Potenciar los sentidos del espectador.
Generar en el espectador una experiencia sensorial a travĂŠs del uso de colores contrastantes, vibraciĂłn de la luz, uso intermitente de patrones, deformaciones o figuras de forma aleatoria u orgĂĄnica.
Mi obra atiende a esta parte de generar conocimiento a través de la psiquedélia, un manifiesto de la mente. Un forma de externalizar la cognición, de encarnar la facultad de procesar la información obtenida a partir de la precepción.
Tiendo en cuenta que la psiquedélia puede ser un medio para construir de forma física la imaginación, extender las fronteras de la mente humana convirtiendo visiones a la existencia convirtiéndose en alucinaciones activas.
Generar sensaciones en el espectador a través de obra que atiende a la ilustración, trabajo que busca representar la generación de conocimiento a través de la alteración psiquedélica de los procesos cognitivos por medio de manifestaciones visuales.
La importancia recae en la representación física del proceso psiquedélico, en mi obra intento trasladar ese significado en movimiento. Ritmo y repetición son la raíz del movimiento, crean la situación dentro de la cual una forma simple deja ser una pieza individual, al juntarlas y repetirlas adquiere significado y sustentabilidad por sí mismo.
Al avanzar en mi proceso creativo y en el desarrollo de mi trabajo art铆stico ir茅 formando y descartando posibilidades de generadores de sensaci贸n a la luz que estudios sobre el comportamiento de la luz, el color y su comportamiento frente a la precepci贸n humana.
Psiquedélia remite al término psique que en griego es mente, representa un manifiesto de las ideas, una ilustración de la generación del pensamiento. La psiquedélia se trata de un estado de conciencia inherente en el hombre, una situación donde la idea o alma se encuentra con el mundo exterior al hombre.
El progreso del ser humano vincula el arte con la técnica y la tecnología y a la vida con la tecnología misma. Es decir, el progreso en el arte se ilumina, por así decirlo, en su relación con la técnica y la tecnología.
Sin embargo, la tecnología no solo son las máquinas existentes en cada momento. Propiamente la tecnología no se ve; es el conocimiento, la interface entre nosotros y el mondo de la mediación técnica.
Larry Carlson
El desarrollo de la tecnología de los últimos años puede ser un ejemplo de cómo la psiquedélia se desenvuelve. La tecnología es una serie de conocimientos, saberes, habilidades y a partir de ellos, se permite generar objetos que le sirven al ser humano a adaptarse al medio. La tecnología es una representación de la imaginación humana.
De la abstracción hasta la consolidación de dichos instrumentos que permiten transformar el medio para cubrir necesidades, anhelos, deseos y compulsiones humanas, es una representación psiquedélica.
“Por otra parte, los descubrimientos realizados por la ciencia moderna comienzan a mostrar puntos de convergencia con las creencias sustentadas por culturas milenarias. Desde este punto de vista, el psiquismo es una manifestación de la inteligencia. Los estados no ordinarios de conciencia nos brindan una nueva visión de papel que desempeña la espiritualidad en el esquema universal de las cosas.” —Stinislav Grof. La Mente Holotrópica
Las formas y figuras en repetición así como las más orgánicas forman parte de un mecanismo de sensación de movimiento. La intención con el uso de figuras y colores es la representación del concepto de psiquedélia, el flujo natural del pensamiento. Las ideas no son estáticas aunque nuestro cuerpo este quieto, el espíritu del pensamiento por tanto la obra no puede permanecer estática, tiene movimiento dentro de sí.
Alex Grey
Tomo ciertas cuestiones del cinetismo, acerca de la forma de crear basada en el movimiento de los elementos que componen la obra o que se disponen en el espacio de la representaci贸n gr谩fica, tratando de ponerlo al paralelo de psiqued茅lia que tiene que ver con una exploraci贸n generadora de ideas.
V. Vasarely
La obra psiquedélica no busca generar conocimiento en el espectador per sé, está enfocado hacia potenciar los sentidos del espectador e interactúe de una manera un tanto indirecta. Remite más a lo visual, ilustrativo. En una manifestación de procesos cognitivos, el espectador puede entenderlo como un trabajo de auto exploración. El aspecto de introspección es personal, el espectador solo percibe el resultado de la búsqueda de interpretación de introspección.
Parto de premisas del arte cinético y del arte óptico de la década de los sesentas, sus principios y con el discurso de psiquedélia. El movimiento siempre ha estado presente en el arte en todos los tiempos o por lo menos hubo artistas que se preocuparon por introducirlo en sus obras: Los toros de Lascaux, en el discóbolo de Mirón, los futuristas, artistas como Kandinsky, Duchamp, Matisse, Mondrian, etc. Pero en las artes estáticas como en la pintura y la escultura el movimiento se encuentra representado de una manera estática.
Artistas: Victor Vasarely, Bridget Riley, Peter Sedgley, Eusebio Sempere, Equipo 57, Jesus Rafael Soto, Tomasello, Julio Le Parc, Carlos Cruz-Diez, Grupo Zero, George Rickey, Pol Bury.
Bridget Riley.
Antecedentes e influencias del arte cinético: Puntillismo, Orfismo, Futurismo: Representación del movimiento. Constructivismo: Color y carácter funcional. Psicología de la percepción. Dadaísmo: Rotoreliefs (discos giratorios con efectos luminosos). Picabia: Diseños de maquinas imposibles.
F. Picabia
M. Duchamp
Tipos de obras en el arte cinético: •Obras que se mueven con una fuerza motriz: Energía natural, energía eléctrica, magnetismo. •Obras que requieren la utilización de la luz: Movimiento de la luz en el espacio, Luz proyectada sobre discos en movimiento o desde atrás de la obra. •Obras que precisan de la participación del espectador que las manipula. •Obras que implican el movimiento del espectador.
El comportamiento de los colores, formas o configuraciones y las relaciones entre estos enfrentan al espectador a una obra abierta de la que forma parte al convertirse en el contenedor que la prolonga o finaliza.
M. Duchamp
Para Carlos Cruz-Diez, el espectador ante una obra ‘tiene que vivirla’ porque cualquier creación no puede detenerse. Si no que la misma está concebida para el ‘instante’. La creación está en constante cambio. ‘No es la misma’, según la distancia de la cual se contemple, aseguró. ‘No es un cuadro colgado de un cuadro, si no que es vida, participa de la vida y está entre nosotros’.
El alemán Günther Uecker, integrante del grupo Zero junto con Heinz Mack y Otto Piene, Menciona que las heridas son cicatrices que quedan en lo profundo de nuestra intimidad y el artista a través de su intuición, debe estar en medio para comunicar este recuerdo. Desde su perspectiva, la finalidad era liberar al individuo, alejarse de la representación con la intención de crear un arte universal gracias al uso monocromático y puro del color y de la luz