l a i c ón e p aci s e m i an Núm. 5 / 2010
2,00 euros www.sketch.es
Printed in Spain. Canarias: 2,15 euros (sin IVA), incluido transporte
ANIVERSARIO
ANNECY 5 012345 678
FESTIVAL ANIMACIÓN DE
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BRUCE WAYNE
ROBIN
Un corto de la peixtroika mรกs en la
peixtroka.com
indice
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Breve historia de la animaci贸n
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Pioneros de la animaci贸n Segundo de Chom贸n
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50 Aniversario festival Annecy
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Argentina invitada de honor a Annecy
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Concurso de cortos Youtube
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Entrevista Nikodemo
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Memoria
Suscripciones: Tel. 871 945 671 Atenci贸n al cliente: Tel. 871 945 673 Horario: de 9 a 18 h, de lunes a viernes
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BREVE HISTORIA DE LA
NIMACIÓN
A
unque fueron muchos los inventos nacidos a la sombra del “principio de persistencia de la visión”, ninguno pasó de la categoría de juguete hasta la llegada del “Phenakistoscopio” de Joseph Antoine Plateau, en 1831, en el que conseguía plasmar un movimiento completo mediante el uso de dibujos.
ridiculizaba a los grandes dictadores de la época. Durante la guerra, eran pòpulares entre los soldados americanos las proyecciones y las tiras cómicas de “Ducktators”, una serie de cortometrajes de Warner Brothers. Los soldados decoraban las bombas y los aviones con dibujos de “Ducktators”.
La animación apareció antes que el propio cinematógrafo. En 1888 el francés Émile Reynaud, padre del cine de animación, inventó el praxinoscopio, uno de los muchos juguetes ópticos de la época, en el cual se utilizaba una técnica pre-cinematográfica de animación. Posteriormente lo perfeccionó con su “teatro óptico”, que permitía proyectar películas animadas dotadas de argumento en una pantalla para un público, y, acompañadas de música y efectos sonoros, mantuvo un espectáculo de dibujos animados desde 1892 hasta finales del siglo XIX. Entre medias, infinitas modalidades, desde los cuentos tradicionales en siniestros muñecos animados por Ladislaw Starewicz hasta el “reportaje animado” sobre el hundimiento del Lusitania de Winsor McCay.
Después de la Segunda Guerra Mundial hubo un enorme desarrollo de lo que ya era la Industria del Cine de Animación.
El primer largometraje de animación fue mudo y argentino El Apóstol (1917) de Quirino Cristiani, película que se ha perdido porque el celuloide en el que había sido revelado fue utilizado posteriormente, siguiendo la costumbre de la época, en la fabricación de peines. Otros largometrajes tempranos (que sí están a disposición del público actual) fueron Die abenteuer des Prinzen Achmed (Alemania, 1926) de Lotte Reiniger y Le roman de Renard (Francia, concluida en 1930 pero estrenada en 1937) de Starewicz. Finalmente, en 1937 Walt Disney estrenó Blancanieves y los siete enanitos. Previamente a la II Guerra Mundial, la animación era utilizada como arma política, en la que se
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En Estados Unidos, se consolidó el cartoon clásico con los largometrajes de Disney y los cortometrajes de la Warner Bros. (con artistas como Chuck Jones y Friz Freleng; personajes como Bugs Bunny, el pato Lucas, Elmer, Porky, etc.), de la Metro Goldwyn Mayer (con Tex Avery), y posteriormente el nuevo estilo de la UPA. El National Film Board of Canada promovió todo tipo de experimentos vanguardistas, lo que convertiría a Canadá en una potencia de primer orden. Destaca el trabajo de uno de los principales animadores experimentales y abstractos de todos los tiempos: Norman McLaren. Aún hoy se pueden ver conceptos que inventó McLaren hasta en anuncios y videoclips. Hasta nuestros días, el NFB ha producido la obra de numerosos artistas, entre los que se puede destacar a Frédéric Back, Ryan Larkin, Ishu Patel, Caroline Leaf, Chris Landreth, etcétera. En los países del bloque comunista, el Estado promovió intensamente la animación. Esto permitió a muchos animadores trabajar sin presiones comerciales y crear obras de inmensa variedad y riesgo (y en muchos casos realizaron películas contra el régimen político que sufrían, en clave para pasar la censura). La primera gran figura de este desarrollo fue la del animador checo de marionetas Jiri Trnka, un artista popular y delicado.
En estos años también empezaron a realizarse películas animadas en China y Japón. En los años 60 y 70, con la popularización de la televisión, los cortometrajes de animación desaparecieron definitivamente de los cines, a partir de entonces limitadas a los largometrajes comerciales, terreno dominado por Disney hasta los años 90. A pesar de ello el cortometraje floreció en otros canales de distribución (festivales, circuitos especializados, etc.), sobre todo con la aparición de numerosas escuelas de animación en todo el mundo. El siguiente pionero del cine de animación fue el francés Émile Cohl, que desde 1908 realizó los primeros cortometrajes de dibujos animados En EEUU, Disney ha tenido un momento de esplendor a principios de los 90, con algunas de sus más exitosas y mejores películas, sobre todo La bella y la bestia de Trousdale y Wise. Posteriormente ha ido cayendo en la repetición, el seguimiento de las modas y el descrédito crítico. El 2004 puede marcar la fecha en que Disney abandone los dibujos animados. El auge de la infografía ha llevado a la compañía Pixar de John Lasseter (inicialmente una pequeña productora que realizaba cortos infográficos experimentales en los 80) a convertirse en la más exitosa productora del mundo, con películas tan bien acogidas como los mejores Disney: Toy Story, Bichos, Monstruos S.A., etc.
PIONEROS DE LA
ANIMACIÓN
SEGUNDO DE
CHOMON
irector, iluminador y especialista de efectos especiales y trucajes de revelado, Segundo de Chomón era hijo de un médico aragonés. Cursó estudios secundarios y trabajó como escribiente y delineante hasta que, entusiasmado por el cinematógrafo de los hermanos Lumière, viajó a París en 1897 para estudiar de cerca aquel nuevo invento. En la capital francesa se casó con la actriz teatral y de vodevil, Julienne Alexandre Mathieu, una presencia constante en gran parte de su obra. En 1897, Chomón abandona París para alistarse como voluntario en la guerra de Cuba, que España mantenía contra Estados Unidos. Dos años después, volvió a París para reencontrarse con su esposa y para comenzar su relación con el cine coloreando a mano y fotograma a fotograma las películas de la productora Pathé. Su objetivo era la realización de películas fantásticas que fueran capaces de competir con las del genio cinematográfico George Méliès (1861–1938), con quien frecuentemente se le comparó. A partir de 1901, el cineasta turolense empieza a viajar con relativa frecuencia a Barcelona, donde rueda los que se consideran sus primeros filmes como director. Son grabaciones sobre las diferentes vistas de las montañas de Montserrat y del Tibidabo, en la capital catalana; es el caso de Ascensión al Montserrat (1901). En esta ciudad Chomón conoce a Alberto Marro (1878–1956) y a los hermanos Ricardo (1884–1939) y Ramón Baños (1890–1980), que producirán algunas de las películas que Chomón dirigiría en los años próximos. En 1902, Chomón ejerce como representante comercial de la productora francesa Pathé en Barcelona. Se encarga de la traducción de los rótulos franceses al castellano y del coloreado de las películas. En ese mismo año rueda Choque de trenes (1902), en la que combina trenes reales con maquetas para reconstruir el trágico accidente. Este filme es un ejemplo del interés que Chomón demostró por los trucajes y efectos cinematográficos. Este pionero del cine español aplicó su enorme imaginación al desarrollo del nuevo medio. En 1903 se embarcó en dos nuevos proyectos: Pulgarcito y Gulliver en el país de los gigantes, adaptaciones de los cuentos de Charles Perrault y Jonathan Swift, respectivamente, en las que utiliza por vez primera sobreimpresiones y rodaje a dos escalas para conseguir el efecto de gigantes y enanos. En 1904 rueda un espectacular filme de género bélico titulado Los sitios de Chile, a partir de maquetas y efectos pirotécnicos sobreimpresionados. Además, colabora en espectáculos modernistas e investiga las relaciones entre cine y teatro y las posibilidades que el cine sonoro puede aportar a estas manifestaciones artísticas. Con Eclipse de sol (1905), Segundo de Chomón introduce en España el paso de manivela, es decir, la filmación fotograma a fotograma que permite, en los intervalos de la filmación, la alteración de la posición o la desaparición de los objetos situados delante la cámara. Ese año lleva al cine la adaptación del cuento popular La gallina de los huevos de oro (1905). Ese mismo año, Chomón vuelve a París donde, a través de la Pathé, investiga y pone en práctica sus innovaciones técnicas y su pasión por la experimentación (filmación fotograma a fotograma, planos cenitales, movimientos invertidos, encadenados, utilización de cachés, tomas de diferentes proporciones y sobreimpresiones). Gracias a la libertad de creación de la que Chomón goza en la productora francesa, es capaz de realizar filmes fantasmagóricos y escenas de transformaciones. Es el caso de las películas Ladrones nocturnos (1905), La casa hechizada (1906), filme precursor de las transparencias (técnica que proyecta imágenes en una pantalla situada detrás de los actores); Satán se divierte (1907), El castillo encantado, El teatro del pequeño Bob (1908) y El sueño del cocinero (1909). Su película más conocida es El hotel eléctrico (1908), primer filme español en el que se utiliza el rodaje de objetos animados fotograma a fotograma y que presenta a un matrimonio que llega a un revolucionario hotel en el cual todo se realiza de forma automática.
Chomón también trabajó durante esa época como técnico en otras producciones de la Pathé, como es el caso de La vida y la pasión de Nuestro Señor Jesucristo (1907), de Lucien Nonguet. En esta película, Chomón se encargó de los trucajes, la fotografía y los movimientos de cámara, consiguiendo realizar diversos travelling montando la cámara sobre ruedas de patines.
De este modo, Segundo de Chomón rivalizó con otro de los grandes magos y pioneros del cine y los trucajes fotográficos: George Mèliés. En 1909 la productora Pathé no le renueva el contrato porque consigue que Mèliés trabaje para la compañía. Chomón decide regresar a Barcelona en donde rueda Viaje a Júpiter, Viaje a Marte (1909) y una serie de cine populista y castizo basado en zarzuelas, sainetes y dramas como es el caso de Un portero modelo, El pobre Valbuena, realizada a partir de un guión de Carlos Arniches (1866–1943); La manta del caballo, Lucha fratricida o Nobleza aragonesa, Justicias del rey Don Pedro, La hija del guardacostas, Los guapos, Flores y perlas, Flema inglesa o La flecha de Pepín, La del puñao de rosas (1910), entre muchas otras. Debido a las limitaciones técnicas, económicas y comerciales del cine español, Chomón abandona España y se traslada a Turín en 1912, donde es contratado como operador y técnico de efectos especiales por la compañía Ítalo Films para la que realiza trabajos de sobreimpresiones y maquetas que él mismo fotografía. Chomón volverá a disfrutar de la libertad creativa y contará con su propio equipo técnico especializado en fotografía, iluminación y trucajes de las películas producidas por la compañía. La mayor parte de su carrera la desarrolló en Francia e Italia. En este último país colaboró en películas de cineastas italianos para las que construyó y fotografió espectaculares maquetas. Entre la lista de sus invenciones destacan las trasparencias, cortinillas, muñecos animados y coloreado a mano. El inicio de la I Guerra Mundial afectó drásticamente al desarrollo de la industria cinematográfica italiana, lo que supuso la hegemonía mundial de la producción, distribución y exhibición norteamericanas, además de la reducción de la producción cinematográfica. Aunque Chomón siguió colaborando de manera regular con la productora Ítalo Films, se asoció con otra productora llamada Albertini Film entre los años 1919 y 1921, hasta que en 1926 se incorpora a la Sociedad del Film en Color Keller–Dorian de París para investigar las posibilidades del cine en color y colaborar en algunas producciones francesas como El negro que tenía el alma blanca (1926), del director español Benito Perojo, y que será su último trabajo para la gran pantalla. Después de un viaje profesional a Marruecos para ensayar un nuevo procedimiento del cine en color para un film documental que se estaba rodando allí, Chomón cayó gravemente enfermo y murió en París poco tiempo después.
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ANIVERSARIO
FESTIVAL ANIMACIÓN DE
ANNECY
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l 7 de junio tendrá lugar en Annecy el Festival Internacional de películas de animación, así como el Mercado Internacional de películas de animación que se celebra a la vez que dicho festival y en los que se darán a conocer grandes obras de animación, grandes talentos y las nuevas tendencias del sector.
podrán intercambiar impresiones, etc. Por otra parte, el Work in Progress permitirá descubrir los secretos de algunas películas recién finalizadas o en proceso de producción como ‘La Mécanique du coeur’ de Mathias Malzieu, Stéphane Berla o ‘Le Magasin des suicides’ de Patrice Leconte, entre otras.
El Festival Internacional de películas de animación de Annecy, que tendrá lugar entre los días 7 y 10 de junio, celebrará esta edición su 50 aniversario ofreciendo un recorrido al mundo de la animación hasta hacer una visión de futuro del sector, para ello, se contará con la participación de diversos protagonistas, creadores, realizadores, etc., como Jeffrey Katzenberg, Adam Elliot y Matt Groening, entre otros.
Este año, el Festival incorporará algunas novedades, así y primera vez, el Festival contará con una identidad musical, para celebrar el 50 aniversario se entregará el premio del concurso Youtube/ Festival de Annecy para el mejor corto realizado para tal fecha, además de contar con la presencia de Alain Chabat, Véronique Augereau y Philippe Peythieu (voces de los Simpson en Francia) para el taller de doblaje.
Se contará con el obsequio de un libro aniversario y un DVD en el que reflejarán los diseños, testimonios y premios de estos 50 años, además de diversas conferencias y jornadas donde los profesionales de la industria
Aprovechando la celebración del Festival, y durante los días 9 a 11 de junio, se celebrará el Mercado Internacional de películas de animación (MIFA), consolidado como una de las grandes citas para los profesionales de la animación y
que reunirá todos a todos actores de la industria de programas de animación de televisión, cine, vídeo bajo demanda (VOD), Internet y la telefonía móvil. Alemania, Bélgica, España, EEUU, Francia, Gran Bretaña, Italia, Países Bajos, Suiza, Bangladesh, Colombia, Lituania, Nueva Zelanda o Filipinas, son algunos de los países de los 66 que tendrán representación en el Festival, además, de la participación de 6.700 personas, sociedades inscritas, exhibidores, periodistas, etc. La competición del Festival acogerá largos y cortometrajes, proyectos de fin de estudios y películas para televisión, además de los estrenos de los largos y cortometrajes que se harán fuera de la competición. De hecho, ‘L’Illusionniste’ será la película que abra el Festival el próximo 7 de junio mientras que ‘Shrek 4’ será la que ponga punto y final a Annecy 2010.
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ARGENTINA PAIS INVITADO A ANNECY
2010
En el año del Bicentenario, Argentina es la Invitada de Honor en el Festival de Annecy 2010. Del 7 al 12 de junio próximos se realizará la edición número 50 del Festival, con foco en la animación de nuestro país.
Caloi en su Tinta Producciones, conjuntamente con el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales y el apoyo del Ministerio de Relaciones Exteriores de la Nación, la Unidad Ejecutora Bicentenario de la Revolución de Mayo, la Embajada de Francia en Argentina y la Secretaría de Industria, Comercio y Pymes, ha preparado un importante Homenaje a la Animación Argentina que abarcará todas las categorías. Cabe destacar que la Argentina será el primer país latinoamericano homenajeado en la historia de dicho festival. María Verónica Ramírez, directora de CT Producciones, es la responsable de la dirección artística, curación y producción integral de la programación argentina. Este importante hito para nuestra animación se concreta a partir del estrecho vínculo que la productora tiene desde hace casi 20 años con el festival. Como resultado del Concurso Nacional de Animación Caloi en su Tinta / Argentina en Annecy 2010, que realizara CT Producciones conjuntamente con el INCAA, fueron premiados los siguientes cortos que estarán presentes en el Festival: El empleo, de Santiago Bou Grasso y Patricio Plaza (primer premio, ganador de pasaje, estadía y acreditación). El empleo, muestra a un hombre en su viaje habitual de trabajar es arrojado a un mundo donde el uso de las personas como objetos es algo cotidiano. La confesión de Saduj, de Juan José Surace (segundo premio, ganador de estadía y acreditación); Copia A, de Pablo A. Díaz y Gervasio Rodríguez Traverso, y Pimienta, de Juan Ortelli (compartieron el tercer premio, dos acreditaciones). El jurado del concurso estuvo integrado por Juan Pablo Buscarini, Daniel Santoro y Juan Pablo Zaramella. La programación argentina reunirá cerca de 130 películas y estará compuesta por material histórico, cortometrajes, largometrajes, publicidad y material por encargo, todos ellos de notable nivel artístico.
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CONCURSO ANIMACIÓN DE
YOUTUBE
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ste evento está abierto a todo el mundo, lo que permite el acceso a un gran festival, a todos los estudiantes, diseñadores y/o otros profesionales interesados. El tema principal es, por supuesto, este aniversario. La animación no puede superar los cinco minutos de duración. Todas las animaciones han de subirse al canal que youtube ha creado para dicho concurso y la fecha límite es el uno de mayo. Los usuarios votarán las animaciones, y un jurado profesional decidirá cuales son las tres mejores obras. El ganador tendrá acceso al festival durante toda una semana, con los gastos pagados, del 7 al 12 de junio y el privilegio de ver la proyección de su corto en una pantalla gigante al aire libre y durante la ceremonia de clausura.
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animación flash
ENTREVISTA
a Niko de Nikodemo creador de Cálico Elecrónico SKETCH- ¿Cómo surgió la idea de Cálico Electrónico? NIKO- Pues surgió hace ya 3 años como una mascota virtual de la tienda ELECTRONICAWEB.COM, era el “mozo de almacén” virtual y su función era explicar cómo realizar un pedido correctamente. Como gustó a la gente decidimos hacer algo más periódico y largo y fue entonces cuando nació Cálico Electrónico como serie Flash y héroe nacional…jejejeje SKETCH- Primero fue la serie flash y luego le han seguido el merchandising, los cómics... ¿Te esperabas este éxito? NIKO- Lo cierto es que desde un principio se creó el personaje con la intención de hacer merchandising en plan alguna camisetita o el peluche (que es el otro motivo por el que hice la serie…quería un peluche propio!!!), lo que nunca imaginé es el éxito que consiguió Cálico en internet y que eso provocara que ya llevemos más de 10 productos licenciados…No, la verdad es que no me lo esperaba… SKETCH- Es indudable que Cálico está estrechamente relacionado con el cómic y el mundo de los superhéroes. ¿Te basaste en algún personaje al crearlo? NIKO- Pues lo cierto es que no, al empezar creando el personaje de paisano y luego decidir que ese mismo personaje debía ser un superhéroe no me inspiré en ninguno en concreto… Cuando uno decide crear un héroe no se inspira en los alter egos de los superhéroes, se inspira en los héroes que son más “molones” y llevan unos trajes de mayas super guays! jejejejejeje SKETCH- ¿Te parece acertado comparar a Cálico con Torrente, el personaje de Santiago Segura? NIKO- Sí y no. Tiene cierta similitud porque ambos salen de las ganas de sus creadores por hacer algo nuevo y original, pero creo
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que tanto el tipo de humor como el carácter de los personajes es totalmente diferente. SKETCH- ¿Qué aceptación ha tenido Cálico en formato cómic? NIKO- Pues creo que muy buena. Es lógico, ya que para hacerlo se contó con un equipo de jóvenes promesas y de profesionales ya consagrados. Tenía claro que la adaptación de Cálico al cómic tenía que hacerse a través de gente especializada en este ámbito y que en Nikodemo simplemente nos teníamos que dedicar a coordinarlo y supervisarlo. El resultado final es espectacular y una gran alegría para todos. SKETCH- De la serie flash ¿tienes algún capítulo favorito? NIKO- Pues sí. Sin duda alguna mi capítulo favorito es el último de la segunda temporada, en el que se explican los orígenes de Cálico Electrónico. Tanto los orígenes del personaje, ya que se ve su infancia, como los orígenes de la serie como tal, ya que el capítulo está dedicado a la maravilla de la creación en forma de tiras de periódico llamada “Calvin & Hobbes”. Este es un capítulo que hice para mí, fue un capricho que me di y finalmente al público también le gustó, cosa que me hace aún más feliz y contento. SKETCH- ¿Eres tú en solitario quién lleva el peso de la serie o cuentas con colaboradores? NIKO- Al principio eramos sólo dos: Daniel Tejerina haciendo la BSO y los fx y yo. Él en Bilbao y yo en Barcelona. Así hicimos las dos primeras temporadas, siempre contando con la inestimable colaboración de amigos y conocidos que prestaban las voces o hacían algún 3D, sin gente como Kepa, Edu Martín, Mario Tarradás, Guti, Karen, Manel o Raúl, las dos primeras temporadas no habrían sido igual. Actualmente ya cuento con el equipo de Nikodemo para esta 3ª temporada que hemos arrancado hace un par de meses y lo cierto es que
ha mejorado muchísimo tanto en calidad gráfica como en animación. La verdad es que debo reconocer que tengo la suerte de contar con el mejor equipo de animación flash del planeta (y lo digo y me quedo tan ancho, qué pasa….) SKETCH- ¿Para cuándo un largometraje de Cálico Electrónico? NIKO- Esta es una idea que nos ha rondado casi desde el principio, lo que ocurre es que somos muy nuestros y sólo nos pondremos a hacerla cuando nos veamos totalmente capacitados y, sobre todo, cuando podamos dedicar al estudio Nikodemo en su plenitud a este proyecto. SKETCH- Si hubiese una adaptación al cine con actores reales ¿quiénes te gustaría que interpretasen a los distintos personajes del universo Cálico? NIKO- Ni idea…La verdad es que no hay ningún actor al que vea capaz de hacer de Cálico, creo que deberíamos hacer un casting por toda España (y alrededores) para encontrar a los actores perfectos…”Los Cástings de Cálico electrónico, La Película”…suena bien, no?...jejejeje SKETCH- Para acabar, me gustaría que me dijeses qué tres cosas crees que se llevaría Cálico Electrónico a una isla desierta. NIKO- Sin duda alguna a Electronicaweb, a su madre y (ahora viene cuando me pongo sensible) el cariño de todos los fans que ha hecho que esta serie pase de ser un capricho a ser una necesidad vital para un servidor. Gracias a todos! SKETCH- Gracias a ti, Niko.
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animationmallorca.es
MEMORIA
M
i propuesta de revista para este trabajo, debía ser una publicación enfocada al mundo de la ilustración, el diseño gráfico y la animación. Tenía que ser una públicación mensual y barata. El público al que iria dirigida podia ser desde gente que conoce cosas de este mundillo a cualquier otra persona que le interese el tema sin importar la edad del lector ya que, puede ir desde un chico joven hasta un adulto. Revistas que hablen sobre estos temas son fáciles de encontar, pero de animación no suele ser tan común encontrar en una papeleria normal y corriente y menos que traten sobre estas tres disciplinas en la misma publicación. A la hora de hacer la revista, pensé en el nombre de sketch o esbozo. El motivo fue que al pensar en algo en lo que coincidieran esas tres profesiones, llegué a la conclusión de que el esbozo es algo que en las tres se realiza primero antes de cada trabajo. Así que, el nombre estaba entre esbozo en castellano o sketch en ingles, al final me decidí por el nombre en inglés. La tipografía la queria crear yo, pero viendo que no daba con lo que queria, decidi buscarla por internet y encontré algo parecido a lo que buscaba en un principio. En la portada utilicé el árbol cortado para representar el 0, y con los anillos de este, representar el concepto de tiempo. Utilicé 5 columnas para la retícula, y cuatro guias en horizontal para que me sirvieran de base, el porqué las utilicé, es muy sencillo, con esa base puedo realizar mas tipos de composiciones más facilmente. La tipo empleada, és una Franklin Gothic para el texto y una Helvética para los títulos, al probar las tipos de las que disponía eran las dos que más se acercaban a mis necesidades. En la portada puse el fondo de cartón, para que este me sirviera de textura para el árbol, en el apartado del festival jugué con los tonos verde y negro ya que son lo que utilzan este año para los posters y demás en el festival de Annecy. Los estilos de párrafo que creé fueron tres principalmente, uno para el texto de los apartados, otro para los títulos, y el último para la numeración de página.
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