor y guionista al que hemos visto en películas como Heat, La teniente O’Neil y Con Air (Convictos en el aire). Gage compartió con Preston el reparto de SOS: equipo azul. Contrajeron matrimonio en diciembre de 1985 y se divorciaron en 1987.

Tras esa relación, no tuvo mucha suerte con su siguiente pareja, Charlie Sheen, ya que cuando convivió con el protagonista de Platoon y Wall Street entre 1989 y 1990, Kelly acabó siendo herida accidentalmente por arma de fuego en el apartamento que compartía con el actor con el que había estado a punto de casarse cuando él le pidió matrimonio en 1989, incluyendo regalo de anillo de diamantes.

Se casó con John Travolta en septiembre de 1991 y tuvieron doble boda. Preston y Travolta eran miembros de la Iglesia de la Cienciología, así que procedieron a contraer nupcias en una ceremonia oficiada por un ministro cienciólogo en 1991 el 5 de septiembre, pero al no tratarse de una ceremonia oficial pasaron a segunda boda oficial el 12 de septiembre. Después de esa boda, Kelly Preston decidió dejar aparcada su carrera como actriz para dedicarse a su familia y atender a su primer hijo con el actor, pero, según ella misma afirmaba, cuando intentó volver a trabajar las cosas se pusieron particularmente difíciles para ella porque en la industria parecían haber olvidado que ella tenía una carrera como actriz antes de convertirse en la señora Travolta, y tuvo que volver a empezar casi desde cero para volver a ganarse un mínimo hueco en su profesión.

Tuvieron tres hijos. Jett Travolta, nacido el 13 de abril de 1992, Ella Bleu Travolta, nacida el 3 de abril de 2000, y Benjamin, nacido el 23 de noviembre de 2010.

Después de que su primer hijo fuera diagnosticado con el síndrome de Kawasaki, Kelly se implicó totalmente en la organización Children’s Earth Environmental, dedicada a la educación de los padres sobre riesgos medioambientales que pueden afectar a la salud de sus hijos.

JAMIE FOXX

ABIGAIL BRESLIN

(Eric Marlon Bishop)

(Abigail Kathleen Breslin)

13 de diciembre de 1967, Terrell, Texas, EE. UU. Altura: 1,75 metros.

Estado civil: Soltero. Tiene dos hijas: la modelo y actriz Corinne Foxx, hija del actor y Connie Kline; y Annalise Bishop, cuya madre es Kristin Grannis. Se rumorea que sale con Katie Holmes.

Deportes favoritos: Seguidor de los Miami Heat, el equipo de baloncesto, y de la lucha profesional. Fue quarterback en su instituto. También jugó al baloncesto.

Debut profesional: Aunque su sueño era jugar en los Dallas Cowboys, estudió piano desde los cinco años y música en la Universidad Internacional de los Estados Unidos. Al acabar sus estudios universitarios, su talento para contar chistes le llevó a probar suerte en varios locales de monólogos, donde cambió su nombre por el de Jamie Foxx. Así se hizo un sitio como cómico y llegó al reparto del programa de humor In Living Color, al que se unió en 1991, y a la película Toys, con la que debuta en cine en 1992.

Personajes: Fue George en Roc, su primer papel importante. Pero sobre todo interpretó a Jamie King en su propia serie, The Jamie Foxx Show.

Premios: Ganador del Oscar (y BAFTA y Globo de Oro) al mejor actor por Ray, en 2005, y también fue nominado al mejor secundario por Collateral.

Filmografía básica: Toys (1992), Roc (1992-1993), La verdad sobre perros y gatos (1996), Un domingo cualquiera (1999), The Jamie Foxx Show (1996-2001), Ali (2001), Collateral (2004), Ray (2004), Jarhead (2005), Corrupción en Miami (2006), Dreamgirls (2006), La sombra del reino (2007), Un ciudadano ejemplar (2009), Django desencadenado (2012), Asalto al poder (2013), The Amazing Spider-Man 2: el poder de Electro (2014), Baby Driver (2017), Proyecto Power (2020), Cuestión de justicia (2020).

Frases: “Cuando un proyecto es mágico y especial, significa que en cierto momento el guion va paralelo a tu historia”.

14 de abril de 1996, Nueva York, EE. UU. Altura: 1,55 metros.

Estado civil: Soltera, pero se rumorea que sigue siendo pareja de Ira Kunyansky, con quien comenzó una relación sentimental en 2018.

Apodo: Abbie.

Debut profesional: Siendo hija de un experto en telecomunicaciones y una mánager de actores, con dos hermanos mayores, uno de los cuales también es intérprete, Abigail Breslin lo tuvo más fácil que otras jóvenes estrellas para acercarse al mundo del espectáculo. Con apenas tres años empezó a trabajar en publicidad, con un anuncio de Toys “R” Us. De ahí, con solo seis años, dio el salto al cine con Señales ni más ni menos. Ese mismo año debutaría en televisión con un episodio de Lo que me gusta de ti.

Personajes: Fue Libby Putney, o Chanel Número 5, en la muy gamberra Scream Queens, su única serie hasta la fecha.

Premios: Nominada al Oscar en 2007 por Pequeña Miss Sunshine.

Ese año fue nominada también el BAFTA. Filmografía básica: Señales (2002), Mamá a la fuerza (2004), Princesa por sorpresa 2 (2004), Pequeña Miss Sunshine (2006), El último regalo (2006), Sin reservas (2007), Definitivamente, quizás (2008), La isla de Nim (2008), Kit Kittredge: sueños de periodista (2008), La decisión de Anne (2009), Bienvenidos a Zombieland (2009), Noche de fin de año (2011), La última llamada (2013), Agosto (2013), El juego de Ender (2013), Maggie (2015), Final Girl (2015), Scream Queens (2015-2016), Zombieland: mata y remata (2019).

Frases: “Quiero encargarme del vestuario, quiero encargarme de la peluquería, quiero encargarme del maquillaje. Quiero escribir guiones.

Quiero dirigir. Quiero hacerlo todo. Y también quiero producir”. ¿Sabías que…? Aprendió a tocar la guitarra por sí misma viendo tutoriales on-line, lo que la ha llevado a tocar en una banda, CABB, con su amiga Cassidy Reiff.

TONI COLLETTE

LUKE WILSON

(Antonia Collett)

(Luke Cunningham Wilson)

1 de noviembre de 1972, Sídney, Nueva Gales del Sur, Australia.

Altura: 1,73 metros.

Estado civil: Casada con el músico David Galafassi, de la banda Gelbison, desde el 11 de enero de 2003. La pareja tiene un hijo y una hija.

Debut profesional: Interesada en cantar desde niña, con catorce años pasó una audición para ser la protagonista de Godspell en el instituto cantando una canción de Whitney Houston. Ese año decidió que quería ser actriz y cumplidos los dieciséis se trasladó a estudiar al Australian Theatre for Young People. A inicios de 1991 comienza a prepararse en el National Institute of Dramatic Art. A los dieciocho meses lo dejó para debutar en teatro con Geoffrey Rush en Tío Vania. Debutó en 1990 en la serie A Country Practice y en la película Spotswood en 1992.

Personajes: Fue Tara Gregson en United States of Tara, su primera serie como protagonista. Luego interpretó a la doctora Ellen Sanders en Rehenes. Recientemente ha sido la detective Grace Rasmussen en la brillante Creedme.

Premios: Nominada al Oscar en 2000 por su papel en El sexto sentido. Ganadora del Emmy y el Globo de Oro por United States of Tara.

Filmografía básica: La boda de Muriel (1994), Adorable locura (1996), Velvet Goldmine (1998), El sexto sentido (1999), Shaft (2000), Un niño grande (2002), Las horas (2002), En sus zapatos (2005), Pequeña Miss Sunshine (2006), United States of Tara (2009-2011), Noche de miedo (2011), Hitchcock (2012), El camino de vuelta (2013), Rehenes (2013-2014), Krampus (2015), Imperium (2016), xXx: Reactivated (2017), Hereditary (2018), Creedme (2019), Puñales por la espalda (2019), Velvet Buzzsaw (2019).

Frases: “Cuanto más te conoces a ti misma, mejor es tu relación con el resto del mundo”. ¿Sabías que…? Se ha afeitado la cabeza cinco veces en su vida y solo una vez fue para un papel: en 8 ½ mujeres.

21 de septiembre de 1971, Dallas, Texas, EE. UU. Altura: 1,81 metros.

Estado civil: Soltero. Pese a haber salido con actrices como Gwyneth Paltrow o jugadoras de baloncesto como Meg Simpson, el actor no tiene relación conocida en la actualidad.

Apodo: One-Take Wilson.

Deportes favoritos: En la universidad era corredor… y muy bueno.

Debut profesional: Hermano pequeño de Owen y Andrew Wilson, el actor era bastante popular de adolescente, pero sus propios hermanos no recuerdan que tuviera interés por la interpretación hasta que se mudó a Los Ángeles y ya en la universidad se sintió interesado por el medio. Su hermano Andrew comenzó su carrera en 1993, de forma profesional, el mismo año que debutaron con un cortometraje Owen y Luke, Bottle Rock.

El debut en cine también lo compartieron, acompañados de Andrew, en 1996, con Ladrón que roba a otro ladrón. Un episodio de Expediente X en 1998 fue su inicio en televisión.

Personajes: Ha tenido papeles de invitado, como el de Casey Kelso en Aquellos maravillosos 70, o el de Levi Callow en Iluminada. Su primer personaje protagonista ha sido el de Pat Dugan en Stargirl.

Premios: No ha sido nominado a ningún premio de relevancia todavía.

Filmografía básica: Ladrón que roba a otro ladrón (1996), Los padrinos del novio (1997), Scream 2 (1997), Academia Rushmore (1998), Los ángeles de Charlie (2000), Una rubia muy legal (2001), Escapando de la oscuridad (2001), Los Tenenbaums (2001), Aquellas juergas universitarias (2003), Iluminada (2011-2013), Pegado a ti (2003), El reportero (2004), La joya de la familia (2005), Idiocracia (2006), Habitación sin salida (2007), Un funeral de muerte (2010), The Skeleton Twins (2014), Stargirl (2020-¿).

Frases: “No queremos que las mujeres lleguen a conocer realmente a los hombres porque entonces descubrirían lo mucho que las necesitamos”.

SERIES DE TV

SERIES DE TV

SCREAM QUEENS

SLASHER

Temporada 1

Temporada 1

Emisión en EE. UU.: 22 de septiembre a 1 de diciembre de 2015, Fox; Reparto: Emma Roberts, Jamie Lee Curtis, Lea Michele, Glen Powell, Diego Boneta, Abigail Breslin, Keke Palmer, Oliver Hudson, Nasim Pedrad, Lucien Laviscount, Billie Lourd, Ariana Grande, Nick Jonas.

Emisión en EE. UU.: 4 de marzo a 15 de abril de 2016, Chiller; Reparto: Katie McGrath, Brandon Jay McLaren, Steve Byers, Patrick Garrow, Dean McDermott, Christopher Jacot, Mary Walsh, Enuka Okuma, Erin Karpluk, Wendy Crewson, Mayko Nguyen, Rob Stewart, Dylan Taylor, Mark Ghanimé, Jessica Sipos, Victoria Snow, Anthony Lemke.

Concebida como una gigantesca sátira no solo del género slasher, sino también de los clichés de la sociedad y de las series y películas juveniles, Scream Queens se convirtió en un pequeño placer culpable para los fans del género desde su estreno, en septiembre de 2015, de la mano de uno de los nombres más respetados de la televisión norteamericana, Ryan Murphy, quien presentó la serie junto con Brad Falchuk e Ian Brennan, los otros cocreadores de Scream Queens. El trío de productores y guionistas no se separaría en toda la temporada, de trece episodios, escribiendo a seis manos no solo los dos episodios de arranque y final de la temporada, sino que, además, se repartieron los capítulos centrales, siendo ellos los autores de la primera temporada al completo. Incluso dirigieron varios episodios de la temporada. Aunque la serie no fue acogida como se esperaba, ni siquiera desde el estreno, por parte de la crítica, que fue más tibia de lo habitual con productos de la factoría Murphy.

Posteriormente, el público tampoco convirtió la serie en su favorita del año.

Muchos piensan que la primera temporada estaba desubicada y que nunca fue un proyecto que FOX pudiese aprovechar en su network, pero que hubiese funcionado de maravilla en FX, como American Horror Story, por ejemplo, con mucha mayor libertad creativa y menos censura, o en The CW manteniendo su estilo, aunque esa cadena difícilmente podía permitirse un reparto como este.

Pese a todo, fue renovada y se ganó a una pequeña parte de la audiencia, que se convirtió en adicta a la serie. La primera temporada se centraba en un campus universitario y un asesino que atacaba a sus víctimas disfrazado de la mascota de la universidad. Como centro de sus iras, una sororidad que estaba liderada por el personaje de Emma Roberts, una persona egoísta, soberbia, engreída, repelente y muchas veces despreciable, lo que hacía que el espectador nunca supiese a quién apoyar o de parte de quién estar: si de parte de las víctimas o del propio asesino tras la máscara.

Unas veces se trata de intentar sacar beneficio de una idea ajena. Otras es mera casualidad. En otras ocasiones simplemente alguien oye que un proyecto se pone en marcha e intenta hacer algo parecido para componer un producto que pueda competir con aquel y que incluso el éxito de uno suponga un impulso para el otro… Si es que alguno se convierte en un éxito. Por eso, por alguno de esos motivos, tras el estreno de Scream Queens en septiembre de 2016, poco más de seis meses después aparecía Slasher, una serie que bebía de la misma idea original: satirizar el género slasher y los clichés que lo rodeaban, aunque en este caso con la idea de hacer una serie que fuese una antología de historias, donde cada temporada acabaría completamente y daría pie a una segunda con un nuevo reparto y una historia completamente diferente, dentro de lo que ya conocemos. Aunque algunos actores repetían entre temporadas con nuevos personajes. La producción era canadiense, lo que se nota, por ejemplo, en el reparto, con muchos nombres desconocidos, y en una producción efectiva pero discreta en su primer año que estrenó Chiller en Estados Unidos y Super Channel en su país de origen. Pese a los parecidos, a la temática y a la falta de un presupuesto más holgado, la crítica respondió con Slasher y su historia, su humor, su violencia y sus ganas de complacer con mucha mala baba. La historia era la de un matrimonio que regresaba a la ciudad en la que ella había nacido. Un pequeño y precioso pueblo con un trágico pasado. Un pasado relacionado con esa esposa, quien nació la noche en que sus padres fueron asesinados: la noche de Halloween de 1988. El asesino fue encontrado por la policía llevando en sus brazos al bebé que ahora volvía a la ciudad. Justo cuando un asesino empieza a repetir los mismos asesinatos que aquel de 1988 con el nombre de Verdugo. La segunda temporada pasaría a ser distribuida por Netflix.

SERIES DE TV

SERIES DE TV

STRANGER THINGS

STARGIRL

Temporada 2

Temporada 1

Estreno en todo el mundo: 27 de octubre de 2017, Netflix; Reparto: Winona Ryder, David Harbour, Finn Wolfhard, Millie Bobby Brown, Gaten Matarazzo, Caleb McLaughlin, Noah Schnapp, Sadie Sink, Natalia Dyer, Charlie Heaton, Joe Keery, Dacre Montgomery, Cara Buono, Sean Astin, Paul Reiser.

Emisión en EE. UU.: 18 de mayo a 10 de agosto de 2020, DC Universe (un día después, en The CW); Reparto: Brec Bassinger, Luke Wilson, Amy Smart, Yvette Monreal, Anjelika Washington, Cameron Gellman, Trae Romano, Jake Austin Walker, Meg DeLacy, Neil Jackson, Christopher James Baker, Hunter Sansone, Henry Thomas, Eric Goins, Neil Hopkins, Joy Osmanski, Hina Khan, Mark Ashworth, Nelson Lee, Joel McHale, Lou Ferrigno Jr.

Estaba absolutamente claro que tras el éxito de crítica y audiencia (dentro de lo que podemos llamar “audiencia” en Netflix, donde no se comparten los datos de los visionados como las audiencias tradicionales), y el fenómeno en que se había convertido la serie en todo el mundo, tendríamos una segunda temporada de Stranger Things. La ficción, sin casi intentarlo y de la mano de un reparto sensacional y el saber hacer de sus responsables, los Duffer brothers (que manejaron el humor, el terror, el carisma de los personajes y la nostalgia de los ochenta de forma magistral), se había convertido en una de las series insignia de Netflix, en plena expansión de la compañía, que iba a llegar a cada vez más países. El problema es que, pese al final de la primera temporada, los Duffer no habían pensado en una continuación de la serie como tal.

Su idea es que funcionase como miniserie o, en todo caso, como una antología de historias de terror ambientadas en los ochenta. Incluso la posibilidad de que se tratase de una secuela directa de la primera temporada entró en sus planes, pero ambientando la serie en los noventa y haciendo crecer a los personajes… o envejecer, según el caso. Pero todo eso salió por la ventana cuando se estrenó y el público se enamoró de estos personajes, especialmente de los jóvenes. Por ello rechazaron todas esas ideas y pronto prepararon las líneas generales de la secuela, que estaría ambientada en 1984 y que lidiaría con cierta escena final la cual estaba planeada como final inquietante, no como pie para la segunda temporada. Nueve episodios compusieron la temporada: los dos iniciales y los dos finales, escritos y dirigidos por los hermanos Duffer; con el productor Shawn Levy dirigiendo otros dos episodios; y la brillante incorporación de Andrew Stanton, director de películas como Wall-E o Buscando a Nemo, quien dirigiría otros dos; dejando uno para la directora Rebecca Thomas. La temporada fue anunciada no como segunda temporada, sino como Stranger Things 2.

Antes de que todo el escándalo de La Justice League de Zack Snyder acabase salpicando a Geoff Johns, responsable de dar orden al universo DC en el campo audiovisual, este crearía la serie que llevaba tiempo soñando: la de su personaje creado en los cómics, Stargirl, producida por Greg Berlanti y el propio Johns, aunque no entraría dentro del Arrowverso. Con el anuncio del lanzamiento en 2021 del SnyderCut, las acusaciones sobre Johns, quien ya había abandonado su puesto en DC, empezaron a llover, lo que no sabemos es cómo afectará a su serie. Una serie que, además, suponía una nueva forma de explotar un proyecto de este estilo, presentando cada episodio semanal en el servicio de streaming DC Universe, mientras que para el resto del público sería posible disfrutar de él en abierto veinticuatro horas después en The CW, canal donde habitan muchas de las series DC, sobre todo las que forman parte del Arrowverso. Aunque Stargirl no lo sería, ya que como se explicó en el evento Crisis en Tierras Infinitas, es parte de otro universo de los muchos que componen DC Comics. La serie presentaba a un personaje que ya apareció en Smallville (en un episodio escrito por Geoff Johns) y que también había hecho acto de presencia en Legends of Tomorrow en una versión más adulta y parte del Arrowverso, con los rasgos de Sarah Grey. Aquí, la ficción presentaba en su arranque el final de la Justice Society of America a manos de la Injustice Society of America. Diez años después, tras una mudanza a Atlanta, Courtney Whitmore hereda el manto de Starman, convirtiéndose en Stargirl y tratando de dar vida a una nueva Justice Society of America que pueda derrotar a la Injustice Society of America, ante la atónita mirada de Pat Dugan, quien fuese aliado de Starman y encargado de custodiar el báculo que da los poderes del superhéroe. La serie fue renovada para una segunda temporada, que llegará a The CW directamente.

QUE FUE DE...

QUE FUE DE...

DANNY TREJO BIOGRAFIA. Nacido el 16 de mayo de 1944 en Echo Park, Los Ángeles (California), es uno de los actores más prolíficos de las últimas décadas, como actor secundario o protagonista. En su faceta personal ayuda a jóvenes con problemas con las drogas, protagoniza campañas publicitarias y tiene su propia marca de restaurantes, Trejo’s Tacos, de la que ha surgido su primer libro de recetas de comida mexicana, y asimismo produce música bajo la denominación de Chicano Soul Shop.

FILMOGRAFIA DESTACADA. Sus colaboraciones con Michael Mann, tanto en la serie Camarena: la guerra de las drogas (1990) como en el thriller total Heat (1995), en el que es miembro de la banda de atracadores con el nombre de Trejo. Las películas de la saga Bad Ass, Tipo duro (2012) y Tipos duros (2014), de Craig Moss, como el justiciero veterano del Vietnam Frank Vega. El documental Inmate #1: The Rise of Danny Trejo (2019, Brett Harvey), que muestra su oscuro pasado criminal y su lucha a lo largo de décadas en busca de la redención.

SU PAPEL MAS DESTACADO. El del justiciero (expolicía) Machete Cortez (popular por un falso tráiler en Planet Terror) para Robert Rodriguez en Machete (2010) y Machete Kills (2013), que ya avanzaba una posible tercera entrega, Machete Kills again… in Space.

SU ULTIMO TRABAJO. La película de acción Final Kill, de Justin Lee; el drama In Stranger Company, de Phillip Abraham, o la comedia American Pie Presents: Girls’ Rules, de Mike Elliott. Y están a la espera de estreno la comedia de horror The House Next Door, de Deon Taylor; la terrorífica La llorona, de Patricia Harris Seeley, o lo nuevo del músico Glenn Danzig, Death Rider in the House of Vampires.

QUE FUE DE...

MADELEINE STOWE BIOGRAFIA. Nacida el 18 de agosto de 1958 en Los Ángeles (California), sus primeros papeles fueron para la pequeña pantalla en las series Baretta, Barnaby Jones o La casa de la pradera, o en el telefilme de Paul Michael Glaser Comando de amazonas (1984).

Desde entonces ha trabajado a las órdenes de John Badham, Jack Nicholson, Robert Altman, Michael Apted, Jonathan Kaplan o Gary Fleder, alternando cine y televisión.

FILMOGRAFIA DESTACADA. Sangre y orquídeas (1986, Jerry Thorpe), un thriller en forma de miniserie en el que encarna a Hester Ashley Murdoch. Revenge (Venganza) (1990, Tony Scott), interpretando a Miryea, la esposa del poderoso Tibey (Anthony Quinn), de la que se enamora el amigo de este, Cochran (Kevin Costner). Tierra de armarios (1991, Radha Bharadwaj), un drama sobre la tortura que combina imagen real y animada en el que Stowe es la víctima y Alan Rickman su interrogador, que la mantiene en una oscuridad total.

SU PAPEL MAS DESTACADO. El de Cora Munro en El último mohicano, la aventura (1992, Michael Mann), hija del coronel británico Edmund Munro, contra el que clama venganza el indio hurón Magua (Wes Studi) por ser responsable de la muerte de su familia. Solo la protección y el amor de Hawkeye (Daniel Day-Lewis) pueden salvar a Cora y a su hermana Alice (Jodhi May) de esta vendetta.

SU ULTIMO TRABAJO. Su participación en la serie Doce monos, inspirada en el filme de Terry Gilliam del mismo título del año 1995 y en el que la Stowe actuó junto a Bruce Willis, aunque en esta ocasión su papel es diferente al de la doctora Kathryn Railly. La serie para Vídeo Bajo Demanda Soundtrack, en la que ha sido Margot Weston.

QUE FUE DE...

MADONNA

ANDY GARCIA

BIOGRAFIA. Nacida como Madonna Louise Ciccone, el 16 de agosto de 1958, en Bay City (Michigan), es conocida por ser una exitosa cantante de pop desde los años ochenta, con varios premios Grammy en su haber. Se inició en el cine con el drama Un cierto sacrificio (1979, Stephen Jon Lewicki), hasta que ya como artista popular compatibilizó música y cine colaborando con realizadores como James Foley, Woody Allen, Penny Marshall, Abel Ferrara o Spike Lee; ha dirigido incluso un par de filmes. Actualmente ha dejado de lado su faceta de actriz.

FILMOGRAFIA DESTACADA. Buscando a Susan desesperadamente (1985, Susan Seidelman), en la que era la pizpireta Susan del título. La aventurera Shanghai Sunrise (1986, Jim Goddard), protagonizada por Madonna y por el que fuera entonces su esposo, Sean Penn, bajo producción de George Harrison (The Beatles). Evita (1996, Alan Parker), adaptación del musical de Andrew Lloyd Webber, con Madonna como Eva Perón.

SU PAPEL MAS DESTACADO. El de la seductora Breathless Mahoney en la colorista adaptación de las historietas del detective creado por Chester Gould, Dick Tracy, realizada en 1990 por Warren Beatty, en cuya banda sonora también había temas cantados por ella y que ganó el Oscar al Mejor Maquillaje, Mejor Dirección Artística y Mejor Canción Original (interpretada por Madonna).

SU ULTIMO TRABAJO. Aparte de aparecer en sus videoclips musicales o en los de otras artistas, como Ariana Grande, Madonna prestó en 2006 voz a la princesa Selenia en Arthur y los Minimoys, de Luc Besson, e interpretó al personaje de Liz en la serie Will & Grace, tras ser la profesora de esgrima Verity en la última aventura de Pierce Brosnan como James Bond, Muere otro día (2002, Lee Tamahori).

BIOGRAFIA. Nacido el 12 de abril de 1956 en La Habana (Cuba) como Andrés Arturo García Menéndez. Este polifacético artista lo mismo actúa para Francis Ford Coppola, Mike Figgis, Stephen Frears o Barbet Schroeder, que apoya la música latina (por lo que ha ganado incluso un Grammy), canta o se pone tras las cámaras para dirigir episodios de series, videoclips musicales o cine, tanto de ficción como documental.

FILMOGRAFIA DESTACADA. 8 millones de maneras de morir (1986, Hal Ashby), en la que encarna a un peligroso narcotraficante al que se enfrenta el detective Scudder (Jeff Bridges). Los Intocables de Eliot Ness (1987, Brian De Palma), siendo el policía neoyorquino George Stone, que se une al grupo de Ness (Kevin Costner) contra el crimen organizado. Jennifer 8 (1992, Bruce Robinson), interpretando al inspector John Berlin, que investiga los crímenes de un asesino en serie y que se enamora de una testigo esencial del caso, Helena (Uma Thurman).

SU PAPEL MAS DESTACADO. El del detective de la Policía de Nueva York Charlie Vincent en Black Rain (1989, Ridley Scott), un thriller que se traslada de la Gran Manzana a Osaka cuando un peligroso miembro de la yakuta, implicado en un caso de falsificación de dólares, se escapa de sus manos y de las de su compañero Nick Conklin (Michael Douglas).

SU ULTIMO TRABAJO. El thriller Against the Clock, de Mark Polish; las series Los 3 de abajo: cuentos de Arcadia, Modern Love y Flipped y el drama Ana, de Charles McDougall. Como director prepara el biopic Hemingway & Fuentes, y próximamente se verán sus interpretaciones en la romántica What About Love, de Klaus Menzel, y en la cinta de acción Redemption Day, de Hicham Hajji.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

EL ARPA BIRMANA Biruma No Tategoto 1956; Japón; Blanco y negro; Director: Kon Ichikawa; Guion: Natto Wada; Música: Akira Ifukube; Fotografía: Minoru Yokoyama; Intérpretes: Rentarô Mikuni, Shôji Yasui, Jun Hanamura, Taketoshi Naitô, Shunji Kasuga, Kô Nishimura, Keishichi Nakahara, Toshiaki Itô, Hiroshi Hijikata, Tomio Aoki, Norikatsu Hanamura, Sanpei Mine, Tomoko Tonai, Takashi Koshiba, Tokuhei Miyahara, Yoshiaki Kato, Masahiko Naruse; Duración: 116 minutos.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

UN CONDENADO A MUERTE SE HA ESCAPADO Un Condamné Á Mort S’est Échappé 1956; Francia; Blanco y negro; Director: Robert Bresson; Guion: André Devigny, Robert Bresson; Música: x; Fotografía: Léonce-Henri Burel; Intérpretes: François Leterrier, Charles La Clainche, Maurice Beerblock, Roland Monod, Jacques Ertaud, Jean-Paul Delhumeau, Roger Treherne, JeanPhilippe Delamarre, Jacques Oerlemans, Klaus Detlef Grevenhorst; Duración: 100 minutos.

Basada en la novela de Michio Takeyama y dividida en una primera parte de 63 minutos y una segunda de 80, El arpa birmana es una de las películas más apreciadas de su director, que ganó como realizador por este trabajo en el Festival de Venecia. Además fue nominada al Oscar en la categoría de película en lengua no inglesa. El propio Ichikawa retomó esta misma historia en un remake que dirigió en color y con otro reparto en el año 1985, consiguiendo un notable éxito de taquilla, hasta el punto de que fue la película más taquillera en el mercado japonés de ese año. Las copias distribuidas en el mercado occidental tienen menos metraje que la versión japonesa, de 143 minutos.

Circula por ahí una versión de 90 minutos. Huyan de ella. No es completa, está censurada. Y en una película de Bresson la censura es si cabe más demoledora, teniendo en cuenta las claves de cine trascendental que maneja el director y la importancia del ritmo en el marco de la misma.

El título de la película responde al cometido que tiene el soldado Mizushima en el grupo de músicos reunido por el capitán Inouye para elevar con canciones y música la moral de la tropa. Mizushima es el arpa en este grupo de soldados inmerso en la Campaña de Birmania durante la Segunda Guerra Mundial, y que tras encontrar acomodo en un pueblo perciben que son acechados por una compañía de soldados británicos e indios. Para despistar al enemigo son obligados a cantar y reír simulando que desconocen su presencia en la zona. Pero la situación alcanza un nivel excepcional en un enfrentamiento bélico cuando los soldados enemigos empiezan a cantar la misma canción sobre el hogar, y los soldados japoneses se enteran de que la guerra ha terminado, lo que los lleva a rendirse a los aliados.

La película se basa en las memorias de André Devigny, soldado y miembro de la resistencia francesa que fue encarcelado en la prisión de Montluc, pero en la película se filtra también la propia experiencia de Robert Bresson, que en su etapa como miembro de la resistencia fue capturado por los alemanes. El arranque de la película rinde homenaje visual a los 7.000 prisioneros de la cárcel de Montluc que murieron a manos de los alemanes.

Cuando están retenidos en un campo de prisioneros, un oficial británico le propone a Mizushima que interceda con unos camaradas japoneses que siguen combatiendo para que se rindan, pero los japoneses prefieren morir luchando. M.J.P.

Un condenado a muerte se ha escapado ha sido señalada como la mejor película de su director y nos propone una visión de la Segunda Guerra Mundial poco habitual en el cine de su época. M.J.P.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

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KANAL 1957; Polonia; Blanco y negro; Director: Andrzej Wajda; Guion: Jerzy Stefan Stawinski; Música: Jan Krenz; Fotografía: Jerzy Lipman; Intérpretes: Teresa Izewska, Tadeusz Janczar, Wienczyslaw Glinski, Tadeusz Gwiazdowski, Stanislaw Mikulski, Emir Karewicz, Vladek Sheybal, Teresa Berezowska, Zofia Lindorf, Janina Jablonska; Duración: 91 minutos.

La primera película basada en el denominado Levantamiento de Varsovia se sitúa en los últimos días del mismo, el 25 de septiembre de 1944, y sigue los pasos a una compañía de 43 combatientes de la resistencia polaca y civiles liderados por el teniente Zadra que intenta escapar de los alemanes a través de los subterráneos de la ciudad, lo que le presta a todo el largometraje una identidad de relato claustrofóbico.

Kanal es la segunda pieza en la construcción de la trilogía de Wajda formada además por Polokelenie (1955), distribuida internacionalmente con el título de Una generación, y Cenizas y diamantes (1958). Ganó el premio especial del jurado junto a El séptimo sello de Bergman en el Festival de Cannes.

Algunos de los miembros del equipo que rodó la película conocían de primera mano el hecho que esta tomaba como referencia, ya que habían participado en el Levantamiento de Varsovia (es el caso del director de fotografía y actores), y el guionista, que también había tenido la experiencia de moverse por los túneles, puso buen cuidado en que cada personaje de la película fuera de un modo u otro inspirado por una persona real que había pasado por esa experiencia.

Por otro lado el propio director había combatido a los alemanes durante la guerra y se ocupó de incorporar al largometraje algunas de sus experiencias reales como miembro de la resistencia polaca.

Rodada después de la muerte de Josef Stalin y tras la caída del régimen estalinista polaco de Boleslaw Bierut, la película pudo disfrutar de un momento en el que la censura y la propaganda comunistas presentes en otros largometrajes de esa misma nacionalidad estaban más relajadas, lo que le dio más oportunidades de expresarse libremente al director. M.J.P.

El argumento nos sitúa en abril de 1943, momento en el que el teniente Fontaine, de 27 años, integrante de la resistencia francesa contra la ocupación alemana, es arrestado por la Gestapo. Intenta escapar del convoy pero es atrapado finalmente, encarcelado y condenado a muerte. Eso no le impide seguir trabajando para conseguir escaparse con las pocas herramientas improvisadas de que le provee su encierro.

Trabajando con actores no profesionales, el director prosiguió en este largometraje con su búsqueda de la pureza casi ascética en la interpretación.

La película fue nominada a los premios BAFTA del cine británico y ganó el premio al mejor director en el Festival de Cannes. Además, Bresson fue premiado también como mejor director por el Círculo de Críticos de Francia.

CUANDO PASAN LAS CIGÜEÑAS Letyat Zhuravli 1957; Unión Soviética; Blanco y negro; Director: Mikhail Kalatozov; Guion: Viktor Rozov; Música: Moisey Vaynberg; Fotografía: Sergey Urusevskiy; Intérpretes: Tatyana Samoylova, Aleksey Batalov, Vasiliy Merkurev, Aleksandr Shvorin, Svetlana Kharitnova, Konstantin Kadochnikov, Valentin Zubkov, Antonina Bodanova, Boris Kokovkin; Duración: 95 minutos.

Nominada a los premios BAFTA del cine británico en las categorías de mejor película y mejor actriz extranjera para Tatyana Samoylova, ella ganó también el premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes, donde la película cosechó una Palma de Oro. El argumento, que se basa en una obra del también guionista de la película, Viktor Rozov, arranca en torno a una pareja, Verónica y Boris, que viven felices hasta que el estallido de la Segunda Guerra Mundial hace pedazos su historia de amor. Boris se va a combatir, en tanto que Verónica intenta, como una moderna Penélope esperando a su Ulises, lidiar con la supervivencia en la retaguardia civil, ignorando el verdadero destino de Boris. De ese modo, Verónica se convierte en la película en un símbolo de la mujer soviética y también de la sociedad civil que vive en carne propia el avance de las tropas alemanas y es obligada a sobrevivir contra todo tipo de adversidades, bombardeada por el enemigo, refugiada en el subsuelo de la ciudad, descubriendo las ruinas al día siguiente, buscando a los seres queridos desaparecidos.

En la historia y desarrollo del cine soviético algunos papeles femeninos han sido determinantes. El ejemplo clásico es el de Marta Lapkina, la materialización de la nueva mujer de la revolución en el entorno rural con la colectivización agraria, que fue además el primer ejemplo de protagonismo individual en la filmografía de S. M. Eisenstein en Lo viejo y lo nuevo (1929), o el personaje que da título a La madre (1926), de Vsévolod Pudovkin, como símbolo de la abnegación imparable de la revolución. Igualmente, en la película que nos ocupa, el papel de Verónica ha sido considerado, según señaló la analista Josephine Woll, como pieza fundamental para la redefinición de las heroínas cinematográficas más complicadas y multidimensionales en las películas soviéticas postestalinistas. M.J.P.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

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FUEGO EN LA PRADERA

CENIZAS Y DIAMANTES

Nobi 1959; Japón; Blanco y negro; Director: Kon Ichikawa; Guion: Natto Wada; Música: Yasushi Akutagawa; Fotografía: Setsuo Kobayashi; Intérpretes: Eiji Funakoshi, Osamu Takizawa, Mickey Curtis, Hikaru Hoshi, Monatarô Ushio, Masaya Tsukida, Yasushi Sugita, Yoshihiro Hamaguchi, Tatsuya Ishiguro, Yoshio Inaba, Jun Hanamura, Asao Sano; Duración: 108 minutos.

Criticada por su carácter sombrío y sus escenas de violencia en el momento de su estreno, se ha reivindicado posteriormente como una de las películas más interesantes de su director. Su argumento gira en torno a un soldado japonés enfermo de tuberculosis y sus esfuerzos por sobrevivir a los últimos coletazos de la Segunda Guerra Mundial. Tal y como ocurriera con otra película incluida en esta selección, El arpa birmana, el mensaje de supervivencia impone una mirada antibelicista que aporta otra óptica cinematográfica a la forma en la que se ha descrito a los combatientes japoneses en el cine bélico occidental. Además lo hace en las claves de cine de autor, no en parámetros comerciales.

Siguiendo ese objetivo de mantenerse con vida, el protagonista es la materialización de la desmoralización que se impone en el ejército imperial japonés que está desplegado en Leyte en febrero de 1945. En ese momento están a punto de ser vencidos por los aliados, y el soldado Tamura recibe la orden de suicidarse si por motivo de su enfermedad sigue siendo un lastre para la compañía, que ha quedado diezmada al tamaño de un pelotón. La paradoja casi kafkiana del argumento hace que cuando finalmente llega al hospital le consideren poco enfermo para tratarlo, lo que le llevará a quedar sumido en una especie de limbo en el Japón camino de la derrota junto con otros pacientes rechazados, mientras los aliados bombardean el lugar y los médicos huyen abandonando a los enfermos.

Lo que propone Ichikawa en esta adaptación de la novela de Shôei Ôoka publicada en 1951 es una visión infernal de la guerra sin espacio para actos heroicos o reivindicaciones patrióticas, derivada de su propia experiencia como testigo de la destrucción generada por la bomba atómica. M.J.P.

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Popiól I Diament 1958; Polonia; Blanco y negro; Director: Andrzej Wajda; Guion: Jerzy Andrzewjewski, Andrzej Wajda; Música: Filip Nowak; Fotografía: Jerzy Wójcik; Intérpretes: Zbigniew Cybulski, Ewa Krzyzewka, Waclaw Zastrezezynski, Adam Pawlikowski, Bogumil Kobiela, Jan Ciecierski, Stanislaw Milski, Artur Mlodnicki, Halina Kwiatikowska, Ignaxy Machowski; Duración: 108 minutos.

Aunque su duración original era, como señalo en la ficha, de 108 minutos, las copias distribuidas comercialmente son de 95 minutos y 103 minutos. Además, fue el primer largometraje de un cineasta polaco rodado en formato 1:1.85.

Ganadora del premio FIPRESCI en el Festival de Venecia, a pesar de que las autoridades de su país le negaron el permiso para ser proyectada y competir en el Festival de Cannes, la película se basa en la novela publicada en 1948 que el propio novelista adaptó a guion en esta película, rodada en un momento en que el propio director se confesaba inmerso en una fase de su carrera influida por Ciudadano Kane y la fotografía de Gregg Toland para esa película junto con el trabajo de John Huston en La jungla de asfalto. A su vez, Cenizas y diamantes también ha tenido influencia en otros directores. René Clair y Francis Coppola la tienen entre sus películas favoritas, lo mismo que Martin Scorsese, que según parece se la recomendó a Leonardo Di Caprio como ejemplo para su construcción del papel que interpreta en Infiltrados.

La trama se sitúa en los últimos días de la Segunda Guerra Mundial en Europa y su tema son los dilemas que enfrenta el continente ante una inminente división de los que fueron aliados en ese conflicto en dos bloques, abordando la represión de la resistencia anticomunista en Polonia como un buen referente para tratar el proceso de nacimiento de la Guerra Fría. El protagonista pasa prácticamente de una guerra de resistencia contra la ocupación alemana a una guerra de resistencia contra el comunismo. Wajda hizo algunas modificaciones en la novela para adaptarla a su visión más cercana y de simpatía hacia los combatientes de la resistencia. M.J.P.

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LA BALADA DEL SOLDADO Ballada O Soldate

LA CONDICIÓN HUMANA

1959; Unión Soviética; Blanco y negro; Director: Grigoriy Chukhray; Guion: Grigoriy Chukhray, Valentin Ezhov; Música: Mikhail Ziv; Fotografía: Vladimir Nikolayev, Era Savelyeva; Intérpretes: Vladimir Ivashov, Zhanna Prokhorenko, Antonina Maksimova, Nikolay Kriyc hkov, Evgeniy Urbanskiy, Elza Lezhdey, Aleksandr Kuznetsov, Evgeniy Teterin, Mariya Kremneva, Vladimir Pokrovkiy, Georgiy Yumatov, Tatyana Barysheva, Valentina Berezutskaya; Duración: 88 minutos.

Ninjen No Jôken

Nominada al Oscar en la categoría de Mejor Guion Original y ganadora del premio BAFTA del cine británico, del David Di Donatello del cine italiano y del Festival Internacional de San Francisco, utiliza la guerra como trasfondo para analizar distintas formas de amor enmarcadas en el destructivo entorno que genera la Segunda Guerra Mundial. Madres que pierden a sus hijos en el frente, jóvenes soldados, poco más que niños, que combaten a los tanques alemanes más por instinto de supervivencia que por patriotismo heroico, conforman un puzle de personajes destinado a proponer una mirada distinta a los campos de batalla y el efecto de los conflictos sobre la población civil y la vida cotidiana de quienes los sufren de un modo u otro. El largometraje pudo manejarse con mayor libertad de lo habitual en el cine ruso de la época por la admiración que tenía hacia el trabajo de su director el máximo dirigente soviético del momento, Nikita Khrushev, el que se quitó el zapato y se puso a golpear su estrado de delegado en la ONU como un gorila de montaña del parque de Virunga.

Otro aspecto por el que se vio beneficiado el largometraje en lo relativo a su circulación internacional fue el paréntesis de deshielo en las relaciones entre los bloques durante la Guerra Fría que permitió que la película pudiera estrenarse en Estados Unidos, algo que afectó también a Cuando pasan las cigüeñas.

Chukhray sacó el máximo partido de ello e incluso pagó con su propia salud, lesionándose durante el rodaje y contrayendo como consecuencia de este fiebres tifoideas.

En el Festival de Cannes reconocieron la película con varios galardones, como mejor largometraje para los jóvenes y por su humanismo y cualidades artísticas. M.J.P.

1959; Japón; Blanco y negro; Director: Masaki Kobayashi; Guion: Zenzô Matsuyama, Masaki Kobayashi; Música: Chûji Kinoshita; Fotografía: Yoshio Miyajima; Intérpretes: Tatsuya Nakadai, Michiyo Aratama, Chikage Awashima, Ineko Arima, Keiji Sada, Sô Yamamura, Akira Ishihama, Kôji Nambara, Seiji Miyaguchi, Tôru Abe, Masao Mishima, Eitarô Ozawa; Duración: 208 minutos.

Ganadora de varios premios en el Festival de Venecia, la película está basada en la novela de Junpei Gomikawa, publicada en seis volúmenes entre 1956 y 1958. Forma parte de una trilogía que completan otras dos películas dirigidas por Kobayashi, La condición humana II: el camino de la eternidad, de 1959, y La condición humana III: el camino del soldado, de 1961. Como anécdota, las tres películas forman un total de proyección de nueve horas y 39 minutos que hacen que se considere a esta trilogía, si se contempla como un mismo relato, una de las películas más largas de la historia del cine. Por otra parte, esta estructura presagia las fórmulas de explotación en trilogías y sagas que se han hecho habituales en el cine occidental de la era blockbuster merced a sagas como El señor de los anillos o El hobbit, de Peter Jackson.

Kobayashi, director de la que muchos realizadores japoneses de cine de terror señalan como una de las fuentes de inspiración de sus películas, Kaidan (El más allá), que fue nominada al Oscar a la Mejor Película Extranjera, propone en La condición humana una reflexión sobre las consecuencias de la guerra en el individuo, tanto entre la población combatiente como en la no combatiente.

El protagonista de estas tres películas es Kaji, un japonés pacifista y socialista que intenta sobrevivir en el ambiente del Japón totalitario durante la Segunda Guerra Mundial. Su camino le llevará a ser supervisor de un campo de trabajo japonés hasta convertirse en prisionero de guerra soviético, conociendo así los extremos de la Segunda Guerra Mundial mientras intenta sobrevivir en un sistema corrupto en el que su moral es puesta a prueba una y otra vez. M.J.P.

Grandes películas de Cine Bélico (XXV) Repasamos un puñado de títulos de cineastas que encuentran en el cine bélico unas claves diferentes de las de la propaganda y el espectáculo comercial.

Para demostrarlo analizamos ocho películas como alternativas a las cinematografías dominantes en el mercado audiovisual internacional y que pueden proporcionar muy gratas sorpresas al aficionado al cine en general y al cine bélico en particular, siempre que mantenga la mente abierta a alternativas al tratamiento más habitual de este asunto esgrimido por los cines dominantes.

Empezamos el paseo con un clásico de Robert Bresson, director cuya filmografía es imprescindible para todo estudioso del cine y que propone en sus películas un trabajo con los actores y los argumentos plenamente inmerso en lo que algunos analistas y críticos definen como “cine trascendental”. El también director y guionista Paul Schrader, en su faceta de crítico, incluyó a Bresson entre su trinidad de directores trascendentales junto a Yasujiro Ozu y Carl Theodor Dreyer. La película que trae a Bresson como invitado a este coleccionable es Un condenado a muerte se ha escapado, título basado en las memorias de guerra de André Devigny, maestro de escuela que se alistó en el Ejército francés cuando estalló la guerra en 1939, sirvió en Infantería, entró en combate como oficial de un tanque y fue herido en junio de 1940, y después de la derrota y la ocupación alemana de Francia se pasó a la resistencia operando con el nombre en código de Valentin en la región de Lyon. Suministró información al servicio de inteligencia británico viajando hasta el Marruecos español y participó en la red que ayudaba a pasar a los refugiados camino de Suiza.

Kon Ichikawa también nos propone una visión doblemente distinta sobre la Segunda Guerra Mundial en El arpa birmana.

Por un lado, la película está narrada desde el punto de vista de los soldados japoneses, y además defiende una idea antibeli-

cista en relación al momento de la rendición de estos al final de la guerra, manifestando los dos puntos de vista presentes en ese momento entre las tropas japonesas: morir luchando y sacrificarse en una imitación del suicidio ritual por honor, o rendirse al enemigo y aceptar la derrota. Ichikawa se consagra así a retratar los aspectos más terroríficos de la guerra convertido en una especie de Francisco de Goya del cine japonés, como también demostrará en otro de los títulos de esta selección: Fuego en la pradera, algo que puede aplicarse también a otra de las seleccionadas de este mes, La condición humana, de Masaki Kobayashi.

Por su parte incorporo dos de las más destacadas películas soviéticas dedicadas a lo que en la Unión Soviética se denominó “Gran Guerra Patria”. Cuando pasan las cigüeñas se centra en mostrar el impacto de la guerra en la gente común, al tiempo que redefine la manera de abordar los personajes femeninos en el cine postestalinista, algo que también puede aplicarse a La balada del soldado.

Aún más interesante es Kanal, producción polaca dirigida por Andrzej Wajda que se ambienta en el Levantamiento de Varsovia que se produjo en el verano de 1944 por parte de la resistencia polaca y cuyo objetivo era liberar dicha ciudad de la ocupación alemana coincidiendo con la retirada germana ante el avance soviético. Sin embargo, el avance del Ejército Rojo se frenó cuando se aproximaban a los suburbios de la ciudad, dejando solos a los polacos y dando opción a los alemanes a reagruparse, doblegar a la resistencia y destruir la ciudad tras un heroico combate de los polacos contra fuerzas muy superiores durante 63 días.

Otro título esencial es Cenizas y diamantes, que a pesar de ser una de las películas más emblemáticas y respetadas del cine polaco, tras el cambio político operado en 1989 en el país fue acusada de haber falseado la memoria colectiva de los partisanos polacos. Su argumento muestra cómo algunos países europeos pasaron prácticamente de una guerra a otra al final de la Segunda Guerra Mundial.

Miguel Juan Payán

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CARTEL-MANÍA

Amazonas en el cine Wonder Woman no es la primera amazona del cine. Os presentamos a ocho de sus antecesoras más destacadas.

Themyscira y sus amazonas son la última moda en lo que a féminas guerreras se refiere en la pantalla grande, pero antes de Wonder Woman y sus colegas, el cine había sacado ya mucho partido a la idea de las culturas con mujeres guerreras, como demuestra este artículo y la entrega de “Cartelmanía” con ocho fichas que le sigue, más la ficha de película de Heavy Metal que podéis encontrar en ese mismo número.

La desbordante imaginación de Edgar Rice Burroughs construyó todo un microcosmos de reinos y civilizaciones perdidas de todo tipo, dinosaurios incluidos, para habitar la selva africana en la que transcurren las aventuras de su héroe más famoso: Tarzán.

El cine no quiso quedarse atrás y tras la que podríamos denominar como la primera etapa del ciclo protagonizado por Johnny Weissmüller como Tarzán asociado a la Jane original, Maureen O’Sullivan, inició una segunda etapa con entornos más variados, incorporando hombres leopardo, sirenas, nazis e incluso amazonas, como la de la película que encabeza nuestra selección de este mes. Fue la primera y una de las mejores películas de la serie de largometrajes protagonizada por Johnny Weissmüller que dirigió Kurt Neumann en la serie de Tarzán. Fue seguida por Tarzán y la mujer leopardo en 1946, Tarzán y la cazadora en 1947, y Tarzán y la mujer diablo, en 1953. El director estaba especializado ya desde su etapa como guionista en el tratamiento figuras del fantástico. Había escrito un tratamiento para La hija de Drácula (1936) y posteriormente, entre otras divertidas películas de serie B, dirigiría La diabla (1957) y la versión clásica de La mosca (1958), mezclando terror y ciencia ficción.

Curiosamente, Shirley O’Hara, la actriz que interpretó a la amazona con la que arranca la película, había trabajado antes como crítica de cine para el periódico de Los Angeles The New Republic en los años cuarenta.

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En Love Slaves of the Amazons lo que sería una película de aventuras en la selva, con un grupo de expedicionarios blancos en el Amazonas liderado por un arqueólogo, se convierte en una propuesta con un punto de morbo añadido cuando estos son capturados por una tribu de mujeres salvajes que habitan el lugar, las amazonas del título. Pretenden convertirlos en sus esclavos sexuales. Todo en clave muy ingenua, aunque tiene algunos momentos ligeramente lisérgicos. No se esperen un despliegue de Emmanuelle negra y los últimos caníbales, que la cosa no va por ahí. En el cine de los cincuenta la permisividad no daba para más.

El género péplum de romanos, griegos, forzudos y demás no dejó pasar la oportunidad de abordar el tema de las amazonas en varias ocasiones, siendo una de las más curiosas la titulada alternativamente Amazonas de Roma y Las vírgenes de Roma, tercera reclutada para nuestra selección, que puso en el epicentro del conflicto entre la ciudad del título y los etruscos a un grupo de guerreras romanas tomadas como rehenes. Es interesante porque incorpora, dicho sea de paso, fuera de su ubicación histórica real, un episodio heroico de la historia de Roma: la defensa en solitario del general Horatio Cocles, alias Cíclope, del puente Sublicus sobre el río Tíber, frente al ejército etrusco. El péplum de espada y sandalia volvería a tratar el asunto en Las amazonas, mujeres de amor y guerra, Las amazonas y, a la sombra del éxito de Conan el bárbaro, de John Milius, Hundra, títulos que incluimos también en esta selección.

La versión primitiva del asunto la encontramos en una producción británica de aventuras, Mujeres prehistóricas, que explotaba la moda de féminas primitivas tras el éxito de Raquel Welch en Hace un millón de años. Y la versión asiática más interesante está en Catorce amazonas, clásico del cine de artes marciales para el que la productora reina del mercado asiático, Shaw Brothers, reclutó a casi toda su plantilla de principales estrellas femeninas del cine de acción. El éxito del largometraje propició que se retomaran argumentos con luchadoras femeninas e incluso se rodara una precuela en 1983 titulada Los ocho diagramas de Wu-lang, donde se narraba la historia de la familia Yang antes de la derrota con la que comienza Catorce amazonas.

Miguel Juan Payán

CARTEL-MANÍA AMAZONAS

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TARZAN Y LAS AMAZONAS LOVE SLAVES OF THE AMAZONS 1957; EE. UU.; Color; Director: Curt Siodmak; Guion: Curt Siodmak; Música: André Brummer, Irving Gertz, Hans J. Salter, Stanley Wilson y otros; Fotografía: Mario Pagés; Intérpretes: Don Taylor, Gianna Segale, Eduardo Ciannelli, Eugenio Carlos, Harvey Chalk, Wilson Vianna, Tom Payne, Gilda Neri; Duración: 81 minutos.

Estrenada en programa doble con Monstruos de piedra (1957), es una producción de serie B del área de explotación del estudio Universal para llenar las sesiones a la caza de público juvenil, y por tanto incorpora una serie de anzuelos que tienen que ver con lo sexual de la propuesta.

La película se rodó en Argentina, en el sistema Eastmancolor, haciendo una especie de doblete en el rodaje, o lo que es lo mismo, matando dos pájaros de un tiro, a base de utilizar parte del reparto para filmar otro largometraje y justificar así económicamente el desplazamiento a localización exótica.

Tarzan and the Amazons 1945; EE. UU.; Blanco y negro; Director: Kurt Neumann; Guion: Hans Jacoby, Marjorie L. Pfaelzer; Música: Paul Sawtell; Fotografía: Archie Stout; Intérpretes: Johnny Weissmüller, Brenda Joyce, Johnny Sheffield, Henry Stephenson, Maria Ouspenskaya, Barton MacLane, Donald Douglas, Steven Geray, J.M. Kerrigan, Shirley O’Hara, Frederic Brunn, Frank Darien, Margery Fife, Christine Forsyth, Margery Marston, Lionel Royce; Duración: 76 minutos.

Tal como demuestra esta película, Neumann reactivó el ciclo de Tarzán con Weissmüller como protagonista incorporando carismáticos personajes femeninos que renovaron la trama en un momento en que el actor protagonista y la propia fórmula empezaban a estar agotados, proporcionándole una personalidad más exótica a sus aventuras. En ese esquema encajaba mejor Brenda Joyce como Jane que Maureen O’Sullivan, quien inicialmente había sido incluso anunciada como coprotagonista en un retorno a la saga que no llegó a producirse.

Teniendo en cuenta que la mayor parte de las películas de selva del momento en Hollywood se rodaban en parques cercanos a los estudios, sin salir de California, incluyendo la anteriormente reseñada Tarzán y las amazonas, eso le presta puntos extras de exotismo más realista a esta propuesta. La otra película que se rodó junto a esta fue Curucú, Beast of the Amazon, estrenada un año antes y realizada por el mismo director, Curt Siodmak, quien explicaba que rodó Love Slaves of the Amazons porque le sobraban unos 3000 metros de película de Curucú y quería aprovecharlos.

Especializado en este territorio de la serie B para programa doble, el germano emigrado Siodmak había rodado antes La novia del gorila (1951) y El monstruo magnético (1953), demostrando lo cómodo que se encontraba añadiendo pinceladas de morbo pseudoerótico a las historias de terror y ciencia ficción en las que trabajaba también como guionista. En esa faceta había sido uno de los pilares de las sagas de terror de los años cuarenta escribiendo El hombre lobo, Frankenstein y el hombre lobo, Yo anduve con un zombi, La mujer y el monstruo, La zíngara y los monstruos y La bestia de cinco dedos. M.J.P.

En el argumento, Tarzán y su hijo, Boy, rescatan a una amazona que estaba siendo atacada por una pantera, lo que conducirá al hombre mono a un viaje hacia la remota ciudad de la que procede la mujer, Palmyra, atravesando un paso entre las montañas. Rápidamente, el contacto de un grupo de hombres blancos con un brazalete que dejó atrás la amazona conduce a un grupo de codiciosos a intentar encontrar la ciudad con la ayuda del hijo de Tarzán, que engañado cree ser su guía en una expedición arqueológica, cuando en realidad buscan un tesoro. Las Amazonas no se tomarán nada bien la intrusión en su territorio, y Tarzán tendrá que intervenir para salvar a Boy encontrando el tesoro robado de las fieras guerreras y codiciado por los hombres blancos.

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MUJERES PREHISTORICAS

LAS VIRGENES DE ROMA

Slave Girls 1967; Reino Unido; Color; Director: Michael Carreras; Guion: Michael Carreras; Música: Carlo Martelli; Fotografía: Michael Reed; Intérpretes: Martine Beswick, Michael Latimer, Edina Ronay, Stephanie Randall, Carol White, Yvonne Horner, Alexandra Stevenson, Sydney Bromley, Frank Hayden, Robert Raglan, Mary Hignett, Louis Mahoney, Danny Daniels, Steven Berkoff, Nikki Van der Zyl, Jeanette Wild, Jasmin Broughton; Duración: 95 minutos.

Producción de Hammer Films dirigida por uno de los fundadores de esta firma británica especializada en cine fantástico y de terror. Caracterizada por reunir entre su plantilla de actores una amplia panoplia de esculturales féminas, esta fue, sin duda, la película que batió todos los récords en lo que a protagonismo femenino se refiere. El argumento así lo propiciaba.

Un explorador británico guía una partida de caza que persigue a un leopardo hasta una remota zona de la jungla africana en un safari que va a dirigirlos hacia una zona dominada por una tribu nativa que captura a los hombres blancos y pretende sacrificarlos a su dios rinoceronte. Pero los cazadores consiguen abrir un paso hacia un valle en el que les espera una curiosa civilización de mujeres guerreras de cabello negro que tiene esclavizadas a las féminas de cabello rubio, bajo el dominio de la reina Kari, interpretada por Martine Beswick, una de las estrellas femeninas de las películas Hammer.

En aras del control de presupuesto habitual en la compañía, en este largometraje se utilizaron tanto los decorados como los exiguos vestuarios empleados para rodar Hace un millón de años, protagonizada en 1966 por Raquel Welch, aunque en el reparto estaba también la protagonista de este largometraje, Beswick.

Hammer explotó el filón de las tribus prehistóricas, con o sin dinosaurios, en Cuando los dinosaurios dominaban la Tierra (1970) y Criaturas olvidadas del mundo (1971), sacando el máximo partido al pretexto argumental de lo primitivo para poder sacar a numerosas fémina ligeras de ropa que servían como reclamo publicitario para este tipo de propuestas de aventuras. Explotó el mismo recurso en su variante británica del péplum italiano La reina vikinga (1967). M.J.P.

Las amazonas eran viejas conocidas para los lectores de las novelas de Tarzán escritas por Edgar Rice Burroughs, y también frecuentaban los cómics sobre el personaje. Para promocionar la película, el director inició unas sesiones de selección de mujeres de aspecto atlético para dar vida a las 40 amazonas que necesitaba para su tribu de guerreras liderada por la veterana Maria Ouspenskaya, actriz rusa emigrada a Estados Unidos que en 1929 había fundado la Escuela de Arte Dramático de Nueva York. M.J.P.

Le vergini di Roma 1961; Italia, Francia, Yugoslavia; Color; Director: Carlo Ludovico Bragaglia, Vittorio Cottafavi, Peter O’Cord; Guion: Luigi Emmanuelle, Gaetano Lofredo, Léo Joannon; Música: Marcel Landowski; Fotografía: Marc Fossard; Intérpretes: Louis Jourdan, Sylvia Syms, Jean Chevrier, Paola Falchi, Nicole Courcel, Ettore Manni, Renaud Mary, Michel Piccoli, Nicolas Vogel, Corrado Pani, María Luisa Rolando, Carlo Giustini, Jacques Dufilho, Andrej Gardenin; Duración: 105 minutos.

Titulada en el mercado anglosajón Amazonas de Roma, fue una película de complicado rodaje por los enfrentamientos entre su protagonista masculino, Louis Jourdan, y el director inicialmente elegido para poner en pantalla la producción, Vittorio Cottafavi, un clásico del cine italiano. Finalmente, se llevó el gato al agua Jourdan, quien consiguió que el director fuera reemplazado por otro veterano del género péplum que aquí nos ocupa, Carlo Ludovico Bragaglia.

Ambientada en Roma en el año 476 a. C., cuando la ciudad se enfrenta al peligro de invasión de los etruscos del rey Porcenna, liderados por un mercenario, Drusco, al que interpreta Louis Jourdan, tiene como epicentro de la historia la exigencia por parte de los invasores de unos rehenes muy peculiares, las mujeres guerreras lideradas por Clelia, a la que da vida la actriz británica Sylvia Syms. Las conspiraciones subsiguientes están a punto de costarle la vida a los rehenes, pero Clelia consigue escapar con sus tropas atacando al enemigo por las alcantarillas en esta trepidante aventura que forma parte del género de espada y sandalia cultivado en Italia sobre todo en los años sesenta y setenta.

La duración original de la película era de 105 minutos en su estreno en Italia, pero luego se recortó para su exhibición en el mercado anglosajón hasta poco más de 93 minutos.

El principal problema de la película: su protagonista. No da el pego como bárbaro mercenario reclutado por la alianza de vecinos de Roma para combatir a la ciudad que va ganando poder en la península itálica. Demasiado caballeroso e incluso remilgado. Se necesitaba un Jack Palance para interpretar ese papel, como ya hiciera en Revak, el rebelde, o en Atila, rey de los hunos, por ejemplo. M.J.P.

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LAS AMAZONAS, MUJERES DE AMOR Y GUERRA Le amazzoni, donne diamore e di guerra 1973; Italia, España; Color; Director: Alfonso Brescia; Guion: Mario Amendola, Bruno Corbucci, Fernando Vizcaíno Casas; Música: Franco Micalizzi; Fotografía: Fausto Rossi; Intérpretes: Lincoln Tate, Lucretia Love, Paola Tedesco, Mirta Miller, Benito Stefanelli, Genie Woods, Solvi Stubing, Frank Braña, Roberto Alessandri, Luigi Ciavarro, Pilar Clemens, Sonia Ciuffi, Liliana Fioramonti, Leonilde Simoncelli, Patrizia Luparia, Riccardo Pizzutti, Daniela Silverio, Edith Shock; Duración: 100 minutos.

Titulada en Alemania Mujeres que se llaman asesinas, más contundente que el aplicado en la explotación en Estados Unidos, La batalla de las amazonas, esta disparatada pero divertida coproducción hispanoitaliana sigue los pasos de las guerreras lideradas por la temida reina Antiope, empeñadas en atacar las ciudades que les salen al paso para capturar hombres a los que usar como esclavos. Los prisioneros son rápidamente ajusticiados cuando han cumplido su cometido, y aquellas féminas del grupo que caen en el error de cobrar afecto por ellos son severamente castigadas.

El director Alfonso Brescia, que para el mercado anglosajón firmaba como Al Bradley, demostró aquí que tenía bien tomada la medida al género péplum y sabía desenvolverse para dar un aire de entretenimiento con ritmo aceptable a cualquier guion por fantástico o disparatado que fuera, como en este caso o en la otra película que implicaba también a las guerreras de la mitología deformadas por las ficciones del cine, Las amazonas contra los supermen, que rodó un año más tarde cruzando los célebres personajes de los supermen con las féminas del título en clave de antagonistas furibundas dedicadas, como las del largometraje que nos ocupa, a sembrar el terror a su paso.

En ambas películas, un ligerísimo hilo argumental sirve como pretexto para poner en funcionamiento los recursos del cine de acción italiano del momento, con secuencias de pelea y ligeros enredos románticos entre los personajes que compliquen ligeramente el argumento dándole cierto aire de fotonovela. En Italia recaudó 102 millones de liras, y sirvió para mantener viva la presencia de las amazonas como reclamo exótico en las aventuras de espada y sandalia. M.J.P.

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CATORCE AMAZONAS Shi si nu ying hao 1972; China; Color; Director: Kang Cheng y Shao-Yun Tung; Guion: Yang Kao, Kang Chen; Música: Fu-Ling Wang; Fotografía: Shao-Yun Tung, Toru Watanabe; Intérpretes: Lo Lieh, Ivy Ling Po, Lisa Lu, Yan Yan Chen, Ping Ha, Ching Lin, Betty Ting Pei, Chin-Feng Wang, Tina Chin-Fei, Karen Ye, Ching Lee, Sha-Fei Ouyang, Ping Huang; Duración: 123 minutos.

El argumento sigue los acontecimientos que se suceden después de que los guerreros del clan Yang, encargados de defender las fronteras del imperio en la dinastía Song, sean vencidos por sus antagonistas, los Xia. Enteradas del desastre, las viudas e hijas de los vencidos deciden organizar su propio ejército para combatir y cobrar venganza con un ejército compuesto íntegramente por mujeres.

La película se convirtió desde el primer fin de semana de su estreno en cines chinos en una de las producciones más taquilleras producidas por Shaw Brothers, firma del lugar experta en cine de artes marciales. Su importancia como muestra del género quedó puesta de manifiesto cuando se recuperó su negativo original para restaurarlo y exhibirlo en una sesión del festival de Cannes, siendo referente de las producciones de artes marciales más recientes que habían hecho furor en los festivales internacionales en fechas más recientes, títulos como Tigre y dragón, Héroe, La casa de las dagas voladoras o La maldición de la flor dorada. Mucho antes de que Mulan se convirtiera en la Wonder Woman asiática de los dibujos animados de Disney, esta producción era ya una de las películas de referencia para el empoderamiento femenino en un cine habitualmente dominado por figuras masculinas en los años sesenta y setenta como era el de artes marciales.

Tardaron catorce días en construir el decorado de la Arena de los Cinco Dragones, y en el reparto encontramos a viejos conocidos de las producciones de artes marciales, como Bolo Yeung, el musculoso antagonista de Bruce Lee en Operación Dragón, o Lo Lieh, aquí villano, pero afincado habitualmente en papeles de héroe en películas como De profesión: invencible.

La película costó tres millones de dólares de Hong Kong, presupuesto excepcional para el tipo de producciones de Shaw Brothers, y ocupó 120 días de rodaje. M.J.P.

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HUNDRA

LAS AMAZONAS

1983; España, EE. UU.; Color; Director: Matt Cimber; Guion: Matt Cimber, John F. Goff; Música: Ennio Morricone; Fotografía: John Cabrera; Intérpretes: Laurene Landon, Cihangir Gaffari, María Casal, Ramiro Oliveros, Luis Lorenzo, Victor Gans, Frank Braña, Jenny Llada, Eduardo Fajardo, Junio Kobayashi; Duración: 90 minutos.

El éxito de Conan el bárbaro, que se había rodado en España, puso de moda el género de espada y brujería tanto en Italia como en Estados Unidos y en nuestro país, e incluso en otros países latinoamericanos, como Argentina.

Brotaban bárbaros y bárbaras imitadores del cimerio de Robert E. Howard por todas partes. Entre ellos, Hundra fue la variante femenina asociada por argumento a una tribu de amazonas, tema recurrente en el cine de aventuras europeo, como hemos visto en esta entrega de “Cartelmanía”.

La protagonista es miembro de una tribu de fieras guerreras, maneja espada y arco con habilidad y no duda en ejercer su derecho a la venganza contra los hombres que la atacan y a los que habitualmente supera. El personaje estaba influido tanto por el personaje de Valeria interpretado por Sandahl Bergman en Conan el bárbaro como por el de la fémina guerrera creada por el padre literario de Robert E. Howard, Sonja la Roja, a la que daría vida en el cine más tarde Brigitte Nielsen en El guerrero rojo.

Laurene Landon se ocupó de rodar todas las escenas de acción sin doble, excepto el salto desde una torre de algo más de cincuenta metros. La película se filmó en el fuerte El Cóndor, en el desierto de Tabernas, Almería, donde se rodó Conan el bárbaro y antes wésterns mediterráneos como El Cóndor y El kárate, el colt y el impostor.

Hundra está considerada como un título de culto entre los aficionados al cine de espada y brujería, y las películas de espada y sandalia, posee un curioso aire de wéstern, y para muchos es una de las copias de Conan más cercanas a los planteamientos argumentales de los relatos de Robert E. Howard con Red Sonja que El guerrero rojo. Y además, Laurene Landon sirve mejor a ese papel que Brigitte Nielsen. M.J.P.

Le guerriere dal seno nudo 1973; Italia, Francia, España; Color; Director: Terence Young; Guion: Richard Aubrey, Dino Mauri, Robert Graves, Massimo De Rita, Charles Spaak, Antonio Recoder, Serge de la Roche; Música: Riz Ortolani; Fotografía: Aldo Tonti, Alejandro Ulloa; Intérpretes: Alena Johnston, Fausto Tozzi, Ángel del Pozo, Franco Borelli, Sabine Sun, Rosanna Yanni, Luciana Palucci, Angelo Infanti, Helga Liné; Duración: 105 minutos.

Típico ejemplo de coproducción a tres bandas, en tres idiomas, con el caos resultante, es un péplum que merece el primer puesto en el listado de los carteles más impactantes del temario amazónico desarrollado en el cine péplum italiano y de las otras filmografías que ejercían como sus compañeras de viaje. En este caso, se rodó parte en Roma y parte en España, en territorios almerienses que se alternaban como entorno para los wésterns mediterráneos que estaban ya tomando claramente el relevo de la producción de historias de la antigüedad de espada y sandalia.

El argumento sigue las peripecias de una tribu de amazonas que monta competición para elegir nueva reina y, dado que no tienen hombres entre ellas, una vez al año se cruzan con hombres de otros lugares, lo que una vez elegida a su nueva líder las lleva a entrar en contacto con un grupo de soldados griegos del rey Teseo de Atenas, provocando una serie de enredos que finalmente conducen al pillaje y saqueo de las tribus de los hombres que las traicionan.

Tiene una mezcla de vestuario que no encaja con la época, es directamente inventado y casi parece medieval, cruzado luego con mucho desierto, mucho caballo y mucha construcción que tampoco encaja con el resto de elementos. Es esa capacidad para saberse puro pastiche de serie B y explotación pura y dura lo que anima esta película que incluye desnudos de Antiope (la reina de las amazonas) y Oreteia (Sabine Sun) en una lucha que fue cortada en algunos países. Es en algunos aspectos de la cultura de guerra de las amazonas la más cercana al mundo de guerreras que describe Wonder Woman. M.J.P.

ENTREVISTA reo que una de las cosas Luengo, sí consiguió entrevistarse muy buenas de la serie es con uno y nos dio claves muy cómo elimina el tópico importantes. Para mí el gran del concepto de antidisdescubrimiento de la serie es turbios para profundizar en los Vicky Luengo. Va creciendo su personajes como gente que protagonismo, y en el capítulo 6 la hace un trabajo. protagonista es ella.

Totalmente. Ese fue el primer ¿Qué parte ha sido la más deseo desde guion y se confirmó difícil de rodar? cuando empezamos a conocer Creo que hay cuatro antidisturbios y empezamos a momentos en la serie, en los capíhablar con ellos, convivíamos con tulos 1, 2, 5 y 6, que han sido muy ellos, íbamos a su lugar de trabajo. difíciles de rodar, muy compliNos pasó lo mismo con El reino y cados, y a los que hemos dedicado con los políticos, corruptos o no mucho tiempo. Obviamente, en el corruptos. Son señores normales capítulo 1, lo de la corrala, eso ha como tú y como yo, pero que se sido de lo más heavy que he hecho dedican a eso. Los habrá más en mi vida. Estuvimos ocho listos o menos listos, más aprovejornadas para rodar. Fue lo primero chados o menos aprovechados, que rodamos. En el capítulo 2, mejores o peores. Y no solo eso. rodar lo de Lavapiés fue muy duro Uno puede ser mala gente en una porque había mucho figurante que faceta y luego ser la mejor tenían acción. El reto técnico del persona en otra. Es algo que es plano secuencia del capítulo 5 es muy obvio pero que muchas veces algo que ensayamos muchísimo, y se nos olvida a la hora de construir El director de Que Dios nos perdone y El reino solo puedo tener buenas palabras la ficción. para el equipo de especialistas, n o s h a b l a d e s u a m b i c i o s a s e r i e p a r a En tus películas no hay porque contamos con 20 especiaMovistar: Antidisturbios, que opino puede maniqueísmo, “buenos y listas, 50 figuraciones especiales malos”. verse como un largometraje de cinco horas, a entrenadas para atacar y recibir Me encanta que lo digas golpes, y por la noche, que es porque es en lo que nos esfor- lo que el director replica: “Eso hablaría muy mucho más complicado, y luego el zamos. Cuando intentas retratar bien de la serie. Y es cierto que el ritmo está plano secuencia más largo que he realidades sociales y políticas me muy conseguido en guion y montaje”. hecho yo nunca, 16 minutos en el parecería aburrido y falso jugar capítulo 6. con buenos y malos a la hora de hablar de seres humanos, que es El trabajo de los actores es brillante, pero me ha lo que más me divierte. A mí lo que más me interesa en el mundo llamado mucho la atención Roberto Álamo. son las personas, intentamos hacer películas sobre personas.

Solo puedo tener buenas palabras para los actores. He Pero tanto los protagonistas como los que tienen dos escenas. trabajado con ellos por separado, han trabajado entre ellos Por ejemplo, normalmente en una serie, por las condiciones que juntos, han creado una comunidad de una riqueza brutal. La base hay, se hace muy poco caso a la figuración. Los actores suelen viene dada desde el guion. Los personajes estaban muy bien defiestar bien y de repente te cantan los figurantes. El equipo de nidos. Con cada actor trabajas de una manera, y con Roberto dirección y yo, desde Que Dios nos perdone, ponemos mucha Álamo lo principal era diferenciarlo. Un actor triunfa con un atención en la figuración. papel y se le suele llamar para hacer el mismo papel. Eso no me Tus películas y la serie muestran un proceso casi de gusta porque va en detrimento de la ficción y de la carrera del periodismo de investigación para los guiones. actor. Con Roberto los dos queríamos hacer algo totalmente Intentamos ser fieles a la realidad. Es el cine que más me distinto. Es un tipo que trabaja muy bien solo, y me propuso algo gusta. Y para eso hay que hacer mucho trabajo de investigación. muy de él que yo intenté. Pero él es más listo que el hambre, Aparte es divertidísimo y luego siempre va a favor. Reúnes datos tiene una técnica brutal, y se mete de cabeza en ese personaje. curiosos, conoces a las personas, a veces hay que leer entre La verdad es que era el personaje que más me preocupaba. Tenía líneas, y te cuentan historias que acaban en guion. En preproduc- miedo de que el espectador creyese que lo que le ocurría le ción también investigamos. Dejar todo a la imaginación no me ocurría por el desahucio del capítulo 1, cuando en realidad su suele gustar. problema es anterior y lleva mucho tiempo así. Pero lo que hace Hay alusiones en Antidisturbios a cierta empresa que Roberto teniendo muy poco metraje es mucho. también aparece en El reino. ¿Estás creando un universo de El género policiaco en España ha adquirido personalidad ficción propio? propia con directores como tú, Alberto Rodríguez… Creo que Sí, nos divierte eso. También el personaje de Raúl Prieto se eso se inicia con Todo por la pasta, de Enrique Urbizu. llama Elías Bermejo, que es como se llamaba su personaje en Sin duda. Desde Todo por la pasta hay una especie de Que Dios nos perdone. Nos gusta pensar que después de lo normalización y costumbrismo de la violencia y del género. A mí ocurrido con su compañero allí se metió a antidisturbios. En el me flipa esa peli. Luego viene Alberto Rodríguez, que para mí es guion de la serie dicen: “Viene de la Judicial”. Cuando son deta- el maestro de esto. lles que no manchan la narrativa de la serie nos gusta incorporar ¿Tienes nuevo proyecto para después de Antidisturesos guiños. Estábamos pensando en empresas y metimos ahí a bios? ¿Vas a cambiar de género?

Persika. En la realidad también ocurre.

Bueno, cambio y no cambio. Mi siguiente película la vamos Imagino que habrá sido más difícil hablar con asuntos a rodar el año que viene en un entorno rural en Galicia, y tendrá internos que con los antidisturbios. algo de thriller, pero luego se convierte en otra cosa.

Muchísimo más. No suelen conceder entrevistas. En guion no conseguimos hablar con ninguno de ellos. Pero la actriz, Vicky Miguel Juan Payán

C

Rodrigo Sorogoyen Nos habla de Antidisturbios

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WARRIOR

P

Koji nos habló sobre lo que supone encarnar a un personaje ara los fans de las artes marciales, la aparición de Warrior que fue escrito por Bruce Lee para interpretarlo él mismo. Sobre la fue una auténtica joya por descubrir en HBO en nuestro presión y lo que implica. “No sentí la presión al principio, porque país. La serie de Cinemax, la hermana pequeña de HBO, Jonathan [Tropper] me habló de ello muy pronto. Fue solo cuando venía firmada por el creador de Banshee, Jonathan Tropllegué a Sudáfrica a rodar, cuando otra gente que había allí que no per, y estaba basada en los escritos del mismísimo Bruce sabía nada del proyecto más que provenía de Bruce Lee me decía: Lee, quien intentó levantar el proyecto en los setenta sin “¡Eres Bruce Lee!”. Y en mi cabeza respondía: suerte (aunque ya saben lo que sucedió con la serie “¡No lo soy. Es mi versión de este personaje”. Fue Kung-fu y las acusaciones de plagio). Ahora, estrena segunda temporada y lo hace con diez epiWarrior venía firmada por el a partir de ese momento, y cuando, por ejemplo, llegaba a la oficina de producción y tenían fotos y sodios más que ahondan en un universo lleno de creador de Banshee, pósteres de Bruce Lee por todas partes. Entonces violencia y de traiciones. De crimen y de personas empecé a sentir esa presión de que tenía que que hacen lo que sea por prosperar. Ambientada en Jonathan Tropper, y estaba hacer justicia a este hombre, tenía que ser un triel San Francisco de las guerras Tong de finales del buto, porque es una leyenda. Entonces es cuando siglo XIX, la segunda temporada continua con la basada en los escritos del notas esa presión bruceleenesca si quieres, pero historia de Ah Sahm (Andrew Koji). Y si no han visto mismísimo Bruce Lee, quien lo que quieres es ser tu versión del personaje. la temporada, recuerden parar y dejar de leer aquí mismo. Aunque evitaremos los spoilers de la temintentó levantar el proyecto Jugar con elementos, no hacer lo que él hubiese hecho. Y más con las peleas y su estilo de lucha. porada 2, por respeto al lector, sí que vamos a dar en los setenta sin suerte Pero para cuando rodamos la temporada 2, había por vista la primera temporada. La segunda nos va tenido mucho más tiempo. Mucho más tiempo a presentar al protagonista de nuevo al lado del para estudiar, para aprender de sus escritos y entrenar. Y darme joven Jun (Jason Tobin) tras la derrota sufrida. Ahora combate en torcuenta de que estaba en el camino adecuado. Hay una frase suya neos de lucha, también para liberar su ira, mientras asiste a Ah Toy muy interesante, que apunté. Tomo notas en pequeños cuadernos (Olivia Cheng) en su peculiar misión. Pero las fuerzas que se mueven de todos los personajes que interpreto. Lo apunto todo… Y hay una alrededor de los personajes son mucho mayores que los planes de Ah frase de Bruce Lee: “Noto este gran sentimiento en mi interior. Es Sahm, su hermana Mai Ling (Dianne Doan), Li Yong (Joe Taslim) o la más grande que la fe, más grande que la ambición, más grande que joven Penelope Blake (Joanna Vanderham). Muchas figuras entrarán la confianza, más grande que la determinación. Es todo eso combien juego, desde el personaje de Dustin Nguyen, la hermana de Penenado”. No puedo quitarme de encima ese sentimiento de que estoy lope (Celine Buckens) o Cheng Tang y su sensacional personaje, Hong aquí por una razón. Haciendo este personaje. Con un grupo de gente (lo vais a adorar).

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Gracias al próximo estreno de la segunda temporada de Warrior, la serie que en España podemos ver en HBO y que está basada en los guiones de Bruce Lee, hemos podido echar un vistazo a la temporada completa para hablar de ella. Pero no solo eso. Hemos podido hablar con su protagonista, Andrew Koji, y con la mismísima hija de Bruce Lee, Shannon Lee, uno de los motores creativos de esta producción, que está creada por Jonathan Tropper. Más violencia, más misterio y más artes marciales en esta temporada, que además nos explican dos de los nombres más importantes de Warrior.

maravillosa. Y con este sentimiento de que estoy haciéndolo bien hasta ahora. E incluso si alguien cree que otro actor podría hacerlo mejor, luchar mejor, parecerse más a él… Yo lo estoy dando todo. Estoy aquí por un motivo. Me importa, me importan Bruce Lee, su filosofía, su legado…”

Y, por supuesto, de las brutales escenas de acción que han subido las apuestas en la segunda temporada. “En la primera temporada todo era nuevo y el equipo de especialistas intentaba descubrir cómo éramos, porque si podíamos movernos de una u otra forma, había que rodar con determinados ángulos. Así que fue más una búsqueda de cuáles eran nuestras fortalezas y debilidades. En la segunda temporada, bueno, ya sabemos lo que hacemos. Queríamos hacer evolucionar ese estilo de lucha y yo quise estar más en forma, más cerca de la imagen de Bruce Lee, muy definido. Si esto dura muchas temporadas quiero seguir evolucionando el estilo, hacerlo más complejo cada vez, lo que hace más difícil el entrenamiento. Este año por ejemplo, al tener menos calorías para quemar, tu cuerpo se entumece antes cuando das esas patadas tan vistosas”. Unas escenas de acción que casi le cuestan la salud cuando estuvo al borde del colapso los últimos días de rodaje.

Obviamente, Shannon Lee tenía mucho que aportar sobre la serie y nos habló de cómo sería la idea original de su padre en contraposición con esta. “Creo de corazón que la serie capta su energía y una gran parte de su visión. Cuando él presentó la idea, cuando escribió el guion hace ya 50 años, estaba muy interesado en explorar las peculiaridades de la época. La guerra de los Tongs, el acta de exclusión china, la política, los trabajadores irlandeses…

El hecho de que tengamos todo eso, y la acción, que la acción tenga un tono cercano a Bruce Lee…, creo que él hubiese disfrutado mucho con la serie. Ahora bien, lo que él escribió estaba dirigido a la televisión de los setenta. Era una serie muy distinta, con una aventura a la semana. Esta serie tiene la posibilidad de profundizar mucho más. Y sé que hay gente que piensa que es muy violenta o que hay desnudos… No son cosas de las que mi padre se escondiese. Lo importante es que cuando tenemos personajes luchando unos contra otros es por la historia. Mi padre siempre buscaba que la acción sucediese a través de los personajes y de la historia, y que tuviese un sentido, no solo acción por el hecho de hacer acción.

Creo que eso es algo que hemos conseguido”.

Además nos habló de una posible tercera temporada. Por diversos motivos las cosas se han detenido. La situación actual, los cambios… Por ahora, no hay nada decidido sobre si la serie seguirá adelante o quedará abandonada. Eso sí, Lee nos recordó que si queremos tener más temporadas de Warrior, está en nuestras manos.

Hay que hacerse oír…

Jesús Usero

Uno de los episodios supone un homenaje al terror ancestral, ese que puede habitar en el fondo del océano, y al cine de John Carpenter.

Nombres como Christopher Meloni o Jenna Elfman son algunos de los muchos rostros populares que habitan la serie.

Temporada 2 Tras su más que interesante arranque en su primera temporada, el nuevo reboot de La dimensión desconocida, o The Twilight Zone como ustedes prefieran, regresa este otoño a SYFY; será a partir del próximo 19 de octubre. Y lo hace como siempre, con los nombres de Simon Kinberg, Marco Ramírez y Jordan Peele asociados al proyecto, aunque da la sensación de que en esta temporada, Peele ha sido el más ligado al proyecto. La serie vuelve con diez nuevos episodios que en Estados Unidos estrenó CBS All Access, que intentan desgranar el mundo actual desde su particular perspectiva.

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acer que el espectador no recuerde continuamente a Rod Serling, el padre y creador de la serie original La dimensión desconocida (The Twilight Zone) no es sencillo, ni mucho menos. El responsable no solo era el motor creativo detrás del proyecto, consiguiendo algunos de los guionistas y de las historias más interesantes e impactantes jamás vistas en televisión. Una lección de ingenio, de talento y de, para qué negarlo, mala baba, que venía firmada por nombres tan brillantes como el mítico Richard Matheson, y que además incorporó nombres como directores que seguro sonarán a los lectores, como Richard Donner, Ted Post, Don Siegel, Christian Nyby, Jacques Tourneur, Richard C. Sarafian o la actriz Ida Lupino. Como decíamos, no solo consiguió todo eso, como productor y padre de la serie de la que también se encargó de escribir más de un episodio (o casi 100, ya puestos), sino que además fue su imagen. El rostro que nos introducía a los personajes, a las historias, a lo que nos enfrentaríamos unos minutos después, dejándonos siempre con la duda de lo que estábamos viendo, con esa pregunta, esa inquietud en la cabeza que hacía que el episodio fuese todavía más potente. Y desde que se estrenó este nuevo reboot de The Twilight Zone, esa posición la ha ocupado de forma más que interesante el guionista y director Jordan Peele, responsable de Déjame salir y Nosotros. Y pese al enorme éxito que tiene actualmente en cine, pese al Oscar y pese a lo que le depara su

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carrera…, sigue siendo el rostro de esta nueva serie. Sigue siendo nuestro Rod Serling particular.

Claro, el cineasta ya tiene en su cine una huella muy marcada heredada de la serie de Serling, así que le viene como anillo al dedo. Pero sabiendo que sus creadores son tres nombres realmente interesantes, como, además de Peele, los de Simon Kinberg (responsable los últimos años de la franquicia X-Men) y Marco Ramírez (guionista ligado a Marvel en Netflix), sorprende que sea el primero el que sigue más ligado al proyecto, no solo en calidad de anfitrión, sino con un guion original para esta nueva temporada. Posiblemente, el mejor episodio, con un reparto maravilloso, además, y con la duración perfecta… Lo que más le echamos en cara a esta nueva temporada de The Twilight Zone es que los episodios no duren unos minutos menos…, si lo hiciesen, la serie sería casi perfecta. Porque cuando se atreve a ir lejos, a arriesgarse y ofrecernos algo distinto, esta nueva versión de La dimensión desconocida triunfa como pocas cosas en este mundo.

Tiene detalles de grandeza y, en su segundo año, sus repartos son todavía más espectaculares. No es lo único que ha subido un par de peldaños, porque los nombres detrás de las cámaras también han crecido de forma sensacional, dejando a algunos de los directores o guionistas más interesantes que tiene el fantástico independiente en los últimos tiempos. O el cine en general. Y en algunos casos esa circunstancia está muy bien aprovechada y permite a la serie tener momentos magníficos.

¿Qué puede tener que ver un aparente atraco con una historia fantástica?

Necesitáis ver la serie para descubrirlo.

Tengamos en cuenta que la serie se abre con un episodio protagonizado por Jimmi Simpson y Gillian Jacobs, que repasa nuestros sueños y deseos más íntimos y las conexiones que establecemos. A algunos les recordará a Her. También nos recuerda que en el guion están las actrices Sara Amini y Emily C. Chang, de las pocas que repiten en toda la temporada con dos episodios, el arranque de la temporada y el cuarto, dirigido por Ana Lily Amirpour, ni más ni menos. La directora de Una chica vuelve a casa sola de noche nos trae una reflexión sobre la fama con una magnífica Jurnee Smollett, con un breve papel para Sky Ferreira. Peter Atencio nos trae un episodio de la mano del productor Win Rosenfeld, quien ha producido películas como Infiltrado en el KKKlan y es colaborador habitual de Jordan Peele. De nuevo, la mano de Peele sigue en la serie firme y segura. No quiere abandonar el proyecto como parece han hecho otros. El episodio brillante, y de los más breves, es Downtime, escrito por Peele y con Morena Baccarin como protagonista, además de Tony Hale, Serinda Swan y Colman Domingo.

Homenaje inicial a La invasión de los ultracuerpos, luego la cosa se convierte en algo que merece la pena ser descubierto y explorado. Un viaje al mundo de los sueños, de la realidad y de la ficción. De quiénes somos y qué nos hace ser como somos.

Tayarisha Poe, directora de Selah y las Picas, se encarga también de otro episodio, escrito por una habitual de la serie, la comediante y guionista Heather Anne Campbell. Un episodio

sobre el bullying y los papeles y clichés que representamos en el instituto. Además, tenemos un episodio dirigido por Justin Benson y Aaron Moorhead, los responsables de El infinito, por ejemplo, que además está escrito por Glen Morgan, uno de los responsables de Expediente X. Y nos regalan un episodio de terror, aparente homenaje a La Cosa, tanto a la de los años cincuenta como a la de John Carpenter. Joel McHale lidera ese reparto más que interesante de un episodio que seguro pondrá los pelos de punta. Alex Rubens también escribe dos episodios, uno con Jenna Elfman y Christopher Meloni y otro con Topher Grace, mientras que los escritores Steven Barnes y Tananarive Due brindan a Marlon Wayans Jr., David Krumholtz, Keegan Connor Tracy o Natalie Martínez una historia que seguro sorprenderá a más de uno. Cierra la temporada ni más ni menos que Oz Perkins, director y guionista de Gretel y Hansel, aquí responsable del episodio que homenaje a la serie original, “To Serve Man”, uno de los más queridos y apreciados por los fans.

Una forma curiosa de despedir una temporada que esperemos que no sea la última. Quedan flecos por pulir, pero si Peele sigue en el proyecto, hay muchas historias interesantes que contar y descubrir, y más nombres apreciables que las cuenten, en el futuro. Como diría Rod Serling, aquí, en La dimensión desconocida.

Jesús Usero

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Esperada serie de Netflix para este otoño, que se habrá estrenado hace apenas unos días, el 18 de septiembre, cuando leáis estas líneas, pero que a la hora de escribirlas solo unos pocos hemos podido ver. Seguramente, ya os hayamos dado alguna pista en redes sociales de esta precuela de Alguien voló sobre el nido del cuco, en la que seguimos el origen de la brutal enfermera Ratched que en cine dio el Oscar a Louise Fletcher y que aquí tiene los rasgos de Sarah Paulson, a las órdenes de Ryan Murphy, con quien tantas veces ha colaborado. Hagamos un repaso a fondo de la primera temporada…

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omo ya sabemos, la colaboración entre la actriz Sarah Paulson y Ryan Murphy, reputado y prolífico guionista, productor y director de series de televisión, se remonta a muchos años. De hecho, si miramos la carrera de ambos, se cruzó por primera vez en Nip/Tuck en 2004, una de las series que dio fama al guionista, y lo hizo de nuevo en la TV movie de 2008 dirigida y escrita por Murphy, Pretty/Handsome, antes del que sería su gran proyecto juntos, American Horror Story, la serie en la que han colaborado durante tantas temporadas, desde 2011, y que además los llevó a American Crime Story. Y ahora Ratched. Aunque la serie no está creada por el propio Murphy, que tiene suficientes pro-

yectos como para mantenerse ocupado varias vidas, y sigue siendo uno de los creativos de televisión con más trabajo a sus espaldas y en el futuro. Algo que no siempre sirve de la mejor forma a sus proyectos.

Por mucho que esta serie esté creada por el novato Evan Romansky, se nota la mano de Murphy, quien es el desarrollador o developer de la serie creada por Romansky. Una idea que toma su punto de partida en la novela de Ken Kesey Alguien voló sobre el nido del cuco, convertida en una magistral película por Milos Forman, con Jack Nicholson y Louise Fletcher de protagonistas, ganando sendos Oscars. El personaje de Louise Fletcher, la temible y terrible enfermera Ratched, que tenía a todos en el psiquiátrico acobardados, tanto a pacientes como a compañeros o superiores…

Ratched, obviamente, toma como punto de partida a ese personaje y decide viajar atrás en el tiempo. Si la obra original estaba ambientada, y la película también, en 1962, ahora volvemos quince años atrás en el tiempo, a 1947. Otra época, otra era donde los problemas eran distintos, donde la forma en la que la medicina trataba los casos psiquiátricos parecen barbáricos, no solo desde los estándares del siglo XXI, sino también de los años sesenta. En quince años cambiaron muchas, muchas cosas… Antes de seguir, eso sí, entendemos que aunque la serie se ha estrenado ya, hace no demasiado tiempo que lo ha hecho. Unos escasos días desde que se publique esta pieza, por lo que intentaremos mantener al mínimo cualquier tipo de spoiler y hablaremos de sensaciones genera-

les, de emociones y de lo que transmite una serie que por sus responsables, sus protagonistas y sus referentes, es una de las series más esperadas del otoño en Netflix. Aunque se estrene un par de días antes de que llegue el otoño. Sarah Paulson como Ratched y a su alrededor una serie de nombres de peso para dar empaque a la serie, que incluyen a Jon Jon Briones, Cynthia Nixon, Judy Davis, Sharon Stone, Finn Wittrock, Charlie Carver, Alice Englert, Corey Stoll, Sophie Okonedo, Vicent D’Onofrio, Amanda Plummer, Rosanna Arquette, Hunter Parrish o Brandon Flynn.

Sin duda, uno de los repartos más interesantes que vamos a ver este año en televisión, o al menos de los que más nombres de peso incluye. Sin duda, imponente.

Lo siguiente es una simple descripción de la trama sin spoilers, pero si se sienten más cómodos enfrentándose a la serie desde cero, no duden en saltársela. La serie nos lleva al final de la guerra, a los años posteriores con un peculiar médico, el doctor Hanover (Briones) al frente de una clínica psiquiátrica que necesita de fondos del Estado para crecer y poder aplicar sus técnicas revolucionarias (o no tanto) en sus pacientes, por lo que busca el apoyo del gobernador (D’Onofrio) y su asistente y mano derecha (Nixon). La política tiene intereses en el psiquiátrico por la llegada de un asesino, un brutal y despiadado asesino de sacerdotes, Edmund Tolleson (Finn Wittrock) que será desplazado al hospital para ser examinado por el doctor, quien decidirá si está loco o si su lugar está en la silla eléctrica. El doctor tiene un equipo de enfermeras comandado por la enfermera Bucket (Judy Davis), una mujer un tanto peculiar. A este lugar llegan dos desconocidos, un detective con los rasgos de Corey Stoll, que trabaja para Lenore Osgood (Sharon Stone), quien tiene un interés especial en el lugar y en quien lo regenta. Mientras, en el centro de todo la otra recién llegada, la enfermera Ratched, quien tiene sus propios motivos para acudir al psiquiátrico y ofrecer sus servicios como experimentada enfermera de guerra. Su intención es conseguir trabajo. Aunque, ¿quién es realmente Ratched? ¿Cuál es su pasado y de quién depende? ¿Y qué podemos entender sobre su futuro?

Hay que entender que, como decíamos al inicio, la serie busca tratar los temas recurrentes de la carrera de Murphy, sexuales,

sociales y psicológicos. Sin mucho más que decir para no estropear la sorpresa, se pueden imaginar por dónde van los tiros en esta historia. Y lo hace con inteligencia, conociendo a sus personajes y ofreciendo un arco dramático muy interesante para la mayoría de ellos (aunque en ciertos momentos nos interese más la historia de la millonaria Osgood que la de la enfermera Bucket, o similares). Es una serie más cercana a Hollywood en espíritu que a Alguien voló sobre el nido del cuco. Le interesa hablar de esa época, de ese universo, pero con un tono casi… irreal. El uso del color, los decorados, el vestuario… Todo es alejado de la película de Forman y cercano al mundo de Murphy. Eso hace la serie sorprendente incluso con sus curiosos saltos temporales (Paulson tiene actualmente 46 años, mientras que Fletcher tenía 41 años cuando interpretó al personaje…, quince años después de los sucesos de esta serie). ¿Es una buena serie Ratched? Lo es, sin lugar a dudas. Solo por su reparto, ya merece la pena ser vista. Y añadiendo un guion que trata temas interesantes de forma mucho menos ingenua que Hollywood…

Ahora bien, ¿necesitaba ser precuela del libro o la película? ¿Tenía este viaje que formar parte del pasado de Ratched? ¿Hay algo de lo que vemos aquí en el personaje que ya conocíamos? Son demasiadas dudas que la serie responderá con el tiempo, porque la primera temporada nos deja pidiendo más…

Jesús Usero

Quedan solo unos días para que AMC estrene en nuestro país la sexta temporada de Fear the Walking Dead y la primera temporada de World Beyond, el nuevo y esperado spin off que tenía que haber llegado en primavera. World Beyond debuta el 5 de octubre a las 22.10 horas mientras que la veterana nos presenta su sexta temporada el lunes 12 de octubre a las 23.00 horas, justo al acabar el episodio de su serie hermana y apenas unas horas después de su lanzamiento en Estados Unidos. ¿Qué nos deparan ambas series?

The Walking Dead: World Beyond Temporada 1

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preparados para enfrentarse a su temible enemigo. La primera ras ver sus primeros episodios podemos decir que vez que se enfrentan a un caminante… bueno, esperad y ved lo World Beyond es una serie sobre la familia, como que sucede. Son personajes que están todavía a mitad del camino, todas las series de The Walking Dead, pero desde el incapaces quizá de emprender el viaje. Motivados por lo que sienpunto de vista de los más jóvenes, de un grupo que no ten y no por lo que deberían pensar. Aunque otro personaje tendrá es precisamente el más preparado para enfrentarse al un peso capital en la historia y en la trama. Julia Ormond será Elifin del mundo. Son niños, adolescentes en el mejor de sabeth Kublek, dirigente de la CRM, una comunidad de la que los casos, que además han permanecido protegidos de todo lo que apenas sabemos nada más que su aparente militarización, su ha sucedido hasta la fecha. Son capaces de mucho, pero deben enorme poder y recursos, y que pueden tener algo que ver con descubrirlo desde cero. Esta familia ya está formada y tiene como Rick (Andrew Lincoln) y su futuro. Elisabeth no intención principal, por parte de sus protagonises lo que parece y en este caso no queremos tas, encontrar lo que han perdido. Descubrir decir demasiado porque hay mucho que descudónde puede estar esa parte de su familia que brir. Es un personaje que intimida, pero sabe perdieron. Ese es el viaje que emprenden dos convencer y manipular. Un personaje que no hermanas, Hope (Alexa Mansour) e Iris (Aliyah Dos personajes más tienen sabemos si está del lado de los jóvenes o no. Sus Royale). Cuando Hope e Iris deciden abandonar una importancia vital en acciones son… contundentes, eso sí. la protección de los muros de la comunidad que Dos personajes más tienen una importancia han habitado en Nebraska, lo que sorprende es World Beyond, como son vital en World Beyond, como son Felix (Nico Torcómo y por qué toman esa decisión, y los camFelix (Nico Tortorella) y torella) y Huck (Annet Mahendru). Ellos son los bios que se producen en ellas mismas. dos exploradores enviados a buscar a los chicos Estas dos hermanas tienen algo que buscar Huck (Annet Mahendru). cuando escapan de la comunidad. Son mayores, fuera de las fronteras de la comunidad. Algo que están muy preparados y adiestrados, pero tamexplique realmente quiénes son y qué ha pasado Ellos son los dos bién cargan con sus propios problemas y un con su familia. Junto a ellas, Elton (Nicolas exploradores enviados a pasado que no siempre fue prometedor, especialCantu) y Silas (Hal Cumpston), dos personajes mente para Felix. Vais a encontrar momentos que quieren salir de allí por diversos motivos. buscar a los chicos cuando nunca antes vistos en este universo, vais a ver Elton es un joven inteligente que quiere conocer elementos desconocidos y un nuevo acercamiento mundo, mientras Silas siente que su lugar está escapan de la comunidad. con mucho sentido del humor, inadecuado, y con fuera de una comunidad en la que no es nadie. El personajes realmente interesantes. Especialmente problema es que nadie les va a dejar aventurarse Hope y Felix… solos en un mundo en el que ni siquiera están

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Fear the Walking Dead Temporada 6

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unque de esta serie también hemos podido ver el primer episodio de la nueva temporada, debemos ser todavía más cuidadosos con lo que contamos. No vamos a analizar la temporada, pero sí podemos, siempre sin spoilers, dar unas pistas del camino que puede llevar y de lo que puede ser la nueva temporada de la serie, con sus incorporaciones y con algunas líneas generales. Sobre todo con el final de la quinta temporada y cómo quedaron los fans de la serie ante la situación a la que se enfrentaba el personaje de Morgan (Lennie James) y el porvenir que nos esperaba. Sí creo poder decir que la serie, pese a sus momentos… delicados (hay pérdidas que no se perdonan nunca, lo siento) es la que más me ha atraído siempre de este universo.

Y cierto tono de wéstern amplificado no hace más que mejorar mis expectativas como espectador.

Algo se está cociendo en esta nueva temporada, sin duda, y puede tener que ver con justo eso. Y con ciertas deudas o cuestiones sin resolver. No sé vosotros, pero yo no puedo esperar a ver qué pasa con Colby Minifie y su personaje, Viginia, que creo que va a robar la serie. Con un arranque fulgurante solo espero que los fans sigan siendo fieles. Su popularidad nunca estuvo ni siquiera cerca de la vista por The Walking Dead, pero la calidad de sus episodios, sus personajes y lo que tiene que ofrecer sí que están más que a la altura.

Fear the Walking Dead nos trae de vuelta a Alycia Debnam-Carey, Maggie Grace, Colman Domingo, Danay García, Garret Dillahunt, Karen David, Jenna Elfman y Rubén Blades entre otros muchos, para la que promete ser una de sus mejores temporadas.

Hay muchas expectativas, sin duda.

De hecho, creo que es una serie que merece mejor suerte y la nueva temporada me puede dar la razón, a tenor de lo que hemos visto.

Con mucho secretismo, por supuesto, pero con las cosas muy claras, la serie también se presentó virtualmente en la San Diego Comic-Con de este año y creo que más de uno puede sorprenderse.

Nada es como esperamos. Por ejemplo, tenemos la presencia, nueva, de Christine Evangelista como Sherry, la esposa perdida de Dwight (Austin Amelio) y tampoco su presencia es lo que pensábamos. De hecho, pese a que la serie siempre ha tratado sobre la familia (como todo este universo) creo que hay un elemento que en esta serie brilla más que en las anteriores, y que siempre me ha recordado a los wésterns de Howard Hawks, y es el tema de la amistad y la lealtad. Quien viese el final de la quinta temporada no puede tener tampoco muchas dudas al respecto. Es la gran diferencia respecto a las otras, y no porque no traten ese tema. Es vital al hablar de la familia. Es por el enfoque más cercano al wéstern. Fear the Walking Dead nos trae de vuelta a Alycia Debnam-Carey, Maggie Grace, Colman Domingo, Danay García, Garret Dillahunt, Karen David, Jenna Elfman y Rubén Blades entre otros muchos, para la que promete ser una de sus mejores temporadas. Hay muchas expectativas, sin duda. ¿Logrará la serie estar a la altura? Lo descubriremos en unas pocas semanas.

Jesús Usero

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Antidisturbios Tras La unidad, Movistar vuelve a apostar por la temática policial con la serie Antidisturbios, en la que brilla lo mejor que pueden darle al género Rodrigo Sorogoyen y unos actores de lujo.

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l nuevo trabajo del director de Que Dios nos perdone (2016) y El reino (2018) despierta máxima expectación tanto por su director como por su reparto y argumento.

Es una serie de televisión de un director forjado en el ritmo y las exigencias de continuidad argumental de ese medio, pero al mismo tiempo se despliega en su conjunto con la majestuosa identidad visual de una película de casi seis horas en seis capítulos Rodrigo Sorogoyen nos pone tras los pasos de un grupo de policías antidisturbios que después de una complicada intervención en un desahucio que acaba mal se ven envueltos en una investiga-

Roberto Álamo borda un personaje en el que cambia de registro brillando como actor.

ción de asuntos internos conducida por una exigente y testaruda policía que saca a la luz una trama mucho más compleja.

Pegados a la realidad En Antidisturbios Sorogoyen saca el máximo partido a las más de 100 localizaciones naturales que sirven como referente real de respaldo a la plena verosimilitud de lo que nos cuenta. El epicentro es el cuartel de policía del barrio de Moratalaz, en Madrid, sede de la Unidad de Intervención Policial (UIP), los antidisturbios. Sus instalaciones prestan el punto arranque para conseguir el entorno auténtico que requiere cada plano y se complementan con más de Despliegue de producción, localizaciones y brillante trabajo de cámara son claves para meternos en la realidad de los antidisturbios.

ANTIDISTURBIOS 200 sets y cientos de figurantes, además de un furgón policial que a medida que avanza la trama se convierte casi en un personaje más de esta.

Esos elementos tiene el director para meternos en un nuevo laberinto de intriga que navega entre lo propuesto por Que Dios nos perdone y El reino, a las que nos recuerda también el uso de la música y el juego con un montaje que incrementa la tensión incluso en los momentos aparentemente más serenos, además de algún guiño en el nombre de cierta empresa que apunta hacia la creación de un universo narrativo común entre películas y serie llamado a ser desde la ficción un espejo de la realidad.

Antidisturbios desarrolla su argumento en dos líneas principales. Por un lado, la línea argumental de los policías investigados, y la forma en que sus vidas privadas y relaciones familiares se van viendo paulatinamente afectadas por las consecuencias de la investigación a que están siendo sometidos, aporta además las claves para dar paso a las secuencias de acción que acompañan a la otra línea argumental de desarrollo de la intriga en la investigación de la conspiración.

Al borde del abismo En esa fase de acción presente en cada capítulo, la serie sumerge de lleno al espectador en las intervenciones de la UIP vistas desde dentro, antes, durante y después de cada lanzamiento de las unidades de antidisturbios a situaciones en las que la serie busca explorar la extrema delgadez del frágil hilo que separa el orden del caos.

Enfrentados a momentos de tensión creciente en una manifestación no autorizada, un desahucio, una algarada de hinchas del fútbol descontrolados o cualquier otro momento en que acecha lo imprevisto, los protagonistas viven cada día al borde de un abismo en el que la cotidiana normalidad de cualquier jornada de trabajo donde están hablando de sus planes para el fin de semana como cualquier otro trabajador, puede pasar a convertirse en poco más de un parpadeo un imprevisible estallido de violencia.

Antidisturbios nos mete así de lleno en el día a día de seis miembros de la UIP que le dan a los actores encargados de interpretarlos una oportunidad de oro para romper y cambiar sus propios registros, persiguiendo el objetivo esencial de revelar a las personas que hay debajo del uniforme, del casco, los escudos y las Las secuencias de acción son de diez y siempre un reto para el equipo de rodaje.

porras. Se trata aquí de despejar del tablero los tópicos más obvios para profundizar en algo mucho más interesante.

Guion brillante para actores brillantes El guion de la serie, escrito por Sorogoyen junto a Isabel Peña, que empezó a colaborar con el director en Stockholm y también escribió con él Que Dios nos perdone y El reino, y Eduardo Villanueva, desarrolla unos personajes que son un regalo para los actores, del mismo modo que los actores son un regalo para los personajes. Nada es bidimensional ni previsible en su arco de desarrollo.

Hovik Keuchkerian le saca todo el jugo a su trabajo como líder del grupo, hombre de vida personal complicada cuya capacidad de dirigir al equipo se pone a prueba. Roberto Álamo, que ya trabajó a las órdenes de Sorogoyen en Que Dios nos perdone, explora un territorio completamente distinto mostrando la fragilidad que se esconde bajo el aspecto de solidez de su personaje. Ellos son los dos veteranos de un grupo en el que los más jóvenes, interpretados por Álex García, el hombre en la encrucijada de distintas lealtades, Patrick Criado, el Niño, más joven y exaltado, y Raúl Prieto, el nuevo con algo en su pasado, encuentran un punto de equilibrio y sobriedad en el personaje de Raúl Arévalo, padre de dos hijos a la espera de traslado.

Primeros planos, cámara inquieta y detalles que importan Las relaciones familiares y de pareja, los conflictos profesionales y personales que arrastran del pasado los personajes, son también parte de la historia, como ocurre en el caso de Laia, la agente de Asuntos Internos que los investiga, interpretada por Vicky Luengo.

Desde Laia comienza Sorogoyen a edificar esta trama que visualmente pega la cámara a los rostros de los actores en primerísimo primer plano y sigue las acciones moviéndose inquieta por el paisaje humano y las localizaciones en los momentos más trepidantes. No queda rincón del viaje de cada personaje sin explorar con lenguaje de absoluta inmediatez casi periodístico, en el que los más pequeños detalles aportan sólida información con un solo plano y los giros de guion aportan nueva energía a cada capítulo.

Tal y como muestra el desarrollo ejemplar del capítulo 4 en todo su recorrido y en su desenlace, detrás de la trama principal habita una reflexión y también una denuncia de cómo están funcionando algunas cosas en nuestro país. Los antidisturbios son solo el principio.

El nombre de una víctima que se olvida es tan significativo como el agua que pide uno de los policías cuando lo interrogan.

Todo atrapa al espectador en esta dinámica mezcla de intriga y acción en la que se funden los códigos y las fronteras del lenguaje entre ambos medios.

Miguel Juan Payán Una combinación muy hábil de intriga y acción con lo mejor del cine de Sorogoyen.

ENTREVISTA

JuliaOrmond

T e Walking Dead World Beyond Th

A inicios de los noventa, Julia Ormond se convirtió en una de las actrices más solicitadas de Hollywood, con películas como Cautivos, Leyendas de pasión, El primer caballero, Sabrina o Smila: misterio en la nieve. Pero aunque su estela cinematográfica se desvaneciese, ha trabajado regularmente en cine y televisión, llegando incluso a protagonizar La conjura de El Escorial en nuestro país, y participando en películas tan interesantes como El curioso caso de Benjamin Button, Inland Empire o Mi semana con Marilyn. Ahora se une al universo de The Walking Dead en la nueva serie, World Beyond, y esto es lo que nos ha contado en exclusiva para ACCIÓN. Tenemos nueva serie del universo The Walking Dead, World Beyond. ¿Qué puede contarnos de la serie?

Bueno, es un punto de partida fresco. Es una historia sobre jóvenes, sobre gente nacida o criada en el apocalipsis, y es una historia de paso a la madurez. Porque los personajes centrales han sido criados en una comunidad cerrada, y la serie realmente trata de ver cómo estos personajes se enfrentan al reto de abandonar esta comunidad y lidiar con los peligros del apocalipsis, que sucedió hace diez años. Mi personaje es alguien con quien se encuentran. Una líder de la jerarquía de una nueva comunidad.

Creo, tras ver el arranque de la serie, que el suyo es un tipo de personaje que no habíamos visto con anterioridad, ¿verdad?

Sí… Hemos oído hablar de su comunidad con anterioridad, y hay algo respecto al modo en que su personaje llega que habla del nivel de poder, de unidad y de acceso que tiene esta comunidad nueva. Cómo han llegado a sobrevivir en este nuevo mundo frente a otras comunidades, y cómo lo muestran de una forma retadora e intimidante. Y creo que parte del viaje será descubrir… Bueno, ya sabes cómo es en el mundo de The Walking Dead, no es fácil descifrar si una nueva facción es una buena o mala fuerza. Ese es en parte el camino de los jóvenes, descubrir si alguien que llega intimidando es necesariamente alguien malo (risas). O no. Quién sabe. Eso será parte de su viaje.

Esa fuerza, esa entidad, es una constante entre las series de The Walking Dead, pero nunca la hemos visto como aquí. Es una especie de conexión entre todas las series ¿Vamos a descubrir más sobre ella?

Creo que una de las cosas más brillantes de este universo es que en cualquiera de las series, ya sea en The Walking Dead, en Fear the Walking Dead o en la nuestra, hay un folclore propio. Por ejemplo, aquí llaman vacíos a los caminantes. Pero al mismo tiempo se hacen esfuerzos enormes, enormes, por hacer que estos dos mundos, o incluso tres mundos, estén conectados. Así que sí, con el tiempo, veremos el hilo de esta historia unirse. ¿Vamos a descubrir entonces que su personaje es el que va a guiar a la audiencia en ese viaje a descubrir más sobre el CMR? Eso depende de si los productores responden a mis sobornos (risas). ¿Qué cree que es lo que esta serie aporta al universo de The Walking Dead que es diferente a todo lo visto con anterioridad? ¿Lo diferente? Creo que lo diferente es que esta serie está liderada por jóvenes. Está contada desde el punto de vista de gente joven. Obviamente, mi personaje es mayor, claro, pero la verdad es que esta serie está liderada por un grupo de personajes jóvenes maravillosos. Como te decía es una historia de paso a la madurez de

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este grupo de personajes criados durante el apocalipsis, protegidos en una burbuja, que de repente deciden salir al mundo, enfrentarse al reto, y tomar las riendas. Hacer lo que los adultos hacían para mantenerlos protegidos. Creo que eso es lo que hace la serie diferente y única. Otros te dirán que es también una serie muy femenina, con personajes femeninos liderando. Pero desde mi punto de vista, eso es algo que ya habíamos visto antes. Ya había personajes femeninos que ejercían el liderazgo en las otras series y que surgieron en el pasado.

Lo que hace la serie única es que está liderada por estos jóvenes.

Ha mencionado que la presencia de su personaje es algo amenazante…

Sí, puede parecerlo, o puede serlo. Pero no sé, en este momento, cuánta información puede sacarse de eso…

Pero tiene dos caras… Aparece como una presencia amenazante, pero las jóvenes confían en ella desde el principio. Es muy fácil confiar en ella y creer lo que dice…

Bueno, no creo que ellas tengan demasiadas opciones. Y no creo que haya nada malo en creer a una persona que, aparentemente, quiere ayudarte. ¿Pero realmente quiere ayudarlas o está sucediendo algo más de lo que no son conscientes aún? ¡Esa es la gran pregunta! Y respondértela supondría una lista enorme de spoilers (risas). Esa, esa es la gran pregunta tanto para nosotros como para ellas, para las protagonistas. ¿Y qué le hizo elegir este proyecto, esta serie de televisión, como su siguiente trabajo? ¿Qué fue lo que le hizo pensar “esto es lo que quiero hacer ahora”?

Tiene que ver con lo que comentaba de ser liderada por jóvenes.

Creo que es una serie que representa muy bien los retos de hoy en día. Creo que habla de cómo los adultos y las generaciones pasadas no han cuidado realmente bien del mundo, y han fracasado, incluso a la hora de asegurar un futuro para las generaciones siguientes. Creo que eso es algo que resuena en mí, como individuo y persona, y me gusta el hecho de que la serie sea realmente rompedora y provocadora. ¿Alguna vez te has preguntado a ti mismo qué harías en mitad de la tormenta, adónde irías? La serie toma algunas de esas preguntas, de esas cuestiones morales sobre cómo nos enfrentamos a las cosas y como confrontamos ciertas asunciones que hacemos sobre cierta gente, cierta gente que se acerca a nosotros. Creo que la serie brilla en ese sentido. Adoro la serie y creo que tenemos un grupo brillante de creadores y showrunners, y siento una enorme admiración por un reparto fenomenal al que seguirle los pasos, no solo nombres como Andrew Lincoln, Norman Reedus, Melissa McBride y tantos, tantos otros…, pero también el reparto joven que nosotros tenemos. Ha sido genial.

Jesús Usero

WYNONNA EARP

Puede parecer tarde, pero es el momento perfecto. En España ya hemos disfrutado de un par de temporadas de Wynonna Earp en streaming, pero ahora, gracias al esfuerzo de SYFY, podremos disfrutar de la serie creada por Emily Andras desde el próximo 1 de octubre, empezando por la temporada 1. Pero las cosas no acaban aquí, sino que la cadena seguirá emitiendo temporadas según pase el tiempo. Así que podemos comenzar la serie desde el principio, algo que muchos no han podido hacer, y seguir su aventura hasta llegar a los episodios más recientes. Y con Wynonna Earp merece la pena.

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cionar la televisión, simplemente entretener, nos encontramos ante or eso, vamos a empezar nosotros también desde el princiun producto genérico y sin fuerza. La serie fue elegida la mejor pio, para ponernos a tono para la primera temporada que se serie nueva de 2016 por Entertainment Weekly, y Variety la eligió comienza a emitir desde el primer día de octubre. Trece entre las 20 mejores series de ese mismo año. ¿El motivo? Su episodios que adaptan el cómic de Beau Smith, con ciertas sólida propuesta y el aporte dentro de un género trillado, con una libertades, como es habitual en estos casos (en muchos protagonista con un carisma sensacional y una serie de historias en momentos mejorando las viñetas), y que fueron llevados a las que había mucho humor, mucho descreimiento, mucha sátira y, la televisión de la mano de Emily Andras, guionista que comenzó su para qué negarlo, mucha mala baba. El cómic fue adquirido en carrera en un drama musical canadiense, Instant Star (a algunos en 2015 por SYFY en Estados Unidos para lanzar una espíritu les recordará a Glee), pero que se hizo un serie de trece episodios un año después, y puso al nombre en el género fantástico en la serie Lost Girl, Wynonna Earp toma una frente del proyecto a Andras, con quien ya habían La reina de las sombras, de la que fue showrunner trabajado como hemos comentado. Y también en las temporadas 3 y 4. Además, antes de encarfórmula que todos como es habitual en este tipo de series, se eligió garse de esta serie que nos ocupa, pasó por la priconocemos desde hace Canadá como lugar de rodaje, y de ambientación mera temporada de la muy interesante Killjoys. Así la serie, que tomó como base de operaciones que con Andras al frente sabemos que tendremos mucho tiempo, y la lleva a su para Alberta y alrededores, especialmente el pueblo de personajes femeninos fuertes, atractivos, poderosos Didsbury, para dar vida a Purgatory, la ciudad y dispuestos a sorprender al espectador. Aunque en terreno, al wéstern pequeña y peligrosa donde tiene lugar la acción. el fondo, pese a su curiosa historia, Wynonna Earp sobrenatural.

Y nunca mejor El pueblo que se convierte en el centro del Triántoma una fórmula que todos conocemos desde hace gulo Fantasma, un lugar donde, como la Boca del mucho tiempo, y la lleva a su terreno, al wéstern dicho, porque si son Infierno, por ejemplo, el mal se siente atraído y sobrenatural. Y nunca mejor dicho, porque si son seguidores de Sobrenatural o de Buffy, encontrarán seguidores de Sobrenatural donde nada bueno parece suceder. Una ciudad maldita y llena de fantasmas, no solo como forma en aquellas las semillas de lo que sería y sigue o de Buffy, encontrarán en de hablar, sino de verdaderos fantasmas del siendo aún hoy, Wynonna Earp. Una serie que tras pasado devueltos a la vida y salidos del infierno. dos años de espera, por cierto, este año estrena su aquellas las semillas de lo Todo ello ligado a la figura del mítico pistolero cuarta temporada, que esperemos no sea la última, que sería y sigue siendo aún Wyatt Earp. la verdad. Y todo comenzó aquí…

Melanie Scrofano da vida a Wynonna Earp, Pero no penséis que por tener claros sus hoy, Wynonna Earp. nuestra protagonista. Es descendiente directa de referentes y ser una serie que no planeaba revolu-

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Wyatt Earp, ni más ni menos, y en su 27 cumpleaños regresa a su ciudad, Purgatorio, donde reside su hermana pequeña Waverly (Dominique Provost-Chalkley) para enfrentarse a algo que no esperaba. La tragedia ha seguido siempre a los Earp desde los tiempos de su tatarabuelo, por la herencia del revólver Pacificador, capaz de mandar de vuelta al infierno a cualquiera que salga de allí. Pero debido a ello, su hermana mayor fue secuestrada por estos demonios cuando eran niñas, y Wynonna tiene una relación cuando menos peculiar con su legado y con el nombre que atesora. Por eso no está muy contenta de estar donde está, ni de ser quien es. Tras la desaparición de su hermana, ella es la única que puede usar el poder del revólver de su tatarabuelo, nadie más.

Porque muchos de aquellos a quienes Wyatt Earp ajustició han regresado y planean algo, algo que debe ser detenido. Sobre todo su líder, Bobo del Rey (Michael Eklund), un peculiar resucitado con ganas de vengarse de Earp y de su legado por acabar con su vida y mandarle al infierno. También está un personaje muy curioso, interpretado por Tim Rozon, del que pronto contaremos más. Una agencia del Gobierno, la Black Badge Division (BBD) se encarga de reclutar a Wynonna para que se encargue de esos renacidos y de otras amenazas sobrenaturales que habitan el Triángulo Fantasma, al mismo tiempo que le proporcionan un aliado, el agente Xavier Dolls (Shamier Anderson).

OJO SPOILER. [Aunque nada es lo que parece en Purgatorio ni en torno a la figura de Wynonna o de su ancestro. El personaje al que da vida Rozon es ni más ni menos que Doc Holliday, quien fuese el socio y amigo íntimo de Wyatt Earp, y tiene el don de la eterna juventud, concedido por una peculiar bruja que le curó la tuberculosis y le condenó al mismo tiempo. De hecho, Holliday no está de vuelta para hacer amigos, ni para ayudar a la joven Wynonna, al menos al principio. Encerrado durante más de un siglo en un pozo, planea ayudar a Bobo para traicionar a nuestra protagonista y recuperar la pistola para el bando del infierno. ¿Con qué propósito? ¿Quién manda realmente las fuerzas de los resucitados? ¿Cuál es el verdadero legado de los Earp? Sobre todo, cuando la hermana mayor de la familia regrese de lo que parecía una muerte segura cuando eran niñas, con la habilidad también de manejar el revólver de la familia y mandar al infierno a cualquiera que haya salido de él. Claro que la relación entre Doc y Wynonna no será sencilla precisamente y puede que se convierta en algo más con el tiempo]. FIN SPOILER. La serie es entretenida, se centra en el carisma de Wynonna y Doc, en su espíritu libre y en su humor.

Wynonna es descreída y sarcástica, bebedora y violenta, de mal carácter y poco dada a seguir órdenes o lo que representa su apellido. Es decir, todo un viaje para el espectador con su mezcla de wéstern, fantástico y humor sarcástico.

Jesús Usero

La protagonista, Wynonna Earp, es ni más ni menos que la descendiente directa del legendario Wyatt Earp.

Y como heredera y primera en la línea de sucesión, puede emplear el mítico revólver Peacemaker para enviar al infierno a quien escape de allí.

Será clave para ello la ayuda de la BBD, una agencia secreta, y del no menos legendario Doc Holliday.

Pero no por ello Wynonna perderá de vista a su familia.

Su hermana pequeña será otra pieza imprescindible de la serie.

Nueva serie de la mano de la gente de Calle 13, Deputy es un wéstern moderno con un reparto ejemplar y unos nombres más que interesantes detrás de las cámaras, que podemos disfrutar desde hace unos días, ya que se estrenó el 18 de septiembre. Trece episodios para darnos a conocer a los personajes de esta historia, creada por Will Beall y con David Ayer ligado al proyecto. Stephen Dorff es la estrella protagonista y el líder de una producción que tiene mucho entretenimiento en sus venas. Los fans del género la van a disfrutar sin lugar a dudas.

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so sí, debemos empezar con una muy mala noticia. La serie, que llegó en Estados Unidos a Fox a inicios de este año, fue cancelada tras su primera temporada, así que estos trece episodios son como una miniserie para aprender a disfrutar del sheriff Hollister y su equipo en la ciudad de Los Ángeles. La serie, de hecho, fue cancelada de forma bastante injusta para quien esto escribe. Sus audiencias, desde su estreno, fueron sólidas, sobre todo en los tiempos que corren para las diversas networks, y tras observar los datos de una semana sumándole los números de DVR, de aquellos que graban la serie digitalmente para verla después, sus cifras totales eran superiores a muchas series que sí fueron renovadas. Su crimen imperdonable, el demográfico de 18 a 49 años, que sigue moviendo a las networks a la Por mucho que lo intenten, en su nuevo papel de sheriff, Hollister no dejará de participar en los casos de sus agentes.

hora de la publicidad y de renovar o cancelar las series que emiten, porque determina lo que pagarán los anunciantes para que sus productos aparezcan en los espacios de publicidad. Y en el caso de esta serie, los números no eran lo esperado ni muchísimo menos. Quizá si la serie se hubiera estrenado en CBS su destino hubiese sido completamente distinto, porque es el tipo de producto que va dirigido al tipo de público que le encanta a la audiencia de la cadena. Y las cifras sólidas demuestran que había potencial. Pero en Fox tenía los días contados. La buena noticia es que ahora podemos ver la serie y descubrir si merece la pena. Si usted es fan de los procedimentals y de los wésterns, le aseguro que sí, merece la pena.

No fue fácil levantar la serie. Desde que se firmó el inició el proyecto en octubre de 2018, pasó casi un año y medio hasta que pudimos ver los primeros episodios. Primero varios meses hasta que Fox decidió dar luz verde al piloto, y luego tras aprobar la serie en mayo, se decidió que fuese una serie de reemplazo de mitad de temporada, lo que no suele ser la mejor de las noticias. A muchos les cuesta atraer a la audiencia en midseason. Pero el creador de la serie, Will Beall, tenía muy claro que una serie así puede funcionar. Él fue guionista de Castle, producción que llegó como reemplazo midseason y se quedó ocho años entre nosotros. Así que podía conseguir algo así con esta serie. Además, Beall había sido el responsable del remake/reboot de Training Day en televisión, lo que le llevó a trabajar junto a David Ayer. Y seguramente así le llegó la oportunidad de escribir el guion de Aquaman, por ejemplo. Pero también de colaborar nuevamente con Ayer, quien dirigió los primeros episodios de la serie y que, además, figura como productor eje-

El Sheriff Hollister, interpretado por Stephen Dorff, y el grupo del que se rodea, incluyendo a sus agentes, su esposa y su guardaespaldas, dispuestos a marcar la diferencia en Los Angeles.

cutivo de esta. Con esos dos nombres, uno siente al menos curiosidad por el proyecto y lo que nos vamos a encontrar. Quizá no busque ser la serie más brillante del mundo, pero con esos mimbres y siendo un wéstern… La verdad es que es difícil no sentir curiosidad por la serie que ahora nos trae Calle 13.

Alma de wéstern en un procedimental que cada semana nos presenta un nuevo caso, pero en lugar de apostar por la investigación más… científica, la serie apuesta por el policiaco a la antigua y las escenas de acción, donde tendremos de todo. El piloto, de hecho, es verdaderamente espectacular. Y pretende traer algo de veracidad a la historia. No hay que olvidar que Will Beall era policía en South Central, Los Ángeles, en la vida real, y que empezó a trabajar en un libro que primero serían sus memorias y posteriormente una novela, mientras seguía ejerciendo como policía. Posteriormente, en una fiesta, conoció a alguien del mundo editorial, consiguió un agente y sus días de policía terminaron. Pero el guionista sabe perfectamente lo que es ponerse tras el volante de un coche de policía día a día. Entiende a sus personajes, sus motivaciones y lo que esconden. Conoce perfectamente qué tipo de policía es el personaje de Stephen Dorff, porque él mismo y muchos policías más, seguramente, soñaban con convertirse en alguien así.

Aunque la política no lo permita. Aunque haya que doblegar las reglas o romperlas de cuando en cuando para conseguir que las cosas se hagan. Ese es el tipo de policía que es el sargento Bill Hollister (Stephen Dorff), un tipo que está a punto de que le quiten la placa al inicio de la serie. Miembro del departamento del sheriff del condado de Los Ángeles, ha roto las reglas demasiadas veces…

Pero no está dispuesto a aguantar tonterías. Tiene un trabajo que hacer. Se considera un tipo íntegro, que jamás ha aceptado un soborno, que usa la violencia cuando no queda más remedio, y que nunca dispara si hay otra posibilidad. Un vaquero de los de antes que prefiere notificar a los inmigrantes ilegales la redada que se avecina, antes que dejar que el Departamento de Inmigración y el suyo propio atrapen a los inmigrantes. Porque su misión es proteger al inocente. Cuando el sheriff, con el que precisamente no se lleva bien, fallezca inesperadamente, una antigua norma del reglamento le coloca como sheriff provisional de Los Ángeles hasta que haya elecciones. Son 110 días al frente del departamento que ama, dispuesto a cambiarlo desde dentro. Pero esto no es un pequeño pueblo en la frontera. Es el departamento del sheriff. Política, elecciones, puñaladas por la espalda…, un departamento cuyas altas esferas le odian, a pesar de que en las calles le adoran. Junto a él, su esposa, la doctora Paula Reyes (Yara Martínez), su mano derecha en el asfalto, Cade Ward (Brian Van Holt), el hijo de su mejor amigo, el recién nombrado agente Joseph Harris (Shane Paul McGhie), su inesperada guardaespaldas, Brianna Bishop (Bex Taylor-Klaus) y el segundo al mando, Jerry London (Mark Moses), siempre esperando verle caer. No es ninguna revolución, pero es un homenaje al wéstern lleno de acción, frases memorables (ojo al homenaje a Kill Bill en el piloto), actores más que interesantes (Dorff y esa voz de haber bebido demasiado aguardiente) y momentos de tensión continua. Café para los muy cafeteros. Y aquí nos gusta el café.

Jesús Usero

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Queda algo más de un mes para que se estrene una de las series más esperadas del año.

Una serie que se convirtió en un fenómeno mundial en 2019 y que fue la carta de presentación perfecta que tuvo Disney+ en su estreno en otoño y de nuevo en primavera de 2020 cuando llegó a España. The Mandalorian, la serie creada por Jon Favreau que sigue los pasos de un cazador de recompensas muy particular, vuelve el 30 de octubre, y es el momento perfecto para tratar de descubrir qué nos depara la nueva temporada de una de las series más importantes de los últimos tiempos.

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he Mandalorian sin duda se ganó el respeto de la audiencia. Empezando por la crítica, pasando a los espectadores más casuales y por supuesto a los fans de Star Wars, universo en el que está ambientada la serie. No a todos, pero sí a la mayoría de ellos. Incluso aquellos que no comenzaron la serie muy convencidos, terminaron enganchados por la fuerza del relato, el carisma de sus personajes y su forma de reavivar el universo al que pertenece apoyándose no sólo en lo que los fans querían ver, sino también en un tono de western crepuscular que sentaba como un guante a los personajes. Y quedando más o menos un mes para el estreno, podemos empezar a

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intentar augurar lo que nos espera en la nueva temporada, algo que no será nada sencillo pero que puede ser muy interesante. Como todos sabemos, Star Wars es una de las franquicias que mejor guardan todos sus secretos, que hacen a los fans especular una y otra vez y que luego, cuando llega la hora de la verdad, nos sorprenden porque hacen aquello que la mayoría no esperaba. Con The Mandalorian no va a ser distinto, y tratar de adivinar lo que nos espera en su nueva tanda de episodios va a ser complicado… Pero no imposible. Hay más de una pista y cosas confirmadas que permiten que nos aventuremos en terreno desconocido… Eso sí, avisando al lector que si no ha visto la primera temporada, deje de leer en

Ciertos stormtroopers y su particular equipo, estarán en esta segunda temporada, en un planeta con una imagen sombría.

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este momento. Podría encontrar SPOILERS de la misma. De la nos…), buscando el planeta de origen del portentoso niño. Los lazos entre ambos personajes crecían hasta el punto de que el niño era ya segunda temporada, obviamente, no.

Aunque más allá de la trama, de las sorpresas, o de los nuevos parte imprescindible de la vida de un Din Djarin, nombre del personaje personajes, por ejemplo, mucha gente se pregunta si la serie se emi- protagonista, que era capaz de arriesgarlo todo por salvar al niño. Ese tirá completa o si ha habido complicaciones debido al coronavirus. viaje nos volverá a hacer encontrarnos con personajes como el de Como ya saben (sí, es tonto preguntar pero siempre es bueno asegu- Carano, con esa fascinante relación con Din, y Carl Weathers, quienes rarse), la pandemia ha asolado el mundo y ha paralizado, como no son Cara Dune y Greef Karga respectivamente. Weathers se supone sólo iba a aparecer en dos episodios y su personaje podía ser de otro modo, todos los rodajes desde ser asesinado. Incluso iba a ser un alien, con prótemarzo hasta hace bien poco. ¿Ha podido The ManLas nuevas presencias de la sis y maquillaje… pero finalmente el personaje dalorian acabar a tiempo? Pues sí, lo ha hecho. gustó tanto a los responsables que se quedó y Tras el éxito de la primera temporada y con la luz serie no han sido vuelve. Además lo hace con el actor dirigiendo un verde garantizada casi antes del estreno para una segunda temporada, Jon Favreau ya tenía muchas confirmadas todavía, pese a episodio. Como también dirigen un episodio Jon Favreau, que no pudo en la temporada uno por estar ideas y guiones perfilados, que le permitieron que hace meses que sus terminando El Rey León, Bryce Dallas Howard, Rick ponerse a rodar la serie antes de acabar el año. Con Famuyiwa, Dave Filoni y las incorporaciones de la cantidad de postproducción que requiere The nombres están en boca de Peyton Reed y Dave Filoni. Parece ser que, salvo Mandalorian había que ponerse a rodar lo antes todos. Michael Biehn parece sorpresa, ni Werner Herzog ni Nick Nolte repetirán posible y así conseguir el tiempo para terminar los sus papeles. ¿Quizá en un flashback? Pero sus perepisodios de cara a otoño de 2020, época en la que ser que será un sonajes, como sabemos, ya fallecieron. Y hay que se pensaba estrenar la serie. Así, el rodaje concluyó dejar hueco a los personajes nuevos. antes de que la cuarentena por el coronavirus afeccazarrecompensas que se Quien sí regresará, aunque quizá en una aparitase a todo el mundo, y desde entonces lo que cruza en el camino de los ción estelar, es Giancarlo Esposito. El actor que está hemos ido descubriendo o adivinando de las novemuy solicitado estos días (acabamos de verle en The dades, ha sido mucho después de que el rodaje protagonistas.

Boys) vuelve como Moff Gideon, gran villano de la tuviese lugar. No, no hay que preocuparse, la temporada anterior que sobrevivió y cuyos últimos segunda temporada estará lista en su fecha de estreno en Disney +. Según la propia Gina Carano, desde marzo, momentos le mostraban saliendo de su derribado caza TIE usando un cuando a inicios del mes se cerró la producción con todo terminado. Y darksaber, un artefacto de procedencia Mandaloriana… Las nuevas presencias de la serie no han sido confirmadas todavía, pese a que además confirmando así que Carano regresa…

Por supuesto bajo la máscara de The Mandalorian (casi todo el hace meses que sus nombres están en boca de todos. Michael Biehn tiempo, si los calendarios de rodaje lo permiten) se encuentra Pedro parece ser que será un cazarrecompensas que se cruza en el camino Pascal. Al final de la temporada anterior le vimos partir junto a La de los protagonistas. Katee Sackhoff dará vida, como en Rebels y Criatura (The Child, pero le llamaremos Baby Yoda para entender- Clone Wars donde le ponía voz, a Bo-Katan Kryze, personaje imprescin-

La imagen de Mando sobre una speeder bike ha encantado a los fans.

Pero sin duda el rey de la función sigue siendo Baby Yoda y su relación con el protagonista.

Muchos han identificado esta imagen como un regreso a Tatooine, el hogar de Luke Skywalker.

dible para la mitología mandaloriana, líder de los Nite Owls, regente camino, como bien sabemos. Es una situación que muchos intuyen temporal de Mandalore hasta la llegada de Palpatine, parte importante llevará a Mando a Lothal, un planeta minero que podría tener la de la Guerra Civil en el planeta… Nos morimos de ganas de verla inter- clave del paradero de Ahsoka. Interesa mucho descubrir cómo será accionar con Din Djarin. Timothy Olyphant aparece en la temporada y el encuentro con una jedi, porque recordemos que para muchos son todo apunta a que será Cobb Vanth, un personaje de las novelas de mito o leyenda, y otros ni siquiera conocen su existencia. RecordeStar Wars que es un antiguo esclavo que adquirió la armadura de Boba mos que estamos al final de la guerra, con el Imperio caído o Fett. Hay fotos del actor con la armadura… Porque Boba Fett vuelve cayendo, tras la destrucción de la segunda Estrella de la Muerte.

Lothal, decíamos, podría aparecer en la serie, con la voz de Temuera Morrison, y sus rasgos bajo el aunque quien sí aparece en la serie son las fuerzas casco. El personaje obviamente sobrevivió a su rebeldes, con dos cazas X-Wing escoltando de forma muerte en El Retorno del Jedi y su camino se crualgo amenazadora la nave de Mando. Es importante zará con el de Din, de nuevo, porque ya lo hizo breel arranque porque en la música algunos han creído vemente en la temporada 1, aunque el protagonista ver una referencia al juego Jedi Fallen Order. Tatooine no lo sabía. Y por supuesto, todos queremos ver a Hay novedades de sobra en parece ser otro de los rincones de la galaxia a visitar, Rosario Dawson como Ahsoka Tano. Aunque no es la serie, pero también vuelta y allí podríamos encontrar a Boba Fett, el último sitio oficial, lo damos por hecho y es el sueño de los fans donde le dejamos en las películas. El planeta helado y de la actriz. Cada vez queda menos… a lo conocido que tan bien que vemos podría ser Hoth, aunque se apunta a Ilum, No mucho antes de terminar de escribir funcionó en la primera planeta que acabará convertido en la base Starkiller estas líneas, además, hemos tenido posibilidad de y que haría que la serie enlazase con la nueva trilogía. ver el primer tráiler de la temporada que nos pone temporada y que convirtió a Un puerto de pescadores (no es habitual ver botes y en situación y que ha revolucionado a muchos barcos en Star Wars) también nos ha llamado la fans porque han creído identificar al personaje, a la serie en el éxito que es. atención, como esa pelea ante un ring de lucha en la Ahsoka Tano, pero con los rasgos de otra actriz. que Mando acaba con toda una legión de enemigos Parece que la situación está desmentida y todo sin despeinarse. Viejos amigos, Din empleando su jet sigue apuntando a la presencia de Dawson. Esa pack, un planeta con posibles ríos de lava… Hay persona que vemos podría parece ser Sasha novedades de sobra en la serie, pero también vuelta a Banks, la actriz luchadora de WWE que daría vida a Sabine Wren. Si han visto Clone Wars, saben quién es y a quién lo conocido que tan bien funcionó en la primera temporada y que convirpuede llevar. Queda claro que los jedi pueden empezar a aparecer tió a la serie en el éxito que es. Queda esperar y descubrir si todo lo que en la serie, aunque además de con Ahsoka, sea de forma tangencial. imaginábamos de las primeras imágenes y de la información que se ha Por lo que sabemos en su búsqueda del planeta de origen de “Baby rumoreado y filtrado hasta la fecha… Ya sólo queda espeYoda”, Mando debe buscar a una antigua raza de hechiceros que rar.

Sara Martín lucharon en la gran guerra contra Mandalore, los jedi. Algo que a TRÁILER: http://youtu.be/ItIlFvLBfLw nuestro protagonista no le hace demasiada gracia, pero este es el Por supuesto Gina Carano regresa esta temporada a la serie

También regresa Carl Weathers, quien además dirigirá uno de los episodios de la temporada.

Los moradores de las arenas son parte icónica de la saga y estarán aquí presentes.

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A C T U A L I D A D

T E L E V I S I Ó N

Spider-Man tendrá un spin-off televisivo protagonizado por la superheroína Silk. Aunque sigue creciendo sin

Expediente X tendrá un spin off en forma de comedia de animación. Muchos

que nada se concrete realmente, el universo Spider-Man de SONY parece tener muchas posibilidades si es tratado con cuidado. El último rumor de Hollywood apunta a una serie de televisión protagonizada por un personaje femenino. Ya hay varias películas en marcha, además de la secuela de Venom o Morbius, con personajes femeninos, pero esta serie no sabemos si estará ligada al universo cinematográfico de Marvel. De momento, lo que se sabe es que la protagonista sería Silk, personaje que esconde la identidad de Cindy Moon, una compañera de clase de Peter Parker que fue mordida por la misma araña que Peter, pero con distinto resultado. En cine, Tiffany Espensen ha dado vida al personaje brevemente junto a Tom Holland, pero no se sabe si repetirá.

fans de la serie original todavía esperan que Fox anuncie sus planes para una temporada 12 de la serie, aunque la ausencia más que posible de Gillian Anderson podría retrasar los planes de dicha continuación un tiempo.

Mientras, la cadena ha puesto en marcha XFiles: Albuquerque, una comedia de animación que no parece el spin off más lógico para Expediente X. La serie seguirá a un grupo de agentes del FBI estacionados en Albuquerque y que se encargan de investigar los casos más surrealistas y ridículos. Aquellos que nunca llegarían a Mulder y Scully.

Netflix convertirá Resident Evil en serie de televisión. Tras meses de rumores y de mensajes cruzados entre responsables de la franquicia y fans, por fin Netflix ha hecho oficial lo que está por venir. Al margen, entendemos, del reboot cinematográfico, el servicio de streaming ha confirmado que adaptará el videojuego Resident Evil a serie de televisión, con Andrew Dabb como productor y showrunner. La serie mostrará dos líneas temporales distintas, con las hermanas Jade y Billie Wesker (sí, el apellido no es coincidencia) en la primera cuando se mudan a Raccoon City con catorce años, y luego en el presente, cuando son parte de los quince millones de supervivientes del apocalipsis zombi y Jade tiene treinta años. Ocho episodios de una hora están preparando.

Los creadores de Westworld tienen nueva adaptación de Michael Crichton para HBO. Jonathan Nolan y Lisa Joy siguen trabajando en Westworld mientras preparan, con Amazon Studios, la adaptación del videojuego Fallout de Bethesda. Y ahora van a producir una nueva serie para HBO, junto a Denise Thé como showrunner que adaptará otro de los trabajos de Michael Crichton, en este caso la novela Esfera, publicada a finales de los ochenta y que ya fue llevada al cine con Dustin Hoffman y Sharon Stone. La historia sigue a un psicólogo que se une a un grupo de científicos en una misión al fondo marino, donde descubren un artefacto de otro planeta, lo que les lleva a enfrentarse a los misterios del universo.

Nueva serie de terror en SYFY para Tim Rozon. El actor de Wynonna Earp ya tiene nuevo proyecto. Con la serie de la heredera de Wyatt Earp quizá en su última temporada, el actor que ha dado vida a Doc Holliday ya tiene nuevo proyecto, también en SYFY. Se trata de la serie The Surrealtor, que le reunirá con su compañera de Wynonna Earp, Savannah Basley, quien apareció brevemente en la serie, en una trama mezcla de comedia y terror. Una disparatada historia en la que Rozon dará vida a un agente inmobiliario, pero completamente distinto al resto, porque en lo que se especializa es en vender casas encantadas o poseídas.

Junto a un equipo de élite, venden propiedades que nadie más puede vender, pero ellos mismos tienen sus propios terribles secretos y fantasmas.

AC T UA L I DA D T E L E V I S I Ó N Arnold Schwarzenegger tiene nueva serie de televisión. Hace no mucho tiempo os contábamos que el actor Arnold Schwarzenegger planeaba protagonizar su primera serie de televisión, Outrider, con un tono wéstern que prometía bastante. Ese proyecto no sabemos si sigue adelante o no, pero por si las moscas el actor ya tiene otra serie con la que poder debutar como protagonista en televisión.

Se trata de una trama de acción, sin título por el momento, que Schwarzenegger protagonizaría. Mientras, se sigue buscando al resto del reparto que acompañe a la estrella austriaca. La serie, un thriller de espionaje, se centrará en un padre y su hija, aunque poco más se ha filtrado del proyecto, que producirá Skydance, con quien el actor ha trabajado, por ejemplo, en las dos últimas entregas de Terminator.

Mary McCormack, la última incorporación a la serie Heels de Stephen Amell. Poco después de anunciarse el final de Arrow, empezamos a descubrir el futuro de su protagonista, Stephen Amell, quien tiene nueva serie en STARZ y además con un fantástico reparto que no hace más que crecer. La serie gira en torno a la lucha libre americana y a una pequeña comunidad de Georgia que tiene muchas personas ligadas a ella que tratan de conseguir sus sueños. Mary McCormack, a la que recordamos por series como El ala oeste o Al descubierto, es su última incorporación, que contará en su reparto con Alexander Ludwig, Chris Bauer o Kelli Berglund.

Nueva serie de los responsables de Juego de tronos en Netflix. El contrato multimillonario de David Benioff y D. B. Weiss con Netflix ha sido de los más sonados de los últimos años. El dúo responsable de Juego de tronos abandonó una trilogía de Star Wars debido a este contrato. Ahora tienen nueva serie que producir, de ciencia ficción y basada en una novela, pero además sin desligarse del todo de Star Wars, ya que estará producida también por Rian Johnson y su socio productor Ram Bergman. Se basa en el libro The Three Body Problem, novela ganadora del Premio Hugo escrita por Liu Cixin, quien será consultor en la serie. Contará el primer encuentro de la humanidad con una civilización alienígena. Las siguientes novelas de la saga, The Dark Forest y Death’s End se incluirán en la trama.

The Walking Dead acaba, pero continuará con un nuevo spin-off con Carol y Daryl. Tras once temporadas y dos spin-offs, la cadena AMC ha hecho oficial que la serie The Walking Dead terminará cuando su undécima temporada llegue a su final. Una undécima temporada que será más larga de lo esperado, con 24 episodios en lugar de 16, y que además será una despedida solo en parte. Por un lado, tenemos los spin-offs, las próximas películas con el personaje de Rick, y un anunciado spin-off con dos de sus personajes más queridos, los interpretados por Norman Reedus y Melissa McBride. Han prometido que no será una continuación o un rebranding de la serie original, sino un acercamiento completamente nuevo a los personajes y su futuro.

Tendremos reboot de El príncipe de Bel Air y ya tiene dos temporadas confirmadas. De la mano de su protagonista principal, Will Smith, quien producirá la serie, algo que parecía podía ser un spin-off hace un año, pero que ahora se ha confirmado que será una nueva aproximación a la historia de un joven de Filadelfia, Will, que se trasladará a la muy diferente zona de Bel Air a vivir con sus tíos y primos. La gran diferencia es que no será una sitcom, sino un drama, y que el servicio de streaming Peacock ha firmado para que produzca sus dos primeras temporadas. Smith produce, pero se duda que aparezca en esta nueva producción, mientras que Morgan Cooper desarrollará el proyecto.

El creador de Riverdale al frente del reboot de Pequeñas mentirosas. No será la serie más conocida del mundo, ni la más coherente, pero sí una de las más queridas y que sirvió para poner a la cadena ABC Family en el radar de todo el mundo en su momento, antes del cambio de nombre. Con un spin-off que solo ha durado una temporada, parece que ya se trabaja en una nueva serie que servirá de reboot de Pequeñas mentirosas. Roberto AguirreSacasa, responsable de adaptar Riverdale y Sabrina, ahora será el encargado de hacer posible este reboot. Parece ser que HBO Max estaría interesada en la nueva producción, que tendría nuevos personajes y una nueva historia, con posibilidad para algún regreso.

La estrella de Riverdale, Marisol Nichols, tiene nuevo proyecto basado en su propia e increíble historia.

La actriz Marisol Nichols es conocida por su papel de Hermione Lodge en la serie Riverdale, pero hace unos meses reveló a la prensa que llevaba seis años trabajando junto con el FBI, ni más ni menos, para descubrir y atrapar a diversos depredadores sexuales infantiles y redes de tráfico de personas. La actriz confesó haberse hecho pasar por una madre que vendía a su hija o por una niña de doce años que se vendía a sí misma. Ahora, SONY ha comprado su historia y planea convertirla en serie de televisión, con la actriz produciendo y seguramente protagonizando esta producción, que demuestra que la realidad supera a la ficción.