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The Flash, la película, lo reiniciará todo en el universo de superhéroes de la DC para el cine. Así lo afirma al menos la productora Barbara Muschietti, quien ha declarado que la película contará con un montón de personajes de los cómics de la editorial y que el protagonista es el puente entre todos ellos y con las líneas de tiempo.

Además de reiniciar todo, la película, según promete la productora, no olvida nada, lo que puede generar un terremoto en todas las líneas de producto de cine superheroico de la DC en particular y del reparto de la tarta de superhéroes del cine en general.

Además, Ezra Miller, al que finalmente las productoras han “perdonado sus pecados” de imagen y se mantendrá en la película como protagonista, remata la jugada y tira el balón entre los tres palos, si me permiten la imagen futbolera, definiendo la película como “inmensamente importante” (es el problema de este hombre, que siempre se viene mucho arriba), porque según afirma todos esos personajes existen aislados, pero The Flash va a hacer en el cine algo parecido a lo que hizo Flashpoint en los cómics, haciendo que el multiverso salga a la luz.

Sobre el papel y en palabras tiene buena pinta. Si consiguen hacer la mitad de lo que están prometiendo ya le habrían marcado un gol a la competencia.

Y, hablando de la competencia: ¿DE GOTHAM A STAR WARS? Eso es lo que se preguntan algunos paseantes por las galaxias de Lucas.

A Robert Pattinson se le acumula el trabajo, más aún después del estreno de Tennet, la última película de Nolan que protagoniza junto a John David Washington en un papel que a muchos aficionados se les ha quedado corto. Y lo mismo parecen opinar algunos productores, o al menos Kevin Feige. A Pattinson, el productor le alegró la cuarentena después de que el actor diera positivo en coronavirus, suspendiéndose, otra vez, el rodaje de su película de Batman, afirmando que quiere que el actor esté en el reparto de su película de Star Wars.

Por cierto, en este momento están los responsables de la franquicia en la fase de buscar culpables y han colegido que deberían apartarse de los personajes de la saga original porque han llegado a la conclusión, errónea en mi opinión, de que el problema de la última trilogía era que fue demasiado dependiente de los personajes clásicos.

Cachondos (AVISO DE POSIBLES SPOILERS SI NO OS HABÉIS COMIDO LA ÚLTIMA TRILOGÍA DE STAR WARS): el problema no son los personajes clásicos, es que los han utilizado muy mal. Lo que han hecho con los personajes clásicos es como si invitas a ir contigo al baile a Eva Green o Brad Pitt (elijan ustedes mismos según sus particulares preferencias, ya saben que yo soy de verlo todo siempre muy verde) y luego la (o le) dejas aparcada al lado de la puerta mirando el techo para irte de farra con una pandilla de polluelos y polluelas recién caídos del nido a los que no conoces de nada, pero que te han hecho gracia porque pasaban por allí siguiendo a la tuna y cantando “Clavelitos de mi corazón”.

Se libraron de Han Solo precipitadamente –la moda de hacerse un Ned Stark–, convirtiendo a Leia en un empacho reivindicativo en los medios sin respaldo de esa idea en las películas –un “porque yo lo valgo” de libro mientras algunos seguíamos pensando en la Ripley de Alien como alternativa más sólida para el asunto–, le dieron la suya y la del pulpo a Luke Skywalker –antes de volver a precipitarse haciéndose el segundo Ned Stark de la saga, y conste que reconozco que me eché unas risas viendo al cachondo de Rian Johnson hacer el hooligan con la saga– y luego dejaron al pobre Lando Calrissian compuesto y sin personaje en el guion del Episodio IX: la risa de Skywalker –mientras Apollo Creed (Carl Weathers) se paseaba con un papel más sólido cogido de la mano con el mandaloriano–. Todo eso es lo que han hecho con los personajes clásicos, cuando en realidad lo que la mayoría de los fans quería era volver a disfrutar de ellos, volver a verlos juntos haciéndose un Los mercenarios en las galaxias. A ver si van a tener que llamar a Sylvester Stallone y mandar a Kathleen Kennedy y J. J. Abrams al rincón de pensar porque no han hecho sus deberes. Pero de buen rollo, eh, no es un castigo, es para que reflexionen y tal.

Y hablando de ir al rincón de pensar: es un sitio estupendo para aquel o aquella al que se le haya ocurrido que, como apuntan algunos rumores, sería una buena idea hacer que el Joker de Phoenix se enfrentara al Batman de Pattinson en una próxima película. ¡Qué falta de ideas, amigos! ¡Qué manía de meter el cazo a rebañar en lugar de remangarse y hacer un cocido nuevo! Y por otra parte… ¡Qué despropósito! ¡Qué pedazo de sueldo de 50 millones de dólares le han ofrecido a Phoenix por volver a ser el príncipe payaso del crimen en dos películas más!

Miguel Juan Payán

TERREMOTOS EN LAS GALAXIAS

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NOTICIAS RODAJES • PROYECTOS • RUMORES Samuel L. Jackson empuña el sable láser

FECHAS ESTRENOS 30 de octubre Emma Jóvenes y brujas

6 de noviembre El poder del arte Los papeles de Aspern

13 de noviembre ¿Conoces a Tomas? Érase una vez Palabras para un fin del mundo Relic

20 de noviembre En guerra con mi abuelo Ni de coña Volver a empezar (Herself)

27 de noviembre Hasta el cielo Uno de nosotros Way Down

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El rumor jugoso del mes afirma que Mace Windu, el jedi interpretado por Samuel L. Jackson en las precuelas de Star Wars, es el protagonista de un proyecto para la saga galáctica en el futuro. El actor empuñaría nuevamente el sable láser en uno de los largometrajes que prepara Lucasfilm sobre este personaje que tuvo un destacado papel entre los secundarios de los episodios I, II y III de la célebre franquicia, aunque no está claro todavía si será el protagonista en madurez o parte de una historia de orígenes que rejuvenezca al personaje.

Ryan Reynolds fantasma Universal Studios tiene a Ryan Reynolds en los primeros puestos de la lista para protagonizar una nueva versión de El fantasma de la Ópera en el marco de su ciclo de películas de monstruos revividos tras el éxito comercial de El hombre invisible. Hay otros candidatos, pero el favorito del estudio para el papel es el protagonista de Deadpool, aunque el principal problema para contar con él es la apretada agenda de proyectos del actor, que incluye Deadpool 3 (que según últimos rumores podría tener clasificación R para mayores), Seis en la sombra 2, Detective Pikachu 2 y Fast and Furious: Hobbs and Shaw 2.

Lucy Liu, madre coraje Protagonista de la serie Elementary, la que fuera también uno de los ángeles de Charlie encabeza ahora el reparto del largometraje Rose Mead, basado en un artículo del diario Los Angeles Times titulado El plan de una madre moribunda. La película será el debut en el largometraje del director de fotografía Eric Lin (Mi hermano ciego, Ritmos en el corazón).

El argumento se basa en una historia real que aconteció en San Gabriel Valley y tiene como protagonista a una madre, papel interpretado por Lucy Liu, emigrante y con cáncer terminal, que se ve inmersa en un entorno de violencia mientras intenta garantizar la seguridad de su hijo adolescente. La enfermedad mental y el aislamiento en sociedades asiáticas en torno a algunas enfermedades son, según Liu, otras claves de la historia.

Un Wéstern para Idris Elba Idris Elba y Jonathan Majors, Atticus de la serie Territorio Lovecraft, al que hemos visto también en Da 5 Bloods, han encontrado buena compañía para el wéstern que protagoniza en Netflix: The Harder They Fall.

El reparto de la película ha incorporado a Regina King, protagonista de la serie Watchmen, Zazie Beetz, Domino en Deadpool 2 y vecina del Joker, y Lakeith Stanfield, el teniente de policía de Puñales por la espalda, al que hemos visto también en Perdona que te moleste y la versión estadounidense de Death Note en el papel de L, junto a R. J. Cyler, Deion en la serie Scream. El argumento gira en torno al personaje de Majors, quien se infiltra en una banda de forajidos para cobrar venganza del hombre que mató a sus padres veinte años antes, interpretado por Elba.

Ryan Gosling, doble de acción El protagonista de Drive trabaja con David Leitch (John Wick, Deadpool 2) en un drama sobre un doble de acción que produce Universal Pictures. El guionista de la película, que pondrá a Ryan Gosling en el pellejo de un personaje con la misma profesión que el de Brad Pitt en Érase una vez en… Hollywood, es Drew Pearce (Iron Man 3, Misión imposible: nación secreta, Fast and Furious: Hobbs and Shaw).

Jennifer López se enroca en lo romántico Poca sorpresa aquí. Después de subir peldaños con su trabajo como actriz interpretando el papel de Ramona en Estafadoras de Wall Street, que la llevó a ser nominada a un Globo de Oro como actriz de reparto, Jennifer López vuelve a su zona de confort y repite en la comedia romántica con Marry Me, en la que comparte protagonismo con Owen Wilson.

Interpreta a Kat Valdez, la mitad de una de las parejas más poderosas del mundo del espectáculo, hasta que conoce a un profesor de matemáticas, el papel de Owen Wilson, que la lleva a poner toda su carrera en juego y exponerse a las redes sociales casándose con él. El guion se basa en la novela gráfica de Bobby Crosby, y contará con Maluma interpretando el papel de tercero en discordia. El estreno está previsto para el día de San Valentín, en febrero de 2021, así que ni en eso les podemos dar un pin por originales. La música corre por cuenta de López y Maluma. Y si les suena, es lógico: parece Notting Hill, pero con música.

NOTICIAS RODAJES • PROYECTOS • RUMORES Chris Hemsworth, conejillo de indias Chris Hemsworth estará junto a Miles Teller (Whiplash) y Jurnee Smollett (Territorio Lovecraft) en la próxima producción dirigida por Joseph Koskinski para Netflix. Se trata de una producción de ciencia ficción titulada Spiderhead cuyo argumento se sitúa en un futuro cercano en el que los convictos pueden acortar su estancia en la cárcel aceptando ser conejillos de Indias en un experimento científico consistente en pincharse drogas que alteran las emociones y los llevan a enfrentarse con sus pasados. Se basa en un relato de George Saunders y cuenta con guion de Rhett Reese y Paul Wernick (Deadpool).

Tren de los asesinos para Brad Pitt El director de John Wick, David Leitch, llevará a la pantalla Bullet Train, película basada en la novela Maria Beetle, de Kotaro Isaka. El guion será de Zak Olkevicz, que tiene entre manos su adaptación del viaje de Drácula a Londres, según la novela de Bram Stoker, con el título de The Last Voyage of Demeter, que dirigirá André Ovredal. El argumento sigue a cinco asesinos que coinciden en el tren que viaja desde Tokio a Morioka. Tres de esos asesinos serán interpretados por Brad Pitt, Andrew Koji, protagonista de la serie Warrior, y Joey King, protagonista de Mi primer beso. El rodaje empezará en Los Ángeles (ya, no suena muy japonés) este otoño.

Keanu Reeves: regresa Constantine Además de desarrollar un largometraje sobre la Cosa del Pantano, cuya serie fue cancelada incluso antes de terminar su primera temporada, el universo oscuro de DC está de regreso a la pantalla grande si se cumplen los planes que tiene Warner para rodar una película sobre la Liga de la Justicia Oscura que tendría como protagonista a Keanu Reeves regresando al personaje de John Constantine, que ya interpretó en el largometraje dirigido en 2005 por Francis Lawrence. Si la jugada sale bien en taquilla, Reeves podría tener su propia saga cinematográfica como Constantine.

Biopic autoinducido de Madonna La estrella musical Madonna será la encargada de coescribir y dirigir su propia biografía para el cine producida por Universal.

Igualmente interesante es que la coguionista del filme será Diablo Cody (Juno, Jennifer’s Body, Young Adult, Tully). Madonna promete que la película estará centrada siempre en la música, aunque sea un repaso de su carrera en distintas áreas del espectáculo (ciertamente, el cine es la más floja, dicho sea de paso). La cantante afirma: “La música me ha mantenido en marcha y el arte me ha mantenido viva. Hay tantas historias incalculables e inspiradoras y nadie mejor para contarlas que yo misma. Es esencial compartir la montaña rusa de mi vida con mi voz y mi visión”.

¡Tom Cruise se va al espacio!

Es oficial: Tom Cruise se va al espacio. Tiene fecha y todo para el comienzo de esa nueva aventura: octubre de 2021. Irá acompañado del director Doug Liman con el objetivo de rodar la película rodada fuera del planeta Tierra. Según se anuncia en el almanaque de Space Shuttle, hay un asiento más reservado para esa misión, así que habrá que ver a quién le toca acompañarlos.

Habrá que ver que se les ha ocurrido para esa secuencia, que claramente tendrá que enmarcarse en el género de ciencia ficción.

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NOTICIAS RODAJES • PROYECTOS • RUMORES FECHAS ESTRENOS 4/12/20 Monster Hunter 11/12/20 Free Guy 18/12/20 El príncipe de Zamunda 2 30/12/20 Escape Room 2 15/1/21 The 355 15/1/21 Mortal Kombat 15/1/21 Peter Rabbit 2 5/2/21 Cinderella 26/2/21 The Kingsman 5/3/21 Cazafantasmas: Más allá 12/3/21 Raya y el último dragón 19/3/21 Morbius 19/3/21 Tomb Raider 2 2/4/21 Sin tiempo para morir 23/4/21 Un lugar tranquilo 2 7/5/21 Viuda Negra 21/5/21 DC SuperPets 21/5/21 Godzilla vs. Kong 28/5/21 Fast & Furious 9 28/5/21 Cruella 4/6/21 Expediente Warren: Obligado por el demonio 25/6/21 Venom: Let There Be Carnage 2/7/21 Top Gun: Maverick 9/7/21 Shang Chi 17/7/21 Space Jam: A New Legacy 17/7/21 Uncharted 23/7/21 The Tomorrow War 30/7/21 Jungle Cruise 6/8/21 Hotel Transylvania 4 6/8/21 Escuadrón Suicida 2 1/10/21 Dune 15/10/21 Halloween Ends 5/11/21 The Eternals 12/11/21 Animales fantásticos 3 19/11/21 Misión: Imposible 7 10/12/21 West Side Story 17/12/21 Spider-Man Homecoming 3 22/12/21 Sherlock Holmes 3 22/12/21 The Matrix 4 28/1/22 Babylon 11/2/22 Thor: Love and Thunder 4/3/22 The Batman 25/3/22 Doctor Strange in the Multiverse of Madness 6/5/22 Black Panther 2 17/5/22 Dungeons & Dragons 27/5/22 John Wick: Chapter 4 10/6/22 Jurassic World Dominion 24/6/22 Transformers 8/7/22 Captain Marvel 2 29/7/22 Indiana Jones 5 5/8/22 Misión: Imposible 7 7/10/22 Spider-Man un nuevo universo II 4/11/22 The Flash 4/11/22 Misión: Imposible 8 16/12/22 Aquaman 2 16/12/22 Avatar 2 16/12/22 Star Wars sin título 3/6/23 Shazam 2 20/12/24 Avatar 3 18/12/26 Avatar 4 22/12/26 Avatar 5 sin fecha Black Adam sin fecha Minecraft Nota de la redacción: Fechas estimadas de estreno de películas que muchas de ellas ni siquiera han comenzado a rodarse y que por lo tanto pueden sufrir cambios de programación.

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Jon Boyega y el terrorismo doméstico

Jared Leto “tronea” Jared Leto ha empezado a prepararse físicamente para su participación en la tercera película de Tron, una saga que ha progresado lentamente desde la primera entrega estrenada en 1982 a la segunda, que llegó a la cartelera en 2010 con el título de Tron: Legacy. Ahora está en marcha esta tercera entrega que inicialmente se pensó para rodar casi de inmediato tras el estreno de la segunda pero se ha hecho esperar una década, aunque lleva en agenda desde 2017, año en el que Leto fue contactado por primera vez para protagonizarla. Garth Davis (Lion, María Magdalena) será el encargado de la dirección.

Kang, el conquistador: ¿El nuevo Thanos de Marvel?

El nombre no les dirá nada a muchos que no lean tebeos, pero es uno de los supervillanos más célebres e interesantes de Marvel y aparecerá por primera vez en el cine en la tercera película de Ant-Man. Atando cabos y considerando que Jonathan Majors (ver noticia sobre el wéstern de Idris Elba) está fichado para aparecer en uno de los papeles principales de la película, los rumores lo mencionan como el actor encargado de interpretar a este antagonista de gran inteligencia que opera en el universo Marvel como un viajero temporal que en las viñetas se ha enfrentado en varias ocasiones a los Vengadores y tiene un poder de destrucción de la realidad capaz de cambiar el mundo y la historia tal como la conocemos. Peyton Reed, director de las dos primeras entregas, regresa a esta tercera manteniendo la continuidad. ¿Será el nuevo Thanos?

Nueva película de World of Warcraft La productora Legendary Pictures prepara nueva película de World of Warcraft, aunque no se sabe todavía si será una secuela de la que dirigió en 2016 Duncan Jones con Travis Fimmel como protagonista o se tratará de un reboot o de la adaptación de cualquier otro aspecto de ese universo de ficción.

Todo es posible dado que el largometraje de Jones estaba pensado para ser una trilogía.

El protagonista de la última trilogía de Star Wars, Jon Boyega, alias Finn, tiene ya nuevo proyecto. Responde al título de The Test, es una intriga psicológica y su director es Gavin Hood (Tsotsi, XMen Orígenes: Lobezno, El juego de Ender, Espías desde el cielo, Secretos de Estado). El argumento sigue a un inmigrante que se presenta a la prueba para obtener la ciudadanía estadounidense y el psicólogo encargado de examinarle, Boyega, ambos enfrentados a un grupo terrorista doméstico liderado por un radical de derechas.

Secuela de Interstellar Warner Bros. tiene entre sus proyectos sacar adelante una precuela de Interstellar en la que le gustaría contar nuevamente como director, o en todo caso como guionista, con Christopher Nolan. La trama proseguiría siguiéndole la pista al personaje de Coop interpretado por Matthew McConaughey casi en continuidad directa con los acontecimientos narrados en la primera entrega. Y se baraja reencuentro con el personaje de Anne Hathaway.

Final de rodaje de Avatar 2 James Cameron ha terminado el rodaje de Avatar 2 y afirma que el rodaje de Avatar 3 está al 95 por ciento, y que empezarán a trabajar en terminarla cuando entregue la segunda película de la saga. El director afirma que la pandemia de COVID-19 les ha hecho retrasarse cuatro meses y medio de trabajo. El estreno de la segunda entrega está previsto para diciembre de 2022, como consecuencia de los retrasos que ha generado la pandemia de coronavirus.

Harry Styles y Lily James enfrentados al pasado Harry Styles (Dunkerque) y Lily James (Cenicienta, Yeterday) serán los protagonistas de My Policeman, basada en la novela de Bethan Roberts. El argumento se sitúa a finales de los años noventa, cuando una pareja se ve sometida a un encuentro con el pasado con la llegada de la relación homosexual que mantuvo hace años uno de ellos con la persona que ahora ha regresado a sus vidas. Ron Nyswaner (Philadelphia) es el guionista y dirige Michael Grandage (El editor de libros). A Lily James la veremos también junto a Chiwetel Ejiofor y Ben Stiller en una comedia sobre la actual pandemia titulada Lockdown.

NOTICIAS CINE ORIENTAL

por Iván E. Fernández

The Paper Tigers La película independiente The Paper Tigers ha conseguido distribución en Estados Unidos para la primavera de 2021 tras su paso por algunos festivales especializados. Se trata de un homenaje al cine de kung-fu hongkonés repleto de comedia donde tres hombres de mediana edad, expertos en artes marciales, buscarán justicia y venganza por el asesinato de su maestro. Su guionista y director es Tran Quoc Bao, nacido en Washington pero de ascendencia vietnamita, que estudió con el mismísimo Corey Yuen y con escasos trabajos en cine, donde se incluye la polémica película de Vietnam Bui Doi Cho Lon (2013), con Johnny Tri Nguyen, que sufrió la censura local, impidiendo su estreno convencional. En el reparto tenemos alguna cara conocida, como Yuji Okumoto (Karate Kid II), Ron Yuan (Mulan) o su hermano, Roger Yuan (Shanghai Kid), con coreografías de Ken Quitugua (Unlucky Stars), quien usa tanto kung-fu como MMA, prometiendo risas y espectacularidad a partes iguales.

Superheroína vietnamita Y ya que he empezado con un director con lazos con Vietnam, qué mejor que seguir con esta república que tan escasos títulos consigue que salgan de su país, pero que cuenta con un par de estrellas conocidas en Occidente, como Veronica Ngo, vista en La vieja guardia (2020) o Star Wars: los últimos jedi (2017), que es la protagonista de Vinaman, película de superhéroes que produce la propia Veronica a través de su compañía, Studio68.

Sin desvelar casi nada, la propia actriz y productora busca que la gente joven de su país tenga héroes locales en los que fijarse, por lo que no ha dudado en comenzar la preproducción de esta cinta, de la que solo se ha presentado un teaser póster que esperemos que en breve comience a sumar sinopsis, reparto y equipo técnico, ya que el casting comenzó el pasado 4 de octubre.

El resurgir de Daniel Bernhardt A pesar de mantener una carrera como secundario y especialista, dentro del grupo 87Eleven Action Design, el suizo Daniel Bernhardt no deja de empalmar proyectos tanto de serie B como en grandes producciones. Tras su paso por la segunda temporada de Altered Carbon (2018-2020) y Aves de presa (2020), se ha incorporado a The Matrix 4 para encarnar de nuevo al agente Johnson y, dada la ausencia de Hugo Weaving como el agente Smith, podría ser un revulsivo para su carrera como posible némesis de la nueva aventura de Neo. Además, los pro-

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pios fundadores del mencionado grupo de especialistas que está detrás de la saga de John Wick se encargan de supervisar la acción, junto con Phong Giang (Plan B), buen relevo para Yuen Woo Ping, coreógrafo de la trilogía original. Asimismo, Bernhardt tiene en su agenda la producción de aventuras y acción lituana The Rose in the Flame y la coproducción entre Estados Unidos y Bangladés MR-9.

Donnie Yen y su carrera en Estados Unidos Tras participar en Mulan (2020), Donnie Yen sigue con su carrera en Estados Unidos, aunque antes debería estrenar Raging Fire, la última película del fallecido Benny Chan, puramente china, y el remake o secuela (no está del todo claro, aunque parece que será lo primero) de The Evil Cult (1993), adaptación de una novela clásica china que dirigió Wong Jing junto con Sammo Hung y con Jet Li de protagonista, que se estrenará directamente en la plataforma de streaming china Iqiyi. Pero su carrera internacional está cogiendo fuerzas, ya que ha anunciado que su próxima película será la adaptación, largamente pospuesta, del videojuego Sleeping Dogs, a la que seguirá The Father, donde interpretará a un inmigrante hongkonés que trabaja en los muelles de Boston, cuyo hijo adolescente encontrará un cargamento de drogas, por lo que será acusado injustamente por la policía corrupta y comenzará una cacería del padre y del hijo tanto por parte de la policía como de la mafia dueña de la droga. En el reparto tendremos, además, a Frank Grillo (Beyond Skyline) y a Alec Baldwin (Prisioneros del cielo). Tommy Wirkola (Zombis nazis) se encargará de dirigirla.

Mark Dacascos no para Parece que otra estrella de los noventa, Mark Dacascos, ha resucitado para el gran público. Se ha sumado a la película de animación de DC Batman: Soul of the Dragon, que verá la luz en el 2021 y que unirá al Caballero Oscuro con algunos de los personajes marciales de la editorial, como son Tigre de Bronce, Lady Shiva y Richard Dragon, poniendo la voz a este último y dejando a Michael Jai White y a Kelly Hu las otras dos voces, respectivamente. La cinta rinde tributo al cine de artes marciales de los ochenta, cambiando, parece ser, el aspecto de Dragon para transformarle en un clon de Bruce Lee. Y vuelve a coincidir con Jai White en Assault on VA-33, actioner con Sean Patrick Flanery como protagonista que se las verá contra unos terroristas que toman el hospital donde trabaja su mujer.

MUNDO FANTÁSTICO

por Santiago de Bernardo

No deberías perdértela:

Vicious Fun Cody Calahan (Let Her Run) dirige Vicious Fun, película que homenajea de manera divertida al cine de terror, variante slasher, uniendo todos los tópicos del cine de psicópatas a ritmo de música retrowave para rodar uno de los filmes más entretenidos de Sitges 2020, contando en su reparto con la presencia de Evan Marsh (¡Shazam!), Amber Goldfarb (The Queen of Sin), Ari Millen (Exit Humanity) y David Koechner (Krampus: maldita Navidad). Son los ochenta. Un hombre prepara unos cuchillos y los deposita en el maletero de su coche. Su intención es emplearlos con una muchacha, Carrie (Amber Goldfard), que busca a alguien que la lleve, pero resulta que es ella la que sorprendentemente apuñala a este asesino. Poco después Joel (Evan Marsh) entrevista a un productor de cine de género para una revista de terror, tras lo cual regresa a su casa, que comparte con su amiga Sarah (Alexa Rose Steele), que le gusta, pero que no le hace caso y que prefiere salir con Bob (Ari Millen).

Joel le sigue y termina tomando unas copas y entablando conversación con él, terminando medio borracho. Cuando se despierta de su curda descubre que las puertas del local están cerradas y que en su interior hay una suerte de reunión de asesinos en serie a la que se incorpora Joel sin pretenderlo. Cada uno de ellos tiene su propio método, aunque hay uno que alardea de haber matado a más personas que nadie en misiones secretas de Estados Unidos, otro asesina a jóvenes en campamentos, un tercero es caníbal, un cuarto bajo la apariencia de un contable oculta su verdadera personalidad, un homicida que mata disfrazado de payaso, y el quinto, Bob, ejerce de agente inmobiliario, labor que compatibiliza con el asesinato de muchachas. La única mujer es Carrie, que no es quien aparenta, ya que se dedica a ejecutar a asesinos en serie y de esta manera evita sus crímenes futuros, y que ayuda a Joel a salvar la vida, encontrando de esta manera un amigo en el que confiar, y hasta quizá un socio.

Mucho fantástico en el American Film Market En el próximo American Film Market de Santa Mónica (California), que se celebrará online este año del 9 al 13 de noviembre, se presentarán títulos de fantástico de inminente distribución. Dentro del género de terror en el AFM está A Werewolf in England de Charlie Steeds, que nos retrotrae a la Inglaterra victoriana, A Werewolf in England cuando unos forasteros descubren el pacto entre unos lugareños y hombres lobos para que estos se aprovisionen de comida… humana; Hunter’s Moon, de Michael Caissie, con Thomas Jane convertido en un sheriff que se verá inmerso en una peligrosa situación tras atender la llamada de tres hermanas que podrían haber sido atacadas por unos delincuentes; o After Chernobyl, de Igor Kinko, sobre unos turistas que accidentalmente terminan en la zona de Chernobil, para enfrentarse no a la radioactividad, sino a los fantasmas de aquellos a los que no dejaron huir del lugar. De ciencia ficción es Final Frequency de Tim Lowry, con pequeños terremotos que se producen en la ciudad de Los Ángeles tras los que están unos científicos que buscan emplear para sus oscuros fines los logros de Nikolas Tesla; LX 2048, de Guy Moshe, que nos traslada al 2048, año en que la radiación del sol impide que la gente pueda salir a la calle de día y cuando los enfermos son clonados por réplicas sanas más duraderas; o Zone 214, de Andrew Baird, con Guy Pearce y un futuro no demasiado lejano en el que hay una colonia de robots con aspecto humano cuyo objetivo no está demasiado claro y que se revelará tras la búsqueda de una chica desaparecida. Y futuristas son asimismo Anti-Life de John Suits, con Thomas Jane y Bruce Willis, que narra el éxodo de unos pocos supervivientes de la Tierra (que ya no es habitable) en una nave espacial, a los que acompaña una criatura extraterrestre deseosa de eliminarlos, y otra cinta con Willis es Cosmic Sins, de Corey Large y Edward Drake, que narra cómo un mensaje alienígena recibido en la Tierra es respondido enviando un comando militar para descubrir las verdaderas intenciones de los extraterrestres, de paz o bélicas.

FANTASÍA • TERROR • GORE • CIENCIA FICCIÓN

Sitges 2020, objetivo cumplido Sitges 2020, LIII Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, ha logrado celebrarse sin incidentes, con una parte online para quienes no podían (o querían) acercarse a la localidad barcelonesa, y la esencial, la presencial, con medidas, aparte de las de higiene y distanciamiento social, que vaticinan ediciones futuras (con o sin pandemia) y que seguramente han llegado para quedarse: entradas numeradas, un espacio determinado en salas para los medios de comunicación, mayor tiempo entre la diferentes sesiones y menos títulos (y más proyecciones de los mismos). En lo que se refiere a la programación, ha habido mucho cine de autores emergentes, una amplia representación nacional (también en lo referente a los invitados), producciones para plataformas digitales y una importante presencia de documentales (posiblemente el género más interesante de los últimos tiempos). Y así se han visto varios dedicados a algunos excepcionales ilustradores: es el caso de L’ultimo uomo che dipinse il cinema de Walter Bencini, acerca del cartelista italiano Renato Casaro, ya prácticamente retirado del mundo de los pósteres de cine y del que hablan Dario Argento o Terence Hill, Segrelles, ilustrador universal de Ignacio Estrela, sobre el pintor valenciano universal Josep Segrelles, o Pujolar: los muertos aún recuerdan su nombre, de Eduardo Gión, dedicado a Albert Pujolar Soler, que ha dibujado una inmensidad de portadas tanto de tebeos como de novelas (más de 5000), para el mercado nacional e internacional, y sigue, como Casaro, en activo. Esencial asimismo es el documental (que ojalá tuviera más duración) dedicado a la actriz Helga Liné, La dama del fantaterror de Diego López, con la presencia de esta y la inclusión de interesante material gráfico de su propiedad, o Kubrick by Kubrick de Gregory Monro, un nuevo trabajo dedicado a la figura del realizador de 2001: una odisea del espacio o El resplandor.

De festivales fantásticos En la edición de 2020 de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián (del 30 de octubre al 6 de noviembre), aparte de las novedades cinematográficas que se proyectarán, habrá sitio para el recuerdo, y así, dentro del ciclo Muñecos del mal (que acompaña a la exposición Museo Topic: seres

fantásticos), se verán en las diferentes pantallas Silencio desde el mal (James Wan, 2007), con la muerte de una mujer en la que parece estar implicado el muñeco de una ventrílocua ya fallecida, algo similar a lo que sucede en el episodio “Freddy” (1982), de la serie española Historias para no dormir de Narciso Ibáñez Serrador, con un dummy que podría estar envuelto en inexplicables crímenes, mientras que en Magic (Richard Attenborough, 1978) también hay un ventrílocuo, que en esta ocasión podría estar controlado por su títere y no a la inversa.

En Shanks (William Castle, 1974), un marionetista utiliza un descubrimiento que le permite manejar a personas muertas, en May (Lucky McKee, 2002), una joven busca al chico perfecto, aunque tenga que crearlo con sus propias manos, y en el caso de Muñeco diabólico (Tom Holland, 1988), dentro del juguete Chucky se ha introducido el espíritu de un asesino en serie.

Otros títulos son Attack of the Puppet People (Bert I. Gordon, 1958), con la reducción de tamaño de personas, y Cristal oscuro (Jim Henson y Frank Oz, 1982), que muestra a unas criaturas en una arriesgada misión para devolver el orden a su mundo. Posteriormente, llegará Fancine-Festival de Cine Fantástico Universidad de Málaga (del 11 al 19 de noviembre), que en su trigésima edición homenajeará (online) al animador Bill Plympton con títulos como I Married a Strange Person o Mutant Aliens y que será inaugurada por Wendy de Benh Zeitlin, sobre una niña perdida en una isla misteriosa. A esta la acompañarán otros títulos que han pasado por Sitges como Mandibules de Quentin Dupieux, con una sorprendente mosca gigante de protagonista, Come True de Anthony Scott Burns y una muchacha atenazada por terribles pesadillas que se somete a un experimento universitario o Post Mortem de Peter Bergendy, centrada en un fotógrafo de cadáveres que se las tiene que ver con unos fantasmas. Y a su vez el Festival de Cine de Terror de Molins de Rei, que se celebrará del 6 al 15 de noviembre en la localidad barcelonesa de Molins de Rei, será inaugurado por Bloody Hell de Alister Grierson, con un hombre que huye de su pasado para descubrir que su futuro es aún mucho peor. También se proyectará The Reckoning, una historia de brujas de la mano del realizador de The Descent, Neil Marshall, Resin de Daniel Borgman y una familia que mantiene una vida perfecta sin contacto con otras personas o Yummy de Lars Damoiseaux, que muestra la cara oculta de la cirugía estética en un hospital del Este de Europa. Todo en una edición (la trigésima novena), cuyo tema principal es la rebelión de la naturaleza frente al ser humano (ante la continua agresión del hombre, única especie conocida que destruye el lugar que habita).

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RODAR CON UN MÓVIL ¿Se rodarán con un móvil las películas del futuro? ecía Godard que para hacer una película basta con una pistola y una chica.

Cuando el francés soltó aquella boutade, no sabía hasta qué punto iba a quedarse corto en cuestión de pocas décadas. En su infancia, Steven Spielberg y Christopher Nolan tuvieron que esperar a que cayera en sus manos una cámara de super-8 para descubrir su vocación; los tótems del futuro, aquellos cineastas que (esperemos) llenarán salas y presumirán de Oscar, son en la actualidad esos niños que roban los smartphones de sus padres, juguetean con los filtros, cambian el formato de pantalla según su capricho e inmortalizan todos sus disparates solo con pulsar el rec. Hoy podemos prescindir de la pistola y de la chica: todo lo que necesitamos para hacer una película lo tenemos, literalmente, al alcance de nuestro bolsillo.

Más allá de la hábil maniobra publicitaria que supone en algunos casos, no parece casual que algunas de las grandes personalidades de Hollywood estén afrontando el reto de acometer íntegramente sus trabajos con un móvil. El último de ellos, Damien Chazelle. The Stunt Double (http://youtu.be/xqiPZBZgW9c), rodado (o grabado, habría que decir) íntegramente con un iPhone 11 Pro, no deja de ser un spot de nueve minutos en el que homenajea los géneros cinematográficos más clásicos. Sin embargo, puede decirse que el autor de La La Land (2016) ha creado un concepto inédito: el cine vertical, adaptando las imágenes del filme a la posición natural con la que consultamos el teléfono a diario. ¿Estamos preparados para ver un largometraje en un formato del que rehuimos cada vez que queremos que luzcan nuestros vídeos o fotos? ¿Nuestro campo visual está listo para prescindir de la visión periférica? ¿Nuestra capacidad de atención se reduce o aumenta frente a la verticalidad de las imágenes? “No es tanto adaptarte a una ratio de imagen específica, sino de animar a la gente a pensar de forma creativa. Eso es todo”, zanjaba el director en el making of.

Con todo, antes que Chazelle, otros cineastas ya habían apostado por la tecnología móvil hasta sus últimas consecuencias. Hay que retroceder a 2011 para dar con el primer precedente: Olive (http://youtu.be/VV97uzlUQjA), cinta de Patrick Gilles y Hooman Khalili. ¿Su protagonista? Nada menos que Gena Rowlands, nominada dos veces al Oscar. La que fuera esposa de John Cassavetes no dudó en ponerse delante de un Nokia N8, convenientemente adaptado con unas lentes de 35 mm, dentro de un drama infantil de ecos fantásticos. Cuatro años más tarde, Sean Baker, cineasta indie que obtendría excelentes críticas con The Florida Project (2017), hizo lo propio en Tangerine (2015). Esta historia de una prostituta transgénero, premiada en varios certámenes, fue grabada con hasta tres iPhone 5s. Un

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The Stunt Double

El spot grabado con un teléfono por Damien Chazelle confirma una tendencia que va en aumento. Steven Soderbergh ya ha concebido dos películas con un móvil y ha demostrado que, además de ser una herramienta más, es posible atraer al público.

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Olive (2011)

recurso que, más que a motivos estilísticos, respondió a limitaciones económicas.

Sin embargo, a la hora de analizar este fenómeno, hay que recurrir a la mente más inquieta de la industria, capaz de reventar taquillas un año, ganar una estatuilla al siguiente y, entre medias, zambullirse en la experimentación más vanguardista. Perturbada (2018), dirigida por Steven Soderbergh y protagonizada por una espléndida Claire Foy, constituyó un thriller psicológico tan interesante como desigual: la historia de una joven que, sin motivo aparente, es recluida en un centro psiquiátrico, escenario en el que transcurre casi la totalidad de la trama. Sin embargo, la peculiaridad es que todas las imágenes que componían la obra fueron captadas por un iPhone 7 Plus. Soderbergh solo se sirvió de una aplicación, Filmic Pro, que cuenta con un estabilizador para corregir temblores; una analítica de imagen que advierte de las saturaciones; un medidor de audio que permite su monitorización... Una app, en definitiva, que por 17 euros dota a la grabación de un acabado profesional.

Al igual que Chazelle, Soderbergh vio en el uso del móvil una opción creativa más. “Perturbada era una película que precisaba de una cualidad física muy determinada, de forma que un dispositivo de pequeñas dimensiones podía ser útil.

Fue una decisión creativa legítima”, defendía el realizador con motivo del estreno del filme. ¿Las principales dificultades? Prácticamente las mismas que encontraríamos el común de los mortales: se trata de un aparato tan ligero que el más mínimo roce puede hacerlo temblar, pese a estar sostenido por un trípode. ¿Ventajas? La principal, equipos de trabajo más reducidos y, consecuentemente, calendarios más abreviados y presupuestos más ajustados. Además, cuenta con un inesperado valor añadido: aquellos actores menos experimentados siempre sentirán mayor seguriPerturbada (2018)

Tangerine (2015)

dad frente a un pequeño dispositivo que ante las amenazantes cámaras estándar.

Triunfar en taquilla

El fenómeno va en aumento.

Tanto iOS como Android van sumando a sus catálogos aplicaciones cada vez más perfeccionadas. Accesorios como los rags para mantener la estabilidad de los teléfonos también tienen su hueco en el mercado.

Mientras, las escuelas y academias ya comienzan a tomar nota, con la puesta en marcha de talleres de cine en los que el móvil es la única herramienta.

Nadie podía adivinar durante su visionado que Perturbada había sido concebida de esta guisa. Sin embargo, el hecho de que la cámara, en este caso el teléfono, permaneciera más estática de lo habitual, dotaba a la película de una familiaridad e intimidad casi subliminales para el espectador: no en vano, esas son las sensaciones que transmiten los vídeos caseros. Un factor que, combinado con lo claustrofóbico de la trama, hacía de la experiencia algo aún más terrorífico.

No puede decirse que el experimento le saliera mal a Soderbergh. Demostró que es posible triunfar en taquilla gracias a un teléfono: partiendo de un presupuesto de 1,5 millones dólares, Perturbada obtuvo más de 14 millones en recaudación.

Tan contento salió el realizador de la experiencia que apenas tardaría un año en repetir. High Flying Bird (2019), drama deportivo sobre una joven promesa del baloncesto, fue pergeñado enteramente con un teléfono Apple.

El fenómeno va en aumento. Tanto iOS como Android van sumando a sus catálogos aplicaciones cada vez más perfeccionadas. Accesorios como los rags para mantener la estabilidad de los teléfonos también tienen su hueco en el mercado.

Mientras, las escuelas y academias ya comienzan a tomar nota, con la puesta en marcha de talleres de cine en los que el móvil es la única herramienta. E incluso se celebran festivales internacionales con alfombra roja incluida. En todo caso, ya sea en Panavision, en digital o a través de una pantalla de seis pulgadas, hay algo que siempre permanecerá invariable en este negocio: una buena historia que contar.

Jaime V. Echagüe

High Flying Bird (2019)

MALDICIONES EN EL CINE

Vidas rebeldes

(1961) de John Huston

lado, estaba Montgomery Clift, que, si bien había sanado de las cicahe Misfits, Los inadaptados traducido literalmente en castrices causadas por el gravísimo accidente que desfiguró su rostro tellano, es una de las películas que de forma más dolorosa cinco años antes, no había abandonado las adicciones que le embarsoportan el epíteto de “maldita”. El hecho de que estemos caron en su particular camino hacia la autodestrucción. “Es la única ante el último filme, al menos completo, de dos mitos con persona que conozco que está en peor estado que yo”, dijo sobre él la aureola de Gable y Monroe ha solapado lo que este clásu amiga Marilyn. Tampoco podemos olvidar a John Huston, cineasta sico de John Huston constituye en realidad: un “wéstern” revisionista portentoso, pero de vida disoluta, y cuyo apego a las mesas de dados y de sensibilidad atemporal, emocionante y mágico a su manera, hizo tambalear las cuentas de United Artists. ¿El resultado? Esta pelísiempre fascinante pese a su ausencia de giros narrativos, armado cula, pequeña e intimista, superó su presupuesto en casi cuatro millosolo con la fuerza que otorgan las miserias cotidianas y sustentado nes de dólares. Hasta por un hondo estudio entonces, fue el filme psicológico de sus proen blanco y negro más tagonistas. Arthur Miller caro de la historia del nos regaló sus mejores cine. líneas de guion, mienGable, de 59 años, tras que Huston supo falleció pocos días descapturar en un bellísimo pués de filmar su última blanco y negro toda la escena. La causa de la esencia existencialista muerte fue un ataque del relato. Y es que cardiaco, precedido de muchos temas se tocan una trombosis coronaen esta historia de ria. Su viuda, Kay, almas torturadas, sueentonces embarazada, ños rotos y segundas culpó al sobreesfuerzo oportunidades. Pero uno desempeñado por el de los que más resuenan galán. Para materializar es el de la muerte. Fralos planos medios y corses como “la vida no es tos que exigía Huston, posible sin la muerte”, o Gable rodó repetidas “la muerte es tan natuveces secuencias en las ral como la vida” golque es arrastrado viopean al espectador, lentamente por un consciente de que aquel caballo, si bien en el set Rhett Butler que daba se trataba de un camión un portazo a Scarlett que circulaba a 55 kilóO'Hara y de que aquella metros por hora. La “tentación” que aireaba experiencia le causó su vestido blanco sobre heridas y magulladuras las rejillas del Metro de diverso calibre, lo parecían haberse puesto que unido a las tensiode acuerdo para decir nes de un rodaje adiós. A ellos habría que incierto y difícil podría sumar a Montgomery Arthur Miller, Eli Wallach, John Huston, Montgomery Clift, Marilyn Monroe y Clark Gable haber supuesto, según Clift, que afrontaba aquí Kay, un empeoramiento en su estado de salud. En United Artists penel principio del fin de su vida y carrera. Aquellas tres estrellas se saron que esta desgracia beneficiaría a la taquilla, pero nada más dejaron parte de sí mismas en pantalla, haciendo que Vidas rebeldes lejos de la realidad: el filme fue un fracaso sin paliativos. En todo parezca hoy una obra poblada de espíritus. caso, su creación de Gay Langland, aquel cowboy en declive, otoñal y No fue un rodaje fácil, principalmente por la vida errática de sus descreído cerró su carrera con un merecido halo de misticismo. artífices. No era el caso de Clark Gable, que siempre se entregó con Por su parte, Marilyn perdería la vida meses más tarde tras total profesionalidad a su trabajo. Sin embargo, en el elenco figuraba una fatal ingesta de barbitúricos. Vidas rebeldes se mantuvo así una Marilyn Monroe cuya enorme inestabilidad e inseguridad, agracomo su verdadero testamento fílmico, después de que Sometvada además por su crisis matrimonial con el propio Arthur Miller, le hing’s Got to Give (1962), cinta de George Cukor con la que regreprovocó una dependencia cada vez mayor a los somníferos y, consesaría a la comedia, quedara inconclusa. Y casi mejor que fuera así. cuentemente, interminables retrasos en el inicio del rodaje. Por otro Al igual que ocurrió con Gable, parece imposible una mejor despedida: su Roslyn, aquella chica vulnerable, Marilyn Monroe, Scarlett O'Hara y Montgomery Clift se dejaron hipersensible y sin rumbo, es hoy uno de los actos más parte de sí mismos en pantalla, haciendo que Vidas rebeldes bellos de desnudez cinematográfica que nos ha dejado este oficio. parezca hoy una obra poblada de espíritus.

Jaime V. Echagüe

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ANÁLISIS DE CINE 1

12 HOMBRES SIN PIEDAD

a primera imagen que nos muestra a los miembros del jurado en un paneo horizontal (foto 1) es ya toda una definición de la actitud del protagonista, Henry Fonda, jurado número 8, sentado en la segunda fila, mirando de frente, hacia la derecha y hacia arriba, y el antagonista, Lee J. Cobb como el jurado número 3, mirando de reojo a la izquierda y ligeramente hacia abajo.

Fonda, significativamente, con traje claro. Lee J. Cobb, con traje oscuro.

Basada en la obra de Reginald Rose escrita para su grabación en televisión en el programa Studio One, emitida en septiembre de 1954, adaptada luego al teatro y finalmente trasladada al cine en 1957, Doce hombres sin piedad no es teatral, sino plenamente cinematográfica, a pesar de que se desarrolla casi en su totalidad en decorados interiores.

Así lo indica su uso de elementos del lenguaje cinematográfico como la escala de los planos, de los planos generales a los medios largos y cortos, y los primeros planos que marcan las distancias entre los personajes, más alejados o más cercanos entre sí a medida que avanza la historia, eligiendo las lentes de gran angular al principio, con la cámara por encima de los ojos.

El avance de la trama quedará marcado por cámara a la altura de los ojos, y más tarde, en el desenlace, cámara por

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debajo de los ojos y teleobjetivo para marcar aún más la sensación de claustrofobia.

Pero es que además sobre la coreografía de movimiento de los personajes, que ciertamente podría darse igual en una representación teatral, se impone el juego del montaje que es plenamente un recurso de lenguaje cinematográfico.

El director perteneciente a la nueva generación de cineastas llegados al cine tras trabajar en televisión, arranca visualmente la película con un majestuoso plano contrapicado que establece el lugar en el que va a desarrollarse la historia y es una figura retórica sobre el poder judicial sobre la gente, subrayado con la mole del edificio que abate sobre el espectador la pequeñez del individuo, subrayada con un paneo vertical de la cámara hacia arriba, guiado y sustentado por las gigantescas columnas. Ese plano tiene además mucha energía con el pulso entre las líneas horizontales de la escalera y las verticales de las columnas, imponiéndose finalmente la verticalidad que nos conduce hacia esa frase rematando el templo de la justicia (foto 2). En coherencia visual, se nos introduce luego en el interior de ese templo de la justicia con otro paneo vertical hacia abajo, pero igualmente guiado por dos columnas.

El director, Sidney Lumet, nos conduce por el interior del templo con

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CLÁSICOS IMPRESCINDIBLES movimientos de cámara que siguen a distintos personajes y establecen un tono de cotidianeidad de gente que camina por el edificio y entra y sale de ascensores para pasar a un plano secuencia que nos lleva hasta la sala en la que se celebra el juicio contra el muchacho acusado de matar a su padre. No sin antes dejarnos ver de pasada la alegría de un grupo de personas que celebra un veredicto favorable en otra sala y otro juicio. La gente corriente sometida a la excepcionalidad de la administración y aplicación de la ley que se produce en el interior de ese edificio sirve como anticipo de la situación en la que se encuentran los jurados que protagonizan la historia.

La fluidez en el movimiento de la cámara establece el dominio de lo cinematográfico sobre lo teatral en todo momento junto con la composición del plano, el fundido encadenado en el montaje, el plano picado, etc.

Los jurados se presentan con un plano donde tenemos al juez en primer término, un plano compuesto en el que las líneas formadas por la mesa del juez se prolongan por el material de madera en una especie de L que deja perfectamente sometidos a los jurados, en el fondo, a la disciplina del tribunal (foto 3). Además, si nos fijamos, se forma una especie de triángulo entre la figura del juez, el protagonista (Fonda) y el antagonista (Lee J. Cobb).

El diálogo del juez plantea los temas centrales del argumento que van a operar en todas las discusiones de los jurados: que están en juego dos vidas, la del padre asesinado y el hijo acusado del asesinato, el trabajo de distinguir lo verdadero de lo falso, la conciencia tranquila, la unanimidad y sobre todo la duda razonable, porque según explica no aceptará petición de clemencia y si es considerado culpable el joven será condenado a muerte.

Ese plano tiene un reflejo en el plano de los jurados al fondo con el joven acusado a la derecha (foto 4), en el que el jurado número 3 mira hacia el joven, al que en el plano siguiente veremos en primer plano y pasando a fundido encadenado a la sala y la mesa de discusión del jurado en un plano picado (foto 5).

Todo lo esencial está ya, con naturaleza plenamente cinematográfica, en ese arranque. Toda la agrupación de temas que va a tratar la película. Primero, la responsabilidad de los jurados tomándose en serio el destino del acusado que está en sus manos, en lugar de pasar por el proceso rápidamente y

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sin pararse a reflexionar. De ello se ocupa el jurado número 8, que emite veredicto de “no culpable” frente a los otros once que votan “culpable”.

Reginald Rose es muy inteligente planteando en todo momento como caballo de batalla de su héroe la duda razonable, y no la inocencia del chico, según explica Fonda en sus diálogos desde el principio. No estamos en una trama de intriga sobre crímenes, aunque haya un suspense creciente cuyo objetivo es otro.

Junto al tema inicial de la responsabilidad de lo que se nos va a hablar, en realidad, es del prejuicio como lastre para la objetividad. Veremos que, en un sentido u otro, todos los jurados arrastran sus propios prejuicios cuando emiten veredicto. En eso se centra la batalla que mantendrá el jurado número 8, protagonista, contra los antagonistas principales que se le oponen, presentándose astutamente primero de menor a mayor.

Fonda deberá abatir a tres antagonistas de menor a mayor. El irresponsable que quiere acabar pronto e irse al partido de béisbol, presentado como hombre superficial que pelea para encender el ventilador. Su plano picado con el ventilador abre el primer acto (foto 6) y luego otro plano desde otro ángulo con el mismo personaje y el ventilador ya funcionando abre el tercer acto.

Fonda establecerá un primer paso de avance con la prueba de las navajas (foto 7).

Luego, el hombre maduro prejuicioso e intransigente que está acatarrado y se muestra intolerante y furibundo, abusón, insultante, que será finalmente repudiado por todos dándole la espalda y queda exiliado en una pequeña mesa ajena a la central (foto 8).

Y el inversor en bolsa, el hueso más duro de roer para Fonda, porque con él se plantea un duelo intelectual más equilibrado y no se rige por el prejuicio, sino por la lógica… Hasta que su propio gesto con las gafas (foto 9) plantea la última duda razonable sobre los testigos, que permitirá al protagonista llegar hasta el antagonista principal, número 3. Finalmente, será el que revela plenamente el tema de los prejuicios como asunto principal. Su experiencia amarga con su propio hijo hace que intente vengarse en el joven acusado. Número 3 estalla finalmente rompiendo la foto de su hijo, catarsis que pone fin a las discusiones y, con el agua de la tormenta, parece limpiarle y liberarle de ese lastre de rencor (foto 10).

Miguel Juan Payán

CLásicos imprescindibles 1

PARQUE JURÁSICO

igue siendo aún hoy una de las películas más queridas de la filmografía del director norteamericano, un viaje de aventuras con elementos de terror que pretendía, y lo consiguió, atraer a la audiencia de todas las edades en todo el mundo, siendo capaz de emocionar, impresionar y dar un paso adelante en la producción de efectos digitales, con una serie de dinosaurios generados por ordenador que sustituyeron en muchas escenas de la película a los animatronics planeados inicialmente y que no convencieron jamás a Spielberg. Residía en el director, una vez más, la capacidad de generar imágenes icónicas que, de una pasada, pudiesen resumir el viaje completo de los personajes y pasar a formar parte de la cultura popular al mismo tiempo. Jurassic Park, película de 1993 basada en la novela de Michael Crichton, tiene varias de esas imágenes, pero quizá la que más recordamos y mantenemos en la memoria sea la despedida del parque, con el T. rex acabando con los velocirraptores (FOTO 1) y el cartel de “Cuando los dinosaurios dominaban la Tierra” cayendo frente a él.

Un ejemplo del propio mensaje de la historia. De ese camino, ese intento de jugar a ser Dios y lo que ha supuesto. Traer de vuelta a un ser de

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poder terrible que una vez dominó el planeta.

Pero Steven Spielberg sabe continuamente conjugar los géneros en la película, haciendo que el viaje emplee elementos de Tiburón, ET, el extraterrestre o Indiana Jones, pasando de la aventura al terror, siempre moderado, desde el inicio. El propio arranque es un ejemplo de esa dicotomía en la película (que añade elementos de humor, por supuesto, o de drama, pero su juego está en otra parte). Con la llegada de un velocirraptor a la jaula, Spielberg sienta las bases de lo que pretende. La expectación, la emoción y el miedo a lo inesperado, con el empleo de las llamadas luces de Dios tan habituales en su cine. La muerte de un trabajador ante sus compañeros que intentan salvarle (FOTO 2). Pero poco después, con la llegada de los protagonistas (el trío formado por Sam Neill, Laura Dern y Jeff Goldblum de la mano de Richard Attenborough) al parque, en una escena que aprovecha la luz natural, el paisaje y, sobre todo, la banda sonora de John Williams que brilla en este momento como solo podía hacerlo una banda sonora de Williams (FOTO 3). Es la antesala de una gran aventura, porque sabemos que en el parque vamos a encontrar dinosaurios, por supuesto, pero, como los protagonis-

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CLÁSICOS IMPRESCINDIBLES tas, desconocemos cómo o cuántos.

No sabemos qué papel juegan todavía en la historia. Entendemos que de amenaza, claro, pero no tenemos claro que puedan ser también parte de alguno de los momentos más bellos de la película. Aunque en esta ocasión Spielberg aprovecha y, junto con el despliegue de efectos visuales que nos muestran a los dinosaurios por primera vez en pantalla a la luz del día y completamente visibles, el director aprovecha el otro gran efecto visual de la película, los actores. La brillantez de Neill y Dern cuando descubren a los animales por primera vez marca al espectador y muestra que el director sabe perfectamente combinar ambos elementos (FOTO 4).

Es el momento en el que hay que aplicar algunas reglas y presentar lo que pueden ser los riesgos del parque. ¿Hemos alcanzado un punto en el que la tecnología y la ciencia nos hace creernos por encima de Dios? ¿Podemos realmente alterar el curso de la naturaleza? ¿Qué riesgos entraña realmente traer de vuelta a la vida animales que llevan extintos desde hace muchos millones de años? Son los temas que maneja de fondo la película y que son parte de la importancia del personaje de Goldblum, sobre todo cuando lo analiza, nuevamente, con las luces de Dios a sus espaldas. La propia narrativa de Spielberg (FOTO 5) está jugando con la fotografía y lo que cuenta el guion para hacer que coincidan y nos guíen en la dirección que él desea. La duda. La incertidumbre.

La anticipación del peligro al que se van a enfrentar los personajes. Un peligro que tarda aún en manifestarse y que primero manifiesta su elemento de cine de aventuras con la visita guiada al parque en la que nada sucede aparentemente. El animal enfermo y poco más. Ante la luz del día, con la presencia de los nuevos personajes infantiles que harán que los más pequeños de la casa empaticen con los personajes, no hay nada a lo que temer. Pero a la noche, cuando llega la tormenta, de nuevo sucede el terror. La primera aparición del T. rex en pantalla no solo es un momento espectacular, sino uno terrorífico en el que se juega con la lluvia y la iluminación, con la disposición de personajes y con la profundidad de campo (FOTO 6). Por supuesto, eso nos lleva a otra escena icónica, la persecución del dinosaurio

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al jeep que acude al rescate del personaje de Goldblum, que maneja el mismo uso de la fotografía, la profundidad de campo y la situación de elementos en el plano, con el coche en primer plano en un rincón y el dinosaurio en el resto de la pantalla, amenazante en la oscuridad mientras el vehículo corre (FOTO 7). Como si mirásemos por el retrovisor, algo que finalmente sucederá.

De vuelta al día siguiente, con la luz del nuevo día, el director vuelve al viaje de aventuras, sabiendo que el camino a través de la pradera permite jugar con los efectos visuales y con una magnífica lección de composición de plano, con la cámara moviéndose lentamente para colocar en el centro a los protagonistas (FOTO 8), mientras una estampida se dirige a toda prisa en su dirección.

Otra muestra de que, pese a los animales herbívoros, hasta el elemento más pacífico puede ser motivo de caos y peligro. La naturaleza manda, pero al contrario de Tiburón, no hay medios para acabar con ellos. Solo para sobrevivir y seguir adelante en el camino. Un camino que lleva al personaje de Dern en otra dirección en la aventura y en otro de los momentos verdaderamente terroríficos de la película, el camino en las profundidades del recinto en el que hay que reconectar la corriente. Un lugar lleno de monstruos y con elementos de slasher, en la propia persecución de la protagonista, que acaba encontrando los restos de otro personaje (FOTO 9), en un momento sorprendente incluso para una película como esta y su tono familiar y cercano. En ese punto, el género se hace dueño del resto de historia, y lo volvemos a encontrar en la persecución en la cocina por parte de los niños, acosados por dos de los velocirraptores incapaces de escapar (FOTO 10). La situación hace que, de nuevo, Spielberg se muestre dueño absoluto del espacio, de su presentación y de la situación del plano, de los personajes, con un uso del contrapicado que incluye en el plano a todos ellos, que aumenta la tensión y que demuestra que los dinosaurios están por encima del hombre en la cadena alimenticia. Otra muestra del control y de la maestría del cineasta a la hora de componer planos para narrar la historia sin necesidad, en muchos momentos, de diálogos.

Jesús Usero

GRANDES DIRECTORES

SAMUEL FULLER

l hombre que conoció la guerra, y uno de los que mejor la reflejó en la pantalla grande, donde recorrió todo tipo de géneros, con especial preferencia por el cine de acción.

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Nacido en Worcester, Massachusetts, el 12 de agosto de 1912 y fallecido el 30 de octubre de 1997 en Hollywood, Samuel Michael Fuller es un visitante habitual del coleccionable de cine bélico que estamos publicando en esta misma revista, porque sus películas en dicho género son títulos fundamentales y están dotados además de una gran personalidad dentro del género. Pero la huella de Fuller es igualmente personal, destacada e influyente en el cine policiaco y el wéstern.

Midiendo 1,68 metros de altura, trabajando la mayor parte de las veces sin estrellas y siempre en la frontera con la serie B, Samuel Fuller fue uno de los grandes directores del cine estadounidense y su cine es vecino en temáticas y personajes del que, por ejemplo, rodara John Huston, el director al que más se aproximan sus propuestas cinematográficas y con el que sin duda forma un buen tándem.

Fuller era ese tipo de director clásico de Hollywood que antes de hacer cine ya había tenido una vida plena capaz de marcar su posterior desarrollo como contador de historias en la pantalla grande, aunque –al contrario de Huston– su experiencia vital estuvo marcada por la necesidad de mantenerse y mantener a su familia desde muy temprana edad, de manera que todas las peripecias que hubo de vivir antes de narrar las peripecias de sus personajes de ficción estaban marcadas por la supervivencia, más que por el afán de aventuras y experiencias.

El propio director deja claro todo eso y la influencia decisiva que tuvo su vida como superviviente en su cine y el diseño de sus historias y personajes en su autobiografía, A

Paul Winfield y Samuel Fuller en el rodaje de Perro blanco

GRANDES DIRECTORES

Samuel Fuller con Lee Marvin en Uno Rojo, division de choque

Third Face: My Tale of Writing, Fighting and Filmmaking. Ese libro, que se publicó en 2002, ganó el premio de mejor obra de no ficción otorgado por el periódico Los Angeles Times, lo completó uno de sus más íntimos amigos, Jérôme Henry Rudes junto a la esposa del director, Christa Lang Fuller. Es una fuente de información esencial para conocer mejor la grandeza de este cineasta no suficientemente valorado por muchos aficionados, que va más allá de los presupuestos que manejara y el despliegue promocional que consiguieran sus largometrajes, señalándole como uno de los narradores esenciales del cine estadounidense.

Hijo de Rebeca Baum y Benjamin Fuller, Samuel tuvo que hacer frente a la muerte de su padre cuando solo contaba once años. Su familia era judía, y cuando emigraron a Estados Unidos cambió su nombre original, Rabinovitch a Fuller, para prevenir el antisemitismo presente en la sociedad estadounidense.

Tras la muerte del padre, la familia se trasladó a Nueva York cuando Fuller contaba doce años, y el futuro director empezó a trabajar como vendedor de periódicos, a los trece años promocionó hasta chico de los recados en la redacción del periódico The New York Journal, y cuando contaba 17 años cubrió un suceso criminal para el diario The San Diego Sun, estableciéndose con solo 17 años como el reportero de sucesos más joven de la ciudad, siguiendo la pista a algunos de los crímenes más célebres de la época.

Llegada la Depresión, Fuller fue por un tiempo uno de los vagabundos que viajaban por el país clandestinamente en trenes y buscó sustento escribiendo algunas novelas pulp de corte policiaco, para las que contaba con abundante materia prima gracias a su previa experiencia como periodista de sucesos.

Samuel Fuller, Glenn Corbett y Victoria Shaw en el rodaje de El kimono rojo.

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Periodista y escritor antes que director, Fuller publicó su primera novela, Burn, Baby, Burn, en 1935 y en 1934 empezó a trabajar como guionista en Hollywood.

Se alistó para combatir en la Segunda Guerra Mundial en infantería, participando en los desembarcos en África, Sicilia y Normandía. Esa experiencia bélica de primera mano la trasladó al cine en una obra maestra del cine bélico: Uno Rojo: división de choque (1980) y le llevó a ser uno de los directores más respetuosos con la realidad del frente, instalando una poderosa personalidad en el género en cuya filmografía figuran dos de las mejores películas sobre la Guerra de Corea: Casco de acero (1951) y A bayoneta calada (1951). Otro tanto puede decirse de su incursión en la Segunda Guerra Mundial en Invasión en Birmania (1962), un ejemplar relato sobre el peso del mando y sus sacrificios rindiendo además homenaje a los caídos en combate sin satanizar al enemigo.

Maestro del cinemascope Agarrar al público por las pelotas. Esa era la consigna esencial de Fuller. Tal como aconsejó a Jim Jarmusch, uno de los directores más influidos por su cine: “Si una historia no hace que te empalmes en las primeras escenas, tírala a la maldita basura”.

El primer largometraje de Fuller como director (tras el corto documental V – E + 1, el entierro de las víctimas del campo de exterminio de Falkenau, en 1945) fue el wéstern Balas vengadoras (1949), donde puso ya de manifiesto muchas de las características que iba a ir puliendo su estilo en sus siguientes trabajos.

En el marco de ese mismo género rodó 40 pistolas (1957), una de las películas favoritas de Jean-Luc Godard, que es ejemplo de cómo cuando otros directores se mesaban los cabellos pensando en cómo llenar la pantalla del cinemascope, él ya tenía dominado el asunto sobradamente. En ese mismo tema, no olviden ver una de las mejores películas con aventuras submarinas de la Guerra Fría, El diablo de las aguas turbias (1954) y la absolutamente imprescindible La casa de Bambú (1955), que es pura magia del cine. En todas ellas dejó claro que su paso por el periodismo había marcado su cine, desplegado en la pantalla como un gran titular a cuatro columnas.

La sombra del estilo tabloide es alargada en su cine y la manera de contar sus historias está, sin duda, inspirada por el uso de entradillas visualmente potentes y la aplicación de la regla de las “cinco W”, que es lo primero que aprende todo periodista: responder a las preguntas esenciales, quién (who), qué (what), dónde (where), cuándo (when), por qué (why).

Todas ellas gravitan en torno al cómo, que es donde Fuller hacía brillar su cine aplicando un dominio del espacio en el que estaba anticipando ya claves del cinemascope antes de que este sistema formara parte de su panoplia de recursos, por ejemplo, en la secuencia de la vigilancia de los policías sobre Richard Widmark en el metro de uno de sus títulos esenciales de temática criminal, Manos peligrosas (1953), con una relación de aspecto de 1.37:1, frente al 2.55:1 de su primera película en cinemascope, El diablo de las aguas turbias, que arranca precisamente con un despliegue de primeras páginas de periódico como elementos de verosimilitud genérica.

Corredor hacia China (1957), el wéstern Yuma (1957), El kimono rojo (1959), precursora del tratamiento de las minorías étnicas, Bajos fondos (1961), Corredor sin retorno (1963), con un abordaje de periodismo de investigación y denuncia de la situación en los sanatorios mentales, Una luz en el hampa (1964), Perro blanco (1982), hoy más actual que nunca en referencia al racismo, Ladrones en la noche (1984) y Calle sin retorno (1989), completan una filmografía dominada por personajes marginales, tratamiento crudo de la violencia herencia de su etapa como periodista de sucesos, encuadres centrados, primeros planos sostenidos y un montaje abrupto y violento.

Miguel Juan Payán

EL HOMBRE DE LA PISTOLA DE ORO a en la primera película que interpretó Roger Moore como el agente James Bond, pudo darse cuenta de las diferencias y discusiones entre los productores (Albert Broccoli y Harry Saltzman). Las diferencias creativas, la elección de actores…, todo era motivo de discusión entre ellos. Estos carácteres tan opuestos, entre otros motivos, hicieron que esta película, a la cual estamos dedicando esta ficha, fuera la última que los dos socios fundadores de Eon Productions produjeran juntos, después y tras una batalla legal, Broccoli comprara la parte de los derechos y de la compañía a Saltzman. A partir de esta película, sería Broccoli quien produjese en solitario las películas de Bond, James Bond, aunque más adelante veremos que tendría ayuda.

Un dato sobre esto que acabamos de contar es que el propio Saltzman se mantuvo retirado y dejando casi todo el trabajo a su, por aquel entonces, socio. De este modo, todos los técnicos y personal de los diferentes departamentos preguntaban a Cubby qué debían de hacer , o les comentaban sus ideas. Un último apunte sobre esto es que el hijastro de Broccoli (Michael G. Wilson) dejaría su trabajo como abogado para mediar entre los productores y ayudar en los diferentes departamentos. Más adelante, Wilson sería uno de los productores actuales de las películas de 007.

En un entrevista a Michael G. Wilson, este admitía que había mucha presión por parte de United Artists para que las películas del espía británico estuvieran acabadas lo antes posible, ya que se podían estrenar en doce meses, o 18, o 24, de manera que había que tenerlo todo listo lo más pronto posible.

Y

Sobre el casting de la película que tratamos, la actriz Maud Adams interpretaría el rol de Andrea, la compañera sentimental del villano, la cual se hizo con el papel ante Alexandra Bastardo y Fiona Lewis.

Para el papel de agente de enlace y enamorada de James Bond, otra actriz sueca fue la afortunada, se trataba de Britt Ekland, la cual se disputó el papel ante Helen Gill y Chekkie Maskel.

El villano Scaramanga, el asesino a sueldo que asesina a sus víctimas por un millón de dólares, sería interpretado por un primo del autor de las novelas del espía británico, muy conocido por interpretar a Drácula y, en un primero momento, se había pensado en él para interpretar a James Bond antes del escocés Connery, aunque no se le hizo ninguna prueba.

El papel de mayordomo/secuaz de Scaramanga se encargó al actor Hervé Villechaize, un actor muy polémico y con un triste final.

Todo ello bajo la batuta del director Guy Hamilton.

El guion Las primeras ideas para escribir las historias de James Bond siempre se han tomado de las novelas homónimas, si bien muy pocas veces se ven apenas en el resultado final, aunque se tomaba como base todo lo que se podía y siempre hay algo de Fleming en ellas.

Un primer esbozo del guión a cargo de Tom Mankiewicz y fechado el 20 de agosto de 1973 nos presenta a Goodnight, a Ursula (la amante del villano) y al criado de este, que aquí tenía el nombre de Demi-Tasse.

Había un personaje llamado Good Fat (un empresario chino) y su hermano Bad Fat, poseía un estudio de grabación de cine y producía películas de artes marciales, muy de moda en esa época.

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EL HOMBRE DE LA PISTOLA DE ORO

Un tratamiento de guion por parte de Richard Maibaum, otro habitual de la saga en esa época, fechado el 12 de noviembre del 73 venía decir lo siguiente: Bond era informado de la Operación Sunstro-Ke, la búsqueda de Gibbon, experto en energía solar, el cual tenía un dispositivo agitador Solex. En este tratamiento, Scaramanga estaba involucrado en la trama de la crisis energética y, aquí, la idea era que Andrea sobreviviera a Scaramanga.

Otra versión del guion, entregado por el propio Maibaum el 7 de enero de 1974, abría con el duelo entre el gánster Rodney y Scaramanga en la guarida de este, este duelo estaría dirigido por Nick Nack, el mayordomo. Se incluían además un burdel en Beirut y luchadores japoneses de sumo, así como chicas desnudas en el club Bottoms Up. En estos últimos puntos, Saltzman se mostró muy molesto y dijo que eso de clubs y chicas desnudas era de mal gusto, de manera que se cambió el club por una discoteca, y la desnudez de solventó haciendo que las melenas de las chicas cayeran sobre sus pechos.

El guion definitivo sería entregado el 17 de abril de 1973, aunque se revisaron algunos puntos durante el rodaje, añadiendo la muerte de Andrea a manos de Scaramanga. El guion está acreditado por Mankiewicz y Maibaum.

La música De nuevo, el encargado de poner la música sería John Barry, la cantante Lulú pondría la voz a la canción principal y Don Black pondría la letra de la canción principal. Esta banda sonora, en especial el tema principal, no es de las favoritas de los fans, una canción demasiado acelerada. El resto de la música es del estilo de Barry, con sonidos e instrumentos de los lugares donde transcurre la acción.

Algo que llevó Barry a este filme fue una nueva versión del tema de James Bond; según Barry, Moore interpretaba el papel con más suavidad, de manera que había que aligerar un poco la melodía.

El estreno La segunda película de Roger Moore como James Bond se estrenó en Reino Unido el 19 de diciembre de 1974 con una re-

caudación de 98 millones de dólares, un descenso considerable en la saga.

Lector curioso Como en cada número, aquí van algunas anécdotas más de la producción de la película.

• Ante la falta de transportes, la mitad del equipo de la película tuvo que hospedarse en un burdel de la población de Pang Na, y se llevaron a las chicas a otro lugar.

• El actor Hervé Villechaize, con gran apetito sexual, quiso ligar con Maud Adams, le dijo que esa noche treparía a por sus sábanas y le haría el amor con mucha pasión. Adams, por su parte, le dijo que se enfadaría mucho si se atreviese a entrar en su cuarto.

• En una de las localizaciones, el productor Harry Saltzman pidió a Claude Hudson (directora de producción) 50 elefantes con cuatro zapatos cada uno, mientras Tom Mankiewicz le hacía entender que no salía ningún elefante en el filme.

Lector viajero Se eligieron unas localizaciones muy exóticas para esta aventura, esperemos que disfruten del viaje.

• Isla Bond, llamada así en recuerdo del rodaje de esta película, donde Scaramanga tiene su guarida. Situada en la bahía Phang Nga en Tailandia. Un lugar muy visitado por turistas en general y fans de Bond en particular.

• Hotel Peninsula, solo para bolsillos muy llenos, es el hotel donde se aloja James Bond a su llegada a Hong Kong, también sería el hotel donde se alojó gran parte del equipo para compensar las malas experiencias en Tailandia. Dispone de una flota de RollsRoyces para sus clientes.

• El número 30 de la calle Fu Shin hizo de armería donde Bond visita a Lazar, un traficante de armas, para sacarle información del paradero de Scaramanga. Óscar Rubio

VIDEOJUEGOS por Jesús Usero

The Last of Us, Part 2 PS4 Pocas veces se ha visto tan polarizada la opinión de crítica y público como con la secuela de The

Ghost of Tsushima PS4 Le tenía muchas ganas, sabiendo que no estábamos ante el juego del año ni nada por el estilo. Pero la gente de Sucker Punch, el estudio

Last of Us, uno de los exclusivos de Sony más importantes para PS3, que ha regresado justo a tiempo de despedirse de la actual generación de consolas. Y, honestamente, aquí nos ha parecido uno de los mejores juegos de la generación, como ya pasó con su predecesor. Técnicamente, simplemente es un portento a todos los niveles, especialmente el gráfico, donde tiene momentos en los que la gente de Naughty Dog ha conseguido casi dar el salto a la PS5. Además, ajusta enormemente todos sus sistemas y mecánicas de juego, mezclando acción, sigilo y resolución de puzles de la forma más adecuada. Sobre todo da la sensación de que las cosas tienen una solución lógica, orgánica. Pero la clave está en lo que tanto ha enfadado a la gente. Su guion.

Su historia dura, adulta, comprometida, honesta, violenta y, por momentos, desgarradora, que es cualquier cosa menos convencional. Imprevisible y demoledora, el guion es, aunque a muchos no les guste, lo que hace realmente a The Last of Us, Part 2, algo único. No busca complacer, busca dejarnos en shock.

Imprescindible.

desarrollador, es conocida por juegos sólidos, competentes y muy, muy entretenidos. Lo dice alguien que ha disfrutado de la saga Infamous, sabiendo que no es algo que vaya a revolucionar el mercado, pero que es muy, muy entretenida. En ese sentido, este lanzamiento me recuerda más a Days Gone que a Sekiro, al cual podría compararse por su temática y ambientación en Japón a los mandos de un samurái.

Pero Ghost of Tsushima a veces recuerda más en sus mecánicas a un Assassin’s Creed, y en sus aspiraciones al mencionado exclusivo de Sony. Que no os engañe eso, por otro lado, y no lo comparemos con Sekiro, de verdad. Tsushima es un juego tan cómodo de jugar como sensacional en su ambientación. Recordando visualmente al cine de samuráis de Kurosawa (Ran y Kagemusha, por ejemplo) y llevándonos a través de un mundo abierto que nos invita a explorar. No, no parece algo nuevo. Pero lo que hace lo hace realmente bien. Es uno de esos juegos que casi sin intentarlo, tienes que completarlo.

Marvel’s Avengers PC, PS4, Xbox One Posiblemente, un juego que ha descolocado a todo el mundo y del que no sabemos realmente qué opinar una vez que ha llegado hasta nosotros. Se trata de una de las franquicias más rentables hoy en día, la de los Vengadores, convertida en videojuego, algo que muchos llevaban años pidiendo. Y lo ha hecho de una forma alejada a lo que podíamos esperar. Muchos pedían algo cercano a los Marvel Ultimate Alliance, otros, algo cercano al Spider-Man de PlayStation.

Captain Tsubasa: Rise of the Champions PC, PS4, Switch Aunque a algunos no les suene todavía eso de Captain Tsubasa, nos encontramos ante uno de los animes que marcó la infancia de muchos de nosotros, llamado en España Campeones: Oliver y Benji. Así que el nuevo juego que nos presenta Bandai Namco está cargado de nostalgia para esa generación. Y en ese sentido, el juego llevaba tiempo siendo muy esperado por los fans, que deseaban comprobar si los míticos movimientos, tiros y personajes de la serie podían adaptarse a un juego

Pero nadie esperaba un shooter looter, un juego como servicio en la línea de un Destiny 2 o similares. Un juego que tiene una parte de historia que sirve para que nos adecuemos al combate, a los personajes, e indaguemos incluso en su historia.

Una historia a caballo entre el cine y los cómics, por cierto. Y luego nos aventuraremos en el multijugador para explorar lo que puede llevarnos a pasar muchas horas en el juego. Lo mejor sigue siendo un sistema de combate mucho más profundo y exigente de lo que parece. Lo peor, sin duda, que no sabe decidirse entre ser esa historia de los Avengers o ese shooter looter. Algo que con el tiempo se corregirá, sin duda. Lo que el juego necesita es tiempo.

que tiene su base en el arcade, pero que aporta elementos de estrategia y de visual novel siguiendo en el “modo historia”, “El Viaje”, parte de los hechos de la serie original.

También podemos emplear un personaje nuevo creado por nosotros y hacerlo evolucionar, y crear un equipo a nuestro antojo para competir online, algo que da mucho juego. Es realmente como revivir la serie, pero además añadiendo la posibilidad de ser nosotros quienes participemos de toda la locura de Captain Tsubasa. Lo único realmente malo son los tiempos de carga. El juego está en japonés con subtítulos en español, pero alguien debería pensar en poner un parche con los nombres que nosotros conocimos e incluso el doblaje de la serie…

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Grandes héroes de la historia del cine El mundo siempre necesita héroes. Cada cultura y cada época se define por sus héroes de ficción, tanto como por los héroes reales.

Proponemos a 20 héroes imprescindibles de la historia del cine.

E

n 1949, el mitólogo Joseph Campbell publicó su libro El héroe de las mil caras: psicoanálisis del mito, en el que aplicó las propuestas del psicoanálisis y los arquetipos de Carl Jung a su estudio de distintas mitologías en las que observó notables coincidencias incluso cuando pertenecían a zonas geográficas y culturas distantes y distintas. El poder del símbolo y los sueños aparecía también en el esquema de Campbell sobre esos elementos característicos de los mitos que se repiten por toda la geografía de nuestro planeta en diversos grupos culturales. Estos sistemas simbólicos podrían ser construcciones de la mente humana cuyo objetivo es proponer alternativas para enfrentarnos a los retos y dilemas que nos plantea la existencia.

En el esquema de Campbell, ese monomito con infinitas variables que es el viaje del héroe sirve como guía en este circular periplo cuyas

características, como las de los propios arquetipos de Jung, son la atemporalidad, la versatilidad y la permanencia en forma básica sin alteraciones.

Entre los personajes recurrentes de los arquetipos es el héroe el protagonista, si bien su naturaleza y su conflicto quedan revestidos de las características y claves que le aportan otros personajes del relato, como el anciano emisario, el cambiante de aspecto, los aliados, la sombra o el antagonista.

Esos viajes del héroe, esos mitos, son modelos que utiliza la mente humana a modo de mapas de nuestra psique para describir emociones y responder preguntas claves, como quién soy, de dónde vengo, qué es el bien y qué es el mal, o explorar y reflexionar sobre la propia existencia de dioses o entidades sobrenaturales.

El denominado viaje del héroe es siempre al mismo tiempo exterior, físico, real, e interior, emocional, un periplo de crecimiento y maduración. En él encontramos siempre, como tras cada historia, una enseñanza. Su primera etapa o acto se inicia en el mundo ordinario, donde el héroe recibe la llamada de la aventura, que inicialmente rechaza, encontrándose posteriormente con el mentor (Obi-Wan Kenobi en Star Wars, el mago Gandalf de El señor de los anillos o el mago Merlín para el rey Arturo serían buenos ejemplos de esa figura), iniciándose así la travesía del primer umbral.

El segundo acto del periplo está dedicado a las pruebas que debe superar el héroe con la ayuda de aliados, enfrentándose a enemigos, hasta caer en la caverna más profunda, pasando luego por una etapa

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GRANDES HÉROES DE LA HISTORIA DEL CINE

Chritopher Reeve es sin duda el Superman más carismático

denominada de Odisea o calvario antes de encontrar la recompensa (apoderarse de la espada o el tesoro buscado, por ejemplo, el vellocino de oro perseguido por Jasón y sus argonautas, o el arca de la alianza tras la que va Indiana Jones), iniciando así el camino de regreso que conducirá a la resurrección y el retorno en triunfo con el elixir, reflejado por George Lucas en la entrega de medallas final de La guerra de las galaxias.

Entre los distintos objetivos del héroe que se van planteando a lo largo de la aventura y van modificando su viaje, hay siempre un fin que no es otro, como en el caso de todo viaje, que el de conocerse a sí mismo, madurar, redimirse, comprometerse, salvar a la humanidad.

Los tres personajes que encabezan nuestra selección son buenos ejemplos de tres héroes que buscan conocerse a sí mismos y madurar persiguiendo distintas metáforas de la espada o el tesoro que además los obliga a comprometerse. El primero es uno de los que sigue haciendo dinero con los reestrenos de La guerra de las galaxias y El Imperio contraataca incluso en plena pandemia: Luke Skywalker.

Curiosamente, este icono de la cultura popular ha estado en el epicentro de la polémica y los enfrentamientos entre los nuevos gestores de la franquicia galáctica de George Lucas en el seno de Disney y los

Entre los distintos objetivos del héroe que se van planteando a lo largo de la aventura y van modificando su viaje, hay siempre un fin que no es otro, como en el caso de todo viaje, que el de conocerse a sí mismo, madurar, redimirse, comprometerse, salvar a la humanidad.

Christopher dando indicaciones a Christian Bale, el Batman más convincente

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seguidores de la saga, que consideran que las nuevas secuelas y sobre todo el episodio VIII, Los últimos jedi, atacan y destruyen a Luke Skywalker. El propio actor encargado de interpretar el papel, Mark Hamill, se ha mostrado muy crítico con la nueva visión de este en la madurez y con el propio estudio Disney, que en su opinión ha sobrexplotado la saga estrenando demasiadas películas en poco tiempo, sin dejar descansar a los espectadores. Hamill ha dado además en el blanco sobre uno de los errores más garrafales de la nueva trilogía, afirmando que se precipitaron en el tratamiento del personaje de Han Solo, impidiendo que el personaje de Harrison Ford pudiera reunirse con Luke, además de señalar que la diferencia entre los clásicos y la nueva trilogía es que Lucas tenía una idea general de hacia dónde iban los episodios IV, V y VI, mientras que los episodios VII, VIII y IX han sido una carrera de relevos en la que cada director ha ido por su cuenta.

Harrison Ford no era la primera opción para el papel. Antes que en él pensaron en Paul LeMat, héroe condecorado en Vietnam que había coprotagonizado la película de George Lucas American Graffiti; Christopher Guest, que había interpretado a Charlie Ford en Forajidos de leyenda; Bruce Boxleitner, protagonista de Tron y la serie Babylon 5, que encabezó luego una variante de Indiana Jones en la serie Traedlos vivos; Barry Bostwick, protagonista de Megaforce; Sam Elliott, especializado en papeles de vaquero televisivo que triunfó en la serie La rosa amarilla; Mark Harmon, popular en la televisión de los ochenta por su papel en las serie Flamingo Road y protagonista de Navy: Investigación Criminal; Nick Mancuso; Peter Coyote, perseguidor de ET; John Calvin, que curiosamente luego interpretó a un personaje secundario en otra copia televisiva de Indiana Jones, la serie Cuentos del mono de oro; Michael Biehn, el padre de John Connor en Terminator y marine colonial en Aliens: el regreso; Sam Shepard, el granjero de Días del cielo; David Hasselhoff, protagonista de El coche fantástico y Los vigilantes de la playa (y Nick Furia en la película para televisión Nick Furia: agente de SHIELD), y Tom Selleck, protagonista de la serie Magnum P. I., que arrepentido de haber rechazado el papel de Indiana Jones rodó otra variante titulada La gran ruta hacia China (1983). Por cierto, hablando de variantes, apunten las dos películas sobre el personaje de Allan Quatermain creado por H. Rider Haggard, Las minas del rey Salomón (1985) y Allan Quatermain y la ciudad perdida del oro (1986), protagonizadas por Richard Chamberlain y Sharon Stone.

Harrison Ford ya había sido lanzado a la popularidad con sus apariciones como Han Solo en La guerra de las galaxias y El Imperio contraataca, pero la película que le convirtió definitivamente en estrella fue En busca del arca perdida (1981), quizá por eso siempre se ha mostrado satisfecho con Indiana Jones frente al poco afecto que le tiene a Han Solo.

El triunvirato de estos tres héroes esenciales que sirven como ejemplo de todos los demás y definen las características esenciales de todo héroe que se precie es Superman, que siempre ha tenido una naturaleza redentora y en cierto modo ha oficiado en las historias de superhéroes, que él mismo inició ejerciendo como pionero, como una variante laica de Jesucristo que incluso llegó a ser prohibida en España durante una etapa de la dictadura de Franco por considerar que usurpaba atributos que solo podían pertenecer al Hijo de Dios.

Miguel Juan Payán

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INDIANA JONES

LUKE SKYWALKER

El arqueólogo tímido que no sabe cómo manejar a sus alumnas en clase cuando le tiran los tejos (ejemplo de la modernidad que maneja la película en algunos de sus elementos, a pesar de transcurrir en 1936), pero es capaz de enfrentarse a tribus nativas y hordas nazis cuando sale a robar tumbas, es un guiño a la doble figura de Clark Kent y Superman con las gafas ejerciendo como frontera entre las dos personalidades.

Ese detalle se perdió en la evolución del personaje en películas posteriores, desde Indiana Jones y el templo maldito (1984), con su presentación al estilo James Bond, a su reinvención como hijo que intenta emular y ganarse el afecto de su padre en Indiana Jones y la última cruzada (1989), y padre que intenta ganarse el afecto de su hijo en Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal (2008).

Entre los antecedentes más remotos están las revistas pulp y los seriales de los años veinte y treinta y las películas Las arañas: el lago de oro (1919), Las arañas: el barco de los brillantes (1920), El tigre de Esnapur (1959) y La tumba india (1959), dirigidas por Fritz Lang. Fuentes de inspiración más próximas son el profesor encarnado por Gregory Peck en Arabesco (Stanley Donen, 1966), que deja las aulas y es reclutado para una disparatada misión de espionaje, y Harry Steele, ladrón de tumbas interpretado por Charlton Heston en El secreto de los incas (Jerry Hopper, 1954).

A la lista de fuentes de inspiración hay que añadir las películas de James Bond, el diseño del concepto visual del maestro del cómic Jim Steranko, y cuatro aventureros reales: Roy Chapman Andrews, arqueólogo célebre por sus búsquedas de huesos de dinosaurio en el desierto de Gobi a principios del siglo XX; Hiram Bingham III, profesor de historia y descubridor de las ruinas de Machu Picchu; Otto Wilhelm Rahn, historiador y ocultista miembro de las SS que buscó el Santo Grial para los nazis, y el explorador y militar inglés Percy Fawcett, desaparecido en 1925 cuando buscaba una ciudad perdida en el Amazonas, interpretado por Charlie Hunnam en Z, la ciudad perdida (James Gray, 2016). M.J.P.

George Lucas tenía como libro de cabecera El héroe de las mil caras: psicoanálisis del mito, de Joseph Campbell, y el viaje que sigue Skywalker es una réplica, paso por paso, del viaje del héroe, el esquema trazado por Campbell (ver introducción).

En La guerra de las galaxias (1977), Skywalker es el héroe principal en solitario, y Han Solo uno de sus aliados en calidad de secundario, inicialmente presentado como rival en el interés romántico por la princesa Leia. No es hasta la segunda película, El Imperio contraataca, cuando Lucas apuesta por darle un peso propio al personaje de Han Solo, abriendo así en la saga un coprotagonismo a tres bandas: Luke, Han y Leia. Los dos últimos están reforzados por la subtrama sentimental que viven, adornada con pinceladas de humor y guerra de sexos propias de la de la screwball comedy. Para equilibrar el peso de protagonismo, Luke prosigue la búsqueda de sus raíces, progresa en su entrenamiento para convertirse en jedi y descubre quién es realmente su padre, además de tropezarse con el icónico Yoda. Será así el encargado de protagonizar la parte de espada y brujería de la saga.

A nadie se le oculta que la historia de Luke se articula como la de un héroe concebido sobre influencias del Flash Gordon creado por Alex Raymond para el cómic, Frodo Bolsón, protagonista de El señor de los anillos y Paul Atreides en Dune.

En opinión de muchos aficionados, Luke Skywalker ha sido el personaje más maltratado de las secuelas de la saga original, sobre todo en Star Wars: los últimos jedi, donde quedó convertido en un misántropo reticente a implicarse en un nuevo enfrentamiento con el lado oscuro, que reniega de su pasado y está a punto de matar a su sobrino. El actor encargado del papel define ese salto de El retorno del jedi a El despertar de la fuerza como un abismo en el que sigue preguntándose cómo el personaje más optimista y positivo de la saga original acaba convertido en un loco suicida que quiere que la gente se vaya de su isla. “Le dije a Rian Johnson que un jedi nunca se rendiría”. M.J.P.

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BRUCE WAYNE/BATMAN

SUPERMAN

La historia de la creación y autoría más legítima de Batman está también cubierta de mugre, injusticia y deslealtad, como ocurre con la de Superman, aunque en este caso no se trata de la cruzada de dos creadores para recuperar su creación, como sucedió con el último hijo del planeta Krypton, sino del lamentable abuso de un creador sobre otro, o mejor dicho, otros. En todo cómic o película sobre Batman podemos leer lo que en su momento se garantizó por contrato al dibujante Bob Kane, que él es el creador del personaje, aunque se ha demostrado que este tiene además otro padre, al que además se debe la creación de muchas de las características y de muchos de los supervillanos esenciales de la mitología del Hombre Murciélago. Se trata del guionista Bill Finger, que no consiguió en vida el reconocimiento que merecía por su trabajo originando la verdadera alma del justiciero de Gotham City, principalmente porque Kane hizo todo lo que estuvo en su mano por borrarlo a él y a otros de sus colaboradores dibujantes en la creación del personaje.

Kane había iniciado, ciertamente, el camino tomando prestado un diseño de Flash Gordon de uno de los dibujos de Alex Raymond, añadiéndole dos alas de murciélago y sin máscara al personaje con el que buscaba subirse al carro superheroico que había arrancado con la creación de Superman. Pero fue Bill Finger el que incorporó todos los elementos y la verdadera alma e identidad del personaje que hoy conocemos como Batman. Entre otros, la influencia dominante que tiene la figura del detective Sherlock Holmes, creado por Arthur Conan Doyle.

En cine, tanto Bruce Wayne como Batman han quedado marcados definitivamente por la recreación del personaje para el cine propuesta por la trilogía de El caballero oscuro dirigida por Christopher Nolan y protagonizada por Christian Bale, difícil de superar. Es el héroe que necesita Gotham y quizá cualquier ciudad del mundo, no solo como Batman, sino también como Bruce Wayne. Héroe sin superpoderes en un mundo de superhéroes, Wayne y Batman son una metáfora del poder de superación ante la adversidad tanto como del verdadero sentido de la justicia. M.J.P.

El Superman más emblemático de la pantalla grande es para muchos Christopher Reeve, protagonista de la película dirigida por Richard Donner en 1978. Así que he decidido respetar la cronología a la hora de elegir la imagen y el actor que ilustra esta ficha, aunque personalmente me inclino por considerar a Henry Cavill y El hombre de acero de Zack Snyder como las mejores versiones para la pantalla de este personaje esencial que inicia y resume todas las características esenciales de la figura del superhéroe y sin duda ha sido la principal inspiración para todos los que vinieron después que él. Todos los superhéroes son hijos de Superman.

Superman fue el primer superhéroe y el que ha contado con publicación interrumpida en los cómics desde su debut en la revista Action Comics número 1, en 1938. Fue creado por Jerry Siegel y Joe Shuster, pero ambos tuvieron que protagonizar una larga batalla legal con derrotas y victorias varias, antes de que la editorial que se hizo con la propiedad del personaje llegara a acreditarlos convenientemente como sus creadores y les abonara los pagos correspondientes como padres de este personaje que había hecho ganar millones a la firma.

En la génesis del personaje encontramos la misma película que inspiró a Bruce Wayne para convertirse después de que mataran a sus padres: La marca del Zorro (1930), dirigida por Fred Niblo y protagonizada por Douglas Fairbanks. El guionista Jerry Siegel la tomó como referencia para desarrollar a Superman junto con su afición por las revistas de relatos de ciencia ficción como Amazing Stories, a las que era muy aficionado. Fue una de las portadas de la revista, ilustrada con un tipo vestido de rojo y volando, la que inspiró a Superman. El dibujante Joe Shuster había quedado obsesionado por esa misma imagen y cuando Siegel empezó a buscar dibujante para sus guiones la conexión entre ambos fue inmediata. Crearon un personaje único, Kal-El, último hijo del planeta Krypton, enviado a la Tierra por su padre natural, Jor-El. Adoptado por una pareja humana, el crío alienígena acabará valorando más su naturaleza humana que la heredada. M.J.P.

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HARRY POTTER

TONY STARK/IRON MAN

Daniel Radcliffe encontró el papel de su vida interpretando a Harry Potter, el niño mago superviviente al ataque del poderoso Lord Voldemort, creado por la escritora J. K. Rowling. Y desde entonces sigue luchando, con relativa eficacia, por no quedarse encasillado en ese papel, ejerciendo como productor de series y películas que puedan alejarle de la alargada sombra que sin duda el personaje va a proyectar sobre él el resto de su vida. Este héroe con el que pueden identificarse niños y adolescentes de todo el planeta y que es incluso saludado como eficaz entretenimiento por los adultos (lo cual, sin duda, es una de las claves de su éxito tanto en la letra impresa como en el cine) llegó a las librerías en 1997 y al cine con Harry Potter y la piedra filosofal, película dirigida por Chris Columbus y estrenada en 2001.

Precedido por su éxito literario, el personaje tenía todas las papeletas para convertirse en un fenómeno cinematográfico en las pantallas de todo el mundo y dio lugar a una búsqueda intensa para encontrar al protagonista, un casting por el que pasaron más de 5000 candidatos a interpretar a Harry, de los cuales ninguno llegó a convencer al director, que finalmente eligió a Radcliffe tras verlo interpretando el papel del título en la la miniserie David Copperfield (1999).

La elección era lógica, considerando que el personaje de J. K. Rowling tiene muchos puntos en común con los héroes infantiles y juveniles de las novelas de Charles Dickens, como David Copperfield.

El otro antecedente que acude a la memoria del aficionado y se mezcla con el tono Dickens del relato de este niño especial que vive maltratado por sus tíos en un hueco de la escalera lo encontramos en el largometraje El secreto de la pirámide (1985), que dirigió Barry Levinson, pero en la que, casualmente, estaba implicado Chris Columbus como guionista. Producida por Steven Spielberg, esa película mostraba a unos jóvenes Sherlock Holmes y Watson que en su adolescencia investigan una serie de misteriosas muertes relacionadas con la egiptología. Ambos estudian en una escuela que bien puede servir como antecedente de Hogwarts. M.J.P.

Vengadores: Endgame (Anthony Russo, Joe Russo, 1919) ha dejado claro, por si quedaba alguna duda, que el epicentro del universo de superhéroes Marvel en el cine era Tony Stark. En este caso, la personalidad humana del héroe supera a la del propio superhéroe, Iron Man, al que en los cómics es frecuente que sus compañeros apoden Cabeza de Lata. Ese fenómeno de lo humano –un millonario y científico propietario de una empresa de armamento que víctima de un problema de corazón elabora una armadura que pueda mantenerle vivo para escapar de sus captores y acaba convertido accidentalmente en un superhéroe–, sobreponiéndose a la adversidad con su inteligencia como científico y creador, estaba ya presente en los cómics del personaje, creado para las viñetas por los guionistas Stan Lee y Larry Lieber y los dibujantes Don Heck y Jack Kirby, y aparecido por primera vez en el número 39 de la colección Tales of Suspense publicado en marzo de 1963.

La interpretación de Tony Stark desarrollada por Robert Downey Jr. ha influido en muchos otros personajes de la ficción popular de nuestro tiempo, e impregna por ejemplo la visión actualizada y en muchos aspectos discutible desde el punto de vista de la historia que propuso David Goyer sobre Leonardo Da Vinci en la serie Da Vinci’s Demons (2013-2015). M.J.P.

CARTEL-MANÍA HÉROES EN EL CINE

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JOHN RAMBO

ROCKY BALBOA

Otra vez Sylvester Stallone, en Acorralado (Ted Kotcheff, 1982), consiguió dar en el blanco de la taquilla y unir a su filmografía un personaje heroico que en todo momento hizo suyo aportándole claves que ya le habían funcionado para meterse al público en el bolsillo con Rocky. Hasta el punto de que podríamos decir que Rambo es el “hermano gemelo bélico” del urbanita Rocky: ambos ingenuos, incluso simplones, pero tremendamente honestos.

Solo Sylvester Stallone hace doblete en esta lista de héroes interpretando a dos representaciones de este tipo de figuras totalmente distintas. En la que aquí nos ocupa, el boxeador Rocky Balboa es el máximo representante del perdedor que consigue alzarse con una victoria moral ante fuerzas que le superan merced al tesón y la confianza en sí mismo.

Hoy puede considerarse que tanto Rocky como Rambo son un cliché, pero cuando ambos personajes estallaron en éxito cinematográfico eran ciertamente originales, considerando el tipo de figuras heroicas masculinas que dominaban en aquel momento el cine. Si Rocky fue un precursor de algunas claves de metrosexualidad no cabe duda que Rambo se apartaba del tipo de tradicional héroe de hazañas bélicas y físicamente estaba más cerca del detective interpretado por Al Pacino en Serpico.

En algún momento se publicó que el actor para interpretar la versión en carne y hueso de este personaje era Tom Cruise, y algunos dibujantes de Marvel se lanzaron a tomar como referencia el rostro del actor para diseñar el aspecto de Tony Stark en las viñetas, pero después de que Robert Downey Jr. se hiciera cargo del personaje nadie duda que ha sido durante toda la fase 2 y 3 de Marvel el epicentro de las producciones de superhéroes de Marvel Studios y también su alma. Tanto es así, que ahora su ausencia puede ser el talón de Aquiles de la fase 4, especialmente después de la gran salida por todo lo alto del escenario que propiciaron para él los hermanos Russo en Vengadores: Endgame.

La inocencia de Rocky Balboa, que mueve a la comedia respaldada por el personaje del hermano de su novia, Paulie, que interpretó con singular solvencia Burt Young, es un poderoso motor para ganarse la empatía del espectador junto con su capacidad para perseguir su sueño. El triunfo contra pronóstico es un cliché infalible en el cine, especialmente si, como en este guion escrito por el propio Sylvester Stallone, se respalda convenientemente del tipo de fábula y tono en los que se prodigara el director Frank Capra, hablando del triunfo de los desfavorecidos en la era del New Deal y con la sombra de la Gran Depresión pisándole los talones a muchos de sus personajes.

Es cierto que las películas sobre Vietnam y sus veteranos llevaban ya un tiempo circulando en las ficciones cinematográficas estadounidenses dando lugar a héroes maltratados como los que interpretara Robert De Niro en Taxi Driver y El cazador, o Jon Voight en El regreso. La evolución posterior del personaje en Rambo y Rambo 3 hace que no se haya valorado la clave de criatura de Frankenstein en el encuentro final de Acorralado con su creador, el oficial Trautman (Richard Crenna).

En ese sentido, Rocky Balboa es un descendiente perfectamente legítimo de los personajes que interpretaron James Stewart y Gary Cooper a las órdenes de Capra en películas como El secreto de vivir (1936), Vive como quieras (1938), Caballero sin espada (1939), Juan Nadie (1941) o la reina de esta fórmula infalible: ¡Qué bello es vivir! (1946).

Posteriores películas del personaje lo convirtieron en apóstol de la era Reagan, giro del personaje que anticipó, con más entusiasmo, pero menos presupuesto, el coronel James Braddock interpretado por Chuck Norris en la saga hermanastra del éxito de Rambo iniciada con Desaparecido en combate (Joseph Zito, 1984). Pero en su origen, el John Rambo de Acorralado era un personaje humano y entrañable que sufría el síndrome del superviviente.

Stallone, hombre inteligente, supo recuperar ese tono de los cuentos del Hollywood de la era dorada sabiendo que a mediados de los setenta, con la crisis petrolífera y la economía haciendo de las suyas, se daban las circunstancias propicias para narrar esta historia de triunfo deportivo contra pronóstico, porque además hacía ya mucho tiempo que en lo referido a boxeo, el reinado de los púgiles afroamericanos era absoluto sobre los caucásicos.

En la novela original de David Morrell, Primera sangre, publicada en 1979, John Rambo era un factor de caos que entra en la pacífica y ordenada vida de una localidad rural estadounidense para convertirse en la peor pesadilla del otro protagonista de la trama, el sheriff Teasle (John Dennehy), que es un veterano de la guerra de Corea. Cada guerra produce su propio tipo de héroe. M.J.P.

Hábilmente, Stallone hizo que su personaje fuera un chaval de barrio, en contacto directo con las calles, y lo puso a entrenarse en clave épica mientras intenta la doble hazaña de sacar adelante una carrera como boxeador, que suministra la dosis épica al relato, y una relación sentimental con una tímida muchacha dominada por su hermano, que aporta la parte romántica, donde reina como actriz Talia Shire. M.J.P.

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RINGO En los primeros minutos del clásico del wéstern La diligencia, dirigido por John Ford y estrenada en 1939, distintos personajes hablan de Ringo en una de las más inteligentes presentaciones del héroe de la historia del cine. El guion va dejando pistas sobre el personaje con breves frases, mientras nos presenta al resto de pasajeros en este viaje de protagonismo coral que es La diligencia. De ese modo se va generando una intriga en torno al tal Ringo que Ford dosifica cuidadosamente para que estalle en el momento preciso para proporcionarle una nueva velocidad a la película cuando más lo necesita. Ringo es el último personaje que se incorpora a los viajeros, y con su llegada a la trama completa esta etapa de prólogo, antes de entrar de lleno en la historia propiamente dicha.

Ford presenta a Ringo a los 18 minutos de película, con un zoom que nos lleva del plano americano al primer plano de John Wayne. Tirado en medio del camino, sin caballo, pero con la silla de montar a cuestas y el rifle en alto, Ringo y Wayne se convierten automáticamente, con ese plano, en iconos incombustibles del wéstern para el resto de su historia en la película que llevó al género hasta su madurez, iniciando su era dorada, a la que pondrían fin los propios Ford y Wayne décadas después en El hombre que mató a Liberty Valance. En esa otra película de 1962 Wayne completa el viaje como icono del género que había iniciado en esa diligencia.

Wayne había tenido la oportunidad de convertirse en estrella del género cuando este no estaba todavía maduro para recibirle como tal, protagonizando La gran jornada (Raoul Walsh, Louis R. Loeffler, 1930), pero la película no tuvo el éxito deseado y un jovencísimo Wayne quedó relegado a interpretar wésterns de serie B de modesto presupuesto durante el resto de la década de los treinta. En ellos adquirió los recursos como actor que aplicó a Ringo. M.J.P.

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JOHN MCCLANE Bruce Willis ya era una estrella televisiva merced a su papel como detective en la serie Luz de Luna, pero lo tenía todo por demostrar en la pantalla grande tras haberse mostrado solvente junto a Kim Basinger en la comedia romántica Cita a ciegas, cuando le cayó entre manos el personaje de John McClane en La jungla de cristal (John McTiernan, 1988), que le convirtió en estrella del cine de acción. Era un momento difícil para lucir esa etiqueta, con un paisaje de estrellas liderado por pesos pesados como Sylvester Stallone, en plena era de la Rambomanía, Arnold Schwarzenegger con sus películas de Conan, Terminator y Depredador, y una segunda línea de icónicos astros del puñetazo, el disparo y la patada comandada, en producciones de presupuestos más modestos, por Chuck Norris y Jean-Claude Van Damme.

Sin embargo, el cine de acción estaba preparado para el relevo y abierto a recibir sangre nueva, y en esa línea, tanto La jungla de cristal como el propio Bruce Willis compartían con Mel Gibson y su personaje del policía pirado y suicida Martin Riggs en Arma letal, estrenada un año antes, la astuta medida de alejarse de todos esos modelos de tipos duros para incorporar a su propuesta un sentido del humor gamberro que celebraba los aspectos más disparatados del cine de acción de la época, llevándolos hasta las fronteras de la autoparodia.

Curiosamente, es lo mismo que haría más adelante otro icónico del género, Steven Seagal, que debutó el mismo año, 1988, repartiendo leña en Por encima de la ley (1988).

En lo referido a la comedia, Willis se sentía como en casa e incluso le sacó más partido al personaje interpretándolo con todo el bagaje de recursos de humor que había ido adquiriendo en sus años en la serie Luz de Luna, usando además como arma complementaria la posibilidad de soltar tacos en casi todos sus diálogos como una metralleta.

McClane compartía además algunas características de héroe falible y, por tanto, más humano, que adornan también al personaje de Indiana Jones: ambos improvisan sobre la marcha. M.J.P.

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TARZAN

ATTICUS FINCH

Creado por el novelista estadounidense Edgar Rice Burroughs, Tarzán de los Monos fue publicado primero en revista en 1912 y como libro en 1914. Tarzán es descendiente directo de Mowgli, el niño criado por una manada lobos que protagonizara la novela El libro de la selva, de Rudyard Kipling, publicada en 1894. Kipling criticó lo que consideraba una copia evidente de su personaje con un comentario satírico en su autobiografía, Something of Myself, publicada en 1937, donde afirmaba su Libro de la selva había “engendrado un zoológico de imitadores”.

La versión más popular del personaje en el cine y la televisión, incombustible a pesar del paso del tiempo, es la de Johnny Weissmüller, campeón olímpico de natación al que luego sustituyeron otros dos destacados herederos: Lex Barker y Gordon Scott. Weissmüller sigue siendo el Tarzán de los Monos más reconocido por los espectadores y no ha sido destronado como rey de la selva, pero tanto esa visión como las que ha dado posteriormente el cine raramente se aproximan a la parte más fantástica que aparece en las novelas originales de Burroughs. En las mismas encontramos múltiples civilizaciones perdidas, incluyendo descendientes de los habitantes de la Atlántica y ciudadanos de la antigua Roma, dinosaurios y hasta una variante de los liliputienses de la novela Los viajes de Gulliver, de Jonathan Swift.

Solo la segunda fase de las películas protagonizadas por Weissmüller se atrevió a asomarse ligeramente a esa posibilidad incorporando amazonas, hombres leopardo y hasta nazis, si bien es cierto que la limitación de presupuesto limitaba a su vez la exploración de esos aspectos más fantásticos de los paisajes en los que transcurren las aventuras literarias de Tarzán.

El Tarzán de las novelas de Burroughs acabó ejerciendo como espía e incluso luchando contra los alemanes en la Primera Guerra Mundial y contra los japoneses en la Segunda Guerra Mundial, mientras su autor ejercía como el reportero más veterano de los periodistas que cubrían este último conflicto. Burroughs incluso lo mezcló en clave de cruce con otros de sus personajes y ciclos de fantasía, aventuras y ciencia ficción, alistándolo en un viaje al mundo subterráneo de Pellucidar. M.J.P.

El director Robert Mulligan encontró en el elegante Gregory Peck el actor perfecto para interpretar a Atticus Finch, el abogado humanista que protagoniza Matar un ruiseñor (1962), adaptación de la novela homónima de Harper Lee que había ganado el Premio Pulitzer en 1960. Peck ganó el Oscar al Mejor Actor Principal dando vida a este personaje que había nacido de la pluma de la escritora a mediados de los años cincuenta, apareciendo en una versión inicial luego mejorada en la novela Ve y pon un centinela, que no se publicó hasta 2015.

La escritora había basado el personaje en su propio padre, editor de periódico, político y abogado de Alabama, que en la etapa final de su vida, y con el éxito cosechado por la novela y la película, firmaba ejemplares de la novela de su hija como Atticus Finch.

Finch destacó en el séptimo lugar de la lista de los 100 mejores personajes de la ficción desde 1900 elaborada por la revista Book y en el año 2003 el American Film Institute lo señaló como el héroe más grande de todo el cine americano. Ahí es nada.

El personaje ha sido luego interpretado por otros actores en la adaptación teatral escrita por Aaron Sorkin, creador de la serie El ala oeste de la Casa Blanca, estrenada en 2018 en los escenarios de Broadway con Jeff Daniels, Ed Harris, Greg Kinnear, Rhys Ifans y Richard Thomas como protagonistas. Además, el personaje de Atticus Finch se ha convertido en un héroe muy popular entre estudiantes de leyes y abogados de Estados Unidos y en un abanderado de valores, siendo señalado como modelo por varios artículos de ética legal publicados en las revistas profesionales de leyes. Incluso ha prestado su nombre al Círculo Atticus, organización de personas heterosexuales que apoyan el movimiento por los derechos LGBT (lesbianas, gais, bisexuales y transgénero). Hasta Barack Obama, durante su etapa como inquilino de la Casa Blanca, lo señaló como un ideal del carácter americano. La interpretación de Gregory Peck le dio entidad de figura real a la idealizada creación de la ficción. M.J.P.

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JAMES BOND

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BEN-HUR

El estreno de Agente 007 contra el Doctor No en 1962 presentó un nuevo tipo de héroe intrépido y temerario, pero además muy macarra, cínico y encantado de haberse conocido. A la versión de James Bond construida para el cine por Sean Connery todavía no la ha desbancado ninguna de sus alternativas, aunque le sigue de cerca Daniel Craig. En mi lista van a continuación: Roger Moore, Pierce Brosnan, George Lazenby y Timothy Dalton.

Creado en 1953 por Ian Fleming para protagonizar un ciclo de doce novelas de espionaje y dos colecciones de historias cortas, Bond es un comandante de la Reserva Naval que se construyó como una especie de Frankenstein con detalles de varios agentes reales que el escritor había conocido durante su etapa en la División de Inteligencia Naval y en la XXX Unidad de Asalto durante la Segunda Guerra Mundial, entre los cuales destacaba su propio hermano, Peter, que había llevado a cabo misiones tras las líneas enemigas en Noruega y en Grecia. Sin embargo, a la hora de buscarle nombre, decidió bautizarlo con el de un célebre ornitólogo, James Bond, experto en aves del Caribe.

Curiosamente, el propio Fleming declaró a la revista The New Yorker en el mismo año en que se estrenó el primer largometraje protagonizado por Connery que primero había diseñado a Bond como un tipo aburrido y poco interesante al que le ocurrían cosas. El modelo físico en el que pensaba el padre literario de 007 al concebir el personaje era el actor estadounidense Hoagy Carmichael, muy alejado de la visión que patentó Connery. Previamente, la cadena CBS eligió como Bond a Barry Nelson, y otras productoras intentaron sacar adelante una película del personaje, con o sin adaptación de las novelas originales, con lista de candidatos curiosa, entre otros: Peter O’Toole, alias Lawrence de Arabia, Stanley Baker, coprotagonista de Zulú junto con Michael Caine, y Peter Cushing, el Van Helsing y doctor Frankenstein de las películas de terror de la productora Hammer Films y el Grand Moff Tarkin que dirige la Estrella de la Muerte en La guerra de las galaxias. M.J.P.

Ben-Hur: un relato de los tiempos de Cristo, es la novela en la que nació el héroe más destacado del cine en lo que se refiere a películas sobre la antigua Roma. Escrito por el coronel Lewis Wallace, se publicó el 12 de noviembre de 1880, y se la considera el libro cristiano más influyente del siglo XIX. Además, fue un auténtico best-seller de su época, superando en ventas a todos sus competidores, hasta el punto de que encabezó las listas de los libros más vendidos, superado solo en 1936 con la publicación de Lo que el viento se llevó.

El éxito de la obra condujo a un inmediato interés por trasladarlo primero al teatro, con todo lujo de despliegue en la escenografía que mediante complejas maquinarias permitía mostrar incluso la batalla naval con los piratas y la carrera de carros del desenlace, convirtiendo la pieza teatral derivada de la novela en una auténtica precursora de los espectáculos visuales del cine en clave de superproducción y espectáculo de masas.

La primera adaptación al cine llegó en forma de cortometraje en 1907, el primer largometraje se estrenó en 1925 dirigido por Fred Niblo y Charles Brabin. En él, el papel de Ben-Hur, el noble judío acusado en falso de un atentado contra la autoridad romana en Israel y condenado a galeras por su amigo romano más íntimo, el pérfido Mesala, fue interpretado por Ramón Novarro, galán del cine mudo solo superado en popularidad por Rodolfo Valentino. Si bien esa versión hizo historia y fue un fenómeno en el momento de su estreno, la superó ampliamente la versión sonora y en color dirigida por William Wyler en 1959. Desde su cosecha récord de Oscar y con Charlton Heston premiado como Mejor Actor por dar vida a Ben-Hur, la película y el personaje pasaron a ser sinónimos del gran espectáculo épico, una producción irrepetible que no han podido superar ninguna de las versiones posteriores y además forjó una serie de claves que extienden su influencia en películas posteriores del género épico situadas en la antigua Roma.

Y durante el rodaje, Heston, héroe por excelencia del cine de romanos con este papel, no sospechó que el vínculo de su personaje con el de Mesala tenía una segunda lectura homosexual. M.J.P.

CARTEL-MANÍA HÉROES EN EL CINE

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SPIDERMAN La versión Sam Raimi y Tobey Maguire de Spiderman nunca me ha gustado, pero me veo obligado a asumir que con la cronología sobre la mesa, fue este Spiderman, junto con los mutantes de X-Men en Fox el que sentó las bases para el desembarco masivo de los superhéroes de la Marvel en el cine.

CONAN, EL BARBARO Nacido en la literatura de evasión y aventuras de las revistas pulp y máximo exponente del género bautizado como espada y brujería, Conan el Cimerio fue creado por el escritor Robert E. Howard en 1932 como protagonista de una serie de relatos y novelas cortas publicados en la revista Weird Tales.

Luego llegó Andrew Garfield, que me convenció en la primera y me dejó muy descontento en la segunda, no tanto por culpa del actor como por la propia película y el guión de esta. Y finalmente Spider-Man: Homecoming en 2017 consiguió la mejor traducción al cine del icónico personaje en manos de Tom Holland, aunque la secuela Spider-Man: lejos de casa, se haya quedado por debajo de su predecesora y temblemos ante la recuperación de Jamie Foxx como Electro en la tercera entrega que ahora ha empezado a rodarse finalmente, y donde los rumores avisan que podrían hacer cameo Garfield y Maguire, anticipándose al despliegue de Batmans de ayer y de hoy de la competencia, DC, en la película de The Flash.

Habitante de la denominada era hiboria, la primera historia que se publicó de Conan fue El fénix en la espada, que era una reescritura de un relato anterior escrito por Howard con el título de Por esta hacha gobierno y tenía como protagonista a una especie de antecedente o “número cero” del personaje, otro bárbaro, Kull, rey de Valusia. Se la habían rechazado en 1929, así que decidió reciclarla con su nuevo héroe y finalmente consiguió que se publicara en diciembre de 1932.

Conviene recordar además que antes de que Sam Raimi nos diera su versión del personaje con Tobey Maguire como protagonista, se barajaron otras alternativas cuando los muy repartidos derechos del personaje de Marvel hacían difícil que pudiera salir adelante con facilidad una versión cinematográfica sin pasar por los tribunales.

En lo referido al mundo, paisajes y algunos antagonistas que se enfrentan al personaje en su origen literario, los analistas de la obra de Howard no han dudado en señalar como una de sus principales influencias los mitos de Cthulhu de H. P. Lovecraft.

La productora Cannon llegó a presentar el póster de su proyecto de adaptación de Spiderman al cine con Tobe Hooper, director de La matanza de Texas, como director y un origen del personaje distinto al de los cómics, sin araña radiactiva, pero transformado en araña humana de ocho patas por su jefe, el villano de la historia, un tal doctor Zork. Hooper se cansó del disparate y fue sustituido por Joseph Zito, director de Desaparecido en combate, que iba a contar con Bob Hoskins interpretando al doctor Octopus.

Octopus era también el supervillano de la versión que planeaba dirigir James Cameron, con Arnold Schwarzenegger en ese papel, acompañando a un Peter Parker interpretado por Leonardo DiCaprio. Cameron pensaba reclutar también como supervillanos a Electro y al Hombre de Arena. M.J.P.

Howard se suicidó en 1936 dejando escritas 21 historias completas de Conan de Cimeria, de las cuales solo vio publicadas 17, a las que suman fragmentos de historias incompletas que luego terminarían otros escritores.

El siguiente paso de Conan como héroe de la cultura popular lo dio en las viñetas de la editorial Marvel, donde el guionista Roy Thomas y dibujantes como Barry Smith, John Buscema, Gene Colan y otros materializaron en cómic un largo ciclo de aventuras del héroe bárbaro creado por Howard.

La popularidad de Conan en el cómic acabó propiciando que el cine se interesara por llevarlo a la pantalla grande en dos películas protagonizadas por Arnold Schwarzenegger, de las cuales la mejor es la primera, Conan el bárbaro (John Milius, 1982), pero la más cercana a los cómics es la segunda, Conan el destructor (Richard Fleischer, 1984), aunque es una lástima que el director de Los vikingos en 1958 no estuviera a la altura cinematográfica de aquella cuando dirigió esta otra casi garra, desaprovechando un guion de Roy Thomas que merecía mejor destino. Anuncian ahora proyecto de Netflix en imagen real sobre el personaje en formato de serie. M.J.P.

CARTEL-MANÍA HÉROES EN EL CINE

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ROBIN HOOD

WILL KANE

¿Existió realmente Robin Hood o fue mera leyenda oportunista creada para satisfacer distintas versiones de historias relacionadas con el ejercicio del poder entre los monarcas y el pueblo británico? Poco le importaba eso a Hollywood cuando empezó a adaptar las aventuras de este singular arquero de Sherwood que pasó al cine en primer lugar interpretado por el maestro de todos los grandes héroes del género de aventuras que en el cine han sido, Douglas Fairbanks, en una producción muda de 1922 dirigida por Allan Dwan. En España se tituló Robin de los bosques, y fue sin duda una de las mejores y más espectaculares películas del cine mudo, con Fairbanks, que también dejó para la historia del cine otros cuatro héroes esenciales, el ladrón de Bagdad, el Zorro, el pirata negro y el espadachín D Artagnan de Los tres mosqueteros, ejecutando sus arriesgadas y espectaculares escenas de riesgo con acrobacias.

El encargado de tomar el relevo del hiperactivo y siempre sonriente Fairbanks fue Errol Flynn, quien también se plantó con su arco y sus calzas verdes en el bosque de Sherwood con el mismo título que su ilustre predecesor, Robín de los bosques, dirigida por Michael Curtiz y William Keighley en 1938 y ganadora de tres Oscar de Hollywood en las categorías de mejor dirección artística, montaje y música original, del gran ilustrador musical de las aventuras de los héroes del Hollywood clásico, Erich Wolfgang Korngold. Además la nominaron como mejor película, aunque le ganó la comedia dramática de Frank Capra Vive como quieras.

Flynn interpretó el personaje en la mejor película de todas las filmadas sobre este personaje. Le siguen Fairbanks, y Sean Connery en Robin y Marian (Richard Lester, 1976). Curiosamente, Connery dio vida al rey Ricardo Corazón de León en la versión del arquero que sigue en la lista del mejor al peor, Robin Hood, príncipe de los ladrones (Kevin Reynolds, 1991), con Kevin Coster como protagonista. El siguiente de la lista sería Russell Crowe en Robin Hood (Ridley Scott, 2010), después Patrick Bergin en Robin Hood, el magnífico (John Irvin, 1991).

Gary Cooper interpretó en Solo ante el peligro a uno de los personajes más destacados e imprescindibles del wéstern, un sheriff que se pasa toda la película, narrada en tiempo real, buscando ayuda entre los ciudadanos del pueblo al que se supone que debe proteger para enfrentarse a un grupo de forajidos a los que metió en la cárcel y que tienen previsto llegar en tren en las próximas horas para ajustarle las cuentas a tiros.

Kane acaba de casarse y ha dejado ya la estrella en manos de su ayudante para irse del pueblo a montar una tienda de ultramarinos o similar con su esposa, que rechaza la violencia. Pero no está dispuesto a dejar el pueblo sin protección ante la llegada de los forajidos, así que decide darse media vuelta en lugar de salir huyendo y plantar cara, aunque sea él solo.

Un envejecido Cooper, que tantos papeles de héroe del Oeste y de aventuras había interpretado a lo largo de su carrera, era la elección perfecta para ese papel con el que ganó el Oscar al Mejor Actor principal.

Modelo de integridad en el ejercicio del deber que contrasta con su ayudante más joven y oportunista, el eterno segundón incluso en la cama de la examante del sheriff, Kane ha sido interpretado por algunos analistas como una metáfora sobre la Caza de Brujas y las listas negras que habían circulado por Hollywood, aunque el director del largometraje, Fred Zinnemann, siempre declinó que hubiera intención política en la película.

Curiosamente, Solo ante el peligro, y la actitud de Kane pidiendo ayuda a sus vecinos, desató la animadversión hacia la película de otro director clásico del wéstern, Howard Hawks, que no podía tragar ver a un sheriff tan vulnerable y decidió dar su versión del asunto poniendo a John Wayne en el papel de sheriff en circunstancias más o menos similares, con un pueblo sitiado por forajidos, contando solo con la ayuda de su exayudante alcoholizado y un viejo cascarrabias, además de un joven pistolero.

Se tituló Río Bravo, y es otro clásico del wéstern. M.J.P.

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WYATT EARP

MANCO

Protagonista de esa especie de mito fundacional de los Estados Unidos que es el enfrentamiento a tiros en el OK Corral entre los Earp y los Clanton, Wyatt Earp ha sido un personaje recurrente en el wéstern. El auténtico Wyatt Earp participó además en ese género ejerciendo como asesor de las primeras películas del Oeste, tendiendo un curioso puente entre la realidad y la ficción del que se hizo eco la comedia de acción Asesinato en Beverly Hills (Blake Edwards, 1988), donde James Garner repitió en el personaje que ya había interpretado en La hora de las pistolas (John Sturges, 1967).

Son muchos los actores que han interpretado a Earp, figura real convertida héroe que impone la ley y el orden en ciudades víctimas del caos, al mismo tiempo que monta partidas de cartas y otros negocios, dicho sea de paso, porque como suele suceder, no es oro todo lo que reluce, la historia la escriben los que ganan y no resulta fácil encontrar una visión del asunto desde el punto de vista de los Clanton.

Henry Fonda, a las órdenes de John Ford en Pasión de los fuertes (1946), proporcionó al cine una visión mitificada en el mejor estilo del director en su tratamiento de las grandes figuras y temas del Oeste.

Además, la película es un interesante ejemplo del enfrentamiento del este contra el oeste, de la naturaleza contra la civilización, siendo Earp el hombre del oeste que se deja seducir por las maneras elegantes del este, mientras su amigo, el pistolero tahúr y tuberculoso Doc Holiday interpretado por Victor Mature es el hombre del este que elige el oeste para terminar sus días.

Tras Fonda, destacan en la interpretación de Earp, por orden de calidad, Burt Lancaster en Duelo de titanes (John Sturges, 1957), Kevin Costner en Wyatt Earp (Lawrence Kasdan, 1994) y Kurt Russell en Tombstone: la leyenda de Wyatt Earp (George Pan Cosmatos, 1993), y Harris Yulin en Duelo a muerte en O.K. Corral (Frank Perry, 1971), donde para variar el protagonismo principal del argumento se centraba en Doc Holiday, interpretado por Stacey Keach. M.J.P.

Clint Eastwood había conseguido ya cierta popularidad en la pequeña pantalla con la serie Cuero crudo, dando vida a Rowdy Yates, un vaquero simpático, cuando Sergio Leone le propuso venirse a Europa y más concretamente a Almería, España, para forjar con él lo que luego se ha conocido como la Trilogía del Dólar, integrada por las películas Por un puñado de dólares (1964), La muerte tenía un precio (1965) y El bueno, el feo y el malo (1966). En todas ellas, dio vida a un nuevo tipo de héroe inspirado por el ronin al que había dado vida Toshiro Mifune en la película japonesa Yojimbo , dirigida por Akira Kurosawa en 1961. Aunque el nombre cambiaba de una película a otra –era Joe, el pistolero, en la primera, el Manco en la segunda y Rubio en la tercera–, el tipo de personaje era prácticamente el mismo, quizá porque Leone quería bromear con eso que dijo que pensaba de Eastwood como actor en una entrevista, que tenía dos tipos de registro: con sombrero y sin sombrero. Eastwood no lo tenía fácil: sus diálogos eran mínimos y su personaje era puro cliché.

Mitad pícaro, en un estilo muy mediterráneo, y mitad apóstol de eso que se llamó el wéstern crepuscular, ese trío de personajes condujo firmemente a Eastwood hacia el estrellato no solo en Europa, sino también en Estados Unidos, convirtiéndose además en el modelo que seguir por muchos otros que intentaron imitarle, sin suerte, en el también llamado espagueti wéstern. Incluso quisieron imitar el modo de guiñar los ojos de Eastwood, que en realidad era fruto del brillo del sol de Almería y de las lámparas de alta potencia de los focos. El papel del pistolero le había sido ofrecido previamente a Henry Fonda y James Coburn, el lanzador de cuchillos de Los siete magníficos, pero era demasiado caro, así que la oferta pasó a Charles Bronson, y más tarde a Richard Harrison, culturista habitual en las películas de espadas, sandalias y romanos conocidas como péplum. Fue la serie Cuero crudo, como decíamos, la que llevó a Leone a fichar a Eastwood para el papel que sirvió como trampolín para su acceso a los protagonistas en pantalla grande. M.J.P.

DOUG JONES

SONEQUA MARTIN-GREEN (Sonequa Chaunté Martin) 21 de marzo de 1985, Russellville, Alabama, EE. UU. Altura: 1,64 metros.

Estado civil: Casada con el actor Kenric Green desde el 4 de diciembre de 2010. La pareja tiene dos hijos, un niño y una niña, que nació durante la pandemia.

Debut profesional: Pese a que de niña su intención era ser psicóloga, cambió de parecer justo antes de entrar en el instituto, y decidió que su futuro estaba en la interpretación, tras tener, según ella, una epifanía ensayando una obra. Así empezó a estudiar en la Universidad de Alabama, donde se graduó en 2007, en teatro, para mudarse a Nueva York para trabajar en teatro. En una obra en Nueva Jersey conoció a su marido y no se mudó a California hasta 2012. Debuta en cine en 2008 en Blind Thoughts, y un año después debuta en la serie Army Wives en televisión.

Personajes: Aunque ha tenido algún papel recurrente en televisión, su primer rol de peso fue en The Walking Dead, dando vida a Sasha Williams.

Ahora es Michael Burnham en Star Trek: Discovery.

Premios: Ganadora de dos premios Saturn en 2018 y 2019 por su papel en Discovery.

Filmografía básica: Blind Thoughts (2008), Toe to Toe (2009), River Wash over Me (2009), Yelling to the Sky (2011), Shockwave Darkside (2014), The Walking Dead (2012-2018), Navidad, loca Navidad (2019), The Outside Story (2020), Star Trek: Discovery (2017-¿?), Space Jam: A New Legacy (2021).

Frases: “Tengo entrenamiento en lucha en el escenario debido a la universidad, pero es completamente diferente a luchar delante de las cámaras.

Pero me encanta hacer ese tipo de cosas”.

24 de mayo de 1960, Indianápolis, Indiana, EE. UU. Altura: 1,92 metros.

Estado civil: Casado desde el 14 de abril de 1984 con Laurie Pontoni.

Llevan juntos desde el instituto.

Apodo: Dougie.

Debut profesional: Dotado de un físico extremadamente particular, con las llamadas articulaciones dobles y una altura considerable, el actor llegó a la Universidad Ball State y fue la mascota de la universidad. En 1985 se muda con su mujer a Los Ángeles, convencido de labrarse una carrera como actor.

Consiguió debutar en publicidad, con un papel muy popular en una cadena de hamburgueserías, Mac Tonight. Consiguió como contorsionista mucho trabajo en publicidad, hasta que en 1988 debuta en cine con Casada con la muerte.

En 1991, debuta en televisión con In Living Color.

Personajes: Su primer papel importante en televisión fue en Falling Skies, como Cochise. Ahora es Saru en Star Trek: Discovery. También es el barón Afanas en Lo que hacemos en las sombras.

Premios: Ganador de un Premio Saturn por Star Trek: Discovery.

Filmografía básica: Casada con la muerte (1988), La amante del diablo (1990), Batman vuelve (1992), El retorno de las brujas (1993), La leyenda de Galgameth (1996), Guerreros de la virtud (1997), Mimic (1997), Dulcemente infiel (1998), Mistery Men (1999), Stalled (2000), Hombres de negro 2 (2002), Adaptation (2002), Abe Sapien (2004), Doom (2005), El laberinto del fauno (2006), Los Cuatro Fantásticos y Silver Surfer (2007), Hellboy 2 (2008), John muere al final (2012), Research (2012-2013), Falling Skies (2013-2015), La cumbre escarlata (2015), Nunca digas su nombre (2017), La forma del agua (2017), Star Trek: Discovery (2017-2019).

Frases: “No tengas miedo, nunca, de acercarte a los actores que quieres que aparezcan en tu película”.

¿Sabías que…? Embajadora de Stand Up to Cancer, organización que apoya los ensayos clínicos en la lucha contra el cáncer. Su madre ha sobrevivido tres veces a la enfermedad y su hermana padece cáncer de pecho.

¿Sabías que…? David Hyde Pierce rehusó acreditar su doblaje en Abe Sapien debido al enorme trabajo de Jones en el personaje.

JOEL MCHALE

ALISON BRIE

(Joel Edward McHale)

(Alison Brie Schermerhorn)

20 de noviembre de 1971, Roma, Lazio, Italia.

29 de diciembre de 1982, Hollywood, Los Ángeles, California, EE. UU.

Altura: 1,93 metros.

Altura: 1,60 metros.

Estado civil: Casado con Sarah Williams, desde el 20 de julio de 1996. La pareja tiene dos hijos.

Estado civil: Casada con el actor Dave Franco, desde el 13 de marzo de 2017. La pareja se conoció en 2011 y lleva junta desde 2012.

Deportes favoritos: Practicó remo, estuvo en el equipo de fútbol americano de la Universidad de Washington. Es fan de los Seattle Seahawks.

Debut profesional: Pese a licenciarse en Historia en la Universidad de Washington, empezó a participar en un programa de sketches cómicos en Seattle, pero antes ya fue parte durante años de un grupo de improvisación en la ciudad, hasta 1997, mientras se sacaba un máster en interpretación. Un programa de televisión supuso su debut en la pequeña pantalla en 1996, se llamaba Almost Live! En cine, sin embargo, no debutó hasta 2004 en Spider-Man 2.

Debut profesional: Su padre es músico y periodista freelance del mundo del entretenimiento, y habiendo nacido en Hollywood, la joven deseaba convertirse en actriz. Comenzó a actuar en la adolescencia en obras del Centro Comunitario Judío de Southern California. Se graduó en el California Institute of the Arts en interpretación y luego se fue a Escocia a estudiar en la Royal Scottish Academy of Music and Drama. A su regreso trabajó como payaso en fiestas de cumpleaños. Debutó en la serie Hannah Montana en televisión en 2006, un año después lo hizo en cine en Born.

Personajes: Fue Jack en The Great Indoors, la fallida serie que siguió a su gran éxito, Community, donde fue Jeff Winger. También ha sido Starman en Stargirl.

Personajes: Fue Trudy Campbell en Mad Men, papel que compaginó con Annie Edison en Community, y luego fue Ruth Wilder en GLOW, además de poner voz a Diane Nguyen en BoJack Horseman.

Premios: Nominado al Emmy como productor del programa de comedia The Soup en 2014.

Premios: Nominada a dos Globos de Oro por su papel en GLOW en 2018 y 2019.

Filmografía básica: Spider-Man 2 (2004), Siempre hay una primera vez (2006), ¡El soplón! (2009), Spy Kids 4 (2011), Dime con cuántos (2011), El gran año (2011), Ted (2012), Juntos y revueltos (2014), Líbranos del mal (2014), The Great Indoors (2016-2017), Nación salvaje (2018), Un gesto estúpido e inútil (2018), ¿Quién está matando a los moñecos? (2018), Community (2009-2015), Becky (2020), Dark Harbor (2019).

Filmografía básica: Born (2007), Dickie Smalls: From Shame to Fame (2007), Parasomnia (2008), The Coverup (2008), Scream 4 (2011), Save the Date (2012), Eternamente comprometidos (2012), Pirados al rescate (2014), Nunca entre amigos (2015), Dale duro (2015), Mad Men (2007-2015), Mejor… solteras (2016), Un hombre de familia (2016), The Disaster Artist (2017), Los archivos del Pentágono (2017), Community (2009-2015), GLOW (2017-2020), En pecado (2017), Horse Girl (2020), Promising Young Woman (2020).

Frases: “Mi meta en mi carrera definitivamente no es ser famoso. Es una meta realmente horrible simplemente querer ser famoso por el hecho de tener fama”. ¿Sabías que…? Es muy seguidor del equipo de Los Angeles Gladiators, equipo del juego Overwatch.

Presentador de varios shows, como The Soup o The Joel McHale Show with Joel McHale. Actualmente tiene un podcast con Ken Jeong, como respuesta a la pandemia.

Frases: “Nunca es demasiado tarde para aprender, o es una lección que es bueno seguir aprendiendo, que debes tratar a todo el mundo en el set con respeto”. ¿Sabías que…? Su nombre viene del nombre en francés arcaico Aalis, derivado del alemán Adalheidis.

Su madre daba clases en una universidad pública.

SERIES DE TV

SERIES DE TV

ESTACION 19

SCRUBS

Temporada 1 (Station 19)

Temporada 1 Reparto: Zach Braff, Sarah Chalke, Donald Faison, Ken Jenkins, John C. McGinley, Judy Reyes, Neil Flynn, Aloma Wright, Robert Maschio, Sam Lloyd, Christa Miller, Johnny Kastl, Charles Chun. Emisión EE. UU.: 2 de octubre de 2001-21 de mayo de 2002, NBC.

Scrubs, desde sus primeros instantes, se convirtió por derecho propio en una de las comedias de referencia del inicio del nuevo siglo, con seguidores a lo largo y ancho del mundo que son legión y que estaban encantados, y lo siguen estando aún hoy, del estilo particular, del humor casi surrealista y de los personajes peculiares, únicos, memorables, que ofrecía una serie que era una sátira en gran medida, de series como Urgencias, dramas médicos de gran calado humano que aquí pasaban por el filtro de Bill Lawrence, creador de la serie. Lawrence venía de crear una serie tan icónica de finales de los noventa como Spin City, loca alcaldía. Con la llegada de Scrubs, su nombre como creador de comedia siguió haciéndose más importante y quizá esta serie sea por la que más se le recuerde. Scrubs contaba la historia en su primera temporada, de dos amigos, J. D. y Turk, interpretados por Braff y Faison respectivamente, que llegaban al Sacred Heart Hospital en su primer año en prácticas como médicos. Allí conocían a sus mentores, a nuevas parejas o amores imposibles, y a un conserje que estaba empeñado en hacer la vida de J. D. completamente imposible. Eso por no mencionar al encargado del hospital, un hombre más interesado en el presupuesto que en los pacientes. La serie tenía momentos surrealistas y los compaginaba con mucho slapstick y con un humor irreverente y a veces aparentemente infantil e inocuo. Algo que se reflejaba desde el primer episodio casi, con personajes como por ejemplo el de Jonny Kastl y sus accidentes, que tenía quizá demasiados. Bill Lawrence llegó a asegurar que si la primera temporada hubiese sido cancelada y se lo hubiesen comunicado con cierto tiempo, hubiese convertido al conserje en una parte de la imaginación de J. D. Curiosamente, Neil Flynn, encargado de interpretar al personaje, aparece en todos los episodios, pero como actor invitado, no como personaje regular. John Ritter, Brendan Fraser, DJ Qualls, Scott Foley o Masi Oka fueron estrellas invitadas de la primera temporada.

SERIES DE TV

Reparto: Jaina Lee Ortiz, Jason George, Grey Damon, Barrett Doss, Alberto Frezza, Jay Hayden, Okieriete Onaodowan, Danielle Savre, Miguel Sandoval, Marla Gibbs, Brett Tucker, Brenda Song.

Emisión EE. UU.: 22 de marzo-17 de mayo de 2018, ABC (backdoor pilot, 1 de marzo).

La franquicia Anatomía de Grey ha dado ya algún que otro spin off de cierto éxito, y Estación 19 es el siguiente en sumarse a la familia con cuatro temporadas ya en su haber, aunque aquí empecemos hablando de la primera temporada de esta serie sobre un grupo de bomberos, o mejor dicho, sobre la estación de bomberos en la que trabajan un grupo de profesionales, desde bomberos a médicos. Por supuesto, viniendo de la mano de los responsables de Anatomía de Grey, los romances y las tramas personales son tan importantes como las propias aventuras llenas de riesgo y acción de un equipo que se dedica a trabajar luchando contra el fuego. La serie se presentó con un backdoor pilot en Anatomía de Grey, en su temporada 14, con un episodio en el que aparecía por primera vez el personaje de Andy Herrera, la principal protagonista de la serie y encargada de las principales tramas. La conexión con la serie madre también venía por la presencia de Jason George, cuyo personaje estaba casado con Miranda Bailey, ni más ni menos. La primera temporada fue un reemplazo de mitad de temporada con apenas diez episodios. Pero destacaba la labor de Stacy McKee, creadora de la serie y guionista que había comenzado su carrera en Anatomía de Grey, donde llegó a convertirse en una de sus productoras antes de que le diesen la oportunidad de crear esta nueva serie. Como comentábamos, Andy Herrera es la protagonista, como la hija de un mítico capitán del cuerpo de bomberos, que seguía siendo una sombra alargada sobre el personaje, pese a la buena relación. Pero también contaba la llegada de Ben Warren, quien dejaba su trabajo en el hospital para sumarse a esta Estación 19, descubriendo que las emergencias a pie de calle son muy distintas a lo que estaba acostumbrado en el Grey Sloan Memorial. Una de las curiosidades es que pese a que la serie se encargó en 2017, el “piloto” no se presentó en Anatomía de Grey hasta tres semanas antes del estreno de la serie.

SERIES DE TV

THE RESIDENT Temporada 1 Reparto: Matt Czuchry, Emily VanCamp, Manish Dayal, Shaunette Renée Wilson, Bruce Greenwood, Moran Atias, Merrin Dungey, Melina Kanakaredes, Malcolm-Jamal Warner, Glenn Morshower, Tasie Lawrence, Michael Hogan, Violett Beane, Warren Christie, Tasso Feldman, Jessica Miesel. Emisión EE. UU.: 21 de enero de 2018-14 de mayo de 2018, Fox.

Las series sobre hospitales siguen teniendo tirón entre la audiencia en todo el mundo. El hecho de que muchas se alarguen en el tiempo a lo largo de muchas temporadas y lleguen a numerosos países, donde continúan su éxito, así lo demuestra. La primera temporada de The Resident tiene, pese a todo ello, varias peculiaridades sobre su concepción y desarrollo que la hacen realmente interesante desde el ojo del espectador. The Resident era un proyecto para Showtime, cadena de series como Shameless o Homeland, con el título de The City y con Antoine Fuqua como productor y director asociado. El proyecto no llegó a cuajar y Fox compró la serie para crear un piloto, basado desde el origen en el libro Unaccountable de Marty Makary, que no solo hacía hincapié en las historias de pacientes y de lo que sucedía en lo más visible del hospital, sino también en suu aspecto burocrático. Creada por Amy Holden Jones, Hayley Schore y Roshan Sethi, la serie tomaba como punto de partida la llegada de un nuevo médico residente al hospital, un joven con talento, y cómo lo tomaba a su cargo otro residente de más experiencia y que era uno de los médicos con más futuro del hospital, alguien con quien al recién llegado le parecía imposible trabajar. También conocíamos la posible gran relación romántica de la serie y el papel del doctor Bell, interpretado por Greenwood y un gran peligro para el hospital como cirujano, a quien su equipo tapaba sus continuos errores. Otra de las curiosidades, sin duda, fue su gran reparto desde el primer minuto, con nombres tan populares como los de Czuchry, VanCamp, Greenwood o Warner ligados a la serie, lo que llamó en gran medida la atención de la audiencia. Rodada en Atlanta, Georgia, la serie contó en sus dos primeros episodios con Phillip Noyce como director, cambiando de la previsión inicial de Fuqua, quien pasaría, como Noyce, a ser posteriormente productor ejecutivo de la serie.

WU ASSASSINS Temporada 1 Reparto: Iko Uwais, Byron Mann, Li Jun Li, Celia Au, Lewis Tan, Lawrence Kao, Tommy Flanagan, Katheryn Winnick, Tzi Ma, JuJu Chan, Mark Dacascos, Summer Glau. Emisión en todo el mundo: 8 de agosto de 2019, Netflix.

Iko Uwais es uno de los artistas marciales más conocidos y respetados del momento, con dos películas que, especialmente, le lanzaron al estrellato internacional, Redada asesina y su secuela, ambas dirigidas por Gareth Evans, que le sirvieron de trampolín internacional, empezando a trabajar en proyectos que incluyen la saga Star Wars o Milla 22. Pero en televisión aquí tenía su primera serie, creada por John Wirth y Tony Krantz, pero hecha para Uwais, quien no solo la protagonizaba, sino que además era productor, coordinador de especialistas y principal artista marcial y coreógrafo de esta producción.

Con ese esfuerzo nacía una serie que tenía mucho de mitología china, sumado con un entorno occidental para atraer a más público de todo el mundo.

Stephen Fung, estrella del cine en China y director, se encargó de dirigir los dos primeros episodios, y a esas labores se sumó una de las estrellas de Wu Assassins también, Katheryn Winnick, quien dirigió uno de los episodios de la temporada. La historia seguía a Kai Jin, un joven chef con enorme talento para las artes marciales que se veía ligado a un espíritu y recibía los dones del Wu Assassin, para encontrar a cinco personas que tenían poderes similares y que habían sido enviados para acabar con el mundo, lo que también le ponía en una situación comprometida con las tríadas. Una policía se veía involucrada en el asunto, así como los conocidos y allegados de Kai Jin, algunos también ligados al crimen organizado. No ha habido anuncio de segunda temporada, pero uno de sus actores asegura que Netflix planea rodar dos películas que sirvan de secuelas, pero que la pandemia ha impedido el rodaje. La serie tenía unas maravillosas coreografías y escenas de acción, pero una trama simplista y un guion errático y olvidable, que no solo no aprovechaba el carácter de estrella de Iko Uwais, sino que desaprovechaba la presencia de actrices como Winnick, quien desaparecía durante varios episodios, o Glau, cuya presencia no pasaba de testimonial. Todo ello cosas que pueden solucionarse para posteriores temporadas o para esas supuestas películas.

QUE FUE DE...

QUE FUE DE...

ERNIE HUDSON BIOGRAFIA Nacido el 17 de diciembre de 1945 en Benton Harbor (Míchigan), lleva desde los años setenta trabajando en cine y televisión, en todo tipo de géneros, tanto en papeles principales como en secundarios, a las órdenes de los directores Ivan Reitman, George Pan Cosmatos, Martin Campbell, Ron Underwood, Frank Marshall, Lewis Teague o Stanley Tong.

FILMOGRAFIA DESTACADA Los Cazafantasmas (Ivan Reitman, 1984), en el papel del miembro del divertido equipo Winston Zeddemore, el único que no es parapsicólogo del cuarteto. El cuervo (Alex Proyas, 1994), donde es el sargento Albrecht, que encuentra el cadáver de Eric Draven (Brandon Lee) asesinado y con quien tiene contacto tras haber regresado este de la muerte. El sustituto (Robert Mandel, 1996), en la que interpreta a Claude Rolle, un traficante de drogas que dirige a su antojo el instituto miamense de Columbus, hasta que llega el mercenario Jonathan Shale (Tom Berenger) para estropearle los planes.

SU PAPEL MAS DESTACADO El de Solomon, un hombre con discapacidad intelectual en el thriller La mano que mece la cuna es la mano que domina el mundo (Curtis Hanson, 1992). Su labor como jardinero y protector de Claire Bartel (Annabella Sciorra) y su familia es fundamental para que Peyton Flanders (Rebecca De Mornay) no consiga hacer realidad sus planes de venganza.

SU ULTIMO TRABAJO La serie de comedia Grace and Frankie, el spin off televisivo femenino L.A.’s Finest surgido de las películas de Dos policías rebeldes, y próximamente se le volverá a ver en el largometraje de acción Redemption Day, de Hicham Hajji, y en el retorno de uno de los mayores éxitos de su carrera, Cazafantasmas: más allá, de Jason Reitman, de nuevo compartiendo pantalla con Bill Murray, Dan Aykroyd y Sigourney Weaver.

QUE FUE DE...

LINDA FIORENTINO BIOGRAFIA Nacida el 9 de marzo de 1958 en Filadelfia (Pensilvania), tras haber aparecido en varios videoclips de Madonna y despuntado a mediados de los años ochenta en comedias como Loco por ti (Harold Becker, 1985), ¡Te pillé! Gotcha (Jeff Kanew, 1985) y Jo, qué noche (Martin Scorsese, 1985) y hacerse popular en los años noventa con taquillazos como Men in Black (Hombres de negro, Barry Sonnenfeld, 1997), hace más de una década que se retiró de la actuación para dedicarse en exclusiva a su gran pasión, la fotografía.

FILMOGRAFIA DESTACADA Jade (William Friedkin, 1995), en la que es Trina Gavin, implicada en un caso de asesinato que investiga un amigo, el ayudante del fiscal David Corelli (David Caruso).

Escondido en la memoria (1996), su segunda colaboración con el realizador John Dahl, en el papel de Martha Briggs, que ayuda a David Krane (Ray Liotta), un médico acusado de matar a su esposa, a descubrir la verdad desde lo intrincado de su mente.

SU PAPEL MAS DESTACADO El de Bridget Gregory, la femme fatale del thriller La última seducción (John Dahl, 1994), que pretende librarse de su esposo, con el que ha realizado negocios sucios, y así quedarse con los beneficios de dichas operaciones empleando para ello a Mike Swale (Peter Berg), que se enamora de ella y que no es más que un instrumento en sus manos.

SU ULTIMO TRABAJO En el 2000 trabajó con el legendario Paul Newman en Donde esté el dinero (Marek Kanievska), en 2002 en la cinta de acción con Wesley Snipes En el punto de mira (Kari Skogland) y su última aparición ante las cámaras fue en 2009 en la comedia dramática Once More with Feeling (Jeff Lipsky).

QUE FUE DE...

TERI HATCHER

LAURENCE FISHBURNE

BIOGRAFIA Nacida el 8 de diciembre de 1964 en Palo Alto (California), antes de hacerse popular en cine y televisión era conocida por ser animadora en la Liga Nacional de Fútbol Americano del equipo San Francisco 49ers. Posteriormente, en la pequeña pantalla gracias a series como Vacaciones en el mar, Capitolio, McGyver o Mujeres desesperadas, papel por el que obtuvo un Globo de Oro. En el álbum Unexpected Dreams–Songs From The Stars, muestra además su calidad como cantante.

FILMOGRAFIA DESTACADA La buddy movie de acción Tango y Cash (Andrei Konchalovsky, 1989), donde es Kiki, la hermana de Tango, compañero del también policía Cash (Kurt Russell). Prisioneros del cielo (Phil Joanou, 1995), en la que encarna a Claudette, mucho más que la esposa del temible gánster Bubba Rocque (Eric Roberts).

El mañana nunca muere (Roger Spottiswoode, 1997), interpretando a Paris Carver, esposa del magnate de las comunicaciones Elliot Carver (Jonathan Pryce). Los mundos de Coraline (Henry Selick, 2009), en la que pone voz a varios de los personajes y también canta.

SU PAPEL MAS DESTACADO El de Lois Lane en la serie televisiva Lois y Clark: las nuevas aventuras de Superman, que mostraba el lado más romántico y cotidiano de las relaciones de la pareja formada por el alter ego de Superman (Dean Cain) y la periodista, inspirándose en las historietas creadas por Jerry Siegel y Joe Shuster.

SU ULTIMO TRABAJO Aparte de en la serie de comedia La extraña pareja y la inspirada en historietas de DC Comics, Supergirl, ha participado en la combinación de drama y comedia Madness in the Method de Jason Mewes, en compañía de su amigo y compañero en Lois y Clark: las nuevas aventuras de Superman, Dean Cain.

BIOGRAFIA Nacido el 30 de julio de 1961 en Augusta (Georgia).

Ha alternado teatro, cine y televisión, como actor, productor y director, y se le puede ver en títulos tan diversos como Apocalyse Now, Yo soy la justicia, Cotton Club, Danko: calor rojo, Tina, Mystic River, Asalto al distrito 13, Predators o Mula. Es además desde hace décadas un activo embajador de Unicef.

FILMOGRAFIA DESTACADA La cara sucia de la ley (Bill Duke, 1992), en la que interpreta a Russell, un policía metido en una operación secreta antidroga. Sus colaboraciones con Keanu Reeves en las sagas de Matrix y John Wick, siendo en la primera Morfeo, un hacker que lucha contra las máquinas que dominan el mundo y que descubre al Elegido (Keanu Reeves), mientras que en la franquicia de acción de John Wick es Bowery King, un poderoso criminal que terminará enfrentado a la Alta Mesa.

SU PAPEL MAS DESTACADO El del capitán Miller de la nave espacial Lewis & Clark, en misión de rescate de la desaparecida Event Horizon, en la combinación de horror y ciencia ficción Horizonte final (Paul W. S. Anderson, 1997). Él y su tripulación descubrirán en sus propias carnes que la Event Horizon alcanzó otra (terrorífica) dimensión donde la nave cobró vida propia antes de regresar a nuestro universo.

SU ULTIMO TRABAJO El thriller junto a Nicolas Cage Running with the Devil de Jason Cabell, las series Black-ish y #FreeRayshawn, y estará en el drama deportivo Brother’s Keeper de Todd Randall y en los thrillers The Ice Road de Jonathan Hensleigh y The Blacksmith de Pierre Morel. Y prepara su actuación en John Wick: capítulo 4 de Chad Stahelski, cuyo estreno está previsto para mayo de 2022.

Cyd Charisse

CYD CHARISSE Tula Ellice Finklea. Seguramente este nombre no le dirá nada a muchos, pero es el auténtico de la estrella del musical que conocemos como Cyd Charisse.

Nacida el 8 de marzo de 1922 en Amarillo, Texas, Estados Unidos, y fallecida el 17 de junio de 2008 en Los Ángeles, California, era hija de Lela Norwood y Ernest Enos Finklea. Así que tomando el apellido de su madre apareció en algunos trabajos como Lily Norwood. Posteriormente, tomaría el nombre de pila de Sid, que era como la llamaba su hermano pequeño cuando intentaba decir sister (sis). El paso final hacia ese nombre de pila artístico que puede ser considerado como uno de los más originales de la historia del cine de Hollywood, Cyd, lo dio el director Arthur Freed cuando renombró a la futura estrella buscando un tono más exótico que pudiera llamar la atención en las marquesinas promocionales.

trabajos ante las cámaras en películas y series de televisión, protagonizando en 1948 junto a Yvonne De Carlo la versión norteamericana de la película francesa Pepe Le Moko, titulada Casbah.

Se casaron el 15 de mayo de 1948 y fueron matrimonio hasta el fallecimiento de ella. Tuvieron un hijo, Tony Martin Jr., nacido el 28 de agosto de 1950. Además, tras el ocaso de su carrera en el cine se convirtieron en una de las parejas de baile más populares de Estados Unidos en club nocturnos.

Bailarina antes que estrella

Haber formado parte de un ballet ruso le sirvió a Cyd Charisse como tarjeta de visita para intentar el asalto al cine, haciendo uso de su experiencia como bailarina.

La estrella del ballet ruso David Lichine había sido contratado por el estudio Columbia Pictures para protagonizar una secuencia de Polio, ballet, dos matrimonios y dos hijos danza en el musical Something to Shout About (1943), dirigido por el también ruso Gregory Ratoff, y protagonizado por Don Ameche y Janet El camino de Tula/Cyd hacia la danza lo inició siendo niña por Blair. Cyd fue fichada como su compañera y automáticamente llamó recomendación de su padre, de profesión joyero, que era un gran la atención de público y proaficionado al ballet . Cyd ductores que le ofrecieron empezó a estudiar danza a participar en un número de los seis años como terapia la película Ziegfeld Follies para recuperar la fuerza en (1945), “There’s Beauty los músculos tras haber Everywhere”, dirigido por sufrido poliomielitis. A los Vincente Minnelli. En él, Chadoce años estudiaba ballet risse, que aparecía en el en Los Ángeles con Adolph reparto con el nombre de Lily Bolm y Bronislava Nijinska, Norwood, era la bailarina que dos de las máximas figuras atravesaba espuma mientras de la materia que facilitaron Kathryn Grayson cantaba. que a los catorce años Tula Antes de ese largomese presentara y superara traje, Charisse había apareuna audición para incorpocido como bailarina en rarse al ballet ruso de Monvarias producciones como tecarlo, trabajando en él con los largometrajes Escort nombres como Felia SidoGirl (1941), Mission to rova primero y más tarde de Moscow (1943), El desfile de Maria Istomina, jugando las estrellas (1943), In Our complementariamente con Time (1944) y los cortomeotros nombres, como trajes The Gay Parisian Natacha Tulalelis o Celia (1941) y This Love of Mine Siderova. No era una manía (1944). suya, es que la compañía Pero después de apaquería que todos sus interecer en Ziegfeld Follies, en grantes lucieran nombres la que había sido prestada artísticos rusos. Una por el estudio que la tenía en especie de tuneado bautisese momento bajo contrato, mal para mantener la pátina Warner Bros., atrajo el rusa del asunto. interés del coreógrafo de la En ese entorno del Metro Goldwyn Mayer, ballet conoció a su primer Robert Alton, que había sido marido, el bailarín griego el descubridor de Gene Kelly, Nico Charisse, con que Junto a Gene Kelly en el espectacular número que ambos protagonizaron en el clásico Cantando bajo la lluvia. y además había llamado la había sido su profesor de atención del jefazo de la baile cuando ella estudiaba compañía, Louis B. Mayer, que además quedó impresionado por su en Los Ángeles y al que reencontró en Francia durante una gira parecido físico con una de las estrellas más deslumbrantes de dicho europea de la compañía. Se casaron en París el 12 de agosto de estudio, Ava Gardner. Así que rápidamente le firmaron contrato de 1939, y su divorcio se hizo efectivo el 17 de febrero de 1947. siete años de duración para que entrara a formar parte de la unidad En el momento en que contrajeron matrimonio ella era todavía de musicales de MGM que dirigía Arthur Freed. una adolescente de 17 años, y cuando la compañía de ballet se disolEl mejor piropo que le echaron a Cyd Charisse en su recién inivió como consecuencia de la Segunda Guerra Mundial, el matrimociada carrera se lo dedicó Fred Astaire afirmando: “Cuando has nio decidió marcharse de vuelta a Estados Unidos y buscar trabajo bailado con Cyd Charisse, sigues bailando con ella”. Además en su en Hollywood. A ella le iría mejor que a él en ese camino. En cine, biografía, Steps in Time, publicada en 1959, Astaire la definió como Nico Charisse sería coreógrafo de la película La hija del sultán, una “hermosa dinamita”. Viniendo de la primera y máxima estrella de comedia musical con trasfondo de cine bélico estrenada en 1943 que musicales de la historia del cine, eso es mucho. Si Astaire fue la pasó sin pena ni gloria por la cartelera. Poco más. La pareja tuvo un primera gran estrella del género, Charisse fue la última gran estrehijo, Nicholas Charisse, nacido el 7 de mayo de 1942. lla de musicales de la MGM, la que consiguió el estrellato con El segundo marido de Cyd Charisse formaba también parte del apenas tiempo para disfrutar de él antes de que la etapa clásica del mundo del espectáculo. Tony Martin, actor y cantante nominado al género entrara en declive.

Premio Emmy en 1955 como mejor cantante masculino, acumuló 40

2

CYD CHARISSE protagonizó junto a su hermana Adele. El telón se levantó a principios de junio de 1931 y bajó con éxito después de 260 funciones. La versión cinematográfica de los cincuenta no tuvo, según las cifras manejadas por el estudio, tanto éxito como se esperaba, pero está considerada un clásico del género entre los musicales producidos en Hollywood.

Destacan dos números de baile. Por un lado, el que se desarrolla el parque. En él, Charisse luce un espectacular vestido blanco, y el número recuerda mucho los números protagonizados por Astaire y Ginger Rogers en el comienzo del estrellato en el cine del bailarín.

El otro momento mítico de la película para los aficionados al musical es el número titulado “The Girl Hunt”, que propone una ficción dentro de la ficción. En él, Astaire interpreta a un “tipo duro” propio de las historias policiacas hard boiled publicadas en las revistas pulp vendidas en los quioscos en los años treinta y cuarenta. Todo el planteamiento de este número es al mismo tiempo un homenaje y una parodia de esas tramas, con Astaire saliendo de su zona de confort como caballero elegante para medirse con una espectacular Charisse que luce más que nunca sus cualidades como bailarina y claramente fue una influencia para la manera en la que Catherine Zeta-Jones abordó los números de su personaje en la versión cinematográfica del Melodías de Broadway 1955, que Cyd Charisse protagonizó junto a Fred Astaire musical Chicago.

Un dato que tener en cuenta: a pesar de las bromas Cyd tuvo poco tiempo para poder disfrutar plenamente de ser que incluye el argumento sobre los reparos del personaje de Astaire una estrella del musical hollywoodiense, a pesar de que fue sin duda frente a la altura de Charisse, lo cierto es que ella media 1,71, y él la mejor bailarina que había pasado por las grandes producciones 1,75 (o 1,77, según distintas fuentes). El tema de la altura era más del género durante casi diez años antes de que le dieran la oportunicomplicado cuando Charisse coincidía ante las cámaras con Gene dad de ser la protagonista principal.

Kelly, que medía 1,70 metros.

Su primera oportunidad realmente seria como protagonista le Entre su aparición como bailarina en Ziegfeld Follies y Melodías de Broadway 1955, Cyd Charisse se fue labrando una reputación llegó precisamente junto a Fred Astaire en Melodías de Broadway 1955 (1953). La película es el ejemplo perfecto del tono autorreflede gran bailarina y actriz prometedora con pequeños papeles y perxivo y de metarrelato que caracteriza el musical clásico de Hollysonajes secundarios. Así fue en Las chicas de Harvey (1946), entrega de la serie de películas de moderado presupuesto que explotaba wood. Jugando con la fórmula de la ficción dentro de la ficción y MGM con Mickey Rooney como protagonista, en la que Cyd Charisse usando ambas como reflejo de la realidad, Melodías de Broadway 1955 retrataba la historia de un astro del género musical, interpreconsiguió su primer papel con línea de diálogo, aunque la doblaron tado por Fred Astaire, que en un momento de estancamiento de su en la canción que interpretaba. A esta producción le siguió otro carrera, algo que le ocurría al propio bailarín y actor en ese encargo como secundaria en Three Wise Fools (1946), comedia con toque fantástico, y los musicales Hasta que las nubes pasen (1946), momento en la vida real, hasta el punto de que estaba pensando en La danza inconclusa (1947), donde le dieron un papel más protagóretirarse, acepta bailar con una compañera que inicialmente desnico, Fiesta brava (1947), protagonizada por la nadadora Esther pierta ciertas susceptibilidades en el veterano.

Williams, que hizo lo propio en el siguiente encargo como secundaA pesar de su título español, la película era una adaptación de ria de nuestra protagonista, En una isla contigo (1948), donde lógicaun musical de Broadway cuyo título se reflejaba en el original estamente en todo lo referido a musical le daba cien vueltas a quien dounidense, The Band Wagon. Fue el último espectáculo que Astaire encabezaba el reparto. Demostró claramente en esta ocasión que Charisse venía pidiendo paso a los papeles principales.

El encasillamiento como secundaria y el retraso en poder acceder a papeles de protagonista empezaba a cansarla hasta el punto de mostrarse negligente en hacer calentamiento antes de empezar a bailar, lo que le provocó una dolorosa lesión de ligamentos en la rodilla cuando rodaba este largometraje en el que, no obstante, tenía a su cargo los mejores números de baile con Ricardo Montalbán. De hecho, este largometraje debería haber servido para lanzarla a los papeles más destacados, porque su siguiente trabajo ya en agenda era Cita en San Luis, película que podría haber adelantado su subida de nivel hacia el estrellato de no ser porque no pudo rodar precisamente por la lesión sufrida cuando rodaba En una isla contigo.

El siguiente título de su carrera fue The Kissing Bandit (1948), protagonizada por Frank Sinatra y donde volvieron a ficharla solo como bailarina para el mejor momento de una película totalmente prescindible, en el que además no participaba Sinatra: el número “The Dance of Fury”, que interpretó junto a Ann Miller y Ricardo MonCyd co-protagonizando con Gene Kelly Brigadoon, una especie de cuento de talbán. hadas para adultos en clave musical 4

CYD CHARISSE O´Connor. Pero este último tuvo que atender a un compromiso previo en una cadena de televisión y para no frenar el rodaje decidieron reconvertir ese fragmento en una pieza en la que Kelly pudiera brillar junto a Charisse. El asunto se complicó y tuvieron que repetir el rodaje después de comprobar que en varios planos el vello púbico de Charisse se percibía a través de su vestido.

El resultado de ese número de baile fue tan satisfactorio que el productor Arthur Freed decidió elevar automáticamente a Cyd Charisse a la categoría de estrella en sus próximos proyectos. Más vale tarde que nunca, aunque todavía le tocó comerse a otro personaje secundario de relleno en Sombrero (1953).

Estrella del baile, pero no de la canción Su paso por Cantando bajo la lluvia y Melodías de Broadway 1955 garantizó a Cyd Charisse la oportunidad de recibir papeles como protagonista en los títulos en que además iba a explorar con más protagonismo, éxito y frecuencia otros géneros más allá del musical.

Primero encontraremos a la actriz emparejada nuevamente con Gene Kelly en el musical Brigadoon (1954), ejemplo del conflicto de formatos que se vivió en las salas Cyd Charisse en Siempre hace buen tiempo, donde no cantaba ella, fue doblada en los años cincuenta cuando algunas compañías decidiepor Carol Richards. ron competir con la oferta televisiva ampliando el tamaño de sus propuestas cinematográficas y la calidad del sonido, lo que requería a los exhibidores un ingreso en sus salas para poner Letra y música (1948) era otra reunión de estrellas para homea punto equipos costosos. A consecuencia de ello, Brigadoon llegó a najear a los maestros del género musical Rodgers y Hart, interprelos cines con dos versiones distintas en lo referido a su relación de tados por Tom Greene y Mickey Rooney. Pero de cara a un cambio de tamaño en pantalla, lo mismo que le ocurrió a La túnica sagrada etiquetas y a una visión más amplia de las posibilidades de (1953), Siete novias para siete hermanos (1954) u Oklahoma (1954).

Charysse como actriz más allá del baile hay que pensar en la intriga Había una versión en cinemascope 2.55:1 y otra en 1.75:1. Esto camcriminal Tensión (1949), en el drama romántico Mundos opuestos biaba elementos visuales de información en pantalla, especialmente (1949), protagonizado por Ava Gardner, Barbara Stanwyck y James por lo referido a los títulos.

Mason, en el que el estudio finalmente consiguió juntar en un mismo El talento como bailarina de Cyd Charisse no iba aparejada con reparto a Cyd Charisse con Gardner y poner a prueba su parecido el mismo talento en lo referido a su capacidad para cantar, así que físico, o El signo del renegado (1951), donde consiguió un papel de en este largometraje empezó a aplicarse la fórmula que iba a coprotagonista femenina junto a Ricardo Montalbán. Era un intento dominar sus intervenciones como estrella en el cine musical que le de buscarle sitio en personajes de tinte exótico que volvió a repetirse quedaba por delante: las canciones no las canta ella, sino Carol en el wéstern Norte salvaje (1952), con Charisse interpretando a una Richards, que volvería a doblar a la protagonista de este artículo en india que emparejaba con el protagonista perseguido interpretado Profundamente en mi corazón (1954), Siempre hace buen tiempo por Stewart Granger.

(1955) y La bella de Moscú (1957).

Más interesante fue su intervención en el clásico Cantando Brigadoon era la película favorita de Charisse entre las que bajo la lluvia (1952), donde interpretaba un espectacular número había protagonizado junto a Gene Kelly, a pesar de que durante el musical de ficción dentro de la ficción con Gene Kelly. El número se rodaje no se llevó demasiado bien con el actor, director y bailarín. titulaba “Broadway Ballet”, e inicialmente había sido concebido para Inicialmente, la película estaba pensada por el estudio para que la que lo protagonizaran juntos Kelly y su coprotagonista, Donald protagonizaran Howard Keel y Jane Powell, pero las ocupadas agendas de ambos complicaron poder contar con ellos para el proyecto, así que buscaron alternativas. Y así comenzó un carrusel de tira y afloja en lo referido a la elección de la protagonista femenina.

Por un lado, Gene Kelly no era el más ferviente defensor del coprotagonismo de Cyd Charisse. Más bien lo contrario. Kelly prefería a Moira Shearer, actriz escocesa que además tenía la ventaja de medir menos que él, 1,65 metros, en lugar de ser más alta, como era el caso de Cyd Charisse. Otra candidata al papel era Kathryn Grayson, que según las noticias publicadas en prensa en 1951 era la mejor posicionada para interpretar a la protagonista femenina y, como había demostrado en el número musical que bailó Charisse en Ziegfeld Follies, podía cantar. Además, junto a ella, Kelly podría lucir más alto, ya que era aún más baja que Moira Shearer: medía 1,57 metros.

Charisse le devolvería el cumplido a Kelly en su momento afirmando que prefería trabajar con Fred Astaire, que resultaba más afable.

Eso no le impidió volver a coincidir con Kelly en Siempre hace buen tiempo , después de interpretar un La bella de Moscú era una nueva versión de Ninotchka que Charisse protagonizó junto a Fred Astaire y fue censurada por la Oficina Hays. momento musical en Profundamente en mi corazón, el 6

CYD CHARISSE encargados de imponer la normativa del Código Hays. A los censores les pareció que el número musical “Medias de seda”, que prestaba título original a la película y era un elegante momento de estriptis camuflado, dejaba a la vista demasiada porción de las piernas de la actriz durante demasiado tiempo, de manera que procedieron a cubrirse las espaldas. Las piernas de Cyd Charisse, que en 1952 habían sido aseguradas por valor de cinco millones de dólares, poniendo de manifiesto que eran su principal instrumento de trabajo como bailarina, fueron rápidamente escamoteadas al público cuando la actriz se escondía tras una silla con el respaldo convertido en pacato símbolo de castidad.

Fue un parche absurdo que de paso ponía en ridículo las exigencias de la oficina Hays, cuyos sabuesos censores andaban siempre por los sets de rodaje cuando Charisse interpretaba alguna escena, según afirmaba ella misma, hasta el punto de que vigilaban casi cada paso que daba para asegurarse de que no estaba exponiendo más de su físico de lo estrictamente permitido.

Charisse incursionó en el cine de aventuras en una Chicago año 30, película de gánster junto a Robert Taylor que fue el mejor papel película menor, El crepúsculo de los audaces (1958), junto de Cyd Charisse fuera del género musical. a Rock Hudson, pero se resarció con su papel de mujer biopic del compositor Sigmund Romberg, cuyo director era Stanley fatal en un título interesante de cine de gánsteres, Chicago año 30 (1958), su trabajo más interesante al margen de los musicales, diriDonen. Donen sería precisamente el codirector de Siempre hace buen tiempo, junto al propio Gene Kelly. gido por Nicholas Ray, y donde además Robert Taylor hizo su mejor trabajo como actor.

Vigilada por la censura Fue casi el canto de cisne en la carrera cinematográfica de la Tras este largometraje, Charisse, protagonizó ¡Viva Las Vegas! actriz, que no volvió a levantar el vuelo. Poco valía la comedia Cinco (1956), donde hacía un cameo su marido, Tony Martin, y después horas doradas (1961) y aunque Los ballets de París (1961), dirigida regresó a los bailes con Fred Astaire en La bella de Moscú, remake por Terence Young, director de varias entregas de la saga de 007 era de Ninotchka, clásico de la comedia dirigido por Ernst Lubitsch en algo mejor, tampoco era para tirar cohetes. Dos semanas en otra 1939. En este filme, Charisse interpretaba una divertida versión ciudad (1962), protagonizada por Kirk Douglas y Edward G. Robinson y dirigida por Vincente Minnelli, fue la última película con interés de musical del papel de fémina soviética que en la versión original había su carrera en pantalla grande. Sus siguientes trabajos en El secreto interpretado Greta Garbo, nada menos. Un año antes de que se de Bill North (1965), Los silenciadores (1966), concebida para luciestrenara esta película, Katharine Hepburn había interpretado un miento de Dean Martin, y Marruecos (1967) simplemente eran prespapel similar en una variante de Ninotchka, si bien no un remake oficial, titulado Faldas de acero, junto a Bob Hope. Y quizá por aquello cindibles trabajos de corte alimenticio. Al menos su papel de cameo de que la Guerra Fría estaba de moda en la geopolítica internacional como estrella en Los conquistadores de Atlantis (1978), una película de fantasía con monstruos y bajo presupuesto, tenía el encanto de del momento, el mismísimo John Wayne protagonizó su propia los relatos de aventuras de las revistas pulp, pero poco más. El versión del asunto junto a Janet Leigh, que en España se tituló Amor a reacción, y se estrenó el mismo año que La bella de Moscú. A pesar resto de su filmografía se consumió en intervenciones en series y de tanta competencia, de todas estas variantes de la fórmula del oripelículas para la pequeña pantalla. Además apareció en un cameo ginal de Lubitsch, la mejor fue la de Charisse con Astaire. en el vídeo de Janet Jackson Alright (1990). Su intento de debutar en Broadway como actriz de relevo en las representaciones de la obra De paso, la película sirvió para volver a dejar en evidencia la Gran Hotel, se saldó con un rotundo fracaso. insultante estupidez de la censura practicada por los muñidores La cosecha de galardones fue muy parca en el caso de Cyd Charisse. Solo la nominaron una vez al Globo de Oro como Mejor Actriz de comedia o musical por su trabajo en La bella de Moscú, pero lo cierto es que su carrera y su galería de papeles no dio para más alegrías en lo referido a palmarés. En lo referido a inclinación política, Cyd Charisse respaldó públicamente al Partido Republicano.

En el camino de su filmografía se quedaron fuera algunos proyectos en los que estuvo a punto de participar, como Un americano en París (1951), junto a Gene Kelly, que no pudo interpretar porque estaba embarazada, siendo sustituida por Leslie Caron, Malditos yanquis (1958), pensada para que Cyd Charisse y Cary Grant fueran la pareja protagonista, pero que finalmente fue interpretada por Gwen Verdon y Ray Walston con resultados claramente menos interesantes para el espectador, o Una cara con ángel (1957), nuevo encuentro con Fred Astaire que le ofrecieron pero ella rechazó, siendo sustituida por Audrey Hepburn.

Cyd Charisse junto a Kirk Douglas en Dos semanas en otra ciudad, un melodrama que parece un eco el clásico Cautivos del mal.

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Miguel Juan Payán

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EL SIGNO DEL ZORRO

FICHA TÉCNICA Nominada al Oscar en la categoría dirigida en 1920 por Fred Niblo con Doude Mejor Música original, El signo del Zorro glas Fairbanks como protagonista. El actor Directores: Rouben Mamoulian; Intérpretes: Tyrone Power, es una de las películas esenciales en la cobuscaba una manera de escapar de su enLinda Darnell, Basil Rathbone, Gale Sondergaard, Eugene Pallette, J. Edward Bromberg, Janet Beecher, Montagu Love, lección de héroes del cine, con todos los casillamiento como galán de historias roGeorge Regas, Chris-Pin Martin; Año de producción: 1940; elementos esenciales de esta fórmula y mánticas y empezó a edificar con este larNacionalidad: EE. UU.; Guion: John Trainor Foote, Garrett protagonizada por un personaje cuyas cagometraje su trayectoria como la más Fort, Bess Meredith. Música: Alfred Newman, David Buttolph, Hugo Friedhofer, Cyril J. Mockridge; Color; racterísticas han influido (ver reportaje grande estrella del cine de acción del cine Duración: 94 minutos. con fichas dedicado a los grandes héroes mudo, empeñado además en realizar las sedel cine en este mismo número) en otras cuencias arriesgadas en sus rodajes. figuras heroicas y superheroicas muy célebres en nuestros tiempos.

Fairbanks se convirtió así en modelo para muchos actores Entre esas características quizá la más significativa sea la caque posteriormente siguieron sus pasos por ese mismo camino, pacidad de este personaje para navegar entre géneros, siendo así un principalmente Errol Flynn, aunque en el caso de la nueva versión auténtico pionero en la hibridación genérica que preside las prodel Zorro el encargado de recoger el testigo en la película que nos puestas audiovisuales de ocio de nuestro tiempo. Porque las aventuocupa fue Tyrone Power. ras del Zorro incluyen la premisa del héroe enmascarado, que sirve Sin embargo, antes de que se estrenara El signo del Zorro, se a la función intrépida y valiente de su verdadera identidad, que se estrenaron en los cines otras dos producciones que tenían al enhace pasar por un niño rico caprichoso, tímido o directamente flojo mascarado como protagonista. El Zorro vuelve a cabalgar era un y tirando a cobarde. La máscara y todo lo que supone para ese tipo serial estrenado en 1937 que dirigieron John English y William de personajes como instrumento para jugar la baza de esa doble Whitney, con John Carroll interpretando una variante estadouniidentidad, tan bien aprovechada en personajes como Superman o dense del personaje original, James Vega, que vivía sus aventuras Batman, está en la misma línea de otros personajes claves del cine en una clave más inclinada hacia el wéstern, pistola en mano, que de aventuras, desde Pimpinela Escarlata a Scaramouche, o nuestro hacía el género original del personaje, de capa y espada. James clásico imprescindible en la cultura popular española, el Coyote, era un descendiente del Zorro original. creador por José Mallorquí en 1943, célebre astro de la ficción de la Curiosamente, la siguiente película sí le devolvió a la proliteratura popular, el cómic, la radio y el cine ibéricos. puesta la clave de capa y espada, también con John Carroll como El Zorro tenía también en su ficción raíces españolas, como protagonista, aunque en este caso cambiaron el nombre por el Gabien establece la película que aquí nos ocupa. Creado en 1919 por to, en una película dirigida por William Nigh y estrenada en EspaJohnston McCulley, fue un auténtico pionero en el culto al héroe ña en 1938 con el título de El nuevo Zorro, con argumento regrede ficción popular de la cultura del siglo XX y, sin duda, lo imitasando a 1830 en México. ron muchos otros creadores de la novela de aventuras y el cómic.

A estas dos hay que añadir otro precedente en forma de seLa máscara y la ambigüedad definen el conflicto entre la realirial, Zorro’s Fighting Legion, estrenado en 1939 con Reed Hadley dad y las apariencias que afronta el personaje, lo mismo que sus serecuperando el personaje de don Diego de la Vega, con espada, láguidores e imitadores. Además, el Zorro tiene la enorme facilidad de tigo, revólver y máscara, además del asalto a una diligencia que ser al mismo tiempo un héroe de capa y espada, sin duda uno de los por su desarrollo visual bien podría haber servido como inspiramás señalados de tal variante del género de aventuras, moviéndose ción al asalto de Indiana Jones al camión de los alemanes en la en un entorno que geográfica y paisajísticamente remite al wéstern. película En busca del arca perdida. Es mejor que las dos anteriores McCulley supo ver y explotar todas las posibilidades que tal y un buen antecedente para El signo del Zorro. circunstancia le ofrecía junto con la doble naturaleza de forajido y La película protagonizada por Tyrone Power incluye algunos vigilante justiciero enmascarado que se ha visto también converde los mejores duelos a espada de la historia del cine y sin duda tido en epicentro de un mensaje revolucionario contra los tiranos. del Hollywood dorado, coreografiados por el maestro de esgrima Tras la máscara del Zorro está don Diego de la Vega, aristóexperto en estos menesteres, Fred Cavens, que siempre se empecrata californiano con raíces españolas que además se basa en un ñaba en hacer más realista el juego de esgrima de los personajes y personaje real que habitó en la zona de Los Ángeles en su etapa además en esta ocasión contó con uno de los mejores esgrimistas, mexicana, entre 1841 y 1846. campeón en esa materia, como era Basil Rathbone. El actor, afinSus aventuras arrancaron con un relato, “La maldición de Cacado en los personajes de villano, estaba condenado a dejarse gapistrano”, publicado en 1919 en la revista pulp All- Story Weekly. El nar por los héroes de la función, pero tenía el talento y la experienrelato tuvo tanto éxito que su autor se vio metido de lleno en un cicia real con el sable para haber dejado a todas las estrellas con la clo de producción de más aventuras del personaje que llegaron a alque se enfrentaba en la vida real en el más espantoso ridículo. Eso canzar el número de 60, la última de las cuales se publicó en 1959, sí, después de rodar esta película, el experto Rathbone afirmó que tras la muerte de McCulley, con el título de La máscara del Zorro.

Tyrone Power era más hábil con la espada que Errol Flynn.

El personaje llegó a ser también pionero de la sinergia entre Además de coreografiar los duelos centrándose en el propio las distintas propuestas del ocio audiovisual, ya que las versiones del intercambio de espadas, sin adornarlos con despliegues de juegos Zorro que iban produciéndose en otros medios como el cine, la radio de equilibrismo más propios del musical, la película rodó los dueo el cómic, fueron condicionando también su evolución en la literatulos a dieciocho y veinte fotogramas por segundo, en lugar de los ra, de manera que, por ejemplo, su uniforme de aventurero enmascaveinticuatro habituales, imprimiendo un ritmo endiablado al interrado acabó adoptando el aspecto que tenía el personaje en la primecambio de sablazos en una producción de un millón de dólares de ra película que adaptó sus aventuras para el cine, La marca del Zorro, presupuesto que duplicó en la taquilla.

TOSHIRO MIFUNE (SANCHUAN MINLANG) 1 de abril de 1920, Tsingtao, China (hoy Qingdao, Shandong, China)24 de diciembre de 1997, Mitaka, Tokio, Japón.

FILMOGRAFÍA 1947.– Ginrei no hate, Shin baka jidai: Zenpen, Shin baka jidai: kohen; 1948.– El ángel ebrio; 1949.– Duelo silencioso, Jakoman to Tetsu, El perro rabioso; 1950.– Ishinaka sensei guôjôki, Escándalo, Konyaku yubiwa, Rashomon, Datsugoku; 1951.– Ai to nikushimi no kanata e, Aika, El idiota, Kaizokusen, Sengoha obake taikai, Kanetsu Sasaki Kojirô: Ganryû-jima kettô, Bakurô ichidai, Onnagokoro dare ka shiru; 1952.– Araki Mataemon: Kettô, kagiya no tsuji, Muteki, La vida de Oharu, mujer galante, Kin no tamago: Golden girl, Sengoku burai, Tôkyo no koibito, Gekiryu, Minato e kita otoko; 1953.– Fukeyo haru kaze, Hoyo, Himawari musume, Taiheiyô no washi; 1954.– Los siete samuráis, Shiosai, Samurai, Mitsuyu-sen; 1955.– Dansei No. 1, Tenka taihei, Zoku tenka taihei, Otoko arite, Samurai 2, Crónica de un ser vivo; 1953.– Samurai 3: duelo en la isla de Ganryu, Kuro-obi sangokushi, Ankokugai, Aijô no kessan, Narazu-mono, Shunjinsen; 1957.– Trono de sangre, Arashi no naka no otoko, Kono futari ni sachi are, Kike na eiyu, Los bajos fondos, Shitamachi; 1958.– Yagyû bugeichô: Sôryû hiken, Tôkyo no kyûjitsu, El hombre del carrito, Yajikata dôchû sugoroku, Kekkon no subete, Jingsei gekijô: Seishun hen, La fortaleza escondida; 1959.– Ankokugai no kaoyaku, Aru kengo no shogai, Sengoku junto-den, Dokuritsu gurentai, Tres tesoros; 1960.– Ankokugai no taiketsu, Kunisada Chûji, De Pearl Harbor a Midway, Otoko tai otoko, Los canallas duermen en paz, Sararîman Chûsingura; 1961.– Ôsaka-jô monogatari, Zoku sararîman Chûsingura, Yojimbo, Gen to fudômyô-ô, ánimas Trujano (El hombre importante); 1962.– Sanjuro, Doburoku no Tatsu, Zoku shachô yôkôki, 47 ronin; 1963.– Taiheiyo no tsubasa, El infierno del odio, Gojuman-nin no isan, Dai tozoku; 1964.– Shikonmado -Dai tatsumaki; 1965.– Samurai, Barbarroja, Sugata Sanshiro, Taiheiyô kiseki no sakusen: Kisuka, Chi to suna; 1966.– Abare Gôemon, Dai-bosatsu tôge, Kiganjô no bôken, Doto ichiman kairi, Gran Prix; 1967.– Taiyo no Aitsu (serie televisión), Rebelión, Nihon no ichiban nagai hi; 1968.– Kurobe no taiyo, Rengô kantai shirei chôkan: Yamamoto Isoroku, Gonin no nobushi (miniserie), Gion matsuri, Infierno en el Pacífico; 1969.– Fûrin kazan, Safari 5000, La batalla del Japón, Akage, Shinsengumi; 1970.– Zatôichi to Yôjimbô, Bakumatsu, Machibuse, Aru heishi no kake, Gekido no showashi Gunbatsu; 1971.– Sol rojo, Dai Chûsingura (serie televisión), Kôya no surônin (serie televisión); 1973.– Kôya no Yôjimbô (miniserie); 1974.– Shin Kôya no suronin (serie televisión); 1975.– Emboscada en Extremo Oriente, The New Spartans; 1976.– Kakushi, metsuke sanjô, Ningyotei ibun: Muhôgai no Surônin (serie televisión), La batalla de Midway, Ken to kae to komoriuta (serie televisión); 1977.– Sombras de una guerra, Nippon no don: Yabohen; 1978.– Edo no Taka: Goyôbeya Hankachô (serie televisión), Kang Samurai, Inubue, Ogin-Sama, Akô-jô danzetsu, Nihon no Don: Kanketsuhen, Tono Eijirô no Mito Kômon; 1979.– Akô Rôshi (serie televisión), Muertes de invierno, Kindaichi Kosuke no boken, Kakekomibiru nanagoshitsu (miniserie), Omitsu dôshin: Ôedo sôsamô, 1941; 1980.– 203 kochi, Shogun (película para televisión), Shogun, señor de samuráis (miniserie); 1981.– Sekigahara (película televisión), Inchon, Shingo juban shobu dai ichibu (película televisión), La espada del samurái, Kyukei no koya (película televisión), Musumeyo! Ai ton amida no tsubasa de tobe (película televisión), Bungo torimonocho (miniserie), Suronin makaritoru (miniserie); 1982.– El reto del samurái, Shingo juban shobu dai nibu (película televisión), Suronin makaritoru dai nibu akatsuki no shito (película televisión), Shingo juban shobu dai sanbu ai ni ikiken ni ikiru seishun (película televisión), Suronin makaritoru dai sanbu chikemuri no yado (película televisión), Seiha, Shiawase no kiiroi hankachi (película televisión); 1983.– Suronin makaritoru dai yonbu sarumo jigoku nokorumo jigoku (película televisión), Nihonkai daikaisen: Umi yukaba, Suronin Makaritoru dai gobu namida ni kieru mikka gokuraku (película televisión), Makyo sessho-tani no himitsu (película televisión), Yusha ha katarazu (miniserie), Suronin makyosashodani no himitsu (película televisión), Jinsey gekijô; 1984.– Sanga Moyu, Moetechiru hono no kenshi Okita Sohji (película televisión), Umitsubame Jyo no kiseki, Natsu no deal (película televisión); 1985.– Seijo densetsu; 1986.– Genkai tsurezure-bushi; 1987.– Sicilian Connection, Otoko va tsurai yo: Shiretoko bojô, La princesa de la luna; 1989.–Sen no Rikyu: HOnkakubô ibun, Haru kuru oni, CF gâru; 1990.– Ten to chi to: Reimei-hen (película televisión); 1991.–Sutoroberi rodo, Shogun Mayeda; 1992.– La sombra del lobo; 1994.– La foto del compromiso; 1995.– Fukai kawa.

EL LOBO DEL EMPERADOR Uno de los libros más interesantes sobre cine que pueden leer los aficionados es sin duda el titulado Akira Kurosawa: el emperador y el lo-

bo, de Stuart Galbraith. Y en él, el emperador es Kurosawa, obviamente, y el lobo, al que también se conocía en su país como el shogun, no es otro que Toshiro Mifune, su actor fetiche en los grandes títulos que los llevaron a ambos a triunfar en los festivales de cine internacionales desde que rodaron Rashomon en adelante, consiguiendo numerosos premios y abriendo las puertas de Occidente al cine japonés. No es poco mérito el de este dúo de cineastas.

Nominado al premio Bafta del cine británico por su trabajo en Los siete samuráis y ganador del Premio al Mejor Actor en el Festival de Cine de Venecia por sus trabajos en Yojimbo y Barbarroja, Mifune es, como Kurosawa, una auténtica institución en el cine japonés y su estrella más internacional con diferencia. Homenajeado con frecuencia, fue la causa de que el héroe de la popular serie de anime Meteoro respondiera por el nombre de Go Mifune, y además luciera la M tanto en su automóvil como en su casco, como recuerdo de la máxima estrella del cine japonés. Además, en la serie de manga Usagi Yojimbo, el jefe del protagonista responde al nombre de Lord Mifune, también en honor del protagonista de Los siete samuráis.

Mifune nació en China, hijo de japoneses, y creció en Dalian, así que paradójicamente el máximo representante de la cultura japonesa a través del cine y la televisión en todo el mundo no puso un pie en Japón hasta que cumplió los 21 años. Japón ostentaba entonces el control de Tsingtao, adonde convocó a sus ciudadanos para que se establecieran en la región tentándoles con trabajos bien remunerados.

Fue así como Mifune nació en suelo extranjero, del que tuvo que marcharse cuando la República de China recuperó ese territorio en 1922.

Sus padres eran misioneros metodistas y tuvieron otros dos hijos más pequeños. En la adolescencia, comenzó a trabajar en la tienda de fotografía de su padre antes de ser reclutado por la fuerza aérea de Japón, lo que le llevaría a servir en la Segunda Guerra Mundial en la unidad de fotografía aérea.

CÁMARA ANTES QUE ACTOR La fotografía fue la actividad que le tendió el puente que necesitaba para empezar a trabajar en el cine, ya que fueron unos amigos que trabajaban en el departamento de fotografía de la productora Toho los que convencieron a Mifune para que probara suerte en la industria de las imágenes en movimiento, cosa que hizo iniciándose como asistente de cámara.

La suerte de Mifune quiso que su movimiento hacia el medio cinematográfico coincidiera con una huelga de actores de la Toho que acabaron por largarse de la compañía para formar su propia productora, Shin Toho, lo que llevó al veterano estudio a montar un programa para encontrar nuevos rostros que pudieran servir como relevo a las figuras que había perdido. Fue así como a Mifune le surgió la oportunidad de pasar al otro lado de la cámara y probar suerte como actor, por casualidad, ya que fueron nuevamente sus amigos los que, sin consultarle, mandaron una foto suya a la selección. De los más de 4000 aspirantes, un Mifune que ni siquiera se había postulado para optar al trabajo acabó siendo uno de los 48 seleccionados, siendo después sometido a un concurso de esos nuevos talentos en el que tuvo la oportunidad de que le viera Akira Kurosawa, quien quedó muy gratamente impresionado con el joven.

Su asociación con Kurosawa les llevaría a rodar 16 películas juntos, pero además aquel proceso de selección un tanto accidental para el joven Mifune le puso en contacto con la que iba a ser su esposa, una de las 32 aspirantes a actriz que se presentaron a las pruebas: Sachiko Yoshimine. Ella era ocho años más joven que Mifune y procedía de una respetable familia de Tokio, pero eso no impidió que comenzaran una relación sentimental que acabó en boda en 1950. El matrimonio permaneció unido hasta la muerte de ella en 1995. Tuvieron dos hijos, Shirô, nacido en 1955, actor y productor, y Takeshi. Además, Mifune tuvo una hija, Mika, fruto de su relación con la actriz Mika Kitagawa y nacida en 1982. Mika ha seguido los pasos de sus padres como actriz, destacando en varias producciones de cine de terror. Su nieto, Rikiya Mifune, también ha iniciado una carrera como actor.

A principios de los años ochenta, Mifune abrió su propia escuela de interpretación, Mifune Geijutsu Gakunin, que tuvo que cerrar sus puertas tres años más tarde por falta de rentabilidad.

Entre las películas que le ofrecieron hacer en Occidente pero él rechazó por distintos motivos, destacan el papel de Tiger Tanaka en la aventura de 007 Solo se vive dos veces, junto a Sean Connery, el de Obi-Wan Kenobi en La guerra de las galaxias de George Lucas, que luego acabó interpretando Alec Guinness, y el del entrenador del protagonista de Karate Kid, que luego interpretó Pat Morita.

GREENLAND. EL ULTIMO REFUGIO

ENOLA HOLMES

Greenland EE UU, 2020; Director: Ric Roman Waugh; Fotografía: Dana Gonzales; Guion: Mitchell LaFortune, Chris Sparling y Ric Roman Waugh; Música: David Buckley; Intérpretes: Gerard Butler (John Garrity), Morena Baccarin (Allison Garrity), Roger Dale Floyd (Nathan Garrity), Scott Glenn (Dale), Randal Gonzalez (Bobby); Duración: 119 min.; Estreno en España: 25-9-2020 Distribuye: Diamond Films

SINOPSIS Un meteorito asesino de planetas se acerca a la Tierra y una familia intenta llegar al punto de recogida de los elegidos para sobrevivir al fin del mundo.

PARA RECORDAR Dos horas bien llevadas, con ritmo para sostenerse como relato sin que realmente se note el tiempo. Y un guion que tiene la habilidad de centrar el elemento “pulsera de superviviente” como motor para la trama de viaje del protagonista desde el modo egoísta “sálvese quien pueda” en la primera inmersión del miedo y el caos a otra opción, sin hacer un subrayado melodramático excesivo. En su conjunto, a través de los distintos personajes con los que se van cruzando los miembros de la familia protagonistas, vamos viendo un abanico de actitudes frente a ese caos social, que en algunos momentos, como el del supermercado, nos recuerda imágenes de los informativos de televisión, que nos toca de cerca en estos tiempos de pandemia.

Aciertan al buscar la verosimilitud y centrarse en los personajes a pie de suelo frente a las propuestas pirotécnicas del cine de catástrofe más desatado, superficial y simplón, adicto a la pura acción trepidante. Aquí los efectos visuales están cuidadosamente dosificados para no robarle pleno protagonismo a los personajes y sus conflictos.

PARA OLVIDAR Cierto, hay tópicos, el niño con diabetes y lo que genera, el matrimonio en crisis, pero están manejados de forma que no hagan estallar la alarma de nuestro cinismo.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Opta por acercarse más a Lo imposible que a 2012, y eso es bueno para la película y resulta más interesante para el espectador.

EN CONCLUSIÓN Una sólida propuesta de drama de intriga “con” catástrofe, y no “de” catástrofes. M.J.P.

EE UU, 2020; Director: Harry Bradbeer; Fotografía: Giles Nuttgens; Guion: Jack Thorne basado en la novela de Nancy Springer; Música: Daniel Pemberton; Intérpretes: Millie Bobby Brown (Enola Holmes), Henry Cavill (Sherlock Holmes), Sam Claflin (Mycroft Holmes), Helena Bonham Carter (Eudoria Holmes); Duración: 123 min.; Estreno en Netflix: 23-9-2020

SINOPSIS La joven hermana de Sherlock y Mycroft Holmes entra en acción cuando al cumplir 16 años, su madre, que la ha cuidado y entrenado, desaparece sin dejar rastro. No solo deberá encontrarla, sino también enfrentarse a su primer caso.

PARA RECORDAR Millie Bobby Brown, quien ya nos sorprendiese con el talento mostrado en Stranger Things, brilla aquí incluso más con su personaje protagonista, una joven detective muy capaz, divertida y algo ingenua. La hermana pequeña de los Holmes, con un ingenio a la altura de Mycroft y Sherlock. La aventura tiene ritmo y un estilo visual muy interesante, a caballo entre el Holmes moderno de Ritchie y El secreto de la pirámide. Además, Henry Cavill interpreta una versión de Sherlock Holmes que no habíamos visto o no recordábamos, aportando un giro magnífico al personaje. La película es consciente de su origen y de a quién va dirigida, y su idea es simplemente la de entretener, algo que consigue sin despeinarse. La ruptura de la cuarta pared funciona brillantemente.

PARA OLVIDAR A veces, con determinados temas, es demasiado obvia.

Por ejemplo, la trama romántica, por llamarla de algún modo, es un error continuo que hace que la película pierda fuerza. El personaje de Helena Bonham Carter es irritante y más un mecanismo narrativo que un personaje. Mycroft y Sam Claflin igual, pero con humor. La película se ríe con y de él. Pero con Bonham Carter la situación no funciona igual.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Tiene elementos de El secreto de la pirámide, del Holmes de Ritchie y hasta de Deadpool con su continua ruptura de la cuarta pared.

EN CONCLUSIÓN Entretenimiento para todo el mundo, bien elaborado y con una fantástica protagonista. Puede ser el inicio de una curiosa saga. J.U. #####

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EL JUICIO DE LOS 7 DE CHICAGO The Trial of the Chicago 7

EXPLOTA, EXPLOTA

EE UU, 2020; Director: Aaron Sorkin; Fotografía: Phedon Papamichael; Guion: Aaron Sorkin; Música: Daniel Pemberton; Intérpretes: Eddie Redmayne (Tom Hayden), Alex Sharp (Rennie Davis), Sacha Baron Cohen (Abbie Hoffman), Jeremy Strong (Jerry Rubin), John Carroll Lynch (David Dellinger); Duración: 129 min.; Estreno en Netflix: 2-10-2020

España, 2020; Director: Nacho Álvarez; Fotografía: Juan Carlos Gómez; Guion: Eduardo Navarro, David Esteban Cubero y Nacho Álvarez; Música: Roque Baños (Canciones: Raffaella Carrà); Intérpretes: Ingrid García Jonsson (María), Verónica Echegui (Amparo), Fernando Guallar (Pablo), Giuseppe Maggio (Massimiliano); Duración: 116 min.; Estreno en España: 2-10-2020 Distribuye: Universal

SINOPSIS Basada en hechos reales, la película sigue el juicio de siete hombres que fueron acusados por un tribunal federal de conspiración tras los altercados surgidos durante las manifestaciones ocurridas en Chicago en 1968 durante la Convención del Partido Demócrata.

SINOPSIS Una joven que desea ser bailarina deja a su novio en el altar en Roma y regresa a Madrid para perseguir su sueño, algo nada sencillo. Apoyada por su mejor amiga, la joven se enfrentará a una época, inicios de los setenta, llena de cambios y de censura en la televisión española.

PARA RECORDAR Todo. Si Aaron Sorkin ya destacó con su primera película como director, Molly’s Game, aquí ha subido las apuestas con una historia más comprometida y mejor narrada. Su talento como guionista lleva demostrándolo desde que comenzó su carrera, con auténticas obras maestras en cine y televisión. Pero su elegancia narrativa ha subido varios enteros. Y Molly’s Game era una magnífica película, pero esta es mejor. Observen la forma de contar con flashbacks los incidentes y cómo se integran narrativamente esos flashbacks, con una declaración en el juicio, a través de un monólogo, con una cinta de audio… Así, poco a poco, la historia se completa y la comprendemos en su totalidad. Su tono acaba siendo épico, aunque busca ser un thriller político y judicial de los años setenta. Y lo consigue. Algo que ya no se ve en los cines habitualmente. Su reparto es una maravilla y eleva todavía más un guion lleno de diálogos prodigiosos, de momentos perfectamente elaborados… Todos brillan y todos demuestran ser magníficos actores, pero si hay que destacar a alguien especialmente, podemos mencionar a Sacha Baron Cohen, que seguro que será nominado a algún premio, Mark Rylance o Frank Langella.

PARA RECORDAR Como ópera prima, la llegada de Nacho Álvarez no solo supone un arranque brillante para una carrera como director, sino también un soplo de aire fresco en el cine actual. Muchos optarían por el terror o el thriller, la comedia o el drama… Álvarez nos presenta un musical inspirado en la música de Raffaella Carrà, lleno de vida y fuerza, de energía y ganas de vivir, de luchar, de rebelarse… Llena de colores vivos, con un aire yeyé excelente, con una producción digna de ser destacada, la película es una pequeña joya dentro del musical que incluso convencerá a aquellos que, como quien esto escribe, no sean seguidores del género. El trabajo al frente de la película de Ingrid García-Jonsson es excelente, con un carisma sensacional, y también los secundarios. Hay que señalar el trabajo de Verónica Echegui, con su acento, como algo de otro planeta, simplemente insuperable. Toda la película destila un cariño por el detalle y un cuidado impresionantes.

PARA OLVIDAR Nada.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Obviamente, Aaron Sorkin, aquí mezclando temas de El ala oeste y Algunos hombres buenos. Tiene su estilo y su búsqueda de Camelot.

EN CONCLUSIÓN Una de las mejores películas del año. Candidata a cualquier premio, brillante, elegante, entretenida y de absoluta actualidad. Una ##### maravilla para disfrutar de buen cine. J.U.

PARA OLVIDAR El guion tiene quizá demasiados tópicos, que no ayudan en el resultado final de la película. Y su historia, su tono, sus colores… son más de los sesenta que de los setenta, honestamente.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Tiene muchas cosas que me recuerdan a La llamada, pero también a una versión de Mamma Mia! con canciones de Raffaella Carrà.

EN CONCLUSIÓN Muy buen musical que además supone una magnífica ópera prima. Una película optimista y llena de vida. J.U. #####

EL CLUB SECRETO DE LOS NO HEREDEROS AL TRONO Secret Society of Second-Born Royals EE UU, 2020; Director: Anna Mastro; Fotografía: Jaron Presant; Guion: Alex Litvak y Andrew Green; Música: Leo Birenberg; Intérpretes: Peyton Elizabeth Lee (Sam), Niles Fitch (Tuma), Isabella BlakeThomas (January), Olivia Deeble (Princess Roxana), Noah Lomax (Mike); Duración: 99 min.; Estreno en EE UU: 25-9-2020; Estreno en Disney+: 25-9-2020

SINOPSIS Una princesa rebelde vive a la sombra de su hermana, la futura reina, hasta que descubre cuál es su papel.

PARA RECORDAR Superheroínas con trajes de princesa y botas de roquera. Este es el concepto que preside este largometraje para televisión de Disney +, en el que exprimen la idea para fabricar un entretenimiento familiar asentado sobre los tópicos de la película de orígenes, al mismo tiempo que le sacan brillo a la idea de que hoy las niñas no solo quieren ser princesas, sino que además quieren tener superpoderes.

PARA OLVIDAR Totalmente previsible, paso por paso, siguiendo escrupulosamente el subrayado de los temas habituales del discurso argumental del estudio para sus ficciones que nos hacen pensar que siempre nos están contando la misma historia. Es de hecho una reformulación de la historia de princesas Disney recalibrada para rebañar las historias con superpoderes. El desarrollo de los personajes es mínimo. Y los temas, los de siempre: búsqueda de la identidad, necesidad de encajar en el grupo, asumir responsabilidades, valores familiares, padre desaparecido, traición entre los más cercanos, el bien y el mal definidos ingenuamente con clave maniquea. La alusión a la Batcueva no es buena y se repite dos veces.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… No se complica y toma prestados con descaro todo lo que puede de los X-Men y los mutantes de Marvel. Ejemplo: un personaje calcado a Jamie Madrox, el Hombre Mútiple, la Sala de Peligro, más una pincelada de princesas Disney y algo de El rey león con reciclado de Skar… Versión caramelo y algodón de azúcar de Los nuevos mutantes.

EN CONCLUSIÓN Pasable entretenimiento televisivo para preadolescentes. M.J.P. #####

EL DIABLO A TODAS HORAS The Devil All the Time EE UU, 2020; Director: Antonio Campos; Fotografía: Lol Crawley; Guion: Antonio Campos y Paulo Campos basado en la novela de Donald Ray Pollock; Música: Danny Bensi y Saunder Jurriaans; Intérpretes: Bill Skarsgård (Willard), Tom Holland (Arvin), Michael Banks Repeta (Arvin at 9); Duración: 138 min.; Estreno en Netflix: 16-9-2020

SINOPSIS Entre dos pequeños pueblos en la Norteamérica más profunda, una serie de personajes tienen su vida y sus historias, ligadas por la violencia, el deseo, la mentira y la tragedia. Y por la presencia o ausencia de dios en sus vidas.

PARA RECORDAR Su sensacional reparto, especialmente el masculino, es lo que más hará que destaque entre los aficionados. Nombres como Tom Holland, Bill Skarsgård, Sebastian Stan, Jason Clarke o Robert Pattinson hacen que la película se eleve por encima de sus posibilidades. O de las posibilidades de su errático guion. Su forma de tratar la violencia y de analizar quiénes la cometen, es una más que interesante mirada al mundo que quiere que visitemos. El director Antonio Campos, ofrece una sólida puesta en escena y una más que interesante dirección que hace que el propio mundo que rodea a los personajes sea más interesante incluso que ellos. Su forma de enfocar la religión y a las personas obsesionadas o que se esconden tras ella tiene mucho más que ofrecer de lo que finalmente consigue.

PARA OLVIDAR La película se olvida casi por completo de los personajes femeninos y de sus brillantes actrices, convirtiendo a Haley Bennett, Riley Keough o Mia Wasikowska en simples adornos o cameos para la historia. Solo Eliza Scanlen se escapa medianamente de ese estigma. La narrativa caótica no ayuda, y el guion tampoco profundiza mucho en los personajes masculinos, pero les da tiempo en pantalla y cosas que hacer.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Tiene elementos de En el camino, por ejemplo, y del cine de Walter Salles.

EN CONCLUSIÓN En su reparto y puesta en escena está su mayor virtud.

Peca de superficial, caótica y torpe a veces. El guion es mejorable. Buena sin más. J.U. #####

EL PRACTICANTE

EL REY DEL BARRIO

España, 2020; Director: Carles Torras; Fotografía: Juan Sebastián Vasquez; Guion: David Desola, Hèctor Hernández Vicens y Carles Torras; Música: Santos Martínez; Intérpretes: Mario Casas (Ángel), Déborah François (Vane), Guillermo Pfening (Ricardo), Maria Rodríguez Soto (Fisioterapeuta), Celso Bugallo (Vicente); Duración: 94 min.; Estreno en Netflix: 16-9-2020

The King of Staten Island

SINOPSIS Ángel, un técnico en emergencias sanitarias, sufre un accidente de ambulancia que lo deja en silla de ruedas.

PARA RECORDAR Es un tour de force interpretativo por parte de Mario Casas, uno de los actores más versátiles de nuestro cine. Esta vez se mete en la perturbada mente de Ángel, en el que quizá sea el papel más extremo y oscuro de su filmografía. A través de este personaje, el realizador Carles Torras aborda las consecuencias del machismo y de las relaciones tóxicas, haciendo especial hincapié en la obsesión por el control y las habilidades para la manipulación emocional que tienen estos psicópatas. Para diferenciarse de otras propuestas recientes de acosadores como Hogar, Torras apuesta más en su primera mitad por construir un perfil psicológico a fuego lento que por concatenar situaciones de tensión.

PARA OLVIDAR La atención absoluta en el protagonista hace que el resto de personajes apenas tengan espacio en la historia. Algunas relaciones son inverosímiles, como la de Vane con Ricardo, y ciertos elementos que nacen con vocación de subtrama, como el robo y el trapicheo de Ángel, se terminan desvelando como débiles plantings que sirven a la resolución argumental. La segunda mitad de la película desaprovecha la buena construcción del personaje de Ángel para introducirnos en otra convencional historia sobre psicópata secuestrador obsesionado con su pareja. Es cierto que el final es más satisfactorio y más políticamente correcto que el de Hogar. Aunque como ocurre con el resto de la propuesta, también es más inconsistente si tenemos en cuenta el comportamiento de cierto personaje en la película.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Películas sobre acosadores como Mientras duermes u Hogar.

EN CONCLUSIÓN De haber aprovechado mejor su localización para generar tensión y pulido más los personajes, podría haber estado a la altura de una joya del thriller psicológico patrio como es la película de Jaume Balagueró. ##### A.G.

EE UU, 2020; Director: Judd Apatow; Fotografía: Robert Elswit; Guion: Judd Apatow, Pete Davidson y Dave Sirus; Música: Michael Andrews; Intérpretes: Pete Davidson (Scott Carlin), Bel Powley (Kelsey), Ricky Velez (Oscar), Lou Wilson (Richie); Duración: 136 min.; Estreno en EE UU: 20-6-2020; Estreno en España: 9-10-2018 Distribuye: Universal Pictures

SINOPSIS Scott Carlin (Pete Davidson) es un joven sin muchas aspiraciones en la vida. El chico se pasa los días fumando y tomando drogas de todo tipo, al lado de sus desastrados amigos. Sin embargo, su existencia da un vuelco cuando su madre conoce a un bombero veterano, del que esta se enamora perdidamente.

PARA RECORDAR Judd Apatow maneja el humor costumbrista y millennial de una manera más que aceptable, con un protagonista central que exhibe una completa galería de miedos e incertidumbres. En este terreno, el cineasta obtiene el apoyo dramático del actor Pete Davidson, quien ofrece un retrato cargado de matices y aptitudes políticamente incorrectas, en el cuerpo del citado personaje.

PARA OLVIDAR La sensación de que la trama evoluciona ralentizada en exceso, con las constantes meteduras de pata del desquiciante Scott Carlin. Ni siquiera las situaciones cómicas consiguen aliviar la impresión de pérdida de interés; gags que parecen demasiado flojos, y que Davidson ejecuta de manera rutinaria y carente de frescura.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… La filmografía de Judd Apatow es la mejor garantía para testar si El rey del barrio arrancará el beneplácito de los espectadores. De Virgen a los 40 a Y de repente tú.

EN CONCLUSIÓN Entretenida comedia relativa a un veinteañero con graves problemas de adaptación social. A pesar de que el humor es un tanto descafeinado, la película mantiene el tipo; sobre todo, por la esforzada caracterización de Pete Davidson, quien se mete de lleno en la piel y la desconcertante psique de Scott Carlin. Entre las sorpresas que depara el filme, se encuentra la recuperación de la casi siempre resaltable Marisa Tomei en el rol de la madre del protagonista. J.M. #####

LA HABITACION

FALLING

The Room

Canadá, 2020; Director: Viggo Mortensen; Fotografía: Marcel Zyskind; Guion: Viggo Mortensen; Música: Viggo Mortensen; Intérpretes: Viggo Mortensen (John Peterson), Lance Henriksen (Willis), Sverrir Gudnason), Laura Linney (Sarah), Hannah Gross (Gwen); Duración: 112 min.; Estreno en España: 2-10-2020 Distribuye: Caramel Films

SINOPSIS Con problemas de salud y memoria, Willis pide a su hijo mudarse cerca de él y su familia en California, por lo que pasará unos días con ellos. Pero el carácter conservador y agresivo de Willis choca con su hijo liberal y gay, casado con otro hombre.

PARA RECORDAR El debut como director y guionista de Viggo Mortensen no podía ser más prometedor. El actor se sitúa detrás de las cámaras para diseccionar a una familia y contar cómo convivir con un tipo violento, malhablado, irascible, insoportable, machista, maltratador, racista y cualquier otro apelativo que se les ocurra. Pero en manos de Lance Henriksen y del guion, nunca odiamos a Willis. Como su hijo, brillante también Mortensen como actor, sentimos pena por él. La mezcla de humor y drama eleva la película, llena de momentos memorables, de enfrentamientos que no terminan de producirse hasta un determinado momento. Una historia agridulce de amor entre un hijo y su padre, quien parece que nunca será capaz de quererle, contada también a través de su infancia con continuos flashbacks y momentos de la infancia, con su padre, su madre y la segunda esposa de Willis. Y cómo todo ello se entremezcla en la memoria del anciano. La escena final es emotiva, sencilla y maravillosa. Mortensen se muestra como un narrador sobrio, elegante y sutil, muy atento al detalle (ojo a cómo es cada casa).

PARA OLVIDAR Tiene que ver con el estado del personaje, pero los flashbacks son a veces confusos y no del todo bien estructurados.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Tiene cierto parecido con Nebraska, la verdad.

EN CONCLUSIÓN Drama muy cercano, carta de amor de un hijo a su padre (pese a todo) y con suerte, candidata al algún premio, por ejemplo, para Lance Henriksen. J.U. #####

MI NIÑA Francia, 2019; Director: Lisa Azuelos; Fotografía: Antoine Sanier; Guion: Lisa Azuelos; Música: Yael Naim; Intérpretes: Sandrine Kiberlain (Héloïse), Thaïs Alessandrin (Jade), Victor Belmondo (Théo), Mickaël Lumière (Louis); Duración: 85 min.; Estreno en Francia: 13-3-2019; Estreno en España: 910-2020 Distribuye: Vercine

SINOPSIS Heloise (Sandrine Kiberlain) es una madre de tres hijos divorciada que debe afrontar la marcha de su hija menor Jade (Thaïs Alessandrin) al extranjero.

PARA RECORDAR El síndrome del nido vacío es el tema principal que aborda la directora francesa Lisa Azuelos (LOL), que cuenta con una de las actuaciones más solventes de su filmografía, pero que a nivel narrativo sigue cayendo en la misma superficialidad y clichés que la han perseguido durante toda su carrera. La brecha generacional entre madre (moderna, pero familiar) e hija (independiente y sin dejar que nada ni nadie le corte las alas) es el motor dramático de la película, sin embargo…

PARA OLVIDAR A la hora de explorar la soledad y el sentido de la responsabilidad de Heloise, la película funciona mejor cuando lo hace a través de sus fallidos ligues que cuando apuesta por los repetitivos flashbacks con los niños o el colegueo forzado entre madre e hija. Muchas madres se sentirán identificadas en esa necesidad de la protagonista de consentir a su hija por el miedo a la pérdida, pero ciertas situaciones en casa, como el botellón o la primera vez de Jade, rayan lo inverosímil. El resto de personajes y elementos de la película están desaprovechados y no aportan grandes conflictos dramáticos: el grupo de amigas, los ligues o la multa en el restaurante no tienen recorrido en la historia, lo que la convierte en un viaje emocional que ya hemos visto en infinidad de ocasiones. A su retrato sobre la soledad de las madres solteras le falta profundidad y verdadero sentimiento, y el que hace sobre los adolescentes es un simple folletín cargado de tópicos.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Comedias francesas ligeras que abordan las vicisitudes de las relaciones entre padres e hijos, como Mañana empieza todo.

EN CONCLUSIÓN Mi niña es una visión superficial de las madres modernas y del síndrome del nido vacío que se hace larga para sus escasos 85 mi##### nutos. A.G.

Francia, 2019; Director: Christian Volckman; Fotografía: Reynald Capurro; Guion: Sabrina B. Karine, Eric Forestier, Christian Volckman basado en una idea de Christian Volckman; Música: Raf Keunen; Intérpretes: Olga Kurylenko (Kate), Kevin Janssens (Matt), Joshua Wilson (Shane (niño)), John Flanders (John Doe); Duración: 99 min.; Estreno en Portugal: 12-9-2019; Estreno en España: 2-102020 Distribuye: F&P Media

SINOPSIS Matt y Kate se mudan a una vieja casa aislada. Al poco de llegar, descubren un cuarto secreto que les da un número ilimitado de deseos materiales, pero ella siempre ha deseado tener un hijo.

PARA RECORDAR El director Christian Volckman regresa a la dirección trece años después de su debut con Renacimiento (Renaissance). Alejado esta vez de la animación, pero sin olvidar los códigos del thriller, el director se sumerge de lleno en el fantástico con claros apuntes sociológicos y filosóficos.

Es fácil cuestionarse las reglas que establece una película como esta, pero el punto de partida es lo suficientemente sugerente y peculiar como para enganchar a los espectadores. La propuesta no se termina agotando en un escenario tan limitado porque el director consigue hibridar géneros tan dispares como el fantástico, el drama psicológico o el thriller. Esto le permite explorar temas como los sacrificios de la maternidad o las consecuencias de la codicia y de jugar a ser Dios. Unos temas que están reflejados en los dos protagonistas y que terminan confluyendo en un brillante y terrorífico giro final.

PARA OLVIDAR Con ambos intérpretes tan metidos en sus papeles, se echa en falta una mayor exploración dramática de sus personajes, y que esta estuviera mejor conectada con el misterio de la habitación. A partir de la llegada de un nuevo miembro a la familia, el realizador se olvida de las posibilidades argumentales de la habitación y se centra en buscar unas respuestas que dejan al descubierto las carencias de la película. Si uno se detiene a pensar, la habitación funciona como una materialización del deus ex machina y si un personaje busca respuestas solo tiene que pedírselas.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… La relación maternofilial me ha recordado a Los otros.

EN CONCLUSIÓN Una ingeniosa y sugerente vuelta de tuerca a las histo##### rias sobre casas encantadas. A.G.

NACIÓN CAUTIVA

16

Captive State EE UU, 2019; Director: Rupert Wyatt; Fotografía: Alex Disenhof; Guion: Erica Beeney y Rupert Wyatt; Música: Rob Simonsen; Intérpretes: John Goodman (William Mulligan), Ashton Sanders (Gabriel Drummond), Jonathan Majors (Rafe Drummond), Vera Farmiga (Jane Doe); Duración: 109 min.; Estreno en EE UU: 15-3-2019; Estreno en España: 9-10-2020 Distribuye: EOne

SINOPSIS La Tierra está dominada desde hace diez años por extraterrestres y un joven que forma parte de un grupo de rebeldes se propone plantarles cara.

PARA RECORDAR Nación cautiva es una distopía en forma de thriller político de espías que tiene ecos de asuntos tan candentes como las políticas migratorias de Trump y el ascenso de la ultraderecha. En ese sentido, presenta puntos en común con El origen del planeta de los simios y la invasión extraterrestre es el contexto perfecto para hablar de temas como la privación de libertad en favor del control y la seguridad o la rebelión como método para combatir la represión. La definición perfecta sería un cruce entre Distrito 9, Jason Bourne y V de vendetta. Bebe mucho del cine de Greengrass, especialmente en cuanto a la dirección cámara en mano y el tono por momentos documental, y tiene los giros, “agentes dobles” y gadgets que pueden esperar los fans del género, sin embargo…

PARA OLVIDAR Todo el entramado de intriga y del atentado suena a ya visto con mejores soluciones argumentales y medios. La parte de acción y tensión, con secuencias como la del estadio o del autobús con los cazadores, pedía una mayor presencia de los extraterrestres y aprovechamiento de la puesta en escena. No pudo ser, seguramente por presupuesto. En cuanto al personaje protagonista y el grupo de rebeldes, apenas tienen relieve y trasfondo emocional, teniendo que tirar John Goodman de veteranía para salvar un personaje que solo crece al final del segundo acto.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Es un interesante giro a la premisa argumental de Distrito 9, cambiando aliens por humanos como especie sometida.

EN CONCLUSIÓN Su planteamiento es relativamente novedoso y su final sorprendente, razones más que suficientes para darle una oportunidad tal y como está la cartelera. Aun así, se esperaba más del regreso de Rupert Wyatt ##### a la ciencia ficción. A.G.

REGRESO A HOPE GAP

NO MATARÁS

Hope Gap

España, 2020; Director: David Victori; Fotografía: Elías M. Félix; Guion: Jordi Vallejo, David Victori y Clara Viola; Música: Adrian Foulkes y Federico Jusid; Intérpretes: Mario Casas (Dani), Elisabeth Larena (Laura), Victor Solé (Guardia de seguridad), Milena Smit (Mila); Duración: 92 min.; Estreno en España: 16-10-2020 Distribuye: Filmax

Reino Unido, 2019; Director: William Nicholson; Fotografía: Anna Valdez-Hanks; Guion: William Nicholson; Música: Alex Heffes; Intérpretes: Annette Bening (Grace), Bill Nighy (Edward), Josh O'Connor (Jamie), Aiysha Hart (Jess); Duración: 100 min.; Estreno en Italia: 3-10-2019; Estreno en España: 23-10-2020 Distribuye: A Contracorriente

SINOPSIS Un joven de buen corazón, tímido y que siempre piensa en los demás, tras la muerte de su padre, conoce a una joven una noche. Lo que parece un afortunado encuentro se convertirá en un mortal accidente y en una noche de locura y terror para el joven.

SINOPSIS Un maduro matrimonio vive en la costa y recibe la visita de su hijo. Dicha visita cambiará todo para siempre, porque el marido la aprovechará para anunciar que planea separarse de su mujer y pedir el divorcio tras casi 30 años juntos.

PARA RECORDAR Mario Casas se puede echar una película así a las espaldas sin despeinarse. Su trabajo en No matarás es el alma de una cinta fallida e irregular, que se sostiene gracias al actor, demostrando una vez más que no está donde está por casualidad, ni mucho menos. Junto a él, el trabajo del director, David Victori. Arriesgado, elegante y personal. Apuesta por los planos secuencia y por la reducción de la relación de aspecto para atosigar a los personajes. Buen trabajo.

PARA RECORDAR El trabajo de Bill Nighy y Annette Bening es digno de enmarcar. La película se centra en lo que sucede entre cuatro paredes, ya sea en la casa (o en otras casas), en la oficina o incluso en una iglesia. Casi podría parecer una obra teatral. Pero entonces el director y guionista, William Nicholson, nos lleva a esos parajes costeros llenos de rocas y acantilados que tan bien describen el estado emocional de los personajes en su camino. Eso amplia lo que el reparto, que no el guion, nos está contando. Unos actores tan buenos que solo por ellos merece la pena pagar el precio de la entrada de la película, que además tiene una ajustada duración. Los cara a cara entre ellos dos son simplemente soberbios.

PARA OLVIDAR El guion es flojo. Muy, muy flojo, me temo. Es fallido desde casi el minuto 1 al final de la película. El encuentro entre el personaje de Mario Casas y el de Milena Smit es inverosímil en el mejor de los casos. Y es el menor de los problemas del libreto, que a partir de ese momento cae en una espiral en la que el personaje protagonista siempre toma la decisión más estúpida posible. No la peor, la más boba. La que nos hace pensar que se buscaba más el impacto que la coherencia. Pasar de un rincón remoto a un hospital en dos segundos la misma noche, la escena con la policía, el final dentro del hospital…, todo está lleno de incongruencias y fallos garrafales de guion.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Me recordó a Corre, Lola, corre, pero muy inferior.

EN CONCLUSIÓN Un thriller muy fallido del que se pueden rescatar el elemento visual y a su reparto, sin duda. J.U. #####

PARA OLVIDAR Tiene algunos problemas de guion desde el inicio. La presentación de personajes ya hace la historia muy descompensada entre los dos personajes centrales. Ella es… odiosa gran parte del metraje. Violenta incluso.

Y él es encantador pese a lo que hace. Mucho tiene que remar Bening contra su personaje y un guion que, además, peca de ser algo simple y poco profundo. No llega a ahondar en los dramas que mueven a los personajes y los deja algo perdidos.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Tiene algo que ver con Los puentes de Madison, pero lejos de la calidad de aquella. Buena, pero no tanto.

EN CONCLUSIÓN Es una película buena, pero con sus dos protagonistas… Había más que explorar y mostrar. J.U. #####

THE BABYSITTER: KILLER QUEEN

16

EE UU, 2020; Director: McG; Fotografía: Scott Henriksen; Guion: Dan Lagana; Música: Bear McCreary; Intérpretes: Judah Lewis (Cole), Samara Weaving (Bee), Jenna Ortega (Phoebe), Emily Alyn Lind (Melanie); Duración: 102 min.; Estreno en Netflix: 10-9-2020

SINOPSIS Dos años después de derrotar a la secta satánica liderada por Bee, Cole trata de olvidar su pasado y centrarse en sobrevivir en el instituto.

Cuando antiguas fuerzas del mal regresan, el joven no tiene más remedio que volver a plantarles cara.

PARA RECORDAR Killer Queen vuelve a funcionar como un cruce entre el slasher y el cine juvenil ochentero, cargado de diálogos y situaciones absurdas que se mofan de los tópicos del cine de terror adolescente, de gore hiperbólico y de toneladas de frikismo. El director McG garantiza algunas carcajadas al sacar más provecho de secundarios como los irreverentes padres de Cole y Melanie. Algunas caras nuevas, como la combativa Phoebe, son un soplo de aire fresco.

PARA OLVIDAR En esta ocasión, el grupo de asesinos es demasiado numeroso como para sacar partido de sus variopintas personalidades. El personaje de Andrew Bachelor, que se reía continuamente de los clichés de los personajes negros en las películas de terror, tiene más cancha para desplegar su verborrea e ironía; y Robbie Amell, Bella Thorne o Hana Mae Lee repiten lo que ya funcionaba en la original. Sin embargo, el relevo de Samara Weaving no está a su altura. La película calca el esquema argumental de la primera parte, con situaciones reiterativas, y desaprovecha el nuevo escenario del lago. Es demasiado vasto y se pierde la intriga del juego del ratón y el gato en la casa, con la que se conseguía conjugar mejor el terror y la comedia. McG ha querido que todo sea más grande, y al final le termina sobrando metraje y alguna que otra ida de olla visual.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Producciones que mezclan el terror con la comedia absurda, como Noche de bodas, Feliz día de tu muerte…

EN CONCLUSIÓN Es más floja que la primera. La escena poscréditos deja abierta la posibilidad de una tercera entrega, que debe proponer nuevas situaciones y ahondar en la mitología de la secta si quiere disfrutar de un cierre ##### digno. A.G.

UNA VENTANA AL MAR España, 2019; Director: Miguel Ángel Jiménez; Fotografía: Gorka Gómez Andreu; Guion: Luis Gamboa, Miguel Ángel Jiménez y Luis Moya; Música: Pascal Gaigne; Intérpretes: Akilas Karazisis (Stefanos), Kostas Petrou (Sotiris), Emma Suárez (Maria), Gaizka Ugarte (Imanol); Duración: 105 min.; Estreno en España: 2-10-2020 Distribuye: Filmax

SINOPSIS María (Emma Suárez) es una mujer a la que le acaban de diagnosticar un cáncer de colon. Según los médicos, la enfermedad se ha extendido por su cuerpo, por lo que su esperanza de vida es mínima, a pesar de las terapias recomendadas. Ante la situación planteada, María decide emprender un viaje a Grecia con sus dos mejores amigas. Un destino que le ofrecerá una nueva visión de la realidad que experimenta, al lado de un marinero llamado Stefanos (Akilas Karazisis).

PARA RECORDAR La brillante puesta en escena de Miguel Ángel Jiménez, y el adecuado tiempo narrativo en el que este embarca la historia. Entre los logros más notables del filme se encuentra la imaginativa perspectiva romántica, con la que se acerca al grave problema de salud al que se enfrenta la protagonista.

PARA OLVIDAR En algunos momentos, la evolución dramática puede resultar un tanto redundante, y dar la sensación de que las imágenes están congeladas en un ritmo cansino.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Tanto por el paisajismo, como por la incorporación de un personaje que se enfrenta a su despedida de la vida, Una ventana al mar recuerda mucho a la inolvidable Temporada alta, de Clare Peploe.

EN CONCLUSIÓN Excelente obra de hondura sentimental, cuidada y precisa. Ante semejante guion, siempre pendiente de los detalles, Emma Suárez y Akilas Karazisis realizan unas interpretaciones más que notables, en la piel de la confusa María y del comprensivo y pétreo Stefanos. Ellos dan sentido, con sus gestos y silencios, a esta historia de amor crepuscular, a la que la falta de tiempo lastra desde su iniciación. Como elementos añadidos, se encuentran las referencias visuales a maestros del arte como Dalí y Miguel Ángel. J.M. #####

Series de T.V.

FICHA TÉCNICA Creador: Dan Harmon.

Productores ejecutivos: Anthony y Joe Russo.

Género: Sitcom.

Música: Tema de créditos “At Least It Was Here” de The 88. Música de Ludwig Göransson.

Emisión en EE UU: 17 de septiembre de 2009-2 de junio de 2015, NBC, última temporada, Yahoo! Screen.

Emisión en España: 5 de noviembre de 2010, SET-25 de enero de 2017, Amazon Prime.

Reparto: Joel McHale (Jeff Winger), Gillian Jacobs (Britta Perry), Danny Pudi (Abed Nadir), Alison Brie (Annie Edison), Ken Jeong (Ben Chang), Yvette Nicole Brown (Shirley Bennett), Jim Rash (Decano Pelton), Donald Glover (Troy Barnes), Chevy Chase (Pierce Hawthorne), Richard Erdman (Leonard).

Sinopsis: Jeff Winger pierde su trabajo como abogado cuando se descubre que no tiene el título del que presumía. Así se ve obligado a apuntarse a la Greendale Community College, una universidad pública en Colorado, donde conocerá a un muy peculiar grupo de alumnos con los que formará un grupo de estudio de español. Lo que parecía la mayor desgracia de su carrera se convierte en la oportunidad de su vida para recondu-

• Dan Harmon es actualmente uno de los más reputados creadores y guionistas de comedia, no solo gracias a la serie que nos ocupa hoy, sino también a su siguiente gran proyecto, Rick y Morty, serie de animación de culto cocreada junto con Justin Roiland.

Pero otro de sus logros vino evidentemente de la mano de Community. Harmon era un guionista de cine y televisión responsable sobre todo de series de sketches en el Channel 101 que él mismo creó, donde había puesrto en marcha el show de Sarah Silverman, por ejemplo, o colaborado con Jack Black y Owen Wilson.

Junto a uno de sus habituales colaboradores, Rob Schrab (cofundador de Channel 101), incluso escribió el guion de Monster Hunter, película de animación nominada al Oscar.

Una sólida carrera cuando en 2009 se le ocurrió la idea para Community y se convirtió en uno de los nombres más cotizados en Hollywood en la comedia.

• Como es habitual en estos casos, el creador tiró de su experiencia personal, optando por adaptar, en cierta medida, su propia experiencia en la Universidad Pública de Greendale, pero la real situada en California. Harmon acudió a la universidad siendo un joven que quería solucionar sus problemas con su novia de aquel momento. En aquella universidad, Harmon pensaba que dar clase junto a su chica le serviría para que ella descubriese que se tomaba las cosas en serio, y acabó participando en un grupo de estudio de español con el que no tenía nada en común y que, pese a ello, se convirtió en parte imprescindible de su vida, desarrollando grandes lazos y amistades con todos ellos. Esa idea le serviría para contar ahora una historia similar, pero llevándolo al mundo más bizarro de un Greendale donde todo es posible y donde, realmente, nada sucede.

• Aunque, eso sí, quien realmente ha conseguido que su carrera se dispare por el éxito de la serie no son sus actores (pese a que lanzó

COMMUNITY

las carreras de Joel McHale, Gillian Jacobs o Donald Glover, resucitó la de Chevy Chase o reforzó la de Alison Brie) ni su creador, sino dos de sus directores y productores, los hermanos Anthony y Joe Russo, quienes se convertirían en uno de los pilares del universo cinematográfico de Marvel, dirigiendo Capitán América: el soldado de invierno, Civil War y las dos últimas entregas de Vengadores: Infinity War y Endgame. Nadie pensaba que los dos directores fuesen capaces de dar el salto de una sitcom single camera o de cámara única, a una superproducción como las antes mencionadas, pero no solo lo consiguieron, sino que se han convertido en dos nombres sinónimo de éxito, como prueba Extraction en Netflix o la compra de Cherry, su siguiente película, por parte de Apple.

• Tras la tercera temporada, Dan Harmon fue despedido de la serie, lo que causó gran revuelo en la serie. Con él se marcharon Chris McKenna y Dino Stamatopoulos, y de la serie se hicieron cargo David Guarascio y Moses Port. A Harmon se le acusaba de causar retrasos en el rodaje y peleas con los guionistas. La audiencia cayó considerablemente, y los mismos actores consideran la cuarta temporada una pérdida de fuelle y la peor.

McHale hizo campaña para el regreso de Harmon, que fue recontratado por Sony en la siguiente temporada. Pese a ello, Community fue cancelada al acabar la quinta temporada, por NBC, y tras unas negociaciones fallidas con Hulu, Yahoo! Screen la compró para una sexta temporada.

• Otra polémica en la serie fue la vivida con Chevy Chase.

Según todos los implicados, especialmente Dan Harmon y Donald Glover, Chase se encargó de hacer la participación de Glover cada vez más difícil, con comentarios racistas delante y detrás de las cámaras. Eso llevó a que Chase dejase de ser parte del reparto protagonista tras la cuarta temporada y desapareciese en la última. Glover tampoco pudo volver para la sexta y última temporada. Se decía que había una actitud de celos por parte de Chase hacia su compañero, una estrella en alza. Chase, posteriormente, declaró que estaba entristecido de que su compañero de reparto lo viese así. De hecho, Glover regresó para “Table Read”, la lectura del episodio 4 de la quinta temporada que realizó todo el reparto y Pedro Pascal, durante la pandemia. Pero no Chevy Chase.

• Desde el final de la serie se habló de una posible película de Community. El proyecto fue retrasándose pero a inicios de 2020 cogió fuerza de nuevo, y con el capítulo de la pandemia se confirmó que había interés por parte de reparto y creadores. Por ahora no hay nada confirmado. Pero hay varias webseries de Community que enlazan diversos personajes y temporadas, incluyendo una de animación en la que el personaje de Abed empieza a trabajar para el decano como asistente. Se pueden ver en la web de la Universidad de Greendale, creada para la ocasión.

J.U.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

OPERACIÓN WHISKY Father Goose 1964; EE. UU.; Color; Director: Ralph Nelson; Guion: Peter Stone, Frank Tarloff; Música: Cy Coleman; Fotografía: Charles Lang; Intérpretes: Cary Grant, Leslie Caron, Trevor Howard, Jack Goode, Sharyl Locke, Pip Sparke, Verina Greenlaw, Stephanie Berrington, Jennifer Berrington, Laurelle Felsette, Nicole Felsette, Alex Finlayson, Peter Forster, Richard Lupino, Frank Marocco, John Napier, Simon Scott, Don Spruance, Ken Swofford; Duración: 118 minutos.

Ganadora del Oscar al Mejor Guion original y nominada a Mejor Sonido y Montaje, esta comedia de trasfondo bélico se basa en la historia A Place of Dragons, escrita por S. H. Barnett. También fue nominada al Globo de Oro en la categoría de Mejor Película de comedia o musical.

Cary Grant aceptó el papel renunciando a ser el protagonista de la adaptación del musical My Fair Lady, e intentó que su compañera en el reparto de Charada le diera la réplica en esta comedia, pero paradójicamente Audrey Hepburn estaba ya fichada para hacer My Fair Lady.

Penúltima película de Cary Grant en la que interpreta a Walter Eckland, un personaje que sigue uno de los clichés habituales de las películas bélicas, el del tipo que no quiere saber nada de la guerra y que está muy a gusto con su vida en un sitio tranquilo y apartado al comienzo de la historia.

A medida que esta se va desarrollando, se va viendo inmerso cada vez más en el conflicto, habitualmente a causa de alguna monja o misionera a la que le han quemado su iglesia, asesinado a su padre o cualquier otro tipo de personaje desvalido que necesita protección, léase niños, heridos y similar (el modelo La Reina de África y Solo Dios lo sabe, ambas dirigidas por John Huston, son en este territorio títulos que tener muy en cuenta). Milagrosamente, muchos de estos personajes consiguen dejar también la bebida en el transcurso de la película y sin apuntarse a ningún grupo de Alcohólicos Anónimos. Lo logran únicamente aguantando las puyas e insultos del supuesto ser desvalido que deben proteger y del que se enamorarán seguro si este resulta ser una mujer casadera. M.J.P.

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ESCUADRÓN 633 633 Squadron 1964; Reino Unido, EE. UU; Color; Director: Walter Grauman; Guion: James Clavell, Howard Koch; Música: Ron Goodwin; Fotografía: Edward Scaife; Intérpretes: Cliff Robertson, George Chakiris, Maria Perschy, Harry Andrews, Donald Houston, Michael Goodliffe, John Meillon; Duración: 102 minutos.

Un detalle que tener en cuenta para el público actual es que el ataque final a una fábrica alemana de armas protegida por una montaña en Noruega recuerda un poco a la escena final de La guerra de las galaxias (1977) de George Lucas, en la que un grupo de pilotos rebeldes atacan la Estrella de la Muerte a través de una trinchera para soltar sus bombas en un sitio concreto.

Como curiosidad, el actor que interpretó al líder rebelde del Escuadrón Rojo de Alas-X en Star Wars, Drewe Henley, también participó en Escuadrón 633 si bien su nombre no apareció finalmente en los créditos de la película.

El guion se basa en la novela del mismo título escrita por Frederick E. Smith y publicada en 1956. Smith participó en la Segunda Guerra Mundial como oficial de la Royal Air Force. Algunas de las operaciones que conoció durante el conflicto le sirvieron de base para crear el imaginario Escuadrón de Bombardeo 633, formado en su mayoría por aviones De Havilland DH 98 conocidos popularmente como “mosquitos”. Curiosamente, aunque la RAF nunca contó con un Escuadrón 633, sí existió un Escuadrón 613 que utilizaba mosquitos, así como un Escuadrón 617, cuyas misiones sirvieron de inspiración a la película. Al ser el primer largometraje de aviación rodado en color y en el sistema Panavisión, la utilización de material real filmado durante el conflicto se hizo imposible y fue necesario emplear tanto aviones reales, que habían sido retirados del servicio por la RAF en 1963, como modelos en miniatura.

En esa parte del proyecto, el director disfrutó especialmente porque él mismo había sido piloto de bombarderos B-25 durante la Segunda Guerra Mundial. En el rodaje, se utilizaron cinco mosquitos que habían sido retirados del servicio, aunque para los efectos especiales se utilizaron también modelos en miniatura. M.J.P.

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SOLO DIOS LO SABE

REY Y PATRIA

Heaven Knows, Mr. Allison

King And Country

1957; EE. UU.; Color; Director: John Huston; Guion: John Lee Mahin, John Huston; Música: Georges Auric; Fotografía: Oswald Morris; Intérpretes: Robert Mitchum, Deborah Kerr; Duración: 107 minutos.

1964; Reino Unido; Blanco y negro; Director: Joseph Losey; Guion: Evan Jones, A. E. Housman; Música: Larry Adler; Fotografía: Denys N. Coop; Intérpretes: Dirk Bogarde, Tom Courtenay, Leo McKern, Barry Foster, Peter Copley, James Villiers, Jeremy Spenser, Barry Justice, Vivian Matalon, Keith Buckley, James Hunter, Jonah Seymour, Larry Taylor, David Cook, Richard Arthure; Duración: 88 minutos.

Nominada al Oscar al Mejor Guion adaptado, se basa en la novela de Charles Herbert Shaw, escritor australiano que además fue el creador del detective Dennis Delaney en una serie de novelas policiacas escritas bajo el seudónimo de Bant Singer, y que murió en 1955 antes de poder ver adaptada al cine en esta película su novela más popular a nivel internacional. La novela se había publicado en 1952 y tiene como protagonistas a dos náufragos a la fuerza en una isla controlada por los japoneses durante la Segunda Guerra Mundial.

Huston supo sacarle el máximo partido a la química entre Mitchum y Kerr, él interpretando al cabo de los marines Allison del título y ella a la hermana Ángela, la atractiva monja con la que tiene que convivir en la isla, y que cada vez empieza a atraerle más. Entre las diferencias de novela y la película, en el original literario la acción se sitúa antes en el desarrollo de la guerra en el Pacífico, con Allison como superviviente de la batalla de Corregidor, en un momento en que los aliados están puestos a la defensiva ante el arrollador avance japonés.

La escocesa Deborah Kerr fue nominada al Oscar y al Globo de Oro por este trabajo, que paradójicamente no la llevó a tener reconocimiento en los premios Bafta del cine inglés, en los que su compañero de reparto, Mitchum, sí fue nominado como mejor actor extranjero.

El largometraje, que inevitablemente recuerda a otro título destacado del director, La Reina de África, del que ya hemos hablado en otra entrega de este mismo coleccionable, contó con un presupuesto de tres millones de dólares que recaudaron en taquilla, solo en cines estadounidenses, 4 200 000 dólares.

M.J.P.

Realizada inicialmente para la televisión británica, no llegó a ser emitida. Contó con un presupuesto muy bajo y se rodó en menos de un mes.

Finalmente, fue estrenada en el Festival de Venecia en 1964, y en allí Tom Courtenay recibió el Premio al Mejor Actor. El guion se basa en la obra teatral de 1964 Hamp, escrita por John Wilson, y en la novela de James Lansdale Hodson Return to the Wood, publicada en 1955. Aunque no apareció en los créditos del guion, el protagonista, Dirk Bogarde, que además de actor era también escritor, realizó algunas alteraciones y añadidos al guion de la película.

Transformada en título de culto, Rey y patria sigue los pasos a un soldado británico –interpretado por Tom Courtenay, actor especialista en tipos existencialistas torturados– que en las trincheras de Passchendaele, durante la Primera Guerra Mundial, es acusado de deserción. El capitán Heargreaves, al que da vida Bogarde, tiene que defenderle. El soldado fue voluntario a la guerra, es el único superviviente de su compañía, y nada hacía presagiar que un buen día abandonaría el frente por su cuenta para darse una vuelta por Londres. El problema al que se enfrenta es que los oficiales superiores han decidido hacer con él un escarmiento para evitar otras deserciones, a pesar de los tres años de servicio que ya ha prestado el joven. En los textos de partida, el tema de la guerra de clases estaba presente también en este conflicto en torno a quién es la carne de cañón en el frente, la clase trabajadora, frente a la clase media liberal representada por el personaje de Bogarde, pero en la película eso fue sustituido por un debate de corte moralista más digerible para censura. M.J.P.

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EL TREN The Train 1964; Francia, Italia, EE. UU.; Blanco y negro; Director: John Frankenheimer; Guion: Franklin Coen, Frank Davis, Walter Bernstein, Howard Dimsdale, Albert Husson, Nedrick Young; Música: Maurice Jarre; Fotografía: Jean Tournier, Walter Wottitz; Intérpretes: Burt Lancaster, Paul Scofield, Jeanne Moreau, Suzanne Flon, Michel Simon, Wolfgang Preiss; Duración: 142 minutos.

Se inspira en el libro Le front de l’art de Rose Valland, en el que se detallaban todas las obras de arte saqueadas por los nazis en museos y colecciones privadas de Francia, una de las “aficiones” del mariscal Hermann Göring. Valland era historiadora del arte y formó parte de la resistencia francesa, llegando a alcanzar el grado de capitana en el Ejército francés y convirtiéndose en la mujer más condecorada en la historia de Francia. Llevando en secreto un detallado registro, fue capaz de salvar miles de obras de arte durante el conflicto.

Arthur Penn era el director de la película, pero el carácter íntimo y alejado de la acción que quería darle al filme no convencía a Burt Lancaster, que buscaba una película de acción que tuviera éxito en taquilla, así que tras parar la producción, doblar el presupuesto y reescribir partes del guion, John Frankenheimer fue contratado para encargarse de la dirección. Y lo primero que hizo fue ponerse al frente de un proyecto empeñado en ser realista en toda su propuesta, de manera que Burt Lancaster hizo todas sus escenas de acción él mismo. En palabras de Frankenheimer: “No hay trucos en la película.

Si dos trenes se estrellan, son dos trenes reales. No hay otra forma de conseguir este tipo de realidad”.

El tren fue nominada al Oscar en la categoría de Mejor Guion original, y también la nominaron a los premios Bafta del cine británico entre las mejores películas del año. Tuvo un presupuesto que se alejaba sin duda de la visión intimista del asunto que proponía Arthur Penn: 6 700 000 dólares, y si bien en su estrenó contó con una copia de 142 minutos de duración, circuló comercialmente luego con un recorte que la dejaba en 133 minutos. M.J.P.

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SECRETA INVASIÓN The Secret Invasion 1964; EE. UU.; Color; Director: Roger Corman; Guion: R. Wright Campbell; Música: Hugo Friedhofer; Fotografía: Arthur E. Arling; Intérpretes: Stewart Granger, Raf Vallone, Mickey Rooney, Edd Byrnes, Henry Silva, Spela Rozin, William Campbell, Helmo Kindermann, Enzo Fiermonte, Peter Coe, Nan Morris, Helmut Schneider, Giulio Marchetti; Duración: 95 minutos.

Conociendo a Roger Corman se podría pensar que el argumento de la película protagonizada por un comando formado por criminales está “inspirado” en Doce del patíbulo. Sin embargo Secreta invasión se estrenó tres años antes. A Corman se le ocurrió filmar una película bélica en Dubrovnik tras hojear un ejemplar de la revista National Geographic mientras esperaba en la consulta de su dentista. Tras escribir un borrador de la historia le pasó el encargo de escribir el guion a R. Wright Campbell, con el que ya había trabajado en Rivales pero amigos (The Young Racers, 1963).

Titulado en un principio Dubious Patriots (Patriotas dudosos), en dicho guion el comando de criminales tenía originalmente la misión de rescatar a un científico atómico. Como los Corman nunca desechaban nada, este título fue aprovechado por Gene Corman en otro proyecto protagonizado por Tony Curtis y Charles Bronson, ambientado en la guerra greco-turca de 1922 y que terminaría por titularse en España Bajo cualquier bandera (1970). Dirigida por Peter Collinson contaría además con otros dos títulos originales en inglés (You Can’t Win ‘Em All y Soldiers of Fortune). Se ve que a los Corman le sobraban los títulos. Por cierto, Roger dijo de su hermano Gene que era “el mejor productor con el que he trabajado”.

Entre las decisiones que tomó Roger Corman para culminar este proyecto se contaba ir alternando cuidadosamente a sus estrellas para no ocuparlas más tiempo del estrictamente necesario, haciendo que las sustituyeran figurantes en escorzo en algunos planos. Cuestión de ajustar al máximo el presupuesto. De ese modo, podía contar con nombres famosos en el reparto para promocionar el tema como Granger o Rooney.

A pesar de todo, es un buen ejemplo de cine bélico transformado en intriga de aventuras. M.J.P.

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LA BATALLA DE LAS ARDENAS

36 HORAS

Battle of the Bulge

36 Hours

1965; EE. UU.; Color; Director: Ken Annakin; Guion: Philip Yordan, Milton Sperling, John Melson; Música: Benjamin Frankel; Fotografía: Jack Hildyard; Intérpretes: Robert Shaw, Henry Fonda, Robert Ryan, Dana Andrews, George Montgomery, Ty Hardin, Pier Angeli, Charles Bronson, Hans Christian Blech, Werner Peters, James MacArthur, Telly Savalas; Duración: 167 minutos.

1964; EE. UU.; Blanco y negro; Director: George Seaton; Guion: George Seaton, Karl K. HIttleman, Luis H. Vance; Música: Dimitri Tiomkin; Fotografía: Philip H. Lathrop; Intérpretes: James Garner, Eva Marie Saint, Rod Taylor, Werner Peters, John Banner, Sig Ruman, James Doohan, Joe Di Reda, Harold Dyrenforth; Duración: 115 minutos.

El gran protagonista de la película es el tanque M47 Patton, utilizado en multitud de películas bélicas de los años cincuenta y sesenta para servir como tanques aliados y carros de combate alemanes. El Patton comenzó su servicio en el Ejército estadounidense en 1951. En el caso de La batalla de las ardenas estos vehículos sirvieron para representar al Panzer VI Königstiger Tiger II, diseñado por la empresa alemana Henschel con el objetivo de sustituir al Tiger I. El tanque ligero estadounidense M24 Chaffee sirvió para sustituir a los M4 Shermans aliados. Rodada en la sierra de Guadarrama, en Madrid, el Ejército español ayudó en el rodaje prestando 75 carros de combate y vehículos, así como con la participación como extras de 500 soldados.

La película, basada en la historia de Roald Dahl Beware of the Dog, sigue los pasos de un oficial norteamericano que ha participado en la reunión final del general Eisenhower sobre el desembarco en Normandía. El 1 de junio de 1944 es enviado a Lisboa para que confirme si los alemanes siguen engañados, esperando una invasión de los aliados por el Paso de Calais. El problema es que allí es capturado y enviado a Alemania. Pero es al despertar más envejecido y en mayo de 1950 en un hospital estadounidense de una Alemania vencida y ocupada cuando realmente empieza su aventura.

Richard Fleischer y Edward Dmytryk estuvieron a punto de dirigir la película, que –por otra parte– no le hizo ninguna gracia a Dwight D. Eisenhower, presidente de Estados Unidos y general durante el conflicto, que llegó incluso a abandonar su retiro para convocar una rueda de prensa para criticar la película. Quizá fuera porque el asesor militar no era un oficial de los aliados, sino el coronel alemán Meinrad von Lauchert. Ya se sabe, la propaganda siempre sienta mal cuando es del otro bando, especialmente si no te deja en muy buen lugar como líder de los aliados en un momento particularmente comprometido de la contienda, como fue la ofensiva alemana de Rundstedt por Bélgica que entre sus objetivos tenía el de recuperar el puerto de Amberes, punto esencial para el avance aliado.

Presupuestada en 6,5 millones de dólares, fue una de las películas más taquilleras del año. Tuvo dos nominaciones al Globo de Oro: Telly Savalas fue nominado como Mejor Actor de Reparto y la música de Benjamin Frankel.

M.J.P.

El argumento tiene tanto gancho que ha sido imitado en varias ocasiones en populares series de televisión. En Star Trek inspiró primero el capítulo “Futuro imperfecto” de la cuarta temporada de Star Trek: la nueva generación, en el que el comandante William Riker (Jonathan Frakes) despierta 16 años en el futuro convertido en el capitán de la Enterprise mientras el oficial romulano Tomalak (Andreas Katsulas) intenta sonsacarle la situación de los puestos de defensa de la zona neutral aprovechando las pacíficas relaciones de la Federación con el Imperio romulano, así como en los episodios de amnesia que sufre el comandante. La premisa de la película fue también utilizada en el tercer capítulo de la segunda temporada de la serie de la franquicia de Star Trek: Voyager titulado “Projections”, y en Star Trek: Enterprise en el capítulo de la tercera temporada “Stratagem”. Además, el capítulo titulado “Operación Rogosh” de la serie Misión: Imposible también está inspirado por esta película, y, a su vez, la premisa está presente como guiño en el sexto largometraje derivado de la franquicia cinematográfica que a su vez procedía de esta, Misión Imposible: Fallout, que también incorpora esta premisa argumental. M.J.P.

Grandes películas de Cine Bélico (XXVI) Repasamos un puñado de títulos de cineastas que encuentran en el cine bélico unas claves diferentes de las de la propaganda y el espectáculo comercial.

En los años sesenta, el productor Walter Mirisch decidió que quería producir una película sobre los aviones Mosquito en la Segunda Guerra Mundial, y para ello quiso fichar a John Sturges como productor y a William Holden, Jack Lord y Peter Lawford como protagonistas.

Corría el año 1959, y esa jugada no le salió, pero finalmente en los años sesenta Escuadrón 633 se convirtió en realidad con un presupuesto de 1 300 000 dólares que el productor consideró recuperados solo con lo recaudado en el periodo de explotación en Reino Unido. Los 1 700 000 dólares que se recaudaron en Estados Unidos y Canadá estimularon a Mirisch a iniciar un ciclo de películas bélicas ambientadas en la Segunda Guerra Mundial y rodadas en el Reino Unido.

Doce millones y medio de dólares recaudó Operación Whisky disfrazándose de comedia bélica para revelarse luego como comedia romántica en clave familiar. Producto bastante previsible, la crítica señaló el cansancio de Grant al interpretar el papel y el sentimentalismo que marcaba finalmente lo que debería haber sido una comedia picaresca.

Otra historia de romance contra pronóstico mejor orquestada la encontramos en Solo Dios lo sabe, de John Huston, pensada inicialmente con Marlon Brando en el papel que luego interpretó Robert Mitchum, y que acabó convertida en la película favorita de este entre todas las que protagonizó. Un proyecto anterior de adaptación contemplaba a William Wyler como director y Kirk Douglas como protagonista masculino, sustituidos en una versión inmediatamente anterior a la filmada por John Huston por un proyecto que habría dirigido Anthony Mann con Clark Gable.

En otra línea de trabajo y en otro conflicto completamente distintos, Joseph Losey volvió a poner los debates morales susci-

tados en la Primera Guerra Mundial en pantalla con Rey y patria, película nominada a seis premios Bafta del cine británico, que sacó partido a las condiciones de su rodaje (filmada en un set, en decorados claustrofóbicos), para reflexionar sobre la situación de un soldado acusado de deserción, atrapado en un laberinto casi kafkiano en una película que a pesar de esas circunstancias de su rodaje no es teatral en absoluto, sino plenamente cinematográfica.

En un nivel también relativamente modesto, pero jugando al gran espectáculo, Roger Corman, uno de los productores y directores más prolíficos del cine estadounidense, manejó para Secreta invasión –claramente inspirada por la superproducción Los cañones de Navarone, que en su momento también repasaremos en este coleccionable–, el presupuesto más elevado de su carrera como productor y director hasta ese momento: 600 000 dólares.

Quienes hayan visto la película Monuments Men, dirigida y protagonizada por George Clooney en 2014, la recordarán cuando vean El tren de John Frankenheimer, porque ambas abordan un tema interesante entre los daños colaterales de la Segunda Guerra Mundial: el expolio de obras de arte a manos de los ejércitos de ocupación. Ambas señalan a los alemanes como principales perpetradores del crimen, y ciertamente Göring, Goebbels y el resto de la camarilla nazi de Hitler se mostraron especialmente activos en este asunto, pero ya sabemos que la historia la escriben los que ganan, y hubo casos que implicaban a otros ejércitos de ocupación a lo largo de todo el conflicto. El que esté libre de pecado que tire la primera piedra.

36 horas toma como referencia el trasfondo bélico de la Segunda Guerra Mundial para proponer una intriga que, en realidad, tiene todas la claves propias de la Guerra Fría.

Por último, en La batalla de las Ardenas, a pesar de las estrellas estadounidenses convocadas para la ocasión, los alemanes tenían bastante protagonismo, con Robert Shaw al frente interpretando al coronel Hessler, personaje de ficción basado en el SS-Standartenführer Joachim Peiper, al que se consideró criminal de guerra responsable de la masacre de los prisioneros de guerra de Malmedy.

Miguel Juan Payán

71

las mejores películas que nunca hemos visto

NAPOLEÓN

apoleón y Kubrick. Dos mentes analíticas y brillantes, bendecidas con la excelencia táctica y dotadas de un mecanismo de precisión que les permitía anticiparse a cualquier contingencia. No cuesta entender por qué el cineasta, obsesivo ya de por sí, se obcecó en llevar a la gran pantalla la vida del emperador corso. Para él, fue una de las personalidades que dieron un vuelco a la historia y que escribieron el destino no solo de su generación, sino de las venideras. Pero también le fascinaba cómo un hombre de su inteligencia cometió una cadena de errores que desembocó en la derrota de Waterloo y su posterior exilio en Santa Elena. Curiosamente, Kubrick acabaría cayendo en el mismo pecado que Bonaparte: la megalomanía. Su película no sería una biopic más: nunca antes tantos extras se habían acumulado en pantalla, nunca antes una cinta histórica había sido tan rigurosa hasta extremos enfermizos. En definitiva,

N

sería una obra perfecta, que era lo que buscaba Kubrick con cada nuevo proyecto. Sin embargo, su Napoleón también terminaría por hincar la rodilla.

Cuando aún estaba inmerso en la posproducción de 2001: una odisea en el espacio (1968), ya tenía muy claro que su siguiente filme giraría en torno al militar francés. Según confesó al crítico Joseph Gelmis en su libro El director es la estrella, consideraba que las películas sobre Napoleón no habían estado a la altura del personaje. Ni siquiera el clásico que dirigió Abel Gance en 1927 y que encontraba “realmente terrible”. Su investigación iba a ser mucho más profunda. El director leyó cientos de obras, desde relatos del XIX hasta biografías modernas. Desglosó toda la información de sus pesquisas en categorías: los gustos alimentarios de Napoleón, el

72

de Stanley Kubrick

clima del día en que se libró una batalla en concreto... Contó con la asesoría de un reputado profesor de Oxford, que respondería a todas las dudas que le surgían, así como con un equipo de veinte personas que ya trabajaba en la creación de prototipos de vehículos, armas y trajes de la época, todos inspirados en pinturas y relatos, y que serían producidos en masa. De hecho, reunió más de 30.000 ilustraciones y multitud de fotos de exteriores, en un trabajo de investigación digno de cátedra.

En cuanto al reparto, si bien el principal candidato para dar vida a Bonaparte era David Hemmings, uno de los nombres claves del cine europeo de los sesenta, parece que Kubrick se decantaría finalmente por un joven talento llamado Jack Nicholson, mientras que Audrey Hepburn encarnaría a Josefina.

Kubrick narraría, literalmente, todo lo que concernía a la figura de Napoleón. Su guion no esquivaría highlights tales como su relación con Josefina, que ya de por sí le parecía “una de las grandes pasiones obsesivas de todos los tiempos”.

Pero, para él, el interés residía en que su historia no dejaba de tener paralelismos con la actualidad: el abuso de poder, la relación del individuo con el Estado, la dinámica de la revolución social, el militarismo...

Estaba ofuscado en transmitir en imágenes la “brillantez estética” de aquellas cruentas batallas, vistas por Kubrick casi como “piezas musicales” y “ballets letales”. Para ello, necesitaba contar con 40.000 soldados de infantería y 10.000 de caballería. Y con ello no quería decir extras: lo que el realizador buscaba eran tropas reales de fuerzas armadas, que serían “alquiladas” para la producción. El Gobierno de Rumanía, uno de los países donde se rodaría el filme, se mostró vivamente interesado.

Aquello no era una simple película. Y los directivos tanto de MGM como de United Artists, estudios que pensaron en auspiciar el rodaje, dieron un paso atrás, a pesar de que Kubrick propusiera recrear el vestuario en papel para abaratar costes. Las epopeyas históricas constituían una operación de riesgo, y el fracaso de Waterloo (1970), superproducción de Dino De Laurentiis, no hizo sino confirmarlo. Al final, Kubrick aprovechó su trabajo de campo para emplearlo en Barry Lyndon (1975). Y si bien Steven Spielberg anunció en 2013 que repescaría su guion para una miniserie, en una jugada similar a la que acometió con AI (2001), el sueño de Kubrick de levantar la que podía ser, según sus palabras, la mejor película jamás realizada, sigue siendo hoy una quimera.

Jaime V. Echagüe

PRÓXIMOS ESTRENOS Por Alejandro Gómez

En guerra con mi abuelo

Ni de coña

Volver a empezar (Herself) Hasta el cielo

EE UU; 2020; Título original: The War with Grandpa; Dirección: Tim Hill; Guión: Tom J. Astle, Matt Ember y Robert Kimmel Smith; Fotografía: Greg Gardiner; Música: Aaron Zigman; Intérpretes: Robert De Niro, Uma Thurman, Rob Riggle; 94 mins; Distribuye: Diamond Films.

España; 2020; Dirección: Fernando Ayllón; Guión: Fernando Ayllón; Fotografía: Henry Albadán; Intérpretes: Jordi Sánchez, Nathalie Seseña, Goyo Jiménez; 90 mins; Distribuye: Alfa Pictures.

Irlanda y Reino Unido; 2020; Título original: Herself; Dirección: Phyllida Lloyd; Guión: Malcolm Campbell y Clare Dunne; Fotografía: Tom Comerford; Música: Natalie Holt; Intérpretes: Molly McCann, Clare Dunne, Ruby Rose O'Hara; 97 mins; Distribuye: Caramel.

Robert De Niro, quien nos ha dejado una larga lista de interpretaciones míticas en películas como Taxi Driver o El Padrino 2, regresa a un terreno en el que ya ha demostrado sentirse muy cómodo. En guerra con mi abuelo es una comedia familiar que se centra en las disputas entre Ed (De Niro) y su nieto Peter (Oakes Fegley). Todo comienza cuando el personaje de De Niro se muda con su familia y ocupa la habitación de Peter, lo que provoca una guerra abierta entre ambos. Al veterano actor lo acompañan otros nombres ilustres de Hollywood, como Christopher Walken o Uma Thurman.

El director y guionista colombiano Fernando Ayllón (No andaba muerto, estaba de parranda) cruza el charco y estrena una coproducción con España en la que destacan nombres importantes de la comedia patria. Nathalie Seseña, Goyo Jiménez, J. J. Vaquero y Jordi Sánchez protagonizan una historia en la que cuatro parejas deciden irse de retiro espiritual a un exclusivo resort del Caribe con el fin de salvar su relación. Para lograrlo, deberán superar las extrañas pruebas creadas por unos gurús del amor, en las que aparte de su relación también tendrán que salvar sus propias vidas.

España 2020; Dirección: Daniel Calparsoro; Guión: Jorge Guerricaechevarría; Fotografía: Josu Inchaustegui; Intérpretes: Luis Tosar, Miguel Herrán, Carolina Yuste; 121 mins; Distribuye: Universal.

La versátil directora Phyllida Lloyd (Mamma Mia! La película, La dama de hierro) regresa con una historia sobre amistad y autodescubrimiento, con un marcado carácter feminista, que cautivó en el Festival de Sundance de este año. En ella, Clare Dunne interpreta a Sandra, una joven madre soltera que un día decide abandonar a su abusivo marido y luchar contra el corrupto sistema inmobiliario. Con ayuda de sus amigos, hace realidad su sueño, que consiste en construir su propio hogar, un lugar seguro y libre de peligros donde poder criar a sus dos hijas pequeñas.

El nuevo thriller de Daniel Calparsoro cosechó buenas críticas en su paso por el Festival de Málaga y tras su retraso de finales de agosto para evitar los efectos del virus y de los gigantes de la taquilla como Tenet, por fin llega a las salas de cine españolas.

En la película, Miguel Herrán interpreta a Ángel, un joven al que le cambia la vida al conocer a Estrella en una discoteca. Tras una pelea con Poli, el posesivo novio de la chica, este le anima a unirse a una banda de atracadores que tiene en jaque a toda la policía de Madrid. Esta oferta hace que Ángel se vea envuelto en una vorágine de atracos, dinero negro y negocios turbios que le llevan a ser acorralado por Duque, un incansable detective.

¿Conoces a Tomás?

Relic

Érase una vez...

Los papeles de Aspern

México; 2019; Dirección: María Torres; Guión: María Torres y Enrique Vázquez; Fotografía: Carlos Hidalgo; Música: Renato del Real; Intérpretes: Hoze Meléndez, Leonardo Ortizgris, Marcela Guirado; 87 mins; Distribuye: Fenic.

Australia y EE UU; 2020; Dirección: Natalie Erika James; Guión: Natalie Erika James y Christian White; Fotografía: Charlie Sarroff; Música: Brian Reitzell; Intérpretes: Emily Mortimer, Robyn Nevin, Bella Heathcote; 89 mins; Distribuye: Selecta.

EE.UU; 2020; Título original: Come Away; Director: Brenda Chapman; Guión: Marissa Kate Goodhill basado en los relatos de J.M. Barrie y Lewis Carroll; Fotografía: Jules O'Loughlin; Música: John Debney; Intérpretes: Gugu Mbatha-Raw, Angelina Jolie, David Oyelowo, Michael Caine, Clarke Peters; 94 mins; Distribuye: DeaPlaneta.

Reino Unido y Alemania; 2018; Título original: The Aspern Papers; Dirección: Julien Landais; Guión: Jean Pavans, Julien Landais y Hannah Bhuiya; Fotografía: Philippe Guilbert; Música: Vincent Carlo; Intérpretes: Jonathan Rhys Meyers, Vanessa Redgrave, Joely Richardson; 90 mins; Distribuye: Adso Films.

Brenda Chapman El príncipe de Egipto, Brave regresa con una historia de magia y fantasía que lanza al aire la siguiente pregunta: ¿Y si la Alicia de Lewis Carroll y el Peter de J.M. Barrie fueran hermanos? Todo arranca cuando el hermano mayor de ambos sufre un trágico accidente que sume a sus padres en la desesperación más absoluta. Esta situación los lleva a tener que elegir entre el hogar o su propia imaginación, creando así el escenario de sus famosos viajes al País de las Maravillas y a Nunca Jamás. La película, protagonizada por Angelina Jolie, se estrenó en el pasado Festival de Cine de Sundance.

La popular novela de Henry James vuelve a tener una adaptación.

Quien esta vez se pone detrás de las cámaras es Julien Landais, con el objetivo de plasmar toda la ironía y elegancia de la prosa de James.

Ambientada en la Venecia del siglo XIX, cuenta la historia de un ambicioso editor (Jonathan Rhys-Meyers) obsesionado con el poeta romántico Jeffrey Aspern y su corta y romántica vida. Esto le lleva a viajar de Estados Unidos a Venecia con el objetivo de conseguir las cartas que Aspern envió a su amante y musa (Vanessa Redgrave), una mujer que esconde celosamente sus secretos.

La directora mexicana María Torres debuta con una comedia dramática centrada en el autismo y en dar visibilidad a la enfermedad utilizando como cebo la carcajada. Todo comienza cuando Leo le promete a su novia Fer que será más responsable y se compromete a cuidar de su hermano Tomás mientras ella practica una cirugía. Sin embargo, Leo y su amigo Chris rompen la promesa y se llevan a Tomás a la boda de un famoso productor, donde tocarán junto con sus coristas y, sobre todo, descubrirán lo especial que puede llegar a ser Tomás.

Natalie Erika James (Creswick, Drum Wave) debuta en la dirección de largometrajes con un thriller de terror claustrofóbico, más centrado en la psicología de los personajes que en los jump scares. La historia se centra en una hija, una madre y una abuela que son acosadas por un tipo de demencia que está consumiendo a la familia. La crítica la ha bautizado como una de las mejores películas de terror del año, y no es para menos, teniendo nombres tan potentes en su reparto como el de Emily Mortimer y de productores a Jake Gyllenhaal y los hermanos Russo.

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Correo del lector Por Miguel Juan Payán

Fábio Assunçao y Kivanç Tatlituğ Ana.

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stimada lectora, no todas las cosas que preguntas puedo responderlas.

Por ejemplo, no puedo darte la dirección postal del actor Can Yaman.

Tampoco puedo responder algunas de las preguntas que me haces de las vidas privadas de algunos actores. Así que si alguna pregunta de tu misiva ha quedado sin responder, lo lamento, pero los datos que te aporto en la respuesta son los que tengo disponibles y los que, por otra parte, creo Fábio Assunc ao que son viables tratarlos en la premisa de espacio y temática del correo de la revista ACCIÓN. Fábio Assunçao nació en São Paulo (Brasil) el 10 de agosto de 1971.

Estrella de la televisión brasileña, tiene en su carrera las siguientes series: Meu Ben, Meu Mal (1990), Vamp (1991), De Corpo e Alma (1992), Sonho Meu (1993), Você decide (1995), Pátria Minha (1994), O Rei do Gado (1996), A Comédia da Vida Privada (1997), Por amor (1997), Labirintho (1998), La fuerza del deseo (1999), Brava Gente (2001), Os Maias (2001), Coraçao de Estudante (2002), Os Normais (2003), A Grande Familia (2003), Celebridade (2003-2004), Mad Maria (2005), JK (2006), Paraíso tropical (2007), Negócio da China (2008), Dalva e Herivelto: Uma Cançao de Amor (2010), S. O. S. Emergência (2010), Clandestino: O Sonho Começou (2010), As Brasileiras (2012), Tapas & Beijos (20112014), Luz, Câmera, 50 Anos (2015), Totalmente Diva (2015), La fórmula (2017), Donde nacen los fuertes (2018), Onde Está Meu Coraçao (2020) y Todas as Mulheres do Mundo (2020). A estas que hay que añadir los largometrajes A Hora Marcada (2000), Bellini e a Esfinge (2002), Duas Vezes com Helena (2002), Cristina Quer Casar (2003), Sexo, Amor e Traiçao (2004), Espelho d´Água: Uma Viagem no Rio São Francisco (2004), Primo Basílio

Joseph Pilato y los videojuegos José Vicente (Massanassa, Valencia).

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engo la fuerte impresión de que ya he contestado hace tiempo en esta misma sección otra pregunta sobre Joseph Pilato, actor al que en el cine se le recuerda fundamentalmente por su trabajo como superviviente en la base subterránea de El día de los muertos (1985), de George A. Romero. En todo caso, no me importa hacer un breve repaso de su filmografía, incluyendo, como me pides, sus trabajos en los que pone la voz a algunos videojuegos. Es la siguiente: Zombi: el regreso de los muertos vivientes (1978); Effects (1979); Los caballeros de la moto (1981); El día de los muertos (1985); el episodio No Room at the Inn, de la serie Spenser, detective privado (1985); Pisa a fondo (1986); la serie The Young and the Restless (1986); Terminal Force (1989); Shooters (1989); Alienator (1990); Empire of the Dark (1990); Cause of Death (1991); Las aventuras de Brisco Country, el episodio Pirates (1993); Joseph Pilato The Evil Inside Me (1993); Married People,

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Podéis despejar vuestras dudas enviando una carta a: REVISTA ACCIÓN (Correo) C/ La Higuera, 2-2ºB, 28922 Alcorcón (Madrid) O bien por e-mail (asunto: correo) a: redaccion@accioncine.es Y también por WhatsApp: 672 015 018 O telegram: @AccionCineSeries

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(2007), Bellini e o Demônio (2008), Do Começo ao Fim (2009), País do Desejo (2012), Totalmente inocentes (2012), Entre Idas y Vindas (2016) y L. O. C. A. (2020). El actor se casó con la modelo Priscila Borgonovi en abril de 2002 y se divorciaron en 2005 después de tener un hijo, João Assunçao, nacido el 21 de enero de 2003. Además, tiene una hija, Ella Felipa Tavares Assunçao, nacida el 9 de mayo de 2011, con la fotógrafa Karina Tavares. Su segunda esposa es Ana Verena Pinheiro, con la que contrajo matrimonio en octubre de 2020.

En cuanto a Kivanç Tatlituğ, nació el 27 de octubre de 1983 en Ardana (Turquía), se graduó en la Universidad de Cultura de Comunicación, Cine y Diseño Multimedia de Estambul. Es hijo de madre turca, su abuela paterna era una inmigrante bosnia de Sarajevo y su abuelo paterno era un inmigrante de Pristina (Albania).

Comenzó a trabajar como modelo en el año 2002 y su carrera como actor se inició en 2005 con la serie de televisión Gümüş. Junto con su carrera cinematográfica, es el embajador más joven de Unicef.

En su filmografía se cuentan, además, los siguientes títulos: Amerikalilar Karadeniz’de 2 (2007), Menekşe ile Halil (2007), Amor prohibido (2008), Ezel (2010), Kuzey Güney: dos hermanos y un mismo amor (2011), Kelebeğin Rüyasi (2013), Kurt Seyit ve Şura (2014), Sühan: venganza y amor (2016), Hadi Be Oğlum (2018), Çarpişma (2018) y Organize Işler 2: Sazam Sarmali (2019). De Can Yaman ya contesté otra carta en este mismo correo con los datos disponibles. El parecido de Can Yaman con Clark Gable no lo compro. Pienso que se parecen como un huevo a una castaña. Pero, por supuesto, como tantas otras cosas Kivanc Tatlituğ en esta vida, es opinable.

Single Sex (1994); Pulp Fiction (1994), donde encarnaba a Dean Martin; El sello de Satán (1994), película para televisión; Policía de acero (1995); WarHawk: The Red Mercury Missions (1995), videojuego en el que prestó voz a Kreel; Pasión fatal (1995); Angel Devoid: Face of the Enemy (1995), videojuego en el que prestó voz al doctor Garnett y al mayor Waterford; Secret Places (1996); Neon Signs (1996); la serie BeetleBorgs (1996), donde puso la voz a Vexor; Wishmaster (1997); Star Trek: Starfleet Academy (1997), videojuego en el que puso la voz al personaje de Emdervoss; Snake Skin Jacket (1997); Visions (1998); Con los ojos del corazón (1998); The Last Seduction II (1999); Black Angel 2 (1999); Bloodbath (1999); Digimon: la película (2000), donde puso voz a MetalGreymon, papel que repitió en las series de televisión Digimon (1999-2001) y Digimon 02 (2000-2001); Might and Magic IX (2002), videojuego; The Ghouls (2003); Lord of EverQuest (2003), videojuego; Wardog (2007), cortometraje; Someone´s Knocking at the Door (2009); CZW: Walking on Pins and Needles (2010), videojuego en el que interpretó al capitán Rhodes; The Black Box (2010); 9 am (2014), cortometraje; Shhhh (2014); Night of the Living Dead: Darkest Dawn (2015); Ihailed (2016); Parasites (2016); The Chair (2016); y Attack in LA (2018). Nació el 16 de marzo de 1949 en Boston, Massachusetts (Estados Unidos), y falleció el 24 de marzo de 2019 en Los Ángeles (California).

CORREO DEL LECTOR Nacho Martínez, Ion Gabella y Diana Gálvez Juan (Catarroja, Valencia).

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acho Martínez nació el 8 de julio de 1952 en Mieres y falleció el 24 de julio de 1996 en Oviedo. Murió joven, víctima de una larga enfermedad, pancreatitis, que se manifestó cuando participaba en el ensayo de una obra de teatro. Tenía solo 44 años, lo que no le impidió dejar una huella en el audiovisual español con sus trabajos en Tasio (1984); Extramuros (1985); Caso cerrado (1985); la miniserie Los pazos de Ulloa (1985); Hierro dulce (1985); Matador (1986); El viaje a ninguna parte (1986); La mitad del cielo (1986); Adiós, pequeña Nacho Martínez (1986); el cortometraje Amarga amargura (1986); La ley del deseo (1987); la serie El olivar de Atocha (1989); Los días del cometa (1989); El anónimo… ¡vaya papelón!

(1990); A solas contigo (1990); la serie Los jinetes del alba (1990); el capítulo El crimen de Perpignan, de la serie La huella del crimen (1991); su aparición en la serie Una hija más (1991); La viuda del capitán Estrada (1991); Tacones lejanos (1991); la serie Para Elisa (1993); La febre d´or (1993); la serie Un día volveré (1993); los capítulos Luciérnagas y Dual, de la serie Historias del otro lado (1996); y su colaboración en el papel de Crane, y sin aparecer en los créditos, de Mi nombre es sombra (1996). Además, dobló a Richard Chamberlain en la serie El pájaro espino (1983); a Paul Naschy, esto es, Jacinto Molina, en el papel de Irineus Daninsky, en La bestia y la espada mágica (1983); a Tim Roth en Un marido perfecto (1993); prestando su voz también como narrador en los cortometrajes Los vaqueiros de alzada de Asturias (1985) y La soledad del director (1990). Su nombre completo era Ignacio Martínez Navia-Osorio, estaba afincado en papeles de galán, había estudiado Filosofía y Letras en la Universidad de Oviedo y se forjó como actor en uno de los grupos teatrales independientes más destacados de los años ochenta, Caterva, de Asturias.

Entre otros astros estadounidenses, puso su voz también al servicio del doblaje, en los estudios Sincronía, de Sylvester Stallone y Richard Gere.

Ion Gabella nació en Vitoria-Gasteiz (Álava) el 4 de junio de 1968 y falleció el 29 de julio de 2002 en Zumaya (Guipúzcoa). Era miembro fundador de la compañía teatral Sobradún y, tras aparecer en dos cortometrajes, A kien pueda interesar (1986) y Akixo

(1989), fue una presencia de creciente protagonismo en los repartos el cine español desde su aparición como Macario en Todo por la pasta (1991) y como Chepa Montero en Acción mutante (1993). En su filmografía están también Cómo ser infeliz y disfrutarlo (1994); la miniserie La regenta (1995); Salto al vacío (1995); Atolladero (1995); Hotel y domicilio (1995); Tengo una casa (1996); Calor… y celos (1996); Pasajes (1996); Cuestión de suerte (1996); Caminantes nocturnos (1996); el cortometraje Adiós prisión (1996); Suerte Ion Gabella (1997); Abre los ojos (1997); la serie Entre dos fuegos (1998); Muertos de risa (1999); Año mariano (2000); La comunidad (2000); Báilame el agua (2000); la serie Robles, investigador (2000); La voz de su amo (2001); Gente pez (2001); Visionarios (2001); las series El comisario (2000) y Ana y los siete (2002); Canícula (2002); El robo más grande jamás contado (2002) y la película para televisión La noche del escorpión (2002).

Gabella falleció en un accidente de tráfico que segó su vida cuando contaba solo 34 años. El actor conducía una moto Yamaha que colisionó frontalmente con un automóvil, y falleció en el mismo lugar del accidente.

Después de haber rodado su contribución como actriz en Historias del Kronen (1995), de Montxo Armendáriz, Diana Gálvez — nacida en 1971— falleció en un accidente de tráfico en Madrid el 20 de abril de 1995 cuando contaba tan solo 24 años. No pudo ver estrenada la película en los cines. El accidente tuvo lugar en la carretera entre Pozuelo y Majadahonda cuando el coche en el que viajaba derrapó en una curva. Todo indicaba que su inclusión entre los jóvenes actores del reparto de Historias Diana Gálvez del Kronen iba a ser un potente trampolín para hacerla avanzar en su trayectoria profesional ante las cámaras, que había iniciado en 1992 en la serie Tango, a la que siguió la miniserie Picasso (1993), el largometraje Tocando fondo (1993) y las series Truhanes (1994), Canguros (1994) y Colegio mayor (1994). Tras Historias del Kronen tenía también pendiente de estreno Canela que tú me dieras (1996) y el largometraje Eso (1996), de Fernando Colomo. Además, había escrito y dirigido el cortometraje Tradición familiar-soliloquios en 1994.

Las Semillas del Diablo Óscar (Valladolid).

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a secuela de La semilla del diablo, dirigida por Roman Polanski y estrenada en 1968, es una película rodada para televisión que en España se estrenó con el título ¿Qué pasó con el bebé de Rosemary?, dirigida por Sam O’Steen y estrenada en 1976, en la que el papel de Rosemary interpretado en el original por Mia Farrow pasó a ser interpretado por Patty Duke (que había sido una de las candidatas a interpretar el papel en el cine a las órdenes de Polanski), con Ruth Gordon retomando el papel de Minnie, en un argumento bastante disparatado, que como no podía ser de otro modo, dio como resultado una película mala.

Aquí nos cuentan que el niño en cuestión fue a criarse a un burdel, y ya crecido hace frente al hecho de que es el hijo del demonio.

Luego se rodó una miniserie para televisión que llegó a las parrillas de programación en 2014 con el mismo título de la película de Polanski, Rosemary’s Baby, repitiendo también en la versión española para su exhibición en nuestro país. No era tan buena como el original de Polanski, y no aportaba nada a la versión de la novela de Ira Levin que no estuviera ya incorporado a la versión de Roman

¿Qué pasó con el bebé de Rosemary?

Polanski. Innecesario vehículo de explotación y ordeño de la fama de la película estrenada a finales de los años sesenta, con Zoe Saldana interpretando a Rosemary, Patrick J. Adams en el papel de marido que encarnara John Cassavetes, y Carole Bouquet interpretando a la vecina del aquelarre, la señora Castevet, a la que diera vida Ruth Gordon en la película. Te puedes ahorrar las dos secuelas. Vale más volver a ver la de Polanski.

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El reparto nos habla de

La Maldición de Bly Manor Desde el pasado 9 de octubre, podemos disfrutar en Netflix de La maldición de Bly Manor, la continuación espiritual de La maldición de Hill House, creada por Mike Flanagan y que nos traslada a una nueva mansión y nuevos espíritus, en un relato basado en la obra de Henry James. Para analizar la serie contamos con Henry Thomas, Victoria Pedretti y Oliver JacksonCohen, quienes ya estuvieron en la temporada anterior (en otros personajes), y T’Nia Miller y Amelia Eve, quienes nos contaron todos, o casi todos, los secretos de la nueva temporada.

Algo dentro de la mansión de Bly Manor rodea a los pequeños que la habitan, y es tremendamente protectora con ellos, especialmente con Flora.

Su hermano Miles, en cambio, tiene una personalidad más marcada, algo siniestra y en algunos momentos realmente peligrosa.

La Maldicion de Bly Manor e nuevo voy a empezar con un aviso. En esta ocasión, como la serie se estrenó hace ya un par de semanas, los actores nos hablaron de ella con total libertad. Por eso, es posible que sus declaraciones contengan spoilers. Si no habéis visto La maldición de Bly Manor, por favor, tened cuidado con lo que viene a continuación. Los más importantes los señalaremos igualmente. La serie es una continuación espiritual de La maldición de Hill House, cambiando el tono, los personajes, la localización… Una serie antológica que cambia al Reino Unido para adaptar la novela de Henry James Otra vuelta de tuerca, además de la esencia de su obra y de las historias de horror gótico. Si ya la habéis visto, sabéis que en esa nueva temporada las cosas se cuecen a fuego lento, que todo va más despacio, más calmado. La serie maneja otras claves distintas a la anterior y ese es su mayor acierto. No quiere contentar a todos, quiere encontrar su camino y ser absolutamente distinta. De hecho, Mike Flanagan solo dirige un episodio. Ya sabemos que la historia es la de una joven, Dani (Victoria Pedretti) que es contratada para cuidar de dos niños en una antigua mansión por parte de su tío (Henry Thomas). Allí, junto con los niños (interpretados por Amelie Bea Smith y Benjamin Evan Ainsworth) está el ama de llaves, la señorita Grose, el chófer y cocinero Owen (Rahul Kohli), y la jardinera Jamie (Amelia Eve). La antigua niñera de los jóvenes (Tahirah Sharif) falleció trágicamente. Y algo pudo tener que ver la presencia de Peter (Oliver Jackson-Cohen). Eso y la figura siniestra de la Dama del Lago, el fantasma que ronda (o no) la mansión.

Pero ¿qué diferencia ambas series, esta y Hill House?

Nos habla de ello el reparto que repite, empezando por Jackson-Cohen: “Creo que fue muy inteligente por parte de Mike [Flanagan] hacerla de esta forma, porque La maldición de Hill House tengo la sensación de que fue una serie perfecta, y no creo que se pueda hacer algo más perfecto que eso. Era un bebé al que llevaba mucho tiempo intentando dar a luz, en cierta medida. Pero debido a que tuvo éxito, tenía que hacer algo completamente distinto, no puedes hacer simplemente Hill House 2 e intentar reutilizar los mismos trucos e ideas de nuevo. Así que lo que es en esencia es una serie muy, muy diferente. Pero viene de la mente de la misma persona, así que va a haber cosas similares. La forma en que él enfoca la historia no cambia, está interesado en el lado humano y cómo funciona…, en el aspecto humano. Que es el mismo tratamiento que había en Hill House, pero creo que es muy inteligente ir en una dirección totalmente distinta, porque a la gente le gustó esa serie, y no creo que tengamos que hacer un remake de Hill House”. Victoria Pedretti tiene algo más que añadir: “Además, creo que está adaptando a un nuevo escritor que tiene un estilo distinto. Y mientras que la esencia de Mike Flanagan, la

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El pequeño lago que se encuentra cerca de la casa, es uno de los lugares más interesantes que podemos encontrar en Bly Manor.

esencia de sus historias, viene a través de la forma en que llegamos a conocer a estos personajes íntimamente, también lo hace incorporando el estilo gótico que existe en la obra de Henry James. Creo que es algo esencial lo que está intentando conseguir en esta serie antológica”.

No podía faltar la experiencia de Henry Thomas al respecto.

“Como actor fue emocionante y mucho más divertido hacer La maldición de Bly Manor que La maldición de Hill House 2. Para mí la historia de los Crain [la familia protagonista de Hill House] estaba completamente contada y explicada para todos en la primera temporada. No había más sitios que explorar en la historia. Creo que la mayor diferencia entre esta temporada y la temporada de Hill House es que Mike Flanagan dirigió todos los episodios de Hill House, y no ha estado en todos los episodios de esta temporada como director. Así que la sensación es diferente de algún modo, pero creo que la idea de la serie sigue siendo cien por cien Mike Flanagan”. Justo a raíz de eso, Pedretti quiere decir algo más al respecto del trabajo como actores: “Como actriz he apreciado hacer algo diferente. Poder probar algo más”.

Además, las recién llegadas hablaron de una de las claves de la nueva temporada. OJO SPOILER. [No olvidemos que la nueva temporada habla de fantasmas que no saben lo que son, de esos niños que comparten su vida con ellos y los tratan como amigos, aunque algunos no saben que lo son. Por ejemplo, el personaje de Miller “era una delgada línea sobre la que caminar, porque no queríamos revelar demasiado. Para mí fue extraño porque no sabía que interpretaba a un fantasma hasta avanzada la serie, cuando llegamos al guion del episodio 5 y me di cuenta de que interpretaba a un fantasma. Entonces lo pregunté y me dijeron que ya había interpretado a un fantasma antes, solo que no lo sabía. Ella no sabe que es un fantasma. Así que lo interpretaba como un ser humano normal, que está algo a la deriva, algo desenfocada –se ríe–. Y sí teníamos un código… cada vez que uno de nosotros encontraba un recuerdo, pestañeábamos mucho, pero creo que no lo hicimos demasiado… No se lo digáis a Mike”, y se ríe de nuevo. Amelia Eve añadía: “Creo que lo importante es que ambos pueden coexistir. Al final no existen tantas diferencias entre los dos”, para separar a vivos y muertos dentro de la serie.] FIN SPOILER. Lo que nos han dejado es una serie quizá aún mejor que la primera temporada, más adulta, más madura, pero menos complaciente con el espectador. Más serena y menos efectista, aunque mucha parte de la audiencia echará de menos justo ese efectismo… Es una buena continuación, porque es completamente diferente y porque homenajea a ese género gótico muchas veces olvidado. Con esa niebla que llega y sube desde el lago junto a esa Dama misteriosa que ha olvidado quién fue. Ojo al narrador, claro. Y a ese episodio octavo que será sin duda lo más esperado para muchos.

Jesús Usero TRÁILER: http://youtu.be/KoH6EhOfB9c Algo podría estar moviendo los hilos y las intenciones de los niños en Bly Manor. ¿Pero quién o qué podría ser responsable?

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Mateo Gil nos habla de

Los favoritos de Midas El próximo 13 de noviembre, Netflix estrena su siguiente serie española, el thriller Los Favoritos de Midas. De la mano de Mateo Gil y Miguel Barros, inspirados en un relato de Jack London, la ficción nos presenta a un empresario, interpretado por Luis Tosar, que va a ser chantajeado de una forma realmente peculiar. Mateo Gil también ha dirigido los seis episodios de esta miniserie sobre el poder, la desigualdad, la corrupción y la sociedad actual que cuenta en su reparto con Guillermo Toledo, Marta Milans o Marta Belmonte.

Pudimos hablar en exclusiva con Mateo Gil, quien nos contó todo lo que encontraremos en la nueva serie de Netflix.

Mateo Gil da instrucciones a Guillermo Toledo

uis Tosar da vida a un empresario que de repente parece estar en la cumbre del mundo. Para sorpresa de todos, le han elegido como sucesor en la presidencia de una gran empresa mediática, con muchas ramificaciones, pero, sobre todo, con un periódico en el que él quiere cimentar este imperio, pese a que no sea precisamente un negocio rentable. Pero este hombre va a vivir una situación límite cuando, sin aparente motivo, se vea chantajeado por Los Favoritos de Midas, un misterioso grupo que emplea unos medios truculentos para obtener lo que desean, lo que implica a los miembros del periódico, como la periodista a la que da vida Marta Belmonte, o a la policía, con un inspector interpretado por Willy Toledo que no sabe cómo encajar las piezas que se encuentra. Porque, en realidad, ¿qué buscan Los Favoritos de Midas? ¿Y qué puede ofrecerles un hombre

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Los favoritos de Midas como nuestro protagonista? La historia original de la miniserie parte de un relato no muy conocido por el público general de Jack London. Mateo Gil, cocreador y director de la serie, nos habla de ello: “El mérito es de Miguel Barros (cocreador y coguionista de esta) porque yo a Miguel le conocí en el año 2001 y, el mismo día que le conocí, él me habló del cuento. Él lo había leído. Me dijo que había un cuento de Jack London que tenía una idea que me contó, y yo me quedé prendado. Una semana más tarde, no nos conocíamos apenas entonces, yo estaba ya en su casa en Galicia intentando hacer un largometraje a partir del cuento. Estuvimos ahí durante un año, pero lo cierto es que no llegamos a un buen guion de largometraje. Había varios factores que influían, pero, bueno, ahí se forjó una amistad. El guion logró estar en producción, pero nunca llegamos a crear un buen guion de largo, entre muchas cosas porque es muy difícil encajar esto en un largometraje. Un largometraje se te queda muy corto para desarrollar la idea. Pero todas las bases que ha habido para desarrollar la miniserie ahora ya estaban allí planteGuillermo Toledo da vida a un adas. Yo recuerdo el momento en el que trabajando dimos con el inspector de policía que no sabe cómo giro final y pensé que ahora sí que teníamos una historia. Cuando detener a Los Favoritos de Midas. dimos con el giro final de la trama. Ahí quedó sembrada la semilla”. llegó el momento del proceso de selección y tuviPor supuesto, eso fue solo el principio, aunUna historia que engancha mos la inmensa suerte de que Luis Tosar quisiese que el cambio parezca grande. De una película a hacerla. Nuestra idea era ir a por Luis Tosar y, una serie de televisión se parte con un presudesde el principio, de la que cuando nos dijese que no, pasar al siguiente (risas). puesto totalmente diferente. ¿Cómo trabajaron Y nos dijo que sí. A partir de ahí la gente de casting para adaptarse a esas restricciones? “Obviano podemos (ni queremos) hizo un trabajo increíble y encontró un reparto fanmente hay que encontrar un equilibrio porque revelar demasiado, pero que tástico con actores que aceptaron pocas sesiones, plantear estos trescientos minutos con un presucon un dinero limitado, cosa que yo agradezco. No puesto de cine hubiese triplicado el coste de la os aseguramos que tiene tenían por qué hacerlo, y tenemos actorazos serie. Desde el guion yo ya me planteé que íbamos a situar la acción en sitios como la oficina de uno de los finales del año. Y haciendo papeles pequeños. Eso te da la vida en rodaje”, nos cuenta Gil sobre ese elenco de nomél, su casa, que es lo que nos da el estatus. En nos deja pidiendo más, bres secundarios que acompañan a Tosar y que dan algunas pequeñas escenas de calle, donde poneuna vida increíble a una serie llena de suspense, de mos un poquito más el acento con la segunda uniaunque su creador nos tensión y de crítica social. Mateo Gil y Miguel dad, que rueda secuencias un poquito más comBarros han creado una historia de enorme actualiplejas. Y el resto, personajes. Como es el aseguró que no tienen dad basada en un relato de inicios del siglo XX. Una esquema en toda la serie, la verdad. Si analizas la planes para hacerlo.

Una historia que engancha desde el principio, de la que serie entera, tienes algunas escenas que es donde te va el presupuesto, y el resto es centrarte en los decisión valiente que hace la no podemos (ni queremos) revelar demasiado, pero que os aseguramos que tiene uno de los finales del personajes y cómo evolucionan. A mí, en cualquier miniserie todavía más año. Y nos deja pidiendo más, aunque su creador caso, lo que más me interesa de esta historia es nos aseguró que no tienen planes para hacerlo. Una la evolución moral del protagonista y de los que interesante.

La tendréis en decisión valiente que hace la miniserie todavía más viajan con él. Las escenas en la calle, los asesinainteresante. La tendréis en Netflix desde el 13 de tos de Midas… están para complementar. Tienen Netflix desde el 13 de noviembre. que ser entretenidos, pero si te fijas están rodanoviembre.

Jesús Usero dos de una manera muy parca. Porque yo tampoco quería poner el acento ahí”. El resultado es, sin duda, magnífico, equilibrando el look visual tan cuidado de la serie con esas restricciones. Un look que recuerda al thriller político y social del cine de los setenta.

Y un look muy presente para el director y su equipo. “Obviamente algunas referencias te salen naturales, pero con Pau (Esteve Birba, el director de fotografía) tuve algunas charlas donde surgieron esos títulos. Todos los hombres del presidente estaba ahí, Network estaba ahí… muchos directores y cineastas que son genios y una referencia maravillosa. Y yo también echo de menos una cierta audacia y osadía a nivel moral y político del cine de esa época y, además, echo en falta, que también lo hay hoy en día pero menos, ese punto de vista tan claro. Porque es verdad que actualmente en el cine y las series muchas veces desligan la puesta en escena de lo que es el guion. La puesta en escena es un poco la misma, pon las cámaras, rueda y cubre. Y rueda mucho. Pero a veces elegir un plano u otro, o ceñirte, ponerte límites, ayuda al espectador a ver por dónde vas y a crear unas sensaciones”.

La redacción de un periódico será uno El reparto es otra de las grandes bazas de la serie. “Mientras de los núcleos centrales de esta historia sobre el poder y la moral. escribía, yo no tenía la cabeza para preocuparme por el casting. Pero

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Nick Frost y Samson Kayo nos hablan de

Truth Seekers 86

En apenas unos días, el 30 de octubre, Amazon Prime estrenará el nuevo proyecto de Nick Frost y Simon Pegg, Truth Seekers, una serie que han creado en conjunto y en la que también participan como actores. Frost es uno de los protagonistas y Pegg tiene un papel secundario muy peculiar. La trama es una mezcla de comedia y horror que no dejará a nadie indiferente y más con esos dos nombres como responsables. Frost y Samson Kayo, el otro actor protagonista de Truth Seekers, hablaron de la serie. ruth Seekers es uno de esos proyectos que simplemente por los nombres involucrados en él llaman la atención.

Simon Pegg y Nick Frost, eternos amigos y colaboradores (sobre rodar juntos otra vez, Frost bromea: “Trabajar con Simon Pegg de nuevo es como encontrar un par de vaqueros viejos al fondo del cesto de la ropa sucia y ponértelos. Son cómodos, pero huelen un poco”) han creado, junto

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Samson Kayo y Nick Frost componen un muy particular dúo de buscadores de la verdad… aunque a veces no sean capaces de verla.

con Nat Saunders y James Serafinowicz, una serie en la que Frost interpreta a Gus, un tipo algo solitario que vive con su padre, Richard (Malcolm McDowell), y que trabaja como servicio técnico para una compañía de internet, mediante la que acude a solucionar problemas y en la que está muy valorado por su jefe (Simon Pegg).

Gus tiene un nuevo compañero, Elton (Samson Kayo), un tipo que ha pasado por mil empleos y que tiene una hermana con mucho Ambos tienen un trabajo aparentemente normal que les lleva a lugares donde puede que haya presencias paranormales.

Truth Seekers talento, pero incapaz de salir a la calle.

Elton pronto descubrirá que los viajes para hacer reparaciones de Gus son una suerte de excusa para localizar fantasmas, hechos paranormales y situaciones en contacto con el más allá. ¿Es Gus un loco? ¿Existen esos fenómenos? Y, sobre todo, ¿hay una conspiración que no conocen dispuesta a acabar con ellos?

El origen de la serie, según el propio Frost, es muy curioso: “Simon (Pegg) y yo, de jóvenes, éramos cazadores de fantasmas. Disfrutábamos cazando fantasmas.

Nos gustaba quedar y visitar edificios abandonados, cementerios, iglesias viejas… para intentar encontrar pruebas de que había fantasmas. Partimos de ahí.

James (Serafinowicz) y Nat (Saunders) — los otros creadores de la serie— eran también fans de lo inexplicable, de las teorías de la conspiración, los aliens… a todos nos encanta Expediente X. James y yo entonces presentamos la idea, ¿por qué no crear una serie en la que un hombre es el líder de un grupo de idiotas interesados en lo paranormal? La ficción estaba preparada para otra cadena, otra plataforma, pero de repente tomaron la decisión de que no querían hacer series guionizadas, así que pasaron de ella al final. Amazon estaba ahí esperando y nos dijo: ‘Vamos a hacerlo’.

Primero, en el Reino Unido y, luego, Amazon Worldwide se incorporó. Desde el principio nos animaron, nos dijeron que les encantaba lo que estábamos haciendo. No hemos sentido más que apoyo de su parte para conseguir hacer lo que queríamos”. Así que algo de real tiene esta aventura en la que se embarcan los personajes.

Mientras, el joven Samson Kayo viene de la serie Famalam y el cambio ha sido enorme para él. Sobre todo rodando en lugares realmente peculiares… “Es algo completamente distinto. Me asustaba de forma impresionante. Porque una cosa es ver un par de películas de terror y otra, presentarte al rodaje. Y los sitios a donde íbamos a rodar eran tan incómodos, tan terroríficos… que hacían nuestro trabajo mucho más fácil. Fuimos a rodar a sitios que son una locura, como un búnker subterráneo. Podías sentir que, si te dabas la vuelta de repente, ibas a encontrarte a alguien observándote, un contraste y una sensación distintos por completo a los de Famalam (serie de sketches de la que es parte), que es simplemente comedia, con sketches. Da la sensación de ser más equiliNick Frost, junto a Simon Pegg, es productor y creador de la serie, además de uno de los protagonistas principales.

brado aquí, más emocional, porque obviamente con mi personaje, Elton, hay mucho trauma ahí. Y todo eso lo empezamos a revelar según avanza la historia y conocemos a su hermana Helen, interpretada por Susan Wokoma. Entonces vemos que han vivido una vida escondiéndose de la verdad. Fue un viaje maravilloso y un personaje completamente distinto”. Por cierto, habiendo visto los primeros episodios, no perdáis ojo al personaje de la hermana, no solo divertidísimo, sino crucial. Como lo mismo podemos decir de Richard, un increíble McDowell dando lecciones sobre cómo hacer comedia con una facilidad asombrosa.

Curiosamente, ambos actores mencionan continuamente la química entre ellos dos, cómo la vivieron y lo importante que es para el desarrollo de la serie. Pero ¿hasta qué punto puede trabajarse y hasta qué punto es algo que surge de modo natural? El creador y protagonista, Nick Frost, nos habla de ello: “No lo sé… Hay gente que de forma natural, en cuanto te conoces, te das cuenta de que pilla un chiste o de que entiende algo que has dicho sin necesidad de explicarlo. Y con otra gente te pasa lo contrario, no entiendes quién es, no los comprendes. Por supuesto que podéis evolucionar para entenderos el uno al otro y que te guste gente que es distinta a ti o que no entiende tus puntos de vista. Pero si da la casualidad de que esa persona con la que te entiendes enseguida es con quien tienes que actuar es algo que se nota desde el principio y también se nota en la cámara. Creo que tiene que ver con el respeto y con disfrutar de la compañía de la otra persona, y saber que va a haber amor y que vais a crear algo juntos. Si sois actores que trabajan en la misma serie, puede ser algo realmente emocionante. Es divertido pasar tiempo juntos. Muchas veces, cuando llegaba a casa, me encantaba pensar que al día siguiente volvía a tener la posibilidad de crear algo con Samson, o Malcolm (McDowell), o Emma (D’Arcy). Justo ahí es cuando no sientes que estés yendo al trabajo”.

Con todo eso, nos queda una serie que mezcla de forma maravillosa e inteligente la comedia en la línea de Pegg y Frost (ojo al episodio del hotel “encantado” y lo que allí sucede), pero que en el fondo, además de tener momentos de terror muy claros y una historia para toda la temporada muy especial, habla sobre personajes rotos, dos familias rotas que se encuentran. “Respecto a las familias rotas… se escribió de esa forma. Queríamos que todos los personajes estuvieran fracturados, rotos y, una vez que se encuentran, descubrir que esta es la familia que estaban buscando desde el principio”, dice Frost. Y, aparte de todo eso, el actor nos aseguró que ojalá pudiesen hacer una cuarta temporada de Into the Badlands… ¿Sería posible también? Por ahora, le veremos en Truth Seekers a partir del 30 de octubre en Amazon Prime.

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Jesús Usero TRÁILER: http://youtu.be/yg8b-ZIQ4e8 Una visita a un decrépito hotel y un curioso encargado de mantenimiento pueden ser suficientes motivos para empezar a investigar.

El reparto nos habla de

La materia Oscura Temporada 2 El próximo 4 de noviembre, HBO España estrena la segunda temporada de La materia oscura, la serie basada en las novelas de Philip Pullman, que se convirtió en un éxito en su primera temporada. BBC y HBO unieron fuerzas y ahora vuelven a la carga con una segunda temporada.

Hemos podido echar un vistazo a lo que está por venir y, sobre todo, hemos hablado con gran parte de su reparto y Amir Wilson, Dafne Keen, Ruth Wilson y Ariyon Bakare nos hablaron de la serie y lo que están por venir en esta nueva temporada.

Cuanto más avanza la aventura, más peligros surgen, como una amenaza desde el propio Magisterium

Si algo nos demostró la temporada anterior es que no se puede confiar en nadie, ni en los aliados más cercanos.

n aviso inicial para nuestros lectores. Este artículo está libre de spoilers sobre la temporada 2. No vamos a revelar ningún detalle de la trama, solo lo que nos cuente el reparto que puedan desvelar. Pero sí vamos a dar como vista la serie en su primera temporada y las propias declaraciones de los actores así lo señalan. Por favor, tenedlo en cuenta antes de seguir leyendo. Si no habéis visto la temporada 1, parad ahora mismo y volved cuando hayáis visto la serie. Es posible que parte del reparto nos hable del final de la temporada anterior, de lo que sufrió el personaje de Lyra (Dafne Keen) de su encuentro con Will (Amir Wilson), de la búsqueda de Mrs. Coulter (Ruth Wilson) de su hija fugada y de la presencia de lord Boreal (Ariyon Bakare) que va a tener más peso en la segunda temporada. Por supuesto, eso tiene que ver con el viaje que emprende Lyra entre mundos, tras la traición de su padre. Además, habrá personajes nuevos, claro, como Andrew Scott, cuya presencia es mejor que descubran los fans, pero que está muy ligada a la figura de Will.

Por supuesto ese viaje es esencial y el propio Amir Wilson nos habla de él: “Creo que ambos empiezan su propio viaje en solitario, al menos hasta que se encuentran el uno al otro, y ambos tienen la habilidad de ayudarse mutuamente. Al principio, no confían el uno en el otro, por razones obvias. Toda su vida han sido maltratados por otros, por lo que tienen muchos motivos para no confiar en la gente. Y entonces se conocen y se dan cuenta de que pueden ayudarse el uno al otro. Eso creo”. Su compañera en esa aventura, Lyra, interpretada por Dafne Keen, profundiza en esa idea: “Creo que lo más bonito del viaje que emprenden Lyra y Will en la temporada 2… Bueno, como Amir ha dicho, ambos vienen de mundos opuestos. Lyra acaba de ser traicionada por su propio padre, su única familia ha sido asesinada, y aquello en lo que podía confiar ha demostrado ser de ninguna confianza, y ahora se encuentra en este universo completamente distinto, donde conoce a este extraño chico, al que no conocía y en el que, obviamente, no confía, y cómo poco a poco van ayudándose mutuamente y recuperando la confianza, ganándose la confianza mutua”.

Uno de los personajes principales es sin duda el de Mrs. Coulter, quien ya sabemos que tiene esa relación única con Lyra. Una relación de sangre que las une y que se va a explorar más a fondo en esta temporada, mientras ella busca a su hija. Ruth Wilson habla en profundidad de esa relación y cómo va a evolucionar con su personaje, que según ella misma está obsesionado con el control. Y a Lyra no puede controlarla… “Es muy interesante, porque ella está dando caza a su hija. Mrs Coulter está buscando a su hija. Es interesante porque en la primera temporada ella se hace con su hija y la mantiene a su lado. Y cree que va a ser algo sencillo, que puede tenerla allí y hacerla a su imagen y semejanza. Mrs. Coulter piensa que va a ser un viaje sencillo

U

Hay escenas que son claro homenaje a lo visto en los libros, como una aparentemente inocente visita al museo.

y calmado. Pero en realidad no lo es, porque Lyra no es quien ella cree –ríe–. Lyra es tan curiosa, aventurera y testaruda como la propia Mrs. Coulter, así que Lyra consigue escapar continuamente del control de su madre, algo que enfurece a Mrs. Coulter y no puede poseerla o ser su dueña. Así que la segunda temporada es el viaje de mi personaje en una búsqueda, desesperada, por encontrar a su hija y hacerlo antes que cualquier otro. Sabe además lo poderosa que es Lyra, así que la búsqueda de su hija es cada vez más desesperada. Y la enfurece en cada momento en que Lyra le da esquinazo. Ha encontrado a su igual, y se va a dar cuenta de ello durante la temporada”.

Como en toda relación hay dos puntos de vista, y siendo tan importante en la serie, Keen nos habló al respecto también. “Lo genial de la relación entre Lyra y Mrs. Coulter (Ruth Wilson)…, creo que tenemos que esperar a ver cómo es su relación con su madre ahora que ha madurado un poco. Se trata del camino a la madurez, y aquí tenemos a una Lyra a mitad de ese camino, con Will dándose cuenta de que nadie va a estar ahí para ella, que ha sido como enfrentar fuego con fuego. Que su madre ha estado matando niños, y ha intentado matar a su mejor amigo. Creo que las relaciones de Lyra y Mrs. Coulter, y Will y su madre, son completamente diferentes, completamente.

Pero al mismo tiempo, es fascinante ver cómo se desarrollan ambas. Lyra no puede dejar de querer a su madre, no puede hacerlo, porque es la persona que le ha dado vida. Por mucho que la odie. Así que creo que es muy interesante ver cómo estas dos relaciones se desarrollan”.

Nos queda el personaje de Bakare, esa figura en la sombra que ahora surge de la oscuridad para guiar los pasos de los personajes. Es posiblemente nuestro gran antagonista, y vamos a conocerle mejor, además de que veremos alguna escena icónica de los libros.

“Ya no está en las sombras. Este año utiliza a la gente como sus marionetas, así que para hacer eso tiene que estar fuera de las sombras y comenzar a orquestar lo que desea conseguir. En la primera temporada estaba buscando algo y ahora que lo ha encontrado, planea usarlo como herramienta.

Así que cuando descubre eso, crea esta especie de viaje para conseguir lo que desea. Y de eso trata la segunda temporada, de su viaje, de cómo lo consigue y de cómo usa a la gente para hacer manifiesta su ambición”. Nos queda descubrir la figura de James McAvoy este año, lo que va a suceder con él. Pero la segunda temporada tiene un aspecto mayor, con el Magisterium intentando alcanzar sus metas, con Lyra en ese viaje, con la guerra a punto de llegar y con un mundo por explorar. O muchos. Una de las series de fantasía imprescindibles del año desde el 4 de noviembre en HBO. Jesús Usero TRÁILER: http://youtu.be/17tQr67ejcE La relación entre Lyra y Will es uno de los pilares de la segunda temporada.

Juntos, lograrán cosas increíbles.

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ENTREVISTA ¿Por qué eligió este partiSí, sí, exacto. Al cien por cien. cular proyecto? Está basado en el Me alegro de que hayas mencionado videojuego de forma lejana, pero Yojimbo, por cierto (risas). Siempre he ¿por qué esta serie en concreto? sido muy fan de Kurosawa y sus cola¿Por qué no otra película o quizá boraciones con Toshiro Mifune y luego, otra serie? por supuesto, también de las colaboraBueno, cuando me presentaron ciones de Clint Eastwood con Sergio el proyecto, era una franquicia cineLeone. Para mí, una de las cosas divermatográfica. Pulse Films tenía los tidas de este proyecto, cuando empederechos de la IP (intelectual zamos a desarrollarlo, era conocer al property, propiedad intelectual, N. del personaje de Elliot de una forma muy T.) del videojuego. A mí… bueno, me distintiva. No quería que le conociéfascinaba la idea de contar una semos como un tipo genial haciendo historia que sucediese en Londres y cosas chulas. Así que la idea era ¿qué la de explorar un entorno que me es lo menos chulo que puede estar parecía tan rico como el londinense. haciendo? Remangarse y meter el Londres es una ciudad que tiene brazo en una alcantarilla para sacar multitud de lenguajes, de culturas… dinero de allí. Que el agua esté goteque puedes descubrir en cada calle. Y ando todavía al sacarlo. No es una también me atraía el hecho de contar forma guay de conocerle, pero su la historia en un formato de narrativa carisma enseguida sobresale. En el a largo plazo. Creo que hoy en día la momento en el que vuelve a ponerse la televisión está tan cerca del concepto chaqueta y se guarda el dinero, te das de lo que consideramos cine, hay cuenta de que podrías ver a ese tipo tantas series claves que están expanhacer cualquier cosa. Sope tiene un diendo y ampliando su ambición y su Es conocido como uno de los directores de carisma enorme y una presencia alcance, que sentí que había algo cine de acción más transgresores y que más natural. Incluso cuando los chicos de aquí, en esta historia, que tenía que Indonesia (Aria Prayogi y Fajar hacerse. Contar una historia que era han cambiado el panorama del género en los Yuskemal) vinieron a hacer la música larga, que tenía profundidad, que se últimos años, sobre todo gracias a The Raid y de la serie, les dije que pensaran en un metía bajo la piel de los personajes, su secuela (Redada asesina y Redada asesina spaghetti western. Elliot debía tener que no era solo un viaje emocionante su propio tema en esas claves.

2).

Ahora, Gareth Evans salta a la televisión de dos horas. Que podía durar. Y Ha trabajado en esta ocasión también el equilibrio. Encontrar el con la adaptación del videojuego Gangs of también dirigiendo, pero aquí ha equilibrio entre todas estas historias, London. Un épico relato de crimen y violencia tenido que dejar la serie en un todos los aspectos de la trama, y momento dado para que otros dirimantener a la audiencia interesada que, además, tiene las escenas de acción tan gieran algunos episodios. ¿Cómo ha siempre en todos y cada uno de ellos. c a r a c t e r í s t i c a s d e l d i r e c t o r . E n L o n d r e s sido esa experiencia? Obviamente, Quizá me gusta sufrir, pero disfruto pudimos hablar con él en exclusiva sobre la usted sienta el tono de la serie con con el reto, con el riesgo de que todo el piloto y demás, pero llegado un serie que ahora estrena en España STARZPlay. punto debe hacerse a un lado y se desmorone (risas).

El videojuego no es realmente dejar que otros la dirijan… muy conocido. No solo por ser de PSP. Pero siempre parece haber Sí, y es una sensación muy interesante. Conozco a Xavier Gens y una maldición con respecto a las adaptaciones de videojuegos. No Corin Hardy (los otros directores) desde hace mucho tiempo. Era muy suelen salir bien. ¿Es algo que le asustaba a la hora de adaptar fan de su trabajo y de cómo enfocan lo visual. Son muy entusiastas del este? diseño de producción y todo lo demás. Sentía que había suficientes No, en realidad no. Y, para serte completamente sincero, el video- similitudes en lo que respecta a cómo enfocamos el diseño de las juego no tuvo un gran peso dentro del desarrollo del proyecto. El punto cosas, que podía confiar en que iban a coger este mundo y hacerlo inicial era que tenían los derechos del juego, pero la historia principal evolucionar. Porque yo puedo haber sentado las bases del primer —la muerte y funeral de un jefe mafioso al inicio de la serie, el vacío de episodio, pero no de toda la serie. Tenía que dejarla en sus manos. Una poder, las bandas repartiéndose lo que queda de la ciudad…— forma cosa que les aseguré a ambos es que podía ser productor ejecutivo, parte de una idea que tuve para una serie de televisión cuando estaba pero que no iba a estar en el set mirándolos por encima del hombro e en Indonesia. Pero nunca me iban a dar el presupuesto necesario para intentando que todo se vea como yo quiero que se vea. Quería darles la hacerla allí. Así que, cuando la gente de Pulse vino a mí con la idea de libertad que yo quiero tener cuando creo algo. adaptar este videojuego del que tenían los derechos, me di cuenta de ¿Hay sitio para una temporada dos? Y tenemos que pregunque era interesante cómo encajaban ambas propuestas. Y querían que tarle por The Raid 3… ¿existe alguna posibilidad? fuese una franquicia para cine, pero para mí debía ser una serie de teleSí, definitivamente hay hueco para una segunda temporada. Lo visión. Una vez que planteamos la idea original, la muerte y el funeral involucrado que yo pueda estar es debatible porque hay que ver cómo del líder, el videojuego nunca se convirtió en una referencia. Así que nos evolucionan las cosas. Estoy desarrollando una película ahora mismo que alejamos del videojuego y nos dimos cuenta de que se trataba de una se llama Havok y que me gustaría rodar a finales de año. Será un thriller serie independiente con su propia historia. No es que haya nada malo de acción en torno a las navidades. Quizá algo más mainstream, pero con con el juego, el juego está bien; de hecho, me encanta y jugué con él las escenas de acción que me caracterizan. En lo que respecta a The Raid cuando era mucho más joven y tenía una PSP. Pero nunca sacamos 3… creo que ha pasado el suficiente tiempo para decir que no creo que historias o personajes del juego. Trazamos nuestro propio camino. vaya a volver a la saga. Creo que contamos mucho en The Raid 1 y 2. Y El papel que interpreta Sope Dirisu como Elliot tiene mucho tenía una idea para lo que pudo haber sido The Raid 3, pero suponía un del personaje de Clint Eastwood en el wéstern mediterráneo y de cambio radical respecto a lo que la gente esperaría. Y si la hubiésemos sus referentes. No podía dejar de pensar en Yojimbo al ver el hecho tendría que haber sido justo tras The Raid 2. No creo que vuelva a piloto. ¿Esa referencia estaba ahí desde el inicio? eso, ha pasado mucho tiempo.

Jesús Usero

Gareth Evans

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Fotografía: © Pablo Paniagua

Nos habla de Gangs of London

El reparto nos habla de

Gangs of London Tras un tiempo de espera que nos ha parecido interminable, STARZPlay por fin estrenará Gangs of London el próximo 15 de noviembre en nuestro país, con un episodio cada semana. Basada en el videojuego de PSP, y creada por Gareth Evans, la serie sigue la guerra de poder entre varias familias del crimen organizado de Londres, tras la muerte del líder de una de ellas. Estuvimos charlando con Joe Cole, Sope Dirisu, Lucian Msamati, Paapa Essiedu y Pippa Bennett-Warner que nos hablaron a fondo de una de las series de más éxito del año, y de las que más nos han impresionado. uando uno está viendo el primer episodio de Gangs of London, por un momento cuesta pensar que se trata de una serie de Gareth Evans, quien dirige dos episodios y escribe la serie junto a Matt Flannery, también director de fotografía habitual de Evans. Pero, como siempre ocurre con el material del director responsable de Redada asesina, llega un momento en el que todo estalla. Y esa es una buena forma de describir esta sensacional serie. Una serie de crimen, seria, sosegada, con personajes complejos e interesantes, que de repente deja que la violencia tome el control. Deja que la sangre inunde las calles con una acción que es de lo mejor de 2020. La serie nos mete de lleno en el mundo del crimen en Londres, con una de sus principales familias, los Wallace, sacudida por la tragedia. El patriarca, Finn, ha sido asesinado y su hijo Sean (Joe Cole) toma el mando bloqueando todos los negocios hasta que el asesino aparezca. Junto a él, la familia Dumani, liderada por Ed (Lucian Msamati), con su hijo Alexander (Paapa Essiedu) y su hija Shannon (Pippa Bennett-Warner). La madre de Sean, Marian (Michelle Fairley), tiene mucho que ver en esta historia de traiciones, lealtades y violencia en la que se ve envuelto Elliot (Sope Dirisu), un sicario de medio pelo que, de

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repente, se ve con la oportunidad de crecer en la organización.

Aunque nadie sea quien parece ser en realidad…

En una serie como esta liderada por Evans, que dirigió los episodios 1 y 5, escribió el resto y produjo la serie, tiene que notarse su sello, aunque no sea lo que la gente espera. “Gareth es un colaborador maravilloso. El tono que introduce en el set es el de alguien que quiere colaborar contigo. No es habitual tener a un director de cine al que le importa tu opinión. Puedes acercarte, proponerle algo y te dirá que adelante, que lo intentes si sientes que es lo correcto.

Esa sensación de ser parte artística del proyecto, es increíblemente satisfactoria”, nos contaba Msamati sobre su trabajo con el director, a lo que su hijo en la ficción, Paapa Essiedu, añade: “Sí, Gareth viene del cine y eso aporta un cierto nivel de ambición, que creo que es otro de los grandes puntos de esta producción. Es una serie ambiciosa en muchos sentidos. La escala, las escenas de riesgo… Y necesitas a alguien que coja esa escala y sepa qué hacer con ella.

Pero todo eso se conecta siempre con la historia. Con cómo cada detalle, cada escena de acción, cada momento de gran despliegue, estaba conectado a la historia. Con cómo la hacía más emocionante, más inquietante, más clara para ser entendida por los espectadores…”.

Una de las claves de la serie es el personaje de Sope Dirisu, Elliot, una suerte de hombre sin nombre de Leone (tenéis en estas páginas una entrevista exclusiva con Evans en la que profundiza en esto), que llega a esta guerra entre familias. Elliot se convertirá en pieza clave en este tablero, sobre todo por cómo se desarrolla su relación con Sean. “Es interesante, porque mientras que Elliot, mi personaje, quiere convertirse en alguien útil para Sean (Cole), no creo que Sean en un primer momento vaya a permitir que un extraño entre en su mundo. Es un mundo de secretos, mentiras y traiciones, donde no puedes hacerte amigo de cualquiera, antes tienes que investigarle y hacer que demuestre su lealtad. Creo que una de las principales historias de la serie es Elliot intentando probarse ante Sean. Estar ahí, en el momento adecuado, tomando las decisiones adecuadas. La vida de Elliot en cierta medida, pende de un hilo. Este tipo, en el primer episodio, pone una pistola en su nuca para intentar descubrir quién es. Así que sabe que hay una espada de Damocles pendiendo sobre su cabeza. Cualquier movimiento equivocado puede significar no solo el fin de sus ambiciones, sino el de su propia vida”, nos contaba el actor.

Cole añadía: “Sean está lidiando con una enorme cantidad de trauma y confusión, y con el hecho de no saber quién es realmente. De hecho, se cuestiona su vida por completo. No solo el hecho de que su padre haya muerto, ese es el punto de partida, encontrar al asesino de su padre, sino preguntarse después si toda su vida es una mentira. Elliot usa esa oportunidad para acercarse a Sean tanto como sea posible. Y Sean no está en su mejor momento, no tiene la claridad de ideas necesaria, así que puede dejarle, o no, entrar.”

Luego profundizaba en la relación familiar de su personaje; en realidad, en la de todos. La familia, la que eliges y la que te corresponde, como núcleo de la historia. “Es cierto, hay una relación muy fría entre mi personaje y sus hermanos. Normalmente, en estas series sobre bandas y crimen, la gente se fija en la violencia, pero para mí la parte más interesante es la esencia, el corazón. En este caso, la familia. Creo que han captado eso muy bien con mi familia. Y si eso no funciona, vas a estar desconectando de la serie todo el tiempo.

Creo que es genial que acertaran con eso”. Y es algo en lo que coincide la actriz Pippa Bennett-Warner: “Esa es una de las alegrías de la serie. Sí, tiene todas esas escenas tan espectaculares, pero el corazón, su corazón real, es la familia. Estas dos familias que harían lo que fuese por protegerse la una a la otra y permanecer unidas. Para mí, esa ha sido la parte más emocionante. Hacer todo eso que, de hecho, es el núcleo de esta historia”.

La serie, además, conjuga las escenas de acción brutales, tanto de artes marciales, como tiroteos o persecuciones (por favor, no se pierdan el episodio 5, recomendación personal de Gareth Evans), de las que Sope nos contaba: “No soy un luchador, pero he peleado. Ni soy un bailarín, pero he bailado”. Cuando le vean en acción lo entenderán. Un magnífico viaje por el mundo del crimen que, en realidad, solo mantiene el nombre de aquel videojuego de PSP en el que se inspira. Una historia con muchos seguidores que se convierte en una de las series más brillantes del año, y que sus protagonistas nos han desgranado. Desde el 15 de noviembre en STARZPlay.

Jesús Usero TRÁILER: http://youtu.be/ohnp3qiGz5I

Las escenas de acción son marca de la casa, como siempre, de la mano de un Gareth Evans que ha demostrado varias veces su talento para dirigirlas.

En esta ocasión nos presenta a un protagonista diferente, un homenaje al personaje de Clint Eastwood en versión actual y con los rasgos de Sope Dirisu

La muerte de Finn Wallace, con la que se abre la serie, marca el destino de los personajes. Su sombra es muy alargada.

Joe Cole y Paapa Essiedu son dos de los personajes centrales, dos hombres criados como hermanos que deben heredar el legado de sus padres.

La primera serie de televisión de Marvel que se estrenará en Disney + es WandaVision o, como la hemos titulado en España, Bruja Escarlata y Visión. Una producción que recupera a dos de los Vengadores y los sitúa en un mundo de sitcom donde nada es lo que parece. Con un estreno previsto para 2020, es el momento idóneo para analizar lo que sabemos de la serie hasta la fecha y lo que nos espera en los seis episodios que compondrán su primera temporada. Un proyecto diferente, sin duda, que va a ser el único estreno del Universo Cinematográfico Marvel de 2020… y será en televisión.

Bruja Escarlata y Visión

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sto no tenía que haber sucedido así, pensarán muchos.

Y tendrán razón, sin lugar a dudas. A estas alturas teníamos que haber disfrutado de un par de superproducciones en cine e incluso de alguna serie de televisión antes de que se lanzase esta nueva ficción. Pero no ha sido así. Por supuesto ha sido debido al coronavirus y a la pandemia, que han dejado un caos en el calendario de estrenos y muchas películas que no llegarán hasta 2021, incluyendo las de Marvel. Y también ha tenido que ver con el propio proyecto y su producción. Porque la serie que tenía que haber sido el debut Marvel en Disney + fue retrasada después de que el rodaje tuviese que paralizarse. Hablamos de Halcón y el Soldado de Invierno, ficción que debería haber debutado el pasado verano, pero que no pudo hacerlo. Primero, la pandemia obligó a suspender el rodaje en Praga y, cuando las cosas volvieron a ponerse en marcha, era demasiado tarde y muy complicado retomar ese camino. Sería mejor posponer ese estreno hasta el nuevo año y dejar WandaVision o, como la conoceremos aquí, Bruja Escarlata y Visión como el único estreno del año Marvel en Disney +. Y en cualquier otra plataforma, claro. Salvo cambio de última hora, la serie llegará en diciembre, aunque todavía no conocemos la fecha exacta. Pero algunos detalles han empezado a surgir y han dejado muchísimas dudas entre los fans, que realmente no saben qué esperar de esta producción.

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Para empezar, muchos han comentado respecto a Halcón y el Soldado de Invierno que se trata de un thriller de espionaje internacional lleno de escenas de acción y con humor. Algo que todos podemos imaginarnos y que mantiene la línea de los personajes. Pero con WandaVision las cosas han sido algo distintas. El máximo responsable de Marvel, Kevin Feige, la persona que mueve finalmente los hilos y que tiene el gran plan en torno al universo Marvel siempre, ha comentado que es una suerte de sitcom, con muchos elementos cercanos al género, pero que también es un drama con un tono épico, como las películas de Marvel. Paul Bettany, su estrella masculina, ha avisado de que se trata de una ficción muy avanzada para su tiempo y muy extraña. Una serie que ha sido creada por la guionista Jac Schaeffer, quien será showrunner del proyecto, y que cuenta con un presupuesto de ciento cincuenta millones aparentemente para los seis episodios. Es decir, un presupuesto prácticamente de cine que da treinta millones a cada episodio, algo casi nunca antes visto. Su producción comenzó en septiembre del pasado año, cuando el rodaje se inició en Los Ángeles a finales de ese mes, mientras que el rodaje en Atlanta comenzó en noviembre de 2019, en los estudios Pinewood de la ciudad y en la propia ciudad, hasta que se paralizó el 14 de marzo de 2020 debido a la pandemia. Pero la serie ya había tenido dos semanas antes su fiesta de final de rodaje. Solo quedaba rodar escenas adicionales que se terminaron el pasado verano… Ese rodaje en Estados Unidos y el hecho de comenzar a rodar antes por tener una

mayor posproducción explica por qué la serie llega antes que la de Halcón y el Soldado de Invierno.

La historia se ha mantenido en secreto, por supuesto, durante todo este tiempo, pero se han revelado suficientes detalles como para hacernos una idea de lo que podemos encontrar. Bruja Escarlata y Visión tiene lugar tras los hechos sucedidos en Vengadores: Endgame. Dicho lo cual, si no han visto la película, a partir de aquí aviso de que hay grandes spoilers sobre las dos últimas entregas de Vengadores. Dejen de leer en este instante si no quieren arruinarse el visionado. Porque sabemos que Visión (Paul Bettany) falleció al final de Infinity War y que Wanda (Elizabeth Olsen) estaba devastada, algo que se ve en la ira con la que atacaba a Thanos. La serie nos introducirá en la llamada Fase IV de Marvel, con Wanda apareciendo también en Doctor Strange in the Multiverse of Madness, y la trama, al parecer, tomará elementos de la etapa de Tim King o de sagas como House of M o el trabajo de Bill Mantlo y Rick Leonardi, además de Steve Englehart y Richard Howell, como, por ejemplo, la posibilidad de que la pareja tenga hijos, en los cómics debido a la magia. La idea, según analizó el propio Feige, es explorar más quién es realmente Visión, descubrir en profundidad los enormes poderes de Wanda (en los cómics es uno de los personajes más poderosos de Marvel) y ver cómo ella toma el nombre de Bruja Escarlata. Y por qué.

El aire de sitcom, y lo que mencionan sobre La Casa de M, tiene que ver con esas imágenes en blanco y negro, ese homenaje a I Love

You Lucy y Embrujada, que nos muestra a ambos felices, viviendo juntos en un idílico vecindario. Pero nada es como parece en un principio. Sus vecinos, la pareja formada por Arthur (Fred Melamed) y Mrs. Heart (Debra Jo Rupp), son extraños y hacen acusaciones, mientras que Wanda da apariencia humana a su marido y cambia el mundo en blanco y negro por uno más ochentero y a color (con homenajes a los trajes clásicos que no han convencido a nadie). Otra vecina, Agnes (Kathryn Hahn), es algo metomentodo, pero tiene una clave sobre lo que está sucediendo porque ella sabe que Visión falleció. ¿En qué mundo están? ¿Qué ha sucedido? Parece claro, por ahora, que puede tener que ver con la alteración de la realidad, parte de los enormes poderes de Wanda, y eso va a implicar a Monica Rambeau (Teyonah Parris) interpretando la versión adulta del personaje a la que Akira Akbar dio vida en Capitana Marvel. Y que en el futuro será otra superheroína, la segunda Capitana Marvel. Asimismo, Darcy Lewis (Kat Dennings) y el agente Woo (Randall Park) repiten sus papeles de Thor y Ant-Man y la Avispa para redondear esta historia que, de nuevo, no solo pretende divertir y entretener, sino, además, sentar las bases de la Fase IV y algunas de las cosas que están por venir en cine y televisión para Marvel.

Sara Martín TRÁILER: http://youtu.be/ItIlFvLBfLw

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A C T U A L I D A D

T E L E V I S I Ó N

Amazon Prime prepara un spin off de The Boys.

Convertida en la serie insignia de Amazon Prime desde el pasado año, al menos hasta que se estrene la serie de El señor de los anillos, The Boys es un éxito internacional que ya confirmó la tercera temporada antes del estreno de la segunda temporada a inicios de septiembre. Y ahora la familia The Boys, basada en los cómics del mismo título, contará con su propio spin off televisivo, que Amazon ha puesto en producción rápida, aunque llevaba un tiempo en producción. La serie se centrará en la única universidad para jóvenes con superpoderes, por supuesto dirigido por la muy peculiar compañía Vought International. La serie será mitad serie universitaria, mitad Los juegos del hambre, han contado…

La adaptación televisiva de Rashomon encuentra hogar en HBO Max. Dos años lleva anunciada la adaptación de la mítica película de Akira Kurosawa, Rashomon, al formato de serie de televisión de la mano de Amblin Entertainment. De hecho, muchos pensábamos que el proyecto nunca vería la luz, pero parece ser que finalmente la serie llegará a la pequeña pantalla.

Basada, como decíamos, en la película de 1950 que creó su propio estilo narrativo, con una historia de crimen contada desde distintos puntos de vista, la nueva versión promete no rehacer la historia, sino tomar como punto de partida el concepto y que sirva para contar una historia de un atroz crimen sexual que acaba en asesinato, desde el punto de vista de varios personajes. Billy Ray y Virgil Williams harán la adaptación.

John Cena y James Gunn preparan serie spin off de The Suicide Squad. Queda más de un año para que se estrene The Suicide Squad, pero pese a todo ello, pese a los problemas de las salas en la actualidad, los proyectos no paran y James Gunn, director y guionista de la película, prepara serie de televisión basada en uno de sus personajes. Se trata de un spin off basado en el personaje que interpreta John Cena, Peacemaker, que tendrá ocho episodios y se estrenará en HBO Max. La serie estará escrita por Gunn, quien espera dirigir algunos episodios antes de ponerse al frente de Guardianes de la Galaxia 3.

La nueva serie de David E. Kelley ya tiene reparto liderado por Sienna Miller y Michelle Dockery. Hace unos meses os contábamos que el legendario productor de televisión David E. Kelley, creador de series como El abogado o Ally McBeal, tenía nueva serie en Netflix, una serie antológica basada en la novela Sarah Vaughan. La serie ambientada en Londres, es descrita como un relato de suspense en torno al consentimiento sexual y los privilegios. Sienna Miller, Michelle Dockery y Rupert Friend son los protagonistas de estos primeros seis episodios que siguen a un joven político de bajo rango que se ve envuelto en un escándalo que afecta a su esposa y del que debe encargarse una fiscal experta en crímenes sexuales.

Ryan Murphy producirá una nueva miniserie para Netflix. Como ya sabéis, Ryan Murphy, el creador de series icónicas como American Horror Story o Nip/Tuck, tiene un contrato de exclusividad con Netflix, donde ha estrenado Ratched o Hollywood este mismo año. Y ahora prepara como productor una nueva serie junto a uno de sus colaboradores habituales, Ian Brennan, que se titula por ahora Monster: The Jeffrey Dahmer Story, y recorrerá la vida de este célebre asesino en serie norteamericano. La serie se contará principalmente desde el punto de vista de las víctimas, y de la policía y sus errores, que permitieron a Dahmer seguir matando hasta su arresto en 1991. Richard Jenkins dará vida al padre del asesino.

AC T UA L I DA D T E L E V I S I Ó N Paddy Considine al frente de la precuela de Juego de tronos, House of the Dragon. Tras un spin off fallido protagonizado por Naomi Watts que no pasó del piloto, los responsables de HBO ordenaron con el siguiente proyecto, House of the Dragon, la serie directamente sin pasar por la etapa de piloto. Sus responsables son Miguel Sapochnik, Ryan Condal y George R. R. Martin, y está inspirada en el libro del propio Martin, Fuego y sangre, que está ambientado 300 años antes de los sucesos que conocemos de la serie de televisión y de los otros libros de Martin, y contará la historia de la casa Targaryen. Paddy Considine es el primero en llegar a la producción, y será Viserys Targaryen, rey sucesor de Jaehaerys Targaryen. Viserys es un hombre decente y bueno, pero los hombres buenos quizá no sirvan para reinar…

Netflix convertirá Conan en una serie de acción. Parece ser que Netflix sigue empeñada en llevarse el gato al agua en lo que a series de fantasía se refiere, pese a los titanes de otras cadenas, como El señor de los anillos. Tras The Witcher o Cursed, Netflix ha adquirido los derechos de la obra de Robert E. Howard en lo que concierne a su personaje, Conan, a través de un contrato con Conan Properties. A través de él pueden crear series y películas de animación o imagen real. El primer proyecto es una serie de imagen real. Hace dos años Amazon intentó un proyecto similar, pero no dio luz verde al proyecto finalmente. Ahora Netflix se hace con los derechos del personaje.

Nueva serie musical en Apple, con un reparto lleno de estrellas. Una de las actrices de Saturday Night Live, Cecily Strong, va a ser la protagonista de una de las nuevas series de Apple, que sigue luchando para convertirse en una de las reinas de la producción en streaming. Aún sin título, será un musical en el que Strong estará acompañada de un reparto simplemente espectacular, con Keegan-Michael Key, Alan Cumming, Fred Armisen y Kristen Chenoweth. La serie tiene una historia curiosa y bastante interesante, con un matrimonio, formado por Strong y Kay, que emprende un viaje como mochileros, que los lleva a una ciudad mágica que vive en un eterno musical de los años cuarenta. Pero pronto descubrirán que no pueden salir del pueblo hasta que no encuentren el verdadero amor.

Netflix prepara serie de animación de Godzilla. Aunque Netflix nos presentó no hace mucho dos películas de animación basadas en el famosísimo personaje (sí, Godzilla es un personaje, no solo un monstruo), este nuevo proyecto no tiene relación con esas películas. La serie de anime tendrá dos estudios detrás, Studio Bones y Orange, y el título de Godzilla Singular Point, que Netflix pretende estrenar el próximo año incluso. Combinará dibujo tradicional a mano con animación por ordenador. En estos momentos buscan un nuevo reparto para dar voces a nuevas historias totalmente alejadas de lo visto anteriormente en Netflix, o eso han prometido.

Demi Moore protagonizará nueva serie en Amazon. Amazon se ha hecho con los derechos del podcast de QCode, Dirty Diana, creado por Shana Feste, y Demi Moore lo protagonizará y producirá también. El podcast, de ficción y también protagonizado por Moore, se hizo famoso desde su aparición hace un año, y figura como uno de los diez más seguidos en la aplicación de Apple desde entonces. Ha habido una guerra de pujas por sus derechos hasta que Amazon lo ha comprado.

La serie seguirá una historia levemente basada en la vida de la creadora y cómo arregló su matrimonio roto a través de perseverancia, conexión y sexo.

La serie de Green Lantern contará con un reparto de curiosos personajes. La serie de Green Lantern que se prepara en HBO Max empieza a prometer convertirse en una de las más interesantes del panorama de superhéroes. Creada por Geoff Johns y Greg Berlanti, la serie quiere alejarse de los personajes más conocidos de los Green Lanterns, como Hal Jordan o John Stewart, y centrarse en los secundarios o menos conocidos. La lista de personajes incluye a Guy Gardner, Jessica Cruz, Simon Baz, Kilowog y al Linterna Verde original, Alan Scott. Y aunque Hal Jordan no aparezca, el gran villano será Siniestro. La verdad es que esa lista de personajes hace que el interés por Green Lantern crezca…

Susan Sarandon protagoniza la nueva serie de John Wells. Aunque en esta ocasión Wells será productor del proyecto, mientras que el piloto estará escrito por Sara Gran, pero la serie será parte del multiacuerdo de John Wells con Warner y HBO Max, por el que estrenará tres series en el servicio de streaming. La primera parece que será esta Red Bird Lane, escrita por Gran, que ya tiene reparto protagonista para su piloto, liderado por Susan Sarandon, ni más ni menos, junto a Kiersey Clemons, Danny Huston, Ash Santos, Fiona Dourif, Dizzie Harris y Tara Lynne Barr.

La serie sigue a ocho desconocidos que visitan una isla por diversos motivos, y que pronto descubren que algo siniestro y terrorífico los aguarda. Sarandon será la anfitriona de la isla, una mujer enigmática, carismática y realmente peligrosa.

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