Electroviral (Revista musical)

Revista para profesionales de la música independiente

1

Nº

Mayo 2012 5€

Vinyl never dies NIÑOS MUTANTES INDIE FEMENINO LANA DEL REY SUPERSUBMARINA INDIE EN ESPAÑA ELEFANT RECORDS FIRSTCLAP MICRÓFONOS

dcode Festival Junio 24 y 25 Madrid

Editor

Director Ejecutivo

Flores Taboada

Daniel López

Redactor Jefe

Director Creativo

Celia Polo

Juán Serrano

Diseño

Marketing & Distribución

David G. Simal

Olga Murillo

Redactores Beatriz Castro, Christian Cabrera, Inés Millán, Juan José Rivas, Lourdes Rodríguez

INDIE GNADOS

Q

UÉ DIABLOS SIGNIFICA ELECTROVIRAL?, se preguntará el lector al ver semejante palabreja entre la montaña de revistas (lamentablemente cada vez menos) que pueblan los kioskos a pie de calle. Electroviral, con permiso de sus creadores, nuestros queridos ‘Supersubmarina’, es un sentimiento, un tanto indefinido como todos ellos, pero que nace con fuerza, ilusión y las ideas claras. Un emblema que hemos creado unos cuantos locos para alimentar la revolución musical que está experimentando el globo entero y de la que no queremos ni podemos estar apartados. El mundo está en crisis (y lo sabemos, nos lo repiten incansablemente todos los días), y la industria musical también lo está (y no lo saben, a pesar de que también se lo repiten todos los días); pero somos de esa gente que cree que los cambios se producen para evolucionar y solo queda adaptarse o morir.

Desde ya mismo nos declaramos indiegnados con el panorama musical de los últimos años, que junto con las otras piezas de lo que denominamos y sentimos como cultura, ya sea el cine o la lectura, se ha visto corrompido por unas manos a las que nadie hace falta señalar. La historia de siempre: ¿El negocio es el negocio, no?. Allá cada cual con su conciencia.

Nosotros pretendemos huír de todas esas falsas medallas como superventas, top 1, disco del año y todas esas estratagemas que solo tienen como fin vender a toda costa. Sin embargo, nos con-

editorial fesamos fans de la palabra indie y de toda la imprecisión que ella conlleva, como la que da nombre a nuestro proyecto. ¿Qué diablos significa indie? Lejos ya de aquello de “lo estríctamente independiente”, sintetiza todo en lo creemos: el movimiento que hará resurgir la música como aquel arte que nace desde bien adentro y con la única meta de hacer sentir a los demás lo que otras personas sienten.

Queremos ser la guía y la voz escrita de todos aquellos músicos, cantantes, bandas y pequeños sellos que apuestan y luchan con todas sus fuerzas por hacer las cosas de manera diferente (a su manera) en un mundo en el que ésta parece una profesión relegada solo a soñadores. Queremos ser impulsores de esta nueva transformación musical aportando nuestro particular granito de arena. Queremos y podemos porque así lo sentimos.

El primer número (esperemos que el primogénito de una extensa prole, el tiempo proveerá) lo hemos querido dedicar a ese medio de reproducción tan maravilloso como es el vinilo. Dejando a un lado por un momento el hecho de que se haya convertido en un icono freak, vintage, kitsch o ahora hipster (con la parte negativa que para muchos conlleva), el vinilo para un servidor es un objeto que representa el espíritu de supervivencia de la música como algo auténtico y tan innato la naturaleza humana que nos acompañará hasta el finde nuestros días. Y si no, perdonen pero yo no quiero vivir en este mundo.

DAVID GÓMEZ SIMAL

ELECTROVIRAL 03

Nº 1

INDIE

Mayo ‘12

CACIONES

SUMARIO FRESH 06 INDIESCRETOS 08 ALTAVOZ 10 SUPERSUBMARINA 11 CLASES DE CANTO 46 CANTANTES A EXAMEN 47 ESCAPARATE 48 AGENDA 50

12 Hª del Indie español 36 Lana del Rey 38 First Clap 40 Elephant Records 41 Indie en femenino 42 Vinyl never dies Niños Mutantes ENTREVISTA

UNA INTRODUCCIÓN

LA CENICIENTA TRÁGICA DEL INDIE

RED MUSICAL

UN SELLO DE REFERENCIA

MUJERES LLENAS DE TALENTO

∞ El vinilo nunca muere ∞ Artwork ∞ Sleeveface

2

ELECTROVIRAL 05

EL

STREAMING MATÓ A LA ESTRELLA DE LA DESCARGA

D

esde hace un par de semanas, el Billboard considera el streaming para el cálculo de su clasificación estrella, el Hot 100. Mientras antes se sumaban solamente las ventas a las impresiones obtenidas en radio, ahora se añaden también los puntos obtenidos de plataformas como Spotify.

Los números de esta semana han sido claros: mientras ‘Boyfriend’ de Justin Bieber aún no estaba disponible en las principales plataformas, ‘We Are Young’ de Fun era escuchada 1.180.000 veces.

La victoria en el Billboard Hot 100, pues, ha sido para estos últimos, mientras el ídolo de moda de se queda en el puesto 2, para histeria de sus fans,

que consideran esta decisión un robo. ¿Qué debe contar más, las 500.000 descargas de un tema que producen medio millón de dólares o el millón de veces que se reproduce, que genera bastante menos dinero? Parece que Billboard, con su nueva metodología, se inclina claramente por esta última opción. Tras este revés para Justin Bieber, las compañías se preguntarán si sus canciones deben estar disponibles desde el principio en las plataformas de streaming aunque generen menos dinero; y posiblemente el día en que las listas oficiales nos hablen de las canciones más escuchadas en lugar de las más vendidas esté más cerca.

AMARAL HACIA LO INDEPENDIENTE

A

muchos lectores les resultará extraño que el dúo Amaral, uno de los más destacados del mainstreem español, aparezca en una revista musical de corte independiente. Pero esta banda ha experimentado una evolución desde sus comienzos hasta ahora que es digna de admirar. Su último trabajo se llama ‘Hacia lo salvaje’ y podemos decir que se trata de su álbum más personal, en el que han intentado salirse de los esquemas comerciales y hacer simplemente la música que les gusta. Este espíritu libre no solo se ve reflejado en sus canciones, sino que Juan y Eva finalmente se han desentendido de la multinacional EMI, de la que en su antiguo disco sólo dependían de

06 ELECTROVIRAL

la distribución. Sin embargo, ‘Hacia lo salvaje’ se edita bajo su propio sello discográfico, llamado ‘Discos Antártida’, al igual que uno de sus nuevos temas. Esta decisión les ha traído consecuencias, como la especie de boicot que están sufriendo por parte de las radiofórmulas españolas, que han dado la espalda a su nuevo single, quizás presionados por los intereses económicos de la industria musical, a quien no les hace mucha gracia su aventura independiente. Pero los zaragozanos se han ganado una legión de fans muy leales que les seguirán allá donde vayan y constituyen un buen ejemplo para otros grupos del mainstreem que se encuentran atados de pies y manos por los grandes sellos.

LAS VENTAS MUSICALES

FRENAN SU DESPLOME

E

l mercado de la música grabada generó a lo largo de 2011 unos ingresos de 12.600 millones de euros en todo el mundo, lo que supone una caída del 3% respecto al año anterior, según el informe anual de la Asociación Internacional de Productores Fonográficos (IFPI, en sus siglas inglesas).

Entre los veinte mayores

mercados del mundo, hubo siete que lograron mayores ingresos que en el año precedente: Canadá, Suecia, India, Corea del Sur, Brasil, México y Australia. La porción digital de la “tarta”, en términos internacionales, representa ya el 31% del mercado (frente al 28% de 2010) y superó por vez primera el listón de los 3.800 millones de euros.

ANONYMOUS ATACA A LA INDUSTRIA MUSICAL DE EEUU

E

l cierre de Megaupload y, en su consecuencia, el borrado masivo de archivos que han realizado páginas similares como Fileserve ha cambiado los hábitos de millones de usuarios de internet este fin de semana. Anonymous sigue vengando este cierre y además de atacar las webs de Universal o la RIAA, entre otras, ha continuado durante el fin de semana lanzando

ataques para Disney Latino o las Sociedades de Autores de México o Argentina. Su última ocurrencia ha sido colgar todo el catálogo de Sony UK en internet. Según el enlace que facilita Mallorca Confidencial, decenas de discos de Alicia Keys, Beyoncé o Michael Jackson están disponibles para el público, si bien los enlaces facilitados están empezando a ser desactivados.

ABIERTO EL PLAZO DE LOS

PREMIOS DE LA MÚSICA

INDEPENDIENTE

A

principios del próximo verano se celebrará la IV Edición de los Premios de la Música Independiente. De momento, se ha abierto la convocatoria de inscripción de artistas y profesionales del sector a través de la web oficial, que dura desde el 9 de mayo hasta el próximo día 29. Más adelante, público y jurado votará entre los presentados. También conocidos como UFIs (Unión Fonográfica Independiente)

se dirigen a todos los artistas o bandas que hayan publicado obras en el 2011 y cumplan las condiciones establecidas en las bases, además de todos los profesionales del sector que tengan cabida en las categorías profesionales (sellos discográficos, manager, promotor, productor, realizador de videoclip, fotógrafo promocional, editorial de libros musicales, salas de conciertos, festivales y medios de comunicación).

ELECTROVIRAL 07

INDIE

Yahvé M. de la Cavada periodista musical

SCRETOS

I

NTERNET HA OBLIGADO A LA MÚSICA a establecer un nuevo orden mundial, o algo así. Muchos de los más implicados en los conflictos entre autores, descargas, etc, lo claman embravecidos: las cosas ahora son/deben ser así, cualquier resistencia es fútil. En realidad, ahora más que nunca, todo hombre es una isla, y aquí deberíamos hablar, más bien, del nuevo desorden mundial. Cada cual tiene su opinión, minuciosamente matizada por lo que a él le conviene como creador o como usuario. Hay puntos en común, pero hilando fino se ven los enormes agujeros en el tejido de este popular conflicto. Todos tienen su opinión, sí y, como dijo aquel, éstas son como los culos: y aquí todo el mundo quiere salvar el suyo propio.

Desde el creador que no trabaja lo suficiente como para permitirse palmar en derechos, al aprovechado que representa conceptos tan abstractos como los derechos de entes más abstractos aún –los internautas–. Todos están en la misma fiesta y todos quieren tomarse más cervezas que el otro antes de que se acaben.

El ser humano tiene una capacidad asombrosa para rellenar los huecos.

Las cosas nunca son como son. En todo caso, son como yo me imagino, combinadas con lo que oí el otro día en el bar, lo que me contó este colega –que seguro que sabe de lo que habla– y lo que leí el otro día en no sé dónde. El resto, ya lo rellena el cerebro para convertirlo en esa verdad que me deja vivir mucho más acorde con mi propia personalidad y circunstancias.

Voy a mencionar aquí algunas mentiras comunes relacionadas con la música e Internet, cosas que se dan por sentado para tranquilidad moral de los implicados en el conflicto, pero que poco tienen que ver con la realidad. La mayor mentira de todas, la gran falacia universal con respecto a los cambios provocados por internet en el mundo de la música en nuestro país, sin duda es esta: “a pesar del hundimiento del mercado discográfico, la música en directo vive una edad de oro”. Se puede escuchar en medios, en foros de Internet, en programas de televisión y en cualquier lugar en el que

puedan florecer las medias verdades, bien regadas con autojustificación y esa maravillosa tendencia nuestra a rellenar huecos. Pero las cosas no son tan sencillas.

Así que, aquí va la primera parte (por falta de espacio, deberé limitarme a introducir el tema) de una ración de mentiras de esas que se repiten una y otra vez, a ver si se convierten en verdad; mentiras que, con toda probabilidad, han escuchado o leído en más de una ocasión.

“Gracias a Internet, la gente ya no compra los discos, pero va a los conciertos mucho más que antes” Éste es el jarabe de la tranquilidad de muchos usuarios de descargas ilegales: lo que falta de un lado tiene que salir de otro, así que esto cuadra.

La verdad es que sí que parece haber muchos más conciertos que antes, lo que no quiere decir que el volumen de asistencia se haya incrementado de la misma forma. Si un bar deja de vender cerveza y multiplica por dos su barra de pinchos, es razonable que quien lo visite se asombre de la cantidad de pinchos que ofrece, e incluso es probable que el cómputo final de pinchos vendidos muestre un aumento, pero esto no quiere decir que por la noche, al cierre, no haya que tirar la mitad de ellos. Con la música pasa tres cuartos de lo mismo: la oferta ha subido, y la asistencia, en cierta medida, también, pero no al mismo ritmo. De hecho, hace tan sólo unos días, la Asociación de Promotores Musicales (APM) anunció que en 2011 la música en directo facturó casi un 13% menos que en el año anterior, y que el número de conciertos descendió en más de novecientos.

Lo que sí ha provocado Internet es un mayor acceso a bandas y giras pequeñas y una estupenda herramienta de promoción para los promotores independientes. Gracias a ello, muchos grupos de peso medio pasan por pequeñas salas de nuestro país con asiduidad, lo que no quiere decir que lo peten por definición. Hay más conciertos que nunca, sí, pero muchas veces, los asistentes son los mismos de siempre, esa pequeña masa de feligreses que tiene la música en directo en cada ciudad. El próximo número, más mentiras sobre música e Internet, pero no mejores.

CUATRO MENTIRAS

SOBRE MÚSICA E

INTERNET

08 ELECTROVIRAL

Juan Sardá periodista y crítico de cine

E

L OTRO DÍA fui a ver Seis puntos sobre Emma, ópera prima de Roberto Pérez Toledo que se estrena el próximo 11 de mayo tras su muy exitoso paso por salas de Canarias. Es una película sencilla e imperfecta, con algunos defectos de ritmo o de verosimilitud, pero tiene lo más importante, y lo más difícil, alma. Es una película poco pretenciosa, directa y hermosa. Habrá tiempo para profundizar en ella cuando se estrene. De momento, una pequeña pega que quiero hacer extensible al cine español en su conjunto: la música. Y cuando hablo de música no me refiero a las maravillosas bandas sonoras de Alberto Iglesias, que buenos compositores hay, si no a la absoluta falta de sintonía entre el pop rock de calidad español y el cine.

Veamos Seis puntos sobre Emma. Es una película que claramente bebe del universo indie de ascendencia yanqui, el mismo que se dedicaba a reproducir concienzudamente Isabel Coixet en sus primeras películas. Ahí están esos personajes jóvenes y desorientados, el gorro de castor de Verónica Echegui, que es referencial de una forma prístina, o ese tono delicado. Podemos encontrar con facilidad antecedentes en las comedias de Spike Jonze, el trabajo de los hermanos Duplass o el Paul Thomas Anderson de Punch-Drunk Love. Nada que objetar. Toledo maneja bien sus fuentes y las hace propias. Pero al final, ay, al final suena una canción titulada Pez de plomo, de unos tal Magnètica, que es una nueva ración de pop español “comercial” radioformulero, insulso y sin personalidad.

Esa falta de imbricación entre el cine y la música moderna de calidad que se hace

en España se deja notar en muchos aspectos. Los estrenos de cine, por ejemplo, suelen ir sucedidos por una fiesta en la que suena el mismo pop house que se puede escuchar en una carpa para pijos.

Mientras en Estados Unidos los directores independientes muestran una querencia total hacia la música de vanguardia de su país, en España no sucede lo mismo ni de cerca. No deja de ser curioso que el único caso claro que conozco de imbricación exitosa, reciente, sea el de Dorian en una película tan súper comercial como A tres metros sobre el cielo, basado en el best seller de Federico Moccia.

En una ciudad como Madrid, sin ir más lejos, el mundo del indie musical vive mucho más cerca del de la moda que del cine, que parece que pertenezca a otra galaxia.

Es asombroso, y es una pena, que los cineastas españoles no hayan decidido enriquecer su talento y su visión con el de músicos como Nacho Vegas, el Guincho, Refree, Antonia Font, Klaus and Kinski, Cuchillo o en realidad prácticamente ninguno de los artistas más punteros del panorama independiente. A veces, el mainstream del cine español tiene ese problema, que es demasiado mainstream.

Un poco de exquisitez, o simplemente de amor a la música, no solo no viene mal, es esencial. Al fin y al cabo, el cine primero es audio y luego visual.

CINE

ESPAÑOL

Y MÚSICA

INDIE

ELECTROVIRAL 09

LA MÚSICA ‘INDIE’ PISA FUERTE EN LA ISLA CON EL ‘FESTIVAL DE INTERIOR 2+2’

L

ejos de las experiencias de macrofestivales y aforos para diez mil personas, la recuperación de la esencia indie en salas medianas con aforo limitado y cercanía con la banda es la nueva propuesta del Cultura Club y El Mago Suplente. “Un festival de interior no tiene por qué ser pequeño”, justifica parte del equipo organizador. Con un cartel que Toni Pla, portavoz del acontecieminto, considera “único” en el panorama nacional de este estilo de música, llegan a Mallorca, el fin de semana del 13 al 14 de abril, grupos consagrados a nivel estatal que compartirán escenario con formaciones emergentes que “triunfan” en otros países. Ejemplos consolidados son Triángulo de Amor Bizarro, La Habitación Roja y, más recientemente, Cat People. En el panorama emergente, destacan los americanos We are Scientists, los islandeses FM Belfast o los noruegos Kakkmaddafakka.

Todo ello amenizado con los pincha discos integrantes de bandas como Scissors Sisters o Cristal Fighters, entre otros muchos.

El Festival de Interior 2+2 no busca llenarse los bolsillos: “Estamos acostumbrados al fracaso en esta música”, explica Pla. A ello, se suma el público de la isla, “poco habituado” a disfrutar de actuaciones musicales que en ciudades como Madrid o Barcelona “este mismo cartel llenaría el espacio”.

Sin embargo, para el equipo responsable del 2+2, que además debe su nombre a la intención de mantenerse cada estación del año, el objetivo es “hacer lo que nos gusta”, y de paso recuperar también el concepto “educativo” de descubrir a formaciones emergentes, “al estilo de lo que se hacía en Sonotone, Casino Royale o la Sala Maravillas”.

10 ELECTROVIRAL

CARTEL POR DÍAS PARA EL FIB toda la información sobre festivales

EL INDIE CATALÁN QUIERE CONQUISTAR EL MERCADO ANGLOSAJÓN El Institut Ramon Llull impulsa el ‘Catalan Sounds on Tour 2012’ en SXSW (Texas), Canadian Music Week (Toronto), y The Greate Escape (Brighton)

D

ieciséis grupos catalanes y baleares participarán en la nueva edición del Catalan Sounds on Tour, la iniciativa del Institut Ramon Llull para exportar la música indie-pop local en los tres certámenes más importantes del mercado anglosajón (el South

by SouthWest, en Austin, la Canadian Music Week, en Toronto, y The Greate Escape, en Brighton), y el más importante del ámbito latino, el Vive Latino, en México.

Las bandas son Muchachito Bombo Infierno, Mujeres, Za!, Petit, Furguson, Seward, The Suicide of Western Culture, Guillamino o Manos de Topo, Ninette and the Goldfish, Manel, Me & the Bees, Dorian, Oso Leone, LA y Els Amics del Bosc. El IRL invierte 78.000 euros en esta operación de internacionalización cultural.

La gira arranca en Austin Catalan Sounds on Tour 2012 arrancará esta semana en el South by SouthWest de Austin (Texas), una enorme feria musical que funciona desde 1987 y que reúne 16.000 profesionales del sector y incontables actuaciones de grupos de todo el mundo. En cuanto a la Canadian Music Week, este año llega a la trigésima edición, y reunirá a lo largo de 5 días 900 artistas de 40 países diferentes. The Great Escape (Brighton, Reino Unido) nació en 2006 y se considera la plataforma líder en Europa para los nuevos talentos musicales, este año se consolida con un spotlight (foco especial) con participación de ocho grupos catalanes. Finalmente, el festival iberoamericano Vive Latino, en México DF, que llega este año a la decimotercera edición contará con la participación de Manel y Manos de Topo.

E

l Festival de Benicàssim ha ofrecido hoy una rueda de prensa en la que “a falta aún de confirmar algunos nombres que redondearán el conjunto”, se ha dado a conocer el cartel por días. También se ha presentado una nueva modalidad de abonos.

Desde hoy se han puesto a la venta los abonos de 3 días (viernes, sábado y domingo), los de dos días (jueves-viernes, viernes-sábado y sábado-domingo) y las entradas de día para cada una de las jornadas (estas últimas a 75 euros). Los 500 primeros, tanto abonos de 3 como todos los tipos de abonos de 2 días, saldrán a precio de promoción: 135 € para los primeros y 110 € para los segundos.

Cuando se agote la misma, pasarán a costar 145 € y 120 € respectivamente. El cartel por días queda como sigue.

Jueves 12: Florence + The Machine, At The Drive-In, Bat For Lashes, Dave Clarke, De La Soul, Example, The Horrors, Kurt Vile & The Violators, Pony Bravo, Yuksek, Arveene & Misk, Lisa Hannigan, Los Tiki Phantoms, TUYA Viernes 13: Bob Dylan, Bombay Bicycle Club, Chase & Status, Jero Romero, Joe Crepúsculo, Katy B, Klaus & Kinski, Little Dragon, The Maccabees, Miles Kane, Oscar Mulero, SebastiAn, Arp Attack, Disappears, Django Django, Sons Phonetic Sábado 14: The Stone Roses, Noel Gallagher’s High Flying Birds, Buzzcocks, Crystal Castles, Dizzee Rascal, Jessie J, The New Raemon, Robyn Hitchcock & The Venus 3, Delorentos, Department S, Ham Sandwich, Ligers, Maverick Sabre, Modulok, School Of Seven Bells Domingo 15: New Order, David Guetta, Agoria presents Forms, Cooper, Ed Sheeran, La Casa Azul, The Vaccines, Howler, Juanita Y Los Feos, Maya Jane Coles, The Secret Society, Spector, Thee Brandy Hips, Todd Terje, Totally Enormous Extinct Dinosaurs.

QUIÉNES

SON QUÉ OFRECEN

Supersubmarina es una banda de pop-rock independiente formada por José Chino, Jay, Pope y Juancha, de la ciudad de Baeza, Jaén.

La idea de formar un grupo surgió en el 2005, cuando empezaron a tocar simplemente por diversión y en unas condiciones muy precarias. Uno de esos días que quedaron para tocar, introdujeron un arreglo a un tema que imitaba el sonido del mar, y de ahí salió el nombre original del conjunto.

Inicialmente apodados como los “nuevos Vetusta Morla”, los Supersubmarina han demostrado ser los creadores de un pop canalla muy fresco con marca propia que ha calado muy positivamente en el panorama musical español.

Su primer trabajo, ‘Electroviral’, está plagado de ritmos potentes que y letras metafóricas que una vez escuchadas no escapan de la cabeza. Acaban de publicar el EP ‘Retroalimentación’ con cuatro temas muy agresivos que suponen un nexo de unión con el álbum que están preparando y que aseguran que seguirá con un sonido 100% personal.

TEMAZOS ‘LN Granada’ es quizás su hit más popular que te transporta a una bonita historia en la ciudad andaluza; ‘XXI’ se establece como un potente himno generacional en el que se niega aquello de “cualquier tiempo pasado fue mejor”, ‘Ola de calor’ ofrece un subidón emocional, y en ‘Niebla’ abandonan momentáneamente su puntillo malote para mostrar su lado más dulce. En su nuevo EP, destaca ‘Puta Vida’ como un firme canto de rabia. Además, las versiones acústicas son dignas de escuchar y suponen un redescubrimiento de cada uno de sus temas.

ELECTROVIRAL 11

s o m a t s Todos e ando flotadores busc

SOPLAR DIECIOCHO VELAS EN EL ACTUAL PANORAMA DE LA MÚSICA ESPAÑOLA ES TODA UNA HAZAÑA. Y SI SE TRATA DE UNA BANDA DE CARÁCTER INDEPENDIENTE MUCHO MÁS, SI CABE. NIÑOS MUTANTES PUEDEN SENTIRSE ORGULLOSOS DE CONTAR CON UNA TRAYECTORIA EJEMPLAR DONDE DESPUÉS DE TRES LUSTROS CONTINÚAN FIELES A SÍ MISMOS Y CON LA ILUSIÓN INTACTA. SU NUEVO TRABAJO SE LLAMA “NAÚFRAGOS” (ERNIE PRODUCCIONES) Y A PESAR DEL TÍTULO ESTÁ CARGADO DE CANCIONES ALEGRES Y OPTIMISTAS.

12 ELECTROVIRAL

Ni単os Mutantes

ELECTROVIRAL 13

N

OS SENTAMOS con Juan Alberto Martínez (voz, guitarra y pritncipal compositor) y Andrés López (guitarrista y más reciente incorporación en las filas mutantes) -el grupo lo completan Nani Castañeda a la batería y Miguel Haro al bajo- para charlar de su trayectoria y de su nuevo disco. Por suerte, tenemos Niños Mutantes para rato. Que dure.

Iba a empezar la entrevista pidiéndoos un balance de estos dieciocho años, pero imagino que ha debido ser la pregunta que más os hayan hecho en todo este tiempo de promoción.

Juan Alberto (J.A.): No, no te creas. Aunque es una pregunta previsible, no tenemos una respuesta clara. Deberíamos haber hecho una jornada de reflexión para saber qué han significado los quince años, pero no lo hemos hecho. Lo que está claro es que llevamos prácticamente media vida metidos en Niños Mutantes. Andrés se incorporó más tarde, pero Miguel, Nani y yo llevamos casi media vida, esto es nuestra historia personal. Y desde que empezamos hasta ahora nos ha pasado de todo. Desde que éramos universitarios recién salidos del instituto a ya tener hijos, y todas esas etapas se van reflejando en nuestra música, porque nuestras letras siempre han sido muy autobiográficas. Nosotros, en lugar de tener un álbum de fotos cuando seamos viejos, lo que vamos a tener serán los discos, y podremos ir recordando los momentos vividos. También es muy satisfactorio haber empezado siendo un grupo sin ningún tipo de pretensiones. Miguel y Nani sí habían tenido otro grupo con el que editaron dos discos, Mama Baker, y yo era amigo de ellos y me metía en su local para ver los ensayos e intentar colaborar, y un día les pedí que grabaran conmigo algunas canciones que tenía, y empezamos a mover las maquetas y grabamos un disco. Grabar ese disco ya era la culminación de todos mis deseos musicales. Luego han venido muchos más discos y convertirnos en una especie de banda de culto, porque nosotros no hemos tenido un número uno, no hemos sido un grupo de moda ni uno mimado por la crítica, pero sí hemos sido siempre un grupo coherente y muy sincero, y creo que eso ha hecho que la gente conecte y haya ido creciendo con nosotros, haciéndonos crecer con el boca a boca, porque nunca hemos tenido más promoción que esa. Y hemos llegado a la situación actual, en la que tenemos más público que nunca, y creo que seguimos creciendo gracias a eso.

Con 18 años de trayectoria está claro que ya no sois unos niños, pero, ¿seguís siendo mutantes, seguís evolucionando?

J.A.: Eso creemos, y eso queremos. Seguir repitiendo fórmulas aprendidas sería aburrido, y estamos en esto para divertirnos y ponernos retos. Nunca hemos dado saltos mortales ni cambios radicales de un disco a otro, pero vamos iniciando y siguiendo caminos. En este disco nuestras evoluciones han ido hacia la búsqueda de luz en el sonido y realismo en las letras. Hemos intentado plantarle cara a los naufragios dándonos fuerza y alas con la música. Hemos profundizado la artesanía de estructurar una canción pop, que es algo que no acaba nunca, y hemos avanzado con los sintes, los ukeleles, las trompetas y, so-

14 ELECTROVIRAL

bre todo con las percusiones, desde las clásicas panderetas de toda la vida a folios frotándose uno contra otro.

Decías que sois un grupo de culto. ¿Eso aquí en España es una maldición o se puede considerar, de alguna forma, positivo?

Andrés (A): Hombre, la verdad es que es una putada, pero el término grupo de culto también es algo positivo porque no eres conocido y sigues ahí.

Quizás aquí un grupo “de culto” signifique también ser un grupo “oculto”.

A: A eso me refiero, a ser un grupo oculto pero que sigue ahí. Y el hecho de mantenerte y seguir en la música es siempre bueno.

J.A.: La parte buena es que nosotros sabemos que tenemos público garantizada allá donde vayamos y que la gente nos sigue con una intensidad que a veces nos sorprende. La parte mala es que llevemos quince años y todavía no hayamos conseguido vivir de esto exclusivamente.

Esa es la maldición de ser grupo de culto en una escena que ya de por sí es pequeña, como la escena indie española. Pero yo no sé si cambiaría nuestros dieciocho años de grupo de culto por tres años de grupo de éxito. Creo que es más bonito haber podido tener una carrera larga donde nos hayamos podido desarrollar como músicos tocando palos diferentes, intentando profundizar por otros lados, equivocarnos... a haber tenido unos pocos años de éxito y estar presionados para conseguir un nuevo éxito para luego caer en el olvido. Y eso lo hemos visto, porque hemos sobrevivido a varias generaciones de músicos que luego han desaparecido de la noche a la mañana.

Una vez que asumís que vuestro espacio es este, aunque está claro que nunca es imposible dar el paso para con-

vertirse en un grupo de público masivo, ¿cuáles son las metas que os ponéis?, ¿qué es lo que os hace seguir adelante, aparte de la satisfacción de hacer lo que os gusta?

J.A.: Lo que pasa es que no lo asumimos, por eso seguimos, porque siempre tenemos la ilusión de seguir creciendo. Además, no es una utopía, a lo largo de dieciocho años siempre hemos ido creciendo en público, muy poco a poco. Yo siempre digo que dentro de veinte años llenaremos estadios. Lo nuestro es una carrera de fondo... Pero no se puede vivir de eso eternamente. A nosotros lo que nos alimenta es el propio gusto por hacer canciones, por subirnos a a un escenario, por meternos en un estudio y por ver el efecto que nuestra música ejerce en la gente. Eso es gasolina suficiente para seguir durante mucho tiempo.

Hemos sobrevivido a varias generaciones de músicos que luego han desaparecido de la noche a la mañana

A: Siendo un grupo de culto, tenemos nuestra pequeña legión de seguidores a la cual se ha ido adhiriendo mucha más gente con el paso del tiempo, pero al menos a mi me pone las pilas cuando un tipo va a verte desde no sé dónde y te cuenta que conoció a su novia en uno de nuestros conciertos y cosas así... De alguna forma, te sientes el cabeza de familia de una familia que ni siquiera conoces, y te das cuenta de que esa gente espera mucho de nosotros y que merece la pena. Lo importante no es el número, sino lo que te cuenta la gente a través de las redes sociales y tal. Creemos que todavía hay mucha gente que no nos

ELECTROVIRAL 15

conoce, y ahora tenemos otro circuito de difusión. El otro día nos sorprendió que alguien nos conociera a través de “Física y química” y él se sorprendía de que no nos hubiera conocido hasta ahora.

Es cierto que eso de salir en una serie como esa os abre otro tipo de puertas. ¿Cómo os tomáis esto que, al fin y al cabo, seguramente sea más un accidente que otra cosa?

J.A.: Nosotros no hemos hecho nada por estar ahí, ha surgido y punto. Nos alucina que haya gente que desde posturas integristas se rasgue las vestiduras diciendo “Vosotros pertenecéis a la escena independiente, ¿qué

16 ELECTROVIRAL

hacéis saliendo en una serie como ‘Física y química’?”. ¿Qué quiere esa gente, que estemos pidiendo debajo de un puente toda la vida para ser patrimonio suyo y de cinco amigos más? A nosotros nos parece perfecto, si más gente llega a nuestra música, sea por la vía que sea, pues bien. Es igual que el éxito masivo de algunos grupos de la escena independiente en los últimos tiempos. Hay quien les retira el saludo y les retira todo el crédito. Deberíamos alegrarnos porque la música de calidad, la hecha no con fines comerciales sino por el gusto de hacer cosas bonitas, llegue a más gente. Es bastante obvio, ¿no?

A: Da la impresión que los talibanes indies, que cada vez van siendo menos, son muy celosos del tema de “este gru-

po lo conozco yo”, y si lo conoce más gente ya no vale.

Además, en nuestro caso se nos han juntado dos cosas, una es lo de la serie y otra es que están empezando a programar nuestro vídeo clip en 40Tv. Pusimos un post anunciándolo en nuestro Facebook y hubo como setenta comentarios peleándose por eso. Hubo alguien que dijo que si lo que queríamos era tocar en salas pequeñas y estar cerca del publico, estábamos equivocados. Pero ¡quién quiere eso!, esa persona está totalmente equivocada. Me alegra que le guste el grupo, pero nosotros no queremos eso, sino llegar a cuanta más gente mejor, y eso hay gente que no lo entiende del todo. Si lo piensas, es un poco raro.

J.A.: Por poner un símil, es como si con el 15-M hubiera gente que se enfadara porque de repente a la concentración fueran dos millones de personas... Sería absurdo.

Posiblemente habría alguien que se mosqueara por no poder controlar el chiringuito tan fácilmente, y aquí pasa lo mismo.

Porque vosotros ¿sois indies por convicción o porque es lo que os ha tocado?

J.A.: Nosotros nos hemos formado musicalmente en el mundo indie.

Es lo que hemos escuchado siempre. Nuestros contactos musicales han estado siempre en le escena independiente... Pero siempre hemos sido muy críticos, en el sentido de que no nos gustaba que hubiera gente que por encima de la música lo que primara fuera el desesperado intento de ser extraño, diferente o minoritario. Vale, eso hay veces que sale, pero así no haces ni mejor ni peor las cosas, y partirte los cuernos por hacer algo que sea difícil intencionadamente... Si te sale así vale, pero si no... Hay muchas cosas de la escena independiente que son consumismo puro y comportamientos muy burguesitos, y eso nunca nos ha gustado, porque nosotros siempre hemos tenido un acercamiento a la música más puro. Por encima de estéticas y de poses está la música.

daba reparo hacer música alegre, porque nos parecía que era superficial y vacía, preferíamos lanzar mensajes intensos. Con este álbum el reto era hacer música luminosa sin decir tonterías, y también sin hacer escapismo. Plantando cara a la basura que tanto nos rodea últimamente. ¿Afrontáteis algún reto más en este nuevo disco?

A: El segundo reto fue superar el disco anterior, que funcionó muy bien y nos dejó muy satisfechos. Había miedo de no estar a la altura.

J.A.: También hay otro mensaje en el nuevo trabajo: “no mires atrás”. Varias canciones transmiten que tenemos intención de hacer borrón y cuenta nueva. Y eso se traslada a nuestro grupo y también a la sociedad y la manera en que se organiza, que claramente necesita una renovación.

Un reseteo es lo que hace falta, un cambio total La escena indie también ha cambiado desde mediados de los noventa, ¿ahora es mucho menos elitista?

J.A.: Antes sólo era elitista. Ahora tiene su sección elitista y su sección abierta. La escena indie ha crecido y se ha diversificado. Sigue habiendo platos de difícil digestión, y además ahora hay comida rápida para todos los estómagos. Ojo, a veces es mejor una hamburguesa bien hecha que un plato de chef, de diseño, intragable.

Con la que está cayendo, no nos apetecía hacer música oscura y atormentada, sino canciones luminosas

Hablemos de vuestro nuevo trabajo. ¿Tiene algo que ver con el proyecto de Serrat y Sabina o más bien el título lleva la implícita esperanza de supervivencia en mitad de una tormenta que aún no ha amainado?

J.A.: Cuando vimos que Serrat y Sabina titulaban el suyo “El hundimiento del Titanic” nos hizo gracia, pero también es una casualidad normal, un reflejo de que estamos todos buscando flotadores.

A: El náufrago es el que ha sobrevivido, el que ha capeado el temporal, y trasladar eso a la música ha sido el primer reto de este disco. No nos apetecía hacer música oscura y atormentada. Con la que esta cayendo, no queríamos encerrarnos en el local para hacer canciones tristes. Viendo las catástrofes que nos rodean, y algunas que hemos vivido en persona, nos apetecía crear música luminosa.

Nosotros antes éramos muy de cortarnos las venas, nos

A: El rollo independiente ha dejado de ser un cortijo de cinco, con verdadera vocación sectaria. Afortunadamente, esto ya es otra cosa muy diferente. No es que haya cambiado, se ha diluido.

En otras entrevistas hacíais referencia a que en “Las Noches de Insomnio” había tenido una vital importancia la forma de afrontar el proceso de grabación del mismo. ¿Cómo ha sido en el caso del nuevo álbum?

J.A.: Ha sido algo diferente a la del disco anterior. Allí estuvimos un mes sin tocar para que las canciones no llegaran al estudio muy mecanizadas. Queríamos que sonaran frescas. Esta vez no hicimos eso porque sentíamos que las canciones requerían de seguir trabajándolas. Quizás nos sentíamos inseguros porque “Las Noches de Insomnio” fue un disco muy importante para nosotros, supuso un salto importante. Estábamos convencidos de que era nuestro mejor trabajo. Nos daba miedo enfrentarnos a este disco. Nos costó trabajo ponernos las pilas. Eso hizo que en vez de dejar un mes de barbecho fuera lo contario.

No se ha dejado de trabajar en las canciones casi hasta el final. La inseguridad nos ha hecho estar en permanente revisión de las composiciones. Ha habido cortes cuya estructura se ha cambiado treinta o cuarenta veces en este disco, de verdad. En ese sentido sí que ha sido diferente, aunque también ha habido espacio para la espontaneidad y para que las cosas fluyeran en el momento.

Dando forma en cierta medida a un álbum que en cuanto a temática aborda de manera muy clara el fin de las

ELECTROVIRAL 17

relaciones amorosas, patente en cortes como “Empezar de Cero” o “Querer sin Querer”, y que también es fiel reflejo de un mundo en crisis. ¿Podríamos hablar de un disco que es hijo de su tiempo?

J.A.: Más que del final hablan de etapas avanzadas en una relación. Nuestras canciones son muy autobiográficas.

En nuestros primeros discos hablábamos de lo que se suele hablar cuando tienes veintipocos años. Ahora mismo estamos en un proceso en el que muchos de nosotros tenemos relaciones largas, algunos con separaciones importantes de por medio, y eso se nota en las canciones. Realmente “Querer sin Querer” o “Empezar de Cero”, hablan de relaciones que se quieren continuar pero solamente si merece la pena.

Tampoco habéis dudado a la hora de señalar con el dedo a alguno de los culpables de nuestros males. Tal y como queda reflejado en una canción como “Caerán los Bancos”.

J.A.: Es imposible no sentirte influido por todo lo que está pasando. Está siendo muy gordo. No es que nos sintiéramos obligados a tratar de esto en las canciones. Simplemente ha salido porque está en la vida diaria de todo el mundo. Sí que nos apetecía hacer una canción como “Caerán los Bancos”, para poner nuestro granito de arena y así escupir a los principales culpables de nuestra situación. O hacer un tema como “La Puerta”, que también habla de relaciones laborales. En general, como le ocurre a tanta otra gente, nos preocupa y nos repugna mucho toda esta situación. ¿De verdad creéis que caerán?

J.A.: No creo que caigan. Desgraciadamente caeremos nosotros antes que los bancos, o nos arrastrarán a todos en su caída. Ojalá cayeran y pasáramos a un sistema menos sucio. Lo que es increíble es que no reaccionemos realmente contra una injusticia tan grande como la que hemos vivido durante estos años. Primero los bancos necesitaban ayuda, se les da, pero con el paso del tiempo no devuelven esa ayuda. Se dedican a putear a países enteros con sus notas y calificaciones, que son sinónimo de avaricia y de la necesidad de enriquecerse desmedidamente de cuatro gatos a costa de que miles de personas lo pasen mal. Es algo tan manifiestamente injusto y es tan sorprendente que esto no reviente. Es la paradoja más grande de esta época. ¿Dónde creéis que os llevará el futuro?

J.A.: No lo sabemos. Nosotros queremos seguir avanzando en esto. Creo que ahora tenemos más cosas que decir que antes. Viéndolo con un poco de perspectiva me parece que en nuestros primeros discos podíamos llegarle a menos gente y tener menos profundidad porque habíamos vivido menos. Ahora con más años, batallas y cicatrices, creo que tenemos más que contar con las palabras y la música. Espero que podamos continuar con este camino en próximos discos. Ya no sé qué empezaremos a contar.

Hasta ahora hemos contado nuestra vida, ahora toca hablar de enfermedad y el miedo a la muerte (Risas).

∞

18 ELECTROVIRAL

YA A LA VENTA EL NUEVO ÁLBUM DE

NIÑOS MUTANTES

EL VINILO NUNCA MUERE VIDA, DECADENCIA Y RESURRECCIÓN DE UNO DE LOS ICONOS MÁS IMPORTANTES DE LA HISTORIA DE LA MÚSICA

EN EL DURO MUNDO DE LOS IPODS Y LOS REPRODUCTORES MP3 EN EL QUE EL CD SE ENCUENTRA EN VÍAS DE EXTINCIÓN Y LOS CASETES SON OBJETOS DE LA EDAD DE PIEDRA, EL VIEJO VINILO QUE MUCHOS DABAN POR MUERTO ESTÁ PROTAGONIZANDO UN REGRESO INESPERADO Y TRIUNFAL

V 22 ELECTROVIRAL

OLVIERON LAS PATILLAS, los pantalones de pata ancha, y ahora vuelven los vinilos. Los setenta ya están aquí. Algunos dicen que ese objeto por lo general negro y siempre redondo nunca se ha ido. Pero antes se guardaba en casa y ahora se exhibe en los escaparates de las tiendas de música. La industria electrónica registra un aumento en la venta de giradiscos y las discográficas editan en acetato los álbumes de los Rolling y de Dylan, sí, pero también el primero de Siniestro Total y el último de La Habitación Roja, que salió el pasado 23 de abril. Si las canciones de los Beatles estarán dentro de poco en iTunes, en Vitoria y en Bilbao resulta ya muy fácil conseguir los discos de los Cuatro Fabulosos recién sacados de la prensa.

En una de las tiendas Long Play de Bilbao empezaron a vender vinilo hace un mes. “Trajimos mil. Nos quedan quinientos. La música que más se vende es la de los setenta y mucho jazz, sobre todo a gente de entre 40 y 50 años. A mediados de los noventa saldamos todos los discos y yo aproveché para comprar unos cuantos. Pero ya ves, los hemos vuelto a traer”, explica Javier Fernández.

Que los giradiscos o tocadiscos no muriesen se debe principalmente a los dj’s.

Fueron ellos los que mantuvieron girando el plato en los años noventa, época del reinado absoluto del cedé. Pero ahora el fenómeno va más allá de quienes manejan los ritmos de baile. En Panasonic, que comercializa la marca Technics, están asombrados. “No son grandes cifras, pero sí aumentos significativos. En el semestre que va de octubre de 2006 a marzo de 2007, vendimos 3.500 giradiscos en España, un 41% más que en los seis meses precedentes, y registramos siete nuevos puntos de venta”, informa un portavoz de la compañía.

Technics produce dentro de la gama alta, con unos precios que van de los 700

a los 1.200 euros. En centros como la Fnac se venden discos de los clásicos y los modernos, y aparatos a partir de 150 euros, algunos portátiles, con forma de maletín e inconfundible ‘look’ retro. En la tienda de imagen y sonido Laucirica hay tres modelos, también a partir de ese precio, y sus clientes les piden ahora giradiscos con conexión USB, para trasladar las canciones al ordenador y de ahí al cedé o al mp3.

Joni Barrasa, de la tienda Power Records de Bilbao, advierte de que la vuelta de vinilo existe, pero sin exagerar. “En los últimos años, el pirateo ha vulgarizado el formato del cd hasta convertirlo en algo totalmente banal. De hecho, en círculos un poco selectos, todo lo que viene de Internet se mira con malos ojos. El vinilo tiene un valor de fetiche, suena mejor y es un buen regalo”, argumenta.

Los más osados proclaman que el cd es una antigualla sólo apta para el coche, como antes el casete, y la mayoría-aficionados, músicos y empresarios de música independiente- coinciden en que el sonido del vinilo (analógico) le da mil vueltas al digital. Lo dijo Neil Young allá en 1991: “Los cedés son totalmente superficiales,

pastón enviarlo por correo. Hay gente que primero escucha en Internet y, si le gusta, se lo compra en disco”, indica.

UN POCO DE HISTORIA

El cd no ha salido ni la mitad de bueno de lo que decían. Eso sí, es cómodo.

Pero en calidad y en aspecto de la portada, le gana el vinilo

les falta la profundidad del sonido analógico. Donde antes había todo un universo de sonido, una zona de ecos y ruido, millones de partículas sonoras, ya no hay nada. Escucha un disco de principio a fin y luego el mismo cedé entero. Tu organismo notará la diferencia”.

Gorka Larruzea tiene una discográfica en Bilbao, Bang Records, que edita en vinilo grupos principalmente australianos, y que también distribuye los discos de Munster Records, la empresa de su hermano radicada en Madrid. En el catálogo de esta última aparecen los primeros discos de Siniestro Total -’¿Cuándo se come aquí? y ‘El regreso’-, Derribos Arias y La Banda Trapera del Río, entre otros.

“El cd no ha salido ni la mitad de bueno de lo que decían. Eso sí, es cómodo. Pero en calidad y en aspecto de la portada, le gana el vinilo. Nosotros empezamos en los ochenta, aguantamos la crisis y ahora vemos que resurge. Nuestras ediciones van de los 500 a los 1.000 ejemplares, todos numerados, para ensalzar más la peculiaridad del objeto. Eso sí, es más caro de hacer que el cedé, por tanto tienes menores márgenes de beneficio y cuesta un

En 1881 Thomas Edison creó un aparato capaz de transformar la energía acústica en mecánica: el fonógrafo. Los sonidos se grababan en un cilindro de cera; para escucharlos, una aguja, unida a un audífono de considerable diámetro, debía recorrer los surcos para poder recoger las ínfimas vibraciones allí escritas. El sonido era malo y cada grabación podía tocarse sólo una vez.

En 1887, Emile Berliner, inventó un sistema de grabación que podía ser usado una y otra vez, además de que podían hacerse muchas copias de la grabación original, a bajo costo. Cambió el cilindro por un disco plano, primero de vidrio, luego de zinc y más tarde de plástico. Los sonidos eran grabados en ranuras onduladas y “leídos” por una aguja, que transmitía el patrón de vibraciones a un diafragma, el cual reproducía entonces los sonidos originales. Berliner patentó su invento, el gramófono.

Berliner fundó su propia compañía para producir masivamente sus discos sonoros, así como el gramófono para tocarlos, estableciendo sucursales en Gran Bretaña y Alemania, con el objetivo de cubrir también el mercado europeo. Para promover sus ventas, se le ocurrió convencer a varios artistas populares para que grabaran su música usando su sistema.

Basándose en una idea lanzada en 1888 por el estadounidense O. Smith, el danés Valdemar Poulsen patentó en 1900 el telegráfono, que grababa los sonidos en un hilo de metal que se desplazaba entre polos de un electroimán. Nacía así la grabación magnética. El alemán Pfeumer hizo más práctico el procedimiento al inventar en 1928 la primera banda magnética con base de papel, a la que sucedería una banda de plástico recubierta por una capa ferromagnética. A pesar de estos progresos, hasta la Segunda Guerra Mundial no se perfeccionaron los procedimientos mecánico y magnético, gracias a los discos de vinilo de los 16, 33 y 45 revoluciones por minuto. Para la grabación se emplea un disco de aluminio recubierto de acetato y buril (rubí tallado) que se desplaza según las vibraciones sonoras.

A partir de 1940 aparecen los primeros DJ’s como animadores de las tropas norteamericanas en objetivos transoceánicos. Durante la Segunda Guerra Mundial, personas armadas con tocadiscos, un puñado de discos y un amplificador básico amenizaban a las tropas en su tiempo de descanso, con músicas de Glenn Miller,

ELECTROVIRAL 23

The Andrews Sisters o Benny Goodman .

El 21 de junio de 1948, un equipo de la CBS, bajo el mando del ingeniero Peter Golmark, presentó en el Hotel Waldford Astoria de Nueva York el disco de larga duración fabricado en una resina de polivinilo. Este nuevo sistema acabaría por imponerse sobre sus antecesores, el gramófono y el fonógrafo.

El disco de vinilo se impuso con rapidez por sus muchas ventajas: se aumentó la duración de la grabación, daba mayor calidad de sonido, y se eliminaban los molestos ruidos del arrastre de la aguja sobre los antiguos soportes.

Aproximadamente hacia 1985 el disco de vinilo fue desplazado por el CD, de menor tamaño y mayor durabilidad aunque, a costa de perder calidad sonora. La Crisis del vinilo comenzaba, todas las discográficas comenzaron a editar todo en cd y dejar de lado al vinilo. Se pensaba que era el fín de este formato, pero compañias independientes seguian editando en vinilo principalmente para disck jockeys, que se resistian al cambio al cd debido a que no conseguia la misma calidez de sonido y sobre todo al no poder tocarlo y poder realizar el famoso scratch.

PROCESO DE GRABACIÓN El vinilo es un material plástico y sólido, que se presenta en su forma original como un polvo de color blanco. Se fabrica mediante la polimerización del cloruro de vinilo, que, a su vez, es obtenido de la sal común y del petróleo.

La grabación del vinilo se inicia con el master ya creado, el corte del cobre es el primer paso para la producción del disco micro surco. Después de haber colocado el cobre en el torno, la señal sonora que proviene de nuestro mastering se convierte en movimientos que realiza la aguja o estilete grabador encima de la placa, creando así el microsurco. Una vez efectuado el corte se procede a verificar la calidad del surco y ya terminada la fase de mastering, la placa de cobre se convierte mediante un proceso de galvanizado en un W. La pasta de vinilo es prensada con la placa de cobre que se a creado como estampador, ya etiquetada con su galleta impresa le sigue la fase de pulido y finalizando con el proceso de enfundado. Así se graba el vinilo, ya lo tenemos listo para su utilización y comercialización. Pero el vinilo es también algo más. Se trata del material del que han sido hechos muchos sueños desde casi la era del fonógrafo. El ruido de fondo siempre era una especie de huevo frito, un crujido dando vueltas y vueltas en el tocadiscos a 45 ó 33 revoluciones por minuto.

24 ELECTROVIRAL

¿PERO NO HABÍA MUERTO EL VINILO? Si atendemos a la situación actual del mercado, entendido como las listas de ventas, da la impresión de que el vinilo hubiese desaparecido de la faz de la tierra para quedar relegado a las catacumbas que habitan los puristas del sonido analógico, que deambulan por tiendas especializadas de vinilos. Pero no ha desaparecido, sino que, encima, vive una segunda juventud, una especie de revival alimentado tanto por películas, como por la subterránea labor de sellos discográficos que aún editan sus vinilos en un mercado para DJ’s que prefieren el vinilo al CD. El ilustre autor norteamericano Neil Young piensa que, como el CD tiene un formato digital no es música como tal, sino sonido dispuesto en forma de códigos binarios, podemos advertir absolutamente todos los detalles de una canción la primera vez que la escuchamos. Y, como nada se esconde a la sensibilidad del oído, el cerebro no se siente impulsado a poner el CD por segunda vez. “En realidad, no estás escuchando música -añadía-, sino códigos y dígitos, tonos y frecuencias que recrean el sonido de la música”. El vinilo, por el contrario, siempre depara sorpresas. Puede que Neil Young sea un para-

En realidad, no estás escuchando música, sino códigos y dígitos, tonos y frecuencias que recrean el sonido de la música

El vinilo es algo tan bonito, tan visual, que no se puede comparar con otros formatos y los ‘singles’ son el objeto más pop que nunca se haya inventado

noico y esté un poco loco, pero eso no le quita parte de razón. Han pasado ya muchos años desde que la industria las grandes multinacionales como Sony no sólo publican discos, sino que crean y desarrollan equipos de alta fidelidad, lectores de CD, presentó al gran público la superioridad del compact respecto al vinilo en lo que se refiere a la calidad del sonido, nitidez o limpieza. Además -sonreían-, un compacto nunca se raya. Si obviamos lo ridículo de esta última afirmación (un CD rayado es muchísimo peor que un long play rebelde a la aguja), hay una forma de probar esto: ponemos un vinilo de 180 gramos, los más duros y resistentes, y un CD del mismo título. En una primera escucha, tenemos la impresión de que el CD suena mejor, tal es su brillantez y claridad; poco a poco, en segundas y terceras audiciones, las preferencias se igualan, pero, al final de la sesión, un vinilo produce una menor sensación de cansancio o saturación. El sonido orgánico de un acetato es más natural.

“El vinilo es algo tan bonito, tan visual, que no se puede comparar estéticamente al CD. Las portadas de los discos en formato grande son mucho más atractivas e impactantes y los ‘singles’ de vinilo son el objeto más pop que nunca se haya in-

ventado. Es un formato perfecto para la música y el tamaño ideal para el diseño.

Y si tienes un buen tocadiscos y un buen equipo en casa, suenan de maravilla. Creo que el sonido es mejor, más cálido y dulce”, expone Neil Young.

Muchos serán quienes se pregunten cómo puede resultar mejor el sonido de un giradiscos que el de un reproductor de CD. Pero la razón es bastante simple, dado que lo más importante reside en la naturaleza del sonido, y sólo después, en la calidad del soporte. El sonido de un disco de vinilo es analógico desde la fuente hasta la salida; no experimenta cambios de onda decisivos en un buen equipo. La información sonora de un compact es, en cambio, digital. Al salir, se debe convertir nuevamente en analógica y, para ello, ha de reducir las curvas originarias de sonido a 0 y 1, con lo que se pierden matices.

Quizás sea esa la razón por la que, el pasado año, Sony/Philips lanzó la idea del reproductor de CD Super Audio, con el reclamo de que el sonido poseería la misma calidez del vinilo. ¿Para qué, entonces, crear el compacto? ¿Tendrá algo que ver con el capitalismo y la sociedad de consumo? Los vinilos ocupan demasiado espacio en la tienda de un centro comercial y, además, ofrecen una sensación de exclusividad que la industria no desea. El mercado potencial ha de ser lo más amplio posible y debe incluir a las personas a quienes la música no les interesa, pero la consumen como cualquier otro producto. La música electrónica ha

ELECTROVIRAL 25

sido fundamental, si la industria deja de fabricar platos, se muere el vinilo, pero si hay DJ’s que pinchan vinilo, el asunto resulta interesante y se siguen vendiendo platos. En el futuro, es posible que el LP sea un capricho para ‘fans’, coleccionistas y amantes de la música. Ahora existe un lector digital que lee vinilos, y eso es básico para que éstos sirvan de algo. Es como si compras un cartucho antiguo de ocho pistas: ¿dónde lo pones, si apenas quedan reproductores?. Si comprar un clásico long play requiere cierto conocimiento e implicaciones musicales, el CD es puro populismo. En este sentido, un compacto es más un objeto que una obra de arte.

No hay más que entrar en una tienda en la que aún conserven cierta sensibilidad y comparar la versión en vinilo con su correspondiente CD para darse cuenta de la diferencia: éste semeja una fotocopia cutre del primero y las reediciones parecen copias piratas. Quizás porque el CD no sea real, sino virtual, o porque ahora, con la tecnología del regrabado en los ordenadores, los soportes vírgenes y los escáners digitales, cualquiera puede hacerse uno en casa. Insisto: la comodidad y posibilidad de uso del compact disc no significa que sea el formato de mayor calidad.

OBJETO DE CULTO Los discos cuestan más que los cedés.

Uno de los Rolling puede llegar a los 24 euros, pero los hay a partir de 18, todos ellos con un material de mayor calidad que en la época gloriosa del vinilo. El clásico de Iron Butterfly ‘In-A-Gadda-DaVida’ está por 11 euros, y por dos más hay mucho donde elegir.

Dice Félix Suárez, de la distribuidora Pias, que el comprador de vinilo “es un treintañero, o incluso mayor, al que le gustan las ‘delicatessen’ musicales”. “Los instrumentos analógicos como las guitarras o el piano se reproducen con mayor fidelidad con un sistema también analógico. El cedé suena demasiado limpio y frío, y cuando lo pones unas cuantas veces pierde calidad”, añade.

Grupos como Artic Monkeys y Kaiser Chiefs ya han mostrado sus preferencias por el disco. Lo mismo que los valencianos de La Habitación Roja, que acaban de sacar su octavo álbum, ‘Cuando ya no queda nada’, del que se han editado 10.000 cedés y 500 vinilos. “Es un objeto de culto, que se está revalorizando, por ejemplo en Estados Unidos. La Fnac los tiene, y Media Markt también, así que algo se está moviendo por ahí. Nosotros hemos grabado todo el disco en pistas analógicas, porque la textura sonora no tiene comparación a la digital”.

26 ELECTROVIRAL

La gracia del LP es precisamente lo que lo aleja de las masas, porque el vinilo no es fácil de escuchar, se recomienda limpiarlo antes y después de ponerlo en el tocadiscos, son caros y el catálogo no va a tener siempre lo que la persona necesita. Todas características que atraen al amante de la música”, piensa el distribuidor. “Sucede mucho que la gente no tantea con la música en vinilo, siempre va a la segura con sus compras porque para experimentar o conocer cosas nuevas usa internet o los CD”, explica. Agrega que el acceso a la tecnología también ha relativizado el interés por la música en las generaciones más jóvenes.

“Bajar música es tan fácil y tiene opciones tan infinitas que hace que uno valore menos un iPod o un disco duro con 50 mil canciones que probablemente nunca vas a escuchar. En cambio el ritual de poner un disco de vinilo te lleva a escucharlo detenidamente, compenetrarte con la música, la información, las letras y fotos de la carátula y ante eso, un MP3 termina siendo poco sexy”.

∞

El comprador de vinilo es un treintañero, o incluso mayor, al que le gustan las ‘delicatessen’ musicales

IMÁGENES QUE MARCARON UN ANTES Y UN DESPUÉS ICONOS DE UNA ÉPOCA HITOS DE REVOLUCIÓN MUSICAL EL MAQUILLAJE DEL SONIDO LAS SEIS PORTADAS DE VINILO MÁS FAMOSAS DE TODOS LOS TIEMPOS

28 ELECTROVIRAL

THE BEATLES (1967) “SGT. PEPPER’S LONELY HEARTS CLUB BAND” La ganadora como la mejor portada de vinilo de la historia, según la mayoría de las votaciones que se han hecho y también según nosotros mismos. Es, sin lugar a dudas, una de las imágenes más icónicas de la historia del rock and roll. La foto originalmente iba a mostrar a los Beatles (con sus trajes de sargento Pepper) ​​jugando en un parque. Poco a poco evolucionó hacia el concepto final, donde están parados en medio de recortes de cartón de sus héroes. La banda había previsto inicialmente la inclusión del actor Leo Gorcey, Gandhi, Jesucristo y Adolf Hitler. El sentido común eliminó a Hitler de la portada (a pesar de que ya se había creado una imagen de él), la amarga polémica que creó la famosa frase de Lennon (“somos más grandes que Jesuscristo”) quitó a Jesús de la cubierta, y la India no autorizó el uso de la imagen de Gandhi. El actor Leo Gorcey pidió 400 dólares por utilizar su imagen (y los Beatles no tragaron), cosa de la que seguro luego se arrepintió. La gran atriz Mae West se negó, preguntando: “¿Qué hago yo en una banda de corazones solitarios?”. Los Beatles le enviaron a West una carta explicando el concepto, lo que la hizo cambiar de opinión. Las únicas personas que aún viven de esta portada son Paul McCartney, Ringo Starr, DiMucci Dion, Shirley Temple y Bob Dylan.

ELECTROVIRAL 29

NIRVANA “NEVERMIND” (1991) Spencer Elden, el bebé desnudo en la portada de Nevermind, tiene una gran frase de ligoteo con las chicas: “¿Quieres ver mi pene… otra vez?”. En 2007, en una entrevista con la MTV, Elden dijo que se siente raro con su lugar en la historia. “Es algo espeluznante que millones de personas me hayan visto desnudo”, dijo: “Me siento como la más grande estrella del porno del mundo”. A sus padres sólo les abonaron 200 dólares por la sesión, pero a Elden le han pagado mucho más para recrear la famosa foto.

30 ELECTROVIRAL

THE BEATLES “ABBEY ROAD” (1969) Muchos creían que el Beatle Paul McCartney murió en 1967 y había sido reemplazado por un doble en la portada de Abbey Road. Se veía la a foto como un cortejo fúnebre: John (de blanco) es el predicador, Ringo (en negro) es el doliente, George (en algodón) es el sepulturero y Paul (descalzo) es el cadáver. Una placa al fondo se puede leer “281f”. McCartney tenía 27 años cuando el disco salió, y eso hizo que mucha gente pensase que el mensaje quería decir que hubiera cumplido 28 años si no hubiera muerto. La fotografía se tomó el 08 de agosto 1969 fuera de los estudios Abbey Road. Los turistas acuden al lugar en masa, y ha sido parodiado infinidad de veces - a veces por los mismos miembros de los Beatles, como lo hizo Paul en la portada de su LP de 1993 Paul is live.

THE VELVET UNDERGROUND “THE VELVET UNDERGROUND & NICO” (1967)

PINK FLOYD “DARK SIDE OF THE MOON” (1973) Hasta Dark side of the moon, las portadas de Pink Floyd no habían sido muy memorables. Hipgnosis, el estudio de diseño británico, no había hecho trabajos muy buenos con los anteriores dos discos de Floyd. Pero tenía un buen historial con portadas de otros grupos, por lo que el estudio fue contratado de nuevo. “Rick Wright (teclista de Pink Floyd) sugirió hacer algo limpio y gráfico, pero no una fotografía”, dijo el diseñador Storm Thorgerson. Su inspiración inicial fue una foto del prisma que hay en la parte superior de algunas partituras. Usando esto como punto de partida, el equipo de Hipgnosis creó la portada icónica.

THE ROLLING STONES “STICKY FINGERS” (1962) El primero de los álbumes de esta lista diseñado por Andy Warhol. Sticky fingers fue el primer disco de los Rolling Stones que grabaron para Atlantic Records, lo que les dio la libertad y el presupuesto necesarios para fabricar esta portada con una cremallera real. Cuando se abre la cremallera, se ve la ropa interior blanca con el logotipo de los Rolling Stones. Contrario a la leyenda, el hombre de la ropa interior no es Mick Jagger, sino uno de los colaboradores de Warhol, aunque nadie parece ser capaz de ponerse de acuerdo sobre quién es exactamente.

Andy Warhol aparecía en los créditos del disco debut de Velvet Underground, de 1967, pero su papel exacto en la producción del álbum ha sido siempre un asunto turbio. La portada, sin embargo, fue un proyecto completamente suyo. En las primeras versiones de su famosa portada, el plátano salía medio pelado. Con canciones drogotas como I’m waiting for the man, algunos interpretaron que la portada era una referencia al rumor habitual de patio de colegio que decía que fumar la cascara de platano colocaba. Sea o no sea esa la intención de Warhol, la portada sigue siendo una de sus obras más famosas.

ELECTROVIRAL 31

LA TÉCNICA LLAMADA ‘SLEEVEFACE’ (LITERALMENTE, ‘CARA DISCO’) HACE FUROR EN LA WEB. CONSISTE EN USAR LA TAPA DE UN VIEJO DISCO DE VINILO PARA CREAR ILUSIONES ÓPTICAS QUE DE ALGÚN MODO CONTINÚEN LA FOTO ORIGINAL. EMPEZÓ TODO CUANDO JOHN ROSTRON, UN DJ DE CARDIFF, SE PUSO A JUGAR CON AMIGOS Y SUS DISCOS Y SUBIÓ UN PAR DE FOTOS A LA WEB. PERO AL TOQUE MUCHA GENTE EMPEZÓ A IMITAR LA TÉCNICA ARTÍSTICA Y AHORA EXPLOTA EN INTERNET

32 ELECTROVIRAL

34 ELECTROVIRAL

ELECTROVIRAL 35

O EL INDIE R A T V I EN ESPAÑA E T R EC SP El

indie en España, o lo que entendemos cuando decimos la palabra indie, no ha sido muy dado a tener hitos reconocibles, momentos puntuales que se repiten en las narraciones y que sirven para conformar una mitología propia. Al contrario de lo que ocurrió entre finales de los 70 y primeros 80 con lo que se dio en llamar “La Movida”, no hay una idea general y aceptada de cómo ocurrieron las cosas. Para hablar del indie español no es mal planteamiento trazar paralelismos con lo que una década antes ocurría en lo musical en nuestro país.

36 ELECTROVIRAL

una introducción

R

ECAPITULEMOS. A finales de los 70 hay una serie de gente haciendo fanzines. Uno de ellos, de orientación punk, La Liviandad del Imperdible, es a la vez colectivo y entre sus áreas está la musical. De ahí surge Kaka de Luxe, encuentro en el rastro de El Zurdo, Alaska, Berlanga, Canut, concierto homenaje por la muerte de Canito en la Escuela de Caminos, Aviador Dro funda DRO y a su estela nacen docenas de sellos independientes que absorben montones de grupos nacientes, Rockola, Agapo, la movida gallega, Las Vulpes creando un escándalo en la tele con ‘Me gusta ser una zorra‘, Las Costus, El Penta, ‘La Chica de Ayer‘, la muerte de Benavente, ‘Para ti’, La Edad de Oro, la muerte de Eduardo Haro Ibars, el concierto de los Smiths… podríamos seguir citando durante veinte líneas personajes, lugares y momentos conocidos por cualquiera con un mínimo interés en la historiografía musical de nuestro país. Hay una bibliografía amplia, documentales, artículos, discos, homenajes oficiales… hasta una edición de El Baile de la Rosa de Mónaco fue dedicada al asunto. En modo alguno es exagerado o inmerecido que todo esto haya pasado al imaginario colectivo patrio. En cualquier país la música popular forma parte de la cultura popular y es lo normal. Aquí nos hemos acostumbrado tanto a que la música sea parte del ocio y no de la cultura que por eso nos parece llamativo el eco recibido.

Pensemos ahora en el indie español.

Hay que sudar para juntar un puñado de momentos reconocibles. May de Los Planetas tocando el bajo de espaldas, el primer FIB, Australian Blonde tocando el cielo mainstream con ‘Chup Chup‘ en ‘Historias del Kronen’ (Armendariz, 1995), El Niño Gusano cantando ‘Hoy no me puedo levantar’ en la tele, Killer Barbies protagonizando ‘Killer Barbys’ (Franco, 1996), Stephen Malkmus llevando en su gira europea una camiseta de El Inquilino Comunista y poco más. Pero si hay un momento fundacional reconocible, un kilómetro cero aceptado por todo el mundo, ese sería la gira Noise Pop Tour organizada por Elefant. Noise Pop Tour es una serie de cinco conciertos en cinco ciudades que se desarrollaría en los dos últimos meses de 1992.

En ella participaban cuatro de las bandas más importantes que estaban dando que hablar en aquel momento: Usura, Bach is Dead (germen de Beef), El Regalo de

Silvia y Penélope Trip. Bandas que cantaban en inglés, cuyos referentes musicales no podían estar más alejados de la música española en general y de la de los 80 en particular, con componentes muy jóvenes y que representaban una ruptura en la tradición musical española del momento. Igual que ocurrió en los últimos 70. Pero era justo a esos grupos a los que pretendían eliminar.

La gira resulta un éxito moderado de público pero, sobre todo, sirve para espolear a otros grupos en su misma situación y a muchísimos otros para comenzar a formar bandas, montar fanzines o juntar los ahorros y fundar un pequeño sello. Es probable que haya pocos mo-

mentos más determinantes en la música popular en nuestro país (y menos en las dos últimas décadas) pero, sin embargo, cuesta encontrar referencias a ese momento, material gráfico y mucho menos audiovisual. Esto será la norma durante mucho tiempo. Sobre el Noise Pop Tour volveremos más adelante porque merece una atención y un espacio propio.

Vayamos a los antecedentes.

Si en 1991 preguntases a un periodista musical en España sobre la música independiente en nuestro país, te contaría que DRO sería el sello más representativo en ese sentido dando cobertura primero a sus fundadores Aviador Dro

para editar su primer single ‘Nuclear Sí’ y más tarde a Parálisis Permanente, Siniestro Total, Los Iniciados, Agrimensor K, Nacha Pop, Decibelios… convirtiéndose en un símbolo que pronto otros seguirían. Entre ellos, Grabaciones Accidentales Sociedad Anónima o GASA. Fundado por el productor Paco Trinidad y miembros de los grupos Esclarecidos y Décima Víctima, sirvió en principio para editar sus trabajos pero luego fue dando cobijo a maravillas como Derribos Arias o Los Coyotes. También es importante la labor de 3 Cipreses, que debuta con los imponentes Gabinete Caligari de ‘Olor a carne quemada’ y que reclutará a Seres Vacíos, Loquillo, Desechables, y otros grupos que le daban un matiz más oscuro de entre los sellos más importantes de La Movida. DRO convertida en la primera independiente y en uno de los sellos más importantes del país, luchando mano a mano con las multinacionales, absorbe a GASA y 3 Cipreses (aunque manteniendo las marcas), convertida en un monstruo financiero demasiado complejo para ser manejado de manera eficiente. No sólo edita docenas de referencias al año sino que distribuye a la mayoría de los sellos pequeños nacionales y trabaja con sellos extranjeros. Crecer tiene sus inconvenientes y uno de ellos es la necesidad de mantener la máquina engrasada. Una serie de discutibles fichajes, un declive en la calidad de los grupos que van saliendo y la emigración de los más exitosos a multis terminan por desgastar a la discográfica, que en esa época ya es distribuida con Warner y con esta mantiene unos lazos de simbiosis haciendo cada vez más indistinguible una de otra.

En 1988 los fundadores abandonan la dirección del sello. Cuando a finales de 1992 se anuncia que DRO deja de existir como ente autónomo y pasa a ser una división más del grupo Warner se puede hablar del último aliento (aunque fuese simbólico) de lo que un día fue la nueva ola. Esa nueva etapa se caracteriza por la edición de trabajos que no pueden estar más alejados del espíritu de nacimiento del sello. Ya en el mismo 1992 se edita al baladista italiano Marco Massini pero no será más que el punto de salida para un catálogo absolutamente carente de personalidad y errático, contando entre sus filas desde Marea a Los Mojinos Escocíos, o desde Álex Ubago a La Cabra Mecánica. Se hace duro pensar en el trayecto de uno a otro. Que sea el mismo 1992 el de la explosión indie parece un guiño, una broma del destino.

Pero antes de eso, todavía queda mucho que contar.

∞

ELECTROVIRAL 37

Lana del Rey L A C E N I C I E N TA T R Á G I C A D E L I N D I E A SUS 25 AÑOS, ELIZABETH WOOLRIDGE GRANT HA PROBADO LA MIEL DEL ÉXITO Y LA HIEL DE LA DESCALIFICACIÓN Y EL ODIO DE QUIENES ALGUNA VEZ LA ENCUMBRARON COMO FAVORITA DE LA OLA HIPSTER. ¿EL ÚLTIMO JUGUETE ROTO DE LA INDUSTRIA MAINSTREAM? 38 ELECTROVIRAL

E

L PRÍNCIPE, con look hipster, ofrecía una de las más atractivas coronas y un reino que no podía ser despreciado: el mundo entero, sin embargo, las hermanastras del cuento (los heaters), le jugaron a nuestra “Cenicienta” Indie una mala pasada, y le transformaron el sueño en calabaza, mucho antes de que el reloj marcara las 12:00.

Quizás el nombre de Elizabeth Woolridge Grant no dice mucho en el colectivo anhelado, conocido como fama, pero si lo cambiamos por el alías de la misma joven: Lana del Rey, la historia se antoja diferente, y aunque empezó como un “verdadero” cuento de hadas, ¿el adelantado final?, parece ser que no fue el esperado. Érase una vez... Una niña, quien por rebelde fue forzada a entrar a un internado, una fuga, del callado pueblo (Lake Placid) a la bulliciosa “Gran Manzana”, a los 18 años, en donde se matriculó en la Universidad, sin embargo, por no querer dar su brazo a torcer ante sistema ya implantado, claudicó por tener “intereses” muy lejanos a las aulas y más cercanos a los escenarios; la esperanza, esa “hada madrina”, Internet, apareció en el momento justo, para dirigir el relato, ¿a mejores derroteros?

En el verano del 2011, Woolridge, -en su segundo intento, pues ya en publicó: “Lana del Ray A.K.A. Lizzy Grant” (sí Ray, no es error de redacción), pero al no despertar interés, ella misma se encargó de retirar las copias del competitivo mercado del one hit wonder y eligió a YouTube para su “segundo aire”, con el clip “Video Games”.

El resultado, el esperado, de piel tersa, pelo ondulado rojo intenso, labios más que sensuales, maquillaje muy al estilo “L.A. Confidential”... una Diva de los 60, en pleno siglo 21, con una textura de voz áspera, sencillamente retro, una “Nancy Sinatra gangsta”, como se autodefine, y lo mejor, con tan sólo 25 años, inmediatamente fue amada por los que se proclaman modernos, y la catapultaron a la fama con 20 millones de visitas.

Comenzó el esperado baile que le dejó probar la miel del éxito. Ella, exuberante pero no vulgar, comercial, pero paradójicamente alterna-

tiva si se le compara con Madonna o Lady Gaga. Con su bien canalizado triunfo, dirigido por su padre, una lumbrera en el MKT en internet, Lana lanzó, en enero, “Born to Die”, ya como favorita de Kate Moss y David Cameron, el primer ministro de la Gran Bretaña.

Pero “todo lo que sube, tiene que bajar”, y el temible backlash convirtió al imparable carruaje, en una triste calabaza, la oleada de odio se recrudeció tras la aparición de la intérprete en el icónico “Saturday Night Live”, en el que su “Video Games”, aplaudido por la particular entonación de Lana, se transformó más bien en una melodía que llegó incluso a sonar desafinada, “puro bluff”, dijeron aquellos que nunca la quisieron. Incluso un tuit muy famoso, “la sacudió”: “Era como ver a una niña de 12 años en su habitación haciendo ver que sabe cantar”, posteó Juliette Lewis.

El idilio terminó, su maravillosa leyenda no convenció del todo, por su aparente prefabricación, y el futuro se antoja incierto, aunque para algunos ya está escrito: “Sus letras parecen los pósits de una reunión de publicistas. El disco tiene melodías redondas y armónicamente ricas. Pero el personaje de Del Rey, independientemente de que sea auténtico o no, es tan inconsistente que se desvanece entre sus millones de fotografías”, escribió el

crítico Sasha Fere-Jones, del semanario The New Yorker.

Mientras que en El País, Carmen Mañana indicó: “En un mundo digital donde los trending topics tienen una esperanza de vida de 13 minutos, cabría preguntarse si Lana del Rey no se ha quemado antes incluso de madurar o si le quedan más de dos hashtags”.

Por su parte, en El Mundo, Javier Blánquez enfatizó: “Lana del Rey aspira a lo guay, pero parece estar quedándose en camp con un futuro como referente kitsch, cutre. Esa podría ser su venganza.

O puede sacar otro disco -sería ya el tercero- y comprobar, callando bocas, si es cierto aquello de que a la tercera va la vencida”.

La moneda sigue en el aire, una nueva oportunidad de “despertar” al gigante que “volvió a dormirse”, después del trágico fallecimiento de una Diva que parecía que llevaría al Indie al lugar que merece, Amy Winehouse, ¿puede aún ser posible?. Lana del Rey tiene la oportunidad de reconquistar con su nueva imagen de next door girl, y si su éxito con su renovado look, continuará, el tiempo lo dirá...

Era como ver a una niña de 12 años en su habitación haciendo ver que sabe cantar

∞

UNA PLATAFORMA MUSICAL QUE ACERCA GRUPOS EMERGENTES A FANS Y POSIBLES MECENAS

E

N TIEMPOS apocalípticos para la industria musical, cualquier idea puede ser una tabla de salvación para darse a conocer. First Clap es una nueva plataforma en línea donde los grupos noveles no solo pueden mostrar sus trabajos, sino mantener una relación más cercana con sus fans y buscar patrocinios.

Tras First Clap, que lleva en funcionamiento desde el pasado febrero, se encuentra un grupo de ocho jóvenes veinteañeros, con sede en Barcelona, que han querido dar una vuelta de tuerca a las actuales fórmulas musicales -tipo spotify- y crear una simbiosis entre artistas y melómanos, sin publicidad de por medio, todo muy legal y con los correspondientes derechos pagados a la SGAE. La plataforma (www.firstclap.com), una especie de ‘myspace’ aunque únicamente musical, permite clasificar los grupos en más de 400 estilos, y de momento cuenta con perfiles de 250 bandas, explica a Efe la francesa Pauline Bernier, cofundadora del proyecto y responsable de relación con los grupos.

Aunque la idea es abrirse al mercado internacional, de momento, en First Clap, que en sus pocas semanas de vida ha recibido ya cerca de 12.000 visitas, trabajan con grupos españoles -muchas formaciones catalanas- y de Latinoamérica.

Los bandas independientes pueden darse de alta ellas mismas y, sin pagar ningún tipo de comisión, crear un espacio donde colgar sus trabajos musicales, vídeos, fotos y publicar información. Las discográficas por su parte también puede crear un usuario con perfiles para cada uno de sus grupos si quieren promocionarlos a través de la plataforma. Animic, Sweet Momo o

40 ELECTROVIRAL

www.firstclap.com las formaciones de sellos como Bcore, Sones o Foehn Records tienen colgado ya su perfil en la plataforma.

Los usuarios son los grandes beneficiados de First Clap: pueden escuchar en “streaming”, sin interrupción, toda la música que quieran, sin publicidad, descubrir grupos emergentes e incluso, si se encaprichan de alguna formación, convertirse en pequeños mecenas pagando una suscripción anual por lo que obtendrán un trato diferenciado de “fan vip”, con acceso exclusivo a canciones u otras “prebendas”.

“Pueden involucrarse en el éxito de sus artistas favoritos, tener con ellos una relación más cercana”, indica Bernier en las instalaciones de la empresa en el distrito 22@, donde trabaja este equipo interdisciplinar de ocho jóvenes que conocen en propia piel las penurias del mundillo musical, ya que varios de ellos formaban los extintos “Martillo Hidráulico”.

La plataforma ofrece al usuario la herramienta llamada “Inspírame” con listas de música confeccionadas para que éste pueda ir descubriendo cosas nuevas indicando únicamente que le gusta el rock o el pop o cualquier estilo, o navegar viendo cuáles son los grupos que generan más movimiento e interés entre la comunidad de la plataforma.

“Vale tanto para las personas que saben lo que quieren, por ejemplo pop-rock psicodélico de Vilanova, como para los que buscan algo nue-

vo y no quieren estar eligiendo cada rato”, informa. Además, si una banda necesita sacar adelante un nuevo álbum o un vídeo, a través de First Clap pueden crear una página con la descripción del proyecto y los objetivos económicos y buscar financiación por medio del sistema de “crowfounding” (microfinanciación) aunque ellos prefieren jugar con el nombre de la web y llamarlo “clapfounding”.

La viabilidad económica de la plataforma, que logró ponerse en marcha gracias a una subvención del Ministerio de Cultura para el fomento de las nuevas tecnologías, dependerá de una herramienta de promoción que los grupos podrán contratar si quieren aparecer en lugares destacados de la página, pudiendo elegir el segmento de público que busquen.

“Los grupos podrán contratar este servicio los días que quieran. Es una forma asequible e innovadora para que puedan gestionar ellos mismos su promoción, multiplicar audiencia y el número de reproducciones”, argumenta esta emprendedora.

∞

E

ES SIN DUDA UNO DE LOS SELLOS ESPAÑOLES INDEPENDIENTES QUE MAYOR PRESENCIA HAN TENIDO EN EL PANORAMA MUSICAL NACIONAL E INTERNACIONAL. BIEN SEA COMO ORGANIZADORES DE GIRAS DE REFERENCIA (NOISE POP 92), FESTIVALES MÍTICOS (FIB 95) O PROGRAMAS DE RADIO INOLVIDABLES (VIAJE A LOS SUEÑOS POLARES), ELEFANT RECORDS NO HA SIDO MÁS QUE EL REFLEJO DE UNA ACTIVIDAD INCANSABLE Y APASIONADA POR LA MÚSICA, SIEMPRE CON MIRAS MÁS ALLÁ DE LAS FRONTERAS ESPAÑOLAS. GRUPOS HOY YA MÍTICOS HAN PUBLICADO SUS DISCOS EN ELEFANT Y CON ELLOS EL SELLO HA IDO CRECIENDO HASTA CONVERTIRSE EN UNA REFERENCIA A NIVEL MUNDIAL DENTRO DEL PANORAMA INDIE POP.

Las bandas activas a día de hoy en el sello son: Astrud, Bla, Bmx Bandits, La Casa Azul, La Bien Querida, Cola Jet Set, Cooper, Corazón, Nick Garrie, Speedmarket Avenue, Linda Guilala, La Monja Enana, Helen Love, Single, Papa Topo, The School, Fitness Forever, Giorgio Tuma, Trembling Blue Stars, Serpentina y muchos más que están por venir.

L INICIO de esta maravillosa aventura musical tiene lugar en el año 1989 cuando Luis Calvo comenzó una travesía imparable, tremendamente influyente y muy beneficiosa para el mundo de la música. La enorme ilusión y el amor que Luis siente hacia la música le ha impulsado a lo largo de estos años a participar activamente en iniciativas tan necesarias y arriesgadas como la revista Spiral, el lanzamiento inicial del sello Acuarela o la creación y ejecución de las dos primeras ediciones (95 y 96) del Festival Internacional de Benicàssim.

Elefant también ha organizado numerosas giras de grupos internacionales, llegando a gestionar las primeras visitas a nuestro país de bandas de la talla de The Pastels, Stereolab O Heavenly. Además, durante años Luis Calvo compaginó Elefant con la co-dirección y presentación (junto a Joako Ezpeleta) del programa de los 40 Principales “Viaje A Los Sueños Polares”, que gozó de una inmejorable popularidad que le permitía difundir la música independiente a través de una de las emisoras más importantes de radiodifusión. El programa tuvo también una versión televisiva en 40 TV. El objetivo que ha impulsado desde siempre la trayectoria de la compañía no es otro que el apoyo incondicional a cualquier manifestación musical espontánea y original, ayudando a consolidar un circuito alternativo y menos mercantilista en nuestro país con un criterio variado, selecto y muy intuitivo.No todo el mundo puede afirmar con orgullo que su pasión por el pop más elegante y embriagador le ha llevado a descubrir a Le Mans, Los Planetas, Family O Automatics, recuperar a Nosoträsh, Beef, Patrullero Mancuso O Pribata Idaho, o acoger a artistas legendarios como Vainica Doble, Los Flechazos O Carlos Berlanga, por no hablar de las ediciones internacionales de grupos de la talla de Go-Kart Mozart, Fly (Ambos Ex-Felt), Momus, Trembling Blue Stars, Marine Research, Heavenly, Future Bible Heroes, The Posies, Bmx Bandits, Birdie O Damon And Naomi, en un sello personal y verdaderamente independiente donde cada paso del proceso de gestación de los discos se sigue de cerca con cariño y esmero.

La huella del paquidermo ha traspasado fronteras llegando con su influencia sonora a países como Estados Unidos, Mexico, Argentina, Chile, Suecia, Inglaterra, Italia, Japón entre otros. Muestra de ello es el homenaje que este 2009 ha rendido el festival inglés Indietracks al sello por su 20 aniversario.

Además, Elefant Records siempre se ha caracterizado por apostar por artistas desconocidos y como prueba la actual colección de singles ‘New Adventures in Pop’, creada exclusivamente para apoyar el lanzamiento de artistas emergentes que se alinean totalmente con la filosofía del sello.

Porque, si hay algo que se puede afirmar rotundamente y sin ningún tipo de tapujo, es que después de estos más de 20 años de actividad incansable, Elefant Records tiene una identidad claramente reconocible como sello, un nombre que ya de por sí dice mucho a todos los que siguen su forma de entender la música.

∞

ELECTROVIRAL 41

LA MÚSICA NO ES SOLO COSA DE HOMBRES. OLVIDAD A LAS DULCES Y SUMISAS MUCHACHITAS DE OJOS BONITOS Y BOQUITA CERRADA. ALGO ESTÁ CAMBIANDO EN LA MÚSICA INDEPENDIENTE. MUJERES GUAPAS, CON ESTILOS MUY PERSONALES Y MUCHO TALENTO SE POSICIONAN COMO LÍDERES DE LA ÚLTIMA REVOLUCIÓN FEMENINA. Y VIENEN PISANDO FUERTE 42 ELECTROVIRAL

S

U DEBUT encabezó todas las listas de la prensa especializada y acaba de editar un segundo disco (Fiesta, Elefant Records) que va por el mismo camino, así que las faldas imposibles de la bilbaína Ana Fernández-Villaverde tenían que presidir este reportaje sobre mujeres del indie patrio. Al gestionar la sesión de fotos nos dicen que La Bien Querida no hace estilismos, lleva siempre su toque personal, esas faldas imposibles, y se maquilla ella misma. Justo lo que queríamos. Su secreto: “Trato de no ir como los demás y si algo se lleva pues no me lo pongo”. Nos ahorramos tam-

bién la localización porque pocos decorados superan la cocina de su piso en los aledaños de la Plaza Mayor de Madrid.

Allí Ana se levanta cada día, desayuna, lee la prensa, contesta mails, ensaya, escribe y cuida de sus plantas. Si hay concierto, madruga y viaja en furgoneta a donde toque. “Vivo de hacer canciones y de pintar. Tengo suerte y trabajo bastante”, resume. Las mujeres que le han marcado en la música son Brix E. Smith de The Fall y PJ Harvey, y le gustaría que en este artículo incluyese a Teresa Iturrioz, Marina de Klaus & Kinski y Linda Miranda. “Quiero conocer sus inquietudes, sus miedos, sus deseos. Lo que les hace perder la ca-

beza… Pero en una entrevista nunca se dice realmente lo que te quita el sueño, así que no creo que lo pueda leer”, se resigna.

No sé. Juraría que en el momento de escribir estas páginas lo que quita el sueño a Ana Naranjo (Linda Miranda, en homenaje a un personaje de Barrio Sésamo) es la salud de Chi Fukami Taylor del grupo The Go! Team, que se ha caído tras un concierto y ha tenido que acompañarla al hospital. “Ya se encuentra bien”, me tranquiliza. Además de lidiar con los gajes de su oficio como responsable de comunicación de discográficas, en mayo publica un 12” (Fabuloso San José, Discoteca Océano/Lovemonk) con cuatro remezclas de su álbum autoeditado China es otra cultura. En cuanto a alternar profesiones, no le gustaría dedicarse en exclusiva a la música “pero sí tener más tiempo y medios para grabar”.

Ana reconoce que trabajando de diez a ocho lo más que puede hacer entre semana es ver una peli mientras cena y entre las más grandes de la música nombra a Madonna (en su época ochentas), Nench Cherry, Raffaela Carrá o Grace Jones “porque son iconos del pop”. En su opinión, “cualquiera de nosotras quizá tengamos más en común con un músico masculino que entre nosotras”. No en vano, su propuesta está producida por un hombre (Bart Davenport), aunque con un resultado muy femenino y ecos que van desde el italodisco de hace dos décadas al sunshine sesentero. Ana nos deja una pregunta retórica en el aire: “Siempre hubo frontman que eran mujeres, ¿no es cierto?.

Las hubo y las sigue habiendo, como las meigas. Un buen ejemplo son las potentes señoritas al frente de The Slits, Kleenex/LiLiPUT, The Raincoats, Mo-dettes, Le Tigre o Las Vulpess, que Marietta Vázquez, del dueto Líneas Albiés, señala como imprescindibles.

Más conocida como Rabieta, ha cambiado el barrio de Malasaña por México DF, “una ciudad exótica casi fuera de Occidente, donde cada día es una sopresa”. En ese nuevo hogar, ella y Pablo Crespo ultiman su primer disco en castellano, con más de trece temas que irán sacando por fascículos en formato EP. Este Disco Rosa (Pómez Rec.) incluirá los cortes Son los monstruos, El cuervo, Nunca más y Mundo Bizarro, “dedicadísima a los amantes del cómic”.

La arrolladora energía de Marietta sobre el escenario compite con unos chiflados atuendos que califica de

ANA NARANJO, Cáceres (1976).

Su nombre artístico recuerda a un personaje de Barrio Sésamo

ANA FERNÁNDEZVILLAVERDE. Empezó a escribir canciones animada por J de Los Planetas

“divertidos, coloridos y ¿extravagantes?”, aunque sólo dedica tiempo a su imagen en los conciertos y “ocasiones puntuales como hacer una maleta o reciclar los armarios de mi madre y mi hermana”. Le encanta ver tiendas en otras ciudades, pero no gastarse dinero en ropa. Su teoría es que con ingenio y creatividad puedes crear tu look con poco presupuesto y, si eres elegante, puedes llevar casi cualquier cosa”. Una osadía que alcanza su vida profesional, ya que intenta vivir exclusivamente de la música, combinando su faceta más punk con encargos para publicidad (el himno Arde Sanfermín para Kukuxumuxu) o bandas sonoras de películas.

ELECTROVIRAL 43

MARIETTA VÁZQUEZ, Ponferrada.

Compuso el tema ‘Arde Sanfermín’ para la marca Kukuxumuxu

LOURDES HERNÁNDEZ, Madrid (1986).

Estuvo nominada al Goya con ‘Loving Strangers’ de la película ‘Habitación en Roma de Julio Medem Fue precisamente la presencia en spots televisivos y su nominación al Goya con la música del filme Habitación en Roma, lo que consolidó un éxito masivo que Russian Red disfrutó casi desde el día que publicó su primer trabajo. Yo no había vuelto a hablar con Lourdes Hernández desde entonces y algunas cosas han cambiado. Nuevo disco (Fuerteventura, Sony Music), nueva discográfica y Belle & Sebastian como músicos de estudio.

Ella le resta importancia: “Como no esperaba trabajar con ellos, pude disfrutar de su compañía con toda libertad”.

Y minimiza las críticas de sus primeros fans para saltar a una gran compañía.

“A mí la palabra indie me sugiere indio. De siempre”.

Lourdes no da importancia tampoco a la leyenda que habla de varios millones de rublos ganados en los últimos años. “Me siento con suerte de poder vivir de esto pero no sé qué fortunas son esa que se imagina la gente”, sentencia. Le apasionan la fotografía y la imagen en general, por lo que no sorprende que haya sido el rostro de firmas de moda y –aunque asegura no estar al día con lo que se lleva- le encante “la sensación de salir bien

44 ELECTROVIRAL

vestida a la calle por la mañana, preparada para todo el día”. En cuanto a la presión estética a la que se somete a las chicas en este negocio aclara que “a nivel de aspecto, la exigencia viene precisamente del sector femenino”.

Marina, de los venerados Klaus & Kinski, no ha dejado de triunfar desde su reinado en los concursos del FIB y Contempopránea y está tan harta de la distinción entre hombres y mujeres que a punto estuvo de rechazar mis preguntas y descolgarse de la lista en el último momento. “El público se siente libre de decir cosas desagradables amparándose en el anonimato de Internet. No es una cuestión de sexismo, sino de escasez de empatía”, cuenta. No sabe si es por la belleza o el atractivo comercial, “pero son las chicas quienes tienen carreras más versátiles, en revistas de moda, televisión, fiestas y ese tipo de eventos ajenos a la música en sí”.

Muchos de los grupos que interesan a Marina (Triángulo de Amor Bizarro, Beach House, Yo La Tengo, Low…) incluyen mujeres en sus filas y admira a Ariadna, la vocalista de Los Punsetes, “porque tiene personalidad y actitud para hacer lo que quiere dentro y fue-

A mí indie siempre me ha sonado a indio -Russian Red ra del escenario, está por encima de cualquier crítica y resulta fascinante y misteriosa”. En cuanto a su propio outfit: “Supongo que quien me vea, sin conocerme, dirá que tengo pinta de indie. Le dedico a mi imagen un tiempo estándar pero claro que me gustan mucho los vestidos bonitos”. No piensa en sí misma como artista sino en “una chica normal con un trabajo peculiar”. Su single en vinilo Amor está recién salido del horno del sello Jabalina. No sé si ella lo sabrá pero, al recomendarme a la mallorquinandaluzamacedonia Maika Makovski, algunos amigos destacan tanto su atractivo musical como físico. “Hemos ido hacia atrás porque la imagen pesa más

TERESA ITURRIOZ, San Sebastián.

En los 90 formó parte del grupo de culto Le Mans

MARINA GÓMEZ, Murcia (1980).

Desde los éxitos en los concursos del FIB y el Contempopránea no ha dejado de triunfar Palma de Mallorca (1983). Vivió en Nueva York y le parece una broma que le digan que se parece a PJ Harvey que nunca y la música importa menos que antes”, expone con rotundidad. Su esperanza es que haya gente receptiva a las cosas auténticas “como pasa con los tomates clonados que no saben a nada al lado de otros más chiquitillos, que te hacen suspirar aunque no sean tan hermosos”. Incluso justifica a ese público más testosterónico: “Si tú le das más importancia a tus piernas que a lo que tocas, ¡es normal que los demás también lo hagan!”.

Maika, que tras una temporada en Nueva York se ha metido a la crítica en el bolsillo con su disco homónimo (Origami Records/PopStock!), prefiere vestir de negro en sus actuaciones y le encantan “las americanas sueltas, mis botas –que resisten desde hace quince años- y las prendas que me recuerdan momentos”. Entiende que el estilo puede llegar a entorpecer el objetivo de su profesión, que es transmitir, así que simplemente intenta “sentirme bien y acorde con mi discurso”. A nivel personal, su madurez se traduce en que “antes intentaba encajar en cierto molde y ahora me siento más libre y no en guerra contra mi propia sensibilidad, que es algo que siempre me ha dado problemas”.

Hemos ido hacia atrás.

La imagen pesa más y la música importa menos -Maika Makovski Madurez y veteranía tiene Teresa Iturrioz de sobra. Bajista y letrista del grupo Le Mans en los años noventas, comparte hoy con Ibon Errazkin su proyecto Single, que ha firmado el aclamado LP Monólogo Interior (Elefant) y en el que adopta voluntariamente una imagen de señora. “Desde pequeña la estética de las mujeres-mujeres me daba envidia y era lo que quería ser. Y además estoy en la edad de ser señora, así que aprovecho”. Señoras que piden igualdad: “El talento y la creatividad femenina está en buena forma. Sólo falta que al trabajo de las mujeres se le dé las misma oportunidades que al de los hombres. Y que se nos critique también en base a los mismos criterios”.

Teresa, que empezó a cantar muy joven hace unos veinte años, se toma 2011 con calma “por lo que está siendo muy poco rutinario. Me encantan los horarios y las rutinas, pero ahora mismo no las tengo”. No hace ascos a la moda pero “es lo último en mi lista de actividades de ocio o disfrute, no le dedico mucho tiempo, la verdad”.

Le inspiran mujeres muy diferentes desde Dory Previn a Dolly Parton, pasando por Missy Elliot o Violeta Parra, además de “otras intérpretes especiales como Ingrid Caven o Lotter Lenya”.

Le pregunto cuál es su deseo para la música hecha por mujeres y no titubea: “Que seamos más primer mundo.

Eso querría”.

∞

ELECTROVIRAL 45

CLASES DE CANTO MARIANNE AX, PRESIDENTA DE LA ASOCIACIÓN DE PROFESORES DE CANTO DE ESPAÑA Y MAESTRA DE VOCES EN MADRID DESDE QUE DEJARA SU SUECIA NATAL HACE 25 AÑOS, SE HACE CARGO DE NUESTRO CONSULTORIO DE DUDAS EN EL QUE CADA SEMANA OFRECERÁ A LOS LECTORS CONSEJOS PARA SER UN BUEN CANTANTE

LA DICCIÓN

L

a mayoría de los cantantes tienen sus propias tensiones al cantar, también en nuestro propio idioma se pueden crear tensiones.

Las vocales: Estudiamos dónde se sitúa la lengua en la boca al pronunciar correctamente las vocales.

Ejemplo 1: La I y la E : Relaja la mandíbula y las comisuras. Siente como la lengua sube hacia las muelas superiores y la punta se queda delante, detrás los dientes inferiores.

La A y la O y la U : La punta de la lengua se mete hacia atrás pronunciando a-o-u.

Si colocamos la lengua en este modo evitamos que se fuercen los labios, la mandíbula y la musculación alrededor de las cuerdas vocales. Las vocales cambian su carácter según subimos el tono. En los tonos agudos es más difícil diferenciar una vocal, porque se mezclan entre si los sonidos. Deja que se mezclen, de lo contrario pueden aparecer tensiones y no es recomendable para la voz.

Las consonantes: Para su correcta pronunciación usamos los labios, se estiran hacia delante (como besar). Si pronunciamos bien las consonantes es más fácil entender las letras de la canción. Las consonantes gastan más energía al cantar, tenemos que apoyar más para ser entendidos.(Estudia el apoyo en mis consejos anteriores) Ejemplo 2: Saca la lengua fuera cogiéndola con dos dedos (con un pañuelo es mas fácil) para evitar que se mueva, y canta tonos bajos y agudos. Observa si la lengua quiere moverse hacia atrás o no.

Ahora muerdes la lengua y pronuncias una nnn- coged aire y canta como una sirena en todo tu registro, se abre la laringe y las fosas nasales al entonar. Obtienes con esta práctica un sonido sin tensiones. Combinamos después esta práctica con todas las vocales, nnna- nnne- nnninnno- nnnu (alarga la consonante y acorta la vocal, todo seguido en una respiración) Canta una melodía, una escala o un tono asi. El aire pasa

más fácil ahora y la voz tiene más resonancia y más fuerza.

En un futuro, cuando la lengua quiera ir atrás, aumenta el apoyo abdominal. Es muy difícil disciplinar la lengua, casi

siempre quiere ir atrás, como si tuviera vida propia. Cuando aprendas una canción, intenta pronunciar más las consonantes para obtener una dicción perfecta (Frank Sinatra).

¿Quieres plantearle dudas de canto a Marianne Ax? Ya seas aficionado o profesional, principiante o avanzado e independientemente del género de la música que interpretes, la profesora se ofrece a asesorarte online. Lo explica ella misma: “Si no tienes acceso a un profesor de canto y quieres seguir potenciando tu voz, o tienes algunas dificultades, dudas o inseguridades al cantar, envía una canción en mp3 o un vídeo (este formato es más completo, ya que se puede ver la colocación corporal) a electroviral@revista.com y adjunta un breve texto explicando tus experiencias y/o dudas como cantante e intentaré ayudarte con algunos consejos”. El correo deberá tener el asunto “Consultorio de canto”. Publicaremos las preguntas y respuestas de Marianne en ELECTROVIRAL

46 ELECTROVIRAL

CANTANTES A

EXAMEN “NADIE SE ATREVERÍA A TOCAR EL VIOLÍN SIN SABER. O LA GUITARRA, O EL PIANO… PERO CON LA VOZ SUCEDE ALGO CURIOSO: TODO EL MUNDO CREE QUE PUEDE USARLA PROFESIONALMENTE SIN APRENDER NADA ANTES. ES ERRÓNEO. LA VOZ TAMBIÉN ES UN INSTRUMENTO, EL MÁS DELICADO DE TODOS”. ESTAS PALABRAS PERTENECEN A MARIANNE AX. LE PROPONEMOS UN RETO: ESCUCHAR A CINCO CANTANTES INDIES NACIONALES POR PRIMERA VEZ EN SU VIDA Y EMITIR UN VEREDICTO COMO PROFESORA. OJO: LA PROFESORA NUNCA HABÍA ESCUCHADO A ESTOS GRUPOS ANTES. HE AQUÍ EL DURO RESULTADO.

NONI, DE LORI MEYERS. Calificación: 5, aprobado.

La profesora opina: “Vocaliza bien. Pero falla en los falsetes agudos. Le falta técnica para proyectar el sonido en los tonos más altos. No suena con fuerza. No está mal, pero le vendrían bien unas clases para aprender a usar los músculos abdominales en el canto”.

CHRISTINA ROSENVINGE. Calificación: 1, muy defiente.

La profesora opina: “Como profesora, me siento incapaz de valorar a esta cantante. No canta, susurra. En los años ochenta estaba la moda de los cantantes gritones. Y ahora todos susurran. No puedo decirte mucho de esta chica. ¿Lleva muchos años en esto? ¿Cómo es que no ha aprendido?”.

FRANCISCO NIXON. Calificación: 2, insuficiente.

La profesora opina: “Este cantante no me sugiere nada interesante que decir. Los mismos defectos que la mayoría: aburrimiento, falta de expresividad…”.

PUCHO, DE VETUSTA MORLA. Calificación: 7,5, notable.

La profesora opina: “El mejor. Vocaliza bien y su expresión es buena. Pasa de los tonos suaves a los estribillos agudos sin perder la afinación.

A este cantante se le nota experiencia y técnica. Me gusta el vibrato de su voz. Tiene fuerza”.

SANTI BALMES, DE LOVE OF LESBIAN. Calificación: 4, insuficiente alto.

La profesora opina: “¿Y dices que este grupo tiene mucho éxito? Yo lo que escucho es un cantante sin dicción ni expresividad. Es aburrido. Suena como desganado. Afina, pero no entiendes nada de lo que dice. Tendría que apoyarse en los abdominales para cantar mejor. Es la única forma de conseguir que su voz no sea tan débil”.

ELECTROVIRAL 47

E

S

C

A

P

A

R

A

T

E

1, 2, 3, PROBANDO...

TE PRESENTAMOS UNA SERIE DE MICRÓFONOS DE ESTUDIO PARA REALIZAR GRABACIONES DE ALTA CALIDAD Y CONSEGUIR UN SONIDO PROFESIONAL SIN NINGÚN TIPO DE RUIDO. UNA SELECCIÓN DE PRODUCTOS PARA TODOS LOS BOLSILLOS EN LOS CUALES TÉCNICA Y ESTÉTICA SE COMBINAN PARA ADAPTARSE A TUS NECESIDADES.

MXL V88 RODE M1 Con un cuerpo matálico sólido como una roca y una resistente cápsula dinámica, el Rode M1 es capaz de soportar cualquier abusoque tú o tu roadie le podais inflingir, sin mostrar signos de fatiga. Puedes confiar en que el M1 te ofrecerá la misma calidad día tras día y bolo tras bolo..

Precio: 199€ Web: www.rode.com

48 ELECTROVIRAL

El nuevo micrófono de condensador MXL V88 estudio recoge los armónicos ricos, bellas producidas por la voz humana y admirables instrumentos musicales con una calidad que normalmente se encuentra sólo en los micrófonos de válvulas clásicos. El V88 ofrece MXL vocalistas más calor, DJ de la radio y podcasts una más completa, más grave. Esto hace que el V88 perfecto para el estudio de grabación y difusión por igual.

Precio: 299€ Web: www.mxl.com

MXL GÉNESIS El micro Genesis II integra un doble diafragma y un conmutador que permite cambiar la tonalidad del micro según las aplicaciones.

Embarca además una válvula NOS Mullard 12AT7 y un switch de rolloff de 6dB/octava a 150Hz permite eliminar los ruidos del micro, y un pad de -10dB se encarga de los altos niveles de presión acústica.

Precio: 499€ Web: www.mxl.com

MXL V177 GOLD Descrito como “un micro de estudio moderno con un diseño clásico para todos tipos de uso, de voces a guitarras,” el V177 es capaz de capturar todos los detalles vocales o instrumentales. El V177 servirá entonces tanto para grabar percusiones, pianos, como instrumentos de cuerda o guitarras acústicas y captar todas sus finezas y su claridad, según el fabricante. El micro V177 está equipado con un diafragma de 6 micras pulverizado con oro y se entrega con un cable XLR Mogami en un estuche de madera.

Precio: 599€ Web: www.mxl.com

MXL V69 MED Músicos, artistas, y los bloggers están de acuerdo es el estándar de excelencia para micrófonos de condensador de tubo. Probado contra micrófonos costos de barriles más, el V69 sigue impresionando con su rica gama media, con garra carácter hacia adelante, y listo voces de concreto. Proporcionar una combinación ganadora de los dos frescura y calidez, el V69 es una herramienta indispensable para el medio ambiente y la casa de estudio profesional.

Precio: 399€ Web: www.mxl.com

ELECTROVIRAL 49

mayo MAYO ENTRA EN ESCENA CON EL REGRESO DE BANDAS QUE NACIERON Y TRIUNFARON EN LOS AÑOS 80. JUNTO A ELLAS, LA VISITA DE GRUPOS QUE NOS PRESENTAN SUS NUEVOS TRABAJOS. CONCIERTOS REMEMBER Y A LA ÚLTIMA PARA TODOS LOS GUSTOS.

THE HUMAN LEAGUE. ¿DÓNDE? Teatro Circo Price. ¿QUÉ? 30 años después vuelven con un nuevo disco, Credo. ¿Quién no ha bailado su hit de los ’80 Don’t you want me baby?

THE GIFT. ¿DÓNDE? Teatro Circo Price. ¿QUÉ? Banda lusa que con su nuevo álbum quiere hacerse un hueco fuera de sus fronteras, donde ya son una celebridad. Melodías adictivas de pop rock.

DORIAN y SOUVENIR. ¿DÓNDE? Sala Rock Kitchen. ¿QUÉ? Concierto doble dentro del circuito que organiza Pop & Dance para una sesión de punch electro pop bailable.

TRICKY. ¿DÓNDE? Sala Heineken. ¿QUÉ? Precursor del movimiento Trip Hop hace 15 años junto a Massive Atack, vuelve a la capital con su noveno disco.

AARON THOMAS. ¿DÓNDE? Neu Club. ¿QUÉ? Compositor y cantautor australiano afincado en España. Escuchando sus acarameladas melodías, resulta impensable imaginárselo como boxeador, su antigua profesión.

MR. BIG. ¿DÓNDE? Sala Heineken. ¿QUÉ? 16 años después presentan su nuevo disco. Banda de rock de los ‘80 de la que seguro recordarás su versión del tema Wild World.

THE BRAND NEW HEAVIES. ¿DÓNDE? La Riviera. ¿QUÉ? Banda influyente del R&B de los ’80. Pioneros del acid jazz en Londres, vuelven para quedarse tras 15 años de ausencia.

GLAMOUR TO KILL. ¿DÓNDE? Sala Caracol. ¿QUÉ? Banda española afincada en Berlín que presenta su nuevo disco con un directo electrónico más underground, con versiones en inglés, español y francés.

JAMES BLAKE. ¿DÓNDE? Joy Eslava. ¿QUÉ? Voz timbrada llena de ecos.

Soul melancólico perfecto para una tarde de domingo (en este caso, de lunes).

50 ELECTROVIRAL

FANGORIA. ¿DÓNDE? Palacio de Deportes. ¿QUÉ?

Alaska y Nacho Canut presentan su nuevo álbum que desecha las guitarras para basarse completamente en sonidos electrónicos idóneos para las pistas de baile.

MISS CAFFEINA + LOS NASTYS. ¿DÓNDE? Sala Caracol. ¿QUÉ? Velada musical indie a cargo de estas dos bandas madrileñas en una de las salas más míticas de la capital.

LA NUEVA REVISTA PARA PROFESIONALES DE LA MÚSICA INDEPENDIENTE, TODOS LOS MESES EN TU KIOSKO