Artnatic Brasil - The Time To Bloom/É Tempo de Florescer by Artnatic

EDITION #1 Artmagazine Artnatic English & Portuguese

Brasil A inquietude do olhar da artista Vera Reichert Vera Reichert art’s restlessness

Crânio Arte: O Grafite e sua conscientização Crânio Art: Graffiti and its Awareness

Abel Gomes: o Mago da Cenografia Brasileira Abel Gomes: the wizard of Brazilian scenery

Joias inspiradas nas criações de Oscar Niemeyer Jewelry designed by Architect Oscar Niemeyer

SOBRE O CRIADOR DA ARTNATIC Nascido na Cidade Maravilhosa, Athius cresceu cercado por uma interação verdadeiramente maravilhosa de arquitetura e natureza. Sua mãe costumava levá-lo para o trabalho e, para ele, isso significava ir aos bastidores de grandes eventos como ‘Rock in Rio’, onde também participava e cooperava com todos. Aos 11 anos, Athius experimenta um tremendo choque cultural: sua família se muda da metrópole do Rio para o pequeno Principado de Liechtenstein. Lá, o jovem completa o tempo escolar obrigatório e presta-se aos idiomas alemão, italiano, português e inglês. Após finalizar o Ensino Médio, especializou-se como Técnico de Edificações. A partir disso, sua paixão pela beleza e design, assim como também o forte desejo de liberdade criativa, se aprofundaram. Desde os 19 anos, é autônomo e trabalha como designer, programador e artista.

ABOUT THE CREATOR OF ARTNATIC Born in the ‘Marvelous City’, Athius grew up surrounded by a truly wonderful interaction of architecture and nature. His mother used to take him to work and, for him, that meant going behind the scenes of big events like ‘Rock in Rio’, where he also participated and cooperated with everybody. At the age of 11, Athius experiences a tremendous culture shock: his family moves from the large city of Rio de Janeiro to the small Principality of Liechtenstein. There, the young man completes the mandatory school time and dedicates himself to the study of languages: German, Italian, Portuguese and English. After High School, he specialized as a Building Technician. From then on, his passion for beauty and design, as well as the strong desire of creative freedom, deepened. Since the age of 19, he is an autonomous professional and works as a designer, programmer and artist.

T O D A E

B E L E Z A

N A T U R A L

E N C A N T A M E N T O

C A P I M

D O U R A D O

B E L Í S S I M A S

D O

E M

P E Ç A S .

All natural beauty and the enchantment of the golden grass in beautiful pieces.

r ro dyn ergaller y@gmail.com www.rod yn ergaller y.com

b y:

K EL LY

N I ELS EN

W W W.AL MADABIJO U . CH

No ssa Se nho r a do Ca b o 1 0 1 , l o j a 1 4 | 2 7 5 0 - 3 7 4 , Cas cais | Portu gu al

Art For The World!

Literatura que faz a diferença.

OLIVEIR

RTE

inartexpo@gmail.com www.artnatic.com.br

Literature that makes the difference.

www.helvetia-edicoes.com.br

Diretor Director

Athius da Cruz Mendes

Diretora Comercial Sales Director

Denise da Cruz

O caminho é o objetivo. Editoração Editor

Jannini Rosa

Redação Editorial Board

Jannini Rosa Rodrigo Branco

Revisão e Tradução Review and Translation

Betty Silberstein

Com a primeira revista Artnatic “É Tempo de Florescer”, vamos juntos para uma nova era de arte e paixão. O objetivo da Artnatic é mostrar uma nova maneira de Arte e impedir que galerias gananciosas vejam a Arte como dinheiro. Nós vemos a Arte como base para uma sociedade saudável. Nós damos a cada artista ou talentos em vista a chance de mostrar sua beleza interior ao mundo, seja através do mundo digital ou analógico. A Arte é a origem da sociedade contemporânea, que conta a história para as diferentes gerações. Assim, com a nossa primeira edição da revista, um novo marco na história da Arte nasce e estamos contentes que você compartilhe isso conosco. “A Arte está lá porque a vida não é suficiente.” Obrigado! Artnatic Brasil Athius da Cruz Mendes

Design Gráfico Graphic Designer

Gustavo Soares Vicente Albuquerque

The path is the goal. With the first Artnatic magazine “I’s time to Bloom”, we are going together to a new era of art and passion. The goal of Artnatic is to show a new way of Art and prevent greedy galleries to see Art as money. We see Art as a basis for a healthy society. We give every artist or talent the chance to show their inner beauty to the world, whether through digital or analog world. Art is the origin of the contemporary society, that tells the story to different generations. So, with our first issue of the magazine, a new milestone in the history of Art is born and we are happy to share this with you. “Art is there because life is not enough.”

www.artnatic.com.br

Thank you! Artnatic Brasil Athius da Cruz Mendes

AGRADECIMENTO A vida é feita de desafios e obstáculos que precisamos superar! Em muitos deles, é necessário ter parceiros que acreditem no desafio e na capacidade de sairmos vitoriosos no desejo de trazermos alegria e um pouco da cultura brasileira a toda nossa comunidade no exterior. A Artnatic está imensamente agradecida pelo apoio recebido por vocês, ao acreditarem no sucesso deste importante lançamento da revista e Exposição Artnatic Brasil. Confiantes que as contribuições foram de grande valia para a divulgação da cultura brasileira no exterior e valendo-nos desta oportunidade, registramos mais uma vez, nossos agradecimentos ao Consulado do Geral do Brasil em Genebra, em especial à Embaixadora Susan Kleebank e a toda comissão organizadora pelo apoio e respeito que nos dedicaram. Athius da Cruz Mendes Artnatic Creator and Ceo / www.athius.li

ACKNOWLEDGMENT Life is made up of challenges and obstacles we need to overcome! In many of them, it is necessary to have partners who believe in the challenge and in the ability of coming out victorious in the desire to bring joy and a bit of Brazilian culture to all our community abroad. Artnatic is immensely grateful for the support received from you, as you believed in the success of the important launch of the magazine and Art Show Artnatic Brazil. Confident that the contributions were of great value to the dissemination of Brazilian culture abroad and using this opportunity, we register, once again, our thanks to the Consulate General of Brazil in Geneva, in particular Ambassador Susan Kleebank and the entire organizing committee for the support and respect they have dedicated to us. Athius da Cruz Mendes Artnatic Creator and Ceo / www.athius.li

pag. 08

A Inquietude do Olhar de Vera Reichert Vera Reichert’s Restless Eye

pag. 11

A Literatura como Instrumento de Transformação Social

Literature as an Instrument of Social Transformation

pag. 15

Arte Visual, Fotografia e Escultura: o conjunto de Alex Flemming Visual Art, Photography and

Sculpture: the set of Alex Flemming

pag. 20

Arte e Literatura Feitas com Amor

Art and Literature Made with Love

pag. 22

H.STERN Lança Jóias Inspiradas por Esboços Curvosos do Arquitetos Oscar Niemeyer

H.STERN Lauches Jeweles Inspired by Curveous Sketches of Architect Oscar Niemeyer

pag. 32

Uma Vida Dedicada Arte e à Mudança Social A life devoted to Art and Social Change

pag. 34

O colorido da Arte Amazônica

The Colorfulness of the Amazonian Art

pag. 39

O Mago da Cenografia Brasileira

The Wizard of Brazilian Stage Set

pag. 44

Liechtenstein: o Principado

que Apoia a Cultura Brasileira

Liechtenstein: the Principality

which Supports Brazilian Culture

pag. 49

A Importância da Língua de Herança e do Bilinguismo

The importance of Heritance Language and Bilingualism

pag. 52

A arte da Mesa Posta The art of setting a table

pag. 54

O Encanto da Cerâmica The charm of Pottery

pag. 56

Editora Brasileira na Suíça dá voz aos Desabafos e Sonhos de Migrantes Escritores Brazilian Publisher in Switzerland gives voice to migrant writers’ outbursts and dreams

pag. 62

CRÂNIO: Originalidade, Debate e Reflexão CRÂNIO: Originality, Debate and Reflection

pag. 64

JackMichel, a Escritora 2 em 1 JackMichel the 2 in 1 Writer

pag. 66

Yonis Malacrida e sua Paixão pela Porcelana A life devoted to Art and Social Change

pag. 68

Arquitetura e Economia Sustentável Architecture and Sustainable Economy

pag. 75

A Natureza como Musa Inspiradora de Argina Seixas Nature as Argina Seixas’ Inspiring Muse

pag. 77

Eduardo Kobra e sua História de Superação Eduardo Kobra and his history of resilience

pag. 84

Artérias Emaranhadas: Fotografia Propositada Artérias Emaranhadas (Tangled Arteries): Photography on Purpose 7

Big S o ft C o r al

A Inquietude do Olhar de Vera Reichert Vera Reichert’s Restless Eye A arte tem a incrível capacidade de atrair as pessoas por sua natureza estética e criativa. A contemplação de um quadro, de uma fotografia ou uma escultura partem, primeiramente, da beleza do objeto. Depois, o observador busca algo mais... Algo que tenha significância e que acione em seu cérebro a reflexão e o aprendizado. Vera Reichert, artista plástica e visual, é um grande exemplo do que é produzir arte com relevância. Mesmo sendo formada em Letras, foi nos desenhos, cores e texturas que ela se encontrou. A arte abstrata da artista tem como matéria plástica a Água. Sua experiência como mergulhadora profissional e seu amor pelo fundo do mar foram ao encontro de sua natureza artística e possibilitaram que ela utilizasse seus conhecimentos para transmitir a urgência que o planeta Terra vive e a importância de incutir nas pessoas o que a poluição da água pode causar.

Art has the incredible ability of attracting people due to its aesthetic and creative nature. The contemplation of a painting, a photograph or a sculpture emerges, first, from the beauty of the object. Then, the observer looks for something more... Something that has significance and that triggers in his brain the reflection and the learning. Vera Reichert, a visual artist, is a great example of what it is to producing art with relevance. Even though she has a BA in Languages and Literature, it was in the drawings, colors and textures that she found herself. The artist’s abstract art has water as plastic matter. Her experience as a professional scuba diver and her love of the sea floor are expressed through her artistic nature and have enabled her to use her knowledge to convey the urgency and the importance of educating people on the consequences water pollution has on planet Earth.

O interesse pela temática da preservação da água surgiu de suas experiências como mergulhadora. No início, a artista desenhava animais em seus habitats. No entanto, passou a notar alterações nos lugares em que costumava mergulhar, devido ao aquecimento da água dos oceanos, como o branqueamento dos corais e a extinção de várias espécies de peixes. Foi durante um mergulho que aconteceu a mudança de seu trabalho: o figurativo deu lugar ao abstrato. Imersa nessa insatisfação do olhar, teve o ímpeto de mudar o foco e buscar um novo sentido

Vera’s interest in the theme of water preservation arose from her experiences as a scuba diver. In her early days, the artist drew animals in their natural habitats based on her experiences at the bottom of the sea. However, she began to notice changes in the natural habitats she was accustomed to observing while diving, due to the warming of the ocean water, such as coral bleaching and the extinction of several fish species. It was during diving that the change of her work happened: the figurative gave way to the abstract. Absorbed in this restless gaze, she had

para seu trabalho. Percebeu que o que queria era registrar menos cenários e mais sensações. E lá estava ela sendo atraída pelo subjetivo: o olho do peixe, a mancha de um navio naufragado, a cor de um coral, o detalhe de uma pedra, o lixo no fundo do mar.... Indagada sobre seu processo criativo, Vera conta que, na pintura, vai sobrepondo camadas sem se preocupar com o tempo que isso vai levar. Já na fotografia de superfície de lagoas, seleciona manchas que se parecem com suas pinturas, como se ela fosse uma “fotógrafa pintora”. Em março de 2017, em comemoração aos 30 anos de carreira, foi inaugurada a exposição A inquietude do olhar, no Museu de Arte do Rio Grande do Sul, Brasil. Nesta ocasião, a artista lançou um livro com o mesmo título, para contar o seu percurso no mundo da arte e, principalmente, deixar uma mensagem à humanidade. O conteúdo do livro fala sobre água doce e sobre a obra de Vera, mostrando também muitas imagens coloridas de todas as fases de seu trabalho. Muito engajada com sua causa e seu trabalho, Vera conta que tenta advogar em prol do meio ambiente, utilizando a arte. “Não pretendo impor minhas visões do mundo, mas desejo compartilhar maneiras de chamar a atenção sobre o que é necessário para cuidarmos da pouca água doce que ainda temos no nosso planeta. Espero que todos sintam a inquietude que eu tento transmitir. Acredito que, através da arte, podemos desenvolver a sensibilidade e inspirar pessoas, para transformar o mundo à nossa volta.”, termina.

the urge to change her focus and seek a new meaning for her work. She realized that what she wanted was to record fewer scenarios and more sensations. And there she was being attracted by the subjective: the eye of the fish, the stain of a shipwreck, the color of a coral, the detail of a stone, the rubbish at the bottom of the sea.... When asked about her creative process, Vera says that while painting, she overlaps layers without worrying about the time it will take. Whereas while taking surface photos of water bodies, she selects stains that look like her paintings, as if she were a “painter photographer”. In March 2017, in commemoration of 30 years as an artist, the exhibition A inquietude do olhar (The restless eye) was launched at Museu de Arte do Rio Grande do Sul, Brasil. On this occasion, the artist released a book with the same title, to tell her journey in the world of art and, above all, to leave a message to humanity. The book is about water and Vera’s work and it includes many colorful images of all the phases and types of her work. With deep commitment to her cause and her work, Vera says that she tries to advocate on behalf of the environment through art. “I do not intend to impose my views of the world, but I want to share ways to draw attention to what is required to take care of the little freshwater we still have on our planet. I hope everybody feels the restlessness I try to convey. I believe that, through art, we can raise awareness and inspire people to change the world around us.”, she concludes.

livro: Inquietude do Olhar / The Restless Eye

obra: Gotas de Chuva - fotografia

o b r a : C ântaro em Er up ção

A Literatura como Instrumento de Transformação Social Literature as an Instrument of Social Transformation Ivanilde Morais de Gusmão, ensaísta, contista, advogada e professora, reside em Recife, capital do estado de Pernambuco, no Brasil. Ali, rodeada pelo Rio Capibaribe e pela agitação cotidiana de uma cidade grande, a autora se debruça em livros, pesquisas e produção de uma escrita literária como proposta de resgatar o sentimento de humanidade, pois acredita que a arte da literatura pode ser um instrumento de reflexão e desvelamento dos conflitos sociais que precisam ser superados para construção de uma sociedade verdadeiramente humana. Ivanilde dedica sua vida para estudar a produção de pensadores e escritores que, como ela, tinham e têm este mesmo projeto. Nesta busca, encontrou-se e se identificou com a escrita, a concepção do mundo pelo viés ontológico do trabalho do filósofo alemão Karl Marx, pensador que deu conta da compreensão da totalidade do ser social e sua realidade e, ainda, apontou a possibilidade de sua superação pelo viés do trabalho. Um caminho para Marx

Ivanilde Morais de Gusmão, essayist, short story writer, lawyer and Professor, lives in Recife, capital of the State of Pernambuco, Brazil.There, surrounded by Capibaribe River and the daily excitement of a big city, the author dwells on books, research and production of literary writing as a proposal to rescue human feelings, because she believes that the art of literature can be an instrument of reflection and can unveil social conflicts that need to be overcome to build a truly human society. Ivanilde dedicates her life to study the production of thinkers and writers who, like her, had and have this same project. In this search, she found her self and identified with the writing, the conception of the world through the ontological work bias from the German philosopher Karl Marx, a thinker who gave an account of the understanding of the social being’s wholeness and reality, and still pointed out the possibility of the social being’s resilience through work bias. Um caminho para Marx was one of the 11

foi um dos primeiros livros da autora: trata-se de uma série de monografias que busca analisar a concepção marxiana do ser social. Além disso, escreveu No Redemoinho da Vida a Luz Aflora em Mim e No Cotidiano da Vida a Poesia Vai Construindo o Humano, obras publicadas em português e francês que utilizam a peculiar técnica dos versos para recontar histórias em torno da barbárie humana e de sua natureza corrompida.

author’s first books: a series of monographs that seeks

Com mais de 5 títulos publicados e traduzidos para o inglês e para o francês, a autora é detentora de diversos prêmios literários e membro de Academias de Letras nacionais e internacionais. Indagada sobre uma mensagem que possa deixar ao mundo, ela responde:

With more than 5 titles published and translated into

“Leiam, leiam, estudem, estudem... desenvolvam o conhecimento para despertar a consciência que se materializa na linguagem e para que a Literatura enquanto arte seja um instrumento de transformação da realidade; porque, nos tempo de agora, é preciso ter coragem de produzir livros que falem de coisas belas, de escrever palavras que mostrem o amor, e, assim, voltar a acreditar na humanidade. É preciso encontrar um punhal ou um fuzil que, em forma de palavra, seja uma arma contra os inimigos da beleza, contra aqueles que amam as trevas, a desgraça, a miséria, a podridão e que sonham em esmagar a poesia, o amor e a liberdade!” 12

to analyze the Marxian conception of the social being. In addition, she wrote No Redemoinho da Vida a Luz

Aflora em Mim and No Cotidiano da Vida a Poesia Vai Construindo o Humano , published in Portuguese and French using the peculiar technique of verses to retell stories about human viciousness and its corrupt nature.

English and French, the author has various literary awards and is member of national and international Academiesof Letters. Asked about a message she might leave to the world, she replies: “Read, read, study, study... develop knowledge awareness that materializes in the language and literature while art is an instrument of transformation of reality;because,nowadays, we must have the courage to produce books that talk about beautiful things, of writing words to show love, and thus believe in humanity again. One needs to find a dagger or a rifle which, in the form of words, becomes a weapon against enemies of beauty, against those who love darkness, misery, rottenness and those who dream of crushing poetry, love and freedom!”

“Leiam, leiam, estudem, estudem e desenvolvam o conhecimento para despertar a consciência que se materializa na linguagem e para que a Literatura enquanto arte seja um instrumento de transformação da realidade...” “Read, read, study, study... develop knowledge awareness that materializes in the language and literature while art is an instrument of transformation of reality...”

Arte Visual, Fotografia e Escultura: o conjunto de Alex Flemming Visual Art, Photography and Sculpture: the set of Alex Flemming A arte que gera descoberta e reflexão. Este é, basicamente, o resumo do trabalho de Alex Flemming, artista visual, fotógrafo, pintor e escultor. Com mais de 40 anos de carreira, o conceituado artista trabalha com técnicas que fogem do comum e possibilita que os apreciadores do mundo artístico reflitam sobre temas como morte, solidão, identidade, corpo humano e política. Em entrevista à Artnatic, ele conta sobre seu processo de criação, sua visão sobre a Arte e cita suas mais conhecidas séries.

Art that generates discovery and reflection. This is basically a summary of Alex Flemming’s work, a visual artist, photographer, painter, and sculptor. With40-plus year career, the renowned artist works with techniques that escape the beaten path and make it possible for lovers of the Art World to reflect on topics such as death, loneliness, identity, human body and politics. In an interview to Artnatic, he tells about his creative process, his insight about Art and quoteshis most known series. 15

Alex, tendo cursado Cinema com apenas 18 anos, percebemos que a Arte sempre esteve presente em sua vida. Atualmente, trabalhando como artista visual, fotógrafo, pintor e escultor, qual sua maior fonte de inspiração nos momentos de criação?

Alex, as you have attended Cinema Course when you were only 18, it’s easy to realize that Art has always been present in your life. Currently, working as a visual artist, photographer, painter and sculptor, what is your biggest inspiration source in moments of creation?

Acima de tudo, eu me considero um pintor, um pintor que se utiliza do processo fotográfico como espinha dorsal de minha produção artística. Acredito seriamente que a produção artística advém de trabalho, trabalho e mais trabalho - muito pouco advém do que as pessoas costumam qualificar de inspiração, principalmente para mim, que me considero um ‘artista mental’. Mas, é claro, as influências são múltiplas e os interesses também. A partir da ‘matéria prima’ que minha vivência de viagens e experiências pessoais proporciona, eu penso o mundo e proponho reflexões estéticas.

Above all, I consider myself a painter, a painter who makes use of the photographic process as backbone of my artistic production. I seriously believe that artistic production comes from work, work and more workvery little come from what people usually qualify as an inspiration, especially for me, because I consider myself a ‘mental’ artist. But, of course, there are many influences and interests as well. From the ‘raw material’ that comes from my travel experiences and personal experiences, I think the world and propose aesthetic reflections.

A fotografia, como meio em si, ou como propiciadora de acesso a outras mídias, é usada por você desde o

Photography as a means in itself or as conducive access to other media, is used by you since the

“Acima de tudo, eu me considero um pintor, um pintor que se utiliza do processo fotográfico como espinha dorsal de minha produção artística.” “Above all, I consider myself a painter, a painter who makes use of the photographic process as backbone of my artistic production...”

início da carreira. O uso de caracteres gráficos sobre fotografias de pessoas também está presente em um dos seus mais destacados trabalhos: os painéis da Estação Sumaré do Metrô de São Paulo. Como funciona a união destas duas técnicas e o que pretende gerar no observador quando as produz? A Estação SUMARÉ do Metrô de São Paulo tornou-se minha obra mais conhecida, talvez pelo próprio fato de diariamente milhares de pessoas passarem por ela. Fico muito grato por isso. Quando a fiz, tive um só pensamento conceitual: mostrar visualmente o conceito de que todos nós temos poesia dentro si. Para isso, retratei 22 pessoas da população anônima que frequentava o Metrô (11 homens e 11 mulheres) e sobre os seus rostos imprimi conhecidas estrofes de poesia brasileira. As poesias, porém, eu as escrevi de maneira a não serem lidas automaticamente e, sim, para serem ‘descobertas’ e ‘decifradas’. Com isso, digo que todos nós temos potencialmente poesia dentro de si, sendo que cabe ao Outro (a nós) essa descoberta e esse desenlace. Ao final dos anos 1990, com o avanço da impressão digital e recursos de computação gráfica, você construiu a série Body Builders (2000-2006), fundindo fotografias de homens seminus a mapas de regiões em conflito de guerra, como tatuagens. Qual era seu maior objetivo ao falar de um tema tão delicado e, ao mesmo tempo, necessário para o mundo na época? A Série Body-Builders é uma série contra as guerras, uma denúncia dos conflitos políticos que arrastam milhares de pessoas, principalmente jovens, à morte, à intolerância e à destruição. Porém, sempre achei (e continuo achando) que a Arte deve ser linda, sedutora, retumbante: posso denunciar uma situação assim (como são as guerras), mas quero fazê-lo de uma maneira artística e bela. 18

beginning of your career. The use of graphic characters on photographs of people is also present in one of your most prominent works: panels at Sumaré Metro Station in São Paulo. How doesthe union of these two techniques and what you want to generate in the observer when you create them work? SUMARÉ Metro Station in São Paulo became my bestknown work, perhaps by the fact that every day thousands of people travel through it. I am very grateful for that. When I made it, I had only a single conceptual thought: to show visually the concept that each one of us has poetry within ourselves.To show this, I portrayed 22 anonymous people who used the subway (11 men and 11 women) and printed known Brazilian poetry verses on their faces. However, I wrote the poemsin a way they should not be read automatically, but ‘discovered’ and ‘deciphered’. With this I mean that all of us potentially have poetry within us, and it is up to the Other (us) this finding and this outcome. By the end of the ‘90s, with the development of digital printing and computer graphics resources, you built the series Body Builders (2000-2006), merging pictures of half-naked men to maps of regions in conflict, like tattoos. What was your biggest goal when talking about such a delicate subjectand, at the same time, necessary to the world at the time? The series Body-Builders is a series against wars, a complaint against political conflicts that drag on thousands of people, especially young people, to death, intolerance and destruction. However, I have always thought (and still think) that Art must be beautiful, seductive, resounding: I may report such a situation (like wars), but I want to do it in a beautiful and artistic way.

As pinturas que faz sobre móveis e roupas são criadas a partir de qual perspectiva? Elas possuem um significado autobiográfico?

The paintings you draw on furniture and clothes are created from what perspective? Do they have an autobiographical meaning?

Tudo na vida de um artista é autobiográfico, no sentido mais amplo possível. Todas as Séries que eu fiz na vida tiveram alguma alavanca (consciente ou mesmo não) autobiográfica. A Série sobre as minhas roupas pintada sé um depoimento meu sobre minha solidão nos primeiros anos depois de me mudar para a Alemanha. Já a dos móveis, trata-se da continuação de minha pesquisa diuturna sobre ‘pintura-sobre-superfícies-nãotradicionais’, que começou com a Série Ex-Touros exposta no MASP em 1990, depois com os bichos empalhados na Bienal de 1991, passou por vários materiais, sendo que a mais nova produção nesse segmento foi minhas ‘Lápides’, série de pinturas-sobre-computadores.

Everything in an artist’s life is autobiographical, in the widest possible sense. All Series I created throughout my life had some autobiographical lever (conscious or not). The Series on my painted clothes is my statement about my loneliness in the first few years after I moved to Germany. As for the furniture paintings, it is the sequel of my daily research on ‘painting-on-nontraditional-surfaces’, which started with the series Ex-Touros (FormerBulls), showed at MASP (Museu de Arte Moderna de São Paulo) in 1990, later on with the stuffed animals at Bienal 1991, going through numerous materials.The newest production in this segment was my ‘Lápides’(Tombstones), series of paintings-on-computers.

Há mais de 20 anos, você reside na Alemanha e é reconhecido em toda a Europa. Em sua opinião, qual a importância de trazer a Arte Brasileira para o velho continente e quais experiências pode citar sobre este longo percurso profissional fora da terra natal?

You have lived for more than 20 yearsin Germany and are acknowledged throughout Europe. In your opinion, what is the importance of bringing Brazilian Art to the old continent and what experiences can you tell us about this long professional path away from your homeland?

Como meu pai foi piloto de avião e minha mãe aeromoça, eu, desde muito pequeno, morei, em diferentes épocas, no exterior. Minha vida foi assim, não quero pensá-la em termos avaliativos. O verdadeiro artista é a pessoa que produz de dentro de si e dá o seu recado ao mundo, independentemente de o fazer no Brasil, no Japão ou em outro lugar.

As my father was an airplane pilot and my mother a stewardess, I have lived, at different times, abroad,since I was very young. My life was like this, I don’t want to think of it in terms of value. The real artist is the person who produces from within himself and delivers his message to the world, regardless of doing so in Brazil, Japan or elsewhere.

Uma mensagem sobre o que a Arte representa para você.

Leave us a message about what Art represents to you.

Apesar de isso poder parecer chavão, Arte é minha vida e é o que eu sei fazer. E gosto de fazer. Citarei Oswald de Andrade: “A alegria é a prova dos nove”. Amém.

Although that might sound like a cliché, Art is my life, and that’s what I know how to do. And I like doing it. I quote Oswald de Andrade: “Joy is litmus test.” Amen. 19

Arte e Literatura Feitas com Amor Art and Literature Made with Love A entrega é uma das inúmeras qualidades necessárias para trabalhar com Arte. O artista é devoto, ele não tem expediente, porque a sua mente está sempre em busca de algo que possa inspirá-lo em seu processo criativo. Esta devoção é inerente às almas sensíveis que, com um toque no pincel ou simples versos borrados no papel, são capazes de tocar o mais profundo de nossos corações. Hilda Chiquetti Baumann, escritora e artista plástica é uma dessas almas. Formada em Geografia, conta que sempre viu a vida como uma obra de Arte e, por esta razão, começou a pintar. Os primeiros passos na Pintura foram feitos com o carvão, que por muito tempo fez parte de sua infância, ao ser utilizado para pintar as paredes do comércio de sua família. A tinta se instalou com a “arte do fogo” – pintura sobre porcelana – e, desde então, nunca mais cessou.

Commitment is one of the many qualities required to work with Art. The artist is devoted; he has no office hours, because his mind is always in search of something that might inspire him in his creative process. This devotion is inherent in sensitive souls which, with a touch on a brush or simple verses smeared on paper, are able to touch deep in our hearts. Hilda Chiquetti Baumann, who holds a degree in Geography, a writer and artist, is one of those souls. She says she has always seen life as a work of Art and, for this reason, started painting. The first steps in painting were made with charcoal, which for a long time was part of her childhood, when she used to draw on the walls of her family’s business. The ink settled with ”fire art” – painting on porcelain – and since then, she has never stopped.

Choupanas, casarios, ipês, flamboyants e inúmeras paisagens brasileiras são a fonte de inspiração para as telas pintadas com o óleo sobre tela. Há, ainda, os desenhos dos rostos, com traços únicos e precisos que, segundo ela, são obras do Criador. Desde junho de 2014, Hilda também dedica seu tempo à

Huts, houses, ipês, flamboyants, and many Brazilian landscapes are the source of inspiration for the canvases painted with oil. There are also drawings of faces, with unique and precise strokes which, according to her, are the Creator’s works. Since June 2014, Hilda has also dedicated time to the art of writing. The interest in

arte da escrita. O interesse pela Literatura surgiu através de acontecimentos de sua vida pessoal, que funcionaram para libertar sentimentos e transformar vida em sonho e sonho em vida. Sobre seu primeiro livro, ela afirma: “Eu não sonhei a primeira obra que lancei, ela em mim aconteceu, se fez poema, então assim o livro se concebeu. Minha vida se fez um orbe de letras. Nele estou eu.” Tendo já lançado três livros, em abril de 2018, a artista/ escritora atravessou o oceano para participar do 32º Salão do Livro e da Imprensa de Genebra, um dos maiores salões literários na Europa, onde apresentou o seu mais recente livro de poesia Pérolas Azuis , pela Helvetia Edições. Esta experiência possibilitou o contato com leitores lusófonos no continente europeu e consagrou seu trabalho fora do Brasil. Já pensando em seu próximo livro, Hilda não perde a essência de seu trabalho e garante que a inspiração para escrever cada poema é ver poesia em tudo. No sopro do vento, na chuva, no grito das crianças, nas cores do sol, no cheiro dos dias... Ela e o lápis, inseparáveis, não escolhem nem o dia, nem a hora. Simplesmente transformam o universo em versos e deixam a magia acontecer.

Literature emerged through events of her personal life, which worked to release feelings and transform life in dream and dream in life. That’s what she states about her first book: “I didn’t dream the first work I launched, it happened in me, it made itself into poetry, that’s how the book was conceived. My life became an orb of letters. I am in it.” Having already released three books, in April 2018, the artist/writer crossed the ocean to take part in the 32nd Geneva Book and Press Fair, one of the largest Literary Salons in Europe, where she presented her latest poetry

book Pérolas Azuis, published by Helvetia Edições. This

experience enabled her to reach Portuguese speaking readers in Europe and enshrined her work outside Brazil. Already thinking about her next book, Hilda does not lose the essence of her work and ensures that the inspiration for writing each poem is to see poetry in everything. In the blowing wind, in the rain, in children’s shouting, in the colors of the sun, in the smell of the days... She and the pencil, inseparable, do not choose day or time. They simply turn the universe into verse and let the magic happen.

texto e fotos: Assessoria H.Stern text and photos: H.Stern Consulting

H.STERN LANÇA JÓIAS INSPIRADAS POR ESBOÇOS CURVOSOS DO ARQUITETO OSCAR NIEMEYER H.STERN LAUNCHES JEWELS INSPIRED BY CURVEOUS SKETCHES OF ARCHITECT OSCAR NIEMEYER

Um passeio pelas curvas infinitas desenhadas pelo arquiteto mais famoso do Brasil! A ride through the endless curves drawn by Brazil’s most famous architect!

“Oh, como é mágico ver o nascimento de um palácio, um museu, uma bela figura de mulher na folha branca de papel! Como eu desejo e gosto de desenhá-los! Como os sinto nas curvas da minha arquitetura!”, Oscar Niemeyer (1907 - 2012), o mais famoso arquiteto brasileiro. Para a equipe de criação da HStern, é mágico ver a beleza das curvas imortalizadas na obra de Oscar Niemeyer e em peças de joalheria inesquecíveis. Essa paixão por linhas sinuosas compartilhadas pela empresa e pelo arquiteto - cujos projetos incluem Brasília, a capital do Brasil, e muitos outros edifícios icônicos, como a sede das Nações Unidas, em Nova York, uma colaboração com Le Corbusier - traça os contornos de uma parceria criativa que começou em 2008, quando Niemeyer tinha 100 anos e a HStern lançou a primeira coleção de joias inspirada em seus desenhos. Em 2013, a coleção ganhou peças adicionais através das linhas infinitas da vida. As novas peças de joalheria foram inspiradas nos desenhos de Niemeyer e aprovadas pessoalmente por ele, em seu último ano de vida. “É um privilégio criar, a partir de suas linhas imortais, joias capazes de iluminar a beleza feminina que sempre o fascinou”, diz Roberto Stern, presidente da HStern e diretor de criação da nova coleção. A coleção de joias HStern by Oscar Niemeyer segue os contornos únicos, simples e naturais do arquiteto, que foi, antes de tudo, um designer talentoso. Contornos sinuosos, linhas leves e contínuas que parecem levar ao infinito podem ser vistos em uma nova seleção de anéis, brincos e pingentes. O minimalismo e a leveza, moldados em ouro amarelo ou ouro branco com diamantes, são características comuns a todos os desenhos, que foram inspirados em projetos arquitetônicos icônicos ou rabiscos desconhecidos - todos com a assinatura inestimável de Niemeyer. É uma prova de que seu trabalho ainda está vivo, como os infinitos caminhos traçados por ele.

“Oh, how magic it is to see the birth of a palace, a museum,

a fine figure of a woman on the white sheet of paper! How

I desire and like drawing them! How I feel them in the curves of my architecture!”, Oscar Niemeyer (1907 - 2012), Brazilian most famous architect’s.

For HStern creative team, it is magical to see the beauty of curves immortalized in Oscar Niemeyer’s work, and in

memorable pieces of jewelry. This passion for sinuous lines

shared by the company and by the architect - whose projects include Brasília, the capital of Brazil, and many other iconic buildings, such as the United Nations headquarters, in New

York, a collaboration with Le Corbusier - traces the contours

of a creative partnership that began in 2008, when Niemeyer was aged 100 years old and HStern launched the first jewelry collection inspired by his drawings.

In 2013, the collection gained additional pieces through the endless lines of life. The new pieces of jewelry have been inspired by Niemeyer drawings and approved personally

by him, in his last year of life. “It is a privilege to create,

from his immortal lines, jewels capable of illuminating the feminine beauty that has always fascinated him,” says

Roberto Stern, HStern’s President and Creative Director about the new collection.

The HStern by Oscar Niemeyer jewelry collection follow

the unique, simple and natural outlines of the architect, who was, first and foremost, a gifted designer. Sinuous contours, light and continuous lines that seem to lead to

infinity can be seen in a new selection of rings, earrings and pendants. The minimalism and lightness, molded in yellow gold or white gold with diamonds, are common

features to all the designs, which were inspired by iconic architectural projects or unknown doodles - all with the invaluable signature of Niemeyer. It’s a proof that his work is still alive, as the infinite paths traced by him.

“A coleção de joias HStern by Oscar Niemeyer segue os contornos únicos, simples e naturais do arquiteto, que foi, antes de tudo, um designer talentoso.” “The HStern by Oscar Niemeyer jewelry collection follow the unique, simple and natural outlines of the architect, who was, first and foremost, a gifted designer.”

Confira abaixo os detalhes das novas joias que compõem a coleção, divididas em três linhas diferentes:

Check out below the details of the new jewels that make up the collection, divided in three different lines:

BRASÍLIA – A arquitetura da cidade de Brasília, vislumbrada nos croquis apresentados por Lúcio Costa para o concurso internacional de design da nova capital do Brasil, foi o resultado do ímpeto definitivo de Oscar Niemeyer no cenário da história internacional da arquitetura contemporânea. As cúpulas côncavas e convexas do Congresso Nacional e as colunas dos Palácios Alvorada e Planalto e do Supremo Tribunal são características altamente originais. Combinando-os com as formas espetaculares das colunas da Catedral e os palácios do Itamaraty e da Justiça, Oscar Niemeyer conseguiu fechar a perspectiva retangular e simétrica formada pela repetição dos edifícios da Esplanada e do Ministério. As cúpulas côncavas e convexas que sintetizam a construção do Congresso Nacional deram forma a uma pulseira de ouro amarelo, na qual linhas contínuas e espaços vazios envolvem o pulso feminino de maneira leve e sensual. A jóia reconstrói a proposta de Niemeyer ao planejar, em 1958, o que viria a ser uma das mais belas cenas da capital federal e uma de suas trinta e cinco obras a serem tombadas pelo Patrimônio Histórico do país. Além da pulseira de Brasília, há também os brincos Alvorada, em que curvas opostas se assemelham às colunas do Palácio em ouro, com singular leveza.

BRASÍLIA – The architecture of the city of Brasilia, glimpsed in the sketches submitted by Lucio Costa for the international design contest for the new capital of Brazil, was the result of Oscar Niemeyer’s definitive impetus on the scene of the international history of contemporary architecture. The concave and convex domes of the National Congress and the columns of the Alvorada and Planalto Palaces and the Supreme Court are highly original features. Combining these with the spectacular forms of the columns of the Cathedral and the palaces of Itamaraty and Justica, Oscar Niemeyer succeeded in closing the rectangular and symmetrical perspective formed by the repetition of the Esplanada and Ministry buildings. The concave and convex domes that epitomize the building of the National Congress gave form to an yellow gold bracelet, in which continuous lines and empty spaces encircle the female wrist in a light, sensual way. The jewel reconstructs Niemeyer’s proposal when he planned, in 1958, what was to become one of the most beautiful scenes of the federal capital and one of his thirty-five works to be listed by the Historical Heritage of the country. Besides the Brasilia bracelet, there are also the Alvorada earrings in which opposite curves resembles the columns of the Palace in gold, with singular lightness.

PAMPULHA – A inspiração para esta linha vem do desenho sinuoso do telhado da igreja de São Francisco de Assis, na Pampulha, estado de Minas Gerais, Brasil. O projeto foi criado por Niemeyer na década de 1940, a pedido de Juscelino Kubitschek, então prefeito da cidade que viria a se tornar presidente do Brasil, e foi altamente controverso devido às suas formas ousadas. Em referência ao edifício, Niemeyer declarou: “Eu o cobri com curvas, todos os tipos de curvas, como uma declaração contra a arquitetura caracterizada por linhas retas que predominavam até então”. O desenho ondulado desta obra emblemática foi reproduzido pela H.Stern em anéis, brincos e pulseiras em ouro branco e diamantes.

PAMPULHA – The inspiration for this line comes from the sinuous design of the roof of the São Francisco de Assis church in Pampulha, state of Minas Gerais, Brazil. The project was created by Niemeyer in the 1940s, at the request of Juscelino Kubitschek, then mayor of the city who would later become President of Brazil, and was highly controversial due to its bold forms. In reference to the building, Niemeyer declared: “I covered it with curves, all kinds of curves, as a statement against the architecture characterized by straight lines that predominated up until then”. The wavy design of this emblematic work was reproduced by H.Stern in rings, earrings and bracelets in white gold and diamonds.

COPAN – Um dos ícones da famosa poesia concreta da

COPAN – One of the icons of the famous concrete poetry of the capital São Paulo, the Copan building has hovered like a wave on the horizon of the metropolis since the 1950s, contrasting with the straight angles that predominate in the local architecture. It was the wavy, striking design that was the inspiration behind the Copan jewelry collection, with rings in wavy forms and a voluminous yellow gold bracelet.

capital paulista, o edifício Copan tem pairado como uma onda no horizonte da metrópole desde os anos 1950, contrastando com os ângulos retos que predominam na arquitetura local. Foi o design ondulado e marcante que inspirou a coleção de joias Copan, com anéis em formas onduladas e uma volumosa pulseira de ouro amarelo.

UM POUCO MAIS SOBRE OSCAR NIEMEYER (1907 - 2012): Oscar Niemeyer, considerado um dos nomes mais influentes da Arquitetura Moderna Internacional, recebeu o Prêmio Pritzker de Arquitetura em 1988. Em novembro de 2004, ele figurou em 9º lugar na lista dos 100 gênios vivos da humanidade. Alguns de seus projetos famosos em todo o mundo: • Sede do Partido Comunista Francês, Paris • Edifício da Editora Mondadori, Milão • Universidade de Constantine, Argélia

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A LITTLE MORE ABOUT OSCAR NIEMEYER (1907 - 2012): Oscar Niemeyer, considered one of the most influential names in International Modern Architecture, received the Pritzker Architecture Award in 1988. In November 2004, he figured in 9th place at list of 100 living geniuses of mankind. Some of his famous projects around the world: • Headquarters of the French Communist Party, Paris • Building of Publisher Mondadori, Milan • Constantine University, Argélia

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Uma Vida Dedicada à Arte e a Mudança Social A life devoted to Art and Social Change fotos / photos: Jheyce Correia

Dizem que filho de peixe, peixinho é. Esse ditado nunca foi tão adequado quando se fala da vida da multiartista Lúcia Aeberhardt, conhecida pelo pseudônimo de Lúcia Amélia Brüllhardt, brasileira naturalizada suíça, que vive no território helvético há mais de três décadas. Desde criança, Lúcia esteve envolvida em movimentos artísticos e culturais por incentivo de seu bisavô, sua mãe e seu avô, membro fundador da tradicional banda Jazz Batuta de São Bento do Una, no interior de Pernambuco - Brasil. Sempre à frente do seu tempo, com apenas 11 anos iniciou sua trajetória no teatro e, atualmente, é escritora, artista, musicista e palestrante. Através da Arte, a multiartista também luta por uma causa muito especial: o combate ao tráfico de seres humanos, assédio, abuso sexual e violência doméstica. Presidente da ONG Madalena’s há 18 anos, Lúcia Amélia usa a Arte para informar e prevenir mulheres e crianças, envolvendo-os em diversas atividades artísticas e

A real chip off the old block. There has never been a more appropriate saying when talking about the life of the artist Lúcia Aeberhardt, known by the pseudonym of Lúcia Amélia Brüllhardt, a Brazilian, naturalized Swiss citizen, who has lived in Switzerland for more than three decades. Since childhood, Lúcia has been involved in artistic and cultural movements encouraged by her great-grandfather, her mother and her grandfather, founding member of the traditional band Jazz Batuta, from São Bento do Una, in the backlands of Pernambuco, a Northeastern State in Brazil. Always ahead of her time, when she was only 11 years oldshe started her career in the theater. Currently, she is a writer, artist, musician and lecturer. Through Art, the artist also fights for very special causes: human trafficking, harassment, sexual abuse and domestic violence. President of the NGO Madalena’s for 18 years, Lúcia Amelia uses Art to inform and warn women and children, involving

possibilitando um futuro longe dos perigos que atacam os direitos humanos. Foi através dessa visão que começou a atuar como cantora e lançou 4 CDs na Suíça: The Miracle; Lúcia, un autre destin; Lúcia Amélia Zeugnis e Jeová Jiréh. Em todas as produções, os temas trabalhados foram: bullying, mobbing, violência doméstica, discriminações, tentativas de suicídio, tráfico humano, assédio e violência sexual, superação, transformação e cura da alma. Lúcia conta que no ano de 2009 começou a utilizar a Literatura como forma de expressão. Seu primeiro livro, em coautoria com a mãe, Gildete Oliveira, e o primo, Samuel Oliveira, tornou-se o “carro-chefe” da ONG e virou objeto de estudo do curso de Comunicação e Letras da Faculdade Luso-Brasileira. Além disso, a autora também publicou A História de Madaleninha e o Desaparecimento de Bubu, destinada ao público infantil que visa a informação sobre o tráfico de seres humanos, o trabalho escravo e a remoção/ venda de órgãos, tão comum nos tempos modernos. O mais recente projeto da multiartista Lúcia Amélia envolve o mundo da moda. Trata-se da criação da grife Madalena’s Roya Magic, que traz em sua primeira coleção estampas exclusivas com obras de diversos artistas plásticos brasileiros e suíços, provando mais uma vez que a Arte pode ser usada como ferramenta para mudança social. Toda verba arrecadada com a venda das peças será destinada aos próximos projetos da ONG Madalena’s.

Para saber mais, acesse: https://www.facebook.com/Madalenas15BrasilSuica

them in various artistic activities, enabling a future away from the dangers that attack human rights. It was through this vision that she began performing as a singer and released 4 CDs in Switzerland: The Miracle; Lúcia, un autre destin; Lúcia Amélia Zeugnis and Jeová Jiréh. In all productions, the themes were: bullying, mobbing, domestic violence, discrimination, suicide attempts, human trafficking, sexual violence and harassment, resilience, transformation and healing of the soul. Lúcia tells that in 2009 she started using Literature as a means of expression. Her first book, co-authored with her mother, Gildete Oliveira, and her cousin, Samuel Oliveira, became the “flagship” of the NGO and turned into an object of study in the Course of Communication and Letters at Faculdade Luso-Brasileira. In addition, the author also published the book A História de Madaleninha e o Desaparecimento de Bubu, directed to children that seekinformation about human trafficking, slave labor and the removal/sale of organs, so common in modern times. Lúcia Amélia’s most recent project involves the world of fashion. It is the creation of Madalena’s Roya Magic which brings in its first collection exclusive prints from several Brazilian and Swiss artists’ work, proving once again that Art can be used as a tool for social change. All the proceeds raised from the sale of the pieces will be used for NGO Madalena’s next projects.

To learn more, visit: https://www.facebook.com/Madalenas15BrasilSuica

O colorido da Arte AmazĂ´nica The Colorfulness of the Amazonian Art

Cores, formas geométricas, traços e curvas bem precisos dão origem às composições harmoniosas que resumem o trabalho da artista plástica Suzana Pires, brasileira nascida em Belém do Pará. Dotada de um talento excepcional proveniente da paixão pelo que faz, ela conta que começou a pintar ainda criança, mas nunca imaginou que a Arte pudesse ser sua profissão. Esta descoberta aconteceu quando decidiu cursar Educação Artística, depois de ter tentado aprovação nos vestibulares de Direito, pedagogia e turismo. A escolha possibilitou uma realização profissional que deu origem a lindas telas e a exposições nacionais e internacionais que a consagraram como artista. A identidade do trabalho de Suzana pode ser resumida pela utilização de cores fortes e formas geométricas que dão origem a lindos desenhos. Indagada sobre a originalidade de seu estilo, ela conta que nem sempre o teve de forma definida. Sua primeira pintura foi inspirada em um cartão de Natal de uma paisagem holandesa, tendo sido pintada com tinta a óleo. Em seu percurso, ensaiou diversos tipos de técnicas, o que lhe tornou uma artista eclética, capaz de pintar o que quisesse. Foi na Universidade que se identificou com as linhas, os traços e as curvas e concluiu que deveria ter este tipo de composição como bússola de seu trabalho.

Colors, geometric shapes, precise traces and curves lead to harmonious compositions that sum up the work of visual artist Suzana Benigno, a Brazilian born in the Amazon. Endowed with an exceptional talent born from the passion for what she does, the artist tells that she began painting as a child, but has never imagined that Art could be her profession. This discovery happened when she decided to study Art Education after she has failed the entrance examination for Law School, Pedagogy and Tourism.The choice enabled a professional achievement that resulted in beautiful canvases and national and international exhibitions that have established her as an artist. Suzana’s work identity can be summed up by the use of strong colors and geometric shapes that originate beautiful drawings. Asked about the originality of her style, she says she has not always have it in a defined way. Her first oil paint was inspired by a Dutch landscape Christmas card. Throughout her career, she has tried a variety of techniques, which made her an eclectic artist, able to paint what ever she wanted. It was at University that she identified herself with lines, strokes and curves and concluded that she should have this type of composition as her compass work.

A Amazônia é sua grande fonte de inspiração. As araras, tucanos, garças e diversas espécies de aves são figuras recorrentes nas telas e ela garante que a diversidade e a beleza da região são as grandes responsáveis pela satisfação do público para com suas obras. The Amazon is her great source of inspiration. Macaws, toucans, herons and several species of birds are recurring figures on the canvases and she guarantees that the diversity and beauty of the region are responsible for the public’s satisfaction with her works.

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A técnica do acrílico sobre tela é uma grande aliada da artista, que conta que seu processo de criação é muito diferente de quando concluiu o curso na década de 1980, devido à ascensão tecnológica e às diversas fontes que é possível consultar para garantir o primor de um trabalho. No entanto, ela garante que não esquece da criatividade e da utilização de objetos tradicionais, como um lápis, uma borracha e até recortes de papel.

The technique acrylic on canvas is the artist’s hugeally. She tells that her creation process is very different from when she completed the course in the 1980s, due to technological rise and the various sources that can be consulted to ensure the masterpiece of a work. However, she ensures that she does not forget creativity and the use of traditional objects such as pencil, eraser and even paper clippings.

A Amazônia é sua grande fonte de inspiração. As araras, tucanos, garças e diversas espécies de aves são figuras recorrentes nas telas e ela garante que a diversidade e a beleza da região são as grandes responsáveis pela satisfação do público para com suas obras. “Essa temática é nova pra mim. Foi só a partir de 2016 que passei a retratar com mais ênfase a fauna da Amazônia. Isto faz parte de um projeto meu para uma futura exposição individual, que deve ser lançada no ano de 2019”, conta a artista.

The Amazon is her great source of inspiration. Macaws, toucans, herons and several species of birds are recurring figures on the canvases and she guarantees that the diversity and beauty of the region are responsible for the public’s satisfaction with her works. “This theme is new to me. It was only from 2016 on that I started to portray the Amazon wildlife with more emphasis. This is part of my project for a future individual exhibition, which should be launched in the year 2019”, the artist tells.

Cheia de talentos, sonhos e planos, ela termina: “A Arte representa pra mim um meio de expressão, de liberdade, de lazer e de paz. Eu pinto por prazer e até perco a noção do tempo quando estou nesse trabalho; se eu não me policiar, nem vejo o tempo nem a hora passar. É o ar que respiro e, quando pinto, o coração bate mais forte.”

Full of talents, dreams and plans, she ends: “To me Art represents a means of expression, freedom, leisure and peace. I paint for pleasure and even lose track of time when I’m doing this job; if I don’t watch out, I don’t see time go by. It’s the air I breathe and, when I paint, the heart beats faster.”

O Mago da Cenografia Brasileira The Wizard of Brazilian Stage Set texto / text: Rodrigo Branco fotos / photos: Abel Gomes Assessoria / Consulting

Há mais de quatro décadas, o cenógrafo Abel Gomes dedica-se não apenas a tirar sonhos mirabolantes do papel, como também a dar brilho a elementos que normalmente passariam despercebidos em um espetáculo sem, contudo, ofuscar as estrelas dele. Pelo contrário, a mão mágica e trabalhadora de Abel faz das suas obras a moldura perfeita para emocionar o público e, ao mesmo tempo, passar sua mensagem.

For over four decades, set designer Abel Gomes has been committed not only to take whimsical dreams off the ground, but alsoto polish elements that normally would pass unnoticed in a show without, however, overshadowing its stars. On the contrary, Abel’s magic and hardworking hands make of his works the perfect frame to thrill the public and, at the same time, send his message.

Em 2018, completam-se dois anos daquela que é considerada sua maior empreitada: a Direção-Geral das Cerimônias de Abertura e de Encerramento dos Jogos Olímpicos e Paralímpicos no Maracanã, no Rio de Janeiro, cidade que este português de Viseu de 67 anos aprendeu a amar desde que chegou em terras brasileiras, ainda criança. E é exatamente a partir deste sentimento de brasilidade, aliado a uma perspectiva histórica, que remonta ao período do Descobrimento, em 1500, que foi concebido o conceito do espetáculo, que encantou mais de 3,5 bilhões de pessoas ao redor do mundo, a maior audiência de todos os tempos em cerimônias desse tipo.

In 2018, it will be two years since he accomplished what is considered his largest endeavor: the General Direction of the Opening and Closing Ceremonies of the Olympic and Paralympic Games at Maracanã Stadium, in Rio de Janeiro, a city which this 67 year-old Portuguese from Viseu learned to love since he arrived in Brazil as a child. And it is exactly from this feeling of Brazilianness, combined with a historical perspective, which dates back to the period of the Discovery, in 1500, that the concept of the show was conceived. A show that charmed more than 3.5 billion people around the world, the largest audience of all time in ceremonies of this kind.

“Há mais de quatro décadas, o cenógrafo Abel Gomes se dedica não apenas a tirar sonhos mirabolantes do papel, como também a dar brilho a elementos que normalmente passariam despercebidos...” 40

“For over four decades, set designer Abel Gomes has been committed not only to take whimsical dreams off the ground, but alsoto polish elements that normally would pass unnoticed...”

Até colocar a mão na massa, no entanto, foi preciso convencer o Comitê Olímpico Brasileiro e Comitê Organizador dos Jogos de que o consórcio formado entre a SRCOM, empresa de Abel, e a italiana Filmaster seria capaz de realizar os megaeventos. Vencida a concorrência internacional contra nove empresas, começou a ser formada a equipe de trabalho. Entre dezenas de nomes, foram escolhidos por Abel os cineastas Fernando Meirelles, Andrucha Waddington e Daniela Thomas para formar o núcleo principal de Direção. Para acertar em cheio o gosto do povo, também foram feitas centenas de entrevistas com pessoas de todas as idades e segmentos sociais.

Till he really put his hands at work, however, it was necessary to convince the Brazilian Olympic Committee and the Organizing Committee of the Games that the consortium formed by SRCOM, Abel’s company, and the Italian Filmaster would be able to accomplish the mega events. After winning the international competition against nine companies, the team work began to take shape. Among dozens of names, Abel chose the filmmakers Fernando Meirelles, Andrucha Waddington and Daniela Thomas to form the main core of Direction. To get people’s taste right, hundreds of interviews with persons of all ages and social segments were also carried out.

“Eu precisava arrumar, e eu cismei com o número três, não sei por que cargas d’água, três pessoas para fazer essa criação artística e emocional. Queria mostrar o Brasil, e um pouquinho da sua história, de uma maneira que não fizesse um espetáculo para vender o Brasil com suas mazelas ou suas belezas, não era um momento marqueteiro. Era o momento de mostrar a essência de um país. Não era um guia de turismo. Quis escolher pessoas que compusessem comigo de uma maneira gostosa. O ser humano é complexo porque pensa, tem vaidade;e ser humano artista é mais complexo ainda!” comentou Abel, em entrevista à Artnatic, concedida no seu escritório na Barra da Tijuca, a poucos quilômetros de onde as provas esportivas foram disputadas.”

“I needed to get some people to produce this emotional and artistic creation. I broodedover the number three, I do not know why on Earth. That’s why I chose three persons. I wanted to show Brazil, and a little bit of its story, in a way that it would not become ashow to sell Brazil with its sore spotsor its beauties, it was not amoment for marketing. It was time to show the essence of a country. It was not a tour guide manual. I wanted to choose people who would compose with me in a pleasant way.The human being is complex because he thinks, he has vanity; being an artist and human being is even more complex!” Abel commented, in an interview to Artnatic, given in his office at Barra da Tijuca, a few kilometers from where the sports events were held.”

Com o passar do trabalho, as escolhas revelaram-se acertadas. Foi de Daniela, por exemplo, em conjunto com a cenógrafa britânica Es Devlin, a concepção do elemento cenográfico mais importante de todo o espetáculo, apelidado de “Box City” (cidade das caixas, em tradução livre). Foi sobre a estrutura composta por caixas (verdadeiros minipalcos) em diferentes níveis que dançarinos e outros artistas evoluíam enquanto havia a mutação de cenários, que variaram da selva de pedra formada de arranha-céus a uma típica favela carioca. Uma solução simples, mas tecnicamente trabalhosa. Abel conta que os cortes de verba levaram o projeto a primar mais pela emoção do que propriamente pela tecnologia. As duas linhas aéreas mantidas (cabos suspensos no estádio) do projeto original serviram para viabilizar tecnicamente dois dos momentos mais importantes da cerimônia, que foram a chegada dos índios e o primeiro encontro com os portugueses, no qual o movimento sincronizado das cordas trançadas dava o efeito de uma imensa oca, e a homenagem a Alberto Santos Dumont, considerado por muitos o “pai da aviação” e um dos brasileiros mais conhecidos de todos os tempos. Outro ponto intocado no projeto, apesar da retirada de verba, foram as projeções feitas no chão, indispensáveis para a narrativa, assim como a música e a dança, elementos milimetricamente pontuados no roteiro. Assim como a preocupação com o meio ambiente no Brasil “jardim do planeta” e o samba, que é uma legítima expressão cultural carioca, não foram deixados de lado. Um caldeirão de referências com o qual Abel buscou emocionar e surpreender quem estava no estádio, que é seu velho conhecido, aliás, de megaeventos como a vinda do Papa João Paulo II ao Rio, em 1997. Ele já havia sido responsável pela visita anterior, em 1980, assim como foi pela primeira do atual Papa Francisco, em 2013. Um exemplo da forma de Abel pensar e colocada em prática no trabalho aconteceu exatamente na segunda vinda do Sumo Pontífice ao Rio. Sem avisar ao Vaticano, o cenógrafo planejou a projeção com uma luz diferente sobre as roupas claras do público que acompanhava a missa no Maracanã. O resultado foi a clara impressão de que o Estádio Mário Filho havia se transformado em uma gigantesca catedral, o que surpreendeu o Papa e encheu de orgulho o profissional, que explica como aplicar corretamente as doses de emoção em um espetáculo. “Foi lindíssimo, mas aquele momento foi de um minuto. Se fosse o tempo inteiro teria passado batido. Depois do bonito, fica bonitinho e depois vira paisagem. O cuidado, seja na cenografia ou no espetáculo, é surpreender e fazer com as pessoas levem para casa um momento. Isso varia com o roteiro, você vê que nesse momento é bom dar uma abaixada porque se ele é muito intenso, não há tempo de respirar e, no fim das contas, não prestou muito bem atenção em tudo.” disse Abel, para quem um espetáculo é bom se deixar de “dois a três momentos memoráveis”. Foi pensando no público que o consagrado profissional consolidou sua carreira e aperfeiçoou os seus trabalhos.

As the work progressed, his choices proved to be correct. For example: the conception of the most important prop element of the entire spectacle - nicknamed “Box City” was Daniela’s and British designer Es Devlin’s idea. It was on the top of a structure made up of boxes (in fact mini-stages) at different levels that dancers and other artists evolved while there was the change of scenarios, which varied from the urban concrete jungle composed by skyscrapers to a typical carioca slum. A simple but technically tricky solution. Abel tells that budget cuts have led the project to excel more in emotion rather thanin technology. The two overhead lines (suspended cables at the stadium) from the original project served to technically enable two of the most important moments of the ceremony, which were the arrival of the Indians and the first meeting with the Portuguese, when the synchronized movement of the braided strings gave the effect of an immense hut, and the tribute to Alberto Santos Dumont, considered by many the “father of aviation” and one of the most known Brazilians of all time. Another untouched point in the project, in spite of the withdrawal of funds, were the projections made on the floor, indispensable for the narrative, as well as music and dance, millimetrically punctuated elements in the script. The concern for the environment in Brazil “garden of the planet” and samba, which is a legitimate cultural Carioca expression, were not left aside. A cauldron of references with which Abel sought to thrill and amaze everybody in the stadium, which is his old acquaintance, moreover, of mega events, like Pope John Paul II’s visit to Rio, in 1997. Abelwas also responsible for this Pope’s previous visit in 1980, and current Pope Francis’ first visit, in 2013. An example of Abel’s way of thinking - and put into practice in tohis work - happened exactly on the second visit of the Pontiff to Rio de Janeiro. Without informing the Vatican, the scenographer planned the projection with a different light on the clear clothes of the public that accompanied the mass at Maracanã. The result was the clear impression that the Stadium Mário Filho had been turned into a gigantic cathedral, which surprised the Pope and filled with pride the professional, who explains how to properly apply doses of emotion in a spectacle. “It was stunning! However, that moment lastedonly a minute. If it lasted the whole time it would have goneunnoticed. After beingstunning, it looks cute and then becomes part of scenery. The attention, whether in the set or in the show, is surprising and make people take home a momentum. This varies with the script. You see that at this point it is good to scale down expectations because if it is very intense, there is no time to breathe and, at the end of the day, you did not pay too much attention at all.” said Abel, who believes it is good to bring about”two to three memorable moments” in a show. It was thinking about the public that the consecrated professional consolidated his career and perfected his works. An example of this is the Christmas tree at Lagoa

Um exemplo disso é o da Árvore de Natal da Lagoa Rodrigo de Freitas, um de seus trabalhos mundialmente conhecido. Tanto que, com 85 metros de altura, figurou por vários anos no livro Guinness World Records como a maior estrutura natalina flutuante do mundo. Foi em meio ao povo, anônimo, que ouviu sugestões que pôs em prática nos anos seguintes. Assim foi até 2015, ao último ano em que foi montada.

Rodrigo de Freitas, one of his world-renowned works. So

“As pessoas ficavam felizes por estar ali, primeiro porque a Lagoa é um lugar extraordinário e ter um elemento natalino que toca o coração diretamente das pessoas é outra coisa extraordinária. Elas queriam algo mais. Comecei a tentar traduzir o desejo dessas pessoas no desenho do próximo ano. A árvore ter várias fases era muito importante, até para ter uma relação de expectativa na hora. Agora vou esperar a fase da estrelinha. Com os anos, comecei a perceber que tinha que fazer propaganda para todos os gostos. Não que não agradasse antes. O brasileiro, o ser humano, cada vez exige mais e mais.” – Explica.

“People were happy to be there, first because Lagoa is an

Oriundo do teatro de revista, Abel Gomes entrou para a televisão, onde fez cenários para programas da linha de shows da TV Globo. Também desenhou cartazes para artista da Música Popular Brasileira, como Elis Regina. Já com sua empresa, trabalhou em eventos como o Rock in Rioe o Rock in Rio Lisboa. Em todas essas frentes, sempre com a preocupação de emocionar e causar reflexão. “A arte, para mim, é um grande estado de espírito para as pessoas refletirem e admirarem. Isso para mim é arte. Se eu vou assistir a um espetáculo ou vou a uma exposição e aquilo não deu para eu parar para pensar, ou no mínimo dar um sorriso, alguma coisa está faltando. Arte tem que buscar isso no ser humano.” – Finaliza.

much so that, at 85 met ershigh, it was included for several

years in the Guinness World of Records as the largest floating Christmas structure in the world. It was among people, anonymously, that he heard suggestions he put into practice in the years to come. It was like this, up to 2015, the last year it was assembled.

extraordinary place and having a Christmas element that directly touches people’s heart is another extraordinary

thing. They wanted something more. I began trying to

transcribethese people’s desire into the drawings of the following year. It was very important for the tree to have

several phases, even to have some anticipationat the time. Now I’m going to wait for the phase of the little star.

Over the years, I began to realize that I had to advertise for every taste. Not that I didn’t do it before. Brazilians,

the human beings, increasingly require more and more.” – He explains.

After working with Vaudeville, Abel Gomes got into television, where he made scenarios for shows at TV Globo.

He also designed posters for MPB (Brazilian Popular Music)

artists, like Elis Regina. With his company, he worked on events such as Rock in Rio and Rock in Rio Lisboa. On all

these fronts, always with the concern to thrill and cause reflection.

“Art, for me, is a great state of mind for people to reflect

and admire. That’s art to me. If I’m going to watch a show or go to an exhibition and it didn’t give me time to stop and

think, or at least to smile, something is missing. Art has to pursuethis in the human being.” – He concludes.

Liechtenstein: o Principado que Apoia a Cultura Brasileira Liechtenstein: the Principality which Supports Brazilian Culture fotos / photos: Louisa Monteiro, Eliana Delgado Fadel e Giselle Fritzke

Oficialmente conhecido como Principado de Liechtenstein, o microestado europeu de 160km² de extensão e 35 mil habitantes localiza-se nos Alpes Centrais, entre a Suíça e a Áustria, sendo o sexto menor país do mundo. O Castelo da família real encontra-se na cidade de Vaduz e sua construção imponente, vinda da arquitetura gótica, é uma verdadeira obra de arte para todos os que possuem o privilégio de conhecê-lo. É ali, diante deste Castelo, que se localiza o Vaduzer Saal – o maior Centro de Convenções de Liechtenstein que, pelo 5º ano consecutivo, acolheu o JUNIFEST, uma festa em prol da Cultura Brasileira, promovida pela Associação Casa Brasil Liechtenstein, realizada nos dias 16 e 17 de junho de 2018. A arquiteta Denise da Cruz, brasileira residente no Principado, é Presidente da Associação e idealizadora da iniciativa, que procura divulgar a Cultura do Brasil através de diversos espaços de exposição. Na última edição, o evento contou com o espaço de business, onde empreendedores brasileiros puderam repassar dicas sobre empreendedorismo ao público presente; coach motivacional para mulheres; exposição de livros

Officially known as Principality of Liechtenstein, the European microstate of 160 km² of extension and 35,000 inhabitants is located in the central Alps, between Switzerland and Austria, being the sixth smallest country in the world. The Royal family’s Castle is in the town of Vaduz and its imposing building, erected during the Gothic period, is a true work of art for all who have the privilege of visitingit. It is there, in front of this Castle, where the Vaduzer Saalis located – the largest Convention Center in Liechtenstein where, by the fifth year in a row, has hosted the JUNIFEST, a party on behalf of Brazilian Culture, promoted by Associação Casa Brasil Liechtenstein, held on 16th and 17th of June, 2018. The architect Denise da Cruz, a Brazilian who lives in the Principality, is President and founder of the initiative, which seeks to promote the Culture of Brazil through various exhibition spaces. In the last edition, the event had a space for business, where Brazilian entrepreneurs couldshare tips about entrepreneurship to the audience; motivational coach for women; exhibition of books in Portuguese; Brazilian popular music; cooking and the III Art Salon that has received numerous visitors in the Vaduzer Saal hall and

em português; música popular brasileira; culinária e o III Salão de Arte, que recebeu inúmeros visitantes no hall do Vaduzer Saal e expôs mais de 30 obras de arte, divididas em categorias como: fotografia, escultura e pintura. A curadoria do O homem, o projeto do mundo ficou a cargo de Ângela Oliveira, de São Paulo (SP) e Rosa dos Anjos, de Manaus (AM). Numa pluralidade de técnicas, estilos e texturas, as obras encantaram a todos os que puderam apreciá-las. Sobretudo aos jurados de língua alemã, especialistas e críticos em arte, que tiveram a missão de selecionar os três melhores trabalhos de cada categoria. Os nomes e obras foram divulgados no encerramento do evento e premiados pelo Cônsul Geral do Brasil em Liechtenstein, Sr. José Borges e pela Presidente da Associação Casa Brasil Liechtenstein, Denise da Cruz. Segundo a organização do evento, o objetivo do JUNIFEST é promover e divulgar artistas de diversas vertentes, dandolhes uma visibilidade internacional. Engana-se quem pensa que o trabalho incansável da Associação se limita ao espaço do evento. Como prova, o website da Casa Brasil Liechtenstein disponibilizou as fotos das pinturas, das esculturas e das fotografias alguns dias antes para que o público votasse naquela que considerava a mais bonita. A mobilização virtual resultou em 40 mil votos em menos de 1 semana e 3 artistas (pintura, fotografia e escultura) tiveram seus trabalhos reconhecidos e premiados. A arte mato-grossense também esteve presente através da participação do fotógrafo Antônio Carlos Banavita, que retratou com grande sensibilidade e maestria as raízes brasileiras, ao fotografar uma índia amamentando seu bebê. Se você é artista ou apoiador(a) da Cultura Brasileira e se interessou pelo JUNIFEST, entre em contato com a Associação Casa Brasil de Liechtenstein pelo formulário de contato do site: http://www.casabrasil-liechtenstein. com/ para participar ou contribuir com esta iniciativa.

showed more than 30 works of art, divided into categories like: photography, sculpture and painting. The curatorship of the exhibition O homem, o projeto do mundowas under responsibility of Angela Oliveira, from São Paulo (State of São Paulo) and Rosa dos Anjos, from Manaus (State of Amazonas). In a plurality of techniques, styles and textures, the works delighted all those who were able to appreciate them. Mainly German-speaking jurors, experts and critics in art, who had the task of selecting the three best works in each category. The names and works were disclosed at the end of the event and awarded by the General Consul of Brazil in Liechtenstein, Mr. José Borges, and by the Chairman of Associação Casa Brasil Liechtenstein, Denise Cruz. According to the organization of the event, the goal of JUNIFEST is to promote and divulge artists from various fields, giving them an international visibility. It is a mistake to think that the tireless work of the Association is limited to the event space. As proof, the website of Casa Brasil Liechtenstein released the photos of the paintings, sculptures and photographs a few days before so the public could vote on the onethey considered the prettiest. Virtual mobilization resulted in 40,000 votes in less than 1 week and 3 artists (painting, photography and sculpture) had their works recognized and rewarded. The art from the State of Mato Grosso was also present through the participation of photographer Antonio Carlos Banavita, who portrayed with great sensitivity and mastery Brazilian roots, with the picture of an Indian woman breastfeeding her baby. If you are an artist or supporter (a) of the Brazilian Culture and became interested in JUNIFEST, contact Associação Casa Brasil de Liechtenstein filling the contact form in the site: http://www.casabrasil-liechtenstein.com/ to participate or contribute to this initiative.

A Importância da Língua de Herança e do Bilinguismo The importance of heritance language and bilingualism fotos / photos: Minibilingue Assessoria / Consulting

Para muitos pais e mães que vivem fora de seus países de origem, a adaptação de uma nova cultura e a aprendizagem de um novo idioma são só alguns dos problemas enfrentados quando se vive uma mudança a este nível. No entanto, há ainda um fator que está sempre em pauta na vida familiar e merece muita atenção: qual idioma falar com os filhos neste território diferente? Continuar falando o português, por exemplo, seria prejudicial ao desenvolvimento das crianças? As primas Ana Paula Etienne e Ingrid Pelegrini garantem que não. Criadoras do Clube de Leitura Minibilíngue, o projeto inovador visa o incentivo da preservação da língua de herança para brasileirinhos que vivem fora do Brasil e para os pequeninos anglófonos que lá estão. Ingrid é professora de inglês, fez intercâmbio nos EUA, onde conheceu seu marido e, atualmente, vive no Rio de Janeiro. Mãe de um bebê chamado Lucca, ela entendeu a importância do bilinguismo desde muito cedo e só fala inglês com o pequeno. Ana Paula é formada em Comunicação, fala 4 línguas, já viveu em 5 países e, atualmente, mora na Suíça com sua família. Mãe de duas crianças nascidas no território helvético, ela não abre mão de falar português com os filhos, garantindo-lhes benefícios que, provavelmente, muita gente nem imagina.

For many parents and mothers living outside their home countries, adapting to a new culture and learning a new language are just some of the problems faced when a change like this is experienced. However, there is still a factor that is always in the family agenda life and deserves much attention: which language should be spoken to the children in this different country? If you continue to speak Portuguese, for example, would it be harmful to the children’s development? Cousins Ana Paula Etienne and Ingrid Pelegrini guarantee it wouldn’t. Creators of the Reading Club Clube de Leitura Minibilíngue, the innovative project aims to encourage the preservation of the heritance language for young Brazilians who live outside Brazil and for young Anglophone who live there. Ingrid is an English teacher; in an Exchange Program in the USA, she met her husband. Currently she lives in Rio de Janeiro. Mother of a baby named Lucca, she understood the importance of the bilingualism very early and only speaks English with the little one. Ana Paula graduated in Communication, speaks 4 languages, has lived in 5 countries and currently lives in Switzerland with her family. Mother of two children born in the Helvetic territory, she does not give up speaking Portuguese with her children, guaranteeing them benefits that probably many people may not realize.

“O carinho e cuidado que Ana Paula e Ingrid depositam em cada kit enviado refletem num retorno positivo de quem assina...” “The attention and care that Ana Paula and Ingrid devote in each kit reflect a positive return of those who subscribe.”

Segundo especialistas, o momento propício para se aprender uma nova língua é na infância. Nessa fase, o cérebro se desenvolve velozmente e a inserção de estímulos ambientais aumenta as conexões neuronais, facilitando o aprendizado. Um recente estudo realizado por pesquisadores espanhóis aponta que o bilinguismo ajuda na memória e na atenção. Ainda de acordo com os estudiosos, os bilíngues utilizam mecanismos de atenção muito mais vezes do que os monolíngues. Eles também são capazes de trabalhar melhor em situações de tomada de decisão e em situações de distração. O Minibilíngue nasceu do coração da Ana Paula, ainda grávida do segundo filho – Gustave. Na época, ela terminava uma tese de Mestrado sobre Bilinguismo e decidiu criar o Clube de Leitura para que os pais contem com livros diferenciados e com o suporte necessário para manter a língua de herança entre os filhos. O projeto lançado em junho de 2018 atende a uma faixa etária de 0 a 7 anos, selecionando livros mensalmente e enviandolhes para países como EUA, Austrália, Inglaterra, Canadá, Noruega, Alemanha, Suíça, Itália, França e Hong Kong. Além do livro, os pais assinantes recebem a cada mês um newsletter contendo um mapa de leitura e uma sessão de perguntas/respostas sobre a educação bilíngue na prática. O carinho e cuidado que Ana Paula e Ingrid depositam em cada kit enviado refletem num retorno positivo de quem assina, possibilitando o crescimento do clube e fazendo muitas crianças bilíngues felizes. Como assinar? Acesse o site www.minibilingue. com, clique na aba “assine aqui”, preencha os dados necessários e efetue o pagamento online. você receberá seu kit de boas-vindas em até 3 dias úteis e o livrinho do mês de seu(sua) filho(a). Vale a pena acreditar nesta iniciativa!

According to experts, the right moment to learn a new language is in childhood. In this phase, the brain develops rapidly and the insertion of environmental stimuli increases neuronal connections, facilitating learning. A recent study by Spanish researchers points out that bilingualism helps in memory and attention. Still according to scholars, bilingual persons use mechanisms of attention much more often than monolingual ones. They are also able to work better in decision-making situations and in situations of distraction. Minibilíngue was born from Ana Paula’s heart, when still pregnant with her second child – Gustave. At the time, she was finishing a Master’s thesis on Bilingualism and decided to create the Reading Club so that parents could count on different books and on the support needed to keep the in heritance language for their children. The Project, launched in June 2018, is designed for 0 to 7 age group, selecting books monthly and shipping them to countries such as USA, Australia, England, Canada, Norway, Germany, Switzerland, Italy, France and Hong Kong. In addition to the book, each month subscribers receive a newsletter with a reading map and a question/ answer session about actual bilingual education. The attention and care that Ana Paula and Ingrid devote in each kit reflect a positive return of those who subscribe, enabling the club’s growth and making many bilingual children happy. H o w t o s u b s c r i b e ? Vi s i t t h e w e b s i t e w w w. minibilingue.com, click on the “Assine Aqui” tab (“Subscribe Here”), fill in the required data and make the payment online. You will receive your welcome kit within 3 working days and your child’s book of the month. It’s worth believing in this initiative!

A arte da Mesa Posta The art of setting a table fotos / photos: Studio Rogério Vinícius

Não é novidade que o brasileiro tem o dom da criatividade. Dentre tantos desafios que precisam enfrentar, a força, a coragem e, sobretudo, a reinvenção é uma constante na vida de milhões de pessoas visionárias, que não fogem da luta e se destacam com seus empreendimentos. A teóloga e turismóloga Aliane Warmbrodt é a prova dessa afirmação. Há dez anos, ela chegou na Suíça e ultrapassou as barreiras que os imigrantes enfrentam num território estranho: aprendeu a língua, adequouse à cultura e começou a trabalhar em uma empresa de comércio exterior. Muito detalhista e observadora, percebeu que a sobriedade suíça ultrapassava campos diplomáticos e empresariais – estava presente na cultura, de uma forma muito enraizada. As mesas dos restaurantes, dos hotéis e das casas de seus familiares estavam adormecidas. Tudo era clean, funcional e de uma lucidez marcante. Foi exatamente esta impressão que deu origem a um projeto que virou sua paixão e, agora, é um empreendimento e parte de sua vida: Mesa com Palavra - Tischkultur, que tem como missão resgatar os valores dos relacionamentos familiares através da arte da mesa posta. O início foi marcado por tardes de cafés, onde ela se reunia com um grupo de amigas para interagir, sempre enfatizando os mínimos

It is not new that Brazilians have the gift of creativity. Among many challenges we must face, strength, courage and, above all, reinvention is a constant in the lives of millions of visionary people, who do not run away from struggle and stand out with their ventures. Aliane Warmbrodt, theologian and specialized in Tourism,is proof of this statement. Ten years ago, she arrived in Switzerland and overcame the barriers that immigrants face in a strange country: she learned the language, adapted to the culture and began working in a foreign trade company. Very thorough and observant, she noticed that Swiss sobriety exceeded diplomatic and business fields – it was present in the culture, in a very rooted way. The tables in restaurants, hotels and in her family’s homes were dull. Everything was clean, functional and strikingly formal. It was exactly this impression that gave rise to a project that became her passion and, now, is an enterprise and part of her life: Table with Word - Tischkultur, whose mission is to rescue family relationship values through the art of setting the table. The beginning was marked by afternoons coffees, where she met with a group of friends to interact, always emphasizing the smallest details of the table of her own home: embroidery napkins, porcelain cups, ceramic dishes with hand-painted finishing, crystal

detalhes da mesa de sua própria casa: guardanapos bordados, xícaras de porcelana, pratos de cerâmica com acabamentos pintados à mão, taças de cristal das mais diversas cores e um carinho que chegava a ser palpável. Incentivada por pessoas próximas, decidiu fazer deste talento um trabalho artístico e o resultado é impressionante.

glasses in various colors and a special attention that was

Há três anos, Aliane trabalha como Table Designer, Coach de desenvolvimento humano e consultora na arte de Bem Receber e Etiqueta à Mesa. Inúmeras clientes procuram Aliane regularmente para aquisição de artigos exclusivos oupara realização de cursos e palestras. Dentre as peças, destacam-se a cerâmica vinda do Brasil, a porcelana alemã e as taças de cristal vindas da República Tcheca. Os porta-guardanapos, os guardanapos bordados e os talheres refinados somam-se à infinidade de opções de bom gosto que a Consultora oferece às clientes. Indagada sobre o segredo deste empreendimento de sucesso, ela conta:

Designer, human development Coach and consultant in

“Faço com amor; cada detalhe carrega minha dedicação e cuidado, porque o objetivo é fazer do “estar à mesa” muito mais que o momento das refeições, mas possibilitar que seja o cultivo da vida familiar, tão abalada pelas novas tecnologias.” mesacompalavra@yahoo.com

palpable. Encouraged by close friends and relatives, she decided to turn this talent into an artistic work and the result is impressive. For three years, Aliane has been working asTable the art of Hospitality and Table Manners. Many customers seek Aliane regularly to acquire unique articles or to attend classes, workshops and lectures. Among the items we can highlight pottery from Brazil, German porcelain and crystal glasses from the Czech Republic. Napkin holders, embroidered napkins and refined silverware add to the plethora of tasteful options that the Consultant offers to customers. Asked about the secret to this successful venture, she says: “I do it with love; every detail carries my dedication and care, because the goal is to make “being at the table” much more than meal times, but allow it to be the cultivation of family life, so shaken by new technologies.” mesacompalavra@yahoo.com

Desde os tempos mais remotos, a arte da Cerâmica se manifesta na cultura. Pode ser considerada a mais antigas das indústrias, tendo nascido no momento em que o homem da pré-história começou a utilizar o barro endurecido pelo fogo. A casualidade deste processo possibilitou que a Cerâmica substituísse a madeira, a pedra trabalhada, as vasilhas, tornando-se muito mais que uma técnica: virou arte e conquistou civilizações.

Since the earliest times, the art of Pottery has been expressed in the culture. It may be considered the oldest of the industries, born at the time the pre-historic manbegan using the clay hardened by fire. The odds of this process allowed Pottery to replace wood, carved stone, bowls, becoming much more than a technique: it turned into art and conquered civilizations.

Tadeu Guerra, odontologista e ceramista, é alguém que fala com propriedade sobre o encanto que a cerâmica provoca em quem se dispõe a aprendê-la. Desde criança, é um observador e apreciador de qualquer tipo de arte; por esta razão, começou a pintar muito cedo, utilizando a técnica do óleo sobre tela. Segundo ele, toda a simpatia para com a arte foi direcionada para a profissão de dentista, mas conforme o tempo passava, ia descobrindo que aquela atividade era insuficiente para expressar seus anseios artísticos.

Tadeu Guerra, dentist and ceramist, is someone who speaks with property on the charm pottery evokes to those who are willing to learn it. Since he was a child, he is an observer and appreciator of art of any kind; for this reason, he began painting very early, using the technique of oil on canvas. According to him, any sympathy towards art was directed to the profession of Odontology, but as time went by, he discovered that that activity was insufficient to express his artistic yearnings.

Há dez anos, começou a trabalhar com a Cerâmica. Indagado sobre sua escolha, ele conta:

Ten years ago, he began working with Pottery. Asked about his choice, he tells:

“Escolhi a cerâmica pela beleza e as infinitas possibilidades que vão de utensílios a esculturas, sendo uma arte que pode ser usada no dia a dia ou ser observada como objeto de arte embelezando espaços”.

“I chose pottery because of its beauty and the infinite possibilities ranging from utensils to sculptures, being an art that can be used on a daily basis or be appreciated as an object of art, embellishing spaces.”

O Encanto da Cerâmica The charm of Pottery

Entre moldar, secar, lixar, esmaltar e fazer duas queimas

Between shaping, drying, sanding, glazing and going

(que duram ao menos oito horas cada), uma peça leva

twice through high-temperature heating (lasting at least 8

em média três semanas para ficar pronta. Mas engana-se quem pensa que isto é um empecilho para o artista. Para ter uma boa produção semanal, ele nos conta o segredo sobre a conciliação entre as duas atividades: “No início, era um hobby, mas, com o tempo, me envolvi em projetos com outros artistas, Exposições e Leilões de Arte... Trabalho como ortodontista num ritmo suave. Fico no consultório três dias por semana. Nos outros, me dedico à Cerâmica, conciliando minhas duas paixões.” A variedade de cores e formatos na arte de Tadeu nos prova que toda a sensibilidade no momento da criação é transpassada para cada vaso e escultura, dando origem a lindas peças, que, depois de nascerem, num processo criativo e despretensioso, rodam o mundo. Seja para serem expostas em museus e galerias de arte, seja para enfeitar uma sala de estar ou, até mesmo, uma sala de dentista: para ele, a Cerâmica não é uma arte manual:

hours each), a piece takes on average three weeks to get ready. But it is a mistake to think that this is a hindrance to the artist. To have a good weekly production, he tells us the secret about conciliating the two activities: “In the beginning, it was a hobby, but, over time, I became involved in projects with other artists, Exhibitions and Art Auctions... I work as anorthodontist in a smooth rhythm. I’m in the office three days a week. During the other days, I dedicate myself to ceramics, conciliating my two passions.” The variety of colors and shapes in Tadeu’s art proves to all of us that the sensitivity at the moment of creation is passed on to each vase and sculpture, creating beautiful items, which, after being born, in a creative and unpretentious process, travel around the world. Exhibited in Museums and Art Galleries, or decorating a living room, or even a dentist’soffice: for him, Pottery is

é o sentimento que teve na elaboração de uma obra.

not a manual art: it is the feeling he had in the preparation

Cerâmica é vida!

of a piece. Pottery is life! 55

Editora Brasileira na Suíça dá voz aos Desabafos e Sonhos de Migrantes Escritores Brazilian Publisher in Switzerland gives voice to migrant writers’ outbursts and dreams Te x t o / t e x t : L i l i a n a T i n o c o B ä c k e r t Fotos / photos: César Solar e Marco Negrão

Entre as descobertas interessantes que faço, quando pesquiso sobre os aspectos da vida no exterior, me surpreendeu encontrar uma editora de língua portuguesa e que apoia autores brasileiros e lusófonos na Suíça.

Among interesting findings I come across when searching about aspects of life abroad, I was surprised to find a Portuguese language Publisher that supports Brazilian and Portuguese authors in Switzerland.

Trata-se da Helvetia Edições, empresa de pequeno porte com sede em Vevey e que em três anos de existência já lançou 65 títulos, a maioria escrita em português, mas também em francês, alemão e inglês. O selo comercializa cerca de 3 mil exemplares anualmente. Dando continuidade ao conceito curiosidade, o outro quesito intrigante é o fato de a fundadora ter só 22 anos.

It is Helvetia Edições, a small company headquartered in Vevey, and in three years of existence has already released 65 titles, most written in Portuguese, but also in French, German and English.The publisher sells approximately 3,000 copies annually. Continuing the concept of curiosity, another puzzling aspect is the fact that the founder is only 22 years old.

A fundadora, Jannini Rosa, é uma jovem da cidade fluminense de Cabo Frio, estado do Rio de Janeiro, que atua no ramo desde os 14 anos. Apaixonada por literatura, aos 16 anos já lançava seu primeiro livro, o Faces de Malala, sobre o regime do Talibã, que venceu edital de cultura e foi distribuído nas escolas do município.

The founder, Jannini Rosa, is a young woman from the city of Cabo Frio (State of Rio de Janeiro), and has been working in the business since she was 14 years old. Enthusiastic for literature, at 16 she had already published her first book, Faces de Malala, about the Taliban regime. This book won a cultural edict and was distributed in schools of the municipality.

Ao se mudar para a Suíça para se casar, não teve dúvida: quis continuar seu trabalho-paixão e encontrou um nicho. Entre seus autores, há escritores de primeira viagem que migraram e gostam de escrever, escritores de outros países lusófonos, como também aqueles que estão no Brasil e desejam promover seus livros no mercado europeu.

When moving to Switzerland to get married, she had no doubts: she wanted to continue her passionate work and found a market niche. Among her authors, there are first-time writers who migrated and like to write, writers of other Portuguese-speaking countries, but also those who are in Brazil and want to promote their books in the European market.

Migração e Literatura

Migration and Literature

Uma das descobertas de Jannini é que está cheio de escritores brasileiros no velho continente. “Acho que a solidão e a bagagem de migrante ajudam a ter repertório para a escrita. É uma vivência muito forte, que não quer ser calada. Eu inclusive acredito que o ato de escrever dá a essas pessoas a possibilidade da existência”, explica a editora, que também escreve. “Todo mundo está buscando seu lugar ao sol. Já que o reestabelecimento à vida profissional aqui é muito mais difícil, essas pessoas trabalham em diferentes áreas, mas dão vazão aos seus sentimentos por meio da escrita. Dessa maneira, a literatura funciona como válvula de escape, um desabafo para uma voz que não quer se calar”.

One of Jannini’s discoveries is that the old continent is full of Brazilian writers. “I think migrants’ loneliness and baggage help them have repertoire for writing.It’s a very strong experience, that does not want to be silent. I even believe that the act of writing gives these people the possibility of existence”, says the Publisher, who isalso a writer. “Everyone is looking for aplace in the sun.Since reestablishing professional life here is much more difficult, these people work in different areas, but give vent to their feelings through writing. In this way, literature functions as arelief valve, an outburst for a voice that doesnot want to be silent.”

Concursos de Poesia Além de lançar e escrever, a Editora promove eventos e concursos literários na Suíça e em outros países da Europa, além de ações específicas de poesia. Um dos concursos lançados pela Helvetia já está em sua terceira edição e faz parte do Festival de Poesia de Lisboa, um evento que acontece todo ano, no mês de setembro, aberto a todos da sociedade civil. A última edição foi realizada na sede do Instituto Camões, em Lisboa, Portugal. Se existem pessoas interessadas no gênero poesia? Sim. Entre brasileiros, angolanos e portugueses, foram 95 inscritos para o Concurso. A empresária acredita que o 58

Poetry contests In addition to launching books and writing, the Publisher promotes events and literary competitions in Switzerland and in other European countries, as well as poetry specific actions. One of the competitions launched by Helvetia is already in its third edition and is part of Festival de Poesia de Lisboa (Lisbon Poetry Festival), an event that happens every year in the month of September, open to all civil society.Last edition was held at Instituto Camões headquarters, in Lisbon, Portugal. If there are people interested in poetry? Yes. Among Brazilians, Angolan and Portuguese, 95 people enrolled for the competition. The entrepreneur believes that the taste for poetry is a bet in a world with more love, may

“Além de lançar e escrever, a Editora promove eventos e concursos literários na Suíça e em outros países da Europa...” “In addition to launching books and writing, the Publisher promotes events and literary competitions in Switzerland and in other European countries...”

gosto pela poesia é uma aposta em um mundo com mais amor, talvez até mesmo uma necessidade. “As pessoas querem mais doçura, elas vivem longe da família e ficam mais sensíveis. Não é à toa que este Concurso de Poesia é um dos projetos com mais sucesso da Helvetia”, diz.

be even a necessity. “People want more kindness, they live away from family and become more sensitive. No wonder this Poetry Competition is one of Helvetia’s most successful Project!”, she says.

Para tornar a Helvetia mais conhecida, Jannini participa de Salões de Livro pela Europa. Vai todo ano ao Salão do Livro de Genebra e já marcou presença no de Praga. O negócio de livros de língua portuguesa caminha a passos lentos no Brasil e, também, na Suíça. “É um trabalho de formiguinha, que envolve dedicação e muitas ideias para promoção da Editora na Europa”, explica Jannini.

To make Helvetia better known, Jannini takes part in Book Fairs throughout Europe. Every year she goes to the Geneva Book Fair and has already been in the Book Fair in Prague. Portuguese language books businessmoves in a slow pacein Brazil and also in Switzerland. “The work is painstaking, involving dedication and many ideas to promote this Publishing House in Europe”, Jannini explains.

Como escritora, Jannini tem muitas histórias a contar. Como editora, mil ideias na cabeça. E como migrante, sensibilidade para entender as necessidades de quem passou por mudanças tão profundas e precisa desabafar. A literatura entra nesse perfil como ferramenta.

As a writer, Jannini has many stories to tell. As an editor, a thousand ideas in her head. And as migrant, sensitivity to understand the needs of those who underwent radical changes and need to get it off the chest. Literature gets in this profile as a tool. 59

Obras de autores lusófonos que residem na Europa publicadas até hoje pela Helvetia:

Books from Portuguese speaking authors residing in Europe published up to now by Helvetia:

- Densidades Cíclicas, Felipe Cattapan (Suíça) - Vida sem porta e Renascer em versos, Maria Beatriz Gonçalves (Alemanha) - Menina Coco, Terezinha Malaquias (Alemanha) - As peripécias de Plínio Malaquias, Marcelo Madeira (Suíça)

- Densidades Cíclicas, Felipe Cattapan (Switzerland) - Vida sem porta e Renascer em versos, Maria Beatriz Gonçalves (Germany) - Menina Coco, Terezinha Malaquias (Germany) - As peripécias de Plínio Malaquias, Marcelo Madeira (Switzerland)

- Voo 606, Dulce Rodrigues (Portugal) - Sous les tapis, Clau Stucki (Suíça) - Lúcia Amélia, confessions d’une guerrière, Jannini Rosa (Suíça) - A princesa de Serte e o Reino Encantado, Maria Tereza Morais (Suíça) - Via-Láctea, aprendendo em poesia/La Voie-Lactée, apprendre avec la poésie, Carla De Sà Morais (Suíça) - Herança Viva, Nelsi Emília Stocker (Suíça)

- Voo 606, Dulce Rodrigues (Portugal) - Sous les tapis, Clau Stucki (Switzerland) - Lúcia Amélia, confessions d’une guerrière, Jannini Rosa (Switzerland) - A princesa de Serte e o Reino Encantado, Maria Tereza Morais (Switzerland) - Via-Láctea, aprendendo em poesia/La Voie-Lactée, apprendre avec la poésie, Carla De Sà Morais (Switzerland) - Herança Viva, Nelsi Emília Stocker (Switzerland)

CRÂNIO: Originalidade, Debate e Reflexão CRÂNIO: Originality, Debate and Reflection

Índios azuis, muros coloridos e desenhos que geram reflexões depois de alguns minutos de observação. Eles se apropriam por vezes do sarcasmo para cumprir o papel que a arte tem como ferramenta de conscientização. Este é, sem dúvida, um resumo do trabalho de Crânio, grafiteiro que conquistou o Brasil e o mundo. Tendo crescido na grande São Paulo, maior centro industrial do Brasil e também grande polo de violência e desigualdade social, o artista conta que sua maior influência foi o meio onde vivia. Com apenas 16 anos, começou a cobrir o cinza dos muros com sua criatividade e bom humor, colorindo a cidade e gerando debates construtivos em torno da realidade do país.

Blue Indians, colorful walls and designs that generate

A arte inconfundível de Crânio vem de sua criatividade ao inventar os índios azuis, que, hoje, estão espalhados por diversos muros do território nacional e internacional. O artista cria, em seus desenhos, situações inusitadas e engraçadas, fazendo com que seus espectadores pensem sobre temas como consumismo, sustentabilidade, política e tecnologia. A originalidade na criação de personagens que funcionam como cartão de visita de seu trabalho também é admirada de um ponto de vista histórico: além dos índios representarem parte da cultura brasileira, eles são vistos como “extraterrestres” para a sociedade da cidade grande, tal como foram vistos um dia pela corte real portuguesa.

Crânio’s distinctive art comes from his creativity by

A genialidade do artista também está presente nos seus traços marcantes, na utilização de cores vibrantes, na habilidade com o spray e na inserção de elementos surreais em suas criações, inspirando-se em Salvador Dalí, o maior ícone do movimento surrealista. Um grande exemplo é um mural de 20 metros de altura que Crânio pintou na Vila Mariana, zonal sul de São Paulo. Nele, o índio azul veste um capuz típico dos personagens de Assassin’s Creed, segurando uma gravata na mão. A mensagem por trás da imagem não é tão evidente para os observadores apressados que por ali passam diariamente: a simbologia representa a corrupção e o contexto da obra representa a vontade de eliminá-la. Não é genial?!

The artist’s genius is also present in his remarkable

reflections after a few minutes of observation. Sometimes they size sarcasm to fulfill the role that art has as a tool for

consciousness. Doubtless this is a summary of Crânio’s work, a graffiti artist who conquered Brazil and the world. Having grown up in São Paulo, Brazil’s largest industrial

center and also a great pole of violence and social

inequality, the artist tells us that his major influence was

the environment where he lived. At only 16, he began to

cover the grey of the walls with his creativity and good mood, coloring the city and generating constructive debates around the reality of the country.

inventing the blue Indians, who, today, are spread over several walls nationwide and internationally. The artist

creates in his drawings unusual and funny situations, causing his viewers to think about themes such as

consumerism, sustainability, politics and technology. Originality in creating characters who function as

a business card of his work is also admired from a historical point of view: besides representing part of

the Brazilian culture, Indians are viewed as “aliens” to the big city society, as they were seen once by the Portuguese Royal Court.

strokes, the use of vibrant colors, the ability with the spray and the insertion of surreal elements in his creations,

based in Salvador Dalí, the biggest icon of the surrealist

movement. A great example is a 20-meter-high mural that Crânio has painted in Vila Mariana, south area of

São Paulo. In it, the blue Indian wears a typical hood of the characters in Assassin’s Creed, holding a tie. The

message behind the image is not so evident to hurried

observers thatwalk by there every day: the symbolism represents the corruption and the context of the work represents the will to eliminate it. Isn’t it great?!

JackMichel, a Escritora 2 em 1 JackMichel the 2 in 1 Writer JackMichel é o primeiro grupo literário na história da literatura mundial composto por duas escritoras: Jaqueline e Micheline Ramos. São irmãs e nasceram em Belém – PA (Brasil). O tema de sua obra é variado, visto que possui livros escritos nos gêneros ficção, poesia, romance, fábula e conto de fadas. A escritora lançou Arco-Jesus-Íris pela Chiado Editora (2015), LSD Lua, 1 Anjo MacDermot, Sorvete de Pizza Mentolado x Torpedo Tomate, Ovo , pela Drago Editorial (2016) e Papatiparapapá , pela Editora Illuminare (2017). É associada da ACIMA (Associazione Culturale Internazionale Mandala), da LITERARTE (Associação Internacional de Escritores e Artistas), da AMCL (Academia Mundial de Cultura e Literatura) e da UBE (União Brasileira de Escritores). Seus contos e poemas constam em antologias internacionais bilíngues: Amor & Amore (Edizioni Mandala), Os Melhores Poemas de 2016 (ZL Editora), Faz de Conto II (Helvetia Edições), 1ª Antologia Cultive (Fast Livro), III Antologia Mulheres Pela Paz (2017) Edição Especial (Fénix), 64

JackMichel is the first literary group in the history of world literature composed of two writers: Jaqueline and Micheline Ramos. They are sisters and were born in Belém – State of Pará (Brazil). The theme of their work is varied, since they have books written in various literary genres (fiction, poetry, romance, fable and fairytale). They have released Arco-Jesus-Iris, by Chiado Editora (2015); LSD Lua , 1 Anjo MacDermot , Sorvete de Pizza Mentolado x Torpedo Tomate, Ovo, by Drago Editorial (2016) and Papatiparapapá, by Editora Il l umi nare (2017). They are memb ers of ACIM A (Associazione Culturale Internazionale Mandala), LITERARTE (Associação Internacional de Escritores e Artistas), AMCL (Academia Mundial de Cultura e Literatura) and UBE (União Brasileira de Escritores). Their tales and poems appear in bilingual international anthologies: Amor & Amore (Edizioni Mandala), Os Melhores Poemas de 2016 (ZL Editora), F az de Conto II (Helvetia Edições), 1ª Antologia Cultive (Fast Livro), III Antologia Mulheres Pela Paz (2017) Edição

Antologia de Poesia Brasileira Contemporânea Além da Terra Além do Mar (Chiado Editora), Antologia Criticartes 2017 (Biblio Editora), A Vida em Poesia II (Helvetia Edições). Também foi destaque em diversos jornais e revistas on-line de literatura, artes e cultura como Varal do Brasil, Arca Literária, Ami, Divulga Escritor, Geração Bookaholic, Conexão Literatura, Plural, Criticartes e Philos. Participou do XXIX Salão Internacional do Livro de Turim 2016, I Salão do Livro de Lisboa 2016 e I Salão do Livro de Berlim 2016. Em 2017, tomou parte nos eventos: XVIII Bienal Internacional do Livro do Rio, 4ª Feira do Livro Livre de Buenos Aires, 31º Salão do Livro e da Imprensa de Genebra, XXX Salão Internacional do Livro de Turim, Salão Internacional do Livro de Milão, BUK Festival Literário de Modena, Feiras Literárias de Mântua, Bolonha e Roma. Ganhou o 3º lugar no Concurso Cultive de Literatura “Prêmio ALALS de Literatura” e o 1° lugar no II Festival de Poesia de Lisboa. Seu slogan é “A Escritora 2 Em 1”.

Especial (Fénix), Antologia de Poesia Brasileira Contemporânea Além da Terra Além do Mar (Chiado Editora), Antologia Criticartes 2017 (Biblio Editora), A Vida em Poesia II (Helvetia Edições). They were also featured in several newspapers and online journals of literature, arts and culture as Varal do Brasil, Arca Literária, Ami, Divulga Escritor, Geração Bookaholic, Conexão Literatura, Plural, Criticartes and Philos. JackMichel took part at the XXIX Turin International Book Fair 2016, I Lisbon Book Fair 2016 and I Berlin Book Fair 2016. In 2017, JackMichel took part in the events: XVIII Rio International Book, 4th Feira do Livro Livre de Buenos Aires, 31 st Geneva Book and Press Fair, XXX Turin International Book Fair, Milan International Book Fair, BUK Literary Festival, Mantua, Bologna and Rome Bookfairs. JackMichel won 3rd place at the competition Concurso Cultive de Literatura “Prêmio ALALS de Literatura” and 1st place at II Festival de Poesia de Lisboa. JackMichel’s slogan is “2 in 1 Writer”. 65

Yonis Malacrida e sua Paixão pela Porcelana Yonis Malacrida and your passion by Porcelain

Ainda criança, em Queimados, na baixada fluminense do Rio de Janeiro, Yonis Malacrida já gostava de pintar. Ao visitar pela primeira vez uma Exposição de Pintura em Porcelana, ficou apaixonada por essa arte. Pintora autodidata, ela aproveita cada ocasião para adquirir novas técnicas e se aperfeiçoar no desenvolvimento de seu trabalho. Graças ao grande mestre da pintura na porcelana, Filipe Pereira, ela pôde presidir como júri nas grandes Exposições Internacionais de Pintura sobre a Porcelana em Porto e em Bangkok, participou também de várias exposições e concursos nos cinco continentes. Em 2011, ela concretiza um projeto louco, um desfile de roupas de porcelana, que foi apresentado em Lisboa, em Paris e em Genebra, no Bail de Créateurs. Pois para Yonis, a porcelana é mais que pintura. É também moda, através de roupas e acessórios. Depois das roupas de porcelana, ela fez uma montagem de garrafas derretidas sobre os quadros de porcelana que foram expostos na Galeria Nest, em Genebra, com o tema Arte e Vinho. Hoje, essas obras se encontram expostas na Galeria de Arte Swiss Art, na cidade velha de Genebra. Entre viagens e exposições, ela ensina pintura na porcelana em seu atelier em Bellevue, em Genebra. Para Yonis, a pintura na porcelana é uma evasão no universo das cores. Seu grande prazer é compartilhar essa paixão. 66

Yonis Malacrida likes to paint since she was a child,in Queimados, state of Rio de Janeiro, Brazil. When she first visited an exhibition of porcelain painting, she became enamored of this art.A self-taught painter, she takes advantage of every opportunity to learn n e w t e c h n i q u e s a n d t o i m p ro v e h e r s e l f i n t h e development of her work. The great master of porcelain painting, Filipe Pereira, made her President of the jury atmajor international porcelain painting exhibitions in Porto and in Bangkok. She also participated in various exhibitions and competitions on five continents. In 2011, she completed a crazy project, a porcelain clothing parade, which was presented in Lisbon, Paris and Geneva at the Bal des Créateurs. For Yonis, porcelain is more than painting, it is also fashion, through clothing and accessories. After the porcelain clothes, she made a set of melted bottles on porcelain frames that were exhibited at the Nest Gallery in Geneva with the theme “Art and Wine”. Today, these works are exhibited at the Swiss Art Gallery in Geneva’s Old Town. Between travels and exhibitions, she teaches porcelain painting at her atelier in Bellevue, in Geneva. For Yonis, painting on porcelain is an escape into the universe of colors. Her greatest pleasure is to share this passion.

Arquitetura e Economia Sustentável Architecture and Sustainable Economy fotos / photos: Etiene Maria e Eliane Fadel

Denise da Cruz Campitelli nasceu na Cidade Maravilhosa. Estudou na Universidade Federal do Rio de Janeiro e diplomou-se em arquitetura urbanista na FAU Universidade de Arquitetura e Urbanismo, tendo alcançado posteriormente o diploma de Bacharel de Arte na Escola de Belas Artes do Rio de Janeiro. Sua vida profissional passou por em enriquecedoras atividades profissionais, que possibilitaram a criação de diversos projetos inovadores. No Brasil, organizou eventos de grande porte, entre eles, a visita do Papa Giovanni Paolo II e a Casa Brasil nas Olimpíadas de Sydney, em 2000. Vivendo atualmente em Liechtenstein, é proprietária de um escritório de arquitetura, onde realiza e desenvolve seus projetos.

De nis e da Cr uz C a m p i t e l l i w a s b o r n a t C id ad e Maravilhosa. She studied at UniversidadeFederal, Rio de Janeiro, and graduated in Architecture at FAU –Universidade de Arquitetura e Urbanismo, having achieved the Bachelor’s degree of Arts at Escola de Belas Artes do Rio de Janeiro. Her professional life has gone through enriching professional activities, which enabled the creation of many innovative projects. In Brazil, she organized large events, among them, the visit of Pope John Paul IIand Casa Brasil at the Olympics in Sydney,in 2000. Currently living in Liechtenstein, she owns an architectural firm, where she carries out and develops her projects.

“Um indivíduo que mora num local saudável, vai interferir positivamente na construção de uma sociedade saudável, em todos os seus aspectos...” “A person who lives in a healthy place, will positivelyinterfere in the building of a healthy society, in all its aspects...”

Com muita paixão e garra, a arquiteta reinventou-se num país que não é o seu, chegando a projetar escola de jardim de infância, o K-Palace (situado em Mauren, cidade onde vive), além dos residenciais: Condomínio de sete casas de praia, Sardenha – Itália; Studie Gewerbepark “A. Ospelt”, Eschen – Liechtenstein; Studie Gewebpark “Säga”,Nedeln - Liechtenstein

With a lot of passion and guts, the architect has reinvented herself in a country that isn’t hers, designing kindergartens, the K-Palace (located in Mauren, city where she lives), in addition to residentials: a Condominiumwith seven houses, Sardinia – Italy; Studie Gewerbepark “A. Ospelt”, Eschen – Liechtenstein; Studie Gewebpark “Säga”, Nedeln – Liechtenstein.

Seu trabalho, tanto na arquitetura como no design, é voltado para a sustentabilidade e para construções de projetos saudáveis que favoreçam tanto o meio ambiente como a qualidade de vida do indivíduo. “Um indivíduo que mora num local saudável, vai interferir positivamente na construção de uma sociedade saudável, em todos os seus aspectos; com isso todos nós vamos sair ganhando neste espaço social, isto para mim é também economia sustentável: investir em qualidade de vida para as pessoas”, diz a Arquiteta.

Her work, both in architecture as in design, is geared to sustainability and construction of healthy projects that support the environment and the individual’s quality of life as well. “A person who lives in a healthy place, will positivelyinterfere in the building of a healthy society, in all its aspects; with that we’re all going to win in this social space, this, to me, is also sustainable economy, investing in people’s quality of life”, says the architect.

Neste seguimento, Denise participou de um concurso em Ruggell - Liechtestenstein” Lebender Gebäude” Construção/Edifícil Vivo. Foi uma pesquisa em energia limpa com propostas ecológicas para um prédio sustentável de escritórios e associações ligadas à sustentabilidade, com uma área de convivência comum no centro de Ruggell -Liechtenstein. O Projeto do escritório Da Cruz deu início a uma série de outros estudos de design com base em energia limpa. Com este projeto e pesquisa,surgiu a ideia e a criação da associação GREENTIME.

In this follow-up, Denise participated in a contest in Liechtenstein “Lebender Gebäude” Live Construction/ Building. It was a survey on clean energy with ecological proposals for a sustainable building of offices and associations linked to sustainability, with a common living area in the Centre of Ruggell-Liechtenstein. The Project of the Office Da Cruzbegan a series of design studies based on clean energy. With this project and research, it came up the idea and the creation of the Association GREENTIME.

Greentime é uma união de tecnologias sustentáveis com um design arrojado e inteligente. A associação reúne sócios com expertise em tecnologia de ponta, com o apoio da arquiteta e escritório Da Cruz. Em 2017, GREENTIME recebeu a nomeação como melhor projeto ecossustentável na Feira de Milão de design pelo projeto ENERGY WALL, que produz energia junto a plantas naturais sem adubo ou produtos químicos, para abastecer um relógio que vem acoplado ao módulo. O segundo projeto apresentado na Feira, foi uma mesa denominada GREEN CALL. A ideia de “chamada verde” era criar diversas estações de energia verde, onde todos pudessem carregar seus celulares num caso de emergência.

GREENTIME is a union of sustainable technologies with a bold and smartdesign. The Association brings together partners with expertise in state of the arttechnology, with the support of the architect and her office, Da Cruz. In 2017, GREENTIME received a nomination as best ecologically sustainable Project at the Milan Design Fair, with project ENERGY WALL, which produces energy with natural plants without fertilizer or chemicals, to supply a clock that comes attached to the module. The second project presented at the Fair was a table named GREEN CALL. The idea of “green call” was to create several green power stations, where everyone could upload their cell phones in case of emergency. 71

“Imagine você num shopping, sem bateria no celular, precisando falar urgente com alguém. Se houvesse a possibilidade de carregar o seu celular ao menos para uma chamada”SOS”. Acho que seria muito bacana ter essa possibilidade de acesso à energia limpa e gratuita para todos. Além do mais os vasos de plantas estariam também contribuindo para paisagem e decoração de qualquer ambiente ou rede de lojas”, declara Denise.

“Imagine yourself in a mall, no battery on your phone, needing to speak urgently with someone. If there were a possibility to charge your mobile phone at least for a SOS call!I think it would be very nice to have this possibility of access to clean and free energy for everyone. Besides, the plant pots would also be contributing to landscape and decoration of any environment or shop networks”, Denise declares.

O projeto e ideia desta empreendedora não param por aí. Segundo ela, as possibilidades são infinitas neste projeto e estudo. O projeto que ela agora procura apoiadores e patrocinadores é o GREEN TRICYCLE, uma espécie de lixeira orgânica que transforma em adubo, o lixo orgânico. Este adubo vai direto para a horta orgânica e caseira do designer e o melhor de tudo isso é que ainda tem capacidade de gerar energia armazenando em um acumulador para ser usada quando for necessário.

The project and idea of this entrepreneur do not stop there. According to her, the possibilities are endless in this project and study. The project she now seeks supporters and sponsors is the GREEN TRICYCLE, a sort of organic recycle bin that transforms organic waste into compost. This fertilizer goes straight to the designer’s organic and domestic vegetable garden and the best of all this is that it still has the ability to generate energy by storing it in an accumulator to be used when needed.

Veja o desenho ao lado: coloca-se restos de lixo orgânico na parte superior do vaso e ali mesmo vai se transformando em adubo para as plantas que podem ser decorativas ou também uma pequena horta biológica.Na frente tem um carregador que vai acumulando a energia gerada por este processo natural. A quantidade de energia é sempre muito pequena comparada a um painel solar, porém a energia é gerada noite e dia, sem parar.

See the drawing beside: you place the remains of organic waste in the upper part of the vase and right there it will turn into compost for the plants that can be decorative or also a small biological vegetable garden. At the front,there is a charger that accumulates energy generated by this natural process. The amount of energy is always too small compared to a solar panel, but the energy is generated night and day, non-stop.

“É um verdadeiro 3 em 1 (risos) horta caseira BIO sem aditivo químico + composto de lixo orgânico + energia gerada por este ciclo”.

“It’s a real 3 in 1 (laughs) domestic BIO vegetable garden without chemical additive + organic waste compound + energy generated by this cycle “.

Os interessados podem entrar em contato pelo site: www.greentime.li para obter mais informações.

Interested parties can contact the website: www.greentime.li For more information.

Você gosta de levar uma vida saudável?

Do you like to lead a healthy life?

Então você vai amar o projeto GREEN TRICYCLE. Ele tem três importantes ciclos sustentáveis:

Then you will love the GREEN TRICYCLE project It has three important sustainable cycles:

1) vaso BIO para uma produção de vegetais saudáveis e sem produtos químicos.

1) BIO vase for a production of healthy vegetables with no chemicals.

2) Valorização de resíduos orgânicos - serve como preparador de fertilizantes, limitando a deposição de resíduos de cozinha em aterros sanitários.

2) Valuation of organic residues – it is fit to be used as fertilizer preparer, limiting the deposition of kitchen residues in landfills.

3) Produz pequenas quantidades de energia para pequenos suprimentos eletrônicos.

3) It produces small amounts of energy for small electronic supplies.

Como amante da arte, Denise também dedica parte do seu tempo em projetos culturais brasileiros na associação Casa Brasil Liechtenstein, país onde é residente. Criadora do Salão de Arte Brasileira, que vai para sua 5° edição, todos os anos,dando oportunidade para brasileiros no mundo todo apresentarem suas obras. Também atua como relações públicas da Revista Artnatic, ajudando na elaboração do conteúdo e na arte final da revista.

As an art lover, Denise also dedicates part of her time to Brazilian cultural projects at Casa Brasil Liechtenstein, country where she lives. Creator of the Brazilian Art Salon, which goes to its 5th edition, every year, giving opportunity for Brazilians worldwide to exhibit their works. She also acts as public relations of the Magazine Artnatic, helping in the elaboration of the content and with the magazine final art.

A natureza como musa inspiradora de Argina Seixas Nature as Argina Seixasâ&#x20AC;&#x2122; inspiring muse

O contato com a natureza revela um encontro de sentidos singulares. Sensações, cores, sons e formatos únicos da fauna e da flora brasileira despertam os mais intrínsecos sentimentos humanos. A riqueza imagética desse encontro resultou nas poéticas pinturas da artista plástica Argina Seixas. Nascida em Guapimirim, cidade da região da Serra Verde Imperial do Rio de Janeiro, que tem como característica turística a exuberância da Mata Atlântica, Argina transpassa a representação do real ao revelar os detalhes óticos presentes nas desconhecidas florestas de nosso país. Seu desafio é procurar dar transparência ao olhar dos animais e luminosidade às superfícies dos elementos, usando cores fortes e vibrantes. Por isso, sua pintura dá um “zoom” na composição, ressaltando uma nova multiplicidade em cada traço, o que ela própria chama de “composição em enquadramento de perspectiva”.

Contact with nature reveals an encounter with unique directions. Sensations, colors, sounds and unique formats of Brazilian fauna and flora awaken thedeepest intrinsic human feelings. The richness of this encounter resulted in the artist Argina Seixas’ poetic paintings. Born in Guapimirim, city in the region of Serra Verde Imperial, Rio de Janeiro, which has as a tourist feature the exuberance of the Atlantic forest, Argina surpasses the real representation by revealing the optical details present in the unknown forests of our country. Her challenge is to try to give transparency at the look of animals and surfaces of the elements, using bold and vibrant colors. That’s whyher painting gives a “zoom” in composition, emphasizing a new multiplicity at each stroke, which she herself calls “composition in perspective framework”.

Além de quadros em MDF, Argina personaliza móveis e paredes, poetizando a natureza em meio ao nosso ambiente cotidiano, como pousadas, restaurantes, hotéis e residências. Outra proposta original de seu trabalho é a pintura em objetos antigos, como portas e janelas de madeira de demolição. Outras bases utilizadas para colorir sua arte são geladeiras antigas, tecido e cerâmica onde a tinta acrílica dá forma a coloridas frutas e temperos.

In addition to paintings in MDF, Argina customizes furniture and walls, poeticizing nature in the midst of our daily environment, such as hostels, restaurants, hotels and residences. Another original proposal of her work is the painting on ancient objects such as demolition wooden doors and windows. Other bases used to color her art are old refrigerators, fabric and ceramic, where acrylic paint gives form to colored fruits and spices.

A cada pintura, a artista plástica busca a perfeição de poder expressar a natureza em sua forma mais fidedigna. “O maior desafio é buscar a perfeição em pintar o olhar de um animal e poder mostrar o brilho e a transparência existentes na fauna e flora. Fazer com que as pessoas possam sentir em minha pintura o que há de belo na natureza é a razão da minha arte”, afirma a artista plástica.

In each painting, the artist tries to express nature in its most accurate way withperfection. “The greatest challenge is to seek perfection in painting the look of an animal and be able to show the brightness and transparency in the fauna and flora. To make people feel in my painting what is beautiful in nature is the reason of my art”, says the artist.

“O maior desafio é buscar a perfeição em pintar o olhar de um animal e poder mostrar o brilho e a transparência existentes na fauna e flora. Fazer com que as pessoas possam sentir em minha pintura o que há de belo na natureza é a razão da minha arte.” “The greatest challenge is to seek perfection in painting the look of an animal and be able to show the brightness and transparency in the fauna and flora. To make people feel in my painting what is beautiful in nature is the reason of my art.”

Eduardo Kobra e sua História de Superação Eduardo Kobra and his history of resilience

A surpresa é sempre grande quando você tem a chance de ficar cara a cara com um trabalho de arte de rua ao passear despretensiosamente. Além de muito frequentes, os desenhos estampados nos muros podem ser resumidos como uma arte popular, que possibilita o acesso direto do observador, de forma gratuita e ilimitada. Foi através dessa técnica que Eduardo Kobra, um artista brasileiro, ficou famoso no mundo inteiro pelos seus coloridos afrescos.

The surprise is always wonderful when you have the chance to get face to face with a street art work while unpretentiously strolling. Besides being very common, the drawings printed on the walls may be summed up as popular art, which allows direct access to the observer, in a free and unlimited way. It was through this technique that Eduardo Kobra, a Brazilian artist, became famous all over the world for his colorful frescoes.

Kobra é um artista de rua brasileiro de 42 anos, nascido em uma pequena cidade nos arredores de São Paulo. De família modesta, abandonou os estudos muito cedo para se dedicar à arte, contra a vontade de seus pais. Com apenas 12 anos, juntou-se a uma pequena gangue de grafiteiros do local onde vivia e começou a pintar ilegalmente os muros urbanos.

Kobra is a 42-year-old Brazilian street artist, born in a small town on the outskirts of São Paulo. Born into a modest family, he abandoned his studies too early to devote himself to art, against his parents’ will. At the age of 12, he joined a small gang of graffiti artists in the place where he lived and began to paint urban walls illegally.

Considerado como um vândalo, o artista foi pego pela polícia diversas vezes, mas uma virada do destino lhe fez cruzar com um juiz que se impressionou com a qualidade de suas obras e lhe ofereceu um “serviço comunitário”: repintar uma parede da delegacia local com um de seus afrescos. A inteligente decisão mudou radicalmente a vida de Eduardo Kobra, que, pela primeira vez, teve seu caráter criativo reconhecido.

Considered a hooligan, the artist was caught by the police several times, but a turn of fate made him come across a judge who was impressed with the quality of his works and offered him “community service”: repaint a wall of the local police station with one of his frescoes. The clever decision radically changed Eduardo Kobra’s life, who, for the first time, had his creative character acknowledged.

Hoje, o artista é reconhecido mundialmente por suas representações fragmentadas, muito trabalhadas com cores brilhantes e contrastes de preto e branco. Muito cedo, ele se especializou em realizações fotorealistas através de pinturas gigantescas (na maioria das vezes inspiradas em fotografias reais mais ou menos conhecidas). Essa paixão levou-o a retratar rostos de ícones populares, reconhecíveis em um piscar de olhos. Entre eles, podemos encontrar figuras políticas como Abraham Lincoln, artistas como David Bowie, John Lennon ou Bob Dylan, ou até um retrato de Ayrton Senna, lenda da Fórmula 1. Todos esses retratos fazem parte de um projeto global chamado “Muros da Memória”, que visa homenagear importantes personagens da história mundial. Suas obras também lhe permitem demonstrar seu compromisso com 80

Today, the artist is worldwide recognized for his fragmented representations, labored in details with bright colors and black and white contrasts. At a young age, he specialized in photo-realistic creations through gigantic paintings (most often inspired by more or less known real photographs).This passion has led him to portray faces of popular, recognizable icons in the blink of an eye. Among them, we can find political figures such as Abraham Lincoln, artists like David Bowie, John Lennon or Bob Dylan, and even a portrait of Ayrton Senna, the legend of Formula 1. All these portraits are part of a global project called “Walls of Memory”, which aims to honor important characters in world history. His works also allow him to demonstrate his commitment to the environmental cause. Thus, he was able to approach through his

a causa ambiental. Assim, ele foi capaz de abordar através de seu projeto “GreenPencil” (que pode ser traduzido como “Pincel Verde”) temas como a pesca de cetáceos, as touradas, o aquecimento global, a proliferação de usinas nucleares ou o desmatamento na Amazônia.

project “Green Pencil” (which can be translated as

De maneira simples, mas explícita, Eduardo Kobra dissemina ideais nas cores das paredes das cidades que atravessa. Fundador do estúdio que leva seu nome, ele agora pode viver de sua arte, exercitando-a legalmente, sendo abordado por cidades ao redor do mundo para performances na rua com sua equipe, principalmente em edifícios muito altos ou longas paredes horizontais. Você pode descobrir todos os projetos em seu site ou seguir suas notícias em sua página no Facebook ou no Instagram.

In a simple but explicit way, Eduardo Kobra spreads ideals

“Green Brush”) topics such as cetacean fishing, bullfights, global warming, proliferation of nuclear plants or deforestation in the Amazon.

on the colors of the walls in the cities he walks through. Founder of the studio that carries his name, he can now live from his art, exercising it legally, being invited by cities around the world for performances on the street with his team, mainly in very tall buildings or long horizontal walls. You can find out all his projects on his website or follow his news on Facebook or Instagram. 81

Artérias Emaranhadas: Fotografia Propositada Artérias Emaranhadas (Tangled Arteries): Photography on Purpose Fotos/photos: Nina Bruno e Meireles Junior

A Fotografia é considerada uma vertente artística de grande impacto por seu caráter emotivo, ao imortalizar momentos, e por seu caráter histórico, ao trazer à tona registros do passado que possibilitam um melhor entendimento do presente e uma projeção do futuro. Um bom fotógrafo tem a sensibilidade de capturar, com precisão, o instante de um sorriso sincero, de um olhar, de uma lágrima e de um gesto. Ele está atento e sensível aos sinais corporais, à luz que evidencia o pequeno sinal de um rosto, às rugas de uma pele e ao ambiente que o cerca. Lucilene Lisboa Rehberg, fotógrafa brasileira residente na Alemanha, é um exemplo claro de uma profissional propositada, capaz de fazer poesia ativando o clique de uma câmera fotográfica e de gerar reflexão com imagens que nos indagam sobre nossa cultura, nossas origens e nossas crenças. 84

Photography is considered an artistic aspect of great impact for its emotional character, to immortalize moments, and for its historic character, as it brings up past records that allow a better understanding of the present and a projection of the future. A good photographer has the sensitivity to capture, with precision, the moment of a sincere smile, a look, a tear, a gesture. He is attentive and sensitive to body signals, to the light which shows a little mark on a face, skin wrinkles, and the environment that surrounds him. Lucilene Lisboa Rehberg, Brazilian photographer resident in Germany, is a clear example of a conscious professional,able to make poetry by activating the click of a camera and to generate reflection with images,asking us about our culture, our origins and beliefs.

Foi com esta visão que surgiu a série Artérias Emaranhadas, um trabalho autoral da Artista Visual entregue na conclusão do curso pela Panamericana Escola de Artes e Design de São Paulo (2017). A sede da artista visual pelo sertão foi motivada pela busca de suas raízes através da linguagem fotográfica, materializandose como uma forma de desvendar o universo ali existente, já que ficou para trás desde seu nascimento, quando seu pai, que era de lá, faleceu. A ausência do pai apresentase através de um viés antagônico à despedida de um ser, dando luz a novos projetos. Embora seja uma criação recente, Artérias Emaranhadas já conta com um longo percurso. Além de ter recebido destaque entre os 28 melhores trabalhos de 2017 pela Panamericana Escola de Artes e Design, ele compôs a exposição Estética, Ética e Técnica sob curadoria de Rosely Nagakagawa e, posteriormente, a Mostra dos Formandos do Curso de Fotografia da mesma escola. Na Europa, passou por Berlim, Lisboa, Moscou, Schaan e Vaduz. Neste último, a fotógrafa e artista visual Lu Lisboa ilumina a poética do Nordeste brasileiro, conquistando o 3º lugar na categoria Fotografia do 3º Salão de Arte Brasileira de Liechtenstein, promovido pela Casa Brasil Liechtenstein 2018, com a foto “Uru-ku, aurora das mãos-terra”.

It was with this vision that the series Artérias Emaranhadas (Tangled Arteries) was created, a work from the artist presented on completion of the course at Panamericana Escola de Artes e Design, in São Paulo (2017). The visual artist’s thirst for the back country was motivated by the search ofher roots through photographic language, materializing as a way to unravel the universe existing there, left behind since her birth, when her father, who was born there, has died. The father’s absence presents itself through an antagonistic bias to the farewell of a being, giving birth to new projects. Although it is a recent creation, Artérias Emaranhadas has come a long way.In addition to having received prominence among the 28 best works of 2017 by Panamericana Escola de Artes e Design, it was part of the Exhibition Estética, Ética e Técnica under Rosely Nagakagawa’s curator ship and subsequently part ofMostra dos Formandos do Curso de Fotografia, under the same curator.In Europe, she travelled to Berlin, Lisbon, Moscow, Schaan and Vaduz, where the photographer and visual artist Lu Lisboa illuminates Brazilian northeast poetry, winning 3rd place in the category Photography in the3rd Brazilian Art Salon of Liechtenstein, promoted by Casa Brasil Liechtenstein 2018, with the photograph “Uru-ku, aurora das mãos-terra”.

“Lucilene Lisboa Rehberg é um exemplo claro de uma profissional propositada, capaz de fazer poesia ativando o clique de uma câmera fotográfica e de gerar reflexão com imagens que nos indagam sobre nossa cultura, nossas origens e nossas crenças.” “Lucilene Lisboa Rehberg, Brazilian photographer resident in Germany, is a clear example of a conscious professional,able to make poetry by activating the click of a camera and to generate reflection with images,asking us about our culture, our origins and beliefs.”

Sobre a foto Uru-ku: aurora das mãos-terra, a leitura oferecida foi de uma obra resposta à força da imagem que exalta a alteridade do trabalho com a terra no Brasil, mesmo sob a dinâmica célere e tecnológica da contemporaneidade esculturada pelo século 21. O corpo de jurados foi composto por uma equipe europeia formada por Delacher Ingrid(Áustria), Adam Glinski (Polônia), Christine Glinski-Kaufmann (Suíça). Para Lu Lisboa, seus repertórios reverberam reminiscências que envolvem o seu próprio vínculo, íntimo e de laços sagrados com a terra de origem, apesar das diferentes culturas visitadas por onde morou na Ásia, entre néon e arranha-céus e residência fixa atual na Alemanha.

About the photo Uru-ku: aurora das māos-terra, the reading offered was of a work that answered the strength of the image that exalted the alterity of the work in Braziliansoil, even under the swift and technological dynamics of contemporaneity sculpturedby the 21st century.The jury was composed byan European team formed byDelacher Ingrid (Austria), Adam Glinski (Poland), Christine Glinski-Kaufmann (Switzerland). For Lu Lisboa, her repertoires reverberate reminiscences that involve her own bond, intimate and with sacred ties with the land of origin, despite different cultures visited in Asia, where she has lived, between neon and skyscrapers and her current fixed residence in Germany.

Além de artista visual, Lucilene Lisboa Rehberg é pesquisadora e doutoranda pela Faculdade de Filosofia, Letras e Ciências Humanas (FFLCH) da Universidade de São Paulo, USP. Também é Mestre em Educação, Artes e História da Cultura pela Universidade Presbiteriana Mackenzie (2001). Esta intimidade com as letras e a linguagem na cognição e no binômio herança e sociedade possibilitaram que fosse convidada para prefaciar a obra Tributo ao Sertão, publicada pela Helvetia Edições, editora helvético-brasileira, que tinha como objetivo resgatar a cultura sertaneja, e também de promovê-la na Europa. O livro, lançado em outubro de 2018, também contou com as fotos da série e foi apresentado em Zurique (Suíça) e São José do Rio Preto (Brasil).

Besides being a visual artist, Lucilene Lisboa Rehberg is a researcher and PhD student at Faculty of Philosophy, Letters and Human Sciences (FFLCH), University at São Paulo, USP. She also has a Master’s degree in Education, Arts and Culture History at Universidade Presbiteriana Mackenzie (2001). This intimacy with the letters and the language in cognition and the binomial inheritance and society enabled her to be invited to preface the work Tribute to the Sertão, published by Helvetia Edições, a Swiss-Brazilian Publishing House; the project was designed to rescue the backcountry culture, and also to promote it in Europe. The book, released in October 2018, also featured the photos of the series and was presented in Zurich (Switzerland) and São José do Rio Preto (Brazil).

Para saber mais sobre o trabalho da artista, entre em contato: insta: Lucilene Rehberg; FB: Lucilene Lisboa Rehberg e e-mail: lulisboa.rehberg@gmail.com

To learn more about the artist’s work, contact: Instagram: Lucilene Rehberg; FB: Lucilene Lisboa Rehberg ande-mail: lulisboa.rehberg@gmail.com

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