20 músicos que debe escuchar antes de morir

Biografía

20 músicos que debe escuchar antes de morir POR DAVID JIMÉNEZ ÁVILA

Biografía David Bowie (pronunciado /bo.i/;3 nacido con el nombre de David Robert Jones el 8 de enero de 1947) es un músico y compositor de rock británico, quien ha ejercido a su vez de actor, productor discográfico y arreglista.

Figura importante de la música popular durante más de cinco décadas, Bowie es considerado un innovador, en particular por sus trabajos de la década de 1970 y por su peculiar voz, además de la profundidad intelectual de su obra.4 5 A pesar de haber lanzado un álbum (David Bowie) y varios sencillos antes, Bowie consiguió notoriedad en julio de 1969, cuando su sencillo Space Oddity llegó al Top 5 de la lista británica de sencillos. Después de tres años correspondientes a una etapa de experimentación, resurgió en 1972, en plena era del glam rock, con su extravagante y andrógino álter ego Ziggy Stardust, gracias a su exitoso sencillo Starman y el disco The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars.

David Buckley, su biógrafo, describe el impacto de Bowie de esa época diciendo que retó al núcleo de la música rock de la época y creó, posiblemente, el personaje más importante de la cultura popular.

La relativamente corta vida de Ziggy probó ser sólo una faceta de una carrera marcada por continuas reinvenciones, innovaciones musicales y presentaciones visuales de todo tipo.

DAVID BOWIE

Bowie consiguió, en 1975, su primer éxito en Estados Unidos, gracias a su exitoso sencillo Fame» co-escrito con John Lennon y a su disco Young Americans, del cual dijo él mismo que era el disco definitivo del plastic soul (término acuñado por un músico de raza negra para describir a un artista blanco interpretando música soul). El sonido significó un cambio radical del estilo que le había hecho famoso en el Reino Unido. Después de esto, confundió tanto a su discográfica como a sus seguidores estadounidenses con el disco minimalista Low

(1977), la primera de tres colaboraciones con Brian Eno. Todos estos álbumes, conocidos como la Trilogía de Berlín, entraron en el Top 5 británico, además de que recibieron elogios de la crítica.

Después de disparejos éxitos comerciales a finales de la década de 1970, consiguió números uno en el Reino Unido con el sencillo Ashes to Ashes y su correspondiente álbum, Scary Monsters (and Super Creeps). Colaboró con Queen en el número uno de las listas de venta Under Pressure para, poco después, volver a conseguir un éxito comercial con su disco de 1983 Let’s Dance, del que se extrajeron los exitosos sencillos Let’s Dance, China Girl y Modern Love. A lo largo de las décadas de 1990 y 2000, Bowie siguió experimentando con distintos estilos musicales, incluyendo blue-eyed soul, industrial, adult contemporary y jungle. No ha salido de gira desde su gira musical entre 2003 y 2004 A Reality Tour y no se ha presentado en vivo desde 2006. Su más reciente disco The Next Day salió al mercado en marzo de 2013.

Buckley dice de Bowie: Su influencia fue única en la cultura popular, ha permeado y cambiado más vidas que ninguna otra figura pública.6 En la encuesta de 2002 de la cadena televisiva BBC de los 100 británicos más importantes, se colocó en el puesto número 29. Ha vendido, aproximadamente, 136 millones de discos a lo largo de su carrera. Ha recibido nueve discos de platino, once de oro y ocho de plata en el Reino Unido y cinco de platino y siete de oro en Estados Unidos. En 2004, la revista Rolling Stone le posicionó en el puesto número 39 de su lista de los cien artistas de rock más importantes de todos los tiempos y en el puesto 23 de su lista de los mejores cantantes de todos los tiempos.

Biografía

John Anthony Frusciante (Nueva York, NY, Estados Unidos, 5 de marzo de 1970) es un guitarrista, cantante, compositor y productor estadounidense. Es conocido por haber sido el guitarrista de los Red Hot Chili Peppers, con quienes grabó cinco álbumes de estudio y fue miembro desde 1988 hasta 1992, y nuevamente desde 1998 hasta 2009. También ha colaborado con otros artistas como The Mars Volta, con quienes hizo de guitarrista de estudio (y a veces en directo) de 2002 a 2008, y Josh Klinghoffer y Joe Lally, con quienes lanzó dos álbumes bajo el nombre de Ataxia. También tiene una carrera solista activa, habiendo lanzado once discos solistas; sus grabaciones incluyen elementos que van desde el rock experimental y ambient, hasta New Wave y música electrónica.

JOHN FRUSCIANTE

Frusciante se unió a Red Hot Chili Peppers en 1988, después de la muerte por sobredosis de Hillel Slovak. Su primera aparición fue en el álbum de 1989 Mother's Milk, para después grabar el clásico Blood Sugar Sex Magik, que se convirtió en un auténtico éxito. La repentina fama y las constantes giras hicieron que Frusciante abandonase la formación en 1992, y se recluyó en su casa para volverse adicto a la heroína y grabar una serie de discos en solitario. Ya en 1998, el guitarrista completó con éxito un proceso de rehabilitación que le permitió regresar a los Red Hot Chili Peppers el mismo año y grabar con ellos el disco Californication. Permaneció como miembro estable de la formación hasta 2006, año en el que decide abandonarla para centrarse en su carrera en solitario. Fue elegido por la revista Rolling Stone en el puesto número 18 de la Lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos.1 y según la encuesta "The Axe Factor" producida por la BBC de Inglaterra, ha sido nombrado el mejor guitarrista que haya existido en los últimos 30 años.

ADICCIÓN

Frusciante desarrolló una fuerte adicción a las drogas durante sus cuatro años como miembro de los Red Hot Chili Peppers. Aparte de sus altas dosis de marihuana, el guitarrista se volvió adicto a la heroína. Regresó a su casa en California y cayó en una profunda depresión, al sentir que no podría nunca más escribir o tocar música, y que su vida estaba acabada.20 Durante un largo período, se centró en la pintura y en la producción de cuatro canciones grabadas durante las sesiones de Blood Sugar Sex Magik. Para poder afrontar su depresión, comenzó a consumir aún más heroína, y su vida se vio amenazada por su adicción.4 Según Frusciante, su decisión de tomar heroína para curar su depresión fue clara: «Estaba muy triste, y estaba muy contento cuando tomaba drogas; por lo tanto, tenía que tomar drogas todo el tiempo. Nunca me sentí culpable, siempre estuve muy orgulloso de ser un adicto».24 El propio guitarrista explicó que su inspiración musical provenía de sus charlas con espíritus en forma de voces, ondas o cuerpos astrales.9 En sus propias declaraciones dijo: «Oh, es de donde viene mi música, de cuando yo formaba parte del espacio exterior. Mi música es una representación de seres de otras dimensiones que aparecen en mi cuerpo, me hablan y me dan ideas».22 Frusciante publicó su primer disco en solitario, Niandra Lades and Usually Just a T-Shirt, el 8 de marzo de 1994.

La mayoría de las canciones del álbum fueron grabadas cuando estaba ligado a la heroína en su apartamento de Hollywood.25 El disco fue grabado parcialmente durante las sesiones de Blood Sugar Sex Magik, y fue publicado a través de American Recordings.

Un artículo publicado en el periódico New Times de Los Ángeles describió a Frusciante como un despojo humano y un esqueleto cubierto de piel,9 quien, al límite de su adicción, estaba cerca de morir por una infección sanguínea.26 Sus brazos estaban marcados por inyectarse mal cocaína y heroína, dejando abscesos permanentes.

Biografía Jimmy Page, OBE (nacido bajo el nombre de James Patrick Page el 9 de enero de 1944 en Heston, Middlesex, Inglaterra) es un afamado guitarrista de rock conocido por haber sido el miembro líder y fundador del grupo de rock Led Zeppelin desde 1968 hasta su disolución en 1980, y está considerado uno de los más grandes, influyentes y versátiles guitarristas de todos los tiempos, 1 Page ha sido, a lo largo de su carrera musical, músico de sesión y guitarrista de The Yardbirds, Led Zeppelin y The Firm. Además, ha colaborado, en calidad de músico de sesión, con multitud de formaciones y autores musicales, entre los que destacan The Rolling Stones, The Who, Queen, The Kinks, Eric Clapton o Jeff Beck. A su vez, grabó varios álbumes con artistas de la talla de David Coverdale, Roy Harper o Joe Cocker. En 2005, fue galardonado como miembro de la Orden del Imperio Británico por su labor de caridad en ayuda de las personas más desfavorecidas de Brasil.2 Jimmy Page en el último listado de los 100 mejores guitarristas, por la revista Rolling Stone, está posicionado en el 3er lugar.

Infancia y adolescencia Jimmy Page es hijo único de un empleado administrativo, James Page, y de una secretaria y enfermera, Patricia Elizabeth Gaffikin.2 Nacido en Heston, una antigua villa devenida en suburbio del Gran Londres, ubicada en la zona occidental. Cuando Jimmy contaba con ocho años de edad, en 1952, su familia se mudó a Epsom, otro suburbio del Gran Londres, ubicado en el sur, donde recibió sus primeros contactos con la música.

JIMMY PAGE

A los 12 años, Page consiguió su primera guitarra, y aunque tomó algunas clases con este instrumento, es en su mayoría un músico autodidacta.3 Entre sus primeras influencias destacaban Scotty Moore y James Burton, ambos guitarristas de rockabilly y que habían tocado anteriormente con Elvis Presley,4 y Johnny Day, colaborador de The Everly Brothers.2 En 1957, contando Page con 13 años, apareció por primera vez en televisión en un programa de jóvenes talentos, Huw Wheldon Show,

tocando el tema "Mama Don't Wanna Play No Skiffle No More" y "cotton fields".3 La afición de Page por la guitarra era tan grande que solía llevar su instrumento al colegio, siendo confiscado la mayoría de las veces.

Aunque Page estaba interesado por las ciencias, llegando a recibir una oferta de trabajo como asistente de laboratorio, decidió dejar sus estudios para comenzar una carrera musical, y después de varios intentos, Page consiguió entrar a formar parte de una banda de rock, The Crusaders, que contaba con el vocalista Neil Christian. Su estancia en esta banda se extendió durante más de dos años, durante los cuales Page contrajo una mononucleosis que no le impidió seguir dando conciertos, aunque decidió dejar aparcada momentáneamente su carrera musical para sumergirse en su otra pasión, la pintura, por lo que se matriculó en el colegio de arte de Sutton, en Surrey.1 Músico de sesión Mientras era aún un estudiante, Page improvisaba a menudo en el Marquee Club de Londres con guitarristas como Jeff Beck (a quien conocía desde los once años),3 Eric Clapton, Cyril Davies o Alexis Korner.2 En una de estas sesiones, John Gibb, miembro del grupo The Silhouettes, le pidió su ayuda para grabar una serie de sencillos para el sello discográfico EMI,4 pero no fue hasta que recibió una oferta de Mike Leander cuando pudo trabajar enteramente en estudios de grabación.4 Su primera misión como músico de sesión fue grabar junto con Jet Harris y Tony Meehan el single "Diamonds", que alcanzó el número uno en las listas británicas en 1963.2 Después de diversos y breves trabajos con algunos de los músicos del naciente panorama del rock en Gran Bretaña, Page alcanzó una moderada fama como músico de sesión. Durante esta etapa, Page fue conocido como "Little Jimmy" para no ser confundido con Big Jim Sullivan, apodado simplemente "Big Jim".

KURT COBAIN

Biografía

Kurt Donald Cobain (Aberdeen, Estado de Washington, 20 de febrero de 1967 - Seattle, Aberdeen, Estado de Washington, 5 de abril de 1994) fue un músico, compositor e instrumentista estadounidense, más conocido por haber sido el vocalista, guitarrista y compositor de la banda grunge Nirvana. Originalmente Kurt formó la banda en Aberdeen Washington en 1987. Editó su álbum debut, Bleach, con el sello independiente de Seattle Sub Pop en 1989.

Nirvana ayudo a transformar la música popular en los años 90. En 1991, la llegada de su canción más conocida, «Smells Like Teen Spirit», marcó el comienzo de un cambio en la escena musical, alejándola de los géneros dominantes de los años ochenta, el glam metal y el pop del tipo «radio friendly».

Para enero de 1992, Nevermind, el disco que contiene Smells Like Teen Spirit, había desplazado al disco Dangerous de Michael Jackson del primer puesto del Billboard, marcando así un momento de gran importancia dentro de la historia de la música contemporánea con el triunfo del rock sobre el pop. Los medios musicales concedieron finalmente a Smells Like Teen Spirit el estado de himno generacional, y con este reconocimiento Cobain se convirtió en el portavoz de la Generación X. El 8 de abril de 1994 fue encontrado su cuerpo sin vida en su casa en Seattle.

Kurt Cobain fue posicionado en el puesto número 73 de «Los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos», según una encuesta realizada por la revista Rolling Stone y votada por reconocidos guitarristas en 20111 , y en el puesto 45 de «Los 100 cantantes más grandes de todos los tiempos» en 2008, también por la revista Rolling Stone.2 Primeros años Kurt Cobain nació en Washington, el 20 de febrero de 1967, en el seno de una familia cristiana (más tarde re-

flejaría esta etapa en la canción «Lithium»). Vivió sus primeros 6 meses en Hoquiam, hasta que su familia volvió a Aberdeen. Su padre se llamaba Donald Lenald Cobain y su madre Wendy Elizabeth Fradenburg. También tenía una hermana menor, Kimberly, nacida el 24 de abril de 1970. Cobain se empezó a interesar por la música a temprana edad. De acuerdo con su Tía Mari, el empezó cantando a los 2 años. A los 4 años, Cobain comenzó a tocar el piano y a cantar, escribiendo una canción sobre su viaje a un parque local. Él escuchaba artistas como Ramones3 y también cantaba canciones como "Motorcycle Song," de Arlo Guthrie, The Beatles' "Hey Jude", Terry Jacks' "Seasons in the Sun" y el tema musical de la Serie de televisión The Monkees a una temprana edad.4 Según sus padres, la vida de Cobain cambió dramáticamente a los 9 años debido a su divorcio. En una entrevista en 1993, Cobain dijo: «Recuerdo sentirme apenado, triste por mis padres. Me avergonzaba compararme con mis amigos de la escuela, porque yo ansiaba pertenecer a ese tipo de familia clásica, a una familia típica.

Madre, padre... Yo quería esa seguridad. Odié a mis padres durante años por esa razón». Tras un año viviendo con su madre después del divorcio Cobain se trasladó a Montesano para vivir con su padre.

En la escuela, a Cobain le interesaban poco los deportes. Por la insistencia de sus padres formó parte del equipo de luchadores, pero Kurt estaba más interesado en sus clases de arte. Continuamente dibujaba durante las clases, especialmente detalles de anatomía humana, y también alguna caricatura de Michael Jackson posando.

Durante la adolescencia sufrió el acoso de sus compañeros de escuela y en calle por ser amigo de un chico gay.

Tocó la batería en un grupo del colegio de los 10 a los 16 años sin saber leer música ni partituras.

Biografía

Marilyn Manson (nacido Brian Hugh Warner, 5 de enero de 1969, Canton) es un compositor, cantante, actor, escritor, pintor y director de cine estadounidense, conocido por su personalidad e imagen controvertidas como vocalista y líder de la banda de rock industrial Marilyn Manson. Su nombre artístico se formó a partir de los nombres de la actriz Marilyn Monroe y del convicto Charles Manson.

Apareció en algunas películas como Jawbreaker, Lost Highway de David Lynch y Party Monster. No sólo se dedica a la música, también pinta. Figura en el lugar número 44 en la lista de los 100 mejores vocalistas de metal de todos los tiempos, según Hit Parader. Manson además ha sido certificado por el IFPI como uno de los 100 artistas más exitosos de todos los tiempos y ostenta un puesto entre los 5 artistas del Industrial Metal más exitosos, certificando 50 millones de discos vendidos.

Manson tiene su alter ego andrógino llamado "Omega" que apareció en su álbum de estudio "Mechanical Animals".

Marilyn Manson nació en Canton. Según su autobiografía The Long Hard Road Out of Hell, Manson es de ascendencia alemana y polaca por parte de su padre5 y fue criado con las creencias religiosas de su madre.4 En 1990 se graduó como periodista para la revista Lifestyle Magazine, 25th Parallel, lo cual le permitió realizar sus primeros contactos con la música, sobre todo con los artistas que entrevistaba.

Música

MARYLIN MANSON

En el año de 1989 (ya con 20 años), Marilyn formó en Florida la banda Marilyn Manson & the Spooky Kids (para el año 1992 el nombre se recortó a Marilyn Manson). En los primeros años de la banda éste se vio involucrado con varios músicos con los cuales grabó su primer álbum, Jeordie White (más conocido por su nombre artístico Twiggy Ramírez) y Stephen Gregory Bier Jr. (mejor conocido como Madonna Wayne Gacy), Manson no sólo

formaba parte de The Spookie Kids, sino que también participó en proyectos paralelos como Satan on Fire, un falso grupo de metal cristiano en donde tocó el bajo y la batería en Mrs. Scabtree, banda formada en colaboración Jeordie y su novia Jessicka (vocalista de la banda Jack Off Jill).

En el verano del 93 atrajo la atención de uno de los exponentes más relevantes de la industria del metal en esa época, Trent Reznor, vocalista de Nine Inch Nails.

Reznor se ocupó de la producción del primer álbum de la banda en el año de 1994 llamado Portrait of an American Family, el cual logró la certificación de oro en Estados Unidos,6 con un número mayor de ventas que superaron las 500.000 copias vendidas y fue distribuido por la discográfica Nothing Records (propiedad de Trent Reznor).7 Con este álbum fue que la banda consiguió su propio club de fans, el cual creció con su primer álbum remix denominado Smells Like Children en 1995, que recibió la certificación de platino,6 por superar el millón de copias vendidas, consiguió también aparecer en la programación de videos en MTV con su primer éxito que resultó ser Sweet Dreams (Are Made of This) (cover de la canción del grupo Eurythmics).

El éxito siguió con el álbum más reconocido de la banda hasta el momento llamado Antichrist Superstar (coproducido por Trent Renzor y Dave Ogilvie).8 9 En los Estados Unidos tres de los álbumes de la banda han logrado la certificación de platino y otros tres consiguieron la certificación de oro,6 también la banda ha logrado entrar a los 10 primeros del Billboard, incluyendo dos de sus álbumes que han logrado debutar en el puesto n° 1. Manson también debutó como productor en la banda Jack Off Jill. También ayudó a poner el nombre a la banda y es el productor de la mayoría de los álbumes de Marilyn Manson, también toca la guitarra lo cual se ve en la canción My Cat y ha abierto la mayoría de los shows en el sur de Florida.10 Así mismo ayudó a escribir la mayoría de las letras del álbum Humid Teenage Mediocrity 1992–1996 de Jack Off Jill, que es una compilación de varios de los álbumes del grupo

Biografía

James Marshall «Jimi» Hendrix (nacido Johnny Allen Hendrix; Seattle, Estados Unidos, 27 de noviembre de 1942-Londres, Reino Unido, 18 de septiembre de 1970) fue un músico y cantautor estadounidense. Hendrix es considerado el mejor guitarrista eléctrico de la historia de la música popular, y uno de los músicos más importantes del siglo XX. Musicalmente influido por el rock and roll y blues eléctrico americanos, tras tener un éxito inicial en Europa con su banda The Jimi Hendrix Experience, logró fama en los Estados Unidos tras un concierto en 1967 en el Festival Pop de Monterey. Más tarde, encabezó el Woodstock Festival en 1969, y el Isle of Wight Festival de 1970, antes de fallecer a los 27 años.

JIMI HENDRIX

Es citado frecuentemente por varios artistas,1 2 por diversas revistas especializadas en música,3 4 por varios críticos y la prensa en general5 6 7 8 y por la admiración y el cariño de la gente9 10 11 12 como el más grande guitarrista de la historia del rock and roll,13 14 15 además de ser uno de los mayores innovadores y más influyentes artistas en una gran cantidad de géneros.16 17 18 Con "The Jimi Hendrix Experience" grabó cuatro LPs: "Are you Experienced?", "Axis: Bold as Love", "Electric Ladyland" y un disco recopilatorio de grandes éxitos llamado "Smash Hits". Sin embargo, hay innumerables grabaciones de actuaciones en directo que saldrían al mercado después de la muerte de Jimi. Las continuas presiones para mantener a la banda de gira, en agotadores festivales los llevaron al uso de las drogas. Al principio, las usaban sólo para mantener el tipo en sus innumerables conciertos, consumiendo eventualmente por puro placer. Más tarde se convirtió en una mera adicción. Cansados del excesivo protagonismo de Jimi Hendrix en la banda, Mitchell y Redding decidieron abandonar el grupo en 1969. Hendrix fue incluido en el Rock and Roll Hall of Fame en 1992.19 En el año 2003, la revista Rolling Stone lo eligió como el mejor guitarrista de todos los tiempos20 y en 2004

lo incluyó en su lista de los mejores artistas de toda la historia (n.º 6). En 2009, la revista estadounidense Time lo situó como el mejor guitarrista de guitarra eléctrica de la historia, por delante de B. B. King, Chuck Berry, Jimmy Page, Keith Richards y Eric Clapton, entre otros.5 Igualmente, en 2003 la revista especializada británica Total Guitar, con el voto de más de 4000 lectores, eligió a Jimi Hendrix como el mejor guitarrista de la historia del rock.4 Además posee el mejor riff en la historia de la música por su canción «Voodoo Child» según una encuesta realizada en 2009 por la página especializada británica Music Radar, superando a otras bandas de renombre como The Who, Led Zeppelin y Deep Purple, entre otras.21 Adolescencia e inicios Jimi Hendrix nació el 27 de noviembre de 1942 en el King County Hospital de Seattle en el estado de Washington, Estados Unidos, de madre de orígenes nativo americana y padre afroamericano, con el nombre de Johnny Allen Hendrix. Le cambiaron el nombre por el de James Marshall Hendrix en memoria del hermano fallecido de su padre Leon Marshall Hendrix.

El pequeño Jimi pasó sus primeros años en un barrio muy humilde y tuvo una infancia marcada por el divorcio de sus padres avenido cuando éste tenía apenas 9 años; como consecuencia, fue otorgado en tutela a su abuela paterna Nora Rose Moore, en ese entonces la única persona en grado de garantizarle un mínimo de estabilidad.

Su primer instrumento fue una armónica a los 4 años.

Obtuvo su primera guitarra acústica a los 14 años por cinco dólares a un conocido de su padre, reemplazando el ukelele de una sola cuerda que su padre había encontrado limpiando un garaje. Aprendió practicando constantemente, mirando cómo tocaban otros músicos más experimentados como B.B. King; entre otros.

Biografía

King Crimson es una banda de rock fundada en Londres en 1969. Es considerado uno de los grupos pioneros del rock progresivo de los años 70, y uno de los pilares del género, más allá de su diversificación sonora y mutaciones estilísticas.

La banda ha adoptado diversos sonidos durante su historia, producto de la diversa instrumentación utilizada y ha tenido una gran influencia en muchos artistas de la música contemporánea. Además, ha ganado un gran número de seguidores a pesar de tener poca presencia en la radio, televisión u otros medios de comunicación.

Aunque originaria de Inglaterra, la banda ha tenido una mezcla de personal de Inglaterra y de Estados Unidos desde su reencarnación de 1981. El grupo se caracteriza también por su constante cambio de miembros, con diecinueve miembros pasando por sus filas. Robert Fripp, el guitarrista y líder, fue el único miembro que estuvo entre las filas del Rey Carmesí durante toda su larga historia. Desde 1981, la banda ha obtenido mayor estabilidad, siendo Adrian Belew miembro de la misma desde ese año.

KING CRIMSON

La alineación debut del grupo fue muy influyente, pero de corta duración (duró poco más de un año). En 1970 o 1971, King Crimson ya era una banda inestable, con muchos cambios de miembros. En 1972 se alcanzó una mayor estabilidad (con el bajista y vocalista John Wetton) y se desarrolló un sonido que mezclaba hard rock, música clásica y jazz, separándose por primera vez en 1974. La banda volvió a formarse en 1981 durante tres años más (esta vez influido por el new wave y con un estilo completamente diferente), pero volvió a separarse en 1984. Retornó nuevamente después de más de diez años, en 1993, lanzando el álbum THRAK. En el 2000 y en el 2003, se lanzarían los álbumes The ConstruKction of Light y The Power to Believe, respectivamente.

King Crimson se ha caracterizado por largos períodos de inactividad, decisión emanada de Robert Fripp. Tras

diez años sin actividad, solo rotos por una mini-gira en 2008, Fripp ha anunciado una nueva formación del grupo que empezará a funcionar en 2014.1 El nombre King Crimson (Rey Carmesí) fue idea del letrista Peter Sinfield como un sinónimo de Belcebú, príncipe de los demonios. Según Fripp, Belcebú es un anglicismo de la frase árabe B'il Sabab, la cual significa “hombre que ambiciona”.

Robert Fripp ha sido el único factor común de todos los discos y todas las alineaciones de King Crimson, aunque él no se considera a sí mismo como líder. Para él, King Crimson es “una manera de hacer cosas” y los constantes cambios de sus miembros sólo reflejan ese punto de vista.

En agosto de 1967, los hermanos Michael Giles (batería) y Peter Giles (bajo), contando ya con alguna experiencia musical producto de sus pasos por anteriores grupos, dieron cuenta públicamente de la necesidad de un cantante para su proyecto. Robert Fripp, que no era vocalista, mostró su interés de formar parte del proyecto y así nació Giles, Giles and Fripp.

Basados en un formato de canciones pop excéntricas e instrumentales complejos, la banda grabó varios sencillos sin éxito y un álbum , The Cheerful Insanity of Giles, Giles and Fripp. La banda se cernía sobre el borde del éxito, con varias sesiones en la radio y una aparición en la televisión, pero nunca logró alcanzar un éxito comercial. El álbum no era más que un éxito de los sencillos, e incluso fue menospreciado por Keith Moon de The Who en una revisión de una revista. En el intento de expandir su sonido, Giles, Giles and Fripp reclutó al multi-instrumentista Ian McDonald, que tocaba teclados, saxos y flautas.

Biografía

Frank Vincent Zappa1 (21 de diciembre de 1940-4 de diciembre de 1993) fue un compositor, guitarrista, productor discográfico y director de cine estadounidense.

Con una carrera de más de treinta años, Zappa compuso rock, jazz, blues, electrónica, música clásica y música concreta, entre otros. También trabajó como director de cine y de videoclips, y diseñó portadas de álbumes. Además, se encargó de la producción de los más de ochenta álbumes que grabó con The Mothers of Invention y en solitario.2 En su adolescencia adquirió gusto por compositores de avant-garde basada en la percusión como Edgard Varèse, y la música rhythm and blues de los años 50.

Comenzó a escribir música clásica en la escuela secundaria, mientras tocaba la batería en algunas bandas de rhythm and blues, instrumento que después cambió por la guitarra eléctrica. Era un compositor y músico autodidacta, y por su diversidad de gustos musicales llegó a crear música a veces imposible de clasificar.

Su álbum debut de 1966 con la banda The Mothers of Invention, Freak Out!, combinaba canciones de rock convencionales con improvisaciones imposibles y sonidos generados en el estudio de grabación. Sus álbumes posteriores eran una mezcla de música experimental y ecléctica, independientemente de que fueran de rock, jazz o música clásica. Escribía las letras de todos sus temas, frecuentemente humorísticas. Fue crítico con lo políticamente correcto y con la religión y fue un gran defensor de la libertad de expresión y de la abolición de la censura.

FRANK ZAPPA

Zappa fue un artista muy prolífico y recibió grandes críticas positivas.3 2 Muchos de sus álbumes son considerados esenciales en la historia del rock, y es reconocido como uno de los guitarristas y compositores más originales de su tiempo, siendo hoy en día una referencia para un gran número de artistas. Tuvo algo de éxito comercial, sobre todo en Europa, por lo que pudo ser un artista independiente la gran mayoría del tiempo que

duró su carrera. Fue incluido de forma póstuma en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1995 y recibió un premio Grammy a toda una carrera en 1997.4 3 Zappa estuvo casado con Kathryn J. "Kay" Sherman desde 1960 a 1964, repitiendo nupcias en 1967 con Gail Sloatman, con quien permaneció hasta su muerte por cáncer de próstata en 1993. Tuvieron cuatro hijos: Moon Unit, Dweezil, Ahmet Emuukha Rodan y Diva Thin Muffin Pigeen. Gail Zappa coordina los negocios familiares bajo el nombre de Zappa Family Trust.

Frank Zappa nació en Baltimore, Maryland, Estados Unidos, el 21 de diciembre de 1940, siendo sus padres Francis Zappa nacido en Partinico, Italia y Rose Marie Colimore de ascendencia italo-francesa.1 Fue el mayor de cuatro hermanos.5 La familia, durante la infancia de Frank, se mudaba con frecuencia debido a que su padre, químico y matemático, trabajaba para el Gobierno de los Estados Unidos. Después de un corto espacio de tiempo en Florida, a mediados de los años 40 volvieron a Maryland, donde su padre trabajó en el Aberdeen Proving Ground (Terreno de pruebas de Aberdeen), una zona de prácticas militares donde se probaban armas.

Debido a la proximidad de su casa al centro de pruebas, que almacenaba gas mostaza, guardaban máscaras de gas por si hubiera algún accidente.6 Esto tuvo un gran impacto en el joven Zappa: referencias a gérmenes y otros aspectos de la industria de defensa aparecen en numerosas ocasiones en su obra.7 Durante su niñez, Zappa enfermaba con frecuencia, sufriendo asma, dolores de oído y sinusitis. Esta última le fue tratada insertándole un perdigón de radio en cada fosa nasal; poco se sabía en aquel entonces de los peligros que esta práctica conllevaba.8 Numerosas referencias a su nariz aparecen en las letras de sus canciones, al igual que en muchas de las portadas de álbumes hechas por su amigo Cal Schenkel.

BiografĂ­a

Marcel Everett, better known as XXYYXX, is an electronic musician and producer from Orlando, Florida signed to Relief In Abstract. He is most notable for gaining a prominence within the indie music culture, despite his young age and experimental lo-fi music, which he made in his bedroom with FL Studio and software from Ableton.[1][2][3][6][7] Plummer himself described his music as "Doing drugs on a freeway...underwater," in an interview with Relief in Abstract Records. His style was also likened to Clams Casino, Zomby, Burial, James Blake and The Weeknd.[4] [8] His musical influences include Lapalux, Star Slinger, Disclosure and Shlohmo.[6] A music video for his song, About You, which has over 10 million views was directed by Jeffrey Vash.

XXYYXX has also made remixes for artists such as Tinashe and Usher.[9][10][11] It was announced in January 2013 that XXYYXX would be one of the headliners of the San Francisco Noise Pop festival in February, 2013

XXYYXX

BiografĂ­a

Brendan Angelides, better known by his stage name Eskmo, is an American electronic music producer.[1] His career has touched many genres of electronic music.

He has released music on record labels such as Ninja Tune, Planet Mu, and Warp Records,[2] as well as founding and releasing on his own label, Ancestor. A significant work of his is the song "Cloudlight", which had its own music video, starring himself. In a 2010 review, rock music critic Robert Christgau credited Eskmo with "Just the kind of weird background music that's guaranteed to engross whenever you lend it both ears.

Cloudlight / Come Back (2010) Language (2012) Singles[edit] "Cliffside" (2005) "Jetski" (2007) "Speaking in Tongues" (2007) "Hypercolor" (2009) "Agnus Dei" (2009)

Career

"Let Them Sing" (2009)

After releasing singles such as "Cliffside" in 2005 and "Jetski" in 2007,[4] Eskmo released "Hypercolor" and "Agnus Dei" on Ancestor in 2009.[5]

"Land and Bones" (2010)

His self-titled album, Eskmo, was released on Ninja Tune in 2010.[6] He released the Language EP on Ancestor in 2012.[7]

Productions Bar 9 - "Murda Sound (Eskmo Remix)" (2008) Bibio - "Dwrcan (Eskmo Remix)" from The Apple and the Tooth (2009)

Personal life

Spor - "Knock You Down (Eskmo Remix)" (2010)

In August, 2011 he announced his move from San Francisco to Los Angeles in California.[8]

Amon Tobin - "Ruthless Reprise (Eskmo Remix)" from Chaos Theory Remixed: The Soundtrack to Splinter Cell 3D (2011)

Discography Albums Machines on Task (1999) Illuminate (2001) Ascension (2003) Vines and Streams (2006) as Welder Eskmo (2010) Florescence (2011) as Welder

eSKMO

Purple & Orange (The Remixes) (2008) as Welder

EPs[edit] Bamboo Snow (2007) as Welder Chalice Well (2008) as Welder

Biografía

Christian Jiménez Bundó (2 de julio de 1988 en Sarrià, Barcelona, España), más conocido por su nombre artístico «Porta», es un MC, rapero español que interpreta música Rap en castellano. Se hizo popular en 2006 a través de su enorme éxito en las redes sociales, con sus maquetas No es cuestión de edades (2006) y No hay truco (2007), que fueron ampliamente difundidas en Internet, donde rompió récord de descargas. Porta ganó una mayor popularidad al lanzar su primer álbum En boca de tantos en (2008) y así también dio a conocer mundialmente a su grupo RAP COMANDO. Su segundo álbum Trastorno bipolar fue lanzado en (2009) pero no tuvo el mismo éxito de ventas que su primer LP ya que no tuvo la misma promoción. Los dos álbumes fueron editados por la multinacional discográfica Universal Music Group.1 Con el tiempo las cosas entre Porta y su discográfica no coincidieron y Porta terminó renunciando a su contrato el 24 de agosto de 2011. Su último trabajo, Reset, salió a la venta el 7 de mayo de 2012 bajo el sello de PIAS Spain. Luego de dejar la discográfica Universal Music, su nuevo disco obtuvo un buen número de ventas y fue acogido por el público en forma positiva adquiriendo así más seguidores. Hoy en día Porta tiene cerca de 10 millones de seguidores alrededor en todas sus cuentas en Internet.

Primeros años

PORTA

Nació en Sarrià, Barcelona, siendo el hijo de Antonio Jiménez y Antonia Bundo. Hasta los 10 años, Christian había sido un chico normal interesado en los videojuegos como todos; pero un día cuando estaba jugando encontró un casete en el suelo que le llamó la atención y se puso a escuchar y fue cuando todo empezó. Al ser un pre-adolescente, Christian se interesó mucho en el hip hop. Interpretó de forma aficionada rap a los 11 años bajo el seudónimo de "El portador", entrando en un grupo llamado "Los Portadores del Hip Hop" y fueron lanzando varios temas inéditos. Más tarde cambiaron su nombre a "Rap Comando" con el tiempo pasaría a lla-

marse "Porta" ya que resultaba muy largo. Alrededor de 2002-2003 finalizó su primera maqueta llamada "Sin prisa pero sin pausa" y entre 2004-2005 lanzo su segunda maqueta bajo el nombre de "Dispuestos a dar el golpe" hasta el día de hoy estas dos maquetas no salieron a luz ya que Porta decidió no lanzarlos oficialmente por la falta de materialización. Entre 2005-2006, a pesar de pertenecer a una familia adinerada, Porta decidió que debía costearse su carrera con su propio esfuerzo y empezó a trabajar para poder pagar los gastos de su maqueta y poder grabar con uno de los productores más conocidos de España llamado Soma, fundador2 del sello discográfico Lebuqe, especializado en música hip-hop.

Carrera musical 2006-2007: Inicios y popularidad Cuando se unió a Lebuqe.3 4 En marzo de 2006 Porta lanza su primera maqueta bajo el nombre de No es cuestión de edades producida por Soma y grabada en los Estudios Lebuqe.5 Dicha maqueta se publica en abril bajo licencia Creative Commons en varias páginas web de descargas gratuitas, entre las que se encuentra MySpace.4 6 La grabación cosecha en pocos días una gran cantidad de descargas,3 alcanzando la posición número 1 en HHGroups7 al conseguir 5 000 000 de descargas y saltó a la fama por toda España. Se produjo muchas controversias por muchas de sus letras. En la canción "Las niñas de hoy en día son todas unas...", Porta describe a las mujeres como "fáciles" generando una gran polémica. Con "Cosas de la vida" Porta empieza una nueva era intentando injerir amor en el rap, lo que fue criticado por aquellos a los que les gusta solo el Rap Hardcore pero fue acogido de forma positiva por la buena letra y sentimientos que transmite.

También Porta pertenecía a un grupo de Rap llamado "Rap comando" que tenía como integrantes a Porta, DJ Datz, H0lynaight, Chus y Bazzel.

Biografía Ratatat (pronounced rat-ə-tat) is a New York City experimental electronic rock duo consisting of Mike Stroud (guitar, melodica, synthesizers, percussion) and producer Evan Mast (bass, synthesizers, percussion).

Evan Mast and Mike Stroud first met as students at Skidmore College, but they did not work together until 2001, when they recorded several songs under the name “Cherry”. Their 2004 debut, Ratatat, was written and recorded in Mast’s Crown Heights, Brooklyn apartment on his laptop.[1] The album is entirely instrumental with the exception of vocal excerpts at the beginning and end of selected tracks.

The group debuted by releasing the single “Seventeen Years” on Mast’s and his brother Eric’s (E*Rock) record label Audio Dregs in the US and Rex Records in the UK. They then signed for XL Recordings, releasing their debut album and the single “Germany to Germany”. Ratatat occasionally remixed tracks by other artists for collected release on Ratatat Remixes Vol. 1 (which garnered the attention of Rolling Stone), as well as the later second volume, both of which were self-released in co-operation with Audio Dregs.

RATATAT

Both musicians have had experience with other projects, such as Mast’s E*vax and King Pang and Stroud’s stage work with Dashboard Confessional.[2] Stroud has also recorded with Ben Kweller on On My Way. Ratatat has toured with bands such as Björk, Daft Punk, Mouse on Mars, Interpol, Franz Ferdinand, CSS, The Faint, Super Furry Animals, Clinic, Panther, and The Killers.

In 2010, they supported Vampire Weekend on their UK Tour.

On October 6, 2006, Ratatat became the first band to perform a public show inside the Guggenheim Museum in New York City.

On October 10, 2006, a new demo album from Ratatat titled 9 Beats was leaked online. This set of tracks does not appear on any official discography listings.

9 Beats was not an official album, the tracks consist of short instrumental electronic musical pieces and demos for their next mixtape.[3] This release was followed by another remix album, Ratatat Remixes Vol 2.

It was rumored that they would be signed by Star Trak Entertainment as the understudies of The Neptunes.[4][5] Mast has most recently collaborated with former Shudder to Think vocalist Craig Wedren on a record for a Tokyo independent label, Mold Recordings and said to be finishing a follow up solo album for Audio Dregs.

From June 2007 until October 2008, Ratatat had Martin Bonventre accompany them on their European tour and Fall shows in America as the pianist/synthesizer player. Bonventre drew much attention due to his erratic dance movements on stage. The reason for him leaving the performance is unknown.

Ratatat’s live performances bear strong similarities to the performances of the psychedelic rock bands out of San Francisco in the 60’s, with energetic light shows, swirling colors projected onto a screen, and random clips of movies thrown in. Evan Mast creates and edits the videos that are projected on the screen.

Many of them are included on their YouTube account.

The front page of their official website has a list of tour locations and dates. Cameras are usually not allowed when attending one of their concerts.

The official site has been updated showing the videos of the three first singles of their third album LP3, which was released on July 8, 2008. “Shiller”, “Shempi” and then “Mirando” have all been released (or announced) on 7” or 12” singles, “Shiller” being first released with a special b-side, the track “Mahalo”.[6] Ratatat contributed two songs to Man on the Moon: The End of Day, the debut album by alternative rapper Kid Cudi, released September 15, 2009. They performed together on Late Show with David Letterman on September 11, 2009.

Biografía

The Mars Volta fue una banda estadounidense de rock progresivo proveniente de El Paso, Texas, fundada en 2001 y actualmente establecida en México. Fundada por el guitarrista Omar Rodríguez-López y el vocalista Cedric Bixler-Zavala, la banda incorpora varias influencias incluyendo rock progresivo, Krautrock, jazz fusion, hard rock, y música latinoamericana dentro de su música. Fueron llamados "La mejor banda prog-rock" del 2008 por Rolling Stone. De acuerdo al booklet de Amputechture, The Mars Volta está conformado por la sociedad entre Omar Rodríguez-López y Cedric BixlerZavala, mientras que sus composiciones son luego interpretadas por The Mars Volta Group. Son conocidos por sus conciertos enérgicos e improvisados, sus letras crípticas, así como por sus álbumes de estudio conceptuales. En 2009, la banda ganó un Grammy en la categoría Best Hard Rock Performance por la canción Wax Simulacra. Cedric Bixler-Zavala, anunció en su cuenta de twitter el día 23 de enero que oficialmente estaba fuera de la banda y de cierta forma insinuando la separación de ésta, diciendo que "hizo todo lo que podía por mantener junta a la banda".

Antes de formar The Mars Volta, Cedric Bixler-Zavala y Omar Rodríguez-López eran parte de At the Drive-In, aunque integraban también De Facto junto a Isaiah Ikey Owens y al ingeniero de sonido Jeremy Michael Ward. En De Facto, Bixler-Zavala se encargaba de la Batería, Rodríguez-López de la guitarra y del bajo, mientras que Ward se ocupaba de los efectos de sonido y voces.

THE MARS VOLTA

A pesar de que De Facto comenzó como una banda de rock, pronto fueron atraídos por la música de pioneros del reggae y el dub (como Lee Perry y Dr. Alimantado), y por otros géneros como la electrónica, el jazz y ritmos latinos la salsa. La agrupación dio varios conciertos en su ciudad natal, El Paso, Texas, y lanzó su primer disco: How Do You Dub? You Fight for Dub, You Plug Dub In. En el 2000 los integrantes de De Facto se mudaron a

Long Beach, California, incorporando a un nuevo integrante en sus filas: Ikey Owens, que se encargó de los teclados. En 2001, el grupo lanzó, a través de Gold Standard Laboratories, su segundo álbum: el exitoso Megaton Shotblast. De Facto continuó trabajando con nuevos sonidos, luego de que Rodríguez-López y BixlerZavala decidieran irse de At the Drive-In. Los restantes miembros de ésta banda formarían Sparta.

Con la incorporación de Eva Gardner, De Facto se convirtió en lo que hoy es The Mars Volta, un nuevo proyecto formado con el objetivo de satisfacer las búsquedas creativas de sus miembros. En 2001, The Mars Volta grabó dos canciones junto al baterista Blake Fleming y el productor Alex Newport, que se convertirían finalmente en su primer demo. Su primer show fue el 18 de octubre de 2001 en California, el grupo se conformó con: Rodríguez-López, Bixler-Zavala, Ward, Owens, Gardner y el baterista Jon Theodore. Con estos integrantes la banda grabó tres canciones más junto a Newport, las cuales formarían lo que sería su primer EP: Tremulant, lanzado en 2002.

De-Loused in the Comatorium[editar • editar código] Después de Tremulant EP, The Mars Volta continuó girando y cambiando de formación, mientras preparaba lo que sería su primer larga duración, De-Loused in the Comatorium, del año 2003, producido por Rick Rubin. A diferencia de Tremulant EP, que no cuenta con una unidad temática, su primer disco es un álbum conceptual que narra la historia de Cerpin Taxt, un hombre que cae en coma tras abusar de la morfina. A pesar de sus letras intrincadas, The Mars Volta afirmó en las correspondientes entrevistas que el protagonista del álbum es un personaje basado en su difunto amigo, el artista Julio Venegas, o «Cerpin Taxt», como es citado en la historia. Venegas permaneció muchos años en coma antes de despertar, para luego saltar desde un puente en la ciudad de El Paso. La muerte de su amigo es también referida en la canción titulada «Embroglio», de At the Drive-In.

CARLOS SANTNA

Biografía

Carlos Humberto Santana Barragán (Autlan de Navarro, Jalisco, México, 20 de julio de 19471 ), es un guitarrista estadounidense nacido en Mexico, multiganador del Grammy. Es considerado el 20º mejor guitarrista de todos los tiempos,2 según la revista Rolling Stone.

Estuvo casado con Cindy Blackman, conocida por ser baterista de Lenny Kravitz Su padre fue violinista en una banda de mariachi en Michoacán. De joven, Carlos aprendió a tocar el violín, pero lo cambió por la guitarra cuando tenía ocho años.

En 1955 su familia se mudó a Tijuana. Carlos, a los ocho años se dedicó a la guitarra, estudió y emuló los sonidos de B.B. King, T-Bone Walker y John Lee Hooker bajo la tutela de Javier Bátiz. Mientras tanto tocaba con conjuntos locales como Los T.J.'s del cual era bajista, donde añadió su propio toque y sentido original a las canciones populares de rock 'n roll de la década del cincuenta. Al seguir tocando con diferentes conjuntos a lo largo del recorrido "Tijuana Strip," comenzó a perfeccionar su estilo y sonido.

Al principio se quedó en Tijuana para mejorar su pericia musical en los clubes locales, cuando su familia se mudó de nuevo, esta vez a San Francisco, California en el año de 1961, pero pronto la siguió, se encontró matriculado en la escuela, aprendiendo inglés, y queriendo tocar música. Al mismo tiempo, Carlos fue sumergido en el ambiente pintoresco de San Francisco, con sus diversas influencias culturales y estilos musicales. El destino llevó a Carlos al sitio y época correcta, colocándolo en medio de la floreciente y enorme escena musical que era el área de la Bahía.

En 1965 recibió la ciudadanía estadounidense,3 En 1966 debutó con la Santana Blues Bandy y llegaron, del histórico Filmore West de Bill Grahams al escenario principal del memorable Woodstock Peace, Love, Music festival, donde el 16 de agosto de 1969, Santana entregó a las masas su explosión de rock con sabor latino. Su melodía: "Black Magic Woman" conocida en México como

mujer de magia negra" abrió su participación. El tuvo otros éxitos importantes: "Soul Sacrifice", "Jimbo loba-lo-ba", "Gypsy Queen", "Oye como va" con el clásico sonido de Santana raspando la guitarra, y su inolvidable éxito del año 1971: "Samba pa'ti", "Sin depender de nadie", "Guajira". Su albúm Abraxas tuvo ventas importantes en México y Latinoamérica, con el sello CBS. En 1973 se une sentimentalmente a Deborah King, con quien ha procreado a sus hijos Salvador, Estela y Angélica.

Santana, el solista[editar • editar código]

Carlos Santana se quedó con el nombre de la banda y continuó su gira por los Estados Unidos con una serie de músicos distintos, lanzando varios álbumes. Durante este período Santana adoptó el nombre «Devadip», conferido por el líder espiritual Sri Chinmoy. Sacó al mercado muchos álbumes en los 1970 y 1980, incluyendo colaboraciones con John Lee Hooker, Willie Nelson, Herbie Hancock, Booker T. Jones, Wayne Shorter, Ron Carter y The Fabulous Thunderbirds. En 1991, Santana colaboró en el álbum de Ottmar Liebert Sólo para ti, en las canciones Reaching out 2 U y una grabación nueva de su propia canción "Samba pa' ti". Fue instalado en el Rock and Roll Hall of Fame en 1998. Santana fue el único que participó en las dos versiones del cover de Michael Jackson We are the world: We are the world Somos el mundo En 1971 el general Juan Velasco Alvarado le prohibió tocar en el Perú y lo expulsó del país tras clasificarle "hippie imperialista".

En 1972 Santana tomó la delantera de John McLaughlin y se dirigió en una dirección espiritual, de jazz / fusión.

Desde 1976 todavía se estiró instrumentalmente, pero incluía rock convencional y elementos de baile, una combinación que ha mantenido. En este mismo año com-

Biografía

Infected Mushroom es un dúo de psytrance y electrónica-experimental israelí formado por los israelíes Erez Aizen y Amit Duvdevani (conocido como Duvdev) que ha ganado una gran popularidad en los últimos años desde 1999 al presente (2013). Desde su formación en Tel-Aviv, el grupo conserva el estilo de su primera grabación en 1999 The Gathering apreciándose una constante evolución acústica en las siguientes publicaciones Classical Mushroom (2000), BP Empire (2001) y Converting Vegetarians (2003). El álbum Im the supervisor (2004) contiene uno de los más grandes éxitos conseguidos hasta el momento de Erez y Duvdev, permitiéndoles presentarse en lugares donde quizás ellos no se imaginaban llegar desde el inicio de su carrera y vendiendo miles de álbumes, algo inusual para el Psytrance en general. Actualmente se encuentran en una gira celebrando 10 años como Infected Mushroom, en la cual se ha unido un baterista proveniente de Brasil, llamado Rogelio Jardim y un Dj especial para dicha gira. Otro de los integrantes no oficiales de Infected Mushroom es el ya afamado Erez Netz, uno de los guitarristas más importantes en Israel y en otros shows un guitarrista apodado "Jimmy".

A inicios del año 2007 ha publicado un nuevo álbum Vicious Delicious. Es considerada banda emblema por muchos, como la cremê dela cremê de este.[cita requerida].

INFECTED MUSHROOM

Erez Aizen nace en 1980, tiene como base musical la música clásica, como gran parte de los dj de ahora. Aprende a tocar el órgano a la edad de 4 años, que todavía jugaba con las teclas. A los 11 años se aficionó por los ordenadores, lo que causo gran frenesí durante toda su vida.

En plena adolescencia, Aizen es invitado por Avi Nissim para conocer Ibiza, sube por vez primera a un avión que lo acerca a la famosa isla y al amanecer de su cumpleaños toca ante 1000 invitados en una playa paradisíaca. Al poco tiempo uniéndose a DJ Jorg forman “Shiva

Shidapu”. Se produjeron tres álbumes y muchos más bajo el nombre del grupo. En esos instantes todavía no conocía a Amit Duvdevani (Duvdev), paralelamente publica sus propios temas con el nombre de I-Zen. Todavía colabora en algunos junto con Yahel y otros músicos (Goa Gil y Simon Postford).

Amit Duvdevani nace en 1974, sus comienzos son parecidos a los de su compañero Erez Aizen. Tocó el piano a los 9 años. Se interesó por el new wave/punk rock. Formó parte de una banda local cercana a Haifa, llamada “Enzyme”, donde tocaba el órgano y escribía la mayoría de las letras de sus temas.

Pasado un tiempo Duvdev tocó en una banda punk rock llamada “Infected Mushroom”. Su primera experiencia en una “trance party” fue en el año 1991, poco antes de ir al ejército. Influyó mucho en su vida esa experiencia trance, tanto que desde ese momento hasta el presente sólo piensa en la música electrónica.

Tras un año en la India, decide hacer música por su cuenta. En principio trabaja con Roy Sasson, componente de la banda Shidapu, en 4 temas que nunca saldrían a la luz hasta el día de hoy (todavía no han salido). Después se unió a Erez y comenzaron sus proyectos juntos.

Erez y Duvdev sacaron varios temas como “Shidapu & Duvdev”. Comenzaron a investigar nuevas formas musicales entremezclando temas suaves y chillantes e intensos hasta llegar a lo que son conocidos hoy “Infected Mushroom”.

Este dúo ha impactado al mundo entero con varios álbumes que han tocado hondo en los escenarios electrónicos mundiales. El disco “The Gathering” ocupó uno de los primeros lugares de “most played trance álbum” (álbum trance más tocado) el mejor inicio que puede pedir cualquier banda que se inicia en cualquier tipo de música.

Infected Mushroom evoluciona con el tiempo, desde su primer álbum “The Gathering”, algo que tenían ganas de hacer y les salió genial, publicando a continuación

Biografía

Radiohead es una banda británica de rock alternativo originaria de Abingdon, Inglaterra, formada en 1985 y compuesta por Thom Yorke (voz, guitarra, piano), Jonny Greenwood (guitarras, teclado, otros instrumentos), Ed O'Brien (guitarras, segunda voz), Colin Greenwood (bajo, sintetizadores) y Phil Selway (batería, percusión).

Radiohead lanzó su primer sencillo, «Creep» en 1992. La canción fue inicialmente un fracaso comercial, pero se convirtió en un éxito mundial varios meses después del lanzamiento de su álbum debut, Pablo Honey (1993). La popularidad de Radiohead en el Reino Unido aumentó con el lanzamiento de su segundo álbum, The Bends (1995).

El tercero, OK Computer (1997), que habla sobre la alienación y la globalización, ha sido aclamado como un disco histórico de la década de 1990.1 Kid A (2000) y Amnesiac (2001) significaron una evolución en el estilo musical del grupo, al incorporar música electrónica experimental, krautrock, e influencias de música clásica del siglo XX y jazz. Hail to the Thief (2003), una mezcla de rock, música electrónica y letras inspiradas en la guerra, fue el último álbum de la banda con el sello discográfico EMI. Los seis primeros álbumes del grupo, lanzados a través de dicha compañía, habían vendido más de 25 millones de copias hacia 2007.2 Radiohead lanzó de manera independiente su séptimo álbum, In Rainbows (2007). Originalmente se puso a la venta en forma de descarga digital por la que los usuarios pagaban el precio que estimasen oportuno.3 Su octavo álbum, The King of Limbs, se lanzó el 18 de febrero de 2011 a través de descarga digital a un precio fijo y posteriormente pudo ser adquirido en diferentes formatos.4

Radiohead

El trabajo de Radiohead ha sido reconocido por los críticos en distintas listas y sondeos musicales.5 En 2005 se posicionaron en el puesto número 73 en la lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.6 Fueron situados en el puesto 29 en la lista de los 100 artistas más grandes de todos los tiempos según el canal VH1 en 2010.7 En 2011 fueron co-

locados en la posición número 3 de la lista de los mejores artistas británicos de la historia según la revista Paste Magazine.8 Aunque los primeros álbumes de la banda fueron especialmente influyentes en el rock y la música pop británica,9 su trabajo posterior ha influido a otros músicos de géneros que van desde el jazz y la música clásica al hip hop, música electrónica y R&B.10 11 12 13

La escuela Abingdon, donde la banda se formó.

Radiohead se formó a mediados de la década de 1980 en la escuela Abingdon (un colegio privado para varones) en Abingdon, Oxfordshire en Inglaterra,14 a la cual acudían el baterista Phil Selway, el guitarrista Ed O'Brien, el vocalista Thom Yorke, el bajista Colin Greenwood y su hermano Jonny.14 Yorke y Colin Greenwood estaban en el mismo curso, O'Brien y Selway eran un año mayores que ellos y Jonny Greenwood, dos años menor que su hermano.14 Todos provenían de familias de clase media y empezaron a tocar en el salón de música de la escuela, tomando el nombre del único día de la semana en el que podían ensayar: On a Friday («el viernes»).15 La banda realizó su primera presentación en directo en la Taberna Jericho de Oxford a finales de 1986;16 al principio Jonny Greenwood tocaba la armónica y el teclado, pero pronto se convirtió en el guitarrista principal.15 Aunque Yorke, O'Brien, Selway y Colin Greenwood dejaron Abingdon hacia 1987 para asistir a la universidad, la banda siguió practicando los fines de semana y en vacaciones.17 En 1991, cuando todos los miembros de la banda excepto Jonny Greenwood, habían completado sus estudios universitarios, On a Friday se reagrupó y la banda comenzó a grabar demos, entre ellos Manic Hedgehog y reanudaron sus presentaciones en los alrededores de Oxford. La popularidad de la banda en la región de Oxfordshire creció hasta el punto de aparecer en la portada de Curfew, una revista local de música. La música independiente había tenido mucha repercusión en Oxfordshire y en el valle del Támesis a

Biografía

Brazilian Girls is a band from New York City known for their eclectic blend of electronic dance music with musical styles as diverse as tango, chanson, house, reggae and lounge (but no Brazilian rhythms at all).[2] None of the members are actually from Brazil and the only female in the band is Sabina Sciubba.[3] Other members include keyboardist Didi Gutman and drummer Aaron Johnston. Bassist Jesse Murphy is a former member.

The band released three studio albums: their selftitled debut on 1 February 2005, Talk to La Bomb in 12 September 2006, and New York City on 5 August 2008.

The band itself formed in 2003, while rocking out at a New York club, Nublu. While playing a weekly gig, the band wrote many of the original songs that would appear on their debut album, which was eventually released in February 2005.

In 2006, the band recorded "Crosseyed And Painless" for the AIDS benefit album Silencio=Muerte: Red Hot + Latin Redux produced by the Red Hot Organization, as well as releasing their second album, entitled Talk to La Bomb Their third album, New York City came out in 2008. They toured through October, at which time the band took a break for Sciubba to deliver a child. The song "Good Time" off of New York City was featured in an ad for Amstel Light.

In 2009 the album "New York City" is nominated for a Grammy Award for Best Dance/Electronica Album.

BRAZILIAN GIRLS

On January 25, 2011, the band wrote to its fans on Facebook: "It's becoming painfully obvious the band Brazilian Girls is over. We thank you from all our heart for your loving support and all the fun we had. ... Who knows, maybe when we're old and grey we'll do a reunion tour!"

In June 2011, despite rumors of a split, Brazilian Girls collaborated with Forró in the Dark and Angélique Kidjo on the track Aquele Abraço for the Red Hot

Organization's newest charitable album "Red Hot+Rio 2." Proceeds from the sales will be donated to raise awareness and money to fight AIDS/HIV and related health and social issues.

In April 2012 the band reunited, playing live shows and recording new material.[1] None of the members are actually from Brazil and the only female in the band is Sabina Sciubba.[3] Other members include keyboardist Didi Gutman and drummer Aaron Johnston. Bassist Jesse Murphy is a former member.

The band released three studio albums: their selftitled debut on 1 February 2005, Talk to La Bomb in 12 September 2006, and New York City on 5 August 2008.

The band itself formed in 2003, while rocking out at a New York club, Nublu. While playing a weekly gig, the band wrote many of the original songs that would appear on their debut album, which was eventually released in February 2005.

Biografía

Jorge Drexler (n. Montevideo; 21 de septiembre de 1964) es un cantautor uruguayo, ganador del premio Óscar a Mejor canción original. Además de músico y compositor es médico especializado en otorrinolaringología.

Cursó sus estudios básicos en la escuela pública, y la secundaria en el liceo Kennedy y en el instituto Ariel Hebreo Uruguayo. Algunas de sus actividades fueron las de guardavidas, cantante de sinagoga (jazán) y practicante médico a domicilio. Pasó también por las actividades del movimiento juvenil Jazit Hanoar. Estudió medicina y se licenció en su ciudad natal. Tras obtener su diploma se desempeñó como médico otorrinolaringólogo al igual que sus padres.

Es padre de tres hijos. El primero, Pablo, fruto de su matrimonio con la cantante Ana Laan, que graba sus discos bajo el seudónimo de Rita Calypso. Con su actual pareja, Leonor Watling, actriz y cantante del grupo Marlango, tuvo dos hijos; Luca, nacido a comienzos de 2009, y Lea, nacida en julio de 2011.

Inicios artísticos[editar • editar código]

En 1991 obtuvo uno de los premios del Primer Concurso de la Canción Nacional Inédita, realizado por la radio Alfa FM de Montevideo, junto a otros jóvenes artistas también premiados: Carlos Vidal y La Fragua, María Rosa Castrillón, Gastón Rodríguez y Tocata y Fuga, con quienes compartió un casete editado por el sello Sondor.

Al año siguiente el sello Ayuí / Tacuabé editó su primer larga duración el cual se tituló "La luz que sabe robar".

JORGE DREXLER

Fue telonero de Caetano Veloso en el Teatro Solís de Montevideo y luego de Joaquín Sabina en el Teatro de Verano de Montevideo, lo cual determinó que en 1995 fuera a España para tocar en tres conciertos del cantautor español. Pero en vez de quedarse una semana, se quedó a vivir. Actualmente vive en las afueras de Madrid, pero se traslada a Montevideo para grabar sus

discos.

Sus obras son interpretadas por cantantes como Ana Belén, Maria Rita, Víctor Manuel, Pablo Milanés, Miguel Ríos, Ketama, Neneh Cherry, Ana Torroja, el israelí David Broza, Rosario Flores, Jovanotti, Paulinho Moska, Vitor Ramil, el uruguayo Jaime Roos, la tanguera argentina Adriana Varela, Mal de Amores y el Bajofondo Tango Club.

Polémica tras la entrega de los premios Óscar[editar • editar código]

La organización del evento de la entrega de los Premios Óscar decidió que el cantautor uruguayo no debía interpretar su canción hasta ese momento nominada en la categoría de mejor canción inédita para una película por su tema Al otro lado del río en el filme Diarios de motocicleta debido a que Drexler no era una figura lo suficientemente conocida como para hacerlo. A pesar de no estar de acuerdo con esta decisión aceptó las medidas tomadas y aclaró que este penoso incidente fue por parte de los organizadores del evento y no de la Academia.

Durante la entrega de los Premios Óscar la canción fue interpretada por el actor Antonio Banderas acompañado del guitarrista Carlos Santana. Días antes, Drexler había mostrado su inconformidad por este hecho así que, cuando se acercó a recibir el premio en vez de dar el respectivo discurso de agradecimiento interpretó un fragmento de su canción a capella, obteniendo de alguna manera su revancha.

Actualidad[editar • editar código]

Componer es un momento de cuestionamiento, euforia y depresión. Una vez que abrís una canción, no tenés más remedio que terminarla. Si no la sensación es de coitus interruptus, horripilante, no te deja dormir. Y cuando lo resolvés..., no quiero continuar con la analogía, pero sí: es como muy bueno, una intensa sensación placente-

B.B. KING

Biografía

Riley B. King más conocido como B. B. King (por su antiguo apodo «The Beale Street Blues Boy »), nacido el 16 de septiembre de 1925 en Itta Bena, Misisipi, es un famoso guitarrista y compositor de blues y jazz blues.

Según la revista Rolling Stone, ocupa el sexto puesto entre los "100 guitarristas más grandes de todos los tiempos" (detrás de Keith Richards y Jeff Beck).1 Es conocido por llamar a sus guitarras Lucille, una tradición que inició en los 1950s,2 e incluso compuso una canción con ese título haciendo referencia a la manera en que su guitarra cambió su vida.

En 1947, B. B. King comenzó grabando canciones bajo contrato con RPM Records basada en Los Ángeles. Muchas de las primeras grabaciones de King fueron producidas por Sam Phillips, quien luego fundó Sun Records. King fue también disc jockey en Memphis, donde se ganó el apodo de "Beale Street Blues Boy", luego abreviado B. B. En los 1950s, B. B. King se convirtió en uno de los nombres más importantes en la música R&B, con una impresionante lista de éxitos en su haber que incluía canciones como "You Know I Love You," "Woke Up This Morning," "Please Love Me," "When My Heart Beats like a Hammer," "You Upset Me Baby," "Every Day I Have the Blues," "Sneakin' Around," "Ten Long Years," "Bad Luck," "Sweet Little Angel," "On My Word of Honor," y "Please Accept My Love".

1960-1979[editar • editar código] En 1962, King firmó con ABC-Paramount Records.

En noviembre de 1964, King grabó el legendario álbum Live at the Regal en el Regal Theater de Chicago, Illinois.

B. B. King durante un concierto en Francia (1989).

Primero King tuvo éxito fuera del mercado del blues con la nueva versión de 1969 de la melodía de Roy Hawkins, "The Thrill Is Gone", la cual se convirtió en un éxito en las listas de éxitos de pop y R&B, lo cual fue raro

para un artista R&B. También se elevó al puesto 183 en Las 500 Mejores Canciones de Todos los Tiempos de la revista Rolling Stone. Ganó visibilidad en la apertura del Tour por América de 1969 de Los Rolling Stones. Los éxitos de King continuaron durante los 1970s con canciones como "To Know You Is to Love You" y "I Like to Live the Love." Entre 1951 y 1985, King apareció en la lista de éxitos de R&B de la revista Billboard 74 veces.[cita requerida] 1980-1999[editar • editar código] Los 1980s y 1990s vieron a King grabando menos, pero manteniendo una carrera muy visible y activa apareciendo en numerosos programas de televisión, fotos en las que se le ve con más movimiento y realizando 300 noches en un año. En 1988, alcanzó a una nueva generación de fans con el tema "When Love Comes To Town", junto a la banda irlandesa U2 en su álbum Rattle and Hum. En 1998 BB King y Albert King, el Big brother of blues como llamaba BB King cariñosamente a Albert en el Japan Blues Carnival de 1989. Unos años antes en 1988 BB King celebró un especial BB Kings and Friends junto a Albert King, Stevie Ray Vaughan, Eric Clapton, Phil Collins, Gladys Knight, Paul Butterfield, Chaka Khan y Billy Ocean, ese mismo año volverá a acudir con Albert King a otra celebración previa a los premios Grammy.

2000 al presente[editar • editar código] En 2000, King se unió con el guitarrista Eric Clapton para grabar Riding with the King.

En 2003, King compartió el escenario con la banda de rock Phish en Nueva Jersey, tocando tres de sus clásicos durante 30 minutos.

En junio de 2006, King estuvo presente en la conmemoración de su primer transmisión de radio en Three Deuces Building en Greenwood, Misisipi, donde una marca oficial del Misisipi Blues Trail fue construida.

B. B. King también hizo una aparición en el Crossroads Guitar Festival puesto en marcha por Eric Clapton.

En el DVD él toca "Rock Me Baby" junto a Eric Clapton,

Biografía

Gary Moore (Belfast, Reino Unido, 4 de abril de 1952 – Estepona, Málaga, España, 6 de febrero de 2011)1 fue un guitarrista norirlandés que empezó a mostrar sus dotes en la banda Thin Lizzy Juventud y su inicio en la música[editar Nació en la ciudad de Belfast en Irlanda del Norte y es uno de cinco hijos del matrimonio integrado por Bobby y Winnie Moore. Con tan solo ocho años de edad se consiguió una guitarra acústica en malas condiciones, pero es recién a los catorce cuando obtuvo su primera guitarra eléctrica. En 1968 y con dieciséis años se fue de su casa por las malas relaciones entre sus padres y por los problemas políticos de su país, estableciéndose en Dublín. En dicha ciudad y gracias a su talento como guitarrista se integró a Skid Row, conformada por Brendan Shields en el bajo, Noel Bridgeman en la batería y por Phil Lynott en la voz.

En 1970 tuvieron la oportunidad de abrir un concierto de una de las influencias de Gary, Peter Green exmiembro de Fleetwood Mac, quién los ayudó a firmar con el sello CBS Records y que en adición a ello le vendió una de sus guitarras Gibson Les Paul 1959, que llegó a ser la primera guitarra comprada por él. Tras participar en los discos Skid de 1970 y de 34 Hours del año siguiente, decidió retirarse de la agrupación para iniciar su carrera en solitario a mediados de 1972. Con la ayuda de algunos músicos de sesión lanzó al mercado su álbum debut Grinding Stone en mayo de 1973, bajo el apodo de The Gary Moore Band.

El paso por Thin Lizzy y Colosseum

GARY MOORE

En 1974 se trasladó a Inglaterra donde se reencontró con su amigo Phil Lynnott, líder de Thin Lizzy, quién lo invitó a participar en algunas presentaciones en vivo en reemplazo de Eric Bell. Luego fue invitado a grabar la guitarra líder en el tema Still in Love With You del disco Nightlife publicado a fines del mismo año. En 1975 el baterista Jon Hiseman de la banda británica Colosseum,

lo convocó para la reformación de la agrupación a la cual llamó Colosseum II, en que también participó el teclista Don Airey y el bajista Neil Murray, entre otros músicos. Con Hiseman y compañía grabó los álbumes Strange New Flesh en 1976, Electric Savage y War Dance ambos en 1977, con un sonido más cercano al jazz fusion.

A mediados de 1977 y luego de la salida del guitarrista Brian Robertson de Thin Lizzy, Lynnott lo llamó para participar en la gira por los Estados Unidos abriendo los conciertos de Queen y luego en diciembre de 1978 y como miembro activo de la banda participó en las grabaciones del disco Black Rose: A Rock Legend publicado al año siguiente.

Carrera en solitario: los primeros años[editar · editar código] En 1978 y luego de apoyar a Thin Lizzy en su gira por los Estados Unidos decide retornar a su carrera en solitario, con la ayuda de sus excompañeros de banda y a su vez amigos Phil Lynnott, Don Airey y John Mole, entre otros. Su segundo álbum llamado Back on the Streets se publicó en septiembre del mismo año y debutó en el puesto setenta en la lista UK Albums Chart del Reino Unido. Este contiene su primer gran éxito en el país inglés, «Parisienne Walkways» que alcanzó a entrar en el top 10 en la lista UK Singles Chart.

Con la llegada del nuevo decenio Gary viajó a los Los Ángeles en California, donde convocó a algunos músicos y fundó el proyecto G-Force, que lanzó el álbum homónimo en 1980 y que no obtuvo muy buenos resultados en las listas musicales pero sí en la gira promocional, con dos noches consecutivas en el destacado Club Marquee de Londres, entre otras presentaciones por Gran Bretaña. Al poco tiempo después separó al grupo luego de recibir una invitación por parte de Greg Lake para participar en su carrera en solitario.

En 1982 y luego de colaborar en algunos discos de Greg Lake y Cozy Powell, decidió tomar en serio su carrera y por ello lanzó el álbum Corridors of Power que inclu-

Biografía

Stephen Stevie Ray Vaughan (3 de octubre de 1954 - 27 de agosto de 1990) fue un guitarrista y cantante que fusionó los géneros de blues y el rock en los años 80.

Desarrolló un sonido y estilo, basado en artistas como Albert King, Jimi Hendrix, Freddie King u Otis Rush. La revista Rolling Stone lo cita en el lugar #12 de los mejores guitarristas de todos los tiempos.1 También se convirtió en elegible para el Rock and Roll Hall of Fame en 2008. La revista Guitar World lo clasificó como no. 8 en su lista de los 100 guitarristas más grandes.

la que ganó el premio a la banda del año en marzo de 1977) y "Triple Threat Revue".

Hacia septiembre de 1977 Stevie Vaughan formó su banda definitiva, Double-Trouble (más conocida como Stevie Ray Vaughan & Double-Trouble), Tommy Shannon (bajo) y Chris Layton (batería). Posteriormente, en 1985, se uniría un cuarto integrante a la banda, Reese Wynans, un virtuoso tecladista.

Se movieron dentro del estado de Texas hasta el 19 de agosto de 1979, cuando tocaron en el San Francisco Blues Festival.

Montreux[editar · editar código]

Stevie Ray Vaughan nació el 3 de octubre de 1954 en el Hospital Metodista de Dallas (Texas). A los siete años tuvo su primera experiencia con una guitarra cuando le regalaron una de juguete. En 1963 compró su primer disco, "Wham" de Lonnie Mack, quien resultaría un importante referente para Vaughan. Lo escuchó tantas veces que su padre lo terminó rompiendo (por envidia, puesto que él era un músico frustrado).[cita requerida] Principios[editar · editar código]

STEVIE RAY VAUGHAN

Stevie continuó tocando de manera semi-amateur hasta 1969, donde entró a la escena del blues en Austin, Texas. En un amor de verano de 1970 formó su primera banda a largo plazo, los Blackbirds, con Stevie y Kim Davis en las guitarras, Christian dePlicque en la voz, Roddy Colonna & John Huff en la percusión, Noel Deis en los teclados y David Frame en el bajo. A finales de 1971 dejó la secundaria y se mudó a Austin con su banda, estableciendo su base en un club llamado "Hills Country Club". El único hecho merecedor de ser destacado en los próximos años es que en 1974 Stevie obtiene su destruida Stratocaster, la "Number One" que no dejaría por el resto de su carrera. Hasta 1977 participó en bandas como "The Nightcrawlers", "Paul Ray & The Cobras" (con

El 17 de julio de 1982, la banda fue filmada tocando en un festival. Al año siguiente el mánager de Vaughan le da la cinta a Mick Jagger, lo que permitió a la banda realizar una función privada en una fiesta de los Rolling Stones en el New York's Danceteria el 22 de abril de 1983. Poco después de eso la banda hizo la presentación más importante de su carrera cuando tocaron en el Festival Internacional de Jazz de Montreux (en Suiza), siendo la primera banda no programada de antemano en tocar en este recital. Fueron silbados, pero irónicamente ganaron un premio Grammy por la versión del tema "Texas Flood" en ese recital, lo que dio lugar a uno de los discos en vivo más increíbles de Vaughan: Live At Montreux.

Stevie Ray Vaughan progresivamente alcanzó el estrellato alrededor de esta época, cuando en 1982 contribuyó en un disco de David Bowie y en 1983 fue "descubierto" por John Hammond (responsable de descubrir a Bob Dylan, Billie Holiday y Bruce Springsteen, entre otros) luego de escuchar la grabación del recital de Montreux. Hammond le ofreció un contrato para grabar en Epic Records. Ese mismo año (1983) salió su primer álbum, Texas flood. Las repercusiones no se hicieron esperar, y la revista Guitar Player lo eligió como "mejor nuevo talento", "mejor álbum de guitarra