FOTOGRAMAS by David EB

AÑO 74 · Nº 2125 NOVIEMBRE 2020 fotogramas.es

LA PRIMERA REVISTA DE CINE P ROTAG O N I STAS

PEDRO ALMODÓVAR

UN CORTO QUE SABE A GLORIA

CESC GAY

LOS VECINOS DE ARRIBA

ISABEL COIXET PASIÓN EN BENIDORM

SOPHIA LOREN VUELVE EL MITO E XC L U S I VA

DAVID FINCHER

NOS CUENTA TODO SOBRE ‘MANK’, SU REGRESO AL CINE M U LTI PA N TA L L AS

‘ANA TRAMEL. EL JUEGO’

MARIBEL VERDÚ, CONTRA EL CRIMEN

‘THE UNDOING’

NICOLE KIDMAN & HUGH GRANT, VICIOS SECRETOS

413042 882602

02125

3€ (Canarias 3,15 €, Andorra 3 €)

‘EL VERANO QUE VIVIMOS’

BLANCA SUÁREZ El amor prohibido de Javier Rey

LA FIRMA INVITADA

MÁS ALLÁ DE LAS SALAS: DIVERSIDAD La derogación del histórico decreto antimonopolio que impedía a los estudios ser exhibidores abre demasiadas incógnitas. ¿Estamos ante un nuevo cambio de modelo? Por Carlota Caso Sarabia*.

uién nos iba a decir que en este 2020 y en plena pandemia, nuestras salas de cine tendrían problemas para conseguir títulos debido a los retrasos de fechas de estreno de las grandes producciones de Hollywood por parte de las majors. Sin tiempo para morir, además de Viuda Negra, Dune o tantos otros más se han visto de nuevo aplazadas. Y por si eso fuera poco, una gran cantidad de títulos van a esquivar directamente las salas para verse en servicios VOD. Uno de ellos, la última producción Pixar, Soul, que Disney ya ha anunciado que estrena en streaming, siguiendo, con matices, la senda que abrieron con Mulán en una nueva política de lanzamientos que puede determinar su producción futura. Pero el listado no termina aquí y parece que las majors buscan estrenar en contextos seguros. ¿O deberíamos decir tan rentables como antes? Porque, tal como apuntaba en un reciente reporte el analista Robert Fishman (de MoffettNathanson LLC), parece que estamos ante un punto de inflexión, donde se han acelerado ciertas cuestiones de carácter sistémico que ya estaban latentes en el negocio de la exhibición. Y no se equivoca: la sala ya estaba en llamas; la COVID-19 no ha hecho más que poner más leña al fuego. En España, cerramos el año 2019 con un acumulado de 624.100.000 €, de los cuales solo 94.115.228 € eran producciones españolas e independientes. Un contexto, este, en el que este tipo de cine intentaba visibilizarse entre una abrumadora competencia de gran dimensión con la que era difícil lidiar. Pero llegados a 2020 la cosa cambia. ¡Y mucho!, llegando a caer un 68 % la recaudación total respecto al año anterior.

LAS INDIES ESTRENAN Pero el cine independiente sí ha aprovechado de forma inteligente el vacío que han dejado las majors en el mercado y se ha atrevido a estrenar, viéndose, en la programación de las salas, una muestra de diversidad como hacía años que no se percibía. Pero ello no va a ser suficiente para asegurar la solvencia de las salas. Nuestras cadenas de exhibición 8

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(agrupadas en la Federación de Cines de España) estiman que el 96 % de las empresas del sector podría tener problemas de solvencia al finalizar el año. Y como noticia positiva, las grandes cadenas como Cinesa, Yelmo, Kinépolis, Ocine y Mk2, que representan en torno al 55 % del mercado, tienen mejor músculo financiero para aguantar (¿pero hasta cuándo?) y con altos niveles de endeudamiento, así como nuevos servicios como el alquiler de sus salas para eventos diversos. Un síntoma de que hay que buscar alternativas. Pese a que unas pocas lo consigan, debemos prever la posible saturación de estrenos de todos esos blockbusters aplazados que conllevará una gran lucha por parte de los títulos por conseguir la hegemonía en el TOP 10 semanal.

“PARECE QUE LAS MAJORS BUSCAN ESTRENAR EN CONTEXTOS SEGUROS. ¿O DEBERÍAMOS DECIR TAN RENTABLES COMO ANTES?”.

BACK TO THE 40’S

Y ahora sí, llegamos a la guinda del pastel: el pasado 7 de agosto se derogó el Decreto Paramount antimonopolio impuesto en 1948, que prohibía a los estudios ser propietarios de cadenas de cines y que supuso el fin del Hollywood clásico y del sistema vertical. ¿Estamos, pues, ante una crisis sistémica, tal como apuntaba Fishman? ¿Volverán las majors a quedarse con cadenas de cines, gracias a tal derogación? Desde luego, son muchas las hipótesis que se barajan sin tener tampoco clara la posición de las plataformas de streaming, a las que en numerosos casos se les ha preguntado si planean comprar circuitos de exhibición que rozan la quiebra. Lo que sí sabemos, por contra, es que nuestro cine independiente está hoy cubriendo nuestras salas, y que el futuro se visualiza más allá de ellas y con diversidad. Y la diversidad, a lo largo de la historia, siempre ha traído buenos aportes. Veremos, por el contrario, a dónde nos llevaría tropezar dos veces con la misma piedra. ◆ *Carlota Caso Sarabia es profesora de Film Business (ESCAC).

EL CINE COMO LA VIDA MISMA

UN SILENCIO A PRUEBA DE BOMBAS

a gran estrella del cine mudo Wallace Reid murió por una sobredosis de morfina. Cary Grant y Marlene Dietrich eran bisexuales. Clara Bow, ninfómana (al menos según el autor de Hollywood Babilonia, Kenneth Anger). Lana Turner tenía un amante mafioso, al que su hija asesinó con un cuchillo. Erich von Stroheim montaba orgías extremas. Y todas esas historias tienen algo en común: nadie se enteró de ellas. En los viejos tiempos, había que esperar a la muerte de las estrellas para que sus orientaciones, adicciones y hasta delitos se hiciesen públicos. Para no perjudicar su imagen, la industria guardaba su privacidad en un búnker. Los roqueros se enorgullecían de vivir intensamente y morir jóvenes. Las estrellas de cine, en cambio, proyectaban un silencio a prueba de bombas, invulnerable sobre todo a la realidad. Qué lejanos parecen esos tiempos cuando uno sigue a Brad Pitt. En los últimos años, ha trascendido que se pasaba el día bebiendo y fumando porros, que maltrataba a sus hijos, que su nueva novia es casada, pero tiene una relación abierta. Por no hablar de Kevin Spacey, que al ser acusado de acoso sexual, se defendió argumentando que era gay, quizá en un intento desesperado por considerarse parte de una minoría discriminada… O, sencillamente, tratando de distraer. En nuestro frenético siglo XXI, hemos sido detalladamente informados sobre las tácticas de depredación sexual de Harvey Weinstein, hemos descubierto las depresiones que condujeron al suicidio a Robin Williams, hemos visto en vídeo las peleas entre Jennifer Lopez y Marc Anthony, o la oración contra la COVID-19 de Madonna en la bañera.

Por Santiago Roncagliolo*.

margen del debate. Si no, que lo diga el Rey emérito, cuyos secretos de alcoba hoy tienen mucha alcoba y poco secreto. O los dos últimos expresidentes franceses, ambos emparejados con estrellas de la farándula (por cierto, el único ejemplo que consiguió seguir Albert Rivera). Hoy, como nunca, hemos saltado la valla: conocemos la intimidad de los políticos, los héroes y los famosos, muchas veces con su propia y entusiasta colaboración. Nuestro mundo sin vida privada es, sin duda, mucho más eficiente para vigilar los delitos que esas personas puedan cometer. Sin embargo, para todo lo que no constituya materia penal, resulta más feo. Un reciente estudio mostró que la mascarilla sanitaria hace a la gente más hermosa, porque “QUÉ LEJANOS PARECEN EN NUESTRO nuestra mente rellena a nuestro FRENÉTICO SIGLO XXI gusto los vacíos de información su aspecto. Pues lo mismo SIN VIDA PRIVADA, en ocurría con las estrellas del cine LOS TIEMPOS EN LOS de los viejos tiempos: el silencio QUE LA INDUSTRIA los protegía, extendiendo la GUARDABA LA ficción, dibujando sus vidas a PRIVACIDAD DE LAS medida de nuestros sueños. ESTRELLAS EN UN Hoy, es imposible olvidar que las estrellas son solo humanos, BÚNKER”. con tantos defectos como cualquier otro. Sabemos que tienen su propia personalidad, no la que queremos para ellos. Y ese debe de ser nuestro conocimiento más inútil. ◆

VIDAS A MEDIDA La fortaleza que protegía a las estrellas de cine no ha sido la única en caer. También han visto derrumbarse la suya los poderosos, cuyas vidas privadas solían mantenerse al 10

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*Santiago Roncagliolo, escritor peruano autor de célebres novelas como Pudor –llevada al cine por David y Tristán Ulloa en 2007–, Abril rojo o El material de los sueños (Arpa), que explora la relación entre realidad y ficción.

Foto: Getty Images.

Del manto de protección que tendía la industria sobre el star system para que las vidas de las estrellas respondieran a lo que el público que pagaba por verlas esperaba de ellas, y del (inútil) conocimiento que hoy tenemos de su intimidad habla este mes el autor.

Cr’ticas

LA PISTA DE LAS ESTRELLAS: ★★★★★ ★★★★★ ★★★★★ ★★★★★ ★★★★★

IMPRESCINDIBLE NO SE LA PIERDA NO LO LAMENTARÁ SE DEJA VER ALLÁ USTED

Luca Marinelli como Martin Eden, rol por el que se llevó la Copa Volpi al Mejor Actor en Venecia 2019.

Martin Eden

★★★★★

Martin Eden (Italia, Francia, Alemania, 2019, 129 min.). Dir.: Pietro Marcello. Int.: Luca Marinelli, Jessica Cressy, Vincenzo Nemolato, Marco Leonardi, Carmen Pommella. DRAMA.

esulta una tarea casi imposible expresar en unas líneas la grandeza de una obra tan monumental como Martin Eden. Son tantos los significados que tiene, tantas las capas expresivas a las que recurre, tanta la fuerza de sus personajes, que solo se puede decir que su director, Pietro Marcello, ha alcanzado la maestría sin perder un ápice de su identidad, componiendo una película inabarcable en la que se integra toda su personalidad creativa para transformar el relato histórico hegemónico en una odisea abstracta que se convierte en una profunda reflexión sobre el individuo y su lugar en un mundo repleto de continuas transformaciones que termina devorándolo por completo.

London en Nápoles. Parte Marte desde los primeros compaPARA ESPECTADORES ses, mezclando la narración cello de la novela homónima ÁVIDOS DE OBRAS MAESTRAS de Jack London para ubicar a convencional con los archivos CONTEMPORÁNEAS. su antihéroe en la ciudad de documentales que se incorpoLo mejor: el tándem ran en el continuo secuencial Nápoles y trazar a través de Marcello-Marinelli . su figura trágica un ambicioso y que alcanzan una dimensión Lo peor: que como ocurría con la novela, el fresco de todo el periodo conprofundamente simbólica y final siga generando vulso del Novecento desde un evocadora. En Martin Eden incomprensión. punto de vista tanto ideológico, parecen integrarse todas las filosófico como social que nos lleva por corrientes que nos llevan del cine mudo un viaje de transformación en el que late a las vanguardias, pasando por el Neorrealismo y la Nouvelle Vague, el legado el afán de conocimiento, el sentimiento de fracaso, la pérdida de la identidad y de Pasolini o Visconti, en un ejercicio de la rabia existencial. Así, acompañaremos profunda libertad que sirve de puente al marinero pobre e ingenuo que encarna entre lo popular y lo experimental, entre el volcánico Luca Marinelli en su travesía Debussy y la música electrónica, entre por alcanzar el sueño de ser escritor para Nietzsche y la cultura del narcisismo. merecer el amor de ese ideal de perfecMartin Eden es además una película ción que representa la burguesa Elena. que reivindica el cine como experiencia Por el camino encontrará la humillación estética, pero también como vehículo y la incomprensión, hasta que consiga humanista para hablar de temas tan conun reconocimiento tardío y agónico que temporáneos como el éxito y el fracaso, lo enfrentará a la certeza de haberse trailas revoluciones íntimas y colectivas, el cionado a sí mismo. idealismo y la decepción. Beatriz Martínez Entre el símbolo y el recuerdo. La propuesta Entrevista con Pietro Marcello en pág. 72 de Marcello es arrebatadora y absorbenESTRENO: 6 NOVIEMBRE FOTOGRAMAS.ES · NOVIE M BRE 2 02 0

CRÍTICAS

Sentimental ★★★★★

Sentimental (Esp., 2020, 82 min.). Dir.: Cesc Gay. Int.: Javier Cámara, Griselda Siciliani, Belén Cuesta, Alberto San Juan. COMEDIA DRAMÁTICA.

nte la abrumadora oferta de cine que apuesta por imágenes tan imponentes como huecas supone una autentica delicia toparse con una propuesta como Sentimental, una cinta que seduce con palabras. Por su planteamiento se aproxima a la traviesa Un dios salvaje (Roman Polanski, 2011), por la brillantez y retranca de sus diálogos a la colosal La huella (Joseph L. Mankiewicz, 1972) y por lo que trata, el sexo como elemento protagonista pero sin PARA ESPECTADORES escenas explícitas, QUE PREFIEREN a la gozosa Una REFLEXIONAR PERO CON UNA SONRISA. relación privada Lo mejor: la sucesión (Frédéric de sorpresas que Fonteyne, 1999). surgen en el encuentro. El film gira, con Lo peor: llega a ser tan divertida que se desea mucho humor, en que dure un poco más. torno a la comple-

jidad de las relaciones humanas; la curiosidad por nuestros semejantes; la necesidad de abrirse a los otros, y la riqueza de nuestra imaginación, que puede llevarnos a conclusiones erróneas cuando jugamos a juzgarlos. Temas habituales en la trayectoria del director Cesc Gay, que logra, para quien suscribe, su película más redonda desde En la ciudad; la más medida y desenfadada, la menos pesimista. Inspirada en su propia comedia teatral Los vecinos de arriba, ha sabido liberarla de lastre escénico. Gay demuestra de nuevo su maestría en la dirección de actores, unos intérpretes que con la entonación de la voz y miradas, gestos, sonrisas, guiños e indudable oficio le dan todo su sentido a cada palabra, a cada frase. Un reparto en estado de gracia que logra algo tan mágico como hacer partícipe al público de su jovial complicidad. La argentina Griselda Siciliani, ¡cómo se nos pudo pasar inadvertida su presencia, aunque fugaz, en aquella tierna historia de perdedores que era El último Elvis!

original a su muy peculiar manera. Véase: rodar en Benidorm y retratar con absoluto respeto un mundo, el del turismo de masas, que le es completamente ajeno, y que bien podría haber convertido en agradecida caricatura fácil; hacer de ¡Sylvia Plath!, nada menos, una referencia moral y una guía de vida para… una policía local enamorada de la Timothy Spall. poesía; hablar del tiempo, del climático, con adorable ironía; contar la historia de ¿amor? más improbable, y sin caer en sentimenta★★★★★ lismos, y, last, but not least, trazar el Nieva en Benidorm (España, 2020, 117 min.). retrato más sorprendente de un homDir.: Isabel Coixet. Int.: Timothy Spall, Sarita Choudhury, Ana Torrent, Carmen Machi, Pedro bre que a este cronista le haya sido Casablanc, Edgar Vittorino. DRAMA. dado a ver en años. estas alturas de su excitante, sin Es justamente este el aspecto más par carrera (sin duda alguna, la interesante contenido en un film que, más internacional de toda la historia como en un mecanismo de muñecas del cine español, considerando que rusas, siempre esconde alguna sorpreCoixet nunca se fue de su país), la sa. Porque en la forma en que Coixet catalana todavía es capaz de asombrar se acerca a Peter (genial, descomucon cada una de sus propuestas, ninnal Spall, qué pedazo de actor) hay guna similar a las demás, pero siempre mucha más ideología, y de la buena,

Nieva en Benidorm

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Cámara y Siciliani, con Cuesta y San Juan detrás.

(Armando Bo, 2012), es el gran descubrimiento del film. Sobre ella recae en gran medida el peso de la acción, que se convierte en una desternillante partida de pimpón verbal por parejas con la entrada en escena de un guasón Alberto San Juan, en su mejor trabajo junto a Bajo las estrellas; una zalamera falsa ingenua Belén Cuesta, y un aguafiestas Javier Cámara, a quien toca cargar con el papel menos agradecido del cuarteto. Juan Pando Entrevista con Cesc Gay en pág. 48 ESTRENO: 30 OCTUBRE

que en toda la filmografía de ciertas directoras feministas, de las que aturden habitualmente en redes con sus proclamas rutinarias. Ese hombre común, con una vida desesperadamente vulgar, crece de improviso en manos de su creadora hasta cimas de humanidad estremecedora: siempre es un ser humano, jamás un personaje. Papel difícil, que Spall devuelve a quien lo escribió PARA ESPECTADORES/ con un talento AS SIN COMPLEJOS. insuperable, bien Lo mejor: la absoluta ayudado por una libertad con que Coixet Choudhury a la da vida a sus criaturas. Lo peor: que no se sepa que hacía mucho leer la transgresión no veíamos en un que plantea. rol tan hermoso, tan cálidamente propositivo, tan de mujer empoderada. Y todo sin estridencias, con calidez, con un enorme respeto por sus personajes y sus desesperadas vivencias… eso que bien podríamos llamar una película libre y condenadamente evocadora. Mirito Torreiro Más información en pág. 56 ESTRENO: 13 NOVIEMBRE

CRÍTICAS

El verano que vivimos ★★★★★

El verano que vivimos (España, 2020, 119 min.). Dir.: Carlos Sedes. Int.: Blanca Suárez, Javier Rey, Pablo Molinero, María Pedraza, Carlos Cuevas. DRAMA. Riva Krymalowski.

El año que dejamos de jugar

★★★★★

Als Hitler das rosa Kaninchen stahl (Alemania, Suiza, 2019, 119 min.). Dir.: Caroline Link. Int.: Riva Krymalowski, Marinus Hohmann, Carla Juri, Oliver Masucci, Justus von Dohnányi. DRAMA.

ara Caroline Link, la adaptación del exitoso best seller juvenil de Judith Kerr Cuando Hitler robó el conejo rosa se ha convertido en una nueva oportunidad de reflexionar sobre el que parece ser su tema recurrente: la infancia como un exilio, un refugio que nos brinda protección, no solo mientras formamos parte de ella, sino cuando la rememoramos con nostalgia y un punto de dolor. La Anna Kemper de la película que nos ocupa, mucho PARA LOS VERDADEROS más que la testigo SUPERVIVIENTES DE silenciosa pero no LAS TRAGEDIAS DE LA HISTORIA: LOS NIÑOS. por ello lúcida que Lo mejor: la innata era la voz narrahabilidad de la dora en la novela, directora dirigiendo crea un mundo a los niños. Lo peor: se aparte de una readesentiende de varios lidad que su mispersonajes ma familia vive importantes. también como exiliados de Alemania. Un mundo artificial que cierra sus fronteras a una realidad terrible. Link, que no deja de ofrecer un producto amable, para todos los públicos, muy bonito de ver y optimista, esconde en la contagiosa vitalidad de la niña esa sensación de la niñez como algo complejo capaz de levantar una fortaleza de cuento de hadas ante la tragedia. El año que dejamos de jugar es, a fin de cuentas, el fin de la misma infancia convertida en una coraza emocional. Fausto Fernández Entrevista con Caroline Link en pág. 85 ESTRENO: 13 NOVIEMBRE

NOVI E MBRE 2 02 0 · FOTOGRAMAS.ES

nas esquelas recopiladas en 1998 son la vía de entrada a una gran historia de amor 40 años atrás, y la transición entre épocas que marca Carlos Sedes no podría ser más elocuente: cuando la protagonista empieza a escribir sus hallazgos en las líneas de una libreta, los renglones se transforman en las cepas de los viñedos de Jerez donde sucederá gran parte de El verano que vivimos. Una muestra visual inequívoca y preciosa de que el film trata del poder del relato y la necesidad de escribirlo (o filmarlo) para que se mantenga vivo. Con Ramón Campos y Gema R. Neira en el guion, se perciben ecos de sus romances televisivos de época, de Las chicas del cable a Gran Hotel, aunque quizás el nuevo formato les

Nora Navas y Roger Casamajor.

La vampira de Barcelona ★★★★★

La vampira de Barcelona (España, 2020, 106 min.). Dir.: Lluís Danés. Int.: Roger Casamajor, Nora Navas, Bruna Cusí, Francesc Orella, Sergi López. DRAMA.

principios del sigo XX, el secuestro de Teresita Guitart, hija de una familia de clase alta, obligó a las autoridades barcelonesas a tomarse en serio la desaparición de multitud de niños de familias menos pudientes. Así nació la leyenda de Enriqueta Martí, La Vampira del Raval, respon-

Pablo Molinero y Javier Rey.

impide profundizar tanto en sus personajes. Aun así, su narración Lo mejor: los increíbles paralela entre paisajes de Jerez de una tragedia la Frontera. clásica y una Lo peor: que uno de sus romances (el relación más clásico) eclipse al otro moderna, y cómo (el moderno). la primera contagia al escepticismo de la segunda, va encontrando su discurso acerca de la supervivencia de una cierta idea de romanticismo. Mireia Mullor PARA DISFRUTAR DE ROMANCES CLÁSICOS Y MÁS GRANDES QUE LA VIDA MISMA.

Ent. con Blanca Suárez y Javier Rey en pág. 44; Fotomatón con Pablo Molinero en pág. 31 ESTRENO: 6 NOVIEMBRE

sable del rapto de aquella niña y cabeza de turco para una prensa ávida de historia negra. Lluís Arcarazo y María Jaén, autores del guion del estreno en pantalla grande de Lluís Danés, desmontan en su libreto la versión oficial que ocultó la podredumbre de la burguesía tras la exposición de una única abominación de las que paseaban por sus calles. Con un atrevido riesgo formal, el realizador PARA REVISIONISTAS juega con ilusioHISTÓRICOS SIN nes similares a MIEDO AL PROTOCINE DIGITAL. las de su trama, Lo mejor: su riesgo mezclando proformal para reescribir puestas físicas y un relato con ecos digitales, abanpresentes. Lo peor: lo poco que donando a ratos hemos cambiado en el blanco y negro 100 años. y jugando con cuidadas escenografías teatrales para sumergirnos en un relato que juega al borde del abismo. El espectador decidirá si disfrutar de la función o precipitarse al vacío. Ricardo Rosado Ent. con Lluís Danés en pág. 76 ESTRENO: 20 NOVIEMBRE

CRÍTICAS

Ian Lloyd Anderson y Clare Dunne.

Volver a empezar (Herself) ★★★★★

Herself (Irlanda, 2020, 97 min.). Dir.: Phyllida Lloyd. Int.: Clare Dunne, Harriet Walter, Molly McCann, Ruby Rose O’Hara, Ian Lloyd Anderson, Rebecca O’Mara. DRAMA.

en Loach, Mike Leigh… ¿Phyllida Lloyd? Sí, el realismo social de las islas británicas también es cosa de mujeres. De hecho, pese a que sus títulos pretéritos no pueden ser más diferentes entre sí, Mamma Mia! y La Dama de Hierro eran films que situaban a la mujer como eje central del relato. Lo mismo que sucede en este retrato

íntimo de una luchadora (brillante Clare Dunne, también coautora del guion) que se redescubre a sí misma tras una existencia marcada por el miedo, y que inicia un oscuro pero a la vez amable viaje hacia PARA FANS DEL CINE la emancipación. APEGADO A LA REALIDAD DE LOS En lo que sería TIEMPOS QUE VIVIMOS. una pseudoverLo mejor: Clare Dunne sión dulcificada y la espléndida de la escalofriante reivindicación del espíritu de comunidad. Custodia comLo peor: esos partida, Lloyd interludios musicales. pisa territorio ajeno pero lo hace con brío, dejando de lado las sutilezas, y entregándose a los clichés de forma ocasional. Y aunque funciona mejor cuando la narración descansa sobre el rostro cansado y roto de su protagonista, la cinta deja bien claro que todavía es posible creer en la bondad y la decencia del prójimo, que siempre hay lugar para la esperanza, y que hay que darle un valor infinito a eso a lo que llaman dignidad. Blai Morell

Un fotograma del film.

Más información en pág. 81

Más información en pág. 80

ESTRENO: 13 NOVIEMBRE

ESTRENO: 20 NOVIEMBRE

Lux Æterna (Francia, 2019, 51 min.). Dir.: Gaspar Noé. Int.: Charlotte Gainsbourg, Béatrice Dalle, Karl Glusman, Abbey Lee. DRAMA.

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El año del descubrimiento (España, Suiza, 2020, 200 min.). Dir.: Luis López Carrasco. DOCUMENTAL.

extenuante) el baile de egos e intereses, la pérdida del control Lo mejor: su conversión de un creativo y la posirodaje en un averno bilidad del misteestroboscópico. rio durante la filLo peor: creer que es una película menor en mación de una la filmografía de película. Noé, su autor. además, esquiva la trampa del golpe de efecto velado para conmocionar al espectador. Aquí el motor de la conmoción no es una provocación disimulada, sino directamente su alucinante caudal de imágenes y sonidos. Desirée de Fez

Entrevista con Phyllida Lloyd en pág. 79

★★★★★

n sus seminales Tesis sobre el concepto de la historia, el filósofo Walter Benjamin proponía abandonar la idea de la historia como una imagen inmóvil, eterna, para así abrazar una lectura ‘a contrapelo’, en la que el pasado pudiese encender las revoluciones presentes, y viceversa. Haciendo suyo este ideal político, Luis López Carrasco toma al asalto el relato oficial sobre la España de 1992 contraponiendo PARA COMPRENDER los fastos de LAS HERIDAS DEL Barcelona 92 y la PRESENTE DESMONTANDO LA Expo de Sevilla a MEMORIA DEL PODER. la quema del parLo mejor: la coherencia lamento regional entre dispositivo de Murcia, ocurrifílmico y discurso sociopolítico. da el 3 de febrero Lo peor: el exceso de del mismo año. didactismo de algunas Así toma forma escenas. El año del descubrimiento, un ejercicio de contrahistoria, forjado con testimonios orales, en el que la lucha obrera de antaño, que supo verle antes que nadie las orejas al lobo del sueño neoliberal europeo, busca interlocutores en un presente herido por la precariedad y el germen de la impotencia. Contra la resignación, López Carrasco, doblando la apuesta inconformista de El futuro (2014), filma en vídeo Hi8 y monta en pantalla partida unas imágenes que aspiran a sacudir un presente urgido de memoria e insurrección. Manu Yáñez

Lux Æterna

o que se intuía, sobre todo por su condición de película corta y (en teoría) con un pie en el experimento, un capricho en la filmografía de Gaspar Noé es en realidad una de sus mejores obras. Esteta febril y virtuoso incontestable de la concepción de imágenes y sonidos, el director de Irreversible (2002) y Climax (2018) arma en menos de una hora una de las crónicas más lúcidas, afiladas y delirantes de la filmación de una película. Sin piedad, con gracia, jugueteando con el terror, sin sombra de autocrítica (esto es maravilloso). Para ello, convierte un set de rodaje en un averno de colores encendidos, luces estroboscópicas y seres urgentes. Un infierno que representa y lleva al límite (es esta una película tan fascinante como

El año del descubrimiento

Béatrice Dalle. PARA FANS Y MENOS FANS DE LAS PELÍCULAS DE GASPAR NOÉ.

Ondina. Un amor para siempre ★★★★★

Undine (Alemania, Francia, 2020, 90 min.). Dir.: Christian Petzold. Int.: Paula Beer, Franz Rogowski, Maryam Zaree, Jacob Matschenz. DRAMA.

E Una sugerente imagen del film.

Lúa vermella ★★★★★

Lúa vermella (España, 2020, 84 min.). Dir.: Lois Patiño. Int.: Rubio de Camelle, Ana Marra, Carmen Martínez, Pilar Rodlos. DRAMA.

xiste un cine gallego más allá de Oliver Laxe. Un cine tan localista como universal, habitado por voces tan particulares como complementarias: las de Eloy Enciso, Diana Toucedo, Alberto Gracia, Ángel Santos o Xacio Baño, quienes, casi de tapadillo y siempre a contrapié, han ido formado una vanguardia, como tantas veces, más valorada allende nuestras fronteras. Dentro de esta PARA INTERESADOS EN cinematografía LAS INFINITAS singular, merece MUTACIONES DEL RELATO CLÁSICO DE un lugar destacado HORROR. Lois Patiño, como Lo mejor: la belleza de ya quedó demossu febril lógica de trado en la estimapesadilla. Lo peor: que se le ble Costa da cuelgue el sambenito Morte. Lúa vermede película festivalera. lla (o Luna roja), su segundo largo, premio a la Mejor Película en la sección Zonazine del último Festival de Málaga, confirma la promesa y va más allá, apostando por la atmósfera y el enigma. Un sobrecogedor cuento de marinos y meigas, con un toque de William Hodgson o Jack Cady, basado en el testimonio susurrante de sus gentes, que reincide en una de las características clave de la mirada de sus coetáneos: el paisaje como testigo mudo de la leyenda y el misterio. Una de las propuestas españolas más sugestivas e insólitas del año, de una pureza casi sobrenatural. Pablo Vázquez Más información en pág. 80 ESTRENO: 30 OCTUBRE

n su nueva entrega de su cine de mujeres tras films como Bárbara o Phoenix, Christian Petzold actualiza el mito romántico de la ondina, la ninfa acuática que encarna una idea absoluta del amor hasta el punto que destruye a los hombres que la traicionan. La Ondina del título, fascinante Paula Beer, trabaja como guía. Sus relatos sobre la configuración urbanística de Berlín, una ciudad construida sobre el agua, embelesan como el canto de una sirena. Y así atrae a su amado Christoph, a quien encarna Franz Rogowski, ese intérprete con la presencia de un boxeador tierno. Petzold construye un drama con los ribetes oscuros y fatales propios del noir y la vocación de fábula romántica.

Pablo Maqueda.

Dear Werner (Walking on Cinema) ★★★★★

Dear Werner (Walking on Cinema) (España, 2020, 80 min.). Dir.: Pablo Maqueda. Int.: Pablo Maqueda. DOCUMENTAL.

ño 1974: Werner Herzog, en un arrebato cuasi místico, camina de Múnich a París con la certeza de que así sanará a la enferma Lotte Eisner. Año 1995: Grant Morrison, guionista y mago del caos, pide a sus fans una masturbación sincronizada para evitar el cierre del poco vendido cómic The Invisibles. Año 2017: el púgil Alfredo Duro viaja a pie hasta Cardiff convenci-

Franz Rogowski y Paula Beer.

Su concepción total del amor no se expresa a través de la estética del exceso típica Lo mejor: la belleza de del melodrama, las escenas acuáticas. Lo peor: no alcanza el sino desde una grado de hipnótica poética sobria complejidad de de entrañas ‘Phoenix’ o ‘En tránsito’. surrealistas, que se manifiesta ya desde la secuencia del primer encuentro de los protagonistas. Su atracción provoca un maremoto a pequeña escala que desemboca en uno de los abrazos más hermosos de la historia del cine. Eulàlia Iglesias PARA AMANTES DEL AMOR QUE TRASCIENDE LOS LÍMITES DE LO MORAL Y DE LO HUMANO.

Más información en pág. 84 ESTRENO: 13 NOVIEMBRE

do de que ello permitirá al Real Madrid ganar la Champions. Peca de prosaico quien crea que los dos últimos casos nada tienen que ver con Dear Werner (Walking on Cinema), el conmovedor, cegadoramente candoroso ejercicio de autoficción ensayística-ceremonial de Pablo Maqueda. Y es que, ambos sirven para evocar una de las principales nociones que supura este absorbente periplo de un cineasta, ideóPARA QUIENES AMAN logo y chamán a EL CINE MÁS ALLÁ DE CUALQUIER POSIBLE través de sí mismo MEDICIÓN. y su memoria Lo mejor: comprobar mitómana: el semcómo cinefilia, rodaje y piterno nexo entre vida se funden con desarmante honestidad. onanismo y arte. Lo peor: que, como Eisner se recupegesta individual, no sea ró, The Invisibles sino el producto de un gran problema general. sobrevivió y los merengues ganaron la final. Déjenme creer, pues, que el Cine revivirá gracias a este hermoso ritual consumado con los pies, la mirada y el alma. Antonio Trashorras Entrevista con Pablo Maqueda en pág. 81 ESTRENO: 20 NOVIEMBRE

FOTOGRAMAS.ES · N OVI EM BR E 2 020

CRÍTICAS

Oakes Fegley y Robert De Niro.

En guerra con mi abuelo ★★★★★

The War with Grandpa (EE. UU., 2020, 94 min.). Dir.: Tim Hill. Int.: Robert De Niro, Oakes Fegley, Uma Thurman, Christopher Walken, Cheech Marin, Jane Seymour. COMEDIA.

an tenido que venir Robert De Niro y Christopher Walken, que desde esa legendaria El cazador (M. Cimino, 1978) solo habían coincidido fugazmente en Gente de Sunset Boulevard (B. Primus, 1992), para recordarnos que sí, aún hay sitio para comedias familiares que unen corazón y caídas, risas y emoción, buenos sentimientos

y bromas pesadas. Porque esto es lo que propone Tim Hill (Hop) en esta adaptación de la novela de Robert Kimmel Smith: un arsenal de gags slapstick al servicio de una trama feelgood que, aunque PARA TODOS LOS QUE conocida y previsiECHAN DE MENOS EL CINE FAMILIAR CON EL ble, se ve siempre QUE CRECIERON. con una sonrisa. Lo mejor: el cachondeo Especialmente indisimulado entre cuando se junta la De Niro y Walken. Lo peor: ver a Uma tropa de veteranos Thurman en un rol tan –Cheech Marin menor y anodino. y Jane Seymour, además de los citados De Niro y Walken–; se permite metachistes a costa de El Padrino o Taxi Driver, o asistimos a la esperada reconciliación entre Peter (Oakes Fegley, al que vimos en Wonderstruck: El museo de las maravillas) y su abuelo. Un ejercicio de nostalgia cargada de buenas intenciones y chistes, lo que en esta ruleta rusa que es 2020 no es poca cosa. Roger Salvans

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Isak Férriz y Daniel Faraldo.

Más información en pág. 82

Más información en pág. 78

ESTRENO: 20 NOVIEMBRE

Kiz Kardesler (Turquía, Alemania, Países Bajos, Grecia, 2019, 108 min.). Dir.: Emin Alper. Int.: Cemre Ebuzziya, Ece Yüksel, Helin Kandemir, Kayhan Açikgöz. DRAMA.

La mujer ilegal (España, República Checa, 2020, 119 min.). Dir.: Ramon Térmens. Int.: Daniel Faraldo, Isak Férriz, Yolanda Sey, Montse Germán, Raquel Camón. DRAMA.

Lo mejor, además de una buena descripción del ambiente, está Lo mejor: las largas en sus escenas escenas de conversacionales: conversaciones. Lo peor: la intensidad la de los cuatro dramática sube y baja hombres de sin hallar el adecuado noche, junto a la equilibrio. hoguera; la paralela y muy emotiva de dos de las hermanas mientras preparan artesanalmente una receta culinaria, o la que cierra la película y reúne a padre e hijas en una atmósfera de puro cuento al calor del hogar. Jordi Batlle Caminal

Más información en pág. 86

★★★★★

l tándem que forman el director Ramon Térmens y el actor Daniel Faraldo, coguionistas de sus películas, tiene inclinación por abordar, bajo la cobertura de géneros clásicos, temas tan controvertidos como la corrupción política (Negro Buenos Aires), el racismo (Catalunya über alles!) o los secuestros exprés (El mal que hacen los hombres). Sus films cuestionan con pesimismo y alguna pincelada de humor la ética que se impone hoy en día. Cine hecho PARA INTERESADOS EN para concienciar, EL DRAMA DE LOS con un entusiasINMIGRANTES UNA VEZ QUE HAN LLEGADO mo y unas buenas A EUROPA . intenciones que Lo mejor: las charlas los lleva a subradel abogado con sus yar en exceso su desventurados clientes. Lo peor: la secuencia mensaje. onírica, casi al final, en En esa órbita se clave cine fantástico. mueve La mujer ilegal, un drama social que tiene como objetivo denunciar el trato que reciben los inmigrantes ilegales en España y, por extensión en Europa. Sus protagonistas, un abogado de extranjería, que encarna el propio Faraldo; un policía corrupto, espléndido Isak Férriz, y una nigeriana en trance de expulsión, una expresiva Yolanda Sey, se mueven dentro de lo previsible. Pero los testimonios de los inmigrantes conmueven con su verdad y su sencillez, y la cinta cumple su objetivo de llevar al espectador a reflexionar sobre una realidad que, por incómoda, no deja de estar ahí. Juan Pando

Un cuento de tres hermanas

sta película transcurre en una humilde aldea de Anatolia allá por los años 80 del siglo pasado, pero lo que vemos, al margen de un par de coches que vienen de lejos (de muy lejos: los planos de llegada a la aldea o de salida de ella están concebidos para dar una idea de distancia, que no es únicamente geográfica), podría suceder en el siglo XIX. Prevalece lo arcaico, los instintos primitivos, las costumbres ancestrales. Y el papel de la mujer, claro está, representado por las tres hijas protagonistas, es el de la esclavitud. El padre es quien decide su futuro. Aunque es un ogro, Alper tiene el acierto de buscar su lado humano y comprender sus razones.

La mujer ilegal

Cemre Ebuzziya. PARA ESPECTADORES INTERESADOS EN HISTORIAS FAMILIARES EN UN MARCO RURAL.

ANNE HATHAWAY

HECHICERA POR SORPRESA La torpe y nívea intérprete de su debut en ‘Princesa por sorpresa’ (2001) se instala en el lado oscuro con ‘Las brujas’, adaptación del relato de Roald Dahl en el que Robert Zemeckis saca lo peor (¿o lo mejor?) de su protagonista. Revelamos cinco curiosidades que (quizá) no sepa de ella. Por Sonia Guijarro. 1. Por los pelos. Anne Jacqueline Hathaway (Nueva York, 1982) debutó con 17 años en la serie Get Real, junto a un jovencísimo Jesse Eisenberg, con el que coincidiría 12 años después poniendo las voces a las cacatúas de Río (C. Saldanha, 2011). Poco le duró su etapa televisiva, y el salto al cine llegó por los pelos, en Princesa por sorpresa, gracias al definitivo comentario de las nietas de Garry Marshall (responsable también de Pretty Woman, película favorita de Anne), claves en el casting: Esa chica tiene realmente el cabello de una princesa, sentenciaron, por lo que la candidata favorita del director, Liv Tyler, se quedó en puertas. Tres años después llegó la secuela por contrato, que le impidió compatibilizarlo con El fantasma de la ópera de Joel Schumacher. Aunque pospuesta, la decisión estaba tomada:

dejaría la factoría Disney para convertirse en una actriz ‘adulta’. Fueron los consejos de Julie Andrews durante el rodaje los que la animaron a soltar lastre (y ropa) en la indie Caos (Havoc) (B. Kopple, 2005) y en Brokeback Mountain (A. Lee, 2005). 2. El novio estafador. Protagonista de Timadoras compulsivas (Chris Addison, 2019) y Ocean’s 8 (Gary Ross, 2018), Hathaway jugaba con ventaja a la hora de trabajar sendos roles, puesto que había pasado cuatro años de su vida ignorando las mentiras de un novio que resultó ser un farsante profesional. El italiano Raffaello Follieri, autoproclamado amigo del Papa y agente inmobiliario del Vaticano, estafó a inversores americanos 100 millones de dólares, hasta que dio con sus huesos en la cárcel por cinco años. Los diarios de Anne (curiosamente el título original de su debut fue The Princess Diaries) se examinaron al milímetro, y sirvieron de prueba de no culpabilidad para la actriz. 3. De tal palo. Cuando se supo que el musical basado en la obra de Victor Hugo Los miserables tendría versión Made in Hollywood, Hathaway puso toda la carne en el asador para conseguir el papel de Fantine. ¿Por qué tanto empeño? Con él, Anne rendía homenaje a su madre,

EL DIABLO VISTE DE ANNE Ambientada en Alabama a finales de los 60, Las brujas de Robert Zemeckis (Forrest Gump) destilan humor negro, fantasía y odio por los niños en un hotel regentado por Rowan Atkinson, durante un aquelarre de malvadas (y glamurosas) hechiceras lideradas por Miss Eva Ernst (Anne Hathaway). El diabólico plan es exterminar a los pequeños, después de convertirlos en ratones. ESTRENO: 30 OCTUBRE

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la actriz Kate McCauley, a quien había visto interpretando ese mismo papel en Broadway cuando era una niña. Tom Hooper, aconsejado por Hugh Jackman, se decidió por Hathaway en una carambola entre la amistad de ambos actores y la brillante voz de soprano de la intérprete (que la colocó en el puesto 69 de la Billboard Hot 100). Su empeño le valió el Oscar a Mejor Actriz de Reparto, entrando en el exclusivo club de las (solo) ocho actrices que se han llevado un premio de la Academia por un musical. 4. Papeles perdidos. Anne Hathaway (que comparte nombre y apellido con la esposa de William Shakespeare) ha rechazado trabajos importantes por convicción, como le sucedió en 2007 con Lío embarazoso: la actriz no comulgaba con la idea de que Judd Apatow utilizara imágenes de un parto real. O su protagonismo en El lado bueno de las cosas, desdeñado por desavenencias con David O. Russell, oportunidad que sí aprovechó Jennifer Lawrence hasta el punto de conseguir el Oscar). A pesar de sus ‘noes’, Hathaway ha mantenido el equilibrio entre blockbusters como Superagente 86 o El caballero oscuro: La leyenda renace y cintas indies como La boda de Rachel (candidata al Oscar a Mejor Actriz) o Colossal, del español Nacho Vigalondo, que ironiza sobre el odio que generó en redes justo después de su paso por Los miserables. 5. Huston, tenemos un remake. Han transcurrido 30 años desde La maldición de las brujas de Nicolas Roeg, que adaptaba el mismo relato del galés Roald Dahl en el que se basa Las brujas de Robert Zemeckis. En él, Hathaway, embarazada de tres meses de su segundo hijo, retoma un rol que en su día encarnó Anjelica Huston, y coincide en el reparto 14 años después con Stanley Tucci (ambos en El diablo viste de Prada), cuñado de otra amiga íntima desde ese film: Emily Blunt. Guillermo del Toro y Alfonso Cuarón ponen la guinda (y el dinero) a este suculento pastel. ◆

Foto: Getty Images.

Cinefilia

CINEFILIA

EN EL PUNTO DE MIRA

FAHRENHEIT 451 AL ROJO VIVO La (valiente) batalla de Filmin por apoyar a los cines, anunciando que estrenará varias de sus recientes adquisiones en pantalla grande antes que en la plataforma.

GRISELDA SICILIANI

La estrella de la televisión argentina sorprende en Sentimental, aguantando el pulso a Javier Cámara. El director, Cesc Gay, quería trabajar con ella desde hacía 10 años, y el resultado le da la razón.

El (inimaginable) éxito del reestreno de El retorno de las brujas (1993) en Estados Unidos. El fin de semana en el que debería haberse estrenado Wonder Woman las salas recurrieron a este clásico de Halloween, con una recaudación que se acerca a la de Tenet. El (celebrado) estreno de La trinchera infinita en Estados Unidos a través de Netflix, en plena temporada de premios.

CALDEADO ABRIL ZAMORA La directora, guionista y actriz trans demuestra todo su talento en La vida por delante.

Fotos: Getty Images.

LUCA MARINELLI El italiano se muestra Impresionante en su demandante papel en el drama Martin Eden.

PAULA BEER La alemana aporta soberbios matices a su rol en la inquietante Ondina. Un amor para siempre.

CLARE DUNNE Con una prestigiosa carrera teatral, deslumbra en Volver a empezar (Herself), que además ha escrito.

ANYA TAYLOR-JOY Fascinante en sus dos papeles como protagonista, Emma. y la serie Gambito de reina.

ROGER CASAMAJOR Consigue brillar en el elenco de lujo que tiene La vampira de Barcelona.

La (sorprendente) llegada de una plataforma de streaming, Pluto TV, gratuita y con anuncios. Una vuelta de tuerca más a la variedad de modelos de consumo audiovisual. La (merecida) celebración del 18.º cumpleaños del festival Notodofilmfest. En estos años se ha consolidado como un escaparate para cineastas noveles que, en muchos casos, han logrado una gran carrera después. La (morbosa) confesión de Concha Velasco de que rodó una película porno en 1973. La explicación tiene matices: se trata de No encontré rosas para

mi madre, una coproducción entre España, Italia y Francia, y solo era erótica la versión que se distribuyó en el país galo. El (arrollador) éxito en nuestro país de series turcas, emitidas tanto en televisiones generalistas como en plataformas de pago. Mujer, Amor 101 o Masum son algunos ejemplos de este fenómeno.

NI FRÍO NI CALOR El (comprensible) sueño de Daniel Sánchez Arévalo de trabajar algún día con Amy Adams, confesado en una entrevista reciente. La (resignada) aceptación de la Academia de Cine de Hollywood de que en los próximos Oscar compitan películas estrenadas solo en autocines. El (innecesario) remake que ha rodado Ben Wheatley de un mito como Rebeca (Alfred Hitchcock, 1940).

ZONA GLACIAL La (desoladora) cascada de cierres de salas en todo el mundo debido a la crisis sanitaria. En una isla como Menorca (y esto es solo un ejemplo) ya no queda ni uno. Será necesario coger un avión para ir al cine. El (triste) rumor difundido en redes sociales del fallecimiento de la actriz Carmen Sevilla.

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CINEFILIA # MI CINE ESPAÑOL

QUIZ

Por Juan Mari Arzak.

El documental ‘El siglo de Galdós’ es la última visita de nuestro cine al genio canario. Pero hay muchas más.

EL HANDIA DE LOS FOGONES

A. La primera película española que adaptó a Galdós fue La duda, del director Domènec Ceret, en 1916, basada en: 1. Doña Perfecta. 2. El abuelo. 3. Misericordia. 4. Fortunata y Jacinta. 5. Miau.

Recién estrenado el documental de Asier Altuna ‘Arzak since 1897’, el chef vasco recuerda a su amigo Buñuel, la belleza de la Montiel y el gazpacho de ‘Mujeres…’.

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B. En la versión de Rafael Gil de 1972, el protagonista de La duda fue galardonado en San Sebastián y era: 1. Paco Rabal. 2. Fernando Rey. 3. José Bódalo. 4. Carlos Larrañaga. 5. Fernando Fernán Gómez. C. ¿Quién compuso la banda sonora de Sangre de Mayo (J. L. Garci, 2008)? 1. José Nieto. 2. Roque Baños. 3. Alberto Iglesias. 4. Fernando Velázquez. 5. Pablo Cervantes.

Fotos: Getty Images, Archivo Fotogramas.

D. Tristana (1970) transcurre en el barrio madrileño de Chamberí, pero Buñuel decidió rodarla en: 1. Ávila. 2. Valladolid. 3. Toledo. 4. Segovia. 5. Cuenca. E. Antes que Rocío Dúrcal en la famosa versión de Angelino Fons de 1972, Marianela fue protagonizada en 1940 por: 1. Aurora Bautista. 2. Amparo Rivelles. 3. Sara Montiel. 4. María Mercader. 5. Mary Carrillo.

RESPUESTAS

El film ‘Handia’ (‘grande’ en euskera) está inspirado en la historia real del gigante de Altzo.

var me inspiró para recetas y para muchas cosas más que no te cuento. ¿Su ídolo en el cine? Me gustan Amenábar, Almodóvar, Gracia Querejeta, Juanma Bajo Ulloa e Isabel Coixet, pero tengo predilección por Asier Altuna, me ganó con su Amama (2015) y su Aupa Etxebeste! (2005). Por suerte para mí, el trabajo que ha hecho en este documental [Arzak since 1897] ha sido impecable. ¿A quién le gustaría invitar a comer? A Juanma Bajo Ulloa, y le prepararía una ‘tortilla rusa’ (en referencia a la famosa escena de su película Airbag). ¿Qué película española le impresionó por su tratamiento de la cocina? Estoy seguro de que las hay, pero la memoria me lleva fuera de nuestras fronteras, a El festín de Babette (Gabriel Axel, 1987), Comer, beber, amar (Ang Lee, 1994) o Tomates verdes fritos (Jon Avnet, 1991). ¡Ah! y a El silencio de los corderos (Jonathan Demme, 1991). ¿Algo que le gustaría hacer en cine? Después de este último documental creo que mi personaje ya no da para más. El film que le ha dejado mejor sabor de boca… Handia (Aitor Arregi, Jon Garaño, 2017). En mi infancia siempre mitifiqué al gigante de Altzo y me trajo preciosos recuerdos. ◆

A. El abuelo. B. Fernando Rey. C. Pablo Cervantes. D. Toledo. E. Mary Carrillo.

¿Su primera vez con el cine español? Difícil de recordar después de tanto tiempo, pero podría ser cualquiera de Luis Buñuel, a quien tuve la suerte de conocer. ¿En qué film español se quedaría a vivir? En la comedia un tanto surrealista Belle Époque (Fernando Trueba, 1992). ¿Con qué actor o director se iría de cañas? Con mi amigo Karra Elejalde, sin duda. ¿Con quién querría quedarse encerrado en un ascensor? Necesitaría que a esa persona le gustase la cocina. Se me ocurre Juan Echanove, con quien me encantaría compartir conversación de cine, gastronomía y muchas cosas más. ¿Con quién no se sentaría en un avión? Que me perdone ‘el gran chef’ Santiago Segura, pero jamás con su Torrente. Un amor adolescente mitómano. ¡Hombre! Sara Montiel, claro. ¿A qué estrella internacional desearía ver trabajando en el cine español? A Julia Roberts. Esa mujer me encanta. ¿En qué film le habría gustado hacer un cameo? En Titanic (James Cameron, 1997), e interpretar al cocinero que no se ahoga a ser posible. ¿Alguna película española ha inspirado alguna de sus creaciones culinarias? El famoso gazpacho de Mujeres al borde de un ataque de nervios de Almodó-

CINEFILIA

LOS MIL ROSTROS DE… LAMBERT WILSON 1

1. ‘Jet Set’ (Fabien Onteniente, 2000). 2. ‘Matrix Reloaded’ (Lilly y Lana Wachowski, 2003). 3. ‘People’ (Fabien Onteniente, 2004). 4. ‘Dante 01’ (Marc Caro, 2008). 5. ‘En busca de Marsupilami’ (Alain Chabat, 2012). 6. ‘The Nostalgist’ (Giacomo Cimini, 2014). 7. ‘Jacques’ (Jérôme Salle, 2016). 8. ‘De Gaulle’ (Gabriel Le Bomin, 2020).

PREGUNTAS SIN RESPUESTA a Gerard Butler siempre le ¿Por qué esa afición de David estoy aquí, triunfadora absoluta Cronenberg a hacer de médico de los últimos premios Ariel? ofrecen papeles de héroe? en su cameo de Falling, como ¿Por qué el Gobierno demora la ¿Por qué algunos padres hizo antes en La mosca, Razas protección de películas y series despistados se meten a ver de noche, Henry y Verlin, Jason X europeas on-line, incumpliendo Pinocho con sus hijos, cuando no y la serie Alias? el plazo de la directiva es una película para niños? comunitaria que obliga a las ¿Por qué todos los personajes ¿Por qué nadie le recordó a masculinos que se cruzan en plataformas audiovisuales con Woody Allen que, antes de Sergi el camino de las protagonistas una sede en la UE a reservar un López en Rifkin’s Festival, Javier de Nunca, casi nunca, a veces, 30 % del catálogo a producciones Bardem ya había interpretado siempre son tan menospreciables del continente? en Vicky Cristina Barcelona a o, directamente, viles? ¿Por qué nuestro cine ha tardado un explosivo pintor español con tanto en descubrir a Anna problemas conyugales? ¿Por qué pensamos que un protagonista más expresivo que Alarcón, espléndida en A este ¿Por qué a estas alturas de su el hierático Juan Daniel García lado del mundo, de David Trueba carrera no ha quedado aún claro Treviño habría beneficiado y La ofrenda, de Ventura Durall? que Mario Casas es un gran mucho a la reveladora actor capaz de sacar adelante ¿Por qué, siendo un tipo tan producción mexicana Ya no normal como él mismo asegura, cualquier tipo de personaje?

¿POR QUÉ NO NOS SORPRENDEN LOS BUENOS DATOS DE AUDIENCIA DE LA REALISTA Y NADA COMPLACIENTE ‘HIT’, DE JOAQUÍN ORISTRELL?

CUMPLEA„OS NOVIEMBRE Día 1

Dani Rovira Toni Collette Alberto San Juan

40 48 52

Día 2

David Schwimmer

Día 3

Mónica Vitti

Día 4

Matthew McConaughey Tanya Reynolds

51 29

Día 5

Raúl Cimas Tilda Swinton Aitana Sánchez-Gijón Sam Rockwell

44 60 52 52

Día 6

Emma Stone Hero Fiennes Ethan Hawke

32 23 50

Día 7

Miguel Rellán

Día 8

Alain Delon

Día 9

Lou Ferrigno Florentino Fernández

69 48

Día 10 Julián López

Día 11 Leonardo DiCaprio Demi Moore Stanley Tucci

46 58 60

Día 12 Anne Hathaway Ryan Gosling

38 40

Día 13 Gerard Butler Whoopi Goldberg

51 65

Día 14 Álex García Olga Kurylenko

39 41

Día 15 François Ozon

Día 16 Leo Harlem

Día 17 Martin Scorsese Sophie Marceau

78 54

Día 18 Owen Wilson

Día 19 Jodie Foster Meg Ryan

58 59

Día 20 Laura Harris

Día 21 Jena Malone

Día 22 Scarlett Johansson Mark Ruffalo Jamie Lee Curtis

36 52 62

Día 23 Vincent Cassel

Día 24 Aida Folch

Día 25 Joel Kinnaman

Día 26 Rita Ora

Día 27 Unax Ugalde

Día 28 Juana Acosta Mina El Hammani

44 27

Día 29 Concha Velasco

Día 30 Ben Stiller Gael García Bernal

55 42

FOTOGRAMAS.ES · N OVI EM BR E 2 02 0

CINEFILIA

SEPTIEMBRE

El diario de la Redacci—n 17

Conectamos vía Zoom con el escritor y director mexicano Guillermo Arriaga que cierra MestizoLab con las claves De la literatura al guion, y nos estremecemos recordando sus libretos para Amores perros, 21 gramos y Babel (con la que fue nominado al Oscar).

Nos alegra comprobar que el festival decano en Cantabria, Torre en Corto, mantiene la proyección de las cintas finalistas (entre ellas Nulíparas, con Eva Llorach) en el Teatro Concha Espina de Torrelavega.

El fenómeno seriéfilo de Los Javis (Calvo y Ambrossi) con la justiciera repre de actores Paquita Salas pone en marcha su lema ‘para ser un new talent hacen falta las dos efes, Fe y Fotos’, y publica a todo color su libro de memorias Superviviente (Ediciones B).

Suma y sigue. El documental producido por Almodóvar sobre los olvidados del franquismo, El silencio de otros, alza la voz en los Estados Unidos, desde donde trae dos premios Emmy.

FlixOlé bucea en los 60 años de conflicto vasco con una selección de títulos que van desde la Operación Ogro, de Gillo Pontecorvo, a los Días contados, de Imanol Uribe.

Antonio de la Torre y Belén Cuesta continúan el paseo triunfal de La trinchera infinita (Garaño, Arregi y Goenaga), esta vez con su selección para los European Film Awards. Enhorabuena.

Deseando hincarle el diente al libro de nuestro colaborador y crítico Jesús Palacios, también especialista en cine asiático, que ha editado con Susana Sanz sobre el taiwanés Tsai Ming-liang, sus films y su recientes aportaciones como artista visual.

Ya no hay motivo para odiar los lunes. Disney y Lucas Films anuncian los Mando Mondays, un programa mundial que irá dando rienda suelta a productos de colección inspirados en la serie The Mandalorian.

Disfrutamos en el madrileño Teatro Alfil con el divertido estreno de Gag Movie, un recorrido por los momentos icónicos del cine con cuatro personajes atrapados en el tiempo y en un solo fotograma. Estos son mis principios; si no te gustan, tengo otros, Groucho Marx dixit.

Una de las obras cumbre de la etapa americana de Alfred Hitchcock, Con la muerte en los talones (1959), inimaginable sin el guion de Ernest Lehman, es la elegida por los Yelmo para conmemorar los 40 años de la muerte del maestro del suspense.

Foto: Antonio Rubial.

Disfrutamos de un coloquio sin desperdicio con David Trueba en los resistentes cines Odeón de Avilés, donde presenta su última película, A este lado del mundo. Una producción modesta rodada en Melilla que nos coloca frente a las contradicciones de la inmigración.

Abrimos bien los oídos para no perder detalle del aterrizaje en España de Audible, compañía de Amazon que ofrece más de 6.000 audiolibros narrados por actores como Michelle Jenner, José María Pou, Jose Coronado o Maribel Verdú.

Con el premio honorífico del Festival de Sitges bajo el brazo, la inclasificable (en el mejor sentido de la palabra) y omnipresente Najwa Nimri se ha embarcado en el intrigante proyecto audiovisual de Emporio Armani Building Dialogues, que presenta la última colección de la firma de moda italiana. Un universo que no le es ajeno puesto que el abuelo de la actriz regentaba una fábrica textil.

Nos vamos de terapia al estreno de Por todos los dioses en el Teatro Principal de San Sebastián, con Fernando Cayo haciendo un recorrido en clave de humor por los dioses de la mitología griega y los contemporáneos.

Berto Romero se mete a productor ejecutivo de la serie de su amigo Bob Pop, Maricón perdido, que cuenta en primera persona la trayectoria vital de un chico de pueblo en busca de su identidad, y las dificultades de engranaje en una sociedad homófoba. Si Veneno se sustentaba en el talento de Los Javis, esta cuenta con El Terrat y su director general, Andreu Buenafuente, como cómplices.

En los 80, Núria Espert había dado el salto a la dirección escénica con Glenda Jackson en La casa de Bernarda Alba, y se atrevía con montajes operísticos. Fue entonces cuando el gran Alberto Schommer la retrató. La exposición Contemporáneos del Museo Cerralbo nos la muestra a ella y a 80 iconos de la cultura.

Sueño cumplido, o cómo una fan del cine español de todos los tiempos, Alaska, es la nueva patrona de Cine de barrio. Concha Velasco cede el timón para centrarse en el teatro.

Sus composiciones potenciaron delicias cinéfilas como El sur, de Víctor Erice, o La caza, de Carlos Saura, pero ahora es un film sobre su obra, la del músico Luis de Pablo, el que recibe el reconocimiento en la Bienal de Venecia: Déjame hablar.

Ostenta el cargo de directora más joven jamás premiada en el Festival de Berlín, y ahora la argentina Sol Berruezo nos deleita en San Sebastián con su mirada feminista en Mamá, mamá, mamá.

Recibimos con ilusión el regreso a Madrid de la obra que ha encumbrado al exboxeador, poeta y actor español de origen armenio Hovik Keuchkerian (Bogotá en La Casa de Papel), Un obús en el corazón. Es en los madrileños Teatros Luchana, con textos de Wajdi Mouawad y dirigida por Santiago Sánchez.

La primera película rodada en color en España, Pontevedra, cuna de Colón (Enrique Barreiro, 1927), recupera sus tonos originales por obra y gracia de la Filmoteca Española y un complejo sistema de restauración que se acerca mucho a su aspecto primigenio más de 90 años después de su estreno.

No me gustan los drones, filman a las personas como hormigas. Prefiero poner la cámara a ras de las hormigas para que no parezcan tan insignificantes y nos importen

Falta menos de un mes para saber (el 3 de noviembre) si El hoyo, de Galder Gaztelu-Urrutia, se beneficia de su éxito vía streaming en el mercado americano respecto a las otras finalistas para representarnos en los Oscar, La trinchera infinita y Lo que arde.

David Trueba, director.

No nos perdemos la despedida sobre las tablas madrileñas de la adaptación de Fariña, del periodista Nacho Carretero, a cargo de Tito Asorey. Otra vuelta de tuerca de la exitosa serie sobre el narcotráfico gallego que defendió Javier Rey, en la piel de Sito Miñanco.

Los jueves dan mucho miedo desde que Cinesa ha recuperado las películas de terror de los últimos años. Hoy nos sobresaltamos con el mito mexicano de La Llorona, de Michael Chaves, spin-off de la saga Expendiente Warren.

“

Impresionante Isabelle Huppert en la mágica recreación interactiva del universo Roger Vivier, como musa de la nueva colección de zapatos de cine.

OCTUBRE

Notodofilmfest celebra su mayoría de edad afianzando su impulso a los nuevos talentos: convocatoria abierta para quienes quieran presentar su corto y optar a los 15.000 € en premios.

Aplaudimos que CineMad, que aspira a internacionalizar el tejido audiovisual madrileño, haya multiplicado por cuatro la inversión en premios (60.000 € este año) a repartir en las cuatro categorías a concurso: animación, documental, ficción y series.

„

El director Santiago Zannou y Jose Coronado no optan al Goya (premio que ya tienen por El truco del manco y No habrá paz para los malvados), pero le dan caché a nuestro aceite de oliva con un spot de lo más cinematográfico.

Un privilegio haber disfrutado de la mejor animación internacional, como la francesa Las golondrinas de Kabul, en Animario, que ha traído a distintos espacios de Madrid talleres y debates de lo más ‘animados’.

FOTOGRAMAS.ES · NOVIEM BRE 2 02 0

CINEFILIA # ¡QUÉ PELÍCULA LA DE AQUEL RODAJE!

PARECIDOS RAZONABLES

Por Nora Navas.

ADICTA AL TALENTO

Nora Navas (Barcelona, 1975) estrena ‘La vampira de Barcelona’ y nos recuerda que ya trabajó diez años atrás, también entre rejas, con Roger Casamajor en ‘Pan negro’, un rodaje sobrado de intensidad y broncas fructíferas. Pan negro (Agustí Villaronga, 2010) me abrió la puerta grande del cine: Concha de Plata, nueve goyas, en puertas de los Oscar… Pero mi mejor recuerdo tiene que ver con las nueve semanas de rodaje. Agustí es el rey de la intensidad, jamás he vivido nada igual, ahora todo es precipitado, de guerrilla. Ensayamos mil horas, teníamos un coach que me ayudaba con el acento rural (el mío era de chica de Les Corts), leí todos los libros (además del de Emili Teixidor en el que se basa el film) de mujeres en cárceles… Fue un máster en Guerra Civil, y un regalazo inesperado. Había conocido a Agustí cuatro años antes, cuando buscaba protagonista para Después de la lluvia. No le encajé nada, pero algo debió de ver que me llamó para Pan negro. Por entonces, la productora ni me conocía; apostaban por Ariadna Gil. Para colmo, el primer día que leímos el guion lo hice fatal y, después, en el rodaje, en la escena en la que le tiro la barra de pan al alcalde, no era capaz de darle el punto emocional. Se enfadó, me echó una bronca monumental, me

dijo que si me creía Juana de Arco. Nada que ver con maltrato, pero sí con el lugar al que me quería llevar. Adoro su exigencia, consiguió lo que quería. Recuerdo la escena en la que voy a la cárcel a visitar a Roger. Decidimos estar una semana sin vernos hasta ese momento. Lo caracterizaron sarnoso y demacrado, cuando lo vi me impactó tanto que fue la única vez en mi vida que he sentido la magia de la inspiración, nunca me ha vuelto a pasar. Me sobraba todo alrededor. Cuando cortaron vi al equipo llorando. Hay mil anécdotas, a cual más intensa. En una escena con Laia Marull me reventé la mano en la primera toma, cuando tenía que dar un golpe en la mesa. Éramos dos burras poniendo toda nuestra negrura en juego. Y ya el remate, en el Lincoln Center de Nueva York, promocionando para los Oscar, al niño (Francesc Colomer) le preguntan en rueda de prensa qué sería de mayor: No seré actor, seré payés; los actores son todos unos drogadictos.¡Casi lo matamos! ◆

JOHN JAMES (en la serie Dinastía) Y ARMIE HAMMER Envío de: Antoni Lasierra (Canet de Fals, Barcelona).

MILENA SMIT (No matarás)

Y MARINE VACTH (Pinocho) Envío de: Pequeña adolescente (Tarragona).

ORIOL TARRAGÓ (diseñador de sonido) Y PATRICK DEMPSEY Envío de: Francisco Cervilla (Aínsa, Huesca).

‘LA VAMPIRA DE BARCELONA’ SE ESTRENA EL 20 DE NOVIEMBRE

ROONEY MARA Y JEAN SIMMONS

Nora Navas obtuvo el Goya (la película tuvo nueve) por su Florencia en ‘Pan negro’.

NOV IE M BR E 2 02 0 · FOTOGRAMAS.ES

SVERRIR GUDNASON (Falling) Y GABRIEL BYRNE Envío de: Periki (Córcega).

Fotos: Getty Images y Archivo Fotogramas.

Envío de: Miguel Rourke. (Madrid).

CINEFILIA # FOTOMATÓN

PABLO MOLINERO

Fotos: Ana Ruiz. Grooming: Olga Aguilar para merymakeup.com.

Él es el tercer vértice del triángulo amoroso que se crea en ‘El verano que vivimos’. Entre Blanca Suárez y Javier Rey, este actor, licenciado en Filología Inglesa y proveniente del teatro y la ‘performance’, muestra una fascinante gama de poderosísimos registros. Por Laura Pérez. ¿Cuándo pensó por primera vez en ser actor? Me picó el bicho en la universidad, cuando creamos una compañía, La casual, con la que hacíamos intervenciones, performances, algo muy físico. Ya de niño, en la urbanización donde veraneaba, salía en las funciones a hacer imitaciones, coreografías y sketches. ¿Cuándo vio que lo había conseguido? Lo pongo en duda constantemente, en cada proyecto, y está bien que no se dé siempre por hecho. Cuando empiezas a ganarte la vida, a sobrevivir, y tu trabajo es valorado, ya eres feliz. ¿A quién admiraba de pequeño? A Paco Rabal. ¿A quién admira ahora? Me gusta el trabajo de The Wooster Group, una compañía teatral de Nueva York que trabaja mucho con Willem Dafoe, que me encanta. Y a Matthew McConaughey. ¿Qué necesita? Amor, paz, campo, mi familia cerca y tiempo libre. ¿Qué le sobra? Llevo mal los conflictos, los malos rollos, lo que tenga que ver con guerras desde su base primigenia. La gente que vive peleándose con la vida no me gusta nada. Mi punto fuerte… La buena energía, la alegría, el entusiasmo. Mi talón de Aquiles: El orgullo,

la soberbia, el entrar a veces en el lado oscuro que todos tenemos y sacar la mala leche que llevo dentro. Me horroriza: Cuando veo en la mesa de al lado a un niño con el móvil o la tablet. Me estresa: La televisión, la promoción de las películas, las entrevistas, las fotos. Una manía: Dar mil vueltas por la casa antes de acostarme. Mi chica ya ni me espera. ¿De quién aprendió más? De David Climent, mi compañero en la compañía de teatro Los corderos. Me habría gustado conocer… A Luis Buñuel. Creo que era uno de esos genios accesibles. Mito erótico confesable: Bo Derek. Hacer escenas eróticas es: Incómodo. Pero intento normalizarlo y quitarle hierro. Hay cosas más duras, como interpretar la pérdida de un hijo. ◆ ‘EL VERANO QUE VIVIMOS’ SE ESTRENA EL 6 DE NOVIEMBRE

LO HEMOS VISTO EN: Se ha curtido haciendo sobre todo teatro y lo descubrimos en la serie La peste. Compartió cartel con Àlex Brendemühl y Verónica Echegui en La ofrenda y pronto lo veremos en La casa de tiza, de Ignacio Tatay.

CINEFILIA # EL CONSULTORIO DE MR . BELVEDERE

Nuestros lectores hablan WOODY ELENA DONOSTI √ El Woody Allen de Rifkin’s Festival

no es el de Manhattan, Hannah y sus hermanas, Delitos y faltas y muchísimos títulos más con su firma. Eso es una certeza. Sin embargo, si algo sabemos gracias a Allen es que no existen las certezas, y que el mundo, incluso su filmografía, es un lugar donde se siguen planteando preguntas sin respuestas, y las que nos lanza al espectador su último film me parecen cien por cien Allen. Gabriel Castro (vía e-mail). Elena Anaya y Wallace Shawn.

√ No quiero ser cruel, pero Woody Allen debería haberse jubilado hace ya años. Rifkin’s Festival, por muchas y reverenciadas citas cinéfilas que maneje con autocomplacencia, y mucha simpatía que nos despierte San Sebastián, no es más que una cansina resaca de unas vacaciones pagadas. Iñaki Usero (vía Facebook).

√ Woody Allen compite consigo mismo y su esplendorosa filmografía. Así llevará siempre las de perder, claro. No obstante, Rifkin’s Festival me parece uno de sus mejores trabajos, una suerte de meditada y asumidamente intrascendente despedida/resumen de su obra. Imma Delplà (vía e-mail).

CONTESTA MR. BELVEDERE Tal vez sea la (provecta) edad que tanto Mr. Allen como servidor compartimos, pero he disfrutado con Rifkin’s Festival, con su refunfuño respecto al cine (francés) pedante hipster actual, con ese perder siempre a las mujeres amadas, con la nostalgia y con esa inteligente reescritura de la propia Recuerdos con el humor de La última noche de Boris Grushenko.

PADRE NO HAY MÁS QUE UNO √ Leí la excelente entrevista a Viggo Mortensen en el número pasado. ¡Cuánta razón en sus declaraciones! Falling es un film difícil y nada complaciente, como afirma el actor, ahora brillante director, pero llena de verdad, algo que se echa de menos en el aséptico e infantiloide Hollywood de hoy. Laia García (vía e-mail).

√ Falling tenía todos los números

para ser uno de esos dramas gritones donde los actores sobreactúan y los ‘grandes temas’ se solapan unos con otros para al final caer en tópicos y en el mayor de los conservadurismos. Viggo Mortensen, tanto delante como detrás de las cámaras, soslaya todo eso y consigue emocionar sin artificios, con aspereza incluso.

actor veterano, es lo más destacable de Falling, drama indie de manual lleno de lugares comunes para contentar al público actual. Alejandro Trasto (vía e-mail).

CONTESTA MR. BELVEDERE Lo que más me gusta de Falling, además de un Lance Henriksen destinado a ganar todos los premios del año (si hay premios este año), es la humildad de Viggo Mortensen en la puesta en escena de este drama paternofilial que arrancaría los aplausos de ultratumba de Nicholas Ray.

pretación de Lance Henriksen, uno de esos regalos de fin de carrera para un 32

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# No todo el cine polaco era y es Andrzej Wajda, que en paz descanse. Corpus Christi es la prueba de una nueva generación de autores no solamente preocupados por mirar hacia atrás para ajustar viejas cuentas. Película comercial, marcadamente religiosa y moderadamente crítica con el conservador régimen polaco actual, Corpus Christi es ante todo profundamente optimista y humanista. Valeria Suárez (vía Facebook).

# Ni las obligatorias mascarillas impidieron que cantase las canciones de Raffaella Carrà al unísono que los protagonistas de Explota Explota. No sé si será nuestro Mamma Mia!, pero que es una película que va más allá de su argumento (una comedia de enredo vintage adorable) y está destinada a ser cita obligada en sesiones golfas, eso seguro. Y que ha hecho de Ingrid García-Jonsson una estrella, también. Bernardo Cruz (vía e-mail).

# Cada película que estrena Mario Casas es una confirmación más de lo excelente actor que es. Cuando todavía podía verse en Netflix su cambio de registro como malvado en El practicante, llega No matarás, otro thriller esquinado donde nada es lo que parece y en donde un director tan bien dotado para lo atmosférico (y tan necesitado a veces de un buen guion a la altura) como David Victori sabe arrastrar a un implacable infierno al personaje de Casas, de nuevo lleno de matices. Federica Galán (vía Facebook).

# Black Beach mezcla varias películas en una, razón de perderse en una dispersa narración. La parte de thriller de denuncia a lo Diamante de sangre se deja ver bastante bien. Los problemas vienen al intentar justificar las decisiones de sus personajes dentro de un, digamos que film de acción, a base de una especie de psicoanálisis barato de sociología buenista. Tristán Molina (vía Facebook).

Joan María Riera (vía Facebook).

√ La sobrecogedora y trágica inter-

CINCO FLASHES EN CINCO FRASES

Viggo Mortensen, un debut que se ha hecho esperar.

# Ha tardado en estrenarse Nación cautiva, y lo hace cuando nuestra nueva normalidad es igual de gris, opresiva y depresiva que la que muestra este film de ciencia ficción con invasión extraterrestre y discurrir a lo la ochentera Alien nación. Una película con un tempo de serie negra que bien podría ser El tercer hombre. Adrián Villar (vía e-mail).

e-mails a Mr. Belvedere: fotogramas@hearst.es

LA PRIMERA VEZ SOBRE LA HIERBA √ Tendría uno que ser de piedra para no sentirse sacudido y amado por una película como Verano del 85. Todos hemos vivido un primer amor que nos ha confundido para abrirnos los ojos y acaso hacernos daño. François Ozon sabe captar esos sentimientos universales. Julio Benpar (vía Facebook).

√ Verano del 85 es una película

El InstagramDiario

podría esperarse en un director que suele quedarse en la superficie.

mrbelvedere.fotogramas

Sandra Núñez (vía Facebook).

CONTESTA MR. BELVEDERE Comparto la definición de François Ozon como alguien que vampiriza, sin llegar a obtener su sustancia, a directores de prestigio. Lo ha hecho en el thriller, el musical, el melodrama… Y lo hace en Verano del 85, tan pensada para ser un Esplendor en la hierba adolescente y gay que acaba resultando simpática.

de André Téchiné (¿Los juncos salvajes?) sin la rigurosidad del cine de Téchiné. Su operación nostalgia aquí me resbala tanto como la de Guadagnino en Call Me by Your Name.

Benjamin Voisin y Félix Lefebvre, amores de verano.

Almodóvar y La voz humana… Enlazo la versión de Rossellini de 1948 con Anna Magnani con la de su ex, Ingrid Bergman, para TV, de 1966.

Celso Pinyol (vía e-mail).

√ Amores adolescentes y nostalgia

ochentera que no anda muy alejada son la parte más visible de Verano del 85, un Ozon que respira más delicadeza y amargura final de la que

¿JUSTICIA PARA TODOS? utiliza el pasado para hablar del presente. Pasa revista a la lucha por los derechos civiles en los Estados Unidos en plena Guerra de Vietnam. La tierra de las libertades como una ilusión y el fantasma, hoy más que nunca, del totalitarismo. Darío Pastor (Vía e-mail).

√ Aaron Sorkin domina los entresijos de la política tan bien como Frank Capra. El juicio de los 7 de Chicago es Caballero sin espada en un tribunal que trata de silenciar y acabar Rylance y Redmayne, a punto de subir al estrado.

El 2 de noviembre de 1960 (23 de noviembre de 1961 en España) se estrenaba Una mujer marcada (D. Mann), el que sería el primero de los dos Oscar como actriz de Elizabeth Taylor.

con la voz de la razón y la libertad. Un film realmente espléndido Marcial Estébanez (vía e-mail).

√ El juicio de los 7 de Chicago es

una de las más grandes películas de este año tan extraño. Aaron Sorkin juega con el género judicial que ya fuera la base de su pieza teatral, llevada al cine por Rob Reiner, Algunos hombres buenos, y con la denuncia política, tan idealistamente capriana como de Armando Iannucci en su acidez. Ariel Besteiro (vía Facebook).

Foto: Getty Images.

√ El juicio de los 7 de Chicago

Los hijos de mi sobrino me hacen ver El Halloween de Hubie, comedia de miedo con Adam Sandler que me hace añorar al Bob Hope de El castillo maldito (G. Marshall, 1940).

CONTESTA MR. BELVEDERE Mi aplauso al lúcido Aaron Sorkin y El juicio de los 7 de Chicago. A su ritmo endiablado (¡cómo presenta a los personajes y despacha todo un largo proceso judicial como Billy Wilder y James Cagney llevaban a toda velocidad Un, dos, tres!) y a saber hacer del cine de denuncia sociopolítica de Stanley Kramer algo tan divertido, riguroso y contundente como el cine de Otto Preminger. Y fan de Frank Langella. El Oscar de su juez Hoffman es de justicia.

Piel de gallina ante la conversación entre Pau Donés y Jordi Évole en Eso que tú me das. Mejor que la de Nicholas Ray y Wim Wenders en Relámpago sobre agua (1980). FOTOGRAMAS.ES · N OVI EM BR E 2 02 0

News

NACIONALES

Por Juan Pando.

‘LA FAMILIA PERFECTA’

Lo que le hacemos a Belén Rueda, bueno, a su personaje, no se lo deseo a nadie (risas). Le hemos tirado gallinas, ha tenido que lidiar con perros y hasta se cae al suelo bajo la lluvia. Pero lo ha afrontado con mucha deportividad. Ha sido espectacular. Lo da todo y te dices, ¿cómo puede ser alguien tan generoso? Arantxa Echevarría, ganadora del Goya a la Mejor Dirección Novel por Carmen y Lola (2018), está alegre y relajada a punto de completar el rodaje de su segunda película, La familia perfecta, que producen Atresmedia Cine y LaZona Films. No las tenía todas consigo cuando empezó la filmación. Nos preocupaba que un contagio por la COVID-19 obligase a parar el trabajo, con lo que supone eso en lo económico. Lo que más miedo me daba era, con todo, el mundo mascarilla y toda la información no verbal, tan importante, que se pierde al llevarla. Al final todo está saliendo muy bien. Había muchas ganas de trabajar por parte de todos y creo que ha influido que se trata de una comedia pura y dura. Jose Coronado en chándal. Belén Rueda es Lucía, una mujer de mediana edad, directora de un colegio, que vive en un palacete en pleno Madrid y está casada con un miembro de la Academia de Ciencias Exactas, Ernesto (Gonzalo de Castro; es un crack, a veces no podíamos seguir de la risa. Le das una lata de refresco y te improvisa un gag). 34

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Su mundo se le cae encima el día que su hijo, abogado, en cuya educación se ha volcado y para quien planea un futuro prometedor, le dice que se ha enamorado de su profesora de zumba en el gimnasio, Sara (Carolina Yuste, que repite con la cineasta después de haber ganado el Goya a Mejor Actriz Revelación a sus órdenes en Carmen y Lola). La joven, libre y deslenguada, viste con colores chillones y es hija de una conductora de autobús (Pepa Aniorte) y un ebanista (Jose Coronado). A Jose lo hemos puesto muy hortera, pobre, con chándal y cadenita de oro, desvela Echevarría. Ha sido un placer trabajar con él, tiene una técnica brutal y te da sin problema lo que quieres. Cautivos del qué dirán. La película, con guion de Olatz Arroyo, aborda con humor el síndrome del nido vacío de muchas madres y juega a confrontar a personas de clases sociales diferentes. El objetivo, precisa, es provocar reacciones violentas en gente que vive de cara al escaparate y solo piensa en el qué dirán. En el fondo trata de una mujer de 50 años que no acaba de comprender qué ha visto su hijo en esa chica que le gusta, pero cuando conoce a su padre se da cuenta de que ella creía que tenía una familia y una vida perfectas cuando en realidad se estaba perdiendo a gente de carne y hueso, y emociones y sentimientos auténticos. Y se hace un buen lío. ◆

Fotos: Emilio Pereda.

UNA DAMA Y UN BRIBîN

Lucía (Belén Rueda) y Miguel (Jose Coronado), consuegros muy peculiares.

“LUCÍA ES UNA MUJER DE 50 AÑOS QUE SE DA CUENTA DE QUE SE ESTÁ PERDIENDO EMOCIONES Y SENTIMIENTOS AUTÉNTICOS”.

UNA CINEASTA TODOTERRENO

Arantxa Echevarría, Gonzalo de Castro y Belén Rueda.

Directora, guionista y productora, Arantxa Echevarría (Bilbao, 1968) emigró a Australia tras licenciarse en Imagen en la Universidad Complutense de Madrid. Me pilló la crisis del cine de 1992, recuerda. Quería aprender inglés y me fui a un sitio en el que el billete era caro para no volverme ante el primer inconveniente. La mejor inversión de mi vida. En los tres años que viví allí hice un curso de producción en Sídney. Antes de ganar el Goya por Carmen y Lola estuvo nominada al premio por su corto De noche y de pronto. Me divierte jugar con los géneros y con mis cortos he hecho comedia (Yo, presidenta), terror (El último bus), historia (Don Enrique de Guzmán) y hasta ciencia ficción (7 from Etheria).

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NEWS RODAJES

El verano de la noche mágica de San Juan Peu e foto della enis quiam quide.

Foto: La Diapo Fotografía.

Los veranos son el tiempo en el que se reencuentra a esos amigos que no se ve el resto del año. Como le pasa a Rodri (Adrián Baena) en Live is Life cada vez que viaja, en los años 80, de Cataluña al pueblo gallego de sus padres. Lo mismo que hacía de chaval el director Dani de la Torre, que se pone de nuevo tras la cámara de cine con esta historia de camaradería juvenil, a partir de una historia de Albert Espinosa (Pulseras rojas), después de haber estrenado la serie La Unidad. Aquellos maravillosos años. La pandilla la completan Suso (David Rodríguez), Garriga (Javier Casellas) y los gemelos Álvaro y Maza (Juan y Raúl del Pozo). Los muchachos tienen las mismas ganas de vivir de siempre, pero esta vez se embarcarán en la mayor aventura

Desde la izda., Raúl del Pozo, Adrián Baena, Javier Casellas, David Rodríguez y Juan del Pozo.

que recuerdan, escaparse la noche de San Juan en busca de una flor mágica que, según la leyenda, crece en lo alto de una montaña y puede hacer realidad los deseos. Ruedan en la Ribeira Sacra y en Barcelona. Un entorno natural espectacular, muy complicado para

filmar, pero que merece ser fotografiado por primera vez en el cine, explica el director. Los mismos lugares por los que corría con mi bici y mis amigos de chaval. Producen Atresmedia Cine, 4 Cats Pictures y Live is Life AIE. Distribuye Warner.

UNA SOMBRA NAZI DEL PASADO

Foto: Mariam Useros Barrero.

Marisa Paredes.

Una comunidad de exdirigentes nazis que disfrutan en 1982 de una vejez dorada en la Costa Blanca es el eje central del thriller El sustituto, dirigido por Óscar Aibar (El gran Vázquez). Su aparente paz se verá alterada con la llegada de un joven policía, que empieza a hacer molestas investigaciones al descubrir que su antecesor murió asesinado. Ricardo Gómez (1898. Los últimos de Filipinas), Vicky Luengo (Antidisturbios) y Pere Ponce, actor fetiche de Aibar, encabezan un reparto que incluye a Joaquín Climent, Susi Sánchez, Bruna Cusí y Guillermo Montesinos. Ruedan en la Comunidad Valenciana. Producen Tornasol, Voramar Films e Isaba Producciones con la belga Entre Chien et Loup.

Marisa Paredes, Alba Flores, Nora Navas, Julieta Serrano, Luisa Gavasa, Ana Gracia, Ana Labordeta y Ana Belén, como narradora, son algunas de las actrices que prestan su voz y su rostro en Las cartas perdidas a mujeres anónimas que sufrieron el exilio o la prisión durante la Guerra Civil. La propuesta, escrita y dirigida por Amparo Climent, a partir de su propia obra teatral, retrata cartas reales de la época. El rodaje recorrerá Madrid, Castilla-La Mancha, Aragón, la Comunidad Valenciana, Andalucía y el sur de Francia porque cada carta, que es representada por una intérprete distinta, se localizará en los lugares desde donde fue escrita (cárceles, campos de concentración) o, en su defecto, desde un espacio simbólico, como el Cementerio de la Almudena de Madrid o el pueblo zaragozano de Belchite. La cinta incluirá imágenes de la contienda inéditas en España. 36

NOVI E M BR E 2 02 0 · FOTOGRAMAS.ES

Ricardo Gómez con Vicky Luengo.

Foto: Laia Lluch.

VOCES OLVIDADAS

THE END

EDWARD S. FELDMAN

MICHAEL LONSDALE

FRANCESC BETRIU

Director y guionista español. 7 octubre. 80 años. El pasado mes de enero de este maldito año 2020, Francesc Betriu recogía, con timidez y humildad, el Premio Gaudí de Honor. Una actitud que siempre lo acompañó como guionista, director y como cinéfilo, incluso también en la faceta de periodista (como hizo en estas mismas páginas). Esa bonhomía, que se puede apreciar en trabajos como La plaça del Diamant (1982), el documental Mónica del Raval (2009) o su obra maestra, Sinatra (1988), contrastaba por la virulencia sardónica de títulos que fueron una andanada contra la España de

la época, desde la censuradísima Furia española (1975) a esa suerte de borrador de Parásitos pasado por Buñuel que es Los fieles sirvientes (1980), o la sensual y mordaz La viuda andaluza (1977), Réquiem por un campesino español (1985) y La duquesa roja (1997). Con muchos guiones que nadie quiso producir, Betriu, autor de otros films como Una pareja perfecta (1998), El paraíso ya no es lo que era (2001) o su debut, ese Corazón solitario (1973) que parecía reírse en su cara de la pija Escuela de Barcelona, siempre fue uno de los más grandes de nuestro cine.

Actor francés. 21 septiembre. 89 años. De padre británico y madre francesa, Michael (aunque en muchos films franceses se le acredita como Michel) Lonsdale vio cómo su dominio del inglés le dio proyección internacional de la cual surgirían sus papeles más populares: el megalómano Hugo Drax en Moonraker (L. Gilbert, 1979); el viejo asesino de Ronin (J. Frankenheimer, 1998); el comisionado de Chacal (Fred Zinnemann, 1973), o el diplomático de Lo que queda del día (J. Ivory, 1993). Tras destacar como secundario, sería Truffaut quien le daría dos roles míticos en La novia vestía de negro y Besos robados, ambas de 1968. No dejaría nunca ya de trabajar, en Francia (Un soplo al corazón, El proceso, El fantasma de la libertad, Sección especial, El otro señor Klein, De dioses y hombres…) o fuera de ella (Y llegó el día de la venganza, Una inglesa romántica, El nombre de la rosa, Carros de fuego, El pasaje, Los fantasmas de Goya, Ágora…).

Productor estadounidense. 6 octubre. 91 años. En activo desde los años 70 (Salvad al tigre, Pánico en el estadio…), alcanzó importancia en los 80 (Único testigo, Matrimonio de conveniencia, El chico de oro, Carretera al infierno…) y la gloria en los 90 (El show de Truman…).

CLARK MIDDLETON Actor estadounidense. 4 octubre. 63 años. El Charlie de la última temporada de la serie Twin Peaks o el Glen Carter de la también televisiva The Blacklist fueron sus roles más populares. En cine: Kill Bill. Vol. 2; Sin City; Birdman; Snowpiercer…

ARMELIA MCQUEEN Actriz y cantante estadounidense. 4 octubre. 68 años. Era una de las gritonas hermanas de la vidente de Ghost, acaso su rol en cine más recordado. Intervino en Acción Jackson, Sparkle, Quartet…

FRANK WINDSOR Actor inglés. 30 septiembre. 92 años. Muy popular gracias a la pequeña pantalla (la longeva serie policíaca Z Cars), ennobleció los repartos de El ingenuo salvaje; Domingo, maldito domingo; Atraco a la inglesa; La cacería; La familia Compton; Revolución…

Fotos: Getty Images y Archivo Fotogramas.

HERMANN BONNÍN Actor y director teatral español. 25 septiembre. 84 años. Nombre clave del teatro catalán y en catalán, alternó la gestión y la interpretación en las tablas con intervenciones como actor en La señora, Volverás, La ciudad de los prodigios, El largo invierno…

JULIETTE GRÉCO

GERARDO VERA

MICHAEL CHAPMAN

Cantante y actriz francesa. 23 septiembre. 83 años. Diva de la chanson, Juliette Gréco fue también actriz en teatro, televisión (Belphegor, el fantasma del Louvre) y cine. Trabajó con Jean Cocteau (Orfeo, 1950) y Jean Renoir (Elena y los hombres, 1956). En Hollywood rodó Fiesta (H. King, 1957), Las raíces del cielo (J. Huston, 1958) y La noche de los generales (A. Litvak, 1967). Desde los 70 se dedicó solo a la canción.

Director artístico, diseñador de producción y vestuario, y director español. 20 septiembre. 73 años. Los escenarios teatrales fueron su lugar de mágicas creaciones como diseñador artístico y de vestuario. De allí saltaría al cine, no solo en esas facetas (El amor brujo, Divinas palabras, La mitad del cielo, El Dorado, La niña de tus ojos…), sino también dirigiendo títulos como La Celestina, Una mujer bajo la lluvia o las espléndidas Deseo y Segunda piel.

Director de fotografía estadounidense. 20 septiembre. 84 años. Curtido como operador en El Padrino, Klute o Tiburón, daría lo mejor con Martin Scorsese: Taxi Driver, El último vals, Toro salvaje y el videoclip Bad. Lejos del director neoyorquino tampoco defraudó: El último deber, La tapadera, El fugitivo, La invasión de los ultracuerpos… Dirigió El clan del oso cavernario, La clave del éxito, Annihilator…

RON COBB Artista conceptual y diseñador de producción estadounidense. 21 septiembre. 83 años. John Carpenter y Dark Star (1974) le abrieron las puertas del cine, donde diseñaría escenarios, naves, artefactos, etc. en clásicos como Alien, el octavo pasajero; La guerra de las galaxias; Aliens, el regreso; Conan, el bárbaro; Regreso al futuro; Abyss; En busca del arca perdida…

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NEWS FESTIVALES

Sevilla: mujer y cine europeo El año del descubrimiento, de Luis López Carrasco; Karen,de María Pérez Sanz, y La vida era eso, de David Martín de los Santos son los títulos españoles incluidos en la Sección Oficial del 17.º Festival de Sevilla. Esto es Cine Europeo (6 al 14 de noviembre), junto con cintas extranjeras Ondina, de Christian Petzold; Siberia, de Abel Ferrara, o ¡Queridos camaradas!, de Andrei Konchalovski, entre otras. El certamen estrena nueva sección, Historias Extraordinarias, que fija su mirada en retratos familiares y de iniciación a la vida, y en la que este año la mitad de los títulos, como Nación, de Margarita Ledo, o El arte de volver, de Pedro Collantes, tratan de procesos de cambio y toma de conciencia de mujeres en distintas etapas vitales. A esta se suma un apartado no competitivo on-line para reflexionar sobre los conflictos bélicos bajo el epígrafe Instrucciones para un

‘Pa’trás, ni pa’tomar impulso’, de Lupe Pérez García.

mundo en llamas. Guerra y utopía en el cine europeo hoy, que inaugurará, con estreno también presencial, la producción de animación My Favorite War, de Ilze Burkovska Jacobsen. El cine hecho en Andalucía cuenta con espacio propio en Panorama Andaluz, con propuestas como Ojalá mañana, de Ignacio

G. Merlo, o Llega la noche, de Hilario Abad. El homenaje es para la cineasta y fotógrafa italiana Cecilia Mangini, de 93 años, a cuya obra se dedica un amplio ciclo. Sevilla es, como cada año, el lugar elegido por la Academia de Cine Europeo para anunciar las nominaciones de sus premios, los Felix.

ZINEBI: HOMENAJE A LOS HERMANOS DARDENNE Y CORTOS DE AUTOR

‘Once Upon a Youth’, de Ivan Ramljak.

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Los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne son los protagonistas del 62º Festival de Cortometraje y Documental de Bilbao, Zinebi (13 al 20 de noviembre), el único certamen de clase A de España en su categoría, que les rendirá homenaje y ha programado un ciclo de sus films documentales, en el que se incluye la versión restaurada de El canto del ruiseñor (1978), su debut en la dirección. Entre los participantes en la sección de cortos a competición concurren la actriz italiana Jasmine Trinca, con Being My Mom, y el animador Alberto Vázquez con Homeless Home. En la sección Zinebi First Film, dedicada a las óperas primas, que celebra su quinta edición, se estrenan nueve largometrajes inéditos en nuestro país, como el croata Once Upon a Youth, de Ivan Ramljak; el estadounidense Beast Beast,

de Danny Madden; el portugués A nossa terra, o nosso altare, de André Guiomar, y Petit samedi, de Paloma Sermon-Daï. Son también primicia en España siete de los nueve títulos incluidos en la octava edición de la sección Beautiful Docs, Panorama de documentales del mundo, como City Hall, de Frederick Wiseman; Il n’y aura plus de nuit, de Éléonore Weber; A metamorfose dos pássaros, de Catarina Vasconcelos, o Punta Sacrae, de Francesca Mazzoleni. Zinebi dedica una sesión especial a cortometrajes realizados este año 2020 por cineastas reconocidos, con propuestas como Strasbourg 1518, de Jonathan Glazer; Fiori, fiori, fiori, de Luca Guadagnino; Hidden, de Jafar Panahi; Omelia contadina, de JR & Alice Rohrwacher, y Stump the Guesser!, de Guy Maddin, Galen Johnson y Evan Johnson.

‘First Cow’, de Kelly Reichardt.

Gijón: directoras y nuevos realizadores La portuguesa Leonor Teles (Vila Franca de Xira, 1992), que a los 24 años ganó con su corto Balada de un batracio el Oso de Oro en el Festival de Berlín, y la argentina Ana Katz (Buenos Aires, 1975) son las dos directoras en cuya obra centra su atención el 58.º FICX, Festival de Cine de Gijón (20 al 28 de noviembre), enfocado este año, en especial, en la

mujer. El certamen consolida, además, su apuesta por el cine independiente, el descubrimieto de nuevos valores y las películas iberoamericanas más comprometidas, para lo cual divide su Sección Oficial en tres apartados, cada uno con galardón propio. Albar es para films de creadores acreditados, como First Cow, de Kelly Reichardt, o À l’abordage, de

SERIES ESPAÑOLAS Y EXTRANJERAS EN PRIMICIA Y DEBATES CON SUS ACTORES Y SHOWRUNNERS Encuentros en Madrid con el reparto de Veneno; el showrunner de El Ministerio del Tiempo, Javier Olivares, o los responsables de Antidisturbios. Y en Barcelona, un coloquio con Vicky Luengo, protagonista de esta última serie; Diana Gómez (Valeria) y Georgina Amorós (Élite, Vis a vis) son algunas de las actividades presenciales con las que concluye el VII Serielizados Fest. El certamen contará también con charlas virtuales con figuras como Damon Lindelof, Sally Wainwright o Josh Thomas. De este último se presentará la serie Everything’s Gonna Be Okay, que junto a la noruega 22. Juli, la danesa Cry Wolf, la belga Albatros, la francesa Parlement y las suecas We Got This y Thin Ice, conforman la primera sección competitiva del festival.

Guillaume Brac. Retueyos es el lugar de los nuevos realizadores como Fon Cortizo (9 Fugas) o Jeanette Nordahl (Wildland). Tierres en Trance, donde se estrena Transoceánicas, de la española Meritxell Colell y la argentina Lucía Vasallo, mira al otro lado del mar. Habrá, también, una exposición dedicada al animador Alberto Vázquez.

‘Saint Maud’, de Rose Glass.

ANIMACIÓN Y FOTOGRAFÍA CON ACENTO FEMENINO

Los actos presenciales se inauguran en Barcelona y concluyen en Madrid, con la entrega de premios.

El film de terror Saint Maud, de la británica Rose Glass; el drama Nevia, de la italiana Nunzia De Stefano, y la comedia Aurora, de la finesa Miia Tervo, son algunos de los títulos que compiten en el III Festival de Cine por Mujeres (4 al 15 de noviembre). Esta edición prestará atención especial a las profesionales de la animación y la fotografía. Entre las actividades, en gran medida virtuales, destaca la conferencia de la directora de fotografía sueca Sophie Winqvist. FOTOGRAMAS.ES · NOVIEM BR E 2 020

NEWS CRÓNICA 53º FESTIVAL DE SITGES 1

Sin miedo al miedo Nada mejor que dejarse de temores (¿Otra vez zombis? ¿Otra vez la Guerra Civil?) que haciendo volar (literalmente) convenciones por los aires con Malnazidos (Alberto de Toro y Javier Ruiz Caldera), entonado mix de John Carpenter y Berlanga que puso en pie al público. ¿Cómo no perdonar a un festival que lo da todo por celebrarse presencialmente? Sí, algún título aburrido nos tuvimos que pasar, pero… ¿quién más osaría programar El hombre elefante (David Lynch, 1980), El imperio contraataca (Irvin Kershner, 1980), Furia oriental (Wei Lo, 1972), Desafío total (Paul Verhoeven, 1990) y la magistral Flash Gordon (Mike Hodges, 1980).…? Pánico interior. La disociación, física y mental, fue un elemento recurrente en esta edición. La asesina profesional que ocupa cuerpos para sus misiones en la 40

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gran triunfadora Possessor Uncut, incursión de Brandon Cronenberg (también mejor director) en la paranoia de Philip K. Dick y de su propio padre (Scanners). Propuesta que renueva el dolor de la nueva carne y que tuvo una suerte de divertida variación thriller coreano en Spiritwalker, de Yoon Jae-Keun. Cosmética del enemigo, académica adaptación de Kike Maíllo de la novela de Amélie Nothomb, convertía en diálogo de telefilm de Colombo una premisa digna de El corazón delator de Poe. La estimulante Come True (Anthony Scott Burns) derribaba fronteras entre sueño y vigilia para acabar hablando de la génesis de un mito, mientras que la cerebral Minor Premise, de Eric Schultz reinterpretaba al doctor Jekyll a base de muchos Mr. Hyde. Aunque para universo P. K. Dick llevado a Burgos (o a Nueva

York), la fascinante Un efecto óptico, de Juan Cavestany. Por no hablar del mágico, noir y onírico Twin Peaks de Alan Moore que es la genial The Show, de Mitch Jenkins. Pavor natural… a la naturaleza, especialmente la de la antifábula ecológica francesa La nuée, de Just Philippot, y sus langostas hijas de El enjambre (Irwin Allen, 1978), La tienda de los horrores (R. Corman, 1960) y el drama familiar. O en la insoportable Mosquito State (Filip Jan Rymsza), torpe parábola sobre la crisis capitalista a base de una torpe metáfora de La metamorfosis de Kafka. Menos mal que Quentin Dupieux, su mosca gigante y sus dos tontos muy tontos de Mandibles nos reconciliaron con los insectos. El retorno de Juanma Bajo Ulloa a sus mejores años, los de La madre muerta y Alas de mariposa,

Fotos: Festival de Sitges.

Con todo en contra (limitación de aforo, restricciones, la pandemia…), el 53º Sitges Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya hizo del amor al cine su mejor arma para componer una edición (también ‘on-line’) que tomó el pulso al fantástico en tiempos de incertidumbre. Por Fausto Fernández (enviado especial).

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1. El jurado de la Sección Oficial del 53º Festival de Sitges: Juana Acosta y María del Puy Alvarado con David Matamoros, Víctor García y Borja Crespo. 2. Andrea Riseborough en ‘Possessor Uncut’, la gran vencedora del certamen. 3. El equipo de ‘La vampira de Barcelona’. 4. Najwa Nimri con su Gran Premio Honorífico. 5. Paco Plaza recibió de mano de los organizadores el Premio Méliès a la carrera. 6. Juanma Bajo Ulloa presentó su nuevo trabajo, ‘Baby’. 7. El festival reconoció la trayectoria del diseñador de sonido Oriol Tarragó con una María Honorífica. 8. David Lynch agradeció con un vídeo-unboxing rodado en su taller el Premio de Honor.

con Baby vino acompañado de telúricos protectores de la protagonista de este magnífico cuento cruel. Naturaleza amistosa en Sea Fever (Contagio en alta mar), de Neasa Hardiman, un La cosa light, y azote del hombre feroz en la nada sutil Cosmogonie/Hunted, de Vincent Paronnaud. Con miedo al miedo. Las mayores decepciones vinieron de films que se amedrentaban ante el propio género fantástico, prefiriendo el mensaje o simplemente el sermón. El peor ejemplo fue Lucky, de Natasha Kermani, donde todos los hombres son por definición acosadores, maltratadores y violadores. El otro gran horror de esta edición fue esa tomadura de pelo hipster titulada She Dies Tomorrow, perpetrada, con alevosía mumblecore, por Amy Seimetz, la absoluta nada sobre la absoluta nada que es el universo de la modernez actual. Relic, de Natalie Erika James, traicionaba la atmósfera fantástica por la sororidad intergeneracional donde sí que se puede amar al monstruo si es mujer. Afortunadamente, Kandisha, del tándem Maury & Bustillo, vino a poner

EL PALMARƒS

sensatez (y a crear polémica) comparando a su demonio femenino con un #MeToo mal entendido. Lo clásico no (sí) asusta. Lo clásico nunca decepciona. Del hombre lobo adolescente nerd de Teddy, dirigida por los gemelos Boukherma, a ese Drácula comunista metiendo baza en Vietnam en la caricaturesca Drakulics elvtárs, de Márk Bodzsár, pasando por más vampiros locos en la irlandesa Boys from County Hell, de Chris Baugh; la caza de brujas de Neil Marshall en la adorablemente fallida The Reckoning; el repaso al expresionismo, la Hammer, Fellini y Desde el Infierno que es La vampira de Barcelona, de Lluís Danés; la excitante escape room Meandre, de Mathieu Turi; la Repulsión de Rose Glass que es la estupenda Saint Maud; la casa encantada de The Dark & The Wicked, de Bryan Bertino; la fantasmal y fetichista The Stylist, de Jill Gevargizian; la preciosa Wendy de Benh Zeitlin redescubriendo Peter Pan, o esa declaración, sin miedo, al género que es la televisiva miniserie de Álex de la Iglesia 30 Monedas. ◆

MEJOR PELÍCULA: Possessor Uncut (Canadá), de Brandon Cronenberg. PREMIO ESPECIAL DEL JURADO: La nuée (Francia), de Just Philippot. MEJOR DIRECCIÓN: Brandon Cronenberg, por Possessor Uncut. MENCIÓN EN DIRECCIÓN: Natalie Erika James, por Relic (Australia). MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA: Grégoire Udige y David Marsais, por Mandibles (Francia), de Quentin Dupieux. MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA: Suliane Brahim, por La nuée (Francia), de Just Philippot. MENCIÓN INTERPRETACIÓN FEMENINA: Marin Ireland, por The Dark & The Wicked (EE. UU.), de Bryan Bertino. MEJOR GUION: Márk Bodzsár, Juli Jakab e István Tasnádi por Drakulics elvtárs (Hungría), de Márk Bodzsár. MEJORES EFECTOS ESPECIALES: Mosquito State (Polonia, EE. UU.), de Filip Jan Rymsza. MEJOR FOTOGRAFÍA: Tristan Nyby por The Dark & The Wicked (EE. UU.), de Bryan Bertino. MEJOR MÚSICA: Bingen Mendizábal y Koldo Uriarte por Baby (España), de J. Bajo Ulloa. GRAN PREMIO DEL PÚBLICO: La vampira de Barcelona (España), de Lluís Danés. MEJOR CORTOMETRAJE DE GÉNERO FANTÁSTICO-FOTOGRAMAS: The Luggage (Taiwán), de Tsai Yi-fen. MENCIÓN ESPECIAL CORTOMETRAJE: Rutina: La prohibición (España), de SAM. NOVES VISIONS: El elemento enigmático (Argentina), de Alejandro Fadel. SITGES DOCUMENTA: Ivan, O Terrível (Brasil), de Mario Abbade. JURADO DE LA CRÍTICA: Teddy (Francia), de Ludovic y Zoran Boukherma. ANIMA’T: Bokura no Nanoka-Kan Sensô (Japón), de Yuta Murano.

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NEWS CRÓNICA 68º FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 1

Excelencia en tiempos de pandemia Hay factores que determinan la excelencia de un festival, sobre todo en los momentos difíciles. Por supuesto, resulta imprescindible una buena programación, pero casi más importante, una organización a la altura de las circunstancias, que tenga cercanía, respeto y compromiso con los espectadores y con todos los agentes implicados. Y capacidad de reinvención. Que sea capaz de convertir los impedimentos en una virtud al mismo tiempo que consigue que todo el mundo se sienta seguro y cómodo. En estos tiempos de constante incertidumbre, en los que convive el miedo al virus y el pavor a la hecatombe de la industria cinematográfica, el Festival de San Sebastián ha demostrado que, con elegancia, responsabilidad y rigor, se puede hacer frente a algunos de los hándicaps que la pandemia ha 42

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ido poniendo por el camino a base de mucho trabajo y la puesta en marcha de una maquinaria perfectamente engrasada. Por eso, en su edición más complicada, el Zinemaldia ha salido fortalecido, incluso encumbrado. Una vencedora incómoda. Ha sido el año de las apuestas rotundas en el palmarés, el año de una película que, a riesgo de incomodar, se ha llevado todos los premios en una decisión histórica por parte de un jurado presidido por Luca Guadagnino. Beginning es la ópera prima de la georgiana Dea Kulumbegashvili y desde el principio se convirtió en la favorita de la cinefilia más exigente. Una parábola repleta de simbología sobre el fanatismo dominada por una exquisita puesta en escena, con encuadres pictóricos repletos de tensión y violencia interna, que nos descubre la mirada de una cineasta

única y valiente capaz de excavar en la misoginia incrustada en una sociedad enferma para hablar del sometimiento de la mujer a través del miedo y la humillación sistemática. Últimas rondas. El experimento sociológico de Thomas Vinterberg en torno al alcohol, Druk (Another Round), fue otro de los títulos que venían abalados por el Festival de Cannes y que despertó una mayor simpatía en el público a pesar de su mensaje ambiguo. Una divertida, pero también oscura aproximación a la crisis de la masculinidad con un Mads Mikkelsen soberbio que nos introduce en los infiernos del fracaso vital. No fue la única película premiada en la que las adicciones se convertían en auténticas protagonistas. También el documental de Julien Temple Crock of Gold: A Few Rounds with Shane MacGowan abordaba

Fotos: Getty Images.

El certamen más importante de nuestro país ha dado una lección de cómo hacer las cosas bien en una situación tan difícil como la que nos encontramos. Una organización impecable y un palmarés de ensueño para una edición memorable en la que se suplió las condiciones adversas con espíritu de lucha. Por Beatriz Martínez (enviada especial).

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1. La realizadora Dea Kulumbegashvili, gran triunfadora. 2. Johnny Depp, estrella del festival y productor de ‘Crock of Gold: A Few Rounds with Shane MacGowan’. 3. Viggo Mortensen con su Premio Donostia. 4. Matt Dillon presentó film como director, ‘El Gran Fellove’. 5. El equipo de la serie ‘Antidisturbios’. 6. Bárbara Lennie acudió con ‘Escenario 0’. 7. Julien Temple, Premio Especial del Jurado. 8. Los productores de ‘Beginning’ con la Concha de Oro.

la figura del líder de The Pogues tras toda una vida de excesos para situar al personaje en el centro de un viaje a la historia de Irlanda y a la época de la explosión del género punk. Punto de vista en femenino. Dos de las miradas femeninas más sugerentes dentro de la competición llegaron de la mano de la japonesa Naomi Kawase y la francesa Danielle Arbid. La primera presentó True Mothers, un delicadísimo relato sobre la maternidad desde dos puntos de vista, el de la madre biológica y el de la de acogida a partir de todo el dolor que puede provocar un proceso de adopción no deseado por parte de la progenitora. La segunda, con Passion simple, adapta un relato de Annie Ernaux para hablar de la obsesión sexual y las trampas del deseo con una estupenda Laetitia Dosch como protagonista. Además, junto a Dea Kulumbegashvili en competición oficial, las directoras también acapararon la mayor parte de premios en las secciones paralelas. Isabel Lamberti con La última primavera, filmada en la Cañada Real, se impuso en Nuevos Directores; Fernanda

Valadez hizo lo propio en Horizontes con Sin señas particulares, así como Catarina Vasconcelos en ZabaltegiTabakalera con A Metamorfose dos Pássaros. Lo viejo y lo nuevo. Maite Alberdi y El agente topo consiguió el Premio del Público a la Mejor Película Europea, evidenciando que el tema de la vejez resulta más sensible que nunca, sobre todo si tenemos en cuenta que este excepcional documental detectivesco transcurre en una residencia de la tercera edad y que nos sumerge de forma muy sensible en el abandono a nuestros mayores. También la ópera prima de Viggo Mortensen, Falling, giraba en torno a un personaje con inicio de demencia senil, al igual que El padre, protagonizada por un inmenso Anthony Hopkins. Y en otro orden de cosas, este también fue el año del desembarco masivo de series en el festival: Patria, creada por Aitor Gabilondo; Antidisturbios, de Rodrigo Sorogoyen; Dime quién soy, basada en la novela de Julia Navarro, en la que brilla Irene Escolar, y We Are Who We Are, de Luca Guadagnino. ◆

EL PALMARƒS CONCHA DE ORO: Beginning, de Dea Kulumbegashvili (Georgia). CONCHA DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN: Dea Kulumbegashvili por Beginning (Georgia). PREMIO ESPECIAL DEL JURADO: Crock of Gold: A Few Rounds with Shane MacGowan, de Julien Temple (Reino Unido). CONCHA DE PLATA A LA MEJOR ACTRIZ: Ia Sukhitashvili, por Beginning (Georgia). CONCHA DE PLATA AL MEJOR ACTOR: Mads Mikkelsen, Lars Ranthe, Thomas Bo Larsen y Magnus Millang por Druk (Another Round) (Dinamarca). PREMIO DEL JURADO AL MEJOR GUION: Dea Kulumbegashvili y Rati Oneli por Beginning (Georgia). PREMIO DEL JURADO A LA MEJOR FOTOGRAFÍA: Yûta Tsukinaga por Any Crybabies Around? (Japón).

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ESTRENO # EL VERANO QUE VIVIMOS # ENTREVISTA

Blanca Suárez & Javier Rey

DÍAS DE VINO Y ROSAS Por Laura Pérez. Fotos: Rafa Gallar. Realización: Sylvia Montoliu.

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ue Carlos Sedes (La Coruña, 1973), director de Las chicas del cable y Fariña, acabara uniendo a los dos protagonistas de estas series, Blanca Suárez y Javier Rey, parecía casi un truco previsible del destino. Y lo hace, además, en un drama romántico con espíritu épico y factura de superproducción (ha contado con un presupuesto de seis millones de euros) con el que el realizador, habitual de la televisión, regresa al cine. Amores prohibidos, amistad, traiciones, secretos, desgracias… Una espectacular escenografía y una poderosa banda sonora arropan la historia con el sello de la productora Bambú, con quien Sedes ha dirigido Velvet, Gran Reserva o Alta mar. Hace dos veranos, el equipo se trasladó a Jerez de la Frontera para rodar esta cinta ambientada en el año 58, cuando dos grandes familias bodegueras preparan la boda que unirá a ambas sagas. La tragedia se desata al aparecer en escena un gallego interpretado por Javier Rey, amigo del novio (Pablo Molinero), quien primero se enamora del estilo de vida del sur, y después de su prometida, interpretada por Blanca Suárez. Nos hicimos con Jerez aquel verano, recuerda la actriz. Ella es una mujer temperamental y resuelta; él, un intelectual que busca el arte a través de la arquitectura. Si llegase un desconocido y en muy poco tiempo nos hiciese sentir algo diferente o quizá olvidado, nos replantearíamos toda nuestra vida. ¿Qué haríamos?, se pregunta el director. La respuesta la tiene clara, y ese es el germen de El verano que vivimos: El tiempo que vives una historia de amor, por corto que sea, te puede marcar toda la vida… y ojalá nos pase, sea el verano de 1958 o 1995. ¿Qué les resultó más interesante de un proyecto como este? JAVIER REY: Reunía unos ingredientes que creo que han conseguido una película muy épica con una gran historia de amor. Me apetecía mucho hacer algo así. BLANCA SUÁREZ: El planteamiento inicial era hacer una gran película, casi legendaria. Con algo de esas características, ni lo dudé. Me atrajo también que estuviera Javier.

Peluquería y maquillaje: Natalia Belda (Mr. Pérez) para Dyson. Grooming: Alba Nava para Dior y Balmain Hair Couture. Ayte. de estilismo: Ángela González. Blanca Suárez: vestido de alpaca de Dior. Javier Rey: polo de Zara.

Los populares intérpretes protagonizan ‘El verano que vivimos’, un drama romántico ‘bigger than life’ que los ha unido también en la vida real. Hablamos con ellos de esta superproducción ambientada en los años 50 y con las bodegas de Jerez como telón de fondo.

“RECUERDO QUE CUANDO EMPEZABA ME DECÍAN QUE ESTA PROFESIÓN ERA INESTABLE, PERO CON EL TIEMPO TODOS LOS TRABAJOS SE HAN CONVERTIDO EN ESO. LO QUE OCURRE ES QUE NOS GUSTA TANTO QUE PERDEMOS LA PERSPECTIVA DE LOS RIESGOS DE ELEGIR DEDICARNOS A ESTO”. Javier Rey, actor.

ESTRENO # EL VERANO QUE VIVIMOS # ENTREVISTA ENTREVISTA

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“IR AL CINE CONSISTE EN DEDICAR UNA TARDE DE TU VIDA, INVERTIR TU DINERO EN VER UNA HISTORIA Y DISFRUTAR DE ESE MOMENTO. ES UN ACTO MUY ESPECIAL Y PODER PROVOCARLO ES BONITO”. Blanca Suárez, actriz.

descubriendo por primera vez ese universo. En el guion lees la descripción de las viñas que hace el personaje de Pablo Molinero. Es preciosa, pero la ensayamos en una moqueta. Cuando llegas allí, te calzas las botas y pisas esa tierra que tiñe los pies y la parte de abajo del pantalón, el texto cobra una dimensión muy grande. B. S.: Además se dio muchas vueltas al tema de los acentos para encontrar un punto ni demasiado cerrado ni excesivamente neutro. En Jerez de la Frontera el tono para algunas palabras es muy particular. Trabajamos con mucho amor y respeto y, sobre todo, intentando que cuando el espectador lo vea no esté pensando todo el rato en el acento. ¿Cómo prepararon sus personajes? J. R.: Tratamos de dar capas de profundidad a las decisiones que toman. Nos esforzamos para encontrar la verdad de lo que ocurría y no quedarnos en la superficialidad. Fuimos con los deberes muy bien hechos a Jerez. B. S.: Ensayamos prácticamente toda la película antes de llegar. Las historias de amor y venganzas existen desde el origen del teatro y la literatura. ¿Por qué siguen emocionando en un mundo en el que la forma de relacionarnos y comunicarnos ha cambiando tanto? J. R.: Las consultas de terapia están llenas de gente que sufre por amor, y los teléfonos cargados de llamadas a amigos en emoción extrema o bajón máximo por amor o desamor. A cualquiera nos afecta, de una u otra manera, y todos hemos pasado o pasaremos por situaciones que vemos en el cine. Es un tema en el que la gente se ve reflejada en la pantalla y por eso creo que las historias de amor son bienvenidas. B. S.: Me parecen sentimientos tan puros, incontrolables y ancestrales que no hay nadie en el mundo que no empatice con ellos. Es imposible no hacerlo. Todos caemos, y da igual la época en la que vivas, hay emociones que nos mueven a todos. Ambos han trabajado en muchas series y son habituales en proyectos de diferentes

Izda.: Blanca Suárez: vestido de alpaca de Dior. Javier Rey: polo de Zara y pantalón de Dsquared2. Dcha.: Javier Rey: jersey camel de IKKS y pantalón gris con raya negra de Dockers. Blanca Suárez: jersey de mohair de Antik Batik y falda de Mirto.

Han rodado con un director y una productora con la que ya han trabajado mucho antes. ¿Qué papel juega esta relación? J. R.: La gente de Bambú tiene algo muy especial y es que crean un ambiente absolutamente familiar. Eso suma mucho porque te sientes miembro de un clan donde todo el mundo se parte el alma para que las cosas salgan bien. A gran parte del equipo técnico con el que hemos convivido dos meses ya lo conocíamos, y al final, eso se ve en la película. B. S.: Estoy absolutamente de acuerdo. Cuando trabajas con gente en la que confías y que incluso son amigos vas a rodar con un terreno ganado importante. Ya no eres el nuevo de la clase que llega el primer día de colegio sin conocer a nadie. Eso te permite actuar con libertad desde el minuto uno porque ya no tienes ese escalón de superar miedos o vergüenzas. El paisaje de Jerez ejerce una fuerza enorme en la historia y en los personajes. ¿Qué peso ha tenido para ustedes? J. R.: Es brutal. Hay una secuencia concreta, cuando mi personaje llega allí y se convierte en los ojos del espectador

plataformas. ¿Existe un romanticismo especial cuando se rueda una película de cine? J. R.: Una de las cosas bonitas de este proyecto es precisamente que su hábitat natural es la pantalla grande. Esos atardeceres, las marismas… Todo está filmado para que te quedes con la boca abierta. Sin duda, su lugar es una sala. B. S.: Para quienes trabajamos en esto el cine supone una experiencia más concreta en la vida, porque abarca un periodo de tiempo más breve. En cuanto al espectador, ir al cine forma parte de un plan que consiste en dedicar una tarde de tu vida, invertir tu dinero en ver esa historia y disfrutar de ese momento. Es un acto muy especial y poder provocarlo es bonito. En la película se habla mucho del deseo de atrapar el tiempo y lograr que perdure cada instante. ¿Hacer cine tiene algo de eso? B. S.: Para mí ser actriz no era un sueño ni un objetivo en mi horizonte. Me gustaba y me puse a ello por diversión y como una manera de compartir momentos con mis amigos. La cosa se fue complicando hasta que, de pronto, un día ves que es tu profesión. J. R.: Yo recuerdo perfectamente el momento en el que me di cuenta de que era actor. Me hicieron una encuesta en la puerta de casa sobre mi compañía de teléfono (ahora te llaman al móvil, pero antes se hacía así). Cuando pidieron los datos y me preguntaron la profesión, contesté: actor. Fue la primera vez que lo dije en voz alta. Yo ya hacía teatro y me ganaba la vida con ello, pero al

PASIÓN ENTRE VIÑEDOS Los productores de El verano que vivimos leyeron en la prensa que durante 20 años un hombre escribió esquelas con largos relatos a su mujer fallecida. De ahí nace esta película que se desarrolla en dos tiempos. En 1995, una estudiante que realiza sus prácticas de periodismo se pone tras la pista de unas cartas de amor que llegan a la sección de necrológicas. Tirando de ese hilo llega a conocer la historia de Lucía (Blanca Suárez), Hernán (Pablo Molinero) y Gonzalo (Javier Rey) sucedida en el verano de 1958 en Jerez de la Frontera. Con este triángulo amoroso rodado en las bodegas de González Byass, Bambú ha creado una trama de pasiones y tragedias con la inspiración de los grandes romances cinematográficos. Completan el reparto María Pedraza, Adelfa Calvo y Mercedes Sampietro en un pequeño papel.

principio había una cosa como de vergüenza al decirlo. B. S.: Lo que pasa con esto es que la mayor parte del tiempo no estás en un proyecto continuado. Hoy soy actriz, pero a lo mejor cuando acabe este trabajo no me vuelven a llamar. Hay algo en ese ‘yo soy actriz’ que aún hoy me cuesta decir, porque sé que se puede acabar en cualquier momento. J. R.: Ahora sucede algo que antes no pasaba. Recuerdo que cuando empezaba me decían que esta profesión era inestable, pero con el paso del tiempo todos los trabajos se han convertido en eso. Lo que nos ocurre es que nos gusta tanto lo que hacemos que a veces perdemos la perspectiva de los riesgos de elegir dedicarnos a esto. Es un momento de grandes cambios en la profesión. J. R.: La gran diferencia para mí son las historias que se cuentan, porque aquí siempre hemos rodado muy bien. Desde que se decidió que no necesariamente todas las tramas son para todos los públicos hemos hecho grandes series y películas, y ya somos una industria muy completa. B. S.: La llegada de las plataformas ha alterado todo. Lo tenemos tan integrado que parece que llevan aquí toda la vida, pero solo hace cinco años que aterrizó Netflix en España. Ha cambiado la proyección de la ficción que se crea en nuestro país y se ha exportado mucha producción española. Tener la oportunidad de que en un clic tu proyecto vuele a casi 200 países es una barbaridad. ◆ ESTRENO: 6 NOVIEMBRE

El verano que vivimos (España, 2020, 119 min.). DRAMA.

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ESTRENO # SENTIMENTAL # ENTREVISTA

Gay Cesc

EL FORENSE DE LA INTIMIDAD Su última película, ÔSentimentalÕ, que adapta su propia obra de teatro, hurga en el matrimonio y las relaciones de pareja, en los conflictos que se acumulan y no se afrontan hasta que estallan. Aprovechamos su estreno para hablar con el cineasta de este viaje teatral de ida y vuelta, y de mucho más. Por Paula Ponga.

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Fotos: Caterina Barjau, Mariano Herrera.

o que son las cosas. FOTOGRAMAS y Sentimental están conectados por un azar: una foto no hecha que hubo que capturar a destiempo. Rebobinemos. Marzo, 2016, una nave desangelada en la que Cesc Gay (Barcelona, 1967) ensayaba en Madrid su primera obra teatral, Los vecinos de arriba (con Candela Peña, Pilar Castro, Xavi Mira y Andrew Tarbet). La noche anterior había recibido el Fotogramas de Plata a la Mejor Película Española de la Crítica por su aclamada Truman (2015). Pero, apremiado por ese compromiso temprano, se había esfumado de la fiesta sin el posado reglamentario estatuilla en mano imprescindible para la crónica. A la mañana siguiente emprendimos (la fotógrafa y quien escribe esto) su busca y captura, y presenciamos, sin saberlo, el embrión de Sentimental: una obra que verían 240.000 espectadores en España y 200.000 en Argentina, y que tras un variopinto recorrido (Colombia, México, Portugal, República Dominicana, Chile…) llega ahora a las pantallas. La historia parte de una anécdota real, cuando el cineasta y su mujer, la actriz Àgata Roca (coprotagonista de la función en Barcelona, junto a Nora Navas, Jordi Rico y Pere Arquillué), escuchaban los gritos de una vecina cada vez que practicaba sexo. Nunca se lo dijeron a ella, pero el

“ME ENCANTARÍA HACER UNA PELÍCULA DE CIENCIA FICCIÓN. SOY FAN ABSOLUTO. NADA ME GUSTARÍA MÁS QUE METERME EN UNA NAVE ESPACIAL Y VIAJAR EN EL TIEMPO. PERO ES TAN CARO…”.

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cineasta tiró de ese hilo y le salió una comedia. “ME DA VERGÜENZA el mundo de las redes sociales, que no tengo, Ácida, amarga, incómoda, hilarante a ratos. LEERME, ESCUCHARME, no me gustan. No es la primera vez que cambia de formato: ¿Hace cuánto que no lee una entrevista suya? VERME. DESDE SIEMPRE. ya lo hizo con Félix (2018), su incursión en la Alguna vez sí que he leído alguna, pero por enSOY PUDOROSO. televisión con un peculiar policíaco. Y de nuecima. Me da corte, no sé por qué. ME PASA LO MISMO vo con este salto del teatro al cine, y vuelta al ¿Y las críticas, las lee? CON EL MUNDO DE teatro, donde el director de Krámpack (2000), No, no. Pero no es una declaración de princiLAS REDES SOCIALES: pios de nada, es algo instintivo, no me sienta con la que debutó en solitario, y V.O.S. (2009), NO TENGO, NO ME sus dos anteriores adaptaciones teatrales a la bien. Es como una comida que se te indigesta. GUSTAN”. pantalla, a partir de textos ajenos, repetirá con Escuchar a alguien hablar de mí me incomoda. 53 diumenges, una comedia familiar con tres Me afecta tanto lo bueno como lo malo. Sé que hermanos que estrenará en diciembre. Las es mi trabajo, y entiendo que se hable de nosotros, incluso está muy bien. Será por vergüenza, yo que sé… películas ya sé cómo se hacen, luego te salen mejor o peor, pero en el teatro yo no sé nada. Llego a él como si tuviera Cambiando de tercio: muchas gracias por descubrirnos 20 años. Me da mucho vértigo, pero me gusta. a Griselda Siciliani. Es una bailarina cómica muy famosa en Argentina, donde ha hecho series muy divertidas; es una payasa descomunal. UN PLATO INDIGESTO Y UNA PAYASA ¿Por qué le gustan tan poco las entrevistas? La descubrí en una serie maravillosa, Para vestir santos Me da vergüenza leerme, escucharme, verme. Siempre me (2010), de tres hermanas, escrita por Javier Daulte. Y cuanha pasado; soy pudoroso, supongo. Me pasa lo mismo con do buscaba un personaje para acompañar a Ricardo Darín en Truman, ya apareció como candidata. Me decidí finalmente por Dolores Fonzi, pero Griselda se me quedó ahí. Así que no dudé ni un segundo. Ella me decía: ¿Estás seguro?, y yo: Cógete un avión y vente; además Javier [Cámara] es un amor de tío, te va a cuidar, vais a hacer un ‘parejón’. Y así fue: llegó, Javier la abrazó, la metió en el apartamento, estuvieron ensayando juntos y enseguida parecían un matrimonio. Griselda tiene ese equilibrio que yo buscaba en el personaje entre fuerza e incomodidad cómica en todo lo relativo a los vecinos; el personaje de Javier es más irónico, ella lo pasa mal y de ahí sale el humor. Para mí Argentina es un lugar tan cercano como lo pueden ser Madrid o La Coruña. Cuando busco a un actor o a una actriz, siento muy cercanos a los argentinos. Es un lugar donde ir a pescar para un director. Tienen una escuela de interpretación y una manera de actuar que me encantan. Y Griselda tiene otra cosa: nadie la conoce y eso la hace muy creíble, porque no la has visto nunca. Yo no tuve dudas. Y además es cercana a amigos míos, ella ya había visto la obra, entendía el proyecto perfectamente. Estoy muy feliz de que viniera.

UNA DEDICATORIA Y UNA CÓMPLICE La película está dedicada a José María Riba (programador de festivales). José María fue una especie de ángel que apareció en nuestra vida. Cuando rodé Krámpack, él estaba muy involucrado en la Semana de la Crítica de Cannes, y cuando la seleccionó y nos llevó a Cannes, me cambió la vida. Era un personaje maravilloso que siempre nos ayudaba, una de las pocas personas a las que enseñábamos las películas cuando las acabábamos. Su muerte

coincidió con que estábamos haciendo los créditos y nos pareció bonito dedicársela. ¿En qué medida su productora, Marta Esteban, ha sido clave en su trayectoria? Absolutamente. Somos un matrimonio que nos respetamos completamente. Muchas veces no estamos de acuerdo, pero cada uno hacemos nuestro trabajo. Ella pelea la financiación y entiende que tiene que dejarme crecer a mí. Creo que está muy bien dejar crecer a los Alberto San Juan, Belén directores, a los autores, y cuando tienes Cuesta, Javier 28 años, que son los que tenía cuando conocí a Cámara y Marta, ella supo defender lo que yo quería haGriselda Siciliani. cer. Cuando escribí En la ciudad (2003), Marta leyó el guion y unos asesores decían que en esa historia no pasaba nada. Ya, ya, de eso va la película. Y ellos: Sí, pero en el cine, si no hay peleas… Lo que pasa es que para un chaval de 30 años defender eso es más complicado, nadie te hace caso. Y Marta me defendió, confió y me ha dado esa estabilidad que otros compañeros que también querían dirigir no han tenido. Porque si tienes que buscarte productor, el desgaste es tan grande que es muy difícil, y yo he tenido esa continuidad desde entonces. ¿Qué tal se ha sentido sin localizaciones? Ha sido una maravilla rodar en plató, ha sido como ser oficinista, como amigos míos que van a la oficina cada día. Me he sentido feliz. Hemos podido rodar en un plató que está en mitad de Barcelona. Cogía la moto, llegaba ahí como una persona normal, que es lo que he querido ser siempre. Un horario normal, nadie pasaba frío, nadie pasaba calor. Lo del plató me ha encantado. ¿Qué será lo siguiente? Una película episódica, como lo fue Una pistola en cada mano, titulada Historias para no contar. Son cinco episodios de situaciones que mejor no contar, lamentables, muchas de ellas con humor, cosas que hacemos y de las cuales nos escondemos. Hay un casting tremendo, con un montón de amigos. Ya sé que algunos me fallarán, porque les estoy ofreciendo diez días de trabajo, y cuando aparecen Netflix, HBO u otras películas, pues… Es muy difícil combinar una serie de ocho capítulos con cinco meses de trabajo, y un buen sueldo con una semanita conmigo, que es lo que yo les ofrezco, porque estas películas episódicas son diez días, más o menos, para cada actor, y entiendo que eso económicamente pues… Pero me gustan mucho ese tipo de películas. Ya veremos. En principio empezamos el 15 de febrero. ¿Qué es lo que tendría muchas ganas de hacer? Una película de ciencia ficción. Soy un fan absoluto, no hay nada que me guste más. Lo que pasa es que no creo que tenga la capacidad económica de hacer bien una película así. Se necesita muchísimo dinero para hacer un cine de ciencia ficción de verdad. No sé qué es lo que haría, pero me encantaría meterme en una nave espacial y viajar en el tiempo. Quizá en el futuro, algún día… ◆

‘SENTIMENTAL’: CUATRO SON MULTITUD DE QUÉ VA: Un matrimonio (Javier Cámara y Griselda Siciliani) que se esfuerza en no reconocer su crisis y una pareja en plenitud sexual (Belén Cuesta y Alberto San Juan) cenan juntos. Catarsis servida. Los cuatro son lo que yo buscaba, dice Cesc Gay. Cuando escribes una comedia necesitas comediantes, y hay intérpretes maravillosos que no lo son. Puedo conducir a los actores a donde siento que tengo que llevarlos, y ayudarlos, pero es estéril intentar que alguien que no es gracioso lo sea. Lo he aprendido con los años: la comedia no se enseña, hay que llevarla dentro, sentencia. Tenía claro que debía buscar a actores que tuvieran el tempo de la comedia, y ellos lo tienen. Y los cuatro, además, tienen otra cara: si se ponen serios, se ponen serios, y eso es una maravilla, sobre todo en los

momentos más dramáticos, en los que tienes que dejar el clown o el cómico para ir a otro lugar. Belén Cuesta es la única a la que no conocía personalmente: La había visto trabajar con esa especie de ligereza andaluza suya, que parece que no se entere, pero tiene algo muy propio, muy ingenuo aparentemente, un humor muy limpio. A Siciliani la define como un volcán italiano. Considera a Alberto San Juan uno de los actores de comedia más importantes de esta generación. De Javi [Cámara] me cuesta hablar porque es un amigo. Le agradezco que me deje hacer con él lo que yo quiera. No era nada cómodo para él este personaje. Está totalmente alejado de él. ESTRENO: 30 OCTUBRE

Sentimental (España, 2020, 82 min.). COMEDIA DRAMÁTICA.

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ESTRENO # LA VOZ HUMANA # ENTREVISTA

Pedro

Almodóvar

TENEMOS QUE HABLAR DE TILDA Después del indiscutible y rotundo éxito internacional de ‘Dolor y gloria’, el cineasta manchego se ha dado el capricho de llevar a la gran pantalla ‘La voz humana’, el monólogo de Jean Cocteau que lleva años planeando sobre su filmografía. Hablamos con él sobre uno de sus procesos creativos más libres y con el que, además, cumple un sueño: rodar en inglés con una actriz a la que admira desde sus inicios.

ujeres al borde de un ataque de nervios sería la continuación de este cortometraje. Este es el primer titular que nos da Pedro Almodóvar (Calzada de Calatrava, Ciudad Real, 1949) nada más recibirnos en su despacho de El Deseo, una estancia llena de fotografías que es, en sí misma, un viaje por todo su universo cinematográfico. Cuando Carmen Maura, harta de esperar, sale a la calle y empiezan a pasarle cosas. Estamos en 1988 y el director se ha quitado el ‘mono de Jean Cocteau’ con este grupo de féminas encabezado por Pepa, la heroína que espera con las maletas hechas a un examante. Sin embargo, La voz humana seguiría en su incansable imaginario y planeando sobre sus películas. Años más tarde, de nuevo Carmen Maura y con el Ne me quitte pas de Maysa Matarazzo como colofón, recitaría en La ley del deseo un fragmento del monólogo que el dramaturgo francés escribió en 1930 y que Almodóvar deconstruye ética y estéticamente en los 30 minutos que dura lo que él define como su capricho. Nunca pensé que fuera a tener distribución y por eso me he permitido la misma liber-

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tad que tenía cuando rodaba Súper 8, sin compromisos con el público ni con el mercado. Solo faltaba encontrar a la actriz capaz de entender su particular visión de un texto atemporal y universal. Tilda Swinton siempre fue mi primera y única opción, reconoce.

DE DAVID BOWIE A BALENCIAGA Desde que la vio en Orlando (Sally Potter, 1992), no se la pudo sacar de la cabeza y este mediometraje (llamarlo corto es quedarse, valga la redundancia, corto) era la excusa perfecta para juntar por fin a dos almas gemelas. Sé que suena a tópico, pero hemos alcanzado un nivel de comunicación como el que tenía con Carmen en los ochenta, o con Antonio Banderas o Penélope Cruz. E incluso, a veces, más. Ha sido una de las actrices más fáciles en cuanto a dirección y trato personal. Y es muy sutil para hacer cosas raras y extremas. En El Gran Hotel Budapest, de Wes Anderson, encarna a una señora mayor a la que te cuesta localizar. Y me encantó su vampira centenaria de Solo los amantes sobreviven, de Jim Jarmusch.

El flechazo se materializó durante los diez días que duró el rodaje de La voz humana en una nave industrial ubicada a las afueras de Madrid. Tilda está superdirigida, al milímetro, y agradecía mucho cada indicación que le daba. Iba asimilándolas como personaje y como mujer, recuerda. Cuando la tenía cerca me impresionaba mucho porque, depende de dónde te coloques, su cara puede ser igual a la de David Bowie. En otros momentos me recordaba muchísimo a Deborah Kerr. Pensaba que usaría más esa especie de androginia que desprende, pero, dirigiéndola, para mí era absolutamente la mujer. Swinton ha encajado perfectamente en esta pieza autoral llena de referencias. Desde los libros de Alice Munro, autora de los relatos en los que se basa Julieta, o Lucia Berlin, que firma Manual para mujeres de la limpieza, otro de los textos que quiere adaptar, hasta muebles que aparecen en otras películas mías o temas musicales que compuso Alberto Iglesias para mí y hemos arreglado de otro modo. Porque, aunque la cinta es reconocible en su estilo, Pedro confiesa haber tomado algunas decisiones

Fotos: Nico Bustos, Fernando Iglesias Mas.

Por Juan Silvestre.

“CON TILDA HE ALCANZADO EL MISMO NIVEL DE COMUNICACIÓN QUE TENÍA CON CARMEN MAURA EN LOS 80. O CON PENÉLOPE CRUZ Y ANTONIO BANDERAS. HA SIDO UNA DE LAS ACTRICES MÁS FÁCILES EN CUANTO A DIRECCIÓN Y TRATO”.

DE QUÉ VA: Una mujer ve pasar las horas junto a las maletas de su examante, a quien espera para que recoja sus cosas, y un perro nervioso porque no entiende que su amo lo haya abandonado. Durante los tres días de espera, la mujer solo ha bajado una vez a la calle para comprar un hacha y un bidón de gasolina.

ESTRENO # LA VOZ HUMANA # ENTREVISTA

Una de las secuencias iniciales, con Tilda vestida de Balenciaga. Pedro da las últimas indicaciones a Tilda antes de rodar una secuencia.

“DESDE JULIETA HA HABIDO UN PUNTO DE INFLEXIÓN EN EL QUE, COMO NARRADOR, ME SIENTO DISTINTO. MIS HISTORIAS SIGUEN SIENDO BARROCAS, PERO CADA VEZ USO MENOS ELEMENTOS”. distinto cuando he vivido el proyecto desde la simiente hasta que se convierte en un guion. Quiero buscar alguna novela, hay muchas inglesas que me gustan, para poder adaptarla con ella.

SU ETAPA MÁS AUSTERA

arriesgadas. Pasar del decorado a enseñar la construcción de madera, que el skyline sea una pared con manchas de pintura que aumenta la sensación de soledad o inventarme una escena 0 para que Tilda luciera los dos diseños de Balenciaga, uno rojo con miriñaque y otro negro amorfo, que era imposible que llevara en casa. Y esto no tiene que ver con la gratuidad sino con la autenticidad, con hacer lo que me excita. Otra de las licencias creativas que se ha permitido ha sido dotar a la protagonista de un empoderamiento ausente hasta el momento en todas las versiones que se han hecho del texto. En la adaptación de Rossellini, dentro de L’amore, Anna Magnani se pasa media obra diciendo: Lo siento, es mi culpa. Yo he 54

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convertido la historia en un acto de venganza y ella, que está loca de amor, es una mujer intelectualmente superior a él y absolutamente contemporánea. En este momento, nuestra conversación regresa inevitablemente a Tilda, su omnipresente cómplice en esta delicatesen y cuya relación ha trascendido los límites actriz-creador. Me descubrió películas como Woman in a Dressing Gown, de J. Lee Thompson. Y Almodóvar se niega a que esta historia de amor termine aquí. Cuando surge un encuentro de esta magnitud, lo más sensato es aprovecharlo. Ella me habló de un remake que le va como anillo al dedo. Pero, si vuelvo a rodar en inglés, me gustaría generarlo yo mismo, no hacer algo que me propongan. Me siento de un modo

Pero eso será después de Madres paralelas, su próximo proyecto con Penélope Cruz y en el que volverá a ahondar en el universo femenino. Esta vez, de una forma mucho más austera. Desde Julieta ha habido un punto de inflexión en el que, como narrador, me siento distinto. Voy más a lo esencial. Mis historias siguen siendo barrocas, pero cada vez uso menos elementos y dirijo a los actores de una forma más contenida. El guion de su nueva película surgió durante el confinamiento, pero no fue el único. Me dio tiempo a retomar otras historias que tenía sugeridas solo en notas. Habla ahora de los dos cortometrajes con los que saciará las ganas de más que me han quedado después de la experiencia tan positiva de La voz humana. Con el primero, Extraña forma de vida, se adentrará por primera vez

‘VOLVER’ A SUS ORÍGENES MÁS LIBRES TRANSGRESORES Y ADELANTADOS, RECORDAMOS ALGUNOS DE LOS CORTOMETRAJES QUE HAN MARCADO SU INCONFUNDIBLE ESTILO.

‘LA CONCEJALA ANTROPÓFAGA’ (2009) Los sets de ‘La voz humana’ están llenos de referencias a su universo.

en el género del western para retratar el reencuentro de dos pistoleros que vivieron una intensa historia 30 años antes. He visitado varios sets naturales en Almería, porque el desierto del Cabo de Gata me gusta mucho visualmente. Y he encontrado un poblado perfecto para esta historia. Un decorado que se está viniendo abajo y ni siquiera completaría con el equipo de decoración. Su siguiente cortometraje transcurrirá en un Madrid utópico y desolador, donde, desde hace cinco años, no existe ningún cine. Arrancará en un banquete en el que empiezan a ocurrir cosas extraordinarias que pertenecen a películas. Porque, anteriormente, el lugar donde se está celebrando la fiesta fue un bingo y, mucho antes, había sido un cine de arte y ensayo. Una carta de amor al séptimo arte con la que Pedro quiere seguir reivindicando que, a pesar de las circunstancias actuales, las salas son uno de los lugares más seguros. Yo he ido casi todas las semanas, incluso a ver películas malas, solo por el hecho de ir al cine. No hay nada similar a ese ritual en el que se mezclan el silencio, la oscuridad y estar en compañía de gente que no conoces. Pensaba que, por lo distinto que es este corto, iba a tener problemas y se destinaría a las plataformas, pero es maravilloso que se pueda ver en cines. Ha sido un sueño y una gran sorpresa.

Pedro aprovechó los decorados y el talento de Carmen Machi en Los abrazos rotos para rodar este monólogo sobre una peculiar concejala de Asuntos Sociales de Madrid.

¿TELEVISIÓN? NO, GRACIAS Quizá por eso, y en un momento en el que todos los grandes directores se han pasado a la televisión, él todavía se resiste. Cuando estábamos haciendo promoción para los Goya, todos hablaban de que tenían una serie en perspectiva. Pero yo tengo problemas para integrarme en la narración seriada. También es verdad que soy muy cinéfilo y, para mí, el cine siempre está relacionado con algo que es mucho más grande que el lugar donde vives. En este momento, la casa se ha convertido en un lugar de reclusión. La gente se ha quedado acomodada y perezosa en el sillón y el cine representa la libertad: decides salir, vestirte, elegir la película… Es toda una aventura. Durante los próximos dos años, seguiré haciendo películas pensando siempre en la gran pantalla. Sentados en la misma silla en la que Tilda leyó por primera vez el guion de La voz humana, escuchamos su última declaración de intenciones, por la que pasan los nombres de las actrices internacionales que ya tiene en mente para integrar en su nómina de próximas chicas Almodóvar: Cate Blanchett, por ejemplo, me apasiona. Y Saoirse Ronan me gusta muchísimo también. ◆ ESTRENO: 21 OCTUBRE

La voz humana (España, 2020, 30 min.). DRAMA.

‘TRÁILER PARA AMANTES DE LO PROHIBIDO’ (1985)

Josele Román, Bibi Andersen y Sonia Hohmann protagonizaron este musical de 20 minutos que el cineasta dirigió por encargo de TVE.

‘SALOMÉ’ (1978)

Almodóvar se pasó al formato de 16 mm con esta historia de 12 minutos protagonizada por Isabel Mestres, su hermano Agustín Almodóvar y Fernando Hilbeck.

‘LA CAÍDA DE SODOMA’ (1975)

Para reinventar la historia bíblica de Lot, reuní a todos mis amigos en un hangar y los vestí con trajes de su madre con los que interpretaban a sodomitas, recuerda. FOTOGRAMAS.ES · N OVI EM BR E 2 020

ESTRENO # NIEVA EN BENIDORM # REPORTAJE

Coixet Isabel

La cineasta, reciente Premio Nacional de Cinematografía, comparte con FOTOGRAMAS diez momentos inolvidables de su nueva película, ‘Nieva en Benidorm’. Un álbum de fotos creado al alimón con su hija que desvela pasiones, memorias y anécdotas de un rodaje que se llevó a cabo al borde del confinamiento en una playa invernal. Por Laura Pérez. Fotos: Zoe Sala Coixet. DE QUÉ VA: Peter lleva una vida gris en Manchester y al perder su trabajo viaja a Benidorm a visitar a su hermano. Allí conocerá secretos sobre él, al tiempo que descubre a una misteriosa mujer y una luminosa forma de vida.

Hace diez años Isabel Coixet viajó a Benidorm por primera vez en su vida con la idea de rodar un documental sobre los desastres urbanísticos en la costa levantina. Descubrió un lugar terrible y maravilloso a la vez, kitsch y romántico, donde los turistas ingleses conviven con los viajeros del Imserso. Y allí ha rodado ahora su película que, con una trama policiaca como excusa, cuenta una historia de amor y redención. Ha sido un rodaje fácil, con unos actores excelen-

tes, un equipo muy bueno y unos productores, Agustín y Pedro (Almodóvar), que han entendido muy bien la película que yo quería hacer. Cuando el pasado 19 de septiembre recibió el Premio Nacional de Cinematografía, pronunció un discurso con el título Cosas que me hubiera gustado que alguien me contara antes de empezar en el cine (y en la vida). Una de esas enseñanzas tardías era: “Construye incesantemente tu punto de vista. Viendo cine, leyendo, soñando, yendo a espectáculos de danza o entrando en un bar y escuchando a los parroquianos”. En Nieva en Benidorm ha volcado los fetiches y obsesiones que su mirada in-

quieta ha ido recopilando aquí y allá, como los imitadores de Elvis, los chinos que hacen taichi con la cara tapada o Sylvia Plath, quien pasó allí su luna de miel en 1956. Sus libros son mi adolescencia. La campana de cristal es maravilloso, supermoderno y absolutamente vigente. También ha cubierto a sus personajes de un manto de ternura que refleja de manera inequívoca ese personal punto de vista que incesantemente ha construido desde que empezó. ESTRENO: 13 NOVIEMBRE

Nieva en Benidorm (España, 2020, 117 min.). DRAMA.

EL SUEÑO DE BENIDORM “Creo que esta ciudad nunca se ha visto tan bonita como en esta película porque el Benidorm que muestro no es real, es una especie de sueño. Durante el rodaje tuvimos días de sol, de tormenta, nublados… Me gustan mucho los planos con niebla, porque genera esa sensación de querer abrazarla. La ciudad en ese momento es como una fantasía que provoca algo contradictorio. Por un lado, la sorpresa ante lo que se ha hecho urbanísticamente con ese paisaje, y por otro, tiene algo atrayente y fascinante. Ese es el límite con el que juega la película. Una va allí con todos los prejuicios y, de repente, te topas con algo muy desarmante en la manera en que la gente ocupa el terreno: la ves cantar, bailar… Hay algo de carpe diem que me apasiona. He tratado a la ciudad como un personaje más y eso me ha encantado”.

LOS AMORES DIFÍCILES “Este momento es un poco la conclusión de la película. Yo quería contar una historia de amor en la que ni viéramos un beso ni se dijeran nunca ‘te quiero’. Buscaba esa corriente inexplicable que se produce algunas veces en la vida, cuando dos planetas muy diferentes colisionan y se descubren. Eso es lo que verdaderamente quería contar. Peter (Timothy Spall) siente una fascinación increíble por Álex (Sarita Choudhury), que nace la noche en que la ve bailar por primera vez en el club de burlesque que regenta su hermano. En ese instante, él ve por primera vez algo que no sabía que podía existir, y empieza a intuir que en Benidorm cualquier cosa es posible. Me gusta mucho ella porque no hay muchos personajes de mujer con esa presencia, esa fuerza y ese nunca pedir excusas: soy quien soy; si te gusta, estupendo y, si no, qué le vamos a hacer”.

Y DE REPENTE, EL PARAÍSO “Esta escena es un homenaje a mi madre, lo reconozco. Son unas fotos que le hizo mi hija Zoe y ahora he querido colocarlas en la sala de llegadas del aeropuerto donde aterriza el protagonista procedente de Manchester. Aquello es para él como la entrada a otro mundo, y estas fotos están ahí porque reflejan lo que uno descubre cuando llega a Benidorm: que la gente mayor vive allí de una manera que veo como una felicidad asequible. Me pareció una buena manera de dar la bienvenida a este universo de personas de 80 años felices”. FOTOGRAMAS.ES · N OVI EM BR E 2 02 0

ESTRENO # NIEVA EN BENIDORM # REPORTAJE

LA VIDA ALEGRE “Para Peter, el protagonista, existe un primer embate al llegar a Benidorm, y es cuando conoce la noche nada más llegar. Es el reino de los británicos que van a desbarrar, ponerse ciegos, beber, tomar el sol, emborracharse, gritar y hacer todas esas

cosas que no hacen en sus vidas cotidianas y tienen embotelladas. Este instante en el que encuentra un grupo de personas bailando en el paseo marítimo muestra la segunda sacudida. Es el descubrimiento de lo que hacen las personas mayores durante el día y ve que hay otra manera de pasarlo bien, que existe otra vida. Esa certeza empieza en

LA ÚLTIMA SEDUCCIÓN “Sarita Choudhury se entregó de una manera increíble en esta escena del baile y creo que logramos hacer algo mágico. Es una coreografía creada por Blanca Li, con quien pasamos tres días ensayando con una intensidad brutal. Se mueve muy en el filo entre lo porno, lo erótico, lo sensual y lo obsceno. Es un homenaje a David Lynch, a Bigas Luna y a un montón de cosas, pero es, sobre todo, una mujer madura siendo increíblemente sensual en un escenario y sin miedo a serlo. ‘Tú tienes que ser Linda Fiorentino en La última seducción’, le dije a la actriz”.

este preciso momento. Yo fui allí por primera vez hace 10 años y me fascinó. Timothy Spall no lo conocía y creo que se lo pasó bien, todos lo hicimos. Él está en prácticamente todos los planos y para mí ha sido todo un descubrimiento. Fue muy buen rodaje, con mucha colaboración por parte de todos los vecinos de la ciudad”.

PASIÓN ‘KITSCH’ “Los cisnes de toalla siempre me han fascinado, y más cuando descubrí que hay programas de reinserción de presas donde les enseñan a ser camareras de hotel y a moldear estas figuras. Vi el vídeo de un taller sobre esto y me cautivó. Siempre lo había querido meter en una película y no había encontrado el momento, pero esta vez me lo pusieron ‘a huevo’. De nuevo puede parecer un poco lynchiano, pero en el cine de Lynch todo es frío, mientras a mí este cisne me produce ternura. Todo en Benidorm me provoca esto, incluso lo más tremendo. Hasta las acróbatas vaginales, que hay alguna muy célebre allí”.

UN BESO EN EL CRISTAL “Este momento parece amor en tiempo de coronavirus, pese a que no imaginábamos entonces lo que se nos venía encima. Ya estábamos cerca del confinamiento, terminamos de rodar solo diez días antes, pero cuando ruedas no lees tanto las noticias. Ella no sabe quién es ese tipo que acaba de conocer, Peter; si se parece a su hermano, si miente… Es una mujer que tiene un lado disfrutón y juguetón, le divierte provocar. Cuando él le propone subir a su casa, y él nunca ha hecho algo así, ella responde que no, cortante. Pero luego piensa: ‘bueno…’. Y le planta los labios en la luna del portal. Yo le pasé el guion por primera vez a Sarita mientras hacíamos Aprendiendo a conducir (2014), donde hace de mujer de Ben Kingsley. Enseguida dijo que sí”.

LO MEJOR ESTç POR LLEGAR “Este es un edificio de Ricardo Bofill que está en Calpe y se llama La Muralla Roja. Son viviendas en las que habita gente durante todo el año. Me parece una maravilla, uno de los edificios más bonitos en los que he estado, es una localización increíble que ha aparecido en muchos shootings de moda. Las vistas te quitan la respiración desde cualquiera de sus ángulos y la piscina de la azotea es fantástica. Me quedé con ganas de bañarme, pero era invierno cuando rodamos. Y vemos ahí al protagonista pensando que su vida está cambiando, que hay otro mundo muy distinto al que había conocido y que no sabe si volverá a Manchester. Se plantea que la vida, la verdadera vida, puede empezar en cualquier momento, incluso cuando creía que ya no era posible”.

PERSONAJES LLENOS DE AMOR “Adoro al personaje de Luci, al que da vida Ana Torrent. Es una mujer a la que nadie ve, a nadie importa. Su tragedia es la de las personas a las que nadie quiere, y a las que, si de repente alguien les muestra un poco de ternura, se les cruza el cable. Ha hecho un trabajo precioso y muy valiente. La vemos con unas pintas terribles, pero cuanto peores eran a ella más le gustaba. Adoro la presencia que tiene, desde cómo come pipas a cómo se mueve o mira a Álex. Lo mejor de esta película ha sido trabajar con los actores. Me lo he pasado muy bien con Timothy (Spall); con Pedro Casablanc, ese carnicero que habla tan bien inglés; con Carmen Machi, interpretando a una policía obsesionada con la poesía y Sylvia Plath. Todos tenemos la imagen de los menús y bufés cutres de Benidorm, pero también hay gente que hace las cosas muy bien, o que ha nacido ahí y es su ciudad”. FOTOGRAMAS.ES · NOVIEM BRE 2 02 0

ESTRENO # MANK # ENTREVISTA

CIUDADANO FINCHER

El primer y único guion que escribió su padre. Un proyecto con el que ha soñado más de 30 años. La leyenda detrás de la, quizás, película más mítica de la historia. Todo eso y mucho más es ‘MankÕ, una mirada –en glorioso blanco y negro– a la figura de Herman J. Mankiewicz –un glorioso Gary Oldman–, y el film más personal de David Fincher. FOTOGRAMAS tuvo la suerte de compartir con él una extensa, divertida y exclusiva charla. Por Roger Salvans.

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avid Fincher (Denver, Colorado, 1962) tiene fama de perfeccionista y de no andarse con rodeos. Mejor: de tener una atención al detalle rozando la obsesión que es directamente proporcional a su nula capacidad de tolerar a todo aquel que: a) le impida materializar su punto de vista creativo; b) ose hacerle perder el tiempo, ya sea un mandamás en traje o la estrella de turno con la que comparta rodaje. Pero si alguien puede permitirse esa imagen es él. Fincher es autor –un término que, veremos, no comparte– de un cúmulo de obras que han marcado el pulso y también el camino del reciente cine contemporáneo. Así, cuando, una tarde de otoño, FOTOGRAMAS descolgó el teléfono para entrevistarlo, esperábamos encontrar a ese Fincher cuyos sets, según Robert Downey Jr., son como gulags. El director de las 100 tomas de media. El de los rifirrafes con los estudios. Y no, no fue así. ¿Hola? Soy David. Es alucinante. He conseguido conectar sin equivocarme, le escuchamos decir. ¿Es realmente David Fincher? ¿Dónde está el acostumbrado filtro del equipo de publicistas y relaciones públicas? Soy yo de verdad. No tengo agentes de prensa ni relaciones públicas porque todo el mundo sabe que no me relaciono en público, dice entre risas. Esa fue la primera carcajada. Toda una sorpresa. Y vendrían más.

DE QUÉ VA: Herman J. Mankiewicz (Gary Oldman) recibe el encargo de su vida: escribir el guion del primer proyecto para el cine de la nueva sensación de Hollywood Orson Welles (Tom Burke). Para conseguirlo y centrarse plenamente, se retira a un rancho de Victorville.

Fotos: Netflix, Getty Images y Archivo Fotogramas.

LA SOMBRA DE UNA DUDA Desaparecido de la gran pantalla desde esa pérfida vuelta de tuerca al thriller y la comedia romántica que es Perdida (2014), Fincher firma con Mank su film más clásico, y también el más personal: un retrato íntimo de Herman J. Mankiewicz, experiodista, alcohólico vocacional, novelista frustrado y toda una personalidad entre los bastidores de la Edad de Oro de Hollywood que firmó, junto a Orson Welles, el guion de Ciudadano Kane (1941). Esa colaboración y un acercamiento sobre el proceso creativo y sus fuentes son el corazón de una trama que bebe de una de las polémicas más publicitadas sobre la autoría artística. En los 70, Pauline Kael, la referente de la crítica estadounidense, publicó en The New Yorker una serie de artículos –editados después en el ensayo Raising Kane (publicado en España por Cult Books como El libro de Ciudadano Kane)– en los que se aseguraba que Welles no participó en absoluto en la escritura del film. El mérito era solo de Mankiewicz, decía. Poco después, Peter Bogdanovich, íntimo amigo de Welles, respondería con otro texto en el que desmentía, con testimonios y las anotaciones del propio cineasta, la versión de Kael. La duda, sin embargo, quedó. Pero ni esa disputa ni tampoco su resolución, como si de un serial killer a cazar se tratara, están en el origen del proyecto. Lo que convierte este film en algo personal para Fincher es que se trata del único guion de Jack, su padre. Y el Rosebud de Mank, evidentemente, tenemos que buscarlo en su infancia. FOTOGRAMAS.ES · NOVIEM BRE 2 02 0

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EL ROSEBUD DE ‘MANK’

una experiencia dantesca en la que nadie me hizo caso. El estudio no me escuchaba, contrataron a cinco o seis guionistas como si fueran jornaleros… Lo que hiciera falta para cumplir el plazo. Para ellos [el estudio], lo que importaba es que, tras cuatro versiones, el guion estaba terminado. Pero no es bueno, les decía. Sí, ya. Así es como funciona este negocio. Y yo, Pues qué mierda. El guion de Jack era básicamente la tesis de Kael…, pero no era la historia que quería contar.

Al ser hijo de un periodista, cuenta Fincher, en casa las películas importantes eran las protagonizadas o escritas por un reportero. Primera plana (B. Wilder, 1974), por ejemplo. Esas eran las buenas. Cuando tenía nueve años, empecé a avasallarlo con preguntas: ¿Cuál es el mejor cantante? ¿El mejor grupo? ¿La mejor… lo que sea? Yo ya estaba loco por el cine, desde los siete años sabía que quería dedicarme a hacer películas, así que le pregunté cuál era el mejor film jamás rodado. Él, sin dudar, dijo Ciudadano Kane. Esa ¿FÁBRICA O SUEÑOS? respuesta lo significó todo… pese a que no me decía nada. En los siguientes años, Fincher y su padre Jack trabajaron en Eran dos palabras que sonaban bien juntas. Pero me lo la forma de llevar a buen puerto la historia. Como dice uno de creí: esa era la mejor película de la historia… aunque aún los diálogos del film, No se puede contar la vida de un homno la hubiese visto, claro, ríe. bre, solo dar una idea. Y ese fue Y cuando la vio, ¿qué le pareció? el objetivo que se marcaron. Co1 Fue en la escuela, en séptimo u mo había hecho siempre cuanoctavo, sobre 1974. Tenía algo do era periodista, cuenta el dide miedo. ¿Y si no me gustarector, Jack volvió sobre sus ba? Además, era una película pasos, investigó y reescribió. filmada ¡34 años antes! Una En una versión, trazó el Roseeternidad, como una pintura bud de Mankiewicz: le roban la rupestre… Pero me dejó con la bicicleta a los cinco años y coboca abierta. Sentí por primera sas así. No me convenció. Era vez que había alguien detrás de como un telefilm de los domin2 la historia, alguien que orquesgos por la tarde. Así que volvitaba imágenes e ideas. Mi padre mos a aparcarlo y me fui a dirime había explicado que el tipo gir Seven (1995). Entonces, mi que la había dirigido, ese Welles, padre vio un documental sobre tenía 25 años. Eso, con 12, son Irving Thalberg y Louis B. Mamuchos. ¡Claro que Welles yer –el jefe de producción de la pudo dirigir Ciudadano Kane Metro-Goldwyn-Mayer y el precon 25 años! (risas). Después, sidente y fundador del estudio– cuando con esa edad me vi a mí y su rol determinante en que 3 mismo intentando sacar adeUpton Sinclair perdiera las lante mi primera película, me di elecciones a gobernador de Cacuenta de que mi entendimiento lifornia de 1934 y decidió añay dominio de los mecanismos dir una trama política. Así dienarrativos estaban lejísimos. ron con la idea para contar la ¿Ahí empezó a gestarse Mank? historia de un hombre cuya vida Por lo que supuso como expese fundamentaba en dar ideas. riencia entre padre e hijo, sí. El hombre que propuso que en Hablamos de ella muchas veces El mago de Oz (V. Fleming, 1. Mank (Gary Oldman) brindando con su secretaria, Rita Alexander (Lily a lo largo de los años. En el insti- Collins). 2. William R. Hearst (Charles Dance) junto a Louis B. Mayer (Arliss 1939) Kansas fuera en blanco y tuto descubrí el ensayo de Pauli- Howard). 3. Amanda Seyfried es Marion Davies, la amante de Hearst. negro y Oz en color –el mejor ne Kael y fue cuando oí hablar efecto especial del cine, dice por primera vez de Mankiewicz. Tiempo después, sobre 1989, Fincher–, pero que, pese a su brillantez, estaba acostumbrado mi padre se jubiló. Yo llevaba años dirigiendo anuncios y via que lo tomaran por un bufón. Jack escribió otra versión en deoclips, pero todavía no había debutado con ningún largo. la que Mank se da cuenta de que lo que dice tiene conseJack me dijo que le apetecía intentar escribir un guion. ¿Porcuencias. Para él y para los demás. Excepto algunos detaqué no haces algo sobre la relación entre Welles y Manlles, es el que hemos filmado. Y, alrededor de 1997 o 1998, kiewicz?, le sugerí. Le pareció una idea estupenda. Así que intentamos financiarlo. él se puso a escribir y yo a dejarme violar durante tres años ¿Y por qué no se hizo entonces? gracias a Alien 3 (risas). Nadie quería una película en blanco y negro. No te puedes ni ¿Y qué le pareció el primer guion de su padre? imaginar las razones que a veces me han dado para decirme Era un resarcimiento póstumo a la figura de Mankiewicz. que no. Arrastramos el mismo eterno problema, el que hereY además ofrecía una imagen engañosa de lo que un director damos de la industria de Louis B. Mayer o de los tiempos del hace a un guionista. Más si tienes en cuenta que yo venía de Nickelodeon: el cine siempre ha sido un pasatiempo. Hay otro 62

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diálogo en Mank que me gusta mucho: Escribe duro, apunta bajo. Habla de la batalla permanente entre la faceta artística e industrial del cine, de ver más allá del valor económico o de la distracción pasajera pura y dura. Hubo un momento en el que parecía que PolyGram iba a financiar la película, que habría costado 15 o 20 millones de dólares. Pero tenía que ser en color, así que no la hicimos. Este negocio tiene estas cosas, que siguen igual que siempre… Y otras en las que hemos mejorado. Sobre todo técnicamente. Si piensas en lo que logró Gregg Toland [director de fotografía de Ciudadano Kane] y con qué lo hizo… Creo que se habría dejado cortar la pierna izquierda para trabajar con el equipo que tenemos ahora. El trabajo de Toland, y de los directores de fotografía, siempre me ha parecido cosa de magia… Más que magia, ¿sabes qué me parece? Oficio. Trabajo duro. Los platós eran, y siguen siendo, como una obra. Las campanas de las fachadas eran para que los carpinteros, los pintores, los serradores que construían todos los decorados supieran que dentro también se trabajaba. Eso enlaza con su visión del cine como trabajo coral, que no responde a la obra de un autor único. Cuesta encontrar a alguien más autor que Welles… Todos somos deudores de Orson Welles, pero él contribuyó decididamente a crear su propia mitología. También pienso que su intervención se malinterpretó… Porque en todo lo que pudo o le dejaron hacer demostró que era absolutamente brillante. Pauline Kael sabría mucho sobre un cáncer y dejamos de esforzarnos en sacar “¿POR QUÉ NO cómo se ven las películas desde el patio de butaESCRIBO? PORQUE NO el proyecto adelante. La prioridad era otra: cas… Pero se podrían escribir 30 libros acerca su tratamiento. Pero seguimos hablando del ME GUSTA SENTIRME de lo que Kael no sabía sobre cómo se hacen las tema, constantemente. Sobre todo, en los ratos UN DESGRACIADO. películas. La diferencia es abismal. La teoría del que compartíamos cuando lo llevaba en coche PUEDO SER UN autor se la sacaron de la manga unos críticos que al hospital. Cuando falleció, dice recordando ANTISOCIAL, PERO querían ser directores (risas). He visto guiones la primavera de 2003, tenía nueve versiones PREFIERO LIDIAR CON fantásticos convertidos en películas de mierda, distintas del guion en la estantería de mi pero lo que nunca he visto es una buena película UN SET DE 60 PERSONAS despacho. Y ahí se quedaron, cogiendo polvo, QUE ESCRIBIR SOLO”. hasta que terminé la segunda temporada que saliera de un mal guion. Hay siempre una pata de la mesa que no puede cojear y es esa. de Mindhunter. Eso fue en 2018, y en esta Y, sin embargo, usted no escribe. ¿Por qué? ocasión, Fincher encontró en Netflix el músculo ¡Porque no me gusta sentirme un desgraciado! No hay nada financiero necesario para rodar tal y como él y su padre divertido en escribir. Es lo peor (risas). Y sé de lo que hablo, desearon. Les dije que había un par de cosas que debían soy hijo de un escritor. He visto cómo mi padre se sentaba saber: Tiene que ser en blanco y negro y en sonido mono. frente a su Underwood, ponía una hoja en blanco… y miraba Leyeron el guion y dieron luz verde, ríe. Tras esto, lo primero al infinito, esperando que algo pasara. No tengo ningún intefue reunir al cast. Y lo esencial, dar con alguien que pudiera rés en enfrentarme al vacío de la página en blanco. Puedo ser encarnar a Mankiewicz. El elegido fue Gary Oldman, que no un antisocial, pero prefiero mil veces lidiar con un set de se parece en nada a Mank y, además, es 20 años mayor que 60 personas que escribir solo. él en el momento de la acción. Conozco a Gary desde hace mucho… y por distintas razones, cuenta Fincher, quien, DESTINOS CRUZADOS desde 1990 a 1995 estuvo casado con Donya Fiorentino, Tras ese primer intento fallido, Jack y David Fincher esposa de Oldman entre 1997 y 2001. De hecho, quise dejaron el guion de Mank en un cajón. Hasta 2001, contratarlo ya para Alien 3, aunque al final no pudo ser. cuando, explica el director, a mi padre le diagnosticaron Es uno de los primeros actores de verdad que conocí. FOTOGRAMAS.ES · N OVI EM BR E 2 020

ESTRENO # MANK # ENTREVISTA

Después de Oldman en el rol principal llegaron, entre otros, Lily Collins como su secretaria, Rita Alexander; Charles Dance como William R. Hearst, el magnate en el que Mank se basaría para Kane; Amanda Seyfried, como Marion Davies, actriz y amante del empresario, o Tom Burke, como Orson Welles. El rodaje arrancó en noviembre de 2019 y terminó poco antes de que todo se paralizara por la pandemia. ¿Qué aporta Oldman a Mank como personaje? Lo que buscaba para Mankiewicz era a alguien que supiera que lo que quiere va en su contra…, pero que no puede hacer nada para remediar seguir haciendo lo mismo. Y aunque quizás esto suene un poco trillado, para un film sobre alguien que marcó el ingenio de toda una generación, necesitas a un actor que ha marcado a toda una generación, con talento de verdad. Ese es Gary, porque no le dan miedo los roles antipáticos, imperfectos o que se desprecian a sí mismos. Lo único que necesitas es convencerlo para que diga que sí y, después, quitarte de en medio y dejarle hacer. A un actor no le puedes vender una cosa y luego transformar su rol en algo distinto. Creo que la única manera de sacar lo mejor de los intérpretes es ser ridículamente sincero con ellos. No deja de ser curiosa esta última tendencia en Hollywod de producir films sobre cómo se rodaron otras películas. Mank no es una película sobre cómo se hizo Ciudadano Kade lo que son capaces. Y no es así. A veces es todo mucho ne… Es una película sobre cómo se escribió Ciudadano Kane; más cutre, coincidencias fortuitas. Precisamente, Orson sobre lo que sucede y lo que se olvida. Sobre todos los RoseWelles dijo que un director es alguien que preside una concabuds que entran en juego en la escritura de un guion. Y de cótenación de accidentes. Como cuando Jesse (Eisenberg), en mo Mank, al escribir, saca partido de una forma u otra de su La red social (2010), lanza el dardo sin mirar y este aterriza propia experiencia. Mucha de la gente que escribe o hace pelíen un vaso. Eso fue azar. Un instante después, Jesse giró la caculas busca eso, camuflar en sus historias lo que han vivido. beza como diciendo ¿Lo has pillado? La suerte es que sí, lo ¿Es algo que usted también ha hecho? pillamos. Y usamos hasta el último fotograma aprovechable. No creo que haya sentido nunca esa necesidad. Sobre todo Si hubiéramos querido hacerlo a propósito, con mi fama de porque sé que, tarde o temprano, me descubrirían (risas). perfeccionista, todavía estaríamos ahí (risas). Lo mejor es ir de frente: los intereses más lascivos son aquellos que no tienes la necesidad de esconder (risas). El único interés que usted ha revelado, el único denominador UN FINAL MADE IN HOLLYWOOD común que dice ver en sus films, es su deseo de no repetirse… En la hora y media de conversación, Fincher aprovecha para Sé que hay ciertos elementos que siempre están ahí. Algunos repasar temas de actualidad, como el anuncio de un par componentes cinematográficos, constantes en lo que a persode proyectos que, como Mank, bucean en la intrahistoria najes se refiere o un particular juego en la forma en la que el de dos clásicos de Hollywood: El Padrino (F. F. Coppola, público espera que se le trate o, a veces, cómo merece que se 1972) y Chinatown (R. Polanski, 1974). El primero con le trate. También sé que en mi obra predominan los antihéBarry Levinson al mando, y el segundo escrito, dirigido y roes y que las historias que me atraen giran alrededor de genprotagonizado por Ben Affleck. Puedo asegurarte, por la te que no es altruista o sincera. Y, claro, están los asesinos en experiencia que me dan los 30 años que me ha costado serie (risas). Aunque creo que cumplen un cometido diferenproducir este film, que esta moda es nueva, ríe. Tal y como te en cada film. El John Doe de Seven tiene un lo veo, los que nos movemos por Hollywood rol muy distinto al de Zodiac (2007)… “WELLES DIJO QUE UN somos como feriantes: vamos de un circo a otro Lo que sí se repite y destaca siempre sobre usted DIRECTOR ES ALGUIEN intentando vender nuestro número. Y se da el es su obsesión y perfeccionismo en el set. caso de que algunas de las mejores historias QUE PRESIDE UNA Ya… Creo que hay algo que no se entiende de esCONCATENACIÓN DE que me han contado son, precisamente, de te negocio y es que el cine, la mayoría de las veACCIDENTES. MUCHAS cómo se construyeron esos números, es decir, ces, consiste en solucionar un problema para palas películas. Como las que he escuchado a VECES EL CINE CONSISTE sar a otro. En parte interesa que haya esta Robert Towne –el guionista del film– explicando EN SOLUCIONAR UN especie de mitología sin sentido que lo eleva tolos entresijos de Chinatown, cuenta recordando PROBLEMA PARA PASAR do, que dice que cualquier cosa que ves en panla precuela sobre esa misma cinta en la que A OTRO”. talla se ha trabajado hasta el más mínimo detalle, trabajaba con el propio Towne. Ben es un tío con un equipo de científicos detrás dando todo brillante, continúa. Tengo muchas ganas de 64

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Gary Oldman y Sean Persaud preparando una toma frente a una pantalla de led que simula el desierto.

ver qué hace con el que, probablemente, sea el mejor guion americano de la historia. En la charla también hay hueco para considerar Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres (2011) como una oportunidad perdida. Un intento de conseguir hueco en el mercado para blockbusters adultos que no encontró su público. Pero aprendí la lección, habría funcionado mejor como miniserie, afirma. Y, para infortunio de sus seguidores, revela sus dudas de que haya una tercera temporada de Mindhunter, un trabajo a tiempo completo al que he dedicado los últimos cuatro años. ¿No resulta paradójico que Mank, una producción de Netflix, se vea en cines en un momento en que las Majors retrasan sus films? Me encanta que Mank se vea en salas, pero tampoco… Mira, me apasionan los buenos cines, ver una película en una pantalla enorme. Pero detesto sentarme entre gente que habla o mira el móvil y también los suelos pegajosos. La exhibición ahora mismo es el eslabón más débil de la industria. Además, las historias que me interesan no arrastran masas. Si lo mío fueran las películas tipo Avatar (J. Cameron, 2009), estaría acojonado por si la experiencia del cine en salas vuelve o no.

Después de tantos años dirigiendo, ¿siente la misma energía cuando llega al set? ¿Se divierte igual que la primera vez? Empecé a dirigir con 18… Son 40 años en esto. Y, si te soy sincero, en los rodajes no me lo paso especialmente bien. No es algo que encuentre divertido y es por culpa del dinero. Se gasta mucho, muchísimo. Como director, no puedo dejar de mirar el reloj y pensar ¡Chin! –dice imitando el sonido de una máquina registradora–, ahí van 20.000 dólares. ¡Chin! ¡20.000 más! (risas). Los rodajes me provocan ansiedad. Es extraño, porque incluso con Mank, un proyecto en el que llevaba tantísimos años, ha sido así. ¡Había visualizado tantas veces la película en mi cabeza y durante tanto tiempo que conseguir plasmarla tal y como lo había imaginado resultaba muy duro! Mi esposa, que también es productora, me dice que pensar tanto no ayuda ni me hace ningún bien. Quizás la oportunidad de disfrutarlo, el final feliz de Mank, llegará el próximo abril, en la ceremonia de los Oscar. ¡No sé de ninguna historia con final feliz que haya tenido lugar en los Oscar! (risas). ¿Sigue viendo con tanto reparo los premios? La lista de gente a la que nunca han premiado es igual o hasta más impresionante que la que sí lo ha recibido. Me parece raro que existan esta clase de concursos que premien algo tan personal como es contar historias. De hecho, me parece aborrecible: el cine es un proceso colaborativo y no lo es por elección, sino por necesidad. Estoy convencido de que habrá a quien le encante hacer una película con un equipo de seis personas. A mí, por ejemplo. Así no estaría en ese permanente estado de indigestión y dejaría de estar nervioso todo el rato. Pero no es así, y he escogido un oficio en el que, para hacer cualquier cosa, necesitas a 90 personas. La idea de aparcar todo esto por un instante, vestirnos de esmoquin y repartirnos entre nosotros unos trofeos de metal, me parece algo muy extraño Y terminamos. En Mank se dice que la gente paga para ir al cine y a cambio solo se lleva un recuerdo. ¿Cuáles son sus recuerdos más queridos en un cine? ¡Oh, vaya! ¡Hay tantos! Desde ver a Mary Poppins alejarse en su paraguas a la imagen congelada de Butch Cassidy y Sundance Kid mientras escuchamos los disparos que sin duda acabarán con ellos. Hay tantos momentos que se han quedado conmigo, tantos por escoger… ◆ ESTRENO: 20 NOVIEMBRE EN SALAS. 4 DICIEMBRE EN NETFLIX

Mank (Estados Unidos, 2020, 130 min.). DRAMA.

EN CUATRO CLAVES En ‘Mank’ aparecen una retahíla de personajes reales que tuvieron un peso decisivo en la vida de Herman J. Mankiewicz. Nos sumergimos en nuestro archivo y encontramos cuatro de las claves que pueden acercarnos mejor al mundo que vio nacer ‘Ciudadano Kane’.

WELLES & MANKIEWICZ El director y su guionista. Mank, parece mucho mayor que los 43 años que tenía entonces.

THALBERG & MAYER El productor prodigioso y el fundador y presidente de la Metro-Goldwyn-Mayer.

WILLIAM R. HEARST Magnate e impulsor de un imperio mediático e inspiración conocida de Charles F. Kane.

UPTON SINCLAIR El autor de ‘La jungla’ o ‘¡Petróleo!’, líder demócrata en California en el año 1934.

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ESTRENO # LA VIDA POR DELANTE # HOMENAJE

SOPHIA,. AYER, HOY Y SIEMPRE

De pasar hambre de niña a ser la actriz más internacional de Italia. De ser modelo de fotonovelas a protagonizar películas con Marcello Mastroianni, Marlon Brando o Paul Newman. La vida de Sophia Loren, que recordamos con motivo de su vuelta a la pantalla con ‘La vida por delante’, es como el cuento de Cenicienta hecho realidad. Por Juan Pando.

i pienso en mi vida, me parece casi imposible que haya ocurrido en realidad. Una mañana de estas, me digo, me despertaré y descubriré que lo he soñado todo. Para ser sincera, no siempre ha sido fácil, pero sin duda ha sido maravilloso, ha valido la pena. El balance que hizo Sophia Loren al mirar hacia atrás en sus memorias, Ayer, hoy y mañana (Editorial Lumen, 1914), publicadas para celebrar su 80.º cumpleaños, reflejaba una mezcla de orgullo y lógica sorpresa. ¿Cómo pudo imaginar jamás aquella niña nacida en Roma el 20 de septiembre de 1934, pero criada en Pozzuoli, junto a Nápoles, en la pobreza absoluta (El hambre fue el tema dominante en mi infancia) que iba a conquistar Hollywood y se convertiría en la más popular de las actrices italianas y símbolo internacional de su país? Oscar con historia. A las 6.39 de la mañana del 9 de abril de 1962 sonó el teléfono en su casa de Roma. Era Cary Grant que, en esos tiempos en los que no se retransmitía aún la gala de

entrega de los Oscar, le comunicó que había ganado la estatuilla a la Mejor Actriz por su papel en Dos mujeres, dirigida por Vittorio De Sica. Ella tenía 27 años y acababa de hacer historia. Era la primera vez que alguien ganaba la estatuilla como intérprete por un film nominado en la categoría de Mejor Película de Habla No Inglesa. Recibió la noticia tras una noche en vela junto a su marido, Carlo Ponti, productor de la cinta. No había tenido valor de asistir a la gala. Si perdía me desmayaría. Y si ganaba, también. No podía dar ese espectáculo, se disculpó. El mensajero de la buena nueva, Cary Grant, había sido su compañero de reparto, junto a Frank Sinatra, en el que fue su debut en el cine americano, la coproducción Orgullo y pasión (Stanley Kramer, 1957), filmada en España. El último día de rodaje, le propuso matrimonio. Ella no aceptó, pero mantuvieron una buena amistad. Volvieron a protagonizar juntos Cintia (Melville Shavelson, 1958) y esa vez sí hubo boda, pero solo en la ficción, en la última secuencia de la película.

ESPOSA, MADRE Y ACTRIZ

Cary Grant quiso casarse con ella. “Me conquistó con sus modales y su alegría de vivir”.

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Formaba un trío inseparable con su madre, Romilda Villani, y su hermana, Maria.

Carlo Ponti, su marido: “Más allá del amor, representaba al padre que nunca tuve”.

Sus hijos, Carlo Jr. (izda.) y Edoardo, son hoy director de orquesta y cineasta.

Foto: Félix Valiente.

Superado el calvario legal para poder casarse, por fin, en 1966, con Carlo Ponti (muerto en 2007), su gran dolor era la dificultad para ser madre. La felicidad fue completa cuando, gracias a un especialista suizo, logró dar a luz a Carlo Jr. en 1968 y a Edoardo en 1973, y formar la familia que tanto deseaba.

ESTRENO # LA VIDA POR DELANTE # HOMENAJE

Padre ausente. En su camino al éxito contó con el impulso de su madre, Romilda Villani. Esta era pianista y de joven había ganado un concurso de dobles de Greta Garbo cuyo premio era viajar a Hollywood, pero sus padres no la dejaron ir. Tras eso se escapó a Roma para probar suerte en el cine, pero se cruzó en su camino un apuesto joven, Riccardo Scicolone, que desapareció en cuanto supo que se había quedado embarazada. Así que se tuvo que volver con su bebé a Pozzuoli. Sophia, que tenía seis años al estallar la Segunda Guerra Mundial 68

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1. Tras rodar con Peter Sellers ‘La millonaria’ (Anthony Asquith, 1960), grabaron juntos el disco ‘Peter and Sophia’, que fue un éxito en el Reino Unido. 2. Con Yvonne De Carlo y Gina Lollobrigida (izda.), su gran rival. 3. La cocina es una de sus grandes pasiones y ha publicado varios libros con sus recetas. 4. Charles Chaplin, que contó con ella para protagonizar con Marlon Brando ‘La condesa de Hong Kong’ (1967), su última película, le aconsejó que si quería ser feliz tenía que aprender a decir ‘no’. 5. El Oscar que ganó por ‘Dos mujeres’ supuso el reconocimiento que tanto deseaba. 6. Con Marcello Mastroianni, en ‘Matrimonio a la italiana’. 7. Vittorio De Sica fue su mentor y, de nuevo, otra figura paterna en su vida. “Nunca llores por algo que no puede llorar por ti”, la consoló al verla desesperada porque le habían robado unas joyas.

y once cuando concluyó, se criaba sin padre y sintiéndose avergonzada por ser hija de madre soltera. Para qué quería yo un apellido sin el afecto del hombre que lo llevaba, se lamentó superada aquella época. Era tan larguirucha que la apodaban ‘Palillo’, pero en cuanto entró en la adolescencia y su figura cambió por completo, su madre no tardó en inscribirla en concursos de belleza y en irse con ella a Roma. Poco a poco se forjó una reputación como modelo de fotonovelas y logró pequeños papeles en la pantalla con el nombre Sofia Lazzaro.

Fotos: Archivo Fotogramas / Getty Images.

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italiana (De Sica, 1964), por la que fue nomiLlega el amor. En uno de esos concursos, con 16 años, coincidió con quien habría de ser su nada de nuevo al Oscar, y Una jornada partidescubridor y el amor de su vida, Carlo Ponti. cular (Ettore Scola, 1977), uno de sus mejores Nunca olvidaré la primera vez que nuestras trabajos. Marcello y yo nos enamoramos de miradas se cruzaron, yo era aún casi una inmediato, en lo cinematográfico, se entiende. niña y él, un productor famoso. Ponti no solo Compartíamos igual discreción y optimismo, tenía 22 años más que ella, estaba, además, pero sobre todo, la alegría de vivir y la concasado, aunque su matrimonio estaba roto, ciencia de que éramos seres afortunados. y era padre de dos hijos. Días después, Sophia Estrella internacional. Fuera de Italia, ha trabajado con John Wayne (Arenas del desierto, de se presentó en su productora para hacer la prueba que le había propuesto. Al verla, el Henry Hathaway), William Holden (La llave, cámara dijo: Es imposible hacerle fotos. Tiene de Carol Reed), Anthony Quinn (El pistolero la cara demasiado corta, la boca demasiado de Cheyenne, de George Cukor), Clark Gable (Capri, de Melville Shavelson), Charlton grande, la nariz demasiado larga. A Sophia no le pilló por sorpresa. Como Heston (El Cid, de Anthony siempre mi aspecto era dema“GRACIAS A MIS HIJOS, Mann), Paul Newman (Lady L, siado. Bien sabía yo que mi de Peter Ustinov), Gregory Peck HOY LA EDAD NO ME DA belleza era el resultado de una (Arabesco, de Stanley Donen), MIEDO. DESDE QUE ME suma de singularidades en una Peter O’Toole (El hombre de CONVERTÍ EN MADRE HE sola cara, la mía. La Mancha, de Arthur Hiller) VIVIDO PROYECTADA De Sica y Mastroianni. Ya con su y Marlon Brando, con quien no HACIA EL FUTURO Y SIGO hubo química y a quien tuvo que nuevo nombre artístico, Sophia HACIÉNDOLO”. Loren, que sonaba a extranjero, pararle los pies cuando intentó conoció a los otros dos homsobrepasarse con ella (La condesa de Hong Kong, de Charles Chaplin). Para bres que cambiaron su destino. El director Vittorio De Sica, gracias a quien años después evitar quedarse encasillada como maggiorata, ganó el Oscar, que la fichó como protagonista término aplicado a las actrices italianas de atributos generosos que simbolizaban el ideal de de uno de los episodios de su comedia El oro de Napolés (1954). Sin él nunca me habría belleza mediterránea en los años 50, no se ha convertido en quien soy ni habría encontrado limitado a un solo género y ha alternado comedia, drama, suspense, bélico, histórico y hasta mi identidad. Fue uno de los grandes regalos que me ha hecho la vida. Su primer papel musical. En 1991 recibió un Oscar de Honor. protagonista, en La ladrona, su padre y el A sus 85 años abandona su retiro para protagonizar La vida por delante, dirigida por su hijo taxista (Alessandro Blasetti, 1954), la reunió con Marcello Mastroianni, diez años mayor que pequeño, Edoardo Ponti. Gracias a mis hijos, ella, con quien formó una de las parejas más hoy la edad no me da miedo. Desde que me memorables del cine en una docena de pelíconvertí en madre he vivido proyectada hacia el futuro y sigo haciéndolo. ◆ culas entre las que destacan Matrimonio a la

UNA MUSA DEL CINE EN 32 FOTOGRAMAS A lo largo de las páginas que le ha dedicado nuestra revista a Sophia Loren, reflejadas en 32 portadas de las que hemos seleccionado cinco, sus lectores han seguido su vida y sus películas desde el inicio de su carrera, en los años cincuenta, hasta que su presencia en la gran pantalla se fue espaciando cada vez más.

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ESTRENO # LA VIDA POR DELANTE # ENTREVISTA

SECRETOS DEL CORAZÓN

‘La vida por delante’. Tras diez años de ausencia, Sophia Loren regresa al cine de la mano de su hijo Edoardo Ponti con un papel a su medida que puede situarla en las quinielas de premios. Hablamos con el director italiano sobre la película, su madre y la vida en general. Por Fausto Fernández.

DE QUÉ VA: Madame Rosa, antigua prostituta, cuida de los hijos de sus compañeras. Un amigo le deja en custodia al pequeño Momo, inmigrante que trafica con drogas.

Un bonito regalo. Mi madre ama a ese personaje. No podía más que regalárselo. La madre en cuestión es Sophia Loren. El personaje, Madame Rosa. Quien se lo ha regalado en forma de película es su hijo, Edoardo Ponti (Ginebra, Suiza, 1973). Le gustó mucho lo que hizo con él Simone Signoret (en Madame Rosa, 1977, de Moshé Mizrahi; Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa). De hecho, cada vez que se encontraban, mi madre la felicitaba por su actuación. Han transcurrido 43 años, tiempo suficiente para que Ponti haya consolidado su carrera como director, dos veces antes con Sophia Loren a sus órdenes: Entre 70

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extraños (2002) y el corto Voce umana (2014). Vi que además de satisfacer a mi madre, explica, se podía actualizar la novela original de Romain Gary en que se basa. Estos son tiempos difíciles, el problema de los refugiados se ha agravado, ideas intolerantes se extienden… He querido que ese ponerse en la piel de otro, que ese diálogo entre culturas y seres humanos que está presente en el film, se renueve. La verdad en una sonrisa. ¡Ojalá pudiera tener su talento!, exclama entre risas cuando comentamos a Edoardo Ponti los ecos del cine de Vittorio De Sica y Ettore Scola en La vida por delante, precisamente dos directores esenciales en la carrera de Sophia Loren. De pequeño los veía en casa, en reuniones de trabajo con mi padre (el productor Carlo Ponti) o mi madre; o simplemente en

comidas o cenas. Honestamente, creo que mi película bebe más de obras de Fernando Meirelles y Héctor Babenco: Ciudad de Dios (2002) y Pixote, la ley del más débil (1981). Busco siempre un compromiso, una conciencia social. Pero sobre todo busco la autenticidad y la esperanza. Busco la sonrisa en la adversidad. En ella está la verdad. Las escenas entre Madame Rosa y Momo están llenas de ellas. Nuestros mayores. El pasado, los recuerdos… Todo eso es importante y tiene un peso en la historia de Madame Rosa, que es una superviviente, literalmente: de la vida y del Holocausto judío. Ponti hace una pausa y prosigue: Mi madre también lo es: sufrió de niña la guerra, el hambre, los bombardeos, la maledicencia de aquella sociedad conservadora que la miraba

Con este film, Sophia Loren (87 años) regresa al cine 11 años después de ‘Nine’ (R. Marshall, 2009) .

¿CÓMO ES “ TRABAJAR CON MI

MADRE? CADA VEZ ES DIFERENTE, CADA PAPEL SACA A LA LUZ A UNA ACTRIZ MARAVILLOSA. ME SIENTO ORGULLOSO DE COMPARTIR ESTA AVENTURA QUE ES EL CINE CON ELLA .

”

Madame Rosa (Loren) y Momo (Ibrahima Gueye).

mal porque sus padres no estaban casados… Luchó por sacar adelante a su familia. Siempre lo ha hecho. Sin embargo, la película, con el personaje de Momo, lo que hace es también mirar hacia delante, hacia la vida que nos aguarda. Hasta hace unos años el

futuro era para muchos simplemente mañana. El egoísmo nos cegaba. No pensábamos en el cambio climático, en las enfermedades… ¿Cómo estamos hoy? El film es también un homenaje a la generación de Madame Rosa, el doctor o el tendero (excelentes Renato Carpentieri y Babak Karimi). A la generación de nuestras madres y padres; abuelas y abuelos, hoy víctimas de esta maldita pandemia global. Ellos son nuestro futuro.

UN BELLO RECUERDO Las escenas entre el personaje de mi madre y Momo (Ibrahima Gueye) me emocionaban en los ensayos, en el rodaje y viendo la película, nos confiesa Edoardo Ponti. Pero mucho más ver cómo era ella con el niño en los descansos: con mimos, bromas, jugando con él… Los miraba y recordaba a mi madre conmigo de pequeño. Confieso que me puse algo celoso de esa complicidad. Pero mi madre es así, y verlo, ver ese cariño que me dio a mí y mis dos hermanos con Ibrahima, me enterneció.

Otra idea de familia. ¿Cómo es trabajar con mi madre? Es la pregunta inevitable cuando me entrevistan y me siento frustrado porque no sé qué responder. Cada vez es diferente, cada papel saca a la luz a una actriz maravillosa. Lleva 70 años en este oficio, 70. Me siento orgulloso, asustado y feliz de compartir esta aventura que es el cine con ella, más allá de ser madre e hijo. Aprovechamos el tema de la consanguineidad para hablar de esa familia no convencional que forman los personajes de la película: Tienes toda la razón, asiente Ponti. La verdadera familia es la que creas tú, la de los lazos de amor, amistad o solidaridad. La de Madame Rosa, Momo, los niños, el doctor, el tendero, esa maravillosa y cálida Lola que interpreta la española Abril Zamora (Vis a vis). Fue la última incorporación al film. No encontrábamos a la actriz hasta que vi fotos suyas y un vídeo y me dije que era ella, Lola, alegre, viva, orgullosa de quién es. ◆ ESTRENO EN SALAS: 6 NOVIEMBRE ESTRENO EN NETFLIX: 13 NOVIEMBRE

La vita davanti a sé (Ita., 2020, 94 min.). DRAMA.

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Más Estrenos

LA AVENTURA DEL CONOCIMIENTO

‘Martin Eden’. Combinando escenas de ficción con imágenes de archivo, Pietro Marcello (‘Bella y perdida’) insufla nueva vida a la novela autobiográfica homónima de Jack London. El resultado es una pieza de orfebrería fílmica que se alzó con el Giraldillo de Oro del Festival de Sevilla. Por Manu Yáñez (Venecia). DE QUÉ VA: Al entrar en contacto con el mundo burgués y enamorarse de Elena (Jessica Cressy), el joven marinero Martin Eden (Luca Marinelli) se propone convertirse en escritor.

personaje muy arquetípico, como Hamlet o Fausto, sentíamos que podíamos transformarlo a nuestra imagen y semejanza. Lo que ocurre es que en Italia no tenemos la tradición literaria ¿Qué le llevó a adaptar Martin Eden, la de Robert Louis Stevenson, Herman novela autobiográfica de Jack London? Melville y Joseph Conrad, y no teneLondon suele ser conocido por sus mos el océano Atlántico y el Pacífico, novelas de aventuras, como Colmillo así que tuvimos que reconstruir el blanco, pero para mí sus obras más personaje tomando como referentes a importantes son El talón de hierro y Pier Paolo Pasolini, Carlo Levi, Ignazio Martin Eden. Esta última ha sido olviSilone, y al Mediterráneo como trasdada porque el personaje de Martin fondo que es como una Eden es una figura charca (risas). Nuestro incómoda. Se trata de “CREO EN LA POSIBILIDAD Martin es un marinero un marinero, un joven DE UN CINE HUMANISTA de campo. muy humilde, que, por Y RECHAZO EL CINISMO. Su adaptación de Martin un golpe del destino, se CREO EN UN CINE Eden juega con los anacrolanza a la conquista de una emancipación perIMPERFECTO, PERO CON nismos para convertirse sonal a través de la culALMA, DE SENTIMIENTOS en una crónica política del siglo XX europeo. tura. Martin consigue HONESTOS”. escalar en la jerarquía La novela de Jack social, sin embargo, London [publicada en cuando se ve convertido en un escritor 1909] contiene una profecía de los de éxito y en un hombre arrogante, tormentos del siglo XX. Tanto en el cae en desgracia. El personaje devielibro como en mi película se menne la primera víctima de la industria ciona el pensamiento individualista cultural, que fue justamente lo que le de Herbert Spencer, un filósofo al ocurrió a Jack London. que detesto. Pues bien, después de ¿Cómo fue el proceso de adaptación Spencer vinieron Nietzsche, Mussolini, de la novela? Stalin y todos los desastres del siglo La decisión más importante que XX. Además, junto a Braucci, quetomamos junto a Maurizio Braucci, ríamos que nuestra adaptación de mi coguionista, fue trasladar la hisMartin Eden lidiase con cuestiones toria desde Oakland, en California, muy contemporáneas, como la crisis a Nápoles. Necesitaba sentir a Martin de los estados y la reaparición del fasEden cerca de mí. Tratándose de un cismo. Hace 40 años nadie habría 72

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Luca Marinelli se llevó la Copa Volpi al Mejor Actor en la última Mostra de Venecia por su trabajo en ‘Martin Eden’.

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Martin (Marinelli) con Elena (Jessica Cressy).

Para Pietro Marcello, Martin Eden es “un personaje arquetípico como Hamlet o Fausto”.

MARTIN EDEN, LA NOVELA DE “JACK LONDON, CONTIENE UNA

anticipado lo que está ocurriendo en Europa y la reaparición del fascismo. Hace 40 años nadie habría creído lo que está ocurriendo en Europa, en la América de Trump o en el Brasil de Bolsonaro.

VISCERAL, APASIONADO Y LATINO Mi impresión es que su Martin Eden es todavía más oscuro que el de Jack London. Mi Martin es más latino, más apasionado y visceral que el de London. Para mí era muy importante presentar a Martin como un héroe negativo. Su caída tiene poco que ver con el fracaso de su historia de amor con Elena. Martin se deprime porque se da cuenta de que ha traicionado a su clase social, se ha dejado embaucar por los

PROFECÍA DE LOS TORMENTOS DEL SIGLO XX .

”

cantos de sirena de una sociedad hipócrita. En mi película, he aprovechado para vincular al personaje de Martin con el narcisismo del mundo contemporáneo y la cultura del influencer. En su odisea, se convierte en una especie de estrella del rock, podría ser la historia de Michael Jackson: un joven de orígenes humildes que pierde todo contacto con la realidad por culpa del éxito. En su cara más luminosa, su film captura la belleza de los paisajes y la gente napolitana.

LUCA MARINELLI, MUCHO MÁS QUE PROMETEDOR Por su encarnación del personaje de Martin Eden, el actor romano Luca Marinelli –visto en La gran belleza de Paolo Sorrentino, en la serie de HBO Trust (en la imagen) o en La vieja guardia– se alzó con la Copa Volpi al Mejor Actor del Festival de Venecia. Luca es un actor moderno, un hijo de su tiempo, afirma Marcello. Aunque lo más relevante es que es un hombre muy valiente. No me interesaba trabajar con un actor-maniquí, sino con una persona capaz de entender la compleja odisea existencial del personaje.

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Creo en la posibilidad de un cine humanista y rechazo toda forma de cinismo. Creo en un cine imperfecto, pero con alma, un cine de sentimientos honestos. Como decía Gorki, debemos estar junto a la gente. De hecho, es fácil retratar a los más humildes, porque tienden a ser amables, simpáticos. Lo difícil es contar algo interesante sobre la vida de los ricos, que suele ser muy aburrida. En un momento extraordinario de su película, usted pone música electrónica sobre unas imágenes de archivo de unos niños bailando. Conocía esas imágenes de archivo de unos niños bailando en las calles del barrio español de Nápoles. Entonces recordé que, en la novela de London, hay un pasaje en el que Martin le recrimina a su hermana que, siendo una gran bailarina, ya nunca baile. Decidí poner esa línea de diálogo en la película y, como contrapunto, introducir la imagen de los niños. No sabría decir por qué me decanté por emplear música electrónica. Fue una decisión instintiva. Para mí, el trabajo con el material de archivo tiene algo de alquimia. ◆ ESTRENO: 6 NOVIEMBRE

Martin Eden (Italia, Francia, Alemania, 2019, 129 min.). DRAMA.

ESTRENOS # EL BIOPIC

Charles de Gaulle (Lambert Wilson) sujeta en brazos a su hija Anne, con síndrome de Down, mientras Yvonne (Isabelle Carré) los fotografía.

EL HOMBRE QUE DIJO ‘NO’

‘De Gaulle’. El director galo Gabriel Le Bomin convierte a Lambert Wilson en el general Charles de Gaulle. 80 años después de su arenga desde el exilio en Londres invitando a no ceder ante el invasor nazi, la cinta indaga en la vertiente más íntima y familiar del líder de la Resistencia francesa durante la ocupación alemana en la II Guerra Mundial. DE QUÉ VA: En 1940, cuando el ejército alemán se acerca a París y todos dan por hecha la rendición, el general Charles de Gaulle decide cambiar el curso de la historia desde la Resistencia, aunque eso le cueste separarse de su familia.

la Resistencia, elige la clandestinidad. Es un periodo de la vida de De Gaulle que no se había llevado al cine aún y nos da una versión más íntima del personaje, que hace referencia a una extrema soledad, pero que habla de Fragilidad vs. fortaleza. Pese a que tanto el título como el peso histórico del percompromiso y lucha. Nos parecía muy sonaje apunten en otra dirección, esta romántico, por eso elegimos esas semacinta cuenta la historia de una pareja. La nas previas a su discurso del 18 de formada por Yvonne y Charles de Gaulle, junio de 1940 en el exilio de Londres, en la que ella se muestra como soporte apunta el cineasta. clave sobre el que el general y primer Cartas a Yvonne. Más que al estratega, Le presidente de la Quinta República Bomin muestra al hombre que luchaba Francesa apuntaló sus decisiones desde por cambiar la historia separado de su el dolor y el exilio. El film familia, pero que jamás dejó habla de un momento de frade preocuparse por su espoEL DATO gilidad para De Gaulle, que sa y sus tres hijos. Al mismo Isabelle Carré y ha cumplido 50 años, acaba tiempo, queríamos mostrar Lambert Wilson, los de ser ascendido a general a una Yvonne desconocida, protagonistas, se conocieron en el y siente que no puede hacer fuerte, decidida y nada servil, rodaje de Corazones nada para frenar el avance que se ha revelado como el (Alain Resnais, 2006), alemán, explica el director pilar sobre el que se mantedonde interpretaban a una pareja de Gabriel Le Bomin. Empujado nían firmes las convicciones enamorados, de la por su esposa, que debe huir de Charles. Tras rematar un misma manera que en con sus tres hijos y fue el verguion complejo y apasionanDe Gaulle. dadero motor de su valor en te basado en las cartas que

ambos intercambiaron y que denominaron Memorias de guerra, llegó el momento de elegir a De Gaulle. Lambert Wilson (De dioses y hombres), seis veces nominado al César y que había conocido a un De Gaulle ya mayor en el Elíseo, fue el elegido. Él marcó la diferencia. Es único interpretando papeles románticos, le gusta construir un papel, tiene autoridad y presencia, su tradición anglosajona hace que no tenga miedo a jugar con su cuerpo, y su notoriedad tranquilizó a los inversores. En el caso de Yvonne, Isabelle Carré consiguió poner al personaje en el punto correcto de sensibilidad, con una modestia hermosa y la energía y fuerza que necesitábamos. Como aderezo, y a pesar de ser una película intimista, no escatimaron espectacularidad en escenas como la del bombardeo de Brest, aunque muchas veces, la riqueza de un plan proviene de su simplicidad, concluye Le Bomin. ◆ ESTRENO: 20 NOVIEMBRE

De Gaulle (Francia, 2020, 108 min.). BIOPIC.

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ESTRENOS # ENTREVISTA

El periodista Sebastià Comas (Roger Casamajor) busca respuestas en las calles del Raval.

ÁNGELES Y DEMONIOS DE QUÉ VA: Un reportero investiga el caso de la supuesta asesina Enriqueta Martí, quien le hace una soprendente confesión en la cárcel.

Crónica negra. Rodada en una nave abandonada, con muchas ganas, pero poco presupuesto, Lluís Danés reivindica en su primer largometraje de ficción, La vampira de Barcelona, a una de las figuras más polémicas de la crónica negra de principios del siglo XX. ¿Por qué el protagonista del film es un periodista y no la propia Enriqueta Martí? He preferido que fuera así porque me permitía contar cómo, casi sin pruebas, se puede convertir a una mujer en un ser malvado. Cuando el poder se une con la prensa y la policía se produce un aquelarre que desemboca en una caza de brujas. Me interesaba que ella estuviera de telón de fondo de la historia que queríamos contar, que es la manipulación de la verdad por autén76

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ticos monstruos para crear demonios ficticios. La película habla de las fake news. Aprovecho también para contar un tiempo y un país. ¿De dónde vino ese apodo de ‘Vampira de Barcelona’ que le colgaron a Enriqueta? Surgió de su intento de suicidio en la cárcel mordiéndose las venas de las muñecas, que la prensa transformó en que se bebía su propia sangre. La llaman también ‘la mala mujer’, pero yo la denominaría ‘la pobre mujer’, sin ánimo tampoco de santificarla. El guion, que es de Lluís Arcarazo y María Jaén, en su primera versión, que se remonta a 2009, se centraba en su mito de gran asesina de niños. En los 11 años que han transcurrido hemos investigado, se han publicado libros y ha quedado claro que su mayor delito fue ser pobre, mujer, exprostituta y vivir en el Raval.

¿Cómo era a principios del siglo XX esa céntrica zona de Barcelona? En 1912, cuando ocurrieron los hechos, era el barrio más poblado de Europa, con una acumulación brutal de niños, porque las prostitutas que lo habitaban parían cada año. La ciudad estaba dividida, sin casi término medio, entre los pobres más miserables y los ricos del modernismo. En ese entorno, con la llegada de drogas como la morfina y la cocaína, se hizo habitual la prostitución infantil. ¿El personaje del reportero existió? Sí, y fue quien hizo la famosa foto que hay de ella y quien publicó el artículo, que se menciona en la película, en el que se explicaba que no se podía demostrar todo lo que se le atribuía a Enriqueta; salvo que secuestró a la niña Teresita Guitart y que Angelita, que pasaba por ser su hija, no lo era.

Fotos: Lucía Faraig.

‘La vampira de Barcelona’. Premio del público en el Festival de Sitges, Lluís Danés parte del escándalo que produjo en la Barcelona de 1912 la detención de una supuesta asesina de niños para reflexionar sobre temas que hoy siguen vigentes. Por J. P.

Núria Prims (izda.) con Nora Navas (La Vampira de Barcelona) y Anna Alarcón.

LA PELÍCULA HABLA DE QUE “CUANDO EL PODER SE UNE A LA

PRENSA Y LA POLICÍA SE MANIPULA LA VERDAD Y SE PRODUCE UN AQUELARRE QUE DERIVA EN UNA CAZA DE MONSTRUOS FICTICIOS .

”

Mario Gas (izda.), Sergi López y Francesc Orella.

¿Cómo han documentado el guion? Sobre todo con la prensa de entonces. Ella fue la gran noticia del momento hasta que se hundió el Titanic. Murió en prisión, de cáncer de útero, en 1913, antes de llegar a ser juzgada. El peso del film recae en Roger Casamajor. Trabajé con él en la TV movie Laia y

Bruna Cusí con Roger Casamajor.

quería repetir. Es un actor muy potente, muy exigente y que entra mucho en el papel, que es lo que pide este personaje presente todo el tiempo. ¿Y el resto del reparto? Nora Navas, además de ser una actriz genial, guarda parecido físico con Enriqueta. He tenido la suerte de

Diplomado en Escultura por la Escuela de Artes y Oficios de Barcelona, Lluís Danés (Arenys de Mar, Barcelona, 1972) es un cineasta autodidacta. Su filmografía incluye el documental Llach: La revuelta permanente (2006) y la TV movie Laia (2016), en la que ya experimentó con esa mezcla de técnicas que emplea en La vampira de Barcelona. Ha centrado su trabajo, sin embargo, en la escenografía, montajes teatrales, especiales de televisión y conciertos de cantantes como Lluís Llach, Peter Gabriel y Albert Pla.

Foto: Ruano.

ESCULTOR DE IMÁGENES

contar con un plantel de grandes intérpretes, como Sergi López, Mario Gas, Bruna Cusí, Núria Prims, Francesc Orella o Pablo Derqui. En la pantalla se mezcla una escenografía teatral con la animación, retroproyecciones o el teatro de sombras. Esto se debe a la influencia de los directores que admiro, maestros como Fellini y su Casanova o Carlos Saura, con Goya en Burdeos. Es mi modo de decir que se puede hacer otro cine aunque tengamos poco dinero. ¿A qué responde el uso alternativo que hace del blanco y negro con el color? Hay tres texturas. El blanco y negro me lo pedía el estilo de la película. Los elementos en rojo, como el vestido con el que canta Amèlia, indican peligro. El color aparece en el prostíbulo, para denunciar que eso no es algo del pasado sino que la pederastia se sigue dando en el presente y se dará en el futuro, por desgracia. ◆ ESTRENO: 20 NOVIEMBRE

La vampira de Barcelona (España, 2020, 106 min.). DRAMA.

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ESTRENOS # ENTREVISTA

Yolanda Sey interpreta a Juliet Okoro.

Eneko Sagardoy e Itsaso Arana.

‘Campanadas a muerto’

El muro que nos separa ‘La mujer ilegal’. Una conversación casual fue el punto de arranque de la quinta película del catalán Ramon Térmens, que denuncia el trato a los inmigrantes en un thriller con trasfondo social y gran crudeza. DE QUÉ VA: Fernando Vila es un abogado de inmigración que intenta averiguar la verdad sobre la muerte en un centro de una joven.

de casi todas sus películas) con otros abogados por los Derechos Humanos les sirvió para conocer casos de La verdad oculta. Yo no soy racista, torturas, deportaciones ilegales o pero… Esa frase, oída en una convermuerte que no han trascendido. sación al azar y debido a todo lo que La punta del iceberg. De esta forma, implica, fue el punto de partida de recogiendo testimonios, escribimos la quinta película como director de un guion de un contenido duro e Ramon Térmens, que debutó hace ya 15 intenso, cuyas fatalidades narraaños con la potente Jóvenes das no son más que la (2004). La película nació punta del iceberg de un EL DATO en una fiesta de Navidad sistema legal que oprime, Carrera concienciada. del colegio de mi hijo, dice humilla y rebaja a unos La denuncia de la falta de ideales (Jóvenes), el cineasta. Allí conocí al seres humanos a ser pura la corrupción política abogado de inmigración cifra: la del número de (Negro Buenos Aires), el Ferran Villuendas, que ha ilegales, la del número narcotráfico (El mal que dedicado toda su vida a de deportados, la del hacen los hombres) y el racismo (Catalunya über algo tan simple y complejo número de muertos del alles! y La mujer ilegal) a la vez como es conseguir Mediterráneo… Además han marcado desde los papeles a inmigrantes de Faraldo, que se encarga sus inicios la reflexiva trayectoria como que están en situación irrede interpretar al abogado director de Térmens. gular, es decir, ilegales. Le que destapa la trama, en el mostré a Ferran mi película film participan la catalana anterior, Catalunya über alles!, donde Yolanda Sey, el veterano Boris Ruiz e trataba la intolerancia desde distintos Isak Férriz, como el jefe de policía al cargo de los casos investigados. puntos de vista y abordaba el racismo de la gente que no parecía serlo, cuenta ESTRENO: 20 NOVIEMBRE el realizador. Un cruce de correos electrónicos del director y su colaborador La mujer ilegal (España, República Checa, Daniel Faraldo (guionista y protagonista 2020, 119 min.). DRAMA. 78

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Fermín (Iñigo Aranburu) y Karmen (Itziar Ituño) llaman a su hijo Néstor (Eneko Sagardoy, Goya a Mejor Actor Revelación por Handia) cuando descubren unos huesos enterrados en su caserío. Al llegar la policía, el cadáver y el joven han desaparecido. Segundo film en euskera del navarro Imanol Rayo, que ya adaptara a Bernardo Atxaga en Bi anai (Dos hermanos) en 2011, y que ahora ha optado por 33 campanadas, de Miren Gorrotxategi. En el reparto, además, Kandido Uranga, Andrés Gertrúdix e Itsaso Arana. ESTRENO: 20 NOVIEMBRE

Max Marieges y Nathalie Seseña.

‘Ni de coña’ El prolífico director y guionista colombiano Fernando Ayllón tira de un reparto formado por actores y monologuistas españoles como Goyo Jiménez, J.J. Vaquero, Jordi Sánchez, Carolina Noriega, Nathalie Seseña, Kikín Fernández y Max Marieges, entre otros, para versionar uno de sus mayores éxitos: Si saben cómo me pongo ¿pa’ qué me invitan? (2018). En ella, cuatro parejas acuden a un resort caribeño para intentar salvar sus maltrechas relaciones. ESTRENO: 20 NOVIEMBRE

Clare Dunne, autora del guion y protagonista de ‘Volver a empezar (Herself)’.

EL SENTIDO DE LA VIDA ‘Volver a empezar (Herself)’. Hablamos con Phyllida Lloyd, directora de ‘Mamma Mia!’ y ‘La Dama de Hierro’, sobre su tercer film, un humilde drama social de pequeño presupuesto y poderoso mensaje feminista donde ha volcado su alma. Por Laura Pérez. DE QUÉ VA: Sandra malvive con sus dos hijas tras abandonar a su marido maltratador. Ante la imposibilidad de conseguir una casa de los servicios sociales, decide construir la suya.

Phyllida Lloyd (Bristol, Inglaterra, 1957), quien se ha labrado una carrera en el teatro y la ópera, trabajaba en un proyecto de obras de Shakespeare interpretadas por mujeres cuando una de sus actrices, Clare Dunne, llegó con este guion de cine que había escrito. Yo lo dirijo si tú lo protagonizas. Y cerraron el trato. Sus dos incursiones previas en el cine han sido grandes producciones. ¿Estaba bus-

cando una película pequeña como esta? Sin duda. Desde hace un tiempo he trabajado en el teatro con una actitud de misión social, de forma colaborativa y con las mujeres muy presentes. Quería hacer cine de esta manera más pegada al suelo, y este traje de pequeño presupuesto me sentaba de maravilla. ¿Qué le sedujo de la historia? El conocimiento tan instintivo que tenía Clare sobre cómo debía funcionar el guion de un film, la relación entre imágenes y palabras. También el inteligente contraste entre la oscuridad y

GRANDES ENSEÑANZAS DE UNA VETERANA Sacar adelante cualquier película es una batalla. Las mismas discusiones, las mismas presiones… Si tienes tres millones de presupuesto, te falta tiempo para rodar. Pero cuando te dan 35 millones tampoco tienes todo el que necesitarías, se queja Phyllida Lloyd. A las directoras principiantes les diría que el teatro es un buen lugar para aprender sobre cine, a trabajar con actores y con equipos. También que no teman hacer algo pequeño. Lo pequeño es bonito.

Phyllida Lloyd con la niña Ruby Rose O’Hara.

la luz. Tenía furia y enfado contra el sistema, pero me gustó su vehemencia en dar esperanza a quienes viven esa situación. ¿Su película resulta ahora incluso más relevante, después de la pandemia? Me impresiona cómo en los últimos meses ha cobrado nuevos sentidos y ha ganado potencia en otros, como el del aislamiento y la comunidad. Creo también que todos hemos tomado conciencia de la importancia de la seguridad en nuestro hogar. Bajo un confinamiento es más fácil para un maltratador ejercer la violencia sobre su víctima. La protagonista sale adelante gracias a la bondad de los extraños, casi todos mujeres. ¿Qué importancia le da a esta sororidad? Siempre he buscado historias que dan voz a mujeres que no la tienen, así que era fundamental para mí, para Clare (Dunne) y para Harriet (Walter), la otra actriz, quien también formaba parte de mi proyecto teatral. ◆ ESTRENO: 20 NOVIEMBRE

Herself (Irlanda, 2020, 97 min.). DRAMA.

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ESTRENOS

‘Lúa vermella’ DE QUÉ VA: Desde que el buzo El Rubio murió, su pueblo, en la Costa da Morte gallega, vive amenazado por un monstruo.

Fantasmal. Presentada en Berlín fuera de concurso, y coronada en Zonazine de Málaga, la segunda película del experimental artista vigués Lois Patiño, exponente de la nueva cinematografía gallega, insiste en las señas de identidad de su ópera prima, Costa da Morte (2013): figuras lejanas aisladas, ¿vivos o muertos?, en paisajes brumosos, casi tétricos, con Galicia como eje, esta vez en su dimensión más legendaria y mítica (meigas, La Santa Compaña). Un buzo rescatacadáveres. El germen de la narración nace en la historia real de O Rubio de Camelle, un buzo que rescató más de 40 cadáveres de náufragos. Él mismo también pereció en el Cantábrico y ese hecho le sirve a Patiño para inventarse la visita al pueblo de tres brujas, tres meigas, que persiguen el fantasma del Rubio, un monstruo encharcado que visita las

Figuras estáticas en el paisaje gallego.

casas de los pescadores y labriegos. Dividimos el rodaje en dos partes –explica Patiño–. Primero la Galicia interior, después la Galicia de la costa, lo cual terminó resultando muy importante porque permitió un periodo de reflexión que nos dejó comprender mejor la película que estábamos haciendo. En palabras de su autor, y profundizando en el universo retratado en su film anterior, Lúa vermella se adentra en la Galicia del mar com-

prendiéndola en su dimensión física e imaginaria, donde realidad y leyenda se funden, y el mar y la muerte se entrecruzan con toda su carga mítica y evocadora. Un film que encuentra su horma en una frase que le quedó grabada al director mientras rodaba: Aquí los muertos no se marchan, se quedan con nosotros. ESTRENO: 30 OCTUBRE

Lúa vermella (España, 2020, 84 min.). DRAMA.

‘El año del descubrimiento’ DE QUÉ VA: 1992. Cartagena. Varias personas conversan en un bar mientras escuchan en la calle los disturbios ocasionados por el desmantelamiento industrial de la ciudad.

Un parlamento en llamas. El 3 de febrero de 1992, Carlos Collado, presidente de la comunidad autónoma de la Región de Murcia, comparecía ante la Asamblea para justificar la cesión de unos terrenos a una multinacional. Mientras, los trabajadores se manifestaban en la calle e incendiaban el parlamento con cócteles molotov. Este suceso, tan brutal y desconocido por la mayoría de los españoles, es utilizado por el realizador murciano Luis López Carrasco –que sorprendió en 2013 con su debut El futuro, seleccionada por más de 50 festivales– como contraste entre la España de celebraciones de los Juegos Olímpicos y de la Expo de Sevilla con la realidad social y económica del país. En estos últimos años de 80

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Conversaciones en un bar de Cartagena en 1992.

crisis, esa imagen de un parlamento ardiendo ha vuelto a mi memoria, ahora que el Congreso de los Diputados ha pasado meses rodeado de vallas y policía. ¿De qué me estás hablando? Cuando he preguntado a mi padre o a mi madre cómo vivieron la quema del parlamento regional en la ciudad vecina me han mirado interrogadoramente. ¿De qué les estaba hablando exac-

tamente?, ¿seguro que no me lo he inventado? Nadie recuerda ese suceso. Ese parlamento autonómico ardiendo para mí es la otra cara de 1992, resume el realizador, productor y guionista. El film participa en la 17.ª edición del Festival de Sevilla. ESTRENO: 13 NOVIEMBRE

El año del descubrimiento (España, Suiza, 2020, 200 min.). DOCUMENTAL.

Lotte Eisner en el centro; Herzog, a la derecha, abajo, y arriba, Bruno Ganz.

Charlotte Gainsbourg.

‘Lux Æterna’

DE QUÉ VA: La actriz Charlotte Gainsbourg acepta interpretar a una bruja que va a ser quemada en la hoguera en la primera película dirigida por Béatrice Dalle. El rodaje es un caos.

SOBRE LOS PASOS DE HERZOG

‘Dear Werner (Walking on Cinema)’. Un documental en primera persona que viaja del pasado al presente. Una audaz carta de amor al cine (y por supuesto al cineasta alemán Werner Herzog) que debería exhibirse en las escuelas. Por P. P.

DE QUÉ VA: El joven director Pablo Maqueda recorre a pie el mismo itinerio geográfico y emocional que hizo Herzog en los 70 para visitar a su mentora, Lotte Eisner.

tanto en él como en su cine: el valor de producción no vendrá del presupuesto, sino de la valentía de haber llegado hasta allí para intentar captar eso Herzog por Maqueda. Pasión por la avenque nadie antes ha captado, bien sea tura. Sueños imposibles. El hombre en un reto físico o conceptual. ¿Cuál fue la pequeñez del paisaje. Eso es Herzog, su primer pensamiento cuando echó entre otras muchas cosas, y a andar? A dónde me lleeso es este documental con varía el viaje, esa locura, EL DATO el que Maqueda homenajea sin guion, con el libro de El propio Herzog, con su poderosa voz, narra al autor de Fitzcarraldo Herzog como única guía. algunos pasajes de Llegué a lugares apenas (1982). ¿Por qué repetir su libro Del caminar hoy, cuando la cinefilia descritos por él con unas sobre hielo, crónica del clásica parece moribunda, pocas palabras. La traveviaje que hizo a pie de Múnich a París en un el viaje que hizo el alemán sía duró un mes, nunca se acto de amor a Eisner, en un crudo invierno de planteó abandonar, aunque la escritora, crítica de 1974? Precisamente en hubo momentos adversos, cine y cofundadora de un tiempo tan fugaz y sobre todo por el frío. Pero la Cinemateca francesa, gravemente enferma. rápido como este, de poca jamás pensé en tirar la reflexión, es cuando me toalla, como jamás abanparece que tiene más sentido que donaré el empeño de seguir haciendo nunca mirar al pasado, a nuestros cine. Y un epílogo: Fue improvisado. maestros, a quienes nos han inspiA mitad del camino me di cuenta rado. Y aprender de ello, nos responde que si Herzog lo había hecho por de Maqueda. ¿Qué define para él a Lotte, yo tenía que hacerlo por Haizea Herzog? Actuar. Coger una cámara y (su pareja y productora del film). lanzarse al camino. Eso aprendí de ESTRENO: 20 NOVIEMBRE sus documentales, cuando se iba a grabar a la Antártida, o a las cuevas Dear Werner (Walking on Cinema) (España, prehistóricas… y la locura implícita, 2020, 80 min.). DOCUMENTAL.

Más experimental. Del siempre excesivo enfant terrible del cine francés, Gaspar Noé (Irreversible, Climax), nos llega, con la inestimable colaboración de Charlotte Gainsbourg y Béatrice Dalle, este cine dentro del cine que nos sumerge en el caótico rodaje de un film sobre la caza de brujas en la Edad Media que protagoniza la primera y dirige la segunda. La modelo argentina Mica Argañaraz, la australiana Abbey Lee (Mad Max: Furia en la carretera) o Félix Maritaud (Savage) participan en la película que intenta sacar adelante, sin éxito, la directora encarnada por Dalle. Quería filmar a un director un poco inconsistente en su gestión de grupo. Refleja mis miedos cuando grabo películas. Arruinar un rodaje es de hecho un miedo inconsciente pero natural que me gusta creer que compartimos todos los directores, explica Noé, que maneja la pantalla patida y otros formatos en el film. La estroboscopia de luz (una imagen en secuencia; objetos en movimiento congelados) puede ser realmente fascinante ya que juega con nuestras ondas cerebrales. Hay personas a las que estas luces parpadeantes, de colores o no, les pueden transportar a estados irracionales de miedo, mientras otras regresan a un estado de relajación y plenitud. Es un poco como fumarse un porro, algunos se ríen y se relajan, mientras que otros se vuelven locos, explica. ESTRENO: 13 NOVIEMBRE

Lux Æterna (Francia, 2019, 51 min.). DRAMA.

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ESTRENOS

Cemre Ebuzziya es Reyhan.

‘Un cuento de tres hermanas’ DE QUÉ VA: Península de Anatolia, Turquía, años 80. Reyhan, Nurhan y Havva regresan a casa de su padre tras haber intentado trabajar como criadas en la ciudad.

Vidas marcadas. Como ocurría con muchas criadas internas hace poco en nuestro país, las besleme de Anatolia eran jóvenes, casi niñas, entregadas por sus familias para que sirvieran en casas adineradas a

‘Hillbilly, una elegía rural’ DE QUÉ VA: J. D. Vance, un estudiante de Derecho de la Universidad de Yale, tiene que volver a su pueblo natal para enfrentarse de nuevo a sus traumas familiares.

América profunda. Ron Howard cambia las intrigas vaticanas de Inferno (2016) o las aventuras galácticas de Han Solo: Una historia de Star Wars (2018), sus dos últimos largos de ficción, para pasarse al drama social versionando para el cine el best seller de J. D. Vance Hillbilly, una elegía rural (Ed. Deusto). En ella Vance, que firma el guion junto a Vanessa Taylor (La forma del agua), pone en el foco a los hillbillies, término que hace referencia a los habitantes del cinturón industrial de Ohio y Kentucky, una zona castigada por el desempleo y la pobreza. Son sus memorias, cuenta Howard. Cómo le marcó su dura infancia, los sacrificios que tuvo que

cambio de cama y manutención. Su situación social se encontraba entre las sirvientas casi esclavas y las hijas adoptivas menos queridas. El director turco Emin Alper, responsable de Frenesí, Premio del Público en el Festival de Venecia 2015, siempre se había sentido interesado por la situación de estas mujeres por su terrible dualidad: inadaptadas en sus nuevos hogares, pero sin ninguna intención de regresar a sus paupérrimas casas en pueblos miserables. Me sentía realmente emocionado por seguir el estado de ánimo en constante cambio de mis personajes, que están bajo la presión de su entorno natural y social y de sus propios anhelos y deseos. Esta ambivalencia emocional, que emana de la posición social conﬂictiva de las chicas, impregna toda la historia y todos los personajes, revela el realizador. ESTRENO: 20 NOVIEMBRE

Kiz Kardesler (Turquía, Alemania, Países Bajos, Grecia, 2019, 108 min.). DRAMA.

hacer… Pero también refleja la transformación que ha sufrido nuestro país. Sobre todo en una tierra que, por el origen de mi familia, siento como cercana. Es una historia de superación muy potente. De premio. Y aunque el film gire alrededor de Vance (encarnado en la fase adulta por Gabriel Basso), las que brillan son Glenn Close y Amy Adams, dos actrices que aquí son madre e hija y firman unos papeles que pueden darles, por fin, el Oscar. La película, desde un punto de vista interpretativo, es una oportunidad única, dice Howard. Y ellas están inmensas. ESTRENO: 13 NOVIEMBRE EN SALAS. 24 NOVIEMBRE EN NETFLIX

Hillbilly Elegy (EE. UU., 2020, 116 min.). DRAMA. Mamaw (Glenn Close) y Bev (Amy Adams).

Los cuatro compañeros inseparables.

‘Nuestros mejores años’ Tras probarse en Hollywood, donde dirigió, entre otras, En busca de la felicidad y Siete almas, el italiano Gabriele Muccino regresó hace cinco años a su tierra, donde ha estrenado ya tres ﬁlms. Este es el primero que nos llega, la historia de cuatro amigos –Giulio (Pierfrancesco Favino), Gemma (Micaela Ramazzotti), Paolo, (Kim Rossi Stuart) y Riccardo (Claudio Santamaria)– y sus vivencias sentimentales durante 40 años. ESTRENO: 13 NOVIEMBRE

Angelina Jolie y David Oyelowo.

‘Érase una vez…’ Brenda Chapman (Brave) se pasa al cine de carne y hueso con esta fábula, presentada en el pasado Festival de Sundance, que toma como punto de partida Alicia en el País de las Maravillas y Peter Pan. En la cinta, que cuenta con un cast estelar en el que destacan Angelina Jolie, Michael Caine o David Oyelowo, Alicia y Peter son dos hermanos que, cuando su hermano mayor sufre un accidente, encuentran refugio en su imaginación. ESTRENO: 13 NOVIEMBRE

ESTRENOS # ENTREVISTA

Miles (Finn Wolfhard), Flora (Brooklynn Prince) y Kate (Mackenzie Davis).

Las cuatro protagonistas.

‘Jóvenes y brujas’

Rodeados de fantasmas

‘Otra vuelta de tuerca’. Floria Sigismondi vuelve a la gran pantalla 10 años después de ‘The Runaways’ para adaptar el relato más terrorífico y enrevesado de Henry James. Hablamos con ella. Por Ricardo Rosado. un momento genial, la música de la época buscaba la deconstrucción, algo que ayuda a entrar en la mente de los personajes. Y no había Artista multidisciplinar. Me sumerjo tantos móviles, por lo que el aislaen todo lo que me resulte creativo, miento es más profundo. suponga un reto o incluya una buena La mirada de Mackenzie. Sigismondi historia, explica Floria Sigismondi, reaapunta como clave en esta nueva lizadora italocanadiense responsable adaptación de la novela homónima de algunos de los videoclips más carisde Henry James la modernización máticos de Marilyn Manson, de los personajes. Como el David Bowie o Rihanna. Me de Mackenzie Davis, que EL DATO encanta descubrir quién da vida a Kate, la sufrida Más giros al tornillo. soy como artista durante el protagonista que cuida de John Frankenheimer fue el primero en llevar al proceso creativo, subraya los hermanos Fairchild, cine la novela de Henry la cineasta que, además de interpretados por Finn James en 1959, pero la haber pasado por El cuento adaptación más aplaudida Wolfhard (Stranger de la criada, American Things) y Brooklynn es Suspense (J. Clayton, 1961). En España, Eloy de Gods y tener listo un tercer Prince (The Florida la Iglesia nos regaló una libro sobre fotografía, vuelve Project). Kate ya viene versión en un seminario a la gran pantalla 10 años de una relación complijesuita en 1985. después de The Runaways. cada con su madre, está Grunge en la mente. Puedes entender el herida y proyecta sus problemas relato como una historia de fantasen la casa, cuenta la directora, que mas, pero también como el descenso sigue: Mackenzie hace especial de una mujer a la locura, reconoce cada momento, su mirada tiene la directora sobre el relato original. una mezcla increíble de fuerza Es un thriller psicológico y también y vulnerabilidad. un cuento de terror, tiene todos los ESTRENO: 20 NOVIEMBRE elementos. Sobre la actualización a los años 90, Sigismondi lo tiene claro: Fue The Turning (EE. UU., 2020, 94 min.). TERROR. DE QUÉ VA: Una joven, encargada de cuidar a dos niños que han perdido a sus padres, descubre que la gran mansión en la que viven esconde truculentos secretos.

Cailee Spaeny, Gideon Adlon, Lovie Simone y Zoey Luna son las nuevas estudiantes embrujadas en esta secuela y, al mismo tiempo, puesta al día del film del mismo título de 1996 –y con Assumpta Serna en el cast– que lleva el sello Blumhouse, la nueva casa del terror del cine USA. Zoe Lister-Jones (Band Aid) dirige y escribe una cinta que añade sustos millennials al argumento ya conocido: una chica poco popular se une a un grupo de jóvenes aspirantes a brujas. David Duchovny y Michelle Monaghan, en el reparto. ESTRENO: 30 OCTUBRE

Gang Dong-won.

‘Península’

Tras triunfar en Sitges de 2016 con Train to Busan –Mejor Director y Efectos Especiales– y arrasar en la taquilla internacional, Yeon Sang-ho vuelve al apocalipsis zombi. Si con la precuela animada Seoul Station nos sumergía en la crisis humana posterior a la pandemia, con esta secuela, ambientada cuatro años después, nos recuerda que el verdadero enemigo es el ser humano. La trama cuenta cómo un grupo se cuela en una Corea del Sur confinada tras el brote para hacerse con un camión lleno de dinero. ESTRENO: 6 NOVIEMBRE

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ESTRENOS

‘Ondina. Un amor para siempre’ DE QUÉ VA: Ondina, historiadora, trabaja como guía turística en Berlín. Cuando su amante la abandona, una maldición se apodera de ella y solo le queda una opción: regresar a las aguas.

Traición. El realizador más importante del nuevo cine alemán, Christian Petzold, repite con los protagonistas de su anterior film, En tránsito (Franz Rogowski y Paula Beer), aunque en esta ocasión no es la Francia de la ocupación nazi el escenario, sino un moderno Berlín. Como Bárbara (2012), Phoenix (2014) y la citada En tránsito (2018), Ondina. Un amor para siempre habla de amores imposibles, dañados y en pleno proceso de evolución. Su director reconoce que tampoco esta vez he conseguido que la política no se cuele en la historia. El mito de Ondina, del que supe cuando era niño, le daba el toque de traición que quería incorporar. No quise traba-

Kate Lyn Sheil interpreta a Amy.

El bailarín y actor Franz Rogowski y Paula Beer.

jar con todas las versiones del cuento, sino con la visión que tenía en la memoria. Para mí, el cine está más cerca de la tradición oral de padres a hijos que de la documentación en una biblioteca. La ninfa del agua. La leyenda de Ondina transcurre en gran parte en el agua y, para las localizaciones, el equipo rodó en el lago de Wuppertal, la zona en la que creció el director. Por debajo de la superficie está el misterio, la vida escondida. Así es como quería construir la histo-

Jon Kortajarena con Morgane Polanski.

‘She Dies Tomorrow’ ‘Los papeles de Aspern’

ria, para la que me inspiré en Veinte mil leguas de viaje submarino (Richard Fleischer, 1954). Su protagonista, Beer, se hizo con el máximo galardón en la Berlinale (donde la cinta obtuvo también el Fipresci) por este trasunto de la ninfa del agua que se venga cruelmente de su amado tras descubrir una traición. Compite ahora en el certamen sevillano. ESTRENO: 13 NOVIEMBRE

Undine (Ale., Fra., 2020, 90 min.). DRAMA.

Guillermo Francella es Vitette en el film.

‘El robo del siglo’

Amy despierta convencida de que morirá al día siguiente, por lo que su vida y la de su entorno quedan atrapadas en una incontrolada espiral de locura. Lidiando con mi ansiedad personal descubrí que estaba extendiendo mi pánico a otras personas y este film se convirtió en mi desafío particular. Un reto en el que apliqué mi norma de que el 75 % de la dirección depende de contratar a personas más inteligentes que tú: por eso elegí a mi amiga Kate Lyn Sheil para ser Amy, cuenta la guionista, directora y productora Amy Seimetz.

Julien Landais dirige este drama psicológico adaptación del clásico que Henry James escribió en 1887 en Venecia, movido por su fascinación por el Romanticismo. Para esta cinta, escoge una historia ambientada en este periodo, pero centrada en unos pocos personajes llenos de carácter (interpretados por Jonathan Rhys Meyers, Joely Richardson, Vanessa Redgrave y Jon Kortajarena) a partir de las cartas que el poeta Percy Bysshe Shelley escribió a la hermanastra de su mujer, Mary Shelley.

La nueva cinta de Ariel Winograd (Cara de queso, Mamá se fue de viaje) está basada en un hecho real de 2006: el asalto al Banco Río de Acassuso por parte de cinco ladrones, con armas de juguete, que obtuvieron un botín de 15 millones de dólares. Con Guillermo Francella y Diego Peretti encabezando el reparto, es una aventura romántica que podría haber sido una serie de 12 capítulos; en el primer guion que me pasaron había mucho que contar, y por eso tuve cerca al ideólogo del robo real, Fernando Araujo, dice Winograd.

ESTRENO: 30 OCTUBRE

ESTRENO: 6 NOVIEMBRE

ESTRENO: 20 NOVIEMBRE

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ESTRENOS # ENTREVISTA

La familia Kemper: los padres Arthur (Oliver Masucci) y Dorothea (Carla Juri) y los niños Max (Marinus Hohmann) y Anna (Riva Krymalowski), la protagonista.

LOS NIÑOS SIN PARAÍSO

‘El año que dejamos de jugar’. El libro ‘Cuando Hitler robó el conejo rosa’, de Judith Kerr, ha encontrado su adaptadora ideal en Caroline Link, creadora alemana especialmente preocupada por la infancia. Por Óscar Cabrera. DE QUÉ VA: La inminente llegada de Hitler al poder en Alemania obliga a la familia judía de la niña Anna, de 9 años, a emprender la huida antes de que su padre sea asesinado.

montañas suizas, y que dejase el pasado atrás. Para ella fue una maravillosa aventura porque sus padres nunca dijeron a sus hijos la verdad, que estaDesde su casa de Múnich, Caroline Link ban en peligro de muerte. (Bad Nauheim, Alemania, 1964) atiende Es un film que, en teoría, no se sustenta a FOTOGRAMAS agradecida por un en ninguna trama central. estreno retrasado tras la pre¡No ocurre nada! Durante EL DATO sentación de su última pelímuchos años se habían inteCaroline Link forma cula en el BCN Film Festival resado algunas productoras parte del trío de el pasado junio. y directores, pero el prorealizadores alemanes Aunque se trata de una adapyecto no se realizó porque ganadores del Oscar, tación parece una película era difícil escribir el argujunto a Schlöndorff (El tambor de hojalata) y creada enteramente por usted. mento. Algunos guionistas Von Donnersmarck (La Lo curioso es que fueron intentaron añadir episodios vida de los otros). No los productores Jochen dramáticos o románticos, fue a recoger el premio Laube y Fabian Maubach, por En un lugar de çfrica pero Anna Brüggermann (2001) porque acababa que tenían los derechos, y yo nos centramos en la de ser madre de su hija los que me ofrecieron el atmósfera de melancolía y Pauline. Tampoco, pese proyecto. El libro de Judith el sentido de pérdida de los a recibir ofertas, vio Kerr de 1971 era lectuniños. Poco a poco, descunecesario trabajar en Hollywood después. ra obligada en Alemania brimos que nunca volverán Occidental en los setenta a Alemania. y por eso los de mi generación lo Tampoco se ve a los nazis, tan solo tres conocemos. Kerr recuerda su infancia niños disfrazados al comienzo… como el periodo más bonito de su vida, Me gustan las películas en las que el mal cuando su padre le decía que mirase se sugiere, en las que no hay nada claro. hacia delante, hacia estas bellísimas Me aburren mucho los films americanos

de buenos y malos que no dejan un resquicio para que piense el espectador. Muchos de ellos pueden estar bien escritos, pero hay poco detrás. La niña que interpreta a Anna, Riva Krymalowski, tiene un encanto especial. Está impresionante. Siempre busco constelaciones de personajes, la relación entre ellos; y si son niños, es muy importante que nunca hayan trabajado antes. Después de su primera película, piensan en sí mismos como actores, ya no son libres ni tienen la misma frescura. Me gusta cuando se impresionan por cosas que hacen por primera vez. El método me funcionó muy bien con Este niño necesita aire fresco. Recuerdos más o menos felices, algo que no es muy común en la historia del cine. No tienen que ser necesariamente felices, pero sí vistos desde los ojos de los niños, eso creo. Jane Campion lo logró en Un ángel en mi mesa (1990), mi film favorito sobre la infancia. ◆ ESTRENO: 13 NOVIEMBRE

Als Hitler das rosa Kaninchen stahl (Alemania, Suiza, 2019, 119 min.). DRAMA.

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ESTRENOS

SOLOS EN CASA

Robert De Niro protagoniza ‘En guerra con mi abuelo’, una comedia familiar cortada con el patrón de travesuras y trastadas que se ha convertido en uno de los escasos éxitos de taquilla esta temporada en Estados Unidos. DE QUÉ VA: Ed acaba de quedarse viudo y se muda a casa de su hija. Los problemas empiezan cuando se instala en la habitación de su nieto Peter, quien inicia una lucha para recuperarla.

Una dosis de humor. Antes de rodar Joker y El irlandés, Robert De Niro se puso el chándal y se marcó una comedia familiar en la que un abuelo se enzarza con su nieto en una guerra doméstica de esas en las que no se hacen prisioneros. A vida o muerte por recuperar el cuarto que el octogenario le ha robado al chaval de 12 años. Además, en el equipo de los mayores está Christopher Walken, en lo que parece un plan sin fisuras. Los dos colegas que coincidieron en El cazador (1978) ponen todo el ingenio que da la veteranía al servicio de combatir las trastadas de un grupo de niños en una comedia con aires de los slapstick ochenteros. Fue en aquella década en la que De Niro empezó a incluir la comedia entre su menú de papeles, con Huida a medianoche (1988), a la que seguirían mucho más tarde Una terapia peligrosa (1999) y la saga de Los padres de ella (2000) o El becario

(2015). La primera vez que leí un guion así pensé: Debe ser divertido hacer esto, voy a probarlo. Y después, con el paso del tiempo, he visto que a la gente le gustaba. He ido tratando de hacer estas cosas porque me lo paso muy bien y si viene alguien con una buena idea, la hago, explica el actor. Reparto de estrellas. Pero no solo de trastadas y gamberradas vive esta película, y De Niro logra inculcar una buena dosis de ternura al personaje de un hombre en busca de su nuevo lugar en el mundo después de perder a su esposa. Lo acompaña Uma Thurman en el papel de su hija, Oakes Fegley (Wonderstruck: El museo de las maravillas) como su nieto, y un reparto que completan Jane Seymour, Cheech Marin o la estrella juvenil Laura Marano. Tras la cámara está Tim Hill, que este mes también estrena en plataformas Bob Esponja: Un héroe al rescate, que dirige partiendo de la novela original de Robert Kimmel Smith. ESTRENO: 20 NOVIEMBRE

The War with Grandpa (EE. UU., 2020, 94 min.). COMEDIA.

Cheech Marin, Robert De Niro, Jane Seymour y Christopher Walken.

‘ESTE CUERPO ME SIENTA DE MUERTE’

‘I AM WOMAN’

‘EL CERRO DE LOS DIOSES’

Biografía de actualidad. El reciente

Ópera prima. Daniel M. Caneiro debuta

Comedia de terror. Christopher Landon (Feliz día de tu muerte) firma esta comedia de terror al estilo Ponte en mi lugar (2003): una chica (Kathryn Newton) se mete en el cuerpo de un asesino en serie (Vince Vaughn) y tiene solo 24 horas antes de que la permuta sea permanente.

fallecimiento de la cantante Helen Reddy renueva la vigencia de este biopic sobre la artista australiana. La actriz Tilda Cobham-Hervey da vida a esta activista e icono del feminismo, célebre durante los años 70 por el tema que da nombre al título, entre otros. Dirige Unjoo Moon.

con esta rareza a caballo entre la ficción más loca y el falso documental sobre una especie de secta que organiza rituales donde los asistentes piden fortuna y celebridad. Intervienen Álex de la Iglesia, Raúl Arévalo, Isabel Coixet y Rossy de Palma, y muchos más.

ESTRENO: 13 NOVIEMBRE

ESTRENO: 6 NOVIEMBRE

ESTRENO: 30 OCTUBRE

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Y ADEMÁS…

‘RELIC’ Thriller psicológico. Fue una de las

‘DIGIMON ADVENTURE: LAST EVOLUTION KIZUNA’

sensaciones del último Sundance, y uno de los títulos más celebrados en Sitges. El debut como directora de la australiana Natalie Erika James se mueve entre el thriller y el drama más oscuro al hablar de tres mujeres de una familia consumida por el fervor religioso.

Manga japonés. Secuela de Digimon Adventure tri que pone punto final a la trama de la saga original. En esta entrega Tai y su pandilla se acercan a la edad adulta, lo que les preocupa porque para entonces ya no tendrá sentido que sigan manteniendo a sus digimones.

ESTRENO: 6 NOVIEMBRE

ESTRENO: 13 NOVIEMBRE

30 OCTUBRE ‘El siglo de Galdós’. Dir.: Miguel Ángel Calvo Buttini. DOCUMENTAL. ‘Emma.’. Dir.: Autumn de Wilde. DRAMA. 6 NOVIEMBRE ‘Erlauntza-Enjambre’. Dir.: Mireia Gabilondo. DRAMA. ‘Sole’. Dir.: Carlo Sironi. DRAMA. 13 NOVIEMBRE ‘Para Sama’. Dir.: Waad al-Kateab, Edward Watts. DOCUMENTAL. ‘La Llorona’. Dir.: Michael Chaves. TERROR. ‘Palabras para un fin del mundo’. Dir.: Manuel Menchón. DOCUMENTAL. ‘Rock‘n’Roll Eddie’. Dir.: Tomasz Szafranski. COMEDIA. 20 NOVIEMBRE ‘The Mystery of the Pink Flamingo’. Dir.: Javier Polo Gandía. DOCUMENTAL. ‘Wendy’. Dir.: Benh Zeitlin. DRAMA. ‘Anton’. Dir.: Zaza Urushadze. DRAMA. ‘The Elfkins’. Dir.: Ute von Münchow-Pohl. ANIMACIÓN.

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LO MEJOR DEL ENTRETENIMIENTO EN CASA

MultiPantallas SERIES

INÉDITOS VOD

DVD # BD

Hablamos con Mateo Gil y Luis Tosar sobre ‘Los favoritos de Midas’ y con Leonor Watling de su rol en ‘Nasdrovia’. Págs. 92 y 94

Sofia Coppola ha rodado en Nueva York ‘On the Rocks’ con Rashida Jones y Bill Murray, y nos cuenta los detalles. Pág. 102

‘Padre no hay más que uno 2. La llegada de la suegra’ protagoniza las novedades del mes en ‘Home Entertainment’. Pág. 104

María Zabala, Maribel Verdú y, de guardia civil, Israel Elejalde.

Fotos: Mikel Larrea.

SERIES

LA CARA OCULTA DEL AZAR El mundo de los casinos y las partidas ilegales muestra su imagen menos glamurosa en ‘Ana Tramel. El juego’, serie codirigida por Gracia Querejeta y Salvador García Ruiz, quienes nos guían por su rodaje. Por Juan Pando. No es la primera vez que Gracia Querejeta y Salvador García Ruiz colaboran en un proyecto. Ya coincidieron en la segunda temporada de 14 de abril. La República. La directora de Invisibles, Felices 140 o Cuando vuelvas a mi lado y el cineasta responsable de Mensaka o Castillos de cartón, que ha participado en series como Isabel o Carlos, rey emperador, se han unido de nuevo para hacerse cargo de la serie Ana Tramel. El juego, que coproducen

RTVE, Tornasol, DeAPlaneta y la alemana ZDF Enterprises, y adapta la novela Ana, de Roberto Santiago. ¿Quién es la Ana del título? GRACIA QUEREJETA: Una mujer muy fuerte y, al mismo tiempo, muy débil. Tiene ese aspecto ambivalente con el que creo que se van a identificar muchos espectadores. Fue una abogada penalista brillante, pero por algo que ocurrió en su pasado ha acabado adicta al alcohol, las drogas y las pastillas, y se dedica a recurrir mul-

tas de tráfico. Hasta que su hermano, a quien no ve desde hace años, le pide ayuda porque está acusado de haber matado al director de un casino. SALVADOR GARCÍA: Me parece importante resaltar que se trata de una mujer madura; que no está empezando a vivir, que tiene un pasado. Su entorno lo compone gente que, como ella, tiene una experiencia vital tras de sí. Esto es inusual en el cine y la televisión en España, medios que suelen poner el foco en los jóvenes; aunque en esta serie los haya también. ¿Estamos entonces ante un thriller judicial, un drama social o una historia de empoderamiento femenino? G. Q.: Es la historia de alguien que, movido por una buena causa vinculada a su familia, es capaz de supeFOTOGRAMAS.ES · N OVI EM BR E 2 02 0

MULTIPANTALLAS # SERIES # REPORTAJE

“TRATA DE ALGUIEN QUE RENACE DE SUS CENIZAS COMO EL AVE FÉNIX”. Gracia Querejeta, directora. “ES EL RETRATO DE UNA MUJER DEL SIGLO XXI”. Salvador García, director. rar muchas dificultades personales y sociales, y renacer de sus cenizas como el ave Fénix. En este sentido es una propuesta muy esperanzadora, con un punto ético, en la línea de la película Erin Brockovich (Steven Soderbergh, 2000). S. G.: Tiene elementos de thriller y de drama, pero es también y sobre todo, el retrato de una mujer del siglo XXI. Un personaje que corre a cargo de Maribel Verdú. G. Q.: Maribel y yo llevamos media vida trabajando juntas [la actriz ganó el primero de sus dos Goya por Siete mesas de billar francés (2007), dirigida por ella] y para mí es obvio que es un personaje hecho a su medida, aunque le supone un esfuerzo enorme porque es la protagonista absoluta y lleva todo el peso de la serie. S. G.: Son muy pocas las secuencias en las que no aparece y eso le exige estar presente casi todos los días de las 15 semanas que durará el rodaje en Pamplona y Madrid. En el plan inicial de grabación estaba previsto que tuviera descansos, pero el confinamiento por la pandemia obligó a retrasar el comienzo de la serie. Al retomarla, el protocolo sanitario requirió cambiarlo todo y desbarató la posibilidad de que tenga descansos. Pero Maribel es muy disciplinada y con una energía enorme. ¡Brutal! Sin una actriz como ella no se podría sacar adelante un proyecto como este. ¿Qué papel tiene el juego en la trama? G. Q.: Se hace una crítica feroz al mundo que gira en torno a los casinos, las partidas de póker y las máquinas tragaperras. No a los ludópatas, 90

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por supuesto, porque no hay nada de moralina, pero sí a esas fuerzas que presionan para que la gente siga enganchada. Al fin y al cabo viven de ellos. Creo que en España no se ha visto nada parecido en la pantalla. S. G.: Hay series de médicos, profesores o de policías, que son ambientes muy abiertos, con los que se convive y han estado muy presentes en la ficción. El mundo del juego, en cambio, que acaba por afectar a las familias, el trabajo, los amigos y llega a desbaratar vidas enteras, no se ha tratado hasta ahora. La serie va a descubrir esa capa nueva de la cotidianeidad. Una adicción que parece muy masculina S. G.: Jamás he sido jugador. Me ha parecido siempre, y mi postura no ha

variado, un mundo muy turbio, pero, a la vez, muy interesante. G. Q.: Atrapa por igual a hombres y mujeres. Conozco y he conocido a muchas ‘casineras’, como las llamo yo. La ficción gira en torno a la lucha de una mujer contra un casino, pero hay también subtramas que hablan, por ejemplo, del perdón o de la traición en las relaciones amorosas. Esa diversidad de temas corre a cargo de los personajes que secundan, con una presencia coral, a la protagonista. Alejandro (Unax Ugalde), su hermano y el detonante de la acción; Concha (Natalia Verbeke), amiga, abogada, como ella y su gran apoyo; el teniente Moncada (Israel Elejalde), guardia civil que la ayudará en sus investigaciones;

4 1. Maribel Verdú, protagonista de la serie, con Natalia Verbeke, su amiga y colega abogada, y su cuñada, Yulia Demóss (izda.). 2. Unax Ugalde, un tipo con problemas con el juego. 3. Víctor Clavijo (izda.), psicólogo especialista en adicciones, y Biel Montoro, su paciente. 4. María Zabala, Luis Bermejo y Bruno Sevilla, el equipo de Verdú.

Sofía (María Zabala), su colaboradora; M (Luis Bermejo), su detective de confianza; Gerardo (Bruno Sevilla), abogado de su bufete, y Ramiro (Ismael Martínez), su exmarido, policía. A los que se suman, entre otros, Gabriel (Víctor Clavijo), psicólogo con una asociación para ludópatas a la que acudía Alejandro y a la que asiste el joven Andrés (Biel Montoro); Jordi (Joaquín Climent), abogado del casino, propiedad de Emiliano (Tomás del Estal); el prestamista Friman (Juanma Cifuentes); el fiscal Ginés (Nancho Novo), o la jueza Resano (Elvira Mínguez). Entre ellos habrá buenos y malos. S. G.: Los hay, claro, pero una virtud de la serie es que todos los personajes se mueven en una gama de grises. Ninguno es blanco por completo, y eso es muy bueno. La personalidad de Maribel, además, es tan poderosa que

EL ESCRITOR FRENTE AL TABÚ El juego es un tema más tabú que el alcohol o la droga, y el cine lo ha tratado con un glamour que sorprende. Roberto Santiago lo sabe bien. Recorrió casinos y timbas de toda Europa durante tres años para documentar su novela Ana (Planeta, 2017). Guionista, director (El penalti más largo del mundo) y escritor de éxito (Los Futbolísimos), ha convertido su libro, junto a Ángela Armero, en el guion de la serie Ana Tramel. El juego.

Roberto Santiago.

se impone a todo. Lo que es interesante es que Natalia Verbeke, que es tan disciplinada, rigurosa y entregada como ella, y con quien se compenetra a la perfección, es Concha, personaje complementario de Ana. Como si fueran las dos caras de una misma moneda. ¿Hay cambios sobre el original literario que puedan sorprender al lector del libro? S. G.: El guion se mantiene muy fiel a la novela, que es ya de por sí muy visual y ahí es donde se nota que detrás del texto está la mano de un cineasta. ¿Se han podido respetar incluso los encuentros sexuales del original? S. G.: Todas las escenas que implican contacto físico directo ha habido que cambiarlas por el protocolo sanitario, que nos ha obligado también a reducir al máximo la presencia en el set de figurantes y niños. Ha habido que buscar una alternativa elíptica de narrar determinadas cosas, pero todo lo que había que contar está presente. ¿Cómo se han dividido la tarea? G. Q.: Íbamos a hacer tres capítulos cada uno, pero para cuadrarlo con otro proyecto mío, que al final se truncó por la pandemia, he dirigido dos, el segundo y el cuarto, y Salva se ha hecho cargo de los restantes. S. G.: He intentado que compartiéramos todo el trabajo para que sea una serie de los dos. Para mí ha sido un honor trabajar con una de las mejores cineastas, hombre o mujer, de nuestro país. FOTOGRAMAS.ES · N OVI EM BR E 2 020

■ MULTIPANTALLAS # SERIES # REPORTAJE

Luis Tosar es el empresario Víctor Genovés.

DAÑOS Y PERJUICIOS

‘Los favoritos de Midas’. El realizador Mateo Gil y Luis Tosar nos explican los secretos de la trama que los ha reunido en esta serie. Por Óscar Cabrera.

Volver al origen. No lo había pensado hasta ahora, pero es posible que, inconscientemente, mi primera serie tenga que ver con mi primera película, reconoce Mateo Gil (Las Palmas de Gran Canaria, 1972), por fin de vacaciones en su isla después de casi un año de rodaje y una posproducción obligada en casa. En Nadie conoce a nadie, su debut de 1999, aparece una secta con sus mensajes cifrados y sus atentados, que bien pudiera ser el germen de los asesinos de Los favoritos de Midas, un thriller emocional, social y ético de seis episodios basado en un relato de Jack London en el que un misterioso club obliga a un empresario de comunicaciones a entregarle 50 millones de euros o será responsable de un asesinato aleatorio a 92

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la semana. Una reportera de su periódico, Mónica (Marta Belmonte), será su apoyo. Siempre me pongo una meta cuando empiezo a escribir –aclara el realizador– y una serie corta facilita rodar de un tirón, centrarte y evitar los rellenos. Eso es mérito también del guionista Miguel Narros. Mateo Gil y él se conocieron en la Feria del Libro de Madrid en 2001 y ese mismo día él le habló del cuento. Después de una noche de copas y mucha conversación, se reunieron en su casa de Galicia para realizar una posible película que quedó aplazada. Casi 20 años más tarde, el guion de ambos se ha convertido en la primera serie de Gil gracias a la mediación de Paco Ramos, hoy vicepresidente de Contenidos Originales de Netflix, y en su día productor de Las leyes

Willy Toledo, como el comisario Conte, que investiga las muertes.

de la termodinámica (2018), su film anterior. Concretados tema, fechas y productora, solo quedaba elegir el reparto, una de las mejores sorpresas de la ficción. Porque a un Luis Tosar impecable como empresario ambicioso y triunfador lo rodea un grupo de actores que el realizador ha rescatado de un injustificable olvido: Willy Toledo, Adolfo Fernández, Àlex Casanovas,

Por Conchi Cascajosa.

El bisturí teléfilo LAS SERIES Y EL 5 POR CIENTO

Mónica (Marta Belmonte), Luis (Carlos Blanco) y la redacción del periódico de Genovés (Tosar).

Miguel Ángel Solá e incluso Carmelo Gómez con una aparición estelar en el penúltimo capítulo. Son todos grandes actores y estaban desaparecidos. La mayoría, menos Tosar, llegaron a través de las directoras de casting Ana Sainz-Trápaga y Patricia Álvarez, que los conocen a todos. Algunos estaban seleccionados para unos personajes y decidí darles otros. Fue increíble; muchos sabían que eran pocas sesiones de trabajo, pero querían apuntarse a un proyecto del que estaban oyendo hablar, señala Gil. Capital top. Pese al apoyo de Netflix, que me dejó total libertad creativa, los recursos eran limitados. El diseño de la torre donde trabaja Víctor Genovés (Luis Tosar) se llevó la mitad del

presupuesto y su maravilloso piso con piscina de Gran Vía es un ‘frankenstein’ de varios emplazamientos. La elevadísima clase social y el ambiente de superlujo eran imprescindibles, dice. Queríamos que Madrid fuera una ciudad moderna sometida a una terrible crisis de valores y costó mucho esfuerzo, compensado por el inmenso placer de trabajar con Tosar, una ‘máquina’ que lo pone todo muy fácil, y al resto del reparto. Era difícil conseguir que sus actuaciones y sus diálogos llenaran todo el espacio y creo que se ha conseguido. Pero todo esto no serviría sin el giro inesperado de los últimos minutos del capítulo final. Sin eso no tendríamos nada. ◆ ESTRENO: 13 NOVIEMBRE EN NETFLIX

BIENVENIDO MR. TOSAR El director me llamó con cierta prevención porque se ha extendido la creencia de que no quiero volver a hacer televisión. No es cierto; es que nunca he encontrado tiempo, revela Luis Tosar, que llevaba sin protagonizar una serie desde su debut en Mareas vivas (1998-2001), y dice le tenía ‘muchas ganas’ a Mateo Gil desde que vio Blackthorn. Sin destino (2011). Me encanta su meticulosidad, defiende muy bien su estilo, que incluye ‘marcianadas’ de director comercial que sabe que detrás hay un público. ¿Lo mejor? Mis escenas con Willy Toledo, por su trabajo excepcional y la cantidad de subtexto que contienen. Es puro teatro. Su comisario Conte merece un spin-off.

Luis Tosar y Mateo Gil.

Nadie puede cuestionar el valor cultural de las series, pero se presta menos atención a que son un producto comercial que debe tener sentido económico para sus productores. En un contexto de transformación del mercado, cabe preguntarse no solo quién la paga, sino cómo. Mientras se vive el ocaso de los estrenos en las cadenas generalistas, y con ello el retorno en forma de ingresos publicitarios, las estrategias financieras para hacer series empiezan a ser tan complejas como las cinematográficas. El actual auge de la producción no se entiende sin los ingresos derivados por el estreno en primera ventana en servicios de VOD y las ventas internacionales. Pero desde hace años hay otro factor que pasa más inadvertido: el 5 % de sus ingresos anuales que los operadores deben invertir en contenido europeo y que, aprovechando la flexibilidad de la reglamentación, a menudo se canaliza en series. Los datos de la Comisión Nacional de los Mercados y la Competencia de 2018 muestran que Atresmedia y Mediaset cumplen con el 5 % gracias a las series, y no solo con la inversión en cine. Y también revelan la actividad de otros operadores que han iniciado recientemente la producción de originales, como Fox con la continuación de Vis a vis. Los beneficiarios más directos son empresas independientes como Mediapro, que van sumando fuentes de financiación en lugar de depender de una única cadena. Además de Vis a vis, tienen estructuras complejas de financiación The Head y Caminantes. Son estrenos recientes de Mediapro presentados como originales de Orange, otro operador con la obligación del 5 %. De mantener y reforzar las medidas de fomento del audiovisual también depende el futuro de las series. ◆ FOTOGRAMAS.ES · N OVI EM BR E 2 02 0

■ MULTIPANTALLAS # SERIES # ENTREVISTA

DESDE RUSIA… CON LEONOR

ÔNasdroviaÕ nos trae a una Leonor Watling inesperada, en la heterodoxa serie de Marc Vigil (‘El Ministerio del Tiempo’), cocinada a fuego lento con ingredientes de comedia negra, thriller y su toque dramático, en una adaptación libre de la novela ‘El hombre que odiaba a Paulo Coelho’, de Sergio Sarria. Por Sonia Guijarro. Una estilosa (aunque mellada) Leonor Watling atraviesa gateando un lujoso salón (a la manera de Pilar Castro en Ventajas de viajar en tren, pero sin correa) en busca de un diente arrebatado de un puñetazo, mientras culpa a la crisis de los 40 de todos sus males. El primer minuto de Nasdrovia (paradójicamente ‘salud’, en ruso) nos sitúa, sin previo aviso ni anestesia, a años luz del universo al que nos tiene acostumbrados la ficción nacional. Y es que Marc Vigil (Aída, Águila Roja, El Ministerio del Tiempo…) se ha propuesto romper moldes con la dirección de esta adaptación libre de la novela de Sergio Sarria El hombre que odiaba a Paulo Coelho. El escritor, junto con sus compañeros del programa El Intermedio Miguel Esteban y Luismi Pérez, firma el guion de una comedia fraguada lentamente, que busca huir de los tufos del chiste fácil y la caricatura, y se abastece de los efluvios de referentes incuestionables como Los Soprano, Barry o Fargo.

Orgánico. El guion perfecto existe, y cuando los personajes están milimétricamente definidos y ya sobre el papel tienen entidad propia, como es el caso, todo es mucho más fácil, explica Watling, que confiesa que miró (solo de reojo) a la Shirley MacLaine de El apartamento como inspiración para su personaje. La actriz es protagonista de la serie de seis capítulos junto con Hugo Silva (que interpreta a su inseparable exmarido, abogado como ella y en busca de una nueva vida lejos de la corrupción en los tribunales) y Luis Bermejo (un chef de lo más peculiar que les ayudará a sacar adelante 1 –o no– su nuevo restaurante ruso Nasdrovia). Entre las licencias que se han permitido con respecto a la novela, integrantes de la mafia rusa (interpretaestá la presencia absoluta de Leonor dos por actores rusos, pero también fran(en el papel de la letrada Edurne) para ceses, ingleses y alemanes), que, entre contrarrestar el predominio de la testosdelito y delito (a veces incluso ‘durante’), terona de los mafiosos rusos que la ayuhablan de Instagram, del último capítulo darán a cambiar radicalmente de vida… de Juego de Tronos o de la alergia al gluno necesariamente para mejorarla. La ten. Pero destaca el registro cómico de sorpresa llega con unos malos muy malos Leonor Watling (extraordinariamente

MARC VIGIL: ÉXITOS EN SERIE Cuando el director y guionista Marc Vigil (El silencio del pantano) y Hugo Silva se conocieron en El Ministerio del Tiempo, que el primero dirigía, el actor le dijo: Tú y yo nos damos un aire, ¿no? Sí –contestó Vigil–, pero yo soy la versión baratilla. Ahora se reencuentran en Nasdrovia, la serie que Marc siempre quiso hacer: No busca el gag ni el chiste fácil; vamos profundizando en los personajes hasta que la historia te mete en la marcianada, dice. El proyecto estaba estancado y asumí la producción ejecutiva. Hemos conectado tan bien los tres guionistas y yo, que además de escribir la segunda temporada, tenemos otros proyectos. Nasdrovia es la serie más complicada de su vida: Y eso me encanta, reconoce. Siempre he sido muy peleón. Cuando me ofrecieron El Ministerio yo vivía en México y dije que solo vendría si me dejaban rodarla a mi manera. Me había ido fuera precisamente porque había hecho Águila Roja, que tuvo mucho éxito, pero que me aburría, y buscaba otras cosas. Ahora ya estamos centrados en la segunda temporada de Nasdrovia, que empezará muy arriba, asegura.

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Leonor Watling (Edurne), Hugo Silva (Julián), el director asturiano Marc Vigil (de pie) y el actor francés Anton Yakovlev (Boris).

3 1. Leonor Watling es Edurne, una abogada cansada de defender a los corruptos, que decide cambiar de vida. 2. El clan de la mafia rusa protagonista, formado por actores franceses, alemanes, ingleses y rusos. 3. El actor ucraniano Mark Ivanir es Aleksei, el proveedor de pescado del restaurante Nasdrovia. 4. Julián (Hugo Silva), el ex de Edurne (Watling), y el chef (Luis Bermejo). Los tres deben lidiar con los caprichos de los mafiosos.

inteligente, según el director), que rompe la cuarta pared para invitar al espectador a mojarse (o salpicarse, según la escena): Hablarle a la cámara no es un recurso nuevo, lo utilizaban los hermanos Marx o Woody Allen, y ahora lo explota la serie de moda, Fleabag. La verdad es que nos dio mucha rabia porque el guion de Nasdrovia está escrito desde hace más de tres años, y podría parecer que lo hemos copiado, explica Watling. A mí me tenían que cortar porque romper la cuarta pared engancha. Me resultaba fácil hablar a la cámara porque es muy orgánico. Por suerte he tenido al gran Marc Vigil en el mejor rodaje de mi vida, intenso y divertido a partes iguales. Marc es muy exigente, pero es de esos directores que te gusta que te pidan cosas difíciles porque si él te dice que puedes hacerlas es porque sabe que eres capaz. Nunca te va a dejar vendido. Cuando haces una comedia negra así, con tintes de thriller y tan loca, tan especial y tan diferente, te expones mucho. Y yo sé que

“EL MUNDO DE LAS EXPECTATIVAS ES EL QUE MÁS DAÑO PUEDE HACER EN ESTA PROFESIÓN. YO LO TENGO BASTANTE BAJO CONTROL”. Leonor Watling, actriz.

él no va a dejar que se cuele algo que no esté bien. Ha tenido que llevar a cabo mucho trabajo en montaje y ya estamos deseando empezar a grabar la segunda temporada, que está escrita (Marc Vigil se ha sumado esta vez al trío guionista). De postre, prepotencia. Cuando me llegó Nasdrovia –cuenta Leonor– me volvió loca. Los protagonistas son soberbios y prepotentes. Han sido matrimonio, están separados legalmente, pero continúan unidos por el ombligo y solo se importan ellos. Tienen una relación con el peligro y con la realidad totalmente distorsionada por culpa de sus egos. Creen que pueden sobrevolarlo todo y quedar indemnes, que todo se puede comprar…, pero cuando deciden dejar

la abogacía y abrir un restaurante comprueban que se han metido en un jardín del que quizá no les saque su tiranía. La primera vez que la protagonista y Hugo Silva coinciden trabajando ha sido inolvidable: Es un actor supergeneroso y cien por cien divertido. Recuerdo una escena que tuvo que repetir como 20 veces, en la que tenía que comer con ganas por exigencias del guion. Después de engullir 20 blinis (crepes rusos) casi revienta, y no podíamos parar de reír. ¿Y Luis Bermejo? Lo había visto en el teatro y lo admiraba muchísimo, es brutal. Hemos formado un trío indestructible, un equipo de esos que estás deseando que llegue el día siguiente para volver a ver. Edurne, que confiesa en cámara ver películas del ruso Tarkovski por voluntad propia, poco tiene que ver con Watling y sus referencias de cabecera: Aparte de verme todas las de Pixar que les gustan a mis hijos, entro en bucle con Cantando bajo la lluvia (Gene Kelly, Stanley Donen, 1952) o La princesa prometida (Rob Reiner, 1987), y si tengo el día un poco más denso, El cielo sobre Berlín (Wim Wenders, 1987). La actriz, que debutó a los 18 con Jardines colgantes de Pablo Llorca, está orgullosa del tiempo transcurrido, que le ha dado margen para aprender a disfrutar sin esperar nada a cambio: El mundo de las expectativas es el que más daño puede hacer en esta profesión. Por suerte, lo tengo bastante bajo control. ◆ ESTRENO: 6 NOVIEMBRE EN MOVISTAR+

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■ MULTIPANTALLAS # SERIES # SHOWRUNNER

EN EL ARCA DE NOAH

El estreno de la cuarta temporada de ‘Fargo’ es la excusa perfecta para hablar con su creador, el polifacético Noah Hawley, y repasar de su mano su trayectoria como showrunner y su experiencia escribiendo para TV. Por R. S. Sobre todo, creador. De tener que resumir su carrera profesional en una sola frase, Noah Hawley (Nueva York, 1967) recurriría, asegura, a la pregunta que llevo haciéndome desde que empecé a escribir: ¿Con qué más puedo salirme con la mía? De tener un blasón, sería ese. Así es como este exaspirante a estrella del rock –tras licenciarse, y antes de trabajar como asistente legal en San Francisco, probó fortuna como cantante en una banda y aún sigue probándose frente al micro, como demuestra en la versión del tema Ship of Fools, del grupo World Party que suena en la tercera temporada de Fargo– se ha enfrentado a todos los retos: escribir, producir, dirigir… Soy un vendedor, un ejecutivo, analizo presupuestos, interpreto las estrategias políticas de las cadenas, pero, sobre todo, soy un creador, explica de sí mismo. Saber cómo funciona el tinglado. Empecé a escribir ficción con veintipocos años, pero no publiqué mi primera novela hasta los 27, dice de A Conspiracy of Tall Men, aún sin editar en España. Tres años después ya estaba escribiendo para TV, recuerda. Todo vino muy rodado: Paramount compró los derechos

para adaptar mi novela y me pidieron que yo mismo preparara una primera versión. Poco después también escribí mi primer guion original (La coartada, 2006) y empecé a reunirme con gente del mundo de la TV, vendí un par de pilotos… Pero me di cuenta de que no era suficiente: necesitaba saber cómo funcionaba de verdad todo el tinglado, en qué consistía producir. Así que dejamos San Francisco, que era donde vivía hasta entonces, y nos mudamos a Los Ángeles. Un maestro y un máster. Así fue como, en 2005, Hawley se incorporó al equipo de Bones, en la que trabajó durante las tres primeras temporadas. Fue mi máster de producción televisiva, afirma. Más que aprender a cómo contar una ficción serializada, que creo que era algo que ya dominaba, aprendí el ABC de todo lo que rodea a un proyecto en TV: el casting, hacer cuadrar los números, lo que te aporta rodar en localizaciones comparado con rodar en plató… Hart Hanson, dice del creador y showrunner de la serie que lideraron durante 12 temporadas Emily Deschanel y David Boreanaz, fue un gran maestro en este sentido.

CON LAS ESTRELLAS EN EL PUNTO DE MIRA Noah Hawley cuenta que tuvo la idea del intercambio de hijos entre dos familias mafiosas, el pistoletazo de salida narrativo de la cuarta temporada de Fargo, cuando estaba a punto de empezar a rodar Lucy in the Sky. Este drama sci-fi, protagonizado por Natalie Portman y masacrado por la crítica USA, no llegó a pasar por salas españolas. El nuevo proyecto de Hawley sigue apuntando al espacio: una nueva versión de Star Trek. Si no sale, bromea, siempre podemos ambientar una nueva temporada de Fargo en una estación espacial con ese nombre en el año 5200.

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El director, guionista y productor Noah Hawley.

En la leonera de los escritores. Hawley no se explaya en elogios cuando le preguntamos por el salto que supuso pasar de escribir novelas en solitario a formar parte de un equipo de guionistas, las llamadas Writers’ Rooms: Son fábricas de creatividad por consenso. De entrada, es un lugar donde todo el mundo habla de lo que ha comido, de lo que va a comer en un rato o de lo que está comiendo en ese momento. Pero lo interesante, apunta, es que juntas a un puñado de gente muy distinta que solo tienen en común un lenguaje: la trama. Lo único que comparten es lo que sucede: Primero pasa esto, después pasa esto, y terminamos con esto. Es como un cerebro colectivo que contara una historia basada en verbos en lugar de contarla partiendo de los personajes. Empleo vs. carrera. En cualquier caso, la mayor diferencia que Hawley encontró en su paso por las Writers’ Rooms no fue técnica, sino aspiracional: Mientras el resto de guionistas se tomaba su trabajo como eso, un empleo, para mí era una carrera. En el tiempo que estuve escribiendo para Bones, escribí además una novela, vendí dos guiones más para cine y dos pilotos más. El segundo que hice para la cadena ABC

4 5 1. El cast de ‘My Generation’ (2010), la segunda serie de Hawley para la ABC que duró solo dos episodios en antena. 2. Jeremy Renner y Amber Tamblyn eran, con Harold Perrineau, ‘The Unusuals’ (2009). 3. Hawley aterrizó en la TV de la mano de ‘Bones’ (2005-2017), procedimental con David Boreanaz y Emily Deschanel. 4. Chris Rock es Loy Cannon en la cuarta entrega de ‘Fargo’. 5. Dan Stevens y Rachel Keller en una imagen de la primera temporada de ‘Legion’ (2017-2019).

fue el de The Unusuals, que pasó el corte y ordenaron una temporada completa. Esta serie policíaca, con Jeremy Renner y Amber Tamblyn, sin embargo, solo aguantó 10 episodios en antena. Peor suerte corrió su segunda creación, My Generation (2010), que solo aguantó dos episodios. Fue un cúmulo de despropósitos, recuerda. A Jeremy lo nominaron al Oscar pocas semanas después que cancelaran, pero el mayor problema era otro: estaba haciendo series para cadenas de cable en canales generalistas. Las cosas que hacemos por amor… al dinero. Como el resto de ideas para las tres anteriores entregas, esta me vino a la cabeza casi terminada, cuenta Hawley del punto de partida de la cuarta temporada de Fargo, un encargo que, cuando se lo ofrecieron en 2014, no quiso aceptar: Dije que era

imposible. El final de la película de los Coen es tan redondo que no veía cómo podía seguir. Esa misión imposible se ha convertido en el mayor éxito de una carrera en la que también destaca Legion, una audaz incursión en el universo X-Men en la que lo superheroico es lo de menos, define Hawley antes de seguir hablando de Fargo: Las primeras temporadas las veía como un estado mental. La tercera se preguntaba hasta dónde estamos dispuestos a llegar por dinero. Y esta cuarta, dice de la entrega que lideran Chris Rock, Jason Schwartzman y Jessie Buckley, confirma el capitalismo moderno

americano como nexo de unión entre las temporadas y también la película original. Pensé que, de haber otra entrega, teníamos que desenterrar algunos de los pecados originales de Estados Unidos: la esclavitud, la explotación y el abuso a la mano de obra inmigrante. Eso en el marco de una guerra entre familias mafiosas, un ángel de la muerte y el destructivo poder del azar. No sé si surgirá una idea para una quinta o sexta entrega, cuenta. Si la hay, dice chistoso, sería otra feliz coincidencia. ◆ LA CUARTA TEMPORADA DE ‘FARGO’ PUEDE VERSE EN MOVISTAR+

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MULTIPANTALLAS # SERIES # A LA CARTA

NOVIEMBRE, EL MES DE LOS MEJORES RETORNOS

Nicole Kidman regresa con ‘The Undoing’, el segundo fruto de la alianza entre la actriz y el guionista David E. Kelley tras ‘Big Little Lies’. Una miniserie que promete misterio y de la que hablamos con su directora Susanne Bier. Además, volvemos a encontrarnos a Mando en ‘The Mandalorian’ y a Hugh Laurie en el thriller político ‘Roadkill’. Por Ó. C. ÔTHE UNDOINGÕ ¿Una pareja feliz? Un niño corre por la calle, abre la puerta de una casa y queda paralizado. Dos semanas antes, vemos cómo la familia Fraser, formada por el padre Jonathan (Hugh Grant), la madre Grace (Nicole Kidman) y el niño Henry (Noah Jupe) se prepara para afrontar un nuevo día. Así empieza The Undoing, la última ficción firmada por la realizadora danesa Susanne Bier, orgullosa de un trabajo que le ha resultado más fácil de lo esperado, como nos revela desde su hogar en Copenhague. Lo mejor de trabajar en EE. UU. –nos asegura– es la calidad de los equipos técnicos y artísticos, lo enormemente profesionales que son. Yo ya estaba familiarizada con ello, pero para mi nueva serie el proceso fue todavía más sencillo. HBO me llamó para que leyera los primeros capítulos del guion que estaba escribiendo David E. Kelley [autor de series como La ley de Los Ángeles, Ally McBeal o Big Little Lies y ganador de 11 premios Emmy]. Es un escritor maravilloso y forma un tándem genial con Nicole Kidman. Enseguida accedí. Ambos me preguntaron si quería enfocar la ficción hacia el thriller o hacia el drama. Cuando elegí lo primero, empezamos a colaborar, y todo ue mu ácil creativo hasta el

Nicole Kidman y Hugh Grant, el matrimonio Fraser a orillas del Hudson.

punto de que al final solo fuimos fieles a los dos primeros episodios de la novela [You Should Have Known, de Jean Hanff Korelitz, base de la serie]. New York, New York. Además del tándem protagonista, acompañados por Edgar Ramírez y Donald Sutherland, destaca Nueva York, sobre todo en el concepto visual, algo en lo que tiene mucho que ver el director de fotografía Anthon Dod Mantle, oscarizado or

FICCIONES TAN COMPLEJAS COMO LOS SUEÑOS No me interesan los personajes simples, buenos o malos. Los quiero complejos porque el cine es como un sueño, y los sueños no son sencillos, nos comenta Bier. Y su filmografía está repleta de papeles nada complacientes, desde la Dogma 95 Te quiero para siempre (2002), sus exitosas Hermanos (2004) y Después de la boda (2006), dos de mis creaciones más queridas, como nos confirmó, hasta la oscarizada En un mundo mejor (2010), la serie El infiltrado (2016) y A ciegas (2018), con Sandra Bullock, la mujer más divertida del mundo, asegura.

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La directora, rodando la serie.

Slumdog Millionaire. Acordé con HBO que tendría la potestad del 100 % del arte de mi ficción y Mantle fue el creador que elegí. Nueva York es muy bella y a la vez muy cruel y quería que eso se viese en la cámara. Una cámara que muestra los lados más oscuros de los protagonistas: Nicole y Hugh son grandes actores. Curiosamente, llegaban al set y se comportaban de manera totalmente distinta mientras los maquillaban, elegían vestuario y tomaban té. Ella estaba siempre tranquila y tenía muy claro lo que tenía que hacer. En cambio, Hugh es increíblemente serio, consultaba cada movimiento, cada palabra y estaba siempre enfadado consigo mismo. Enfadado de una manera muy divertida. Pronto comprendí que era su manera de concentrarse, de estar siempre alerta con su personaje. Fue muy interesante. ESTRENO: 26 OCTUBRE EN HBO

SERIES TOP

‘THE MANDALORIAN’

Mando, el mandaloriano, y el pequeño Yoda.

Al Mando. Ganar siete premios Emmy de 15 nominaciones no está nada mal, teniendo en cuenta que la serie de Disney+ es una (brillantísima) vuelta de tuerca a un universo tan hiperpoblado como es el de Star Wars. Se sabe poco de los episodios de esta temporada, apenas la confirmación de los nuevos actores: Katee Sackhoff como Bo-Katan, Timothy Olyphant como Cobb Vanth, Rosario Dawson como Ahsoka Tano y el regreso a la saga del cazarrecompensas Boba Fett (Temuera Morrison). Jon Favreau, creador de la serie, sigue encargándose de casi todo. ESTRENO: 30 OCTUBRE EN DISNEY+

‘ROADKILL’

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ESTRENO: 2 NOVIEMBRE EN MOVISTAR+ Hugh Laurie e Iain De Caestecker.

TOP 5 ÓSCAR CABRERA

‘PATRIA’ (T. 1). HBO ‘VAGRANT QUEEN’ (T. 4). SYFY ‘ANTIDISTURBIOS’ (T. 1). Movistar+ ‘L’ATTACHÉ’ (T. 1). Filmin ‘ESCENARIO O’ (T. 1). HBO

TOP 5 ISABEL VÁZQUEZ

Peter Sarsgaard es el detective David Russell.

Pozos de ambición. Más de 30 años después de la inédita entre nosotros Strapless, el realizador, guionista y dramaturgo David Hare (Las horas) se vuelve a reunir con Hugh Laurie en una miniserie de la BBC de cuatro capítulos en la que interpreta a un político inglés salpicado por unas adversas revelaciones .

CADA MES, ELEGIMOS NUESTRAS SERIES EN EMISIÓN FAVORITAS.

‘INTERROGATION’ Elige a tu asesino. Estrenada por la CBS en febrero, la nueva serie de Calle 13 nos llega con la originalidad de elegir el orden de capítulos para ser vista según se prefiera. Algo así como Elige tu propia aventura, pero con un caso de un joven (Kyle Gallner) acusado de matar a su madre. El muy activo últimamente Peter Sarsgaard es el abogado que lo librará de la silla eléctrica. O no. ESTRENO: 10 NOVIEMBRE EN CALLE 13

‘PATRIA’ (T. 1). HBO ‘VENENO’ (T. 1). Atresplayer TV ‘QUIZ’ (T. 1). Movistar+ ‘DETLEV ROHWEDDER’ (T. 1). Netflix ‘THE UNDOING’ (T. 1). HBO

TOP 5 ROGER SALVANS

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‘THE CROWN’ (T. 4). Netflix ‘VENENO’ (T. 1). Atresplayer TV ‘THE GOES WRONG SHOW’ (T. 1). Amazon Prime Video ‘GLUE’ (T. 1). Filmin ‘EL PÁJARO CARPINTERO’ (T. 1). Movistar+

PONTE EN SERIE

SOMETEMOS A LOS PROTAGONISTAS A NUESTRO TEST SERIƒFILO.

Foto: Getty Images.

DANIEL GRAO (‘HIT’).

Es el profesor que revoluciona la vida de unos adolescentes problemáticos en la serie de TVE. La serie que me marcó: Cinco hermanos. Nunca entendí por qué no le gustaba a más gente. Me enarmoré de la familia, sobre todo de la madre. Mi último enganche: This Is Us, pues por lo mismo, me encantan las series sobre padres e hijos.

La serie de culto que abandoné:

¿Mi personaje favorito?

Me da un poco de vergüenza, pero Juego de Tronos no era para mí. Incluso me da envidia la gente que la gozó tanto.

El detective Rust Cohle de la primera temporada de True Detective. Matthew McConaughey se daba unos ‘permisos’, unas licencias, como actor absolutamente geniales.

¿Cómo y cuándo me gusta verlas? Con mi pareja, en casa,

bajando las persianas y después de comer. Los niños arriba con sus juegos y nosotros en paz. La noche pasó a la historia.

¿El que no soporto?

Mi placer culpable:

Perdidos. Vivía con un amigo en Madrid y las veíamos con queso, fuet y gin-tonic en copa de balón.

Las series sobre concursos de música o líos amorosos.

Los personajes previsibles, sin colores. Nadie es solo una cosa. La mayor maratón de mi vida:

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■ MULTIPANTALLAS # SERIES # A LA CARTA

Por Isabel Vázquez.

In my opinion SALLY WAINWRIGHT

Acción, violencia y artes marciales.

‘GANGS OF LONDON’ Lágrimas de mucha sangre. Los fans del cine de artes marciales más puro y salvaje esperaban desde hace meses la llegada a las plataformas del debut en las series del galés Gareth Evans, autor de las celebradísimas dos partes de Redada asesina (2011 y 2014). Los nueve episodios de la primera temporada (ya está confirmada la segunda) se emitieron en Sky Atlantic (R. U.) y Cinemax (EE. UU.) en abril, fue saludada por la crítica como la serie del año y vista por más de dos millones de espectadores. Surgida del videojuego homónimo para PSP que ilustraba la guerra por el control de las calles de Londres de bandas británicas, rusas, paquistaníes, chinas y jamaicanas, el ‘plot’ sigue las violentas andanzas del clan Wallace, liderado por Finn (Colm Meaney, La camioneta) y su hijo Sean (John Shelby en Peaky Blinders). ESTRENO: 15 NOVIEMBRE EN STARZPLAY

‘SOULMATES’ Amores del mañana. Como ya demostraron Hank the DJ, en la cuarta temporada de Black Mirror, y luego la serie francesa Osmosis, la búsqueda de la media naranja o del alma gemela (traducción del título en inglés) seguirá preocupando a la humanidad high society del futuro. Ahora llega esta serie de solo seis episodios independientes, coescrita por uno de los guionistas de Black Mirror, el ganador del Emmy William Bridges. Atención a la presencia de los españoles Gabriel Andreu y Laia Costa en el reparto.

Sarah Snook y Kingsley Ben-Adir.

ESTRENO: 12 NOVIEMBRE EN AMC

Myha’la Herrold y el resto del reparto.

‘INDUSTRY’ El poder del dinero. Dos años después de estrenar Camping, Lena Dunham (Girls) se olvida de los cuarentones para centrarse, ya sin su habitual socia Jenni Konner, en una juventud muy diferente a la de su serie estrella. Ella dirige solo un episodio y coproduce una ficción de jóvenes ambiciosos y preparadísimos que afrontan la crisis de 2008 en un banco de Londres. Dinero y poder, pero también adicciones a las drogas, al sexo y a egos descomunales. ESTRENO: 10 NOVIEMBRE EN HBO

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De todos los trabajos raros que un escritor haya desarrollado jamás para subsistir en época de vacas flacas, conducir un autobús de línea puntúa bastante alto. La mejor guionista contemporánea en activo, Sally Wainwright (autora invitada este año en el VII Serielizados Fest), empezó su carrera complementando el jornal entre semáforos y señales de tráfico porque transportar personas le dejaba la cabeza libre para crear historias. Wainwright siempre atiende a lo importante. Con Gentleman Jack (cuya segunda temporada sigue retrasada sine díe) rescató del olvido a su paisana Anne Lister, la terrateniente rompe-bragas de Halifax, la más sofisticada de sus protagonistas hasta la fecha. Sus personajes habitan las zonas de Gran Bretaña ajenas a las guías turísticas; sus diálogos prodigiosos, transforman lo cotidiano en ficciones de primera categoría. Una policía cuarentona de Valle del Calder amargada por el suicidio de su hija convirtió a Wainwright en esa autora que no tiene que esforzarse por vender nada en una reunión con ejecutivos. El éxito internacional de Happy Valley era la culminación de 30 años dándole a la tecla, 20 como creadora de series. Durante el reinado de los hombres difíciles, Sally Wainwright siempre prefirió a las señoras que van en transporte público. Catherine Cawood (Sarah Lancashire), en ‘Happy Valley’.

MULTIPANTALLAS # SERIES # ENTREVISTA

OLIVIA COLMAN

ADIÓS A LA REINA

Fotos: Netflix.

Si en la segunda temporada nos despedimos de Claire Foy, en esta cuarta entrega de ‘The Crown’ toca festejar el fin del reinado catódico de Olivia Colman. La actriz, tras encarnar a Isabel II en 20 episodios, abandona a la matriarca de los Windsor en uno de los momentos más delicados y convulsos de su vida. Por R. S. En la segunda mesa de lectura pican mucho, bromea. Es triste que del guion, Peter [Morgan, el mi reinado llegue a su fin, pero ahora le toca el turno a ella. Interpretar creador de la serie] se giró para mirarme y dijo: ¡Oh, esta temporada a Isabel II ha sido un regalo y adelo haces mucho mejor!, recuerda más de los divertidos. Había entre risas Olivia Colman (Norwich, momentos en el rodaje en los que Inglaterra, 1974), que sigue: Y yo le tenía la sensación de que estaba contesté: ¡Pues claro! Este año hemos sentada junto a mí, algo que pocas tenido tiempo para dejar reposar el veces me ha pasado en mi carrera. personaje… ¡y dejar de marear la perDe hecho, me lo he pasado tan bien diz!, ríe. Sin demasiado reposo y tamque no me puedo creer que encima poco mucho margen para darle me hayan pagado por ello. muchas vueltas a nada, el 15 de noviembre aterriza en Netflix la cuarFRENTE A UN FANTASMA ta temporada de The Crown, una nueColman, que comparte cartel con va entrega que pudo esquivar el parón Tobias Menzies, Helena Bonham provocado por la pandemia y cuenta Carter o Josh O’Connor como el con nuevos y recientes alicientes príncipe Felipe, la princesa Margaret –Gillian Anderson como Margareth o el príncipe Carlos respectivamenThatcher, el matrimonio entre Carlos te, llegó a la serie tras lograr el Oscar y Diana Spencer–, pero que es la últia Mejor Actriz por encarnar, en La ma que contará con Colman como favorita (Y. Lanthimos, 2018), a otra intérprete de Isabel II, un rol al que reina de Inglaterra, Ana Estuardo. MOMENTOS EN EL RODAJE EN LOS “HABÍA llegó como sucesora de Claire Foy y Es mucho más difícil interpretar QUE TENÍA LA SENSACIÓN DE QUE ISABEL II cuyo testigo pasará, en las próximas a alguien que todo el mundo conoESTABA SENTADA JUNTO A MÍ”. quinta y sexta temporada, a Imelda ce y tiene una imagen, sonido o Staunton. Si me llama será emocioincluso vivencias asociadas, como nante, cuenta Colman en un encuentro virtual con la prensa en Isabel II, cuenta. Y nunca me había pasado, subirme a una el que participó FOTOGRAMAS sobre su relevo. Le desearé producción en marcha, encarnando un rol que ya había buena suerte y le diré que tenga cuidado con las pelucas, sido de otra actriz. Pero era una fan absoluta de la serie, así que no me lo pensé dos veces. Colman, que junto a su marido, el guionista Ed Sinclair, prepara para HBO la comedia EMMA CORRIN, LA NUEVA PRINCESA DEL PUEBLO negra Landscapers, se va de The Crown Esta cuarta temporada, que se corresponde con un recuerdo perturbador: Gillian Emma Corrin es con la cuarta década en el trono de Isabel II, Diana Spencer. interpretando a Thatcher, en una escena saluda la llegada de un personaje que frente a frente, con los focos a su espalmarcó un antes y un después en la dinastía da. Daba miedo. Era como estar frente a Windsor: Diana Spencer. Emma Corrin, una joven actriz británica de 24 años con un fantasma. Y buena parte del mérito solo un par de créditos televisivos en su es del equipo de vestuario, maquillaje y haber (Grantchester y Pennyworth) es peluquería. Aunque deberían hacer algo la encargada de interpretarla. Elizabeth para que los postizos piquen menos. ◆ Debicki (Tenet) tomará el relevo de cara a LA CUARTA TEMPORADA DE ‘THE CROWN’ SE las dos últimas entregas de la serie. ESTRENA EN NETFLIX EL 15 DE NOVIEMBRE

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■ MULTIPANTALLAS # INÉDITOS VOD # ESTRENOS

ENTRE AMIGOS

Sofia Coppola estrena ‘On the Rocks’, su reencuentro con Bill Murray acompañado de Rashida Jones. Charlamos con la directora y con la actriz de esta comedia que lidera las apetecibles propuestas del mes. Por Laura Pérez y Óscar Cabrera.

Rashida Jones y Bill Murray.

È ‘ON THE ROCKSÕ Viejos conocidos. Hace 17 años que Sofia Coppola y Bill Murray rodaron juntos Lost in Translation (2003). El temor a emborronar la imagen de icono que el actor alcanzó por este papel hizo que la directora evitase trabajar de nuevo con él. Sin embargo, el reencuentro resultó inaplazable al rodar Coppola una comedia sobre la relación entre una hija y su padre, un hedonista adinerado a la antigua usanza que solo Murray podía interpretar. Me hacía falta alguien como él porque este tipo de hombres tienen una parte oscura, y yo no estoy de acuerdo con muchas de las cosas que hace, así que necesitaba su encanto para seguir queriendo al personaje, explica. Lo divertido es que resulta inevitable crear analogías con algunos episodios de la propia vida de Coppola, quien suele construir sus personajes a base de retales de su biografía. Son estos hombres de la generación de mi padre, muchos de los cuales he conocido, que bebían 102

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Martini, fumaban puros y llevaban un estilo de vida que no se ve mucho ahora. Veían el mundo de una forma diferente y por eso he querido mostrar de una manera divertida todas sus contradicciones. Tándem de hijas. Rashida Jones (Parks and Recreation, The Office), hija del productor musical Quincy Jones, da vida al personaje femenino, una escritora desbordada por la maternidad y con dudas sobre su matrimonio que

se confiesa con su progenitor mientras disfrutan de los placeres más esnobs de Nueva York. Creo que tanto en el personaje al que daba vida Scarlett Johansson en Lost in Translation como el de Elle Fanning en Somewhere (2010) hay partes de mí en diferentes etapas de mi vida, revela la directora. Representan distintos momentos en los que te paras a pensar qué tipo de persona quieres ser. ESTRENO: 23 OCTUBRE EN APPLE TV+

LA INSPIRACIÓN DE COPPOLA

Sofia Coppola.

Trabajar con Sofia es como un sueño cumplido. Ver cómo rueda y cómo se comporta en el set es realmente inspirador. Son palabras de Rashida Jones, protagonista de la séptima película de la directora, a quien conoció fugazmente hace 18 años durante la realización de un taller y en el especial de televisión A Very Murray Christmas. Ya entonces me pareció una suerte hacer algo con esta joven directora, y ahora siento que hemos cerrado el círculo.

Patricio y Bob Esponja, en la submarina Atlantic City.

‘TIERRAS ALTAS’

Cazador blanco. Estrenada en el último Festival de Cine de Berlín, la segunda película de Stephen Maxwell Johnson vuelve a visibilizar la tragedia de los aborígenes australianos, sometidos y exterminados por los blancos desde que fueron descubiertos por Europa. El realizador de Yolngu Boy (2001) revisa ahora un hecho ocurrido en el siglo XIX cuando el joven Gutluk (Jacob Junior Nayinggul) tiene que asociarse con el militar Travis (Simon Baker, en un logrado cambio de registro tras su icónico Patrick Jane de El mentalista) para ‘cazar’ a un líder revolucionario, Baywarra (Sean Mununggurr). ESTRENO: 22 NOVIEMBRE EN MOVISTAR+ Simon Baker y Jacob Junior Nayinggul.

‘BOB ESPONJA: UN HÉROE AL RESCATE’

Gary que estás en los mares. La tercera aventura cinematográfica del héroe que vive en una piña debajo del mar ha llegado a Netflix rebotada de Paramount, que confiaba en llevarla a los cines el pasado verano en 3D. Bob Esponja y la estrella Patricio tienen que encontrar al caracol Gary, que ha sido secuestrado y se encuentra ahora en la Ciudad Perdida de Atlantic City. Además de buscarlo, Bob se enfrentará a otra amenaza: una insospechada adicción al juego. Atención a la aparición de Keanu Reeves; bueno, solo su cabeza, dentro de una planta rodadora del desierto y encarnando a un Sabio que aconseja a los dos amigos. ESTRENO: 5 NOVIEMBRE EN NETFLIX

Emmi Parviainen y Laura Birn.

‘BRUCE SPRINGSTEEN’S

LETTER TO YOU’

Epistolario musical. Empecé a tocar la guitarra porque quería hablar con alguien y ser correspondido, dice Bruce al comienzo de esta autobiografía escrita bajo la forma de carta ilustrada con las canciones de su último álbum. Un regalo dirigido a todos los amantes de esa medicina de 2020 llamada música. ESTRENO: 23 OCTUBRE EN APPLE TV+

‘GAMES PEOPLE PLAY’

Vive como quieras. ¿Cómo realizar una película original sobre la tan manida historia de viejos amigos que se reúnen de nuevo un fin de semana, ¡por un cumpleaños!? Para la directora finlandesa Jenni Toivoniemi, que debuta en el largometraje, el punto sería provocar que todos los personajes se comportasen como cuando tenían 20 años menos: bailando, jugando, emborrachándose y liándose entre ellos. Vuelta al cole. ESTRENO: 1 NOVIEMBRE EN FILMIN

The Boss y la E Street Band.

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■ MULTIPANTALLAS # DVD + BD

DVD

Luna Fulgencio, Loles León, Carlos González Morollón, Santiago Segura y Calma Segura.

SECRETOS DE FAMILIA ‘Padre no hay más que uno 2. La llegada de la suegra’. Santiago Segura supera las expectativas de la primera parte y arrasa al presentarse en casa Loles León. Entre los extras, un loco making of y videoclips de su hija Sirena Segura y Efecto Pasillo. Por S. Guijarro. En casa ajena. Toni Acosta (léase Marisa), la sufrida madre de la familia protagonista de esta comedia que arrasó en taquilla con su primera parte, pide socorro en esta ocasión a la abuela. Loles León (Milagros a la sazón) no duda en plantarse (y en hacerse con la situación sin pedir permiso ni perdón) en casa ajena con su perro José Luis. En palabras de la actriz protagonista, cuyo personaje debe guardar reposo por un inesperado embarazo de riesgo (¡el sexto!): Loles [con la que no había coincidido nunca trabajando] está impresionante porque esta película la devuelve a un tipo de comedia en la que siempre ha sido una diosa. Se ha 104

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ganado a los niños en un periquete. Y hablando de niños, precisamente uno de ellos, de los pequeños que forman la numerosa familia cinematográfica Segura-Acosta, acapara la atención de uno de los extras más divertidos. Dando la nota. De los 30 minutos de contenido adicional, el estelar corresponde al videoclip protagonizado por Sirena Segura, la hija pequeña del director en la vida real y una artista polifacética con una vis cómica poco usual en una niña de 6 años. La pequeña interpreta la canción principal de la cinta, Mediodía en la luna, tema para el que el grupo canario Efecto Pasillo hace lo propio, un videoclip inédito

para los usuarios del formato DVD y Blu-ray. Siguiendo con el material exclusivo que acompaña la película, se incluye el #videochallenge de los ganadores del concurso que lanzó Sony, tambien editora de la versión home, en redes sociales con motivo del estreno en cines de Padre no hay más que uno 2. La llegada de la suegra. Una idea para que los fans de Segura protagonizaran su propia versión del tema principal de la secuela. El premio sería su minuto de gloria en los contenidos adicionales de las ediciones físicas. Como colofón a este lanzamiento tan especial (y tan musical), se podrá optar a visionar el tráiler completo así como el making of con la trastienda de las escenas más hilarantes del film, aderezadas con comentarios de los protagonistas en el set de rodaje. LANZAMIENTO: 26 NOVIEMBRE

El mejor Kurosawa La oscarizada y lírica ‘Dersu Uzala (El cazador)’, primer film de Kurosawa rodado fuera de Japón, llega en Blu-ray con una edición inédita que acompaña al cineasta por Siberia, presenta al explorador que la inspiró y viaja al Festival de Cine de Moscú de 1975.

‘La familia que tú eliges’ DIR.: MICHAEL SCHWARTZ Y TYLER NILSON. INT.: ZACK GOTTSAGEN, SHIA LABEOUF, DAKOTA JOHNSON. (KARMA). DRAMA.

Feel good. Conmovedora fábula que navega a bordo de una road movie, escrita y dirigida a cuatro manos por los debutantes en el largo Michael Schwartz y Tyler Nilson. Tras dos años en busca de interlocutores que apostaran por el film, un corto grabado por el protagonista, Zack Gottsagen (joven con síndrome de Down aspirante a actor), consiguió los favores (y las lágrimas) de los productores de Pequeña Miss Sunshine y Nebraska (Albert Berger y Ron Yerxa). La versión home que se lanza ahora incluye el coloquio que tuvo lugar en el BCN Film Fest, así como media hora de entrevistas con los directores y guionistas, el protagonista y un renacido Shia LaBeouf. LANZAMIENTO: 10 NOVIEMBRE

Autobiografía. A mediados de los años 70, Akira Kurosawa acababa de abandonar un periodo de crisis personal que lo había tenido cinco años en dique seco profesional. La adaptación del libro Dersú Uzalà escrito por el explorador Vladímir Arséniev le devolvió la confianza en sí mismo… y la productividad. Esta coproducción entre la Unión Soviética y Japón, aclamada por la crítica, presenta en la actual edición de A contracorriente imágenes inéditas del japonés trabajando en las localizaciones naturales del film, en la inhóspita Siberia. Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa, en plena madurez creativa del Kurosawa de la mítica Los siete samuráis (1954), la edición Blu-ray añade un documento histórico: el viaje por la península de Kamchatka de Arséniev, cuando conoció al protagonista del film, Dersú Uzalà, un anciano cazador de la etnia gold que se convirtió en referencia imprescindible en su vida. En esta edición especial que contiene una hora de material exclusivo, se incorpora también una entrevista con el protagonista de

‘Women Make Film’

la cinta, el actor Yuriy Solomin, además de la emisión completa del coloquio que tuvo lugar en Nueva York entre el profesor Jerry Carlson y la ensayista Annette Michelson, en el que comparten sus ideas sobre la figura del maestro nipón. Para finalizar con esta edición tan especial, se incluye la ceremonia del Festival de Cine de Moscú del año 1975, que reunió a un centenar de cineastas de todo el mundo, en la que el director japonés consiguió la Medalla de Oro y el Premio de la Crítica. LANZAMIENTO: 10 NOVIEMBRE

DIR.: MARK COUSINS. (CAMEO). DOCUMENTAL.

Truhanes. Acertada elección del casting, con un Gonzalo de Castro solvente a la cabeza, para una comedia de picaresca de la vieja escuela con crítica incluida a la pérdida de valores. Aunque el tema principal de la cinta podría haber sido Soy un truhán, soy un señor, lo es La maldición, escrito e interpretado por la actriz Manuela Vellés, que muestra el videoclip como contenido extra del DVD.

Femenino plural. Alrededor de mil minutos de metraje, muchos de ellos rebosantes de materal inédito, conforman este apetecible pack documental (en formato road movie) dirigido por el irlandés Mark Cousins (La mirada de Orson Welles) que se estrenó como serie de TV en 2018. Un exhaustivo análisis de la historia del cine a través de 700 films en cinco discos DVD y la lente de algunas de las mejores directoras (hasta 183) entre las que figura la española Ana Mariscal (El camino, 1963). Para la narración cuenta con voces tan solventes y reconocibles como Jane Fonda, Tilda Swinton, Angelina Jolie o Agnès Varda.

LANZAMIENTO: 10 NOVIEMBRE

LANZAMIENTO: 11 NOVIEMBRE

‘La maldición del guapo’ DIR.: BEDA DOCAMPO FEIJÓO. INT.: GONZALO DE CASTRO, JUAN GRANDINETTI, MALENA ALTERIO. (FILMAX). COMEDIA.

FOTOGRAMAS.ES · NOVIE MBR E 202 0

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■ MULTIPANTALLAS # DVD + BD

‘La lista de los deseos’

‘¡Va por nosotras!’

‘La profesora de piano’

DIR.: ÁLVARO DÍAZ LORENZO. INT.: MARÍA LEÓN, VICTORIA ABRIL, SILVIA ALONSO. (A CONTRACORRIENTE). COMEDIA DRAMÁTICA.

DIR.: MOHAMED HAMIDI. INT.: KAD MERAD, ALBAN IVANOV, CÉLINE SALLETTE, SABRINA OUAZANI, LAURE CALAMY. (KARMA). COMEDIA.

DIR.: JAN-OLE GERSTER. INT.: CORINNA HARFOUCH, TOM SCHILLING, VOLKMAR KLEINERT, ANDRÉ JUNG. (DIVISA). DRAMA.

Todas a una. Con el videoclip del

Sororidad. El rival a batir es el machis-

Frustraciones. Con una completa

tema central de la película, titulado La vida viene y va, interpretado por La Mari de Chambao, como aportación adicional, se edita en DVD y BD esta road movie de deseos incumplidos, amistad y mucho feel good. Bajo la dirección de Álvaro Díaz Lorenzo (Los Japón y Señor, dame paciencia), tres amigas (María León, Silvia Alonso y Victoria Abril) viven su particular aventura desde Sevilla hasta Marruecos (ida y vuelta), en una historia con empaque visual y ritmo irregular cuyos derechos ya están en manos del mercado cinematográfico americano y el productor Steve Barnett.

mo y el objetivo, la ridiculización de los prejuicios de género. El director de la cinta, el francés de origen argelino Mohamed Hamidi (Bienvenidos al barrio), se divierte en su cuarto largometraje mezclando el fútbol femenino y la comedia a lo Full Monty, con el soporte de los productores de un éxito como Intocable. Para el formato home se ofrece un reportaje con la grabación de la banda sonora, para la que Hamidi repitió (como en La vaca, 2016) con Ibrahim Maalouf (nominado al César por Yves Saint Laurent). Además, una pequeña pieza extra muestra las pautas del entrenamiento al que fueron sometidas las protagonistas.

galería de imágenes de making of, y las fichas artística y técnica como extras, el alemán Jan-Ole Gerster presenta en formato DVD su segundo film (el primero, Oh Boy, fue un proyecto fin de carrera que le proporcionó numerosos reconocimientos en 2012). La profesora de piano muestra a una soberbia Corinna Harfouch (El perfume), que dibuja con precisión a una mujer de 60 años obsesionada con la carrera musical de su hijo, Tom Schilling (también protagonista del primer film de Gerster), cuyas decisiones equivocadas, cargadas de amargura y resentimiento, desencadenan el drama.

LANZAMIENTO: 10 NOVIEMBRE

LANZAMIENTO: 5 NOVIEMBRE

‘Zapatos rojos y los siete Trolls’

‘La caza’

‘First Love’

De fábula. Disparatada versión surco-

Juego macabro. Violento thriller de los

Puro Miike. Apabullante, excesivo

reana animada de los clásicos cuentos de hadas, de los mismos creadores que Frozen y Big Hero 6, y cuya protagonista pelea contra los estereotipos de la belleza y a favor de la diferencia. Editada en DVD por Flins & Pinículas, incorpora el tráiler cinematográfico y la ficha técnica completa.

responsables de La purga, protagonizado por Betty Gilpin y Hilary Swank, y editado por Universal. El DVD añade el análisis de una selección de las escenas más impactantes, así como un documental sobre el proceso de creación de la cinta y el reportaje: Athena contra Crystal: ¿Cazadora o cazada?

y sofisticado Takashi Miike en este delirante cuento de amor pulp a la japonesa, en el que se entrelazan los destinos de una atípica pareja de jóvenes, un policía corrupto, un yakuza y su némesis, y una asesina enviada por las tríadas chinas. De Barton Films, incluye galería de imágenes inéditas.

LANZAMIENTO: 6 NOVIEMBRE

LANZAMIENTO: 26 NOVIEMBRE

LANZAMIENTO: 5 NOVIEMBRE

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N OVI E M BR E 2 02 0 · FOTOGRAMAS.ES

NEWS Por Jesús Palacios. m

La cripta embrujada PAGAN WESTERN

Sam J. Jones en ‘Flash Gordon’ (1980).

LOS CINCO FANTÁSTICOS Cuando la estrella de fútbol americano Flash Gordon abandonó las viñetas del cómic y por avatares (acepción clásica y no ‘virtual’ del sustantivo) de la vida traspasó la pantalla como compañero interestelar de la periodista Dale Arden en busca del planeta Mongo, desconocía que cumpliría los 40 años cinematográficos (Mike Hodges, 1980) en perfecto estado. Pues bien, este icono de la ciencia ficción de los 80, que alcanzó la fama gracias a un reparto variopinto con Max von Sydow, Ornella Muti o Timothy Dalton, y una banda sonora inolvidable de Queen, es uno de los cinco tesoros que Divisa ha preparado en su colección Fantástico para el mes de noviembre. Lo acompañan en la aventura y en formato pack El cuervo (Alex Proyas, 1994), con Brandon Lee; La invasión de los ultracuerpos (Philip Kaufman, 1978); Lifeforce: Fuerza vital (Tobe Hooper, 1985), y El hombre que cayó a la Tierra (Nicolas Roeg, 1976), con un David Bowie más extraterrestre que nunca.

JOYAS DE OTRO MUNDO Cautivadores personajes desconocidos hasta ahora, y nuevas y espectaculares localizaciones, se asoman el 20 de noviembre a la tercera temporada de la serie de HBO Westworld: El Nuevo Mundo, en la edición BD y DVD de Warner. Cada pack incluye tres discos con los ocho episodios de una hora de duración, en los que se exploran la última evolución del nuevo mundo, la conciencia artificial y las cuestiones derivadas del libre albedrío. En esta tercera temporada, Dolores (Evan Rachel Wood) aparece en guerra contra la humanidad y se respira una gran decepción general sobre el mundo exterior. Entre los 110 minutos de contenido extra destacan entrevistas con ella, Aaron Paul, Thandie Newton y Tessa Thompson, además de reportajes acerca de cómo se creó la realidad de Westworld y el titulado Vivimos en una tecnocracia.

TODOS LOS QUE SON Lanzamiento inédito en España el 4 de noviembre de Colección completa 57 películas de Clásicos Disney, pack en formato DVD, que se comercializa de forma exclusiva a través de Amazon. Blancanieves y los 7 enanitos (con comentarios en audio de Walt Disney); Pinocho (con el vídeo musical La estrella azul interpretado por Meaghan Jette Martin y su opción karaoke, así como comentarios del crítico Leonard Maltin, el director de animación Eric Goldberg y el historiador de cine J.B. Kaufman); Fantasía (con la participación de los gemelos Disney, Dylan y Cole Sprouse): Dumbo (restauración digital mejorada, escenas eliminadas y el proceso de vuelo del protagonista), o Bambi (con introducción de la hija biológica de Walt, Diane Disney Miller) son solo algunos ejemplos de una colección histórica con material extra exclusivo.

Entre el crepúsculo del Hollywood clásico y la llegada del Nuevo Hollywood, entre el agotamiento de los géneros y su renovación desmitificadora, tuvo lugar un momento de dulces mutaciones con lo mejor de ambos mundos. El sentido de la fascinación y el romanticismo del primero se conjugaron con el realismo, la profundidad psicológica y la violencia estética y moral del segundo, para producir maravillas como El señor de la guerra (1965), que ahora recupera en todo su espléndido Technicolor el Blu-ray de Divisa. El futuro director de El planeta de los simios trabaja ya aquí con elementos no muy distintos, para, partiendo de una obra teatral del singular Leslie Stevens (director de Incubus, loca película esóterica rodada íntegramente en esperanto) y con guion donde colabora el mismísimo John Collier, construir un épico western medieval, lleno de pasión, magia y mensaje humanista. Nobles normandos, nativos galogermanos, incursores frisones, podrían ser fácilmente caballería yanqui, campesinos mexicanos e incursores apaches, en este drama de alto voltaje donde se enfrentan cristianismo y paganismo, abusos feudales y siervos rebeldes, amor y guerra, con fondo de rituales druídicos ancestrales casi de Folk Horror y un Charlton Heston dispuesto a sufrir y desnudar el torso a la mínima, desafiando los tabús tanto religiosos como feudales, retratado todo con realismo inédito en el Hollywood de entonces. Recordatorio de un tiempo en que la aventura fue épica y romántica, a la par que adulta, progresista y violenta. Nunca más, a lo que parece. FOTOGRAMAS.ES · NOVIE MBR E 2 02 0

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VIDEOJUEGOS

Por Adonías.

O EL JUEMG ES DEL

WASTELAND 3

MAFIA: EDICIÓN DEFINITIVA De Hangar 13 para PlayStation 4, Xbox One y PC. 39,99 €

Érase una vez en América: la compañía californiana Hangar 13 ha ejecutado, apadrinada hoy día por el precio del poder hardware, un intocable remake que actualiza aquel Mafia desarrollado por los checos Illusion Softworks en 2002. El otrora sin embargo titulazo ahora atrapado por su pasado tecnológico, jamás lleva en su Edición Definitiva camino a la perdición narrativa, no más malas calles pobremente plasmadas: la historia interactiva del codicioso Tommy Angelo es elegantísimo ejemplo de cómo conquistar Hollywood, ese jugable al rojo vivo en 4K noir que cualquier realizador lúdico ansía crear.

SUPER MARIO 3D ALL-STARS

De inXile Entertainment para Xbox One, PlayStation 4 y PC. 59,99 €

De Nintendo para Nintendo Switch. 59,99 €

Cuando cohesionan con maestría la impoluta gestión argumental generativa y las mecánicas magnéticas de un género actualmente, industria cobarde, apenas insólito (gracias, inXile Entertainment), se originan rolazos tácticos de herrumbrada ambientación bélica posapocalíptica combativa por turnos, léase una nueva pieza de esa queridísima serie adobada en referencias a videojuegos y películas de culto: Wasteland. Jack Torrance, te sigo los pasos.

El nombre de este cofre del tesoro no engaña: todo estrellas (del videojuego) 3D, ¡protagonizadas por el grande entre grandes! Año 1996, Super Mario 64: innovador, imbatible, incombustible. 2002, Super Mario Sunshine: irregular, irreverente, irresistible. 2007, Super Mario Galaxy: el absolutamente imprescindible que añadió una, gloriosamente perceptible, gravedad –benditos planetoides– al gozoso deambular tridimensional ya por entonces habitual.

SHOPPING

MÚSICA, MAESTRO

TÚ A ROMA Y YO A PARÍS El prestigioso sello italiano de moda Fendi y la maison parisina de perfumes Francis Kurkdjian se fusionan en su peculiar versión de La Dolce Vita en rose, con el lanzamiento de FendiFrenesia, piezas únicas elaboradas con piel y sutilmente perfumadas.

Broadway y el West End, cuna de los grandes escenarios que dieron cobijo a los primeros musicales; Tony y Laurence Olivier Awards, los Oscar del teatro musical, y los títulos imprescindibles del género se dan cita a lo largo y ancho de las 280 páginas ilustradas de 100 musicales que deberías ver, una referencia documentada y amenizada por el autor Joan Francesc Cánovas (ed. Amat) que ya está a la venta.

DE OTRA GALAXIA Mantenerse conectado no debe ser sinónimo de estrés, sino de una vida más fácil. Con esta premisa, el Ecosistema Galaxy presenta su potente modelo Note 20 Ultra, con la pretensión de poner la tecnología al servicio del usuario y su tranquilidad, en un dispositivo atractivo e inteligente que se ocupa de (casi) todo.

UN 10 PARA UN PROYECTO ‘0,0’ Cervezas, vinos, espumosos, vermús, licores, destilados… y todos ellos sin alcohol. La nueva tienda on-line The Blue Dolphin abre el telón a esas bebidas que vuelven a estar de estreno gracias a su premisa desalcoholizada, su apuesta por la salud y su sello premium. Detrás del telón (léase la web thebluedolphinstore.com), un amplio y atractivo repertorio. 108

N OV IE M BR E 2 02 0 · FOTOGRAMAS.ES

HA NACIDO UNA ESTRELLA Las míticas Nike de Marty McFly en Regreso al futuro (Robert Zemeckis, 1985) han traspasado las décadas y ahora descansan en el limbo de los fetiches intocables. Aunque probablemente no aspire a tanto, la artista china Ruohan Wang ha cedido su colorista mirada y su energía creativa a una edición exclusiva y limitada de las Blazer Mid ’77. Quién sabe, quizá se pongan a los pies de la cuarta entrega de la saga.

ESCUCHAR

Por Conrado Xalabarder.

SANMAO: LA NOVIA DEL DESIERTO

MovieScore Media. 27’. ★★★★★

Este documental español relata la apasionada historia de amor en los años 70 del pasado siglo entre la escritora china Sanmao y el submarinista español José María Quero, que fue plasmada en el best seller Cuentos del Sáhara. El amor, la aventura y la tragedia se llevan al territorio de la música con una exquisita, intensa y elaborada creación de Marc Timón, que pone una vez más en evidencia lo importante que es la música para construir documentales, donde la contribución de la banda sonora no es tanto narrativa como dramática, en tanto se

BLACK BEACH

suma a la perspectiva y a la voz en off de los documentalistas (en este caso, las directoras Marta Arribas y Ana Pérez de la Fuente). También evidencia el nivel y cualificación de muchos de nuestros compositores, aunque la mayor parte –y Timón es un caso palpable– están injustamente infrautilizados. El sello sueco MovieScore Media, una vez más, tiene mucha más vista (y oído) que la industria del cine español, tan cerrada muchas veces a los mejores.

MovieScore Media. 40’. ★★★★

En un sentido y dirección diametralmente opuesto a su celebrada música para Buñuel en el laberinto de las tortugas, la banda sonora de Arturo Cardelús para este thriller no busca la empatía sino justamente la antipatía, generar incomodidad, desasosiego y turbación en la audiencia, con música hostil y refinada, también pesimista. Alterna momentos en los que el ataque de lo musical es evidente, con otros sutiles, también crueles e implacables, que hacen que Cardelús logre ser el gran enemigo en el film.

GREENLAND: EL ÚLTIMO REFUGIO Varèse Sarabande. 49’. ★★

Tal y como era previsible, esta es una de tantas bandas sonoras actuales con simpleza en lo dramático y costosa producción que busca enfatizar y dar grandilocuencia a lo que acaba por ser un completo vacío musical. David Buckley firma algo sin contenido, llamativo y artificioso, y que donde peor queda expuesto es en lo dramático, pues en la ambientación y acción se limita a lo de siempre, a lo de tantos otros films. A la falta de calidad se une además que es una música aburrida.

LEER

EN BUSCA DE SUMMERLAND

Needlewood Records. 49’. ★★★★

El alemán Volker Bertelmann firma una banda sonora de género que desarrolla en lo melodramático y lo sentimental, con variedad de temas para recrear entornos líricos y apacibles, amables. Junto a ellos, música para aportar un tono moderadamente nostálgico con el que se combina y conforma una creación sólida en sus pretensiones, aunque algo dispersa estructuralmente. Se destaca por su tema principal, que es lo más notable y del que se obtiene buen provecho. Por C. X.

MIKLÓS RÓZSA: FIEL A SUS RAÍCES Saimel. 504 págs. 25 € ★★★★★

Miklós Rózsa (1907-1995) fue el colosal compositor de un centenar de bandas sonoras, muchas fundamentales: El ladrón de Bagdad (1940), Recuerda (1945), El loco de pelo rojo (1956), BenHur (1959) o El Cid (1961) son algunas de las obras maestras que le reportaron 3 Oscar, 14 nominaciones y un lugar preferente entre los más grandes. Porque Rózsa, como tantos otros, no solo ponía música a las películas sino que hacía cine con ella: el cautivador poder emotivo de sus melodías, la fortaleza dramática de sus temas y sobre todo su capacidad narrativa lograron que en los films donde

CINE, SERIES Y

DERECHO DE EMPRESA

intervino todo fuese mucho mejor. Este espléndido estudio firmado por Joan Bosch desmenuza su imponente legado y repasa con detalle la vida, obra, origen y consecuencias de sus creaciones. Por su rigor, amena redacción y el alto interés de su contenido –que incluye interesantes declaraciones del compositor húngaro– es un libro de absoluta referencia y el tributo en castellano que Rózsa merecía.

Tecnos. 240 págs. 19 € ★★★★

Este libro de José Luis Luceño, profesor de Derecho mercantil, explica materias propias de esa área a través del cine: el empresario en Jerry Maguire (1996), la constitución de sociedades de capital en La red social (2010), los contratos bancarios en Plan oculto (2006) y otros temas relacionados siempre con films o series que resulten explicativas. Una manera práctica de aprender sobre esta rama del Derecho.

¡MÁS FUERTE, MUCHACHOS!

Applehead. 268 págs. 22 € ★★★★

Probablemente desconocidos para los jóvenes, Bud Spencer y Terence Hill hicieron las delicias de varias generaciones con desmadradas comedias de distintos géneros. Eran una pareja bien avenida y este libro de Daniel Lorenzo explica su trayectoria en el cine, pero también fuera de él, con curiosas anécdotas. Hay espacio dedicado a las músicas de los hermanos De Angelis, también fundamentales.

ALFRED, QUENTIN Y PEDRO EN EL ESTUDIO Astronave. 56 págs. 18 € ★★★★

Nada hay mejor para formar futuros cinéfilos que hacer que los más pequeños amen el cine desde el entretenimiento. Este libro ilustrado de Alexandre Clerisse propone jugar a encontrar cineastas de culto en un estilo parecido al de ¿Dónde está Wally?, incluyendo en los dibujos varias de sus creaciones. Entre los directores que aparecen están Tim Burton e incluso Stanley Kubrick.

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REWIND & FAST-FORWARD

Louis Malle en México en el rodaje de ‘¡Viva María!’ (1965), su tercer film con Jeanne Moreau y el primero con Brigitte Bardot.

En la cresta de la nueva ola A su aire. Fue original, provocador y siempre fiel a sus propias normas. Aunque contemporáneo de la Nouvelle Vague y de autores como Truffaut o Godard, Louis Malle (1932-1995) siguió un rumbo más personal y esquivo. Con las icónicas Ascensor para el cadalso (1958) y Los amantes (1958), comienzos de su carrera y los de Jeanne Moreau; Un soplo en el corazón (1971), Lacombe Lucien (1974), La pequeña (1978), Atlantic City (1980) o Adiós, muchachos (1987), entre otras, inmortalizó, a ambos lados del Atlántico, el escándalo, el hedonismo, la mezquindad o la corrupción moral rompiendo tabúes a cada paso. Dandi de carácter profundamente individualista, terminó siendo reconocido como uno de los grandes autores de la historia del cine, al que hoy recordamos cuando se cumplen 25 años de su fallecimiento. ◆

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NOVI EM B RE 2 02 0 · FOTOGRAMAS.ES