Los ojos del cine
Biografía e inicios Fotografía y Cine: Carrera Entrevista Personal
Maestro: Roger Deakins
Premios: Blade runner 2049
1917
Los ojos del cine: Roger Deakins Diseño y maquetación: Deyannira Cea Rebeca Gantz Julián Magni Estudiantes de Cine Universidad Mayor, Santiago, Chile 2021.
INDICE ▪ Biografía e Inicios ▪ Carrera: Fotografía y cine ▪ Blade Runner 2049 ▪ 1917: El épico plano secuencia ▪ Entrevista personal
Es un aclamado cinefotógrafo británico, nacido el 24 de mayo de 1949, en Devon, Inglaterra. Hijo de un pintor y una actriz, Roger estudió pintura cuando era niño, lo que lo llevó a estudiar en la Bath Academy of Art, donde se centró en el diseño gráfico. En dicha institución, desarrolló un interés por la fotografía y trató de ingresar a la National Film School, pero su admisión fue rechazada, argumentando que su trabajo no era lo suficientemente cinematográfico. Pasó los siguientes años tomando fotografías de paisaje de la zona rural de Devon, hasta lograr ser admitido en la escuela, en 1972. Al salir, trabajó como operador de cámara y asistente en diversos proyectos, hasta involucrarse en los documentales y videos musicales, en la década de los años 70, antes de trabajar en su primer largometraje de ficción, con la cinta Another Time, Another Place (1983), la cual le trajo halagos y reconocimiento a su talento. Trabajó en algunas películas hasta conseguir su primera nominación al premio de la Academia, por la cinta Sueño de fuga (1994). A partir de ese momento, Deakins se convirtió en uno de los referentes de la fotografía en cine, acumulando premios, reconocimientos como uno de los mejores del mundo, al parecer se niega a abandonar el cine pese a su edad, pues sigue teniendo el mismo entusiasmo que de joven y es una inspiración para todos los cinefotógrafos actualmente.
Además, es miembro de la Sociedad de Cinematógrafos Británica y Estadounidense. Siendo un Director de fotografía muy solicitado.
Cine y Fotografía Carrera
El primer largometraje de Deakins en Estados Unidos fue Mountains of the Moon (1990). Luego de eso comenzó su colaboración con los hermanos Coen en 1991 en la película Barton Fink. Recibió su primer premio importante de la Sociedad Estadounidense de Cinematógrafos por su destacado logro en cinematografía por la gran película internacionalmente elogiada The Shawshank Redemption (1994). Trabajó en películas como The Man Who Wasn’t There donde realizó un film estilo Noir en blanco y negro y A Beautiful Mind ambas en 2001. Más adelante haría la fotografía en The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford (2007), No Country for Old Men (2007), True Grit (2010), Skyfall (2012), Sicario (2015) entre muchas otras teniendo actualmente un listado de más de 30 películas como director de fotografía.
Con dichos films en su carrera costaría imaginar que Deakins incluso llegaría a trabajar como asesor visual para la sorprendente película animada de Pixar WALL-E (2008) Roger Deakins ha ganado cinco premios BAFTA a la mejor dirección de fotografía y ha recibido quince candidaturas al Oscar por la misma categoría, pese a eso logró ser de los artistas más cotizados y respetados en el cine. Finalmente, en 2018 ganó su primer Oscar al mejor director de fotografía por su trabajo en Blade Runner 2049, y en 2020 su segunda estatuilla de la academia por la fotografía de la película “1917”.
“Aunque sería estúpido decir que no me alegraría, no estoy seguro de cuánto importan los premios realmente; ¿alguien se acuerda de quién los gana?”
https://weareblanko.com/roger-deakins-y-la-filosofia-de-un-artista/
Ficha técnica Año: 2017 Dirección: Denis Villeneuve
La historia de esta secuela ocurre en un futuro distópico, tras 30 años desde los acontecimientos ocurridos en Blade Runner (1982). El agente K (Ryan Gosling), un 'blade runner' caza-Replicantes del Departamento de Policía de Los Ángeles, descubre un secreto que ha estado enterrado durante mucho tiempo y que tiene el potencial de llevar a la sociedad al caos. Su investigación le conducirá a la búsqueda del legendario Rick Deckard (Harrison Ford), un antiguo blade runner en paradero desconocido, que lleva desaparecido 30 años.
Producción: Broderick Johnson Andrew A. Kosove Cynthia Yorkin Bud Yorkin Productores ejecutivos: Ridley Scott Tim Gamble Frank Giustra Yale Badick Val Hill Bill Carraro Guion: Hampton Fancher Michael Green Música Hans Zimmer Benjamin Wallfisch Fotografía: Roger Deakins Montaje: Joe Walker País: Estados Unidos Género: Ciencia Ficción, Cyberpunk, Thriller futurista.
Estilo Fotográfico Lógicamente el trabajo de Jordan Cronenweth, el difunto director de fotografía de Blade Runner (1982) fue característico por la estética Noir de claroscuro a color que le añade misterio a la ciudad, sumado a la estética moderna de Ridley Scott. Pese a eso, Deakins no ha querido imitar a Cronenweth pero sí mantiene la esencia de la primera película en bastantes momentos, con la utilización de humo en exteriores nocturnos, con el uso de iluminación LED de color en los entornos y el halo de luz suave que se forma en torno a los personajes. Él intenta mantenerse original y se arriesga, gracias al formato digital, a los fuertes contrastes para crear su sello característico que son las siluetas de sombra a contraluz de un personaje en “la inmensidad del espacio” que lo domina. Además, el director usa todo tipo de fuentes modernas de iluminación, creando secuencias dominadas por tonos fríos, otras por tonos cálidos, o combinando dichas tonalidades en una misma secuencia, y así Deakins se guía por las fuentes de cada escena tratando de respetar su lógica y realismo, con la elección precisa de encuadres y ópticas, que con post producción crean imágenes muy poderosas.
La técnica en Blade Runner 2049
En lo que respecta al aspecto de la película Denis Villeneuve y Roger Deakins pasaron bastante tiempo decidiendo la atmósfera adecuada para cada escenario, ya que cada uno es un mundo completamente único e imponente. En una entrevista con IndieWire, Deakins recuerda lo siguiente: “Había una catedral en particular que es un gran bloque de hormigón con dos tragaluces que deja pasar la luz de una forma muy interesante. Pensamos en un mundo artificial en el que la iluminación se mueve como la luz del sol. Fui con eso y con pequeños patrones. Denis quería que el espacio principal fuera una gran plataforma en medio de un estanque (basado en un diseño arquitectónico que habíamos visto). Y la idea era jugar con agua con patrones cáusticos para evocar diferentes emociones.”
Iluminación: Reflejo del agua Para estas escenas se utilizaron luces de anillo que se han convertido en una de las herramientas distintivas de este director, y en cada película, los anillos se hacen cada vez más grandes. “Teníamos una gran cantidad de tomas para disparar en esta ubicación en particular, así que mi problema era iluminar el espacio de tal manera que no me tomara mucho tiempo volver a encender para todos los ángulos. Esta plataforma estaba suspendida de motores de cadena a un promedio de 20 'por encima del centro del espacio. La potencia total habría sido de unos 17 Kw, pero como la lámpara se redujo a aproximadamente un 40%, no fue tan intensa.”
Filmación Deakins descartó la posibilidad de trabajar con una cámara de gran formato como la Arri Alexa 65 (3 veces un sensor más grande que el que se usó) para grabar con una ALEXA XT Studio de sensor “normal” para poder utilizar lentes ARRI/ Zeiss Master Prime ya que con estos pudo conseguir aperturas máximas de T1.3 y evitar los flares que los lentes adaptados para la otra cámara le hubieran ocasionado, así pudo obtener imágenes con poca profundidad de campo, bien iluminadas y limpias, en la resolución máxima de ArriRaw Open Gate 3.4K.
Deakins y Villeneuve son maestros en el uso del color para transmitir información casi subconsciente al espectador. Este trabajo demuestra la importancia de estos símbolos visuales al crear imágenes que no solo impresionan en primera instancia, si no que nos hacen reflexionar y sentir.
Deakins y Villeneuve usan el amarillo como fuente de información para el protagonista. Cada vez que se revela un punto importante de la trama, el amarillo está en la composición de alguna manera.
El uso de este color anaranjado crea una sensación de advertencia y precaución.
El verde típicamente connota vida y vitalidad. El personaje de “Joi” es una entidad con inteligencia artificial y sin forma física, pero este color da el mensaje de que es un ser “vivo”.
El rosa y el violeta se asocian con extravagancia, ambigüedad, inocencia, y romance.
Con el blanco se representa la verdad y la información, aparece en cualquier escena cuando el personaje se acerca a descubrir quién es realmente.
1917
El Épico Plano Secuencia
Los sucesos de esta historia ocurren en lo más crudo de la Primera Guerra Mundial, donde dos jóvenes soldados británicos, Schofield (George MacKay) y Blake (DeanCharles Chapman) reciben una importante misión aparentemente imposible. En una carrera contrarreloj, deberán atravesar el territorio enemigo para entregar un mensaje que evitará un mortífero ataque contra cientos de soldados, entre ellos el propio hermano de Blake. Arriesgando sus vidas para salvar a muchos más.
Ficha técnica Año: 2019 País: Reino Unido Dirección: Sam Mendes Producción: Pippa Harris, Callum McDougall, Sam Mendes, Jayne-Ann Tenggren Guión: Sam Mendes, Krysty Wilson-Cairns Música: Thomas Newman Fotografía: Roger Deakins Montaje: Lee Smith Género: Bélica, Épica, Drama
No cabe duda de que lo que ha conseguido Mendes en ‘1917’ no habría sido posible sin estar rodeado de otros talentos de primer nivel. El más importante de ellos un Roger Deakins que sabe exprimir a fondo las posibilidades que le daba la iluminación natural para que esa continuidad sea constante en todos los frentes. Y es que se está cambiando constantemente de escenarios y todos ellos son en exteriores, por lo que conseguir esa armonía visual era tan importante o más que el hecho de que los cortes de plano sean inapreciables.
La Técnica en 1917
El uso del plano secuencia en toda la película es un recurso que se está popularizando en muchas producciones, por un uso más narrativo o técnico, en 1917 se integra orgánicamente con la historia dejando sensaciones de inmersión en los espectadores. En una entrevista Roger Deakins nos comenta que: “Hasta que no ves la película en la gran pantalla con los planos unidos como si fuera solo uno, no llegas a darte cuenta de su poder de inmersión y cómo esta técnica te mete dentro de la película. No te das cuenta de que es un plano único y eso me pareció sorprendente.”
Nos explica cómo te engancha a la historia, porque “dejas de darte cuenta de que es un plano secuencia y quedas metido completamente en la historia, como si fuera un imán, el hecho de que sea un solo plano.” Nos explica que de alguna manera los cortes pueden distraer a la audiencia, incluso como montaje invisible, porque nos damos cuenta de ellos, aunque sea sensorialmente, pero en este caso no ocurre, la mayoría no se ha percatado de que no hay cortes hasta ya avanzada la trama.
https://www.youtube.com/watch?v=7AoDihSzFQ4
https://www.youtube.com/watch?v=J1uTW9IvL0Q
Los movimientos de cámara que transitan de locaciones. Hay una escena en específico donde el protagonista cruza por un río para avanzar hacia otro entorno y continuar su recorrido, en esta transición espacial Deakins explica: “Teníamos un completo sistema de cables que mueve la cámara a través del puente con George, mientras llega al otro lado, la cámara desciende con el cable, esta se desengancha del grip y corre con la cámara detrás del actor hacia la casa. Todo se maneja por control remoto desde un vehículo.”
Queda demostrado que fue un trabajo de coordinación total en el equipo y un completo manejo de las tecnologías mezcladas, trabajo medido al milímetro tanto en la preproducción como en rodaje. Y para lograr esta técnica también ayudó mucho construir los lugares por donde transita el personaje y hacer efectos especiales en set, dejando los efectos visuales para elementos más específicos como el edificio en llamas.
LA LUZ Y EL AL SERVICIO DEL El aspecto visual de la película Deakins habla del desafío que fue rodar utilizando un plano secuencia total y nos explica que:
Rodar en exteriores totalmente con luz natural Para conseguir la continuidad lumínica de los planos y escenas de una historia que transcurre en 2 días, Roger nos comenta que “propuse rodar toda la película con el cielo nublado para poder conseguir el influjo de imagen. Si estás corriendo a través de una trinchera y giras 360°, no puedes poner un reflector, por lo que no iluminamos ninguno de los exteriores.” De esta manera el director se arriesgó a tener una imagen sin rellenos ni luces añadidas de día para poder apostar por dinamismo en los encuadres y movimientos, con lo cual la película se hace mucho más realista y esto le aporta a la trama bélica y al viaje del mensajero.
https://www.youtube.com/watch?v=7AoDihSzFQ4
“En ocasiones, sientes que tienes que ver el entorno, pero al ser una historia tan íntima también quieres tratar con aquella intimidad de cada personaje. hubo que encontrar ese equilibrio y creo que lo descubrimos enseguida al diseñar el aspecto visual, creando bocetos, viendo diferentes versiones dibujadas en el storyboard para poder llegar a un plano abierto, si es demasiado obvio o no, cómo nos movemos para poder ver el entorno, cómo podemos intensificar el momento con un movimiento de cámara sin que sea demasiado ostentoso.” “Creo que logramos ese equilibrio, no queríamos tener que seguir a los personajes continuamente, hubo que encontrar maneras de ser más descriptivos” agrega.
https://www.youtube.com/watch?v=J1uTW9IvL0Q
ENCUADRE REALISMO La instancia más importante para la luz artificial fue lógicamente en la noche. Roger recreó las luces de bengala de guerra y la iluminación realista de un edificio totalmente en llamas por medio de una estructura construida como torre de luces, que fue reemplazada por efectos visuales en post producción por dicho edificio, pero se mantiene la iluminación realista del entorno también con ayuda de las partículas de humo que suavizan la luz y caracterizan la combustión. “Casi todas las películas que hago son bastante naturales y quiero dar la sensación de autenticidad, de que, si en una escena hay una pequeña llama encendida y al personaje se le debe iluminar la cara, hay que llegar a encontrar la forma de que se genere ese efecto en la cámara. Así que sí, estoy obsesionado con cómo lograr que las cosas se vean lo más realistas posibles. Y con ello vas a aprendiendo, con cada película, de vez en cuando te surge una idea que nunca antes has intentado y eso asusta, asusta no saber cómo saldrá o si funcionará, pero mientras más hagas más confianza tendrás y no será tan aterrador intentar cosas que nunca antes habías intentado.”
https://www.youtube.com/watch?v=ZUg1j3NT3i4
Entrevista a Roger Deakins Por Jeff Bridges
El papel del guion en la imagen Los inicios fotografía
de
un
director
de
Jeff Bridges: ¿Cómo empezaste en el mundo del cine? Roger Deakins: Fui escalando en la jerarquía técnica audiovisual. En primer lugar, después de estudiar fotografía, me dediqué a la fotografía fija durante un año, para poder aplicar a la National Film School. Empecé con videoclips y documentales donde aprendí a grabar de forma autónoma sin un director presente, por varios años de hecho. Jeff Bridges: ¿Qué crees que fue lo más importante para tí de esa etapa? Roger Deakins: Poder entrar a la National Film School me ayudó no solo a formarme, sino que también me acercó a la red de contactos que me permitieron empezar en el cine. Una de mis primeras producciones llegó a Cannes seguido de otros proyectos que me ayudaron a asentarme como cinematógrafo. Sin todo esto, probablemente hubiese terminado mi carrera como fotoperiodista.
Jeff Bridges: Cuando tienes el guion, ¿te afecta o no? Roger Deakins: Si no siento que es una película que me gustaría ir a ver al cine, no suelo querer trabajar en ella. Es demasiada implicación de tiempo en tu vida como para trabajar en algo en lo que no crees, especialmente a mi edad. La cuestión es que la imagen no cuenta la historia, sino que completa y acompaña a lo que se está mostrando en la cámara. El guion es clave para saber qué es y cómo hay que contar la historia, ya que de ello dependen asuntos tan importantes como los encuadres, la cadencia de planos o la paleta de colores que vamos a usar para contar esta historia.
Si no tenemos la motivación suficiente como para querer contar una historia, no merece la pena gastar una colosal cantidad de tiempo en preparar su estética.
“Lo que nunca hay que perder es la pasión por hacer algo, tanto para ser cinematógrafo como para cualquier puesto en la industria cinematográfica”
Fuentes: Biografía e inicios: https://www.imdb.com/name/nm0005683/bio https://www.rogerdeakins.com/wp-content/uploads/2020/11/Roger-Deakins-TFG-FINAL.pdf https://www.youtube.com/watch?v=1XzOqWs3XUI Blade Runner 2049: https://www.premiumbeat.com/blog/blade-runner-2049-lightingcinematography/?pl=PPC_GOO_CL_PB479496182140&cr=bc&kw=&gclsrc=aw.ds&gclid=Cj0KCQjwzYGGBhCTARIsAHdMTQzS7bk6be5tbzLEXj GkTlsf6R2CvDYqxrKiNzL1j1mz9j47eJaUZu4aAnBiEALw_wcB https://www.premiumbeat.com/blog/symmetry-color-cinematography-blade-runner/ ‘Inside the Making of 'Blade Runner 2049' | Created with Blade Runner 2049’ https://www.youtube.com/watch?v=T0kobbjpdUg http://www.harmonicacinema.com/blade-runner-2049/
1917: https://www.youtube.com/watch?v=7AoDihSzFQ4 https://www.youtube.com/watch?v=J1uTW9IvL0Q https://www.filmaffinity.com/es/film145446.html Entrevista: https://www.xatakafoto.com/fotografos/roger-deakins-el-cine-es-demasiado-exigente-comopara-aceptar-algo-que-no-te-apasiona Información general: https://www.espinof.com/criticas/1917-imprescindible-proeza-tecnica-que-brilla-tambien-emocional
Agradecimientos: Ruby Alvaro
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