Historia del dibujo i by Diana Idrovo

UNIVERSIDAD CENTRAL DEL ECUADOR

FACULTAD DE FILOSOFÍA, LETRAS Y CIENCIAS DE LA EDUCACIÓN

DISEÑO Y CULTURA ESTÉTICA

DIBUJO ARTÍSTICO

DIANA IDROVO

2º SEMESTRE

HISTORIA DEL DIBUJO

Dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar, como delineación, figura o imagen ejecutada en 1 claro y oscuro, que toma nombre del material con que se hace. El dibujo es una forma de expresión gráfica, plasmando imágenes sobre un espacio plano, por lo que forma parte de la bella arte conocida como pintura. Es una de las modalidades de las artes visuales. Se considera al dibujo como el lenguaje gráfico universal, utilizado por la humanidad para transmitir sus ideas, proyectos y, en un sentido más amplio, su cultura. Nos valemos del dibujo para representar objetos reales o ideas que, a veces, no podemos expresar fielmente con palabras. Los primeros dibujos conocidos se remontan a la prehistoria, como los que se encuentran en la Cueva de Altamira, donde nuestros antepasados representaron en los techos y paredes de las grutas lo que consideraban importante transmitir o expresar. De las primeras civilizaciones perduran escasos testimonios de dibujos, normalmente, por la fragilidad de sus soportes (se han hallado en ostraca y pinturas murales inacabadas), o porque eran un medio para elaborar posteriores pinturas, recubriéndolos con capas de color. Las culturas de la Antigua China, Mesopotamia, el valle del Indo, o el Antiguo Egipto nos han dejado muestras evidentes de ello, ideándose los primeros cánones de proporciones, como sucedió también en la Antigua Grecia y Roma. En la Edad Media se utilizó profusamente el dibujo, generalmente coloreado, para representar sobre pergaminos los temas religiosos tratados, a modo de explicación o alegoría de las historias escritas, primando lo simbólico sobre lo realista, incluso en sus proporciones y cánones. También la cultura islámica contribuyó con preciosos dibujos que acompañaban textos de anatomía, astronomía o astrología. Es en el Renacimiento cuando el dibujo eclosiona alcanzando sublimes cotas. Por primera vez se estudia el método de reflejar la realidad lo más fielmente posible, con arreglo a unas normas matemáticas y geométricas impecables: con Filippo Brunelleschi surge la perspectiva cónica. El dibujo, de la mano de los grandes artistas renacentistas cobra autonomía, adquiriendo valor propio en autorretratos, planos arquitectónicos y variados temas realistas –como los de Leonardo da Vinci–, además de seguir sirviendo como estudio previo imprescindible de otras artes, como la pintura, escultura, o arquitectura. Dibujos y pinturas de la cueva de Altamira.

En pocas palabras, el dibujo son líneas en orden para dar forma.

Dibujo artístico Dibujo artístico: Autorretrato de Durero a los 13 años. Dibujo de AlbrechtDürer de1484.

Es la representación de un objeto por medio de líneas que limitan sus formas y contornos. Se trata de una abstracción de nuestra mente que permite fijar la apariencia de la forma, puesto que el ojo sólo percibe masas coloreadas de diversa intensidad. Los dibujos artísticos suelen ser representaciones de objetos o escenas donde el artista ve, recuerda o imagina. Estos pueden ser realistas: un ejemplo son los retratos, o los dibujos arquitectónicos. El dibujo también puede llegar al grado de perder cierta aproximación con la realidad (como las caricaturas), relativamente alejados de la realidad (o los dibujos animados y los cómics), hasta llegar a lo surrealista y loabstracto. Proceso en el dibujo artístico: Apunte: Dibujo rápido que se usa para captar y recordar las características de lo que se va a dibujar después. Es especialmente útil cuando se dibujan exteriores o figuras en movimiento. Boceto: Prueba del dibujo en un papel aparte. Sirve para ayudar a decidir el encuadre, la composición, qué elementos se incluyen… Encajado: Líneas generales que se trazan en el papel definitivo (se tapan o borran después) que sirven como base del dibujo. Línea: Dibujo de los contornos. Se dibuja primero lo mas general y después el detalle. Sombreado: Para conseguir más realismo y volumen, se sombrean las zonas más oscuras. Las zonas de luz se pueden aclarar borrando o usando un lápiz de color blanco o similar. Color: Un dibujo puede llevar color, especialmente si está destinado a ser una ilustración (dibujo que acompaña a un texto en libros, carteles, etc.). El color se puede aplicar con varias técnicas: acuarela, tinta, lápiz de color, ordenador... El color puede ser plano (homogéneo) o con textura (apariencia irregular que se puede conseguir con el material, el papel, la técnica...). Correcciones: Los errores se pueden corregir: Borrando, cubriendo una zona del dibujo con pintura o un trozo de papel y dibujando sobre él, o escaneando el dibujo y modificándolo en un programa de retoque fotográfico (ej.: Photoshop). Con estos programas de retoque se pueden eliminar, añadir o resaltar cosas, mejorar contrastes y colores... Un modo de dibujo a mano alzada es el realizado sobre la marcha, sin correcciones posteriores, por viajeros, exploradores, científicos. A este tipo de dibujos se les conoce como Cuadernos de campo. Como ejemplo se pueden citar al colombiano Juan José Gutiérrez, al alemánWilhelmFilchner y al español Julio Caro Baroja. Proporción: La proporción en el dibujo es muy importante, ya que está dará al objeto representado la armonía necesaria al relacionar correctamente todos los elementos que lo conforman. Un consejo útil y práctico al momento de realizar el encuadre del dibujo, es colocar esté frente a un

espejo, de esta manera descubriremos si nuestra obra se encuentra bien proporcionada y si guarda la simetría correspondiente; esto es muy útil en especial con los dibujos del rostro y en retratos. En ocasiones nuestro ojo suele "engañarnos" al momento de dibujar y resulta que al terminar un trabajo, desde nuestra mirada puede parecernos correcto y bien encajado, mas al colocarlo frente al espejo se descubren algunos errores de proporción y, es conveniente no olvidar que es asi como lo verá el espectador. Esto se corrige con la práctica constante y recordando que es muy importante la observación para que podamos relacionar correctamente todos los elementos del objeto a dibujar y lograr asi una representación correcta. Otras formas de evaluar si nuestro dibujo es correcto son: colocarlo al revés, mirarlo a contraluz por el reverso de la hoja y, colocar nuestra hoja un poco más abajo para cambiar nuestra perspectiva al mirarla.

INSTRUMENTOS

Materiales de dibujo Materiales de dibujo son todos los objetos que se emplean para realizar un dibujo, como el papel (que es el soporte), y el lápiz (que es el instrumento). Entre los instrumentos de dibujo, el más común es el lápiz, y hay una gran variedad, dependiendo de la dureza de su grafo (blando y duro) y de la presentación que puede ser un lápiz común, o un lápiz mecánico. La dureza del grafo está indicada por un número y una letra. La letra nos indica si es duro (H), o blando (B), y el número nos da el grado de dureza que tienen respectivamente, y comienza en “2”, pues el uno se indica con la letra sola, por ejemplo: el lápiz más duro es el 2H, uno intermedio es el HB, que no es ni blando ni duro, el más blando es el 7B. Otros instrumentos son la pluma (para trabajar con tinta), el carbón (que proviene de la quema de una ramita de sauce, aunque puede venir en forma de lápiz), el pastel (puede ser de tiza o al óleo), el crayón (es un color graso), el rapidógrafo (para trazado con tinta china), el rotulador (es una fibra que emplea tinta). También están las gomas de borrar, que vienen en diversas formas y para distintos usos, lápiz, tinta, tinta china. Los afilalápices son muy importantes, pues de su calidad depende el buen filo del lápiz, y de este la calidad del dibujo. Los soportes: el más común es el papel, y puede ser de muchas clases. Los papeles se clasifican por su peso, grano, material. El peso determina el grosor del papel, un papel liviano sirve para dibujo a lápiz, pero si es muy fino, no sirve para pintar, para acuarelar es necesario un papel grueso. El grano determina el tipo de superficie del papel, los de grano fino son lisos y brillantes, los de grano grueso son ásperos, ideales para el dibujo a mano alzada y el lápiz. El material puede ser celulosa pura, o con diferentes mezclas de otros materiales, como la tela, empleado para acuarelar. También puede usarse el cartón como soporte, u otros materiales en los que se pueda emplear el instrumento que elegimos para dibujar.

Historia del lápiz de grafito En 1564 se descubrió el grafito, en Cumberland, (Inglaterra, cercana a la frontera con Escocia). Esto permitió la invención de los lápices de grafito. A partir de la mitad del Siglo XVII, las minas inglesas de grafito eran explotadas por la corona, y servían también para la fundición de cañones y su producción estaba muy reglamentada, por lo que se penaba con pena de muerte al obrero que llegara a extraer un fragmento de dicho material. En 1760, el químico Kaspar Faber, artesano de Baviera, Alemania, mezcló grafito con polvo de azufre, antimonio y resinas, hasta que dio con una masa espesa y viscosa que, convertida en varita, se conservaba más firme que el grafito puro. El lápiz, conocido en todo el mundo, es originario de Nuremberg. Los "Bleystefftmachter" son conocidos en Nuremberg desde 1659. El fabricante Lothar von Faber de Stein, cerca de Nuremberg, fue el primero en Alemania en utilizar modernas técnicas de fabricación y de esta forma convirtió el lápiz en un bien común. Hasta la fecha, las empresas de Nuremberg tales como Faber-Castell, Staedler y Lyro son líderes absolutos en la producción de lápices. En 1792 se cortaron las relaciones entre Francia e Inglaterra. Esto hizo que el ingeniero francésJacques-Nicolás Conté , ideara unos lápìces de grafito y arcilla, rodeados de madera de cedro. Pronto se impusieron en todo el mundo. Aunque otras documentaciones indican que el verdadero inventor fue el hijo de un carpintero, el austríaco Josef Hardtmuth La dureza de los lápices depende de la proporción entre grafito (una variedad del carbono) y arcilla: cuanto más grafito se utilice, más blando u oscuro es el trazo del lápiz. Se mezclaba polvo de grafito con arcilla, cortando en pequeñas barras que luego se cocían. En 1812 el estadounidense William Monroe perfeccionó este proceso. John Eberhard (nacido en 1822) construyó la primera fábrica de lápices en gran escala, en Estados Unidos de América.

HISTORIA DEL CARBONCILLO El primer material que utilizó el hombre para dibujar fue una rama carbonizada de sauce, de vid o de nogal: el carboncillo. Un medio primitivo usado por los griegos, los romanos, los artistas de la Edad Media y del Renacimiento, con el que proyectaban y dibujaban sus murales. En el siglo XVI, cuando se descubrió el fijador, el carboncillo sobre papel blanco y azulado era el medio favorito de los venecianos

Tiziano

Tintoretto,

mientras

Guercino

era

entusiasta del carboncillo bañado con aceite de linaza, con lo que se conseguía

negro

más

intenso

estable.

Como variantes del carboncillo y el lápiz carbón se fabrican varios productos de excelente rendimiento

calidad.

Son

carbón

vegetal

artificial,

comprimido, en algunos casos mezclado con arcilla y añadiendo siempre

sustancias

aglutinantes,

logrando

conjunto

estabilidad del lápiz carbón y (sobre todo en las gradaciones blandas) la intensidad y fluidez de los colores al pastel. Cabe destacar las minas redondas con mezcla de arcilla de un negro intenso,

mate,

inalterable

incluso

difícil

borrar.

El pintar al carboncillo es todo un reto, aunque se puede modificar y borrar, es la base principal para cualquier pintor, yo pienso que para pintar, hay que saber dibujar, y el dibujo se empieza con

lapiceros.

Hay grandes ártitas que tienen obras en carboncillos, y bocetos de obras acabadas finalmente en oleo, que siendo eso, un boceto, han sido pagado en colecciones de pintores, igual o más que el cuadro

oleo.

Una vez encajado el dibujo, el darle la profundidad, brillo, sombras, es difuminar el propio dibujo o

darle

más

carboncillo

partes

que

requiera.

Es una técnica más, dentro del Arte... de la pintura, y digna de mencionar. SEPIA

Sepia es una materia colorante obtenida de las bolsas de tinta de varios cefalópodos, en especial la sepia y la jibia, que se utiliza en la pintura a la aguada o a la tinta. Es de un color marrón muy fuerte, oscuro y semitransparente. Diluido, permite obtener una amplia gama de tonos. Es poco resistente a la luz. Estamos hablando, en este caso, de un pigmento natural de origen animal que emplea agua y (o) goma arábiga como aglutinante en su proceso de elaboración. Al referirnos al dibujo en sepia no solemos hacer alusión a lasepia propiamente dicha sino que hablamos de dibujo a barra desepia o dibujo a lápiz de sepia. En este caso, que es el que nos ocupa y estamos trabajando en el aula, hablamos de un pigmento mineral, una tierra natural que contiene hierro y manganeso. El color varía según la tierra que se utilice en su elaboración: dos barras o dos lápices, de dos marcas diferentes, tendrán un color y una textura diferente, una puede ser más rojiza y otra más verdosa, por ejemplo, una mas blanda y otra más dura... Las barras y lápices que encontramos en el mercado, comercializadas como sepia, no sabemos muy bien de qué están hechas. Algunas son pasteles, otras, cretas o tizas. En ambos casos suelen ser manejables y de buena calidad. No es aconsejable usar barras de cera para el tipo de trabajo que nos ocupa.

Siempre que deseemos que nuestro trabajo tenga permanencia recordemos que debemos comprar materiales de primera calidad, casi siempre los más caros. No obstante, es muy orientativo, a la hora de comprar nuestras barras o cualquier otro tipo de materiales con pigmentos, fijarnos en las indicaciones acerca de la resistencia a la luz; las marcas de calidad suelen indicarlo (una, dos o tres +, por ejemplo). Para hacer ejercicios que no tengamos intención de conservar, bastará con utilizar materiales que se adapten a nuestro gusto o manera de trabajar: textura, dureza etc. que nos resulten cómodas. SANGUINA

La sanguina es una técnica pictórica basada en una variedad de óxido férrico llamada hematites,que se presenta bajo la forma de polvo, barra o placa. Puede tener distintas tonalidades, todas ellas en la gama del rojo de ahí su nombre, ya que recuerda a la sangre-, desde el rojo anaranjado hasta el rojo pardovioláceo. Llamada antiguamente sinopia –por la ciudad turca de Sinope, de donde procedía la hematites-, fue utilizada en principio para dibujos preparatorios del fresco: el trazado de sanguina era aplicado directamente sobre el revestimiento del muro que se iba a pintar. La sanguina se convirtió en técnica de dibujo propiamente dicha a finales del siglo XIV: fue empleada entonces sobre un soporte de papel, bien bajo su forma sólida –trazo dejado por la barra de sanguina-, bien bajo su forma líquida –agua aplicada con el pincel-, y mezclada a menudo con otras técnicas: plumilla, piedra negra o tiza blanca. Las cualidades esenciales de este material son la luminosidad y el poder ilusionista en el acabado de las encarnaciones, que hacen de esta técnica la ideal para dos tipos de estudio: el retrato y el desnudo. La sanguina ha sido utilizada por numerosos pintores, especialmente Leonardo, Miguel Ángel,Pontormo, Claude Lorrain, Charles Le Brun, Jean-Honoré Fragonard y los impresionistas franceses –Manet, Renoir, Morisot, etc.

TÉCNICAS DEL DIBUJO SECAS Grafito, carbón, pastel, lápices de colores, sanguina y sepia. HÚMEDAS Pincel y tinta, pluma y tinta, rotuladores y estilógrafos.

TÉCNICAS SECAS PASTEL     

difuminos, bastoncillos, dedos para degradar fijador sobre papel de lija y otros (Ingres, Canson,) se pueden utilizar sobre témpera seca Eduard Degas .

CERAS     

disolvente universal para acuarelar soporte papel de lija y otros probar con colores oscuros sobre claros y al revés se funden con planchado esgrafiado: capas superpuestas y rayado .

COMBINADO CERAS Y OTROS ( acuarelas, tintas o acrílicos fluidos)   

- tintas rellenan huecos entre el dibujo a ceras, se puede dibujar con más cera cuando seque - proceder al revés que lo anterior - ceras sobre papel rugoso y encima acuarela, dejar secar y aplicar pintura acrílica en toda la superficie y con un destornillador, por ejemplo, se realiza raspado mientras esté húmedo el acrílico (especie de esgrafiado) .

CERAS DURAS  

plancha utilizar como los lapiceros de colores

LÁPICES DE COLOR    

- superponer colores - degradados por diferente presión - superponer líneas en distintas direcciones - lápices acuarelables: pasar el pincel humedecido en agua sobre los trazos del lápiz conseguir el efecto acuarela .

ROTULADORES BOLÍGRAFOS DE COLORES LÁPIZ CONTÉ  

negro, blanco, sanguina, sepia y de colores soporte cartulina canson tono medio (gris y otros). Grisalla.

 

utilizar la barra con la punta y los laterales difuminos .

CARBONCILLO  

papel, cartulina no liso ni satinado gomas, difuminos, trapos .

TÉCNICAS HÚMEDAS PINCELES    

- suaves: de pelo de marta, de pelo de buey, sintéticos - duros: de cerda - redondos y planos. - Utensilios alternativos: Esponjas, espátulas, plásticos, tampones, aerógrafos, sopladores, spray....

TINTAS Destacan por su trasparencia y vivacidad          

- se pueden diluir en agua para aclarar el color - utilizar con: - con plumillas o también de caña natural o de caña de ave (papel con poco grano) - con pincel (soporte cartulina absorbente tipo acuarela con más o menos grano ) - sopladores, aerógrafo, salpicados.. - pintar: - directo sobre el papel - pincel casi seco - pincel muy húmedo - mojando previamente el papel para fondos muy aguados y casi uniformes .

ACUARELA transparencia      

- se compran en pastillas y en tubos - soporte cartulina muy absorbente y las hay de distinto grano. Papel Arches rugoso. Papel Waterford liso. - húmedo sobre húmedo (superficie mojada previamente) - en superficie seca con pincel muy mojado o más seco - fluido enmascarador (opcional) - lavado: película uniforme de acuarela bien diluida en agua para cubrir

       

grandes superficies o fondo - se puede quitar parte de acuarela húmeda con esponja (efecto nubes) - conseguir efectos degradados - superposición de colores (efecto multicolor)- no repetir la pincelada - efecto de nube añadiendo gotas de agua o gotas de tonos oscuros en superficie húmeda - superposición de capas primera capa seca - sobre acuarela seca se puede raspar con cuter o pasar lija por encima - utilizar acuarela sólo punteando en seco (mezcla óptica)- puntillismo: toques de colores complementarios origina contraste - se pueden frotar ceras sobre acuarela seca .

TÉMPERAS O GOUACHES gran opacidad, gouaches pintura de más calidad.   

    

- pero se pueden utilizar con mucho agua y dan aspecto de acuarela - después de témpera seca se puede aplicar acuarela - como soportes probar cartulinas de distintos tipos absorbentes y también de colores medios y así aprovechar transparencias con témpera aguada - apreciar diferencias utilizando fondo de colores fríos ó colores cálidos - probar técnica de rayado - probar texturas con la espátula - combinación óptica de colores punteados (jugar con complementarios) - lo mismo superponiendo colores (en seco) sin tapar totalmente el de la capa anterior .

ACRÍLICOS pintura al agua 

         

- soluble en agua cuando están húmedos, una vez secos son resistentes al agua y no amarillean- pincel, sopladores, aerógrafo, espátula, rascadores (tarjeta dura)... - hay retardadores de secado (opcional) - soportes: cartón pluma, cartón, cartón ondulado, cartulinas, papel acuarela... - técnicas transparentes, se obtienen efectos de acuarela: - probar a superponer capas de color bastante fluidas sobre fondo seco y también húmedo para obtener transparencias - pintar humedeciendo el papel previamente así la pintura se difumina sobre la zona mojada. - técnicas opacas: - producir distintas texturas: empastados, rayados, rascados, con espátula... - probar veladuras sobre opaco - máscaras: plantillas de cartulina o de plástico, cinta adhesiva... - probar con la máscara recortada en la forma deseada y extender

pintura con un rascador sobre la máscara o plantilla .

OTRAS:        

Dripping técnica de Jackson Pollock: gotear, derramar, salpicar, sacudir la pintura violentamente. Frotados Esgrafiados Estarcidos Salpicados Lavados Empastados Difuminados

TECNICAS DEL DIBUJO – EMILIO FREIXAS

Emilio Freixas Aranguren (1889-1976), dibujante y autor de cómic español, considerado uno de los grandes maestros de la historieta y uno de los pedagogos más importantes de la historia contemporánea del dibujo. Nació en Barcelona y fue primero discípulo del pintor Emilio Casals y después del taller de escenografía teatral de Bulbena y Girbal. Su carrera como ilustrador se inició mediada la década de 1920 en revistas como El Hogar y la Moda y Lecturas, que compaginaba con su labor en la editorial Molino como ilustrador de cuentos clásicos, que le darían inmediata fama y popularidad .En 1935 empezó como historietista en larevista Mickey de la editorial antes citada, en la que prosiguió primero ilustrando textos literarios, en este caso novelas de aventuras. En 1939 comenzó a trabajar en la mítica revista Chicos como portadista y autor de tiras propias. Entre 1944 y 1949 desarrolló en distintas publicaciones (Colección Mosquito y El Gran Chicos). Freixas fue el creador de personajes como El Capitán Misterio que pasaría a llamarse Capitán Esfinge en las publicaciones argentinas y El Murciélago Humano, dos héroes de papel que han pasado a formar parte de la historia del cómic español. Fue premiado con numerosas distinciones, entre ellas: Mejor dibujante por la NationalCartoonistSociety de Nueva York (1947); Mejor dibujante en el

Congreso Internacional de Cómics de Nueva York (1952); Mejor dibujante en la Convención Internacional del Cómic (1972) y muchas otras. En 1950 abandonó el mundo del cómic para dedicarse exclusivamente a sus Lecciones de dibujo, (El famoso “Metodo Freixas de dibujo”), que han sido básicas en la formación de varias generaciones de dibujantes. De estas lecciones de dibujo, realizó innumerables series de carpetas con dibujos (alrededor de 60), desde la iniciación aldibujo, pasando por: dibujos de paisajes, animales, deportes, castillos, ferrocarriles, caballos y muchas más. Cuadernos de láminas de dibujo Artístico de Emilio Freixas, hay 40 archivos (Cuadernos de Laminas) en PDF. Vienen desde Geometría artística a ferrocarriles, barcos, animales, aves, dinosaurios, personas, personajes medievales,autos, vestimentas, castillos, paisajes y jardines, etc.