sean

Ryan Reynolds quiere un spin off de su personaje en Hobbs y Shaw. Eso sería un spin off del spin off, otra vuelta de tuerca en la práctica de la secuelitis cinematográfica en la que vivimos. Vamos que acaban de invitarlo a la fiesta, le van a dar más protagonismo en la segunda entrega y el hombre se ha venido arriba y quiere quedarse con la mitad de la casa si le dejan.

Eso sí, en Warner no quieren que sea el Green Lantern de la casa, porque quedaron escarmentados de su última incursión en la pantalla grande vestido de verde. Eso sí, a Reynolds no le falta trabajo, y para ello recomiendo repasar las noticias que he redactado para este mismo número.

En lo que sí está interesada Warner, otra vez, es en una película de Joker y Harley Quinn. En 2018 se hablaba de volver a poner a Margot Robbie a las órdenes de Glenn Ficarra y John Requa, directores de Focus, la película que la actriz protagonizó junto a Will Smith, para que se hicieran cargo del proyecto, del que completaron un primer borrador de guion con vistas a rodar el largometraje después de Aves de presa. Pero llegó el coronavirus, y el universo cinematográfico DC fue presa de una revolución que parecía imposible, La Liga de la Justicia versión Zack Snyder, y Jared Leto volvió a estar en la lista de Joker, y ahora el largometraje titulado Joker and Harley Quinn vuelve a renacer de sus cenizas, lo mismo que el proyecto de rodar una película de La Liga de la Justicia contra Escuadrón Suicida.

Es lógico. Vivimos un momento en que todas las productoras se están poniendo las pilas para ser las primeras con una colección de propuestas de blockbuster de superhéroes nutrida esperando el momento de volver a arrancar la cartelera tras los retrasos de los grandes estrenos que está generando la pandemia de la COVID-19.

Sin ir más lejos, en el frente de Spidermanlandia, Kevin Feige ya ha confirmado que Miles Morales, el Ultimate Spiderman de los cómics, protagonista del largometraje de animación Un nuevo universo, tendrá su propia franquicia en imagen real en el universo cinematográfico Marvel, e incluso se especula con que pueda incorporarse a la fiesta de reuniones que se está gestando en la tercera entrega de las aventuras del trepamuros interpretado por Tom Holland.

Por cierto, Holland quiere que Spiderman vuelva al espacio, como en Vengadores Infinity War. Igual lo consigue, Feige va a por todas. Por ejemplo, en los mutantes, que para su debut en Marvel cine quiere hacer lo más diferentes posibles a los mutantes de Fox que ya conocemos y desplegarlos en varios equipos, como en los

mejores tiempos escritos por Chris Claremont para los cómics de los X-Men. También barajan seguir con la fórmula de crossover y rodar una película que enfrente a los Cuatro Fantásticos con los XMen. Esas son las buenas noticias.

La mala es que se rumorea que las películas sobre Lobezno se apartaran de la pauta marcada en Fox por Logan, y serán calificadas PG13. Esto es: nada de cortes de cabeza, ni destripamientos, y no se extrañen si en lugar de garras le salen al personaje de los nudillos tres banderines para hacer cosquillas a sus antagonistas y dejarlos despatarrados en el suelo a base de risas.

Otra mala noticia, sobre todo para los cines, es que uno de los inversores más poderosos de Disney ha revelado que quiere que la película de Viuda Negra vaya directa a streaming, en un momento en que algunos medios aseguran que la prioridad es generar contenido original para explotación en streaming y mientras se ha conocido que MGM estuvo valorando cerrar un acuerdo de 600 millones de dólares para llevar a streaming la última película de James Bond protagonizada por Daniel Craig: Sin tiempo para morir.

En esta línea, Mahershala Ali ha divulgado que la película de Blade estaba concebida como serie para televisión antes de que él fuera elegido como protagonista, y que le harán un homenaje en la misma a Wesley Snipes (¡qué menos!), mientras Jon Boyega no se entera de que su tren de las galaxias ya pasó y embiste públicamente contra Disney y Lucasfilm por haber reducido su participación en los episodios 8 y 9… ¿Creerá que le va a pasar lo mismo que Ray Fisher (Cyborg) en la Zack Snyder’s Justice League si monta una buena pataleta?

Pataleta es lo que el va a quedar a la expareja formada por Johnny Depp y Amber Heard tras una batalla legal que los ha dejado a ambos severamente afectados en lo que a imagen pública se refiere si se confirma que, como anuncian algunas redes sociales, los productores le habrían pedido a Depp valorar la posibilidad de distanciarse del personaje de Grindelwald en la saga de animales fantásticos y si, finalmente, tal como afirman algunas fuentes, Amber Heard pierde parcela de protagonismo en la segunda película de Aquaman frente a la incorporación en esta de otros tres personajes femeninos.

Pero todos tranquilos: unos científicos afirman que tenemos un 50 por ciento de posibilidades de acabar viviendo en Matrix, así que la importancia de todo esto sería muy relativa, amigos y amigas.

Miguel Juan Payán

SPIN OFF, STREAMING Y PATALETAS

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NOTICIAS RODAJES • PROYECTOS • RUMORES El regreso del LetoJoker

FECHAS ESTRENOS 24 de noviembre Hillbilly, una elegía rural

27 de noviembre Érase una vez Nuestros Mejores Años Uno de nosotros Way Down

4 de diciembre Beginning El verano que vivimos En guerra con mi abuelo Marie Curie Volver a empezar

11 de diciembre El arte de volver La estación de la felicidad Para toda la vida

14 de diciembre The Bee Gees: How Can You Mend a Broken Heart

18 de diciembre Cómo sobrevivir en un mundo material El incoveniente Foto de familia La maldición de Lake Manor Ma Rainey's Black Bottom Mamá o papá Martin Eden Peninsula Peter Rabbit 2: a la fuga The Glorias

18 de diciembre Cielo de medianoche Los Croods: una nueva era Rompiendo las normas

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Fuentes cercanas a la revista The Hollywood Reporter afirman que Jared Leto regresará al papel de Joker en la Zack Snyder’s Justice League y Margot Robbie está en conversaciones para incorporarse también al reparto reuniendo así a los dos personajes de la primera película de Escuadrón Suicida. Los dos personajes estarán conectados con el Batman de Ben Affleck con su propia subtrama, a pesar de que no estaban en los planes iniciales de Snyder para la Liga de la Justicia.

Scarlett Johansson y Frankenstein La protagonista de Viuda Negra tiene nuevo proyecto.

Se trata de un largometraje enmarcado en el género de ciencia ficción que responde al título de Bride y se inspira en el personaje de monstruo femenino que interpretara Elsa Lanchester en el clásico del cine de terror de Universal La novia de Frankenstein, dirigida por James Whale, pero dándole una vuelta de tuerca para actualizar el tema. El argumento se centra en una mujer creada como la esposa perfecta para un empresario de éxito que rechaza a su creador y ese objetivo para su creación, convirtiéndose en una figura perseguida que busca su verdadera identidad por su cuenta. El director chileno Sebastián Lelio (La sagrada familia, El año del tigre, Gloria, Una mujer fantástica) es el encargado de la dirección de este proyecto que contará con Scarlett Johansson en el doble papel de protagonista y productora.

Los Otros: El remake La película de Alejandro Amenábar, Los otros, protagonizada en 2001 por Nicole Kidman, contará con remake al que ya han dado luz verde en Universal.

Produce Sentient Entertainment y el objetivo es presentarle la misma historia a una nueva generación de aficionados al cine.

Hablan de reinventar y modernizar la historia, lo cual siempre da un poco de miedito porque no suele acabar bien la mayor parte de las veces.

Los responsables están a la caza de estrella para que protagonice el papel de Grace, la madre viuda con dos niños encerrada en una mansión de las islas del Canal donde ocurren fenómenos extraños, según el guion escrito por el propio Amenábar. No lo tiene fácil para superar la marca de más de 200 millones de dólares recaudados en todo el mundo con un presupuesto estimado en 17 millones.

Dicaprio: próximo proyecto Leonardo DiCaprio tiene en agenda un largometraje dirigido para Netflix por Adam McKay, con el título Don’t Look Up. En el reparto, DiCaprio estará acompañado por Meryl Streep, Cate Blanchett, Ariana Grande, Jonah Hill, Timothée Chalamet, Matthew Perry y Tomer Sisley. McKay es también el guionista y productor. El argumento sigue la pista a dos astrónomos de bajo nivel que se meten en una gira por todo el mundo para avisar a la humanidad de que se aproxima a la Tierra un asteroide asesino de planetas.

Wonder Woman contra Capitana Marvel Universal y los productores de la película están gestionando el encuentro de Gal Gadot con Brie Larson en Hobbs y Shaw 2. Además de hacer regresar a la mayor parte del reparto de la primera entrega, incluyendo a Ryan Reynolds, al que piensan darle un papel más protagonista y más tiempo en pantalla, quieren reforzar el protagonismo femenino en una clara inclinación por hacer de este spin off de Fast and Furious una franquicia con identidad propia ahora que se va terminando la protagonizada por Vin Diesel.

La nueva Imperator Furiosa La precuela de Mad Max, cuyo título habla claro de su protagonista, Furiosa, ha encontrado ya a la actriz para interpretar la versión joven del personaje que en Mad Max: furia en la carretera, interpretara Charlize Theron. Se trata de Anya Taylor-Joy, que estará acompañada en el reparto por Chris Hemsworth y Yahya AbdulMateen. George Miller ha escrito la precuela que además parece estar preparando para dirigir. El guion abordará el pasado de Imperator Furiosa al que se aludió en la película anterior de la saga, con el secuestro del personaje, arrancado de la tribu de las guerreras vuvulini.

Eso abre la posibilidad de que también nos encontremos con una versión más joven de Inmortan Joe. Miller tiene también planes para una secuela de Mad Max: furia en la carretera, titulada Mad Max: The Wasteland, que podría derivar de algún modo de algunas de las propuestas de esta precuela. Anya Taylor-Joy ha sido la segunda opción del director para afrontar el rejuvenecimiento del personaje después de pensar en someter a Theron a un tratamiento de rejuvenecimiento por ordenador.

NOTICIAS RODAJES • PROYECTOS • RUMORES FECHAS ESTRENOS 30/12/20 Escape Room 2 1/1/21 Monster Hunter 15/1/21 The 355 15/1/21 Mortal Kombat 15/1/21 Peter Rabbit 2 5/2/21 Cinderella 26/2/21 The Kingsman 12/3/21 Raya y el último dragón 19/3/21 Morbius 19/3/21 Tomb Raider 2 2/4/21 Sin tiempo para morir 23/4/21 Un lugar tranquilo 2 7/5/21 Viuda Negra 21/5/21 DC SuperPets 21/5/21 Godzilla vs. Kong 28/5/21 Fast & Furious 9 28/5/21 Cruella 4/6/21 Expediente Warren: Obligado por el demonio 25/6/21 Venom: Let There Be Carnage 2/7/21 Top Gun: Maverick 9/7/21 Shang Chi 17/7/21 Space Jam: A New Legacy 17/7/21 Uncharted 23/7/21 The Tomorrow War 30/7/21 Jungle Cruise 30/7/21 Cazafantasmas: Más allá 6/8/21 Hotel Transylvania 4 6/8/21 Escuadrón Suicida 2 1/10/21 Dune 15/10/21 Halloween Ends 5/11/21 The Eternals 19/11/21 Misión: Imposible 7 10/12/21 West Side Story 17/12/21 Spider-Man Homecoming 3 22/12/21 Sherlock Holmes 3 22/12/21 The Matrix 4 28/1/22 Babylon 11/2/22 Thor: Love and Thunder 4/3/22 The Batman 25/3/22 Doctor Strange in the Multiverse of Madness 6/5/22 Black Panther 2 17/5/22 Dungeons & Dragons 27/5/22 John Wick: Chapter 4 10/6/22 Jurassic World Dominion 24/6/22 Transformers 8/7/22 Captain Marvel 2 15/7/22 Animales fantásticos 3 29/7/22 Indiana Jones 5 5/8/22 Misión: Imposible 7 7/10/22 Spider-Man un nuevo universo II 4/11/22 The Flash 4/11/22 Misión: Imposible 8 16/12/22 Aquaman 2 16/12/22 Avatar 2 16/12/22 Star Wars sin título 3/6/23 Shazam 2 20/12/24 Avatar 3 18/12/26 Avatar 4 22/12/26 Avatar 5 sin fecha Black Adam sin fecha Minecraft Nota de la redacción: Fechas estimadas de estreno de películas que muchas de ellas ni siquiera han comenzado a rodarse y que por lo tanto pueden sufrir cambios de programación.

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George Clooney y John Grisham

Ryan Reynolds y Sandra Bullock El protagonista de Deadpool y la protagonista de Speed ya se encontraron en el reparto de la comedia romántica La proposición, dirigida por Anne Fletcher en 2009, y ahora tienen previsto volver a reunirse en Lost City of D, una comedia romántica de acción y aventuras que intenta resucitar la fórmula de Tras el Corazón Verde y La joya del Nilo, que protagonizaron en los años ochenta Michael Douglas y Kathleen Turner. Los directores son Adam Nee y Aaron Nee (Band of Robbers), y Sandra Bullock ejercerá como productora junto con Seth Gordon (Pixels, la película, las series Lincoln Ryme: cazando al coleccionista de huesos, The Good Doctor). Teniendo en cuenta que La proposición consiguió una recaudación de 320 millones de dólares en todo el mundo incluso antes de que Ryan Reynolds alcanzara su etapa de estrellato más sólido con Deadpool, es evidente que Bullock está intentando impulsar un retorno a su carrera asociándose con el actor, ahora en posición más ventajosa que la suya.

¿Regresa el Duende Verde?

Entre los muchos rumores y noticias que rodean ya a la próxima película de Spiderman, incluyendo la confirmada participación de Benedict Cumberbatch como el Doctor Extraño heredando el papel de mentor del personaje interpretado por Tom Holland, destaca el que señala que Matthew McConaughey (quien ha declarado que quería interpretar a Hulk, pero fue rechazado por Marvel) podría ser el actor elegido para interpretar a Norman Osborn y su alter ego, el Duende Verde, máximo antagonista de Spiderman en los cómics que fue interpretado por Willem Dafoe en la primera película dirigida por Sam Raimi. Un duelo McConaughey-Holland con Cumberbatch podría recuperar e incluso superar el buen tono de la primera entrega de la saga Holland, aflojada en la segunda película. Por otro lado, Sony se ha negado a confirmar oficialmente los rumores que señalan que la tercera entrega podría contar con Andrew Garfield y Tobey Maguire, aunque este último ya ha tenido conversaciones sobre el tema con los productores, interpretando las versiones de Spiderman de otros universos en una trama de Spiderverso incorporada al argumento de la tercera entrega. Por cierto, parece que a Holland no le hace mucha gracia esa posibilidad.

George Clooney será el productor y director de la novela de John Grisham Calico Joe, publicada en 2012 y que sigue la pista de un prometedor jugador de béisbol que es inducido al coma durante tres décadas después de una lesión. Inspirada por las experiencias juveniles de John Grisham como jugador de béisbol y por la historia real de Ray Chapman, que murió al recibir un golpe de la pelota en un lanzamiento en 1920. La trama tiene los ingredientes para el estilo de tratamiento de la verdad en clave dramática que Clooney le ha dado a su carrera como director.

Buck Rogers La productora Legendary se propone traer de vuelta a la pantalla grande a uno de los héroes de la space opera más célebres junto con Flash Gordon: Buck Rogers. El personaje fue creado por Philip Francis Nowlan como un veterano de la Primera Guerra Mundial que queda en animación suspendida (el Capitán América no fue tan original, después de todo), después de haber quedado expuesto a gas radiactivo. Despierta más de 500 años más tarde, en el año 2419, iniciando sus aventuras con el relato corto titulado “Armageddon 2419 A. D.”, publicado en la revista de relatos de ciencia ficción Amazing Stories en 1928. Posteriormente pasó al cómic, la radio, el serial en el cine y la televisión.

Wicked pierde a su director La adaptación al cine de la novela Wicked, protagonizada por el personaje de la bruja del Mago de Oz, ha perdido a su director. Stephen Daldry ha abandonado esta adaptación al musical tejida en torno a la variante de la novela construida para los escenarios de Broadway que registró un notable éxito en las librerías y sobre las tablas. El motivo del abandono de Daldry, explicado por el propio director, es que Universal quiere meter el acelerador al asunto en lo referido a fechas de estreno y eso condicionaba que la película no pudiera rodarse en Londres, que para él es un factor fundamental de la visión que tiene del proyecto. Así que al final el estudio, con las prisas, ha perdido a su mejor opción para dirigir la película. A ver si eso no les pasa factura luego en los resultados. De momento, ya están lanzados a la búsqueda de sustituto para poner en marcha la producción a finales de 2021.

NOTICIAS CINE ORIENTAL

por Iván E. Fernández

natal del director, que promete acción y violencia cuyos referentes son Battle Royale (2000) y The Belko Experiment (2016).

Actualmente, se encuentra en posproducción, aunque se espera un tráiler o teaser pronto.

Michael Jai White Por Partida Doble

Tony Jaa Buscando El Éxito Tras el éxito de Tony Jaa en su debut como protagonista en Ong Bak (2003), su estrella ha ido apagándose, tanto en Tailandia, con los problemas que tuvo durante el rodaje de las dos precuelas de ese primer éxito, que provocaron problemas con la todopoderosa productora Sahamongkok Films, que además terminaron cerrando su departamento de cine de acción, relegando al resto de estrellas locales, como Jeeja Yanin o Dan Chupong, a la televisión o a producciones internacionales de serie B, por no hablar del fallecimiento del que fuese su mentor, la leyenda del cine marcial y de acción Panna Rithikrai. Jaa participó en producciones en Hollywood con poco éxito, o en Hong Kong, sus únicos productos recomendables a pesar de ser un mero secundario desaprovechado. Tras la esperada Jiu Jitsu, donde le veremos con Alain Moussi, Nicholas Cage, Frank Grillo y Juju Chan (que se ha estrenado en Estados Unidos el pasado 20 de noviembre), y Monster Hunter, adaptación del videojuego del mismo título con Milla Jovovich, a Jaa se le abren de nuevo las puertas de la Meca del cine con la productora Starlight Entertainment, con la que prepara una nueva trilogía de acción donde interpretará a un asesino profesional que desaparece durante tres años, pero que deberá volver a la acción cuando se convierta en el objetivo de varias organizaciones criminales y agencias de inteligencia internacionales. Una caza del hombre que debería comenzar a rodarse en el 2021.

Exiled: The Chosen One El director inglés, de ascendencia india y africana, Ranjeet S. Marwa, ha terminado el rodaje de Exiled: The Chosen One, un thriller protagonizado por Sunny Pang (Headshot), que interpreta a un yakuza que tendrá que luchar por su vida en un juego que le enfrenta a una serie de criminales y obligados por una organización con un motivo, el control de la población mientras los ricos hacen apuestas. El resto del reparto se completa con Hannah al-Rashid (The Night Comes for Us), Oka Antara (The Raid 2) y Nick Khan (Invincible), que es además el coreógrafo de lucha y coproductor junto a Marwa. Un rodaje de 32 días en Birmingham, ciudad

Tras el desastroso remake de Muerte súbita (1995) perpetrado por Michael Jai White, Welcome to Sudden Death, el actor y artista marcial vuelve a reunirse con su mujer, Gillian White, en Take Back, en estos momentos en posproducción, y esta vez parece que veremos más del potencial de ella, también practicante de artes marciales. Gillian es Zara, una mujer que detendrá a un ladrón usando sus habilidades para la lucha, y al salir en las noticias, el pasado de la mujer volverá con la reaparición de Patrick, un criminal que pondrá la idílica vida de Zara y su familia en peligro. Michael Jai White interpreta a su marido, Brian, también con conocimientos marciales, mientras que el villano es el mismísimo Mickey Rourke (o eso parece, que las operaciones han convertido su cara en una auténtica máscara). Christian Sesna (Vigilante Diaries) es su director y Arnold Chon se encarga de la acción. Por otro lado, Jai White se encuentra rodando The Commando, de nuevo con Rourke, donde el actor afroamericano interpreta a un agente de la DEA con estrés postraumático que deberá defender a su familia cuando un criminal recién salido de la cárcel irrumpa en su hogar buscando un botín escondido en su casa.

Acción Bélica China La extensa producción china actual no deja de aportar cine de acción de todo tipo, y entre la variedad tenemos dos películas con componente bélico protagonizada por estrellas. La primera es My Ace Dad, donde unos criminales crean una vacuna falsa y una niña sufre las consecuencias, pero su padre no dudará en dar caza a la banda. Una premisa sencilla, pero que promete mucha acción con Andy On (Special I. D.) como protagonista y secundado por Ray Lui (Firestorm) y Jiang Luxia (Coweb), además de contar con Bowie Lau como director. Acción balística y marcial que ya podemos discernir brevemente en el teaser tráiler que se ha liberado. Por otro lado, Max Zhang (Master Z: Ip Man Legacy) protagoniza, junto a Aarif Lee (El joven Bruce Lee), Career as a Mercenary, debut como director del guionista Michael Chiang (Army Daze), donde además también veremos a la actriz y experta en wushu, Jiang Luxia. El pasado 2019 se anunció esta película con Liu Ye (Acción policial) como protagonista y director, además de Jackie Chan como productor, pero finalmente no será así. No se ha desvelado nada de la trama, y actualmente se encuentra en rodaje de cara a su estreno en el 2021, y tendrá acción dirigida por Stephen Tung Wei.

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MUNDO FANTÁSTICO

por Santiago de Bernardo

No deberías perdértela:

Amenaza en la sombra Laura (Julie Christie) y John Lexter (Donald Sutherland) disfrutan de la vida en el campo en el Reino Unido junto a sus dos hijos: Johnny, que pasea en bicicleta, mientras que su hermana Christine juega con un muñeco Action Man militar y un balón que acaba en un pequeño lago. Mientras a John le sucede un pequeño incidente con una diapositiva de una iglesia en la que aparece una persona vestida de rojo, la hija de los Lexter, con ropa del mismo color, se ahoga al intentar recuperar su pelota. No mucho después el matrimonio está intentando superar la pérdida de su pequeña en Venecia, ciudad convulsionada por terribles crímenes en serie, donde John está trabajando en las labores de restauración de un templo católico. Allí conocen a una pareja de hermanas, Heather (Hilary Mason) y Wendy (Clelia Matania), la primera de ellas ciega y vidente, capaz de conectar con su hija fallecida. A partir de entonces empiezan a acontecer extraños sucesos e inexplicables situaciones, que se precipitarán especialmente a del partir momento en que Lexter ve a las dos hermanas y a su esposa vestidas de negro en una lancha fúnebre, cuando Laura en verdad debería estar en Inglaterra para visitar a su hijo, que ha sufrido un pequeño accidente en el colegio en el que reside. Una nueva tragedia acecha a la familia Lexter. Don’t Look Now (considerado uno de los grandes títulos del terror moderno) se basa en una obra de Daphne Du Maurier (Rebeca). Este inquietante y excepcional relato de 1973 producido entre Gran Bretaña e Italia bajo la dirección de Nicolas Roeg (El hombre que cayó a la Tierra), protagonizado por Donald Sutherland (La invasión de los ultracuerpos) y Julie Christie (Engendro mecánico), es una suerte de puzle que el espectador debe resolver a los sones de la partitura del maestro Pino Donaggio (Doble cuerpo).

Comunidad de Madrid: Fantastic, ruta del género fantástico Film Madrid, dentro de su actividad para promover rodajes (y el turismo cinematográfico) tanto en la capital como en el resto de la Comunidad de Madrid, ha creado una nueva ruta de cine (que se une a otras como Territorio Far West), Comunidad de Madrid: Fantastic, que nos acerca a sitios que han servido de localizaciones para filmes de género, creando varias rutas (tres) que ayudarán a todo cinéfilo a (re)conocer aquellas zonas de Madrid (tanto si existen como si ya han desaparecido) en las que se rodaron títulos tanto nacionales (unos cuantos de nuestro fantaterror) como internacionales. En la Ruta Norte se filmaron El laberinto del fauno, Los nuevos extraterrestres, El espanto surge de la tumba o School Killer, mientras que en la Ruta Oeste, Gritos en la noche, La marca del hombre lobo, El caballero del dragón, Bajo aguas tranquilas, Al filo del hacha, La noche de Walpurgis, La herencia Valdemar o No profanar el sueño de los muertos. Por su parte en la Ruta Este se produjo el rodaje de El ataque de los muertos sin ojos, El retorno del hombre lobo, Conan, el bárbaro, El Espinazo del Diablo, Pánico en el Transiberiano, Supersonic Man, Tuno negro o Serpiente de mar.

Novedades en vídeo Se siguen editando novedades de fantástico en alta definición, bien recuperando material reciente o de catálogo, con algunos filmes que uno nunca se imaginaría que llegarían a nuestro país en formato físico. Y así sale al mercado nacional un pack dedicado al maestro del fantástico John Carpenter, recogiendo varias de sus grandes películas, es el caso de 1997: rescate en nueva York (1981), La niebla (1980) y Están vivos (1988), y un Carpenter menor, pero también muy disfrutable, El príncipe de las tinieblas (1987), sencillamente una oportunidad para hacerse con estos títulos en blu-ray, en la línea de las recopilaciones ciencia ficción y cine fantástico, que ofrecen la oportunidad de poseer joyas como Lifeforce/Fuerza vital (Tobe Hooper, 1985), Capricornio 1 (Peter Hyams, 1977), La invasión de los ultracuerpos (Philip Kaufman, 1978) o Zardoz (John Boorman, 1974), entre otras películas, y a buen precio. De otro grande, el alumno más aventajado de Alfred Hitchcock, Brian De Palma, llega uno de sus filmes de suspense (que rodó con mayor libertad creativa), En nombre de Caín (1992), con el montaje para salas de cine y el del director, además del tráiler, una introducción, una comparativa entre las dos versiones incluidas y un libreto. También se distribuye una

FANTASÍA • TERROR • GORE • CIENCIA FICCIÓN

completa edición de lo último de Richard Stanley (Hardware: programado para matar), Color Out of Space, con Nicolas Cage en medio de un relato de H. P. Lovecraft, con extras sobre cómo se hizo, su presentación en los festivales de Toronto o Sitges, entrevistas, el tráiler o varios cortos de Stanley, o la comedia zombi Little Monsters de Abe Forsythe, con entrevistas al equipo técnico y artístico, el tráiler o un spot para televisión. Y vuelve asimismo al mercado videográfico el clásico de la ciencia ficción de Fritz Lang Una mujer en la Luna (1931), que vaticinaba la futura llegada del hombre a nuestro satélite, en una edición con fichas, filmografía, una galería de imágenes y la featurette “La primera película realista de ciencia ficción”. Y desde la independencia surge Bliss de Joe Begos, sobre una artista que necesita un aliciente para avanzar en su carrera y que además del tráiler contiene entrevistas, la secuela de The Woman, Darlin’ de Pollyanna Mcintosh con el tráiler, Scare Package, una antología de relatos de terror con audiocomentarios, el tráiler o una entrevista, además de la trilogía (no apta para todo tipo de estómagos) The Human Centipede de Tom Six, que cuenta cómo a un científico perturbado le gusta unir cuerpos de personas. Y tras una larga espera ya tenemos al fin una de las películas de acción más impactantes de los últimos años, Redada asesina (2011), que se comercializa, eso sí, junto a su secuela Redada asesina (2014), ambas bajo la dirección de Gareth Evans.

De festivales fantásticos Ha finalizado la temporada de festivales de género y la situación actual ha permitido que unos se celebraran con relativa normalidad, que otros potenciaran la opción online y que el resto se llegara incluso a suspender esperando tiempos mejores. Para 2021 la incertidumbre seguirá entre nosotros y posiblemente algunos festivales optarán por desarrollar más las programaciones digitales, como elemento esencial o como complemento de la posible edición presencial,

mientras otros serán aplazados con la esperanza de volverse a reencontrar pronto con su público. Por suerte, nuestro festival más importante, Sitges, tuvo lugar sin demasiados problemas de manera física (acompañada de otra virtual), y se prevé que para el próximo año regrese al menos en las mismas condiciones. El belga BIFFF - Brussels International Fantastic Film Festival, el holandés Imagine Film Festival o el madrileño Nocturna Madrid se vieron obligados a cancelar la edición de 2020, el galo Festival International du Film Fantastique de Gérardmer o el portugués Fantasporto (con la fortuna de que sus fechas estaban en los primeros meses de este año) se celebraron sin (excesivas) complicaciones, como el alemán Fantasy Filmfest, la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián o la Semana Internacional de Cine Fantástico Costa del Sol, a la vez que el suizo NIFFF - Neuchâtel International Fantastic Film Festival o el brasileño Fantaspoa se trasladaron al mundo digital para no perder todo el trabajo ya realizado. Quizá estos días extraños que nos ha tocado vivir sean un buen momento para que este tipo de eventos hagan una profunda reflexión sobre su papel en la difusión del fantástico, que a todas luces es esencial, porque permiten apoyar títulos que de otra manera no llegarían al público o que lo harían de manera minoritaria (porque además una parte de ellos nunca entrarán en los catálogos de las mas populares plataformas digitales de vídeo bajo demanda y evidentemente tampoco conseguirán distribución cinematográfica nacional). Teniendo en cuenta la inevitable transformación de la distribución y exhibición en salas (que está cambiando a marchas forzadas), deben seguir siendo una oportunidad única para disfrutar del cine en pantalla grande. La opción de programar contenidos online seguramente se mantendrá en el futuro, especialmente porque muchos espectadores no siempre podrán vivir in situ su festival de fantástico favorito, y servirá asimismo para organizar presentaciones o clases magistrales cuando no sea posible que el invitado esté de manera presencial. En todo caso, los festivales (también los de otro tipo de cine) deben mantenerse y prepararse para épocas más benévolas, cuando la exhibición online habrá cambiado mucho las maneras de ver fantástico, sin embargo, esta nunca será comparable a la sensación de contemplar una película de terror, ciencia ficción, fantasía… , en la gran pantalla, en una sala oscura, con otros espectadores, e incluso en compañía de los que la crearon, pudiendo cambiar impresiones con ellos, algo incapaz de suplir por parte de un visionado en plataformas digitales.

Estamos en una época de transformación del cine y los festivales de fantástico no deben ser ajenos a los cambios… Es la hora de crear los festivales de la nueva década de los años veinte de este siglo.

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El 24 de noviembre llega a Netflix la nueva película de Ron Howard, un relato basado en la autobiografía de J. D. Vance que nos descubre su vida y la de su familia, oriundos de la región de los Apalaches. Con Amy Adams y Glenn Close en dos imprescindibles papeles centrales, tras una proyección de la película pudimos escuchar al equipo hablar de ella, de lo que ha supuesto la historia y de qué se esconde realmente sobre esta elegía rural en torno a un grupo de personajes realmente maravillosos.

Glenn Close, Amy Adams y Ron Howard hablan de

Hillbilly: una elegía rural

A

ntes de comenzar, si no han llegado todavía, les recomendamos que en estas mismas páginas revisen la entrevista que le realizamos a Ron Howard en exclusiva en torno a esta película. Pero además podemos comentar lo que han declarado sus dos principales actrices, Glenn Close en el papel de Mamaw y Amy Adams en el papel de Bev, abuela y madre del protagonista respectivamente, en esta historia basada en la vida real de J. D. Vance y el libro que él mismo escribió narrando su experiencia vital, un best seller que Howard ha convertido en una de sus más honestas, inteligentes, emotivas y bellas películas. Una aventura que es narrada en dos momentos de la vida de J. D., desde su etapa universitaria cuando se enfrenta a la prueba de su vida para poder seguir estudiando Derecho, y desde los recuerdos que tiene de su infancia y adolescencia, cuando se enfrentó a muchos problemas debidos a su situación familiar. Gabriel Basso da vida al J. D. adulto, mientras Owen Asztalos se encarga de la versión más joven, acompañados de nombres como Haley Bennett, Freida Pinto o Bo Hopkins.

La película es un complejo viaje por la memoria del protagonista y por su compleja historia personal. Howard habla de esa complejidad y de lo mucho que le atraía esta historia. “Fue desalentador al principio, porque son unas memorias que al mismo tiempo hacen un análisis sociopolítico, pero no hay una historia o una narrativa que conduzca el libro que J. D. Vance escribió. Aunque estaba generando muchas conversaciones y muchos sentimientos en mí. Y empecé a reconocer algo

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que estaba buscando, que era el tipo adecuado de historia centrada en torno a los personajes que sonaban, tenían la apariencia y pensaban como muchos de mis parientes”.

Aunque quede todavía algo de tiempo, los nombres de sus dos principales protagonistas, que acumulan trece nominaciones a los Oscar y ningún premio, ya suenan para la temporada de premios. Ambas hacen dos transformaciones portentosas para dar vida a las dos mujeres más importantes de la infancia de J. D. Su madre y su abuela. Personajes complejos y nada sencillos de interpretar. Glenn Close decía: “Creo que el reto es conseguir que la gente que la conoció en persona diga que hemos hecho un gran trabajo. Parte de nuestra preparación para la película fue conocer a miembros de la familia de J. D. Vance. Viajamos al sur de Ohio y cada uno de nosotros pasó tiempo con todos los miembros de la familia que estaban en la zona en aquel momento. Para mí fue tremendamente importante y yo sentía mucha curiosidad por saber qué es lo que la hacía ser más grande que la vida. Era una mujer dura, pero la gente la amaba. Creo que la gente sentía que debajo de toda esa dureza, estaba esta persona que se preocupaba y que los quería, que había tenido ella misma una vida dura y complicada. Pero era más grande que la vida. Yo estaba interesada en su lenguaje corporal y cómo hablaba. Había notado parte de eso leyendo el libro, pero hablar con la familia fue enormemente importante para mí”.

Por su lado, Amy Adams tiene la labor de interpretar al personaje con más luces y sombras, Bev, la madre del joven. “Estaba aterrorizada.

Venía de interpretar varios personajes muy oscuros. Había hecho Heridas abiertas y La mujer en la ventana, que todavía no se ha estrenado, pero es un personaje interiormente muy denso. Y estaba buscando interpretar algo más animado. Pero una vez empecé a investigar el personaje de Bev y a tener conversaciones… Lo primero es que quería trabajar con Ron Howard, eso que quede claro. Pero una vez que empecé a tener conversaciones sobre el personaje, es la vida, no es ficción. Hay algo que resuena con autenticidad, y ahí encontré a Bev y se convirtió en algo realmente emocionante. Y la experiencia de rodar, la gente de la que estábamos rodeados…, fue una experiencia mágica. Por muy duro que fuese dar vida a los personajes, fue una experiencia edificante”, dice la actriz sobre esa dualidad del personaje y cómo hacerle justicia. Aunque fuese, que lo es, un personaje oscuro y hasta peligroso.

Close además destaca algo que todos van a notar, la labor de maquillaje, peluquería y vestuario para componer a ambos personajes (Adams incluso llegó a poner nombre a su peluca, algo que hace habitualmente, al parecer), y en especial en su caso. “He interpretado a un puñado de personajes a los que no sientes completos hasta que te ves disfrazada entera, como Cruella de Vil, Norma Desmond (la actriz va a interpretar al personaje en una nueva versión del clásico de Billy Wilder), Albert Nobbs…, es dar pasos en una dirección hasta que de repente, aparece el personaje y lo reconoces, y tiene que ver con todos esos aspectos (maquillaje, peluquería, vestuario…) que se mencionan. Lo que sí era consciente es de

que era una mujer físicamente mucho más grande de lo que yo soy.

Tenía las manos muy grandes, todo el mundo hablaba de sus manos, y hablaba muy alto”. Pero sin olvidar el verdadero motivo por el que decidió lanzarse de cabeza a interpretar a Mamaw. “Siempre me ha gustado visitar territorios que nunca antes había visitado, y esto es algo completamente distinto a todo lo que había hecho antes”.

Amy Adams, por su parte, destacaba lo que le preocupa cuando interpreta a un personaje real: “Cuando estoy interpretando a alguien que existe y está ahí fuera, en el mundo, que va a ver el resultado del trabajo, me alegro de poder mostrar algo más que los errores que cometió. Para mí era importante entender quién era, de dónde venía, cuáles eran sus sueños. Sus decepciones. E ir desmontándolo todo capa a capa. Y Bev fue muy generosa, la familia entera fue muy generosa y muy abierta. Creo que eso fue muy importante para que confiasen en nosotros. Las conversaciones que tuvimos fueron claves para interpretar a Bev. No puedo hablar por los demás, pero hay algunas personas muy cercanas a mí que han sido tocadas por alguna adicción. Así que es una historia más grande que la de la propia Bev, es la historia de un grupo de gente que estaba en conflicto, y era muy importante para mí encontrar la humanidad en ese conflicto”. Una excelente película que estaréis a punto de descubrir en Netflix.

Jesús Usero TRÁILER: http://youtu.be/olsOa-Dg5-k

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PRÓXIMOS estrenos

Mank David Fincher, demasiado tiempo esperando esta película No entiendan mal mis palabras, ni mucho menos. Adoro Mindhunter y lo que Fincher ha hecho con esa serie que refleja algunos de sus mejores trabajos en cine, pero en la pequeña pantalla. Mindhunter es digna heredera de Seven, sin sensacionalismos, y de Zodiac, sin distracciones, y ha sido una de las mejores series de los últimos años que agradecemos profundamente a Fincher, uno de sus principales artífices y director de siete episodios de la serie, algo no muy habitual para alguien de su importancia en Hollywood. Pero eso y sus diferencias con los estudios, que no siempre le han dejado rodar lo que él quería, nos han privado de su talento en salas de cine. Desde que en 2014 estrenase Perdida, no habíamos podido ver una película suya. Eso son seis largos años esperando, y Mank ha sido la respuesta a nuestras plegarias. Mank, que no solo es la película que llevábamos años esperando, sino la que su director llevaba décadas planeando. Un guion que su padre escribió en los noventa. Su padre, Jack Fincher, era un militar retirado con un brillante talento para la escritura y con artículos y ensayos publicados en algunas de las revistas más importantes del país, lo que le llevó a ser jefe de la oficina de Life en San Francisco. Y autor de este guion en los años noventa que su hijo David pretendía rodar justo después de The Game (1997). Por desgracia, el proyecto no salió adelante y nadie parecía interesado en la historia. Jack Fincher falleció en 2003, sin ver su trabajo convertido en esta gran película, pero David Fincher no desfalleció y tras más de 20 años consiguió encandilar a Netflix con una película que llevamos demasiado tiempo esperando, pero no tanto como él soñando hacer. Y que, además, empieza a sonar para la temporada de premios con fuerza…

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La esperadísima nueva película de David Fincher llega a Netflix el próximo 4 de diciembre. Un relato sobre el Hollywood clásico con un brillante reparto y un sello inconfundible, el de su director.

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eis largos años hemos tenido que esperar entre Perdida, su anterior película, y Mank, un proyecto que David Fincher llevaba intentando levantar desde hace más de dos décadas, cuando su padre, Jack Fincher, le entregó un guion sobre la figura de Herman Mankiewicz, el legendario guionista, junto con Orson Welles, de Ciudadano Kane. Una historia de amor al cine de Hollywood y a sus eternas figuras, pero también de desamor a unos iconos que muchas veces tenían más sombras que luces, especialmente entre aquellos más poderosos que dirigían la vida de muchas más personas. Un viaje en parte tenebroso a aquellos que fueron y a cómo lo fueron, liderado por un sensacional Gary Oldman como el propio Mank, acompañado de nombres como Amanda Seyfried, Tuppence Middleton, Lily Collins, Tom Pelphrey, Charles Dance, Arliss Howard, Tom Burke, Sam Troughton o Ferdinand Kingsley. Con una exquisita fotografía en blanco y negro, y una narrativa que es un sincero homenaje a todo aquello que inspiró a Fincher.

La historia refleja cómo Mank (Oldman) recibe el encargo de escribir una película, un guion que servirá para que el llamado chico de oro de la radio,

Orson Welles, debute como director y protagonista en Hollywood. Mank es un tipo alcoholizado, con mucho talento, pero con mucha bilis acumulada y cuentas pendientes con algunos de los hombres más poderosos de Hollywood y del país, por lo que decide hacer que su guion, que debe escribir en tiempo récord, repase la vida de William Randolph Hearst (Dance), el magnate de la información, dándole otro nombre, Charles Foster Kane. Un gesto de valor inusitado que podría suponer el final de su carrera, aunque a Mank no parece importarle demasiado. Mientras revivimos su vida hasta la fecha, descubrimos a un hombre que ni siquiera parece desear acabar el guion que cambiará Hollywood…

Jesús Usero TRÁILER: http://youtu.be/JpAtht_Hmw

EE UU, 2020 DIRECTOR: DAVID FINCHER GUION: JACK FINCHER FOTOGRAFIA: ERIK MESSERSCHMIDT MUSICA: TRENT REZNOR Y ATTICUS ROSS INTERPRETES: LILY COLLINS (RITA ALEXANDER), TUPPENCE MIDDLETON (SARA MANKIEWICZ), GARY OLDMAN (HERMAN MANKIEWICZ), AMANDA SEYFRIED (MARION DAVIES), CHARLES DANCE (WILLIAM RANDOLPH HEARST) DURACION: 131 MIN. DISTRIBUYE: NETFLIX

PRÓXIMOS estrenos

La Madre del Blues (Ma Rainey's Black Bottom) Una de las últimas películas rodadas por Chadwick Boseman, protagonizada por Viola Davis y basada en una obra de August Wilson, La madre del blues, llega a Netflix el 18 de diciembre.

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lo hace con rumor de premios, como no podía ser de otro modo. La película dirigida por George C. Wolfe es una de las apuestas en la temporada de premios por muchos motivos. Producida por Denzel Washington, está basada en una obra de August Wilson. La protagonista de Ma Rainey’s Black Bottom, el título original de la película, ya ganó el Oscar por llevar a la gran pantalla a un personaje de Wilson, en Fences, y además nos encontramos con uno de los últimos papeles del desaparecido Chadwick Boseman, quien también suena como nominado al menos. La película se suma a la ya larga lista de títulos de Netflix que empiezan a sonar con fuerza para los premios de 2021, como Mank, Da 5 Bloods, Hillbilly Elegy, El juicio de los 7 de Chicago, El

cielo de medianoche y, ahora, también, La madre del blues.

Ambientada en 1927 en Chicago, principalmente durante una sesión de grabación más que intensa, La madre del blues refleja un momento en el tiempo que hizo cambiar muchas cosas. La fuerza de una mujer que no temía mostrarse como era, en un mundo racista y machista que pretendía controlarla, con un cambio en la corriente musical que la dejaría atrás, y con alguien cercano a ella dispuesto a destacar.

Viola Davis es Ma Rainey, por supuesto, y Chadwick Boseman esa persona que también sueña con ser leyenda, aunque eso le ponga frente a frente con Ma. Una historia que resuena con muchos elementos que siguen de actualidad, con un magnífico reparto. La película transmite continuamente esa sensación de calor terrible, de opresión y de falta de libertad. De aquella gente que luchó con su talento y su brillantez por conseguir que nadie acabase con lo que podía ofrecer al mundo, en este caso, la música de Ma Rainey.

Jesús Usero TRÁILER: http://youtu.be/fj1a_XWxYeE

EE UU, 2020 DIRECTOR: GEORGE C. WOLFE GUION: RUBEN SANTIAGO-HUDSON Y AUGUST WILSON FOTOGRAFIA: TOBIAS A. SCHLIESSLER MUSICA: BRANFORD MARSALIS CHADWICK BOSEMAN (LEVEE), VIOLA DAVIS (MA RAINEY), GLYNN TURMAN (TOLEDO), COLMAN DOMINGO (CUTLER) DURACION: 94 MIN. DISTRIBUYE: NETFLIX

INTERPRETES:

Chadwick Boseman una despedida antes de tiempo.

No creo que quede uno solo entre nuestros lectores que no sepa que el pasado 28 de agosto, a los 43 años de edad, decíamos adiós a Chadwick Boseman, el actor que había sido Black Panther, por supuesto, pero también mucho, mucho más. El próximo 29 de noviembre, apenas unos días después de la publicación de esta revista, el actor habría cumplido 44 años. Un cáncer de colon contra el que estuvo largo tiempo luchando en secreto le venció finalmente, pero el actor nos ha dejado un legado más que interesante por el camino.

No solo por su participación en Marvel, sino por un puñado de películas que saben a poco, por supuesto, pero que nos mostraron el talento que Boseman poseía y que sirvieron para intuir hasta dónde podía haber llegado.

Es una sensación agridulce sin duda, pero recordar películas como 42: la verdadera historia de una leyenda del deporte, donde dio vida a Jackie Robinson, el legendario jugador de béisbol, o I Feel Good: la historia de James Brown, donde daba vida al no menos legendario protagonista, sirven para que el recuerdo se incline más por lo dulce que por lo agrio. El vehículo de acción de Netflix, con quien colaboró varias veces, Message from the King, la más que remarcable Marshall, también basada en un personaje real, o su papel en Da 5 Bloods han servido para marcar el camino que lleva a La madre del blues, justo después de ese más que interesante policiaco que es Manhattan sin salida. Esta fue su última película, que llega en diciembre, donde no solo muestra de su talento, sino una apuesta clara por los premios y una nominación casi segura, en un papel que, sin duda, le hubiese dado esa alegría si siguiese entre nosotros. Porque no hay lugar a confusiones. El actor merecería la nominación pasase lo que pasase.

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ENTREVISTA on Howard es uno de los pero sentía que tenía un aire muy directores estrella de Hollynatural para dar vida al joven J. D. wood, responsable de títulos Pero había otros actores que podían legendarios que van de Willow hacerlo también. Y entonces encona Apollo 13, pasando por la trilogía de tramos a Gabriel Basso, que es otro El código Da Vinci o Una mente marajoven muy interesante también. Ensevillosa. Aquí se enfrenta a uno de sus guida te hablo de él… Pero encajaba mejores trabajos. Una película tan con Owen. Estaba muy emocionado emotiva como vibrante de la que nos cuando Gabriel hizo la audición, habla en profundidad en esta entreporque sentía que había algo ahí, y la vista en exclusiva con ACCIÓN CINE. directora de casting, Carmen Cuba, ¿Qué le hizo elegir este apoyaba esta combinación también. Y proyecto como su siguiente pelía mí me emocionaba haber encontrado cula? a ambos. Entonces les pedí que me Bueno, al principio no sabía lo leyesen ambos el guion completo para mucho que iba a identificarse la gente mí. Sin importar si daban vida al joven de todos los rincones del mundo y de o al adulto, leer el personaje completo nuestro país con esta historia. Quería en los ensayos. Y ambos se vieron contar una historia que fuese especíhacerlo, por lo que encontraron los fica y precisa, pero contemporánea, cimientos, las sutilezas comunes sobre la América rural, porque mi sobre la que construir el personaje y propia familia y parte de la familia de llevarlo a la pantalla. mi mujer son todos nacidos y criados Pero lo que quería contarte en pequeños pueblos y granjas. Estas sobre Gabe es que es muy interesante, sensibilidades y sonidos son muy P a s a m o s u n r a t o h a b l a n d o d e s u p e l í c u l a porque fue un actor adolescente de familiares para mí. Llevaba tiempo mucho éxito, entre los 13 y los 17 buscando una historia que los utilizase antes de la entrevista, discutiendo en parte años más o menos, y entonces se sin usar el sensacionalismo ni el melo- sobre la fina línea sobre la que camina para sintió desencantado con la profesión. drama. No quería que fuese una evitar caer en el melodrama, algo que me Se convirtió en músico, luego entró en historia sobre un crimen, quería que el Ejército, también es artista (dibuja a cuenta que fue complicado y quería evitar a fuese una historia que transmitiese las lápiz y crea personajes brillantesutilezas y dificultades de esas fami- toda costa. mente)…, emprendió este fantástico lias hoy en día. Y encontré eso en Hillviaje para intentar encontrarse a sí bily: una elegía rural, y además encontré que es una historia con mismo, y regresó a la interpretación. Ahí es cuando le encontramos y moraleja, porque incluso aunque es una historia positiva de gente que este es su primer trabajo de vuelta tras un largo paréntesis. intenta romper ciclos destructivos, incluso siendo esperanzadora, la pelí¿Tenía en mente algún nombre del reparto cuando trabajaba cula señala problemas que siguen existiendo hoy en día. Creo que la en la preparación de la película? historia aquí estaba equilibrada, interesante y emotiva. Y luego cuando la Siempre he querido volver a trabajar con Glenn Close (lo hicieron rodamos, y ahora que la estamos mostrando a la gente, descubro que se en Detrás de la noticia) y la vi en una obra en Nueva York, donde me dijo siente muy identificada con ella. Todo el mundo, en cualquier rincón del que adoraba el libro y estaba muy interesada en el personaje de Mamaw, planeta, tiene o conoce a una familia que trae del pasado una serie de así que en cierta medida se ofreció voluntaria para el papel y yo estaba valores y principios. Y algunos son constructivos y hay que construir muy emocionado con la noticia, además me hizo muy feliz que Netflix sobre ellos, y otros crean problemas. Incluso pueden ser amenazadores, accediese y pudiésemos ofrecerle el papel. Amy Adams es una actriz con pero deben ser comprendidos para poder superarlos por la siguiente la que me he encontrado en varias ocasiones, a la que adoro desde que la generación. vi en pantalla por primera vez, me parece que siempre está fantástica.

Puede corregirme si me equivoco, pero tengo la sensación de Todo aquel que trabaja con ella la elogia, y yo ahora me sumo a ese que la película habla de personajes rotos que intentan hacer las grupo, porque es una colaboradora extraordinaria, una gran artista y cosas mejor. muy, muy valiente. Porque ha accedido a rincones muy oscuros y difíSí, sin duda, porque es al mismo tiempo una historia de supervi- ciles de su propia psique mientras interpretaba a este personaje. Los vencia y de rescate. La primera parte de la historia, cuando es un niño, el momentos en los que es violenta con su hijo en pantalla, la destrozaron protagonista es rescatado. Es rescatado por gente que también está como persona y fueron días de rodaje difíciles y que supusieron un reto, dañada, rota, tienes razón. Y su madre, por un lado, es cariñosa, inteli- pero ella lo sacó adelante, es extraordinaria como artista y como gente y hace lo que puede, pero por otro lado, los problemas con sus persona. adicciones, sus problemas emocionales, crean un problema que amenaza Es pronto todavía, pero ya se oyen rumores sobre los Oscar en con destrozar no solo su vida, sino la de su hijo y su hija también. La torno a su película. ¿Le da importancia o es algo que no le preocupa segunda parte es sobre completar ese conocimiento de quién eres, y si llega, llegará? quiénes son tus seres queridos, por qué piensan como piensan y cómo se Bueno, estaría mintiendo si no te dijese que me encantaría que relaciona todo eso contigo y tu futuro, además de si puedes reconciliar algunas de las personas que han trabajado en esta película fuesen recoambas cosas sin rechazar ninguna de las dos. Todavía los quieres, nocidas durante la temporada de premios. Estaría encantado, y siempre todavía quieres ser un miembro de esa familia, pero la paradoja es que es emocionante cuando tu película demuestra ser digna de consideración tienes que crecer. en la temporada de premios. Es un proceso muy imperfecto (risas), pero Hablemos de los dos actores que dan vida a J. D., Gabriel es una tradición y promueve películas interesantes. Es un proceso que no Basso y Owen Asztalos. ¿Fue difícil encontrarlos? Porque hasta se puedes tomarte muy en serio, pero sería tonto no reconocer que es un parecen físicamente. honor. Y un montón de gente, delante y detrás de las cámaras, entregó Lo sé, lo sé. Y era algo que ciertamente iba a ser importante a la mucho de sí misma para hacer esta película. Si es reconocido, genial, hora de encontrarlos. Primero encontramos al J. D. niño, a Owen. Y Owen pero si no, no es el motivo por el que nos enfrentamos a esta historia. es un niño muy fuerte. Teníamos otro candidato, pero Owen no era un Jesús Usero niño de Hollywood. Vive en Pensilvania y ha hecho algunos papeles ya,

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Ron Howard

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Fotografía: © Pablo Paniagua

Nos habla de Hillbilly: una elegía rural

GRANDES DIRECTORES

ANTHONY MANN

acido en San Diego, California, el 30 de junio de 1906, y fallecido en Berlín, el 29 de abril de 1967, Emil Anton Bundesman, conocido para el cine como Anthony Mann, ha sido definido por algunos críticos como el director capaz de transformar la acción en una ceremonia poética, sobre todo en el ciclo de wésterns que dirigió con James Stewart como protagonista.

Iniciado en blanco y negro con Winchester (1950), ese ciclo de wésterns imprescindibles prosiguió en color con Horizontes lejanos (1952), Colorado Jim (1953), Tierras lejanas (1954) y El hombre de Laramie (1955). En todas ellas brilló la capacidad de Mann para convertir la acción en poesía y el paisaje en un personaje, al tiempo que exploraba la condición humana y el significado de la existencia profundizando en la psicología de sus personajes y abundando así en el camino que había comenzado a trazar el maestro del género, John Ford, en La diligencia en 1939.

Esas claves se extendieron al resto de su obra, fuera cual fuera el género que abordara, dando como resultado películas tan curiosas como La puerta del diablo (1950), un romance mezclado con wéstern que le sirvió como pretexto para hablar de la discriminación y la segregación racial, con Robert Taylor interpretando a un indio, Las furias (1950), donde impuso el protagonismo femenino en un género dominado por personajes masculinos, o Cazador de forajidos (1957), en la que anticipó algunas claves que iban a imponerse en la fase crepuscular del wéstern.

El wéstern pasó a filtrarse de un modo u otro a otras de sus películas, como Bahía negra (1953), también protagonizada por James Stewart y pionera en el tema ecologista, que siendo una intriga de aventuras tenía muchas características de wéstern, o The Tall Target (1951), suspense histórico que abordaba el intento de magnicidio de Abraham Lincoln en un tren.

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Paul Winfield y Samuel Fuller en el rodaje de Perro blanco

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GRANDES DIRECTORES

Anthony Mann con Janet Leight en Colorado Jim

Del wéstern se despidió con dos películas que hablaban del agotamiento del género en su fase clásica y la necesidad de reinventarse poniendo en cuestión sus planteamientos más superficiales para profundizar más en la psicología y los conflictos de sus personajes de modo que pudieran convertirse en metáforas de las temáticas presentes en la sociedad estadounidense de finales de los años cincuenta.

El hombre del Oeste (1958), con guion de Reginald Rose, autor de Doce hombres sin piedad, se planteaba el regreso al entorno criminal de un forajido reinsertado, y tras la mala acogida en el momento de su estreno se convirtió en título de culto defendido como la mejor película del director por varios analistas, entre otros Jean-Luc Godard.

Cimarrón (1960), remake del clásico que dirigiera en 19301931 Wesley Ruggles, adaptaba las claves de superproducción aplicadas en esa etapa por el cine para competir con la televisión y recuperar peso en el mercado del ocio audiovisual. Supuso la entrada de Mann en la fase final de su filmografía, dedicada a las superproducciones. En ella, trasladó claves del wéstern a la España de la Reconquista en El Cid (1961) y rodó también en España y para el mismo productor, Samuel Bronston, La caída del Imperio romano (1964), además de incursionar en el cine bélico de gran presupuesto con Los héroes de Telemark (1965), una de las más sólidas herederas de Los cañones de Navarone. Ese ciclo podría haber contado con Espartaco (1960), pero sus enfrentamientos con la estrella promotora del proyecto, Kirk Douglas, acabaron haciendo que Mann dejara la silla del director luego ocupada por Stanley Kubrick.

Curioso final de carrera para un director que había iniciado su trabajo tras las cámaras realizando películas de bajo presupuesto.

Anthony Mann con Charlton Heston en El Cid

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Mann era hijo de emigrantes alemanes, padre católico doctorado en Ingeniería Química que acabó trabajando en un molino de algodón y madre judía maestra de escuela. Influido por su empleador, el padre era miembro de la Sociedad Teosófica Macon, lo que acabó llevando al futuro director y a sus padres a incorporarse a la Comunidad de Lomaland, una secta basada en los preceptos teosóficos de la ocultista rusa Helena Petrovna Blavatsky y el periodista Henry Steel Olcott, fundada por Katherine Tingley y que contaba en aquel momento con 500 residentes, de los cuales 300 eran niños.

En dicha comunidad se mezclaba un potaje muy curioso de normas y conductas pilladas del budismo, el neoplatonismo, el espiritismo, la reencarnación, el karma… Los niños eran criados por toda la comunidad, tipo Midsommar, de manera que tras unos meses con su madre, los bebés se incorporaban a una guardería común y sus padres solo podían visitarlos durante unas horas el domingo. Cuando los críos crecían, bajo la supervisión de madres sustitutas, eran trasladados a clases separadas por sexos y dividían sus días entre el trabajo en la escuela y el trabajo en el campo, atendiendo a los jardines comunes.

Mann pasó allí una infancia en unas condiciones tirando a lamentables, hasta que volvió a reunirse con su madre y se trasladaron primero a New Jersey y más tarde a Nueva York, donde empezó a trabajar en el teatro como actor y tramoyista. Llegó a ser gerente de producción en la compañía Theatre Guild en los años treinta, comenzando su carrera como director teatral poco después.

Fue en esa ocupación donde lo descubrió el productor David O. Selznick, que lo fichó en 1939 para dirigir pruebas de cámara en el cine, ejercer como cazatalentos y ayudarle en los castings. Ese traslado a Hollywood llevó a Emil Anton Bundsman a cambiar su nombre por el de Anthony Mann. Su carrera cinematográfica prosiguió trabajando como asistente de director en el estudio Paramount en Los viajes de Sullivan (1941), dirigida por Preston Sturges, antes de pasar a dirigir él mismo dos películas para televisión y su primer largometraje: Doctor Broadway (1942), producción de cine negro de bajo presupuesto.

Poeta de la violencia Los costes bajos y controlados y el cine criminal dominaron su primera fase como realizador para estudios como Republic Pictures, RKO y MGM, con títulos en los que, desde la serie B, aportaba unas crecientes claves de autoría interesándose por personajes psicológicamente maltratados y marcados por cierto toque sadomasoquista, con acciones violentas muy gráficas para el cine de la época que ponían a prueba la tolerancia de la censura. Títulos como Extraños en la noche (1944), El gran Flamarion (1945), Dos en la oscuridad (1945), Desesperado (1947), El último disparo (1947), La brigada suicida (1947), Justa venganza (1948), Orden: caza sin cuartel (1948), clave para la variante procedural del cine negro, pero curiosamente centrada más en un sádico asesino y con un espectacular final significativamente localizado en los túneles de las cloacas de la ciudad, Border Incident (1949), pionera en el abordaje del tráfico de personas en la frontera con México y en poner a un latino al frente del reparto, el mexicano Ricardo Montalbán, o Side Street (1950), califican a Anthony Mann como uno de los maestros más maduros que cultivó el cine negro en Hollywood doblemente interesante porque desde la perspectiva de la serie B podía abordar el género de forma más libre y entrando en un tratamiento de la sexualidad vedado para las producciones de serie A. Según Mann, tomando como referente a William Shakespeare, al que consideraba el escritor más violento que ha existido, “el gran drama necesita violencia”. El director afirmaba: “Creo que la verdadera razón por la que a la gente le gusta la violencia, particularmente en las fotos o en el drama, es que así puede contemplarla desde la distancia y como algo que no le está pasando a ella.

Entiende la violencia, la siente, le emociona, pero no es ella la que está perpetrando la violencia”.

Miguel Juan Payán

ITALIAN EXPLOITATION PARTE 2: LAS PELÍCULAS MÁS CÉLEBRES Aquel maldito tren blindado, 1990: Los guerreros del Bronx, Holocausto caníbal. Ator, Aquella casa al lado del cementerio…. El Italian Exploitation triunfó en las carteleras y los videoclubs, con sus ingeniosas apuestas cinematográficas. esde finales de los sesenta y principios de los noventa, la nación con forma de bota lanzó al mercado audiovisual numerosas obras, adscritas a la corriente que podría denominarse como Italian Exploitation. Unas décadas en las que los compatriotas de Verdi reinterpretaron los éxitos más señeros procedentes de Hollywood, con bajos presupuestos y mucha fantasía artística de por medio.

Entre la multitud de movies con sello de autenticidad made in Italy estrenadas bajo el mencionado movimiento de naturaleza pop y kitsch, algunas de ellas se han convertido con el tiempo en largometrajes de cierto culto cinéfilo; merced a la inteligente utilización de los limitados recursos con los que contaban los responsables de semejantes productos en formato de celuloide. Un grupo de títulos que reinaron en los desaparecidos cines de barrio, y que -en no pocos casos- se acercaron en popularidad a sus modelos anglosajones.

El gusto por el Italian Exploitation de Quentin Tarantino ha favorecido a la recuperación de cintas como Aquel maldito tren blindado (Enzo G. Castellari, 1978), que el creador de Kill Bill versionó libremente, bajo el título de Malditos bastardos (2009). La epopeya bélica de Castellari, surgida de la fama obtenida por el film norteamericano Doce del patíbulo (Robert Aldrich, 1967), narraba las aventuras de un grupo de soldados estadounidenses durante la Segunda Guerra Mundial, encarcelados por diversos motivos en Francia. Unos antihéroes que se veían en la necesidad de

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anteponer sus ansias de escapar, para abortar una peligrosa misión de las tropas nazis. El actor sueco Bo Svenson lideró el reparto, después de haber cosechado cierta popularidad en USA, tras protagonizar Pisando fuerte III: Encuentro final (Jack Starrett, 1977). A su lado, el prolífico Fred Williamson (Abierto hasta el amanecer), Peter Hooten (Orca: la ballena asesina) y el británico Ian Bannen (Despertando a Ned) contribuyeron a elevar el listón dramático de esta activa cinta.

La positiva experiencia del responsable de Pulp Fiction, con la actualización de Aquel maldito tren blindado, le animó a probar nuevamente con otra obra de referencia del IE. En este caso se trató de un spaghetti western al más puro estilo exploitaition, como es Django (Sergio Corbucci, 1966); y que Tarantino transformó en Django desencadenado (2012). Es cierto que el parecido entre ambos films es solo circunstancial, pero esto no impidió que el largometraje dirigido por Corbucci, y protagonizado por Franco Nero, viviera una auténtica resurrección, desde el punto de vista de la popularidad. Django, el pistolero perseguido por su pasado y con dotes de antihéroe, marcó una época en las salas a finales de los sesenta y principios de los setenta; y permitió calibrar la increíble rentabilidad de este subgénero barato y no exento de creatividad, adaptado a los modos extravagantes del IE. No obstante, y pese al apoyo de Tarantino, las movies del Italian Exploitation no han obtenido solo crédito a posteriori; ya que muchas de las películas de esta corriente cinematográfica se granjearon su propia leyenda desde su estreno. Una de ellas es Holocausto caníbal (Ruggero Deodato, 1980). Esta producción grabada en la selva amazónica de Colombia causó tal impacto en su momento, que aún en el presente es recordada por cientos de espectadores. Uno de esos admiradores es Eli Roth, quien se inspiró en la macabra historia original de RD, para elaborar El infierno verde (2014). Aparte de la capacidad de Deodato para amplificar las reglas del terror gore de naturaleza primitiva, el mayor acierto del film estribó en la pionera técnica de grabación para su

Holocausto caníbal (Ruggero Deodato, 1980

época, como de falso documental. Esta idea, que luego utilizaron con habilidad los responsables de El proyecto de la bruja de Blair (Eduardo Sánchez, Daniel Myrick, 1999), dio pie al equipo de Holocausto caníbal para filtrar a la prensa que todo lo que se contaba en la cinta era absolutamente real. Incluso se impidió a los actores que desvelaran que no habían sido asesinados por la tribu antropófaga que protagonizaba la trama. Al final, la campaña de publicidad obtuvo el resultado previsto, y el largometraje ocupó portadas y reportajes en revistas de distintas nacionalidades.

Ocho años después, Antonio Climati intentó repetir similares hitos taquilleros, con la secuela Paradiso Infernale; pero le resultó imposible marcarse el tanto del despiste, que auspició la creación de Deodato a nivel mediático.

Junto al gore, el péplum también gozó de notable protagonismo en el Italian Exploitation. Sin embargo, los films transalpinos de finales de los setenta y los ochenta siguieron una línea diferente a los modelos precedentes del péplum clásico, materializado por títulos como Rómulo y Remo (Sergio Corbucci, 1961) o La guerra de Troya (Giorgio Ferroni, 1961). Este viaje a la antigüedad propuesto por el IE tuvo sus referentes en Conan, el bárbaro (John Miluis, 1982) y El señor de las bestias (Don Coscarelli, 1982). Y se materializó en una serie de películas sobre guerreros legendarios; ataviados con musculosas anatomías, y dotados con fuerza suficiente como para enfrentarse a cualquier enemigo. La espada salvaje de Krotar (Michele Massimo Tarantini, 1982), La guerra del hierro (Umberto Lenzi, 1982) y Los bárbaros (Ruggero Deodato, 1987) son excelentes muestras de este tipo de producciones. Aunque, el título con mayor reconocimiento en estas lides es Ator, el poderoso (Joe D´’Amato, 1982). En un intento por recrear las aventuras de Conan, los responsables de esta movie inventaron a Ator: un príncipe destronado, y ocultado por sus padres; con el fin de que pudiera plantar cara a los usurpadores del trono, y a un siniestro hechicero de arácnidos procedimientos, al que prestó su físico el peruano Dakar. Para el personaje de Ator, D’Amato recurrió a los servicios del norteamericano Miles O’Keeffe; el cual había comenzado a llamar la atención entre los espectadores, tras su caracterización en Tarzán, el hombre mono (John Derek, 1981). Un intérprete de condiciones físicas similares a las de Arnold Schwarzenegger, aunque algo más estilizado que el austriaco. La fama obtenida por esta cinta transalpina dio origen a una trilogía, completada por Ator 2, el invencible (Joe D´’Amato, 1982) y Ator: el guerrero de hierro (Alfonso Brescia, Ator, el poderoso (Joe D´’Amato, 1982).

Los guerreros del Bronx (Enzo G. Castellari, 1982)

1987). Por su parte, O’Keeffe consiguió prolongar su carrera como actor de reconocido caché, con roles destacados en El caballero verde (Stephen Weeks, 1984) y La leyenda de Pocahontas (Danièlle J. Suissa, 1995).

Lejos de estos viajes a tiempos remotos, el Italian Exploitation también extendió sus tentáculos por los relatos futuristas, de naturaleza distópica y apocalíptica. En este universo desolador y violento, 1990: Los guerreros del Bronx (Enzo G. Castellari, 1982) se convirtió en uno de los títulos más significativos de esa temporada. Inspirada en The Warriors: Los amos de la noche (Walter Hill, 1979), Los guerreros del Bronx presentaba una ciudad de Nueva York asolada por una dictadura de tipo orwelliano, en unos territorios dominados por tribus urbanas, que plantaban cara al exterminio programado por las fuerzas del orden. En medio de esta batalla sin cuartel se encontraba Trash (Mark Gregory): un outsider de melena leonina residente en el Bronx, admirado y temido por los demás jefes de las bandas rivales. Este joven vivía una movida historia de amor con la hija secuestrada del presidente, a la que debía rescatar de los siniestros tejemanejes de su progenitor, y de los duros captores que la tenían oculta. El éxito de 1990: Los guerreros del Bronx facilitó el estreno de una secuela, titulada Fuga del Bronx (Enzo G. Castellari); nuevamente con Gregory, al frente del reparto.

Entre los géneros que dotaron de lustre al IE, el terror también tuvo un significativo reflejo en numerosas obras; explotado con el habitual sentido barroco del giallo, heredado de maestros como Dario Argento y Mario Baba. Aquella casa al lado del cementerio (Lucio Fulci, 1981) es uno de los films de estas características, que levantó mayor expectación entre los espectadores.

Fulci tuvo la genial idea de inspirarse en El resplandor (Stanley Kubrick, 1980), para diseñar el cuerpo narrativo de este extraño relato de ambiente colonial. El argumento de la película escenifica la pesadilla experimentada por la familia Boyle: un clan norteamericano, que se traslada a un inmueble con espíritus diabólicos en su interior. Allí, los poderes paranormales del pequeño Bob Boyle (Giovanni Frezza) harán frente a la terrible amenaza, causante de la desidia criminal que domina a su progenitor.

Transversal en cuanto a géneros, y singular en la planificación de las historias, el Italian Exploitation pervive en el recuerdo de los espectadores, por medio de películas tan imaginativas como las resaltadas. (Continuará).

Jesús Martín Aquella casa al lado del cementerio (Lucio Fulci, 1981)

Harry Manfredini Durante el pasado Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (Fimucité), tuvimos la ocasión de entrevistar a uno de los compositores más reputados en lo que se refiere a música de cine de terror. Era lógico contar con la presencia de Harry Manfredini en la edición número 13 de un certamen que en esta ocasión dedicó un especial protagonismo a este género.

(Contiene Spoilers) Gracias por compartir parte de tu tiempo para con los lectores de ACCIÓN. ¿Qué compositores te inspiran en tu trabajo y cuáles fueron tus maestros a la hora de comenzar en este oficio?

Cuando yo era niño, mi padre escuchaba a Puccini y crecí con ello. Supongo que mi sensibilidad musical dramática viene de ahí. Mi hermano escuchaba jazz progresivo. Eran las dos fuentes musicales que teníamos en casa. Veíamos películas clásicas en casa y de ahí que tuviera conocimiento de autores míticos, como Miklós Rózsa. Luego comencé a estudiar a autores como a Bartók, Penderecki, Stravinsky e incluso a Bernard Herrmann. Los estudiaba a casi todos ellos. Yo supe ya que quería componer música para cine, no solo música porque sí.

Siendo italiano, de niño comencé con el acordeón, como era costumbre. Pero era joven y no me sentí muy realizado, pues tenía mis miedos y no me fue demasiado bien ni creía ser lo bastante bueno.

Más adelante, en Nueva York, tuve mi oportunidad, cuando estuve en el lugar adecuado en el momento justo. ¿Coincides con Christopher Young, otro compositor con demostrada valía en el cine de terror y fantástico, en que para escribir música de terror hay que estudiar a los clásicos polacos?

Al cien por cien, y hay que hacerlo porque cuando escribes música de terror debes seguir unas ciertas reglas y técnicas, dando con los acordes correctos y con las teclas adecuadas. Cuando escribes una canción o algo más melódico, debes seguir otras reglas y seguir una progresión más concreta de acordes. En la música de terror en cambio puedes romper un mayor número de reglas e introducir incluso sonidos no musicales, efectos, etc. La música de terror ofrece al compositor un mayor rango de posibilidades y si escuchas a Pende-

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recki y otros clásicos, compruebas que ellos pusieron su melodía y tonalidades propias, es cuestión de un color musical y una sonoridad.

Se trata de lograr sensaciones dramáticas, de eso se trata la música de cine, que debe hacerte llorar, reír, gritar... Y la idea que tuve para Viernes 13 de crear el sonido característico de “ki… ki… ki… ma… ma… ma…” (kill her, mama), vino precisamente de Penderecki. Quería crear ese efecto dramático y no necesité un coro de cien personas para ello, pero él me dio la idea de ese diseño de sonido.

Antes de Viernes 13 ya tenías una carrera como compositor incluso para comedias. ¿Cómo recuerdas esa etapa antes de quedar ciertamente encasillado como músico de terror? ¿La echas de menos?

He hecho muchas películas de televisión y algunos dramas y cine biográfico. Pero tienes razón con lo del encasillamiento, lo cual es algo con un doble filo, porque es bueno cuando la gente te reconoce por ello, pero por otro lado piensa que no eres capaz de hacer otra clase de música. Y es algo que nos pasa tanto a Christopher Young como a mí.

Y ambos podemos componer perfectamente para otros géneros cinematográficos. Se trata tan solo de poner una nota tras otra, solo que de una forma es comedia y de otra no lo es.

Aunque antes de Viernes 13 ya habías colaborado bastante con Sean S. Cunningham, hay algún proyecto suyo donde estuvo Lalo Schifrin en tu lugar.

En efecto, es el caso de The New Kids. Yo había compuesto la música, pero el filme no gustó en los pases de prueba y decidieron cambiar de compositor. ¡Y me pagaron! Cuando Lalo vio la película con mi música les preguntó donde estaba el problema. Incluso me telefoneó y charlamos, y le dije cuánto le admiraba y hablamos de jazz. Y me pidió

ENTREVISTA permiso para mantener algunas de mis ideas musicales en su nueva partitura. Por supuesto que accedí. Y fue cuando Lalo me felicitó. Y cuando le pregunté el motivo me dijo que no te conviertes en un compositor profesional en California hasta que no te rechazan un trabajo.

Con Viernes 13 creo que creaste escuela en la música de terror, con el uso de la cuerda y aportaste tu voz propia, muy cercana a Herrmann, pero completamente alejada de lo que se hace hoy día en el género. ¿Cómo ideaste ese estilo para el filme y la saga?

Es una buena pregunta. Creo que logré mi propio sonido, distinto del de otros autores. Es por los colores que empleé, el ritmo, etc. El modo en que enfoqué la primera partitura es siendo un dramaturgo el 80 por ciento del tiempo. El público necesita sentir, sin que les importe cómo te la has ingeniado. En la primera entrega te enfrentas a un misterio sobre la identidad de quién mata a los chicos del campamento y muy al final ya se revela quién es.

Pues bien, adopté la idea de tener solamente música para el asesino. Dejé de poner música en cantidad de escenas en las que otro compositor sí las habría empleado, incluso de forma grandilocuente.

Pero yo fui totalmente en contra de lo previsible y solo puse música para el asesino, que además no sabemos quién es hasta el final. Y para dar el protagonismo que merecía la señora Voorhees, hay que tener en cuenta que para el final se ve un plano cerrado de su boca diciendo “mátala, mamá” (kill her, mama). Y se me ocurrió lo que comenté antes, pero sin grandes coros. Ella escucha voces en su cabeza y grabé esas palabras y con el efecto deseado en la mesa de mezclas quedó el sonido con eco que se hizo tan famoso para toda la saga (tararea repetidamente el sonido), de modo que la música se convirtió un personaje más, en el propio Jason. ¿Esperabais tanto éxito con la primera entrega? ¡No, para nada! La primera vez que vi la película me pregunté quien demonios iba a ir a verla. Yo no soy muy fan del cine de terror, que incluso me asusta. Quizá por eso se me dio bien poner la música en todas esas películas. Pero bueno, sabíamos lo que teníamos que hacer y así hicimos, pero creo que nadie, ni Sean, el director, se lo esperaba. Trabajamos para pagar las facturas y las hipotecas. Creo que la única persona que realmente creía en el proyecto era el productor Frank Mancuso, y estaba en lo cierto.

En Viernes 13 hay otros estilos de música, como la pieza del banjo del comienzo...

Se supone que esa música debía sonar en la radio del coche, pero les gustó tanto que la emplearon de otro modo. También compuse la canción de la cena, de tipo country. Teníamos melodía también en el final, cuando la protagonista está a salvo en el bote. Y la música la pensé como parte de la trampa hacia el sobresalto último, cuando el público cree que todo ha acabado, hasta que aparece Jason.

Poner música a tantas películas de trama similar sin resultar repetitivo tuvo que suponer un desafío especial...

Sí y no. Aunque todas ellas repiten el esquema “tensión-persecución-matar”, ocurre que las herramientas son comunes, me refiero a sonoridades, acordes, etc. Pero cada una de algún modo me dio cancha para experimentar nuevas sonoridades y jugar con nuevos elementos.

Ocurrió con escenas concretas, como la de Amy Steel en la cabaña de Jason, cuando se pone el suéter de Pamela Voorhees. Fue una escena que me inspiró de un modo especial.

Hay una pieza musical de corte disco especialmente divertida para los créditos de inicio de la tercera entrega.

La compuse yo y colaboré con Michael Zager. Cuando me dijeron que la película sería en 3D me pareció una idea muy alocada y pensé

en “Disco Jason”. Es un tema muy recordado. Allí donde vaya, Alemania, Nueva York, Texas, todo el mundo me habla de lo mucho que adora ese tema disco. Y aunque me hayan pedido que la música de mi suite para el concierto aquí en Tenerife sea solo de la primera entrega, yo he querido incluirla. ¿Qué película de la saga prefieres?

Obviamente, la primera. También me gusta mucho la segunda.

Todas tienen alguna escena que me encanta especialmente, pero la siguiente que más me gusta probablemente sea la sexta. Luego la segunda, y tras esa, la décima, Jason X. Y si debo elegir una escena en concreto, sería la parte final de la segunda, con aquel momento psicológico del suéter de Pamela Voorhees. Luego, algunas de las escenas 3D de la tercera, porque visualmente fue especialmente atractiva. También la muerte de Jason en la cuarta, con unos efectos especiales de Tom Savini especialmente salvajes. La quinta fue una de las más complicadas debido a que no se trataba de Jason. Al conocer yo la verdadera identidad del asesino, pero desconocerla el público, tuve que jugar de un modo especial y muy concreto con la música. La novena me resultó muy divertida de hacer. Y lo de estar en el espacio en la décima me gustó mucho. Es un tipo de música que me gusta hacer.

Sobre Profundidad 6, es una banda sonora muy querida por los fans. Ese año se hicieron varias películas sobre los fondos marinos: Leviathan, Abyss...

Mi música era la mejor de todas ellas (bromea y se ríe). Me encanta esa película. Para mí, no fue un problema la posible comparación con las otras. Para mí fue una maravillosa experiencia y musicalmente estoy muy contento con el trabajo que hice.

Háblanos de House, una casa alucinante.

Es una genial mezcla de terror y comedia, y fue muy divertido trabajar en ella, porque contenía un montón de elementos muy distintos a los que debía poner música. La dirigió Steve Miner, director de la segunda y tercera parte de Viernes 13. Para mí, no fue un problema incorporar algunas canciones ajenas, puesto que eran necesarias y yo tuve que ver a la hora de elegirlas y adaptarlas completamente para la ocasión, logrando un sonido de música antigua que queríamos tener (canturrea la canción “You’re No Good”). Las dos canciones quedaron perfectas en la película. De la saga House, las dos primeras entregas fueron las mejores. A partir de ahí, la cosa no fue lo mismo. La tercera comenzó llamándose House 3, pero en Estados Unidos se llamó The Horror Show. Hubo muchos guionistas y cambios. Y eso nunca es bueno. ¿Nos das tu opinión sobre el remake de Viernes 13?

No me gustó nada, lo odio. Me pareció una película estúpida, no conseguí acabarla. ¿Te resultó especialmente complicado componer para el videojuego de Viernes 13?

Fue algo completamente diferente. En el juego tienes a varias personas jugando a la vez. Mi cometido musical no era algo visual en esta ocasión, excepto para las muertes, de las que ya tenía unas imágenes concretas. Luego, conforme cada jugador se mueve por el juego, la música es de una forma u otra. Compuse 200 minutos de música. Es un enorme puzle musical, y resultó ser enorme desafío.

Muchas gracias por tu tiempo y amabilidad, Harry.

De nada, para mí es un placer.

Sergio Hardasmal

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PRÓXIMOS ESTRENOS Por Jesús Martín

Mamá te quiere

La estación de la felicidad

El arte de volver

El incoveniente

EE UU; 2020; Título original: Run; Dirección: Aneesh Chaganty; Guión: Aneesh Chaganty y Sev Ohanian; Fotografía: Hillary Spera; Música: Torin Borrowdale; Intérpretes: Sarah Paulson, Kiera Allen, Onalee Ames; 90 mins; Distribuye: DeAPlaneta.

Canadá y EE UU; 2020; Título original: Happiest Season; Dirección: Clea DuVall; Guión: Clea DuVall y Mary Holland; Fotografía: John Guleserian; Música: Amie Doherty; Intérpretes: Kristen Stewart, Mackenzie Davis, Alison Brie; Distribuye: Sony.

España; 2020; Dirección: Pedro Collantes; Guión: Pedro Collantes y Daniel Remón; Fotografía: Diego Cabezas; Música: Yuri Méndez; Intérpretes: Macarena García, Nacho Sánchez, Ingrid García Jonsson; 91 mins; Distribuye: Filmax.

España; 2020; Dirección: Bernabé Rico; Guión: Bernabé Rico y Juan Carlos Rubio; Fotografía: Rita Noriega; Música: Julio Awad; Intérpretes: Juana Acosta, Kiti Mánver, Carlos Areces; 94 mins; Distribuye: Filmax

A veces, el amor materno es como una losa que aprisiona a los hijos de manera asfixiante. Esto es lo que expone Aneesh Chaganty (Searching…) en este thriller, donde una progenitora de oscuras intenciones domina a su pequeña: una adolescente vulnerable, que se enfrenta a su ingreso en la universidad.

Sarah Paulson (Ratched) es la encargada de interpretar a la peligrosa mother, mientras que la debutante Kiera Allen hace lo propio con la joven víctima.

“Es una película sin florituras sobre una madre y una hija, que descubren que no se conocen tan bien como pensaban”, comenta Chaganty, con convicción.

Clea DuVall (El cuento de la criada) dirige y escribe esta comedia de ambiente familiar y navideño, sobre una pareja de enamoradas que descubren de manera sorprendente que en una de ellas hay reservas a la hora de comunicar su relación a sus parientes.

Kristen Stewart (Crepúsculo) y Mackenzie Davis (Terminator: destino oscuro) dan vida a Abby y Harper, respectivamente: las protagonistas de esta historia cargada de situaciones humorísticas, en la que prevalece la necesidad de proclamar la libertad en la elección sexual.

Mary Steenburgen (Regreso al futuro 3) y Alison Brie (Los archivos del Pentágono) completan el elenco artístico en esta obra de DuVall.

El regreso al hogar de una joven actriz sin rumbo marca el argumento de la ópera prima de Pedro Collantes. Una película en la que los giros existenciales definen la evolución dramática de la expectante Nomeí, así como del resto de personajes.

“Con El arte de volver, quería encapsular una sensación. La sensación de un terreno común erosionándose lentamente, al regresar a casa después de un periodo en el extranjero”, explica Collantes.

Macarena García (Ventajas de viajar en tren) encabeza el elenco interpretativo en este retrato sobre una chica que quiere encontrarse a sí misma, después de seis años de ausencia de su lugar de origen.

Encontrar la vivienda ideal puede convertirse en una epopeya de tintes épicos.

Pero ¿qué ocurre si, después de dar con el habitáculo soñado, existen reglas difíciles de cumplir para disfrutar de ese hogar perfecto?

Esta cuestión impregna el argumento de la ópera prima de Bernabé Rico, basada en la pieza teatral 100 metros cuadrados, de Juan Carlos Rubio. “La obra trata de un drama universal personificado en dos mujeres, Lola y Sara: protagonistas absolutas de una historia de emociones y sentimientos; de amistades y soledades; de lo que nos ocurre mientras nos ocupamos en hacer otros planes; en definitiva, de eso que llamamos vida”, explica Rico.

Peter Rabbit 2: a la fuga

Los Croods: una nueva era

Saint Maud

Volver a empezar

EE UU; 2020; Título original: Peter Rabbit 2: The Runaway; Dirección: Will Gluck; Guión: Beatrix Potter, Will Gluck y Patrick Burleigh; Fotografía: Peter Menzies Jr.; Música: Dominic Lewis; 93 mins; Distribuye: Sony.

EE UU; 2020; Título original: The Croods: A New Age; Dirección: Joel Crawford; Guión: Kevin Hageman, Dan Hageman y Paul Fisher; Música: Mark Mothersbaugh; 95 mins; Distribuye: Universal.

Reino Unido; 2019; Dirección: Rose Glass; Guión: Rose Glass; Fotografía: Ben Fordesman; Música: Adam Janota Bzowski; Intérpretes: Morfydd Clark, Jennifer Ehle, Lily Knight; 84 mins; Distribuye: Sony.

Irlanda y Reino Unido; 2020; Título original: Herself; Dirección: Phyllida Lloyd; Guión: Malcolm Campbell y Clare Dunne; Fotografía: Tom Comerford; Música: Natalie Holt; Intérpretes: Clare Dunne, Harriet Walter, Conleth Hill; 97 mins; Distribuye: Caramel.

Rose Glass da el salto a la dirección de largometrajes con esta inquietante cinta de terror, ambientada en un caserón solitario y con limitación de personajes en escena.

La trama de la película retrata a Maud: una enfermera entregada a su trabajo, la cual posee unas creencias religiosas extremas y peligrosas.

Esta mujer recibe el encargo de cuidar de una famosa bailarina llamada Amanda, quien vive en una apartada casa. La relación entre ambas marca el desarrollo de una pesadilla inspirada en títulos como Taxi Driver y Persona.

Morfydd Clark (Infierno bajo el agua) y Jennifer Ehle (Historia de una pasión) protagonizan la historia.

Phyllida Lloyd (La dama de hierro) se pone al frente de esta película, creada desde sus cimientos por la actriz irlandesa Clare Dunne. Además de escribir la historia, Clare se encarga de dar vida al papel protagonista: el de una joven madre que intenta procurar un hogar estable para ella y sus dos hijas.

Dunne cuenta que el germen de Volver a empezar le vino cuando residía en Nueva York, y veía imposible destacar en arte dramático.

Entonces, un pensamiento ocupó su mente: regresar a su tierra, para edificar su propio refugio existencial.

Eso dio pie al filme que ahora presenta Lloyd.

Will Gluck recupera los personajes ideados por Beatrix Potter, después del éxito en 2018 de la primera entrega, para desvelar cómo Peter Rabbit planea nuevas travesuras.

La trama de esta secuela sucede tras la boda de Thomas (Domhnall Gleeson) y Bea (Rose Byrne); enlace que ha dado estabilidad a la granja donde Peter reside. Sin embargo, el pequeño conejo desea conocer mundo, por lo que se embarca en un movido viaje a la amenazante y lejana ciudad. Una oportunidad para confraternizar con nuevos amigos, y someterse a desafíos impensables.

La película cuenta en inglés con las voces de Margot Robbie y James Corden, entre otros.

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Una de las familias prehistóricas más famosas de las cavernas cinematográficas regresa a las pantallas, con una sorprendente odisea.

Los Croods, que asaltaron las taquillas por primera vez en 2013, tienen en esta esperada secuela el objetivo de encontrar un hogar. Sin embargo, otro clan se lo pondrá difícil: los Masmejor (con hincapié en lo de mejor). La competencia resulta complicada, con unos tipos que hacen construcciones en árboles, y que plantan huertos; pero a Grug y compañía no les arrugan las artimañas de sus oponentes.

Nicolas Cage, Emma Stone, Ryan Reynolds y Peter Dinklage son algunos de los actores que prestan su voz en esta película.

PRÓXIMOS ESTRENOS Por Jesús Martín

Madame Curie

El padre

Reino Unido; 2019; Título original: Radioactive; Dirección: Marjane Satrapi; Guión: Jack Thorne y Lauren Redniss; Fotografía: Anthony Dod Mantle; Música: Evgueni Galperine y Sacha Galperine; Intérpretes: Rosamund Pike, Sam Riley, Aneurin Barnard; 109 mins; Distribuye: A Contracorriente.

Reino Unido y Francia; 2020; Título original: The Father; Dirección: Florian Zeller; Guión: Christopher Hampton y Florian Zeller; Fotografía: Ben Smithard; Intérpretes: Anthony Hopkins, Olivia Colman, Imogen Poots; 97 mins; Distribuye: A Contracorriente.

Hace cuatro años, Marie Noëlle estrenó Marie Curie: un esmerado biopic sobre la científica de origen polaco. Ahora, la directora iraní Marjane Strapi (Persépolis) recupera la figura de la mujer que descubrió el radio junto con su esposo Pierre, y que ganó dos veces el Premio Nobel, por su sorprendente trabajo en el ámbito de la física y de la química.

Strapi adapta la novela gráfica Marie and Pierre: A Tale of Love and Fallout, de Lauren Redniss, para narrar la esforzada existencia de esta brillante dama; a la que caracteriza Rosamund Pike (Perdida).

Sam Riley (Maléfica) se encarga de dar vida a Pierre Curie.

Anthony Hopkins (El silencio de los corderos) y Olivia Colman (La favorita) encabezan el elenco interpretativo de esta desconcertante e imaginativa película, que supone el debut cinematográfico del dramaturgo Florian Zeller.

Precisamente, Zeller adapta en formato de celuloide la obra de teatro que le otorgó la fama en 2012, y que muestra los laberintos perceptivos de un octogenario con muchas incertidumbres en su cabeza. Hopkins encarna a este anciano, que se resiste a abandonar su piso en Londres y a aceptar la ayuda sanitaria que le manda su hija Anne (Colman). El fogueado Christopher Hampton (Expiación) es quien firma el guion de este drama existencialista.

Rompiendo las normas

Nuestros mejores años

Reino Unido y Francia; 2020; Título original: Misbehaviour; Dirección: Philippa Lowthorpe; Guión: Rebecca Frayn y Gaby Chiappe; Fotografía: Zac Nicholson; Música: Dickon Hinchliffe; Intérpretes: Keira Knightley, Greg Kinnear, Daniel Tiplady; 106 mins; Distribuye: Movistar.

Italia; 2020; Título original: Gli anni più belli; Dirección: Gabriele Muccino; Guión: Gabriele Muccino y Paolo Costella; Fotografía: Eloi Molí; Música: Nicola Piovani; Intérpretes: Pierfrancesco Favino, Micaela Ramazzotti; 129 mins; Distribuye: Vértigo.

En 1970, el certamen de Miss Mundo era uno de los programas más seguidos a nivel planetario. Este hecho animó a las seguidoras del movimiento por la liberación de la mujer a intentar boicotear al acto, en el que supuestamente se iba a coronar por primera vez a una participante negra.

Los acontecimientos acaecidos en el Londres de los pantalones de campana conforman la trama de esta comedia coral, que dirige Philippa Lowthorpe (El tercer día); y que cuenta entre sus protagonistas con Keira Knightley (Piratas del Caribe), Jessie Buckley (Wild Rose), Gugu MbathaRaw (Huérfanos de Brooklyn) y Greg Kinnear (en la piel del actor Bob Hope).

Cuarenta años dan para bastantes experiencias, compartidas o individuales. Ese lapso temporal es el que precisamente escenifica el romano Gabriele Muccino (En busca de la felicidad) para retratar las relaciones de cuatro amigos, los cuales se conocen casi desde la cuna.

De 1980 a la actualidad, Giulio (Pierfrancesco Favino), Gemma (Micaela Ramazzotti), Paolo (Kim Rossi Stuart) y Riccardo (Claudio Santamaria) muestran sus amores, felicidades y tristezas; con varios cambios en los actores encargados de interpretar los roles en sus distintos momentos existenciales. Y lo que conforman es un fresco sobre el compañerismo.

PRÓXIMOS ESTRENOS Por Jesús Martín

The Bee Gees: How Can You Mend a Broken Heart

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Península

Para toda la vida

La maldición de Lake Manor

EE UU; 2020; Dirección: Frank Marshall; Fotografía: Michael Dwyer; Intérpretes: Barry Gibb, Andy Gibb, Maurice Gibb, Robin Gibb; 111 mins; Distribuye: Universal.

Corea del Sur; 2020; Título original: Bando; Dirección: Sang-ho Yeon; Guión: Sang-ho Yeon y Ryu Yong-jae; Fotografía: Hyungdeok Lee; Música: Mowg; Intérpretes: Dong-Won Gang, Junghyun Lee, Hae-hyo Kwon; 116 mins; Distribuye: A Contracorriente.

EE UU; 2020; Título original: All My Life; Dirección: Marc Meyers; Guión: Todd Rosenberg; Fotografía: Russ T. Alsobrook; Música: Lisbeth Scott; Intérpretes: Jessica Rothe, Harry Shum Jr., Kyle Allen; 93 mins; Distribuye: Universal.

Italia; 2019; Título original: Il nido; Dirección: Roberto De Feo; Guión: Roberto De Feo, Lucio Besana y Margherita Ferri; Fotografía: Emanuele Pasquet; Música: Teho Teardo; Intérpretes: Francesca Cavallin, Justin Korovkin, Maurizio Lombardi; 107 mins; Distribuye: Alfa Pictures.

Titulado como uno de los primeros éxitos de Barry, Maurice y Robin Gibb, este documental grabado por el cineasta Frank Marshall (Congo) se acerca a la vida del terceto que convirtió la banda sonora de Fiebre del sábado noche en un auténtico fenómeno de masas.

A través de los testimonios de los Gibb, y de las declaraciones de conocidos y admiradores; Marshall repasa la trayectoria artística de The Bee Gees desde los lejanos años sesenta, cuando eran unos incautos muchachos procedentes de Australia, empeñados en triunfar en el mundo de la música.

Un recorrido cronológico, que está acompañado por imágenes de archivo desconocidas para el gran público.

En 2016, Train to Busan demostró que el cine coreano también estaba preparado para las hordas de zombis. Pero el director Sang-ho Yeon no había agotado el tema de su interesante propuesta apocalíptica; por lo que regresa a un universo similar en esta secuela, algo diferente en planificación y ambiciones a su precedente.

Si en Train to Busan la acción transcurría en un siniestro tren bala, aquí la aventura se traslada a las extensiones más abiertas de Seúl, dominada por muertos vivientes que han pasado cuatro años de epidemia.

Dentro de este tétrico panorama, un hombre procedente de Hong Kong intentará llevar a cabo una peligrosa misión.

Marc Meyers (Human Capital) recurre al amor eterno, para concebir esta dramática historia. El argumento recrea la trágica situación de una joven pareja, que planea contraer matrimonio en un periodo de tiempo breve. Sin embargo, en medio de los sueños de ambos, a él le diagnostican un cáncer terminal de hígado. Todo lo organizado se viene abajo, pero los amigos de los novios inician una colecta en Internet, para que sus ansias de demostrarse sus sentimientos ante el altar no se pierdan por culpa de la enfermedad.

Jessica Rothe (Feliz día de tu muerte) y Harry Shum Jr (Crazy Rich Asians) protagonizan esta romántica producción.

El italiano Roberto de Feo (Ice Scream) da rienda suelta a su gusto por los ambientes góticos, en este filme de terror clásico titulado originalmente El nido, sobre unos personajes dominados por un escenario tétrico y fantasmal. Un argumento protagonizado por un niño parapléjico, su madre y una joven criada.

“Con esta película quería contar una historia que pareciera diferente del género de suspense o terror, quería disfrazar el género de la cinta en algo distinto, un coming of age donde el miedo no surge de un ruido repentino o un rostro monstruoso, sino del miedo a la vida misma”, comenta el director transalpino.

The Glorias

Beginning

El verano que vivimos

Mamá o papá

EE UU; 2020; Dirección: Julie Taymor; Guión: Julie Taymor, Sarah Ruhl y Gloria Steinem; Fotografía: Rodrigo Prieto; Música: Elliot Goldenthal; Intérpretes: Julianne Moore, Alicia Vikander, Ryan Kiera Armstrong; 139 mins; Distribuye: DeAPlaneta.

Georgia y Francia; 2020; Dirección: Dea Kulumbegashvili; Guión: Dea Kulumbegashvili y Rati Oneli; Fotografía: Arseni Khachaturan; Música: Nicolas Jaar; Intérpretes: Kakha Kintsurashvili, Rati Oneli, Ia Sukhitashvili; 130 mins; Distribuye: Surtsey.

España; 2020; Dirección: Carlos Sedes; Guión: Ramón Campos, Javier Chacártegui y Salvador S. Molina; Fotografía: Jacobo Martínez; Música: Federico Jusid; Intérpretes: Blanca Suárez, Javier Rey, Carlos Cuevas; Distribuye: Warner Bros.

España; 2020; Dirección: Dani de la Orden; Guión: Olatz Arroyo, Eric Navarro y Dani de la Orden; Música: Zacarías M. de la Riva y Alfred Tapscott; Intérpretes: Paco León, Miren Ibarguren, Ester Expósito; Distribuye: Warner Bros.

Gloria Steinem dotó de claridad de pensamiento y determinación al movimiento feminista estadounidense a partir de finales de los años sesenta.

Las intensas luchas de esta periodista y escritora en favor de que se reconocieran los derechos de las mujeres fueron narradas por ella misma en el libro Mi vida en la carretera, que la directora Julie Taymor (Frida) acaba de convertir en una película.

Julianne Moore (Siempre Alice) y Alicia Vikander (La chica danesa) son las actrices encargadas de interpretar a Steinem en distintos momentos de su vida. Un trabajo conjunto que escenifica la intensa existencia de este icono del feminismo, desde su infancia hasta su madurez.

Dea Kulumbegashvili se alzó con la Concha de Oro en el pasado Festival de San Sebastián por esta introspectiva y plástica cinta.

La historia transcurre en la aislada ciudad de Lagodekhi (cercana a la frontera de Azerbaiyán. con la cordillera del Cáucaso), donde intenta sobrevivir a duras penas una comunidad de testigos de Jehová. Entre los miembros de este grupo está Yana: una mujer de rutina acerada, que experimenta una progresiva transformación personal y de creencias, lo que la lleva a cometer un acto terrible. “Ella nunca explicó sus razones; no justificó sus acciones, como si su crimen atroz estuviera destinado a suceder”, explica Kulumbegashvili.

Un amor sucedido en un pasado cercano, la labor de una joven periodista en prácticas, y una relación apasionada entre dos hombres y una mujer.

Carlos Sedes (El club de los incomprendidos) enlaza tales elementos en un filme de épocas superpuestas.

“Esta historia conecta con algunas historias de amor que más nos han emocionado, como Los Puentes de Madison... Una historia clásica, en dos tiempos, como nuestra historia. Una historia de personajes. Pero, por encima de todo, nos plantea si nuestra vida es la correcta”, explica Sedes.

Javier Rey (Fariña), Blanca Suárez (El bar), Pablo Molinero (La peste) y Guiomar Puerta (Estoy vivo) encabezan el reparto.

Dani de la Orden (El mejor verano de mi vida) dirige esta alocada comedia sobre un divorcio problemático, que protagonizan Paco León (Kiki, el amor se hace) y Miren Ibarguren (Todos mienten).

El argumento centra su atención en Víctor y Flora: un matrimonio con tres hijos que se plantea el divorcio por desavenencias irreconciliables.

La nueva vida abre un abanico de posibilidades para ambos, aunque el problema está en averiguar qué pasa con la custodia de los vástagos.

Pedro Casablanc (Bárcenas), Berto Romero (Ocho apellidos catalanes) y Eva Ugarte (Bajo sospecha) son algunos de los actores que completan el elenco interpretativo.

PRÓXIMOS ESTRENOS Por Jesús Martín

Foto de familia

Martin Eden

Francia; 2018; Título original: Photo de famille; Dirección: Cécilia Rouaud; Guión: Cécilia Rouaud; Fotografía: Alexis Kavyrchine; Música: Alexandre Lier, Sylvain Ohrel y Nicolas Weil; Intérpretes: Vanessa Paradis, Camille Cottin; 98 mins; Distribuye: AdsoFilms.

Italia, Francia y Alemania; 2019; Dirección: Pietro Marcello; Guión: Jack London, Maurizio Braucci y Pietro Marcello; Fotografía: Alessandro Abate y Francesco Di Giacomo; Música: Marco Messina y Sacha Ricci; Intérpretes: Luca Marinelli, Jessica Cressy, Vincenzo Nemolato; 129 mins; Distribuye: Wanda Films.

Cécilia Rouaud recurre a un clan desligado, para afrontar su segunda película como directora, después de la ingeniosa Je me suis fait tout petit.

La trama de Foto de familia sigue las desavenencias internas entre tres hermanos: Gabrielle (Vanessa Paradis), Elsa (Camille Cottin) y Mao (Pierre Deladonchamps), quienes se encuentran en el entierro del abuelo, donde deben decidir conjuntamente qué hacer con la abuela.

“Son personas que no se mezclan ni se llevan bien, en el sentido de escucharse entre sí. Sufren una fractura original que les impide ser felices y llenos de sí mismos. Pero se aman, de lo contrario no habría película”, explica Rouaud.

La novela homónima de Jack London sirve de base argumental a Pietro Marcello (Bella y perdida), para montar esta epopeya sobre la lucha de clases, en un mundo de profundas separaciones sociales y materiales.

La historia sigue a un trabajador no cualificado llamado Martin Eden (Luca Marinelli), que un día se enamora perdidamente de la joven Elena Orsini (Jessica Cressy). Sin embargo, ella es hija de una rica familia de empresarios, mientras él carece de formación y de conocimientos específicos. Entonces, el protagonista decide instruirse, y entrar de lleno en los movimientos de lucha socialista y proletaria que se produjeron a principios del pasado siglo XX.

Cómo sobrevivir en un mundo material EE UU; 2020; Título original: Kajillionaire; Dirección: Miranda July; Guión: Miranda July; Fotografía: Sebastian Winterø; Música: Emile Mosseri; Intérpretes: Evan Rachel Wood, Gina Rodriguez, Richard Jenkins; 104 mins; Distribuye: Universal.

La familia que estafa unida, se lo reparte unida (y si sus miembros son capturados, también van a la cárcel unidos). Esto es lo que deben pensar Robert y Theresa: un par de antiguos artistas del timo, que han preparado a su hija a lo largo de veintiséis años, para que esta se distinga por sus dotes para el engaño. Sin embargo, algo sale mal en el último golpe, y los delincuentes consanguíneos tendrán que recurrir a una extraña.

Debra Winger (Oficial y caballero), Richard Jenkins (La forma del agua) y Evan Rachel Wood (Westworld) protagonizan esta comedia, dirigida por Miranda July (Tú, yo y todos los demás).

Sean Connery 20 películas esenciales Sean Connery, uno de los últimos gigantes del cine clásico, falleció el pasado 31 de octubre a sus 90 años de edad en Nassau, Bahamas, y en ACCIÓN no podíamos dejar pasar la ocasión para rendirle un más que merecido homenaje repasando las películas esenciales de su filmografía. emos decidido no incluir en esta selección todos los carteles correspondientes a la trayectoria de Connery como agente 007 con licencia para matar porque ya fueron publicados en su momento en una serie de “Cartelmanía” dedicada a todas las películas de James Bond, pero sí están los imprescindibles de esa saga que definió la imagen de Connery como estrella.

Connery ha sido una presencia esencial en el cine durante más de seis décadas y es lógico que muchos lectores vayan a echar de menos algunas películas que en algunos casos han sido ya incluidas en otros coleccionables. Hemos procurado repetir aquí solo las esenciales para dar una visión general de su carrera. Sería el caso de Los intocables de Eliot Ness, con la que consiguió el Oscar y que publicamos ya en cartel

H

grande a página, pero no podemos obviar aquí porque fue su único Oscar, o de otros títulos inevitablemente unidos a puntos claves de su trayectoria, que vamos a repetir para dar una visión de conjunto de su filmografía con la que el lector que se esté iniciando en la cinefilia pueda tener pistas de lo más esencial que hizo este gigante del cine ante las cámaras, caso de La caza del Octubre Rojo o Indiana Jones y la última cruzada. Sin embargo, no está La colina, uno de sus mejores trabajos, que aparece, como Un puente lejano, en el coleccionable de carteles del cine bélico.

Por otra parte, también hemos publicado ya la entrega del coleccionable de actores de ACCIÓN dedicado a Sean Connery y si alguien está interesado puede pedirla igualmente al Departamento de Números Atrasados de la revista.

Thomas Sean Connery nació el 25 de agosto de 1930 en Fountainbridge, Edimburgo, Escocia. Era hijo de Euphemia C. Maclean, señora de la limpieza, y de Joseph Connery, que se ganaba la vida como empleado en una fábrica y camionero. Su hermano, Neil Connery, trabajó como yesero en Edimburgo y pudo catar una pequeña porción de la fama de su hermano como 007 apareciendo en pastiches de la serie Bond como Todos los hermanos eran agentes (1967), donde interpretó al doctor Neil Connery, nada menos, y 007: nuestro hombre en Bond Street (1984), en el papel de Mr. Bond.

Antes de llegar a su primer trabajo ante las cámaras, Sean Connery se ganó la vida como lechero, conductor de camión, obrero, modelo para

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SEAN CONNERY 20 PELÍCULAS ESENCIALES

El equipo de los intocables: Andy García, Sean Connery, Kevin Costner y Charles Martin Smith

los estudiantes del Colegio de Arte de Edimburgo, pulidor de ataúdes y culturista. Había probado suerte también en el Ejército, alistándose en la Marina Real, pero el que luego sería en la ficción el comandante Bond fue finalmente licenciado por problemas médicos, y cuando tuvo que elegir entre ser futbolista profesional o actor se decantó por lo segundo. Así fue como inició su periplo ante las cámaras como extra, formando parte de una multitud en la comedia Lilacs in the Spring, que protagonizó Errol Flynn en 1954, el mismo año en el que dio vida a un policía en el cortometraje Simon, antes de lanzarse a trabajar en varias series y películas para televisión en Inglaterra ejerciendo como secundario. En esa misma función de actor de reparto comenzó sus trabajos para el cine en la película de intriga No Road Back (1957), el drama criminal protagonizado por camioneros Ruta infernal (1957), que encabezó la estrella del cine británico Stanley Baker, el actor favorito de Connery por su trabajo en papeles de tipo duro creíble en películas que él mismo producía, La frontera del terror (1957), protagonizada por Van Johnson, y La gran aventura de Tarzán (1959), donde le dieron papel como antagonista frente al nuevo rey de la selva del cine, Gordon Scott.

Connery debutó en el papel de agente británico con licencia para matar en la primera película de la saga que todavía hoy sigue entregando títulos a la cartelera, Agente 007 contra el doctor No (1962), que llevó al actor hasta el estrellato y que llegó a convertirse en una alargada sombra y un lastre para su progreso como actor del que acabó deseando escapar a toda costa para construir una carrera más sólida y variada como intérprete.

Uno de sus personajes más carismáticos: Junior en Indiana Jones y la última cruzada

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Las dos películas que sirvieron como puente para su desembarco en el papel de 007 fueron Brumas de inquietud (1958), en un papel de galán junto a la diva del melodrama estadounidense Lana Turner (se rumoreó que había prolongado el romance más allá de la ficción de la pantalla, conduciendo a un enfrentamiento con el novio de esta, el mafioso Johnny Stompanato, con el que Connery se enfrentó un día que se presentó en el rodaje), y Darby O’Gill y el rey de los duendes (1959), que llevó al productor Albert R. Broccoli a elegir a Connery para interpretar a James Bond.

El resto ya es historia del cine, de la grande e imprescindible, porque finalmente Connery debutó en el papel de agente británico con licencia para matar en la primera película de la saga que todavía hoy sigue entregando títulos a la cartelera, Agente 007 contra el doctor No (1962), que llevó al actor hasta el estrellato y que llegó a convertirse en una alargada sombra y un lastre para su progreso como actor del que acabó deseando escapar a toda costa para construir una carrera más sólida y variada como intérprete. Lo consiguió, aunque finalmente acabara volviendo a dar vida al personaje al que debía haberse convertido en una estrella en la producción, de sarcástico título, Nunca digas nunca jamás (1984), en la que no se privó de hacer una elegante parodia de 007 usando como epicentro el paso del tiempo, que alcanza incluso a los agentes secretos.

Sin embargo, lejos de convertirse en un veterano sometido por los rigores de la edad, ese reencuentro con Bond demostró que había mucho buen cine todavía en la carrera de Connery y abrió paso a la última etapa de su filmografía como actor, en la que acabó convirtiéndose en una auténtica institución, imponiéndose desde su veteranía frente a nuevos héroes del cine como Christopher Lambert en Los inmortales (1986), Kevin Costner en Los intocables de Eliot Ness (1987), Harrison Ford en Indiana Jones y la última cruzada (1989), Alec Baldwin en La caza del Octubre Rojo (1990), Wesley Snipes en Sol naciente (1993), o Richard Gere en El primer caballero (1995).

En esa trayectoria dejó además por el camino algunos papeles que le ofrecieron, pero no llegó a interpretar, que habrían dado lugar a versiones alternativas del cine que conocemos, como el papel de Steve McQueen en El caso Thomas Crown, el que en Vestida para matar interpretó Michael Caine, Gandalf en El señor de los anillos, el Arquitecto de Matrix, el papel del rey Filipo de Macedonia que interpretó Val Kilmer en Alejandro Magno, el primer Zorro al que dio vida Anthony Hopkins junto con Antonio Banderas, el jefe de los ladrones de Jungla de cristal, el rey Eduardo I en Braveheart, una versión alternativa de Parque Jurásico con él interpretando al empresario Hammond y Harrison Ford como el paleontólogo Alan Grant, repitiendo con Spielberg como director, o el papel de Hannibal Lecter en El silencio de los corderos. Incluso el papel del rey Mufasa en el largometraje de animación El rey león fue escrito para él, lo cual parece lógico, porque sin duda Sean Connery ha sido un rey del cine en las últimas seis décadas.

Miguel Juan Payán

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DESDE RUSIA CON AMOR

AGENTE 007 CONTRA EL DOCTOR NO

From Russia with Love

Dr. No

1963; Reino Unido; Color; Director: Terence Young; Guion: Richard Maibaum, Johanna Harwood, Berkely Mather; Intérpretes: Sean Connery, Robert Shaw, Daniela Bianchi, Pedro Armendáriz, Lotte Lenya, Bernard Lee, Eunice Gayson, Lois Maxwell, Aliza Gur, Martine Beswick; Duración: 115 minutos.

Continuidad en el equipo técnico y artístico fue lo que mejor respaldó esta segunda entrega de las peripecias de Connery como James Bond que se nutrió del éxito de la primera película alcanzando una dotación presupuestaria de dos millones de dólares que dio como resultado una recaudación global de casi 25 millones.

1962; Reino Unido; Color; Director: Terence Young; Guion: Richard Maibaum, Johanna Harwood, Wolf Mankowitz, Terence Young, Berkely Mather; Música: Monty Norman; Fotografía: Ted Moore; Intérpretes: Sean Connery, Ursula Andress, Joseph Wiseman, Jack Lord, Bernard Lee, Lois Maxwell; Duración: 110 minutos.

El punto más frágil y negativo: la “chica Bond” más sosa de toda la saga, y ya es decir: Daniela Bianchi como Tatiana Romanova tenía un paveo encima inviable para tomar el testigo de la demoledora aparición de Ursula Andres en la película anterior. Mucho más interesante la “luchadora” Vida, interpretada por Aliza Gur. M.J.P.

Un presupuesto de 1.100.000 dólares sirvió para respaldar el bautismo de fuego de Connery como 007 en este largometraje que llegó a la cartelera en un año clave del enfrentamiento entre los bloques de la Guerra Fría como consecuencia de la Crisis de los Misiles de octubre, con Cuba como epicentro del intento de poner misiles soviéticos capaces de alcanzar territorio estadounidense. El asunto estuvo a punto de conducir a un enfrentamiento bélico abierto. Los espectadores no estaban para tomarse en serio el espionaje y la guerra entre los bloques, y por ello se entregaron gustosos a esta otra versión del asunto con un protagonista interesado en saltar de cama en cama de distintas féminas espectaculares mientras salva al mundo a caballo del género de aventuras y la ciencia ficción. Sus oponentes no son partidarios de un bloque u otro, van por su cuenta y la política no le interesa. Los 16 millones de dólares que la película recaudó en todo el mundo demostraron a los responsables del proyecto que habían dado en el blanco con la fórmula y con el actor encargado de sacarla adelante, al que habían elegido en contra del criterio del creador literario del personaje, Ian Fleming, que no aguantaba que Connery fuera escocés cuando él había pensado a Bond como inglés, ni que Connery fuera de clase trabajadora y pusiera cierto tono tosco a un 007 que el escritor pretendía refinado y de educación más esmerada. Sin embargo, el gran acierto de la película fue precisamente proponer esa versión más contundente y física del personaje que necesitaba el lenguaje del cine y convertirlo así en la clase de tipo duro que Connery había admirado en las creaciones de su admirado Stanley Baker. M.J.P.

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JAMES BOND CONTRA GOLDFINGER

MARNIE, LA LADRONA

Goldfinger

Marnie

1964; Reino Unido; Color; Director: Guy Hamilton; Guion: Richard Maibaum, Paul Dehn, Johanna Harwood, Berkely Mather; Música: John Barry; Fotografía: Ted Moore; Intérpretes: Sean Connery, Honor Blackman, Gert Fröbe, Shirley Eaton, Harold Sakata; Duración: 110 minutos.

1964; EE. UU.; Color; Director: Alfred Hitchcock; Guion: Jay Presson Allen; Música: Bernard Herrmann; Fotografía: Robert Burks; Intérpretes: Sean Connery, Tippi Hedren, Martin Gabel, Louise Latham, Diane Baker, Alan Napier, Bob Sweeney, Milton Selzer, Bruce Dern, Edith Evanson, Henry Beckman, Mariette Hartley, Meg Wyllie, Leon Alton, Alex Ball, John Alvin, Kimberly Beck; Duración: 130 minutos.

Es, según declaró él mismo, la película favorita de Sean Connery entre todas las que interpretó encarnando a 007. Su sombra se proyectó sobre el intento de encontrar un nuevo Bond volviendo a las raíces cinematográficas del personaje después de la etapa de Roger Moore, cuando Timothy Dalton se postuló como nuevo atente con licencia para matar en 007: alta tensión, en 1987.

Entre los aciertos del largometraje se cuentan dos de los mejores villanos de toda la saga de 007 en el cine, la imperturbable y letal Rosa Kleb, con sus zapatos con cuchillas, y el sólido Robert Shaw, que luego alcanzaría el estrellato intentando cazar al tiburón de Spielberg, coprotagonizando una de las mejores secuencias de pelea cuerpo a cuerpo de la era de Connery como 007 en el tren.

Otro acierto: el tono jocoso y de bon vivant aportado por Pedro Armendáriz como Ali Kerim Bey, que le da cincuenta vueltas a todos los Félix Leiter de la CIA convocados para ser socios de aventuras de Bond en sus misiones internacionales. Lástima que su ejemplo no cundiera en la saga.

Tres millones de dólares, un millón por encima de su predecesora, era el presupuesto de esta tercera aventura de Sean Connery como agente 007 que recaudó en todo el mundo más de 51 millones. A esas alturas, Fleming ya había superado su escepticismo frente a las posibilidades de Connery para ser 007 y vistos los ingresos de las películas dejó de dar la vara afirmando que el actor era “poco refinado” para ser James Bond. Ahora el problema empezaba a ser el contrario: Connery se había convertido en una estrella internacional y no aspiraba a pasarse toda la vida siendo 007. Estaba en la lista de los astros más taquilleros del momento y era la única estrella masculina británica que había conseguido ser número 1 en la taquilla estadounidense.

Su encuentro con Goldfinger, uno de los mejores villanos de toda la saga, interpretado por Gert Fröbe, proporcionó un nuevo récord a la franquicia del agente británico que se había convertido en héroe internacional reconocido en cualquier lugar del mundo: James Bond contra Goldfinger fue incluida en el Libro Guiness de los récords como la más rápida en convertirse en un triunfo en la taquilla.

La película incluye además la canción que puede servir como himno de la etapa de Connery en el papel de 007, el tema “Goldfinger”, interpretado por Shirley Bassey. También tiene otro elemento esencial en la mitología cinematográfica de la serie Bond, el automóvil Aston Martin, que estuvo a punto de no aparecer en la película porque la firma pretendía cobrar por prestar dos de sus coches para la filmación, aunque después del éxito del largometraje y el correspondiente eco promocional en las ventas del vehículo, dejaron de poner tantas pegas para poder formar parte de la saga. M.J.P.

Película interesante por varios aspectos, entre los cuales destaca su importancia como punto de inflexión en las carreras de los tres principales implicados en ella. Para Alfred Hitchcock fue el segundo intento con Tippi Hedren para encontrar una alternativa de actriz fetiche en su incesante búsqueda de sustituta para Grace Kelly, su actriz favorita, que había “desertado” del cine para convertirse en princesa casándose con Rainiero de Mónaco, oferta que el rey del cine de suspense no podía igualar.

Para Tippi Hedren era su segundo encuentro con lo que varios biógrafos de ambos no dudan en señalar como el lado más oscuro de Hitchcock, y de hecho así se muestra en las peripecias de cleptómana sexualmente reprimida que vive el personaje de ficción interpretado por la actriz en este largometraje.

Para Sean Connery era la oportunidad de demostrar que podía ser algo más que 007 y por otra parte a las órdenes de un Hitchcock urgido por encontrar galanes masculinos más jóvenes que sus veteranos de lujo hasta ese momento, Cary Grant y James Stewart.

Hedren hizo buenas migas con su compañero de reparto, que la ayudó en un papel particularmente difícil de interpretar por el subtexto sexual que incorporaba, y además de ponerle su nombre de pila a uno de sus gatos ha mantenido la amistad con Connery hasta el momento de su muerte.

Significativamente, no volvió a trabajar con Hitchcock.

Connery fue el que mejor escapó de la experiencia interpretando con solidez el papel del tipo que se casa con una mujer aquejada de serios problemas psicológicos y parece una variante hipertrofiada de lo que propuso Hitchcock en el arranque del personaje de Janet Leigh en Psicosis, en la que el trabajo de Hedren no ha sido debidamente valorado. M.J.P.

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SHALAKO

OPERACION TRUENO

1968; Reino Unido; Color; Director: Edward Dmytryk; Guion: James Griffith, Scott Finch, Hal Hopper, Clarkey Reynolds; Música: Robert Farnon; Fotografía: Ted Moore; Intérpretes: Sean Connery, Brigitte Bardot, Stephen Boyd, Jack Hawkins, Peter Van Eyck, Honor Blackman, Woody Strode, Don “Red” Barry; Duración: 113 minutos.

Thunderball 1965; Reino Unido; Color; Director: Terence Young; Guion: Richard Maibaum, John Hopkins, Jack Whittingham, Kevin McClory; Música: John Barry; Fotografía: Ted Moore; Intérpretes: Sean Connery, Claudine Auger, Luciana Paluzzi, Adolfo Celi, Rick Van Nutter, Guy Doleman, Molly Peters, Martine Beswick, Bernard Lee, Lois Maxwell, Desmond Llewelyn, Roland Culver; Duración: 130 minutos.

Connery se llevó al director de fotografía de sus películas como James Bond, Ted Moore, para que filmara este wéstern que ya los críticos se tomaron a broma simplemente porque el intérprete de James Bond pretendiera hacer una incursión en el cine del Oeste. El asunto no era tan disparatado, y pienso que esta película ha sido injustamente valorada y atacada en exceso, pues contiene varios elementos interesantes para el aficionado al cine del Oeste. El primero es su punto de partida en una historia de Louis L’Amour, clásico del género. El segundo la presencia en el reparto de Don “Red” Barry, icono del cine del Oeste que además de interpretar en esta ocasión el papel de Búfalo, destacó como una de sus estrellas interpretando a Red Ryder en un serial de la productora Republic donde consiguió ser el héroe después de una larga temporada interpretando a villanos. Incluso se publicaron cómics. Además, el responsable de la dirección, Edward Dmytryk, es una de las figuras más interesantes del cine estadounidense, con una filmografía que incluye títulos imprescindibles como Encrucijada de odios, El motín del Caine, Historia de un detective, La patrulla del coronel Jackson, Tras el sol naciente, Lanza rota, La mano izquierda de Dios, El baile de los malditos, La batalla de Anzio, El árbol de la vida, El hombre de las pistolas de oro y Álvarez Kelly, dos wésterns imprescindibles para aficionados al género. Eficacia como narrador era su apellido. Anécdota curiosa: Brigitte Bardot no pudo aceptar ser “chica Bond” en la película del supuesto sustituto de Connery como Bond, 007 al servicio secreto de su majestad, precisamente porque estaba rodando este wéstern en el que el propio Connery había sustituido a Henry Fonda. Además, Connery pudo rencontrarse con Honor Blackman tras James Bond contra Goldfinger, la mejor compañera que tuvo en su etapa como 007. M.J.P.

El prespuesto de este largometraje, que se incrementó hasta los nueve millones de dólares frente a los tres millones invertidos en el anterior, superior también a la suma de lo invertido en las tres películas anteriores, da buena muestra de cómo había progresado la serie en la recaudación de taquilla, hasta el punto de configurarse como una auténtica precursora de dos de las claves que marcan el cine de nuestra época: el blockbuster y las secuelas. En todo el mundo Operación Trueno recaudó más de 63,5 millones de dólares, convirtiéndose así, junto con James Bond contra Goldfinger, en el momento más destacado de la etapa de Connery como agente 007. A partir de este largometraje empezó a hacerse patente un cierto agotamiento de Connery en su compromiso con la serie, con el actor más interesado en afrontar nuevos retos en su carrera ante las cámaras, algo que por otra parte era lógico, considerando el estatus de estrella taquillera que había alcanzado.

En ese sentido, resulta paradójico que fuera este largometraje el que quedó libre de la atadura con la serie oficial por temas de derechos, permitiendo que años más tarde Connery pudiera protagonizar un remake con el título de Nunca digas nunca jamás, fuera del canon de las producciones Broccoli y compitiendo en la cartelera con la propuesta oficial de la serie Bond de ese mismo año, 1983, que era Octopussy, protagonizada por su amigo Roger Moore. Frente a esta, hay que decir que la de Connery era mejor, aunque recaudó menos dinero de lo esperado por sus promotores y que la de la serie oficial: casi 68 millones para la de Moore frente a casi 55,5 millones para la de Connery. Aunque Octopussy había costado unos 27,5 millones y Nunca digas nunca jamás costó unos 36 millones. M.J.P.

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ODIO EN LAS ENTRANAS SUPERGOLPE EN MANHATTAN

The Molly Maguires

The Anderson Tapes

1970; EE. UU.; Color; Director: Martin Ritt; Guion: Walter Bernstein; Música: Henry Mancini; Fotografía: James Wong Howe; Intérpretes: Sean Connery, Richard Harris, Samantha Eggar, Frank Finlay, Anthony Zerbe; Duración: 124 minutos.

1971; EE. UU.; Color; Director: Sidney Lumet; Guion: Frank Pierson; Intérpretes: Sean Connery, Dyan Cannon, Christopher Walken, Martin Balsam, Ralph Meeker, Alan King, Val Avery, Dick Anthony Williams, Garrett Morris, Paul Benjamin, Richard B. Shull, Anthony Holland, Margaret Hamiton, Judith Lowry; Duración: 99 minutos.

Tres millones de dólares fue el presupuesto de este largometraje, curiosa muestra del cine de atracos mezclada con el tipo de subtrama de conspiración que florecía en el cine estadounidense en los años setenta, fenómeno cinematográfico del cine de intriga íntimamente ligado a la situación política creada por el escándalo del Watergate que acabó con Richard Nixon dimitiendo como presidente de Estados Unidos.

Las aspiraciones de intriga del argumento de este largometraje, basado en la primera novela de Lawrence Sanders, periodista y editor de revistas antes de pasarse a escribir novelas de misterio a tiempo completo, se centran en torno a un grupo de delincuentes que intentan robar en un edificio de apartamentos de lujo. Inicialmente publicada en los años cincuenta, la trama se adaptó a los setenta. Connery interpreta al jefe del grupo, un ladrón que acaba de recuperar la libertad tras pasar diez años en prisión, y que concibe un plan junto con su novia Ingrid, ignorando que cada uno de sus pasos está siendo grabado y registrado en vídeo. Eso otorga al argumento de la película cierto parentesco con La conversación, dirigida por Francis Coppola o Los tres días del Cóndor, dirigida por Sydney Pollack, mientras que el personaje de Connery se acerca en algunos aspectos al de Dortmunder, interpretado por Robert Redford en Un diamante al rojo vivo, sobre todo cuando interactúa con sus compinches, entre los cuales destaca un joven Christopher Walken a la espera de despegar como estrella a finales de esa misma década en El cazador.

Anecdóticamente, fue la primera vez que Sean Connery incorporó su incipiente calvicie a sus personajes, apareciendo en pantalla sin los postizos que había utilizado anteriormente. M.J.P.

El encuentro de dos estrellas del cine europeo como eran en ese momento Sean Connery y Richard Harris era el principal aliciente de este, uno de los muchos intentos de Martin Ritt de introducir el tema sindical en el cine comercial, asunto que luego repetiría, con más acierto y éxito, en Norma Rae. Preocupado por darle contenido social a sus historias sumergiéndose en los conflictos de las clases trabajadoras, Ritt no acabó de encontrar del todo el camino en este largometraje que por otro lado estaba concebido para el lucimiento de sus dos estrellas masculinas.

Harris y Connery se hicieron amigos, hasta el punto de que Harris aceptó hacer un cameo como rey Ricardo Corazón de León en Robin y Marian, pero, todo hay que decirlo, curiosamente tenían poca química entre sí ante las cámaras. Nada que ver, por ejemplo, con el festival desplegado por Connery junto a Michael Caine en El hombre que pudo reinar, o con Connery y Kevin Costner en Los intocables de Eliot Ness. Curiosamente, Connery también haría un cameo como Ricardo Corazón de León como respaldo a Costner en Robin Hood, príncipe de los ladrones. Y además Samantha Eggar no proponía suficiente peso y personalidad como personaje femenino frente a los dos masculinos. La historia de un infiltrado metido en la rebelión de los trabajadores irlandeses de una mina de Pensilvania en 1876 (Connery tenía antepasados irlandeses en su árbol genealógico, dicho sea de paso, así que pudo entrar en contacto aquí con sus raíces), no acabó de madurar en pantalla, aunque la película es interesante e incluso fue nominada a un Oscar en el apartado de Mejor Dirección Artística. Por cierto, aquí Connery interpretaba a un personaje real, Jack Kehoe, y el decorado de la mina en la que se movía fue en ese momento el mayor decorado interior construido en Hollywood hasta ese momento. M.J.P.

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ZARDOZ

LA OFENSA

1974; Reino Unido, EE. UU., Irlanda; blanco y negro; Director: John Boorman; Guion: John Boorman; Música: David Munrow; Fotografía: Geoffrey Unsworth; Intérpretes: Sean Connery, Charlotte Rampling, Sara Kestelman, John Alderton, Niall Buggy, Sally Anne Newto; Duración: 105 minutos.

The Offence

Presupuestada en 1.570.000 dólares, fue otro gran riesgo asumido por Sean Connery como actor en su carrera, y aunque en un primer visionado puede ser considerada un título fallido, superadas las expectativas de tener al actor en una trama de ciencia ficción y el tráiler engañoso, esta película presenta algunos elementos interesantes que van a marcar el cine de Boorman, por ejemplo en su obra maestra, Excalibur. Lo que ocurre es que su inclinación por los símbolos y las metáforas, con toda la mitología de El mago de Oz como epicentro de la propuesta y un Connery ataviado de forma pintoresca como una variante de contenido sexual de los tradicionales héroes de ciencia ficción tipo Flash Gordon y Buck Rogers, constituye un reto para quienes esperaban algo más previsible y, por qué no decirlo, algo menos pedante en lo referido al dibujo de una sociedad postapocalíptica en la que las élites han optado por el epicureísmo psicotrópico como modo de vida que los diferencia de los esclavos.

1973; Reino Unido, EE. UU.; Color; Director: Sidney Lumet; Guion: John Hopkins; Música: Harrison Birtwistle; Fotografía: Gerry Fisher; Intérpretes: Sean Connery, Trevor Howard, Ian Bannen, Vivien Merchant, Peter Bowles, Derek Newark, Ronald Radd, John Hallam, Richard Moore, Rhoda Lewis; Duración: 112 minutos.

Es la menos previsible de las siempre imprevisibles colaboraciones de Sean Connery con el director Sidney Lumet en esta etapa de la carrera del actor, a las que hay que añadir Supergolpe en Manhattan y La colina de los hombres perdidos, mencionada en la introducción que acompaña esta entrega de “Cartelmanía”. En esa etapa, Connery decidió invertir su prestigio e incluso su dinero, participando como productor, en propuestas que lo apartaran definitivamente del tipo de personaje que había interpretado en las películas de James Bond.

Connery venía de rodar su último trabajo en la saga oficial de James Bond, Diamantes para la eternidad, y no había quedado muy contento con la experiencia, decidiendo retirarse definitivamente, así que Boorman pudo reclutarle para este proyecto y modificar su imagen al límite por un precio que consideraba razonable: 200.000 dólares. M.J.P.

El riesgo quedaba reducido en este caso por el bajo presupuesto del proyecto, 900.000 dólares, y da buena prueba de la manera en la que Connery aprovechaba su éxito como estrella del cine de acción interpretando al espía más famoso del mundo para sacar adelante estas propuestas más personales. De hecho, La ofensa fue posible como parte del acuerdo al que el actor había llegado con el estudio United Artists para regresar al papel de 007 en Diamantes para la eternidad a cambio de que dicha firma respaldara dos películas elegidas por el actor cuyo coste no superara los dos millones de dólares. La ofensa era la primera de esas producciones, la segunda habría sido una versión de Macbeth, de William Shakespeare, dirigida y protagonizada por el propio Connery. Esa segunda película no llegó a ser realidad porque La ofensa fue un fracaso en la taquilla y además se adelantó Roman Polanski con su versión de Macbeth en 1971. La trama de La ofensa gira en torno a un policía interpretado por Connery, que interroga a un sospechoso de pederastia y pierde los nervios en el proceso maltratando al detenido. M.J.P.

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La ambigüedad moral del guerrero que interpreta Connery impide una fácil empatía del espectador con su personaje, pero es una película que debería ir ganando más respaldo por parte de los aficionados a la ciencia ficción para adultos.

Acusada de ser confusa por los responsables del estudio 20th Century Fox, que obligaron al director a rodar la secuencia de introducción para que el argumento fuera más comprensible para el espectador, es muy probable que con ese añadido resultara más perjudicada sin mejorar la facilidad de interpretación de su argumento.

ROBIN Y MARIAN Robin and Marian

EL VIENTO Y EL LEON

1976; EE. UU.; Color; Director: Richard Lester; Guion: James Goldman; Música: John Barry; Fotografía: David Watkin; Intérpretes: Sean Connery, Audrey Hepburn, Robert Shaw, Richard Harris, Nicol Williamson, Denholm Elliott; Duración: 106 minutos.

The Wind and the Lion

Cinco millones de dólares de presupuesto y un rodaje que como el de El viento y el león se desarrolló en la geografía española, pero en este caso cambiando Andalucía por Castilla y León y Navarra, permitieron a Connery convertirse en un Robin Hood construido para su lucimiento como actor en una brillante labor de demolición del mito y replanteamiento de la figura del héroe. El arquero de Sherwood es un hombre maduro que ha dejado aparcadas sus aventuras y en realidad lo único que quiere es recuperar esa imagen y juventud perdidas en los brazos de una doncella Marian que se ha convertido en monja y no está por la labor de revivir el papel de consorte florero de la leyenda clásica, siendo así que el personaje femenino interpretado por Audrey Hepburn se configura como precursora de la tendencia a enfrentar personajes femeninos más maduros que sus contrapartidas masculinas. Donde Robin es todavía en algunos aspectos un tipo con mentalidad adolescente, como en realidad ocurre con los antagonistas a los que se enfrenta, Marian pone algo más de madurez y cordura, si bien finalmente acabará por dejarse llevar a lo que es más que un relato de aventuras heroicas al estilo épico una historia de amor que se toma con mucho humor y no poco cinismo los mitos incombustibles de la cultura popular. Hay un punto de guerra de sexos digno de la screwball comedy clásica de Hollywood revivida con una curiosa química entre la tosquedad que imprime a su personaje Connery y la elegancia aristocrática que aporta al suyo una Audrey Hepburn que regresó al cine con este trabajo tras un paréntesis alejada de su carrera como actriz. Lástima que Charlton Heston no se prestara a hacer el cameo que le ofreció el director, Richard Lester, porque en realidad quería ser protagonista. Su Robin Hood no habría sido tan interesante como el de Connery. M.J.P.

1975; EE. UU.; Color; Director: John Milius; Guion: John Milius; Música: Jerry Goldsmith; Fotografía: Billy Williams; Intérpretes: Sean Connery, Candice Bergen, Brian Keith, John Huston, Steve Kanaly, Geoffrey Lewis, Vladek Sheybal, Nadim Sawalha, Roy Jenson, Deborah Baxter, Jack Cooley, Aldo Sambrell, Luis Barboo; Duración: 119 minutos.

Si al lector le suenan los rostros y nombres de astros españoles esenciales del espagueti wéstern y el género de aventuras rodado en nuestro país, como el gran Aldo Sambrell o Luis Barboo, es simplemente porque la película se rodó en España, con localizaciones en Granada, Sevilla, Almería, Doñana en Huelva, y el Hotel Palace de Madrid. El presupuesto fue de cuatro millones de dólares y constituye una de las dos superproducciones de aventuras coloniales protagonizadas por Connery en 1975, siendo la otra la que destacamos en el cartel de película clásica a toda página en este mismo número, El hombre que pudo reinar.

El argumento sigue las andanzas de un líder árabe de las tribus del desierto que provoca un incidente internacional secuestrando a una viuda estadounidense y a sus hijos, lo que Theodore Roosevelt y la prensa estadounidense convertirán en un motivo de reivindicación de su imperialismo camuflado que no por casualidad recordará, sobre todo a los españoles interesados en su propia historia, muchas de las circunstancias que rodearon la guerra de Estados Unidos con España en 1898, con Cuba como epicentro. Ese conflicto inició el proceso de presentación de Estados Unidos como policía del mundo, con las consecuencias que ya conocemos, y ese mismo fenómeno tiene un punto importante de protagonismo en la trama de El viento y el león.

Por otro lado, Milius convierte al líder árabe interpretado por Connery en uno de sus guerreros bárbaros puros, anticipo de lo que luego serán los personajes interpretados de manera más esquemática por Arnold Schwarzenegger en Conan el bárbaro y de forma más elaborada por Nick Nolte en Adiós al rey y Wes Studi en Gerónimo, una leyenda. M.J.P.

CARTEL-MANÍA SEAN CONNERY

ATMOSFERA CERO Outland 1981; Reino Unido; Color; Director: Peter Hyams; Guion: Peter Hyams; Música: Jerry Goldsmith; Fotografía: Stephen Goldblatt; Intérpretes: Sean Connery, Peter Boyle, Frances Sternhagen, James Sikking, Kika Markham, Clarke Peters, Steven Berkoff, John Ratzenberger, Nicholas Barnes, Manning Redwood, Pat Starr; Duración: 109 minutos.

Después de Alien, esta era la película que mantuvo el interés por las intrigas espaciales en la cartelera de los ochenta, y merece contarse entre lo mejor de la filmografía de su protagonista. Además, es un ejercicio ejemplar de hibridación de géneros, ya que nadie podrá poner en duda que es un remake no declarado de Solo ante el peligro, el wéstern clásico protagonizado por Gary Cooper, por otra parte muy vinculada en elementos de diseño de vestuario, maquetas y diseño de interiores a Alien y contiene pinceladas argumentales de género policiaco introduciendo el tema de las drogas y una persecución trepidante y particularmente claustrofóbica en el interior de la plataforma minera espacial.

De hecho, el guion se había escrito inicialmente pensando en un wéstern.

Teniendo todo eso en cuenta, y con Connery luciéndose en el papel de sheriff del espacio exterior, al final lo menos espectacular de la propuesta fue el sistema de sonido Megasound que proponía Warner Brothers a principios de los noventa como alternativa a las creaciones en ese mismo campo de otras compañías de la competencia. También fue pionera en el sistema IntroVision, proceso de proyección frontal que permitía a un actor o a cualquier otro elemento de acción en imagen real integrarse en un mismo plano con un elemento proyectado en el fondo y otro puesto en primer término, dando un aire más realista al resultado final del truco visual.

CARTEL-MANÍA SEAN CONNERY

EL PRIMER GRAN ASALTO AL TREN The First Great Train Robbery 1978; Reino Unido; Color; Director: Michael Crichton; Guion: Michael Crichton; Música: Jerry Goldsmith; Fotografía: Geoffrey Unsworth; Intérpretes: Sean Connery, Donald Sutherland, Lesley-Anne Down, Alan Webb, Malcolm Terris, Robert Lang, Michael Elphick, Wayne Sleep, Pamela Salem, Gabrielle Lloyd, George Downing, Jame Cossins, John Bett, Peter Benson; Duración: 110 minutos.

Reunir a Connery con Sutherland era un sueño para Michael Crichton, el autor de la novela en que se basa la película, que es el mismo de Parque Jurásico, y el que como director dio al cine de ciencia ficción un clásico, Westworld (titulada en España Almas de metal), al que no obstante le han sacado más partido en la serie de televisión creada por Jonathan Nolan. Crichton era también el autor de otra novela, Sol naciente, cuya versión cinematográfica acabó protagonizando también Connery, junto a Wesley Snipes, posiblemente la asociación más raruna de la filmografía del actor junto con la que forjara con Nicolas Cage en La Roca.

Sin embargo, con juntar a dos monstruos como Connery y Sutherland, que además tienen buena química en la pantalla, aunque no al nivel de la desplegada por Connery con Caine en El hombre que pudo reinar, no le bastó a Crichton, y la película, que es simpática y entretenida, reposa demasiado en el carisma de sus protagonistas, porque no tiene mucho más en lo que sostenerse. Anunciaba así un fenómeno que iba a repetirse en algunos de los trabajos posteriores de Connery que no estaban a su altura como actor.

Sean Connery tuvo que renunciar a un papel en la oscarizada Carros de fuego para participar en este largometraje presupuestado en 16 millones de dólares que recaudó en todo el mundo poco más de esa cifra. A Hyams lo contratarían luego para rodar la secuela de 2001, 2010: odisea 2, como consecuencia de su trabajo en este largometraje. M.J.P.

La película contó con un presupuesto de seis millones de dólares y recaudó más del doble en los cines de todo el mundo, y además le provocó una bronca matrimonial de traca a Connery cuando su esposa vio la película y se dio cuenta de que él mismo había interpretado él mismo las escenas de riesgo sobre el techo del tren, que es el tercer protagonista de la trama. De poco le valió al actor explicarle que el techo del vagón había sido cubierto con arena para evitar que se resbalara. M.J.P.

CARTEL-MANÍA SEAN CONNERY

CARTEL-MANÍA SEAN CONNERY

EL NOMBRE DE LA ROSA Der Name der Rose 1986; Alemania Occidental, Italia, Francia; Color; Director: Jean-Jacques Annaud; Guion: Andrew Birkin, Gérard Brach, Howard Franklin, Alain Godard; Música: James Horner; Fotografía: Tonino Delli Colli; Intérpretes: Sean Connery, Christian Slater, Ron Perlman, Helmut Qualtinger, Michael Lonsdale; Duración: 130 minutos.

Basada en la novela homónima de Umberto Eco, esta película le proporcionó a Sean Connery el Premio Bafta del cine británico como Mejor Actor, fue galardonada con el Premio Cesar francés como mejor largometraje y logró el David di Donatello italiano en las categorías de Mejor Producción, Fotografía, Diseño de Producción y Diseño de Vestuario.

En este filme, Connery interpreta a Guillermo de Baskerville, cuyo propio apellido remite al detective Sherlock Holmes creado por Arthur Conan Doyle, del que sería una especie de precursor en sus métodos de investigación de una serie de asesinatos cometidos en un monasterio (en ese momento el decorado más grande construido en exteriores en Europa desde la versión de Cleopatra protagonizada por Elizabeth Taylor en 1963) para dar lugar a una historia sobre el enfrentamiento de la razón y la religión, la ciencia y la superstición, y en definitiva el progreso y la represión autoritaria del miedo. Contando con Christian Slater como una especie de doctor Watson juvenil, la trama se desplaza entre pinceladas de terror e intriga.

En el momento en que Connery fue elegido como protagonista, su carrera estaba en horas bajas, lo que hizo que el estudio Columbia se pensara muy seriamente no participar en la financiación del proyecto, que se rodó con un presupuesto de 16 millones de dólares y después de cinco años de preparación. El primer elegido para interpretar el papel protagonista era Robert De Niro, pero cuando le propuso al director protagonizar un duelo a espada, Annaud quedó convencido de que no había captado el verdadero espíritu del personaje. Connery no tuvo fácil conseguir el papel, para el que se barajaron los nombres de Michael Caine, Richard Harris, Albert Finney, Ian McKellen, el protagonista de Tiburón, Roy Scheider, Jack Nicholson, Paul Newman, Marlon Brando e incluso Donald Sutherland, entre otros. M.J.P.

LOS INMORTALES Highlander 1986; Reino Unido; Color; Director: Russell Mulcahy; Guion: Gregory Widen, Peter Bellwood, Larry Ferguson; Música: Michael Kamen; Fotografía: Gerry Fisher; Intérpretes: Christopher Lambert, Sean Connery, Clancy Brown, Roxanne Hart, Alan North, Beatie Edney, Jon polito, Hugh Quarshie, Christopher Malcolm, Peter Diamond; Duración: 116 minutos.

Uno de los títulos más icónicos del cine de los ochenta, en el que el tiempo ha confirmado que su protagonista, Lambert, que parecía lanzado al estrellato con esta película y su interpretación de Tarzán, no ha sobrevivido como lo más recordado del largometraje. Hoy por hoy, el público sigue teniéndole más afecto al personaje de Sean Connery, el espadachín español Ramírez (el actor tuvo que entrenarse con un profesor de voz en su residencia en España para perfeccionar el acento) y al antagonista, el Kurgan interpretado por Clancy Brown, que forjó un personaje perfecto para convertirse en icono del heavy metal más cañero. Bueno, todo eso y la música de Queen.

Todas las secuencias de Connery como Ramírez tuvieron que rodarse en una semana por compromisos del actor con otros proyectos. El actor cobró un millón de dólares por este trabajo e incluso cruzó una apuesta con el director en la que sostenía, desde su dilatada experiencia en rodajes, que era imposible filmar toda su parte en una semana. Mulcahy aceptó el reto, y ganó la apuesta. Pero el hecho de que bastara una semana para completar el aporte de Connery a la película no impidió que se convirtiera en el verdadero protagonista de la misma, empezando a mostrar su capacidad para retener su poderío como estrella ante una nueva generación de espectadores que por su juventud no habían podido seguir de primera mano su evolución como estrella desde sus tiempos como James Bond.

Ese estrellato de madurez en papeles de reparto empezó a brillar en Los inmortales, donde repetería en la secuela, bastante pobre en relación con este primer largometraje y que ni siquiera el retorno de Connery pudo hacer más digerible. M.J.P.

CARTEL-MANÍA SEAN CONNERY

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LOS INTOCABLES DE ELIOT NESS INDIANA JONES Y LA ULTIMA CRUZADA

The Untouchables

Indiana Jones and the Last Crusade

1987; EE. UU.; Color; Director: Brian De Palma; Guion: David Mamet, Chip Miller; Música: Ennnio Morricone; Fotografía: Stephen H. Burum; Intérpretes: Kevin Costner, Sean Connery, Robert De Niro, Andy García, Charles Martin Smith; Duración: 119 minutos.

1989; EE. UU.; Color; Director: Steven Spielberg; Guion: Jeffrey Boam, George Lucas, Menno Meyjes, Philip Kaufman; Música: John Wiliams; Fotografía: Douglas Slocombe; Intérpretes: Harrison Ford, Sean Connery, Denholm Elliott, Alison Doody, John Rhys-Davies, Julian Glover, Michael Byrne, River Phoenix, Robert Eddison, Richard Young, Alexei Sayle; Duración: 127 minutos.

Connery nuevamente en un papel donde aparentemente es actor de reparto, pero acaba por abrirse paso hasta el protagonismo con el beneplácito del guion y del propio protagonista, Harrison Ford, que astutamente sabe que su trabajo gana con cada secuencia que comparta con el monarca escocés del cine de acción. Era algo que nadie podía dudar después de ver cómo ganaba el trabajo de Kevin Costner junto a Connery. Y poco listo habría sido el actor que no supiera entender eso.

De hecho, salvo por la curiosidad del arranque en flashback con un Indiana joven interpretado por Phoenix con todo el envoltorio visual del homenaje que rinde Spielberg al tratamiento del paisaje en el cine de John Ford en general, y a Centauros del desierto en particular, el arranque de la película con Indiana repitiendo momentos de acción trepidante y comienzos de búsqueda del tesoro es reiterativo, como muchas otras partes de la película, de elementos ya presentados en la primera entrega de la saga, En busca del arca perdida. Así las cosas, no cabe dudar mucho de que este largometraje desarrolla su identidad propia merced a la incorporación del personaje de Indiana que interpreta Sean Connery, con una química entre Ford y el primer 007 del cine que saca a la luz todo el talento para la comedia de este.

El tema de la ausencia del padre, recurrente en Spielberg, encuentra en esta película su expresión más completa al mismo tiempo que sirve el doble papel de contrapunto cómico a la parte más propia de las aventuras de 007 que eran inspiración del personaje de Indiana Jones desde la primera película y salen aquí a flote, por ejemplo, en todas las secuencias desarrolladas en Venecia, con la persecución de las barcas. M.J.P.

CARTEL-MANÍA SEAN CONNERY

LA ROCA The Rock 1996; EE. UU.; Color; Director: Michael Bay; Música: Nick Glennie-Smith, Hans Zimmer; Fotografía: John Schwartzman; Intérpretes: Sean Connery, Nicolas Cage, Ed Harris, David Morse, John Spencer, William Forsythe, Michael Biehn, Vanessa Marcil, Tony Todd, Bokeem Woodbine, Greg Collins; Duración: 136 minutos.

El molde perfecto para explicar lo que es un producto cinematográfico de la era del blockbuster, dirigido por uno de sus cultivadores de mayor éxito, Michael Bay, con un presupuesto de 75 millones de dólares y una recaudación en todo el mundo que alcanzó los 335 millones. Mucho de todo eso se debía al carisma de Sean Connery como reclamo, del que se benefició el talentoso, pero luego estropeado, Nicolas Cage, que ya tenía un Oscar como Mejor Actor por su trabajo en Leaving Las Vegas, pero salió de esta película convertido en una estrella taquillera del cine de acción.

Connery era la clave de la propuesta argumental más allá de la premisa anecdótica de grupo de turistas secuestrados por militares en la antigua prisión de Alcatraz, que servía como punto de partida, pero se habría agotado rápidamente en sí misma sin el cruce con el personaje de John Patrick Mason interpretado por Connery. Ese papel es como la respuesta a qué habría ocurrido si 007 hubiera sido detenido por los estadounidenses cuando acababa de descubrir quién había matado realmente al presidente Kennedy y le hubieran encerrado durante varias décadas en el equivalente al Guantánamo de los años sesenta. Un Connery interpretando a una variante madura de un espía británico no necesitaba más para meterse al público en el bolsillo, y sin él los excesivos 136 minutos que dura esta película serían difíciles de sostener. Connery afirmaba que esta era, junto con La trampa, que protagonizó junto a Catherine Zeta-Jones, su película favorita entre las que había hecho en los años noventa, afirmación frente a la que conviene hacer notar que La caza del Octubre Rojo se estrenó en 1990 y por tanto es una película de los ochenta. M.J.P.

El papel de Jim Malone fue la culminación de una carrera dedicada al cine de Sean Connery, consiguiéndole el Oscar al Mejor Actor de Reparto.

Siguiendo la pauta del cine clásico de Hollywood, al que homenajea, Brian De Palma partió del libro de Oscar Fraley y el auténtico Eliot Ness para construir una suma de géneros que va desde la película de gánsteres al cine negro, incorporando también el wéstern en la cabalgada en la frontera de Canadá y el terror en el ataque contra Connery, donde, como es propio de dicho género, el director alterna planos subjetivos del verdugo y de la víctima.

En su recorrido pasa además por el territorio de la subtrama mitificadora, con el cielo respaldando visualmente la cruzada contra Al Capone emprendida por Ness junto a Malone, destacando en ese sentido la secuencia del pacto entre ambos personajes sellado con la medalla de San Judas, patrono de las causas perdidas y la policía que lleva en la mano el personaje de Connery y el anillo de bodas que porta Costner en el dedo, todo ello bajo la cúpula de una iglesia en la que el policía Malone predica el ojo por ojo.

La luz y el color son claves, con el personaje de Connery, majestuosamente presentado en el plano del puente, representado por el tono azul que baña la ciudad por la noche, un azul nocturno enfrentado al rojo que domina en el mundo del Al Capone interpretado por Robert De Niro.

En realidad, la película nos propone dos viajes del héroe según la fórmula de los argumentos universales y los arquetipos de Jung. El de un joven Jasón (Ness) lanzado a la búsqueda del tesoro, detener a Capone, y un Odiseo-Ulises (Malone), que intenta regresar a la patria, o lo que es lo mismo: recuperar las ilusiones de justicia que le llevaron a ser policía. M.J.P.

CARTEL-MANÍA SEAN CONNERY

LA CAZA DEL OCTUBRE ROJO The Hunt for Red October 1990; EE. UU.; Color; Director: John McTiernan; Guion: Larry Ferguson, Donald E. Stewart, David Shaber; Música: Basil Poledouris; Fotografía: Jan de Bont; Intérpretes: Sean Connery, Alec Baldwin, Scott Glenn, Sam Neill, James Earl Jones, Joss Ackland, Richard Jordan, Peter Firth, Tim Curry, Courtney B. Vance, Stellan Skarsgard, Jeffrey Jones; Duración: 135 minutos.

El personaje de Marko Ramius, héroe de la Marina de guerra soviética que decide tomar un camino inesperado cuando se encuentra al frente del submarino nuclear más avanzado cuando todavía se da el enfrentamiento entre los bloques en la Guerra Fría, disparando todas las alarmas en el Pentágono estadounidense y poniendo en marcha una disparatada acción conjunta de la Armada de Estados Unidos y un poco convencional investigador de la CIA está en lo más alto de la galería de héroes y antihéroes interpretados por Sean Connery a lo largo de su dilatada carrera.

Remius es el ejemplo del hombre honesto en un entorno deshonesto, y como tal, ejerce también ese papel de mentor veterano que caracterizó los trabajos del actor en las ficciones cinematográficas en la última etapa de su carrera ante las cámaras. En esta ocasión, el beneficiario de su compañía es Alec Baldwin, joven actor que estaba en ese momento en plena fase de despegue, caso similar al de Kevin Costner en Los intocables de Eliot Ness, y encontró en su colaboración con Connery el mejor propulsor para alcanzar el estatus de estrella en tiempo récord.

Curiosamente, la novela en la que se basaba la película y por extensión el propio personaje del espía, Jack Ryan (diseñado como un contrario al superespía 007), estaban en cierto modo influidas por las ficciones de espionaje protagonizadas por James Bond, así que, como ocurriera en Indiana Jones y la última cruzada, también aquí recogía Connery los frutos de la influencia en la cultura popular y en otros escritores y cineastas del personaje creado por Ian Fleming para la novela, pero al que su trabajo como actor había hecho crecer como uno de los iconos cinematográficos más influyentes del siglo XX. M.J.P.

HELENA BONHAM CARTER

HOLT MCCALLANY (Holt Quinn McAloney)

26 de mayo de 1966, Golders Green, Londres, Inglaterra, Reino Unido.

Altura: 1,57 metros.

Estado civil: Soltera. Ha tenido dos grandes relaciones románticas en su vida, con Kenneth Branagh entre 1995 y 1999, y con Tim Burton entre 2001 y 2014. La pareja tuvo un hijo y una hija.

Debut profesional: Sin entrenamiento ni antecedentes familiares ligados a la interpretación (su familia estaba ligada a la política y la economía), tras ganar un concurso de literatura usó el dinero para entrar en el directorio de Spotlight, empresa de casting en Reino Unido. Su pasión por dedicarse a la interpretación era tal que en Cambridge no le dejaron matricularse, no por dinero o malas notas, sino por el miedo a que la actriz, que había debutado a los 16 años, dejase las clases para dedicarse a la interpretación. Debuta en la pequeña pantalla en la TV movie A Pattern of Roses en 1983. En cine lo hace en 1985 con Una habitación con vistas.

Personajes: En televisión, principalmente la princesa Margarita en The Crown.

Premios: Nominada al Oscar en dos ocasiones, en 1998 y 2011. Nominada en ocho ocasiones al Globo de Oro. Filmografía básica: Una habitación con vistas (1985), Lady Jane (1986), Regreso a Howards End (1992), Frankenstein (1994), Poderosa Afrodita (1995), Las alas de la paloma (1997), El club de la lucha (1999), El planeta de los simios (2001), Big Fish (2003), Charlie y la fábrica de chocolate (2005), Harry Potter y la Orden del Fénix (2007), Sweeney Todd (2007), El discurso del rey (2010), Alicia en el país de las maravillas (2010), Los miserables (2012), Enola Holmes (2020), The Crown (20192020).

Frases: “Debería quitarme un par de costillas. Voy a llevar corsé el resto de mi vida”. ¿Sabías que…? Su abuelo paterno era un político español afincando en Inglaterra.

Altura: 1,85 metros.

Estado civil: Soltero, aunque lleva años siendo pareja de la también actriz Nicole Wilson.

Deportes favoritos: Practica artes marciales mixtas desde hace tiempo. También le gusta mucho el boxeo.

Debut profesional: Hijo del actor y productor Michael McAloney y de la actriz Julie Wilson, especialmente ligados al teatro. Quería ser actor desde niño y con 14 años se fugó cuando vivía con sus abuelos para irse a perseguir ese sueño, pero finalmente acabó trabajando descargando camiones. Sus abuelos le localizaron y le devolvieron a casa. Estudió en Francia, en la Sorbona, y arte en la Paris American Academy, y luego teatro en L’École Marcel Marceau y L’École Jacques Lecoq. Estudió un verano Shakespeare en Oxford y regresó a Nueva York para empezar su carrera. Debutó en televisión, tras años en teatro, en 1986 con Todos mis hijos, y el año siguiente en cine con Creepshow 2.

Personajes: Fue Patrick Leary en Lights Out, Owen Decker en Freedom y Joe Diaco en Golden Boy, todas canceladas temprano, y ahora es Bill Tench en Mindhunter.

Premios: No ha sido nominado a ningún premio.

Filmografía básica: Creeepshow 2 (1987), Corazones de hierro (1989), Alien 3 (1992), El club de la lucha (1999), Tres reyes (1999), Hombres de honor (2000), Freedom (2000-2001), Alpha Dog (2006), Los perdedores (2010), Lights Out (2011), Una bala en la cabeza (2012), Gangster Squad (2013), Golden Boy (2013), Sully (2016), Mindhunter (2017-¿?), Jack Reacher: nunca vuelvas atrás (2016).

Frases: “Siempre he creído que mi éxito en el negocio del entretenimiento es inevitable. Tienes que creer eso. Tienes que ser un optimista”. ¿Sabías que…? Su pasión por el boxeo le llevó al papel de Lights Out, donde interpretaba a un boxeador retirado.

Tras sus años de estudio en Francia habla francés con fluidez.

JONATHAN GROFF

OLIVIA COLMAN

(Jonathan Drew Groff)

(Sarah Caroline Olivia Colman)

26 de marzo de 1985, Lancaster, Pensilvania, EE. UU. Altura: 1,80 metros.

Estado civil: Soltero. Es uno de los actores de Hollywood abiertamente gais. Mantuvo una relación con Zachary Quinto, por ejemplo.

Apodos: Jon, J. Groff o Groffsauce, por ejemplo.

Debut profesional: El actor supo que quería dedicarse a interpretar y cantar desde que vio de niño a Julie Andrews dar vida a Mary Poppins. Se enamoró del personaje y hasta se disfrazó en Halloween de Poppins, como atestigua un vídeo familiar. Al acabar el instituto iba a comenzar a estudiar en la Carnegie Mellon University, pero fue contratado para hacer una gira con Sonrisas y lágrimas, y posteriormente se mudó a Nueva York a buscar trabajo en el teatro. Debutó con carnet del sindicato en 2005 con el musical Fama en un teatro de Nueva Inglaterra. El culebrón Solo se vive una vez fue su debut en cine en 2007, y en 2009 debuta en cine con Destino: Woodstock.

Personajes: Holden Ford, su papel en Mindhuter, quizá sea su personaje más reconocido, pero fue Jesse St. James en Glee y Patrick Murray en Looking.

Premios: Ganador de un Grammy junto al resto del reparto de Hamilton al mejor álbum de teatro.

Filmografía básica: Destino: Woodstock (2009), Twelve Thrity (2010), La conspiración (2010), Frozen: el reino de hielo (2013, voz), El francotirador (2014), Glee (2010-2015), Looking (2014-2015), Mindhunter (2018-¿?), Frozen 2 (2019, voz), Hamilton (2020), The Matrix 4 (2021).

Frases: “No dejes que el mundo te defina. En el ámbito de la interpretación, y creo que en cualquier profesión en realidad, la gente está encantada de ponerte en una caja y catalogarte como algo en particular”. ¿Sabías que…? Dada la brevedad de su papel, aprovechaba cuando no estaba en escenario en Hamilton para conocer a los espectaculares visitantes, como Barack Obama.

30 de enero de 1974, Norwich, Norfolk, Inglaterra, Reino Unido.

Altura: 1,70 metros.

Estado civil: Conoció a su marido en la Universidad de Cambridge, en 1993, y se casaron en 2001. La pareja tiene tres hijos, dos niños y una niña.

Apodo: Collie.

Debut profesional: Su madre quería ser bailarina de ballet, pero no lo consiguió, y Colman la tomó como inspiración para intentar ser actriz. Aunque antes, en Cambridge, estudió un tiempo Educación Infantil, pero después de haber debutado a los 16 años en una producción escolar, su futuro iba a estar en el legendario Bristol Old Vic Theatre School, donde se graduó en 1999. Debuta en televisión en 2000 con la serie de sketches Bruiser, pero tendría que esperar a 2005 para debutar en cine con Zemanovaload.

Personajes: Por supuesto ahora es la reina Isabel II en The Crown, pero también fue Ellie Miller en Broadchurch, Angela Burr en El infiltrado, Sophie Chapman en Peep Show, Alex Smallbone en Rev, o Harriet Schulenburg en Green Wing.

Premios: Ganadora del Oscar en 2019 por La favorita. Ganadora de tres Globos de Oro. Filmografía básica: Zemanovaload (2005), Green Wing (2004-2006), Arma fatal (2007), Beautiful People (2008-2009), Redención (2011), La Dama de Hierro (2011), Locke (2013, voz), Rev (2010-2014), Langosta (2015), Peep Show (2003-2015), El infiltrado (2016), Broadchurch (2013-2017), Asesinato en el Orient Express (2017), La favorita (2018), The Crown (2019-2020).

Frases: “Me encanta que es capaz de experimentar toda emoción que existe en el mundo en un intervalo de cinco minutos. Es el sueño de cualquier actor. Es consentida, sufridora, sensible y cruel, todo a la vez” (sobre su papel en La favorita). ¿Sabías que…? Consiguió su primer trabajo delante de las cámaras con 26 años. Trabajaba de limpiadora antes de debutar como actriz.

SERIES DE TV

SERIES DE TV

9-1-1

BATES MOTEL

Temporada 1

Temporada 1

Emisión EE. UU.: 3 de enero de 2018-21 de marzo de 2018, Fox; Reparto: Angela Bassett, Connie Britton, Peter Krause, Aisha Hinds, Kenneth Choi, Oliver Stark, Rockmond Dunbar, Corinne Massiah, Marcanthonee Jon Reis.

Emisión EE. UU.: 18 de marzo-20 de mayo de 2013, A&E; Reparto: Vera Farmiga, Freddie Highmore, Max Thieriot, Olivia Cooke, Nicola Peltz, Nestor Carbonell, Mike Vogel, Keegan Connor Tracy, Jere Burns, Diana Bang, Vincent Gale.

Siempre que hablamos de Ryanb Murphy, o casi siempre, decimos que es uno de los más prolíficos productores, guionistas y directores de televisión, normalmente junto a nombres como Brad Falchuk, su compañero de andanzas en esta serie también. Pero también lo asociamos a productos con un cierto tono en su temática e incluso en lo visual. Las recientes series Hollywood y Ratched son un ejemplo perfecto, o la antología American Horror Story. Por eso sorprendió en cierta medida ver su nombre como creador de un producto como 9-1-1, un procedimental de lo más clásico, con todos los elementos que conforman el género, como son el reparto coral, la resolución de un peligro o caso cada semana, el ritmo frenético… Algo que hemos visto muchas veces, pero a lo que Murphy y su equipo, liderado por el tercer creador de la serie, Tim Minear, quien creció como escritor en las series de Joss Whedon (Angel, Firefly, Dollhouse), antes de colaborar con Murphy y su equipo en múltiples proyectos como American Horror Story, Ratched o esta serie. La premisa es sencilla y vista en muchas ocasiones, pero sigue funcionando como la primera vez. Estamos en la ciudad de Los Ángeles y seguimos a los equipos de primera respuesta en situaciones de emergencias: policías, paramédicos, bomberos y quien atiende las llamadas en el centro de emergencias, quizá la mayor novedad de una serie que se apoya en su espectacularidad, sus personajes arquetípicos (desde el rebelde al líder callado, pasando por la sensación de familia…) y un reparto lleno de estrellas empezando por Bassett y Britton. Aunque por desgracia Connie Britton abandonó la serie tras la primera temporada y fue reemplazada por Jennifer Love Hewitt. La serie se estrenó como reemplazo de mitad de temporada con unas cifras espectaculares en estos tiempos para una cadena network, compitiendo con muchas similares, empezando por la franquicia Chicago. La primera temporada apenas contó con diez episodios y algunas curiosas presencias como Doug Savant o Autumn Reeser. Más rostros conocidos llegarían a la temporada 2 para hacer crecer la serie.

Cuando hablamos de Psicosis estamos hablando de una de las películas más importantes, tanto por calidad como por icónicas, de la historia del cine. Alfred Hitchcock concibió un clásico que se basaba en una novela de Robert Bloch y que sirvió de punto de origen para mucho cine de terror que vendría después. Incluso cambiaría la forma en la que se proyectaban las películas. Y creó escenas totalmente parte de la cultura popular, además de uno de esos personajes que nadie puede olvidar, como es el Norma Bates de Anthony Perkins… Pero ¿qué sucedió para que Norma Bates se convirtiese en quien acabamos conociendo? ¿Quién era realmente, cómo llegó a regentar el motel Bates y a que la situación le llevase a convertirse en un asesino? ¿Y su relación con su madre? ¿Fue detonante o Bates era un psicópata e iba a terminar haciendo lo que hizo en cualquier caso? La serie intenta responder a todas esas preguntas y a alguna más, de la mano de sus responsables, Carlton Cuse, Kerry Ehrin y Anthony Cipriano, quienes crearon la serie. La intención era contar la juventud de Norman y su madre Norma Louise, hasta llegar al momento en el que la película daba inicio, con la llegada de ambos al pequeño pueblo para hacerse cargo del motel y vivir en la casa de la colina, un lugar con sus propios fantasmas y con un ambiente tan opresivo como lo era la educación de la madre sobre su hijo, especialmente cuando tocaba relacionarse con más gente de su edad. Eso sí, la serie trasladaba la historia a la actualidad, lo que hacía mucho más sencilla la producción de la misma. Se construyó una réplica de la casa en Aldergrove, British Columbia, para tener otra de las piezas claves de la serie. La interpretación de Farmiga cautivó a la audiencia y a los críticos, y fue nominada al Emmy por esta primera temporada de apenas diez episodios y una respuesta más que interesante de la audiencia, sobre todo para una cadena como A&E.

SERIES DE TV

SERIES DE TV

THE GREAT Temporada 1 Emisión EE. UU.: 15 de mayo de 2020, Hulu; Reparto: Elle Fanning, Nicholas Hoult, Phoebe Fox, Sacha Dhawan, Charity Wakefield, Gwilym Lee, Adam Godley, Douglas Hodge, Belinda Bromilow, Richard Pyros, Sebastian de Souza.

Tony McNamara es uno de los más reputados guionistas australianos, sobre todo cuando se ha encargado de llevar a la gran pantalla el guion de La favorita, que le supuso una nominación al Oscar junto a su compañera de escritura, Deborah Davis. Aquí el guionista dio un paso más en aquella dirección, la de reflejar hechos históricos con un tono satírico, de comedia negra en muchas ocasiones, y dejar el rigor histórico para otro día. En esta ocasión reflejando la vida de Catalina la Grande y su marido Pedro III de Rusia, desde la llegada de ella a la corte siendo muy joven para contraer matrimonio con él y convertirse en emperatriz. La serie no pretendía en ningún caso ser un documental. McNamara jugaba continuamente con los errores históricos, la presencia de música pop, los anacronismos y un lenguaje que poco tenía que ver con el empleado en la corte del siglo XVIII. De hecho, el propio Pedro tenía elementos de Pedro II también, lo que hacía al personaje más siniestro, menos cercano a la realidad histórica, pero también más sádico, más oscuro, más terrible y más divertido, para qué negarlo. Ambos actores protagonistas demostraban estar ante una de las oportunidades de su vida en la serie, jugando con sus personajes en este enorme ajedrez que era la corte, donde Pedro era el gran enemigo que derrotar. Si es que eso era posible. Al final, la esencia de la primera temporada era el paso de la niñez a la madurez de una joven que llegaba llena de sueños y de ingenuidad, dispuesta a cambiar el mundo, a hacerlo más justo, mejor, y que pronto se dio cuenta de que su propia vida peligraba mientras reinase un loco como su marido, que podía parecer muchas cosas e incluso serlas, pero ante todo no era tonto. Así que el viaje de los diez primeros episodios era el de encontrarse a sí misma con la fuerza necesaria para hacerle frente a Pedro. Evidentemente, el rodaje no tuvo lugar en Rusia, sino en Reino Unido, en el condado de York principalmente.

MOTHERFATHERSON Emisión Reino Unido: 6 de marzo-24 de abril de 2019, BBC Two; Reparto: Richard Gere, Helen McCrory, Elena Anaya, Billy Howle, Pippa Bennett-Warner, Sinèad Cusack, Joseph Mawle, Sarah Lancashire, Ciaran Hinds, Paul Ready, Danny Sapani, Steven Cree.

Richard Gere ha sido una de las estrellas más importantes en Hollywood en los noventa principalmente, pero desde entonces su carrera tomó un giro hacia proyectos más personales, pequeños, alejados de las películas que le dieron fama. Independientes muchas veces y normalmente comprometidos con la forma de ver el mundo del propio actor. Pero siempre, siempre, ligados al mundo del cine. Sí, apareció en la serie documental Freedom. Y puso voz a un episodio de Cosmos. Y nunca había protagonizado una serie de televisión en sus más de 40 años de carrera delante de las cámaras. Por eso se esperaba que MotherFatherSon, la miniserie con la que el actor pasaba a la pequeña pantalla, fuese algo especial. Porque además de ser una miniserie, Gere había decidido que fuese un proyecto británico en lugar de una serie estadounidense donde seguramente le habrán ofrecido papeles en incontables ocasiones. Tom Rob Smith creó este proyecto en el que Gere da vida a un magnate de las comunicaciones, dueño de uno de los periódicos más importantes del mundo, que es parte de una familia desestructurada, con una exmujer que le desprecia y quiere a la vez, y un hijo que intenta ganarse su aprobación en los negocios. Cuando la tragedia ponga a prueba a esta peculiar familia, todo lo que se esconde debajo de la alfombra saldrá a la luz, en una lucha de poder que incluye la política, la sociedad y a cualquiera que pueda alterarla hoy en día. La serie servía para describir a un peculiar grupo de personajes, pero también el mundo moderno, gobernado por el miedo, las noticias falsas, la corrupción y el abandono del pueblo. Una propuesta inteligente e interesante cuyo final nos dejaba más preguntas que respuestas y que además incluía en su reparto a Elena Anaya, dando vida a la nueva mujer del personaje de Gere, un tipo de aspecto encantador y, sin embargo, uno de los hombres más peligrosos del mundo. El personaje de Gere se cree que se basaba en el magnate de Fox Rupert Murdoch.

QUE FUE DE...

QUE FUE DE...

MARY ELIZABETH MASTRANTONIO BIOGRAFIA Nacida el 17 de noviembre de 1958 en Lombard (Illinois), se inició en el cine con una breve aparición en El rey de la comedia (1982) de Martin Scorsese; no obstante, fue su interpretación de Gina, la hermana de Tony Montana (Al Pacino) en la obra de Brian De Palma El precio del poder (1983), la que la lanzó hacia el éxito. Desde entonces no ha parado de trabajar en cine, televisión y vídeo bajo demanda, sin dejar de lado su faceta como cantante plasmada en filmes como El asesino del calendario (1989), en el que trabajó con el que es su esposo, el realizador Pat O’Connor, o Limbo (John Sayles, 1999), así como en varios musicales.

FILMOGRAFIA DESTACADA El color del dinero (Martin Scorsese, 1986), encarnando a Carmen, la novia de Vincent (Tom Cruise). Acción judicial (Michael Apted, 1991), en la que es Maggie, que se enfrenta judicialmente a su progenitor Jedediah Tucker Ward (Gene Hackman). Robin Hood: príncipe de los ladrones (Kevin Reynolds, 1991), donde es lady Marian, el amor de Robin de Locksley (Kevin Costner). El thriller Arenas Blancas (Roger Donaldson, 1992) interpretando a la filántropa (e intermediaria) Lane Bodine.

SU PAPEL MAS DESTACADO El de Lindsey Brigman en Abyss, el secreto (1989), la aventura en las profundidades a cargo de James Cameron, en un complicado y arriesgado rodaje (que el reparto prefiere aún hoy olvidar), puesto que Mastrantonio, como el resto del reparto, ejecutaba en persona las escenas más arriesgadas.

SU ULTIMO TRABAJO El telefilme de Gary Fleder Salamander, así como las series, para el mercado del VOD, The Punisher de Marvel, donde interpreta al alto cargo de la CIA Marion James, y para televisión, Blindspot, con el personaje de Madeline Burke.

QUE FUE DE...

MIMI ROGERS BIOGRAFIA Nacida el 27 de de enero de 1956 en Coral Gables (Florida), con el nombre de Mirian Spickler, es una experta en póker y fue esposa Tom Cruise. Comenzó en la pequeña pantalla a principios de los ochenta en series como Canción triste de Hill Street, Magnum o Muñecas de papel, hasta que gracias a Pisa a fondo (Ron Howard, 1986) y El reportero de la calle 42 (Jerry Schatzberg, 1987) asentó una carrera que continúa tres décadas después, también como productora tanto de cine como de televisión.

FILMOGRAFIA DESTACADA 37 horas desesperadas (Michael Cimino, 1990) en el papel de Nora, la esposa de Tim Cornell (Anthony Hopkins), cuya familia es secuestrada por unos criminales. Peligrosamente unidos (Lewis Teague, 1991), la cinta de ciencia ficción en la que se convierte en Tracy Riggs, una presa unida electrónicamente (mediante un collar explosivo) al ladrón Frank Warren (Rutger Hauer). El despertar de Sharon (Michael Tolkin, 1991), donde da vida a Sharon, que se renovará al encontrar a Dios tras una existencia que no la satisface. El masaje (Nicolas Roeg, 1995), en el papel de Nina, cuya vida cambia con la llegada de un nuevo masajista, Fitch (Bryan Brown).

SU PAPEL MAS DESTACADO El de Claire Gregory, la testigo que ha de proteger el detective Mike Keegan (Tom Berenger), con el que manteniene una aventura que pone en peligro la misión y el matrimonio de este en el thriller romántico La sombra del testigo (Ridley Scott, 1987).

SU ULTIMO TRABAJO Su participación en el drama de Eric Bross Affairs of State, en el thriller What Still Remains de Josh Mendoza, así como en las series NCIS: Los Ángeles, Cómo defender a un asesino o Bosch.

QUE FUE DE...

DOLPH LUNDGREN BIOGRAFIA Nacido el 3 de noviembre de 1957 en Estocolmo (Suecia), tras estudiar Química, gracias a la actriz y cantante Grace Jones se trasladó a vivir a Estados Unidos, donde participó en Panorama para matar (John Glen, 1985), sin dejar de aparecer en distintos filmes desde entonces. Apasionado de artes marciales como el kárate, ha dirigido varias de sus películas y dedica parte de su tiempo a la lucha contra la trata de personas y el consumo de drogas por los jóvenes.

FILMOGRAFIA DESTACADA Masters del Universo (Gary Goddard, 1987), encarnando al superhéroe de Mattel, He-Man. The Punisher: Vengador (Mark Goldblatt, 1988), en la que es el justiciero de la Marvel el Castigador, que busca justicia tras el asesinato de su familia. Soldado Universal (Roland Emmerich, 1992), donde se ocupa de Andrew Scott, la némesis de Luc Deveraux (Jean-Claude Van Damme), ambos militares muertos en Vietnam y resucitados como máquinas para matar.

SU PAPEL MAS DESTACADO El del pétreo boxeador soviético Ivan Drago que se enfrenta a Rocky Balboa (Sylvester Stallone) en Rocky 4 (1985), que –dirigida por el propio Stallone– fue la primera de sus colaboraciones, puesto que han trabajado juntos en las sagas de Los mercenarios y en la renovación de la franquicia de Rocky, Creed.

SU ULTIMO TRABAJO Su papel del rey Nereus en el éxito de DC Aquaman de James Wan, las cintas de acción The Tracker de Giorgio Serafini, Acceleration de Michael Merino y Daniel Zirilli y Hard Night Falling de Giorgio Bruno. Y aparte de ponerse nuevamente a las órdenes de Stallone en la serie The International, estará en la comedia Pups Alone: A Christmas Peril de Alex Merkin y se escuchará su voz en la animada Minions: el origen de Gru de Kyle Balda.

BEN KINGSLEY BIOGRAFIA Nacido el 31 de diciembre de 1943 en Scarborough (Reino Unido) con el nombre de Krishna Pandit Bhanji, lleva en activo desde mediados de los años sesenta, cuando actuó en las series Orlando y Coronation Street, formato que ha alternado con el de cine hasta hoy. Premiado en numerosas ocasiones, está muy implicado en las causas sociales, siendo un colaborador habitual de la Skoll Foundation, que busca la paz y la prosperidad mundial.

FILMOGRAFIA DESTACADA Testimony (Tony Palmer, 1987), biopic del pianista y compositor soviético Dmitri Dmitrievich Shostakovich. Sin pistas (Thom Eberhardt, 1988), en la que encarna al doctor Watson, que es quien en verdad investiga y resuelve casos por medio de Sherlock Holmes (Michael Caine). El tren de Lenin (Damiano Damiani, 1988), un telefilme que relata el regreso de Lenin (Kingsley) a Rusia del exilio para conducir la revolución. La lista de Schindler (Steven Spielberg, 1993), en el papel de Itzhak Stern, que colabora con Oskar Schindler (Liam Neeson) en la salvación de judíos durante el Tercer Reich.

SU PAPEL MAS DESTACADO El de Mahatma Gandhi, líder pacifista contra la ocupación británica de la India en Gandhi (Richard Attenborough, 1982), papel por el que obtuvo el Oscar al Mejor Actor, además de otros como el Globo de Oro o el Bafta, y que le hizo mundialmente famoso.

SU ULTIMO TRABAJO Las series La colina de Watership y Perpetual Grace, LTD, la producción basada en una historia real Rescate en el mar Rojo de Gideon Raff y el thriller de Eran Riklis La trampa de la araña. Y próximamente aparecerá en el nuevo largometraje de Terrence Malick The Last Planet, que traslada a la pantalla parte de la vida de Jesucristo.

Charles Laughton

C H A R L E S L A U G H TO N Heston, que fue rechazado por el director y productor Otto PreminUno de los grandes. Uno de los mejores actores de la historia. ger, que quería para él a Spencer Tracy o, como segunda opción, Un imprescindible en muchos títulos imprescindibles de la historia Charles Laughton. del cine. Y siempre, una fiesta, un circo de tres pistas, un estallido Esta película, una de las mejores sobre la política y las elecciode emociones para el espectador. nes en Estados Unidos, se vio beneficiada en lo referido a realismo y Basta con que el lector repase los trabajos de este actor para verosimilitud por el enfrentamiento que mantenían desde tiempo confirmar todo lo dicho anteriormente. Laughton era infalible. atrás Laughton y el protagonista, Henry Fonda. No se tragaban el Poseía ese talento para brillar incluso en los papeles más inviables uno al otro. El choque entre ambos se remontaba a 1954, año en el o sosos que se le pusieran por delante, e independientemente del que Laughton había dirigido a Fonda en un montaje teatral de la guion o de los diálogos que le tocaran interpretar. Pondré varios obra El motín del Caine , que en el cine protagonizó Humphrey ejemplos.

Bogart. Las malas pulgas de Laughton acabaron crispando a Fonda, La presentación de su personaje en Testigo de cargo (1957), que perdió los papeles y acabó insultándole y burlándose de su película en la que por otra parte él y Marlene Dietrich hacen saltar homosexualidad. chispas bajo la dirección de Seis meses después de Billy Wilder. Laughton fue rodar Tempestad sobre nominado a un Oscar por Washington, el 15 de diciemeste trabajo. Y a un Globo de bre de 1962, Charles LaughOro. Pero fue su esposa, ton murió de un cáncer en la Elsa Lanchester, la que vesícula biliar a sus 63 años. fuera novia de Frankenstein Había nacido el 1 de julio de a las órdenes de James 1899 en el hotel Victoria de Whale en 1935, la que se Scarborough, Yorkshire, ganó un Globo de Oro en la Inglaterra. categoría de Mejor Actriz de Reparto. Se habían casado Villano, antihéroe y el 9 de febrero de 1929 y su matrimonio duró hasta el director momento de la muerte de Laughton, en 1962.

Otro ejemplo esencial Laughton hilarantede su personal aporte a la mente cínico dando vida a riqueza del cine fue La traun sagaz y veterano abogado gedia de la Bounty (1936), en que se salta su convalecenla que dio vida al despótico El caserón de las sombras, película para la que Hollywood fichó a Charles cia para defender a un tipo capitán Bligh (papel que le Laughton cuando fue a Estados Unidos a trabajar en el teatro. que tiene todas las papeleofrecieron primero a tas para ser culpable, interWallace Beery), enfrentado pretado por Tyrone Power al motín de la mayor parte en uno de sus mejores trade su tripulación. En la bajos. ¿Por qué acepta ese misma estaban también caso? Porque es una excusa Franchot Tone, pero el líder para escapar de su carcede los rebeldes en el papel lera. Es un breve pero delide Fletcher Christian era un cioso espectáculo ver a Clark Gable camino de la Laughton cuando se consagración como monarca enfrenta con Lanchester entre los galanes del Hollyinterpretando a la enferwood de la era dorada. mera privada que ejerce Los tres actores fueron como enérgica guardiana de nominados al Oscar como su salud le dieron brillo y Mejor Actor Principal, lo que vida como nunca antes a la llevó a la Academia a instiobra de Agatha Christie en tuir la categoría de Mejor la que se basaba la película, Actor de Reparto para evitar y encontraron en Wilder el esos atascos, pero en esa mejor canalizador de ese ocasión el Oscar fue a parar duelo humorístico que sirve a Victor McLaglen, actor de Los miserables le dio el papel del villano inspector Javert, como pórtico a la intriga de carácter habitualmente confrente a Fredric March como Jean Valjean. la película propiamente finado en los papeles secundicha. darios dentro de la compañía estable de John Ford, en el que fue el Otro actor británico le quitó el premio a Laughton de las mejor papel de su carrera para El delator, un retrato actualizado de manos, Alec Guinness (alias Obi-Wan Kenobi), por su trabajo en El Judas en la Irlanda rebelde de 1922. puente sobre el río Kwai. Laughton y Wilder entendieron que lo que Detalle curioso, para pensar: McLaglen era un actor de les faltaba a todos los sagaces sabuesos creados por Agatha Chriscarácter puntualmente elevado en esa película a rango de protatie para ser mejores era una mayor dosis de cinismo y de humor gonista, con singular eficacia. Laughton se pasó su vida ante las autoparódico aderezando el menú de intriga. cámaras imponiendo su protagonismo sin aparente esfuerzo, La película le proporcionó a Laughton además el premio David incluso cuando ejercía como diamante brillante del elenco en Di Donatello del cine italiano al Mejor Actor Extranjero, y una de sus calidad de actor de reparto. Y del choque con él, galanes como dos nominaciones al Premio Bafta del cine británico. La otra le llegó Power y Gable sacaron adelante sus mejores recursos como por su último trabajo ante las cámaras, Tempestad sobre Washingactores, porque, como puede comprobar cualquier aficionado al ton (1962), otro título clave de su filmografía en el que bordó el percine, Laughton era un motor para encender el talento de todo sonaje del senador Cooley, papel para el que hizo campaña Charlton aquel que le rodeaba.

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C H A R L E S L A U G H TO N ocasiones en la silla del director a él mismo. La primera fue fruto de la casualidad cuando protagonizaba El hombre de la torre Eiffel (1949), donde Laughton dio vida a un personaje icónico de la novela de detectives, el inspector Jules Maigret, creado por el maestro del género George Simenon. Laughton dio un ejemplo de lo difícil que podía ponerse en algunos rodajes y montó su propio motín al estilo del de la Bounty.

Llevaban tres días rodando y exigió que el productor y director inicial, Irving Allen, fuera sustituido por su compañero de reparto Burgess Meredith, mientras él mismo dirigía a Meredith en sus escenas como actor. Le salió bien la jugada, porque la película sin él no tenía mucho sentido. Luego, este primer ejemplo de filme americano dirigido en color en París se consideró una película perdida durante muchos años, porque el propio productor quedó tan insatisfecho con el resultado final (o tan mosqueado porque le sustituyeran como director), que recompró los derechos a la productora RKO para sacarla de la circulación. No obstante, Laughton está muy bien como Maigret, aunque no supera al mejor Maigret del cine, que todavía hoy sigue siendo Jean Gabin en El comisario Maigret, dirigida por Jean Delannoy en 1958.

Su único trabajo como director lo firmó en La noche del cazador (1955), clásico del cine de intriga que se ha convertido en título de culto y pieza esencial e inquietante para Laughton como Quasimodo, el jorobado de Nuestra Señora de Paris, seguirle la pista a la evolución de los personajes de asesinos en Esmeralda la zíngara. en serie en el cine, merced al trabajo de Robert Mitchum a Y eso que habitualmente se le calificaba como actor de humor las órdenes de Charles Laughton. El director puso a funcionar su larga arisco, incluso difícil…, hasta que se zambullía en la creación de su experiencia como actor para dirigir a los dos niños que sirven como personaje, momento en el que lo daba todo y más por construir y dar protagonistas de la historia con astucia. Le gritaba a la niña cuando no vida a lo que proponía el guion. le gustaba su interpretación, pero sin llegar a parar la cámara. De esa Billy Wilder recordaba que cuando rodaron Testigo de cargo, manera captaba las reacciones de miedo y alteración nerviosa de la en la jornada reservada para filmar solo planos de reacción del niña ante sus voces para luego montarlas como reacciones al persojurado y los asistentes al juicio, Laughton se presentó en la filmanaje del predicador interpretado por Mitchum en la película. Como ción aunque no le tocaba estar para leer los diálogos de todos los suele decirse, sabe más el diablo por viejo que por diablo. personajes del jurado fuera de cámara, su papel, el del juez, el del Laughton sabía un rato largo de cómo trabajar delante de las fiscal e incluso el de Marlene Dietrich. cámaras, y eso le permitió meterse en el bolsillo como aliado para la Resultado de esa experiencia con Laughton fue que el gran causa desde el primer momento a Robert Mitchum. A pesar de su Billy Wilder le dedicó uno de los piropos más destacados a sus natural reticencia a hablar de directores y gente con la que había traactores en toda su carrera como director, tal como dejó escrito bajado, Mitchum no dudó en afirmar tiempo después que Laughton era Maurice Zotolow en su libro Billy Wilder en Hollywood. El director de su director favorito entre todos con los que había trabajo, del mismo Testigo de cargo dijo de su protagonista que era la mayor exhibición modo que La noche del cazador era también su película favorita. de artesanía interpretativa que había visto en su vida, y pensaba que Pero el conocimiento de Laughton no se quedaba solo en la Laughton tenía el mayor nivel técnico y poder ante las cámaras de dirección de actores. Otra pieza clave en el equipo creativo de La noche del cazador, el director de fotografía, Stanley Cortez, afirmaba cualquier actor, hombre o mujer, a quien él hubiera conocido. que solo había trabajado con dos directores que le demostraron que Era el resultado del amor que Laughton profesaba a su trabajo realmente habían entendido la luz como algo increíble que no se como actor y a la magia de la creación del cine, que le puso en dos puede describir: Orson Welles, con el que trabajó en El cuarto mandamiento en 1942, y Charles Laughton. Y lo cierto es que en muchos planos de La noche del cazador se respira el mismo talento para explorar el lenguaje y el medio cinematográfico que había animado la filmografía de Orson Welles desde que dirigió esa Capilla Sixtina del cine que es Ciudadano Kane.

Por si todo lo anterior no fuera suficiente como prueba del talento que estallaba en pantalla cada vez que Charles Laughton estaba en plano, bastará con un trío final de ejemplos. El primero lo destaca en el reparto de lujo reclutado para Espartaco (1960), su penúltimo trabajo para el cine. Interpretaba un personaje breve pero contundente, el senador Graco, enemigo político del senador Graco interpretado por Laurence Olivier. Ambos se ocuparon con apenas un par de escenas juntos, de trazar toda una potente subtrama de la película con la política de la República de Roma como tema central expresado en ese duelo que anticipa la primera aparición del Graco de Laughton en forma de busto y alcanzará su momento de máximo interés cuando ambos personajes se cruzan en las termas haciendo del Julio César interpretado por John Gavin un Laughton junto a Clark Gable en La tragedia de la Bounty , pelele manipulado como aliado oportunista. donde dio vida a la mejor versión del capitán Bligh.

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C H A R L E S L A U G H TO N El director de la película, e indiscutible maestro del cine europeo trasladado temporalmente a Estados Unidos, Jean Renoir, siempre había tenido en mente a Laughton para interpretar ese papel del hombre apocado que despierta constituyéndose en un oponente decidido y condenado por su denuncia.

Su único oscar Además en este breve recorrido por las piezas esenciales de la filmografía de Charles Laughton no podía faltar la película con la que consiguió su único Oscar, parca cosecha para la magnitud de su talento y su dedicación al cine. La vida privada de Enrique VIII (1933) le dio a su protagonista la estatuilla de la Academia en la categoría de Mejor Actor Principal, y además se convirtió en un importante factor de empuje para su carrera en Hollywood.

Laughton no estaba presente en la ceremonia y eligió a Leslie Howard, su colega y compatriota, para que recogiera el premio de la Academia, aprovechando que este había sido también nominado como mejor actor por su trabajo en La plaza de Berkeley, en un año donde solo había otro competidor por la estatuilla, Paul Muni por su trabajo en Soy un fugitivo.

La vida privada de Enrique VIII sirve además como Laughton y Robert Mitchum en un momento del rodaje de La noche del cazador , ejemplo de lo mucho que se metía Laughton en sus película que el primero dirigía y el segundo protagonizaba. papeles. Recordando que el rey del título tenía por costumbre morder a sus esposas cuando se enfadaba con ellas, no dudó en No es extraño que uno de los mejores momentos de la película morder él mismo en el brazo, dejándole la marca de sus dientes a sea la salida del relato de Graco-Laughton, cuando tras solucionar Wendy Barrie, que interpretaba el papel de la tercera esposa del el futuro de la mujer de Espartaco y su hijo y poner en orden sus monarca, Jane Seymour. Dicho sea de paso, la realidad también se asuntos, camina hacia el punto de fuga trazado por Kubrick donde, cruzó con la ficción cuando eligieron a la esposa del actor, Elsa Lanal otro lado de la gasa que sirve como frontera visual que separa el chester, para interpretar el personaje de la cuarta esposa de mundo de los vivos del mundo de los muertos, va a cometer suicidio, Enrique, Anna de Cleves. como gesto para mantener su dignidad y gastarle una última mala Dado el éxito de la película, que fue una de las más taquilleras pasada a su oponente político, incluso después de morir. de su año de estreno, no es extraño que Laughton fuera el encarLa dignidad era también el motor de otro de los personajes gado de interpretar nuevamente a Enrique VIII en La reina virgen inolvidables de la galería de héroes y villanos interpretados por (1953), con Jean Simmons interpretando a la hija del monarca, Charles Laughton a lo largo de su dilatada carrera ante las cámaras.

Isabel I, y Stewart Granger dando vida a Thomas Seymour (los dos ya En él definió mejor que nadie la idea del antihéroe. La película era eran matrimonio en la vida real).

Esta tierra es mía (1943), y en el momento en que se rodó y se Educado en el catolicismo estrenó tenía un significado claro, directo y muy real para muchos Charles Laughton era hijo de Eliza Conlon y Robert Laughton, de los que estaban librando la Segunda Guerra Mundial. Aún hoy es matrimonio que cuidaba hoteles. Su madre descendía de irlandeses plenamente válido y actual el discurso final del maestro acobardado y lo educó en el catolicismo, así que después de una primera etapa y enmadrado que interpreta Laughton en el momento de cobrar de formación en la escuela local de su localidad natal fue inscrito en valor suficiente para denunciar la corrupción en la que él mismo ha el prestigioso centro educativo jesuita Stonyhurst College. Sus vivido ante la ocupación de una ciudad por los alemanes. padres estaban convencidos de que al completar sus estudios iba a ganarse la vida en el negocio familiar, pero a esas alturas el hijo ya había caído presa de la seducción de la interpretación. Así que aunque trabajó brevemente en el hotel, aprovechaba todas las oportunidades que le salían al paso para participar en montajes de teatro de aficionados de la zona, aunque sus deseos de estudiar arte dramático se vieron aplazados por el estallido de la Primera Guerra Mundial, en la que Laughton entró en combate, siendo gaseado por el enemigo como integrante del 21 batallón ciclista de Huntingdonshire y el 7 batallón del Regimiento de Northamptonshire.

A su regreso a la vida civil y tras pasar un tiempo trabajando con sus padres, Charles Laughton se estableció en Londres en 1925 y se matriculó en la Royal Academy of Dramatic Art (RADA), debutando profesionalmente sobre los escenarios a finales de abril de 1926 en el Teatro Barnes en un montaje de la obra El inspector general, de Nikolai Gogol. De inmediato ganó buenas críticas con sus trabajos en el teatro clásico, destacando sus interpretaciones en montajes de dos obras de Chejov: El jardín de los cerezos y Las tres hermanas, estableciéndose como una Laughton brilló en uno de sus mejores trabajos en Testigo de cargo , figura de éxito creciente en los escenarios de Londres, en a las órdenes de Billy Wilder.

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C H A R L E S L A U G H TO N El club se hizo con una clientela de celebridades, como los escritores Aldous Huxley y H. G. Wells, quien escribiría los guiones de las tres primeras películas de la actriz, o el director James Whale, que tiempo después le daría a Elsa el papel de novia de Frankenstein. El club cerró a finales de los años veinte cuando ella empezó a trabajar más para el cine y el teatro, y conoció a Charles Laughton en 1927 cuando ambos coincidieron en el montaje de la obra Mr. Prohack. Dos años después de contraer matrimonio descubrió que él era homosexual. Siguió siendo su esposa, pero más allá de los encuentros ante las cámaras con su marido, intentaron mantener carreras profesionales separadas.

La poco convencional y muy independiente y resolutiva Elsa fue un elemento esencial en la vida y la carrera de Laughton, pero además se ganó su propio lugar en Hollywood y llegó a interpretar más de cien papeles ante las cámaras y además tuvo tiempo para escribir dos autobiografías, la primera de las cuales, titulada Charles Laughton y yo, se publicó en 1938. En sus escritos autobiográficos la actriz admitió que quedó embarazada de Laughton pero En el rodaje de Espartaco, junto a Peter Ustinov, Kirk Douglas y Laurence Olivier. abortó.

Tras esos tres primeros cortos protagonizados por los que hizo gala de un talento natural para abordar sus papeles con Lanchester arrancó la filmografía de Charles Laughton en el largouna riqueza de matices y una versatilidad notables. Además, fue el metraje con Wolves (1930), una de las primeras películas sonoras británicas, a la que siguió la también británica Down the River primer actor que interpretó sobre los escenarios de Londres al (1931), otra pionera del sonoro con partes mudas y otras con sonido detective Hércules Poirot creado por Agatha Christie en la obra Alibi en 1928. sincronizado.

Después de estos dos largometrajes el actor viajó a Estados Elsa Lanchester, compañera de camino Unidos para debutar en los escenarios teatrales del otro lado del Laughton debutó en el cine con tres cortometrajes de comedia Atlántico en 1931, y rápidamente fue fichado por Hollywood para The Tonic (1928), Day-Dreams (1928) y Blue Bottles (1928), donde la aparecer en la comedia de terror El caserón de las sombras (1932) y protagonista era Elsa Lanchester. La joven actriz era hija de una en la única película juntos de Gary Cooper y Cary Grant, Entre la espada y la pared (1932), destacando luego como protagonista en pareja de socialistas que no creían en el matrimonio, lo que llevó a Payment Deferred (1932), en la comedia dramática Si yo tuviera un su madre a ser internada en un manicomio por su familia, suceso millón (1932), interpretando al emperador Nerón en El signo de la que llegó a las páginas de la prensa en lo que se conoció como el cruz (1932), dirigida por Cecil B. DeMille, y dando vida al doctor caso del secuestro de Lanchester.

Moreau creado por H. G. Wells en La isla de las almas perdidas A los diez años, Elsa estudiaba ballet clásico en París con la (1932), adaptación de La isla del doctor Moreau. prestigiosa Isadora Duncan, pero la Primera Guerra Mundial la Este potente arranque de su carrera en Estados Unidos junto había obligado a regresar a Inglaterra, donde finalmente acabó ejeral Oscar que ganó por La vida privada de Enrique VIII le garantizaron ciendo como profesora de ballet en una escuela de la isla de Wight.

Más tarde debutó como bailarina de music hall, fundó el Teatro prestigio y continuidad en las tres décadas siguientes, donde junto a Infantil del Soho, en Londres, y en 1924 abrió un club nocturno en las películas ya mencionadas destacaron títulos como Las vírgenes de Wimpole Street (1934), su encarnación del inspector Javert en Londres con su compañero Harold Scott, donde lo mismo interpreLos miserables (1935), su encarnación del célebre pintor en Remtaba fragmentos de Pirandello y Chejov que cantaba temas de brandt (1936), la comedia Callejón sin salida (1938), la intriga Posada cabaret.

Jamaica (1939), dirigida por Alfred Hitchcock, que no quedó contento con el trabajo de Laughton y para la que el actor recomendó como compañera de reparto a su protegida, Maureen O’Hara, a la que había descubierto cuando ella contaba 18 años. De ese modo, contribuyó a lanzar la carrera de esta actriz, con la que volvería a trabajar en Esmeralda la zíngara (1939), con él interpretando al jorobado de Notre Dame en una de sus mejores versiones para el cine.

En la década de los cuarenta destacó en El fantasma de Canterville (1944), El capitán Kidd (1945), película esencial en el cine de piratas, además de otro trabajo con Hitchcock, El proceso Paradine (1947), Arco de triunfo (1948), El reloj asesino (1948), Soborno (1949), dejando para los años cincuenta su papel como el rey Herodes, lo único interesante de la fallida Salomé (1953), y una joya más de su filmografía, El déspota (1954). Además, interpretó al emperador del título en una adaptación de la novela de Robert Graves Yo, Claudio (1937) dirigida por Josef von Sternberg que quedó interrumpida cuando la coprotagonista, Merle Oberon, sufrió un accidente de automóvil.

Frente a Walter Pidgeon en Tempestad sobre Washington , una de las mejores películas de tema político de la historia del cine.

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Miguel Juan Payán

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EL HOMBRE QUE PUDO REINAR

compañero de reparto de Connery), le llevan El trabajo de Huston llevando al cine la FICHA TÉCNICA a desoír los consejos más pragmáticos de su obra de Kipling es una de las mejores muesDirector: John Huston; Intérpretes: Sean Connery, Michael compañero, precipitándolos a ambos a una tras de cómo conseguir que una película sea Caine, Christopher Plummer, Saeed Jaffrey, Larbi Doghmi, situación altamente peligrosa. al mismo tiempo fiel al material original del Karroom Ben Bouih, Jack May, Albert Moses, Paul Antrim, Graham Acres, Shakira Caine; Año de producción: 1975; En ese viaje no es exagerado trazar que parte o en el que se inspira sin por ello Nacionalidad: EE. UU.; Guion: John Huston, Gladys Hill; cierto vínculo entre esta propuesta y otra imperder un ápice de personalidad frente a esa Música: Maurice Jarre; Color; Duración: 129 minutos. prescindible muestra de la literatura sobre el fuente inicial que le sirve como punto de parchoque entre la civilización occidental y las tida para encontrar su propio camino como culturas de las zonas colonizadas, El corazón de las tinieblas, de Jopropuesta en un medio distinto. seph Conrad. El personaje de Dravot, seducido y engañado por la imaNo hace falta pensar mucho para entender que en todo momento gen de sí mismo como descendiente de Alejandro Magno que ha fabriesta épica propuesta de aventuras encaja a la perfección con el estilo cado para dominar a los nativos, tiene puntos en común con el Kurtz de de su director, que convertido en autor vuelve sobre los temas básicos Conrad, que en la traducción al cine de Francis Coppola trasladadada que han marcado su filmografía desde que se puso detrás de las cádel Congo de la novela a la guerra de Vietnam de Apocalypse Now, inmaras tras encontrar sus primeras oportunidades de trabajar para el citerpretado por Marlon Brando. ne como guionista.

Huston había pasado años intentando levantar un proyecto de La peculiar manera en la que Huston convierte la épica en algo adaptación del relato de Kipling. Ya en los años cincuenta y buscando el íntimo, personal e intransferible, y elabora su poesía de la derrota y de respaldo del Hollywood de la época, propenso a montar superproducciolos perdedores en otras películas clave de su filmografía como El tesones épicas de pantalla grande para competir con la creciente competenro de Sierra Madre (1948), Cayo Largo (1948), La jungla de asfalto cia de la televisión, pensó una versión en la que Dravor habría sido in(1950), La reina de África (1951), La burla del diablo (1953), Moby Dick terpretado por Clark Gable (aunque también pensaron en Gary Cooper) y (1956), Solo Dios lo sabe (1957), Las raíces del cielo (1958), Los que Carnahan habría corrido por cuenta de Humphrey Bogart. Al segundo lo no perdonan (1960), Vidas rebeldes (1960), La noche de la iguana conocía desde que le dio el papel del detective Sam Spade en su prime(1964), La horca puede esperar (1969), Fat City, ciudad dorada (1972), ra película como director, El halcón maltés, y al primero iba a darle años o El juez de la horca (1972), enlaza perfectamente con esta alternativa después el mejor papel para despedir su carrera como rey de Hollywood a las historias de heroísmo colonial que el director no presenta con los en Vidas rebeldes. De Bogart sabía, merced a sus anteriores trabajos picarescos personajes interpretados por Sean Connery y Michael Caine con él en El tesoro de Sierra Madre y La Reina de África que podía saen El hombre que pudo reinar. carle todos los matices necesarios como la voz materialista y cínica de Vista la película resulta difícil imaginarse que pueda haber otros dúo de pícaros, mientras que a Gable el papel de iluso que se deja atraactores más adecuados para sacar adelante estos personajes que espar en su propia mentira le encajaba como un guante. tán a medio camino entre la parodia de lo heroico y de la épica, y prácLamentablemente, Bogart murió antes de poder protagonizar la ticamente se construyen a sí mismos como mitos inventándose como película, y antes de que Huston encontrara a un actor adecuado para atrevidos exploradores de la gesta, como tantos otros habitantes de las reemplazarle de un nivel capaz de equilibrar el peso de Gable, este últipelículas del director (un ejemplo, Paul Newman en El juez de la horca). mo también falleció, dejando el proyecto huérfano de estrellas y por Oportunistas y sinvergüenzas, su encanto deriva precisamente de ese tanto en una situación más difícil para conseguir el respaldo de un esintrépido carácter que les convierte en héroes contra pronóstico, dispatudio en la financiación. ratados aventureros cuya cruzada por hacerse ricos los acerca más a Su siguiente intento de montar el proyecto contó con el dúo Burt la idiosincrasia de un Royal Flash, el contradictorio cobarde heroico, Lancaster (Dravot) y Kirk Douglas (Carnahan), y cuando este no salió creado para las parodias de la novela histórica británica por George adelante pasó a una alineación distinta que llegó a contar para esos MacDonald Fraser, alternándose con las marionetas extremas del wésmismos papeles con Richard Burton y Peter O’Toole, e incluso con Rotern mediterráneo, igualmente picarescas, que de las fórmulas más bert Redford y Paul Newman, que habían formado pareja en Dos homprevisibles del héroe aguerrido e intachable manejadas habitualmente bres y un destino y en El golpe, y parecía bastante lógico ficharlos para por las producciones anglosajonas. completar una trilogía de colaboraciones con El hombre que pudo reiEl cuento de Rudyard Kipling que inspira la película, publicado en nar. El lector tiene ahora la oportunidad y el poder para imaginar las 1888, nos sitúa en 1880, año en el que dos suboficiales británicos desversiones a las que habrían dado lugar esos cambios de reparto, pero tinados en la India emprenden viaje para conquistar el reino de Kafirisen todo caso el tándem que finalmente llegó a la pantalla fue sugerentán. Daniel Dravot (Connery) y Peachy Carnehan (Caine), forjan una cia precisamente del propio Paul Newman, que en buena lógica consialianza para atravesar la peligrosa cordillera del Hindu Kush, consiguen deraba que esos personajes no podían ser interpretador más que por un intérprete y se lanzan a organizar un ejército para combatir a las dos actores británicos y sugirió a Connery y Caine como alternativas. bandas de ladrones que pueblan el lugar, convirtiéndose poco a poco Además, Connery y Caine fueron los que se las ingeniaron para en figuras heroicas salvadoras para los nativos, que no dudan en agasajarlos con riquezas. Un símbolo masónico que porta Daniel lleva a la que su compañero Christopher Plummer, encargado de interpretar el paconfusión de los nativos que permite a Daniel presentarse como despel de Kipling a última hora sustituyendo al inicialmente elegido, Richard cendiente del mismísimo Alejandro Magno, momento a partir del cual Burton, o como alternativa Peter O’Toole, no fuera despedido por orden las ambiciones del aventurero, convertido en rey y casado con una nade los productores, que querían prescindir de sus servicios. Connery lletiva del lugar (interpretada por Shakira Caine, esposa en la vida real del gó a amenazar con largarse del proyecto si Plummer no continuaba.

ANN BLYTH (ANNE MARIE BLYTHE) 16 de agosto de 1927, Mount Kisco, Nueva York (EE. UU.)

FILMOGRAFÍA 1944.– De tal palo, tal astilla, Noche triunfal, Babe on Swing Street, Bowery to Broadway; 1945.– Alma en suplicio; 1946.– Swell Guy; 1947.– Fuerza bruta, Killer McCoy; 1948.– Venganza de mujer, Another Part of the Forest, Domador de sirenas; 1949.– Huracán, Top o’ the Morning, Once More My Darling, Free for All; 1950.– Vida de mi vida, Katie Did It; 1951.– El gran Caruso, Tempestad en la cumbre, La princesa de Samarkanda, Hombre de dos mundos; 1952.– Family Theatre: The World’s Greatest Mother (serie televisión), La casa del abuelo, Corea, hora cero; 1953.– Todos los hermanos eran valientes; 1954.– Lux Video Theatre: A Place in the Sun (serie televisión), Rose Marie, El príncipe estudiante; 1955.– El ladrón del rey, Un extraño en el paraíso; 1957.– Slander, The Buster Keaton Story, Para ella un solo hombre; 1959.– June Allyson: Suspected (serie televisión), Caravana (serie televisión); 1960.– The Citadel (película televisión); 1962.– Dick Powell: Savage Sunday (serie televisión); 1963.– Saints and Sinners: The Year Joan Crawford Won the Oscar (serie televisión); 1964.– La dimensión desconocida: Reina del Nilo (serie televisión), El agente Burke: ¿Quién mató a la mamá ganso?, ¿Quién mató a Andy Zygmunt? (serie televisión); 1965.– Enigma: Jungle of Fear (serie televisión); 1967.– Insight: Sinners Incorporated (serie televisión); 1969.– Audacia es el juego: Swingers Only (serie televisión); 1975.– Switch: Mistressses, Murder and Millions (serie televisión); 1979.– Quincy: Murder on Ice (serie televisión); 1983.– Quincy: The Death Challenge; 1985.– Se ha escrito un crimen: Reflections of the Mind (serie televisión).

LO BUENO EN FRASCO PEQUEÑO Una de las divas más bajitas del cine de Hollywood, de solo 1,57 metros de estatura, Ann Blyth, acabó convirtiéndose en una de las estrellas femeninas del cine y el musical estadounidense en los años cuarenta y cincuenta, su era dorada como actriz. En una filmografía donde la línea medular la constituyen títulos del género de aventuras como El mundo en sus manos, Todos los hermanos eran valientes, Huracán, El ladrón del rey o La princesa de Samarkanda, brillan también algunas de sus incursiones en el cine negro, desde su principio de popularidad interpretando el papel de la hija de Joan Crawford en Alma en suplicio, género negro reconvertido al melodrama con cambio de sexo del protagonista original a lo femenino para propiciar el lucimiento de su protagonista, hasta un título clave del género carcelario, Fuerza bruta. En ambas, interpretó Blyth papeles secundarios que sirvieron para marcar su ascenso a papeles más destacados en una filmografía donde también tuvo la oportunidad de acercarse a otros géneros en los que rendía como una auténtica todoterreno, como la comedia, el musical o el drama.

Anne Marie Blythe era descendiente de irlandeses, hija de Harry Blythe y Annie Lynch, que se divorciaron cuando ella era todavía niña.

Eso la llevó a irse a vivir con su madre y su hermana mayor, Dorothy, a la ciudad de Nueva York, donde ambas hermanas fueron educadas en la escuela San Patricio de Manhattan, un centro católico.

Su carrera como actriz empezó en la radio en programas infantiles desde los cinco años y durante seis años. A los nueve años la joven cantante se unió a la Compañía Infantil de Ópera de Nueva York, lo que acabó por conducirla hacia el camino de la interpretación. Debutó en el teatro en el montaje de Broadway de la obra de Lillian Hellman Watch on the Rhine, que interpretó entre 1941 y 1942. Ejercía en ella como la hija de Paul Lukas, y ese primer éxito de su carrera de juventud se prolongó durante 378 funciones, llevándola a ganar prestigio como consecuencia del éxito de estas y de la propia obra, que fue galardonada con el Premio del Círculo de Críticos de Teatro de Nueva York. Precisamente cuando participaba en la gira de esa obra por todo el país, una vez terminadas las representaciones en Broadway, Blyth se convirtió en objetivo de un cazatalentos de la industria del cine y le ofrecieron firmar contrato con Universal Studios.

DE ANNE A ANN Inicialmente, la actriz debutó en los escenarios con el nombre de Anne Blyth, pero cuando comenzó su carrera ante las cámaras suprimió

la e final de su nombre de pila para convertirse en Ann Blyth, y así la conocieron sus seguidores de la pantalla grande.

Su primera película la rodó en 1944, y era una comedia musical protagonizada por Donald O’Connor. Blyth era una adolescente en ese momento, pero su experiencia tras los micrófonos en la radio y su trabajo en los escenarios, además de su formación en la Manhattan’s Professional Children School la habían preparado sobradamente para abrirse paso con solvencia en esa nueva carrera como actriz en el cine.

Su experiencia cinematográfica la llevó a forjarse en papeles de serie B, hasta que otro estudio, Warner Bros., le proporcionó el papel de paso a empeños más serios con su trabajo en Alma en suplicio, interpretando a una mujer fatal de cine negro con la particularidad de interpretar a la hija perversa del personaje encarnado por Joan Crawford.

En el cara a cara con la diva del melodrama, la joven Blyth no pestañeó y mantuvo el tipo ganándose el aplauso de crítica y público, tras el cual vinieron rápidamente encargos más interesantes. Era lo lógico, teniendo en cuenta que con ese papel había conseguido ser nominada al Oscar como Mejor Actriz de Reparto, un premio que finalmente ganó Anne Revere por Fuego de juventud, posiblemente en parte porque Joan Crawford se llevó el Oscar a la Mejor Actriz principal por Alma en suplicio. Una lástima, porque fue la única ocasión en la que Blyth tuvo la oportunidad de ganar uno de los premios importantes del medio. Los galardones se le resistieron a partir de ese momento.

Su premio consistió en que no le faltaron ofertas de trabajo, y la propia Warner Bros. volvió a reclamarla para que volviera a encontrarse con Zachary Scott, su compañero de reparto en Alma en suplicio, en otra propuesta de cine negro, Danger Signal, pero durante el rodaje Ann sufrió un accidente en un trineo durante un breve paréntesis vacacional, y tuvo que ser reemplazada en el que habría sido su primer papel protagonista por Faye Emerson.

El accidente estuvo a punto de frenar fatalmente su carrera y Blyth tuvo que someterse a más de un año y medio de reposo y terapia, además de llevar una prótesis. Eso no impidió que Universal intentara mantenerla en activo como estrella promesa dándole un pequeño papel que podía interpretar en silla de ruedas en Fuerza bruta.

Una vez recuperada de ese largo proceso de recuperación que estuvo cerca de truncar su carrera tuvo su primer papel como protagonista en un drama Swell Guy, y siguió en ese mismo género, llegando a protagonizar incluso una precuela de La loba, interpretando una versión más joven del personaje que le había proporcionado a Bette Davis una nominación al Oscar como Mejor Actriz. Luego pasó a la comedia interpretando a una sirena en la comedia Domador de sirenas, junto a William Powell, pero sus aportaciones más interesantes llegarían en los años cincuenta, añadiendo a los títulos del género de aventuras citados más arriba un papel dramático como acusada de asesinato en Tempestad en la cumbre, el biopic operístico El gran Caruso, donde fue el sostén como actriz de Mario Lanza, y comenzando sus incursiones en el musical bajo el sello Metro Goldwyn Mayer, con el que firmó contrato hasta 1956 tras poner fin a su etapa en Universal, dando vida a una condesa rusa en el clásico del género de aventuras El mundo en sus manos, donde formó su mejor pareja cinematográfica con Gregory Peck.

Al margen del cine, Blyth desarrolló una carrera paralela en los escenarios como estrella de musicales y en los años sesenta se prodigó en producciones para la televisión, tanto en series como en películas producidas para la pequeña pantalla. Su trabajo como soprano lírica la llevaría a destacar también en conciertos y en los escenarios de funciones de verano, representando musicales como Sonrisas y lágrimas, El rey y yo, Carnaval, Magnolia o Al sur del Pacífico.

Su vida sentimenal no dio mucho contenido a las páginas de las revistas de chismes y anécdotas. Se casó en una ocasión, con el doctor James McNulty, hermano del tenor irlandés Dennis Day. Contrajeron matrimonio el 27 de junio de 1953 y estuvieron casados hasta que él falleció dejándola viuda el 13 de mayo de 2007. Fruto de ese matrimonio fueron cinco hijos, que la llevaron a poner por delante de su carrera como actriz a su familia. Su hijo Timothy Patrick nació el 10 de junio de 1954. Su hija Maureen Ann vino al mundo el 14 de diciembre de 19455. Luego tuvo a su hija Kathleen Mary, en diciembre de 1957. Su cuarto hijo fue Terence Grady, nacido el 9 de diciembre de 1960. Su última hija fue Eileen Alana, nacida el 10 de abril de 1963. Políticamente, siempre fue respaldo del partido republicano.

LAS HIJAS DEL REICH

EL HALLOWEEN DE HUBIE

(Six Minutes to Midnight)

(Hubie Halloween) EE UU, 2020; Dirección: Steven Brill; Producción: Allen Covert, Kevin Grady y Adam Sandler; Fotografía: Seamus Tierney; Guion: Tim Herlihy y Adam Sandler; Música: Rupert Gregson-Williams; Intérpretes: Adam Sandler (Hubie Dubois), Kevin James (Sgt. Steve Downey), Julie Bowen (Violet Valentine), Ray Liotta (Mr. Landolfa); Duración: 102 min.; Estreno en Netflix: 7-10-2020

Reino Unido, 2020; Dirección: Andy Goddard; Producción: Andy Evans, Sean Marley y Ade Shannon; Fotografía: Chris Seager; Guion: Andy Goddard, Eddie Izzard y Celyn Jones; Música: Marc Streitenfeld; Intérpretes: Judi Dench (Miss Rocholl), James D'Arcy (Captain Drey), Jim Broadbent (Charlie), Eddie Izzard (Thomas Miller); Duración: 99 min.; Estreno en España: 16-10-2020; Distribuye: DeAPlanet

SINOPSIS Hubie es un tipo afable y algo corto de entendederas, que vive en la ciudad de Salem, donde cada Halloween, pese a ser terriblemente asustadizo, intenta mantener a salvo a todo el mundo de cualquier peligro. Pero este Halloween, alguien va a hacer que la noche sea terriblemente peligrosa.

SINOPSIS El verano previo al inicio de la Segunda Guerra Mundial, un grupo de jóvenes hijas de los máximos responsables nazis estudian en una escuela remota británica, a la que llega un misterioso profesor de Literatura para sustituir al anterior, que ha desaparecido.

PARA RECORDAR Está construida total y completamente para los fans de Adam Sandler, especialmente si les ha gustado su etapa de Netflix. Es chabacana y vulgar, que es lo que buscan. La comedia física es efectiva y hay momentos para que se desarrolle un humor menos zafio y más malintencionado. Hay un par de chistes con un gato que son maravillosos, y en esa línea hay alguno más.

Sandler conoce el papel de memoria, y hay suficientes estrellas en la película para encontrarla entretenida. Los homenajes cinéfilos son muy simpáticos.

PARA RECORDAR Hay un esfuerzo por contar una historia con aroma de cine clásico por parte del director, Andy Goddard, quien viene de la televisión, donde ha brillado más de lo que lo hace con esta película. El reparto es simplemente espectacular, con un par de nombres memorables como Eddie Izzard, coguionista de la historia, James D’Arcy, Jim Broadbent o, especialmente, Judi Dench. La primera etapa de la película es muy interesante y te engancha. Pero no es capaz de mantener ese ritmo ni ese tono.

PARA OLVIDAR Es más de lo mismo, aunque cambie la localización de otras películas por una suerte de comedia de terror. No introduce elementos nuevos, no hay nada que la diferencie realmente de otras producciones de Adam Sandler. Los chistes escatológicos no hacen gracia, y desaprovechar como lo hace a Julie Bowen es terrible en una comedia (recuerden a la actriz en Modern Family). Pero además de todo eso y su dirección sin mucha personalidad, tenemos un guion que contiene seis o siete historias individuales que nunca son desarrolladas, ni siquiera la del protagonista, haciendo el resultado final confuso, de desarrollo lento y mediocre. Piensen que dura 103 minutos y 13 son de créditos…

PARA OLVIDAR No importa lo brillante que sea tu reparto, ni el buen trabajo que haga tu director en casi cada plano. Si el guion no acompaña, el resultado puede ser catastrófico. Y termina siéndolo a partir de los primeros cuarenta minutos, cuando el interés se termina y la historia entra en el nudo con momentos realmente ridículos. Desde un tono añejo de película patriótica para levantar la moral en plena guerra, a momentos verdaderamente terribles que recuerdan a un sketch de El show de Benny Hill, como la escena en el muelle, o las múltiples carreras a ninguna parte. Mención especial a ideas que plantea y nunca desarrolla (la seducción…), que hacen que los personajes sean más planos de lo necesario. El guion es muy flojo.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Las comedias de Sandler y su gente, como El aguador, The Ridiculous 6, Jack y su gemela…

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Ese cine de la época para animar a la población, y películas como Red Joan.

EN CONCLUSIÓN Destinada a los fans del actor, guionista y productor Adam Sandler, que disfrutarán de su peculiar humor. J.U.

EN CONCLUSIÓN Un guion muy, muy flojo, lastra una historia que tenía potencial y reparto para ser mucho mejor. J.U.

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CLOUDS

REBECA

EE UU, 2020; Dirección: Justin Baldoni; Producción: Justin Baldoni, Casey La Scala y Andrew Lazar; Fotografía: Ben Kutchins; Guion: Kara Holden, Casey La Scala y Patrick Kopka; Música: Brian Tyler; Intérpretes: Fin Argus (Zach Sobiech), Neve Campbell (Laura Sobiech), Sabrina Carpenter (Sammy Brown), Madison Iseman (Amy Adamle); Duración: 121 min.; Estreno en Disney+: 16-10-2020

(Rebecca)

SINOPSIS Zach Sobiech, un joven con un don excepcional para la música, padece un extraño cáncer de huesos contra el que lucha en su último año de instituto y, desgraciadamente, de vida.

PARA RECORDAR Clouds es la adaptación del libro Fly a Little Higher: How God Answered a Mom’s Small Prayer in a Big Way de Laura Sobiech, y al igual que este, encierra un mensaje de esperanza, fe y victoria frente a la adversidad. Al contrario de lo que ocurría en Stargirl, la película no está trufada de tópicos adolescentes y es más madura y terroríficamente real para todos aquellos que hayan mirado al cáncer a los ojos. Para conseguirlo, el director hace de Zach un adolescente con el que nos podemos identificar y nos contagia sus ganas de vivir sin necesidad de echar mano cada dos por tres de canciones y números musicales, sino simplemente a partir de pequeñas acciones del día a día que ganan fuerza gracias al gran trabajo interpretativo de Fin Argus. Baldoni retrata a la familia sin necesidad de estereotiparla ni llevar a cabo subrayados dramáticos, ya que la película no se nutre de ellos, sino de pequeños conflictos que ayudan a construir a los personajes, como una discusión entre los padres por un regalo o la de dos hermanos por el mando de la televisión. Ahí es donde la película crece, en los momentos más íntimos.

PARA OLVIDAR Puede llegar a ser demasiado dura para el público juvenil, que quizá esperaba que la música estuviera más presente. La grabación del tema de Clouds y el fulgurante éxito musical no aparecen hasta bien avanzada la película, cuando es el elemento que la distingue de otras historias de personas que se enfrentan a graves enfermedades. Por lo tanto, el énfasis que hace el director en el cáncer durante la primera mitad le acaba pasando factura al metraje.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… A dos metros de ti, la anterior película del director.

Reino Unido y EE UU, 2020; Dirección: Ben Wheatley; Producción: Raphaël Benoliel, Tim Bevan y Eric Fellner; Fotografía: Laurie Rose; Guion: Jane Goldman, Joe Shrapnel y Anna Waterhouse; Música: Clint Mansell; Intérpretes: Lily James (Mrs. de Winter), Armie Hammer (Maxim de Winter), Kristin Scott Thomas (Mrs. Danvers), Keeley Hawes (Beatrice); Duración: 121 min.; Estreno en Netflix: 21-102020

SINOPSIS Tras conocerse en la costa de Francia, una joven humilde y un rico viudo se enamoran y se casan, regresando a Manderley, la enorme propiedad familiar. Allí, la joven descubrirá que la presencia de la fallecida primera esposa, Rebeca, es más poderosa e incluso peligrosa, de lo que imaginaba.

PARA RECORDAR Nos temíamos que pasase algo así, y no andábamos muy desencaminados. Rebeca, la nueva adaptación de la novela de Daphne du Maurier ha llegado a Netflix sufriendo la lógica comparación con la película que adaptó por primera vez el texto, la de Alfred Hitchcock de 1940. En su defensa podemos hablar de un prometedor arranque que aprovecha los decorados naturales, una luz crepuscular y cierta química en el reparto, además del trabajo de las actrices, Lilly James y, especialmente Kristin Scott Thomas.

PARA OLVIDAR No podemos decir lo mismo del reparto masculino. Sam Riley falla, ciertamente, pero peor le va a Armie Hammer, especialmente inexpresivo, sobre todo al compararlo con el simplemente portentoso Laurence Olivier de la versión de 1940 (vean cuando ambos cuentan la historia de Rebeca). Y si lo comparamos es porque pese a todo lo dicho, la película de 2020 se emborracha imitando la versión de Hitchcock, a veces plano por plano, algo que sorprende de un director tan interesante como Ben Wheatley, que nunca le aplica la personalidad necesaria a un proyecto así para que tenga identidad propia. Fíjense en la fotografía o en el ritmo que decae hacia el telefilme cada vez más. Faltan la fantasmal bruma de Manderley, las luces y sombras…, la magia, el horror y el suspense.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Las adaptaciones televisivas de la historia.

EN CONCLUSIÓN Clouds es un satisfactorio añadido al catálogo de Disney +, aunque la compañía ya nos haya contado esta historia antes. A.G.

EN CONCLUSIÓN Mediocre adaptación que tenía que haberse alejado mucho más de la película de Hitchcock. J.U.

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EL SECRETO. ATRÉVETE A SOÑAR

LA VOZ HUMANA

(The Secret: Dare to Dream)

España, 2020; Dirección: Pedro Almodóvar; Producción: Agustín Almodóvar y Esther García; Fotografía: José Luis Alcaine; Guion: Pedro Almodóvar y Jean Cocteau; Música: Alberto Iglesias; Intérpretes: Tilda Swinton (Woman), Agustín Almodóvar, Miguel Almodóvar, Pablo Almodóvar; Duración: 30 min.; Estreno en España: 21-10-2020; Distribuye: Sony

SINOPSIS Basada en la obra de Jean Cocteau, la historia sigue a una mujer que acaba de ser abandonada por su pareja y espera que esta regrese a recoger sus pertenencias, ya preparadas, y a su perro, que también sigue en el apartamento que ambos compartieron.

PARA RECORDAR Pedro Almodóvar vuelve tras el éxito de Dolor y gloria con un cortometraje de media hora en el que explora el final de una relación a través de la mirada de su protagonista. Pero no explora solo una historia romántica que ha terminado, sino la fachada que cubre cualquier historia, cualquier vida, la nuestra propia, y lo hace aprovechando el metalenguaje y una mezcla de realidad y ficción de la que conviene no contar demasiado hasta que la audiencia la disfrute y se sorprenda con ella. Pero es una brillante y excelente forma de contar una historia en torno a esos elementos, verdad y mentira, realidad y ficción. La máscara que portamos frente a otros. Cómo usa el color, la fotografía o la música son elementos que deberían estudiarse en las escuelas de cine, con homenajes literarios y cinematográficos, unos obvios, otros menos evidentes. Pero nada de eso serviría sin la presencia portentosa de Tilda Swinton, que llena la pantalla con sus miradas, sus gestos y su voz, que nos cuenta la historia sin contarla directamente. La actriz es maravillosa y está soberbia.

PARA OLVIDAR Que no dure algo más es su mayor pero. Porque la historia te deja con ganas de más y se detiene antes de acabar.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… El cine de Almodóvar, pero además tiene detalles del propio Cocteau, la nouvelle vague e incluso Bergman.

EN CONCLUSIÓN Cortometraje o no, es cine de gran calidad. Una muestra más del enorme talento de Almodóvar. J.U. #####

EE UU, 2020; Dirección: Andy Tennant; Producción: Rhonda Byrne, Robert W. Cort y Joe Gelchion; Fotografía: Andrew Dunn; Guion: Bekah Brunstetter, Rhonda Byrne y Andy Tennant; Música: George Fenton; Intérpretes: Katie Holmes (Miranda Wells), Josh Lucas (Bray), Celia Weston (Bobby), Jerry O'Connell (Tucker); Duración: 107 min.; Estreno en EE UU: 31-7-2020; Estreno en España: 23-102020; Distribuye: Vértigo

SINOPSIS Miranda Wells (Katie Holmes) es una joven madre, viuda desde hace cinco años. La mujer intenta sacar adelante a sus tres hijos, pero las deudas son cada vez mayores. Un día, mientras se avecina una temible tormenta, llega a la ciudad un hombre llamado Bray Johnson (Josh Lucas), quien porta un misterioso sobre destinado a la esforzada Miranda.

PARA RECORDAR La sensación de buen estado general que transmiten los personajes de la película. Pese a que el argumento apunta a un momento de zozobra emocional, este no se muestra de manera trágica ni turbulenta.

Bajo semejante fórmula de complacencia voluntaria, el cineasta Andy Tennant aprovecha los excelentes paisajes de Nueva Orleans.

PARA OLVIDAR La escasa credibilidad de la historia. Cada situación resulta un tanto artificial, y los protagonistas parecen de cartón piedra, como sacados de un molde empeñado en no perturbar la realidad que escenifican. Esto provoca, por ejemplo, que la relación amorosa entre Miranda y Bray no alcance el nivel de apasionamiento adecuado, y que las interpretaciones de Katie Holmes y Josh Lucas queden hundidas en tierra de nadie.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… El tono encaja a la perfección con el subgénero de comedias románticas, con el sello estadounidense de la felicidad medioambiental como norma rectora. Un esquema coincidente con títulos de la naturaleza de Una vida en tres días y Un lugar donde refugiarse.

EN CONCLUSIÓN Andy Tennant firma una cinta artesanal, concebida para ilustrar el best seller escrito por Rhonda Byrne. Todo transmite paz y armonía a lo largo del metraje de esta obra de colores saturados, en la que la resiliencia parece ser el componente humano que mejor se adapta a la trama que exhibe los sentimientos de Miranda Wells. J.M. #####

BILL Y TED SALVAN EL UNIVERSO ON THE ROCKS

(Bill & Ted Face the Music)

EE UU, 2020; Dirección: Sofia Coppola; Producción: Sofia Coppola y Youree Henley; Fotografía: Philippe Le Sourd; Guion: Sofia Coppola; Música: Phoenix; Intérpretes: Bill Murray (Felix), Rashida Jones (Laura), Marlon Wayans (Dean), Jessica Henwick (Fiona); Duración: 96 min.; Estreno en Apple: 23-10-2020

EE UU, Canadá e Italia, 2020; Dirección: Dean Parisot; Producción: David Haring, Scott Kroopf y Alex Lebovici; Fotografía: Shelly Johnson; Guion: Chris Matheson y Ed Solomon; Música: Mark Isham; Intérpretes: Keanu Reeves (Ted), Alex Winter (Bill), Kristen Schaal (Kelly), Samara Weaving (Thea); Duración: 91 min.; Estreno en VOD: 28-8-2020

SINOPSIS Una mujer que vive con su familia en Nueva York, comienza a sospechar que su marido podría tener una aventura con una compañera de trabajo, algo que se ve alimentado por las locas ideas de su padre, un playboy incorregible que parece no tomarse nada en serio.

SINOPSIS Incapaces de componer la canción que unirá a la humanidad y salvará el futuro de la Tierra, Bill y Ted se enfrentan a un terrible ultimátum.

Tienen poco más de una hora para conseguir componerla, aunque en esta ocasión sus hijas estarán ahí para ayudarlos…

PARA RECORDAR Sofia Coppola está de vuelta con una historia original, de la mano de Apple y A24, para contarnos una historia que todos hemos visto alguna que otra vez en la pequeña y gran pantalla, pero con su personal sello y su inconfundible estilo. Con ese bisturí que tiene para revisar las relaciones entre personas, que no personajes, y comprenderlos mejor que casi nadie. Y además con otra vuelta de tuerca a las relaciones paternofiliales, con ese padre que intenta, con la idea más grotesca posible, reconectar con una hija a la que siente que ha fallado, pero es incapaz de expresarlo. Es incapaz de hacerlo sin bromear. Nada es lo suficientemente serio para este playboy que conoce a todo el mundo, pero al que nadie conoce realmente. Bill Murray y Rashida Jones bordan sus papeles y se mueven como pez en el agua en la historia y sus personajes, el alma de esta. Nombres como Jenny Slate o Jessica Henwick aportan más talento. Pero sorprende sobre todo un Marlon Wayans lejos de su habitual humor zafio en uno de sus mejores trabajos. La mezcla de humor y drama es magnífica.

PARA RECORDAR La personalidad de Keanu Reeves y Alex Winter para sacar adelante los papeles de Bill y Ted sigue funcionando como un reloj. Los dos actores saben perfectamente cómo representar esta versión madura de aquellos dos jóvenes que a finales de los ochenta e inicios de los noventa se hicieron un hueco en la taquilla con su ciencia ficción bizarra, sus viajes en el tiempo, su humor bobalicón y efectivo, y su gusto por la música. Y todo eso está de vuelta, solo que más grande y con más medios, además de con dos jóvenes actrices, Samara Weaving y Brigette Lundy-Paine, quienes dan vida a sus hijas con una energía maravillosa. El humor de la película sigue teniendo momentos simplemente descacharrantes, como los encuentros con las versiones futuras de los personajes, la visita al infierno, o ese peculiar robot del futuro.

PARA OLVIDAR Quizá es una historia que hemos visto muchas veces y no sorprende.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Es cien por cien Sofia Coppola, y parece una evolución de Lost in Translation o, sobre todo, Somewhere.

EN CONCLUSIÓN Muy buen retrato de dos personajes alejados por la vida y unidos por un imposible viaje. Recomendable. J.U. #####

PARA OLVIDAR A veces se pasa de tontorrona y bobalicona, haciendo que nos quedemos mirando la pantalla con incredulidad ante lo que acabamos de ver. Se cree más graciosa de lo que es, y hay un límite en el número de veces que podemos oír a dos adultos cincuentones decir awsome sin que resulte cargante…

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… El humor de las dos entregas iniciales, por supuesto, y de películas como Cabezas huecas, que salió a la sombra de estas dos.

EN CONCLUSIÓN Divertida, correcta, entretenida, pero al final sin nada realmente especial, más allá de los protagonistas y sus hijas. J.U. #####

EMMA

JÓVENES Y BRUJAS (The Craft: Legacy) EE UU y Canadá, 2020; Dirección: Zoe Lister-Jones; Producción: Jason Blum, Lucy Fisher y Douglas Wick; Fotografía: Hillary Spera; Guion: Zoe Lister-Jones y Peter Filardi; Música: Heather Christian; Intérpretes: Cailee Spaeny (Lily), Zoey Luna (Lourdes), Gideon Adlon (Frankie), Lovie Simone (Tabby); Duración: 97 min.; Estreno en EE UU: 28-10-2020; Estreno en España: 30-10-2020; Distribuye: Sony

SINOPSIS Lily (Cailee Spaeny) viaja con su madre Helen (Michelle Monaghan) hacia la casa del prometido de esta: un extraño y afable hombre, llamado Adam (David Duchovny). La chica no se siente muy bien con su nueva vida, pero se resigna por la felicidad de su progenitora. Al ir a su nuevo instituto, Lily conoce a tres compañeras que practican la brujería. La unión al grupo de la protagonista hará que todo cambie drásticamente en su entorno.

PARA RECORDAR Zoe Lister-Jones mantiene la línea narrativa en unos márgenes muy parecidos a los esgrimidos por Andrew Fleming, en el filme original de 1996. Esto hace que los seguidores de la anterior película se puedan sentir identificados con los personajes principales de esta.

PARA OLVIDAR La sensación de que se trata de un producto desinflado en sus pretensiones terroríficas. La voluntad de Jones parece situar su obra más en la estela de Crespúsculo, que en la onda de provocar sustos, o una razonable espectacularidad en cuanto a los efectos visuales. A esto se suma un guion carente de situaciones meramente perturbadoras.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Esta mixtura entre secuela y reboot se acerca más a una descolorida traslación a la pantalla grande de la serie Embrujadas, que a la entretenida y enérgica película de mediados de los noventa.

EN CONCLUSIÓN Zoe Lister-Jones no consigue levantar un filme escasamente inspirado, aunque sí entretenido. No obstante, el largometraje guarda algunos ases entre sus escenas. Uno de ellos es el del cameo de Fairuza Balk (quien vuelve a encarnar a la siniestra y agresiva Nancy Downs). El otro se basa en la participación de David Duchovny (el conocido agente Mulder, de Expediente X, cambia ampliamente de registro). J.M. #####

Reino Unido, 2020; Dirección: Autumn de Wilde; Producción: Tim Bevan, Graham Broadbent y Peter Czernin; Fotografía: Christopher Blauvelt; Guion: Eleanor Catton y Jane Austen; Música: David Schweitzer e Isobel Waller-Bridge; Intérpretes: Anya Taylor-Joy (Emma Woodhouse), Angus Imrie (Bartholomew), Letty Thomas (Biddy), Gemma Whelan (Miss Taylor / Mrs. Weston); Duración: 124 min.; Estreno en Reino Unido: 14-2-2020; Estreno en España: 30-10-2020; Distribuye: Universal.

SINOPSIS La joven Emma se dedica a interferir continuamente en la vida romántica de aquellos que la rodean, sin importar sus sentimientos y sin tener mucho cuidado de su propia vida sentimental. Basada en la novela de Jane Austen.

PARA RECORDAR Conseguir que una nueva adaptación de Emma sea una producción interesante es, como poco, complicado. Hay que saber interesar a una audiencia que conoce a los personajes no solo de la novela, sino de incontables adaptaciones a varios medios. Por eso sorprende el cuidado trabajo de guion, conciso, ácido, divertido y perfectamente extrapolable a la actualidad, que nos ofrece la guionista Eleanor Catton. Claro que para sustentar sus palabras tiene a Anya Taylor-Joy demostrando por qué es una de las actrices jóvenes con más talento en la actualidad. Puro nervio, energía y encanto. Sabe hacer que sintamos empatía por un personaje… cuestionable, pero divertidísimo. Bill Nighy, Miranda Hart, Rupert Graves, Mia Goth o Myra McFadyen son perfectos complementos, pero la reina sigue siendo la joven actriz. La dirección es contenida, elegante, preciosista y con vigor. Es muy divertida y tiene un ritmo magnífico que hace que sus dos horas de metraje pasen volando.

PARA OLVIDAR Se nota la economía de medios y recursos, más cerca a veces de la televisión que del cine. Johnny Flynn no transmite la química necesaria a su personaje.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Algunas de las mejores adaptaciones de Jane Austen o del cine británico de época. La Emma de Gwyneth Paltrow, Sentido y sensibilidad, Orgullo y prejuicio… Está a un nivel muy elevado.

EN CONCLUSIÓN Buena adaptación y muy buena película. Cine de época, con un material original magnífico y una excelente forma de llevarlo a la pantalla, gracias en gran medida al talento de su actriz protagonista. J.U. #####

ÉRASE UNA VEZ...

LAS BRUJAS (DE ROALD DAHL)

(Come Away)

(The Witches)

Reino Unido y EE UU, 2020; Dirección: Brenda Chapman; Producción: Leesa Kahn, Andrea Keir y David Oyelowo; Fotografía: Jules O'Loughlin; Guion: J.M. Barrie, Lewis Carroll y Marissa Kate Goodhill; Música: John Debney; Intérpretes: Angelina Jolie (Rose Littleton), Gugu Mbatha-Raw (Adult Alice Littleton), Michael Caine (Charlie), Derek Jacobi (Mr. Brown); Duración: 94 min.; Estreno en Reino Unido: 4-12-2020; Estreno en España: 13-11-2020; Distribuye: DeAPlaneta

EE UU y México, 2020; Dirección: Robert Zemeckis; Producción: Alfonso Cuarón, Guillermo del Toro y Robert Zemeckis; Fotografía: Don Burgess; Guion: Robert Zemeckis, Kenya Barris y Guillermo del Toro; basado en el libro de Roald Dahl; Música: Alan Silvestri; Intérpretes: Anne Hathaway (Grand High Witch), Octavia Spencer (Grandma), Chris Rock (Older Hero Mouse), Stanley Tucci (Mr Stringer); Duración: 106 min.; Estreno en EE UU: 22-10-2020; Estreno en España: 30-10-2020; Distribuye: Warner Bros

SINOPSIS Tras la muerte en un accidente de su hermano mayor, Alice y Peter deberán intentar rescatar a sus padres de la espiral autodestructiva en la que se han metido, o quizá alejarse de ellos y viajar a Nunca Jamás y el País de las Maravillas para tener una vida de cuento.

SINOPSIS Tras mudarse con su abuela al fallecer sus padres, un niño descubre que las brujas, terribles seres malignos, existen, lo que le lleva a intentar esconderse de ellas en un lujoso hotel en la costa de Alabama, sin adivinar lo que está por venir.

PARA RECORDAR Una película que pretende contar el origen de Alice y Peter Pan tiene dos opciones, optar por lo obvio y convertirse en una réplica sin sentido, o dar un paso al frente y contar la historia en sus propios términos, jugando con quiénes serían ambos si fuesen hermanos y si la tragedia definiese quiénes llegarán o podrían llegar a ser. La película, para bien o para mal, da ese paso al frente y juega con la realidad y la fantasía, sin dejar claro hasta el final si realmente es una cosa o la otra. Hay un reparto de grandes nombres en la película, empezando por Angelina Jolie y David Oyelowo, los padres. Pero además están Michael Caine, Gugu Mbatha-Raw o Derek Jacobi.

Los jóvenes actores protagonistas tienen mucho potencial y saben llevar la película. La historia es entretenida para grandes y mayores.

PARA RECORDAR Siendo como es una nueva adaptación del libro de Roald Dahl, no cabe duda de que muchos la compararán, evidentemente, con la otra adaptación del libro, La maldición de las brujas, de 1990. Aquí se mantiene casi toda la trama y aspectos de aquella, cambiando las marionetas y el maquillaje por CGI muy efectivo. Octavia Spencer y Stanley Tucci brillan sin problemas y aportan el tono idóneo para el relato. Sin ser una de las películas más importantes de Robert Zemeckis su mano experta eleva la película visualmente sobre la otra adaptación. La mano de Guillermo del Toro, guionista y productor aquí, se nota en elementos como las bocas de las brujas. El final es magnífico, como lo son algunos elementos que producen auténtica inquietud.

PARA OLVIDAR Muchos de los grandes nombres del reparto solo aparecen en brevísimos papeles, casi cameos, por lo que no podemos disfrutar de ellos lo suficiente. La historia tarda muchísimo en arrancar, por lo que se ralentiza el desarrollo, y cuando llega la parte más interesante, el relato de Peter Pan tiene mucho más peso e interés. De hecho, el de Alice podía ser eliminado sin notarse mucho.

PARA OLVIDAR Sin olvidar que es una gran actriz, Anne Hathaway no es Anjelica Huston. La película elimina el maravilloso prólogo de la anterior y lo cambio por algo mucho menos terrible. Durante todo el metraje uno tiene la certeza de que la película se rodó para estrenarla en 3D y no ha sido el caso.

Tiene detalles muy evidentes. Es inferior a la de 1990, aunque aporte ideas bastante interesantes.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Descubriendo Nunca Jamás y la serie Érase una vez… principalmente.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Pues aquella película de 1990, La maldición de las brujas, con algún detalle de El retorno de las brujas, de Disney. Y esas gotas de Guillermo del Toro.

EN CONCLUSIÓN Un entretenimiento para toda la familia con algunas interesantes ideas y un buen reparto. J.U.

EN CONCLUSIÓN Buena apuesta de cine familiar (aunque no para los más pequeños) en Halloween. Cumple, pero no es inolvidable. J.U.

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LA VIDA POR DELANTE

EL VERANO QUE VIVIMOS

(La vita davanti a sé)

España, 2020; Dirección: Carlos Sedes; Producción: Ramón Campos, Teresa Fernández-Valdés y Olmo Figueredo González-Quevedo; Fotografía: Jacobo Martínez; Guion: Ramón Campos, Javier Chacártegui y Salvador S. Molina; Música: Federico Jusid; Intérpretes: Blanca Suárez (Lucía Vega), Carlos Cuevas, María Pedraza, Javier Rey (Gonzalo); Estreno en España: 6-11-2020; Distribuye: Warner Bros.

SINOPSIS A través de una serie de esquelas y de un viaje junto a un familiar de su autor, una joven periodista descubrirá la historia de amor de Gonzalo y Lucía, que tuvo lugar durante el verano de 1958 en Jerez.

PARA RECORDAR En un drama romántico como este hay elementos que es imprescindible que funcionen. El primero es el reparto. Tiene que haber química y talento, y sin duda hay ambas cosas en lo que ofrecen nombres como Blanca Suárez, Javier Rey y Pablo Molinero. Pero hay que romper una lanza por los nombres jóvenes (o más jóvenes, que todos lo son a fin de cuentas), con Carlos Cuevas y, especialmente, María Pedraza y Guiomar Puerta quienes sorprenden de corazón. Tienen un enorme porvenir que llevan demostrando años. Y junto a ellos un director que viene sobre todo de televisión, con muchas series y un largometraje a sus espaldas, que exprime visualmente la historia hasta sus últimas consecuencias. Es elegante, es vibrante y sabe lo que está haciendo. Hay escenas, como la paliza en la bodega, que son ejemplares.

PARA OLVIDAR El guion. Más allá de si la historia nos interesa o no, más allá del drama romántico, la película naufraga en hacer creíble esa historia. Lo deja todo en manos de los actores. Propone historias que no llevan a ninguna parte y no desarrolla lo principal, un romance que queda cojo y solo es una muestra de pasión, no de amor. Varias escenas producen risa, me temo.

Italia, 2020; Dirección: Edoardo Ponti; Producción: Carlo Degli Esposti, Regina K. Scully y Nicola Serra; Fotografía: Angus Hudson; Guion: Ugo Chiti, Romain Gary y Edoardo Ponti; Música: Gabriel Yared; Intérpretes: Sophia Loren (Madame Rosa), Ibrahima Gueye (Momo), Renato Carpentieri, Babak Karimi; Duración: 94 min.; Estreno en Netflix: 13-11-2020.

SINOPSIS Una mujer, superviviente del Holocausto, acogerá en su casa a un niño que ha intentado atracarla. Aunque la convivencia al principio no será nada sencilla, y pese a que el joven tiene muchos más problemas de lo que parece, ambos aprenderán el uno del otro.

PARA RECORDAR Bienvenidos al show de Sofia Loren. La actriz que llevaba una década retirada (salvo para rodar un cortometraje con su hijo, responsable de esta película también) ha decidido volver para contarnos esta historia a través de su mirada, sus gestos y su voz. Clara candidata al Oscar, Sofia Loren llena la pantalla cada vez que aparece y demuestra que nunca debió retirarse. Junto con ella, el joven Ibrahima Gueye, que lo dice todo con su mirada, o la española Abril Zamora en un personaje que, pese a todo lo que lleva a cuestas, es un punto de luz en la historia. A través de sus historias descubrimos un mundo que seguramente ya conocíamos, pero con ojos nuevos.

Edoardo Ponti demuestra un gran manejo de la economía de medios, del control de la historia que cuenta y de cómo la cuenta, para ofrecernos en poco más de 90 minutos una historia emotiva y sincera sobre cómo podemos curar las heridas.

PARA OLVIDAR El guion no es su mejor baza. No es malo, ni mucho menos, pero está cargado de lugares comunes que hemos visitado una y mil veces. Prácticamente sabemos qué va a pasar en cada momento de la película.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Tiene mucho en común con el esquema de Palmeras en la nieve. Hasta la canción se parece…

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… cerca de El verano de Martino.

EN CONCLUSIÓN Interesante y perfecta para su audiencia, pero fallida en su guion que tiene demasiados peros. J.U.

EN CONCLUSIÓN Quizá en otras manos fuese un telefilme. Pero aquí se dan todos los ingredientes para tener una muy buena película. Especialmente Sofia Loren. J.U.

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Quiere ser Los 400 golpes y acaba más

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OTRA VUELTA DE TUERCA

¿CONOCES A TOMÁS? México, 2019; Dirección: Maria Torres; Producción: Mónica Lozano, Eamon O'Farrill y Enrique Vázquez; Fotografía: Carlos Hidalgo; Guion: Maria Torres y Enrique Vázquez; Música: Renato del Real; Intérpretes: Hoze Meléndez (Tomás), Leonardo Ortizgris (Leonardo), Marcela Guirado (Fernanda), Alan Estrada (Christopher); Duración: 87 min.; Estreno en México: 26-7-2019; Estreno en España: 13-112020; Distribuye: Fenic

SINOPSIS Un músico de orquesta de bodas tiene que hacer frente a un día cuidando a su cuñado autista mientras su novia practica una difícil operación quirúrgica en el hospital. Eso proporciona al joven Tomás una jornada singular en su vida y en su relación con este novio de su hermana que está dispuesto a conocerle, como propone el título.

PARA RECORDAR Una comedia con toque de drama que desarma y emociona por su sencillez, su respeto y coherencia frente al autismo y la manera en la que se establece el canal de comunicación entre sus personajes y el espectador. El máximo acierto de la propuesta es mantener el equilibrio entre la búsqueda de su fábula sencilla, pero en absoluto simple, y el ritmo y el entretenimiento que debe tener todo producto adiovisual viable comercialmente.

Y hacerlo sin rendirse a las trampas de melodramatización o fabulación disparatada a la que podría haber dado lugar un argumento menos comprometido con mantener la cercanía y la naturalidad como términos claves para contar su historia. Un acierto mantener el metraje estrictamente controlado en lugar de prolongar la fábula innecesariamente con líneas argumentales excesivamente alargadas o subtramas prescindibles que se alejen del tema central, o lo que es lo mismo, del protagonista y motivo de esta propuesta: Tomás.

PARA OLVIDAR Nada que rompa el equilibrio y la personalidad que han querido buscar sus artífices para este largometraje.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Temáticamente, la serie policiaca francesa titulada originalmente Astrid y Raphaelle que en España se emite en Cosmopolitan con el título de Bright Minds.

EN CONCLUSIÓN Una grata y emotiva sorpresa para la cartelera. M.J.P. #####

(The Turning) Reino Unido, Irlanda, Canadá, 2020; Dirección: Floria Sigismondi; Producción: Scott Bernstein y Roy Lee; Fotografía: David Ungaro; Guion: Henry James, Chad Hayes y Carey W. Hayes; Música: Nathan Barr; Intérpretes: Mackenzie Davis (Kate Mandell), Finn Wolfhard (Miles Fairchild), Brooklynn Prince (Flora Fairchild), Niall Greig Fulton (Quint); Duración: 94 min.; Estreno en Reino Unido: 24-1-2020; Estreno en España: 20-11-2020; Distribuye: eOne.

SINOPSIS Una joven acude a cubrir la vacante de institutriz de una niña en una apartada mansión, descubriendo el siniestro destino de su antecesora, vinculado a una inquietante presencia en el pasado de los niños que debe cuidar.

PARA RECORDAR La primera parte de la película, lo que viene siendo su planteamiento como relato de fantasmas, es más o menos funcional porque puede beber de lo que propone la novela original de Henry James. Además, Finn Wolfhard como Miles y Brooklynn Prince como su hermana Flora defienden bien sus papeles, mejor que la propia protagonista.

PARA OLVIDAR Mackenzie Davis no lleva buena racha últimamente con sus trabajos en Terminator: destino oscuro y esta versión de Otra vuelta de tuerca. En la primera el guion la dejó muy vendida y con poco soporte para crear su personaje, y en esta le ocurre otro tanto, pero además no la dirigen bien y está sobreactuada en demasiados planos. Ejercer de reina del grito no es lo suyo. Además, la película, que promete algo más de inquietud sobre todo en torno al personaje de Miles, se desfonda por completo en su segundo acto, después de caer desde el principio en el susto fácil y el efecto gratuito. Tiene además un desenlace abrupto.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Es la peor versión en audiovisual de la novela de Henry James, y además palidece ante la mejor versión de esta, Suspense (Jack Clayton, 1961), o variantes del relato de fantasmas como Los otros (Alejandro Amenábar, 2001) o El orfanato (J. A. Bayona, 2007).

EN CONCLUSIÓN Floja adaptación de un clásico que merecía mejor suerte en una actualización de sus propuestas. M.J.P. #####

Series de T.V. EL PUENTE

FICHA TÉCNICA Título original: Bron/Broen.

Creador: Hans Rosenfeldt.

Género: Thriller/misterio.

Música: Banda sonora de Johan Söderqvist, Patrik Andrén y Uno Helmersson.

Emisión en Suecia / Dinamarca: 21 de septiembre de 2011-18 de febrero de 2018, SVT1 (Suecia), DR1 (Dinamarca).

Emisión en España: 8 de enero de 2014-26 de junio de 2018, AXN (última temporada AXN Now).

Reparto: Sofia Helin (Saga Norén), Kim Bodnia (Martin Rohde), Thure Lindhardt (Henrik Sabroe), Dag Malmberg (Hans Petterson), Sarah Boberg (Lillian Larsen), Rafael Pettersson (John Lundqvist), Lars Simonsen (Jens Hansen), Puk Scharbau (Mette Rohde), Ann Petrén (MarieLouise Norén), Gabriel Flores (Jair), Henrik Lundström (Rasmus Larsson), Mikael Birkkjær (Jonas Mandrup).

Sinopsis: La trama compleja de El puente comienza con un cadáver aparecido en mitad del puente Øresund que une las ciudades de Malmö y Copenhague. La situación obliga a una investigación conjunta entre las policías danesa y sueca para esclarecer lo sucedido, lo que nos lleva a los detectives de homicidios Saga Norén y Martin Rohde, jefes de los departamentos en las ciudades de Malmö y Copenhague respectivamente, obligados a superar sus diferencias para esclarecer el caso.

mismo modo que siguen siendo finalmente reconocibles y dentro del cine negro se acercan al hardboiled. Una buena trama de misterio, con un caso tan complejo e inabarcable que parezca imposible para el espectador, es más que suficiente punto de arranque en series como Bron para atraernos.

Pero siempre acabamos reconociendo el comportamiento humano, identificándonos con unos personajes que pueden parecer distintos, pero que en el fondo tienen mucho en común con nosotros. Las pruebas del éxito de la serie: el auge posterior de los dramas televisivos escandinavos y que la serie se vendió a casi 200 países.

• Bron tiene todas esas claves y nace de la mente del guionista y escritor Hans Rosenfeldt, pero cabe destacar siempre la presencia de la jefa de guiones durante los 38 episodios de la serie, Camilla Ahlgren, quien junto con un equipo con nombres desconocidos para nosotros (Nikolaj Scherfig o Björn Stein), han ayudado al creador de la serie a mantener siempre el rumbo. Aunque los guionistas no siempre han mandado en la serie. La idea original de los responsables era la de matar al personaje de Saga, la protagonista, en el episodio 9 de la primera temporada, una idea que los productores anularon debido a su enorme popularidad. Una popularidad que se tradujo en que fue la líder de la serie durante las cuatro temporadas. Algo poco habitual, porque los guionistas recuerdan que las series escandinavas suelen tener un máximo de tres temporadas.

• El personaje de Saga se comporta de una forma muy peculiar, que corresponde a parte del espectro autista, en concreto a una persona con el síndrome de Asperger. Pero Rosendfelt no quería que los actores y especialmente la protagonista acudiesen a los mismos libros de texto y tomasen las mismas notas para comportarse de una forma calculada. Quería la mayor naturalidad posible, por lo que no se lo explicó a los actores hasta bien entrada la serie, cuando investigar al respecto ayudaría a entender a Saga, pero no a cambiarla ni cambiar cómo se reaccionaba a ella.

• Gracias a la saga Millenium, sin lugar a dudas, el público de nuestro país se abrió al mercado del thriller nórdico, el noir escandinavo, una suerte de variante del género negro con unos componentes regionales muy marcados, específicos de una cultura muy distinta a la nuestra, pero al mismo tiempo con unas claves de suspense, entre otros elementos, muy apetecibles para cualquier clase de audiencia. Quizá más habitual en el norte de Europa, con Reino Unido como uno de los principales consumidores de este género, adaptándolo además posteriormente, con diversos remakes como el de Wallander, sin ir más lejos. Pero desde la llegada de Stieg Larsson con su obra literaria y, posteriormente, con su adaptación al cine, hizo que desde aquí prestásemos atención a unas series, novelas y películas que tenían muchos elementos atractivos y otros tantos exóticos, suficientes para mantenernos enganchados durante mucho tiempo.

• Quizá entre esos elementos tan exóticos estén unas localizaciones frías y donde abunda la nieve y escasea el sol, unos personajes más contenidos, a veces tan fríos como el paisaje, tan desapasionados que chocan con nuestra cultura mediterránea, y otras veces tan encendidos que por contraste nos dejan maravillados. La forma de tratar la violencia, el sexo o las relaciones también nos chocan, en cierta medida, dentro de este género, del

• El éxito descomunal de la serie nos trajo numerosos remakes. Quizá la serie escandinava más veces adaptada que podemos recordar. Existe uno entre Francia y Reino Unido, otro entre Estados Unidos y México (brillante y cancelado antes de tiempo), otro entre Alemania y Austria, otro entre Estonia y Rusia y finalmente uno entre Malasia y Singapur. Eso sí, los responsables de la serie original aseguran que las diferencias de idioma entre Suecia y Dinamarca son mayores de lo que refleja la serie y a veces es mucho más difícil entenderse, algo que sí reflejan varios remakes.

• Pese al enorme éxito y a ser el personaje en torno al que se creó la serie, Kim Bodnia, quien diese vida al detective Rohde, decidió abandonarla al final de la segunda temporada. Pese a que su marcha, explicada posteriormente, dejaba abierta la posibilidad a un regreso, este no se produjo. No fue algo deseado por los productores o los guionistas, sino una decisión del actor, quien no estaba contento con el desarrollo de su personaje (su destino al inicio de la temporada reducía enormemente su papel) y, como explicó posteriormente, tampoco con el rodaje en Malmö donde las muestras de antisemitismo le parecían realmente insoportables. Los guionistas tuvieron que reescribir los cuatro primeros episodios para incluir al nuevo personaje, el detective Sabroe.

• El doble título, Bron/Broen, estaba separado en la pantalla por el número de rayas correspondiente a la temporada a la que perteneciese el episodio. En la última temporada, cuatro barras separaban los nombres. Se puede ver también en los pósteres y carteles promocionales.

J. U.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

IT HAPPENED HERE 1965; Reino Unido; Blanco y negro; Director: Kevin Brownlow, Andrew Mollo; Guion: Kevin Brownlow, Andrew Mollo, Dinah Brooke, Jonathan Ingrams; Fotografía: Kevin Brownlow, Peter Suschitzky.

Montaje: Kevin Brownlow; Intérpretes: Pauline Murray, Sebastian Shaw, Bart Allison, Reginald Marsh, Frank Bennett, Derek Milburn, Nicolette Bernard, Nicholas Moore, Rex Collett, Michael Passmore, Peter Dyneley; Duración: 93 minutos.

Etiquetada por algunos críticos como “película de horror”, se ambienta en Inglaterra, en 1944, cuatro años después de que la proyectada operación germana León Marino consiguiera invadir Inglaterra y el nazismo se instalase en el país. Adelantada a su tiempo, It Happened Here fue la primera película en describir una historia alternativa, subgénero que no comenzaría a contar con más títulos hasta la década de los noventa.

El largometraje se realizó a lo largo de ocho años, entre 1956 y 1963, lo que le ganó un puesto en el Libro Guinness como la película con un periodo de producción más largo. Sus directores, Kevin Brownlow y Andrew Mollo comenzaron a trabajar en él cuando tenían 18 y 16 años respectivamente. Hay un montaje del director que cuenta con 97 minutos de duración.

Stanley Kubrick estaba muy interesado en el proyecto y llegó a donarle a Brownlow material filmado que no llegó a utilizar en ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú (1964). Debido al argumento del largometraje que describe una realidad alternativa (o ucronía) en la que la Alemania nazi ha conquistado Inglaterra, los aficionados a la ciencia ficción británicos también participaron en la realización del largometraje, así como algunos actores profesionales e incluso miembros de la Unión Británica de Fascistas y antiguos soldados alemanes. Quizá alguno de esos fascistas británicos se buscó en la película y no logró encontrarse porque parte del material en el que estos hablan contra los judíos fue eliminado para el estreno después de las quejas de dicho colectivo, que alegaba que podía servir de acicate a los neonazis. Brownlow volvió a incluir este material cuando recuperó los derechos de la película. M.J.P.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

PRIMERA VICTORIA In Harm’s Way 1965; EE. UU. Blanco y negro; Director: Otto Preminger; Guion: Wendell Mayes; Música: Jerry Goldsmith; Fotografía: Loyal Griggs; Intérpretes: John Wayne, Kirk Douglas, Patricia Neal, Tom Tryon, Paula Prentiss, Brandon De Wilde, Jill Haworth, Dana Andrews, Stanley Holloway, Burgess Meredith, Franchot Tone, Patrick O’Neal, Carroll O’Connor; Duración: 165 minutos.

El guion se basa en la novela Harm’s Way de James Bassett publicada en 1962. Bassett se alistó en la Marina de Estados Unidos en febrero de 1941 y la novela está inspirada en sus experiencias durante la Segunda Guerra Mundial, pero los nombres de islas del Pacífico, de los navíos, de las operaciones y de los oficiales son en su mayoría ficticios, salvo en el caso de los almirantes estadounidenses Ernest Joseph King, Chester Nimitz y Husband E. Kimmel y del célebre navío japonés Yamato.

El trabajo de John Wayne en esta película siempre ha estado bajo la sombra de las sospechas de que ya fuera víctima del cáncer de pulmón que le fue diagnosticado poco después de terminar el rodaje. El refuerzo de Kirk Douglas en el reparto mantiene el interés en la primera parte del largometraje. De hecho, el papel de Douglas era mucho más interesante que el de Wayne, con todo el complejo tema de la muerte de la esposa y su posterior evolución en los asuntos privados. La historia y la película bien habrían podido haber reposado sobre el personaje de Douglas, y sería más interesante incluso eliminando el de Wayne, que es decorativo.

Además, la trama de conflicto y extrañamiento padre-hijo que lo acompaña, que luego sería copiada en parte en La batalla de Midway con el personaje de Charlton Heston, no está bien desarrollada. Además, el hecho de que se hurtara en elipsis para la película toda la operación de los comandos paracaidistas, priva a la propuesta de un elemento que habría sido dinamizador en todo lo referido a la acción, que es el gran talón de Aquiles de la película. M.J.P.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

LA COLINA DE LOS HOMBRES PERDIDOS

KING RAT

The Hill

1965; EE. UU. Blanco y negro; Director: Bryan Forbes; Guion: Bryan Forbes; Música: John Barry; Fotografía: Burnett Guffey; Intérpretes: George Segal, Tom Courtenay, James Fox, Patrick O’Neal, Denholm Elliott, James Donald, Todd Armstrong, John Mills, Gerald Sim, Leonard Rossiter, John Standing, Alan Webb, Sam Reese, John Ronane; Duración: 134 minutos.

1965; Reino Unido; Blanco y negro; Director: Sidney Lumet; Guion: Ray Rigby, R. S. Allen; Fotografía: Oswald Morris; Intérpretes: Sean Connery, Harry Andrews, Ian Bannen, Alfred Lynch, Ossie Davis, Roy Kinnear, Jack Watson, Ian Hendry, Michael Redgrave, Norman Bird, Neil McCarthy; Duración: 123 minutos.

Tiene dos títulos en España: uno es La colina a secas y otro La colina de los hombres perdidos. En televisión le añadieron otro más cuando la emitieron: La colina de la deshonra, para aumentar la confusión.

Su argumento se articula sobre las experiencias reales de Raymond (Ray) Rigby durante la Segunda Guerra Mundial. Sirvió en el VIII Ejército Británico desplegado en el norte de África. Tras meterse en algunos problemas fue acusado de conducta impropia e internado en una prisión militar británica. Rigby plasmó sus experiencias en dicha prisión en un guion para televisión cuyos derechos fueron comprados por Seven Arts Productions. Tras la compra se llevó a cabo una reescritura del guion, pero cuando Sidney Lumet se encargó del proyecto eliminó casi 100 páginas con la ayuda de Rigby, centrándose en el guion original. El largometraje ganó el premio al Mejor Guion en el Festival de Cannes, el premio Bafta al Mejor Guion y el Premio del Sindicato de Guionistas de Gran Bretaña. En 1965 Rigby publicó la novela The Hill, basada en el guion de la película, que fue traducida a trece idiomas y contó con una segunda parte titulada The Hill of Sand, publicada en 1981.

El centro penitenciario se sitúa en el desierto de Libia, y el detonante de la trama es la llegada de nuevos prisioneros que son sometidos a fuerza excesiva por parte de los guardias del campo, con Connery interpretando a un sargento de escuadrón del Regimiento Real de Tanques que no está dispuesto a seguir aguantando el maltrato a los prisioneros.

La película ganó también el Premio Bafta del cine británico a la Mejor Fotografía, y en esos mismos galardones recibió nominaciones al Mejor Actor, Harry Andrews, Mejor Dirección Artística en blanco y negro, Película y Guion. M.J.P.

Nominada al Oscar en las categorías de Mejor Fotografía en blanco y negro y Mejor Dirección Artística en blanco y negro, se ambienta después de la caída de Singapur en manos japonesas en 1942. Los prisioneros aliados, británicos y algunos norteamericanos, son enviados a la prisión de Changi, que destaca entre los campos de prisioneros por el hecho de no tener barreras para la fuga, dado que simplemente los prisioneros no tienen ningún lugar al que escapar.

En ese lugar reina el cabo King, un norteamericano que domina el mercado negro del campo. Está entre los mejores trabajos de George Segal, pero el aficionado no puede evitar imaginarse con interés cómo habría sido la película si Paul Newman o Steve McQueen hubieran aceptado ese papel que les ofrecieron en primer lugar.

El guion se basa en la novela del mismo título escrita por James Clavell en la que el autor recuerda su época como prisionero de guerra en un campo de concentración en Singapur durante la Segunda Guerra Mundial. Clavell se alistó a la Artillería Real Británica en 1940 y tras el ataque a Pearl Harbor fue destinado al teatro del Pacífico. El barco que le transportaba a Singapur fue hundido y Clavell y otros tripulantes fueron rescatados por un buque holandés. Fue capturado en Java en 1942 tras recibir un tiro en la cara y trasladado a la prisión Changi en Singapur en la que solo uno de quince prisioneros lograba sobrevivir. Tras la guerra sufrió pesadillas y terribles dolores de estómago que le mantenían despierto durante la noche. Siempre llevaba una lata de sardinas encima y confesó que luchaba contra el impulso de ponerse a revisar los cubos de basura en busca de comida. Clavell no le contó sus experiencias en la guerra ni a su propia esposa. M.J.P.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

LA SOMBRA DE UN GIGANTE

EL CORONEL VON RYAN

Cast A Giant Shadow

Von Ryan’s Express

1966; EE. UU. Color; Director: Melville Shavelson; Guion: Melville Shavelson, Ted Berkman; Música: Elmer Bernstein; Fotografía: Aldo Tonti; Intérpretes: Kirk Douglas, Senta Berger, Angie Dickinson, John Wayne, Yul Brynner, Frank Sinatra, James Donald, Stathis Giallelis, Luther Adler, Topol, Ruth White, Gordon Jackson, Michael Hordern; Duración: 146 minutos.

1965; EE. UU. Color; Director: Mark Robson; Guion: Wendell Mayes, Joseph Landon, David Westheimer, Saul David; Música: Jerry Goldsmith; Fotografía: William H. Daniels; Intérpretes: Frank Sinatra, Trevor Howard, Raffaella Carrà, Brad Dexter, Sergio Fantoni, John Leyton, Edward Mulhare, Wolfgang Preiss, James Brolin, John Van Dreelen, Adolfo Celi, Vivo Scotti, Richard Bakalyan; Duración: 117 minutos.

Recortada en su duración para la edición en DVD, que la deja en 138 minutos, este recorrido biográfico por una de las figuras del Ejército israelí se basa en el libro Cast a Giant Shadow, escrito por Ted Berkman. Publicado en 1962, fue el primer libro del autor y en él narra las experiencias del coronel estadounidense David Daniel “Mickey” Marcus, que asesoró al Ejército israelí durante el conflicto con los árabes de 1948. Marcus se había encargado de organizar los juicios a criminales de guerra en Alemania y Japón, y acabó convirtiéndose en el primer general israelí. El productor y director de la película Melville Shavelson pagó de su propio bolsillo 12 500 dólares para adquirir los derechos del libro de Berkman, quien también trabajó en el guion del largometraje. Por si el anecdotario del reparto de celebridades era poco, también se apuntó a hacer una breve aparición Michael Douglas, hijo del protagonista y estrella de décadas posteriores, realizando un cameo no acreditado para conducir un jeep. Su debut ante las cámaras fue fruto de la casualidad, cuando un actor israelí contratado para esa escena se negó a rodarla por considerar que era demasiado arriesgada. Douglas padre no perdió un segundo en fichar a su hijo para mantener el ritmo del rodaje.

Tanta estrella junta acabó siendo un serio problema con la acumulación de egos desatados, de manera que el director se pasaba las jornadas de rodaje o peleando con John Wayne, que le afeaba su opinión por los disturbios de Watts, o enfrentándose con Kirk Douglas, que acabó consiguiendo que un día Melville Shavelson abandonara el rodaje. Este se desarrolló en Roma, en los estudios Cinecittà, y en Israel, y recaudó tres millones y medio de dólares en Estados Unidos y Canadá.

La película está basada en la novela Von Ryan’s Express, escrita por David Westheimer y publicada en 1963. El autor combatió en la Segunda Guerra Mundial tras alistarse en el Ejército del Aire de Estados Unidos, en el que sirvió como navegante en un bombardero B-24. En diciembre de 1942, su avión fue derribado sobre Italia y fue hecho prisionero e internado en el campo Stalag Luft III. El campo de prisioneros fue inaugurado en marzo de 1942 y estaba situado en la Baja Silesia. Gestionado por la Luftwaffe, era utilizado para encerrar a miembros de los ejércitos del aire aliados.

Tiene un arranque que inevitablemente recuerda La gran evasión, estrenada dos años antes y en la que sin duda se miraba este largometraje como modelo que seguir, considerando el éxito de aquella otra. Pero luego da un giro para encontrar su propia identidad en una historia de fuga en un tren que es la parte medular de la trama, conduciendo a un espectacular desenlace entre montañas y túneles con ataques aéreos incluidos. Domina la intriga, mientras el tren de los fugados pasa por tierra enemiga, pero hay momentos de acción sobrados.

Es algo irregular en su ritmo, peca de ambiciosa y se va un poco de metraje. M.J.P.

Bien servida de reparto, a pesar de que Frank Sinatra, quien cobró 250 000 dólares por trabajar en la película, no consiguió que le acompañara como coprotagonista Richard Burton, quien en ese momento estaba en una fase de pleito legal con el estudio que producía la película, 20th Century Fox. Burton habría interpretado al mayor Finchan, líder de los prisioneros británicos, papel que recayó finalmente en Trevor Howard después de que Peter Finch y Jack Hawkins también lo rechazaran. M.J.P.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE BÉLICO

EL YANG-TSE EN LLAMAS The Sand Pebbles 1966; EE. UU.; Color; Director: Robert Wise; Guion: Robert Anderson; Música: Jerry Goldsmith; Fotografía: Joseph MacDonald; Intérpretes: Steve McQueen, Richard Attenborough, Richard Crenna, Candice Bergen, Emmanuelle Arsan, Mako, Simon Oakland; Duración: 182 minutos.

Nominada al Oscar en las categorías de Mejor Película, Mejor Actor Principal (McQueen), Secundario (Mako), Fotografía en color, Dirección Artística en color, Sonido, Montaje y Música Original, ganó el Globo de Oro al Mejor Actor de Reparto, para Richard Attenborough.

Es una adaptación de la novela The Sand Pebbles, escrita por Richard McKenna y publicada en 1962. McKenna se alistó en la Marina estadounidense en 1931 y sirvió en ella durante 22 años, llegando a participar en la Segunda Guerra Mundial y en la guerra de Corea. El autor también participó en las patrullas por el río Yang-Tse llevadas a cabo por Estados Unidos para proteger sus intereses comerciales en la zona, una estrategia que se implantó en la zona desde 1854 hasta 1949. Tras licenciarse, y merced a los beneficios otorgados a los veteranos por las fuerzas armadas, estudió escritura creativa en la Universidad Chapel Hill, de Carolina del Norte. Inició su carrera como escritor en el género de ciencia ficción y tras su muerte siguieron publicándose relatos suyos de dicho género, en el que fue ganador de los prestigiosos premios Hugo y Nébula. La novela que dio lugar a esta película le llevó a recibir el Premio Harper.

El argumento nos sitúa en un momento particularmente convulso de agitación política y militar en la China de 1926, en pleno despliegue de lo que se denominó la diplomacia de las cañoneras de la Marina de Estados Unidos en la zona. Pero a pesar de ser una superproducción propia del cine de la época, lo que más llama la atención de la propuesta es el interés del productor y director, tanto como de sus intérpretes, por reconducir lo que podría haber sido un despliegue de acción y paisaje en un drama con personajes realmente interesantes, donde los actores no pierden espacio en ningún momento frente al arrollador despliegue visual. M.J.P.

¿ARDE PARÍS? Paris Brûle-T-Il? 1966 ; Francia, EE. UU.; Blanco y negro; Director: René Clément; Guion: Gore Vidal, Francis Ford Coppola, Marcel Moussy, Beate von Molo, Jean Aurenche, Yves Boisset, Pierre Bost, Claude Brulé; Música: Maurice Jarre; Fotografía: Marcel Grignon; Intérpretes: Jean-Paul Belmondo, Charles Boyer, Leslie Caron, Jean-Pierre Cassel, George Chakiris, Bruno Cremer, Alain Delon, Kirk Douglas, Glenn Ford, Gert Fröbe, Daniel Gélin, Yves Montand; Duración: 175 minutos.

Tal y como ocurre en cada libro del dúo Collins-Lapierre, o LapierreCollins, tanto monta, monta tanto, hay una historia de periodismo de investigación y reportaje detrás del texto propiamente dicho, y por lo tanto de la propia película que lo adapta. Para escribir ¿Arde París? los autores llevaron a cabo más de 800 entrevistas a supervivientes del conflicto en tres países diferentes y a los que tardaron tres años en localizar y entrevistar. También revisaron documentos tanto del bando aliado como de los alemanes y contaron con la ayuda de los generales Dietrich von Choltitz, Walter Warlimont, Dwight D. Eisenhower y Omar Bradley, así como del diplomático Allen Dulles, que formó parte de la Oficina de Servicios Estratégicos (OSS) la agencia de inteligencia estadounidense durante la Segunda Guerra Mundial, precursora en cierto modo de la futura CIA. El libro llegó a vender diez millones de ejemplares y fue traducido a más de 30 idiomas.

En el texto queda de manifiesto el enfrentamiento entre las distintas fuerzas aliadas sobre qué hacer con París en ese momento de la Segunda Guerra Mundial. La idea inicial era rodear la ciudad y proseguir la ofensiva, pero el general De Gaulle necesitaba esa plaza para reforzar sus aspiraciones a un liderato del Ejército francés y de todas las fuerzas de la resistencia gala, puesto en entredicho por las fuerzas izquierdistas enfrentadas a los ocupantes alemanes, que habían recibido la orden de Hitler de destruir la ciudad antes de entregarla. De Gaulle impuso en la versión cinematográfica una minimización de la participación en la liberación del Partido Comunista francés. M.J.P.

Grandes películas de Cine Bélico (XXVII) Las superproducciones mandan en nuestro recorrido bélico de este mes que comenzamos con Primera victoria, un intento curioso de llevar la Segunda Guerra Mundial por el camino del best seller literario, actualizando personajes y situaciones para atraer a un público casi dos décadas después de la época en la que se libró el conflicto.

El asunto queda patente si observamos el peinado y el vestuario que lucen los personajes en la fiesta con la que arranca el largometraje en la noche anterior al ataque sobre Pearl Harbor.

Fue nominada al Oscar a la Mejor Fotografía, un excelente trabajo en panavisión en blanco y negro de Loyal Griggs, y consiguió todo el apoyo del Departamento de Defensa de Estados Unidos, la Armada y los Marines. Es interesante como objeto de análisis por el trabajo de adaptación de los códigos del melodrama siempre presentes en el género a los nuevos códigos e intereses de los años sesenta.

Wayne y Douglas intercambiaron sus roles de actor principal y segundo del reparto en su otro encuentro bélico, La sombra de un gigante, donde el segundo pasó a ejercer el protagonismo con una aportación secundaria del primero, aunque curiosamente el protagonista de Centauros del desierto había sido tentado inicialmente para interpretar el papel principal y ejercer como productor.

Entre estas variaciones del bélico, tropezamos con la ucronía, un concepto del género de ciencia ficción que se aplica al bélico y viene a responder argumentalmente a la fórmula: ¿qué hubiera pasado si…? O lo que es lo mismo, en la película que nos ocupa, It Happened Here, cómo habría cambiado la historia si en lugar de suspender la Operación León Marino después de la batalla de Inglaterra, Hitler hubiera decidido seguir adelante desembarcando en las islas británicas. En la realidad, la batalla de Inglaterra demostró que los británicos podían mantener el control del espacio aéreo sobre la Luftwaffe, elemento esencial para que Hitler frenara los planes para un gran desembarco.

La guerra, sin embargo, seguía siendo una experiencia real para muchos de los miembros del reparto que participan en King Rat y fueron en la realidad prisioneros en campos de retención de la Segunda Guerra Mundial, como Denholm Elliott, que interpreta al teniente coronel Larkin y durante su servicio en la RAF fue derribado y hecho prisionero por los alemanes.

Las experiencias reales de otro veterano auténtico de conducta militar digamos que discutible, le llevaron a acabar encerrado, en este caso en una cárcel de su propio Ejército, experiencia que sirvió como base a La colina, una de las mejores películas protagonizadas por Sean Connery en su etapa de cruzada para escapar a la alargada sombra del personaje de James Bond.

Se rodó en Almería.

Los campos de prisioneros son también punto de partida para El coronel Von Ryan, película en la que se hacen patentes esas claves de modernización del género hacia la superproducción de aventuras que empieza a hacerse presente en el bélico desde finales de los años cincuenta y a todo lo largo y ancho de los años sesenta. El personaje interpretado por Frank Sinatra está sometido a esa representación del héroe en clave moralmente ambigua, un oficial de la fuerza aérea estadounidense que con notable desgana se hace cargo de la fuga de los prisioneros aliados de un campo italiano en pleno momento de cambio de bando del país. Fue nominada al Oscar en la categoría de mejores efectos de sonido.

La liberación de París de la ocupación alemana es el tema central del argumento de ¿Arde París?, que sigue la pista al libro reportaje escrito por Larry Collins y Dominique Lapierre, maestros de la divulgación periodística aplicada a la formula del best seller.

Dicho sea de paso: la primera unidad que llegó a París formando parte de la Segunda División Blindada del general Henri Leclerc (interpretado por Claude Rich), estaba formada por soldados republicanos españoles que portaban en sus vehículos los nombres de ciudades como Madrid y Teruel. La película se rodó en 180 localizaciones de la propia ciudad de París y fue la cuarta película más taquillera del cine galo en su año.

Prosiguiendo con la participación española en las películas de este mes no puedo terminar este texto sin recordar que la cañonera San Pablo que aparece tanto en la novela como en la película El Yang-Tsé en llamas fue requisada a los españoles en 1898 en la guerra de Cuba y Filipinas.

Miguel Juan Payán

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las mejores películas que nunca hemos visto

El doble

de Roman Polanski

Match. “No había escenas de desnudos en el guion original. Roman las agregó no sé por qué razón. Nunca he aparecido desnudo en un filme en toda mi carrera, y no voy a comenzar ahora que estoy gordo”, afirmaba Travolta. El pudor del actor no era el único motivo. En los ensayos quedó claro “que nuestras opiniones sobre la película eran muy diferentes. Yo quería un filme dramático, y él, uno de dibujos animados”.

En 1999, en una conversación concedida al crítico Rüdiger Sturm, Polanski ofreció su versión. “Aún no le he perdonado. Mucha gente se esforzó (…) y todo se acabó yendo al garete”, aseguraba.

Según él, la excusa ofrecida por Travolta quedaba reducida a la categoría de “chiste”, ya que Polanski, como director, “estaba en todo su derecho” de cambiar el guion sin tener que acordar cambios. Con todo, creía que, al final, lo mejor que pudo ocurrir es que El doble jamás se realizara. “La película necesitaba muchos efectos especiales y requería un montón de paciencia de la que Travolta carecía”, concluía.

Aun así, Polanski se mostraba empeñado en continuar. Mientras buscaba un relevo a su estrella surgió una posibilidad sorprendente: Steve Martin, más próximo quizá a ese tono cartoon al que se refería Travolta en sus críticas. Sin embargo, el proyecto empezaba a desmoronarse. Isabelle Adjani no lo veía claro y fue la siguiente en retirarse. El 1 de julio, un mes después del adiós del actor, se hizo oficial: el filme era historia. Eso sí, desde un punto de vista legal, el culebrón no se acabó ahí. Las compañías involucradas reclamaban a Travolta una indemnización millonaria por incumplimiento de contrato. Casi cinco años después, el caso se resolvió extrajudicialmente.

Lo cierto es que El doble vio la luz en 2013..., pero con Richard Ayoade en la dirección y Jesse Eisenberg como protagonista. ¿El resultado? Un trabajo atrevido y personal, muy al gusto del público alternativo, más cercano a la sátira alocada que al drama psicológico y dotado de una atmósfera tan irreal como atractiva.

Con todo, su escaso eco en taquilla puso en evidencia una cuestión: por unas razones o por otras, adaptar en imágenes y para un público masivo los complejos pensamientos del genio ruso nunca ha sido (ni será) una Durante el verano de 1996, Sony Pictures pondría en pie El doble, tarea fácil. decimocuarto filme del cineasta que, por una guerra de egos, jamás disfrutaremos.

Jaime V. Echagüe odría haber sido una de sus obras magnas. Uno de sus calculados ejercicios de funambulismo, en ese fino alambre que separa el costumbrismo del surrealismo, la lucidez de la paranoia. Un retorcido viaje al interior del alma humana que remitía a su trilogía del apartamento, conformada por Repulsión (1965), La semilla del diablo (1968) y El quimérico inquilino (1976). El doble, novela publicada en 1846 por Fiodor Dostoievski, parecía pergeñada para que, 150 años después, Roman Polanski la adaptara. La historia de Yakov Petrovich Goliadkin, mediocre funcionario ruso que, de la noche a la mañana, descubre a un hombre idéntico a él que se va adueñando de su vida, estaba abierta a un buen número de lecturas (la alienación social, la dualidad de todo individuo...), coherentes con la idiosincrasia artística del polaco.

Dicho y hecho: durante el verano de 1996, Sony Pictures pondría en pie El doble, decimocuarto filme del cineasta que, por una guerra de egos, jamás disfrutaremos.

Con Estados Unidos vetado debido a la condena por violación que aún hoy pesa sobre Polanski, el rodaje se llevaría a cabo en París. El guion corría a cargo de Jeremy Leven, que venía de filmar y escribir Don Juan DeMarco (1995).

Escudado por Isabelle Adjani, Jean Reno y John Goodman, el protagonismo recayó en John Travolta, recuperado para las grandes empresas tras el éxito de Pulp Fiction (1994). Su salario era de estrella, desde luego, 17 millones de dólares. Su nombre sonaba con fuerza en la industria y con ese ánimo viajó a la capital francesa.

Sin embargo, cuando quedaba poco más de una semana para comenzar a trabajar, el libreto que llegó a sus manos difería del que había recibido meses antes. Tras rehacer las maletas, puso su jet privado rumbo a Los Ángeles, dejando al mismísimo Roman Polanski compuesto y sin protagonista. ¿Qué cambios se produjeron en aquel guion para provocar tal espantada? El actor lo explicó entonces en una entrevista a Paris

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ANÁLISIS DE CINE 1

esde el principio, Hawks establece su intención de alejarse del wéstern paisajístico propio de John Ford para encerrarse en la ciudad donde transcurre este wéstern con claves del cine negro. El plano de apertura de los carros de explosivos (FOTO 1) es anticipo tanto de la situación de peligro latente que va a producirse en el pueblo como del desenlace explosivo del conflicto central. Dibuja así de principio a fin un círculo argumental perfecto.

La música de Dimitri Tiomkin es un elemento clave para marcar el tono de la película, aportando a la épica tradicional del género un tono intimista.

Además, el tema de “Degüello” será también clave musical en El Álamo (1960), dirigida por John Wayne, y se convierte así en un guiño promocional de Hawks a Wayne con características de metanarrativa casual.

El tema recurrente de Hawks, la forja de lazos de amistad y lealtad entre profesionales sometidos a trabajos arriesgados, se une a la trama de redención. Dean Martin no es el protagonista del largometraje, papel que corresponde a la figura paternal de John Wayne, pero es el protagonista de la trama de redención al que corresponde el arranque de la historia (FOTO 2). Nótese ese desdoblamiento del personaje en sombra cuando entra por la puerta que se mantendrá en otros planos, creando así en

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torno a este una propuesta de intriga como elemento dudoso.

El personaje de Martin vive su propio viaje del héroe, que curiosamente resulta más interesante que el viaje del protagonista interpretado por Wayne.

Además, la situación de Martin lo convierte en alguien frágil y por tanto mucho más cercano al público. El espectador, como él, se acogerá a la sensación paternalista de protección del héroe infalible interpretado por Wayne, generándose así un interesante fenómeno de proyección e identificación en el personaje de Dean Martin, de modo que su redención será así compartida y asumida como éxito por el propio espectador, aumentando la empatía del público hacia la película.

El ejercicio de narración practicado por Hawks en ese arranque de la historia es brillante en su aplicación de claves cien por cien visuales, sin diálogo, en lo que podría ser cine mudo acompañado por música. Formado como creador del lenguaje del cine en la etapa silente del medio, Hawks conoce el potencial del cine sin palabras y lo aplica en este prólogo donde nos presenta con muy pocas pinceladas el conflicto del personaje de Martin, los vínculos que le unen como aliado inseguro y peligroso para el personaje de Wayne, y de paso sitúa al alcohólico que busca redención como el detonante del asesinato y la detención de Joe (Claude

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CLÁSICOS IMPRESCINDIBLES Akins), el hermano conflictivo del antagonista. El espectador obtiene toda la información que necesita para entrar en la historia en tiempo récord.

Llegados a este punto hay que hacer notar la asociación de los espacios a las distintas claves emocionales que maneja Río Bravo. De forma sencilla permite ubicarse espacialmente y también emocionalmente a los espectadores en todo momento en esa especie de burbuja o microcosmos en que se convierte el pueblo en el que transcurre la trama. De ese modo, a través de las localizaciones de la acción, con predominio de los interiores sobre los exteriores, Hawks hace un resumen eficaz y de homenaje a todos los lugares comunes del wéstern.

El bar va a ser un lugar de intriga y peligro latente a punto de estallar, dominado inicialmente por los antagonistas, pero en el que los protagonistas hacen incursiones con éxito (FOTO 3).

El hotel es territorio neutral que da paso a otros personajes y en el que domina el humor con los enredos matrimoniales del personaje mexicano (FOTO 4), en los que tan bien juega Hawks la baza de poner en solfa la imagen de masculinidad icónica de Wayne.

En esa línea está también el lío sentimental del sheriff con la jugadora/corista interpretada por Angie Dickinson, que proporciona al personaje de Wayne cierto punto de vulnerabilidad. Juega así el director la carta de la guerra de sexos, una pincelada de screwball comedy que Hawks había demostrado dominar en comedias como La fiera de mi niña, Luna nueva y Bola de fuego, aunque el molde para uso de la comedia en la construcción de la relación del sheriff con la corista está en sus dos trabajos con el dúo BogartBacall: Tener y no tener y El sueño eterno. Ese premonitorio primer encuentro de los dos personajes tiene como epicentro significativo las enaguas, con su color rojo asociado a la camisa del sheriff. El color y el vestuario son una constante que iluminará la pantalla con cada aparición de Dickinson en esa subtrama sentimental de la historia, versión en positivo del desastroso pasado sentimental que condujo al personaje de Martin al alcoholismo (FOTO 5). El rojo vuelve a estar presente en el encuentro final entre ambos mientras Dickinson, acompañada por el movimiento de cámara, gana terreno a Wayne tomando la iniciativa en la seducción.

El tercer espacio es el de la cárcel, hogar de esa familia disfuncional

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formada por los protagonistas donde reina como recurso humorístico y entrañable el genial Walter Brennan entregado a su verborrea que incluso le permite imitar al propio John Wayne (FOTO 6).

Las calles del pueblo unen esos espacios y protagonizan una de las dos secuencias clave de la película en ese paseo nocturno de Wayne y Martin andando en paralelo, pero Hawks hace, por montaje y con un juego con el eje, que parezcan separarse y caminar uno hacia el otro. La secuencia parte de un plano donde los vemos separarse (FOTO 7). Genera así una tensión visual y una intriga acompañando a los personajes con la cámara en un trávelin lateral.

Hawks juega con el espectador sembrando el suspense… y resolviéndolo con una falsa alarma: la aparición del burro. Pero todo eso conducirá finalmente al asesinato de Ward Bond y a la persecución del asesino hasta el bar, donde el personaje de Martin completa su primera etapa del camino de redención (ya no entra por la puerta trasera, sino por la principal) en la otra secuencia clave de la película.

Hawks juega con las miradas y añade tensión dividiendo la atención del espectador entre el espacio que no ve, pero donde imagina a Martin, hacia donde miran todos los pistoleros, y la entrada de Wayne a su espalda. La construcción sobre el punto de fuga facilita que casi inmediatamente, tras el ruido del portazo del sheriff, la mirada de los pistoleros se dirija también hacia Wayne (FOTO 8), uniéndose con la del espectador y proporcionando mayor dinamismo al plano.

Es una pincelada curiosa de aplicación del juego de la información al espectador que proponía Hitchcock: que el público sepa más que los personajes. Hawks traza una línea recta invisible con la mirada que une a Martin con Wayne en todo momento, y resuelve la situación en dos fases.

Primero con un plano (FOTO 9), donde dirige la mirada del espectador hacia dos pistas: la escalera hacia el techo y la jarra de cerveza con sangre, ambos objetos asociados en el espacio que nos anticipa la información antes de que la tenga Martin, cuyo descubrimiento en la mente del personaje subraya con un movimiento de cámara que termina en plano de detalle sobre la jarra de cerveza. Segundo con un plano estilo Hitchcock, poco habitual en su gramática de cámara a la altura de los ojos (FOTO 10).

Miguel Juan Payán

LA ESPÍA QUE ME AMÓ unque esta película se estrenó en 1977 y ya con Broccoli como productor en solitario tras la ruptura de la sociedad con Harry Saltzman, la preproducción del fime que nos ocupa comenzó en 1974, cuando Broccoli y Saltzman aún eran socios.

De esta novela solo se recogería el título, ya que Fleming accedió a ceder los derechos de la novela siempre que solo fuese el título nada más, ya que el escritor no se sentía contento con la novela original. “Esta no es como las otras”, decía el propio Fleming.

En este año de 1974 llegarían una serie de conflictos legales para Albert Broccoli, primero con Saltzman, para llegar a un acuerdo sobre los derechos en la finalización de su sociedad; otra cuestión legal que ocupó a Cubby sería contra Kevin McGlory, quien ya había tenido disputas legales contra Ian Fleming por plagio. En este caso, McGlory denunció a Broccoli por plagio y por el uso del personaje Blofeld y de la sociedad Spectre, los cuales fueron idea de MacGlory según este. Recordemos que McGlory fue productor ejecutivo en solitario en la película Operación Trueno para evitar más problemas legales y que la filmación no estuviera paralizada por más tiempo.

Dos años de disputas que hicieron desistir de su participación en la película al director Guy Hamiltton, a quien sustituiría Lewis Gilbert, y al guionista Tom Mankiewicz.

Para el papel de Anya Amasova, agente “Triple X” del servicio secreto de la URSS, la actriz encargada de dar vida al personaje fue Barbara Bach, tras ver Cubby una prueba de cámara que le hicieron para otra producción el director y productor Tony Richardson. A Broccoli le cautivó esta prueba e hizo venir a Bach desde Roma.

Para interpretar al gigante Jaws, o Tiburón, como le conocemos en España, Cubby se

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decantaría por un portero de discoteca llamado Richard Kiel, que ya había trabajado en producciones como El rompehuesos, que con esa estatura no pasó desapercibido.

Curd Jürgens interpretaría al villano encargado de trazar su maléfico plan de dominación del mundo y acabar con James Bond y Anya. Dejó impresionado tanto al productor, como al director, ya que Gilbert dijo de él que era un actor muy completo y que no solo sabía hablar cinco idiomas, sino también interpretar en ellos.

Para interpretar a la dulce, sexi y letal Nomi, la elegida fue una actriz muy famosa en películas de serie B, Caroline Munro, que había participado en películas de vampiros y otras historias como las Simbad de los años setenta.

El guion Como indicamos, Ian Fleming cedió los derechos sobre la novela con el compromiso de que solo se tomase el título de esta y nada se pudo sacar de ella, por lo tanto los guionistas que se decidían a presentar un proyecto tenían que estrujarse el cerebro para poder presentar una historia a la altura de una gran superproducción como son las películas del agente secreto británico.

Además, era todo un reto, ya que era la primera producción en solitario del productor Albert Broccoli, con la que quería demostrar lo que era capaz de hacer.

Ya que fueron tres años de preproducción, se habían recibido tratamientos y borradores de nada menos que catorce guionistas diferentes, que según el propio productor no sabían captar la esencia de James Bond.

Algunas ideas aportadas por algunos de estos guionistas son las siguientes.

Anthony Burgess (La naranja mecánica) entregó un trata-

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LA ESPÍA QUE ME AMÓ

miento muy excéntrico, incluyendo a 007 y Henry Kissinger desnudos. En la trama se atentaba contra la reina de Ingaterra en la ópera de Sídney e incluía a un canguro boxeador.

Tony Beckwith presentó otro tratamiento en 1974, en el que se incluía a una espía rusa y submarinos, algo que quedó en el guion definitivo.

Otros personajes que entregaron algún tipo de tratamientos fueron John Landis y Ronald Hardy.

El guion empezó a tener forma gracias a Albert Broccoli y a su esposa Dana. Un día, estando el matrimonio en casa, rodeados de tantos guiones, se pusieron a tomar apuntes e ideas, cogiendo lo que podía ser bueno para una película de Bond y descartando las que les parecieron absurdas. Los guionistas Christopher Wood y Richard Maibaum serían los encargados de dar forma a ese guion y quedaron acreditados en los títulos.

La música La banda sonora de La espía que me amó está compuesta por Marvin Hamlisch y muestras unos grandes sonidos procedentes de los lugares de realización de la película. La canción principal “Nobody Does It Better”, escrita por Carole Bayer e interpretada por Carly Simon fue muy bien recibida por el público y es la primera canción principal de una película Bond cuyo título no hace referencia al título de la película . “Nobody Does It Better” se convirtió en un gran éxito mundial, pasando tres semanas en el puesto número 2 en la lista Billaboard Hot de Estados Unidos.

Fue candidata a tres categorías de los premios Oscar de la academia en las categorías de Mejor Canción Original, Mejor Música y Mejor Dirección Artística.

Hoy por hoy, sigue siendo una de las canciones más recordadas y mejor valoradas de la franquicia.

El estreno La espía que me amó se estrenó en Londres, el 7 de julio de 1977, siendo todo un éxito que recaudó 185 millones de dólares, pero no solo el tema económico fue lo que motivó al equipo, ya que eliminó por fin el fantasma de Sean Connery como Bond, demostró

que Albert Broccoli podía llevar la franquicia en solitario y que Roger Moore sería un James Bond inolvidable dentro de la saga.

Para el lector curioso Incluimos algunas anécdotas de la producción de la película.

En la escena donde Roger Moore es disparado por Stromberg en la guarida subacuática de este, con un arma oculta bajo la mesa, Roger Moore sufrió quemaduras en la espalda y en las rodillas por el efecto de la detonación.

El rodaje en Egipto fue horrible, pues el catering no funcionaba, había problemas para enviar y recibir los rollos de películas y no había telégrafo ni teléfonos que funcionasen.

El especialista Rick Sylvester fue el encargado de lanzarse por el precipicio al principio del filme, en el que se puede ver la bandera de la Union Jack en el paracaídas.

El 5 de diciembre de 1976 se inauguró el 007 stage, un plató dedicado a James Bond que sufrirá varios accidentes a lo largo de su historia.

Para el lector viajero Desde las más altas cumbres de Suiza, hasta el más caluroso desierto de Egipto, James Bond tiene que viajar para poder cumplir su misión acompañado de la agente del KGB Anya Amasova.

Cantón de Graubunder en el sudeste de Suiza, en Los Alpes, donde Bond escapa esquiando por una montaña nevada, secuencia que termina en el famoso salto en paracaídas.

Base naval de Clyde, en Garelochhead, en Escocia, más concretamente al norte de Glasgow, donde Bond se reúne con el ministro de Defensa británico.

Museo Gayer-Anderson, cerca de la mezquita Ibn-Tulun, en Egipto, lugar donde Bond tiene que reunirse con Fekkesh y una guapa joven intenta distraerle.

Templo de Karnak, en el denominado Valle de los Reyes, en Luxor (Egipto), lugar donde la mayor Amasova y Bond van tras el gigante Tiburón. Óscar Rubio

MALDICIONES EN EL CINE

En los límites de la realidad (1983), de John Landis, Steven Spielberg, Joe Dante y George Miller adrugada del 23 de julio de 1983. El productor George Folsey júnior telefonea a su secretaria. Su tono oscila entre nervioso y entrecortado. “Ha ocurrido un accidente. En realidad, lo peor que podía pasar. Vic y los niños han muerto. Un helicóptero ha caído sobre ellos”. Aquella noche en el parque californiano de Indian Dunes, set en el que se rodaba el primer segmento de En los límites de la realidad (1983), Hollywood se dejó varias cosas en el camino: tres vidas, dos de ellas de niños de muy corta edad; el crédito de un realizador, John Landis, que jamás se sobrepondría a aquella catástrofe; la credibilidad de una industria que, bajo el pretexto de crear un mundo de ensueño, escondía unas condiciones laborales de pesadilla... Sin embargo, aquel infortunio también tuvo su efecto catártico. Desde entonces, los estudios tuvieron que mirarse menos el ombligo y velar más por sus trabajadores. Como dijo un afamado productor, si antes en un plató se concentraban cien personas que creían que el realizador era Dios, a partir del desastre de En los Vic Morrow en el episodio Time Out. límites de la realidad comenzarían a temer a una deidad trucciones al piloto a través de la radio: “¡Más bajo! ¡Más bajo!”. superior: el fiscal del distrito.

Finalmente, todos fueron absueltos, si bien la productora, Steven Spielberg, no menos endiosado tras ET (1982), fue Warner Bros., fue multada por contratar de forma ilegal a los pequien puso en pie la adaptación para la gran pantalla de The queños y por hacerles trabajar fuera de las horas sindicadas.

Twilight Zone, la serie antológica creada por Rod Serling. Aquellas Desde entonces, los estudios renovaron sus manuales de segurihistorias desbordantes de imaginación y terror serían acometidas dad, hasta entonces poco más que atrezo. por cuatro realizadores que constituían la flor y nata del género El nombre de Spielberg nunca estuvo en tela de juicio. De hefantástico: el propio Spielberg, Joe Dante, George Miller y John cho, se distanció de Landis hasta el día de hoy, temeroso de que su Landis. Este último, que venía de anotarse un nuevo éxito con Un “mancha” le alcanzara. El realizador aún obtendría varios éxitos, hombre lobo americano en Londres (1981), era la sensación de como el revolucionario Thriller (1983) de Michael Jackson o El prínHollywood. Y, como tal, Spielberg le bendijo: Landis fue el único que cipe de Zamunda (1988), a la mayor gloria de Eddie Murphy. Pero gozó de un episodio original, escrito por él mismo. Se titulaba la desgracia de En los límites…, unida a su carácter megalómano, “Time Out” y versaba sobre un oficinista cuyo desprecio por negros hizo que paulatinamente fuera marginado de la industria. “La tragey judíos era castigado con un escalofriante viaje en el tiempo en el dia, en la cual pienso todos los días, tuvo un impacto enorme en mi que él mismo sufría el racismo en su piel: la Alemania nazi, el sur carrera y posiblemente nunca se recupere”, dijo en una entrevista estadounidense del Ku Klux Klan, Vietnam… Vic Morrow, rostro veen 1996. Efectivamente, no hubo olvido ni perdón. terano y popular por sus numerosas incursiones televisivas, encarJaime V. Echagüe naba al protagonista.

Los hechos ocurrieron a las 2.20 horas. Era la escena más espectacular. Entre grandes explosiones, Morrow cargaba con dos jovencísimos actores, Renee Shin-Yi Chen y Myca Dinh Le, de seis y siete años, que interpretaban a dos niños vietnamitas que huían de un bombardeo. Todo ello mientras un helicóptero sobrevolaba a unos siete metros.

“Debo de estar loco para hacer algo así. Debería haber pedido un doble”, había dicho Morrow poco antes. Una de las numerosas explosiones hizo que el piloto, veterano de Vietnam además, perdiera el control del aparato, de forma que cayó sobre los actores. Morrow y Myca fueron decapitados por las hélices, mientras que Renee pereció aplastado.

Comenzó un doloroso proceso judicial que abarcó varios años y en el que Landis y cuatro personas más fueron acusadas de homicidio involuntario. Se enfrentaban a media docena de años de prisión. Nunca antes un cineasta se había sentado ante el juez por una fatalidad.

Entre otros testimonios, los padres de los niños declararon que jamás fueron informados de que la escena incluiAccidente de helicóptero en el que fallecieron dos niños. ría explosivos reales. Uno incluso oyó a Landis dar ins-

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CINE EN CASA por Santiago de Bernardo

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First Love Todo por amor Thriller del siempre hiperactivo realizador Takashi Miike, que cuenta cómo un boxeador que no pasa por su mejor momento conoce a una chica, que ejerce la prostitución, de la que se enamora. Es el momento de redimirse y salvar la vida de la mujer que puede cambiar la suya para siempre.

Junto al filme está el tráiler, una galería de imágenes, una presentación del realizador, así como momentos de su estreno en el Festival de San Sebastián.

EXTRAS:

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Tenet ¿Qué esconde esa palabra?

La última superproducción de Christopher Nolan (Memento) se ha convertido en todo un símbolo del séptimo arte durante la pandemia, ya que ha sido el único gran blockbuster que se ha estrenado en salas, con más de 900.000

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espectadores y casi seis millones de euros en la taquilla española (y una recaudación global de casi 300 millones de euros), éxito que aumentará en vídeo en formato físico y en vídeo bajo demanda.

Este thriller de ciencia ficción con John David Washington, Robert Pattinson, Kenneth Branagh y Michael Caine es la historia de un agente secreto que se debe enfrentar a la más importante misión de su carrera, salvar al planeta de una posible Tercera Guerra Mundial, y la palabra Tenet es la clave en este osado reto.

Tenet sale a nuestro mercado en diferentes ediciones, en DVD, blu-ray (también en edición en caja metálica) o UHD, con un extra estrella, “Una nueva mirada hacia el mundo: el making of de Tenet”, el cómo se hizo en diferentes partes: hay espacio para la fotografía del filme o las impresiones del equipo por participar en una de las grandes películas del cine actual (con un argumento singular y enrevesado a la vez, pero pensado además para el gran público), sobre cómo fue desarrollada la compleja trama o cómo se rodó la escena de la colisión

del avión Boeing 747 o la épica batalla final y la manera en que participó en ella el equipo técnico y artístico. Además el director, Christopher Nolan, explica qué quería contar con este largometraje, dándole asimismo una nueva visión y perspectiva al cine de espías, igualmente habla del reparto y que aportó cada uno de los actores a su papel en Tenet, o lo esencial de la participación del compositor de la banda sonora Ludwig Göransson y de la montadora Jennifer Lame desde la preproducción hasta la posproducción, integra-

dos en todo momento en el proceso creativo como el propio Nolan (guionista y realizador). También se muestra el modo en que las ideas del cineasta llegaron a plasmarse en la pantalla conforme a sus pretensiones, y hay lugar para el trascendental trabajo de los especialistas, el rodaje en localizaciones de todo el mundo, la labor de diseño de vestuario de Jeffrey Kurland o el trabajo del diseñador de producción Nathan Crowley y su equipo en la creación de decorados.

Sin lugar a dudas, la película de 2020.

EXTRAS:

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Mr. Jones En busca de la verdad La directora Agnieszka Holland (El tercer milagro) es la responsable de esta producción que nos traslada a 1933, momento en que un periodista decide conocer la situación de Ucrania, que como parte de la URSS está gobernada por Stalin. Allí descubrirá que sus ciudadanos están pasando por una hambruna de la que apenas se tiene noticia en Occidente.

Se edita con el tráiler cinematográfico y una galería de imágenes.

EXTRAS:

CINE EN CASA

Pack sobre la Guerra Civil en el cine

Los nuevos mutantes

Cine español en guerra

Se basa en las historietas de la Marvel esta película (de compleja gestación) centrada en cinco jóvenes con poderes únicos que son sometidos a un tratamiento secreto en contra de sus deseos.

Se lanza con el tráiler, el teaser, escenas eliminadas del montaje cinematográfico, los reportajes “Orígenes e influencias” y “Conoce a los nuevos mutantes”, además de audiocomentarios del director Josh Boone y del dibujante que los llevó a lo más alto, el maestro Bill Sienkiewicz.

EXTRAS:

La Guerra Civil española ha sido inspiración para un buen número de largometrajes, y cinco de ellos se incluyen en esta recopilación en alta definición, que muestra la lucha de la España republicana contra Franco.

Las películas (con fichas, filmografía y galería de imágenes) son ¡Ay, Carmela! (1990), Libertarias (1996), La hora de los valientes (1998), Soldados de Salamina (2003) y Las Trece Rosas (2007).

EXTRAS:

Jóvenes héroes de Marvel

El huerto del Francés Una sencilla estrella de (digibook)

Un amigo extraordinario la televisión

El oscarizado Tom Hanks es Fred Rogers, más conocido como Míster Rogers, una de las grandes figuras de la PBS, la televisión pública estadounidense, que entabla amistad con un periodista al que le encargan escribir una biografía sobre esta leyenda de la pequeña pantalla.

Incluye comentarios en audio, escenas eliminadas y extendidas, tomas falsas y varios reportajes sobre cómo se hizo, con uno dedicado a Hanks y su personaje.

EXTRAS:

A la v

Nosferatu (Digibook) El primer Drácula Nosferatu (F. W. Murnau, 1922) vuelve en alta definición en una nueva edición libro, con 64 páginas de fotografías ta n e v a e información sobre este Al clásico y su restauración, en compañía de extras como los reportajes “Primeros años y Nosferatu”, “Murnau: primeras películas” y otros sobre los vampiros o la novela de Bram Stoker que la inspiró.

Todo comienza con un hombre que va a Transilvania a hacer negocios, resultando ser su cliente un vampiro.

EXTRAS:

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Un clásico de Paul Naschy Tras su triunfal proyección en Sitges 2020 se edita (restaurada y en alta definición) una de las grandes películas de Paul Naschy, que se basa en unos horrendos crímenes acontecidos en la Sevilla de principios del siglo XX por dos auténticos asesinos en serie.

Esta edición en libro tiene imágenes, documentos inéditos y textos de su hijo, Sergio Molina, una charla con Naschy, galerías de imágenes o el guion planificado del rodaje.

EXTRAS:

enta

A la v

Trilogía El señor de los anillos: versión extendida ESDLA en 4K ESDLA de Peter Jackson llega a UHD en 2 dic estuche metálico, con un total de nueve discos, pero sin extras, que seguramente se reservarán para futuras ediciones.

El pack incluye El señor de los anillos: la comunidad del anillo (versión cines y extendida), El señor de los anillos: las dos torres (versión cines y extendida) y El señor de los anillos: el retorno del rey (versión cines y extendida), en una edición remasterizada por el director.

De interés para los fans de la saga.

EXTRAS:

enta

Voces

The Beast

El secreto de la casa

Al otro lado de la ley

Un matrimonio y su hijo van a iniciar una nueva vida en la conocida como “la Casa de las Voces”. No tardarán los diferentes miembros de la familia en saber por qué la denominan de esa manera.

Los extras consisten en el cómo se hizo, el corto Cariño del director Ángel Gómez, una escena eliminada, el tráiler, el teaser, así como featurettes acerca de los ensayos, los efectos visuales o la banda sonora.

Rodolfo Sancho al frente de este inquietante largometraje.

EXTRAS:

Se inspira en el excelente thriller galo Asuntos pendientes este largometraje en el que una niña aparece muerta sin las extremidades, caso que recae en dos investigadores rivales. La tensión entre ambos irá a más cuando uno de ellos detenga al presunto culpable, su compañero lo ponga en duda, e incluso posteriormente el primero tenga conocimiento de que el asesino puede ser en realidad otro.

Contiene el tráiler cinematográfico y una galería de imágenes.

EXTRAS:

Trilogía El hobbit: versión extendida La saga remasterizada Se edita en UHD y en estuche metálico la trilogía de El hobbit, con El hobbit: un viaje inespe2 dic rado, El hobbit: la desolación de Smaug y El hobbit: la batalla de los cinco ejércitos.

El pack está compuesto por un total de seis discos con la versión extendida de cada una de las películas, además de la versión para cines, todas remasterizadas bajo la supervisión del propio Peter Jackson.

Eso sí, curiosamente, no presenta extra alguno.

EXTRAS:

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Desde el pasado 10 de noviembre podéis disfrutar en Calle 13 y posteriormente en VOD de Interrogation, una de la series más interesantes y rompedoras de los últimos tiempos, porque no solo tiene un sensacional reparto lleno de algunos nombres tan brillantes como Peter Sarsgaard, Kyle Gallner, David Strathairn, Kodi-Smit McPhee o Vincent D’Onofrio son quienes ponen rostro a esta historia basada en hechos reales, que además tiene un componente interactivo que hace más que importante el aspecto de video on demand de la serie. Porque para verla también hay que querer jugar a ser detective e intentar descubrir qué sucedió realmente… nterrogation es una serie que nos permite ser parte del juego del gato y del ratón. Una idea más que interesante que el servicio streaming de CBS All Access, la casa de series como Star Trek Discovery, que propuso un juego con sus espectadores que analizaremos en breve y que pretendía llevar la televisión un paso más allá haciendo que el espectador no fuese solo espectador, valga la redundancia. Que sea partícipe en su sofá y pueda tomar sus propias decisiones. Porque esta historia, aunque con nombres ficticios, está basada en una historia real, la de Bruce Lisker, un hombre que con 17 años fue acusado de asesinar brutalmente a su madrastra. La historia y los nombres cambian levemente, pero el espíritu de la historia se mantiene porque, como nos cuentan desde el primer momento, este caso real nunca fue resuelto. Este hombre, este caso, pasa a ser el núcleo, el alma de una serie que tiene muchos elementos para ser un proyecto imprescindible de 2020. Aunque, por desgracia, la serie ha sido cancelada hace apenas unos días en Estados Unidos en CBS All Access, lo que no es una buena noticia. Merecía mejor suerte, pero por ahora podemos disfrutar de estos diez episodios que conforman una primera temporada con muchos elementos reconocibles, sin duda. La clave no es si la serie tiene una historia

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nueva, sino la forma que tiene de contarla y que Calle 13 nos acerca a nuestras casas desde este pasado 10 de noviembre. Hay que dejarse llevar por el juego.

La serie nace de dos guionistas, uno de ellos con pedigrí en Hollywood, de esos que no se olvidan fácilmente. John Mankiewicz es el cocreador de la serie y es el nieto de Herman Mankiewicz, el escritor de Ciudadano Kane y el protagonista de la historia de la nueva película de David Fincher ni más ni menos. Pero además es guionista que comenzó trabajando en series míticas como Corrupción en Miami o Canción triste de Hill Street, pasando por otras como House, House of Cards o Bosch, antes de lanzarse a este proyecto de la mano de Anders Weidemann, el otro creador. Un guionista sueco que ha participado en muchas series que no han llegado a nuestro país y que con Interrogation dio el salto a Hollywood.

Ellos son los responsables de dar forma a la historia de Eric Fisher.

Y además, con mucho sentido, la historia, que se cuenta a lo largo de más de 20 años, se divide en dos partes. La primera, lo que sucede antes del cambio de siglo, en las décadas de los ochenta y los noventa, con esos episodios dirigidos por Ernest Dickerson, y lo que llega a partir del año 2000 de la mano del director Patrick

Cady. Como si se tratase de dos unidades narrativas totalmente diferenciadas. Algo que ayuda en la intención de la serie. ¿Quién es Eric Fisher? Ese es el punto de partida. Fisher (Kyle Gallner, no creo que los fans de Veronica Mars le olviden) es un joven algo problemático, al que sus padres han echado de casa y malvive con sus problemas y sus adicciones que él asegura pasadas. Cuando llega a visitar a sus padres encuentra a su madre muerta en el suelo. A partir de ese momento, su pesadilla comienza cuando es acusado de su asesinato. El interrogatorio con el detective David Russell (Peter Sarsgaard) será el principio, ante la mirada de su padre (David Strathairn). Mientras eso sucede descubrimos la vida de Fisher junto a su amigo Chris (Kodi Smit-McPhee) y la presencia de Trey Carano (Ebon Moss-Bachrach). Según avancen los años y el caso se vuelva mucho más complejo, la culpabilidad de Fisher será puesta en duda de la mano de dos policías, el sargento Lynch (Vincent D’Onofrio) y el detective Chen (Tim Chiou). ¿Será suficiente para sacar la verdad a la luz? Es más… ¿Cuál es la verdad? Por supuesto, aquí no vamos a hacer spoilers de la serie. Esa es la trama inicial de un drama que por momentos recuerda a Criminal, con cada episodio teniendo como punto de partida un interrogatorio, una fecha. Lo que sucede entre esas cuatro paredes irá componiendo un cuadro, un distinto enfoque para la historia. Pero al mismo tiempo tiene ese elemento tan peculiar, cercano a True Detective por ejemplo, de ver a los personajes, y el caso, evolucionar a lo largo de más de dos décadas hasta descubrir la verdad. Si es que esa verdad está al alcance de la mano.

A estas alturas, ustedes podrían preguntarse dónde está el juego al que antes hacía referencia. Es sencillo y a la vez no lo es, porque Interrogation no es una serie como las demás. La serie fue presentada en CBS All Access en streaming con sus primeros nueve episodios de golpe, para lanzar posteriormente el décimo y último. El motivo es que el orden de los episodios no es importante.

Solo deben ver en orden el primero y el último. El piloto nos presenta la historia, los personajes y lo que va a suceder desde el primer interrogatorio. Y avisa al espectador de que es libre de explorar la serie como desee. Que se zambulla en esos ocho episodios de la forma en que desee hacerlo. El orden no importa, lo que importa es tratar de descubrir qué ha sucedido realmente y para hacerlo debemos ser nosotros los detectives. Hay que observar cada testimonio, cada pista… Quizá en el episodio 6 aparezca una clave que hará más evidente lo que pasó en el interrogatorio del 4, por lo que podremos ir adelante y atrás en el tiempo, revisando esos episodios como quien revisa pistas, hasta que llegamos a la conclusión. Al último episodio. ¿Estaremos en lo cierto? ¿Habremos desentrañado el caso? ¿Mató Eric Fisher a su madre? Y si no, ¿quién lo hizo? Con un reparto tan espectacular como este y esa premisa, dan ganas de descubrirlo y podemos hacerlo desde el 10 de noviembre en Calle 13.

Sara Martín

Peter Sarsgaard da vida a un policía dispuesto a lo que sea por descubrir la verdad que esconde el joven Eric

Un joven al que da vida Kyle Gallner y que tiene unas amistades ciertamente peculiares y ligadas a sus adicciones.pie Una sala de interrogatorios será el lugar donde se decida todo. Frente a frente acusado y policía en un juego que puede dar cualquier resultado.

La serie nos propone ver los episodios en el orden que deseemos, para intentar desentrañar el misterio y saber dónde reside la verdad.

DES El próximo 29 de noviembre, StarzPlay estrena en nuestro país la miniserie Des, que está protagonizada por uno de los actores más respetados de los últimos años en el Reino Unido, especialmente en televisión, David Tennant. Basada en una historia real, la serie relata en tres episodios la historia de uno de los personajes más terribles de las páginas de sucesos británicas en los años setenta.

Un asesino que dejó helada a la opinión pública y al que da vida Tennant. La miniserie está basada en el libro de Brian Masters, que también es uno de los personajes centrales de la historia.

Des analiza el caso real del asesino en serie Dennis Nilsen, quien operó en Londres desde 1978 a 1983.

La policía encontrará a Nilsen, conocido por todos como Des, casi por casualidad, sin saber que eso dará inicio a un descubrimiento terrible.

ay algo de aroma a ya conocido en Des, pero justo ese aroma, ese aire común a cualquier seguidor de series de televisión, es lo que hace la miniserie uno de los ejemplos más brillantes de la televisión reciente, estrenado en ITV recientemente y que por fin nos llega a nuestro país de la mano de StarzPlay el próximo 29 de noviembre. Ese aire, ese territorio común tiene que ver con el talento británico para contar este tipo de historias, para dedicarse en cuerpo y alma al thriller policiaco como muy pocas filmografías en el mundo del cine o la televisión han conseguido hacerlo.

Muchas veces hace años era gracias a sus guiones y su reparto, sin lugar a dudas. Pero de un tiempo a esta parte, con el paso adelante que han dado las series en todo el mundo en lo que respecta a lo visual, en la actualidad pueden competir cuerpo a cuerpo con cualquier, o casi cualquier producción cinematográfica. Sobre todo en un género así, donde el presupuesto puede controlarse y no se necesita un exceso de efectos visuales. Eso ha llevado a ITV a realizar esta serie, la novena en una serie de miniseries que analizan algunos de los crímenes y criminales más conocidos del Reino Unido, algo que comenzaron en 2000 con This Is Personal: The Hunt for the Yorkshire Ripper y que encuentra en esta miniserie su novena entrega, a lo largo de 20 años. Y quizá la mejor de todas ellas, la verdad.

En este caso, tengan en cuenta que nos enfrentamos a un caso real, reflejado en los periódicos y en los medios de su época, además de en un libro que recopila por parte de Brian Masters, no solo todos los hechos acontecidos, sino muchas horas de charlas con el acusado, Dennis Nilsen. Así que no vamos a avisar de spoilers concretos, pero sí les pedimos que si no han estudiado el caso o visto la serie, si desconocen los hechos, es el momento de parar de leer y esperar a que vean la miniserie. Están todos avisados, sean conscientes una vez que sigan leyendo. Luke Neal, un actor no por muchos conocido, honestamente, acomete aquí su primer trabajo como creador televisivo, adaptando el libro de Brian Masters Killing for Company, que parte de esas charlas y esa revisión de los hechos que hemos mencionado y que la serie también refleja. El director de toda la miniserie es Lewis Arnold, con una carrera más que interesante a sus espaldas, donde destacan nombres como Misfits, Humans o Broadchurch, donde coincidió con el protagonista de la serie, David Tennant. Un Tennant en la piel de Dennis Nilsen, Des para sus conocidos, un tipo que asesinó a un mínimo de doce hombres entre 1978 y 1983 en el distrito de North London y que fue bautizado por los medios como el asesino de Muswell Hill, donde cometió sus últimos asesinatos. Los crímenes fueron particularmente crueles por lo que el asesino hacía con sus cadáveres después de asesinarlos.

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Des entablará una relación con el escritor Brian Masters, quien en la vida real también escribió la historia del asesino.

Un policía, Peter Jay, interpretado maravillosamente por el actor Daniel Mays, encuentra casi por casualidad a Dennis Nilsen, quien le recibe en su casa tras una llamada muy peculiar. Allí Nilsen asegura que los restos que producen un terrible olor, son humanos y que es un cadáver que lleva tiempo pudriéndose y que él mismo ha asesinado. No conforme con eso, Nilsen asegura que hay más, al menos quince o dieciséis, acumulados a lo largo y ancho de su hogar y del pequeño patio de la vecindad. Sin pasión ni intentando esconder los hechos, Nilsen confiesa que es el asesino de todos ellos, aunque aún es pronto para descubrirlo o para acusarle de todo ello. Porque antes deben conseguir que el asesino dé un nombre, solo uno, identificando a una víctima que les haga poder acusarle formalmente y comenzar una investigación a fondo que, además, sirva para descubrir todos los nombres. Si es que realmente hay cadáveres en la localización y no se lo ha inventado todo. Porque detrás de la mirada fría y desapasionada de Des se esconde un calculador personaje que parece saber muy bien lo que está haciendo, y a quien no parece importarle las consecuencias. Lo que hizo lo hizo por una necesidad que no comprende y espera que le ayuden a entenderlo. O quizá su juego sea otro. Sobre todo cuando entra en juego la presencia del escritor Brian Masters (Jason Watkins), empeñado en contar la historia de Des y reflejarla en un libro.

Como con la maravillosa trilogía Red Riding, donde muchos descubrimos a Andrew Garfield, y que analizaba un plazo de tiempo similar en la misma época, Des no solo quiere contar la historia de un asesino en serie, sino analizar una era, una época de cambios para Reino Unido en la que miles de jóvenes sin empleo y con muchos problemas llegaban a la capital buscando un futuro mejor, sin darse cuenta de que en la capital solo les aguardaba más miseria y problemas de los que pensaban, y un futuro nada prometedor.

Una situación de éxodo hacia Londres que hizo de la ciudad un lugar con más crimen, más gente sin hogar y más drogas. Justo aquello de lo que esos jóvenes huían y que sirvió para que Des encontrase un espacio en el que moverse con aparente tranquilidad y sin que la policía supiese nada de él o de sus actos. Para que la serie funcione, con todo lo que hemos mencionado, el reparto debe hacerlo. Daniel Mays, como decíamos, está maravilloso en su papel de policía atado muchas veces de pies y manos para hacer su trabajo, al igual que ese escritor (cuánto nos vamos a acordar de Mindhunter también viendo esta serie) que quiere acercarse al fuego sin quemarse con el rostro de Jason Watkins. Ron Cook, Barry Ward…, todos magníficos. Pero la labor de David Tennant es simplemente portentosa. Alejado de todo histrionismo, bebiéndose la personalidad de Dennis Nilsen y convirtiéndose en él, el intérprete demuestra una vez más que es uno de los mejores actores de su generación. Motivos para ver Des hay muchos, muchísimos.

David Tennant es uno de los principales, sin duda. Todo un espectáculo que podremos disfrutar desde el 29 de noviembre en StarzPlay.

Jesús Usero TRÁILER: http://youtu.be/j87I4pm8Cck David Tennant demuestra una vez más su talento metiéndose en la piel de un personaje tan siniestro como éste.

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El reparto nos habla de

30 monedas

0 monedas es una producción Pokeepsie Films (el sello de Álex de la Iglesia y Carolina Bang) para HBO Europe, y se ha convertido en el gran acontecimiento entre las series producidas en nuestro país (con vistas al mercado internacional) para las plataformas digitales de vídeo bajo demanda, y que en España estrena HBO España. Compuesta la primera temporada de ocho capítulos (todos de 60 minutos, salvo el primero un poco más largo), se espera que haya más temporadas, especialmente si se tiene en cuenta que se ha convertido en una de las series más esperadas del mundo. Álex de la Iglesia (Acción mutante, El día de la bestia) toma, para llevarla a su terreno, la leyenda bíblica de cómo uno de los doce discípulos de Jesús, Judas Iscariote, le traicionó por 30 monedas de plata, cuya búsqueda y obtención es parte de la trama de esta producción para vídeo bajo demanda, con terror, suspense y ciertas dosis de comedia. Y es que no es casualidad que en un pequeño pueblo de Castilla y León se haya instalado el padre Vergara (Eduard Fernández) un sacerdote exboxeador que anteriormente ejercía de exorcista para el Vaticano, cuyo último ritual terminó trágicamente y que ahora se encuentra en esta suerte de exilio en una parroquia casi perdida, en cuya

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iglesia esconde armamento suficiente para montar una guerra por su cuenta. Porque el padre Vergara tiene algún plan relacionado con la batalla por el control de las 30 monedas de Judas, pero eso no lo conocen ni sus feligreses.

Es a los habitantes de Pedraza a los que se les irá revelando la verdad de esta suerte de conspiración internacional tras el nacimiento de un extraño niño (que crece de manera inusual) surgido del vientre de una vaca. De este hecho es testigo la veterinaria Elena, interpretada por Megan Montaner, que considera que su personaje, inquieto y dispuesto a todo para conocer la verdad y que trata de superar la ausencia de su esposo, lo es gracias a un guion con “los personajes detallados y definidos”, lo que le ha permitido desarrollar a ese personaje un tanto inconformista siempre dispuesto a actuar y que no cree que se manipuló el nacimiento de la res cuando ella no estaba delante y se sustituyó a un ternero por un bebé. Para Montaner, que ha trabajado tanto dentro de España como fuera de ella, en lo referente a 30 monedas, la posible diferencia de producción y manera de trabajar en nuestro país o en el extranjero es inexistente, puesto que “la finalidad es la misma y el funcionamiento es el mismo, porque el trabajo es también igual, por mi experiencia trabajando en Italia”. Y “menos mal que no

Un hombre entra en un banco suizo y dispara a todo aquel que se le pone por delante antes de hacerse con el contenido de una caja de seguridad. No mucho después en la localidad segoviana de Pedraza, una vaca está a punto de parir, para lo que cuenta con la ayuda de una veterinaria, Elena (Megan Montaner), testigo del extraño alumbramiento de un niño. Ante este excepcional suceso, su alcalde, Paco (Miguel Ángel Silvestre) intenta hacerse cargo de la situación, sin imaginar que todo va a cambiar (y para siempre) para los habitantes de su pueblo. Acerca de 30 monedas pudimos charlar en Sitges 2020 con los actores Megan Montaner, Miguel Ángel Silvestre, Macarena Gómez y Pepón Nieto.

30 Monedas se estrena el próximo 29 de Noviembre en HBO

lo hizo”, agradeciendo a Álex de la Iglesia que no rodara la serie en inglés, pensando en la amplia y global difusión internacional de 30 monedas, ya que hubiera sido un hándicap para ella.

Para su compañero de reparto Miguel Ángel Silvestre, que encarna a Paco, el alcalde, con experiencia en el audiovisual estadounidense, no hubiera sido mayor problema el trabajar en 30 monedas en la lengua de Shakespeare, aunque considera que es en castellano “por amor a nuestro idioma y porque hoy el español está conquistando el mundo y actualmente las plataformas doblan sus contenidos y gracias a ellas esta serie la van a ver en todos los idiomas, lo que abre muchísimas fronteras. Y es que para un director lo mismo que para un actor le da mucha más seguridad, creatividad y libertad trabajar en su propia lengua” como es el caso del equipo técnico y artístico de la serie.

En lo referente a su papel, “su personaje cumple también una función con respecto al universo costumbrista de Álex. Es el alcalde de un pueblo de algo más de cien habitantes, que no es especialmente inteligente y está ahí colocado por su mujer”, entrando de esta manera dentro de los personajes singulares tan habituales en la filmografía del realizador vasco. En 30 monedas, Paco tiene que compatibilizar su labor como empresario con la presión de su esposa, Merche (Macarena

Gómez), y sus obligaciones políticas y sociales con sus vecinos (y votantes). Y puesto que es la principal autoridad de Pedraza, se ve obligado a intentar resolver el enigma del niño alumbrado de una vaca y de que sea cuidado por una vecina, Carmen (Carmen Machi), o de comprender el motivo de los singulares acontecimientos que suceden en su pueblo (en el que no suele pasar casi nada de interés), donde últimamente lo mismo un joven se suicida desde lo alto de la iglesia (tras intentar asesinar al recién nacido), que Carmen, muy preocupada por la salud del niño que acoge, mata a su marido y debe ser abatida finalmente por las fuerzas del orden, y eso es solo el comienzo de lo que se le viene encima. Y Silvestre coincide con Montaner en lo referente a la manera de trabajar actualmente, porque “no hay ninguna diferencia, hoy en día todo es muy global y gracias a las plataformas empiezan a existir los mismos medios en todos los países, y esta serie, 30 monedas, es un ejemplo de ello”, ya que “HBO le dio económicamente a Álex la posibilidad de hacer algo muy grande y él supo cómo ejecutarlo y así no tiene nada que envidiar a cualquier otra producción.”

Eso sí, ambos, Montaner y Silvestre, están de acuerdo en la nueva normalidad en los rodajes, puesto que hay muchas medidas de seguridad, y Silvestre confirma “que en lo que respecta a

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Miguel Ángel Silvestre

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la incomodad de trabajar ahora mismo, considero que no es tanta y a mí por ejemplo me hacen una prueba PCR cada tres días, con lo que yo sé que tenemos una cierta seguridad a la hora de rodar, y es que no hay otra manera de hacerlo. Pero muchas veces me pregunto cuándo dejará de ser normal que en las películas no haya gente con mascarilla, porque ya es una realidad”, algo que apoya Montaner: “Si esto no pasa pronto, debería de ser así”.

Ambos, que son de provincias (Montaner de Huesca y Silvestre de Benicàssim, en Castellón), nos recordaron cómo fue dar el salto para convertirse en actores: Montaner considera “que salir de tu zona de confort siempre es un aprendizaje y enfrentarte a un reto. En Madrid, en mi caso, lo llevé bien, no tuve demasiados problemas de adaptación. Aunque ahora sí que echo de menos mi tierra, las raíces, un lugar tranquilo, donde tienes la familia, los amigos…

Madrid es el caos”. Mientras Silvestre comparte la misma opinión, “yo llegué a Madrid con muchísima ilusión para conseguir entrar en esta profesión y no me costó en absoluto, me adapté muy bien a la ciudad, a la capital, pero ahora mi intención es volver al sitio de donde yo soy, Benicàssim, estar allí con mis amigos de toda la vida, mi familia e ir compaginándolo con el trabajo, y es que es lo bueno de esta profesión, te hace viajar mucho y cuando tienes tiempo libre puedes volver a estar con los tuyos.”

Megan Montaner y Miguel Ángel Silvestre

En lo que respecta a la incomodad de trabajar ahora mismo, considero que no es tanta y a mí por ejemplo me hacen una prueba PCR cada tres días, con lo que yo sé que tenemos una cierta seguridad a la hora de rodar, y es que no hay otra manera de hacerlo. Pero muchas veces me pregunto cuándo dejará de ser normal que en las películas no haya gente con mascarilla, porque ya es una realidad.

Miguel Ángel Silvestre

Y en 30 monedas la que lleva el mando de la empresa familiar que dirige Paco es su esposa Merche, que personifica Macarena Gómez, que está contenta de volver gracias a 30 monedas a hacer fantástico (con el que inició su carrera en 2001 con Dagon: la secta del mar de Stuart Gordon), un género que le “gusta muchísimo, especialmente el cine de terror, porque te permite vivir experiencias tan ajenas a la realidad, y es que en tu vida cotidiana no te sucederían este tipo de sucesos terroríficos, por eso me divierte hacerlo.” Aunque en su caso, destaca que el lugar de la acción de 30 monedas no sea una gran ciudad de nuestra geografía, sino un pueblecito perdido, en el que es Merche, un personaje nada fantástico: “Lo bonito y lo rico de esta serie es que es un thriller de terror que ocurre en un pueblo de Castilla y León, en Segovia, en Pedraza y allí soy una persona bien de un pueblo, empresaria, con la cual se puede sentir identificada mucha gente”. Para este papel de alcaldesa en la sombra y empresaria a partes iguales, Macarena no tuvo muchos problemas para adaptarse, ya que todo estaba bien claro en la historia de Álex y de Jorge Guerricaechevarría, y es que “cuando tienes un buen guion y el personaje está bien definido sobre el papel, uno como actor no tiene que hacer mucho más.

Para mí, igual era más un reto encontrar el movimiento físico o cómo era el aspecto del personaje”.

Macarena ya ha colaborado previamente con Álex de la Iglesia en Las brujas de Zugarramurdi, lo mismo que Pepón Nieto (en Perfectos desconocidos o Mi gran noche), muy contento de “volver a trabajar con un director que nos encanta y que nos regala de cuando en cuando estas historias, haciendo una serie como si fuera cine. Rodando ocho capítulos como si fueran cinco películas a lo largo de seis meses de una forma muy intensa, pero siendo cine, nunca se trabaja con multicámara, sino plano a plano”, no como se hace con las series televisivas al uso. Y es que según Macarena, “hoy en día no hay tanta diferencia entre cine y televisión, aunque es cierto que sí existe con ciertas series, como con La que se avecina, porque es comedia y se necesita grabarla de una forma determinada por el tipo de género que es”.

Para Pepón, “esta es una superproducción de HBO, una serie importante para los presupuestos que se manejan en España en cualquier serie”. Sobre los personajes, Nieto confirma que los guiones son muy minuciosos, material del que parte el actor para construir su personaje, guiado posteriormente por Álex de la Iglesia, que es también autor de la historia junto con Guerricaechevarría, ambos siempre en el rodaje cada día. Y es para él “esta comunión entre actor, director, autores y el equipo técnico lo que permite la construcción perfecta de un personaje y de la historia”.

Pepón Nieto interpreta a un miembro de la Guardia Civil, el sargento Laguna, que intenta

30monedas encontrar alguna lógica a lo que va sucediendo y que se ve incluso obligado por las circunstancias a disparar a una vecina del pueblo, Carmen (Carmen Machi, con la que ha coincidido recientemente en Un efecto óptico), cuando seguramente los únicos disparos que han salido de su arma han sido durante su época de instrucción en la Academia de Guardias de la Guardia Civil. Y matarla ha sido muy divertido para él, “nos reímos mucho ambos”, también cuando después de ser acribillada ella revive. Y es que el uso de armas (en la ficción) no es raro para Pepón, que ha interpretado a muchos policías (como en Los hombres de Paco, serie que ya está de vuelta), por lo que es habitual para él “tirar de pistola…, aunque no sé por qué mis personajes están tan relacionados con la ley, cuando yo estoy tan al margen”. Para Pepón, asimismo, “el gran hallazgo de la serie es coger una trama tan grande, con rodaje en varios países, para que luego todo lo que pasa se centre en un pueblecito, donde uno como espectador se identifica con cualquiera de los personajes. Y toda esa historia aparentemente tan alejada de nosotros se convierte en una muy cercana, y ese es uno de los hallazgos de 30 monedas, con ese terror rural de Álex de la Iglesia”.

La idea de 30 monedas se la propuso De la Iglesia a HBO en el año 2017, tras cerca de un lustro trabajando en el proyecto este y su inseparable coguionista Jorge Guerricaechevarría.

Tras una colaboración intensa con Steve Matthews, que está a cargo del desarrollo de HBO Europa, se inició un rodaje internacional en ciudades como Ginebra (donde se grabó la secuencia inicial del banco), además de Roma, París, Nueva York o Jerusalén, y en España, en Toledo, Ciudad Real, Segovia, Salamanca o Almería, entre otros sitios, todo en un plan de grabación que abarcó más de veinticinco semanas en localizaciones como palacios, bibliotecas, iglesias, claustros universitarios o túneles. Para 30 monedas, además de Megan Montaner, Miguel Ángel Silvestre, Macarena Gómez, Pepón Nieto o Eduard Fernández, Carmen Machi o Mafalda Carbonell en la parte actoral, De la Iglesia se ha vuelto a rodear de compañeros imprescindibles en su carrera como cineasta; este es el caso de los diseñadores de producción Biaffra y José Luis Arrizabalaga, aparte de su imprescindible Jorge Guerricaechevarría, con el que construye los guiones, sin olvidar al resto del equipo en el que está Pablo Rosso ([REC]) como director de fotografía, o Roque Baños (El maquinista) en la composición de la banda sonora. Tras su paso en pantalla grande por el Festival Internacional de Cine de Venecia y Sitges 2020–Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, el destino de 30 monedas es la plataforma digital HBO España.

TRÁILER: http://youtu.be/X6pVvX3aAMU Santiago De Bernardo

Pepón Nieto

Megan Montaner y Miguel Ángel Silvestre Macarena Gómez y Miguel Ángel Silvestre

ENTREVISTA

Álex de la Iglesia nos habla de 30 Monedas El director de los filmes fantásticos Acción mutante, El día de la bestia, Películas para no dormir: la habitación del niño y Las brujas de Zugarramurdi o de la serie Plutón B. R. B. Nero, Álex de la Iglesia, regresa de nuevo al género con la serie para HBO 30 monedas, de la que habló en Sitges 2020. Y ya prepara el primer título de la antología de películas de terror The Fear Collection, cuya primera entrega, que dirigirá él mismo, Veneciafrenia, trata sobre unos turistas españoles en problemas dentro de la ciudad de los canales, a la que seguirán otras de los realizadores Jaume Balagueró, Paula Ortiz o Carlos Therón.

0 monedas es la producción más ambiciosa en la que ha trabajado hasta ahora y sobre ella Álex de la Iglesia es claro: “Ha quedado como una película, porque el concepto y el desarrollo era crear una serie compuesta de pequeñas películas, como parte de una historia, de un conjunto”. Y es que se trata “de una trama general en la que se va revelando una especie de complot internacional, algo que está sucediendo en todo el mundo y de pronto los personajes que conocemos son los que viven en Pedraza y son ellos los que poco a poco lo van descubriendo”.

Gracias a la plataforma digital HBO ha podido contar a lo largo de ocho capítulos una historia que tenía en la cabeza desde la época de El día de la bestia, en la que es un elemento fundamental el padre Vergara (Eduard Fernández), un sacerdote al que se va descubriendo conforme avanza la serie, desentrañando finalmente el motivo por el que se encuentra en este remoto pueblo segoviano.

Según De la Iglesia, cada episodio de la serie tiene su entidad, su estructura, lo mismo que la serie en su conjunto, con una complejidad a la que nunca había enfrentado previamente, ya que él hasta ahora era director de largometrajes (su mayor acercamiento a la pequeña pantalla fue con la mezcla de comedia y ciencia ficción Plutón B. R. B. Nero), sin embargo, ha disfrutado y mucho de 30 monedas gracias a la estrecha colaboración con Steve Matthews, director de contenidos de HBO en Europa. Eso sí, promete que la mezcla de terror, thriller, comedia negra y costumbrismo con la que arranca 30 monedas se mantiene a lo largo de toda la serie, aunque esta y su historia va ennegreciéndose, cobrando paulatinamente un aspecto más siniestro y terrorífico conforme avanzan los episodios.

Quizá pueda sorprender el hecho de que la localidad segoviana de Pedraza sea importante en la trama, que también transcurre en urbes tan importantes como Nueva York, Roma, Ginebra o Jerusalén, como que los personajes protagonistas vivan en ese entorno, incapaces de entender por qué se les está escapando el control de una situación que les ha sobrevenido por estar en el momento y lugar inadecuado. Álex dice acerca de 30 monedas estar “muy contento porque se mantiene el ritmo, va a más y los dos últimos episodios son de lo mejor que he hecho en mi vida. Parece algo pequeñita, muy rural, presentamos al personaje de la veterinaria (Elena), que es clave, cuyo

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ALEX DE LA IGLESIA marido ha desaparecido y se irán descubriendo hechos que han sucedido antes y que resultan extrañas”. Y también está “el cura que viene de ser un exorcista en Roma y que no sabes si es bueno o es malo o sus verdaderas intenciones y da la sensación de que les está mintiendo a sus convecinos o al menos no cuenta todo lo que sabe”. Y sobre Eduard Fernández: “Es perfecto para este papel. Porque si no es el mejor actor de España, está entre los cinco mejores, y es absolutamente alucinante el trabajo que hace. Porque te hace creer algo increíble y cómo maneja el cuerpo, la voz. Consigue en ocasiones ese punto de superhéroe”. El padre Vergara es capaz de transformarse en un párroco duro, fuerte, una vuelta de tuerca de lo que fue en su

día el cura de El día de la bestia, aunque con un punto más sombrío que este y que se hace más negro y terrible conforme avanza la serie. Y qué decir del sargento Laguna (Pepón Nieto), que “un sargento de la Guardia Civil de Castilla y León salve al mundo eso es algo que a mí me gustaría ver”.

Acerca del proceso de gestación del proyecto, aunque tiene el origen varios lustros atrás, y tras un tiempo de desarrollo del guion al alimón entre Álex de la Iglesia y Jorge Guerricaechevarría de entre cuatro y cinco años, fue en 2017 cuando se pudo iniciar realmente su producción con HBO, y concretamente de la mano de Steve Matthews, un experto en series y con una visión global que dio pistas al dúo creativo para que su historia permitiera, por ejemplo, desarrollar a los personajes a lo largo de los capítulos, comenzando todo con un suceso singular, una vaca que pare un niño y que es solamente parte de un intriga mundial de consecuencias imprevisibles.

Quienes vean 30 monedas percibirán de manera inmediata la influencia del escritor H. P. Lovecraft en su argumento, un autor que ya ha sido trasladado a la pantalla por otros y del que De la Iglesia tiene claro que en algún momento de su carrera adaptará una de sus obras: En las montañas de la locura no es posible, ya que la acabará rodando algún día Guillermo del Toro, y The Colour Out of Space, tampoco, ya que cuenta con una reciente versión cinematográfica (y previamente con otras como El monstruo del terror o Granja maldita), que le ha encantado a Álex, dirigida por Richard Stanley (Hardware: programado para matar), con el que ha colaborado en varios interesantes proyectos que no han llegado a ver la luz. Sí le gustaría llevar a la pantalla otros relatos de Lovecraft como La habitación cerrada u Hongos de Yuggoth; no obstante, el tiempo dirá si es posible. También hay en 30 monedas influencias del cine de Larry Cohen (Estoy vivo) o de John Carpenter y concretamente de La Cosa (una de las películas de terror favoritas de Álex junto con Alien, el octavo pasajero de Ridley Scott) y es inevitable contar asimismo como referencia (especialmente para el padre Vergara) con El exorcista de William Friedkin, una de las películas de horror más taquilleras de todos los tiempos, y que causó una honda conmoción en Álex cuando la vio por primera vez. Álex considera que el tema de la religión cristiana (especialmente la católica) y todo lo que la rodea, el bien, el mal, Dios, Satanás, han sido tratados (y mucho) por cinematografías de países anglosajones (en su mayoría) protestantes, mientras que en la católica España y precisamente por eso, por no ser la religión algo ajeno a nuestra cultura y a nuestro día a día, no se ha explotado lo suficiente, a pesar de tener a fuentes de inspiración tan aterradoras como la temible Santa Inquisición. De la Iglesia, que se considera (como una parte de los españoles) católico no practicante, cree que la religión católica con ritos como el de la comunión o la confesión, o que sea de las pocas religiones que ama al pecador (al que está dispuesta a perdonar), le ha influido en gran manera, ya lo hizo en El día de la bestia, y ahora en mayor grado en 30 monedas.

Y para que nadie se quede con ganas de más 30 monedas, Álex de la Iglesia, siempre inmerso en nuevos proyectos, como la antología de filmes de horror The Fear Collection, ya está trabajando en cómo podría ser su segunda temporada.

Santiago De Bernardo

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ENTREVISTA

Eduard Fernández nos habla de 30 Monedas Es uno de los actores más premiados de nuestro cine, con tres Goya en su haber. Considerado uno de los mejores actores de España, se enfrenta a uno de los mayores retos de su carrera en la serie de HBO 30 monedas de Álex de la Iglesia, con el que ya está esperando volver a interpretar al padre Vergara en la segunda temporada, y de paso y si le dejan, nos asegura que retornará a los escenarios de los teatros con un monólogo. ¿Quién es el padre Vergara en 30 monedas y qué oculta a sus convecinos de Pedraza?

Eso no se sabe. Hay que ir descubriendo qué pasado esconde el padre Vergara, algo sobre lo que los vecinos siempre sospechan. Es alguien que tiene un pasado oscuro y sobre él me dijo Álex: “Te voy a ofrecer un personaje que nadie te ofrecería”. Para preparar el papel tuve una preparación física importante, ya que es un cura que boxea, que ha estado en la cárcel en algún momento y del que dudas si es bueno o es malo, y cuál es el recorrido del personaje en la serie. ¿Cómo evoluciona el padre Vergara a lo largo de 30 monedas?

A los espectadores les esperan muchos colores del personaje, también uno muy negro y muy oscuro, conforme se va adentrando en una lucha que él tiene contra la otra parte, que llega a tomar tintes muy violentos. ¿Cuánto tiempo se tardaba en caracterizarte cada día de rodaje?

Cada día, Lola, una maquilladora maravillosa y buenísima, me tenía dos horas y media en maquillaje, porque yo no tenía barba, me la tenían que poner diariamente. Y además me corté el pelo al cero. ¿Tomaste alguna otra referencia para ese papel, aparte del guion?

Mis únicas referencias eran el padre Vergara y Álex de la Iglesia, que se autorreferencia él solo muy bien. Creo que es de los pocos directores de España que tiene su público, y por algo será. Seguramente porque tiene su sello, su manera de hacer y su mundo. Y eso es lo que más aprecio de él, nos entendemos muy bien rodando, nos lo pasamos muy bien, nos respetamos y apreciamos mucho, y nos dejamos hacer el uno al otro, con mucha libertad. ¿Cómo recuerdas la grabación de la serie, aún sin la COVID19?

La recuerdo como de hace mucho tiempo. No había pandemia, pero fue muy trabajoso, rodamos seis meses y cuando acabó no me lo creía. Y es lo que pasa cuando interpretas a un personaje tan potente, cuando alguien te hace un regalo tan bonito, a pesar de que te quedas un poco loco haciendo durante seis meses lo mismo, con Álex, que es alguien muy absorbente y que cuando ruedas con él te dice: “Tú ahora eres mío, yo hago lo que quiera contigo”. Yo me lo paso muy bien con él y hemos hecho mucha amistad. Y cuando te dicen: “Segunda temporada”, vuelves a ver que es un papel muy atractivo. Álex ha conse-

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EDUARD FERNÁNDEZ guido con los medios y el tiempo que teníamos construir algo muy grande, para lo que nos hemos tenido que esforzar mucho.

Tras Perfectos desconocidos y 30 monedas, ¿tenéis previsto algún nuevo proyecto juntos?

Tengo una segunda temporada de 30 monedas… y con Álex lo que él quiera. ¿Y qué opinas cuando Álex de la Iglesia dice que estás entre los cinco mejores actores de España, si no eres quizá el mejor?

Pues me parece que Álex tiene muy buen gusto y que es muy inteligente…, y no seré yo el que le contradiga…

No eres muy habitual del fantástico. ¿Repetirías en el género, especialmente en el de terror?

A mí me gusta tocar todos los palos. Me gustaría mucho hacer una buena comedia, ya he hecho alguna, pero me encantaría hacer alta comedia. El terror me gusta, también el thriller, especialmente el psicológico me encanta. Las series me vuelven loco, sobre todo las series buenas y el buen cine, por supuesto. No descarto ningún género para actuar. ¿Y cuál es tu cine favorito? ¿Y en cuanto a series?

Me gustaron mucho en su momento las series Los Soprano o The Wire, recientemente Unorthodox y el otro día vi una película, una frikada, La otra Missy, una comedia muy loca. Me encanta Peter Sellers, soy muy fan de él, también de algunas películas de Bergman. En cuanto a cine, yo soy muy europeo, ahora que los jóvenes solo miran a Estados Unidos, yo me he criado con el neorrealismo italiano, la nouvelle vague francesa y el cine español. ¿De qué manera ves el actual auge de las plataformas digitales?

El peligro es que cambie el gusto de la gente. Lo ideal es que convivan al lado del cine en salas, es la asignatura pendiente respecto a las plataformas, que me parecen maravillosas, y considero que estamos en España actualmente en un momento y lugar privilegiado, y que producimos las series muy bien, y se han dado cuenta fuera. Pero hay que cuidar el cine, que es otra forma de rodar y de contar que es validísima y que no tiene nada que ver con las series, y que hay que preservar, cuidar y abonar para la gente. ¿Cómo ha sido el rodaje de de Mediterráneo de Marcel Barrena, que has finalizado recientemente?

Ha sido tremendo, hemos tenido dos semanas de agua, de salvar gente, estando mucho en el mar y bañándonos. No obstante, yo he hecho waterpolo de joven y llegué a ser subcampeón de España de waterpolo juvenil y tenía eso a mi favor. Ha sido muy esforzado, hemos rodado en Grecia dos meses. Me gusta mucho esta película y le tengo un especial cariño, entre las que más de todas las que he rodado, a ver cómo funciona.

Creo que la historia es maravillosa, también el personaje de Óscar Camps, líder de Open Arms. Cuando me ofrecieron el papel me planteé que si iba a ser propaganda de su ONG no haría falta filmar la película, porque todos conocemos su actividad salvando a la gente en el mar. Pero cuando leí el guion, vi que estaba muy bien, porque cuenta el principio de todo, el antes de Open Arms, con un hombre que está en las playas de Badalona y se entera de lo que pasa en Grecia por una foto y decide a ir allí a ver qué pasa con los refugiados, y cuenta esta evolución, que podría ser la de cualquier ciudadano, cómo empieza todo, lo que ocurre y cómo se ponen luego todos los medios. Creo que está muy bien contada. ¿Y tienes algún nuevo proyecto para teatro?

En teatro quiero hacer un monólogo (habrá que ver la pandemia los tiempos que nos marca), dirigido por Andrés Lima, veremos si es de creación propia o con parte de textos de gente. No he hecho antes ninguno y creo que toca. ¿Qué les dirías a los espectadores para que se animasen a ver 30 monedas?

Que van a ver una cosa muy loca y muy poco loca por otro lado. Con muchos géneros metidos dentro de esta serie. Van a disfrutar de una de las series más esperadas en el mundo, que la hemos hecho nosotros, que es de Álex de la Iglesia y que es una maravilla, que no se la pierdan.

Santiago De Bernardo

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A C T U A L I D A D

T E L E V I S I Ó N

Netflix convertirá Assassins Creed en una serie de televisión. Es uno de los varios proyectos que prepara la compañía tras

Rose Byrne y Seth Rogen protagonizarán la nueva comedia de Apple. Sabemos que Apple tiene en mente ponerse al

asociarse con la compañía de videojuegos Ubisoft, con la que también prepara la película de The Division, con Jake Gyllenhaal y Jessica Chastain al frente del reparto. Netflix ahora va a preparar una serie de proyectos que estarán centrados en el universo Assassins Creed y que comenzarán con una serie de televisión de acción real.

Netflix y Ubisoft buscan ahora un showrunner para la serie, mientras que el proyecto sería el primero que, de tener éxito, llevaría a más proyectos de imagen real, de animación o de anime, haciendo distinción entre los dos medios animados.

frente del mercado de streaming fichando a algunos de los nombres más importantes de Hollywood para proyectos en exclusiva. Ahora es el turno de Seth Rogen, que se suma a Rose Byrne, quien ya tiene en la recámara la serie Physical para Apple TV+. Byrne y Rogen se reúnen de nuevo tras protagonizar Malditos Vecinos y su secuela en Platonic, una serie en la que dan vida a dos antiguos amigos de la infancia que vuelven a reunirse para arreglar sus diferencias y que, al retomar su amistad, ven como ésta cada vez ocupa un lugar principal en su vida, haciéndoles reevaluar su situación.

Nick Stoller, director de Malditos Vecinos, está detrás del proyecto.

Christopher Walken y John Turturro al frente de Severance. Una serie que de partida ya nos llama la atención es, sin duda, Severance, un thriller dramático que podremos ver en Apple Tv +, quien se ha hecho con los derechos de la serie, que además de con Christopher Walken y John Turturro como protagonistas, cuenta con Patricia Arquette y Adam Scott. La historia nos lleva a una compañía que pretende llevar la relación entre trabajo y vida personal al siguiente nivel. La serie de Dan Erickson no ha revelado mucho más sobre su contenido, pero sí sabemos que Ben Stiller producirá la serie, además de dirigir algún episodio de la misma.

Rosario Dawson, Michael Keaton y Peter Sarsgaard al frente de Dopesick. Proyecto de Hulu lleno de estrellas que se prepara en estos momentos y que ha encontrado en Rosario Dawson su última incorporación, pero que incluye nombres tan incontestables como Michael Keaton, Peter Sarsgaard, Katilyn Dever, Will Poulter, John Hoogenakker, Philippa Soo y Jake McDorman. La serie estará basada en el libro de Beth Macy, que adaptará uno de los responsables de Empire, Danny Strong. La serie analizará el uso abusivo de opiáceos en Estados Unidos, desde una colonia minera en Virginia, a las entrañas de la DEA, donde varios agentes intentan que se restringa el uso de distintas drogas para controlar el dolor, sin olvidar a las grandes farmacéuticas que se enriquecen con ello.

Paramount + prepara un remake televisivo de Flashdance. Si el nombre de Paramount + no les suena todavía es porque, por el momento, no existe. Se trata de CBS All Access, el servicio streaming de series como Star Trek Discovery, que cambiará su nombre en breve para darle un lavado de cara al proyecto. Paramount + será su nombre en algún momento de 2021, y en ese servicio encontraremos Flashdance, un remake televisivo de la mítica película de los 80 que lanzó la carrera de Jennifer Beals. La productora de la película, Lynd Obst, regresa para esta serie, que estará escrita por Tracy McMillan. La nueva versión nos mostrará a una protagonista con sueños de ser bailarina de ballet pero que tiene que trabajar de stripper, mientras aprende sobre el amor, la amistad o su lugar en el mundo.

AC T UA L I DA D T E L E V I S I Ó N Nicole Kidman tiene nuevo proyecto en Amazon Prime Video. El tercero, ni más ni menos, para la actriz y productora que acaba de estrenar The Undoing en HBO, y tiene previstos dos proyectos televisivos en Amazon, después de The Expatriates, que tiene luz verde como serie, y Pretty Things que está en desarrollo ahora mismo. El tercer proyecto es Things I Know to Be True, serie basada en la obra de teatro de Andrew Bovell, que sigue a un matrimonio que observa cómo sus hijos adultos ya toman decisiones imprevisibles que cambian por completo la vida de la familia y llevan el matrimonio al borde del colapso. La actriz tiene también pendiente la serie Nine Perfect Strangers en Hulu.

The CW prepara un spin off de Nancy Drew. Un éxito de entre los estrenos que llegaron no hace mucho a The CW fue la nueva versión de Nancy Drew, personaje de la literatura que ha intentado varias veces llegar a televisión, y en esta ocasión con suerte. La serie protagonizada por Kennedy McCann está rodando la nueva temporada, pese a la pandemia, y además tiene una sorpresa preparada para los fans, porque sus responsables Josh Schwartz y Stephanie Savage, quienes preparan un spin off de la serie. La intención es convertir todo en un universo interconectado, por eso será presentado en un backdoor pilot Tom Swift, personaje que viene también de los libros. Un billonario, científico, negro y gay que se ve envuelto en un mundo de ciencia ficción y conspiraciones cuando su padre desaparece.

Los Caraduras será convertida en serie de TV. No sólo eso, sino que parte del equipo de Halloween estará involucrado en esta revisión de Smokey and the Bandit, la película de 1977 que aquí se llamó Los Caraduras. David Gordon Green, director de La Noche de Halloween, une fuerzas a Brian Sides para escribir la serie, de la que también dirigirá el piloto, mientras que en la producción encontramos a otro de los socios habituales de Green, Danny McBride, además de otro gran nombre de la comedia, Seth MacFarlane. La película original fue un éxito brutal, la segunda más taquillera de su año en Estados Unidos, sólo por detrás de Star Wars.

Jessica Chastain sustituye a Meichelle Williams en Scenes from Marriage. La miniseries de HBO Scenes of a Marriage cambia su protagonista a última hora debido a problemas de agenda de Michelle Williams. La actriz no puede rodar la serie debido a los retrasos de otros proyectos por el coronavirus y ha tenido que abandonar el proyecto. En su lugar Jessica Chastain será la encargada de protagonizar la serie limitada junto a Oscar Isaac. Scenes from a Marriage es una adaptación de la legendaria miniserie de 1973 de Ingmar Bergman, Secretos de un Matrimonio. Hagai Levi se encarga de la adaptación, que intentará traer a un entorno más actual esta historia que sigue 10 años de amor, mentiras, odio, secretos y monogamia en un matrimonio.

Jake Gyllenhaal protagonizará una miniserie en HBO dirigida por Denis Villeneuve.

Jake Gyllenhaal vuelve a colaborar con Denis Villeneuve en un proyecto que les llevará a televisión de la mano de HBO. Se trata de la adaptación de la novela de Jo Nesbo The Son, que adaptará Lenore Zion en forma de miniserie, encargándose también de las labores de showrunner. En la producción Gyllenhaal, Villeneuve y dos nombres más que conocidos, los creadores de Westworld, Lisa Joy y Jonathan Nolan. Ambientada originalmente en Oslo, la novela sigue una historia de venganza en una ciudad llena de corrupción. Actor y director intentaron llevar la novela al cine, y ahora la convierten en miniserie.

Oscar Isaac podría protagonizar la serie de Marvel, Caballero Luna.

Con la primera serie de Marvel Studios de ficción para Disney+ a la vuelta de la esquina, y con otros proyectos de personajes ya conocidos en cine en marcha, toca empezar a trabajar en la series de personajes nuevos. Ya sabemos que de las nuevas series, Tatiana Maslany será She Hulk, y ahora parece que Moon Knight, o Caballero Luna, habría encontado su protagonista en la piel de Oscar Isaac, quien ha sido parte fundamental de la nueva trilogía de Star Wars y que ahora daría el salto a Marvel. Jeremy Slater, el responsable de adaptar The Umbrella Academy para Netflix, es el encargado de adaptar el personaje a serie y de reunir al equipo de guionistas que darán forma a la serie.

Kristen Bell tiene nueva comedia televisiva. Aunque en esta ocasión no estará en televisión, sino en un servicio streaming como Netflix que estrenará la serie. Después del regreso de Veronica Mars y del final de The Good Place, parece que Bell quiere unir ambas series en su siguiente proyecto, que protagonizará y producirá. Se trata de una thriller de comedia llamado The Woman in the House, que quiere ser una parodia de proyectos como La Chica del Tren o La Mujer en la ventana. La serie sigue a una mujer con el corazón roto que observa la vida pasar frente a su ventana. Cuando un vecino atractivo se mude enfrente de su casa, todo podría cambiar.

Hasta que ve un terrible asesinato… si es que eso es lo que ha visto.

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