FOTOGRAMAS by David EB

LA PRIMERA REVISTA DE CINE

AÑO 73 · Nº 2124 OCTUBRE 2020 fotogramas.es

R E P O RTA J E S

P ROTAG O N I STAS

‘MUERTE EN EL NILO’

ARMIE HAMMER ALTA SOCIEDAD

GERARD BUTLER

EL CASO MÁS CALIENTE DE POIROT

FRANÇOIS OZON

‘EXPLOTA EXPLOTA’

CONTRA EL FIN DEL MUNDO AMORES DE VERANO

DE FIESTA CON RAFAELLA CARRÀ

TO P S E R I E S

‘PATRIA’

‘BLACK BEACH’

DIARIO DE UN FENÓMENO

3€ (Canarias 3,15 €, Andorra 3 €)

FUEGO EN EL CUERPO

413042 882602

‘ANTIDISTURBIOS’

02124

RAÚL ARÉVALO, EN EL CORAZÓN DE ÁFRICA

D E B U TA CO M O D I R E C TO R CO N ‘ FA L L I N G ’

VIGGO MORTENSEN “Siento como si volviera a empezar”

LA FIRMA INVITADA

No suele ser lo habitual que el autor de un texto adaptado para la pantalla, grande o pequeña, se lleve bien con el resultado. No es el caso. El creador de ‘Patria’ lo relata en este texto salpicado de anecdotario.

nvitado por el productor y guionista Aitor Gabilondo, asistí en compañía de unos familiares a una sesión de rodaje de la serie Patria. Se estaba grabando a media mañana, en el Paseo de Miraconcha de San Sebastián, la escena en que Bittori (Elena Irureta) llega a su casa y una vecina la aborda para decirle que ‘esos han parado’ y ya vamos a tener paz. Sin necesidad de que nadie viniera a ofrecerme explicaciones, desde la distancia ubiqué la escena en un lugar preciso de mi novela. Al punto me vinieron al recuerdo los días iniciales de escritura, en aquel cuarto estrecho que años atrás había sido dormitorio de una de mis hijas. Días de tanteo, de incertidumbre, de notas y esquemas de todo tipo que por el camino de la laboriosidad, el único eficaz que yo conozco, culminarían en una novela. Que una novela mía, convenientemente adaptada, mereciese pasar a la pantalla del cine es una alegría que ya me había deparado la suerte. Que otra diera para una serie de televisión era algo que no se me había ocurrido ni en sueños. En Miraconcha, mi madre, que me acompañaba, reconoció a la actriz. Peligro. Mi madre sería capaz de interrumpir una secuencia a fin de expresar sus emociones, todas ellas positivas; abrazar al personal y proclamar que el escritor es su hijo. Lo hizo, en efecto, más tarde, durante un descanso del rodaje, y aprovechó para contarles a la actriz y también a Ane Gabarain, que se estaba preparando para una próxima escena, no sé qué serie de televisión en que habían trabajado juntas. Más que ver una breve escena en vivo, con sus tomas fallidas y sus repeticiones, a mí, acaso por la costumbre que da el oficio de narrador, me interesaba más averiguar por vía de observación discreta el método de trabajo. No sé gran cosa de cine; pero algo me ha enseñado la vida sobre coordinación, profesionalidad, entusiasmo, medios y todas esas virtudes que, aplicadas a actividades tanto de grupo como solitarias, me generan una confianza instintiva. Las sentí desde la primera vez que escuché a Aitor Gabilondo exponer con detalle su proyecto y contar su personal vinculación con la historia sangrienta y trágica que tuvimos en nuestro país, siendo los dos, como somos, originarios de la misma ciudad. Me preguntan con frecuencia los entrevistadores si considero que la serie ha sido fiel a mi novela. Más me importa que la serie tenga calidad, no por nada, sino porque el objetivo de la serie no es halagar al escritor, sino complacer y acaso emocionar al público. A juzgar por lo que llevo visto, coronavirus mediante, el

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EL ESCRITOR Y LA SERIE

Por Fernando Aramburu*.

resultado es de mucha categoría. Félix Viscarret estaba en Miraconcha en la mañana antedicha. Estaba como quien dice de turno, puesto que la dirección de la serie se la han repartido entre dos. Viscarret es uno de esos talentos que me generan plena confianza. En su día dirigió Bajo las estrellas, basada en mi novela El trompetista del Utop’a. La película obtuvo cuatro Biznaga en el Festival de Málaga y dos Goya, uno para el propio Viscarret en calidad de guionista. Me invitó a subir al escenario. Y si ya tenía buenas vibraciones desde el principio con respecto a la serie, la presencia de Viscarret en el set se me figuró la guinda que coronaba una tarta de buenas noticias. Hay detalles que a uno no se le escapan. En Miraconcha, sin ir más lejos, Gabilondo me señaló diversas grúas que se alzaban sobre los tejados del fondo. Los trastos, aparte de estorbar, introducían un elemento anacrónico. Y sin que yo dijera nada, Gabilondo, como para tranquilizarme, se apresuró a decir que más adelante suprimirían con proce“EL OBJETIVO NO dimientos digitales aquellas feas grúas. Otro detalle: un miembro del equipo ES HALAGAR AL que no me reconoció, pensando (con ESCRITOR, razón) que yo estorbaba, me instó a SINO COMPLACER Y marcharme de la zona de rodaje. Yo ACASO EMOCIONAR le obedecí. No bien le dijeron a quién AL PÚBLICO.” había echado del lugar, vino corriendo a disculparse. A mí el chaval me pareció un dechado de profesionalidad y así se lo hice saber. Parte del resultado último lo disfruté mucho tiempo después a solas en mi casa. Las imágenes, los sonidos, las palabras, son de una veracidad que impresiona, a menos, claro está, que uno esté hecho de hierro, cosa que, sobre todo en el campo político, ocurre con cierta frecuencia. Más allá de las excelentes soluciones narrativas a problemas y dificultades planteadas por la novela, de la meritoria interpretación, de la fotografía y la música y de cuantos componentes se quiera considerar, uno percibe la búsqueda de la calidad hasta en el último recoveco de cada imagen. Y esto es algo que confirma aquella confianza surgida en el primer encuentro con Aitor Gabilondo, cuando, como mi madre a las actrices, me contó lleno de entusiasmo y de lucidez mi propia novela. ◆ *Escritor, poeta, ensayista; su novela El trompetista del Utopía fue llevada al cine (con el título de Bajo las estrellas) y obtuvo el Premio Nacional de Narrativa por Patria.

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EL CINE COMO LA VIDA MISMA

No, no va de nuestro hombre de portada del mes pasado. Va de cómo nos hemos convertido en cazadores de brujas en redes sociales. De cómo las emociones transforman las incertidumbres en certezas. De cómo convertimos al inocente en culpable, y viceversa, a golpe de clic.

hora detestamos a Woody Allen. Creemos que abusó de sus propias hijas. Que es un monstruo a la altura de Harvey Weinstein con el añadido del incesto. Nos negamos a ver sus películas. Celebramos cuando las editoriales se niegan a publicar sus memorias, o cuando Amazon rompe su contrato. A los acosadores, ni agua, opinamos con semblante severo. Cualquier otra actitud sería de una imperdonable complicidad. Y nosotros somos muy personas ejemplares ¿verdad? Lo raro es que la denuncia contra el director de Annie Hall por haber abusado de su hija Dylan data de 1992. Y ni siquiera llegó a un juzgado. Un hermano de la víctima la niega enfáticamente. Durante más de 20 años, seguimos viendo las películas de Allen (o dejamos de verlas por razones artísticas, no morales). Nos alegramos cuando le dieron el premio Príncipe de Asturias en 2002. Hasta nos hicimos una foto con su estatua de Oviedo. ¿Qué cambió en él? El nuevo libro de Edu Galán, El síndrome Woody Allen (Debate), explica que no cambió él: fuimos nosotros. A partir de la reconstrucción del caso Allen, Galán analiza cómo formamos nuestra opinión hoy en día. Porque curiosamente, todo el mundo tiene una opinión sobre Allen. Algunos lo defienden rabiosamente. Otros, lo condenan sin titubeos. Pero nadie admite que no sabe lo que ocurrió en 1992. Y eso es un síntoma del mundo en que vivimos. Un mundo donde miles de personas pueden, por ejemplo, defender que la tierra es plana, o salir a manifestarse rabiosamente porque la Covid-19 no existe, sino que los gobiernos del mundo lo han inventado para instalarnos un microchip y controlar nuestros pensamientos. La verdad ha sido abolida, y cualquier idea, hasta la teoría de la conspiración más absurda, puede unir a una violenta turba dispuesta a silenciar a los escépticos. Galán señala culpables de ello en todos los rincones de la sociedad: las redes sociales que fomentan un activismo 8

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ESTO NO VA DE WOODY ALLEN Por Santiago Roncagliolo*.

de clic, forjando comunidades gigantescas unidas por una opinión superficial. La universidad, entregada a una cultura de la satisfacción del cliente, que protege a sus alumnos de la incomodidad de pensar. La izquierda que ha renunciado a luchar contra el capitalismo, y ahora lucha contra las palabras que no le gustan. La combinación de esos factores es veneno para la libertad de expresión, la presunción de inocencia y el debido proceso. En un escenario así, los “TODO EL MUNDO se vuelven líderes de TIENE UNA OPINIÓN artistas opinión. No necesitan saber de SOBRE ALLEN. qué hablan para tener muchos ALGUNOS LO seguidores en redes. Debatimos DEFIENDEN, OTROS con pasión los análisis científicos LO CONDENAN, de Miguel Bosé. Nos rebelamos PERO NADIE ADMITE contra las opiniones de géneQUE NO SABE QUÉ ro de J.K. Rowling. Y si Mia y OCURRIÓ EN 1992”. Ronan Farrow alzan la voz por un conflicto familiar, nos conmueven mucho más que el genocidio rohingya, el golpe de estado en Mali o cualquiera de esas aburridas tragedias sin famosos. En suma: vemos el mundo a través de una pantalla, ponemos especial atención en los personajes glamurosos y los juzgamos desde nuestro gusto personal. Hemos convertido este planeta en una peli mala, y mucho más triste que Manhattan. ◆

*Santiago Roncagliolo, escritor peruano autor de célebres novelas como Pudor -llevada al cine por David y Tristán Ulloa en 2007-; Abril rojo o El material de los sueños (Arpa), que explora la relación entre realidad y ficción.

Cr’ticas

LA PISTA DE LAS ESTRELLAS: ★★★★★ ★★★★★ ★★★★★ ★★★★★ ★★★★★

IMPRESCINDIBLE NO SE LA PIERDA NO LO LAMENTARÁ SE DEJA VER ALLÁ USTED

Willis (Lance Henriksen) con su nieta Mónica (Gabby Veils).

Falling

★★★★★

Falling (Canadá, Reino Unido, 2020, 112 min.). Dir.: Viggo Mortensen. Int.: Lance Henriksen, Viggo Mortensen, Sverrir Gudnason, Hannah Gross, Laura Linney, William Healy. DRAMA.

a primera película tras la cámara de Viggo Mortensen está dedicada a sus hermanos y, aunque no se trate de una historia totalmente autobiográfica, sí que encontramos en ella una honestidad brutal a la hora de bucear por las aguas más turbulentas de las relaciones entre padres e hijos. Dolor y perdón. En ese sentido, Falling no es una película cómoda. Hay en ella reconcentrada mucha rabia a través del personaje que encarna de forma soberbia un felizmente rescatado Lance Henriksen, que interpreta a un anciano, Willis, con principio de demencia que con el paso del tiempo ha ido acentuando sus rasgos más reaccionarios hasta convertirse en una persona profundamente amargada que intenta contagiar

liadora. Nos introducimos su resentimiento a aquellos PARA GOURMETS DE que le rodean. Sin embargo, en ella a través del punto de DRAMAS FAMILIARES QUE TRATAN TEMAS a pesar del daño que infringe vista de Willis. Su presente INCÓMODOS . y el odio que desprende, tamy su pasado se funden y se Lo mejor: la bién es una persona desvalida confunden, de manera que complejísima y frágil, enferma. Resulta iremos pasando de uno a otro composición de Lance Henriksen. inevitable que Willis alcance a través de una narración muy Lo peor: alguna una dimensión simbólica en sensitiva que bascula entre la decisión de montaje relación con el auge de la realidad y los recuerdos, no discutible en la escena cumbre. ultraderecha en nuestros días, precisamente idealizados, sino en este caso representada a de una naturaleza casi fantastravés de todos los males que perpetúa magórica. A Mortensen le interesa más el pensamiento retrógrado (machismo, sugerir que mostrar. No hace falta que homofobia, racismo). ¿Se puede llegar sepamos todos los detalles de la historia a un lugar de entendimiento entre dos entre Willis y John para poder sumerpartes absolutamente antagónicas como girnos en ella con una mezcla de pudor las que representan padre e hijo? ¿Se y de amargura, convirtiéndose Falling puede perdonar para no seguir eteren una película bella y sobria, un viaje nizando la espiral de inquina que se de la infancia a la vejez, de la vejez a la extiende a nuestro alrededor? infancia y una profunda y reveladora El viaje de una vida. Falling es una pelíreflexión en torno a los enigmas que cula de puertas adentro, que se sumeresconden los afectos y los lazos sanguíge en la intimidad de los personajes neos, el peso de la herencia, el perdón sin recurrir jamás al sentimentalismo. y la culpa. Beatriz Martínez Entrevista con Viggo Mortensen en pág. 42 Hay en ella una pulsión entre áspera y melancólica, entre triste y reconciESTRENO: 2 OCTUBRE FOTOGRAMAS.ES · O C TU BRE 2 02 0

CRÍTICAS

Tenet

★★★★★ Tenet (EE. UU., 2020, 150 min.). Dir.: Christopher Nolan. Int.: John David Washington, Robert Pattinson, Elizabeth Debicki, Kenneth Branagh, Aaron Taylor-Johnson. CIENCIA-FICCIÓN.

omo suele ocurrir con las últimas películas de Jean-Luc Godard, llega un momento durante el visionado de Tenet en que el espectador toma consciencia de la imposibilidad de comprender en su totalidad el vendaval de ideas contenidas en las imágenes. No es la primera ocasión en que Christopher Nolan se atreve a proponer una personal teoría del caos fílmico. Sin embargo, hasta la fecha, el director de Origen vivía maniatado por la necesiPARA CREER EN EL dad de explicarse y POTENCIAL REFLEXIVO conmover, cuando DEL CINE DE ACCIÓN. la realidad es que Lo mejor: el cruce entre clasicismo y la única emoción modernidad. genuina que puede Lo peor: la fragilidad surgir de su cine es del drama… que refuerza la vertiente una suerte de reveconceptual del film. lación intelectual.

Benjamin Voisin y Félix Lefebvre.

Verano del 85

★★★★★

Été 85 (Francia, 2020, 100 min.). Dir.: François Ozon. Int.: Félix Lefebvre, Benjamin Voisin, Philippine Velge, Valeria Bruni-Tedeschi, Melvil Poupad, Isabelle Nanty. DRAMA.

nventamos a los que amamos, concluye Alex en un momento de su doloroso despertar a la edad adulta. Ciertamente ese es uno de los temas centrales de la filmografía de François Ozon, que, tomando como modelo a su admirado Fassbinder, siempre ha creído que el deseo es una relación de 12

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En Tenet, ese momento de iluminación llega, para el espectador, cuando el vértigo que supone no poder asimilarlo todo se transforma en una gozosa contemplación de los mecanismos internos de una película que convierte el cine-espectáculo en cine-reflexión. El relato que escenifica Tenet puede parecer un galimatías –una relectura laberíntica del modelo narrativo de la saga de James Bond–, sin embargo, a nivel sensorial, la película se construye, de forma elemental, como un movimiento permanente en dos direcciones, hacia adelante y hacia atrás, como el oleaje del mar por el que navega un desdibujado triángulo amoroso que parece salido del salón de espejos de La dama de Shanghai (O. Welles, 1947). De hecho, el protagonista del film no tiene ni nombre ni pasado, ¿pero quién los necesita cuando se trata de convertirse en una página en blanco sobre la que Nolan esculpe gestos imposibles y palabras como mentira y fe? Al inicio del film, una científica invita al protagonista a dejar de pensar y

poder en la que la imaginación redefine constantemente los roles de amo y esclavo. En Verano del 85 Ozon vuelve a las andadas, en plena forma, en lo que podríamos denominar un metadrama de iniciación queer, en el que aúna, sin vanas nostalgias (una canción de The Cure por aquí, una sudadera ochentera por allá), su simpatía por los ángeles exterminadores à la Teorema, seductores que corromperán, para bien y para mal, a sus presuntas víctimas, y su interés por las historias que psicoanalizan sus propios procesos creativos (Swimming Pool, En la casa), en una suerte de pirandelliana cadena de vueltas de tuerca en la que el espectador acaba por dudar de si lo que cuentan los personajes sobre sí mismos es pura ficción. Así las cosas, Alex puede haberse inventado a David, su libertino amante veraniego, del mismo modo que la madre de David se inventa a Alex para ponerse una venda en los ojos acerca de la vida loca de su hijo, y el propio David puede inventarse su secreta fascinación por su padre muerto. Inventar

John David Washington.

empezar a sentir el retroceso temporal: debe confiar en que la consecuencia será capaz de invocar a la causa. Nolan transfiere ese mandato de fe al espectador, que debe confiar en Tenet a ciegas, tanto en su magia visual, heredera del imaginario de Georges Méliès, como en sus criaturas sin fondo, hechas de puro celuloide. En el fondo, se trata de creer en el cine como fábrica de sueños y como alimento para el pensamiento. Manu Yáñez Ent. y reportajes en núm. 2.121 y 2.123 ESTRENO: 26 AGOSTO

o morir, sugiere Ozon. No hay amor sin sublimación (romántica, tormentosa) del objeto amoroso. Lo que parece un suicidio, puede ser un accidente. Lo que parece una noche de sexo a puerta cerrada, puede ser un alma devorando a otra. Es interesante el modo en que el director de Sitcom introduce la ambigüedad de su mirada cuando se masca la tragedia. A veces los cambios de tono no acaban PARA LOS QUE de cuajar –el epiPIENSAN QUE ANTES SE sodio transexual AMABA MEJOR. en la morgue, que Lo mejor: combina con astucia despertar parece un descarsexual, pulsión de te de Una nueva muerte y metaficción. amiga– pero, al Lo peor: la escena de la visita a la morgue es en final, utilizando exceso grotesca. el Sailing de Rod Stewart como insólito himno funerario, Ozon nos hace creer en el poder reparador de contar historias. Contarlas sirve para convertirnos en aquel que, un día, deseamos: la seducción es su herencia, su tal vez fatal herencia. Sergi Sánchez Entrevista con François Ozon en pág. 54 ESTRENO: 9 OCTUBRE

Dehesa, el bosque del lince ibérico ★★★★★

Dehesa, el bosque del lince ibérico (España, 2020, 95 min.). Dir.: Joaquín Gutiérrez Acha. DOCUMENTAL. Javier Gutiérrez.

Bajocero ★★★★★

Bajocero (España, 2020, 106 min.). Dir.: Lluís Quílez. Int.: Javier Gutiérrez, Àlex Monner, Édgar Vittorino, Patrick Criado, Karra Elejalde, Luis Callejo, Isak Férriz, Andrés Gertrudix. THRILLER.

a a ser verdad que nos encontramos en la Edad de Oro del thriller español. Junto al ingente número de series de epatante calidad (Hierro, La casa de papel, Vis a vis, la ya lejana Crematorio), destacan títulos marcados por una intención moral, nunca moralista, que buscan colocar un espejo frente al espectador para desvelar que tal vez nosotros (y los nuestros) seamos los monstruos: Quien a hierro mata , Tu hijo, Cuando los ángeles duermen PARA QUIENES y ahora esta desBUSQUEN VOLVER A lumbrante VIBRAR Y REVOLVERSE EN LA SALA OSCURA. Bajocero. Lo mejor: el duelo de Suerte de snow titanes entre Elejalde y western (ecos de Gutiérrez. El gran silencio Lo peor: que la belleza de sus imágenes y Condenados a distraiga a la hora de vivir) facturado valorar la fuerza de su con el brío –y la contenido. ambigua visión del justiciero en tiempos siniestros– de maestros como John Flynn, Walter Hill o Andrew Davis, la película de Quílez, partiendo de un guion sin fisuras de Fernando Navarro y el autor, destaca tanto por su férrea narrativa como por su desconfianza en el orden establecido y el género humano. Y al margen de sus gigantescos protagonistas, la película no sería lo que es sin la labor de Andrés Gertrudix, Luis Callejo, Patrick Criado y los demás, todos espléndidos. Un policiaco impecable. Pablo Vázquez Entrevista con Lluís Quílez en pág. 68 ESTRENO: 9 OCTUBRE

ultor de uno de los géneros más devaluados del documental, los films de naturaleza, Gutiérrez Acha, inmenso fotógrafo y hombre clave en el resurgir de este cine para la gran pantalla, da una vuelta de tuerca a su díptico sobre la naturaleza ibérica (Guadalquivir, Cantábrico). Lo hace con mimbres conocidos: un mismo, y arriesgado, productor, José María Morales; un presupuesto inusual (ya lo tenían sus dos antecedentes); el sonidista Carlos de Hita, el mejor en su especialidad; un rodaje de ¡dos años!, más una estructura de pequeñas historias que, engarzadas, dan una perfecta idea de lo que se pretende mostrar. No obstante, en esta ocasión la apuesta es más arriesgada: la dehesa

Candela Peña y Raúl Arévalo.

Black Beach

★★★★★

Black Beach (España, 2020, 115 min). Dir.: Esteban Crespo. Int.: Melina Matthews, Candela Peña, Raúl Arévalo, Paulina García, Luka Peros. THRILLER.

sta es una de esas películas que se salen de las coordenadas habituales de nuestro cine y, por momentos, en sus mejores secuencias, podría jugar en la misma liga que Bajo el fuego (Roger Spottiswoode, 1983), El jardinero fiel (Fernando Meirelles, 2005) o Red de mentiras (Ridley Scott, 2008). Con todas ellas guarda relación temática y estética. La dirección, la ambientación, la fotografía, las localizaciones y,

Una imagen del documental de Gutiérrez Acha.

ibérica, 2,4 millones de hectáreas, es menos espectacular que un gran río, o que todo el Lo mejor: la franciscana norte de la peninpaciencia que dio lugar a sus imágenes. sula. Y sin embarLo peor: una voz en off go, ahí siguen los ciertamente mejorable. hallazgos visuales y narrativos, pero también la denuncia del deterioro de un habitat que conoció mejores tiempos. Y no le falta nada, ni siquiera secuencias espectaculares, marca de la casa: atención al combate entre dos linces, con los cachorros por el medio. Estremecedor. Mirito Torreiro PARA AMANTES DE LA NATURALEZA Y DE LOS DOCUS QUE NO SON PARA DORMIR LA SIESTA.

Más información en pág. 74 ESTRENO: 9 OCTUBRE

en general, los capítulos técnicos son sobresalientes. Hay situaciones cargadas de suspense, como el encuentro en la selva del protagonista, un Raúl Arévalo notable, con su amigo y supuesto terrorista; la visita a la infame prisión, o la enloquecida persecución por el barrio de chabolas. Llama la atención, a la vista del resultado, el partido excelente que saca su director, Esteban Crespo, de los recursos a su PARA AMANTES DE LOS alcance, teniendo THRILLERS CON CONSPIRACIÓN en cuenta que las POLÍTICA. escenas situadas Lo mejor: la atmósfera en África están creada en la parte que rodadas, en su transcurre en África. Lo peor: lo ingenuo del mayor parte, en protagonista para el España. Su talón trabajo que tiene. de Aquiles, a parte de la tendencia a abusar del efectismo en las escenas de acción, es, y es una pena, un guion lastrado por el buenismo y la corrección política, que va perdiendo credibilidad según avanza el metraje. Juan Pando Entrevista con Esteban Crespo en pág. 62 ESTRENO: 2 OCTUBRE

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CRÍTICAS

Annette Bening.

Regreso a Hope Gap ★★★★★

Hope Gap (Reino Unido, 2019, 100 min.). Dir.: William Nicholson. Int.: Annette Bening, Bill Nighy, Josh O’Connor, Aiysha Hart, Ryan McKen. DRAMA..

iempre ha existido un vínculo conectando los universos creativos de dos dramaturgos esenciales en el panorama británico: Harold Pinter y William Nicholson. La fría, casi quirúrgica, observación del deterioro del amor y las relaciones de pareja (o las relaciones en general) es común en ambos. Como lo es también la presencia de un tercero, un testigo de esos paisajes con figuras en ruinas. El Jamie

de Regreso a Hope Gap actúa en este drama de tempestuosa calma como el Leo de El mensajero (J. Losey, 1971), la personal adaptación que Pinter realizó de la novela de L. P. Hartley. Entre el interPARA ENAMORADOS mediario (un niño ATRAPADOS EN EL MÁS en realidad) entre DESOLADOR DESAMOR. dos amantes en Lo mejor: las el film de Losey conversacionesalvacío al hijo ya adulto entrelospersonajesde que media en BeningyNighy. Lo peor: ser alérgico a una separación su frialdad y sin respuestas y teatralidad. traumática no hay apenas diferencia; casi podríamos pensar en una proyección en el futuro del personaje. Un testimonio mudo y dolorido, incapaz de entender cómo y por qué sus padres seguramente jamás se amaron. Una amarga reflexión a tres voces, en off o en diálogos demoledores, para una película tan dura y veraz como desnuda de artificios. Fausto Fernández

Bartosz Bielenia.

Más información en pág. 76

Más información en pág. 73

ESTRENO: 23 OCTUBRE

ESTRENO: 9 OCTUBRE

ESTRENO: 16 OCTUBRE

WENDY (EE. UU., 2020, 111 min.). Dir.: Benh Zeitlin. Int.: Devin France, Yashua Mack, Gage Naquin, Gavin Naquin y Shay Walker. FANTÁSTICA.

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Boze Ciało. (Polonia, 2019, 116 min.).Dir.: Jan Komasa. Int.: Bartosz Bielenia, Eliza Rycembel, Aleksandra Konieczna, Tomasz Zietek, Leszek Lichota, Lukasz Simlat, Barbara Kurzaj, Zdzislaw Wardejn. DRAMA.

cutiblemente bello con la fantasía. Su película está viva y es emoLo mejor: su naturaleza cionante, pero indómita y salvaje. Lo peor: una utilización está demasiado de la música tan supeditada al insarriesgada como tante, a la viñeta agotadora . abrumadora, lo que hace que el relato se congele a ratos. La película se resiente de ese no avanzar intermitente y de una utilización de la música muy arriesgada, todo el tiempo en primer plano y muy arriba Desirée de Fez

Más información en pág. 79

★★★★★

Hay mucho de esa obra totémica de Paul Schrader que es El reverendo (2018) y de imaginario bressoniano en Corpus Christi cuando abraza un realismo categórico, místico e insumiso, capaz de relatar la condición humana con la precisión de un bisturí. Jan Komasa se aleja del cine religioso actual, vacío, random y obsesionado con la trascendencia. El resultado es acertadísimo y aquí va mi acto de fe: estamos ante la versión millennial de Pickpocket (R. PARA QUIENES CREEN QUE LA VERDADERA Bresson, 1959). MÍSTICA CONLLEVA UN Daniel es un PUNTITO HARDCORE. joven conflictivo Lo mejor: la visceralidad de Bartosz que busca reforBielenia y una marse mediante fotografía magistral. el sacerdocio. El Lo peor: un trasfondo político algo diluido. film plantea la comunicación como norma fundamental para vivir en comunidad y el perdón como única solución de progreso. Valores que, además, servirán de expiación al protagonista. ¿Acaso importa que Daniel parezca más un trapero que un pastor cristiano? En este sentido, su discurso también podría ser heredero del Free Cinema. Komasa reconoce sus referentes sin renunciar a su propia identidad. El último tercio de la película es el broche a esa tensión bien narrada y culmina agitando el statu quo con la palabra de Dios. Menudo punch el del cine polaco. María Caballero

Wendy

ermana visual y conceptual de su anterior (y más sorprendente) Bestias del sur salvaje (2012), la nueva película de Benh Zeitlin es una interpretación libre e indómita de la historia de Peter Pan. Es esa naturaleza salvaje su principal virtud. El cineasta, que como hiciera en su anterior película observa el mundo desde los ojos de una niña, tiene una forma asombrosa, a la vez contundente y conmovedora, de recrear el impacto en la infancia del descubrimiento del mundo. La naturalidad y la furia con las que reproduce el efecto de esas revelaciones (en este caso en torno a la idea del hogar y la figura materna) son asombrosas. Como lo es su forma de encontrar una poesía atípica en la naturaleza, esta vez cruzada de un modo indis-

Corpus Christi

Devin France. PARA FANS DE LAS PELÍCULAS QUE HABLAN CON CLARIDAD Y EMOCIÓN DE LA INFANCIA.

Akelarre ★★★★★

Akelarre (España. Argentina, Francia, 2020, 90 min.). Dir.: Pablo Agüero. Int.: Àlex Brendemühl, Daniel Fanego, Amaia Aberasturi, Jone Laspiur, Yune Nogueiras, Lorea Ibarra. DRAMA. Ingrid García-Jonsson y Fernando Guallar.

Explota, explota ★★★★★

Explota, explota (España, Italia, 2020, 110 min.). Dir.: Nacho Álvarez Int.: Ingrid GarcíaJonsson, Verónica Echegui, Fernando Guallar, Fernandio Tejero, Pedro Casablanc. MUSICAL.

ace años que se impusieron los musicales con actores que no son cantantes ni bailarines, en los que la magia original del género reposa sobre todo en la sala de montaje. La magnética Mamma Mia, cuyo recuerdo se hace aquí inevitable, dio un paso más al convertir la discografía del grupo ABBA en la espina dorsal de su trama. De ambas fuentes bebe este film, con un reparto encabezado por una Ingrid García-Jonsson fuera de su elemento y un guion que se apoya en las letras y las PARA DISFRUTAR canciones de RECORDANDO LAS Raffaela Carra, SIEMPRE OPTIMISTAS CANCIONES DE como ya anuncia RAFFAELLA CARRA. su título. Lo mejor: el vistoso Con un premenúmero musical del ditado enfoque principio, en el avión. Lo peor: se cargan las naif y una protintas en exceso en puesta cromática algún secundario entre el cine de Pedro Almodóvar y Los paraguas de Cherburgo, la ficción avanza con equilibrio por la delgada línea que hay entre la parodia y el ridículo. Tras un luminoso inicio en Roma, se aterriza en la España de los primeros años 70, en la que da sus últimos coletazos el franquismo, aun viva su moral y su fiebre censora, retratada en anécdotas que alimentan los mejores momentos de humor del guion. Una propuesta en la que se impone el ritmo contagioso de las canciones feel-good sello Carrá, con su mensaje de optimismo, tan necesario en los días que vivimos. Juan Pando Ent. con Ingrid García-Jonsson, pág. 58 ESTRENO: 2 OCTUBRE

sí como en Eva no duerme (2015) Pablo Agüero partió de una nota a pie de página de la historia reciente de Argentina –el alucinante periplo del cuerpo embalsamado de Eva Perón– para ofrecer una lúcida radiografía de un pasado desesperado que entroncaba directamente con un presente perplejo, en Akelarre nos transporta hasta una aldea costera de Euskadi de principios del siglo XVII para hacernos testigos de una inconcebible caza de brujas, pero en realidad está hablándonos de nuestro día a día: inquisitorial, absurdo, violento y cargado de miedo. Porque, como dice Ana –extraordinaria Amaia Aberasturi–, los hombres temen a las mujeres que no les temen. Y sí, la lectura social es terri-

Ane

Patricia López Arnaiz.

★★★★★ Ane (España, 2020, 100 min.). Dir.: David P. Sañudo. Int.: Patricia López Arnaiz, Mikel Losada, Jone Laspiur, Aia Kruse, Luis Callejo. DRAMA.

reparado tras una década de cortometrajes que han dado la vuelta al mundo, David P. Sañudo se estrena en el largometraje con una pequeña historia sobre la comunicación y los problemas que derivan de su ausencia. Con una madre desesperada por evitar la definitiva desaparición de su hija, la trama se asienta en las revueltas sociales por la construcción de una red ferroviaria que,

Amaia Aberasturi.

ble y cristalina. Tanto como la extremada fotografía de Javier Lo mejor: el duelo Agirre, puerta de entre Amaia Aberasturi entrada al disfraz y Àlex Brendemühl. Lo peor: no acaba de que la cinta usa atreverse a darlo todo para envolver su en su conclusión. . crítico mensaje: un delirante cuento de terror, conectado estéticamente a las últimas aportaciones al género, en el que lo más perturbador es siempre el horror cotidiano. Una tragedia tan real que asusta y sin ninguna puerta abierta a un hechizo que nos salve. Roger Salvans PARA DEJARSE HECHIZAR POR UN CUENTO DE TERROR DE LO MÁS ACTUAL.

Ent. con Àlex Brendemühl en pág. 18 ESTRENO: 2 OCTUBRE

lejos de acercar un rincón de Euskadi a la capital, divide de nuevo a la población en dos, literal y figuradamente. Patricia López Arnaiz brilla en su feroz lucha para recuperar el diálogo con una joven a la que, no sabe muy bien cómo, ya ha perdido. La incapacidad de ambas por hacerse entender llega hasta el espectador sin necesidad de que el tren pase por la escindida locaPARA LOS SEGUIDORES lidad pero, aún DE LOS INMENSOS HALLAZGOS DEL disfrutando de las ACTUAL CINE VASCO. deliciosamente Lo mejor: Patricia niponas formas López Arnaiz, del cine vasco responsable absoluta de la trama. contemporáneo Lo peor: la sucinta -y teniendo en propuesta narrativa se cuenta la fugaz queda corta. aparición de figuras tan magnéticas como Luis Callejo y Fernando Albizu- es difícil no terminar esperando de Ane algo más de todo lo bueno de, sin duda, ofrece. Ricardo Rosado Más información en pág. 78 ESTRENO: 16 OCTUBRE

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nro,

u e, ca -

CRÍTICAS

Vitalina Varela.

Vitalina Varela ★★★★★

Vitalina Varela (Portugal, 2019, 124 minutos) Dir. Pedro Costa. Int.: Vitalina Varela, Ventura, Manuel Tavares Almeida, Francisco Brito, Marina Alves Domingues, Imídio Monteiro. DRAMA.

esde No quarto da Vanda (2000), Pedro Costa dedica su filmografía a plasmar el universo de los inmigrantes caboverdianos en Lisboa. La progresiva desaparición del barrio en que vivían sus protagonistas ha marcado el paso del cine del portugués de un cierto neorrealismo digital a una estética rayana en el fantástico, entre el cine de Jacques Tourneur y una tradición

plástica que se remonta a Vermeer y Caravaggio, que alcanza en Vitalina Varela su cenit extático. Desde que aterriza en Portugal días después del entierro de su marido, la protagonista que PARA SUMERGIRSE da nombre al film ENTRE TINIEBLAS EN OTRA DIMENSIÓN DEL se pasea por un ARTE espacio interstiCINEMATOGRÁFICO. cial entre la vida Lo mejor: la fotografía y la muerte, la luz sobrenatural de Leonardo Simõe. y las sombras, la Lo peor: la probable tierra de origen y condena a la exhibición el país de acogimarginal de esta obra maestra. da, los recuerdos del pasado y un futuro que nunca llegó a ser. Entre los claroscuros del film, emerge y se reafirma la figura de esta mujer a quien, como a tantas otras, su marido había dejado atrás, condenada a la invisibilidad y a la espera entre promesas fatuas. Costa convierte el cine en la herramienta de restitución de la esperanza de Vitalina Varela. Eulalia Iglesias Más información en pág. 76 ESTRENO: 16 OCTUBRE

Greenland, el último refugio ★★★★★

Greenland (EE.UU., 2020, 119 min.). Dir.: Ric Roman Waugh. Int.: Gerard Butler, Morena Baccarin, Roger Dale Ford, Scott Glenn, Hope Davis, David Denman. DRAMA.

in saber si Trump o alguno de sus tronados asesores leyó el guion antes de manifestar su interés por comprar Groenlandia, lo cierto es que en este drama de supervivencia el inhóspito territorio danés se convierte en el único lugar para poner a salvo a lo que queda de la Humanidad, es decir, los estadounidenses, tras el apocalipsis. Pero que nadie crea que esto es Armageddon, Deep Impact –de la que toma la idea del refugio con los mejores–, o la loquísima 2012 de Roland Emmerich, por mucho que su protagonista sea el pétreo Gerard Butler, aquí fuera de su hábitat natural de tipo normal con habilidades de superhéroe, y lo dirija Ric Roman Waugh (Objetivo Washington D.C.). Porque la sorpresa

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Gerard Butler y Roger Dale Floyd.

es mayúscula: desPARA QUIENES DESEAN carta los clichés LA LLEGADA DEL manidos y los que METEORITO EN ESTOS TIEMPOS INCIERTOS. utiliza, ayudan al Lo mejor: su apuesta relato; y más que por huir de la típica la parafernalia de cinta de catástrofes y efectos, que no Scott Glenn. Lo peor: que no acabe aparecen hasta unos minutos antes. bien avanzada la trama, lo que prima es el drama familiar y un más que creíble retrato de la naturaleza del ser humano ante la posibilidad del fin del mundo más cercano a la Melancolia de Lars Von Trier que a la ñoñería de Mimi Leder. Casi nada. Blai Morell

Nunca, casi nunca, a veces, siempre ★★★★★

Never rarely sometimes always (EE. UU., Reino Unido., 2020, 101 min.). Dir.: Eliza Hittman. Int.: Talia Ryder, Sidney Flanigan, Ryan Eggold, Sharon Van Etten. DRAMA.

Talia Ryder y Sidney Flanigan.

ecuerdo que cuando vi It Felt Like Love (2013), me propuse recordar en adelante el nombre de la guionista y realizadora de tan deslumbrante ópera prima: Eliza Hittman. Desde entonces dos nuevos títulos, no menos valiosos que aquel debut, han venido a engrosar la aún breve pero rocosa filmografía de esta cineasta personalísima y ya en vías de convertirse en inconfundible. Y es que tanto Beach rats (2017) como esta Nunca, casi nunca, a PARA AFICIONADOS A LOS RETRATOS veces, siempre JUVENILES CREÍBLES, que ahora nos HONESTOS Y SIN EFECTISMOS.. llega han servido Lo mejor: su apuesta para corroborar por una trama hasta qué punto esquemática y unos estamos ante una diálogos mínimos. . Lo peor: que su autora de fuste; absorbente frugalidad una directora no atraiga a los amantes sobresaliente en del tremendismo. lo audiovisual, dotada de rúbrica estética propia y puesta en escena ya perfectamente cuajada, con guante de seda para la conducción de sus jovencísimos elencos e interesada casi exclusivamente en explorar un terreno temático-narrativo muy concreto: los conflictos y fragilidades asociados a la postpubertad. Con una austeridad que repele toda sensiblería pero quita el aliento cuando se propone pegarte fuerte, estamos ante un ejercicio de veracidad tan delicado como preciso.

Entrevista con Gerard Butler en pág. 52

Antonio Trashorras Más información en pág. 81

ESTRENO: 25 SEPTIEMBRE

Cinefilia

TA S I V E R ENT

ÀLEX BRENDEMÜHL

O CUANDO SE ES INCLASIFICABLE Sabemos que al otro lado de la línea telefónica hay unos ojos que mandan solos y una cabeza que piensa por sí misma en una personalidad culta dotada de discreción. Encontramos a Àlex Brendemühl (Barcelona, 1972), padre de tres hijos, en un cambio de tercio profesional, poniendo remedio a algo que añoraba, el contacto directo con el público, con dos proyectos en paralelo sobre las tablas después de casi una década sin pisarlas: un espectáculo multimedia de poesía y guitarra, Exilio, sobre gente forzada a refugiarse fuera de su país, con la guitarrista alemana Nora Buschmann y dirección de Lalo García, y El combate del siglo, de la costarricense afincada en Barcelona Denise Duncan, sobre la mítica pelea, en 1910, entre Jack Johnson, el primer campeón negro de pesos pesados, y Jim Jeffires, ex campeón blanco. En cine, el año ha sido prolífico en presencia: La ofrenda (Ventura Durall, 2020), El buzo (Günter Schwaiger, 2019) y Akelarre, del argentino Pablo Agüero, que ahora estrena previo paso por la competición donostiarra. Todo muy coherente con un indie que se permite trabajar en cinco idiomas sin darse ninguna importancia. ¿Cómo interpela al espectador de hoy una historia de inquisidores y brujas en el siglo XVII como Akelarre?. Aún estamos reivindicando los derechos de la mujer en todos los ámbitos: doméstico, laboral, público, privado…Aún rigen las normas establecidas por los hombres, y el hombre sigue 18

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estando en los lugares de poder y decisión, en todas las esferas. Así que todavía es necesario hablar de algo que de alguna manera fue el germen. ¿Por qué se hinchó el fenómeno de la brujería en la época de la Inquisición? Por el miedo a la fuerza y a la influencia que la mujer pudiera tener en la sociedad. Su poder de seducción se consideraba brujería, y en la fuerza de la alegría, de la fiesta, de la diversión, de la complicidad femenina se percibía un arma de peligro para la hegemonía masculina. Un malo extremo, esta vez. Un malo muy goloso, en las antípodas de otros malos que he interpretado y muy diferente de los personajes que he hecho últimamente. El juez de Akelarre es tan extremadamente perverso que es como interpretar la Cruella de Vil de 101 Dálmatas. Es un personaje paranoico, obsesivo, de los que apetecen para jugarlo y gozarlo; con una dosis de teatralidad e histrionismo muy divertida de hacer. Es como un científico de la ley que quiere descubrir obsesivamente la brujería donde no la hay. ¿Qué tipo de director es Pablo Agüero? Obsesivo, detallista. Le gusta tener al equipo en un lugar de desconcierto e incertidumbre para sacar provecho artístico de ello. Le gusta jugar a despistar a la gente con la que trabaja, técnicos y actores, para que no se acomoden y estén siempre en vilo. Es un proceso bastante curioso... ¿Le va esa forma de trabajar, la incertidumbre, o prefiere tener más control? Yo no soy muy partidario de manipular a los equipos cuando dirijo (es autor de varios cortos; uno de ellos, Rumbo a peor,

‘AKELARRE’ El director de Eva no duerme, Pablo Agüero (Mendoza, Argentina, 1977) parte del libro del juez Pierre de Lancre, trasunto en la ficción de Rostegui (Àlex Brendemühl), encomendado por el Rey para limpiar de brujas la región. Estamos en el País Vasco, en 1609, y Ana (Amaia Aberasturi, Vitoria 3 de marzo) participa en una fiesta en el bosque con otras chicas de la aldea. El inquisidor juez las hace prisioneras y las fuerza a que confiesen sobre el mito del Akelarre, ceremonia durante la que supuestamente el Diablo inicia a sus servidoras y se aparea con ellas; en el fondo, induciéndolas a encarnar sus propios fantasmas masculinos. ESTRENO: 2 OCTUBRE

Amaia Aberasturi y Àlex Brendemühl..

Foto: Carles Roig

Añade un malo extremo a su galería de personajes turbadores, el juez de ‘Akelarre’, que nos transporta a la cacería de brujas medieval. Otro proyecto singular en una carrera coherente ajena a estereotipos y etiquetas. Por Paula Ponga.

CINEFILIA # ENTREVISTA

“La industria es muy caprichosa y te levanta y te destruye con mucha aleatoriedad. Nunca te creas nada.” PARTICULARÍSIMO 1. El exitoso publicista de Héroes (Pau Freixas, 2010). 2. El rutinario y enfermizo Abel de Las horas del día (Jaime Rosales, 2003). 3. En el drama romántico El sueño de Gabrielle (Nicole García, 2016), con Marion Cotillard. 4. De nuevo a las órdenes de Rosales en Petra (2018), donde volvió a coincidir con Bárbara Lennie. 5. Como Amadeo de Saboya en Stella cadente (Lluis Miñarro, 2014). 6. Su primer protagonista, Un banco en el parque (Agustí Vila, 1999). 7. Como el nazi Mengele en Wakolda (Lucía Puenzo, 2013).

compitió en Cannes), de no incluir a la gente en los procesos. La comunicación con Pablo es curiosa, diferente. No suelen hablar los actores en los términos en los que usted se refería una vez a la necesidad de saber organizarse un estilo de vida de acuerdo con sus objetivos, quitarse lastres económicos que le obliguen a trabajar en cosas que no desea hacer. Es muy llamativo, sobre todo en alguien que tiene tres hijos. A veces los actores y las actrices nos emborrachamos cuando las cosas nos van bien, y nos metemos en situaciones económicas que no te puedes permitir o que no te convienen. A mí me pasó: hace más de veinte años hice mi primer protagonista, en Un banco en el parque, después rodé varias series, después me compré un piso y después me quedé sin trabajo dos años y aprendí la lección. Dices: ¡hostias!, esto no es para siempre, la industria es muy capri-

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chosa y te levanta y te destruye con mucha aleatoriedad. Tienes que decirte: nunca te creas nada, cada nuevo proyecto supone siempre un volver a empezar, y esto lo tengo muy claro. Hay actrices excelentes que están en el olvido y sobreviven en unas condiciones pésimas. Cada vez estás volviendo a empezar, y esto te lo hace saber también la industria, que no estás ahí para siempre. Cada proyecto tienes que vivirlo como un gran privilegio y con agradecimiento. Nos dedicamos a una tarea artística, pero es un trabajo, y hay un intercambio económico comercial entre el trabajador y el empleador, y esto es así, y no puedes olvidarlo. Si tú consigues llevar una economía personal más o menos coherente, entonces no te haces esclavo y no ocurre que Hacienda te persigue y tienes que hacer cosas que no te apetece hacer. El mestizaje de ser hijo de alemán y española, formarse en un colegio alemán, manejarse en cinco idiomas, ¿cómo ha marcado su personalidad? En una multiplicidad de identidades, de estímulos, de recursos, fruto también de haber tenido una educación muy abierta, muy ecléctica, muy completa. Me ha costado encontrar mi lugar, mi sitio, mi manera de estar. El hecho de no ser de aquí ni de allá, de no pertenecer a un solo lugar, ha sido una ventaja y una desventaja. Una ventaja porque siempre he podido interpretar ese personaje que está al margen, que es de fuera, diferente, que tiene algo que no tienen los demás, pero a la vez nunca he sido el personaje cercano. He hecho personajes inquietantes por la amenaza de ser extranjero y tener una mirada de ojos claros que no se entiende, que no se sabe lo que expresa. Todo eso son armas que tienes y con las que juegas; son los atributos que te definen y con los que tienes que manejarte. Lo distinto, lo que no entendemos, suele ejercer mucha fascinación. Sí, la fascinación está en lo enigmático, en lo indescriptible, en lo que no puedes reducir a una sola palabra. Pero la industria necesita encontrar lugares comunes para definir y describir, y yo me considero alguien muy ecléctico al que no le gusta encasillarse, meterse en un cajón y decir soy esto o lo otro. Sí, soy hijo de padre alemán y madre española... pero también otras cosas. Lo que intento es crecer y avanzar. Aunque a veces también te encuentras con que la industria te ve de una única manera y es muy difícil salir de ahí. ¿No le apetecería un personaje comercial a tope? La comercialidad per se no es mala; lo que es malo es la comercialidad a cualquier precio, hacer cosas que no tengan ningún interés, ningún valor. Pero si lo bueno es comercial, perfecto.◆

CINEFILIA

CUMPLEA„OS OCTUBRE

LOS MIL ROSTROS DE… BILL NIGHY 1

1. ‘Hitler SS: El retrato del mal’ (TV Movie, Jim Goddard, 1985). 2. ‘Siempre locos’ (Brian Gibson, 1998). 3. ‘Undreworld’ (Len Wiseman, 2003). 4. ‘Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto’ (Gore Verbinski, 2006). 5. ‘Harry Potter y las reliquias de la muerte - parte 1’ (David Yates, 2010). 6. ‘Ira de titanes’ (Jonathan Liebesman, 2012). 7. ‘Jack el cazagigantes’ (Bryan Singer, 2013). 8. ‘Yo, Frankenstein’ (Stuart, Beattie, 2014).

PREGUNTAS SIN RESPUESTA bien el amor hay que venir al sur, el primero de la temporada, en La Latina? ¿Por qué tarda en llegar un protagonista en cine a la altura de las dotes que exhibe Vicky Luengo en la serie de Rodrigo Sorogoyen? ¿Hasta cuándo permitirá la corrección política seguir usando la expresión cine negro, tras el cambio de título de la novela Diez negritos, de Agatha Christie? ¿Por qué nos parece discriminatorio que la Berlinale sustituya los premios a Mejor

¿POR QUÉ NO NOS SORPRENDE QUE UN GALÁN COMO ÁLEX GARCÍA, ESPLÉNDIDO EN ‘ANTIDISTURBIOS’, SEA UN INTÉRPRETE CADA VEZ MÁS SOLVENTE?

Actor y Mejor Actriz por un único galardón a la mejor interpretación protagonista y de reparto, teniendo en cuenta que hay más papeles masculinos? ¿Por qué esos carteles que venden la película con la fórmula ‘De los productores de…’ pero omiten el nombre del director? ¿Por qué tanta polémica en torno a las nuevas normas inclusivas de los Oscar si la mayoría de films ya las cumplen? ¿Por qué hay quien tiene la sensación de que lo mejor de Tenet son los trajes que lucen sus actores?

Foto: Diego López Calvín.

¿Por qué el policía atrapado en el furgón de Bajocero no inutiliza la cámara de vigilancia por la que le observan desde la cabina del vehículo? ¿Y por qué para trasladar a seis presos, uno de ellos de extrema peligrosidad, solo hay cuatro policías? ¿Para cuándo un thriller centrado en el Comisario Villarejo, eje de todas las conspiraciones como Gurtel, Dina, Kitchen, Corinna....¡y las que no sabemos! Tramas que habrían deleitado al mismísimo Alan Pakula ¿Cuajará la Carràmanía, con el estreno de Explota, Explota en cines, y el musical Para hacer

Día 1

Brie Larson Zach Galifianakis

31 51

Día 2

Maribel Verdú

Día 3

Alicia Vikander Clive Owen Lena Headey

32 56 47

Día 4

Dakota Johnson Susan Sarandon Paco León

31 74 46

Día 5

Kate Winslet Ángela Molina

45 65

Día 6

Lola Dueñas

Día 7

Brandon Quinn

Día 8

Matt Damon Sigourney Weaver Bella Thorne

50 71 22

Día 9

Guillermo del Toro Miki Esparbé

56 37

Día 10 Dan Stevens Karra Elejalde

50 60

Día 11 Joan Cusack

Día 12 Hugh Jackman Pilar Castro

52 50

Día 13 Luis Tosar Sacha Baron Cohen

49 49

Día 14 Mia Wasikowska

Día 15 Tanya Roberts Paul Logan

66 47

Día 16 Tim Robbins Carmen Sevilla

62 90

Día 17 Felicity Jones

Día 18 Jean-Claude Van Damme

Día 19 Irene Escolar Jon Favreau

32 54

Día 20 Viggo Mortensen Alberto Ammann

62 42

Día 21 Blanca Suárez Julio Medem

32 62

Día 22 Jeff Goldblum Catherine Deneuve

69 77

Día 23 Emilia Clarke Ryan Reynolds Manuela Velasco

34 44 45

Día 24 Kevin Kline

Día 25 Keeran Johnson

Día 26 Cary Elwes Día 27 Alba Flores Roberto Benigni

57 34 68

Día 28 Julia Roberts Marta Etura

53 42

Día 29 Wynona Ryder

Día 30 Sarah Carter

Día 31 Itzan Escamilla

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CINEFILIA # ¡QUÉ PELÍCULA LA DE AQUEL RODAJE!

PARECIDOS RAZONABLES

Por Clara Lago.

PEQUEÑO ‘BICHO RARO’

CRISTIN MILIOTI (Cómo conocí a vuestra madre) Y OONA CHAPLIN

Regresamos a la niñez de Clara Lago, cuando fue nominada al Goya por ‘El viaje de Carol’ (Imanol Uribe, 2002), mientras espera el estreno de ‘Crónica de una tormenta’. jornadas de 12 horas, y en el El viaje de Carol yo estaba en casi todas las secuencias. Desde el primer día me llamaba mucho la atención el trabajo de producción. Veía un walkie y me volvía loca. ¡Una vez hasta me dejaron cortar una calle! Las escenas emocionales me costaban, y mi inexperiencia me jugó una mala pasada en la escena en la que muere mi madre, María Barranco. Era un travelling (que entonces yo no sabía ni qué era eso) y me tenía que acercar despacito hacia ella, llorando. María no estaba físicamente. Carlos Manzanares (él se encargaba de los niños e Imanol Uribe de los adultos) me pidió que pensara en algo dramático que me hubiera sucedido… ¡pero yo era una niña muy feliz y no tenía ese tipo de recuerdos! Empecé a agobiarme y a pensar que me iban a echar, que no daba la talla. Cuando dijeron acción estaba tan sugestionada que me puse a llorar pero de la presión. Y todos llorando de emoción. Fue curioso aquello. Sin quererlo, conseguí lo que me pedían. Eso, y una nominación a actriz revelación en los Goya que, aunque no conseguí, me permitió conocer a mi ídolo, Penélope Cruz. Ese fue mi premio. ◆ CRÓNICA DE UNA TORMENTA SE ESTRENA PRÓXIMAMENTE

Envío de: Hans Grüber (Vilanova i la Geltrú, Barcelona).

Envío de: Teresito (Barcelona).

Foto: Archivo Fotogramas. OC TU BR E 2 02 0 · FOTOGRAMAS.ES

JESSIE BUCKLEY (I’m Thinking of Ending Things) E ICIAR BOLLAÍN

JANGO EDWARDS Y LLUÍS HOMAR

Juan José Ballesta y Clara Lago, amigos inseparables en El viaje de Carol.

JESSE PLEMMONS

Y RONALD KOEMAN Envío de: El hermano manco de Scaramouche (email).

PAUL MESCAL (Normal People) Y ALAN BATES Envío de: Borriquillo (Salamanca).

Fotos: Getty Images.

Fue el único rodaje al que me acompañó mi madre y en el que tuve conciencia real de qué era esto. Con mi primera película, Terca vida (Fernando Huertas, 200) sentí un flechazo. Pero la segunda, El viaje de Carol, fue una declaración de amor eterno hacia el cine, y eso que apenas había cumplido 12 años. Juanjo (Ballesta) y los demás niños se pasan la peli llamándome ‘bicho raro’ (por exigencias del guion) y en realidad es que lo era, un coñazo de niña, responsable en exceso y fascinada con el mundo de los adultos. Menos mal que tenía el contrapunto en Juanjo, pura espontaneidad y disfrutón al 100 por cien. De hecho, él marcaba los tiempos. Como rodamos en exteriores en Portugal, Galicia y Cantabria, en el campo, se pasaba el día persiguiendo animalillos. Me traía al set cubos con renacuajos, o se subía al monte corriendo detrás de una cabra mientras esperábamos para rodar. Envidiaba su frescura. Yo sufría intentando hacerlo todo perfecto, me podía la presión. Recuerdo mis charlas con Rosa María Sardá, con la que no me pudo hacer más feliz coincidir de nuevo en Ocho apellidos catalanes. Entonces, los rodajes daban mucho de sí, porque aunque hubiera niños eran

Envío de: Antoni Lasierra (Canet de Fals, Barcelona).

CINEFILIA

EN EL PUNTO DE MIRA

FAHRENHEIT 451 AL ROJO VIVO El (indiscutible) reconocimiento a Isabel Coixet con el Premio Nacional de Cinematografía y el (coherente) destino de una parte de los 30.000 euros que conlleva: apoyar a directores que empiezan.

MILENA SMIT Aporta su personalidad inquietante y su atípica sensualidad al thriller No matarás, que coprotagoniza junto a Mario Casas. Es solo el comienzo.

AMAIA ABERASTURI Lleva a partes iguales con Àlex Brendemühl el peso de Akelarre.

Fotos: Getty Images.

BENJAMIN VOISIN Nos cautiva en Verano del 85 con su arrollador ímpetu adolescente.

ELIZA RYCEMBEL La actriz polaca irradia luz en el conflicto dramático de Corpus Christi. 24

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LUIS CALLEJO Su buen hacer es una de las bazas de Bajocero y de Ane, su doblete del mes.

PATRICK CRIADO Doble ocasión de ver su imparable solvencia: Bajocero y la serie Antidisturbios.

WALLACE SHAWN Rifkin´s Festival es la sexta colaboración de este eficaz veterano con Woody Allen.

El (atractivo) regreso de Javier Bardem a un set español de la mano de Fernando León, como protagonista de su nuevo proyecto El buen patrón, 18 años después de Los lunes al sol y cuatro de Loving Pablo. El (inusual) gesto promocional de Tom Cruise, grabando su asistencia (con mascarilla) al estreno londinense de Tenet, film de la competencia, y colgándolo en redes para fomentar el regreso del público a las salas.

CALDEADO La (crucial) opción de acceso a ayudas públicas para aquellas películas estrenadas en televisiones o plataformas, que no han pasado necesariamente por salas, y la ampliación del plazo temporal requerido para ser consideradas como estrenadas comercialmente. La (reincidente) elección de la ECAM madrileña entre las 15 mejores escuelas de cine del mundo en el ránking de The Hollywood Reporter,

que incluye la prestigiosa Fémis parisina y el Centro Sperimentale di Cinematografia de Roma.

NI FRÍO NI CALOR La (desinformada) viralización de todo lo concerniente a Guapis, con acusación de pedofilia incluida, por el cartel con el que Netflix desvirtuaba el original de esta cinta premiada en Sundance. La (emprendedora) iniciativa de David Trueba, estrenando su última película, A este lado del mundo, en VOD, en su propia web.

ZONA GLACIAL El (confuso y opaco) baile de cifras de Tenet en el box office estadounidense, así como el de ventas de Mulan, en Disney+, cuando es el supuesto paradigma del cambio en las ventanas de distribución. La (precaria) situación laboral por la que atraviesan tantos intérpretes, aireada por algunos tan conocidos como Roberto Álamo (7 meses sin trabajar), Únax Ugalde (14 meses de parón absoluto) o el argentino Miguel Ángel Solá en carta abierta a un diario en la que declaraba estar sin trabajo y sin posibilidad de conseguirlo y apuntaba a productores y empresarios que emplean solo a algunos adolescentes.

CINEFILIA # MI CINE ESPAÑOL

QUIZ Por Santi Balmes.

El estreno de la comedia El club de los divorciados nos invita a un test sobre rupturas nada tr‡gicas.

VIENTO DE EL SUR

A. ¿De qué trabaja el infeliz Larry (Michael Stuhlbarg) en la película Un tipo serio (Joel y Ethan Coen, 2005)? 1. Electricista. 2. Profesor. 3. Farmacéutico. 4. Policía. 5. Vigilante de seguridad.

El cantante y compositor de Love of Lesbian, Santi Balmes, respira poesía en su audiolibro Canción de Bruma y nos transporta a su universo cinéfilo más lírico.

B. ¿Qué hace Cal (S. Carell) cuando su mujer Emily (J. Moore) le confiesa su infidelidad en Crazy, Stupid, Love (2011)? 1. Rompe a llorar. 2. Se va de casa. 3. Hace las maletas. 4. Se tira del coche. 5. Canta de alegría. C. La magnífica Divorcio a la italiana (Pietro Germi, 1961) fue recompensada en Hollywood con un Oscar. ¿Cuál? 1. Mejor Película. 2. Mejor Guion. 3. Mejor Actor. 4. Mejor Director. 5. Mejor Vestuario

Foto: Getty Images / Archivo Fotogramas.

D. ¿Quién es la elegante protagonista de la comedia británica El divorcio de la señorita X (Tim Whelan, 1938)? 1. Vivien Leigh. 2. Merle Oberon. 3. Teresa Wright. 4. Greer Garson. 5. Hedy Lamarr. E. ¿Por qué Una historia de Brooklyn (N. Baumbach, 2005) se titula en original The Squid and the Whale? 1. Por los animales del museo . 2. Por un sueño del padre. 3. Por un dibujo de uno de los niños. 4. Por un cuadro del salón familiar. 5. Por un cuento que oyen todos.

RESPUESTAS

Icíar Bollaín, en El sur, de Víctor Erice.

del alba 2 (Antonio Betancor, 1983). Quise ser Micky Molina durante años. ¿A qué estrella internacional desearía ver trabajando en el cine español? A una actriz británica de origen japonés que me fascina, Sonoya Mizuno. ¿En qué film le habría gustado hacer un cameo? En la escena del cumpleaños de Mamá cumple 100 años (Carlos Saura, 1979). Me conformaría con salir aplaudiendo a Rafaela Aparicio, y ser uno de sus nietos. Me recuerda tantísimo a una de mis abuelas… ¿De qué película le hubiera gustado componer la música? El discreto encanto de la burguesía de Buñuel, sin duda. ¿Alguna cinta española que haya inspirado un tema suyo? No ninguna; pero ni española ni extranjera. Creo que tengo suficiente con las películas que me monto yo solo. ¡Mi cabeza es un Cinecittà! ¿Qué actriz/actor merecería una canción de amor? Puedo visualizarlo para una película donde Inma Cuesta y Verónica Sánchez se enamoraran. ¿Alguna banda sonora inolvidable? Un monstruo viene a verme (J.A. Bayona, 2016), musicada por el gran Fernando Velázquez. Eso, con permiso de la canción de Bienvenido Mr Marshall (Luis García Berlanga, 1953). ◆

A. Profesor. B. Se tira del coche. C. Mejor Guion. D. Merle Oberon. E. Por los animales del museo.

¿Su primera vez con el cine español? Recuerdo ver en la tele El verdugo (Luis García Berlanga, 1963). Yo debía tener entonces unos ocho años. Cuando terminé de verla, mi cabeza había cumplido 15. ¿En qué film se quedaría a vivir? En El Sur (Víctor Erice, 1983). Esa película supura poesía, y su final abrupto me parece de una lírica extraordinaria. Creo que este es un buen momento para volver a verla. ¿Con qué actor o director se iría de cañas? Con Mariano Ozores, sin dudarlo ni un momento. Y una cenita con Álex de la Iglesia. Soy fan de todo lo que ha hecho. Y que estuviera también Rodrigo Cortés. Buried me voló la cabeza. ¿Con quién querría quedarse encerrado en un ascensor? Con la Ana Belén de Españolas en París (Roberto Bodegas, 1971). Le diría: En un futuro te engañarán, yo soy tu salvación, soy lo que siempre has buscado. ¿Con quién no se sentaría en un avión? No creo que Torrente sea el mejor compañero de viaje, por pura cuestión de higiene. Santiago Segura consiguió que oliera mal desde el otro lado de la pantalla. Un amor adolescente mitómano. Cristina Marsillach en 1919. Crónica

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CINEFILIA

El diario de la Redacci—n AGOSTO

Zoe Kravitz le da la vuelta a la tortilla, y al género, ahora femenino singular, del clásico film de Stephen Frears protagonizado por John Cusack y basado en la novela más vendida de Nick Hornby Alta fidelidad, en versión serializada en Starzplay.

Sobrecogidos por la belleza visual que acompaña la lucha de una madre peruana por recuperar a su hija desaparecida, celebramos que la ópera prima de Melina León Canción sin nombre se haya alzado con el premio a mejor película en el XI Picknic Fest de Santander.

El cine de los 80, ligado a la música y el arte pop, se asoma a las páginas de 1980-1990: la década dorada de los videojuegos retro que ha escrito Enrique Segura Alcalde a beneficio de la AECC.

Él no podía evitarlo en Las amistades peligrosas y nosotros no podemos evitar entusiasmarnos al ver en la programación de los Teatros del Canal de Madrid que John Malkovich estrenará allí mismo Simplemente, llámame Dios. Amén.

La nueva musa de Paco León, Dora, no es exploradora pero podría ser lo que se propusiera. Cantante más que personal, hija de Bimba Bosé y Diego Postigo, acaba de rodar un videoclip con el director y anuncian película juntos. Promete.

SEPTIEMBRE

Gustavo Salmerón nos presentó a su madre (Goya incluido) en Muchos hijos, un mono y un castillo. Ahora es el actor Miguel Ángel Muñoz quien debuta en la dirección con 100 días con la tata a mayor gloria de su inimitable abuela.

Nos alegra comprobar, a través de la mirada de nuestro corresponsal en Londres, que la única obra de teatro musical en cartel, Jesucristo Superstar, está protagonizada por el actor español Pepe Nufrio.

Siempre es agradable saber que podemos encontrarnos por tierras extremeñas con la bella Seymour (Jane), que ya ha empezado a rodar Glow and Darknes, la película que produce José Luis Moreno sobre la vida y obra de San Francisco de Asís.

Tal día como hoy hace 33 años, las llamas reducían a escombros los famosos Almacenes Arias de Madrid. Fede Arias, biznieto de los fundadores, anuncia ahora una serie documental con testimonios reales que promete algún sobresalto.

Doble celebración: la recuperación de Aitana Sánchez Gijón después de haber sufrido COVID y el placer de escucharla en el audiolibro La vida mentirosa de los adultos, de su amiga Elena Ferrante. Los derechos para la adaptación televisiva de la obra, ya en manos de Netflix.

12 Macarena García y Greta Fernández se pasan al fashion film en la campaña de la web de moda Zalando, mientras continúan imparables con sus quehaceres. Finalizada la grabación de la serie Paraíso de Fernando González Molina para Movistar, previo paso por Venecia con El arte de volver de Pedro Collantes, Macarena ha hecho un impás para coincidir con su amiga, que rueda El Frío que quema de Santi Trullenque.

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El director Dani de la Torre (La sombra de la ley, imagen dcha.) se convierte en profeta en su tierra al recibir el Premio del Festival de Ourense en su 25ª edición. por la diversidad en su trayectoria.

En medio de todos los avances televisivos del año, nos detenemos en uno que nos pone la miel en los labios y brillo en los ojos: documentalhomenaje a Michael Robinson en la Gala de clausura del FesTVal de Vitoria que emitirá el 29 octubre Movistar+.

A tiro limpio. Así celebra Flixolé el 70 cumpleaños de Agustín Díaz Yanes, emitiendo su estupenda ópera prima Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto, estrenada hace 25 años.

Actriz y presentadora, Ana Morgade se siente feliz y afortunada y así lo anuncia en redes. El espejo del baño de su casa y su cómplice sonrisa desvelan el motivo. ¡Enhorabuena, futura mamá!

Alex Maruny, alumno aventajado de la Promoción fantasma de Ruiz Caldera, ya tiene segundo libro, Los mejores peores días de Bruno Ucelay (ed. Duomo), para el que tira de recuerdos de adolescencia.

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Siguiendo la fiebre revival, 12 años después de haber roto moldes y audiencias, los chicos del instituto Zurbarán se aventuran con dos nuevos episodios de la serie que desvelan el gran secreto de Física o Química. No están todos los que son… ¡pero casi!

Siempre se ha perseguido al diferente. Nuestro oficio, especialmente, es de frikis

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Antonio Resines, actor

Contra todo pronóstico, no son las uñas de Rosalía, sino sus labios, los embajadores MAC y su icónica (y roja) barra Viva Glam. Si además de favorecedora es solidaria en la lucha contra el SIDA, ovación para la artista.

No puedo, tengo Cinespaña es la excusa que propone el Festival de Toulouse (del 2 al 11 de octubre) para que pospongamos cualquier compromiso y nos centremos en todo el cine que se podrá ver en esta 25ª edición. Películas en distintas secciones oficiales, eventos gratuitos, exposiciones, encuentros y conciertos. ¡Ineludible!

La excelencia del cine europeo tiene nuevo padrino (la Academia de Cine Europeo) que se une al Parlamento Europeo para dar lustre al Nuevo Premio LUX, según se ha hecho público en el Festival de Venecia.

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Oliver Stone, Memorias

La boda no se ha celebrado en Hawkins sino en Las Vegas, y la novia no es Winona Rider sino la cantante (hija del comediante galés Keith Allen y la productora de cine Allison Owen) Lily Allen. Ni rastro de Stranger Things en la boda de David Harbour.

Con el foco puesto en las mujeres realizadoras que en aquel país están dando mucho (y bien) que hablar, se anuncia la III Muestra de cine ecuatoriano Línea Imaginaria en Cineteca Matadero de Madrid.

A los ocho Goya y la Medalla de Oro de las Bellas Artes, la directora y guionista Isabel Coixet suma ahora el prestigioso Premio Nacional de Cinematografía que concede el Ministerio de Cultura. A punto de estrenar en la Seminci su último film, Nieva en Benidorm, Coixet ha sido elegida por su inconformismo, versatilidad y la proyección internacional de su trabajo. 30.000 euros que ya ha anunciado que utilizará para ayudar a quienes empiezan y necesitan un empujón. ¡Olé tú, Isabel!

La constante presión en el negocio del cine, dirigida a hacer dinero, puede destruir cualquier alma buena. Las películas te dan, las películas destruyen.

Auspiciado por el acertado lema La cultura no contagia se levanta de nuevo el telón del Teatro Español y se invita a los espectadores a disfrutar con la representación del espectáculo musical Con lo bien que estábamos, de José Troncoso.

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Nosotros ya tenemos entradas para disfrutar del estreno en gira por la Comunidad de Madrid de Señora de rojo sobre fondo gris de José Sámano, con un espléndido José Sacristán.

Bel-Air y su príncipe, Will Smith, ven de nuevo reunido, 30 años después, a todo el elenco (excepto el tío Phil interpretado por el desaparecido James Avery), con nuevos episodios para HBO Max.

16 ¿Qué es ser ‘normal’? La pregunta la lanza Rosa Berned en su film MonuMental, y la responden sus siete protagonistas, todos ellos con enfermedad mental y mil sueños por cumplir.

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CINEFILIA # ESTRENO

LAS TIJERAS DE TERRENCE MALICK Para muchos actores, trabajar con el personalísimo cineasta es un sueño... que puede convertirse en pesadilla cuando su actuación queda reducida a la nada o, directamente, eliminada del montaje final. El estreno de ‘Song to Song’, que llega poco después de ‘Knight of Cups’, otro de sus films malditos, nos permite fijarnos en las ‘víctimas’ dejadas fuera de foco. Por R. S. Mickey Rourke, ‘La delgada línea roja’ (1998). Tras dirigir dos clásicos del cine de los 70, Malas tierras (1973) y Días de cielo (1978), Malick esperó 20 años para entregar su tercer film, La delgada línea roja (1998), y ahí fue cuando empezaron los cortes en el montaje, el espacio en el que el cineasta decía encontrar la película. Mickey Rourke fue el que salió peor parado de la lista de ilustres cortados (Viggo Mortensen, Billy Bob Thornton, George Clooney...). Su rol fue eliminado, y eso que el actor afirma que era uno de los mejores trabajos de toda mi carrera. Estaba pasando una mala época y Terry lo sabía, así que lo incorporó al personaje. De él solo quedan un par de escenas en los extras de la edición coleccionista. Rourke no lo ha asimilado aún, y afirma que lo cortó por el politiqueo de Hollywood.

Christopher Plummer, ‘El nuevo mundo’ (2005). El británico también descubrió que su papel había sido reducido. A Terry le fascina la naturaleza, dijo. A veces, cortaba una toma para filmar pájaros. Lo que de verdad necesita es un guionista.

Adrien Brody, ‘La delgada línea roja’ (1998). La leyenda cuenta que fue la noche del estreno cuando Brody descubrió que su rol ya no era el protagonista, como lo era en la novela original o en el guion. Malick centró el montaje en Jim Caveziel.

Sean Penn, ‘El árbol de la vida’ (2011). Uno de los supervivientes de La delgada línea roja, al ver su segundo film con Malick terminado afirmó que los cortes perjudicaron la historia y mi personaje. Ni yo entendía el contexto o lo que hago en la historia. Terry nunca me explicó nada.

Jessica Chastain, ‘To the Wonder’ (2012). La protagonista de El árbol de la vida, film que contribuyó a su lanzamiento, solo trabajó un par de días en To the Wonder. Al terminar su participación dijo que lo más seguro es que ni salga en ella. Tuvo razón.

Rachel Weisz, ‘To the Wonder’ (2012). Quizás por la experiencia de sus colegas, Weisz fue prevenida al rodaje y cuando descubrió que su rol fue eliminado, no se lo tomó mal: Lo hice para vivir la experiencia. Con Terry ya sabes que puedes rodar tres meses y no salir en la película.

Christian Bale en ‘Song to song’ (2017). Por desgracia no pude hacer todo lo previsto, contaba el actor, colaborador de Malick en El nuevo mundo y Knight of Cups. Rodé unos cuatro días, lo que en el mundo de Terry significa que no me veréis en el film.

‘Song to song’

Ryan Gosling y Rooney Mara.

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Vuélvela a tocar, Terry. Dos triángulos amorosos conectados, el de las parejas formadas por los compositores Faye y BV (Rooney Mara y Ryan Gosling) y la del productor musical Cook (Michael Fassbender) y su novia camarera (Natalie Portman). Todos persiguen el éxito mientras tropiezan con la obsesión y la traición en la escena musical

de Austin (Texas). Este es el punto de partida de un film que Malick rodó en 40 días en el espacio de dos años –tiempo en el que Gosling afirma que nunca vio un guion–, y que pasó cinco años en montaje en busca de su versión final. Cate Blanchett, Holly Hunter, Val Kilmer o Iggy Pop forman parte del cast. ESTRENO: 25 SEPTIEMBRE

Song to song (EE. UU., 2017, 129 min.). DRAMA.

CINEFILIA # GUÍA RÁPIDA PARA CONOCER A...

TSAI MING LIANG

FLUJOS DE SOLEDAD

Estoy trabajando en desarrollar un nuevo concepto. Este concepto no es tan solo que ya no necesitas un guion, sino que ya no necesitas ni siquiera un concepto. Son palabras de un director considerado entre los 100 mejores de la historia, que vuelve con Days, su nuevo largometraje: cine desnudo formalmente, desvestido de artificios para convertirse en arte puro. ¿Quién es? Uno de los cineastas más representativos de la Nueva Ola taiwanesa, Tsai Ming-liang nació en 1957 en Kuching, Malasia. A los 20 años se instaló en Taiwán, licenciándose en Teatro y Cine en la Universidad Cultural China, donde descubrió la Nouvelle Vague. Después de trabajar como productor, guionista y director en teatro y televisión, debutó en el cine con Rebels of the Neon God (1992). ¿Debería conocerle? Con sólo 11 largos en su haber y, eso sí, un montón de cortos, documentales y obras audiovisuales, Tsai Ming-liang es una de las figuras más relevantes del cine de autor moderno. Entre los premios que ha recibido están el León de Oro en Venecia por Vive L´Amour (1994), el Oso de Plata en Berlín por The River (1997), el premio FIPRESCI en Cannes por The Hole (1998), el Oso

Foto: Getty Images.

Durante septiembre y octubre, Filmoteca Española, Ministerio de Cultura de Taiwán, Oficina Cultural y Económica de Taipéi España y Spain Moving Images Festival ofrecen en Madrid una exhaustiva retrospectiva del gran cineasta de la Nueva Ola taiwanesa, Tsai Ming-liang, director de, entre otras, ‘El sabor de la sandía’. Estas son sus claves. Por Jesús Palacios.

‘MIS GUIONES SON PEQUEÑOS, COMO POESÍA. SOLO CONTIENEN INSTRUCCIONES PARA RODAR.’ de Plata en Berlín por El sabor de la sandía (2005) y el Gran Premio del Jurado en Venecia por Stray Dogs (2013). A lo largo de su filmografía, influida por el Neorrealismo, la Nouvelle Vague y los musicales de Hong Kong, Tsai Ming-liang, siempre con su actor fetiche Lee Kang-sheng, se

SOLEDAD Y SANDÍAS

Una ocasión única para descubrir a un cineasta de una poética existencial que sigue los pasos de Antonioni, Bresson o el Truffaut más radical. Estas son cuatro de las joyas para no perderse.

‘Rebels of the Neon God’ ‘Vive L´Amour’ (1994) (1992) Los 400 golpes de Desamor, desencuentros Tsai, adolescentes rebeldes y el rostro de Yang kuey alienación urbana. mei llorando.

‘The Hole’ (1998) Virus apocalípticos, canciones, lluvia y cucarachas humanas.

‘Your Face’ (2018) El Tsai más radical: solo rostros y diseño sonoro de Ryuichi Sakamoto.

ha convertido en cronista de la soledad, la alienación y la incomunicación humanas. ¿Con quién puedo compararlo? Comparte características con cineastas de la Nueva Ola taiwanesa como Edward Yang o Hou Hsiao-sien, con quien tiene en común cinefilia y romanticismo, mientras su ascetismo formal y toques mágicos le emparentan con el tailandés Apichatpong Weerasethakul, con pinceladas de camp teñidas de homoerotismo e ironía. Pero sus raíces están en Antonioni, Truffaut, Ozu y Bresson, de quienes se convierte en voluntario epígono, llevando su cine al manierismo y la abstracción: Hay un montón de cosas como los diálogos, la música y la interpretación a las que los espectadores están acostumbrados, que dan por sentadas. Pero yo encuentro esas cosas confusas. Dudo que tengan sentido alguno. ¿Por dónde empiezo? El cine de Tsai no es fácil, pero tampoco impenetrable. Se puede entrar por su primera y más convencional película, Rebels of the Neon God, con sus jóvenes rebeldes sin causa en las calles de Taipéi; por su romántica y minimalista Vive L´Amour, entre Tati y Antonioni, o por fábulas surrealistas musicales con canciones de Grace Chang como The Hole o El sabor de la sandía. Pues él dice... Mis guiones son pequeños. Son como poesía. Sólo contienen instrucciones sobre cómo hacer mi película (...). Para Days ni siquiera he necesitado guion porque tampoco teníamos equipo: yo tenía simplemente al cámara conmigo y no necesitaba guion para la estructura y la trama, porque no necesitaba explicarle de qué trataba la película. ◆ EL CICLO TSAI MING-LIANG. FLUJOS DE SOLEDAD PUEDE VERSE EN LA FILMOTECA ESPAÑOLA.

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CINEFILIA # EL CONSULTORIO DE MR . BELVEDERE

Nuestros lectores hablan NOLANDO VOY √ Que la película que iba a salvar al cine en estos meses de pandemia, Tenet, haya sido al final casi un producto de arte y ensayo, una de las más inconexas, sin asideros para el espectador, superproducciones anticlimáticas de la década, sí que resulta una paradoja, y no de las que hablan en este aparatoso film de Christopher Nolan. Conrado Gálvez (vía E-mail).).

√ Completamente consecuente con el personal universo de Christopher Nolan, Tenet es su gran, megalómana y cerebral película de 007 que seguPattinson y Washington, perdidos entre los enigmas nolanianos.

ramente nunca realice. John David Washington es un Bond de color (y antes que Idris Elba), Robert Pattinson un Felix Leiter que cita al revés la frase sobre la amistad de Casablanca, y Kenneth Branagh un megalómano villano a lo Karl Stromberg. Compro. Ismael Montero (vía E-mail).

√ Que Nolan se haya gastado más de 200 millones de dólares para hacer un soso remake de Los Cronocrímenes, podría ser el mayor chiste de la historia del cine. Unas secuencias de acción ridículas junto a interminables escenas estáticas en las que se suelta verborrea presuntamente científica. Henar Iglesias (vía Facebook).

CONTESTA MR. BELVEDERE Opiniones encontradas respecto a Tenet, lógico si Christopher Nolan es el logaritmo de esta ecuación. Menos liosa que Origen, también más discursiva, no se le puede negar su hipnótica gran secuencia bélica al revés en Vietnam, un nada indisimulado homenaje invertido al clímax de la kubrickiana La chaqueta metálica.

AL NO SALIR DE CLASE √ Las niñas sabe retratar ese microcosmos infantil con delicadeza. Su novel directora conecta el drama colectivo (dejar atrás la infancia) en ese represor colegio religioso femenino con una trama secundaria, la de los secretos de familia de la joven protagonista. Nerea Diéguez (vía E-mail).

√ Pocas óperas primas han demostrado una sensibilidad y una naturalidad en lo que nos explica, en realidad retazos de una vida escolar, como Las niñas. Tan solo por cómo comienza y cómo termina se merecería todos los aplausos que se está llevando. Alba Merino (vía E-mail).

√ Las niñas parece jugar con la nostalgia (¡Los años 90! ¡qué viejo me siento!) para en realidad realizar una película atemporal sobre el tránsito de la niñez a la madurez y todo lo que conlleva, que en este caso creo que 30

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está más cerca de un José Luis Garci que de un Victor Erice. Joan Manel Ribera (vía E-mail)..

CONTESTA MR. BELVEDERE Las niñas (¡y menudas son esas niñas! ¡Un Goya colectivo para todas!) podría muy bien ser la sabia reformulación de aquellas inolvidables películas adolescentes de Manuel Summers (Adiós, cigüeña, adiós; Ya soy mujer) rodadas con el estilo de los hermanos Dardenne. Por cierto… ¿soy el único que esperaba una confesión incestuosa en cierta almodovariana escena? Andrea Fandós y ‘Las niñas’ de Pilar Palomero.

CINCO FLASHES EN CINCO FRASES # Cinco largos años ha tardado en llegarnos Knight of Cups, un Terrence Malick que arrastraba malas crónicas desde que se viera en algún festival. No siendo el Malick de sus mejores y más gloriosos días (no solo del Cielo), esta suerte de confesión/reflexión en voz en off sobre el oficio de cineasta y el propio Hollywood, la convierten en el Grand Canyon del autor. Jesús Jiménez (vía Facebook).

# Todo lo que de inteligente sutileza sobre la lacra del racismo ayer y hoy en Estados Unidos, tenían las películas de Jordan Peele, Déjame salir y Nosotros, se torna burda provocación reaccionaria en la pretenciosa y muy peligrosa ideológicamente Antebellum. Si la idea era provocar una nueva guerra civil y racial, pues adelante, pero que se dejen de excusas fantastique. Valentina Cruz (vía E-mail).

# Los innumerables problemas en su génesis, rodaje, posproducción y el gafe que arrastra la franquicia mutante Marvel lejos de la Disney se notan en el resultado final de Los Nuevos Mutantes. Con todo, su ir al grano (¡una de superhéroes que no llega a los 100 minutos!) y ser una variación de Rebelión en las aulas mezclada con Pesadilla en Elm Street la hacen irremediablemente simpática. Manuel San Román (vía Facebook).

# El adiós de Rosa María Sardà le otorga un valor añadido a la muy menor Salir del ropero. Ella y Verónica Forqué, en la piel de esa entrañable pareja que deciden, a sus muchos años, liarse la manta a la cabeza y declarar su amor a los cuatro vientos de una sociedad todavía muy carca, son lo mejor de una comedia amable, sin ningún tipo de novedad en términos de realización (no nada lejos de cualquier episodio de cualquier serie televisiva), que se deja ver pero que no volveré a ver. Ana Ferrer (vía Facebook). # Tuve la suerte de disfrutar de la première de Un mundo normal en el pasado Festival de Málaga. Suerte es que Achero Mañas haya vuelto a la dirección con una road movie que va a contracorriente de las road movies acomodaticias. El viaje es más emocional y reflexivo que físico, y Mañas habla de muchas cosas: de la familia, del cine, de la vida. Beatriz Márquez (vía E-mail).

e-mails a Mr. Belvedere: fotogramas@hearst.es

MENTIRAS ARRIESGADAS √ No era el mundo de los cuentos de hadas algo ajeno a los intereses como autor de Matteo Garrone. Tanto El cuento de los cuentos como Dogman o incluso Gomorra eran fábulas con ogros, hadas y niños que quieren ser hombres. Consecuentemente, su Pinocho es un mágico y terrible drama social. Juan A. Bosch (vía E-mail)..

√ Me ha gustado mucho el Pinocho de

nunca refugios seguros, y sí terrenos peligrosos

El InstagramDiario mrbelvedere.fotogramas

Fran Bueres (vía E-mail)

CONTESTA MR. BELVEDERE Dos cosas sobre este excelente Pinocho de Garrone. La primera es su reconocida deuda con respecto a la mejor adaptación del relato de Collodi, la televisiva Las aventuras de Pinocho de Luigi Comencini. Y la segunda: reconciliar a Roberto Benigni (un convincente Gepetto) con él mismo tras su cursi e invisible Pinocho.

Garrone. Tan fiel a la novela de Carlo Collodi como a las constantes (la imposibilidad de la humanidad en un mundo cruel) del director italiano. La fantasía como marco para el fin de la inocencia y la infancia.

Roberto Benigni y Federico Ielapi.

Esperando la Rebecca de Ben Wheatley reviso la miniserie televisiva británica de 1997 con Charles dance, Emilia Fox y la desaparecida Diana Rigg como la señora Danvers..

Victoria Rosales (vía E-mail).).

√ Con Pinocho, Garrone se queda a mitad de camino de un moral y con moraleja cuento de hadas para niños y una disección adulta sobre cómo la realidad y la fantasía no son

DESPUÉS DEL AMOR √ No soy una de las fans activas en redes sociales de este fenómeno entre jovencitas que es la saga After. De hecho, y aunque comprendo el porqué engancha a ese público, creo que aporta valores y modelos bastante discutibles hoy día. Lo hacía la primera entrega y lo hace esta secuela. Elisabeth Fernández (vía Facebook).

√¿Por qué se critica que guste una película como After. En mil pedazos, igual que gustó la anterior After? Pues aparte de su calidad y de lo bien que lo hacen sus intérpretes, porque

molesta que conecte con las/los adolescentes de este 2020. ¿No queremos llevar a la gente al cine? .

Me sumerjo en Netflix en la fascinante Estoy pensando en dejarlo de Charlie Kaufman y soy consciente de que no volveré a ver jamás Oklahoma (Fred Zinnemann, 1955) de la misma manera.

Paula Gandía (vía Facebook).

√ Mejor que el film anterior, se nota en After. En mil pedazos la mano del director, Roger Kumble, un experto en el género teen más malvado, como bien recordamos los fans de Crueles intenciones, reivindicable versión adolescente de Las amistades peligrosas, y su entonada secuela. Hace 20 años de ellas. Esta nueva generación necesitaba algo parecido.

El 4 de octubre se cumple medio siglo sin Janis Joplin. A la espera de un biopic a su medida, repaso el apócrifo La rosa (Mark Rydell, 1979) con Bette Midler.

Joan N. Riera (vía E-mail). Josephine Langford y Hero Fiennes-Tiffin

CONTESTA MR. BELVEDERE Asisto algo desconcertado al fervor adolescente ante After. En mil pedazos mientras reconozco, cinéfilamente, en esa relación de los protagonistas la que vivieron los actores Jennifer Jones y Robert Walker. Y es que, por mucho que el cine y la sociedad se modernicen, fotonovelas como esta siguen siendo iguales a las de hace más de medio siglo. O a aquel Amor sin fin (1981) de Franco Zeffirelli.

Un placer nada culpable topar con Pepe Carabias en el reparto de Urubú. Inolvidable en el papel de Expósito en La busca (Angelino Fons, 1966), joya del Nuevo Cine Español. FOTOGRAMAS.ES · O C TU BRE 2 02 0

News

NACIONALES

Por Juan Pando

‘COMPETENCIA OFICIAL’

Nunca antes se ha visto a Penélope Cruz y a Antonio Banderas con el nivel de juego y libertad que están alcanzando en Competencia oficial, con unos personajes que han hecho suyos por completo. Mantienen un duelo interpretativo impresionante. Gastón Duprat (Bahia Blanca, Argentina, 1969), codirector de la película junto a Mariano Cohn (Villa Ballester, Argentina, 1975), no puede contener su entusiasmo cuando habla con FOTOGRAMAS del proyecto que brinda a dos de nuestros intérpretes más internacionales la oportunidad de medirse en pantalla. No será la primera vez que coinciden en un film. Lo hicieron, a las órdenes de Pedro Almodóvar, en Los amantes pasajeros, en lo que fue apenas un cameo conjunto, y en Dolor y gloria, en la que compartieron reparto pero ninguna escena. Óscar Martínez, el mejor actor argentino contemporáneo, completa el trío protagonista en un rol muy complejo que le viene pintado, remarca el cineasta. La química entre los tres es perfecta y el resultado, en el que hay un humor contenido, alcanza la mezcla incómoda de tensión y sarcasmo que queríamos, en un marco estético de mucha fuerza conceptual. Choque de egos. Fueron Penélope y Antonio los impulsores de la propuesta. Les había gustado mucho El ciudadano ilustre (2016), la cinta con la que Duprat y Cohn ganaron el Goya 32

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a Mejor Película Hispanoamericana y Óscar Martínez el premio al Mejor Actor en el Festival de Venecia, y les expresaron a los realizadores su deseo de trabajar juntos. La idea fue tratar la trastienda del cine, que tan bien conocen todos ellos. La trama gira en torno a un empresario, encarnado por José Luis Gómez, que al cumplir ochenta años decide producir una gran película que le proporcione prestigio. Compra los derechos de la novela de un premio Nobel y contrata a la directora más renombrada del país, una mujer un poco extrema, papel que afronta Penélope Cruz con una imagen sorprendente; y a dos grandes actores, muy diferentes, que no habían trabajado juntos antes y que no se llevan bien. El actor y su oficio. Competencia oficial no trata de cómo se hace una película sino sobre las herramientas y estrategias que tienen en los ensayos los actores, en este caso de diferentes escuelas, para crear en pantalla esa emoción que le llega al público de modo tan natural, explica Duprat. El confinamiento obligó a suspender en marzo el rodaje, que se ha retomado en septiembre. Dentro de lo negativo, lo bueno fue que nos ha proporcionado un tiempo inusual para mejorar el guion a la vista del material que ya teníamos. Filman en Madrid, con Irene Escolar, Nagore Aramburu, Manolo Solo y Pilar Castro en el reparto. Produce The Mediapro Studio. ◆

Fotos: Manolo Pav—n.

LA SOMBRA DEL ACTOR

“LA PELÍCULA TRATA SOBRE LAS HERRAMIENTAS QUE TIENE EL INTÉRPRETE PARA CREAR ESA EMOCIÓN QUE LLEGA DE MODO TAN NATURAL AL PÚBLICO”.

Antonio Banderas con una Penélope Cruz de aspecto sorprendente.

Antonio Banderas, Penélope Cruz y Óscar Martínez, con Gastón Duprat (de pie).

POR AMOR AL ARTE Gastón Duprat y Mariano Cohn son conocidos en España por su visión crítica del mundo del arte en títulos como El hombre de al lado (arquitectura), El ciudadano ilustre (literatura) y Mi obra maestra (pintura). Nosotros empezamos en el videoarte y el cine experimental, y nuestro guionista, mi hermano Andrés, es el director del Museo Nacional de Bellas Artes de Argentina, aclara Duprat. Conocemos bien esa fauna y no le guardamos ningún respeto. En cuanto a codirigir, lo importante no es el reparto de tareas sino decidir, con el debate, qué película se quiere hacer.

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NEWS RODAJES

La productora Beatriz Bodegas, como ya hiciera brindándoles la oportunidad de dirigir su primera película a Raúl Arévalo, con Tarde para la ir, o a Jota Linares, con Animales sin collar, sigue apostando por nuevos valores y lo hace en esta ocasión con Manu Gómez y su ópera prima, Érase una vez... Euskadi. Esa ha sido siempre una prioridad en mi carrera, confirma. Son casi cinco los años que junto a Manu hemos trabajado para hacer realidad este proyecto que protagonizan cuatro niños de doce años y nos traslada a un periodo turbulento de nuestra historia. Nos cuenta el verano de esos críos desde el punto de vista del realizador, que bien podía haber sido, él mismo, uno de ellos. Memorias de amor y duelo. El guion, del propio Gómez, realizador de Seis hermanas o Derecho a soñar, entre otras series, e hijo de inmigrantes granadinos en el País Vasco, está inspirado, en efecto en sus recuerdos. Este film supone un retorno a mi infancia y a esas calles que me han visto crecer, confirma el cineasta, a la Euskadi de los años 80, un laberinto de paredes

Asier Flores, Aitor Calderón, Miguel Rivera, Hugo García, con el director Manu Gómez, que charla con Arón Piper.

Foto: Manolo Pavón.

La edad de la inocencia Peu de foto della enis quiam quide.

grafiteras, donde rebotaban las pelotas de goma, que tanta huella dejó en aquellos que la vivimos, la disfrutamos y, a menudo, la lloramos. Dan vida a los chavales, Asier Flores (Dolor y gloria), Aitor Calderón (Qué Dios nos perdone), Miguel Rivera (Señoras del (h)Ampa) y Hugo García. Les secunda un reparto adulto muy sólido encabezado

por Luis Callejo, Marián Álvarez, Ruth Díaz, Arón Piper, Yon González, Vicente Romero, Vicente Vergara, María Alfonsa Rosso, Josean Bengoetxea, Pilar Gómez y María Isasi. Ruedan durante siete semanas en localizaciones del País Vasco, incluido el Mondragón natal del director. Producen La Canica y Érase una vez mi cuadrilla AIE.

La celebración del 50 aniversario de una empresa de cosméticos enfrentará en Espejo, espejo a sus empleados con su auténtico yo, cuando estos hablan consigo mismos al encararse con el reflejo que les da su imagen. Álex (Santi Millán), el director de marketing ve peligrar su empleo; Paula (Natalia de Molina), su joven asistente, sueña con su promoción profesional; Alberto (Carlos Areces), el inseguro administrativo, está enamorado de ella pero no se atreve a declararse, y Vicky (Malena Alterio), la directora de ventas y hermana de Paula, no sabe como revelar el secreto que esconde. Dirige Marc Crehuet (El rey tuerto), que rueda en Pamplona con un reparto que incluye a Verónica Forqué, Toni Acosta, Betsy Túrnez, Carlos Bardem y Loles León. Produce Rodar y Rodar y Nos gusta el cine. Distribuirá Filmax.

Foto: Quim Vives.

Malena Alterio, en un personaje con un gran conflicto interior.

Paula Gallego, Cristina Alcázar, Cecilia Suárez y Ramiro Blas.

AL CAER LA NOCHE La actriz mexicana Cecilia Suárez, popular protagonista de la serie La casa de las flores, se sube en La pasajera a una furgoneta de uso compartido en el que inicia un viaje hacia el terror. La pesadilla comienza cuando el vehículo atropella de noche a una excursionista. Sus ocupantes, que recogen a la herida para llevarla a un hospital, no tardan en comprender que es mejor no sentarse a su lado. Completan el reparto Ramiro Blas (Vis a vis), Paula Gallego (Cuéntame como pasó), Cristina Alcázar (Amar es para siempre) y Yao Yao (Xiao Xian). Dirigen el debutante Raúl Cerezo y Fernando González Gómez (Estándar). Ruedan en Navarra, con producción de Persons Films, La Dalia Films, SG Producciones y Eye Slice Pictures.

Foto: Juanma Bernabeu.

LA MIRADA DEL OTRO

RODAJES

Recorrer Europa en tren y en plan mochilero puede ser un sueño cuando se es joven, pero cuando se han cumplido los 40 puede suponer una pesadilla... muy divertida. Este es el punto de partida de la comedia Interrail, ópera prima de Fer García-Ruiz, nominado al Goya por su cortometraje Como yo te amo (2016). La trama cuenta como cuatro veinteañeros emprendieron la ruta ferroviaria en 2000, pero lo que se prometía un tiempo de grandes aventuras concluyó nada más empezar. Primera parada, París, y ahí se acabó la amistad y el periplo europeo. Rentable asignatura pendiente. 20 años después de que se truncase el viaje, fallece uno de los antiguos amigos, y les deja en testamento a quienes fueron sus colegas una jugosa herencia, siempre que se reunan de nuevo y completen la ruta inacabada,

Foto: David Herranz.

Tres colegas y una herencia

De izqda. a dcha.: Julián López Arturo Valls y Ernesto Sevilla.

tal y como la habían planeado en su día. Además, deben llevar con ellos sus cenizas para no perderse el viaje. Julián López, Arturo Valls y un casi irreconocible Ernesto Sevilla forman el calamitoso trío, que, a pesar de sus años, no puede evitar comportarse como los jóvenes que fueron, frente

a una realidad que se muestra tozuda en ponerlos en su humillante lugar. Les secundan Dafne Fernández y Ana Milán. Ruedan en Madrid y Bilbao con producción de Mono Films (La trinchera infinita) y Sony Pictures International Productions, en colaboración con Kilima Media.

NEWS FESTIVALES AVANCE SITGES

Diversidad frente a la adversidad Con su habitual catarata de propuestas, aunque algo menos bulímica esta vez, la 53ª edición del festival de Sitges (del 8 al 18 de octubre) abarca también la no-ficción y dedica un buen espacio a los clásicos.

MalnaZidos, de Alberto de Toro y Javier Ruiz Caldera (España).

SECCIÓN OFICIAL Archenemy, de Adam Egypt Mortimer (EE.UU). Archive, de Gavin Rothery (Reino Unido). Baby, de Juanma Bajo Ulloa (España). Becky, de Cary Murnion & Jonathan Milott (EE.UU). Come True, de Anthony Scott Burns (Canadá). Comrade Drakulich (Drakulics Elvtárs), de Márk Bodzsár (Hungría). Cosmética del enemigo (A perfect enemy), de Kike Maíllo (España, Alemania, Francia). Cosmogonie, de Vincent Paronnaud (Bélgica, Francia, Irlanda). Fried Barry, de Ryan Kruger (Sudáfrica). Initiation, de John Berardo (EE.UU). Inmortal (Immortal), de Fernando Spiner (Argentina). L’état sauvage (Savage state), de David Perrault (Francia, Canadá). La nuée (La nube), de Just Philippot (Francia). La vampira de Barcelona (The Barcelona vampiress), de Lluís Danés (España). Le dernier voyage de Paul W.R., de Romain Quirot (Francia). 36

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Mandibules, de Quentin Dupieux (Francia). Mosquito state, de Filip Jan Rymsza (Polonia, EE. UU). Peninsula, de Yeon Sangho (República de Corea). Possessor, de Brandon Cronenberg (Canadá). Post Mortem, de Péter Bergendy (Hungría). Relic, de Natalie Erika James (Australia). Save yourselves!, de Alex Fischer & Eleanor Wilson (EE.UU). Sea fever (Contagio en alta mar), de Neasa Hardiman (Irlanda, EE.UU, Reino Unido, Suecia, Bélgica). She dies tomorrow, de Amy Seimetz (Canadá). Sputnik, de Egor Abramenko (Rusia). Teddy, de Ludovic Boukherma & Zoran Boukherma (Francia). The book of vision, de Carlo S. Hintermann (Italia, Reino Unido, Bélgica). The dark & The Wicked, de Bryan Bertino (Estados Unidos). The education of Fredrick Fitzell, de Christopher Macbride (Canadá). The owners, de Julius Berg (Reino Unido). The Silencing, de Robin Pront (Canadá, EE.UU). Wendy, de Benh Zeitlin (EE.UU).

1. ‘Baby’, de Juanma Bajo Ulloa, en la sección competitiva. 2. ‘Kubrick by Kubrick’, del documentalista Gregory Monro. 3. Retrato de Bruce Lee en ‘Be water’, que ahonda en el racismo intrínseco a la sociedad y la industria del cine.

DOCUMENTALES Be water, de Bao Nguyen (EE.UU). Clapoard jungle, de Justin McConnell (Canadá). Kubrick by Kubrick, de Gregory Monro (Francia, Polonia). L´ultimo uomo che dipinse il cinema (The last movie painter), de Walter Bencini (Italia). Spaceship Earth, de Matt Wolf (EE.UU).

NUEVAS VISIONES El elemento enigmático, de Alejandro Fadel (Argentina). Les animaux anonymes, de Baptiste Rouveure (Francia). Marea alta, de Verónica Chen (Argentina). Un efecto óptico, de Juan

Cavestany (España).

SESIÓN ESPECIAL 30 monedas, episodio 1 de Álex de la Iglesia (Esp.).

CLÁSICOS El gabinete del Dr. caligari, versión de Roger Kay (1962) y de Robert Wiene (1920). El proceso, de Orson Welles (1962). El testamento del Dr. Mabuse, de Fritz Lang (1933). La guerra de las galaxias. El imperio contraataca, de Irvin Kershner (1980).

CLAUSURA El hombre elefante, de David Lynch (EE.UU). sitgesfilmfestival.com

Fotos: Archivo Fotogramas

INAUGURACIÓN

NEWS 1

FESTIVALES

23º Festival de Málaga: Escaparate necesario

Fotos: Getty Images.

El primer gran certamen que tiene lugar en España durante la era COVID se erigió como escaparate salvador de buena parte del cine español que se convertirá en protagonista en los próximos meses. Por Beatriz Martínez. La 23º edición del Festival de Málaga ha tenido que pasar por todo tipo de peripecias y calvarios hasta que por fin ha podido llevarse a cabo. Se anuló pocos días antes de que se decretara el Estado de Alarma cuando estaba a punto de inaugurarse, pero sus responsables nunca quisieron tirar la toalla a la espera de un escenario más favorable, que finalmente se situó en agosto, a pesar de las continuas amenazas de rebrote. El cine español necesitaba este empujón. Toda una nueva hornada de películas estaba esperando ser presentada y la industria requería urgentemente de un chute de optimismo. No fue el mismo Málaga al que estábamos acostumbrados, pero se recordará por su valentía y su responsabilidad, y los ceros contagios por COVID-19 durante su transcurso. Pantallas & plataformas. Muchas de las películas inicialmente programadas fueron adquiridas por plataformas para su estreno online, como es el caso de Ofrenda a la tormenta, Orígenes secretos y Hogar (original de Netflix). A cambio, se pudo disfrutar de nuevas incorporaciones, como Black Beach, Esteban Crespo, que nos sumerge en el continente africano para intentar desenmarañar toda la red de hipocresía con la que Occidente mira a los países del Tercer Mundo; Hasta el cielo, de Daniel Calparsoro, un trepidante relato criminal sobre la ambición en ambientes marginales; o Los europeos, de Víctor García León, adaptación de la novela de Rafael Azcona del mismo título sobre el choque entre libertad y represión en esa burbuja artificial que fue Ibiza a finales de los cincuenta. El amigo americano. En esta ocasión, el foco no estuvo en Latinoamérica como en otras ediciones, a pesar del buen nivel de la selección, en las que encontramos la película vencedora en esta categoría,

la mexicana Blanco de verano, premiada también en guion; la brasileña Tres veranos en la que destaca la personalidad arrolladora de Regina Casé (Una segunda madre), Mejor Actriz ex aequo con Kiti Manver; o la última producción del veterano y ganador de la Biznaga a Mejor Director, Arturo Ripstein, El diablo entre las piernas, en la que vuelve a demostrar su maestría a la hora de rodar planos de una elegancia exquisita que al mismo tiempo nos adentran en la sordidez y decadencia. Protagonismo femenino. El cine español se convirtió en auténtico protagonista desde el primer momento tras la inauguración con La boda de Rosa, de Icíar Bollaín que se convirtió en una de las favoritas gracias a su luminosa reflexión en torno a la necesidad de comprometernos con nosotros mismos. Ganó la Biznaga de Plata y el premio a la mejor actriz de reparto para Nathalie Poza. Pero el cine dirigido por mujeres no se quedó solo ahí, también deslumbró gracias a la ópera prima de Pilar Palomero, Las niñas, una delicada e incisiva inmersión en la década de los 90 a través de los ojos de una preadolescente que tiene que asimilar todas las contradicciones que genera la educación que recibe, basada en la culpa y la vergüenza. El debut de Palomero se llevó la Biznaga de Oro a la Mejor Película Española. Regresos aplaudidos. Además, después de 10 años sin dirigir, Achero Mañas presentó Un mundo normal, David Trueba se centró en el tema de la inmigración a partir de la perspectiva de un ciudadano normal en A este lado del mundo; y El incoveniente recuperó la figura de Kity Manver, homenajeada en el certamen como también Carlos Marques Marcet, para seguir reivindicándola. ◆

1. Luis Tosar en la presentación de ‘Hasta el cielo’, de Daniel Calparsoro. 2. Gala Aymerich y su padre y director Achero Mañas concursaron con ‘Un mundo normal’. 3. Pilar Palomero y los productores Áles de la Fuente y Valerie Delpierre con la Biznaga de Oro por Las Niñas’. 4. La actriz Kiti Manver presentó película y fue homenajeada en el Festival.

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NEWS

77º FESTIVAL DE VENECIA 4

Venecia 2020: El regreso (a medio gas) de los grandes festivales LO MÁS LAUREADO: En un festival en el que el gran cine llegó a cuentagotas, el jurado presidido por la actriz australiana Cate Blanchett tuvo el mérito de destacar la mayoría de grandes obras vistas en la competición de la Mostra. Cabe celebrar, por ejemplo, el León de Oro para la película norteamericana Nomadland, dirigida por la cineasta de origen chino Chloé Zhao. A medio camino entre el documental y la ficción, el film disecciona la precaria pero incorruptible realidad de una comunidad nómada formada por gente mayor de la clase trabajadora yanqui. Un retrato de corte humanista que toca el cielo gracias a la presencia de una Frances McDormand que llena la pantalla de punzante honestidad. 38

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…HISTÓRICO: Otro gran acierto fue la concesión del León de Plata al japonés Kiyoshi Kurosawa por la magnífica La mujer del espía, un fascinante drama histórico con toques de thriller de espionaje que, mirando de reojo del cine de serie B del viejo Hollywood, ahonda en las atrocidades cometidas por el ejército japonés durante la Segunda Guerra Mundial. Igual de justo fue el Premio Especial del Jurado para Dear Comrades, en la que el ruso Andréi Konchalovski compone, en prodigioso blanco y negro, un detallado y vivaz fresco histórico centrado en las convulsiones sociales de la Unión Soviética en el año 1962. …MAGISTRAL: Ante la falta de grandes descubrimientos, los pocos grandes

autores que acudieron a la Mostra elevaron el nivel del certamen. Pedro Almodóvar estrenó en Venecia el corto The Human Voice, su primer trabajo en inglés, una adaptación libre de La voz humana de Jean Cocteau en la que Tilda Swinton inyecta una dignidad fulgurante a la resquebrajada figura de una mujer despechada. Un prodigio escénico en el que lo teatral abraza lo fílmico para conquistar una verdad humana. Tampoco falló Abel Ferrara, que en la ensayística Sportin’ Life apuesta por la creación artística como antídoto contra las mentiras y la violencia de aquellos que ostentan el poder. Por su parte, el documentalista Frederick Wiseman regaló con City Hall el retrato utópico de una ciudad (Boston) gobernada con

Fotos: Getty Images.

La 77ª Mostra de Venecia será recordada por su incuestionable éxito organizativo, que hizo realidad el sueño de un gran festival adaptado a la era post Covid-19. Hollywood faltó a la cita y la maestría escaseó, pero autores como Pedro Almodóvar y Chloé Zhao regalaron al certamen momentos de gloria fílmica. Por Manu Yáñez (Enviado Especial)

1. Pierfrancesco Favino con la Copa Volpi a Mejor Actor por su trabajo en ‘Padrenostro’. 2. Davide Romani, director de marketing de Disney Italia, recogió en nombre de Chloé Zhao el León de Oro a Mejor Film por ‘Nomadland’. 3. El jurado del festival, presidido por Cate Blanchett y con Matt Dillon, Ludivine Sagnier o Joanna Hogg entre sus integrantes. 4. Andréi Konchalovski, Premio del Jurado por ‘Dear Comrades’. 5. Michel Franco, Mejor Director por ‘Nuevo orden’. 6. El director Majid Majidi con el premio Marcello Mastroianni al Mejor Actor Joven que no pudo recoger Rouhollah Zamani. 7. El Mejor Guion fue para ‘The Disciple’, de Chaitanya Tamhane. 9. Vanessa Kirby, Mejor Actriz por ‘Pieces of a Woman’. 10. Pedro Almodóvar y Tilda Swinton presentaron el corto ‘The Human Voice’. 7

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verdadero espíritu democrático. Y, por último, Hopper/Welles, la restauración de una larga entrevista de Orson Welles a Dennis Hopper realizada en 1970, como parte del rodaje de El otro lado del viento, se erigió como una cima del cine dentro del cine. …ESPECTACULAR: La actriz Vanessa Kirby, la Princesa Margarita de la serie The Crown, se coronó en Venecia como estrella fílmica gracias a su papel de mujer enfrentada a la fatalidad en Pieces of a Woman del húngaro Kornél Mundruczó, por la que logró la Copa Volpi a la Mejor Actriz, y por dar vida a un ilícito romance lésbico, junto a Katherine Waterson, en The World to Come de la norteamericana Mona Fastvold. En un registro más pasado de vueltas, Andrew Garfield convirtió Mainstream de Gia Coppola en una esperpéntica sátira de la fama en la era de los influencers. Una temática que también emerge en Greta de Nathan Grossman, documental sobre Greta Thunberg en el que la activista medioambiental es presentada como una estrella pop.

…ESPAÑOL: Pedro Collantes presentó en la sección Biennale College su debut en el largometraje, El arte de volver, que transita con arrojo del sosiego naturalista al exceso melodrámatico para retratar la poliédrica personalidad de su antiheroína, encarnada por Macarena García. Por su parte, Álex de la Iglesia estrenó el episodio piloto de su serie 30 monedas, un eficiente híbrido de satanismo castizo, comedia negra y cinefilia a raudales producido por HBO. …POLÍTICO: El cine visto en la Mostra supo atender a las batallas de un mundo puesto patas arriba. La magnífica Miss Marx de Susanna Nicchiarelli actualiza el feminismo y socialismo de Eleanor Marx, hija de Karl Marx, abrazando la emotividad del cine popular y las subversiones del cine de la modernidad. La elocuente One Night in Miami de Regina King incide en los sueños y frustraciones que han dado piel al movimiento Black Lives Matter. En la fustigante Nuevo orden, Michel Franco perpetra un teatro de la crueldad para exorcizar las tensiones de clase y la violencia sistémica imperante en el México actual. El doliente documental Notturno de Gianfranco Rossi atiende al desmembramiento social en el que se encuentra sumido Oriente Medio. Y, por último, el indio Chaitanya Tamhane compone en la sugerente The Disciple una alarmante elegía a la defenestración cultural de un mundo sin memoria. ◆

EL PALMARƒS LEÓN DE ORO: Nomadland de Chloé Zhao. LEÓN DE PLATA AL MEJOR DIRECTOR: Kiyoshi Kurosawa por La mujer del espía. GRAN PREMIO DEL JURADO: Nuevo orden de Michel Franco. COPA VOLPI ACTRIZ: Vanessa Kirby por Pieces of a Woman. COPA VOLPI ACTOR: Pierfrancesco Favino por Padrenostro. PREMIO MARCELLO MASTROIANNI A UN JOVEN INTÉRPRETE: Roohollah Zamani por Sun Children. MEJOR GUION: Chaitanya Tamhane por The Disciple. PREMIO ESPECIAL DEL JURADO: Dear Comrades de Andréi Konchalovski.

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NEWS THE END

DIANA RIGG

^ JIRI MENZEL

Director, guionista y actor checo. 5 septiembre. 82 años. Felicidades, señor Menzel. Su película es maravillosa, no como mi ruso, le comentó Danny Kaye (cuyos padres, judíos, huyeron^ a Estados Unidos de la Rusia zarista) a Jiri Menzel al entregarle el Oscar a la, entonces, Mejor Película Extranjera por Trenes rigurosamente vigilados (1966). Gracias, y no se preocupe por su ruso, también trato de olvidar el mío. Con esta comedia, irónica y sensual, Menzel se convertiría, junto a directores como Milos Forman, en adalid de la llamada Nueva Ola checa. Un espejismo de libertad y creatividad, no únicamente

en el cine, que las injerencias de la URSS y del régimen comunista checo cercenaron sin compasión. Su segundo film, Capricho de verano, todavía conservaría esa frescura, pero Alondras en el alambre (1969) fue prohibido y le llevó a estar cinco años sin dirigir. Aunque tentado, como Forman o Ivan Passer, a abandonar Checoslovaquia, él permaneció en su país, combinando trabajos como actor (El incinerador o la reciente Sin olvido) con delicias de fino humor como Tijeretazos (1981), Mi dulce pueblecito (1985) o Yo serví al rey de Inglaterra (2006).

Actriz británica. 10 septiembre. 82 años. Tres papeles, en una extensa carrera que incluyó teatro (era una consumada intérprete de los clásicos), cine y televisión, otorgaron la inmortalidad a esta excelente actriz: la televisiva Emma Peel de Los Vengadores, donde sustituía a Honor Blackman; la Tracy di Vicenzo, Tracy Bond al casarse con James Bond (George Lazenby), en la magnífica 007 al servicio secreto de su majestad (Peter Hunt, 1969); y la hija del shakespereano actor reconvertido en asesino de críticos que encarnaba Vincent Price en Matar o no matar, este es el problema (Douglas Hickox, 1973). Hizo más películas (Anatomía de un hospital; El club de los asesinos; Muerte bajo el sol; A little night music; El velo pintado; El asesinato de Julio César; Un buen hombre en África…), nunca abandonó los escenarios (fue Huma Rojo en el montaje en el West End de Todo sobre mi madre); y recobro la popularidad televisiva al encarnar a Oleanna Tyrell en Juego de tronos.

LINDA MANZ Actriz estadounidense. 14 agosto. 58 años. La adolescente narradora de Días del Cielo (Terrence Malick, 1978) y la magistral Caído del cielo (Dennis Hopper, 1980) su mejor y más inolvidable trabajo en la gran pantalla.

KEVIN DOBSON Actor estadounidense. 6 septiembre. 77 años. Activo todavía en TV, fue en ese medio donde destacó como el detective Crocker de la serie Kojak, o en California. En cine le vimos en Klute, La batalla de Midway o recientemente en 1408.

LORI NELSON Actriz estadounidense. 23 agosto. 87 años. Una de las rubias de plantilla en la Universal de los años 50, siempre a la sombra de la estrella (masculina) de turno: Horizontes lejanos, Sombras en el rancho, Hacha de guerra, Su gran deseo…

AUGUSTO CAMINITO Guionista, productor y director italiano. 23 agosto. 81 años. Guionizó joyas del eurowestern como Los profesionales del oro, del policíaco (Fiel a su mandato) o de los pseudo Bonds (Mr. X), amén de dirigir Nosferatu en Venecia o producir a Tinto Brass (Los burdeles de Paprika) y Abel Ferrara (El rey de Nueva York; Pasolini).

Fotos: Archivo Fotogramas/ Getty Images.

ALLAN RICH

BEN CROSS

RONALD HARWOOD

ANNIE CORDY

Actor inglés. 18 agosto. 72 años. El icónico rol del corredor Harold Abrahams en la oscarizada Carros de fuego (Hugh Hudson, 1981) fue el pistoletazo de salida de la larga carrera de fondo, las más de las veces como secundario, del actor. Le vimos, entre otras, en El primer caballero (J. Zucker, 1995), la española El último viaje de Robert Rylands (G. Querejeta, 1996) o como Sarek en la nueva Star Trek (J. J. Abrams, 2009).

Escritor y guionista británico nacido en Sudáfrica. 8 septiembre. 85 años. Ganó el Oscar al Mejor Guion Adaptado por El pianista (Roman Polanski, 2002) y estuvo nominado, en la misma categoría, por La sombra del actor (Peter Yates, 1983) basada en su propia obra teatral, y por La escafandra y la mariposa (Julian Schnabel, 2007). Escribió, entre otras, Viento en las velas, Siete hombres al amanecer, Australia, El cuarteto, La sentencia o Conociendo a Julia…

Actriz y cantante belga. 4 septiembre. 92 años. Léonie Cooreman, su verdadero nombre, resultaba igual de deliciosa en una opereta de Luis Mariano (El cantor de México, 1956); dándole la réplica a Gina Lollobrigida (La mujer más guapa del mundo, 1955); en películas de acción a mayor gloria de Eddie Constantine (Cuando ellas enredan); thrillers de suspense (El pasajero de la lluvia, 1970); o, ya de mayor, en Los recuerdos (2014).

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Actor estadounidense. 23 agosto. 84 años. Actor de reparto y de raza, fue el fiscal del distrito en Serpico. También le vimos, entre otras, en Two Much, Frances, El ente, Jack, Acoso, Amistad, Caza de brujas o ¿Y si nos comemos a Raúl?

MANUEL GALLARDO Actor español. 21 agosto. 85 años. Brilló en el teatro, su verdadera pasión, pero la popularidad se la dio el papel del padre del personaje de Juanjo Artero en Verano Azul. En cine: Tierra de todos; Los cien caballeros; La última señora Anderson; Las cosas del querer…

ESTRENO # FALLING # ENTREVISTA

Viggo

Mortensen

EN EL NOMBRE DEL PADRE

Siempre metido en mil proyectos y aventuras artísticas, el actor salta al fin a la dirección con ÔFallingÕ, un drama íntimamente ligado a su propia experiencia personal y una reflexión en estos tiempos difíciles sobre la familia, la culpa y el perdón. Una ópera prima que lo convierte en un debutante justo cuando premios como el Donostia reconocen su larga y brillante trayectoria como intérprete. Hablamos con él. Por Roger Salvans. Fotos: Pablo Sarabia. Realización: Daniela Gutiérrez.

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Ayudante de fotografía: Fernando Roi. Grooming: Naomi Gayoso.

ara empezar a conversar con Viggo Mortensen (Nueva York, 1958) a propósito de Falling, su primer film como director, FOTOGRAMAS arranca la extensa charla en una calurosa tarde, por los créditos finales de su debut. Lisandro Alonso, Peter Jackson, Agustín Díaz Yanes, Matt Ross, Peter Farrelly o, claro, David Cronenberg aparecen en una generosa lista de agradecimientos en la que destaca la presencia de Agnès Varda, cineasta con la que este actor y ahora director –además de pintor, músico, fotógrafo, editor o poeta– nunca trabajó, pero con la que compartió un instante poco antes de que esta grande del cine, dice, a la que durante mucho tiempo la Nouvelle Vague no le dio crédito pese a ser la madrina del movimiento, falleciera. Fue en un avión, en un vuelo entre Marrakech y París, revela. Ya estaba enferma, muy débil, pero su hija Rosalie me cedió su sitio y me senté junto a ella. Hablamos durante las tres horas del viaje y el tema central fue sobre todo el cine. Pero también charlamos sobre nuestros hijos, el cambio climático, el reciclaje, la vida de los pájaros en invierno, la muerte, sus nuevos proyectos o su forma de dirigir: de cómo veía el arte, su mirada y lo que da la experiencia. Y de ahí salió algo muy simple pero a la vez muy importante. Me dijo que para hacer una buena película, no debes mostrar… solo tienes que conseguir que el espectador quiera ver.

ESTRENO # FALLING # ENTREVISTA

como es, reflexiona. Otra cosa es que yo quiera explicitarlas. Esta puerta abierta a una historia, como dice Mortensen, nació para él hace unos años, curiosamente en otro avión, No me gusta subrayar, ni mostrar más de lo necesario. No y explica también la dedicatoria del film a sus hermanos, quiero ser predecible. Me gusta que la vida me sorprenda. Y Charles y Walter. La idea me vino sobrevolando el Atlántico, eso también es lo que busco en el cine. Como actor y ahora volviendo del funeral de mi madre, recuerda. No podía también como director. Llevo toda la vida preparándome dormir y la cabeza me bullía con imágenes de ella y de mi para ser flexible. Que me propongan algo que no esperaba, familia en diferentes ocasiones de nuestra vida compartida. al humor del equipo en un día concreto, a un clima, lluvia, Sentí la necesidad de ponerlas por escrito, así que empecé sol, niebla… no previstos. Tienes que saber ajustarte a a juntar momentos y diálogos de mi infancia. Cuanto más muchas cosas. Aunque también soy consciente que hay otra escribía sobre mi madre, más presente se hacía mi padre. manera de trabajar, apunta Mortensen. Más rígida, ajustada Para cuando aterrizamos, esas a un plan. Tanto en la interprenotas habían evolucionado y tación, repitiendo en el set lo que ya no eran solo recuerdos míos, llevas planificado de casa, con las sino un conjunto de escenas y emociones y el tono preparados, conversaciones. Tramas ficticias para servirse a uno mismo. Hay que, pese a no haber pasado, me muchos actores que ganan infipermitían acercarme más a la nidad de premios así.Y también verdad de mis sentimientos hacia directores, dice tras una pausa mis padres, hablar de lo que, para más larga de lo normal. Pero siento lo bueno y lo malo, había aprenque ahí hay un tope, un techo. Si dido de ellos. Los esbozos de esa tienes una buena técnica vas a ser familia imaginaria, sin embargo eficaz y funcionará, pero no vas a llena de detalles y situaciones que sorprender. No te vas a sorprenguardaban un gran parecido con der a ti ni al espectador. Es lo que la suya propia, cobraron en una siento con Hitchcock, que es un segunda lectura la potencia sufigenio y además no tengo manera ciente como para convertirse en un de comprobarlo, bromea divertiguion. Era una locura porque en do. Pero mi intuición me dice que ese momento estaba trabajando si se hubiera soltado un poco y en otro proyecto que se suponía hubiera aceptado más las ideas tenía que ser mi primer film como de los otros, especialmente de los director, cuenta de la adaptación actores, habría sido incluso más de la novela El cazador de caballos grande. Ojo, es lo que yo creo. de Mari Sandoz, que aún quiere llevar al cine. Estaba escribiendo un EL DIFÍCIL EQUILIBRIO guion cuando tenía otro proyecto En la conversación, Mortensen en marcha, ríe. Pero seguí con él, hace siempre bandera del equiliafinándolo mientras enfermó mi brio entre la cintura creativa y la padre y volvía a ir de un lado a firmeza en sus decisiones. Como su otro para cuidarlo. Finalmente, las obcecación en dar el papel protago“ESTOY SEGURO QUE SI HUBIERA TENIDO A circunstancias decidieron por él: Mi CLINT EASTWOOD EN ‘FALLING’ TODA LA PARTE nista a Lance Henriksen, un veteraprimer proyecto cayó y me centré nísimo actor secundario con el que INDUSTRIAL HUBIERA SIDO MÁS FÁCIL, PERO NO en este... que arrancó después que coincidió en Appaloosa (Ed Harris, SÉ SI SE HABRÍA EXPUESTO EMOCIONALMENTE mi padre falleciera. Supongo que ha 2008) y que a sus 80 años y tras una COMO HA HECHO LANCE HENRIKSEN”. sido terapéutico y transformador, carrera de más de 200 títulos –entre pero no solo para mi, también para ellos la saga Alien o la reivindicable otros miembros del reparto y del equipo, que compartían serie de TV Millennium– se enfrenta a su papel más difícil. conexiones personales con la historia. Empecé a escribir el guion sin nadie en mente, pero para el final se me fue aclarando que sería ideal. Me decían que ABIERTO A LAS SORPRESAS no tenía nombre, que nunca había interpretado un papel Nadie es una cosa siempre. Los seres humanos somos tan largo. Que era como si de repente alguien empezara su complicados, dice cuando explica su manera de acercarse carrera con el rey Lear. Pero también sabía que precisamena Willis, protagonista de su film, el difícil padre que, ya en te eso lo hacía especial. Estoy seguro que si hubiera tenido a la etapa final de su vida y enfrentándose a una incipiente Clint Eastwood en ese papel toda la parte industrial hubiera demencia senil, tiene que dejar su granja en la América rural resultado más fácil. Ni el tema, los saltos en el tiempo o que para irse a vivir junto a su hijo John a California, a un entorla historia no se cierre de una manera convencional no no que ni entiende ni le gusta. Él tiene sus razones para ser habrían sido un problema para los distribuidores, pero 44

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ESTRENO # FALLING # ENTREVISTA

también que si él hace este papel no creo que hubiera sorprendido tanto ni si hubiera estado dispuesto a exponerse emocionalmente como lo hace Lance, asegura el cineasta que, sin embargo, para sacar adelante el proyecto tal y como él quería, tuvo que aceptar finalmente interpretar a John, el hijo de Willis. Mi plan era no actuar para estar pendiente de todo lo demás, pero cuando me dijeron que eso aseguraba la financiación de la película no quise pasar por alto una oportunidad que ya había perdido dos veces. En lugar de estar enojado pensé en lo que había de positivo en actuar: iba a estar siempre con Lance. Delante y detrás de las cámaras, con lo que podría ayudarle a enfrentarse a ciertos obstáculos juntos y darle más confianza. Yo estaría metido en el lío con él.

como serie sería increíble. No es raro hacer amigos en un set: Son viajes muy intensos y muy cortos, pero tampoco es normal que estas amistades duren mucho tiempo, apunta con cierto pesar. David es uno de esos contados casos. Al terminar, le mostré la película y me dijo: Me has sorprendido. Conocía el guion y la historia, pero he visto cosas en tu forma de montar y construir la narración que no esperaba. No me lo aclaró, pero me encantó que dijera eso.

MEMORIAS DEL OESTE

Me gusta que esta película se vea en salas, asegura un Mortensen que sigue dejándose querer por los cantos de sirena de las plataformas. Tendría que ser algo muy bueno. Nunca se sabe de dónde va a llegar la próxima historia. La gente cree que si un actor tiene una trayectoria y es conocido puede hacer lo que quiera y no es así. Solo teneEL TÍPICO VIAJE DE UNA PELÍCULA FRANCESA mos el derecho a decir No, gracias. No quiero hacer esto. Tenerle en pantalla aseguraba, además, un atractivo comerPorque siempre dependes de alguien que te quiera para cial y, en consecuencia, la posibilidad de que Falling se viera algo. No podemos controlar nuestro destino completamente en más mercados. El periplo de la cinta empezó a finales pero sí puedes elegir bien entre lo que te ponen sobre la de enero, en el festival de Sundance, donde tuvimos unas mesa. De ahí su fijación para sacar adelante un proyecto críticas inmejorables, recuerda Mortensen. Y después llega en el que, además de un íntimo vínculo familiar, el actor y la pandemia y se apaga todo. Yo no creo que el público sea cineasta ahonda en la memoria y cómo esta forja la personatan distinto: el español, el francés, el escandinavo, donde lidad. El momento vital por el que pasa Willis, en que realila película ya se sabe que se verá, o el americano, donde dad y recuerdos se funden, me interesaba mucho, cuenta. todavía no tenemos comprador. Lo que cambia son los disConstruimos nuestros recuerdos, pero cuando topamos tribuidores, la prensa... Yo creo que hay un espectador fiel a con los de los otros, vemos que no son tan fiables como este tipo de historias, pero en Estados Unidos no saben cómo creíamos… Y pese a eso, seguimos recurriendo a ellos venderla. Es demasiado dura, me dicen. Entonces pensé que porque tratamos de controlar nuestro pasado, encasillar podía rendirme o seguir adelante como había hecho desde ciertas cosas para estar seguros en nuestro presente. Eso el principio. La subtitulé en francés y la mandé a Cannes. Y decide quiénes somos y qué hacemos en la vida, afirma. la seleccionaron, aunque después no se celebró. También en En el film lo que me propuse fue que pasado, presente y San Sebastián, Toronto, Londres… Puede que acabe siendo recuerdos se mezclaran y no dar respuestas fáciles. Quería la película con más laureles de festivales del año, pero aún que el espectador participara como cocreador, que intery así no sé si se verá en Estados Unidos. Va a tener el viaje viniera en la narración y, al terminar de ver la película, típico de una, digamos, buena película francesa, ríe. Es diera su respuesta a las preguntas que quedan abiertas. un poco frustrante, dice y aprovechamos este ¿Qué pasa con ellos después? ¿Cómo se va a momento para mencionar el cameo que en el sentir la hermana? ¿Y el nieto, se arrepentirá “SE CREE QUE SI UN film realiza David Cronenberg, quien a su vez llede no despedirse de su abuelo? Quería pasar ACTOR TIENE UNA va seis años sin dirigir. Es horrible, asegura. Pero al público el testigo del cuento y que lo siguiera TRAYECTORIA Y ES si todo va bien el año que viene hará otra pelícomo quisiera. Intención que explica su partiCONOCIDO PUEDE cula y con suerte yo podré estar en ella. También HACER LO QUE QUIERA cular método de trabajo: Empecé filmando en es cierto que le afectó mucho el fallecimiento de verano todos los recuerdos que después, cuanY NO ES ASÍ. SOLO su esposa y que en este tiempo ha escrito, pordo tuviera a los actores en el rodaje principal, TENEMOS EL DERECHO que eso es lo que quería ser antes de director, no tendría tiempo para hacer. Fue un periodo A DECIR ‘NO, GRACIAS. novelista. Su libro, Consumidos (Ed. Anagrama), de exploración muy interesante, en el que NO QUIERO HACERLO”. es como diez películas de Cronenberg en un sabía exactamente cómo quería algunas cosas libro. No sé si podría adaptarse al cine, pero y para el que estaba muy preparado y que me 46

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permitió sacar el máximo partido de un presupuesto que, a no ser que seas Terrence Malick y puedas hacer lo que te da la gana, siempre es menor de lo que necesitas, ríe.

LOS HONORES DEL DEBUTANTE ¡Eso está bien, supongo! Creo que suena positivo, bromea Mortensen cuando le apuntamos que Falling no parece una primera película y que sorprende tanto por su ambición como por el resultado final. En los sets siempre he prestado atención, explica. Como actor y también como productor, en mis tres anteriores cintas (Tenemos un plan, Lejos de los hombres y Jauja) en este rol. La clave está en escuchar, en confiar en el equipo, y en trabajar. La gran diferencia que he notado es que esta vez era yo el que respondía a las preguntas en lugar de lanzarlas. Y que tenía que contestar deprisa, había que decidir en el momento. A lo mejor, si hubiera rodado esta película diez años antes o 20 quizás no me hubiera sentido tan preparado o lo habría hecho como todos los demás, y no a mi manera. Un personalísimo debut –y completo, porque además de dirigir Mortensen produce, firma el guion y la banda sonora– que le llega en un momento en el que empieza a recibir premios homenaje a su carrera de intérprete, como el Donostia del 68º Festival de San Sebastián. No lo había pensado así, ríe. Soy un novato como director y a la vez es como si vislumbrara ya el fin de mi carrera como actor, dice riendo con ganas. Hace unos días miré quién lo había recibido y la lista es impresionante. La misma Agnes Varda, Meryl Streep, Robert Mitchum, Dennis Hopper, Ricardo Darín… Hay de todo ahí. Me sorprendió gratamente que me lo ofrecieran, pero lo primero que pregunté fue ¿Pero podré enseñar la película, verdad? Sí, me dijeron. Queremos tu película también, dice entre risas. Es un honor y como todos los premios resultan raros pero también bonitos. Lo que parece claro es que queda Mortensen director para rato. Porque este norteamericano de origen danés, sentimiento porteño y vecino de la Gran Vía madrileña, ha encontrado la experiencia de dirigir agotadora pero me ha encantado. Espero volver a hacerlo pronto. Para ello, además de El cazador de caballos, adaptación que sigue teniendo entre ceja y ceja aunque si fue difícil juntar la financiación para Falling imagínate para la historia de un muchacho indio que detesta matar y ama a los caballos en la que no se habla inglés sino cinco idiomas indígenas y hay mucho trabajo de especialista, Mortensen nos cuenta que tiene otra bala en la recámara: Durante el confinamiento por la pandemia, he escrito un nuevo guion. Ya ves, igual que la otra vez. Cuando se suponía que tenía que trabajar en sacar adelante un proyecto, me he puesto con otro, ríe. Es una historia que me gusta mucho y que ahora estoy afinando. Se me ocurrió una idea para un western que ocurre sobre 1860 y en el que hay dos personajes, un hombre y una mujer. Básicamente es un cuento de amor por un lado y un relato de cierta venganza por otro que supongo que será más fácil de sacar adelante... Aunque probablemente el casting que quiera hacer no sea el más apetecible para la gente del dinero, bromea. Pero uno es como es. ◆

Lance Henriksen, protagonista del debut de Viggo Mortensen como director.

SIN PERDÓN

‘Falling’. Lance Henriksen borda la interpretación de su carrera en un drama en el que pasado, presente y recuerdos se funden dibujando el retrato de un hombre en su última etapa vital y la familia que lo sufre. Por R. S. DE QUÉ VA: Willis, un anciano con principio de demencia, ideales hiperconservadores y un brutal caracter, deja su granja para vivir cerca de su hijo gay.

Cosas que nunca te dije. Nuestra vida está llena de oportunidades perdidas, de dudas, de cosas que dijiste y de otras que no pudiste decir. Creemos que siempre tenemos margen para arreglarlo, pero ¿y si cuando quieres o puedes hacerlo es tarde? Son situaciones que pueden perseguirte para siempre o aceptarlas y hacer las paces contigo mismo y con la gente que te rodea, tu familia. Ese es otro de los grandes temas de esta película y que tiene que ver con las elecciones que hacemos diariamente y que nos marcan, cuenta Viggo Mortensen sobre Falling, su debut como director. La familia mal, gracias. Willis, el personaje de Lance Henriksen, es el ojo de un huracán de emo-

ciones que, llegado a un momento vital en el que la demencia le imposibilita, le obliga a vivir cerca de la familia de John (el propio Mortensen), su hijo gay que reside en Los Ángeles y hace que confunda realidad y recuerdos. Entre ellos los que vivió de joven, en una línea temporal en la que brilla Sverrir Gudnason (Borg McEnroe), interpretando a la versión joven de Willis, alguien que él ve como un tipo con corazón, pero que no sabe cómo gestionarlo y reacciona siempre a la defensiva, como un depredador. Laura Linney, en el papel de Sara, la hija menor de Willis, completa el reparto de una cinta con la que Mortensen retrata también la polarización política de la sociedad USA. ESTRENO: 2 OCTUBRE

Falling (Canadá., Reino Unido, 2020, 112 min.). DRAMA.

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ESTRENO # MUERTE EN EL NILO # REPORTAJE

ASESINATO EN LA TIERRA DE LOS FARAONES Tres años después de ‘Asesinato en el Orient Express’, Kenneth Branagh dirige ‘Muerte en el Nilo’, nueva versión del clásico de Agatha Christie donde vuelve a interpretar a Hércules Poirot rodeado de un reparto de lujo encabezado por Annette Bening, Armie Hammer, Gal Gadot, Rose Leslie, Tom Bateman o Russell Brand. Por Juan Silvestre

En su segunda encarnación del célebre detective belga, Branagh se lleva a Poirot y su imponente mostacho a un Egipto en el que bullen las bajas pasiones.

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DE QUÉ VA: Linnette Ridgeway Doyle (Gal Gadot), una rica heredera norteamericana, es asesinada a bordo del barco de vapor en el que recorre el Nilo mientras disfruta de su luna de miel junto a su marido Simon (Armie Hammer). Hércules Poirot (Kenneth Branagh) se hace cargo de una investigación en la que todos los pasajeros son sospechosos.

Foto: Rob Youngson, 20th Century Fox.

mor y codicia. Estos son los motores que mueven a los pasajeros que se suben al crucero de Muerte en el Nilo, nueva adaptación cinematográfica del clásico de Agatha Christie y la segunda novela de la Dama del Misterio que Kenneth Branagh lleva al cine tras Asesinato en el Orient Express (2017). El actor y director vuelve a meterse en la piel del inmortal Hércules Poirot en una versión más sexy que la primera cinta rodada por John Guillermin en 1978, con Peter Ustinov como el bigotudo detective. El hambre de sexo en la historia original de Agatha Christie es muy poderosa y la gente puede ser demasiado imprudente a la hora de satisfacer sus deseos, nos cuenta Brannagh, reunido junto con el elenco del film en un encuentro virtual con FOTOGRAMAS. La historia, un asesinato marca de la casa en la que todos los personajes son sospechosos pero, esta vez, muchos de ellos se mueven por los celos, el deseo y la venganza, se presta a ello. El primer reto de Branagh, sin embargo, fue reunir al espectacular reparto encabezado por Annette Bening, Armie Hammer, Gal Gadot, Tom Bateman, Russell Brand (Paso de ti), Rose Leslie (Juego de Tronos), Emma Mackey (Sex Education), Sophie Okonedo (After Earth) y Letitia Wright (Black Panther). Soy un privilegiado al trabajar con gente a la que admiro tanto, dice sobre su cast. Con ellos empezó un proceso de ensayos más propio de una compañía teatral que de un proyecto cinematográfico, y al que siguió un rodaje en orden cronológico. A los actores nos lleva muy poco tiempo hacer piña. En realidad, ese es nuestro trabajo. Y Kenneth parecía el único adulto del grupo. La verdad es que nos portamos todos fatal, y él nos dejó. Yo reconozco que me he reído muchísimo. Normalmente los rodajes son pesados, largos, duros… Dudo que vuelva a vivir otro tan divertido como este, cuenta Bening.

ARRANCA EL VIAJE Uno de los hangares de los estudios Longcross, ubicados a las afueras de Londres FOTOGRAMAS.ES · O C TUBR E 2 02 0

ESTRENO # MUERTE EN EL NILO # REPORTAJE

“EL HAMBRE DE SEXO EN LA HISTORIA DE CHRISTIE ES MUY PODEROSA. LA GENTE PUEDE SER MUY IMPRUDENTE A LA HORA DE SATISFACER SUS DESEOS”. Kenneth Branagh, actor y director y que también acogieron una reproducción exacta del templo egipcio de Abu Simbel, fue el puerto perfecto para atracar el S. S. Karnak, un majestuoso barco de vapor a tamaño real de 225 toneladas que tardó en construirse 30 semanas y dejó a todos los actores con la boca abierta. Nada más poner un pie en el set, Kenneth soltó: Os dije que os iba a subir a un barco. ¡Era real! Con todas sus habitaciones y sus muebles. Hay una diferencia enorme entre trabajar delante de un croma, donde tienes que imaginártelo todo, a estar en un decorado como este, recuerda Letitia Wright, que da vida a Rosalie Otterbourne. Sophie Okenedo, su tía Salomé en la cinta, añade: Entramos juntos y no nos lo podíamos creer. Era todo tan lujoso… Ojalá no lo destruyeran. En las naves interiores, el equipo de arte, capitaneado por Jim Clay, reconstruyó el hall y algunos salones del lujoso Hotel Cataract de Aswan, ubicado en pleno desierto de Nubia a orillas del Nilo y donde la célebre autora empezó a escribir la historia.

PERSONAJES ATEMPORALES A pesar de que la novela de Agatha Christie se publicó en 1937, Branagh ha optado por crear caracteres que se alejaran de los estereotipos de la época, sobre todo en el caso de las mujeres. El tiempo aquí es algo totalmente secundario, porque se tratan temas universales

La pintora Euphemia Bouc, el personaje de Annette Bening, es la única, junto con su hijo, a quien encarna Tom Bates, que no aparece en la novela de Agatha Christie. Interpreto a una aristócrata que ha tenido grandes romances en el pasado, pero que también ha sufrido mucho por amor. Ahora está obsesionada con su hijo. Haría cualquier cosa con tal de protegerle, explica. He tenido mucha suerte porque, como no estaba en ningún libro y ha salido directamente de la genial imaginación de Kenneth y Michael Green, he podido aportar muchas ideas mías.

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KEN, DIRECTOR Y COMPAÑERO El que Brannagh estuviera detrás del proyecto fue fundamental para que todo el reparto aceptara la oferta casi sin leer el guion. No es solo un actor increíble, también es un director con mucho talento. No da órdenes sin más, siem-

Fotos: 20th Century Fox.

UNA MUJER A LA MEDIDA DE ANNETTE BENING

y atemporales, como el amor, la lujuria, el deseo y la muerte, explica Emma Mackey, que se mete en la piel de Jaqueline de Bellefort. Una equidistancia narrativa fruto, una vez más, del guion de Michael Green, que ha vuelto a incluir en la historia a Bouc (Tom Bateman), la mano derecha de Poirot, al que ya vimos en el Orient Express y que no aparece en ninguna de las dos novelas. Cuando Ken me confirmó que iba a volver a contar conmigo, lo primero que dije fue ¡Guau! y lo segundo ¿Por qué? Soy muy afortunado, confiesa el intérprete. El director, además, reconoce que se ha permitido algunas licencias más con respecto al texto original: Michael y yo hemos reducido el número de sospechosos para que tengan un mayor desarrollo narrativo.

1. Armie Hammer y Gal Gadot son Simon y Linnet Doyle, la pareja en el centro del huracán de pasiones, celos y venganza de la trama. Detrás de ellos, algunos miembros del cast como Poirot (Branagh), Rosalie Otterburne (Letitia Wright) o Andrew Katchadourian (Ali Fazal). 2. La trama tiene como escenario central el S. S. Karnak, un espectacular crucero que navega por el Nilo. 3. Branagh cambió la profesión de Salome Otterboune

(Sophie Okonedo): de escritora en la novela original a cantante de jazz. 4. Emma Mackey es Jacqueline de Bellefort, la amante despechada de Simon. 5. Russell Brand deja su registro cómico para interpretar al Dr. Bessner, con una conexión sospechosa con el rol de Linnet. 6. Rose Leslie forma, junto con Branagh, Wright, Okonedo, Brand, Tom Batemen o Dawn French y Jennifer Saunders, parte del extenso cast británico de la película.

pre hay una conversación. Da igual el tiempo que pierda o los miembros del equipo que estén delante, dice Armie Hammer, que da vida a Simon Doyle. Por eso trabajar con él es tan especial. Russel Brand, el Dr. Essner, recuerda un momento muy concreto del rodaje: No puedo decir qué secuencia es, porque desvelaría una parte importante de la trama, pero requería de una intensidad emocional enorme que Kenneth supo sacar de mí de una manera magistral. Fue increíble. Y precisamente esa dedicación fue la que generó –y en esto coinciden todos los actores– un ambiente muy relajado en el rodaje, a pesar de las dificultades a las que se enfrentaron. Hammer y Emma Mackey, por ejemplo, pudieron preparar con tiempo una escena de baile fundamental para entender a sus personajes. Creo que nunca me había acercado a ningún rol de esa manera. Tuvimos muchos ensayos, pero también muchas charlas. Fue una mezcla de técnica y comunicación muy potente, nos cuenta ella. Aquel momento requería mucha precisión y pasamos un montón de horas encerrados Kenneth, Emma y yo, apunta Hammer.

Un entrenamiento similar al de Sophie, que interpreta a una cantante de jazz: Estaba asustadísima porque digamos que yo no soy muy musical. Cuando Ken me dijo que rodábamos todas esas escenas durante la primera semana fue como: ¿De verdad no podemos esperar dos meses?

VESTUARIO MADE IN SPAIN. Si en Asesinato en el Orient Express el toque español lo ponía Penélope Cruz, esta vez le ha tocado a Paco Delgado, diseñador de vestuario nominado dos veces a los Oscar por sus dos films con Tom Hooper, Los miserables (2012) y La chica danesa (2015). Más que una reproducción, Branagh me pidió un enfoque elegante y contemporáneo de la época, dice Paco. El estreno de la cinta coincide con el centenario de la publicación del primer libro de Agatha Christie, que vio la luz en octubre de 1920. Bienvenidos a bordo y disfruten de la travesía… si pueden.◆ ESTRENO: 16 OCTUBRE

Death on the Nile (EE. UU., 2020, 134 min.). THRILLER

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ESTRENOS # ENTREVISTA

GERARD BUTLER

EL ÚLTIMO Y APOCALÍPTICO GRAN HÉROE Un tipo corriente. De verdad, palabra. Si alguna vez quedamos, si es que se podrá volver a quedar con alguien, verás que soy un tío muy normal. Si eso se lo comenta a este periodista, no sé, Javier Gutiérrez, se lo cree. Pero que sea esa cariátide espartana de origen escocés llamada Gerard Butler ya es otra cosa. Butler presenta Greenland: el último refugio, crónica del fin del mundo en tiempos casi de fin del mundo. Su personaje en la película, John Garrity, vuelve a ser un héroe, pero su heroicidad es la de todos nosotros, la gente corriente, insiste quien fuera el rey Leónidas en 300 (Zack Snyder, 2006). John es padre, marido; un hombre de familia. Y no es perfecto, pero las circunstancias de ese apocalipsis global le obligan a darlo todo. Es un verdadero héroe porque sufre y porque se plantea dilemas morales. Calidez humana y muscular. Tampoco me he visto nunca como un héroe de acción, se empeña, riendo, Butler en romper su imagen de tipo viril y fortachón capaz de acabar con toda la

nómina de terroristas habidos y por haber en la trilogía Objetivo: la Casa Blanca, Objetivo: Londres y Objetivo: Washington. Suelen zurrarme mucho en mis películas, ríe con fuerza. Si tuviera que definir mis personajes es que procuro darles siempre esa naturalidad, normalidad y mucha

‘SI TUVIERA QUE DEFINIR A MIS PERSONAJES ES QUE PROCURO DARLES SIEMPRE NATURALIDAD, NORMALIDAD Y MUCHA CALIDEZ HUMANA.’ calidez humana. Si lo consigo o no es cosa de crítica y público. Por ejemplo, Greenland: el último refugio es todo lo opuesto a Geostorm (Dean Devlin, 2017), y mis personajes también, pero si te fijas, en ellos ves a alguien como tú, alguien de verdad. Haciendo amigos. Tras mirarme de reojo a un espejo para ver si soy como Gerard Butler le señalo la calidad del guion de Greenland: el último refugio

EL AÑO DEL COMETA ¿Qué sucedería si una familia normal fuera seleccionada al azar por el gobierno para salvarse de una extinción global por culpa de un cometa? ¿Y si sus pulseras fueran codiciadas por todos y llegar a su destino una odisea? Esas son las premisas de Greenland: el último refugio (Groenlandia, sede de los refugios secretos), vuelta de tuerca humanista y realista al cine de catástrofes. Dirige el ex expecialista Ric Roman Waugh (Objetivo: Washington DC).

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Gerard Butler y Morena Baccarin.

y le comento que su firmante, Chris Sparling es viejo conocido del cine español (Buried, El aviso y Blackwood). No lo sabía, reconoce el actor. El guion me parece soberbio, lo mismo que la manera en la que describe y construye a los personajes, del primero al último. No cambiamos nada de él cuando nos incorporamos Ric (Roman Waugh, el director) y yo al proyecto (Nota: antes estuvieron ligados a él Chris Evans y Neill Blomkamp). Quiero ya a Chris en mi equipo de amigos, igual que Ric, con quien voy a repetir en un thriller titulado Kandahar. Y ojalá volver a hacerlo con Scott Glenn, que en el film hace de mi suegro. ¡Qué jodidamente grande es! Que no muera el cine. Con las majors retrasando sus blockbusters, films como Greenland: el último refugio ocupan, con valentía y riesgo, los estrenos en salas. Obviamente lo rodamos antes de toda esta grave situación sanitaria mundial, apunta Gerard Butler, así que no es oportunismo estrenar una historia sobre el fin del mundo ahora. Sin embargo, la carga de esperanza que transmite por el futuro del ser humano creo que ayudará mucho en estos tiempos que corren. Y sí, queríamos, necesitábamos volver a las salas, compartir todo nuestro esfuerzo en los cines. No podemos dejar que la idea de ir al cine desaparezca. Sé que es algo muy complicado, tal vez contra la propia evolución del mercado, pero soy un romántico. Y un tipo la mar de normal, apostilla servidor. ◆ ESTRENO: 25 SEPTIEMBRE

Foto: Diamond Films.

COVID-19, cambio climático, incendios… y un cometa chocando con la Tierra. Esto último es ficción (de momento) y pasa en ‘Greenland: el último refugio’, film que nos ofrece la oportunidad de hablar con su protagonista: Gerard Butler. Por Fausto Fernández.

ESTRENO # VERANO DEL 85 # ENTREVISTA

FRANÇOIS OZON

VOLVER A EMPEZAR

El prolífico director francés, poseedor de un universo audaz, provocador e inquietante, firma la que es su obra más autobiográfica. ‘Verano del 85’ nace de una pasión juvenil que ha dejado madurar para impregnarla de todos los grandes temas de su cine, sin dejar que pierda por el camino su luz adolescente. Por Laura PŽrez.

rançois Ozon (París, 1967) leyó el libro Dance on My Grave (Baila sobre mi tumba, Aidan Chambers) en 1984, cuando tenía 17 años, y pensó que si algún día se dedicaba al cine, ese sería su primer film. Pero las películas se hacen cuando deben hacerse y fue necesario que la historia madurara en mi interior para que supiera cómo contarla, asegura. Así que aquel proyecto de juventud ha tenido que esperar hasta ahora, una vez que el francés ha dirigido 20 largometrajes. Desde su debut, Sitcom (1998), ha rodado a un ritmo casi de película por año lo que, teniendo en cuenta que escribe también todos sus guiones, le convierte en un caso de hiperproductividad asombroso. En este tiempo ha creado un imaginario personalísimo impregnado de tensión soterrada, secretos y una sexualidad turbia que vemos en toda su obra, desde Bajo la arena (2000), Swimming Pool (2003) o En la casa (2012) a Joven y bonita (2013). En Verano del 85 está todo eso. También la adolescencia, el deseo reprimido, la muerte, las mujeres azotadas por un tsunami interno, el vaivén entre la realidad y la ficción y el juego con el espectador. En cierto modo, tuve la impresión de estar rodando una primera película pero con la madurez adquirida por las anteriores, lo que me aportó lucidez y, a la vez, una especie de ternura nostálgica hacia ese periodo, explica el director. 54

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DE QUÉ VA: Alex tiene 16 años y vive en un pueblo obrero en la costa de Normandía. El día que David le rescata de un naufragio comienza una relación que le llevará a dar un nuevo sentido a la amistad, descubrir el amor y enfrentarse a la muerte.

ESTRENO # VERANO DEL 85 # ENTREVISTA

Especialista en experimentar con el género a modo de envoltorio para las ficciones que quiere contar, esta vez ha creado una historia clásica de iniciación juvenil ambientada en un verano en el que se vive el primer amor (que sea homosexual o no en este caso carece de importancia), se fantasea con la amistad eterna y se descubre la existencia de la muerte. No parece casual que el director pidiera a sus dos protagonistas, Félix Lefebvre y Benjamin Voisin, que vieran Cuenta conmigo (Rob Reiner, 1986) o La fiesta (Claude Pinoteau, 1980) a la que hace un memorable guiño. Esa escena del baile con el walkman es el corazón de la película. Uno se agita, ríe y salta mientras que el otro sueña con la mirada perdida, explica Ozon. Curiosamente, la protagonista de aquella escena en el film de Pinoteau es Sophie Marceu, actriz protagonista de lo próximo del cineasta, la comedia dramática Tout s’est bien passé. El británico Chambers, autor de la novela original, ya octogenario, confiesa que desde el primer momento soñó con una adaptación cinematográfica. Varios cineastas lo intentaron. Tras una espera de 38 años, François me ha dado lo que esperaba. El resultado es una película muy bella; en mi opinión, una de sus mejores obras. ¿Por qué ha tardado tanto en hacer el film que siempre soñó? Era una novela para jóvenes, para jóvenes adultos, como se dice en inglés, young adults, y lo sorprendente es que hablaba de una relación entre dos chicos sin ningún tapujo, algo que en los años 80 no era nada corriente. Eso me impresionó profundamente. A esa edad yo ya quería hacer cine, pero no sabía si lo conseguiría, y me emociona que hayan tenido que pasar 35 años para llegar a la gran pantalla. Quizás sea porque antes era demasiado joven para acercarme a esta película. Ahora que soy un viejo, tenía la distancia suficiente como para poder rodarla. A menudo las emociones que nos provoca una novela o película en la juventud cambian con el paso del tiempo. ¿Cómo ha evolucionado esta historia en su cabeza? Eso ocurre, es cierto, y en este caso fue especialmente extraño. Mi anterior film, Gracias a Dios, tenía un peso muy grave y necesitaba hacer algo muy ligero, así que releí la novela. Me sorprendió descubrir que muchas de las escenas existían ya en mis películas. Era como si el libro me hubiera seguido a lo largo de todos estos años y yo, inconscientemente, hubiera ido cogiendo fragmentos y los hubiera metido en mis historias.

¿Puede mencionar alguno? Hay un guiño a Frantz en la figura de la novela, a En la casa con el personaje del profesor, a Bajo la arena por la presencia de la muerte o a Una nueva amiga con el travestismo. Y así con muchas otras cosas. Esta película es como una manta de patchwork, de esas que cosen las señoras en el oeste americano a base de retales, donde todo encaja. Vi una especie de collage de todas mis películas y 2 pensé que tal vez sí había llegado el momento de hacerla. Relata ese verano del 85 con cierta melancolía y con una banda sonora con The Cure, Rod Stewart... ¿Recoge recuerdos suyos? Hay memorias propias en la película, claro, como existen cosas mías en todo mi cine, es inevitable. Pero también hay cuestiones universales. Está claro que cuando eres un adolescente idealizas el amor. Yo, y como casi todo el mundo, al igual que Alex. Y después esa idea del amor se

La filmografía de Ozon está plagada de escritores que narran dentro de la ficción y de personajes que fantasean sobre su propia identidad como mecanismo de huída. ‘Solo cuenta escapar, de una forma u otra, de la propia historia’, se dice en Verano del 85.

‘BAJO LA ARENA’ (2001) Charlotte Rampling vive un duelo desconcertante y ambiguo que roza la alucinación

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‘SWIMMING POOL’ (2003) De nuevo Rampling se tambalea entre lo real y lo que inventa para una novela.

‘EN LA CASA’ (2012) Otra vez la escritura es la herramienta para fundir realidad y ficción de un estudiante.

‘FRANTZ (2017) Los dudosos relatos de un soldado francés reinventan la biografía de un militar alemán.

Fotos: Archivo Fotogramas.

NARRAR Y ESCAPAR

sea menos. Es una especie de catarsis. La anterior se rodó en pleno invierno, con mucho frío y ahora tenemos a dos jóvenes en verano, la sensualidad… Ha rodado en celuloide como ya hizo en Frantz. ¿Qué le aporta este formato frente al universalmente extendido digital? Me empeñé en rodar en película de 16 milímetros para recuperar el grano y esas cosas que aporta el negativo de verdad, más propio de los años 80 que narra la historia. 3 También está aquí la figura del padre o la autoridad, presente en muchas de sus historias, aunque en este caso hay una especie de redención. El papel importante en realidad es el de las madres, mucho más que el de los padres, porque uno está muerto y el otro ausente. Es un hombre que no entiende nada, permanece callado. En el libro está retratado como un idiota y a mi eso 4 5 no me parecía correcto. Quería un hombre que no entendiera 1. François Ozon la situación porque en los años 80 salir del armario no era junto a Benjamin algo de lo que se hablara ni que se fuera contando por ahí. Voisin durante Sin embargo, en la película sí se nota que algo intuye, aunel rodaje en la localidad de Le que no lo quiera ver. Quería mostrar esa ternura que exisTréport. 2. Félix tía entre ambos pese a su falta de comunicación. Lefebvre y Benjamin En su anterior película, Gracias a Dios abordaba un asunto de Voisin, como Alex y David. 3. Los actualidad como el de los abusos a menores dentro de la iglesia. dos protagonistas ¿Siente deseos de volver a hacer algo más político? ¿Le interesa junto a Philippine el cine como herramienta de cambio social? Velge. 4 y 5. Isabelle Nanty interpreta No tengo un plan de vida preconcebido, las películas llegan a la madre de Alex cuando llegan. Si me dices hace cinco o seis años que iba a y Valeria Bruni rodar un film sobre la pedofilia en el clero no me lo habría Tedeschi a la de David. creído, pero el tema se impuso. Es así como me sucede siempre, los temas se apoderan de ti. ¿Puede cambiar algo una película? No sé si lo logró, pero si sé que la vio una enorme cantidad de gente y lo curioso es que la mayoría topa con la realidad y uno se da cuenta de que quien tiene eran católicos. Muchos de ellos en Francia no estaban al delante no es realmente la persona que creía sino otra. tanto de este problema, o no querían estarlo. Al final ese Desde el inicio revela la muerte de uno de los personajes, alimenta sacerdote fue juzgado y condenado, el cardenal también. el suspense haciendo que nos planteemos qué pasó y tiende tramHubo un sobreseimiento del caso, pero al menos fue apartapas al espectador. ¿Qué le atrae de esta estructura narrativa? do de su cargo. En cierto modo la película consiguió cosas. Cuando leí el libro por primera vez escribí con un amigo Bajo la arena, Mi refugio, Joven y bonita o Una nueun guion cronológico, al contrario de lo que sucede en la novela. Lo pusimos en orden, borramos “LOS ESPAÑOLES va amiga fueron largometrajes muy bien recibidss en San Sebastián, y con En la casa ganó la Concha de escenas y personajes. Cuando lo volví a leer me TIENEN UNA Oro del Festival. ¿Por qué cree que su cine conecta di cuenta de que esos flashback y la estructura RELACIÓN bien con el público y la crítica española? de rompecabezas eran muy interesantes y decidí MUCHO MÁS Creo que los españoles tienen una relación murespetarlo. La adaptación es muy fiel a la manera FUERTE CON LA cho más fuerte con la muerte que los franceses. en que está escrita la historia original. MUERTE QUE Igual que sucede con el sexo. En España forma En su cine hay temas recurrentes como el deseo, las LOS FRANCESES. parte de la cultura, está mucho más presente consecuencias de ceder a las pasiones o la muerte. Esta IGUAL SUCEDE que en mi país y yo hablo muchísimo de la vez también están ahí, pero los aborda de manera más CON EL SEXO. muerte en mis películas, quizá sea por eso. ◆ luminosa que en otros casos. ¿Era premeditado? Y YO HABLO Gracias a Dios era muy sombría, y a menudo ESTRENO: 9 OCTUBRE MUCHO DE ESO”. después de algo así necesitas hacer una contrapelícula. Tras un film muy serio buscas uno que lo Eté 85 (Francia, 2020, 100 min). DRAMA. FOTOGRAMAS.ES · OC TU BRE 2 02 0

ESTRENO # EXPLOTA, EXPLOTA # ENTREVISTA

Ingrid

García-Jonsson

QUÉ FANTÁSTICA SU FIESTA

onocimos a Ingrid García-Jonsson (Skelleftea, Suecia, 1991) cuando la vimos en Hermosa Juventud (Jaime Rosales, 2014), presentada ese año en Cannes y por la que recibió la nominación al Goya como Mejor Actriz Revelación. Hija de una sueca y un sevillano, se crió en Sevilla y estudió Arquitectura hasta que en cuarto decidió dejarlo para perseguir lo que de verdad deseaba: ser actriz. En su momento no fue fácil ni pudo escapar del tópico de dedicarse a servir copas; ahora, en su currículum ya figuran Toro (Kike Maíllo, 2016), Acantilado (Helena Taberna, 2016), Gernika (Koldo Serra, 2016) o La pequeña Suiza (Kepa Sojo, 2019). Tener el español, el inglés y el sueco como lenguas maternas es una ventaja nada desdeñable cuando se piensa en una carrera internacional a la que hoy empieza a darle vueltas. Pero hasta que llegue ese momento su desafío ha sido protagonizar Explota, explota, un papel que dice le ha hecho sentir más actriz y más satisfecha que nunca. Y es que un musical inspirado por las canciones de Raffaella Carrà no es para menos. No hay boda, verbena, ni fiesta donde no suene un tema suyo, dice su director, el debutante Nacho Álvarez. Mi intención es trasladar a la sala de cine la misma sensación de felicidad que sentimos cuando bailamos y cantamos sus canciones. Son precisamente las letras de la estrella italiana las que sirven para poner voz a los sentimientos de los personajes a lo largo de una historia de amor ambientada en el tardofranquismo, donde el censor de Televisión Española trata

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de conservar un país ‘decente’ mientras el público se vuelve loco por ver minifaldas y escotes los sábados por la noche. Junto a Ingrid García-Jonsson, Verónica Echegui, Pedro Casablanc, Fernando Tejero y Natalia Millán forman parte de ese universo cubierto de caspa y lentejuelas. ¿Cómo llegó este papel a sus manos? De la manera más inesperada. Me quedé de piedra cuando la directora de casting me lo ofreció porque pensé que era imposible que me hubieran visto cantar y bailar. Pero la productora tenía una confianza tremenda en el equipo de coreógrafos, que estaban dispuestos a sacar de mí lo mejor. Y así fue. Soy trabajadora, eso sí lo sabían, y lo conseguí. Tiene formación de bailarina. De algo le habrá servido... Me echaron del conservatorio a las 15 años y no volví a bailar. Canté alguna vez en teatro pero siempre me dijeron que lo hacía fatal. Estar a la altura del talento de la Carrà era mucha presión, pero también una oportunidad para liberarse de miedos. Si ellos confiaban en mí, tenía que hacerlo yo también. No se puede decir ‘no’ a una historia con canciones de Raffaella. Era un proyecto irrechazable. Protagonizar un musical parece la prueba de fuego para todo intérprete. ¿Ha sido duro? Mucho, pero lo he disfrutado. Durante meses estuve trabajando siete días a la semana, ensayando coreografías seis horas diarias y dando clases de canto por las tardes. Fue agotador física y mentalmente, pero de pronto sonaba Explota, explota y se me pasaba todo. No apreciamos los

Foto: Rubén Vega.

La actriz canta, baila, vive su particular historia de amor y busca realizar el sueño de ser artista en ‘Explota, explotaÕ. Siguiendo la estela de éxitos internacionales recientes como ‘Mamma mía!’ o ‘Ciudad de las estrellas. La la Land’, nuestro cine se lanza con un musical inspirado por las canciones de Raffaella Carrà en la España de los 70. Un romance festivo y alegre que para ella es una consagración. Por L.P.

y lista para ser vista, debe estrenarse y no quedarse en un cajón. Tenemos que ayudar a las salas convenciendo a la gente de que la cultura es un lugar seguro, que no vamos a enfermar por ir al cine o al teatro. Es importante y necesario trasmitirlo. ¿Cuál es el siguiente paso en su carrera? He escrito algunas ideas durante el confinamiento y en algún momento me gustaría llegar a ser independiente para tener la capacidad de generar actividad. Quiero ser más dueña de lo que hago y lo que no, aprender a producir y dirigir. Me fascina el cine y me apetece involucrarme, dejar de estar solo esperando a que me llamen. Conozco a tantos amigos que deberían tener mucho trabajo y 1 no lo tienen que me gustaría ser yo quien fuese capaz de brindarles esa oportunidad. ¿Qué tipo de historias le interesan? Películas independientes, de autor. Historias con una vocación menos comercial porque esas pueden llegar a buen puerto más fácilmente, mientras que una película experimental es más complicado que la produzcan. ¿Cree que, en ese sentido, la llegada de las plataformas de televisión juega a favor? 2 3 El tiempo dirá en qué queda todo. Yo estoy feliz, he traba1. Ingrid García-Jonsson en el papel de María. 2. Fernando Tejero es Chimo, jado en distintos proyectos para varias y ojalá sigan así director del programa de variedades de TVE y Pedro Casablanc el censor de la porque, aunque casi todo tiene una vocación comercial cadena. 3. García-Jonsson y Verónica Echegui, quien da vida a su amiga Amparo. destinada, sobre todo, al gran público, se nota más movimiento lo que genera industria y da más oportunidades laborales. Pero también siento que el cine se está polarizangéneros aparentemente ligeros, pero es más difícil hacer un musical que un drama. Me gusta trabajar intentando que las do: el independiente cada vez lo es más y las grandes cosas sean lo más verídicas posible, y hacerlo mientras inproducciones son aún más enormes, mientras el cine que terpretas una coreografía es difícil. El cuerpo se expresa con está en medio se está quedando un poco en el olvido. el baile y el canto y debes investigar cómo comunicar a tra¿De quién ha aprendido trabajando? vés de todo ello. Durante los meses de preparaDe mis compañeras mujeres, especialmención y rodaje llegué a moverme y hasta a pensar te de las que llevan más años que yo. Son ‘IMAGINABA ESTA de otra manera. Recomiendo a todo el mundo mi inspiración y mi fuente de aprendizaje: PROFESIÓN INTENSA que cante y baile; utilizas músculos que que no Juana Acosta, Verónica Echegui y, sobre todo, Y GLAMUROSA. AHORA usas normalmente y hasta empiezas a mirar a la Verónica Forqué y Rosa María Sardá; imposiVEO QUE ES UN TRABAJO vida distinto. Hay que ver más musicales y enble compartir situaciones sin estar pendiente MÁS: TIENES QUE tregarse a esa parte lúdica. de cada uno de sus movimientos. CURRAR, SER BUENA ¿Esta profesión es como soñaba cuando dejó la arComo en un drama clásico, su personaje representa PERSONA Y DEJARTE quitectura para ser actriz? la luz, la modernidad y la ilusión ante lo gris y tradiDE GENIALIDADES cional. ¿Cómo ha conectado con eso? Yo la imaginaba como algo muy intenso y glaNo hago de Raffaella, pero sí tenía que captar su muroso. Ahora veo que es un trabajo como los ARTÍSTICAS’. espíritu festivo y crear la actitud de quien debía demás y que lo que tienes que hacer es currar, ser al principio de su carrera. Siento admiración tirar para adelante, ser buena persona y dejarpor una artista que en aquella época hizo mucho por la libete de genialidades artísticas. ración del cuerpo femenino. Era valiente, curranta, se iba de ¿Cuál sería su mayor aspiración? gira con 40 personas a su cargo por América Latina. No era Me cortaría un dedo por trabajar con Yorgos Lanthimos, una estrella a la que llevaban y traían sino que tomaba sus Jonathan Glazer o Denis Villeneuve. También con direcpropias decisiones y era dueña de lo que hacía. tores jóvenes y repetir con Pablo Hernando (Berserker, Llevar a las salas una película ahora, cuando muchos estrenos 2015) o Andrea Jaurrieta (Ana de d’a, 2018). ◆ están parados, demuestra una actitud valiente. ESTRENO: 2 OCTUBRE Tenemos que vivir con precaución pero también arrimar el hombro y seguir en el empeño. Si esta película está hecha Explota, explota (España, Italia, 2020, 110 min). MUSICAL 60

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Fotos: JulioVergne.

ESTRENO # EXPLOTA, EXPLOTA # ENTREVISTA

M‡s Estrenos

LAS CLOACAS DE ÁFRICA

‘Black Beach’. Hablamos con el director Esteban Crespo sobre su segundo largometraje, un thriller entre el suspense político y la acción rodado en Guinea Ecuatorial, con el que retoma un asunto que casi le llevó al Oscar. Por Laura Pérez. DE QUÉ VA: Carlos (Raúl Arévalo) trabaja para una multinacional y recibe el encargo de mediar en el secuestro de un empresario en África, lo que le lleva a aquel continente.

cinematográfico se parece mucho, pero a la hora de gestionar equipos y presupuestos es muy distinto, y en Amar lo aprendí. Tampoco es lo mismo trabajar con un equipo tres días que nueve Director de premio. Esteban Crespo estusemanas, donde la gente tiene evoluvo cerca de ganar el Oscar por el corto ciones interesantes. Aprendí muchas Aquél no era yo (2012). Se quedó en cosas que me han servido ahora. nominación. Pero de aquellos barros A menudo se dice que rodar la segunda sobre un niño soldado y una pareja de película resulta más difícil que la primera. cooperantes en África vienen ahora los ¿Ha sido así en su caso? lodos de Black Beach. En este largo, Esta vez estaba preparado para los proel segundo después de Amar (2017), blemas que iban a surgir. Eran mucho empezó a trabajar poco después de mayores que los de mi película anterior, aquella aventura hollywoodiense y de pero me los esperaba. nuevo ubica la trama También había trabajaen el continente afri‘A ÁFRICA DEBES IR do en África y sabía lo cano. Esta vez aborda TENIENDO CLARO LO que me iba a encontrar. la corrupción en los QUE QUIERES, PERO Allí debes ir teniendo gobiernos locales y en SABIENDO QUE SURGIRÁN claro lo que quieres, la propia ONU para COSAS QUE LO ALTEREN , pero sabiendo que pueservir a los intereses de Y TAL VEZ HAGAN LA den surgir cosas que lo multinacionales petroPELÍCULA MEJOR.’ alteren, y debes moldear leras, y cuenta con Raúl eso porque quizá lo que Arévalo, Candela Peña, aparezca sea mucho más interesante y la chilena Paulina García. Esteban que lo que tenías previsto. Para quien Crespo se mueve en terreno conocido no ha estado allí es duro porque te porque trabajó como arquitecto en obliga a cambiar los planes todo el rato, Guinea Ecuatorial y rodó durante algupero yo ya lo conocía. nos años documentales en Namibia, Comienza siendo un thriller político, sigue Botsuana y Zambia. como una trama de acción y acaba cercano Black Beach iba a ser su primera película. a un drama clásico sobre la relación entre Sin embargo rodó antes Amar. ¿Qué pasó? padres e hijos. ¿Qué le interesaba más? Tenía sentido rodar Amar como una Para mí lo más importante y lo que se ópera prima y no debutar con Black te queda dentro es el drama familiar. El Beach, que es mucho más compleja de thriller y la acción te atrapan, te crean manejar. De hecho, pensaba que los velocidad y peligro, te generan sensaproductores no me iban a dejar estreciones, pero lo importante es lo otro. narme con esta. Pasar de hacer cortos Esa era la historia que quería cona filmar largos es un gran paso. En lo 62

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Raúl Arévalo es Carlos, un ejecutivo que espera un ascenso que le traslade a Nueva York. Antes, debe viajar a África, donde trabajó como cooperante.

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ESTRENOS # ENTREVISTA

‘CUANDO EL ESPECTADOR ENTRA EN EL CINE, LO HACE CON SU CEREBRO Y SU INTELIGENCIA, Y CREO QUE LE GUSTA QUE NO LE DEN LAS COSAS MUY EXPLICADAS’.

Raúl Arévalo (Carlos) y Candela Peña, en el papel de su amiga Ale.

Interior de la prisión de ‘Black Beach’..

tar. Aunque rodar la acción me divertía. Black Beach es una prisión guineana. Sin embargo, hay un empeño en no ubicar la trama en ningún lugar concreto. ¿Por qué? Es una historia inventada y señalar un país de forma que pueda parecer que ahí ocurre exactamente lo que contamos me parecía poco ético. Su primer largo es una historia de amor adolescente y ya prepara el siguiente, sobre el mundo del arte. Le interesan temas diversos. Así es, tengo ya escrita la próxima película, Pentimento. Me interesan los personajes, la humanidad y contar

historias con un trasfondo. Intento que lo que hago tenga un mínimo de tres visionados. Quiero que cuando veas Black Beach por segunda vez percibas cosas que no apreciaste la primera, y en la tercera todavía más. Me atrae que las historias tengan capas, lo que subyace y está relacionado con las personas. Tres visionados requieren una paciencia cada vez menos común en el espectador. Es un poco culpa nuestra por lo que le damos, pero el espectador cuando entra en el cine lo hace con su cerebro y su inteligencia, y creo que le gusta

que no le den las cosas muy explicadas. Estamos acostumbrados a películas donde se da todo mascado para que no tengamos que pensar demasiado. Da información muy escasa para seguir la trama. ¿Es premeditada esa búsqueda de una actitud activa por parte del público? Los thriller estadounidenses de los 70, como French Connection, funcionan así. Una de las cosas más difíciles ha sido elegir qué contar y qué no, qué datos dar. Hemos corrido riesgos quitando información y ni siquiera rodándola. Pero ha salido bien. No es malo que queden dudas, el problema es cuando estas resultan insatisfactorias. Da la impresión de ser muy perfeccionista. Hay un libro de arquitectura que se llama Dios lo ve (Óscar Tusquets). Me gusta esa forma de decir que tu deber es trabajar incluso en las cosas que no se ven. Eso del ‘no se nota demasiado’ lo llevo mal porque te conduce a la chapuza. ◆ ESTRENO: 25 SEPTIEMBRE

Black Beach (España, 2020, 115 min). THRILLER.

El 2 de marzo de 2014 Esteban Crespo acudió a la entrega de los Oscar esperando llevarse la estatuilla. Tengo un recuerdo fantástico porque aquello me cambió la vida. Había estado ya dos veces nominado al Goya; de hecho, lo gané por Aquel no era yo.

Pero nada es igual que la nominación al Oscar. Es lo que me permitió hacer una película. Somos una generación con muchos cortometrajistas, todos muy buenos, a los que nos ha costado saltar al largo. La diferencia conmigo es que tuve la suerte de esta nominación y eso hizo que

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en pocos años pudiera rodar mi primer trabajo. Finalmente no se llevó el premio, pero no sufre por ello. Mi recuerdo es excelente. Es maravilloso lo bien organizado que está todo, la alegría que te transmiten y cómo logran que te sientas parte de esa cinematografía.

Foto: Getty Images.

UNA NOCHE EN HOLLYWOOD

ESTRENOS # ENTREVISTA

Dani (Mario Casas) queda atrapado en las siniestras redes que le tiende Mila (Milena Smit).

LAS AMISTADES PELIGROSAS

‘No matarás’. David Victori repite en el thriller dos años después de debutar con ‘El pacto’, en este asfixiante y explosivo viaje al precipicio (cámara en mano) de la versión más pusilánime de Mario Casas. Por Sonia Guijarro. DE QUÉ VA: Dani (Mario Casas) es un buen tipo que conoce por casualidad a Mila (Milena Smit), una inquietante joven que convertirá su tranquila vida en una pesadilla.

Your Film con La Culpa, rodó la serie Zero producida por Ridley Scott y Michael Fassbender. Su segundo thriller, No matarás, nació para dar rienda suelta Al límite. A mí me gusta que el cine me al talento de Mario Casas: Desde que le ví muestre rincones de mí mismo que en Fuga de cerebros pensé que no había no conocía. Disfruto con los dilemas un actor igual en España, asegura. morales, con las historias que te van En lo que respecta a la protagonista, el enredando sin que sepas muy bien en realizador buscaba magnetismo, oscuriqué momento has tomado la decisión dad y sexualidad. No fue fácil, recuerincorrecta, y en las que la línea entre el da. Encontramos a Milena Smit en bien y el mal se desdibuja. Tramas en Instagram, y nos hechizó. Reunía esos las que el protagonista coge tres requisitos, pero no era al espectador de la mano y lo actriz, sino recepcionista en EL DATO lleva con él al límite. El juego, un hotel. El hecho de que no Mario y Milena, los en este caso, consiste en que tuviera preparación le obligó a protagonistas, no supieron el uno del el personaje de Mario va por trabajar la película desde otro otro (por expreso detrás de la audiencia a la lugar. Ella nos marcó el ritmo, deseo de David Victori) hora de tomar decisiones. hasta que no estuvieron cámara en mano, y a mí me rodando. Cuando situó en una perspectiva nueDavid Victori (que trabaja con terminaba la secuencia, Álex Pina –showrunner de La va: la de la absoluta libertad se los llevaban del set Casa de papel– en la serie de los actores con tomas de 50 por separado para que no interactuaran fuera Skyrojo), debutó en el largo minutos para que ella olvidade la ficción: Como el en 2018 con El pacto. Antes ra que estaba en una película. rodaje fue cronológico, había sido asistente personal Cinco horas con Mario. Según era interesante ver cómo se iban de Bigas Luna durante cinco Victori, para Casas el rodaje descubriendo delante años y, tras ganar en 2012 el también fue una experiencia de la cámara. festival de cortos de YouTube insólita: Un día la cámara

estuvo siguiéndole por Barcelona durante cinco horas y conseguimos que se olvidase de que estaba interpretando. Nos pasaron cosas increíbles y muy potentes. Gracias a esta y a muchas otras improvisaciones que el realizador llevó a cabo en el set consiguió giros inesperados a favor de la producción. Pero, sobre todo, uno: Ambos actores nos regalaron una intensidad emocional que nacía de sus entrañas, dice. En esta suerte de rodaje visceral Victori tuvo un cómplice de excepción, Sheila, la hermana de Mario Casas: Me regalaba cosas de su vida personal con las que le sorprendía y que le ayudaban en su metamorfosis. Como una canción que sus padres le cantaban con 12 años y que habían grabado ellos mismos. Queríamos que la metodología nos llevase a la verdad, pensando en aquellos espectadores ávidos de emociones fuertes en estos tiempos disipados en los que nada atrapa nuestra atención. ESTRENO: 16 OCTUBRE

No matarás (España, 2020, 97 min.). THRILLER.

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ESTRENOS # ENTREVISTA

Armie Hammer y Lily James, cabezas de cartel de la nueva versión de la novela de Daphne Du Maurier.

ANOCHE SOÑÉ QUE VOLVÍA (OTRA VEZ) A MANDERLEY...

‘Rebeca’. Más que la difunta Sra. Winter o la perturbadora presencia de la Sra. Danvers, si un fantasma sobrevuela esta adaptación de la novela de Daphne Du Maurier es el del primer film de Alfred Hitchcock en Hollywood. Armie Hammer y el director Ben Wheatley nos cuentan cómo nació esta nueva versión. Por R. S.

DE QUÉ VA: Tras morir su esposa Rebeca, Maxim de Winter conoce a una joven en Monte Carlo. El idilio es instantáneo y, después de casarse, inician una nueva vida en Manderley.

Un proyecto de riesgo. A Armie Hammer (Los Ángeles, 1986) le entra la risa cuando le cuenta a FOTOGRAMAS cómo se subió a bordo de uno de los proyectos más temerarios de su carrera: reversionar un clásico de la literatura gótica, llevado al cine por uno de los maestros más reverenciados y protagonizado por un actor que, además de recibir premios, es de los contados que ha dado su nombre a unos galardones. Es decir, la Rebeca de Daphne Du Maurier, Alfred Hitchcock y Laurence Olivier, ahora en manos de Ben Wheatley (Turistas, HighRise) y con Lily James y Kristin Scott66

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Thomas en los papeles de la segunda señora de Winter y la Sra. Danvers, roles que, hace 80 años, interpretaron Joan Fontaine y Judith Anderson. Recuerdo preguntarle a Ben un día en qué estaba

trabajando. En Rebeca, dijo. ¿En serio? ¿Esa Rebeca?, dice Hammer entre carcajadas. ¿Vas a hacer un remake de un Hitchcock? Y me contestó: Algo así. ¿Te apuntas? A lo que contesté: Si tú tienes los huevos para hacer algo así, yo soy lo suficientemente estúpido para seguirte. Volver al original. La clave está en el guion de Jane Goldman, cuenta Wheatley del trabajo de la responsable de X-Men: Primera generación (2011) o King’s Man: Servicio secreto (2014). El reto no está en reversionar la película de Hitchcock –Oscar al Mejor Film en 1940–, que no es lo que hemos hecho, sino adaptar la novela de Du Maurier,

BAJO LA MIRADA DE LAS SRAS. DANVERS A Kristin (Scott-Thomas) le bastó con la primera toma para convencernos a todos de que era la Sra. Danvers. Era gélida, terrorífica, cuenta Armie Hammer sobre el trabajo de la británica como el ama de llaves de Manderley que, en la versión de 1940 interpretó Judith Anderson. Tanto Lily (James) como yo, sigue Hammer, sentimos mucho respeto por hacer unos roles que fueron de Joan Fontaine y Laurence Olivier. Kristin, sin embargo, era fan de la Danvers de Anna Massey de la serie de la BBC.

Kristin ScottThomas.

Lily James interpreta una segunda señora de Winter mucho más acorde a nuestros tiempos.

Hammer y el director Ben Wheatley en el rodaje en la Costa Azul francesa.

que es muy distinto. Si hubiera hecho lo que Gus Van Sant hizo con su Psicosis (1998) estaría preocupado, asegura. Además, todo el mundo cree que recuerda Rebeca. Yo el primero. Pensé Soy un tipo leído, un cinéfilo… pero al leer lo que había escrito Jane me di cuenta de lo equivocado que estaba. Había visto la película, conocía el libro, entonces, ¿cómo podía ser que lo recordara tan distinto? Todas las imágenes que asociamos con la película están en la novela, pero no toda la novela está en el film y eso se debe a las imposiciones de la época, porque tenían las manos atadas por el Código Hays, dice apuntando a que en esta nueva versión, sí se mantiene la sombra de culpabilidad

“LAS IMÁGENES QUE ASOCIAMOS CON EL FILM ESTÁN EN LA NOVELA, PERO NO TODA LA NOVELA ESTÁ EN EL FILM”. Ben Wheatley, director. sobre Maxim de Winter. Llámame por mi nombre. Todas las generaciones tienden a hacer suyos los clásicos, exigen su propia versión, apunta Hammer explicando la necesidad que tenemos de readaptar cada cierto tiempo desde Hamlet a Batman. Lo raro es que hayan pasado 80 años sin que nadie se atreviera a hacerlo, porque Rebeca gira alrededor de algo tan universal como el dolor y la pérdida. Rodada en escenarios naturales de la Costa Azul francesa y en siete mansiones distintas

para recrear Manderlay, la legendaria mansión de la trama, la cinta, según Wheatley, se beneficia de que haya pasado tanto tiempo desde el film de Hitchcock. Eso nos brindaba suficiente distancia como para tener margen para hacer algo distinto. Pero no tanto como para darle nombre al personaje de Lily James. Es perturbador que no sepamos su nombre, que nadie se dirija a ella directamente… En el guion y en el set la llamábamos Daphne. Lo de segunda señora de Winter todo el rato es muy engorroso, ríe el cineasta sobre un personaje cuya modernidad sí evidencia el paso del tiempo. Quizás con esta Rebeca habrá quien descubra a Hitchcock, como me pasó a mi, un hijo de los 70, que llegué a su cine de la mano de Brian De Palma. Creo que es una gran forma de hacerlo, con una película que son tres en una: un drama romántico, una historia de terror gótico y una cinta de juicios. Y tiene una capa de locura en segundo plano con la que me siento muy cómodo… Aunque tengo que decir que lo mejor ha sido poder rodar a gente besándose. En mis películas no acostumbran a haber demasiados besos, la gente se hace… otras cosas, ríe con ganas. ◆ ESTRENO: 16 OCTUBRE EN SALAS Y 21 OCTUBRE EN NETFLIX.

Rebecca (Reino Unido, 2020, 121 min.). THRILLER.

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ESTRENOS # ENTREVISTA

Javier Gutiérrez es Martín, un agente en una misión difícil.

AL FURGÓN BLINDADO ASALTO ‘Bajocero’. Un rutinario traslado de presos se convertirá en la peor pesadilla de Martín, policía nacional encarnado por Javier Gutiérrez, en una inusual incursión en el cine de acción. Lluís Quilez, el director, nos habla de la experiencia. Por Juan Pando.

DE QUÉ VA: Noche de invierno. El furgón que traslada a media docena de convictos sufre un ataque por sorpresa. Los agentes que lo custodían no comprenden el peligro que acecha.

El sueño del cortometrajista. Lluis Quílez (Barcelona, 1978) ha competido dos veces por la nominación al Oscar, con sus cortos Avatar (2005) y Graffiti. (2015). Entre ambos tuvo la oportunidad de rodar en Colombia, en inglés, Out of the Dark (2014), con un reparto encabezado por Julia Stiles, Scott Speedman y Stephen Rea. Fue un encargo, una producción pensada para el mercado americano, televisiones y plataformas de VOD, recuerda. Con Bajocero cumple ahora su sueño de dirigir su primer largometraje personal, con guión propio, coescrito con Fernando Navarro (Verónica). ¿Qué le decidió a enforcar un film de acción como si fuera un relato de misterio, con un enigma y muchos sopechosos? 68

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Desde niño y en mi etapa formativa Hitchcock y Spielberg fueron los directores que más me influyeron. Me gusta crear intriga y tiendo a contar las cosas con tono de thriller, como el primero. Intento, como hace el segundo, que mis películas sean entretenidas y enganchar al público. Bajocero empieza como una trama de acción al uso, pero según avanza el espectador se da cuenta de que es otra cosa, un drama de personajes. ¿Cómo son estos? Veo al protagonista como al Dustin Hoffman de Perros de paja (Sam Peckinpah, 1971) o Marathon Man (John Schlesinger, 1976). Un tipo normal atrapado en una situación extraordinaria. Un papel para Javier Gutiérrez. ¿Y quienes lo secundan? Isak Férriz, el compañero de Javi, llamado a ser el héroe por su compresión física. Karra Elejalde de quien he que-

rido recuperar el registro de hombre muy emocional pero a la vez violento y salvaje que tenía en La madre muerta (Juanma Bajo Ulloa, 1993). Luis Callejo es el canalla caradura que cae bien, un Han Solo a la española. Patrick Criado, el chaval poligonero entre la ternura y la psicopatía. Con ellos, Andrés Gertrudix, Édgar Vittoriono, Miquel Gelabert, Florin Opritescu y Álex Monner, irreconocible en un cameo en las primeras escenas. ¿Le gusta dar libertad a los actores para que hagan propuestas sobre sus roles? Mi reto ha sido que la película aguantase el mecanismo de la acción, que resultase trepidante, con una planificación elaborada y mucho montaje. Pero que, a la vez, tuviera mucha verdad, y dejar a los actores libertad para encontrar la voz de sus personajes. El setenta por cien de los diálogos son fruto de la improvisación y estoy muy contento con el resultado.

De izqda. a dcha.: Luis Callejo, Édgar Vittorino, Florín Opritescu, Andrés Gertrudix y Miquel Gelabert.

“NECESITO QUE CADA NUEVO PROYECTO SUPONGA UN RETO. HACER FRENTE A LO QUE IGNORO SI SABRÉ HACER. ESTO ES, ENTRE OTRAS COSAS, LO QUE ME MOTIVA DEL CINE, EL FACTOR AVENTURA”.

La naturaleza juega un factor decisivo en el film.

¿Tenía alguna idea preconcebida? Partí de dos títulos, El diablo sobre ruedas (Steven Spielberg, 1971), y Asalto a la comisaria de la calle 13 (John Carpenter, 1976). O sea, un camión por la carretera y alguien encerrado con sus enemigos, con quienes tiene que hacer frente a un adversario más peligroso aún.

Patrick Criado

¿Por qué a partir de un momento determinado saca la cámara del furgón? La intención no era rodar una peripecia estilística a lo 1917 (Sam Mendes, 2019) de no voy a cortar porque voy a lograr el plano secuencia más largo. Mi objetivo ha sido hacer una película clásica. Ese momento es lo que diferencia Bajocero

DIRECTOR, PROFESOR Y PRODUCTOR Graduado en dirección en la ESCAC, Lluis Quílez combina su actividad de director con la labor docente y mantiene, en paralelo, una carrera como productor con su sello Euphoria Productions, fundado en 2015. Produje los dos últimos que hice, Graffiti (2015) y 72% (2017), y he empezado a producir los de nuevos cineastas. Tengo dos pendientes de estreno, El iluso, de Guillem Almirall, y Gigi 33, de Pol Armengol. Ahora vamos a dar el salto a producir largos con El relato de un crimen, de Álex Lora, que está en desarrollo.

de los films americanos de acción. No es que saque la cámara del furgón es que paso a compartir el punto de vista del antagonista y lo presento más allá de ser, como hasta entonces, una presencia fantasmal, un mal abstracto. El guion se hace eco de sucesos que aparecen de vez en cuando en prensa. Sí, pero concretarlos sería desvelar buena parte de la trama. Esta se inspira en hechos que forman parte del imaginario colectivo español y el film reflexiona sobre ellos y sus consecuencias. ¿Fue muy duro el rodaje? Filmamos exteriores tres semanas, de noche, en febrero, en Navacerrada, a cero grados. Pasamos mucho frío. Filmó Graffiti en Chernovil, en pleno invierno, y 72%, en un desierto, ¿Le gusta trabajar en condiciones extremas? Necesito que cada proyecto suponga un reto. Hacer frente a lo que no sé si sabré hacer. Esto es, entre otras cosas, lo que me motiva del cine. El factor aventura. Es cuando sale lo mejor de cada uno y se ve quien sirve y quien no. ◆ ESTRENO: 9 OCTUBRE

El realizador Lluis Quílez

Bajocero (España, 2020, 106 min.). THRILLER.

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ESTRENOS

DISPOSITIVOS SUBVERSIVOS

‘Conectado modo familia’. Que los robots se subleven para tomar el poder en la Tierra es una vieja pesadilla apocalíptica. Esta vez se utiliza como motor de una divertida aventura familiar donde, lo que al final importa, es permanecer juntos. DE QUÉ VA: La familia de Katie pretende realizar un último viaje juntos antes de que ella vaya a la universidad, pero los aparatos tecnológicos se rebelan y complican su vida.

Productores de éxito. Que Phil Lord y Christopher Miller se encuentren detrás de un proyecto es un sello de garantía. Los directores de La LEGO película (2014) y Spider-Man: Un nuevo uni-

La familia Mitchell al completo.

verso (2018) producen ahora el primer largo de Michael Rianda, creador de la serie de animación Gravity Falls. En su salto al largo, cuenta la historia de una familia formada por personajes un tanto estrafalarios. La hija ha sido admitida en la escuela de cine más prestigiosa y con la idea romántica de realizar un viaje juntos se echan a la carretera. Pero los

aparatos tecnológicos, desde el teléfono al microondas, inician una insurrección que pone a la humanidad patas arriba. Voz de Oscar. Quienes se den el gusto de verla en versión original disfrutarán de escuchar la voz de Olivia Colman en el papel del asistente de voz Pal y la de Maya Rudolph en el de la madre súper idealista. ESTRENO: 16 OCTUBRE

AVENTURAS NIPONAS

‘PROMARE’ (2019)

‘Trolls 2: Gira mundial’ DE QUÉ VA: Poppy y Branch descubren que existen seis tribus de Trolls, consagrada cada una a un género musical. Pero los reyes del Metal quieren acabar con todos ellos.

Brillante secuela. Poco después de Troll (2016), Dreamworks firmó la realización de una secuela con las mismas voces de la anterior: Anna Kendrick y Justin Timberlake en los papeles protagonistas. El resultado llega ahora en forma de una alianza de las seis tribus 70

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de trolls, cada una de ellas consagrada a un género musical: Pop, Funk, Clásica, Techno, Country y Rock. Su enemigo es la reina del Hard Rock y el rey del Los protagonistas, Metal, que quieren apoderarse de todo. Poppy y Branch, Pese a que el Trap latino no aparece por en acción. ningún sitio (tal vez haya que esperar a la siguiente entrega), uno de los fichajes estrella es el colombiano J Balvin. El director de orquesta Gustavo Dudamel se encuentra también en el reparto. ESTRENO: 23 OCTUBRE

Trolls World Tour (EE.UU., 2020, 94 min.). ANIMACIÓN.

Hiroyuki Imaishi dirige una trama donde Galo y las Fuerzas Anti Incendios se enfrentan a mutantes que asolan la Tierra con llamas. ESTRENO: 23 OCTUBRE

‘SHIN CHAN EN AUSTRALIA TRAS LAS ESMERALDAS VERDES’ (2020)

Misae y su familia viajan a Australia aprovechando una oferta de luna de miel. ESTRENO: 16 OCTUBRE

ESTRENOS # ENTREVISTA

Pau Donés y Jordi Évole en un momento del documental.

UN LARGO ADIÓS

‘Eso que tú me das’. Jordi Évole nos cuenta cómo fue la última y larga charla que mantuvo con el músico y cantante Pau Donés, toda una lección de vida que, tras pasar con éxito por el Festival de Málaga, llega a los cines. Por Fausto Fernández.

alguien –y famoso, con una imagen pública– enfermo de cáncer en sus últimos días puede caer en el morbo o lo lacrimógeno. Puedo afirmar cateUn último deseo. En los créditos, en góricamente que nunca buscamos el cartel, pone que Ramón Lara y yo eso, y que si hubiésemos detectado en somos los directores de Eso que tú me el resultado final de la conversación das, pero no es verdad. Pau Donés con Pau algo de todo eso, morbosies el verdadero director. Jordi Évole dad, sensacionalismo, sentimenta(Cornellà de Llobregat, 1974) se since- lismo facilón… nunca la habríamos ra con nosotros. Tenía muy claramenmostrado al público. Y es que Jordi te en su cabeza lo que quería cuando Évole lo tiene muy claro: Eso que tú me llamó el jueves anterior a que se me das es un canto a la vida, una marchara a su casa en el Vall D’Arán lección que nos da Pau a quienes nos para que fuera a grabar quedamos aquí. esta charla. Sabía qué pelíUna película útil. ¿Sabes EL DATO cula deseaba como adiós, qué?, nos contesta Jordi Vivirlo en el cine testamento y saludo eterno. Évole a una de nuestras Tras su selección y buena acogida Cuando su hermano Marc preguntas. No me importa durante el festival de y su familia vieron el docusi alguien cree que esto es Málaga, y el interés de mental nos lo confirmaron: autoayuda. La realidad la Warner, nos hace mucha ilusión que la ahí estaba la visión de Pau, es que todo lo que Pau me película se vea en el tempo del film, las imágedice, nos dice, durante la cines, asegura Évole. nes que quería. Todo. charla a mí me ha ayudaHay que levantar el sector, y además, una Lección de vida. Comprendo do. Me ha ayudado recorparte de la taquilla irá a quienes, sin haber visto la dar sus frases este verano destinada a la lucha película, tengan sus dudas tan extraño que hemos tenicontra el cáncer. sobre si ponernos delante de do. Y ayudará a muchas DE QUÉ VA: En sus últimos días, el cantante Pau Donés llamó a Jordi Évole para tener con él una larga charla sobre la muerte, pero sobre todo sobre la vida.

más personas, a cada una de una manera diferente. Vivimos en una sociedad donde la muerte es un tabú social y cultural. No se nos prepara, con naturalidad, para ella. Sí, la muerte está presente en el diálogo con Pau, pero más está la vida, su vida, y eso es muy bonito. Elogio de la sencillez. Señalamos a Évole la austeridad, incluso el ascetismo de las imágenes de la película. Siempre quisimos que todo fluyera naturalmente, con sencillez. Nada de artificios, no utilizar imágenes de archivo, medir mucho el uso de la música, centrarnos en planos generales con ese paisaje espectacular de fondo, a veces fruto de la improvisación con Pau, como fue lo de subir a la montaña, el uso del plano/contraplano… Habituado como estoy al ritmo de la televisión, creo que acabo de descubrir un medio, el cine, que no voy a abandonar. Nada pasa porque sí. ESTRENO: 30 SEPTIEMBRE

Eso que tú me das (España, 2020, 65 min.). DOCUMENTAL.

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ESTRENOS

Juan Mari Arzak con su hija Elena.

‘Arzak. Since 1897’ La cinta fue rodada íntegramente en Portugal

Inspiración divina ‘Fátima’. El prestigioso director de fotografía italiano Marco Pontecorvo toma las riendas de este remake basado en las apariciones de la Virgen a tres niños en la aldea portuguesa de Fátima, avalado por Harvey Keitel y Sonia Braga. DE QUÉ VA: En el año 1917, tres niños afirman haber visto a la Virgen en Fátima (Portugal). Aunque el Gobierno y parte de la Iglesia intentan desacreditarles, el boca a oído y la fe reúnen a miles de peregrinos en busca del milagro.

y ubicar los acontecimientos en la Europa Occidental del siglo XX desde el presente. Los tres niños protagonistas. Lucía y sus dos primos (canonizados recientemente) Acto de fe. Seis millones de peregrinos estaban enviando un mensaje de han llegado a visitar todos los años la paz en un momento histórico de aldea de Fátima, en Portugal, atraídesesperación. Queríamos mosdos por las apariciones de la Virgen trar la belleza de su inocencia. a unos niños en los estertores de la I En primera persona. Las memorias Guerra Mundial. Desde entonces, la de Lucía (fallecida en 2005 a los fe ha mantenido intacta la 97 años) han cimentado esperanza del milagro de el film, que muestra a EL DATO los católicos en aquel lugar, un escéptico académico Andrea Bocelli, y cineastas como Marco (Harvey Keitel) entrevisespecialmente devoto, grabó en su estudio de la tando en un convento Pontecorvo (hijo del direcToscana la canción final tor de La batalla de Argel Carmelita a la anciana del film, Gratia Plena, Hermana Lucía (Sonia Gillo Pontecorvo) han cogi(compuesta por Paolo do el testigo de un hecho Braga) quien le cuenta las Buonvino), consiguiendo así uno de sus deseos real para versionarlo en la apariciones en primera incumplidos hasta gran pantalla. Conocido por persona. No creo que entonces: participar su trabajo como director haya una persona en el en la banda sonora de una película. de fotografía en Juego de mundo que no esté interetronos, y por sus colaborasada en esta historia, afirciones con Antonioni o Scorsese, el itama Keitel. Y Pontecorvo concluye: liano Pontecorvo nos trae ahora (como Creyentes y agnósticos deben verla director y guionista) este remake de El porque transmite un mensaje unimilagro de nuestra señora de Fátima versal de paz, tan necesario. (John Brahm, 1952). La productora ESTRENO: 16 OCTUBRE Rose Ganguzza, sin embargo, siempre tuvo claro que tenían que actualizar la Fátima (Estados Unidos, 2020, 113 min.). historia para una audiencia moderna DRAMA. 72

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Compañeros de profesión como Ferrán Adriá o Pedro Subijana aderezan este documental de Asier Altuna Iza (Agur Etxebeste!) que pone en valor la impagable aportación del cocinero Juan Mari Arzak en la revolución gastronómica española. El chef tres estrellas Michelin comparte con su hija Elena, desde la casa de comidas familiar del Alto de Miracruz de San Sebastián (fundada en 1897), cómo su madre intentó disuadirle de sus sueños y las reflexiones que le han acompañado en su brillante carrera (de la que poco a poco se va retirando), no exenta de retos y dificultades. ESTRENO: 9 OCTUBRE

Enrique Villarreal ‘El Drogas’ (59 años).

‘El Drogas’ Retrato humano de un músico que, tras haber disfrutado del éxito, liderando uno de los grupos de rock más populares de nuestro país (Barricada), conoce el rostro menos amable de la vida al ser expulsado de la banda. Con el diagnóstico de Alzheimer de su madre y una depresión profunda, Enrique Villarreal El Drogas se replantea lo que realmente es importante en la vida. El documental está dirigido por Natxo Leuza y participan en él Rosendo, Fito Cabrales o Cristina Rosenvinge, entre otros. ESTRENO: 25 SEPTIEMBRE

‘Courtroom 3H’ DE QUÉ VA: Testimonios reales escuchados en el Tribunal de Familia de Tallahasee (Florida), especializado en casos que implican a menores, y cuyo objetivo es la reunificación de las familias en conflicto.

Bartosz Bielenia interpreta a Daniel, el ‘iluminado’ protagonista.

UN LUGAR EN EL MUNDO ‘Corpus Christi’. El cineasta polaco Jan Komasa indaga de nuevo en las estructuras sociales convencionales de su país, con este film basado en una historia real. Una inquietante experiencia moral y religiosa. DE QUÉ VA: El joven Daniel, de 20 años, vive una transformación espiritual en el Centro para Menores en el que está recluído. Su carisma y la casualidad lo sitúan como (ilegítimo) líder espiritual de una parroquia local.

acciones de mi protagonista, Daniel, como un intento desesperado de decirle al mundo de lo que sería capaz si le dieran una segunda oportunidad, añade el realizador. Muchas personas Segundas oportunidades. Nominada al con manchas en su pasado acaban Oscar a Mejor Película Extranjera, la recurriendo a la religión como última tercera cinta de ficción que dirige el baza.Rompiendo las olas (Lars Von polaco Jan Komasa (Suicide Room, Trier, 1996) contaba una historia Varsovia ‘44) bucea en la similar sobre una pequeña historia real de un joven de comunidad en la que la EL DATO 19 años que se hizo pasar religión está muy presente. Bielenia, el actor protagonista de 28 por sacerdote durante La protagonista, Emily años, es conocido por unos meses: Ofició bodas, Watson, se atreve a hacer su compromiso con el bautizos y defunciones y, circuito de teatro polaco algo diferente por amor. La a pesar de su impostura, mía no es una versión más independiente. Su interpretación de Daniel resultó ser mucho más del problemático catolicisen Corpus Christi le eficiente que su predemo polaco. Es una película valió el premio a Mejor cesor, explica Komasa. protestante que da conActor en el Festival Queríamos que nuestro suelo a las personas que Internacional de cine de Chicago. protagonista hablara no encuentran su lugar directamente desde el en el mundo. El binomio corazón; solo así resultaría creíble Komasa-Bartosz Bielenia (protagonista) a pesar de tener un oscuro pasadota a este poderoso drama del rigor y do. Su historia me recordó a El hijo el carisma necesarios para conmover y mantener la atención por esos caminos (2002) de los hermanos Dardenne, otra trama sobre alguien que hizo de Dios que aquí, intencionadamente, algo terrible a una edad temprana, se muestran inescrutables. lo que le estigmatiza para el resto de ESTRENO: 9 OCTUBRE su vida. Hablamos de quien comete un delito sin entender cuáles son las Boze Cialo (Polonia/Francia, 2019, 116 min.). consecuencias, pero yo siempre vi las DRAMA.

Privilegio. Acceso exclusivo con cámaras a la sala de una corte de menores norteamericana única. Ese es el privilegio que nos ofrece este documental con el que el español afincado en Florida, Antonio Méndez Esparza, debuta en la no ficción tras La vida y nada más (2017) y Aquí y allá (2012). La película no nace para objetivar a esas personas anónimas; al contrario, pretende dotar a la maquinaria institucional de un alma -explica Esparza, testigo privilegiado de las interioridades de ese juzgado de menores-. Ha sido un milagro poder llevarla a cabo; por momentos casi nos sentíamos un espectador más en la Corte del Tribunal de Familia Unificado de Tallahasee. Las palabras del activista afroamericano James Baldwin son la fuente de su inspiración: Si deseas realmente saber cómo se administra la justicia en un país debes acercarte al desprotegido y escuchar su testimonio. Espejo. Tras pasar por la competición de la 68 edición del Festival de San Sebastián, Courtroom 3H se pone al servicio del espectador mostrando la realidad de uno de los escasos tribunales de Estados Unidos que trabaja por la rehabilitación y reunificación de las familias: En esencia, a través de los casos y las dinámicas que mostramos se pueden percibir los problemas actuales de nuestra sociedad y cómo la Corte lidia con ellos. ESTRENO: 25 SEPTIEMBRE

Courtroom 3H (España, EE.UU, 2020, 115 min.). DOCUMENTAL.

Uno de los casos vistos para sentencia en el tribunal de Florida.

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ESTRENO # ENTREVISTA # CÓMO SE HIZO

NUESTRO BOSQUE ANIMADO

Dos tesoros únicos de nuestra naturaleza, los paisajes de olivos, encinas y alcornoques y el más amenazado de los felinos del mundo, protagonizan ‘Dehesa, el bosque del lince ibérico’, el último tributo del documentalista Joaquín Gutiérrez Acha a la fauna española. El realizador nos relata el complejo proceso de rodaje. Por Óscar Cabrera. Trilogía hispánica. Al menos dos primaveras. Eso es lo que necesita Joaquín Gutiérrez Acha para rodar sus cuidados homenajes a nuestros espacios naturales. Después de Cantábrico (2017) y Guadalquivir (2013) cierra la trilogía Dehesa, el bosque del lince ibérico, producida por La Dehesa Producciones A.I.E., Wanda Visión, Wanda Films y Ukbar Filmes, con un actor principal de lujo, el lince, y unos secundarios que le roban protagonismo por tierra (los meloncillos), agua (el martín pescador) y aire (el águila imperial). La primavera es la estación donde todo explota, en la que la naturaleza resurge en todo su esplendor cuando nuestros animales se muestran especialmente activos, así que dos años y medio es lo que necesitamos. Y todo porque la suerte siempre se agradece pero pocas veces sirve: Necesitamos tiempo para localizar a los protagonistas, para que estos se acostumbren a nosotros y para preparar todos los recursos técnicos. Agradecemos las sorpresas pero es casi imposible que las tomas salgan bien. Todos los animales tienen un proceso de adaptación, no salimos al campo a ver qué podemos encontrarnos, es imposible. Dependemos de demasiadas cosas. Equipo reducido. Y para moverse rápido, es imprescindible que el equipo de rodaje sea pequeño. En el caso de Dehesa, lo forman cuatro o cinco personas: un cámara (Acha), un sonidista (Carlos de Hita, también autor de los textos), la directora de producción (Carmen Rodríguez) y un naturalista u otro experto. A veces, hay momentos de relevo con una segunda unidad, sobre todo en la deseada primavera. 74

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Además, el sonidista suele ir por libre porque necesita silencio total y nosotros le estorbamos. Él trabaja antes y luego sincronizamos las imágenes con todos los sonidos que grabó con sus increíbles micrófonos. Pero, en resumidas cuentas, al final mandan los animales. Todo depende de sus pautas de conducta. Por ejemplo, nos contaron que en una dehesa de Extremadura a veces los zorros luchan con los buitres leonados y negros por la carroña, así que solo tuvimos que esperar para el encuentro, grabar varias secuencias increíbles y luego combinarlas.

5 MOMENTOS INOLVIDABLES SEGÚN EL DIRECTOR 1. Los encuentros con el lince y el águila imperial, las joyas de nuestra naturaleza. 2. La lucha entre el zorro y los buitres por la carroña. Encontrar animales muertos en la dehesa no es nada fácil. 3. Filmar a los escarabajos perforadores Cerambyx, que están acabando con nuestras encinas y alcornoques. 4. Reencontrarme con los meloncillos, a los que grabé hace años para la televisión. 5. Ver a 1.600 imágenes por segundo el vuelo del martín pescador. Nos costó 18 días.

Ecosistema asequible. Como ocurrió con el lobo ibérico en Cantábrico, Acha otorga especial importancia a nuestras especies endémicas. El lince y el águila imperial son los reyes absolutos de la Dehesa y tienen sus peculiaridades. Lo pasamos mal con nuestras águilas y sus espléndidos vuelos, aunque no todos los individuos son iguales, ocurre como con las personas, unos eran mucho más sociables

“MOSTRAMOS LA DEHESA COMO NO SE HA VISTO NUNCA, ES UN ECOSISTEMA ÚNICO QUE NO EXISTE EN NINGÚN OTRO PAÍS” que otros. Y siempre con un guion establecido, no tanto por comodidad, como por la financiación: Es lo que presentamos a los productores, que aportaron dos millones de euros, y a partir de ahí se elabora el texto de locución y la banda sonora de Victoria de la Vega –colaboradora de Hans Zimmer– y, por ejemplo, se preparan los permisos para rodar en espacios protegidos. Un paisaje exclusivo. Los parques de Sierra de Cardeña y Montoro, de la Sierra de Andújar, San Pedro en Cáceres, el valle de Alcudia de Ciudad Real y el Alentejo portugués han sido algunos de los escenarios de un film que, en definitiva, pretende mostrar la dehesa como jamás se ha visto en la pantalla, es nuestro ecosistema, un paraje formado después de siglos de explotación de ganaderos y corcheros y que prácticamente no existe en ningún otro país. ◆ ESTRENO: 9 OCTUBRE.

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1. Los alcornoques, reyes de la dehesa y fuente del corcho. 2. El búho real, el gran duque. 3. Dos linces ibéricos. 4. La berrea del ciervo. 5. El martín pescador, al acecho. 6. La grulla común, turista habitual de Extremadura. 7. El águila imperial ibérica. FOTOGRAMAS.ES · O C TUBR E 2 02 0

Fotos: J. R. Lora, H. M. Muniz, R. Palomo..

ESTRENOS

Los niños perdidos de Behn Zeitlin.

‘Wendy’ DE QUÉ VA: En una extraña isla perdida donde el tiempo se encuentra detenido vive Wendy con su familia y con el temor de crecer y desaparecer.

La edad de la inocencia. Tras la sorpresa que supuso, en el año 2012, la premiadísima Bestias del sur salvaje, Behn Zeitlin, cineasta nacido en Nueva York pero criado y refugiado en las mágicas y sureñas tierras de Estados Unidos, ha dejado transcurrir casi una década para volver a la gran pantalla. Lo hace con otra historia donde los paisajes naturales son una tierra mítica por donde la

infancia viaja a la búsqueda de los secretos de la existencia. En Wendy, reescritura del Peter Pan de J. M. Barrie centrada en el personaje homónimo, la inmortalidad de la niñez se corresponde con la inocencia de un mundo encerrado en sí mismo condenado a desaparecer. Niños perdidos. Cineasta precoz (rodaba con sus amigos desde que tenía 6 años), Behn Zeitlin sabe lo que es sentirse Peter Pan pero ¿Cómo se sentía Wendy?, se preguntó. La respuesta me la dio mi hermana Eliza, y de las conversaciones que tivimos los dos nace esta película. Eliza Zeitlin escribe el guion junto a su hermano y aporta una visión, más que femenina o feminista del relato original de Barrie y toda su imaginería, panteísta, muy profunda y asimismo muy actual: ¿No somos todos niños perdidos que no quieren ser encontrados?, nos inquiere el director.

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DE QUÉ VA: Creadora de fragancias, Anne Walberg es una egoísta diva que hallará la horma de su zapato al tener que compartir viajes con su chófer Guillaume.

De otros mundos . Sé que mi cine no es fácil. No lo pretendo. La vida no es fácil, y el arte tampoco, afirma el director portugués. De vidas nada fáciles, la de esta mujer que viaja desde su país natal a la vorágine de Lisboa, en Portugal, para hacerse cargo del cadáver (y de sus secretos en el ‘primer mundo’) de su marido, habla la película. Vivimos en la falsa irrealidad de un mundo repleto de facilidades y comodidades, filosofa Pedro Costa. El viaje de Vitalina nos despierta de ello. Ella trae la vida. Es la vida. ESTRENO: 16 OCTUBRE

ESTRENO: 23 OCTUBRE

Vitalina Varela (Portugal, 2019, 124 min.). DRAMA.

PERFUMES (Francia, 2019, 100 min.). COMEDIA ROMÁNTICA.

ESTRENO:23 OCTUBRE

WENDY (EE.UU., 2020, 112 min.). FANTÁSTICA

Vitalina Varela.

DE QUÉ VA: Una mujer viaja desde Cabo Verde a Lisboa para hacerse cargo del cuerpo de su marido asesinado. Allí descubrirá su vida secreta.

‘Perfumes’

Perfumando a Miss Anne. O El diablo se perfuma de Prada, otro de los (entre cariñosos y maliciosos) juegos de palabras cinéfilas que se hicieron tras el (exitoso) visionado de esta (claro) perfumada comedia romántica francesa en el pasado BCN Film Fest. Definiciones que creemos no molestarían a su director y guionista, Grégory Magne, quien, en este su segundo largometraje (el primero, L’air de rien, data del 2012) no se esconde de comparar Perfumes con las comedias clásicas de toda la vida, sean americanas o francesas. Clásica es la premisa de una pareja antagónica forzada a convivir y que acabará enamorándose, algo que hará de alguien hasta la fecha egoísta y déspota una mejor persona, asegura. El aroma del éxito. No solamente el del film, al menos en el mercado francófono donde ha funcionado muy bien en una taquilla post confinamientos. También el de un universo, un negocio, como el de la perfumería. Investigué mucho al respecto, nos informa Grégory Magné. Existe una suerte de élite de algo así como las narices más privilegiadas de Francia (y por ende del mundo), más que la de los someliers en la viticultura. Personas, la mayoría mujeres, que crean todas las fragancias que se comercializan. Junto a Emmanuelle Devos, la protagonista, encontramos a Sergi López.

‘Vitalina Varela’

La irreal realidad. ¿Es Vitalina, la mujer de Cabo Verde a la que seguimos en la película, real? ¿Es ella misma interpretándose como actriz y reviviendo su historia? ¿O no? ¿O quizás es una recreación y esta Vitalina en concreto no existió y sí otra? ¿O si fueron muchas otras? Todas las Vitalina del mundo, de ese mundo que no queremos conocer, son la de mi película. Miento: su película, la de Vitalina Varela. Por eso se titula como ella. Pedro Costa es único planteando preguntas (¿sin respuesta?) y rompiendo las fronteras entre realidad y ficción en su cine. Con este su último trabajo vuelve a hacerlo, aunque son otras las fronteras que su peculiar obra quiere difuminar.

Emmanuelle Devos, de profesión sus olores..

ESTRENOS # COLABORADORES HABITUALES

CUANDO ABEL ENCONTRÓ A WILLEM

El estreno este mes de ‘Tommaso’, su penúltimo trabajo juntos, nos da la excusa perfecta para hacer un cinéfilo recorrido por la trayectoria en común de dos personajes tan interesantes y con unas carreras tan personales como son el director Abel Ferrara y el actor Willem Dafoe. Dos genios condenados a encontrarse. Por Fausto Fernández.

Extraños compañeros de hotel. Aunque ambos, Willem Dafoe (Appleton, Wisconsin, 1955) y Abel Ferrara (Nueva York, 1951) juegan a recordar (¿o a inventar?) una vida de encuentros personales y profesionales pre‑ vios a su primera colaboración juntos, lo cierto es que su primera vez fue en 1998 y en el neoyorquino New Rose Hotel. Allí, el personaje de Dafoe no tenía nombre, era simplemente X. Aunque lo mejor de esta parábola de extraña y extrañante ciencia ficción que pasó por mil y un festivales, era que en ella se producía el relevo entre el actor fetiche hasta entonces de Ferrara, Christopher Walken (protagonista aquí), y el que lo sería desde ya mismo: Willem Dafoe.

El fin es el principio. Desde aquel X, Willem Dafoe se ha convertido en rostro habitual de las más accesibles pelí‑ culas del especial y radical Abel Ferrara. Un rostro que el director nacido en el Bronx ha asociado a personajes cuya profesión es la de artista. Artista era el protagonista de Go Go Tales (2007) y uno de los atormentados seres humanos que aguardaban el fin del mundo en la reivindicable 4.44 Last day on Earth (2011. Y artista total y real era el director italiano Pier Paolo Pasolini a quien encarnó, en los últimos días previos a su asesinato, un pletórico Dafoe en Pasolini (2014). Además, y para redondear esta relación artística casi ideal, Dafoe y Ferrara coincidieron como actores en Sculpt (Loris Gréaud, 2016).

Willem Dafoe, alter ego de Abel Ferrara.

Cartas desde un futuro imperfecto. Saltemos a un futuro que es presente. Un futuro que se llama Siberia. Siberia ‑un estado de ánimo. Pesimista, por supuesto, asegura Abel Ferrara‑, es el título de su última película. Yo soy opti‑ mista, contradecía Willem Dafoe a su director y amigo. Sigo rodando con Abel. Siberia se presentó en este último Festival de Cine de Berlín. Una Berlinale que empezaba a sentir los azotes de la actual pandemia. Durante su presen‑ tación en el certamen, Ferrara aprovechó para rodar otra nueva cinta: Sportin´ Life, especie de diario personal y cró‑ nica de un mundo que empezaba a ponerse la mascarilla y a hablar de confinamientos que en otro giro temporal nolania‑ no se ha visto en el último festival de Venecia. Dafoe, cómo no podía ser de otra manera, también aparece en ella.

Creaciones en Roma. En el origen de Tommaso, séptimo film de los nueve en los que han trabajado juntos y que se estrena este mes, está el personaje del pintor que interpretaba Darren McGavin en Locuras de verano (David Lean, 1955), dice Ferrara. La vida de un artista norteamericano (Willem Dafoe) que vive en Roma junto a su joven esposa (Cristina Chiriac, mujer en la vida real de Abel Ferrara) y su hija de tres años (Anna Ferrara, hija de Abel y Cristina) y cómo las musas se confunden con la presencia, cada vez más fuerte, de la vejez y la muerte. Pese a ser algo tan autobiográfico, tan de Abel, no he interpretado a Tommaso como si fuera él, cuenta Dafoe. ESTRENO: 25 SEPTIEMBRE

TOMMASO (EE.UU., Reino Unido, Italia, Grecia, 2019, 115 min.). DRAMA

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ESTRENOS

Un voluntario de Open Arms en pleno rescate.

‘Cartas mojadas’

Patricia López Arnáiz (Lide) y Lander Otaola (Andoni).

Divide y… ¿vencerás?

‘Ane’. El director vasco David Pérez Sañudo toma como punto de partida un cortometraje propio para debutar en el largo con una reflexión sobre la incomunicación, alimentada por un entorno social convulso.

La epopeya más trágica de nuestra historia contemporánea, relatada a partir de cartas escritas de madres a hijos por una voz misteriosa que procede del fondo del mar, muestra la lucha desesperada de los tripulantes del Open Arms por salvar del naufragio 550 vidas. Escrita y dirigida por la documentalista Paula Palacios y producida por Isabel Coixet, esta cruda historia real nos va llevando a la deriva hacia Libia en un Mediterráneo convulso. Paula consigue meternos en la piel de los seres humanos que se lanzan al mar huyendo de la guerra, la miseria y la represión. Es una película dolorosamente necesaria, es una bofetada de indignación, explica Coixet. ESTRENO: 9 OCTUBRE

DE QUÉ VA: Lide (Patricia López Arnáiz) trabaja como guardia de seguridad en las obras de un tren de alta velocidad que genera protestas sociales. Una mañana, al levantarse, descubre que su hija Ane ha desaparecido.

Ausencias. David Pérez Sañudo da el salto al largometraje con esta reflexión a partir de su corto del mismo nombre de 2018, que habla de la comunicación, y la manera en la que influye el ámbito público en el privado. A pesar de que su primer film lleva el nombre de la hija, Ane, se centra en el entorno de su madre –Lide, interpretada por Patricia López Arnaiz– y en un barrio dividido (con toda la intención) por las vías de un tren en construcción que obligará a expropiar viviendas… un conflicto social que afecta gravemente a la vida familiar. Esta película indaga en la búsqueda del otro, y de uno mismo, tanto a nivel físico como de identidad. Sin embargo, la protagonista pone el punto de partida en el vacío, en la idea de la ausencia, en esa quietud de la que aflora la voluntad de cambio, cuenta Sañudo. El tren de alta velocidad del que Lide es guardia de seguri78

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dad simboliza la contraposición de una herramienta que en teroría ha llegado para modernizar, acercar ciudades, pero que al mismo tiempo generará incomunicación entre ambos lados fracturados, con las personas que se movilizan a favor y en contra enfrentadas. La cinta es una reflexión sobre lo que se comunica, pero sobre todo de lo que no llega a ser transmitido. Caldo de cultivo. La ubicación en el espacio y en el tiempo es básica para que todas las piezas encajen. La acción transcurre en Euskadi en 2009, cuenta el director, cuando el conflicto social estaba servido en la bandeja de la ilegalización de ciertos partidos de la izquierda abertzale, las reacciones violentas contra el TAV, el cierre de locales bajo la acusación de enaltecimiento del terrorismo y la constante presión policial, concluye el director. ESTRENO: 16 OCTUBRE

Ane (España, 2020, 100 min.). DRAMA.

La escritora china Sanmao.

‘Sanmao. La novia del desierto’ Documental sobre un icono de mujer independiente al borde de la leyenda, la escritora china Sanmao, que en los años 70 vivió una apasionante historia de amor con el submarinista jienense José María Quero. Juntos viajaron al Sáhara español, donde ella escribió su superventas Cuentos del Sáhara. Una historia de amor, aventura, literatura y tragedia a la que pone voz Lucía Jiménez y que han dirigido al alimón dos directoras curtidas en el género documental: Marta Arribas y Ana Pérez de la Fuente. ESTRENO: 2 OCTUBRE

ESTRENOS # DEL AUTOR DE…

Annette Bening y Bill Nighy, la pareja protagonista, en la ciudad costera de Seaford (sur de Inglaterra). .

HISTORIA DE UN MATRIMONIO ‘Regreso a Hope Gap’. El prestigioso guionista inglés William Nicholson (Gladiator, Los Miserables) escribe y dirige este drama autobiográfico 23 años después de su ópera prima. Annette Bening y Bill Nighly barren los cristales de una pareja rota. SU PRIMERA VEZ DE QUÉ VA: Grace, Edward y su hijo Jamie deben enfrentarse a duras (y latentes) verdades a partir de la separación del matrimonio tras 29 años de vida en común.

Autobiográfica. ¿Por qué casi tres décadas de matrimonio quedan suspendidas en un gélido vacío cuando llega la separación? El novelista y dramaturgo William Nicholson sintió la necesidad de dar respuesta a esta pregunta tras el divorcio de sus padres. A partir de entonces fue cocinando Regreso a Hope Gap, inspirada en su pieza teatral The Retreat From Moscow: Sentía la necesidad de escribir sobre cómo afecta la separación de los padres a los hijos porque a mí me conmocionó. Y cuando estábamos armando la película me llamó la atención cuánta gente se sentía identificada. Estoy acostumbrado a trabajar como guionista, pero en esos casos no tengo el control sobre el resultado. Esta historia era mía. Y Annette Bening y Bill Nighly hicieron lo que hacen los buenos actores; aceptaron el reto y lo hicieron suyo. La catarsis. Ambos intérpretes no habían trabajado nunca juntos. La primera en unirse al desafío fue la actriz: La historia

de Nicholson me conmovió. Una de las cosas más hermosas que podemos hacer como actores es ser subjetivos al acercarnos a nuestros personajes, y así lo hice con el respeto que merecía saber que es la historia de Nicholson. Para interpretar a su marido (antes de ser su ex) querían a Bill Nighly: Él aceptó inmediatamente, asegura Nicholson. El actor explica por qué: Me fascinaron la verdad y el hecho de que no hay vencedores, ni buenos ni malos, ni situaciones correctas e incorrectas. Tiene muchas capas y matices, y no busca juzgar a nadie. Es una historia triste pero también una experiencia catártica; de esas de las que sales reforzado. Probablemente escribir un guion es más sencillo cuando hay un villano y su antagonista. Pero no es el caso. El eje de la película, el centro emocional, lo ocupa el hijo del matrimonio (Josh O’Connor) que sufre las consecuencias de la decisión de sus padres, pero que también asume todo en lo que él ha fallado.

Curtido en la novela romántica y famoso por su impecable trabajo como guionista en cintas de la talla de Tierra de penumbra (Richard Attenborough, 1993) o Gladiator (Ridley Scott, 2000), por las que fue nominado a sendos Oscar, William Nicholson solo había dirigido un largometraje, Firelight, en 1993. Sophie Marceau y Stephen Dillane fueron los protagonistas de su ópera prima. En su currículum como guionista destacaron también Los Miserables (Tom Hooper, 2012) y Mandela, el largo camino hacia la libertad (Justin Chadwick, 2013). En palabras de Nicholson: El trabajo de guionista me permite después financiarme las novelas que a mí me gusta escribir. Sophie Marceau en Firelight.

ESTRENO: 23 OCTUBRE

Hope Gap (Reino Unido, 2019, 100 min.). DRAMA.

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ESTRENOS

UNA REVOLUCIÓN A JUICIO

Reparto lleno de caras conocidas, un director con Oscar y trascendencia histórica. En su segundo film tras las cámaras, Aaron Sorkin conecta pasado y presente en ‘El juicio de los 7 de Chicago’, una producción Netflix que se verá en salas. DE QUÉ VA: EE.UU. 1968. Los acusados de interrumpir la convención demócrata de Chicago son juzgados por graves delitos contra la nación.

Idealismo de altura. Como el propio Aaron Sorkin reconoció en estas mismas páginas hace cuatro años, sus guiones pueden pecar de demasiado idealismo, de falta de malicia. No me preocupan esas críticas, son ineludibles en estos tiempos cínicos en los que vivimos, nos dijo. El galardonado con el Oscar por el argumento de La red social (David Fincher, 2010), además de otros casi 90 premios, siempre ha concedido espacio para personajes nobles, sean militares (Algunos hombres buenos), políticos (El ala oeste de la Casa Blanca) o periodistas (The Newsroom) y El juicio de los 7 de Chicago, inicialmente un proyecto que tendría que haber dirigido Steven Spielberg, no es una excepción: hay idealistas y hay villanos, como es habitual en su obra. Planteado hace 14 años, ya con el guion de Sorkin pero con Paul Greengrass a los mandos, el film fue retrasándose hasta que

el propio Spielberg pensó que estos revolucionarios tiempos en EE.UU. eran ideales para volver a levantar el proyecto. Tras ver Molly’s Game, el primer film de Aaron Sorkin como director, Spielberg cedió la batuta del proyecto al guionista. Tres historias en una. Y el escritor más célebre del Hollywood de hoy concibió su segundo film como realizador con tres historias entremezcladas: el paso de una manifestación pacífica a un sangriento motín contra la injusticia; el vigoroso y muy entretenido drama procesal, con disfraces e insultos varios; y la historia de amistad entre los líderes pacifis tas, pero quizás no tanto, Abbie Hoffman (Sacha Baron Cohen) y Jerry Rubin (Jeremy Strong). Les acompañan en el cast Eddie Redmayne, Joseph Gordon-Levitt, Mark Rylance, Jeremy Strong, John Carroll Lynch, Frank Langella y Michael Keaton. ESTRENO: 2 DE OCTUBRE EN CINES Y 16 OCTUBRE EN NETFLIX

The Trial of the Chicago 7 (EE.UU., Reino Unido, India, 2020, 129 min.). DRAMA.

Sacha Baron Cohen y Jeremy Strong son Abbie Hoffman y Jerry Rubin..

‘DE NUEVO OTRA VEZ’

‘UNA VENTANA AL MAR’

‘LA LECCIÓN DE ALEMÁN’

Volver al origen. Galardonado el año

Los clásicos siempre aciertan. La

Arte degenerado. En su celda de

pasado en San Sebastián con el Premio Horizontes Latinos, el debut de la actriz argentina Romina Paula en la dirección mezcla ficción y documental para contar la historia de una joven que vuelve al pueblo donde nació y se replantea la relación con el padre de su hijo.

segunda película de Miguel Ángel Jiménez (Contigo no, bicho) narra el viaje interior y exterior de una mujer, encarnada por Emma Suárez, que busca cambiar de vida radicalmente. En Grecia encontrará el amor, pero su familia no estará de acuerdo con su decisión.

reeducación tras la Segunda Guerra Mundial, Siggi recuerda su infancia durante el enfrentamiento, cuando conoció a un pintor expresionista Ludwig Nansen y la pesadilla que vivió con los nazis. El alemán Christian Schwochow adapta la novela de Siegfried Lenz.

ESTRENO: 16 OCTUBRE

ESTRENO: 2 OCTUBRE

ESTRENO: 23 OCTUBRE

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Y ADEMÁS… 25 SEPTIEMBRE ‘La diosa Fortuna’. Dir.: Ferzan Özpetek. DRAMA. ‘La divina misericordia’. Dir.: Michael Kondrat. DRAMA. ‘Una pastelería en Notting Hill’. Dir.: Eliza Schroeder. COMEDIA.

‘EL CLUB DE LOS DIVORCIADOS’ Lejos del matrimonio. Deprimido tras

‘NUNCA, CASI NUNCA, A VECES, SIEMPRE ’

una dolorosa ruptura, Ben tiene la suerte de que un amigo millonario le pida vivir con él, lo que implica una nueva existencia en una mansión llena de lujos a los que no está acostumbrado. Al poco tiempo, el amor vuelve a llamar a su puerta. Comedia gala del actor y director Michaël Youn.

amiga viajan a Nueva York para que ella pueda abortar sin que se entere nadie en su pueblo de Pennsylvania. Tercer film de la realizadora, productora y guionista Eliza Hittman, premio del Jurado en los festivales de Sundance y Berlín.

ESTRENO: 23 OCTUBRE

ESTRENO: 25 SEPTIEMBRE

Vivir en silencio. Una joven y su mejor

2 OCTUBRE ‘Dragon Rider’. Dir.: Tomer Eshed. ANIMACIÓN. ‘Rifkin’s Festival’. Dir.: Woody Allen. COMEDIA. 9 OCTUBRE ‘Como perros y gatos: La patrulla unida’. Dir.: Sean McNamara. ANIMACIÓN.

‘The King of Staten Island’. Dir.: Judd Apatow. COMEDIA DRAMÁTICA. ‘Magic Arch’. Dir.: Vasily Rovenskiy. ANIMACIÓN. ‘Nación cautiva’. Dir.: Rupert Wyatt. CIENCIA-FICCIÓN. 16 OCTUBRE ‘Crescendo’. Dir.: Dror Zahavi. DRAMA. ‘Y llovieron pájaros’. Dir.: Louise Archambault. DRAMA. ‘El artista anónimo’. Dir.: Klaus Härö. DRAMA ‘Eurlantza-Enjambre’. Dir.: Mireia Gabilondo. COMEDIA. 23 OCTUBRE ‘Una vez más’. Dir.: Guillermo Rojas. DRAMA.

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REPORTAJE # BLACK POWER

IMPARABLE BLACK POWER

El inesperado fallecimiento de Chadwick Boseman, una estrella mundial gracias a su rol como Black Panther en el universo Marvel pero con una trayectoria que aunaba responsabilidad y talento, nos lleva a recordar a otros intérpretes de color que, antes de él, abrieron camino y han hecho historia en la Meca del cine. Por Juan Pando.

Caballero sin espada SIDNEY POITIER

Subió al escenario el hombre más elegante que jamás había visto y lo aclamaban. No había presenciado antes vitorear así a un negro. La influyente comunicadora Oprah Winfrey resume lo que supuso a los diez años asistir por televisión al momento en el que el primer afroamericano ganaba el Oscar a Mejor Actor. Ha sido un largo viaje llegar hasta aquí, dijo Sidney Poitier al recoger su estatuilla por Los lirios del valle (1963). Nominado ya por Fugitivos (1958), Poitier venció el rechazo de los de su propia raza para convertise en uno de los artistas que más han hecho por superar barreras de discriminación, gracias a su imagen de honestidad, franca sonrisa, y carisma en papeles alejados del tópico racial: el médico enamorado de Adivina quien viene esta noche, el eficiente inspector de En el calor de la noche o el esforzado profesor de Rebelión en las aulas. Sin renunciar nunca al compromiso social, como su amigo Harry Belafonte.

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a noche del 12 de marzo de 2002 pareció marcar un antes y un después en la integración de los artistas afroamericanos en Hollywood. Por primera vez en los 74 años de historia de los premios Oscar, tres intérpretes de color fueron los grandes protagonistas: Halle Berry (Mejor Actriz), Denzel Washington (Mejor Actor) y Sidney Poitier (Oscar de Honor). El tiempo, sin embargo, ha demostrado que el proceso sería más lento de lo previsto entonces. La paciencia se colmó cuando los 20 nominados en los premios de interpretación en la gala de 2015 fueron todos blancos, lo que dio pie al movimiento #OscarsSoWhite. Como respuesta, en 2017 el drama Moonlight obtuvo el Oscar a Mejor Película. Pero a día de hoy, ningún director negro ha ganado el premio, reflejo de una industria que sigue sin brindar igualdad de oportunidades a la gente de color.

Rebelde con causa HARRY BELAFONTE

La cantante Petula Clark interpretaba en televisión a dúo con Harry Belafonte su tema On The Paths of Glory cuando se acercó a él y le tocó el brazo. Fueron unos segundos que han pasado a la historia del medio en Estados Unidos. Hasta ese 2 de abril de 1968 nunca se había visto en la pequeña pantalla a una mujer blanca tocar a un hombre negro. Y eso que él llevaba manga larga. Días después, Belafonte escribía en The New York Times: Rara vez se refleja la belleza, el alma y la integridad de la comunidad negra. El artista de color no es libre de plasmar en televisión el mundo del que procede con toda su riqueza, valores culturales y problemas. Para entonces el cantante y actor neoyorkino de raíces jamaicanas, amigo de Martin Luther King, que había levantado ampollas por el flirteo interracial que interpretó con Joan Fontaine en la ficción de Una isla al sol (1957), era ya el primer afroamericano que había ganado un Emmy, en 1959, y el segundo, tras Juanita Hall, en ganar un Tony, en 1954. Prefirió, sin embargo, centrarse en la música antes que perpetuar estereotipos raciales en la pantalla o la escena. El galán de Carmen Jones (1994) mantiene vivo, a sus 93 años, su reconocido activismo social.

El ídolo caído DOROTHY DANDRIDGE

Si fuera blanca, podría conquistar el mundo, se lamentaba Dorothy Dandridge, que con su piel caramelo casi lo logró. Cantante y bailarina fue la primera afroamericana en ser nominada al Oscar a Mejor Actriz, por Carmen Jones (1954). Hollywood creó una Marilyn Monroe negra pero, en los años 50, no supo qué hacer con ella. Los papeles soñados no llegaron y a los desengaños laborales se sumaron los sentimentales. Murió a los 42 años, en 1965, por sobredosis. Era nuestra reina, recordaba Nichelle Nichols, la teniente Uhura de Star Trek; aunque han sido intérpretes como Halle Berry, Jada Pinkett Smith o Angela Basset quienes más se han beneficiado de la senda que ella abrió.

En tierra hostil HATTIE MCDANIEL

Será un faro para cualquier cosa que pueda hacer en el futuro, agradeció Hattie McDaniel, hija de esclavos liberados, al recoger el primer Oscar que ganó una persona de color, como actriz de reparto, por Lo que el viento se llevó (1939). En la ceremonia, la sentaron en un rincón porque el local solo admitía blancos, como el cine en el que se estrenó el film, al que no pudo entrar. Encasillada en roles de criada, poco le ayudó el premio. ¿Por qué habría de avergonzarme de ganar 700 dólares semanales por hacer de sirvienta, en vez de serlo por 7 dólares?, replicaba a los reproches de que perpetuaba estereotipos racistas. Actriz y cantante, fue la primera afroamericana que cantó por la radio. Murió con 59 años, en 1952. No se la pudo enterrar en el cementerio que pidió, reservado para gente de raza blanca.

REPORTAJE # BLACK POWER

Elegido para la gloria DENZEL WASHINGTON

Denzel ha llevado el concepto afroamericano en el cine hasta un lugar al que yo no conseguí llegar, y lo ha hecho con la misma integridad que yo traté de articular. Le estoy agradecido por ello. El reconocimiento de Sidney Poitier hacia Denzel Washington como su sucesor se ha visto correspondido por el protagonista de Philadelphia, Malcolm X o Huracán Carter que lo ha considerado su mentor. En 1986 llamé a Sidney, recordaba, y le conté: me han ofrecido 600.000 dólares por protagonizar El negrata que no podían matar. Él me dijo: No te voy a decir lo que debes hacer, pero ten en cuenta que las cuatro primeras películas que hagas van a marcar tu imagen en la industria. Rechacé el papel. Seis meses después hice Grita libertad y me nominaron al Oscar. Fue la primera de sus nueve candidaturas al galardón, una de ellas como productor de Fences, que se han materializado en dos estatuillas, como Mejor Actor (Training Day, 2001), segundo afroamericano que lo logra tras Poitier, y Actor de Reparto (Días de gloria, 1989). A sus 65, le cabe el orgullo de haber sido él, a su vez, mentor de otra generación de intérpretes, como Will Smith.

La sonrisa del príncipe EDDIE MURPHY

Una militante negra me preguntó, ¿Por qué los actores de color serios no consiguen los mismos contratos que Richard Pryor o tú? Y le contesté, recordaba Eddie Murphy, porque América es aún una sociedad racista. El secreto de su éxito ha sido crear buen material humorístico con la rabia. El rey de la comedia de los 80 y los 90 con films como Entre pillos anda el juego, pero sin éxitos recientes, se mantiene, a sus 59 años, entre los actores más taquilleros, con los 7.000 millones de dólares que han recaudado todas sus películas.

Para todos los públicos WHOOPI GOLDBERG

Deslenguada, imprevisible y con un humor disparatado, al contrario que otros artistas negros que eligieron un perfil bajo, Woopi Goldberg entró en el panorama artístico como elefante en cacharrería, y así sigue a sus 64 años. Una actriz solo puede interpretar a una mujer, yo soy un actor, puedo hacer cualquier cosa; y añadió: Los actores no tienen color, así es el arte. Su fórmula ha resultado. Nominada al Oscar como Mejor Actriz por El color púrpura (1985), es la única persona afroamericana en ganar los cuatro grandes premios del espectáculo, el EGOT: Emmy, Grammy, Oscar (de reparto, por Ghost, 1990) y Tony.

Figura oculta HALLE BERRY

Al recoger su Oscar por Monster’s Ball (2001) la única intérprete afroamericana que lo ha logrado como Mejor Actriz, casi medio siglo después del hito que supuso la nominación en esta categoría de Dorothy Dandridge, se lo dedicó: A toda mujer de color sin nombre y sin rostro que ahora tiene una oportunidad porque se ha abierto una puerta esta noche. El entusiasmo inicial de Halle Berry, de 54 años, que ha sufrido la doble discriminación por ser hija de un hombre negro y una mujer blanca, se enfrió y en 2017 declaraba: Pensé que aquel era un momento importante, pero no sirvió de nada. Necesitamos más gente de color escribiendo, dirigiendo, produciendo. No sólo estrellas delante de las cámaras. Tenemos que empezar a contar historias que nos incluyan.

Fotos: Archivo Fotogramas y Getty Images.

¡Wakanda forever! CHADWICK BOSEMAN

Hay actores de color que dicen, no quiero aceptar un personaje solo por ser negro. Me parece fantástico y no creo que estén equivocados, pero sí que olvidan toda la riqueza cultural que se ha blanqueado (término para referirse a roles étnicos asumidos por actores blancos). Chadwick Boseman no en vano se había especializado en biografías de afroamericanos ilustres, como Jackie Robinson (42), el jugador de béisbol que acabó con la segregación en este deporte; el cantante James Brown (I Feel Good), o Thurgood Marshall (Marshall), primer juez negro del Tribunal Supremo de Estados Unidos. No lo dudó cuando surgió la ocasión de encarnar a T’Challa y su alter ego heroico. Pantera Negra, el rey del imaginario y ultramoderno reino africano de Wakanda. Fue en Capitán América: Civil War. La auténtica recompensa llegó cuando el personaje dio entrada por la puerta grande a la gente de color en el universo Marvel al convertirse en Black Panther, el primer superhéroe negro en protagonizar una película de gran presupuesto; y con un reparto en su mayoría de afroamericanos. La cinta batió marcas de taquilla, con una recaudación de más de 1.300 millones de dólares, y fue el primer film de superhéroes nominado al Oscar a Mejor Película. El 28 de agosto, sin embargo, un cáncer incurable quebró, a los 43 años, la vida y las ilusiones de Chadwick Boseman.

La primera dama VIOLA DAVIS

Echo en falta que en el Hollywood actual se comprenda la belleza, el poder, la sexualidad, la singularidad y el humor de ser una mujer negra corriente. No se puede decir que Viola Davis, hija de una activista por los derechos civiles, no haya puesto su grano de arena por cubrir esa carencia. La intérprete, que dijo: Lo único que separa a las mujeres de color del resto es la oportunidad, ha aprovechado bien las suyas. Con 55 años ha ganado el Oscar como Actriz de Reparto (Fences, 2016) y suma dos nominaciones más, una en esta categoría (La duda, 2008) y otra como protagonista (Criadas y señoras, 2011). Tiene, además, un Emmy y dos Tony.

LO MEJOR DEL ENTRETENIMIENTO EN CASA

MultiPantallas SERIES

INÉDITOS VOD

DVD # BD

Hablamos con los protagonistas y responsables de Antidisturbios, la segunda temporada de The Boys y The Comey Rule. Pág. 90, 94 y 99

Un drama musical de Disney+ (Clouds) y la llegada de Blumhouse a Amazon Prime, entre lo más destacado del mes. Pág. 102

Ediciones de coleccionista, como una lujosa revisión de Doctor Sue–o, protagonistas del Home-Entertainment. Pág. 104

SERIES

‘YO ESTUVE ALLÍ’

La espera ha terminado: Aitor Gabilondo estrena, por fin, ‘Patria’, una producción que ha hecho historia incluso antes de su estreno. Su creador nos cuenta, de puño y letra, los momentos más relevantes del proceso. Por Óscar Cabrera. Pasión y recuerdos. La adaptación del texto de Fernando Aramburu sobre el conflicto vasco, el mayor fenómeno literario de los últimos tiempos con más de un millón de ejemplares vendidos y multitud de premios –el de la Crítica y el Nacional de Narrativa, entre otros– llega por fin a las pantallas. El camino no ha sido fácil ni corto, pero su creador, Aitor Gabilondo (El príncipe, Allí Abajo) tenía sobrados motivos para insistir en un proyecto tan arduo: sencillamente, estuvo allí, vivió esos años y convivió con ambos bandos. Soy vasco y quería

hablar sobre mi infancia en mi tierra, asegura el guionista y productor de la primera producción española de HBO Europe, una miniserie de ocho episodios en la que Gabilondo lleva trabajando tiempo: Me habían gustado mucho los anteriores libros de Aramburu así que, cuando Tusquets promocionó su nueva obra, compré los derechos. Lo que sigue es su selección para FOTOGRAMAS de las escenas más significativas de la serie, un cuaderno de rodaje que él mismo nos explica. Pasen y vean. ESTRENO: 27 SEPTIEMBRE EN HBO

‘MÁS BAJITO’ No estuve todos los días en el rodaje, pero lo visité unos cuantos y este fue uno de ellos. Recrear una manifestación con la veracidad con la que se hizo impresiona mucho. Parecía tan real que durante los segundos que transcurrían entre ‘¡Acción!’ y ‘¡Corten!’ te transportabas al pasado. Además, el ayudante primero de dirección, Fede Bayón, le ponía tanta energía y arengaba de tal manera a los figurantes que sobrecogía. Estaba tan impresionado, que en un momento pensé: ¿Y no se podría hacer esto un poco más bajito?.

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MULTIPANTALLAS # SERIES # REPORTAJE

Esta fue la primera escena que se grabó, perteneciente al capítulo 2. No había dormido en toda la noche. Deambulé durante dos o tres horas antes de atreverme a ir al set. Después de meses conviviendo con todos estos personajes en mi cabeza, me aterraba conocerlos ‘en persona’ porque sabía que Nerea y Xabier ya

‘ESTRELLAS LOCALES’ Desde el principio tuve claro que todos los actores principales de la serie debían ser vascos. Elena Irureta y Ane Gabarain –que interpretan a las dos amigas de toda la vida enemistadas desde hace años; la primera es la viuda de un asesinado y la segunda la madre de un etarra– ya estaban en mi cabeza desde que leí la novela. Las directoras de casting, Eva Leira y Yolanda Serrano, pillaron la clave enseguida: necesitábamos actores que supieran hablar con ese deje vasco. Y acertamos. Parece que todos han nacido para encarnar a estos personajes. Están deslumbrantes.

‘¡DEJA DE MIRAR ESA PUTA COPA DE COÑAC!’

‘CHURROS Y ESTRELLAS’ Cuentan que en Marathon Man, justo antes de rodar una escena, Laurence Olivier vio que Dustin Hoffman no paraba de corretear de acá para allá. Sorprendido, Olivier le preguntó a Hoffman que por qué lo hacía. Porque se supone que en esta escena acabo de llegar de correr. Olivier respondió lacónico: Ah, creía que era usted actor. Bueno, pues esto es lo que yo estaba pensando mientras observaba a Elena Irureta y Ane Gabarain minutos antes de grabar una de sus ‘últimas meriendas’ como Bittori y Miren en la churrería Santa Lucía de Donostia. ¿Su método? Su talento. No necesitaron merendar de verdad. Enormes.

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‘MATAR AL TXATO… OCHO VECES’ Desde el principio pensé que el asesinato del Txato (José Ramón Soroiz) debía repetirse en la serie varias veces, al estilo Rashomon. Una especie de mantra que se fuera completando cada vez, calando en la conciencia del espectador. Así lo redacté en los guiones y utilicé la lluvia como elemento diferenciador. Cada vez que apareciera, el espectador sabría que volvíamos al día del asesinato y, a la vez, que añadiríamos alguna información. Esta escena clave que se despliega durante todos los episodios la grabó Félix Viscarret, y contamos con la infinita paciencia de Soroiz, que aguantó toneladas de agua encima hasta que logramos obtener su asesinato desde varios puntos de vista.

para siempre tendrían esas caras, esas voces, esos gestos… y nadie lo podría cambiar. Me sentía aturdido hasta que, en el primer ensayo, Nerea (Susana Abaitua) le arreó un manotazo a la mesa y casi se me para el corazón. ¡¡Deja de mirar esa puta copa de coñac!!. Se lo estaba diciendo a Xabier (Iñigo Aranbarri) pero yo sentí que me lo decía a mí. Esa fue mi verdadera primera claqueta. Sin saberlo, me arrancó los remilgos de cuajo. ¡Empezaba el viaje!

‘SORALUZE Y ELGOIBAR’ El pueblo de la serie no tiene nombre, igual que en la novela. Sólo se sabe que está a pocos kilómetros de San Sebastián y que tiene un tamaño medio. El característico pueblo de la zona situado en la ladera de un pequeño monte y que termina en un río. Nuestra obsesión era que no fuese pintoresco ni demasiado bonito. Necesitábamos además que fuera fotogénico, que tuviera una iglesia imponente, un río, huertas… Finalmente compusimos el pueblo con partes de Soraluze y también de Elgoibar. Muchos de sus habitantes trabajaron de figurantes en la serie, a pesar de lo molesto que es un rodaje y el delicado tema que tratábamos,.

‘LA QUE NO SE PUEDE MOVER ES LA QUE SE MUEVE’ Arantxa (Loreto Mauleón) está postrada en una silla de ruedas debido a un ictus y no puede hablar, aunque sí oír. Mi referencia fue desde el principio Daniel Day Lewis en Mi pie izquierdo. Cuando hizo la prueba para el papel, Loreto torcía la boca para simular la parálisis, pero lo hacía con tanta intensidad que al terminar le dolía muchísimo. Sus ojos lo dicen todo: no se puede contar más con menos.

‘MANIFA’ Creo que no debe de haber nadie de cierta edad en Donostia a quien no le haya pillado alguna vez una manifestación mientras paseaba o estaba de compras por el centro. Ya hay jaleo, se decía, y te dabas media vuelta o corrías al autobús antes de que corten. Que yo recuerde, entonces nadie lo llamaba kale borroka. Todo se liaba en un ‘pispás’. Nosotros, en cambio, necesitamos dos noches enteras, dos autobuses, cientos de chavales y a la Ertzaintza para reproducirlo. FOTOGRAMAS.ES · OC T UBR E 2 02 0

MULTIPANTALLAS # SERIES # REPORTAJE

‘ZAMARREÑO’ Manuel Zamarreño es el único personaje real de la serie. Zamarreño fue un concejal del PP asesinado por ETA en Rentería en 1998, cuando sólo llevaba un mes en el cargo. Nuestra intención era grabar en el mismo lugar del atentado y pedimos permiso al ayuntamiento, gobernado por Bildu. Nos respondieron que no había problema siempre y cuando la familia del fallecido no tuviera inconveniente ni le afectara, en un gesto de respeto y sensibilidad. Naiara Zamarreño, la hija del concejal asesinado, tampoco objetó nada y, aunque por motivos de producción no lo pudimos grabar allí finalmente, aquella experiencia no la olvidaré nunca.

‘PINTADAS’ Yo tenía dos problemas serios con esto de las pintadas. El primero era que me resultaba súper violento pintarrajear todo el pueblo con frases amenazantes. Ahora que por fin las paredes estaban limpias, llegábamos nosotros a ensuciarlas. Pobres vecinos. El segundo era la tipografía. No me atrevía a decirlo, pero veía al equipo de arte –capitaneado por el genial Juan Pedro de Gaspar– tan culto y exquisito que me preguntaba si serían capaces de reproducir aquellas pintadas tan características y reconocibles. Me quedé pasmado al verlas. ¡Eran perfectas!

‘MIREN’ Miren (María en euskera). Mucha gente ve en este personaje a una bruja, a un ser malvado. En cambio, yo siempre he visto a una madre por encima de todo, una madre que decide apoyar a su hijo incondicionalmente; haga lo que haga, aunque lo que haga sea matar. Me han preguntado muchas veces si ‘el problema vasco’ se ve diferente si eres de allí o no. Mi respuesta es que el problema se ve igual, lo que no se ve igual es a las personas. Un día al abrir el buzón de mi casa en Donostia me encontré una carta que no era para mí. Estaba abierta, rayada, matasellada. No pude evitar la tentación de mirar el remite: era de una cárcel. Por el apellido supe que era para una vecina. Le toqué el timbre. Al devolvérsela, mi vecina, una mujer encantadora siempre, me miró a los ojos y me dijo: Es de mi hija.

‘ZIGZAGUEANTE NEREA’ Ni cuando leí la novela, ni cuando escribí los guiones lograba entender del todo el zigzagueante recorrido emocional de Nerea, la hija del Txato, el empresario asesinado. La clave para comprenderla me la dio la propia actriz sin saberlo: no se comporta como una víctima normal. Tiene razón, pensé. Esa es la clave. Nerea no se comporta como creemos que debe comportarse una víctima. Y eso nos agrede. No sabemos estar a su lado sin compadecerla.

‘TORTURAS’ Joxe Mari (Jon Olivares), Oscar Pedraza y yo hablamos mucho sobre las escenas de las torturas. En la novela estaban muy detalladamente descritas, pero una cosa es leerlo y otra verlo. Necesitábamos que toda la serie respirara verdad, que oliera a pescado en palabras de Fernando Velázquez, el compositor de la banda sonora original, así que todos estábamos de acuerdo en no grabar nada que sonara a mentirijillas. Siguiendo esas consignas que nos habíamos autoimpuesto, Jon Olivares y Oscar Pedraza acordaron que cuando a Jon le ponen una bolsa de plástico en la cabeza, se la pusieran de verdad y que él aguantaría todo lo que pudiera hasta que se la quitaran. Llegaron al acuerdo de que cuando no pudiera más, apretaría la mano del actor que lo estaba sujetando.

‘UNA FAMILIA’ Arantxa (Loreto Mauleón), Joxian (Mikel Laskurain) y Gorka (Eneko Sagardoy). Es decir, la hermana, el padre y el hermano pequeño del etarra. Una familia desbordada por los acontecimientos. Solo una familia.

Fotos: David Herranz.

‘PAUSA’ Esta foto la hice yo mismo. Mientras atendía a una secuencia, pillé a mis actrices chateando con sus móviles, como cualquier persona ya del siglo XXI.

‘FÉLIX VISCARRET Y ÓSCAR PEDRAZA, LOS DIRECTORES’ Sin Félix y sin Óscar no habría sido posible. Gracias por vuestro talento y entrega. FOTOGRAMAS.ES · OC TU BRE 2 02 0

■ MULTIPANTALLAS # SHOWRUNNERS

EL FACTOR KRIPKE

Del éxito de ‘Sobrenatural’ a la polémica de ‘Timeless’, el showrunner Eric Kripke nos lleva a través de los altibajos de su carrera ahora que ‘The Boys’ arrasa con su segunda temporada. Por Mireia Mullor.

Arriba y abajo. He vivido suficientes éxitos y fracasos como para saber que tengo que estar agradecido cuando algo funciona. Lo dice Eric Kripke (Toledo, Ohio, 1974), que ha probado el sabor de las cancelaciones (y más de una vez), pero también ha recogido los frutos de series icónicas como Sobrenatural y, ahora, The Boys, que acaba de estrenar su segunda temporada en Amazon Prime Video. El mejor trabajo que he tenido nunca, como la describe el showrunner, que está viviendo su sueño de adaptar a su ídolo Garth Ennis –autor de The Boys pero también de Preacher, entre otros cómics de culto– sin restricciones, con mucha sangre y más violencia. Quizás quede muy lejos del niño de nueve años que quería desentrañar el truco de magia de E.T., el extraterrestre (S. Spielberg, 1982) como él cuenta, pero Kripke ha encontrado su lugar en el panorama televisivo estadounidense. Aunque su carrera haya dado muchas vueltas por el camino. Rey frustrado de la comedia. Estaba convencido de que iba a escribir comedia, recuerda Kripke sobre sus comienzos, en los que pronto se dio cuenta de que lo de hacer reír no era lo suyo. Todo lo

que escribía apestaba, ríe. De pronto vio la oportunidad de hacer honor a sus pasiones como espectador –Poltergeist, Posesión infernal, Un hombre lobo americano en Londres– escribiendo en 2005 una película de terror que acabó convenciendo a Sam Raimi y se convirtió en la primera entrega de la saga Boogeyman. Él lo vivió como una auténtica epifanía: Me di cuenta de que, cuanto más me metía en el terror y la ciencia-ficción, más me gustaba, porque te deja decir cosas políticas y subversivas, hablar de la sociedad de un modo que no podrías en otros géneros. Ahí cambió todo y nunca he vuelto a mirar atrás. Un éxito sobrenatural. Combinando el legado de Expediente X y las novelas de Neil Gaiman, con un poco de Raimi y otro tanto del J-Horror, nació Sobrenatural: Todo lo que me encanta junto en una serie, afirma Kripke sobre la historia de dos hermanos que persiguen fenómenos paranormales subidos en su Impala del 67. Sin embargo, y aunque cueste creerlo después de 15 temporadas y una legión de fans en todo el mundo, no fue un éxito inmediato. En los primeros tres años, todo era: ¿Qué podemos hacer para

EL MI(NI)STERIO DE ‘TIMELESS’ Dos hombres y una mujer viajan al pasado para impedir que los grandes eventos de la historia sean alterados. ¿Suena familiar? No es solo la española El Ministerio del Tiempo, sino también Timeless, que fue denunciada por plagio en 2016. No había escuchado hablar de ella y se convirtió en un verdadero problema, confiesa Eric Kripke, que creó la serie junto a Shawn Ryan. No somos los primeros ni los últimos en crear una historia sobre gente viajando por el tiempo, pero de verdad que lo siento.

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Eric Kripke (segundo por la derecha) con el cast de ‘Timeless’.

que no nos cancelen la serie? No hubo ningún momento de calma, recuerda. No fue hasta su llegada a Netflix que el producto llegó a conectar realmente con el público. Y para entonces, alrededor de la quinta temporada, Kripke ya había hecho las maletas. Los showrunners que me siguieron pudieron disfrutar más que yo, se lamenta. Este año, la historia por fin llega a su final. ¡Es una sensación agridulce! No he estado involucrado en el día a día de la serie durante mucho tiempo, pero había algo muy reconfortante en verla siempre en antena, sin importar cómo iba mi carrera, así que la idea de que no vaya a estar ahí nunca más es un poco terrorífica para mí. El fin de la revolución. ¡Nadie quiere que asesinen a sus hijos! Entiéndase hijos como series y asesinato por la tan temida cancelación. No es algo que muchos puedan controlar: en una era de saturación seriéfila, es un destino más que probable. Pero algunas pérdidas marcan más que otras: Revolution, serie de ciencia-ficción que Kripke creó junto a J.J. Abrams y Jon Favreau, solo aguantó dos temporadas. Fue la experiencia laboral más dura de mi vida. No teníamos el tiempo y dinero para hacerle justicia a la historia, y se tradujo en jornadas de 20 horas, siete días a la semana: fue devastador,

Por Conchi Cascajosa.

El bisturí teléfilo LAS QUE MANDAN EN LAS SERIES.

2 1. Dean y Sam Winchester (Jensen Ackles y Dean Padalecki) en una imagen de la primera temporada de ‘Sobrenatural’(2005-2020). 2. Karl Urban, Jake Quaid, Karen Fukuhara, Tomer Capon y Laz Alonso, cinco de los protagonistas ‘The Boys’ 3. Barry Watson y Emily Deschanel en el film ‘Boogeyman: La puerta del miedo (S. Kay, 2005). 4. La serie ‘Revolution’ –con Billy Burke, Elizabeth Mitchell o Giancarlo Esposito– estuvo dos temporadas en antena.

reconoce Kripke, que, aunque apostaba por la serie, se quitó un peso de encima. A esa cancelación le siguió la de Timeless (ver despiece): Fue triste verla acabar, podría haber puesto cosas buenas en el mundo. Los niños de sus ojos. Esta serie, más que cualquier otra que haya hecho antes, es la que está más cerca de mis sensibilidades, es lo que yo vería y lo que quiero crear, cuenta Kripke sobre The Boys, una sátira ultraviolenta y gore sobre política, redes sociales, celebrities, manipulación mediática y corporativismo que convierte a los superhéroes en supervillanos. Intenta ser lo más realista posible sobre qué pasaría si los superhéroes existieran realmente, no una visión idealizada como Marvel, sino personas imperfectas y jodidas que tienen poderes. Es muy peligroso

darle a gente real este tipo de poder, es una receta para el desastre, explica. La serie ha acabado dando en la diana sobre muchas cosas del presente, afirma Kripke, como Donald J. Trump y esa tendencia nacionalista inherentemente egoísta. El showrunner seguirá explorando la actualidad en una ya confirmada tercera temporada. Ahí es donde están, dice, los verdaderos horrores. LA TEMPORADA 2 DE THE BOYS PUEDE VERSE EN AMAZON PRIME VIDEO

Nunca como hasta ahora en la historia de la televisión los ámbitos de decisión sobre los contenidos han estado tan lejos de sus espectadores. El medio ha mantenido desde el comienzo un carácter estrictamente nacional: los planes se hacían pensando en el mercado propio y por ejecutivos que estaban allí. Eso ha cambiado con la llegada de los servicios de vídeo bajo demanda globales, tanto los de nuevo cuño como los dependientes de las tradicionales majors norteamericanas. Tanto es así que Amazon ha podido estar casi dos años en España con el puesto de responsable de originales de ficción vacante. Georgia Brown ha ejercido en buena medida esa función desde Londres hasta el fichaje de María José Rodríguez, una estimada ejecutiva de Movistar+. Muchos creadores han vuelto a las clases de inglés a marchas forzadas, conscientes de que su nueva serie puede depender de un ejecutivo que nunca ha pisado España y con el que se reúnan en un evento internacional. Es por ello que el terremoto que se está viviendo este año en el mundo del entretenimiento en Estados Unidos anticipa repercusiones en España que todavía no podemos ni vaticinar. Prácticamente todos los grandes grupos han sufrido reestructuraciones, y poderosos ejecutivos se han visto en el paro de un día para otro, con la premisa, muy de Silicon Valley, de simplificar la toma de decisiones. Dos de estos cambios son especialmente relevantes. Por un lado, será el turno de Ann Sarnoff para diseñar el futuro de la marca HBO, y especialmente de la plataforma HBO Max. Por otro, Bela Bajaria, hasta ahora responsable de los originales en lengua no inglesa de Netflix, ha sido elevada a vicepresidenta de televisión global con la mirada puesta en Asia. Lo que veremos en los próximos años va a estar en sus manos. FOTOGRAMAS.ES · OC TUBR E 2 02 0

MULTIPANTALLAS # SERIES # A LA CARTA

LA CASA DE LAS PENAS

El creador de ‘La casa de las flores’ nos explica por qué con su nueva criatura, la oscura ‘Alguien tiene que morir’, ha decidido olvidarse de la comedia para adentrarse en la España más negra y machista. Además, octubre llega con adaptaciones literarias, un wéstern y la bienvenida nueva temporada de ‘Fargo’. Por Ó.C. De izda a dcha: Ernesto Alterio, Cecilia Suárez, Isaac Fernández, Carmen Maura, Alejandro Speitzer y Mariola Fuentes.

ÔALGUIEN TIENE QUE MORIRÕ Entrar en la oscuridad. Pese a la obligatoriedad de que la conversación sea por teléfono, es inevitable imaginar la sonrisa de Manolo Caro (Guadalajara, México, 1985) mientras habla con entusiasmo sobre su nueva criatura. Como él mismo, sus series y películas transmiten un optimismo contagioso y muy saludable. Justo lo que, sorprendentemente, ha dejado a un lado en su debut en la ficción española: Alguien tiene que morir, una miniserie de tres episodios con producción de Netflix, ambientada en el Madrid de los años 50 ue narra desde dentro

los rencores y guerras subterráneas de una familia rica que ha dividido su tiempo entre México y España y que recibe la visita del heredero, Gabino (Alejandro Speitzer). Ha sido algo muy pensado, nos aclara el guionista, productor y director mexicano. Quería olvidar la comedia, con la que llevo ya más de 10 años, y alejarme de lo que la gente piensa de mí. Quería entrar en la oscuridad de una familia, unos personajes que matan pichones por placer y que también matan sus propias ilusiones. El origen de este volantazo en su carrera se remonta a una cena en la capital con r e r r e for se rte

DE ALLÍ Y TAMBIÉN DE AQUÍ Desde que decidiera acudir como oyente a las clases de Juan Carlos Corazza en Madrid, Manolo Caro tiene una relación muy próxima con nuestro país. Aquí conoció a varios actores, ahora íntimos amigos, y muchos han intervenido en sus cinco películas y en La casa de las flores: Rossy de Palma en No sé si cortarme las uñas o dejármelas largas (2013), Amor de mis amores (2014); Carlos Bardem en Elvira (2014); o Paz Vega en La vida inmoral de una pareja ideal (2016). Siempre me he sentido muy querido aquí, reconoce.

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Manolo Caro.

del equipo. Cecilia Suárez –Paulina en La casa de las flores– y ella se conocían y concretamos el encuentro. Nos reímos tanto juntos que en seguida dimos forma a un papel tan lorquiano que casi se llama Bernarda en vez de Amparo. La España de los 50. El guionista Fernando Pérez es otra de las novedades de Alguien tiene que morir, coescrita entre Caro, su colaboradora en La casa de las flores Monika Revilla y él. Conocía su labor en las series Aída y Arde Madrid y desarrollamos juntos las conexiones entre los personajes, interpretados por estos maravillosos actores. Situaciones que se resumen en una frase pronunciada por Mina (Cecilia Suárez): Este país no es para nadie que tenga ilusiones. Caro explica tanta severidad: Sé que aquí casi no hay espacio para el optimismo, aunque el desarrollo del personaje de Carlos Cuevas –el realizador rinde homenaje a su rol en Merlí con otra secuencia de duchas– dará agradables sorpresas, pero quiero dejar claro que solo hablo de unos personajes muy negros de la España de 1954. ESTRENO: 16 OCTUBRE EN NETFLIX.

Jessica Brown Findlay es Lenina.

SERIES TOP

‘UN MUNDO FELIZ’ Pastis, pastis. En estos distópicos tiempos, la adaptación del más conocido de los trabajos del visionario Aldous Huxley, publicado en 1932, era inaplazable. En un mundo sin sentimientos ni emociones dividido en castas, las pastillas de colores de la droga soma son el único motor de la humanidad. Protagonizan Alden Ehreinreich (Han Solo: Una historia de Star Wars), Jessica Brown Findlay y… ¡Demi Moore!.

ESTRENO: 4 OCTUBRE EN STARZPLAY Y RAKUTEN TV.

‘EL PÁJARO CARPINTERO’

CADA MES, ELEGIMOS NUESTRAS SERIES EN EMISIÓN FAVORITAS. TOP 5 ÓSCAR CABRERA

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‘PATRIA’ (T. 1). HBO ‘RAISED BY WOLVES’ (T. 1). TNT ‘VERNON SUBUTEX’ (T. 1). Filmin ‘EL ARTE DE LOS MUSEOS’ (T. 1). Filmin ‘VENENO’ (T. 1). Atresplayer TV

TOP 5 ISABEL VÁZQUEZ

Las vidas negras importan. La última revisión en pantalla, hasta ahora, de los tiempos del esclavismo en EE.UU. llega con esta serie de ocho episodios que adapta una novela de James McBride. Sus protagonistas son Ethan Hawke, como el abolicionista John Brown, y Joshua Caleb Johnson, en el papel de Onion, su sufrido compañero de fatigas. ESTRENO: 5 OCTUBRE EN MOVISTAR+.

Una escena clave de la serie.

‘ERAN DIEZ’ No puede quedar ni uno. Cuando todavía recordamos con agrado la muy británica producción de Craig Viveiros de 2015, llega a la pequeña pantalla una nueva adaptación del clásico de Agatha Christie Diez negritos, francesa, contemporánea y preocupada por la incorrección del título original. Dirige Pascal Laugier (Ghostland), especializado en el género del terror y en el reparto, la recordada Romane Bohringer.

Ethan Hawke y Joshua Caleb Johnson.

ESTRENO: 1 OCTUBRE EN SUNDANCE TV.

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‘BUFFY CAZAVAMPIROS’ (T. 1-7). Amazon Prime Video ‘PODRÍA DESTRUIRTE’ (T. 1). HBO ‘PATRIA’ (T. 1). HBO ‘TALKING HEADS’ (T. 1). Movistar+ ‘RATCHED’ (T. 1). Netflix

TOP 5 ROGER SALVANS

1 2 3 4 5

‘BUFFY CAZAVAMPIROS’ (T. 1-7). Amazon Prime Video ‘COBRA KAI’ (T. 1-2). Netflix ‘VERNON SUBUTEX’ (T. 1). Filmin ‘RAISED BY WOLVES’ (T. 1). TNT ‘HITH FIDELITY’ (T. 1). Starzplay

PONTE EN SERIE

SOMETEMOS A LOS PROTAGONISTAS A NUESTRO TEST SERIƒFILO.

Foto: Armand Rovira.

SAIDA BENZAL (‘POR H O POR B’).

Es Belén, la muy macarra aspirante a actriz en la producción de Manuela Burló Moreno disponible en HBO. La serie que me marcó: Twin Peaks. Fue la primera vez que tomé contacto con ese lenguaje tan atractivo para una niña. Mi último enganche: Cosmos, la histórica serie documental de

Carl Sagan. La serie de culto que abandoné:

Too Old to Die Young de Nicholas Winding Refn, no conecté con su tempo y además tenía mucho trabajo en esa época. ¿Cómo y cuándo me gusta verlas? De noche, sola o bien

acompañada. Con vino y siempre luz apagada. Mi placer culpable:

The It Crowd. ¡Es maravillosa! ¿Mi personaje favorito? El que

interpreta Michael C. Hall en Dexter. O el de Lauren Ambrose en A dos metros bajo tierra. ¡Y de pequeña quería ser la maravillosa Xena, la princesa guerrera! ¿El que no soporto?

No aguanto los papeles de rubias anodinas tontas gratuitamente porque sí. La mayor maratón de mi vida: Yo

sola en la cama con el portátil. Me vi entera The Story of Film: An Odyssey. FOTOGRAMAS.ES · OC TU BRE 2 020

MULTIPANTALLAS # SERIES # A LA CARTA

Por Isabel Vázquez.

In my opinion EL FUNERAL DE LA BRUJA

Loy Cannon (Chris Rock) y su banda.

‘FARGO’ Entre mafias anda el juego. Nueva temporada y nueva historia, otra vez, como las tres anteriores entregas, sin nada que ver con el film de los Coen, salvo el título, la labor de los hermanos en la producción y su cáustico, sangriento e irreverente punto de vista. En esta cuarta sesión, el showrunner Noah Hawley sitúa la acción en la ciudad de Kansas en los años 50 para contar la rivalidad entre dos organizaciones mafiosas, una italiana y una afroamericana. Loy Cannon (Chris Rock) es el cabeza de la familia afroamericana y Donatello Fadda (Tommaso Ragno), el de la Cosa Nostra. ESTRENO: 27 SEPTIEMBRE EN MOVISTAR+

‘THE WALKING DEAD: WORLD BEYOND’

Julia Ormond es Elizabeth.

Mujeres a la caza. 10 años después del inicio del apocalipsis zombie con The Walking Dead llega otra variación adaptada a la nueva realidad de las ficciones: protagonistas femeninas. Las hermanas Iris y Hope (Aliyah Royale y Alexa Mansour) son las nuevas heroínas y Elizabeth (Julia Ormond) la líder a batir, y comer, por las hordas de no muertos.

ESTRENO: 5 OCTUBRE EN AMC.

‘ELEGIDOS PARA LA GLORIA’

Los futuros astronautas de la NASA.

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Regreso al espacio. Producida para National Geographic por Leonardo DiCaprio y Warner Bros. Television, la nueva serie de Disney vuelve a narrar la historia de los Siete del programa Mercury, los primeros astronautas entrenados por la NASA. Adapta de nuevo el libro de Tom Wolfe ya llevado al cine en 1983 por Philip Kaufman. ESTRENO: 9 OCTUBRE EN DISNEY+.

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Marc Warren, como Van der Valk.

‘VAN DER VALK’ En la ciudad de los canales. Marc Warren es el astuto, sociable y, a veces, encantador comisario holandés Piet Van der Valk en la nueva adaptación de una serie de 1975-1992 basada en las novelas de Nicolas Freeling y que Barry Foster (Frenesí) ya llevó a la pequeña pantalla en una producción británica de los años 70.

ESTRENO: 13 OCTUBRE EN COSMO

Los habitantes de Oz celebraron por todo lo alto que la pequeña Dorothy les librara de las malas hadas: Ding, dong, la bruja ha muerto. Cien años después, Wicked adaptó la obra de L. Frank Baum a la sensibilidad del nuevo milenio. El tema de apertura del célebre musical, Nadie llora a los malvados, declaraba que toda arpía tiene una razón de ser; que la gente no es mala, se hace. Éste es el credo de Ryan Murphy, la convicción rusoniana de que habría menos sociópatas si la gente no fuera tan cabrona en el instituto. Cada villano merece ser protagonista de su propio pastiche de época, en glorioso tecnicolor, a ser posible. Si alguna vez hubo una bicha retorcida en el cine (con permiso de la Ellen Berent de Gene Tierney) ésa fue la enfermera de Alguien voló sobre el nido del cuco, Ratched (Netflix). La precuela desarrollada por Murphy (y creada por Evan Romansky) abraza, para variar, el regodeo perverso. Ratched no tiene argumento: es un penny dreadful de categorías porno orquestadas, sin pies ni cabeza. Murphy deja a Mildred Ratched (personaje por el que Louis Fletcher ganó su Oscar) en brazos de Sarah Paulson y en su escala de valores, no hay mayor acto de amor. La hija de puta tendrá lo que merece. Antes de festejar el deceso de la bruja, ésta es su historia. Sarah Paulson es Mildred Ratched.

■ MULTIPANTALLAS # EN CINCO RESPUESTAS

JEFF DANIELS

CÓDIGO DE HONOR Diez años después del discurso con el que Will McAvoy abría The Newsroom –¿Recuerdan ese América ya no es el mejor país del mundo?–, Jeff Daniels (Athens, Georgia, 1955) protagoniza The Comey Rule, proyecto escrito y dirigido por Billy Ray (Richard Jewell) que narra el choque entre Donald Trump, un sorprendente Brendan Gleeson, y el ex jefe del FBI James Comey, el hombre que reabrió el caso de los mails de Hilary Clinton antes de las elecciones de 2016 e investigó la interferencia rusa en los comicios. 1. Dos maratones. El 3 de noviembre de 2019 interpreté por última vez a Atticus Finch en el montaje de Matar a un ruiseñor en Broadway. Actué en ella un año entero, ocho funciones a la semana, no me perdí ni una. Nueve días después, estaba ya trabajando en The Comey Rule. Es como si al terminar una maratón te dieran un vaso de agua y te dijeran Y ahora, otra. Pero sentía que era importante y necesario hacerlo. 2. Riesgo y fracaso. En mi carrera distingo dos fases. Una, en la que escogía lo mejor para mantener a mi familia y en la que, a veces,

me salían grandes papeles como La rosa púrpura del Cairo, Algo salvaje o Dos tontos muy tontos. Y la otra, después de Newsroom, cuando actuar volvió a ser interesante. Esa serie me dio 10 años más de carrera y me hizo querer tomar riesgos otra vez, no temer el fracaso. 3. Alégrame el día. Con Brendan Gleeson no hay drama, ni ego, solo trabajo. Me recuerda a Clint Eastwood en que siempre está a punto y clava su escena en la primera toma. Brendan es capaz de sacar a la luz el alma de Trump, si es que tiene una. 4. Un rol de impacto. Como actor, no siempre tienes la oportunidad de interpretar papeles que importen, que puedan influir o cambiar a los espectadores. Aquí se daban todas. Espero que la serie ayude a comprender qué pasó en las elecciones de 2016 y a pensar mejor en las de 2020. 5. Fake news. No sé si The Comey Rule puede influir de alguna manera en quién ocupará la Casa Blanca los próximos cuatro años, pero sí puede informar. Creo que somos más listos de lo que éramos hace cuatro años. THE COMEY RULE SE ESTRENA EL 20 DE OCTUBRE EN MOVISTAR SERIES

Foto: Getty Images.

Fiel a un compromiso que lleva más allá de la actuación, estrena ‘The Comey Rule’, una miniserie de dos episodios basada en las memorias del ex jefe del FBI James Comey. Lealtades mal entendidas, traición y escándalos que llegan a tiempo para las inminentes elecciones USA. Por R. S.

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■ MULTIPANTALLAS # INÉDITOS VOD # ESTRENOS

QUE NO PARE LA MÚSICA A primera vista, el pop y las enfermedades terminales parecen no encajar, pero la musical ‘Clouds’, de Justin Baldoni (‘A dos metros de ti’), intenta demostrar lo contrario. Dos documentales, ‘ABBA forever’ y ‘You don’t Nomi’, y una cinta de dibus, ‘Más allá de la luna’, le secundan en la encomiable tarea de empezar el otoño tarareando. Por Ó. C..

Fin Argus interpreta a la joven estrella Zach Sobiech.

‘CLOUDS’

Música y lágrimas. El año pasado, A dos metros de ti, la trágica pero vitalista historia de amor entre dos jóvenes con fibrosis quística, recaudó casi 100 millones de dólares en todo el mundo. Había costado siete. En 2020, el mismo director y productor, Justin Baldoni, repite fórmula con otro producto muy semejante, esta vez adaptando una historia real en la que Laura Sobiech explica

la vida de su hijo Zach. El actor y músico Fin Argus es el encargado de interpretar a este estudiante de instituto, divertido y con un gran talento musical, que está acostumbrado a vivir con osteosarcoma, un cáncer de huesos poco común. Al comienzo de su último año, sus canciones tienen cada vez más visitas en las redes sociales y empieza a pensar en el estrellato. Sin embargo, cuando recibe la noticia de que la enfermedad se ha extendido, él y su mejor amiga, Sam-

Peter Sarsgaard y Joey King, protagonistas de ‘The Lie’.

my –interpretada por la también cantante Sabrina Carpenter–, deciden pasar el tiempo que le queda a Zach persiguiendo sus sueños, aunque sea abandonando el tratamiento. Con la ayuda del mentor del joven, el Sr. Weaver (Lil Rel Howery), la pareja tendrá la oportunidad de su vida. Atención a la presencia de Tom Everett Scott (The Wonders) y Neve Campbell (Scream) como los sufridos padres de Zach. ESTRENO: 16 OCTUBRE EN DISNEY+

BIENVENIDOS A BLUMHOUSE

Pacto sangriento. El anuncio de la colaboración entre la productora Blumhouse (responsable de títulos como Déjame salir, Múltiple, La caza o las sagas The Purge e Insidious, entre otras) y la plataforma Amazon se hace realidad este mes con la forma de cuatro films con un denominador común: las casas como escenarios. Black Box, dirigida por Emmanuel Osei-Kuffour y The Lie, de Veena Sud se estrenan el 6 de octubre; y Evil Eye, de Elan y Rajeev Dassani y Nocturne, de Zu Quirke, el 13 de este mes. En los próximos meses están previstas otras cuatro producciones de gritos y sustos de las que todavía no se sabe nada. ESTRENO: 6 Y 13 OCTUBRE EN AMAZON PRIME VIDEO

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‘ABBA FOREVER’

Los chicos de oro. Vendedor de 400 millones de discos, el grupo ABBA –siglas de los nombres de sus cuatro componentes– empezó a grabar hace 50 años, hace 40 dieron el último concierto y hace 20 saltaron de las pistas de baile a los teatros y los sets de rodaje gracias al éxito del musical y las dos entregas en cine de Mamma Mia!. Este documental del especialista Chris Hunt incluye grabaciones nunca emitidas, testimonios de otros músicos y de, claro, Agnetta, Benny, Björn y Anni-Frid . El grupo sueco ABBA.

Chang y su conejito Brincos.

MÁS ALLÁ DE LA LUNA

Grandísimos momentos musicales. Ocho años después de dejar Disney, el histórico animador Glen Keane, el lápiz que estaba detrás de Pocahontas, Rapunzel o Aladdin, convierte en fantasía animada la historia de Chang, una niña china que hace realidad su gran sueño: viajar a la Luna. Christopher Curtis, Marjorie Duffield y Helen Park firman las canciones.

ESTRENO: 16 OCTUBRE EN MOVISTAR+

ESTRENO: 23 OCTUBRE EN NETFLIX

‘MICKEY

AND THE BEAR’ Padre no hay más que uno. A veces no es el hijo el que tiene problemas con las drogas y la ley en las películas (o en la realidad). A veces ocurre, como en este drama indie dirigido y escrito por la debutante Annabelle Attanasio, que la adolescente Mickey (Camila Morrone) es la que se tiene que encargar de un padre viudo más que problemático, interpretado por James Badge Dale, a quien acabamos de ver como detective Abruzzo en la serie Hightown de Starzplay. Una lejana universidad puede ser la única salvación para Mickey. Camila Morrone es Mickey.

‘YOU DON’T NOMI’

Fracasos de culto. Puede ocurrir que lo que se plantea como una gran película acaba resultando un desastre tan grande que, lejos de caer en el olvido, va ganando admiradores año a año. Eso es lo que le pasó a Showgirls, la producción con la que se estrelló Paul Verhoeven en 1995, ganadora de siete Razzies, y que ahora vuelve a la actualidad, que tan súbitamente abandonó, en su 15 aniversario. Dirige el documental, que no incluye ninguna entrevista con director ni actores del film, el editor Jeffrey McHale, muy fan, por supuesto, del ¿bodrio? ESTRENO: 25 SEPTIEMBRE EN FILMIN

ESTRENO: 20 OCTUBRE EN MOVISTAR+

April Kidwell interpretó a la protagonista Nomi en un musical en el off-Broadway

Y ADEMÁS… 25 SEPTIEMBRE ‘Angelo’. Dir.: Markus Schleinzer. DRAMA. FILMIN 30 SEPTIEMBRE ‘Los chicos de la banda’. Dir.: Joe Mantello. COMEDIA. NETFLIX 7 OCTUBRE ‘El Halloween de Hubie’. Dir.: Steven Brill. COMEDIA. NETFLIX 9 OCTUBRE ‘Rapera a los 40’. Dir.: Radha Blank. COMEDIA. NETFLIX 12 OCTUBRE ‘Infamous (Southland)’. Dir.: Joshua Caldwell. DRAMA. MOVISTAR+. 13 OCTUBRE ‘Two Heads Creek’. Dir.: Jesse O’Brien. DRAMA. MOVISTAR+ 23 OCTUBRE ‘Érase una vez un muñeco de nieve’ (Cortometraje). Dir.: Trent Correy. ANIMACIÓN. DISNEY+ 28 OCTUBRE ‘5 es el número perfecto’. Dir.: Igor Tuveri. DRAMA. MOVISTAR+ SIN FECHA ‘Nadie duerme en el bosque esta noche’. Dir.: Bartosz M. Kowalski. TERROR. NETFLIX. ‘Holidate’. Dir.: John Whitesell. COMEDIA. NETFLIX ‘A Babysitter’s Guide to Monster Hunting’. Dir.: Rachel Talalay. COMEDIA. NETFLIX. ‘Hillary’. Dir.: Nanette Burstein. DOCUMENTAL. MOVISTAR+. ‘¿Está loco Donald Trump’. Dir.: Dan Partland. DOCUMENTAL. MOVISTAR+ ‘Steve Bannon. El ideólogo de Trump’. Dir.: Alison Klayman. MOVISTAR+

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■ MULTIPANTALLAS # DVD + BD

DVD

Ewan McGregor interpreta a Danny Torrance adulto, que lucha contra su trauma infantil.

REGRESO (EXTENDIDO) A OVERLOOK

‘Doctor Sueño’. Lanzamiento en ultra alta definición de esta secuela de ‘El resplandor’ que incorpora tres discos: el análisis del director y guionista Mike Flanagan; del autor, Stephen King, y la versión original de 3 horas. Por Sonia Guijarro. Brillo letal. El niño de El resplandor (Stanley Kubrick, 1980), Danny Torrance, vástago del legendario personaje que hace 40 años interpretó Nicholson, ha crecido. Y se empeña en terminar con ese resplandor que lo ha torturado desde su infancia. Los fantasmas del hotel Overlook parecen estar bajo control, hasta que dejan de estarlo. Y Torrance (Ewan McGregor) ve interrumpida su paz interior cuando conoce a la joven Abra (Kyliegh Curran), que como él tiene la capacidad de ‘brillar’, y a la malvada Rose the Hat (Rebecca Ferguson), 104

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que le hará la vida terroríficamente imposible. Triplete. Gracias a este nuevo lanzamiento de Warner Bros., aterriza en formato digital y en Blu-ray la versión extendida del director, que nos da la oportunidad de descubrir un montaje de tres horas que expande las ya largas dos horas y media de la cinta, para algunos de hermanamiento entre Kubrick y King. La edición UHD consta de tres discos: el primero la ofrece en alta definición, e incluye otros dos discos Blu-ray con contenido adicional, más la espePeu de foto dellate volores.

rada novedad: la versión en inglés con subtítulos de 180 minutos (30 más que los que pudieron verse en cines). En cuanto a los extras de esta joya para coleccionistas, incluyen el reportaje De Resplandor a Sue–o, en el que el autor de la novela en la que se basan ambas cintas, acompañado por Flanagan, analiza las claves del relato original, así como la película primigenia y las diferentes versiones que ha tenido la secuela. Completa el material adicional inédito un documental con el making of y las aportaciones de la cinta de Flanagan, así como los apuntes con los que el nuevo equipo se planteó, de la mano del escritor, el regreso a los pasillos desiertos y enmoquetados del lujoso y desierto Hotel Overlook. LANZAMIENTO: 7 OCTUBRE

Debutante Álex Con más de una hora de contenido extra que desvela los secretos que nunca vimos tras la cámara, la ópera prima de Álex de la Iglesia ‘Acción mutante’ se edita por primera vez en Blu-ray.

‘Pirañas, los niños de la camorra’

DIR.: CLAUDIO GIOVANESSI. INT.: FRANCESCO DI NAPOLI, MATTIA PIARNO DEL BALZO, VIVIANA APREA (TRIPICTURES) . DRAMA.

Ascenso y caída. Crónica hiperrealista del macabro juego de iniciación en el crimen napolitano de capos-niños, basada en un libro escrito por el periodista Roberto Saviano (autor del libreto de la cinta): los niños pueden ser más crueles que los adultos porque no temen a la muerte y su único proyecto es obtener lo que quieren. Con el tráiler como único extra, este drama de Claudio Giovanessi se edita en DVD. LANZAMIENTO: 23 OCTUBRE

‘Fahim’’

Secretos. De estética ciberpunk con sorprendentes movimientos de cámara, la primera sátira película que Álex de la Iglesia dirigió en 1993 (y que produjeron los hermanos Agustín y Pedro Almodóvar) ve ahora la luz con una reedición especial inédita en bluray en la que se incluyen 67 minutos de contenido adicional. En los extras de esta edición especial destaca una completa selección de imágenes del rodaje, comentadas por los protagonistas, así como el story board con ilustraciones inéditas presentadas de forma secuencial y que sirve de guía para comprender la estructura del film. Además, se incluye un vídeo musical protagonizado por el grupo vigués Def Con Dos, a cargo de la 2 banda sonora, y un recorrido por el making of, que finaliza con el tráiler. Premonitoria. Antonio Resines, Álex Angulo, Karra Elejalde y Frédérique Feder protagonizaron este rompedor film no recomendado para menores de 18 años que, hace 27, ambientaba su frenética acción en un Bilbao futurista (¡el año 2012!) en el que una banda antisistema denominada

Antonio Resines y Frédérique Feder.

Acción Mutante, compuesta por un grupo de tullidos físicos, estaba dispuesta a acabar con una sociedad de pijos dominantes que les había marginado. Su debutante director se convertiría en uno de nuestros cineastas más singulares y potentes. LANZAMIENTO: 7 OCTUBRE

‘La nueva vida de Britt-Marie’

DIR.: PIERRE-FRANÇOIS MARTIN-LAVAL INT.: GÉRARD DEPARDIEU, AHMED ASSAD, ISABELLE NANTY, PIERRE GOMMÉ. (TRIPICTURES) DRAMA.

DIR.: TUVA NOVOTNY. INT.: PERNILLA AUGUST, PETER HABER, ANDERS MOSSLING, VERA VITALI. (A CONTRACORRIENTE). COMEDIA DRAMÁTICA.

Jaque a la pobreza. Film basado en el libro El rey de Bengala escrito en primera persona por Xavier Parmentier, entrenador de ajedrez que descubrió a un niño de 12 años en un centro de acogida (leit motiv del libro). La cinta bucea en las condiciones de vida de los refugiados y nos presenta a un joven protagonista de Bangladesh que malvive en París y cuya única salida del infierno pasa por intentar ganar el campeonato nacional de ajedrez.

Nueva oportunidad. Con el tráiler y las fichas artística y técnica completas, se edita el DVD de esta adaptación de una novela del autor del best-seller Un hombre llamado Ove (Fredrick Backman). Dirigido por la actriz y realizadora Tuva Novotny, presenta una luminosa lección de vida a partir de los 60, cuando Britt-Marie decide separarse de su marido y reiniciar sus sueños en el punto en que los dejó, haciendo suyo que ‘nunca es tarde...’.

LANZAMIENTO: 23 OCTUBRE

Pernilla August es Britt-Marie.

LANZAMIENTO: 13 OCTUBRE

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■ MULTIPANTALLAS # DVD + BD

‘Divino amor’

‘Éter’

‘Déjame entrar’

DIR.: GABRIEL MASCARO. INT.: DIRA PAES, JULIO MACHADO, EMILIO DE MELO, TECA PEREIRA. (FESTIVAL FILMS) DRAMA.

DIR.: KRZYSZTOF ZANUSSI. INT.: JACEK PONIEDZIALEK, ANDRZEJ CHYRA, ZSOLT LASZLO. (BOSCO FILMS) DRAMA HISTÓRICO.

DIR.: TOMAS ALFREDSON. INT.: KÂRE HEDEBRANT, LINA LEANDERSSON, PER RAGNAR, HENRIK DAHL. (KARMA) TERROR.

Alegoría. Se edita en formato home

Por la gracia de Dios. Thriller históri-

Vampirismo. La vida de Oskar (Kâre

esta irreverente distopía brasileña de estética new age, a ritmo de techno, que sitúa la acción en el año 2027. En ese futuro inmediato, la religión más extendida es la denominada Divino amor, que predica las raves, los intercambios de pareja y las consultas espirituales. En este entorno, Joana (Dira Paes) ve frustradas sus ansias de ser madre, al tiempo que desde su puesto funcionarial como consejera espiritual hace lo posible e imposible porque ninguna de las parejas que llegan hasta ella tomen la decisión de separarse. Ficha técnica y artística como extras.

co del laureado y veterano cineasta católico polaco Krzysztof Zanussi, discípulo confeso del ascetismo bressoniano. La trama la protagoniza un médico que trabaja en algún lugar del Imperio ruso que juega a potenciar los instintos más salvajes del ser humano. Por error, este doctor de inspiración faustiana administra una dosis letal de éter a una joven mujer a finales del siglo XIX, y consigue esquivar la condena a muerte. Ya en Siberia, continúa experimentando con la sustancia que da título al film con el fin de controlar el dolor, y también para manipular las conductas humanas.

Hedebrant), un niño solitario e introvertido, víctima de acoso escolar, cambia radicalmente cuando conoce a Eli (Lina Leandersson), su nueva vecina, con cuya llegada se suceden extraños y macabros acontecimientos en la ciudad. Esta joya sueca, con la que se dio a conocer internacionalmente Tomas Alfredson (El topo) y que tuvo dos años después un remake hollywoodiense a cargo de Matt Reeves, está basada en una obra de John Ajvide Lindqvist (autor también del relato del que partió Border). Acoso escolar, asesinatos en serie, vampiros y la incondicionalidad del amor adolescente en un paraje gélido pero lleno de luz.

LANZAMIENTO: 13 OCTUBRE

LANZAMIENTO: OCTUBRE

‘Personal Assistant’

‘The Silencing’

‘Los visitantes de la noche’

Comedia musical. Una selección de

Lo nunca visto. Sin paso previo por las

Realismo poético. Estreno directo

escenas eliminadas, finales alternativos y tomas extendidas, además del reportaje El dream-team, dentro de Personal Assistant, un documental sobre la historia de Grace David y el vídeo musical original Like I do conforman la edición home de esta cinta con Tracee Ellis Ross y Dakota Johnson.

salas de cine, se edita este DVD protagonizado por el danés Nikolaj CosterWaldau (Jamie Lanniester en Juego de Tronos) en proceso autodestructivo tras el secuestro de su hija. La versión home de este thriller de Universal incluye el making of e imágenes inéditas en el set de rodaje.

en España en DVD y Blu-ray de esta alegoría de la Resistencia ambientada en el medioevo y dirigida por Marcel Carné en los años de la ocupación nazi. Durante 60 minutos extra, el documental El cine fantástico francés, a cargo del historiador Alain Petit, recorre lo más destacado del género galo.

LANZAMIENTO: 21 OCTUBRE

LANZAMIENTO: 13 OCTUBRE

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■ MULTIPANTALLAS # DVD + BD NEWS El protagonista de todas las entregas de la saga Viernes 13, Jason Voorhees.

Por Jesús Palacios. m

La cripta embrujada PHILIP MARLOWE EN LOS 70

JASON VUELVE A CASA POR HALLOWEEN Paramount presenta la colección metálica definitiva, en edición limitada, compuesta por ocho películas, con las historias más exitosamente terroríficas del cine desde 1980 hasta 2009. Protagonizada por uno de los personajes más aterradores desde Crystal Lake hasta las calles de Manhattan, el psicópata Jason Voorhees, contiene el remake de Viernes 13, que añade los reportajes El renacimiento de Jason; Voorhees hachazos antes, cuchilladas después, y Escenas Alternativas. Viernes 13 (Parte II), que recuerda lo que sucedió en Crystal Lake, así como Historias perdidas del campamento sangriento y el tráiler de cine que se proyectó en su día. La Parte III, además de la cinta, añade el documental Terror en 3D. La cuarta versión, de 1984, así como la quinta, sexta, séptima y octava posteriores solo incorporan el tráiler de cine pero reproducen las historias más espeluznantes del asesino de la máscara de hockey, que regresa en pack apenas unos días antes de Halloween.

CLÁSICOS, DE DOS EN DOS Los grandes clásicos Disney en dibujos animados entran en casa en una nueva edición con numerosos extras y en packs dúo. Las dos entregas de Peter Pan incorporan las canciones más emblemáticas, desde Aquella estrella de allá hasta Por donde tú vayas en versión karaoke, e introducción a los films de Roy Disney. Otras opciones con primera y segunda parte son El libro de la selva, La dama y el vagabundo, Mulán, y Pocahontas, todas ellas con making of, escenas eliminadas y comentarios de miembros de la familia Disney.

PURO BERLANGA El 22 de octubre, Divisa empaqueta lo más icónico de la filmografía del inimitable Luis García Berlanga con una edición inédita que celebra el centenario del nacimiento del cineasta, fallecido hace diez años. Aunque sin contenido adicional, la colección incluye (en BD o DVD) joyas imperecederas del cine español como Bienvenido Mr. Marshall (1953), Calabuch (1956), Los jueves, milagro (1957), Plácido (1961), El verdugo (1963), ¡Vivan los novios! (1970) y La vaquilla (1985).

Lo que más me gusta de los géneros es su impureza. Su esencia bastarda e iconoclasta. No hay nada que más deteste que el cinéfilo purista. El amante de lo auténtico. Por eso es motivo de alborozo que Divisa edite en Blu-ray Adiós, muñeca (1975) y Detective privado (1978), las dos recreaciones de Philip Marlowe encarnadas por un talludo Robert Mitchum, desafiando las leyes no escritas de la cinefilia y el buen gusto. Mitchum, veterano del film noir, tenía ya casi 60 años, pero con su mundano cinismo crepuscular borraba la imagen de Powell y Bogart, convirtiéndose en un Marlowe añejo pero perfecto. Los años 70 permitían plasmar en pantalla el mundo oscuro, sórdido y triste de Chandler, con todo el sexo, el pesimismo y la violencia que se merecía (y un poco más). La primera, dirigida por Dick Richards, es un ejemplo de oscura nostalgia camp, neo-noir en toda regla, con un plantel de secundarios (Anthony Zerbe, Jack O´Halloran, Joe Spinell, Sylvester Stallone y la monumental Kate Murtagh) digno de Dick Tracy. La segunda, del descarado Michael Winner, devolvía Chandler a su odiada Inglaterra natal, poniendo al detective en pleno Londres setentero, convirtiendo el hardboiled en murder mystery, con actores brit (Edward Fox, Oliver Reed, Harry Andrews, John Justin...), y toques rijosos y nihilistas más propios de un psychothriller o un giallo que de un noir. Un programa doble icónico e iconoclasta, a mayor gloria del mejor cine de género degenerado. FOTOGRAMAS.ES · OC TU BR E 2 020

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VIDEOJUEGOS

Por Adonías.

O EL JUEMG ES DEL

FALL GUYS: ULTIMATE KNOCKOUT De Mediatonic para PlayStation 4 y PC. 19,99 €

Sorprende que un medio tradicionalmente tan vinculado a la violencia no siempre justificada y comercialmente estructurado en base al desarrollo AAA como es el videojuego, encuentre liberación lúdica con Fall Guys, pequeño David de musculado cuerpo indie que, a gomosas pedradas multicolor de bullanguera luminosidad jugable, hace tambalearse al consuetudinario Goliat de la industria. Una competición tarada, tan Battle Royale como Party Game: sesenta paticortos avatares triscando hacia la meta en un microverso de piruleta inspirado en los desafíos chalados del programa televisivo Humor Amarillo.

BATTLETOADS

FAIRY TAIL

De Dlala Studios y Rare para Xbox One y PC. 19,99 €

De Gust Studios para Nintendo Switch, PS4 y PC. 69,99 €

Redibujando como producción animada Adult Swim los gloriosos sprites de su concepción primigenia e ironizando sobre estos 26 años de ausencia Battletoads, los originalmente diseñados como versión übermacarra de las Tortugas Ninja Rash, Pimple y Zitz regresan con una frenopática aventura multigénero que aunará tortazos callejeros, matamarcianos o plataformas y destrozará cabezas, la cuarta pared y prejuicios contra sistemas de juego en competencia.

Gozando Fairy Tail, el videojuego (importante especificarlo) protagonizado por los magos más famosos del anime reciente, desarrollado por Gust Studios -creadores de la fascinante saga de rolazos Atelier- que adapta la obra magna del prestidigitador manga Hiro Mashima, se percibe hechizante retroalimentacion transmedia; más aún, cuando el encantador resultado final es un JRPG que combate por turnos sobre cuadrícula en ilusionante ejecución clásica.

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LABIOS DE GALA Un acabado de alta costura atrevido y poderoso para un rojo de labios de alfombra roja. Yves Saint Laurent, el favorito de grandes estrellas del cine, nos invita a la première de su nuevo Tatouage Couture Velvet Cream.

EL AROMA DEL CACAO

EXPERIENCIA PREMIUM

¿Y si descubrimos que la pasión que produce el chocolate no solo se manifiesta a través del gusto sino también del olfato? La prestigiosa firma gallega especializada en aromas para el hogar, Pereira 1903, ha dado en la diana del buen gourmet olfativo con su adictivo home-spray de chocolate, naranja y vainilla.

En tiempos en los que se impone disfrutar de los pequeños placeres llega la versión Caribbean Smooth Dewar’s del whisky más premiado del mundo, doblemente envejecido y acabado en barricas de ron. Matices exclusivos de Escocia y el Caribe, que mezclan en boca culturas y sensaciones de un gran reserva.

50 ESFERAS DE LANGE La decisión que tomó Ferdinand Adolph Lange en 1845 de fundar su fábrica de relojes en una pequeña localidad del distrito alemán de Erzgebirge marcó la hora del nacimiento de la relojería de precisión sajona. Para conmemorarlo, la casa A. Lange & Söhne lanza una edición exclusiva limitada a 50 unidades. 108

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SENTIDO Y SOSTENIBILIDAD Fabricadas a partir de cinco botellas de plástico procedentes de los océanos, y después de un proceso eco-responsable de reciclado, Alain Afflelou sorprende por su compromiso con el medioambiente. Las gafas H2O by Afflelou ya están disponibles en sus tiendas.

ESCUCHAR

Por Conrado Xalabarder.

EL MAGNÍFICO IVÁN Disney. 56.’ ★★★★★

Craig Armstrong es un compositor completamente infravalorado por la industria y poco reconocido entre los aficionados pese a ser un músico de primera con estupendas bandas sonoras en una filmografía que abarca una cincuentena de títulos. La que aquí firma es su primera incursión en el cine de animación y lo ha hecho a lo grande, con una potente banda sonora sinfónica con magnífico tema principal del que saca máximo provecho y que es un enfático y hermoso tributo a la amistad y la camaradería a través de un personaje (el gorila) a quien la música enno-

LA DESGRACIA DE RON HOPPER blece. Lo complementa con otros temas en similar línea para la acción y para lo sentimental, y la música en su conjunto es refinada y elegante. Se sitúa muy por encima de lo que se hace en el cine contemporáneo. Le falta algo de solidez en su estructura temática, algo dispersa, pero la calidad del tema principal y los centrales lo palía. Es música de verdad, de la que tanto ha beneficiado al cine y de la que se espera siga engalanándolo por mucho tiempo.

MovieScore Media. 57’. ★★★★★

Este pequeño film canario plantea un viaje que comienza con una pregunta y lleva hacia su respuesta, y en este trayecto que va del dolor hacia la redención la música de Iván Palomares forma parte esencial del relato, de sus emociones, colores y también de sus explicaciones. Hay una gran profusión musical, sólidamente estructurada con el eje vertebrador de un hermoso tema principal que une a la pareja protagonista en su camino hacia el amor, la aceptación y salvación.

MALPASO

TENET

Quartet Records . 47’. ★★★★

WaterTower Music. 78’. ★★

Ganadora de la Biznaga de Plata a la mejor música en el pasado Festival de Málaga es poco probable que este film dominicano llegue a estrenarse en España, y será una pena por no poder comprobarse la total dimensión emocional de la música de Pascal Gaigne, cuya creación se aplica en los ámbitos de la intolerancia y en el del amor fraternal. El primero con temas que generan turbación y el segundo con un poderoso y hermoso tema principal con guitarra que aporta luz en un entorno de sombras.

Es la película del año pero no la banda sonora de 2020. Aunque la creación de Ludwig Göransson ha generado cierta división de opiniones, parece que la mayoritaria no está a su favor. Tampoco la nuestra, pues apreciando el mucho valor que tiene para potenciar los efectos sonoros (absolutos protagonistas) se podría esperar algo más de ella, alguna implicación dramática o con el argumento, pero nada de eso hay. Solo es música para generar impactos. Nada que ver con el Nolan /Hans Zimmer.

LEER

Por C.X.

JOHN WILLIAMS. VIDA Y OBRA Benedice

240 págs. 22 € ★★★★★

La concesión del premio Princesa de Asturias a John Williams y a Morricone, ha sido una buena y muy oportuna razón para lanzar una segunda edición de este libro fundamental publicado en 2013. Tiene correcciones, algunos textos añadidos y nuevas fotografías, pero lamentablemente no está actualizado y por tanto no incluye lo hecho por el legendario compositor desde entonces. Una lástima, pero seguro que habrá más adelante ocasión de completarlo porque este intenso estudio de Andrés Valverde aporta, y

SERIES EN SERIO

¡ESTÁ VIVO!

La relevancia y el impacto que generan las series televisivas son objeto de un detallado estudio reflexivo en este libro de Isidro Catela y José Angel Agejas donde se abordan asuntos como la familia, la vida, la ética o la posición frente al bien y el mal. Todo ello con la lupa puesta en series como Juego de Tronos, The Walking Dead, Breaking Bad o tantas otras que, según explican, llevan mucho de nosotros mismos.

Octavio López Sanjuan dedica su nuevo libro a despiezar la mítica saga de terror de Larry Cohen: ¡Estoy vivo! (1973), Sigue vivo (1978) y La isla de los vivos (1986), cuyas dos primeras entregas tuvieron música nada menos que de Bernard Herrmann. Un libro profuso en información, detalles y anécdotas, explicaciones amenas y rigurosas, con una entrevista al director y textos de expertos.

Digital Reasons 166 págs. 13 € ★★★★★

mucho, al conocimiento sobre Williams, tanto el mundialmente popular como el que no lo es tanto, también exquisito. Este libro roza lo sobresaliente en lo biográfico y lo musical, expuesto de modo ameno. Lo es algo menos en la aplicación dramática y narrativa de su música y el cine hecho con ella. Pero aún así son muchas sus virtudes, casi tantas como las razones para celebrar su reedición.

Applehead 422 págs. 25 € ★★★★★

IAN FLEMING Y JAMES BOND: CONEXIÓN ESPAÑA Uno editorial 208 págs. 19 € ★★★★

Sencillo pero apasionado libro escrito por cuatro autores, devotos del mundo que rodea al agente con licencia para matar y que lo dedican a detallar las vinculaciones de Bond y también de su padre, Ian Fleming, con el mundo hispano: ediciones literarias y cómics en español, los films que se rodaron aquí, los libros y webs e incluso entrevistas a algunos fans acérrimos.

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REWIND & FAST-FORWARD

Miguel Delibes, entre Ana Mariscal y José Antonio Mejías (Daniel el Mochuelo), en el rodaje de El camino (1963).

Por los caminos del escritor Centenario. Miguel Delibes (1920-2010) nos mira con cierta cara de extrañeza desde esta instantánea capturada en un alto del rodaje de la que fue su primera adaptación al cine, El camino (1963), a cargo de la pionera Ana Mariscal. El autor vallisoletano quizá ignoraba entonces que su obra iba a ser absolutamente golosa para el cine, aunque con desiguales resultados: El Camino, Retrato de familia (la versión para el cine de Mi idolatrado hijo Sisí), La guerra de papá (de El príncipe destronado), Los santos inocentes, El disputado voto del señor Cayo, El tesoro, La sombra del ciprés es alargada, Las ratas, Una pareja perfecta (de Diario de un jubilado). Por no mencionar sus adaptaciones para la televisión (El camino fue también una de ellas). Buena ocasión para recordarlo este mes de octubre, en pleno centenario de su nacimiento.◆

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