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arte......3,4,5 diseño grafico......6,7,8 diseño industrial......9,10,11 diseño de modas......12,13,14 arquitectura.....14,15,16 fotografia......18,19,29 cine......21,22,23
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No hablo solo de escenas como la del baile de Uma Thurman y John Travolta (mi favorita, cada vez que la veo se me ponen los pelos de punta), sino de sus diálogos, la estructura, el contraste entre el humor (negrísimo) y la violencia, la música escogida para ilustrar las escenas y, especialmente, un reparto perfecto. Los diálogos, disparados como ráfagas de una ametralladora, pueden rayar lo absurdo y resultar aparentemente vacíos, pero son capaces de definir a los personajes, de retratar las charlas intrascendentes entre compañeros de trabajo y de darle a la historia un toque de espontaneidad, ironía, humor y sarcasmo. La estructura, pese a pasarse por el foro las normas habituales de la narrativa, consigue que la historia sorprenda y que poco a poco vaya encajando en la cabeza del espectador. Al principio el desconcierto puede asustar a más de uno, pero en realidad seguir la trama es más fácil de lo que puede parecer pese a los saltos temporales. En fin... Pulp fiction me entusiasma. Así de simple. Tanto que incluso le puedo perdonar a Tarantino (de quien no soy un fanboy aunque parezca lo contrario) sus aires de grandeza.
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Opinión ¿Os acordáis que no hace mucho os hable de Following de Christopher Nolan? Sobre esta os decía que pese a la narración fragmentada, al magnetismo de los primeros minutos y al supuesto aire transgresor, al final no era más de un cúmulo de tópicos del cine negro que no lograba sorprender con sus giros argumentales. Pues bien, donde Nolan fracasó, Tarantino triunfa.
¿Por qué? Porque pese a que Pulp Fiction también parte de los tópicos del cine negro, consigue crearse su propia personalidad hasta el punto de ser una de las películas más icónicas de la historia del cine.
surrealismo El surrealismo fue uno de las artes de vanguardia europeos que surgió en Francia a principios del siglo XX. Reúne a artistas anteriormente vinculados al Dadaísmo ganando dimensión internacional. Fuertemente influenciado por las teorías psicoanalíticas de Sigmund Freud (1856-1939), pero también por el marxismo, el surrealismo enfatiza el papel del inconsciente en la actividad creativa. Uno de sus objetivos fue producir un arte que, según el movimiento, estaba siendo destruido por el racionalismo. El poeta y crítico André Breton (1896-1966) es el principal líder y mentor de este movimiento. Este movimiento artístico se originó en reacción al racionalismo y al materialismo de la sociedad occidental.
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André Breton
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significado de surrealismo El surrealismo fue un movimiento literario y artístico de origen francés , que se caracteriza por la expresión del pensamiento de modo espontáneo y automático, regulado solamente por los impulsos subconscientes, haciendo caso omiso de la lógica y la negación de las normas establecidas de orden moral y social. El origen del término “surrealismo” ocurrió en 1917, a través de G. Apollinaire, siendo una palabra con el significado de “lo que está por encima del realismo”. A pesar de ello, como movimiento artístico y literario, sólo surgió en Francia en la década de 1920.
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Reseña cine: Pulp Fiction Es muy difícil hablar sobre esta película, básicamente porque ya esta todo dicho, tanto para bien como para mal... pero como mi ego no tiene parangón no me voy a privar de compartir mi opinión sobre la que muchos dicen que es la obra maestra de Tarantino. Como digo en el cuadro de descripción de la sección: porque yo lo valgo.
Sinopsis Jules y Vincent son dos matones de segunda que trabajan para el capo mafioso Wallace, el cual les ha pedido que recuperen un maletín que le han robado. Lo que no saben es que para ello no solo tendrán que enfrentarse a varios tiroteos, sino también a varios drogadictos, un boxeador caído en desgracia y varios cadáveres mientras Vincent trata de no caer bajo los encantos de Mia, la novia de su jefe.
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5) Sam McGuire Desde un punto de vista profesional, la diferencia entre un buen fotógrafo y un gran fotógrafo es la constancia. Con algunos fotógrafos, cuando necesitas dos buenas fotos tienes dos buenas fotos, y cuando necesitas 10 buenas fotos tienes dos buenas fotos. Sam McGuire hace alarde de una genial constancia, tanto en su trabajo al aire libre como en el estudio. Sus imágenes siempre tienen color y viveza. Además, nunca le ha temblado el pulso a la hora de llevar el skate a los lugares más inesperados.
Salvador Dali Es el más conocido de los artistas surrealistas. Tuvo la oportunidad de conocer a Lorca y Buñuel. Sus primeras obras son influenciadas por el cubismo de Gris y por la pintura metafísica de Giorgio De Chirico. Finalmente se adhirió al surrealismo, junto con su amigo Luis Buñuel, cineasta. En 1924 el pintor fue expulsado de la Academia y comenzó a interesarse por el psicoanálisis de Freud, que significo mucho a lo largo
Artistitas destacados del surrealismo
6) Mike Blabac Mike Blabac creó el lenguaje visual para DC Shoes. No está mal como currículo, ¿eh? Sus imágenes son expansivas y muy nítidas. Ha sido uno de los primeros fotógrafos de skate independientes de la era moderna. Su nivel de exigencia nunca le permite conformarse con ser el segundo.
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Joan Miró Considerado por Breton como el más surrealista de todos. Él quería negar la razón y soltar el inconsciente. Inventó signos biomorficos parecidos a objetos de la naturaleza. Con los años, estas formas se están cada vez más simplificadas. Miró decía: “lo importante es desnudar el alma”. “Miró no colocaba un punto en una hoja de papel sin acertar directo al blanco”, dijo Giacometti.
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1. Explosión de colores vivos Amarillos eléctricos, corales brillantes, azules vivos… Lo pop llega a 2019 con toda la fuerza del mundo, sustituyendo las paletas de colores discretos de temporadas pasadas. Si el año pasado imperaban los colores audaces, este año el color gana en viveza, incluyendo tonos más claros pero intensos y llamativos. Un ejemplo claro lo tenemos en Apple, que hace unas semanas incluía este tipo de colores en sus diseños. 2. Fuertes puntos focales tipográficos Quizás para hablar de otra de las tendencias de diseño gráfico en 2019 podamos hablar de una conocida marca: Adidas. En las últimas temporadas la compañía ha optado por utilizar fuentes en negrita en todo su marketing.
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3) Gaston Francisco Gaston Francisco es un autodidacta que no contó con ayuda en sus comienzos. Puede que hayas visto su reciente portada en Transworld con Tiago Lemos. Nadie ha hecho más que él para promocionar a los skaters latinoamericanos y la cultura del skate a nivel internacional. Ha trabajado con algunos de los mejores del mundo y recorrido más veces el planeta embarcado en misiones de skate de lo que parecería posible. Es todo corazón y ambición.
4) Grant Brittain Grant Brittain es el tipo que ha tomado las fotos que han influenciado a la cultura skate hasta el día de hoy. Pocos fotógrafos en la historia han transformado simultáneamente tanto el tema que trataban como la forma de capturarlo como lo ha hecho el venerado Mr. Brittain con el skate. Alcanzó la cima en su profesión ya fuese durante sus años de gloria en Transworld o después en la impecable revista Skateboard Mag.
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De pioneros a innovadores, hemos elegido 10 artistas de la camara que han cambiado el mundo del skate. Joe Brook es el hombre más querido del skate. Habiendo sido el fotógrafo de la revista Slap Magazine y también de Thrasher, Joe ha cruzado EE.UU. innumerables veces con su camioneta y ha puesto de moda el skate en Detroit, su ciudad natal. Sus veranos en Europa también ayudaron a que en Estados Unidos se conociese mejor el skate del Viejo Continente. 2) Kevin Metallier Una de las cualidades menos reconocidas pero más importantes para un fotógrafo de skate es la humildad. Los skaters prefieren trabajar con fotógrafos humildes pero la verdad es que hay unos cuantos artistas con bastante ego. No es el caso de Kevin Metallier, un gran trabajador con un enorme talento para la luz y la composición con el que todo el mundo quiere colaborar. Además, entiende mejor que nadie lo que el legendario fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson llamaba “el momento decisivo”. Es uno de los fotógrafos más importantes de la historia del skate aunque su modestia no le permitiría admitirlo.
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3. Influencia futurista Las influencias futuristas serán la corriente principal de diseño en 2019. ¿Os acordáis de aquellas pelis ochenteras que hablaban de los 2000 como el futuro? Pues ha llegado hora de que el diseño refleje esa estética futurista que, según el cine de antaño, estamos viviendo ahora. ¿Cómo? A través de texturas, patrones y colores futuristas. De hecho, que este año se lleven los colores vivos y eléctricos no es una simple casualidad, ¿no crees? Si quieres darle esta estética a tus diseños, intenta crear algo que parezca sacado de una peli de ciencia ficción. ¿Algunos trucos? Fondos o patrones abstractos, degradados de color, elementos holográficos o reflectantes… Te mostramos algunos ejemplos que definen a la perfección esta moda.
4. Esquemas de color claro y oscuro Algunas compañías tecnológicas como Apple o Facebook ya lo están utilizando en sus aplicaciones. Nos referimos a la combinación o versiones de colores claro y oscuro en un mismo diseño, lo que le aporta una gran flexibilidad al trabajo final. Veamos ejemplos.
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5. Degradados complejos y duotonos Nada como un degradado para dar esa sensación de profundidad a los diseños. Esto es muy notable en los dispositivos móviles. Y este año lo tenemos como tendencia que, avisamos, ¡llega para quedarse! 6. Minimalismo colorido Mucha gente lo ha confundido con el uso específico del blanco y el negro, o paletas de colores neutros, pero el minimalismo consiste en reducir el diseño a los componentes necesarios. En 2019 llegará acompañado de color y creatividad. 7. Ilustraciones dinámicas y detalladas, hechas a mano Las ilustraciones personalizadas o dibujadas a mano son la mejor forma de destacar por la autenticidad (y evitar innecesarios plagios). El año pasado ya habían marcado tendencia. Pero si en 2018 hablábamos de ilustraciones simples, en 2019 lo haremos con dibujos dinámicos, más completos y complejos.
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Obviamente, toda cámara necesita del ojo de alguien para cumplir su función. Con ello quiero decir que el fotógrafo que la porta debe saber qué quiere fotografiar, debe tener la educación visual suficiente para saber captar lo que el edificio quiere contarnos; o lo que el arquitecto pretendía proclamar en el momento de realización de la misma. Si sabemos capturar esa esencia, esa controversia interna, seremos buenos observadores, además de buenos fotógrafos. Fotografiar arquitectura; pero también atmósferas.
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Nuestros ojos son los encargados de captar y embeber dicha información; nuestro cerebro de tratarla y traducirla; pero es la fotografía, más concretamente nuestra cámara, la que consigue retenerla, congelarla en forma de foto, para que una vez nuestros ojos hayan dejado de mirar, comiencen a ver. Como decía Le Corbusier, sencillamente, “hay que ver lo que se mira”. Para comprehender y percibir la arquitectura, necesitamos atender tanto al objeto a fotografiar, como al entorno en el que se ubica; el background que conforma la escena. Si fotografiásemos solamente el edificio, nos estaríamos equivocando: captaríamos el mismo, pero no la arquitectura. Pues esta no es sólo construcción. Es eso, y todas las conversaciones que dicha obra inicia con el entorno. Un diálogo: con otros edificios, con los usuarios, con la naturaleza… Tal vez en este último punto, en el que la arquitectura se posiciona ante el entorno natural, es donde se ven más presentemente las líneas rojas que separan ambos mundos y condiciones: el fenómeno natural, que no constituye un simple fondo decorativo, sino que conforma el entorno agresivo al que se opone el orden humano, la casa, geométrica, abstracta; pura invención de la mente.
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Irregular, simple, sugestivo y perecedero, los fundamentos del diseño Japonés MUJI o Mujirushi Ryohin, traducido al inglés como no-brand quality goods, es parte del cimiento de marcas como MINISO y MUMUSO, que han hecho de su propuesta una tendencia de diseño y manufactura hiper-eficiente. Aunque estas son con las que estamos más familiarizados, este principio comercial existe como parte de una profunda historia de lo comprendido por los principios de diseño japonés. El MUJI en un inicio se popularizó por su política de sin-logo, sin-branding y diseño simplificado. Revolucionando la industria con su fuerte disrupción acompañada con un equipo de los más talentosos diseñadores hoy existe en estatus legendario visto más que como una exitosa cadena comercial, como un especie de manifesto de la anti-marca, el minimalismo y del rol invencible del diseño en el estilo de vida. No obstante, la marca se ha presentado a sí misma como una filosofía basada en un proceso de manufactura “extremadamente” racional en conjunto con conceptos de simplicidad o “emptiness” que ultimadamente crean la mejor universalidad. Un diseño en principio de canvas vacío para todos los sentimientos y pensamientos de un consumidor.
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Los Fundamentales Es importante referirse también, al rol filosófico, espiritual y de estilo de vida que gira siempre alrededor de estos ideales, como lo es el de la filosofía zen. En este universo de conceptos de estética japonés algunos de los principios más identificados y comprensivos: Kanso () – Simplicidad. Expresión clara y natural, no en relación a su decoración pero a su transparencia, omisión de lo no esencial. Fukinsei () – Irregularidad (Asimetría). Mejor entendido como un balance composicional entre lo que entendemos como simetrico y asimetrico. La imperfección como parte natural de la relación armónica de las cosas. Shinzen () – Naturalidad. La ausencia de artificialidad, incluso cuando es parte de una voluntad que planea. Yugen (
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Como ver y fotografiar la arquitectura
os seres humanos somos “máquinas de ver”. Salvo en el caso de aquellos que no cuentan con dicha condición, los ojos son nuestra mayor productora de información. Posteriormente el cerebro de cada cual interpreta dichas imágenes según proceda… No hay que confundir el “mirar”, con el acto de “ver” algo. La mirada, respuesta automática y pasiva, debe convertirse en el acto de ver, de procesar todos esos bits de información en algo concreto, tangible. Sherlock Holmes observaba el lóbulo de una oreja con objeto de deducir un parentesco; Proust, el dobladillo de un vestido o la nuca para comprender en profundidad a una mujer… ¿Dónde se oculta el signo? ¿Cómo saber, en una imagen, ya sea verbal, visual o sonora, cuál es la parte significante y cuál el fondo neutro y vacío, el ruido que hay que descartar?
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¿Qué opinión te merece la moda española? Pienso que en España hay mucho talento, pero que está mal explotado. Actualmente resides en Madrid pero ¿tienes pensado irte a vivir a otro sitio para poder desarrollar tu faceta de creador? ¿Por qué? Pretendo seguir formándome en el extranjero si tengo la oportunidad, pero siempre he querido desarrollar mi marca en Madrid.
Los Grandes Referentes Yusaku Kamekura es uno de los pioneros de esta destreza y su trabajo comercial se ve reflejado en distintos formatos, como logos, empaques, libros y sus famosos posters. Su educación orientada por el Bauhaus es un complemento a los grandes principios del diseño japonés.
¿Tienes algún proyecto en desarrollo o algún proyecto a medio-largo plazo? Jajajajaja. Pronto lo sabréis. ¿Cuál es tu sueño? ¿A dónde te gustaría llegar? Mi mayor sueño es poder vivir de lo que hago y cruzarme con alguien llevando mi ropa por la calle. ¿Cómo definirías la moda? Placer, pasión y trabajo.
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Kenya Hara es el sucesor de Ikko Tanaka dentro de MUJI y también a sido una figura predominante en el diseño y curaduría japonés. A sido un autor clave en la documentación de los conceptos de estética japonés y su relevancia en el estrato espiritual y filosófico.
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Entrevista con el joven diseñador de moda Andi Cui Cuéntanos un poco sobre ti. ¿Cómo te describes? Me llamo Andi Cui, soy de origen chino pero he nacido en Madrid, donde resido, tengo 22 años y soy diseñador de moda. ¿Desde cuándo te gusta la moda? ¿De dónde viene esta pasión? Desde que tengo uso de razón recuerdo ir de compras con mi madre, que siempre ha sido una gran consumidora de moda además de mi musa. Mi prima también estudió diseño de moda así que me ayudó a convencer a mis padres. Eres blogger y diseñador. ¿Qué te aporta cada faceta? Siempre me ha encantado la moda y todos sus campos. El blog me sirvió de mucho para dar visibilidad a mi trabajo, es decir, se convirtió en un medio para poder llegar a ser lo que quiero: diseñador de moda.
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Pese a tu juventud, has presentado varias colecciones en lugares tan diversos como Moscú o Valencia. ¿Cómo surgieron ambas oportunidades? Las oportunidades me las brindó mi universidad, ESNE. Siempre nos han impulsado a participar en concursos para darnos visibilidad, no solo nacional sino también internacional. Estas experiencias me han servido para crecer como persona pero sobre todo para conocer cómo es el ámbito de la moda en otros países y ciudades. La colección que presentaste en Valencia se denomina “Still”. Cuéntanos, ¿en qué te inspiraste al diseñarla? Siempre me ha gustado inspirarme en conceptos en vez de en cosas concretas. Me gusta transmitir sensaciones, narrar historias y que el cliente final tenga su propia visión de la colección. Esta colección en concreto estaba inspirada en el proceso creativo de un artista. Cuenta las fases por las que pasa hasta el “parto” de la obra, desde un punto de vista psicológico. Por eso las texturas, los tejidos y los colores eran claves para poder expresar bien esos estados.
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