Revista by Diego peña

MAYO / 2016

/DIBUJO - PAGINA. 18

créditos DIRECTOR DE ARTE T / J. DARÍO FORERO ALDANA DISEÑO GRÁFICO / DIEGO PEÑA SERGIO CAMELO REDACCIÓN / NADIA OROZCO M. LORENA MACHADO DANIELA MACHADO VICTORIA CORNEJO JESSICA LUCHINI ANTONIO ALARCÓN MAYRA HERNÁNDEZ CORRECCIÓN DE ESTILO / ÓSCAR ARANGO ARBOLEDA EDITOR DE FOTOGRAFÍA / GUSTAVO MARTÍNEZ PRESIDENTE CONCEJO EDITORIAL / GONZALO CÓRDOBA MALLARINO GERENTE GENERAL / EDUARDO GARCÉS LÓPEZ DIRECTORA MULTIPLATAFORMA ANDO / MARIANGELA RUBBINI Q.

COORDINADORA DE MARCA / GINA P. MORALES FOTÓGRAFOS / MIGUEL ÁNGEL TORRES JUAN JOSÉ HORTA ANDRÉS ALVARADO RAFAEL PIÑEROS GUSTAVO MATÍNEZ ALEJANDRA MAR JORGE OVIEDO ÁLVARO CORZO MARIANA REYES DAVID SCHWARZ JUAN PAEZ EL GATO ARCHIVO FOTOGRÁFICO / RICARDO ANDRADE MORA ELIZABETH VILLALOBOS EDITOR / JUAN PABLO CASTIBLANCO RICAURTE GERENTE DE MERCADEO RELACIONAL / ELVA LUCÍA DAZA A. GERENTE DE PRODUCCIÓN / FABIO CHICA

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Editorial

s un verdadero orgullo presentar ante sus ojos, estimado elctor, esta primera edición de la revista ando. Esta revista comenzó con un trabajo para la universidad de parte de nuestro editor, ahora se ha convertido en un sueño hecho realidad. Ando hace referencia al prefijo común de algunos verbos, ilustrando, dibujando, animando, etc. En esta edición encontrará algunas entrevistas de ilustradores famosos en sus diferentes ámbitos, biografías

inspiradoras, datos curiosos y concejos prácticos para su proyecto y desarrollo personales. Además encontrar un deleitable énfasis en autores latinoamericanos, sin excluir algunos otros de orígenes diversos que serán un ejemplo e inspiración para nuestros lectores. Esperamos que goce de esta emocionante y útil experiencia, que jamás deje a un lado sus aspiraciones y encuentre en este ejemplar motivos para continuar. Att: Dirección y Redacción

sumario

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Dibujo

ROGER YCASA

TALENTO Y DÍAS ILUSTRADOS POR: NADIA OROZCO

oger Ycaza López es un ilustzrador ecuatoriano que viene del diseño industrial, se especializó en diseño gráfico, ha ganado diferentes reconocimientos en el campo de la literatura infantil pero que además se las ingenia para producir en el campo musical, con su banda Mamá Vudú. Ycaza frenó por unos días sus ocupaciones en su natal Ecuador para visitar Bogotá y ser parte del Congreso Internacional de Ilustración, que se lleva a cabo en el marco de la Feria Internacional del Libro de Bogotá FILBo 2016. En su visita viene acompañado de una serie de obras que estarán expuestas en Centro Cultural Gabriel García Márquez en el Fondo de Cultura Económica y que se podrá ver hasta el próximo 30 de mayo de 2016. Este artista ecuatoriano cuenta con varios reconocimientos por su trabajo en ilustración infantil, entre ellos el Premio a la Orilla del Viento 2014, por su álbum ilustrado Los días raros, en el que trabajó junto a la autora y también ilustradora María Fernanda Heredia. Este libro es uno de los atractivos principales en el campo de la literatura infantil en la FILBo 2016. ANDO · MAYO / 5

El estilo de ilustración de Roger Ycaza tiene entre sus características principales y sus claves, los personajes sencillos y contundentes, colorido certero y buena composición. Sus obras tienen un contraste encantador entre el color impactante con una aparente soledad en las situaciones que plantea pero sin caer en escenas melancólicas, mas bien inquietantes. La trayectoria de Roger Ycaza en el campo de la ilustración editorial es extensa, cuenta con mas de 60 colaboraciones en cuentos y novelas juveniles, a los que se suma su incursión como creador de sus propias historias, con lo cual sus propuestas se hacen mas personales, lo que seguramente solidificará aún mas su estilo gráfico y narrativo. Compartimos algunas de las obras de este genial e inspirador ilustrador ecuatoriano, ilustraciones tomadas de su website y blog y que esperamos sirvan de adelanto e invitación a conocer mas de su estilo, no solo visitando su portafolio en Internet, sino también yendo a su exposición en el Fondo de Cultura Económica y a las actividades de las que hará parte en la FILBo 2016.

los olvidados /

Imagen tomada la página oficial http://rogerycaza.com/

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ENTREVISTA “Las caras explican historias” · Paula Bonet · P o r : D i e g o P e ñ a.

mpulsiva, directa, melancólica, inconsciente. Son adjetivos que definen a la joven ilustradora Paula Bonet que ha logrado, tras muchos años de trabajo invisible, que sus dibujos emocionen a miles de personas. Bonet empezó pintando cuadros al óleo y, desde hace cuatro años, se ha centrado en las ilustraciones, terreno en el que ha logrado consolidar una marca de dibujos muy personales, sugerentes, femeninos y frescos, en los que predominan los retratos y donde nunca falta su color preferido: el rojo. La artista empezó tomándose a ella misma como modelo y, ahora, muchos de sus retratos o dibujos tienen, inconscientemente, algo de Paula.

es el libro Qué hacer cuando en la pantalla aparece The End (L unw er g), con el que cierra un nuevo ciclo: publicar un trabajo en el que texto y dibujos son de su autoría. Como gran amante de la música y de la literatura, Paula Bonet, es ahora feliz en el mundo editorial, una relación que desea que tenga un final muy, muy tardío. Esta es Bonet en 21 trazos.

Sus creaciones han visto la luz en diferentes formatos: desde libros, diarios y revistas, hoteles, restaurantes o escenografías musicales como la de la obra T’estimo, ets pefecte, ja et canviaré dirigida por Elisenda Roca. Su nuevo reto profesional ANDO · MAYO / 7

ENTREVISTA

ibujar o escribir sobre finales es una manera personal de liberarse? -Sí, y de cerrar ciclos. El título del libro es un título para un cuadro que hice en 2005 cuando quería cerrar un momento concreto, y que al final he finalizado ahora (Sonríe). Hasta que no me he enfrentado a este libro y a la responsabilidad de que texto y dibujo tengan mi autoría no he podido cerrar este ciclo, aunque todavía me quedan muchas otras cosas por cerrar. -¿Qué le atrae de los finales? -El hecho de que no sean definitivos y de que, en cualquier tipo de relación, un final no sirva para acabar con todo y que aquello desaparezca, sino para cambiar el tipo de relación. Me parece muy interesante ver cómo nos relacionamos y tener en cuenta todos los matices de los que podemos disfrutar. -La impresión que tengo es que socialmente huimos de los finales llegando, incluso, a alargar situaciones o relaciones que son tóxicas para nosotros… -Yo es que soy bastante radical, y cuando se acaba, se acaba (Sonríe). Supongo que la tendencia social que comentas tiene que ver con la fragilidad humana y el miedo a que te hagan daño o a la novedad. Lo desconocido tiene un atractivo evidente pero, a su vez, nos causa inseguridad ya que supone enfrentarte a algo que no sabes cómo resultará. -¿Usted es de las que siente miedo a la hora de enfrentarse a nuevos encargos o proyectos?

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-Yo soy bastante inconsciente (Sonríe). Cada vez pienso más las cosas y las analizo con más calma, pero durante muchos años he sido bastante impulsiva y no pensaba en las consecuencias de lo que hacía. Hay veces que esta actitud me ha ido bien, y otras no tanto. -Qué le supone un mayor reto, ¿expresar emoción a través de sus dibujos, o buscar las palabras adecuadas a sus ilustraciones? -Buscar las palabras. Este no es un libro de relatos ilustrados, los he escrito con mucho respeto y siendo consciente de que son los textos de una ilustradora. El reto de los textos me lo puse sola, no es una idea de la editorial, por lo que era consciente de que en cualquier momento podía cambiar de idea. No tener la presión de saber que los iba a publicar me ha ayudado en el proceso creativo que se ha alargado durante más de un año. -Muchas de las ilustraciones de este trabajo desprenden melancolía. ¿Van con su manera de ser? -Mucho. No me gusta perder a personas que en un momento determinado han formado parte de mi vida y que me han podido ayudar, aunque ahora no estén tan presentes. Me gusta recordar las cosas bonitas, y aprender de

las que no lo han sido tanto. Hay una cita en el libro que dice “olvidas aquellas cosas que quieres recordar y recuerdas las que quieres olvidar”. Esto es lo que intento hacer (Sonríe). -La veo en muchos de sus dibujos. ¿Busca sobreexponerse? -No es algo buscado, ni mucho menos. Lo que sucede es que cuando empecé a dibujar vivía sola y el referente era yo misma. Ahora que apenas hago autoretrato, en el libro sólo hay dos, aparezco de alguna manera en las caras que dibujo, pero es algo totalmente inconsciente. Al final, todos los que creamos partimos de uno mismo. Muchas de las historias que plasmo no me han sucedido a mí, pero el mero hecho de haberlas escogido y explicado ya están diciendo mucho de mí y, en cierto modo, me están retratando. -¿Ha conocido aspectos suyos que desconocía gracias a sus autoretratos? -Sí. Siempre me he considerado muy masculina y gracias a estos dibujos he descubierto que no lo soy tanto. Dibujando aprendes cosas de ti y también aprendes a aceptarlas. -¿Qué le atrae de los rostros? -Las caras explican historias. Me gusta dibujar a la gente que quiero, a personas de

mi entorno. No busco la belleza por la belleza, me gusta buscar bellezas muy particulares y que los dibujos expliquen cosas. Dibujar a alguien a quien quiero es estar con esa persona, y siempre le pondré mucho más cariño que si dibujo a un desconocido. -¿Qué representa el rojo en su obra? -Cuando eres adolescente sueles obsesionarte por cosas, y cuando hacía bellas artes me obsesioné con el color rojo. Recuerdo que un amigo me regaló una caja de zapatos con todos los óleos rojos del mercado. ¡Es uno de los mejores regalos de aniversario que me han hecho nunca! (Sonríe) Estuve casi cuatro años pintando sólo con óleos rojos y eso fue un gran problema porque, al final, no sabía como salir de ese color. Sentía que los cuadros que no tenían ese rojo perdían la fuerza. -¿Cómo pudo liberarse de esta obsesión? -A raíz de empezar a hacer ilustraciones. Siempre he trabajado la imagen construyéndola en planos. Construir en línea me parecía muy complicado y me parecía todo muy concreto y estudiado. Hacer unos dibujos donde sólo había línea negra me suponía un esfuerzo muy grande, así que mi momento de liberación era la hora de poner un poco de color; está claro que escogí el rojo. Esta

era la forma que tenía de darles más libertad a los dibujos y construir algo más plástico. -Al final ha quedado como una seña propia de identidad en sus dibujos… -Sí, aunque es algo que me sorprende porque, más allá de unos mofletes rojos, hay un trabajo de líneas muy elaborado (Sonríe). Por una parte es positivo porque hay esa identificación pero, por otra, es un poco desconcertante que la gente se quede con la anécdota. -¿Por qué pasó de pintar al óleo a dedicarse a la ilustración? -Fue el azar, la necesidad de hacer un tipo de imágenes que no implicaran tanto tiempo de producción. Primero, decidí hacer fotografías, pero no me veía reflejada, ni quedaba clara mi autoría. Así que empecé a plantearme a hacer los dibujos que ya hacía antes pero en soporte papel. -Se ha convertido en una artista mediática ¿Qué le hace aceptar o rechazar ahora mismo uno de los numerosos encargos que debe tener? -Hay una parte visceral y de comunión con el proyecto. Si es algo que tiene que ver con mi sensibilidad o un campo artístico que me interesa suelo decir que sí. También si es un campo radicalmente opuesto al mío en el

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que veo que mi trabajo puede complementar a otra persona. Lo que me cuesta es vincularme con determinadas marcas que no tiene nada que ver con mi trabajo, o proyectos en los que veo que mis imágenes se multiplicarán y saturarán visualmente el espacio. -Saturar el espacio. ¿Qué pasó, entonces, por su cabeza, cuando vio a media Barcelona engalanada con ilustraciones suyas para promocionar la obra de teatro T’estimo, ets perfecte, ja et canviaré? -Recuerdo que cuando se estrenó hace un año iba con la cámara buscando banderas por toda la ciudad. ¡Me emocionó mucho! Ahora ya lo vivo de otra manera. En ese momento tuve muy poco tiempo para hacer los dibujos y el producto estuvo en la calle sin un tiempo de reposo, por lo que todavía me lo sentía muy mío. Ahora lo veo más como espectadora y pienso que la gente se los ha hecho suyos. -En Valencia ilustró los carteles del festival de cine de La Cabina y la gente se los hizo tan suyos que acabaron arrancándolos para llevárselos a casa. ¿Cómo vivió este episodio? -Es otro mundo, recuerdo que los organizadores del festival me llamaron enfadados. Fue un trabajo que hice para unos amigos

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y bastante por amor al arte; no me esperaba en absoluto que pasara esto. Lo pasé muy mal, aunque creo que todo se sacó de contexto y se buscó cierto tono amarillento que no me gustó nada. ¡La gente no sabía ni de qué era el festival! -Olvide por el momento ese punto sensacionalista. No deja de ser gente que se pelea por tener una ilustración suya. ¿Cuesta mantener los pies en el suelo cuando pasan estas cosas? -Yo los tengo en el suelo en todo momento. Es muy bonito que la gente quiera llevarse un trabajo tuyo a su casa y, al final, el objetivo principal del arte es transmitir. -¿Qué quiere transmi-

tir con sus trabajos? -Cada ilustración transmite algo distinto. Intento hablar desde un punto de vista de la mujer, aunque es algo muy difícil porque todavía se nos juzga de una manera distinta a como se juzga a los hombres. Muchos atributos femeninos se infravaloran. -¿Empezó a dibujar por amor? -Los dibujos empezaron como un proyecto paralelo a la pintura al óleo. Un proyecto que era muy íntimo y, cuando eso pasa, el amor mueve montañas. Los dibujos eran una forma de comunicarme con alguien que escribía muy bien y, para estar al nivel, decidí dibujar. Él me hablaba con palabras y yo con dibujos. Aún así, hay otras

motivaciones, no es la única. -Imagino, pero esta tiene el sello emocional de sus ilustraciones. ¿Barcelona es una de las mejores ciudades para pozder vivir del arte? -Barcelona es impresionante. Hace dos años que me he mudado aquí y la quiero mucho. Han pasado muchos años hasta que he podido vivir de mis obras, y el primer lugar donde se valoró lo que hacía fue en esta ciudad. -Para acabar, que sé que le gusta. ¿Qué banda sonora le ponemos a esta entrevista? -He estado a gusto (Sonríe). Aunque caiga en el tópico, alguna de Mishima o de Inspira.

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CONCEPT ART

YURI SHWEDOFF

PINTURA E ILUSTRACIÓN POR: LORENA MACHADO

uri Shwedoff es un artista llamativo con un portafolio inquietante, su trabajo es variado ya que se mueve entre la pintura y la ilustración para videojuegos, pero también explora la fotografía y el video. Shwedoff tiene una amplia trayectoria en el campo de los videojuegos, creando escenas impactantes en las que los personajes transmiten inquietud, ya sea por la poca expresividad de sus rostros o por el ambiente post apocalíptico que reina en su obra, lo que sumado a un uso restringido y particular del color, deriva en un estilo que se acerca a lo surrealista. De lo mas llamativo en la ilustración de este artista ruso es su técnica compleja y detallada, su website exhibe piezas a muy buen tamaño en las que se puede apreciar lo minucioso de su trabajo y como no deja nada al azar, mas bien busca que sus personajes, espacios y objetos se acerquen a la perfección. Yuri Shwedoff no comparte mucha información personales pero su extenso portafolio deja ver su larga trayectoria en el campo de la creación gráfica y como su obra ha ido variando con el paso del tiempo y evolucionando hacia un color

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menos contrastado y situaciones misteriosas. Las obras de Shwedoff tienen una fuerte influencia de la ciencia ficción y por eso es frecuente ver escenarios desolados en los que solo se muestra un personaje con una nave, o escenas de enfrentamientos con objetos futuristas, aspectos que contrastan con su técnica y color mas apegado a tradicional, logrando un equilibrio interesante entre el futurismo y lo clásico. Muchas de las obras de este artista ruso se encuentran disponibles para ser adquiridas, tanto en originales como en impresiones digitales; esto para los seguidores de su obra, ya que los artistas interesados en su modo de trabajo tienen la opción de adquirir tutoriales en los que comparte detalles de su estilo y procesos. En ambos casos las vía para conocer mas sobre este artista y sus productos son las redes, en donde tiene una fuerte presencia y muchos seguidores. Compartimos diez de las obras de Yuri Shwedoff, un artista que impacta por su depurada técnica, sus composiciones post apocalípticas y sus atmósferas inquietantes, sin duda un referente en muchos sentidos.

Imagen tomada la página oficial http://http://www.yurishwedoff. gallery/

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ENTREVISTA

EL TALENTO DE UN CONCEPT ART INSPIRADOR POR: NADIA OROZCO

oy Juan Pablo Roldán, nací en la ciudad de Manizales y hace 10 años vivo en Medellín. Mi carrera como diseñador comenzó en Manizales, donde estudié diseño gráfico y trabajé como freelance por poco tiempo. Luego de esto me vine a vivir a Medellín, aquí trabajé como diseñador durante siete años en dos agencias de publicidad. Aunque mi trabajo como diseñador fue una gran experiencia en la que aprendí y conocí gente muy talentosa e hice buenos amigos. Siempre tuve esa sensación de que afuera me esperaba algo más. Mi pasión por la ilustración me llevó a buscar nuevas alternativas en donde pudiera aplicar mi creatividad. También pienso que una de las cosas que me hacía replantear mi trabajo todos los días, es el hecho de que en las agencias los sueldos no son muy buenos y las horas extras no se pagan. Quería y sentía la necesidad de independencia. Quería que mis trabajos estuvieran libres de promociones.

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N ADL OR P J

uál ha sido tu trayectoria en el campo artístico? -En el año 2010 un gran amigo y compañero me envío un link sobre un artista de Singapore muy reconocido en la Industria del entretenimiento. Este señor mostraba los métodos usados en la industria sobre el diseño de personajes, entornos, artefactos para cine, tv y videojuegos, con el uso de la ilustración digital donde se mezclaban gráficos 3D, texturas y pintura, logrando imágenes cinemáticas, realistas, fantásticas y fuera de este mundo. Simplemente al terminar de verlo todo cambió y dije: ¡Esto es! ¡Esto es lo que quiero hacer! En el 2011, luego de haber comenzado a estudiar Concept Art un año atrás, obtuve mí primer trabajo freelance para una productora de videojuegos con sede en Canadá. En ese momento renuncié como diseñador en la agencia de publicidad en la que trabajaba. ¡Era la oportunidad que estaba esperando! Cuando recibí el primer brief, la descripción hablaba de diseñar razas alienígenas, naves espaciales, armas, robots y otra cantidad de cosas que simplemente me llenaban de emoción. Realmente fue un proyecto interesante. Luego

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de seis meses de trabajo, el proyecto fue detenido por temas de negociaciones con el publisher. Sin embargo mi nivel había subido en ese tiempo. Aprendí nuevas herramientas, nuevas técnicas y esto comenzó a llamar la atención de otros estudios y escritores. Así obtuve mi segundo trabajo freelance como artista concept para una novela gráfica y simultáneo a esto comencé a trabajar para el escritor español Juan Goméz Juardo, autor de varios Best Seller y que en ese momento planeaba llevar una de sus historias más famosas al cine. Este fue mi primer trabajo como artista concept para un proyecto cinematográfico, aprendí una cantidad de cosas nuevas y cada vez me enamoraba más de lo que comenzó para muchos como un capricho o una mala decisión, pues lo que más me decían antes de renunciar a las agencias, era “la ilustración no da plata”. Lo que nunca dije fue que no planeaba vender mi trabajo en Colombia. Luego de estas primeras experiencias se vinieron muchos otros proyectos con distintos estudios y desarrolladores de IPS independientes alrededor del mundo. Comencé a trabajar para clientes en Europa, Norte América, Asia y algunos en Sur América. Todo esto me trajo en poco tiempo algunos premios y reconocimientos en diferentes publicaciones en revistas y ANDO · MAYO / 16

libros top en la industria, mi trabajo ha sido presentado en publicaciones como Imagine FX, 2D Artist Magazine, Concept Art World entre otras, y en 2013 tuve la fortuna de salir en el libro Digital Art Masters Vol. 9 de 3D Total, donde cada año reúnen a los 50 mejores nuevos artistas en el medio. Como trabajo alterno comencé a trabajar como instructor de Concept acá en Medellín y actualmente estoy lanzando una nueva academia junto a otros dos artistas y amigos que se enfocará en el estudio de técnicas y métodos artísticos para cine y videojuegos”. -¿En qué países has dado a conocer tus trabajos? -Este año fui invitado por el departamento de Arte y Diseño de la Universidad de Ciencia y Tecnología de Taiwan y por Filmhaus Camp de Singapore para dar algunos workshops y colaborar en el desarrollo visual de algunos proyectos educativos y cinematográficos. Este viaje ha sido una de las cosas más importantes en mi carrera, pues conocí artistas y directores de arte top en la industria del entretenimiento y a su vez nunca imaginé que mi trabajo -¿Qué consejo podrías compartir con los nuevos artistas y diseñadores que surgen en el medio? -¡Persigan sus sueños! ¡Amen lo que hacen! Estén en el lugar que quieren y disfruten el proceso de aprendizaje”. ANDO · MAYO / 17

ALEJANDRO MIRABAL POR: NADIA OROZCO

on mucha frecuencia hablamos del autoaprendizaje, y no es que no creamos en la formación académica pero curiosamente los artistas que encontramos y que nos descrestan suelen — muchos de ellos—, haber logrado su nivel de dibujo y destrezas técnicas a partir de exploración personal constante y lejos de las aulas. El artista que destacamos esta semana es otro talento que no acudió a la universidad, se trata de Alejandro Mirabal, quien trabaja arte digital para proyectos de animación y videojuegos. Como muchos de los artistas empíricos, Mirabal exploró otros oficios antes de empezar a trabajar y producir en el campo de la ilustración y el arte digital, en su caso esos primeros trabajos estuvieron relacionados con la arqueología marina y la conservación del patrimonio subacuático, en ese entonces empezó a dibujar artefactos submarinos en África, una ANDO · MAYO / 18

experiencia que sin duda le aportó luego en en la creación de algunos de sus personajes y ambientes. Mirabal es fundador de Bali Illustration Workshop, un taller en el que aporta su experiencia y conocimiento en la formación de nuevos talentos interesados en el arte digital. El estilo de este artista de origen cubano pero radicado en Bali (INDONESIA), está lleno de detalles y complejidades técnicas, su galería está conformada por obras en las que la constante son las escenas de acción, composiciones con varios personajes, profundidad de campo y escenarios fantásticos en medio de penumbras, lo que funciona muy bien en el mercado de los videojuegos, para el que trabaja desde hace varios años.

n aspecto no menor en su obra es la creación de personajes fantásticos tipo monstruos, lo que implica conocimiento de la figura deformada y una certera aplicación del volumen y las texturas para lograr transmitir veracidad en la rudeza de sus criaturas, las que además deben funcionar en medio de las composiciones de acción en donde hay enfrentamientos y figuras humanas en movimiento, lo que no es tan sencillo como se podría pensar. Alejandro Mirabal es un excelente referente para los interesados en la creación gráfica y arte digital, su portafolio es impactante por los buenos resultados en las escenas de acción y las criaturas que crea. La trayectoria de Mirabal es amplia, ha colaborado en proyectos en el campo de los videojuegos como Planet Side 2 y StarLight Inception; además encargos para empresas del sector como Applibot, Privateer Press, Fantasy Flight Games, entre otros. Paradójicamente, aunque el extraordinario nivel de dibujo e ilustración de este artista viene del autoaprendizaje, en la actualidad le apuesta a la formación académica pero como instructor, pues es fundador de Bali Illustration Workshop, un taller ANDO · MAYO / 19

en los que comparte con otros grandes profesionales del arte digital y en la que aportan su experiencia y conocimiento en la formación de nuevos talentos interesados en el arte digital. Alejandro Mirabal es un excelente referente para los interesados en la creación gráfica y arte digital, su portafolio es impactante por los buenos resultados en las escenas de acción y las criaturas que crea. Compartimos un adelanto de lo que se puede ver en su portafolio e invitamos a recorrer sus links para conocer más de su trayectoria y estilo.

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Tipografía / Caligrafía

WILLIAM ARIZA

EL ARTE DE LAS LETRAS POR: LORENA MACHADO

isitamos el estudio de William Ariza, un diseñador oriundo de Garzón (Huila) que vive en Bogotá, trabaja en WACH91 Estudio y es también diseñador de publicaciones digitales en la Revista CROMOS. Entre risas, no aparenta más de veintiséis años. No sólo es hábil con el cursor y los comandos, su estudio está repleto de marcadores, lápices, tinta, pinceles y hojas llenas de nombres, letras y números que reflejan su amor por los trazos Con varios de sus trabajos expuestos en la pared y otros más entre revistas y carpetas, este opita trabaja sobre una mesa de madera al lado de una gran ventana que llena de luz sus páginas y letras. Bacánika le pidió que realizara un corto tutorial para aquellos interesados en el gran arte de la caligrafía. Acá está el resultado. ANDO · MAYO / 21

odo comienza con una letra A realizada con un marcador de 30 mm, herramienta que genera trazos anchos ideales para este tipo de tipografía. Después de seguir los tres pasos para realizar la letra, William rasga la hoja y la coloca en un escáner, especifica que no existe necesidad alguna de comprar una máquina especial, supersónica o con tecnología de punta: con un escáner común y corriente basta. Luego, la imagen es llevada a un editor de fotografía, en este caso Photoshop (pero

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pueden elegir el de su preferencia). La pieza se limpia: es decir, se arreglan imperfecciones que se cometen a la hora de realizarla manualmente. Utilizando herramientas como el nivel de contraste y licuar, William pule la composición para que pueda ser editada nuevamente en otro programa. Una vez la imagen queda como se desea, se realizan los siguientes pasos: convertir la imagen a escala de grises, el formato en el que se trabaja inicialmente es RGB o CMYK. Después se guarda la imagen como un archivo

.TIFF para poder editarla en InDesign. Una vez abierto el segundo editor se importa la pieza en el formato que se guardó y allí se pueden modificar su color y fondo libremente. La caligrafía no se reduce a escribir letras y ya. El contraste, peso y construcción de una letra son cosas que no se aprenden de la noche a la mañana, pero realizar planas para soltar la mano es una gran manera de comenzar en este arte. Esperamos que este tutorial les sirva para iniciar y que su amor por las letras nunca cese.

ENTREVISTA

POR: VICTORIA CORNEJO

eo Calderón y Valparaíso están unidos desde el inicio, esto porque es la ciudad donde él vive y porque los letreros de las viejas micros que recorrían el puerto fueron la primera llamada de atención que despertó en él el interés por el lettering. Pero un par de viajes por el mundo y otro trabajo lo alejaron por un par de años hasta que decidió dejarlo todo para estudio diseño. Fue ahí cuando se reencontró con la caligrafía y el lettering. Hoy, Leo trabaja como diseñador y letrista freelance. Su trabajo hecho a mano está basado en la constancia y perseverancia ,practicando a diario con la idea de probar nuevas técnicas y estilos. Puedes leer sus respuestas y conocer un poco más de su trabajo más abajo. ANDO · MAYO / 23

ómo comenzaste en el Lettering? -Esta historia podríamos dividirla en dos partes: la primera se origina de pequeño en mi natal Valpo; influenciado por mi madre, diseñadora de vestuario, y mi padre, marino, siempre me gustó estudiar más allá de lo que entregaba la primaria, principalmente la caligrafía y el diseño de letras. Llamaba mi atención los letreros de las micros antiguas que recorrían Valparaíso, como la Verde Mar o la Central Placeres; pero con el pasar del tiempo y la madurez mental típica del crecimiento, lo fui dejando de lado. Antes de dedicarme a las letras, aparecieron una vueltas por el mundo y conocer otros métodos de trabajo. Luego de dejar la Escuela Industrial de Valparaíso ingresé a la Marina (como que na’que ver, pero así fue), donde estuve 9 años y en donde tuve la suerte de recorrer, visitar y conocer lugares increíbles en Europa y América. Pero luego de tanto viaje, y de no acostumbrarme al mundo naval (y a sus pensamientos tan cuadrados y grises), la inquietud infantil renació; por esto decidí retirarme y entrar a estudiar Diseño Gráfico, camino que prendió la pasión por la Caligrafía y Tipografía. De ahí en adelante todo fluye, entre ir perfeccionándome de manera autodidacta en cada una de las técnicas, y conocer a varios colegas y amigos que me ayudaron mucho, como Nicolás Rojas León y Mauro Andrés. Hoy puedo decir que ANDO · MAYO / 24

estoy agradecido de este oficio y prometo seguir dando mucho mas para el deleite de quienes les gusta las letras. ¿Cuáles son tus principales referentes? -Uuuufff, referentes tengo muchísimos, pero podríamos nombrar a Herb Lubalin, Tony Di Spigna, Luca Barcellona, Ivan Castro, Dana Tanamachi, mis colegas y amigos Nico Rojas y Mauro Andrés y por supuesto, el gran Francisco “Pancho” Gálvez, un maestro fundamental de nuestra generación, principalmente por su excelente trabajo, pero también por su agudeza, constancia y perseverancia. ¿Cómo es tu proceso creativo? -En la pregunta anterior nombré a Pancho Gálvez, por su constancia y perseverancia… es en este punto donde me quiero detener un momento, porque parte fundamental de este oficio es la práctica, descubrir, investigar, trabajo constante y mucha paciencia, pero en exceso!!! Todo este proceso creativo parte observando el entorno: hay de un cuanto hay para sacar ideas de letras: diseños arquitectónicos, colores, la geografía natural… eso matizado con muchos libros de diseño (consejo: no se queden con “tutoriales” de internet: junten sus Luquitas y háganse de una biblioteca grande, no se arrepentirán y aprenderán más de lo que te pueda entregar un blog), y luego, dejar que la cosa fluya con naturalidad, pero

siempre con paciencia. Diariamente le dedico entre 3 a 4 horas de práctica constante para no perder el hilo, y eso a la larga se dan los resultados: más de 5 años practicando y hoy he tenido buenos reconocimientos; pero no es suficiente, siempre busco aprender, practicar y producir más. ¿Cuáles son tus planes a futuro? -Como corto plazo, su buena oficina piolita para trabajar a escalas más grandes; por ahora todos mis trabajos han sido en un taller acondicionado a un costado de la casa de mis viejos, pero a largo plazo… la verdad nunca lo he pensado. Quizás la meta sea sea dejar mi nombre como uno de los grandes referentes tanto en el país como en el extranjero; pero para lograrlo requiero de mucho trabajo, pruebas y errores, y paciencia… y para eso, que mejor que disfrutar del hoy, pensar en cada trabajo que te llega y hacerlo con amor y entrega, compartir con amigos, relajarse un rato… pensar en planes te estresa un poco, así que mejor disfrutar de lo que las letras me entregan hoy.Andrés. Hoy puedo decir que estoy agradecido de este oficio y prometo seguir dando mucho mas para el deleite de quienes les gusta las letras.