Sztuka Współczesna. Nowe Pokolenie po 1989, 14 marca 2019 by Desa Unicum S.A.

SZTUKA WSPÓŁCZESNA N OW E P O KO L E N I E P O 1 9 89 Aukcja 14 marca 2019 Warszawa

SZTUKA WSPÓŁCZESNA NOWE POKOLENIE PO 1989 AUKCJA 14 MARCA 2019 (CZWARTEK) GODZ. 19

WYSTAWA OBIEKTÓW 1 – 14 MARCA 2019 r. PONIEDZIAŁEK – PIĄTEK W GODZINACH OD 11 DO 19 SOBOTA W GODZINACH OD 11 DO 16 MIEJSCE AUKCJI I WYSTAWY DOM AUKCYJNY DESA UNICUM UL. PIĘKNA 1A, WARSZAWA

KOORDYNATORZY AUKCJI Artur Dumanowski, Redakcja katalogu, a.dumanowski@desa.pl, 22 163 66 42, 795 122 725 Małgorzata Nitner, Koordynator sprzedaży, m.nitner@desa.pl, 22 163 67 02, 514 446 892 ZLECENIA LICYTACJI zlecenia@desa.pl, tel. 22 163 67 00

INDEKS Borowski Tymek 1-2

Mioduszewski Jan 28

Bownik Paweł 39

Misiak Michał 30

Bujnowski Rafał 12-13

Moskal Mikołaj 40

Ciężki Jakub 27

Nikić Ivo 46

Cisowski Andrzej 26

Nowicki Krzysztof 15

Czajkowski Sławek / ZBIOK 52

Okstom Edmund 20

Czerniawski Józef 45

Olszczyński Paweł 42

Drozd Grzegorz 24

Otocki Bartek 43

Gomulicki Maurycy 61

Panek Anna 17

Habiera Łukasz / NAWER 53

Pawszak Sławek 19

Hirsz Natalia 37

Piętka Krzysztof 16

Jarmoliński Bartek 14

Polaczek Cyryl 38

Kałużyński Paweł 23

Rogalski Zbigniew 32

Kiełbowicz Bartek 44

Ryszka Aleksander 54

Knut Tycjan 48

Sandomierz Agnieszka 50

Kokosiński Bartosz 35

Sasnal Wilhelm 9

Komorowski Karol 29

Sawicka Jadwiga 11

Kosiec Gosia 55

Simon Janek 59

Kowalik Marcin 21-22

Slezkin Michał 31

Kowalski Tomasz 3

Szczypiński Mateusz 5

Krawczyk Lidia i Wojciech Kubiak 33

Szeszycka Katarzyna 49

Kukla Kamil 18

Szlaga Radek 7

Lenarczyk Michał / Lenny 57

Szuszkiewicz Michał 25

Leto Norman 34

Tarkawian Mariusz 60

Litwa Róża 41

Twożywo 58

Łuczkowski Marcin 56

Uklański Piotr 8

Maciejowski Marcin 10

Wręga Michał / SEPE 51

Matecki Przemysław 4

Zamojski Honza 6

Matyszewski Paweł 36

Ziemiszewski Witold 48

OKŁADKA FRONT poz. 8 Piotr Uklański, Bez tytułu (Bitwa pod Laskami, 1914), 2010 r. • II OKŁADKA poz. 12 Rafał Bujnowski, „Graboszyce”, 2002 r. STRONY 2-3 poz. 23 Paweł Kałużyński, „Zawrót głowy II”, 2016 r. • STRONY 4 poz. 41 Róża Litwa, Bez tytułu, 2008 r. • INDEKS poz. 61 Maurycy Gomulicki, Żmijka, 2012 r. III OKŁADKA poz. 6 Honza Zamojski, Matematyka (Gra), 2011 r. • IV OKŁADKA poz. 11 Jadwiga Sawicka, Czyli płacz jest zbawienny dla ciała…, 1996 r. Sztuka Współczesna. Nowe Pokolenie po 1989 • ISBN 978-83-66038-80-6 • Kod aukcji 599ANS015 Nakład 2 500 egzemplarzy • Koncepcja graficzna Monika Wojnarowska • Opracowanie graficzne Krzysztof Załęski • Zdjęcia Marcin Koniak, Paweł Bobrowski PRENUMERATA KATALOGÓW prenumerata@desa.pl DRUK ArtDruk Kobyłka

ZARZĄD DESA UNICUM SA

JULIUSZ WINDORBSKI Prezes Zarządu

JAN KOSZUTSKI

MAŁGORZATA KULMA

IZA RUSINIAK

AGATA SZKUP

Wiceprezes Zarządu

Członek Zarządu, Główna Księgowa

Członek Zarządu, Dyrektor Departamentu Projektów Aukcyjnych

Członek Zarządu, Dyrektor Departamentu Sprzedaży

S E K R E TA R I AT Z A R Z Ą D U Katarzyna Siporska tel. 22 163 66 65 biuro@desa.pl

DZIAŁ MARKETINGU

DZIAŁ PRAWNY

Marta Wiśniewska, Koordynator ds. marketingu

Wojciech Dziakowski, Aplikant Radcowski

tel. 795 122 709, m.wisniewska@desa.pl

tel. 22 163 67 86, 664 981 452, w.dziakowski@desa.pl

Paulina Predygier, Digital Manager

DZIAŁ KSIĘGOWOŚCI

tel. 22 163 67 61, 539 196 530, p.predygier@desa.pl

Małgorzata Kulma, Główna Księgowa tel. 22 163 66 80, m.kulma@desa.pl

Maria Olszak, Asystent ds. marketingu tel. 22 163 67 61, 795 122 723, m.olszak@desa.pl

Marlena Ulejczyk, Zastępca Głównej Księgowej tel. 22 163 66 81, m.ulejczyk@desa.pl

P U B L I C R E L AT I O N S Agnieszka Marszał, Business & Culture

Katarzyna Krzyżanowska, Księgowa

tel. 793 919 109, pr@desa.pl

tel. 22 163 66 83, k.krzyzanowska@desa.pl

DZIAŁ IT Piotr Gołębiowski, Koordynator Projektów IT tel. 502 994 225, p.golebiowski@desa.pl Wojciech Kosmala, Asystent Projektów IT tel. 664 150 861, w.kosmala@desa.pl

DZ I A Ł LO G I ST YCZ N Y Milena Lutomirska, Dyrektor Działu tel. 795 122 714, m.lutomirska@desa.pl Kacper Tomaszkiewicz, Kierownik ds. transportów i logistyki tel. 795 122 708, k.tomaszkiewicz@desa.pl

K O N TA B A N K O W E mBank S.A. Swift: BREXPLPWWA3 PLN: 27 1140 2062 0000 2380 1100 1002 EUR: 43 1140 2062 0000 2380 1100 1005 USD: 16 1140 2062 0000 2380 1100 1006

DESA UNICUM SA ul. Piękna 1A, 00-477 Warszawa, tel. 22 163 66 00, e-mail: biuro@desa.pl NIP: 527 26 44 731 REGON: 142733824 KRS 0000718495 Spółka zarejestrowana w Sądzie Rejonowym dla m.st. Warszawy XII Wydział Gospodarczy, kapitał zakładowy 85 055 000 zł

D E P A R TA M E N T P R O J E K T Ó W A U K C YJ N Y C H

IZA RUSINIAK

ANNA SZYNKARCZUK

TOMASZ DZIEWICKI

ARTUR DUMANOWSKI

Dyrektor Departamentu

Kierownik Działu

Projektów Aukcyjnych

Sztuka Współczesna

Sztuka Dawna

Sztuka Najnowsza i Projekty Specjalne

i.rusiniak@desa.pl

a.szynkarczuk@desa.pl

t.dziewicki@desa.pl

a.dumanowski@desa.pl

22 163 66 40, 664 981 463

22 163 66 41, 664 150 866

22 163 66 46, 735 208 999

22 163 66 42, 795 122 725

MAREK WASILEWICZ

MAŁGORZATA SKWAREK

KATARZYNA ŻEBROWSKA

KAROLINA ŁUŹNIAK

MAGDALENA KUŚ

Specjalista

Starszy Specjalista

Sztuka Dawna

Fotografia Kolekcjonerska

Sztuka Użytkowa i Komiks

Sztuka Użytkowa

m.wasilewicz@desa.pl

m.skwarek@desa.pl

k.zebrowska@desa.pl

k.luzniak@desa.pl

m.kus@desa.pl

22 163 66 47, 795 122 702

22 163 66 50

22 163 66 49, 539 546 701

22 163 66 48, 664 981 453

22 163 66 44, 795 122 718

CEZARY LISOWSKI

JULIA MATERNA

AGATA MATUSIELAŃSKA

KAROLINA KOŁTUNICKA

STEFANIA AMBROZIAK

Specjalista

Asystent

Sztuka Użytkowa, Design

Sztuka Dawna

Sztuka Współczesna

Sztuka Młoda i Najnowsza

Sztuka Użytkowa

c.lisowski@desa.pl

j.materna@desa.pl

a.matusielanska@desa.pl

k.koltunicka@desa.pl

s.ambroziak@desa.pl

22 163 66 42, 788 269 908

22 163 66 46, 538 649 945

22 163 66 50, 539 546 699

22 163 66 43, 664 150 864

539 196 531

D E PA R TA M E N T P O Z Y S K I W A N I A O B I E K T Ó W BI URO PRZYJ ĘĆ : te l. 2 2 163 6 6 10, wyceny @ desa.pl, po n. -pt . 11-19, sob. 11-16 W YC E N Y B I ŻU T E R I I : ś r. 15-19, czw. 11-15, D ESA B iżuter ia , Nowy Świat 4 8, Warszawa, tel. 2 2 826 44 66, biz uteria@desa. pl

JOANNA TARNAWSKA

ELŻBIETA KOPEĆ

KAROLINA GREŚ

OLGA PRZYBYLIŃSKA

Dyrektor Departamentu

Specjalista

Asystent

j.tarnawska@desa.pl

e.kopec@desa.pl

k.gres@desa.pl

o.przybylinska@desa.pl

22 163 66 11, 698 666 189

22 163 66 15, 502 994 227

22 163 66 14, 698 668 221

22 163 66 13, 532 759 980

D E PA R TA M E N T S P R Z E D A Ż Y

AGATA SZKUP

ALEKSANDRA ŁUKASZEWSKA

MICHAŁ BOLKA

KAROLINA CIESIELSKA

MAŁGORZATA NITNER

Dyrektor Departamentu Sprzedaży

Kierownik Galerii

Doradca Klienta

a.szkup@desa.pl

a.lukaszewska@desa.pl

m.bolka@desa.pl

k.ciesielska@desa.pl

m.nitner@desa.pl

22 163 67 01, 692 138 853

22 163 67 05, 664 981 465

22 163 67 03, 664 981 449

22 163 67 12, 668 135 447

22 163 67 02, 514 446 892

JADWIGA BECK

BARBARA RZEŚNA

SYLWIA PUDŁO

MAJA LIPIEC

MARTA LISIAK

Doradca Klienta

j.beck@desa.pl

b.rzesna@desa.pl

s.pudlo@desa.pl

m.lipiec@desa.pl

m.lisiak@desa.pl

795 122 720

22 163 67 10, 664 981 450

22 163 67 11, 506 251 833

22 163 67 07, 538 647 637

22 163 67 04, 788 265 344

B I U R O O B S Ł U G I K L I E N TA te l. 2 2 163 6 6 0 0, b o k@ desa.pl po n.- pt . 11-19, so b. 1 1-16

URSZULA PRZEPIÓRKA

ANNA MAZUREK

MAGDALENA OŁTARZEWSKA

KORA KULIKOWSKA

Kierownik Działu

Specjalista ds. rozliczeń

Asystent ds. rozliczeń

u.przepiorka@desa.pl

a.mazurek@desa.pl

m.oltarzewska@desa.pl

k.kulikowska@desa.pl

22 163 66 01

22 163 66 09

22 163 66 03, 506 252 044

22 163 66 20, 788 262 366

D Z I A Ł A D M I N I S T R O W A N I A O B I E K TA M I

STUDIO FOTOGRAFICZNE

PU N KT W Y DA Ń O B IEKTÓW: tel. 22 163 6 6 20, wydania@desa. pl p o n .- p t . 1 1-19, so b. 11-16

KAROLINA ŚLIWIŃSKA

PAWEŁ WĄTROBA

PAWEŁ WOŁYNIAK

AGNIESZKA JARMOSZEWSKA

MARCIN KONIAK

MARLENA TALUNAS

PAWEŁ BOBROWSKI

Kierownik Działu

Specjalista ds. obiektów

Asystent ds. obiektów

Fotograf

Fotoedytor

Fotograf

k.sliwinska@desa.pl

p.watroba@desa.pl

p.wolyniak@desa.pl

a.jarmoszewska@desa.pl

m.koniak@desa.pl

m.talunas@desa.pl

p.bobrowski@desa.pl

22 163 66 20, 795 121 575

22 163 66 21, 514 446 849

22 163 66 21, 506 251 934

22 163 66 21

22 163 66 74, 664 981 456

22 163 66 75, 795 122 717

22 163 66 75

Tymek Borowski (ur. 1984)

Bez tytułu, 2010 r. olej/płótno, 56 x 50 cm sygnowany i datowany na odwrociu: ‘TYMEK | BOROWSKI | 2010’

estymacja 8 000 - 14 000 PLN 700 - 1 200 EUR

Tymek Borowski posługuje się całym wachlarzem środków formalnych – od klasycznego malarstwa po nowoczesne technologie, umożliwiające tworzenie obrazów cyfrowych. Pomimo różnorodnych poszukiwań to tradycyjna sztuka pędzla pozwala artyście skoncentrować się na materii obrazu, w którą wciąż się zagłębia. Borowski, bazujący na swojej wyobraźni, kreuje świat oderwany od rzeczywistości – surrealistyczny i abstrakcyjny. Jego kompozycje – dzięki zastosowaniu śmiałych eksperymentów formalnych – ulegają deformacji.

Tymek Borowski (ur. 1984)

Bez tytułu, 2007 r. olej/płótno, 24 x 18 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘TYMEK | BOROWSKI | BEZ TYTUŁU | 2007’

estymacja 3 000 - 5 000 PLN 1 900 - 3 300 EUR

Recepcję twórczości Tymka Borowskiego zdeterminowało rozpoznanie działalności malarzy „zmęczonych rzeczywistością” jako niemającej do powiedzenia na temat tej ostatniej nic istotnego. Tymczasem sztuka Borowskiego nieustannie ewoluuje: po kilku latach od debiutu jest to złożona, często krytyczna analiza charakteru współczesnego systemu artystycznego, a także próba opowiedzenia o statusie (rozterkach, pokusach i tęsknotach) malarza funkcjonującego w jego obrębie. Jednocześnie twórczość Borowskiego zachowuje parametry, dzięki którym zdobyła uznanie w momencie, gdy artysta był jeszcze na studiach: to malarstwo pełne dezynwoltury, nieustannie pogrywające z kanonami stosowności, drażniące strażników „legalnych” estetyk, w końcu – przykład przewrotnego pokoleniowego buntu.

Tomasz Kowalski (ur. 1984)

Bez tytułu, 2007 r. olej/płótno, 50 x 70 cm sygnowany i datowany na odwrociu: ‘TOMASZ | KOWALSKI | 07’

estymacja 16 000 - 26 000 PLN 3 700 - 6 100 EUR

Prezentowany obraz przedstawia dziwny, tajemniczy mechanizm, którego cel działania pozostaje trudny do precyzyjnego wyjaśnienia. Maszyna jest zaskakującą, mechaniczno-naturalną hybrydą, wokół której krążą liczne owady, pozostające z nią w niejasnym związku. Staroświecki, parowy mechanizm urządzenia zdaje się korespondować z ciemną, brunatną tonacją płótna, wywołującą skojarzenia z dawną fotografią. W pracy Kowalskiego mamy do czynienia z motywem obrazu w obrazie. Daje się tam zauważyć analogia między niewielkim portretem przedstawiającym mężczyznę w infule biskupiej (znajdującym się przy prawej krawędzi płótna), a wizerunkiem korpusu pozbawionego twarzy, zwieńczonego analogicznym nakryciem głowy (po lewej stronie maszyny). Maszyna zdaje się wchodzić w interakcję z wizerunkiem bez twarzy – produkuje go albo niszczy, a może poddaje innego rodzaju obróbce. W ten sposób obraz zyskuje autotematyczny charakter, przedstawia się jako dotyczący samego procesu twórczego, jego sens pozostaje jednak niejasny, wynikający z trudnych do odczytania, inspirowanych nadrealizmem środków. Jak przyznawał sam artysta w rozmowie z krytykiem: „Maszyny, których sporo kiedyś malowałem, wzięły się ze snu. Było w nim wycięcie w ścianie, a tam, w głębi, znajdowało się mnóstwo mechanizmów. Oglądałem, co dzieje się za warstwą tapety: wszystko było bardzo złożone, składało się z mnóstwa atomów, które wchodziły ze sobą w interakcję” (Jakub Banasiak, Zmęczeni rzeczywistością, Warszawa 2009, s. 132).

Przemysław Matecki (ur. 1976)

“W drewnie w kamieniu”, 2006 r. kolaż, olej/płótno, 33,5 x 50 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘P. MATECKI | “W DREWNIE W KAMIENIU” | OLEJ PŁÓTNO PAPIER | 2006 33,5 x 50 cm’

estymacja 6 000 - 8 000 PLN 1 400 - 1 900 EUR

W prezentowanym obrazie artysta podejmuje malarską grę z motywami rzeźbiarskimi, która staje się dla nich kamuflażem. Przedstawione rzeźby są jedynie kontrapunktem dla malarskiej kompozycji. Przekraczając te granice, obrazy Mateckiego stają się malarstwem materii. Nie oznacza to jednak ograniczenia się do czysto formalnych problemów w malarstwie. W tej grze gest jest kamuflażem, uzmysłowieniem rzeczowości, ale również aktem negacji. Przemysław Matecki jest absolwentem Wydziału Artystycznego Uniwersytetu Zielonogórskiego, gdzie w 2002 roku obronił dyplom w pracowni malarstwa prof. Ryszarda Woźniaka. Zdobywanie wykształcenia pod okiem członka jednego z najważniejszych ugrupowań artystycznych malarstwa współczesnego „Gruppa” znajduje swoje odbicie w charakterze twórczości młodego artysty. Jego antyakademickie podejście do tworzenia, porzucenie bezpiecznej sfery malarskich tradycji sprawia, że ucieka on od łatwego zaszufladkowania, zachowując wciąż, mogłoby się wydawać, nonszalanckie podejście do malarstwa. Siłą rzeczy jest zupełnie odwrotnie, gdyż każda jego realizacja, mimo że w pierwszej chwili sprawia wrażenie „niedbałej” prowadzi dialog z tym, co już znamy i kojarzymy w szeroko pojętej kulturze wizualnej.

Mateusz Szczypiński (ur. 1984)

Zestaw trzech kolaży cyfrowych: “Małżeński rachunek sumienia”, “Rezerwat ruin”, “Metamorfozy”, 2018 r. kolaż cyfrowy/papier, 27,9 x 21 cm (wymiary każdej pracy w świetle passe-partout) sygnowany, datowany i opisany na odwrociu każdej pracy: ‘MS | 2019 | Mateusz | Szczypiński | edycja 1/5’

estymacja 4 000 - 6 000 PLN 1 000 - 1 400 EUR

Obrazy Mateusza Szczypińskiego zbudowane są na równych prawach. Artysta zawłaszcza gotowy materiał estetyczny, umieszczając go w zupełnie nowym kontekście i przypisuje mu odmienne znaczenie. W jego praktyce artystycznej nie chodzi tylko o wykorzystanie atrakcyjnych materiałów, jako pewnej propozycji formalnej, pozwalającego mu zaprzeczyć ich pierwotnej funkcji. Szczypińskiemu bliska jest postawa artystów działających na początku XX wieku, którzy to w swoich poszukiwaniach stawiali pytania o obecność rzeczy w obrazie, o formę i metody łączenia i zestawiania elementów gotowych w sztuce. Fascynacja pierwszą awangardą oraz fakt dorastania w latach 80. odbijają się

w twórczości Szczypińskiego dość wyraźnie. Reinterpretacja dorobku mistrzów modernizmu oraz badanie zakamarków własnej pamięci to fundamenty jego kolaży. Sam artysta tak komentuje swoje poczynania: „Sklejając obrazy z rożnych elementów, w tym konkretnych dzieł znanych z historii sztuki, osadzam je w nowych kontekstach, przez co całkowicie zmieniam ich wymowę. Powstaje taki moment napięcia, w którym obraz jest równocześnie czymś znajomym i obcym. Myślę, że jest w to również wpisana nostalgia za ‘złotym wiekiem’ - okresem modernizmu, w którym sztuka ‘wciąż była sztuką’”.

Honza Zamojski (ur. 1981)

Matematyka (Gra), 2011 r. kolaż/płyta, 53,5 x 53,5 cm (wymiary każdej pracy) sygnowany i datowany na odwrociu każdej z siedmiu części: ‘HNZ | 2011’ kolaże z stron książki “50 gier na kolorowych planszach” [K. Dobrowolski, Wydawnictwo Horyzonty 1971]

estymacja 18 000 - 30 000 PLN 4 700 - 7 000 EUR

WYSTAWIANY: - Honza Zamojski „Me, Myself and I”, Galeria LETO, Warszawa, 25.06.-31.07.2011

LITERATURA: - „ARTFORUM”, nr 13/2011, s. 223 (il.) - Monika Tomkie, Plac zabaw. Honza w Leto, „Obieg”, 2.07.2011 (il.)

Honza Zamojski to artysta działający w wielu mediach, tworzący m.in. instalacje, grafiki i rysunki. Znany jest jako twórca książek artystycznych, prowadzący własną działalność wydawniczą; zajmuje się także projektowaniem graficznym – jest autorem ilustracji do książek oraz ich układów graficznych. Jego zainteresowania w tej dziedzinie uwidaczniają się zarówno w zrealizowanych projektach wydawniczych, jak i znajdują odbicie w pracach autonomicznych, niezwiązanych z grafiką użytkową. Przedstawiona tutaj praca może być uważana za symboliczną dla zainteresowań artysty, ma ona bowiem swój początek w książce, którą artysta spożytkował dla swoich celów. „Matematyka (Gra)” to kolaż składający się z fragmentów tomu „Mu-torere, do guti i inne: 50 gier na kolorowych planszach” autorstwa Zdzisława Nowaka (Warszawa, Nowe Horyzonty 1971), pomyślanego jako umieszczony w jednym woluminie zbiór plansz do gier. Zamojski wykorzystał w swojej pracy między innymi plansze do ludowej lapońskiej gry „tablut” czy do pochodzącej od Maorysów tytułowej książki „mu-torere”. Użyte w niniejszej pracy plansze, wycięte ze wspomnianej książki, charakteryzują się regularnością podziałów: większość z nich oparta jest na strukturze siatki. Są to przede wszystkim płaszczyzny służące pierwotnie do przemieszczania po ich powierzchni pionków. Jednak po nadaniu im przez artystę statusu kompozycji wizualnych, eksponowanych w oderwaniu od pierwotnego celu ich powstania, można odczytywać je zarówno jako graficzny raster – co czyni je niejako

symbolem zainteresowań Zamojskiego związanych z projektowaniem, jak i modernistyczną siatkę – sztandarowy motyw dwudziestowiecznej sztuki abstrakcyjnej. Ich odbiór może się zatem wahać między wizualnym doświadczeniem barwnej, abstrakcyjnej powierzchni, a spostrzeżeniem użytkowego charakteru wizualnych kompozycji stworzonych po to, by wykorzystywać je do gry. Prace Zamojskiego pokazywane były m.in. w Galerii Foksal w Warszawie, Museum Morsbroich czy Zachęcie Narodowej Galerii Sztuki w Warszawie. Zamojski ukończył studia na Uniwersytecie Artystycznym w Poznaniu, dyplom obronił w Pracowni Projektowania Znaku i Typografii. W swojej praktyce sięga po rozmaite media: od rysunku przez tzw. rzeźby rysunkowe po infografiki i poezję. Minimalistyczne w formie, ale bogate w znaczenia symbole, abstrakcyjne kompozycje i figuratywne przedstawienia składają się na język wizualny, który rządzi się własną gramatyką i strukturą formalną. Tym, co często spaja pozornie odległe elementy, jest humor oraz dystans do siebie samego. Prowadzi cykl wykładów „How it’s made”, prezentowany dotychczas m.in. w Centre Pompidou, MoMA Library czy Printed Matter w Nowym Jorku. Prace Artysty znajdują się w m.in. w kolekcjach: The Joseph M. Cohen Family Collection, Nowy Jork, Lorinsky Collection, Nowy Jork, Lawrence Benenson Collection, Nowy Jork.

Radek Szlaga (ur. 1979)

Koszulki, 2012 r. olej/płótno, 150 x 140 cm

estymacja 28 000 - 40 000 PLN 7 000 - 10 400 EUR

WYSTAWIANY: - Radek Szlaga, FREEDOM CLUB, Centrum Sztuki Współczesnej Zamek Ujazdowski, Warszawa, 6.06-10.08.2012

LITERATURA: - Radek Szlaga, wyd. LETO / Puritan, Warszawa, 2014, s. 135 (il.) - Radek Szlaga, Freedom Club, katalog wystawy indywidualnej, Warszawa 2012, s. nlb.

Szlaga, podejmując próbę wyjaśnienia swojej twórczości, powiedział: „Często myślę o sobie jako o rzeczniku przegranej sprawy, portretuję margines marginesu, prowincję – geograficzną i mentalną – która okazuje się wielobarwnym i urodzajnym miejscem, gdzie idea mutuje, nabiera lokalnej specyfiki, pączkuje, puszcza kłącza i nikt jej tu nie spryskuje roundupem (środkiem owadobójczym), przez co jej owoce nie zawsze są piękne, ale mają niepowtarzalny smak. Drzemie tam ogromna siła kulturotwórcza. Brak znajomości zasad, więc ich nieprzestrzeganie. Wiesz o czym mówię? Jakbym przeczytał więcej książek, to nie miałbym odwagi zrobić pewnych rzeczy... i tak studiowałem na Akademii przez tyle lat” (Wywiad Anny Czaban z Radkiem Szlagą, 2013, Radek Szlaga: myślę o sobie jako o rzeczniku przegranej sprawy, portretuję margines marginesu, prowincję – geograficzną i mentalną, „Wysokie Obcasy”, 15.02.2013).

Fascynacja oraz bazowanie w swojej sztuce przede wszystkim na własnych doświadczeniach zaowocowało realizacją obrazów poświęconych miejscom, z którymi był związany uczuciowo. Do takich miejsc należą m.in. Gliwice i Szlagówka, gdzie dorastał. W jego twórczości często pojawiają się zwykli ludzie i problemy, z jakimi muszą się mierzyć, czego przykładem mogą być prace poświęcone emigracji ekonomicznej do USA i różnicom kulturowym pomiędzy nimi a Polską, a także ułudą pogoni za amerykańskim snem. Tak jak wszyscy członkowie grupy Penerstwo, Szlaga odżegnuje się od idei tworzenia sztuki zaangażowanej, publicystycznej. Pomimo to nie można nie zauważyć komentatorskiej wymowy jego prac. Posługuje się lapidarnym językiem wskazującym na czerpanie inspiracji ze świata komiksu i graffiti. Jednocześnie nie pozostawia jasnego klucza interpretacyjnego, dzięki czemu odbiorcy mogą przefiltrować jego prace przez pryzmat własnych

doświadczeń. Jeśli chodzi o proces twórczy, artysta przy malowaniu posiłkuje się zarówno fotografiami, jak i obrazem ekranu telewizora. Media, w których głównie pracuje Radek Szlaga to malarstwo, rysunek, rzeźba i instalacja. Artysta w swojej twórczości podejmuje eksploracyjne i eksperymentalne działania obejmujące kulturę wizualną Europy Wschodniej oraz Ameryki łącząc te wątki z własną podświadomością. Kluczem do zrozumienia prac Szlagi jest badanie tożsamości i granicy między rzeczywistością a symulacją. Jego praktyka opiera się zarówno na badaniach historycznych, jak i introspekcyjnym wydobywaniu własnych wspomnień i marzeń. Szlaga opisuje swoje malarskie podejście jako „sposób myślenia”, który implikuje nieustanne rewizje i „odrywanie” kolejnych warstw tradycji i historii poprzez selektywny recykling znalezionych i archiwalnych

obrazów. Często polega to na dosłownym „kopiuj/wklej” i przenoszeniu fragmentów z jednego płótna na drugie. W drugiej połowie roku w Zachęcie planowana jest wystawa „Miejsca, których nie miałem zamiaru zobaczyć” Radka Szlagi, malarza, który swego czasu rozniecił wielkie nadzieje świata sztuki, a teraz powraca ze swoją nową prezentacją. Będzie ona przedstawiać „efekty jego wieloletniego zainteresowania procesami kreolizacji, nieporadnych kulturowych transfuzji oraz badania trudnych do oznaczenia terytoriów”. Inspiracją dla nich będą mapy i kartograficzne wykresy. Jego prace znajdują się w wielu znaczących kolekcjach kraju i na świecie są to między innymi: Zachęta – Narodowa Galeria Sztuki w Warszawie, Muzeum Narodowe w Gdańsku, MOCAK Muzeum Sztuki Współczesnej w Krakowie, Muzeum Narodowe w Poznaniu, paryska kolekcja Société Générale, czy Museum Jerke w Recklinghausen.

Piotr Uklański (ur. 1968)

Bez tytułu (Bitwa pod Laskami, 1914), 2010 r. żywica epoksydowa/płótno, 228,5 x 152,5 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘’UNTITLED (BATTLE OF LASKI 1914)’ | P.U. 2010’ oraz wskazówka montażowa

estymacja 250 000 - 350 000 PLN 57 800 - 80 900 EUR

„Piotr Uklański. Czterdzieści i cztery” „Marek Konieczny. Think Crazy”, otwarcie wystaw w Zachęcie – Narodowej Galerii Sztuki, 11.12.2012-17.02.2013, fot. Marek Krzyżanek, CC BY-SA

MARIA BREWIŃSKA, 2013

„Uklański nie boi się łączyć w jednej pracy przyjemnej formy i polemicznej treści – to heretycki gest, który w świecie sztuki uważany jest za nawet bardziej prowokacyjny niż inne podejmowane przezeń kontrowersyjne tematy. Ta wywrotowa strategia sprawia, że ‘krytyczna’ lub polityczna funkcja twórczości Uklańskiego wydaje się podejrzana wielu historykom i krytykom sztuki, a także publiczności. Jednak to właśnie w wieloznacznym, niestabilnym przekazie płynącym z tego konceptualnego napięcia tkwi kluczowe znaczenie sztuki artysty”.

Piotr Uklański w swojej twórczości wielokrotnie podejmował wątki z polskiej historii, eksponując zagadnienia ważne dla lokalnej tożsamości, niejednokrotnie dyskutowane w debacie publicznej. Choć na stałe obecny w Nowym Jorku, artysta zdaje się raz za razem powracać do tematyki związanej z krajem swojego pochodzenia. Prace Uklańskiego dotyczące historii, a zwłaszcza jej wizualnej reprezentacji, wywoływały niekiedy skandale i ożywione dyskusje dotyczące tak wolności artystycznej, jak i wizualnego ukazywania dawnych wydarzeń. Prezentowany obraz odnosi się do dyskutowanych w ostatnich czasach wydarzeń związanych z obchodami kolejnych rocznic: stulecia rozpoczęcia pierwszej wojny światowej oraz pośrednio do setnej rocznicy jej zakończenia i odzyskania wówczas niepodległości przez Rzeczpospolitą. Płótno Uklańskiego to typowy przykład pracy na poły abstrakcyjnej, która zyskuje znaczenie dzięki tak zwanemu ramowaniu, dokonującemu się poprzez stworzenie kontekstu przez komentarz artysty – w tym przypadku tytuł. Kieruje on uwagę widzów ku bitwie pod Laskami, która została stoczona między 22 a 26 października 1914 roku. Pierwszy pułk piechoty Legionów Polskich walczył tam przeciwko Rosjanom. Legiony Polskie były formacjami wojskowymi działającymi w Wielkiej Wojnie po stronie państw centralnych, dlatego też we wspomnianej bitwie legioniści walczyli z Rosjanami, należą-

cymi do porozumienia ententy – wrogiego wobec państw centrum. Legiony składały się z różnych formacji, między innymi z I Brygady, którą czasowo kierował Józef Piłsudski – stały się tym samym symbolem walk Polaków w trakcie pierwszej wojny światowej, wraz z zakończeniem której nastąpiło odzyskanie niepodległości przez Polskę w 1918 roku. Bitwa pod Laskami zakończyła się odwrotem legionistów pod naporem Rosjan. Biało-czerwone barwy pracy Uklańskiego kojarzą się zatem w nieunikniony sposób z barwami narodowymi. Z drugiej strony historia wskazanej bitwy wywołuje skojarzenia z walką i śmiercią. W takim kontekście obraz może być odbierany jako biała powierzchnia, po której spływa krew. Jego odbiór może się jednak dokonać również inaczej, przykładowo poprzez spostrzeżenie, że białe pasy można widzieć jako pionowe konstrukcje znajdujące się na czerwonym tle. Nie jest to jedyny utwór Uklańskiego podejmujący tematykę konfliktów zbrojnych z udziałem Polaków. Ponadto w ostatnich latach Uklański ponownie odniósł się do tematu odzyskania niepodległości przez Polskę – wykonując 11 listopada 2016 roku serię fotografii Marszu Niepodległości, w których utrwalił sposoby upamiętniania historii w przestrzeni publicznej naszego kraju.

Wilhelm Sasnal (ur. 1972)

Bez tytułu (gramofon), 2002 r. olej/płótno, 24,5 x 30 cm sygnowany i datowany na odwrociu: ‘WILHELM SASNAL 2002’

estymacja 55 000 - 75 000 PLN 12 800 - 17 400 EUR

POCHODZENIE: - kolekcja prywatna, Niemcy - kolekcja prywatna, Wielka Brytania - kolekcja prywatna, Polska

W 2001 roku artysta zamknął okres swojej twórczości określany „pop-banalistycznym”, odszedł z Grupy Ładnie i zaczął tworzyć obrazy bardziej stonowane, wypełnione już innymi treściami. Malarstwo Sasnala cechuje różnorodność stylistyczna i tematyczna. Artysta interpretuje wydarzenia historyczne i własne wspomnienia, a tematy powracają w obrazach po latach. Malowanie obrazów związane jest z równolegle uprawianą przez Sasnala twórczością filmową, której odzwierciedlenie znaleźć można w scenach uchwyconych kadrowo niczym stop-klatki czy licznych portretach malowanych na podstawie zdjęć. W 2006 renomowany magazyn sztuki „Flash Art” opublikował ranking 100 najważniejszych młodych artystów z całego świata. Zarówno krytycy, jak i marszandzi sztuki umieścili na pierwszym miejscu listy Wilhelma

Sasnala. Artysta, który dopiero od niedawna posiada swoją profesjonalną pracownię, zwykł tworzyć w mieszkaniach lub garażach i rzadko używał sztalug. Nie zalicza się też do twórców malujących z natury. Woli korzystać ze źródeł obrazujących rzeczywistość już przetworzoną, często powiązaną z kulturą popularną, takich jak komiksy, zdjęcia z czasopism, filmów, plików znalezionych w otchłani Internetu. Sasnal jednak nie stroni od przywoływania swoich prywatnych doświadczeń. Przyznaje, że w twórczości nie wzbrania się przed sentymentalizmem. Artysta sięga po wspomnienia krajobrazu z rodzinnych stron, portretuje rodzinę i znajomych. Tym samym sugeruje, że źródła inspiracji tkwią nawet w najbardziej banalnych historiach czy najprostszych obiektach.

Marcin Maciejowski (ur. 1974)

“Pure blood”, 2006 r. olej/płótno, 140 x 140 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘”PURE BLOOD” | M. MACIEJOWSKI | 06.’

estymacja 150 000 - 200 000 PLN 34 800 - 46 300 EUR

POCHODZENIE: - kolekcja prywatna, Londyn - kolekcja prywtana, Warszawa WYSTAWIANY: - Marcin Maciejowski „Struktury dobra”, Galeria Raster, 27.05-8.07.2006

Prezentowany obraz z cyklu „ikon polskości” został przygotowanych na wystawę „Struktury dobra” w warszawskiej Galerii Raster w 2006 roku. Marcin Maciejowski przedstawił na nim konia czystej krwi, a przy nim młodą, piękną dziewczynę – jeden ze swoich ulubionych motywów. Marcin Maciejowski był jednym ze współtwórców grupy „Ładnie”, powstałej na krakowskiej Akademii Sztuk Pięknych w 1996 roku. W skład formacji oprócz Maciejowskiego wchodzili: Wilhelm Sasnal, Rafał Bujnowski, Marek Firek i Józef Tomczyk. Grupa negowała akademicki system nauczania. Zaistniała jako kolektyw artystyczny realizujący sarkastyczno-absurdalne akcje, podczas których prezentowano obrazy, filmy, grano muzykę, rozdawano nagrody. Wśród bezpośrednich inspiracji dla twórczości grupy wymienia się neodadaizm, Łódź Kaliską i Luxus. Wspólną działalność artyści zakończyli w 2001 roku, ale w twórczości każdego z nich nadal pojawiają się motywy widoczne w obrębie kolektywu „Ładnie”. Malarstwo Maciejowskiego stanowi krytyczną, ironizującą reakcję na kapitalistyczną rzeczywistość Polski po 1989 roku. Redukcyjny, szablonowy sposób malowania realistycznych scen z życia codziennego artysta łączy z tematyką dotykającą potocznej rzeczywistości. Transponuje na język malarski reklamy z popularnych czasopism, telewizji i miejską antyestetykę, łącząc je z naiwno-ironicznymi napisami, w komiksowy sposób komentującymi temat, który został przedstawiony na płótnie. Hiperrealizujące kompozycje Maciejowskiego są jasne i czytelne dla szerokiej grupy odbiorców, a jego narracyjna estetyka odwołuje widza do współczesnej kultury wizualnej. Stach Szabłowski pisał: „Dyskurs na temat Maciejowskiego jest ułożony od dawna. Maciejowski jest realistą. Maciejowski jest rodzajowym malarzem obrazującym współczesne gesty, pozy, a nawet język. Agata Jakubowska pisała o nim jako autorze wielkiego ‘szkicu obyczajowego’, porównywała go z Baudelaire’em, figurą ‘malarza życia nowoczesnego’; inni wspominali o Balzaku i ‘komedii ludzkiej’. O Maciejowskim mówiło się jako o malarzu narracyjnym, opowiadaczu anegdot. To wszystko z grubsza jest prawdą, tak kiedyś, jak i teraz, bo przecież Maciejowski robi wciąż ‘to samo’. W 2003 roku artysta został uhonorowany Paszportem ‘Polityki’ za ‘dowcip oraz nowatorskie wykorzystanie stylistyki mediów reklamy do opisu współczesnych obyczajów polskich’. Obecnie to jeden z najważniejszych malarzy komentujących lata rodzimej transformacji, dla którego pozorowane zwycięstwo neoliberalnej propagandy sukcesu jest tak samo nieistotne, jak pogłębiające się nierówności społeczne i miałkość konsumpcjonizmu. W efekcie tworzy spójną koncepcję estetyczną, pełną wyszukanego cynizmu i zjadliwej ironii, niepozbawioną poczucia humoru rodem z ‘Latającego Cyrku Monty’ego Pytona’” (Stach Szabłowski, Spełnione obietnice, „dwutygodnik.com”, (dostęp: 18.02.2019)).

Jadwiga Sawicka (ur. 1959)

Czyli płacz jest zbawienny dla ciała..., 1996 r. olej/płótno, 130 x 90 cm sygnowany i datowany na odwrociu: ‘JADWIGA | SAWICKA | 1996’

estymacja 16 000 - 28 000 PLN 3 700 - 6 500 EUR

WYSTAWIANY: - Jadwiga Sawicka, Powraca dawne uczucie, Otwarta Pracownia, Kraków, 13.03-1.04.1997

Pierwsze elementy garderoby: spódnica, spodnie czy pantofle pojawiały się w kompozycjach z lat 1994-95. Artystka opatrywała je absurdalnymi tekstami parareklamowymi, takimi jak „Podszewkowanie”, „Wysokoamoniakalny”, „Lekki smak”. Z czasem teksty i przedmioty zaczęły występować osobno, a ważnym kontekstem stała się separacja. Słowa umieszczone na płótnach i wydrukach Sawickiej były wyjęte z kontekstu, często źle podzielone, pozbawione znaków diakrytycznych, czasami niespodziewanie się urywały. Choć forma obiecuje komunikat, z zalewu medialnej informacji trudno wyciągnąć sens. A przecież owe krzykliwe, sensacyjne i drastyczne nagłówki kreują nasz obraz świata. Sawicka separuje je podobnie jak części garderoby, które na jej płótnach nabierają nowych, emocjonalnych znaczeń. Wątki kobiece splecione z kulturą masową w twórczości Sawickiej znalazły szczególnie mocny wyraz na głośnej wystawie sztuki feministycznej „Wszyscy ludzie będą siostrami” w Muzeum Sztuki w Łodzi na przełomie lat 2015-16. Artystka odwróciła znaczenie w kanonie twórczości uznawanej za kobiecą (czyli dekoracyjną). Znana przede wszystkim ze swojego „malarstwa pisanego” umieściła słowa na powierzchni kilimów powstałych dzięki ludowej technice tkactwa dwuosnowowego. Gorzkie hasła demaskujące rzeczywistość, takie jak „Ból nie minie” i „Dynamika pogorszeń”, rozbijają aurę niewinności i dekoracyjności, usuwają prostą przyjemność z patrzenia na ludowe rękodzieło. Strategia autorki odwołuje się do działalności przedstawicielek feminizmu drugiej fali, które podważały tradycję przez subwersję praktyk rzemieślniczych i sztuk dekoracyjnych oraz rozbiły tym samym klasowy i patriarchalny podział na niskie i wysokie, kobiece i męskie, prywatne i publiczne. Prezentowana praca należy do cyklu realizowanego w latach 1996-97. Jej cechą przewodnią było sytuowanie różnych części garderoby na tle tekstu wypełniającego całą powierzchnię obrazu. Twórczość Sawickiej jest niezwykle spójna – niezmiennie sięga po różnej długości komunikaty reklamowe, czasem eksponując je jedynie fragmentarycznie w postaci pojedynczego słowa bądź hasła, jak w przypadku cyklu powstałego na przełomie lat 1994-95, bądź też obszernego cytatu. Z tego powodu jej malarstwo jest określane mianem „pisanego”. Kolejnym elementem znamiennym dla sztuki Sawickiej i stanowiącym jej główny temat jest odzież: „Ubrania są zamiast ludzi, są tym, co jest dostępne z zewnątrz, są czymś pośrednim pomiędzy ubraną w nie osobą a kimś drugim, kto ją ogląda. Są jakąś wypadkową między tym, czym się jest, a kim się chce być”. Nie mniej istotne jest różowe tło, które można odczytać nie tylko jako dość stereotypowe odwołanie do kobiecości, ale również jako nawiązanie do cielesności człowieka. W tym wymiarze płótno stanowiłoby niejako przedłużenie naszych ciał, uwikłane w komercyjny świat, modyfikowane i przebierane na modłę zaczerpniętą z mass mediów. Jadwiga Sawicka to jedna z najważniejszych polskich artystek tworzących po 1989. Do swoich obrazów artystka dodaje tekst, tworząc „obrazy pisane” – najczęściej wyrwane z kontekstu, pozbawione znaków diakrytycznych, czasem wręcz urywające się w połowie cytaty z gazet. Obiecując komunikowanie określonej treści, obraz wprowadza widza w niekomfortową sytuację dezorientacji, niepewności, niewiedzy. Artystka zwraca tym samym uwagę na sposób, w jaki komunikowane są nam przez współczesne media treści dotyczące spraw najważniejszych dla społeczeństwa. Do najsłynniejszych „obrazów pisanych” należy „Nawracanie, Tresowanie, Oswajanie” (1998), który był prezentowany w całym kraju na billboardach w ramach Galerii Zewnętrznej AMS. Sawicka jest też autorką obrazów, obiektów i kreacji tekstowych, które trafiły do zbiorów m.in. Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie, Zachęty Narodowej Galerii Sztuki, Muzeum Sztuki w Łodzi czy kolekcji Fundacji Sztuki Polskiej ING.

Rafał Bujnowski (ur. 1974)

“Graboszyce”, 2002 r. olej/płótno, 60,5 x 81,5 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘GRABOSZYCE | BUJNOWSKI / 2002’

estymacja 50 000 - 75 000 PLN 11 600 - 17 400 EUR

Prezentowane dzieło pochodzi z wczesnego cyklu prac Rafała Bujnowskiego, który tworzą portrety domów jednorodzinnych w Graboszycach. Głównym zabiegiem malarskim jest dostosowanie blejtramu do kształtu budynku. Intensyfikuje to realizm obrazu. Cykl to efekt malarskich poszukiwań, które Rafał Bujnowski prowadzi w najbliższym otoczeniu. Rejestruje banalne, pospolite elementy polskiej rzeczywistości i sprowadza je do roli symboli wspólnego doświadczenia wizualnego. Rafał Bujnowski to jeden z najbardziej radykalnych i inteligentnych malarzy współczesnych. Jego sztuka jest błyskotliwym połączeniem dwóch z pozoru odległych dyscyplin artystycznych – malarstwa i konceptualizmu. Tematem kolejnych projektów Bujnowskiego: obrazów, wideo, obiektów czy akcji są konwenanse związane ze społecznym funkcjonowaniem artysty, dzieł sztuki i obrazów, jak również konwencjonalność samej sztuki. Obrazy artysty to w pełni świadome malarstwo konceptualne – przedmioty ujawniające i zmieniające sens w zależności od otoczenia, w jakim zostaną umieszczone, to swoiste modele dzieł sztuki, ujawniające napięcie między procesem artystycznej produkcji i konsumpcji. Niewątpliwy i zarazem nieprzeciętny talent plastyczny artysty sprawiają, że jego prace są również traktowane jako „samobieżne dzieła malarskie”, wyjątkowo dobre obrazy. Rafał Bujnowski został laureatem nagrody im. Jana Cybisa za rok 2018, przyznawanej przez Okręg Warszawski Związku Polskich Artystów Plastyków. Artysta jest jej pierwszym zwycięzcą urodzonym w latach 1970.

Rafał Bujnowski (ur. 1974)

“Papież”, 2002 r. olej/płótno, 50 x 40 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘PAPIEZ | Bujnowski / 2002’

estymacja 35 000 - 45 000 PLN 8 200 - 10 500 EUR

POCHODZENIE: - Galeria Raster, Warszawa - kolekcja prywatna, Berlin

LITERATURA: - porównaj: Wystawy, Spektakle, Papieska popkultura, „Miasto Kobiet”, 08/09.2014 - porównaj: Monika Kuc, Dlaczego Andy Warhol nie namalował Jana Pawła II, „Rzeczpospolita”, 14.07.2014 - porównaj: Katarzyna Wincenciak, Rafał Bujnowski. Skazany na papieża, „Gazeta Wyborcza”, 23.06.2014 - porównaj: Norwich gallery’s catalogue, Rafał Bujnowski, 9.03-22.04.2006 - porównaj: Rafał Bujnowski, Katalog obrazów olejnych na płótnie, wyd. Galeria Raster - porównaj: Heinz-Norbert Jocks, Rafał Bujnowski, Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, Düsseldorf, 7.05-17.07.2005 - porównaj: Dorota Nowakowska, Jarosław Kossakowski, Gdzie jest sacrum, „Życie Warszawy”, 7/8.04.2005 - porównaj: Monika Małkowska, Symbol nadziei na miłość, „Rzeczpospolita”, 13.04.2005 - porównaj: W Bunkrze Sztuki, Rafał Bujnowski i „Malowanie”, „Dziennik Polski”, 23.03.2005 - porównaj: Die Fehler des Kopisten, Frankfurter Rundschau, 23.06.2005 - porównaj: Weltliche Utensilien der Papstes, Welt am Sonntag, nr. 20, 15.05.2005 - porównaj: Lukasz Gorczyca, Rafal Bujnowski – How to Paint The Pope, „Spike”, 10.2004 - porównaj: Olga Juskowiak, Młoda scena: POKOLENIE 2000, 4/2003

Wystawa „Papieże”, MOCAK, 2014, fot. R. Sosina

„[Rafał Bujnowski] urodził się w Wadowicach. Kiedy miał cztery lata, Polak został papieżem. Czy Rafał Bujnowski był skazany na temat Jana Pawła II w swojej twórczości? Trudno arbitralnie rozstrzygać. Tak czy owak – ten temat się pojawił. W latach 1998-2001 artysta prowadził w Krakowie Galerię Otwartą. Jej przestrzeń wystawową stanowiły zazwyczaj dwa, a w najlepszym okresie cztery bilbordy w centrum miasta. Na jednym z nich w 1999 roku – podczas pielgrzymki Jana Pawła II do Polski – powstała praca ‘Poprostuwszędzie’. Formalnie bardzo prosta. Prawa część billboardu zamalowana została na pomarańczowo, lewa – na biało. Bujnowski nawiązał w ten sposób do wszechobecności flagi watykańskiej. Poprzez oszczędne środki pokazał miasto rozpalone papieską gorączką. Do akcji przyłączyli się też wtedy jego koledzy z dawnej grupy Ładnie – Wilhelm Sasnal i Marcin Maciejowski. Jedna z kolejnych papieskich prac Bujnowskiego, którą artysta namalował na podstawie własnego schematu to seria 33 identycznych portretów jako przykład ‘praktycznego obrazu, jaki każdy Polak chciałby mieć w domu’. Włączył je do cyklu ‘Obrazów przedmiotów’, w ramach którego w skali jeden do jednego malował w uproszczeniu rzeczy z codziennego otoczenia człowieka” (Rafał Bujnowski. Skazany na papieża, „Gazeta Wyborcza”, Dodatek Warszawa, nr 143, 23.06.2014, s. 3). Prezentowana na aukcji praca jest jednym z powstałych portretów Jana Pawła II w latach 2001-02.

Bartłomiej Jarmoliński (ur. 1975)

Z serii “Santo Subito”: “St. Pablo”, “St. Frida”, 2010 r. olej/płótno, 120 x 100 cm (wymiary dotyczą każdej z części) sygnowany i opisany na odwrociu każdej części: ‘”ST. PABLO” | B. JARMOLIŃSKI’ oraz ‘”ST. FRIDA” | B. JARMOLIŃSKI’

estymacja 5 000 - 8 000 PLN 1 200 - 1 900 EUR

WYSTAWIANY: - Otwarta pracownia – miejsca nieobjęte oficjalnym planem..., Państwowa Galeria Sztuki, Sopot, 9.10-18.11.2012 - Bartłomiej Jarmoliński, Cooltowi, Otwarta Pracownia, Kraków, 2011 - Bartłomiej Jarmoliński, Santo subito, Sztukpol, Łódź, 2010

„Santo subito” to cykl obrazów przedstawiających ikony popkultury – współczesnych świętych, znanych głównie z tego, że są znani. Zawsze w blasku fleszy, obecnych na ekranach telewizorów – „przenośnych kapliczek” milionów odbiorców, owianych legendą. Bartek Jarmoliński swój cykl obrazów poświęca wybranym, nieżyjącym już, XX-wiecznym idolom popkultury, komentując zarazem rządzące nią mechanizmy. Postępuje zgodnie z tradycją chrześcijańską, w której jednostkę za jej czyny uświęca się dopiero po śmierci. Swoich świętych czyni też patronami rozmaitych grup społecznych. Malarz portretuje również dwójkę artystów: Fridę Kahlo i Pabla Picassa. To najważniejsi święci w panteonie Jarmolińskiego. Ich nazwiska zostały pośmiertnie skomercjalizowane, sprzedane koncernom, by stać się synonimami marek produktów niemających nic wspólnego z twórczością, jaką uprawiali: alkoholu, kosmetyków, samochodów.

Malując wizerunki artystów (również w tym przypadku, z wielkim kunsztem kopiowanych ze znanych zdjęć), Jarmoliński materializuje, rozumiane w sensie tradycyjnym, pojęcie, jakim jest ikona. Święci Frida i Pablo, ujęci centralnie w majestatycznych pozach, widnieją na srebrnych tłach, ich ubiór zdobią półszlachetne kamienie. Na wystawie w Otwartej Pracowni artysta umieścił prezentowane obrazy pośrodku instalacji przywodzącej na myśl kaplicę, z ołtarzem i klęcznikami dla wiernych. Jak pisze Alicja Cichowicz: „Święci Frida i Pablo, ujęci centralnie w majestatycznych pozach, widnieją na srebrnych tłach, ich ubiór zdobią półszlachetne kamienie. Jarmoliński wykonał obrazy z niewiarygodną troską o detal, wycyzelował każdy szczegół” (źródło: materiały prasowe Bartłomiej Jarmoliński, „Cooltowi”, Otwarta Pracownia, Kraków 2011).

Krzysztof Nowicki (ur. 1988)

“Św. Jan Ewangelista”, 2014 r. olej/płótno, śr.: 40 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘Krzysztof | Nowicki | św. Jan Ewangelista | 2014’

estymacja 1 500 - 2 800 PLN 400 - 700 EUR

PIOTR STASIOWSKI, 2016

„Przedstawienia figuralne świętych, martwych natur czy scen biblijnych, celowo zanikające bądź mocno rozmyte na jego obrazach ustępują miejsca chłodnej współczesnej geometrii. I to ona staje się dominującym wątkiem (…) obrazów [Krzysztofa Nowickiego]”.

Krzysztof Piętka (ur. 1990)

estymacja 2 000 - 4 000 PLN 500 - 1 000 EUR

KRZYSZTOF PIĘTKA

„Głównym elementem łączącym wszystkie moje działania jest obserwacja wykształcona poprzez specyficzną zamkniętą przestrzeń, w której się wychowywałem. Mieszkam na terenie zalewowym, który z jednej strony otoczony jest starorzeczem a z drugiej strony Wisłą. Podczas powodzi teren ten zamienia się w wyspę. Jako kilkuletnie dziecko byłem przekonany, że nie istnieje nic poza tym terenem”. Prace młodego malarza to proste w swej budowie, lecz niebanalne, niemal plakatowe kompozycje. W prezentowanym obrazie, gdzie kompozycja opiera się na szorstkiej, centralnej połaci czerni, artysta mimo tej charakterystycznej dla siebie prostoty, wytwarza głębię, w której zawarta jest cała tajemnica obrazu. To, co pozostaje rozpoznawalne, to jedynie dynamiczny cień stworzenia ukrytego daleko w otchłani ciemności oraz świetliste, silne punkty wybijające się z zarysu nieokreślonej postaci. Krzysztof Piętka to malarz z kategorii tych, którzy za pomocą podstawowych środków malarskich potrafią stworzyć poruszającą narrację. Niewymuszone i naturalne ruchy, które jesteśmy w stanie odczytać z powierzchni płótna, to składające się w jedną całość, przekonujące poczynania młodego, lecz świadomego swej twórczości malarza.

Bezpretensjonalność, z jaką posługuje się narzędziem malarskim, oraz budowie historii to jego ogromna wartość, dzięki której to malarstwo zdaje się autentyczne i szczere. W jego malarstwie widoczne są wpływy dwóch klasyków XX-wiecznego malarstwa, określanych niekiedy mianem polskich reprezentantów pop-artu – Jerzego „Jurry’ego” Zielińskiego oraz Jana Dobkowskiego. Krzysztof Piętka to absolwent katowickiej Akademii Sztuk Pięknych. Dyplom z malarstwa uzyskał w pracowni prof. Andrzeja Tobisa. Finalista najważniejszych konkursów dla młodych twórców, takich jak Nowy Obraz / Nowe Spojrzenie, Biennale Malarstwa Bielska Jesień oraz Biennale Sztuki Młodych Rybie Oko w 2017 roku.

Anna Panek (ur. 1977)

Bez tytułu z cyklu “Kształty”, 2018 r. akryl, olej/płótno, 40 x 40 cm sygnowany i datowany na odwrociu: ‘Anna Panek ‘2018’ oraz opisany na blejtramie: ‘Anna Panek (z cyklu kształty) 2018’

estymacja 4 000 - 6 000 PLN 1 000 - 1 400 EUR

Artystka znana jest przede wszystkim z realizowania wielkopowierzchniowych projektów malarskich anektujących lub wpisujących się w zastaną architekturę. Czy w trójwymiarowej przestrzeni architektonicznej, czy na powierzchni płaskiego płótna malarskiego artystka posługuje się głównie plamą barwną. Plama w jej twórczości to swoisty organizm, który zyskuje swoją strukturę, formę, kształt i określoną barwę. Różnego rodzaju plamy, funkcjonujące jako organizmy, zdawałoby się, że wędrują po płótnie, wibrują w przestrzeni. W zależności od nadanej barwy, jedne zapadają się w dal, a drugie wręcz wybijają naprzód, prowadząc między sobą rozgrywkę o miejsce w obrazie. Jako

że Anna Panek jest z wykształcenia zarówno malarką, jak i architektką swoistą ramą jej twórczości jest przestrzeń. Jej działania skupiają się na łączeniu a zarazem przeciwstawianiu architektury i malarstwa. W odróżnieniu od architektury jej obrazy nie spełniają żadnej nadanej im funkcji poza byciem czystą reprezentacją estetyczną samą w sobie. Anna Panek jest absolwentką Wydziału Architektury Politechniki Wrocławskiej i Wydziału Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie. Dyplom uzyskała w pracowni prof. Leona Tarasewicza, natomiast aneks w pracowni Grzegorza Kowalskiego. Obecnie pracuje w Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie.

Kamil Kukla (ur. 1989)

“18T5T”, 2018 r. olej/płótno, 160 x 160 cm sygnowany i opisany na odwrociu: ‘Kamil | Kukla | 18T5T’

estymacja 10 000 - 14 000 PLN 2 400 - 3 300 EUR

PIOTR POLICHT, KURATOR WYSTAWY INDYWIDUALNEJ U+1F351 PEACH W RAMACH BANK PEKAO PROJECT ROOM, CENTRUM SZTUKI WSPÓŁCZESNEJ ZAMEK UJAZDOWSKI, WARSZAWA 2017

„Połyskliwe, obłe kształty, pieczołowicie wycyzelowane, sąsiadują tu z nerwowymi, impastowymi pociągnięciami pędzla. Pokawałkowane, zredukowane do seksualnych narządów ciała są jednocześnie pociągające, ale i nabrzmiałe, zaczerwienione, zsiniałe, przekwitłe i chore. (…) Przedstawiają świat rodem z mang dla nastolatków, w którym codzienność miesza się z nadnaturalnością, słodycz z przemocą, a pruderia z rozbuchaną seksualnością”. Obraz prezentuje charakterystyczną, wypracowaną już przez malarza stylistykę, która rodzi wiele emocji, ale również pozostawia ogrom niedomówień, a czasami wprawia nawet w zakłopotanie. Trudne do określenia, balansujące na granicy figuracji i abstrakcji, czerpiące z różnorodnych stylistyk i tropów artystycznych motywy twórczości autora to powody, dla których malarstwo Kamila Kukli jest jednym z najciekawszych reprezentacji nowego pokolenia polskich artystów. Wielkoformatowe

realizacje malarza to obrazy stylistycznie i ideowo wpisujące się w gatunki malarskie, takie jak pejzaż czy martwa natura. Punktem zwrotnym w postrzeganiu młodego artysty jest fakt, że każda jego kompozycja pozbawiona jest dosłowności. Istotnym elementem jest konstrukcja obrazu, na którą składa się procesualne tworzenie jej budowy w czasie i przestrzeni. Paradoksalnie, w efekcie końcowym całość przedstawienia wydaje się nie mieć solidnej konstrukcji i poddawać się rozkładowi.

Sławek Pawszak (ur. 1984)

Bez tytułu, 2010 r. olej/płótno, 146 x 195 cm sygnowany, datowany i opisany na blejtramie: ‘S. PAWSZAK BEZ TYTUŁU 2010’

estymacja 10 000 - 14 000 PLN 1 900 - 3 300 EUR

POCHODZENIE: - Galeria Czarna, Warszawa - kolekcja prywatna, Warszawa

Nieprzedstawiające i anarracyjne obrazy Pawszaka budowane są na podstawie odległych odniesień do otaczającej go, fizycznie istniejącej lub wirtualnej rzeczywistości. W 2016 roku artysta wygrał konkurs na projekt fasady Muzeum nad Wisłą. W uzasadnieniu werdyktu jury zaznaczyło, że: „zwycięski projekt jest dziełem otwartym, powstałym z wiarą w ludzką kreatywność. Lekkie kolorowe formy zachowują malarski gest ręki oraz indywidualne zaangażowanie, oferując jednocześnie odniesienia uniwersalne. Praca przywodzi na myśl wielką tradycję modernistycznych murali, gdzie wśród złożonych licznych motywów widz aktywnie tworzy kolejne perspektywy odbioru”. Ta i inne prace z tego okresu nasuwają skojarzenia ze zdjęciami teleskopowymi formujących się galaktyk, zapisami trajektorii ruchu ciał niebieskich, wykresami pól magnetycznych i wnętrznościami: napięciami linii ścięgien czy łańcuchami jelit. Prace Sławomira Pawszaka znajdują się w kolekcjach m.in. Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie, Fundacji Sztuki Polskiej ING, Muzeum Narodowego w Gdańsku czy Kaviar Factory w Henningsvaer.

Edmund Okstom (ur. 1991)

“Eluding Serifs”, 2018 r. akryl/płótno, 100 x 100 cm sygnowany i datowany na odwrociu: ‘E. OKSTOM | 2017’

estymacja 7 000 - 10 000 PLN 1 700 - 2 400 EUR

WYSTAWIANY: - Edmund Okstom, Topography of the Void, Galeria Contrast, Warszawa, 2018

Edmund Okstom jest malarzem samoukiem. To, co chce robić najbardziej, to malować obrazy. Twórczość jest nie tylko formą terapii, lecz również możliwością komunikacji z innymi ludźmi, poprzez malarstwo właśnie. Obrazy Okstoma charakteryzują się klasycznym warsztatem oraz zawężoną paletą barw, budzącą skojarzenia z szeroko rozumianą stylistyką noir. Zaciągając dług u XIX-wiecznych romantyków, artysta nie stroni od równoległych nawiązań do ikonografii współczesnej popkultury, w tym m.in. filmów Davida Lyncha czy horrorów klasy B.

Marcin Kowalik (ur. 1981)

Wymiana informacji, 2011 r. akryl/płótno, 60 x 80 cm sygnowany i datowany na odwrociu: ‘Marcin Kowalik | 2011’

estymacja 2 000 - 4 000 PLN 500 - 1 000 EUR

Marcin Kowalik od ponad 20 lat tworzy obrazy oraz instalacje. Zajmuje się także rozwijaniem własnej teorii percepcji sztuki. W ramach swoich akcji często stara się godzić twórczość z działaniami o charakterze charytatywnym i prospołecznym. Za namową, czy wręcz na polecenie swojego mentora z czasów studiów Adama Wsiołkowskiego, porzucił idee obrazowania świata czy malowania z fotografii oraz natury. Celem dla młodego artysty stało się kreowanie nowej rzeczywistości przy użyciu języka abstrakcji i geometrii, jednakże niepozbawionej surrealistycznych

elementów. Prace malarskie Kowalika są formą budowania osobistej kosmologii, badaniem i opisywaniem wykreowanego wszechświata, na który składają się uporządkowane geometryczne formy w nasyconych kolorach, jednocześnie poddane kontroli i idealnie zharmonizowane. Autor poświęca dużo uwagi badaniu relacji między proporcjami poszczególnych elementów oraz pomiędzy zastosowanymi barwami. W twórczości tej można znaleźć echa zainteresowań zagadnieniami kreowania architektury, ale także rekonfiguracji pejzażu jako gatunku o długiej tradycji.

Marcin Kowalik (ur. 1981)

“Przestrzeń podróży - kompilacja”, 2012 r. akryl/płótno, 130 x 200 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘Marcin Kowalik 2012 | “PRZESTRZEŃ PODRÓŻY - KOMPILACJA” | 130 x 200 AKRYL’

estymacja 7 500 - 10 000 PLN 1 800 - 2 400 EUR

Prezentowany obraz pochodzi z cyklu rozpoczętego w 2005 roku. Opowiada on nie tylko o przemieszczaniu się z punktu A do punktu B, ale przede wszystkim o tym, co dzieje się w świadomości i wyobraźni podróżnika. Mówi o jego oczekiwaniach co do celu podróży, o tym, co pozostawia za sobą oraz jak te wewnętrzne przemyślenia wpływają na postrzeganie rzeczywistości przemykającej za oknem. W 2001 ukończył z wyróżnieniem Państwowe Liceum Sztuk Plastycznych w Zamościu, a w 2006 Akademię Sztuk Pięknych w Krakowie na Wydziale Malarstwa w pracowni profesora Adama Wsiołkowskiego. Od tegoż roku rozpoczął studia doktoranckie na tym samym wydziale. W 2001 otrzymał stypendium Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego, a w roku 2002 był stypendystą Prezydenta Miasta Zamościa. Jak mówi sam artysta: „Moje malarstwo to mój sposób na życie. Malarstwo to sposób wyrażania refleksji na temat życia a życie również jest podróżą, której cel nie jest nam do końca znany”.

Marcin Kowalik w Pracowni, 2013 ÂŠ Wikimedia Commons

Paweł Kałużyński (ur. 1979)

“Zawrót głowy II”, 2016 r.

olej, szkliwo/płótno, 22 x 27 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘Paweł Kałużyński | “Zawrót głowy” 2016’

estymacja 2 000 - 3 500 PLN 500 - 900 EUR

WYSTAWIANY: - Paweł Kałużyński, Sam na Sam, Rabbithole Art Room, Warszawa, 13.05-9.06.2016

PAWEŁ KAŁUŻYŃSKI

„Zawrót głowy to stan, w którym nie możemy podjąć łatwych decyzji. Jesteśmy zamknięci w sytuacji, która ma nad nami przewagę, musimy się jej poddać i nie mamy z niej łatwego wyjścia”. W prezentowanej pracy artysta w sposób formalny nawiązuje do kultury malarskiej „nowych dzikich” lat 80. W żywych kolorach i swobodnym geście maluje postaci oraz sceny zaczerpnięte z kultury amerykańskiej. Odwołuje się do bohaterów dziecięcych bajek, ikon popkultury jak również przełomowych wydarzeń historycznych. Paweł Kałużyński ukończył Wydział Malarstwa na Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie – dyplom w 2005 roku. Studiował w pracowni malarstwa

profesora Mariana Czapli, w której przygotował swój dyplom malarski składający się z cyklu pejzaży. W trakcie studiów zajmował się również grafiką pod kierunkiem profesora Rafała Strenta oraz rysunkiem w pracowni profesora Marka Wyrzykowskiego. Grafika i rysunek stały się aneksami do dyplomu. W latach 1999-2004 studiował na Wydziale Historii Sztuki na Uniwersytecie Warszawskim.

Grzegorz Drozd (ur. 1970)

“Nowy Rok w wiosce Nan. Tajlandia”, 2010 r. olej/płótno, 110 x 135 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘GRZEGORZ DROZD | “NOWY ROK W WIOSCE NAN | TAJLANDIA 2010’

estymacja 10 000 - 14 000 PLN 2 400 - 3 300 EUR

Grzegorz Drozd w mieście Nan, Tajlandia, fot. dzięki uprzejmości Artysty

Obraz Grzegorza Drozda z 2010 roku przedstawia barwny pejzaż. Regularną, rytmiczną kompozycję organizują w nim pionowe, rosnące nad brzegiem akwenu rośliny. Odbiorcy obrazu nieznający flory południowo-wschodniej Azji mogą mieć trudność z rozpoznaniem, czy feeria czystych, nasyconych barw to widok rzeczywistej, „rajskiej” roślinności czy może efekt artystyczny, wydobywający malarskość przedstawienia. Widok tajlandzkiej wioski może stać się zatem w oczach widza barwną wizją krajobrazu, przedstawieniem wyimaginowanej krainy, która w realnym doświadczeniu – jak uczy przykład samego Drozda – może okazać się mniej rajska niż zwykliśmy sądzić. Sam artysta mówi, że: „W 2010 roku symbolicznie ‘opuścił’ kulturę Zachodu, kierując swą nomadyczną wędrówkę w stronę dalekiego południa Azji, poszukując ‘Utraconego Raju’”. Jednak podróż na Daleki Wschód – jak wynika z wywiadu przeprowadzonego z artystą – okazała się nie tylko doświadczeniem piękna natury, lecz również źródłem wielu, niejednokrotnie gorzkich refleksji (Śmieci Twoja wizytówka, „Wysokie Obcasy”, 9.08.2014). Uwagę artysty zwrócił przeniesiony z Zachodu do Azji konsumpcyjny styl życia oraz paradoksy masowej turystyki uprawianej przez Europejczyków, niejednokrotnie ograniczających swoje wakacje w odległych krajach do pobytu w hotelu bez przejawu zainteresowania miejscową kulturą. Grzegorz Drozd studiował na Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie w pracowni Jarosława Modzelewskiego. Po eksperymentach z rozmaitymi mediami skupił się na malarstwie. Podobnie jak jego nauczyciel na swych obrazach stara się odmalować otaczającą go rzeczywistość, nawet w jej najbardziej prozaicznych aspektach. Drozd podkreśla rolę naszego zapośredniczenia w osobistych doświadczeniach i niemożność ucieczki od własnej tożsamości, ukształtowanej poprzez historyczne uwarunkowania, ale także wychowanie, miejsce dorastania, wpływy rodziny i przyjaciół.

Michał Szuszkiewicz (ur. 1983)

“Żona dla przodka”, 2011 r. olej/płótno, 60 x 50 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘MICHAŁ SZUSZKIEWICZ | “ŻONA DLA PRZODKA” | olej na płótnie | 61 x 50 cm | 2011’

estymacja 3 000 - 5 000 PLN 700 - 1 200 EUR

BOGUSŁAW DEPTUŁA, OBRAZ WE WNĘTRZU: MICHAŁ SZUSZKIEWICZ, „DOM I WNĘTRZE”, SIERPIEŃ 2015

„Czy można malować autoportrety, które w ogóle nie przedstawiają człowieka? Można – wielokrotnie pokazał to w swych pracach Michał Szuszkiewicz. Zamiast siebie maluje psa albo nietoperza, lub dokładnie sportretowanego człekokształtnego podpisuje: ‘Portret przodka’. I co więcej, we wszystkich przypadkach ma rację”.

Andrzej Cisowski (ur. 1962)

“Spotkanie”, 1991 r. olej/płótno, 150 x 176 cm sygnowany p.d.: ‘CISOWSKI’ sygnowany i datowany na odwrociu: ‘A. Cisowski 91 | A. Cisowski’

estymacja 9 000 - 16 000 PLN 2 100 - 3 700 EUR

POCHODZENIE: - Galeria Walther, Duesseldorf - kolekcja prywatna, Niemcy

LITERATURA: - Krzysztof Stanisławski, Nowa Ekspresja, Olsztyn 2008, s. 117 (il.)

Andrzej Cisowski â&#x20AC;&#x201C; malarz, 2014 ÂŠ Wikimedia Commons

Na twórczość Andrzeja Cisowskiego wpłynął pobyt w Nowym Jorku na początku lat 90. XX wieku. To tam artysta spotyka się z amerykańską sztuką, pop-artem i kulturą konsumpcjonizmu. Amerykańska wolność dodała mu swobody, którą pokazuje w swoich pracach będących na granicy malarstwa figuratywnego i ekspresji. Cisowski jest jednym z tych artystów, którzy lubią przerabiać i korzystać z rzeczy już powstałych. W swoich obrazach ukazuje popkulturę, bohaterów komiksów i reklam, niekiedy wykorzystując w tym celu powszechne materiały, jak serwety czy obrusy. Artysta korzysta również z inspiracji filmem i fotografią, przenosząc odtworzone wydarzenia na język współczesny. Za pomocą zróżnicowanej stylistyki łączy lokalne symbole z uniwersalnymi mitami, w których mogą rozpoznać się odbiorcy z różnych kultur całego świata.

Jakub Ciężki (ur. 1979)

Bez tytułu akryl, emalia akrylowa/sklejka, 30 x 30 cm (w świetle oprawy)

estymacja 1 500 - 2 800 PLN 400 - 700 EUR

Powracającym tematem w malarstwie i instalacjach Jakuba Ciężkiego są motywy krat, siatek i rusztowań. Artysta wielokrotnie podejmuje zagadnienie przecinających się wertykalnych i horyzontalnych linii. Takie podejście do malarstwa przywodzi na myśl pewien typ modernistycznej abstrakcji geometrycznej – obrazy, określone przez wpływową amerykańską krytyczkę i historyczkę sztuki Rosalind Krauss jako „siatki”. Siatki to struktury, które za pomocą przecinających się linii znaczą pole obrazowe, podkreślając płaszczyznę powierzchni oraz powtarzalność, segmentowość jej podziałów. Przykłady podobnych struktur znajdujemy przykładowo w twórczości klasyczek abstrakcji, takich jak Agnes Martin. Ciężki podchodzi jednak do zagadnienia odmiennie, jakby na przekór wielkim twórcom modernizmu. O ile modernistyczna siatka ma tworzyć powierzchnię całkowicie abstrakcyjną, wykluczającą iluzję

i reprezentację, o tyle prace Ciężkiego niejednokrotnie naturalistycznie i dosłownie imitują kraty, rusztowania i ogrodzenia, które artysta zaobserwował w swoim otoczeniu. W taki sposób często w jego sztuce można zetknąć się z przestrzennymi konstrukcjami, wyłamującymi się z modernistycznej płaszczyzny, przedstawiającymi świat metalowych kratownic ogrodzeń lub konstrukcje z dziecięcych placów zabaw – popularne drabinki. Prezentowana praca lokuje się pomiędzy wskazanymi powyżej dwoma typami przedstawień. Obraz prezentuje widok przypominający rysunek przestrzenny jakiejś konstrukcji trudnej do zidentyfikowania – nie jest ani płaszczyznową siecią, ani iluzyjnym obrazem metalowych kratownic. Jego abstrakcyjna struktura lokuje go pomiędzy reprezentacją architektury, a bezprzedmiotowym malarstwem.

Jan Mioduszewski (ur. 1974)

“Ruiny i kwiat”, 2018 r. akryl, listwy/płótno, 65 x 50 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘Mioduszewski 2018 | RUINY I KWIAT’ oraz pieczątka Fabryka Mebli

estymacja 6 000 - 9 000 PLN 1 400 - 2 100 EUR

WYSTAWIANY: - Obrzeża i bocznice, Galeria 18a, Warszawa, 2019

Prezentowana praca Jana Mioduszewskiego pochodzi z jego najnowszego cyklu „Ruiny”. Znany, romantyczny motyw ruin jest tu opowiedziany raz jeszcze, ale wcale nie wprost, bo nie chodzi wyłącznie o ruiny architektury. Ważne jest metaforyczne ujęcie rozpadu i dekompozycji form kultury, do jakiego dochodzi na skutek niszczycielskich wojen i potęgi żywiołów. Obrazy są dziwnym połączeniem czułego, realistycznego malowania z brutalnym i ekspresyjnym gestem. Jest w nich dużo potrzaskanych elementów, brudu, który nagle przemienia się w subtelność i wyrafinowanie. Wśród ruin rosną kwiaty. Jan Mioduszewski od 2002 roku wszystkie swoje wystąpienia tytułuje: FABRYKA MEBLI. Obrazy, obiekty i fotografie produkuje Fabryka Mebli. Projekt łączy malarstwo, interwencje, instalacje, działania w przestrzeni publicznej i performance (nazywane przez autora „nieruchomymi performance”). Realizacje malarskie to obrazy-meble, które powstają na podobraziach ciętych. W nieruchomych performance Jan Mioduszewski używa malowanych kostiumów.

Karol Komorowski (ur. 1994)

“Wyszukiwanie”, 2015 r. druk UV/aluminium, 100 x 100 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘KAROL KOMOROWSKI | “WYSZUKIWANIE” 2015, 1/1 | UNIKAT’

estymacja 2 000 - 5 000 PLN 500 - 1 200 EUR

WYSTAWIANY: - Przygody z Op-artem, Fundacja Stefana Gierowskiego, Warszawa, 2017 - Karol Komorowski, Magdalena Żołędź, Justyna Dryl, Rzekoma Śmierć Fotografii czyli Traktat o Nieumarłych Obrazach, Różnia, Warszawa, 2016 - Karol Komorowski, Der Sogenannte Tod Der Fotografie, Zwitschermaschine, Berlin, 2016

Karol Komorowski w swoich pracach skupia się na zagadnieniu realizmu i jego współczesnych przedstawieniach. Debiutował w warszawskiej Lookout Gallery w 2012 roku wystawą kuratorowaną przez Adama Mazura, na której pokazał dwa cykle „W ciemnościach” i „Koleżanki”. Komorowski to stypendysta Akademii Fotografii w Warszawie (2012-14), laureat John E Wright Award, FORMAT Festival 13, Derby, Wielka Brytania (2013), uczestnik 3. Bielskiego Festiwalu Sztuk Wizualnych 2014 w Bielsku-Białej. Od 2013 roku używa w swojej twórczości technik CGI (Computer Generated Imagery), rejestrując zmiany w percepcji wizualnej zachodzące w wyniku wpływu technologii cyfrowej na naszą codzienność. Obecnie zajmuje się post-cyfrową sztuką optyczną tworząc obiekty i instalacje nawiązujące do medium fotografii. Reżyser filmów, m.in. „November / December” (2017), „Mercallo” (2018). Autor książek, m.in. „Piszę na żywo, jak żywo?” (2016), „Wypierdalaj ze sztuki” (2016). Założyciel przestrzeni wystawienniczej Różnia, współprowadzonej z Anną Sidoruk w latach 2016-17.

Michał Misiak (ur. 1973)

“S-20”, 2008 r. olej/płótno, 160 x 100 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘[monogram] | MICHAŁ MISIAK 2008 | “S-20” | OLEJ | 160 x 100 cm’

estymacja 9 000 - 15 000 PLN 2 100 - 3 500 EUR

WYSTAWIANY: - Vibrations, Michał Misiak, Gerhard Birkhofer, Haus der Modernen Kunst, Staufen, Niemcy, 2015 - Struktury dynamiczne, Galeria Socato, Wrocław, 2013 - Michał Misiak, Symterie, Galeria pod Rejentem, Kraków, 2011 - Artyści w świecie geometrii, Galeria Wieża Ciśnień, Kalisz, 2010

LITERATURA: - Symetrie. katalog wystawy indywidualnej w Galerii pod Rejentem, Kraków 2010

Obraz Michała Misiaka należy do cyklu prac o nazwie „Symetrie”. Również litera „S” w tytule wskazuje na zastosowaną przez artystę zasadę kompozycyjną. O przywiązaniu do tego układu artysta pisał: „Z jednej strony był jedynie właściwym, niezmąconym niepotrzebną komplikacją form układem, gdzie uwaga obserwatora mogła zostać poprowadzona poprzez delikatnie wibrujące płaszczyzny utrzymane na minimalnych kontrastach w stronę głębi jego własnej przestrzeni wewnętrznej. Innymi słowy, chciałem, by obraz stał się zaledwie impulsem inicjującym wgląd obserwującego w ukrytą sferę osobistych doświadczeń niewerbalnych. Z drugiej strony towarzyszyło mi przeświadczenie, że symetria w otaczającym nas świecie zajmuje niesłychanie ważne miejsce. Można zaobserwować, że umysł człowieka ma wrodzoną tendencję do postrzegania obiektów symetrycznych jako swego rodzaju doskonałości” (Michał Misiak, fragment tekstu w katalogu wystawy „Płaszczyzna – Przestrzeń – Głębia”, wyd. Galerie Sagan, Essen 2008, s. nlb.). Misiak przywołuje filozoficzne koncepcje Pitagorejczyków, którzy w symetrii dostrzegali źródło porządku i tym samym piękna, jakie w przypadku sztuk wizualnych oznaczały doskonale skomponowane struktury. Artysta ponadto zauważył, że układy symetryczne od zarania dziejów konotują w ludzkiej psychice pozytywne odczucia. Odejście od nich automatycznie przykuwa uwagę i utożsamiane jest z pomyłką, która, jak wiadomo, jest rzeczą ludzką. Dlatego obrazy Misiaka są oparte na zasadzie inferencji na trwałych regułach wywiedzionych z nauk ścisłych, jednak artysta zostawia miejsce na niedoskonałość, a także nieprzewidywalność. Autor wierzy, że w przypadkowości, która odróżnia nas od maszyn, tkwi także ważny potencjał artystyczny i źródło kreatywności. Z oddali obraz autorstwa Michała Misiaka wydaje się emanować wewnętrznym blaskiem. Przy bliższym oglądzie udaje się zdemaskować tę magiczną kanwę linii, przy których pomocy artysta buduje napięcie. Ładunek zawarty w obrazie został uzyskany za pomocą drobnych, biegnących paralelnie, malowanych odręcznie kresek. Artysta celowo odrzuca pomoc narzędzia, wierząc, że „malując kolejne obrazy, ręka staje się coraz bardziej sprawna i wyćwiczona, jednak niemożliwe jest dojście do absolutnej doskonałości. Sądzę, że w tym zawiera się jakaś właściwość charakteryzująca człowieka. Nieustanne dążenie do ideału i niemożność jego osiągnięcia. Drgnienie ręki nadaje tym obrazom pierwiastek ludzki, pewną nieprzewidywalność, która mnie fascynuje i pcha w kierunku kolejnych realizacji” (Michał Misiak, fragment tekstu w katalogu wystawy „Płaszczyzna – Przestrzeń – Głębia”, wyd. Galerie Sagan, Essen 2008, s. nlb.).

fot. dzięki uprzejmości Artysty

Michał Slezkin (ur. 1960)

estymacja 6 000 - 9 000 PLN 1 400 - 2 100 EUR

Michał Slezkin pracuje seriami, z których każda jest osobną opowieścią. Obrazy artysty zawsze stanowią odniesienia do przeżytych sytuacji, odwiedzonych miejsc czy obserwowanej rzeczywistości. Malarz przepracowuje zapamiętane ujęcia, zmaga się z nimi na powierzchni płótna, tworzy osobliwy dziennik doświadczeń. Dzięki interesującym rozwiązaniom formalnym oddaje unikalną atmosferę miejsc, czyni je ledwie rozpoznawalnymi, lecz jakże przekonującymi. Oprócz obrazów olejnych Slezkin tworzy również wielkoformatowe prace na papierach oraz rysunki w formie dzienników. Instalacje, rzeźby, obiekty wielowymiarowe w żywicach syntetycznych. Zajmuje się również projektami konceptualnymi, sięgając po nowe techniki, oraz instalacje z wykorzystaniem rzeczywistości gier analogowych i sieciowych. Obecnie jego prace można oglądać na zbiorowej wystawie „Problemy pierwszego świata: życie przed śmiercią” kuratorowanej przez Stacha Szabłowskiego w Fundacji im. Stefana Gierowskiego w Warszawie.

Zbigniew Rogalski (ur. 1974)

“Bandaż” (1), 2002 r. olej/płótno, 55 x 65 cm sygnowany i datowany na odwrociu: ‘Z. ROGALSKI ‘2002’

estymacja 20 000 - 30 000 PLN 4 700 - 7 000 EUR

WYSTAWIANY: - Gut und Billing. Aktuelle polnische Malerei, Frankfurt nad Odrą,

LITERATURA: - Gut und Billing. Aktuelle polnische Malerei, katalog wystawy,

Niemcy, 18.05-13.08.2006

Frankfurt nad Odrą, 2006, s. 90 (il.)

Zbigniew Rogalski jest artystą znanym ze swojego figuratywnego, niekiedy iluzjonistycznego malarstwa. Jego płótna często korespondują z medium fotografii, która bywa dla nich źródłem motywu, przełożonym następnie przez artystę na język malarstwa. Rogalski imituje wówczas na przykład efekt zaparowanego lustra czy powtarza znane z historii sztuki fotograficzne widoki sławnych artystów przy pracy. W ten sposób artyście zdarza się opowiadać wydarzenia z życia prywatnego lub wpisywać własną postać w sławne sceny, jak wówczas, gdy Rogalski na stworzonym przez siebie płótnie pomaga Jacksonowi Pollockowi malować obraz techniką drippingu. Znane są również przykłady jego obrazów imitujące fotomontaże. Ponadto zdarzają się w jego twórczości sytuacje,

gdy to malarstwo iluzyjnie wytwarza efekt fotografii, nie powtarzając jej, ale kreując – artysta przedstawia widoki imitujące zdjęcia, które nigdy nie zaistniały. Prezentowana praca „Bandaż” należy do serii kilku płócien przedstawiających pielęgniarkę, opatrującą głowę mężczyzny. Jest to seria pochodząca z wczesnego okresu twórczości Rogalskiego, stworzona około trzech lat po ukończeniu Akademii Sztuk Pięknych przez malarza. Praca posiada fotograficzną kompozycję, wykadrowaną tak, by przypominać przykładowo fotos z filmu lub dokumentację rzeczywistego wydarzenia. Zauważalne jest pozornie zaskakujące dla sytuacji zadowolenie i uśmiech rysujący się na twarzy poszkodowanego mężczyzny.

Lidia Krawczyk & Wojtek Kubiak (ur. 1978) (ur. 1979)

estymacja 4 000 - 7 000 PLN 1 000 - 1 700 EUR

ROMAN LEWANDOWSKI, 2007

„Krakowscy artyści odwołują się nie tylko do zagadnień czysto formalnych oraz malarskich (…), lecz uwzględniają i akcentują także współczesne uwarunkowania związane z funkcjonowaniem ‘ikony’. Malarski dyskurs jest tutaj ukazany w perspektywie zachwiania idei reprezentacji, wirtualizacji dzieła, a także kryzysu klasycznych ‘producentów’ i ‘dystrybutorów’ sztuki. Dotyczy to zwłaszcza statusu i retoryki takich symbolicznych figur, jak ‘akademia’, ‘artysta’, ‘obraz’ i wiążący się z nimi kult rzemiosła”.

Norman Leto (ur. 1980)

“Portret od spodu”, 2018 r. olej/płótno, 150 x 110 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘PORTRET | OD SPODU’ | BOTTOM-WISE | PORTRAIT | NORMAN 2018’

estymacja 12 000 - 20 000 PLN 2 800 - 4 700 EUR

WYSTAWIANY: - Norman Leto, Kintop. Od filmu, Galeria Sztuki im. Jana Tarasina, Kalisz, 2018

Norman Leto (właściwie: Łukasz Banach) zrezygnował z nauki w szkole średniej i zajął się grafiką i malarstwem, a następnie nowymi mediami i wideo. Jego debiutem była wystawa w Centrum Sztuki Współczesnej w Warszawie – „Negatywne aspekty nadmiernej wolności w wieku 26 lat” w 2007. W tym czasie współpracował z reżyserem Krystianem Lupą nad sztuką teatralną ‘Factory Two’ oraz przygotowywał swój pierwszy film w technice 3D ‘Buttes Monteaux l’. Tworzy prace oparte na algorytmach sztucznej inteligencji, a jego projekty balansują na granicy sztuki i nauki. Karierę artystyczną rozpoczął jako malarz. Obrazy,

które tworzy, to często portrety bliskich osób, sytuacje angażujące go emocjonalnie, wyzwania egzystencjalne, intelektualne. Maluje szybko, na podstawie fotografii, natury lub kadru wideo. Jego obrazy przywołują na myśl prace Williama Bouguereau czy Thomasa Gainsborough. Jest autorem filmów, dyptyku ‘Sailor’ – powieści i pełnometrażowego filmu, określony przez brytyjski tygodnik „Tribune” mianem „najlepszego i najbardziej zaskakującego niezależnego debiutu festiwalu” (Era Nowe Horyzonty) oraz filmu „Photon”. Laureat Paszportów „Polityki” w kategorii sztuki wizualne (2018).

Bartosz Kokosiński (ur. 1984)

Z cyklu “Przegięte obrazy”, 2007-08 r. olej/płótno, 70 x 112 x 5 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘Bartosz Kokosiński 2007/2008 | Z cyklu “Przegięte obrazy”, olej, 76,5 x 52 x 70 cm (97 x 65 cm)’

estymacja 3 000 - 6 000 PLN 700 - 1 400 EUR

BARTOSZ KOKOSIŃSKI W ROZMOWIE Z ANNĄ SAŃCZUK: CZŁOWIEK, KTÓRY POŻERA OBRAZY, VOGUE.PL, 24.01.2019

„Można nazwać moją praktykę artystycznym recyklingiem, ale to jest jak przetwarzanie odpadków, dla których nie można znaleźć odpowiedniego pojemnika. Nigdzie nie pasowały i pomyślałem, że faktycznie zbuduję z nich obraz, zbiór, komunikat. Skonstruuję jakiś rodzaj porządku, ułożę przedmiot po przedmiocie, jak martwe natury”.

Paweł Matyszewski (ur. 1984)

“Dobranoc” z cyklu “Refleksje przyrodnicze”, 2015 r. technika mieszana/sklejka, śr.: 33 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘PAWEŁ MATYSZEWSKI | DOBRANOC | 2015 | Z CYKLU REFLEKSJE | PRZYRODNICZE’

estymacja 3 000 - 4 800 PLN 700 - 1 200 EUR

WYSTAWIANY: - Paweł Matyszewski, Macham ręką, Galeria Arsenał, Białystok, 2015 - Paweł Matyszewski, Odejdź ciało, Galeria Piekary, Poznań, 2015

W twórczości Matyszewskiego bardzo widoczne jest zainteresowanie marginalnością zjawisk i zachowań z pogranicza kultury i biologii. Jego prace to swoiste przeplatanie się języka realizmu z abstrakcją, a także samego obrazu z obiektem. Mieszanie gatunków i konwencji sprawia, że uzyskuje on dzieła wykraczające daleko poza ramy tradycyjnego malarstwa, a jego obrazy, dzięki swoim oryginalnym powierzchniom, na których można odnaleźć wypukłości i wklęsłości, można odnieść zarówno do fotografii, jak i figur przestrzennych. Twórczość artysty często nacechowana jest erotyzmem i działa na zmysły, przypominając ludzką skórę. Mimo oryginalności formy, prace Matyszewskiego pozostają subtelne i minimalistyczne w swojej abstrakcyjności, dając widzowi dużo przestrzeni do interpretacji. Artysta jest absolwentem poznańskiej Akademii Sztuk Pięknych, do tej pory ma na koncie pięć indywidualnych wystaw oraz udział w ponad trzydziestu wystawach zbiorowych, w tym głośnej „Ars Homo Erotica” w warszawskim Muzeum Narodowym. Jest również laureatem wielu prestiżowych konkursów, zdobył m.in.: Grand Prix I Międzynarodowego Konkursu Modessque w 2014 roku. Matyszewski to także stypendysta Narodowego Centrum Kultury oraz Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego.

Natalia Hirsz (ur. 1991)

“Ciężar”, 2014 r. olej, piasek/płótno, 30 x 25 x 6,5 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘Natalia | Hirsz | Ciężar | 2014’

estymacja 1 800 - 3 000 PLN 500 - 700 EUR

Natalia Hirsz to artystka wywodząca się ze środowiska gdańskiej Akademii Sztuk Pięknych. W swojej twórczości prowadzi poszukiwania głównie w obrębie strukturalny obrazu, korzysta z wielu mediów – uformowanych przestrzennie tkanin, zwojów nici. Stawia pytania o relacje podmiotu z przestrzenią szeroko rozumianą – poprzez społeczeństwo, kulturę, systemy wartości. W obliczu poczucia ciasnoty i przytłoczenia poszukuje pierwiastka odciążającego. Jej prace pokazywane były m.in. w ramach programu Arte&Science Meeting w Centrum Sztuki Współczesnej Łaźnia. Brała udział w wielu projektach artystycznych, np. projekcie Kamila Wnuka Polisz Art Tomorrow.

Cyryl Polaczek (ur. 1989)

Bez tytułu, 2017 r. olej/płótno, 31 x 22 cm sygnowany i datowany na odwrociu: ‘Cyryl Polaczek | 2017 ‘

estymacja 2 600 - 3 800 PLN 700 - 900 EUR

Cyryl Polaczek w swojej twórczości zwraca się zarówno w stronę abstrakcji, jak i fantazyjnych, nastrojowych motywów figuralnych o onirycznym charakterze. Jednym z powracających zagadnień w jego malarstwie jest tworzenie iluzji kształtów i form za pomocą charakterystycznej, wypukłej linii nałożonej na monochromatyczną powierzchnię malarską lub poprzez użycie jej negatywu – linii wyżłobionej w materii farby. Malarz podejmuje w nich kolejne problemy układów form – w swoich pracach zmienia kolorystykę podłoża, a także tworzy różnorodne warianty układów figur, którymi często bywają linie proste i okręgi. Niektóre spośród tych kompozycji tworzą wrażenia optyczne, wywołujące w oczach widzów różnorodne skojarzenia – formy mogą wówczas przypominać figury ludzkie, rysy twarzy czy perspektywiczne widoki przestrzeni. Prezentowany obraz należy do serii prac artysty, w których na abstrakcyjnym tle rysują się figury geometryczne. Płótno o kameralnych wymiarach przedstawia dwie pary nałożonych na siebie okręgów, namalowanych linią w kolorze jasnego tła – okręgi sprawiają wrażenie odrysowanych od szablonu, ich kontur jest zgrubieniem w powierzchni farby, wyglądającym na powstały poprzez odciśnięcie. Monochromatyczną kolorystykę przełamują dwie analogiczne, wijące się swobodnie linie, zaznaczające dukt pędzla. Kontrastujące swoją barwą linie przełamują mechaniczny, graficzny charakter pracy, wprowadzając w jej obręb swobodny ślad ręki artysty.

Bownik (ur. 1977)

Z serii “E-słodowy”, ed. 1/4 + 2 AP, 2010 r. wydruk archiwalny/dibond, 33 x 43 cm (w świetle oprawy) sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘E-słodowy | 1/4 + 2 A.P. | 2010 | Bownik’

estymacja 4 000 - 7 000 PLN 1 000 - 1 700 EUR

Prace Bownika można zaliczyć do nurtu fotografii konceptualnej, ale ich estetyka wydaje się zbieżna z fotografią komercyjną i reklamową, w której perfekcyjnie wypolerowany obiekt ukazany jest w żywych, zachęcających barwach. Prezentowana praca z cyklu „E-słodowy” powstała z fascynacji autora dokonaniami popularyzatora majsterkowania, twórcy programu „Zrób to sam” – Adama Słodowego. „E-słodowy” jest najbardziej abstrakcyjnym cyklem rozwijanego przez Bownika przez 5 lat trójczłonowego projektu. Tytuł „E-słodowy” pochodzi od nazwiska Adama Słodowego, który przez 24 lata za pośrednictwem telewizji uczył Polaków, jak „zrobić coś samodzielnie”. W dokumentacji i rekonstrukcji

„przedmiotów” Bownik poszukuje równowagi między faktem a estetyzacją, w warstwie wizualnej czerpie inspirację z abstrakcji geometrycznej, ujawniając fascynację dziedzictwem modernizmu, a zwłaszcza jego funkcjonalistyczną myślą. Bownik pracuje ze świadomością i poszanowaniem dla historii i tradycji fotografii artystycznej – ukończył fotografię i multimedia na poznańskiej Akademii Sztuk Pięknych. Podejmuje eksperymenty z różnorodnymi technikami fotograficznymi. W 2008 roku artysta został stypendystą Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego. Mieszka i pracuje w Warszawie.

Mikołaj Moskal (ur. 1985)

“Unseenable” z cyklu “Bones”, 2017 r. tempera, kolaż/papier, 100 x 70 cm

estymacja 5 000 - 8 000 PLN 1 200 - 1 900 EUR

WYSTAWIANY: - Mikołaj Moskal, Bones, Sabot Gallery, Cluj-Napoca, Rumunia, 2017

Dla Mikołaja Moskala ważny jest proces zbierania informacji i inspiracji, na których podstawie buduje kontemplacyjne i harmonijne światy. Pracuje linią i plamą. Posługuje się wąską paletą barw, tworząc gładkie, pozbawione faktur powierzchnie, zawsze o stonowanej i zamkniętej kompozycji. Ekspresja ta przybiera także postać rzeźb i instalacji, które są kontynuacją poszukiwań formalnych w rozszerzonym polu trzech wymiarów, rozumianych często w przypadku prac Moskala jako trzy współistniejące płaszczyzny. Abstrakcyjne, proste formy i kształty stają się grube i ciężkie. Artysta tworzy również prace site-specific – zarówno instalacje, jak i formy malarskie oraz murale. Zwraca szczególną uwagę na właściwości użytych materiałów (znaczenie u niego ma np. szorstkość i surowość papieru) oraz kwestie doświadczenia zmysłowego czy emocjonalnego. Sam posługuje się terminem intuicji sensorycznej, poprzedzającej proces intelektualny. Prace Moskala to przede wszystkim działanie w obrębie porządku plastycznego. Syntetyczne figury, obiekty i kształty, które tworzy, przywodzą na myśl zarówno konkretne przedmioty, jak i abstrakcyjne twory. Wydają się zawieszone w historycznej pustce, ponadkulturowe.

Róża Litwa (ur. 1982)

Bez tytułu, 2008 r. olej/płótno, 41 x 33 cm sygnowany i datowany na odwrociu: ‘RÓŻA LITWA 2008’ oraz naklejka i pieczęć Galerii m2

estymacja 4 000 - 6 000 PLN 1 000 - 1 400 EUR

RÓŻA LITWA, 2009

„Z zasady nie komentuję obrazów. Wynika to ze strachu przed naruszeniem prywatności. To bardzo osobiste historie”. Róża Litwa w 2008 roku obroniła dyplom z wyróżnieniem rektorskim na Wydziale Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie, w pracowni prof. Jarosława Modzelewskiego. Aneksy do dyplomu wykonała w Pracowni Sztuki w Przestrzeni Publicznej, pod kierunkiem prof. Mirosława Duchowskiego oraz z rysunku pod kierunkiem adiunkta Czesława

Radzkiego. W 2007 roku projekt Litwy wygrał konkurs na mural przy stacji metra Centrum, praca została zrealizowana. Na przełomie 2008 i 2009 pierwszą wystawę indywidualną artystki pokazała warszawska Galeria m2. W ubiegłym roku Róża Litwa pokazała swoją najnowszą wystawę „Plażowicze”, którą można było oglądać w tarnowskim BWA.

Paweł Olszczyński (ur. 1985)

Martwa natura, 2015 r. olej/płótno, 90 x 70 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘olszczyński | 2005 | - martwa’

estymacja 2 600 - 4 500 PLN 700 - 1 100 EUR

WYSTAWIANY: - Psycho-The-Rapist, Galeria Piktogram, Warszawa, 2015-2016

Olszczyński w swoich pracach bardzo często kreuje niedopowiedziane sytuacje, budowane ze stałego, charakterystycznego dla siebie repertuaru form. W jego twórczości dominują motywy takie jak drewno, siatka, włosy, elementy garderoby czy przedmioty użytkowe, których zestawienia dają surrealistyczny, niepokojący efekt. Do tego typu prac należy prezentowany obraz. „Martwa natura” to praca o swoistej dwuznaczności już na poziomie tytułu. Jest to bowiem tyleż tradycyjna martwa natura, czyli kompozycja z różnego typu przedmiotów, co martwy pejzaż. Widok, być może postkatastroficzny, na którym wszystko, co naturalne, jest już wymarłe. W bliskim kadrze, zza pogiętej, zniszczonej siatki widzimy szare, zdrewniałe kształty. W abstrakcyjnych na pierwszy rzut oka formach rozpoznać możemy jednak figurę ptaka, karpy drzew, kikuty przerastających niegdyś przez ogrodzenie konarów. Wszystko w bezruchu, zszarzałe i zastygłe, jakby ze spalonego drewna. Całość oblana jest jaskrawym żółtym światłem, które wręcz promieniuje z tła i przeżera zdrewniałe struktury. To właśnie kolor jest głównym wyróżnikiem tej

pracy. Olszczyński w swoich, częściej rysunkowych i graficznych niż malarskich, „pejzażach rzeczy” rzadko posługuje się tak zdecydowaną barwą. W zwykle monochromatycznych kompozycjach utrzymanych w czerniach i szarościach, przedmioty pozostają zakamuflowane, z tła wydobywa np. inny deseń lub dyskretnie rzucony cień. W „Martwej naturze” podobnie jak innych pracach, przygotowanych i prezentowanych po raz pierwszy na wystawie „Psycho-the-Rapist” w warszawskiej Galerii Piktogram w 2015 roku, artysta używa intensywnej żółci, odwołując się do negatywnych konotacji tego koloru, zarówno tych utartych w tradycji, jak i tych ze współczesnej kultury wizualnej – żółty jako główny kolor w reklamie, kolor informacji i identyfikacji znaków ostrzegawczych. Pracę odczytywać można zatem jako swego rodzaju przestrogę. Widz nie do końca dostaje informację przed czym, widzimy bowiem pozostałości sytuacji, której nie możemy już odgadnąć. Być może pracę należy czytać w kontekście innych obrazów Olszczyńskiego i jest to np. ostrzeżenie przed różnego typu fetyszami, którym artysta oddaje tak wiele miejsca.

Bartek Otocki (ur. 1978)

Bez tytułu z cyklu “Yang!”, 2015 r. olej/płyta MDF, śr.: 160 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘BARTEK OTOCKI | UNTITLED FROM | CYCLE “YANG!” | 2015 BOtocki’

estymacja 8 000 - 16 000 PLN 1 900 - 3 700 EUR

BARTŁOMIEJ OTOCKI

„Nie jest mi łatwo opisać genezę tego procesu, wskazać wyraźny punkt, od którego to się wszystko zaczęło. Spora część tych ’przejawień’ i ’obecności’ po prostu jest ze mną każdego dnia. Widzę je przez ułamek sekundy w lustrach, dostrzegam kątem oka w ciemnych pomieszczeniach, pojawiają się w umyśle tuż przed zaśnięciem. Kiedyś się ich bałem, ale malowanie je oswaja, choć nie czyni przyjaznymi i nie odbiera im aury niezwykłości”.

Prezentowana praca Bartka Otockiego z cyklu „Yang” podejmuje zagadnienie malarskiej iluzji i wiążących się z nią mechanizmów psychologii percepcji. Praca w formie tonda może być widziana jako oko z błękitną tęczówką i czarną źrenicą, z drugiej strony może przywodzić na myśl zaćmienie słońca i widok nieba. W ten sposób obraz zdaje się wskazywać na problematykę widzenia – widzenia sztuki w jej zmiennych formach oraz widzenia jako takiego. Praca może również wskazywać na zjawisko powidoków, powstających w chwili spoglądania na słońce, choć nie przedstawia ich bezpośrednio tak, jak miało to miejsce w historii malarstwa. Nazwa cyklu, z którego pochodzi prezentowany obraz, ma swoje źródło w dualistycznej parze pojęć „yin-yang”, oznaczających w chińskiej filozofii opozycyjną parę sił. „Yang” odnosi się do tego, co męskie, twórcze i aktywne oraz wiąże się ze światłem, oznacza dosłownie: „oświetlone, południowe zbocze góry” w przeciwieństwie do „yin” wiążącego się z „północnym, zacienionym zboczem”. W ten sposób obraz z cyklu „Yang” zdaje się wskazywać na siłę wizji, wiążącej się ze światłem i energią słońca. Wskazanie na „Yang” – element aktywny i twórczy – może się odnosić do aktywności artystycznej jako czynności stwarzania i brania w posiadanie (np. widoku), a także wskazuje na osobę artysty jako na mężczyznę. Daje się to odczuć zwłaszcza w bezpośrednim kontakcie z monumentalną pracą Otockiego, która poprzez swoją znaczną skalę silnie oddziałuje na widzów, „chwytając” ich swoim spojrzeniem i dominując nad nimi swoją dużą powierzchnią.

Bartek Kiełbowicz (ur. 1985)

“Plac zabaw”, 2013 r. akryl/płótno, 38,5 x 55 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘BARTEK KIEŁBOWICZ “PLAC ZABAW” 2013’

estymacja 1 500 - 3 000 PLN 400 - 700 EUR

WYSTAWIANY: - Bartek Kiełbowicz, Spadochroniarze. Malarstwo, Galeria 81 Stopni, Warszawa, 22.09-31.10.2013

JAROSŁAW MODZELEWSKI

„O Bartku Kiełbowiczu mogę powiedzieć szczególnie ciepło kilka lat po ukończeniu przez niego Akademii bo widzę, że JEST malarzem, artystą i uprawia sztukę. A przestać to robić jest bardzo łatwo”.

Józef Czerniawski (ur. 1947)

Bez tytułu, 2011 r. akryl/płótno, 80 x 40 cm sygnowany i datowany na odwrociu: ‘JÓZEF CZERNIAWSKI 2011’

estymacja 2 000 - 3 500 PLN 500 - 900 EUR

Józef Czerniawski poza malarstwem zajmuje się projektowaniem plakatów, wnętrz, ścian, elewacji reklamowych i instalacji. Jest również filmowcem, scenografem, akordeonistą (zespoły Biafra i Chlupot Mózgu), aktorem (występował w wielu klipach), wytwórcą teledysków. Dodatkowo współpracuje przy kręceniu filmów. Tymi słowami komentuje swoje kompozycje: „Formy najprostsze, abstrakcyjne pozwalają się zatopić w niczym niezmąconej kontemplacji. W swoich pracach koncentruję się na poszukiwaniach strukturalnych i iluzyjnych, korzystam z wolności w doborze tematyki i środków wyrazu”. W ostatnich miesiącach jego najnowsze prace można było oglądać na indywidualnej wystawie w Państwowej Galerii Sztuki w Sopocie. Kurator wystawy Bogusław Deptuła tak podsumowuje jego twórczość: „To jest malarstwo, które na pierwszy rzut oka wygląda na malarstwo abstrakcyjne, a na ‘drugi rzut oka’ jest po prostu malarstwem pejzażowym. Te obrazy dopiero po chwili ujawniają swoją prawdziwą inspirację. Artysta oczywiście bardzo przetwarza widziany przez siebie krajobraz, syntetyzuje i upraszcza, ale generalnie cały czas mamy do czynienia z obrazami pejzażowymi” (Ze wstępu do wystawy Józefa Czerniawskiego „Inne pejzaże”, Sopot 2018).

Ivo Nikić (ur. 1974)

“Spring”, 2015 r. akryl/płótno, 130 x 110 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘IVO NIKIĆ | “SPRING” 2015.’

estymacja 3 500 - 6 500 PLN 900 - 1 600 EUR

WYSTAWIANY: - Ivo Nikić, Czarny Humor, Galeria Wizytująca, Fundacja Supermarket Sztuki, Warszawa, 15.10-21.11.2015

Praca pochodzi z indywidualnej wystawy artysty w Wizytującej Galerii i Fundacji Supermarket Sztuki, gdzie zaprezentowane zostały obrazy powstałe w latach 2013-15. W pracy pojawia się charakterystyczny motyw używany przez Nikicia – nieregularny kształt, który wycięty w miękkim linoleum, zwielokrotniony i prześwietlony przez słońce, tworzy grę światła i cienia. Lekkość i nieuchwytność instalacji artysta przełamuje czernią, uzyskując efekt „rozrzedzenia” i „zgęszczenia” przestrzeni.

Ivo Nikić od 2001 roku współtworzy (razem z Piotrem Kopikiem i Karolem Radziszewskim) grupę szu szu, która działa w przestrzeni miejskiej oraz na pograniczu sztuki i świata pozaartystycznego. Posługująca się ironią grupa organizuje wydarzenia efemeryczne, akcje jednorazowe oraz wystawy z udziałem własnym i zaproszonych artystów. W 2006 artysta był stypendystą Artist-In-residence w Bernie w Szwajcarii. W 2013 w pożarze pracowni na warszawskiej Pradze stracił swój dotychczasowy dorobek artystyczny.

Witold Ziemiszewski (ur. 1967)

“Rzeki”, 2014 r. akryl/płótno, 160 x 160 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘”RZEKI” 2014 | WITEK | ZIEMISZEWSKI | 160 x 160 | akryl’

estymacja 2 000 - 3 800 PLN 500 - 900 EUR

Polem twórczych poszukiwań Ziemiszewskiego są przyroda, natura i kosmos – w całej swojej złożoności. Artysta uprawia twórczość z zakresu malarstwa, sztuki video oraz instalacji interaktywnych. W swoich obrazach posługuje się syntezą pejzażu, tworząc abstrakcyjne, wodne przestrzenie.

Tycjan Knut (ur. 1985)

Bez tytułu, 2016 r. akryl, olej/płótno, 116 x 81 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘T. KNUT 2016 AKRYL-OLEJ | T. Knut’

estymacja 3 500 - 4 500 PLN 900 - 1 100 EUR

POCHODZENIE: - zakup od artysty - kolekcja prywatna, Warszawa

Tycjan Knut tworzy przede wszystkim subtelne abstrakcje, w których pobrzmiewa echo nurtów geometrycznych, chęć przekroczenia tej tradycji i uwolnienia się od formy. Używa delikatnych różnic tonalnych i uspokojonych kolorów. Jego obrazy, będąc z jednej strony redukcją, są także wielopoziomowe, ponieważ powstają wskutek narastania i nakładania się w czasie barw, co przywodzi na myśl świat niemal żywy, organiczny. Artysta, przelewając myśli na płótno, kieruje się intuicją i uwalnia wyobraźnię. Uzyskał dyplom w 2011 roku na Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie w pracowni malarstwa prof. Jarosława Modzelewskiego. Obecnie jest doktorantem Instytutu Sztuk Pięknych Uniwersytetu Jana Kochanowskiego w Kielcach. Tworzy w następujących dziedzinach: malarstwo, rysunek, fotografia i sztuka nowych mediów. Swoje prace prezentował m.in. w Bunkrze Sztuki w Krakowie i galerii Kordegarda w Warszawie.

Katarzyna Szeszycka (ur. 1983)

Basen, 2007 r. olej/płótno, 100 x 140 cm

estymacja 4 000 - 6 000 PLN 1 000 - 1 400 EUR

Prezentowana praca pochodzi z okresu, kiedy Katarzyna Szeszycka była jeszcze studentką Akademii Sztuk Pięknych w Poznaniu. Artystka jest przede wszystkim malarką wykorzystującą różne media i środowiska. Podróżuje najczęściej po wyspach wulkanicznych. Jest rezydentką International Artists-in-residence Program in Aso (Kumamoto, Japonia, 2014) oraz mobilnej rezydencji artystycznej Focus+ Indonesia (Jawa/Bali, Indonezja, 2014). W 2015 roku obroniła doktorat na Akademii Sztuk Pięknych

w Gdańsku na Wydziale Malarstwa. Osią jej pracy była percepcja nikłego światła i realizacja bio-art: hodowla białych roślin. Seszycka to laureatka Grand Prix 24. Festiwalu Polskiego Malarstwa Współczesnego – Nagrody Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego (2012). Od 2013 roku współtworzy fundację Upside Art. Wcześniej działała twórczo w nieformalnych kolektywach: ulicznych (anarchistyczne Glamrury, 2010-11), społecznych (performatywnych MISIETUPODOBA, 2008-10).

Agnieszka Sandomierz (ur. 1978)

Bez tytułu, 2006 r. tempera/płótno, 40 x 40 cm (w świetle oprawy) sygnowany i datowany na odwrociu: ‘Agnieszka | Sandomierz | 2006.’

estymacja 1 000 - 1 800 PLN 200 - 500 EUR

Od początku ważnym tematem jej prac był człowiek: jego cielesność, erotyzm, emocje, a także sytuacje codzienne i intymne. Z czasem malowała coraz więcej autoportretów, dosłownych i zawoalowanych, na obrazach zaczęli pojawiać się ludzie, zwierzęta i pospolite przedmioty. W zamierzeniu artystki jej sztuka pełni funkcję pamiętnika, do którego trafia zapis sytuacji i emocji zarówno szczególnych, jak i tych

codziennych. Jak pisze Ewa Sułek: „największą przyjemność sprawiało jej malowanie jej buldożków francuskich – ich bryłowatość była dla niej tematem samym w sobie” (Ewa Sułek, Pies z człowiekiem też tworzy figurę [w:] Agnieszka Sandomierz. Nieprzetłumaczalne, katalog wystawy indywidualnej, Warszawa 2018, s. 46).

68023

Michał Wręga / SEPE (ur. 1982)

“Homeless Angels 5”, 2016 r. technika mieszana/płyta, 50 x 40 cm sygnowany p.d.: ‘S E P E’ na odwrociu opisany: ‘sepe | 2016 | “Homeless | Angeles 5”’

estymacja 1 800 - 3 500 PLN 500 - 900 EUR

Michał Wręga, znany jako SEPE, od 1996 związany jest ze sztuką graffiti i polską sceną street artu. Ukończył grafikę na Akademii Sztuk Pięknych w Łodzi w 2009, jest też absolwentem Wydziału Architektury Krajobrazu na SGGW w Warszawie. Obecnie mieszka i pracuje w Warszawie jako grafik, malarz i ilustrator. Jego warsztat artystyczny kształtował się na tradycyjnym graffiti, sięgającym korzeniami ilustracji

książkowych, a także na studiach grafiki i plakatu. SEPE szuka swojego indywidualnego języka sztuki, kompilując zaczerpnięte inspiracje w twórczości na papierze, płótnie i murach. Jego prace można zobaczyć na murach architektury takich miast jak: Monachium, Berlin, Lille, Praga, Lucerna, Oslo, Warszawa, Gdańsk, Łódź, Wrocław, Bydgoszcz, Szczecin, Katowice.

Sławek Czajkowski / ZBIOK (ur. 1982)

“Lets go its a waste of time”, ok. 2010 r. olej/płótno, 60 x 70 cm sygnowany i opisany na odwrociu: ‘LET S GO | ITS A WASTE | OF TIME | [sygnatura]’

estymacja 2 500 - 4 500 PLN 600 - 1 100 EUR

SŁAWOMIR CZAJKOWSKI W ROZMOWIE Z MAGDALENĄ GRABOWSKĄ, 2016

„Jestem malarzem. Maluję na rozmaitych przestrzeniach. Ostatnio częściej w studio niż na ulicy, ale też lubię to robić i pewnie niedługo do tego wrócę”. Twórca murali i interwencji miejskich związany jest ze środowiskiem wrocławskiego street artu. Jego prace prezentowane były również w galeriach. Jest autorem koncepcji kilku wystaw, m.in. „Artyści Zewnętrzni. Out of Sth” (Wrocław 2008) będącej pierwszą dużą prezentacją tego tematu w Polsce, a także twórcą filmu dokumentalnego poświęconego środowisku Urban Art (premiera w kwietniu 2011). Swoje działania prezentował w wielu miejscach w kraju i za granicą, m.in. w Niemczech, Czechach, Francji, Włoszech, Stanach Zjednoczonych.

Jest laureatem Grand Prix w 9. Konkursie im. Gepperta dla debiutujących polskich malarzy w 2009 roku. W tym samym roku otrzymał również Stypendium Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego. Tristan Manco, krytyk specjalizujący się w dziedzinie graffiti, zaliczył go do grupy najbardziej interesujących artystów tego gatunku. W książce „Street Sketchbook” (2007) określił go słowami: „zabawny, pełen inwencji, nawiązujący do klasycznego stylu graffiti, Ferdynand Léger współczesności”.

Łukasz NAWER Habiera (ur. 1980)

“Burned Down”, 2015 r. technika mieszana/płótno, 60 x 80 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘NAWER | 2015 | ‘BURNED DOWN’

estymacja 1 800 - 3 800 PLN 500 - 900 EUR

Łukasz Habiera, ukrywający się pod pseudonimem NAWER, to architekt, projektant, street artowiec. Jest absolwentem Wydziału Architektury i Urbanistyki na Politechnice Krakowskiej. W swojej twórczości przeszedł długą drogę od malowania klasycznych liter będących elementem kultury graffiti po formy geometryczne i przestrzenne. Swoje konstrukcje umieszcza zarówno na płótnie, jak i na innych materiałach, między innymi eksperymentuje z betonem i stalą. Jest jednym z pionierów nurtu znanego w świecie sztuki współczesnej jako graffuturism. Brał udział w dwóch najważniejszych wystawach określających i definiujących to zjawisko: „Rudimentary Perfection” w 2011 w galerii Recoat w Glasgow i rok później, w Londynie w wystawie „Futurism 2.0”. Dla jego twórczości charakterystyczne jest budowanie głębi i poczucia przestrzeni na bazie przecinających się punktów, które symbolizują nieustanny ruch i zmianę – nieodzowny element współczesności. W 2018, po sześcioletniej przerwie, ponownie pokazał swoje prace w Polsce. Jego poprzednie, zagraniczne pokazy były wyprzedawane już pierwszego dnia.

Aleksander Ryszka (ur. 1983)

Bez tytułu, 2010 r. olej/płótno, 160 x 160 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘ALEKSANDER RYSZKA | “BEZ TYTUŁU” | 160 x 160 cm | 2010 | OLEJ, PŁÓTNO’

estymacja 3 500 - 6 000 PLN 900 - 1 400 EUR

WYSTAWIANY: - Aleksander Ryszka, All I Want Is You, Galeria Propaganda, Warszawa, 05.11-12.12.2011

Prezentowana praca pochodzi z cyklu zatytułowanego „All I Want Is You”. „Pierwszy kontakt z pracami Ryszki może być mylący, jednak po chwili każdy dostrzega, że krajobraz przedstawiony służy tak naprawdę wyłącznie pokazaniu tego, że jest dla nas nieosiągalny. Jego czystość przesłaniają kolejne warstwy nanoszonego przez artystę ‘brudu’. Prace, którym z taką wytrwałością odbiera status obiektów przyjemnych dla oka, z jednej strony odcinają się od subtelności i tradycji sztuki malar-

skiej, z drugiej są wyrazem ogromnej tęsknoty za zapomnianą siłą oddziaływania malarstwa. Jego sztukę można określić mianem ‘krzyczącej kontemplacji’, która nie ucieka w nowe media i narzędzia w sztuce, nie stara się manifestować skrajne poglądy, wychodząc poza obrane medium. Walka o znaczenie sztuki odbywa się u Ryszki w obrębie kawałka płótna” („Notes na 6 tygodni”, Nr 72/2011, s. 48).

Gosia Kosiec (ur. 1975)

estymacja 6 000 - 9 000 PLN 1 400 - 2 100 EUR

GOSIA KOSIEC

„Często zaczynam od jakiś przypadkowych form, zupełnego chaosu, a później tygodniami staram się je porządkować, dodaję warstwy, szukam głębi, tworzę kolejne ścieżki, meandry, zagadki wizualne dla długiej kontemplacji. Coraz częściej myślę też o ‘wyjściu w przestrzeń’, swoistym przedłużeniu obrazu na ścianę czy podłogę. Te prace mnie wciągają i angażują, nie dają spokoju. W hierarchii mojej twórczości cenię je najwyżej”.

Marcin Łuczkowski (ur. 1977)

“Na plaży”, 2012 r. olej/płótno, 90 x 80 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘”NA PLAŻY” | MARCIN ŁUCZKOWSKI | 2012’

estymacja 1 000 - 2 800 PLN 300 - 700 EUR

Estetyczny prowokator, któremu najbliższym nurtem w sztuce wydaje się neurotyczny realizm. Tworzy na granicy estetyki, a jego pozornie toporne malarstwo jest mieszanką popu, pornografii i malarskich archetypów. Interesują go depresje, natręctwa, melancholie i współczesna mistyka. W malowanych przez niego społecznych zmorach da się jednak wychwycić pewnego rodzaju tęsknotę za romantyzmem. Bohaterowie obrazów sprawiają wrażenie pogodzonych ze spotykającą ich przemocą i poniżeniem, a może nawet znajdują w nich przyjemność. Świat artysty pełen jest okrucieństwa i psychicznej niemocy, podkreśla je agresywny sposób nakładania farby i świadomie zastosowany chaos kolorystyczny. Kakofonia form podkręca uczucie bycia w umysłowej matni, przekonuje nas, jak słaby i dziwaczny jest ludzki umysł. Patrząc na obrazy, nie wiemy, czy bohaterowie to kaci, czy ofiary. Często towarzyszą im zwierzęta, które mogą być zarówno pupilami, jak i zwierzęcym alter ego.

Michał Lenarczyk / Lenny (ur. 1991)

“Neon Pussy”, 2015 r. akryl/płótno, 50 x 40 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘20 X 2015 r. | Michał Lenny | NEON | PUSSY’

estymacja 1 500 - 2 800 PLN 400 - 700 EUR

Jego prace charakteryzują się pełną paletą barw; ciekawe połączenia jaskrawych kolorów sprawiają, że obrazy przyciągają uwagę widza. Ostatnio zainspirowany jest hiperrealizmem. Tradycyjną kompozycję zastępuje wybrany wzór fotograficzny przenoszony przez projekcję na powierzchnię obrazu. Fotografia nie jest traktowana jako środek pomocniczy, ale jako świadomie wybrana sytuacja wyjściowa dla przedstawienia obrazu. Artysta podziwia twórczość postimpresjonistów, ale także współczesnych artystów, jak Scott Listfield, Jeremy Geddes, Ron Mueck. Maluje głównie olejami i akrylami.

Twożywo (okres działalności: 1998 - 2011)

Bez tytułu, ed. 5/30 szablon/papier, 62 x 58,5 cm (wymiary arkusza) sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘twożywo 5/30’

estymacja 2 200 - 3 000 PLN 600 - 700 EUR

Grupa Twożywo to artystyczny duet, utworzony przez Mariusza Libla i Krzysztofa Sidorka, działający w Warszawie w latach 1998-2011. Artyści w swojej twórczości podejmowali tematy społeczno-polityczne, krytykując otaczającą ich rzeczywistość. Uderzali głównie w media, politykę, ekonomię czy religię. Zastanawiali się także nad kwestiami młodego pokolenia („Mamy po dwadzieścia lat”), konsumpcjonizmem („Prawdziwych przyjaciół poznaje się w supermarkecie”), feminizmem („Dziewczyny, potrzebne są czyny”) czy religią („Danger. Religion is not a weapon”). Byli autorami plakatów, billboardów, szablonów, wlepek, filmów animowanych oraz ilustracji prasowych. Aby zwiększyć siłę przekazu, prezentowali swoją sztukę głównie w przestrzeniach publicznych, prasie i w Internecie, który traktowali jako płaszczyznę komunikacji społecznej. Dzięki temu ich prace stały się aktualnym komentarzem do otaczającej rzeczywistości. W 2006 roku zdobyli Paszport „Polityki” w kategorii sztuki wizualne „za sztukę łączącą

w nowatorski sposób słowo z obrazem, za śmiałe wkraczanie ze swymi pracami tam, gdzie sztuka dotychczas nie docierała”. Członkowie grupy nie ukończyli uczelni artystycznych – podkreślali, że był to ich celowy i świadomy wybór. W projektach grupy Twożywo najważniejsze elementy to słowo i znak, które razem tworzą spójną, nierozerwalną całość. Artyści czerpią z doświadczeń sztuki ulicznej czy reklamy. W twórczości grupy Twożywo widać inspiracje konstruktywizmem, pop artem, futuryzmem. Często stosowali w swoich pracach gry językowe i eksperymenty typograficzne, zbliżając się do poezji wizualnej. W 2006 roku grupa wydała książkę „Telementarz typograficzny”, w której główną rolę odgrywa litera „T”, a warstwa tekstowa i wizualna zlewa się w jedną całość. W 2011 roku, podczas wernisażu wystawy w łódzkim Atlasie Sztuki, Krzysztof Sidorek i Mariusz Libel oficjalnie ogłosili decyzję o zakończeniu działalności pod szyldem Twożywo.

Janek Simon (ur. 1977)

Bez tytułu, 2008 r. kolaż/papier (pocięty egzemplarz “Wysokich Obcasów”, klej), 27,5 x 21,5 cm sygnowany i datowany na odwrociu: ‘[sygnatura] 2008’ unikat

estymacja 2 000 - 2 800 PLN 500 - 700 EUR

Studiował socjologię i psychologię na Uniwersytecie Jagiellońskim. Działalność artystyczną rozpoczął w 2002. Źródłem jego inspiracji stały się gry komputerowe, Internet i szeroko pojęte archiwum. Stopniowo poszerzane zainteresowania twórcy objęły także eksploatację Internetu jako ogólnodostępnego, wolnego źródła zasobów informacyjnych i anarchizującą krytykę systemu wyrażaną poprzez indywidualną, niezależną aktywność twórczą. Simon tworzy również prace konceptualne. W roku 2007 został laureatem Nagrody Deutsche Banku „Spojrzenia” dla najlepszego artysty poniżej 35. roku życia. Twórca realizuje filmy video, instalacje interaktywne, obiekty i akcje artystyczne, a jego prace często określane są mianem krytyczno-ironicznych. Do połowy maja w Centrum Sztuki Współczesnej Zamek Ujazdowski w Warszawie oglądać można indywidualną wystawę Janka Simona „Syntetyczny Folklor”.

Mariusz Tarkawian (ur. 1983)

Rysunek nawiązujący do pracy Andrzeja Wróblewskiego “Syn i zabita matka”, 2008 r. ołówek/papier, 20,5 x 29 cm (arkusz) sygnowany i datowany l.d.: ‘znak autorski 2008’ oraz p.d.: ‘46’ praca pochodzi z teki Tribute to Andrzej Wróblewski

estymacja 800 - 1 800 PLN 200 - 500 EUR

MARIUSZ TARKAWIAN, 2008

„Cenię Wróblewskiego przede wszystkim za to, że pomimo młodego wieku był oryginalnym, wrażliwym malarzem o wypracowanym stylu”. Prezentowana praca powstała w 2008 roku na potrzeby projektu „Tribute to Andrzej Wróblewski”, do którego został zaproszony między innymi Mariusz Tarkawian. Każdy z czternastu artystów na swój sposób odniósł się do twórczości mistrza. Powstałe prace zostały zaprezentowane na wystawie „Tribute to Andrzej Wróblewski” w warszawskiej Galerii Program oraz w poznańskiej Galerii Pies w 2008 roku. Mariusz Tarkawian naszkicował 50 rysunków, wśród których znalazła

się interpretacja młodego twórcy nawiązująca do dzieła „Syn i zabita matka” z 1949. Mariusz Tarkawian rysuje głównie ołówkiem. Jego prace mają reporterski charakter i fotograficzną precyzję – z reguły są to albo duże formaty, na których umieszcza setki podobnych bądź też powiązanych ze sobą ideowo elementów (159 dzieł z kolekcji MoMA), albo konkretne serie składające się z setek, czy też tysięcy rysunków w formacie pocztówkowym.

Maurycy Gomulicki (ur. 1969)

Żmijka, ed. 48/48, 2012 r. ceramika szkliwiona, 5 x 20 x 11 cm na spodzie numer edycji i znak wytwórni oryginalny projekt: Maurycy Gomulicki wyprodukowano w: Porcelana „Chodzież” S.A. fabryka porcelany – Chodzież, Poland ręcznie malowane: Porcelana Krzysztof Sp. z o.o. fabryka porcelany – Wałbrzych, Poland producent: Serenissima, edycja: 50 szt.

estymacja 1 800 - 4 500 PLN 500 - 900 EUR

MAURYCY GOMULICKI, 2012

„Porcelanowe ‘figurki ćmielowskie’ fascynują mnie od 14. roku życia, kiedy zacząłem je kolekcjonować – mówi Maurycy Gomulicki, autor porcelanowych żmijek. – Dla mnie to było coś niezwykłego, że w szarej epoce gomułkowskiej, tworzono tak niezwykły design. Malowania tych figurek przypominały prace Picassa”.

Maurycy Gomulicki to artysta, projektant, fotograf, kolekcjoner, antropolog kultury popularnej, hedonista konsekwentnie propagujący Kulturę Rozkoszy. Sztuki Piękne studiował w Warszawie, Barcelonie, Mediolanie i Meksyku. Szerokiej publiczności dał się poznać dzięki swemu przewrotnemu, multidyscyplinarnemu projektowi Pink Not Dead! (2006). W wielu ze swoich projektów podejmuje dialog z erotyką – w tym wypadku warto wymienić choćby zrealizowany w warszawskiej Zachęcie, mural Fertilty Pop (2008), czy serię kolaży pod wspólnym tytułem Pussy Mandala (2008-09). Intensywny kolor, eksplorowany tak w swoim potencjale witalnym, jak w wymiarze socjokulturowym jest istotnym elementem w jego twórczości. W 2012 roku w Muzeum Rzeźby im. Xawerego Dunikowskiego w Warszawie odbył się pokaz limitowanej serii figurek porcelanowych autorstwa Gomulickiego. Projekt artysty odwoływał się do tradycji figurek porcelanowych, które powstawały w warszawskim Instytucie Wzornictwa Przemysłowego w latach 1957-61, tzw. „figurek ćmielowskich”. Figurki Gomulickiego są owocem współpracy artysty z jednymi z najstarszych w Polsce fabryk porcelany: Porcelana „Chodzież” S.A. oraz Porcelana Krzysztof Sp. z o.o. w Wałbrzychu. W wyniku zetknięcia tradycji z nowoczesnością powstała limitowana edycja 50 certyfikowanych sztuk każdego z 3 unikatowych modeli – w sumie 150 sztuk.

“Szkoła Zakopiańska”, Dziewczyna z piłką, lata 30. XX w.

RZEŹBA I FORMY PRZESTRZENNE Aukcja 28 marca 2019, godz. 19 Wystawa obiektów: 18 – 28 marca 2019

Dom Aukcyjny Desa Unicum, ul. Piękna 1A, Warszawa, tel. 22 163 66 00, www.desa.pl

Franciszek Siedlecki, ”Przedwiośnie”, 1925 r.

ART OUTLET SZTUKA DAWNA Aukcja 21 marca 2019, godz. 19 Wystawa obiektów: 11 – 21 marca 2019

Dom Aukcyjny Desa Unicum, ul. Piękna 1A, Warszawa, tel. 22 163 66 00, www.desa.pl

Galeria DESA BIŻUTERIA działa na polskim rynku nieprzerwanie od ponad pół wieku. Posiadamy największą w Polsce ofertę luksusowej biżuterii historycznej, głównie z XIX i XX stulecia. W naszej ofercie znajdują się unikatowe wyroby kolekcjonerskie, jak i te o wysokim potencjale inwestycyjnym, zdobione najwyższej klasy kamieniami szlachetnymi. Oferta DESA Biżuteria skierowana jest szczególnie do tych z Państwa, którzy doceniają maestrię najwyższej klasy biżuterii, bądź chcieliby zacząć kolekcjonować czy inwestować swój kapitał w przedmioty o progresywnej wartości. Nasi eksperci służą klientom wiedzą oraz doświadczeniem. Specjalizujemy się także w wycenie biżuterii, pomagamy w jej naprawie i odnowieniu jak również w pomocy przy poszerzaniu prywatnych kolekcji.

DESA BIŻUTERIA, Nowy Świat 48, +48 22 826 44 66 desabizuteria.pl

Mercedes-Benz 250 SL 1968

SAMOCHODY KLASYCZNE I ZABYTKOWE Aukcja 16 marca 2019, godz. 17 Wystawa obiektów: 15 – 16 marca 2019

O Dom Aukcyjny Desa Unicum, ul. Piękna 1A, Warszawa, tel. 22 163 66 00, www.desa.pl

PRZYJMUJEMY OBIEKTY NA NADCHODZĄCE AUKCJE

SZTUKA WSPÓŁCZESNA

FOTOGRAFIA KOLEKCJONERSKA: 4 KWIETNIA 2019 Termin przyjmowania obiektów: do 28 LUTEGO 2019 kontakt: Katarzyna Żebrowska k.zebrowska@desa.pl, 539 546 701

PRACE NA PAPIERZE: 25 KWIETNIA 2019 Termin przyjmowania obiektów: do 15 MARCA 2019 kontakt: Agata Matusielańska a.matusielanska@desa.pl, 539 546 699

KLASYCY AWANGARDY PO 1945: 30 MAJA 2019 Termin przyjmowania obiektów: do 19 KWIETNIA 2019 kontakt: Anna Szynkarczuk a.szynkarczuk@desa.pl, 664 150 866

NOWE POKOLENIE PO 1989: 13 CZERWCA 2019 Termin przyjmowania obiektów: do 6 MAJA 2019 kontakt: Artur Dumanowski a.dumanowski@desa.pl, 795 122 725

Terminy nadchodzÄ&#x2026;cych aukcji: www.desa.pl

PRZYJMUJEMY OBIEKTY NA NADCHODZĄCE AUKCJE

SZTUKA DAWNA

IKONY I SZTUKA ROSYJSKA: 2 KWIETNIA 2019 Termin przyjmowania obiektów: do 22 LUTEGO 2019 kontakt: Magdalena Kuś m.kus@desa.pl, 795 122 718

GRAFIKA ARTYSTYCZNA: 9 MAJA 2019 Termin przyjmowania obiektów: do 29 MARCA 2019 kontakt: Marek Wasilewicz m.wasilewicz@desa.pl, 795 122 702

PRACE NA PAPIERZE: 23 MAJA 2019 Termin przyjmowania obiektów: do 12 KWIETNIA 2019 kontakt: Małgorzata Skwarek m.skwarek@desa.pl, 795 121 576

XIX WIEK, MODERNIZM, MIĘDZYWOJNIE: 6 CZERWCA 2019 Termin przyjmowania obiektów: do 25 KWIETNIA 2019 kontakt: Tomasz Dziewicki t.dziewicki@desa.pl, 735 208 999

Terminy nadchodzÄ&#x2026;cych aukcji: www.desa.pl

PRENUMERATA KATALOGÓW DESA Unicum Katalogi DESA Unicum to pięknie ilustrowane, merytoryczne publikacje dotyczące różnych dziedzin sztuki. Dostarczają wyczerpujących i skrupulatnie zebranych informacji o prezentowanych na aukcjach dziełach sztuki, niezbędnych zarówno nowym, jak i doświadczonym kolekcjonerom. Prenumerata DESA Unicum gwarantuje, że otrzymają Państwo wybrane katalogi na wskazany w formularzu adres.

Udział klienta w aukcji regulują WARUNKI SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ, WARUNKI POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI oraz niniejszy PRZEWODNIK DLA KLIENTA. Zachęcamy do zapoznania się z trzyczęściowym regulaminem, który ma na celu przedstawienie stosunku prawnego pomiędzy Domem Aukcyjnym DESA Unicum a kupującym w ramach aukcji. DESA Unicum pełni funkcję pośrednika handlowego pomiędzy komitentami wstawiającymi obiekty na aukcję a kupującymi. Warunki mogą być przez DESA Unicum odwołane lub zmienione poprzez aneksy dostępne w sali aukcyjnej lub poprzez obwieszczenie aukcjonera.

PRZEWODNIK DLA KLIENTA I. PRZED AUKCJĄ 1. Cena wywoławcza Cena wywoławcza jest kwotą, od której aukcjoner rozpoczyna licytację. Zwyczajowo cena wywoławcza zawarta jest miedzy połową a trzy czwarte dolnej granicy estymacji. Cena wywoławcza może być podana w katalogu. 2. Opłata aukcyjna Do kwoty wylicytowanej doliczamy opłatę aukcyjną. Stanowi ona część końcowej ceny obiektu i wynosi 18%. Opłata aukcyjna obowiązuje również w sprzedaży poaukcyjnej, w przypadku kiedy obiekt nie został sprzedany w ramach aukcji. Kwota wylicytowana wraz z opłatą aukcyjną zawiera podatek od towarów i usług VAT. Na zakupione obiekty wystawiamy faktury VAT marża. Wystawiamy je na wyraźne życzenie klienta, najpóźniej siedem dni od daty zapłaty. 3. Estymacja Podana w katalogu estymacja jest szacunkową wartością obiektu i ma charakter wskazówki dla zainteresowanego nim klienta. W celu uzyskania dodatkowych informacji odnośnie estymacji rekomendujemy kontakt z naszymi doradcami. Licytacja zakończona w przedziale estymacji lub powyżej górnej granicy estymacji jest transakcją ostateczną. Estymacje nie uwzględniają opłaty aukcyjnej ani żadnych opłat dodatkowych. 4. Estymacje w walutach innych niż polski złoty Transakcje aukcyjne zawierane są w polskich złotych, jednakże estymacje w katalogu aukcyjnym mogą być podawane w euro lub dolarach amerykańskich. Kurs walut w dniu aukcji może się różnić od tego w dniu druku katalogu, informacja ta ma więc charakter orientacyjny. 5. Cena gwarancyjna Jest to najniższa kwota, za którą możemy sprzedać obiekt bez dodatkowej zgody sprzedającego. Jest równa bądź niższa niż dolna granica estymacji. Poszczególne obiekty mogą, jednak nie muszą posiadać ceny gwarancyjnej. Jeżeli w drodze licytacji cena gwarancyjna nie zostanie osiągnięta, zakończenie licytacji skutkuje odczytaniem przez aukcjonera słowa pass. Oznacza to, że transakcja nie została zawarta. Fakt ten zostaje ogłoszony bez uderzenia młotkiem. Opcjonalnie jeżeli transakcja nie osiągnie ceny gwarancyjnej aukcjoner może ogłosić zawarcie transakcji warunkowej. Fakt ten zostaje ogłoszony po uderzeniu młotkiem. 6. Pass Pass zostaje odczytany przez aukcjonera w momencie kiedy licytacja danego obiektu nie osiągnęła poziomu ceny gwarancyjnej i nie dochodzi do zwarcia transakcji w ramach aukcji. Klienci zainteresowani takim obiektem mogą zgłaszać oferty zakupu po zakończeniu aukcji. Dom Aukcyjny zastrzega sobie prawo przyjęcia więcej niż jednej oferty poaukcyjnej Klient, który złożył ofertę w wysokości ceny gwarancyjnej ma pierwszeństwo zakupu. Dom Aukcyjny zastrzega sobie również prawo do nieoferowania obiektów w sprzedaży poaukcyjnej. 6. Transakcja warunkowa Możliwość zawierania transakcji warunkowych w ramach aukcji musi być ogłoszona przez aukcjonera przed rozpoczęciem aukcji. Tego typu transakcja zostaje zawarta w momencie, kiedy licytacja nie osiągnęła poziomu ceny gwarancyjnej i aukcjoner ogłosił taki fakt po uderzeniu młotkiem. Transakcja warunkowa traktowana jest jako wiążąca oferta nabycia obiektu po cenie wylicytowanej. Zobowiązujemy się do negocjacji ceny z komitentem, jednak nie gwarantujemy możliwości zakupu po cenie wylicytowanej. Jeżeli w toku negocjacji klient zdecyduje się podnieść ofertę do poziomu ceny gwarancyjnej lub zaakceptujemy wylicytowaną kwotę, umowa sprzedaży dochodzi do skutku. Jeżeli negocjacje nie przyniosą pozytywnego efektu w okresie pięciu dni roboczych liczonych od dnia aukcji, obiekt uznajemy za niesprzedany. W okresie tym zastrzegamy sobie prawo do przyjmowania po aukcji ofert równych cenie gwarancyjnej na obiekty wylicytowane warunkowo. W przypadku otrzymania takiej oferty od innego oferenta informujemy o tym fakcie klienta, który wylicytował obiekt warunkowo. W takim przypadku klient ma prawo do podniesienia swojej oferty do ceny gwarancyjnej i wtedy przysługuje mu prawo pierwszeństwa nabycia obiektu. W przeciwnym wypadku transakcja warunkowa nie dochodzi do skutku, a obiekt może zostać sprzedany innemu oferentowi. 7. Obiekty katalogowe Zapewniamy fachową wycenę oraz rzetelny opis katalogowy powierzonego nam do sprzedaży obiektu. Wykonywane są one w najlepszej wierze z wykorzystaniem doświadczenia i fachowej wiedzy naszych pracowników oraz współpracujących z nami ekspertów. Mimo uwagi poświęcanej każdemu z obiektów w procesie opracowywania, dokumentacji pochodzenia, historii wystaw i bibliografii przedstawione informacje mogą nie być wy-

czerpujące, a w niektórych przypadkach pewne fakty odnoszące się do kolejnych właścicieli, ekspozycji oraz publikacji, w ramach których obiekt był prezentowany, mogą być celowo nieujawnione. 8. Stan obiektu Opisy katalogowe nie prezentują pełnego stanu zachowania obiektów. Brak takiej informacji nie jest równoznaczny z tym, że obiekt jest wolny od wad i uszkodzeń. Wskazane jest zatem, aby zainteresowani zakupem konkretnego obiektu dokonali jego dokładnych oględzin na wystawie przedaukcyjnej oraz przeprowadzili konsultacje z profesjonalnym konserwatorem, którego na wyraźną prośbę możemy rekomendować. Na specjalne życzenie klienta możemy dostarczyć szczegółowy raport stanu zachowania obiektu. Przygotowując taki raport, nasi pracownicy oceniają stan obiektu, biorąc jego szacunkową wartość oraz charakter aukcji, w ramach której jest on wystawiony na sprzedaż. Mimo że oceny przedmiotów pod tym względem prowadzone są rzetelnie, należy pamiętać, że nasi pracownicy nie są zawodowymi konserwatorami. Jeśli obiekt sprzedawany jest w ramie, nie ponosimy odpowiedzialności za jej stan. W przypadku obiektów nieoprawionych chętnie polecimy profesjonalną pracownię opraw. 9. Wystawa obiektów aukcyjnych Wystawy przedaukcyjne są bezpłatnie dostępne dla oglądających. W trakcie ich trwania zachęcamy do kontaktu z naszymi ekspertami, którzy chętnie odpowiedzą na wszystkie pytania i przekażą szczegółowe informacje o poszczególnych obiektach. 10. Legenda Poniższa legenda wyjaśnia symbole, które mogą Państwo znaleźć w niniejszym katalogu: - obiekty bez ceny gwarancyjnej - obiekty, do których doliczamy opłatę wynikającą z tzw. droit de suite, tj. prawa twórcy i jego spadkobierców do otrzymywania wynagrodzenia z tytułu dokonanych zawodowo odsprzedaży oryginalnych egzemplarzy dzieł. Powyższa opłata jest obliczana według poniższych stawek: 1) 5% kwoty wylicytowanej, jeżeli ta część jest zawarta w przedziale do równowartości 50 000 euro (np. dla kwoty wylicytowanej 2 000 euro, opłata 100 euro) oraz 2) 3% kwoty wylicytowanej, jeżeli ta część jest zawarta w przedziale od równowartości 50 000,01 euro do równowartości 200 000 euro (np. dla kwoty wylicytowanej 80 000 euro, opłata 3 400 euro) oraz 3) 1% kwoty wylicytowanej, jeżeli ta część jest zawarta w przedziale od równowartości 200 000,01 euro do równowartości 350 000 euro (np. dla kwoty wylicytowanej 300 tys. euro, opłata 8 000 euro) oraz 4) 0,5% kwoty wylicytowanej, jeżeli ta część jest zawarta w przedziale od równowartości 350 000,01 euro do równowartości 500 000 euro (np. dla kwoty wylicytowanej 400 tys. euro, opłata 8 750 euro) oraz 5) 0,25% kwoty wylicytowanej, jeżeli ta część jest zawarta w przedziale przekraczającym równowartość 500 000 euro – jednak w kwocie nie wyższej niż równowartość 12 500 euro. W Polsce droit de suite reguluje art. 19-195 ustawy o prawach autorskich i pokrewnych z dnia 4 lutego 1994 r. z późniejszymi zmianami, zgodnie z obowiązującą w Unii Europejskiej dyrektywą 2001/84/WE Parlamentu Europejskiego i Rady z dnia 27 września 2001 r. w sprawie prawa autora do wynagrodzenia z tytułu odsprzedaży oryginalnego egzemplarza dzieła sztuki. Opłata obliczana będzie z użyciem kursu dziennego NBP z dnia poprzedzającego aukcję. Opłata obliczana będzie, gdy równowartość kwoty wylicytowanej przekroczy 100 EUR. - obiekty sprowadzane z państw spoza Unii Europejskiej, do których ceny doliczamy podatek graniczny w wysokości 8% kwoty wylicytowanej - przedmioty wytworzone w całości lub zawierające elementy wytworzone z roślin lub zwierząt określanych jako chronione lub zagrożone ◊ - obiekty z pozwoleniem na wywóz 11. Prenumerata katalogów W sprawie prenumeraty katalogów prosimy o kontakt pod numerem telefonu: 22 163 66 00 lub drogą mailową na adres: prenumerata@desa.pl. Katalogi dostępne są również na naszej stronie internetowej www.desa.pl. Zachęcamy do pobierania darmowych katalogów w formacie PDF.

II. AUKCJA Udział w licytacji można wziąć osobiście, po uprzednim złożeniu zlecenia licytacji telefonicznej lub zlecenia licytacji z limitem. 1. Przebieg aukcji Aukcję prowadzi aukcjoner, który wyczytuje obiekty i kolejne postąpienia, wskazuje licytujących, ogłasza zakończenie licytacji oraz wskazuje zwycięzcę. Zakończenie licytacji obiektu następuje w momencie uderzenia młotkiem przez aukcjonera. Jest to równoznaczne

z zawarciem umowy sprzedaży między domem aukcyjnym a licytującym, który zaoferował najwyższą kwotę. W razie zaistnienia sporu w trakcie licytacji aukcjoner rozstrzyga spór albo ponownie przeprowadza licytację danego obiektu. Zastrzegamy sobie prawo do utrwalania przebiegu aukcji za pomocą urządzeń rejestrujących obraz i dźwięk. Zastrzegamy sobie prawo do licytowania jedynie wcześniej zgłoszonych przez uczestników aukcji obiektów. W takiej sytuacji numery obiektów są przed aukcją zgłaszane obsłudze domu aukcyjnego. Aukcjoner ma prawo do dowolnego rozdzielania lub łączenia obiektów oraz do ich wycofania z licytacji bez podania przyczyn. Opisy zawarte w katalogu aukcji mogą być uzupełnione lub zmienione przez aukcjonera lub osobę przez niego wskazaną przed rozpoczęciem licytacji. Aukcja jest prowadzona w języku polskim, jednak na specjalne życzenie uczestnika aukcji niektóre spośród licytacji mogą być równolegle prowadzone w językach angielskim i niemieckim. Prośby takie powinny być składane najpóźniej godzinę przed aukcją wraz z informacją, których obiektów dotyczą. Licytacja odbywa się w tempie 60-100 obiektów na godzinę. 2. Licytacja osobista W celu licytacji osobistej należy wypełnić formularz udziału w aukcji i odebrać tabliczkę z numerem. Nowi klienci powinni zarejestrować się przynajmniej 24 godziny przed rozpoczęciem aukcji, by dać nam czas na przetworzenie danych. W celu ich weryfikacji możemy poprosić o dokument potwierdzający tożsamość osoby rejestrowanej (dowód osobisty, paszport, prawo jazdy). Dane osobowe klientów są informacjami poufnymi i pozostają do wyłącznej wiadomości DESA Unicum i spółek powiązanych, które mogą przetwarzać dane osobowe uczestników aukcji w zakresie niezbędnym do realizacji zleceń licytacji. Klientom, którzy posiadają nieuregulowane należności z tytułu zakupów na wcześniejszych aukcjach, możemy odmówić udziału w kolejnej. Prosimy o pilnowanie lizaka aukcyjnego. W przypadku jego zgubienia prosimy o natychmiastowe poinformowanie o tym naszej obsługi. Po zakończeniu aukcji należy zwrócić tabliczkę z numerem w punkcie rejestracji, a w przypadku zakupu należy odebrać potwierdzenie zawartych transakcji. 3. Licytacja telefoniczna Jeżeli nie mogą Państwo uczestniczyć w aukcji osobiście, istnieje możliwość licytacji przez telefon za pośrednictwem jednego z naszych pracowników. Klienci zainteresowani taką usługą powinni przesłać wypełniony formularz zlecenia najpóźniej 24 godziny przed rozpoczęciem aukcji. Nie ponosimy odpowiedzialności za realizację zleceń dostarczonych później. Formularz zlecenia dostępny jest na ostatnich stronach katalogu, w siedzibie naszego domu aukcyjnego oraz na naszej stronie internetowej. Formularz należy przesłać faksem, pocztą, mailem lub dostarczyć osobiście. Wraz z formularzem prosimy o przesłanie fotokopii dokumentu tożsamości w celu weryfikacji danych. Nasz pracownik połączy się z klientem przed rozpoczęciem licytacji wybranych obiektów. Nie ponosimy jednak odpowiedzialności za brak możliwości wzięcia udziału w licytacji telefonicznej w przypadku problemów z uzyskaniem połączenia z podanym przez klienta numerem telefonu. Dlatego rekomendujemy wskazanie maksymalnej kwoty (bez opłaty aukcyjnej), do której będziemy mogli licytować w Państwa imieniu. Zastrzegamy prawo do nagrywania i archiwizowania rozmów telefonicznych, o których mowa powyżej. Opisana usługa jest darmowa i poufna. 4. Licytacja w imieniu klienta Drugą opcją dla klientów, którzy nie mogą osobiście uczestniczyć w aukcji, jest złożenie zlecenia licytacji z limitem. Klienci zainteresowani taką usługą również powinni przesłać wypełniony formularz najpóźniej 24 godziny przed rozpoczęciem aukcji. Obowiązuje ten sam formularz co w przypadku licytacji telefonicznej. Zawarte w formularzu kwoty nie powinny uwzględniać opłaty aukcyjnej i opłat dodatkowych, powinny być wyrażone w polskich złotych oraz zgodne z tabelą postąpień przedstawioną w dalszej części przewodnika. Jeżeli podana kwota nie jest zgodna z kwotami w tabeli postąpień zostanie ona obniżona. Nasi pracownicy dołożą wszelkich starań, aby klient zakupił wybrany obiekt w możliwie jak najniższej cenie, nie niższej jednak niż cena gwarancyjna. Jeżeli limit jest niższy niż cen gwarancyjna w wypadku niesprzedania obiektu w czasie aukcji limit rozpatrywany jest jako oferta poaukcyjna. Opcjonalnie może dojść do zawarcia transakcji warunkowej. W przypadku dwóch lub większej ilości zleceń z takim samym limitem decyduje kolejność zgłoszeń. Opisana usługa jest darmowa i poufna. 5. Tabela postąpień Licytacja rozpoczyna się od ceny wywoławczej. Aukcjoner kolejne postąpienia podaje według tabeli postąpień. W zależności od przebiegu aukcji może on wedle własnego uznania zdecydować o innej wysokości postąpienia.

cena

postąpienie

0 – 2 000

100

2 000 – 3 000

200

3 000 – 5 000

200/500/800 (np. 3 200, 3 500, 3 800)

5 000 – 10 000

500

10 000 – 20 000

1 000

20 000 – 30 000

2 000

30 000 – 50 000

2000/5000/8000 (np. 32 000, 35 000, 38 000)

50 000 – 100 000

5 000

100 000 – 300 000

10 000

300 000 – 500 000

20 000

powyżej 500 000

wg uznania aukcjonera

III. PO AUKCJI 1. Płatność Kupujący zobowiązany jest do zapłaty należności za wylicytowane obiekty w terminie 10 dni od dnia aukcji. Przekroczenie wyznaczonego terminu grozi naliczeniem odsetek ustawowych za okres opóźnienia w zapłacie. Akceptujemy płatność w gotówce, kartami płatniczymi (MasterCard, VISA) oraz przelewem bankowym na konto: mBank S.A. 27 1140 2062 0000 2380 1100 1002, Swift: BREXPLPWWA3. W tytule prosimy wpisać nazwę aukcji, datę aukcji oraz numer obiektu. 2. Płatność w walutach innych niż polski złoty Wszystkie transakcje zawierane są w polskich złotych. Na specjalne życzenie po wcześniejszym uzgodnieniu dopuszczamy wpłaty w euro, dolarach amerykańskich lub funtach brytyjskich. Wartość transakcji opłacanej w innej walucie niż polski złoty będzie powiększona o opłatę manipulacyjną w wysokości 1%. Przeliczenia dokonujemy po dziennym kursie kupna waluty mBank S.A. 3. Odstąpienie od umowy W razie opóźnienia nabywcy w zapłacie możemy odstąpić od umowy z nabywcą po bezskutecznym upływie terminu dodatkowego wyznaczonego na zapłatę. 4. Reklamacje Wszelkie możliwe reklamacje rozpatrywane są zgodnie z przepisami prawa polskiego. Reklamację z tytułu niezgodności towaru z umową można zgłosić w ciągu jednego roku od wydania obiektu. Wobec osób niebędących bezpośrednimi nabywcami na aukcji nie ponosimy odpowiedzialności za ukryte wady fizyczne oraz wady prawne zakupionych obiektów. 5. Odbiór zakupionego obiektu Przy odbiorze zakupionych obiektów wymagamy okazania dokumentu potwierdzającego tożsamość. Obiekty mogą zostać wydane nabywcy lub osobie posiadającej pisemne upoważnienie. Może to nastąpić tylko w momencie pełnej płatności i uregulowania wszystkich zobowiązań wynikających z wcześniejszych zakupów. Zakupione obiekty na aukcji powinny być odebrane w ciągu 30 dni od aukcji. W przeciwnym razie mogą one zostać odesłane do magazynu zewnętrznego, a klient obciążony kosztami transportu oraz magazynowania. Wielkość opłat będzie uzależniona od operatora magazynu oraz rodzaju i wielkości obiektu. Tym samym ponosimy odpowiedzialność za utratę lub uszkodzenie obiektu jedynie przez okres 30 dni od aukcji. 6. Transport i przesyłka Zapewniamy podstawowe opakowanie zakupionych obiektów umożliwiające odbiór osobisty. Na wyraźne życzenie klienta możemy pomóc w kontakcie z wyspecjalizowaną firmą zajmującą się pakowaniem i wysyłką dzieł sztuki. 7. Pozwolenie na eksport Przed wzięciem udziału w aukcji potencjalnym licytującym radzimy, aby zorientowali się czy w razie potrzeby wywozu obiektu poza granice Polski nie są wymagane dodatkowe pozwolenia. Przypominamy, że reguluje to ustawa z dnia 23 lipca 2003 r. o ochronie zabytków i opiece nad zabytkami (Dz. U. nr 162 poz. 1568, z późn. zm.), zgodnie z którą wywóz określonych obiektów poza granice kraju wymaga zgody odpowiednich władz; w szczególności dotyczy to obrazów starszych niż 50 lat o wartości powyżej 40 000 złotych. Nabywca jest zobowiązany do przestrzegania przepisów w tym zakresie, a niemożliwość uzyskania odpowiednich dokumentów lub opóźnienie w ich uzyskaniu nie uzasadniają odstąpienia od sprzedaży ani opóźnienia w uiszczeniu pełnej ceny nabycia za obiekt. Na wyraźne życzenie klienta możemy pomóc w kontakcie z wyspecjalizowaną firmą zajmującą się sprawami formalnymi związanymi z eksportem dzieł sztuki. 8. Zagrożone gatunki Przedmioty zrobione z materiału roślinnego lub zwierzęcego albo zawierające je, m.in. koralowiec, skóra krokodyla, kość słoniowa, kość wieloryba, róg nosorożca, skorupa żółwia, niezależnie od wieku, procentu zawartości, mogą wymagać dodatkowych pozwoleń lub certyfikatów przed wywozem. Prosimy pamiętać, że uzyskanie dokumentów umożliwiających eksport nie jest równoznaczne z możliwością importu do innego państwa. Nabywca jest zobowiązany do przestrzegania przepisów w tym zakresie, a niemożliwość uzyskania odpowiednich dokumentów lub opóźnienie w ich uzyskaniu nie uzasadniają odstąpienia od sprzedaży ani opóźnienia w uiszczeniu pełnej ceny nabycia za obiekt. Obiekty tego typu zostały oznaczone dla Państwa wygody symbolem „ ” opisanym w legendzie. Nie ponosimy jednak odpowiedzialności za błędy lub uchybienia w oznaczeniu przedmiotów zawierających elementy wytworzone z chronionych lub regulowanych prawem gatunków roślin i zwierząt.

WARUNKI SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ i WARUNKI POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI przedstawione poniżej określają prawa i obowiązki licytujących i kupujących z jednej strony oraz Domu Aukcyjnego DESA Unicum i komitentów z drugiej. Wszyscy potencjalni kupujący na aukcji powinni dokładnie przeczytać WARUNKI SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ i WARUNKI POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI, zanim przystąpią do licytacji..

WARUNKI SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ 1. WPROWADZENIE

4. PRZEBIEG AUKCJI

Każdy obiekt zaprezentowany w katalogu aukcyjnym przeznaczony jest do sprzedaży na warunkach określonych: a) w WARUNKACH SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ i WARUNKACH POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI, b) w innych informacjach podanych w pozostałych częściach katalogu aukcyjnego, szczególności w PRZEWODNIKU DLA KLIENTA, c) w dodatkach do katalogu aukcyjnego lub innych materiałach udostępnionych przez DESA Unicum na sali aukcyjnej. W każdym przypadku zmiana warunków może nastąpić poprzez stosowny aneks bądź ogłoszenie podane do wiadomości przez aukcjonera przed rozpoczęciem aukcji. Poprzez licytację na aukcji, niezależnie czy osobistą, czy za pośrednictwem przedstawiciela, czy też na podstawie złożonego zlecenia licytacji telefonicznej lub z limitem, licytujący i kupujący wyrażają zgodę na brzmienie niniejszych WARUNKÓW SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ ze zmianami i uzupełnieniami oraz WARUNKÓW

1) O ile nie zastrzeżono inaczej poprzez symbol, każdy obiekt oferowany jest z zastrzeżeniem ceny gwarancyjnej, która jest poufną minimalną ceną sprzedaży uzgodnioną między DESA Unicum i komitentem. Cena gwarancyjna nie może przekroczyć dolnej granicy estymacji. 2) Aukcjoner może w każdym momencie aukcji wycofać którykolwiek obiekt, ponownie zaoferować przedmiot do sprzedaży (również bezpośrednio po uderzeniu młotkiem) w razie zaistnienia błędu bądź sporu co do wyniku licytacji. W powyższym przypadku aukcjoner może podjąć wszelkie działania, które uzna za stosowne i racjonalne. Jeżeli jakikolwiek spór co do wyniku licytacji powstanie po aukcji, wynik sprzedaży w ramach aukcji uznaje się za ostateczny. 3) Aukcjoner rozpoczyna licytację i decyduje o wysokości kolejnych postąpień. W celu osiągnięcia ceny gwarancyjnej obiektu aukcjoner i pracownicy DESA Unicum mogą składać w toku licytacji oferty w imieniu komitenta bez wskazania, że czynią to w imieniu komitenta, bądź to przez składanie następujących po sobie ofert licytacyjnych, bądź też oferty w odpowiedzi na oferty składane przez innych oferentów. Jeżeli nie ma żadnych ofert na dany obiekt lub oferty są zbyt niskie aukcjoner może uznać przedmiot za niesprzedany co sygnalizuje terminem pass. 4) Ceny na aukcji podawane są w polskich złotych i w tej walucie powinna być dokonana płatność. W odpowiedzi na potrzeby klientów zagranicznych estymacje w katalogu aukcyjnym mogą być podawane także w euro, funtach brytyjskich i dolarach amerykańskich, odzwierciedlając w przybliżeniu cenę przy obecnym kursie waluty. Stosownie do tego estymacje podawane w euro, funtach brytyjskich i dolarach amerykańskich mają charakter wyłącznie orientacyjny. 5) Licytujący, który zaoferował najwyższą kwotę zaakceptowaną przez aukcjonera, jest zwycięzcą licytacji. Uderzenie młotkiem przez aukcjonera oznacza akceptację najwyższej oferty i zawarcie umowy sprzedaży między DESA Unicum a kupującym. Ryzyko i odpowiedzialność za obiekt przechodzący na własność kupującego opisane zostały w paragrafie 6 poniżej. 6) Każda poaukcyjna sprzedaż obiektów oferowanych na aukcji podlega również WARUNKOM SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ oraz WARUNKOM POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI.

2. DESA UNICUM JAKO POŚREDNIK HANDLOWY 2. DESA UNICUM JAKO POŚREDNIK HANDLOWY DESA Unicum występuje jako zastępca pośredni działający w imieniu własnym, lecz na rachunek komitenta uprawnionego do rozporządzenia obiektem, chyba że inaczej zastrzeżono w katalogu, jego zmianach lub w ogłoszeniach podanych do wiadomości przed aukcją.

3. LICYTOWANIE NA AUKCJI 1) DESA Unicum może według swojego uznania odmówić dopuszczenia niektórych osób do udziału w aukcji lub sprzedaży poaukcyjnej. Wszyscy licytujący muszą zarejestrować się przed aukcją, dostarczyć wymagane informacje przewidziane w formularzu rejestracji, okazać dokument potwierdzający tożsamość oraz odebrać tabliczkę z numerem licytacyjnym. 2) Dla wygody licytujących, którzy nie mogą uczestniczyć w aukcji osobiście, DESA Unicum może zrealizować pisemne zlecenie licytacji. W takim przypadku nieobecni licytujący powinni wypełnić formularz „zlecenie licytacji”, który można znaleźć w katalogu, na stronie internetowej DESA Unicum lub otrzymać w siedzibie DESA Unicum. Kwoty wskazane przez licytującego w zleceniu licytacji nie powinny zawierać opłaty aukcyjnej i opłat dodatkowych, powinny być wyrażone w polskich złotych oraz zgodne z tabelą postąpień. Jeżeli podana kwota nie jest zgodna z kwotami w tabeli postąpień, zostanie ona obniżona. Aukcjoner nie akceptuje zlecenia licytacji, w którym nie ma wskazanej maksymalnej kwoty, do której DESA Unicum może zrealizować zlecenie. DESA Unicum dołoży starań, aby klient zakupił wybrany obiekt w możliwie jak najniższej cenie, nie niższej jednak niż cena gwarancyjna. Jeśli limit podany przez licytującego jest niższy niż cena gwarancyjna, a stanowi jednocześnie najwyższą ofertę, wówczas dochodzi do transakcji warunkowej. W przypadku dwóch lub większej ilości zleceń z takim samym limitem decyduje kolejność zgłoszeń. Wszystkie zlecenia licytacji wraz z fotokopią dokumentu tożsamości umożliwiającym weryfikację danych osobowych powinny być przesłane (pocztą, faxem bądź e-mailem) albo dostarczone osobiście do siedziby DESA Unicum przynajmniej 24 godziny przed rozpoczęciem aukcji. Dostarczone później zlecenia mogą nie być zrealizowane. 3) Od osób zainteresowanych licytacją przez telefon wymaga się zgłoszenia chęci licytacji telefonicznej poprzez wypełnienie formularza „zlecenie licytacji”, dostępnego w katalogu, na stronie internetowej DESA Unicum lub w siedzibie DESA Unicum. Wszystkie zlecenia licytacji powinny być przesłane (pocztą, faxem, mailem) lub dostarczone osobiście do siedziby Desa Unicum przynajmniej 24 godziny przed rozpoczęciem aukcji. Wymaga się również przesłania fotokopii dokumentu tożsamości w celu weryfikacji danych osobowych. Dostarczone później zlecenia mogą nie być zrealizowane. Licytacja telefoniczna może być nagrywana, złożenie zlecenia jest równoznaczne z wyrażeniem zgody na nagrywanie rozmowy telefonicznej. Na wypadek trudności z połączeniem telefonicznym licytujący może określić na zleceniu limit, do którego pracownik domu aukcyjnego będzie licytować pomimo braku połączenia. Jeśli żaden limit nie jest określony na zleceniu, pracownik domu aukcyjnego uznaje w takim wypadku, że klient oferuje przynajmniej cenę wywoławczą. 4) Podczas licytacji, zarówno osobistej, telefonicznej, jak i za pośrednictwem pracownika DESA Unicum, licytujący bierze osobistą odpowiedzialność za zapłatę za wylicytowane obiekty, co opisane jest dokładniej w paragrafie 3 punkcie 5 poniżej, chyba że przed rozpoczęciem aukcji zostało wyraźnie uzgodnione na piśmie z DESA Unicum, że oferent jest pełnomocnikiem zidentyfikowanej osoby trzeciej akceptowalnej przez DESA Unicum. 5) Usługa licytacji na podstawie zlecenia licytacji nie podlega żadnej opłacie. DESA Unicum zobowiązuje się dochować należytej staranności w realizacji zleceń, jednak nie ponosi odpowiedzialności za niezrealizowanie takich ofert, chyba że wina za brak realizacji zlecenia leży wyłącznie po DESA Unicum.

5. CENA NABYCIA I OPŁATA AUKCYJNA 1) Do kwoty wylicytowanej doliczana jest opłata aukcyjna oraz opłaty dodatkowe wynikające z oznaczeń katalogowych obiektu. Opłata aukcyjna stanowi część końcowej ceny obiektu i wynosi 18%. Opłata aukcyjna obowiązuje również w sprzedaży poaukcyjnej. 2) Do kwoty wylicytowanej mogą zostać doliczone inne podatki i opłaty, jeśli w katalogu zaznaczone to zostało odpowiednimi oznaczeniami (patrz: paragraf 1 punkt 10 „Przewodnika dla klienta”: „Legenda”). 3) Jeśli nie uzgodniono inaczej, kupujący jest zobowiązany uiścić należność w terminie 10 dni od daty aukcji, niezależnie od uzyskania pozwolenia na eksport czy innych pozwoleń. Opłaty mają być uiszczone w polskich złotych gotówką, kartą lub przelewem bankowym: a) DESA Unicum akceptuje płatność kartami płatniczymi MasterCard, VISA b) DESA Unicum akceptuje płatność przelewem bankowym na konto mBank S.A.. 27 1140 2062 0000 2380 1100 1002, Swift: BREXPLPWWA3 W tytule przelewu proszę podać nazwę aukcji, datę aukcji oraz numer obiektu. 4) Własność zakupionego obiektu nie przejdzie na kupującego, dopóki DESA Unicum nie otrzyma pełnej ceny nabycia za obiekt, w tym opłaty aukcyjnej. DESA Unicum nie jest zobowiązana do przekazania obiektu kupującemu do chwili przeniesienia własności obiektu na kupującego. Wcześniejsze przekazanie obiektu kupującemu nie jest równoznaczne z przeniesieniem prawa własności obiektu na kupującego ani zwolnieniem z obowiązku zapłaty przez niego ceny nabycia.

6. ODBIÓR ZAKUPU 1) Odbiór wylicytowanych obiektów jest możliwy po dokonaniu wpłaty pełnej ceny nabycia oraz uregulowaniu innych płatności wobec DESA Unicum i spółek powiązanych. Jak tylko nabywca spełni wszystkie wymagania, powinien skontaktować się ze swoim doradcą klienta DESA Unicum lub z Biurem Obsługi Klienta pod numerem tel. 22 163 66 00, aby umówić się na odbiór obiektu. 2) Kupujący powinien odebrać zakupiony obiekt w terminie 30 dni od daty aukcji. Po tym terminie DESA Unicum przesyła wszystkie wylicytowane obiekty do magazynu zewnętrznego, a kupujący obciążony zostanie kosztami transportu oraz magazynowania. Wielkość opłat będzie uzależniona od operatora magazynu oraz rodzaju i wielkości obiektu. Zaakceptowanie niniejszego regulaminu równoznaczne jest z zaakceptowaniem regulaminu spółki magazynowej. Po upływie 30 dni od daty aukcji na kupującego przechodzi ryzyko utraty i uszkodzenia nieodebranego obiektu, a także ciężary związane z takim obiektem, w tym koszty jego ubezpieczenia. DESA Unicum odpowiada względem kupującego za szkody z tytułu straty lub uszkodzenia obiektu, jednak jedynie do wysokości ceny nabycia obiektu.

3) Dla wygody kupującego DESA Unicum nieodpłatnie zapewnia podstawowe opakowanie obiektu umożliwiające jego odbiór osobisty. Na wyraźne życzenie kupującego DESA Unicum może pomóc w kontakcie z wyspecjalizowaną firmą zajmującą się pakowaniem i wysyłką dzieł sztuki. Każde takie zlecenie odbywa się na odpowiedzialność klienta, DESA Unicum nie bierze odpowiedzialności za nieprawidłowe wykonanie usług przez przewoźników bądź inne osoby trzecie. Jeżeli klient sam wybierze firmę transportową, jej przedstawiciel powinien skontaktować się z DESA Unicum telefonicznie przynajmniej 24 godziny przed planowanym odbiorem obiektu pod numerem telefonu: 22 163 66 20. 4) DESA Unicum będzie wymagała okazania dowodu osobistego przed przekazaniem obiektu nabywcy bądź jego przedstawicielowi, który dodatkowo powinien posiadać pisemne upoważnienie od nabywcy.

3) DESA Unicum nie jest odpowiedzialna za pomyłki słowne czy na piśmie w informacjach podanych klientom oraz nie ponosi odpowiedzialności wobec żadnego licytującego za błędy w trakcie prowadzonej aukcji lub popełnione w innym zakresie związanym ze sprzedażą obiektu. 4) Z zastrzeżeniem punktu 5 w paragrafie 9 DESA Unicum nie bierze odpowiedzialności wobec kupującego za szkody przewyższające cenę nabycia, o której mowa w punkcie 1 paragrafie 9 powyżej, niezależnie czy taka szkoda jest charakteryzowana jako bezpośrednia, pośrednia, szczególna, przypadkowa czy następcza. DESA Unicum nie jest zobowiązana do zapłaty odsetek od ceny zakupu. 5) Żaden przepis w niniejszych WARUNKACH SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ nie wyklucza lub nie ogranicza odpowiedzialności DESA Unicum wobec kupującego, wynikającej z jakiegokolwiek oszustwa bądź świadomego wprowadzenia w błąd, lub z winy umyślnej.

7. BRAK PŁATNOŚCI

10. PRAWA AUTORSKIE

Bez uszczerbku dla innych praw sprzedający, w przypadku gdy nabywca nie uiści pełnej ceny nabycia za obiekt w terminie 10 dni od daty aukcji, DESA Unicum może zastosować jeden lub kilka z poniższych środków prawnych: a) przechować obiekt w siedzibie DESA Unicum lub w innym miejscu na ryzyko i koszt klienta; b) odstąpić od sprzedaży obiektu, zatrzymując dotychczasowe opłaty na poczet pokrycia szkód; c) odrzucić zlecenie nabywcy w przyszłości lub zrealizować takie zlecenie pod warunkiem uiszczenia kaucji; d) naliczać odsetki ustawowe w wysokości 12% w skali roku od dnia wymagalności płatności do dnia zapłaty pełnej ceny nabycia; e) odsprzedać obiekt na aukcji lub prywatnie z estymacjami i ceną minimalną ustaloną przez DESA Unicum. Jeśli obiekt na drugiej aukcji sprzeda się za kwotę niższą niż cena nabycia, na której kupujący wylicytował obiekt, nabywca pozostający w zwłoce będzie zobowiązany do pokrycia różnicy wraz z kosztami przeprowadzenia dodatkowej aukcji; f) wszcząć postępowanie sądowe przeciwko kupującemu w celu odzyskania zaległości; g) potrącić należności nabywcy względem Desa Unicum z wierzytelności wobec tego nabywcy wynikających z innych transakcji; h) podjąć wszelkie inne działania odpowiednie do zaistniałych okoliczności.

1) Sprzedający nie przekazują wraz z obiektem prawa autorskiego ani prawa do reprodukowania obiektu. 2) Prawa autorskie do wszystkich zdjęć, ilustracji i tekstów związanych z obiektem, sporządzonych przez lub dla DESA Unicum, włączając zawartość tego katalogu, stanowią własność DESA Unicum. Nie mogą być one wykorzystane przez kupującego ani inne osoby bez uprzedniej zgody pisemnej DESA Unicum.

8. DANE OSOBOWE KLIENTA W związku ze świadczonymi usługami oraz wymogami prawnymi związanymi z przeprowadzeniem aukcji DESA Unicum może wymagać od klientów podania danych osobowych lub w niektórych przypadkach (np. w celu sprawdzenia wypłacalności, poświadczenia tożsamości klienta lub w celu uniknięcia fałszerstwa) pozyskać dane o kliencie od osób trzecich. DESA Unicum może również wykorzystać dane osobowe dostarczone przez klienta w celach marketingowych, dostarczając materiały o produktach, usługach bądź wydarzeniach organizowanych przez DESA Unicum oraz spółki powiązane. Zgadzając się na WARUNKI SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ i podając dane osobowe, klienci zgadzają się, że DESA Unicum i spółki powiązane mogą wykorzystać te dane do ww. celów. Jeśli klient chciałby uzyskać więcej informacji o polityce prywatności, skorygować swoje dane lub zrezygnować z dalszej korespondencj i marketingowej, prosimy o kontakt pod numerem 22 163 67 00.

9. OGRANICZENIE ODPOWIEDZIALNOŚCI 1) DESA Unicum wyłącza wszelkie gwarancje inne niż WARUNKI POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI w najszerszym zakresie dopuszczonym prawem. 2) Z zastrzeżeniem punktu 5 w paragrafie 9 całkowita odpowiedzialność DESA Unicum będzie ograniczona wyłącznie do ceny nabycia zapłaconej przez kupującego.

11. POSTANOWIENIA OGÓLNE 1) Niniejsze WARUNIKI SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ wraz późniejszymi zmianami i uzupełnieniami, o których mowa w paragrafie 1 powyżej, oraz WARUNIKI POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI wyczerpują całość praw i obowiązków pomiędzy stronami w odniesieniu do sprzedaży obiektu. 2) Wszelkie zawiadomienia powinny być kierowane na piśmie na adres DESA Unicum. Powiadomienia kierowane do klientów będą przesyłane na adres podany w ostatnim piśmie do DESA Unicum. 3) Jeśli jakiekolwiek z postanowień WARUNKÓW SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ okazałoby się nieważne, bezskuteczne lub niemożliwe do zastosowania, pozostałe postanowienia będą nadal obowiązywać. Brak działania lub opóźnienie w wykonywaniu praw wynikających z WARUNKÓW SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ nie oznacza zrzeczenia się praw lub zwolnienia z obowiązków ani nie uchyla obowiązywalności całości bądź części z postanowień WARUNKÓW SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ.

12. PRAWO OBOWIĄZUJĄCE Prawa i obowiązki stron wynikające z niniejszych WARUNKÓW SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ oraz WARUNKÓW POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI, przebieg aukcji i jakiekolwiek sprawy związane z powyższymi postanowieniami podlegają prawu polskiemu. DESA Unicum w szczególności zwraca uwagę na przepisy: 1) ustawy z dnia 23 lipca 2003 r. o ochronie zabytków i opiece nad zabytkami (Dz. U. Nr 162 poz. 1568, z późn. zm.) – wywóz określonych obiektów poza granice kraju wymaga zgody odpowiednich władz, 2) ustawy z dnia 21 listopada 1996 r. o muzeach (Dz. U. z 1997 r. Nr 5, poz. 24, z późn. zm.) – muzea rejestrowane mają prawo pierwokupu zabytków bezpośrednio na aukcji za kwotę wylicytowaną powiększoną o opłatę aukcyjną, 3) ustawy z dnia 16 listopada 2000 r. o przeciwdziałaniu wprowadzaniu do obrotu finansowego wartości majątkowych pochodzących z nielegalnych lub nieujawnionych źródeł oraz o przeciwdziałaniu finansowaniu terroryzmu (Dz. U. z 2000r. Nr 116, poz. 1216 z późn. zm.) – Dom Aukcyjny jest zobowiązany do zbierania danych osobowych nabywców dokonujących transakcji w kwocie powyżej 15 000 euro.

WARUNKI POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI Przez autentyczność obiektu rozumiemy właściwe podanie autorstwa obiektu i prawidłowe jego datowanie. DESA Unicum udziela gwarancji autentyczności obiektów zaprezentowanych w tym katalogu na okres 5 lat od daty sprzedaży przez DESA Unicum z poniższymi zastrzeżeniami: 1) Desa UNICUM udziela gwarancji autentyczności obiektu jedynie bezpośredniemu nabywcy obiektu (konsumentowi). Powyższa gwarancja nie obejmuje: a) kolejnych właścicieli obiektu, włączając w to osoby, które nabyły od bezpośredniego nabywcy obiekt odpłatnie, w drodze darowizny lub dziedziczenia; b) obiektu, co do którego trwa spór o autorstwo; c) obiektu, którego autorstwo jest jedynie domniemane, co w katalogu i na certyfikacie oznaczone jest następującymi zapisami: brak dat życia po imieniu i nazwisku artysty, nazwisko artysty poprzedzone jedynie inicjałem imienia, znak zapytania w nawiasie lub bez nawiasu („?” lub „(?)”) po nazwisku artysty, przed lub po imieniu i nazwisku artysty określenia: „przypisywany/e/a”, „Attributed” lub skrót „Attrib.”; d) obiektu powstałego w bliżej lub szerzej rozumianym kręgu oddziaływania stylu danego artysty, co w katalogu i na certyfikacie oznaczone jest użyciem przed lub po imieniu i nazwisku artysty jednego z następujących określeń: „krąg”, „szkoła” bądź „naśladowca”;

e) obiektu, którego określenie autorstwa było zgodne z ogólnie przyjętą opinią specjalistów, uczonych i innych ekspertów; f) obiektu, w przypadku którego podana w katalogu roczna data powstania różni się od faktycznej o mniej niż 15 lat; g) obiektu, w przypadku którego w datowaniu pojawiło się prawidłowe określenie stulecia, natomiast nieprawidłowe określenie części tego stulecia (połowy lub ćwierci); h) obiektów z XX w., XIX w. i starszych, w przypadku których faktycznie stwierdzone datowanie różni się w stosunku do podanego w katalogu „na korzyść” obiektu, tj. obiekt okazał się starszy, niż było to podane w opisie; i) obiektu, którego opis i datowanie zostały uznane za niedokładne przy użyciu metod naukowych lub testów, które nie były ogólnie przyjęte w czasie wydawania tego katalogu bądź w tamtym czasie były uznawane za nadmiernie kosztowne lub niewykonalne, albo według wszelkiego prawdopodobieństwa mogłyby spowodować uszkodzenia lub utratę wartości obiektu. DESA Unicum zastrzega iż opis uzupełniający (pochodzenie, historia wystaw, literatura) został wykonany w dobrej wierze i błędy w tym zakresie nie mogą być podstawą do reklamacji. DESA Unicum zastrzega sobie również 5% jako granicę błędu w przypadku podawania poszczególnych wymiarów obiektu.

ZLECENIE LICYTACJI

tel. 22 163 67 00, fax 22 163 67 99 e-mail: zlecenia@desa.pl

Sztuka Współczesna Nowe Pokolenie po 1989 • 599ANS015 • 14 marca 2019 r. Zlecenie licytacji z limitem lub licytacja telefoniczna to proste sposoby wzięcia udziału w aukcji, które nie skutkują żadnymi dodatkowymi kosztami dla Nabywcy. Zlecenie licytacji z limitem

Zlecenie telefoniczne

Zlecenie musi być dostarczone (osobiście, pocztą, faksem lub e-mailem) do siedziby Domu Aukcyjnego nie później niż 24 godziny przed rozpoczęciem licytacji, w przypadku późniejszego dostarczenia nie gwarantujemy realizacji zlecenia, jednak dołożymy wszelkich starań, aby było to możliwe. Prosimy czytelnie wypełnić formularz, by uniknąć ewentualnych pomyłek.

Imię i nazwisko

Zlecenie licytacji z limitem Podanie przez Klienta limitu licytacji jest informacją ściśle poufną. Dom Aukcyjny będzie reprezentował w licytacji Nabywcę do podanej kwoty, gwarantując jednocześnie nabycie obiektu za najniższą możliwą kwotę. Dom Aukcyjny nie przyjmuje zleceń bez górnego limitu. W przypadku zaistnienia kilku zleceń w tej samej wysokości Dom Aukcyjny będzie reprezentował Klienta, którego zlecenie zostało złożone najwcześniej. Zgadzam się na jedno postąpienie w górę w przypadku wystąpienia innego zlecenia o tej samej wysokości: Tak

Dowód osobisty (seria i numer) NIP (dla firm)

Adres: ulica nr domu nr mieszkania

Miasto

Kod pocztowy

Tak

Adres e-mail

Nie

Zlecenie telefoniczne W przypadku zlecenia licytacji telefonicznej prosimyo podanie numeru telefonu aktualnego w czasie aukcji. Pracownicy Domu Aukcyjnego połączą się z Państwem chwilę przed rozpoczęciem licytacji wybranych obiektów. Przebieg rozmowy – licytacji telefonicznej może być rejestrowany przez Desa Unicum. Dom Aukcyjny nie ponosi odpowiedzialności za brak możliwości wzięcia udziału w wyniku problemów z uzyskaniem połączenia z podanym numerem. W przypadku problemów z uzyskaniem połączenia zgadzam się na licytację w moim imieniu za kwotę równą cenie wywoławczej:

Nie

Numer telefonu do licytacji Ja niżej podpisany/-a oświadczam, że:

Telefon / faks Przed przyjęciem zlecenia licytacji pracownik Domu Aukcyjnego ma prawo prosić o podanie pełnych danych osobowych oraz o okazanie lub skopiowanie dokumentu potwierdzającego tożsamość osoby rejestrowanej (dowód osobisty, paszport, prawo jazdy; w przypadku zleceń przesyłanych e-mailem, pocztą lub faksem konieczne jest dołączenie kserokopii lub skanu takiego dokumentu). Dane są udostępniane dobrowolnie, jednak ich podanie jest warunkiem koniecznym do wzięcia udziału w licytacji.

Nr kat.

Maksymalna oferowana kwota (bez opłaty aukcyjnej) lub licytacja telefoniczna

Autor, tytuł

Wyrażam zgodę na przetwarzanie moich danych osobowych w celach marketingowych oraz w celu składania ofert, a w szczególności w celu przesyłania na wskazane przeze mnie adresy korespondencyjne materiałów promocyjnych, informacji handlowych o obiektach i usługach świadczonych przez Desa Unicum. Wyrażam zgodę na używanie telekomunikacyjnych urządzeń końcowych w celu prowadzenia marketingu bezpośredniego przez Desa Unicum. Wyrażam zgodę na otrzymywanie od Desa Unicum informacji handlowej drogą elektroniczną. Wyrażam zgodę na przetwarzanie moich danych osobowych w celach marketingu produktów lub usług podmiotów powiązanych kapitałowo z Desa Unicum. Wyrażam zgodę na otrzymywanie od podmiotów powiązanych kapitałowo z Desa Unicum informacji handlowej drogą elektroniczną.

Należność za zakupiony obiekt Wpłacę na konto bankowe Banku mBank S.A. 27 1140 2062 0000 2380 1100 1002 Wpłacę w kasie firmy (pn.-pt. w godz. 11–19)

Proszę o wystawienie faktury VAT bez podpisu odbiorcy

Skąd dowiedzieli się Państwo o DESA Unicum? z prasy

z mailingu

od rodziny/znajomych

z reklamy internetowej z imiennego zaproszenia

z reklamy zewnętrznej

z radia

inną drogą

Desa Unicum SA, ul. Piękna 1A, 00-477 Warszawa, tel. 22 163 66 00, fax 22 163 67 99, e-mail: biuro@desa.pl, www.desa.pl NIP: 5272644731 REGON: 142733824 Spółka zarejestrowana w Sądzie Rejonowym dla m.st. Warszawy XII Wydział Gospodarczy KRS0000718495.

WYRAŻAJĄC ZGODĘ NA POWYŻSZE, OŚWIADCZAM, ŻE: • Zgadzam się na przetwarzanie moich danych osobowych przez spółkę Desa Unicum S.A. z siedzibą w Warszawie, ul. Piękna 1A w celach powyżej przeze mnie określonych. • Podanie danych jest dobrowolne. Podstawą przetwarzania danych jest moja zgoda. Odbiorcami danych mogą być Podmioty powiązane kapitałowo z Desa Unicum oraz podmioty świadczące usługi na rzecz Desa Unicum. Mam prawo wycofania zgody w dowolnym momencie. Dane osobowe będą przetwarzane do odwołania zgody lub przez maksymalny okres 10 lat od dnia zakończenia wykonania umowy lub przez okres określony przez przepisy prawa, które nakładają na Desa Unicum obowiązek przetwarzania moich danych • Mam prawo żądania od administratora dostępu do moich danych osobowych, ich sprostowania, usunięcia lub ograniczenia przetwarzania, a także prawo wniesienia skargi do organu nadzorczego. • Administratorem danych jest spółka Desa Unicum S.A. z siedzibą w Warszawie, z którą w sprawach dotyczących przetwarzania danych osobowych, mogę się skontaktować dzwoniąc pod numer telefoniczny +48 22 163 66 00 lub poprzez korespondencję elektroniczną pod adresem biuro@desa.pl • Bardziej szczegółowe informacje dotyczące przetwarzania moich danych mogę uzyskać na stronie internetowej www.desa.pl • Zapoznałem/-am się i akceptuję WARUNKI SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ I WARUNKI AUTENTYCZNOŚCI Domu Aukcyjnego DESA Unicum opublikowane w katalogu aukcyjnym. • Zobowiązuję się do zrealizowania zawartych transakcji zgodnie z ninie jszymi WARUNKAMI, w tym do zapłacenia wylicytowanej kwoty powiększonej o opłatę aukcyjną oraz innych opłat, zgodnie z oznaczeniami w katalogu,w szczególności w przypadkach przewidzianych przepisami ustawy o prawie autorskim i prawach pokrewnych, wynagrodzenia z tytułu odsprzedaży oryginalnych egzemplarzy utworu (tzwdroite-desuite) w terminie 10 dni od daty aukcji. • Wszelkie dane zawarte w niniejszym formularzu są prawdziwe i zgodne z moją najlepszą wiedzą. W przypadku zatajenia lub podania nieprawdziwych danych DESA Unicum nie ponosi odpowiedzialności.

Data i podpis klienta składającego zlecenie

„WOJCIECH FANGOR. COLOR AND SPACE” Wydawnictwo Skira przygotowało niespodziankę dla fanów

wzbogacone o nigdy niepublikowany materiał archiwalny oraz

twórczości Wojciecha Fangora. Ponad 200-stronicowy album

szereg wysokiej jakości reprodukcji prac malarskich. Wydanie

„Wojciech Fangor. Color and Space” prezentuje twórczość arty-

w języku angielskim.

sty na przestrzeni połowy wieku. W albumie znalazł się wstęp

Wydawnictwo: Skira

autorstwa Magdaleny Dabrowski, kalendarium z życia artysty

Cena: 169 zł

artbookstore.pl

UL. PIĘKNA 1A 00-477 WARSZAWA TEL.: 22 163 66 00 E-MAIL: BIURO@DESA.PL

Cena 39 zł (z 5% VAT)

DESA.PL